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Le Parvis centre d’art
Vidéo K.01 Pau
> Service éducatif
DOSSIER PEDAGOGIQUE
Exposition
Fantômes domestiques
Avec les oeuvres du FRAC-Collection Aquitaine, Bordeaux
23 juillet – 29 octobre 2010
Au premier plan, œuvre de Joachim Mogarra. Au second plan, œuvre d’Elisabeth Ballet. Ph Le Parvis.

1 ère partie
> Présentation de l’exposition
Fantômes Domestiques
LES OEUVRES ET LES ARTISTES DE L’EXPOSITION
L’exposition Fantômes Domestiques présente neuf oeuvres créées par autant d’artistes
différents. Huit oeuvres sont présentées dans la salle d’exposition, et une oeuvre vidéo est
projetée dans le Vidéo K.01.
Toutes ces oeuvres nous entraînent dans un univers à la croisée du « domestique » et du
« fantomatique ».
En premier lieu, nous pouvons reconnaître dans les oeuvres présentées certaines similitudes
avec les espaces de vie du quotidien : l’intérieur de la maison ou de l’appartement. En effet,
les oeuvres se rapprochent des formes et des objets qui nous sont familiers : des tables, des
vases, des balcons, des cheminées.. Néanmoins ici, il s’agit d’oeuvres qui par conséquent
ne cadrent pas exactement avec une réalité concrète, tant il est vrai que leur présentation
inhabituelle et décalée, les détourne a priori de toute possibilité d’usage.
Ainsi, ces oeuvres ne font pas parties de ce qu’on appelle le design, il ne s’agit pas non plus
d’éléments purement décoratifs, mais plutôt de sculptures (Fabrique II d’Elisabeth Ballet),
d’installations composées d’objets associés entre eux (réfrigérateur et télévision pour
l’oeuvre de Nathalie Talec, miroir et cheminée pour celle de Jan Vercruysse), de sculptures
faisant également offices de peintures (Bilder de Katharina Fritsch) et de photographies...
Autant de formes et d’expressions diverses qui, associées entre elles, recréent un espace
domestique fictif.
En second lieu, nous pouvons nous interroger sur l’éventuel habitant des lieux... Qui vit dans
cet espace ?
Si la présence humaine est évoquée par la puissance fonctionnelle, mais virtuelle, des
oeuvres mobilières, elle se trouve également figurée à travers les oeuvres en 2D. Dans ces
oeuvres, des présences transparaissent de façon fantomatique et troublante. C’est le cas de
l’installation de Nathalie Talec, dans laquelle un visage de femme apparaît et disparaît à
mesure que la chanson Cry me a river se fait entendre. C’est également vrai pour les
photographies de Cindy Sherman et de Pierre Molinier qui présentent deux autoportraits à la
personnalité troublante, jouant autant du rôle social de la femme que de l’identité sexuelle.
De même que pour la vidéo d’Enna Chaton dans laquelle le corps devient le lieu où se
concentrent les interrogations existentielles permettant l’expression d’une mythologie
individuelle.
Chaque œuvre, qu’elle soit mobilière ou qu’elle s’attache à la représentation humaine,
investit métaphoriquement l’espace d’exposition pour offrir des possibilités narratives
suggérant une présence impalpable, une histoire invisible, propice à l’imaginaire et au récit.

Elisabeth Ballet
Fabrique II, 1999
Bois peint 115 x 188 x 151 cm
L’oeuvre d’Elisabeth Ballet est la première que
l’on voit en arrivant dans la salle d’exposition.
Elle attire l’oeil par son côté coloré et
compartimenté. Il s’agit d’une sculpture en bois
peinte en violet. La sculpture se compose de
quatre modules qui se chevauchent et
s’emboîtent les uns dans les autres. La structure
complexe de l’oeuvre se révèle en réalité
ludique, et incite le spectateur à pénétrer par le
regard dans cette étrange construction. Fabrique
II semble contenir un trajet, impénétrable malgré
les ouvertures. Au delà de son aspect
géométrique et anguleux, cette sculpture nous
fait finalement tourner en rond.
> Qui est Elisabeth Ballet ?
Elisabeth Ballet s'est fait connaître à la fin des années 80 par un ensemble de travaux et
d'installations interrogeant la notion d'espace clos et les éléments fondamentaux de la
sculpture. Son oeuvre se présente comme un jeu sur le vide et le plein, l’intérieur et
l’extérieur. Elle utilise en général des matériaux simples et usuels, comme ici le bois.
Elisabeth Ballet est née en 1957 à Cherbourg. Elle vit à Paris.
> Citation de l’artiste
« Je fonde mon travail sur le déplacement des mots aux choses, du dessin vers la sculpture,
du mur vers le centre, du plan vers le volume. »
Une Oeuvre en regard
Rachel Whiteread,
Embankment, 2005-2006
Un gigantesque empilement de
cubes en polyéthylène blanc,
des moulages de l’intérieur de
cartons qui ouvrent une infinie
série d’associations possibles :
banquise, bloc de marbre,
entrepôt labyrinthique...
>>

Nathalie Talec
Paroles gelées, 1997
Réfrigérateur, moniteur et bande vidéo, bassine, goutte-à-goutte, eau
130 x 120 x 80 cm
L’oeuvre de Nathalie Talec, Paroles gelées,
est constituée d’un réfrigérateur usagé dans
lequel est placé un moniteur qui diffuse une
vidéo en boucle. Cette vidéo représente ellemême
un visage féminin filmé derrière un
écran givré. Une voix chante de manière
monotone « Cry me a river » d’Arthur
Hamilton et en suivant le rythme de la
mélodie, le visage féminin apparaît et
disparaît de l’écran.
Au fond du réfrigérateur, un dispositif de
goutte-à-goutte remplit un récipient placé
sous le moniteur. Comme l’explique l’artiste :
« Il y a d’abord comme une intuition, celle de
faire fondre du Verbe dans un réfrigérateur.
Ici, un moniteur vidéo - placé à l’endroit de la
glacière - puis un simple système de goutteà-goutte.
» La vidéo est un autoportrait
représentant Nathalie Talec luttant contre le froid en chantant dégelant par ses paroles et
son chant la paroi de glace. L’oeuvre nous renvoie ainsi une image à la fois étrange,
émouvante et poétique.
> Qui est Nathalie Talec ?
L'art de Nathalie Talec brosse souvent un portrait de l'artiste en explorateur. L'exploration
des régions polaires (découverte, arpentage, cartographie et système de survie en
conditions extrêmes) étant vue par l’artiste comme métaphore de l'art ou la quête de l'absolu
et de l'élémentaire.
De ses expéditions dans le Grand Nord (fantasmées puis réelles), aux explorations des
systèmes de représentations du monde (de la Science à la Chanson en passant par le
Sitcom), Nathalie Talec s'intéresse à des états intermédiaires, des entre-deux, des zones
incertaines. Ce qu'elle met véritablement à l'épreuve par accumulations de sources diverses
(histoires scientifiques, histoire de l'art, histoires personnelles) ce sont les mises en fiction du
réel. Avec pour personnage central la figure de l'artiste, les modes d'apparitions du froid (la
glace, la neige, les flocons...), ses histoires et mythologies, mais aussi la vapeur d'eau, la
condensation, sont pour Nathalie Talec un outil de situation dans le monde, d'analyse et de
localisation... De réflexion métaphysique.
Nathalie Talec est née en 1960. Elle vit et travaille à Paris.
> Citation de l’artiste
« Nous guide avant tout le désir de proposer des rapports, des fictions, des événements
touchant aux basses températures – car plus que le pôle lui-même, un état nous intéresse :
le FROID. »
Quelques oeuvres en regard
Bertrand Lavier : Brandt sur Fichet-Bauche, 1984
Daniel Firman : Déflagration, 2006

Jan Vercruysse
Atopies (XI), 1986
Bois, placage d’acajou, miroirs (4 éléments) 238 x 322 x 35 cm
Cette oeuvre de Jan Vercruysse appartient à la
série des « Atopies », commencée en 1985.
Le terme atopie signifie « qui n’a pas de lieu ». Il
s’agit d’une portion de réel que propose l’artiste.
Cette composition austère et monumentale est
constituée d’objets présentés dans une position
frontale : un panneau et une cheminée
recouverts d’acajou sont surmontés de deux
miroirs, accrochés selon un plan précis, à une
hauteur qui ne permet pas au spectateur de s’y
refléter. Elle fonctionne comme une parodie
d’espace habitable dans lequel le spectateur ne
peut pénétrer. Chaque élément se présente
dans le plan, transformant la composition en une
image plate. Seule, la cheminée est identifiable,
le panneau voisin est légèrement incliné contre
le mur. Dépourvue de toute temporalité Atopies (XI) renvoie à son propre espace et à son
propre vide.
> Qui est Jan Vercruysse ?
Jan Vercruysse réalise des séries d’oeuvres qui explorent les thèmes de la présence et de
l’absence. En effet, les objets qu’il assemble travaillent notre faculté de mémoire, l’énergie
que l’on déploie pour combler le vide laisser par ce qui n’est plus là.
Dans sa série de « Tombeaux », des objets utilitaires, comme des chaises, sont assemblés
de manière originale, - elles sont accrochées au mur par exemple -, et deviennent des
traces, des restes d’un voyage, des gardiens silencieux de morceaux de vie. En peignant
certains de ces objets, il renforce la distance prise avec leur fonction initiale. Ainsi, tandis
que ces œuvres deviennent sculptures, elles affirment leur présence, leur existence, leur
propre lieu.
Jan Vercruysse est né en 1948 à Waregen, en Belgique. Il vit et travaille à Bruxelles.
> Citation de l’artiste
« Je souhaite que chaque pièce parle des autres et se réfère aux autres, comme une
séquence de sonnet. »
Une oeuvre en regard
Magritte, La durée poignardée, 1938
Et si d’un espace sans profondeur pouvait
surgir un objet animé... C’est ce que propose
cette peinture de Magritte qui montre
l’apparition d’une locomotive sortant d’une
cheminée.
>>

Katharina Fritsch
Bilder, 1990
Détrempe sur bois, feuille de métal et vernis
140 x 500 x 8,5 cm
Bilder (qui se traduit par « images/tableaux »)
est une oeuvre qui semble relever a priori de la
sculpture. Trois plans monochromes, cernés
chacun d’un cadre épais de couleur métallisée,
simulent des tableaux dont on peut aussi bien
penser qu’il s’agit d’embrasures de fenêtre.
L’effet de perspective suggéré par les
montants biaisés des cadres, glissant vers
l’intérieur de la toile, est renforcé par les
jointures aiguës que forment les plans de
coupe des côtés. Si les cadres sont de couleur
identique, les fonds différent : l’un est noir,
l’autre blanc, et le troisième est jaune. Ainsi ce
triptyque, par les notions qu’il suggère («
monochrome », « perspective », « cadre », «
plan »), interroge en réalité l’histoire de la
peinture, de l’art religieux jusqu’à l’art
contemporain.
> Qui est Katharina Fritsch ?
Katharina Fritsch s’inspire de réminiscences qu’elle transforme en archétype. Ses
sculptures-objets semblent être les répliques exactes de choses usuelles mais un détail, une
modification de forme ou de couleur crée un décalage, et induit un processus de «
déréalisation ». Son travail est une théâtralisation de la vie et de l’imaginaire. Elle se réfère
souvent aux origines religieuses de l’art. On croise dans ses installations des fantômes, des
vierges jaunes (Madonna Figure, 1987), des humains aux allures d’automates ou des
éléphants. Ses sculptures sont toujours des multiples, des objets qui glissent, qui hésitent
entre l’art et la mort. Dans les années 1990, elle installe le Roi des rats, un immense rat noir,
dans des dispositifs monumentaux, théâtraux, et duplique ses figures pour les rendre plus
inquiétants (Rattenkönig, 1991-1993).
Katharina Fritsch est née en 1956 à Essen, en Allemagne. Elle vit et travaille à Düsseldorf.
> Citation de l’artiste
« Que puis-je provoquer aujourd’hui ? Cela ne m’intéresse pas. Je veux uniquement mettre
en avant un certain nombre d’éléments qui établissent un rapport d’identité, de clarté, de
concentration avec la réalité. »
Quelques oeuvres en regard
Claes Oldenburg : Giant Pool Balls, 1977
Franck Scurti : Mobilis in Mobili, 1996

Juan Muñoz
Balcón/nes, 1986
Fer et néon. Balcon : 60 x 75 x 41 cm Néon : 63 x 17,5 x 5 cm
Balcón/nes se présente sous la forme d’un balcon en
fer soudé, accroché en hauteur à proximité d’une
enseigne de néon reproduisant le mot « HOTEL »,
lisible à l’envers.
Comme dans d’autres oeuvres, le balcon constitue pour
l’artiste une métaphore de l’espace habité depuis lequel
on peut contempler ou se montrer. Le spectateur se
retrouve pourtant face à cet élément architectural, vide
de toute présence humaine, et appuyé de manière
absurde sur un mur qui n’offre finalement aucune
possibilité d’observation.
La présence du balcon, élément classique du décor
théâtral, nous laisse imaginer un dialogue entre
personnages comme dans une pièce de théâtre
classique.
> Qui est Juan Muñoz ?
La sculpture de Juan Muñoz s’emploie à détourner le réel pour repenser l’image de l’homme.
Des fragments d’éléments architecturaux ou de mobilier (balcons en fer, minarets, tours,
mains courantes, tables, chaises...) se confrontent à des éléments étranges ou inquiétants
(sols en marqueterie illusionniste, mannequins...) chargés de perturber le regard et la
compréhension de la scène.
Juan Muñoz est né en 1953 à Madrid, il est mort en 2001 à Ibiza.
> Citation de l’artiste
« J’essaie toujours de faire un art réaliste, peut-être rempli de reflets fantastiques »
Oeuvres en regard
Francisco de Goya : Majas au balcon, 1808
Edouard Manet : Le balcon, 1868
Francisco de Goya,
Majas au balcon, 1808
Par delà les barreaux du balcon, les regards
circulent dans cette peinture de Goya.
De même avec le balcon de Juan Munoz qui
appelle les regards des visiteurs.
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Joachim Mogarra
Bouquet perpétuel, 1988
Fleurs coupées, vase, eau et présentoir
Joachim Mogarra installe un « bouquet perpétuel » dans
l’espace d’exposition. Composé de fleurs naturelles, ce
bouquet est offert par l’artiste à la contemplation du
visiteur. Exposées ainsi dans un simple vase, les fleurs
évoquent celles que l’on trouve dans la maison, sur la
table du salon, ou dans la cuisine. En entretenant
quotidiennement le bouquet de fleurs la personne en
charge de l’exposition répond à la consigne de l’artiste qui
souligne par là l’engagement nécessaire à l’existence de
toute oeuvre. Le renouvellement des fleurs évoque les
gestes ou actions qui sont effectués au quotidien, comme
par exemple la tournée matinale du boulanger. Cette
notion de quotidienneté rappelle alors la marque de
certains rituels, voire de certaines pratiques à caractère
sacré.
> Qui est Joachim Mogarra ?
Au début des années 1980, les photographies noir et blanc de Joachim Mogarra instaurent
un rapport d’échos entre des événements de l’histoire de l’humanité et leur représentation
par des moyens de fortune. En 1985, avec la série « Les Chefs-d’oeuvre de l’art » il
reconstruit des chefs d’oeuvre avec des « bouts de ficelle », restituant par la photographie
les oeuvres d’artistes marquants du XXe siècle. L’ironie s’amplifie lorsqu’il aborde le thème
de la religion dans les séries des « Lieux de la foi » et « Série biblique » en 1986. L’usage
des aphorismes, seuls ou accompagnant des images, montrent l’intérêt soutenu de l’artiste
pour les jeux de mots et les jeux de langage.
Par le biais d’un étrange changement d’échelle, Joachim Mogarra métamorphose ses mises
en scène des objets du « presque rien » en une vision où se côtoient le trivial et l’artistique,
le ludique et le sérieux.
Joachim Mogarra est né en 1954 à Tarragone en Espagne. Il vit et travaille à Montpeyroux.
> Citation de l’artiste
« J'ai le sentiment que la création réside plus dans le regard que dans la main.
J'aime juste l'idée d'un sens ajouté au monde et à ses objets. »
Oeuvre en regard
Fischli et Weiss, Fleurs, 1997-1998
Le plaisir de la banalité : avec beaucoup
d'humour, les objets et les situations de
la vie courante deviennent chez Fischli et
Weiss des objets d'art.
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Cindy Sherman
Untitled n°110, 1982
Photographie couleur 112,3 x 75,5 cm
Dans cette oeuvre comme à son habitude, Cindy
Sherman se photographie en train d’incarner une
figure féminine. Dans cette image en couleur et de
grand format, une silhouette apparaît, cadrée de près,
dans un décor indistinct.
La proximité du point de vue donne un aspect
dramatique à la photographie et donne l’impression
que quelque chose va se passer. Plongé dans une
semi obscurité, la totalité du corps du personnage ne
peut pas être perçue et son regard à peine visible
rend la femme vulnérable. Prise dans un très fort clair
obscur, c’est le contraste de lumière qui rend la scène
énigmatique et inquiétante.
> Qui est Cindy Sherman ?
Des premières photographies des années 1970 aux récentes images « gore » qu’elle réalise
à partir de 1994, l’oeuvre de Cindy Sherman s’est entièrement constituée à partir d’une
réflexion sur l’histoire des images et sur les différentes métamorphoses de son propre corps,
pris en otage de thèmes issus de l’analyse de multiples stéréotypes féminins.
La série des Untitled Film Stills, réalisés entre 1975 et 1986, parle de l’imaginaire de l’artiste,
de la mythologie du cinéma et de l’identification de chacun d’entre nous à ses héros. Suivent
de nombreuses séries en couleur où Cindy Sherman recherche la confrontation directe de
l’image photographique et télévisée. Pourtant, dès 1982, se grimant et se travestissant, elle
délaisse le roman-photo sans texte pour une construction d’images au chromatisme et au
décor toujours plus complexe. Personnages grotesques et monstrueux, affublés de
prothèses, côtoient un décor peuplé d’immondices et d’un magma de science-fiction. Avec
les séries des années 1990, Civil Wars, Sex Pictures, et Horror Pictures, Cindy Sherman
semble disparaître de l’image pour laisser place à des corps et mannequins désarticulés :
une façon de précipiter le regard dans une réflexion toujours plus aiguë sur l’identité de
chacun.
Cindy Sherman est née en 1954 à Glen Ridge, aux Etats-Unis. Elle vit et travaille à New
York.
> Citation de l’artiste
« Mes photographies ne racontent pas d’histoires particulières mais des personnages. »
Oeuvre en regard
Valérie Belin, Sans titre, 2006.
Valérie Belin, Sans titre, 2006
Les photographies réalisées par Valérie
Belin nous font ressentir un trouble : ces
visages sont-ils des « êtres vivants » ou
des « êtres inanimés » ?
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Pierre Molinier
Pierre Molinier fétiché, vers 1970-1976
Photographie noir et blanc, 10,8 x 5,7 cm
Dans cette photographie en noir et blanc de petit format
Pierre Molinier se présente « fétiché ». Il utilise le
travestissement dans cette composition où il apparaît
revêtu d’un corset, et portant un masque, et un cache
sexe. On distingue en arrière plan un paravent et un
fauteuil d’allure bourgeoise qui renvoient au mobilier de
son appartement.
Le corps est l’élément qui structure son oeuvre, qu’il
s’agisse de peintures ou comme ici de photographie. Il
le met ici en scène grâce à des accessoires, mais il
effectue aussi des retouches, notamment pour le
visage. Le masque semble avoir été ajouté par
photomontage pour que le regard soit réellement celui
d’une femme.
> Qui est Pierre Molinier ?
L’oeuvre de Pierre Molinier se compose de peintures, de photographies et de
photomontages dans lesquelles l’artiste donne forme à ses propres fantasmes. Le plus
souvent il réalise des mises en scène de son propre corps, jouant du trouble sur son identité
sexuelle par des autoportraits travestis, où s’expriment son culte de l'androgynie et son
fétichisme des jambes.
Membre du groupe surréaliste de 1955 à 1969, Pierre Molinier est resté en marge de ce
mouvement. Le mystère de son oeuvre se révèle en particulier dans sa peinture, qualifié de
"magique" par Breton, et peuplée de poupées aux visages sensuels, aux parures érotiques
(voilettes, masques et résilles) qui témoigne d'une oeuvre hantée par la mort.
Pierre Molinier est né en 1900 à Agen, il est mort en 1976 à Bordeaux.
> Citation de l’artiste
« Ne regarder ni à droite ni à gauche, l’oeuvre d’art est la matérialisation de ce que sent
intensément chaque individu, exprimer ce que l’on porte en soi, prendre son inspiration dans
ce qui est le plus intime de son esprit. »
Oeuvre en regard
Hans Bellmer, Sans titre (Unica ficelée), 1959
Hans Bellmer, Sans titre (Unica ficelée), 1959
D'un grand raffinement et pleins d'audace, les
dessins de Bellmer retranscrivent les pulsions
secrètes, les transferts des sens, les
ambivalences du corps érotique. L'artiste montre
ainsi les harmonies et la cruelle beauté de la
mécanique du désir.
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Enna Chaton
Passages, 2005
Vidéo, 17'21''
Dans la vidéo Passages, des plans panoramiques se
succèdent. La caméra se déplace lentement, de gauche
à droite, à l'intérieur de ce qu'on suppose être les
appartements des êtres qui s'y trouvent... Immobiles et
nus, face à la caméra, assis ou debouts, allongés sur un
lit, lovés dans le velours d'un canapé, ils sont
simplement là, seuls ou en famille. Nus, comme dans
une nature morte.
Ces séquences filmées dans lesquelles les corps sont
figés rappellent aussi les photographies des albums de
famille où l'intense présence des personnages semble
nous parler de mémoire, de l'origine du monde, de la
Genèse, ou du paradis perdu. Elle nous parle d'un
temps où nous étions peut-être sans complexes ni
interdits, libres de corps et d'esprit. Avant que l'idée
même du nu devienne impensable, sinon sale donc
coupable.
Les images de Passages sont habillées d'une bande
son faite du vrombissement des camions, autos, motos
circulant hors champ et non retouchés au montage.
Entre chaque plan panoramique, une image monochrome, rouge ou rose, azur ou verte,
vient ponctuer ces passages...comme une plage de silence.
> Qui est Enna Chaton ?
Enna Chaton utilise l'image, fixe ou en mouvement, pour mettre en scène des corps nus,
d'hommes et de femmes de tous âges, modèles non professionnels, parents, amis,
inconnus, complices, dans différents espaces domestiques ou dans toute sorte de paysages.
Enna Chaton est née en 1969 à Grenoble. Elle vit et travaille près de Sète.
> Citation de l’artiste
« J’organise des rencontres, fabrique des fausses familles, rassemble des corps étrangers.
Les personnes se montrent nues, s’inscrivent dans un lieu choisi par mes soins pour la
circonstance. Les corps prennent position : une pose première : debout.
Leur corps et leur visage disent qu’ils sont là, présents, entiers et fragiles face au regard de
l’autre. »
Oeuvre en regard
Vanessa Beecroft, VB 50, 2002
Vanessa Beecroft, VB 50, 2002
Lors d’une performance à Sao Paulo,
Vanessa Beecroft présente des corps
d’origines diverses montrant différentes
couleurs de peau, de chevelure.
>>

2ème partie
Avec la classe :
Préparer et approfondir la visite de l’exposition
Fantômes Domestiques
Au premier plan, œuvre de Joachim Mogarra. Au second plan, œuvre de Katharina Fritsch / photo Le Parvis

Préparer la visite
Le Dialogue entre la sculpture et le mobilier
Ou comment l’art contemporain croise régulièrement le domaine du design et
vice versa….
En 1909, il paraît évident à Walter Gropius, fondateur de l'école d'arts appliqués du
Bauhaus, de préparer à ses étudiants des cours d'histoire de l'art, car il est convaincu que
les artistes sont les premiers créateurs de formes nouvelles.
De son côté, en 1912, l'artiste Marcel Duchamp, en visite au Salon de l'aéronautique à Paris,
prend à témoin Fernand Léger et Constantin Brancusi qui l'accompagnent et s'exclame :
« C'est fini la peinture ! Qui fera mieux que cette hélice ? » Le futur père du ready-made
avait pressenti, ce jour-là, la place qu'occuperaient dorénavant les objets manufacturés dans
l'imaginaire moderne .
Ces deux positions, en apparence contradictoires, montrent combien, très tôt, les rapports
entre l'art et le design apparurent comme possiblement fructueux !
Mais c’est en 1960 dans le contexte du Pop Art américain que le dialogue entre la sculpture
et le mobilier ou le design s’est véritablement instauré. La diffusion de nouveaux matériaux,
de nouveaux revêtements (Formica, vinyle, Celotex) et les motifs psychédéliques des
années 60-70, issus de la culture populaire, favorisent ce rapprochement entre l’art et le
mobilier.
Richard Artschwager (né en 1923), formé dans l’atelier du
peintre Amédée Ozenfant en 1949 à New York, auteur de
meubles en bois (bureau, étagère et chaise à bascule),
présente ses premières sculptures mobilières – des répliques
de chaises, de miroirs, de tables – au début des années
1960. Richard Artschwager, lié à Oldenburg en 1961, conçoit
la sculpture comme un « espace senti ». Ses répliques de
meubles, peints avec la précision d’un artisan ou recouverts
de revêtements industriels colorés, jouent sur l’illusion.
Dans un esprit minimaliste, Richard Artschwager nous incite
à reconstituer mentalement la fonction de l’objet qu’il
synthétise en un seul volume. Il crée des chaises sur
lesquelles on ne peut pas s’asseoir, des portes qui ne
s’ouvrent pas, de faux miroirs, ou des assemblages qui sont
tout à la fois ( PMPCTF : Porte / Miroir / Panier / Couverture /
Table / Fenêtre). Richard Artschwager, Table et chaise, 1963

Issu de la peinture abstraite et de la performance,
complice du mouvement Fluxus, John Armleder (né
en 1948), artiste d’origine suisse, aborde également
la question du dialogue entre la peinture et le
mobilier. Il présente son premier meuble peint en
1979. Il va ensuite créer la série des « furniture
sculpture », des arrangements qui associent des
meubles, neufs ou récupérés, et des tableaux
abstraits. Il interroge la frontière entre le décoratif, le
design, et pose la question de l’utilisation de l’objet.
John Armleder, Furniture sculpture, 1987
Née aux Etats-Unis en 1965, Andréa Zittel réalise dans
les années 1990 la série des Living puis des Comfort
Units, structures nomades et modulables selon les
désirs de chacun. L’utopie des premiers modernistes,
du Bauhaus à toutes les formes d’expression plastique
ayant tenté de rapprocher la production artistique et la
valeur d’usage de l’oeuvre, se resserre ici sur le confort
individuel, sur les rêves d’intimité et d’isolement de
notre société. Parmi ses oeuvres au croisement du
design et de ses utopies, se trouvent toutes les
structures habitables et autres « caravanes » qu’elle
crée à partir de sa structure de production intitulée A to
Z Administrative Services.
Andrea Zittel, Living Unit, 1994
L’oeuvre de Jorge Pardo se situe à la frontière de
divers champs artistique, testant ainsi les limites
conventionnelles de la sculpture. Entre
fonctionnalité et valeur d’usage, son projet se
constitue telle une réflexion originale sur les styles
et leur rapport à l’histoire du goût. Intégrant
souvent le mobilier emblématique du design
moderne, les installations de Jorge Pardo sont
autant de méditations sur l’idéologie du confort et
des codes régissant notre mode de vie. Les
matériaux et les techniques qui composent ses
oeuvres constituent une investigation, entre
artisanat et design industriel, fondée sur les
principes d’économie et de diffusion du design à
l’heure du culte de la marchandise.
Jorge Pardo, Untitled (Cesar and Mima Reyes House), 2006

Les objets du quotidien dans l’art
Cofondateur du groupe des Nouveaux Réalistes, Arman
montre, dès 1959, des Accumulations et des Poubelles,
entasse dans des boîtes-vitrines des « inutilisés et des objets
hétéroclites ». Il affirme amasser ainsi par « une volonté
poétique ». Puis il fossilise d’autres Accumulations-Inclusions
dans du polyester transparent, transforme en Colères des
instruments de musique brisés, brûlés, détruits (Piano concert
flamboyant, 1966). Dans les années 1970 et 1980, il continue
ses Accumulations mais découpe aussi en tranches des
sculptures de bronze (ensemble des Coupes). Dans les années
1990, il constitue des Collections dans lesquelles il présente
des installations de tableautins, de cafetières et d’objets divers.
(image : Arman, Infinity of typewriter, 1962)
Dans les années 1970, Tony Cragg collecte des
détritus, des objets de bois et de plastique et les
installe au sol en de grandes compositions
colorées. Il veut mettre sur le même plan les
matériaux traditionnels de la sculpture et les
matériaux les plus communs. A partir de 1984, ses
installations-collages, dessins-sculptures, se
présentent aussi comme des fresques murales. Il
recouvre des objets ou des meubles de particules
de plastique. Il considère que le matériau est
seulement un médium et que seule l’âme importe.
A la fin des années 1980, il use de toutes sortes
de matériaux pour ses sculptures aux formes
allusives : bronze, plastique, plâtre, métal,
polystyrène, bois, verre, etc.
(image : Tony Cragg, Opening Spiral, 1982)
En 1978, le shopping devient pour Haim
Steinbach la base de son activité créatrice
en forme de "cash and carry". Dans un
premier temps, il utilise des étagères
rustiques sur lesquelles il pose les
marchandises ayant excité sa convoitise
(paquets d'Ajax, animaux empaillés,
Frisbee...). Ainsi, à l'Artists Space de New
York, en 1979, il recouvre les murs de papier
peint et y fixe ses étagères. À partir de 1984,
Steinbach radicalise le rapport des objets à
leurs supports, conçus désormais comme
une dérivation ménagère de l'art minimal :ce
sont des étagères de contreplaqué

ecouverts de Formica coloré et laissant voir sur un ou deux côtés ouverts les différentes
strates de fabrication. Le fait d'aligner des objets allant de l'élégant au vulgaire, de l'élitisme
au kitsch, de l'opaque au brillant, sur une base conçue comme élément générique et
constant permet à Steinbach de canaliser l'attention sur les différences entre les produits en
présence. L'objet devient un signifiant, témoignage d'une époque au même titre qu'un tesson
archéologique, exprimant un mode de vie et de représentation.
(image : Heim Steinbach, sans titre, 1984)
Bertrand Lavier pratique le recouvrement de photographies, de tableaux,
de meubles, par une couche de peinture de la même couleur que la
surface de l'objet, appliquée par touches épaisses, la « touche de Van
Gogh », qui procure à la pièce un statut étrange, dans la « frange
dangereuse » entre l'art et le non-art.
Brandt sur Haffner est sa première oeuvre où un objet est posé sur un
autre. Ce faisant, Bertrand Lavier poursuit cette entreprise par un
nouveau procédé de recouvrement, qui transforme les objets non plus
en peinture mais en sculpture. Avec Brandt sur Haffner, c'est la chambre
froide qui prend appui sur la chambre forte, c'est une pièce sur un socle.
Ces objets ont pour caractéristique de ne pas perdre leur valeur d'usage
de manière irrémédiable : ainsi peut-on encore les ouvrir et les fermer,
leur intérieur ne comporte aucun signe distinctif ou « geste » de l'artiste.
Ils sont même désignés par leur marque, comme s'ils sortaient, neufs,
du magasin. Impossible de faire parler ces objets en dehors de leur
rencontre, qui marque l'exacte limite entre l'objet courant et l'œuvre d'art.
Comme le dit Bertrand Lavier « Brandt sur Haffner est à mi-chemin entre
le musée et le grand magasin, et ce lieu est introuvable ».
(Image : Bertrand Lavier, Brandt sur Haffner, 1984)
A travers ses sculptures, interventions et
installations dans l’espace public, s’inspirant
de la vie quotidienne et des objets familiers
(produits de consommation, mobilier, design
urbain, faits d’actualité, etc.), Franck Scurti
développe des oeuvres qu’il préfère désigner
comme des projets. Il s’approprie des signes
de la low culture (logos, jeux, plans de métro,
journaux,...), tout en les réinventant selon des
procédés basés sur une logique de la
complexité et de la contradiction. Franck Scurti
modélise, amplifie, ou hybride ces signes, en
les vidant de leur fonctionnalité quotidienne.
Une brique de lait devient une caravane
(Mobilis in Mobili), des capsules de canettes
deviennent des sièges sans usage (Chairs),
tandis que la porte de la boulangerie de son
quartier se voit reproduite avec une poignée
en forme de sandwich bourré de cartes de crédits (Sandwich).
(Image : Franck Scurti, Mobilis in Mobili, 1996)
Sources :
- Elisabeth Couturier, Le design mode d'emploi, Editions Filipacchi, 2006
- L’ABCdaire de la sculpture du XXe siècle, Flammarion, 2003 (entrée : "Furniture
Sculpture")

Prolonger en classe
Repères dans les programmes scolaires
Enseignements de l’histoire de l’art au collège et au lycée
Thématiques abordées :
-Les Arts du quotidien : le design, les objets d’art
-Les Arts de l’espace : la sculpture, l’architecture
Pour aller plus loin : Ouvrages, Documents et articles à consulter
- Dossier de presse de l’exposition Fantômes Domestiques, en ligne sur le site du Parvis :
www.parvis.net
Ouvrages généraux
- Le LIVRE du FRAC-Collection Aquitaine, Panorama de l’art d’aujourd’hui, éditions Le
Festin / Frac-Collection Aquitaine, 2002
- Pascale Le Thorel : Nouveau Dictionnaire des artistes contemporains, Larousse, Paris,
2010.
- Qu’est-ce que la Sculpture aujourd’hui ?, éditions Beaux Arts, 2008
- L’ABCdaire de la Sculpture du XXème siècle, Flammarion, 2003
Ouvrages spécialisés
- Elisabeth Couturier, Le design mode d'emploi, Editions Filipacchi, 2006
Essai / Fiction :
- Georges Perec, Espèces d’espaces, éditions Galilée, 1974
- la Collection « Fiction à l’oeuvre » :
Les éditions Mix ont créé une collection avec le Frac Aquitaine : elle consiste à inviter des
auteurs, en littérature, à écrire une fiction à partir d'une œuvre d'art issue de la collection du
Frac. Trois livres sont parus : Thomas Clerc : Nouit, 2009 ; Daniel Foucart : ONE, 2010 ;
Noëlle Renaude : De tant en temps, 2010.

3ème Partie
Avec la classe
Visites et ateliers autour de l’exposition
Fantômes Domestiques
Atelier BD réalisé autour de l’exposition LAST DAYS de Dora Garcia / Photo Le Parvis

1. La visite d’exposition
Conçue par le Service Educatif et adaptée à toutes les classes d’âge, la visite d’exposition
permet aux élèves et à leur professeur d’aborder des champs particuliers de l’histoire de l’art
et spécialement de l’art contemporain.
Elle peut être élaborée en amont avec les enseignants en fonction des disciplines
dispensées.
Ludique, elle favorise avec l’aide du médiateur, une découverte interactive et dynamique du
projet des artistes et permet aux élèves de prendre parole face aux œuvres.
> Thématiques de visite
- Découverte des œuvres, entre Art et Design
- Acquérir et diffuser des oeuvres, le FRAC Aquitaine une histoire d’une collection
- Absent, présent, l’espace habité de l’art
N’oubliez pas de venir avec votre bouquet de fleurs pour visiter l’exposition.
Fleurs des champs, du jardin ou du fleuriste, nous installerons votre
composition dans l’œuvre de Joachim Mogarra Le Bouquet Perpétuel !
2. L’atelier autour de l’exposition
A chaque exposition, le service des publics imagine des ateliers d’analyse d’image et de
pratiques artistiques qui permettent aux élèves d’aborder de manière interactive et ludique
les différents thématiques présentes dans la création contemporaine.
Centrés sur l’histoire de l’art, ou sur la pratique des artistes, ils s’adaptent à toutes les
classes d’âges et constituent la base même d’un apprentissage créatif et convivial !
> Thématiques d’Ateliers
- Des meubles de la maison à l’oeuvre d’art
- Atelier « lecture d’images » :
A partir de reproductions en couleurs, observer et associer les images entre elles.
Associer les images des oeuvres de l’exposition, avec celles de meubles usuels de la
maison. (Pour les primaires)
Associer les images des oeuvres de l’exposition, avec d’autres oeuvres dans l’histoire de
l’art, afin de permettre l’observation et la confrontation des oeuvres de l’exposition avec
d’autres exemples pris dans l’histoire de l’art. (Pour le collège, lycée)
> Conditions de visites
- Le centre d’art est ouvert du mardi au samedi de 11h à 13h et de 14h à 18H30
- L’entrée de l’exposition, la visite commentée et les ateliers sont gratuits.
Ils se déroulent les mardis, mercredis, jeudis et vendredis de 11h à 13h et de 14h à 16h
(horaires modulables sur demande)
- Uniquement sur réservation au 05 59 80 80 65 / parvis@wanadoo.fr
> Contacts
Le Parvis, centre d’art contemporain
Centre Univerdis
Avenue Louis Sallenave
64000 Pau
- Magali Gentet, responsable du centre d’art contemporain et commissaire des
expositions magali.gentet@parvis.net
- Etienne Veillon, accueil des publics à Pau 05 59 80 80 65
parvis@wanadoo.fr
- Catherine Fontaine, accueil des publics à Ibos 05 62 90 60 82
centredart@parvis.net www.parvis.net