Espace 65 automne2003 - ESPACE sculpture

espace.sculpture.com

Espace 65 automne2003 - ESPACE sculpture

Hiver

Winter

2008-2009

8,50 $

86 ScuLPTuRE


Les artistes / The Artists Mathieu BEAUSÉJOUR, BGL,

Jacques BILODEAU, Catherine BOLDUC,

Diane BORSATO, Marie-Claude BOUTHILLIER,

Alexandre DAVID, Robbin DEYO, Aganetha

DYCK, Marion GALUT, Trevor GOULD, Peter

HASDELL & Patrick HARROP, Caroline HAYEUR

(collaboration : Stéphane Pratt, Atelier in situ),

Mireille LAVOIE, Mathieu LEFÈVRE, Samuel

ROY-BOIS, Henri SAGNA, Stephen SCHOFIELD,

Martha TOWNSEND, Chih–Chien WANG

Textes signés / Texts by Maurice FORGET,

Serge FISETTE, Nicolas MAVRIKAKIS,

Gilles DAIGNEAULT, Pascale McGARRY,

Élisabeth RECURT, Jean-Paul DAOUST,

Louise DUPRÉ.

Abondamment illustré, il regroupe plus

de 350 photos des œuvres et des installations

par les vingt artistes participants.

Generously illustrated, it presents more

than 350 photographs of the works and

installations of the twenty participating

artists.

100 PAGES

CENTRE D’ART PUBLIC

T (514) 844-9858

ABC LIVRES D'ART CANADA

T (514) 871-0606

ScuLpTuRE

Tout ce que vous avez

toujours voulu savoir

Everything you always

sur la SCULPTURE sans

wanted to know about

jamais oser le demander.

SCULPTURE but were

afraid to ask.

www.espace-sculpture.com

CATALOGUE

Artefact

Montréal

SCULPTURES URBAINES / URBAN SCULPTURES

2007

INDEX

1987-2007


ESPACE

HIVER /WINTER 2008-2009 ScuLpTuRE

SCULPTURE ET COULEURS

SCULPTURE AND COLOUR

SCULPTURE ET COULEUR / SCULPTURE & COLOUR

5 De la couleur en… 3D / Colour in… 3D ................................................................................................................. Serge FISETTE

10 Devant la couleur, comment dire ? / Before Colour, How to Say?......................................................................... Marie-Eve BEAUPRÉ

15 Comment regarder la couleur aujourd’hui ? / How to Look at Colour Today? .......................................................... Christine DUBOIS

19 Claude TOUSIGNANT et la sculpture / and Sculpture ........................................................................................... Paulette GAGNON

22 César : des géants venus d’ailleurs / Giants from Elsewhere ..................................................................................... Nycole PAQUIN

MORCEAUX CHOISIS

25 La Triennale qui fait boum ! ............................................................................................................................ Gilles DAIGNEAULT

ÉVÉNEMENTS / EVENTS

28 Réal PATRY, Guy LAPOINTE, Monuments ................................................................................................................ Pierre ROBERT

29 Éric DESMARAIS, Pièces à conviction .................................................................................................................... Sophie DROUIN

31 Michèle LAPOINTE. Je te prête ma plume.......................................................................................................... Jean-Pierre LÉGER

32 Adad HANNAH, Reflections ................................................................................................................................ Éloi DESJARDINS

34 toi / you, la rencontre, 4 e Manifestation internationale d’art de Québec ............................................................... Véronique LEBLANC

36 Linda COVIT Creates an Environmental Installation in Orange, Texas......................................................................... Lake DOUGLAS

38 Kathleen SELLARS: New Robiotics Research ............................................................................................................... Gil McELROY

39 El ANATSUI, Gawu ................................................................................................................................................... John GAYER

41 Sentier Art

C OUVERTURE/COVER

Stéphane GILOT, photographie de tournage

du vidéogramme intitulé 3 frontières,

86

2006. Bande vidéo (8,23 minutes) réalisée

à Hasselt, Aix-La-Chapelle, Maastricht et

Liège, en collaboration avec Espace 251

Nord / Set photograph of the filming of

the video titled 3 frontières, 2006. Single

channel video (8,23 mins.) Photo : avec

l’aimable autorisation de l’artiste /Courtesy

of the artist. Voir /See article p. 10

(et /and 25). 3 ....................................................................................................................................................... Pascale BEAUDET

42 Massimo GUERRERA, Darboral (And the patient maintenance of a practice field) ................................................. Andrew TAGGART

43 Tim WHITEN: Up, Down, In-Between ............................................................................................................... Virginia EICHHORN

44 André DU BOIS : La Chair des rêves ............................................................................................................... Guy SIOUI DURAND

45 PARUTIONS

Petits pavillons et autres folies ...................................................................................................................... Jocelyne CONNOLLY

Richard SHUSTERMAN, Conscience du corps. Pour une soma-esthétique

François JOST, Le culte du banal. De Duchamp à la télé-réalité ............................................................................André-Louis PARÉ

LIVRES ET DOCUMENTS REÇUS

Cozic. Code couronne

John K. Grande, Art Allsorts. Writings on Art & Artists

Claire Savoie. Je te dis que je suis incapable de clore l’exercice / I am telling you that I am incapable of ending this activity

L’indécidable : écarts et déplacements de l’art actuel / The Undecidable: Gaps and Displacements of Contemporary Art

(Sous la direction de Thérèse St.-Gelais)

Alain Benoit. Tenir gros

Fariba Samsami. Interactive Translocation

Killy : Grandir et mourir

Mickael Fernandes. One potato, two potato…it’s your life…

La médiation du conflit / Mediating Conflict

ESPACE 86 HIVER/WINTER 2008-2009 3


Dis/location:

projet d’articulation urbaine

volet 3 au square Cabot. depuis juillet 2008

J.R. Carpenter

in absentia

24 juin - 30 novembre 2008

luckysoap.com/inabsentia

Deborah Margo & Devora Neumark

why should we cry?

lamentations in the winter garden

21 septembre - 21 décembre 2008

lamentations.dare-dare.org

performance finale: le 21 décembre à minuit

appels de dossier

1• évènement Viva! Art Action

date de tombée: 5 décembre 2008

www.vivamontreal.org

2• Dis/location projet d’articulation urbaine 2009

date de tombée: 9 janvier 2009

3• projet de collaboration

DARE-DARE et CLSC Plateau du Mont-Royal

date de tombée: 9 janvier 2009

détails sur le web

DARE-DARE

Centre de diffusion d’art multidisciplinaire de Montréal

Casier postal 20 Succursale H

Montréal Québec H3G 2K5

+1 514 878 1088

www.dare-dare.org

DARE-DARE bénéficie du soutien de ses membres,

du Conseil des arts et des lettres du Québec,

du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts de Montréal,

de l’arrondissement Ville-Marie et de Belle Gueule.

DARE-DARE est membre du Regroupement des

centres d’artistes autogérés du Québec, de Culture Montréal,

du Regroupement des arts interdisciplinaires du Québec,

de Cooptel et d’Ile sans fil.

DARE-DARE

lancement de la publication

Dis/location: projet d’articulation urbaine.

Square Viger (2004-2006)

isbn: 978-2-9805640-3-1

distribution Édipresse

dimanche 14 décembre 2008 à 14h

au Centre canadien d’architecture

1920, rue Baile, Montréal

auteurs:

Julie Boivin, Jean-Pierre Caissie,

Jérôme Delgado, Raphaëlle de Groot,

Marie-Suzanne Désilets, Louis Jacob,

Fabien Loszach, Jean-François Prost,

Armando Silva

artistes et participants:

Doug Scholes, Hannah Jickling,

Valerie Salez, Myriam Yates,

Camille Turner, Éric Raymond,

Valerie Lamontagne, Patric Lacasse,

David Jhave Johnston, Milutin Gubash,

Mario Côté, Michael Alstad, Belinda

Campbell, Manuelle Gauthier,

Zipertatou, Mathieu Latulippe,

Frédéric Lavoie, Martin Lord,

Thomas Grondin, Rose-Marie Goulet,

Jean-Maxime Dufresne, Virginie Laganière, Louis-Philippe Ogé, Stéphanie Pelletier,

collectif Au travail / At work, Karen Trask, Luc Lévesque, Stéphane Bertrand,

Mousse Architecture de Paysage, Sophie Gironnay, Patrice Loubier, Devora Neumark,

Lisa Ndejuru, Louis Jacob, Urban Think Tank, Marie-Andrée Rho, Christina Ray

(Glowlab), Danyèle Alain (3 e Impérial), Pique-Nique, ARGGL!, Jean-Denis Boudreau,

Philippe Côté, Olivier Grossetête, Helena Martin Franco, DOCOMOMO Québec,

Geneviève et Matthieu, Véronique Soustelle, Charlene K. Lau, Céline Boucher, Noeli,

Olivia Boudreau, Caroline Dubois, Victor Rodrigue, Sylvie Demers, Patrick Geoffroy,

Jimmy Lakatos, Pascale Malaterre, Julien Roy, Luis Jacob, Will Munro, David

Armstrong Six, Les Fermières obsédées, Awesome et Deloro

4 ESPACE 86 HIVER/WINTER 2008-2009

ESPACE est publié par /is published by

Le Centre de diffusion 3D

Conseil d’administration / Board of

Directors

Isabelle DURAND, présidente du Conseil /

Chairman

Serge FISETTE, vice-président /

Vice-president

Christian COUTURE, trésorier / Treasurer

François FORGET, secrétaire / Secretary

Directeur et rédacteur en chef / Editor

Serge FISETTE

Assistant à la rédaction / Editorial

Assistant :

Jean-Michel ROSS

Comité de rédaction/Editorial Committee

Gilles DAIGNEAULT, Peter DUBÉ,

Nycole PAQUIN, André-L. PARÉ

Rédacteurs/Contributors

Pascale BEAUDET, Marie-Eve BEAUPRÉ,

Jocelyne CONNOLLY, Gilles DAIGNEAULT,

Éloi DESJARDINS, Lake DOUGLAS,

Sophie DROUIN, Christine DUBOIS,

Virginia EICHHORN, Paulette GAGNON,

John GAYER, Véronique LEBLANC, Jean-

Pierre LÉGER, Gil McELROY, Nycole PAQUIN,

André-Louis PARÉ, Pierre ROBERT,

Guy SIOUI DURAND, Andrew TAGGART

Révision

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Révision en anglais / English Copy Editor

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ESPACE est un périodique trimestriel qui se

consacre à la promotion et à la diffusion

de la sculpture. Les opinions exprimées

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2007.com / ESPACE is published quarterly,

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Envoi de publication : Enregistrement

no 5863. Dépôt légal /Legal deposit:

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Mois de parution / Month of Publication

Décembre / December 2008

ESPACE remercie de leur soutien

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David MOORE.

ESPACE

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Courriel / E-Mail :

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Internet : www.espace-sculpture.com


La couleur, de façon spontanée, est d’abord associée au médium peinture.

Mais la sculpture n’est pas en reste pour autant, même si la relation

couleur / sculpture a provoqué parfois des soubresauts, voire de vifs

débats à certaines occasions.

QUELQUES REPÈRES HISTORIQUES

Dans ses Réflexions sur l’imitation des œuvres grecques en sculpture et en

peinture (1755), J. J. Winckelmann – surnommé le « père de l’histoire de

l’art » – défend l’idée du beau antique, lequel était nécessairement d’un

blanc immaculé, puisque le blanc est la « couleur de l’idéal », cet idéal

esthétique classique empreint, selon ses termes, de noble simplicité et de

grandeur calme 1 . « La couleur, précise-t-il, contribue à la beauté, mais elle

n’est pas la beauté même. [...] Comme la couleur blanche est celle qui

réfléchit le plus les rayons lumineux et frappe donc le plus sensiblement,

un beau corps sera d’autant plus beau qu’il sera blanc 2 . » De tels propos

poursuivent la pensée d’un Leon Battista Alberti qui, déjà au XV e siècle,

exaltait la blancheur de la statuaire antique 3 . La couleur est alors perçue

comme un élément de séduction superficiel, un artifice qui vient masquer

SCULPTURE ET COULEURS

SCULPTURE AND COLOUR

De la COULEUR en… 3D

Serge FISETTE Colour in… 3D

Colour is spontaneously associated with the medium

of painting first. But colour is also used in sculpture

and has even provoked an uproar at times and lively

debate on some occasions.

A FEW HISTORICAL REFERENCES

In Reflections on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture

(1755), J. J. Winckelmann — known as the “father of art history” — defends

the idea of antique beauty as necessarily pure white because white is “the

ideal colour,” this ideal classical aesthetic, in his words of “noble simplicity

and quiet grandeur.” 1 “Color contributes to beauty, but it is not beauty

itself. […] Since white is the color that reflects the most rays of light, and

thus is most easily perceived, a beautiful body will be all the more beautiful

the whiter it is.” 2 Such remarks follow the thought of Leon Battista

Alberti who, already in the 15 th century, extolled the whiteness of the statuary

of Antiquity. 3 Colour is perceived then as an element of superficial

seduction, an artifice that will mask the purity of forms, addressing the

senses more than the mind.

We know today that these theoreticians were

mistaken. As Adeline Grand-Clément explains,

“works held in collections and studied have been

known for a long time and have traveled widely.

Obliterated by meticulous and methodical

cleaning carried out when they were discovered,

then by the destructive effects of light and atmospheric

humidity, the traces of their original polychromy

have disappeared. The classical sculpture

so admired then shined with whiteness. As well,

a certain number of them were known as plaster

casts and the repeated operations of casting

contributed in large part to the disappearance of

the slight traces of colour that may have survived

on the originals.” 4

Despite many indisputable discoveries, the

controversy between the adherents of monochrome

white and those of polychromy continued for

several centuries. According to Adeline Grand-

Clément, the 19 th century controversy brings to the

fore the fact that the classicism of Greek art is really

a modern construction, based on aesthetic criteria

Trojan Archer from the Temple of

Aphaia on Aegina. Marbre original,

Grèce, env. 490-480 av. J.-C ./Marble

original: Greek, c. 490–480 BC,

Staatliche Antikensammlungen und

Glyptothek, Munich. Restauration

couleur/Color reconstruction:

Vinzenz Brinkmann and Ulrike Koch-

Brinkmann. Loan from the Stiftung

Archäologie, Munich, TL40416.14.

Photo : avec l’aimable autorisation/

courtesy Stiftung Archäologie,

Munich.

ESPACE 86 HIVER/WINTER 2008-2009 5


la pureté des formes, s’adressant davantage aux sens qu’à l’esprit.

On sait aujourd’hui que ces théoriciens avaient tort. Comme l’explique

Adeline Grand-Clément, « les œuvres étudiées, conservées dans les collections,

étaient connues depuis longtemps et avaient beaucoup circulé. Effacées

par le nettoyage méticuleux et méthodique effectué lors de leur

découverte, puis par les effets destructeurs de la lumière et de l’humidité

atmosphérique, les traces de leur polychromie originelle avaient disparu.

Les sculptures classiques tant admirées éclataient donc de blancheur. De

plus, un certain nombre d’entre elles était connu sous la forme de

moulages en plâtre et ces opérations répétées de moulage contribuèrent

en grande partie à faire disparaître les maigres traces de couleur qui

pouvaient subsister sur les originaux 4 .»

Malgré de nombreuses découvertes incontestables , la polémique entre

les tenants du blanc monochrome et ceux de la polychromie se prolongera

durant plusieurs siècles : « La controverse du XIX e siècle, poursuit

Adeline Grand-Clément, met en évidence le fait que le classicisme de l’art

grec est bien une construction moderne, fondée sur des critères esthétiques

qui ne correspondent pas nécessairement à ceux des Anciens. C’est

l’art néo-classique, et non l’art grec classique, qui s’accommode mal de la

couleur 5 .»

Lors de l’exposition Gods in Color: Painted Sculpture of Classical Antiquity,

présentée récemment au Arthur M. Sackler Museum de Boston 6 , les

visiteurs ont pu admirer quelques-unes de ces œuvres hautement colorées

qui, effectivement, contrastent violemment avec la perception erronée

héritée de l’histoire. On y voyait, entre autres, un guerrier du Temple de

Aphaia (île de Aegina), des reconstitutions de la déesse Artémis issues de

l’Acropole et un fragment du sarcophage d’Alexandre (Combat d’un Macédonien

et d’un Perse). Toutes les sculptures étaient ornées des couleurs

vives – criardes, selon certains ! –, reconstituées à partir des analyses scientifiques

et des prélèvements de pigments sur les statues originales. Les

œuvres étaient juxtaposées à des modèles de même époque, dissipant

ainsi la croyance tenace que la statuaire antique n’était faite que de

marbre blanc : « En observant avec minutie les surfaces de plusieurs

that do not necessarily correspond to that of Antiquity. It is “Neo-classical”

art and not “Classical” Greek art that is uncomfortable with colour.” 5

In the exhibition Gods in Color: Painted Sculpture of Classical Antiquity

presented recently at the Arthur M. Sackler Museum in Boston, 6 visitors

could admire some of these highly coloured works that, in fact, contrast

strongly with the erroneous perception passed down through history.

Among the works were a warrior from the Temple of Aphaia on the island

of Aegina, reconstructions of the goddess Artemis from the Acropolis and

a fragment of Alexander’s sarcophagus showing the Battle between a Macedonian

and a Persian. All the sculptures were embellished with bright

colours — garish according to some! — reconstructed using scientific analysis

and pigment samples from the original statues. The works were juxtaposed

with models from the same period, thus dispelling the persistent

belief that classical statuary was made only of white marble. The organizers

stated that: “A closer look at the surfaces of many ancient statues and

reliefs reveals traces of their painted decoration, suggesting that plain

white marble sculpture was not so much an ancient reality as an invention

of the Renaissance and neoclassical periods. Evidence of painted and gilt

stone sculpture, of colorful bronze statuary, and of statues of gold and

ivory puts Greek and Roman art in harmony with artistic practices in Egypt

and the Near East, and with those of the subsequent medieval period.” 7

In medieval times, sculpture clearly became an instrument of knowledge

and dissemination, a kind of pedagogical tool enabling artists to

make visible the invisible, to reveal the secret order of the world. This

being so, notes Georges Duby, it is closely akin to the poster, advertising and

propaganda. As such, it must be convincing and, to be even more so, make

every effort to reinforce a sign’s power of conviction by turning in particular

to polychromy.” 8 A few centuries later, in the Renaissance, the use of

colour continued with a revival of the ancient stucco technique developed

in Antiquity — particularly as the ruins of Nero’s Domus Aurea had just

been discovered. A mixture of plaster and lime (sometimes with the addition

of marble powder), stucco contributes a great deal to surface effects.

Quarries of coloured marble were also exploited, enabling varied chromatic

production. But it was above all works in stone, wood and clay that

suddenly made skin appear rosy, lips a bright red, clothing enhanced with

vermillion and azurite, or the painted floral garlands — like those of

Andrea della Robbia (1435–1525), a Florentine ceramist specializing in

terracotta invetriata (enamelled terracotta).

Closer to us, artists such as Gauguin, Picasso, Dubuffet, Liptchitz, Miro

and Henri Laurens used colour in their sculpture. Laurens stated: “For me,

Tête de Caligula/Head of

Caligula. Marbre original,

Rome/Marble original: Roman,

39-41 AD, Ny Carlsberg Glyptotek,

Copenhagen. Restauration

couleur/Color reconstruction:

Vinzenz Brinkmann, Sylvia

Kellner, Ulrike Koch-Brinkmann,

and Jan Stubbe Østergaard.

Loan from the Stiftung Archäologie,

Munich, TL40416.27.

Photo : avec l’aimable autorisation

/ courtesy Stiftung Archäologie,

Munich.

<

Torse de soldat (version

dorée)/Torso of a Warrior

(gilt version). Marbre original,

Grèce, env. 470-460 av. J.-C. /

Marble original: Greek,

c. 470–460 BC, Akropolis

Museum, Athens. Restauration

couleur/Color reconstruction :

Vinzenz Brinkmann, Ulrike

Koch-Brinkmann and Sylvia

Kellner. Prêté par/Loan from

the Stiftung Archäologie,

Munich, TL40416.24. Photo :

avec l’aimable autorisation/

courtesy Stiftung Archäologie,

Munich.


statues et reliefs antiques, soulignent les organisateurs, on perçoit des

traces de leur décor peint, démontrant ainsi que le marbre blanc constituait

moins une réalité qu’une invention de la Renaissance et de la période

néo-classique. La mise au jour de la sculpture en pierre peinte et dorée,

d’une statuaire de bronze colorée ainsi que de statues en or et en ivoire,

met l’art grec et romain en harmonie avec les pratiques artistiques de

l’Égypte et du Proche-Orient et avec celles de la période médiévale subséquente

7 .»

À l’époque médiévale, précisément, la sculpture devient un instrument

de connaissance et de diffusion, une sorte d’outil pédagogique permettant

à l’artiste de rendre visible l’invisible, de révéler les ordonnances

“Peplos” Kore. Marbre original, Grèce, env. 530 av. J.-C./

Marble original: Greek, c. 530 BC, Akropolis Museum, Athens.

Restauration couleur /Color reconstructions : Vinzenz Brinkmann

and Ulrike Koch-Brinkmann. Loan from the Staatliche

Antikensammlungen und Glyptothek, Munich, TL40415.1

and Stiftung Archäologie, Munich, TL40416.19. Photo : avec

l’aimable autorisation / courtesy Stiftung Archäologie, Munich.

Jean NOËL, Labyrinthe, 1967.

Huit éléments /Eight elements.

Plexiglas. 225 x 60 x 60 cm.

Photo : avec l’aimable autorisation

de l’artiste /Courtesy of the

artist.

it is a matter of giving the sculpture a kind of light of its own.” As for

Archipenko, he produced polychrome relief constructions that he called

“sculpto-paintings.” In trying to challenge tradition, Dada artists chose to

use “non-art” materials and “anti-pictorial” colours, as shown in the reliefs

of Max Ernst and Hans Arp.

Others artists were interested in materials such as iron and steel for their

resistance and coloration possibilities (Alexander Calder); polystyrene, which

Jean Dubuffet covered with vinyl paint and epoxy resin; Plexiglas and

coloured plastic (Jean Noël). Some looked to technology and kinetics such

as Joëlle Morosoli who made painted elements that slowly moved and

opened and Jesus Raphael Soto who introduced changing components in

front of coloured structures, producing environments that one could enter

(Penetrables) and that as well as absorbing light, dematerialized the object.

And finally, others investigated “sculpted” colour further, using lasers that

let them create forms in space with the effects of pure colour.

In fact, in all the art movements that came after the 1950s such as Pop

Art, neo-expressionism, minimalism, land art, post-minimalism and so

on, many artists used colour in their sculpture giving it various functions.

Sometimes to produce trompe-l’œil (Claes Oldenburg’s fast food displays);

other times for hyperrealism (Duane Hanson’s figures); to oppose the standardized

image and return to primitivism (Georg Baselitz); by using corten

steel, which when it rusts naturally reveals its intrinsic colour (Barnet

Newman); by polishing the surface so that it captures the colours of the

surrounding landscape (David Smith); to question and confound our relationship

to reality with “perceptual environments” (James Turrell); by

inventing a sculptural vocabulary from painting (Ellsworth Kelly) and by

accurately painting beer cans made of bronze to prove “that the painting

can be an object and the object a painting” 9 (Jasper Johns); by having

pieces manufactured so that colour and reflection are an integral part of

the work (Donald Judd); making an “art colour” from fluorescent tubes

(Dan Flavin); by questioning the status of the object by means of neon

lights (Bruce Nauman); by covering and uncovering a place with kilometres

of coloured fabric (Christo & Jeanne-Claude) or by integrating alternating

vertical bands of white and colour (Daniel Buren).

The list is far from complete: it could go on and on. 10 Another example

is Stéphane Chavanis, known for his “suspensions” that, according to him,

refer to the “weight of the human condition, ‘the unbearableness’ of existence.”

Over the years, he has suspended many elements such as his own

destroyed artworks enclosed in transparent boxes, plastic bags or stainless

steel cages as well as various objects such as a motorcycle, electric

mixer, foodstuff, including nail clippings and hair from his beard. In 2002,

he produced colour suspensions that enclosed red, blue and yellow


secrètes de l’univers. Ce faisant, note Georges Duby, « elle rejoint ce

qu’est parmi nous l’affiche, publicitaire ou de propagande. Comme

celle-ci, elle se veut persuasive et, pour l’être davantage, elle s’applique

à renforcer, en particulier par le recours à la polychromie, les puissances

de conviction du signe 8 . » Quelques siècles plus tard, à la

Renaissance, l’usage de la couleur se poursuit par la réactualisation de

l’ancienne technique du stuc développée dans l’Antiquité – notamment

dans la Domus aurea de Néron dont on vient de redécouvrir les

vestiges. Mélange de plâtre et de chaux (additionné parfois de poudre

de marbre), le stuc favorise abondamment les effets de surface. On

exploite également des carrières de marbre coloré, ce qui permet de

varier les recherches chromatiques. Mais ce sont surtout dans les

œuvres en pierre, bois et terre cuite que surgissent les chairs rosées,

les lèvres d’un rouge éclatant, les vêtements rehaussés de vermillon

et d’azurite, ou les guirlandes florales peintes – comme chez Andrea

della Robbia (1435-1525), céramiste florentin spécialiste de la terracotta

invetriata (terre cuite émaillée).

Plus près de nous, des artistes comme Gauguin, Picasso, Dubuffet,

Liptchitz, Miro ou Henri Laurens ont eu recours à la couleur dans leurs

sculptures. « Pour moi, affirmait ce dernier, il s’agissait de faire en

sorte que la sculpture eût sa propre lumière. » Quant à Archipenko, il

a élaboré des constructions polychromes en relief qu’il nommait des

« sculpto-peintures ». Cherchant à contester la tradition, des artistes du

mouvement Dada ont privilégié des matériaux « non artistiques » et

des couleurs « antipicturales », comme en témoignent les reliefs de

Max Ernst et de Hans Arp.

D’autres vont s’intéresser à des matériaux tels le fer et l’acier pour

leur résistance et leurs possibilités de coloration (Alexander Calder) ;

le polystyrène, qu’un Jean Dubuffet recouvre de peinture vinylique

ou de résine époxyde ; le plexiglas et le plastique colorés (Jean Noël).

D’autres encore vont se tourner vers la technologie et le cinétisme,

que ce soit Joëlle Morosoli faisant bouger et se déployer avec lenteur

des éléments peints, ou Jesus Raphael Soto qui introduit des éléments

dynamiques devant des structures peintes ou réalise des environnements

colorés dans lesquels on peut entrer (les Pénétrables) et qui,

en plus d’absorber la lumière, dématérialisent l’objet. D’autres enfin

pousseront plus loin l’investigation de la couleur « sculptée » en ayant

recours au laser, ce qui permet de générer des formes dans l’espace

avec des effets de couleur pure.

De fait, dans tous les mouvements artistiques qui se succéderont à

partir des années 1950 (Pop Art, néo-expressionnisme, minimalisme,

land art, post-minimalisme…), plusieurs artistes auront recours à la

couleur dans leurs sculptures en lui conférant des fonctions variées.

Tantôt pour réaliser des trompe-l’œil (les étalages de fast food de Claes

Oldenburg) ; tantôt par souci d’hyperréalisme (les personnages de Duane

Hanson) ; pour s’opposer à l’image standardisée et revenir au primitivisme

(Georg Baselitz) ; tantôt en utilisant l’acier Corten qui, en rouillant

naturellement, révèle sa couleur intrinsèque (Barnet Newman) ; en polissant

les surfaces de sorte qu’elles captent les couleurs du paysage environnant

(David Smith) ; tantôt pour questionner et déjouer notre relation

au réel avec des « environnements perceptuels » (James Turrell) ; en inventant

un vocabulaire sculptural issu de celui de la peinture (Ellsworth Kelly)

ou en peignant fidèlement des cannettes de bière en bronze afin de

prouver « que le tableau peut être un objet et l’objet un tableau 9 » (Jasper

Johns) ; en faisant usiner des pièces où couleurs et réflexions font partie

intégrante de l’œuvre (Donald Judd) ; en faisant du tube fluorescent une

« couleur artistique » (Dan Flavin) ; en questionnant le statut de l’objet

par le biais du néon (Bruce Nauman) ; en voilant/dévoilant un lieu avec

des kilomètres de tissu coloré (Christo & Jeanne-Claude) ou en y intégrant

des bandes verticales où alternent le blanc et la couleur (Daniel Buren).

La liste, à n’en pas douter, est loin d’être exhaustive et pourrait s’allonger

à l’infini 10 . Retenons un dernier exemple, celui de Stéphane Chavanis,

connu pour ses « suspensions » qui, selon ses dires, renvoient à la « pesanteur

de la condition humaine, à “l’insupportabilité” de l’existence ». Au fil

des années, il suspendra de multiples éléments allant de ses propres

œuvres détruites et emprisonnées dans des boîtes transparentes, des sacs

de plastique ou des cages en inox, à des objets divers (moto, mixeur élec-

8 ESPACE 86 HIVER/WINTER 2008-2009

pigments in Plexiglas containers, the three primary colours symbolizing

for him a quest for origins, the essential. Héliane Bernard writes: “These

colours symbolize the sun, the sea and passion, and stem from tradition

as well because the Greeks covered their temples and statues with these

vivid reds, blues and yellows.” 11 (As mentioned above.)

THIS ISSUE

This issue of Espace, supervised by Marie-Eve Beaupré, is about sculpture

and colour. After looking at the many effects of colour, this discursive object

that “can just as easily divert as represent words and procedures customary

to language by the affects that it incites,” the author writes about the sculpture

work of various artists such as Guido Molinari, Denis Juneau, Guy

Pellerin, Francine Savard, Stéphane La Rue, Alexandre David and Guillaume

LaBrie. As well, Christine Dubois asks how one should look at and

think about colour today. “If one accepts the idea, she writes, that the

present period breaks with the preceding one and that this has occurred

in a consistent way since the end of the 1970s, it follows that the current

use of colour in contemporary art inevitably responds to criteria and intentions

other than those conveyed by works of the very recent past.”

There is also an interview with Paulette Gagnon about the place of

sculpture and colour in the work of Claude Tousignant. Chief curator at

the Musée d’art contemporain de Montréal, Paulette Gagnon is the coorganizer

of Claude Tousignant an exhibition being held from February 5

to April 26, 2009.

Finally, a text by Nycole Paquin concerning the exhibition Cesar An

Anthology by Jean Nouvel presented at the Fondation Cartier pour l’art

contemporain.<

Translated by Janet Logan

Henri LAURENS, Compotier

de raisins, 1918. Bois

peint et tôle /Painted wood

and tin. 68 x 62 x 47 cm.

Photo : ©1996 VG Bild-

Kunst, Bonn.


Stéphane CHAVANIS,

Suspension de la couleur

bleue, 2002. 1/4. Plexiglas,

pigment bleu, câblerie /

Plexiglass, blue pigment,

cable. 50 x 40 x 15 cm.

Photo : avec l’aimable

autorisation de l’artiste /

Courtesy of the artist.

trique, denrées alimentaires), jusqu’à des restes de son propre

corps (ongles, poils de barbe). En 2002, ce sont des suspensions

de la couleur (bleu, rouge et jaune) qu’il réalise en enfermant

les pigments dans des boîtiers de plexiglas, les trois couleurs primaires

symbolisant pour lui la quête de l’origine, de l’essentiel. « Couleurs fétiches

du soleil, de la mer et de la passion, écrit Héliane Bernard. De la tradition

aussi, puisque les Grecs enduisaient temples et statues de ces bleus exaltés,

de rouge et de jaune 11 . » (Comme nous l’avons vu plus haut.)

DOSSIER

Supervisé par Marie-Eve Beaupré, le dossier de ce numéro d’Espace porte

sur la couleur en sculpture. Après avoir questionné les multiples incidences

de la couleur, cet objet discursif qui « peut tout aussi bien représenter que

dérouter les mots et les procédures habituelles du langage par les affects

qu’il suscite », l’auteure s’attarde sur le travail en sculpture (et la mise en

espace de la couleur) chez plusieurs artistes (dont Guido Molinari, Denis

Juneau, Guy Pellerin, Francine Savard, Stéphane La Rue, Alexandre David

et Guillaume LaBrie). De son côté, Christine Dubois se demande comment

regarder et penser la couleur aujourd’hui. « Si l’on accepte l’idée, écrit-elle,

que l’époque actuelle rompt depuis la fin des années soixante-dix et de

manière consistante avec ce qui la précède, il s’ensuit que l’actuel usage

de la couleur dans l’art contemporain répond forcément à d’autres critères

et à d’autres visées que ceux et celles véhiculés par les œuvres de ce passé

pourtant si proche. »

En complément, on peut lire un entretien avec Paulette Gagnon sur

la place de la sculpture (et de la couleur) dans l’œuvre de Claude Tousignant.

Conservatrice en chef au Musée d’art contemporain de Montréal,

Paulette Gagnon est cocommissaire de l’exposition Claude Tousignant

qui se tiendra du 5 février au 26 avril 2009. Enfin, Nycole Paquin nous fait

découvrir l’exposition de l’artiste César à la Fondation Cartier pour l’art

contemporain. <

NOTES

1. J. J. Winckelmann, Réflexions sur l’imitation des œuvres grecques en

sculpture et en peinture, Paris, Aubier, coll. Bilingue, 1954, p. 142,

I. 756 / J. J. Winckelmann, Reflections on the Imitation of Greek Works

in Painting and Sculpture, trans. Elfriede Heyer and Roger C. Norton,

La Salle, Ill. : Open Court Classics,1987, p. 33.

2. J. J. Winckelmann, Geschichte der Kunst des Altertums, Dresden, 1764

[Darmstadt, 1982], p. 148 ; traduction (légèrement modifiée)

d’Édouard Pommier, dans Winckelmann, inventeur de l’histoire de

l’art, Paris, Gallimard, 2003, p. 247 / J. J. Winckelmann, The History of

the Art of Antiquity, intro. Alex Potts, trans. Harry Francis Mallgrave,

Los Angeles, Ca : Getty Publications, 2006, p 195.

3. L. B. Alberti, De re aedif., Milan 1485, VI, p. 98.

4. Adeline Grand-Clément, « Couleur et esthétique classique au XIXème

siècle : l’art grec antique pouvait-il être polychrome ? », communication

présentée en 2005 / paper presented in 2005, Ítaca. Quaderns

Catalans de Cultura Clàssica, Societat Catalana d’Estudis Clàssics,

p. 141.

5. Ibid., p. 157.

6. Du 22 septembre 2007 au 20 janvier 2008 / From September 2007 to

January 20, 2008.

7. Voir/See : www.artmuseums.harvard.edu/events

8. Georges Duby, « Avant-propos », dans La Sculpture. De l’Antiquité au

XX e siècle, Cologne, Taschen, 2002, p. 247.

9. Manfred Schneckenburger, « Le langage direct de la réalité », dans

L’art au XX e siècle, vol. II, Cologne, Taschen, 1998, p. 510.

10. Qu’on pense à Jacques Carpentier et à ses tubes en acier peint ; à

Cozic qui présentait récemment une double exposition sur le thème

de la couleur, etc. / We think of Jacques Carpentier and his painted

steel tubes and Cozic who recently presented a double exhibition

on the theme of colour, and so on.

11. Voir/See : www.chavanis.com

ESPACE 86 HIVER/WINTER 2008-2009 9

Joëlle & Rolf

MOROSOLI,

L’Éclatement des

styles, 2004. Murale

extérieure / Outdoor

mural. 6 x 3 m.

École des métiers du

meuble de Montréal.

Photo : Michel

Dubreuil.

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