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"J’ai cinquante ans et pourtant, j’ai toujours la sensation d’être un enfant. Il m’arrive très
souvent de me dire" Quand je serai grand, je ferai ceci, je m’achèterai une maison comme
ça…"Et puis je me réveille" Hé hé, connard, quand est-ce que tu seras grand?" Quand
j’étais enfant, je n’ai jamais été un enfant. Ça doit venir de la maladie de mon frère. Nous
dormions dans le même lit, parce qu’il n’y avait pas beaucoup d’argent. Sa toux me
réveillait chaque nuit. Alors je lui caressais le dos, sur les bronches, pour calmer sa toux.
C’était une enfance très grave, mais pas triste."
Baudoin
Direction Philippe Foulquié
La friche la belle de mai - 13331 Marseille cedex 3
Tél. : 0495049570 - Fax : 0495049567
www.theatremassalia.com, e-mail : massalia@lafriche.org
Massalia est subventionné par la Ville de Marseille, le Minstère de la Culture,
le Conseil Général des Bouches du Rhône, le Conseil Régional PACA,
avec le concours de l’ONDA pour l’accueil de certains spectacles.
NUMERO 1 - juin 2005 5 €
Revue du Théâtre Massalia, pour une réflexion sur les pratiques culturelles et artistiques
du Jeune Public, développée autour des pratiques du spectacle vivant (Théâtre, Cirque, Danse)
et ouverte sur d’autres disciplines et pratiques artistiques.

INTRO Philippe
proposé à tous, depuis (et autour de) ce que nous sommes : un théâtre jeune Public.
Parce que le projet artistique de Massalia est complexe et trop souvent mal compris ;
parce que proposer du Théâtre digne aux enfants et aux jeunes aujourd’hui reste un pari ;
parce que aller au théâtre est un acte citoyen ; parce que l’exercice de la Pensée est un
droit de l’Homme qui doit toujours se développer ; le Filou est une revue, un outil
Autour des œuvres, qu’elles cherchent ou non le Jeune Public, mais en particulier autour
des expériences concrètes que développe Massalia, nous voulons approfondir les réflexions,
les idées, les désirs qui animent tous ceux qui sont concernés par ces formes d’Art très
contemporaines que celles vouées aux Jeunesses. Ces arts, destinés aux mineurs et qui
fabriquent de grandes parties de l’avenir, forgent les gens, et notamment les artistes majeurs
de demain.
Parents, éducateurs et enseignants, artistes, professionnels de la Culture, de l’Enfance
et de la Jeunesse, nous sollicitons votre complicité : ces analyses, ces compte-rendus,
ces critiques, ces hypothèses, ces interviews, ces trouvailles, et même quelques surprises
peuvent devenir les vôtres.
Vous pourrez les lire dans cette revue
edito
Refuser la crétinisation de l’enfant ///////////////////////////////////////////////////////////// p 4, 5
:: par Patrick Ben Soussan
ce qui se fait, se pense, se raconte ...
Nathalie Garraud : A l’épreuve de la vie ///////////////////////////////////////////////////////////// p 8, 9, 10, 11
:: son expérience de travail théâtral avec des adolescents palestiniens
dans un camp de réfugiés au Nord Liban
:: du zieu dans les bleus
Pascale Platel et la compagnie Bronks ///////////////////////////////////////////////////////////// p 12, 13, 14, 15
:: une structure pour les jeunes publics à Bruxelles,
une artiste, un producteur, une histoire de création
Jacques Bartolomei, instituteur,et Véronique Nah, comédienne ///////////////////// p 16, 17, 18, 19
:: à la croisée de l’art et de la pédagogie
:: un spectacle “La véritable histoire d’Amour et de Psyché”
Christian Carrignon /////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////// p 20, 21, 22, 23
:: L’école poétique
ce qui s’ecrit, se lit, se dit, se crie ...
Foulquié //////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////// p 26, 27
:: contemplation et dévoration
Armand Gatti //////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////// p 28, 29, 30, 31, 32, 33
:: les enfants d’Asie (1959)
ce qui se construit, s’experimente, se recherche ...
Les oiseaux ////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////// p 36,37
:: trois ans après
Sous les pavés, la plage…Corps, culture, cancer //////////////////////////////////////////////// p 38, 39, 40, 41
:: colloque national 24, 25 juin à la friche, la belle de mai
Au Hasard du grand incomplet///////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////// p 42, 43
Le Filou N°1 - Juin 2005
Le Filou est une publication
du Théâtre Massalia, en vente 5 euros,
comprise dans l’adhésion “Filou”
au Théâtre Massalia.
directeur de la publication
Philippe Foulquié
rédactrice en chef
Graziella Végis
rédaction
Fred Kahn, Philippe Foulquié ,
Graziella Végis
avec les contributions pour ce numéro de
Armand Gatti, Alessandro Libertini,
Céline Bonneau, Patrick Ben Soussan
conception graphique, mise en page
Piquet Design
imprimerie
Stell Print
L’équipe Massalia
Nathalie Bonino
Jany Cianferani
Silvia Coelho
Philippe Foulquié
Marion Héry
Patrice Laisney
Sabine Liautaud
Véra Maero
Niquette Myrtil
Caroline Ninat
Marie Josée Ordener
Eric Paté
Isabelle Richomme
Pascale Souteyrand
Graziella Végis
Théâtre Massalia
jeunes publics tous publics
Direction Philippe Foulquié
La friche - la belle de mai
13331 Marseille cedex 3
Tel : 0495049570
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e-mail : massalia@lafriche.org
ISSN 1763-1572
Dépôt légal Juin 2005
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4
Un texte pour enfants doit refuser en priorité
toute forme pédagogique ou infantile.
REFUSER
LA CRETINISATION
DE L’ENFANT
J’entends, par infantilisme,
la crétinisation de l’enfant :
c’est l’ennemi principal.
Une bonne pièce ouvre son imaginaire, ne gomme
rien, aucune thématique : la question de l’amour,
la violence, la mort...
Le théâtre me bouleverse, ce vivant acteur qui me donne à vivre,
à penser, à rêver ; ce spectacle qui, dans l’actuel même
de sa survenue, balaye tout de ma mémoire pour venir
s’y ancrer avec son flot de clartés et de ténèbres mais qui
ce faisant ne fait que révéler des parts de ma vie, rêvée
ou honnie ; cette manière savante, énigmatique s’il en est,
d’installer en quelques minutes une sorte d’éternité,
d’absence ; cette matière si singulière du texte, du jeu,
des corps, des décors, tressés les uns aux autres, et qui
viennent remuer en moi je ne sais quel fugace éclair
de lucidité ou quel exquis ravissement de l’esprit.
Toute œuvre théâtrale a pour objet le procès de la vie. Son levain
même s’y résume. La scène n’est qu’une métaphore, une
mise en espace de l’appareil psychique. Ce qui se joue là,
sous nos yeux et au plus près de nous, nous concerne “en
vrai”, même si par de curieux détours - le théâtre appelle
toujours l’obscurité - cela peut nous paraître fort éloigné
de notre réel. Les œuvres théâtrales ne sont jamais
anodines ou gratuites, elles parlent toutes de l’énigme
de la vie, de la recherche de la vérité, de notre impossible
travail d’humanité. Elles parlent la langue de ce “savoir
sans connaissance” que nous portons tous sur notre dos :
elles nous aident parfois à le porter.
C’est à Paris. J’ai sept ans. Mes parents nous emmènent pour la
première fois au théâtre. Nous sommes en retard. Nous
montons à l’étage, la salle est plongée dans le noir : je me
souviens des genoux des spectateurs que je prenais sur
la poitrine et de leurs murmures agacés quand nous nous
frayions un passage jusqu’à nos sièges. Mais surtout le
bruit, des sirènes qui hurlaient, des cris et puis des éclairs
dans la nuit du théâtre et encore cette robe rouge ou
pourpre, qui traversait la scène, immense. J’en ai gardé,
des années durant, un terrible souvenir, tourmenté
d’impressions obscures, irreprésentables. Je n’y avais rien
compris. Et puis j’ai oublié, jusqu’au titre de la pièce,
tout, sauf peut-être que parfois la nuit qui fait peur rentre
aussi dans les théâtres. On jouait Le vicaire de Rolf
Hochhuth. C’était en 1963. Je rêvais d’être “défenseur
des opprimés.” Rien n’a changé depuis. J’ai grandi peutêtre.
Un peu. Je crois encore que je défends des opprimés,
victimes de leurs propres bourreaux internes, de ces
fantômes qu’ils portent en eux et qui les brisent parfois,
parfois les musèlent. Longtemps, je me suis occupé
d’enfants, petits, tout-petits, et de leur famille. De ces
aubes naissantes de la vie. J’y retrouvais un théâtre
connu. Tout n’est que retrouvailles, n’est-ce pas ?
On ne découvre rien de neuf, on se souvient, les faits
de mémoire sont atemporels, comme l’inconscient, ils
nous rejouent toujours l’arlésienne d’un passé qui ne
passe jamais. Longtemps, je les ai écoutés, regardés,
aimés. J’en garde des traces, de ces douleurs traversées,
comme un goût, doux-amer. La conversation, en fait,
ne s’est jamais interrompue avec eux tous, ils m’habitent.
Ce sont eux aussi que je retrouve sur les planches. Tous
ces enfants. Certains ont grandi, d’autres peu ou pas – ah!
Peter Pan! Ils avancent, masqués parfois mais c’est la
force des grands auteurs de nous les révéler. Et peut-être
de les reconnaître en eux.
Tout cela est très sérieux, vous en conviendrez. Proust assurait que
les enfants n’avaient pas besoin de livres d’enfantillages
et que l’on n’écrit pas “pour” les enfants. Je crois assurément
que le théâtre appelle ces mêmes commentaires.
Joël Jouanneau, écrivain et metteur en scène assurait
“qu’un texte pour enfants doit refuser en priorité toute
forme pédagogique ou infantile. J’entends, par
infantilisme, la crétinisation de l’enfant : c’est l’ennemi
principal. Une bonne pièce ouvre son imaginaire, ne
gomme rien, aucune thématique : la question de l’amour,
la violence, la mort...”
Le théâtre fait grandir les enfants. Ils comprennent bien vite
que se joue là, sous leurs yeux, autre chose qui s’adresse
à eux. Françoise Dolto évoquait ces paroles habitées que
l’on doit adresser aux enfants, des paroles qui sourdent
de l’intérieur. De l’intérieur des œuvres théâtrales, nous
comprenons mieux le monde, celui que nous habitons et
celui qui nous habite. Le théâtre est cet espace “habité”,
osons incarné, où se dit notre humanité. Chaque jour à
reconstruire. À chaque spectacle. Le théâtre est parait-il
un art vivant. En vivre n’est pas simple ni assuré à moins
de faire comme certains du fric sur le dos et au nom de
l’enfance. Mais il faut un Grand talent, une Grande
exigence pour reconnaître les enfants comme spectateurs
et qui plus est, comme co-auteurs de tout discours.
Il faut penser, prendre des risques, s’exposer.
Donner les moyens d’exister à ce théâtre-là, c’est imprudent.
Vous savez comment sont les enfants, frondeurs et
créatifs en diable. Il y a pour sûr, quelque chose de
diabolique dans de telles aventures, et quelques
puritains, ici ou là, qui continueront de penser
que l’enfance est, et doit rester, l’innocence faite vie
à protéger du monde terrible des adultes. Que de fausses
nostalgies !
Donner les moyens d’exister à ce théâtre-là, c’est important.
Comme la vie. Comme l’enfance. Qui, ne l’oublions
jamais, est toujours en devenir.
Patrick Ben Soussan
pédopsychiatre
président du théatre massalia
5

Ce qui se fait,
se pense,
se raconte…
1
Toute une vie ne suffit pas
pour désapprendre ce que naïf,
soumis, tu t’es laissé mettre
dans la tête – innocent! –
sans songer aux conséquences."
Henri Michaux
86 7

Réunir autour d’un projet artistique des jeunes gens
de cultures, de traditions, de milieux différents,
est avant tout un moyen de s’interroger
sur le monde dans lequel nous vivons,
les chemins que nous empruntons,
_pour le construire
et le vivre
nathalie garraud
Nathalie Garraud, est metteur en scène à Paris dans la compagnie Du Zieu dans les bleus, qu’elle a fondée en 1998. Voilà comment elle
définit sa compagnie : “Du Zieu dans les bleus revendique une architecture variable et accueille au fil de ses projets acteurs, auteurs,
scénographes, chorégraphes, plasticiens, vidéastes, architectes... tentant de préserver cette fragile possibilité d'un temps de recherche bien
réel et d'un véritable espace d'expérimentation. Résolument tourné vers l'écriture contemporaine, le travail s’articule autour de la création de
spectacles, la dernière création est une pièce d’un auteur anglais, Howard Barker, intitulée “Les européens, combats pour l’amour”, mais aussi de
projets engageant une démarche artistique sur d’autres champs d’actions. La création du festival “Vues d’ici, Scénographie d’un lieu”
et la mise en place d’un partenariat avec l'association Asiles dans les camps de réfugiés palestiniens, répondent à cette volonté d’ouverture et
d’implication active dans la vie culturelle.”
Nathalie, nous l’avons connue en 2003, alors que nous étions en train de mettre en place un travail avec Jérome Hankins et les élèves de quatrième
du collège Versailles. Il s’agissait de monter une pièce d’Edward Bond, intitulée “Les enfants”. Au même moment, Nathalie montait la même pièce
dans le camp de Beddawi au nord du Liban, avec des jeunes palestiniens.
Un passage a particulièrement retenu notre attention dans le dossier de Nathalie Garraud sur son travail au Liban, c’est ce passage mais aussi son
énergie et la force de ses convictions, qui nous a conduit à l’inviter :
“Septembre 2001. Du camp de réfugiés palestiniens de Beddawi au Nord du Liban, où j’ai mené un atelier-théâtre avec
des enfants, je rentre avec beaucoup de colère, des désirs, quelques rêves encore. Je rentre aussi avec un cadeau que
des enfants m’ont fait : la conviction profonde que si le théâtre ne constitue en rien une solution, il est le vecteur
d’une ouverture sur l’autre, sur le monde, un pas, si petit soit-il, sur un chemin qui mène à soi, à la liberté peut-être.”
G.V.
Les européens, combats pour l’amour
A l'epreuve
de la vie
Nathalie Garraud a 26 ans, mais ne vous
fiez pas à l'apparence juvénile et la
douceur d'être de cette jeune femme.
Sa détermination est à toute épreuve, sa
maturité d'esprit impressionnante. Une
artiste, certes, mais loin de toute posture
égocentrique ou vaniteuse, pour un
cheminement atypique commencé très tôt,
décalé très vite. "J’ai un parcours
d’autodidacte réfractaire. Dès l'adolescence,
j’ai vadrouillé dans des cours privés
parisiens. Mais très vite, je me suis heurtée
à la contradiction entre la construction
collective d’un objet artistique et la mise en
compétitivité des individus dans ce type de
formation". Elle tâtonne, mais sens déjà
intuitivement que l'acte théâtral est une mise
à l'épreuve de la communauté. "Le théâtre
a toujours été pour moi un moyen de
rencontrer et de me confronter aux autres.
J’étais habitée par le désir de fabriquer un
objet en commun".
Première mise en scène à 20 ans à peine et
première désillusion à résoudre : une
communauté ne se décrète pas. "Nous avons
créé la compagnie Du Zieu dans les bleus à
cette occasion. Mais, ce premier spectacle
provoqua en moi une rupture. Je me suis
retrouvé à l’endroit d’un désir beaucoup plus
solitaire, dans la recherche d'enjeux plus
personnels". Pas un désir d'isolement, mais
la marque indélébile d'une singularité. Elle
ne sera donc pas du sérail théâtral…
Ni d'aucun autre.
“Je n’ai jamais créé un spectacle dans un
théâtre. Cela ne correspondait ni à mon désir
ni à la nécessité des textes. J’ai ressenti le
besoin d’ouvrir ma pratique à d’autres
champs d’activités. A cause de mon parcours
autodidacte, j’ai un rapport très instinctif à la
mise ne scène."
Nathalie Garraud tente sans complexe. Ainsi,
la langue qu'elle met en œuvre est profondé-
ment contemporaine. “Dès le départ, j’ai
voulu travailler sur des écritures contemporaines.
C’est resté la ligne fondatrice de la
compagnie. J’avais besoin de me confronter
à des textes qui parlent, et dans la forme et
dans le fond, de la société dans laquelle
j’évolue, qui questionnent le monde dans
lequel je vis". Dans le même souci de
réconcilier les formes d'expression les plus
actuelles et le réel dans ce qu'il a de plus brut,
elle associe de jeunes architectes à ses
interrogations scénographiques. Mais, elle ne
veut surtout pas s'enfermer dans des postures
esthétisantes. Cette volonté de faire résonner
le théâtre dans le monde et au présent
l'entraîne au contraire dans un déplacement
de plus en plus radical de sa pratique.
Jusqu’au jour où elle croise la route de
l’association Asiles (action solidarité
interculturelles) qui mène des actions
socioculturelles dans les zones de réfugiés.
En 2001, elle anime un premier atelier-théâtre
avec des enfants, dans un camp de réfugiés
palestiniens au nord du Liban. C’est le choc.
“Je suis rentrée en France avec beaucoup de
colères, des désirs et quelques rêves encore.
Il m’a semblé essentiel de continuer”.
Nathalie Garraud rencontre Jérome Hankins
qui, lui, travaille avec des jeunes collégiens
d'Alfortville sur Les Enfants, un texte du
dramaturge anglais Edward Bond. Elle décide
de mettre en place un projet similaire avec
des adolescents réfugiés palestiniens.
Pendant un an, de juillet 2002 à juillet 2003,
elle organise plusieurs ateliers dans un camp
du nordLiban. Elle est invitée à jouer deux
fois à Beyrouth et à Beddawi-Tripoli. Dans
le contexte du conflit israélo-palestinien, les
questions que soulève le travail de Nathalie
Garraud apparaissent explosives. Elle
comprend le sentiment d'injustice et entend
le besoin de vengeance, mais elle sait surtout
que l'autonomie se joue d'abord sur le
territoire de la pensée. Les représentations
finiront par se dérouler. Non sans mal, mais
pas en vain.
Et au-delà du spectacle, des échanges ont eu
lieu entre les enfants palestiniens et les
enfants français d'Alfortville. Les deux pièces
devaient même être présentées au Festival
Contre Courant organisé par la CCAS (CE
d’EDF GDF) à Avignon 2002. Le mouvement
social en a décidé autrement. Les jeunes
palestiniens ont quand même pu jouer en
France. Ils ont été accueillis par la CCAS
à Apt, dans un centre de vacances
d’adolescents.
Ce n'est sans doute que partie remise, car les
liens tissés sont solides. Nathalie Garraud
sait qu'elle manipule un matériau dangereux,
mais ô combien précieux. Elle prépare déjà
un nouveau projet et va réunir des acteurs
Palestiniens, Libanais et Français.
8
9
Fred Kahn
revendiqué
Les enfants
le fait
ont
qu'ils
de penser
étaientcapables
eux-mêmes.
par

10
Laisser parler le theatre
nathalie garraud
Partir à 26 ans à peine dans un camp de réfugiés palestiniens pour proposer à des adolescents de travailler sur une pièce de théâtre. Et pas sur
un texte anodin, sur Les Enfants d'Edward Bond. Cette œuvre interroge frontalement les mécanismes de la violence et de l'endoctrinement.
Et impossible de se dissimuler derrière la fiction, puisque le dramaturge anglais a lui-même prévu que son texte ne soit qu’une trame, une
matière à improviser pour les enfants. Ces derniers créent leur propre rôle. Ils peuvent ainsi s’approprier la pièce et la projeter dans leur
quotidien. “Je voulais mettre en place des mécanismes de travail qui permettent de comprendre l’histoire et les enjeux de la pièce, explique
la jeune metteur en scène. Et c'est à travers ces mécanismes que les adolescents ont pu développer leurs propres problématiques. Les questions
qu’ils ont mis en jeu sont très nombreuses et très complexes. Il faut les relier au contexte, à la société dans laquelle ils évoluent. L'obligation
de porter le voile, le rapport à l'autorité parentale et à la hiérarchie dans les camps…”.
Plus profondément encore, la pièce met en lumière l'engrenage destructeur de la violence, de l'endoctrinement et du sacrifice. Et un tel propos
dans un pays en état de guerre est vite apparu comme un véritable acte de provocation. Le processus de révélation a tellement bien opéré
que le spectacle a subi les foudres de la censure.
“Nous étions invités à jouer deux fois, au Théâtre de Beyrouth puis au théâtre de Beddawi-Tripoli. Mais, le lendemain de la première représentation
nous avons été convoqués par les autorités libanaises et palestiniennes. J’étais perçue comme un danger extérieur”. Pourtant Nathalie
Garraud ne se positionne absolument pas sur le bien fondé de la lutte palestinienne. “Le théâtre est uniquement un endroit de questionnement.
Il n’a pas pour mission l’édification d’une morale ou d’une idéologie politique”. Peu importe, elle et ses jeunes acteurs doivent répondre
du contenu subversif du spectacle.
Mais, la censure n’arrivera pas à stopper le mouvement. Au contraire. Chacun prend ses responsabilités. “J’ai dû justifier de ma légitimité
à proposer ce type de travail là-bas. J'ai dû me positionner sur le risque que je faisais prendre aux enfants. Et eux aussi ont été obligés de se
justifier, notamment auprès de leurs parents. Mais ils ont tous assumé les questions que soulevait ce travail. Nous avons mis en débat les
arguments avancés par la censure. Nous l'avons rendue inefficiente. Un à un, ces arguments se sont écroulés. Les enfants ont revendiqué
le fait qu'ils étaient capables de penser par eux-mêmes. Ils ont créé une solidarité pas dans le discours ni dans une idéologie, mais à l’endroit
d’une liberté dont on les privait. Pourquoi ailleurs les enfants avaient-ils le droit de se questionner sur leur place dans la société et pas eux ?”.
Après de longues négociations, la censure est finalement levée. La deuxième représentation se déroule dans une salle remplie. “La violence
de la pièce et la violence du réel s'entrechoquait”. En préambule, Nathalie Garraud est obligée de faire un discours et d'affirmer son adhésion
à la cause palestinienne. “C'était la seule condition pour jouer. Et il m'a semblé primordial que les enfants puissent être entendus”. Le prix
à payer pour que l'acte artistique ne soit pas qu'une simple posture esthétique, pour qu'il s'inscrive organiquement dans les fondements même
de la société. De toute évidence, cette expérience a profondément marqué les jeunes acteurs palestiniens. Elle a transformé leur vision du monde
et leur rapport à l'autre.
Fred Kahn
Pourquoi ailleurs les enfants
avaient-ils le droit de se questionner
sur leur place dans la société et pas eux ?
La violence de la pièce et la violence du réel s'entrechoquaient
Mais, la censure n’arrivera pas à stopper le mouvement
Nathalie Garraud n'a pas été moins bouleversée. Elle a pris une sacrée leçon de vie… Et de théâtre.
description
Du Zieu
dans les Bleus
Espèce théâtrale de type compagnie, à branches artistiques multiples : acteurs, auteurs,
scénographes, marionnettistes, clowns, chorégraphes, plasticiens, vidéastes, architectes.
Variété
Evolue dans une dynamique de recherche théâtrale, ouverte sur tout ce qui est contemporain.
La compagnie Du Zieu dans les Bleus a la conviction profonde que si le théâtre ne constitue
en rien une solution, il est le vecteur d’une ouverture sur l’autre, sur le monde, un pas, si petit
soit-il, sur un chemin qui mène à soi, à la liberté peut-être.
Caractère
Jeune et audacieuse, la compagnie n’hésite pas à prendre des risques artistiques comme
monter des textes qui jusque-là étaient considérés comme difficiles à mettre en scène,
(Les européens de Barker) avec beaucoup de maturité.
Dégage une grande énergie très contaminante pour l’environnement.
Sait tout aussi bien exprimer sa joie que sa colère ou son désarroi.
Nourriture
Se nourrit essentiellement des œuvres de ses contemporains.
Puise également sa nourriture dans les ateliers qu’elle anime avec des jeunes.
Pratique volontiers l’alternance entre animation d’atelier et création artistique.
Habitat Environnement
La compagnie Du Zieu dans les Bleus vit et travaille à Paris mais peut exporter facilement
et très loin ses activités. Notamment dans des territoires étrangers en situation politique,
sociale et culturelle différente et difficile.
Adore les grands espaces, de type friche industrielle, dans lesquels elle se meut avec beaucoup
d’aisance. Elle y trouve de quoi satisfaire son exigence artistique multidisciplinaire.
Est très sensible à l’environnement social et politique, développe une grande empathie qu’elle
sait réinvestir avec beaucoup de talent.
Particularité
Aime être accompagnée des structures qui l’accueillent, avec lesquelles d’ailleurs
elle est capable de nouer des relations fortes.
Est fidèle à ses partenaires (Asiles, notamment).
Se préoccupe des publics.
A su résister à la censure.
Accepte volontiers de raconter ses expériences.
Après avoir travaillé deux pièces de deux auteurs dramatiques anglais, se lance dans un projet
d’écriture collective regroupant des artistes français, libanais et palestiniens.
Affirme que “réunir autour d’un projet artistique des jeunes gens de cultures, de traditions,
de milieux différents, est avant tout un moyen de s’interroger sur le monde dans lequel nous
vivons, les chemins que nous empruntons pour le construire et le vivre”.
Librement observée, pratiquée et appréciée par Graziella Végis, théâtre Massalia la friche la Belle de Mai
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Le théâtre Massalia, le théâtre belge et néerlandais :
une relation presque passionnelle
Le théâtre Massalia a accueilli depuis 1995, sept spectacles de compagnies
belges et néerlandaises : du cirque avec Ronaldo, de la danse
marionnette avec la Compagnie Mossoux - Bonté, du théâtre pour les
enfants, du théâtre pour les adolescents.
En jeune public plus particulièrement, le premier spectacle belge que
nous avons programmé nous venait de la Compagnie Victoria de Gant.
C’était Bernadetje, d’après un texte de Arn Sierens mise en scène et
chorégraphie d’Alain Platel.
Puis nous avons accueilli les hollandais Stella den Haag, avec le Gosse
de la chèvre, puis Bentekik de Speelteater de Bruxelles.
Ce qui nous a plu, c’est l’énergie, qui se dégageait à
chaque fois de ces spectacles. Cette énergie que l’on
trouve chez les adolescents et qui associée à une scénographie
décalée, nous plonge dans un théâtre
qu’on pourrait définir comme “le théâtre de
l’extrême” : aller jusqu’au bout des situations, du
jeu, de manière crue, sans enrobage autre que le jeu,
sans sophistication inutile, pour dire les choses de
la vie, comme on peut les ressentir à 16 ou 17 ans.
Les spectacles de Pascale Platel ne s’adressent pas aux adolescents
(encore que…) mais aux enfants plus petits. Et on y retrouve la même
énergie, et aussi une scénographie décalée, un jeu de la dérision, un
amour des situations absurdes et invraisemblables.
A vrai dire, ce type d’écriture, nous n’avons pas encore eu l’occasion de
la rencontrer en France. Pourquoi ? Peut-on parler d’une écriture
spécifique néerlandaise ?
Que font-ils en Belgique pour avoir une connaissance aussi forte des
jeunes publics ? C’est ce que nous allons essayer de savoir au travers de
l’expérience de Bronks à Bruxelles, et du travail de Pascale Platel en
tant qu’auteur et interprète.
Graziella Végis
pascale platel et la compagnie bronks
une artiste
une histoire de creation
un producteur
La rencontre entre l'iconoclaste Pascale Platel et
l'inclassable Compagnie Bronks était inévitable. D'un
côté, un auteur et comédienne flamande toujours prête
à aller là où on l'attend le moins, toujours surprenante
et prenante dans son jeu, ses mots et ses gestes.
De l'autre, une compagnie de théâtre jeune public
C'est une maison de théâtre plus qu'une compagnie
“Pour nous, il n'existe pas de différence entre le jeune public et le tout
public, explique d'emblée Veerle Kerckhoren, l'une des responsables
de la Compagnie Bronks. Les artistes sont libres d'aborder tous les
thèmes et tous les sujets comme ils le feraient pour une pièce pour
adultes. Nous essayons de casser les tabous. L'artiste choisit avec qui il,
ou elle, veut travailler. Nous sommes uniquement là pour lui donner
confiance. Mais a priori, il n'y a pas de limite”. Depuis 13 ans, la
Compagnie Bronks pousse ainsi des artistes à se confronter aux enfants.
Elle produit des spectacles, initie des ateliers, provoque des rencontres
entre les démarches et les publics. “C'est une maison de théâtre plus
installée à Bruxelles et qui développe un véritable
travail d'émancipation vis-à-vis des présupposés
artistiques concernant le rapport entre l’art et les
enfants. La relation qui se noue alors entre l'artiste
et le producteur ouvre des perspectives de développement
culturel insoupçonnées.
qu'une compagnie”, ajoute encore Veerle Kerckhoren. Point culminant
de cette effervescence quasi quotidienne: un festival annuel où sont
regroupés les travaux réalisés au cours de la saison, les spectacles issus
de la compagnie ainsi que d'autres invités de Flandre et des Pays-Bas.
Dans cette relation assise sur des principes artistiques, l’enfant n’est
plus envisagé comme un être à part qu’il faudrait protéger. A l’inverse,
il est le vecteur d’une plus grande liberté de création. Comme toujours
en pareil cas, la complicité des équipes pédagogiques est essentielle. Il
faut accompagner la rencontre entre l’œuvre et le regard de ce jeune
…/…
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14
pascale platel et la compagnie bronks
public, mettre en place les conditions qui vont permettre à l’imaginaire
de circuler. “Quand le texte est osé, ou le thème sensible, nous préparons
les enfants. Il faut parler avec eux. Dans la vie réelle, les enfants sont
confrontés à des choses beaucoup plus dures que ce que l'on peut
montrer au théâtre, il ne faut pas les sous-estimer”. Le but n'est pas de
choquer mais d'ouvrir l'esprit. Les enfants travaillent autour du texte en
classe, peuvent y réfléchir, en discuter, le traduire avec leurs mots,
l'intégrer à leur propre imaginaire. Ils intègrent et reproduisent ainsi un
processus proche de celui de la création. Les artistes tirent aussi profit
de cette confrontation. Ils s'offrent à la critique enfantine, leur proposent
même des avant-premières et font évoluer leur travail en fonction des
réactions. Le spectacle s’inscrit ainsi dans une dynamique, une remise
en cause des certitudes et des savoirs-faire pour chercher à atteindre
des zones émotionnelles universelles.
Encore une fois, s'effondrent les frontières rassurantes dressées entre
des spectacles qui seraient réservés aux enfants et d'autres qui leur
seraient interdits. De même que les divisions entre les âges sont arbitraires,
les aspirations, les centres d'intérêts, les capacités de compréhension
et d'appréhension du monde ne sont pas non plus distinctement
tracées. Refuser le ghetto du jeune public, prétendre s'adresser au tout
public, est un acte subversif uniquement dans la mesure où l'on s'oppose
ainsi à certaines lois de la soumission sociale, où l'on refuse d'accepter,
a priori, que les enfants devraient ignorer certaines vérités, mais se plier
docilement à d'autres. La compagnie Bronks prend le parti d'ouvrir
l'esprit plutôt que de le manipuler. Souvenons-nous de la leçon de Pierre
Bourdieu : "Les classifications par âge (mais aussi par sexe ou bien sûr
par classe) reviennent toujours à imposer des limites et à produire un
ordre auquel chacun doit se tenir, dans lequel chacun doit se tenir à sa
place”. Toutes ces catégories emprisonnent l’esprit dans des schémas de
pensée. Ce sont donc des espaces de liberté à conquérir.
Fred Kahn
Quand le texte est osé, ou le thème sensible, nous préparons les enfants.
Il faut parler avec eux. Dans la vie réelle, les enfants sont confrontés à des
choses beaucoup plus dures que ce que l'on peut montrer au théâtre, il ne faut
pas les sous-estimer.
l’amour
::::::::
l’amour
l’amour!
Pascale Platel s'est engouffrée avec jubilation
dans cette brèche. “Avec Bronks,
on peut expérimenter, se stimuler”. Pourtant,
elle n'a nullement prémédité la rencontre
avec la compagnie. Mais, elle adore être déplacée,
être surprise et se surprendre. A-t-elle
d'ailleurs une place assignée dans la vie ou sur
scène? N’est-elle pas définitivement sur les
traces d’un ailleurs, où réalité et vérité ne se
comprendraient qu’au pluriel ? Est-elle même
toujours une femme et jamais un animal,
plutôt féline, se fiant plus à ses intuitions qu'à
sa raison ? Est-elle jamais devenue adulte
ou restée une éternelle enfant cultivant ce
don excessivement rare de métamorphoser
l'impossible en possible ?
En tout cas, son parcours témoigne d'une
constante capacité à être dans ce que les gens
raisonnables appellent de l'inconstance. Elle a
commencé par intégrer la troupe de son frère,
Alain. Depuis 15 ans, Alain Platel est considéré,
à juste titre, comme l'un des chorégraphes
les plus pertinents du moment. Elle participe
donc à ses premières créations. “Pendant huit
ans, en tant que comédienne et danseuse, j'ai
suivi cette voie. Mais, tu sais, je ne suis pas
vraiment danseuse”. Autrement dit, elle se
cherchait encore. Alors, après quelques spectacles,
elle sort du groupe : “Je voulais savoir ce
qui m'appartient en propre, trouver mon
chemin personnel”. Elle commence à écrire et
à réaliser des performances qui finissent par
atterrir devant les yeux grands ouverts de la
compagnie Bronks. La rencontre est fructueuse.
Quand la compagnie lui propose de replonger
vers le monde de l'enfance, Pascale Platel
n’hésite pas longtemps, tout simplement parce
qu'elle ne dit jamais non a priori. Elle écrit un
premier spectacle, Le Roi des chips au Paprika
puis un second, Ola Paula Potloodgat.
Ces deux expériences sont fondamentales. Elle
se libère complètement et ose les expériences les
plus contradictoires. Elle alterne des spectacles
accessibles aux enfants de cinq ans et d'autres
nettement moins tout public. “Je me tends des
pièges. J'ai écrit une pièce sur Jésus dans laquelle
j'ai inventé un personnage : le coach du christ.
J'ai aussi écrit un spectacle sur l'argent”. Dans
le même temps, elle devient une vedette de la
télévision belge. Pascal Platel passe ainsi sans
problème de la confidentialité des plateaux de
théâtre aux lumières éblouissantes d'une émission
à succès. “J'aime bien conquérir. Je suis
curieuse de savoir si je peux y arriver”.
Le jeune thEAtre
Des changements de caps qui n'altèrent pas son
intégrité : “Je pars de ce que je suis. Avec moi,
ça ne fonctionne pas quand on me force ou que
l'on essaye de me guider ". Sur scène, elle est tout
aussi fantasque et imprévisible. Elle fait
cohabiter plusieurs univers, un peu surréalistes
et beaucoup magiques, mais les relie avec des
émotions universelles : “L'amour, l'amour,
l'amour !”. Les enfants se reconnaissent
forcément dans cette humanité paradoxale et
aventureuse. “C'est évident que les enfants
comprennent le désir, la jalousie même s'ils
n'ont pas la même expérience que nous”.
Ses histoires sont donc à l'image de sa vie, un
peu décousues et délicieusement improbables.
Et toujours amorales : “Je n'aime pas donner
de fausses solutions”. Ses personnages
souffrent et se déchirent, les amours sont plus
souvent contrariés qu'éternels, mais, ils n'en
sont que plus intenses. Oui, Pascale Platel croit
en la magie, elle fait des vœux et ils sont
exaucés. Et même si après rien n'a changé,
quelque part tout va mieux.
Grâce à ce type de spectacle novateur et vivace,
le théâtre redevient cet endroit d'où émerge un
élan vital. Par son souffle, Pascale Platel est bien
fidèle à l'esprit défendu par Bronks : “tisser un
contexte dans lequel tous les concernés -artistes,
enfants-acteurs, enfants-spectateurs, public,
enseignants- puissent réellement se rencontrer
et de là faire et vivre le théâtre. Comme seuls le
peuvent ces gens-là, ici, maintenant, à partir
d'un engagement personnel total”.
Fred Kahn
::::::::::::
15

16
Piccoli
Principi
Les spectacles des Piccoli Principi
nous permettent non seulement
de mieux connaître ce monde de l’enfance,
de l’enfant, des enfants,
mais également, nous ouvre, à nous adultes,
à chaque fois une petite porte
vers la connaissance de soi.
Cela fait dix ans maintenant que Massalia travaille avec la compagnie
Piccoli Principi. On a commencé par accueillir A partir de Miles,
un spectacle sur la musique de Miles Davis, en 1994 et depuis nous
avons coproduit et accueilli tous les spectacles de la compagnie :
Visions d’Afrique, Un petit peu de reggae s’il vous plaît, Le petit
chaperon rouge, Babel, L’histoire de l’art racontée aux enfants et aux
plus grands, Sirenetta, La fabuleuse histoire d’Amour et Psyché.
L’Enfance est une partie intégrante de la démarche artistique des
Piccoli Principi: elle est le complément essentiel de leurs œuvres.
Le processus de création des spectacles implique toujours la
participation des enfants : sous forme de laboratoire théâtral,
d’activité expérimentale autour de l’écoute de la musique
contemporaine, d’ateliers de recherche sur les langages des arts
plastiques. Les créations des Piccoli Principi ne pourraient avoir
lieu sans la complicité d’un public d’enfants.
Pour Massalia, chacun des spectacles des Piccoli Principi nous
permet non seulement de mieux connaître ce monde de l’enfance,
de l’enfant, des enfants, mais également, nous ouvre, à nous adultes,
à chaque fois une petite porte vers la connaissance de soi.
Véronique Nah fait partie avec Alessandro Libertini et Chiara Fantini
du trio qui a fondé et qui dirige la Compagnie Piccoli Principi. Elle est
également musicienne et comédienne.
La fabuleuse histoire d’Amour et Psyché, est le dernier spectacle que
nous avons coproduit et accueilli. Il a servi de support à une classe de
CE2 et à son instituteur, Jacques Bartolomei pour une recherche et un
travail plastique et poétique autour du mythe d’Amour et Psyché.
Graziella Végis
jacques bartolomei
véronique nah
En puisant dans La Fabuleuse histoire d'amour et Psyché, un spectacle de la compagnie Piccoli Principi,
les élèves d'une classe de CE2, encadrés par Jacques Bartolomei, leur instituteur, ont réalisé
à leur tour un projet artistique. Bien plus qu'un simple témoignage, ce livre-objet prouve, une fois de plus,
que les enjeux esthétiques peuvent être de puissants moteurs pédagogiques.
Un spectacle travaille bien au-delà de l'espace de représentation. Son
souvenir aura beau lentement s'estomper, il continuera à vivre dans les
esprits. Mais comment faire fructifier ces traces pour qu'elles ne restent
pas fantomatiques ? Comment se les réapproprier, les prolonger et les
transposer dans le quotidien ? Comment transformer un acte sensible
en outil de connaissance ?
Jacques Bartolomei, instituteur atypique, croit aux vertus pédagogiques
de l'art. Cet homme entier et engagé dans la vie
est lui-même artiste. Il peint, réalise des courtsmétrage,
fait du théâtre. Et il transmet cette
passion à ses élèves de CE2. Il n'utilise pas la
création artistique comme un simple supplément
d'âme, mais en tant qu'élément structurant
pour l'individu ; à la fois fenêtre ouverte
sur l'imaginaire et porte d'accès aux savoirs.
Ainsi, l'année dernière, il a construit l'année
scolaire autour de la mythologie, avec comme
point d'orgue La Fabuleuse histoire d'Amour
et de Psyché de la Compagnie Piccoli
Principi.
et de la pEdagogie
A la croisEe de l'art
Jacques Bartolomei refuse de se laisser aller à
la facilité. La Fabuleuse histoire d'Amour et de Psyché n'est pas d'une
approche facile. Ce spectacle comporte plusieurs niveaux de narration,
il revisite la légende antique pour nous entraîner dans un univers étrangement
familier où la beauté peut être une malédiction et l'apparence
un voile qu'il faut déchirer. Grâce à la magie du théâtre et par un subtil
jeu de métamorphose, deux protagonistes vont convoquer sur la scène
les différents personnages du mythe et mettre en branle un entrelacs de
sensations contradictoires. Les Dieux ne sont plus là pour nous juger ni
pour nous guider, mais pour nous révéler. Ils exacerbent la confusion des
sentiments, nous poussent jusqu'aux portes de la transgression et dévoilent
à quel point l'altérité que nous redoutons tant est en fait désirable.
Un tel propos est totalement accessible aux enfants à condition de trou-
On peut aborder tous les sujets avec les
enfants. La mort, l'amour, la découverte de
la sexualité sont des interrogations qu'ils
partagent aussi avec le monde des adultes.
Après tout est question de formes. La
dramaturgie, la scénographie, la mise en
scène, ne sont pas acquises a priori. Elles
se dessinent dans une relation, dans un
aller-retour, avec les enfants
ver la forme et le langage adaptés à leurs capacités conceptuelles.
Jacques Bartolomei : “L'histoire en elle-même est simple, facile à suivre
grâce à sa structure visuelle et sonore qui l'éclaire. La scénographie et
le jeu facilitent l'accès aux atmosphères. Les enfants ont facilement
percé les émotions véhiculées par ce spectacle. Ils ont une sensibilité quasi
sémiotique qui ne passe pas par l'intellect. Ils sont très sensibles aux
rituels. Leur approche des choses est plus inductive que déductive”.
Pour Piccoli Principi, l'enfant est un sujet à
part entière et non un être en transition vers
l'âge adulte. Véronique Nah, codirectrice de la
compagnie et actrice dans La Fabuleuse
histoire d'Amour et de Psyché, insiste sur la
nécessité de déplacement qu'implique un t
ravail en direction du jeune public. “On peut
aborder tous les sujets avec les enfants. La
mort, l'amour, la découverte de la sexualité
sont des interrogations qu'ils partagent aussi
avec le monde des adultes. Après tout est
question de formes. La dramaturgie, la scénographie,
la mise en scène, ne sont pas acquises
a priori. Elles se dessinent dans une
relation, dans un aller-retour, avec les enfants”. Le processus de création
des spectacles de Piccoli Principi implique toujours la participation
des enfants : sous forme de laboratoire théâtral dans la préparation du
spectacle, d'activité expérimentale autour de l'écoute de la musique
contemporaine, d'atelier de recherche sur les langages des arts
plastiques… “Travailler avec les enfants sur la mémoire émotive et sur
la mémoire du corps permet de dégager des signes théâtraux très
précis”. Cette mise à contribution développe un langage artistique à la
fois riche, complexe et partageable, pour un public spécifique certes, mais
toujours prêt à se confronter à l'inconnu et à l'accueillir sans préjugés.
…/…
17

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L'au-delà de la représentation
Si le spectacle éveille l'imaginaire, il ne nous maintient pas dans une relation
irrationnelle au monde. Il ne s'agit pas d'un divertissement sans
conséquence, mais d'un déplacement du sens pour ouvrir d'autres pistes
de compréhension. Encore faut-il savoir les explorer pour, in fine, rattacher
cette expérience de l'intangible à l'apprentissage et à la maîtrise du
réel. L'équilibre est fragile. La dimension pédagogique essentielle ne doit
pas estomper la relation sensible, mais, au contraire reposer sur elle. “Je
n'ai pratiquement pas réalisé de travail préparatoire sur le mythe de
Psyché, explique Jacques Bartolomei. Je voulais préserver leur capacité
d'émerveillement. Les enfants ne sont jamais autant motivés que quand
ils ont du désir”. Pour autant, Jacques Bartolomei ne se contente pas d'un
rapport purement émotionnel au spectacle. Il aide ensuite les enfants à
formuler, à structurer ce qu'ils ont ressenti : “Nous avons pris énormément
de temps. Nous avons notamment lu des textes poétiques. Les enfants
avaient besoin d'outils pour pouvoir traduire ce qu'ils ressentaient.
Il faut exploiter très vite leur mémoire du spectacle. En le redisant, en le
réécrivant, en le redessinant, les enfants ont pu continuer à le faire vivre
et se le sont appropriés”.
Les enfants passent donc eux-mêmes à l'acte et toujours encadrés par leur
instituteur, produisent, petit à petit, un livre-objet qui dépasse largement
le simple témoignage. “En nous inspirant de la pièce, nous avons
travaillé dans toutes les matières : le champ lexical, la poésie, les arts
plastiques. Sur le même principe que le spectacle nous avons, à partir de
supports très différents, développé notre propre vocabulaire”. Et en effet,
en tournant les pages de ce très bel objet on est confronté à de véritables
tentatives de transposition et de structuration d'émotions forcément
contradictoires. Chaque enfant a eu la responsabilité d'emplir une page.
Un geste de mots et de couleurs qui n'a rien de gratuit ou d'anodin, qui se
prépare et se médite. “On était plein d'oiseaux magiques qui volaient
dans nos têtes / illuminés de vos images comme des nuages”, jette ainsi
sur le papier le petit Dylan, au terme d'un long processus de maturation
qui rend la poésie spontanée. Le spectacle est ainsi prolongé et enrichi.
Véronique Nah ne se sent pas trahie. Bien au contraire : “Ce livre-objet
semble re-parcourir ce que le metteur en scène a traversé. Il éclaire les choix
artistiques, car il procède de la même méthodologie : la recherche,
l'expérimentation, qui, petit à petit, amènent à fixer le contenu
du spectacle”.
Une fois le processus éducatif enclenché, il déborde sur d'autres territoires
de connaissances. Jacques Bartolomei : “Par rebonds, nous avons travaillé
sur d'autres qualités d'expression. Du mythe de Psyché nous sommes
passés aux contes africains. Nous avons alors abordé les systèmes poétiques
africains, les Mille et une nuit, les légendes celtes ou tibétaines…
Toute l'année scolaire a été construite à partir de la pièce. Ce moment
d'émerveillement nous a servi de fil rouge, de référence”.
Les frontières entre imaginaire et réel sont poreuses. La raison se nourrit
aussi de rêves et de légendes. C'est pourquoi, les mythes fondateurs,
quand ils sont intelligemment manipulés, redonnent éternellement accès
aux savoirs fondamentaux.
Fred Kahn
La fabuleuse histoire
d’Amour et PsychE
allessandro libertini
compagnie piccoli principi
“On était plein d'oiseaux magiques qui volaient dans nos têtes
illuminés de vos images comme des nuages”.
Dylan
Notes de l’auteur
Travailler à un spectacle n’est jamais pour moi
commencer par écrire un texte et finir par le
mettre en scène. Le plus souvent, j’ai une idée
initiale, un point de départ que j’approfondis
dans le temps à travers l’étude et la confrontation
avec d’autres artistes et collaborateurs. Cette
période de recherche et de réflexion donne
naissance à un projet qui précise les raisons qui
m’ont amené à choisir l’argument, l’ensemble
des thèmes que j’entends traiter , la complexité
des désirs et des inquiétudes qui ont motivé
mon choix. C’est alors que je commence à concevoir
une mise en scène, c’est-à-dire penser à la
façon dont mon projet pourrait se traduire en
action, dans quel contexte et par quels moyens.
C’est un travail long et méticuleux qui m’amène
à accumuler des sollicitations de natures
diverses: objets simples, structures compliquées,
articles de journaux, textes littéraires, photos,
tableaux, lieux, personnes, etc. À la fin de ce
vagabondage, le travail de sélection et d’assemblage
commence. Les découvertes, les émotions,
les intuitions sont traduites, par mes collaborateurs
et moi, en scénographies, lumières, textes,
sons et jeu des acteurs. Mes spectacles se font
sur la scène, pas sur le papier. En ce qui me
concerne, le travail d’écriture et de mise en
scène coïncident : la représentation théâtrale
n’est pas la traduction en forme scénique du
texte littéraire mais bien l’oeuvre théâtrale
même.
Dans La fabuleuse histoire d’Amour et Psyché,
j’ai demandé à quatre artistes que j’estime
beaucoup - un écrivain, un plasticien, un light
designer et une musicienne - de travailler à une
création personnelle sur le thème de l’amour
et de la beauté tels que suggérés par le mythe.
Les quatre créations devaient avoir un caractère
autonome tout en étant ouvertes aux
changements et aux intégrations éventuels.
Après presque deux ans de réflexions solitaires
et d’expérimentations communes, je me suis
trouvé avec quatre oeuvres : une création littéraire,
un récit dont est issu le texte du spectacle,
une création sculpturale - un “volume” comme
son auteur aime la définir - qui a constitué la
scénographie, une création lumineuse et une
création sonore sous forme de projet. Je me suis
ensuite occupé de mettre ces quatre créations
distinctes ensemble, je les ai harmonisées et
intégrées au travail des actrices. Le résultat est
un tout qui correspond exactement à mes désirs.
Ce que je tiens à souligner, c’est comment chaque
élément faisant pourtant partie d’un tout,
conserve sa caractéristique d’oeuvre autonome,
en elle-même finie : le texte, les lumières, la
scénographie et le son possèdent un équilibre
interne propre, une logique de construction propre.
le texte
Paola Zannoner est un écrivain que j’estime pour la profondeur avec laquelle elle aborde des
thèmes de grande actualité. Elle sait conjuguer la capacité d’analyse avec la concision du style,
la complexité avec l’immédiateté communicative. Dans son travail de traduction moderne du
mythe classique d’Amour et Psyché, Paola Zannoner nous conduit délicatement dans l’intrigue
en se servant d’un style littéraire élégant sans être distant. Le choix d’un langage recherché,
érudit, n’est pas ici synonyme d’incommunicabilité : Paola Zannoner se sert des mots pour
définir des concepts et des situations essentiels au déroulement et à la compréhension de
l’histoire. Sans renoncer à la poésie et à la complexité des thèmes traités, elle n’hésite pas
à utiliser des vocables communs, des phrases d’usage quotidien, orchestrant les sons et les
significations avec simplicité et authenticité. Des choix linguistiques qui revêtent une haute
signification politique et éducative.
la scénographie
les volumes
Ce qui me fascine dans l’art du plasticien Rodolphe Montet, c’est surtout la singulière
coexistence de deux aspects : un tactile et l’autre idéal. Les formes préférées de l’artiste lyonnais
sont douces, sensuelles, elles donnent envie de les toucher, et en même temps elles ont quelque
chose d’aseptique, ou de sublime, en tous cas, on ne peut les profaner. “Les volumes” utilisés
par Rodolphe Montet comme scénographie pour La fabuleuse histoire d’Amour et Psyché sont
des objets que les actrices peuvent utiliser, habiter, vivre mais ils sont aussi des concepts sur
lesquels s’interroger : ils évoquent des confortables canapés, des fascinantes dunes de sable,
des paysages purs sans contamination mais aussi des cavités obscures, les entrailles terrestres,
le corps féminin et le mystère de la naissance. La richesse extraordinaire de l’art de Rodolphe
Montet est l’ambivalence, la pluralité des significations. Les formes de Montet relèvent
de l’archétype, elles sont antiques et actuelles : formes de toujours et toujours nouvelles.
Si les “volumes” de Rodolphe Montet évoquent des mondes différents - réels ou imaginaires,
physiques ou mentaux - les lumières de Claudio Coloberti en établissent la syntaxe :
elles soulignent l’ordre dans lequel les évocations de Montet doivent être vécues et fournissent
des indications sur les significations possibles. Par exemple, si la rotondité des formes de la
scénographie suggère à l’esprit du spectateur les dunes du désert, le sommet d’une montagne
ou la souplesse d’un canapé, c’est le contexte lumineux qui fixe l’ordre et le temps dans lesquels
ces choses doivent être imaginées.
la lumière
Les lumières, pour Coloberti, assument aussi la fonction de guide de l’écoute : un changement
de lumière peut, par exemple, souligner l’importance d’une phrase, renforcer ou atténuer
l’entrée de la musique. Le grand art de Coloberti est de savoir imaginer l’expérience visuelle et
auditive du spectateur. Coloberti, qui est aussi un artiste de cinéma, semble considérer ce qui se
passe sur la scène d’un théâtre exactement comme sur le tournage d’un film : on a l’impression
de le voir, l’oeil collé au viseur de la caméra essayant de s’imaginer confortablement assis dans
un fauteuil en train d’assister à la même scène projetée sur le grand écran d’un cinéma.
le son et la musique
> La fabuleuse histoire d’Amour et Psyché est reprogrammé à Massalia du 02 au 05 février 2006.
Sur l’affiche du spectacle, on peut lire “son : Véronique Nah”. J’ai préféré utiliser ce terme au
lieu de choix musical puisque le travail de Véronique Nah ne se résume pas à créer une
sélection de morceaux de musique pour un spectacle. La recherche et le choix des musiques est
seulement une partie de son travail, certainement très importante. Ce qui distingue Véronique
Nah de n’importe quel autre connaisseur de musique, c’est sa capacité de composer : la qualité
artistique réside non seulement dans ce qui est proposé mais bien dans la façon de le proposer.
Pour cela, je préfère parler de son plutôt que de musique. Dans le mot son, il y a une composante
physique, de l’ordre de la matière. Véronique Nah joue avec le son : sa source, son intensité et sa
direction. L’ensemble du matériel sonore est sélectionné, monté selon de strictes règles de
composition dictées par la musique ou par l’action scénique: le son commence ou s’arrête sur
une phrase musicale, sur le geste de l’acteur, sur un mouvement de lumière, avant ou après une
parole. Véronique Nah préfère les surprises aux habitudes rassurantes : elle proposera rarement
d’estomper la musique à la fin d’une scène, elle optera plutôt pour la rupture, même brusque
si nécessaire. Les créations de Véronique Nah ont l’aspect du “papier collé”: les morceaux
de musique peuvent être utilisés en entier mais aussi coupés avec une précision absolue ou bien
complètement déchirés, recomposés, démembrés et assemblés de nouveau. Dans La fabuleuse
histoire d’Amour et Psyché, Véronique Nah construit un tissu sonore qui revêt un fort caractère
d’autonomie mais qui en même temps réussit à dialoguer avec le texte, à accompagner les
mouvements de lumière, à marquer, souligner, renforcer la présence des actrices sur la scène.
À partir de ces brèves notes, il est facile de comprendre que je dois la réalisation de La fabuleuse
histoire d’Amour et Psyché à la généreuse contribution de ces artistes qui, avec les actrices,
les techniciens et le reste de l’équipe, ont cru en mon projet. Des personnes, des amis, des
compagnons de voyage dotés d’une grande capacité d’écoute.
Alessandro Libertini
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…Ce Ventre là…
… Ce Ventre là…, le dernier spectacle de Christian Carrignon, nous entraîne au cœur d’une salle de classe
de CM2. Pour préparer cette création, le metteur en scène est même retourné à l’école. Deux résidences
d’écritures pour tenter de réconcilier l’imaginaire et le scolaire.
Christian Carrignon développe, depuis
25 ans, un univers fictionnel très singulier
qu'il a lentement, patiemment, construit.
S’inscrivant à la fois dans une filiation et
dans sa rupture, il fut l’un des précurseurs de
ce que l’on nomme aujourd’hui le théâtre
d’objet. Avec Katy Deville, codirectrice du
Théâtre de Cuisine, il fait ses premières armes
chez les marionnettistes. Mais rapidement,
L’objet est là pour donner
le signe d’un changement
ou d’une métamorphose.
Il devient co-porteur du sens.
Avec une grande économie
de moyens, on peut ainsi passer
d’un lieu à l’autre, signifier un
changement de temporalité,
de plan, de champs,
de point de vue…”.
christian carrignon
L’Ecole poEtique
ils éprouvent le besoin de décaler le rapport à la marionnette… Jusqu’à la faire disparaître. Avec le
théâtre d’objet, l’acteur ne se dissimule plus derrière un double inanimé, il assume entièrement sa
posture d’intermédiaire entre la fiction et le réel. Quant aux matériaux qu’il manipule, ils ne
changent pas à proprement parler de nature, ou à peine et souvent de manière imperceptible. Un
glissement d’échelle, un subtile décalage dans sa fonction d’usage et l'objet devient un élément
dramaturgique à part entière. “Il est là pour donner le signe d’un changement ou d’une métamorphose,
explique Christian Carrignon. Il devient co-porteur du sens. Avec une grande économie de
moyens, on peut ainsi passer d’un lieu à l’autre, signifier un changement de temporalité, de plan,
de champs, de point de vue…”.
Le foyer commun
L’écriture du spectacle devient alors un processus global. Les mots, bien sûr, restent l'un des moteurs
du dispositif fictionnel. Ils participent à sa fabrication, parfois le précèdent, parfois l’accompagnent,
mais, en dernier ressort, c’est le plateau qui dictera sa loi. Une histoire va naître, elle est la
condition et la justification d’un rassemblement d’individus. Cette communion ne peut advenir que
dans l’acceptation d’un partage, d’un échange, donc d’un rituel théâtral qui va transcender la
fiction et ainsi l’inscrire dans le monde… Pour le réinventer.
Un spectacle de Christian Carrignon s’apparente alors à une véritable épopée. Mais avec les moyens
du bord. Notre aspiration au dépassement ne sera jamais assouvie par les matériaux que nous
accumulons et manipulons. C’est notre imagination qui nous ouvre à d’autres perspectives.
Chaque détail, aussi trivial soit-il, recèle un ensemble bien plus vaste, dont on frôle les limites sans
jamais vraiment les atteindre. Pour signifier ce périple mystérieux et palpitant de l’aventure humaine,
Christian Carrignon s’est lancé sur les traces d’explorateurs particulièrement audacieux. Il nous a
fait côtoyer Jules Verne, Christophe Colomb, les premiers hommes des cavernes, il a organisé la
rencontre improbable entre Shakespeare et Perrault… Autant de figures réinventées, engagées dans
une quête d’humanité pleinement assumée, refusant toujours les contraintes de l’évidence, des
a priori et des fausses certitudes.
Dix ans d’âge poétique
D’essence apparemment plus modeste, le dernier spectacle de Christian Carrignon,
…Ce ventre là …, nous plonge dans une salle de classe de CM2. Certes, cet espace protégé,
avec ses codes et ses règles bien identifiés, nous est plus familier, mais, au-delà, d’un
univers clos et repéré, c’est toute la complexité du monde de l’enfance qui est convoquée.
Le spectacle se déploie à partir d'une série d'archétypes ; des enfants d'une même classe
et leur maîtresse vont, tour à tour, nous livrer leurs secrets. L'esquisse poétique évite à la
fois la caricature et l'inconsistance vaporeuse. Le trait est suffisamment marqué pour que
les personnages existent et suffisamment léger pour qu'ils ne s'enferrent pas dans des
méandres psychologiques. Ils sont nourris de tendresse. Une denrée rare.
De même, la mise en scène repose sur des fondations rigoureuses et simples en apparence.
Une logique spectaculaire efficace et discrète qui, sans nous égarer, laisse toute sa place
au rêve et à l'irrationnel. Seul sur scène, le comédien Hadi
Boudechiche prend, avec aisance et malice, chaque personnage
en aparté. La connivence s’instaure rapidement avec le
public. Les situations s’enchâssent entre-elles, dans une sorte
de fondu enchaîné théâtral et au rythme des neufs mois de
l'année scolaire qui scandent le spectacle. L'unité de lieu agit
également comme une force centrifuge, mais, quand c'est nécessaire,
l'espace s'agrandit. Notre esprit sort d'autant plus facilement
de cette salle de classe que nous ne la perdons jamais de
vue.
Dans ce voyage, tout autant intime que collectif, les failles et les
défaillances de chacun des protagonistes quittent, le temps
d’une représentation la périphérie de la vie, pour s’inscrire au
centre de la scène.
21

22
Nous avons traversé ensemble avec les enfantys un moment de vie
que je me devais de leur restituer à travers ce spectacle.
Je leur devais un beau spectacle
Retour à l’école
Cet aller-retour entre la fiction et le réel Christian Carrignon l'a concrètement expérimenté. L'idée
du spectacle est né d'une rencontre avec un enseignant de l’école Freinet quelque peu réfractaire
au système éducatif traditionnel. Le projet a ensuite été nourri par deux résidences d'écriture de
trois semaines, en mars-avril 2004, dans des classes de CM1-CM2. "Pour écrire un spectacle sur
une classe, le meilleur moyen est de m'asseoir au fond d'une classe avec mon carnet, d'écouter
aussi, de glaner des bouts de vie en marche…".
Ces résidences sont mises en place par Très tôt Théâtre à Quimper et le Théâtre Massalia à
Marseille. Christian Carrignon se retrouve ainsi au fond d’une classe de village à Pouldu, dans
le Finistère, puis il atterrit à Saint-Mauront, au milieu d’écoliers issus de l’immigration algérienne
et comorienne. Deux réalités très différentes, aucune synthèse possible. De toute façon, avec
Christian Carrignon rien n'est jamais linéaire. “J’avais envie de parler d’un CM2 de rêve dans lequel
chaque gamin porte un secret, une fêlure, que l’espace d’apprentissage ne permet pas
d’entendre. Et ces secrets, je les avais déjà dans ma tête. Je me suis assez peu inspiré de ce que
j’ai vu en classe. L’essentiel du spectacle est constitué d’un mélange de fiction et d’autobiographie.
Finalement, durant ces deux résidences d’écriture, je n’ai rien écrit. Mais j’étais à la pêche de ce
que j’avais vécu quand j’avais dix ans. Je me replongeais dans le bain. Il était essentiel de retrouver
le rythme d’une journée scolaire, les sensations, les odeurs…”. Difficile donc d’identifier
précisément et concrètement l’apport de ces résidences dans la création. Une chose est sûre : le
spectacle n’aurait pas été le même sans cette immersion. Quant aux enfants, ils ont appris que
la poésie que l’on trouve dans les livres est avant tout une manière de vivre.
___Aller au théâtre dans le cadre du temps scolaire
ne doit pas s’apparenter à une prescription médico-psycho-éducative
Les traces tangibles et intangibles
Si les enfants n’ont pas été directement impliqués dans la construction du spectacle,
l’échange n’en a pas moins été intense et humainement riche. Christian Carrignon
intervenait tous les jours dans la classe où il animait un atelier. “Les enfants étaient aussi
en résidence. Nous faisions des jeux d’écriture, avec des mots obligatoires. Certains
enfants tenaient le journal de bord de notre traversée en commun. Ils m’ont aidé à inventer
la vie des personnages de ma classe inventée”. Cet engagement réciproque crée des
liens d’autant plus forts qu’ils sont, en grande partie, informels. “Nous avons traversé
ensemble un moment de vie que je me devais de leur restituer à travers ce spectacle.
Je leur devais un beau spectacle”.
Mais Christian Carrignon a accumulé tellement de matériaux
et d’émotions qu’il éprouve le besoin de laisser
une autre trace en partage. Il bricole un livre-objet,
un témoignage sensible dans lequel s’articulent
les étapes de la création et les deux résidences.
“C’est un outil pédagogique sur le spectacle. C’est
aussi un livre qui relate l’échange, la richesse de
ces enfants aux origines et aux vécus multiples”.
Bien sûr, chaque enfant vient voir le spectacle et
reçoit un exemplaire du livre. “Je me plais à imaginer
que dans dix ans, quand il partiront de chez
leur parents, en faisant leurs valises, ils retomberont
sur ce livre et que des souvenirs vont remonter
à la surface…”.
La réconciliation
Christian Carrignon le reconnaît : “Avec ce
spectacle, j'ai réhabilité mon rapport à
l’institution scolaire, je me suis réconcilié avec
les maîtresses”. Lors de ces deux résidences,
il a découvert en effet des enseignantes fortement
impliquées dans leur métier. “Elles ont,
toutes les deux, des approches très différentes,
mais aboutissent au même résultat : toujours
prendre en compte les individus qui composent une
classe”. Car jusque-là, sa relation à l’éducation nationale était plutôt conflictuelle. “Je connaissais
uniquement les enseignants par incidents interposés lors des séances scolaires de mes spectacles”.
Un malentendu qui, d’ailleurs, remonte à l’enfance. On ne peut pas dire que l’école a su encourager
sa vocation artistique. “Les séances scolaires de théâtre étaient insupportables et m’ont dégoûté de toute
envie d’ouvrir un livre de théâtre. Aujourd’hui encore, j’ai d’énormes difficultés à lire une pièce de théâtre”.
Et l’artiste de pointer l’une des grandes limites de l’éducation artistique : cet enseignement fait appel à une sensibilité
particulière, il requiert un savoir faire très spécifique que le cadre et les contraintes scolaires ne favorisent pas toujours.
Alors, comment faire naître le désir du théâtre ? Christian Carrignon n’a pas de réponse toute prête à cette question complexe.
Il n’a qu’une seule certitude : “Aller au théâtre dans le cadre du temps scolaire ne doit pas s’apparenter à une prescription
médico-psycho-éducative”.
Fred Kahn
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L’enfance est le sol
sur lequel nous marcherons
toute notre vie.
Lya Luft
Ce qui s’écrit
se dit,
se crie…
2
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En général, lorsque je sors d’une représentation, d’un spectacle, que
j’en sois le programmateur, le coproducteur ou un visiteur ordinaire,
je chasse mes hésitations si je trouve des mots que je n’ai pas ailleurs.
Pas des mots hors du dictionnaire, pas des mots inconnus.
Ce ne sont pas les mots, ce n’est pas le texte du spectacle non plus.
Non, mes mots, des mots adéquats. Adéquats au moment que je viens
de vivre avec ce spectacle, où je viens de saisir de l’inattendu, du
savoir qui était encore informulé, en un mot, que je découvre du sens
et que je puisse découvrir les mots qui me paraissent dire la cohérence
et la précision de ce que j’éprouve.
Beaucoup plus que le fait d’aimer ou pas, ce que je dois reconnaître
ne plus vraiment éprouver, le sentiment d’entrer dans une pensée
vive en y mettant les formes signifiantes précises, m’est généralement
une délicieuse sensation de bien être intellectuel.
Comme telle, elle n’a pas besoin d’explication, mais elle pourra
se mémoriser grâce à ces moments le plus souvent ordinaires et
pourtant si justes.
S’entamera alors une deuxième phase, celle de l’élucidation du sens,
non de ces mots, mais de leurs rapports au spectacle, à ce qu’il raconte,
à ce qu’il me dit. Comme une manière de prendre ma part de sujet de
cette alchimie toujours aléatoire de la représentation.
CONTEMPLATION dEVORATION
…je découvrais dans ma tête convaincue d’intellectuel gourmand
que douleur et douceur ne changeait qu’une seule lettre.
par philippe foulquié
Ainsi, par exemple, de ce spectacle Pessoa de Philippe Eustachon et
Yvette Rotscheid où je découvrais dans ma tête convaincue d’intellectuel
gourmand que douleur et douceur ne changeait qu’une seule lettre.
Ainsi aussi du spectacle La fabuleuse histoire d’Amour et Psyché
des Piccoli Principi. Il m’a fallu d’abord comprendre comment cette
histoire pouvait être fabuleuse au théâtre. Et c’était quoi, sinon cette
stylistique assez malicieuse pour se déguiser en provocations
apparentes, en jeux d’effets soulignés, en oppositions complices
d’actrices différentes.
Et puis, est venu dans le regard convaincu de choses et d’êtres
beaux, le plaisir de ces mots, qui sonnaient juste dans ma tête, qui
disaient comme tout seul ce que je pensais, un peu comme si les
formes de cette pensée la précédaient. Les deux mots qui m’ont ainsi
comblé étaient contemplation et dévoration.
La beauté suppose bien sûr sa contemplation, le regard déposé avec
calme sur son objet et déclinant ses codes ou au moins ceux qui y sont
réunis. Mais le théâtre c’est forcément autre chose et dire la beauté au
théâtre, cet art du spectacle que l’on dit vivant, suppose qu’existe
cette vie justement.
C’est alors que l’idée de dévoration s’impose, comme l’apparition
nécessaire, ne serait-ce que pour la contrôler, d’une animalité qui
donne aux sensations quelques-unes de leurs réalités qui ne soient pas
qu’intellectuelles.
La complexité de l’émotion théâtrale suppose à la fois que soient
éprouvées des émotions intellectuelles finalement assez évidentes
et des profondeurs moins élucidées. Je pensais d’abord animalité.
Parce que c’est sans doute moins compromettant que cannibalisme ou
désir.
Et cette complexité qui n’a pas besoin de se nommer pour être éprouvée,
ne court pas le risque d’être contenue ou convenue avec l’imaginaire ou
l’inconscient des enfants.
C’est alors que ça va commencer à faire mal, d’autant qu’il s’agît de
spectacle pour enfant où des adultes sont amenés à porter des jugements,
des adultes qui traînent toujours quelques soucis moraux
avoués ou plus timides. Le scandale pourrait être alors de parler de
la beauté en interrogeant ses dimensions “vivantes”, douées
d’animalité. D’autant que le jeu de Véronique Nah, confronté à celui
de l’autre actrice, a rarement trouvé autant de justesse et de pertinence.
Ce double élan de contemplation et de dévoration est sans cesse
proposé comme une carte aux deux faces où la comédienne, dans
l’espace-jeu qu’elle a fabriqué, choisit dans un aller et retour capricieux
les alternatives que la cohérence du spectacle peut proposer.
Imaginons un peu qu’on propose en spectacle, une promenade dans
une toile d’un peintre non nommé, qui se révèlerait ensuite être
Jérôme Bosch. Si on ne sait pas que c’est de lui qu’il s’agit, que le
tableau n’est pas protégé par sa notoriété, si en plus les animalités sont
représentées, j’imagine les phénomènes de rejets bien pensants.
La promenade dans les détails du Jardin des Délices de Jérôme Bosch,
telle que proposée par Christiane Véricel dans Adio mama est certes
protégée par la dimension vidéo et ça ne doit plus vraiment être un
crime. Essayons de voir cela en incarnant ces images dans les corps
bien vivants d’actrices belles, où le charme se met à avoir du talent.
Dans le spectacle de Piccoli Principi, le “décor”, semble métaphoriser la
chair d’actrices, les formes arrondies ou dépressives. Les actrices
jouent comme à leurs tours la souplesse et la tendresse de leur chair,
de tout ce qui dit leurs êtres vivants d’âmes et de corps, de voix et de
mouvements, souples aux pensées comme aux sensations.
La chair surtout fraîche serait-elle dangereuse sur les scènes Jeune
Public, dans notre Europe de pédophilie banalisée par les nécessités
du tout commerce ?
C’est sans doute question d’époque en effet, et de contingences
temporelles : Umberto Eco racontait comment son éditeur voulait
publier peu d’exemplaires de son “Nom de la Rose” avant que soit
reconnu le succès mondial. Les éditeurs, comme les producteurs,
comme les programmateurs doivent quand même faire attention à
ne pas négliger l’Histoire et son temps.
Au risque d’oublier leur propre époque.
Philippe Foulquié
Directeur du Théâtre Massalia
et de la Friche la Belle de Mai à Marseille
décembre 2003
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armand gatti 1959
Enfants d’asie
On serait tenté de dire que ses photographies ne montrent pas,
elles croient – et c’est en l’homme qu’elles semblent croire.
le vert paradis des amours enfantines, est du
domaine presque exclusif de l’adulte. Faut-il penser que,
L’enfance,
pris entre sa mort et son enfance, l’adulte n’a souvent
d’autre solution que de se tourner vers cette enfance et d’en faire une
espèce d’Eden perdu ? Peut-être. En tous cas, ses premières années
peuvent garantir l’innocence d’une telle opération. Elles fascinent sans
expliquer ; elles échappent à la logique. L’homme mûr trouve dans
l’enfant qu’il était l’endroit le plus sûr où se débarrasser de lui-même.
Les gestes, les pensées, les automatismes qu’il a acquis pour pouvoir
s’insérer dans un milieu donné (on entre en société comme on
entre en religion) perdent soudain de leur importance. C’est la liberté
! Une liberté sans fracas, mais aussi sans failles puisqu’elle est exactement
faite à sa mesure. Peut-être pour l’enfant lui-même son domaine
est le plus souvent hanté par la cruauté, le conformisme, les affres
de l’insertion parmi ses semblables. L’adulte bien souvent feint de
l’ignorer. Pourquoi fermer la porte du grenier à merveilles ?
Il y a un autre angle de prise de vue, celui de l’enfance dans son sens
le plus général. Il ne s’agit plus alors de retour en arrière (sur
soi-même), mais de projection dans le futur (à travers le monde).
Asie, Amérique ou Europe : modes de vie, idéologies différentes,
mais les enfants sont strictement les mêmes partout. L’adulte qui se
penche sur eux, pour peu qu’il ait le goût du voyage, peut entreprendre
à travers le temps et l’espace une croisière exaltante : imaginer ce
qu’il sera demain à travers ce qu’il a été, enfant.
C’est Dominique Darbois qui fait l’invitation au voyage. Il ne suffit pas
d’appuyer sur un déclic – à l’endroit et au moment voulus – pour être
photographe. Il faut cette dimension supplémentaire sans quoi les
choses ne seraient pas ce qu’elles sont. Entre ses objectifs et la
réalité, Dominique Darbois a toujours su mettre, parfois impalpable,
parfois souveraine, sa sympathie pour ce qui vit, souffre et espère.
Il y a toujours un homme idéal qui se profile derrière les sujets qu’elle
surprend aux quatre coins du monde. On serait tenté de dire que ses
photographies ne montrent pas, elles croient – et c’est en l’homme
qu’elles semblent croire.
Les textes qui suivent ont été écrits en 1959 par Armand Gatti, alors
journaliste. Il avait été sollicité pour commenter des portraits
d’enfants d’Asie, photographiés par Dominique Darbois.
Petit diable perdu
dans l’illumination
des rues d’Hong-Kong,
...Tu as de la chance,
une grande chance...
Hong-Kong tu as de la chance, une grande chance
Hong-Kong
Hong-Kong ! (Que de magie pour ceux qui n’y sont jamais allés, que de nostalgie
pour ceux qui en reviennent…). Tu as de la chance, Shiao Kouei,
d’être le citoyen en herbe d’une telle ville.
Il y a des baies, des criques, des fleurs, des îles, des détroits, des promontoires,
des golfes. Par eux, Hong-Kong se prolonge sans limites dans le regard des
hommes et la légende des mers. Pour y circuler, il faut rompre avec les cadences
que les autres cités imposent. La voracité des automobiles n’a pu mordre sans temps
de faste. N’était leur forme butée, stupide, elles paraîtraient honteuses au milieu
de l’intransigeante abondance de piétons. Cette abondance a créé une espèce de
déplacement par lévitation : funiculaires et ferries forment un scénic railway
qui fonctionne sans arrêt. Pour quelques centimes estampillés
aux traits de Sa Gracieuse Majesté, te voilà gratifié d’une foire
permanente. Tu as de la chance, Shiao Kouei.
Que dire des sampans, des jonques, des porte-avions, des
torpilleurs, des câbliers, des yachts, des paquebots, des chalutiers,
des cargos qui battent tous les pavillons de la mappemonde
! Leur présence dans la baie est un spectacle que nul
ne peut épuiser. La nuit, lorsqu’ils allument leurs lumières, c’est
la féerie. Une féerie à travers laquelle Hong-Kong et ses
navires semblent prendre le large. Transporter les lampions de
la fête à travers les mers australes et au-delà ! Quelle tentation
! Dans les quartiers où les boutiques fonctionnent vingtquatre
heures sur vingt-quatre, c’est le délire du néon et de la
couleur, une serre gigantesque dont la sève est l’électricité.
Même si tu couches dans la rue comme beaucoup d’autres
Shiao Kouei de ton âge, tu as quand-même de la chance. Un
enfant qui dort dans des draps n’a pas devant lui les plus
belles enseignes du monde, ne voit pas passer les plus belles
femmes du monde. Les romans d’aventure, bien illustrés de
couleurs violentes, sont fades auprès de la réalité que tu côtoies.
Existe-t-il une ville qui possède en ses flancs plus de services
d’espionnage, de sociétés secrètes, de trafiquants, de contrebandiers
? Mais ce n’est pas tout.
Tu vis dans le musée de la vieille Chine avec ses coutumes
millénaires, ses dragons en papiers, ses serpentins, son opium
clandestin et ses évangélisateurs. Et en même temps que tu
évolues dans la vitrine tentaculaire de l’Occident où les objets
de qualité venus de tous les pays du monde valent ici deux fois
moins chers qu’ailleurs.
Les salaires, eux, sont dix fois moins élevés qu’ailleurs. Mais
ceci est une autre histoire. Mieux vaut ne pas l’aborder, elle nous
conduirait dans des quartiers insalubres où la pauvreté, le
dénuement sont tels qu’ils paraissent inguérissables. Lorsque
la misère est avilissante, il vaut mieux détourner le regard et
le porter sur les fortunes fabuleuses que M. Wang ou M. Wou
sont en train de faire. Elles ne méritent pas le respect, elles
l’imposent. A quoi bon épiloguer, la vertu et les tirades qui
voudraient s’en parer sont toujours
ennuyeuses. Si les enfants meurent par
dizaine de milliers, de faim et de tuberculose,
toi, Shiao Kouei, tu vis encore. Petit
diable perdu dans l’illumination des rues
d’Hong-Kong, tu as de la chance, une
grande chance.
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armand gatti 1959
Chine
“des nuits tâchées de sang, des nuits
sans étoiles, des nuits de vent,
des nuits qui entendaient
les sanglots des veuves.”
S’il est aujourd’hui
de bon ton de s’enquérir :
“D’où vient le printemps ?”
il est d’égal bon ton de répondre :
“Des tombes en dehors de la ville “
fini. Le confucianisme – du moins ce confucianisme
que Lou-Sin appelait cannibale, dans
C’est
la mesure où, appliqué vide de tout contenu, il
déshumanisait ses compatriotes – s’est éteint, et, avec lui, le culte
des ancêtres. Ces derniers dont les tombeaux solitaires hantaient
la campagne chinoise prennent de plus en plus le chemin des
grands ossuaires communautaires. Avec une telle transhumance,
la naissance d’un enfant chinois a perdu sa signification traditionnelle.
D’après les préceptes hérités de l’époque supposée des
ducs Wei et Wou, un garçon devait être mis sur un matelas, avec
des robes de soie et des jouets de jade. La fille, quant à elle, devait
se contenter du sol et des torchons. Si des jouets lui étaient accordés
(une tuile et une brique), c’était par pur symbolisme, les
briques étant foulées au pied et les tuiles exposées aux “ injures “
des éléments. Pourquoi cette différence ? Parce que le garçon, par
une espèce de loi salique à l’usage familial, pouvait seul rendre le
culte des ancêtres. A quoi bon s’embarrasser d’une fille –
bouchon inutile qui ne pouvait apporter aucun apaisement aux
mânes de la lignée. Dans les familles besogneuses ou dans les
provinces où il n’y avait aucun débouché vers les grands centres
de prostitution, on ne s’en embarrassait pas. On les supprimait
bien souvent. La mortalité infantile faisait le reste.
C’est fini. Les enfants que l’on abandonnait dans les grandes villes aux services de
la voirie, les enfants des longues marches de la faim, les enfants (200 000 d’un seul
coup parfois) qu’une interminable épidémie à travers les provinces, suffisait à
terrasser, les enfants qu’on livrait aux cochons, les enfants qu’atrocement, désespérément,
les adultes mangeaient (où ne conduit pas la misère !), les enfants qui dans
les rues de Pékin disputaient les ordures aux chiens, les enfants que les missions
religieuses rachetaient avec le papier qui entourait le chocolat des enfants
d’Europe, font partie du passé. Pendant longtemps l’univers des enfants chinois a
tenu tout entier dans une partie de grains. Rares étaient les jours où la main se
desserrait. La Chine était malade, et chaque pays qui – par un humanitarisme
souvent carnivore – se penchait à son chevet pensait qu’elle ne guérirait jamais.
C’était un mal asiatique. Peut-on guérir d’un mal qui a les dimensions d’un continent
? La Chine a guéri – non par miracle, mais par la seule force de ses bras.
Certes, il y eut, comme on le scande sous les pêchers de Long-houa, “ des nuits
tâchées de sang, des nuits sans étoiles, des nuits de vent, des nuits qui entendaient
les sanglots des veuves”. S’il est aujourd’hui de bon ton de s’enquérir : “ D’où vient
le printemps ?”, il est d’égal bon ton de répondre : “ Des tombes en dehors de la ville”.
C’est une loi d’ici-bas : il faut un grand nombre de morts – jeunes de préférence –
pour préfacer une page d’histoire. Dans cette nouvelle page, les enfants chinois
(tibétains compris) sont les grands privilégiés. Pour les campagnards, le système des
communes prévoit dès leur naissance un salaire à égalité avec les adultes et les
vieillards – salaire qui deviendra de plus en plus un argent de poche, car, selon les
possibilités de la commune, la nourriture est gratuite. Bientôt ce seront les vêtements
et les produits de première nécessité. Après, si l’expérience réussit, ce sera
le vieux rêve de l’homme : à chacun selon
ses besoins.
Regardez bien ces enfants. Ils ont été
photographiés selon les hasards du voyage
à Pékin, à Lang-Chéou ou à Canton. Ce ne
sont pas des princes. Pas davantage de
nouveaux riches. Ils sont décents, sans
plus. Mais c’est une décence qu’ils
partagent avec six cents millions de leurs
semblables. La révolution qui s’opère dans
leur pays semble vouloir se donner la
dimension prométhéenne.
Regardez bien ces visages, ils bouleverseront
le monde de demain.
N’oubliez pas
l’enseignement
de vos yourtes.
Ceux qui y ont couché, ceux qui
ont partagé pendant quelques
jours votre vie nomade, savent que
cette mesure de l’homme qui est
en train d’échapper à tous les
hommes a trouvé en elles
son dernier refuge.
Mongolie
Petits enfants mongols, méfiez-vous des poètes –
surtout lorsqu’ils se prénomment Paul (comme
Claudel). Vous seriez bien étonnés d’apprendre que, dès leur premier
contact avec vous, ils ont respiré “ l’odeur suffocante du diable, cette lourde
émanation de péché et de néant, cette dégoûtante complaisance à soi-même qui
n’appartient qu’à Belzébuth”.
Méfiez-vous aussi des préfets de police, des députés qui promettent à leurs
électeurs : nous ne vous laisserons pas mongoliser !
Vous êtes un verbe-cauchemar, un épouvantail, une tare héréditaire (ô les
mongoloïdes !), l’antichambre du diable, le sabbat permanent. Certes Temudjin,
que nous nous obstinons à appeler Gengis-Khan, n’est pas mort. Il repose avec ses
guerriers dans le royaume souterrain d’Egger-Thi. Du royaume souterrain à celui
qui se morfond sous les étoiles, il n’y a qu’un pas. Temudjin ne va-t-il point le
franchir pour reconquérir les quatre cinquièmes des terres connues comme il le
fit déjà du temps de sa brève mais fantastique chevauchée ?
S’il y a une malédiction qui pèse sur vous, ce n’est pas
celle du diable : c’est celle des hommes. Vous dont le
rêve a toujours été l’unité de vos lignes et de vos
bannières, vous n’êtes jamais – sauf sous Temudjin –
parvenus à le réaliser. Maintenant moins que jamais.
Le Nord de votre pays confond de plus en plus ses
destinées avec celles de la Sibérie soviétique. Le Sud
est une république autonome du Milieu Fleuri. Entre
les deux, la Mongolie extérieure. Extérieure à quoi ?
A vous ? Les caractères mongols cèdent aux cyrilliques,
dans vos abécédaires. Certes ils étaient d’importation
syriaque. Mais que rêver de plus mongol que
leur graphisme à base de longs dragons, de goules, de
Roues de la Vie torturées et de plantes ligneuses.
Il n’est point de contradictions dont, à la longue, la
mer de dunes et la hamada pierreuse ne viennent à
bout. Au croisement de pistes de chameaux, où vous avez bâti (signifié serait
plus juste) votre capitale, il y avait autrefois deux villes. L’une mongole, Bogdo
Ta Kuré, l’autre chinoise, Maï Maï Chen. Trois kilomètres les séparaient. Trois
kilomètres d’une haine incommensurable : les monastères lamaïques aux toits d’or
qui dispensaient les sermons du Parfait n’y pouvaient rien. Depuis, votre capitale
qui s’appelait Ourga (Ville du sud) est devenue – à la suite de la Révolution de 17
qui s’est répercutée jusqu’à vous – Oulan Bator Horo (Cité du Géant Rouge).
Aujourd’hui les trois kilomètres de haine sont remplis par des bâtiments d’Etat,
des magasins, des maisons de jeunesse. Il y a même un Parlement qui, pour se retrouver
au milieu de ces constructions enracinées dans la terre, s’est coiffé d’un toit
vert qui ressemble à la tente nomade. Mais à peine sorti de cette ville où l’on joue
Molière en votre langue, c’est de nouveau la poussière (ou la boue), le sable, le désert,
ce désert unique au monde où pousse la fleur bleue. Nulle part
ailleurs, la nature ignore aussi obstinément l’homme que chez vous.
Pourtant tempêtes de sable, étés qui calcinent, hivers qui font
éclater les pierres, montagnes sans défilés vous ont modelés. Le
cheval est encore votre prolongement naturel. Vous l’enfourchez
pour franchir les quelques mètres qui dans un même campement
séparent une yourte de l’autre. Pendant longtemps encore la yourte
– cette maison-unité qui suit à dos de chameau chacune de vos transhumances –
sera le centre de votre vie, de votre façon de penser. Mais déjà vous n’y rêvez plus
de chevauchées à travers le monde ou des Huit Voies Droites de vos bouddhas.
Forages pétroliers, mines de fer et de charbon les ont maintenant remplacés. Les
pistes de caravanes ne sont plus seules à traverser la hamada et les étendues de
sable. A côté d’elles, unies par le même trajet, il y a maintenant les voies de
chemin de fer. Petits enfants mongols, vous ne risquez plus de vous perdre
désormais dans votre impitoyable pays. Mais n’oubliez pas l’enseignement de vos
yourtes. Ceux qui y ont couché, ceux qui ont partagé pendant quelques jours
votre vie nomade, savent que cette mesure de l’homme qui est en train d’échapper
à tous les hommes a trouvé en elles son dernier refuge.
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Vous êtes, nous dit-on, des enfants
sans samouraï,
ni chrysanthème.
Est-ce bien vrai ?
Nous savons que vous continuez à aimer les fleurs.
Il n’est pas facile d’aborder le centre du monde – surtout lorsque ce centre (pouvait-il en être autrement ?) a été choisi par Amateratsu, la déesse du soleil, pour y asseoir sa descendance humaine.
Les mauvais souvenirs appartiennent aux adultes. Laissez-les-leur, ils savent très bien s’en accommoder.
armand gatti 1959
Enfants de Tokyo, d’Hakodate, de Sapporo et des rives du Biwa,
sur vos cartes d’écoliers, vos îles sont le centre du monde. Par delà
les mers et les océans, de vastes ensembles de terre tendant vers
vous des mains à la fois inquiètes et jalouses. Parfois, à travers le temps et
l’espace, ils délèguent quelques ambassades d’îlots rongés par
le sel. Mais ces ambassades n’arrivent jamais. Il n’est pas facile
d’aborder le centre du monde – surtout lorsque ce centre
(pouvait-il en être autrement ?) a été choisi par Amateratsu,
la déesse du soleil, pour y asseoir sa descendance humaine.
Enfant de Kyoto, de Nagoya et de Kobé, dans votre regard qui
s’ouvre à la vie, il y a des poissons multicolores, des branches
fleuries, des pierres burinées par les eaux, mais il n’y a pas de
fleuve. Peut-on appeler fleuve le Shinano-gawa, torrentiel
comme les quarante-sept signes qui se combinent dans vos
syllabaires, lorsque vous les prononcez à voix haute. Court de
pattes, et tout en reins, n’est-il pas plutôt une jeune fille de
chez vous, dont la plainte s’obstine depuis des siècles à
vouloir rejoindre la mer ? Non, vous n’avez pas de fleuves qui tracent la
ligne de vie d’un pays. En revanche, vous possédez ce que beaucoup –
plus fortunés peut-être – n’ont pas : des volcans, des tremblements de terre
(cinq cent seize secousses par an), la mer, et puis encore la mer. Lorsque
vous faites vos premiers pas sur la terre natale, la mort est déjà présente.
Vient-elle à se manifester, que c’est avec outrance, avec démesure : cent mille
morts dans un tremblement de terre, trente mille sous un raz-de-marée.
Enfants de Yokohama, de Kokura et des pentes de l’Azuma-Yama, vos îles
portent le nom prestigieux de Soleil Levant, mais vous êtes trop nombreux
pour elles. Voilà bientôt cent ans que vous
effrayez les statisticiens. Cet effroi, vous l’avez,
adultes, parfois justifié. Tous les enfants du
monde aiment à jouer au soldat. Mais il ne faut
pas que ce jeu-là se prolonge dans l’aprèsmidi
de l’âge. Vous avez laissé de mauvais
souvenirs sur la route qui va de Fousan à
Séoul, dans les ruelles du vieux Pékin et sur
les chemins poussiéreux du Yang-Tsé. Mais
les mauvais souvenirs appartiennent aux
adultes. Laissez-les-leur, ils savent très bien
s’en accommoder. Oubliez tout. Les enfants
sont faits pour oublier.
Vous êtes, nous dit-on, des enfants sans
samouraï, ni chrysanthème. Est-ce bien vrai ?
Nous savons que vous continuez à aimer les
fleurs. Vous avez autant d’avenirs devant vous qu’il y a de
nuances sur leurs pétales : celui de l’ouvrier à la recherche
d’un salaire, celui des étudiants riches qui exécutent le Kando
(danse guerrière), celui de l’enfant qui se suicide parce que
son équipe de base-ball préférée a perdu le championnat,
celui des élèves de Tayu qui, le visage couvert de céruse,
véhiculent encore un costume de trente-trois kilos, celui des
ETA – parias qui ne valent qu’un septième de personne
ordinaire, - celui des désœuvrés qui se promènent une TSF
portative à la main pour ajouter des airs de jazz aux bruits déjà
fort considérables de la rue. Si, parfois, les fleurs et les
nuances des pétales sont réunies sur une même couronne, c’est
pour accompagner dans leur dernier voyage les enfants
d’Hiroshima qui continuent à mourir chaque jour.
Armand Gatti
Japon
Oubliez tout !
Les enfants sont faits pour oublier.
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3
Ce qui se construit
s’expérimente
se recherche…
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les oiseaux
aline soler
trois ans apres
Les oiseaux, c'est le nom que s'est donné un groupe d'enfants réunis autour des textes
d'Armand Gatti. Une aventure qui a commencé en classe en 2002 et qui se poursuit depuis à
la friche la belle de mai. Un noyau fidèle d'une dizaine d'enfants (et maintenant adolescents),
retrouvent tous les mercredis Aline Soler et Nicole Félix, pour changer le monde, dire leur utopie.
Un livre regroupant tous leurs écrits doit bientôt être publié. Une affaire encore à suivre donc…
Un oiseau d’un petit matin marseillais lançait en vrille au ciel
son chant régulier.
Je comptais avec mon temps la fréquence et la durée du chant.
7 secondes.
3 secondes.
Qu ‘est-ce-qui pousse cet oiseau que j’ignore et ne sais pas
nommer à chanter ainsi avec une régularité, une telle
détermination ? Quel est le moteur, l’intention, le ressort
secret d’un tel…mécanisme ?
Je pourrais par anthropomorphisme lui prêter mille prétextes.
Et si je les lui présentais, il poursuivrait inlassablement
sa mélopée, me laissant à mon doute : est-il d’accord ou non
avec cette hypothèse, ou plutôt celle-ci… Nous avons baigné
dans la métaphore bientôt trois années.
Avec des enfants, de futurs adultes, des “oiseaux”.
Ils grandissent, se dispersent, reviennent, cherchent
où se poser, se posant toujours de nouvelles questions.
Le travail avec Armand Gatti en février 2004 fut riche de
nouvelles rencontres. Et la plus formidable continue selon moi
d’être celle entre le poète et les oiseaux. Ils étaient ébahis
de ces récits tous les jours différents que Gatti leur livrait,
un peu comme ce poète chinois racontant une histoire
chaque jour identique, chaque jour différente.
Enchantés, et jamais inquiets. Ils avaient sans doute compris
que la matière vivante des mots de Gatti était sculptée dans
la même énergie continuellement, et avec la même intention.
Et que cette énergie, cette intention rejoignaient les leurs.
Recueillant récemment la somme des textes écrits par les
oiseaux pour en faire un livre cela m’apparut clair, presque
évident. Depuis les premières lignes, les oiseaux écrivaient
pour changer le monde, dire leur utopie.
N’y aurait-il que les enfants pour comprendre les poètes,
entendre distinctivement ces propositions engagées dans le
monde, dans tous les temps de ce monde passé, présent, futur.
Les oiseaux conjuguent ainsi depuis bientôt trois ans
leurs interrogations, leurs révoltes, leurs joies.
Ils restent pour moi le mystère de ce chant régulier entendu
un petit matin marseillais.
Le livre à venir que nous nous sommes promis un matin de septembre
2003 dans la classe de Fatima Nacer à l’école Félix Pyat, dira
mieux que je ne le puis leur travail, leur chemin.
Merci à ceux de Marseille qui permettent cette aventure,
plus particulièrement à Philippe Foulquié qui me
disait un jour : “le groupe des oiseaux est une sorte
de paradigme de la friche”. Oui, Philippe. De ta loyauté,
de ta détermination, de tes combats.
Aline Soler - 16 mai 2005
.
Planter la baleine de son enfance au cœur de la révolution
qui est en train de se faire
du ventre plein de la baleine, des larmes sont sorties, déversant avec elles un lot de personnages réels,
8joursoù imaginaires, à l’assaut de la renaissance de l’amour de la vierge noire et de Cristobal, le paysan pêcheur…
dessiner le soleil, puis la lune, puis plonger la main dans la mer, dessiner le soleil, puis la lune, puis plonger
8joursà la main dans la mer, faire tournoyer les ailes du phénix, cet oiseau mythique qui toujours renaît de ses cendres…
écouter lire ressasser entendre aimer les mots du poète, et trouver le chemin qui depuis la Vie imaginaire
8joursà d’Auguste G., en passant par Envoyé spécial dans la cage aux fauves et El Oltro Cristobal,
conduira à planter la baleine de son enfance au cœur de la révolution qui est en train de se faire…
imaginer, mettre en mots, faire vivre son double animal…
8joursà à la recherche de son utopie, pour Farida, la poète, belle et secrète ourse qui offre du miel aux abeilles…
au croisement de la terre de l’eau et de l’air, pour Mor’ana le mystérieux, qui pense un “unique” capable de se
reproduire avec tous les êtres vivants de la terre, et qui ne supporte pas qu’une personne se pense supérieure aux autres…
_______à regarder droit dans les yeux, pour Amira, la penseuse, qui éduque l’autruche à ne plus rentrer la tête dans le trou,
car c’est forcément annoncer une terrible et grosse erreur…
__________à courir derrière devant, trop rapide, pour Housni, le tendre intrépide, qui défie le singe maladroit qui embête tout le monde,
pour Yousra, la malicieuse, à faire rire la dauphine qui aime nager, faire des roulades dans l’eau avec ses amis, sa fratrie et
qui aime aussi être caressée…
________________à adopter ce petit chat trop timide, fils de chat de gouttière et de chat domestique, pour Adrianne, la discrète,
histoire de vaincre ensemble cette timidité…
__________pour Anissa, la sage, à regarder l’oiseau mourir, né du sanglier, né de la poule, née du lion…
_______à colorer, décolorer le chat et les chatons, du noir au blanc, du blanc au noir pour Faissoil, le vif, qui tout en pensant à Mumia,
décrète que de toute façon la couleur de fourrure n’a pas d’importance…
____________à faire taire, pour Myriam, la tranquille, la pie bavarde, qui a du mal à comprendre, comme si on lui parlait une langue
étrangère…
commencer d’imaginer l’homme nouveau…
8jours____pour
_______à imaginer écrire pour changer le passé…
8jours____où les oiseaux ont continué de déployer leurs ailes vers un morceau de ciel.
Graziella Végis - février 2004
36 37

COLLOQUE
Sous les
pavés, la
plage
Soins corporels
soins culturels
Hôpital, Silence !
“Y a-t-il une ville ? Y a-t-il un ciel ? Là où j’habite, il n’y a pas de
monde extérieur. Il n’y a qu’une pièce jaune ou blanche dont les
dimensions semblent se déformer ou se reformer selon mes peurs et
mes douleurs...” P. Labro, La traversée, Paris, Gallimard, 1996.
Il est des lieux que l’on dit hospitaliers…
Là, s’y déploient des soins, des techniques, des pratiques. Y exsudent la
douleur, la peine et le tourment. S’y exposent des corps souffrants et des
esprits inquiets. Tout ici confine à l’excès. Comment interroger ce lieu sans
être possédé par ces représentations ambivalentes qui le soutiennent ?
D’un côté, une allégorie contenante et bienveillante, qui va nous réparer,
nous sauver, nous aimer, salvatrice et rédemptrice, et de l’autre une
archaïque et menaçante figure diabolique, qui sait nous isoler, nous faire
souffrir et qui a sur nous tout pouvoir de vie ou de mort. Nous entrons à
l’hôpital comme en religion : avec la foi, l’espoir et l’illusion d’un monde
meilleur. Nous attendons tout de ce lieu mais nous le craignons, conjointement,
tellement.
La lettre de la connaissance et les chiffres de la science y sont placardés
dés l’entrée mais de plus en plus souvent l’ordre de l’humain –
celui de l’aléatoire, des émotions, des vérités subjectives et des effets
de rencontre - s’absente. La chimie de l’inconscient est exclue des
patrick Ben Soussan
à l’hÔpital
protocoles de soins, la parole gelée, les sensations contrôlées.
Esprit, es-tu là, en ces lieux que l’on dit hospitaliers ?
L’hôpital est dans le monde un monde en soi… Les institutions
hospitalières sont travaillées d’usages qui dépassent largement leurs
cadres : tout ce qui s’y dit et s’y tait, tout ce qui s’y fait, tout ce qui s’y
vit et s’y éboule, prend une épaisseur différente parce que nulle part
ailleurs ne peut être retrouvées une permanence et une telle
violence des affects et représentations en cause.
Le “Je est un autre” prend une résonance toute particulière quand on
est hospitalisé. “D’autres” viennent fouiller votre identité corporelle,
prennent des décisions à votre place, peuvent porter atteinte à votre
intégrité, à votre autonomie. Pour votre bien. Le sujet devient un
malade, la maladie est son identité, nouvellement acquise, parfois
chèrement payée, mais c’est ce tribut-là qu’il faut acquitter pour continuer
à être. A vivre. L’hôpital, c’est la vie. “L’hôpital ou la vie ?”
déclinerait-on plus aisément, à invoquer la rapine d’humanité qu’il
réalise encore souvent.
Entendons-nous. A l’évidence, la qualité des soins, reconnue à
quelques très rares exceptions près, ne suffit pas pour que l’hôpital
soit exonéré du reste. D’une certaine manière, cette excellence
thérapeutique va de soi. C’est un dû, en quelque sorte. Le reste, c’est
cette capacité à créer du lien, du sensible, cette propension à laisser
circuler la parole et les angoisses. Le reste, c’est cette assurance que
le malade est bien autre que sa maladie, que des kilos de chair, qu’un
corps exposé, exproprié, qu’un syndrome, une localisation anatomique,
un dysfonctionnement physiologique. Le reste, c’est enfin que se
vive dans tous les actes du quotidien à l’hôpital, cette respiration du
vivant, désirant, enchâssé dans une société d’autres qui le constituent
et le révèlent.
L’hôpital ne peut plus être ce lieu de réclusion, derrière les murs duquel
on ne peut savoir ce qui se trame. Les malades hospitalisés ne peuvent
être confinés dans l’absence et l’amnésie. Hors de tout et de tous. Hors
du monde. L’hôpital ne peut être considéré comme un lieu d’exception,
mais bien comme un des lieux essentiels de la ville. C’est d’autant
plus important que l’enjeu ici est que les institutions culturelles de
la ville s’impliquent naturellement dans des actions culturelles dans
l’hôpital.
Si autrefois on parlait d’humanisation des hôpitaux, ce qui renvoyait à
des mesures précises comme la suppression des salles collectives,
la préservation de l’intimité et le respect du choix des
patients, il s’agissait d’une approche beaucoup plus restrictive
que celle qui nous engage aujourd’hui. Et loin de nous l’idée
saugrenue que les hôpitaux, contraints à une technicité de plus
en plus performante, aient pu parfois oublier
l’importance de soigner l’âme pour mieux
guérir le corps. Cette vision manichéenne plus
que cartésienne de l’être et du soin n’a selon
nous aucune fonctionnalité. Car si l’hôpital en
tant que structure détermine de fait des
comportements, tout un système de transactions
et de hiérarchisations, nul ne peut lui dénier un véritable
projet culturel, qui fait d’ailleurs partie intégrante du projet
médical et du projet d’établissement.
La culture comme trouble
“Il faut qu’il y ait dans le poème un nombre tel qu’il empêche
de compter” P. Claudel
Il est proposé de comprendre la culture à l’hôpital comme génératrice
d’un trouble “salutaire” pour le système de soins.
Le trouble n’est pas un état, mais un processus: il a un lien avec
l’incertitude, le complexe, l’indéterminé mais il se constitue, s’échappe et
se réédite incessamment. Toujours en devenir, il évoque la mouvance,
le déplacement, la transformation. Si la notion de trouble est souvent
employée pour désigner un état de déséquilibre ou pour marquer une
soustraction, voire une pathologie (les troubles du comportement, de la
mémoire, de l’intelligence, de la vue, de la parole, de l’apprentissage,
de la conscience...), si elle est fréquemment assimilée à du brouillon,
du brouillage, voire à de l’embrouille (fauteur de troubles, trouble-fête,
eaux troubles...), elle peut également recouvrir une autre signification.
En effet, d’un point de vue étymologique au moins, le terme est associé
à des instruments permettant de capter, de prélever, de stocker, de
contenir. Ainsi, loin de n’exprimer que du négatif, le mot est porteur
d'une dynamique en rapport avec la captation, la capitalisation.
Etymologiquement trublium désigne pour les romains une écuelle et,
plus lointainement encore, le mot tryblion ou trublion signifie
pour les grecs un récipient, un plat ou une assiette.
C’est justement pourquoi cette notion de trouble est pertinente
pour rendre compte de la complexité de toute rencontre culturelle
à l’hôpital. En ce qu’elle s’affirme comme un contenant
jamais assuré de questions vitales pour tout sujet,
d’autant ceux ici concernés, marginalisés,
extériorisés, par la maladie et l’hospitalisation.
La notion de trouble renvoie au “bricolage” au
sens le plus noble qu’évoquait Lévi-Strauss, cette
capacité de faire avec du peu et du moins,
du beaucoup et encore.
Le trouble appelle aussi la confusion, le détournement, la recomposition
du paysage, réel et psychique. Il peut se traduire en une
réaffectation symbolique : l'hôpital devient, en la circonstance,
et pour un instant au moins, une infrastructure culturelle.
Ce trouble ne concerne pas que l’espace, il touche aussi la
temporalité. Évidemment, le temps, toujours compté à
l'hôpital, ne se dilate pas comme par miracle mais il se renégocie. Et,
au final, c’est toute l’institution hospitalière qui se trouve interpellée par
ce trouble que la culture induit.
La culture à l'hôpital peut être comprise comme une action instituante
en ce qu’elle questionne et bouscule l'institué de l'institution hospitalière,
et dans une moindre mesure, celui de l'institution culturelle.
En rendant poreuses les frontières, en brassant les aires spatiales,
professionnelles, symboliques..., la culture à l’hôpital réalise une
véritable opération de traduction c’est-à-dire de fabrication de sens.
Précisons, il ne s’agit pas de considérer l’action culturelle comme une
thérapeutique, même si “l’art-thérapie” a fait ses preuves dans certains
secteurs d’activité, ni de simplement déplacer à l’hôpital des spectacles
ou expositions, dans l’idée de banaliser la culture ou de “cultiver” les
malades. Il ne s’agit pas d’œuvrer au bien-être des patients en proposant
des “animations”, dérivatives et “enjolivantes”, cache-misère ou cache
souffrance. L’hôpital sera toujours le lieu de tous les possibles, de tous
les excès. Il est et doit rester un lieu de soins, pertinent, précieux et
exigeant. Mais il n’empêche, qu’en cet espace, puissent aussi s’éveiller
les velléités créatrices des sujets qui le peuplent et leurs ressources à vivre
38 39
…/…

40
– qui n’est pas de l’ordre de la survie, du maintien en vie mais du plaisir
et de la jouissance que la vie, jusqu’au dernier souffle, appellent.
Aborder la question de la culture à l’hôpital, c’est ainsi accepter un
décentrage par rapport à la fonction première du soin, décentrage
qui oblige à se poser certaines questions dont la pertinence apparaît
bien vite formelle : “Qu’est-ce que l’on soigne ?”, certes mais aussi
et surtout “qui donc soigne-t-on ?” et comment ? Nous ne traitons là
en fait que de la réinscription de la question culturelle au cœur même
du social et du civique.
La “culture”, domaine séparé, autonomisé, se trouve alors réinvestie
d’une vraie fonction politique, voire éthique. Elle concerne un vouloir
vivre ensemble et définit sous quelles conditions nous pouvons et nous
devons refaire du commun. Il ne s’agit pas de ressasser sur le mode
facilement incantatoire cette nécessité de restaurer le lien social, de
ravauder le tissu social.
Mais bien de penser la culture comme production de sens dans
l’institution soignante. Capable de donner au corps du sens, tout son
sens. De transformer cette source tarie ou entravée en ressources pour
soi et les autres. Il y a toute une histoire culturelle du rapport au
corps, à la santé absolument passionnante à développer. C’est aussi
pour cela que le ministère de la Culture et de la Communication et le
secrétariat d'Etat à la Santé et à l'Action sociale avaient souhaité favoriser,
par la création de jumelages entre des équipements culturels et
des hôpitaux d'une même région, la rencontre entre ces deux milieux,
l'un artistique et l'autre médical. Et c'est dans ce contexte que ces
deux ministères ont signé le 4 mai 1999 la première convention nationale
destinée à développer les activités artistiques et culturelles dans
les hôpitaux.
La culture est un élément essentiel à la vie. Elle est la vie.
Le corps comme objet social et culturel.
Pour chacun de nous, il n'y a peut-être rien de plus concret, de plus
"naturel" que son propre corps. Très souvent, il constitue même, à
notre insu, le réel de notre Moi.
Toujours, il est tributaire de la langue car il existe une corrélation
étroite entre les représentations du monde, les représentations de soi
et la langue qui les véhicule. Le corps est un objet du monde et comme
tel, il est nécessairement soumis, dans nos représentations, aux
contraintes de la langue. Il parle, le corps, à l’hôpital, un langage souvent
aphasique, brouillé, confus. On lui parle aussi, on s’adresse à lui,
souvent sans mots, avec des médications, des perfusions, il est
l’objet de transformations, de pertes, des mutilations,...Il est encore
et toujours le corps du sujet. Souffrant, inquiet, parcellé mais sujet.
Il est autant composé de représentations culturelles que de chair et
d'os; les frontières du corps visible ne s'arrêtent ainsi pas à la peau ou
à une sorte de territoire kinesthésique. L'image du corps se projette
aussi dans le monde des représentations culturelles et de l'invisible.
Dans l’espace et le temps. Le corps lui-même, et toutes les techniques
qu’il convoque, ne peut être considéré dans les seuls plans de
l'anatomie, de la physiologie, de la biologie ou de la psychologie.
Le corps du malade est sans cesse en devenir, jamais le même et
toujours en quête. Il aspire à d’autres traitements, il quémande des
baumes et des paroles qui le réconcilieront avec lui-même. Il se perd,
se retrouve, ne se reconnaît plus, prétend à d’autres instances que
celles du thérapeutique. Il a envie d’être, tout simplement un corps,
dans le silence des organes et le brouhaha des émotions.
Ce colloque se propose d’aller à la rencontre de ce corps, exposé, de
l’autre, en sa place singulière et ses usages culturels, à l’hôpital,
entendu ici comme “institution totale” au sens d’Erving Goffman.
Polyphoniques, ces journées s’inscriront en des champs métis, de la
philosophie à l’anthropologie, de la médecine à la psychanalyse, des
arts plastiques aux arts vivants.
Quand donc le théâtre, la peinture, la danse, la photographie, le chant,
l’écriture mais aussi l’esthétique, la gastronomie, les sciences aurontils
“droit de cité” à l’hôpital ? Quand donc les malades mais aussi leurs
proches et tous ceux qui prennent soins d’eux - dans le sens le plus
noble du terme soigner, soit avoir du souci pour, être préoccupé par
- auront-ils accès à tout ce qui fait la vie, dans et hors l’hôpital ?
Quand donc y seront autorisées, promues, ces expériences intimes de
rencontres avec une œuvre d’art, un livre, un spectacle, un artiste, qui
émeuvent, bouleversent notre rapport au monde, aux choses et aux
Quand donc le théâtre, la peinture, la danse, la photographie, le chant, l’écriture mais encore l’esthétique,
la gastronomie ou les sciences auront-ils droit de cité à l’hôpital ?
autres, qui aident à comprendre et à vivre ?
Pourquoi hôpital et culture seraient deux univers à ce point éloignés,
alors que tant de choses devraient les rapprocher, ne serait-ce que
cette démarche citoyenne : permettre à tous l’accès le plus libre aux
créations de l’esprit. Mais cela est peut-être totalement révolutionnaire
de penser que la maladie exclut déjà suffisamment le sujet et que
nous devrions tous lui ouvrir les portes de la cité et de la culture
pour l’inviter à retrouver sa place parmi nous.
Osons, il conviendrait de réenchanter l’hôpital, de restaurer des corps
meurtris et de rétablir en notre humanité commune des sujets
souffrants.
Ce colloque veut se donner les moyens de croiser réflexions et
pratiques pour que ce projet devienne réalité. Pas un jour, mais
demain. Ici, tout près de nous. Ensemble, nous y arriverons.
Patrick Ben Soussan
pédopsychiatre
F. Dagognet, Le trouble, Paris, Editions la Découverte,
Les empêcheurs de penser en rond, 1994.
C. Castoriadis, L’institution imaginaire et la société, Paris, Seuil, 1995.
I. Bianquis, D. Le Breton, C. Mechin,
Usages culturels du corps, Paris, L’Harmattan, 1997.
Stigmate, Paris, Éditions de Minuit, 1975.
sous les pavés…la plage
corps, culture et cancer
COLLOQUE NATIONAL 24 et 25 juin 2005 A LA FRICHE LA BELLE DE MAI
Corps, culture et cancer
L’art et la culture donnent-ils du sens à l’hôpital ?
LES SOINS CULTURELS
Avec :
• Patrick Ben Soussan, psychiatre, Institut Paoli-Calmettes, Marseille,
• Philippe Foulquié, Directeur du Théâtre Massalia et de Système Friche Théâtre, Marseille
• Christian Lehmann, médecin, écrivain
• Eric Dudoit, psychologue, AP-HM, Marseille,
• Elisabeth Letroublon, ancienne patiente, Toulon,
• Pierre Le Coz, philosophe, AP-HM, Marseille,
• Alain Chareyre-Mejan, professeur d’Esthétique, Université d’Aix-Marseille 1,
• Roland Gori, psychanalyste, professeur de Psychopathologie Clinique, Université d’Aix-Marseille 1
• Sylvie Gerbault, directrice du 3bisf, lieu d’arts contemporains, Aix en Provence
• Philippe Bouteloup, musicien, directeur de Musique et Santé, Paris,
• Pippo Delbono, acteur, metteur en scène, Italie,
• Nicolas Frize, compositeur, directeur de l’association Les Musiques de la Boulangère,
• François Cervantes, auteur, metteur en scène, directeur de la Compagnie l’Entreprise,
• Maryline Bellieud-Vigouroux, présidente de l’Institut Mode Méditerranée, Marseille,
• Marcel Rufo, pédopsychiatre, professeur des Universités, Maison des adolescents, Paris,
• Eva Weil, psychanalyste, Hôpital Necker-Enfants malades, Paris,
• Jean-Jacques Romatet, directeur général, CHU de Nice,
• Boris Cyrulnik, neuropsychiatre, directeur d’enseignement en éthologie à la Faculté des Lettres
et des Sciences Humaines de Toulon,
• Serge Tisseron, psychiatre, psychanalyste, docteur en psychologie, enseignant à Paris VII,
• Yolande Arnault, psychologue clinicienne, Institut Paoli-Calmettes, Marseille,
• Marie Desplechin, écrivain, auteur de “La vie sauve”,
• Lydie Violet, attachée de presse, auteur de “La vie sauve”,
• Dominique Maraninchi, médecin, professeur des universités, directeur de l’institut Paoli-Calmettes,
directeur scientifique de l’Institut National du Cancer.
Projection de court-métrages, issus d’archives hospitalières
(programmés par Kinotone et Videodrome, Marseille)
Musique avec le Sélène Trio
Interventions improvisées des Souffleurs (commando poétique, Paris)
Inscription gratuite mais obligatoire
Informations et inscriptions : Agence Atoutcom
04 91 13 79 13
Mais que peuvent apporter l’art et la culture aux malades ?
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Le buveur de pluie
texte de Boubacar Diallo et illustration de Véronique
Vernette
Editions La compagnie créative- Editions ganndal
www.la-compagnie-creative.com
Entre conte et ode pour la paix, le buveur de pluie nous
emmène dans les humeurs des saisons et des peuples
d'Afrique qui les subissent…
Conte, parce que nous sommes dans un temps où les éléments
de la nature parlent, pluie et éclair sont personnifiés,
ainsi que leur famille, mais les hommes ont leur mot à dire…
alors enfin, ode pour la paix parce la pluie et l'éclair sont tous
deux nécessaires, tout comme le soleil, tout simplement à
la vie des hommes…
dans le noir
Gita Wolf - Sirish Rao - Rathna Ramanathan
Editions Tourbillon
Dans l'obscurité, imaginez-vous marchant, quand soudain
vous heurtez quelque chose…
Si vous êtes cuisinier vous imaginerez que c'est peut-être
une énorme casserole, si vous êtes coiffeur ce sera sans
doute une énorme paire de ciseaux, mais alors si vous êtes
archéologue ce sera certainement selon vous le plus gigantesque
os de mammouth jamais découvert…
Qui aura raison et qui aura tort une fois le jour venu ?…
La selection jeunesse
de la Librairie Païdos par Céline Bonneau
Nabil
Gabrielle Vincent
Editions Rue du monde
Ça commence comme ça …
"Nabil, l'Egyptien, nous a raconté
cette histoire :
L'instituteur du village leur avait parlé
de la Grande Pyramide…
Il voulait la voir.
Voir la Grande Pyramide…
Marcher dans le désert… Jusque-là…
Il en avait rêvé pendant un an.
Réaliser ce rêve…"
Illustrations noires au crayon, juste l'essentiel des
contours afin de suggérer autant les paysages infinis que
les réflexions sur le voyage, sur l'amour, sur les rêves
d'un petit gamin bien décidé à aller là-bas…
Livre grand format pour un long voyage extrêmement
poétique.
Gabrielle Vincent a écrit et illustré ce magnifique livre
ainsi que toute la série ernest et célestine.
www.librairiepaidos.com
LIBRO.9
AU THÉATRE… MASSALIA
Théâtre jeune public, tous publics, il propose
toute l’année une programmation éclectique
de marionnettes, cirque, théâtre, danse.
Programme trimestriel disponible dans tous les
lieux publics de Marseille et à la friche la belle de
mai. Tél. 04 95 04 95 70 / www.theatremassalia.com
AU CINÉMA
Au cinéma l’Alhambra, (propose à Marseille une
programmation permanente de cinéma pour les
enfants) Alhambracinémarseille - St Henri
Tél. 04 91 03 84 66 / www.alhambracine.com
À LA LIBRAIRIE
Païdos,
(spécialisée en éducation et qui dispose d’un très
intéressant rayon jeunesse).
54 cours Julien / Tél. 04 91 48 31 00
Librairie Regards
(consacrée aux arts en général)
Vieille Charité / Tél. 04 91 90 55 34
AU MUSÉE
Musée d’Archéologie Méditerranéenne
(notamment la salle Egypte). Centre de la Vieille
Charité.
Tél. 04 91 14 58 59 / www.mairie-marseille.fr
Musée d’Arts Africains, Océaniens, Amérindiens
Centre de la Vieille Charité.
Tél. 04 91 14 58 38 / www.mairie-marseille.fr
Museum d’histoire naturelle de Marseille
Palais Longchamp.
Tél. 04 91 14 59 50 / www.mairie-marseille.fr
Préau des Accoules
(Espace des enfants des Musées de Marseille)
pour des expos ludiques et interactives.
Montée des Accoules / Tél. 04 91 91 52 06
MAC
Au hasard du grand incomplet
ET AUSSI À MARSEILLE
(Galeries Contemporaines des Musées de
Marseille). 69 avenue de Haïfa.
Tél. 04 91 25 01 07 / www.mairie-marseille.fr
Musée de la Mode
11, la Canebière.
Tél. 04 91 56 59 57 / www.mairie-marseille.fr
La Friche la Belle de Mai
ENFANTS
EMMENEZ
vos parents...
(Pour des expositions d’arts plastiques et pour
l’Espace Culture Multimédia). Rue Jobin.
Tél. 04 95 04 95 04 / www.lafriche.org
Observatoire de Marseille
Bd Cassini - Place Rafer. Tél. 04 95 04 41 26 /
www.oamp.fr
Archives municipales
(Pour se plonger dans l’histoire de Marseille).
Tél. 04 91 55 33 75 / www.mairie-marseille.fr
ET UN PEU PLUS LOIN
Espace de l’Art Concret
06370 Mouans Sartoux / Tél. 04 93 75 71 50
Perso.wanadoo.fr/espace.art.concret/
Musée international des Arts Modestes (MIAM)
34200 Sète / tél. 04 67 18 64 00 / www.miam.org
Musée National Fernand Léger
06140 Biot / tél. 04 92 91 50 30 /
www.musee-fernandleger.fr
Crestet Centre d’Art
84110 Crestet / tél. 0490363500 / www.d-c-art.org
à Massalia on aime
DES LIVRES
Pomelo
de Ramona Badescu et Benjamin Chaud
les aventures poétiques d’un minuscule
éléphant de jardin…
chez Albin Michel jeunesse
Suzanne
de Marie Ange Guillaume et François Roca
un texte poétique qui parle d'un voyage en avion
à travers le monde d'une petite fille, Suzanne, qui
part seule de l'autre côté du monde pour voir des
animaux qui font autre chose que remuer la
queue, contrairement à son chien Hélice.
collection Crapule chez Seuil jeunesse
Ma grand-mère perd la tête
de Corinne Dreyfuss
collection “Petite Poche des romans comme pour
les grands”, Editions Thierry Magnier
Même pas peur
de Claudine Galéa et Marjorie Pourchet
aux Editions du Rouergue
Histoires d’enfance
De Elzbieta
Aux Editions du Rouergue
DES REVUES
Revue Dada
Revue d’art pour les enfants
Aux Editions Mango
Revue Mille et un bébés
Rubrique “les bébés et la culture”
Aux éditions Erès
Revue Spirale
Revue sur l’enfance
Aux Editions Erès
DES SITES
www.citrouille.net
le site des libraires jeunesse
www.theatre-enfants.com
www.petitvelorouge.free.fr
(site au graphisme simple de jeux, d'histoires,
de comptines pour les petits à partir de 2 ans...)
www.monde-diplomatique.fr
www.lerouergue.com
LIBRO.2
le site des Editions du Rouergue
www.editions-thierry-magnier.com
le site des Editions Thierry Magnier
DES FILMS
Central do brazil
De Walter Salles - 1998
Dodes’kaden
De Akira Kurosawa - 1970
Los Olvidados
De Luis Bunuel - 1950
Evénement à ne pas manquer
Elzbieta à Marseille.
Cette grande dame de la littérature jeunesse
sera accueillie par le théâtre Massalia
en partenariat avec la Bibliothèque l’Alcazar,
le mercredi 19 octobre 2005, pour une
rencontre dans le cadre des groupes
de travail Jeune Public du théâtre Massalia.
Inscriptions auprès de Silvia Coelho
centre ressources théâtre Massalia:
massaliaressources@lafriche.org
@
www.theatremassalia.com
pour la programmation du théâtre
Massalia, les comptes rendus des
réunions du groupe de travail jeune
public, des informations pour les
professionnels de la région…
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