S amedi 15 jan vier - Salle Pleyel

samedi 15 janvier – 20H
L’Orchestre de Louis XV
Le Concert des Nations
Jordi Savall
L’Orchestre de Louis XV | Jordi Savall | Le Concert des Nations | Samedi 15 janvier

samedi 15 janvier – 20H
L’Orchestre de Louis XV
Suites d’orchestre
Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
Naïs (1748), Suite d’orchestre
Ouverture – Musette tendre – Rigaudons I et II
Sarabande – Gavotte pour les Zéphirs
Loure – Musette – Tambourins I et II
Entrée des Lutteurs et Chaconne
Les Indes galantes (1735), Suite d’orchestre
Ouverture – Musette en rondeau – Air vif
Air des Incas pour la dévotion du Soleil
Menuets pour les Guerriers et Amazones I et II
Air pour les esclaves africains
Air pour les amants qui suivent Bellone
Tambourins I et II – Chaconne
entracte
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SAMEDI 15 JANVIER
Zoroastre (1749), Suite d’orchestre
Ouverture – Passepieds I et II
Loure – Airs des Esprits Infernaux I et II
Air tendre en rondeau
Air grave – Gavotte en rondeau
Sarabande
Contredanse
Les Boréades (1764), Suite d’orchestre
Ouverture
Entrée des Peuples
Contredanse en rondeau
Gavottes I et II pour les heures et les Zéphirs
Menuets I et II
Contredanse très vive
Le Concert des Nations
Manfredo Kraemer, concertino
Jordi Savall, direction
Avec la participation de l’Académie du Concert des Nations.
Fin du concert vers 22h10.
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L’Orchestre de Louis XV
Le 12 septembre 1764, Jean-Philippe Rameau s’éteignait à Paris. Son dernier opéra,
Les Boréades, venait d’être mis en répétition. Dès que la nouvelle fut connue, la partition
disparut des pupitres. L’œuvre ne serait créée sur une scène de théâtre qu’en 1983.
Sa musique demeura inconnue du public parisien du siècle des Lumières, dont le goût
s’était détourné depuis des années déjà de l’art si singulier du génial compositeur.
Si Michel Paul Guy de Chabanon avait pu l’entendre, l’ouverture des Boréades aurait
certainement nourri son argumentation pour son Éloge de Rameau, publiée peu après
la mort du compositeur. En effet, le philosophe y déclarait : « Parcourez toutes les
ouvertures de M. Rameau, l’y trouverez-vous semblable à qui que ce soit ? De l’une à l’autre,
il ne se ressemble pas lui-même. »
Dans l’ouverture des Boréades, Rameau abandonne la forme de l’ouverture à la française
pour un plan en trois mouvements séparés, inspiré de l’ouverture à l’italienne. Il la revêt
d’une orchestration virtuose et visionnaire, avec clarinettes et cors, pour dépeindre
une atmosphère tempétueuse puis bucolique. Elle s’achève par une brillante évocation
cynégétique qui s’enchaîne sans interruption avec la première scène de l’opéra : une
chasse royale. Elle démontre toute l’ambition esthétique du véritable créateur du langage
symphonique et de l’orchestration moderne. Pour Rameau, l’ouverture doit être liée à
l’action de la tragédie, grâce à un procédé de peinture sonore dont l’orchestre fournit la
palette colorée et expressive. Chabanon remet pourtant en question la légitimité de ce
procédé : « Rien de si dangereux que ce projet formé de peindre, surtout en symphonie.
Cette intention ne sert qu’à gêner l’imagination du musicien, à le fixer sur quelques petites
ressemblances douteuses auxquelles il sacrifie tout, et à le distraire des recherches de la
belle mélodie, qui seule constitue la véritable musique, tient lieu de toutes les peintures,
ou, si l’on veut, en est toujours une. »
Chabanon prend pour exemple l’ouverture de Naïs. Rameau avait composé cette
pastorale héroïque en un prologue et trois actes, sur un livret de Louis de Cahusac, pour
commémorer la signature du traité de paix d’Aix-la-Chapelle. Cette œuvre de circonstance
fut créée le 22 avril 1749 et avait été reprise en 1764, avec des musiques additionnelles de
Berton. Dans l’ouverture, Rameau rompt pour la première fois avec la tradition lulliste
pour mieux illustrer la lutte des Titans contre les Olympiens : « L’ouverture de Naïs peint,
dit-on, l’attaque des Titans. En ce cas, on doit y entendre les cris séditieux de ces enfants
de la Terre ; y voir des rochers déracinés par leurs mains s’amonceler comme des nuages
dans la tempête. »
Rameau a voulu évoquer ces cataclysmes par une orchestration et une harmonie emplies
de violence (que l’on retrouve au début de l’Entrée des lutteurs et à la fin de la Chaconne) :
les trompettes et les timbales font retentir des « bruits de guerre » qui font écho aux
batailles auxquelles le traité d’Aix-la-Chapelle mettait un terme. Chabanon met en lumière
les jeux d’analogies sonores qui permettent à Rameau de « peindre en musique » :
« Cette ouverture est, selon moi, une mélodie forte, hardie, et dont le caractère tranchant
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SAMEDI 15 JANVIER
et particulier est renforcé par quelques pratiques d’harmonie extraordinaires.
Les personnes, trop peu exercées pour la sentir, la trouvent neuve et fortement pensée, et
ils en sont émus : ces intonations âpres et sauvages, ces passages brusqués, cette harmonie
hérissée […] semblent une analogie plus que suffisante avec le combat des Titans qui
occupe leurs regards. » Malgré ses réticences, Chabanon ne peut que constater
la redoutable efficacité expressive d’effets orchestraux aussi spectaculaires.
Quelques mois après Naïs, Rameau produisit un nouvel exemple d’ouverture « hors
norme » pour son Zoroastre. Cette tragédie en musique en cinq actes, sur un livret de
Cahusac, fut créée le 5 décembre 1749. Elle fut révisée en 1756 pour adopter la forme d’un
opéra en trois actes. L’ouverture, qui, selon Rameau, « tient lieu de prologue », est soumise
à un véritable « programme » lié à l’action de la tragédie. La première section, avec son
mouvement oppressant, grave et sombre, de cordes, veut évoquer la tyrannie d’Abramane,
tandis que les flûtes plaintives symbolisent la détresse du peuple de Bactriane. La seconde
section, de caractère lumineux et serein, évoque l’espoir du philosophe Zoroastre de voir
la chute du tyran. L’ouverture s’achève par un mouvement rapide, aux modulations hardies,
dépeignant les états d’âme contrastés des différents personnages avant la victoire finale
de la lumière sur les ténèbres.
Par comparaison avec ces trois compositions où Rameau ne cesse d’explorer de
nouvelles voies formelles et expressives, l’ouverture des Indes galantes peut paraître plus
conventionnelle. Elle adopte l’organisation bipartite des ouvertures à la française de Lully,
avec une première partie grave et solennelle suivie d’une seconde vive et fuguée. L’œuvre
n’est pas à proprement parler une tragédie lyrique, mais un « ballet » (genre aujourd’hui
dénommé « opéra-ballet ») : « un spectacle composé d’actes différents quant à l’action,
mais réunis sous une idée collective comme les sens, les éléments, l’amour », ainsi que
le définit Marmontel dans L’Encyclopédie.
Les Indes galantes s’ouvrent par un prologue allégorique narrant la rivalité entre Vénus,
Amour et la Guerre (Bellone). Dans la seconde entrée, Les Incas du Pérou, Rameau multiplie
les tours de force musicaux. Il fait se succéder diverses scènes à grand spectacle où
l’orchestre prend une importance inédite, comme une cérémonie religieuse inca (avec son
impressionnant Air pour la dévotion du Soleil), une éruption volcanique et un tremblement
de terre. Voltaire fut à ce point impressionné par ces pages qu’il dira de Rameau :
« Il est fou ; mais je tiens toujours qu’il faut avoir pitié des talents. Permis d’être fou
à celui qui a fait l’acte des Incas. »
La troisième entrée, Les Fleurs, met en scène des courtisanes persanes. Elle est sans
doute la moins frappante du point de vue dramatique, mais la plus riche du point de vue
de la danse, et donc en compositions orchestrales. La dernière entrée, Les Sauvages
(où apparaissent les Indiens d’Amérique du Nord) n’était pas présente dans la version
originale de 1735. Elle fut rajoutée lors de la reprise triomphale de 1736. La célèbre
Danse des Sauvages est l’adaptation d’une pièce de clavecin publiée en 1729. Rameau a
souvent repris et arrangé dans ses opéras, même tardifs, ses compositions de jeunesse.
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Ainsi, les Tendres Plaintes, qui figurent dans ses Pièces de clavecin imprimées en 1724,
réapparaissent dans Zoroastre sous la forme d’un Air tendre en rondeau pour flûte
traversière avec accompagnement de violons. L’arrangement est si harmonieux qu’il
laisserait volontiers penser que le compositeur, avant même qu’il n’ait produit ses
premières pages orchestrales (elles n’apparurent qu’en 1733 avec son premier opéra,
Hippolyte et Aricie), avait déjà à l’esprit au début de sa carrière tous les développements
prodigieux qu’il allait apporter à l’écriture symphonique.
Denis Morrier
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SAMEDI 15 JANVIER
Jean-Philippe Rameau
Jean-Philippe Rameau (Dijon, 25 septembre 1683-Paris, 12 septembre 1764) a été considéré
comme le musicien français le plus important avant le XIX e siècle. Il était le fils d’un
organiste de Dijon et sa mère appartenait à la petite noblesse. À l’âge de douze ans, il entra
au collège des jésuites et c’est peut-être là qu’il acquit son enthousiasme pour l’opéra –
qui l’accompagna toute sa vie –, sachant l’importance que le théâtre en musique revêtait
pour les jésuites. Il abandonna rapidement les études générales pour se concentrer sur la
musique et, à dix-huit ans, il fit un voyage en Italie pour se former musicalement mais ne
dépassa pas Milan et revint quelques mois plus tard en France.
Les quarante premières années de sa vie sont peu connues, comme s’il avait eu intérêt
à ce qu’il en soit ainsi. Il travailla comme violoniste avec des groupes de musiciens
ambulants et comme organiste à Avignon, Clermont, Paris, Dijon, Lyon et de nouveau
Clermont. En 1722, il revint définitivement à Paris, probablement pour superviser la
publication de son traité d’harmonie. Alors que jusque-là, il était pratiquement inconnu,
cette publication lui conféra, tant en France qu’à l’étranger, un nom et un prestige qui
augmentèrent encore avec l’apparition, quatre ans plus tard, du Nouveau Système
de musique théorique. En 1724, il publia sa première série de pièces pour le clavier
(curieusement, il n’a pas laissé de production pour l’orgue) et, pendant des années,
il écrivit de la musique pour les spectacles populaires du Théâtre de la Foire. En 1726,
à quarante-deux ans, il épousa Marie-Louise Mangot, une excellente chanteuse de
dix-neuf ans, probablement l’une de ses élèves. Ils eurent quatre enfants et une vie
heureuse, semble-t-il.
Sa rencontre avec Alexandre Le Riche de la Pouplinière, l’un des hommes les plus riches
de France et grand amateur de musique, eut probablement lieu avant 1727. Elle fut
déterminante pour sa vie professionnelle et ses perspectives d’avenir. La Pouplinière le mit
en contact avec d’importants penseurs et écrivains de l’époque. Rameau dirigea l’orchestre
privé de ce personnage pendant plus de vingt-deux ans et, à partir de 1737, fut également
le professeur de Thérèse des Hayes, maîtresse de ce mécène qui, à partir de 1740, devint
madame de la Pouplinière. Elle fut l’une des meilleures alliées du compositeur jusqu’à sa
séparation d’avec son mari en 1748. À la fin de la décennie 1740, La Pouplinière engagea
dans son orchestre des clarinettistes et des cornistes de Bohême et Rameau fut le premier
à les utiliser à l’Opéra de Paris.
Autour de 1733, à une époque où les compositeurs se faisaient très jeunes une réputation,
Rameau, déjà quinquagénaire, n’avait composé que quelques motets et quelques cantates
ainsi que trois collections de pièces pour clavecin, les deux dernières particulièrement
novatrices. À cette époque, ses contemporains Telemann, Bach ou Haendel avaient déjà
écrit la majeure partie de leur importante production. Rien ne laissait donc présager
que, peu après, il réussirait à se faire une place de choix dans le panorama musical parisien
comme dans l’histoire de la musique.
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Le succès arriva finalement avec Hippolyte et Aricie, une tragédie en musique. L’opinion
fut divisée en deux camps : celui qui vanta la beauté, le savoir-faire et l’originalité de
l’œuvre (ceux que l’on appela les ramistes) et celui qui, nostalgique de l’œuvre de Lully,
critiqua ses italianismes de mauvais goût (les lullistes). Le public eut aussi parfois des
difficultés à accepter que quelqu’un de reconnu comme un grand théoricien puisse aussi
être un artiste brillant.
Durant les six années suivantes, il composa la majorité de ses œuvres les plus
emblématiques, y compris Les Indes galantes (1735), chef-d’œuvre du genre de l’opéraballet
qui fut représenté soixante-quatre fois jusqu’en 1737. La même année, la presse
publia la nouvelle que le musicien ouvrait une école de composition. Peu après, Rameau
disparut pratiquement de la scène publique car il devait pleinement se consacrer à la
direction de l’orchestre privé de La Pouplinière. À partir de 1744, il s’installa avec sa
famille dans des dépendances de l’hôtel particulier de ses mécènes et passa ses étés
en leur château de Passy. C’est à cette époque qu’eurent lieu ses premières rencontres
avec Rousseau, qui dégénérèrent vite en opposition quand Rameau l’accusa de plagiat
pour ses Muses galantes.
En 1745, il réapparut sur la scène publique, poussé par une série de commandes dont
certaines provenaient de la cour. Il présenta pas moins de cinq œuvres nouvelles et
monopolisa ainsi la presque totalité du panorama musical parisien, au point que le
directeur de l’Opéra en vint à interdire que l’on donne plus de deux représentations
par an de ses œuvres, pour ne pas décourager les autres compositeurs. C’est alors que
commença sa période la plus productive. Cette année-là, il reçut la charge de Compositeur
du Cabinet du Roi, qui comportait une pension importante. Dès ce moment, le rythme
de sa production diminua considérablement.
En 1750, il publia – peut-être avec l’aide de Diderot – sa Démonstration du principe de
l’harmonie et entra en contact avec de grands mathématiciens comme Bemoulli et Euler.
Du fait des nouveautés qui entraient dans le langage de ses opéras, ceux-ci ne connurent
pas toujours un succès immédiat mais durent attendre une reprise. Cependant, il avait
l’estime générale du public, ses œuvres étaient représentées en province et – plus
important pour lui – il avait la considération de la majorité des intellectuels et des penseurs.
En 1752 éclata la Querelle des Bouffons. Le style italien triomphait en Europe sauf en
France, bastion de l’ancienne hégémonie du goût français ayant pour navire amiral la
tragédie de Lully. C’est à ce moment qu’il apparut aussi dans la musique de Rameau.
Le déclencheur de la Querelle fut la représentation de La Serva padrona et d’autres
intermezzi et opéras-bouffes italiens que donnait une compagnie italienne itinérante
à l’Académie Royale de Musique, lieu considéré par beaucoup comme le temple de la
musique française. La polémique prit la forme d’une dispute pamphlétaire qui secoua
les cercles culturels parisiens pendant deux ans.
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SAMEDI 15 JANVIER
Puis la Querelle s’éteignit mais condamna à mort les genres de la musique théâtrale
française. Seul Rameau parut survivre à l’événement et continua à composer dans le
style que la majorité considérait comme dépassé. L’autre conséquence de la Querelle –
certainement très douloureuse pour le musicien – fut sa rupture avec Diderot et d’Alembert
qui l’éloigna et l’empêcha d’être accepté et reconnu en tant que penseur. Libéré depuis
1753 de la charge de directeur de l’orchestre de La Pouplinière, il se concentra sur son
œuvre théorique. En 1764, après avoir reçu du roi Louis XV un titre nobiliaire, et ayant
dépassé les quatre-vingts ans, il composa Les Boréades dont il commença les répétitions.
Cependant l’œuvre dut attendre plus de deux siècles avant d’être représentée. Rameau
mourut le 12 septembre à son domicile, trois semaines après avoir contracté des fièvres.
L’inventaire de ses biens ne signala qu’un mobilier peu important parmi lequel se trouvait
un instrument : un vieux clavecin à un clavier, en mauvais état.
Josep Maria Vilar
Traduction : Irène Bloc
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Jordi Savall
Dans l’univers de la musique actuelle,
Jordi Savall occupe une place
exceptionnelle. Depuis plus de 30 ans,
il fait connaître au monde des merveilles
musicales abandonnées dans l’obscurité
et l’indifférence : jour après jour, il les
lit, les étudie et les interprète, avec
sa viole de gambe ou comme chef
d’orchestre. C’est un répertoire essentiel
rendu à tous les mélomanes curieux et
exigeants. Un instrument, la viole de
gambe, d’un raffinement au-delà duquel
il n’y a que le silence, a été soustrait aux
seuls « happy few » qui le révéraient.
Jordi Savall a fondé, en compagnie de
Montserrat Figueras, trois ensembles :
Hespèrion, La Capella Reial de Catalunya
et Le Concert des Nations. Le monde
entier les salue à travers leurs concerts
et leurs productions discographiques
comme les principaux défenseurs de
ces musiques oubliées. Jordi Savall
est l’une des personnalités musicales
les plus polyvalentes de sa génération.
Concertiste, pédagogue, chercheur et
créateur de nouveaux projets musicaux
et culturels, il se situe parmi les acteurs
essentiels de l’actuelle revalorisation de
la musique historique. Sa participation
au film d’Alain Corneau Tous les matins
du monde (César de la meilleure bandeson),
son intense activité de concerts
(environ 140 par an), sa discographie
(6 enregistrements par an) et la
création d’Alia Vox – son propre label
d’édition – en 1998 nous prouvent que la
musique ancienne n’est en rien élitiste
et qu’elle peut intéresser, dans le monde
entier, un public chaque fois plus jeune
et plus nombreux. Comme bien des
musiciens, Jordi Savall a commencé sa
formation à 6 ans au sein d’un chœur
d’enfants à Igualada (Barcelone), sa
ville natale, la complétant par des infortuné : sept larmes et sept stances,
études de violoncelle, achevées au avec de la musique d’époque et de Jordi
Conservatoire de Barcelone en 1964. Savall, sont un contrepoint musical
En 1965, il commence en autodidacte à sa vie, telle une « bande originale
l’étude de la viole de gambe et de la imaginaire », tandis que sept de ses
musique ancienne (Ars Musicæ), et se dernières peintures sont commentées
perfectionnera à partir de 1968 à la par Dominique Fernandez de l’Académie
Schola Cantorum Basiliensis (Suisse). Française. En 2008, il a été nommé «
En 1973, il succède à son maître August Ambassadeur de l’Union Européenne
Wenzinger à Bâle, y donne des cours pour un dialogue interculturel » et, avec
et des masterclasses. Au cours de sa Montserrat Figueras, « Artistes pour
carrière, il a enregistré plus de 170 CD, la paix » dans le cadre du programme
dont le livre-disque dernièrement paru des « Ambassadeurs de bonne
chez Alia Vox Dinastia Borgia, Pièces volonté » de l’UNESCO. Dans le cadre
de Viole des Cinq Livres – Marin Marais de l’année européenne 2009, Jordi
dans la collection Alia Vox Héritage. Savall a été nommé « Ambassadeur
Parmi les distinctions et titres qu’il a de la créativité et de l’innovation »
reçus, mentionnons : officier dans l’ordre par l’Union Européenne. En juillet, le
des Arts et des Lettres (1988), la Creu Conseil National de la Culture et des
de Sant Jordi (1990), « musicien de Arts de Catalogne lui a décerné le Prix
l’année » du Monde de la musique (1992) National de la Musique. En 2010, en
et « soliste de l’année » des Victoires compagnie de Montserrat Figueras, il a
de la Musique (1993), Médaille d’or des reçu le Prix Méditerranée remis par le
Beaux-Arts (1998), membre d’honneur Centre Méditerranéen de Littérature à
du Konzerthaus de Vienne (1999), Perpignan et le Midem Classical Award
docteur honoris causa de l’Université 2010 du meilleur disque classique
Catholique de Louvain (2002) et de de musique ancienne, ainsi que le
l’Université de Barcelone (2006), Praetorius Musikpreis Germany en
Victoire de la musique pour l’ensemble novembre 2010 pour le livre-disque
de sa carrière (2002) et, en 2003, la Jérusalem.
Médaille d’or du Parlement de Catalogne,
le Prix d’honneur de la Critique de disque Manfredo Kraemer
allemande. Plusieurs Midem Classical Né à Buenos Aires en Argentine,
Awards lui ont été décernés (1999, Manfredo Kraemer s’établit en
2000, 2003, 2004, 2005, 2006). En Allemagne en 1984 et poursuit des
2006, l’album Don Quijote de la Mancha : études à la Musikhochschule de Cologne
Romances y Músicas a non seulement avec Franzjosef Maier. Il est membre
été récompensé dans la catégorie fondateur, avec d’autres collègues de
« musique ancienne », mais il a aussi la Musikhochschule, du Concerto Köln
créé l’événement en étant élu « disque et invité en 1986 par Reinhard Goebel
de l’année ». Dans l’ouvrage Lachrimæ à intégrer l’ensemble Musica Antiqua
Caravaggio s’unissent de façon novatrice Köln. Pendant les cinq années suivantes,
la littérature, la musique et la peinture une intense activité de concertiste, avec
en un album dédié à ce peintre génial et une centaine d’engagements par an, y
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BIOGRAPHIES
compris en qualité de soliste ou de chef
d’orchestre, l’amène dans toute l’Europe,
en Asie, en Océanie et en Amérique.
Il se produit également à la radio et à
la télévision, et réalise de nombreux
enregistrements pour Archiv/Deutsche
Grammophon. Depuis 1991, Manfredo
Kraemer collabore avec des ensembles
de renom – Les Arts Florissants, Les
Musiciens du Louvre, Cantus Cölln,
Anima Eterna –, jouant sous la baguette
de William Christie, René Jacobs, Marc
Minkowski, Jos van Immerseel, Frans
Brüggen et Gabriel Garrido, entre
autres. Il entretient également des
relations étroites avec les ensembles
Les Cyclopes, Musica ad Rhenum ou
Capriccio Stravagante, dont il a été un
membre fondateur. Ces activités ont
établi Manfredo Kraemer comme un
violoniste baroque reconnu. Étroitement
lié depuis 1992 à Jordi Savall en tant que
partenaire de musique de chambre, il
occupe également le poste de premier
violon au sein du Concert des Nations.
De 1990 à 1992, il a été chargé de cours
de violon baroque au CNR de Caen.
Entre 1991 et 1993, il a été titulaire
de la chaire de violon baroque au
Conservatoire d’Hilversum (Hollande).
Depuis 1993, il donne des cours d’été à
la Longy School of Music à Cambridge
(États-Unis). Il a également été chargé
de cours à Vancouver (Canada),
Amherst (États-Unis), Séoul (Corée),
La Seu d’Urgell (Espagne), Buenos Aires
(Argentine). En 1996, il fonde son propre
ensemble instrumental, The Rare Fruit
Council, puis, en Argentine, l’orchestre
La Barroca del Suquía, qui s’attache à
faire découvrir de nouveaux répertoires
de la musique baroque et devient l’un
des ensembles les plus appréciés en
Amérique latine. Avec cet ensemble,
Manfredo Kraemer vient d’ailleurs de
recevoir le Prix Konex. Il est également
initiateur et directeur artistique du
Festival international de Musique
Baroque « Camino de las Estancias », qui
se produit dans des lieux fondés par les
jésuites de la Province de Córdoba, en
Argentine.
Le Concert des Nations
Inspiré par l’œuvre de François Couperin
Les Nations, qui représente la réunion
des « goûts » mais aussi la prémonition
d’une Europe de l’art déjà inventée
depuis longtemps et qui porte la marque
du siècle des Lumières, Le Concert des
Nations, le plus jeune des ensembles
dirigés par Jordi Savall, naît en 1989.
Créée durant la préparation du projet
Canticum Beatæ Virgine de Marc-Antoine
Charpentier, cette formation répond à
la nécessité de disposer d’un orchestre
jouant sur instruments d’époque,
capable d’interpréter le répertoire
orchestral et symphonique, du Baroque
au Romantisme (1600-1850). Le Concert
des Nations est le premier orchestre qui
offre ces caractéristiques, composé de
musiciens majoritairement originaires
de pays latins (espagnols, français,
hispano-américains, italiens, portugais…,
sans exclusion bien sûr des autres
nationalités). Tous ces musiciens sont
des spécialistes reconnus. Le Concert
des Nations s’est imposé, à travers ses
enregistrements et ses concerts donnés
dans les principales villes et festivals
de musique autour du monde, comme
l’un des meilleurs orchestres actuels.
Il est capable d’aborder un répertoire
éclectique et varié allant des premières
musiques pour orchestre (L’Orchestre de
Louis XIII, 1600-1650) jusqu’aux chefsd’œuvre
du Romantisme, en passant
par les auteurs essentiels du Baroque
et du Classicisme. Dès ses premiers
enregistrements, Le Concert des Nations
s’attache à faire connaître un répertoire
historique et de grande qualité à partir
d’interprétations à la fois rigoureuses et
vivifiantes : Charpentier, Bach, Haydn,
Mozart, Haendel, Marais, Arriaga,
Beethoven, Purcell, Dumanoir. Parmi
ses dernières productions, mentionnons
des œuvres de Boccherini, Mozart, Lully,
Biber, Bach, Couperin, Vivaldi, Telemann,
Corelli ou Rameau, éditées par Alia
Vox, le label exclusif de Jordi Savall qui
a reçu de nombreuses distinctions. Le
Concert des Nations a débuté en 1992
avec l’opéra Una Cosa rara de Martín y
Soler puis avec l’Orfeo de Monteverdi,
interprété pour la première fois en 1993
et repris en 1999, 2001 et 2002, au
Grand Théâtre du Liceu de Barcelone, au
Teatro Real de Madrid ainsi qu’à Beaune,
Vienne et Metz. Le Concert des Nations a
également interprété un autre opéra de
Martín y Soler, Il Burbero di buon cuore,
en 1995 à Montpellier, et Celos aun del
ayre matan de Juan Hidalgo et Calderón
de la Barca en version de concert en
2000 à Barcelone et à Vienne. Ses
dernières productions d’opéra ont
été Farnace de Vivaldi au Teatro de
la Zarzuela de Madrid (2001), puis à
Bordeaux, paru au disque, et de nouveau
l’Orfeo de Monteverdi, enregistré en
DVD par BBC/Opus Arte (2002). Un
autre DVD, Les Sept Dernières Paroles
du Christ en Croix de Haydn, est paru en
2009.
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Concertino
Manfredo Kraemer
Violons
Riccardo Minasi
Isabel Serrano
Mauro Lopes
Elisabeth Bataller*
Guadalupe del Moral
Santi Aubert
Stefan Plewniak*
Miren Zeberio*
Altos
Angelo Bartoletti
Giovanni de Rosa
Lola Fernández*
Violoncelles
Balázs Máté
Antoine Ladrette
Josetxu Obregón*
Contrebasses
Xavier Puertas
Michele Zeoli
Théorbes
Xavier Díaz-Latorre
Enrique Solinis
Clavecin
Marco Vitale
Trompettes
Guy Ferber
Tom Are Skinstad*
Hautbois
Alessandro Pique
Josep Domènech
Musette de cour
Jean-Christophe Maillard
Flûtes traversières
Marc Hantaï
Yi-Fen Chen
Cors
Thomas Müller
Javier Bonet
Bassons
Claude Wassmer
Quim Guerra
Percussions
Pedro Estevan
Daniel Garay*
Tous ces musiciens forment la « Première académie
de formation professionnelle, de recherche et
d’interprétation sur instruments d’époque »
(* Musiciens sélectionnés sur audition).
Première académie de formation
professionnelle, de recherche et
d’interprétation sur instruments
d’époque
Sous l’intitulé « Première académie
de formation professionnelle, de
recherche et d’interprétation sur
instruments d’époque », une nouvelle
formule pédagogique et de recherche
est organisée par l’Escola Superior de
Musica de Catalunya (ESMUC) et le
Centre Internacional de Música Antiga
(CIMA). Ces deux institutions ont
réuni leurs forces pour proposer une
expérience de formation musicale de
haut niveau autour du chef d’orchestre
et musicologue Jordi Savall et de son
orchestre Le Concert des Nations.
Des étudiants et des jeunes
professionnels de diverses institutions
européennes sont sollicités pour
participer à un programme de
concerts qui est aussi un itinéraire
de formation musicale. Depuis leurs
pupitres respectifs dans l’orchestre, ils
travaillent et réfléchissent auprès de
Jordi Savall, qui donne ainsi une série de
masterclasses théoriques et pratiques
au cours desquelles sont traités les
éléments les plus essentiels dans
l’interprétation de la musique ancienne :
le son, l’articulation, l’ornementation,
etc. En marge de ces séances a lieu un
travail des jeunes interprètes avec les
solistes de chaque section instrumentale
de l’orchestre, encadré par les
professeurs de l’ESMUC. Ce travail
trouve son aboutissement dans une
série de concerts ambitieux en grande
formation orchestrale incluant quatre
suites pour orchestre du compositeur
français Jean-Philippe Rameau. Durant
ces concerts, les jeunes musiciens
font partie intégrante de l’orchestre et
exécutent cette musique à partir des
paramètres d’interprétation travaillés
pendant la semaine de préparation. Un
concert à Barcelone a fait l’objet d’un
enregistrement – audio et vidéo – et cet
enseignement s’est poursuivi (avec de
nouveaux paramètres pédagogiques)
dans la ville française de Metz au mois
de janvier 2011.
Cette expérience constitue la première
pierre d’un projet plus ambitieux entre
les deux institutions qui devrait se
renouveler chaque année et pourrait
être repris par d’autres structures
d’enseignement. Le projet s’intéresse
également aux éléments de recherche,
de stratégies de diffusion, d’excellence
interprétative et de publications de
l’ESMUC, qui souhaite remercier Jordi
Savall et la Fondation CIMA pour la
12

BIOGRAPHIES
confiance qu’ils lui accordent en la
prenant pour plateforme initiale en vue
des développements futurs du projet.
De fait, Jordi Savall et Montserrat
Figueras ont été liés à l’ESMUC dès ses
débuts, en participant à des cours, des
masterclasses et des séminaires.
Cette année, l’École célèbre sa
dixième année d’existence et nous
considérons que l’expérience qui se
présente est une récompense et qu’elle
reconnaît les valeurs qui sous-tendent
la philosophie de l’École. C’est tout
particulièrement vrai dans l’implantation
du nouveau cadre d’études dérivé de
la Déclaration de Bologne [préconisant
la création d’un « espace européen de
l’enseignement supérieur »] : modèle
d’école ouverte, transversale, en
relation avec les principaux centres
musicaux d’enseignement et de création,
favorisant la mobilité des étudiants et
plus généralement la contribution à
l’excellence de tous les domaines de la
musique.
Ce programme a été élaboré durant
cette première académie organisée
par l’ESMUC et la Fondation CIMA
(Barcelone, décembre 2010 et Metz,
janvier 2011), en collaboration avec les
solistes et professeurs du Concert des
Nations. Il reçoit le soutien de la Cité de
la musique - Salle Pleyel.
La Fondation CIMA reçoit le soutien de la
Generalitat de Catalunya, département
de la culture, de l’Institut Ramón Llull et
du Programme Culture de la Commission
Européenne.
Nous tenons à remercier tout
particulièrement les Éditions Still pour
leur aimable collaboration.
Grâce à la confiance en l’avenir de cette
première Académie, l’ESMUC manifeste
et renouvelle sa volonté de continuité.
Qu’il en soit ainsi longtemps !
Josep Borràs
Directeur de l’Escola Superior de Música de Catalunya
(ESMUC)
13

L’Association
est soucieuse de
soutenir les actions
favorisant l’accès à la
musique à de nouveaux
publics et, notamment, à
des activités pédagogiques
consacrées au développement
de la vie musicale. Les Amis de
la Cité de la Musique/Salle Pleyel
bénéficient d’avantages exclusifs
pour assister dans les meilleures
conditions aux concerts dans deux
cadres culturels prestigieux.
Trois catégories de membres sont proposées
avec des privilèges réservés :
Les Amis
• Un accès prioritaire à l’achat de places, 2 semaines avant
l’ouverture de la vente aux abonnés,
• Un accès à une bourse d’échanges,
• Une newsletter par e-mail informant des événements
importants de l’Association,
• Des places parmi les meilleures, pour tous les concerts,
dans la limite des places réservées à l’Association,
• Une présentation en avant-première de la nouvelle saison.
Les Donateurs
• L’accès à des places de dernière minute (jusqu’à 48h avant le
concert), dans la limite des places réservées à l’Association,
• 2 verres d’entracte offerts par saison,
• La participation aux cocktails organisés par l’Association,
• La possibilité d’assister à 1 ou 2 séances de travail d’orchestre,
• 4 entrées offertes au Musée de la musique.
Les Bienfaiteurs
• 2 places offertes par saison, à choisir parmi une sélection de concerts,
dans la limite des places réservées à l’Association,
• 2 cocktails d’entracte offerts par saison,
• La mention de leur nom dans les brochures annuelles,
•
2 invitations aux vernissages des expositions temporaires
du Musée de la musique.
Les Amis de la Cité de la musique | Salle Pleyel
Association loi 1901
Présidente : Patricia Barbizet | Contact : Marie-Amélie Dupont
252, rue du faubourg Saint-Honoré 75008 Paris
ma.dupont@amisdelasallepleyel.com • Tél. : 01 53 38 38 31 • Fax : 01 53 38 38 01
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N° Siren 501 242 960

BIOGRAPHIES
chez vous…
comme au concert
Les concerts de la Cité de la musique
et de la Salle Pleyel en direct sur Internet
Photo : Franck Ferville Licences 1014849, 1013248, 1013252.
Orchestre de Paris
Orchestre Philharmonique
de Radio France
Ensemble intercontemporain
Les Arts Florissants
Chamber Orchestra of Europe
Laurent Garnier
Youssou Ndour
Marianne Faithfull
Divine Comedy
Chucho Valdés
Ballet royal du Cambodge
...
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Salle Pleyel | et aussi…
VENDREDI 11 FÉVRIER, 20H
DIMANCHE 6 MARS, 16H
CitÉ de la musique
Joseph Haydn
La Création
Le Concert Spirituel
Chœur de la Radio Flamande
Hervé Niquet, direction
Sandrine Piau, soprano
Topi Lehtipuu, ténor
Andrew Foster-Williams, baryton-basse
VENDREDI 18 FÉVRIER, 20H
El cielo de tu boca
Andrés Marín, danse, chorégraphie
Carmen Linares, chant
Llorenç Barber, cloches et polyphonie
Salvador Gutierrez, guitare
Segundo Falcón, chant
Antonio Coronel, percussions
Jean-Philippe Rameau
Anacréon
Pygmalion
Les Arts Florissants
William Christie, direction
Hanna Bayodi-Hirt, dessus
Emmanuelle de Negri, dessus
Ed Lyon, haute-contre
Alain Buet, basse
VENDREDI 1 er AVRIL, 20H
Le Royaume oublié, la tragédie cathare
Ensemble Hespèrion XXI
La Capella Reial de Catalunya
Jordi Savall, vièle, lire et rebab
Montserrat Figueras, chant, cithare
Pascal Bertin, contre-ténor
David Sagastume, contre-ténor
Francesc Garrigosa, contre-ténor
Lluis Vilamajo, ténor
Marc Mauillon, baryton
Marco Scavazza, basse
Daniele Carnovich, basse
René Zosso, récitant
Manuel Forcano, récitant
Les partenaires média de la Salle Pleyel
Salle Pleyel
Président : Laurent Bayle
Notes de programme
Éditeur : Hugues de Saint Simon
Rédacteur en chef : Pascal Huynh
Rédactrice : Gaëlle Plasseraud
Graphiste : Ariane Fermont
Stagiaire : Camille Girard et Delphine Anquetil
Imprimeur FOT |Imprimeur BaF | Licences : 1027391, 1027392, 1027393