Désolé j'ai ciné #8

Spider-man sur
grand écraN
Retour sur un héros mythique
Et aussi : (beaucoup) de critiques, des séries, suspiria de dario argento...
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L’Edito
Alors que la blogosphère ciné s’écharpe durant des
mois au sujet de “Roma”, de la salle de cinéma et du visionnage à
la maison (voir un film sur Netflix, est-ce réellement du cinéma ?
Un épisode de L’amour est dans le pré diffusé en pellicule dans un
Pathé IMAX, est-ce que ça n’est pas aussi du cinéma?), nous aussi on
s’interroge. Un magazine cinéma en digital, est-ce que c’est vraiment
un magazine ? Si nous n’avons pas la possibilité d’être feuilleté,
comme le – superbe – magazine de nos confrères et consœurs de
chez Revus et Corrigés, méritons-nous vraiment le nom ?
Notre conviction, et il en est de même pour le cinéma : il s’agit de
sincérité avant tout. Aussi en cette fin d’année, nous espérons vous
proposer des textes cinéphiles et cinéphages qui, non motivés par la
moindre considération économique, sont tout simplement motivés
par la sincérité de nos autrices et auteurs. C’est ce qui différencie
un film de “Venom” malhonnête et mensonger, d’un film d’animation
de Spidey réalisé avec le cœur. Cher lecteur, chère lectrice, soyez
comme Spider-Man… Soyez amazing. Joyeuse fin d’année à vous.
Captain jim

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le sommaire
P.6 ATtentes de 2019
p.16 Critiques Netflix
P.28 critiques octobre
p.48 critiques novembre
p.72 critiques décembre
p.84 travis knight : self-made artist ?
p.87 suspiria : la maison du paon
p.96 fede alvarez : de raimi à fincher
p.100 spider-man sur grand écran
p.108 l’instant séries
DIRECTRICE DE LA RÉDACTION : MARGAUX MAEKELBERG
MISE EN PAGE : MARGAUX MAEKELBERG
RÉDACTEURS : CAPTAIN JIM, LIAM DEBRUEL, MEHDI TESSIER, BAPTISTE ANDRE

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ON LES ATTEND AVEC IMPATIENCE EN 2019
gla
Les héros de «Incassable» et «split» sont réunis dans ce qui
pourrait bien être le film de super-héros de l’année : furieux,
impressionnant, épique et probablement innatendu connaissant le
bonhomme qui, malgré quelques films un peu en deça, s’est inscrit
comme une des valeurs sûres du cinéma. Bruce Willis, James
McAvoy, Samuel L Jackson & Anya Taylor-joy seront rejoints par
l’énigmatique sarah paulson.
margaux maekelberg

ss
m night shyamalan
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8
the old man
Dès quelques trailers diffusés, le prochain film de David Lowery
attise la curiosité et l’impatience. Après son magnifique “A
Ghost Story”, il met ici en scène l’histoire vrai d’un vieil homme
braqueur de banque joué par Robert Redford. Réalisateur plus
que prometteur, casting inspiré, photographie à l’esthétique 70’s,
le film à déjà tout pour plaire et faire de l’année 2019 une belle
année de cinéma.
Baptiste Andre

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and the gun
David Lowery

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adora
Fabrice Du Welz est l’un de mes réalisateurs
préférés depuis que j’ai découvert « Alléluia »
sur grand écran en 2014. Le fait qu’il
clôture sa trilogie ardennaise (« Calvaire »,
« Alléluia » et donc « Adoration ») avec
plusieurs figures belges tout en reprenant une
nouvelle fois la place d’une « Gloria » en tant
que vecteur des événements (ici, une petite fille
après la femme disparue et la mère monstre)
m’intrigue au plus haut point. Bref, Adoration
s’annonce comme un film important de l’année.
Liam Debruel

11
tion
Fabrice Du Welz

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Autre fin de trilogie avec ce neuvième épisode de la saga de
science-fiction la plus connue du monde. C’est pourtant avec
son réalisateur que les enjeux s’avérent plus passionnants,
JJ Abrams étant connu pour lancer les sagas/séries, sans les
clôturer lui-même. Voir l’un des metteurs en scène les plus
sous-estimés et passionnants de ces dernières années devoir
mettre fin à de nouvelles aventures qu’il a initié et poursuivre
les questionnements qu’il avait lancé ainsi que celles de Rian
Johnson risque de rendre ce blockbuster encore plus lié au
questionnement sur l’intime et l’historique.
Liam Debruel

13JJ Abrams

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it : cha
Grosse surprise de 2017, It était l’un des portraits les plus
touchants sur l’enfance, avec un aspect horrifique plus
vecteur d’émotions que de jump scare faciles. De plus,
Muschietti affirmait un ton collant bien au récit entre le
merveilleux Amblinesque et le style Kingien. Cette suite
s’annonce donc intéressante dans ce qu’elle prolongera les
traumatismes d’enfance chez les héros désormais adultes.
Liam Debruel

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pter 2
Andy Muschietti

16CRITIQ

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UES
NETFLIX

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LE BON APÔTR
Ce mois-ci Netflix frappe fort avec la sortie
de plusieurs films de réalisateurs qui ont
déjà fait leurs preuves. Gareth Evans est l’un
d’eux. Après le diptyque « The Raid », qui a
transformé la façon de filmer l’action dans
le paysage cinématographique, il revient
avec un film aussi hypnotisant que jusqu’auboutiste.
« Apostle » ou « Le Bon Apôtre » en français
(le choix de traduction est suffisamment
intéressant pour le souligner), place son
spectateur in media res dans une histoire de
secte qui, en échange de la libération d’une
de leur adepte demande une importante
somme d’argent. C’est Thomas, le frère de
cette mystérieuse partisane, qui est chargé
d’apporter la rançon vers l’obscure île où la
secte a élu domicile.
Gareth Evans n’a besoin que de quelques
plans et lignes de dialogues pour poser
cette histoire qui va se révéler petit à petit.
On retrouve bien toute la mythologie
sectaire dans ce film mais là où Evans fait
fort c’est dans le mélange des genres qu’il
va opérer. L’horreur domine fortement mais
la fulgurance des scènes d’actions ravira
les amoureux de « The Raid ». Car s’il y a
une chose qu’il faut retenir de « Apostle »
c’est l’audace avec laquelle Evans use de
son médium. Angles de caméra, montage et
choix stylistique sont tous aussi intéressant
les uns que les autres. L’utilisation constante

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12/10
E
DE GARETH EVANS. AVEC DAN STEVENS, MICHAEL SHEEN... 2H10
de « dutch angle » amplifie la sensation de
malaise que l’image, le son et l’intrigue nous
livraient déjà.
Mais « Le Bon Apôtre », bien qu’étant un
tour de force sur le plan formel reste tout
de même assez pauvre dans sa narration.
Un découpage scénaristique assez inégale
avec une première partie très prometteuse
qui met en place cette société sectaire
reclus du monde, et des bribes d’intrigues
suffisamment originales pour attiser la
curiosité et établir un arc narratif prometteur.
Puis, petit à petit, le film se perd dans une
grandiloquence, un surplus, certe liée au
genre horrifique voir gore (les amateurs
d’hémoglobine seront servis), mais qui
justifie finalement peu son histoire.
Son jusqu’auboutisme est a salué bien
qu’« Apostle », dans sa dernière partie
notamment, s’use et, ses symboles et son
propos semblent s’étouffer mutuellement.
Le film reste néanmoins une œuvre très
intéressante et prometteuse à l’égard de
Netflix.
Baptiste Andre

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19/10
ILLANG : LA
BRIGADE DES LOUPS DE
KIM JEE-WOON. AVEC JUNG
WOO-SUNG, HAN HYO-JU... 2H19
Dans un futur proche, et
face au spectre de la guerre
qui menace l’Asie de l’est,
les deux Corées décident
de s’unifier pour faire face
aux conflits à venir. Dans
ce contexte politique tendu,
un groupe terroriste du
nom de La Secte apparaît,
farouchement opposé au
rapprochement des deux
pays. Cette menace plonge
le gouvernement provisoire
dans la crise. La police est
de plus en plus impuissante
face aux actions des
terroristes. Le président crée
donc l’Unité Spéciale pour
contrer La Secte. Après un
événement traumatisant qui
tourne l’opinion publique
contre la nouvelle police, les
membres de l’Unité Spéciale
prennent la décision de
porter un masque. Au proie
aux luttes internes et au
terrorisme, le pays sombre
dans le chaos.
« Illang : La brigade des
loups » de Kim Jee-Woon est
le remake d’un film japonais
: « Jin-Roh , la brigade des
loups » sortie en 1999. Il est
difficile pour ceux qui ont
connu le temps des vidéos
clubs de ne pas se rappeler
l’image marquante qu’était
l’affiche de « Jin-Roh, la
brigade des loups » . Un
soldat en armure, évoquant
un uniforme de soldat nazi,
devant une pleine lune et
ses yeux rouges sang. Ce
visuel à lui seul provoquait
d’étranges sentiments de
fascination et de répulsion.
Mais si en France, le film
animé est considéré comme
un chef d’oeuvre, on connaît
moins la trilogie « Kerberos »
dont « Jin Roh » est le dernier
chapitre. En effet, Mamoru
Oshii, le créateur de la saga

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(surtout connu pour l’animé « Ghost in the
Shell »), avait réalisé deux films en prise de
vue réelle, « The Red Spectacles » (1987)
et « Stray dog : Kerberos Panzer Cops »
se situant dans le même univers que « La
brigade des loups ». Pour le troisième volet,
Oshii ne signera que le scénario et c’est
Hiroyuki Okiura qui passera à la réalisation.
L’homme aux commandes de ce remake
n’est pas n’importe qui. Kim Jee-Woon fait
partie de la vague de réalisateurs coréens
s’étant démarqué dans le début des années
2000. C’est une figure emblématique du
cinéma mondial qui a signé des films aussi
poétique (« 2 soeurs ») que radicalement
violent (« J’ai rencontré le diable »). Au vu de
sa filmographie, c’était le réalisateur parfait
pour raconter cette histoire d’espionnage
au milieu d’un pays en proie aux flammes.
Dans « Illang », Jee-Woon déplace le récit
se déroulant initialement au Japon pour le
placer en Corée dans un futur pas si lointain.
Depuis 1953 et l’armistice du conflit, les
deux Corées n’ont jamais abouti à un traité
de paix et sont juridiquement toujours en
guerre. Infiniment touché dans leur chair par
la séparation entre les deux états, il est rare
de voir un film sud-coréen ne pas évoquer
de près ou de loin cet aspect de la situation
politique du pays. Le long métrage n’y va
pas par quatre chemins et opte pour une
anticipation qui parle clairement des peurs
des sud coréens. Le script du film original
montrait des personnages broyés par les
institutions, où les initiatives individuelles
étaient rendues quasi impossibles par les
appareils d’état. Il planait sur le long métrage
une aura de fatalisme funèbre. « Illang »
prend à contre pied cet aspect si particulier
de « Jin-Roh » pour en faire un film d’action
où le fatalisme est remplacé par une volonté
désespérée de liberté. Les héros vont se
débattre continuellement pour tenter de
s’extraire d’un système qui les utilise comme
des pions. Thématiquement, le film est assez
proche de son film précédent « The Age of
Shadows » qui parlait de résistants sudcoréens
pendant l’occupation japonaise.
Le récit de « Illang » est bardé de violence,
montre un pays en fin de règne, replié sur
lui même. Ce changement de point de vue
par rapport à l’oeuvre originale est louable
mais l’exécution n’est pas sans défaut. Dans
les séquences d’action dans la tour ou sur le
parking, on a du mal à retrouver la maestria
de la scène d’évasion de « A Bittersweet Life
» réalisé par Kim Jee-Woon en 2005 et la
patte si singulière du réalisateur. Le scénario
de « Illang » ajoute des sous intrigues
intéressantes mais qui se perdent dans le flot
d’informations qu’on nous envoie pendant
ces 2h30. Ainsi, le financement occulte de
La Secte par une faction de la police fait
écho aux scandales de corruptions qui a
valu à l’ex-présidente sud-coréenne d’être
condamnée à 25 ans de prison.
Si le film original avait su marquer les
esprits par son côté intemporel et sa poésie
existentialiste, Kim Jee-Woon décide
d’ancrer son remake dans un univers plus
marqué, au contexte politique qui fait écho
aux événements qui bousculent la Corée
d’aujourd’hui. Mais dans cette volonté, il
perd un peu la viscéralité qui faisait son
cinéma. En reste une œuvre intéressante,
engagée et résolument moderne.
Mehdi Tessier

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THE OUTLAW KING
Le cinéma de Mackenzie est en évolution
constante. Il est alors intéressant qu’après
son «Comancheria», où il analysait
l’Amérique moderne en usant de ses
codes cinématographiques dès le plan
d’ouverture, il s’attaque à un récit historique
de Grande Bretagne et d’Ecosse. Les deux
films partagent néanmoins un Chris Pine en
vecteur de liberté et de réaction face à un
système oppressif. Le milieu bancaire laisse
place à une autre oligarchie avec la royauté
britannique. Le plan séquence ouvrant le
film reste tout autant symbolique de cette
lutte des ‘’classes’’, séparant un semblant
de bonne entente du restant du récit tout
en installant les codes d’un genre historique
plus épique. N’en déplaise d’ailleurs aux
personnes contestant Netflix, la taille de
l’écran n’influence guère l’ampleur du projet,
la fureur des affrontements se dégageant sans
souci. Mackenzie a d’ailleurs l’intelligence
de rendre ses combats lisibles, à l’opposé de
la superposition épileptique de nombreux
blockbusters actuels. On ne sent guère de
chorégraphies de combats d’ailleurs, dans
une quête immersive où les belligérants
sont sur l’instant des guerriers qui cherchent
l’efficacité et la survie sur autre chose. Les
personnages sont moins des héros braves
que des hommes tentant de faire la chose
juste. Les gestes sont imprécis, les visages
sont sales et les morts sont injustes et sèches.
Pourtant, c’est moins dans ses moments
de danger que le cinéma de Mackenzie
transparait mais dans ses instants de

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09/11
ressortir une forme de beauté banalisée.
Cela rentre en cohérence avec la direction
d’acteur de qualité de Mackenzie. Il offre
une nouvelle fois un autre grand rôle au
toujours charismatique Chris Pine. L’acteur,
au minimum impeccable dans ses rôles les
moins marquants, dégage cette même lueur
dans ses yeux accrochant directement le
public, et se livre corps et âme dans un rôle
à récompense (croisons les doigts malgré le
désamour porté à la plateforme). Ce même
dévouement émotionnel, cohérent dans le
cinéma de Mackenzie, transperce dans le
regard de chaque membre du casting.
DE DAVID MACKENZIE. AVEC CHRIS PINE, FLORENCE PUGH... 2H01
calme. C’est là, quand transparaissent les
imperfections des héros, qu’ils prennent
vie, dans leurs gestes les plus banals, forme
de repos dans la crainte d’une menace
permanente. Des amoureux en plein ébat
s’arrêtent en tombant sur une plante avec
laquelle les amants se caressent lentement
pour mieux appréhender le corps de l’autre.
En plus d’offrir une fulgurance d’érotisme
dans une scène de sexe marquant par
sa crudité, celle-ci remet en avant cette
manière qu’a Mackenzie d’appréhender ses
personnages. Les cicatrices sur notre héros
sont filmées sans fard, avec cette beauté de
mise en scène que le réalisateur a pour ces
corps, en mouvement ou non. Il les prend,
comme ses acteurs, dans leurs aspects
les moins élégants pour mieux en faire
Sublimé par la photographie discrète et
sensible de Barry Ackroyd, «The outlaw
king» est un grand film délicat et furieux à
la fois, porté par cette antinomie symbole
d’un affrontement rude et douloureux. Il est
tel un baiser, une étreinte après la tragédie,
un calme réconfortant après une tempête de
tourments émotionnels et physiques. C’est ce
qui fait du cinéma de Mackenzie un cinéma
essentiel, portant l’intime et l’imperfection
de ses héros pour appuyer les doutes de
chacun, héros historiques comme victimes
sans nom de la société, et les transcender
avec la même touche empathique qu’un
Jeff Nichols. Quand Mel Gibson filmait son
«Braveheart» avec grandiloquence pour
appuyer l’héroïsme, Mackenzie y arrive en
allant dans une forme d’immersion aussi
crue dans sa représentation historique que
dans les failles de chacun. Bref, d’une beauté
aussi discrète que son cinéma…
Liam Debruel

16/11
THE BALLAD OF
BUSTER SCRUGGS
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DE JOEL ET ETHAN COEN. AVEC TIM BLAKE NELSON, JAMES FRANCO, LIAM NEESON... 2H13

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Les frères Coen ont beau faire la tournée des médias pour
chanter les louanges de la plateforme et des libertés qu’elles
leur ont offertes pour réaliser leur film western d’anthologie, on
ne me la fait pas à moi : c’est que personne d’autre que Netflix
n’aurait accepté de financer un projet aussi médiocre. Des mots
violents; des mots douloureux aussi, quand on est fan du travail
des frères Coen comme je le suis, mais surtout des mots justes.
«The Ballad of Buster Scruggs» est une compilation de nouvelles
écrites par les frères Coen tout au long de leur carrière (ils en ont
écrit un paquet; certaines ont même été publiées dans les Cahiers
du Cinéma) ayant comme seul cadre commun le western, et
comme seule thématique partagée une approche existentialiste
du monde. Que cela soit à travers l’humour noir ou non, toute
les histoires interrogent la place des hommes et des femmes dans
un univers qui semble s’amuser à n’avoir aucun sens. C’est cet
existentialisme constant qui donne souvent le sentiment que les
frères Coen sont effroyablement cruels avec leurs personnages,
et c’est quelque chose qui ressort de manière très visible dans
ces six courtes histoires.
Évidemment, les segments sont inégaux. Malheureusement,
la plupart sont largement insignifiants. Le premier a beau être
techniquement impressionnant, il n’en reste pas moins qu’un
vain exercice vaniteux. Celui avec Tom Waits en chercheur d’or se
noie dans une fin mécanique et totalement bidon... On gardera un
bon souvenir cependant de celui qui met en scène James Franco
en criminel malchanceux, de celui avec Liam Neeson et enfin
celui avec Zoe Kazan. Mais même quand c’est pas mal, on sent
quand même que ce sont des histoires qui avaient été oubliées
dans un tiroir à raison... Cela reste les frères Coen, c’est-à-dire
parmi les plus grands réalisateurs que le cinéma américain ai
jamais connu, donc cela reste intéressant. Mais comme d’autres
avant eux, les cinéastes passent par la case Netflix en proposant
une œuvre bien en deçà de leurs propositions habituelles. On
attend le prochain…
Captain Jim

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ROMA
DE ALFONSO CUARÓN. AVEC YALITZA
APARICIO, NANCY GARCÍA... 2H15

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Roma a tout pour faire peur. Distribué
par Netflix, film espagnol dont l’histoire
se déroule dans les années 70, de surcroît
en noir et blanc, d’une durée de plus de 2
heures, il en rebutera sûrement plus d’un.
Beaucoup d’entre eux regretteront sa nonprésence
sur les écrans. A juste titre, certes,
mais “Roma” est profondément plus qu’un
simple film de cinéma.
C’est un film naturaliste, intimiste, qui
s’inspire directement de l’enfance de
Cuaron dans le quartier de Colonia Roma à
Mexico. On suit le quotidien d’une famille
bourgeoise du point de vue de Cleo, la
nounou de la famille. Le film s’ouvre sur un
plan fixe d’un sol, puis une vague d’eau vient
le recouvrir, nous révélant, par un habile jeu
de reflet, le ciel au-dessus de nous. Notre
regard toujours fixé sur ce plan se retrouve
coupé par le passage d’un avion. Ici, dans
ces cinq premières minutes, Cuaron nous
révèle toute sa démarche.
Le film prendra son temps. Le film nous
montrera plusieurs couches les unes sur
les autres, parfois pas directement mais
justement par ce jeu de reflet. Chaque détail
établira un événement prochain. Le noir et
blanc n’est pas là, à mon sens, pour établir
une dualité, mais pour souligner un contraste.
Qu’il soit social, spatial (tout est question
d’espace dans “Roma”) ou encore lié aux
personnages. Car Cuaron met en scène des
portraits de femmes incroyablement fortes
vis-à-vis des hommes qui les entourent.
C’est un film d’une bienveillance sans
pareille mais qui ne s’empêchera pas
de bousculer son spectateur. Certaines
scènes sont dévastatrices et continuent
de nous suivre bien longtemps après leur
visionnage. D’un réalisme véritablement
éprouvant d’autant plus souligné par le
temps que prend le film. La forme suit à la
perfection cette démarche en nous invitant,
grâce à des travellings très lents, à observer
et à apprécier les détails qui composent le
quotidien de Cleo et de cette famille.
Couronné par un Lion d’Or à la Mostra de
Venise de cette année, “Roma” mérite qu’on
parle de lui. C’est un film que Cuaron a
rempli d’une passion et d’une douceur sans
pareil qu’il semblait naturel que l’on puisse
lire le titre à l’envers et en découvrir le sens
caché : ‘’Amor’’.
Baptiste Andre

28CRITIQ

UES
DES FILMS D’OCTOBRE DONT ON A PAS PU PARLER DANS
LE PRÉCÉDENT NUMÉRO PARCE QU’ON A PAS EU LE TEMPS
(MAIS ON VA PAS PARLER DE TOUT NON PLUS QUAND MÊME)
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03/10
A STAR IS BORN
DE BRADLEY COOPER. AVEC BRADLEY COOPER,
LADY GAGA... 2H16
30
Il y a d’abord eu William A. Wellman
en 1937, puis George Cukor en 1954
et Frank Pierson en 1977. Près de
quarante ans plus tard c’est au tour de
Bradley Cooper de se placer derrière
la caméra pour la première fois de sa
carrière. Celui qui s’est fait un peu
plus rare sur nos grands écrans depuis
2015 («American Sniper», «À vif !»)
excepté quelques apparitions dans
«War Dogs» et «10 Cloverfield Lane»
en 2016; fait un retour fracassant avec
ce qui est donc une nouvelle version
du désormais cultissime «A Star is
born». Réalisateur, acteur principal,
scénariste et également producteur,
Bradley Cooper est sur tous les fronts
pour cette tragédie hollywoodienne
qui a tout pour filer direct aux Oscars
même s’il est - bien - loin d’être
parfait.
Star de country sur le déclin et plus
attiré par les bouteilles d’alcool et les
médicaments que par l’adrénaline de
la scène, Jackson Maine rencontre la
jeune et très prometteuse Ally avec
qui une incroyable histoire d’amour
commence. Alors qu’elle prend du
galon dans le métier et devient LA star
du moment, la carrière de Jackson va
de plus en plus mal et ce dernier met
rapidement péril autant son couple
que la carrière de sa femme.
Le film démarre sur les chapeaux
de roue. Le coup de foudre frappe
sans prévenir, Jackson Maine tombe
éperdument amoureux d’Ally et de
sa voix en or. La première partie
du film embrasse la romance avec
ferveur et excitation, tout comme
les sentiments naissants entre eux.
On tombe à notre tour amoureux
de ce couple qui transcende l’écran
de par leur alchimie mais encore
plus - et surtout - lorsque les deux se
retrouvent sur scène avec une mise
en scène dynamique - bravo Cooper
- et un score aux petits oignons. Mais

31
peut-être que finalement tout va trop vite dans le film, si bien que
la première partie condense assez rapidement les préambules
de leur relation avec énergie pour laisser une deuxième partie
beaucoup plus faible. Déjà de par un scénario connu - une
étoile née, une autre meurt - et qui ne fait qu’effleurer des pistes
de réflexion qui auraient pu être intéressante : l’amour toxique,
l’émancipation de la femme vis-à-vis de son mari, la pression
que met l’industrie musicale pour «formater» ses stars…
Cependant Bradley Cooper nous avait prévenu, «A Star is born»
est avant tout une histoire d’amour. Et c’est qu’il arrive à nous
transporter dans les moments de joie comme les moments de
peine, non pas dans leur vie quotidienne mais bel et bien sur
scène. Autant la plupart des scènes ne montrent pas énormément
d’intérêt, autant celles où Lady Gaga chante sont absolument
transcendantes (notamment la scène de fin bouleversante de
justesse). Ce qui nous fait arriver au second point de ce film, les
prestations de nos têtes d’affiches. Bradley Cooper surpasse le
film avec sa dégaine d’ancienne star déchue et son regard perçant
où toutes les émotions transparaissent. Le naturel de Lady Gaga
est plus agréable et rafraichissant dans la première partie que
dans la seconde avec ses artifices et ses tenues extravagantes
- peut-être justement parce qu’on a l’habitude de la voir dans
ce registre -. Sam Elliott qui incarne le frère de Jackson tient ici
probablement son plus beau rôle tout comme les autres seconds
couteaux dont le père d’Ally et sa bande de chauffeurs et leur
humour communicatif.
Les amateurs de love story seront servis quant à ceux qui auraient
souhaité un film avec un peu plus de fond, ils devront passer
leur tour car «A Star is born» est finalement aussi sincère qu’il
est extrêmement convenu.
Margaux Maekelberg

32
03/10
FRÈRES ENNEMIS
DE DAVID OELHOFFEN. AVEC MATTHIAS
SCHOENAERTS, REDA KATEB... 1H41
Depuis quelques années, David Oelhoffen semble vouloir
chambouler les productions hexagonales. Après avoir
scénarisé « L’affaire SK1 » en 2013, et réalisé en 2014 « Loin
des hommes » (adapté d’une nouvelle d’Albert Camus) ,
le réalisateur sort « Frères ennemis », son troisième long
métrage. Loin des clichés, le film raconte l’histoire de dealers
et de flics ordinaires, porté par un casting remarquable.
Driss, incarné par Reda Kateb, est un agent de la brigade
des Stups, plutôt solitaire. Pour faire tomber des trafiquants,
il utilise Imrane, ami d’enfance lui même trafiquant. Lors
d’un deal qui devait lui rapporter gros, Imrane se fait tuer.
Manuel, le seul rescapé de l’attaque et associé du défunt
se retrouve accusé d’avoir commandité l’assassinat et de
cacher la drogue pour son profit personnel. Afin de se
laver de tout soupçon, il va devoir faire confiance à Driss,

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et l’aider à mener l’enquête. Le flic rongé par la culpabilité, va tenter de
s’acquitter de la dette morale qu’il a envers ses anciens amis.
David Oelhoffen se défend d’avoir fait un film naturaliste. Pourtant il se dégage
un sentiment de réalisme cru dans la plupart des scènes. La caméra portée
filme les acteurs au plus près, évoluant dans des décors criant d’authenticité.
Lors de la scène de retrouvailles devant la prison, on est au cœur de cette
réunion de famille, avec les personnages, sous la grisaille. Ce ciel gris et bas
qui recouvrira la totalité du long métrage. Loin d’un romantisme flamboyant,
le film dépeint la vie de petits dealers, entre peur et attente. On est surpris
de voir Imrane et Manuel se comporter comme des pères aimants, doux,
aux antipodes des voyous qu’on nous présente d’habitude. L’intrigue se passe
essentiellement de l’autre côté du périphérique, ne montrant Paris qu’en
de rares occasions. Flics et malfrats n’habitent pas des lofts stylisés ou des
appartements haussemaniens, mais des logements modestes dans des HLM.
Les personnages ont vécu dans la même cité, sont du même milieu social.
Leur passé est commun, seule la morale les différencie.
Dès le premier plan, le cadre est posé. Reda Kateb regarde par la fenêtre, l’air
distant. Derrière lui, des hommes casqués, en gilet par balles montent les
escaliers, arme au poing. Le décalage est frappant. Driss n’est pas à sa place.
Et durant tout le film, le personnage n’aura de cesse d’essayer de la retrouver.
Car le cœur du récit est là, « Frères Ennemis » raconte l’histoire de quelqu’un
qui rentre chez lui. Mais contrairement à Ulysse, le voyage sera tout sauf beau
et heureux. C’est rongé par la culpabilité que Driss se met en quête d’un foyer
perdu. La filiation, l’entraide de deux personnages que tout semble opposer,
David Oelhoffen creuse ici des thèmes qui lui sont chers. Mais cette étude
de personnages s’avère un poil décevante, la faute à un manque d’éléments
permettant d’appréhender la fracture entre Driss et Manuel. Leur amitié passée
est évoquée sans jamais être approfondie. Mais on ne va pas bouder notre
plaisir de voir Reda Kateb et Matthias Schoenaerts se donner la réplique.
Notons aussi que c’est la première apparition au cinéma du rappeur Fianso,
de son vrai nom Sofiane Zermani, et qu’on espère revoir bientôt tant son jeu
est naturel.
Avec ces personnages tout en nuances de gris, David Oelhoffen expose la
fragilité de la famille qu’on se choisit, celle des amis, et montre qu’elle aussi,
peut être dysfonctionnelle. Malgré la petite déception en sortant de la salle,
et au regard de ses futurs projets, on ne peut qu’espérer une carrière brillante
pour ce réalisateur qui se fait une place de choix dans un cinéma français de
plus en plus prompt à offrir des choses nouvelles.
Mehdi Tessier

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Il était loin de faire l’unanimité chez nos
confrères américains, force est de constater
que «Venom» subira également le même
sort de par chez nous. Car même si les
droits du tisseur de toile appartiennent
désormais à Marvel/Disney, Sony sort de
sa besace l’un des ennemis de Spider-Man
déjà aperçu dans le «Spider-Man 3» de Sam
Raimi aka Venom/Eddie Brock. Et parce
que Sony est une jolie machine à business
qui compte bien amasser du billets verts,
bye bye le Rated R espéré par certains
- il faut dire que le personnage avait le
potentiel pour - et bonjour le PG-13 - tout
public chez nous -. Loin d’être une grande
surprise, le «Venom» de Ruben Fleischer
(«Bienvenue à Zombieland», «Gangster
Squad») n’est pas un «désastre» (même s’il
s’en rapproche dangereusement) mais est
bien trop aseptisé pour être efficace.
Journaliste d’investigation prêt à titiller les
plus grands dirigeants et responsables pour
mettre à jour leurs magouilles, Eddie Brock
se frotte d’un peu trop près à Carlton Drake
à la tête de Life Foundation qui, derrière ses
recherches scientifiques, entame une grande
opération de nettoyage à l’aide d’entités
extraterrestres surnommées «symbiotes»
qui ont besoin d’un hôte humain pour
survivre. Suite à un malencontreux
accident, Eddy Brock fusionne avec une de
ces entités pour devenir Venom.
Dans sa première partie, le film tente
vainement de créer une origin story qui
n’est finalement que vaguement évoqué
sans s’intéresser véritablement à Eddy
Brock ni même à l’antagoniste de l’histoire
aka le méchant docteur Carlton Drake qui
- comme 90% des méchants aujourd’hui
- veut sauver le monde en détruisant
les ¾ de sa population pour éviter ainsi
la surpopulation et la disparition des
VENOM
ressources que Mère Nature nous a si
gentiment offert. Sa seconde partie, faisant
désormais cohabiter Eddy et Venom, vire
de temps à autre au buddy movie qui
s’avère plutôt efficace. Tom Hardy prend
du plaisir à jouer ce double-personnage et
ça se voit. C’est pas toujours parfait mais la
carrure du bonhomme colle parfaitement
au personnage. Ce qui est du côté de Riz
Ahmed c’est une autre histoire - enfin du
côté de tous les seconds couteaux à vrai
dire - qui semble chercher ses répliques et
dont le personnage n’a absolument aucune
substance à part le fait d’avoir l’étiquette
«Méchant» collée sur le front.
Si le scénario a été coupé à la hache
absolument pas affutée, il en est de même
avec la réalisation et le montage qui sont audelà
du catastrophique notamment lorsque
le film tape un peu dans l’action. On se
retrouve alors avec une course-poursuite

10/10
DE RUBEN FLEISCHER. AVEC TOM HARDY, RIZ AHMED... 1H52
en voiture (qui rappelle étrangement celle
de «Black Panther», la réalisation en moins)
complètement illisible tout comme 99%
des scènes d’action du film alors que le
personnage de Venom et toute sa dimension
«monstrueuse» tente d’exploser à l’écran
sans grand succès malheureusement
puisque, le jeune public étant visé, hors
de question de mettre ne serait-ce qu’une
goutte de sang (alors que Venom arrache
sans vergogne à coups de canines acérées
la tête de ses ennemis).
Lors d’une récente interview qui a largement
fait les gros titres à quelques jours de la sortie
du film, Tom Hardy affirmait que des scènes
qu’il affectionnait tout particulièrement ont
été coupé du film (pour rappel le film a été
coupé de 40 minutes). Et lorsqu’on voit
le résultat à l’écran, ces 40 minutes sont
quasiment flagrantes et aurait - possiblement
- permis au film d’être un brin mieux
développé. Reste à espérer qu’une version
longue du film sera disponible en DVD (et
honnêtement on croise fortement les doigts).
Et comble du comble, la seconde scène
post-générique (qui n’a pour le coup aucun
rapport «direct» avec le film) qui dure
approximativement cinq minutes se révèlent
bien plus intéressante, bourrée d’action et
drôle que tout le film. Outch.
Malgré deux trois moments sympathiques, un
personnage aussi complexe que finalement
attachant et une véritable envie de bien faire
de Tom Hardy, «Venom» s’enfonce dans
les bas-fonds des blockbusters réalisés à la
truelle seulement venus pour engranger de
l’argent - et vu son 1er jour d’exploitation à
32,8M de dollars Sony fait banco - quitte à
y délaisser tout ce qui faisait le charme d’un
des meilleurs ennemis de Spider-Man.
Margaux Maekelberg
35

36
10/10
GALVESTON
DE MÉLANIE LAURENT. AVEC BEN FOSTER,
ELLE FANNING... 1H31
Nouvelle-Orléans, 1987. Roy est un petit truand dont les dettes s’accumulent.
Un soir, son boss lui tend un guet-apens, dans une maison isolée, mais réussit
à s’échapper. Dans sa fuite, Roy emmène avec lui une jeune fille, Rookie,
retrouvée attachée sur le lieux de l’attaque. Cette cavale les mènera au Texas,
à Galveston, où les fuyards passeront quelques jours de paix, face à la mer,
avant que les problèmes ne les rattrapent.
«Galveston» est le premier film américain de Mélanie Laurent. C’est
l’adaptation d’un livre signé Nick Pizzolatto, le créateur de la série «True
Detective». Mais avant ça, la réalisatrice avait marquée les esprits avec
«Respire», dont le travail si particulier sur le son montrait de réelles volontés de
mises en scènes. Sa filmographie est parsemée de personnages en souffrance,
et ce nouveau long métrage ne déroge pas à la règle. Au tout début du film,
on fait la connaissance de Roy, interprété par Ben Foster. Après un passage
chez le médecin, on devine un personnage en sursis, la radio de ses poumons
montrant des tâches inquiétantes. On va suivre un homme qui s’avance sans

37
cesse vers la mort, la frôlant souvent sans jamais l’embrasser. Dans cette fuite
en avant, Roy va sauver Rookie, parfait prototype de la jeune fille en détresse,
interprétée par Elle Fanning. Cette blonde au visage angélique se révèle être
une prostituée au passé trouble, un personnage dont l’innocence a été broyé
très tôt. Roy et Rookie sont deux archétypes de film noir, et «Galveston» sera
l’occasion de réinterpréter les codes du genre.
Le film est une sorte de double parenthèse. D’abord temporelle, le tout
premier plan montre l’intérieur d’un salon alors que l’ouragan Katrina fait
rage dehors, puis l’intrigue se déroule en 1987 avant de revenir en 2005. Mais
le long métrage offre aussi une parenthèse idyllique, au bord de la mer, où
les personnages vivront quelques moments de paix, de joie, loin des tumultes
qu’ils ont vécus. La scène où, au crépuscule, Tiffany, la petite sœur de Rookie,
court pour mettre des petites tapes dans le dos de Roy est d’une douceur
infinie, accompagnée simplement par le bruit du vent et les rires de l’enfant.
La ville de Galveston servira de purgatoire aux personnages. Mais après une
soirée de danse où l’on voit pour la première fois Roy sourire, et Rookie
s’amuser réellement, le passé les rattrape et les fauche encore plus durement.
Le road trip est sombre et violent. Mais le trait est parfois trop forcé, et le
pathos ne prend pas, comme quand Elle Fanning raconte son passé de gamine
abusée. Juste avant la confidence, on voit l’actrice en pleurs à la limite du
surjeu, dont les grognements de tristesse frôle le ridicule. On aurait aimé
aussi un peu plus de nuances dans le jeu de Ben Foster. Reste tout même une
bonne prestation pour les deux acteurs. Lors des scènes d’action, Mélanie
Laurent se lâche, et sa mise en scène aboutit à des moments intenses, du plus
bel effet. Le film étant une commande, la réalisatrice n’avait pas le final cut.
Elle a d’abord monté le film de son côté, aboutissant à un premier jet que le
producteur trouvait trop ‘’film français’’. Puis un monteur outre-atlantique
à essayer d’en faire quelque chose de plus américain. Le long métrage sorti
en salle est une fusion des deux visions. En résulte un film schizophrène, ne
sachant pas ce qu’il est, un drame ou un thriller.
En se rendant au Texas, Melanie Laurent filme l’Amérique des déshérités,
oubliée des institutions. On sent une réelle sincérité à montrer la noirceur de
contrées livrées à elle même, mais avec un regard trop appuyé, voir exagéré.
Malgré quelques scènes poignantes, «Galveston» souffre d’une vision
bicéphale et peine à trouver réellement sa voie et s’inscrire comme l’œuvre
d’une auteure.
Mehdi Tessier

17/10
Après
SHANE BLACK. AVEC BOYD HOLBROOK, TREVANTE RHODES... 1H47
THE PREDATOR
DE
une promo extrêmement compliquée
- et encore le mot est faible - où la courageuse
Olivia Munn était bien seule face aux
journalistes après que le casting masculin
ai déserté (ainsi que leur réalisateur Shane
Black) les caméras suite aux révélations
concernant Steven Wilder Siegel, ami de
longue date du réalisateur, qui avait une
petite scène avec l’actrice et qui avait été
condamné en 2010 à six mois de prison
pour atteinte sur mineure. Une révélation
qui fait l’effet d’une bombe alors qu’Olivia
Munn prend la parole et que ses collègues
se terrent dans un silence alarmant (Shane
Black a depuis fait un mea culpa sur Twitter
histoire de calmer un peu le jeu). Ajoutez
à cela des reshoots de dernière minute et
honnêtement le Predator de Shane Black
ne part pas gagnant d’emblée.
Alors qu’un prédateur est pris en chasse par
ses congénères, il atterrit en catastrophe sur
notre bonne vieille planète Terre alors qu’à
quelques mètres de là le tireur d’élite Quinn
McKenna mène une mission de sauvetage
avec son unité. Alors qu’ils se font tous
décimés par la créature, McKenna réussit
à s’en sortir et s’empare du Predator ainsi
qu’une de ses manchettes qu’il envoie chez
lui en pensant qu’ils seront en sécurité. Afin
d’étouffer au mieux cette affaire, McKenna
est déclaré instable mentalement et enfermé
dans le Groupe 2 aka l’élite des ex-soldats
qui n’ont plus toute leur tête. Pendant ce
temps, le prédateur qui a été capturé est
examiné par le Dr Casey Brackett et - sans
surprise - la bête se réveille et massacre à
peu près tout le monde sur son passage,
bien décidée à retrouver son masque et
la partie manquante de son armure sauf
38

39
qu’entre temps le fils de McKenna a ouvert
le colis et s’est mis à jouer avec le masque
du Predator ce qui fait de lui désormais
la cible n°1 du monstre. Accompagné de
ces ex-soldats un peu loufoques et de la
scientifique, ils vont devoir arrêter non pas
un… mais deux prédateurs.
Beaucoup d’informations hein ? Trop
même. Et pourtant on sent à quel point
Shane Black - accompagné de Fred Dekker
au scénario - a envie d’insuffler quelque
chose de nouveau dans ce reboot/sequel/
onsaitpastropenfait avec de nouveaux
enjeux, de nouveaux méchants et surtout
une jolie pléiade de personnages (qui sont
finalement les seuls «atouts» du film). Et
pourtant la première partie du film se tient
plutôt correctement même si clairement la
force première de Shane Black est l’écriture
de ses personnages, moins le maniement
de la caméra dans ce film où le prédateur
perd toute sa dimension monstrueuse pour
finalement être filmée comme une personne
lambda, de la force en plus. Non c’est
clairement cette galerie de personnages
plus bizarres les uns que les autres qui
permettent au spectateur de s’attacher au
film et notamment la scène où le docteur
Casey Brackett fait connaissance avec ces
joyeux lurons qui ont chacun leurs tocs et
leurs traumatismes mais qui ne manquent ni
de répondant ni d’humour noir. Sauf qu’une
fois cette première partie du film passée,
cette jolie bande doit s’attaquer à un plus
gros morceau, du genre super-Predator.
D’ailleurs lorsque le très gros prédateur
entre en scène nous retrouvons une nouvelle
fois le problème de représentation de cette
créature censée instaurer la peur et dont les
rugissements nous font à peine frémir. De
quoi par ailleurs esquisser (trop) légèrement
les ambitions de ces aliens et ce dont ils sont
capables pour bifurquer sur une seconde
partie complètement ratée.
Outre un manque toujours flagrant de mise
en scène et des scènes de combats humains
VS gros Predator filmées dans la pénombre
si bien qu’au bout d’un moment on ne sait
même plus qui tire sur qui et qui meurt
quand à cause de qui, le scénario de cette
seconde partie patauge complètement pour
qu’on finisse par oublier les tenants et les
aboutissants de cette traque extraterrestre
jusqu’à une dernière scène - possiblement
- annonciatrice d’une suite (et franchement
on est moyennement convaincu sur ce couplà).
Quant à ce qui faisait le charme du film
- aka ses personnages - ils finissent sacrifier
sans qu’ils aient eu le temps de développer
leur background et se forger une véritable
raison de se lancer dans cette mission
kamikaze sans compter la soi-disante
caution féminine incarnée par Olivia Munn
qui brandit un panneau où il est inscrit en
Arial Black taille 180 : «Regardez je suis une
nana badass qui a besoin de personne pour
zigouiller des extraterrestres !».
Shane Black avait les talents et les éléments
en main pour donner un nouveau souffle à
une saga qui en avait besoin mais force est de
constater que le film, malgré une première
partie plutôt solide, se casse royalement la
gueule dans sa seconde moitié pour nous
laisser plus que mitigés par le résultat.
Margaux Maekelberg

24/10
JEAN-CHRISTOPHE & WINNIE
DE MARC FORSTER. AVEC EWAN MCGREGOR,
HAYLEY ATWELL... 1H44
40

41
Dire que Disney joue de la nostalgie dans ses dernières productions serait
un euphémisme au vu du catalogue à venir. On oublie néanmoins d’aborder
la réflexion qui se fait derrière ce retour au passé, que ce soit un passage de
témoins générationnel pour mieux questionner ses héros comme les derniers
épisodes de Star Wars ou, ici, rappeler l’importance de l’enfance dans notre
âge adulte. Suivant un Jean-Christophe devenu adulte, le film de Marc Foster
évite une forme de mièvrerie facile pour mieux interroger nos doutes en tant
qu’adultes dans une société régie par un fonctionnement mécanique.
Winnie qui revient à Jean-Christophe, c’est le fantôme du passé, celui qui
rappelle l’innocence et l’insouciance tout en les confrontant aux ‘’vertus’’ de
l’âge adulte, notamment le travail permanent pour pouvoir offrir un meilleur
avenir. Mais quel avenir est possible quand on passe son futur à se fatiguer,
répéter inlassablement les mêmes actions encore et encore ? Cette répétition
d’actes revient également dans un ordre familial : le père décédé, Jean-
Christophe doit devenir le nouveau ‘’père’’ et dès lors prendre l’exemple d’un
autre fantôme, quitte à prendre les mêmes décisions malgré sa désapprobation
passée. Être adulte est bien plus compliqué qu’on ne le croit et cela rajoute à
la mélancolie ambiante du film.
Un exemple de ce ton à première vue moins euphorique est cette photographie
plus « terne », preuve d’une certaine fatigue du temps passé. Cette traversée
des années se lit également dans les designs des habitants de la Forêt des Rêves
Bleus. Ces derniers prennent l’apparence de véritables peluches délavées,
usées par les jeux et l’amusement. Mouvement opportuniste pour faire acheter
de nouvelles versions de Winnie et Porcinet ? Balayons ce cynisme de la main
et appuyons plutôt le rôle symbolique de ce style rétro.
«Jean-Christophe et Winnie» est un rappel à l’adulte que nous sommes de ne
pas oublier l’enfant que nous avons été. L’humour grand public amusant ne
saura dissimuler la tristesse ambiante du projet, surtout pour les personnes
ayant grandi avec le plus bêta des oursons. Le film a beau ne pas être parfait,
c’est une madeleine de Proust fort recommandable à apprécier une fois préparé
à la sensibilité du projet. Mouchoirs recommandés à tous les nostalgiques de
Winnie qui craignent de devenir des nouveaux Jean-Christophe : des hommes
et des femmes qui font tout pour atteindre une maturité normative et en
oublient la simplicité du bonheur.
Liam Debruel

24/10
HALLOWEEN
42
Il ne serait pas absurde de parler d’acte
téméraire pour qualifier le nouveau film
de “Halloween” qui surgit sur nos écrans
en cette période de fête des morts. Faire
une suite en faisant table rase de toutes les
autres qui l’ont précédée, en ne gardant
pour canon que le premier opus signé John
‘’le best’’ Carpenter, est-ce de la vanité, de
l’orgueil ? Au vu des intentions de Green
il n’en est rien, la démarche est purement
et simplement nécessaire : afin de faire
une suite sérieuse et qui peut se permettre
une cohérence scénaristique, il n’est pas
envisageable de s’y prendre autrement. Nous
retrouvons donc Laurie Strode quarante ans
plus tard en mamie survivaliste, persuadée
que Mike Myers viendra frapper de nouveau
un jour… Evidemment, elle a raison. Sinon,
qu’est-ce que vous foutez devant ce film ?
Cependant, une telle démarche implique
forcément de comparer le neuf et le vieux,
c’est-à-dire de se poser la question :
pourquoi faire une suite ? Au delà de l’orgueil
susmentionné, des enjeux financiers aussi,
pourquoi ? Est-ce à cause de l’histoire,
des thématiques, ou simplement d’une
atmosphère ? L’erreur de David Gordon
Green, à mon sens, et de s’embarrasser
d’une mythologie sans en comprendre
la dimension métaphysique, celle qui
dépasse simplement la violence des corps
du slasher. En d’autres termes, l’erreur de
Green est de s’emparer de l’histoire sans
prendre en compte ce qui l’entoure, ce qui
lui a permis de faire un film d’horreur qui lui
ressemble, qui a une identité et un intérêt
de cette manière, mais qui sur la base seule
de l’histoire du premier film “Halloween”,
ne parvient pas à se suffire à lui-même.

sont bien trop présents voire envahissants
; il va falloir quand même un jour que le
cinéma hollywoodien moderne se calme
avec la nécessité des arcs narratifs de ses
personnages ! Surtout dans un slasher où
la seule condition est la survie, pourquoi
s’embarrasser de mécaniques aussi
grossières, dont tous les fils sont visibles
dans le moindre dialogue ? Oui, Laurie
Strode est détestée par sa fille et sa famille
et vue comme une folle, mais pas besoin de
nous installer ça en plusieurs actes dans une
méthode à la Truby… Laissez le spectateur
respirer, supposer, construire !
DE DAVID GORDON GREEN. AVEC JAMIE LEE
CURTIS, JUDY GREER… 1H49
Le nouvel “Halloween” est, en un mot,
décevant.
Le film de Carpenter installe la peur dans
les plans larges, la rêverie inquiétante, le
doute persistant, l’inconnu du hors-champ
(je vous encourage à lire mon article sur
le sujet sur Cinématraque : http://www.
cinematraque.com/2018/10/29/halloweende-john-carpenter-pourquoi-est-ce-queca-marche-encore/).
Celui de Green est
parasité par une omniprésence assommante
de gros plans, qui met à mal toute possibilité
d’une ambiance pour la remplacer par de
la violence crue et détachée de tout. Aucun
lieu ne reste en tête dans cette version, les
personnages et leurs actions flottent dans un
espace vital qui n’a pas d’autre intérêt que
d’être un décor au service des arcs narratifs
des personnages. Des arcs qui, quant à eux,
Le nouveau film de “Halloween” est un
succès indéniable au box office, et même
salué par une partie de la critique, ce qui
est aussi compréhensible. Cela reste un
film d’horreur nettement au dessus de la
majorité de la production. Pour autant, je
ne peux m’empêcher de le voir comme un
acte manqué. Une promesse d’explorations
thématiques jamais tenue. Prenons par
exemple les deux journalistes enquêtant
sur Mike Myers pour leur podcast de
True Crime : le voyeurisme est au coeur
de la saga “Halloween”… Il aurait fallu
centrer le film sur eux, pas en faire des
personnages fonctions. Il aurait été aussi
ingénieux d’interroger l’évolution de la fête
de Halloween dans son rapport au corps et
au sexe; un bref plan montre Mike Myers
dévisager une fille (très peu) vêtue en sorte
de sorcière/démon sexy, mais sans que cela
ne soit jamais exploré. Même la solitude de
Laurie, les parallèles entre la mythification
de son personnage isolé et celui de Mike
Myers ne sont finalement que peu exposé, la
faute à un scénario envahissant et trop fourni
pour une œuvre de ce genre. On sonne
vieux con quand on dit ça, mais parfois ça
fait du bien de le dire : “Halloween”, c’était
mieux avant.
Captain Jim
43

44
31/10
EN LIBERTÉ !
L’un des gros reproches que l’on répète
à propos des comédies françaises est de
tomber dans des personnages tellement
caricaturaux qu’ils en perdent toute
humanité. Il devient alors intéressant de
voir que Pierre Salavadori entame son film
avec une séquence jouant tellement sur
l’héroïfication d’un personnage qu’il en
devient caricaturalement drôle. Et c’en est
heureusement le but : on parle d’un policier
décédé et dont l’épouse raconte chaque soir
son histoire exagérée à leur fils en deuil.
Très vite, cet héroïsme disparait, amené
par une statue construite à son effigie. « Je
ne reconnais rien de lui », se plaint Adèle
Haenel avant d’appuyer : « Ils n’ont gardé
que son arme ». Ici, les histoires dépassent
la réalité et il devient plus compliqué de les
raconter une fois la vérité faite sur ce faux
héros. « Les mères font les pères », nous
disait Salvadori au FIFF. Comment dès lors
raconter un menteur ? C’est ce qui revient
sans cesse au cœur du film, cette même
interrogation de narrer un escroc déguisé en
modèle à un fils attristé.
Dès lors, traiter la confrontation au réel
devient un point central, chaque personnage
devant faire face à des attentes bien trop
élevées pour ce qui leur arrive ne relève pas
de la déception. Divers degrés de burlesque
se télescopent avec un romantisme à fleur
de peau, un running gag pouvant être
suivi d’une déclaration d’amour touchante
de naïveté (« J’aime tes regards en douce.
Quand tu me regardes en douce, j’ai envie
d’être beau »). Jamais Salvadori n’oublie

45
DE PIERRE SALVADORI AVEC ADÈLE HAENEL, PIO MARMAI... 1H48
que la comédie est liée aux sentiments et
que l’humour peut amener une tragédie
plus intime encore. La souffrance est
réelle, la déception aussi, et c’est ce qui
rend les moments de poésie encore plus
touchants, moments de grâce émotionnels
dans un océan de comédies navrantes et
mécaniques. Ici, c’est la sincérité qui prévaut
: là où chez Benzaquen ou de Chauveron
le jeu d’Adèle Haenel et Pio Marmai aurait
viré au grimaçant irritant, Salvadori joue
avec les nuances, la caractérisation de ses
protagonistes restant assez profonde pour
peindre des portraits de vies brisées par le
mensonge.
C’est ce qui rend « En liberté ! » essentiel dans
le paysage humoristique français. Jamais
son réalisateur n’oublie que pour faire rire,
il faut d’abord faire ressentir la vie derrière
ses héros. Prévaut donc un absurde qui ne
tourne jamais en rond mais s’intègre à des
doutes, des douleurs, des interrogations et
des émotions jamais négligées. Ici, aucune
mécanique grinçante, aucune référence pop
culturelle aléatoire et vide de sens ou de
jeu de mots confondant la grivoiserie avec
la vulgarité la plus grossière. « En liberté !
» est un moment d’humour poétique bien
éloigné des produits industriels quelconques
à durée de vie limitée. Et très franchement,
ça fait beaucoup de bien.
Liam Debruel

46
Il y a quelque chose d’étonnamment magnétique dans la vacuité des films
de Sorrentino. Son dernier, « Silvio et les autres », sortie en deux parties
sous le nom de « Loro » en Italie, ne déroge pas à la règle. Faux biopic
sur le chef d’état Silvio Berlusconi, le film tend plus (comme souvent avec
Sorrentino) vers une introspection de la condition humaine des monstres et
de l’ « intelligentzia » italienne.
Loin d’être un chef d’état commun, Silvio s’avère finalement être plus un
homme de commerce et du show-business. Ce qui explique le choix de
Sorrentino de faire languir son spectateur avant de faire apparaître pour
la première fois à l’écran son personnage, qui plus est déguisé, en brisant
toutes les attentes que l’on avait de cet homme. Le film déconstruit ce mythe
établit dans les consciences collectives, en préférant ridiculiser sa grandeur
en multipliant les effets grandioses cher à Sorrentino et à son chef opérateur,
Luca Bigazzi.
Ici, encore plus que dans La Grande Bellezza, le vide est rempli des futilités
propre au milieu dans lequel évolue Silvio. Fêtes sous MDMA qui vampirisent
ses participant, baises sur des balcons sous les regards vacants des voisins,
ou encore joute verbale et politique qui ne servent finalement que les intérêts
personnels de celui qui l’emporte.
Mais sous les airs de l’éternel optimisme que cache Silvio derrière son sourire,
c’est bel et bien un homme faible qui cherche à se rassurer. Un homme qui est
sur le déclin et qui tente de remplir ses journées d’autres choses que d’ennuis.
C’est pourquoi « Silvio et les autres » est parcouru d’un tel sentiment de
tristesse. La scène d’ouverture à la fois tragique et ironique, met en scène un
pauvre mouton qui à cause de la climatisation meurt littéralement de froid, fait
directement écho aux paroles de la chanson qu’interprète Silvio à sa femme :
« Quand le froid sur nous tue la liberté ».
A l’image des autres films de Paolo Sorrentino, « Silvio et les autres » semblent
être sauvés dans les moments éphémères qu’offre la vie. Un coucher de Soleil,
des papillons, une promesse tenue…
Sortie en Italie sous le titre « Loro », qui signifie à la fois l’or et « eux », le
film prend une nouvelle dimension. Celle des « autres ». Finalement peut
être n’est ce tout simplement pas un film sur Silvio mais bien sur les gens qui
l’entourent, le peuple italien. Un peuple qui voulait voir son chef d’état en
prison pour « les crimes des autres ».
Baptiste Andre

47
31/10
DE PAOLO SORRENTINO AVEC TONI SERVILLO, RICCARDO SCAMARCIO... 2H38
SILVIO ET LES AUTRES

48CRITIQ

UES
NOVEMBRE
49

50
07/11
CRAZY RICH ASIANS
DE JON M. CHU. AVEC CONSTANCE WU, HENRY
GOLDING... 2H01
On l’attendant impatiemment, c’était le
film évènement de cette fin d’année car 25
ans après «Le Club de la chance» («The Joy
Luck Club») en 1993, Hollywood continue
sa lancée à l’image du récent «Black Panther»
au casting majoritairement afro-américain
en mettant en avant la communauté
asiatique et plus particulièrement chinoise
à travers l’adaptation du best-seller de
Kevin Kwan du même nom sortie en 2013.
Mondanité, excentricité et jet-set sont au
coeur de «Crazy Rich Asians» qui, à défaut
de révolutionner le genre, a le mérite d’enfin
mettre sur grand écran une communauté peu
représentée (n’en déplaise à certain.e.s) qui
s’inscrit définitivement dans une dynamique
de diversité au cinéma sur laquelle on ne
crache définitivement pas.
Brillante professeure d’économie à NYU,
Rachel Chu s’envole à Singapour en
compagnie de son charismatique petit ami
Nick Young pour le mariage de son meilleur
ami - pour lequel il est également témoin
-. Seule ombre au tableau, Rachel ne sait
rien de la famille de son petit-ami et encore
moins le fait que les Young est l’une des
familles les plus riches du pays et que Nick
est l’un des célibataires les plus convoités.
Une fois arrivés là-bas, le couple va devoir
faire face à un véritable choc des cultures,
des générations et à une famille prête à tout
pour les séparer.
Jon M. Chu («Insaisissables 2») s’empare
d’un best-seller pour nous offrir à l’écran ni
plus ni moins qu’une comédie romantique

51
avec tous ses codes traditionnels mais ce
qui offre à «Crazy Rich Asians» son petit
plus indéniable c’est son cadre idyllique.
Les valises et caméras posées à Singapour,
le film plonge immédiatement dans un
monde et une culture aux antipodes des
Etats-Unis et du New-York dont Rachel avait
l’habitude. Comme l’indique le titre du film,
ils sont tous riches, extrêmement riches si
bien que la famille de Nick peut s’offrir
des maisons gigantesques dans les collines
en hauteur, les dernières créations des
plus grands couturiers, les bijoux les plus
excentriques et les plus inaccessibles. Tout
est absolument démesuré dans le film que
ce soit les décors impériaux, les réceptions
données ou la - sublime - scène de mariage
à la fin. Et au coeur de ce microcosme régit
par l’argent, le bonheur y a finalement peu
de place que ce soit la mère et la grandmère
aux moeurs encore très traditionnels,
Astrid (Gemma Chan) dont le succès - et la
fortune - fait de l’ombre à son mari qui n’est
qu’un simple auto-entrepreneur ou encore
ou le cousin de Nick qui est réalisateur
et qui s’entiche d’une jeune femme dont
le nombre de neurones n’excède pas le
nombre de centimètres de sa jupe et qui a de
quoi gêner la famille. Tout n’est finalement
question que d’apparence dans cette société
où chacun est constamment jugé par les
autres.
Avec sa naïveté et sa joie de vivre revigorante,
Rachel Wu fait véritablement face à un
mur. Une belle-mère qui n’accepte guère
que son fils côtoie une jeune femme aux
origines modestes (elle a été élevé par sa
mère célibataire) et sino-américaine, des
prétendantes prêtes à sortir les griffes et
lui faire les pires coups pour qu’elle quitte
Nick et finalement un univers auquel
elle est totalement étrangère. Une vraie
confrontation a alors lieu. La lumineuse
Constance Wu tient tête face à cette société
à laquelle elle n’appartient pas et ne veut
pas appartenir tout comme la plupart des
protagonistes féminins du film, chacune
à leur manière sont de vraies femmes
fortes et indépendantes qui ont, au final,
chacune leur raison d’être ce qu’elles sont
- le réalisateur évite de catégoriser la bellemère
(Michelle Yeoh) et la grand-mère (la
fabuleuse Lisa Lu) comme des monstres qui
détestent simplement Rachel parce qu’elle
n’est pas de leur monde -.
Aidé par un casting fabuleux à part égales,
une BO enivrante (on retiendra évidemment
l’entêtant Can’t help falling in love» interprété
avec émotion par Kina Granis) et des décors
somptueux, «Crazy Rich Asians» est avant
tout une ode à l’amour, à l’acceptation de
la culture de l’autre et surtout un vrai petit
moment pop, excentrique et coloré aussi
drôle que touchant à l’histoire universelle.
Peut-être pas la romance de l’année mais on
ne boude pas son plaisir face à cette jolie
réussite.
Margaux Maekelberg

52
A une époque où le voyage interstellaire est possible, des
anciens détenus condamnés à mort sont envoyés dans
l’espace en dehors de notre système solaire. Leur mission
initiale qui consiste à aller capturer l’énergie gravitationnelle
d’un trou noir se transforme peu à peu en une expérience
hors du commun.
On le sait, l’espace et le vide cosmique servent de terreau
fertile aux cinéastes pour questionner l’humanité, sur
sa condition d’espèce et ses tabous. Les exemples sont
pléthores dans l’histoire du cinéma et il semble que le cahier
des charges formel soit souvent le même : une atmosphère
proche du psychédélisme offrant une expérience avant tout
sensorielle. Et “High Life” y coche toutes les cases. Malgré
les aberrations scientifiques (des outils et des corps qui
chutent dans l’espace), le film de Claire Denis offre des
moments de grâce assez rare au cinéma. Robert Pattinson
se démenant avec sa récente paternité le montre à fleur de
peau et la relation avec sa fille est saisissante (du moins dans
la première partie). Nous assistons avec lui, les yeux pleins
de tendresse, aux premiers pas d’un enfant hors de la Terre.
Puis le récit devient plus glaçant lorsque le personnage de
Monte se débarrasse, dans l’espace, de cadavres que l’on
devine être le restant de l’équipage. Des questions se posent
: qui sont-ils ? Qui est la mère de l’enfant ? Comment sontils
morts ?
Le reste du film et sa narration en flash-back donnera les
réponses les plus factuelles. Et si le début s’inscrit dans la
science fiction, la suite du long métrage va plus chercher
dans le genre du film de prison. Les détenus sont gardés par
Juliette Binoche qui joue ici un personnage entre scientifique
et mère supérieure. C’est la plus âgée du vaisseau, mais
aussi celle qui a commis un crime le plus horrible, ‘’le tabou
ultime’’ selon ses dires : le meurtre de ses enfants, et celui de
son mari. Silhouette fantomatique au calme olympien, elle
se meut en une figure inquiétante dans une scène qui sera
le point d’orgue du film. Dans une salle qui sert de ‘’love
machine’’, Juliette Binoche protège un sex-toy fuselé d’un
préservatif couleur vermeil et le chevauche. La séquence

07/11
CLAIRE DENIS. AVEC JULIETTE BINOCHE, ROBERT PATTINSON...
1H54
HIGH LIFE
DE
dure, et se charge d’un érotisme troublant, allant jusqu’à
ressembler à un sabbat, où l’actrice filmée de dos se met en
transe. La blancheur de sa peau contraste avec le brun de
ses longs cheveux. Si “High Life” promettait un vertige, il est
bien dans cette séquence. Mais ça sera malheureusement la
seule scène du film proposant ainsi une forme d’extase. La
suite s’efforce à raconter une histoire dont les personnages
demeurent des inconnus pour le spectateur, même s’il faut
saluer la prestation de André Benjamin dont on aimerait
voir plus d’apparitions à l’écran. Difficile donc de garder un
véritable intérêt pour ce qui se passe.
Mais si les événement ne sont que ponctuellement
intéressant, on peut saluer le point de vue de Claire Denis
dans ce huis clos spatial. Dans un article d’IndieWire publié
en février 2018, la journaliste Kate Erbland expliquait que
les personnages féminins de la science fiction moderne sont
systématiquement renvoyées au rôle de mère. La journaliste
prend comme exemple les héroïnes de “Gravity”, “Arrival”
et “Cloverfield Paradox”. Et si “High life” porte en lui un
semblant de maternité, il porte aussi des pulsions de mort,
les deux personnages de mères étant soit une meurtrière
soit une suicidaire allant jusqu’à se donner la mort dans
un trou noir. Claire Denis offre donc une exploration de
leur pulsion destructrice, chose plus commune chez les
personnages masculins de fiction. Le père du film, Robert
Pattinson, se retrouve donc seul à élever sa fille. Vie, sexe,
mort, tels sont les thèmes qui s’entremêlent et irriguent le
récit.
La fin du film laisse un goût étrange. Si le vertige des sens
est là pour au moins une scène, le reste passe, se produit,
de façon totalement désincarné et amoindri le propos sur
la difficulté de créer de la vie au sens large dans l’espace.
Pas vraiment le trip cosmique attendu, mais pas quelque
chose d’oubliable non plus, “High life” s’avère être une
expérience aride, où le sublime côtoie l’ennui.
Mehdi Tessier
53

Après la très bonne surprise qu’était “La cabane dans les
bois”, Drew Goddard revient avec un casting riche pour un
film qui l’est tout autant. Imaginez un hôtel, construit sur la
frontière du Nevada et de la Californie où toute la crème
des 60’s aimait venir se donner du bon temps. Maintenant
prenez ce même hôtel, 10 ans plus tard, où le fait que quatre
inconnus viennent inscrire leur nom (ou pas) sur le registre
pour y passer la nuit soit déjà un évènement.
Il serait difficile de résumer l’intrigue du film en quelques
lignes, tant le scénario regorge de rebondissements. Quoi
qu’il en soit, le film nous aspire dans ce jeu de piste aux allures
d’Agatha Christie, où tout le monde prétend être quelqu’un
qu’il n’est pas. Un prêtre, un vendeur d’aspirateurs, une
chanteuse, une jeune femme visiblement pressé et le gérant
qui a lui un problème avec la ponctualité, tout ce beau
monde se voit disséqué par l‘intrigue pour nous révéler leur
seconde facette.
Drew Goddard s’amuse de ce motif du double et fait de son
film un véritable jeu de piste stimulant pour son spectateur,
qu’il expose également. Le voyeurisme de ces personnages
renvoi directement aux spectateurs qui regarde une scène
se dérouler sous ses yeux sans lever le petit doigt. Vitre sans
tain, judas, reflets, studio d’enregistrement, la réalisation
s’amuse avec cela et nourrit le film d’un sentiment malsain.
Sentiment malsain qui est d’autant plus appuyé que lorsque
l’on découvre les vrais activités de l’hôtel, plusieurs fois
qualifiées de ‘’pervers’’ le long du film.
Bien que rythmé par une mise en scène et un montage en
chapitre, le film trouve une faille dans sa dernière partie
qui se trouve être une sorte de ‘’fourre-tout’’ et laisse un
sentiment de ‘’rush’’ dans un final qui aurait gagné à garder
l’aspect huis clos, qui nous gardait jusqu’alors en haleine,
plutôt qu’à terminer sur quelque chose d’aussi grandiose
qu’il ne le fait.
Baptiste Andre
54
DE DREW GODDARD. AVEC JEFF BRIDGES,
CYNTHIA ERIVO... 2H15

55
07/11
SALE TEMPS À
L’HÔTEL EL ROYALE

14/11
LES ANIMAUX
FANTASTIQUES
2 DE
DAVID YATES. AVEC EDDIE REDMAYNE,
KATHERINE WATERSTON... 2H14
56
Dire qu’on attendait ce second opus des
Animaux Fantastiques était un euphémisme.
Dire qu’on attendait ce second opus
des Animaux Fantastiques lorsqu’on est
‘’Potterhead’’ est un putain d’euphémisme.
Nouvelle saga qui comptera au final cinq
films, le premier opus est apparu sur nos
écrans il y a pile deux ans, à ce moment-là
on quittait Norbert Dragonneau qui repartait
en Europe après avoir bien saccagé New-
York tandis que le gouvernement magique
américain capturait Gellert Grindelwald et
que ce dernier promettait de s’échapper
de manière spectaculaire pour se venger.
Le second opus s’ouvre donc quelques
mois après ces derniers évènements et
honnêtement, on a connu mieux.
Par où commencer ? Excellente question
tant il y a de choses à aborder sur le cas
«Les Animaux Fantastiques 2» mais comme
on est sympa on va commencer par ce qui
est bien dans le film parce que oui il y a des
trucs biens, pas dingue mais assez sympas
pour être relevés. Là où le premier opus se
plaçait beaucoup plus dans une dynamique
humoristique avec quelque chose de plus
léger (tout en gardant quand même une part
de sérieux), le second volet gomme presque
complètement l’aspect humour - excepté
quelques scénettes qui nous font sourire -
pour se tourner résolument plus vers quelque
chose de dramatique et introduire doucement
la bataille épique qui aura lieu entre Albus
Dumbledore et Gellert Grindelwald tout en
se penchant sur les plans machiavéliques
de Grindelwald afin de contrôler le monde
et détruire les Moldus et plus globalement
quiconque se mettrait en travers de notre
chemin (un peu un Voldemort extrémiste

57
quoi). L’esprit Harry Potter est toujours aussi
présent et les nostalgiques se raviront de la
présence d’Albus Dumbledore jeune à qui
l’excellent Jude Law prête ses traits et des
quelques scènes tournées dans Poudlard.
Enfin certaines scènes ont - excusez
notre langage - de la gueule notamment
l’une des dernières scènes où Norbert et
ses compagnons combattent un Gellert
Grindelwald plus puissant que jamais et
que chacun est obligé de choisir son camp.
Visuellement époustouflant, ce combat est
probablement l’un des moments phares de
ce film et on est loin de bouder notre plaisir
face à ce spectacle.
Sauf que cette scène arrive à la fin et
qu’entre-temps on est quand même obligé
de se taper près de 2h de film par moment
indigeste. Décidément les scènes d’actions
n’ont pas vraiment la côte au cinéma que
ce soit la course-poursuite dans «Venom»
ou la bagarre contre le gros méchant alien
dans la forêt dans «The Predator», la toute
première scène des «Animaux Fantastiques
2» correspond à la fuite de Grindelwald, le
tout filmé (si tenté que ça a été réellement
filmé) de manière à ce qu’on y voit que dalle
alors que c’était quand même censé être une
évasion spectaculaire, tout ce qu’on voit
c’est juste beaucoup de flotte et d’éclairs.
M’enfin le plus gros problème du film
réside surtout dans son scénario aussi mal
écrit que mal exploité en faisant revenir des
personnages censés être mort en nous offrant
une explication aussi évasive qu’inutile et en
décidant de condenser quarante plot twist
en l’espace de même pas 20 minutes de
quoi laisser perplexe et un brin perdu aussi
sachant que certains propos ne semblent pas
correspondre avec ce qu’on savait déjà à la
fin de «Les reliques de la mort partie 2». Sans
pour autant s’étendre sur ce sujet, la plupart
des personnages manquent terriblement
de fond de quoi nous faire parfois tourner
en rond pour trois fois rien (on retiendra la
scène dans les archives tout ça pour que
Norbert dise à Tina qu’elle a les yeux d’une
salamandre, on est d’accord on a connu
plus romantique et surtout plus intéressant
sachant que Grindelwald menace un peu
de détruire le monde) tandis que d’autres
personnages ont décroché le rôle de figurant
dans cet opus (coucou Ezra Miller et les
dits animaux fantastiques qui sont devenus
totalement accessoire dans le film mais dont
on est obligé de garder le titre maintenant
sinon ça deviendrait un peu le bordel). À
trop vouloir de personnages tout en sachant
sur quel plot twist se terminera le film on
se retrouve avec un film avec beaucoup
de monde et finalement pas énormément
d’explication sur ce qui se passe. Très mal
équilibré dans son scénario, le film ne peut
que se raccrocher à ce plot twist de fin (assez
fou il faut bien l’accorder) qui laisse présager
- espérons-le - un troisième opus beaucoup
plus intéressant et peut-être même encore
plus sombre.
À plus considérer comme un épisode de
transition qu’autre chose, «Les Animaux
Fantastiques 2» nous offre de jolis moments
dans sa dernière partie nous rappelant les
grandes heures des batailles épiques dans
Harry Potter mais souffre considérablement
d’un scénario mal écrit et qui n’avait
décidément pas besoin de durer 2h14.
Margaux Maekelberg

58
14/11
Avant même que le film n’ai le droit à une
quelconque bande-annonce ou teaser,
le projet «Suspiria» de Luca Guadagnino
soulevait bien des interrogations et des
frayeurs. Celui qui a attiré tous les regards en
début d’année avec son fabuleux «Call me
by your name» revient en cette fin d’année
«Suspiria» du même nom que celui de
1977 réalisé par Dario Argento et qui s’est
rapidement hissé au rang d’incontournable
pour les cinéphiles les plus aguerris. De quoi
effrayer encore plus les fidèles amoureux
de la version d’Argento. Pour sa version
2018, Luca Guadagnino reprend les mêmes
ingrédients (même histoire) pour réussir à y
insuffler sa patte. Radicalement différent.
Et si le secret était que Luca Guadagnino était
fan du «Suspiria» de Dario Argento ? Loin
de vouloir simplement surfer sur le nom de
ce chef-d’oeuvre, le réalisateur italien qui a
découvert le film lorsqu’il avait 6 ans nous
en offre sa propre vision. Certains éléments
restent les mêmes : Susie Bannion, jeune
danseuse américaine débarque à Berlin en
espérant intégrer la prestigieuse compagnie
de danse Helena Markos alors que de
mystérieux évènements ont lieu au coeur
de cette école où s’entremêlent intimement
danse et sorcellerie.
Ce qui démarquait le «Suspiria» de Dario
Argento - et qui nous frappe encore
aujourd’hui au visionnage du film - est sa
sur-esthétisation avec ses saturations de
couleurs et notamment de rouge ainsi que
sa bande-son stridente qui nous pétrifiait
dès les premières secondes. Guadagnino dit
adieu à tout ça en y imposant sa patte assez
semblable à «Call me by your name» avec
des couleurs beaucoup plus douces voir
parfois même absolument désaturées pour
SUSPIRIA
offrir un cadre beaucoup plus réaliste à
Susie Bannion. Beaucoup moins agressif - à
prendre dans le bon sens du terme - que son
prédécesseur, «Suspiria» s’inscrit beaucoup
plus dans un réalisme qui réussit à être
tout aussi angoissant de par l’atmosphère
distillée doublée par une BO de Thom Yorke
(le leader de Radiohead rien que ça) qui,
dans un tout autre style, sait parfaitement
retranscrire cette angoisse grandissante qui
naît en nous au fur et à mesure du film.
Le réalisateur réussit le tour de main de se
détacher totalement de l’oeuvre originale
en déplaçant déjà son action à Berlin en

59
qui frôle largement avec l’insoutenable).
Le sacrifice du corps pour arriver au stade
de l’art, une philosophie qui s’applique
totalement à la danse où les blessures ne se
comptent guère plus. Guadagnino sublime
cet art qu’est la danse notamment dans la
scène de la représentation qui a lieu dans
l’école devant le public, un vrai tour de
force aussi magnifique que transcendant.
DE LUCA GUADAGNINO. AVEC DAKOTA
JOHNSON, MIA GOTH... 2H32
1977 alors que la capitale est coupée en
deux et qu’elle est en proie aux attentats de
la bande à Baader. Dans ce cadre politique
déjà oppressant, Luca Guadagnino fait de
la danse l’élément central de son film là
où Argento n’en avait finalement fait qu’un
détail avec quelques scènettes de danse qui
n’ont pas d’impact sur l’histoire. L’art des
corps est un art que sait exercer avec brio
Guadagnino, déjà observé dans «Call me
by your name» où la sensualité des corps
transperçait l’écran, cette fois il pousse le
curseur à l’extrême dans la maltraitance
de ses corps à travers la danse allant ainsi
jusqu’au démembrement (une longue scène
Cependant Guadagnino n’oublie pas pour
autant son prédécesseur en lui rendant
hommage dans cette dernière partie de film
qui s’apparente beaucoup plus au «Suspiria»
d’Argento avec cette effervescence
d’esthétisme, de rouge sang et de caméra
presque en transe. C’est divin, c’est sublime
et le film offre une palette de personnages
exquis que ce soit Dakota Johnson (Susie)
qui tient là son plus beau et plus profond
rôle à ce jour (le magnétisme que dégage
cette actrice reste assez dingue malgré le
petit incident de parcours «50 Nuances»),
Mia Goth qui n’a besoin que d’un regard
pour exprimer ses émotions ou encore Tilda
Swinton, fidèle du cinéma de Guadagnino,
qui n’a décidément plus rien à prouver.
Le «Suspiria» version 2018 est un film qui
se vit au plus profond des tripes autant qu’il
se laisse regarder autant avec délectation
qu’horreur. Relecture absolue - ou ‘’reprise’’
comme l’évoquait Tilda Swinton - du chefd’oeuvre
de 1977, Luca Guadagnino ne
fait pas mieux que son prédécesseur mais
tout aussi bien et honnêtement vu le projet
casse-gueule qu’il était à ses débuts, on ne
peut que saluer la performance.
Margaux Maekelberg

21/11
MAUVAISES HERBES
DE KHEIRON. AVEC KHEIRON, CATHERINE
DENEUVE... 1H40
60
Un brin éclipsé par des grosses sorties
auparavant - et accessoirement la fin des
vacances - (le film français «Mon Roi»
qui avait dépassé les 600 000 entrées et
le blockbuster «Seul sur Mars» aux deux
millions d’entrées), «Nous trois ou rien» le
premier film de l’humoriste Kheiron sorti en
2015 avait injustement cumulé seulement
396 000 entrées alors que sa première
réalisation méritait bien quelques entrées de
plus (en plus d’être méchamment snobé aux
Césars par la suite). De toute façon si vous
l’avez raté il repasse ce soir sur M6 alors
profitez-en et de toute façon il n’y a jamais
rien d’intéressant à la télé le jeudi soir
(c’est un fait). Cette année, le bonhomme
est repassé devant et derrière la caméra
pour son second long-métrage «Mauvaises
Herbes».
Waël, un ancien enfant des rues vit en
banlieue de petites arnaques - sans grande
gravité - qu’il réalise avec Monique,
une femme à la retraite avec qui il a
énormément d’affinités. Suite à un drôle
de concours de circonstances suite à une
énième arnaque, Monique retrouve Victor
une ancienne connaissance qui propose à
Waël de s’occuper d’un groupe de jeunes
expulsés de leur établissement pour cause
d’absentéisme, insolence ou même port
d’arme. Une rencontre explosive entre
«mauvaises herbes» qui va surtout donner
naissance à une petite pépite du cinéma
français.
L’exercice du premier long-métrage n’est
pas facile mais Kheiron avait relevé le défi
haut la main. Par contre l’exercice du second
long-métrage - surtout lorsque le premier
est aussi excellent - est encore plus cassegueule
donnant ainsi l’occasion de réitérer
son exploit et inscrire son nom dans le futur
du cinéma français ou au contraire se planter
totalement. Avec Kheiron on retiendra donc
la première option qui confirme donc bien
ce qu’on pensait déjà il y a trois ans : le
bonhomme en a sous le pied et le cinéma
français peut compter sur lui pour relever le
niveau de comédies actuel (qui frôle le néant
même s’il est de temps en temps sauvé par
des petites merveilles comme «En Liberté !»
pour ne citer que celui-là sorti récemment).
Car en seulement deux films, Kheiron nous
prouve toute l’étendue de son talent déjà
en tant que réalisateur, acteur mais surtout

61
scénariste (triple casquette qu’il occupe sur
ses deux films) avec un véritable sens de
l’écriture emplit d’intelligence et d’humour
- les dialogues de «Mauvaises Herbes» sont
à tomber -. Un début de filmographie qui
se veut surtout très personnel là où dans
«Nous trois ou rien» Kheiron portait à
l’écran l’histoire de ses parents, «Mauvaises
Herbes» s’inspire de ses quelques années
en tant qu’éducateur.
Dramédie sociale qui se veut optimiste
(dixit Victor Hugo en début de film : Mes
amis, retenez ceci, il n’y a ni mauvaises
herbes ni mauvais hommes. Il n’y a que
de mauvais cultivateurs.), Kheiron y
incarne avec justesse et émotion un petit
arnaqueur un peu en perdition alors qu’il
est obligé de s’improviser éducateur pour
une bande de jeunes probablement tout
aussi paumés que lui. Comme dans son
précédent film, «Mauvaises Herbes» rend
un vibrant hommage à ces personnes du
social capables du meilleur pour aider son
prochain tout en mettant au premier plan
cette idée d’apprentissage et de transmission
d’autant plus nécessaire auprès de ces
jeunes que le système rejette en bloc au
lieu de les aider. Stage obligatoire pour les
six jeunes, il se transformera rapidement
en stage initiatique où l’on découvrira
par parcimonie les problèmes et démons
qu’ils rencontrent au quotidien pour mieux
les déjouer et en ressortir plus grand. En
parallèle le film explore habilement le passé
de Waël à travers quelques flashbacks (qui
nous rappelle à certains moments «Lion»
avec Dev Patel) afin de mieux cerner le
personnage et les épreuves qu’il a subit tout
au long de sa jeunesse.
En plus d’être entouré d’incroyables acteurs
pour qui «Mauvaises Herbes» est leur
première expérience au cinéma - de quoi
apporter un véritable vent de fraicheur
moderne -, Kheiron est accompagné de deux
monstres du cinéma français : Catherine
Deneuve et André Dussollier. Véritable
moment d’échange, «Mauvaises Herbes»
s’équilibre par des échanges que ce soit
entre Waël et les jeunes, Waël et Monique ou
encore Monique et Victor d’où se dessinent
les prémices d’une histoire d’amour.
«Mauvaises Herbes» c’est finalement un
film sur le seconde chance, une seconde
chance pour l’amour, une seconde chance
pour la vie.
Kheiron impressione et brille par
l’intelligence de ses films. Populaire sans
être grossier et touchant sans être pathos,
«Mauvaises Herbes» est la belle surprise
de cette fin d’année et confirme le statut
de réalisateur de qualité à Kheiron, de quoi
nous donner envie de le revoir rapidement
derrière la caméra et en espérant que cette
fois les Césars ne le snobera pas (une fois
mais pas deux s’il-vous-plaît.
Margaux Maekelberg

21/11
YOMEDDINE
DE
A.B SHAWKY. AVEC RADY GAMAL, AHMED ABDELHAFIZ... 1H37
62

63
Après trois courts-métrages entre 2008 et et 2012, le réalisateur austroégyptien
A.B Shawky ne fait pas les choses à moitié puisque son premier
long-métrage Yomeddine se retrouve en compétition officielle. Et le moins
qu’on puisse dire c’est que pour un premier essai le jeune homme s’en sort
pas trop mal du tout avec un incroyable road-movie aussi touchant qu’il est
vivifiant.
Beshay est un lépreux qui vit depuis sa jeunesse dans la léproserie du désert
égyptien mais à la mort de sa femme, il décide de se mettre en route avec son
âne en quête de réponses et peut-être retrouver sa famille qui l’a abandonné
là-bas il y a bien des années. Avec lui, le jeune Obama, orphelin nubien qui
le suit comme son ombre l’accompagne dans cette aventure qui l’amènera à
se poser des questions sur soi et sa place dans la société.
Yomeddine signifie en arabe « le jour du jugement dernier » et bien que le
film n’a pas de prime abord une portée religieuse, ce jour est l’un des jours les
plus attendus pour Bershay puisqu’une fois mort tous les êtres humains seront
jugés pour ce qu’ils ont fait, pas pour ce qu’ils sont. Une fois en dehors du «
cocon » que crée la léproserie, Beshay fait face à la dure réalité, même s’il est
guérit de la lèpre, les cicatrices resteront à vie tout comme le regard des gens
que ce soit les femmes qui lui demande de ne pas se baigner dans l’eau de
la rivière pour ne pas la contaminer – alors qu’elle fait baigner sa vache – ou
un prisonnier qui refuse d’être dans la même cellule que lui si bien que son
comparse Obama fabrique pour lui un chapeau avec un voile pour cacher
son visage aux autres.
Tout était réuni sur papier pour effrayer le spectateur à l’idée d’un film larmoyant
tirant sur toutes les cordes sensibles et imaginables mais A.B Shawky refuse de
tomber dans l’apitoiement, ponctuant ses dialogues de boutades que ce soit
sur les autres ou sur les handicapés. Ce road-movie tient à bout de bras grâce
à Rady Gamal dont c’est la première fois devant une caméra et qui a pourtant
déjà l’étoffe d’un acteur à la fois drôle, touchant et d’une énergie contagieuse
capable de déplacer des montagnes. A ses côtes le jeune Ahmed Abdelhafiz
offre une véritable fraîcheur au film de par sa joie de vivre et son entêtement
à rester avec Beshay qu’il considère comme une figure paternelle après s’être
échappé d’un orphelinat où il se faisait battre par les autres élèves.
Véritable road-movie de deux êtres brisés par la vie qui ne trouveront le salut
qu’après un chemin semé de sacrées embûches, «Yomeddine» n’en reste
pas moins un film d’un amour débordant pour ces personnes rejetées de la
société, solaire et qui fait sacrément du bien.
Margaux Maekelberg

64
21/11
AGA
DE MILKO LAZAROV. AVEC MIKHAIL
APROSIMOV, FEODOSIA IVANOVA… 1H32

65
Nanouk et Sedna sont les derniers édifices d’une tribu désormais
disparus. C’est dans les contrées reculées de la Iakoutie au nord
de la Sibérie que le bulgare Milko Lazarov pose sa caméra
face à Nanouk et Sedna, un couple de cinquantenaire vivant
à l’écart de la civilisation moderne dans leur yourte avec leur
chien. D’abord film contemplatif effleurant les contours du
documentaire, «Aga» crée la surprise en prenant le virage du
drame dans son dernier tiers.
Caméra fixe, on observe longuement Nanouk partir chaque
matin creuser la glace pour pêcher du poisson, récupérer de l’eau
potable et relever les différents pièges à gibiers qu’il a installé
alors que sa femme Sedna s’occupe à tisser des filets de pêche,
tanne les peaux des renards des neiges que son mari a attrapé et
fabrique des vêtements. Sauf que derrière cette paisible routine,
Nanouk perd peu à peu la mémoire tandis que Sedna soigne
comme elle peut sa plaie béante noircie sur son flanc. Dans un
écrin d’une pureté quasiment irréelle où ciel et terre se confondent
dans un blanc immaculé, Milko Lazarov esquisse doucement un
drame portant autant sur le réchauffement climatique (la pêche
n’est plus si fructueuse qu’avant, le printemps arrive plus tôt que
prévu), le déchirement de la sphère familiale et des traditions
familiales (Nanouk et Sedna sont en froid avec leur fille Aga
qui a décidé de travailler dans l’immense mine de diamants de
Mirny) que la disparition d’une civilisation (Nanouk et Sedna
sont seuls au monde dans cette étendue glaciale).
Leur seul lien avec le ‘’monde moderne’’ est lors des visites de
Chena qui vient leur apporter du bois et du fuel et en profite pour
donner des nouvelles de leur fille. On comprend alors que leurs
liens ont été rompu lorsque cette dernière a décidé de quitter
sa famille et leur mode de vie séculaire pour un travail stable.
Filmé comme la dernière famille du monde, «Aga» ne fait jamais
volte-face à ses problématiques sous-jacentes mais les aborde
à travers une chronique familiale sensible - mais jamais pathos
-, contemplative - mais jamais statique - et symbolique - mais
jamais exagérée - où deux mondes s’entrechoquent - l’ancien et
le nouveau - et où la bataille est malheureusement déjà perdue
d’avance.
Margaux Maekelberg

LE GRINCH
66
Dix-huit ans après la version de Ron
Howard, le célébrissime grincheux Grinch
est de retour mais cette fois-ci sous des traits
animés afin de ravir les plus jeunes en cette
jolie fin d’année. Reprenant les grandes
lignes du succès de 2000, la version de Scott
Mosier (à qui l’on doit notamment «Comme
des bêtes») et Yarrow Cheney prend
cependant ses distances avec son aîné dans
un traitement des fêtes de fin d’année sur
le ton de la rigolade contrairement à Ron
Howard qui a - tant bien que mal - essayé
(?) de dénoncer l’aspect mercantile de Noël.
Les habitants de Chouville ne jurent que par
Noël et encore plus cette année lorsqu’ils
décident que Noël sera trois fois plus grand,
plus imposant, plus bruyant. S’en est trop
pour le Grinch perché dans les montagnes
qui décide de mettre un terme à cette fête
qu’il déteste plus que tout au monde. Il volera
leur Noël en compagnie de son fidèle chien
Max et d’un drôle de renne pour donner
aux Chous une bonne leçon mais c’était
sans compter sur l’intrépide Cindy Lou qui
prépare tout un plan afin de capturer le Père
Noël et lui toucher deux mots concernant
ses cadeaux de Noël.
Lorsqu’on revoit «Le Grinch» de Ron Howard,
il est flagrant d’observer la ‘’critique’’
et l’aspect totalement mercantile que le
Grinch dénonce lors d’un long monologue
alors que le Maire et les Whos célèbrent
Noël à travers cadeaux plus extravagants les
uns que les autres et gavages intempestifs.
Une critique qu’on aurait voulu à l’époque
peut-être un peu plus poussée pour éviter
de faire du film un simple Christmas movie
kitsch au possible. Exit cette idée dans «Le
Grinch» version 2018 qui préfère s’adresser
forcément aux plus jeunes dans une version
où le Grinch déteste Noël non pas à cause
de ses camarades de classe moqueurs mais

28/11
DE SCOTT MOSSIER ET YARROW CHENEY. AVEC LA VOIX DE LAURENT LAFITTE. 1H30
du fait qu’il est orphelin et n’a jamais fêté
Noël tout simplement, moins d’interactions
se créent entre le Grinch et Cindy Lou qui,
à contrario de la Cindy Lou de 2000, est
beaucoup plus intrépide et indépendante.
Beaucoup de scènes du film original se
retrouvent dans le film d’animation jusqu’à
son esthétique entre la haute montagne
refuge de la créature ou la ville tout droit
sortie d’une boule à neige aussi kitsch que
délicieux. Chose marrante à noter, cette
fois-ci Cindy Lou fait partie d’une famille
monoparentale avec ses deux frères et sa
mère absolument débordée par la situation,
ce qui va d’ailleurs pousser la petite à
kidnapper le Père Noël pour lui demander
un cadeau bien spécial.
d’année. Un joli conte pour les plus jeunes,
déjà un peu plus vu et revu pour les plus
grands mais la magie de l’animation arrive à
faire son effet et le film a au moins la qualité
d’assumer à 100% son côté humoristique
là où le film de 2000 n’a jamais trop su
où se placer (pour au final atterri dans la
catégorie film de Noël kitsch - mais non
moins sympathique pour autant -).
Margaux Maekelberg
«Le Grinch» 2018 aborde finalement
bien moins l’aspect social (le rejet de la
différence) pour célébrer le pur esprit de
Noël et d’amour à l’approche des fêtes de fin
67

68
Robin des bois fait partie de ces figures
culturelles réinterprétées à toutes les sauces
sur grand écran. Il n’est donc guère étonnant
de revoir le fameux archer revenir pour une
nouvelle mouture plus ‘’moderne’’. C’est
en effet Taron ‘’Kingsman’’ Egerton qui
endosse la capuche dans un long-métrage
au visuel plus ‘’sombre’’, moderne mais
surtout plus américain dans sa conception
que britannique. Quand on suit Robin en
croisade, on est dans une imagerie de GIs
œuvrant en Afghanistan avec des arcs plus
proches de la mitrailleuse, le tout dans un
décor rappelant les manœuvres militaires
américaines à l’étranger. Les protestations
populaires reprennent également l’actualité
et des manifestations de mouvements
contemporains. Visuellement, on est donc
dans un raccord actuel avec ce qu’il faut de
trahison historique pour tenter d’accrocher
le spectateur. Le narrateur annonce
clairement un appel à la suspension de
crédulité, déclarant ne pas donner un cours
d’histoire ou une histoire pour enfant.
En cela, le film se rapproche plus d’un
«Batman Begins» que la version Disney. Le
héros est plus communément appelé Hood
et agit tel le Caped Crusader. Cela semble
logique au vu de l’inspiration de l’archer sur
l’homme chauve-souris mais il est difficile
de ne pas y voir une tentative visuelle de
reprendre le succès des Batman de Nolan,
avec un ton plus ‘’réaliste’’ jouant en sa
défaveur. C’est pourtant dommageable tant
le film a des idées thématiques posées sans
être concrètement exploitées : ce raccord
à l’actualité précédemment évoqué, le
traitement religieux ou encore ce rapport
28/11
ROBIN DE
à l’économie encore une fois lié à une
volonté d’aborder l’histoire par un angle
contemporain. Si les idées sont présentes,
l’application échoue néanmoins à leur
donner plus de substance, ce qui est triste
pour un film qui aurait besoin d’en avoir
plus.
Si dans ses détails, «Robin Hood» intrigue,
il manque de quelque chose de fort d’un
point de vue global. On pense par instants
à la relecture précédente de Ridley Scott
ou encore à l’adaptation du «Roi Arthur»
par Guy Ritchie. Mais une nouvelle fois, la
comparaison n’aide en rien : le réalisateur
d’»Alien» avait au moins une envie
d’ampleur dans ses scènes de batailles
et celui de «Sherlock Holmes» une furie

69
S BOIS
visuelle et énergique qui le distinguait du
tout-venant blockbusteresque avec une
approche fantasy qui aura déplu mais qui
aura eu le mérite d’être tenté (espérons
que son échec soit relativisé dans quelques
années). Ici, tout est calibré pour amener une
nouvelle licence (la fin ne fait que souligner
une envie de suite) et tente de cocher les
cases sans trouver la flamme permettant au
tout de vivre. Et ce n’est pas une mise en
scène peu inventive ou bien trop appuyée
dans certains clichés qui va aider. Un flashback
hallucinatoire joue du gros plan avec
la subtilité des blagues de Cyril Hanouna,
une poursuite en chevaux rappelle le «Ben
Hur» de Timur Bekmambetov et deux plans
montrant une charrette se faire voler sont
DE OTTO BATHURST. AVEC TARON EGERTON,
JAMIE FOXX… 1H56
visiblement filmés avec un autre type de
caméra pour éviter les coûts mais avec un
grain tellement flou qu’il fait amateur.
Que reste-t-il donc de ce «Robin Hood» ?
Un casting qui tente (Ben Mendelsohn
s’amuse autant dans son cliché de méchant
‘’lamentable’’) et des idées de scénario mal
concrétisées. Sans être un divertissement
faisant saigner les yeux, le film est tant
oubliable qu’il donnera plus envie de revoir
d’autres versions de Robin des Bois et ne
devrait rester que de manière éphémère
dans les mémoires de spectateur. Il ne reste
plus qu’à voir s’il saura voler le box-office
pour voir d’autres aventures d’Egerton en
archer…
Liam Debruel

70
Depuis les recettes faramineuses d’«Alice au pays des merveilles»
en 2010 (plus d’un milliard de dollars à travers le monde), Disney
cherche absolument à retrouver la réussite financière du film avec
la relecture de récits populaires. Que ce soit ses adaptations live de
classiques d’animation ou de récits populaires, ces derniers partageant
régulièrement une même atmosphère visuelle que beaucoup qualifient
de kitsch. C’est dans cette dernière catégorie que se range ce «Casse-
Noisette», nouvelle version du ballet de Tchaïkovski remis au goût du
jour par le studio aux grandes oreilles. Et le moins que l’on puisse dire,
c’est que le spectacle est visuellement généreux dans sa production
design colorée. Le film est souvent à la limite de la surcharge mais n’y
tombe jamais, grâce à la maîtrise de Lasse Hallström («Le chocolat») et
Joe Johnston (le trop sous-estimé «Wolfman»). Cela amène à quelques
fulgurances, comme ce plan d’ouverture cherchant à ramener l’enfant
en nous par le biais d’un plan séquence dans les rues d’un Londres
Dickensien. Malheureusement, certains visuels n’ont pas le temps
d’exister, souffrant d’une durée trop courte pour saisir au mieux
l’ampleur du projet.
Au niveau de l’intrigue, celle-ci rappelle également le film de Burton
avec cette même quête initiatique d’une jeune femme qui profitera
de ce voyage dans un autre monde pour avancer dans son deuil
familial et s’affirmer par son indépendance. Mackenzie Foy porte à
merveille son personnage, tout comme le reste du casting. On notera la
prestation de Keira Knightley, dans le ton du film : à la limite du surjeu
et semblant s’amuser dans le personnage haut en couleur de la Fée
Dragée. Malheureusement, rien ne vient réellement retourner l’histoire
du film, même un twist assez prévisible. C’est dans les détails que
l’on notera l’intérêt, notamment une narration de l’histoire des Quatre
Royaumes par le biais d’un ballet. En plus de se rattacher à l’œuvre
de Tchaïkovski (comme un magnifique générique), elle s’avère moteur
d’un certain passé, rattachant la culture à une forme de propagation de
savoirs, ce que l’on oublie régulièrement. Mais par sa nature de vecteur
d’information, elle peut être biaisée, transformée en propagande, ce qui
est également oublié quand on refait face à certaines grandes œuvres.
Le plus dommageable pour le film est d’être sorti beaucoup trop tôt
pour sa nature de conte de Noël familial, ce qui explique le résultat
mitigé qu’il subit au box-office. C’est assez triste car, même s’il n’a
pas les fulgurances surréalistes d’«Alice au pays des merveilles» et sa
suite ou la richesse thématique honorant le septième art du «Monde
fantastique d’Oz» (à réévaluer en urgence), «Casse-Noisette» reste une
friandise hivernale assez sympathique pour les fêtes de fin d’année qui
arrive à rappeler l’émerveillement du ballet original.
Liam Debruel

71
28/11
CASSE-NOISETTE
ET LES 4 ROYAUMES
DE LASSE HALLSTRÖM, JOE JOHNSTON. AVEC
MACKENZIE FOY, KEIRA KNIGHTLEY… 1H40

72CRITIQ

73
UES
DECEMBRE

74
L’adoption, l’affiliation, la recherche de ses
racines est probablement l’un des thèmes
les plus abordés au cinéma que ce soit à
travers les films pour enfants («Tarzan», «Le
Livre de la jungle»), les blockbusters («Man
of steel») ou dans le cinéma français avec les
récents «Ma vie de courgette», «Il a déjà tes
yeux» ou encore «Comment j’ai rencontré
mon père». Mais là où la caméra s’est
toujours placée du côté de l’adopté, de ses
ressentis, de son parcours initiatique pour
retrouver ses racines et pouvoir s’accepter,
Jeanne Herry prend le contre-pied en posant
sa caméra du côté de la petite fourmilière
qui entoure le nouveau-né de son état de
nourrisson à celui de pupille de l’État jusqu’à
devenir ‘’fil.le.s de’’. Un oeil nouveau sur
un système plus complexe qu’il n’y paraît
mais aussi une incroyable aventure humaine
où s’entrechoque les sentiments ls plus
extrêmes.
Selon l’INED (Institut National d’Études
Démographiques), ce sont entre 600 et 700
femmes qui décident de donner naissance
sous X. À partir de ce moment-là, tout un
processus aussi complexe qu’il peut être
éprouvant se met en place. Nombreuses
sont les personnes qui gravitent autour de
ce nouveau-né pour combler le manque
maternel et lui trouver un foyer. De ce
constat, Jeanne Herry en tire un film en
forme de véritable leçon de vie, d’espoir et
d’amour. À la lisière du documentaire sans
jamais tomber dans un formalisme absolu,
«Pupille» met brillamment en avant toute
une galerie de personnage ayant chacun un
rôle clé en passant de la mère biologique,
à la psychologue accompagnant la jeune
femme ou encore l’assistant familial chez
lequel est confié le nouveau-né durant la
PUPI
période de rétractation. Mais loin d’idéaliser
pour autant cette situation, le film nous met
face à bien des réalités plus dures les unes
que les autres que ce soit le moment où la
mère abandonne son bébé - et lui dit (ou
non) au revoir -, les premières semaines
difficiles pour le bébé, le travail titanesque
de l’assistant familial, les travailleurs sociaux
qui remuent ciel et terre pour lui trouver la
bonne famille ou encore le long combat
d’Elodie pour devenir mère.
Chacun traverse des épreuves à leur façon
et entre deux caresses emplies d’amour, la
réalisatrice n’hésite pas à nous mettre un
petite claque pour nous réveiller, comme
pour nous dire «Eh oh tout n’est pas rose
lors du processus d’adoption» même si les

05/12
LLE
DE JEANNE HERRY. AVEC SANDRINE KIBERLAIN, GILLES LELLOUCHE... 1H55
efforts et les obstacles en valent largement
la peine. Le film nous rappelle la souffrance
que peut provoquer l’adoption, les échecs
à répétions, ces couples dont l’adoption est
refusée car comme l’explique l’assistante
sociale Lydie (jouée à merveille par Olivia
Côte) face à un couple en attente d’une
approbation; ils ne sont pas là pour chercher
un couple qui a besoin d’un enfant mais un
couple capable de devenir parents.
Rassemblant un casting de charme entre
Sandrine Kiberlain (avec qui elle avait déjà
travaillé sur «Elle l’adore»), l’émouvante
Elodie Bouchez et - plus surprenant - Gilles
Lellouche aux antipodes des rôles qu’on
a pu lui connaître jusque là, «Pupille»
déborde véritablement d’amour et de
bienveillance. D’une pudeur sans pareille,
la caméra effleure, capture furtivement des
moments de complicité, de colère, de rage et
d’émotion purs (un plan sur Gilles Lellouche
pendant une demie-seconde et vous vous
retrouvez complètement chamboulé.e)
sans jamais tomber dans le pathos du
drame ni l’académisme du documentaire,
Jeanne Herry fait de son «Pupille» un
sublime film qui vise en plein coeur. On
ne s’attendait pas forcément à cette claque
en fin d’année et encore moins dans le
paysage cinématographique français mais
honnêtement on est loin de s’en plaindre.
Margaux Maekelberg
75

05/12
ASSASSINATION N
76
Avec une carrière plutôt discrète commencée
en 2011 avec le très sympathique (et déjà
irrévérencieux) «Another Happy Day», Sam
Levinson n’a été aperçu qu’en 2009 en tant
qu’acteur dans «Stoic» et scénariste de «The
Wizard of lies» l’année dernière avant de
revenir en force en cette fin d’année avec
son second long-métrage «Assassination
Nation». Rendez-vous dans la ville de
Salem - le choix est loin d’être anodin et on
le comprendra assez rapidement - où l’on
suit les tribulations de Lily et ses meilleurs
amies Bex, Em et Sarah alors qu’elles doivent
échapper à toute une ville qui ne souhaite
qu’une seule chose : leur mort alors qu’ils sont
certains que Lily est la hackeuse qui a posté
sur le net toutes les informations privées de la
ville. Véritable chasse aux sorcières version
2018, «Assassination Nation» reprend les
éléments qui avaient conduit à l’exécution
d’une vingtaine d’habitants de Salem il
y a 326 ans - dénonciation, calomnie,
mensonges et violence exacerbées - pour
les réintroduire dans un contexte beaucoup
plus moderne où la technologie a pris le pas
et que le concept de vie privée ne tient plus
qu’à un fil.
Les habitants découvrent que leur maire a
de drôles de tendances sexuelles, que leur
mari n’est peut-être pas celui pour qui il
se fait passer et que la gentille fille qu’ils
avaient élevé dans la traduction catholique
n’est pas aussi prude que ça…
Mais au-delà de ce petit jeu morbide pour
découvrir qui a fait ça et connaître les
secrets les mieux gardés de ses voisins,
Sam Levinson pose un regard intelligent
et soulève de vraies questions dans une
société où tout repose sur le paraître et où
n’importe quelle photo, vidéo ou parole
peut-être mal interprétée. Le proviseur du
lycée est-il réellement pédophile parce qu’il

ATION
DE SAM LEVINSON. AVEC ODESSA YOUNG, SUKI WATERHOUSE... 1H48
a une photo de sa fille nue à six ans alors
que certains parents affichent fièrement sur
leur cheminée une photo de leur propre fille
nue lorsqu’elle était petite ?
En parallèle de ces réseaux sociaux qui
dirige notre quotidien, le réalisateur fait
surtout - et avant tout - un portrait de jeunes
filles à l’aube d’être des femmes coincées
dans un patriarcat encore malheureusement
bien présent que ce soit du regard du père
ou du petit-ami ou de n’importe quelle
force masculine supérieure toujours prête à
dicter aux femmes ce qu’elles doivent dire
ou penser, encore plus dans une société
sur-sexualisée par notamment ces dits
réseaux sociaux. Inspiré par les «Subekan»,
Sam Levinson ne lésine pas sur la violence
accrue et l’hémoglobine autant pour
choquer que pour faire prendre conscience
du monde dans lequel on vit, dans lequel
les coups ont remplacé la parole. Véritables
héroïnes badass, Lily, Em, Bex et Sarah
sont des ambassadrices de choc pour les
mouvements #MeToo… avec une furieuse
envie de s’en sortir.
Visuellement, Sam Levinson nous offre
un plaidoyer pop, coloré et absolument
surexcité, miroir de notre monde actuel et
même si le réalisateur veut nous proposer
un constat de la société américaine, force
est de constater que «Assassination Nation»
se fait surtout le miroir d’un monde régit par
la force du net, quitte à ce qu’on en perde
notre propre capacité de réflexion.
Margaux Maekelberg
77

05/12
ASTÉRIX ET LE SECRET
DE LA POTION MAGIQUE
DE LOUIS CLICHY, ALEXANDRE ASTIER. AVEC LES VOIX DE
CHRISTIAN CLAVIER, ALEX LUTZ... 1H25
78
Panomarix, le druide du village le plus
célèbre de toute la Gaule (le seul qu’on
connaît en vrai), se fait vieux. Il décide
donc de partir en quête d’un successeur,
malgré les plaintes et les critiques de ses
camarades. Cependant son rival et ancien
ami, un terrible druide déchu, apprend
cette nouvelle et tente d’en profiter pour se
venger...
Après avoir adapté à leur sauce «Le
Domaine des Dieux», et rencontré un franc
succès critique et commercial, la paire
Louis Clichy et Alexandre Astier remet
le couvert (sauce, couvert, je dois avoir
sacrément faim en écrivant ce texte) et
passe aux choses compliquées : inventer
sans pouvoir se reposer directement sur
l’oeuvre d’Uderzo et de Goscinny. Dans
ce genre de projet facilement casse-gueule,
il faut immédiatement s’interroger sur la
dichotomie tradition/trahison : comment
respecter l’esprit et les codes d’»Astérix»
tout en insufflant (modestement ou non) sa
propre identité dans le film ?
Là-dessus, «Le Secret de la Potion magique»
est dans la continuité du volet précédent ;
Louis Clichy installe une animation à la fois
fluide et dynamique, à mi-chemin entre
les «Hôtel Transylvanie» de Tartakovsky
et les esthétiques léchées des productions
Dreamworks. La lumière du nouvel «Astérix»
est d’ailleurs sublime ; je n’ai pas de choses
particulières à dire sur ce sujet, je voulais
simplement préciser que la lumière déchire,
qu’est-ce que tu vas faire me baisser ma note
de dissertation ? Je m’en fous ! Vas-y metsmoi
un mot dans mon carnet, fais-toi plaisir
là tu sais pas qui je suis j’ai peur de rien !
Aherm.
Quant à Alexandre Astier, qui a imaginé
cette histoire et co-écrit les dialogues avec
Louis Clichy, il ramène encore une fois son
esprit «Kaamelott», en l’assumant to-tale-ment.
On retrouve ces échanges plein

79
d’humour qui sont dans la
veine de son idole Michel
Audiard, sans les grossièretés
évidemment : il faut que
les enfants puissent rire
sainement. Les personnages
ont tous leur moment de
gloire; des personnages qui
sont d’ailleurs extrêmement
nombreux ! Comme quoi
les règles d’écriture de
chez Pixar*, faut croire
qu’Astier se torche avec... Et
c’est pas plus mal. Le plus
surprenant est sans doute le
rôle important donné à une
petite gamine très inventive,
dont l’apparition permet aux
réalisateurs de s’attaquer à
l’exclusion des femmes dans
les cercles de pouvoir. Une
position surprenante quand
on se souvient qu’Astier
s’était tristement illustré
sur Twitter il y a quelques
temps en s’en prenant à
une femme qui se plaignait
(à raison) du machisme
de sa série «Kaamelott»…
Mais en même temps, le
type a récemment parrainé
et participé au montage du
court métrage d’une de mes
meilleures amies, et était
apparemment une crème
absolue, donc que faut-il
penser de lui ? La réponse,
pour ma part est : je m’en
fous. Ce choix narratif est
très bienvenu dans ce film,
tout comme il est intelligent
de débattre des problèmes
sexistes de l’œuvre d’Astier.
Après, on peut aussi penser
que je fais cette digression
simplement pour parler de
mon amie et recommander
son excellent court-métrage
(ça s’appelle «Gris», faut
le voir). Qui sait ? Et puis
au moins, je fais mousser
quelqu’un d’autre, pas moi.
C’est pas comme si je disais
que le doubleur du méchant
du film, Daniel Mesguich,
avait supervisé un défilé
de mode au Conservatoire
National d’Art Dramatique
mis en scène par ma
personne... Là ce serait
totalement égocentrique de
ma part.
Une histoire originale donc,
une patte Clichy, une autre
Astier... Mais est-ce que
cela ressemble vraiment
à «Astérix» ? La bande
dessinée a toujours été un
savant mélange d’humour
enfantin, d’érudition à peine
déguisée, et de jeu d’échos
avec la culture populaire
contemporaine, donc...
Oui. Dans l’esprit, c’est
exactement ça. Les bastons et
autres chutes rigolotes pour
les enfants sont présentes,
on peut cocher la case. Le
côté érudit est tout à fait
rempli puisqu’on s’appuie
sur un élément central de la
culture celte : le mystère qui
entoure les druides. En effet
comme le souligne le film,
non sans humour d’ailleurs,
les civilisations celtes
étaient principalement
orales ce qui fait que
beaucoup d’informations
sur eux sont mal ou peu
connues. Le druide n’est
finalement connu que grâce
aux textes des historiens
romains, c’est ce qui permet
cette fascination autour de
ses connaissances. Donc
la partie savante, on peut
aussi cocher la case. Enfin,
pour ce qui est de la culture
contemporaine... C’est peutêtre
là que le film va diviser.
Voire déplaire à certains ou
certaines. Les influences de
Louis Clichy et Alexandre
Astier sont très visibles : on
y voit du «Star Wars» dans
la mystique des druides
et dans les oppositions
idéologiques. Cela se ressent
même dans la musique,
qui vient chatouiller les
mélodies de John Williams
sans trop s’en rapprocher.
On y voit également du
Marvel, notamment des
références ultra évidentes à
«Thor Ragnarok», et enfin
une influence de la culture
anime/manga que je ne
veux pas développer car
sinon ce serait spoiler. Donc
une approche de la culture
populaire dont la modernité
pourra faire sortir du film
une partie des spectateurs.
En cela, le nouveau film
d’Astérix est sans doute
moins réussi que l’opus
précédent ; pourtant, c’est
précisément cela qui le rend
plus intéressant.
*Si vous ne connaissez pas,
y a qu’à googler les amis.
Captain Jim

13/12
THE HAPPY PRINCE
80
DE RUPERT EVERETT. AVEC RUPERT EVERETT, COLIN FIRTH... 1H46

81
La carrière de Rupert Everett n’est plus à faire. Grande figure
des années 80 et 90, le bonhomme a perdu peu à peu sa
place à Hollywood par la suite (à cause de son homosexualité
?) pour s’illustrer du côté du théâtre et du petit écran. En
cette fin d’année, l’acteur endosse un nouveau rôle en tant
que réalisateur pour «The Happy Prince» qui raconte les
dernières années de la vie du célèbre écrivain Oscar Wilde.
Au sommet de son talent et de sa popularité, Oscar Wilde
se retrouve du jour au lendemain au plus bas de l’échelle
sociale alors qu’il a été condamné à la prison pour
son homosexualité. Sans un sou et renié par la société
londonienne, Oscar Wilde vit ses dernières années dans
l’indifférence la plus totale. Lui reste une poignée d’amis
fidèles et une bande de gamins des rues qui le suit partout
mais malgré un morale et une santé au plus bas, Oscar Wilde
n’a rien perdu de sa splendeur et de son esprit imaginatif.
Personnage important pour Rupert Everett - qu’il a déjà
interprété plusieurs fois au théâtre et sur grand écran -, c’est
presque naturellement que l’acteur est entré dans ses bottes
avec, il va sans dire, une aisance et un naturel incroyable.
Absolument habité par la miséricorde de son personnage,
Rupert Everett prête à merveille son visage à cet écrivain
déchu. Tendre dans sa narration sans jamais cacher les
folles moeurs de son personnage, Rupert Everett conte avec
brio ces dernières années de sa vie - pour la première fois
amenées à l’écran il faut le noter -. Entouré de seconds
couteaux de taille dont le formidable Colin Firth, «The
Happy Prince» transpire l’admiration qu’a son réalisateur
pour ce personnage pour qui la vie fût loin d’être facile et
juste avec.
Margaux Maekelberg

82
26/12
UNFRIENDED :
DARK WEB
Alors que le débat sur la place de l’écran
au cinéma fait toujours autant rage suite
au succès de la plateforme Netflix, il est
intéressant d’inclure les « Unfriended » dans
ce questionnement et de les analyser par ce
biais. Le point commun entre le volet original
sorti en 2015 et ce « Dark Web » est en effet
qu’ils font se dérouler leurs histoires sur des
écrans d’ordinateur. Mais là où le premier
partait dans le surnaturel sous influence des
fantômes japonais comme dévoilé par un
jump scare final se raccrochant à «Ring», ce
dernier se raccroche à une forme d’horreur
plus réaliste en abordant le fameux Dark
Web. Ici, un jeune homme se retrouve en
possession d’un ordinateur contenant des
dossiers compromettants qui vont mettre sa
vie et celle de ses amis en danger.
Menace plus crédible donc tout en étant
rattaché au visuel d’ordinateur, « Unfriended
Dark Web » cherche à prolonger certaines
réflexions du premier film en bifurquant
thématiquement. Le genre horrifique se
fait plus passif (il suffit de comparer les fins
des deux volets) et remet le spectateur dans
son rôle face au film. La passivité d’action
engage une interrogation sur notre statut
de voyeur, aussi bien face aux événements
qu’aux réseaux sociaux (bien que ceux-ci ont
une place moindre par rapport à la tragédie
précédente). Ce statut voyeuriste se fait
plus crédible lors d’un visionnage sur écran
d’ordinateur, le biais cinématographique
rapprochant l’aspect fictif du récit tout

83
DE STEPHEN SUSCO. AVEC COLIN WOODELL, BETTY GABRIEL... 1H33
en retransformant l’œuvre en expérience
collective, là où un écran plus petit replace
l’individualisme du visionnage.
Concernant le fond du film en lui-même,
il ne profite guère plus de sa forme que
dans les thématiques exprimées plus haut
et peut-être amenées involontairement.
Le tout souffre en effet de protagonistes
reconnaissables mais n’amenant que peu
d’empathie, malgré un casting assez crédible.
Sans user d’effets de styles trop voyants, la
mise en scène ne joue que sur la nature des
écrans et profite assez peu de son principe
de base, le renversant maladroitement à
la fin là où le final précédent pouvait être
plus loin que le simple jump scare pour
se rattacher aux questionnements sur la
nature possessive de l’écran, et ce même
dans son aspect fictionnel. Le point le plus
touchant concerne le couple établi entre
le personnage principal et sa copine, en
manque de communication suite au non
apprentissage du premier de la langue des
signes. L’absence de compréhension totale
entre les deux amène une interrogation par
rapport à notre manière d’appréhender la
communication même, sachant que l’on
accuse généralement la technologie d’en
être responsable (augmentant sa rapidité
de transmission et donc sa faillibilité) alors
qu’elle permet d’améliorer aussi celle-ci (cf
l’application du héros).
S’il souffre de ficelles narratives assez
visibles et d’un concept jamais abouti
totalement, « Unfriended Dark Web »
est assez ludique, offrant un visionnage
assez sympathique et divertissant, tout en
amenant par sa forme de l’eau au moulin
sur le débat du ressentiment éprouvé face
à des œuvres cinématographiques selon
l’amplitude de l’écran. Vaut-il mieux voir
ce film sur grand écran là où son concept
le rattache à une visibilité plus restreinte et
plus personnalisée qu’une expérience salle
pourrait remettre en question ? C’est à vous
de trancher.
Liam Debruel

84
travis knight
SELF MADE
ARTIST ?

85
Passer d’un film en stop motion aux
ambitions aussi intimes qu’épiques à un
spin-off de «Transformers» n’est pas le plan
de carrière le plus évident qui soit. Mais
Travis Knight est loin d’être un homme
évident à aborder.
Dans le numéro 57 de Cinema Teaser,
Aurélien Allin terminait sa critique de
«Kubo et l’armure magique» en le décrivant
comme «une déclaration d’amour de Knight
à son Art et à son studio qui permet à celuici
de s’épanouir définitivement». De quoi
bien résumer l’ambition d’un homme qui
a cherché en créant les studios Laika à
remettre en avant l’art de la stop motion et
du cinéma d’animation en général. Plus loin
dans le magazine, Travis Knight explicite
plus la question : « Depuis le tout début de
Laika, quand nous avons commencé il y a
environ dix ans, nous avons établi ce qui
me semble un but simple : faire des films
qui comptent. Fabriquer des films qui ont
du sens, de l’audace, qui sont singuliers
et qui révolutionneraient l’animation ».
Fils du président de Nike, Knight est la
tête pensante du studio d’animation mais
également un animateur comme un autre
afin d’appréhender au mieux les techniques
relatives à la stop motion. En quatre longsmétrages,
Laika s’est établi comme un maître
dans le domaine, au même rang que Ghibli,
Disney, Pixar et Aardman.
Il aura fallu néanmoins attendre qu’il
ait travaillé sur « Coraline », « L’étrange
pouvoir de Norman » et « Les Boxtrolls »
pour que Knight franchisse le pas de la
mise en scène avec « Kubo et l’armure
magique », récit initiatique d’un jeune
garçon borgne à la recherche d’une
armure magique pouvant le protéger des
conséquences d’un drame familial aux
proportions mythiques. Reprenant les bases
du monomythe Campbellien, « Kubo » est
une ode sensitive comme on n’en vit que
trop rarement sur grand écran ainsi qu’un
modèle d’un cinéma familial trop souvent
conspué et réduit à des produits aliénants.
Mais, comme déclaré plus haut, c’est aussi
une déclaration d’amour à l’art, sachant
que Kubo anime des personnages de papier
« C’est un artiste, un storyteller, un musicien
et un animateur si on y réfléchit bien. Il y a
un moment où tout s’est éclairé : « Oh mon
dieu, ce garçon, c’est moi ! » ».
Difficile en effet de ne pas y reconnaitre
Knight, qui déverse dans le film ses
inspirations et son amour pour le cinéma
de Kurosawa qu’il n’hésite pas à convoquer
visuellement. On est loin néanmoins de
la référence méta et facile, mais plutôt
dans la construction d’un univers différent,
limpide à l’écran alors qu’il y aurait recours
à diverses explicitations historiques. C’est
ce qui différencie l’univers des productions
Laika, créant des mondes nouveaux ou
instaurant des situations particulières et
ésotériques en mettant plus en avant la
narration visuelle qu’orale afin de ne pas se
surcharger. L’aspect technologique n’est pas
mis de côté, le studio étant connu dans ce
domaine (et même critiqué pour son usage
d’imprimantes 3D et d’animation numérique
concernant certains personnages d’arrièreplan).
C’est pour les besoins du film qu’ont
été créées aussi bien la plus grande figurine
en stop motion (un squelette de 5 mètres,
hommage au maître Ray Harryhausen) que
la plus petite, origami d’un samouraï. Mais
ces innovations sont au service de l’histoire,

86
telle cette vague numérique inaugurant le
film avec émerveillement et détresse. De
quoi souligner encore plus la première
réplique de Kubo : « Si vous devez cligner
des yeux, faites-le maintenant ». Au vu
de l’ampleur visuelle du film et du travail
titanesque derrière, en manquer le moindre
plan relève du gâchis.
Il est donc dès lors compliqué de ne pas
parler de chef d’œuvre concernant « Kubo
et l’armure magique », quintessence de
poésie et de stop motion remettant le récit
d’aventure épique dans des proportions
aussi bien micro que macroscopiques, le
tout ouvrant à assez de lectures pour nourrir
un véritable travail littéraire de plusieurs
dizaines de pages (ce à quoi l’auteur de
ces lignes s’attaque, mais c’est une autre
histoire). Il est alors surprenant de voir Travis
Knight s’engager sur « Bumblebee », spinoff
de la saga Transformers. Le producteur
Lorenzo Di Bonaventura explique : « Nous
avons engagé Travis Knight en connaissance
de cause. C’est un réalisateur très particulier.
(…) les gens veulent toujours quelque chose
de différent, donc maintenons-les intéressés
! Ils auront donc quelque chose de plus
émotionnel, de plus complexe. Une petite
histoire, en termes de lieux, en termes de
narration. Cela me rappelle d’ailleurs le
Géant de Fer, film que j’ai produit chez
Warner Bros, dans le sens où c’est restreint,
mais pas tout petit. » L’échelle des valeurs
sentimentales semble donc cohérente,

87
l’action du film se déroule 30 ans avant
le premier opus, cela nous a permis de
retravailler leur design. Je rends ici hommage
à la première génération de Transformers.
Cela va sûrement plaire aux fans puisqu’il y
a pas mal de références. » Son passage entre
animation et prises de vues réelles, déjà
effectué par d’autres grands noms comme
Brad Bird, s’avèrerait plus nuancé que prévu
grâce aux effets numériques donnant vie à
Bumblebee : « Il n’est pas un personnage
vivant, c’est grâce à la CGI qu’on lui donne
vie. Et c’est l’une de mes spécialités. Grâce à
mes 20 ans d’expérience dans le milieu, j’ai
acquis une certaine vision dans la manière
de rendre humain un personnage qui ne
l’est pas. C’est ce dont je suis le plus fier
avec ce film : nous avons fait de Bumblebee
un être humain, avec une âme. »
aussi bien par rapport à Kubo qu’aux autres
œuvres du studio sur lesquelles Knight a
œuvré en tant qu’animateur.
Dans les interviews sur le sujet, Knight dévoile
ses ambitions avec une nature de fan qu’il
ne renie pas : « J’ai grandi en regardant les
dessins animés Transformers, en jouant avec
puis ensuite en lisant les bandes dessinées.
Je veux leur rendre hommage, à ma façon.
Et j’espère avoir capturé leur essence avec
ce film qui, je l’espère va émerveiller et
apporter de la joie. Car c’est ce qu’ils m’ont
apporté dans mon enfance. J’ai souhaité
faire un film d’action plein d’humanité et de
chaleur. » La touche rétro dans les visuels
est d’ailleurs confirmée : « Étant donné que
Une créature numérique qui serait
vectrice essentiellement d’émotions ? C’est
l’ambition que se donne le film, au vu des
premières bandes annonces plus proches
d’un style Amblin qu’à la destruction
porn de Michael Bay. On y parle plus de
connexion entre un extraterrestre et une
jeune femme que de véritable blockbuster
explosif, bien que Knight déclare : « L’une
des choses qui m’importait le plus était de
trouver un équilibre entre l’explosion et
l’émotion, ce qui je l’espère va attirer les
spectateurs ». Nous espérons la même chose
pour lui, surtout si le film arrive à retrouver,
ne serait-ce qu’un instant, la sensibilité
lyrique de Kubo. Rien que cela est un défi
en soi, permettant peut-être de détruire la
formule du divertissement lambda avec ce
qu’il faut de cœur et d’émotions pour se
démarquer de la concurrence. Ou comment
créer une attente pour un dérivé de saga
souvent conspuée par les critiques grâce à
la personnalité de son metteur en scène…
Liam Debruel

88
SUSPIRIA :
La maison
au Paon
Dario Argento débute sa carrière en 1970, et s’illustre tout
de suite dans un genre qu’il aidera à populariser : le giallo.
Sorte de « série noire » à l’italienne, l’horreur et l’érotisme
en plus, le giallo (« jaune » en italien) tire son nom d’une
collection de romans policiers dont les couvertures étaient de
couleur jaune. Son premier film, « L’oiseau au plumage de
cristal » entame sa trilogie animalière. Suivront ensuite « Le
chat à neuf queues » et « Quatre mouches de velours gris ». En
1975, il signe le giallo ultime, avec « Profondo Rosso », une
itération horrifique de « Blow up » d’Antonioni, et questionne
notre rapport aux images. Deux ans après sort le premier volet
de la trilogie des Mères, un chef-d’oeuvre baroque de poésie et
de violence : « Suspiria ». Cette première incursion d’Argento
dans le fantastique pur prouve à ceux qui ne voulaient pas
l’admettre que le réalisateur est avant tout un cinéaste de la
métaphysique.

89
Le scénario du film est co-écrit par Daria
Nicolodi, qu’on avait vu donner la réplique
à David Hemmings dans « Profondo Rosso
». L’idée de l’école de danse vient d’elle et
plus particulièrement de souvenirs de sa
grand-mère, la pianiste Yvonne Müller Loeb
Casella. Cette dernière aurait raconté à sa
petite fille qu’elle s’était enfuie d’une école
de piano en Suisse après avoir découvert
qu’on y enseignait la magie noire. «
Suspiria » est un film où quelques figures
de l’occultisme seront invoquées. Helena
Blavatsky a servi de base pour la création du
personnage d’Helena Markos et les phrases
écrites en différentes langues dans le couloir
jaune de la fin viennent d’un livre d’Eliphas
Levy.
Le film s’inspire des Ladies of Sorrow, dans
un chapitre du livre « Suspiria de Profundis
» de Thomas de Quincey. Ces femmes sont
décrites par l’auteur anglais comme trois
sœurs funestes, Mater Suspirorum, Mater
Lacrimarum et Mater Tenebrarum. S’il
n’est fait aucune mention de ces figures
inquiétantes dans « Suspiria », elles seront
citées dans « Inferno », le deuxième volet de
la trilogie des Mères. Au regard des éléments
présents dans ce premier volet, « La Maison
de l’alchimiste », œuvre inachevée de Gustav
Meyrink, aurait pu également servir de base
à la rédaction du scénario de « Suspiria ».
L’auteur n’a écrit que trois chapitres, mais
dans les nombreuses notes qu’il a laissé
pour la suite, on trouve deux éléments qui
se retrouvent dans le film d’Argento. Le
premier est le pouvoir du genius loci, de
l’utilisation du pouvoir d’un lieu pour la
métamorphose et la transmutation d’une
âme, le second, plus discret dans « Suspiria
», est le symbole du paon.

90
« La Maison de l’alchimiste » se passe
à Prague au début du 20ème siècle, et
raconte la vie au sein d’un café situé dans
l’ancienne maison du défunt alchimiste
Günsthöver. Cette demeure accueille des
danseurs turcs, des derviches tourneurs
ainsi que des acteurs et actrices puisque
au dessus du café se trouve les locaux
d’une société de production de cinéma.
L’histoire est centrée sur un personnage
emblématique du café, le Dr Ismael
Steen. Cynique et désabusé, le docteur
use de son charme pour la psychanalyse,
son domaine de prédilection. Là où un
analyste soignerait ses patients, lui dans
sa détestation de l’humanité se sert de
sa science à la limite du fantastique pour
susciter chez ses victimes des « complexes
», des troubles psychiques. Dans les notes
que Meyrink a laissé, on ne sait jamais
d’où vient le réel pouvoir du Dr Steen.
L’auteur laisse grandement supposer que
le docteur tire ses facultés de l’esprit de
l’alchimiste Günsthöver qui hante les lieux
et dont l’empreinte dans les murs ont une
influence sur Steen. Dans les chapitres
achevés, il est dit « Günsthöver à vous
écouter n’aurait pas transmuté des métaux
mais... des êtres humains ! ».
La danse enivrante, les troubles psychiques et la transmutation des êtres
humains, tout ça se retrouve dans « Suspiria ». Suzy Banner, jeune danseuse
américaine, se rend à la prestigieuse académie de danse de Fribourg en
Allemagne afin de perfectionner sa technique. A son arrivée par une nuit
d’orage, elle croise Pat, une ancienne élève, s’enfuyant de l’académie. Elle sera
sauvagement assassinée le soir-même. Suzy est vite troublée par des éléments
étranges se déroulant dans l’école. En effet, des figures inquiétantes semblent
vivrent dans ses murs. Dans le film, peu après son arrivée à l’académie, Suzy
arpente les couloirs pour aller rejoindre son premier cours. Elle suit un groupe
d’élèves qui disparaît derrière un mur. Dans ce corridor immense, l’étudiante
se retrouve seule, avançant sous le regard déroutant d’un garçon aux vêtements
anachroniques et de la cuisinière de l’école. Cette dernière lustre un objet

91
qu’on prend d’abord pour de la vaisselle
mais se révèle être une sorte de talisman,
dont une lumière jaillit et vient éblouir le
visage de Suzy. L’enfant arbore un sourire
malfaisant tandis que la jeune femme vacille.
Et lors de son premier cours de danse, elle
se sent mal et finit par s’évanouir. A partir de
ce moment, le personnage de Suzy sera «
transmutée », transformée en Pat, l’étudiante
qu’on a vu s’enfuir sous la pluie le premier
soir. L’américaine va être changée de
chambre pour intégrer celle qu’occupait la
défunte, avoir la même meilleure amie que
celle-ci, et charmer le même garçon. Elle
suivra la même trajectoire, de sa rencontre
avec le psychanalyste Frank Mandel à la
découverte du secret derrière la porte à
l’iris bleu, mais avec une fin moins funeste.
C’est dans ce couloir que Suzy commence
sa métamorphose. Il faut s’intéresser aux
couleurs de ce corridor. Des murs de
velours rouges, des portes de bois noirs et
de fins rideaux blancs. Le rouge, le noir,
le blanc, les trois couleurs de l’alchimie,
servent ici non pas à changer du plomb en
or, mais à pervertir, à changer les âmes. En
remontant le couloir jaune, à la fin, un plan
montre Suzy avec écrit en gros au-dessus
d’elle « METAMORPHOSIS ». A la manière
de la maison de l’alchimiste dans le roman
inachevé de Meyrink, l’école exerce une
influence sur les âmes qui y vivent.
Cette scène est aussi la note d’intention du
film. Si le personnage est « changé » en un
autre, c’est par une lumière blanche. Elle est
détournée de sa symbolique positive pour
adopter un caractère malfaisant. Et c’est
tout le sous-texte du film, la transmutation,
la perversion des symboles. « Suspiria » est
jalonné d’éléments dont la symbolique est
détournée. Dans la scène du début où Pat
se retrouve seule dans la salle de bain, on
trouve une référence à la « Naissance de
Vénus » de Botticelli. Les teintes de la pièce
et ses décorations de coquilles Saint-Jacques
rappellent le tableau, mais la séquence finit
par une mort brutale. Quand le pianiste est
tué par son chien, les sculptures de muses
sur les temples deviennent effrayantes et
inspirent la crainte, de même que la sculpture
d’aigle éclairée par en dessous ressemble

92
à Baphomet, une figure démoniaque.
Madame Blanc sert les forces obscures.
L’iris, symbole de bonnes nouvelles et de
confiance, sert de cadenas au monde des
sorcières. Quand Suzy utilise le passage
secret, elle arrive dans le repère d’Helena
Markos. Ici, le voile tombe et l’héroïne voit
les coulisses de la réalité, un arrière monde.
C’est la première fois du film que Madame
Blanc porte du noir. Elle est habillée d’une
robe qui évoque une tenue d’initié. Ce
détail peut paraître grossier, mais il sert à
la compréhension de la scène. C’est depuis
ce repère secret que les symboles sont
altérés. Helena Markos a été inspirée par
Helena Blavatsky, dite Madame Blavatsky,
une grande figure de l’occultisme de la fin
du 19ème siècle dont la pensée a influencé
énormément de personnes à travers le
monde. Elle a fondé à New-York en 1875 la
Société Théosophique, une école de pensée
basée sur des connaissances supposées
ancestrales. René Guenon, intellectuel et
symboliste français, est très critique envers
l’organisation de Madame Blavatsky. Dans
son ouvrage « Le Théosophisme, histoire
d’une pseudo-religion », l’auteur veut
démontrer que « les doctrines propagées
par la Société Théosophique reflètent des
conceptions purement occidentales, bien
souvent modernes ». Un détournement des
symboles en somme. De ce point de vue,
Helena Markos/Blavatsky est un antagoniste
parfaitement choisi.

93
Dans « La Maison de l’alchimiste »,
l’ancienne demeure de Günsthöver possède
une sculpture de paon sur le fronton. Dans
les notes que Gustav Meyrink a laissé, on
apprend que cette sculpture fait référence à
l’Ange paon Melek Taus, une figure centrale
de la religion Yézidi (un personnage
important du livre se révélera d’ailleurs être
un Yézidi). La nature de cet ange est soumise
à une interprétation lourde de conséquence.
Pour ses adeptes, c’est une émanation
de la divinité, mais pour les chrétiens et
les musulmans, l’histoire de l’Ange paon
rappelle l’histoire d’un autre ange déchu,
Satan, ce qui mènera à la persécution et
le massacre des Yézidi à travers l’histoire.
Dans « Suspiria », quand Suzy arrive
dans la chambre d’Helena Markos, elle
se retrouve devant une statue de paon.
Pacôme Thiellement écrit dans son essai sur
le film : « A travers cette statue de l’Ange-
Paon, c’est l’une des craintes principales
des occidentaux du 20ème siècle qui
s’exprime : celle qu’il existerait bel et bien
une tradition millénaire des adorateurs du
diable ». C’est depuis ce nid de sorcières
que sont commandités des assassinats.
Depuis cet endroit, cet arrière monde,
qu’on a changé la nature adorable du chien
de l’aveugle pour la rendre malfaisante. Le
repère agit comme un prisme altérant les
symboles. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard
si l’iris est utilisée pour garder la porte
secrète car dans la mythologie grecque, Iris
était la déesse de l’arc-en-ciel. La nature
positive de ses couleurs est remplacée par

94
celle du paon, qui illumine
le monde de ses lumières
multicolores et deviennent
malfaisantes sous l’influence
d’Helena Markos. Des
théologiens voient une
filiation entre l’Ange-Paon
et Simorgh, l’oiseau sacré
de la mystique perse. Et
certains textes décrivent que
le reflet de l’oiseau dans
un miroir éblouirait jusqu’à
l’aveuglement. Difficile de
ne pas penser à la scène dans
le couloir quand Suzy est
éblouie. A mi-chemin entre
une figure positive, Simorgh,
et une figure négative, Satan,
l’Ange-Paon est une image
neutre dont l’interprétation
est une question de point de
vue. Melek Taus est utilisé
dans le film comme la figure
ultime de l’altération de la
signification des symboles.
Dans sa carrière, Dario
Argento n’a eu de cesse de
questionner les images, et
leur profondeur. Dans son
film précédent, « Profondo
Rosso », le plan final était
un reflet déformé de David
Hemmings, ayant découvert
une 3ème dimension
dans les images, une sorte
d’arrière monde. Dans «
Suspiria », Argento va plus
loin. Il tente de décrypter cet
arrière monde en montrant
le poids qu’il exerce sur la
matérialité et de scruter le
« mundus imaginalis », le
monde imaginal d’Henry
Corbin, ce lieu éthéré d’où
les images influencent le
monde physique. Là où les
post-modernistes utilisent
bêtement les signes jusqu’à
les dévitaliser, Argento lui,
tente d’en comprendre le
sens, et même le sens qu’on
leur donne. C’est là qu’on
voit la nature métaphysique
de son cinéma, car à travers
ses films Dario Argento
cherche à tout prix à
comprendre le réel.
A la fin de « Suspiria », le
visage double de Melek
Taus est encore appuyé
puisqu’Helena Markos est
tuée avec un poignard en
forme de plume de paon.
Le symbole est une dernière
fois détourné. La mort de
la Reine Noire annonce la
destruction du bâtiment.
Et quand, après tous ces
meurtres, après ce voyage
aux confins de la réalité,
Suzy sort de l’académie
sous une pluie battante, elle
sourit enfin, en sachant que
le Mal n’est pas invincible,
et qu’il reste une once
d’espoir. Quand l’héroïne
sort du champ, en laissant
derrière elle l’école dévorée
par les flammes, la célèbre
phrase de Lovecraft pourrait
résonner en point d’orgue
: « N’est pas mort ce qui
à jamais dort, et au long
d’étranges ères peut mourir
même la mort ».
Mehdi Tessier

95

96
fede alvarez
DE RAIMI À
FINCHER

97
On pourrait parler du début de la carrière
d’Alvarez comme l’une de ces sucess story
qu’adore Hollywood. C’est en mettant
en ligne son court-métrage fait maison,
« Ataque de Pánico », que le réalisateur se
fait remarquer. Il aura suffi à cette histoire
d’attaque extraterrestre de passer le cap des
millions de vues pour que le jeune metteur en
scène soit inondé de propositions de la part
des producteurs américains. C’est pourtant
l’offre la plus personnelle qui l’attirera :
s’attaquer à un nouvel «Evil Dead».
« Quand j’étais jeune, j’étais déjà
accro à l’horreur. J’avais vu tous les
Vendredi 13 et les Freddy. Je suis donc
allé chez le (magasin vidéo) le plus
proche et j’ai demandé ce qu’il avait
de plus terrifiant en stock. Il a alors
posé la cassette d’Evil Dead et m’a
demandé de filer le plus vite possible
car je n’avais pas l’âge légal ! Ce que
j’ai vu m’a terrifié au possible »
L’approche d’Alvarez par rapport à cette
relecture fonctionne donc de manière
logique : là où les films de Raimi se sont
orientés vers une horreur plus cartoonesque
avec un gore véhiculant plus l’humour que
l’effroi, Alvarez va choisir une approche
remettant la terreur au centre du récit, bref
à remettre plus en avant les sensations
provoquées par l’histoire qu’un simple
copié-collé de celle-ci.
Pari réussi : «Evil Dead» version 2013
fait partie du haut du panier des remakes
horrifiques récents, ce qui n’était en soi pas
compliqué au vu de certains titres (ah, «Les
Griffes de la nuit» par Samuel Bayer, effrayant
de nullité). Si le film est loin d’être parfait
(notamment vis-à-vis de la caractérisation,
souvent bancale), il faut bien reconnaître
qu’Alvarez a su rappeler le travail de Sam
Raimi tout en se réappropriant le tout avec
assez de style pour offrir une expérience
horrifique graphique comme on aimerait en
voir plus souvent sur grand écran. L’aspect
sombre se reflète dans la nature des Deadites,
transformant leurs victimes par le biais de
blessures qu’ils infligent à eux-mêmes afin de
leur donner un aspect plus démoniaque. La
violence est plus réaliste et tangible, au point
de repousser la classification R (interdiction
aux moins de 17 ans aux États-Unis) le plus
loin possible dans son aspect sanglant. Là où
le découpage du bras d’Ash dans le second
«Evil Dead» était cartoonesque au possible,
conséquence d’un slapstick fulgurant, la
même séquence sera assez insoutenable à
visionner, fruit d’une crédibilité d’effets de
plateaux assez efficace.
Trois ans plus tard, c’est avec un projet
original qu’Alvarez revient, toujours dans
une optique de cinéma de genre (et avec
encore Jane Levy dans le premier rôle)
avec « Don’t breathe ». On y suit trois
jeunes vivant à Détroit et cambriolant des
maisons abandonnées pour subsister dans
une ville en crise. Ils vont alors s’attaquer
à l’habitation d’un aveugle qui disposerait
d’assez d’argent pour pouvoir leur permettre

98
de s’échapper de leur situation précaire.
Malheureusement pour eux, la victime va
très vite dévoiler sa nature de chasseur… Le
metteur en scène uruguayen se replace dans
une forme d’horreur réaliste pour livrer un
thriller qui ressemble plus à « Panic Room »
qu’au « Sous-sol de la peur ». Cela sera
rapidement confirmé par un plan-séquence
qualitatif replaçant le lieu de l’action à
venir tout en annonçant certaines de ses
réjouissances avec un plaisir non feint digne
de David Fincher.
Mais plus qu’une expérimentation visuelle,
«Don’t breathe» est marqué par sa nature de
thriller refusant toute forme de manichéisme
simplet, obligeant les protagonistes à agir
par eux-mêmes sans aide de la police. La
nature importante de l’argent sera également
déviée, confrontant cette motivation comme
principale chez les héros tandis qu’elle est
même tertiaire pour le terrifiant aveugle que
campe un Stephen Lang terrifiant. Tout le
film fait preuve d’une maîtrise totale, même
dans ses aspects les plus ‘repoussants’. La
pluie de sang d’»Evil Dead» laisse place à
quelque chose de plus pernicieux, jouant
moins sur le physique que sur des questions
de norme, notamment par rapport au
traitement des personnages féminins. Faire
à nouveau sa tête de gondole permet à
l’actrice d’exploiter un autre rôle de femme
puissante aux fêlures certaines, héroïne
attachante par son imperfection et aux
motivations économiques compréhensibles.
Il est donc logique qu’Alvarez retrouve ce
genre de figure pour son nouveau film, sans
aucun doute aussi casse-cou que ses deux
œuvres précédentes. Avec « Millénium : Ce
qui ne me tue pas », le réalisateur va devoir
se confronter au volet précédent, mis en
scène par David Fincher. Un défi loin d’être
aisé, surtout au vu des retours peu extatiques
de cet épisode et d’un public circonspect
face à un nouveau changement d’actrice,
Rooney Mara étant remplacée dans le rôle
de Lisbeth par une Claire Foy célébrée

99
depuis « The Crown ». Cela ne semble
pas effrayer plus que ça Alvarez qui a
sa propre vision de Lisbeth Salander,
comme déclaré à Indie Wire : « L’une
des choses que j’estimais devoir faire
(…) était de vraiment faire un film
sur elle » a-t-il déclaré. « Les autres
films ne sont vraiment pas à propos
d’elle. Ils sont racontés du point de
vue d’un homme, du journaliste
Mikael Blomkvist. Il est vraiment le
lien avec le public, il a plus de temps
d’écran tandis qu’elle s’intègre dans
son histoire. » Il continue : « Pour une
icône aussi féminine qu’elle, il était un
peu injuste qu’elle soit présente pour
raconter l’histoire de l’homme dans
le premier, puis dans les deuxième
et troisième. Je me suis dit : « Nous
devons faire un film sur elle. » Elle en
est le centre. Nous avons commencé
l’histoire avec elle et nous la finissons
avec elle. Et oui, Blomkvist est là,
mais pour servir son histoire. (…)
c’était excitant pour moi d’aller faire
un film sur Lisbeth Salander. »
Alors qu’il marche clairement sur le
territoire d’un de ses modèles avec
ce nouveau « Millénium » tout en
remettant une figure féminine forte de
la littérature au centre de son cinéma,
est-ce qu’Alvarez saura s’en sortir
avec les honneurs ? Réponse comme
toujours en salle.
Liam Debruel

100
SPIDER-MAN SUR

GRAND ECRAN
101

102
L’Homme-Araignée aura grandement
marqué le cinéma avec ses aventures. Mais
alors qu’il débarque en version animée avec
«New Generation», il est intéressant de
revenir sur les itérations cinématographiques
de Peter Parker. Nous passerons très vite
sur les films avec Nicholas Hammond,
dérivés de la série «The Amazing Spider-
Man». Les trois longs-métrages diffusés en
Europe étaient des montages d’épisodes et
sont difficilement trouvables actuellement,
excepté le premier visible sur YouTube. (…)
Le grand tournant des aventures de Peter
Parker sur grand écran advient avec la
trilogie de Sam Raimi.
Le premier épisode, sorti en 2002, aura connu
un sacré contrecoup dans sa promotion en
se voyant obligé de supprimer sa première
bande-annonce. Cette dernière montrait
ainsi des braqueurs capturés par l’Homme-
Araignée dans une toile tissée entre les
deux tours du World Trade Center. Mais
les attentats du 11 septembre 2001 auront
impacté le film de manière plus prégnante
encore. On retrouve beaucoup de drapeaux
américains flottant en arrière-plan, utilisant
le sentiment de patriotisme pour guérir les
plaies de cette blessure récente pour tous les
habitants du pays. En cela, Spider-Man était
une œuvre nécessaire et cathartique afin de
redonner de l’espoir en un héros capable de
protéger les habitants de New-York d’une
nouvelle catastrophe de grande ampleur.
La candeur et la pureté qui s’en dégagent
aident aussi : l’origin story de Spider-Man
ne délaisse jamais sa romance à fleur de
peau et Mary-Jane reste toujours au cœur
des situations.
Internet a beau être violent avec les acteurs,
il suffit de revoir ce film pour constater la
sévérité de la critique. Chaque personnage
est casté à la perfection, et ce jusque dans

103
les seconds rôles (IMPOSSIBLE de ne pas
aimer JK Simmons en J Jonah Jameson). La
musique de Danny Elfman conserve toujours
autant de force après les années. Mais le
grand point fort du premier volet est sans
conteste Sam Raimi. Ses scènes d’action
remarquables permettent d’appréhender
au mieux les pouvoirs de son héros. Avec
son ‘’Superman’’, Richard Donner nous
promettait de voir un homme voler. Ici, on
a une sensation tangible de voltige qui a
émerveillé de nombreux spectateurs, jeunes
et moins jeunes, sur grand écran. Jamais
il ne délaisse néanmoins ses personnages,
comme le prouve ce dialogue entre notre
héros et le Bouffon Vert, transformant un
toit New Yorkais en scène de théâtre épurée
pour mieux souligner les similitudes entre
ses protagonistes. Le résultat reste encore à
ce jour ce qui se fait de mieux parmi les
divertissements grands publics et le genre
super-héroïque… avant de se faire dépasser
par la suite.
Maintenant que Raimi a les pleins pouvoirs,
il s’attaque au deuxième épisode qui arrive
à aller encore plus loin dans l’esthétique
comics, les doutes de ses personnages,
l’action et la mise en scène. Il fait rebondir
Peter dans tous les sens, chaque sous-intrigue
restant essentielle dans la caractérisation du
personnage afin d’appréhender la difficulté
de son quotidien. Spider-Man est un héros
mais Peter Parker est un jeune homme qui
doit gérer les difficultés du quotidien. Le
Docteur Octopus devient alors une véritable
némésis, l’autre face d’une pièce pouvant
signifier le bouleversement des actions de
Peter Parker et surtout l’implication de sa
non-action temporaire, son statut de héros
étant remis en question aussi bien par
son quotidien, les habitants de New York
et son corps. Spider-Man est une figure
de l’ordinaire, l’obligation de mettre ses

104
pouvoirs au service du bien et de se faire
définitivement passer en dernier. Cette
forme de sacrifice rappelle le besoin aux
New Yorkais d’avancer après les attentats
et de rester solidaires afin de se protéger
les uns les autres, comme symbolisé par la
magnifique scène du métro, toujours l’une
des plus belles scènes du cinéma grand
public des années 2000.
«Spider-Man 2» joue la carte de la suite qui
veut aller plus loin que son prédécesseur
mais n’oublie jamais son aspect intime.
Les scènes d’action restent toujours aussi
réussies, malgré quelques doublures
numériques assez visibles (du moins quand
elles sont éloignées, comparé à d’autres
blockbusters du genre aux effets déjà datés).
Raimi s’amuse toujours autant dans sa mise
en scène. La preuve en est avec la ‘’naissance’’
du Docteur Octopus, plus proche de «Evil
Dead» que du comic book movie, avant
de culminer sur un plan iconique dans sa
tragédie. À ce jour, «Spider-Man 2» est un
exemple de blockbuster parfait en tout point
qui devrait être un modèle pour tous ceux
qui l’auront suivi.
Le cas du troisième volet est plus compliqué.
Sony réclame à Raimi la présence de Venom,
méchant iconique. Le réalisateur, peu
intéressé par celui-ci, l’inclut néanmoins afin
de faire plaisir aux fans et aux producteurs.
Beaucoup reprochent ainsi à cet épisode
de prendre l’arc du symbiote par-dessus
la jambe (à voir si l’on peut dire de même
pour «Venom»…). Pourtant, si l’on peut
reprocher quelques ficelles à l’intrigue,
le désamour accordé à «Spider-Man 3»
est assez décevant. Spectaculaire tout en
prenant en compte l’avancée de Peter, le
film reste hautement qualitatif et regorge
même de scènes extrêmement touchantes
plus d’une décennie après (la naissance de
l’Homme-Sable). La plupart des spectateurs
reprochent l’attitude négative du héros alors
qu’elle est justifiée, jusqu’à une ridicule

séquence de danse en rue maintes fois
parodiée mais pourtant logique à la narration.
Le personnage n’ayant plus rien à faire du
regard extérieur, il se comporte de manière
excentrique afin de souligner la place
considérable qu’a pris le symbiote. Certains
fans n’ont gardé que cela sans réfléchir
plus loin sur la signification derrière, ce qui
propage une image négative trop appuyée par
rapport à une simple séquence. Ce troisième
épisode a des défauts mais même dans son
imperfection, il s’avère passionnant, ce qui
ne sera pas nécessairement le cas chez ses
successeurs…
Après plusieurs problèmes de production,
le projet d’un quatrième Spider-Man par
Sam Raimi finit par être enterré. Le metteur
en scène n’en peut plus, et surtout ne sait
plus quoi raconter. Tobey Maguire et Kirsten
Dunst finiront par le suivre, laissant Sony
dans l’obligation de rebooter la saga. En effet,
l’accord signé avec Marvel pour l’Homme-
Araignée oblige le studio à tourner un film
sur lui dans des laps de temps réguliers. Cela
explique le lancement de «The Amazing
Spider-Man», promettant une volonté plus
réaliste due au succès de la trilogie «The
Dark Knight».
Cette recherche d’un ancrage plus proche du
réel passe également par l’engagement au
poste de réalisateur de Marc Webb, auteur
d’une des meilleures comédies romantiques
de ces dernières années avec le merveilleux
«500 jours ensemble». Malheureusement,
malgré l’attachement que l’on peut avoir
pour Andrew Garfield et Emma Stone ainsi
que le charme de leur relation, la romance
ne retrouve jamais la pureté adolescente des
films de Sam Raimi. Pire encore : l’aspect
réaliste lui fait perdre toute identité, là où ce
reboot en cherche désespérément. Rien ne le
fait sortir du lot, et en sort un film loin d’être
détestable mais bien trop oubliable pour
marquer longtemps après le visionnage.
105

C’est un point qui a été également reproché maintes fois à sa suite, «Le destin d’un héros»,
mais bizarrement, celui-ci arrive plus à marquer dans la durée. Le style se voit plus défini
dans des alentours plus cartoonesques, que ce soit dans l’interprétation de Garfield en
Homme-Araignée (qui reconnaît s’être inspiré de Bugs Bunny) mais aussi dans ses visuels,
plus colorés sans tomber dans le kitsch vulgaire des «Batman» de Schumacher. Il y a une
sensation de trop plein qui s’en dégage, que ce soit par les pistes narratives abondantes,
les méchants (point déjà reproché à «Spider-Man 3») et tout ce que cherche à accomplir
le film, concurrent des représentants Marvel. Les scènes d’action se multiplient à foison,
l’outrance est de mise mais le film se perd dans ses ambitions (sans doute accentué par un
trop plein de scènes coupées et d’annonces futures jamais concrétisées)... Ce trop-plein
rend néanmoins le résultat assez intéressant et divertissant, bien que qualitativement endessous
de la trilogie de Raimi. Sony, déçu par des recettes trop basses au vu du succès
mondial des «Avengers», trouvera une autre solution pour exploiter le filon.
106
C’est ainsi que l’Homme-Araignée revient en prêt à Marvel dans «Captain America : Civil
War». Cette troisième grosse itération se voit incarnée par Tom Holland, plus proche
de l’âge de Parker dans les bandes dessinées, avec une volonté de rafraîchir à nouveau
le protagoniste. Si son temps d’apparition est assez court dans le film des frères Russo,
il s’avère assez drôle et réussi pour obtenir son film solo, «Spider-Man Homecoming».
Malheureusement, ce dernier est loin de marquer et rentre dans une formule Marvel
extrêmement éculée. Si l’on note la sympathie que l’on éprouve pour Tom Holland et l’idée
du Vautour de représenter un ‘’mal’’ venant d’un capitalisme outrancier symbolisé par
Tony Stark, le résultat s’essouffle vite et devient très oubliable dans le schéma général des
films du MCU. La troisième apparition du héros dans l’univers sera plus marquante dans
le récent «Infinity War», symbolique d’une fraîcheur adolescente innocente qui connaîtra
un sort fort regrettable… mais apparemment temporaire, le studio ayant bouclé la suite de
ses aventures avec «Far from Home».

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Quant à Sony, il tente de se réapproprier
l’univers de Spider-Man… sans celui-ci.
Après des rumeurs insistantes sur un projet
«Sinister Six» (alliance de méchants de
l’Homme-Araignée), le studio revient avec
«Venom», œuvre à la production aussi
compliquée que le résultat final. Prévu pour
être un film d’horreur spatial classé R, le
projet évoluera en film d’anti-héros PG13
pour tenter de se rattacher au MCU avec un
résultat très impersonnel dans sa manière
de rentrer dans le même moule qu’un
«Deadpool», la classification plus basse
et l’humour grossier en moins. On sent le
projet d’univers partagé se créer ainsi que
des itérations diverses comme le film sur
d’autres protagonistes que Spider-Man (le
méchant Mobius, prévu pour être incarné
par Jared Leto, La Chatte Noire) ou encore
en exploitant son héros en version animée.
C’est là que débarque «Spiderman : new
Generation», jouant du multivers héroïque
pour mettre en avant Miles Morales, superhéros
ayant pris la relève d’un Peter Parker
décédé et reconnu en tant que Spider-Man.
Est-ce que cela réussira à relancer pour eux
un héros reconnu qui ne leur appartient
presque plus au cinéma suite à des travers
de producteurs ? La réponse en décembre…
Liam Debruel

108
L’instant

séries
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The Haunting of
Hill House
Série horrifique événement de Netflix,
la dernière création de Mike Flanagan
confirme tout le bien que l’on pense d’un
metteur en scène relevant le genre avec une
sensibilité désarmante et touchante.
Les personnes qui connaissent le cinéma
de Mike Flanagan savent que le réalisateur
écossais aborde le cinéma de genre à
mille lieues des codes actuels. Même une
commande comme « Ouija : les origines »
profitait de son envie de croquer des
personnages désarmés plutôt que confronter
des schémas à des situations high concept.
Autre exemple avec « Hush », où la
confrontation entre une femme sourde et
un tueur s’étoffait au fur et à mesure des
péripéties. Il était donc logique et intéressant
de voir le réalisateur arriver sur petit écran
avec le soutien d’Amblin, maison mère de
la sensibilité sur grand écran. Et c’est sans
aucun doute la plus grande réussite de « The
Haunting of Hill House » : loin de jouer
aux archétypes, les personnages vivent,
souffrent, se trompent et se blessent avec
leurs défauts. L’horreur paraît même passer
au second plan par rapport au drame humain
qui sommeille dans la famille Crain.
Dans son mésestimé « Crimson Peak »,
Guillermo Del Toro faisait dire à son
personnage principal que son récit n’était
pas une histoire de fantômes mais une
histoire avec des fantômes, et cela semble
assez bien coller à la série de Flanagan. Ici,
les esprits sont moins vecteurs de terreur que
de douleur, symbolisme des tourments de
cette famille confrontée au deuil à plusieurs
années d’intervalle.

111
à l’un ou de déception face à l’autre,
finira par exploser dans un remarquable
épisode où la technique est au service
des propos de, au contraire de ce que
certains détracteurs répéteront à envie.
Comme si le plan séquence n’était plus
qu’esbrouffe visuelle et ne pouvait plus
servir à nourrir un propos…
La série horrifique se rapproche alors de la
saga familiale, peu à peu détruite de l’intérieur
par ces résidents non voulus et les malheurs
qu’ils amènent, volontairement ou non. La
demeure, d’une beauté gothique stupéfiante,
est l’impulsion d’une autodestruction des
psychés, véritable représentation d’un enfer
mental qui ne peut laisser que des traumas
chez ses habitants. Le récit s’articule donc
autour de ces traumatismes respectifs face
auxquels chacun cherche à se reconstruire,
à se réparer.
Tandis que Steven croit analyser son drame
en le replaçant dans une fiction cathartique,
sa sœur Shirley s’occupe de rendre leur
beauté originelle aux morts, comme si
embellir les cadavres permettait d’emballer
la douleur sous un fard. Mais la douleur
de chacun, leur sentiment de trahison face
La beauté tragique de la série permet
de toucher en plein cœur, amenant
autant les larmes que l’effroi, les deux
sentiments débarquant au moment le
plus propice et surprenant avec une
efficacité narrative inouïe. L’écriture,
séparant la saison en deux, est d’une
finesse qui fait mouche, développant peu
à peu ses thématiques sur les souffrances
les plus intimes de chacun. En cela, le
cinquième épisode est l’équivalent d’un
bouleversant couteau dans le cœur, nous
laissant sans voix dans la tristesse la plus
totale. La série est ainsi traversée de cet
émoi quotidien, de ce besoin de faire
face et de l’impossibilité d’oublier. Il faut
avancer face à la douleur, aux fantômes
de notre passé, à ces souffrances qui nous
ont détruit. Comme Cary Joji Fukunaga
et « Maniac », Flanagan exhorte à
confronter l’insurmontable pour se
reconstruire et enfin mettre de côté le
chagrin.
« The Haunting of Hill House » est l’une
des meilleures choses qui soit arrivée au
genre ces dernières années. C’est l’une de
ces œuvres qui nous hantent la nuit, aussi
bien pour ses moments horrifiques que
ceux tragiques, avec un bouleversement
qui nous met à terre une fois ses dix
épisodes vus. Quant à Mike Flanagan, il
confirme être l’un des meilleurs metteurs
en scène dans le domaine récemment.
Une vraie pierre marquante pour la
télévision, horrifique ou non.
Liam Debruel

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The Purge
Prolongation télévisuelle de la saga
Blumhouse, est-ce que « The purge » profite
enfin du format à temps long pour appuyer
des thèmes forts ?
En effet, si les épisodes initiés par James
DeMonaco se veulent ancrés dans une
critique politique forte, ils n’arrivent au
final que très peu à exploiter les sujets,
malgré des petites touches intéressantes.
Ce qui se veut comme un cinéma de genre
réflexif passe plutôt pour de l’exploitation
grand public assez efficace. En cela, la série
surfe sur le même bord : on est plus dans
le divertissement de la purge que dans des
questionnements sociétaux forts, malgré de
nombreuses idées intéressantes. Une secte
sacrificielle débarque, ainsi qu’un groupe
de défense féministe et un véritable marché
aux victimes, appuyant le corps humain
comme une valeur monétaire plus qu’une
valeur morale. Même dans ses détails, la
série nourrit la mythologie « purgesque »,
comme ces transactions attendant le début
des événements pour bien se conformer à la
légalité. L’acte meurtrier, mis en avant dans
les quatre épisodes, se voit gangréné par
d’autres crimes souvent oubliés dans leur
illégalité mais pourtant d’une immoralité
tout aussi cohérente.
Les personnages n’aident malheureusement
pas à rendre la cohésion de la série. Ce
n’est pas la faute d’acteurs qui tentent
ce qu’ils peuvent avec ce qu’ils ont, mais
celle d’une écriture caractéristique assez
dommageable qui prolonge l’un des défauts
des volets cinématographiques. S’ils étaient

113
on peut admettre ne pas réellement
s’ennuyer devant le résultat final. Les
rebondissements sont en bon nombre
et bien dosés et si la violence est loin
d’être graphique, sa gestion est assez
équilibrée pour conserver son impact
« horrifique ». Bien évidemment,
on est loin d’une œuvre sensitive
de la force de « The Haunting of
Hill House » mais on reste dans le
percutant qui fonctionne assez bien,
comme les films en somme.
par moments vecteurs d’interrogations
(le leader de gang de « First Purge »),
ils manquaient de corps pour avoir une
véritable implication morale, négative ou
non. Malheureusement, c’est toujours le
cas ici : les protagonistes semblent trop
nombreux pour être véritablement incarnés
et pas assez pour avoir une véritable vue
d’ensemble sur le fonctionnement de la
Purge.
Maintenant, il faut reconnaître que le tout est
assez amusant à suivre, entre arcs narratifs
dignes de soap (ce couple forcé de passer
la soirée avec une ancienne amante) et
quelques implications thématiques actuelles
(le corps de défense des femmes, comme
dit plus haut). Dans un format d’épisodes
tournant autour de la quarantaine de minutes,
Loin de révolutionner le genre ou
même sa propre saga, « The purge »
fonctionne relativement bien pour
en apprécier le visionnage, avec ce
qu’il faut d’idées pour procurer de
la réflexion (un peu) et une forme
d’amusement (beaucoup). On est
dans la même veine de qualité que
les quatre épisodes filmiques, avec ce
même niveau loin d’être réellement
impactant mais également loin de la
médiocrité d’autres concurrents dans
le domaine.
Liam Debruel

114
Kidding
Commencer une critique de «Kidding» est
assez compliqué au vu de la direction vers
laquelle part la série. On y suit Jeff Pickles
(Jim Carrey), présentateur légendaire d’une
émission pour enfants adulée autour du
monde, face à divers soucis dans sa vie :
le divorce avec sa femme, les actions de
son fils, la perte de son autre enfant, le
contrôle de plus en plus fort de son père
sur l’émission… Le tout le rapproche de
plus en plus d’une dépression qui risque
d’être explosive et autodestructrice pour
cet homme si marqué par l’optimisme et
le fait de se mettre au service des autres.
Le personnage est cohérent dans la
filmographie d’un Gondry qui sait comment
filmer une forme de spleen destructeur et une
contamination d’un monde de rêve par la
réalité, et inversement (« Eternal sunshine of
the spotless mind », « L’écume des jours »).
Sa poésie est à un doigt de l’absurde, à un
autre de la réalité, confrontant extravagance
visuelle à questionnements adultes à la limite
de la dépression. De quoi correspondre à
l’écriture de Dave Holstein, showrunner et
scénariste qui régit l’entièreté de Kidding.
L’un des points les plus passionnants de la
série concerne les thématiques abordées par
Jeff dans son émission. Cette dernière étant
destinée à une large audience, on y cherche
à éviter certains sujets qui pourraient
déplaire aux bambins, comme la mort.
Pourtant, leur renier cet apprentissage est
leur renier une forme de maturation tout en
repoussant à plus tard une leçon inévitable :
nous allons tous finir par mourir un jour.
Confronté à cette évidence avec le décès de

115
fils, …) et leur rapport au personnage
principal. Pickles est tellement idolâtré
autour du monde par tant de personnes
que l’on ne peut que questionner le
rapport des gens par rapport à lui,
proches ou non. Le troisième épisode
condense la question au sein d’un
incroyable plan séquence qui souligne
l’impact de Jeff dans le quotidien d’une
inconnue (la manière dont celle-ci sera
traitée sera tout autant surprenante).
Pourtant, cette déification ne peut
qu’amener à la déception, surtout pour
ses proches, nos idoles étant toutes
des êtres de chair et de sang avec leur
propre imperfection.
son fils, Jeff se voit opposé par une forme de
politiquement correct aseptisé pour mieux
coller au marché publicitaire de l’émission.
L’économie et le marketing deviennent
centraux et Jeff voit son visage multiplié à
outrance là où lui-même est brisé au plus
profond de sa psyché. Le monde s’approprie
Jeff Pickles. Mais qui est Jeff Pickles ?
Jim Carrey incarne à la perfection le
présentateur tourmenté dans une prestation
qui a intérêt à lui valoir des récompenses ou
du moins à souligner un talent dramatique
souvent oublié au vu de ses prestations
comiques. Le restant du casting est bien
évidemment au diapason, ce qui appuie la
solidité du projet tout en rendant crédibles
certaines multiplications de points de vue
(le père de Jeff, sa sœur, son ex-femme, son
«Kidding» est traversé par un sentiment
perpétuel de mélancolie dans lequel
se reconnaître est tout autant touchant
que perturbant. Bien que l’humour
y soit présent, faisant mouche de
manière incorrecte, sa maturité et son
ton adulte devraient désarçonner une
grosse partie de son audience par son
imprévisibilité et son ton. Pourtant,
c’est ce qui fait de «Kidding» un
immanquable télévisuel de l’année et
une réelle œuvre passionnante. Une
deuxième saison a été confirmée et
au vu de son final, on ne peut qu’être
intrigué par ce qu’il adviendra de Jeff
Pickles, ce génie souffrant du même
spleen que tout un chacun…
Liam Debruel

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Killing Eve
Lutte jouissive entre deux femmes fortes,
« Killing Eve » est d’une malice assez drôle.
Il n’est guère étonnant, au fur et à mesure de
l’avancée des épisodes, de voir que « Killing
Eve » s’ouvre avec Villanelle, LA méchante
de la série. Sourire en coin, basculement
sans prévenir du charme irrésistible à la folie
terrifiante, Jodie Comer est une véritable
bombe interprétative véhiculant tout ce qui
fait la réussite de la série : son charme, son
humour noir et une forme de folie sourde
qui ne peut que surprendre quand elle
explose. En cela, l’actrice est une véritable
révélation télévisuelle qui mérite à elle seule
de se faire l’intégrale de « Killing Eve » en
une fois, bien qu’elle ne soit pas la seule.
L’écriture des personnages se fait sur un ton
tragicomique efficace avec cette dualité entre
Villannelle, tueuse sans scrupule car sans
humanité, et Eve, femme souffrant de son
humanité qui la rend socialement dépassée.
Sandra Oh livre une prestation intéressante,
en contrepoint sur la rage extérieure de
Villanelle mais tout aussi problématique
dans l’interaction avec les gens dans une
fausse normalité. C’est d’ailleurs en passant
sans prévenir d’une réalité banale à une
violence surprenante que la série prend son
charme. Phoebe Waller-Bridge, cerveau de
la série, s’amuse à alterner les styles et les

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genres et amuse tout autant le spectateur
par ces changements de tons abrupts.
Cette alternance aléatoire de genre passe
également par des décors variés, apportant à
la forme le style inimitable de «Killing Eve».
Le jeu du chat et de la souris entre nos
deux protagonistes fonctionne surtout
par cet équilibre entre les deux femmes,
toutes deux dépassées à leur manière par
le quotidien qu’elles veulent modeler à
leur manière et en apportant de l’excitation
à leur existence. Cet aspect mis à part de
la société est très bien retranscrit par leur
écriture mais également, comme dit plus
haut, par la qualité d’interprétation de Jodie
Comer et Sandra Oh, qui trouvent toutes
deux un rôle à la mesure de leur talent.
De quoi nous diviser encore plus
sur quel personnage mérite encore
plus notre amour, entre l’intelligence
mesurée et passionnée et la charmante
psychopathe à l’humour aussi froid
que son âme.
«Killing Eve» est le genre de série
qu’on ne peut s’empêcher d’apprécier
par son ton en constant mouvement et
son duo d’actrices douées. Il est dur de
ne pas s’amuser en la regardant et on a
hâte de savoir ce qui nous attend pour
la suite…
Liam Debruel

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