Désolé j'ai ciné #7

L’homme aux mille facettes
Et aussi : Gaspard Noé, Tom hardy, john carpenter, jim cummings...
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eDiTo
les hommes prennent
le pouvoir
Qu’ils décident de marcher sur la
lune («First Man»), de se venger
(«Halloween»),de frapper et marquer
l’industrie cinématographique à grand
coup («Climax» de Gaspar Noé) ou qu’ils
incarnent corps et âme des méchants
- censés - être badass (Tom Hardy
dans «Venom»), les hommes prennent
décidément le pouvoir pour le meilleur
et - pour certains - pour le pire en cette
rentrée 2018.
En attendant nous on a décidé de
s’attarder dans ce numéro à celui à la
gueule d’ange, celui qu’on n’arrive pas
à détester même si on le voudrait tant il
accumule tous les talents et surtout celui
qui risque de marquer encore une fois
l’année dans la peau de l’astronaute Neil
Armstrong.
Décidément il sait tout faire ce Ryan
Gosling que c’est énervant...
Margaux Maekelberg

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sOmMaIrE
P.54
P.6 P.50
P.80 P.104
DIRECTRICE DE LA RÉDACTION : MARGAUX MAEKELBERG
MISE EN PAGE : MARGAUX MAEKELBERG
RÉDACTEURS : JONATHAN CHEVRIER, MARION CRITIQUE, TANGUY RENAULT, SEBASTIEN NOURIA, MEHDI TESSIER,
Ali Benbihi et Lucie Bellet

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Ryan Gosling
Itinéraire
d’une
reconnaissance
(beaucoup)
trop
tardive

Le Canada est connu pour être un puits d’acteurs de talent : Donald
Sutherland et son fils Kiefer, Michael J. Fox, Keanu Reeves, Jim Carrey,
Michael Cera, Ryan Reynolds, Ellen Page, Rachel McAdams et... Ryan
Gosling donc.
Un garçon aussi peu loquace (autant à l’écran que dans la vie de
tous les jours) et discret qu’il est profondément mystérieux, un
comédien au talent - presque - sans limite, qui trimbale sa trogne de
beau gosse (et avec un certain succès) depuis près de deux décennies
au sein d’un cinéma ricain qu’il a définitivement embelli et enrichi,
au prix d’interprétations très souvent saluées, mais trop rarement
récompensées à leur juste valeur.
Retour sur un acteur aux multiples facettes à travers son portrait,
une rétrospective de sa filmographie et notre avis sur son dernier
film «First Man».
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pOrTrAiT
Des débuts très... club !
C’est son oncle, et ses imitations du King Elvis dans les mariages, qui selon
ses propres dires, lui auraient donné le goût de jouer.
Ce touche-à-tout (acteur, réalisateur, scénariste, producteur, compositeur,
musicien de jazz et de folk) débute sa carrière à l’âge de onze ans dans le show
«All New Mickey Mouse Club «, où il se trouvera aux côtés de Britney Spears,
Christina Aguilera et Justin Timberlake; une expérience qu’il n’appréciera pas
forcément, moins doué que ses petits camarades pour le chant...
Un baptême du feu terminé de manière abrupte - le show sera annulé après
cinq saisons - qui le poussera à persévérer sur le petit écran avec quelques
apparitions dans des séries à la qualité plus ou moins douteuse comme «
Young Hercule « (dont il est le héros, une participation marquée qu’il reniera
longtemps après),»Chair de Poule», ou encore «Kung-Fu: la légende».
Sa première incursion dans le septième art, il la fera en 2001 dans la production
Disney «Le Plus Beau des Combats» («Remember The Titans»), aux côtés de
Denzel Washington (il y a pire comme début), dans lequel il joue un joueur
de football américain dans la première équipe scolaire de Virginie accueillant
des noirs, les Titans.
C’est cette même année d’ailleurs qu’il explosera sur la scène indépendante
sous les traits du terrifiant skinhead néo-nazi juif (!) Danny Balint, dans le film
du même nom d’Henry Bean.
Il irradie la bande de sa prestance, tout en violence et en contradiction, une
superbe prestation pour une péloche gorgée de haine qui remportera le Grand
Prix du Jury au Festival du film indépendant de Sundance.
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«Au bout de dix minutes, ma mère
est partie s’enfermer dans les
toilettes pour pleurer.
Elle pensait que, pour pouvoir
jouer le personnage comme ça, je
partageais ses sentiments !»
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Un performeur passionné
Un rôle loin d’être anecdotique quand on sait que Danny
Balint recèle en lui seul quasiment toute la direction que prendra
la carrière du bonhomme au fil des années : une addiction
presque maladive pour les rôles tortueux et complexes, et une
constante fidélité au circuit indépendant.
Remarqué grâce au bon petit buzz du film à Sundance, il
bonifiera son C.V. en jouant aux côtés du mésestimé David
Morse (pour «The Slaughter Rule», drames et aléas d’une
équipe de six-man football, un dérivé violent du football
américain), de Sandra Bullock dans l’excellent thriller
«Calculs Meurtriers» de Barbet Schroeder (où il incarne un
étudiant perfide et sûr de lui, pensant avoir commis le meurtre
parfait), puis dans le fascinant «The United States of Leland”,
où il campe un ado énigmatique incarcéré dans un centre
de redressement pour l’assassinat d’un jeune autiste, meurtre
qu’il ne peut lui-même expliquer.
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Mais c’est définitivement sous la direction
de Nick Cassavetes - fils des immenses
John Cassavetes et Gena Rowlands -, que
la « Gosling Mania « prendra une tournure
décisive : avec la bluette dramatique
sur l’amour éternel à travers la maladie
d’Alzheimer, «N’oublie Jamais» / «The
Notebook» (adaptation du best-seller de
l’écrivain américain Nicholas Sparks),
l’acteur accèdera au rang de wannabe big
thing Hollywoodienne.
Dans le rôle de Noah, jeune homme ne
pouvant pas vivre sans la femme qu’il aime
Allie (la belle Rachel McAdams, qui sera sa
petite amie durant trois ans), Gosling séduit
et touche tout autant qu’il impressionne,
idem pour sa prestation en homme dépressif
et suicidaire dans le thriller fantastique
«Stay» de Mark Foster, sortie dans la foulée
outre-Atlantique.
Passé un break salvateur hors des plateaux
de deux ans (qui lui permettra de jouer de
la guitare avec son groupe folk Dead Man’s
Bone), il compose l’une de ses plus belles
performances dans le thriller politique «La
Faille» de Gregory Hoblit, où il affronte
ni plus ni moins que l’immense Anthony
Hopkins, en campant l’ambitieux substitut
du procureur Willy Beachum, chargé de
prouver la culpabilité de plus en plus mise
en doute, de Ted Crowford (Hopkins).

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La même année, il incarne Dan Dunne, un
enseignant de banlieue toxicomane, dans
le follement mésestimé «Half Nelson» de
Ryan Fleck, une performance vibrante et
désespérée, qui lui vaudra la première de
ses nominations aux oscars.
En pleine possession de ses moyens, et
pouvant désormais porter des films sur son
propre nom, il enchaînera sous la direction
de Craig Gillepsie, avec sa composition la
plus poétique et déphasée de sa filmographie,
dans la savoureuse comédie «Une Fiancée
pas comme les autres», pour lequel il campe
un jeune homme littéralement à côté de la
plaque - et le mot est faible , entretenant
une relation avec une poupée à l’échelle
humaine, qu’il prend pour une femme
rencontrée sur le net.
Un rôle touchant et emplit d’une douce folie,
qui tranche complètement avec sa prestation
glaçante d’un mari suspecté d’avoir un lien
avec la mystérieuse disparition de sa femme,
dans le thriller «All Good Things».

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2011 : L’Autoroute de la Gloire
Il lui aura fallu dix ans, et
une année 2011 auréolé de
succès, pour que le Ryan soit
définitivement considéré
comme une valeur sûre
par une Hollywood la
putain ne jurant que par la
puissance des billets verts.
C’est par la force d’une
performance saluée (une
habitude pourtant) et un
box-office plus que flatteur,
que son statut prendra
définitivement l’ampleur
qui est la sienne aujourd’hui
: une révolution nommée
«Drive», thriller d’action
cornaqué par le Danois
génial Nicolas Winding
Refn - son futur BFF - dans
lequel il incarne avec brio et
charisme «The Driver», un
cascadeur /mécanicien le
jour, chauffeur pour gangster
la nuit, qui tombe amoureux
de sa sublime voisine (la
délicieuse Carey Mulligan).
Les critiques sont unanimes,
son interprétation tout en
intensité du justicier solitaire,
mutique et romantique,
tout aussi touchant
qu’extrêmement violent, est
l’une des performances les
plus impressionnantes de
l’année, si ce n’est LA plus
impressionnante avec celle
de Jean Dujardin dans «The
Artist».
Un comble quand on sait
qu’il avait offert, dans un
quasi-anonymat quelques
semaines auparavant, rien
de moins qu’un bijou
de performance dans le
mal buzzé (à l’époque,
puisque le film a faIlli être
classé R-Rated aux USA)
«Blue Valentine» de Derek
Cianfrance, sublime drame
dans lequel l’acteur, et
Michelle Williams (déjà
ensemble à l’écran dans «The
United States of Leland»),
incarne un couple déchirant
qui bat de l’aile, un amour
qui se sait mourant et que
le personnage de Gosling,
magnifiquement pitoyable,
va tout tenter pour le sauver.
Ces rôles suivants, en coach
de séduction à tomber dans
la sympatoche comédie
«Crazy, Stupid, Love», ou en
porte-parole du gouverneur
démocrate en lice pour
les primaires à l’élection
présidentielle dans la
quatrième réalisation de
George Clooney, «Les
Marches du Pouvoir», ne
feront que confirmer une
réalité déjà écrite depuis des
années : Ryan Gosling jouit
enfin de son destin de roi
d’Hollywood.
Une couronne qu’il reniera
farouchement pourtant,
tant il s’échine à voguer à
contre-courant du système
en fidélisant ses liens avec
Derek Cianfrance dans
le formidable «The Place
Beyond The Pines» (où il
campe Luke, un cascadeur
à moto/petit gangster qui
apprend qu’il a un fils,
Jason, issu d’une aventure
d’un soir avec Romina un
an auparavant) et NWR
via “Only God Forgives”
(burnée et fiévreuse série B
dans les rues dangereuses
de Bangkok), ou même en
passant pour la première
fois derrière la caméra
avec le très Lynchien «Lost
River», même s’il se laissera
tenter à la facilité d’un petit
blockbuster aussi vintage
qu’il est bancal (le film de
gangsters «Gangster Squad»
de Ruben Fleischer).

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«Je me sens poussé à faire des
films. Obligé. Et je ne m’explique
toujours pas pourquoi.
Il y a plein d’aspects du métier
d’acteur que je n’aime pas,
et pourtant, je continue à le
pratiquer.»

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Destination Oscar ?
C’est la seule chose qui manque réellement, au fond, au
bonhomme pour définitivement entrer dans le panthéon des
comédiens ayant marqué pour de bon leurs générations, et force
est d’avouer que sur l’échelle DiCaprio (ou Pacino, au choix, tant
les deux lascars ont attendu plus que de raison pour chiper leur
statuette dorée), le Ryan a encore de la marge niveau attente,
même si celle-ci commence à se faire réellement sentir.
Au-delà du délirant buddy movie du roi du genre Shane Black,
«The Nice Guys» (où il est délirant en détective alcoolique mais
doué), ou de la comédie chorale «The Big Short» d’Adam McKay
(où il incarne un trader Deutsche Bank), force est d’avouer que sa
quête - pas forcément volontaire - de reconnaissance de la part
de ses pairs, n’a jamais été aussi près de porter ses fruits, que ce
soit en amoureux transi dans l’hypnotique «Song to Song» de
Terence Mallick, en replicant touchant rêvant d’humanité dans le
chef-d’oeuvre «Blade Runner 2049» de Denis Villeneuve; mais
surtout en musicien rêveur et romantique dans le formidable «La
La Land» de Damien Chazelle.
Dit cinéaste qu’il retrouvera en octobre prochain pour le
méchamment buzzé «First Man», où il incarnera rien de moins
que Neil Armstrong, dans ce qui pourrait bien être (enfin) son
ticket décisif pour le fameux sésame doré - on croise les doigts.
Énervant le bonhomme, mais pourtant infiniment fascinant et
plaisant à suivre...
Jonathan Chevrier

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R é TR
o
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Blue
Valentine
Si l’adage veut que la réalité épouse souvent
la fiction, «Blue Valentine» s’échine en
revanche, à en prendre le douloureux contrepied
en croquant avec une justesse rare, les
derniers sursauts d’une flamme amoureuse
qui se meurt, les ultimes moments d’agonie
d’un couple, Dean et Cindy : deux âmes
torturées qui n’arrivent pas à s’avouer la
disparition de leurs sentiments et ne cessent
de se blesser en cherchant vainement une
hypothétique réconciliation qui ne viendra
jamais.
À la fois d’une émouvante beauté et d’une
honnête laideur, le second long-métrage
de Derek Cianfrance est sans contestation
possible, le film sur l’amour conjugal le plus
juste jamais cornaqué.
Avec une justesse et une facilité
déconcertante, la péloche
s’amuse avec la temporalité et
passe de la monotonie, de la
lassitude de l’autre au présent,
à la naïveté, l’insouciance
d’une romance naissante et
supposément infaillible; tout
en construisant son histoire sur
une impressionnante dualité
de contraste (homme/femme,
jeunesse/maturité, amour/
haine, lumière/obscurité).
Véritable feel bad movie
vibrant et étouffant sur deux
âmes victimes du poids du
temps et du désespoir, «Blue

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Valentine» est une oeuvre coup
de poing au moins autant qu’un
formidable film d’acteurs, qui
puise toute sa puissance dans
la partition impeccable de son
duo vedette : Ryan Gosling et
Michelle Williams.
Complètement débarrassé de
tout glamour, physiquement et
psychologiquement amochés,
les deux acteurs ont construit une
intimité aussi empathique que
férocement destructrice pour les
spectateurs : lui, dans la laideur
du beauf ricain moyen, est plus
touchante que jamais; elle, en
femme à bout et désespérée, est
bouleversante de douleur et
d’amertume.
Écartelés entre le dégoût
d’eux-mêmes et une envie
indicible de s’aimer encore,
les deux nous saisissent par les
sentiments pour ne plus nous
lâcher jusqu’à un final aussi
pathétique qu’émouvant.
Après tout l’amour, comme
toute chose dans la vie, n’est
pas toujours aussi beau, rose et
naïf comme au cinéma.
Jonathan Chevrier

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L
ost river
Visuellement bluffant, foutrement référencé, influencé et infiniment
personnel, «Lost River» suit clairement la parfaite logique de la filmographie
de Ryan Gosling initiée par le virage ‘’Refnien’’, mais également sa
fascination pour les figures oniriques voire monstrueuses que laissaient
transparaître ses récents choix cinématographiques ainsi que la création
son projet musical “Dead Man’s Bones” (l’album peut même servir de doux
prélude au film).
A l’instar de Quentin Tarantino, le bonhomme digère parfaitement ses
aspirations multiples et ses nombreuses figures tutélaires pour accoucher
d’un pur OFNI aussi étrange que complexe - et surtout difficile à pitcher
-, une magnifique fable noire sur fond de crise sociale, un regard sensible
sur l’Amérique des bas-fonds (frappée par l’insécurité, la pauvreté, la
violence) profondément sensoriel, mélangeant les genres avec une facilité
déconcertante (thriller, horreur, anticipation, fantastique) et s’inscrivant
presque comme un versant cauchemardesque des glorieuses péloches des
80’s estampillées Amblin dans son traitement de l’imaginaire, du conte et
des terreurs enfantines.
Dans cette chronique morbide et romantico-gothique de trois âmes au sein
d’un Détroit aussi fantomatique et désertique que désespéré, dominé par la
brutalité, Gosling, tel un gamin foutrement naïf, ose tout dans une œuvre
puzzle - quitte à dangereusement flirter avec le ridicule - mais emporte
pourtant constamment l’adhésion de son spectateur tant sa ballade,
hypnotique et jouissivement bordélique, déjoue constamment les idées
préconçues et les stéréotypes faciles.
Tant pis donc, si son scénario apparaît méchamment brouillon (on ne
critiquera jamais un cinéaste croulant sous une accumulation de bonnes
idées) et un peu hermétique, si son rythme pêche par sa lenteur et son
faux rythme ou encore que l’on peine un chouïa à s’attacher aux différents
personnages-titres, «Lost River» est le glorieux nouveau rejeton d’un cinéma
qu’on aime, métisse, à la beauté malsaine et porté par de sublimes envolées
lyriques; un pur cauchemar éveillé dans lequel on jubile de pouvoir y errer
et nous y perdre.

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Esthétiquement poétique et macabre à
souhait (good job du chef-op Benoît Debbie)
et reprenant à sa guise les codes du conte
comme un Del Toro, stylisé et weird comme
un Lynch, angoissant et fascinant comme un
Argento, le film jouit également d’une partition
sans fard de son casting vedette (l’inestimable
Ben Mendelsohn, la très Lynchiene Christina
Hendricks et la merveilleuse Saoirse Ronan
en tête) et d’un score envoûtant signé Johnny
Jewel.
Symbolique, contemplatif, féérique, troublant
et d’une noirceur éblouissante, «Lost River»
est un pur choc visuel, sensoriel et anxiogène,
une première réalisation incroyablement
captivante, qui nous fait décemment attendre
avec une impatience non feinte la suite de la
carrière du Ryan derrière la caméra...
Jonathan Chevrier

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only god forgives 23
Alors certes, «Only God Forgives» est loin, bien loin d’incarner une œuvre définitive
tant on se demande même comment la rigueur du cinéaste (pas connu pour autant
comme un faiseur de script complexe) a pu laisser filtrer un scénar aussi brinquebalant
et minimaliste que creux et prévisible, melting-pot plein de grumeaux de tout ce qui
a pu faire la saveur de son cinéma depuis plus d’une quinzaine d’années maintenant.
Mais via une esthétique absolument inattaquable, souvent fétichiste et criante, Refn
déballe ainsi durant plus d’une heure et demie, tout son savoir-faire dépouillé et
séduisant, citant autant la furie de son «Bronson», la lenteur Lynchienne des travellings
de son «Inside Job», la violence frontale de ses «Pusher» et même l’ambiance
hypnotique et métaphysique de son «Guerrier Silencieux».
Dans une Thaïlande fantasmatique, toujours ou presque, filmée de nuit pour en
montrer tout le vice qui l’empoisonne, Winding Refn magnifie chacun de ses
plans comme un peintre magnifierait sa toile d’une radicalité ultra-stylisée, tout en
s’appuyant sur une quasi-absence de dialogue parfois pesante (il faut admettre que
trop de silence, tue le silence).
Lourd, fiévreux, lancinant, la bande déroute tout autant qu’elle séduit tout spectateur
à même d’accepter l’invitation qu’elle incarne, un trip aux douces saveurs de
descentes aux enfers comme seul Gaspard Noé saurait le faire (son ombre, tout
comme celle de David Lynch d’ailleurs, planant grandement sur l’aura du métrage).
Prenant pour toile de fond le film de bastons cher aux amateurs de séries B burnées,
le cinéaste démystifie complètement l’image même du héros contemporain (là où
au contraire, «Drive» iconisait complètement le mythe du super-héros), en lui faisant
perdre tous ses combats pour le montrer faible, impuissant, complexé par une mère
aussi castratrice qu’imposante.
Dans le rôle du frère et de l’enfant indigne, Ryan Gosling en masochiste consentant,
en prend plein la gueule, aussi symboliquement que physiquement, et si beaucoup
lui reprocheront son sempiternel regard de chien battu, difficile de ne pas admettre
qu’ici il fait des merveilles tant la tristesse et la frustration immense qui caractérise
son personnage, en avait cruellement besoin.
Proche de l’archi-posture, un peu froid et désincarné face à un mutisme, une violence
bouillante, un complexe œdipien constant et un manque cruel de romantisme, mais
également jouissivement étouffant, gore et extrême (plus d’une scène est à la limite
de l’insoutenable), «Only God Forgives» est définitivement une putain d’expérience
à part, un feux d’artifices sophistiqué et au ralenti qui se trouve tout autant sublimé
qu’enfermé par sa radicalité, la faute à une trop grande volonté, peut-être, de la part
de Winding Refn de se démarquer du produit purement mainstream et populaire de
son précédent long («Drive»).
Jonathan Chevrier

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bla
Lars a
A cause (ou grâce, c’est selon) du succès du film «The Notebook», Ryan Gosling a
longtemps été catalogué comme belle gueule sans intérêt par les cinéphiles machos qui
refusent d’analyser l’intérêt du genre de la rom com. Après ses débuts chez Disney, il a
pourtant joué toutes sortes de rôles, mais c’est bien celui-ci qui lui colle la peau pendant
des années, à l’image de son t-shirt trempé collé à sa peau sur la jaquette DVD.
C’est pourtant un rôle dans une rom-com pas comme les autres qui lui vaudra sa première
nomination aux Oscars, quelques années avant que Derek Cianfrance et Nicolas Winding
Refn ne le fasse vraiment décoller. Nous sommes en 2007, Ryan joue l’anti sex-symbol :
pull moche, coiffure catastrophique et une moustache à en gâcher un cuni. Lars est un type
solitaire et dépressif qui un jour décide d’acheter une sex doll. Seulement il ne s’en sert pas
pour baiser mais pour faire comme s’il avait une femme. Une vraie femme. Il la nomme
Bianca, la place dans un fauteuil roulant et c’est parti pour la présenter à ses proches,
notamment son grand frère Gus et sa femme Karin. Voilàààààà.
Au niveau de la structure, de la mise en scène, «Lars and the Real Girl» est tout ce qu’il y
a de plus classique; on est sur du «Save The Cat» (méthode scénaristique de Blake Snyder)
minuté et minutieux. Pour ce qui est du contenu en revanche, il faut admettre que ça
relève plutôt de l’OVNI. On rigole, parce que sans déconner comment réagir autrement
au premier abord (mention spéciale au médecin généraliste qui ausculte la sex doll), puis
on finit par être touché. C’est qu’au fur et à mesure du film, toute la communauté va se
prendre au jeu et accompagner Lars dans sa désillusion. Pour son bien ! Malgré la terne
mélancolie qui flotte à l’écran, c’est une œuvre qui fait sourire, qui donne de l’espoir. Tout

de runner 2049
nd the real girl
le monde a besoin d’amour, même les rédacteurs ciné fleur bleue qui écrivent des phrases
du genre « tout le monde a besoin d’amour ».
Mais là où «Lars and The Real Girl» devient réellement intéressant, c’est quand on y
réfléchit comme posant les bases de la persona que va se créer Ryan Gosling dans la
décennie qui suit. Dix ans plus tard, le type solitaire qui a du mal avec les émotions
devient K, un Replicant confronté à la nature même des émotions humaines. Dans «Blade
Runner 2049», Ryan Gosling vit même avec une sex doll (Ana de Armas) qui ressemble
beaucoup à celle de Lars. En dix ans, le statut de l’acteur a changé. Après «Drive», après
«La La Land», on lui connaît une nouvelle force : celle d’exprimer le plus en faisant le
moins. Une sorte d’anti-jeu qui ajoute à sa masculinité, puisque les vrais hommes ne font
pas de sentiment… Mais c’est là tout le principe. Et tout l’intérêt. Ryan Gosling interprète la
difficultés des hommes à exprimer leurs émotions ; que cela soit en faisant d’une sex doll
sa femme, ou en enquêtant sur ses origines de Replicant.
«Blade Runner 2049» est bien des choses, et il faudrait un texte de la taille de ce magazine
pour effleurer tout ce qu’on peut en dire. C’est, par exemple, le film de SF arthouse le
plus cher de l’histoire. «Blade Runner 2049» est une expérimentation de presque 3h par
un réalisateur canadien qui a fait construire plus de décors pour son film que l’on en voit
dans le dernier «Star Wars». Mais si l’on s’en tient à Ryan Gosling et son personnage,
«Blade Runner 2049» est l’histoire d’un Pinocchio qui voulait être un vrai petit garçon.
Une exploration de la frontière entre l’être et le paraître, un questionnement sur l’origine
même de nos émotions. En cela, ce film est l’accomplissement de tout un pan du cinéma
de Ryan Gosling. Un cinéma qui commence en 2007, avec Lars et une sex doll.
Renaud Bourdier
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la la land
En 2016, peu après ses rôles de trader
sournois dans “The Big Short” et de
détective privé hanté par ses démons dans
“The Nice Guys”, Ryan Gosling, chouchou
d’Hollywood, se frotte et excelle dans un
genre où on ne l’aurait pas attendu : la
comédie musicale.
Salué par la critique pour des films tels que
“Blue Valentine”, “Drive” ou encore “The
Place Beyond The Pines”, la renommée de
Ryan Gosling n’est désormais plus à prouver.
Adulé de la presse et du public, Gosling
est l’une des belles gueules d’Hollywood,
doué en tout, travailleur acharné; figure
publique généreuse et humble; acteur,
auteur, chanteur, danseur et réalisateur. Or,
il fut un temps où Ryan Gosling n’était pas
ce prodige du cinéma. Pourtant, l’Amérique
le connaissait déjà.
Incarnant l’un des rôles titres de “La La
Land”, dirigé par Damien Chazelle, Gosling
va renouer avec l’amour pour la danse et le
chant qu’il a commencé à cultiver dès ses
12 ans dans le Mickey Mouse Club. On se
souvient de ses danses énergiques et de sa
frimousse sous des cheveux blonds. Mais
pourquoi faire remonter à la surface une
partie si lointaine de la carrière de Gosling ?
Beaucoup de critiques, et aussi Eddy
Mitchell, parlent de “La La Land” comme
un film impersonnel, creux, sans réel
effort de création. Ce à quoi je répondrais
: non, monsieur ! (À lire sur le ton d’un
député étrangement présent à l’Assemblée
Nationale)

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Il y a dans “La La Land” une plus grande part de Ryan Gosling que dans
aucun autre de ses films. Lui-même amateur de comédies-musicales, c’est
en étroite collaboration avec Damien Chazelle qu’il va choisir d’apporter à
son personnage de pianiste Sebastian, des parties de lui qu’on n’aurait su
soupçonner. Peut-être même en surplus d’anecdotes, il en a soufflé quelques
unes pour l’écriture du personnage de Mia. On se rappellera de la fameuse
scène d’audition où elle est interrompue pour une commande de déjeuner.
Aussi ahurissante que démoralisante, cette anecdote est pourtant le frais
d’une expérience bien vécue par Gosling au cours de sa carrière. Beaucoup
d’autres répliques ont été ajoutées par Gosling lui-même, inspirées par sa
femme Eva Mendes, ajoutant une authenticité nécessaire dans cette histoire
d’amour déjà touchante.
Retrouvant son acolyte Emma Stone — dans le rôle de Mia Dolan — avec
qui l’on ne compte plus les collaborations, l’alchimie de ce duo tragique se
dégage de bout en bout comme une douce musique dans l’air — et comme
les larmes sur mon visage lors de l’épilogue, ne faites pas les malins. Le
travail acharné de Gosling se ressent clairement, dans le film. Eddy Mitchell
— encore lui, décidément — dira de lui qu’il a « les pieds plats » et «
une absence de charisme ». C’est évident qu’il n’est pas donné à tout le
monde d’apprendre le piano, le chant et la danse pendant deux mois mois
de pré-production intenses. D’autant plus que Gosling commençait à danser
comme un (mini) professionnel alors que la carrière d’Eddy Mitchell était sur
la pente descendante… Désolée Eddy (non).
Homme errant dans un Los Angeles rêvé, à la poursuite de ses rêves, Gosling
livre ainsi une interprétation touchante et impliquée. Son rôle de pianiste
de jazz restera gravé dans nos mémoires au même titre que sa performance
de chauffeur au sang froid dans Drive. Il n’y a rien que Gosling ne puisse
réaliser, et rien ne peut émouvoir autant que lorsqu’une histoire touche au
propre vécu de ses protagonistes : “La La Land” décrit la jungle du cinéma,
la jungle des rêves dans laquelle il ne faut pas se perdre au risque de ne plus
jamais trouver la sortie.
C’est par un mélange de passion et poésie que Ryan Gosling a réussi à
insuffler à son personnage la nonchalance qui le caractérise. Si son rôle ne
lui a pas valu d’Oscar, comme sa compagne Emma Stone, on le retiendra
tout de même comme un idiot rêveur. Mais ne le sommes-nous pas tous ?
Lucie Bellet

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drive
Pour bien des personnes, “Drive” fût
le film de la révélation. Tout d’abord,
la révélation d’un réalisateur phare de
notre génération qui, bien qu’ayant
débuté sa fascinante carrière 15 ans de
cela, connaît là une visibilité critique
et surtout publique inattendue, pour
lui le premier. Mais surtout, “Drive” est
la révélation d’un acteur, d’une figure
désormais incontournable du cinéma
moderne américain.
Pourtant, rien ne laissait présager un
tel succès retentissant pour les deux
artistes. Adapté du roman noir de James
Sallis, “Drive” semble ne jamais vouloir
aller là où on s’y attend. Entre ses cadres
extrêmement (presque excessivement)
stylisés, son rythme contemplatif et
surtout son atmosphère glaciale, le
long-métrage a su déconcerter une
grande partie de son public, s’attendant
à coup sûr à un film d’action dans tout
ce qu’il y a de plus classique. Alors
qu’en vérité, “Drive” est très justement
un film sur le calme avant la rage, la
violence intériorisée prête à exploser au
grand jour, à l’image de son personnage
principal.
Loup solitaire au départ pantin puis
bourreau par la suite, Ryan Gosling
livre ici une prestation tout simplement
mémorable, à la froideur monolithique
dont on peut facilement se moquer
mais qui dégage une puissance de jeu
remarquable, éclipsant totalement le
casting pourtant de haute volée qui
l’entoure (Carey Mulligan, Oscar Isaac,
Bryan Cranston, Ron Perlman…).
Porté en plus de cela par la bandeson
hypnotique et nocturne de Clint
Mansell, “Drive” sait cacher son jeu.
Débutant d’abord comme un polar,
c’est une véritable descente aux enfers
qui s’offre à nous, dans une deuxième
partie accumulant les éclats gores à
une cadence presque indécente, voire
même malsaine.
Tous ces éléments aussi singuliers que
marquants ont fortement contribué
à la réussite publique et critique
de ce projet vu au départ comme «
mineur » dans la tête de beaucoup
de producteurs de l’époque. Si l’on
peut visualiser le film suivant du
tandem Gosling/Winding Refn, “Only
God Forgives”, comme un anti-Drive
complètement revendiqué, réponse à
un succès presque trop important pour
le réalisateur danois, il est indéniable
que ce premier alignement de planètes
est celui qui restera profondément et
sur le long terme dans l’imaginaire du
cinéma indépendant.
Un chef-d’œuvre ? Oui, on peut le dire.
Tanguy Renault

29

30
First man
Le duo Chazelle/gosling
refait des merveilles

31

32
L’une de nos plus grosses attentes en cette fin d’année
était forcément celle-là. Celui qui a fait une véritable
razzia à la dernière cérémonie des Oscars avec sa
brillante comédie musicale «La La Land» est de retour
en cette fin d’année avec un tout nouveau projet aussi
ambitieux qu’il est à mille lieux de son domaine de
prédilection dans lequel on avait l’habitude de le voir
oeuvrer - avec brio qui plus est - («Whiplash», «La La
Land»). «First Man» se veut le portrait d’un homme dont
le nom est connu sur toutes les lèvres : Neil Armstrong;
le premier homme a avoir posé le pied sur la Lune. Récit
d’un véritable parcours du combattant pour réussir cet
exploit autant sur le plan technique que psychologique.
Et pour ce retour en fanfare, Damien Chazelle a décidé
de refaire équipe - et quelle équipe - avec Ryan Gosling
dans le rôle-titre. Bref, toutes les planètes étaient alignées
pour faire de «First Man» la petite claque de cette fin
d’année.

33
L’homme avant
l’astronaute
Pendant près de huit ans, Neil
Armstrong suit un entraînement
intensif pour finalement toucher la
Lune du bout des doigts mais cette
vie désormais dédier à cette seule
et unique mission n’est pas sans
répercussion sur sa vie de famille.
Une vie d’ailleurs jonchée par des
obstacles que le bonhomme n’a
jamais totalement réussi à surmonter
- et notamment la mort de sa fille
-. Loin d’en faire un biopic sur
l’astronaute, Damien Chazelle prend
le parti de faire un portrait d’homme
avant tout. Un mari, un père, un
ami, que la vie n’a absolument pas
épargné. «First Man» virevolte entre
les entraînements et les apartés
avec sa famille et ses coéquipiers
devenus des amis au fil du temps.
Malgré quelques passages plus
faibles - autant rythmiquement que
scénaristiquement - lors que Chazelle
évoque sa vie personnelle, le film
réussi à donner une vraie épaisseur
au personnage de Neil Armstrong.
Avec son visage mutique qui avait
déjà fait son effet notamment dans
«Only God Forgives», Ryan Gosling
est taillé pour ce rôle, n’hésitant pas
à montrer ses failles; en témoigne
l’une des dernières scènes lorsqu’il
se trouve sur la Lune.
Laissant ainsi de côté la figure
héroïque du bonhomme, «First Man»
s’apparente avant tout à un vibrant
portrait d’homme prêt à tout pour
que cette mission réussisse. Mais à
quel prix ?
La question se pose d’ailleurs
en filigrane durant la seconde
partie du film alors que les échecs
- et accessoirement les morts -
s’accumulent et que la population
commence à se demander
-légitimement - où part tout cet
argent et surtout, ne pourrait-il pas
être plus utile ailleurs ?
Ryan Gosling est fabuleux - comme à
son habitude - mais celle qui tient le
reste du film c’est bel et bien Claire
Foy. Femme dévouée et aimante,
celle qui aspirait à une vie normale
voit son mari petit à petit lui glisser
entre les doigts alors qu’il est de plus
en plus obnubilé par cette mission.
La caméra de Chazelle sublime son
visage tiré par la fatigue, les épreuves
de la vie et cette peur constante
de perdre son mari. Absolument
splendide et tout en retenue.
Le prodige de la caméra
À croire que Damien Chazelle a
un véritable talent pour les scènes
d’ouverture. Comment oublier cette
fameuse - et bientôt mythique - scène
d’ouverture de son «La La Land» tout
en légèreté et plan séquence qui nous
donnait envie de virevolter en robe
jaune sous le soleil de Los Angeles ?
Changement de registre pour «First
Man» mais une scène d’ouverture
tout aussi exceptionnelle. Cinq
minutes d’une intensité à en faire
frémir plus d’un. Caméra au plus près
de Gosling, quasiment étouffée dans
cet espace confiné quitte à ne voir
quasiment jamais un bout d’espace,
Damien Chazelle prend le pari - un

34
poil couillu - de ne pas filmer le grandiose
(ce à quoi le film tendait forcément aux
premiers abords) pour se concentrer sur un
cadre beaucoup plus intimiste. Un cadre qui
vire aux scènes étouffantes et anxiogènes
au possible lorsque Chazelle filme Gosling
emprisonné dans son vaisseau que ce soit
lors des différentes phases de test ou lors du
voyage vers la Lune. Emprisonnant à la fois
son personnage et le spectateur dans cette
bulle fragile - la mort rôde à tout instant -,
le film grimpe en tension jusqu’à atteindre
des sommets, nous ôtant toute possibilité
de respirer. La gravité a disparu a l’écran,
elle n’est également plus présente dans la
salle. À l’image de «Gravity», Chazelle sait
imposer les silences quand il le faut mais il
faut dire qu’il sait utiliser la musique quand
il le faut aussi. Et il faut dire que quand on
a au score un certain Justin Hurwitz qui
avait déjà fait des merveilles dans «La La
Land». Décidément on tient là une équipe
gagnante.
Pas forcément parfait dans toute sa longueur
- quelques passages creux qui auraient pu
être évités -, «force est de constater que
Damien Chazelle réussi son nouveau pari
haut la main en faisant de «First Man» un
biopic aussi anxiogène qu’il est intimiste et
profondément touchant dans son portrait
d’un homme bien avant d’être un héros - si
tenté qu’il en ai conscience -.
Margaux Maekelberg

35

CRITIQUES
Sear
Portée Di
Premier long-métrage d’Aneesh Chaganty
ayant fait le buzz à Sundance et mettant en
avant John Cho dans un de ses meilleurs rôles,
“Searching” n’aura malheureusement pas
la distribution ni même la reconnaissance
qu’il mérite. Les films ressortant de festivals,
surtout celui très huppé de Sundance, font
souvent des remous auprès de la critique
mais le grand public y reste souvent
hermétique, faute de communication à leur
sujet.
Pourtant, “Searching” est peut-être le
premier film a efficacement utiliser les
spécificités narratives de ce nouveau genre
formel qu’est le found-footage des années
2010 : le screenlife movie — comprenez, un
film porté de bout en bout par une interface
d’ordinateur.
Chaganty réussit sans peine à nous faire
oublier les premiers films ressortissants
du genre. On se souvient par exemple
du jusqu’au-boutisme fainéant de
“Unfriended”, présentant un écran statique,
dévoilant les artifices et les inconsistances du
genre. On se souvient des acteurs attendant
silencieusement sur Skype, webcam visible,
le temps que l’héroïne finisse sa recherche
Google. On se souvient des incohérences
liées à la mauvaise connexion des écrans
des personnages, introduisant des jumpscare
ratés.
Bien loin de ces facilités et de ces
maladresses, ‘‘Searching’’ met en scène
son écran en y retranscrivant un langage
36

12/09
ching :
sparue
DE ANEESH CHAGANTY. AVEC JOHN CHO, DEBRA MESSING... 1H42
cinématographique familier du public. Le
réalisateur se permet de lents zooms, des
coupes, des ellipses ; il y insère toute la
grammaire cinématographique d’un thriller
plus conventionnel.
Oubliez également Skype et iMessage
comme uniques sources d’informations,
les conversations ne servant qu’à mettre le
nez du spectateur dans un scénario subtil à
aucun moment et à faire gagner du temps
tellement la coquille de fond est vide. Ecrire
un message, l’effacer… Ce procédé peut
se révéler agaçant. Force est de constater
que dans “Searching”, il est utilisé avec
intelligence, servant plutôt à développer
le personnage de David Kim et sa relation
avec sa fille Margot, qu’à meubler deux ou
trois minutes de vide.
Le film multiplie également ses références
technologiques et ses sources vidéos. Nous
jonglons dans l’introduction du film d’un
profil d’utilisateur à l’autre, sur un ordinateur
tournant Windows XP, retranscrivant les
malheurs de la famille Kim et le tragique
décès de la mère de Margot… Une séquence
qui ne laissera aucun spectateur insensible,
introduisant également divers set-up qui
paieront tout au long du film.
Arrivés dans le présent, nous nous retrouvons
en terrain connu : une interface de Macbook.
L’écran jongle entre appels Facetime, pages
internet, dossiers sur le bureau, replays
de JT sur YouTube, sites s’apparentant à
Periscope, archives de vidéos de famille,
retour de caméras de sécurité connectées à
l’ordinateur… Nous sommes non plus face
à un écran comme on le connaît, rassurant
et familier, mais face à un tableau de liège
numérique où toutes les facettes de nos
habitudes en ligne servent à cette enquête.
Et encore mieux, combiner cette mise en
scène de l’écran à l’utilisation intelligente
des différentes sources vidéo trouvables
sur internet permet une narration inventive,
pas forcément chronologique, mais nous
gardant constamment en haleine par rapport
au déroulement des événements.
Cependant, il ne s’agit pas de se méprendre
: le regard du spectateur est peut-être guidé,
mais le film ne nous tient pas par la main
pour autant. Véritable thriller des temps
modernes, il vous faudra garder l’oeil ouvert
et guetter le moindre indice pendant 1h40.
Les clés nous sont tendues, mais à nous de
trouver comment ouvrir la serrure au coeur
de cette expérience visuelle quasiment
interactive.
37

38
Le choix du screenlife n’est ni
innocent, ni gratuit. Voir la vérité
se distinguer petit à petit de cet
environnement si familier et intime
qu’est l’écran d’ordinateur va de
paire avec le thème des apparences
trompeuses. “Searching” se
revendique ouvertement comme un
héritier du thriller à la Gillian Flynn,
rendant hommage à “Gone Girl” et
sans doute au travail de David Fincher,
mais jouant de cette référence plutôt
que d’en faire une pâle copie.
“Searching” est un thriller intense
qui redéfinit le terme ‘’à couper le
souffle’’. Le travail d’Aneesh Chaganty
pour un premier long-métrage est
tout bonnement phénoménal, et il
serait d’usage de foncer soutenir
son film en salles avant qu’il ne soit
déprogrammé. Encore une autre
pépite de perdue dans l’océan de la
chronologie des médias…
Ali Benbihi et Lucie Bellet

39

12/09
40
première année

Et si “Première Année” était en réalité un des films les plus angoissants
sortis cette année ? Pour les personnes qui seraient actuellement en études
supérieures, quelles qu’elles soient, sans aucun doute. Connu pour son
exploration riche de l’univers médical dont il est lui même originaire avec
“Hippocrate” et “Médecin de Campagne”, Thomas Lilti élargit cette fois-ci
son propos, sans néanmoins quitter les lieux qui l’ont formé.
A l’aide de son duo d’étudiants essayant tant bien que mal de survivre aux
premiers mois en faculté de médecine, “Première Année” dresse un portrait
peu reluisant de l’académie française, visualisée ici comme d’un microcosme
basé sur la mise à néant des pensées individuelles, remplacées par un
automatisme coordonné et impersonnel faisant tout simplement froid dans le
dos.
Comme une gigantesque usine grouillante de machines, la faculté dépeinte
dans le film nous est perçue comme une immense masse étouffante, où seuls
quelques esprits surdoués peuvent s’en sortir, mais pas sans y laisser quelques
plumes et connaissances au passage. La justesse et le naturel dont William
Lebghil et Vincent Lacoste font preuve tout au long du métrage renforcent à la
perfection ce sentiment d’oppression constante, qu’elle soit sociale ou même
pédagogique.
Sans recourir à une mise en scène tape-à-l’œil, mais plutôt à une approche
intimiste, voire documentaire comme rappelée à certains instants-clé du récit,
Thomas Lilti laisse la part belle à l’interprétation de ses personnages et de
leurs états d’âmes, qu’ils soient dans l’euphorie des études ou bien dans une
profonde chute libre de sentiments.
Si à la vue de son synopsis et de sa bande-annonce, “Première Année” paraît
comme une comédie sociale, c’est pour mieux cacher toute sa part dramatique,
pouvant même aller vers le thriller dans ses instants les plus prenants, où une
simple épreuve de partiel nous apparaît comme une scène de désamorçage
de bombe à l’issue incertaine pour tous nos protagonistes. Une vraie belle
surprise dans un paysage cinématographique français toujours aussi diversifié
dans ses registres mais aussi terriblement inquiétant sur sa vision de notre
société actuelle.
Tanguy Renault
DE THOMAS LILTI. AVEC VINCENT LACOSTE, WILLIAM LEBGHIL... 1H32
41

42
la nonne
«La Nonne », réalisé par Corin Hardy est le
cinquième film de la saga Conjuring. Dans
cet épisode, on quitte les Etats-Unis pour se
rendre en Roumanie, où le suicide d’une
jeune nonne dans une abbaye reculée alerte
les autorités religieuses. Pour enquêter sur
cette affaire mystérieuse, le Vatican décide
d’envoyer un prêtre qui sera épaulé par une
jeune novice. Ils découvriront que les lieux
sont hantés par une puissance démoniaque.
Si le cinéma hollywoodien s’est franchisé
ces dernières années avec les films de
super héros, ce mal a toujours touché les
productions horrifiques. « La Nonne »
est le troisième spin off d’une saga qu’on
peut dorénavant appeler The Conjuring
Universe. Et si les aventures des époux
Warren pouvaient avoir un intérêt, insufflant
un nouveau élan dans les films de hantise,
les déclinaisons font figures de coquilles
vides. Ici, on suit l’enquête du père Burke
et de la jeune sœur Irène dans une abbaye
de Roumanie quelques années après la
fin de la seconde guerre mondiale. Dans
ce lieu de recueillement, est retrouvé le
cadavre d’une nonne s’étant suicidée,
chose normalement impensable pour une
religieuse. Les deux protagonistes seront
guidés par un Québecois sur ces terres
maudites où rode une présence maléfique.
Avec un pitch pareil, on pourrait s’attendre

43
19/09
DE CORIN HARDY. AVEC TAISSA FARMINGA, DEMIAN BICHIR… 1H37
à un film à l’esthétique gothique, distillant
une ambiance glaçante. Mais il n’en est
rien. Si les décors sont plutôt convaincants,
ils ne sont jamais sublimés par une mise
en scène préférant plutôt faire la part belle
aux jump scares sans surprises. Le gimmick
de réalisation qui consiste à jouer avec le
hors champ est toujours utilisé de la même
façon et minimise donc l’impact des scènes
horrifiques. Reste tout de même quelques
utilisations intéressantes de l’imagerie
religieuse, notamment avec cette marche
d’une armée de nonnes fantômes.
A la fin du long métrage de Corin Hardy,
le constat est plutôt négatif. On ne peut
que déplorer la façon dont sont traitées
les thématiques abordées. Les traumas des
personnages ne serviront que pour faire
avancer l’intrigue et ajouter des scènes
d’effrois mais jamais pour creuser leur
psychologie, si bien qu’on a l’impression
de ne jamais connaître les protagonistes. Là
où le récit aurait pu être une métaphore des
fantômes de la seconde guerre mondiale et
du choc subi par la population, ou même une
réflexion sur le matriarcat, le film s’évertue à
raconter une histoire de hantise assez vaine,
où les enjeux sont bâclés et balancés sans
trop savoir quoi en faire. Les incohérences se
multiplient, et on a l’impression d’être floué
par ce qui s’annonçait comme « l’origin story
» du démon Valak, figure emblématique de
la saga Conjuring. Et même si la réalisation
classique évite les fautes de goût, on
préférera revoir « La Dame en noir », qui
avait su distillé de façon plus habile une
atmosphère gothique, rappelant les grands
films de La Hammer d’antan.
« La Nonne » est vraiment le prototype du
film d’horreur post Blumhouse. Pour rappel,
c’est cette société de production qui a sorti
les Paranormal Activity et plus récemment
Get Out, et qui tend à rendre les cauchemars
sur grand écran visible par le grand public.
Malheureusement, ce nivellement par le
bas donne des produits dont le marketing
est parfois plus intéressant à suivre que le
résultat final. Une production horrifique
n’a pas pour obligation de faire peur,
mais demande au minimum de raconter
une histoire viable se reposant sur une
atmosphère viscérale, ce que le film n’arrive
pas à faire sur la longueur, uniquement par
petites touches. Dommage.
Mehdi Tessier

les frères sisters
DE JACQUES AUDIARD. AVEC JOAQUIN PHOENIX, JOHN C. REILLY… 1H57
44
Audiard a donc réalisé un western ?
Étonnant... On pourrait presque ne pas y
croire, tant son cinéma (indubitablement
parmi le meilleur cru de ce que l’on fait
en France depuis ces dernières années)
n’a jamais paru pouvoir et vouloir aller
dans le sens de ce genre Hollywoodien.
Pourtant, après avoir confirmé son statut de
grand réalisateur avec sa Palme d’Or pour
Deephan en 2015, Audiard nous propose
au travers de «Les Frères Sisters», un western
réussit, qui, à bien y regarder, est en réalité
bien plus que cela.
«Les Frères Sisters», c’est l’histoire d’un
tandem, composé de deux frères, les deux
criminels les plus redoutés et renommés de
l’état de l’Orégon, connus sous les noms
de Charlie Sisters (Joaquin Pheonix) et Eli
Sisters (J. C. Reilley).
L’un est un ivrogne capable de soudains
excès de colère (Charlie – La Brute-).
L’autre, plus raisonné, n’aspire qu’à une vie
paisible et simple (Eli –Le Truand). Sur ordre
du Commodore, sorte d’homme politique
véreux, les frères Sisters partent à la recherche
de Herman Kermit Warm, scientifique ayant
mis un point une prodigieuse technique

pour découvrir de l’or. Ce dernier, mis
au courant par Jack Gyllenhaal alias John
Morris (Le Bon) du danger qu’il encourt,
décide de prendre la fuite. S’engage alors
une course poursuite à travers toute la côte
Ouest des États-Unis d’Amérique, sur fond
de voyage initiatique.
Le spectateur uniquement fan de Western ne
sortira pas déçu de ce film tant il déploie avec
efficacité, tout du long, un éventail suffisant
d’objets fétichistes : chevaux galopant,
pistolets bien rodés, saloons bruyants plein
de débauche, corps criblés de balles, grands
espaces naturels etc...
Seulement, tout cela n’est qu’un trompe
l’œil. En observant bien, on constate
qu’Audiard réinvestit les éléments du
Western, se les réapproprie pour y faire
contenir les thématiques propres à son
cinéma. Par exemple, la Nature n’a pas chez
Audiard cette qualité effrayante et sacrée
que l’on retrouve dans les classiques du
Western. Le danger n’y est pas plus grand.
Au contraire, filmée sans ce caractère
effroyable, la Nature devient un espace de
paix, de tranquillité, dans lequel les héros
passent, communiquent et s’endorment.
De plus, la façon de filmer certaines scènes
de duels, de les désamorcées par des
plaisanteries (sans pour autant leur enlever
quoi que ce soit de leur violence) affirme la
« touche » Audiard qui le différencie d’une
lignée de réalisateurs de Western.
Car en vérité, le but de Audiard n’est pas de
travailler les thématiques du Western mais
de se servir du genre pour s’interroger sur
la question suivante : Comment se purger
de la violence de nos ancêtres ? La force et
l’originalité du film est d’ailleurs là : dans son
humanité, dans (bizarre à dire) la chaleur de
son propos.
Première originalité : loin du mâle dominant,
du mâle viril et de sa démarche à la John
Wayne, loin du culte d’une forme de virilité
désuète, les personnages des frères Sisters
sont humains (trop humains). Audiard ne
craint pas de ridiculiser ses personnages.
Charlie Sisters est un ivrogne pathétique.
Eli Sisters, malgré ses qualités de criminel,
est au fond, un poète (qui n’hésite d’ailleurs
pas à payer une prostituée dans l’unique but
de jouer une scène de romance). Tous ont
leur propre faille.
Autre originalité : les héros parlent ! Oui, ils
parlent, ils s’expriment ! Les hommes n’ont
plus peur chez Audiard de raconter leur
malheur, de parler de leur doute, de pleurer
même. Oui même un Cowboy pleure (n’en
déplaise à monsieur Wayne). Tout du long
de leur voyage, les deux frères apprennent
à se découvrir, se révèlent peu à peu l’un
à l’autre, s’apprivoisent par le langage.
Chacun raconte ses rêves, ses ambitions. Et
soudain, on entrevoie le propos d’Audiard
: l’échange/la parole est la possibilité de
se purger de ses hantises. De délaisser les
ombres de nos pères qui planent sur nous,
de se défaire de la violence dont on a hérité.
Audiard n’est pas pour autant niais, il sait
que la tâche de se débarrasser de la violence
est ardue. D’ailleurs J. Phoenix, dans un plan
somptueux, métamorphosé soudainement
en la représentation du tableau « La Mort du
Christ » d’Andrea Mantegna, nous rappelle
que le sacrifice nécessaire à cette tâche est
immense, mais qu’il demeure salutaire.
Car une fois l’ablation de la violence faite,
le Bonheur et le Repos deviennent des
possibilités envisageables.
La séquence finale, émouvante et
nostalgique, qui par son rythme vient rompre
avec le reste du film, nous révèle tout le
sens de l’histoire : celle de deux hommes,
nageant à contre-courant, dans un monde
en rapide expansion, en quête d’un Temps
Perdu (et finalement Retrouvé).
Sebastien Nourian
45

26/09
rafiki DE
WANURI KAHIU. AVEC SAMANTHA MUGATSIA, SHEILA MUNYIVA... 1H22
Avant même sa projection à Cannes, “Rafiki” était appelé, au-delà de sa potentielle qualité
et au-delà même de son accueil tiède ou enflammé de la Croisette, à être une péloche qui
marquera autant son temps que les esprits, par son statut de pionnier.
Premier film kenyan sélectionné en compétition officielle à Cannes (et interdit de sortie
dans son propre pays), le film compte une love-story entre femmes, deux lycéennes filles
de deux opposants politiques, vivant dans une société kenyane très conservatrice (et où
l’intolérance face à l’homosexualité est... furieuse et violente), le tout au sein d’une intrigue
qui affirme sans trop le masquer, son apparenté à l’oeuvre phare de William Shakespeare,
“Roméo et Juliette”; sommet absolu des romances interdites.
Vrai coming of age movie à l’énergie pop férocement communicative et visuellement
inspirée (la photographie colorée, couplée à l’ambiance du cadre de Nairobi, fait un
malheur), tout autant qu’il est une sincère chronique contemporaine (entre le film social
africain et le wannabe teen movie indé US), le second long-métrage de la réalisatrice
Wanuri Kahiu, prenant gentiment son temps pour installer ses enjeux - simplistes pour le
coup, malgré sa courte durée -, marque sensiblement la rétine autant pour l’universalité
criante de son propos (le refus de conformisme de deux femmes voulant tout simplement
vivre leur vie et leur passion), que la justesse de ton de cette épopée sentimentalo-sensuelle
intime, délicate et emprunt d’une étonnante pureté, glissant lentement vers la tragédie.
Alors on pourra décemment lui reconnaître certains défauts (son académisme, son manque
de consistance scénaristique,...), mais impossible de ne pas se laisser enivrer par “Rafiki”,
jolie bulle de fraîcheur, de douceur et de fragilité, qui illuminera votre fin de rentrée ciné
2018.
46
Jonathan Chevrier

10/10
girl
DE LUKAS DHONT. AVEC VICTOR POLSTER, ARIEH WORTHALTER... 1H49
Dans la catégorie des belles séances du dernier Festival de Cannes, “Girl”, premier
long-métrage du belge Lukas Dhont, a su gentiment se hisser en tête de peloton des
favoris des festivaliers, aux côtés des derniers Kore-eda (“Une Affaire de Famille”), Lee
(“BlacKkKlansman”) ou encore Chang-dong (“Burning”) et Serebrennikov (“Leto”), puisqu’il
s’est payé le luxe, en prime, de repartir de la Croisette avec le prix de la Caméra d’Or.
On a connu des premiers essais plus buzzé donc, mais pas beaucoup, et force est d’avouer
qu’à son visionnage, ce “Girl” mérite amplement tous ses suffrages, et même bien plus
encore.
Récit initiatique aussi douloureux que bouleversant sur un jeune homme mal servit pas la
vie et engoncé dans un corps qui n’est pas le sien, formidablement soutenu par ses proches
(notamment un père aimant embrassant également le rôle de figure maternelle comme il
le peut) dans son désir de devenir une danseuse étoile; “Girl”, version adolescente - même
si c’est un terme un poil réducteur - du merveilleux “Laurence Anyways” de Xavier Dolan,
impressionne mais surtout marque par la puissance et la justesse de son traitement d’un
sujet aussi délicat.
Portrait intimiste - mais jamais voyeuriste - et dénué de tout cliché putassier, jouissant
d’une spontanéité de jeu et de ton étonnante, Lukas Dhont s’échine à retranscrire la
période délicate du passage à l’âge adulte avec tous ses maux tout en les couplant au
mal-être intense et à la souffrance insondable de sa courageuse héroïne, dont l’espoir d’un
avenir meilleur est un véritable crève-coeur (Victor Polster, parfait, tout en douleur, grâce
et détermination), avec une intelligence et une pudeur admirable.
Profondément empathique, porté par un amour admirable et sincère pour tous ses
personnages (surtout la famille de Lara) et un propos sociétal fort (les conventions cruelles,
stupides et illégitimes sur la normalité sexuelle et la beauté auxquelles beaucoup sont
violemment confrontés), “Girl” est un cri de l’âme qui nous touche en plein coeur.
Une belle leçon d’humanisme sombre et lumineuse, tout simplement.
Jonathan Chevrier
47

48
17/10
Capharnaüm
DE NADINE LABICKI. AVEC ZAIN ALRAFEEA, YORDANOS SHIFERA... 2H03

49
Comme assez souvent à Cannes, alors que le jury a définitivement rendu
son palmarès, les cinéphiles eux, débattent en trouvant toujours le moyen
d’annoncer qu’un tel ou un tel à été honteusement oublié, ce qui n’est
décemment pas faux cette année (“Burning” et “Leto” en tête, sans oublier la
formidable Zao Thao pour “Les Éternels”), mais tout de même, gageons que
les prix remis par la troupe de (Queen) Cate Blanchett, furent pleinement
justifiés - dans la généralité - et infiniment dans l’air du temps d’un Festival un
poil plus impliqué dans certains combats, qu’à l’accoutumée.
Tous donc, même «Capharnaüm» et ses retours presses mitigés.
Nouveau long-métrage de la réalisatrice Nadine Labaki (le sublime «Et
Maintenant on va où»), «Capharnaüm» joue jusqu’à l’extrême la carte de
l’empathie et de l’émotion en contant l’histoire bouleversante d’un jeune
garçon, Zain, accusé d’avoir poignardé quelqu’un et qui dans les tréfonds
douloureux d’un Liban en souffrance, intente un procès à ses parents pour lui
avoir donné la vie.
À hauteur d’enfants et avec une mise en scène intimiste proche du documentaire
- à la caméra alerte -, la cinéaste concocte avec colère et flashbacks affûtés,
une charge contre les dérives d’une société broyée par la misère où les parents
sont jugés irresponsables tant ils abandonnent - quand ils ne sont pas obligés
de les vendre ou de les marier de force - leurs plus jeunes pousses, engoncées
dans des bidonvilles de Beyrouth, pour les forcer à travailler plutôt que de
s’instruire à l’école.
Époustouflant et immersif dans sa première heure (où le spectateur prend
totalement fait et cause du brillant Zain Alrafeea), le film se fait pourtant
infiniment plus lourd dans sa seconde moitié, où la surenchère d’émotions
devient infiniment moins subtile, tout comme la rigueur de son propos, avec
l’arrivée d’une jeune femme sans papiers, accueillant le jeune héros - et lui
ajoutant un jeune bébé dans les bras.
Larmes en gros plans et dialogues surlignant à outrance la leçon de morale
- pourtant louable - de la cinéaste (sans oublier le score pesant en prime),
qui se permet même une présence pas forcément juste; «Capharnaüm» se
veut fort (ce qu’il est), trop fort, quitte à se brûler les ailes avec ses immenses
ficelles scénaristiques.
Pas toujours fin dans l’expression de ses intentions donc, mais important dans
sa volonté de mettre en lumière une vérité révoltante beaucoup trop poussée
au mutisme, «Capharnaüm» est un beau et vibrant portrait d’une enfance
obligée d’entrer dans la dureté de l’âge adulte presque dès la naissance, un
puissant torrent d’émotions auquel il est parfois bien difficile de résister.
Jonathan Chevrier

50
Devenu persona non grata sur la Croisette avant d’être redevenu ‘’in’’ cette
année aux yeux du festival et de son big boss Thierry Frémaux, le retour de
Lars Von Trier à Cannes (Hors-Compétition) était autant redouté qu’attendu au
tournant par les cinéphiles que nous sommes.
Que l’on aime ou pas le cinéma du bonhomme, il est impossible de ne
pas admettre qu’il propose, au-delà d’un sens indéniable de la provocation
extrême, une pluie d’oeuvres singulières et formelles, totalement dédiées à
retranscrire au pied de la lettre ses idées et névroses diverses, même les plus
insondables.
Un cinéaste dont le cinéma n’est vraiment pas fait pour tout le monde (malgré
quelques films ‘’abordables’’), en somme, et son nouveau long-métrage, “The
House That Jack Built», suit scrupuleusement cette règle.
Odyssée d’une noirceur abyssale dans les méandres tortueux de la psyché
d’un serial killer/psychopathe alignant les meurtres tous plus odieux les uns
que les autres, le cinéaste danois, totalement focalisé sur son point de vue et
articulant son récit sur cinq ‘’incidents’’ importants de son parcours (un récit
fragmenté rappelant fortement son diptyque «Nymphomaniac»), fait de Jack
un artiste narcissique du Mal dont chaque crime est une pulsion créatrice
qu’il se doit d’assouvir.
En dehors du cinéma de LVT, cette étude de la figure du tueur en série aurait
sans doute pu être aussi fascinante que gentiment inconfortable, mais chez
le réalisateur de «Antichrist» et «Breaking The Waves», la balade sanglante et
meurtrière prend tout de suite des allures de séance infiniment malsaine et
captivante.
Fresque comico-métaphysique violente - aussi bien moralement que
physiquement -, profondément provocatrice, grinçante et dérangeante, le
cinéaste nous place au coeur (jusque dans sa mise en scène brute) de la
perdition mentale d’un Matt Dillon effrayant, bourré de TOC et totalement
habité par son rôle (sans doute l’une de ses meilleures performances à ce
jour) et ose véritablement tout (quitte à faire de son héros un double fictionnel
de lui-même) pour étayer son questionnement profond (l’art peut-il/doit-il
déranger ?) et dépeindre une image nauséabonde de la nature humaine (ce
qu’elle peut effectivement être, souvent), jusque dans un épilogue dément.
Pas aussi insoutenable que la rumeur l’avait annoncé, bien plus solide et
cohérent que son «Nymphomaniac», «The House That Jack Built» est une
méditation autant sur la vie, la mort et l’art que sur la notion de mal, une
oeuvre quasi-somme (tant le cinéaste ne cesse de citer son cinéma) ambitieuse,
barrée et barbare.
Bref, LVT est de retour, et c’est une sacrée bonne nouvelle.
Jonathan Chevrier

51
17/10
The House That
Jack BuiltDE LARS VON TRIER. AVEC MATT DILLON, UMA THURMAN... 2H35

24/10
cold warDE PAWEL
PAWLIKOWSKI. AVEC JOANNA KULIG, TOMASZ KOT... 1H27
52
Cinq ans après son splendide portrait de femme, Ida (qui au passage lui a
valu l’Oscar du meilleur film en langue étrangère), Pawlikowski nous offre
avec Cold War (prix de la mise en scène au Festival de Cannes 2018) un
éblouissant poème sur d’éternels Amants et leur inlassable quête de Liberté.
Dans une Pologne d’après-guerre, nouvellement communiste, ravagée par des
années d’occupation allemande, le désir de renouer avec une identité passée
et idéalisée et puissant. Irena, une productrice, et Wiktor, un musicien aux
airs de poète maudit, ont tous deux en tête de monter un spectacle ambulant
en vue de célébrer le folklore polonais. Ils partent ainsi à la recherche de «
l’Art du peuple », celui de la Pologne profonde, des chants de montagnes,
des villageoises en tenus traditionnelles... Lors des auditons, une énigmatique
jeune femme, au visage angélique, se présente, elle se nomme Zula.
Immédiatement, elle contraste avec les autres paysannes par sa modernité et
sa liberté. Derrière son sourire et ses airs candides, Wiktor perçoit en elle la
même mélancolie qui l’anime. Les deux se ressemblent, se reflètent l’un dans
l’autre. Cela suffit pour qu’ils débutent une romance passionnée. Jusqu’au
jour où Wiktor décide de partir pour Paris et une Europe plus libre. Il implore
Zula de le suivre. Malgré tout l’amour qu’elle lui porte, elle ne viendra pas, et
Wiktor deviendra le Humphrey Bogart (celui de Casablanca) d’Europe de l’Est.
S’ensuit que le film portera sur leurs incessants vas-et viens, leurs retrouvailles
puis leurs séparations multiples, sur une quinzaine d’années, entre la Pologne
et la France, entre deux mondes, l’un trop froid et dur, l’autre trop bruyant,
trop différent...

53
Le premier atout du film est sans nul
doute son noir et blanc épuré, cristallin
fruit de l’évolution du travail commun de
Pawlikowski et Łukasz Zal. Il magnifie les
émotions et on ne peut qu’être contemplatif
devant les visages des deux protagonistes
dont chaque variation dans l’émotion
est rendue honorablement. C’est surtout
l’actrice, Joanna Kulig dont la Beauté exaltée,
la rend égale à cette Venus Botticellienne,
femme puissante et libre, désirable mais pas
objet, tournoyant sans relâche comme une
flamme inflexible (lors des scènes de danse)
dans les ténèbres d’un monde dangereux et
en guerre (cela aussi très bien rendue par la
photographie).
Car c’est cette dualité qui est la toile de
fond du film : les Ténèbres et la Lumière, la
Beauté et la Laideur du monde, la Liberté et
L’Enfermement.
D’un côté, le choix du format rappelle
subtilement le thème de l’enfermement,
de l’étouffement. Plus serrée, étriqué, les
personnages semblent prisonniers de la
pellicule. D’un autre côté, le rythme insufflé
au film contraste de par sa façon d’agencer
les scènes. Tout le montage exulte la
Liberté. Les mouvements, rapides, violents,
dynamiques, sont inscrit sur nombre
d’images (scènes de spectacle, club de jazz,
scène d’ivresse de Zula).
D’ailleurs, la manière de couper les scènes
(qu’on aimerait parfois tant voir durer pour
notre plaisir visuel) est très intéressante. Sans
connexion directes, avec d’énorme ellipses,
les séquences apparaissent ainsi se suffirent
à elle-même, comme déconnectées de
l’ensemble. Chaque image est véritablement
un poème en soi, que l’on pourrait isoler et
admirer seule. Cela d’ailleurs pourrait être un
défaut, mais entre les mains de Pawlikowski
ne l’est pas ! Car tout le style du film, toute
la liberté créative de l’auteur, repose sur cet
aspect désordonné qu’il tente de recréer.
Ce n’est pas le désordre du Chaos, mais le
désordre du Jazz, celui de l’improvisation,
de la liberté totale.
De plus, que le film aborde l’amour, la
mélancolie, la dureté du monde, le Paris
des artistes, un leitmotiv unifie en arrière
fond l’œuvre constamment : Comment être
libre ? Peut-on s’aimer sans/ou malgré les
frontières (celles des hommes, et celles du
cœur) ?
Le film réussit à donner le sentiment d’une
incessante fuite, en avant, en arrière, toujours
hors du cadre de la caméra dans laquelle le
spectateur se laisse emporter. La possibilité
d’une autre vie, la liberté, le bonheur sont
toujours ailleurs, plus loin, à la bordure où
au dehors de l’image...
Cette idée trouvera d’ailleurs, dans l’acte
final (no spoil !) sa mise en forme la plus
aboutie et la plus parfaite. Égalant non
seulement avec la simplicité de Bresson,
mais aussi avec la justesse du mot, qu’on
trouve chez Tarkovski, lorsque Zula clôturera
le film d’une phrase qui résout et nous
révèle en même temps, à nous spectateurs
admiratifs, le sens de ces 1h28min de pure
joie cinématographique.
Sebastien Nourian

54
john carpenter
le western
dans le sang

55
La sortie prochaine du «Halloween» de
David Gordon Green permet de mettre en
lumière celui par qui tout a commencé : John
Carpenter. En effet, Studio Canal s’apprête
à ressortir quatre films du maître, dans des
versions 4K, le tout dans des coffrets qui
s’annoncent sublimes. C’est l’occasion de
revenir un peu sur la carrière d’un des plus
grands contrebandiers d’Hollywood, et plus
particulièrement sur sa fascination pour le
western, genre américain par excellence.
On le sait John Carpenter depuis le début de
sa carrière n’a jamais caché son admiration
pour le western et son envie profonde d’en
réaliser un, un jour. Les échecs commerciaux
et la mésentente avec les studios ont fait que le
réalisateur n’a jamais pu accomplir son grand
rêve. Et si on a jamais vu Big John tourner
dans les plaines de l’ouest sauvage, on le
dépeint quand même comme un réalisateur
de western. Dans tous ses films, on retrouve
des éléments du genre (cinématographique)
et c’est entre autre avec «New York 1997»
et la création du personnage emblématique
de Snake Plissken que Carpenter signe sa
lettre d’amour au western. Le scénario du
film est écrit en 1976 peu après le scandale
du Watergate. Dans le film, suite à une
hausse de la criminalité, la ville de New
York est transformée en gigantesque centre
pénitencier. Cet élément n’est pas sans
rappeler, six ans avant la sortie du film, la
transformation de Phnom Penh, la capitale
du Cambodge, en prison d’Etat par les
Khmers rouges, elle était surnommée S-21.
Références qu’on peut retrouver furtivement
dans un plan du film. Donc, un film bien
plus politique qu’il n’y paraît.
Mais avant d’aller plus loin, intéressons
nous aux éléments qui constituent le
genre du western. On y retrouve de
New York 1997

grands espaces, des villes isolées avec des
saloons animés et leur portes à battant, des
règlements de comptes, et aussi des acteurs
avec ‘’une gueule’’. Mais le genre a aussi
utilisé des procédés cinématographique
bien spécifiques, tels que de longues plages
de silence, des mouvements amples de
caméras et l’utilisation emblématique du
scope, ce format de l’image horizontal dont
est friand John Carpenter. Dans «New York
1997», on retrouve tout ces éléments. Le
film commence en exposant le décor, avec
très peu de musique et de dialogues. La
brume dans les rues désertes de New York
rappelle la poussière qui balaye les plaines
du far west. Le bureau de Hauk rappelle
le bureau du shérif et l’opéra de broadway
sert de saloon. John Carpenter fait même
appel à des acteurs tel que Lee Van Cleef,
‘’la brute’’ du film «Le Bon, la Brute et le
Truand», ainsi que Ernest Borgnine qui jouait
dans un autre grand western : «La Horde
Sauvage», et la trame principale fait penser
à celle de «La prisonnière du désert», où les
héros partent en mission de sauvetage en
territoire ennemi. Tous les éléments et codes
du western se retrouvent d’une manière ou
d’une autre dans le cinéma de Carpenter.
«Le village des Damnés» et celui du héros
de «Invasion Los Angele»s rappellent
56
fortement des villages fantômes perdus dans
le désert. On retrouve des éléments de «La
Horde Sauvage» dans «Vampires», avec des
personnages de mercenaires violents, mais
aussi avec une fin pleine de rage et de fureur
dans «Invasion Los Angeles».
De «Assaut» à «The Thing» en passant par
«Le Prince des Ténèbres» ou «Ghost of
Mars», on retrouvera régulièrement chez
Carpenter la structure de «Rio Bravo» avec
une véritable maîtrise pour filmer un huisclos
ou un siège.
Le réalisateur détourne la structure de «Rio
Bravo» pour en faire une structure de film
le village des damnés
horrifique ou de science fiction dans un
but précis. Il s’en sert pour explorer un
thème au cœur de son œuvre, la figure du
Mal. Dans le documentaire «Big John», il
explique: « J’aime les films qui montrent le
mal extérieur à nous. C’est plus évident pour
moi et plus intéressant pour le spectateur
que de dire que le mal est en nous ».
Ce n’est donc pas d’un point de vue moral
qu’il montre le Mal, mais bien d’un point
de vue inhumain dont les protagonistes de
ses histoires vont devoir faire face. Dans
«Assaut», les membres du gang agissent
comme une masse tapie dans l’ombre plutôt

the fog
comme des individus. On peut dire la même chose du groupe de SDF dans «Le Prince des
ténèbres». Ou encore dans «The Fog», où les fantômes ne sont souvent vus que à travers
un épais nuage de brume.
Dans «New York 1997», bien que le film verse clairement dans l’anticipation, le personnage
de Snake Plissken semble sortir tout droit d’un western, et en particulier d’un des sous genres:
le western crépusculaire. Dans les westerns des années 70, on met de côté l’héroïsme
manichéen des cowboys d’antan pour céder la place à des personnages ambigües, dont
les actes et leurs portées vont au delà des frontières de bien et de mal. Ils sont devenus
des antihéros aussi brutaux que flamboyants. Snake Plissken est un pur produit de ce
genre. C’est un personnage mutique, individualiste, rebelle à toute autorité et tendant vers
l’anarchisme. Cynique et violent, il déteste la compagnie des autres. Son côté sauvage
frappe dès son apparition: les cheveux longs, sa barbe de trois jours et son bandeau sur
l’oeil sont en contraste total avec l’autorité représentée par les uniformes et les visages
masqués. Il est l’individualité parmi la masse totalitaire et homogène: une anomalie. Au
regard de la carrière de Carpenter, on peut facilement croire que Snake Plissken est l’alter
égo du réalisateur. Carpenter déteste la pensée pré-mâchée. Celle qui uniformise. Il l’aura
démontrée dans sa lutte acharnée contre les studios, mais aussi par des films comme
«Invasion Los Angeles» avec ses messages cachés et «Le village des Damnés» où le seul
enfant qui n’a pas de binôme est rejeté par les autres. C’est en cela que sa filmographie
porte un message politique. Et si le western retrace de grands moments de l’histoire des
Etats-Unis, en utilisant ce genre, Carpenter met en lumière les travers de son époque. Dans
le documentaire «Big John» (2006), il nous dit : « On n’est qu’une bande de voyous, nous
sommes des gens qui avons fui l’Europe. On n’est qu’une bande de bandits ! »
John Carpenter est un cinéaste à l’oeuvre riche, liée par une cohérence formelle et
thématique. Son choix d’incorporer des éléments de westerns à ses films va plus loin
qu’une simple lubie ou passion. C’est un facteur intrinsèque à sa filmographie, mais aussi
à sa dialectique. Ses héros hors la loi sont le reflet de sa propre vision de l’Amérique et du
cinéma américain, et font écho à sa volonté d’être libre dans un système qui ne laisse pas
de place à la liberté individuelle.
Mehdi Tessier
57

58
Gaspar Noé
Danse macabre

59
Le temps détruit tout. C’est par ces mots
que Gaspar Noé clôt lui-même ce qui
reste encore aujourd’hui son œuvre la plus
polémique, “Irréversible”. Quatre mots qui
prennent une résonance toute particulière
après avoir été témoin de la destruction
inversée subie par nos trois personnages
principaux. La destruction progressive et
inévitable de l’être humain est ce qui a
toujours fasciné le réalisateur italo-argentin
et c’est très justement ce qui portera son
cinéma au travers des cinq long-métrages
qu’il compte désormais à son actif.
Dès son moyen-métrage “Carne”, qu’il
réalisera en 1991 et qui fait office de prélude
à “Seul Contre Tous” sorti 7 ans plus tard,
Gaspar Noé prend un malin plaisir à nous
faire suivre des personnages à la morale
floue, poussés par la haine et conscients
de leur fin imminente mais déterminés à se
rattacher au peu d’honneur qui les maintient
encore dans ce monde, constamment vu
comme pervers, toxique et inégalitaire.
Incarné par la figure imposante de Philippe
Nahon, le personnage central du boucher
prend alors une dimension menaçante et
troublante, nous forçant à prendre du recul
face aux propos d’un personnage que l’on
peut considérer comme une vision de la
France du Front National des années 90,
l’attirance vers l’inceste en complément.
Par ses thèmes et surtout son style visuel
extrêmement radical voire perturbant,
le cinéma de Gaspar Noé développera
très vite cette faculté à savoir comment
choquer son public, en bien comme en
mal. C’est donc tout naturellement qu’en
2001, enfin remis de la naissance difficile
de “Seul Contre Tous”, Noé s’entoure de
Vincent Cassel, Monica Bellucci et de
Albert Dupontel (autrement dit le gratin
du cinéma français des années 2000) et se
lancent dans ce que le réalisateur considère
encore lui-même comme un ‘’braquage’’.
D’abord pensé comme un film érotique
intitulé “Danger” (qui deviendra “Love” par
la suite), “Irréversible” aura finalement été
crée à l’instinct, avec seulement 5 pages
de scénario, 6 semaines de tournage et un
jeune chef-opérateur (Benoît Debie) rempli
d’énergie à revendre.
Le verdict ne se fera pas attendre et très
vite, “Irréversible” générera un immense
retentissement, notamment lors d’une
séance au Festival de Cannes devenue
anthologique. Avec son jusqu’au-boutisme
aussi admirable que détestable, ce que l’on
pourrait voir à première vue que comme un
film malsain, glauque ou encore voyeuriste
(à l’image des personnages illustrés en
quelque sorte), se révèle être, avec le recul,
une œuvre terrible sur la toxicité masculine
et du virilisme amenant à la destruction,
en particulier celle des femmes. Mais
qu’importe les critiques, la réputation du
réalisateur était lancée, lui permettant de se
lancer dans le projet dont il a toujours rêvé
: “Soudain Le Vide”.
Sorti en 2009 sous le nom de “Enter The
Void”, ce voyage astral, massif et conséquent
de 2h40 est sans aucun doute le véritable
chef-d’oeuvre de Gaspar Noé. Repoussant
une fois de plus ses limites techniques, le
réalisateur offre là son plus bel hommage
possible à “2001 : L’Odyssée de L’Espace”
(un de ses films préférés) au travers du regard
d’Oscar, jeune américain exilé à Tokyo avec
sa sœur Linda, tué lors d’une descente
policière et expérimentant la vie après la mort
selon les croyances Tibétaines. Véritable

60
prouesse artistique et visuelle et ce, dès
son générique d’introduction exceptionnel,
“Enter The Void” se hisse dans le top des
plus belles expériences cinématographiques
jamais mises sur pellicule, à la fois exigeant
et sensoriel. Si le ton du film peut paraître
moins choc que son prédécesseur, la fatalité
est toujours de mise dans le parcours de
cette union fraternelle séparée par la mort,
condamnée à une survie précaire, solitaire
et dangereuse.
Si “Irréversible” parlait de la mort inévitable,
“Enter The Void” traite de l’après mais
aussi de l’avant, quand tout allait mieux. Il
semblait donc logique que pour sa prochaine
expérience, le réalisateur nous parlerait
plutôt du temps présent et de la façon
dont celui-ci s’amenuise progressivement
à cause du mal-être humain. Avec “Love”,
sorti en 2015, Gaspar Noé relance une fois
encore la machine à polémiques en filmant
l’amour de la manière la plus naturelle
qui soit et tout particulièrement jusque
dans son intimité. Interdit aux moins de
16 ans avec avertissement puis finalement
aux moins de 18 ans, “Love” surprend
par son utilisation et sa mise en valeur de
scènes de sexe non simulées entre nos
trois protagonistes principaux, non pas
dans un simple but excitant, mais plutôt
pour montrer la désintégration d’un couple
toxique l’un pour l’autre, n’ayant plus que
le sexe comme seul liant commun. Un film
bien plus introspectif que les précédents du
réalisateur, trop égocentré dirons certains,
mais une nouvelle preuve que son art
cinématographique dispose d’énormément
de ressources, même les plus insoupçonnées,
quand il s’agit de proposer des expériences
nouvelles et sincères.

61
C’est ainsi que nous arrivons à 2018. Pour son prochain film forcément
attendu et redouté, on a longtemps parlé d’un film sur le darknet, d’un autre
annoncé comme “extrêmement violent” sur la religion et même d’un curieux
projet américain écrit par Bret Easton Ellis et avec Ryan Gosling dans le rôle
principal. Il n’en sera finalement rien. “Climax”, tourné en un temps record
en début d’année, déboule par surprise à la Quinzaine des Réalisateurs et
déclenche un engouement critique jusque-là jamais vu de toute la carrière de
Gaspar Noé. Faut-il y voir là une création plus accessible, voire plus adoucie
? Accessible, sûrement, mais “Climax” dégage néanmoins une noirceur
absolument étouffante durant tout son déroulement incessant, en plus de
pouvoir être considéré comme le film-somme du réalisateur, dans la mesure
où toutes ses idées de réalisation et de thématique sont ici réunies pour un
uppercut atrocement beau (ou magnifiquement triste, c’est selon) sorti de
nulle part.
Nul autre que Gaspar Noé lui-même (et encore) ne sait ce que le bougre compte
nous offrir pour sa prochaine excursion filmique. Le moins que l’on puisse
dire, c’est qu’en l’espace de cinq films seulement (et de nombreux projets
parallèles valant tout autant le coup d’œil), son nom est devenu synonyme de
claque radicale et surtout mémorable dans le paysage du cinéma français. S’il
est certain que son univers a son lot de détracteurs pouvant lui reprocher la
pauvreté de ses scénarios ou même de ses messages, beaucoup s’accordent
à admettre son talent technique absolument imparable, qui a pu nous offrir
certaines des plus belles images que l’on ait pu voir sur grand écran durant ce
siècle passé. Vivre est une impossibilité collective.
Tanguy Renault

62
T
omhardy
Début 2010, Vincent Cassel disait de lui :
« Tom n’a pas d’égal parmi les acteurs de son âge. Il va prendre une
place que l’on imagine même pas encore...»
Visionnaire, le Frenchy ?
Pas loin, car force est d’avouer que presque une décennie plus tard,
il est quasi impossible de le contredire, tant l’anglais est aujourd’hui
l’une des figures les plus demandées et incontournables du tout-
Hollywood.
Les cinéastes de talent et (surtout) les majors avides de billets
verts, le savent mieux que personne : Tom Hardy est de ses acteurs
rares, de ces perles que le cinéma mondial ne crée qu’une fois par
décennie, le genre d’acteur caméléon au charisme inné, à la puissance
animale et au physique ravageur, sans aucun frein pour ‘’vivre’’,
‘’incarner’’ un personnage, capable de porter un divertissement
friqué sur ses épaules, tout autant qu’être la figure de proue d’un
film plus mineur, lui permettant d’être gentiment flatté par la
critique.

«Je change souvent de tête à
l’écran. Ça me plaît. Ça multiplie
mon énergie. Endosser complètement
la peau d’un personnage fait partie
de mon travail, même si l’expérience
peut s’avérer douloureuse.»
63

pOrTrAiT
Et pourtant, le succès n’a pas frappé
à sa porte tout de suite, loin de là
même...
Fils d’un père écrivain et d’une mère
artiste, il croisera plus le chemin de la
justice et des interrogatoires de police
que celui des séances de casting.
Délinquant, il squattera les comptoirs
de bars, touchera à la poudre et
ruinera même son premier mariage :
l’homme se cherche, et c’est dans la
destruction de lui-même qu’il sera en
quête d’une réponse, et non dans sa
passion première, le cinéma.
Une anecdote raconte même qu’un
jour, alors qu’il était censé rencontrer
l’immense John Woo à Hollywood
pour discuter d’un projet (lequel ?
Mystère...), il s’était retrouvé nu dans
une contre-allée de downtown Los
Angeles, un flingue chargé à la main,
à côté d’un type qu’il ne connaissait
pas et de son chat, tout en ignorant
comment il s’était retrouvé là !
« Au fond, j’étais dans
une quête désespérée
d’attention. »
Et cette attention, elle va méchamment
tarder à pointer le bout de son nez
tant à l’époque, son C.V d’acteur n’est
pas franchement reluisant : de vagues
interprétations dans des téléfilms
anglais, des séries Z pitoyables, et
64

65
quelques apparitions chez Stuart Baird (“Star
Trek Nemesis”), Matthew Vaughn (“Layer Cake”),
Ridley Scott (“La Chute du Faucon Noir”), ou
encore chez Sofia Coppola (“Marie Antoinette”).
Pas de quoi faire bander une major, ou même un
cinéaste majeur.
Son salut artistique (tout comme celui de
son existence), après de longues cures aux
Alcooliques Anonymes et dans des centres de
désintox, il l’obtiendra grâce à sa rencontre avec
Guy Ritchie, qui lui offrira le génial rôle du truand
gay Handsome Bob dans son “RockNRolla”, mais
surtout grâce à son interprétation hallucinante
du plus célèbre des détenus anglais, dans le
merveilleux “Bronson” de Nicolas Winding Refn.
Le parcours d’un combattant

Un coeur et (beaucou
muscles
66
« Bronson, c’est le film qui a tout changé. Le
plus dingue, c’est que j’étais réellement prêt
à tout abandonner avant de le tourner. Je
m’étais dit que ce serait mon ultime tentative
pour impressionner tout le monde. J’allais
m’engager comme soldat, j’avais déjà rempli
les formulaires, tout. Mais, de toute façon, je
n’aurais servi à rien dans l’armée. Être acteur,
c’est le seul truc que je sache faire. »
Sidérant, imposant et investi comme
jamais, sa composition mettra tout le
monde d’accord et lui ouvrira les portes
d’Hollywood.
Et c’est le futé Christopher Nolan sera le
premier à le faire tourner, pour son sublime
«”Inception”, où il tiendra non sans brio,
le rôle d’un faussaire certes bad boy, mais
cette fois propre sur lui.
Le succès monstre du métrage en fera une
star, statut qu’il usera sans traîner pour porter
sur ses épaules l’émouvant drame sur fond
de free-fight, “Warrior” de Gavin O’Connor,
pour lequel il suivra un entraînement intensif
de dix semaines, et prendra treize kilos de
muscles.
« J’ai morflé ! Surtout moi qui suis un gros
flemmard. Mais ça valait le coup. Warrior n’est
pas un film d’action bourrin façon Chuck Norris
ou Steven Seagal. Sa dimension humaine m’a
sincèrement touché, sa réflexion sur la fratrie
aussi. »
Touchant et tout simplement électrisant
en ex-marine qui monte sur le ring pour
combattre ses démons et sa haine de soi,
Hardy y fait ce qu’il sait faire de mieux :
mettre k.o tout le monde en nous retournant
les tripes, ne serait-ce que par la simple force
de son regard aussi puissant qu’expressif.
Wannabe next big thing du cinéma ricain dès
2012, le bonhomme baladera sa trogne dans
pas moins de cinq films entre cette annéelà
et la suivante, tous plus différents les uns
que les autres : la romcom d’action “Target”
de McG où il se partage avec Chris Pine,
le coeur de la so cute Reese Witherspoon,
le magistral thriller “La Taupe” de Thomas
Alfredson, le film de gangsters à forte
tendance western “Des Hommes sans Loi”
de John Hillcoat (où il pousse les tics de son
jeu à son paroxysme), l’intimiste “Locke”
de Steven Knight (où il incarne un homme
dont le monde s’effondre littéralement à
l’autre bout de son téléphone), mais aussi
et surtout “The Dark Night Rises”; opus de
conclusion de la trilogie “The Dark Knight”
signé Nolan, où il incarne le terrifiant
Bane et confirme sa place de choix dans la
‘’famille’’ cinématographique du cinéaste,
qui le convoque à nouveau en 2017, dans
le brillant “Dunkerque”, où il revient sur
la fameuse opération Dynamo lors de la
Seconde Guerre Mondiale.

67
p) de
« J’ai interprété pas mal de
gars assez terrifiants et il
y a probablement un certain
nombre de raisons à cela.
D’abord, les méchants sont
beaucoup plus intéressants
que les héros, qui se révèlent
la plupart du temps assez
ennuyeux. Et, plus jeune, je
me souviens avoir eu assez
souvent peur. Étant petit,
frêle et vulnérable, j’avais le
sentiment que l’on pouvait s’en
prendre à moi facilement. Je
joue ce qui m’effrayait alors. De
toute façon, il est préférable
de paraître féroce dans ce
métier ! »

68

69
His name
is Max
Fan de rap (il a même enregistré un album en 1999), de tatouages (son corps
parle pour lui), le bonhomme est aussi amoureux des chiens, et cet amour
transparaît avec évidence dans le mésestimé thriller “Quand Vient la Nuit” de
Michaël R. Roskam sortie en 2014, où il côtoie notamment l’exceptionnelle
Noomi Rapace, qu’il retrouvera l’année suivante sur le bancal mais prenant
“Enfant 44” de Daniel Espinosa, où il campe un agent du KGB qui enquête
sur une affaire de meurtres en série d’enfant dans l’URSS des 50’s.
« Je dois agacer certains réalisateurs. Jouer me paraît assez simple, j’ai
donc encore beaucoup d’énergie et j’ai envie de la mettre au service de
l’équipe… »
Et cette énergie, il va l’exploiter au maximum sur le tournage douloureux et
(très) très long de “Mad Max Fury Road”, quatrième opus de la trilogie Mad
Max accouché dans la douleur (12 ans de gestation, entre faux départs et
galères incroyables), pour lequel il reprend au pied levé le rôle iconique de
Max Rockatansky à un Mel Gibson encore persona non grata à l’époque.
Furieux, grisant et follement spectaculaire, le film de Miller dépasse les
attentes, se paye un succès critique et public conséquent, et aura même le
luxe de briller dans la pourtant très fermé cérémonie des oscars de la même
année, en chipant une pluie de statuettes techniques.
Pas à un rôle exigeant et fou près, il enchaînera toujours en 2015, autant avec
un second rôle important dans la série “Peaky Blinders” scripté par Steven
Knight (qui l’épaulera plus tard à l’écriture du show “Taboo”), mais également
avec “Legend” de Brian Helgeland, ou il campe rien de moins que les deux
jumeaux Kray, deux célèbres gangsters anglais ayant mis à feu et à sang le
Londres des 60’s.
« C’était assez facile de se glisser dans la peau des deux personnages. La partie
compliquée était de faire croire au public que ce n’était pas qu’un seul acteur qui
incarnait les deux parties. »

70
Si les rôles de vilains c’est son dada, les rôles exigeants le sont encore plus.
Et dans la catégorie des films exigeants, le tournage de “The Revenant” est
sans l’ombre d’un doute, l’un des plus fous et difficiles de la décennie.
Tourné entièrement en lumière naturelle dans les provinces de Colombie-
Britannique et Alberta (Calgary) au Canada (sans compter les prises de vues
additionnelles en Argentine), avec des températures moyennes avoisinant -30°,
le film, en tout point exceptionnel, fut un véritable calvaire pour ses hérostitres,
Hardy et DiCaprio, qui y trouveront pourtant l’une de leurs meilleures
performances à ce jour.
Terrifiant et proprement détestable dans la peau d’un trappeur violent, le Tom
en impose sévère à tel point qu’il chipera même à l’occasion, une première
nomination aux oscars dans la catégorie « Meilleur acteur dans un second
rôle « (une nomination qui, suite à un pari avec Leo DiCaprio, lui vaudra un
tatouage ‘’Leo Knows All’’ sur l’avant-bras droit).
Pas forcément de quoi l’émouvoir plus que cela, puisqu’il enchaînera
directement avec le tournage de sa propre série, ‘Taboo’, qu’il crée avec
Steven Knight et (surtout) son père, Edward « Chips » Hardy, une série qui
s’avère autant un drame d’époque inquisitrice qu’un western urbain à forte
tendance macabre, tissent le canevas ambitieux d’une vengeance sombre et
sourde d’un homme, James Delaney qui ne laissera pas la mort de son père
impunie...
Et alors qu’il est en passe d’être le nouvel Al Capone du septième art, dans
l’attendu biopic ‘Fonzo’ de Josh Trank, centré sur les derniers jours de vie du
célèbre gangster, le comédien, quarante ans au compteur, nous reviendra
d’ici quelques semaines en vedette du plutôt alléchant ‘Venom’ de Ruben
Fleischer, spin-off du (nouveau) reboot de la franchise ‘Spider-Man’, où il
incarnera Eddie Brock, le journaliste frappé par un symbiote extraterrestre qui
va petit à petit prendre le contrôle de son corps pour devenir... Venom.
Mais le bonhomme, actuellement au firmament de la chaîne alimentaire
Hollywoodienne, n’en oublie pas pour autant de rester lucide.
« Je vois des acteurs qui, du jour au lendemain, deviennent super «hot», comme
on dit. Mais deux jours après, tout le monde les a oubliés. On braque les
projecteurs sur vous, et au bout d’un an, vous êtes fini, consommé. D’ailleurs, je
suis probablement déjà fini, à l’heure ou je vous parle... »
Espérons, pour son bien et celui du monde du septième art, que sa durée de
vie dans l’arène (la jungle pour être plus honnête) Hollywoodienne, soit loin
d’être aussi limitée.
Jonathan Chevrier

71
Les bad guys
dans la peau

Interview
jim cummings
déjà dans la cour
des grands
72

Lors de son passage au 44e Festival du
cinéma américain de Deauville, nous avons
eu l’occasion de nous entretenir avec Jim
Cummings. Multi-casquettes sur son premier
long-métrage « Thunder Road » (réalisateur,
scénariste, compositeur, éditeur et acteur
principal) – récompensé par le Grand Prix
au Festival -, le jeune homme à la bonne
humeur et à la passion communicative nous
a parlé de sa première expérience en tant
que réalisateur et acteur mais également sur
ce qu’il pensait de l’industrie du cinéma visà-vis
du cinéma indépendant.
Propos recueillis par Margaux Maekelberg
Lorsqu’on jette un oeil à vos courtsmétrages
– absolument formidables au
passage -, on retrouve toujours cet aspect
tragi-comique qu’a votre personnage Jim.
Qu’est-ce qui vous attire autant dans cet
aspect des personnages ?
J’ai l’impression qu’aux Etats-Unis, peut-être
aussi en France je ne sais pas, au cinéma on
a que des films qui sont des comédies ou
que des drames. Je n’ai jamais vu des films
qui abordait ces deux thèmes à part dans
les Pixar comme Vice-Versa où tu pleures
et tu ris en même temps et je trouve que
c’est une épanouissante pour le spectateur
lorsque tu arrives à avoir une vraie et
profonde connexion avec le personnage
principal. Honnêtement je pense qu’on
devrait faire des comédies qui incluent une
part d’humanité. On devrait être capable
d’aborder des sujets sérieux tout en faisant
des blagues dessus pour rendre ça moins
douloureux et montrer aux gens qu’on peut
rire de ça.
Dans le court-métrage lors de la cérémonie
qui précède l’enterrement on entend la
chanson Thunder Road, vous ne l’avez pas
utilisé pourquoi ? C’est dommage, je suis
certaine que le public aurait adoré vous
entendre chanter !
Pour le court-métrage, utiliser cette chanson
a été un véritable calvaire. J’ai tourné le
court-métrage sans demander de permission,
ce qui est vraiment débile de ma part, puis
nous l’avons proposé à Sundance mais tout
ce que je voulais c’était pouvoir le mettre
en ligne sur Vimeo ce qui signifiait que je
devais montrer le court-métrage à Bruce
Springsteen et ça a pris des mois. Je sais
qu’il l’a vu, quelqu’un lui a montré donc j’ai
décidé d’écrire une lettre et il m’a dit que je
pouvais le mettre en ligne mais ça m’a pris un
an ! Je ne voulais pas l’embêter de nouveau
si j’utilisais la chanson dans le long-métrage.
Pendant le tournage on a fait cette scène
avec et sans la musique ce qui veut dire que
j’ai du répéter pendant des mois auparavant.
On a tourné cette scène dix-huit fois, neuf
fois avec la musique et les neuf autres sans.
À la fin de la journée lorsqu’on a monté tout
ça on s’est rendu compte que la prestation
était beaucoup plus forte sans la musique.
J’ai dit à mon producteur : « Je ne pense pas
que cette scène a besoin de musique », et
il a répondu : « Oui ne dérangeons pas de
nouveau Bruce Springsteen ! » [rires]
Jim n’a pas su dire au revoir à sa mère
comme il l’aurait voulu, c’était maladroit,
sincère mais maladroit, on l’a interrompu,
on lui a demandé de retourner à sa place…
Et à la fin du film [SPOILER ALERT] quand
son ex-femme meurt, il lui dit au revoir et
on remarque son changement d’attitude à
la fin. Était-ce quelque chose de voulu ?
Il est en colère contre son ex-femme qui
vient de faire une overdose et c’est quelque
chose qui va marquer leur fille pour toujours.
Vous avez raison, il y a comme une sorte de
conclusion avec ces adieux qui sont quand
même horribles alors qu’il n’a pas pu dire au
revoir à sa mère. Je pense qu’il avait besoin
de foirer ses adieux avec sa mère, que ce
73

74
soit quelque chose qui le hante, et d’ailleurs
il lui dit enfin au revoir dans la scène dans
le cimetière devant sa tombe.
Il y a cette notion de cercle de la vie qui
revient d’ailleurs dans le film lorsqu’on
apprend que la mère de Jimmy est
professeur de danse et qu’à la fin du film
vous emmenez votre fille voir un spectacle
de ballet et qu’elle semble captivée par ce
qu’elle voit, presque en train de tomber
amoureuse à son tour.
Pour moi il y a deux histoires qui se dégagent
de « Thunder Road » : l’une c’est celle décrite
par la chanson de Bruce Springsteen qui dit
que si tu es malheureux tu dois convaincre
la fille de monter en voiture et partir loin
d’ici pour être heureux et que ce n’est pas
grave si tu n’es pas heureux dans cette ville
et je savais que le film devait se terminer par
cette idée. « Thunder Road » c’est aussi une
question d’éducation. Lorsque Jimmy parle
de sa relation compliquée avec sa mère, il
ne veut pas avoir la même chose avec sa fille
et c’est réjouissant de constater qu’à la fin
du film il y arrive. C’est aussi une référence
à l’histoire que sa soeur lui raconte un peu
plus tôt dans le film où leur grand-père a
emmené leur mère à un ballet et qu’elle en
est tombée amoureuse, c’est une ligne parmi
tout un dialogue et on y fait pas forcément
attention mais à la fin du film lorsqu’il
emmène sa fille au ballet ça lui revient en
pleine figure. Il s rend compte que l’histoire
se répète et je trouve que c’est à la fois l’une
des scènes les plus tristes mais en même
temps réjouissantes que n’importe quel
parent peut expérimenter. C’est clairement
mon moment préféré.
La relation qu’entretient Jimmy avec Nate –
joué par Nican Robinson – est extrêmement
importante et c’est même lui qui vient le
sauver lorsqu’il est au plus bas, pouvezvous
nous parler de ce personnage ?
Nate c’est vraiment cet ami qui vous
pardonne tout et qui vous aime peu importe
ce qui vous arrive. J’ai de la chance parce

75
que j’ai plusieurs amis comme ça, lorsque
j’étais en plein divorce en 2014 et que j’étais
au plus bas et dépressif, qui m’ont aidé en
traînant avec moi sans avoir aucune raison
de le faire et qui étaient juste là pour me
soutenir en fait. Et c’est vraiment quelque
chose de touchant. Lorsque je bossais avec
Nican [Robinson], il a compris le rôle et a
vraiment fait de l’excellent boulot, d’ailleurs
c’est devenu un très bon ami. Nous nous
connaissions un petit peu avant le tournage
du film, après on a vécu le tournage
ensembles et on a réussi à montrer ça à
l’écran. Et pour le public c’est rassurant de
se dire que tout ne va
pas mal dans sa vie et
qu’il lui reste au moins
cet ami.
Vos choix de cadrages
et de mise-en-scène
sont très intéressants.
On est très centrés sur
Jimmy quitte à coque
la caméra oublie les
autres, on aperçoit
quasiment jamais la
réaction des gens lors
de l’enterrement, sur
le parking… et c’est
quelque chose qu’on
retrouve aussi dans vos
courts-métrages je pense notamment à
« Parent Teacher ». Pourquoi ce choix ?
La seule fois que j’ai eu cette discussion
avec un cinéaste c’était pour le courtmétrage
« Thunder Road » où il me disait
que c’était ok de ne pas voir la réaction des
gens. Pour le long-métrage, mon producteur
me disait qu’il faudrait peut-être montrer
la réaction des gens notamment lors de la
scène de la cérémonie mais je me suis rendu
compte que peu importe la manière dont on
filmait la réaction des gens dans la pièce,
ça allait forcément influencer la réaction
du spectateur et leur donner des pistes
pour savoir si le film était une comédie ou
un drame. Si on ne montre la pas la foule
ou tout autre plan, le public est obligé de
réfléchir et doit essayer de comprendre ce
qui se passe.
Votre façon de jouer me rappelle le jeu de
Jake Gyllenhaal pour sa sensibilité mais
aussi Jim Carrey pour le côté clownesque,
derrière la masculinité il y a une vraie
fragilité qu’on voit tout au long du film.
Comment est-ce qu’on
trouve l’équilibre entre
le drame et le comique
sans basculer dans l’un
ou l’autre ?
Tout est dans la
performance. Vous avez
évoqué Jake Gyllenhaal
et j’adore cet acteur.
C’est quelqu’un qui crie
beaucoup. Lorsqu’on
a tourné la scène sur
le parking où mon
personnage crie non
stop, j’avais en tête Jake
Gyllenhaal ou Leonardo
DiCaprio. Je voulais
une prestation très
intense tout en la contrebalancent avec une
vanne où on voit mes fesses à la fin quand je
pars. On a énormément répété et lorsque ça
faisait trop sérieux ou au contraire trop « Jim
Carrey » alors on savait qu’on se trompait.
Il y a eu des centaines de répétitions avant
d’avoir ce résultat final.
Votre rôle est très intense par moment,
je pense notamment à cette scène sur
le parking lorsque Jimmy pète un câble.
Ça demande une implication physique

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e psychologique très importante. Comment on gère cet afflux d’émotions
devant la caméra tout en gardant le sérieux et le professionnalisme derrière
la caméra ?
J’ai vraiment deux attitudes différentes. En tant que réalisateur je cours de
partout, je vérifie que tout va bien et lors que je deviens acteur et que je suis
devant la caméra je reprends mon sérieux et je fonce. Mais pour la scène
sur le parking on a eu de la chance parce qu’on avait plusieurs heures pour
tourner cette scène. On a d’abord tourné les scènes où je me bats, où je
déchire mon pantalon puis on a consacré le reste de la journée à la scène où
je fais mon monologue. On a tourné les autres scènes en premier, ensuite on
a mangé et juste après je suis allé m’assoir dans la voiture de mon producteur
pour écouter des chansons tristes et regarder des photos des princes William
et Harry lors de l’enterrement de la Princesse Diana – c’est toujours ce que je
fais lorsque je dois pleurer -, je me suis mis dans un état de profonde émotion
puis je suis descendu de voiture. Les acteurs et l’équipe étaient déjà en place,
ils n’avait plus qu’à filmer. J’étais sur le parking un peu plus loin, dès qu’ils
m’ont vu arriver ils ont tout de suite enregistré et c’était parti. On a tourné le
monologue deux fois et on a gardé la première prise. Par contre à la fois de la
journée je n’avais plus de voix ! [rires]
Vous êtes le réalisateur, le monteur, le compositeur et l’acteur principal du
film. Pourquoi ce besoin de tout contrôler ?
Je n’avais pas d’argent, c’était la cause principale. C’était une nécessité pour
moi de monter le film, d’avoir de la musique… Je devais finir ce film donc je
n’avais pas vraiment le choix. Cependant je pense que même si tu as l’argent,
si tu engages quelqu’un que ce soit pour un petit travail ou un plus gros, tu
dois te battre et toujours vérifier que ces personnes ne rendront pas ton film
mauvais. Dans le passé, j’ai souvent donné du travail à d’autres personnes
que je ne connaissaient pas tellement et qui ont fait un film correct ce qui
n’aurait pas été le cas si j’y avais mis le temps et l’effort pour le faire à leur
place. J’étais celui qui se préoccupait le plus du projet finalement.
Faire du cinéma aujourd’hui est devenu compliqué pour se faire une place,
pour trouver des financements, les studios préfèrent jouer la sécurité…
Vous même ça a été compliqué pour faire Thunder Road, vous avez lancé
un kickstarter… Qu’est-ce que vous pensez de l’industrie du cinéma en ce
moment ? Est-ce qu’elle décourage les jeunes cinéastes ?
Oh que oui ! C’est leur boulot ! S’ils peuvent te décourager de faire ton propre
film ils le feront. Les agences, les managers, les studios… leur boulot c’est de
dévaluer les films indépendants et de vous dire que si vous voulez réussir il faut
suivre leurs règles. De nos jours on peut faire un film avec un téléphone avec

tes amis dans le jardin. Regardez on est en France
avec notre film alors qu’on l’a fait en pyjama comme
si on était en colonie de vacances. Honnêtement cette
industrie est terriblement décourageante pour les
jeunes cinéastes qui veulent se lancer. C’est pour ça
que sur Twitter je veux les encourager et leur dire de
faire leurs films. Je n’ai jamais eu d’encouragements ni
d’aide et c’est pour ça que je veux aider maintenant.
C’est un système compliqué maintenant et c’est le
problème d’Hollywood qui flippe parce qu’ils voient
leur job leur filer entre les doigts par des gamins
comme moi qui font des choses qui sont finalement
pas trop mal.
Des projets futurs ?
Je suis en pourparler avec un grand studio, je suis
à deux doigts de signer un contrat pour un film
d’horreur à propos d’un loup-garou. C’est déjà écrit
et ce sera très drôle. Ce sera comme « Thunder Road
» mais avec un loup-garou ! Ce sera différent de mon
premier film mais je jouerai également dedans et je
vais probablement le monter aussi. J’espère que je
ferai pas la musique par contre. Ça ce sont les gros
projets mais honnêtement je suis plus intéressé par
ce que je fais avec mes amis et qui ne coûtent pas
beaucoup.
Les grands studios c’est pas vraiment votre truc ? Vous
préférez les choses plus intimes avec votre entourage
?
C’est authentique. Le reste ça fait juste partie d’un
rêve éveillé. Si je peux faire des films moi-même et
les mettre en ligne alors là ça devient une véritable
pub pour nous les cinéastes et à ce moment-là
n’importe quel studio peut venir nous aider, que
des gens peuvent nous financer… Franchement je
suis un athéiste d’Hollywood, je ne pense pas qu’ils
existent vraiment et qu’ils aident d’’autres personnes
qu’eux-mêmes entre eux. Je n’attends pas les autres
pour venir nous aider à faire un film.
Thunder road de et avec Jim Cummings. Sortie le 12/09
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films cultes
Grease
POUR LA RENTRÉE DE DÉSOLÉ J’AI CINÉ, NOUS AVONS DÉCIDÉ DE METTRE EN LUMIÈRE LE
FABULEUX GENRE CINÉMATOGRAPHIQUE QUI CENTRE SON INTÉRÊT SUR LES INTRIGUES ADO-
LESCENTES ; LE TEEN MOVIE. SANS PRÉTENTION, CE DERNIER -TYPIQUEMENT AMÉRICAIN-
UTILISE MAJORITAIREMENT LES MÊMES INGRÉDIENTS POUR CONFECTIONNER SA RECETTE
MAGIQUE ; LES PERSONNAGES STÉRÉOTYPÉS, LES PEINES DE CŒUR ET LES DIVERS CLANS
SOCIAUX. DIFFICILE DE FAIRE PLUS CULTE QUE LE FAMEUX “GREASE”, QUI ILLUSTRE À MER-
VEILLE LE GENRE FABULEUX DU TEEN MOVIE.
MARION CRITIQUE
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Eté 1958. Alors que Sandy et Danny vivent un amour fougueux durant les vacances
estivales, c’est avec un certain pincement au cœur qu’ils doivent se dire Adieu dans un
discours rempli de promesses. La jolie blonde doit rebrousser chemin dans son Australie
natale, pendant que le badboy prévoit de retourner dans son lycée américain, dans lequel
sa popularité est au sommet. C’est donc avec une certaine surprise que les deux amoureux
de l’été vont se retrouver dans le même établissement, alors que tout semble les opposer
aux yeux des autres élèves. S’ensuit une succession d’embûches et de péripéties qui
se dresseront sur leur chemin, alors qu’ils tenteront de préserver leur idylle malgré les
désaccords et les schémas sociaux bien ancrés dans les esprits de leurs camarades.
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“Grease” persiste et signe et ce malgré les années qui défilent. Intouchable et intemporel, ce
dernier s’inscrit dans la fameuse liste des films les plus cultes du septième art. John Travolta
crève l’écran dans un rôle qui lui colle toujours à la peau, encore aujourd’hui. L’âge d’or
de son succès et le véritable tremplin de sa carrière. Olivia Newton-John, quant à elle,
impose son style et sa douceur dans un personnage attachant et carrément emblématique.
Au-delà de leurs compétences d’acteurs, ils nous offrent sur un plateau d’argent leurs
talents indéniables de chanteurs et de danseurs. Le duo fonctionne à merveille, tandis que
les personnages secondaires assurent le show et portent l’histoire d’une main de maître.
Malgré les années qui s’accumulent dans son compteur, “Grease” traite des sujets et des
problématiques bel et bien présentes dans notre société actuelle ; les clans au lycée,

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le jugement des autres, l’obsession de l’apparence et les peines de cœur adolescentes.
L’intrigue est littéralement portée sur cette histoire d’amour illogique, qui bafoue tous les
codes. Un délicieux stéréotype se dresse alors sur l’écran; celui qui veut que la petite
nouvelle craque sur le loubard du lycée. C’est vu et revu et pourtant, le charme opère. La
magie du film repose également sur son incroyable bande originale, totalement entêtante
qui nourrit la bonne humeur du spectateur au rythme des chorégraphies inoubliables.
“Grease” rayonne encore et toujours par son ambiance festive et musicale. C’est la comédie
musicale délicieusement kitch par excellence. Son effet est inexplicable, mais le spectateur
en prend plein les mirettes s’il fait le choix judicieux de se laisser totalement porter par
l’ambiance durant le visionnage. Le film nous immerge totalement dans la fantaisie des
années 50/60 en recréant à la perfection le fameux univers rock’n roll qui régnait durant
ces décennies. Évidemment et c’est bien connu, c’est blindé de clichés, notamment sur les
caractéristiques des personnages. Cependant, sans toute cette panoplie de stéréotypes, il
n’aurait très certainement pas le même charme, ni la même saveur.
“Grease” berce nos cœurs d’adolescents éternels dans une ambiance feel good qui ne
cesse de nourrir notre nostalgie au fur et à mesure des nombreux visionnages. Un pionnier
dans la longue liste des films cultes, à voir et à revoir sans modération.

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The Faculty
Robert
Rodriguez (1998)
Dans la très (trop ?) longue liste de teen movies horrifiques ayant emboîté le
pas au cultissime «Scream» de feu Wes Craven à la fin des 90’s, «The Faculty»
de Robert Rodriguez en est sans doute le rejeton et jouissif - avec «Souviens-
Toi l’été dernier».
Scripté par la référence Kevin Williamson (qui devait en faire son premier long
avant de se rabattre sur... «Mrs Tingle»), le film cite joyeusement «Breakfast
Club» et «The Thing» dans une relecture aux petits oignons du film d’invasion
SF («L’Invasion des Profanateurs» en tête), respectant autant les codes du
genre qu’il offre une vision réaliste du milieu scolaire; jungle adulescente où
la loi du plus fort/populaire règne en maître.
En résulte un vrai fantasme sur pellicule (qui n’a pas rêvé de fighter ses profs
?) à la mise en scène enlevée, sincère dans son envie d’incarner une bonne
petite série B de luxe, saupoudrée d’un humour référentiel rafraîchissant,
d’une B.O. du tonnerre et d’un casting quatre étoiles (Josh Hartnett, Robert
Patrick, Elijah Wood, Jordana Brewster, Clea DuVall, Salma Hayek, Shawn
Hatosy, Famke Janssen,...).
Mieux, il donne une consistance étonnante à chacun des personnages,
décuplant intelligemment l’impact empathique de cette lutte inspirée contre
l’envahisseur dénuée de toute prétention, mais qui tient toujours aussi bien la
route même vingt ans après...
Jonathan Chevrier

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Le monde de
charlie
Stephen
Chbosky (2013)
Nous ne sommes jamais mieux servi que par soi-même et Stephen Chbosky le
sait mieux que tout le monde, puisque le bonhomme a chapeauté lui-même
l’adaptation de son propre roman, «Le Monde de Charlie», et en faire rien de
moins que l’un des teen movies les plus doux et mélancolique de ces dernières
année, retranscrivant à la perfection les souffrances de l’adolescence sous
fond de douce love story follement juste et réaliste, à des années lumières du
produit formaté Hollywoodien ‘’sexe, drogue, alcool et rock n’ roll’’, qui fait
faire au regretté John Hughes, des loopings dans sa tombe depuis un bon bout
de temps maintenant.
Déjouant les clichés et les (fausses) apparences en misant sur une simplicité
de ton incroyable et une atmosphère dramatique constante, le cinéaste croque
un récit initiatique follement empathique brassant tous les passages obligés (la
solitude, les premières rencontres, l’acceptation dans une bande, la première
fois que l’on tombe amoureux, les premières fêtes, les premières prises de
produits illicites, les premiers râteaux, etc...) avec une justesse admirable.
Chbosky va miser sur un traitement infiniment fin de ses personnages,
flamboyant même dans leurs faiblesses, incarnés par un trio d’acteurs habité
(Logan Lerman, Emma Watson et Ezra Miller) et à l’alchimie folle.
Une petite bulle de légèreté référencée à mort, une ode à la nostalgie et à la
liberté humaine au coeur gros comme ça, tout simplement.
Jonathan Chevrier

This is not a
love story
Alfonso
Gomez-Rejon (2015)
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Dans la catégorie des petites chroniques adolescentes intimes et singulières, le
premier long-métrage d’Alfonso Gomez-Rejon se pose bien-là tant il s’échine à
voguer littéralement à contre-courant du versant romantique du teen movie, pour
mieux incarner un must-see qui déborde d’un amour aussi bien pour ses personnages,
pour le genre qu’il aborde avec une justesse infini, que pour un cinéma auquel il
rend un hommage des plus savoureux avec ses pastiches bricolé et ‘’Gondry-esque’’
de films cultes.
Habile mélange des genres (on passe des rires aux larmes en un battement de cils)
qui évite les écueils facile de la comédie-dramatique larmoyante, surprenant aussi
bien dans sa forme que dans son fond tant l’histoire nous amène jamais vraiment là
où on le pense, jamais trop pesant même si la maladie - et la mort - reste au cœur du
récit; «This is Not a Love Story» comme son titre l’indique (et bon titre VF pour une
fois), n’est pas une romance ou tout du moins pas une romance comme les autres
puisqu’elle est in fine une histoire d’amitié platonique qui ne peut espérer être plus
- la faute au cancer de l’héroïne mais également par la peur légitime de ne pas voir
les sentiments se concrétiser.
Touchante et honnête chronique adolescente sur une amitié forte et au pluriel (qui
détruira l’insouciance de ses deux héros, condamnés à ne pas vivre pleinement leur
histoire), privilégiant l’humour - assez sarcastique - au drame (à la différence de
«Nos Étoiles Contraires») et tutoyant la grâce du cinéma de John Hugues, «This is
Not a Love Story» est un joyau à l’état brut, une humble tragédie à la fois naturelle et
d’une générosité rare qui mérite amplement son pesant de pop corn - et même bien
plus encore.
Jonathan Chevrier

85
La Folle Journée de
Ferris BuellerJohn Hughes (1986)
S’il n’est pas le chef-d’oeuvre ultime de son réalisateur, la légende John Hughes -
«Breakfast Club» lui ôte ce statut d’une courte tête -, «La Folle Journée de Ferris
Bueller» n’en est pas moins un monument incontestable du teen movie, surtout qu’il
permet au réalisateur (définitivement le seul cinéaste capable d’offrir aux adolescents,
des films à leur image) d’aborder, avec un sens du cool incroyable, une figure scolaire
qui manquait justement à son fameux club d’élèves collés : le cancre pro de l’école
buissonnière, aussi charismatique et décomplexé qu’il est d’une ingéniosité sans
bornes pour procrastiner et profiter des plaisirs de l’adolescence (et par extension, de
la vie tout simplement) au maximum.
Symbole de toute une génération (et le rôle de toute une vie pour Matthew Broderick),
brisant constamment le quatrième mur pour faire du spectateur le complice de son
épopée fantasque, sommet d’insouciance éphémère, « Ferris Bueller «, vraie bulle
de légèreté joliment impertinente - voire politique - qui se permet tout (même une
envolée façon comédie musicale en plein centre-ville de Chicago) et qui incarne
pleinement la quintessence du cinéma simpliste mais génial de Hughes : des histoires
basiques aux personnages naturelles - et donc propice à l’empathie -, qui prône avec
force leur anticonformisme et leur singularité.
Ancêtre assumé de l’une des meilleurs sitcoms des 90’s (« Parker Lewis ne Perd Jamais
«), quasi film-somme d’un cinéaste qui nous manque cruellement, « La Folle Journée
de Ferris Bueller « est un bijou du teen movie made in America, et sans doute son
meilleur porte-parole.
Jonathan Chevrier

86
L’instant

séries
87

88
Maniac
Les progrès de la science semblent toujours avoir fasciné les
créateurs d’images. De “Un Voyage dans la Lune” à “Interstellar”,
en passant par les dérives technologiques de “Black Mirror”, le
monde évolue et les images, télévision ou cinéma, lui rendent
la pareille, dépeignant des réalités tantôt positives, tantôt
apocalyptiques.
En seulement 30 ans, nous sommes passés de Minitels à
des smartphones qui dispensent de l’usage d’un ordinateur,

89
technologies toujours plus poussées, toujours plus fines, toujours plus
puissantes. La technologie et la science servent à planter le décor de films
et de série — plaçant l’action dans un futur lointain ou proche — ou encore
à résoudre des problématiques d’ordre communautaires — envoyer des
vaisseaux dans l’espace pour préserver l’humanité. Rarement la science n’a
été utilisée dans l’audiovisuel pour répondre aux problématiques individuelles
de chacun d’entre nous. Et si on se servait de la science et de la technologie
pour réparer les humains ?
C’est en tout cas ce que propose la mini-série “Maniac”, créée par Patrick
Sommerville. Nous sommes projetés dans un futur très proche, où la pauvreté
règne en maître et où les gens payent pour des produits à l’aide d’Ad-Buddies,
des compagnons de route qui vont leur réciter autant de pubs que nécessaire
pour rentrer dans leurs frais. C’est ici que nous rencontrons Owen Milgrim
(Jonah Hill), brebis galeuse d’une riche famille d’entrepreneurs véreux et
orgueilleux, et Annie Landsberg (Emma Stone), dépressive et accro à une
drogue des laboratoires Neberdine.
Tous deux sujets à des problèmes d’argent et de santé mentale, l’un souffrant
de troubles schizophrènes depuis la mort de l’un de ses frères, l’autre étant
chroniquement dépressive depuis le tragique décès de sa soeur cadette,
qu’ils décident de s’enrôler dans une dangereuse expérience de ces mêmes
laboratoires pharmaceutiques.
L’expérience est somme toute assez simple : 9 sujets souffrant de troubles
psychiatriques variés, devant ingérer trois pilules (A, B et C) dans le but de
créer un traitement innovant pour soigner les troubles mentaux. Chaque pilule
va les transporter dans une expérience unique dans les sombres recoins de
leurs esprits.
C’est sous la tutelle du Dr Fujita (Sonoya Mizuno) et Dr Mantleray (Justin
Theroux), menés par une intelligence artificielle non sans rappeler Hal,
notre cher ami de “2001 : L’Odyssée de l’Espace”, que les sujets vont avoir à
reconnaître, affronter puis accepter leurs traumas, afin d’aller mieux.

90
Il peut être difficile voire impossible de faire
entrer autant d’informations dans une série
de seulement 10 épisodes, qui plus est à
durées variables. Je vous épargne les sousintrigues
à base d’ordinateur défectueux,
de décès inopportuns, d’affaires judiciaires
douteuses et de complexe d’Oedipe.
La narration non-linéaire réussit efficacement
le pari de suivre deux personnages que tout
oppose, mais qu’au final tout va réunir.
Nous sommes dans leurs cerveaux, et
l’empathie se créé en ayant accès à leurs
doutes, leurs peurs, leurs souffrances. Cette
non-linéarité se poursuit même à l’image;
chaque épisode se passant dans leur esprit,
prenant la forme d’un rêve, se déroule
dans un univers à chaque fois différent. La
réalisation nous fait passer de leur présent
mêlant technologie futuristique et rétro, à
leurs souvenirs les plus tragiques. L’épisode
suivant le spectateur se retrouve soudain
projeté dans ce qui s’apparente aux années
80, puis dans un film noir des années 30,
repassant par un univers de fantasy digne de
Tolkien.
Les séries en font-elles trop ? Me
demanderez-vous. Eh bien je suis au regret
de nous dire que non, les séries n’en font
pas trop. Longtemps, le genre télévisuel
— et maintenant digital, puisque Netflix,
Amazon et compagnie ont dématérialisés
nos écrans de télé sur nos ordinateurs —
a été considéré comme inférieur au 7ème
art. La noblesse du cinéma et de ses grands
chefs d’oeuvres ne faisait aucun doute face
au côté prosaïque de la série, réservée au
peuple et surtout à la ménagère de moins
de 50 ans.
Nous sommes dans un tournant où les
séries rattrapent ce retard. “Breaking Bad”,
“Sense8”, “Game of Thrones”, “Black
Mirror”, certes des noms bien communs,
vous m’en direz tant, ont prouvé aux
créateurs de série qu’il était possible de voir
plus loin qu’une sitcom mettant en scène
les dilemmes amoureux d’une bande de
potes. Les séries osent, désormais, elles vont
de l’avant, et c’est dans cet héritage que
“Maniac” s’inscrit.
À ce titre, dans “Maniac” de multiples genres
s’assemblent, se mélangent, tout comme les
sentiments et tourments des personnages.
De plus, Emma Stone et Jonah Hill sont loin
d’avoir revus leurs performances à la baisse,
bien au contraire. Ils sont vulnérables,
touchants, vrais. Ils nous mettent face à
nous-mêmes : ce sont deux êtres humains
imparfaits et fragiles, leurs failles font d’eux
qui ils sont, et les voir en tandem de cette
série fait autant de bien que de mal — dans
le bon sens du terme, j’entends.
Les hommages au cinéma se multiplient
d’ailleurs, et le procédé maître de “Maniac”
et de l’expérience centrale de la série n’est
pas sans rappeler “Eternal Sunshine of the
Spotless Mind”. Dans un monde paraissant
tout à fait banal, c’était déjà en 2002
que Michel Gondry et Charlie Kaufman
imaginèrent l’industrie Lacuna, faisant son
fond de commerce en s’immisçant dans ce
que nous avons de plus intime et caché :
nos esprits. Le cinéma et les séries aiment
se jouer de nous, se jouer de la science
pratiquer une analyse détaillée de l’espèce
la plus complexe qui soit : l’être humain.
Maniac nous met non seulement face à
la maladie mentale de façon clinique,
chirurgicale et pragmatique, mais joue
également sur le tableau de l’affect du
spectateur pour transcrire une vérité dure et
souvent mal représentée à l’écran.
Lucie Bellet

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Désenchantée S1

Il y avait quelque chose d’incroyablement
alléchant à l’idée de voir Matt Groening,
papa du monument « Les Simpson «
(mais aussi de la mésestimé « Futurama
«), se laisser séduire par les sirènes de la
plateforme Netflix, pour y créer un tout
nouvel univers animé, profitant autant des
avantages de la firme (possibilité de diffuser
une saison entière, et donc de pouvoir lier
les épisodes et intrigues entre elles) que de
la possibilité d’élargir son terrain de jeu sans
trop de contraintes.
Mieux, le voir planter son décor en pleine
Terre du Milieu improvisée et référencée
(nommée Dreamland, tout un symbole), et
de faire d’une princesse singulière comme
ce n’est pas permis - Bean, effrontée et
alcoolique -, avait tout du high concept
aussi simpliste que génial; une potentielle
parodie qui pouvait pleinement s’inscrire
comme un monument Netflix, au même
titre que la vénéré « BoJack Horseman «.
Et aussi jouissivement potache soit-elle, «
Disenchantment « en v.o, satire médiévale
façon remake un poil R Rated de « Shrek
« (comme lui, il prend en grippe tous les
codes des contes folkloriques populaires),
louchant généreusement sur les cultissimes
« Le Seigneur des Anneaux « et « Game of
Thrones « (dont les clins d’oeil sont légion),
ne répond jamais réellement à toutes ses
belles promesses.
Porté par un humour (très) lourd plus
ou moins savoureux pour les initiés (et
évidemment moins pour les autres), dont
les gags visuels et verbaux, sont incisifs
mais plus rares, le show ne décontenance
pas réellement de prime abord, surtout
visuellement dans son animation, tant toute
la patte de Groening transpire à l’écran (on
est en terrain connu, et les personnages
ressemblent clairement à ceux de ses deux
précédents shows) autant qu’elle se permet
quelques digressions étonnantes (une
utilisation de couleurs plus claires et moins
criardes), mais pas forcément désagréable.
Ce n’est uniquement que lorsque le show
déroule tranquillement mais surement ces
micros rendez-vous, que le bas blesse et
qu’il dévoile plus clairement les faiblesses
de son édifice.
Car si le quotidien moribond de l’American
way of life (et encore plus depuis l’élection
de Trump) permet aux « Simpson « de
gentiment nourrir ses épisodes sans trop avoir
à forcer ses plumes, en revanche, s’attacher
à un détournement fantaisiste en bon et
dû forme du genre médiéval et de l’héroïc
fantasy, avec un minimum d’originalité,
c’est une autre paire de manches, surtout
pour un sitcom animée.
À la différence des « Simpson « et « Futurama
«, dont chaque épisode était indépendant
des uns des autres, « Désenchantée « semble
constamment étirer sur la longueur ses
effets (quitte à en affaiblir considérablement
leur impact et leur explosivité) autant que
son histoire, au demeurant charmante et
plaisante à suivre, mais surtout, il semble
avoir clairement laissé de côté l’esprit corrosif
et frondeur de la « méthode Groening « (plus
tourné vers l’émotion, visant à être autant
tourné au ridicule qu’être empathique),
déjà elle-même éprouvée par la structure
narrative « Netflixienne «, littéralement à
l’opposée (et cela se sent) de ce qu’à pu et
sait faire, le bonhomme et sa team depuis
trente ans.
En résulte donc un show divertissant mais
point inspiré, aux personnages à la fois
horribles et attachants - comme les Simpson
-, et qui aurait clairement mérité un poil plus
de mordant dans son écriture. Décidément,
hors « GLOW «, l’été série - et même
cinéma - du côté de chez Netflix, n’est pas
forcément très ensoleillée... ay caramba.
Jonathan Chevrier
93

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orange is the
Passé deux saisons en roue libre difficilement défendable - la troisième et
la quatrième -, ayant clairement joués avec la patience de ses plus fervents
fans, «OITNB» avait joliment redressé la barre avec une cinquième cuvée
absolument brillante, véritable huis clos tendu et resserré (l’intrigue s’étendait
sur à peine trois jours) où les plus barré”s des détenues made in Netflix,
s’étaient lancés dans une mutinerie aussi justifiée que plaisante à suivre.
Une vraie bouffée pour le show de Kenji Kohan, qui nous laissait présager
que du bon pour ce nouveau retour avec un nouveau cadre (bye Litchfield,
bonjour ‘’Bitchfield’’) et de nouveaux personnages (taillant méchamment
dans le gras du large casting de seconds couteaux). Gros dépaysement en
vue donc, et une manière pour le show d’offrir une vision aussi délirante que
puissante d’un QHS pour femmes outre-Atlantique; un ultime virage avant
une déjà annoncée septième et dernière saison.
Et dès le premier épisode, gentiment inscrit sous le ton de la survie en terre
hostile, avec nos héroïnes placées de force tout en haut de la chaîne alimentaire
criminelle et au beau milieu d’une guerre de gangs (muée autour d’une évasion
qui n’arrivera jamais, avec en toile de fond l’enquête pour déterminer qui était
à l’origine de l’émeute de Litchfield) cette saison 6 confirme avec malice la

95
new black S6
puissance de son renouveau n’hésitant pas à embrasser autant sa part d’ombre
qu’une part d’actualité (la politique Trump, la violence policière, le mouvement
Black Lives Matter) franchement salvatrice, tout en perdant un poil de sa
magie en se perdant dans la répétition à outrance de l’artifice scénaristiques
majeur de la série : les flashbacks, ici une nouvelle fois majoritairement
usés pour informer sur le background des nouveaux personnages. Du côté
des bons points, comme le laissait présager la saison précédente avec son
avènement et sa prise des commandes, Taystee (formidable Danielle Brooks)
confirme qu’elle est sans forcer le personnage le mieux écrit et le plus plaisant
à suivre, en véritable bouc émissaire institutionnel, tandis que celui de Piper
(bientôt dehors, et qui pourrait bien écrire ses mémoires et sa version de
son incarcération à Litchfield) reste toujours autant le plus agaçant et peu
empathique de l’histoire de la série.
Même Daya (Dascha Polanco), sort grandie de ce dégraissage des héroïnes,
tant son perso, tout comme celui de Taystee (les deux vraies éléments
déclencheurs de la rébellion après la mort de Poussey), est frappé de plein
fouet par la dureté de leur nouveau milieu de vie; un put*** d’enfer où les
gardiens sont aussi violents et cruels que les détenus.

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Épurée et émouvante même si cruellement moins dynamique
et punchy, fantaisiste et horrifique (parce que réaliste) à la fois,
amputée par ses choix scénaristiques (certains personnages
nous manquent comme Boo et Maritza, et seuls les soeurs
Barbara et Carol s’avèrent réellement des nouvelles héroïnes
convaincantes), «OITNB», pur show révolutionnaire et plus vieux
porte étendard de la magie Netflix (avec «House of Cards»), a
beau avoir ses plus belles heures derrière elle (et la nostalgie des
exceptionnelles deux premières saisons nous reste solidement
en mémoire), elle s’offre un simili reboot et conserve néanmoins
sa capacité incroyable à surprendre et émouvoir son auditoire,
même dans le bordel le plus complet.
De quoi amplement justifier sa vision, même si un sale sentiment
persiste : si la série devait se terminer d’ici l’année prochaine,
cela serait une fin juste et loin d’être déchirante à nos yeux, ce
qui en dit peut-être long sur la qualité du contenu au fil des ans...
Jonathan Chevrier

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