Le Jeu de Paume

i cinéma
Le Jeu de Paume
fête ses 20 ans de cinéma !
mars – juin 2011
i auditorium

20 ans de cinéma au Jeu de Paume :
un inventaire contemporain
En 1991, l’ouverture du Jeu de Paume,
alors Galerie nationale consacrée à
l’art contemporain, engendre l’invention
impromptue d’une salle de projection et d’une
programmation de cinéma dont le ton et la
direction vont être vite donnés malgré – ou
grâce à – un mélange des genres, des points
de vue et des disciplines.
Une conversation avec l’artiste canadien
Stan Douglas, premier vidéaste exposé
au Jeu de Paume, suggère l’idée de la
programmation d’ouverture : les pièces de
Samuel Beckett réalisées pour la télévision
allemande et inédites en France.
C’est ensuite avec Arthur Pelechian et Jonas
Mekas que naît l’habitude d’inviter les cinéastes
à venir présenter leurs films ou d’ouvrir leur
rétrospective – souvent la première en France ou
à Paris –, comme celles d’Atom Egoyan, Patrick
Bokanowski, Edgardo Cozarinsky, Lionel Rogosin,
Jean-Claude Biette, André S. Labarthe, Yervant
Gianikian et Angela Ricci Lucchi, Harun Farocki,
Jean Rouch – qui pendant près de deux mois
vient commenter ses films tous les soirs –, Pierre
Perrault, Otar Iosseliani, Yoko Ono, Anne-Marie
Miéville, Alain Fleischer, le chorégraphe Angelin
Preljocaj, Philippe Collin, Johan Van der Keuken –
sujet central du Mois de la Photo de 1998 –,
Jean‐André Fieschi, Pierre Léon et Vladimir
Léon, Daniel Schmid, Naomi Kawase – après sa
Caméra d’or au Festival de Cannes –, Nurith Aviv,
Marc Recha, Robert Cahen, Vittorio de Seta….
Avec des cinéastes encore peu montrés ou des
rétrospectives jusqu’alors jamais envisagées, se
crée la particularité d’une programmation de
familles de cinéastes dont les œuvres relèvent
de formats différents comme le documentaire,
la fiction et surtout le genre, peu repéré, des
« essais cinématographiques », dont ceux de
Jean-Luc Godard, qui firent l’objet, en 1997,
d’une séance mémorable par sa présence
imprévue, un soir de neige.
La collaboration avec le Festival d’automne,
à partir de 1995, donne l’occasion de faire
découvrir à Paris les œuvres complètes d’artistes
comme Rebecca Horn et de cinéastes comme
Carmelo Bene – qui, parallèlement, met en
scène Macbeth au théâtre de l’Odéon –, Shinji
Aoyama, James Benning ou Alexandre Sokourov.
La réflexion critique s’est aussi invitée au
Jeu de Paume avec le lancement de la revue
Trafic par Serge Daney, suivi des projections de
films rares ou films cultes (Adolfo Arrieta, James
Agee, Monte Hellman, João César Monteiro,
Sergueï Paradjanov…), commentées par Paul
Otchakovsky-Laurens, son éditeur, et Raymond
Bellour, Jean-Claude Biette, Sylvie Pierre et
Patrice Rollet, ses rédacteurs. Ces rendez-vous se
renouvellent par la suite avec la revue Cinéma,
Léo Scheer, son éditeur, et ses rédacteurs, et plus
tard avec la revue Vertigo et Cyril Neyrat autour
d’Albert Serra, Todd Haynes, Bob Dylan.
Dès 2002, les « Inventaires contemporains »
cherchent à mettre en évidence les liens entre les
arts plastiques et le cinéma décliné sous toutes
ses formes par de jeunes artistes, vidéastes,
cinéastes… C’est ainsi qu’on découvre les films
et les vidéos de Pierre Alféri, Alice Anderson,
Erik Bullot, Hélène Delprat, Arnaud des
Pallières, Vincent Dieutre, Camille Henrot, Isilde
Le Besco, Henri Foucault, Mounir Fatmi, Keja
Kramer, Lech Majewski, Ariane Michel, Valérie
Mrejen, Leighton Pierce, Rafi Pitts, Anri Sala,
Karim Zeriahen… Liens avec les arts plastiques
également établis avec les films de leurs illustres
aînés, Marcel Broodthaers, Martial Raysse, Erró,
Robert Frank ou William Kentridge, projetés en
complément de leurs expositions.
Par ailleurs, les correspondances entre
la programmation du cinéma et les installations
de cinéastes a commencé dès l’ouverture du
Jeu de Paume avec L’Expulsion des Maures,
l’installation de Raoul Ruiz, qui occupait tous les
espaces du sous-sol, puis avec D’Est de Chantal
Akerman, présentée au premier étage pendant
la rétrospective de ses films.
Après 20 ans, se dessinent les lignes de
force et les points de convergence de ce qui
n’apparaissait au départ comme intuitions, goûts
et opportunités : mettre en valeur des familles de
cinéastes, méconnus en France et parfois même
dans leur pays d’origine, à travers leurs présences
et leurs œuvres, croiser ces rétrospectives avec
d’autres disciplines artistiques, donner la parole à
des critiques, des écrivains, des historiens de l’art,
des philosophes – ainsi Jean Narboni, Jacques
Aumont, Jean Louis Schefer, Hubert Damisch,
Georges Didi‐Huberman, Peter Szendy… et
bien d’autres sont devenus des familiers du
Jeu de Paume.

Tout ce qui semblait innovations, propositions
originales, choix singuliers est aujourd’hui
tendance générale dans les lieux de diffusion
quasiment instantanée de « l’image en
mouvement » (salles de cinéma, festivals, musées,
galeries, Internet et même téléphone portable).
Il n’en reste pas moins que le Jeu de Paume,
celui des débuts comme celui dévolu depuis
2004 à la photographie et à l’image, est
souvent évoqué, en France et à l’étranger,
comme un lieu de découvertes et de révélations
cinématographiques.
Comment rendre compte de plus de
140 programmes sinon à travers une quinzaine
de rendez-vous, certains évoquant des
découvertes étonnantes pour tous, comme le
travail insoupçonné de Samuel Beckett pour la
télévision, d’autres rappelant les rétrospectives
dont le travail de préparation a donné naissance
à une fidélité admirative et amicale, comme ceux
avec Chantal Akerman, Edgardo Cozarinsky,
les Gianikian, Jonas Mekas, Wang Bing ou
Manoel de Oliveira (qui, à 102 ans, tenait à
venir fêter les 20 ans du cinéma du Jeu de
Paume) et, enfin, un dernier rendez-vous pour
honorer Jean-Claude Biette, Jean-André Fieschi,
Jean Rouch, Johan Van der Keuken, autant de
cinéastes qui, au Jeu de Paume, ont accompagné
leur première rétrospective de leur présence
quotidienne. En hommage à leur goût commun
d’une vie créative, offerte à travers leurs œuvres,
nous avons choisi de présenter Trois Ponts sur la
rivière de Jean‐Claude Biette.
Danièle Hibon
programme
Chantal Akerman
z Toute une nuit
France-Belgique, 1982, 35 mm, couleur, 90’
avec Aurore Clement, Tchéky Karyo, Christiane Cohendy,
Jan Decorte, Hélène Lapiower, Véronique Silver,
Samy Szlingerbaum, Natalia Akerman,
Benedicte Paquay, Gabriele Claes
Dans la touffeur d’une nuit d’été, à travers les
rues de Bruxelles, dans les cafés, les chambres,
les cages d’escalier, des couples se croisent,
se séparent, se retrouvent, s’étreignent, se
fuient en un ballet indécis, à la fois exaspéré
et fragile. Jusqu’au petit matin, la ville livre
ces fragments de scènes amoureuses :
rencontres, retrouvailles et ruptures. « La nuit
est plus longue que le désir, la caméra est
plus patiente que la nuit, la ville se réveille :
Bruxelles va brusseler. » (Serge Daney,
Ciné-journal, éd. Cahiers du cinéma)
Toute une nuit de Chantal Akerman, 1982 © Cahiers du cinéma

Samuel Beckett
z Film
1966, 35 mm, noir et blanc, silencieux (un son), 30’
scénario et direction : Samuel Beckett
mise en scène : Alain Schneider
avec Buster Keaton
Esse est percipi, « être c’est être perçu », disait
le philosophe Berkeley. Film est l’histoire de « la
recherche du non-être par suppression de toute
perception de soi », écrit Beckett. Le personnage
O (Buster Keaton) « s’efforce de ne pas être vu »
et se précipite aveuglément dans une course
« allant du maximum d’exposition à l’intérieur,
d’enfermement, d’isolement dans sa chambre,
cet endroit qui est un piège préparé. »
Film, « le plus grand film irlandais »,
selon Gille Deleuze.
z Pièces pour la télévision
direction : Samuel Beckett
directeur de la photo : Jim Lewis
production : SDR Production
« Beckett saisit immédiatement ce qui dans la
télévision rencontre son écriture : la continuité
fluide, le ressassement hémorragique. C’est le
propre de l’enregistrement de la télévision que de
proposer cet état de “voyeurisme” interminable,
sans coupure, sans changement de plans,
sans variation du point de vue afin de “ne pas
explorer mais simplement regarder”. De ce fait,
Beckett comprend bien la caractéristique de
la caméra de télévision qui peut, plus encore
que celle du cinéma, être mobile, “subreptice
ou fulgurante”. “Elle avance ou recule pour se
trouver aux endroits déterminés afin d’obtenir
les points fixes les plus significatifs”, dit-il encore
à propos de Ghost Trio… Film avec le concours
muet, bien entendu, de Buster Keaton ou Quad
sont exemplaires de ces métaphores rendues
concrètes à l’image en échappant aux pesanteurs
de la langue, qu’il a tant traquées par ailleurs.
La télévision, cet “œil sauvage” selon Beckett,
aurait‐elle été pour lui l’occasion de règlements de
compte inattendus avec le théâtre ? » (Jim Lewis)
Ghost Trio
1977, vidéo, noir et blanc, 31’30’’, vo allemande
Une voix féminine accueille le téléspectateur,
ce n’est plus la voix intérieure de Eh Joe, c’est
la voix objective du maître de cérémonie
qui décrit l’intérieur de la chambre, en fait
Film de Samuel Beckett, 1966
l’inventaire. Puis elle introduit le protagoniste :
un vieil homme penché sur un objet… De l’objet
(un magnétophone) s’échappe un passage du
trio Fantôme de Beethoven. Le visage ravagé du
vieil homme se relève puis disparaît en fondu.
But the Clouds
1977, vidéo, noir et blanc, 15’46’’, vo allemande
Comme dans Ghost Trio, la voix introduit les
éléments de l’image, puis se tait pour laisser
l’image parler seule. Ici la voix s’exprime à la
première personne du singulier : c’est celle
d’un vieil homme qui rentre chez lui, enlève son

manteau, met sa robe de chambre et s’installe
pour tenter d’évoquer le visage de la femme
aimée. C’est alors que le visage aimé apparaît
en gros plan, ses lèvres murmurent et nous
entendons le vieil homme répéter ces mots
murmurés, issus de la fin d’un poème de Yeats
évoquant les êtres qui ne sont plus :
« Que nuages passant dans le ciel
Lorsque l’horizon pâlit,
Ou le cri de l’oiseau qui sommeille
Parmi les ombres appesanties »
Quad
1981, vidéo, noir et blanc, 15’, sonore
Autre « poème visuel » développé à partir du
tracé d’un trajet, carré occupé dans ses angles
par quatre mimes. Ceux-ci vont parcourir à tour
de rôle autant de trajets possibles, en suivant
les droites et les diagonales et en se croisant.
Le fait d’éviter de se croiser au centre peut
être interprété comme un interdit ou comme un
danger mortel. Cette situation provoque un état
de tension et d’épouvante. Beckett a nommé
cela « un quadrilatère de détention ». Est-ce
la métaphore de la destinée humaine du point
de vue objectif de la caméra fixe ? Maintes
hypothèses d’interprétation naissent de ce
spectacle drôle et terrifiant.
personnages : au théâtre on voit apparaître
quatre personnages, Bam, Bem, Bim et Bom,
en robe grise et cheveux gris. À la télévision,
Bam, le personnage qui se souvient est un
grand visage, assez flou, à gauche de l’écran.
Les autres sont des têtes à l’ovale précis, sans
oreilles et sans cheveux, qui apparaissent et
disparaissent à droite de l’écran, au gré des
souvenirs de Bam qui conclue : « je suis seul,
comprenne qui pourra, j’éteins » ; la mémoire
s’arrête et Bam s’éteint littéralement.
Film de Samuel Beckett, 1966
Nacht und Träume
1983, vidéo, noir et blanc, 12’, sonore
Ce titre est celui d’un des derniers lieds de
Schubert. La scène se déroule dans une
chambre sombre et vide, éclairée seulement
par le rectangle d’une fenêtre haut perchée.
Un vieil homme assis est penché sur une table.
« Reviens ô sainte nuit, beaux rêves, revenez
aussi. » Sur ces dernières mesures, sur ces mots
murmurés apparaît dans le coin droit de l’écran
le « soi-même rêvé » du rêveur… On entend de
nouveau la musique, l’image du rêve occupe
alors l’écran entier… Après la série de tous les
mouvements répétés au ralenti et en gros plan,
l’image du « soi-même rêvé» disparaît, puis
celle du rêveur. Ce « poème visuel » montre une
compassion assez rare dans l’œuvre de Beckett.
What Where
1986, vidéo, noir et blanc, 15’43’’, vo allemande
La transposition du théâtre à la télévision a
amené Beckett à transformer la présence des

Jean-Claude Biette
z Trois Ponts sur la rivière
France-Portugal, 1998, 35 mm, couleur, 119’
avec Mathieu Amalric, Jeanne Balibar, Michèle Moretti
Arthur, professeur d’histoire angoissé et fragile,
qui doute et s’inquiète de tout, se décide à faire
un voyage à Lisbonne pour rencontrer l’éminent
historien à l’origine de sa thèse. Claire, qu’il
a quittée il y a quelque temps et qu’il vient de
revoir, va devenir la partenaire idéale pour
ce voyage de la seconde chance d’un couple
qui n’avait pas tout à fait épuisé son potentiel
d’affinités.
Grand cinéphile, Jean-Claude Biette, qui a
collaboré pendant une vingtaine d’années
aux Cahiers du cinéma, puis à Trafic avec
Serge Daney et a été assistant-réalisateur de
Pier Paolo Pasolini, est considéré, lors de la
sortie de Trois Ponts sur la rivière, comme « le
plus original du cinéma français du moment.
Biette ne cessera de le confirmer avec des
films dont le peu d’audience est compensé au
centuple par l’admiration qu’ils suscitent chez
les amateurs » (Jean Roy, L’Humanité).
Trois Ponts sur la rivière de Jean-Claude Biette, 1998
L’Argent du charbon de Wang Bing, 2009
L’Argent du charbon de Wang Bing, 2009
Wang Bing
z L’Argent du charbon
[Coal Money]
France, 2009, vidéo, couleur, 53’, vo st français
Un film de la collection « L’Usage du monde »,
dirigée par Stéphane Breton
Sur la route du charbon, qui va des mines
du Shanxi au grand port de Tianjin, en Chine
du Nord, des chauffeurs au volant de camions
de cent tonnes chargés jusqu’à la gueule
font la noria, de nuit et de jour. Au bord de
la route : prostituées, flics, rançonneurs à la
petite semaine, garagistes, mécaniciens…
Une réflexion sur la Chine d’aujourd’hui, livrée
à la loi sauvage du marché. Jeune cinéaste
révélé en 2003 par son magistral À l’ouest des
rails, documentaire de neuf heures sur une
zone industrielle en cours de démantèlement,
Wang Bing réapparaît au Festival de Cannes
avec Feng Ming, chronique d’une femme chinoise
en 2007, puis à Paris, galerie Chantal Crousel
avec L’Homme sans nom, en 2009.
z Le Fossé
Chine, 2010, 35 mm, couleur, 109’, vo st français
inédit
À la fin des années 1950, le gouvernement

chinois expédie aux travaux forcés des milliers
d’hommes, considérés comme droitiers au
regard de leur passé ou de leurs critiques
envers le Parti communiste. Déportés au
nord‐ouest du pays, en plein désert de Gobi
et à des milliers de kilomètres de leurs familles
pour être rééduqués, ils sont confrontés au
dénuement le plus total. Un grand nombre
d’entre eux succombent face à la dureté du
travail physique puis à la pénurie de nourriture
et aux rigueurs climatiques. Le Fossé raconte
leur destin – l’extrême de la condition humaine.
Le Fossé de Wang Bing, 2010
Pola X de Leos Carax, 1999 © Cahiers du cinéma
Leos Carax
z Pola X
France, 1999, 35 mm, couleur, 140’
avec Guillaume Depardieu, Yekaterina Golubeva,
Catherine Deneuve, Laurent Lucas, Sharunas Bartas,
Delphine Chuillot, Patachou
Pierre, écrivain, mène une vie tranquille avec
Marie, sa mère, dans le luxe d’un château de
Normandie. Il est amoureux de Lucie à qui il
rend visite chaque matin. Cependant, Pierre
vit dans la hantise d’une vision de femme
inconnue. Une nuit, Marie annonce à son fils
qu’elle a fixé la date de son mariage avec
Lucie. C’est alors qu’il rencontre en forêt la
femme inconnue qui hantait ses rêves, Isabelle.
Celle-ci lui annonce qu’elle est sa sœur et
qu’elle vient d’un pays de l’Est où le père de
Pierre était diplomate. Pierre laisse tout tomber
pour partir vivre avec elle.
Inspiré de Pierre ou les Ambiguïtés de Herman
Melville, cette version longue pour la télévision
affirme de nouveau le lyrisme noir de ce cinéaste
révélé par le film culte des années 1980, Boy
Meets Girl, puis Mauvais Sang et consacré en
1991 par le flamboyant Les Amants du Pont Neuf
avec Juliette Binoche et Denis Lavant.

Edgardo Cozarinsky
z Le Violon de Rothschild
France-Suisse-Finlande-Hongrie, 1996, 35 mm, couleur, 101’
avec Dainius Kazlauskas, Tonu Kark, Tarmo Mannard,
Tamara Solodnikova, Kaljo Kiisk
Un jeune étudiant du conservatoire, Benjamin
Fleischmann, choisit un récit de Tchekhov pour
en tirer un opéra en un acte qu’il compose
sous la houlette de son professeur, Dmitri
Chostakovitch qui, critiqué par les commissaires
culturels, cherche refuge dans l’enseignement.
Le jeune homme est tué pendant la guerre.
Chostakovitch décide alors d’orchestrer l’opéra
inachevé de son élève, afin d’honorer sa
mémoire.
Le Violon de Rothschild, après La Guerre d’un seul
homme – à partir des Journaux parisiens d’Ernest
Jünger – et Autoportrait d’un inconnu, sur Jean
Cocteau, confirme le talent de ce cinéaste et
écrivain qui, né à Buenos Aires, s’est fixé à Paris
en 1974.
z Notes pour une biographie imaginaire
[Apuntes para una biografia imaginaria]
Argentine, 2010, vidéo, couleur, 60’, vo st anglais
inédit
scénario et réalisation : Edgardo Cozarinsky
musique originale : Ulises Conti
production : Constanza Sanz-Palacios
En paraphrase de Borges, on pourrait proposer
cette fable : un cinéaste a vécu en cueillant
des images, des mots, des musiques. Un jour,
il reconnaît dans cette collection de fragments,
où l’Histoire dialogue avec les destinées
individuelles et leur douleur muette, son propre
portrait. De Paris à Saigon, de Moscou à
Tanger, en revenant toujours à Buenos Aires,
à travers guerres et fêtes, exils et danse, le film
s’engage dans un parcours non linéaire, non
chronologique, celui de l’imaginaire et des
affects. Avec une grande liberté pour rendre
documentaire la fiction et dénicher la part
de fiction dans le document, le film mélange
tournages nouveaux et images d’archives dans
le but de rendre présent le passé, de mettre en
dialogue les vivants avec les morts.
Le Violon de Rothschild d’Edgardo Cozarinsky, 1996
Notes pour une biographie imaginaire d’Edgardo Cozarinsky, 2010
L’Argent du charbon de Wang Bing, 2009
Manoel de Oliveira
z Benilde ou la Vierge Mère
Portugal, 1974, 35 mm, couleur, 110’, vo st français
avec Amelia Aranda, Jorge Bolla, Jacinto Ramos
Le Portugal en 1930. Une jeune femme, Benilde,
vit retirée dans une maison en compagnie
d’une servante et de trois hommes, son père
et deux amis de la famille. Benilde attend un
enfant mais affirme qu’elle est vierge et que son
enfant est de Dieu. Ainsi, au lieu de se révolter
contre l’enseignement familial du catholicisme,
la jeune femme déshonorée trouve refuge dans
la sainteté. « Oserais-je dire : au mépris de
l’histoire enregistrée où Manoel de Oliveira a
préservé tout le mystère des causes narratives,
ce film de culture catholique représente avec
une douceur de fait (une placidité du règlement
coutumier), une insensible véhémence de
l’énonciation théâtrale, le grand symptôme
catholique et le scandale féminin qui est
celui de la virginité des mères ? L’hystérie
catholique est la virginité perpétuelle des
femmes. Les hommes sont à la place du désir,
non de l’objet ; ils ont donc un savoir de la
cause. Les femmes sont l’aveuglement ou la
passion du symptôme. » (Jean Louis Schefer,

Benilde ou le Théâtre des passions, programme
« Un été portugais », Galerie nationale du
Jeu de Paume, 1997)
z Je rentre à la maison
France-Portugal, 2001, 35 mm, couleur, 90’
avec Michel Piccoli, Catherine Deneuve, Antoine Chappey,
Leonor Baldaque, Leonor Silveira, John Malkovich
Gilbert Valence est un comédien de théâtre,
son talent et sa longue carrière lui ont valu
les plus grands rôles. Un soir, à l’issue de la
représentation, la tragédie entre dans sa vie ;
son agent et vieil ami, George, lui apprend qu’un
accident de la route vient de coûter la vie à sa
femme, sa fille et son beau-fils. Le temps passe,
la vie recouvre ses droits. Gilbert Valence se
partage désormais entre son petit-fils qu’il adore
et le théâtre… « Oliveira taquine le dérèglement,
le vieillissement, la perte de la mémoire. Et c’est
presque avec des yeux d’enfant, où se mêlent
la peur et l’étonnement inconsolable, qu’il le
fait. L’insolente santé (faut-il encore rappeler
son âge ? Allez, on ne résiste pas : 93 ans !)
d’Oliveira vient aussi de là : sa capacité à jouer
de sa vieillesse, à prendre congé, à envoyer
tout paître, comme un enfant indiscipliné. Tout
ça donne furieusement envie d’être comme
lui : un philosophe facétieux devant la mort et
qui, ultime pirouette, s’avère bouleversant. »
(Jacques Morice, septembre 2001)
Ritwik Ghatak
z Subarnarekha
Inde, 1962, 35 mm, noir et blanc, 143’, vo st français
Ritwik Ghatak (1925-1976) est avec Satyajit Ray
l’un des principaux représentants du cinéma
indien du XX e siècle. L’histoire qu’il met en
scène débute en 1948 après la dramatique
partition du Bengale. Avec leur déracinement,
des millions de personnes ont perdu tout lien
avec la vie. Dans ce contexte, nous suivons
lshwar, sa jeune sœur Sita et le petit Abhiram.
Cette petite famille permet à Ghatak de
développer un thème qui l’a hanté toute sa vie :
le déracinement, les réfugiés de la partition.
Benilde ou la Vierge Mère de Manoel de Oliveira, 1974
Je rentre à la maison de Manoel de Oliveira, 2001
Surbarnarekha de Ritwit Ghatak, 1962
Surbarnarekha de Ritwit Ghatak, 1962

en Russie. Avec notre “caméra analytique”,
nous avons “réélaboré”, à partir de matériaux
rares, des images d’archives retrouvées
autour des avant‐gardes russes. Le film sera
un vaste document enregistré pendant la
chute de l’Union soviétique avec les portraits
des derniers témoins d’une histoire artistique
que personne n’a fixée et qui ont maintenant
disparu. » (Yervant Gianikian)
Les Chevaux de feu de Sergueï Paradjanov, 1964
Yervant Gianikian
et Angela Ricci Lucchi
Nés en 1942, Yervant Gianikian étudie
l’architecture à Venise et Angela Ricci Lucchi
la peinture à Vienne. Tous deux travaillent
ensemble depuis les années 1970. Leurs travaux
ont été présentés dans les plus importants
musées et cinémathèques du monde.
z Dancing in the Dark
Italie, 2009, vidéo, couleur, 60’, sonore, st italien et anglais
inédit en france
« Ne pas déplorer, ne pas rire, ne pas détester,
mais comprendre. » (Spinoza)
« Durant l’été 1989, nous regardons et filmons
les derniers Festivals de L’Unità, avant la chute
du mur de Berlin, dans différents petits villages
de la Romagna, sur la “Ligne Gothique” de la
Seconde Guerre mondiale, les lieux de Paisà
de Roberto Rossellini. Un portrait d’un “peuple
disparu” qui danse. » (Yervant Gianikian)
z Notes sur nos voyages en Russie
[Viaggi in Russia]
Italie , 2010, vidéo, couleur 15’, voix off en français
inédit en France
Ces Notes sont composées d’aquarelles
d’Angela Ricci Lucchi, des « instantanés »
pour le film définitif de 90’, encore en cours
d’élaboration. Ces dessins évoquent les
personnages de Notes sur nos voyages en Russie,
film dédié au grand poète Ossip Mandelstam :
Nina Berberova, Anna Achmatova,
Kozinceva, Grigorij Kozintzev, Mejerhold,
Chaliapine, Israel Metter, Semion Aranovic…
« En 1989‐1990, nous avons filmé en 16 mm
à Saint-Pétersbourg les derniers survivants
des avant-gardes des années 1930 et 1940
Jonas Mekas
z Celebration of Paris
États-Unis, 2011, vidéo, noir et blanc et couleur
inédit
Depuis son premier voyage en 1964, Jonas
Mekas – ce cinéaste né en Lithuanie en 1922,
installé aux États-Unis depuis 1949, auquel le
Jeu de Paume a rendu hommage en 1992, et
reconnu dans le monde entier comme la figure
tutélaire du cinéma expérimental – a filmé la
ville de Paris lors de tous ses séjours. À l’occasion
des 20 ans de cinéma du Jeu de Paume, il a
décidé de retrouver dans les centaines d’heures
de pellicule les passages filmés à Paris. Des
moments rares de la petite histoire des arts et
lettres entre Paris et New York…
Sergueï Paradjanov
z Les Chevaux de feu
URSS, 1964, 35 mm, couleur, 97’, vo st français
Œuvre la plus connue de Paradjanov, ce film
rappelle par sa modernité que son auteur est
issu de la VGIK, grande école de cinéma de
Moscou, et, par son thème, l’attachement du
poète-cinéaste aux légendes des terres où il est
né (la Géorgie), où il a filmé (l’Ukraine), et où il
est mort (l’Arménie). Au début du XX e siècle, dans
les Carpates, deux familles de Goutzouls, les
Palitchouk et les Gouténiouk, se détestent depuis
des générations. Mais Ivanko Palitchouk et
Maritchka Gouténiouk, qui ont grandi ensemble
depuis l’enfance, sont devenus inséparables
et projettent de se marier en dépit de
l’antagonisme de leurs familles. La veille de leurs
noces, Ivan doit partir travailler comme valet
dans les alpages. Maritchka, qui ne veut pas
l’attendre tout l’hiver, cherche à le rejoindre dans
la montagne. Voulant sauver un agneau égaré,
elle se tue en tombant dans une rivière…

calendrier
sous réserve de modifications
mardi 8 mars, 19 h
soirée d’ouverture
z Le Fossé (inédit) de Wang Bing, 109’,
vo st français, présenté par Philippe Avril
(Les films de l’Étranger), producteur du film
dimanche 13 mars, 17 h
z L’Argent du charbon de Wang Bing, 53’,
vo st français
samedi 9 avril
week-end carte blanche
aux Cahiers du cinéma
un choix parmi la programmation
« Le Jeu de Paume fête ses 20 ans de cinéma ! »
14 h
z Subarnarekha de Ritwik Ghatak, 143’,
vo st français, présenté par Stéphane Delorme
et Jean-Philippe Tessé
17 h 30
z Pola X de Leos Carax, 140’, présenté par
Stéphane Delorme et Jean-Philippe Tessé,
en présence du cinéaste (sous réserve)
dimanche 10 avril
14 h
z Les Chevaux de feu de Sergueï Paradjanov, 97’,
vo st français, présenté par Jean-Charles Hue,
en présence de Stéphane Delorme et
Jean‐Philippe Tessé
18 h
z Toute une nuit de Chantal Akerman, 90’,
en présence de la cinéaste, Caroline Champetier,
Aurore Clément, Stéphane Delorme et
Jean‐Philippe Tessé
mardi 19 avril, 19 h
z Notes pour une biographie imaginaire (inédit)
d’Edgardo Cozarinsky, 60’, vo st anglais,
en présence du cinéaste
dimanche 24 avril, 17 h
z Le Violon de Rothschild
d’Edgardo Cozarinsky, 101’
mardi 26 avril, 19 h
z Benilde ou la Vierge Mère
de Manoel de Oliveira, 110’, vo st français,
présenté par Jean Louis Schefer
mardi 3 mai, 19 h
z Trois Ponts sur la rivière
de Jean-Claude Biette, 119’
mardi 7 juin, 19 h
z Notes sur nos voyages en Russie
(inédit en France), de Yervant Gianikian
et Angela Ricci Lucchi, 15’, voix off en français,
en présence des cinéastes
z Dancing in the Dark (inédit en France)
de Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi,
60’, sonore, st italient et anglais, en présence
des cinéastes
mardi 14 juin, 19 h
z Celebration of Paris (inédit) de Jonas Mekas,
en présence du cinéaste
mardi 12 avril, 19 h
z Je rentre à la maison de Manoel de Oliveira, 90’
dimanche 17 avril, 17 h
z Film, 30’, suivi de pièces pour la télévision
(Ghost Trio, 31’30’’ ; But the Clouds, 15’46’’;
Quad, 15’ ; Nacht und Träume, 12’ ; What Where,
15’43’’) de Samuel Beckett
Notes sur nos voyages en Russie
de Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi, 2010

auditorium
du Jeu de Paume
1, place de la Concorde
75008 Paris
www.jeudepaume.org
renseignements : 01 47 03 12 50 /
infoauditorium@jeudepaume.org
tarifs : 3 € la séance / gratuit sur
présentation du billet d’entrée aux
expositions (valable uniquement le jour
de l’achat) et pour les abonnés
remerciements
Nous tenons à remercier tous les cinéastes,
artistes et cinéphiles, producteurs et
distributeurs, équipes de festivals et de
cinémathèques, tous les amis du cinéma à
travers le monde qui nous ont aidé, pendant
20 ans, à inventer et construire cette présence
du cinéma au Jeu de Paume
ainsi que la Cinémathèque française.
une programmation proposée par Danièle Hibon
avec la collaboration de Marie-Jo Malvoisin
Le Jeu de Paume est subventionné
par le ministère de la Culture et de la Communication.
Il bénéficie du soutien de Neuflize Vie, mécène principal.
Les Amis du Jeu de Paume contribuent à ses activités.
mise en page : Suzanne Hardy-Neuville
© éditions du Jeu de Paume, Paris, 2011
Dancing in the Dark de Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi, 2009
Celebration of Paris de Jonas Mekas, 2011