Venise : vers « un échange de pavillons avec l'Allemagne »

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NUMÉRO 15 / JEUDI 27 OCTOBRE 2011 / WWW.LEQUOTIDIENDELART.COM / 2 euros
Venise : vers « un échange
de pavillons avec l’Allemagne »
S Y L V I A N E T A R S O T - G I L L E R Y , D I R E C T R I C E G É N É R A L E D É L É G U É E D E L ’ I N S T I T U T F R A N Ç A I S
R. A. et P. R. Où en est la mise en
place de l’Institut T Hfrançais, E A RT DA qui I LY succède Nà
E W S
CulturesFrance et dont la création constitue
une petite révolution ?
S. T.-G. Vous avez raison de parler de
révolution parce que passer d’une association
à un établissement public constitue un
changement d’équilibre, d’optique, d’axe.
Cette mutation s’est davantage traduite par
des créations de services que par des fusions
à proprement parler. L’institut s’est créé
en absorbant CulturesFrance. Ses missions
perdurent et sont amplifiées, notamment dans
le domaine du cinéma. Nous avons aussi des
missions nouvelles, comme la promotion et
l’enseignement de la langue française, et le
volet débats d’idées. Ce dernier permet à des
penseurs, des philosophes de diffuser leurs
travaux. Nous voulons montrer le renouvellement de la
scène des sciences humaines et sociales en France. Nous
avons deux autres missions nouvelles. La réforme a consisté
à créer une cellule pour monter des projets européens. Il
faut faire entendre notre approche de la culture auprès
des instances européennes, une politique d’intérêt public.
C’est important au moment où l’Union européenne doit
bâtir son agenda 2014. L’autre mission nouvelle est la
formation professionnelle des agents du réseau. Ce dernier
est hétérogène. Le budget va s’élever à 2 millions d’euros
cette année pour former plus de 20 % des agents du réseau.
Selon la loi du 27 juillet 2010, l’Institut français se met
Sylviane Tarsot-Gillery
© Photo : P. R.
en situation de piloter les postes des centres culturels
français dans une douzaine de pays. Cette expérimentation
permettra d’évaluer le bien fondé de ce pilotage, de mesurer
son efficacité par rapport à l’organisation actuelle.
R. A. et P. R. Continuez-vous à supprimer des postes ?
S. T.-G. Nous restons toujours sur une logique de réseau
universaliste. Nous ne faisons plus de suppression. Nous
avons créé un seul institut par pays, comme en Allemagne
ou au Maroc. Nous terminerons SUITE DU TEXTE P. 2
* p.4 UN EXPERT ATTRIBUE UNE NOUVELLE OEUVRE À RODIN
* p.3 FABRICE HYBER FÊTE LES 20 ANS DE « L’HOMME DE BESSINES »
* p.6 GISÈLE FREUND, PHOTOGRAPHE À LA LETTRE

ACTUALITÉ
Entretien avec
Sylviane Tarsot-Gillery
PAGE
02
SUITE DU TEXTE DE UNE
en janvier 2012 la fusion entre les services culturels des
ambassades et les instituts français. Cette réforme a été
menée dans le cadre de la RGPP. Si nous n’avons plus de
fermeture, les réductions d’emploi se poursuivent, de l’ordre
de 70 postes sur l’ensemble du réseau l’année prochaine.
Mais la création de l’Institut a créé des emplois, puisque
nous passons à Paris de cent à cent cinquante salariés.
R. A. et P. R. Cette réforme administrative n’a-t-elle pas
mis en sommeil les projets, une vision, un souffle ?
S. T.-G. Une création d’une telle ampleur demande beaucoup
d’énergie. Mais nous n’avons pas voulu être inactif. L’Institut
français a certainement donné l’impression d’être très
tourné vers lui-même. Nous déménagerons bientôt rue de la
Fédération, dans le 15 e arrondissement de Paris. Nous avons
passé 6 mois de l’année à mettre en place l’établissement,
à constituer de nouvelles équipes et un identité commune.
L’Institut français est la marque unique du réseau public.
Depuis cet été, nous avons consacré plus de temps aux
orientations nouvelles. Nous voulons mettre l’accent sur
la création, sur l’aspect innovant sans à tout prix faire du
« jeune », sans négliger ceux qui relèvent déjà du patrimoine.
Nous mettons aussi en place des outils numériques dans
le réseau. Nous allons lancer une plateforme de contenu
avec l’INA et la Bibliothèque nationale de France. Chaque
pays pourra l’éditorialiser en fonction de son actualité. Ce
sont des contenus francophones qui permettent d’avoir
accès à des livres, des vidéos, du son, des expositions...
Cet outil va être mis en place dans vingt pays l’année
prochaine. Nous avons aussi lancé une application dans le
domaine des arts visuels, une plateforme de géolocalisation
d’activités. Nous refondons aussi complètement notre
site internet. Nous faisons tout un travail, par secteurs,
d’identification des pays qui paraissent prioritaires. Il y a
des pays prescripteurs quand il existe un marché, dans le
domaine de l’art contemporain par exemple. On peut assez
facilement déterminer la vingtaine de pays où il y a vraiment
des flux, des échanges et des débouchés. Mais dans tous les
domaines, nous avons une action spécifique pour l’Afrique
et la Caraïbe.
R. A. et P. R. Vous soutenez par exemple les « Rencontres
Le Quotidien de l’Art
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Agence de presse et d’Édition de l’art 61, rue du Faubourg Saint-Denis 75010 Paris
* Contacts pregnier@lequotidiendelart.com, razimi@lequotidiendelart.com * Editeur : Agence de presse
et d’édition de l’art, Sarl au capital de 10 000 euros. 2, place du Maréchal Juin, 75017 Paris. RCS Paris B
533 871 331 * Principaux actionnaires : Mayeul Caire et Nicolas Ferrand * Directeur de la
publication : Mayeul Caire * Directeur de la rédaction : Philippe Régnier
* Rédactrice en chef adjointe : Roxana Azimi * Marché de l’art : Alexandre Crochet
* Expositions, musées, patrimoine : Sarah Hugounenq
* Contributeurs : Damien Sausset, Natacha Wolinski * Maquette : Isabelle Foirest,
* Conception graphique : Ariane Mendez * Site internet : Dévrig Viteau
© ADAGP Paris 2011 pour les œuvres des adhérents.
© succession Picasso pour les œuvres de Picasso
--
LE QUOTIDIEN DE L’ART / NUMÉRO 15 / JEUDI 27 OCTOBRE 2011
de Bamako, biennale africaine de la photographie » qui se
déroule à partir du 1er novembre...
S. T.-G. Nous les coproduisons avec le ministère de la
Culture du Mali. Cela fait partie des grandes actions que
nous maintenons. L’un des objectifs est de continuer à
porter le même soutien financier et de structurer l’action
localement. Nous soutenons depuis dix ans cette biennale,
il y a maintenant l’émergence de professionnels, de lieux.
Notre responsabilité est non pas de se désengager mais
de donner plus de responsabilités à des structures locales.
Mais politiquement, ce sont des manifestations clairement
africaines. Sur la biennale « Regard Bénin », nous étions
totalement présent pour la première édition. Nous allons
le rester pour la deuxième édition, mais c’est déjà une
association locale qui va porter le projet en 2012.
R. A. et P. R. Nous avons parlé de l’Afrique. Le peintre
Chéri Samba vient de se voir refusé son visa. Comment
expliquez-vous ce dysfonctionnement ?
S. T.-G. Nous essayons de sensibiliser à la réalité du risque
qui serait encouru en ouvrant largement nos portes à des
artistes étrangers. Pour la musique, le taux, sur les années
2008-2010, d’artistes qui ont eu l’autorisation de venir
en France et qui ne sont pas repartis est de moins de 5 %.
Faut-il pour autant rendre très compliquée la vie de 95 % des
artistes ? Je pense que l’on marche sur la tête. C’est un autre
dispositif qu’il faut mettre en place. Je peux comprendre
que le ministère de l’Intérieur soit vigilent sur les règles
d’entrée sur le territoire. Mais nous militons pour un statut
de l’artiste, un visa de l’artiste, même si le visa chercheur
n’est plus du tout une garantie. C’est un sujet sur lequel
nous ne pouvons qu’alerter le ministère de l’Intérieur. Nous
le constatons au quotidien, les difficultés se sont encore
accrues récemment.
R. A. et P. R. Quel sera le processus de sélection pour
l’artiste de la prochaine édition de la Biennale de Venise ?
S. T.-G. C’est une opération qui est portée en partenariat
avec le ministère de la Culture, et le CNAP. La procédure
est calée, avec un comité de sélection. Notre objectif est de
dégager un consensus sur un nom qui puisse convaincre.
Nous devons nous voir pour savoir quel type d’artistes nous
souhaitons mettre en avant. Nous travaillons à un échange
de pavillons avec l’Allemagne, et nous choisirons des artistes
qui accepteront la règle du jeu. C’est une donnée nouvelle.
Le choix devrait se faire fin décembre pour laisser du temps
à la production, à la recherche de mécénat...
R. A. et P. R. Comment expliquez-vous que pas mal
d’artistes français, qui ont du succès à l’étranger, n’ont
pas recours à des aides de l’État ?
S. T.-G. Je m’en réjouis. Il y a des réseaux pour les artistes,
les commissaires, les institutions... Quels sont les artistes
qui réussissent ? Ce sont ceux présentés dans les grandes
foires, qui vont pouvoir accéder aux grandes institutions... Il
y a des créateurs qui intègrent d’emblée dans leur démarche
la sphère internationale. C’est le cas de la plupart des jeunes
artistes. Il faut avoir ce désir, en avoir la capacité. ❚
PROPOS RECUEILLIS PAR ROXANA AZIMI ET PHILIPPE RÉGNIER

ENTRETIEN
LE QUOTIDIEN DE L’ART / NUMÉRO 15 / JEUDI 27 OCTOBRE 2011
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03
« Des extraterrestres
à la conquete du monde »
F A B R I C E H Y B E R , A R T I S T E
En 1991, Guy Tortosa, alors
responsable de la commande publique,
demandait à un jeune artiste – Fabrice
Hyber - d’intervenir à Bessines, petite
commune de 1 600 habitants, près de
Niort. Nul ne pouvait alors imaginer
que cette commande allait marquer
un tournant dans la carrière et la
pratique de cet artiste. Longtemps
laissés à l’abandon, les six petits
hommes verts de 87 cm viennent
d’être restaurés. Entretien avec
l’artiste.
D. S. Quelle fut l’importance de cette
commande pour vous ?
F. H. J’avais 27 ans et pour le jeune artiste que
j’étais, une commande publique me paraissait une chose un peu
ringarde. J’associais cela aux réalisations lourdes sur les places
des villages. Immédiatement, j’ai essayé de voir quelles étaient
les limites de ce système, comment je pouvais le faire dériver,
presque en déplacer les termes. Naturellement, j’ai imaginé
quelque chose de petit, inférieur à l’échelle humaine. Autre
évidence, il fallait disséminer l’intervention, la répandre dans
le territoire et même déborder ce dernier, aller au delà. Pour
moi, ces petits hommes sont des extraterrestres à la conquête
du monde. Les onze orifices (bouche, nez, oreilles, nombril…)
par lequel s’écoule l’eau symbolise le flux d’information qui
irrigue chacun d’entre nous, qui nous nourrit puis ressort
pour revenir de nouveau dans un mouvement sans fin. Dès
le départ, L’homme de Bessines me paraissait pouvoir migrer
dans d’autres lieux, se répandre dans le monde bien après les
dates de la commande. L’homme de Bessines m’accompagne
désormais dans mon voyage à travers la planète.
D. S. Pourquoi considérez-vous cette œuvre comme un
moment clé de votre pratique ?
F. H. Cette commande m’a indiqué que je pouvais passer à
d’autres choses. À la même époque, j’ai produit le plus gros
savon du monde. L’homme de Bessines validait ma pratique, mes
pensées, démontrait une logique que j’ai ensuite explorée. Mon
système apparaissait dans toute sa cohérence et sa pertinence.
Je pouvais donc enchaîner avec les POF (Prototypes d’Objets en
Fonctionnement), commencer à me passionner pour l’idée de
commerce, l’idée d’échange. Cette pièce fut aussi pour moi une
manière de désacraliser certaines caractéristiques de l’œuvre
d’art : absence de socle, jeu avec le territoire, multiplication
des essais dans des matières différentes.
D. S. Est-ce pour cette raison que vous teniez à fêter
l’anniversaire de cette œuvre ?
F. H. C’était le souhait de la municipalité.
Souvent, une œuvre n’existe que dans
le moment ou elle a été faite. Or, les
commandes publiques sont souvent peu
ou pas entretenues. Prenez L’Artère, réalisée
à la Villette, je dois continuellement faire
pression pour que le minimum d’entretien
soit fait. Ce n’est pas le rôle de l’artiste !
Faire exister L’homme de Bessines dans le
monde entier fut une sorte de réponse à
cela. La restauration et la remise en état de
cet ensemble me semblaient un geste fort
qu’il fallait saluer.
D. S. Combien avez-vous disséminé
d’hommes de Bessines dans le monde ?
F. H. Je pense qu’il en existe entre 400 et
500 aujourd’hui. Il y en a 49 à Shanghai, 69 à Lisbonne, 12 en
porcelaine, des exemplaires en bronze, certains dans le privé. Je
ne tiens pas la comptabilité exacte de ces envahisseurs.
D. S. Quelles sont vos actualités futures ?
F. H. L’an prochain, en avril, je devrais réinstaller les
collections historiques du musée des Beaux-Arts de Nantes
dans une chapelle le temps de leurs travaux. En septembre
2012, j’ouvrirai une vaste exposition au Palais de Tokyo
autour de l’envie de montrer plus des attitudes que des
œuvres. Ce sera une véritable immersion dans ma pratique.
J’ai aussi un projet avec la Fondation Maeght autour de mes
tableaux et un autre avec le MAC/VAL. J’y présenterai une
centaine de toiles dans lesquelles l’écriture tient un rôle
essentiel. Je projetterai sur ces dernières des séquences, des
tentatives de POF. Ce sera assez radical, assez expérimental.
D. S. Où en est ce grand projet d’école que vous vouliez créer ?
F. H. Elle ouvrira en septembre 2012 à Nantes.
D. S. Quel est l’objectif de cette dernière ?
F. H. Notre but est de définir les contours d’un métier
qui s’invente. Nous voulons former des gens capables de
consolider les liens entre les artistes et les entreprises. L’idéal
consistait à faire une petite école qui tourne dans différentes
villes. Nous voulions également un enseignement croisé, à
la fois en provenance de l’école d’art mais aussi de l’école de
commerce. La dizaine d’étudiants auront des cours d’histoire
de l’art, de marketing, de droit, de communication, et même
une initiation aux techniques industrielles. Ils doivent aussi
apprendre les législations liées aux espaces publics, aux droits
des auteurs. ❚
PROPOS RECUEILLIS PAR DAMIEN SAUSSET
Fabrice Hyber, L’Homme de Bessines,
Bessines (Deux-Sèvres) © D. R.
BESSINES, renseignements : www.mairie-bessines.fr

ENQUÊTE
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04
LE QUOTIDIEN DE L’ART / NUMÉRO 15 / JEUDI 27 OCTOBRE 2011
Découverte ou fantasme?
P A R R O X A N A A Z I M I
Courtesy Gilles Perrault
Suivant son intime conviction, l’expert judiciaire Gilles
Perrault estime depuis 1992 qu’une sculpture en argent non
signée, achetée par un marchand trois ans plus tôt au marché
Paul Bert (Saint-Ouen) et vendue à un collectionneur, serait
attribuable à Auguste Rodin. Dans un premier temps, il
imagine que la pièce, représentant une femme retenant un
tissu cachant partiellement son corps, pourrait être une
œuvre commune des deux artistes Rodin et Camille Claudel.
Puis il se rabat sur l’hypothèse d’une attribution à Rodin seul.
Selon lui, la sculpture daterait des années 1880. En 1999, il
présente la pièce à Antoinette Le Normand-Romain, alors
conservateur en chef en charge des sculptures au musée
Rodin. « Dans l’état actuel des connaissances sur les activités
« commerciales » de Rodin, l’attribution à cet artiste ne peut
absolument pas se défendre », écrit-elle. Sans se laisser démonter
par cet avis, Gilles Perrault engage en 2004 une recherche
dans les archives du musée. Trois ans plus tard, il découvre
des dessins représentant une pose identique à l’œuvre. S’ensuit
une série de présentations à différents conservateurs du
musée Rodin, mais aussi à Catherine Chevillot, conservateur
en chef au musée d’Orsay. Faute de preuves écrites, Gilles
Perrault plonge dans la biographie de Rodin. Pour lui, cette
pièce aurait été influencée par son voyage de 1875 à Florence.
Elle se rapprocherait aussi de l’Ève de l’artiste. D’après lui,
cette œuvre aurait été conçue dans le cadre des avortements
successifs de Camille Claudel, élève et maîtresse de Rodin. Il
y voit même une statuette « expiatoire » montrant la faute
avouée du sculpteur qui refusera toute paternité. Gilles Perrault
puise enfin dans différentes œuvres de Rodin pour opérer des
parallèles stylistiques avec les Bourgeois de Calais, ou avec des
dessins illustrant la même pose.
Le musée Rodin ne semble guère
convaincu par les éléments avancés
par l’expert. « Gilles Perrault voit
dans la statue ce qu’il a envie d’y
voir. Il rassemble des éléments parfois
très postérieurs à l’œuvre, comme les
dessins qu’il mentionne, et pas toujours
convaincants, estime Aline Magnien,
responsable des collections au musée
Rodin. Les archives de Rodin sont
quand même bien explorées et connues.
On n’a jamais rien vu de tel dans la
production de l’artiste. Il n’y a pas
d’œuvre en argent dans son corpus. »
Et d’ajouter : « Si on découpe la pièce
en petits morceaux, on peut toujours
trouver des rapprochements, mais rien
qui soit vraiment probant. Pour nous,
il s’agit d’une petite Vénus pudique très
commune, que l’on peut penser issue
d’un groupe comme une Ève chassée du Courtesy Gilles Perrault
Paradis. Mais on ne peut que se perdre en
conjecture. » Gilles Perrault a toutefois annoncé son souhait
de mettre en place une commission d’expertise autour de la
pièce. « Les historiens de l’art ne veulent se baser que sur des
traces écrites, mais je connais le danger qu’il y a à ne se baser
que sur cela, défend-il. Le propriétaire de l’œuvre voudrait offrir
cette pièce au musée Rodin ou à un autre musée. Il fait de cette
attribution une question de principe. » Le mystère reste toutefois
entier. ❚

BRÈVES
Com
Deux records mondiaux pour
la collection Fabius Frères
Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), Jeune fille à la coquille et pêcheur à la
coquille (détail), en marbre blanc, 1874, 140 x 74,5 cm, (hors socle).
Vendu 936 750 euros © Photo : Crédit Sotheby’s
PARIS, LE 26 OCTOBRE 2011 PRIX DE PHOTOGRAPHIE
DE L’ACADEMIE DES BE
Les deux stars de la collection des antiquaires Fabius
Frères, dont Sotheby’s dispersait hier la première partie
galerie Charpentier (Paris) en association avec Piasa, ont
récolté chacune un record mondial, dans une salle très
remplie. Jeune Fille à la coquille et Pêcheur à la coquille,
un groupe taillé en marbre par Jean-Baptiste Carpeaux
en 1873, deux ans avant sa mort, pour l’Empereur et
l’Impératrice Eugénie, s’est envolé pour 936 750 euros,
soit le triple du précédent record. Éléphant, un bronze
unique de 1832 d’Antoine-Louis Barye, ayant appartenu
au duc de Nemours, a atteint 756 750 euros, record
mondial pour une œuvre de l’artiste. L’acheteur de cette
pièce est un Français, Didier Coustaury, heureux d’avoir
acquis « le fleuron de [sa] collection sur Barye ». Cette
première session a totalisé 6,9 millions d’euros. Elle se
poursuit cet après-midi.
n’a pas varié depuis que je porte
sans exotisme, une exploration q
surtout sans empathie ce qui PAGE ici n
d’avenir, un travail de mémoire an
LE QUOTIDIEN DE L’ART / NUMÉRO 15 / JEUDI 27 OCTOBRE 2011
05
Françoise Huguier primée
par l’Académie des beaux-arts
© Cyril Zannettacci
Françoise Huguier © Cyril Zannettacci
Pour sa sixième édition, le prix de photographie de l’Académie
des beaux-arts - Marc Ladreit de Lacharrière a été décerné
hier à Françoise Huguier (née en 1942). Étude en huis clos
des classes moyennes des trois capitales du sud-est asiatique,
« Vertical/Horizontal, Intérieur/Extérieur. Singapour – Kuala
Lumpur - Bangkok "Middle classes" en Asie du Sud-Est à
l’aube du XXI e siècle » poursuit ses études autour du monde,
après de nombreux travaux sur le continent africain.
Deux Picasso retrouvés
Françoise
indépend
en 1976 a
français.
cinéma, d
France qu
Grande v
des travaux personnels sur l’Afriq
deux reprises, de la Villa Médicis
fantôme, sur les pas de Michel Le
d’un voyage solitaire en Sibérie (P
créer, en 1994, la première Bienn
longue incursion dans le doma
Pétersbourg afin de travailler sur
en 2008 un ouvrage ainsi qu’un fil
En 2004, elle retourne pour la pre
l’ouvrage J’avais huit ans retrace l
Les nombreux livres de Françoise
L’union Européenne se
mobilise pour Pompéi
Suite aux nombreux écroulements sur le site antique de
Pompéi (dont les derniers datent de cette semaine), le
commissaire européen Johannes Hahn a confirmé hier le
déblocage de 105 millions d’euros par l’Union Européenne
en faveur de la sauvegarde du site archéologique. Le
ministre des biens culturels italien, Giancarlo Galan,
a profité de cette nouvelle pour annoncer l’arrivée
prochaine de vingt spécialistes, parmi lesquels des
archéologues et des architectes, qui statueront sur les
dépenses prioritaires à effectuer.
Les deux toiles de Picasso retrouvées, à gauche Tête de cheval, de 1962,
à droite Verre et pichet, de 1944.
Le chef de la police serbe, Milorad Veljovic, a annoncé hier la
découverte en Serbie de deux tableaux de Picasso. Estimés 3,1
millions d’euros, la Tête de cheval, datée de 1962, et Verre et
pichet, de 1944, avaient été dérobés en février 2008 en Suisse,
lors de leur prêt à une galerie à Pfäffikon (dans la région de
Zurich) par le Sprengel Museum d’Hanovre, en Allemagne.
Rectificatif
Dans la brève portant sur le nouvel hippodrome de
Longchamp, de notre édition du mercredi 26 octobre, les
travaux sont estimés à « environ 80 millions d’euros ».

EXPOSITION
PAGE
06
LE QUOTIDIEN DE L’ART / NUMÉRO 15 / JEUDI 27 OCTOBRE 2011
Gisèle Freund,
photographe à la lettre
P A R N A T A C H A W O L I N S K I
Colette au foulard rouge, Joyce scrutant à la loupe
un livret, Gide sommeillant sous le masque mortuaire
de Leopardi : ces portraits d’écrivains sont entrés dans
l’histoire. Une exposition à la Fondation Pierre Bergé-Yves
Saint Laurent rend hommage à leur auteur, Gisèle Freund.
Il ne s’agit pas d’une rétrospective mais d’un éclairage
sur les années 1933-40, période fructueuse où une jeune
sociologue allemande, réfugiée à Paris, devient photographe
et portraiture la crème de l’intelligentsia européenne.
L’exposition a pour commissaires Olivier Corpet, directeur
de l’Institut Mémoires de l’édition contemporaine (IMEC)
qui a reçu en dépôt les archives de Gisèle Freund disparue
en 2000, et Catherine Thieck, directrice de la galerie de
France qui a exposé à plusieurs reprises la photographe.
L’accrochage présente quelques rares images de reportage,
mais se concentre surtout sur cette extraordinaire série
de visages d’écrivains qui a fait la renommée de Gisèle
Freund et lui a valu, en 1981, de réaliser le portrait officiel
de François Mitterrand. Elle avait 73 ans et devait sourire
de cette reconnaissance tardive, car dans les années 1930,
il fallait être culottée pour convaincre Malraux, Breton
ou Montherlant de subir l’épreuve de la photo couleur,
assimilée à cette époque à de l’imagerie publicitaire.
Alors que le glas des pellicules Kodachrome a sonné, Gisèle
Freund a été l’une des premières à utiliser ce film en 1938.
Elle se déplaçait chez les écrivains, qu’elle contactait grâce
à la complicité de ses amies libraires Adrienne Monnier
et Sylvia Beach. Elle trouvait parfois dans l’alignement
d’une bibliothèque ou le chaos d’un bureau l’écho d’une
personnalité, mais préférait le plus souvent cadrer de près
les visages. Les modèles ne s’en remettaient pas toujours.
Lors d’une projection le 5 mars 1939, dans la librairie
« Shakespeare and Co », Mauriac s’écrie : « pourquoi ne
m’avez-vous pas photographié vingt ans plus tôt », et Sartre
lâche : « Nous avons tous l’air de revenir de la guerre ».
En 1940, Gisèle Freund l’exilée repart sur les routes sinistrées
du monde et ne trouvera que bien plus tard les moyens
de tirer ses images sur papier. En 1977, à la demande du
marchand Harry Lunn, elle réalise trente portfolios de dix
portraits dye-transfer. Très recherchés aujourd’hui, ils ne
circulent jamais complets. Démantelés, ils perdent beaucoup
de valeur, puisqu’un beau tirage dye-transfer de Cocteau ou
de Sartre n’excède pas 5 500 euros à la galerie Lucie Weill &
Seligmann qui les présente cet automne. Aux cimaises, les
portraits de Gisèle Freund semblent pourtant inestimables.
Benjamin est pensif, Zweig malicieux et Claudel furibond.
Derrière les rides et le grain de la peau, Gisèle Freund a
capté la vérité intime de ces génies préoccupés de légende. ❚
Gisèle Freund, Jean Cocteau, Paris, 1939, épreuve dye-transfer couleurs,
(portfolio édité par Harry Lunn en 1977), 30 x 20,5 cm, fonds Gisèle
Freund, IMEC / Fonds MCC. © Gisèle Freund / IMEC / Fonds MCC.
GISÈLE FREUND, L’OEIL FRONTIÈRE, Paris 1933-1940, jusqu’au
29 janvier 2012, Fondation Pierre Bergé-Yves Saint Laurent, 5 avenue
Marceau, 75116 Paris, tél. 01 44 31 64 31, www.fondation-pb-ysl.net
GISÈLE FREUND, PORTRAITS D’ARTISTES, galerie Lucie Weill &
Seligmann, du 4 novembre 2011 au 29 janvier 2012, 6 rue Bonaparte,
75006 Paris, tél. 01 43 54 71 95, www.galerie-lws.com
Gisèle Freund. L’oeil frontière. Paris 1933-1940, collectif, coédition IME /
éditions de la RMN et du Grand Palais, 220 p., 80 illustrations, 50 euros.
ISBN: 978-2-7118-5924-5
Des inédits bientôt
accessibles
Les archives de Gisèle Freund comprennent
1 600 négatifs noir et blanc et leurs planches-contacts,
8 200 diapositives, 1 200 tirages originaux n&b
et couleurs, ainsi que des manuscrits et de la
correspondance. 800 images seront numérisées d’ici
fin 2012 par l’Imec, en partenariat avec la RMN. Après
réflexion, il a été décidé que des images inédites ou peu
connues seraient diffusées, comme ces portraits avant
recadrage ou des versions couleurs de portraits que l’on
connaissait en noir & blanc. ❚

DÉCODAGE
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07
LE QUOTIDIEN DE L’ART / NUMÉRO 15 / JEUDI 27 OCTOBRE 2011
Vibrations cinétiques
P A R R O X A N A A Z I M I
En déroutant les habitudes de regard par des
superpositions de trames ou des vibrations lumineuses,
l’art cinétique ou optique prétendait changer le monde,
du moins nos habitudes perceptives. Le programme du
Groupe de Recherche en Art Visuel (GRAV), regroupant
en 1960 des artistes comme François Morellet, Yvaral
ou Julio Le Parc, se présentait d’ailleurs comme un
projet sociétal. « Nous voulons sortir le spectateur de
sa dépendance apathique qui lui fait accepter d’une façon
passive, non seulement ce qu’on lui impose comme art, mais
tout un système de vie », tonnait leur manifeste. De fait,
les œuvres cinétiques provoquent chez le spectateur une
fascination hypnotique, mêlant plaisir et inconfort. Bien
souvent, elles ne peuvent se regarder qu’avec parcimonie.
« Le Op ne tiendra pas, parce que les collectionneurs ne
peuvent profiter de leurs tableaux ; ils sont obligés de tourner
les toiles vers le mur pour échapper au mal de mer », aurait
même déclaré l’artiste Marcel Duchamp !
Mis en exergue dans l’exposition « Le Mouvement »
organisée en 1955 par la galeriste Denise René, ces
créateurs ont certes connu un long purgatoire. Mais
depuis quelques années, ils se rappellent à notre bon
souvenir. « Il y a eu une surexposition de ces artistes dans
les années 1960 jusqu’en 1970-71. L’art cinétique-optique
arrivait en bout de course, il y avait un essoufflement des
artistes initiateurs, rappelle l’historien de l’art Matthieu
Poirier. On a assimilé le cinétisme à un système gigotant.
C’est un non-sens, on n’est pas dans la mystification. Au
contraire, ces artistes voulaient montrer qu’il est faux de
penser le réel comme une image. La redécouverte s’est faite
avec une jeune génération de plasticiens comme Carsten
Höller, Ann Veronica Janssens ou Olafur Eliasson. Il y a un
revival des questions perceptuelles et phénoménologiques. »
Le hasard fait parfois bien les choses. Deux
galeries, Lahumière et Lansberg, ont choisi d’orchestrer
simultanément deux rétrospectives autour du Hongrois
Victor Vasarely, respectivement jusqu’au 30 décembre
et jusqu’au 19 novembre. Lansberg, qui présente une
vingtaine de pièces concentrées plutôt sur les années
1950-60, affiche des prix s’échelonnant de 80 000 à
700 000 euros. Au menu notamment un tableau prêté
par le collectionneur suisse Jean-Claude Gandur, Altai III,
que celui-ci avait acquis pour 565 000 livres sterling
en 2010 chez Sotheby’s. « Depuis quatre à cinq ans, le
marché a repris. Ses prix ont quadruplé, constate Maurice
Lansberg. Les gens ont redécouvert Vasarely, le regard sur
lui a changé. » Voilà deux ans, la galerie Lahumière avait
présenté un solo show de l’artiste à la Foire de Bâle avec
un succès non négligeable. « Maintenant, il attire de
nouveaux collectionneurs qui n’ont pas connu sa profusion
d’images », remarque la galeriste.
Altaï III, 1955/58, Peinture sur toile, 164 x 133 cm,
Fondation Gandur pour l’Art, Genève. Courtesy Galerie Lansberg
Le regard a tellement évolué qu’en 2009, la
galerie d’art contemporain berlinoise Max Hetzler a
présenté Jesús Rafaël Soto. « Les gens ont beaucoup aimé,
surtout les artistes », confie Samia Saouma, de chez Max
Hetzler. On peut d’ailleurs imaginer que l’Impénétrable
de Mona Hatoum ait été influencé par Soto… De son
côté, Bugada & Cargnel expose jusqu’au 5 novembre les
œuvres anciennes de Julio Le Parc. « Julio est un faiseur
de troubles pas uniquement perceptifs, ce qui le met dans la
même lignée que les autres artistes de la galerie. Il m’a donné
un coup de jeune », souligne Claudia Cargnel. Acheté
par la collectionneuse vénézuélienne Ella Cisneros et
la Fondation Daros, qui possède l’un des plus grands
ensembles de ses œuvres, l’artiste argentin a aussi rejoint
les collections du Hirshhorn Museum and Sculpture
Garden à Washington et du MOCA de Los Angeles. Le
Parc a aussi les honneurs de l’exposition « Erre » au
Centre Pompidou-Metz. D’où des prix déjà conséquents,
entre 260 000 et 690 000 euros. De quoi tordre le coup
à la prophétie duchampienne… ❚
http://bugadacargnel.com
www.galerie-lansberg.com
www.lahumiere.com

GENÈVE
LE QUOTIDIEN DE L’ART / NUMÉRO 15 / JEUDI 27 OCTOBRE 2011
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08
«
Les amateurs veulent du rare »
P A R A L E X A N D R E C R O C H E T
Trois questions à François De Jonckheere
(Galerie De Jonckheere), spécialiste en peinture
flamande
A. C. Pourquoi avoir inauguré, le 20 octobre, une nouvelle
galerie dans la vieille ville de Genève, en plus de votre adresse
parisienne, Faubourg Saint Honoré ?
F. D. J. Nous étions installés à Bruxelles, où nous avions aussi
une maison de ventes, que nous avons cédée à Pierre Bergé
& Associés. Nous avions du coup moins de raison d’y rester.
De grands marchands dans notre domaine se trouvaient déjà
à Londres. Genève offre entre autres avantages celui d’être
à proximité d’un port franc. Nous avons repris l’espace du
regretté Jacques Benador, qui fut le premier à exposer Cy
Twombly en Europe. Il est situé à côté de Christie’s et fait 350
m 2 . Notre documentation – plus de 10 000 ouvrages – a été
transférée ici, où travaille désormais notre historienne, Alice
Frech, directrice de la galerie.
A. C. Quel est votre programme ?
F. D. J. Auparavant, nous faisions jusqu’à treize salons par an.
L’idée est de nous concentrer maintenant sur le nouveau salon
Paris Tableau à Paris (du 4 au 8 novembre, ndlr), Maastricht
et la Biennale des Antiquaires de Paris, sans oublier celle
de Florence. Et de faire une grande exposition d’automne à
Genève, en contrepoint de celle de Paris, qui se déroule au
printemps. Celle d’ouverture réunit des œuvres de Corneille de
Lyon, Hendrick Avercamp, Hans
Bol, Simon de Myle…
A. C. Quelles sont les tendances
dans votre spécialité par ces
temps de crise financière ?
F. D. J. J’observe l’arrivée de
nouveaux clients venus pour
certains de l’art contemporain.
Autrefois, nous vendions en
moyenne 200 tableaux par an,
aujourd’hui, la moitié, mais de
plus grosses pièces sur lesquelles se
concentrent les collectionneurs,
d’où un chiffre d’affaires en hausse. Cranach, Brueghel sont de
plus en plus recherchés, avec des prix en hausse depuis quatre
à cinq ans. Alors qu’autrefois je peinais à trouver des acheteurs
pour des œuvres un peu difficiles, des sujets religieux des XV e et
XVI e siècles, il y a maintenant une liste d’attente ! Ce qui était
plus commercial - une jolie nature morte - est plus compliqué
à vendre. Les amateurs veulent de l’important, du rare, de
l’indiscutable. ❚
MIROIR D’UN CABINET D’AMATEUR, jusqu’au 23 décembre, Galerie
De Jonckeere, 7, rue de l’Hôtel de Ville, 1204 Genève.
Tél. : +41 22 310 80 80, www.dejonckheere-gallery.com
Georges et François (en haut)
De Jonckheere. © D R
« tout se passe dans les salons »
P A R A L E X A N D R E C R O C H E T
Trois questions à Jacques de la Béraudière
Spécialiste en peinture moderne
A. C. Vous avez quitté Paris en janvier 2009 pour vous
installer au cœur de la vieille ville de Genève, êtes-vous
heureux de ce changement ?
J. D. B. Je ne regrette pas d’être venu pour la paix royale. La vie
ici est très calme, très agréable. L’administration formidable
vous considère avec égards quand vous restez dans les clous
et que vous payez vos impôts, contrairement à Paris, où l’on
est toujours soupçonné de tous les maux. Du point de vue
économique, si Genève possède un grand nom, elle reste une
petite ville où les milieux ne se mélangent pas. Même l’art ne
réussit pas à faire le lien. Il faut prendre les gens par la main
pour qu’ils entrent dans la galerie. Le Parisien est plus curieux.
En définitive, je vois plus de Genevois quand j’expose à la Tefaf
à Maastricht !
A. C. Etre basé à Genève présente-t-il des atouts pour les
ventes ?
J. D. B. Le commerce a beaucoup évolué. Tout se passe
aujourd’hui au travers des salons
comme ceux auxquels je participe, Bâle,
Maastricht, la Biennale des Antiquaires à
Paris… Donc cela ne change pas tellement
d’être installé à Paris, Genève ou ailleurs.
Je bénéficie en outre, à Genève, de la
présence de communautés très actives,
avec des clients libanais, argentins…
A. C. Quels sont vos projets immédiats ?
J. D. B. Je prépare une exposition sur
la photographie du début du XX e siècle
dans le cadre de la manifestation « Art en Vieille-Ville » (qui
regroupe seize galeries d’art et antiquités, ndlr). Je pars bientôt
à New York, à l’Armory. ❚
EXPOSITION PHOTOS D’AVANT-GUERRE D’ATGET À KERTÉSZ,
du 10 novembre 2011 au 27 janvier 2012. Galerie Jacques de la Béraudière,
2, rue Etienne-Dumont, 1204 Genève. Tél. : +41 22 310 475,
www.delaberaudiere.ch
Jacques de la
Beraudière. © D R

EXPOSITION
LE QUOTIDIEN DE L’ART / NUMÉRO 15 / JEUDI 27 OCTOBRE 2011
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09
L’art indien sort de l’anonymat
P A R S A R A H H U G O U N E N Q
Farrukh Beg, Un sage Sufi, d’après la personnification de la mélancholie,
à l’européenne. Cour Mughal , Agra, 1615, gouache,
encre et or sur papier, 19.4 x 14.1 cm, Musée d’art islamique, Doha,
© Met, New York
Payag (peintre) et Mir’ Ali (calligraphe), Shah Jahan Riding Stallion, from
the Kevorkian, Cour Mughal, Agra, 1628, gouache et or sur papier,
28.2 x 20.8 cm, Metropolitan Museum of Art, New York © Met, New York
Présenter les peintres et non plus la peinture
indienne : tel est le propos de « Wonder of the Age :
Master Painters of India », présentée actuellement au
Metropolitan Museum of Art de New York. « L’exposition
défie la pensée commune qui célèbre l’anonymat de
l’art indien. Elle met en exergue la manière dont les
spécialistes peuvent révéler l’identité d’artistes individuels
et de leur travail. », affirme John Guy, commissaire de
l’exposition. Aboutissement de nombreuses années
de recherche, cette exposition offre aussi l’occasion
d’élargir le spectre des études. « Nombre des attributions
que nous présentons ici sont basées sur des jugements
experts, et sont ouvertes à une remise en cause critique et
analytique », poursuit le commissaire.
Au-delà de la somptuosité
COMMISSARIAT :
Jorrit Britschgi, conservateur au
Musée Rietberg, Zurich, Suisse.
John Guy, conservateur au
Metropolitan Museum of Art, New
York, États-Unis
e t de la f inesse d’une
réalisation prolifique et
métissée, ces peintures
indiennes du XII e au XX e
siècles posent la question
de la signature et de la
position sociale de l’exécuteur. Dans le contexte d’une
peinture séculaire, ce dernier se considère comme un
artisan reprenant une iconographie établie. Ce sont
L’exposition défie la pensée commune
qui célèbre l’anonymat de l’art indien
pourtant plus de quarante artiste-peintres singuliers
qui sont ici nommés, dont beaucoup pour la première
fois.
L’exposition, qui fut montée au musée Rietberg à Zurich
dans le cadre d’un partenariat avec le Metropolitain,
comprend quelques deux cents peintures provenant des
plus grandes collections internationales, dont le musée
Guimet à Paris. ❚
WONDER OF THE AGE : MASTER PAINTERS OF INDIA, 1100-1900,
jusqu’au 8 janvier 2012, Metropolitan Museum of Art, 5th avenue/82nd
street, New York, www.metmuseum.org

POLITIQUE CULTURELLE
Coup d’envoi de la
conférence générale
de l’Unesco
P A R S A R A H H U G O U N E N Q
BRÈVES
Giulio Malgara écarté
de la présidence
de la Biennale de Venise
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10
La commission culturelle du parlement italien a voté hier
contre la nomination de Giulio Malgara à la présidence
de la Biennale de Venise. Ce vote met fin à la polémique
qui avait suivi l’annonce de cette arrivée dans la lagune
du fondateur d’Auditel, une entreprise d’étude média,
et proche de Silvio Berlusconi. Alors que le ministre
des biens culturels italien, Giancarlo Galan, s’est dit
« très satisfait » de ce résultat, l’opposition dénonce
« l’échec » de la politique du ministre. Le mandat de
l’actuel président de la fondation vénitienne, Paolo
Baratta, se termine en décembre.
L’architecture française
choisie à Taïwan
© Unesco / Studio Adeline Rispal / Photo Luc Boegly,
Permanent exhibition Open Unesco
La Conférence générale de l’Unesco s’est ouverte le 25
octobre à Paris sous la présidence de l’Hongroise Katalina
Bogyay. Sur fond de contexte économique houleux, la
Directrice générale de l’organisme, Irina Bokova, a évoqué
la nécessité de développer les coopérations multilatérales.
« Il ne suffit pas de nous connecter, nous devons partager
», a-t-elle déclaré lors de la cérémonie d’ouverture. Une
volonté semblable a été exprimée par Katalina Bogyay
: « J’ai toujours tenu à faire passer le même message :
nous devons apprendre à communiquer. (…) Mon travail
de diplomate culturel consiste à faire comprendre que ce
n’est pas suffisant de seulement parler et écouter ». Elle a
ainsi rappelé que la culture, les sciences et l’éducation
forment la base de toute construction pacifique. De
fait, cette 36 e session, organisée jusqu’au 10 novembre,
s’attachera particulièrement aux thèmes de la paix et du
développement durable.
Parmi les grands moments attendus de cette conférence,
la demande d’adhésion à l’Unesco de la Palestine devrait
faire grand bruit, à quelques semaines du rejet de sa
candidature à l’ONU. La date de discussion de ce sujet
n’est pas encore fixée, l’équipe de la présidence devant se
réunir à huis clos demain pour en arrêter le calendrier. La
séance plénière du mercredi 2 novembre constituera un
autre temps fort de l’événement. L’occasion de célébrer
le dixième anniversaire de la Déclaration Universelle de
l’Unesco sur la diversité culturelle. ❚
Projet de Catherine Mosbach et Philippe Rahm
pour le parc de Taichung, à Taïwan © D. R.
Le concours international pour la conception d’un
parc à Taïwan, dans la ville de Taichung, a été remporté
hier par les architectes français Catherine Mosbach et
Philippe Rahm, qui ont convaincu le jury présidé par
Charles Waldheim, professeur à l’université d’Harvard
aux États-Unis. L’originalité de leur projet réside
dans l’intégration qu’il fait de l’idée de changement
climatique au sein de ces 67 hectares. Cette réalisation
s’inscrit dans un complexe qui comprend un centre
culturel, une cité du cinéma et des terrains de sport.