Dossier de presse - Cirque du Soleil

MIS EN SCÈNE PAR DIANE PAULUS
Dossier de presse
1

Présentation du spectacle
Écrit et mis en scène par Diane Paulus
Le spectacle
Amaluna nous transporte sur une île mystérieuse gouvernée
par des déesses, une contrée lointaine régie par les cycles
de la lune. Pour marquer le passage à l’âge adulte de sa fille,
la reine Prospéra tient une cérémonie rituelle en hommage
à la féminité, au renouveau et à l’équilibre au cours de laquelle
ce précieux héritage sera transmis d’une génération à l’autre.
À la suite d’une tempête provoquée par Prospéra, un groupe
de jeunes hommes débarquent sur l’île et le coeur de la
jeune fille va bientôt chavirer pour un valeureux prétendant.
Mais l’amour du jeune couple sera mis à l’épreuve et ils devront
surmonter de redoutables obstacles avant de trouver le
chemin de la confiance mutuelle, de la loyauté et de l’harmonie.
Le nom
Amaluna est formé des mots ama, qui veut dire « mère » dans
plusieurs langues, et de luna, qui signifie « lune », symbole de
la féminité évoquant à la fois la relation mère-fille et la notion
de déesse protectrice de la planète. Amaluna, c’est aussi le nom
de l’île mystérieuse dans laquelle évoluent les personnages.
Mettre en lumière le travail et la parole des femmes.
Pour la première fois au Cirque du Soleil, la distribution
d’un spectacle est constituée à 70 % d’artistes féminines
et comprend un groupe musical composé entièrement
de femmes. « Amaluna met en lumière le travail et la parole
des femmes », explique Fernand Rainville, directeur de création
du spectacle. « Amaluna est un spectacle sur le sens à donner
à l’équilibre dans une perspective féminine». Diane Paulus,
metteure en scène, ajoute : « Amaluna est moins un spectacle
sur le féminisme, qu’un appel à renouer avec notre monde
d’une manière différente ».
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Les numéros
(Par ordre alphabétique)
Barres asymétriques
Les Garçons en captivité prêtent main-forte
aux féroces Amazones – la force féminine
de l’île – pour présenter une variante
énergique et revisitée de l’épreuve des
barres asymétriques en gymnastique.
Cerceau et bol d’eau
Sur son cerceau, la Déesse de la Lune révèle
à Miranda et lui accorde sa bénédiction tout
en chantant un air envoûtant. Sous le regard
attentif de Roméo, Miranda folâtre dans le
bol d’eau, prend peu à peu conscience de
son corps et exprime sa sexualité en livrant
un numéro d’équilibre sur cannes avant
de plonger à nouveau dans l’eau et de s’y
mouvoir comme un poisson. Roméo la rejoint
et les deux amoureux s’abandonnent à des
jeux innocents puis échangent timidement
un premier baiser.
Courroies aériennes
Miranda fait appel aux Valkyries pour libérer
Roméo. Suspendues à des courroies fixées
au Carrousel – un dispositif scénique accroché
au-dessus de la scène – elles font de grandes
envolées au-dessus du public tout en livrant
une lutte à Cali. Cette spectaculaire
démonstration de vol en quatre dimensions
requiert un sens du rythme exemplaire, sans
compter les habiletés et la force physique
qu’il faut pour se déplacer à grande vitesse
dans un rayon de 360 degrés.
Jeux icariens
et météores d’eau
Dans ce numéro classique des arts du cirque
qui exige une force, une agilité et un sens
du rythme hors du commun, des artistes
font tournoyer des météores lumineux. Les
porteurs allongés sur le dos font tournoyer
les voltigeuses au bout de leurs pieds, les
artistes se propulsent et culbutent pour
atterrir à nouveau à l’unisson.
Jonglerie
Cali capture Roméo et l’enferme dans le bol
d’eau. Pour célébrer sa victoire sur son rival,
il jongle habilement avec des balles de plus
en plus nombreuses tombées du ciel.
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La danse du paon
Roméo s’aventure dans la Forêt enchantée
où il aperçoit la Déesse du Paon, dans une
éblouissante robe blanche, exécuter une
danse ensorcelante qui symbolise la pureté
de l’amour.

La tempête
Prospéra s’empare de son violoncelle pour
invoquer une furieuse tempête. Le tonnerre
et les éclairs font rage. Deux artistes – Dieu
et Déesse du Vent – entament un intense
ballet aérien. Suspendus à des courroies,
ils s’unissent puis se séparent, leurs
corps s’enlaçant et planant dans une
chorégraphie vigoureuse et frénétique.
Mât chinois
Faisant preuve d’une impressionnante force
musculaire, Roméo tente de retrouver
Miranda en gravissant un mât dans un
numéro tout en inventivité et en souplesse.
La déesse de l’équilibre
Prospéra invite Roméo et Miranda à observer
la Déesse de l’Équilibre, appliquée à créer
un véritable monde en suspension – un
gigantesque mobile minutieusement construit
à l’aide de treize nervures de feuilles de palmier.
Une ode à l’équilibre, ses gestes sont lents,
posés, presque méditatifs. Toute l’attention
de l’artiste est portée sur l’époustouflante
structure flottante. À la fin, lorsqu’elle retire
la plus petite pièce du mobile, l’ensemble se
désintègre d’un coup, marquant le début des
épreuves que devra traverser le jeune couple.
Planche sautoir
Captifs dans leur enclos, les Garçons se
propulsent et virevoltent dans les airs dans
une tentative enjouée d’évasion autant de la
gravité que de leur prison. Ils exécutent des
prouesses en apparence impossibles, en
atterrissant en équilibre sur leurs mains, sur
les paumes renversées de leurs partenaires,
ou encore en bondissant sur une petite
plateforme, en position très inclinée, située
à mi-chemin entre les deux extrémités de la
planche sautoir.
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Les personnages principaux
Prospéra
Dans le monde d’Amaluna, Prospéra fait
figure de chaman. Elle est dotée de pouvoirs
magiques, mais c’est avant tout une femme
d’une profonde humanité. Prospéra veille
tout d’abord au bien-être de sa fille; elle sait
qu’elle doit permettre à Miranda de connaître
l’amour et de trouver son propre chemin,
mais rien ne l’empêchera d’utiliser ses
pouvoirs pour influencer le cours des choses,
car elle sera toujours une force protectrice
dans la vie de sa fille.
Miranda
Miranda va bientôt devenir femme. Grande
romantique, et des rêves plein la tête,
elle est espiègle, vive et enjouée. L’univers
exaltant d’Amaluna – avec ses riches
traditions, sa culture, sa flore et sa faune
splendides – lui convient à merveille.
Roméo
Le passage de la tempête provoquée par
Prospéra a amené sur l’île un groupe de
jeunes hommes. Leur chef – le vaillant
prince Roméo – et Miranda ne se seraient
jamais croisés n’eut été de l’intervention
de Prospéra. Roméo recherche tout autant
l’amour véritable que Miranda, mais il ne
se doute pas des obstacles qui se dresseront
sur sa route.
Cali
Mi-lézard, mi-humain et jaloux jusqu’à
la moelle, Cali a toujours été aux côtés
de Miranda. Même si elle considère Cali
simplement comme son animal de
compagnie, lui, est follement amoureux
d’elle. Cali fera tout en son pouvoir pour
empêcher Roméo de gagner le cœur de
sa protégée.
Le Valet de chambre
et la Nounou (clowns)
Jeeves, le valet de chambre de Roméo arrivé
avec les autres garçons, ne tardera pas à
tomber éperdument amoureux de Deeda,
la nounou de Miranda. Comme le sentiment
est réciproque, ils seront tout aussi empressés
de fonder une famille…
Déesse de la Lune
La Déesse de la Lune représente une présence
féminine forte dans le monde de Amaluna.
Elle utilise son pouvoir tantôt pour prêter
main-forte au jeune couple, tantôt pour
contrecarrer les deux amoureux dans leur
quête périlleuse vers le bonheur.
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Costumes
Dans Amaluna, la conceptrice de costumes Mérédith Caron
donne vie, par la magie de ses créations, à une cohorte de
personnages fabuleux et hétéroclites, comme si différentes
époques et diverses cultures s’étaient télescopées en un même
lieu. Elle a imaginé que cette île mystérieuse nommée Amaluna
se situe quelque part en Méditerranée : l’univers du spectacle
est un véritable carrefour entre l’Orient et l’Occident, une
contrée lointaine où l’Antiquité et l’époque contemporaine
se chevauchent et se confondent harmonieusement.
Les costumes complexes et multidimensionnels de Mérédith
Caron évoquent un univers de jour et de nuit résolument
contemporain teinté de l’esprit de la période élisabéthaine,
avec des clins d’œil complices à l’Orient et à la Scandinavie.
« C’est la rencontre d’une humanité, la glorification de la beauté
de l’être humain », dit-elle.
Les costumes d’Amaluna sont une symbiose entre théâtre et
acrobatie. Pour Mérédith Caron, le personnage et le costume
sont indissociables. « L’un appelle l’autre. C’est une communion,
une relation symbiotique, explique-t-elle. Mais avant tout, c’est
l’artiste que j’habille. »
Pour habiller ces artistes, Mérédith a créé des costumes
« progressifs » aux multiples configurations. Certains artistes
enfilent leur tenue de parade pour les moments plus théâtraux
et leur costume de performance lorsqu’ils exécutent leur
numéro. De nombreux costumes sont dotés de jambières et
autres parties amovibles : on peut tantôt retirer les manches et
ne garder que le pourpoint sur le torse, tantôt enlever le
pourpoint et ne conserver que le maillot.
Des femmes qui ont de l’étoffe
Amaluna recrée sur scène toute une mythologie féminine
fantastique. Inspirés de l’Asie mineure, les costumes corsetés
des guerrières amazones affublées de queues de cheval
et portant des bottes de cuir noir et rouge à talons hauts,
par exemple, relèvent davantage du fantasme que de la
réalité historique.
Le monde de Amaluna est aussi peuplé d’une sous couche de
personnages troubles, mi humains, mi animaux, librement
inspirés de l’univers de La Tempête de Shakespeare ; on y côtoie
des lézards, des fées et des paons.
Le denim – Matière contemporaine et
emblème de l’adolescence
Tout autant que la ligne, le choix des matières revêt une réelle
signification aux yeux de Mérédith Caron. Présent dans les
costumes des Garçons qui débarquent sur l’île de Amaluna,
le denim est travaillé avec des effets renaissants. Les pourpoints
de denim tailladés avec des crevés (des fentes aux manches
laissant entrevoir la doublure) se conjuguent avec des effets
de flocage de velours très XVIII e siècle pour donner l’impression
d’un jean contemporain.
Miranda, la fille de la reine Prospéra qui s’apprête à passer
à l’âge adulte au milieu de cette contrée isolée, porte du lin,
de la batiste et du velours dévoré, très Renaissance italienne.
Son costume exprime l’avidité de cette femme en devenir et
sa soif de découverte.
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Rencontre de l’esthétique et de l’acrobatique
En confrontant des corps à des volumes – même les plus
légers – les costumes ne doivent jamais entraver le mouvement
des artistes. Le costume aux accents roses des artistes qui
exécutent un numéro de jeux icariens comporte un tutu amovible
pour ne pas gêner le mouvement durant leur performance.
Les manches très Renaissance dégagent les aisselles afin de
libérer le geste.
Le costume des deux monocyclistes est doté d’une cage qui
dissimule les jambes – un clin d’œil esthétique au siècle d’or
espagnol. Durant le numéro de monocycle, ces cages éclatent
en deux morceaux, annonçant du coup le début de la tempête
à la suite de laquelle l’amour naissant entre Miranda et son
prétendant sera mis à l’épreuve. La cage est faite d’une matière
ajourée laissant apercevoir la selle du monocycle pour ne pas
entraver le jeu des artistes.

Des musiciennes qui ont du cran
Les costumes des musiciennes qui incarnent des personnages
gravitant dans l’entourage de la reine Prospéra mettent en
évidence leur tempérament fort, leur côté rock et leur allure
très actuelle. Mérédith s’est inspirée de vedettes de la musique
pour créer leurs tenues. L’un des costumes est un clin d’œil au
styles vestimentaires de k.d. lang et de Roy Orbison, un autre
emprunte aux univers de John Galliano et de Tim Burton, tandis
qu’un autre est une version rock des Village People.
C’est dans un univers de nuit que Mérédith a imaginé les
musiciennes de Amaluna. « On pourrait fort bien voir des filles
dans ce genre de tenue parmi la faune hétéroclite d’un bar
avant-gardiste à Berlin, par exemple », confie Mérédith.
D’où le lien entre les costumes, la musique résolument rock
du spectacle et son univers pour le moins singulier qui rend
hommage à la beauté sous toutes ses coutures.
Gros plans sur les costumes
• La reine Prospéra est vêtue d’un ample manteau d’or composé
de quatre rectangles sur lesquels sont imprimés en sublimation
la photo du ciel tirée de la page couverture du livre GAÏA de
Guy Laliberté : il s’agit d’un majestueux système nuageux capté
à une distance de 350 km au-dessus de la surface de la Terre.
• La queue dont sont munis les costumes de paons
– un assemblage de 14 morceaux de tissu plissé à la chaleur –
se déploie sur 4,3 m au moyen d’un système de pistons
hydrauliques qui compense le poids de la queue. Réalisée
à l’échelle par rapport au corps de l’artiste, la queue est fixée
à la taille de l’artiste à l’aide d’une ceinture et son mécanisme
est dissimulé derrière des plumes brodées. Le squelette et la
voilure de la queue sont faits de fibre de verre – la même
matière utilisée dans la fabrication de cannes à pêche. Pour
recréer l’effet iridescent du plumage du paon, on a appliqué
sur la voilure, par sérigraphie, une colle afin d’y transférer un
papier métallique.
• Pour les costumes des Valkyries (numéro de courroies aériennes),
Mérédith Caron s’est inspirée du monde aquatique et maritime.
Des camaïeux de bleu et de vert évoquant la Scandinavie
se mêlent aux teintes du ciel et de la mer pour composer une
palette de couleurs apaisantes, tout en raffinement.
• La cage des costumes des monocyclistes a un diamètre de
148 cm et une hauteur de 72 cm. Ces cages sont fabriquées,
entre autres, avec du Kevlar – un polymère thermoplastique –
et de la feuille d’or.
• La robe blanche que porte l’artiste exécutant la danse du paon
comporte un bustier et une jupe. Le bustier est taillé dans un
tulle de nylon extensible recouvert de dentelle perlée et de
pierres Swarovski. Il a fallu 65 mètres de tulle de nylon blanc
non extensible pour fabriquer la jupe, qui est recouverte de
dentelle argentée et de pierres Swarovski. La robe compte
6 500 pierres Swarovski et 325 pièces de dentelle argentée.
La queue, à plissé soleil (une série de plis très fins dans le haut
qui s’élargissent légèrement vers le bas), comporte deux
panneaux de 2 mètres de voile de polyester blanc sur lequel
on a imprimé des motifs de plumes de paon blanches.
• Le spectacle Amaluna compte plus de 130 costumes qui se
déclinent en près de 800 articles différents.
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La musique
Les compositeurs Bob & Bill ont eu comme mission de créer un
son inédit pour Amaluna, de surprendre par l’inattendu, d’explorer
un son plus brut.
Les guitares sont très présentes et les sonorités, résolument
contemporaines. Basse, batterie, violoncelle, voix, claviers,
percussions et guitares électriques livrent une musique directe
sans ornementation. « Nous avons voulu libérer la puissance
à l’état brut que les artistes et les musiciennes dégagent
sur scène », expliquent Bob & Bill. Les musiciennes partagent
parfois la scène avec les acrobates ; ce détail de mise en scène
se conjugue à merveille avec l’énergie de la trame musicale.
Amaluna est le premier spectacle du Cirque du Soleil faisant
appel à un groupe musical entièrement féminin. « Nous
souhaitions transposer musicalement le cran et l’attitude
fonceuse de ces musiciennes », affirment les compositeurs.
Bob & Bill sont reconnus pour leur aptitude à brouiller les
repères entre les genres et les styles pour créer une musique
métissée et visuelle. « Nous avons créé un son pour le spectacle
en suivant la ligne d’émotion des numéros. Chaque numéro
acrobatique possède une respiration, un rythme, une montée
qui lui est propre et la musique doit en tenir compte. La musique
est une extension de l’âme d’un personnage et l’expression
sonore de la trame narrative du spectacle », expliquent Bob & Bill.
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Scénographie
Amaluna – Un événement immersif
Diane Paulus, metteure en scène de Amaluna, est reconnue
pour son habileté à faire exploser l’espace scénique traditionnel
du spectacle afin de créer des expériences immersives.
Le concept scénique de Scott Pask évoque une île enchantée,
mystérieuse et verdoyante, dont la caractéristique prédominante
est une forêt de bambous modelée avec soin, servant tout
autant à encadrer l’action qu’à l’entourer au sens littéral. Les
« branches de bambou » s’étendent au-dessus du public de
manière à créer une expérience immersive pour le spectateur.
Le scénographe a puisé son inspiration dans la nature,
notamment la forêt et la flore, pour créer un environnement
à la fois immersif et ouvert – un vaste lieu où se déroulent
des rituels, des cérémonies initiatiques ainsi que des
performances acrobatiques.
Une forêt insulaire
Les arbres émergent du pourtour de la scène et des mâts du
chapiteau pour former une canopée ouverte. À l’arrière-scène,
la végétation pousse plus près du sol pour former une grotte
dont la forme crée l’impression d’un passage.
Ressemblant véritablement à du bambou, les branches et les
tiges de la canopée donnent l’impression d’une construction
humaine. Scott a voulu faire croire à une forêt construite de
toute pièce. Bien que les composantes ne soient pas revêtues
d’une patine qui leur donnerait l’allure du bois, par exemple,
le spectateur aura l’ impression de se retrouver dans une
clairière au milieu d’une forêt.
La décoration qui occupe une bonne partie du plancher de scène
– une évocation du plumage du paon – est un important motif
emblématique du spectacle qui se retrouve jusque dans certains
des costumes iridescents de Mérédith Caron. Les images de
paon dans Amaluna sont inspirées de l’oiseau majestueux qui
accompagnait Héra, la déesse grecque des femmes, gardienne
du mariage et de la fertilité. La légende veut que l’« œil » protecteur
sur la queue du paon veille sur toutes les femmes à chaque
étape de leur vie.
Ton et lumière
Architecte de formation, Scott perçoit davantage l’espace
scénique d’Amaluna comme une installation plutôt qu’un
simple décor. Il utilise la lumière pour donner vie à cet espace,
transporter le public d’un lieu à l’autre et susciter diverses
émotions. Durant le tableau de la tempête, par exemple, les
éclairages projettent les ombres du feuillage de la canopée sur
les parois du chapiteau, créant ainsi pendant un bref instant
un sentiment de danger imminent.
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L’imposant bol d’eau, qui sert à la fois d’équipement
acrobatique et d’élément scénique, ressemble à une gemme
translucide géante incrustée dans une couronne organique
– une sorte de vortex coincé dans l’espace-temps. Telle une
pierre précieuse, ce « joyau » change d’aspect et se transforme
sous le jeu des éclairages.
Le complexe engrenage de la vie
L’environnement scénique d’Amaluna comporte peu de pièces
mobiles – un choix délibéré visant à conférer une certaine
élégance aux numéros et à porter l’attention du spectateur sur
la performance humaine. Le scénographe a eu recours à très peu
d’effets spéciaux visuels, tandis que les éléments mécaniques
automatisés se font discrets, voire presque imperceptibles,
même s’ils ne sont pas dissimulés.
Des sections de la scène tournent de manière à ce que chacun
des spectateurs puisse voir les numéros sous tous les angles.
Une structure circulaire nommée le carrousel permet également
la rotation d’éléments très haut au dessus de la scène. Cet anneau
spécialement conçu est muni de points d’ancrage auxquels
s’accrochent non seulement des dispositifs d’éclairage, mais
aussi des voltigeurs.
Tantôt stationnaire, tantôt en mouvement, le carrousel peut
tourner à l’unisson avec la scène ou encore en sens inverse,
ce qui permet d’augmenter l’amplitude des mouvements des
artistes et des éclairages. Le carrousel permet aussi aux artistes
de s’élancer au dessus du public, ce qui accentue le côté
immersif du décor.
Gros plans sur les éléments scéniques
La canopée :
• La canopée est munie de 174 branches et de 534 sections dont
90 sont situées dans les airs et 84 en arrière-scène, pour une
longueur totale de 1,7 km.
• On trouve trois modèles de branches dans les airs et 35 dans
la partie au lointain.
Le carrousel et le gril :
• D’un diamètre de 7,6 m, le carrousel pèse plus de 2 700 kg.
• D’un poids de 3 999 kg, le gril est équipé de trois treuils
acrobatiques, chacun pouvant soulever des charges de 181 kg
et se déplacer à plus de 3 mètres à la seconde.
• Situé au centre du carrousel, le treuil acrobatique peut
soulever des charges de 450 kg et se mouvoir à 3 mètres
à la seconde.
Le bol d’eau :
• D’une hauteur de 1,7 m, le bol d’eau a un diamètre de
2,2 m et pèse 2 500 kg lorsque rempli à capacité.
Les chandeliers :
• Au nombre de six, les chandeliers sont fabriqués de tubes
d’aluminium cintrés et positionnés de manière à créer un
effet de mobile dont l’envergure est de 4,5 m.
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Biographies des concepteurs
GUY LALIBERTÉ
FONDATEUR ET GUIDE
Guy Laliberté est né à Québec en 1959. Accordéoniste, échassier et cracheur de feu, il fonde,
avec le soutien d’un noyau de complices, le premier cirque d’origine québécoise de réputation
internationale. Visionnaire audacieux, M. Laliberté sait reconnaître et cultiver le talent des
amuseurs publics de la Fête foraine de Baie-Saint-Paul pour créer, en 1984, le Cirque du Soleil.
Premier artisan du métissage des cultures et des disciplines artistiques et acrobatiques qui
caractérise le Cirque du Soleil, Guy Laliberté a été, depuis 1984, le guide de l’équipe de concepteurs
lors de la création de tous les spectacles. Il a ainsi contribué à élever les arts du cirque au rang
des grandes disciplines artistiques.
Le Cirque du Soleil est aujourd’hui une entreprise internationale par la composition de son
organisation, par ses influences et par l’étendue de ses activités. Guy Laliberté se retrouve
à la tête d’une entreprise qui déploie ses projets et ses réalisations sur cinq continents.
En octobre 2007, Guy Laliberté réalise un deuxième grand rêve : il crée la Fondation ONE DROP
visant à contrer la pauvreté en favorisant l’accès durable à l’eau potable. Ce projet, qui s’inscrit
au cœur même de la survie des êtres humains et des sociétés partout sur la planète, est né
des mêmes valeurs qui l’animent depuis les débuts du Cirque du Soleil : la conviction que ce que
l’on donne à la vie nous revient et que chaque geste individuel peut faire toute la différence.
En septembre 2009, Guy Laliberté est devenu le premier explorateur privé canadien de l’espace.
Sa mission avait pour but de sensibiliser l’humanité aux questions liées à l’eau sur la planète.
Sous le thème L’eau pour tous, tous pour l’eau, cette première mission sociale et poétique dans
l’espace visait à sensibiliser le public au moyen d’une approche artistique : une émission spéciale
de 120 minutes diffusée sur le Web regroupant diverses prestations artistiques dans 14 villes sur
cinq continents incluant la Station spatiale internationale.
Principaux prix et distinctions
En 2011, Guy Laliberté est intronisé au temple de la renommée de l’entreprise canadienne.
Le célèbre Hollywood Walk of Fame consacre une de ses prestigieuses étoiles à Guy Laliberté
en 2010. La même année, l’Ordre de la Pléiade du gouvernement du Québec élève Guy Laliberté
au grade d’Officier, l’ayant fait Chevalier six ans plus tôt. En 2008, Guy reçoit un doctorat honoris
causa de l’Université Laval, à Québec. L’année précédente, il est triple lauréat du Grand prix
de l’entrepreneur d’Ernst & Young en remportant les honneurs des volets régional, national et
international de ce prestigieux programme de reconnaissance. En 2004, la Gouverneure générale
du Canada remet à Guy Laliberté l’insigne de l’Ordre du Canada, la plus haute distinction du pays.
La même année, son nom figure au palmarès des cent personnes les plus influentes de Time
Magazine. Guy Laliberté est également honoré par le groupe Condé Nast, en 2003, dans le cadre
du Never Follow Program, un hommage aux créateurs et aux innovateurs. En 2001, il est nommé
Grand Montréalais par l’Académie du même nom. En 1997, Guy Laliberté reçoit l’Ordre national
du Québec, la plus haute distinction décernée par le gouvernement du Québec.
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Homme de théâtre et metteur en scène prolifique, Fernand Rainville anime avec justesse et
sensibilité l’univers culturel québécois depuis plus de 25 ans. Il a fait sa marque dans le milieu
théâtral avec la mise en scène de plus d’une centaine de pièces de théâtre de création et de
répertoire, tant contemporain que classique, en plus de spectacles de variété d’envergure tels
que la production bilingue Les Misérables (1990-1991), les Légendes fantastiques (présenté de
1998 à 2007 et qui lui a valu le prix de Tourisme Québec) et Saka, spectacle équestre présenté
sous chapiteau de 2007 à 2009. En télévision, Fernand a été, entre autres, directeur artistique de
l’émission Le plaisir croît avec l’usage diffusée à Télé-Québec de 2001 à 2003.
C’est également à Fernand Rainville que l’on doit la direction artistique du spectacle d’ouverture
des Outgames au Stade olympique de Montréal en 2006. Fernand collabore régulièrement avec
le Cirque du Soleil depuis 2005. Il a été co-metteur en scène du spectacle d’ouverture des XI es
Championnats du monde FINA Montréal 2005, metteur en scène de la prestation d’avant-match
du Cirque du Soleil au Superbowl, à Miami, en 2007 ainsi que le directeur de création et metteur
en scène de Wintuk, spectacle présenté pendant quatre années au Theatre at Madison Square
Garden à New York. Pour la fondation One Drop, Fernand s’est vu confié la mise en scène de
l’expérience multimédia Aqua et, lors du voyage dans l’espace de Guy Laliberté en 2009, il a agi
comme producteur au contenu et directeur artistique de l’événement Mission sociale et poétique,
un spectacle diffusé à la télévision et sur Internet sur la thématique des enjeux de l’eau.
FERNAND RAINVILLE
DIRECTEUR DE CRÉATION
DIANE PAULUS
METTEURE EN SCÈNE
Diane Paulus est la directrice artistique de l’A.R.T. (American Repertory Theatre). Parmi les œuvres
dont elle a signé la mise en scène au sein de l’A.R.T. figurent The Gershwins’ Porgy and Bess, une
nouvelle production présentée à Broadway adaptée par la dramaturge Suzan-Lori Parks, lauréate
d’un prix Pulitzer, et la compositrice gagnante d’un prix OBIE, Diedre Murray; Prometheus Bound,
une nouvelle comédie musicale inspirée de l’ancienne tragédie grecque d’Eschyle dont le scénario
a été écrit par Steven Sater (Spring Awakening), lauréat de prix Tony et Grammy, et dont la
musique a été composée par le chanteur principal du groupe System of a Down, Serj Tankian,
et gagnant d’un prix Grammy; Death and The Powers: The Robots’ Opera, un nouvel opéra de Tod
Machover, produit en collaboration avec le MIT Media Lab, dont la première mondiale a eu lieu à
l’Opéra de Monte-Carlo; The Donkey Show, une adaptation disco de A Midsummer Night’s Dream,
présentée dans les salles Off-Broadway pendant six ans et en tournée internationale; Best of
Both Worlds, et Johnny Baseball. On lui doit également la mise en scène de la comédie musicale
HAIR (prix Tony pour la meilleure reprise), produite par le Public Theatre et présentée à Broadway
ainsi que dans le West End de Londres.
Elle a aussi mis en scène Kiss Me, Kate (Glimmerglass Opera) et Lost Highway (coproduction
d’ENO et de Young Vic). À l’opéra, Diane Paulus a signé les mises en scène de The Magic Flute
(Canadian Opera Company), Il mondo della luna au Hayden Planetarium de New York, Don
Giovanni, Le nozze di Figaro, Turn Of The Screw, Cosi fan tutte, de même que la trilogie de
Monteverdi Il ritorno d’Ulisse in patria, L’incoronazione di Poppea et Orfeo au Chicago Opera
Theatre. Diane enseigne la pratique du théâtre au département d’anglais de l’Université Harvard
et a été citée parmi les 50 femmes les plus influentes de Boston par le Boston Magazine. Elle est
titulaire d’un doctorat honorifique décerné par le Conservatoire de Boston. Il s’agit de la première
collaboration de Diane Paulus avec le Cirque du Soleil.
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SCOTT PASK
SCÉNOGRAPHE ET
CONCEPTEUR
DES ACCESSOIRES
Scénographe primé, Scott Pask a participé à diverses productions présentées tant à Broadway
qu’à Londres. Parmi les œuvres théâtrales, d’opéra et de danse auxquelles il a collaboré se
trouvent The Pillowman, avec Billy Crudup et Jeff Goldblum (prix Tony pour la meilleure
scénographie); A Behanding in Spokane, mettant en vedette Christopher Walken et A Steady Rain,
avec Daniel Craig et Hugh Jackman.
Collaborateur de longue date de Diane Paulus, Scott a travaillé avec cette dernière à de nombreux
projets, dont la remise en scène primée de HAIR à Broadway et à Londres, et The Donkey Show,
à Londres. Parmi les nombreuses scénographies à son crédit pour des spectacles de Broadway
figurent également Promises Promises, Pal Joey, Speed The Plow, Les liaisons dangereuses,
The Vertical Hour, Urinetown, Take Me Out, NINE avec Antonio Banderas, La cage aux folles et
The Coast of Utopia, des productions pour lesquelles il s’est mérité des prix Tony, Drama Desk,
Outer Critics Circle et Hewes pour la meilleure scénographie.
Tout récemment, il a conçu la scénographie de la comédie musicale à succès The Book Of Mormon,
pour laquelle il a remporté l’un des neufs prix Tony décernés pour cette production. Il a également
imaginé la scénographie de Peter Grimes au Metropolitan Opera. Son travail a été exposé à
la Quadriennale de Prague, au Bruce Museum of Science and Art, à The Leslie Lohman Gallery,
à The Met Gallery et fait partie de la collection permanente du McNay Art Museum. Scott Pask
a collaboré avec le Cirque du Soleil pour la première fois.
Au Québec comme à l’étranger, Mérédith Caron a imprimé sa marque au théâtre, au cinéma,
à l’opéra et au cirque. Avec plus de 175 collaborations à son actif, Mérédith est l’une des figures
de proue du domaine de la création de costumes au Canada. Elle a travaillé auprès de metteurs
en scène émérites, dont Pierre Bernard, Serge Denoncourt, Robert Lepage, Martine Beaulne,
René Richard Cyr, André Brassard, Daniele Finzi Pasca et Richard Monette au prestigieux Stratford
Festival, en Ontario.
Au fil de ses collaborations, Mérédith Caron accumule les prix et les distinctions au Québec, dont
un Gémeau, sept Gascon-Roux et deux Masques. Depuis près de 20 ans, elle enseigne l’histoire
de l’art et la conception de costumes à l’École nationale de théâtre du Canada à Montréal. En 1988,
elle collabore pour la première fois avec le Cirque du Soleil en dessinant des costumes dans le cadre
d’un projet en développement. Après CRISS ANGEL Believe, Mérédith a participé pour la troisième
fois à un projet du Cirque du Soleil.
MÉRÉDITH CARON
CONCEPTRICE
DES COSTUMES
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BOB ET BILL
COMPOSITEURS
Les compositeurs et arrangeurs Guy Dubuc et Marc Lessard (Bob & Bill) sont reconnus pour leur
aptitude à brouiller les repères entre les genres et les styles. En 2003, ils composent la musique
de Splinter Cell (Pandora Tomorrow), un jeu vidéo de Ubisoft couronné de succès. Ils ont aussi
réalisé plusieurs albums dont ceux de Monica Freire (Bahiatronica), Pink Floyd Redux (un album
de chansons remixées du groupe culte britannique) ainsi que l’album du spectacle KOOZA du
Cirque du Soleil. Bob & Bill signent la direction musicale et les arrangements du spectacle Soleil de
Minuit (2004), une production du Cirque du Soleil dans le cadre du 25 e anniversaire du Festival
international de jazz de Montréal et du 20e anniversaire du Cirque du Soleil.
En lice à trois reprises aux prix de l’Association québécoise de l’industrie du disque, du spectacle
et de la vidéo (ADISQ), les deux acolytes ont également créé la musique de plusieurs films et
téléséries et collaboré avec Robert Lepage en composant la musique de son spectacle Pageant
de Canotgraphie. En 2008, le duo a lancé son premier album, Crime Report, une œuvre mêlant
sonorités électroniques et organiques.
Après avoir collaboré à plusieurs reprises avec le Cirque du Soleil en signant les arrangements de
plusieurs événements spéciaux, c’est en 2009 que Bob & Bill composent la musique du spectacle
TOTEM, mis en scène par Robert Lepage. Ils composent par la suite la musique du troisième
chapitre des Chemins invisibles (Le Royaume de Tôle), un cabaret urbain présenté dans la ville
de Québec à l’été 2011. Amaluna est donc leur troisième spectacle à titre de compositeurs pour
le Cirque du Soleil.
Depuis plus de vingt-cinq ans, Jacques Boucher conçoit les environnements sonores pour une
multitude de productions du Québec et d’ailleurs. Sonorisateur pour différents artistes québécois
dont Richard Séguin, Laurence Jalbert, Diane Dufresne et Bruno Pelletier, l’expertise de Jacques
Boucher a été mise au service de comédies musicales telles que Dracula (2006) et de grands
événements, dont le méga spectacle 2000 voix chantent le monde, présenté à Québec en 2000,
avec plus de 2 300 choristes sur scène.
En 2008, Jacques est invité à mettre la main à la presque totalité des événements de la Société
du 400 e anniversaire de la ville de Québec en tant que concepteur et chef sonorisateur : il participe
à la Symphonie des mille de Gustav Mahler avec l’Orchestre symphonique de Québec, au spectacle
Le Moulin à images de Robert Lepage, dont il conçoit l’imposant système de diffusion sonore
s’étalant sur 1,2 km et à l’événement-spectacle présenté par le Cirque du Soleil. Jacques Boucher
travaille également à titre de concepteur sonore et de chef sonorisateur pour des événements
spéciaux du Cirque du Soleil. Après TOTEM, il a collaboré pour une deuxième fois à un spectacle
du Cirque du Soleil.
JACQUES BOUCHER
CONCEPTEUR SONORE
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MATTHIEU LARRIVÉE
CONCEPTEUR
DES ÉCLAIRAGES
Matthieu Larivée signe avec ingéniosité la conception lumineuse de plusieurs spectacles et
événements artistiques tant au Québec qu’ailleurs au pays. Son approche multidimensionnelle
et sa vision globale du spectacle lui ont valu de participer à des projets d’envergure tels que le
spectacle Le Petit Roy, mis en scène par Serge Postigo, et Beladi – A night at the Pyramids, un
spectacle unique avec la chanteuse Chantal Chamandy et l’Orchestre symphonique du Caire,
présenté devant les pyramides d’Égypte où Matthieu a su mettre en valeur la beauté des
majestueux monuments. Ce projet international lui a d’ailleurs valu le Prix MELDA (Middle East
Lighting Design Awards) en 2007 et la reconnaissance de ses pairs au Parnelli Awards (Las Vegas)
en 2008.
Matthieu est nommé au Gala de l’ADISQ en 2010 dans la catégorie « concepteur d’éclairage de
l’année» pour MusicMan, mettant en vedette Gregory Charles, et à nouveau en 2011 pour le
spectacle Americana de Roch Voisine. Matthieu n’hésite jamais à repousser les limites de son art,
en intégrant à ses projets la technologie vidéo et les effets scéniques. Depuis plus de dix ans,
Matthieu Larivée et son équipe de Lüz Studio signent le look visuel de bon nombre de concerts et
d’événements dont la Canadian Music Week (2010 et 2011), la Mission sociale et poétique de Guy
Laliberté (événement réalisé en 2009 durant son voyage de onze jours dans l’espace, à bord de la
Station spatiale internationale), les Concerts OSM éclatés ainsi que la conception graphique du
Grand Soir F1 en 2010. Matthieu a également collaboré avec des artistes de renom tels que le
pianiste Michel Legrand et la chanteuse Natasha St-Pier. Amaluna est la deuxième participation
de Matthieu à un spectacle du Cirque du Soleil, après Wintuk.
KAROLE ARMITAGE
CHORÉGRAPHE
Karole Armitage, directrice d’Armitage Gone!, une compagnie de danse établie à New York, a reçu
une formation rigoureuse en ballet classique. En raison de ses connaissances exceptionnelles et
approfondies des valeurs esthétiques de Balanchine et de Cunningham, elle est considérée par
certains critiques comme la véritable héritière sur le plan chorégraphique de ces deux maîtres
de la danse américaine du vingtième siècle. Connue sous le surnom de « ballerine Punk », Karole
Armitage est reconnue pour son aptitude à faire tomber les frontières afin de créer des œuvres
alliant danse, musique et art.
Après la première de Watteau Duets, Mikhail Baryshnikov l’a invitée à créer une œuvre pour
l’American Ballet Theatre, et Rudolph Nureyev a commandé une œuvre pour le Ballet de l’Opéra
de Paris. Elle a collaboré avec des compositeurs contemporains et avec des artistes comme Jeff
Koons, Brice Marden et David Salle. Elle a chorégraphié deux productions de Broadway (Passing
Strange et Hair, qui lui ont valu une nomination pour un prix Tony), des vidéos de Madonna et de
Michael Jackson ainsi que plusieurs films. Elle a conçu de nouvelles œuvres pour des compagnies
de danse, dont le Ballet du Bolshoï à Moscou, Les Ballets de Monte-Carlo, le Ballet Nacional de
Cuba et le Alvin Ailey American Dance Theatre.
Sa compagnie offre un vaste répertoire de tournée et crée des œuvres particulières pour des
festivals et des lieux de spectacle à l’échelle mondiale. Elle a dirigé des opéras des répertoires
baroque et contemporain pour des maisons prestigieuses d’Europe, y compris le Teatro Di San
Carlo de Naples, le Théâtre du Châtelet de Paris, l’Opéra lyrique d’Athènes et le Het Muziektheatre
d’Amsterdam. Elle a également chorégraphié The Cunning Little Vixen pour l’Orchestre
philarmonique de New York. Karole Armitage a été décorée en 2009 du prestigieux grade
d’honneur français de Commandeur de l’ordre des Arts et des Lettres. Il s’agit de sa première
collaboration avec le Cirque du Soleil.
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Rob Bollinger était un trampoliniste de compétition dès l’âge de 9 ans, et, comme sa famille était
propriétaire d’un club de trampoline en Illinois où il a grandi, il a été l’associé de son père pour
l’invention du mini-trampoline double. Il a étudié en sciences commerciales à l’Université de
l’Indiana grâce à une bourse reçue à titre de plongeur au tremplin de compétition. Il a remporté
deux championnats de plongeon nationaux et s’est qualifié pour les essais olympiques de 1980
et de 1984. Comme il n’a pas réussi à devenir membre de l’équipe olympique à l’une ou l’autre
de ces occasions, il s’est d’abord retiré du monde des sports de compétition. Rob a tenté sa
chance dans les domaines de l’aéronautique et de l’assurance, mais l’attraction du milieu
acrobatique étant trop grande ; il s’est mis à travailler pour des spectacles de plongeon dans des
parcs thématiques, ce qui l’a amené à parcourir l’Europe. À son retour aux États-Unis, il a mis ses
talents de plongeur et de trampoliniste à contribution dans des films et à la télévision en tant
que cascadeur professionnel, notamment pour Universal Studios. Rob s’est joint au Cirque du
Soleil en 1993 pendant la création du premier spectacle fixe Mystère, où il occupait les fonctions
d’entraîneur et d’artiste dans la troupe maison originale du spectacle. Il devient entraîneur
pour le spectacle « O », en 1997, puis coordonnateur artistique et sera finalement nommé
directeur artistique de la production. Rob a également assumé la direction artistique de Mystère.
Rob Bollinger participe à un spectacle du Cirque du Soleil à titre de concepteur de la performance
acrobatique pour une deuxième fois, après ZAIA.
ROB BOLLINGER
CONCEPTEUR DE LA
PERFORMANCE ACROBATIQUE
En 1984, à la suite de rencontres singulières chez Zingaro (France), Fred Gérard passe des forages
pétroliers aux arts du cirque. Issu de la première promotion du Centre national des arts du cirque
à Châlons-sur-Marne (France) en tant que porteur au trapèze volant, Fred est approché pour être
trapéziste dans le spectacle Nouvelle Expérience du Cirque du Soleil. Contraint de quitter la piste à
la suite d’une blessure, il devient l’assistant du metteur en scène et du directeur artistique pour
ce spectacle. Il occupera également le poste de coordonnateur artistique en tournée.
Après un court périple en Europe, il revient au Cirque du Soleil où, pour Alegría et Mystère, il fait
ses premiers pas en design d’appareils acrobatiques. Chef gréeur au Cirque du Soleil à Montréal
et formateur de techniciens de cirque, il occupera ces fonctions en tournée pour quelques
spectacles entre 1997 et 2006. En parallèle, avec d’autres compagnons circassiens, Fred Gérard
crée le regroupement Nickel Chrome à Martigues, dans le sud de la France. Au sein de cette
association dont le but est l’accompagnement de projets de cirque, il intervient comme chef
monteur/gréeur, directeur artistique, concepteur ou formateur pour des compagnies et des
projets de cirque partout dans le monde. Avec Nickel Chrome et Théâtre Europe il participe, en
collaboration avec d’autres, à la création et au développement du festival Janvier dans les Etoiles
à La-Seyne-sur-mer. C’est une deuxième collaboration pour Fred Gérard à un spectacle du Cirque
du Soleil en tant que concepteur des gréements et de l’équipement acrobatique, après OVO.
FRED GÉRARD
CONCEPTEUR DES GRÉEMENTS
ET DE L’ÉQUIPEMENT
ACROBATIQUE
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Patricia Ruel a contribué au succès d’une myriade de pièces de théâtre, d’émissions de télévision
et d’événements spéciaux tant au Québec qu’à l’étranger. Sa feuille de route compte plus de
50 productions à titre de conceptrice d’accessoires, et une douzaine en tant que scénographe.
Patricia s’est mérité le prix du Théâtre Denise-Pelletier à deux reprises : en 2003, pour la
scénographie de la pièce Révizor, mise en scène par Reynald Robinson; et en 2004, pour la
production Edmond Dantès, mise en scène par Robert Bellefeuille.
En 2011, elle reçoit un prix Gémeau dans la catégorie « Meilleurs décors : toutes catégories
variétés, magazines, affaires publiques, sports » pour le spécial de la revue de l’année Bye Bye
2010, diffusé à la SRC. Elle a travaillé, entre autres, avec les metteurs en scène de théâtre Robert
Lepage, Dominic Champagne et Fernand Rainville et a collaboré à plusieurs projets pour le
Cirque du Soleil dont les spectacles KÀ, The Beatles LOVE et Viva ELVIS à titre de conceptrice des
accessoires; puis Wintuk et Banana Shpeel comme scénographe.
PATRICIA RUEL
CONCEPTRICE DES
ACCESSOIRES
Eleni Uranis s’est jointe au Cirque du Soleil en 1989 comme assistante auprès de la conceptrice
des costumes Dominique Lemieux. Elle collabore ensuite à divers spectacles en tant que
responsable de la recherche de matières, des essayages et du contrôle de la qualité artistique. Elle
travaille par la suite à la conception des costumes du spectacle Pomp Duck and Circumstance,
présenté à Hambourg (Allemagne) de 1997 à 1999. En 2002, elle participe à la création des
costumes du spectacle Zumanity auprès du designer de renommée mondiale Thierry Mugler.
En 2004, la carrière d’Eleni Uranis prend un autre tournant lorsqu’elle se joint à l’atelier de
maquillages du Cirque du Soleil, où ses concepts sont incarnés par les artistes de la tournée de
Dralion. Entre 2004 et 2006, Eleni Uranis a appuyé la conceptrice des maquillages Nathalie
Gagné à la création de quelques spectacles et conçoit, en 2005, les maquillages de Réflexions
de bleu, le spectacle présenté par le Cirque du Soleil dans le cadre des cérémonies d’ouverture
des XI e championnats du monde de sports aquatiques FINA. Avec Amaluna, Eleni signe les
maquillages de son sixième spectacle du Cirque du Soleil, après Dralion, Wintuk, ZED, Banana
Shpeel et Zarkana.
ELENI URANIS
CONCEPTRICE DES
MAQUILLAGES
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Village itinérant
Le village itinérant du Cirque du Soleil comprend le Grand Chapiteau, la tente artistique, la billetterie, la cuisine, l’école, les bureaux,
les entrepôts et bien plus encore. Le site, entièrement autonome sur le plan de l’alimentation électrique, compte uniquement sur un
approvisionnement local en eau et à des installations de télécommunications pour subvenir à ses besoins.
Le site
• Les infrastructures occupent un espace de
4 900 mètres carrés.
• Il faut 8 jours pour monter et 3 jours pour démonter
les installations. Ce travail est accompli par
60 techniciens appuyés par une équipe locale
d’une centaine de personnes.
Le Grand Chapiteau
• Le Grand Chapiteau peut accueillir un peu plus de
2 600 spectateurs.
• Il faut plus de 85 personnes pour monter la tente, une
opération d’une durée de 12 heures selon les conditions
météorologiques et l’état du terrain.
• Le Grand Chapiteau compte 18 morceaux de toile de
vinyle ignifugée.
• Le Grand Chapiteau a un diamètre de 51 mètres et est
soutenu par quatre mâts d’acier d’une hauteur d’environ
25 mètres.
• Le Grand Chapiteau a été fabriqué à Bordeaux, en
France, par la société Voileries du Sud-ouest, réputée
dans le monde entier pour ses grands chapiteaux.
La tente d’entrée
• Il y a une seule grande tente d’entrée où l’on
retrouve comptoirs à souvenir ainsi que des points
de restauration.
La tente VIP Rouge
• La suite VIP Rouge qui peut accueillir jusqu’à
250 invités et être réservée à titre privé.
La tente artistique
• La tente artistique abrite un espace pour les costumes,
les loges des artistes, une aire d’entraînement tout
équipée ainsi qu’une salle de physiothérapie.
• La superficie de la tente artistique est de 565 mètres carrés.
La cuisine
• La cuisine est la plaque tournante du village. On y sert
plus de 200 à 250 repas par jour, six jours sur sept et
elle se veut le lieu de rencontre de tous les membres de
la tournée (artistes et employés).
• La cuisine est constituée de 4 camions munis d’attaches
et de tentes, pouvant accueillir une centaine de personnes.
Il y a aussi une terrasse en plein air pouvant accueillir une
cinquantaine de personnes.
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Faits saillants
AMALUNA
• Amaluna ayant eu sa première mondiale à Montréal en avril
2012 entreprend son parcours à travers différentes villes du
Canada, soit Québec, Toronto et Vancouver pour le reste de
l’année. Ensuite, la nouvelle production se dirigera vers les
États-Unis en 2013.
• Amaluna marque la première collaboration de Diane Paulus
avec le Cirque du Soleil. Reconnue pour son talent en tant que
directrice de théâtre à New York.
• Pour la première fois au Cirque du Soleil, la distribution
d’un spectacle est constituée à 70 % d’artistes féminines
et comprend un groupe musical composé entièrement
de femmes.
Distribution et équipe d’arrière-scène
• La distribution d’Amaluna comprend 52 artistes. L’équipe
d’arrière-scène, elle se compose de 12 employés au
département artistique, 10 personnes au département
des services au public, 12 personnes au département des
services à la tournée et 30 dans la direction des opérations
techniques de site.
• Au total 120 personnes de la distribution et de l’équipe
d’arrière-scène représentent 17 différentes nationalités:
Australie, Belgique, Bulgarie, Canada, Chine, Colombie,
Finlande, France, Grèce, Japon, Mongolie, Russie, Espagne,
Suisse, Ukraine, Angleterre, et États-Unis.
• Les langues les plus utilisées sont évidemment le français et
l’anglais, mais aussi plusieurs autre langues sont parlées sur
le site : Chinois, Espagnol, Russe, Grec, Japonais, etc.
• Dans chaque ville, nous engageons environ 150 travailleurs
locaux. Les rôles peuvent variés, soit des hôtes, placiers,
contrôleurs de billets, réceptionniste, sous-chefs, responsables
à la boutique etc. Il y a également, plus de 100 personnes à la
main d’œuvre pour aider au montage et démontage.
• La cuisine emploi 1 gérant de la cuisine de façon permanente
en tournée et 3 cuisiniers.
• 2 personnes en médecine de la performance sont aux services
de la distribution (1 superviseur et 1 thérapeute).
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Cirque du Soleil en bref
De la vingtaine de saltimbanques qui le constituaient à
ses débuts en 1984, le Cirque du Soleil est une entreprise
québécoise de divertissement artistique de haute qualité
qui compte 5 000 employés, dont plus de 1 300 artistes,
provenant de plus d’une cinquantaine de pays différents.
Le Cirque du Soleil a entraîné dans son rêve plus de
100 millions de spectateurs, dans plus de trois cents villes
dans plus d’une quarantaine de pays sur six continents.
L’entreprise a établi son Siège social international à Montréal.
Pour plus d’information sur le Cirque du Soleil visitez
cirquedusoleil.com.
La mission
La mission du Cirque du Soleil est d’invoquer l’imaginaire,
provoquer les sens et évoquer l’émotion des gens autour
du monde.
Création du Cirque du Soleil
Tout a commencé à Baie-Saint-Paul, une petite municipalité
située près de la ville de Québec, au Canada, au début
des années 80. Les membres d’une troupe de théâtre de
rue fondée par Gilles Ste-Croix (Les Échassiers de Baie-
Saint-Paul) déambulent sur des échasses, jonglent, dansent,
crachent le feu et jouent de la musique. Ces jeunes amuseurs
publics, dont Guy Laliberté (le fondateur du Cirque du
Soleil), impressionnent déjà et intriguent les résidents
de Baie-Saint-Paul.
La troupe fonde ensuite Le Club des talons hauts puis,
en 1982, organise La Fête foraine de Baie-Saint-Paul, un
événement culturel où des amuseurs publics de partout
se donnent rendez-vous pour échanger et animer pendant
quelques jours les rues de la petite municipalité. La Fête
foraine est reprise en 1983 et en 1984. Le Club des talons
hauts se fait remarquer. Guy Laliberté, Gilles Ste-Croix et
leurs complices nourrissent dès lors un rêve fou : créer un
cirque québécois et amener cette troupe à voyager autour
du monde.
En 1984, le Québec célèbre le 450e anniversaire de la découverte
du Canada par Jacques Cartier, et on cherche un spectacle
pour faire rayonner les festivités dans toute la province.
Guy Laliberté présente alors un projet de spectacle, nommé
Cirque du Soleil, et réussit à convaincre les organisateurs.
Le tout premier spectacle du Cirque parcourt donc le Québec.
L’entreprise n’a jamais cessé ses activités depuis !
STATISTIQUES GÉNÉRALES
• En 1984, 73 personnes travaillaient pour le Cirque du
Soleil. L’entreprise compte aujourd’hui 5 000 employés
dans le monde entier, dont plus de 1 300 artistes.
• Le Siège social international, établi à Montréal,
compte à lui seul près de 2 000 employés.
• On retrouve plus de 100 corps de métier au Cirque
du Soleil.
• Plus de 50 nationalités sont représentées au sein
de l’entreprise et 25 langues différentes sont parlées
parmi les employés et les artistes.
• Plus de 100 millions de spectateurs ont vu un
spectacle du Cirque du Soleil depuis 1984.
• Près de 15 millions de personnes verront un spectacle
du Cirque du Soleil en 2013.
• Depuis 1992, le Cirque du Soleil ne reçoit plus
aucune subvention gouvernementale ou privée
pour ses opérations.

En 2013, Le Cirque du Soleil
présentera simultanément
19 spectacles différents :
SPECTACLES EN TOURNÉE DANS LES ARÉNAS
Europe
Europe/Moyen-Orient
Afrique
SPECTACLES EN TOURNÉE
SOUS LE GRAND CHAPITEAU
Amérique du Nord/
Europe
Europe/Japon/Asie
Amérique du Sud
Europe/Amérique du Sud
Europe
Australie
Amérique du Nord
Amérique du Nord

TM
SPECTACLES FIXES
Treasure Island
à Las Vegas
Bellagio
à Las Vegas
New York-New York
Hotel & Casino
à Las Vegas
Walt Disney World ® Resort
à Orlando, en Floride
MGM Grand
à Las Vegas
The Mirage
à Las Vegas
Luxor
à Las Vegas
ARIA Resort & Casino
CityCenter
à Las Vegas
Mandalay Bay,
à Las Vegas
Alegría, Amaluna, Corteo, Dralion, KÀ, KOOZA, La Nouba, Mystère, «O», OVO, Quidam, TOTEM, Varekai, Zarkana, Zumanity – the Sensual Side of Cirque du Soleil, Cirque du Soleil, Logo Soleil, sont des marques de commerce détenues par Cirque du Soleil et utilisées
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SUR SCÈNE OU
DANS LES COULISSES
À VOTRE TOUR DE VOUS JOINDRE AU SPECTACLE
/EMPLOIS