COLLECT Belgique Mars 2022

COLLECT
Mensuel ne paraît pas en janvier, en juillet ni en août - 6,95 € - P608061
n° 514 / mars 2022
Anto Carte
Entre ciel et terre
Renoir
Un art très populaire
Johan Creten
La magie de la céramique

23 – 27 MARCH
Tour & Taxis
Brussels
Experience extraordinary art:
AFFORDABLEARTFAIR.COM
IN PARTNERSHIP WITH
Short Friday and other Stories
by François du Plessis
Chiefs and Spirits, €2,950

NADIR
FRANCIS ALŸS
THOMAS BOGAERT
MICHAËL BORREMANS
DIRK BRAECKMAN
DAVID CLAERBOUT
BERLINDE DE BRUYCKERE
WIM DELVOYE
Bogart
KRIS MARTIN
DANIËL OST
MATTHIEU RONSSE
D.D.TRANS
JAN VAN IMSCHOOT
CHÂTEAU DE LAARNE
13.03.2022 − 22.05.2022
www.nadir2022.be
PUISSANTES IMAGES, LE LIMBOURG PARTAGE
WWW.KUNSTZETTER.BE
Z33 MAISON D’ART ACTUEL,
DESIGN ET ARCHITECTURE
HASSELT
EXPO SEASONAL NEIGHBOURS: OUR
INVISIBLE HANDS
Jusqu’au 17 avril 2022
EXPO ON-TRADE-OFF: CHARGING MYTHS
5 Mars – 21 août 2022
EXPO BC ARCHITECTS – SAME SAME BUT
DIFFERENT
9 Avril – 7 août 2022
C-MINE
GENK
EXPO ALEXIS GAUTIER
7 mai - 7 août 2022
Une initiative de FLACC/C-MINE
MUSÉE EMILE VAN DOREN
MAISON D’ART ET PAYSAGE
GENK
EXPO GEHEUGEN_VAN_GENK
Prolongé en raison du succès
Jusqu’au 22 mai 2022
UITSTALLING ART GALLERY
GENK
UITSTALLING ART GALLERY
EXPO UITGESTALD-1
2 avril – 8 mai 2022
UITSTALLING THE VILLA
EXPO STHENJWA LUTHULI
1 avril - 8 mai 2022
UITSTALLING THE KUBE
EXPO KOEN VANMECHELEN
1 avril - 25 juin 2022
LABIOMISTA
GENK
LABIOMISTA, une œuvre évolutive de Koen
Vanmechelen sur le mélange de la vie. Un parc
de 24ha avec des œuvres d’art (vivantes), de
l’architecture, du patrimoine – au milieu de la
nature.
1 avril - 6 novembre 2022
STUDIO PIETER STOCKMANS
GENK
EXPO L’ARCHIVE
Une exposition permanente sur les œuvres de
Piet Stockmans. Une synthèse de 50 ans de travail
avec de la porcelaine, en mettant l’accent sur son
travail libre en ajout de cela des films, audio et des
catalogues.
KUNSTZETTER

Sommaire
De Goldschmidt
La poétique d’une collection
EST. 1971 / mars 2022 - N°514
www.collectaaa.be
Donatello,
réformateur de
la sculpture
44
62
Le diamant
de couleur
Star du marché 40
SUIVEZ-NOUS ÉGALEMENT
SUR : @ARTMAGAZINECOLLECT
OURS
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Rédaction, Agenda
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Rédacteur en Chef
Christophe Dosogne
Rédaction
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Celine De Geest
Christophe Dosogne
Collaborateurs
Gilles Bechet
Laurent de Hemptinne
Thijs Demeulemeester
Gwenaëlle de Spa
Gwennaëlle Gribaumont
Elien Haentjens
Johan Frederik Hel Guedj
Diane Hennebert
Anne Hustache
Christine Vuegen
Traduction
Dynamics Translations
Didier Vanhede
Mise en pages
Renaldo Candreva
Freek Lukas
Impression
Graphius, Gand
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Librairies
AMP
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Pays d’Abonnements
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offert en cadeau se termine automatiquement
au bout d’un an. Pour un
changement d’adresse, une résiliation,
un numéro manquant, ou toute
autre question, surfez sur :
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En couverture
Pierre-Auguste Renoir, Femme à l’Eventail, ca.
1879, huile sur toile, 65,4 × 54 cm. Williamstown,
The Clark Art Institute. © Courtesy Clark Art
Institute
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de la Presse Périodique
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Portrait : © Silvie Bonne
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lesquels n’engagent que leurs auteurs. COLLECT ne peut
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à l’annonceur. © Arts Antiques Auctions, Gand
COLLECT l 3

Édito
Le marchand véreux, un fantasme belge !
Dans l’après-midi du 3 janvier dernier,
un important vol d’orfèvrerie ancienne
était perpétré dans un château des environs
de Gand. Au menu du larcin, pas
moins d’une soixantaine de pièces, dont
certaines uniques, sans doute emportées
pour être directement fondues… Ce vol,
largement médiatisé par des marchands
spécialisés en orfèvrerie comme le
Bruxellois Philippe d’Arschot, interpelle
d’autant plus qu’il intervenait deux jours
après le démantèlement de l’unique cellule
de la police judiciaire fédérale belge
versée dans la lutte contre le trafic de
biens culturels. La disparition de cette
déjà moribonde cellule Art et Antiquités
n’est certes guère une surprise puisque,
pour rappel, elle avait déjà disparu en
2016 sous les coups de Jan Jambon, avant
un pseudo-rétablissement qui s’achevait
donc lamentablement le 1er janvier. En
fait de disparition, il s’agit plutôt d’un
transfert de compétences opéré depuis
au moins deux ans vers le SPF Economie,
désormais seul en charge de la
lutte contre le trafic d’antiquités sur le
territoire belge. Et c’est bien là que le bât
blesse. Outre que sa suppression renvoie
une image déplorable de notre pays
à l’international, cette cellule fédérale,
aux méthodes discrètes et relativement
efficaces, constituait depuis des années
un support de collaboration important
avec les acteurs du marché, par le biais
notamment d’instances professionnelles
comme la BRAFA ou la ROCAD. Or, sa
disparition, outre qu’elle pourrait susciter
des vocations dans le milieu du banditisme,
a laissé le champ libre à une relation
nettement plus ‘‘musclée’’ entre les services
du ministère désormais concerné
et les marchands d’art, que le premier
soupçonne d’alimenter un trafic illicite
international organisé, voire considère
carrément comme de véreux « pilleurs de
tombe », selon les mots du président de
la ROCAD, Patrick Mestdagh. Ce dernier
déplore d’ailleurs la détérioration des
relations entre les marchands et le SPF
Economie, dont la méconnaissance du
marché de l’art apparaît criante et les méthodes
privilégient plutôt des opérations
“coups de poing” relayées par la presse
à sensation. Pourtant, depuis cinq ans,
aucun jugement n’a condamné un marchand
belge… Il serait donc opportun,
voire utile, d’instaurer en Belgique un
encadrement légal strict mais juste des
activités des marchands d’art. Et surtout,
purgé de tous fantasmes et préjugés. Car,
rappelle l’avocat spécialisé en droit de
l’art Yves-Bernard Debie, l’application de
règles de droit économique au marché de
l’art, sans tenir compte de ses spécificités,
n’a jusqu’ici engendré que des effets délétères…
A ce titre, constituer au sein du
SPF Economie une cellule spécialisée en
art, composée d’officiers de police judiciaire
spécialement formés à cette matière
et qui reprendrait le dialogue désormais
interrompu avec les représentants du
marché de l’art, nous semble comme à
beaucoup d’observateurs avertis devoir
constituer une priorité. Il en va de l’image
du pays, de ses marchands et de la bonne
santé de son marché de l’art.
Christophe Dosogne
RUBRIQUES
6 Up to date
10 Personalia
12 Musées
16 Paroles de galeriste : The Constant Now
17 Galeries
21 Paroles de galeriste : DEMAIN
22 L’artiste du mois : Ruben Bellinkx
24 Zoom : Servaas Van Belle
DOSSIERS
26 Wael Shawky, focus sur une oeuvre
28 Johan Creten, la force thaumaturgique
de l’objet
34 Renoir, un classique très populaire
40 Le diamant de couleur, star du marché
44 Donatello, réformateur de la sculpture
50 Dans l’oeil de Candida Höfer
52 Rinus Van de Velde, la valeur
d’une oeuvre captivante
58 Au fil du temps, le peigne à cheveux
62 Frédéric de Goldschmidt,
la poétique d’une collection
82 L’orientalisme, rêve d’exotisme
86 Le devenir des ventes bourgeoises
90 Anto Carte, le ciel sur la terre
VENTES
66 Focus International
68 La surprise du mois : un tabouret
chez Native
69 Ventes en Belgique
AGENDAS
94 Auction calendar
96 Fair calendar
97 Expo calendar
98 Gallery calendar
101 Bonnes adresses & Sites web
101 Petites annonces
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régulièrement une newsletter
d’actualité des ventes, foires et salons...
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adresse électronique à : collect@ips.be
4 l COLLECT

UP TO DATE
Signa temporum, ars temporis…
->
Rembrandt, Le Porte-Etendard, 1636, huile sur
toile, 118,8 × 96,8 cm. © D. R.
->
Henri Matisse, La Villa bleue à Nice, 1918, huile sur toile, 33 x 41 cm. Millon, Paris, 10-03.
© Millon Est. 150.000-200.000 €
20 nouvelles maisons de ventes étaient
créées en France l’an dernier. Parmi ces
nouveaux acteurs, Art Research Paris est
présent sur le marché depuis le 2 février. Les
deux commissaires-priseurs sont Frédéric
Delobeau (basé à Amiens) et Leslie Marson,
et le directeur de la communication est
Romain Monteaux-Sarmiento. La maison
est basée au 174, rue du Faubourg Saint-Honoré.
Art Research Paris prévoit une
vingtaine de ventes par an, sur l’art des XXe
et XXIe siècle et l’art de vivre, dont une en
design et arts décoratifs le 24 mars et une en
art moderne et contemporain le 30 mars.
www.arp-auction.com Oubliée du
marché de l’art et des catalogues raisonnés,
une toile inédite d’Henri Matisse (1869-1954)
vient de refaire surface. Cette Villa bleue à
Nice (1918), estimée entre 150.000 et
200.000 euros, est proposée à la vente par la
salle Millon, à Paris, le 10 mars. www.millon.
com +++ Le 13 mars, c’est Ivoire Reims qui
procède à la vente d’un dessin de jeunesse
de Paul Cézanne récemment redécouvert.
www.ivoire-reims.com Le 18 janvier, la
villa romaine des princes Ludovisi Boncompagni,
qui comporte un plafond du
Caravage, ne trouvait pas acquéreur lors du
premier round d’enchères, avec une mise à
prix de 471 millions d’euros. La prochaine
vente aura lieu le 7 avril, qui proposera une
estimation réduite de 20 %, à 376,8 millions
d’euros. Le Sénat néerlandais approuvait
le 18 janvier l’achat du Porte-Étendard de
Rembrandt, pour lequel les Pays-Bas
payeront 150 millions d’euros. En décembre
dernier, la France avait renoncé à acquérir
cette toile qui se trouvait dans la branche
française de la famille Rothschild depuis 180
ans. Un ‘‘détectoriste’’ anglais découvrait
dernièrement une pièce en or d’un penny,
datée du règne du roi Henry III, enterrée à
10 cm de profondeur dans un champ du
village de Hemyock, dans le Devon. Dans un
état de conservation exceptionnel, cette
monnaie frappée vers 1257 par l’orfèvre du
roi, William de Gloucester, avec du métal
précieux importé d’Afrique du Nord, est
considérée comme la plus ancienne pièce
d’or anglaise connue. Huitième exemplaire
de ce type au monde, elle était adjugée le
23 janvier par l’auctioneer spécialisé Spink &
Son, à Londres, pour 648.000 livres sterling
(880.000 euros). www.spink.com Ce 1er
mars, le MEM (musée de l’Erotisme et de la
Mythologie), installé au Sablon à Bruxelles,
célèbre ses dix années d’existence. Fondé
par le docteur Guy Martens, il offre un
aperçu historique de l’art érotique de
l’Antiquité à nos jours. www.m-e-m.be
A Montréal, le musée des Beaux-Arts
annonçait mi-janvier le don d’une toile de
l’artiste ostendais James Ensor. Ces Toits
d’Ostende, peints en 1885, représentent une
vue sur la ville depuis l’atelier de l’artiste. Elle
a été donnée à l’institution par les collectionneurs
montréalais Carolyne Barnwell et
Pierre Bourgie. www.mbam.qc.ca La
collection du M Leuven vient, elle aussi, de
s’enrichir de 60 œuvres d’artistes contemporains,
grâce aux autorités flamandes qui
ont acquis en 2021 des œuvres d’art pour
près de 4 millions d’euros, afin de soutenir le
secteur. M, étroitement associé à la sélection
de ces œuvres, bénéficie donc d’un prêt de
longue durée. www.mleuven.be Avec la
Joconde, la Vénus de Milo ou la Victoire de
Samothrace, c’est l’une des icônes du musée
du Louvre, qui n’a pas bougé des salles
depuis 1999, date d’une exposition au Grand
Palais (L’art égyptien au temps des pyramides)
qui avait été l’occasion d’une
campagne de restauration. Sculpture en
calcaire datant de la IVe dynastie, donc âgé
de 45 siècles, le Scribe accroupi, découvert à
Saqqarah en 1850 par Auguste Mariette, se
rapproche de nos frontières puisqu’il est,
depuis le 1er février, exposé au Louvre Lens.
Ce prêt, d’une durée d’un an, se fait dans le
cadre des célébrations du 10e anniversaire
de l’institution, qui a accueilli 4,5 millions de
visiteurs depuis son inauguration en
décembre 2022. www.collections.louvre.fr
La maison des Arts de Schaerbeek
accueille (jusqu’au 30 avril) une exposition
intitulée En quelques mots…, qui interroge
la puissance des mots par le biais d’œuvres
de douze artistes contemporains, sous le
commissariat de la plasticienne Lucile
Bertrand. www.lamaisondesarts.be
6

UP TO DATE
Kanal-Centre Pompidou
dans l’œil de Kasia Redzisz
Commissaire d’exposition à la Tate
Modern, puis Senior Curator à la Tate
Liverpool, la Polonaise Kasia Redzisz (1982)
a également travaillé comme commissaire
indépendante. Depuis le 1er février, elle
est officiellement à la direction artistique
de Kanal-Centre Pompidou qui devrait
s’ouvrir à Bruxelles dans le courant de
l’année 2024. Pour celle dont la nomination
ne s’est pas faite sans remous, les relations
avec le Centre Pompidou se placent sous
le signe d’un partenariat et non d’une
dépendance, l’institution parisienne étant,
pour rappel, payée par la Fondation Kanal
pour collaborer avec son antenne bruxelloise,
notamment en lui donnant accès à
sa vaste collection (120 000 œuvres). Lors
de sa première rencontre officielle avec la
presse (nous l’avions déjà rencontrée en
privé), Kasia Redzisz a tenu à relever les
circonstances socio-culturelles inédites qui
vont présider à la naissance de cette nouvelle
institution bruxelloise et de préciser
l’importance de tenir compte de l’écosystème
préexistant à Bruxelles, notamment
des nombreux collectionneurs mais
aussi des institutions comme BOZAR ou le
WIELS, en mettant en place une programmation
qui reflète cette diversité. Ce nouveau
musée, elle souhaite évidemment,
c’est dans l’air du temps, qu’il se base
sur des valeurs d’égalité et de durabilité,
mais aussi en une approche résolument
prospective, avec une attention soutenue
aux nouvelles formes de création qui
transgressent les codes préétablis. Ainsi,
si elle n’y est pas foncièrement opposée,
le temps des expositions blockbusters
attirant la grande foule semble, pour elle,
révolue, à l’aune des nouvelles habitudes
engendrées par la pandémie et des nouvelles
contraintes de durabilité et de coût.
Son programme sera ainsi sans doute plus
sociétal et moins purement arty, même si
son souhait, comme cela se fait déjà dans
le monde anglo-saxon d’où elle est issue,
est de remettre en perspective une histoire
de l’art écrite jusqu’ici essentiellement
par l’Occident. Pour l’aider dans cette
tâche, elle désire notamment agrandir
rapidement son équipe curatoriale, tout
en ayant à cœur de tisser des liens avec les
publics de proximité qui, jusqu’ici, n’ont
pas encore osé se rendre ‘‘de ce côté-ci du
canal’’, comme on dit à Bruxelles...
www.kanal.brussels
->
Kasia Redzisz. © photo : Veerle Vercauteren
Un chef d’œuvre de Wolfers
acquis par la Fondation Roi Baudouin
->
Philippe Wolfers, pendentif Méduse, 1898,
or, émail, ivoire, opale, diamant. Fondation
Roi Baudouin, en dépôt aux musées royaux
d’Art et d’Histoire. © Musée Art & Histoire
Le Fonds du Patrimoine de la Fondation Roi Baudouin vient de réaliser une acquisition
exceptionnelle : le pendentif Méduse de Philippe Wolfers. Ce joyau a pris place dans le
magasin Wolfers, exposition permanente du musée Art & Histoire de Bruxelles, qui met en
valeur les créations de ce géant de l’Art nouveau belge. Au même titre que Victor Horta,
Henry van de Velde et Paul Hankar, Philippe Wolfers (1858-1929) fait partie des grandes
figures belges de l’Art nouveau et jouit d’une réputation internationale. Le pendentif,
conçu en 1898, est considéré au niveau international comme une icône de la joaillerie
Art nouveau belge. Il fut longtemps détenu par un propriétaire privé. Souhaitant que le
bijou reste en Belgique, celui-ci a contacté prioritairement la Fondation Roi Baudouin et
lui a laissé la primauté de la décision d’acquérir le joyau, ce que celle-ci fut en mesure de
faire grâce à son Fonds du Patrimoine. « L’acquisition de cette pièce est un complément
incontournable à la collection unique de bijoux de Philippe Wolfers. De tous les bijoux à
caractère symbolique de l’artiste, il s’agit d’un chef-d’œuvre absolu », commente Werner
Adriaenssens, conservateur des Arts décoratifs du XXe siècle au musée Art et Histoire.
www.artandhistory.museum
7

UP TO DATE
Le grand jeu des foires internationales
->
L’édition 2021 de Paris Photo au Grand Palais Ephémère. © D. R.
Tandis que la TEFAF de Maastricht annonçait
les nouvelles dates (du 25 au 30-06) de sa
prochaine édition, Art Basel, organisateur
de trois des plus grandes foires du monde,
à Hong Kong, Miami Beach et dans la ville
suisse éponyme, ajoutait une quatrième
prise à son arsenal, à Paris. La première
édition d’Art Basel dans la capitale française
est prévue en octobre prochain dans le
Grand Palais Ephémère, en lieu et place de
la FIAC, jusqu’alors la plus grande foire d’art
contemporain du pays. Ce changement,
résultant d’un appel d’offre organisé par le
Grand Palais, constitue un terrible désaveu
pour la FIAC, dont l’organisateur, la société
RX France, conserve toutefois le créneau
de Paris Photo, en novembre. A l’heure où,
suite au Brexit, on spécule sur l’ascension
de Paris, l’arrivée de ce mastodonte mondial
pourrait y nourrir fortement l’expansion du
marché de l’art. D’autant que, au rayon des
antiquités, des changements s’annoncent
également avec la fusion des deux principales
foires parisiennes concurrentes, Biennale
et Fine Arts Paris sous le nom de Fine
Arts Paris & La Biennale, avec comme président
unique le marchand spécialisé dans
les dessins anciens Louis de Bayser. Fine Arts
Paris apporte en dot le Carrousel du Louvre
pour la première édition, programmée du 8
au 13 novembre 2022. Pour les années suivantes,
l’événement qui devrait se composer
d’environ 90 galeries se tiendra à une date
plus avancée dans l’automne (fin novembre)
et rejoindra le Grand Palais Ephémère en
2023, puis le Grand Palais à partir de 2024.
L’organisation pratique a été confiée à AEC
(Agence d’Evénements Culturels) qui a déjà
à son actif Fine Arts Paris mais aussi le Salon
du dessin (qui annonce cette année, du 17
au 22 mai, le grand retour des galeristes
étrangers, qui représenteront la moitié
des exposants) et a pour ambition de faire
renaître un leader mondial.
www.finearts-paris.com
Deux nouvelles salles aux MRBAB
Après plusieurs années de recherches, et
en parallèle à la mise en ligne au mois de
septembre dernier par le SPF Economie
d’un site web dédié aux biens culturels
pillés en Belgique (www.lootedart.
belgium.be), les propriétaires du tableau
Fleurs (1913) du peintre expressionniste
Lovis Corinth ont enfin pu être identifiés.
La peinture fut volée au couple juif
Gustav & Emma Mayer par l’Einsatzstab
Reichsleiter Rosenberg (ERR) en
Belgique, pendant la Seconde Guerre
mondiale. L’œuvre fut récupérée par Leo
Van Puyvelde après la libération de
Bruxelles et transférée à l’Office de
Récupération Économique qui la confia
aux musées royaux des Beaux-Arts de
Belgique (MRBAB) en 1951. Sept décennies
plus tard, le jeudi 10 février, le tableau
était officiellement restitué aux descendants
du couple Mayer. Parallèlement,
l’institution ouvrait deux nouvelles salles
d’exposition. L’une contextualise le sujet
des biens culturels pillés pendant la
Seconde Guerre mondiale, une problématique
vaste et complexe déjà bien mise en
lumière dans d’autres pays, notamment
l’Allemagne et la France, et dans laquelle la
Belgique a pris énormément de retard.
L’autre apporte, non sans un certain esprit
d’à-propos, voire d’opportunisme, un
éclairage scientifique sur les questions de
colonialisme et de diversité. Au cœur de
cette salle est placé un chef-d’œuvre de
Rubens (Quatre études de la tête d’un
Nègre, 1614), dont le titre avait été modifié
en Quatre études de la tête d’un Maure
(Mais les Maures, musulmans d’Afrique du
Nord, avaient-ils forcément la peau noire ?),
avant d’être finalement rebaptisé Quatre
études d’une tête. La question du changement
de titre est ici centrale, les musées
royaux se voulant un laboratoire de réflexion
sur la construction du musée de demain, en
insistant sur ce que la recherche scientifique,
mission primordiale du musée, peut
apporter au débat contemporain.
www.fine-arts-museum.be
->
Joos Van Cleve (?), Portrait d’un échanson,
1541, huile sur panneau, 73 x 57 cm.
Bruxelles, Musées royaux des Beaux-Arts
de Belgique, inv. 6587. © MRBAB, Bruxelles
/ photo : J. Geleyns – Art Photography
En dépôt depuis 1951 aux musées royaux
des Beaux-Arts de Belgique, ce tableau
est toujours à la recherche de ses propriétaires
légitimes…
8

UP TO DATE
Foires en Belgique et ailleurs…
->
En bref...
->
Karel Appel, Composition Abstraite, 1975, acrylique sur toile, 48,3 x 61 cm. © Galerie
Crouzet / Kunst- en Antiekbeurs, Hasselt
Du 19 au 20 mars, se tient à Ligny
(Sombreffe), la Foire du Cristal et du
Verre (www.foireducrisal.be), sympathique
événement qui propose des
pièces de cristalleries et verreries
européennes, anciennes ou contemporaines.
L’équipe de Fairtime, déjà
aux commandes de la prestigieuse
foire Antica Namur, crée la surprise et
bouscule le calendrier européen du
marché de l’art en lançant, du 11 au 15
mai prochains, à Brussels Expo, une
toute nouvelle foire qui se concentre
exclusivement sur le XXe siècle, dans
toute sa diversité, TWENTY. www.
twenty.brussels Après deux ans
d’absence, le PAD Paris sera de retour
dans le Jardin des Tuileries, du 5 au 10
avril prochains. www.padesignart.com
->
Sculpture représentant deux grues argentées sur un rocher, Japon, fin du XIXe siècle,
bronze. © Galerie Darya / Galerie Crouzet / Kunst- en Antiekbeurs, Hasselt
LA FOIRE D’ART ET D’ANTIQUITÉS DE
HASSELT (du 17 au 20-03) accueille depuis
1983 les amateurs d’art et d’antiquités
de Belgique, des Pays-Bas, d’Allemagne
et de France. Après deux ans d’absence,
l’organisation saisit sa chance de se
renouveler en comblant le vide laissé par
Eurantica dans le calendrier. 70 galeries de
Belgique et des pays voisins sont conviées,
dont la Galerie Xavier Spaas de Hasselt,
spécialisée dans les objets décoratifs, les
meubles et les peintures des XVIIIe et
XIXe siècles. À voir également : Galerie
Crouzet (Paris), The Old Treasury (Pays-
Bas) et Galerie Darya (Allemagne).
www.hasseltfineart.com
AFFORDABLE ART FAIR BRUSSELS
(du 23 au 27-03) s’installe pour la 13e fois à
Tour & Taxis. Chaque année, l’événement
accueille quelque 15 000 visiteurs attirés par
l’offre de quelque 75 galeries belges et
internationales. Toutes les œuvres exposées
sont réalisées par des artistes vivants et les
prix des œuvres doivent être obligatoirement
affichés. Il est possible de faire emballer ses
achats à la foire et de les emporter directement
chez soi. Outre les galeries belges telles
que ART22 (Bruxelles), Nationale 8 (Dilbeek),
Winwood (Knokke) et Visus (Lasne), des
galeries internationales de pays tels que
l’Espagne, le Danemark et la Corée du Sud
participent. www.affordableartfair.com
LILLE ART UP!
Avec une centaine de galeries participantes
et quelque 40 000 visiteurs annuels, Lille Art
Up! (du 10 au 13-03) est l’une des plus
importantes foires régionales de France. Le
vernissage, La Nuit de l’Art avec des
performances en direct, et l’exposition
Révélation d’Art Up !, qui met l’accent sur les
étudiants des écoles d’art de la région, sont
de véritables événements. Le thème de la
foire, cette année, est ''illumination et
transparence'', à interpréter au sens propre
comme au sens figuré. Le MusVerre, par
exemple, a été invité à présenter une
exposition thématique d’œuvres d’artistes
verriers contemporains tels que Bert Frijns,
Laura Diaz de Santillana et William Velasquez.
www.lilleartup.com
ARTGENEVE
La foire fête son 10e anniversaire (du 03 au
06-03). Outre la présence d'un grand
nombre de galeries de haut vol comme
Almine Rech, Nathalie Obadia, Thaddaeus
Ropac, QG Gallery, Templon, In Situ - Fabienne
Leclerc, MLF|Marie-Laure Fleisch et
Tim Van Laere, la foire propose des sections
distinctes pour la photographie et la
sculpture. Une partie non commerciale est
occupée par des collections privées et des
institutions telles que le Centre de la
Photographie de Genève, le Centre
Pompidou et le musée Boijmans Van
Beuningen. www.artgeneve.ch
9

Têtes de l’Art
James Bidgood
In memoriam : Le photographe américain
James Bidgood (1933) décédait
à New York le 31 janvier. Faisant
partie de cette catégorie d’artistes
pionniers, mais oubliés, il eut toutefois
une influence considérable sur
la photographie contemporaine. De
fait, sans lui, pas de David La Chapelle,
ni de Pierre et Gilles dont les
images se sont largement inspirées
de ses ambiances. Sa vie durant, il
détourna les codes visuels du cinéma
des années 1950 et 1960 : au lieu de
photographier les femmes comme
des pin-up, c’est les hommes qu’il
mettait en scène de la même manière.
Fréquentant le milieu des clubs
gays new yorkais et prenant en photo
les danseurs qu’il y rencontrait,
dans son petit appartement newyorkais,
il explora tout l’éventail des
fantasmes homo-érotiques. En 1971,
il réalisait ainsi le film Pink Narcissus,
aujourd’hui considéré comme
culte, qui visualisait les fantaisies
érotiques d’un jeune gay.
© photo : Vincent Tullo
Jacques Calonne
In memoriam : L’artiste d’origine montoise
Jacques Calonne (1930), décédait
à Bruxelles, le 7 février. Il s’était
illustré dans de multiples disciplines,
passant de la composition musicale
‘‘radicale’’, saluée par Pierre Boulez
et Karlheinz Stockhausen, à la création
de musiques de films et à l’interprétation
de chansons surannées. Il
fut le plus jeune membre du groupe
CoBrA et, s’inscrivant dans le sillage
de Christian Dotremont, était connu
pour ses aquarelles, même s’il s’est
aussi adonné à l’écriture de roman,
de contes, de poèmes, d’aphorismes
ou encore d’horoscopes. Il s’était, en
outre, essayé à l’invention d’objets
inutiles et avait connu des aventures
théâtrales et cinématographiques.
Stéphane Ackermann
© D. R.
In memoriam : Tour à tour commissaire
d’exposition, directeur artistique
et consultant d’art, Stéphane
Ackermann a porté plusieurs casquettes
au fil de sa carrière. Son décès
prématuré, le 18 janvier à l’âge de
52 ans, y mettait brusquement fin.
Après des débuts en 1991 chez Yvon
Lambert, il avait été commissaire
d’exposition au musée d’Art moderne
de Paris, de 1995 à 1998. Passionné
de voyages, notamment à Damas
et Istanbul, il s’était installé dans la
ville turque en 2008 et avait assuré la
direction artistique de Contemporary
Istanbul et Art International. Sa
galerie et agence de production d’art
à Luxembourg, la Stéphane Ackermann
Agency, opérationnelle entre
1998 et 2008, avait mis à l’honneur
des artistes tels qu’Alain Declercq
ou Jean-Christophe Massinon. Stéphane
Ackermann avait, en outre,
contribué à la création du MUDAM
(musée d’Art moderne de Luxembourg),
en 2006.
Alexia Fabre
Nomination : Son nom avait déjà
été évoqué, mais la confirmation
n’est arrivée que fin janvier : c’est
Alexia Fabre, qui a fait du MAC
VAL un laboratoire de la diversité,
qui remplace Jean de Loisy à la tête
de l’École nationale supérieure des
Beaux-Arts de Paris. Née en 1967
à Bayonne, diplômée de l’École du
Louvre et de l’Institut national du
patrimoine (avec une spécialisation
en art contemporain, où elle a compté
parmi ses professeurs marquants
Bernard Blistène, Serge Lemoine ou
Jacques-Louis Binet, hématologue de
la Salpêtrière dont elle a repris ensuite
le séminaire), elle a commencé
sa carrière au musée départemental
de Gap (1993-1998), avant d’intégrer
pour une longue période le MAC
VAL (musée d’Art contemporain du
Val-de-Marne), à Vitry-sur-Seine.
© Courtesy gb agency
© photo : Gueorgui Pinkhassov
10

Florence Bourgeois
Caroline Fiers
Nomination : C’est ce qui était attendu
depuis l’annonce de la fusion des
équipes de la FIAC et de Paris Photo
: Florence Bourgeois, déjà directrice
de le seconde, était nommée le 3
février à la tête de la première. Le
départ de Jennifer Flay a ainsi été
entériné après 18 ans à la tête de la
principale foire d’art contemporain
parisienne. Née en 1964, Florence
Bourgeois fut d’abord gestionnaire
dans la mode avant de se réorienter
en 2003 pour diriger le PAD en 2012
puis Paris Photo à partir de 2015. Elle
précise : « Nous travaillons au redéploiement
de la foire. Après l’appel
d’offres qui a rebattu les cartes, et
la violence extrême de la procédure,
nous avons perdu un lieu. Nous repartons
d’une page blanche mais
sommes déterminés à faire vivre la
marque FIAC, qui est très forte et
qui n’est pas à vendre. »
© photo : Jérémy Bouillon
Claire Bernardi
Conservatrice au musée d’Orsay,
Claire Bernardi était nommée fin
janvier à la tête du musée de l’Orangerie,
à Paris. Elle succède à ce poste
à Cécile Debray, partie diriger le musée
Picasso depuis octobre. Passée
par La Sorbonne, l’École du Louvre
puis l’Inp, elle débutait sa carrière de
conservatrice en tant que chargée
des collections modernes au Centre
national des arts plastiques en 2008,
avant de rejoindre le musée d’Orsay
en 2012, où elle est demeurée près de
neuf ans. On doit à cette spécialiste
des peintures de la fin du XIXe et du
début du XXe siècle le commissariat
ou co-commissariat de nombreuses
expositions.
© photo : Sophie Crepy
Nomination : La Biënnale Interieur,
qui se déroule (normalement) tous
les deux ans à Courtrai et est considérée
comme le plus grand événement
en design du pays, a un nouveau directeur
général. Après une carrière
bien remplie, Jo Libeer (67 ans) passe
le flambeau à Caroline Fiers, qui faisait
partie de l’équipe d’Interieur depuis
2019 et qui, l’an dernier, en tant
que directrice commerciale, avait
orienté l’événement Please, Have a
Seat dans la bonne direction. INTE-
RIEUR ‘22 aura lieu du 20 au 24-10.
(www.interieur.be).
© Interieur
Lore Langendries
Lauréate : En 2015, la créatrice limbourgeoise
Lore Langendries obtenait
une maîtrise en arts, même si
elle œuvre depuis longtemps dans la
création de bijoux et d’objets contemporains
qu’elle réalise avec de la peau
et des poils d’animaux. Captivée par
la nature capricieuse de la faune, la
créatrice traite ces peaux, notamment
la peau tannée de l’antilope
springbok, par le biais de la technologie
de découpe au laser. Entre
artisanat et industrie, entre unicité
et reproductibilité, l’artiste est une
farouche partisane du bijou-objet.
Son singulier travail de mégisserie
lui vaut d’avoir obtenu le prix Young
Talent 2022 du Henry Van de Velde
Award.
© photo : Lies Nivelle
Christophe Veys
Nomination : Sans gouvernail depuis
le 31 août 2021, date de l’éviction de
son précédent directeur, le Centre de
la Gravure et de l’Image Imprimée
de la Fédération Wallonie-Bruxelles
était depuis géré par le Bureau de
l’institution. Une situation qui a pris
fin, le 4 février, avec la désignation,
par le conseil d’administration, de
Christophe Veys (1973). Originaire de
Braine-l’Alleud, cet historien de l’art
et collectionneur discret enseigne
l’art contemporain, la pratique de
l’exposition et l’histoire des institutions
culturelles à l’Ecole des Arts de
Mons. Commissaire d’exposition, il
est également auteur, critique d’art, et
conférencier régulier pour JAP ainsi
qu’à l’ISELP, entre autres.
© D. R.
Sabine Longin
Nomination : Sabine Longin était
nommée fin janvier au poste de directrice
générale du musée Picasso, à
Paris. Depuis 2016, elle fut directrice
du développement puis secrétaire
générale de la Fondation Giacometti,
aux côtés de Catherine Grenier.
Née à Lyon en 1970, détentrice d’un
DESS en direction et développement
de projets culturels de l’université
de Lyon 2, elle débute sa carrière
en 1994 au musée d’Art contemporain
de la ville, en tant que coordinatrice
artistique de la Biennale.
Dans une activité de conseil étalée
sur une quinzaine d’années (de
l’agence de relations presse Heymann
Renoult à Ernst & Young, jusqu’au
cabinet qu’elle a créé, D&C), elle a
également œuvré sur des questions
internationales.
© photo : Marco Illuminati
11

MUSEES
Claviers
du 26-03 au 26-06
Maison Snijders
& Rockox
Anvers
www.snijders
rockoxhuis.be
Aline Bouvy
jusq. 18-09
MAC’s
Hornu
www.mac-s.be
Des toiles représentant des instruments
comme le virginal, l’orgue et le clavecin se
mêlent à de vrais instruments d’époque,
à leur tour ornés de diverses peintures.
Voilà les deux types d’œuvres présentées
dans cette exposition. Celle-ci fait suite à
la reconstitution, dans le musée en 2018,
d’un salon de musique inspiré de celui
que le bijoutier portugais Gaspar Duarte
avait installé dans sa demeure du Meir,
où il organisa de nombreux concerts, avec
ses filles et lui-même comme interprètes.
Duarte possédait plusieurs clavecins et
virginaux. Comme cette exposition le
démontre, Anvers fut de 1560 à 1660 la
capitale mondiale de la fabrication de
clavecins et certains des instruments
peints sur les tableaux de l’exposition
sont d’origine anversoise. De même,
Anvers fut réputée pour la fabrication
d’orgues d’église et d’orgues domestiques.
L’exposition est organisée en partenariat
avec le musée Vleeshuis et, bien sûr, des
concerts émaillent la programmation. (ah)
Dérive poétique et transgressive, cette exposition se présente comme une ‘‘maraude’’
où il est autant question de vagabondage sexuel et de patrouille policière que de chiens
errants et de batifolages queer. Les matériaux divers utilisés par l’artiste, qui vit et travaille
à Bruxelles, plexiglas thermoformés, linoléums marquetés ou encore véhicules téléguidés,
témoignent de sa désinvolture face aux tabous et au concept du bon goût. Par ses
références au Clarisme, une mystique transgenre fondée dans les années 1920 par l’artiste
allemand Elisarion, Aline Bouvy revisite également la lente trajectoire utopique d’une
culture en train de se détourner des modèles dominants du patriarcat et de l’hétéronormativité.
(ah)
Aline Bouvy, Bastinado, 2018. © de l’artiste / photo : Isabelle Arthuis
Frans Francken II et Hieronymus Francken I, Le
Concert, 1660, huile sur bois marouflée sur toile.
Allemagne, Collection Marks Thomée.
Kasper Bosmans
jusq. 31-07
WIELS
Bruxelles
www.wiels.org
‘‘Husbandry’’ est un terme utilisé pour désigner non seulement la gestion agricole, l’élevage
d’animaux ou la culture des plantes, mais aussi la bonne conduite d’un foyer. Et, en effet, Kasper
Bosmans trouve souvent ses références dans une forme de domesticité : il s’intéresse à l’histoire
« vue de la cuisine ». Car l’artiste, qui vit et travaille entre Bruxelles et Amsterdam, est un conteur.
Fasciné par les histoires, il en dénoue les fils et les tisse différemment, de manière ludique, pour
développer un discours globalisant. Cette exposition témoigne de son intérêt pour les matières et
techniques diverses : il présente des œuvres en bronze, en émail, en verre et en sable réalisées avec
des artisans spécialisés. On y découvre, entre autres, des portraits abstraits sur panneaux émaillés,
des petits panneaux de bois peint, des peintures murales hautes en couleurs et une frise de verre
interrompue par des ciseaux. (ah)
Kasper Bosmans, Legend (Parlour &
J.Zelf), 2021, gouache et pointe d’argent
sur panneau de peuplier, élément d’un
dyptique, chaque panneau mesurant 28
x 21 cm. Amsterdam, Collection privée.
12

MUSEES
Peindre sur le motif
jusq. 21-08
Fondation Custodia
Paris
www.fondationcustodia.fr
Les Fantômes
d’Orsay
du 15-03 au 12-06
Musée d’Orsay
Paris
www.musee-orsay.fr
Vers la fin du XVIIIe siècle, l’usage de l’esquisse à l’huile en plein air commence à faire
partie intégrante de la formation des paysagistes. Réalisées rapidement sur papier de
petit format, ces études avaient pour but premier d’exercer l’œil. Elles n’étaient pas
conçues comme des œuvres finies, destinées à être vendues, mais devaient composer
un large corpus de références sur lesquelles les artistes se basaient pour conférer
vivacité et fraîcheur à l’œuvre finale, exécutée en atelier. Cette exposition réunit plus
de cent cinquante études à l’huile, signées notamment Camille Corot, Rosa Bonheur,
John Constable, Joseph Mallord William Turner, Christoffer Wilhelm Eckersberg, Johan
Thomas Lundbye, Vilhelm Kyhn ou Louise-Joséphine Sarazin de Belmont. Le parcours
se structure autour des motifs abordés : arbres, rochers, eau sous ses multiples formes,
volcans, ciels, toits, Rome et la campagne romaine, Capri. (ah)
Louise-Joséphine Sarazin de Belmont, Grotte dans un paysage rocheux, huile sur papier contrecollé
sur toile, 42,2 × 57,4 cm. Collection particulière.
En 1978, soit avant le début des travaux qui
devaient transformer les lieux en musée, la
gare d’Orsay et son hôtel furent fermés et
abandonnés. S’introduisant dans le second,
Sophie Calle s’installait dans une chambre
désertée, y demeurant pendant plusieurs
mois. Elle y mena un travail préfigurant toute
sa méthodologie future : elle prit des photos,
invita ses amis, rassembla des documents, des
objets, les anciennes fiches des clients et les
notes adressées à un employé imaginaire de
l’hôtel, qu’elle avait nommé Oddo. L’ensemble
de cette collecte fut conservé par l’artiste
pendant plus de quarante ans. Or, durant le
confinement, Sophie Calle eut l’idée d’entamer
une nouvelle prospection, cette fois dans le
musée, à son tour déserté et fermé en raison
de la pandémie. L’exposition réunit ces deux
moments de quête, offrant un riche aller-retour
entre les deux. (ah)
Sophie Calle, Orsay, 1979. © de l’artiste / ADAGP, Paris 2022
/ Courtesy Perrotin
Rétrospective
Bram Bogart
jusq. 07-08
Musée Prinsenhof
Delft
www.prinsenhof-delft.nl
Bram Bogart, Paris, 1960 rue Santeuil. ©
Shunk-Kender CJ. Paul Getty Trust, Getty
Research Institute, Los Angeles
Plus de cent ans après sa naissance, le musée Prinsenhof de Delft rend hommage à l’artiste
de renommée internationale Bram Bogart (1921-2012) dans une rétrospective incluant plus de
trente de ses œuvres. Fondateur de la peinture informelle néerlandaise l’artiste fut un illustre
exemple pour les peintres de Delft Jan Schoonhoven et Jan Henderikse. L’exposition Bram Bogart.
Peintre d’envergure offre un aperçu de la singularité de sa démarche, avec nombre d’œuvres en
provenance directe des collections de la famille Van den Boogaart, complétées par des pièces
d’éminents musées nationaux. Le public peut ainsi découvrir, pour la première fois, la plupart des
tableaux de cette collection. (eb)
13

MUSEES
Art for
no one:
1933-1945
du 04-03 au 06-06
Schirn Kunsthalle
Frankfurt am Main,
www.schirn.de
Pionnières
du 02-03 au 10-07-2022
Musée du Luxembourg
Paris
www.museeduluxembourg.fr
De 1933 à 1945, le régime du National
Socialisme exerça une pression énorme
sur le monde artistique, persécutant
ses acteurs en raison de leur origine, de
leur religion et de leur opinion politique.
Beaucoup d’artistes ont émigré mais
qu’est-il arrivé à ceux qui sont restés et qui
n’ont pas forcément voué allégeance aux
critères imposés par Hitler ? En présentant
14 personnalités différentes, cette
exposition vise à démontrer que plusieurs
peintres développèrent alors diverses
stratégies pour continuer à stimuler leur
créativité et conserver leur originalité
malgré le manque de visibilité et aussi, de
matériaux. Parmi ceux-ci figurent, entre
autres, Willi Baumeister, Otto Dix, Hans
Grundig, Lea Grundig, Hannah Höch,
Marta Hoepffner, Ernst Wilhem Nay et Fritz
Winter. (ah)
Ernst Wilhem Nay, Tête de femme tenue sur une
main, 1944, gouache sur papier. Düren, Leopold
Hoesch Museum & Papieren Museum. © Ernst
Wilhem Nay Stiftung / VG Bild-kunst, Bonn 2021
Les années 1920 furent une période de bouillonnement et d’effervescence culturelle,
surnommée bien à propos les ‘‘Années folles’’. Les artistes femmes de cette période,
et même de toute la première moitié du XXe siècle, jouèrent un rôle primordial
dans le développement des grands mouvements artistiques de la modernité, non
seulement dans le monde de la peinture mais aussi de l’architecture, du design et de
la science. Mais, elles ont été clairement discriminées, n’ayant pas accès aux galeries ni
aux musées, pour autant qu’elles aient pu se former. Cette exposition souhaite donc
remettre à l’honneur celles que l’on préférait cantonner au rôle de muse ou de modèle
mais à qui on refusait l’idée d’avoir du génie, le génie étant masculin non ? Elle réunit
les œuvres d’artistes connues comme Suzanne Valadon, Tamara de Lempicka ou Marie
Laurencin, et permet surtout de découvrir des figures oubliées comme Mela Muter,
Anton Prinner et Gerda Wegener. Ces femmes viennent du monde entier, y compris
d’autres continents où certaines exporteront ensuite l’idée de modernité, à l’instar de
Tarsila Do Amaral au Brésil, Amrita Sher Gil en Inde, ou Pan Yunliang en Chine. (ah)
Suzanne Valadon, La Chambre Bleue, 1923, huile sur toile, 90 x 116 cm. Limoges, Musée des Beaux-Arts.
Graciela Iturbide
jusq. 29-05
Fondation Cartier
Paris
www.fondation.cartier.com
Graciela Iturbide, Nuestra Senora de las
Iguanas, Juchitan, Oaxaca, 1979. © de
l’artiste
Au numéro 37 de la calle Heliotropo, à Mexico, se trouve le studio de la photographe mexicaine
Graciela Iturbide (1942), un espace conçu par l’architecte Mauricio Rocha qui a également réalisé la
scénographie de cette exposition. C’est donc au cœur même du travail de cette créatrice que le public
est convié en découvrant l’ensemble de ses photographies prises depuis les années 1970 jusqu’à nos
jours. Figure majeure de la photographie latino-américaine, Graciela Iturbide crée des images qui
oscillent entre approche documentaire et regard poétique : « J’ai cherché la surprise dans l’ordinaire»,
confie-t-elle. Si elle est aujourd’hui célèbre pour ses portraits d’Indiens Seris du désert de Sonora
ou ceux des femmes de Juchitán, ainsi que pour ses essais photographiques sur les communautés et
traditions ancestrales du Mexique, Graciela Iturbide porte également depuis toujours une attention
quasi spirituelle aux paysages et aux objets. L’exposition présente pour la première fois ces deux
versants de l’œuvre de l’artiste. (ah)
14

MUSEES
L’art du vêtement
pour homme
du 19-03 au 06-11
Victoria & Albert Museum
Londres
www.vam.ac.uk
Paul Gauguin,
Why Are
You Angry ?
du 25-03 au 10-07
Alte Nationalgalerie
Berlin
www.smb.spk-berlin.de
Habitué aux
thématiques traitant
de la mode – on
se souvient de
la présentation
bluffante du
travail d’Alexander
McQueen – le V&A
met les petits plats
dans les grands
en consacrant une
vaste exposition à la
mode masculine. Les
métamorphoses du
vêtement masculin
sont évoquées
tant au travers
des collections
historiques du
costume, que dans
la peinture : des
toiles d’entre autres
Sofonisba Anguissola
et Joshua Reynolds
donnent la réplique
aux soieries et
dentelles anciennes.
Le parcours file jusqu’à nos jours, s’ouvrant sur un ensemble imaginé par
Graig Green en 2021. Outre le vêtement, c’est au travers du sous-vêtement
que le corps est également scruté afin de témoigner combien l’idéal
masculin s’est perpétué depuis l’Apollon du Belvédère, présent via un
moulage, jusque dans une publicité de Calvin Klein. (ah)
Graig Green, SS21. © photo : Amy Gwatkin
La Nationalgalerie de Berlin compte dans ses collections
un des chefs-d’œuvre peint par Paul Gauguin, Femme
de pêcheur tahitienne. Cette exposition rétrospective
explore donc plus particulièrement les raisons qui ont
poussé l’artiste à quitter Paris en 1891, laissant derrière
lui sa femme et ses cinq enfants. Cette quête spirituelle
à la recherche d’une civilisation non dénaturée, d’un
paradis originel, repose sur des idées colonialistes
forgeant les mythes d’un certain exotisme et d’un
certain érotisme. C’est durant cette période, soit de
1891 jusqu’à sa mort en 1903, que Gauguin repousse
les limites de l’art occidental et crée ses œuvres les plus
originales. L’exposition interroge aussi la légende créée
par Gauguin lui-même autour de ‘‘l’artiste sauvage’’. Les
œuvres du maître sont mises en perspective avec celles
des artistes contemporains Angela Tiatia, Yuki Kihara,
Nashashibi/Skaer, ainsi que de celles de l’activiste Henri
Hiro. (ah)
Paul Gauguin, Arearea no Varua Ino. The Amusement of the Evil
Spirit, 1894. Copenhague, Ny Carlsberg Glyptotek.
Jacques Louis David,
dessinateur radical
jusq. 15-05
The Metropolitan Museum of Art
New York
www.metmuseum.org
Le Metropolitan Museum of Art possède une huile sur toile célèbre de Jacques-Louis David, La
Mort de Socrate. En outre, l’institution préserve aussi de nombreux dessins préparatoires de ce
tableau traitant d’un épisode de l’Antiquité : Socrate, entouré de ses disciples, est sur le point
de boire la ciguë. L’idée est donc venue aux conservateurs de se pencher sur les nombreux
et remarquables dessins que David réalisait toujours en préparation à un tableau. Ces étapes
préliminaires lui étaient indispensables à la construction de l’œuvre et ces dessins témoignent
donc de ses idées, de ses choix, des options et des abandons. L’ensemble du processus créatif
est ici débusqué. L’exposition se nourrit de divers prêts et permet de découvrir, sous d’autres
facettes, les œuvres de ce peintre, le plus important de son temps en France, qui témoigna
dans son œuvre d’épisodes intenses de l’histoire nationale, depuis les années précédant la
Révolution jusqu’à l’Empire. (ah)
Jacques Louis David, La mort de Socrate, ca.
1782, crayon et encre sur papier. New-York, The
Metropolitan Museum of Art.
15

Paroles de galeristes #03.2022 — PART 1
THE
CONSTANT NOW
Incubateur et découvreur
de talents de couleur
La mission d’un espace d’exposition transcende
parfois son activité commerciale. L’Anversoise
Magali Elali, à la tête de THE CONSTANT NOW,
pousse résolument les jeunes artistes de couleur
vers une plus grande diversité partout dans le
monde artistique belge.
Quelle est la vision de votre
espace d’exposition ?
Magali Elali : « THE CONSTANT
NOW, fondée en mai 2021, sous
notre pièce de séjour, renvoie
à l’instant présent, à la réalité
quotidienne où tout est coloré
et divers, chose qu’on ne voit
pas exprimé dans le monde de
l’art. Nous nous concentrons
essentiellement sur les artistes
de couleur parce que nous
estimons qu’ils sont sous-représentés
malgré leur immense
potentiel. La couleur est, à nos
yeux, un concept plus large
qu’une origine géographique ;
les personnes de la scène
LGBTQI sont également les
bienvenues. Au lieu de dénoncer
sans cesse les lacunes du monde
de l’art, nous avons décidé
d’afficher ces nombreux talents.
Ce qui ne signifie pas que ces
artistes ne réussiraient pas sans
nous, mais nous désirons avant
tout montrer la diversité des
artistes de couleur. Nous ciblons
une niche et créons ainsi une
communauté soucieuse de
l’émancipation et de la visibilité
des artistes de couleur. La
vibe ou empathie des visiteurs
de cette même communauté
garantit une accessibilité positive
et inspirante. »
Cette définition très pointue
facilite-t-elle le fonctionnement
d’une galerie ?
« Au contraire, nous nous compliquons
l’existence. La raison
de cette faible diversité est que
les musées prétendent ne pas
voir ces artistes parce qu’ils
ne les trouvent pas ou que la
qualité de leur travail n’est pas
suffisante. Ce sont donc des
critères auxquels nous sommes
confrontés. Notre vivier est trop
étroit, aussi devons-vous chercher
intensivement le talent
idoine. Nous n’avons pas choisi
une démarche évidente et je
ne sais pas non plus combien
de temps nous pourrons continuer.
Mais le moment était
venu de nous faire entendre. »
Comment comptez-vous
opérer ?
« Étant nous-mêmes de couleur,
cela se passe souvent de
manière organique et ce sont
les artistes qui nous aident.
Nous effectuons beaucoup de
recherches en ligne. Après la
première exposition, de nombreux
artistes se sont présentés
d’eux-mêmes en raison de
notre orientation spécifique. »
(Le passé de journaliste d’Elali
qui, avec son mari Bart Kiggen,
photographe et graphiste, a
fondé le magazine en ligne
Coffeeklatch et deux livres chez
l’éditeur Luster, a généré une
importante communauté de
followers, ndlr) « Nous souhaitons
montrer aux musées
qu’il y a non seulement de
nombreux artistes de couleur,
mais qu’il existe aussi un public
de couleur intéressé par l’art.
Par cette sensibilisation, nous
espérons sensibiliser davantage
ces institutions à la diversité, de
même que les collectionneurs
privés. »
© Bart Kiggen/ KEEN.
« Nous voulons que la diversité soit
une attitude, pas une surprise. »
MAGALI ELALI
De qui ou de quoi vous inspirezvous
?
« Je suis de près plusieurs
femmes noires comme Nicola
Vassell et Hannah Traore qui
mettent en place une galerie
commerciale aux Etats-Unis,
mais la communauté noire est
plus responsabilisée là-bas
qu’ici. Nous dépassons la
notion de black et étudions les
besoins belges. Nous avons,
par exemple, de nombreux
visiteurs bruxellois et liégeois
parce ce type de convergence y
fait défaut. »
Qui sont les artistes avec
lesquels vous travaillez ?
« Nous travaillons surtout avec
de très jeunes artistes. Nous
rêverions d’exposer ici un artiste
de couleur établi, seul ou en
dialogue, mais nous n’avons pas
les moyens suffisants pour ce
niveau de production. D’autres
galeries ont, du reste, engagé
directement des artistes déjà
exposés ici. Notre objectif premier
est d’organiser et d’encadrer.
D’où le coaching-traject
POC POC WHO’S THERE? lancé
avec divers commissaires d’institutions
belges, dont le WIELS, M
Leuven et le musée Middelheim,
mais aussi avec Marie Gomis-
Trezise, de la Galerie Number 8,
afin d’orienter les artistes vers
ces institutions. Cette initiative
d’un an se déroule en parallèle
avec les expositions habituelles,
dont la prochaine aura lieu en
mai et servira à sensibiliser le public
et à réaliser notre mission. »
Pourquoi être passé d’un espace
commercial à une structure sans
but lucratif ?
« Lors de notre première exposition,
nous envisagions de nous
présenter comme une galerie
commerciale. Ce ne fut pas
possible, car le talent que nous
avions découvert nous a été volé.
D’où notre décision de continuer
sous la forme d’un espace sans
but lucratif. Nous fonctionnons
maintenant grâce à des subventions
ponctuelles. Nous sommes
un incubateur et un découvreur
de talents. Nous souhaitons
proposer ce savoir-faire, mais
le retrouver aussi par le biais de
collaborations avec des galeries,
en foires ou dans des institutions
muséales. Cette approche a pu
d’abord paraître marginale, mais
ce statut d’espace artistique en a
fait un atout majeur. De talentueux
artistes de couleur savent
désormais que notre plateforme
peut les lancer sur le marché de
l’art. »
www.antwerpartweekend.be
www.theconstantnow.com
16

GALERIES
Eric Colonel
& Thomas Spit
jusq. 26-03
Alice Galerie
Bruxelles
www.alicebxl.com
Marc Perez
et Yannis
Markantonakis
jusq. 20-03
Galerie
Christine Colon
Liège
www.christinecolon.be
Eric Bassleer (Mon Colonel) et Thomas Stiernon (Spit) forment le collectif Mon
Colonel & Spit. L’actuelle proposition réunit quelque 250 masques et volumes
à l’allure de tête humaine, autant de réalisations produites depuis mai dernier.
Eric Bassleer : « Ce peuple de petits bonshommes constitue une famille
d’expressions et nous allons la disperser. Ils sont le plus souvent sympathiques
et rassurants mais pas forcément ; il y a parfois des allures cauchemardesques.
(…) S’y mêlent des influences venant de l’art brut, de CoBrA, de la culture postgraffiti
et de l’histoire de la céramique, surtout celle du siècle passé. Je pense
à des productions comme Vallauris. Il y a aussi des influences plus contemporaines
comme celles de Grayson Perry ou Roger Herman. » Quant au titre
de l’événement, il ferait référence au nom d’un magasin de jouets localisé au
Coq : « Je le fréquentais quand j’étais enfant et je conserve un souvenir de
fascination. Les marchandises étaient présentées dans des vitrines avec un soin
particulier. Quelque chose y tenait de la collection d’un accumulateur compulsif.
Il y régnait une atmosphère qui nous a amenés à développer la mise en
scène, laquelle évoque l’ambiance d’un cabinet de curiosités. » (gg)
Eric Colonel & Thomas Spit, céramique, 2021. © des artistes / Courtesy Alice Galerie
Prix : entre 600 et 6.000 €
« L’œuvre de Marc
Perez se tient en
équilibre entre le
voyage d’un explorateur
de l’intime
et la quête presque
métaphysique d’un
artiste, entre poésie,
onirisme et psychanalyse,
explique
Colette Fellous. Ces
sculptures, autant
que les étonnantes
séries de dessins aux
visages hallucinés,
comme rescapés
d’un immense tremblement du monde ou d’une nuit
de feu, ont la fulgurance de certaines visions, la puissance
des résurrections. Personnages muets ou dansant
tout au bord d’un récit qu’ils n’arrivent pas à dire et
que nous raconterons peut-être à leur place. Le monde
aurait disparu, il y aurait eu un engloutissement ou
une catastrophe et eux, seraient des survivants. » Pour
l’artiste Marc Perez, la peinture de son comparse Yanis
Markantonakis « dit autre chose que ce qu’elle montre.
Elle nous montre le bleu d’une mer paisible, sur laquelle
naviguent en silence des bateaux, mais en vérité nulle
promesse de voyage, nulle évasion. Il y a dans ses œuvres
des tempêtes annoncées et des remous contenus dans
ces cadres brisés et noirs. Seule la beauté qui nous saisit
nous invite à le suivre dans ces périlleuses traversées que
le premier regard ne nous laissait pas prévoir. » (gg)
Marc Perez, L’apprentissage, 2020, technique mixte, H. 87 cm. © de
l’artiste / Galerie Christine Colon Prix : entre 1.300 et 14.000 €
Pélagie Gbaguidi
chez Zeno X
du 12-03 au 30-04
Zeno X Gallery
Anvers
www.zeno-x.com
Pélagie Gbaguidi, Care, 2019-2020.
© de l’artiste / Courtesy Zeno X Gallery,
Anvers Prix : de 2.500 à 40.000 €
La Sénégalaise Pélagie Gbaguidi (1965, vit à Bruxelles) a rejoint l’an dernier Zeno X à Anvers. Elle
fait maintenant son entrée dans la célèbre galerie avec Le jour se lève, exposition solo de nouvelles
œuvres, accompagnée d’une publication. Son art se fait remarquer depuis plusieurs décennies dans
de nombreuses biennales de Dakar et des expositions collectives en Europe et aux États-Unis. Lors de
la dernière Documenta de Cassel et, lors de Congoville, l’an dernier à Anvers, on a pu voir une grande
installation composée de bancs d’écolier et de dessins de plusieurs mètres de long sur des bandes de
papier pendant du plafond. Cette œuvre sur la décolonisation activait le démenti des stéréotypes, à
chaque fois avec des ateliers dans des écoles locales. Elle se donne le nom de ‘‘griotte’’ contemporaine,
c’est-à-dire à l’image d’un conteur populaire d’Afrique de l’Ouest. Son œuvre multidisciplinaire
possède une énergie rafraîchissante et mise sur la prise de conscience, le changement de mentalité, la
guérison de traumatismes et le renforcement de l’individu. (cv)
17

GALERIES
Indrikis Gelzis,
un talent
émergeant
du 13-03 au 17-04
Tatjana Pieters
Gand
www.tatjanapieters.com
Isidoor Goddeeris
et Chris Meulemans
du 20-03 au 10-04
D’Apostrof
Meigem
www.dapostrof.be
Dans son atelier de
Riga, Indrikis Gelzis
(1988) donne vie à
de nouvelles œuvres
murales et à des
sculptures singulières
pour sa deuxième
exposition solo chez
Tatjana Pieters. En
2015-2016, elle résidait
en Belgique à l’HISK
et en 2018, à New York.
Ses images virtuelles
créées avec un logiciel
3D engendrent des
œuvres d’acier, de textile
et des planches de
meubles, de manière
scrupuleuse et dynamique. Le spectateur comprend vite qu’il
s’agit d’un langage visuel se référant à notre époque. Sous la
forme d’un diagramme énergique de données, poétiques et
socio-politiques à la fois. En 2021, son exposition Daily charts,
à Bucarest, alors en zone Covid rouge, baignait dans une
lueur rouge. Une de ses œuvres se vendant, à l’automne dernier,
à la collection de la maison de couture Céline. Un avenir
plein de promesses. (cv)
Indrikis Gelzis, 3 breaths in a windy place, 2021, acier, textile, MDF,
placage, apprêt métallique, vernis, 135 x 95 x 10 cm, pièce unique. © de
l’artiste / Courtesy Tatjana Pieters, Gand Prix : 7.000 €
La galerie D’Apostrof accueille le printemps avec Isidoor Goddeeris et
Chris Meulemans, dont la peinture suscite un vif intérêt. La seconde
expose depuis 2018 dans la galerie anversoise Shoobil. Elle peignait
récemment des fleurs et des plantes, manière d’insinuer la manipulation
de la nature par l’homme et sa vulnérabilité. Une démarche
assez dérangeante, avec des titres comme Time For Swimming Lessons
qui font sourire, évoquant les inondations, les civilisations maritimes
disparues, auxquelles le critique du Knack, Jan Braet, associait en 2019
les sculptures d’Isidoor Goddeeris, constructions architecturales plus
discrètes, avec ou sans lattes de bois. (cv)
Chris Meulemans, Time for Swimming Lessons, 2021, peinture acrylique sur toile, 35 x
40 cm. © de l’artiste / Courtesy D’Apostrof, Meigem Prix : de 700 à 5.000 €
João Freitas
jusq. 26-03
La Patinoire Royale I
Galerie Valérie Bach
Bruxelles
www.prvbgallery.com
João Freitas, Untitled (Brandis), 2021, couverture de
livre trouvée, pluie (grattée), 25,5 x 20 cm.
© de l’artiste / Courtesy La Patinoire Royale –
Galerie Valérie Bach, Bruxelles Prix : entre 1.600
et 8.000 €
Le travail de João Freitas (1989) est en lien avec la notion de trace, d’usure, de temps, traitant
les structures qui lui servent de support : papiers, cartons, tissus, papiers de verre, bois,
... L’intention de l’artiste est de brutaliser doucement la matière pour lui faire dire, avouer,
quelque chose d’insaisissable, comme une planche d’anatomie dévoile les véritables
structures et composantes d’un organisme. Catherine Henkinet, commissaire d’exposition
et critique d’art : « Il puise son inspiration dans la fragilité d’objets du quotidien qui portent
en eux la violence du monde extérieur, à l’image de ces couvertures de livres ou de magazines
abandonnés, séchées par le soleil et élimées par le vent ou encore de ces affiches de
publicités contrecollées, déchirées, délavées par les intempéries. Tous ces rebuts délaissés
de la société ont été récupérés et choisis par l’artiste pour devenir le support d’une
pratique à la fois attentive et incisive, faite de déchirements, de découpes, de grattages ou
encore de ponçages afin de découvrir l’intimité de ces objets. Leur apparence transcendée
révèle alors une puissance et une beauté insoupçonnées. » (gg)
18

GALERIES
Peter Zimmermann
jusq. 26-03
Nosbaum Reding
Bruxelles
www.nosbaumreding.com
Joris
Van de Moortel
du 17-03 au 07-05
Galerie
Nathalie Obadia
Bruxelles
www.nathalieobadia.
com
Pour sa première exposition
personnelle chez Nosbaum
Reding Brussels, Peter Zimmermann
(1956) présente
deux ensembles d’œuvres
récentes dans lesquelles il
poursuit ses recherches sur
les possibilités de la peinture
à l’ère du tout-image. Ses
peintures à l’époxy prennent
ainsi pour point de départ
des images trouvées sur
Internet ou provenant
de ses propres archives,
retravaillées par ordinateur
puis transposées sur toile
en couches successives.
Jouant sur les effets de
transparence et de profondeur
ainsi créés, leur facture
évoque les couleurs lisses et
chatoyantes des écrans qui
dominent notre quotidien.
Dans ses peintures à l’huile,
le jeu de faux-semblants
entre modèle et représentation
est poussé à son paroxysme. Leurs motifs proviennent de photographies
prises avec un smartphone puis manipulées au moyen d’une application
courante au point de devenir méconnaissables. Les images abstraites qui en
résultent sont ensuite traduites en peinture au moyen d’un processus manuel
qui, dans une sorte d’ultime mise en abyme, imite la perfection industrielle
du digital. (gg)
Peter Zimmermann, Scuba, 2020, huile sur toile, 250 x 160 cm. © de l’artiste / Nosbaum
Reding Prix : entre 14.000 et 50.000 €
Les œuvres du Gantois Joris Van de Moortel (1983)
explorent un imaginaire apocalyptique, mêlant des
références à l’histoire de l’art, au Moyen Âge, au christianisme,
à des folklores populaires, ainsi qu’à la littérature et
à la musique. Elles nous invitent à une réflexion sur notre
présent et notre rapport au monde. À travers ses dernières
productions, l’artiste engage un dialogue avec les
tableaux de Pierre Breughel, comme avec ceux du peintre
anglais William Blake ou du Belge James Ensor. Des motifs
tels que la Danse macabre ou la figure d’Urizen sont
appliqués sur la toile grâce à la technique de la gravure
sur bois, que l’artiste utilisait déjà dans ses installations, et
sur laquelle il vient ensuite apposer de la peinture à l’huile.
L’imprécision de ce médium rend flous certains détails,
invitant le spectateur à se plonger dans la scène représentée
pour en saisir toutes les nuances. Pour l’artiste, « ces
œuvres renversent la vision du monde du XVIe siècle et
constituent un miroir pour les luttes d’aujourd’hui, reflétant
ainsi une époque chaotique ». (gg)
Joris Van de Moortel, Europe and the Triumph of dance of death
(after Triumph of Death, ca. 1562, P. Breughel and The Ancient of
Days, Europe a Prophecy, 1794, W. Blake), 2021,gravure sur bois et
huile sur lin belge, vernis UV, 100 x 170 cm.© de l’artiste / Courtesy
Galerie Nathalie Obadia, Paris / Bruxelles / photo : We Document
Art. Prix sur demande
Neïl Beloufa
jusq. 10-04
Clearing
Bruxelles
www.c-l-e-a-r-i-n-g.com
© Neïl Beloufa / CLEARING, New York,
Brussels, L.A. / Mendes Wood DM, São Paulo,
Brussels, New York Prix : entre 50.000 et
90.000 €
La recherche de l’artiste franco-algérienne Neïl Beloufa (1985) se concentre sur la société
contemporaine et la façon dont elle est représentée et médiatisée par l’interaction numérique,
souvent dans le but d’en dévoiler les mécanismes de contrôle. Dans le cadre de ce projet, les
visiteurs sont invités à jouer et à participer à la production comme à la diffusion du contenu. Les
installations, robots, films et tableaux animés, tous influencés par l’humour et l’esprit caractéristiques
de l’artiste, offrent un aperçu de la manière dont le physique et le numérique, devenus
interdépendants dans nos vies, marchent désormais du même pas. À travers deux séries,
Remotely Speaking et Screen-Talk, le visiteur découvre des œuvres fascinantes sur l’immobilisation
dans les ports francs et les Online Viewing Rooms, l’influence spéculative du marché
boursier sur l’avenir de la planète et la médiatisation de la pandémie par les docteurs Folimage.
Un travail qui questionne aussi les nouveaux modèles culturels ouverts par ces artistes qui
développent des Web3, des NFTs et des Organisations Distribuées. (gg)
19

GALERIES
Chaim van Luit
jusq. 26-03
Meessen De Clercq
Bruxelles
www.meessendeclercq.be
Didier Goupy
jusq. 20-03
Galerie Mhaata
Bruxelles
www.mhaata.com
Infatigable
arpenteur, esprit
chercheur, le
Néerlandais
Chaim van Luit
(1985) fait autant
croître son travail
dans son atelier
que dans la campagne
qui s’étend
autour. Sa pratique
prend appui
sur la notion de
récolte. L’artiste
fouille littéralement
le sol avec
un détecteur de
métaux. Il arpente
les espaces souterrains tels que les réseaux de couloirs
vieux de plusieurs siècles ou encore les bunkers de la
Seconde Guerre mondiale, pour mettre à jour l’enfoui, le
tirer de l’oubli. Le fragment est le matériau de l’historien,
c’est sur celui-ci qu’il se base pour élaborer une hypothèse
et tenter de comprendre le passé, où se rejoignent
l’histoire naturelle de la Terre et l’histoire de l’Homme. Il
appréhende ce passé, très ancien ou très proche, sous un
regard constamment neuf et recherche des indices dans
tous les fragments dissimulés qui l’entourent. Récoltes
d’artéfacts ou récoltes de données, récoltes tous azimuts
constituent un puzzle qui engendre au final l’image d’un
vaste paysage. (gg)
Chaim van Luit, Lost Valley (enci 1), 2017, impression jet d’encre,
verre, acide, 205 x 155 cm (encadré). © de l’artiste / Courtesy Meessen
De Clercq, Bruxelles Prix : entre 4.000 et 18.000 €
Dans une relation étroite à la peinture, très sensible aux œuvres de Mark
Rothko et de Pierre Bonnard, le photographe Didier Goupy (1960) s’attache
à comprendre la relation entre la figure et l’abstraction par la couleur, de
façon à créer un espace de mystère et de méditation. La forêt constitue le lieu
fondateur de son travail de recherche et le premier chapitre des Mythologies
(intitulé Fondations). Cette exposition réunit 21 tirages. Marie France Le Saux,
historienne de l’art : « Dans la forêt, Didier Goupy compose avec la graphie
des arbres, les ombres colorées de verts profonds et de roses, fait remonter
de la terre mouillée des bruns et des ocres, scintiller les reflets pointillistes
des feuilles aux reflets d’or. De plus en plus, l’image tend vers l’abstraction,
gomme la frontière entre photographie et peinture, ouvrant ainsi des champs
de liberté à l’interprétation. » Une exposition organisée dans le cadre du
festival PhotoBrussels 06. (gg)
Didier Goupy, Fondation 176, tirage pigmentaire sur papier Hahnemühle, monté sur
aluminium Dibond, 130 x 130 cm. © de l’artiste Prix : entre 1.800 et 4.800 €
La Prière du Cœur
du 11-03 au 23-04
Galerie Jacques Cerami
Charleroi
www.galeriecerami.be
Lors de ses incessantes marches à travers l’Europe, en suivant l’itinéraire du premier fou voyageur,
Philippe Herbet se met à réciter la Prière du Cœur. Cette prière est une dévotion chrétienne
orthodoxe, courte, répétée en permanence au rythme de la respiration et de la marche.
Peu à peu, le photographe se glisse dans la peau d’un pèlerin russe : « J’ai donc débuté ce nouveau
projet par Istanbul, là où se croisent plusieurs religions et qui est un point de passage entre
la mystique chrétienne orientale et islamique. Durant un mois, muni d’un chapelet à 99 grains et
de mon appareil de photographie, j’ai erré dans les rues de la Sublime Porte en récitant discrètement,
tour à tour, la prière du cœur orthodoxe et celle des musulmans. J’ai fréquenté les lieux
de culte : églises arméniennes et orthodoxes, tekkés et mosquées. Des heures et des heures de
marche en ville en photographiant à la fois la beauté mystique et ce qui interrogeait mon regard,
voire ce qui pouvait me choquer. Je ne voulais pas réaliser un reportage, encore moins provoquer
qui que ce soit, mais vivre une expérience mystique et la partager. » (Philippe Herbet) (gg)
Philippe Herbet, La Prière du Cœur, photographie. © de l’artiste
20

DEMAIN
Plateforme
omniprésente en ligne
Lorsque, au printemps 2020, la vie s’arrêtait, Florence
Derck et Diane van Impe prenaient le taureau par les
cornes. Les deux amies faisaient leurs classes dans
le monde de l’art belge en qualité de directrice de
l’antenne bruxelloise de la Gladstone Gallery, pour
la première, et de fondatrice du WE Club au sein du
WIELS, pour la seconde. Ensemble, elles ont créé
DEMAIN, plateforme numérique du futur qui tend à
s’imposer.
Comment est née DEMAIN ?
Diane van Impe : « Nos parents
habitaient dans le même village.
Lors de nos nombreuses balades
durant le grand confinement,
nous avons discuté des difficultés
rencontrées par les artistes que
nous connaissons. Nous avons
estimé qu’il fallait faire quelque
chose. Le moment était idéal
pour créer une plateforme à la
fois numérique et locale. Nous
avons donc souhaité mettre
nos talentueux amis artistes en
contact avec notre réseau. Tout
est allé ensuite très vite. »
Florence Derck : « Cela a d’abord
débuté comme une passion,
en plus de nos emplois à temps
plein. En mai dernier, je quittais
mon emploi pour me consacrer
entièrement à DEMAIN, qui
s’étend et prospère de jour en
jour. »
Avec quels artistes travaillezvous
?
Diane van Impe : « Nous collaborons
avec des artistes qu’aucune
galerie ne promeut. La Belgique
est un formidable carrefour pour
les artistes, même ceux qui ont
des racines à l’étranger. Ces
artistes sont incroyablement
nombreux, grâce à nombre
de collectionneurs souvent
expérimentés et à l’offre sérieuse
des galeries et musées. Seul, à
l’heure actuelle, un petit pourcentage
d’entre eux est défendu.
Nous voulons être, pour eux, un
tremplin qui leur ouvre les portes
des galeries. »
Florence Derck : « Comme partout,
une relation de confiance
se noue très lentement, de
même entre un artiste et une
galerie. Il se passe souvent des
années entre l’acceptation d’une
première œuvre dans une exposition
collective et une exposition
en solo. Nous souhaitons
offrir aux artistes une plateforme
promotionnelle dans cette
période intermédiaire. »
Quel intérêt à un collectionneur
d’acheter chez vous ?
Diane van Impe : « Ils peuvent
acquérir des œuvres à un prix un
peu plus abordable, lequel grimpera
lorsque l’artiste atterrira
en galerie. Les collectionneurs
débutants ou ceux dont le budget
est limité ont donc accès à
des artistes au potentiel élevé. »
Florence Derck : « Nous proposons
des prix atelier, c’est-àdire
sans le pourcentage qui
revient en général à la galerie. »
Comment entrez-vous en
contact avec les artistes ?
Diane van Impe : « Sur Via, mais
aussi sur Instagram, devenu un
outil de découverte des œuvres.
Nous pouvons ensuite promouvoir
nos trouvailles sur Instagram
de manière accessible et
transparente. La seconde étape
consiste en une visite d’atelier,
où nous découvrons l’univers
de l’artiste. Cette rencontre
physique est cruciale à nos yeux,
c’est pourquoi nous organisons
également des visites d’ateliers. »
Igniam et dem. Nam evelignam ra quas mo odis senditates dundae.
« Les visites d’ateliers que nous
organisons sont souvent des
moments inoubliables. »
FLORENCE DERCK
Florence Derck : « Il n’y a
aucune perte de temps : nos
clients achètent l’œuvre dans
l’atelier et l’emportent directement
chez eux. Ils reviennent
parfois voir l’artiste. C’est un
moment intime où des liens
solides se nouent. »
Quid des expositions
temporaires ?
Diane van Impe : « Il est
important, pour les artistes, de
pouvoir exposer et, pour les
amateurs, de visiter des expositions.
Dans nos programmes
de visites, nous veillont toujours
à faire découvrir un endroit
différent et d’autres œuvres,
chaque fois en compagnie
d’un commissaire d’exposition,
d’un collectionneur ou d’un
décorateur d’intérieur. Ils nous
apprennent beaucoup et de
nouveaux réseaux ne cessent
de se créer. »
Florence Derck : « C’est aussi
l’occasion pour les artistes de
raconter leur histoire, d’offrir
autre chose qu’une image en
ligne. Nous lançons, en ce mois
de mars, une exposition temporaire
chez le collectionneur
Tanguy Van Quickenborme
sur Platform 6A, à Otegem. Ce
dernier a le flair pour repérer
de jeunes talents, il a même
organisé sa propre exposition
avec un de nos artistes. Son
choix s’est porté, entre autres,
sur Emma Verhulst, Pauline
Föllings, Max Kesteloot, Bram
Kinsbergen et Odilon Pain. »
Tomorrow never dies
DEMAIN & Platform 6a
Otegem
www.demainbelgium.com
Tous les dimanches, jusq. 16-03
Paroles de galeristes #03.2022 — PART 2
21

L’ARTISTE DU MOIS
Ruben Bellinkx
Dans cette série, COLLECT s’intéresse à la place occupée par les jeunes
artistes dans le monde contemporain. Pourquoi ont-ils choisi cette voie,
d’où leur vient leur inspiration et comment se positionnent-ils ?
Ce mois-ci, c’est au tour de Ruben Bellinkx (1975) de s’exprimer.
TEXTE : ELIEN HAENTJENS
PORTRAIT : GUY KOKKEN
Après les trois offensives de la
pandémie, Ruben Bellinkx
présente avec Black Sun sa
deuxième exposition solo chez
Be-Part et sa première exposition dans les
anciennes Écuries, à Courtrai. Il y montre
le résultat de six années de recherche :
« Tout ce que vous voyez dans mes films
est authentique. Je refuse d’user d’effets
numériques. J’aime l’imperfection et le
bruit. Et aussi la quête aventureuse et les
rencontres improbables qu’engendre ce
type de production. Elles m’enrichissent
sur le plan humain et transforment chaque
film en exploit.» Son atelier se situe à un
jet de pierre du parc Josaphat, à Bruxelles.
La production du diptyque Black Sun
(2015-2021) lui permit de rencontrer, entre
autres, des dresseurs d’oiseaux pour le
cinéma en Angleterre et en Zélande,
l’université technique ETH à Zurich, la TU
à Delft et le département robotique de
l’UGent. « Même s’il n’était pas évident
de faire voler simultanément un essaim
d’étourneaux dans une petite chambre
à coucher, cela s’est révélé encore plus
compliqué avec des drones. Bien que
parfaitement contrôlables, ces derniers
eurent toutes les peines du monde à
ne pas s’écraser au sol sous l’effet du
déplacement d’air de leurs congénères.
Au bout de sept ans, j’ai finalement
trouvé un partenaire fiable pour la
chorégraphies des drones. Car, il me faut
des obstacles, défier la réalité, sonder
les limites entre possible et impossible.
Cette dualité se retrouve aussi dans
mes scènes. (...) Je fais, bien entendu,
référence aux Oiseaux d’Alfred Hitchcock
et à la vidéo Bett de Roman Signer qui, de
manière fascinante, arrive à conférer un
puissant caractère poétique à un banal
décor. » Ruben Bellinkx recherche aussi
la confrontation au niveau du contenu,
aspirant à un équilibre entre esthétique et
narration : « Un art de qualité doit séduire
et déranger à la fois. S’il vous émeut
par sa beauté, son aspect dérangeant
retient votre attention. Vous constaterez
dans mon premier film 35 mm, Double
Bind (2021), qu’il se passe quelque chose
d’étrange. Dans le contexte épuré d’un
espace artistique, trois hommes noirs se
fondent peu à peu dans le décor. Ils sont
réduits à l’état d’outils et ne peuvent servir
que d’accessoires. Cet effet est renforcé
par le son qui, seul, se fait entendre dans
cette installation inerte. Les nombreux
22

L’ARTISTE DU MOIS
« Un art de qualité
doit séduire et
déranger à la fois »
messages contradictoires embrouillent le
spectateur. Le titre lui-même, Black Sun,
inclut cette dualité : d’un côté, le nom
anglais pour un essaim d’étourneaux
et, de l’autre, le terme également utilisé
dans l’ésotérisme, l’alchimie, l’occultisme
et la mythologie. Ce titre est également
récurrent dans la littérature, la musique
et le cinéma. » Pour la première fois de
sa carrière, l’artiste a intégré du son dans
ses films : « J’ai déjà tout recréé avec un
ingénieur du son et un bruiteur. C’est un
moyen supplémentaire pour dérouter le
spectateur. Le son ‘‘élargit’’ l’espace. Les
muscles de la mâchoire, les plus puissants
du corps, m’ont inspiré le film Stasis
(2013) où des hommes âgés, en costume,
maintiennent en équilibre avec leurs
dents une pyramide de tables empilées
les unes sur les autres. Concentration
et intense solidarité résultent de cette
opération collective. Alors qu’une table
suscite en général une grande interaction,
la hiérarchie scénique ne permet plus
aucune communication orale. Un pasteur
néerlandais avait été si touché par cette
vidéo qu’il m’a un jour écrit pour me
Stasis, 2018, performance live dans le cadre de l’exposition
The Raft. Art is (not) lonely au Muzee, Oostende. © de
l’artiste / Courtesy Geukens & De Vil
Black Sun, 2022, film 16 mm, noir et blancs, double canal, son, 12’. © de l’artiste / Courtesy Geukens & De Vil
demander si je voulais la montrer lors
du conseil de l’église. Il voulait ainsi
visualiser des problèmes internes. Depuis
quelques années, les hommes de Stasis se
produisent en live. »
DESSIN CONTRE FILM
Les idées de ses vidéos éclosent lors de
périodes intenses, où l’artiste se consacre
exclusivement au dessin. Certaines
images, nées de manière organique, se
déclenchent pour évoluer ensuite vers
des vidéos ou installations : « Durant le
grand confinement, j’ai créé avec Iron
Fence une série de dessins traitant de la
distance et de l’intimité. Cela m’a incité à
étudier la façon d’incarner dans le bronze
les clôtures inspirées par l’humain. Des
gens comme Bruce Naumann, qui réussit
à traduire plastiquement un concept,
m’époustouflent. La volonté de se
renouveler et l’œuvre éclectique et fraîche
de Sigmar Polke – où il fait littéralement
vivre la peinture – m’encouragent à
poursuivre mes recherches. Après
avoir étudié le dessin et le graphisme
à Saint-Luc Gand, j’ai voulu ouvrir
mon horizon et me suis retrouvé à la
Gerrit Rietveldacademie d’Amsterdam.
Comme je maîtrisais déjà le support, je
ne souhaitais pas dessiner. Mes premiers
films 16 mm sont donc nés. J’ai repris
le dessin cinq ans plus tard au HISK et
terminé mes études avec The Five Sinks
(2006). Puis la Galerie Geukens & De
Vil m’a invité pour une exposition en
solo. Nous travaillons ensemble depuis
quinze ans. Les collectionneurs achètent
volontiers des dessins, ce qui n’est pas
le cas de mes vidéos. Il est en outre
impossible de donner un prix à ces films,
en raison du nombre incalculable d’heures
qu’ils requièrent. Contrairement aux films
qui prennent du temps et exigent des
moyens conséquents, les dessins m’offrent
une plus grande liberté financière et
organisationnelle. Certains collectionneurs
aiment aussi combiner dessin et vidéo. »
Ruben Bellinkx présente une sélection de
dessins dans la dernière salle de Be-Part.
« J’ai appris à me séparer de mes œuvres,
mais toujours à condition de pouvoir les
emprunter. Ma galerie me soutient dans
ce sens. Une partie des dessins de Be-Part
provient donc de collections privées, cela
me permet de nouer et conserver des liens
étroits avec les collectionneurs. »
VISITER
Black Sun
du 19-03 au 05-06
La performance Stasis se déroulera le 05-06,
à 15 h 30, pendant le finissage.
Be-Part – Écuries
Courtrai
www.be-part.be
www.rubenbellinkx.com
23

ZOOM
Servaas Van Belle
Un regard
nostalgique
Servaas Van Belle préfère photographier les choses qui ne lui parlent
pas. Sa démarche se définit en une quête solitaire de formes, d’objets
et de couleurs dans le paysage.
TEXTE : FLORIAN VAN HEVERLEE
Images de la série STAL – Vernacular Animal Sheds. © de l'artiste
24

ZOOM
Le Belge Servaas Van Belle (1978)
s’intéresse à l’histoire des choses,
à la matérialité du récit, du vécu.
Après neuf années d’école d’art, son
premier périple photographique le mène
quelques temps en Afrique où il aide au
développement d’une école primaire. A
son retour, son appareil photo compte
parmi les rares objets qui lui restent. Un
bien précieux devenu entretemps son seul
gagne-pain. Depuis plusieurs années, son
travail est régulièrement publié dans la
presse généraliste et spécialisée, tant en
Belgique qu’aux Pays-Bas. STAL – Vernacular
Animal Sheds est le premier livre qu’il
édite. Il s’agit d’un ouvrage monographique
de référence sur lequel il a travaillé pendant
cinq ans et pour lequel il a parcouru
des milliers de kilomètres. Explorant
les moindres recoins de la Belgique à la
recherche des étables les plus singulières,
il les photographie dans les mêmes conditions
de luminosité. Et pour cet artiste,
qui vit et travaille à Knokke-Heist, cette
exigence se décline en un épais brouillard
grâce auquel il fige un monde en perpétuelle
évolution.
SUBLIME BANALITÉ
En résultent des images très picturales,
des étables et autres granges d’extérieur
qui ponctuent les campagnes de nos
Malgré les ravages du temps clairement
visibles, ces étables semblent avoir une foule
d’histoires à raconter.
régions. Elles sont si banales et font à ce
point partie de l’environnement et de
l’agriculture que c’est à peine si on les
remarque. Pourtant, des joyaux architecturaux
se cachent parmi elles, formant un
ensemble hétéroclite particulièrement signifiant
où celles et ceux qui les ont érigés
eurent tout le loisir de laisser libre cours à
leur imagination. Ici, nul besoin de permis
d’urbanisme, un abri pour animaux étant
moins tributaire des contraintes urbanistiques…
Formes et tailles, matériaux
divers ainsi qu’une riche palette de couleurs
parent ainsi le paysage. Malgré les
ravages du temps, ces étables semblent
avoir une foule d’histoires à raconter.
Véritables patchworks, certaines structures
ne dénoteraient pas dans un musée.
Pendant plusieurs années, Servaas Van
Belle s’est attaché à ces constructions
d’un autre âge, lesquelles continuent tant
bien que mal à émailler nos campagnes
de leur fragilité. Dans le cadre du Festival
Foto Knokke-Heist, il présente le résultat
de ce travail de longue haleine.
VISITER
Foto Knokke-Heist
Cultuurcentrum Scharpoord
Knokke-Heist
www.fotoknokke-heist.be
du 26-03 au 12-06
LIRE
Stal – Vernacular Animal Sheds door Servaas
Van Belle, Hannibal Books, Furnes, 2022,
ISBN 978-9-46436-637-2
25

Wael Shawky
Entre mythe et narration
En exploitant des techniques aussi
variées que la vidéo, le dessin
ou la performance, l’artiste Wael
Shawky engage le spectateur
à questionner les vérités, les
mythes et les stéréotypesde la
culture occidentale. Au-delà d’une
apparente légèreté formelle, ses
œuvres mettent en perspective
des discours et des documents qui
concernent son pays d’origine et le
Moyen-Orient.
TEXTE : GWENAËLLE DE SPA
Exposée entre autres au Louvre Abu
Dhabi et au Moma PS1, la trilogie
des films Cabaret Crusades (2010-
2016) constitue l’œuvre emblématique
du plasticien égyptien Wael Shawky
(1971). En s’inspirant du célèbre ouvrage
d’Amin Maalouf (Les Croisades vues par
les Arabes (1983), ndlr), il interroge le
regard occidental porté sur les croisades
et propose une lecture multiple de ce
chapitre historique. Il use, pour ce faire, de
marionnettes artisanales, mi-hommes mibêtes,
comme acteurs de ses films. Grâce
à elles, l’artiste met en lumière les motivations
laïques d’une partie des combattants
européens ainsi que la concurrence qui régnait
parmi les dirigeants arabes. À la suite
de ce grand projet, plusieurs créations sur
bois et sur papier sont venues nourrir la
réflexion de l’artiste autour de cet épisode
historique. Ces créations ont participé
à son univers artistique, à l’instar de ce
très grand panneau, richement sculpté,
relatant la prise de Constantinople par les
croisés en 1204.
DENSITÉ ESTHÉTIQUE
L’œuvre présente une esthétique dense,
semblable à celle des films. Une multitude
de personnages armés est aux portes de
la ville et s’apprête à la dépouiller de ses
richesses accumulées au cours des siècles.
Une partie des protagonistes sont encore
à bord des navires tandis que les autres
escaladent déjà les remparts et combattent
dans un nuage de feu et de fumée.
Le bas-relief est sculpté à la main dans du
bois ancien, accentuant l’expressivité du
L'artiste questionne
une vision unilatérale
les croisades.
sujet. Ce bois sombre est rehaussé d’or et
de vives couleurs dans les tons rouge et
orange, soulignant la tension de la scène
qui se joue. Pour un œil averti, cette œuvre
peut paraître familière puisqu’elle consiste,
à quelques détails près, en une copie
conforme d’une peinture datant de 1580
réalisée par le maître italien Domenico
Tintoretto (1560-1635). Toutefois, à l’avantplan
de la droite du panneau, les profils
reptiliens d’étranges spectateurs viennent
troubler la cohérence historique de la
pièce. En effet, quatre très grands visages
ressemblant à des dinosaures se superposent
et se mêlent au décor.
DÉRIVES HISTORIQUES
Si Wael Shawky se réfère parfois à l’univers
enfantin par des marionnettes pour
implicitement souligner jeux de domination
et rapport de forces, son bestiaire
fantastique questionne les dérives de
l’interprétation de faits historiques. Les
nombreuses reprises, copies et reformulations
de récits peuvent conduire à des
interprétations frôlant parfois l’absurde.
Ces dinosaures, perçus comme autant de
présences bienveillantes aux pourtours
du tableau, participent à la création d’une
atmosphère irréelle. Le spectateur, happé
26

Cabaret Crusades: The Capture of Constantinople in 1204 (after Jacopo Tintoretto, 1580-1605), 2018, bois sculpté, peinture, feuille d’or, 330 x 400 cm.
© de l’artiste / Courtesy Lisson Gallery, Londres
A la lisière de la fiction narrative et de la
véracité historique, Wael Shawky met en
perspective notre rapport au monde et propose
une déambulation onirique au travers de
réminiscences de faits réels.
par le regard malicieux de l’un d’entre eux,
est invité à poser un regard attentif sur
la scène dramatique qu’il contemple. Cet
événement lointain fait étrangement écho
à une actualité plus récente. A la lisière
de la fiction narrative et de la véracité
historique, Wael Shawky met en perspective
notre rapport au monde et propose
une déambulation onirique au travers de
réminiscences de faits réels. Il questionne
les traditions et le passé par le prisme
de l’actualité et inversement. En effet, les
distorsions autorisées par ce support artistique
invite les spectateurs à une réflexion
critique. Car les documents, images ou
récits, ne sont in fine que le reflet de leurs
narrateurs et pas toujours aussi fiables que
ce qu’ils paraissent.
VISITER
Wael Shawky
Museum M
Louvain
www.mleuven.be
du 11-03 au 28-08
27

Johan
Creten
La force thaumaturgique de l’objet
Nul n’est prophète en son pays.
Johan Creten pourrait être
l’incarnation de cette expression.
Existe-t-il un autre artiste belge
dont la reconnaissance à l’étranger
soit si inversement proportionnelle
à celle rencontrée chez nous, du
côté institutionnel, du moins ? Car,
il est évident que les connaisseurs
ne s’y sont pas trompés.
TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT
L’Hippocampe Secret, 2019- 2022, pièce unique, grès blanc chamotté, émaux métalliques, émail ‘‘blister’’,
traces de majolique et émaux rouges, 155 x 70 x 70 x 180 cm. © de l’artiste / Creten Studio / Courtesy
Almine Rech, Paris / photo : Gerrit Schreurs
Plasticien reconnu pour ses œuvres,
terres cuites émaillées et bronzes,
Johan Creten, né à Saint-Trond en
1963, est très largement considéré
comme l’homme fort du renouveau de la
céramique en art contemporain. Il commence
à en explorer les infinies possibilités
dans les années 1980, la discipline est alors
snobée par les prescripteurs de tendances
artistiques qui l’étiquètent dans un mode
mineur. Dès lors, la bataille menée par Johan
Creten, longue et solitaire, a porté ses
fruits et a encouragé des vocations. La céramique
contemporaine s’invite à présent
dans toutes les programmations. Conçue
en partenariat avec la Galerie Almine Rech,
cette exposition présente un ensemble de
dix-sept sculptures inédites en terre cuite.
Dix-sept animaux (Beasts) réalisés au
cours des trois dernières années, qui n’ont
encore jamais été présentés au public. On
rencontre un sanglier englué dans une
28

Johan Creten. © D. R.
fange sanguinolente, une mouche endormie
ou encore un pélican pétrifié dans une
insondable tristesse. Ce noyau dur se complète
de deux pièces emblématiques dans
sa carrière : C’est dans ma nature (2001)
et De Vleermuis (2015-2019). La première
compose un ensemble de dix bas-reliefs
métamorphiques ; la seconde représente
une monumentale chauve-souris. Dans
la veine d’un Georges Orwell ou d’un Jean
de La Fontaine, Johan Creten appelle
continuellement les animaux à parler de
nos sociétés et de leurs changements, des
dérives politiques, des conflits, des luttes et
des résignations, mais aussi des joies, des
consolations et des espoirs.
JOUER AVEC LA TERRE ET LE FEU
Lors de l’entretien que Johan Creten
nous a accordé, nous l’avons interrogé
sur les fondements de son art, mais aussi
sur ses combats et les nombreux choix
La Chauve-Souris, 2014-2019, 1/3, éd. 3 + 1 EA, bronze patiné, fonte à la cire perdue, signé, titré, sceau ‘‘aigle’’,
385 x 230 x 240 cm (1265 kg). © de l’artiste / Creten Studio / Courtesy Galerie Emmanuel Perrotin, Paris /
photo : Peter Lennby
Johan Creten est considéré comme
un moteur d’innovation dans la céramique
contemporaine.
qu’il a posé en tant qu’artiste contemporain.
Nos premiers échanges éclairent
le jour où il mesura le pouvoir magique
de la matière. Une première anecdote
en dit long sur l’homme, plus encore sur
l’artiste : «Enfant, membre d’un groupe
Chiro (équivalent des scouts), je fus projeté
contre mon gré à la campagne. Étant
un garçon un peu singulier, j’étais régulièrement
harcelé. Jusqu’au jour où j’ai,
moi-même, menacé un gamin qui venait
m’attaquer. J’ai saisi un bout de matière
(était-ce du pain ou de la terre ?), ai très
rapidement modelé un petit objet et l’ai
défié en lui disant que s’il me touchait,
cette petite chose que je tenais entre
les mains viendrait habiter ses rêves. »
Stratagème d’une miraculeuse efficacité
! Dès le lendemain, le jeune Johan
avait changé de statut : il devenait artiste.
29

L’Escargot Lent, 2019-2022, piece unique, grès blanc chamotté, émaux mats et brillants, incise avec le mot ‘‘Sloth’’, 62 x 122 x 65 cm (170 kg).
© de l’artiste / Creten Studio / Courtesy Almine Rech, Bruxelles / photo : Gerrit Schreurs
30

“Travailler avec un
matériau original
a quelque chose de
sacré, mais est aussi
presque tabou.”
Mieux, il prit conscience du potentiel
thaumaturgique qui sommeille dans
un objet. Une anecdote qui soulève une
réflexion bien plus profonde : n’est-ce pas
la force et l’énergie que l’homme place
en l’objet qui lui confère le pouvoir de le
transformer en artiste ? S’ouvrant sur un
champ infini de possibilités, le travail de
la terre offre à Johan Creten un terrain
de jeu inouï pour explorer les patines, les
émaux, les couleurs, les effets de surfaces.
L’artiste chérit le caractère très tactile de
la matière, véhicule d’émotions extraordinaires
: « Il y a, à la fois, un côté sacré
dans le travail d’une matière originelle,
mais aussi un côté presque tabou dans le
fait de mettre les mains dans la terre et
de jouer avec le feu. Ces deux pratiques
combinées réservent quelques fois des
surprises. C’est toujours le feu qui a le
dernier mot. Et ces surprises de cuisson
peuvent engendrer de petits miracles. »
Ce caractère imprévisible, l’artiste mit
quelques années à l’apprivoiser. Il nous
confie qu’au début de sa carrière, dans
des moments de rage, il détruisait les
pièces qu’il considérait comme ratées :
« À présent, je suis capable de conserver
dans mon atelier, pendant plusieurs
années, les choses qui n’ont pas abouti.
Comme autant de piqûres de rappel de
ce qui n’a pas marché. Je les observe avec
plus de recul, je les redécouvre et parfois,
bien plus tard, je comprends en quoi elles
étaient importantes. Un peu comme en
amour, où l’on peut aimer sincèrement
des personnes que l’on a jadis détestées. »
ÉLOGE DE LA LENTEUR
Il est aussi question du temps lorsque
l’artiste nous explique que son processus
créatif est souvent très long. Une œuvre
peut même plonger ses racines dans des
Un mouton nommé Bedotte, 2019-2022, pièce unique, grès blanc chamotté, engobe mat comportant des
pigments de majolique sous couvercle transparent partiel, email Solfatara, 66 x 118 x 63 cm (154 kg).
© de l’artiste / Creten Studio / Courtesy Almine Rech, Bruxelles / photo : Gerrit Schreurs
productions imaginées il y a vingt ans :
« Je me bats toujours pour avoir le temps
de finir mes œuvres. Il n’est pas rare que
je conserve des dessins préparatoires ou
des petites maquettes pendant des mois,
voire des années, jusqu’au moment où
l’œuvre prend forme. Dès lors, l’instinct
prend le dessus. C’est un équilibre entre
sentir et réfléchir. » Taquinant le marché
de l’art contemporain, Johan Creten bouscule
les codes, cherche à être là où on ne
l’attend pas : « J’ai toujours refusé d’être
l’artiste d’une œuvre. Les bustes en fleurs
de la série Odore di Femmina sont certainement
ceux que l’on retrouve le plus
dans les musées, les expositions et les
ventes publiques. Toutefois, j’ai toujours
pris la liberté d’engager de nouvelles
pistes. Dans la même semaine, je peux aller
de l’abstrait au figuratif et je reste aussi
extrêmement curieux de voir jusqu’où je
peux mener mon travail. Mais, il faut se
battre pour conserver cette liberté dans
un monde de l’art qui préfère un artiste
immédiatement reconnaissable et lié à
une production qu’il déclinera de multiples
façons. Aujourd’hui, pour répondre
aux attentes du marché, on demande
aux artistes de produire. Je déteste ce
terme ! Et j’y réagis en réalisant à mon
31

L’Araignée Morte (détail), 2019-2022, pièce unique,
grès blanc chamotté, émaux cuits à haute et basse
température et émail Solfatara, 51 x 85 x 85 cm (75
kg). © de l’artiste / Creten Studio / Courtesy Almine
Rech, Bruxelles / photo : Gerrit Schreurs
La Mouche Morte (detail), 2019-2022, pièce unique, grès blanc chamotté, émaux métalliques et émail
Solfatara, 69 x 119 x 63 cm (180 kg). © de l’artiste / Creten Studio / Courtesy Almine Rech, Bruxelles / photo :
Gerrit Schreurs
Soudain, l’artiste a
pris conscience du
pouvoir magique
qui sommeille dans
chaque chose.
rythme des œuvres uniques. Ce refus de
multiplier une œuvre constitue presque
un geste politique, ma façon de résister. »
L’artiste n’en reste pas moins en prise
directe avec la réalité. Très présent sur les
réseaux sociaux, il use de toutes les technologies
à sa disposition. Il est aussi l’un
des rares à confier, sans le moindre tabou,
les dessous de sa cuisine interne : « Rodin
fut l’un des premiers à utiliser la photographie
pour avancer dans ses sculptures.
Il réalisait des tirages sur lesquels il dessinait,
il corrigeait une courbe, un mouvement.
J’ai pu faire la même expérience
durant le ‘‘grand confinement’’. WhatsApp
m’a permis de rester en contact avec
mes collaborateurs chez Struktuur68,
eux-mêmes confinés dans leurs ateliers.
J’envoyais des dessins, nous réalisions
des sessions Zoom pour avancer sur des
pièces qui étaient précisément préparées
avant mon arrivée. J’intervenais alors sur
la terre encore humide, sur place. »
L’ART DE S’OUVRIR À L’AUTRE
Il est toujours intéressant de savoir ce
qu’un artiste renommé conseillerait aux
jeunes qui rêvent d’une pareille destinée.
Réponse immédiate de Johan Creten :
D’abord se concentrer sur le travail plus
que sur le monde de l’art, mais aussi, voyager,
parler des langues et oser ! « Pendant
25 ans, j’ai vécu en nomade, entre autres
au Mexique et en Amérique. Plus jeune,
32

The Flamingo 1, 2019-2022, pièce unique, grès blanc chamotté, émaux mats et brillants, 100 x 112 x 74 cm (235 kg), The Flamingo 2, 2019-2022, pièce unique, grès
blanc chamotté, émaux mats et brillants, 104 x 100 x 64 cm (235 kg), Le Flamand ou La Grotte, 2019-2022, pièce unique, grès blanc chamotté, émaux mats et
brillants, 92 x 100 x 56 cm (235 kg). © de l’artiste / Creten Studio / Courtesy Almine Rech, Bruxelles / photo : Gerrit Schreurs
“Il faut lutter pour conserver sa liberté dans
un monde de l’art qui préfère les artistes
immédiatement reconnaissables.”
VISITER
je pouvais faire de l’autostop pour aller
visiter une exposition à Cologne. L’art,
c’est l’échange, l’ouverture. Ma chance
est de parler plusieurs langues. Cela m’a
beaucoup aidé. C’est à l’étranger que
mon travail a d’abord été valorisé. Aussi,
je conseillerais à tous d’oser aller à la
rencontre des gens. J’étais timide, je le
suis toujours, et je regrette de ne pas avoir
rencontré l’écrivain Bruce Chatwin. Il y en
a d’autres que j’aurais dû aller voir quand
j’étais jeune. » Plus généralement encore,
Johan Creten nous explique très simplement
que c’est l’énergie que nous mettons
dans les choses qui portera ses fruits : « Il
ne faut pas attendre que l’on vienne vous
chercher. Il faut y aller, initier des projets.
Enfin, je recommanderais aux jeunes
artistes de se regrouper. À plusieurs, on
peut faire plus de choses ! »
Johan Creten : Bestiarium
jusq. 29-05
La Piscine - Musée d’art et d’industrie André
Diligent
Roubaix
France
www.roubaix-lapiscine.com
LIRE
Coll., Johan Creten : Bestiarium, Gallimard,
Paris, 2022, ISBN 978-2-07298-493-8
33

Renoir
Un classique très populaire
Artiste particulièrement
prolifique, Pierre-Auguste Renoir,
un des peintres fondateurs de
l’impressionnisme, est une des
valeurs refuge du marché de
l’art, toujours très apprécié aux
Etats-Unis et en Asie.
TEXTE : GILLES BECHET
Buste de jeune fille, 1879, pastel sur papier, 58,5 x 45,8 cm. Sotheby’s ,Paris, 29-03-2019. © Sotheby’s Art
Digital Studio - 520.700 €
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
a peint sur une période de près
de soixante ans et son catalogue
raisonné recense plus de 4 000
tableaux, plus que Manet, Cézanne et Degas
réunis. On dit même qu’il continua à peindre
sur son lit de mort, les doigts figés par
l’arthrite. Sur le marché, c’est aussi un artiste
de records et, plus particulièrement, avec la
toile Bal au Moulin de la Galette qui figure
toujours dans le club des vingt plus hautes
enchères avec ses 78 millions de dollars atteints
chez Sotheby’s New York en mai 1990.
Cette vente était exceptionnelle à plusieurs
titres. A la fin des années 1980, de grandes
fortunes asiatiques, et plus particulièrement
japonaises, investissaient sur le marché de
l’art. La toile, qui est une version plus petite
de celle conservée au musée d’Orsay, a été
peinte en 1876. Elle appartient à la période
la plus recherchée de l’artiste qui commence
après la première exposition impressionniste,
à l’époque où Renoir était au contact
direct de Monet, Bazille et Sisley.
34

Femme nue couchée, 1892, huile sur toile, 29.1 x 42.3 cm. Sotheby’s, New York, 12-05-2021. Sotheby’s Art Digital Studio - 4.255.000 $ (3.511.000 €)
NET REGAIN
Même si les experts s’accordent à dire que
cette toile ou une autre de la même qualité,
apparaissant à nouveau sur le marché,
pourrait atteindre des montants équivalents
voire supérieurs, l’éventualité reste
faible. « Aujourd’hui, les œuvres les plus
iconiques de Renoir appartiennent à des
institutions muséales. La seule possibilité
de les voir revenir sur le marché serait
par ce mécanisme qu’on appelle deaccessioning,
c’est-à-dire la possibilité pour
les musées américains, essentiellement
des institutions privées, de se séparer
d’oeuvres qui font partie de leurs collections
», explique Pierre Alban Vinquant,
directeur du département Art impressionniste
et moderne chez Aguttes. Lorsqu’une
belle toile de Renoir apparaît sur le marché,
elle obtient toujours de beaux résultats.
C’est ce qui est arrivé à la Jeune fille à
la corbeille de fleurs, toile de 1890, période
‘‘ingresque’’ de Renoir, qui fut adjugée
12.903.000 dollars (11.410.000 euros) chez
Sotheby’s New York le 17 novembre 2021.
« Dans les années 2000, on a constaté
une baisse d’intérêt pour les oeuvres plus
moyennes de Renoir, comme si les goûts
évoluaient et que l’on trouvait Renoir trop
XIXe. Mais, depuis trois à quatre ans, on
remarque un net regain pour cet artiste »,
constate Etienne Hellman, senior director
Art impressionniste et moderne chez
Sotheby’s Paris.
LES PREMIERS COLLECTIONNEURS
Des oeuvres signées Renoir circulent en
nombre sur le marché de l’art, mais toutes
ne suscitent pas le même intérêt. Les plus
recherchées sont celles qui appartiennent
à la première période, dite impressionniste,
autour des années 1870. On constate
aussi un réel engouement pour ce qu’il a
peint dans les années 1880-1890, période
que l’on qualifie d’‘‘ingresque’’, et pour la
période suivante qui marque la synthèse
entre l’impressionnisme et la période précitée.
Parmi les différents thèmes abordés,
Des oeuvres signées
Renoir circulent en
nombre sur le marché
de l’art, mais toutes
ne suscitent pas le
même intérêt.
35

La fin du déjeuner, 1879, huile sur toile, 100,5 x 81,3 cm. Francfort-sur-le-Main, Städel Museum.
36

« Pour avoir les
meilleures chances
de vendre un tableau
de Renoir, il faut qu’il
soit accompagné de
deux certifications,
celle de Dauberville
ainsi que celle du
Wildenstein Plattner
Institute. »
PIERRE-ALBAN VINQUANT
Femme à l’éventail, 1879, huile sur toile, 65,4 x 54 cm, The Clark Art Institute, Williamstown, photo
courtesy of Clark Art Institute clarkart.edu
ceux ayant pour sujet une baigneuse, un
nu féminin ou une maternité sont très
recherchés par les collectionneurs. « Beaucoup
d’études assez évasives, très esquissées,
de très petits formats, apparaissent
aussi sur le marché. Et on peut faire
l’acquisition d’une oeuvre parfaitement
authentique signée Renoir pour moins de
10.000 euros », note Pierre-Alban Vinquant.
Si les meilleures ventes de Renoir se
réalisent prioritairement aux Etats-Unis,
il n’y a là aucun hasard. Au XIXe siècle, les
Américains furent les premiers collectionneurs
de l’artiste. Paul Durand-Ruel,
son marchand historique, s’y installa et
organisa en 1876 une première exposition
de l’école impressionniste qui ne suscita
pas les mêmes critiques virulentes qu’en
France. Par la suite, certaines collections
ont changé de mains et de nombreuses
toiles repassent désormais en vente.
UN CLASSIQUE APPRÉCIÉ
On dit souvent qu’il faut un siècle pour
que les collections familiales arrivent sur
le second marché. « On trouve beaucoup
de Renoir dans les successions françaises,
on vend pour échapper aux impôts, assez
élevés en France. C’est un des canaux qui
nourrissent les ventes publiques, mais
on peut aussi y ajouter les divorces et les
changements de goûts générationnels.
Si les grands-parents collectionnaient
Renoir, les petits-enfants souhaitent
vendre pour acheter de l’art contemporain
», relève Etienne Hellman. L’autre
centre de gravité du marché de Renoir est
certainement l’Asie où il y a de nombreux
collectionneurs privés, mais aussi des nouveaux
musées et fondations que l’on voit
apparaître également au Moyen-Orient.
Le peintre, novateur en son temps, est aujourd’hui
devenu un classique qui plaît au
plus grand nombre. Régulièrement, on voit
sur le marché des toiles inconnues, restées
durant plusieurs générations à l’abri des
regards. Au vu de la production pléthorique
de l’artiste, on pourrait d’ailleurs
croire que les chances sont plus élevées ;
pas forcément. Le catalogue raisonné qui
réunit l’oeuvre du peintre, a été entamé en
1918, un an avant sa mort, à l’initiative du
marchand et galeriste Ambroise Vollard.
Il fut poursuivi par Guy Patrice et Michel
Dauberville. « Pour avoir les meilleures
chances de vendre un tableau de Renoir,
il faut qu’il soit accompagné de deux certifications,
celle de Dauberville ainsi que
celle du Wildenstein Plattner Institute. Les
oeuvres de Renoir qui n’ont pas laissé de
traces sont excessivement rares et il est
peu vraisemblable qu’elles soient reconnues
par le Wildenstein Plattner Institute
sans une trace dans leurs très riches
37

« Alors que les
grands-parents
collectionnaient
Renoir, les petitsenfants
souhaitent
les vendre pour
acheter Soulages ou de
l’art contemporain. »
ETIENNE HELLMANN
archives », précise Pierre-Alban Vinquant.
Ainsi, il y a quelques années, est apparu
sur le marché une toile acquise par le
grand-père du propriétaire qui la confiait à
une salle de vente. Le Wildenstein Plattner
Institute ayant refusé l’avis d’inclusion,
au contraire de Dauberville, la maison de
vente fut contrainte de mettre la toile en
vente avec la mention ‘‘attribué à Renoir’’,
maos elle fut quand même vendue au-delà
des 100.000 euros.
La Belle Saison (ou La Conversation), 1872, huile sur toile, 44,2 x 24,9 cm. Sotheby’s, Paris, 29-03-2019.
© Sotheby’s Art Digital Studio - 920.000 €
CETTE TOUCHE FLOTTANTE
Renoir est aujourd’hui un classique
de l’impressionnisme et de la peinture
moderne occidentale et, à ce titre, il fait
l’objet de nouveaux regards, de nouvelles
perpectives. Ainsi, à Francfort, une exposition
s’intéresse actuellement aux liens
entre sa peinture et le mouvement rococo.
Considérées comme frivoles et immorales
après la Révolution française, les peintures
de Watteau, Chardin, Boucher et
Fragonard connurent un regain d’intérêt
au XIXe siècle. Si o retrouve dans cer-
38

taines toiles de Renoir la représentation de
scènes domestiques et familiales ainsi que
de moments intimes, sa palette aux couleurs
brillantes et cette touche flottante
le caractérisent. « Renoir est une valeur
refuge. Jamais elle ne sombrera comme on
a pu le constater pour certains peintres
plus modernes. Il y aura toujours des personnes
qui voudront acquérir ces œuvres,
peu importe leurs qualités intrinsèques »,
poursuit Pierre-Alban Vinquant. « Il fut
une époque où les gens rejetaient Renoir
pour son côté ‘‘boîte à bonbons’’. En même
temps, c’était un grand peintre, un grand
professionnel qui savait très bien préparer
ses pigments et ses toiles. Jusqu’à ce jour,
la plupart de ses tableaux, sauf s’ils ont été
entreposés dans de mauvaises conditions,
sont toujours en bon état. Un facteur rassurant
pour le marché », conclut Etienne
Hellman.
Portrait de Madame Monet, ca 1874, huile sur toile, 61.7 × 50.3 cm. Williamstown, The Clark Art Institute.
VISITER
Renoir Rococo Revival.
Impressionism and the French Art
of the Eighteenth Century
Städel Museum
Francfort
www.staedelmuseum.de
jusq. 06-09
Les rameurs à Chatou, 1879, uile sur toile, 81.2 × 100.2 cm. Washington DC, The National Gallery of Art, don
de Sam A. Lewisohn.
Renoir, Monet, Gauguin. Les collections de
Kojiro Matsukata et Karl Ernst
Museum Folkwang
Essen
www.museum-folkwang.essen.de
jusq. 15-05
39

Diamants
de couleur
Les stars du marché
Découvert vers 1610 dans la mine Kollur de Golconde en Inde, le fameux diamant Bleu de France (112.5 carats), acquis par Louis XIV, fit partie des diamants de la
couronnes avant d’être dérobé à Paris en 1792. Envoyé à Londres pour y être retaillé, il fut renommé Hope après sa revente, en 1824, au banquier Thomas Hope. D’un
bleu profond et d’un poids actuel de 45.52 carats, il est conservé depuis 1949 au Smithsonian Institute de Washington. © Smithsonian Institute / D. R.
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Bleu de France, Vert de Dresde,
Darya-e Noor, Wittelsbach,
Perfect Pink, Heart of Eternity,
Golden Jubilee, Winston Blue,
Hope, Moussaieff Red, Pink Star,
Incomparable, Tiffany, Spirit of the
Rose, autant de noms prestigieux
et mythiques qui narrent le glorieux
passé des chasseurs de pierres
précieuses, en l’occurrence les
diamants de couleur, les plus
rares et les plus chers. Fournisseur
des plus grandes cours d’Europe,
l’aventurier Jean-Baptiste Tavernier
fut l’un de ceux qui, au XVIIe siècle,
eut notamment pour client le roi
Louis XIV. De nos jours, c’est une
société belge qui est à la tête de ce
négoce. Arthur Langerman nous a
reçu dans les bureaux anversois de
Langerman Diamonds afin de nous
faire partager sa passion pour les
diamants de couleur.
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
Anvers est toujours la capitale mondiale
du diamant : 80 % des pierres
brutes y passeraient et environ
cinquante millions d’euros de diamants
s’y échangeraient quotidiennement.
Couleurs captivantes et inégalable brillance,
les diamants de couleur sont désormais
les pierres les plus prisées de la planète. De
fait, chacune est unique car, à l’état naturel,
seulement 1 diamant sur 10 000 est un fancy
color ou diamant de couleur. Arthur Langerman
précise : « Historiquement, les diamants
de couleur furent parmi les pierres les
plus prisées des cours royales européennes. »
On pense au fameux Bleu de France, aujourd’hui
appelé Hope, ramené des mines de
Golconde en 1668 par Jean-Baptiste Tavernier
et acquis par Louis XIV qui le fit monter
en broche pour orner sa cravate les jours de
fête... « Leur succès était également grand
chez les princes indiens et perses, notamment
sous la dynastie moghole. Cet attrait
perdura jusqu’aux premières décennies du
XXe siècle. C’est alors qu’émergea la production
des mines d’Afrique du Sud, placées sous
le contrôle de la firme anglaise De Beers.
Celle-ci inonda le marché de diamants incolores,
dits blancs, et en fit l’apologie exclusive,
créant un système visant à promouvoir la va-
Stefan et Arthur Langerman. © Langerman Diamonds
leur de ces diamants incolores et à enraciner
l’idée de leur rareté. » Depuis, dans l’esprit
du grand public, plus un diamant est pur et
transparent, plus il a de la valeur…
REVIVAL
Cette croyance, Arthur Langerman s’est
attelé à la démonter, dès le milieu des années
1960, en portant une grande attention aux
pierres de couleur, jusqu’à devenir aujourd’hui
une référence mondiale dans le domaine :
« Au départ, ce fut plus par goût personnel
car on disait ce négoce mort. Mais, comme je
considère que ce qui a eu du succès un jour
revient toujours, j’ai rapidement investi, dans
les années 1970, dans un stock de pierres
brutes que j’ai taillées et tenté de rentabiliser.
Était-ce le goût de l’époque ? Les pierres de
couleur rose, jaune, bleue, verte ou cognac
ont peu à peu séduit une clientèle d’initiés.
Quelques grandes maisons de joaillerie ont
également commencé à s’y intéresser, alors
qu’on assistait à une importante chute du
prix des diamants blancs. Dès les années
1980, je n’ai plus fait que cela. Il faut dire que
les Asiatiques, notamment les Indonésiens,
et plus particulièrement le sultan de Bruneï,
petit Etat sur l’île de Bornéo, sont particulièrement
friands, depuis toujours, des
Stefan Langerman, le
fils, s’est également
pris de passion pour
ces merveilles de la
nature.
Le Spirit of the Rose, diamant d’un rose pourpre
intense (fancy vivid), pèse 14.83 carats. Il était
adjugé par Sotheby’s Genève, en novembre 2020,
pour 24,4 millions de francs suisses (22,6 millions
d’euros). © Sotheby’s
41

La diversité des formes et de la taille est fonction de la teinte des diamants de couleur. En l’occurrence, la taille brillant n’est pas forcément la plus appropriée.
© Langerman Diamonds
« Historiquement, les diamants de couleur
furent parmi les pierres les plus prisées des
cours royales européennes. »
diamants de couleur. Un joaillier anglais, qui
fournissait la cour de Bruneï, m’a ainsi acheté
la moitié de mon stock. » Arthur Langerman
s’est alors imposé dans la profession et devint
une référence internationale dans le domaine
des diamants de couleur, au moment où le
marché de l’art s’emparait du sujet. En avril
1987, Christie’s New York mettait ainsi aux
enchères un diamant rouge de 0.95 carat qui,
contre toute attente, atteignit la somme extravagante
de 880.000 dollars (926.315 dollars
le carat), alors le prix le plus élevé jamais payé
pour un diamant fancy color. « Cette vente a
mis en lumière les diamants de couleur et réveillé
le marché qui s’est depuis considérablement
développé. » Déjà bien implanté dans
ce segment spécifique, Arthur Langerman
a bénéficié d’un quasi monopole jusqu’au
tournant du XXIe siècle. Il possède toujours
le plus important stock au monde, avec des
pierres dont les dimensions commencent
à quelques millimètres, mais aussi la plus
importante collection de pierres taillées dans
un très large spectre de couleurs.
AU SERVICE DES PIERRES
Aujourd’hui c’est son fils, Stefan Langerman,
qui dirige la petite équipe de
spécialistes, tailleurs ou gemmologues,
tous versés dans les diamants de couleur.
Stefan, qui est également chercheur de
renommée mondiale en mathématiques,
s’est pris aussi d’amour pour ces merveilles
de la nature. Ce dernier fait état de
certaines requêtes particulières, de clients
joailliers ou privés : « Il est fréquent que
l’on nous demande de trouver des paires
ou des ensembles assortis. Une gageure,
même si l’importance de notre stock fait
que nous pouvons souvent y répondre
favorablement et, surtout, très rapidement.
Nous sommes également spécialisés
dans les diamants mêlés, dont la taille
varie entre 1 et 8 points (1 point = 1/100e
de carat, ndlr), et que nous sélectionnons
selon les besoins du client. D’autres
requêtes concernent les dégradés, qui sont
la spécificité de certains de nos clients
joailliers. Ici encore, la grande diversité
de notre stock nous permet d’être réactifs
et d’y répondre favorablement. » Au
niveau des sources d’approvisionnement,
Stefan Langerman précise : « Si Bornéo a
constitué, à partir de 1650, un des principaux
gisements, l’île a désormais perdu
un peu de son importance. Les diamants
étant issus de l’activité volcanique, il faut
observer les failles et les zones d’activité
sismique pour localiser les différents
sites d’extraction. La singularité de notre
métier nous force à n’en négliger aucun,
qu’il s’agisse du Canada, de la Russie, de
l’Afrique Centrale ou du Sud, voire du
Brésil. » Stefan Langerman supervise également
la branche joaillerie, Langerman
Jewels, créée en 2010, et qui cherche avant
tout à valoriser les diamants : « Trop peu
de joailliers sont aujourd’hui capables de
comprendre les qualités du diamant de
couleur qui n’a rien à voir avec le diamant
blanc, si ce n’est la forme du cristal brut.
C’est vraiment un monde à part. Chaque
couleur étant provoquée par un événement
naturel différent, toute pierre est une
aventure. Si la taille en brillant convient
particulièrement bien aux diamants
blancs, avec les diamants de couleur, il faut
que celle-ci rende compte le plus possible
et s’adapte à l’intensité chromatique de
chaque pierre. Aussi, nous faut-il souvent
nous diriger vers des formes moins cou-
42

« Rarissimes, les diamants les plus intenses,
rouges, verts et bleus, sont les plus chers et
valent 1 à 3 millions de dollars le carat. »
rantes, notamment la taille en carré ou la
taille coussin, beaucoup plus appropriées
à ces pierres colorées. » De fait, le nombre
et la position des facettes sont des facteurs
essentiels pour optimiser les feux d’un
diamant. Ainsi, il arrive souvent qu’il faille
retailler un brillant de manière à densifier
ou à rendre le juste hommage à la beauté
d’une couleur. Parfois, l’ajout de quelques
facettes à la culasse ou sur la couronne de
la pierre suffit. En l’occurrence, la différence
de prix entraînée par une éventuelle
perte de poids sera largement compensée
par l’intensité nouvelle acquise grâce à une
taille plus appropriée.
ACCESSIBILITÉ RELATIVE
Le diamant de couleur constitue une
branche particulière qui requiert de faire
appel à des tailleurs spécialement formés.
Pratiquement, un diamantaire spécialisé
devra analyser attentivement la pierre
brute avant d’en concevoir la taille et de
la confier à un lapidaire patenté. Curieusement,
les prix ne sont pas forcément pro-
hibitifs. Comme pour les diamants blancs,
tout est fonction de la couleur, de la rareté
et du poids de la pierre selon les fameux
‘‘quatre C’’ en anglais : Carat (le poids),
Cut (la taille), Clarity (la pureté) et Color
(la couleur). Mais ici, c’est la couleur qui
prime, loin au dessus des autres facteurs.
Arthur Langerman : « On peut déjà acquérir
une pierre de quelques points, fort belle
et à la couleur assez unique, à partir de
quelques centaines d’euros. Suivant ces
critères, au-delà du carat, the sky is the
limit. » Aujourd’hui, les pierres les plus
précieuses se trouvent parmi les diamants
de couleur bleue et rose, en provenance de
Russie ou d’Australie. En novembre 2020,
Sotheby’s adjugeait The Spirit of the Rose,
un diamant rose pourpre de 14.83 carats,
provenant d’une mine de Russie, pour 26,6
millions de dollars (22,5 millions d’euros).
En juillet de la même année, l’auctioneer
avait adjugé 10,6 millions de dollars (8,95
millions d’euros) une bague ornée d’un
diamant bleu de 5.04 carats. Rarissimes,
les diamants les plus intenses, rouges,
verts et bleus, sont les plus chers et valent
1 à 3 millions de dollars le carat. Singuliers
et très beaux, les diamants gris sont
également fort séduisants. Plus communs
sont les diamants jaunes. Il existe, en
revanche, de très beaux diamants noirs,
à ne pas confondre avec le carbonado, un
agrégat microporeux de petits cristaux de
diamant, tel celui, immense et d’origine
extra-terrestre, intitulé The Enigma (555.55
carats), proposé récemment aux enchères
par Sotheby’s et adjugé 4,3 millions de
dollars. Le cristal de diamant noir est le
seul auquel on autorise une chauffe afin de
le rendre encore plus noir. Pionnier dans
son domaine, Arthur Langerman se réjouit
aujourd’hui d’avoir été particulièrement
avisé à une époque de vaches maigres
pour les diamants de couleur car, dit-il,
« les prix de ces diamants sont désormais
fortement à la hausse. Qui plus est, le
marché commence lentement à se tarir,
certaines sources d’approvisionnement en
pierres brutes s’amenuisant. Par exemple,
la mine d’Argyle, dans l’ouest de l’Australie,
qui avait la plus grande production mondiale
de diamants bruns et roses, a fermé
définitivement l’an dernier. Je conseillerais
donc actuellement les diamants bruns qui,
pour moi, constituent un excellent investissement.»
Mais qui sont les amateurs
de ces beautés singulières ? Si les collectionneurs
sont encore rares et souvent
masculins, ils sont en quête de couleurs
uniques ou rarissimes : «De plus en plus,
ce sont des femmes qui nous contactent
pour les aider à concevoir des bijoux
uniques, ou qui se font offrir des diamants
de couleur. Il existe également quelques
collectionneurs, mais plus intéressés alors
par une quête de rareté. Leur intérêt se
porte sur les pierres bicolores, singularités
géologiques, sur les pierres caméléons qui
changent de couleur quand exposées à
une source de lumière ou de chaleur, mais
aussi sur les diamants opalins, rarissimes.
Il existe également des collectionneurs de
pierres brutes. Suivant la couleur, la taille
et le poids, les possibilités d’acquisition
sont infinies.»
CONTACTER
Plus gros diamant vert jamais découvert, le fameux Vert de Dresde, pesant 40.70 carats, est lui aussi originaire
de Golconde, d’où il fut rapporté avant 1722. Taillé à Londres, il fut acquis en 1742 par le roi Auguste
III de Pologne, prince-électeur de Saxe sous le nom de Frédéric-Auguste II. De type IIa, ce diamant est
considéré comme chimiquement pur, ce qui concerne moins de 1 % des diamants connus. Il serait également
de pureté IF, la meilleure. Il est aujourd’hui conservé dans le trésor de la fameuse Voûte verte (Grünes
Gewölbe), à Dresde. © D. R.
Langerman Diamonds
Anvers
www.langerman-diamonds.com
www.langerman-jewels.com
43

Donatello
Réformateur de la sculpture
Donatello fut, selon le philosophe
humaniste Leon Battista Alberti, un
des cinq réformateurs de l’art de
son temps, aux côtés de Masaccio,
Brunelleschi, Ghiberti et Luca della
Robbia. Ensemble, ils donnèrent
naissance à la Renaissance. A travers
ses œuvres, Donatello régénéra
l’idée même de sculpture, en une
puissante vision figurative où ses
découvertes dans le domaine de
la perspective fusionnèrent avec
une conception totalement neuve
de l’humanité. Cette maestria,
unique dans l’histoire de l’art,
fait aujourd’hui l’objet d’une
impressionnante exposition dans sa
ville natale, Florence.
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
Organisée par le Palazzo
Strozzi en collaboration avec
différents musées internationaux,
cette présentation
réunit quelque 130 sculptures, peintures et
dessins, parmi lesquels des prêts d’œuvres
uniques, dont certaines inédites, en provenance
de plus de cinquante des plus
grands musées et institutions du monde.
Répartie sur deux sites, le Palazzo Strozzi
et le musée national du Bargello, l’exposition
guide le visiteur dans un voyage en
quatorze stations à travers la vie de ce
grand maître de l’humanisme artistique.
La dimension humaine de l’œuvre de
Donatello est unique, elle qui englobe la
gamme la plus variée des émotions, de la
douceur la plus angélique à la cruauté, de
la joie au chagrin le plus déchirant. Ainsi,
aucun artiste n’a marqué plus profondément
l’art de son siècle. Sculpteur et
architecte, son influence fut ressentie par
des générations entières de confrères avec
lesquels il développa et partagea généreusement
ses compétences et son savoir,
dont Michel-Ange, Raphaël et Bronzino.
Son art est également remarquable par
l’ampleur inhabituelle de son influence
géographique, laquelle s’est étendue de la
Toscane à la Vénétie, aux Marches, à Rome
et à Naples, d’une manière comparable à
celle de Giotto ou, plus tard, de Michel-
Ange, de Raphaël et du Bernin. Comme
pour ses prestigieux successeurs, l’art de
Donatello brille par sa capacité à user
Donatello s’illustre
par un talent qui
ne traduit pas
uniquement une
attitude extérieure,
mais qui rend compte
des émotions et
d’une conscience
individuelle.
de différents matériaux pour créer des
œuvres où fusionnent qualités lyriques et
profonde humanité.
UNE CONTEXTE PROPICE
Le talent de Donatello s’inscrit en un
temps d’une exceptionnelle vitalité. À
partir de 1400 et deux siècles durant,
l’Europe, qui se remet de la Grande Peste
(1345-1352) ayant anéanti près du tiers
de sa population, est bouleversée par un
afflux d’idées nouvelles dans les domaines
de la construction, des habitudes de vie et
de la création. Une atmosphère inédite de
liberté intellectuelle encourage les artistes
à explorer de nouvelles techniques. Dans
ce contexte, les hommes se conçoivent
44

David, ca 1435-1440, bronze avec traces de dorure, 155 x 65 x 60 cm. Florence, Museo Nazionale del Bargello, inv. Bronzi 95
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Cette œuvre magistrale rend particulièrement
bien compte de la fameuse technique du stacciato,
utilisé par Donatello pour rendre la perspective.
Vierge à l’Enfant, dite la Madone Pazzi, ca. 1422,
marbre, 74,5 x 73 x 6,5 cm. Berlin, Staatliche
Museen, Skulpturensammlung und Museum für
Byzantinische Kunst, inv. 51
Vierge à l’Enfant, ca. 1425, terre cuite, 73 x 45,3 x 36,5 cm. Londres, Victoria and Albert Museum, inv. 7573-1861
A travers ses œuvres, Donatello régénéra l’idée
même de sculpture en une puissante vision
figurative où ses découvertes dans le domaine
de la perspective fusionnèrent avec une
conception totalement neuve de l’humanité.
davantage comme des individus et
prennent conscience de leur valeur, tandis
que commerce et échanges en tous genres
connaissent un véritable essor. Leur soudain
enrichissement pousse nobles, marchands
et autorités municipales à investir
dans la création artistique. À Florence,
cité en plein bouillonnement intellectuel,
favorisé par la domination éclairée des
Médicis, ses dirigeants prennent rang de
véritables ‘‘icônes’’ civiques. Inséparable
de l’exaltation de la dignité humaine
véhiculée par l’humanisme, la promotion
de l’individu inspire les artistes. Les arts
se trouvent transformés par le désir de
représenter le monde tel qu’il est et non
plus simplement en termes symboliques.
Or, retrouver les caractères naturalistes et
les richesses expressives du corps humain,
hors de la stylisation gothique qui noyait
les figures sous les plis du vêtement, ne
pouvait passer que par l’étude de la sculpture
antique. Pour la première fois depuis
l’Antiquité, peintres et sculpteurs représentent
des personnages réels dans des
lieux réels. Grâce aux œuvres restées en
place à Rome et à celles que l’on exhume
alors sans relâche ici et là pour être collectionnées,
la statuaire antique offre vite
aux artistes un inépuisable répertoire de
motifs décoratifs et de modèles humains,
nus et vêtus, en mouvement ou en position
statique. Les sculpteurs étudient les
statues de l’Antiquité grecque et romaine,
apprenant à travailler la pierre pour
exprimer mouvement et action. Même si
le peintre florentin Masaccio (1401-1428)
développa dans ses fresques une approche
naturaliste appuyée sur l’antique, il
revint aux sculpteurs d’en explorer toutes
les gammes expressives et, dans l’art du
relief, d’intégrer cette figuration au sein
d’un espace unifié par les nouvelles lois
de la perspective découverte à Florence.
Appliquée dans la peinture au XIVe siècle,
la perspective se concrétise ainsi en trois
dimensions dans les travaux de l’architecte
autodidacte Filippo Brunelleschi
(1377-1446).
46

Son influence fut
ressentie par des
générations entières
d’artistes, avec
lesquels il développa
et partagea
généreusement
ses compétences
et son savoir.
attitudes et des expressions du visage, tandis
que le second autorise la résolution des
problèmes d’espace et de perspective. Au
début, l’artiste travaille plutôt le marbre,
mais peu à peu utilise plus volontiers le
bronze qui lui permet une plus grande
virtuosité technique. Ainsi, au fil du temps,
ses statues acquièrent une existence
propre, Donatello s’illustrant par un talent
qui ne sert pas uniquement à traduire une
attitude extérieure, mais à rendre compte
des émotions et d’une conscience individuelle.
C’est toutefois dans ses ultimes
commandes qu’il unit, de façon révolutionnaire,
les vérités physiques et psychiques
de sa figuration dans un expressionnisme
ouvert au pathétisme. De fait, dans son
œuvre tardive, Donatello s’inspire de l’expressionnisme
dramatique de l’art antique
classique, notamment funéraire.
LE STIACCIATO
Comme ses pairs de l’époque, Donatello
utilise le marbre, la pierre, le bronze, la
ANTIQUITÉ ET MODERNITÉ
Entre réalisme et idéalisme classique, Donatello
joue un rôle majeur dans ce chantier
de mise en miroir de l’homme avec
lui-même. Dans sa prime jeunesse, Donato
di Niccolò di Betto Bardi, dit Donatello
(ca 1386-1466), fils d’un cardeur de laine,
entre comme compagnon dans l’atelier
du célèbre Lorenzo Ghiberti qui travaille
alors à la réalisation de la première porte
du baptistère de Florence. Il y rencontre
Brunelleschi qu’il accompagne à Rome en
1402-1404 pour y étudier les modèles antiques.
Sur le chantier du Museo dell’opera
del Duomo, Ghiberti lui communique sa
technique de fusion du bronze et son goût
pour le bas-relief. Sa première œuvre certifiée
est le David de marbre (1408-1409),
destiné aux arcs-boutants de la cathédrale
Santa Maria del Fiore. Les premières
œuvres de Donatello témoignent d’un
passage assez rapide par le gothique tardif
vers un style ayant assimilé les idéaux
humanistes de retour à l’antique et de réalisme.
Depuis son voyage à Rome, il s’est
beaucoup inspiré de l’Antiquité et on remarque
que ses personnages sont souvent
représentés en contrapposto, par des directions
opposées pour les jambes et la tête.
En outre, l’emplacement de la sculpture a
pour lui beaucoup d’importance, le spectateur
devant percevoir l’œuvre comme
imposante et bien proportionnée. Donatello
est avant tout un sculpteur et même
avec un champ d’investigation limité, ses
œuvres s’imposent tant par leur occupation
de l’espace que par le rendu des attitudes
et des expressions. S’adonnant à l’art
de la statuaire et du bas-relief, le premier
lui permet de perfectionner le rendu des
Bien plus que son fameux David en bronze, c’est cette version en marbre, très précoce dans la carrière de
Donatello, qui inspira son chef-d’œuvre à Michel-Ange.
David, 1408-1409 ; 1416, marbre, 191,5 x 78,5 x 42 cm. Florence, Museo Nazionale del Bargello, inv. Sculture 2
47

Buste reliquaire de San Rossore (Lussorio), ca. 1422-1425, bronze argenté et doré, 56 x 60,5 x 37 cm. Pise, Museo Nazionale di San Matteo, inv. 1720
48

Il est certain que
le tempérament
résolument moderne
et transgressif de
Donatello l’a poussé à
s’interroger sans cesse
sur lui-même et sur
son œuvre.
terre cuite, le bois, le stuc, le cuivre gaufré,
le papier mâché, la pâte de verre et la
céramique, souvent en des œuvres qui
combinent différents matériaux à des fins
d’expressivité. Un trait distinctif de son
style est l’utilisation de ce qui est désormais
connu sous le nom de schiacciato ou
stiacciato, c’est-à-dire de relief ‘‘écrasé’’ ou
‘‘plat’’. Cette technique consiste à produire
un relief avec des variations minimes par
rapport au fond, pour suggérer l’illusion
de la profondeur par de nombreux et très
fins degrés d’épaisseur. Les innovations
de l’artiste dans ce domaine ouvrent de
nouvelles voies et seront déterminantes
pour le développement de l’art européen.
Cette technique illustre la précision du
travail de Donatello, qui a su utiliser les
théories de son ami Brunelleschi, faisant
ainsi la jonction entre le monde antique –
les profils de médaille – et la perspective
renaissante. Dans ses fameuses Vite (1550),
Giorgio Vasari note que « ses œuvres sont
si remarquables par leur grâce, leur dessin
et leur beauté, qu’elles furent jugées plus
proches des plus excellentes productions
Crucifixion, 1450–1455, bronze, damasquinage d’argent et de cuivre doré, 93 x 70 cm. Florence, Museo
Nazionale del Bargello. © Su concessione del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo
de l’Antiquité que celles de n’importe quel
autre artiste. Aussi est-il considéré, à juste
titre, comme le premier qui ait su bien
employer les sujets traités en bas-reliefs.
À voir le jugement et la facilité dont il fit
preuve, on reconnaît qu’il les maîtrisait
parfaitement ; aucun artiste ne l’a surpassé,
et de nos jours encore personne ne
s’est montré son égal. » Il est certain que
le tempérament résolument moderne
et transgressif de Donatello l’a poussé à
s’interroger sans cesse sur lui-même et sur
son œuvre, créant un style qui ne tenait
guère compte des modes et des goûts de
l’époque. Partant du monde classique et
du crépuscule du Moyen Âge, il n’eut de
cesse de trouver une nouvelle façon de voir
et de comprendre le monde.
VISITER
Donatello, The Renaissance
Palazzo Strozzi et Museo Nazionale del
Bargello
Florence
www.palazzostrozzi.org
du 19-03 au 31-07
LIRE
Neville Rowley, Donatello, la renaissance de
la sculpture, À Propos, Garches, 2013, ISBN
978-2-9153-9810-6
49

Le regard
de Candida
Bibliothèque d’État de Russie, Moscou II, 2017, papier de couleur. © de l’artiste / VG Bild-Kunst, Bonn, 2021
50

Candida Höfer a beaucoup
photographié ces cinq dernières
décennies. Sa démarche est à la
fois exubérante et minimaliste.
« Je souhaite étonner les
spectateurs avec des endroits que
j’ai visités et leur faire éprouver,
par mes images, le sentiment que
j’ai eu en les prenant. »
TEXTE : ELS BRACKE
L’Allemande Candida Höfer (1944)
est surtout connue pour ses
photographies d'intérieurs vides,
espaces publics et privés dénués
de presque toute présence humaine.
Son point de vue influence la façon dont
l’espace s’imposera au spectateur. Ludger
Derenthal, organisateur de sa prochaine
rétrospective berlinoise, précise : « Ses
images d’intérieurs, mondialement
connues et réalisées avec soin, proposent
une nouvelle approche de l’architecture
et de l’espace construit. » En dehors de
célèbres et grands espaces culturels européens,
notamment des opéras, musées,
bibliothèques et zoos, Candida Höfer a
également photographié les œuvres d’artistes
comme Auguste Rodin et On Kawara,
afin de capter la manière dont elles se
positionnent dans l’espace et dont elles
renouvellent la perception du spectateur.
Née à Eberswalde, en Allemagne, l’artiste
a fréquenté, à la fin des années 1960,
l’École des Beaux-Arts de Cologne, avant
de travailler comme portraitiste pour la
presse quotidienne. Dans les années 1970,
elle a étudié à l’Académie des Beaux-Arts
de Düsseldorf où elle fut, entre autres,
l’élève des photographes conceptuels
Bernd et Hilla Becher. Ludger Derenthal :
« Candida Höfer était déjà photographe
avant de suivre les cours des Becher. Elle
a, bien entendu, appris beaucoup d’eux,
mais ses contacts intenses avec les étudiants
de la première génération de la
classe des Becher l’ont également aidée à
trouver sa voie. »
Dénuées le
plus souvent de
personnages, ses
photographies
partagent une certaine
symétrie, un point
de vue assez élevé
et un sens aigu de la
couleur.
AMALGAME DE STYLES
Ses études ont incité Candida Höfer à
opter résolument pour la photographie
d’architecture sans pour autant, comme
les photographes antérieurs en avaient
l’habitude, s’engager auprès d’architectes
ou d’historiens de l’art. En 1979, elle commença
à photographier des intérieurs
publics, tels que bureaux et salles d’attente,
mais se tourna très vite vers les grandes
institutions culturelles. Paradoxalement,
elle souhaitait évoquer la fonction de ces
espaces sans présence humaine. Montrant
rarement des personnages, ses photographies
partagent une certaine symétrie, un
point de vue assez élevé et un sens aigu de
la couleur. Candida Höfer met ainsi à nu
les qualités ou les défauts de ces espaces
quant à une possible interaction humaine.
Elle utilise pour ce faire l’architecture ellemême,
l’atmosphère, le cadre ou la perspective,
mettant en exergue divers styles
historiques d’architecture occidentale,
comme le baroque, le néoclassicisme, l’Art
déco et les espaces modernistes qu’elle
fusionne en une esthétique unique. En
un seul instantané, elle évoque l’histoire,
expose le rayonnement politique et propagandiste
sous-jacent aux bâtiments et
questionne le pouvoir. Sa carrière a débuté
par une série de photographies d’immigrés
turcs et leur usage singulier des parcs et
espaces verts, en regard de celui des Allemands.
Ces personnages jouaient alors
un rôle, même si la photographe faisait
découvrir une autre manière de considérer
l’espace public. En plus des intérieurs, elle
a photographié les douze moulages des
Bourgeois de Calais de Rodin, exposés à
Kassel, lors de la Documenta XI, en 2002.
L’année suivante, elle représentait l’Allemagne
à la Biennale de Venise et a exposé
à la Kunsthalle de Bâle, au Louvre, à l’Irish
Museum of Modern Art et dans quantité
d’autres grandes institutions internationales.
Ses œuvres figurent ainsi dans les
collections du musée Guggenheim, de
l’International Center for Photography, du
Jewish Museum de New York, ainsi que de
la Tate Gallery de Londres.
UN MARCHÉ SPÉCIFIQUE
L’acquisition d’une œuvre de Candida Höfer
passe obligatoirement par des maisons
de vente ou grandes galeries internationales,
à l’instar de Ben Brown Fine Arts à
Londres, Sean Kelly à New York ou Patrick
De Brock à Knokke-Heist. « De nombreux
facteurs entrent en ligne de compte
dans l’estimation du prix d’une œuvre de
Candida Höfer, comme son attractivité,
la solidité du marché actuel, les résultats
d’enchères pour des œuvres comparables
et l’état de conservation », précise Yuka
Yamaji, responsable de la photographie
chez Phillips Europa. « Une estimation
juste va rendre l’œuvre attrayante et créer
les conditions de soumettre une offre compétitive,
comme cela fut le cas de Palazzo
Corsini Florence I (2008), adjugée récemment
75.600 livres sterling (90.000 euros),
contre une estimation de 15.000 à 20.000
livres. » Les oeuvres de Candida Höfer sont
éditées par série de six. Leur prix élevé
justifie leur présence dans des collections
importantes, dans un marché de plus en
plus étroit, même si les maisons de ventes
contribuent grandement à sa renommée.
VISITER
Image et Espace – Candida Höfer et
la collection photographique de la
Bibliothèque d’Art
Musée de la Photographie
Berlin
www.smb.museum
du 25-03 au 28-08
51

Rinus
Van de Velde
La valeur d’une oeuvre captivante
52

L’art de Rinus Van de Velde a
fait rapidement un “tabac”.
Affublé très vite du surnom de
« James Dean du monde de
l’art belge», ou encore qualifié
« d’une des figures de proue
de l’art contemporain belge »,
sa valeur ne fait plus de doute.
Chacune de ses expositions lève
un peu plus le voile sur son œuvre
aventureuse, autobiographie
fictive aux supports toujours plus
nombreux. Sa reconnaissance
internationale et sa valeur sur le
marché augmentent de concert.
TEXTE : CHRISTINE VUEGEN
La Ruta Natural, 2019-2021, installation vidéo
monocanal, couleur, son, durée 13 min 35 sec,
édition de 3 et 2 EA. © de l’artiste / Courtesy Tim
Van Laere Gallery, Anvers
53

Le nom de Rinus Van
de Velde est associé
au fusain, même s’il
travaille sur d’autres
supports.
Né à Louvain, Rinus Van de Velde
(1983) vit à Anvers. Diplômé à
seize ans, il est considéré par les
critiques l’artiste qui a su rendre au
fusain ses lettres de noblesse. Au départ, il utilisait
des photos trouvées, avant de prendre
lui-même des clichés au sein de décors
construits par ses soins.Il a ensuite utilisé des
photographies retrouvées après son exposition
solo au S.M.A.K de Gand. Sa démarche
s’illustre dans des dessins au fusain de grand
format soutenus par des textes manuscrits
en majuscules, même si l’artiste fait intervenir
des techniques de plus en plus nombreuses.
Il a donc toutes les chances de compter au
nombre des singuliers bâtisseurs de l’art belge
; des artistes créant leur univers singulier, des
mondes parallèles, à l’instar de Patrick Van
Caeckenbergh ou Hans Op de Beeck.
VOYAGE EXPLORATOIRE
Rinus Van de Velde se qualifie lui-même
de « voyageur de salon ». Sa plus grande
exposition solo à ce jour en Belgique est
programmée dans le cadre d’Europalia, Inner
Travels, à Bruxelles. On embarque dans
un voyage imaginaire où tous les supports
possibles entrent en jeu et les rencontres
fictives avec des personnalités de l’histoire
de l’art ne manquent pas dans son œuvre.
Lorsqu’il lui fut demandé de confronter
ses créations avec celles d’autres, il choisit
Pierre Bonnard, Claude Monet, Joseph
Cornell, Jean Tinguely et Laure Provoust.
Cette exposition coïncide avec la sortie de
La Ruta Natural, son deuxième film réalisé
avec des décors et accessoires de bois et
carton. Le rôle de l’artiste y est interprété
par un comédien portant un masque à son
Rinus Van de Velde, La Ruta Natural, 2019-2021, installation vidéo monocanal, couleur, son, durée 13 min 35 sec, édition de 3 et 2 EA. © de l’artiste / Courtesy Tim Van
Laere Gallery, Anvers
54

Cette exposition
solo inclut
également La
Ruta Natural, son
deuxième film.
effigie. Cet accessoire en silicone figurait, à
l’automne dernier, dans la grande exposition
solo du Kunstmuseum de Lucerne qui
présentait une maison enfoncée dans l’eau
presque jusqu’au toit. Dans son premier
film The Villagers (2017-2019), un couple
d’artistes se réfugie sur un toit avec en toile
de fond un cabriolet bleu clair en carton,
des hamburgers en papier mâché et des
installations créées par l’artiste. Son art
évolue sans cesse dans une zone de tension
entre réel et irréel, fiction et réalité,
fascination pour les mythes et le caractère
archétypal des personnages. L’œuvre
consiste, non sans une certaine dose
d’humour. en une quête de ce que signifie
être artiste. S’y ajoute la signification de
l’existence humaine, comme rencontre
avec soi-même, la narration étant une
fiction composée d’éléments personnels.
Son succès n’a rien de surprenant, Rinus
Van de Velde ayant été très tôt repéré par
la galerie allemande Zink. En 2008, il était
déjà exposé dans la salle réservée à l’art
contemporain du S.M.A.K. de Gand, et à
25 ans, il était le plus jeune artiste à figurer
dans la collection du parlement flamand.
SUCCÈS INTERNATIONAL
Dès 2011, il collabore avec Tim Van Laere à
Anvers, sa galerie principale. Il est, en outre,
représenté par la König Galerie (Berlin,
Londres, Tokyo) et l’éminente galerie coréenne
Baton (Seoul). Chez Tim Van Laere,
il présentait l’an dernier et pour la première
fois ses dessins au pastel gras, après des
années de quête d’un équivalent en couleur
au fusain. Il s’agissait d’un voyage personnel
dans divers styles de peinture en dialogues
avec différents artistes. Il transformait
en outre une pièce en une sorte de coffrefort
ou entrepôt d’archives devant servir
de décor à son troisième film. Structurer
pour saisir la complexité du réel dans son
entièreté, telle est sa méthode de travail :
« Sa première exposition solo fut d’emblée
entièrement vendue», explique le galeriste.
Luckily I didn’t feel much, 2019, crayon de couleur sur papier, cadre d’artiste, 18,2 x 11,4 cm. © de l’artiste /
Courtesy Tim Van Laere Gallery, Anvers
« Les collectionneurs attendent ses nouveaux
dessins au pastel. J’ai déjà vendu 65
dessins de sa dernière exposition à des
Belges ou Néerlandais. Je les ai consciencieusement
répartis auprès de collectionneurs
de huit pays : Belgique, Pays-Bas,
Danemark, Allemagne, Espagne, Chine,
Israël et États-Unis. Plusieurs musées
privés sont également sur les rangs, dont
la Nassima Landau Foundation de Tel
Aviv. (…) Une des tâches primordiales d’un
galeriste consiste à veiller à la répartition
internationale des œuvres d’un artiste.
Lors de ses premières années chez nous,
55

“Ses oeuvres
apparaissent rarement
aux enchères, car
leurs propriétaires
préfèrent continuer à
les chérir.”
Dear Claude,..., 2021, pastel à l’huile sur papier, 181 x 112 cm, 200,5 x 132 x 5,2 cm (cadre). © de l’artiste /
Courtesy Tim Van Laere Gallery, Anvers
L’artiste suscita un intérêt international
dès 2012, en la légendaire galerie Patrick
Painter de Los Angeles. Son exposition au
célèbre musée CAC de Malaga, en 2013, fut
encore plus décisive. L’institution a, entre
autres, acquis certaines de ses œuvres, tout
comme le M HKA, le S.M.A.K., la Belfius
Art Collection, le musée Voorlinden, le
Kunstmuseum de La Haye, qui lui organisa
une grande exposition solo fin 2016, et le
FRAC des Pays de la Loire à Nantes, où il
exposait l’an dernier. Je suis moi-même
impressionné par le nombre de ces collections
muséales. Ses œuvres ont rejoint
des collections privées dans vingt pays,
notamment en Belgique, aux Pays-Bas et
en Allemagne, mais aussi aux États-Unis et
en Asie. »
VALEUR EN HAUSSE
Lorsqu’on l’interroge sur l’évolution de ses
prix, Tim Van Laere précise que « comme
pour tous les artistes récemment diplômés,
ses prix démarraient à environ 1.000
euros, avant d’augmenter peu à peu. Un
dessin au fusain de grand format vaut
désormais 75.000 euros, tandis qu’un
autre plus grand vaut 100.000 euros. Le
prix hors TVA des petits dessins au crayon
de couleur varient entre 15.000 et 18.000
euros, ceux des dessins au pastel à l’huile
entre 18.000 et 35.000 euros et ceux en
céramique entre 14.000 et 24.000 euros.
Ses grandes installations peuvent valoir
de 90.000 à 100.000 euros. Son premier
film, édité à trois exemplaires avec deux
épreuves d’artistes, se vend deux fois pour
50.000 euros. (…) Il est toutefois trop tôt
pour parler d’enchères, peu de ses œuvres
atterrissant sur le second marché, heureusement
ce qui signifie que leurs propriétaires
les conservent. Un dessin au fusain
était adjugé chez De Vuyst l’an dernier pour
42.480 euros, trois fois l’estimation. Et un
monumental dessin au fusain générait le
prix galerie chez Phillips à New York. (…) Le
marché a connu une évolution phénoménale
ces quinze dernières années. Depuis
la pandémie, les collectionneurs internationaux
suivent de près les foires d’art, via
Internet et les expositions en Belgique ont
toujours contribué à faire connaître son
travail. Lors de chaque exposition solo
à la galerie, nous éditons un livre et lors
d’expositions muséales, nous collaborons
régulièrement avec Hannibal Books. Je suis
convaincu que la diffusion de ces ouvrages
contribue à sa reconnaissance internationale.
Ce qui me frappe, c’est que son œuvre
plaît à de très nombreux jeunes qui se
rendent dans les galeries et les musées afin
de suivre son travail. »
56

The principle impulse…, 2021, fusain sur toile, cadre d’artiste, 300 x 525 cm. © de l’artiste / Courtesy Tim Van Laere Gallery, Anvers
VISITER
Rinus Van de Velde, Inner Travels
BOZAR
Bruxelles
www.bozar.be
jusq. 15-05
LIRE
Try leaving behind the realm of your imagination and it will haunt you like a ghost, 2011, fusain sur papier,
200 x 200 cm. © de l’artiste / Courtesy Tim Van Laere Gallery, Anvers
Rinus Van de Velde: Inner Travels.
Hannibal Books, Furnes, 2022, ISBN 978-9-
46436-616-7
57

Le peigne à cheveux
Incontournable accessoire
Démêler, lisser, ordonner, embellir
sa chevelure relèvent de besoins
communs à tous les humains et
depuis des temps immémoriaux.
En os ou en ivoire, en or ou en
argent, en écaille de tortue ou en
plastique, il en est de toutes les
matières et les couleurs ! La preuve
en une dizaine d’exemples…
TEXTE : ANNE HUSTACHE
Bien plus qu’un accessoire de
toilette, le peigne est un outil
indispensable dans l’arsenal des
coiffeurs au point d’en être même
devenu le symbole. Pourtant, l’actuel
objet universel et tout en sobriété avec
ses fines dents parallèles, bénéficie d’une
lignée ancienne et prestigieuse au fil des
siècles et des sociétés. Certains exemples
remontent à la Préhistoire et de nombreux
ancêtres témoignent d’une indéniable
virtuosité dans leur fabrication.
Des peignes en os, datant de 8000 ans
avant notre ère, ont été retrouvés en Scandinavie,
tandis que les tombes de l’Egypte
ancienne livraient quantité d’exemplaires
en ivoire ou en bois. Souvent, les peignes
anciens disposaient d’une double rangée :
l’une pour démêler les cheveux, l’autre,
composée de dents plus serrées ayant
pour fonction de retirer les poux et leurs
lentes. Certains peignes furent aussi
façonnés dans un but cultuel, pour se peigner
en entrant dans un rite cérémoniel.
D’autres s’imposèrent comme des signes
de richesse ou comme symboles de rang
social.
Pratique
ca. 1425-1353 av. J.-C
Cette forme de peigne est typique des
exemplaires trouvés dans diverses tombes
du Nouvel Empire : un rectangle formé
d’une seule rangée de dents et terminé en
sa partie supérieure de trois larges courbes
concaves. Des lignes droites et horizontales
sont incisées sur la partie haute séparant
les dents et le couronnement. Outre leur
effet décoratif, ces courbes sont surtout très
pratiques : elles permettent de bien tenir le
peigne en main lors de son passage dans la
chevelure ou dans la perruque. En effet, cet
exemplaire est issu de la célèbre tombe du
fonctionnaire d’état Khâ et de son épouse
Merit qui fait aujourd’hui la richesse du
musée Egyptien de Turin. On y a retrouvé
de nombreux accessoires de toilettes et
la perruque de Merit, réalisée en cheveux
humains, accessoire qui devait être courant
mais qui fut rarement conservé.
Peigne, Egypte, Nouvel empire, XVIIIe dynastie, bois, 4,1
x 7,4 x 0,75 cm. Turin, Musée Egyptien, inv. S. 8500/02
Rugissant
ca. 500-300 av. J.-C
Peuple sémitique particulièrement versé
dans le commerce et les voyages, les Phéniciens
produisirent un art varié et ouvert
à de nombreuses influences. Ainsi le lion
marchant qui orne ce magnifique peigne
renvoie probablement à une iconographie
égyptienne. L’objet témoigne toutefois
de l’intérêt porté par les Phéniciens aux
accessoires de toilette qu’ils produisirent
en nombre. Le lion se place au centre du
peigne qui, selon une disposition largement
répandue, comporte dans sa partie
supérieure une rangée de dents assez
espacées et, au-dessous, une série de dents
plus fines et resserrées. La première sert
à coiffer, la seconde à épouiller. Découpé
dans la masse et sculpté en ronde bosse, ce
lion est impressionnant.
Peigne, Phénicie., ébène, 9,8 x 6,7 x 0,7 cm. Paris,
musée du Louvre, inv. MN 1357. © 2003 RMN-Grand
Palais (musée du Louvre) / photo : Franck Raux
58

Animal
VIIe siècle
Trouvé dans un tumulus du haut Moyen
Âge, ce peigne ressemble à nos versions
actuelles, avec son unique rangée de dents
serrées. De nombreux peignes du même
type, fabriqués en bois de cerf ou de renne,
ainsi que dans les os métatarsiens des
bovins, furent retrouvés dans des tombes,
témoignant d’une véritable exploitation
commerciale de cet accessoire. Des vestiges
d’ateliers de fabrication de peigne
furent ainsi dégagés, leurs produits étant
vendus à des marchands assurant leur
diffusion.
La forme particulière du bois de cerf impliqueque
les différentes parties du peigne
soient prélevées séparément et assemblées
ensuite grâce à des fixations de métal que
l’on distingue bien sur cet exemplaire. Le
décor de cercles ponctués et de bandes
incisées est également typique des peignes
réalisés dans ces régions, du Ve au VIIIe
siècle.
Peigne du tumulus de Loppersum (Groeningue),
bois de cerf, L. 20 cm. Leyde, Rijksmuseum van
Oudheden, inv. B 1931/2.51 e
Liturgique
ca 1200-1210
Si l’acte de se peigner les cheveux apparaît désormais comme un
geste banal du quotidien, il participa dans l’Europe du VIIe au XVIIIe
siècle, au rite cultuel précédant l’ouverture de la messe. En effet, en
peignant les cheveux du célébrant avant sa montée à l’autel, le clerc
assistant le purifiait symboliquement de ses souillures physiques
et morales. Façonné en Angleterre, ce double peigne est orné sur
chaque face d’un épisode de la vie de Thomas Becket : d’une part, son
intronisation en tant qu’archevêque et d’autre part, son assassinat. Le
naturalisme des figures et du décor floral est caractéristique du style
gothique anglais, aux alentours de 1200.
Peigne liturgique, ivoire, 8,6 x 8,6 x 1,2 cm. New York, The Metropolitan Museum of
Art, inv. 1988.279
Mixte
1500
Avec son décor particulier, ses ajours et motifs géométriques
réalisés en mosaïque, ce peigne double dénote indubitablement
de l’influence du style nasride développé à Grenade au
XVe siècle. Toutefois, cet objet fut probablement réalisé dans
un atelier italien ainsi que semble l’indiquer les fixations en
argent. De nombreux peignes ont voyagé comme en témoigne
un lot de peignes en os, ivoire et acajou marqueté d’ivoire,
acquis par Isabelle d’Este à Ferrare, lesquels furent abondamment
copiés dans des ateliers de Florence, Venise et Modène.
La délicatesse des ajours et des motifs colorés est remarquable.
Peigne, buis traité en ajours, orné de micro-mosaïques d’os et clouté
d’argent, L. 24,1 cm. Londres, The Victoria and Albert Museum, inv. 4229-1857
59

A la mode
ca. 1500-1535
Ce peigne témoigne de manière éclatante de la diffusion de la Renaissance
hors des frontières italiennes, au cours du XVIe siècle. Chacun
des divers éléments décoratifs mettant en scène les personnages
bibliques de David et Bethsabée relève, sur cette pièce remarquable,
des motifs préférés de la Renaissance qui, elle-même, s’est inspirée de
l’Antiquité. Ainsi, les médaillons dans lesquels apparaissent le buste
de deux dames et d’un chevalier évoquent les tondis dans lesquels les
portraits étaient sculptés sur les sarcophages romains.
De même, les chérubins et les candélabres évoquent l’art des grotesques.
Toutefois, quelques survivances de l’art gothique demeurent, tels ces
fleurons aménagés sur les montants du peigne ainsi que l’armure du
chevalier. Ce mélange est typique des peignes produits dans le Nord
de la France au tournant des XVe et XVIe siècles. Petit détail : les deux
dames tiennent chacune une fleur à la main.
Peigne avec David et Bethsabée, ivoire d’éléphant, 9,8 x 14,3 x 0,7 cm. Paris,
Le Louvre, inv. OA 144
Royal
quatrième quart du XVIIIe siècle
La manière dont l’enveloppe en or enserrant les montants de ce
peigne en bois est incrustée d’émeraudes et de rubis non taillés
confère à ce somptueux accessoire une origine birmane, typique
de ce style. Il est fort probable que l’objet appartenait à un personnage
de la Cour, car seuls rois et nobles étaient autorisés à posséder
des pierres précieuses sous la dynastie Konbaung qui régna à
Mandalay de 1752 à 1885. Ce peigne faisait certainement partie
d’un nécessaire de toilette féminin comprenant parfums, poudre
thanahka, huiles et tresses de cheveux.
Peigne double, Birmanie, bois, or, rubis, émeraudes, 8,2 x 5,1 cm. Londres,
The Victoria and Albert Museum, inv. IS.2.1902
Fleurs et oiseaux
XVIIIe siècle
Ce petit peigne illustre à merveille le savoir-faire des artisans
de l’Empire moghol. Il est en effet taillé dans une seule pièce
de néphrite blanche, une matière très dure qu’il faut travailler
longuement et avec patience. Il est décoré sur les deux faces
de 21 rubis, de douze émeraudes et d’un diamant, toutes ces
pierres précieuses étant posées chacune sur une feuille d’or
et formant des motifs d’oiseaux, de fleurs et de pétales. Avant
d’intégrer le V&A, cet accessoire raffiné appartenait au colonel
Charles Seton Guthrie, un passionné de géologie qui, au cours
de son service en Inde de 1828 à 1855, réunit une impressionnante
collection de monnaies et d’objets en jade et en cristal
de roche.
Peigne indien, Empire moghol, néphrite blanche, or, émeraudes, diamants,
rubis, 6,96 x 4,2 cm. Londres, The Victoria and Albert Museum, inv. 02545 (IS)
60

Pour les hommes
première moitié du XXe siècle
Le groupe ethnique Chokwe Luena se situe
dans le nord de l’Angola et le sud de
la République démocratique du Congo.
Le panneau central rectangulaire de ce
peigne à dix dents allongées est couvert
de décorations géométriques incisées
supportant une tête placée sous
une haute coiffure, caractéristique de
celles portées en pays Chokwe par les
hommes.
Certains peignes
sont des exemples
étonnants de savoirfaire
technique.
Peigne figuratif Luena, Chokwe, Angola, bois,
24,5 x 6,5 cm. Courtesy Galerie L&Z Arts
Artistique
avant 1943
En laque
1900-1925
Des chrysanthèmes, bambous et prunus
furent choisis comme motifs par l’artisan
qui a patiemment décoré ce peigne à l’âme
de bois recouverte d’une laque noire teintée
d’orange par endroits. Son décor floral
est magnifié par des incrustations de
nacre de couleur verte et bleue disposées
sur des feuilles d’or. Afin d’éviter toute
rigidité, certains pétales débordent
naturellement du cadre pour s’insérer
dans les dents. Cette pièce fut exécutée
à la fin de l’ère Meiji, durant laquelle le
Japon mit fin à sa période d’isolement et
s’ouvrit à un Occident avide de découvrir
son art.
Peigne, Japon, époque Meiji, laque, nacre bleuvert,
feuille d’or, bois, 5,5 x 17,3 cm. Londres, The
Victoria and Albert Museum, inv. FE.60-2002
Calder a toujours été attiré par la fabrication
de bijoux. Enfant, il concevait déjà
des parures pour les poupées de sa sœur
en récupérant des matériaux dans la rue.
L’artiste aimait travailler les matières, se
laissant guider par le plaisir de marteler
le métal et de composer des formes. Chacune
de ses œuvres est unique car l’artiste
les destinait à son épouse ou à des amis.
Il réalisa plusieurs peignes à partir de fil
de bronze qu’il enroulait en spirales. Ce
peigne, plus rare, est formé de fines bandes
de bronze inégales et rivetées.
Alexander Calder, Peigne, bronze doré, 16,5 x 9,8 x
1,9 cm. New York, The Museum of Modern Art, inv.
745.1966. © 2022 The Calder Foundation, New York /
Artists Rights Society (ARS), New York
61

Frédéric
de Goldschmidt
« Il faut remettre de la poésie au cœur de la société. »
Installé à Bruxelles depuis 2006,
le collectionneur français Frédéric
de Goldschmidt faisait il y a peu
l’acquisition d’une imposante
bâtisse au cœur de l’ancien
quartier historique des quais, dans
le centre de Bruxelles. Différée
par la pandémie et quelques
soucis techniques, l’ouverture
opérationnelle du Cloud Seven est
prévue en avril.
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
Frédéric de Goldschmidt. © photo : Hugard & Vanoverschelde
Les initiés et amateurs friands d’art
contemporain ont déjà eu la primeur
d’en découvrir les espaces,
rénovés par l’architecte bruxellois
Tom Cortvriend (Batline Architects), à
l’occasion d’une exposition inaugurale qui,
de début novembre à fin janvier, rassemblait
sous le commissariat de Grégory
Lang plus de trois cents œuvres de la
collection du maître d’ouvrage, en avantpremière
de l’ouverture officielle de ce
nouveau paquebot artistique. Outre le fait
d’accueillir des œuvres d’Alighiero Boetti,
Louise Bourgeois, Julian Charrière, Mary
Corse, Theaster Gates, Roni Horn, Anne
Imhof, Christian Jankowski, Imi Knoebel,
Kapwani Kiwanga, Alicja Kwade, François
Morellet, Damián Ortega, Wolfgang Tillmans
ou David Wojnarowicz, Cloud Seven
a pour vocation d’être un centre d’exposition,
ainsi qu’un espace de co-working
et d’habitation, intégrant l’art au travail
et au domicile. Le lieu, qui accueille des
œuvres sur 1 500 m², possède une partie
62

Vue de l’exposition inaugurale du Cloud Seven, Inaspettatamente. © Courtesy The Frédéric de Goldschmidt Collection / photo : Laurent Brandajs
de vivre et de travailler, une fois la pandémie
dépassée. Cooptés par un simple formulaire
en ligne, les futurs membres de ce
club privé exclusif se verront proposer différents
niveaux d’adhésion à des prix compétitifs
par rapport aux espaces de co-working
comparables. Frédéric de Goldschmidt :
« Même si je ne souhaite pas me lancer
dans un programme de résidence organisé,
il y aura certainement des réductions, voire
plus, pour les universitaires ou les artistes
désireux de venir à Bruxelles pour travailler
sur un projet de recherche ou d’exposition.
Nous impliquerons les artistes et leur en
ferons profiter, car ce sont eux les esprits
qui nous inspirent, faisant de Cloud Seven
un lieu d’émulation, d’enhardissement et
de bien-être. » Ils seront invités à travailler,
à socialiser et à se détendre entourés
de pièces de la collection de Goldschmidt,
mais aussi d’installations permanentes.
Celles-ci sont l’œuvre de certains des plus
grands artistes actuels, tels ce statement de
Lawrence Weiner dans l’entrée du bâtiavant,
construite dans les années 1820, qui
comprend deux résidences privées, deux
lofts pour des séjours de courte durée, les
espaces de co-working proprement dits, un
studio d’enregistrement/salle de projection,
un bar et une salle de sport entièrement
équipée. Sa partie arrière, construite
dans les années 1920, peut accueillir une
programmation d’expositions semi-permanentes
ou temporaires. Pourquoi Cloud
Seven ? Ce nom renvoie aux sept étages
du bâtiment et à la présence, au dernier
niveau, de l’appartement privé du maître
des lieux, son ‘‘septième ciel’’, ainsi qu’à
l’adresse, sise au numéro 7 du Quai du
Commerce.
ART @ WORK
La dynamique art-travail de Cloud Seven
crée un environnement et de nouveaux
contextes pour une expérience de l’art à
la fois singulière et intime. Ce projet, qui
condense nombre d’idées existantes, surfe
sur les derniers développements de façons
« Chacune des
œuvres que j’ai
acquises recèle un
mystère qui me
touche. »
ment, ces grands panneaux de l’Allemand
Gregor Hildebrandt dans la nouvelle salle
multimédia de haute technologie, réalisés
au départ de vieux vinyles trouvés dans le
grenier du bâtiment, ou encore cette œuvre
de Laure Prouvost, The End of a Dream
(2019), fontaine en forme de toilettes, présentée
pour la première fois dans le pavillon
français de la Biennale de Venise 2019 et
installée dans le centre de bien-être d’un
gymnase avec sauna. En fusionnant aussi
directement art et travail, Frédéric de Goldschmidt
a choisi de lier ce qui est possible
63

culturel, en reliant de manière réfléchie l’art
et la vie. » Ce projet est donc en partie une
réponse aux nouveaux modes de travail et
à l’imbrication croissante des vies personnelles
et professionnelles accentuée par
la pandémie : « La généralisation d’Internet
et des téléphones intelligents avait
déjà brouillé les frontières, mais c’est bien
l’enfermement qui a institutionnalisé le travail
à domicile. Il me semble qu’il existe de
nouvelles opportunités à même d’intégrer
le meilleur de ces deux mondes. »
Vue de l’espace d’entrée du Cloud Seven, à Bruxelles. Au mur, une oeuvre sur aluminium de Gedi Sibony (Holder
the side, 2015. © de l’artiste / Courtesy The Frédéric de Goldschmidt Collection / photo : Laurent Brandajs
« La dynamique
art-travail de Cloud
Seven crée un
environnement et de
nouveaux contextes
pour une expérience
de l’art à la fois
singulière et intime. »
entre ces deux domaines de vie : « Comme
beaucoup de Bruxellois, je suis arrivé ici
par hasard, mais m’y suis installé par choix.
Je suis tombé amoureux de la diversité et
de l’ouverture de la ville. Ici, les artistes, les
collectionneurs, les galeristes, les commissaires
et les travailleurs du secteur de l’art
auront tous la possibilité de se réunir et de
partager leur temps et leurs connaissances
dans une ambiance solidaire et spontanée.
Cloud Seven réalise mon rêve d’intégrer
les idées et les questions soulevées par les
artistes dans la vie des travailleurs urbains
qui façonnent l’avenir de notre paysage
HERITAGE FAMILIAL
Né en France en 1959, Frédéric de Goldschmidt
a commencé à acquérir des
œuvres d’art contemporain en 2007, après
avoir vendu aux enchères un tableau
d’Édouard Manet que lui avait légué sa
grand-mère, Marianne von Friedländer-Fuld.
Bon sang ne saurait mentir, le
collectionneur s’inscrit aujourd’hui dans
les pas de cette grand-mère, elle-même
grande passionnée d’art. Avant-gardiste, à
l’âge de 22 ans, elle faisait l’acquisition de la
version de 1888 de L’Arlésienne de Vincent
van Gogh. Devenue par mariage, en 1923,
la baronne Rodolphe de Goldschmidt-
Rothschild, elle fera don de la toile à l’Etat
français, en souvenir de la libération de Paris.
L’œuvre compte aujourd’hui parmi les
pépites du musée d’Orsay. Proche de cette
passionnée qui dans sa jeunesse a entretenu
une correspondance avec le poète Rainer
Maria Rilke, Frédéric de Goldschmidt
a choisi de s’intéresser à l’art de son temps,
des acquisitions qui le mènent vers les
matériaux pauvres : « Même si, adolescent,
j’avais déjà acquis deux estampes signées
Hans Hartung et Zao Wou-Ki, j’ai réellement
commencé à collectionner en 2008,
après avoir vendu cette œuvre importante
héritée de ma grand-mère. La première
pièce conséquente que j’ai acquise était un
Memory Ware de Mike Kelley. Je me suis
ensuite intéressé aux artistes du groupe
ZERO ou de l’Arte Povera. » L’une des
premières expositions dont il se souvient,
Les Magiciens de la terre (1989), organisée
par Jean-Hubert Martin à Paris, plaçait
les ‘‘arts non occidentaux’’ sur la carte de
l’art contemporain international. Parmi les
thèmes essentiels qui se déploient dans sa
collection, des œuvres d’artistes explorant
la dualité et l’altérité, la position de l’artiste
dans le monde, des engagements poétiques,
sociaux et géopolitiques, rendant
compte de l’état d’un monde incertain.
L’artiste conceptuel italien Alighiero
64

Alighiero Boetti, Ammazzare il tempo, 1983, stylo-bille bleu sur papier marouflé sur toile, triptyque, 100 × 70 cm (chaque). © Courtesy The Frédéric de Goldschmidt Collection
« Les œuvres que j’apprécie font souvent preuve
d’une certaine économie de moyens qui renvoie
à ma passion pour l’Arte Povera. »
Boetti (1940-1994), découvert à la FIAC
sur le stand de la Galerie Vedovi, est ainsi
très présent, avec désormais 11 œuvres :
« Boetti croyait en la magie des chiffres, le
11 était son préféré, l’exposition inaugurale
devait donc s’ouvrir le 11.11. » Le
collectionneur possédait déjà 10 œuvres
de Boetti lorsqu’il l’a conçue avec Grégory
Lang, « mais bien sûr, je devais en acquérir
une onzième pour atteindre ce chiffre
magique. »
NOURRITURE QUOTIDIENNE
Déjà mort lorsqu’il découvrit son travail,
Alighiero Boetti était certes alors un
artiste de second marché. Or, très vite,
c’est l’art vivant, celui que l’on rencontre
en foires ou dans les galeries, qui s’est
imposé au collectionneur avec parfois
des déconvenues. Certains galeristes
méfiants cherchent à connaître le pedigree
de l’acquéreur avant d’accepter de
lui céder une œuvre d’un artiste prometteur.
Il en faut toutefois plus pour
le détourner de son dessein, au vu des
centaines d’œuvres accumulées en une
petite quinzaine d’années : « Les œuvres
qui m’attirent font souvent preuve d’une
certaine économie de moyen qui renvoie
à ma passion pour l’Arte Povera. Elles
me touchent à un niveau sans doute
inconscient, mais leur poésie me séduit.
Chacune des œuvres que j’ai acquise
recèle un mystère. Si elles se doivent de
posséder une certaine esthétique, une
élégance, elles doivent également toucher
mon cortex cérébral et me nourrir au
quotidien. C’est ce que je souhaite offrir
aux futurs co-workers du Cloud Seven.
Il faut remettre de la poésie au cœur de
la société. » Longtemps versé dans le
septième art, Frédéric de Goldschmidt a
désormais vendu la société de production
cinématographique parisienne que son
père, Gilbert de Goldschmidt, avait créée
en 1951 et qui, parmi une quarantaine de
films, a notamment produit Les Parapluies
de Cherbourg (1963) et Les Demoiselles
de Rochefort (1966) de Jacques Demy. Or,
même s’il est porté par le souci généreux
de créer à Bruxelles un lieu pour l’art et le
partage, accessible à tous, Cloud Seven
implique aussi la nécessité d’une certaine
viabilité financière, car les moyens
mis en œuvre ici ne sont pas ceux d’un
François Pinault ou d’un Bernard Arnault.
Acquis en vente publique en 2016, le lieu
servit durant la Seconde Guerre mondiale
de siège bruxellois aux studios de
l’UFA (Universum Film AG), machine de
propagande nazie qui produisait des films
‘‘aryanisés’’ fortement marqués par une
politique totalitaire. Il accueillit ensuite
le Service audiovisuel du ministère belge,
puis un service de santé mentale. Voué
désormais à nourrir la pratique créative
d’une nouvelle génération, « l’idée est que
ce lieu s’impose comme un endroit qui
fonctionne et qui pourra essaimer, faire
souche ailleurs dans la ville. »
DÉCOUVRIR
Cloud Seven
Quai du Commerce 7
Bruxelles
www.cloudseven.be
LIRE
Coll., Full House. One Space, Two Shows,
307 artists, and 400 pieces from the Frédéric
de Goldschmidt Collection, Fonds Mercator,
Bruxelles, 2021, ISBN 978-9-46230285-3
65

Focus
International
5.779.200 $ (5.050.300 €)
Pieter van Mol, Diogène et sa lanterne, à la recherche d’un
honnête homme, s. d., huile sur panneau, 65 x 84,6 cm.
Sotheby’s, New York, 27-01. © Sotheby’s
600.000 €
Tête de jeune prince, Rome, ca. 138-150, marbre
blanc (nez restauré), 26 x 23 cm. Bayeux, Bayeux
Enchères, 30-01. © Bayeux Enchères
759.000 €
Pipe, série E, 4 cylindres, 12 ch, tonneau avec
entrée par l’arrière, 1904, carrosserie Lucien
Snutsel, Bruxelles, châssis n°518, moteur n°E19.
Bonhams, Paris, 03-02. © Bonhams
ON A VENDU
Record à New York
pour un Pieter
van Mol
Le 27 janvier, L’Homme de douleur,
réalisé vers 1500 par Sandro
Botticelli, était cédé chez Sotheby’s
à New York pour 45,4 millions de
dollars (un peu plus de 40 millions
d’euros). Cette adjudication est
l’une des plus importantes jamais
atteintes, ces cinq dernières
années, pour un tableau de la
Renaissance. En janvier 2021, la
maison de vente avait déjà vendu
une toile du peintre italien, Portrait
d’un jeune homme portant un
médaillon, pour 92,2 millions
de dollars, record absolu pour
cet artiste rare sur le marché.
Autres beaux résultats au cours
de la vente, un Portrait d’homme
d’Andrea del Sarto, apparaissant
pour la première fois en ventes
publiques, s’envolait à 2,2
millions de dollars tandis qu’un
Diogène de l’Anversois Pieter van
Mol s’adjugeait 5,8 millions de
dollars, un record pour cet artiste,
également rare aux enchères.
Autre record, une paire de portraits
du Néerlandais Nicolaes Eliasz.
Pickenoy était cédée pour un peu
plus d’un million de dollars, tandis
qu’une nature morte d’Anne
Vallayer-Coster était adjugée 1,5
million de dollars, record mondial
pour l’artiste. Quant à lui, un
portrait de femme par Artemisia
Gentileschi atteignait 2,7 millions
de dollars. Mais, revenons au
saisissant tableau caravagesque
flamand représentant un épisode
fameux de la vie du philosophe
cynique Diogène de Sinope
(413-327 av. J.-C.). Peint à l’huile
sur panneau, ce Diogène à la
recherche d’un honnête homme
est considéré par les experts
comme un chef-d’œuvre inégalé
de Pieter van Mol (1599-1650),
artiste relativement méconnu
ayant gravité dans l’entourage
de Rubens à Anvers. Sa faible
notoriété tient sans doute au
fait qu’il passa la majeure partie
de sa carrière à Paris. Né près
de huit mois après Van Dyck, à
Anvers, en 1599, Pieter van Mol fit
probablement son apprentissage
chez Artus Wolffort et accompagna
sans doute Rubens à Paris en
1625, lorsque le maître s’y rendit
pour honorer la commande du
Cycle des Médicis, au palais du
Luxembourg. Van Mol connaît
alors le succès à Paris, puisqu’il
reçoit de nombreuses commandes
dans la capitale française et
devient peintre de la cour du
roi Louis XIII (1637) et de la reine
Anne d’Autriche (1642). En 1648, il
faisait ainsi partie des membres
fondateurs de l’Académie royale
des Beaux-Arts…
Surprise pour
un prince romain
à Bayeux
Une tête en marbre blanc d’un
jeune prince, sculptée dans un
atelier officiel de Rome au IIe
siècle de notre ère et longtemps
conservée dans la collection de
l’artiste contemporain A. Z., était
proposée par Bayeux Enchères, le
30 janvier. Ce noble chef rappelle
l’histoire fascinante de la dynastie
des Antonins, qui devait donner à
l’Empire romain dirigeants puissants
et grands intellectuels, dont un
certain Marc-Aurèle. Présentant
toutes les caractéristiques de l’art
de son temps, dont en particulier
une épaisse chevelure bouclée, ce
visage aux traits parfaits et réalistes
déclenchait une rixe d’enchères
à l’international, même si c’est
finalement un collectionneur
français qui l’emportait contre
600.000 euros, bien au-dessus
de son estimation haute arrêtée
à 200.000 euros. Il faut dire que,
même si des bustes similaires
sont exposés dans de prestigieux
musées, comme celui du Capitole
à Rome et celui du Louvre à Paris,
bien des détails du visage de
cet éphèbe latin indiquent qu’il
s’agit là d’un jeune homme ayant
réellement existé, et non d’une
froide divinité de l’Olympe. Ainsi,
son regard se porte vers la droite,
ce qu’indiquent les iris incisés et les
pupilles creusées animant ses yeux,
sous des sourcils rendus par de fines
stries. Quant au visage imberbe,
son épiderme lisse contraste
avec l’extraordinaire masse de la
chevelure fouillée en profondeur
par l’usage du trépan… Au vu
d’une telle qualité d’exécution, il
ne peut s’agir que d’un portrait de
personnage de haut rang, proche
vraisemblablement de la famille
impériale et saisi aux alentours de
ses 20 ans. L’éternelle jeunesse et la
beauté parfaite de ce prince de la
dynastie antonine ont donc bien vite
trouvé un nouveau maître.
Une belle Pipe
chez Bonhams
La société automobile belge Pipe
fut créée à Bruxelles, place du
Châtelain, par Alfred et Victor
Goldschmidt en 1898 et, à partir
de 1900, produisit des automobiles
du type Panhard. En quelques
années, les frères orientèrent leur
affaire vers le marché des sportives
et commencèrent à proposer une
série de modèles innovants. Dans
la première décennie du XXe siècle,
l’affaire prospérait mais elle ne
se remit pas de la destruction de
son usine au cours de la Première
Guerre mondiale. De cette
prestigieuse mais éphémère firme,
Bonhams proposait, le 3 février, à
Paris, une automobile absolument
remarquable, authentique et
totalement intacte de la période
sacrée d’avant 1905, l’une des
très rares survivantes qui puisse
apporter un éclairage unique
sur les voitures construites par la
marque à cette époque. Tirée d’une
ancienne famille liégeoise, qui dès
le début de la Première Guerre
mondiale l’avait mise au sec, sous
des couvertures, dans un hangar en
dur, cette série E, fabriquée en 1904,
n’a connu qu’un seul propriétaire !
Achetée neuve par l’arrière-grandpère
de l’actuel vendeur, cette
voiture, luxueuse pour son époque,
avec une entrée par l’arrière pour
les passagers et un troisième siège
repliable sur cette porte, offrant
un habitacle confortable pour 5
personnes, est exceptionnellement
complète et bien conservée pour
son âge. Elle était donc allègrement
adjugée 759.000 euros.
66

Est. 120.000-150.000 €
Martin-Guillaume Biennais, Aiguière et son bassin
réalisés pour le roi Joachim Murat, ca. 1808-1809,
vermeil. Osenat, Fontainebleau, 12-03. © Osenat
Est. 12.000.000-15.000.000 €
Jean-Baptiste Siméon Chardin, Le Panier de fraises des bois, huile
sur toile, 38 x 46 cm. Artcurial, Paris, 23-03. © Artcurial
Est. 300.000-400.000 €
Masque de société du Ngil, peuple
Fang, Gabon, fin du XIXe siècle,
bois de fromager, kaolin, fibres
végétales, tissu, H. 55 cm. Hotel des
Ventes Montpellier, 26-03. © HDV
Montpellier
ON VENDRA
La folie Line Vautrin
chez Christie’s
Comme nous l’analysions
dans notre édition de février,
le marché de Line Vautrin est
en pleine expansion. Surfant
sur cette vague, Christie’s Paris
propose, le 8 mars, une sélection
exceptionnelle de 200 pièces
de l’artiste. Plusieurs collections
ont été réunies afin de saisir
toute la créativité et la fantaisie
de cette artiste protéiforme,
maniant avec talent le bronze, le
Talosel, la nacre ou le verre. Cette
vacation est l’occasion pour les
collectionneurs internationaux
de découvrir des pièces rares ou
uniques, parfois encore inédites
sur le marché, présentées en
plusieurs thématiques donnant
un aperçu extraordinaire de la
diversité de son univers. Sont
proposées à l’encan des œuvres
mythiques, dont près de vingt
miroirs, parmi lesquels La folie
ou Boudoir, des boîtes inscrites
de mystérieux rébus, comme
Heureux parmi la foule ou un
ensemble Faubourg Saint-Honoré
ainsi que des bijoux, vide-poches,
plumiers, presse-papiers ou
ceintures. Cette vente constituera
sans doute un nouveau jalon de
référence pour le marché, après
le succès de celle de la collection
de Marie-Laure Bonnaud Vautrin
en 2015 qui, en son temps, avait
contribué à la reconnaissance de
l’œuvre de Line Vautrin.
Un chef-d’œuvre
d’orfèvrerie Empire
chez Osenat
Lors de sa vente consacrée à
l’Empire, le 12 mars à Fontainebleau,
Osenat annonce une rare aiguière
et son bassin, chef-d’œuvre
d’orfèvrerie réalisé vers 1808-1809
par Martin-Guillaume Biennais
pour le roi de Naples, Joachim
Murat (1767-1815). Cet exceptionnel
ensemble était destiné à une
athénienne. Les modèles de
ces pièces d’orfèvrerie ayant
été dessinés par Percier pour
Biennais, on retrouve leurs dessins
préparatoires dans les collections
des Arts décoratifs, aux bassins
avec ou sans pied, et des aiguières
de grande taille, comme ici, à anse
au cygne et panses décorées de
cariatides. Appelé athénienne,
l’ensemble (avec son meuble),
était plus communément désigne
comme ‘‘lavabo’’ dès l’Empire.
Suivant les caractéristiques
stylistiques de ces pièces
prestigieuses, les experts pensent
qu’elles étaient peut-être associées
à l’athénienne, également par
Biennais, conservée au Metropolitan
Museum of Art de New York. Quoi
qu’il en soit, l’acquéreur devra être
prêt à débourser entre 120.000 et
150.000 euros pour s’en emparer.
La modernité
de Chardin pour
Artcurial
Le département Maîtres anciens
et du XIXe siècle de la maison
de ventes Artcurial et le cabinet
Turquin présenteront à la
vente, le 23 mars prochain, une
exceptionnelle nature morte de
Jean-Baptiste Siméon Chardin, Le
panier de fraises des bois. Estimée
entre 12 et 15 millions d’euros et
présentée au Salon de 1761, cette
toile emblématique de l’art de
la nature morte au XVIIIe siècle
provient de la collection Eudoxe
Marcille (1814- 1890). La même
provenance qu’une autre œuvre
de Chardin, La fontaine, vendue
7 millions d’euros chez Christie’s
Paris, en novembre dernier. Admiré
pour le silence de ses œuvres,
la poésie de ses représentations
des objets du quotidien, véritable
invitation à la méditation, en
retrait de l’agitation de son siècle,
Jean-Baptiste Siméon Chardin
(1699-1779) concentre dans cette
toile tous ces éléments, faisant
de celle-ci une image unique à
son époque. Héritier des rares
représentations de coupes de
fraises par les peintres nordiques
et français au XVIIe siècle, tels que
Jacob van Hulsdonck, Adriaen
Coorte, Sébastien Stoskopff ou
Louyse Moillon, ce tableau fait
la synthèse entre deux siècles
tout en basculant résolument
vers la modernité. La virtuosité
du peintre s’y exprime dans
l’incroyable transparence de
l’eau dans le verre, le rendu des
fruits à la fois précis et flou, par
une seule masse, le tout mis en
relief par les taches blanches des
deux œillets dont la tige brise
la régularité. Cette modernité
des natures mortes de Chardin
trouvera un écho important au
moment de l’Impressionnisme,
notamment chez Fantin-Latour,
Monet, Renoir… Et la rigueur de
ses compositions géométriques
se retrouvera au XXe siècle chez
Cézanne ou Morandi, et jusqu’à
Wayne Thiebaud.
Un rare masque
Fang à Montpellier
Un masque typique de la société
Ngil, confrérie secrète chargée de
la police et de l’administration de
la justice dans les communautés
Fang, au Gabon, vient d’être
retrouvé dans une collection
privée du sud de la France.
Proposé à la vente le 26 mars, à
Montpelier, il date de la fin du
XIXe siècle et fut acquis vers 1917-
1918 par un colon, René Fournier
(1873-1931), qui fut gouverneur de
Madagascar. Pureté des lignes
et proportions équilibrées sont
les caractéristiques qui confèrent
à ce masque un statut iconique
dans le corpus très restreint
des masques appartenant à la
société Ngil qui nous est parvenu,
soit à peine une douzaine de
spécimens. La production de
ces masques a, en effet, cessé
dans les années 1920 suite à
l’interruption des cérémonies
pour lesquelles ils avaient été
conçus. Censés représenter une
entité terrifiante, ils étaient utilisés
dans des rituels impliquant
des danses conçues pour
impressionner et intimider ceux
qui les regardaient. On estime
cette rareté entre 300.000 et
400.000 euros.
67

41.000 €
La surprise du mois
Les Chokwés sont un peuple bantou
d’Afrique centrale et australe,
surtout présents en République
démocratique du Congo et en
Angola, et à un moindre degré en Zambie
et en Namibie. Parmi leurs réalisations
les plus puissantes figurent les masques
de bois sculpté ou réalisés à partir de
matériaux éphémères. Révélateurs d’une
riche cosmogonie, ils furent les piliers de
la mukanda, processus d’éducation des
jeunes garçons. Les sculpteurs Chokwés
réalisèrent également quantité d’autres
objets, essentiellement rituels, mais
aussi d’usage plus courant, comme des
chasse-mouches, des sièges ou des
tabourets. C’est à ce dernier registre,
dont le symbolisme et la fonction étaient
révélateurs à la fois de la religion et de
la structure hiérarchique des chefferies
Chokwés, qu’appartient le rare siège
proposé, le 1er février, lors d’une vente
en ligne par la salle bruxelloise Native.
Provenant d’une collection privée
espagnole, mais plus anciennement d’une
collection belge, de ce petit siège orné
d’un personnage assis stylisé on ne connaît
que deux équivalents, dont un conservé à
l’Africa Museum de Tervuren. Aussi, malgré
son estimation très attractive (5.000-6.000
euros), suscitait-il l’intérêt d’un amateur
qui, ayant commencé au niveau du prix de
réserve (4.000 euros), se laissait emporter
dans une bataille qui le poussait, au bout
d’une demi-heure, à miser jusqu’à dix fois
plus, soit 41.000 euros (hors frais).
Siège Chokwé, Angola, début du XXe siècle, bois et
cuivre, 30 x 25,5 cm. Native, 01-02. © Native
68

Ventes
Belgique
Collect-1/2pQ-mars.qxp_320 9/02/22 16:51 Page1
VENTE PUBLIQUE EN PRÉSENTIEL
120.000 €
Léon Spilliaert, Bateau de pêche à la voile
orange en mer, 1909, aquarelle sur papier,
47 x 74 cm. Horta, 17 & 18-01. © Horta
10.500 €
El Lissitzky, Composition
géométrique, huile sur toile.
Vanderkindere, 18 & 19-01.
© Vanderkindere
MA. 15 & ME. 16 MARS
à 18h30
ON A VENDU
Spilliaert
chez Horta
Les 17 et 18 janvier, Horta
proposait Bateau de pêche à la
voile orange en mer, une œuvre
de 1909 de Léon Spilliaert. Ce
tableau, dont le prix indicatif
était de 40.000-50.000 euros
faisait monter les enchères
jusqu’à 120.000 euros. Du côté
des bijoux, une bague en or
ornée d’un diamant fancy
intense yellow de +/- 5.39
carats s’adjugeait au niveau
de l’estimation à 60.000 euros.
En outre, deux tableaux du
Hollandais Pieter II Holsteyn
(1614-1673/87) enregistraient, eux
aussi, un joli résultat. Ces deux
aquarelles sur papier montrant
un paon, un coq, des poules, un
faisan, un héron, une cigogne
et des canards sur un arrièreplan
de lacs, estimées 8.000 à
10.000 euros, rapportaient 11.000
euros. On notait également
dans cette vente la présence
de l’artiste belge Louis Lint.
Membre de la Jeune Peinture
belge, il était entré en contact
avec le mouvement CoBrA
par l’intermédiaire de Pierre
Alechinsky. Son style coloré et
abstrait s’est surtout développé
après les années 1950. L’œuvre
proposée date de 1965, une
composition qui semble contenir
toutes les couleurs imaginables
lorsqu’on la regarde de près. En
dépit de son estimation fixée
entre 3.500 et 5.000 euros, cette
œuvre rapportait 14.000 euros.
Mentionnons enfin une œuvre
de l’artiste belge contemporaine
Catherine van Pottelsberghe
de la Potterie. Ayant grandi au
Katanga, elle trouve toujours son
inspiration dans les couleurs et la
géologie locales. Estimée 3.000
à 4.000 euros, sa composition
orange (2007) était adjugée 9.000
euros.
Art abstrait
chez Vanderkindere
Une œuvre abstraite de Louis
Van Lint (1909-1986) faisait partie
des lots les plus frappants de
la vente des 18 et 19 janvier
chez Vanderkindere. Cette
Composition : les ombres de la
lune rapportait 15.000 euros. Une
œuvre géométrique abstraite
d’El Lissitzky (1890-1941) était
également proposée. Figure
importante de l’avant-garde
russe du début du XXe siècle,
Lissitzky fut, avec son ami et
mentor Kasimir Malevitch,
à partir du cubisme et du
futurisme, le concepteur du
suprématisme. Sa toile trouvait
preneur contre 10.500 euros. Côté
mobilier, une armoire du XVIIIe
Huile sur toile "Bord de Meuse en fleurs, le soir à Yvoir"
Signé en bas à droite Juliette Wytsman
Ecole belge. Dim.:+/-81x100,5cm
Importante tapisserie de Beauvais en laine
représentant "Didon et Enée sur fond de paysage" à bordure de "Fleurs",
"Fruits", "Mascarons" et "Trophée"
Travail français. Epoque: fin XVIIème, Dim.:+/-365x397cm.
EXPOSITION
11, 12 ET 13 MARS DE 10 HA18 H
HOTEL DE VENTES VANDERKINDERE S.A.
CHAUSSÉE D’ALSEMBERG 685-687-1180 BRUXELLES
PARKING PRIVÉ • TÉL. 02 344 54 46
info@vanderkindere.com
w w w . v a n d e r k i n d e r e . c o m
69

Ventes
Belgique
35.000 €
Harry Bertoia, Gong, 1960, sculpture
en bronze patiné, bois et acier, 80 x
87,5 cm. Piasa, 19-01. © Piasa
9.377 €
Paul Delvaux, Allée des marronniers, 1926, aquarelle, 63,5 x 47,5 cm.
Soudant, 23-01. © Soudant
55.000 €
Ensor, Monstres entrelacés, craie de couleur
sur papier sur impression à l’encre, 18 x 27 cm.
© Amberes
siècle, également appelée
‘‘sauteuse’’, à plateau en
marbre de style Louis XVI, était
vendue 14.500 euros. Un grand
vase en porcelaine à décor
d’oiseaux en bleu et blanc,
pièce du début du XVIIIe siècle,
était adjugé 8.500 euros. Enfin,
une armure de samouraï, de
type Okegawa nimaido gusoku,
tetsu urushi-nuri (armure de
guerrier japonais à cordelettes
oranges), création du XIXe
siècle avec son sac de transport
en cuir, quittait la salle à 9.800
euros.
Harry Bertoia
chez PIASA
Satisfaisante était la vente de
design du 19-01, organisée par
Piasa en La Patinoire Royale
de Bruxelles. Les plus beaux
résultats étaient enregistrés par
les quatre tabourets de Pierre
Jeanneret (1896-1967), en teck
et rotin pour les sièges, créés
vers 1960. Leur prix indicatif
de 6.500-8.500 euros était
largement dépassé avec une
adjudication à 26.000 euros.
Deux chaises basses Costela
du duo brésilien Carlo Hauner
(1927-1997) et Martin Eisler
(1913-1977), créées vers 1965,
trouvaient preneur contre
23.350 euros et dépassaient
ainsi leur estimation fixée à
5.000-7.000 euros. Créateur
italo-américain, Harry Bertoia
(1915-1978) fut l’auteur d’une
chaise Diamant, produite par
Knoll, qui remportait un succès
commercial si phénoménal
que, dès l’âge de 35 ans, il put
se consacrer exclusivement
à la sculpture. Il s’est alors
spécialisé dans les ‘‘sculptures
sonores’’ en métal et bois qui
émettaient un bruit particulier.
Son Gong de 1960 s’adjugeait
au niveau de l’estimation à
35.000 euros. Un tapis en jute,
tissé au Guatemala suivant une
création de l’artiste Alexander
Calder (1898-1976), pulvérisait
sont estimation de 15.000-
20.000 euros en s’adjugeant
58.500 euros. Enfin, une table
basse du Belge Ado Chale
(1928), conçue en 2000, revêtue
d’une mosaïque d’hématite, de
résine et d’acier laqué, quittait
la salle contre 52.000 euros (est.
40.000-60.000 euros).
Paul Delvaux chez
Soudant
Une aquarelle de Paul Delvaux
(1897-1994) de 1926, avec paysage
forestier, était proposée à la
vente par la salle Soudant, le 23
janvier. L’œuvre générait 9.377
euros (est. 5.000-6.000 euros).
Mais, c’est une armoire viennoise
de 1860 de style Renaissance,
ornée d’innombrables plaques
émaillées à décors néoclassiques
peints dans des tons pastel, qui
créait la surprise. Rosettes et
ornements en bronze émaillé
dans le style du XVIe siècle
accentuant son originalité, ce
meuble provenait d’un château
wallon. L’histoire familiale révèle
que le bâtiment fut occupé
par l’armée allemande lors de
la Seconde Guerre mondiale.
Un soldat aurait, sous le coup
de la colère, endommagé à
dessin avec sa baïonnette les
décorations ce cette armoire à
l’estimation fixée entre 3.000 et
4.000 euros, mais finalement
vendue 30.002 euros. On note
encore deux portraits à têtes de
chiens de Thierry Poncelet (1946)
qui trouvaient respectivement
preneur pour 6.002 et 5.252
euros. De son côté, un tableau
de 1912 de la luministe gantoise
et disciple d’Émile Claus,
Anna De Weert (1867-1950),
représentant une façade avec
un rideau de pluie bleue,
était adjugé 18.752 euros, soit
en-deçà de son estimation de
20.000 à 30.000 euros. Ces prix
s’entendent frais inclus.
Amberes adjuge
de l’art anversois
Le 24 janvier, Amberes mettait
aux enchères un dessin à la craie
signé Ensor, intitulé Monstres
entrelacés. Cette œuvre, dont le
prix indicatif était fixé à 20.000-
30.000 euros, quittait finalement
la salle contre 55.000 euros. De
son côté, une oeuvre sur papier
de Léon Spilliaert rapportait
56.000 euros. Signalons aussi
ce tableau intitulé Deux gamins
du port d’Eugène Van Mieghem
(1875-1930), né dans le vieux port
d’Anvers et fils de l’armateur
Henri Van Mieghem. Estimé
6.000 à 8.000 euros, il trouvait
70

Venator & Hanstein
Ventes de livres et d’estampes
VENTES DE PRINTEMPS 2022
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24 - 28 MARS
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29 - 31 MARS
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II Victor Vasarely (1906-1997) € 12000 - 15000
III Sasha Stone (1895-1940) € 40000 - 50000
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Singe Baule, Côte d’Ivoire, bois, H.
70 cm. Native Auctions, 29-01 au
01-02. © Native Auctions
EST. 8.000-10.000 €
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EST. 2.000-4.000 €
Paire de vases carrés chinois Qianjiang Cai,
avec paysages aux immortels, XIXe-XXe siècles.
Coronari Auctions, du 09 au 11-03.
© Coronari Auctions
preneur contre 19.000 euros.
Une grande œuvre de 2013 par
l’artiste anversois Fred Bervoets
(1942) créait, elle aussi, la surprise
en rapportant 9.300 euros (est.
1.500-2.000 euros). Pour sa part,
une toile de grand format d’un
autre peintre anversois, Louis
De Maeyer (1903-1981), intitulée
Personnages nus, estimée 800-
1.200 euros, était emportée 3.400
euros. Enfin, une paire de vases
à couvercle de la manufacture
de Sèvres, ornée de médaillons
à décor de couples d’amoureux
et de paysage sur fond bleu roi
rehaussé d’or et cadre en cuivre
doré, changeait de mains à 5.800
euros (est. 1.000-1.500 euros).
Des sculptures
africaines pour
Native Auctions
Bien des succès étaient
remportés par Native Auctions
du 29 janvier au 1er février
lors de la vente d’art africain
provenant d’une collection
privée espagnole. Le Congo,
le Nigeria, la Côte d’Ivoire
et le Gabon y étaient bien
représentés. Un tabouret
Chokwe d’origine angolaise
(lire par ailleurs) faisait monter
les enchères jusqu’à 41.000
euros, tandis qu’une figurine
debout de la même ethnie
rapportait 23.500 euros. Notons
encore cette figurine assise du
Congo, adjugée 15.500 euros
(est. 3.000-4.000 euros) ou
ce masque Bobo du Burkina
Faso vendu 7.250 euros. Un
porteur de plat assis Luba du
Congo, prisé 2.000 à 3.000
euros, s’adjugeait quant à lui à
7.500 euros, tandis qu’un singe
debout Baule de Côte d’Ivoire
rapportait 6.500 euros, alors
que la somme de 6.750 euros
était donnée à une figurine
Tsogho du Gabon. Signalons
enfin cette figurine debout
Mumuye du Nigeria emportée à
4.200 euros.
ON VENDRA
Singulière chaire
chez Infinitas
Lors de la vente en ligne de
la Medussa Collection part III,
organisée du 28-02 au 06-03 par
Infinitas nombre d’antiquités,
d’objets de décoration de jardin
et d’éléments d’architecture
(portes, cheminées et matériaux
de construction) sont à nouveau
proposés. De même, un large
choix en art tribal avec des pièces
principalement africaines.
Foule de lots
intéressants chez
Coronari Auctions
Lors de sa vente de printemps,
organisée les 9, 10 et 11 mars, la
salle gantoise Coronari Auctions
met l’accent sur l’art asiatique
et européen. Dans la première
section, ce sont tout d’abord
quelques vases carrés chinois
Qianjiang Cai avec paysages aux
immortels qui attirent l’oeil. De
nombreux collectionneurs seront,
en outre, sans doute séduits par
l’offre qualitative en vases de
famille rose, verte et Qianjiang
Cai. Un vase Hua Mulan, entre
autres, devrait sortir du lot, tandis
qu’une paire de pichets à vin
Kangxi, à décor floral, sera elle
aussi très appréciée. Citons également
l’exceptionnelle offre en
bronzes chinois, avec notamment
un imposant brûleur d’encens
de marque Qianlong. De l’art
japonais est, en outre, proposé
aux côtés de pièces thaïlandaises
en bronze doré et laqué. Ainsi
de ce Bouddha sur un trône de
lotus, Rattanakosin. Du côté de
la seconde offre, les maîtres
anciens sont à remarquer. Outre
de nombreux tableaux de l’école
anveroise du XVIIe siècle, une
Maria Lactans du XVIe siècle et un
Noli me tangere devraient générer
de nombreuses offres. Pour les
amateurs d’art moderne, citons
une composition abstraite de Guy
Vandenbranden (1926-2014), un
nu couché, fusain sur papier de
Constant Permeke (1886-1952)
et une suite en sept parties de
Pierre Alechinsky (1927), ainsi que
des œuvres de Roger Raveel, Paul
Delvaux et René Magritte. Pour les
amateurs d’horlogerie, mentionnons
quelques impressionnantes
garnitures de cheminée françaises
en bronze. Les amateurs de céramiques
européennes, de meubles,
de livres anciens, d’icônes,
de tapis et d’argenterie ne seront
pas en reste, avec notamment
une belle paire de chandeliers en
argent, aux poinçons de Gand, du
XVIIIe siècle.
Spilliaert
chez De Vuyst
Bien des choses sont à acquérir
lors de la grande vente cataloguée
du 12 mars organisée
par De Vuyst à Lokeren. L’offre
inclut ainsi de belles œuvres de
quelques-unes des principales
figures du fauvisme brabançon,
notamment Femme devant
un miroir (1917) dans des tons
roses doux de Jos Albert. De Rik
Wouters, notons L’allée rose (ca.
72

Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669),
Jan Uytenbogaert, ets, vroege afdruk, 25 x 21 cm.
Taxatie € 12.000 – 18.000
KUNST- EN ANTIEKVEILING
4 t/m 18 MEI 2022
KIJKDAGEN
woensdag 27 april t/m zondag 1 mei van 10.00-17.00 uur
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Johann von Stein (1896-1965), geëmailleerd
reclamebord voor de Rotterdamse Lloyd van het schip
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Platina en 18krt. gouden armband. bruto 25,7 gr.,
lengte 17 cm., totaal aan diamant ca. 6,80ct.
Taxatie € 8.000 – 10.000
China, famille rose porseleinen ‘feniks’ kom,
vroeg 20e eeuw.
Taxatie € 400 – 600
Jef Diederen (1920-2009),
‘Begin van de avond’, doek, 1990,
186 x 84 cm.
Taxatie € 1.000 – 2.000
Gerrit Rietveld (1888-1964), rood blauwe stoel, ontwerp 1918.
Uitvoering G.A. v. d. Groenekan, ‘80 jaren. Gemerkt met brandmerk
en signatuur van G.A. v.d. Groenekan en een annotatie
‘voor de familie Brouwer’. Taxatie € 3.000 – 5.000
Veilinggebouw De Zwaan - Keizersgracht 474 b/d Leidsestraat - 1017 EG Amsterdam - Telefoon: 020-6220447 - www.dezwaan.nl - info@dezwaan.nl
Openingstijden: maandag t/m vrijdag van 9.00-17.00 uur
Gerrit Rietveld (1888-1964), Steltman stoel, ontwerp
1963. Uitvoering G.A. van de Groenekan, ’80 jaren.
Taxatie € 4.000 – 6.000
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VENTE : 22 MARS
EXPO: DU 14 AU 17 MARS SUR RV
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Exposition: 14 - 23 mars
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Ventes
Belgique
EST. 120.000-180.000 €
Raoul De Keyser, Trait de craie diagonal, 1972,
aquarelle. De Vuyst, 12-03. © De Vuyst
EST. 10.000-15.000 €
Andy Warhol, Stiched photographs, 1987. Damien Voglaire,
12-03. © Voglaire
EST. 600-800 €
Presse papier personnel de monsieur George Peltzer à
décor d’ours, Russie (?), bronze doré. Soudant, 13-03.
© Soudant
1912), merveilleuse impression
d’une vue d’un parc bruxellois.
Un peu plus naturaliste est
l’œuvre de l’artiste anversois
Floris Jespers et son Modèle
avec robe verte (1916). Notons
aussi plusieurs magnifiques
œuvres du maître ostendais
Léon Spilliaert, notamment de
mystérieuses scènes de plage,
comme Femme et enfant de
pêcheur sur le quai, vus de dos
(1909), le tableau Filles sur la
plage (1923), réalisé durant la
courte période où il travailla
sur toile. Une facette moins
connue de l’artiste est l’humour
qu’il apportait parfois dans ses
œuvres. Un bel exemple en est
La Noyade (1904). Pour sa part,
Frans Masereel nous entraîne
dans la vie nocturne colorée
de la ville, enveloppée d’une
brume féerique. Par son style
expressif, Masereel donne vie à
l’effervescence des années 1920
dans Le Trottoir (1926), quand
Jean Brusselmans réalisait, entre
autres cette Vue de Dilbeek
(1929), ou encore cette extraordinaire
Jeune femme assise (1946).
Avec La Moisson (1932), Constant
Permeke a réalisé une peinture
monumentale où il a rendu la
pénibilité de la vie des agriculteurs
presque tangible. On
annonce, par ailleurs, plusieurs
œuvres importantes de Gustave
De Smet. Le bateau de plaisance
(1925) est ainsi l’une des œuvres
les plus importantes de la vente.
Notons encore des créations
de Pierre Alechinsky, Arman,
Pablo Atchugarry, Bram Bogart,
Georges Braque, César, Emile
Claus, César De Cock, Raoul De
Keyser, Paul Delvaux, Niki de
Saint Phalle, Jan Fabre, Jean-Michel
Folon, Modest Huys, Floris
Jespers, Oscar Jespers, Roy Lichtenstein,
Walter Leblanc, George
Minne, Panamarenko, Constant
Permeke, Arnaldo Pomodoro,
Roger Raveel, Edgard Tytgat,
Frits Van den Berghe, Théo Van
Rysselberghe, Jef Verheyen ou
Maurice Wyckaert.
Un Warhol chez
Damien Voglaire
Un ensemble de quatre photographies
cousues d’Andy Warhol
compte parmi les lots phares de
la vente du 12 mars en la salle
des ventes Damien Voglaire (ex-
Ferraton), à Bruxelles. Ces stiched
photographs marquèrent la
dernière exposition organisée de
son vivant par l’artiste, en 1987. Il
s’agit d’une pièce rare et unique,
datée et signée. On trouve
ensuite une grande gouache de
Gérard Schneider de 1964, deux
laques monochrome de Francis
Dusepulchre et un très grand et
beau Emile Salkin, Camion jaune
de 1975. Pierre Restany avait déclaré,
lors de la rétrospective du
peintre au PMMK d’Ostende en
2002, que Salkin était sans doute
le premier artiste du Pop art, tant
ses Circulations de 1957 l’avaient
enthousiasmé. On annonce aussi
une belle huile d’André Beullens,
Lignes d’or XIX (1967), une huile
de Marthe Wéry ou encore deux
tableaux de Pal Horvath, huile et
gouache. La vente se place donc
sous le signe de l’abstraction. Pas
moins de six tableaux de Yves
Zurstrassen sont proposés, dont
un de 1985, très pop. On propose
par ailleurs quelques tableaux
de John Cluysenaar, peintre
avant-gardiste qui fut un des
pionniers de l’abstraction lyrique
en Belgique, au début des années
1940, une gouache de Zoran
Music et encore un bel ensemble
de pièces de Lionel Vinche, dont
une série d’huiles abstraites et
un grand triptyque intitulé La
main et le soleil (1968), parfait
pour l’arrivée du printemps. A
noter enfin, deux tableaux de
Robert Giron, Au café (1923) et
Nu sortant du bain. Peintre rare
et peu prolixe, l’œuvre de Robert
Giron s’étale sur une courte
période. Ami de Paul Delvaux, ils
exposèrent ensemble à la Galerie
Robert Giroux en 1923, puis à la
Galerie Royale en 1925. Ils se verront
tous les lundis pendant dix
ans pour comparer leurs travaux,
avant que, en 1934, Robert Giron
devienne directeur des expositions
du palais des Beaux-Arts et
fasse rayonner celui-ci à travers
le monde.
La famille Peltzer
à l’honneur chez
Soudant
La vente du 13 mars, organisée en
la salle Soudant de Gerpinnes,
est riche en belles provenance qui
regroupe 400 lots, notamment de
la succession de Jacques Peltzer,
fils de la comtesse Hélène de
Breteuil et petit-fils par sa mère
de la princesse Chavchavadze,
née Ridgway. Son père fut le
célèbre industriel George Peltzer.
La vente débute donc par la
dispersion de beau mobilier et
objets ayant garni les nombreuses
propriétés de cette illustre famille,
le château Breteuil, le château
Peltzer, un hôtel particulier de
la rue de Bellechasse à Paris,
ou encore le palazzo Polignac à
Venise. La seconde vente de mars,
le 29 du mois, sera dédiée aux
poupées de prestige. Il s’agit de la
collection de madame Dumont-
Delvillé qui a réuni de rares
poupées dont des Jumeau, des
Bru, des poupées de caractère
allemandes. On proposera
environ 230 lots, expertisés et
décrits par l’expert parisien Jean
Claude Cazenave.
74

Importante crèche, Naples, XVIIIe siècle, terre cuite et bois sculpté.
Vanderkindere, 15 & 16-03. © Vanderkindere
Une crèche
napolitaine chez
Vanderkindere
Une importante et rare crèche
napolitaine est au centre de toutes
les attentions, lors de la vente
cataloguée des 15 et 16 mars,
organisée par la salle Vanderkindere.
Contenant une quinzaine
d’anges suspendus ainsi qu’entre
90 et 100 pièces en terre cuite
polychromée (dont deux en bois
sculpté) représentant des personnages
et des animaux ainsi
que des bibelots et du mobilier,
elle date du XVIIIe siècle. Cette
tradition du Presepe napoletano
remonte au Moyen Âge et se perpétue
jusqu'à nos jours à Naples.
Initialement réservée aux églises,
qui faisaient réaliser des scènes
de grandes dimensions, les crèches
devinrent progressivement
des installations privées. Le XVIIIe
siècle constitue, à cet égard, l’Âge
d’or, la crèche devenant alors une
production artistique à part entière,
avec des artistes renommés
se prêtant à l’exercice. Le nombre
de personnages augmente et sa
mise en scène devient spectaculaire
donnant ainsi un véritable
terreau aux artistes baroques
pour rendre gloire à la Naissance
de l’Enfant Jésus. La Nativité
n’occupe alors plus qu’une petite
part de la composition, mêlée à
une profusion de personnages
n’ayant plus rien de sacré, traités
de manière réaliste souvent vêtus
de costumes, munis d’un visage
en terre cuite, aux yeux en verre
et aux bras mobiles en bois qui
leur permettent d’adopter différentes
attitudes. Cet engouement
donnera lieu à de véritables
concours entre les églises, les
congrégations, les bourgeois,
les aristocrates, etc. qui font
vivre des générations d’artisans.
Une chronique du XVIIIème
siècle rapporte d’ailleurs que
le roi Charles III (1716-1788) en
personne occupe ses loisirs «à
fabriquer des petites briques
pour les cuire, à disposer le liège
et modeler les cabanes, architecturant
les lointains pour y situer
les bergers », tandis que la reine
Marie-Amélie «tissait, cousait et
brodait les vêtements».
Gustave De Smet
Robert Indiana
VENTE AUX ENCHÈRES
ART CONTEMPORAIN, MODERNE & MAÎTRES ANCIENS
Samedi 12 mars 2022 - 13 h & 19 h 30
Exposition : 2 au 9 mars - 10 h - 19 h
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75

Ventes
Belgique
EST. 30.000-50.000 €
Attribué à Ambrosius Benson, Crucifixion, avec à gauche le portrait de Jean de
Cruyninghe et Jacqueline de Bourgogne, à droite des membres de la famille
Van Der Hulst, Bruges, ca. 1549-1550, huile sur panneau, 182 x 88 cm (ouvert),
122 x 88 cm (fermé). Carlo Bonte, du 15 au 17-03.
© Carlo Bonte
EST. 9.000-14.000 €
Attribué à Alexander Keirinx, L’Automne, Anvers, huile sur cuivre. Van De Wiele
Auctions, 18-03. © Van De Wiele Auctions
Art religieux
chez Carlo Bonte
Avec Étude des chants du printemps
de Modest Huys (1920),
Carlo Bonte donne le coup
d’envoi de la nouvelle saison.
Sa vente printanière, prévue
du 15 au 17 mars, disperse une
collection de faïence de Delft
de qualité supérieure provenant
d’une famille flamande. Un perroquet
aux couleurs exotiques,
daté vers 1770, compte parmi
les objets qui attirent le regard.
En outre, on annonce une rare
série de planches du XVIIIe siècle
représentant les douze mois de
l’année, marquée De Porceleyne
Byl, priorité absolue pour
les amateurs de Delft. On note
également cet important retable
brugeois, attribué à Ambrosius
Benson (ca. 1549-1550), représentant
la crucifixion du Christ sur le
Golgotha, avec sur les panneaux
latéraux, à gauche, les portraits
de Jean de Cruyninghe et de Jacqueline
de Bourgogne, et à droite,
des portraits de la famille Van
Der Hulst. Une seconde œuvre
religieuse importante est cette
Sainte Famille dans un jardin clos
ou Hortus conclusus, œuvre de la
fin du XVe siècle et panneau de
dévotion personnelle. La Vierge y
est représentée dans la tradition
eyckienne, avec le front haut,
le visage ovale et des cheveux
dorés ondulés. De très beaux détails
se trouvent dans les copeaux
de bois représentés en bas à
droite. On note une grande similitude
entre la figure de Joseph
sur le panneau de Carlo Bonte,
et celle du Triptyque de Mérode
de Gérard David, conservé au
Metropolitan Museum of Art de
New York. L’école flamande est
particulièrement bien représentée
dans cette vente, avec un
grand nombre de gravures de
James Ensor, dont La bataille des
Eperons d’or. Côté art moderne
et contemporain, l’artiste belge
Philippe Vandenberg (1952-2009)
est également bien représenté.
Du côté de l’art asiatique, signalons
un rare vase du XVIIIe
siècle à décor bronze et or dans
le style Ming, daté de la dynastie
Qing. Une figure sino-tibétaine
en bronze du XVIIIe siècle représentant
Yamantaka Vajrabhairava
constitue également
un temps fort. Enfin, tout à fait
dans l’esprit printanier, un solide
Hercule en pierre de 1727, réalisé
par le célèbre artiste brugeois
Hendrik Pulinx pourra peut-être
agrémenter votre jardin.
Joannes Janssonius
chez Van de Wiele
Le 18 mars, une belle peinture
baroque représentant La Chute
est mise aux enchères par la salle
Van De Wiele. Les figures d’Adam
et Eve ont été peintes dans le
style de Frans Francken II, tandis
que le paysage peut être attribué
à Alexander Keirinx (1600-1652).
Cette composition est très
proche d’une œuvre similaire
qui se trouve actuellement au
Prado (est. 9.000-12.000 euros).
Notons, en outre, de nombreuses
gravures d’artistes belges tels
que Masereel, Raveel, Rops, Rassenfosse,
De Bruycker, Delvaux...
Un grand intérêt est également
attendu pour un dessin original
de Doudelet, provenant de la
collection de Paul Eeckhout.
On annonce aussi des œuvres
internationales de Dalí, Lucebert,
Marinetti et Camille Bellanger. Le
samedi, le joyau est un Atlas des
Villes des Pays-Bas de Joannes
Janssonius, datant de 1657. Cet
exemplaire est entièrement colorié
à la main (est. 50.000-70.000
euros). Joannes Janssonius fut
le successeur de son beau-frère
Henricus Hondius. Pour son atlas
des villes, il a utilisé des plaques
de cuivre de Braun et Hogenberg
(Civitates orbis terrarum).
Il a également fait re-graver les
planches du Tooneel der steden
de Blaeu. En outre, il produisit
de magnifiques bibles, atlas,
incunables, journaux de voyage
et gravures humanistes.
L’art belge mis à
l’honneur
par BA Auctions
Plusieurs pièces importantes
en provenance de collections
privées seront incluses dans la
vente proposée, le 22 mars, par
BA Auctions. Celle-ci comptera
ainsi pas moins de trois
Emile Claus, dont une œuvre
magistrale, Le Pommier, huile
sur toile inédite directement
sortie de l’atelier lors de sa
succession et se trouvant chez
un descendant de l’artiste, ou
encore La Lys à Laethem-Saint-
Martin sous la neige. Signalons
également, de grande qualité
et rare, une aquarelle intitulée
Venise (1898) par Théo Van
Rysselberghe. Georges Lemmen
est en outre bien représenté
par trois œuvres dont un beau
Nu repris dans le catalogue
raisonné d’Olivier Bertrand.
D’Anna Boch, on notera deux
76

VEILINGHUIS
HET PAND
LA SALLE DES VENTES DU COIN OUEST DE LA FLANDRE
Vente aux enchères d’antiquités
dimanche 27 mars à 14h
Jours d’expositions :
du samedi 19 au vendredi 25 mars entre 13u30 – 18h
Vente aux enchères avec public dans la salle.
CONTACT
28 & 29.03.22
Tableaux,
mobilier,
objets d’art
Arts d’Asie
Bijoux &
montres
Ecole ALLEMANDE,
vers 1535, atelier de
Lucas CRANACH
Couples inégaux
Tél 04 74 49 13 17
info@veilinghuishetpand.be
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DIKSMUIDE
Rodolphe de Maleingreau d’Hembise, rdm@haynault.be
Bertrand Leleu, bl@haynault.be
9, rue de Stalle, 1180 Uccle, 02 842 42 43
Catalogue disponible sur www.haynault.be
Vente d’Art et d’Antiquités I du 11 au 14 mars 2022
Les lots mis aux enchères comprennent : des sculptures en bronze et en
bois (par exemple, G. Eggen, C. Spronken, Sj. Jacobs, M. Moreau, H. Plé) ;
des peintures et des œuvres d’art graphique (par exemple, Ch. Eyck, A.H.
Gouwe, J. Roosenburg-Goudriaan) ; des maîtres anciens ; de l’argenterie
; des bijoux (par exemple, des boîtes en or, Rolex, Breitling) ; de la céramique
; de l’Art nouveau / Art déco / vintage / Design (e.a. Artifort,
Cassina, Flos) ; du mobilier ; de l’art religieux ; Varia ;
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fondation de l’Empire perse par Cyrus le Grand, 1971, éd. 51/100.
Est. 700 - 1.200 €
Début
ve. 11 mars - 09h00
A bientôt dans notre salle de vente!
Fin
lun. 14 mars - 18h00
Exposition du 11 au 14 mars
Heures d’ouverture:
ven. 11 mars au
dim. 13 mars de 11h00 à 17h00
lun. 14 mars de 11h00 à 18h00
(dernier jour de vente)
Venduehuis Dickhaut B.V. I Bredestraat 23/23A
Depot de marchandises pour la vente de juin (en lien
avec la TEFAF de Maastricht) est possible sur rendezvous
! Ordres d’achat possibles pendant les jours
d’exposition a la Bredestraat 23/23A ou en ligne.
SEDERT 1930
www.veilingmaastricht.nl
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Ouvert le jeudi et le samedi
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+32 470 85 69 17│www.infinitas-antiques.com│info@infinitas-antiques.com

Ventes
Belgique
Emile Claus, Le Pommier, huile sur toile, 90 x 120 cm. BA Auctions, 20-03.
© BA Auctions
Vue d’une partie de la collection
proposée par Cornette, le 20-03.
© Cornette
EST. 150.000-250.000 €
Anto Carte, L’arlequin au violon, huile sur
toile, 95 x 75 cm. Horta, 21 & 22-03. © Horta
huiles sur toiles en provenance
de la descendance du peintre,
La promenade et Barques
à Bandol. Quant à lui, Floris
Jespers est présent avec une
huile cubisante de 1927 et une
huile presque abstraite de 1950,
provenant ici aussi de la famille
du peintre. Parmi les objets,
citons le contenu d’une collection
privée brugeoise. L’empire y est
représenté par moults objets
en bronze doré, des chandeliers
et une exceptionnelle table à
pied central. Notons en outre
quelques meubles, dont une
petite commode Louis XV
en marqueterie rehaussée
de beaux bronzes dorés, une
commode française Louis XVI
également marquetée, ainsi
qu’une belle commode italienne
polychromée, à trois rangs de
tiroirs. L’offre se complète de
deux vitrines des atelier Franck à
Anvers, de porcelaine de Chine
et de quelques pièces en corail
sculpté. Parmi les tableaux
modernes et les sculptures du
parc d’un château courtraisien,
citons des œuvres iconiques
de Dodeigne, dont une stèle
en pierre de Soignies ainsi
qu’un torse féminin en marbre.
Dans ce parc, Moeschal était
également bien représenté avec
trois œuvres dont Sur la colline
et Etoile à trois branches. On
annonce enfin trois œuvres de
Reinhoud dont Twister (1963).
Une collection
privée
chez Cornette
La maison de vente Cornette
de Saint Cyr à Bruxelles
organisera le 20 mars la vente
d’une collection privée riche et
hétéroclite. Elle se compose de
meubles, de tableaux anciens
et contemporains, d’objets
scientifiques, d’ouvrages anciens
et d’œuvres d’art à l’image de
cet esthète épris de civilisations
lointaines qui a su marier
cultures et époques différentes
dans son appartement du bord
de mer. La plupart des œuvres
proviennent de galeries et
antiquaires prestigieux tels que
la Galerie Kugel, la Galerie Flak
et le libraire Alain Brieux à Paris
ou encore la Galerie Germaine
de Brabant, la Galerie Philippe
d’Arschot et la Galerie Philippe
Denys à Bruxelles. Un des lots
phares de la vente est une toile
de Robert Combas, intitulée
Pan dans ta gueule de Gaulois.
Elle est estimée entre 60.000
et 80.000 euros. Le lendemain,
21 mars, aura lieu une vente
classique composée de meubles,
objets d’art et curiosités, ainsi
que de tableaux anciens et
modernes.
Anto Carte
chez Horta
On le lira par ailleurs, le Montois
Anto Carte (1886-1954) est au
cœur de l’actualité et sa cote
ne cesse de s’apprécier. En
témoigne, une fois encore, cet
Arlequin au violon proposé lors
de la vente cataloguée des 21 et
22 mars, en la salle Horta, contre
une estimation de 150.000 à
250.000 euros. Une estimation
qui pourrait bien être largement
dépassée… Autre tableau
intéressant dans cette vente, une
Jeune femme de profil nue de
dos par Fernand Toussaint, dont
l’estimation se situe entre 12.000
et 15.000 euros. Outre quelques
beaux bijoux, notamment une
bague en or blanc ornée d’un
saphir de Ceylan non chauffé
calibrant +/- 21.85 carats, estimée
entre 95.000 et 100.000 euros,
on proposera du mobilier et
des objets d’art, ainsi que des
sculptures dont un Chasseur
d’aigles en bronze à patine
foncée, signé Jef Lambeaux (est.
8.000-12.000 euros).
Bibles anciennes
chez Arenberg
Parmi les dessins et tableaux
anciens, Arenberg Auctions
mettra aux enchères les 26 et 27
mars deux grandes «singeries»:
des dessins à la plume d’après
David II Teniers, datant de 1680-
1685 (est. 2.000-3.000 euros), un
panneau avec Crucifixion dans
l’esprit de Rogier van der Weyden
(ca. 1480, Brabant), endommagé
mais dans son cadre doré
d’origine et très probablement
survivant de l’Iconoclasme
(est. 2.000-3.000 euros). Les
dessins et gravures modernes
comprennent une suite de
78

EST. 2.000-3.000 €
René Magritte, dessin à l’encre de
Chine pour Les Nécessités de la vie de
Paul Eluard. Arenberg Auctions,
26 & 27-03. © Arenberg Auctions
EST. 300-500 €
Saint-Georges, bois ancien, H. 53 cm. Het Pand, 27-03. © Het Pand
EST. 4.000-6.000 €
École française (entourage de Jean
Baptiste Jouvenet), XVIIIe siècle,
La Déploration du Christ, huile sur toile
rentoilée, 150,5 x 119,5 cm. Millon, 27-03.
© Millon
magnifiques affiches bruxelloises
Belle Époque et des Années
folles, deux grandes esquisses
au crayon de René Magritte (est.
8.000 et 9.000 euros). Un certain
nombre d’éditions illustrées
modernes attirent également le
regard, comme cette sélection
de ''copies d’acheteur''
imprimées sur papier de luxe et
enrichies de dessins originaux
de la série La Flèche d’Or,
notamment Les Nécessités de
la vie de Paul Éluard avec un
dessin original à l'encre de
Chine de René Magritte (est.
15.000 euros) et Rencontre dans
une église d’Hellens, avec un
grand dessin au lavis de Paul
Delvaux (est. 2.000 euros). Un
choix surréaliste et de gravures
tirées de la Collection Périer-
Thys est également proposé.
Le catalogue comprend en
outre un ensemble de livres
sur l’Afrique et l’ancien Congo
belge, une série d’incunables
ou d’importants imprimés
cunéiformes, des bibles, dont
un rare imprimé vénitien en
langue tchèque datant de 1506
(est. 1.200 euros), des globes, des
astrolabes et des instruments
scientifiques, des manuscrits
anciens et modernes, des
archives et des autographes, des
cartes et des atlas.
Vente de printemps
au Pand
Het Pand, à Diksmuide,
organisera une importante
vente de printemps le 27 mars.
Comme toujours, cette vente
offre un large éventail en
argenterie religieuse de grande
valeur, des statues en bois,
des reliquaires, deux grands
confessionnaux néo-gothiques
et des retables. En outre, on
remarquera une belle sélection
d’antiquités bourgeoises,
statues en bronze et marbre,
grands piédestaux, écritoires
Belle Epoque, porcelaine
européenne, sculptures en terre
cuite, et bien plus encore. Les
objets de collection tels que les
sacs à main Delvaux, un grand
torse anatomique, du cristal
de Louis Leloup, des malles
ornementales anciennes, des
objets de dévotion anciens, des
livres d’art, etc.
Un tableau français
chez Millon
Le lot-phare de la vente du 27
mars, en l’antenne bruxelloise de
l’étude française Millon, est une
œuvre de l’entourage du peintre
français Jean-Baptiste Jouvenet
(1644-1717) dit ''le grand'', lequel
fut le membre le plus célèbre
d’une famille d’artistes qui
comptait nombre de peintres
et sculpteurs. Jouvenet est tout
d’abord l’élève de son père,
Laurent II (1609–81). En 1661, le
jeune homme, alors âgé de 17
ans, se rend à Paris et y devient
l’élève de Charles Le Bruns (1619–
1690). Il le seconde dans son
travail pour honorer entre autres
les commandes importantes
passées par Versailles. Bien
qu’il ne soit jamais allé en Italie,
grâce à Le Brun son art est
confronté à l’influence italienne.
Jouvenet fut, dans l’ensemble,
un des peintres religieux les plus
célèbres de son époque. Alors
que ses premiers tableaux sont
encore empreints de l’influence
primordiale de Nicolas Poussin
(1594–1665), Pierre Paul Rubens,
dont il est l’un des plus
grands admirateurs, le fascine
essentiellement par la suite. La
descente de croix devient ainsi
un de ses thèmes favoris. La
Déploration du Christ, proposée
à Bruxelles, peut être rapprochée
de ce registre iconographique
très ‘‘rubénien’’. On l’estime
entre 4.000 et 6.000 euros.
Belle diversité
chez Haynault
La vacation du 28 mars, chez
Haynault, proposera une belle
sélection de tableaux anciens
avec, notamment, une paire de
panneaux de l’atelier de Lucas
Cranach figurant deux couples
illustrant l’amour vénal, un sujet
des plus amusants. D’un côté,
une dame âgée avec un jeune
homme, de l’autre une jeune
femme accompagnée d’un
homme plus âgé. On retrouvera
par ailleurs un bel ensemble
d’argenterie XVIIIe, XIXe et
XXe. Les amateurs d’horlogerie
trouveront plusieurs belles
pendules du début du XIXe
et les amateurs d’Art nouveau
79

Ventes
Belgique
Atelier de Lucas Cranach, Vieille femme
amoureuse et jeune homme (d’une paire),
34,5 x 25 cm. Haynault, 28-03.
© Haynault
remarqueront un joli vase de
Daum au paysage lacustre.
Enfin, à noter un lot peu courant
puisqu’il s’agit de l’entier fond
d’atelier d’un artiste belge, Henry
Chantry, aquarelliste de talent
dont on vendra pas moins de
500 œuvres en un seul coup
de marteau. Le lendemain,
29 mars, une jolie collection
de porcelaines Kangxi sera
présentée dans la vente d’Asie,
avec de nombreuses pièces
de forme dont notamment
une très belle fontaine, mais
également des porcelaine de
la Compagnie des Indes qui
EST. 12.000-15.000 €
Victor Vasarely, Saint Jean, 1948. Bernaerts, du 29 au 31-03.
© Bernaerts
ravissent toujours les amateurs
et, bien sûr, quelques pièces
japonaises issues d’une même
collection. Côté joaillerie, des
bijoux Art déco ainsi qu’une belle
sélection de montres devraient
être remarqués.
Modern vs. Classic
chez Bernaerts
La sale anversoise Bernaerts se
réjouit déjà de sa vente de printemps
qui se tiendra du 29 au 31
mars et constituera un équilibre
entre deux extrêmes. Si des
peintures et antiquités des XVIe
et XVIIe siècles seront proposées,
des œuvres de talents belges
et européens de l’après-guerre
seront également adjugées.
Parmi les classiques, citons une
foire de village typique de Pieter
I Van der Hulst (actif entre 1583-
1628) (est. 30.000-40.000 euros),
ainsi qu’un imposant paysage
de l’atelier de Joos De Momper
II (1564-1635) (est. 20.000-25.000
euros). Une surprise pourrait venir
d’une nature morte de fleurs,
plutôt rare, par Carel Borchaert
Voet (1671-1743). Côté antiquités,
on notera des pièces asiatiques
ayant appartenu à Marc Michot,
et un petit ensemble de meubles
de haute qualité, acheté chez
Axel Vervoordt, y compris une table
à écrire anglaise Queen Anne
vers 1720 (est. 4.000-5.000 euros).
Côté art d’avant-garde, citons
une toile de Victor Servranckx
datée de 1922, provenant de la
famille proche de l’artiste (est.
30.000-40.000 euros). Plus tard,
au XXe siècle, citons une œuvre
précoce du franco-hongrois
Victor Vasarely. Cette petite
œuvre (sur pierre !) contient une
commande à son ami proche, le
peintre Jean Deyrolle (est. 12.000-
15.000 euros). Mais l’attraction
absolue de la section œuvres
sur papier seront ces vingt-cinq
nus de Sasha Stone. C’est la
première fois, en plus de 20
ans, qu’une copie complète est
mise sur le marché. Ce portfolio
de 25 photographies en noir
et blanc comporte également
une commande manuscrite
(est. 40.000-50.000 euros). D’un
tout autre ordre, une fringante
représentation de Hotei par
Katsushika Hokusai (1760-1849),
au pinceau à l’encre de Chine
et aquarelle, œuvre issue de la
galerie parisienne Jeanette Ostier
(est. 15.000-18.000 euros). Parmi
les autres travaux sur papier proposés,
citons Constant Permeke,
Rachel Baes, Renaat Braem,
Jacques Charlier, ainsi que des
œuvres de Guy Vandenbranden,
David Claerbout et Patrick Van
Caekenberg.
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81

Retour en Orient
Objet d’un phénoménal engouement au XIXe siècle, puis passé
totalement de mode et critiqué comme outil de propagande colonialiste,
l’orientalisme connaît un regain de popularité ces dernières années. Des
collectionneurs toujours plus nombreux, eux-mêmes souvent originaires
des contrées représentées, s’intéressent à cet Orient exotique. Existet-il
un orientalisme à la belge ? Quel regard porter aujourd’hui sur ces
images de souks et autres hammams ?
TEXTE : CELINE DE GEEST
Jean-François Portaels, Portrait d’une jeune Nord-Africaine, 1874, huile sur toile, 73 x 59 cm. Charleroi, musée des
Beaux-Arts, inv. 599. © photo : Alain Breyer
Les peintures du XIXe siècle représentant
le Moyen-Orient ou l’Afrique du
Nord sont, en général, classées dans
l’art orientaliste. Il s’agit d’une spécificité
propre aux Académies de la France,
l’Angleterre, l’Allemagne et la Belgique. Davy
Depelchin, actuel conservateur des sculptures
du XIXe siècle aux musées royaux
des Beaux-Arts de Belgique, à Bruxelles, a
écrit une thèse de doctorat sur la peinture
orientaliste dans l’histoire de l’art belge,
tout en admettant que engouement n'a
pas été isolé : « Prenez les artistes belges,
français ou anglais, il n’y a pas vraiment de
différence. L’orientalisme est un mouvement
international qui a débuté dans la
littérature, pour s’étendre à la musique et
aux arts plastiques. Il a également influencé
l’architecture et la culture populaire, des
intérieurs de café aux hammams et salles
de théâtre. Les artistes en furent les pionniers
et la bourgeoisie a suivi. »
DE DELACROIX À PORTAELS
Leurs tableaux montrent en général
des paysages attrayants dont la lumière
chaude éclaire des personnages en costumes
traditionnels colorés, ou dénudés
quand il s’agit de harems. Ils nous transportent
dans un ailleurs insouciant où
le quotidien paraît se dérouler sur les
marchés et dans les mosquées. Un des premiers
orientalistes connus illustra toutefois
des scènes d’une plus grande violence.
Eugène Delacroix (1798-1863) se distingua
par ses tumultueuses Scènes des massacres
de Scio (1824) et La Mort de Sardanapale
(1828) illustrant le suicide du roi d’Assyrie
Assurbanipal. Vinrent ensuite des tableaux
de genre plus harmonieux, Delacroix ayant
comme épigones son compatriote Jean-
Léon Gérôme, le Britannique John Frederick
Lewis, l’Allemand Gustav Bauernfeind
et l’Autrichien Ludwig Deutsch. Chez nous,
c’est Jean-François Portaels (1818-1895)
qui s’est imposé. « Ce ne fut pas le premier
Belge à s’intéresser à cet horizon, mais il
appartenait résolument à ces pionniers.»,
explique Davy Depelchin. « Il joua un
rôle majeur, car l’orientalisme était une
constante dans sa production artistique,
mais aussi parce que, par la suite, il devint
un des plus grands professeurs d’art belge
82

« Les œuvres
d’orientalistes belges
restent souvent
cinquante ou cent
ans dans la même
famille. »
DAVY DEPELCHIN
du XIXe siècle. Rares sont ceux qui, à
cette époque, ne furent pas les élèves de
Portaels. Grâce à lui, des artistes comme
Émile Wauters et Théo Van Rysselberghe
se rendirent en Afrique du Nord. Il avait
instauré le voyage en Orient comme une
sorte d’évidence dans la formation artistique,
tout comme l’Italie était un lieu de
passage obligé pour les générations précédentes.
Dans les années 1840, Portaels
entreprit son premier grand périple et fit
découvrir ce lointain à la Belgique, où il
était alors encore peu connu. Plusieurs de
ses œuvres se trouvent aujourd’hui dans
les collections des musées royaux des
Beaux-Arts de Bruxelles. Les musées de
Charleroi, de Gand, d’Anvers, et de Bruges
possèdent d’autres œuvres orientalistes et
quelques institutions plus petites, comme
Rudolf Ernst, Dans la Mosquée, huile sur panneau, 59 x 73 cm. Christie’s, Londres, 12-07-2018. © Christie’s
Images Ltd. – 488.750 £ (586.792 €)
le musée Charlier à Bruxelles, disposent
d’une collection orientaliste qui s’est
enrichie au fil de l’histoire. »
Eugène Girardet, La Gazelle apprivoisée, 1879, huile sur toile, 95 x 130 cm. Artcurial, Marrakech, 30-12-2018.
© Artcurial – 300.400 €
ON N’EST JAMAIS MIEUX
QUE CHEZ SOI
Les peintres orientalistes se sont rendus
dans les territoires que nous connaissons
aujourd’hui sous le nom de Proche-
Orient, de Moyen-Orient et d’Afrique du
Nord, dont ils revinrent émerveillés. Leurs
tableaux ont coïncidé avec une fascination
croissante pour ces pays lointains dont
les Européens ne pouvaient que rêver. Ils
se mettaient en général au travail dès leur
retour, à l’aide de photographies et d'esquisses
qu’ils avaient rapportées. Nombre
de modèles occidentaux posèrent pour les
tableaux de Portaels, tandis que d'’autres
peintres, dits ‘‘orientalistes de salon’’ n’ont
en revanche jamais mis les pieds dans
les pays qu’ils illustraient. Force est de
constater que les tableaux orientalistes
83

Jean-François Portaels, Une caravane en Syrie surprise par le simoun, 1854-55, huile sur toile, 136,5 x 193 cm. Bruxelles, musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, inv.
3001. © Photo : J. Geleyns - Art Photography
« Il existe une prestigieuse école orientaliste
belge, mais leurs œuvres apparaissent de
moins en moins sur le marché »
OLIVIER BERMAN
sont rarement crédibles d’un point de vue
historique. En 1978, le théoricien américano-palestinien
Edward Saïd publia L’orientalisme,
critique acerbe de la perception
occidentale de l’Orient, en particulier du
monde arabe. Il y décrivait la façon dont
l’orientalisme occidental avait fait de l’Est
ou de l’Orient un fourre-tout, dont le territoire
gigantesque et varié était réduit à une
poignée de stéréotypes. La fantaisie exotique
qui en a résulté n’était, selon lui, rien
d’autre qu’un produit de l’impérialisme
occidental des XVIIIe et XIXe siècles qui
servit aussi à étayer l’idée de la supériorité
occidentale. Ce jugement aurait pu suffire
à faire tomber définitivement le genre
aux oubliettes, mais c’était sans compter
le marché de l’art. De fait, depuis 1998,
Christie’s organise à Londres des enchères
dédiées aux œuvres orientalistes. Sotheby’s
et Bonhams, également à Londres, ont
créé des sections spécialisées en 2012 et
2020. Paris compte aussi un centre orientaliste,
grâce à des pionniers comme Gros
& Delettrez, et Artcurial a ouvert en 2019
une filiale spécialisée à Marrakech. Avec
des prix dépassant rarement le million
d’euros et moins de records spectaculaires
enregistrés que pour l’art contemporain,
ce marché est compétitif. Olivier Berman,
directeur de la section Orientalisme chez
Artcurial explique : « La rotation est très
faible pour l’art orientaliste. Les œuvres
dont les prix dépassent les cent mille euros
se vendent à de riches collectionneurs qui
ne les revendent pratiquement pas. La
rotation dans l’art contemporain est de 5
ans, celle dans l’art moderne de 10 ans et
celle dans l’art orientaliste de 25 ans. L’offre
est donc très restreinte pour un marché
immense. Ces dernières années, le public
est devenu international. Il y a vingt ans,
nous n’avions que des clients européens,
alors qu’aujourd’hui nous avons des Brésiliens
et des Russes, pour qui les mélanges
ne font pas peur : un tableau orientaliste
peut très bien côtoyer une œuvre contemporaine
ou une statue africaine. »
ORIENTALIA
Arne Everwijn, spécialiste en art européen
chez Christie’s, et Claude Pienning, chargé
des peintures européennes du XIXe siècle
chez Sotheby’s, soulignent que ce récent
regain de popularité est en grande partie
dû à des collectionneurs privés et institutionnels
du monde islamique. Ceux-ci
considèrent ces peintures comme une
ode aux couleurs et à l’atmosphère de
leur culture et comme des témoignages
84

« Jean-François Portaels devint
peut-être le plus grand professeur d’art
belge du XIXe siècle. »
DAVY DEPELCHIN
historiques. Ils souhaitent récupérer une
partie de ce patrimoine, l’Islam interdisant
les représentations figuratives, ce qui a eu
pour effet d’empêcher les artistes locaux de
réaliser des scènes similaires. « Le récent
engouement pour cet art est un phénomène
paradoxal », signale Davy Depelchin.
« Une représentation unilatérale du monde
oriental du XIXe siècle, ne fait pas obstacle
à l’achat de ces œuvres par les collectionneurs
contemporains du Moyen-Orient. Ce
regain d’intérêt a débuté dans les années
1980, à l’époque où les premières grandes
collections voyaient le jour. La référence
en la matière était la Najd Collection,
vendue en 2019 chez Sotheby’s pour pas
moins de 33,5 millions de livres sterling
(38,9 millions d’euros). Un grand financier
ancré au Moyen-Orient se trouvait derrière
cette opération. Divers collectionneurs
de très grande envergure interviennent à
l’heure actuelle au niveau international et
possèdent des œuvres françaises et britanniques,
mais aussi belges. Ce sont souvent
des Libanais, Marocains, Égyptiens ou
Saoudiens. » La popularité de l’art orientaliste
ne porte toutefois pas uniquement
sur les peintures du XIXe siècle. « Je vois
entrer dans ce type d’enchères des objets
qui n’y ont pas leur place au sens strict du
terme », souligne Davy Depelchin. « Soit
des objets orientaux typiques comme des
tabourets-tables et des armes incrustées,
mais aussi des lampes de mosquée, des
écrits arabes ou des corans qui se rangent
tous dans la catégorie Orientalia. Les maisons
de vente font ce qui est arrivé au XIXe
siècle, c’est-à-dire un mélange d’œuvres
d’artisans orientaux et d’un art occidental
qui n’a pas grand-chose à voir avec le véri-
table Orient. Il s’agit en fin de compte de la
prolongation d’une projection historique
occidentale sur ce qu’est l’Orient. » Il suffit
de penser aux toiles du Français d’origine
autrichienne Rudolf Ernst (1854-1932) qui
n’était guère gêné par la juxtaposition de
meubles syriens, d’un costume traditionnel
ottoman ou d’une architecture mauresque.
La lumière, les couleurs et l’atmosphère
comptaient alors plus que tout.
VISITER
Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique
Bruxelles
www.fine-arts-museum.be
ENCHERIR
Vente Un Printemps Marocain
Artcurial
Marrakech
www.artcurial.com
le 28-05
Théo Van Rysselberghe, Fantaisie arabe, 1884, huile sur toile, 170 x 300 cm. Bruxelles, musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, inv. 4139. © Photo : J. Geleyns - Art
Photography
85

Les bourgeoises
ne renoncent jamais
Les ventes bourgeoises rassemblent
traditionnellement des lots moins
recherchés et plus nombreux que
ceux présentés en vente cataloguée.
Ces dernières années, elles se sont
souvent transformées, notamment
suite à l’introduction de ventes en
ligne, mais elles n’ont pas disparu et
réservent encore bien des surprises.
TEXTE : GILLES BECHET
Traditionnellement, la vente bourgeoise,
ce terme un peu désuet
évoque ces grandes maisons de
famille qui doivent être entièrement
vidées lors d’une succession.Une salle qui
organise les inventaires met le contenu aux
enchères avec des ventes cataloguées pour
les plus belles pièces et le reste dans une
vente courante où les pièces sont souvent
présentées sur des plateaux ou dans des
boîtes. Avec, pour l’acheteur, la promesse, ou
le fantasme, de dénicher la bonne affaire qui
serait passée sous le radar. Mais c’était un
autre monde : « On faisait l’inventaire d’une
maison où deux ou trois générations avaient
vécu et d’où rien n’était sorti. Aujourd’hui,
les goûts évoluent plus rapidement. Tout a
changé. La clientèle, la manière d’habiter
et de faire du négoce. On ne nous contacte
plus pour toute une maison, mais pour
quelques objets dont les gens connaissent
généralement la valeur », explique Philip
Serck, Président de la Chambre Royale
belgo-luxembourgeoise des Salles de Ventes.
A NOUVEAU EN PRÉSENTIEL
Un des éléments majeurs du changement
est l’introduction du négoce en ligne. Adopté
progressivement par une partie des salles
de vente, il s’est quasiment généralisé lors
du premier confinement, quand la vente
en présentiel était devenue impossible.
Certaines salles ne proposent pas de ventes
bourgeoises car elles n’en ont pas le profil et
qu’elles estiment que la rentabilité n’est pas
suffisante, notamment chez Horta. Chez
Coupe de milieu de table, Meissen, porcelaine polychrome, L. 55cm. Elysée, 13-12-2021. © Elysée — 7.000 € (est. 700-800 €)
86

Grâce aux moteurs de
recherche, n’importe
qui dans le monde
a désormais accès
à ce qui se vend en
Belgique.
REGINALD DECOSTER
Salle de ventes du Béguinage
“Le chiffre d’affaires des ventes
bourgeoises est trois fois supérieur à
celui des ventes cataloguées.”
CHRISTOPHE FAIRON
Hôtel de ventes Elysée
Christophe Fairon. Logée dans le quartier
populaire des Marolles, la salle de vente du
Béguinage fait, à l’inverse, de la vente cataloguée
une exception, même si, comme
ailleurs, toutes les ventes sont cataloguées.
Dans leurs ventes bourgeoises, les lots
démarrent à 10 euros. « Comme on doit
souvent vider entièrement des maisons
dans le cadre d’une succession et qu’on
espère tout vendre, on fait comme on le
faisait avant, des plateaux avec plein de
petits objets », confie Reginald De Coster.
Vanderkindere, à Bruxelles, on organise des
ventes bourgeoises tous les mois et demi
environ, en fonction de l’état du stock. Elles
représentent, avec six à huit ventes par
an, un huitième du chiffre d’affaire global.
« Durant le grand confinement, les amateurs
étaient plus souvent devant leur ordinateur
et on a vendu proportionnellement plus
cher. Désormais cela s’est un peu calmé. On
travaille à nouveau en présentiel et les résultats
sont moins bon que lorsque la seule possibilité
d’acheter passe par l’écran, » précise
Stéphane Nicais, directeur de la salle.
TOUT EST RÉPERTORIÉ
A l’hôtel de ventes Elysée de Liège, le lundi
est le jour des ventes cataloguées, le mardi
et le mercredi réservés aux ventes bourgeoises.
« On a gardé l’ancienne appellation,
mais elles sont toutes cataloguées.
Tout est répertorié, mesuré, décrit et
estimé. On réserve les plus belles pièces à
la vente du lundi où l’on présente également
moins de lots. Je dirais que le chiffre
d’affaire des ventes bourgeoises est trois
fois plus important que celui des ventes
cataloguées », explique son directeur
AVANTAGES ET DÉSAVANTAGES
A Anvers, la maison Amberes propose
une vente bourgeoise tous les lundis. Les
enchères se déroulent en présentiel, par téléphone
ou par écrit, mais sans transaction
via Internet. Lors du grand confinement, la
salle de vente a donc cessé toute activité.
Les 800 lots présentés chaque semaine
proviennent de maisons et d’appartements
vidés après succession. Les ventes se
déroulent de manière traditionnelle, sans
enchères en ligne. Les plus beaux objets
bénéficient d’une vente cataloguée qui se
tient 4 ou 5 fois par an et fait l’objet d’enchères
en ligne. « Les enchères en ligne ont
87

« Il ne faut pas se
tromper sur ce
qu’on vend, sur
l’authenticité, l’époque,
le style. Si vous êtes
suffisamment précis,
les gens achètent. »
STÉPHANE NICAIS
Maison de ventes Vanderkindere
leurs avantages comme leurs désavantages:
les prix sont généralement plus élevés et
on est visible partout dans le monde, mais
cela demande un supplément de travail
pour les notices de référence et les images.
En revanche, cela permet à l’acquéreur de
faire des vérifications et des recherches
avant la vente », estime Rik Dupain, associé.
Si la salle de vente anversoise se sent bien
dans cette formule sans Internet, c’est qu’à
chaque vente, des acheteurs internationaux
sont attirés par des pièces bien spécifiques.
Ils viennent des pays de l’Est ou de France,
des Pays-Bas ou d’Allemagne.
C’EST AUSSI UN SPECTACLE
L’introduction des enchères en ligne a
sensiblement modifié la dynamique des
ventes publiques et le rapport au public.
« Dans une salle, on voit assez vite si les
gens sont intéressés. Si cela bouge, il y a plus
vite des enchères. Ce qui est beaucoup plus
agréable. Une vente, c’est aussi un spectacle,
les gens aiment les spectacles », note
Stéphane Nicais. « Quand quelqu’un crie la
vente devant des PC où défilent des images,
ce n’est plus le même métier. Lorsqu’on a
repris en présentiel, après les ventes à huis
clos, on est passé de 70-80 personnes à 20-30
personnes en salle, c’est de fait moins excitant.
Peut-être que le public va revenir de
manière plus nourrie, mais je n’en sais rien. »
L’organisation des ventes a aussi connu un
sérieux lifting, une certaine manière, une
rationalisation. Dans les ventes à l’ancienne,
les pièces mises à l’encan étaient rangées
dans un ordre correspondant à celui où
elles étaient montrées avec un risque de
casse ou de détérioration et la mobilisation
de personnel. Chez Amberes, pour éviter
toute manipulation inutile, le commissairepriseur
se déplace et saisit l’objet mis aux
enchères là où il est présenté, avant de poursuivre
vers le suivant.
UN PETIT STUDIO PHOTO
A l’hôtel des ventes Elysée, Christophe
Fairon entend poursuivre la vente à la
criée, pas seulement par nostalgie : « Pour
nous, c’est important parce que, parmi la
clientèle, tout le monde ne maîtrise pas
les outils informatiques. Cela ne nous
empêche pas d’être entre 6 et 10 personnes
au téléphone pour pouvoir assurer tous les
appels. » Le temps gagné dans la présentation
est compensé par celui que demande
l’emballage et l’empaquetage des pièces,
mais aussi le référencement, même pour
les ventes bourgeoises qui s’accompagnent
d’un minimum de 3 ou 4 photographies par
pièce. La plupart des salles ont installé un
petit studio photo pour assurer l’identification
visuelle de chaque pièce mise en vente.
L’effet le plus visible de la mise en ligne des
ventes bourgeoises comme des autres, c’est
l’internationalisation et la diversification de
la clientèle, même si cela devient difficile de
savoir qui achète. « Dans le temps, on avait
pas mal de femmes de notaires, de médecins,
de notables qui venaient pour passer
l’après midi et acheter deux ou trois objets.
Maintenant, on voit un nouveau public
sur Internet, qui achète et qui revend »,
remarque Stéphane Nicais.
DES AMATEURS AVISÉS
ET RENSEIGNÉS
Les acheteurs viennent de toute l’Europe
et même au-delà. Quelques mots dans
un moteur de recherche permettent
désormais au monde entier de se tenir
88

au courant de ce qui se vend en Belgique.
L’effet-loupe d’Internet offre à des clientèles
plus localisées, liées à des recherches
spécifiques, de manifester leur intérêt. Des
peintres russes ou italiens du XXe siècle,
inconnus chez nous, peuvent attirer des
amateurs dans leurs pays d’origine, tandis
que la porcelaine chinoise, qui figurait
jadis dans tout intérieur bourgeois du
XIXe siècle, est désormais passée de mode
chez nous. Lors de la plupart des ventes,
des amateurs avisés et bien renseignés
font monter les enchères depuis la Chine.
Ce grand marché global a bien sûr une
incidence sur les prix. « Avec des fenêtres
partout dans le monde, le vendeur touchera
le prix que cela vaut. Une pièce à
10.000 ou 50.000 euros, tout le monde est
capable de la vendre. Là où c’est plus difficile,
c’est avec des objets à 50, 100 ou 200
euros, il faut se battre », constate Christophe
Fairon.
“Certains objets atteindront un prix plus
élevé lors d’une vente bourgeoise que lors
d’une vente cataloguée, car cela dépend
également du public.”
RIK DUPAIN
Salle de ventes Amberes
‘De omzet van de burgerveilingen
drie keer zo groot is als die van de
gecatalogeerde veilingen’
NAAM ONDER CITAAT
NE PAS SE TROMPER
Dans chaque salle de vente, des surprises
et des cotes inattendues, qui font tout le sel
de la profession, surgissent régulièrement.
Stéphane Nicais se souvient de boiseries
oubliées dans un grenier. Pas en très bon
état, elles étaient estimées à 600/800 euros
et sont montées jusqu’à 10.000 ou 12.000
euros. Reginald De Coster pointe un buste
du XVIIe siècle qui soutenait une tête du IIe
siècle avant notre ère. Elle a affolé tous les
marchands d’antiques de la planète pour
atteindre 180.000 euros. Pour se maintenir
à flots et se développer dans ce marché
sans frontières, il faut innover. Pour Stéphane
Nicais, cela passe par une sélection
encore plus pointue : « Vous savez ce qui
se vend. Quand quelque chose ne se vend
plus, il ne sert à rien de le prendre. Certains
objets sont passés de mode, comme le
mobilier. Pour les belles pièces, on a encore
des acheteurs potentiels, mais au lieu
d’en avoir 20, on en a deux ou trois. Cela
devient plus tangent, mais ça s’adjuge. Il ne
faut pas se tromper sur ce qu’on vend, sur
l’authenticité, l’époque, le style. Si vous êtes
suffisamment précis, les gens achètent. »
L’essentiel, pour Rik Dupain, est également
d’être attentif à l’état du marché et à l’évolution
des goûts du public. La répartition
d’objets entre une vente bourgeoise et une
vente cataloguée ne tient pas seulement à
leur valeur : « Certains objets monteront
plus haut s’ils sont présentés en vente
bourgeoise plutôt qu’en vente cataloguée,
parce que cela dépend aussi du public. »
Et Philip Serck de conclure : « Ce n’est pas
la salle qui vend l’objet, c’est l’objet qui se
vend et doit être reconnu »,
89

Le Retour du fils prodigue, 1920, huile sur toile, 120 x 90 cm. Collection privée. © SABAM Belgium 2022.
90

Anto Carte
Entre ciel et terre
Peu d’artistes furent aussi
polyvalents dans la première moitié
du XXe siècle que le Wallon Anto
Carte, évoluant naturellement entre
dimensions contingente et sacrée.
Ses tableaux se révèlent souvent
profondément religieux, mais la
liesse populaire y bat aussi son
plein. En quatre-vingts œuvres, le
BAM passe en revue le talent de ce
singulier Montois. Son directeur
Xavier Roland précise d’emblée
que « Nous souhaitons présenter
Anto Carte comme un artiste
d’envergure internationale, dont la
renommée dépasse largement nos
frontières. »
TEXTE : CELINE DE GEEST
L’exposition constitue la troisième
rétrospective que l’institution montoise
consacre à l’artiste. La première
remonte à 1949. « A l’époque, il
s’agissait avant toute chose de l’inscrire à
la suite d’un débat sur l’identité wallonne
fortement exacerbée durant l’entre-deux
guerres ainsi qu’à lui chercher un positionnement
face au modernisme naissant,
dont il se mettait d’emblée en retrait », précise
Xavier Roland. « L’exposition de 1995,
quant à elle, critiquait la vision réductrice
de son œuvre décrite comme décorative,
voire théâtrale, en vis-à-vis d’un expressionnisme
flamand dominant la scène
belge de son époque. L’enjeu était alors de
lui donner un statut et une reconnaissance
d’artiste, en dehors de toute considération
atavique ou moderniste. Aujourd’hui, en
2022, nous proposons, à travers ce focus
inédit, d’offrir un nouveau regard sur la
manière dont cet artiste de premier plan
articule la puissance de thèmes universels
à son enracinement territorial. A ce sujet,
je tiens ici à saluer le travail de Denis Laoureux
qui a accepté d’assurer le commissariat
de cette exposition qui nous a conduit
sur des chemins encore forts peu usités
dans l’histoire de l’art. »
“Anto Carte fait
partie de l’identité
montoise.”
XAVIER ROLAND
WALLON ET UNIVERSEL
L’humain est résolument au cœur de
l’œuvre d’Anto Carte (1886-1954), que ce
dernier ait subi l’influence des Primitifs
flamands ou du symbolisme. Il nourrissait
une grande fascination pour les ouvriers
du Borinage, les paysans et les musiciens.
Ses œuvres, inspirées des Évangiles, s’apparentent
parfois à l’esprit de la Parabole
des Aveugles de Breughel (ca. 1568). Lors
de sa formation à l’Académie de Mons, il
fut encadré par Antoine Bourlard et Emil
Motte, puis à Bruxelles par Constant Montald,
Émile Fabry et Jean Delville. Sous
l’influence de ces symbolistes, il peignit
des figures mythologiques et imaginaires.
En 1910, il déménagea à Paris, étudia au
Louvre la peinture italienne du XVe et du
XVIe siècle et, en 1923, ses œuvres furent
exposées aux côtés de celles de Valerius
De Sadeleer et Gustave Van de Woestyne
au Salon de Paris. Il y eut ensuite une exposition
très réussie au Carnegie Institute
de Pittsburgh, où ses soixante toiles trouvèrent
acquéreurs. Après un séjour à Flo-
91

Le Jardinier, 1941, huile sur toile, 100,5 x 80,5 cm.
Collection privée. © SABAM Belgium 2022.
Le Semeur, 1919, huile sur papier marouflé sur toile, 90,3 x 86,9 cm. Collection privée. © SABAM Belgium 2022.
“Anto Carte rend
hommage à ses sources
d’inspiration : les
agriculteurs, les marins
et les artisans.”
MATHIAS ARY JAN
rence, en 1925, des acrobates et arlequins
apparurent sur ses toiles. En 1928, l’artiste
devint l’un des cofondateurs du groupe
Nervia qui se proposait de valoriser l’art
wallon en soutenant les jeunes artistes
prometteurs du Hainaut. « Chez Anto
Carte, des thèmes comme les ouvriers ou
l’industrie montoise coïncident certes
avec l’intérêt actuel porté aux savoir-faire
locaux », souligne Xavier Roland. « Anto
Carte fait partie de l’identité montoise.
Il est né ici et y a vécu 39 ans. Nombre de
familles montoises possèdent une de ses
œuvres. Il a forgé une grande partie de
l’image de Mons et de ses habitants et est
sans doute l’artiste le plus important de
la région. » Le musée souhaite montrer
à quel point l’art peut à la fois être ancré
localement et se faire universel. « Le parcours
de l’exposition est d’ailleurs conçu
comme une invitation au lâcher-prise et
à la méditation, valorisant de la sorte la
dimension immatérielle et sacrée qui se
dégage derrière chacune de ses toiles. »
Les œuvres présentées au BAM révèlent
la façon dont Anto Carte incorporait l’iconographie
chrétienne classique dans les
paysages du Borinage. La seconde partie
de l’exposition traite des mêmes thèmes,
mais avec des œuvres appartenant à la
collection du musée. « Ces œuvres sont
choisies pour s’aligner sur celles d’Anto
Carte », précise son directeur. « Nous
assistons au fil des siècles à la réactivation
d’un thème, suivant le temps jusqu’à
nos jours. L’exposition compte donc
également des œuvres contemporaines.
Nous bouleversons l’histoire de l’art sans
respecter la chronologie. Les tableaux,
sculptures et photographies sont regroupés
dans la même salle autour d’un thème
intemporel. Si Anto Carte ne renouvela
pas fondamentalement ces thèmes ou
techniques, il s’attacha surtout au style,
comme on peut le constater ici. »
VISITER
Anto Carte. De terre et de ciel
BAM
Mons
www.bam.mons.be
du 19-03 au 21-08
Galerie Ary Jan
Paris
www.galeriearyjan.com
92

La Pietà, 1918, huile sur toile, 94 x 112, 5 cm. Collection Ville de Mons. © Artothèque / photo : L’atelier de l’Imagier / SABAM Belgium 2021
La cote d’Anto Carte
Les œuvres d’Anto Carte atteignent à
l’heure actuelle des prix considérables
aux enchères. Pour des peintures à
l’huile de format moyen sur des thèmes
reconnaissables, les sommes déboursées
varient entre 10.000 et 80.000 euros.
Certains prix se situent même plutôt
entre 100.000 et 400.000 euros. Xavier
Roland : « Nous souhaitions acquérir
une de ses œuvres pour l’exposition,
par l’intermédiaire de Sotheby’s Paris.
Comprenant ce qu’elle représente pour
Mons, la Fondation Roi Baudouin a
désiré nous aider, car l’estimation était
de 350.000 euros. Finalement, c’est une
fondation flamande qui s’en est emparée.
Dommage, mais au moins cette
œuvre n’a pas quitté la Belgique. Pour
l’exposition, nous avons d’ailleurs emprunté
quelques tableaux très importants
à un collectionneur flamand. Cela
nous a paru très important sur le plan
national. » Le marchand d’art Mathias
Ary Jan, spécialiste de la peinture
européenne des XIXe et XXe siècles,
propose entre autres des œuvres d’Anto
Carte dans sa galerie parisienne. Il voue
une profonde admiration à l’artiste :
« Anto Carte rend hommage aux
paysans, marins et artisans. Il peint leur
âme et leurs visages, mains et pieds
abîmés. Ces corps font parfois penser à
Cimabue ou Egon Schiele. Ses œuvres
intemporelles sont chargées d’émotions
qui ne peuvent laisser indifférent, quels
que soient leur technique ou leur sujet
et par la puissance humaine qui s’en
dégage. » Le marchand estime que
l’œuvre d’Anto Carte est encore sousestimée
: « Il n’a pas atteint la place
qui lui revient en termes de valeur et
de reconnaissance. Les œuvres d’Anto
Carte acquises par certaines collections
privées dans les années 1950 et
1960 faisaient partie d’héritages et
reviennent maintenant sur le marché.
Personnellement, je les recherche dans
le monde entier. Leurs prix sont surtout
fonction de la période, du sujet et de
son expressivité. »
93

Auction calendar
MARCH / APRIL 2022
Belgium
MARCH
1-6 Infinitas
Kunst en antiek PLOEGSTEERT
2-3 Athena
Kunst BRUSSEL
4 Maison des Huissiers
de Justice
Deurwaarderstukken BRUSSEL
5 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
5-8 De Wit
kunst, antiek en inboedels
OOSTENDE
5 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
6 Millon
Art Made in Belgium BRUSSEL
7 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
8 Berg van Barmhartigheid
Juwelen en wijn BRUSSEL
8 Berg van Barmhartigheid
Juwelen en wijn BRUSSEL
9-11 Coronari Auctions
Aziatische kunst NAZARETH
11 Maison des Huissiers
de Justice
Deurwaarderstukken BRUSSEL
11 Coronari Auctions
Europese kunst NAZARETH
12 De Vuyst
Hedendaagse, moderne en
oude meesters GENT
12 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
12 Morel de Westgaver
Boeken, prenten,
documenten en treinen
BRUSSEL
13 Soudant
Antiek, meubelen, objets
d’art, art nouveau, art déco
GERPINNES
14 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
15-16 Vanderkindere
Kunst en antiek UKKEL
15-17 Carlo Bonte
Kunst en antiek BRUGGE
18 Maison des Huissiers
de Justice
Deurwaarderstukken BRUSSEL
18-19 Marc Van de Wiele
Auctions
Boeken, prenten, kunst
BRUGGE
19 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
19 FW Auctions
Algemene veiling NAMEN
20 FW Auctions
Archeologische veiling NAMEN
20 Cornette de Saint Cyr
éclectique une collection
privée BRUSSEL
20 Millon
Tableaux et objets d’art
BRUSSEL
20-21 Monsantic
Kunst en antiek BERGEN
21 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
21 Cornette de Saint Cyr
Mobilier et objets d’art
BRUSSEL
21-22 Horta
Kunst en antiek BRUSSEL
21-22 Galerie Moderne
Kunst en antiek BRUSSEL
22 BA Auctions
Moderne en oude kunst
BRUSSEL
22 Berg van Barmhartigheid
juwelen, schilderijen en
bronzen BRUSSEL
23 Mosan Liège
Kunst en antiek, burgerveiling
LUIK
25 Maison des Huissiers de
Justice
Deurwaarderstukken BRUSSEL
25-26 Arenberg Auctions
Prenten, tekeningen, boeken,
kunst BRUSSEL
26 l’Homme
Boeken, prenten, tekeningen
en schilderijen LUIK
26 Cnock
Juwelen KNOKKE
26 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
27 Pand
kunst, antiek en religiosa
DIKSMUIDE
27 Cnock
Kunst en antiek KNOKKE
27 Millon
Bandes dessinées BRUSSEL
28 Uccle Saint Job
Kunst en antiek UKKEL
28 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
28 Haynault
Tableaux, mobilier et objets
d’art BRUSSEL
28 Antenor
nline -paintings, furniture
& works of art from the
1st to the 21st c, collection
Comtesse de B à Paris BRUSSEL
28-29 Elysée Liège
Kunst en antiek LUIK
28-2 Rops
Online kunst en antiek
NAMEN
28-3 Infinitas
Kunst en antiek PLOEGSTEERT
29 Soudant
Antiek, meubelen, objets
d’art, art nouveau, art déco
GERPINNES
29 Haynault
bijoux signés, montres
BRUSSEL
29 Berg van Barmhartigheid
juwelen BRUSSEL
29-30 Jordaens
Kunst en antiek MORTSEL
29-31 Bernaerts
Klassieke veiling ANTWERPEN
APRIL
1 Maison des Huissiers
de Justice
Deurwaarderstukken BRUSSEL
2 Campo & Campo
Grafiekveiling ANTWERPEN
2 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
4 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
4 Pictura
Inboedel, kunst en antiek
GENT
7 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
7-9 Sylvie’s Wine Auction
Lenteveiling ANTWERPEN
8 Maison des Huissiers
de Justice
Deurwaarderstukken BRUSSEL
11 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
The Netherlands
MARCH
t/m 3-3 Van Spengen
Veilingen
Kunst en antiek HILVERSUM
1-3 Veilinghuis De Jager
Kunst, antiek, juwelen en
Aziatica GOES
7-10 Venduhuis De Eland
Kunst en antiek DIEMEN
8-22 Venduehuis Den Haag
Silver, jewellery & watches
ONLINE
11-14 Dickhaut Veilingen
Kunst en antiek ONLINE
14 Notarishuis Rotterdam
Juwelen en horloges
ROTTERDAM
14-18 Veilinghuis De Ruiter
Voorjaarsveiling: kunst,
antiek, munten, bankbiljetten
KLAASWAAL
16 Hessink Auctions
Post-War & Contemporary
Art ZWOLLE
17-19 Corinphila Veilingen
Postzegels, munten en
prentbriefkaarten AMSTELVEEN
18-29 BVA Auctions
Design, tribal, moderne
kunst, collectie Leerdam
AMSTERDAM
22-24 Oprechte Veiling
Kunst en antiek HAARLEM
22-27 Oprechte Veiling
Kunst en antiek ONLINE
22-8 Venduehuis Den Haag
Collector’s choice: European
interiors & asian arts ONLINE
25-27 Onder de Boompjes
Kunst en antiek LEIDEN
25-31 Notarishuis Rotterdam
Algemene Veiling ONLINE
28-29 Zadelhoff Veilingen
Kunst en antiek ONLINE
28-31 Ald Fryslan
Kunst en antiek IJLST
28-4 Veilinghuis Korendijk
Kunst en antiek MIDDELBURG
APRIL
1 BVA Auctions
Kunst en antiek AMERSFOORT
7-9 Twents Veilinghuis
Kunst en antiek ENSCHEDE
France
MARCH
2 Liladam
Mobiliers, objets d’arts,
tableaux, bibelots PERSAN
2 Sotheby’s
Online: Fine Jewels PARIS
3 Thierry de Maigret
Vente Classique (Drouot)
PARIS
4 Drouot Estimations
Montres, Bijoux, Mode
(Drouot) PARIS
4 L’Huillier & Associés
Un Chateau en Anjou
(Drouot) PARIS
4 Coutau Begarie
Vente Classique (Drouot)
PARIS
5 De Baecque & Associés
Orfèvrerie, mobilier, objets
d’art LYON
6 Osenat
Art Russe VERSAILLES
7 De Baecque & Associés
Tableaux anciens et
modernes LYON
8 Cornette de Saint Cyr
La Robe Noire de Didier
Ludot PARIS
8 Thierry de Maigret
Tableaux Modernes (Drouot)
PARIS
8 Artcurial
Livres & Manuscrits
PARIS
8 Libert Damien
Bijoux, Argenterie & Mobilier
d’un Chateau (Drouot) PARIS
8 Lucien Paris
Ecrin de Madame W. (Drouot)
PARIS
8 Christie’s
Line Vautrin PARIS
8 Magnin Wedry
Vente d’atelier Andre Francis
PARIS
8 Nice Enchères
Vente bijoux NICE
9 Piasa
Scandinavian Design PARIS
9 Azures Enchères
Art de la Table CANNES
9 Ader
Arts Décoratifs du XVIe au
XIXe (Drouot) PARIS
9 Christie’s
Handbags & Accessories PARIS
10 Lucien Paris
Intérieurs PARIS
10 Lucien Paris
Collections Privées
d’Instruments de Musique
NOGENT
10 Christie’s
Paul Destribats PARIS
10 Farrando
Tableaux, bijoux, mobilier,
objets d’art (Drouot) PARIS
10-24 Rouillac
Affiches d’Artistes ONLINE
11 De Baecque & Associés
Mobilier et objets d’art
(Drouot) PARIS
11 Coutau Begarie
Eventails de Prestigee
(Drouot) PARIS
11 Ka-Mondo
Manuscrits enluminés
(Drouot) PARIS
11 Daguerre
Collections Privées tableaux,
mobilier (Drouot) PARIS
11 Binoche et Giquello
Arts du Xxe (Drouot) PARIS
11 Magnin Wedry
Vente de Bijoux (Drouot) PARIS
11 Lombrail Teucquam
Flacons et Objets de Parfumerie
LA VARENNE-SAINT-HILAIRE
11 Azures Enchères
Souvenirs des Collections
Léonard P. Lee CANNES
11-17 Artcurial
African Contemporary Art
Online ONLINE
12 Ferraton
Moderne kunst BRUSSEL
12 Osenat
L’Empire à Fontainebleau
FONTAINEBLEAU
13 Osenat
Art Moderne et
Contemporain VERSAILLES
13 Rouillac
Tableaux & Dessins Modernes
TOURS
14 Aguttes
Peintres d’Asie NEUILLY
14 Ader
Livres de Photographies PARIS
15 Ader
Photographies PARIS
15 Euvrard & Fabre
Livres, tableaux Anciens
(Drouot) PARIS
15 Ader
Art Moderne (Drouot) PARIS
15 Cannes Enchères
Vente Courante CANNES
15 Nice Enchères
Vente bijoux NICE
94

Auction calendar
MARCH / APRIL 2022
15 Ader
Art Moderne (Drouot) PARIS
16 Ferri & Associés
Vente Classique (Drouot)
PARIS
16 Ader
Orfèvrerie & Art de la Table
- Collection d’un Amateur
(Drouot) PARIS
16 Pierre Bergé
Design PARIS
16 Alde
Tres beaux livres anciens et du
XIXe PARIS
16 Piasa
Modern and Contemporary
Art PARIS
16 Artcurial
Intérieurs du Xxe PARIS
16 Sotheby’s
Surrealism & its legacy
16-22 Sotheby’s
Art Impressionniste et
Modern Day Sale
17 Ader
Cadres Anciens (Drouot) PARIS
17 Oger - Blanchet
Collections Modernes
(Drouot) PARIS
17 Coutau Begarie
Militaria (Drouot) PARIS
17 Cornette de Saint Cyr
Mobilier-Objets d’Art-
Tableaux Anciens PARIS
17 Tajan
Design & Architecture PARIS
18 Thierry de Maigret
Bijoux, montres, orfèvrerie
(Drouot) PARIS
18 Farrando
Succession Lecoules (Drouot)
PARIS
18 Crait + Müller
Jean Legros (Drouot) PARIS
18 Ader
Collection Evrard de Rouvre
(Drouot) PARIS
19 Jean Elsen
Algemene numismatiek
BRUSSEL
19 De Baecque & Associés
Art Contemporain et Design
LYON
18 Lombrail Teucquam
Grands Vins LA VARENNE-SAINT-
HILAIRE
20 Osenat
Animalia, tableaux du XIXe
FONTAINEBLEAU
20 Artcurial
Racing, Flying, Yachting PARIS
21-24 Artprecium
Egyptian Modern Art ONLINE
22 Yann Le Mouel
Photographie Moderne et
Contemporaine (Drouot)
PARIS
22 Art-Valorem
Bijoux, montres (Drouot)
PARIS
22 Cannes Enchères
Collections & Successions
CANNES
23 Piasa
Max Ingrand - Fontana Arte,
Italian Design PARIS
23 De Baecque & Associés
Mobilier et objets d’art
(Drouot) LYON
23 Artcurial
Old Master & 19th Century PARIS
24 De Baecque & Associés
Livres Anciens (Drouot) PARIS
24 Tajan
Tableax Anciens PARIS
24 Lucien Paris
Intérieurs NOGENT
24 Boisgirard Antonini
Jules Vente (Drouot) PARIS
24 Aguttes
Design NEUILLY
24 Artcurial
Charles Auzoux Collection
PARIS
24 Sotheby’s
Collection de Monsieur &
Madame Robert Schmit
25 Aguttes
L’Esprit créateur: Dessins
Anciens PARIS
25 Thierry de Maigret
Dessins et Tableaux (Drouot)
PARIS
25 Piasa
Fashion, Accessories, Couture
Jewelry PARIS
25 Ader
Côté XXe (Drouot) PARIS
26 Cornette de Saint Cyr
Bandes Dessinés PARIS
26 Strasbourg Enchères
Belle Vente STRASBOURG
28 Kahn & Associés
Garde robe et bijoux (Drouot)
PARIS
28 Osenat
Automobiles de Collection
FONTAINEBLEAU
29 Jean-Marc Delvaux
Orfèvrerie de l’Ancinne
Collection (Drouot) PARIS
29 Art-Valorem
Asie, Mobilier, objets d’Art
(Drouot) PARIS
29 Villanfray & Associés
Vente de Prestige (Drouot) PARIS
29 May Associés
Grande Vente ROUBAIX
29 Nice Enchères
Vente montres et bijoux NICE
29 Artcurial
Impressionist & Modern Art
PARIS
29 Cannes Enchères
Horlogerie & Joaillerie CANNES
30 Piasa
High Jewelry PARIS
30 Artcurial
Contemporary Art PARIS
31 Aguttes
Bijoux NEUILLY
31 Christie’s
Oeuvres Modernes sur papier
PARIS
31-7 Artcurial
Jewellery Online ONLINE
APRIL
1 Drouot Estimations
Important Bijoux (Drouot)
PARIS
1 Tessier & Sarrou et Associés
Tableaux Mobilier (Drouot)
PARIS
1 Binoche et Giquello
Mobilier et objets d’art
(Drouot) PARIS
2-9 Sotheby’s
Living Contemporary PARIS
3 Osenat
Art Russe VERSAILLES
3 Lombrail Teucquam
Arts Premiers LA VARENNE-
SAINT-HILAIRE
4 Yann Le Mouel
Bijoux Anciens (Drouot) PARIS
4 Cornette de Saint Cyr
Estampes Modernes (Drouot)
PARIS
4 Boisgirard Antonini
Bijoux, livres anciens, lettres
autographes (Drouot) PARIS
5 Maison R&C
Bijoux et Montres (Drouot)
PARIS
5 Coutau Begarie
Bijoux, objets de vitrine,
orfèvrerie (Drouot) PARIS
5 Lucien Paris
Paris Mon Amour (Drouot)
PARIS
5 Cornette de Saint Cyr
Art Contemporain PARIS
5 Tajan
Objets de Lettrés, Trésors de
l’art en Asie PARIS
5 Artcurial
More PARIS
5 Rouillac
Affiches d’Artistes TOURS
5 Cannes Enchères
Vente Courante CANNES
6 De Baecque & Associés
Poupees, jouets
LYON
6 Tajan
Bijoux PARIS
6 Cornette de Saint Cyr
Art Impressioniste & Moderne
PARIS
7 Cornette de Saint Cyr
Design Moderne et
Contemporain PARIS
8 Tessier & Sarrou et Associés
Tableaux, mobilier & objets
d’art (Drouot) PARIS
8 Binoche et Giquello
Livres anciens et modernes
(Drouot) PARIS
8 Ferri & Associés
Art Populaire (Drouot) PARIS
8 Aguttes
Arts d’Asie NEUILLY
8 Ader
Collection d’Estampes autoir
de Bonnard PARIS
United Kingdom
MARCH
1 Christie’s
20th / 21st Centuray Art
Evening Sale LONDON
1 Dreweats
The Transport Sale NEWSBURY
2 Christie’s
Post War and Contemporary
art day sale LONDON
2 Dreweats
Fine Clocks NEWSBURY
2 Bonhams
Travel & Exploration
(Knightsbridge) LONDON
2 Bonhams
Sir Michael Caine (New Bond)
LONDON
2 Sotheby’s
The Now Evening Auction
LONDON
2-3 Sotheby’s
Modern & Contemporary
LONDON
3 Bonhams
British Cool (New Bond)
LONDON
3-4 Phillips
20th Century & Contemporary
Art Evening Sale LONDON
4 Christie’s
Impressionist and Works on
paper LONDON
8-9 Dreweats
Fine Silver, Jewellery
NEWSBURY
8 Bonhams
The Mind’s Eye Surrealist Sale
(New Bond) LONDON
9 Bonhams
Jewels, British & Europan Art
(Knightsbridge) LONDON
9 Bonhams
Modern & Contemporary
African Art (New Bond)
LONDON
10-16 Sotheby’s
Prints & Multiples LONDON
10-24 Christie’s
Martyn Gregory Collection of
British Art, Prints & Multiples
LONDON
15-22 Sotheby’s
Modern and Contemporary
African Art LONDON
16 Dreweats
Modern & Contemporary
NEWSBURY
16 Bonhams
Designer Handbags and
Fashion (Knightsbridge)
LONDON
16 Sotheby’s
Made in Britain LONDON
17-24 Sotheby’s
Fine Japanese Prints
LONDON
22-23 Christie’s
Modern British Art LONDON
23 Bonhams
Fine Books and Manuscripts,
Women through History
(Knightsbridge) LONDON
23 Sotheby’s
(Women) Artists LONDON
23-29 Sotheby’s
20th Century Art/Middle East
LONDON
24 Bonhams
Post-War & ContemporaryArt
(New Bond) LONDON
29 Sotheby’s
The Orientalist Sale LONDON
29 Bonhams
Islamic and Indian Art (New
Bond) LONDON
29-30 Summers Place
Home, Garden and Natural
History WEST SUSSEX
30 Dreweats
Fine Furniture, sculpture,
carpets, ceramics NEWSBURY
30 Bonhams
Home & Interiors
(Knightsbridge) LONDON
30 Bonhams
19th Century and British
Impressionist (New Bond)
LONDON
30 Sotheby’s
Arts of the Islamic World &
India LONDON
31 Christie’s
Art of the Islamic and Indian
Worlds LONDON
APRIL
6 Bonhams
Knightsbridge Jewels
(Knightsbridge) LONDON
7 Phillips
Design LONDON
7 Bonhams
Impressionist & Modern Art
(New Bond) LONDON
Germany
MARCH
7 Gorny & Mosch
Ancient Coins MÜNCHEN
9 Gorny & Mosch
Ancient Coins MÜNCHEN
16-26 Dr. Eder
Kunst & Antiquitäten KÖLN
25 Lempertz
Antiquarische Bücher KÖLN
26 Auction Partners
Auktion nr 196 KÖNIGSWINTER
29 Gorny & Mosch
Ancient Coins MÜNCHEN
31-1 Hampel
Frühjahrs - Auktionen
MÜNCHEN
APRIL
1 Jens Schölz
Auktion 73 KÖLN
5-7 Bassenge
Wertvolle Bücher BERLIN
95

Fair calendar
MARCH / APRIL 2022
Belgium
MARCH
17-20 Kunst- en Antiekbeurs
HASSELT
19-20 Foire du Cristal et du
Verre
LIGNY
23-27 Affordable Art Fiar
BRUSSELS
26-27 Objectenbeurs Art
Nouveau en Art Deco
BRUSSELS
26-12/06 Foto Knokke-Heist
KNOKKE
The Netherlands
MARCH
30-03/04 Kunst Aan het Hof
NOOITGEDACHT
APRIL
9-11 The DAAF
AMSTERDAM
7-10 Art Affair
AMSTERDAM
8-10 Planet Vintage
DEN BOSCH
France
MARCH
10-13 Lille Art up!
LILLE
11-14 Salon International de
l’Art Contemporain
MARSEILLE
11-20 Foire de Chatou
CHATOU
25-27 Grand Marché d’art
Contemporain de Chatou
PARIS
25-27 Grand Marché d’art
Contemporain de Chatou
PARIS
APRIL
5-10 Hotel La louisiane
PARIS
5-10 Pad
PARIS
7-10 Art Paris
PARIS
U.K.
MARCH
17-20 The Other Art Fair
LONDON
31-3/4 Bath Decorative
Antiques Fair
BATH
Germany
MARCH
8-10 Düsseldorf Photo
Weekend
DÜSSELDORF
Austria
APRIL
9-18 Art & Antique
SALZBURG
Italy
MARCH
4-6 Vernice Art Fair
FORLI
Switserland
MARCH
3-6 Art Genève
GENÈVE
Sweden
APRIL
1-3 Antikmässan i Brösarp
BRÖSARP
Japan
MARCH
11-13 Art Fair Tokyo 2022
TOKYO
USA
MARCH
10-13 Superfine
MIAMI
16-25 Asia Week New York
NEW YORK
31-3/4 The Other Art Fair
LOS ANGELES
3-6 Outsider Art Fair
NEW YORK
Verenigde
Arabische
Emiraten
MARCH
11-13 Art Dubai
DUBAI
TH
38 ANTIQUES & ART FAIR
HASSELT
17 - 20 / 03 / 2022
11.00 - 19.00
www.hasseltfineart.com
ANTO-
CARTE
De terre et de ciel
bam.mons.be 19 mars > 21 août 2022
Anto-Carte, Le Jardinier, 1941, huile sur toile, collection privée, photo Jacques Vandenberg ©SABAM Belgium 2022

Museum calendar
MARCH / APRIL 2022
Belgium
ANTWERPEN
FOMU
△ Masculinities:
Liberation through
Photography
t/m 13-03
△ Max Pinckers
t/m 13-04
M HKA
△ Mash Up - Anthea
Hamilton
t/m 15-05
BRUGGE
Adornesdomein
△ Simply - Willy Vynck
t/m 6-04
Musea Brugge
△ It’s only a matter of time
t/m 06-03
△ Line Boogaerts - é/
change
t/m 13-03
△ Verhalen uit de
ondergrond. Brugge in
het jaar 1000.
t/m 27-10-2023
BRUSSELS
Art et Marges Musée
△ Dans un pli du temps
j. 13-03
Bozar
△ Penelope - Voetvolk &
Dirk Braeckman
j. 20-03
Design Museum
Brussels
△ CRUSH. Rencontres
inattendues entre design
et art
j. 06-03
Fondation A Stichting
△ One, two, Three, More
- Helen Levitt
j. 10-04
Jewish Museum of
Belgium
△ Sol Lewitt. Wall
Drawings, Works on paper,
Structures (1968-2002)
j. 01-05
△ Works on Paper.
Gallila’s collection
j. 17-04
La Centrale
△ La Vie matérielle
j. 13-03
La Verrière
△ Buildings in Belgium,
Buildings in Oil, Buildings
in Silk - LucyMcKenzie
j. 26-03
Mima
△ Mima reload
j. 29-05
Musée BELvue
△ Raoul Servais. Un univers
entre magie et réalisme
j. 06-03
Musée de la bande
dessinée
△ Bulles de Louvre -
vingt auteurs de Bande
Dessinée propose de
découvrir le Louvre
j. 11-09
Musee Mode et
Dentelle
△ Brussels Touch
j. 22-05
Musée Art & Histoire
△ Before Time Began
j. 29-05
CHARLEROI
BPS22
△ Teen Spirit
j. 22-05
Musée de la
Photographie
Charleroi
△ Michel Vanden
Eeckhoudt
j. 15-05
△ Soleil Noir - Gaëlle
Henkens et Roger Job
j. 15-05
△ Arbres-Troncs - Zoé
Van der Haegen
j. 15-05
△ Melanie De Biasio
j. 15-05
△ Danielle Rombaut
j. 15-05
DEINZE
Museum van Deinze
en de Leiestreek
△ Marcase. Aspects of
the image
t/m 03-04
FLÉMALLE
Centre wallon d’Art
contemporain – La
Châtaigneraie
△ J’ai rendez-vous avec
elles
j. 13-03
GENT
Design Museum
△ 10 jaar Muller Van
Severen
t/m 06-03
Museum Dr. Guislain
△ Circonstances. Fernand
Deligny
t/m 29-05
S.M.A.K.
△ POPART van Warhol
tot Panamarenko Uit de
Collectie Matthys-Colle
& S.M.A.K.
t/m 08-05
HASSELT
Cultuurcentrum
Hasselt
△ Japanse kinderen -
Osamu Yokonami
t/m 06-03
△ The night is like snow
(Notte come neve) -
Peter H. Waterschoot
t/m 06-03
△ When the water clouded
over - Michael Dans
t/m 06-03
HORNU
MACS
△ Gaillard & Claude. A
Certain Decade - Aline
Bouvy. Cruising Bye
j. 18-09
LA LOUVIÈRE
Keramis - Centre de
la Céramique de la
Fédération Wallonie-
Bruxelles (asbl)
△ Grande Ourse - Alice
Lothon
j. 13-03
△ parcours dans les
collections: Raconte-moi
Boch
j. 13-03
△ À quoi ça tient? -
Camille Nicolle
j. 13-03
△ Les collections de
Verviers à Keramis
j. 28-08
MIIL
△ Zoonose
j. 26-03
LEUVEN
M Leuven
△ Richard Long
t/m 20-03
△ L’heure de la Soupe -
Alexis Gautier
t/m 20-03
△ Prendre le temps
t/m 23-04-2023
LIÈGE
La Boverie
△ Inside Magritte
j. 06-03
△ Charles Szymkowicz, le
monde et l’intime
j. 06-03
MECHELEN
Kazerne Dossin
△ Universal Human
Rights. Why they matter
t/m 11-12
MONS
Beaux-Arts Mons
△ Anto-Carte. De terre
et de ciel
19-03 au 21-08
MORLANWELZ
Musée Royal de
Mariemont
△ Le Mysthère Mithra.
Plongée au coeur d’un
culte romain
j. 17-04
NAMUR
Centre culturel de
Namur - Abattoirs de
Bomel
△ Rouge Bleu. Parole de
la matière
j. 06-03
NAMUR
Musée Félicien Rops
△ Dans les yeux de Van
Gogh. L’Empreinte
des artistes belges sur
Vincent Van Gogh
j. 20-03
OOSTENDE
Mu.Zee
△ België-Argentinië.
Trans-Atlantische
modernismen, 1910-1958
t/m 12-06
Fort Napoleon
△ De Grote Ridder Muis
- Doe-expo
t/m 18-04
PUURS-SINT-AMANDS
Emile Verhaeren
Museum
△ La Ville abandannée -
Koen Broucke
06-03 t/m 22-05
SINT-MARTENS LATEM
Museum Dhondt-
Dhaenens
△ Blindsight – Manon
de Boer in dialoog met
Latifa Laâbissi en Laszlo
Umbreit
t/m 22-05
△ Time, and time again
– Werk uit de collectie
Vermeire-Notebaert
t/m 22-05
△ Yvan Derwéduwé -
Antichambre
t/m 22-05
△ untitled 2018 (the
infinite dimensions
of smallness) - Rirkrit
Tiravanija
t/m 31-05
SINT-NIKLAAS
Mercatormuseum
△ Kaarten aan de wand
- (Her)ontdek oldschool
platen en kaarten
t/m 01-05
TERVUREN
Africa Museum
△ Menselijke Zoo Humain
t/m 06-03
△ Mensentuin - Koloniale
tentoonstellingen
wereldwijd
t/m 06-03
TOURNAI
Musée des Beaux-
Arts de Tournai
△ Toute une histoire,
regard sur les collections
#3
j. 02-2023
△ Open Field - Raffaella
Crispino
j. 15-05
97

Gallery calendar
MARCH / APRIL 2022
Belgium
AALST
Netwerk Aalst
△ Rewinding
Internationalism
t/m 01-05
ANTWERPEN
Annie Gentils Gallery
△ Dislocations 2022 -
Dirk Vander Eecken
t/m 20-03
De Zwarte Panter
△ Tabula Rasa - Kiro Urdin
t/m 10-04
△ Alles stroomt - Frieda
Van Dun
t/m 10-04
Everyday Gallery
△ The Mental Traveler -
Bram Kinsbergen
t/m 06-03
△ Daddy Tissue - Mamali
Shafahi
t/m 06-03
△ At any Given Moment
- Patrick Vanden Eynde
t/m 06-03
Galerie Art Forum
△ Christian De Wulf, Jaak
Hillen
t/m 30-03
Galerie Micheline
Szwajcer
△ Group Exhibition
- François Curlet, Jos
de Gruyter & Harald
Thys, Bernard Frize,
Ann Veronica Janssens,
Bernd Lohaus, Daan
Van Golden, Lawrence
Weiner
t/m 09-03
Galerie Zuid
Antwerpen
△ Xavier Visa. Paintings
t/m 12-03
Gallery De Wael
△ D//O - Henk Delabie &
Vincent De Roder
t/m 13-03
Gallery FIFTY ONE
△ ON & ONE - Eamonn
Doyle
t/m 16-04
△ Portraits - Jacques Sonck
t/m 16-04
Nadya Kotova Gallery
△ Epic Sentiment by
Oleg Maslov
t/m 12-03
Rossaert
△ Historie van de film in
de Rosaaert
t/m 27-03
Tim Van Laere Gallery
△ Riding the Waves -
Leiko Ikemura
t/m 02-04
valerie_traan gallery
△ Il Filo di Scarpulla
t/m 12-03
Zeno X Gallery
△ 40 years Zeno X
Gallery - The Eighties:
Raoul De Keyser, John
Körmeling, Patrick Van
Caeckenbergh, Anne-
Mie Van Kerckhoven
t/m 19-03
△ Placenta Saturninr
Bercal - Anne-Mie Van
Kerckhoven
t/m 26-03
ASSE
De Ziener
△ Norman Dilworth. I
seek and sometimes
I find
t/m 06-03
BRUSSELS
Aeroplastics
△ Eyes Wide Open
j. 26-03
Almine Rech
△ Otis Kwame Kye
Quaicoe
10-03 au 16-04
Art22 Gallery
△ The Elegant Universe
of Strings - Tsuyu
Bridwell
j. 27-03
Atomium
△ View from my window
24-03 à 2023
Avenue du roi
△ Cabinet de curiosités
j. 06-03
Ballroom Gallery
△ “The Bones” - Dries
Segers & “Before Again”
- Veronika Pot
j. 05-03
△ Ballroom invites:
Charlot Van Geert
j. 12-03
Baronian Xippas
△ Liquid Light - Joseph
Marioni
j. 19-03
△ Je fais ce que je veux -
Leen voet
j. 19-03
Bernier Eliades
Gallery
△ Animal Farm - Dionisis
Kavallieratos, Bharti
Kher, Jonathan Meese,
Susan Rothenberg, Boyd
Webb, Marnie Weber,
Robert Wilson, Hugue
De Wurstemberger
j. 10-03
Box Galerie
△ Quelques arbres
remarquables
j. 12-03
Bruno Matthys
Gallery
△ Silences - Eric Herrman,
Véronique Melotto
02-03 au 09-04
Brussels Expo
△ Antoine de Saint-
Exupéry. Le Petit Prince
parmi les Hommes
j. 30-06
Centre d’Art de
Rouge-Cloître -
Kunstcentrum van het
Rood Klooster
△ Pierre Devis (1846-
1919). Auderghem aux
19e et 20e siècles
j. 13-03
Chapitre XII
△ Pierre Bernard. Les
neurones miroirs
j. 12-03
△ Les neurones miroirs -
Pierre Bernard
j. 12-03
CLEARING
△ Pandemic Pandemonium
- Neïl Beloufa
j. 10-04
Dauwens & Beernaert
Gallery
△ Combiticket - Karl Philips
j. 28-03
Deodato Art
△ Andy Warhol : ICON
ICON ICON
j. 12-03
Esther Verhaeghe Art
Concepts
△ Jacqy duVal
10-03 au 10-04
Fondation Thalie
△ Inner Bodies - Kiki Smith
j. 01-05
Galerie Alice
△ Chantecleer - Eric
Colonel & Thomas Spit
j. 26-03
Galerie Brigitte
Geerinckx
△ Noir sur Blanc
j. 12-03
Galerie de la
Béraudière
△ Germaine Richier & La
Couleur
j. 29-04
Galerie Deletaille
△ Natures Mortes -
Living Country
j. 02-04
Galerie Dys
△ Carnaval. Peintures
et travaux sur papier -
Yasemin Senel
j. 03-04
Galerie Faider
△ Rétrospective - Nicole
Callebaut
j. 05-03
△ Logique de la matière
-Nicole Callebaut
j. 26-03
Galerie La Forest
Divonne
△ Singularités -
Catherine François
24-03 au 15-05
△ Ivresse - Jean-Bernard
Métais
j. 19-03
Galerie Marie-Ange
Boucher
△ Noëlle Koning
j. 02-04
△ Philippe Desomberg
j. 02-04
Galerie Martine Ehmer
△ Perspectives
j. 27-03
Galerie mhaata
△ Promontoires du
silence - Didier Goupy
j. 20-03
Galerie Nathalie
Obadia
△ Foolhardy Boarding A
Lost State of Mind - Joris
Van de Moortel
17-03 au 07-05
△ Agnès Varda - Calder,
Richier, Schlegel, Székely
par Agnès Varda
j. 05-03
Galerie The Palm Beach
△ Eikonoklastes - JNG
11-03 au 24-04
Gallery Sofie Van den
Bussche
△ New Memories -
Joke Raes & Jonas
Vansteenkiste
06-03 au 10-04
Hangar
△ In the Shadow of Trees
j. 26-03
Horst
△ The Act of Breathing
12-05 au 31-07
Jan Mot
△ back segments -
Vonna-Michell
j. 26-03
La maison commune
△ HOPE
j. 12-03
La patinoire Royale,
Galerie Valérie Bach
△ Sahar Saâdaoui
11-03 au 07-05
△ Marthe Wery
11-03 au 07-05
Le Botanique
△ Ce débris dont rien
n’est venu à bout - Alix
Dussart
j. 03-04
△ SARA TM - Void Collective
j. 17-04
le salon d’art
△ Lotus in mud - Koyuki
Kazahaya
j. 05-03
LKFF
△ bij mijn venster - à ma
fenêtre
j. 13-03
Macadam Gallery
△ Intersection - François
Bonnel
j. 13-03
Maison des Arts
△ En quelques mots … -
In enkele woorden ...
j. 30-04
Marc Minjauw Gallery
△ Big and Small - Group
Show
j. 06-03
Mathilde
Hatzenberger Gallery
△ Old Farts ?! - Pierre
Dessons, Richard
Meitner
j. 02-04
Mendes Wood DM
△ Neïl Beloufa
j. 10-04
Michèle Schoonjans
Gallery
△ Florilegium, ultraviolet
& zephyr, les séries
photographies uniques
signées - Danielle
Kwaaitaal
13-03 au 03-04
Montoro12 Gallery
△ Ochre Yellow - Simone
Cametti
05-03 au 16-04
△ I Saw a Blue Sphere
Falling - Emmanuele de
Ruvo
05-03 au 16-04
Odradek Residence
△ Expressions de
l’organique - Albane
Mauberquez et Ghita
Remy
j. 12-03
OV Project
△ I’ve Lost My Head -
Nathalie Campion
24-03 au 16-04
Rodolphe Janssen
△ Sausage Party -
exposition de groupe
19-03 au 30-04
△ Next time you see me,
it won’t be me - Tom
Poelmans
j. 12-03
Spazio Nobile
△ Cette lumière peutelle
- Éva Garcia & Winter
selection “Mimosas”
j. 27-03
Stems Gallery
△ I’ll Tell You Later -
Susumu Kamijo
j. 09-04
98

Gallery calendar
MARCH / APRIL 2022
CHARLEROI
Galerie Jacques
Cerami
△ La prière du coeur -
Philippe Herbet
12-03 au 23-04
GENK
Uitstalling Art
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△ Colbert Mashile. Kua
Le Kua (There and There)
t/m 27-03
Uitstalling Art
Gallery
△ You’ve Always Been
a Diamond - Ennock
Mlangeni
t/m 27-03
△ Kua le Kua - Colbert
Mashile
t/m 27-03
GENT
Barbé Urbain Gallery
△ down the trail - Stan
Van Steendam
t/m 13-03
GRIMBERGEN
Cultuurcentrum
Strombeek
△ Open Source - Noah
Latif Lamp
t/m 01-05
Cultuurcentrum
Strombeek
△ Zeeoor & Mossel - The
Seaspaghetti dinner -
Filip Van Dingenen &
Hélène Meyer
t/m 18-03
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Rirkrit Tiravanija
t/m 30-04
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18-02 t/m 06-03
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1976)
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Oudenaarde
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t/m 21-05
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△ No way to win,
nothing to lose - Jan
Vandeplancke
t/m 27-03
Kristof De Clercq
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Landscapes - Agnes
Maes
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KLUISBERGEN
Beukenhof- Phoenix
Galleries
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Wolfgang Zelmer
t/m 20-03
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De Velde
△ LUIK : panel that can
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a window - Maikel De
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02-03 au 09-04
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Espace 001
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