Jeremy Demester - Fire Walk With Me

galeriemaxhetzler

Jérémy Demester

FIRE WALK WITH ME


Essay by ANNABELLE GUGNON

With booklet RAYMOND HAINS: YOU KNOW NOTHING RAYMOND

Jérémy Demester

FIRE WALK WITH ME

Galerie Max Hetzler Berlin | Paris | London

Holzwarth Publications


ANNABELLE GUGNON

Visions

‘The tumult of the world, spinning in the depths of the brain, ends up in one movement, perceived by

each one of us, each with our own lyricism, our eyes, ears, mouth, nose… And art, I believe, puts us in

that state of grace in which we understand universal emotion.’ 1 Cézanne’s words, spoken in his studio,

reach down to Jérémy Demester’s contemporary painting. With the exhibition Fire Walk With Me,

Demester catapults us into the savagery of the world. This wildness conquers our body. Our five senses

cling to it, diffract it, try to tame it. The pigments, the forms, the movements of his canvases make visible

the elements that stir the universe. They surface from the magma of colour and the precision of

poetry as if from a parallel world that bubbles in the very heart of our lives. This world does not disclose

itself but secretly guides desires, produces dreams, holds the memory of humanity, of our childhood.

Thru the darkness

of Future Past

the magician longs to see

one chants out

between two worlds

Fire walk with me. 2

These lines from David Lynch’s film are the starting point of a path that Jérémy Demester walked

during a year of intense work. Fire was at once the danger and the armour. ‘Where there is danger, the

rescue grows as well.’ 3 In purple avalanches and ashy eruptions, between bubbling sap and stirred-up

blood, vision joins enigma in an ardent struggle. Jérémy Demester sees forms as flux, as pulsations, outside

of fixed structures. We find here humankind’s first approach to fire. Four hundred thousand years

ago, human beings tamed the sparks by rubbing two pieces of wood together. This is when civilisation

made its greatest leap forward. Humans knew that lightning could set fire to the forests: they were subject

to fires and gods. Once humans had the power to summon flames at will, they could also prolong

the day past the threshold of the night, extend summer beyond winter, forge tools, light up caverns

and make art by painting the walls. The Chauvet Grotto is Jérémy Demester’s hinterland, a time of art

outside history, of space reaching back to its origin.

The painter was born in Provence, in a community where rhythms articulate with breathing,

where music is danced barefoot, where fire is the centre of the days and nights. Since childhood, around

the glowing fire – as it has been since time immemorial – he heard stories of his ancestors and of visions

of the future read in the lines of the hand. The flames are dancing genies; they pull people in to sit round

in circles and tell of ever more epic feats, to remember ancestors who, in the telling of the stories,

All installation views, Jérémy Demester: Fire Walk With Me, Galerie Max Hetzler, Berlin 2017

9


ecome increasingly heroic. In the painter’s childhood, fire held the keys to the world. His father, a

Gitan, was Prometheus, a giant with a thundering laugh (Fire walk with me, 2017; p. 11).

Mastering and being familiar with fire doesn’t make it any less extreme, doesn’t prevent wildfires,

eruptions, lightning strikes… Death is one of the main pigments in Jérémy Demester’s work. He

says: ‘Nothing is more fertile than death. Life is violent, voracious. It gives and gives, without knowledge.’

Far from being destructive, death for him is a time of maturation. As winter fosters the blossoming

of spring, death presides over creation. The Duende runs through the paintings like a lightning

bolt. Jérémy Demester uses this power, he draws with it. The painter shares his faith in magic with the

poet Federico García Lorca: ‘The Duende only comes if he sees a possibility of death. Angel and Muse

escape with violins… and the Duende wounds, and in the healing of that wound… lies the invention

that inhabits a man’s work.’ 4

Jérémy Demester is seeking a symbolic, alchemical substance, forms beyond forms. He finds it,

in part, in the air. Like African and American Indian peoples, he finds in the air, in breath, a materiality,

a texture, a tangible existence. And the Ciels series (pp. 17, 41–53), with its mysterious palettes,

possesses a force of absorption and figuration. Containing all forms, it has the power to make them all

emerge. As a young Tule/Cuna girl said, talking about clouds: ‘I see clouds as big as trees… like cliffs…

I see a cloud that looks like a seahorse, a wild seahorse that lives in the water. I see a cloud like a stag

with branched antlers.’ 5

Matter holds the secrets of the world. That is why pigmentary daring is essential to the painter’s

process. For his sculpture of a BMX bike with a bronze ram’s head as handlebars (Merlin, 2017; p. 1),

Demester chose to use cockpit paint for fighter planes. The BMX bike comes from childhood;

the fighter plane flies in imaginary skies. As for the ram, it rises up from the depths of a labyrinth,

where the first sensations of life are organised into a cosmogony that has existed since the beginning of

time. This collision of worlds liberates the poetic power of the work. Childhood’s everyday acts – like

racing and jumping bikes along forest paths with a group of friends – metamorphose into mythology.

Familiar gestures have a sacred root. As the art historian Aby Warburg has said, their language,

composed of engrams of experience, is stamped into the genetic heritage. 6 A new experience moves us,

we respond with a gesture, which at first surprises the body, but becomes ‘natural’ after generation on generation

have adopted it. When the hidden values of this gestural language aspire to take form, the hand

of the artist liberates the ancestral surprise. The work is nourished by a bubbling of primary emotions.

For Demester, television images are part of the process. Technology has progressed since, but in his

childhood the cathode-ray tube sketched a contour that was continually in formation. The image was

not high definition. It was a mosaic-like grid of dark and light dots. It was up to the spectator to

10


fill in the blanks in the grid, in a kinetic and tactile sensory participation, as theorised by Marshall

McLuhan. 7

This participation makes cathodic images very attractive. So much so that Jérémy Demester,

like Steven Spielberg, says that he was educated by the television. A parent made of speaking images,

with fixed hours; a parent providing American culture as a baseline, without filters. Westerns, military

conquests, the values of power and commerce… The filters of conscience came with adulthood and the

knowledge of historical facts: American Indians were dispossessed, decimated, parked in reservations.

Civilisation and destruction are the themes of the War paintings (2017; pp. 33–37). The paintings are

emblems of power because they are dressed in eagle feathers, they confer dignity because they carry the

memories of ancestors, they assert the omnipotence of the supernatural. They also remind us that war

is a dimension specific to the human race. Let us remember Einstein, in 1932, asking Freud: ‘Why war?’

and: ‘Is there a way of delivering mankind from the menace of war?’ The inventor of psychoanalysis was

pessimistic, except on one point: ‘Everything that works towards the cultural development of mankind

also works against war.’ 8

The War paintings defend humanity and the right to exist. ‘We are all Native Americans,’ says

Jérémy Demester. We vibrate with a common vulnerability. But the destructive and predatory urges are

still active. They push us to our limits, they make us harm others, harm the environment that allows us

to live and breathe. The War paintings are reminders that we are barefoot on the sacred earth. Like

the American Plains woman who, after saluting her brother Sun and her grandmother Moon, asks for

the cedar’s permission to strip its bark: ‘Look at me, friend! I am asking you for your clothes.’ 9 This

cedar, like many North American trees, has witnessed the thoughts and actions of humans. The giant

redwoods, survivors of species that existed more than 140 million years ago; the larches, the eucalypti

imported from India, the glowing palm trees, are sites of fire, water, wind and light in flux, painted by

Jérémy Demester. They represent the links between the earth and the sky. The painter activates them for

their world-rhythm. Vincent van Gogh’s turmoils are not so far off. Van Gogh, son of Dutch light and

painting, who painted in a way that is reminiscent of engraving on copper: the movement of the burin

hollows out the matter, brings it to life, fluidifies it into waves. Vibrations open up space. For Jérémy

Demester, this is the wind’s role (Le privilège des chemins, 2017; p. 9). It stirs up the fire, it fans it.

Sometimes to an unthinkable – though visible – degree of real: ‘I remember a fireman telling me that

he had seen a horse on fire. It galloped around in flames. But they saved it.’ (‘Rémission’ d’après

Paul Romero, 2017; p. 10) While it is sometimes accessible, the breathtaking real of the universe is out

of sight most of the time, as the painter points out: ‘Every day there are thousands of sunrises in the galaxies.

Try and imagine all the colours unseen.’ This lack liberates any impediment to the imagination.

11


The palette of the Ciels freely questions nature and artifice. And perhaps these artificial harmonies in

fact represent natural, existing but inaccessible forms…

‘Is the whole of life visible to us, or do we know only one hemisphere before we die?’ wrote

Vincent van Gogh to his brother Théo. 10 Jérémy Demester’s still lifes echo the question. The most emblematic

canvas is from his Undead still lifes series (Undead still life [Digne], 2017; p. 25). This

painting is an oxymoron: a tree bearing fruits that are shaped like skulls. Unlike the vanities that people

the history of art, in which the skull is set next to colourful and meaty dishes, this tree bears death

interlinked with life. The ripening of the fruits contains the programme of their decay. Thus it is with

living beings, death is born with life. Jérémy Demester’s art has the power to transcend destruction and

to recognise the value of death: that of making life frenzied, and giving the measure of its inestimable

richness.

1

Joachim Gasquet, Cézanne, Encre Marine, 2012.

2

David Lynch, Twin Peaks: Fire Walk With Me, 1992.

3

Friedrich Hölderlin, ‘Patmos’, in Œuvres, Gallimard, Bibliothèque de la Pléiade, 1967.

4

Federico García Lorca, Théorie et jeu du duende (Theory and Play of the Duende), Sables, 1994.

5

Jérôme Rothenberg, ‘Entretiens à la longue-vue’, in Secouer la citrouille, Purh, 2015.

6

Aby Warburg, L’Atlas Mnémosyne (‘The Mnemosyne Atlas’), L’Ecarquillé, 2012.

7

Marshall McLuhan, Understanding Media: The Extensions of Man, McGraw-Hill, 1964.

8

Albert Einstein, Sigmund Freud, Pourquoi la guerre ? (Why War?), Rivages poche, 2005.

9

Jérôme Rothenberg, Secouer la citrouille, op. cit.

10

Vincent van Gogh, Lettres à son frère Théo, Gallimard, collection L’Imaginaire, 1988.

12

Le privilège des chemins, 2017


14 ‘Rémission’ d’après Paul Romero, 2017


Fire walk with me, 2017

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Visions

ANNABELLE GUGNON

« Le tourbillonnement du monde, au fond d’un cerveau, se résout dans le même mouvement que

perçoivent chacun, avec leur lyrisme propre, les yeux, les oreilles, la bouche, le nez… Et l’art, je crois,

nous met dans cet état de grâce où l’émotion universelle se traduit […] à nous. » Ces paroles de Paul

Cézanne 1 , prononcées dans son atelier, se glissent jusqu’à la peinture contemporaine de Jérémy

Demester. Avec l’exposition Fire Walk With Me, ce dernier nous propulse dans la sauvagerie du

monde. Elle conquiert notre corps. Nos cinq sens s’y agrippent, la diffractent, tentent de l’apprivoiser.

Les pigments, les formes, les mouvements de ses toiles figurent les éléments qui agitent l’univers. Ils

surgissent du magma de la couleur et de la précision de la poésie comme d’un monde parallèle qui

bouillonne au cœur même de nos existences. Ce monde ne se dévoile pas mais il guide en secret les

désirs, il produit les rêves, il détient la mémoire de l’humanité et celle de notre enfance.

À travers les ténèbres d’un passé à venir

Le magicien ardemment désire voir

Quelqu’un psalmodie entre deux mondes

Feu marche avec moi 2 .

Ces vers, tirés d’un film de David Lynch, sont le départ du sentier sur lequel a cheminé Jérémy

Demester durant une année de travail intense. Le feu en a été à la fois le péril et l’armure. « Là où se

trouve le danger, croît aussi ce qui sauve 3 »… En avalanches pourpres et en éruptions cendrées, entre

sève bouillonnante et sang attisé, la vision rejoint l’énigme dans une lutte ardente. Jérémy Demester

voit les formes en flux, en pulsations, hors des structures arrêtées. On y retrouve les premiers pas de

l’humanité vers le feu. Quatre cent mille ans avant notre ère, l’humain a domestiqué les étincelles du

frottement de deux bouts de bois. La civilisation a fait alors le plus grand bond de son histoire. Auparavant,

les éclairs enflammaient parfois les forêts : l’homme subissait les feux et les dieux. À partir du

moment où il détient la possibilité de faire apparaître la flamme à son gré, il possède aussi le pouvoir

d’allonger le jour au-delà des portes de la nuit, de prolonger l’été au-delà de l’hiver, de forger des outils,

d’éclairer les antres et de faire de l’art en peignant sur les parois… La grotte Chauvet est l’arrière-pays de

Jérémy Demester, un moment où l’art est hors histoire, où l’espace tend vers l’origine.

Le peintre est né en Provence, dans une communauté où les rythmes s’articulent au souffle, où

la musique se danse pieds nus, où le feu est au centre des jours et des nuits. Comme de toute éternité,

autour du foyer incandescent, il entend, depuis l’enfance, des histoires d’ancêtres et des visions futures

lues dans les lignes de la main. Les flammes sont des génies dansants ; ce sont elles qui attirent, qui font

s’asseoir en cercle et raconter les exploits qui, au fur et à mesure, deviennent de plus en plus épiques et

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se souvenir des ancêtres qui, au fil des récits, deviennent de plus en plus héroïques. Dans l’enfance du

peintre, le feu détient les clés du monde et son père, gitan, est Prométhée, un géant aux rires tonitruants

(Fire walk with me, 2017 ; p. 11).

La familiarité et la maîtrise du feu n’empêchent pas sa démesure et les incendies, les éruptions,

les foudroiements… La mort est l’un des pigments majeurs de l’œuvre. Il dit : « La mort est ce qui existe

de plus fertile. La vie est violente, elle est vorace. Elle donne, elle donne, elle donne sans savoir. » Loin

de la destruction, la mort est pour lui un temps de maturation. Comme l’hiver fomente l’éclosion du

printemps, la mort préside à la création. Le duende traverse les toiles du peintre comme des éclairs

de foudre. Jérémy Demester utilise d’ailleurs cette puissance, il dessine avec elle. Il partage la foi en la

magie avec le poète Federico García Lorca : « Le duende n’arrive que s’il voit la possibilité de la mort.

L’ange et la muse s’échappent avec des violons […] et le duende blesse, et dans la guérison de cette

blessure […] réside l’invention à l’intérieur de l’œuvre de l’homme 4 . »

Jérémy Demester cherche une substance symbolique, alchimique, formes au-delà des formes. Il

la trouve, entre autres, dans l’air. Comme pour les Africains et les Indiens, l’air, le souffle ont, pour lui,

une matérialité, une texture, une existence tangible. Et la série des Ciels (pp. 17, 41–53), aux palettes

mystérieuses, possède une force d’absorption et de figuration. Elle contient toutes les formes, elle a le

pouvoir de les faire advenir toutes. Comme le dit des nuages cette jeune Indienne de la tribu des Tulé/

Kuna : « Je vois les nuages grands comme les arbres […], comme des falaises […], je vois un nuage qui

ressemble à un cheval de mer, un cheval de mer sauvage qui vit dans l’eau. Je vois un nuage comme un

daim aux bois ramifiés 5 . »

La matière détient les secrets du monde. C’est pourquoi l’audace pigmentaire est essentielle à la

démarche du peintre. Pour peindre la sculpture de vélo cross BMX à guidon de tête de bélier en bronze

(Merlin, 2017 ; p. 1), Demester choisit de la peinture de cockpit d’avion de chasse… Ce vélo BMX

surgit de l’enfance, l’avion de chasse vole dans des ciels imaginaires, le bélier jaillit, lui, des tréfonds

d’un labyrinthe où les sensations premières de la vie s’ordonnent à une cosmogonie venue de la nuit

des temps. Ce choc des mondes libère le pouvoir poétique de l’œuvre. Les gestes les plus quotidiens

de l’enfance – comme foncer et bondir en vélo sur les chemins forestiers avec un groupe de copains –,

se métamorphosent en mythologie. Les gestes familiers ont une racine sacrée. Leur langage, comme

l’a énoncé l’historien de l’art Aby Warburg 6 , est gravé dans le patrimoine héréditaire, composé d’engrammes

de l’expérience. Une situation est nouvelle, elle émeut, un geste y répond, il surprend le corps

avant de devenir « naturel », adopté qu’il est par des générations et des générations d’humains. Quand

les valeurs cachées de ce langage gestuel aspirent à prendre forme, la main de l’artiste libère la surprise

ancestrale. L’œuvre se nourrit d’un bouillonnement d’émotions premières. Pour le peintre, les images de

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la télévision en font partie. La technique a progressé depuis mais, dans son enfance, le faisceau cathodique

esquissait un contour sans cesse en formation. L’image n’était pas de haute définition. Elle était

une trame en mosaïque de points sombres et de points clairs. Cette dernière obligeait le spectateur à

compléter les blancs de la trame en une participation sensorielle cinétique et tactile, comme l’a théorisé

Marshall McLuhan 7 .

Cette participation rend les images cathodiques très attachantes. Au point que Jérémy Demester,

à l’instar de Steven Spielberg, dit avoir été éduqué par la télévision. Un parent aux images parlantes et

aux horaires rigoureux ; un parent prodiguant aussi la culture américaine comme donnée de base, sans

filtres. Les westerns, les conquêtes guerrières, les valeurs de la puissance et du commerce… Les filtres

de conscience arrivent avec l’âge adulte et la connaissance des faits historiques. Les Indiens d’Amérique

ont été spoliés, décimés, parqués. Civilisation et destruction sont les thèmes des Peintures de guerre

(2017 ; pp. 33–37). Elles sont l’emblème de la puissance car elles portent des coiffes de plumes d’aigle,

elles rendent la dignité car elles portent le souvenir des ancêtres, elles affirment l’omnipotence du surnaturel.

Ces peintures rappellent aussi que la guerre est une dimension propre à l’espèce humaine.

Pensons à Einstein demandant, en 1932, à Freud : « Pourquoi la guerre ? 8 » et « Existe-t-il un moyen

d’affranchir les hommes de cette menace ? ». L’inventeur de la psychanalyse est pessimiste, sauf sur un

point : « Tout ce qui travaille au développement de la culture travaille aussi contre la guerre. »

Les Peintures de guerre défendent l’humanité et le droit d’exister. « Nous sommes tous des

Indiens d’Amérique », dit Jérémy Demester. Nous vibrons d’une commune vulnérabilité. Mais les pulsions

destructrice et prédatrice restent actives. Elles nous poussent aux limites, jusqu’à porter atteinte à

autrui, à notre environnement, à ce qui nous permet de vivre et de respirer. Les Peintures de guerre

se souviennent que nous sommes pieds nus sur la terre sacrée. Comme cette Indienne des plaines qui,

après avoir salué son frère le Soleil et sa grand-mère la Lune, taille l’écorce d’un cèdre en lui demandant

son accord : « Regarde-moi, ami ! Je viens te demander ton habit 9 . » Ce cèdre, comme de nombreux

arbres nord-américains, est témoin des pensées et des actions humaines. Les séquoïas géants, survivants

d’une espèce de plus de 140 millions d’années, les mélèzes, les eucalyptus importés d’Inde, les palmiers

rougeoyants sont les sites des flux de feu, d’eau, de vent, de lumière peints par Jérémy Demester.

Ils représentent des traits d’union entre sol et ciel. Le peintre les active pour leur rythme-monde. Les

turbulences de Vincent van Gogh ne sont pas loin. Lui, fils de la lumière et de la peinture hollandaises,

qui peint en une manière rappelant la gravure sur cuivre : le mouvement creuse la matière, la fait vivre,

la fluidifie en ondes. Les vibrations ouvrent l’espace. Pour Jérémy Demester, ce rôle est donné au vent

(Le privilège des chemins, 2017 ; p. 9). Il agite, il attise le feu. Parfois jusqu’à l’impensable du réel,

pourtant accessible à la vue : « Je me souviens de ce pompier racontant qu’un cheval a entièrement

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pris feu, il galopait incandescent devant ses yeux. Il a pu être sauvé. » (‘Rémission’ d’après Paul

Romero, 2017 ; p. 10) S’il est parfois accessible, le réel époustouflant de l’univers reste la plupart du

temps hors de vue, comme le souligne le peintre : « Tous les jours, il y a des milliers de levers de soleil

qui se produisent dans les galaxies. Il faut imaginer toutes les couleurs ratées. » Ce manque libère toute

entrave à l’imagination. La palette des Ciels interroge librement la nature et l’artifice. Et si les accords

artificiels représentaient des formes naturelles, existantes mais inaccessibles…

« La vie est-elle toute entière visible pour nous, ou bien n’en connaissons-nous avant la mort

qu’un hémisphère ? 10 », écrivait Vincent van Gogh à son frère Théo. Les natures mortes de Jérémy

Demester font écho à la question. La toile la plus emblématique en est une de la série Undead still

lifes (Undead still life [Digne], 2017 ; p. 25). Cette peinture est un oxymore : l’arbre porte des

fruits en forme de tête de mort. Contrairement aux vanités qui peuplent l’histoire de l’art, où le crâne

est posé à côté de mets colorés et charnus, cet arbre porte la mort intriquée à la vie. La maturation des

fruits détient le programme de leur décomposition. Ainsi en est-il des êtres vivants, la mort naît avec la

vie. L’art de Jérémy Demester a le pouvoir de transcender la destruction et de reconnaître à la mort sa

valeur : celle d’endiabler l’existence et de donner la mesure de l’inestimable richesse de la vie.

1

Joachim Gasquet, Cézanne, éd. Encre Marine, 2012.

2

David Lynch, Twin Peaks: Fire Walk With Me, 1992.

3

Friedrich Hölderlin, « Patmos », in Œuvres, éd. Gallimard, Bibliothèque de la Pléiade, 1967.

4

Federico Garcia Lorca, Théorie et jeu du duende, éd. Sables, 1994.

5

Jérôme Rothenberg, « Entretiens à la longue-vue », in Secouer la citrouille, éd. Purh, 2015.

6

Aby Warburg, L’Atlas Mnémosyne, éd. L’Écarquillé, 2012.

7

Marshall McLuhan, Pour comprendre les média, éd. Points Seuil, 1968.

8

Albert Einstein, Sigmund Freud, Pourquoi la guerre ?, éd. Rivages poche, 2005.

9

Jérôme Rothenberg, Secouer la citrouille, op cit.

10

Vincent van Gogh, Lettres à son frère Théo, éd. Gallimard, coll. L’Imaginaire, 1988.

19


20 Martial et Les Resistants, 2017


22 Ma mère en bleu (le pont de Barles), 2017


24 La Bonne Porte, 2017


26 Undead still life (Muir), 2017


28 Undead still life (Digne), 2017


30 Undead still life (Ouidah), 2017


32 June, 2017


34


36 War painting II, 2017 | Page 34: War painting I, 2017 | Page 35: War painting IV, 2017


40 War painting III, 2017


42


44 Chepe Santacruz Londoño, 2017


46 Les tartines de Suzanne, 2017


48 Leo le chasseur, 2017


50 La loup des bois, 2017


52 Mon Balou à Maustack, 2017


54 Mr Della Casagrande, 2017


Yolande et sa tortue, 2017

55


56 Marinette, la goutte au nez, 2017


Paulette, la pâte aux fruits, 2017

57


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60


Jérémy Demester

Born 1988 in Digne, France. Lives and works in Paris. /

Né en 1988 à Digne, France. Vit et travaille à Paris.

Solo Exhibitions / Expositions personnelles

2018 Stiftung zur Förderung zeitgenössischer Kunst in Weidingen, Eifel

Château Malromé, Saint-André-du-Bois

2017 Mucciaccia Contemporary, Roma

Fire Walk With Me, Galerie Max Hetzler, Berlin (catalogue)

Raymond Hains: You know nothing Raymond. A homage by Jérémy Demester,

Galerie Max Hetzler, Berlin (catalogue)

2016 33 engravings for Benji’s revenge, Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne (catalogue)

Palais de l’École des Beaux-Arts, Paris

Galerie Max Hetzler, Paris

2015 Original Zeke, Fondation Zinsou, Ouidah

Galerie Art & Essai – Université Rennes 2, Rennes

Abrakadabra, Immanence, Paris

Group Exhibitions / Expositions de groupe

2017 Matière grise, Galerie Max Hetzler, Paris

2016 Das Bild hängt schief, Galerie Max Hetzler, Berlin

2015 Les Voyageurs, Palais des Beaux-Arts, Paris (catalogue)

2014 Ciel d’ether, Brownstone Foundation, Paris

Empora, École des Beaux-Arts de Paris

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62

L’heure du diable, 2017


List of Exhibited Works / Liste des œuvres exposées

Fire Walk With Me

La Bonne Porte, 2017, oil on canvas / huile sur toile, 250 x 200 cm

pages 21, 31

Chepe Santacruz Londoño, 2017, oil on canvas / huile sur toile, 230 x 160 cm

pages 41, 55

Fire walk with me, 2017, oil on copper plate mounted on wooden frame / huile sur plaque

de cuivre marouflée sur cadre en bois, 64 x 48 cm

pages 4, 11, 31

L’heure du diable, 2017, oil and synthetic resin on copper plate mounted on wooden frame /

huile et résine synthétique sur plaque de cuivre marouflées sur cadre en bois, 96 x 64 cm

page 58

June, 2017, bronze, 100 x 97 x 67 cm (and plinth / et socle)

pages 29, 31, back cover

Leo le chasseur, 2017, oil on canvas / huile sur toile, 230 x 160 cm

pages 39, 45, 55

La loup des bois, 2017, oil on canvas / huile sur toile, 230 x 160 cm

pages 39, 47, 55

Ma mère en bleu (le pont de Barles), 2017, oil on copper plate mounted on wooden frame /

huile sur plaque de cuivre marouflée sur cadre en bois, 64 x 48 cm

pages 19, 31

Marinette, la goutte au nez, 2017, oil on copper plate mounted on wooden frame /

huile sur plaque de cuivre marouflée sur cadre en bois, 22 x 16 cm

pages 39, 52, 55

Martial et Les Resistants, 2017, oil on canvas / huile sur toile, 200.4 x 130.3 cm

pages 4, 17

Merlin, 2017, BMX bike, bronze / vélo BMX, bronze, 95 x 145 x 67 cm

pages 1, 4, 55

63


Mon Balou à Maustack, 2017, oil on copper plate mounted on wooden frame / huile sur plaque

de cuivre marouflée sur cadre en bois, 22 x 16 cm

pages 39, 49, 55

Mr Della Casagrande, 2017, oil on copper plate mounted on wooden frame / huile sur plaque

de cuivre marouflée sur cadre en bois, 22 x 16 cm

pages 39, 50, 55

Paulette, la pâte aux fruits, 2017, oil on copper plate mounted on wooden frame / huile sur

plaque de cuivre marouflée sur cadre en bois, 22 x 16 cm

pages 53, 55

Le privilège des chemins, 2017, oil on canvas / huile sur toile, 230 x 160 cm

pages 4, 9

‘Rémission’ d’après Paul Romero, 2017, oil on copper plate mounted on wooden frame /

huile sur plaque de cuivre marouflée sur cadre en bois, 64 x 48 cm

pages 4, 10, 31

Les tartines de Suzanne, 2017, oil on canvas / huile sur toile, 230 x 160 cm

pages 43, 55

Le tilleul d’Emeraude, 2017, oil on canvas / huile sur toile, 200 x 130 cm (Window Gallery)

page 61

Undead still life (Digne), 2017, oil on canvas / huile sur toile, 300 x 200 cm

pages 25, 31, back cover

Undead still life (Muir), 2017, oil on canvas / huile sur toile, 300 x 200 cm

cover, pages 23, 31

Undead still life (Ouidah), 2017, oil on canvas / huile sur toile, 300 x 200 cm

pages 4, 27, 31, back cover

War painting I, 2017, hand-crafted acrylic paint on canvas / peinture acrylique artisanale

sur toile, 230 x 160 cm

pages 34, 39

64

Le tilleul d’Emeraude, 2017, installation view, Window Gallery, Galerie Max Hetzler, Berlin 2017


War painting II, 2017, hand-crafted acrylic paint on canvas / peinture acrylique artisanale

sur toile, 230 x 160 cm

pages 33, 39

War painting III, 2017, hand-crafted acrylic paint on canvas / peinture acrylique artisanale

sur toile, 230 x 160 cm

pages 37, 39

War painting IV, 2017, hand-crafted acrylic paint on canvas / peinture acrylique artisanale

sur toile, 230 x 160 cm

pages 35, 39

Yolande et sa tortue, 2017, oil on copper plate mounted on wooden frame / huile sur plaque

de cuivre marouflée sur cadre en bois, 22 x 16 cm

pages 39, 51, 55

Raymond Hains: You know nothing Raymond

A homage by Jérémy Demester

Jérémy Demester, Cherokee, 2017, oil on canvas / huile sur toile, 196 x 136 cm

page XVIII

Jérémy Demester, Chou chou, 2017, bronze, photograph, vintage frame / bronze, photographie,

cadre vintage, 22.5 x 18.5 x 7.5 cm

back cover

Jérémy Demester, Gure Aita, 2017, oil on polyurethane, epoxy resin / huile sur polyuréthane,

résines époxy, 275 x 53 x 7 cm

pages XIV, XIX

Jérémy Demester, La Raie Monde, 2017, oil on canvas / huile sur toile, 191 x 196 cm

page IV

Raymond Hains, Martini, 1968, Plexiglas relief / relief en Plexiglas, 183 x 269 x 3 cm

pages XI, XVII

66


Raymond Hains, Palissade de skis (1), 1997, mixed media / techniques mixtes, 211 x 291 x 10 cm

pages VI, X, XII/XIII

Raymond Hains, Palissade de skis (2), 1997, mixed media / techniques mixtes, 219 x 376 x 10 cm

pages VI/VII

Raymond Hains, Poème invisible (Hépérile éclaté), 2005, painted bronze relief in 4 parts /

relief en bronze peint, 4 éléments, 48 x 60 x 3 cm each / chacun

pages II/III

Raymond Hains, Pour la défense des libertés démocratiques, 1958, torn posters mounted

on canvas / affiches lacérées marouflées sur toile, 116 x 89 cm

cover, page VIII

Raymond Hains, Sans titre (de Gaulle), 1969, torn posters mounted on canvas / affiches lacérées

marouflées sur toile, 73 x 73.5 cm

page XVII

Raymond Hains, Sans titre N° 5D (série Dauphin), 1990, torn posters on billboard /

affiches lacérées sur panneau d’affichage, 300 x 400 cm

pages XV, XVI

Raymond Hains, Sans titre (Tableau abstrait), 1998, acrylic paint on wooden panel /

peinture acrylique sur bois, 155 x 270 cm

pages V, VIII/IX, X

Raymond Hains, Sociale Populaire Nationale, 1973, torn posters mounted on canvas /

affiches lacérées marouflées sur toile, 50 x 36 cm

page II

Raymond Hains, Armorican Express, 2005, painted bronze / bronze peint, 100 x 118 x 4 cm

not illustrated


This book is published on the occasion of the exhibition Jérémy Demester: Fire Walk With Me

at Galerie Max Hetzler Berlin, Goethestraße 2/3, 10 November 2017–20 January 2018. It contains

an extra booklet to document the concurrent exhibition Raymond Hains: You know nothing

Raymond. A homage by Jérémy Demester at Galerie Max Hetzler Berlin, Bleibtreustraße 45,

curated by Demester as an artistic dialogue across half a century, its title alluding to the Socratic

idea that he who knows that he really knows nothing is a wise man.

Text: Annabelle Gugnon

English translation: Josephine Marchand

Copy editing: Lutz Eitel

Design: Hans Werner Holzwarth

Photographs: def image

Lithographs: Bildpunkt, Berlin

Production: Medialis, Berlin

Cover: Undead still life (Muir), 2017 (detail)

Page 1: Merlin, 2017

Pages 2 and 56: Jérémy Demester, 2017. Photos: def image

Copyright 2018 for the work of Jérémy Demester: the artist; for the work of Raymond Hains:

VG Bild-Kunst, Bonn/The Raymond Hains Estate; for the text: the author;

for the photographs: the photographer

Copyright 2018 for this edition: Galerie Max Hetzler Berlin | Paris | London,

Bleibtreustraße 45, D-10623 Berlin | 57, Rue du Temple, F-75004 Paris and

Holzwarth Publications, www.holzwarth-publications.de

All rights reserved

First edition 2018

ISBN 978-3-947127-03-0

Printed in Germany


72

ISBN 978-3-947127-03-0 / Printed in Germany

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