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4 N° 177 JANVIER 2012 musique © Michel Cavalca QUATUOR DEBUSSY Le hip-hop, aussi dans leurs cordes ! Interview par Caroline Faesch Contre toute attente, Boxe Boxe est un spectacle qui va comme un gant au Quatuor Debussy ! Avec la complicité de Mourad Merzouki et de la compagnie Käfig, ils se sont engagés musicalement dans un spectacle autour de la boxe, où le ring est forcément délimité par les cordes du quatuor, et où les boxeurs sont des danseurs qui défient ce nouvel espace en se référant au hip-hop. Au final, pas de knock-out : l’inventivité et le travail chorégraphique susciteraient plutôt une standing ovation à chaque représentation. Pour prolonger le plaisir, le quatuor vient de sortir un CD, soit plus d’une heure des meilleurs moments musicaux du spectacle. Rencontre avec Christophe Collette, 1 er violon d’un quatuor devenu maître dans l’art de faire jouer la corde sensible. Vous avez une attirance pour le combat dans la vraie vie ? Pas pour le combat, mais plus pour la collaboration et le partage d’univers différents. Quel rapport entretenez-vous avec le hip-hop ? Je dirais que le quatuor est très intéressé par tous les arts en général, et la danse en particulier. Danse et musique vont fondamentalement ensemble : la danse n’existe pas sans musique, et la musique, c’est aussi une gestuelle. Ces 2 univers sont forcément conduits à se rencontrer. Cela fait très longtemps que nous travaillons avec le monde de la danse. En cela, je crois que Guy Darmet [ndlr : ancien directeur de la Maison de la danse de Lyon] a été un formidable “passeur” : c’est grâce à lui que nous avons fait nos 2 dernières créations, avec Abou Lagraa il y a 2 ans, puis avec Mourad Merzouki l’année dernière. Le hip-hop m’attire beaucoup. C’est une danse en pleine mutation, qui est passée de la performance physique, pas forcément très artistique, à une autre forme en train d’acquérir ses lettres de noblesse, parce qu’elle mêle ces mouvements fantastiques à d’autres, notamment issus de la danse contemporaine. Les danseurs de Boxe Boxe sont d’ailleurs issus de plusieurs univers, et on ne peut pas réduire ce spectacle au monde du hip-hop. Le défi que nous voulions relever avec Mourad était justement de montrer que cette danse pouvait aussi aller plus loin du point de vue musical. Et donc toucher un public différent de celui qui vient habituellement écouter Ravel ou Mendelssohn ? C’est vrai que c’est une part aussi de notre démarche qui consiste à toucher un public plus large que celui que nous visons dans un concert traditionnel en 2 parties. D’un côté, il s’agissait pour nous, quatuor, de montrer que nous pouvions nous adapter et que cette musique-là pouvait aussi s’adapter au hip-hop. Ce spectacle tourne depuis plus d’un an, et nous voyons que la moyenne d’âge des spectateurs est très basse. D’un autre côté, pour Mourad Merzouki, c’était une manière de montrer que, même s’il était issu du hip-hop, il pouvait chorégraphier sur de la musique classique. Verdi et le hip-hop, ça fait vraiment bon ménage ? Cela a été notre 1re surprise, car, au départ, nous sommes partis du principe que le hip-hop était très tonique et qu’il nous faudrait chercher dans notre répertoire des musiques qui faisaient “boum-boum”. Mais nous avions fait fausse route ! Mourad avait déjà largement dépassé ce stade et avait besoin de créer quelque chose de beaucoup plus poétique. Contrairement à ce que l’on pense en voyant “boxe” et “hip-hop”, à savoir quelque chose de violent, le spectacle est très poétique. La musique y participe forcément, puisque sa force est de souligner une action, une atmosphère, comme dans un film. Après, le rythme est bien là : il y a des airs de Verdi extrêmement rythmés, la musique de Ravel possède une pulsation qui correspond bien à cette danse-là, et ainsi de suite… Vous avez d’autres défis en cours ? Bien sûr ! Ils sont autour du mouvement du corps, mais pas forcément de la danse à proprement parler. Mais je ne peux pas en dire plus pour l’instant. En revanche, après avoir travaillé sur le théâtre puis la danse ces 3 dernières années, nous avons aujourd’hui envie d’explorer les transversalités musicales. Nous allons sûrement faire une production avec le jazz, puis le tango, et nous avons aussi envie, dans un futur assez proche, de mélanger musique classique et slam. Ce qui nous importe est de montrer qu’un quatuor international qui fait du concert va également sur scène prendre un peu plus de risques, mais que la base reste le concert du quatuor. Boxe Boxe du 7 au 11 janvier à l’espace Albert-Camus de Bron En concert le 2 mars 2012 au Musée des Beaux Arts de Lyon
musique ALAN WOODBRIDGE CHEF DE CHŒUR À L’OPÉRA DE LYON Puccini à “chœur” joie ! Interview par Caroline Faesch Nommé chef de chœur à l’Opéra de Lyon en 1995, Alan Woodbridge a hissé cet ensemble au rang des meilleurs sur la scène lyrique internationale. Ce brio artistique a encore été salué par le public lyonnais, en octobre dernier, à l’issue de chacune des représentations du Nez de Chostakovitch, nouvelle production de l’Opéra. Désormais, Alan Woodbridge, qui se produit également comme pianiste, claveciniste, et organiste avec l’orchestre de l’Opéra national de Lyon, est dans les starting-blocks pour le festival Puccini Plus, soit 3 programmes réunissant chacun 3 œuvres d’un triptyque de Puccini et des opéras plus rares de Schoenberg, Hindemith et Zemlinsky. Comment fait-on techniquement pour améliorer le niveau d’un chœur ? La différence entre le travail de chœur et de soliste se situe au niveau de la sensibilité de l’ensemble : c’est fondamental qu’un artiste du chœur ait conscience qu’il assume une partie d’un groupe, ait une facilité à travailler en groupe. Et cela ne vient pas tout seul. C’est comme jouer seul ou en double au tennis, ou jouer au rugby ! Il faut avoir un esprit d’équipe, établir une confiance mutuelle. C’est donc une question de qualité d’équipe, mais également de temps ? Exactement ! Le fait que je sois là depuis plus de 15 ans m’a permis de conduire un travail en profondeur, de bien connaître le groupe, de créer de la stabilité. Quand des chœurs sont constitués exprès pour une production, c’est très difficile de souder les chanteurs, bien qu’il s’agisse souvent des mêmes gens… C’est pareil en sport : si le XV de France rate un match, c’est toujours l’entraîneur qui est pointé du doigt et la durée de son contrat qui est mise en cause. Cela prend du temps de “faire comme il faut” à la tête d’une équipe. Et ce festival Puccini, est-ce un défi pour un chœur tel que celui de l’Opéra de Lyon ? Pour interpréter Puccini, il faut une technique vocale qui est inévitablement très legato. Le style italien exige un vrai chant. Or, pour un choriste, ce sont les éléments verticaux qui comptent. Le chant de chœur peut alors manquer d’horizontalité. Pour un soliste, c’est à la fois facile, car il est seul, et difficile aussi, car si cela ne marche pas, il est condamné ! Pour un chœur, il faut avoir la même ligne vocale entre les pupitres, et ce n’est pas donné. Il y a des chanteurs qui interprètent très bien la ligne individuellement, mais qui, une fois en groupe, n’y parviennent plus. Est-ce une difficulté de jouer dans la même soirée une œuvre de Puccini et une de Hindemith, porteuses de 2 esthétiques opposées ? Dans l’opéra Sancta Susanna de Hindemith (1922), le chœur chante finalement très peu, donc il n’y a pas de grand écart à travailler. Et pour d’autres soirées du festival qui mettent à l’affiche Il Tabarro de Puccini et Von Heute auf Morgen de Schoenberg, par exemple ? Sans doute, mais pour ma part je ne travaille que sur le programme Puccini et Hindemith ! Cela étant dit, Anton Webern disait toujours que Schoenberg était une continuation de la musique lyrique. La réussite tiendra dans l’horizontalité de la musique, c’est la ligne vocale qui compte. Y a-t-il un intérêt pour un chœur à travailler sur plusieurs œuvres d’un même musicien, comme dans ce festival ? Travailler ensemble 3 œuvres de Puccini, de Mozart ou encore de Tchaïkovski est toujours très intéressant. C’est aussi très prenant, car, par exemple, pour le cycle Tchaïkovski-Pouchkine-Stein donné à l’Opéra de Lyon en 2010, on passait d’une œuvre à une autre, sur des textes complexes où il fallait être sûr de ce que l’on faisait ; ce qui est amusant, c’est que je faisais parfois des cauchemars où ces partitions se mélangeaient ! Puccini vous fait-il aussi faire des cauchemars ? Non, Puccini, c’est un plaisir, il n’y a pas de cauchemars là-dedans, bien que, au moment où je vous parle [novembre 2011], je ne connaisse pas encore la production. Le metteur en scène arrive en décembre et nous travaillerons ensuite plusieurs semaines. J’ai cependant vu le chef Lothar Koenigs, avec lequel nous avons parlé de la partition, mais c’est tout. Puccini est un plaisir, parce que comparé, par exemple, au monde du Nez de Chostakovitch, qui relève un peu de la folie, c’est plus simple. Parmi les concerts à venir, quel est celui qui vous tient à “chœur” ? C’est le concert du 29 mars prochain sur des œuvres de Bach, qui ne constituent pas vraiment un terrain d’élection des chœurs d’opéra. Faire un concert avec des cantates de Bach en mettant vraiment la musique chorale en valeur est un défi. Festival Puccini Plus, du 27 janvier au 13 février à l’Opéra de Lyon © Stofleth JANVIER 2012 N° 177 5
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