COLLECT Belgique Avril 2022

COllECT
Mensuel ne paraît pas en janvier, en juillet ni en août - 6,95 € - P608061
N° 515 / AVRIL 2022
Francis Alÿs
Une star belge à la Biennale
Art Brussels
Back to business
Marketing & Galeries d’Art
Une stratégie à la loupe

Être logé généreusement au
milieu de votre collection?
À VENDRE
Vlissingen, Zélande (NL)
Maison d’habitation avec étang de baignade
Unique, multifonctionnel, confortable.
Ancien château d’eau entouré de nouveaux
bâtiments architecturaux sur une site de
7.000 m2.
Pavillons de présentation et jardin de sculptures
1.617 m2 de surface pour vivre, travailler,
présenter, accueillir et stocker.
Prix demandé: € 2.500.000 k.k.
Pavillon d’accueil au 6ème étage du château d’eau
Tel. +31 (0)118) 620062 • www.sinke.nl

The Online Dutch
Art & Antiques Fair
thedaaf.com
Par les membres de l’Association Royale
Néerlandaise des Arts et Antiquités, KVHOK
Édition 2022
• Avec plus de cinquante participants
• Images video
Exclusivement en ligne
Ouverture: jeudi 7 avril à 16.00 h. HEC
Fermeture: dimanche 10 avril à 21.00 h. HEC
Supporté par

Serge Vandercam, Composition, ca. 1959, huile sur toile, 146 x 114 cm
Spécialisée
dans l’art belge
d’après-guerre
Callewaert Vanlangendonck Gallery
Nous avons le plaisir de
vous accueillir au stand C19
avec des œuvres de Serge
Vandercam et Jan Dries
Tour & Taxis
28 April – 1 May 2022
Callewaert Vanlangendonck Gallery
Sint-Jacobstraat 17, 2000 Anvers
gallery@callewaert-vanlangendonck.com
www.callewaert-vanlangendonck.com
Brecht Callewaert 0032475926724
Yoeri Vanlangendonck 0032476444611
Jan Dries, Pierres de méditation, 1962, sculpture en marbre, 8 x h 9 cm | 8 x h 18 cm

DU 21 AU 26 MARS
2 018
2 022
M AI
Palais Brongniart
Place de la Bourse, 75002 Paris
18 23
M AI
2 022
www.salondudessin.com
Nicolas Robert, Chouette effraie, collection M & Mme Pierre Rosenberg. © Photographie : Suzanne Nagy. Design : Olivier Andreotti (Toluca Studio)
Invité d’honneur : Musée du Grand Siècle
Et avec la participation exceptionnelle du musée des Arts décoratifs, Paris
Symposium international les 18 et 19 mai : De l’art des jardins de papier : concevoir, projeter, représenter

Sommaire
Fibules et broches
Inspirants ornements
EST. 1971 / avril 2022 - N°515
www.collectaaa.be
Giovanni Boldini
à Paris
62
70
Le monde
selon
Gagosian 46
SUIVEZ-NOUS ÉGALEMENT
SUR : @ARTMAGAZINECOLLECT
OURS
Administration,
Rédaction, Agenda
Begijnhoflaan 464 G
9000 Gand
Tél. : 09/216.20.20
Fax : 09/216.20.21
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Secteur Art : Joris van Glabbeek
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Tout autre secteur : MAC-Strat SRL /
Yves de Schaetzen
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1560 Hoeilaart
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Rédacteur en Chef
Christophe Dosogne
Rédaction
Els Bracke
Celine De Geest
Christophe Dosogne
Collaborateurs
Gilles Bechet
Laurent de Hemptinne
Thijs Demeulemeester
Gwenaëlle de Spa
Gwennaëlle Gribaumont
Elien Haentjens
Johan Frederik Hel Guedj
Diane Hennebert
Anne Hustache
Christine Vuegen
Traduction
Dynamics Translations
Didier Vanhede
Mise en pages
Renaldo Candreva
Freek Lukas
Impression
Graphius, Gand
Distribution
Librairies
AMP
La Poste
Abonnements
Pays d’Abonnements
Ambachtenlaan 21 - Unit 2A -
3001 Heverlee - Tél. 02/808.55.23
serviceclient@paysdabonnements.be
Belgique 49,5 €, Europe 70 €
Les abonnements sont à reconduction
automatique, sauf avis contraire
envoyé au minimum deux mois avant
la date d’échéance. Un abonnement
offert en cadeau se termine automatiquement
au bout d’un an. Pour un
changement d’adresse, une résiliation,
un numéro manquant, ou toute
autre question, surfez sur :
www.paysdabo.be
En couverture
Sandro Miller, Nina, Dakar, 2019, édition de 15,
tirage pigmentaire signé, numéroté, titré et daté
au crayon, 51 x 38 cm. © de l’artiste / Courtesy
Gallery Fifty One / Art Brussels
Membre de l’Union des Editeurs
de la Presse Périodique
www.wemedia.be
Editeur responsable :
Patrick Snoeck, Begijnhoflaan 464G - 9000 Gand
Pour les auteurs d’art visuel et les photographes :
© CISAC / SABAM Belgium 2022
Portrait : © Silvie Bonne
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à l’annonceur. © Arts Antiques Auctions, Gand

Édito
Marché de l’Art et Effet Veblen
Alors que le monde se focalisait non sans
angoisse sur la guerre en Ukraine, pays
dont le patrimoine commence déjà à payer
un lourd tribut sous le coup des bombardements,
à l’heure de rédiger ces lignes, les
sanctions économiques à l’égard de la Russie
allaient bon train. Dernières en date, la
décision conjointe de Christie’s, Sotheby’s
et Bonhams d’annuler leurs ventes d’art
russe, prévues traditionnellement à Londres
en juin, et de geler également toutes
relations commerciales avec leurs clients
russes. De son côté, Phillips, troisième
auctioneer mondial, dont le capital est détenu
par le groupe de luxe russe Mercury,
décidait de faire un don de 7,7 millions de
dollars, le total de sa commission générée
lors de la vente du soir du 3 mars en art du
XXe siècle et contemporain, à la Croix-
Rouge ukrainienne. Alors, déconnecté de
la réalité, le marché international de l’art ?
Pas si sûr, même si les résultats faramineux
engendrés en 2021, malgré la pandémie,
ont pu le laisser croire. Ainsi, selon le rapport
annuel d’Artprice, loin d’être affaibli
par les circonstances qui ont freiné les foires,
fermé les galeries, empêché les voyages
et barricadé les salles de ventes, le marché
de l’art a au contraire été dopé après le
hiatus de 2020, faisant preuve d’une résilience
étonnante en trouvant de nouveaux
relais de croissance. Le montant totaldes
ventes aux enchères d’œuvres d’art, s’est
établi à 17,08 milliards de dollars, un record
absolu qui signe un bond spectaculaire de
60% par rapport à 2020, année vraiment
sinistrée, mais aussi de 28% en regard
de 2019, qui avait plutôt été un bon cru.
Atteignant 663 887, le nombre de lots vendus
n’a jamais été aussi élevé, en progression
de 18% sur 2019 (et de 29% sur 2020).
Dans le même temps, le taux d’invendus
n’a jamais été aussi bas, à 31% (contre 34%
en 2020 et 38% en 2019). Comme il se doit,
l’art contemporain a poursuivi sa marche
triomphale, représentant désormais 20%
des lots, soit 7 fois plus qu’en l’an 2000... Le
secret de cette réussite : un basculement
réussi vers les ventesen ligne, près de 90%
des 6300 maisons de ventes recensées
dans le monde étant maintenant équipées
pour les mener à bien. Si la Chine poursuit
sa montée en puissance, dépassant une
fois encore les Etats-Unis, la France est
désormais deuxième en nombre d’œuvres
vendues, tandis que l’air de rien la Belgique
se range à la seizième place en termes
de produit des ventes (+/- 100 millions de
dollars). Evidemment, Sotheby’s et Christie’s
se taillent toujours la part du lion en
générant respectivement 4,4 et 4 milliards
de dollars. Que faut-il penser de ces chiffres
édifiants ? On l’oublie trop souvent,
lorsqu’une spirale ascendante s’installe,
elle a tendance à s’autoalimenter, notamment
sous l’Effet Veblen, mis en évidence
dès 1899 par l’économiste et sociologue
américain Thorstein Veblen (1857-1929).
Cet ‘‘effet de snobisme’’ se matérialise par
le fait que les individus ont tendance à plus
désirer et donc à acquérir d’autant les biens
dont le prix élevé fait toute la valeur et dont
la possession traduit un statut social…
Or, si les prix des œuvres d’art ont très légèrement
baissé sur l’année 2021 (–1%), ceux
de l’art contemporain ont augmenté de
3% ! Les grandes fortunes actives dans ce
segment, qui inclut notamment celui des
NFTs, ont donc considérablement soutenu
le marché en 2021. Leur poids permettrat-il
de contrecarrer les éventuels effets
délétères d’un conflit de longue durée en
Ukraine ? C’est tout l’enjeu des prochains
mois, en espérant que…
Christophe Dosogne
RUBRIQUES
8 Up to date
12 Personalia
14 Musées
18 Galeries
22 Le grand retour d’Art Brussels
30 L’artiste du mois : Willie Morlon
32 Zoom : Judith Joy Ross
DOSSIERS
34 Marketing et Galeries d’art :
une stratégie à la loupe
38 Doublé Els Dietvorst
40 Francis Alÿs, la valeur d’une oeuvre
généreuse
46 Le monde selon Gagosian
50 Barbara Kruger, l’art des mots
52 Le marché des antiquités romaines
58 Autour de Mondrian
62 Giovanni Boldini à Paris
66 Photographie, quelle durée de vie ?
70 Au fil du temps, de la fibule à la broche
74 Collection Joost Caen :
le vitrail en question
92 La cote de Christian Dotremont
96 Bruno Claessens et Jacques Billen,
à propos des armes africaines
100 N. Vrouyr, une vente au musée
du Quai Branly
VENTES
78 Focus International
82 La surprise du mois : un brûleparfum
Qing chez Coronari
83 Ventes en Belgique
AGENDAS
102 Auction calendar
104 Fair calendar
105 Expo calendar
105 Gallery calendar
108 Bonnes adresses & Sites web
109 Petites annonces
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UP TO DATE
Signa temporum, ars temporis…
->
Vue de l’hôtel Lambert sur l’Île Saint-Louis, à Paris. © D. R.
->
Giovanni Ambrogio Miseroni (att.), Camée de Vénus et l’Amour sur sa coupe en
forme de coquille, XVIe siècle, agate des Grisons, monture en argent doré.
© Musée du Louvre, dist. RMN-GP / photo : Hervé Lewandowski
Bonhams faisait l’acquisition, mi-mars, de
la salle de vente de Boston, Skinner.
Fondée en 1962, l’enseigne qui organise
80 ventes par an sera désormais connue
sous le nom de Bonhams Skinner. www.
bonhams.com Koelnmesse a annoncé
l’intégration du salon Cologne Fine Art &
Design à la foire Art Cologne. Ce qui
signifie la fin de cette foire traditionnelle
axée sur l’art, les antiquités, les arts
appliqués et le design, une issue inévitable
au vu de la dynamique changeante
du marché de l’art. Elle sera réincarnée en
une nouvelle section ‘‘Art + Objet’’ au sein
d’Art Cologne, dont la prochaine édition
se tiendra en novembre. www.artcologne.
com Dans le cadre de la foire Art
Brussels (organisée sur le site de Tour &
Taxis du 28-04 au 01-05, lire par ailleurs),
la Fédération Wallonie-Bruxelles présentera,
sous un commissariat de Maud
Salembier, l’installation My, Our, Yours. de
l’artiste français Valérian Goalec (1986).
www.valeriangoalec.com Le concours
ArtContest lance sa 18e édition qui
s’adresse aux jeunes artistes belges ou
résidant en Belgique, âgés de 35ans
maximum. Dépôt des candidatures le
20-06 à minuit. www.artcontest.be La
Centrale for Contemporary Art lance, elle
aussi, un appel à projets pour l’occupation
de sa Vitrine, nouvel espace dédié à la
création bruxelloise. Celui-ci s’adresse à
des artistes émergent(e)s domicilié(e)s à
Bruxelles, sans limite d’âge, y compris
collectifs ou duos artistes-commissaires.
Clôture des candidatures pour l’année
2023 : le 02-05 à 23h59. www.centrale.
brussels Début février, le commissaire
d’exposition, critique d’art et théoricien
français Nicolas Bourriaud créait Radicants,
modèle coopératif organique et nomade,
en phase avec l’évolution du monde de
l’art. Conçu pour organiser des expositions
inédites, imaginées par des commissaires
indépendants au niveau international,
cette coopérative intervient sur la production
d’expositions, le conseil en ingénierie
culturelle, l’édition et la vente d’œuvres. En
mai, elle ouvrira un espace de 250 m² à
Paris (18 rue de Comines), à la fois lieu de
travail, de rencontres et d’exposition.
A Bruxelles, les galeries Baronian et
Xippas, qui avaient noué un partenariat il y a
3 ans, ont annoncé avoir mis fin à leur
relation formelle sans exclure des collaborations
futures. La Galerie Baronian (Bruxelles
/Knokke) fêtera cette année son 50e
anniversaire en participant notamment à Art
Brussels et à la BRAFA. www.baroniau.eu
La Galerie Laurentin (Bruxelles / Paris) a
annoncé la représentation exclusive de
l’Estate Antoine Mortier, figure majeure de
l’art moderne belge et surnommé ‘‘le
peintre de l’absolu’’. www.galerie-laurentin.com
Daniel Templon, qui a ouvert
des galeries à Paris, à Bruxelles et même à
Milan (de 1971 à 1976) mais n’avait jamais
tenté de traverser l’Atlantique, va ouvrir un
espace d’exposition à New York. A la tête de
cette antenne de 600 m² de plain-pied au
293 Tenth Avenue, entre les 26e et 27e Rues,
tout près de la High Line, Mathieu Templon
(1986). Ouverture en septembre avec une
exposition consacrée à Omar Ba. www.
templon.com La Fondation Kanal
dévoilait, le 10 mars, les premières œuvres
de sa collection (38 œuvres de 27 artistes
originaires de 12 pays). Sélectionnées par un
comité d’acquisition, elles devraient poser
les bases des futures collections de Kanal
Centre Pompidou. www.kanal.brussels
Les prochaines nocturnes des musées
bruxellois sont prévues du 21-04 au 09-06.
Chaque jeudi soir, entre 5 et 10 institutions
bruxelloises prolongeront ainsi l’ouverture
de leurs portes. www.nocturnes.brussels.
8

UP TO DATE
->
Une oeuvre de Younes Baba-Ali, désormais dans les collections de la Fondation Kanal. © photo :
Veerle Vercauteren
L’Arabie Saoudite annonce la première
participation de son histoire à la Biennale
de Venise. Elle sera représentée par l’artiste
multidisciplinaire Muhannad Shono (1977).
www.labiennale.org Le Fonds du
Patrimoine de la Fondation Roi Baudouin a
récemment fait l’acquisition de 66 œuvres
originales de l’artiste belge Félicien Rops :
11 dessins, 8 gravures avec texte en marge,
43 gravures avec dessins en marge et 4
lettres. Cette acquisition exceptionnelle
permet d’enrichir la collection du musée
Félicien Rops, à Namur, où elles seront
accessibles au public. www.kbs-frb.be
De leurs côtés, les bibliothèques de la KU
Leuven et de la KBR se sont unies avec
Google pour mettre en ligne des milliers
de livres et documents historiques.
Quantité d’ouvrages, dont certains
remontent au XVe siècle, seront ainsi
libres d’accès dans les années à venir via
Google Books et les catalogues des
bibliothèques des institutions concernées.
Le milliardaire Xavier Niel, fondateur du
groupe télécoms Iliad (maison mère de
l’opérateur Free), a acquis l’hôtel Lambert
sur l’Île Saint-Louis à Paris. Cet hôtel
particulier, installé en bordure du pont
Sully, fut bâti au XVIIe siècle (1640-1644)
par l’architecte Louis Le Vau, qui avait
notamment dessiné les plans du château
de Vaux-le-Vicomte ou encore ceux des
Grands Appartements du Roi et de la Reine
et de la façade de pierre blanche côté
jardin, à Versailles. Sa décoration a été
assurée par le peintre Charles Le Brun
(1619-1690) et son confrère Eustache Le
Sueur (1616-1655), parfois surnommé ‘‘le
Raphaël français’’. L’homme d’affaires
envisagerait d’y installer une fondation
culturelle. La 12e campagne de mécénat
participatif du Louvre, achevée le 25 février,
portait à nouveau ses fruits puisque le
million d’euros visé a été atteint, permettant
ainsi à l’institution de faire l’acquisition
d’une pièce convoitée depuis longtemps :
un camée intitulé Vénus et l’Amour attribué
à Giovanni Ambrogio Miseroni (1551-1616),
membre d’une prestigieuse dynastie de
graveurs milanais. Taillé en forme de
coquillage en agate des Grisons, l’objet,
passé entre les mains du cardinal Mazarin
et de Louis XIV, est le couvercle d’une
coupe également réalisée par Miseroni et
entrée pour sa part dans les collections du
Louvre en 1968. Les deux parties avaient en
effet été séparées suite à leur saisie, en
1796, sous le Directoire.
Fab Rideti
L’espace bruxellois de la Galerie Frédérick Mouraux présente deux expositions solo de
la photographe plasticienne Fab Rideti. En une approche esthétisante, elle réalise une
œuvre engagée, imprégnée par les grandes questions contemporaines, scrutant autant
la fragilité humaine que les failles de nos sociétés. On y décèle la récurrence de thèmes
comme le jeu, la représentation et le spectacle. Un univers théâtral, fantasmé, souvent
teinté de dérision, campé en des images faussement parfaites qui surprennent quand
on ne s’y attend pas. S’adressant à l’enfant enfoui en chacun de nous, l’artiste met en
scène ses photographies en créant des personnages imaginaires qu’elle costume à sa
façon, comme en une pièce de théâtre racontée comme pour faire rêver et réfléchir.
Autant d’histoires sans paroles, de récits suspendus, présentés ici en deux séries distinctes,
à travers lesquelles est dépeinte la condition humaine.
Frédérick Mouraux Gallery
Bruxelles
www.frederickmoureauxgallery.com
jusq. 30-04
->
Fab Ribeti, image de la série Naphta Tribes,
2020, éd. 8, tirage pigmentaire sur papier
baryté Hahnemhüle PhotoRag, monté sur
aluminium. © de l’artiste
9

UP TO DATE
Nathalie Campion
Artiste plasticienne, diplômée entre autre en agriculture urbaine, Nathalie
Campion est venue relativement tard à la céramique. Visant à exprimer la puissance
et la fragilité du monde naturel, sa démarche se nourrit du végétal. Dans
ces créations, le corps se révèle discrètement. Transfigurées en des sculptures
triturées, voire brutalisées, ces sources d’inspiration y font souche et se voient
sublimées par l’emploi d’un engobe, un temps sombre, désormais laiteux et
presque lumineux, qui en caractérise la surface. Colère, angoisse, souffrances
de la Terre génitrice et des arbres qui la protègent s’illustrent ici en un vertige
plastique exprimant l’inéluctable avec force et mélancolie. Un travail incisif, à la
grande force poétique, doublement exposé.
->
Nathalie Campion, Corpus 12, 2021, céramique
vernissée, 66 x 10 x 41 cm. © de l’artiste / photo :
Anthony Girardi
OV Project
Atelier Jespers @ The Solo Project
Rue Van Eyck 57
Circularium -Rue de Liverpool
Bruxelles
Bruxelles
www.ovproject.com
www.atelierjespers.com
jusq. 16-04 du 28-04 au 01-05
Perspectives minimales
En près de quarante œuvres majeures,
le Delta invite à découvrir les tendances
minimales de l’art contemporain et de
l’abstraction géométrique belges qui, dès
les années 1920, ont jeté les premiers jalons
de l’une des sensibilités artistiques majeures
de notre pays. L’exposition souhaite d’abord
montrer comment l’héritage de la peinture
géométrique abstraite de la première moitié
du XXe siècle, notamment le travail de Jo
Delahaut, Josef Peeters, Victor Servranckx,
Jules Schmalzigaug ou encore Georges
Vantongerloo, a permis de cultiver très tôt
en Belgique une sensibilité pour l’économie
plastique et les formes épurées. Ensuite, la
tendance minimale, née dans les années 1960
aux Etats-Unis et toujours vivace aujourd’hui,
n’étant pas toujours connue et comprise du
grand public, en collaboration avec la Galerie
Ronny Van de Velde, incontournable dans le
paysage artistique belge, le centre culturel
namurois propose de découvrir ou redécouvrir
les œuvres d’inspiration minimaliste
de nombreux artistes belges. Parmi ceux-ci,
Ann-Veronica Janssens, Jan De Cock, Lili Dujourie,
Guy Mees, Dan Van Severen, Marthe
Wéry et beaucoup d’autres. (Le Delta, Namur,
www.ledelta.be, jusq. 17-04)
->
Vue de l’exposition Perspectives minimales
en Belgique, présentée au Delta de Namur.
© Delta / D. R.
Cent regards sur le monde de l’art
->
Frédéric de Sernaclens. © D. R.
Lire : Frédéric de Sernaclens, Cent regards
sur le monde de l’art. Aphorismes. Récits.
Réflexions, éditions l’Art-Dit, Arles, 2021,
ISBN 978-2-91922-122-6
Marchand d’art et consultant, le Suisse Frédéric de Sernaclens a dirigé des galeries d’art
moderne et contemporain à Genève et Singapour, y représentant des artistes tels que
Bernar Venet, Fabienne Verdier, Armen Agop ou Pablo Reinoso. Créateur d’ArtMarketGuru,
il s’intéresse particulièrement à l’impact des nouvelles technologies comme la blockchain
et l’intelligence artificielle sur le marché de l’art. Dans Cent regards sur le marché de l’art, il
nous raconte sous la forme de capsules littéraires des moments forts du métier de galeriste,
partage ses expériences et divulgue quelques ‘‘secrets’’, pratiques ou us et coutumes d’un
univers encore méconnu du grand public. Au fil des pages, l’auteur opère l’autopsie du seul
secteur qui demeure aujourd’hui sans règles strictes, sans contrôles. Un Far West où l’audace
s’allie à l’imagination pour faire rêver ou fructifier ses intérêts. Mélange de constats,
d’anecdotes et de recherches, une plongée réaliste dans le monde et le marché de l’art.
10

UP TO DATE
Quelques foires d’avril
->
Paul César Helleu, L’actrice Marguerite
Labady, ca. 1900, pointe sèche, 57,2 x 34,3
cm. © Inter-Antiquariaat Mefferdt & De
Jonge / DAAF
->
Un klinkglas ou drinkuyt, argent et verre ‘‘à la façon de Venise’’, Anvers, ca. 1580. H. 20,8 cm.
© John Endlich / DAAF
En 2021, en pleine pandémie, naissait une
belle initiative : un groupe d’antiquaires
néerlandais affiliés à la KVHOK (Koninklijke
Vereeniging van Handelaren in Oude
Kunst) s’unissaient pour fonder la DAAF,
une foire d’art en ligne. Cette formule qui
s’avérait fructueuse, se répète : une
cinquantaine d’antiquaires y participent,
dont Inter-Antiquariaat Mefferdt & De
Jonge, VKD Jewels, Vanderven Oriental
Art, Antiquariaat Forum & Asher Rare
Books Frides Laméris Glass & Antiques,
Tiny Esveld, Inez Stodel, Kunsthandel
Pygmalion, John Endlich et WonderWood.
www.thedaaf.com Le PAD Paris,
rendez-vous incontournable des collectionneurs
de design, revient pour une 24e
édition, du 5 au 10 avril, au Jardin des
Tuileries. L’événement réunit quelquesunes
des meilleures galeries internationales
et françaises en design historique et
contemporain pour un voyage dans le
passé et le présent des arts décoratifs.
Venus de Belgique : Spazio Nobile,
Maniera, Modern Shapes et Philippe
Heim. La scénographie du PAD Studio,
situé à l’entrée du hall de la foire, a été
conçue par le duo OITOEMPONTO
(Jacques Bec et Artur Miranda). www.
padesignart.com Alors que leur
institution est fermée pour rénovation
jusqu’en 2024, l’équipe du Design
Museum de Gand a mis sur pied une
nouvelle initiative. Fin avril (du 22-04 au
01-05) se déroulera la première édition du
Design Fest Gent, festival biennal de dix
jours qui offrira un espace aux designers
pour présenter des idées novatrices. En
mettant l’accent sur la durabilité, Design
Fest souhaite inspirer, mais aussi interpeller
et encourager le dialogue. Des œuvres du
collectif BRUT et de Bram Van Breda, entre
autres, seront exposées en divers endroits
et dans des espaces publics. www.
designfestgent.be The Solo Project,
foire alternative plus petite qui a déjà
connu neuf éditions réussies à Bâle, se
tient à Bruxelles le même week-end qu’Art
Brussels. Ce projet consiste en une
plateforme qui permet aux artistes
d’exposer leurs œuvres de manière plus
approfondie et de donner à chacune
d’entre elles un espace de liberté. De nombreuses
galeries néerlandaises y seront,
->
Alberto Giacometti, lampe Etoile, ca.1935.
© Jacques Lacoste / PAD Paris
qui souhaitent toucher le public bruxellois.
Willem Baars Projects et Galerie Franzis
(Amsterdam) par exemple, et Contour
Gallery (Rotterdam). Mais la Galerie Atiss
de Dakar est également présente, ainsi que
la Bab Iddeir Art Gallery de Bethléem.
www.the-solo-project.com
11

Têtes de l’Art
Antonio Segui
Dan Graham
In memoriam : L’artiste conceptuel
américain Dan Graham (1942) décédait
le 19 février. Contemporain de
Donald Judd, Sol LeWitt, Dan Flavin,
Carl Andre et Richard Serra, il
fut longtemps considéré comme pionnier
du développement du minimalisme,
du post-minimalisme et
du conceptualisme, ainsi que de la
vidéo en tant que médium artistique.
Il était connu, notamment en
Belgique, pour ses pavillons extérieurs
transparents, dans lesquels
s’applique un jeu de voir et d’être
vu. Aux côtés de ses vidéos, photographies
et performances, ils constituent
l’essence de sa démarche en
tant que réflexion sur l’architecture
et la surveillance, mais également
comme moyen de s’évader du musée
en intégrant le dehors.
© photo : Ken Adlard
Mona Saudi
In memoriam : La sculptrice jordanienne
Mona Saudi décédait le 16
février, à l’âge de 76 ans. Née en 1945
à Amman, l’artiste avait fui son pays
natal à 17 ans et s’était installée un
temps à Beyrouth, où elle est décédée.
Elle avait étudié à Paris à l’École
nationale supérieure des Beaux-Arts
dont elle était sortie diplômée en
1973. Réalisant sa toute première
sculpture, Mother/Earth, en 1965, elle
exposa ses œuvres abstraites en
pierre dans le monde entier. Cellesci
font partie d’institutions comme
la Sharjah Art Foundation, le British
Museum de Londres ou encore le
National Museum of Women in the
Arts de Washington DC.
© D. R.
Carmen Herrera
In memoriam : Peintre, dessinateur
et graveur, partageant sa vie entre la
France et l’Argentine, Antoni Segui
décédait le 26 février, à l’âge de 88
ans. Créateur des mythiques petits
hommes à chapeau qui peuplaient
son œuvre satirique, il était l’auteur
d’une œuvre figurative prolifique de
peintures, d’estampes, de lithographies
et de gravures illustrant une vision
ironique de la société, imprégnée
de nostalgie et de poésie.
© photo : Eduardo Grossman
In memoriam : Elle faisait partie de
cette cohorte d’artistes du XXe siècle
que le genre avait privées des
cimaises des musées comme des
faveurs des collectionneurs, bien
qu’elles fussent restées actives pendant
de longues décennies. Née à La
Havane en 1915, la peintre Carmen
Herrera décédait le 12 février à New
York. Elle n’avait connu la célébrité
qu’en 2004 grâce à une exposition
d’art minimal organisée par Frederico
Sève en la Latin Collector Gallery
de New York. Douze ans plus
tard, le Whitney Museum lui consacrait
sa première rétrospective, et
en 2019 l’un de ses quadriptyques
était proposé à 2,5 millions de dollars
à Art Basel Miami Beach par la
Lisson Gallery…
© Courtesy Lisson Gallery / photo :
Jason Schmidt
Yves Bical
In memoriam : Poète, comédien, galeriste
et éditeur, fondateur avec Cristine
Debras de la Galerie La Main à
Bruxelles, en 1975, devenue ensuite
la Galerie Debras-Bical, et ensuite les
éditions Artgo, en 2007, Yves Bical
décédait à Manosque le 1er mars. Né
en France en 1942, il y poursuivait
depuis 2006 des activités littéraires et
artistiques, notamment la rédaction
de recueils poétiques et d’ouvrages
consacrés à des plasticiens.
© D. R.
12

Katharina Fritsch
Maximilien Durand
Nomination : Laurence des Cars
l’avait annoncé à sa prise de fonction,
le département des Arts de Byzance
et des Chrétientés d’Orient qui
devrait s’ouvrir en 2025 dans l’aile Denon
du musée du Louvre s’est doté
d’un directeur de préfiguration en
la personne de Maximilien Durand.
Né en 1976, diplômé de l’École du
Louvre, il possède un DEA sur les
textes hagiographiques du département
des Antiquités égyptiennes et
a contribué à l’étude du fonds de textiles
byzantins et coptes de la Fondation
Lloyd Cotsen à Los Angeles.
Il a pris ses fonctions le 14 mars.
© Musée du Louvre / photo : Guillaume
Thomas
Récompenses : Cette année, afin de
combler l’interruption concomitante
à la pandémie, la Biennale de Venise
a sélectionné deux artistes comme
récipiendaires du Lion d’or couronnant
l’ensemble de leur carrière. Il
Sandrine
Vézilier-Dussart
s’agit de l’artiste allemande Katharina
Fritsch et de l’artiste chilienne
Cecilia Vicuña.
© D. R.
Olivier Grasser
Nomination : Professionnel de la création
contemporaine et de la gestion
culturelle, Olivier Grasser était désigné
début février pour assurer la
direction artistique et administrative
de l’espace photographique Contretype,
à Bruxelles. Son projet, ouvert
sur la jeune création, s’inscrit dans
la philosophie du lieu d’interroger
le statut des images dans leur rapport
avec les mutations culturelles
et sociales de nos sociétés.
© Facebook
Mercato : Après 21 ans passés au
musée de Flandre à Cassel (Nord),
d’abord en tant que conservatrice
puis comme directrice à partir de
2007, Sandrine Vézilier-Dussart quittera
ses fonctions en mai prochain
pour rejoindre la DRAC Provence-
Alpes-Côte d’Azur, où elle officiera
en tant que conseillère musées. Diplômée
en histoire, sa découverte
de Rubens durant un travail d’été
dans un musée l’oriente vers l’art flamand,
et plus particulièrement les
peintres du premier tiers du XVIe
siècle, qu’elle a cherché à mettre en
lumière dès sa prise de poste, permettant
d’estampiller l’identité du
musée de Flandre et de l’inscrire sur
la carte de l’art.
© photo : Emmanuel Watteau
Laura Hanssens
Nomination : Suite au décès de son
fondateur Anton Herbert, le conseil
d’administration de la Fondation
Herbert désignait Laura Hanssens
comme nouvelle directrice. Elle
avait rejoint cette structure privée
à la veille de son ouverture au public,
en 2012. Elle sera responsable
du devenir de la Fondation, conformément
à son identité et à sa vision.
Dans les années qui viennent, son
fonctionnement devrait être axé sur
une plus grande ouverture de la collection
et de ses archives.
© photo : Yuri van der Hoeven
13

MUSÉES
Charlotte
Perriand
du 01-04 au 28-08
Design Museum
Bruxelles
www.design
museum.brussels
Picasso et
les avant-gardes arabes
du 02-04 au 10-07
Institut du Monde
Arabe
Tourcoing
www.imarabe.org
Charlotte Perriand est avant tout connue
pour son œuvre de designer et pour
ses collaborations avec Le Corbusier et
Fernand Léger. Cette exposition, présentée
lors des dernières Rencontres d’Arles,
révèle une facette méconnue de l’artiste
qui a créé un ‘‘art d’habiter’’ en lien avec
la nature. Perriand a utilisé la photographie
comme outil d’observation du réel et
aussi pour défendre sa conception d’un
monde nouveau et le photomontage lui
a servi à dénoncer l’urbanisme insalubre.
L’exposition propose une plongée dans sa
conception du monde, à travers sa méthode
de travail et son incroyable collection de
photographies, tirages d’époque, négatifs,
magazines découpés ou photographies
personnelles. Des archives mises en regard
de la reconstitution de ses photomontages
monumentaux. (ah)
Charlotte Perriand, Sans titre. ca. 1930, Wide World
Press, The New York Times. Courtesy Archives
Charlotte Perriand (ACHP)
Picasso a peu voyagé et ne s’est jamais rendu dans le monde arabe. Pourtant, à partir des
années 1940 et jusqu’à sa mort, il a noué des liens avec des artistes arabes pour lesquels
son œuvre d’avant-garde agissait comme un catalyseur. Cette exposition s’est donc
donnée pour mission de présenter cette relation à travers un face-à-face des peintures,
œuvres graphiques et céramiques de Picasso avec des œuvres d’artistes arabes issues de
collections privées du Moyen-Orient. On découvre l’impact qu’a pu avoir Guernica sur les
surréalistes égyptiens, reproduite dans leur manifeste. Picasso a représenté pour les avantgardes
arabes la promesse d’un art universel, sans hiérarchie géographique ou stylistique.
(ah)
Dia Al Azzawi, Elle est venue vers la tendresse, 1970, huile sur toile. © Courtesy The Ramzi & Saeda Dalloul Art
Foundation
Van Gogh, Cézanne,
Le Fauconnier
du 29-04 au 03-09
Stedelijk Museum
Alkmaar
www.stedelijkmuseumalkmaar.nl
Le Stedelijk Museum Alkmaar organise une exposition présentant une sélection
d’œuvres originales de trois des plus célèbres artistes du XXe siècle : Vincent van Gogh
(1853-1890), Paul Cézanne (1839-1906) et Henri Le Fauconnier (1881-1946). Ceux-ci
eurent une grande influence sur la genèse de l’école de Bergen et furent vus et étudiés
par la ‘‘jeune garde’’ lors de la première décennie du XXe siècle. L’institution associe
les œuvres des trois grands maîtres à celles des artistes de l’école de Bergen, depuis
ses débuts : Leo Gestel, Gerrit Willem van Blaaderen, Else Berg, Mommie Schwarz,
Dirk Filarski et les frères Wiegman. (eb)
Gerrit Willem van Blaaderen, La Seine près de Samois,
1908, huile sur toile, 100 x 120 cm. Collection privée.
14

MUSÉES
La Chine au féminin
du 02-04 au 23-10
Musée royal de Mariemont
Morlanwelz
www.musee-mariemont.be
Frans
Masereel
du 02-04 au 05-06 (MSK)
du 02-04 au 28-08 (Amsab-ISG)
MSK
Gand
www.mskgent.be
-
Amsab-ISG
Gand
Quel regard portent les Occidentaux sur la femme chinoise du XXe siècle ? Et quel
regard les Chinois ont-ils porté sur la femme au fil de ce siècle de tous les changements
? Cette exposition offre des pistes de réponses en proposant un portrait
renouvelé de la femme moderne. Impératrice, révolutionnaire, espionne, mais
aussi anonyme, mère, travailleuse, … Chacune illustre un pan des forces culturelles,
politiques et sociétales qui conditionnent leurs vies. Dans un parcours qui va de
la sphère privée à l’espace public, l’exposition présente une septantaine d’objets
authentiques (robes, bijoux, marionnettes, …), de photographies, de témoignages
et de créations contemporaines. (ah)
Wenjing Zhou, Elle, 2017, vidéo. © de l’artiste
Cette double exposition, concoctée par le MSK
et l’Institut d’Histoire sociale Amsab-ISG, rend
hommage au graveur exceptionnel qu’était
Frans Masereel, décédé il y a 50 ans, le 3 janvier
1972. Puisant dans les collections des deux institutions,
elle propose, au MSK, une vaste sélection
de gravures couvrant l’ensemble de sa
carrière. Une manière de redécouvrir l’évolution
du langage graphique extrêmement personnel
de Masereel qui lui valut, dès les premières années,
une reconnaissance internationale. Voici
l’occasion de comprendre l’engagement social
de son travail pacifiste et la valeur prémonitoire
de celui-ci. L’Amsab-ISG met en avant l’amitié
entre Masereel, l’auteur autrichien Stefan
Zweig et le traducteur français Léon Bazalgette.
(ah)
Frans Masereel, Houtsnede nr. 50 Mon Livre d’Heures,
1919. MSK, Gand.
Bestiaires fantastiques
de la Bande Dessinée
du 09-04 au 06-11
Musée des Beaux-Arts
Calais
www.mba.calais.fr
Lorenzo Palloni et Vittoria Macioci,
Gravity level, 2/2 Désolation. © Editions
Sarbacane, 2020
Depuis 2019, la ville de Calais accueille un énorme Dragon, une plateforme panoramique dressée
sur une impressionnante sculpture mouvante qui propose une balade le long de la digue. La
drôle de créature et l’engouement qu’elle suscite ont encouragé les conservateurs à explorer le
domaine du bestiaire fantastique, celui-ci étant particulièrement présent dans la bande dessinée.
Cette exposition réunit ainsi des œuvres des musées des Hauts de France et des planches de BD.
Car les dragons sont bien présents en art, comme le prouve la thématique prolifique de Saint
Georges terrassant le dragon. A tout dragon correspond le héros qui parviendra à le dominer.
Et les créatures fantastiques peuplent à suffisance les récits mythologiques et les légendes du
Moyen Âge. Face à ces traditions, la BD n’est pas en reste d’imaginaire… (ah)
15

MUSÉES
Aristide Maillol,
en rétrospective
du 12-04 au 21-08
Musée d’Orsay
Paris
www.musee-orsay.fr
Rétrospective
Simon Hantaï
du 27-04 au 29-08
Fondation
Louis Vuitton
Paris
www.fondation
louisvuitton.fr
Depuis l’exposition de
1961 au musée d’Art moderne,
Aristide Maillol n’a
plus bénéficié de présentation
monographique
dans un musée parisien.
Le musée d’Orsay relève
le gant en organisant
cette vaste rétrospective
dont le parcours est
parsemé de découvertes.
La première de celles-ci
concerne les débuts de la
carrière de l’artiste qui ne
se destinait pas d’abord
à la sculpture mais plutôt
à la peinture et aux arts
décoratifs. Il y viendra
vers 1895, suite à diverses
rencontres. L’évolution
du sculpteur est retracée
grâce à une confrontation
entre une version de la
Méditerranée de 1905 et
une de 1923, cette dernière
montrant combien
Maillol est alors devenu un acteur majeur du ‘‘retour à l’ordre’’. Caractéristique de ces
années proscrivant toute recherche d’expression, il instaure un nouveau classicisme
et inscrit des corps féminins, à l’anatomie charpentée et sensuelle, dans des formes
géométriques simples. (ah)
Aristide Maillol, Méditerranée, 1923-1927, statue en marbre, 110,5 x 117,5 x 68,5 cm, poids 680 kg.
© Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / photo : Patrice Schmidt
Le centenaire d’une naissance offre l’occasion
d’une exposition. C’est le cas de cette rétrospective
qui annonce comme l’un des clous de
son accrochage la présentation inédite du fonds
d’atelier. Toutes les grandes périodes successives
de l’œuvre de Simon Hantaï sont ensuite
évoquées, les peintures à signes, les monochromes,
les Mariales, les Catamurons, … Des
œuvres de Matisse et de Pollock sont présentes
afin de témoigner de leur influence sur l’artiste
français d’origine hongroise. Enfin, les relations
d’amitié nouées au début des années 1960 avec
les jeunes artistes Michel Parmentier et Daniel
Buren sont évoquées dans l’exposition par des
confrontations. Une intervention inédite de
Daniel Buren, conçue comme un hommage
à l’artiste, est également présentée dans le
parcours. (ah)
Simon Hantaï, Tabula, Meun, 1975, acrylique sur toile, 291
x 584,5 cm. Fondation Louis Vuitton, Paris. © Archives
Simon Hantaï / Adagp, Paris / photo : Primae / Louis
Bourjac
Plastic:
Remaking Our World
jusq. 04-09
Vitra Design Museum
Weil-am-Rhein
www.design-museum.de
Studio Formafantasma, Botanica, commande
de la Plart Foundation, 2011. © photo : Luisa
Zanzani
Le propos de cette exposition ne laissera personne indifférent. Elle retrace l’histoire du plastique
et pose les questions de la dévastation qu’il opère sur l’environnement, tout en abordant
les solutions pour le gérer à l’avenir. Considéré comme une matière géniale au fil du XXe
siècle, il a envahi tous les secteurs du design, de l’outil ménager à l’automobile en passant
par la construction, et autorisait une consommation effrénée et rapide parce qu’à bas prix. Le
plastique alimenta aussi une société inédite du ‘‘jeter vite’’, une société du déchet. Ses icônes,
de Tupperware à Barbie, restent des artefacts incontournables du XXe siècle. Il n’est donc pas
banal et mérite toute notre attention. On pourra apprécier les parties de l’exposition apportant
les solutions concrètes de designers, architectes, artistes et autres acteurs de notre environnement.
Osons croire que le secteur économique et politique s’en inspirera. (ah)
16

MUSÉES
Louise
Bourgeois :
paintings
du 12-04 au 07-08
The Metropolitan
Museum of Art
New York
www.metmuseum.org
Anish Kapoor
du 20-04 au 09-10
Gallerie dell’Accademia
Venise
www.gallerieaccademia.it
La célébrité de Louise
Bourgeois est surtout
basée sur quelques œuvres
iconiques, comme
Mother, sa fameuse
araignée, ou encore
sa série impertinente
de Fillettes. On oublie
souvent que sa pratique
est bien plus étendue.
Le premier contact de
l’artiste française se fait
d’ailleurs par le dessin,
lorsque, jeune adolescente,
elle dessine les
morceaux manquants
des tapisseries que ses
parents restaurent. A
Paris, elle suit des cours
dans des ateliers privés
de peintres comme
André Lhote ou Fernand
Léger. Même si l’artiste
affirmera plus tard que
ce dernier lui a ouvert
l’esprit vers la sculpture, elle continuera à pratiquer la
peinture lorsqu’elle habitera New York de 1937 jusqu’à
sa mort en 2010. C’est précisément à cette première
partie de la carrière de l’artiste que cette exposition
est consacrée. A New York, Louise, jeune femme fraîchement
mariée, rencontre les surréalistes européens
ayant fui la guerre. (ah)
Louise Bourgeois, Femme-maison, 1946-1947, huile et encre
sur toile de lin, 91,5 x 35,5 cm. Collection particulière. © photo :
Rafael Lobato
Prévue l’an dernier mais reportée pour cause de pandémie, cette exposition
consacrée à Anish Kapoor (1945) coïncide judicieusement avec La Biennale de
Venise. Les moments clés de la carrière de l’artiste d’origine indienne, qui vit
depuis toujours en Angleterre, sont inclus dans le parcours. Cependant, lle
commissaire Tacco Dibbits, directeur général du Rijksmuseum Amsterdam, a
réuni des œuvres récentes, jamais montrées, fruits de l’utilisation du Vantablack.
Ce procédé novateur, composé de nanoparticules tubulaires de carbone,
compose un noir extrêmement intense. En 2016, Kapoor avait suscité la
controverse en s’arrogeant l’exclusivité des droits d’exploitation artistique de
ce produit. Lorsque l’on connaît le travail de l’artiste, toujours à la recherche de
l’immatérialité, on peut comprendre qu’il se soit emparé de ce medium dont
il dit qu’il est « si profondément noir que vos yeux ne peuvent presque pas le
voir, le plus noir de l’univers, après les trous noirs ». (ah)
Anish Kapoor, Descent Into Limbo, 1992, technique mixte et pigment. © de l’artiste / All rights
reserved DACS, 2021 / photo : Paola Martinez
Les Etrusques, une civilisation
méditerranéenne
du 15-04 au 23-10
Musée de la Romanité
Nîmes
www.museedelaromanite.fr
L’impérialisme des Romains, leurs conquêtes géographiques et leur longévité ont éclipsé
la civilisation étrusque. Pourtant, les Romains doivent beaucoup à ce peuple qui occupait
le centre de la péninsule italienne et qu’ils intégreront après avoir trouvé chez lui leurs
premiers rois. Ainsi, la divination, la maîtrise des chevaux et l’amour pour les courses hippiques,
la gestion de l’eau sont des inventions étrusques perfectionnées par les Romains.
Les Etrusques, entre Grèce et Orient, développèrent un art raffiné dont les vestiges,
essentiellement funéraires, se révèlent en peintures murales, sculptures et remarquables
pièces d’orfèvrerie. Cette exposition les met à l’honneur en réunissant des œuvres venues
du Museo etrusco Guarnacci de Volterra et du Musée archéologique de Florence. (ah)
Paire de boucles d’oreilles en ‘‘barillet’’,
Volterra, fin du VIe s. av. J.-C., or, 2 x 1,5
cm chacune. Florence, Musée national
d’archéologie. © Su concessione del Museo
Archeologico Nazionale di Firenze (Direzione
regionale Musei della Toscana)
17

GALERIES
Danielle Kwaaitaal
jusq. 30-04
Michèle Schoonjans Gallery
/ Rivoli
Bruxelles
www.msgallery.be
Rétrospective
Marthe Wéry
jusq. 07-05
La Patinoire Royale –
Galerie Valérie Bach
Bruxelles
www.prvbgallery.com
Le printemps débute au
Rivoli avec les photographies
de l’artiste
néerlandaise Danielle
Kwaaitaal (1964).
L’accrochage présente
trois séries, Florilegium,
Ultraviolet et Zephyr,
qui invitent le spectateur
à se plonger dans
le silence, à sentir la
délicatesse des fleurs
et à expérimenter le
spectre de couleurs des
vases. De 2017 à 2018,
elle s'est concentrée
exclusivement sur une
série de natures mortes
sous-marines. Dans ses
nouvelles séries sousmarines
(Ultraviolet en
2020 et Zephyr en 2021),
Danielle Kwaaitaal prend
une nouvelle orientation
artistique : les fleurs ont
laissé place aux vases de verre et aux bocaux de céramique. Elle se concentre
sur le choix des formes et des contours des objets, puis sur le choix des matériaux
transparents ou opaques. Créées avec un véritable regard de peintre,
ces œuvres distillent de subtils effets de clair-obscur, des jeux de transparence
et d’échos formels entre les volumes. Cette série l’éloigne considérablement
du medium photographique, puisqu’on trouve ici tous les ingrédients
de la grande peinture. (gg)
Danielle Kwaaitaal, Florilegium, 2018-2021, photographie, Ed. 1+1 EA, 80 x 55,5 cm. © de
l’artiste / Courtesy Michèle Schoonjans Gallery – Prix : entre 2.200 et 12.500 €
Considérée
unanimement
comme l’une
des grandes artistes
minimalistes
du XXe siècle,
Marthe Wéry
(1930-2005)
est parvenue à
imposer dès les
années 1970 une
stature internationale.
Sous le
commissariat de
Pierre-Olivier
Rollin, spécialiste
de son œuvre, cette exposition présente un large panorama
de sa créativité à travers tous ses ‘‘déplacements’’.
« Je préfère le terme de déplacement, expliquait-elle,
à celui d’évolution. Lorsque je parle de déplacements,
ceux-ci restent chargés de questions et de solutions
rencontrées antérieurement. Je ne passe pas d’un ensemble
de réalisations à un autre ensemble comme s’il
s’agissait de périodes successives et clôturées ». Marthe
Wéry a poursuivi sa carrière en multipliant ses expérimentations
sur les différentes composantes du tableau
(support, forme, cadre, couleur), dans de grandes séries
qui se plaisent à jouer avec les architectures qui les
accueillent. L’exposition se veut donc un cheminement
à travers l’œuvre de l’artiste. Elle accorde de l’attention
aux pièces plus anciennes, rarement montrées, comme
aux travaux plus récents, en exploitant les potentialités
architecturales du lieu. (gg)
Marthe Wéry, de la série Montreal D 16, 1987, acrylique bleu sur
toile, 4 x 81 x 30 cm. © Courtesy La Patinoire Royale - Galerie Valérie
Bach – Prix : entre 2.500 et 70.000 €
Première européenne
pour Cornelius Annor
du 02-04 au 02-05
Maruani Mercier
Knokke
www.maruanimercier.com
Cornelius Annor, Sir John, 2021, acrylique et
transfert textile sur toile, 150 x 119 cm. © de
l’artiste / Courtesy Maruani Mercier – Prix :
de 20.000 à 50.000 €
La Galerie Maruani Mercier accueille régulièrement des artistes noirs. Le peintre ghanéen Cornelius
Annor (1990) s’est installé en février dans The Warehouse, à Zaventem, y travaillant sur de
nouvelles toiles pour son exposition solo de Knokke, une première en Europe. L’avenir commence
à lui sourire : il bénéficiait d’un premier solo à New York l’an dernier et, au cours de l’automne, la
Kunsthalle de Krems en Autriche exposait certaines de ses œuvres dans le cadre de la présentation
Contemporary African Portraiture. Shariat Collections, collections privées des frères Amir et Shahrokh
Shariat, établis à Vienne. L’artiste insiste sur son histoire familiale et de rappeler des épisodes
oubliés du passé pré- et postcolonial. Il use de photos, parfois de peinture, collage et transferts
textiles, notamment de motifs d’étoffes ghanéennes, comme la veste de son oncle Sir John. L’art
africain contemporain peut être résolument énergique et rafraîchissant. (cv)
18

GALERIES
Jacques Bage
du 08-04 au 01-05
Marc Minjauw Gallery
Bruxelles
www.mmgallery.be
L’étonnante pratique
artistique de
Sara Bomans
jusq. 01-05
Galerie Pinsart
Bruges
www.pinsart.be
Champs de couleurs douces ou vives, la peinture du Liégeois
Jacques Bage (1942) invite au voyage. Ses contrastes
chromatiques, tantôt apaisants, tantôt saisissants, ouvrent
chacun de nouvelles perspectives imaginaires. Autant
d’aplats qui conduisent à des dialogues d’une grande
douceur, partagés entre deux surfaces qui se rencontrent.
Dans cet accrochage, l’artiste a évité ses effets de transparence
ou de texture, ne conservant que la couleur. Boris
Almayer : « Les tons chauds, les tons froids ? Pure fiction
socio-culturelle ! Et leur placement sensible dans l’espace
pictural aussi (on le sait aujourd’hui). Mais qu’on le veuille
ou non, cette ambiguïté génère, au fond, la vie même du
tableau dans les renouvellements de notre modeste perception.
(…) Répertoire labyrinthique des couleurs, l’art de
Jacques Bage nous invite à en inventer les nouveaux noms.
Les véritables coloristes, si rares, témoignent d’intentions
souvent poétiques puisque leurs œuvres, excitant chez
nous la mécanique faillible de nos yeux, ensemencent les
territoires méconnus de notre imaginaire. » (gg)
Il est grand temps de
découvrir l’art de Sara
Bomans (1982), peu
connue mais toujours
surprenante, dont sa
série I used to be sexy,
délicatement dessinée
à l’aide de cheveux
humains. Cette exposition
solo présente
de nouvelles séries et
d’autres œuvres, des
dessins récents avec
cheveux, de la sérigraphie.
En 2020, elle
a entamé busy being
born, où des poupées
de tissu rose, parfois
de plusieurs mètres
de long, tiennent à la
fois de Jérôme Bosch
et de la barbe à papa.
Elles sont malléables
et capables d’exprimer
des émotions. Des photos et une vidéo permettent de comprendre leur
fonctionnement et leur interaction. À noter aussi la présence d’une sculpture
textile masculine et flexible, nommée Honoré. Sa posture assise ne
révèle pas d’emblée que ce personnage bleu vif est un interminable pénis
attaché à un scrotum sur pattes. Drôle, tendre, intime, fragile, chaque
œuvre se penche sur la condition humaine. (cv)
Sara Bomans, Busy being born #7 – Honoré, 2022, coton et rembourrage, 80 x 60 cm.
© de l’artiste – Prix : de 1.000 à 3.000 €
Jacques Bage, MODON, 2022, acrylique sur toile, 100 x 100 cm.
© de l’artiste / Courtesy MM Gallery – Prix : entre 1.200 et 15.000 €
Une nouvelle exposition solo
pour Eva De Leener
jusq. 30-04
Otty Park
Anvers
www.ottypark.be
Eva De Leener (1978) est à nouveau sur les rails, son art étant désormais défendu par Otty
Park. Cette première exposition solo nous fait découvrir des tableaux récents, des dessins
et une série inédite d’objets picturaux en céramique qui trônent aux côtés d’armoiries et
de triptyques aux couleurs fraîches, jamais montrés à ce jour. Il s’agit d’armoires ou de
cours fermées, avec scène centrale et volets pouvant s’ouvrir et se fermer. D’emblée, Eva
De Leener a développé un langage visuel tout en couleurs, qui évoque souvent des rituels
énigmatiques. Avec des yeux, serpents et crânes, elle use de motifs universels anciens dont
la signification varie selon les cultures et les époques, les mêlant à des aspects autobiographiques
qui reflètent le monde contemporain. Conjurant le chaos et le mal, l’immense
tableau Protector interpelle avec ses couleurs puissantes, intenses. (cv)
Eva De Leener, Protector, 2021, huile sur toile, 180 x
150 cm. © de l’artiste / Courtesy Otty Park / photo :
Steven Decroos – Prix : de 1.450 à 8.000 €
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GALERIES
En quelques
mots...
jusq. 30-04
La Maison des Arts
Bruxelles
www.lamaisondesarts.be
Michel Bocart
du 21-04 au 13-05
Les Écuries
Waterloo
www.waterloo.be
Douze artistes interrogent
la puissance
des mots. Portée par
la plasticienne Lucile
Bertrand, pour la
première fois curatrice,
cette exposition
propose un dialogue
de pratiques
singulières, ancrées
dans une recherche
autour du texte et
des mots. Le parcours
confronte des
démarches variées,
de la force de frappe
des vidéos de D. Locus à la lumineuse obstruction des
lettres de S. McClure, des balbutiements de Ch. Maes aux
formes épurées de F. Kiniques, des éditions rigoureuses
d’On Kawara aux carnets réactualisés de B. Geraci, des
métamorphoses de G. Vandamme aux interpellants ‘‘caviardages’’
de P. Buraglio. Avec les mots pour matériau,
l’exposition confronte les recherches et les expérimentations
les plus variées : sculptures et installations, photos ou
vidéos, dessins, livres ou performances. S’ils ont chacun
leur pratique spécifique, les mots sont bien leur objet de
prédilection, leur matériau de recherche. Ils les interrogent,
les soupèsent et les manipulent. (gg)
Pierre Buraglio, 4 août, 1989, coll. Fonds national d Art contemporain,
dépôt Centre de la Gravure. © Adagp, Paris
Après avoir sondé les infinies possibilités créatrices du charbon, Michel Bocart
(1955) explore la glace, le blanc et le bleu. L’artiste présente une série intitulée
Ne perdons pas le Nord, directement inspirée de son séjour dans l’est du
Groenland. Outre des peintures à l’huile, il propose également de petites
œuvres sur papier. Soucieux de l’environnement, l’artiste travaille avec de
la cire d’abeille et des pigments naturels sur papier de coton recyclé. Cette
technique particulière l’a amené à devoir multiplier les essais infructueux.
Mais quel plaisir quand il parvient à réaliser ce qu’il avait imaginé ! Michel
Bocart tente de traduire ses émotions pour cette technique lui permettant
d’approcher au plus près ce qu’il a vu, ce qu’il a ressenti. Le résultat traduit
toute la fragilité de la glace qui fond irrémédiablement. L'artiste ne cesse de se
renouveler, multipliant les supports (peintures, installations, sculptures, reliefs
et photographies) sans perdre la moindre rigueur en matière d’unité. L’expo
est complétée d’un habillage sonore permettant une immersion très réaliste
et de panneaux scientifiques. (gg)
Michel Bocart, 06-06-2021, 2021, huile-toile, 100 x 150 cm. © de l’artiste – Prix : entre 700
et 18.000 €
Sigalit Landau
jusq. 16-04
DVIR Brussels
Bruxelles
www.dvirgallery.com
Depuis 2004, Sigalit Landau développe une série intitulée Salt Years. Dans le paysage désertique
de la mer Morte, elle plonge divers objets inanimés dans des eaux que la salinité cristallise.
Elle explore ce processus avec un ensemble d’objets tels que des chaussures, des manteaux,
des robes mais aussi des nœuds coulants, des béquilles et des instruments de musique. Il
font allusion à l’absence des personnes auxquelles ils appartiennent tout en devenant vivants.
Transformés par le sel qui change leur couleur en un blanc chatoyant et épaissit leur surface,
les objets perdent tout rapport à leur fonction première et deviennent les symboles de cette
perte. Sur la toile de fond de la mer Morte, où Israël, la Palestine et la Jordanie partagent leurs
frontières, ces objets agissent comme une ''archéologie du présent'', transformée en message
d’espoir, d’amour et de coexistence entre ces trois pays. (gg)
Sigalit Landau, Bride without flowers, 2018, voile enduit de cristaux de sel, 68 x 40 x 35 cm. © de l’artiste / Courtesy
DVIR Brussels / photo : Tal From – Prix : entre 2.000 et 40.000 €
20

GALERIES
Jacques Lacomblez
jusq. 23-04
Galerie Quadri
Bruxelles
www.galeriequadri.com
Kiki Smith
jusq. 01-05
Fondation Thalie
Bruxelles
www.fondationthalie.com
Alors qu’il vient de fêter
ses 88 ans, le peintre,
poète et éditeur
Jacques Lacomblez
présente ici des œuvres
récentes. Autodidacte,
il peint son premier
tableau à 17 ans. En
1956, il rencontre
Magritte et adhère au
mouvement surréaliste
Phases. En 1961, il
participe à l’Exposition
internationale surréaliste
Le Domaine des
enchanteurs à New
York. Parallèlement à sa
pratique picturale, Jacques
Lacomblez écrit
en 1952 ses premiers
poèmes influencés
par Jacques Prévert, Henri Michaux et Benjamin Péret. En 1974, il fonde
sa maison d’édition L’Empreinte et la Nuit, où il publie ses amis Tarnaud,
Thiercelin et Chavée. Il illustre Guy Cabanel, Roger Brielle, Philippe Jones,
Franklin Rosemont, Claude Tarnaud et Jean Thiercelin. Son dernier recueil,
Blanc sommeil (éd. Quadri, 2021) a été illustré par Georges-Henri Morin.
Laurens Vancreve : « À côté d›autres magiciens de la parole [...], Lacomblez
a également ouvert de nouvelles voies à la poésie en canalisant les sources
sublimes de la parole intemporelle et miraculeuse vers des domaines vierges
de l’imagination. » (gg)
Jacques Lacomblez, Les Mirages d’Ulysse, 2021, huile sur toile, 55 x 46 cm. © de l’artiste /
Courtesy Galerie Quadri – Prix : entre 850 et 3.000 €
Défendant la
place des femmes
sur la scène artistique
contemporaine,
la Fondation Thalie
présente actuellement
l’Américaine
Kiki Smith (1954)
avec une trentaine
d’œuvres, sculptures,
tapisseries et céramiques
des années
2000 qui sont, pour
la plupart, présentées
pour la première
fois à Bruxelles. On y
retrouve l'intérêt de
l’artiste à représenter
la matérialité des corps, mais aussi la cosmogonie au
travers des cultures. Son œuvre incarne un panthéon du
féminin dans des forêts habitées par un bestiaire cosmique.
« Soyons attentifs à la nature », c’est ce que Kiki
Smith exprime dans ses œuvres depuis une vingtaine
d’années, en utilisant une diversité de médiums comme
la gravure, la sculpture, la porcelaine, la tapisserie. Autant
d’occasions d’explorer notre vulnérabilité, nos solitudes
et nos doutes face aux crises que nous traversons. Son
œuvre constitue un hommage au vivant qu'elle questionne
de la naissance à la mort. (gg)
Kiki Smith, Sky, 2012, tapisserie coton-jacquard. © de l’artiste /
Courtesy Pace Gallery / Magnolia Editions / photo : Donald Farnsworth
Catherine François
jusq. 14-05
Galerie La Forest Divonne
Bruxelles
www.galerielaforestdivonne.com
Catherine François présente ses dernières œuvres, une quarantaine de têtes imaginées à
partir de fragments ramassés sur les plages de la mer du Nord en plastique, bois ou métal.
Ces rebuts, associés à la magie du bronze, deviennent un œil, une bouche, un nez et y impriment
des expressions insolites. Toutes ses œuvres sont liées à la même obsession : respecter
la nature. Ces inquiétudes constituaient, dès le début de sa production, le noyau central de
ses préoccupations. Que laisserons-nous à nos enfants ? Son travail s’inscrit dans cet état
d’urgence. Un appel à l’aide qu’elle traduit directement dans une dernière série de portraits.
Avec ces détritus non-organiques récoltés sur la plage, l’artiste les transcende, en les intégrant
à des faces hybrides qui crient leur effroi. Une série qui résonne comme un appel à une prise
de conscience, un travail engagé dans lequel elle glisse une pointe d’humour, un soupçon de
poésie. (gg)
Catherine François, Confined, 2020, bronze et déchets rejetés par la mer et l’océan, 40 x 35 x 64 cm. © de
l’artiste / Courtesy Galerie La Forest Divonne – Prix : entre 3.000 et 45.000 €
21

Le grand retour
d’Art Brussels
“La visite d'une foire
est différente d'un
simple tour dans les
galeries, et bien plus
stimulante."
ANNE VIERSTRAETE
Les visiteurs d’Art Antwerp l’auront
sans doute remarqué, l’équipe
organisatrice d’Easy Fairs a tenu
bon. En dépit de la crise sanitaire
toujours latente, elle élaborait
une version plus petite, tout aussi
passionnante, de l’événement
bruxellois. Cette fois, c’est bel et
bien le grand retour de la grande
sœur, Art Brussels, lors week-end
suivant l’ouverture de la Biennale
de Venise (lire par ailleurs).
TEXTE : ELS BRACKE
édition est une
version actualisée de
celle de 2020, annulée en
«Cette
raison de la pandémie
comme en 2021, avec les mêmes partenaires,
à peu près les mêmes participants et la
même passion », souligne avec enthousiasme
la directrice de la foire, Anne Vierstraete.
« Les artistes ont énormément produit
ces deux dernières années, car les conditions
étaient optimales. Cette tendance
s’exprime aussi dans les galeries dont nous
percevons la volonté d’ouvrir au public. Il y
aura donc davantage d’expositions en solo,
mais nous constatons aussi une demande
grandissante pour des espaces supplémentaires.
Les galeries souhaitant rendre
hommage à leurs artistes tout en accueillant
généreusement les visiteurs ». Chaque
participant, rigoureusement sélectionné
par un jury, recevra une étiquette (PRIME,
DISCOVERY, REDISCOVERY, SOLO,
INVITED) afin de faciliter la lisibilité des
visiteurs. Anne Vierstraete : « Nous souhaitons
guider le public vers des sections qu’il
aurait peut-être moins tendance à visiter,
afin de saisir le dialogue global que nous
proposons. Visiter un salon, ce n’est pas
pareil que faire un saut dans des galeries,
le défi est bien plus grand. » La foire propose
ainsi tous les jours des visites guidées
gratuites : « Il faut apprendre d’une manière
ou d’une autre ce qu’il y a à voir. Nous
avons, ces derniers temps, vu émerger un
grand nombre d’œuvres de qualité réalisées
dans de nouvelles techniques et sur
de nouvelles thématiques qui font l’objet,
entre autres, de passionnantes expositions
monographiques. Une visite guidée mobilise
l’esprit et nourrit le regard. »
DIVERSITÉ ET ACTUALITÉ
La foire accueillera donc des visages familiers
et des connaissances anciennes. Mais
Art Brussels suit aussi la tendance de près.
Celle du nouveau marché des NFTs, par
exemple, pour lequel un point de rencontre
ser paorposé et une séance de discussion
organisée en collaboration avec des
partenaires extérieurs, iMAL et Parallel.
art. Sans jugement de valeur, mais avec un
regard interrogateur afin de tenter de saisir
l’insaisissable propre à cette forme d’art
neuve et dont on ne cesse d’entendre parler.
Ces NFTs installent potentiellement
un lien avec les jeunes amateurs d’art.
Anne Vierstraete : « La jeune génération
connaît davantage les crypto-monnaies et
les portefeuilles NFT que les formes d’art
traditionnelles. Tout le monde gagnerait à
les familiariser par ce biais avec le marché
de l’art. » Alors que l’ouverture d’Art Brussels
a lieu après celle de la Biennale de
Venise, une exposition organisée par Sam
Steverlynck portera cet événement au niveau
du salon, en proposant de découvrir
à Bruxelles des œuvres d’artistes sélectionnés
à Venise. Soit, tout ce qui fait le sel
d’Art Brussels où les visiteurs se rendront
une dernière fois en direction de Tour &
Taxis, avant un grand retour au Heysel en
2023. « Les visiteurs étrangers comptent
beaucoup, pour nos partenaires culturels
à Bruxelles aussi, précise Anne Vierstraete.
Nous percevons déjà un vif intérêt. » Afin
de vous en proposer un avant-goût, la rédaction
vous fait part ci-après de ses coups
de cœur…
VISITER
Art Brussels
Tour & Taxis
Bruxelles
www.artbrussels.com
du 28-04 au 01-05
22

Coups de coeur
Alin Bozbiciu
C’est l’artiste du moment ! Le peintre qui
agite déjà les collectionneurs de France
et de Navarre. Le Roumain Alin Bozbiciu
(1989) a été formé à la prestigieuse université
d’art et de design de Cluj-Napoca, où
il vit et travaille toujours. Peintre virtuose,
il se confronte à tous les formats, pratique
l’aquarelle, excelle dans les plus grands tableaux
et manie l’huile de façon étonnante,
avec une touche d’une folle liberté. De
larges coups de brosse rendent aussi habilement
compte de sujets statiques que du
mouvement effréné. Ses tons froids, verts
et bleus accompagnés de mauve, renforcent
cette impression de vivacité. Une
dynamique qui évoque tant la peinture
baroque que la tradition du XIXe siècle,
complètement revisitée en une magistrale
leçon picturale.
Alin Bozbiciu, Satyricon II, 2021, huile sur toile, 200 x 196 cm. © de l’artiste / Courtesy Galerie Suzanne
Tarasieve
Galerie Suzanne Tarasieve
Paris
www.suzanne-tarasieve.com
stand A07
Alin Bozbiciu fait revivre
les mouvements du passé
en une magistrale leçon
picturale.
Klaas Rommelaere
Klaas Rommelaere a une façon originale de raconter des histoires, avec
une aiguille et des fils de couleur. Il ouvre en même temps un nouveau
champ d’action à la broderie belge traditionnelle au point de Gobelin.
L’œuvre de l’artiste, né en 1986 à Roulers et vivant à Anvers, parle
d’urbanité, de culture Pop, d’histoire et, discrètement, d’une dimension
sociale, tous genres et générations confondus. Michael Zink : « Nous
suivons de près depuis des années la jeune scène artistique b elge. Il y a
de nombreux artistes intéressants et talentueux, mais Klaas Rommelaere
sort résolument du lot ! »
Galerie Zink
Waldkirchen
www.zink-waldkirchen.de
stand B87
Klaas Rommelaere, Portrait Klaas, 2020, broderie de coton sur coton et
lin, 131 x 131 cm. © de l’artiste / Courtesy Galerie Zink
23

Maarten Vanden Eynde
Dans l'œuvre de
Maarten Vanden Eynde,
l'actualité est abordée
de manière astucieuse.
La Galerie Meessen De Clercq présente un accrochage monographique d’œuvres de
Maarten Vanden Eynde (1977). Le point de départ de l’artiste est une étude des matériaux
qui nous entourent. D’où viennent-ils, comment sont-ils extraits, transportés et transformés
? Que deviennent-ils quand nous n’en avons plus besoin ? Il s’intéresse en particulier
aux matériaux du négoce transatlantique, mais aussi à l’impact de ce dernier qui ne cesse
de se faire sentir et aux structures de pouvoir correspondantes. Avec The Great Decline,
l’artiste associe divers domaines, comme la technologie et la biologie. Il place des graines
du Congo sur des écrans d’ordinateur et en même temps surgit une représentation de la
banque mondiale de graines du Spitzberg, entrepôt de graines de plantes du monde entier.
Un sujet brûlant d’actualité, subtilement abordé.
Maarten Vanden Eynde, The Great Decline II, 2019,
câbles imprimés (PCB), graines, 212,5 x 123,5 x 9 cm.
© de l’artiste
Meessen De Clercq
Bruxelles
www.meessendeclercq.be
stand A18
Marin Majic
Marin Majic est né à Francfort (Allemagne),
a étudié à l’Académie des Beaux-Arts
de Zagreb (Croatie) et vit aujourd’hui à
New York. Il n’est donc pas surprenant
qu’il ait trouvé abri à la Galerie de Nino
Mier, établie à Los Angeles et Bruxelles.
Dès l’ouverture de l’enseigne, en 2015, le
galeriste s’est concentré sur les artistes de
sa région natale, la Rhénanie. Les tableaux
de Marin Majic sont à la fois tropicaux et
sombres. Ses dessins au crayon de couleur
sont peuplés d’une foule de personnages
bigarrés, dont chacun semble avoir échoué
sur une île déserte. Ses sujets comme le
décor environnant reflètent ses sources
d’inspiration éclectiques, des expériences
personnelles aux aventures, à l’histoire de
l’art et à ce qu’il trouve sur Internet.
Marin Majic, TBC (Bruxelles : Homme rouge et Guitare), 2021, crayon de couleur, peinture à l’huile,
poussière de marbre sur toile, 33 x 50,8 cm. © de l’artiste / Courtesy Galerie Nino Mier
Galerie Nino Mier
Los Angeles et Bruxelles
www.miergallery.com
stand B19
24

Larisa Sitar
Le béton constitue
un puissant héritage
visuel (à travers le
modernisme, le réalisme
social, le brutalisme)
ainsi qu'une base pour
la vie végétale.
La pratique artistique de la Roumaine Larisa Sitar (1984) se concentre
sur l’intersection de l’architecture et de l’art, avec au centre la
portée sociopolitique de l’ornement. Après sa résidence au WIELS,
en 2019, la Suprainfinit Gallery présente à Art Brussels de nouvelles
sculptures en béton et bas-relief. Elle y poursuit son étude de la
marchandisation culturelle des styles architecturaux et décoratifs
occidentaux traditionnels et leur appropriation comme symbole
statutaire dans le monde non-occidental. Elle recourt à des outils
aussi bien techniques et numériques que traditionnels et analogiques.
Les photos, vidéos, installations, dessins, objets et béton
composent son œuvre. Le béton est en même temps un patrimoine
visuel essentiel (via le modernisme, le réalisme social, le brutalisme),
mais également une base pour la vie végétale.
Resplendent, 2019, bas-relief en béton, diam. 36 cm. © de l'artiste / Courtesy
Suprainfinit Gallery
Suprainfinit Gallery
Bucarest
www.suprainfinit.com
INVITED
Abdelkader Benchamma
La matière dessinée
s’échappe du cadre
en une forme de
croissance organique.
Né en 1975 en France, basé entre Paris
et Montpellier, le plasticien Abdelkader
Benchamma a choisi de travailler un seul
médium, le dessin, dont il use de différentes
façons. Tantôt en se déplaçant sur une
feuille de papier avec les traits méticuleux
d’un graveur, tantôt en s’étalant sur
un mur en des gestes somptueux qui
s’approprient l’espace, une des marques
de son style étant le débordement dans
l’espace. La matière dessinée s’échappe du
cadre en une forme de croissance organique.
Ses thèmes de prédilection sont
d’une part la science, l’astrophysique, et
d’autre part les croyances ou la spiritualité.
S’emparant d’images trouvées sur le Net,
illustrant croyances et autres phénomènes
célestes, il les imbrique en un travail
qui s’inscrit, dit-il, « entre la science et la
magie ». Des œuvres qui créent des scénarios
visuels interrogeant notre rapport à
la réalité tout en sondant les frontières de
l’invisible.
Templon
Paris / Bruxelles
www.templon.com
stand A47
Abdelkader Benchamma, L.A Battle – Phenomenom,
2021, fusain, graphite et encre sur papier, 210
× 150cm. © de l’artiste / Courtesy Templon
25

Ryo Kinoshita
La Galerie Fons Welters propose une exposition d’œuvres de
Ryo Kinoshita (1985). Cet artiste japonais crée avec originalité
et ingéniosité des tableaux sur des matériaux comme la
toile, le jute, le velours et le lin et en étudie la qualité poreuse,
sculpturale. Ses œuvres semblent d’abord se composer de
motifs décoratifs, abstraits, tissés ou brodés, à savoir un
entrelacs d’innombrables traits de peinture à l’huile, qui
laissent apparaître formes, personnages et objets. Kinoshita
identifie les ouvertures dévoilant des structures tissées au
concept asiatique de vide. La qualité sensorielle du matériau
joue donc un rôle capital dans son processus de peinture.
Galerie Fons Welters
Amsterdam
www.fonswelters.nl
stand D04
Ryo Kinoshita, We don’t care if you didn’t notice us, 2020, 63 x 56,5 cm, peinture à
l’huile, perles, PVC sur velours. © de l’artiste / Courtesy Galerie Fons Welters
Ricardo van Eyk
Ricardo van Eyk, NIHIL 2020, installation en la galerie d’Amsterdam. © de l’artiste /
Courtesy Tegenboschvanvreden
Le Néerlandais Ricardo van Eyk (1993) se
considère comme un peintre. Ses œuvres sont
le produit d’une fascination particulière pour
l’environnement urbain comme système en
perpétuelle évolution. Il s’intéresse avant tout
à la périphérie de la ville, aux zones ou lieux
‘‘oubliés’’ ou en cours de développement. Il
prend souvent des images de traces involontaires
ou ‘‘secrètes’’ qu’il découvre en déambulant
dans la ville, à vélo ou à pied. L’artiste
utilise des constructions en divers matériaux
comme l’aluminium, le fer ou le bois.
Les objets trouvés et ustensiles ménagers
ordinaires mettent en exergue sa manière
ludique d’opérer. Martin van Vreden : « La
présentation d’une installation de Ricardo
van Eyk, dans le cadre de DISCOVERY, offre
une dimension supplémentaire à la foire, car
cette œuvre peut s’interpréter tant comme
une réflexion visuelle sur le contexte du salon
d’art que comme un phénomène stratifié. »
Tegenboschvanvreden
Amsterdam
www.tegenboschvanvreden.com
stand D14
26

Tuukka Tammisaari
L’artiste finlandais Tuukka Tammisaari (1984) parle un langage
visuel intuitif dans ses tableaux, oscillant entre abstrait
et figuratif. Il s’inspire de la nature, de l’histoire et de la culture
populaire. Sous ses grossiers coups de pinceau caractéristiques,
il fait apparaître formes, couleurs et histoires entières. La
manière dont alternent ses couleurs fraîches et terreuses crée
une dynamique à la fois ludique et poétique. Les titres servent
de guides entre figures et motifs géométriques qui se superposent
et se chevauchent : Award Cabinet, Table of Contents, Things
I collected in the forest – a twig, a plant, some sort of berries and
stuff, Garden Party et Pikachu & Matisse, pour n’en citer que
quelques-uns.
Kristof De Clercq gallery
Gand
www.kristofdeclercq.com
stand A10
Tuukka Tammisaari, Table of Contents, 2019, peinture à l’huile, fusain,
graphite et crayon de couleur sur toile, 150 x 180 cm. © de l’artiste / Courtesy
Kristof De Clercq Gallery
Chris Soal
L'artiste souhaite nous faire
réfléchir aux problèmes
structurels de la vie urbaine
et à ses conséquences
écologiques.
Le plasticien sud-africain Chris Soal (1994) vit et travaille à Johannesburg.
Utilisant des objets trouvés non conventionnels, tels que cure-dents et
bouchons de bouteille, en association avec le béton et d’autres matériaux
industriels, l’artiste s’intéresse aux implications structurelles de la
vie urbaine et s’enquiert de préoccupations écologiques. Faisant notamment
des cure-dents le support de sa démarche artistique, il questionne la
valeur accordée à ces objets utilitaires produits en série, conçus pour être
jetés, dans le but d’envisager de manière critique la condition humaine et
de leur offrir une nouvelle existence esthétique. Une approche spatiale qui
révèle une sensibilité à la texture, à la lumière et à la forme, exprimée en
un langage abstrait minimaliste.
Chris Soal, Fate Has Become Me, 2021, capsules de bouteilles de
bière jetées, enfilées sur un câble de clôture électrique, cure-dents
en bambou et en bouleau brûlés et non brûlés, maintenus par un
mastic en polyuréthane sur tissu et planche ripstop, 240 x 102 x 55
cm. © de l’artiste / Courtesy WHATIFTHEWORLD
WHATIFTHEWORLD
Le Cap
www.whatiftheworld.com
stand D20
27

Serge Vandercam
Le Belge Serge Vandercam (1924-2005) fut photographe,
peintre, dessinateur et sculpteur. Devenu membre
de CoBrA en 1948, il se rendit célèbre, à partir de
1952, avec ses œuvres d’art informelles (‘‘art sans
forme’’). Il travailla et exposa régulièrement en Italie
et à Paris et se lia d’amitié avec des artistes comme
Piero Manzoni, Pierre Soulages et Cy Twombly, avec
lequel il exposa en 1959. Il fut en outre étroitement lié
à l’important groupe d’artistes italiens Arte nucleare.
Brecht Callewaert : « Son œuvre est varié et identifiable
à un mouvement désinhibé, libre. Le livre que
nous publions à son sujet, Nucleaire Tijden. 1953-1963
est consacré à son œuvre expressionniste abstrait.
Nous montrons son évolution, du photographe de
CoBrA au peintre figuratif. Sur notre stand, nous
souhaitons le faire découvrir à un public jeune et
international. »
Callewaert Vanlangendonck
Anvers
www.callewaert-vanlangendonck.com
REDISCOVERY
Serge Vandercam, Composition, 1963, huile sur toile, 146 x 114 cm. © Courtesy Callewaert
Van Langendonck
Dankyi Mensah
Dans ses portraits figuratifs colorés, le Ghanéen Dankyi Mensah (1978) souhaite
capturer l’évolution du paysage urbain, social et politique contemporain
de son pays. Sa nouvelle série Kumerica tourne autour de la rencontre
entre deux cultures : ce terme vient de la scène musicale et fait référence à
l’influence exagérée de la culture Pop américaine sur cette ville, deuxième
plus grande du Ghana. L’artiste dépeint ce phénomène culturel en habillant
ses sujets dans un style urbain américain, qui contraste avec les motifs du
tissu traditionnel ghanéen au dos du tableau. Le choc qui s’ensuit est celui
de la mondialisation et de la tradition.
Maruani Mercier
Knokke
Bruxelles et Zaventem
www.maruanimercier.com
stand A24
Dankyi Mensah, Kumerican Blue Bird, acrylique sur toile, 183 x 152,4
cm. © de l’artiste / Courtesy Maruani Mercier
28

Afra Eisma
Afra Eisma (1993) est une artiste néerlandaise qui crée des
installations textiles immersives et intimes, des sculptures et
de la céramique. La tactilité et les textures constituent son
fil conducteur. Tentures murales, maquettes, figurines en
métal avec écorces d’orange en suspension, tapis et grottes
en céramique, autant de rêves imaginaires enfantins hantés
par d’étranges créatures. L’artiste narre des histoires captivantes,
amusantes ou absurdes sur les habitudes et rituels du
quotidien. Son œuvre a déjà été largement exposé et acquis
au Pays-Bas, entre autres par l’AkzoNobel Art Foundation,
le Fries Museum et le Gouvernement central. L’heure d’une
percée internationale a peut-être sonné…
No Man’s Art Gallery
Amsterdam
www.nomansart.com
stand D39
Afra Eisma, Club Sake, 2020, fils, 140 x 123 cm. © de l’artiste /
photo : Gert Jan van Rooij
Philip Aguirre y Otegui
Son travail est
généralement centré
sur la migration et les
réfugiés, l'eau et l'abri
architectural.
Né en 1961 à Schoten et installé à Borgerhout,
le sculpteur et peintre Philip
Aguirre y Otegui est diplômé de l’Académie
d’Anvers. Usant d’une grande diversité de
matériaux, notamment l’argile, le bois, le
bronze ou le fer, il réalise des sculptures
et des installations, toutes œuvres qui
explorent en permanence la capacité de
survie de l’être humain, ainsi que les récits
liés à cette thématique. De fait, son travail
est généralement centré sur la migration
et les réfugiés, l’eau et l’abri architectural.
Souvent exposées dans des espaces publics,
ses sculptures aux formes épurées reflètent
une conscience sociale et politique
dans un style narratif visuel qu’il désigne
comme une « poésie de l’image ».
Valerie Traan Gallery
Anvers
www.valerietraan.be
stand C45
Philip Aguirre y Otegui, La Frontera, 2015, 27 x 14 cm.
© de l’artiste / Courtesy Valerie Traan Gallery
29

L’ARTISTE DU MOIS
Willie Morlon
Dans cette série, COLLECT s’intéresse à la place occupée par les jeunes
artistes dans le monde contemporain. Pourquoi ont-ils choisi cette voie,
d’où leur vient leur inspiration et comment se positionnent-ils ? Ce moisci,
c’est au tour de Willie Morlon (1992) de s’exprimer.
TEXTE : ELIEN HAENTJENS
PORTRAIT : GUY KOKKEN
Willie Morlon a une prédilection
pour les matériaux nobles et
les objets élaborés avec soin.
Cet amour lui a été inculqué
par ses parents, dans le magasin d’antiquités
parisien desquels il a grandi : « Au
XXe siècle, le fossé s’est creusé entre arts
plastiques et arts décoratifs. Je souhaite
rétablir le lien entre les deux avec mon
art. C’est pourquoi, dans mon travail, je
rends souvent hommage aux artisans. Je
m’inspire, par exemple, de la marqueterie
traditionnelle et des carreaux de faïence
décorés à la main, mais aussi des vestiges
de bâtiments que je rencontre dans le
paysage urbain. Des artisans y ont souvent
laissé des traces fortuites, à la beauté
inhérente. J’intègre ces témoins muets du
passé dans mon langage formel. Les matériaux
bon marché dont nous bâtissons nos
maisons et la numérisation galopante de
notre monde risquent de laisser peu de
traces de notre civilisation contemporaine.
Par mon art, je souhaite faire réfléchir au
caractère éphémère de notre société. Le
souci forcené d’efficacité nous a fait perdre
de vue la valeur ajoutée des matériaux
nobles et des espaces bien décorés, alors
qu’ils contribuent dans une large mesure à
notre bien-être. Je n’imagine pas de vivre
dans un intérieur IKEA standardisé. Ce
n’est pas l’uniformité qui aide à forger une
identité. La rationalité du modernisme et
du Bauhaus ont cédé le pas à des ornements
plus nombreux, comme ce fut déjà
le cas dans l’Art nouveau et l’Art déco. »
Néanmoins, l’artiste aborde la réalité
avec un certain cynisme en utilisant des
matériaux non nobles, précaires, comme
le placoplatre, le béton armé ou le plâtre.
Dans un avenir proche, il pense en même
temps se familiariser avec la technique
de la fresque : « Comme les peintures rupestres
de Lascaux, ce sont des œuvres qui
résistent très bien à l’épreuve du temps. »
ART ET ORNEMENTS
Non content de vouloir resserrer les
liens entre art et artisanat, Willie Morlon
envisage aussi la possibilité du renouveau
d’une relation entre art et ornements :
« Autrefois, cela ne dérangeait personne
que quelqu’un comme Michel-Ange
peigne aussi bien des fresques que des
objets décoratifs. Les colonnes grecques
30

L’ARTISTE DU MOIS
« Je veux réduire le
fossé entre artisanat,
ornements et art »
étaient à la fois ornementales et structurelles.
Nous faisons aujourd’hui le
distinguo entre les deux parce que nous
utilisons des matériaux moins coûteux,
parfois toxiques, sans nous en rendre
compte, et que nous les camouflons
ensuite. Je joue donc avec les qualités
esthétiques du placoplatre en rendant les
diverses couches colorées visibles. Dans
Fresque Gyproc (2021), je mets la plasticité
du matériau à l’honneur. » Dans d’autres
œuvres, l’artiste associe ce placoplatre à
du plâtre, de la céramique et de l’émail. Il
explique : « Je crée d’abord divers petits
éléments à partir d’esquisses, puis crée ma
composition. Je réunit tous ces éléments
sur une toile en plastique. Une fois l’œuvre
terminée et tous les éléments fermement
ancrés, je retourne la structure. Le résultat
final est à chaque fois comme un cadeau.
En tant qu’artiste, je renonce sciemment
à tout contrôle et laisse faire le hasard.
C’est ma manière de rapprocher artistes et
artisans. »
Grande chaise, 2021, plâtre, placoplatre, polystyrène,
papier, peinture à l’huile et pigments.
© de l’artiste - Prix : 1.200 €
Papier peint, 2021, plâtre et céramique, papier, peinture acrylique, peinture à l’huile. © de l’artiste
LA FORCE DU MATÉRIAU
Willie Morlon a d’abord voulu étudier
le cinéma, avant de découvrir l’atelier
de l’Académie royale des Beaux-Arts
de Bruxelles (ARBA) : « La plasticité et
l’immédiateté qui permettent de concrétiser
une idée m’ont interpellé. J’avais déjà
appris à découvrir la force du matériau.
J’ai toujours voulu que l’idée précède
la mise en chantier de l’œuvre. Il m’est
donc arrivé de ne rien produire du tout,
jusqu’au jour où mes professeurs m’ont
dit que je devais me considérer comme
un ouvrier de l’art et expérimenter chaque
jour de nouveaux matériaux. Dès lors, les
idées fusèrent d’elles-mêmes. L’ambiance
informelle et intime de l’atelier était, en
outre, particulièrement agréable. Durant
mon Erasmus au Central Saint Martins
College of Art and Design de Londres, il y
avait tellement d’étudiants qu’on se croyait
parfois dans une usine. Je m’y suis imposé
une discipline de fer, ce qui a facilité ma
progression. » En ce mois d’avril, Willie
Morlon s’installe avec quelques autres
jeunes artistes bruxellois dans l’ancienne
imprimerie de la Banque Nationale, boulevard
du Berlaimont : « C’est un immeuble
fascinant, avec les presses sur lesquelles
nos billets de banque étaient encore
récemment imprimés, et d’énormes coffres
forts. Soit le cadre idéal pour continuer à
me développer. J’ai terminé mes études en
septembre dernier et me considère encore
comme un débutant dans le monde de
l’art. Pour pouvoir évoluer, je n’ai pas
ouvert de compte Instagram. Je m’inspire
davantage de l’art ancien. J’aime Henri
Matisse pour la liberté de son langage
formel et son affinité avec les arts décoratifs.
J’ai une prédilection pour Giotto,
dont j’admire l’utilisation de la couleur et
le passage du temps. Des styles comme
le maniérisme et le rococo me font aussi vibrer.
» Même s’il vient de faire ses premiers
pas dans le monde de l’art, Willie Morlon a
déjà vendu diverses œuvres, notamment
à d’anciens professeurs et à des amis : « Je
suis content que mes œuvres puissent
mener leur propre vie et trouvent leur
place chez ceux qui les apprécient. Cela
me permet de continuer à avancer. Pour
une exposition collective chez Michel Rein,
Patrick Vanbellinghen m’a demandé de
créer une œuvre. Marqueterie (2021) fut
la plus grande de toute l’exposition et ma
première création in situ. Ses éléments
décoratifs semblent faire partie intégrante
de l’architecture de la galerie. Je souhaite
que mes œuvres interpellent immédiatement
le spectateur, sans devoir lui fournir
d’explications superflues. À cet égard, je
me trouve plutôt vieux jeu. »
VISITER
Intéressé.e par une visite d’atelier en mai ?
Envoyez un e-mail à morlonwillie@gmail.com
31

ZOOM
Judith Joy Ross
L’âme à découvert
Qui ne croit pas en la perception
de la personnalité d’autrui devrait
regarder de près les œuvres de
Judith Joy Ross. Car ce qui se
produit à la vue de ses images
transcende tout ce que l’on peut
ressentir. Subtiles et prenantes,
elles rendent l’anonymat tangible.
TEXTE : ELS BRACKE
Judith Joy Ross (1946) a grandi à Hazleton,
petite ville charbonnière du
nord-est de la Pennsylvanie (États-
Unis). Son père gérait une chaîne de
magasin à bas prix, tandis que sa mère cessa
d’enseigner dans une crèche privée pour
s’occuper de ses trois enfants. Bien ancrée
dans le tissu local, la famille était, comme
le dit l’artiste, « profondément attachée à
l’environnement naturel, ce qui a donné
une dimension salvatrice et poétique à notre
vie ». Celle-ci développe son œuvre au
début des années 1980, en se consacrant
au portrait en une approche documentaire
inspirée des images d’August Sander, de
Walker Evans et de Diane Arbus.
Eurana Park, Weatherly, Pennsylvania, 1985, tirage gélatino-argentique, 24,45 × 19,37 cm. © de l’artiste /
Courtesy Galerie Thomas Zander
APPAREIL VINTAGE
Judith Joy Ross photographie les enfants à
la piscine en plein air locale, les visiteurs
du mémorial des vétérans du Vietnam
à Washington, les membres du Congrès
et leurs assistants, ainsi que les soldats
32

ZOOM
Untitled, Eurana Park, Weatherly, Pennsylvania, 1985, tirage gélatino-argentique, 24,45 × 19,37 cm.
© de l’artiste / Courtesy Galerie Thomas Zander
Persephone, 2015, tirage gélatin-argentique,, 24,45 × 19,37 cm.
© de l’artiste / Courtesy Galerie Thomas Zander
« ‘‘Voir’’, c’est quand
vous parvenez
à découvrir la
signification
profonde et la poésie
dans ce que vous
regardez. »
en attente d’être envoyés sur le champ
de bataille lors de la guerre du Golfe. Elle
utilise, à cet effet, un ancien appareil
8/10, avec soufflet et caisson de bois sur
trépied, derrière lequel elle se glisse sous
une toile, avec lampe flash sur trépied
distinct. L’appareil réalise des clichés en
noir et blanc de petite taille, qui sont en
même temps des images d’ambiance, des
témoignages contemporains : « Il faut
voir quelque chose avant de prendre une
photo. On ‘‘voit’’ à différents niveaux. Or,
la plupart du temps, je ne vois rien. ‘‘Voir’’,
c’est quand vous parvenez à découvrir la
signification profonde et la poésie dans ce
que vous regardez. Il faut placer l’appareil
photo correctement, opération la plus difficile
et la plus facile à la fois. » Le positionnement
de l’appareil et la toile qui sert à
se dissimuler exercent un effet libérateur
sur le photographe et le sujet du portrait.
Cette parité entre photographe et modèle
se traduit également dans l’absence d’idée
ou de sentiment partial lors de la réalisation.
Ne subsiste qu’une attention pure et
intuitive envers la complexité identitaire
de la personne placée devant l’objectif.
REPÉRER LES ÉTRANGERS
Le sujet anonyme est récurrent dans
l’œuvre de Judith Joy Ross. Il s’inscrit le
plus souvent dans le cadre d’une série motivée
par ses propres considérations morales,
bourgeoises ou existentielles. Il s’agit
d’adolescents, d’apprentis, de migrants
ou d’étrangers qu’elle rencontre et auprès
desquels elle s’arrête, car elle voit ‘‘quelque
chose’’. Mais, elle braque aussi son objectif
sur les figurants des conflits dans lesquels
les États-Unis s’engagent : réservistes de
l’armée américaine ou citoyens faisant
campagne pour ou contre ces guerres.
« Toute ma vie, j’ai voulu devenir artiste
sans très bien savoir ce que cela signifiait
jusqu’à ce que je découvre la photographie,
explique-t-elle. L’appareil-photo m’a appris
d’autres façons d’entrer en contact avec le
monde. Les gens, les vies humaines, sont
devenus mon sujet ! C’était des étrangers
et j’ai pu apprendre à les connaître. »
VISITER
Judith Joy Ross – Photographies 1978-2015
Le Bal
Paris
www.le-bal.fr
jusq. 18-09
33

Stratégie et galeries d’art
Structures parfois complexes,
les galeries d’art cumulent des
enjeux et responsabilités qui
dépassent largement le cadre
de transactions commerciales.
D’emblée, une précision
terminologique s’impose :
dans une galerie, ne dites pas
‘‘clients’’, la vente et l’achat
étant considérés comme des
partenariats, il est donc préférable
de parler d’amateurs, de visiteurs
ou de collectionneurs.
TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT
Et si toute stratégie commerciale
commençait par un positionnement
géographique ? Au rang des
choix stratégiques, la question
de la situation est cruciale. D’emblée,
s’entourer d’enseignes réputées produit
un effet stimulant. Chaque ville possède
ses quartiers arty. Tous les galeristes
concernés regardent cette concentration
comme un facteur d’affluence, non de
concurrence. À lui seul, l’emplacement a
une influence substantielle sur l’image et
la stratégie d’une enseigne. Par sa taille
et la nature même du lieu, un bâtiment
classé, la Patinoire royale – Galerie Valérie
Bach occupe une place unique dans le
paysage bruxellois. L’espace installé rue
Veydt est ainsi l’institution culturelle
privée à vocation commerciale la plus
visitée de la capitale. En outre, la galerie
est régulièrement assimilée par ses
visiteurs à un musée ou à un centre d’art
tant ses expositions sont denses et rigoureuses.
Autre exemple, la Belgian Gallery,
fondée en 2017, a rapidement misé sur
l’expansion, s’installant à Namur, puis
à Bruxelles et à Knokke. Stratégie supplémentaire
: le positionnement lié aux
artistes représentés. La Galerie Meesen De
Clercq privilégie les artistes à la démarche
discursive : « Cela a l’air simple, mais n’est
pas si évident dans une société cacophonique.
Que dire et comment le dire ?
En 2015, nous avons par exemple monté
une exposition ambitieuse, intitulée
Anthropocène, réunissant 32 artistes sur
des questions climatiques actuellement
brûlantes», explique Olivier Meessen. En
toute logique, la Belgian Gallery a choisi de
défendre des artistes belges, qu’ils soient
confirmés ou émergents, tout en laissant
également une place à certains artistes de
la fin du XIXe siècle, Rops en tête : « Nos
choix d’artistes sont forcément subjectifs
mais ne sont pas dictés par un désir impérieux
de coller aux tendances du marché.
Si le travail nous semble à la fois original,
dense et esthétique, on essaie de rencon-
Chaim van Luit, Sum of Part. © de l’artiste / Courtesy Meessen De Clercq
« Ignasi Aballi va
représenter l’Espagne
à la Biennale de
Venise. C’est un
moment crucial
dans la carrière d’un
artiste et nous allons
l’accompagner. »
OLIVIER MEESSEN
34

« Nos choix d’artistes
sont forcément
subjectifs mais ne
sont pas dictés par
un désir impérieux de
coller aux tendances
du marché. »
SERGIO PESTIEAU, BERNADETTE
FIERENS ET PIERRE BABUT
DU MARES
L’espace bruxellois de la Belgian Gallery. © Belgian Gallery / D. R.
trer l’artiste pour échanger nos points de
vue et envisager une collaboration qui
peut être de plusieurs types », précisent
Pierre Babut du Mares et Serge Pestieau.
Directeur de La Patinoire royale – Galerie
Valérie Bach, Constantin Chariot a investi
de nouveaux champs exploratoires, l’art
belge des Trente Glorieuses, les femmes
artistes ou l’art monumental : « Chaque
exposition est le fruit d’une étude détaillée
de l’artiste ou de la thématique, laquelle
débouche systématiquement sur une
publication scientifique offrant au sujet de
nouvelles perspectives. » Le plus souvent,
les enseignes ménagent un bel équilibre
entre valeurs sûres et artistes émergents,
complétés quelquefois de la représentation
d’estates, ce qui permet de mutualiser
les risques. Un autre avantage consiste
en une fourchette de prix très large, entre
2.000 et 300.000 euros.
COMMUNIQUER, C’EST EXISTER
En théorie, soigner l’accueil de tous les
visiteurs devrait être la base de toute
démarche commerciale. En pratique,
certaines galeries sont confiées à des
assistant(e)s mutiques, les yeux rivés sur
leurs écrans. Une attitude dramatique,
car l’art, c’est d’abord l’échange d’interprétations,
le partage d’émotions. Tous les
galeristes interrogés insistent d’ailleurs sur
l’importance de réserver à chaque visiteur
un accueil chaleureux et professionnel, à
l’image de celui tout aussi enthousiaste
réservé à notre demande d’intervenir dans
ces pages. Occupant une place essentielle
et exponentielle, les réseaux sociaux
font intégralement partie de la stratégie
marketing d’une galerie. Aujourd’hui, une
galerie se doit de communiquer sur Instagram,
LinkedIn ou Facebook. Sofie Van de
Velde en mesure toute l’importance : « Il
est absolument nécessaire d’investir dans
ces réseaux qui touchent de nouvelles
générations de collectionneurs. Et parce
qu’ils véhiculent très largement l’image de
la galerie, nous faisons toujours un effort
pour obtenir des photographies de qualité.
» Aussi, les galeristes reconnaissent
l’importance des plateformes de ventes, à
l’instar d’Artsy, permettant de réaliser des
transactions en ligne. Autre levier pour
garder le contact avec des collectionneurs
ou potentiels acheteurs : la newsletter. Les
occasions de communiquer une actualité
ne manquent pas, telles les expositions,
foires, nouvelles représentations…
PETITS ET GRANDS PRIVILÈGES
Pour leurs clients ou contacts privilégiés, les
galeries organisent cocktails ou dîners privés,
événements sur mesure, rencontres et
autres visites d’ateliers. Ces faveurs peuvent
également prendre la forme d’invitations
aux vernissages de foires, en Belgique
ou à l’étranger. Autant d’occasions de se
rencontrer et de dialoguer dont l’objectif
est de renforcer la relation et la confiance
entre le galeriste et ses collectionneurs. A
ce niveau, un galeriste n’est plus un simple
marchand, mais un partenaire, voire le
35

Galerie Barlonian, Bruxelles. © Baronian / D. R.
conseiller privilégié d’un amateur d’art dans
la constitution de sa collection. Il propose
un accompagnement personnalisé, offrant
des conseils, suggérant des œuvres qui
répondraient aux exigences de la collection.
Autre privilège que les galeristes réservent
à quelques contacts favorisés, les previews.
Il s’agit de présentations exclusives, le plus
souvent organisées la veille du vernissage
public. Si les œuvres les plus appréciées
« Les collectionneurs
sont volatiles.
Il faut leur laisser
la liberté d’évoluer,
d’aller voir ailleurs
et d’apprécier le
programme d’autres
galeries. »
ALBERT BARONIAN
d’un accrochage sont vendues avant le
début de l’exposition - pour quelques stars,
les pastilles rouges pullulent (même si elles
sont souvent invisibles, c’est plus chic et
surtout bien plus discret...) -, c’est tout simplement
parce que les collectionneurs les
plus respectés sont déjà passés.Ceux qui ne
sont pas déplacés ont reçu directement par
e-mail la photographie et le pedigree des
œuvres présentées.
CONFIANCE ET TRANSPARENCE
Ces vingt dernières années, le marché a
énormément évolué. Les frontières se sont
numériquement effacées et les intéressés
peuvent, sans se déplacer, visiter virtuellement
une foire ou une galerie à l’étranger.
La révolution numérique a redistribué
bien des cartes : les amateurs étant plus
informés, ils recherchent sur les sites spécialisés,
Artnet ou Artprice, les données
économiques d’un artiste ou de l’œuvre
convoitée, toutes informations de nature
à rendre l’offre plus transparente, même
si on assiste à certaines dérives : « L’amateur
a la possibilité de contacter en direct
l’artiste, créant un by-pass dont la galerie
est exclue. Cela implique pour nous un
important risque financier et une certaine
déception par rapport aux efforts fournis
», observent Pierre Babut du Marès et
Sergio Pestieau. Bien que cette démarche
puisse se comprendre dans le chef des
acheteurs, elle est en revanche inacceptable
dans celui de l’artiste qui, ce faisant,
avoue ne pas avoir compris la fonction de
son galeriste. Or, ce dernier est bien plus
qu’un simple acteur du marché puisqu’il
multiplie sur le long terme les initiatives
en vue de valoriser l’œuvre des artistes
qu’il défend. « Ignasi Aballi va représenter
l’Espagne à la Biennale de Venise. C’est un
moment crucial dans la carrière d’un artiste.
Nous allons l’accompagner et essayer
d’attirer l’attention spécifique de grands
« Chaque exposition
est le fruit d’une étude
détaillée qui débouche
sur une publication
offrant de nouvelles
perspectives. »
CONSTANTIN CHARIOT
L’espace de La Patinoire Royale – Galerie Valérie Bach. © La Patinoire Royale –Galerie Valérie Bach / D. R.
36

« Il est absolument
nécessaire d’investir
dans les réseaux
sociaux qui touchent
de nouvelles
générations de
collectionneurs. »
SOFIE VAN DE VELDE
L’espace de la Galerie Sofie Van de Velde. © Galerie Sofie Van de Velde / D. R.
musées internationaux. Nous allons aussi
contacter certains collectionneurs qui
n’ont pas encore suivi en profondeur son
travail, bien que sa pratique s’inscrive dans
la lignée de leur collection », souligne ainsi
Olivier Meessen.
L’IMPORTANCE DES FOIRES
Temps fort de la vie d’une galerie, la participation
aux foires constitue désormais
une obligation pour quiconque cherche
à booster sa visibilité et asseoir sa notoriété.
Dans certaines foires, notamment
Art Basel, Frieze, la FIAC, ARCO ou Art
Brussels, exposer est un privilège réservé
aux enseignes les plus rénommées ou
réalisant un travail engagé et d’une qualité
reconnue. À chacune de ses éditions, Art
Brussels reçoit quelque 400 candidatures
dont elle retient moins de la moitié. Et
si les places sont chères, au sens propre
comme au figuré, c’est que ce long weekend
draine chaque année des milliers
de visiteurs, simples curieux, amateurs
éclairés ou connaisseurs confirmés et de
grands collectionneurs. Le top des big
spenders internationaux se réserve plutôt
pour Paris, Londres, New York, Hong Kong
ou Bâle, mais quantité d’acheteurs sont
conscients que les enseignes réservent,
pour ces occasions spécifiques, des pièces
exceptionnelles. D’un point de vue pratique,
il est souvent plus facile de program-
mer la visite d’une foire qui concentre
un grand nombre de propositions que
de multiplier les visites en galerie. Pour
certaines enseignes, c’est là que se joue, en
un espace-temps record, l’essentiel de leur
chiffre d’affaire annuel (jusqu’à 70 %), tandis
que d’autres insistent sur l’importance
des contacts établis et leurs répercussions
à moyen terme.
LÉGITIMITÉ RIME AVEC MUSÉE
Véritable ambassadeur de l’artiste qu’il
représente, le galeriste doit faire sortir son
protégé des murs de son enseigne. Cela
passe notamment par des collaborations
avec les musées ou les centres d’art. Ces
interactions peuvent s’incarner à travers
un soutien très concret à l’organisation
d’expositions personnelles ou collectives
et/ou une acquisition dans une collection
institutionnelle. De telles collaborations
renforcent la position d’un artiste
sur la scène internationale. Enfin, il n’est
plus rare de voir des galeries se réunir
pour représenter un artiste. Ces partenariats
apportent une plus grande surface
financière, mais aussi intellectuelle, et de
meilleures possibilités de promouvoir un
travail. Cette stratégie de ‘‘partage’’ d’un
artiste peut permettre à deux enseignes
de se renforcer mutuellement. Mais, pour
le vétéran Albert Baronian, « les collectionneurs
sont volatiles. » Ce n’est pas
forcément une mauvaise chose : « Il faut
leur laisser la liberté d’évoluer, d’aller
voir ailleurs et d’apprécier le programme
d’autres galeries, lesquelles ne sont pas
nécessairement considérées comme des
concurrents. »
SURFER
www.prvbgallery.com
www.baronian.eu
www.meessendeclercq.be
www.sofievandevelde.be
www.belgiangallery.com
37

Els Dietvorst
Rituels intuitifs et collaboratifs
Interrogeant sans cesse le rôle
de l’artiste dans la société, Els
Dietvorst se situe volontairement
hors des circuits traditionnels.
Sa pratique s’inscrit dans un
processus créatif qui dépasse
largement le cadre d’un atelier et
d’une galerie. Découverte d’une
démarche tenant du rituel et de
l’échange mutuel.
TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT
Figure montante de l’art contemporain,
Els Dietvorst (1964) développe
une pratique socialement engagée,
abordant constamment des
questions liées à l’actualité (migration,
racisme, changements climatiques…), et
à la condition humaine à travers une série
de thèmes universels (la vie et la mort, la
peur, l’aliénation et le désir…). Mais la vraie
singularité de sa pratique se trouve dans
sa transversalité et les médiums qu’elle
manipule (dessins, sculptures, vidéos, performances,
installations, éditions), dans la
diversité de ses champs d’action (théâtres,
espaces publics, lieux d’exposition, textes)
et dans son approche de l’art comme expérience
commune. Ce dernier engagement
est central car, depuis la fin des années
1990, sa création se nourrit de multiples
collaborations avec d’autres artistes.
Lauréate du dernier BelgianArtPrize, Els
Dietvorst présente une double exposition
dans deux institutions bruxelloises,
La Centrale et Bozar. Ce projet en miroir
relève des actions et créations que l’artiste
a entamées lors du grand confinement de
2020. Un travail qui mélange les disciplines
(sculptures, installations, vidéos et performances)
tout en revêtant un caractère
largement collaboratif. Els Dietvorst noue
ici des liens avec les membres du BARRA
Movement, collectif cherchant à mettre les
choses en mouvement, à l’image de la tempête
à laquelle il emprunte son nom.
Els Dietvorst a
rassemblé des
morceaux de bois flotté
afin de créer un arbre
offrant un abri contre
les vents violents ou les
averses de pluie.
THIS INSTA GRID
Soucieuse des interactions entre l’homme
et la nature, Els Dietvorst offre régulièrement
une place centrale à l’arbre. Installée
depuis une douzaine d’année sur la côte
irlandaise (Duncormick), l’artiste voue
une certaine fascination à ceux que le vent
oblige à se courber. Ces arbres, comme
agenouillés, sont baptisés Shrugs par la
population locale. Touchée par ce phénomène,
elle a rassemblé différents morceaux
de bois flottés pour créer un nouvel
arbre offrant un abri contre les vents
violents ou les averses. Plusieurs versions
de ce travail végétal ont été développées,
dont un spécimen coulé dans le bronze,
intitulé windswept, pour la dernière édition
de Beaufort. Cette œuvre monumentale
est installée de façon permanente à
Oostduinkerke. Proche de la philosophie
38

Els Dietvorst, This insta grid, photographie. © de l’atiste / photo : Flor Maesen
Ses œuvres constituent
une invitation à
embrasser la diversité,
à s’engager, à
rencontrer les autres
et à créer ensemble.
de Joseph Beuys, l’œuvre d’art telle que la
conçoit Els Dietvorst n’est jamais une fin
en soi mais un moyen de communication,
un trait d’union entre public et environnement.
En filigrane de ces arbres malmenés,
on retrouve autant l’idée de vulnérabilité
que celle de sécurité. À l’occasion de sa
double exposition bruxelloise, un arbre
aux branches assemblées et recouvertes
de cire d’abeille voyagera, en procession,
de Bozar à La Centrale. Cette performance
n’est pas sans rappeler le folklorique
Meyboom et y seront invités de nombreux
artistes ainsi que le public. Leur intervention
devrait faire évoluer l’œuvre, car c’est
bien l’un des axes de sa pratique : tisser des
liens entre personnes, situations et environnements.
La création est ici prétexte à
embrasser la diversité, à s’engager, à se rencontrer,
à co-créer. Révélatrice à plus d’un
titre, la photographie qui illustre cet article
présente une bougie en forme de petit
arbre en cire d’abeille se consumant dans
le creux d’une main, la paume de Honey
Zinzs, membre du BARRA Movement. Cet
artéfact a été conçu par Els Dietvorst dans
le cadre d’un rituel collectif qui insiste
sur le recueillement et l’intensité d’être
ensemble. Une image qui résume efficacement
les tenants et aboutissants de sa
démarche.
VISITER
Els Dietvorst. This is what you came for
Bozar
Bruxelles
www.bozar.be
du 28-04 au 21-07
La Centrale
Bruxelles
www.centrale.brussels
du 28-04 au 18-09
39

Francis Alÿs
La valeur d’une oeuvre généreuse
40

Children’s Game #27b- Rubi Tabacongo, D.R.
Congo, 2021 6’18’’, en collaboration avec Julien
Devaux et Félix Blume, image du film.
© de l’artiste
41

Il a mobilisé la foule pour déplacer
une montagne à Lima, a tiré
jusqu’à ce qu’il fonde un bloc de
glace dans les rues de Mexico City,
a lancé le Sign Painting Project,
tentative de sabotage du marché
de l’art qui s’est soldé par un échec
retentissant. Depuis les années
1990, Francis Alÿs est une légende
vivante, dont l’œuvre figure dans
des expositions et d’innombrables
collections muséales ou privées
de par le monde. Cette année,
il représente la Belgique à la
Biennale de Venise.
TEXTE : CHRISTINE VUEGEN
La générosité est la valeur cardinale
d’un art exceptionnel. Malgré
leur apparence simple, les actions
et performances de l’Anversois
Francis Alÿs (1959) n’en sont pas moins
élaborées et d’une grande précision.
Elles sont incisives, stratifiées, généreuses,
socialement engagées, poétiques
et souvent politiques à la fois. L’artiste
présente les vidéos de ses projets dans
le monde, lesquelles sont gratuitement
téléchargeables sur son site internet. Il
s’agit de tableaux, sculptures, objets, films
d’animation, dessins, études sur papiercalque,
esquisses et notes. Grande ou petite,
chaque œuvre est mémorable, il n’est
donc pas surprenant qu’il figure parmi les
artistes les plus influents. Sa contribution
à l’art contemporain a été récompensée
en 2020 par le prestigieux Art Icon Award
(Whitechapel Gallery, Londres), en 2018
par l’Eye Art & Film Prize (EYE Filmmuseum,
Amsterdam), en 2010 par le BACA
(Bonnefantenmuseum, Maastricht) et
en 2004 par le BleuOrange (Martin-Gropius-Bau,
Berlin). En 2002, il figurait déjà
parmi les finalistes du Hugo Boss Prize
(Guggenheim Foundation, New York).
Francis Alÿs compte
parmi les artistes
les plus influents.
THE COLLECTOR
Francis Alÿs a grandi dans le Pajottenland
et étudié l’architecture à Tournai et Venise.
Son service civil l’a conduit au Mexique
où il participa, en tant qu’architecte, à la
reconstruction après le tremblement de
terre de 1985. C’est à Mexico City qu’il
est devenu artiste. Dans cette mégapole,
chaotique, il s’est consacré à l’art afin de
comprendre cette société, son inspiration
tirée de ses balades urbaines et de ses
rencontres. Dans la vidéo The Collector
(1990-1992), on le voit tirer derrière lui un
chien en jouet sur roulettes, bricolé par
ses soins avec une boîte de conserve et des
aimants de collecte de déchets métalliques.
Il s’y promène dans le centre-ville
historique où il possède un atelier, croisant
Children’s Game #30 : La roue, Lubumbashi, RD Congo, 2021, en collaboration avec Félix Blume, Julien Devaux et Rafael Ortega, images fixes. © de l’artiste
42

des musiciens et prenant des clichés de
chiens. Les chiens errants sont chez lui
un thème récurrent, presque un alter ego.
Les balades étaient, à l’origine, une façon
d’introduire des fables, métaphores ou
allégories dont l’artiste s’ est expliqué dans
un texte. Après qu’il ne soit apparu dans
les rues, ceux qui l’avaient rencontré continuaient
de gloser sur ce gringo ridicule
avec son chien en boîte de conserve. Il s’est
alors mis à développer l’idée d’intégrer
récits et fables dans l’histoire d’un lieu :
« Au fil des ans, je me suis penché sur cette
méthode potentielle d’interaction, surtout
à Mexico City, mais aussi ailleurs. » The
Collector, ce chien roulant, est lui-même
devenu un objet de collection. En 2003,
Parkett, éditeur du magazine d’art américain
éponyme publiait le numéro Ghetto
Collector, soit 99 exemplaires de chiens
multicolores sur roulettes, avec laisse. Un
exemplaire réapparaît de temps à autre
dans les maisons de vente. Chez Lempertz
à Bruxelles, un Ghetto Collector changeait
ainsi de mains en 2019 pour 1.612 euros,
légèrement au-delà de l’estimation. Cette
performance nomade donnait également
lieu, en 2006, à la grande installation Collectors
incluant 36 chiens-jouets au corps
magnétique. Depuis 2007, elle figure dans
les collections de la Tate.
AUBAINE POUR COLLECTIONNEURS
Francis Alÿs a commencé à exposer en
1990 et a depuis enregistré dans le monde
entier un grand nombre d’expositions en
solo, de Los Angeles ou Bogotá à Hong
Kong et Lausanne. Sa première exposition
itinérante s’est tenue en 2002 à Rome,
avant Zurich et Madrid. En 2010, l’expo-
Untitled, Bamiyan, Afghanistan, 2010, huile sur toile, 13 x 18 cm. © de l’artiste
sition rétrospective A Story of Deception,
organisée à la Tate Modern de Londres,
s’arrêtait au WIELS de Bruxelles, puis
au MoMA de New York. À noter aussi,
d’innombrables expositions collectives,
dont la Documenta XIII de Cassel en 2012
et les biennales de Sydney, Istanbul, São
Paulo et Venise. Jack Tilton, à New York,
et Lisson Gallery, à Londres, comptent
parmi les galeries où il a exposé. L’artiste
est représenté par Peter Kilchmann à
Zurich depuis 1999, David Zwirner à New
York, Londres, Paris et Hong Kong depuis
2007 et Jan Mot à Bruxelles depuis 2017.
L’art de Francis Alÿs se diffuse ainsi à
l’échelle internationale. Il est difficile de
dénombrer les collections qui possèdent
Son œuvre est
varié, des tableaux,
sculptures et autres
objets aux films
d’animation, dessins,
études, esquisses
et notes. Et chaque
création est
mémorable.
Artist Notebook, Sharya Camp, Dohuk, Irak, 2016, crayon sur papier, 13 x 42 cm. © de l’artiste
43

The Ambassador,
son ‘‘messager’’
lors de l’ouverture
de la Biennale de
Venise, paradait
comme une plaintive
métaphore ‘‘m’as-tu-vu’’.
Children’s Game #26 : Kisolo, Tabacongo, RD Congo, 2021, photo prise par l’artiste. © de l’artiste
Children’s Game #23 : Step on a Crack, Hong Kong, 2020, 5’, en collboration avec Félix Blume, Julien
Devaux et Rafael Ortega, images fixes. © de l’artiste
l’une ou l’autre de ses œuvres, mais citons
d’importantes collections muséales à
New York, Los Angeles, Rome, Amsterdam,
Paris, Londres, Madrid, Francfort,
Munich, Luxembourg, Téhéran, Bueños
Aires et Jérusalem. C’est sans compter un
grand nombre de collections privées, dont
la Rubell Family Collection de Miami, la
Julia Stoschek Collection de Düsseldorf, la
Collection Goetz de Munich et la Colección
Jumex de Mexico City, l’une des plus
grandes collections privées d’art contemporain
du Mexique. Le 3 mars 2001, Francis
Alÿs entrait dans le musée Jumex avec
une souris dans sa poche et lâchait l’animal
dans ce luxueux sanctuaire. Impos-
sible de dire si la souris s’est bien tenue
ou si elle fit ses dents sur les structures de
l’institution artistique. Mais, une chose est
claire,, la critique sociale n’est pas étrangère
à l’artiste.
RECONNAISSANCE EN BELGIQUE
L’œuvre de Francis Alÿs était pratiquement
invisible en Belgique avant 2010,
même si sa pratique artistique y était déjà
très appréciée dans les années 1990, du
moins au sein de cercles très spécifiques.
Il exposa en solo en 1995 dans l’Opus
Operandi de Piet Vanrobaeys à Gand,
participa la même année à une exposition
collective de l’Espace 251 Nord de Laurent
Jacob à Liège et, en 1997, dans Addenda
au musée Dhondt-Dhaenens de Deurle.
Lors de son arrivée en 1999 dans l’atelier
d’Honoré δ’O à Gand, où je me trouvais
moi-même, il donna des directives pour sa
performance vénitienne Duett. Les deux
artistes se promenèrent séparément dans
la ville avec chacun la moitié d’un tuba,
jusqu’à ce qu’ils se rencontrent. Lorsqu’en
2001, il fut officiellement invité à la Biennale
de Venise, Francis Alÿs envoya pour
l’ouverture son messager, un paon. The
Ambassador paradait autour d’une métaphore
plaintive du côté ‘‘m’as-tu-vu’’ de cet
événement artistique. Son succès international
s’est accéléré après When Faith
Moves Mountains (2002). On y voit cinq
cents personnes munies de pelles déplacer
une dune de sable à Lima, la capitale
péruvienne, dans un pays à la situation
désespérée. L’installation vidéo qui en
découlait était acquise un an plus tard
par la Communauté flamande et déposée
au M HKA d’Anvers. En 2006, le MAC’s
de Hornu achetait un certain nombre de
réalisations de l’artiste et, depuis 2018,
ses œuvres se trouvent au S.M.A.K. de
Gand. Occuper le pavillon belge de Venise
constitue une marque de reconnaissance
pour l’artiste qui y présentera The Nature
of the Game, une sélection de films et une
série de tableaux. Au Congo, en Belgique,
au Canada, en Irak et à Hong Kong, il a
filmé une dizaine de nouveaux Children’s
Games. Il convient de noter qu’une série
de projets récents en Irak a donné lieu
au long métrage Sandlines, the Story of
History (2018-2020), reconstitution de
44

l’Histoire par des enfants. La série Children’s
Game vit le jour en 1999 avec le film
d’un garçon lançant une bouteille en haut
d’une pente dans une rue de Mexico City.
Après chaque coup, la bouteille roule sur
la pente tandis que le garçon court après
elle. Ce rythme réptitif et son côté absurde
sont récurrents dans ses œuvres. Partout
où il va, l’artiste filme des jeux d’enfants,
sur invitation ou de sa propre initiative,
souvent dans des zones de conflit.
ACCÈS GRATUIT
Parallèlement à ses actions et performances,
Francis Alÿs n’a cessé de peindre
et de dessiner. Ce sont des pensées, des
rêves et des idées, parfois des situations
absurdes montrant des hommes en
costume. Son appartenance au pays de
Magritte et de Broodthaers est indéniable.
En 1993, il demandait à des peintres de
panneaux publicitaires de Mexico City de
recopier un de ses petits tableaux et de
l’agrandir à leur guise. Sign Painting Project
(1993-1997) visait par cette production
à saboter le marché de l’art. Francis Alÿs
vendait ses séries de tableaux à bas prix,
mais s’interrompit lorsqu’il s’aperçut que
les prix grimpaient. En 2005, The Prompter
(1995), série de quatre tableaux, se
vendait à un prix record chez Sotheby’s à
New York, 623.000 dollars (528.000 euros),
soit 261% de plus que l’estimation. L’an
dernier, Christie’s New York adjugeait trois
tableaux du même projet pour la somme
de 275.000 dollars (243.000 euros), soit
57 % au-dessus de l’estimation. Comment
l’artiste s’est-il accommodé de ces
signes du marché de l’art ? Depuis 2002,
il propose gratuitement ses vidéos en
ligne, notamment sur son site internet,
les inscrivant sciemment dans le domaine
public. Comme ses performances sont peu
à peu devenues des collaborations avec
des populations locales, il trouve indécent
de mettre ses films sur le marché. Il
finance donc ses projets avec la vente de
tableaux et autres œuvres, une solution
qui lui permet une grande liberté.
VISITER
Francis Alÿs, The Nature of the Game
Pavillon belge / Giardini de la Biennale
Venise
www.belgianpavilion.be
du 23-04 au 27-11
Children’s Game #10 : Papalote, Balkh, Afghanistan, 2011, 4’1”, en collaboration avec Félix Blume et Elena Pardo, images fixes. © de l’artiste
45

Le monde selon
Larry Gagosian
Que signifient goût, argent et
pouvoir dans la vie et le travail d'un
artiste ? COLLECT s'est rendu à New
York pour rendre visite au galeriste de
renommée mondiale Larry Gagosian.
S’il possède un œil pour dénicher
les talents, il semble s'être libéré de
sa quête de sophistication. « J’aime
l’apparence des choses », précise-t-il.
TEXTE : ROBERT ARMSTRONG*
Larry Gagosian devant une oeuvre de Jean-Michel Basquiat. © D. R.
Larry Gagosian, le plus important
marchand d’art du monde, parle
avant tout la langue des affaires, et
ce avec une grande assurance. Dans
la bibliothèque de son manoir new-yorkais
de l’Upper East Side, nous l’avons interrogé
sur ce qui, à l’heure actuelle, l’anime
professionnellement. « Les mêmes choses
que ces 40 dernières années, la réussite »,
répond-il d’emblée. « La concurrence
acharnée. L’émergence de nouvelles idées,
de nouvelles situations pour le bien de mes
artistes. Un travail de tous les instants, très
prégnant. Quiconque souhaite s’engager
dans le négoce de l’art et réussir dans la
branche doit y consacrer beaucoup de
temps et de travail. »
Avec Gagosian, une grande partie de la
conversation tourne autour des mêmes thèmes
: concurrence, succès, travail acharné,
énergie, opportunité, mouvement. Un
immense tableau d’Andy Warhol, représentant
Elvis en cow-boy, le pistolet pointé
sur le spectateur nous toise. Le marchand
s’exprime sur un ton posé ; il a un mauvais
rhume (« C’est pas le top », dit-il après nous
avoir serré la main). Il a 76 ans, porte un polo
46

L'espace de la Galerie Gagosian à l'aéroport du Bourget. © Courtesy Gagosian
sombre à manches longues, un pantalon de
velours côtelé et des mocassins en alligator
bleu. Il se déplace calmement, à pas feutrés,
mais il y a quelque chose de plus profond
en lui. Ce que l’on saisit dès que son regard
vous tombe dessus. L’homme fait preuve
d’une plus grande retenue lorsqu’on l’invite
à parler peinture. Qu’est-ce qui l’attire dans
l’œuvre de Cy Twombly, par exemple ? Cet
artiste américain est l’une des nombreuses
sommités qu’il a représentées, aux côtés
d’Anselm Kiefer, Damien Hirst, Helen Frankenthaler,
Ed Ruscha ou Donald Judd, en
plus de Picasso, Warhol et De Kooning. Il
réfléchit un instant : « [Le conservateur du
MoMA] Kirk Varnedoe a dit un jour que Cy
Twombly défiait Jackson Pollock avec un
crayon. Ce que j’aime dans son art, c’est sa
confiance, sa force, sa fraîcheur. Il n’y avait
pas de Twombly avant Twombly. » Confiance,
force, innovation, ces qualités ont bien
évidemment attiré celui qui a œuvré à la
transformation du monde de l’art depuis les
années Reagan. L’élite mondiale a accumulé
une incroyable fortune au cours des dernières
décennies et Gagosian s’est trouvé là au
bon moment, à miser sur l’art contemporain
et à révolutionner la profession. Avant lui,
ce négoce sentait la naphtaline et ses initiés
se conformaient aux pratiques anciennes
de l’argent, quelle que soit la manière dont
ils avaient débuté dans le métier. Gagosian,
quant à lui, a débuté en vendant des posters
dans les rues de Los Angeles…
"La combinaison entre instinct commercial
et œil pour les images puissantes est ici
exceptionnelle. Larry aime l'argent autant
que l'art."
JENNY SAVILLE
AGRESSIVITÉ
On lui signale en passant que les gens ont
tendance à le qualifier d’‘‘agressif ’’. Boutade
du monde de l’art ou blague de mauvais
goût, il aurait ainsi vendu certains tableaux
avant même que leurs propriétaires n’aient
su qu’ils étaient à vendre. « Ce mot a des
connotations plutôt déplaisantes », préciset-il.
« Si vous n’êtes pas agressif en affaires,
vous n’irez pas très loin. Je ne peux fonctionner
que de cette façon. Être agressif ne
signifie pas agir en monstre. Cela veut dire
être opportuniste, se tourner vers l’avenir.
C’est mon interprétation du mot agressif. »
Et les simulacres de gentillesse qui caractérisaient
autrefois les affaires ? « J’ai éliminé
tout ça », dit-il en éclatant de rire. Nul ne
suggère que Gagosian soit vulgaire ou ne
doute de l’acuité de son regard. « Il a la plus
incroyable mémoire visuelle que j’aie jamais
rencontrée », déclare ainsi Nicholas Serota,
directeur de la Tate pendant 29 ans. « Il
est capable de dire quel tableau se trouvait
dans quelle maison 30 ans après l’avoir vu. »
Ce n’est pas seulement une question de
mémoire, mais de reconnaissance. L’artiste
britannique Jenny Saville, qui expose chez
Gagosian, souligne qu’en plus de son flair
pour le marché, il s’est forgé des goûts bien
à lui : « Il aime les grandes formes structurelles.
Il a l’œil pour une image très ancrée,
à la forme prégnante. Il aime les œuvres
ambitieuses. » La fusion de cet œil avec des
instincts commerciaux le ‘‘démarque’’ »,
ajoute-t-elle. « Son désir est identique, qu’il
s’agisse d’argent ou d’art. »
RICHESSE VISUELLE
Originaire de Los Angeles, Larry Gagosian
n’avait aucune inclination précoce pour
cette profession. Issue d’un milieu modeste,
sa famille ne possédait aucun tableau. Il n’a
pas étudié l’art à l’Université de Californie
(UCLA), mais s’y est spécialisé en anglais
et faisait partie de l’équipe de natation.
Il a ensuite décroché un premier emploi
47

"Les gens n'en ont
que pour les NFTs.
Je ne suis pas expert
en la matière, mais
j'y prête attention."
LARRY GAGOSIAN
administratif dans l’agence artistique William
Morris où il fut le secrétaire du magnat
d’Hollywood Michael Ovitz. Après son
licenciement, il trouve un emploi de voiturier,
puis vend des posters dans la rue. Mais,
sa force est d’avoir toujours été très visuel.
« Avec le recul, je peux dire que le déclic
[s’est produit] un jour que j’étais en colonie
de vacances », raconte-t-il. « Un des gamins
– j’avais neuf ou dix ans, je ne sais plus
– a sorti ses fringues d’un sac de toile ; j’ai regardé
son pantalon et l’ai trouvé beau et attrayant.
Je n’avais pas de vêtements comme
ça. Je me suis donc mis à regarder les choses
d’un point de vue esthétique. Ce n’est pas
ce qui m’a incité à devenir marchand d’art,
mais je suis quelqu’un de très visuel, qu’il
s’agisse d’une jolie femme ou d’un beau tableau.
J’aime l’apparence des choses. » Larry
Gagosian était aux premières loges lorsque
la richesse extrême s’est mis à exploser. Ses
riches clients sont-ils différents aujourd’hui
de ce qu’ils étaient dans les années 1990 ?
« C’est une question de zéros en plus, mais il
y a riche et riche. » Alors que cette nouvelle
richesse a élargi et approfondi le marché,
elle l’a aussi considérablement compliqué.
« Quand vous offrez disons 200 millions ou
300 millions de dollars, peu importe le chiffre
– nous parlons ici de sommes astronomiques
– à des personnes qui possèdent des
chefs-d’œuvre, ils vous répondent : ‘‘Je n’ai
pas vraiment besoin de cet argent’’. On a du
mal à le croire. À mon avis, lorsqu’ils vendent
ce genre d’œuvres, ils se sentent plus
pauvres, pas plus riches. C’est donc difficile
pour eux. Les œuvres deviennent disponibles
après un décès, un divorce compliqué,
une faillite. Sinon, les gens se disent : ‘‘Je me
fiche de votre offre. Je préfère l’art à l’argent’’.
Et Dieu merci, il y en a encore qui réagissent
de cette façon. »
UN SYSTÈME GAGOSIAN
Larry Gagosian peut se targuer de deux
innovations dans la manière de vendre
l’art contemporain. Il a d’abord renoncé au
modèle existant d’exposition, de petite ou
moyenne taille, de la plupart des œuvres
récentes d’un artiste vivant. Il a acquis
d’immenses espaces de galerie, idéalement
situés, qui lui ont permis d’organiser des
expositions ambitieuses, muséales, incluant
plusieurs artistes ou mettant en exergue
des aspects négligés de l’œuvre d’un artiste
mort, en empruntant la plupart des œuvres
à des musées ou collectionneurs et en les
intégrant à celles qui étaient à vendre. Les
œuvres produites et les publications y afférentes
représentent le dessus du panier.
« D’autres ont pu s’interroger : ‘‘Cela va-t-il
déranger les musées ?’’ Mais comme Larry
ne savait pas s’il avait raison ou tort, il l’a
simplement fait », explique Jenny Saville. « Il
a organisé plusieurs expositions là où il n’y
avait auparavant aucun marché [pour ces
œuvres]. La dernière période de Picasso ou
de De Kooning… Larry a pris le taureau par
les cornes, organisé une exposition et les
œuvres furent automatiquement réévaluées.
» Il fut aussi le premier grand galeriste
à s’ouvrir à la mondialisation, à créer une
marque visible dans le monde entier. Il y a
quelques mois, Larry Gagosian s’est offert
deux nouveaux espaces, portant le total
de ses galeries à dix-neuf (six à New York,
trois à Londres, trois à Paris, trois en Suisse,
le reste à Rome, Athènes, Hong Kong et
Beverly Hills). Il représente désormais près
de cent artistes. Ses concurrents ont suivi.
Il n’est pas exagéré de dire que le monde
des galeries se compose aujourd’hui d’une
poignée de marchands globalisés, aux revenus
s’exprimant en centaines de millions,
Gagosian, Hauser & Wirth, Zwirner, tous à
une distance significative les uns des autres.
Gagosian a compris qu’il « faut être une multinationale
à la base locale solide », précise
Max Hollein, directeur du Metropolitan
Museum of Art de New York. Cette portée
internationale est « clairement positive »,
ajoute-t-il, surtout pour les artistes. « C’est
Gagosian qui a créé ce modèle… Ce n’est pas
un système parfait, mais il a changé tout un
mode de fonctionnement. »
ET L’ART DANS TOUT ÇA ?
Le système Gagosian a-t-il profité aux
artistes et amateurs d’art ? Jenny Saville et
Nicholas Serota lui reconnaissent la création
d’espaces qui inspirent aux artistes la
réalisation d’œuvres ambitieuses. D’autres
se montrent plus circonspects. Un célèbre
professionnel, qui place Gagosian et sa
qualité opérationnelle « au-dessus de tous
les autres », constate que ce modèle de
méga-galerie rend l’ouverture d’une galerie
plus petite économiquement futile. « Par le
passé, on ouvrait une galerie avec un groupe
de jeunes artistes, les artistes évoluaient en
même temps que la galerie… Aujourd’hui,
lorsqu’un artiste obtient 1 million de dollars
pour une œuvre, voire simplement 100.000
ou 200.000 dollars, une des grandes galeries
l’approche en lui susurrant à l’oreille : ‘‘Nous
avons des hôtels, nous avons des jets privés,
rejoignez-nous’’. Et l’artiste s’en va. Pourquoi
dès lors faire de l’ouverture d’une galerie un
plan de carrière ? À quoi bon ? Dès que vous
devenez rentable, vous êtes en passe de
redevenir non rentable. » D’autres considèrent
ce système de grandes galeries comme
autant de caisses de résonnance pour des
artistes au talent discutable, pour répondre
à une demande insatiable en œuvres
coûteuses. Le critique Jerry Saltz s’est ainsi
exprimé à ce sujet : « Il se passe quelques
choses avec ceux qui signent avec les mégagaleries.
Trop souvent, les artistes sont
acceptés en milieu de carrière et, comme les
types de 34 ans qui s’engageaient auprès des
Yankees, ils sont bons pour le rebut. Chaque
exposition d’un artiste vivant organisée par
ces mastodontes est comme une rétrospective
de carrière, un quasi-couronnement,
toutes les œuvres étant souvent déjà vendues
ou réservées. Il n’y a pas de place pour
questionner les véritables mérites de ces
œuvres. Beaucoup de ces expositions sont
deux fois trop grandes, pleines de menu
fretin. L’artiste y est devenu une marque et
cette marque a remplacé l’Art. » Les artistes
le plus souvent associés à ces ‘‘rebuts’’ commerciaux
sont Jeff Koons et Damien Hirst,
même s’ils ne sont pas les seuls. Mais, les affaires
sont les affaires, et il est incontestable
que Gagosian et ses homologues organisent
également des expositions de grande valeur.
LE POUVOIR DU DIGITAL
Larry Gagosian lui-même nous avoue que le
plus grand changement depuis ses débuts
fut la transmission instantanée d’images via
internet. Ce fut bon pour les affaires : « Cela
a créé un dynamisme, une vélocité et multiplié
les transactions. » En même temps,
Internet « offre parfois une durée de vie bien
moins longue aux choses. Parce qu’il y a
une saturation d’images ou une saturation
d’artistes. Il me semble que l’on assiste à un
épuisement plus rapide des images et des
48

"J'envisage de créer
une entreprise
durable, qui puisse
continuer d'exister
après moi, sans moi."
LARRY GAGOSIAN
se trouvent aujourd’hui dans des grands
musées. C’était l’artiste le plus important au
monde et il s’est dit : ‘‘C’est New York, mec !
Ça va être la merde ! Tu vas devoir faire
mieux !’’ Cela montre le changement actuel.
Vous débarquez chez un artiste dont les œuvres
ne sont peut-être pas bonnes et vous
dites : ‘‘Oh, j’adore ce que vous faites.’’ »
Jennifer Lawrence, oeuvre pour la couverture du magazine Vogue, septembre 2017. © de l'artiste
artistes. » Le marchand se montre nettement
moins enthousiaste vis à vis des NFTs,
ces images reproductibles transformées en
œuvres art : « Les gens n’en ont que pour les
NFTs. Je ne suis pas un expert en la matière,
mais j’y prête attention. » Il regrette l’époque
où le monde de l’art était moins bureaucratique,
laissait le champ libre à l’improvisation
entrepreneuriale. « Pendant au moins 30
ans, je me suis occupé de Cy Twombly, et il
ne s’agissait pas que de dire ‘‘tope-là’’ dans
sa main. De nombreux artistes fonctionnent
encore comme ça, mais l’argent a pris
une ampleur considérable. On a parfois
l’impression de s’embourber dans des contrats.
Lors de ma première exposition avec
Twombly, j’étais impatient de travailler avec
lui. Je lui ai dit : ‘‘Cy, je dois te poser une question
: accorderions-nous une remise à un
important collectionneur ou à un musée ?’’
Sa réponse fut mémorable : ‘‘10 %, 20 %,
30 % – vas-y, vends, Larry.’’ Ce fut dit sur un
ton facétieux, comme pour me signifier :
‘‘Je m’occupe de l’art, à toi de fixer les prix et
de vendre’’. » Le marchand donne-t-il des
conseils à ses artistes ? « Il est plus facile de
faire l’éloge d’un artiste que de critiquer son
travail récent, ce qui donne parfois lieu à des
conversations embarrassantes. Mais c’est
difficile désormais. Je pense que ce genre
de conversation était plus facile autrefois,
parce que les artistes importants ont aujourd’hui
beaucoup de pouvoir. J’ai vu des
marchands considérer l’œuvre d’un artiste
de façon mitigée. Résultat, l’artiste a changé
illico de galerie. Ce changement n’est pas
toujours une bonne chose ». Et d’évoquer
Paul Rosenberg, le marchand de Picasso qui
organisa la première exposition de l’artiste
à New York, au début du XXe siècle. Pour ce
faire, Picasso lui avait envoyé des tableaux
récents. « Rosenberg lui adressa ce message :
‘‘Pablo, désolé, tes tableaux ne sont pas assez
bons.’’ Un marchand rejetant une exposition
de Picasso, on n’avait jamais vu ça ! Or,
qu’a fait Picasso ? Il n’a pas dit : ‘‘Va te faire
foutre, Paul.’’ Il a peint une nouvelle série
pour l’exposition. Presque toutes ces œuvres
UNE ENSEIGNE DU FUTUR
Si les goûts personnels de Gagosian ne sont
pas forcément emblématiques, la portée de
sa galerie n’en est pas moins multiple. Des
œuvres sociales, une exposition de grande
envergure incluant douze artistes noirs présentés
dans un de ses espaces new-yorkais
en constitue l’illustration parfaite. Antwaun
Sargent, jeune commissaire de 33 ans,
précise : « L’exposition était risquée, avec
des artistes essentiellement jeunes, dont la
plupart n’avaient pas encore exposé chez
nous, ni ailleurs. » L’enseigne se tourne donc
résolument vers l’avenir. La fébrilité de son
dirigeant a sa raison d’être. Car, une galerie
qui n’évolue pas, dixit Gagosian, ne survivra
pas à son fondateur et unique investisseur.
« J’envisage de créer une entreprise durable
qui continue d’exister après moi, sans moi »,
souligne-t-il. Ces dernières années, il a engagé
des personnes dynamiques et compétentes
en leadership comme Laura Paulson,
ancienne responsable de l’art de XXe siècle
chez Christie’s et qui dirige maintenant
Gagosian Art Advisory, de même que son
mari, président directeur général d’Andrew
Fabricant. Mais Gagosian préfère ne pas entrer
dans les détails du futur développement
de l’entreprise : « J’ai des projets. Je ne suis
pas cachottier, mais je n’aime tout simplement
parler des choses tant qu’elles ne sont
pas finalisées. En affaires, la confidentialité
est importante. »
* © Courtesy The Financial Times, Londres, février 2022
SURFER
www.gagosian.com
49

Barbara Kruger
En quelques mots...
C’est à coup de slogans et de
punchlines concis et percutants,
en blanc sur fond rouge, parfois
combinés à des photographies,
que Barbara Kruger s’empare
du monde, le questionne et le
remet en cause. Un art militant,
incontournable et actuel, qui
depuis les années 1980 n’a de
cesse d’interpeller la culture et la
jeunesse.
TEXTE : GWENAËLLE DE SPA
Associée au mouvement conceptuel,
la designer et artiste américaine
Barbara Kruger (1945)
travaille les mots. Ses phrases
provocantes peuplent les musées, les
galeries et les rues pour secouer le système
en place et la société. Féminisme, consumérisme,
luttes raciales ou désir sont des
thématiques dans lesquelles l’artiste puise
inlassablement pour attirer l’attention
du citoyen-consommateur-spectateur.
Son travail a pour intention d’ébranler les
stéréotypes d'une société construite sur la
consommation de masse et de contester
les systèmes de pouvoir et de représentation.
Tout comme Andy Warhol, et forte
de son expérience en tant que graphiste,
Barbara Kruger utilise les images de la publicité,
du cinéma et de la télévision pour
porter ses messages. Ces tableaux-photos
en noir et blanc cernent leur sujet en plan
rapproché pour en accenter la puissance
et sortir ces images de leur contexte. À
cette iconographie décontextualisée se
superposent des messages forts qui, au
contact de l’image, ont un effet déconcertant.
L’ensemble est alors indifféremment
fixé sur des panneaux d’affichage, des
tee-shirts ou des sacs de courses. À la suite
de ces premières expérimentations qui
la rendent célèbre, la plasticienne prend
conscience que l’impact de son travail
réside surtout dans ses slogans et, plus
encore, lorsque ceux-ci sont placés dans
des lieux inattendus, telle cette œuvre
Sans Titre, peinte à la main sur la façade
d’un bâtiment de cinq étages le long de la
High Line de New York, face à des gradins
conçus pour le repos des promeneurs.
Ces quelques
mots placardés en
lettres capitales
introduisent le
doute dans l’esprit
du spectateur.
L’EXPRESSIVITÉ DU MUR AVEUGLE
L’idéalisme aveugle est réactionnaire
effrayant mortel (blind idealism is reactionary
scary deadly) peut-on y lire en lettres
majuscules blanches. Sur ce mur aveugle,
jouxtant l’ancienne voie ferrée aérienne du
Lower West Side, on s’attend d’avantage à
voir placardée l’image publiciataire d’une
jeune femme vantant les mérites d’un
luxueux sac que l’adaptation d’une citation
du philosophe afro-caribéen Frantz Fanon
(1925-1961). La déclaration originale de
ce penseur révolutionnaire postcolonial,
« L’idéalisme aveugle est réactionnaire »,
suggère que les convictions politiques ou
religieuses découlent des situations dont
elles sont issues, et non de la nature profonde
des êtres humains. Or, la reprise de ce
propos engagé dont Barbara Kruger choisit
de barrer les deux avant-derniers mots fait
pencher la signification de la phrase en
faveur d’une lecture que l’on peut qualifier
de plus hésitante, d’anxieuse même. L’interprétation
de la plasticienne reflète, selon
elle, « comment nous sommes les uns pour
50

Sans Titre (Blind idealism is ...), 2016, peinture murale, High Line, New York. © de l’artiste / Courtesy The Friends of the High Line / Sprüth Magers / photo : Timothy
Schenck
Dans son travail, Kruger souhaite saper les
stéréotypes de la société de consommation et
remettre en question les structures de pouvoir.
les autres au sein des jours et des nuits qui
nous construisent ». Cette formule questionne
la situation politique de son pays en
2016, lorsque Donald Trump parvient au
pouvoir, mais qui résonne encore au regard
du climat politique actuel. Dépouillées de
leurs images et présentées dans des lieux
publics, les récentes œuvres de Barbara
Kruger sont toujours plus radicales. Il s’agit
pour elle de partager son point de vue sur
l’actualité mais aussi d’attiser l’imaginaire
et les émotions du spectateur. L’œuvre qui
nous occupe ainsi que les créations in situ
qui pourront être découvertes à l’occasion
de son exposition à Berlin, proposent
une expérience intense. Quelques mots
placardés en lettres capitales introduisent
le doute dans l’esprit du spectateur et ont
pour objectif de lutter contre les certitudes
et comportements établis de celles et ceux
qui les découvrent.
VISITER
Barbara Kruger
Neue Nationalgalerie – Kulturforum
Berlin
www.smb.museum
du 29-04 au 28-08
51

Satyre au repos, ca. 80 ap. J.-C., marbre de Thasos, Rome, Italie. Paris, Musée du Louvre, département des Antiquités grecques, étrusques et romaines. © Musée du
Louvre / Dist. RMN-Grand Palais / photo : Daniel Lebee – Carine Deambrosis
52

Rome, les vestiges
de l’Empire
Les antiquités romaines gardent
toujours une place à part dans
l’imaginaire occidental. Symbole
du classicisme et affirmation de
la puissance d’un Empire aux
dimensions gigantesques, les
objets et œuvres d’art attachés à
cette civilisation demeurent une
valeur sûre du marché, à l’abri de la
spéculation.
TEXTE : GILLES BECHET
La fascination pour les pièces de
l’Antiquité romaine a contribué à la
naissance de la Society of Antiquaries
de Londres, en 1718. Elle
précéda de quelques dizaines d’années
celle des Dilettanti, société savante qui
rassemblait de jeunes hommes bien nés
souhaitant étudier l’Antiquité à partir
des objets plutôt que des textes. C’était
aussi l’époque du Grand Tour par lequel
les lords parachevaient leur éducation
classique. De cet incontournable voyage
à Rome, ils ramenaient divers objets en
bronze, marbre, pierre ou verre pour en orner
leurs country houses, et parfois acquis
auprès de marchands anglais établis sur
place. Ces premières collections privées en
Grande-Bretagne, dont les pièces majeures
battent toujours des records en salle de
vente, expliquent pourquoi Londres est
toujours une des places les plus actives sur
le marché des antiquités romaines.
FRAGMENT D’HISTOIRE
Si l’on tient compte de la longévité d’une
civilisation qui a prospéré pendant près
de sept siècles du Northumberland au Détroit
de Gibraltar, de la Galice à l’embouchure
du Rhin et du Danube, et a exercé
son influence jusqu’aux confins du Levant,
le nombre d’objets et d’artefacts liés à la
civilisation romaine est énorme, avec une
qualité forcément très variable. « C’est
un marché très stable à l’abri des spéculations
», analyse maître Alexandre Giquello,
commissaire-priseur et président
du conseil d’administration de Drouot
Patrimoine. « Les pièces exceptionnelles
engendrent des prix exceptionnels tandis
que les pièces moyennes demeurent très
abordables. » Présente au Sablon depuis
trente-cinq ans avec sa Galerie Archeo,
Nelly Drees confirme cette tendance :
« Les pièces de qualité ont toujours été
difficiles à trouver et il a toujours fallu
payer le prix pour les avoir, même à mes
débuts. Le prix des pièces plus moyennes
n’a pratiquement pas augmenté, à peine
de 5 à 10 %. » Rome fascine toujours plus,
il suffit de se rappeler le succès d’Astérix,
partout en Europe, celui d’un jeu vidéo
comme Rome : Total War ou les séries télévisées
qui n’en finissent pas de revisiter le
« Dans les grandes
familles, vous
trouverez toujours
dans une vitrine
quelques objets
romains qui sont
là depuis plusieurs
générations. »
NELLY DREES
53

«L'origine et la qualité
du matériau font la
différence. Une pièce
de marbre blanc est
plus désirable qu'un
morceau de calcaire
ou de basalte.»
DANIEL LEBEURRIER
Buste à demi-nu représentant l’empereur Lucius Verus (130-169), Rome, période antonine, ca. 130-192 ap.
J.-C., H. 72 cm. Binoche et Giquello, Paris, 09-02-2021 © Binoche Giquello / Drouot - 169.000 €
genre du péplum. La collection d’antiquités
romaines, moins prisée que celle des
antiquités égyptiennes, et moins recherchée
que les antiquités grecques constitue
pourtant la mère des collections antiques.
Elle séduit des connaisseurs attachés à
l’histoire et peut faire remonter l’écume
des études gréco-latines. « Dans les
grandes familles, vous trouverez souvent
dans une vitrine quelques objets romains
qui sont là depuis plusieurs générations »,
précise Nelly Drees. Il est indéniable que,
au-delà de leur valeur archéologique, une
statue d’Aphrodite ou un buste d’empereur
ont aussi un effet décoratif. C’est
un fragment d’histoire qui se mêle à des
objets et pièces de mobilier classiques ou
contemporains.
LES BEAUX MARBRES
Si les acheteurs se répartissent principalement
en France, Belgique, Allemagne,
Royaume-Uni et Europe centrale, les
ventes en ligne des grands auctioneers
attirent des acheteurs asiatiques. « Les
antiquités romaines sont recherchées tant
par des collectionneurs que par des décorateurs.
Des pièces plus importantes, avec
un caractère décoratif plus marqué, sont
souvent vendues à des collectionneurs par
l’intermédiaire d’un agent ou d’un décorateur.
Les plus petits objets sont acquis
directement par des collectionneurs ou
amateurs. Mais les grandes pièces spectaculaires
sont chères et rares », précise
Allan Anawati du site de vente en ligne
canadien Medusa-Art. Sans surprise,
les pièces les plus recherchées sont les
beaux marbres. La sculpture romaine se
caractérise notamment par la finesse et le
réalisme de ses portraits. L’art du portrait
contribuait à l’élaboration d’un langage
commun aux élites de l’Empire. Rome
a popularisé le format du buste auquel
étaient attachées des fonctions spécifiques,
qu’elles soient honorifiques, funéraires
ou cultuelles. « Il n’y a pas de ‘‘style
romain’’, c’est la provenance et la qualité
du matériau qui feront la différence. Un
marbre blanc est plus recherché qu’une
pièce en calcaire ou en basalte », note Daniel
Lebeurrier de la Galerie Gilgamesch à
Paris. Le 6 juillet dernier, un torse d’Hercule
en marbre du IIe siècle avant notre ère
était vendu 97.325 euros à un acheteur de
54

Hong Kong. Dans la même vente, une Vénus
en bronze était adjugée 20.660 euros.
Le 7 décembre, un marbre d’Aphrodite du
IIe siècle de notre ère, estimé entre deux et
trois millions de livres sterling était adjugé
18.582.000 livres (22.289.480 euros) chez
Sotheby’s, à Londres. La statue, demeurée
en Ecosse dans la famille du duc de Hamilton
pendant 144 ans, était acquise, elle
aussi, par un collectionneur asiatique.
DE COLLECTION EN COLLECTION
Dans l’intimité de sa petite galerie du
Sablon, Nelly Drees mêle antiquités
grecques, égyptiennes et romaines. On y
voit quelques petites têtes en marbre, une
statue d’Esculape, mais l’antiquaire tient
à attirer l'attention sur une belle lampe à
huile en bronze, en forme de pied, du IIe
ou IIIe siècle. Proposée à 7.000 euros, elle
ne devrait pas tarder à trouver preneur :
« Les lampes à huile sont assez recherchées
en ce moment. Les gens aiment en
disposer trois ou quatre dans une vitrine. »
Elle pointe aussi deux sesterces de Marc-
Aurèle en excellent état, proposées à 950
euros. Ce genre d’objet excite l’imagination
lorsqu’on se met à penser à ce que, il y a un
peu moins de deux millénaires, cette mon-
Balsamaire à tête de femme représentant Turan,
Atelier Etrusque, IVe siècle av. J.-C., bronze. Binoche
et Giquello, Paris, 26-02-2021. © Binoche et Giquello /
Drouot - 16.250 €
Marcellus, ca. 20 av. J.-C., marbre. Paris, musée du Louvre, département des Antiquités grecques,
étrusques et romaines. © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / photo : Hervé Lewandowski
55

L’art du portrait
contribue à
l’élaboration
d’un langage
commun aux élites
de l’Empire.
naie permettait d’acheter. Comme souvent
pour les antiquités, les pièces sortiespassé
circulent de collection en collection.
Nelly Drees : « D’anciens collectionneurs
viennent me proposer des pièces qui n’intéressent
plus leurs enfants plutôt attirés
par l’art contemporain. Sinon, on achète
beaucoup en salle de vente ou chez de
jeunes confrères qui se trompent parfois
sur la valeur d’une pièce. ».
UN POISON QUI SAPE
En 2020, les brigades de Carabinieri chargées
de la protection du patrimoine culturel
italien mettaient à jour dans la région
de Pompeï et d’Herculanum 24 chantiers
de fouilles clandestins, arrêtaient 68
tombaroli, ou pilleurs de tombes, et récupéraient
près de 17.503 objets archéologiques
sortis illégalement de terre. Depuis
quelques années, les autorités italiennes
ont redoublé d’efforts pour assurer la protection
de leur héritage culturel, sommant
le musée Getty de Los Angeles de rétrocéder
des fresques illégalement sorties de
Pompeï, ou le Metropolitan de New York
de rendre statues et vases sortis en fraude
de la péninsule. En avril 2021, deux carabiniers
en mission à Bruxelles repéraient
dans la vitrine d’un antiquaire du Sablon
une statue présumée volée à Rome en
2011. Pour sa défense, le galeriste argua
que la pièce avait été acquise en toute
bonne foi dans une salle de vente réputée
de Londres. « Bien sûr, je n’ai pas de problème
à restituer un objet volé. Dans le cas
qui nous occupe, on n’a pas présenté de
preuves que l’objet a été volé. En Belgique,
on ne sait plus ce qu’on a le droit d’acheter.
L’Italie applique ses lois sur tout le territoire
de l’Union européenne. On est dans
le flou juridique le plus complet. Du coup,
je n’achète et je ne vends plus d’antiquités
romaines pour le moment et j’envisage de
m’installer en France. » Le trafic d’anti-
Casque de gladiateur, Rome ?, bronze. Paris, Musée du Louvre, département des Antiquités grecques,
étrusques et romaines. © Musée du Louvre, dist. RMN – Grand Palais / photo : Thierry Ollivier
Flacon, Famars, Nord ?, 100-200 ap. J.-C. Paris, Musée
du Louvre, département des Antiquités grecques,
étrusques et romaines. © RMN-Grand Palais (musée
du Louvre) / photo : Hervé Lewandowski
56

« C’est un marché
très stable, à l’abri
des spéculations.
Les pièces
exceptionnelles
ont des prix
exceptionnels et
les pièces moyennes
restent très
abordables. »
ALEXANDRE GIQUELLO
Tête d’Auguste portant la couronne de chêne, début du Ier siècle ap. J.-C. Ancienne collection Campana.
Paris, Musée du Louvre, département des Antiquités grecques, étrusques et romaines. © RMN-Grand Palais
(musée du Louvre)
quités est un poison qui sape l’image des
professionnels, même s’il demeure très
minoritaire. « C’est une grande angoisse
pour les commissaires-priseurs. On peut
se retrouver face à de faux certificats
d’origine souillés et laissés dehors pour les
vieillir artificiellement », pointe Maître Giquello.
Le vrai problème pour les salles de
vente sont plutôt les objets restés depuis
plusieurs générations dans des collections
familiales et pour lesquels il n’y a pas de
documents d’authenticité. « Il ne se passe
pas une semaine sans qu’on reçoive trois
ou quatre pièces de ce type à Drouot. Si
on me présente un objet sans provenance,
je ne le prends pas. Par contre, quand
ils apparaissent dans une succession, je
demande à la famille de me faire une déclaration
sur l’honneur. Il y a aujourd’hui
une tendance insidieuse à inverser la présomption
d'innocence. C’est au collectionneur
ou au marchand d’apporter la preuve
que l’objet a été acquis légalement et non
plus aux autorités à prouver qu’il a été volé
ou pillé. » Si la convention de l’UNESCO
de 1970 semblait avoir tracé les lignes de
conduite sur le marché des antiquités,
celui-ci n’est pas à l’abri du changement de
regard qu’on porte sur l’Histoire, sur son
passé, mais aussi sur son présent. Les collections
d’antiquités romaines du Louvre
comptent parmi les plus importantes
hors d’Italie. A l’occasion de la fermeture
temporaire des salles parisiennes, près
de 300 chefs-d’œuvre sont exposés à Lens
afin de raconter les grandes inflexions qui
ont façonné Rome, contribué à sa grandeur
et à la fascination qu’elle continue
de susciter, de sa fondation légendaire en
753 avant notre ère jusqu’à la chute de
l’empire en 476.
VISITER
Rome, la cité et l’Empire
Louvre-Lens
www.louvrelens.fr
du 06-04 au 25-07
57

Il y a 150 ans,
naissait Mondrian…
Regarder, mesurer, danser, sentir
Composition aux lignes jaunes, 1933, huile sur toile, 80,2 x 79,9 cm. La Haye, Kunstmuseum.
L’immense collection de tableaux
et dessins de Piet Mondrian que
possède le Kunstmuseum de La
Haye influence son fonctionnement
de, comme en témoigne
l’exposition Autour de Mondrian.
TEXTE : BERNADETTE VAN DER GOES
La conservatrice Caro Verbeek,
responsable de Mondrian et du
mouvement De Stijl au Kunstmuseum
de La Haye, ne cache pas sa
joie face au tableau Composition en losange
avec lignes grises. Pour l’occasion, elle fait
jouer un morceau de ragtime, précurseur
du jazz dont Mondrian raffolait à l’époque
où, en 1918, naquit cette toile en forme
de losange : « La musique était à quatre
temps. On retrouve ce rythme dans le
tableau. Les quatre côtés du losange se
composent de huit blocs auxquels celui-ci
s’applique. Mondrian peignit deux diagonales
dans chaque bloc. Là encore, avec le
pied, on peut battre une mesure à quatre
temps. » Ce n’est pas le seul tableau de
Mondrian où la musique est présente. À
côté du losange se trouve Composition avec
grille 9, échiquier aux couleurs vives, réalisé
un an plus tard. Un rectangle composé
de seize blocs sur seize. Soit quatre fois le
58

« En utilisant plusieurs
sens, on ressent mieux
ce que le peintre a
voulu dire. »
rythme à quatre temps. À première vue, il
s’agit d’un tableau monotone, tant qu’on n’a
pas découvert, en battant la mesure, que
ses blocs de couleur possèdent leur propre
rythme, par deux, par groupe ou séparément.
Il n’y a donc là rien de laborieux,
plutôt un bon swing !
DES ORGANES SENSORIELS
MIS À CONTRIBUTION
Caro Verbeek s’est fixée pour mission de
mieux faire comprendre l’œuvre de Piet
Mondrian (1872-1944) à un large public.
Depuis juin 2021, elle est la conservatrice
de la plus grande collection de Mondrian
au monde. Elle a succédé à Hans Janssen,
grand connaisseur de l’artiste, qui a pris
sa retraite et est décédé fin décembre.
Que ressent-elle à diriger une collection
aussi importante ? « C’est très particulier.
Il m’arrive de me réveiller et de penser :
est-ce bien réel ? Je le perçois comme un
immense privilège, comme femme, universitaire
et conservatrice. Mondrian fut l’un
des artistes les plus influents et géniaux
du XXe siècle. Il est merveilleux de pouvoir
Composition en losange avec lignes grises, 1918,
huile sur toile, 84,5 x 84,5 cm. La Haye,
Kunstmuseum.
Paysage marin, 1909, huile sur carton, 34,5 x 50,5 cm. La Haye, Kunstmuseum.
s’intéresser à lui et d’étendre mes connaissances
en ce lieu. » Spécialisée dans les
avant-gardes du début du XXe siècle, elle
nourrit un intérêt particulier pour ce qui
est sensoriel dans l’art. Sa thèse, présentée
en octobre 2020, portait sur l’odorat et
l’odeur dans le futurisme. Elle se considère
donc avant tout comme historienne de
l’art et des sens : « Les connaissances ne
s’acquièrent pas uniquement par la langue.
Vous pouvez tenter de comprendre les
tableaux de Mondrian en lisant des livres
à leur sujet et en les examinant de près.
Mais, en utilisant les autres organes sensoriels,
on sent mieux ce que le peintre a
voulu dire ; en écoutant la musique qu’il aimait,
en battant la mesure de ses tableaux,
en humant certaines odeurs et en faisant
bouger son corps. J’appelle cela ‘‘embodied
cognition’’, une approche qui émerge dans
le monde tant universitaire que muséal. Il
apparaît de plus en plus clairement que les
connaissances et l’expérience peuvent se
compléter sans pour autant être aux antipodes.
Mondrian était également de cet
avis. Ses œuvres abstraites, qu’il qualifiera
plus tard de Néoplasticisme, étaient, selon
lui, non seulement visuelles, mais aussi
acoustiques et basées sur le mouvement. »
Caro Verbeek a récemment appris à danser
le boogie-woogie pour en savoir plus
sur un des chefs-d’œuvre du musée, le dernier
tableau de Mondrian, intitulé Victory
Boogie Woogie (1942-1944) : « Nous étions
« Trois senteurs
aident le visiteur à
percevoir l’évolution
de Mondrian. »
là à danser devant ce tableau, ce qui en
soi est très particulier. J’ai alors remarqué
que c’est une danse très saccadée, avec de
nombreux mouvements horizontaux et
verticaux. Mondrian aimait danser, il prenait
cela très au sérieux. Nous savons qu’il
dansait souvent le boogie-woogie à New
York, à l’endroit même où ce tableau vit le
jour. Ces mouvements y sont perceptibles.
Mondrian a souhaité établir un lien avec
l’essence sous-jacente de la réalité visible
dans ses tableaux abstraits, à l’aide de
compositions de surfaces, de couleurs primaires
et de lignes. Il les qualifiait souvent
des rythmes universels et a beaucoup écrit
à ce sujet. En découvrant ses œuvres avec
tous ses sens, le public peut en faire véritablement
l’expérience. C’est la raison pour
laquelle je souhaite organiser des visites
guidées sensorielles spécifiques. »
59

Composition avec grille 9 : Échiquier aux couleurs vives, 1919, huile sur toile, 86 x 106 cm. La Haye,
Kunstmuseum.
Lisette Model, ouverture de l’exposition Masters of
Abstract Art dans le Helena Rubinstein New Art Center,
New York, 1er avril 1942 (le deuxième à droite est Piet
Mondrian). Collection RKD – Nederlands Instituut voor
Kunstgeschiedenis.
« Depuis les
années 1970, notre
collection Mondrian
a revêtu une
importance décisive
pour le musée. »
COLLECTIONNEURS IMPORTANTS
À l’occasion de l’anniversaire de la naissance
de Mondrian, Caro Verbeek et le
directeur du musée Benno Tempel ont
souhaité organiser une grande exposition.
Celle-ci détaille son parcours exploratoire,
depuis les paysages dans le style de l’École
de La Haye, en passant par les paysages de
mer et de dunes baignant dans la lumière
et les couleurs, aux œuvres cubistes, à l’abstraction
géométrique du mouvement De
Stijl jusqu’au Néoplasticisme, en association
avec les œuvres de ses contemporains
et d’artistes actuels. Presque toutes ces
œuvres proviennent de la collection du
musée. Caro Verbeek : « Depuis les années
1970, la collection Mondrian a revêtu une
importance décisive dans notre politique
d’acquisition, notre façon de collectionner
et de considérer notre collection d’art
contemporain. Nous achetons régulièrement
des œuvres d’artistes actuels ayant
une affinité avec Mondrian. Cela permet de
considérer à quel point ce dernier continue
d’exercer une influence artistique.
Dans l’exposition, nous accompagnons les
visiteurs et les invitons à établir ces liens
eux-mêmes. » Avec trois cents dessins et
tableaux, le Kunstmuseum de La Haye possède
la plus grande collection de Mondrian
au monde et en est devenu le plus important
centre de connaissances. La collection
a débuté dans les années 1930. Lorsque le
musée a déménagé en 1935 dans le prestigieux
bâtiment de l’architecte H.P. Berlage,
il possédait déjà un petit nombre de ses
premières œuvres figuratives. Parmi elles
figurait aussi une œuvre de la période néoplasticiste,
Composition aux lignes jaunes
(1933). En 1931, l’artiste Charley Toorop
réunit des fonds afin de l’offrir à un musée
d’Amsterdam, à l’occasion du soixantième
anniversaire de l’artiste. Le résultat ne fut
hélas pas celui escompté, ni le Stedelijk
Museum ne se montrèrent intéressés. Le
musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam
refusa également la toile qui fut
dès lors proposée au Kunstmuseum dont
elle constitue aujourd’hui un des chefsd’œuvre
: « Il s’agit d’une des deux œuvres
des années 1930 que nous possédons de
lui. Mondrian a longtemps travaillé à Paris,
où il fut découvert par des collectionneurs
de France, d’Angleterre, d’Allemagne, de
Suisse et des États-Unis. Les œuvres de
cette époque sont rares aujourd’hui aux
Pays-Bas. » Le Kunstmuseum doit à deux
collectionneurs et à un directeur dynamique
de posséder la plus importante
collection d’œuvres de Mondrian. Son ami
d’enfance, Salomon B. Slijper, possédait
de nombreuses œuvres. « J’apprécie que
tu collectionnes mes œuvres et conserves
les choses pour moi », écrivait Mondrian à
Slijper en 1919. Dix ans plus tard, il exprima
le souhait que ces œuvres soient si possible
conservées ensemble, de préférence dans
« l’abri sûr d’un musée ». Mondrian avait
déjà auparavant fait part du même vœu
à un autre ami d’enfance, Albert van den
Briel qui possédait également un ensemble
d’œuvres. Lorsqu’en 1951, Louis Wijsenbeek
prit ses fonctions de directeur, il vit
immédiatement l’importance de l’art de
Mondrian pour l’institution et entretint dès
lors des contacts intensifs avec ces deux
collectionneurs, veillant ainsi à un rythme
constant de prêts et de dons. À sa mort en
1971, le musée hérita de toute sa collection
qui comptait près de deux cents œuvres.
SOINS DENTAIRES
Des œuvres de Mondrian furent également
acquises dans les années suivantes. En
1998, le gouvernement néerlandais lui accordait
le tableau Victory Boogie Woogie en
prêt à long terme. Depuis lors, la collection
s’est enrichie d’acquisitions et de dons. Caro
60

Verbeek : « Mondrian intéresse toujours les
collectionneurs. Nous avons récemment
obtenu en prêt un dessin de grande taille
que Mondrian a réalisé dans sa jeunesse à
Winterswijk. Il appartenait à l’origine à un
dentiste d’Amsterdam qui possédait aussi
cinq œuvres avec lesquelles Mondrian avait
payé ses soins dentaires. Au décès du dentiste,
ses quatre enfants en héritèrent. Une
de ses petites-filles a décidé de nous prêter
son dessin à long terme. Lorsqu’une œuvre
apparaît sur le marché, nous sommes
toujours intéressés. En particulier des
œuvres qui en disent plus sur l’évolution
de Mondrian, du réalisme à l’abstraction,
ou s’il s’agit d’un tableau inachevé. Mondrian
travaillait beaucoup par intuition, il
n’avait pas de plan préconçu, il changeait
en permanence. Un processus de création
parfois très perceptible, par exemple dans
Victory Boogie Woogie. Il serait formidable
de pouvoir acquérir un troisième tableau
des années 1930. Des particuliers possèdent
encore beaucoup d’œuvres. Dans les
années qui viennent, je souhaite développer
les relations avec ces collectionneurs.
» L’institution investit en outre dans
les objets et écrits aidant à mieux comprendre
l’œuvre de Mondrian. L’aile spéciale
réservée à Mondrian et au mouvement De
Stijl montre que son art s’inscrivait dans
une vaste évolution culturelle réunissant
peinture, design et architecture. L’exposition
actuelle accorde aussi une grande
attention à nombre d’aspects singuliers de
l’art et de la vie de Mondrian, à ses idées
sur le mouvement et sur la musique. « En
1921, dans une lettre à Nelly van Doesburg,
Mondrian exprimait son enthousiasme
pour les premiers instruments de musique
électroniques et son intention d’en créer un
lui-même. Il percevait ce progrès comme
une possibilité d’associer art abstrait et
musique. La même année, il présentait à
Paris les machines à bruit du futuriste Luigi
Russolo. Nous en avons emprunté des répliques
pour l’exposition. » Afin de stimuler
davantage leurs sens, les visiteurs pourront
écouter une musique spécialement composée
pour Victory Boogie Woogie. Mais les
odeurs que Caro Verbeek a fait développer
par les parfumeurs Birgit Sijbrands et Anh
Ngo d’International Flavors & Fragrances,
pour les trois maquettes des ateliers de
« Il serait formidable
de pouvoir acquérir
un troisième tableau
des années 1930. »
CARO VERBEEK
Mondrian, sont peut-être ce qui surprendra
le plus. On pourra littéralement les humer
sur place. « L’art de Mondrian a toujours
eu une incidence sur l’aménagement de
ses ateliers. Ces espaces sont au fond une
extension de son art. À Paris, il tapissa
ses murs blanc de morceaux de carton de
couleur afin d’expérimenter une composition
avec rythme et harmonie. Lettres,
livres, articles de journaux et photographies
ont largement décrit cette initiative. Nous
en connaissons aussi les meubles, objets
et matériaux. Trois odeurs perceptibles de
l’évolution de Mondrian vers l’abstrait ont
ainsi vu le jour. La première, de l’atelier amstellodamois,
est lourde, tandis que celles
des ateliers de Paris et New York sont plus
légères et simples. Pourtant, à Paris, l’odeur
du charbon en combustion faussait cette
atmosphère de simplicité et légèreté. »
VISITER
Autour de Mondrian
Kunstmuseum La Haye
www.kunstmuseum.nl
du 02-04 au 25-09
LIRE
Victory Boogie Woogie, 1942-1944, huile, ruban adhésif papier, fusain et crayon sur toile, 127,5 x 127,5 cm. La
Haye, Kunstmuseum, en prêt du Ministère de l’Éducation, de la Culture et des Sciences.
Hans Janssen, Benno Tempel et Lieke Wijnia,
Piet Mondrian. L’homme qui a tout changé,
Waanders, Zwolle, 2017,
ISBN 978-9-46262-410-8
61

Giovanni Boldini
Chantre de l’esprit du temps
Portraitiste virtuose, observateur
attentif de la haute société qu’il
admirait et fréquentait, Giovanni
Boldini fut l’une des plus grandes
gloires du Paris de la Belle Epoque
rendant compte d’un œil acéré de
l’effervescence d’une capitale à la
pointe de la modernité, ce peintre
mondain et opportuniste, proche
d’Edgar Degas, fut très influencé
par Edouard Manet. Sa touche vive
et déliée annonce à certains égards
les développements futurs de
l’abstraction lyrique.
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
Portrait de Lady Colin Campbell, née Gertrude Elizabeth Blood, 1894, huile sur toile. Londres,
National Portrait Gallery.
Né à Ferrare en 1842, Giovanni
Boldini passera la majeure
partie de sa vie dans la Ville
Lumière. Il y est vite introduit
dans les milieux artistiques et devient
proche de Degas. Protégé du marchand
Adolphe Goupil, il se fait remarquer par le
choix de ses sujets qui évoquent le bouillonnement
de la vie parisienne. Boldini
profite des loisirs qu’offre la capitale et sort
tous les soirs au théâtre, au restaurant en
emportant toujours avec lui ses crayons.
Les lumières nocturnes créées par le
nouvel éclairage électrique le fascinent
ainsi que les mouvements incessants de
cette ville qui ne s’arrête jamais, dont il
tire d’abord quantité de scènes de genre.
Pourtant, ce sont ses portraits qui vont lui
apporter le succès. Car, Boldini saisit d’une
manière très moderne, mais à contrecourant
des avant-gardes, tout ce que la
capitale française compte alors d’héritières,
de princesses, de dandys, d’artistes
62

Portrait de Miss Bell, 1903, huile sur toile. Gênes,
Raccolte Frugone – Musei di Nervi.
Portrait de Lawrence Alexander ‘‘Peter’’ Harrison, 1902, huile sur toile. Collection particulière, Larry Ellison.
et d’écrivains. Ses portraits, qui vont fixer
à jamais le tout-Paris de la Belle Epoque,
rappellent les personnages d’À la Recherche
du temps perdu de Marcel Proust, l’un de ses
plus grands admirateurs. Dans ses tableaux,
le peintre témoigne également de son goût
prononcé pour la mode, brossant à grands
traits les plus belles tenues des couturiers
Worth, Poiret ou Doucet. Au fil de ses commandes,
il développe un style qui sera sa
signature : une touche rapide, une attention
à la pose du modèle, une mise en valeur
de la ligne serpentine des corps. Ll’historien
de l’art Christophe Leribault, actuel
directeur du musée d’Orsay, précise : « Sans
vouloir à tout prix tirer Boldini du côté de la
modernité, on osera tout de même suggérer
qu’il fut capable d’une audace picturale
certaine, qui le fit parfois presque cousiner,
par sa quête gestuelle du mouvement, avec
le futurisme, comme le remarqua d’ailleurs
Guillaume Apollinaire. »
DÉSARMANTE ASSIMILATION
DE STYLES
A Ferrare, Boldini travaille d’abord sous
l’aile protectrice de son père Antonio,
peintre et restaurateur d’un certain renom
qui enseigne les rudiments de son métier
au huitième de ses treize enfants. Très tôt,
il s’intéresse aux grands peintres du Quattrocento
et à l’œuvre de son compatriote
Dosso Dossi. Ses condisciples et confrères
ferrarais louent sa capacité d’observation
perspicace, sa stupéfiante rapidité d’exécution
et sa facilité désarmante d’assimilation
de styles, de techniques et de genres
très éloignés les uns des autres. Vite réputé
pour la qualité de ses portraits, le jeune
Giovanni s’installe dès 1861 à Florence où
il étudie à l’Académie et entre en contact
avec les Macchiaioli, groupe de peintres
influencés par les impressionnistes qui
rejettent l’académisme, préconisant l’immédiateté
et la fraîcheur de la touche. À
La sagacité de
l’introspection
psychologique de ses
portraits va de pair
avec la remarquable
capacité de Boldini
à restituer l’esprit du
temps.
Florence, il invente une nouvelle manière
de portraiturer ses amis et commanditaires
sur des tableautins caractérisés
par leur fraîcheur naturaliste. En voyage
à Paris, lors de sa visite de l’Exposition
universelle de 1867, il rencontre Edgar
Degas, Edouard Manet, Alfred Sisley, Gustave
Caillebotte, et voue une admiration
63

Portrait de la princesse Marthe-Lucile Bibesco, 1911, huile sur toile. Collection particulière.
Feu d’artifice, 1892-1895, huile sur toile. Ferrare, Museo Giovanni
Boldini. Cette toile imposante (200 x 99,5 cm) est l’une des plus
fameuse de l’artiste. Avec sa touche caractéristique de ses œuvres
de maturité, Boldini y dématérialise la robe de son modèle et
enveloppe sa silhouette dans une sorte de halo vaporeux. Véritable
sceau pictural de l’artiste, la touche semble effleurer l’abstraction et
dénote une liberté formelle tout à fait inhabituelle pour l’époque.
Boldini saisit d’une
manière très moderne,
mais à contre-courant
des avant-gardes,
tout ce que la capitale
française compte
alors d’héritières, de
princesses, de dandys,
d’artistes et d’écrivains.
particulière à Camille Corot. A Londres,
dès 1869, il connaît un premier succès
mondain grâce aux nombreux petits portraits
de dames de haut rang qu’il réalise.
Mais, c’est Paris qui l’appelle, où il s’installe
dès 1871. Il s’y consacre d’abord, avec un
succès inattendu, au revival d’un XVIIIe
siècle sensuel et pétillant, à des scènes de
genre aux couleurs éclatantes, ciselées
à la pointe du pinceau autant et mieux
que celles d’un Ernest Meissonier ou d’un
Mariano Fortuny. Ces scènes lui valent
les faveurs des collectionneurs bourgeois
européens et américains. Dans les années
1880, lorsqu’il multiplie les études et les
voyages, toujours en quête de sa propre
dimension artistique, il se laisse tenter
par les recherches des artistes ‘‘indépendants’’.
Il se concentre sur d’audacieuses
expérimentations d’effets de lumière et de
compositions dynamiques, menées dans
les rues, les cafés et les théâtres de la Ville-
Lumière, comme l’avaient déjà fait Édouard
Manet et Edgar Degas. L’élaboration de son
futur style, qui atteindra sa pleine maturité
à l’aube du XXe siècle, est le fruit de
maintes expériences et d’une vaste culture
picturale, comme le souligne la commis-
64

saire de l’exposition parisienne, Barbara
Guidi : « Les connaissances de Boldini
vont de Jean-Auguste-Dominique Ingres
aux écoles hollandaise, flamande et espagnole
du XVIIe siècle, de la grande école
du portrait anglais illustrée par Joshua
Reynolds et Thomas Gainsborough, aux
maîtres italiens. Parmi eux, on aurait tort
d’oublier Gian Lorenzo Bernini, l’artiste
qui, à travers la fusion de la commémoration
et de la vie, avait forgé une nouvelle
conception du portrait qui éternisait le
modèle tout en le saisissant dans un instant
éphémère et dont la portée novatrice
fut bien comprise par Boldini. »
BEAUTÉ ‘‘BOLDINIENNE’’
Son talent pictural hors du commun, sa
forte personnalité et la finesse de son sens
des affaires permettent à Giovanni Boldini
de rester à la mode pendant six longues
décennies, durant lesquelles il parvient à
apprivoiser la riche et impitoyable société
cosmopolite parisienne. Au plus fort de
ce succès, les plus grandes aristocrates se
font ainsi maigrir en s’imposant de véritables
tortures rien que pour ressembler
à la femme idéale selon les canons de la
beauté ‘‘boldinienne’’, longiligne et croulant
sous les artifices. Aujourd’hui encore,
ces portraits possèdent un fort pouvoir
de séduction qui révèlent les dons d’un
peintre impulsif, non dénué d’un certain
regard sarcastique… De fait, le pinceau de
Boldini a immortalisé des personnages de
premier plan de toute une époque, allant
de Robert de Montesquiou à la marquise
Luisa Casati, de la danseuse étoile Cléo de
Mérode aux membres de la famille Vanderbilt.
Ces grands portraits en pied livrent
ainsi à la postérité des princesses et des
demi-mondaines, des aristocrates et des
actrices, des artistes et des parvenus, mais
aussi et surtout les épouses des riches
magnats de l’industrie et de la finance du
Vieux et du Nouveau Continent. Sur ces
tableaux, elles apparaissent splendides,
longilignes, élégamment vêtues d’un
bruissant assemblage de satins, de soies,
de taffetas, saisies dans des poses affectées
et théâtrales. Le peintre les éternise sur de
grandes toiles couvertes d’énergiques et
larges coups de pinceau, avec leurs lèvres
entrouvertes, leurs regards vifs, leurs corps
hardiment exposés et animés d’une resplendissante
vitalité nerveuse. Même sur
ses portraits d’hommes, bien plus rares,
l’introspection psychologique va de pair
avec une remarquable capacité à restituer
Le coup de pinceau
ou de crayon relèvent
d’un langage expressif,
d’un style plutôt
que d’un mode de
représentation. C’est
moins un penchant
impressionniste que
le désir de rendre
par le pinceau
le dynamisme et
l’agitation d’une ville
moderne.
l’esprit du temps, fascinant mélange de
frivolité, de mondanité, de snobisme et
de sophistication. Icônes d’une époque,
ces représentations imposent Boldini à
partir des années 1890 comme l’un des
portraitistes les plus recherchés et comme
l’un des peintres qui inspireront le plus
les générations suivantes de stylistes, de
photographes et de costumiers. Mais la
modernité de Boldini est ailleurs : chez lui,
le coup de pinceau ou de crayon relèvent
d’un langage expressif, d’un style plutôt
que d’un mode de représentation. C’est
moins un penchant impressionniste que le
désir de rendre par le pinceau le dynamisme
et l’agitation d’une ville moderne.
En cela, Boldini annonce les futurs développements
de la peinture qui, dès les
années 1920, verra éclore les prémices de
l’abstraction lyrique.
FORTUNE CRITIQUE ET MARCHÉ
La coïncidence entre l’image de l’artiste et
celle d’un peintre mondain à succès, d’un
interprète privilégié de l’insouciance de la
Belle Époque et de la haute classe sociale
qui la symbolise, s’établit lors des années
qui précédent et qui suivent immédiatement
la Première Guerre mondiale.
Quelques mois après la mort de Boldini,
en concomitance avec la publication de
sa première biographie due à son épouse
Emilia Cardona, sa première exposition
rétrospective posthume se tient à l’hôtel
Charpentier de Paris. A cette occasion, le
critique d’art Jean-Louis Vaudoyer, alors
conservateur au musée Carnavalet, note
avec une certaine amertume que l’on
réduit Boldini au statut de peintre ayant
donné un visage à une période, le Paris de
1900. Vaudoyer blâme cette lecture facile
et superficielle d’un artiste devenu célèbre
trop tôt, « esclave et victime de ses succès»,
et résume sa situation en ces termes
: « À force d’être connu, le voici, maintenant,
presque inconnu. » Cette étiquette
mondaine lui sera appliquée tout au long
du XXe siècle, y compris lors de sa dernière
rétrospective parisienne, en 1963. La
modernité ayant la mondanité en horreur,
cela a également nui à la reconnaissance
commerciale de son talent. Aujourd’hui
encore, son marché est en berne, Artprice
signalant même une décote de -57,2 %
en 2021. Ainsi, 100 euros investis en 2000
dans une œuvre de Giovanni Boldini valaient
en moyenne 40 euros en décembre
dernier. Essentiellement concentrés aux
Etats-Unis, ses acheteurs n’hésitèrent
pourtant pas à faire monter les enchères
au-delà du million, notamment lors d’une
embellie de sa cote au début des années
2010. Le record d’enchères pour l’artiste,
détenu par Sotheby’s New York, était ainsi
établi en octobre 2010 à 5,8 millions de
dollars (4,1 millions d’euros) donnés pour
le fameux Portrait de Giovinetta Errazuriz
(1892), tandis que la même année, son Portrait
de l’artiste Lawrence Alexander Peter
Harrison (1902), était frappé 2 millions de
dollars (1,5 million d’euros), toujours chez
Sotheby’s New York. Chez Christie’s New
York, la plus haute enchère était obtenue
en octobre 2011 pour le Portrait de Marthe
Régnier (1905), fameuse comédienne de la
Belle Epoque, frappé 1,6 million de dollars
(1,2 million d’euros).
VISITER
Boldini (1842-1931). Les plaisirs et les jours
Petit Palais
Paris
www.petitpalais.paris.fr
du 29-03 au 24-07
65

Photographie,
quelle durée de vie ?
Toutes
les questions
qu’on se pose.
La photographie est un média relativement jeune et qui n’a pas
encore révélé tous ses secrets. En outre, avec l’essor du numérique, sa
conservation gagne en complexité. Au Nederlands Fotomuseum de
Rotterdam, on garde à l’œil temps et technologie. Il s’agit d’un des
seuls musées du genre, dans le Benelux, qui dispose d’un atelier de
restauration et de numérisation de photographies. Sa conservatrice,
Loes van Harrevelt, nous détaille les arcanes d’une conservation
optimale de même que les défis du futur.
TEXTE : CELINE DE GEEST
Ed van der Elsken, Vali Myers dansant dans un club de jazz, Paris (1950-1954). © Nederlands Fotomuseum
66

Découverte de moisissures sur un echtachrome d’
Ata Kandò. © Nederlands Fotomuseum
Boîte de diapos du photographe d’origine hongroise Ata Kandò. © Nederlands Fotomuseum
« La restauration
de photographie
n’a pris un caractère
professionnel que dans
les années 1990. »
Le Nederlands Fotomuseum dispose
d’un gigantesque trésor. Avec plus de
5,6 millions de photographies, l’institution
conserve le patrimoine photographique
néerlandais. Loes van Harrevelt est
en charge de la gestion de cette vaste collection.
Elle s’est mise en quête des meilleures
conditions de conservation des photographies,
veillant à ce que tout soit enregistré et
numérisé. La conservation de photographies
réalisées en format numérique et le souci de
leur présentation numérique constituent
une mission relativement récente. Dans
l’atelier de restauration, la surveillance s’est
mise au diapason, alors que l’on recherche
toujours de nouveaux restaurateurs de photos.
« Il s’agit d’un domaine très spécialisé »,
précise Loes Van Harrevelt, quatre personnes
travaillant aujourd’hui dans l’atelier
de numérisation.
LE DEVENIR DE LA PHOTOGRAPHIE
« À Rotterdam, nous avons commencé à
stocker des archives photographiques en
1989, précise Loes van Harrevelt. Auparavant,
nulle part aux Pays-Bas, les archives
n’étaient gérées de façon spécialisée. Bon
nombre d’entre elles furent donc perdues ou
abandonnées, se désintégrant d’elles-mêmes
sous l’effet de la chaleur ou de l’humidité.
C’est ainsi que nous avons aménagé des en-
trepôts frigorifiques où les négatifs sont stockés
à 3 degrés et 33 % d’humidité. Leur durée
de vie peut ainsi être prolongée de plusieurs
centaines d’années. À l’époque, nous étions
logés avec le Nationaal Fotorestauratie Atelier
et le Nederlands Foto Instituut dans la
rue Witte de With de Rotterdam. En 2003, les
trois institutions ont fusionné pour former le
Nederlands Fotomuseum. L’atelier fait donc
partie intégrante du département Collections.
Des travaux de restauration pour
particuliers y sont réalisés depuis longtemps,
même si, pour l’instant, ils ont été suspendus
car le musée est confronté à l’énorme défi de
rendre sa collection accessible numériquement.
» Cette numérisation est primordiale
afin de partager avec le public les trésors
cachés conservés dans le froid, tout en
veillant à ce qu’ils puissent rester en toute
sécurité. L’institution propose également des
tirages argentiques de ces photographies,
toujours développés ‘‘à l’ancienne’’ dans une
chambre noire. Loes Van Harrevelt : « Il
s’agit d’un marché en pleine croissance qui
suscite un véritable enthousiasme. Plus nous
numérisons d’images, plus l’offre s’agrandit.
Pour nous aider dans cette tâche, nous
avons engagé huit personnes supplémentaires.
Aujourd’hui, 9 % de la collection est
numérisée, notre objectif étant d’atteindre
les 25 %, malgré l’énorme charge de travail.
Lorsque des archives nous parviennent dans
des boîtes de déménagement ou des boîtes
à chaussures, nous devons les extraire de
leur emballage poussiéreux et les négatifs en
verre doivent être nettoyés à l’eau et à l’éthanol.
On vérifie en outre s’ils sont exempts de
moisissures. Tout doit être reconditionné et
proprement décrit. »
DÉCLIN DU VINTAGE
La durée de vie d’une photographie dépend
entièrement de la technique utilisée. Au
XIXe siècle, on s’inquiétait déjà de la durabilité
du tirage d’albumine, une des premières
techniques apparues. Loes Van Harrevelt :
« Aujourd’hui, on utilise essentiellement
des tirages à jet d’encre, que bon nombre de
fabricants prétendent éternels. Là aussi, le
temps en décidera. On constate que les photographies
en couleur sont très sensibles au
changement. Cela constitue un défi majeur
pour les photographes contemporains qui
voient leur travail se déprécier ou constatent
qu’ils pourraient obtenir de bien meilleurs
tirages grâce aux nouvelles techniques. On
touche alors directement à la question de
l’authenticité. En un sens, la dégradation
est inhérente aux photographies réalisées à
une certaine époque. Si on remplace cette
technique, ce n’est plus la même chose, ce
n’est plus du vintage. Ce qui vaut également
67

“Notre perspective
s’élargit : nous
collectionnons
davantage de
photographes aux
origines culturelles
diverses”.
Marwan Bassiouni, New Dutch Views #6, Pays-Bas, 2018, de la série New Dutch Views, 2018. © de l’artiste
pour les collectionneurs, car ils paient pour
avoir un original. Or, ce qui détermine la
valeur d’une photographie vintage, c’est le
tirage, réalisé de préférence par le photographe
lui-même, ou par un assistant sous
sa supervision directe, peu après la prise de
vue. Malheureusement, cela engendre des
tricheries. En matière de photographie, il
convient d’être très prudent, car on a souvent
affaire à des tirages tardifs. Il est donc
préférable, pour s’assurer de son authenticité,
que la photographie soit signée ou
estampillée au dos par le photographe. » La
numérisation en assurera-t-elle la conservation
éternelle ? La conservation numérique
recèle pourtant une part d’ombre. En
collaboration avec Canon, le Nederlands
Fotomuseum a développé un système
permettant de numériser, en une seule fois
et en haute résolution, des rouleaux de pellicule.
« Les photographies de nos archives
ont été numérisées dans leur intégralité, y
compris certains ratés. Pour un chercheur,
c’est idéal, car cela donne des indications
sur la façon dont un photographe a traité un
sujet. C’est cette sérialité qui est intéressante,
des pellicules qui racontent une histoire.
Mais, nous sommes devenus sélectifs,
cette numérisation massive induisant de
sérieux problèmes de stockage numérique.
Outre nos entrepôts frigorifiques, nous
devons aujourd’hui également organiser un
stockage numérique, ce qui est très onéreux.
Il faut également veiller à développer plusieurs
lieux de conservation, de préférence
répartis géographiquement. Ces fichiers
numériques requièrent également certains
soins et doivent être régulièrement contrôlés.
En outre, les hackers rôdent, ce qui fait
de la sécurité une priorité. »
CONSERVER CE QUI A DE LA VALEUR
Il n’existe pas de solution miracle pour la
conservation des photographies, qu’elles
soient analogiques ou numériques. Il faut
toujours procéder à des choix cornéliens,
la question étant de savoir quelles histoires
du passé sont les plus importantes pour le
futur : « Dans la collection, nous ne comptons
que des photographes néerlandais, nés
ou actifs depuis longtemps ici, mais tous
les sujets imaginables sont pris en considération.
Les photographes néerlandais ont
beaucoup voyagé et réalisé des documentaires
photographiques. Ils étaient présents
à des moments historiques, comme lors
de l’occupation allemande. Le nom le plus
connu dans la collection est Ed Van der
Elsken. Ses archives étaient envahies par la
moisissure. Un restaurateur en a nettoyé les
diapositives pendant deux ans, un travail
titanesque. Ce fut l’un des plus grands
projets de restauration de photographies au
monde. Heureusement, ces archives sont
aujourd’hui intégralement sécurisées. Cas
Oorthuys est également très important. Il
s’est fait connaître pour ses photographies
de voyous, réalisées dans les années 1950
à Saint-Germain-des-Prés. Aard Klein est
aussi bien représenté, auteur d’un superbe
travail d’impression et de processus artistiques
inédits en chambre noire. En jouant
avec la lumière, il ajoutait des effets aux
produits semi-finis. » Chaque archive est
analysée par le Fotomuseum qui détermine
si elle doit être conservée ou non, en raison
de leur valeur historico-artistique et de
leurs sujets. Ainsi, une note très élevée fut
attribuée aux archives d’Ed van der Elsken.
En cas de moisissures, les archives sont
prioritaires. « Au sein d’une même archive,
on détermine les parties importantes et
celles qui ne le sont pas », précise Loes Van
Harrevelt. « Par exemple, si un photographe
amateur a pris des clichés durant
la Seconde Guerre mondiale, c’est intéres-
68

sant, alors qu’il se peut que le reste le soit
moins. S’ils sont difficiles à faire, ces choix
n’en demeurent pas moins nécessaires. »
Grâce au soutien du Fonds Mondrian, le
musée peut également acquérir et conserver
des photographies contemporaines.
Loes Van Harrevelt : « C’est une bonne
chose, car nous pouvons ainsi soutenir la
jeune génération. Nos perspectives s’élargissent
de plus en plus et nous tentons de
rassembler davantage de photographes
d’horizons culturels très différents. Par
exemple, nous avons acquis une œuvre du
photographe américano-égyptien Marwan
Bassiouni (1985) qui a longtemps vécu aux
Pays-Bas, où il a photographié des paysages
typiques depuis les fenêtres de mosquées.
Nous achetons également de plus en plus
d’œuvres tridimensionnelles. Cela fait longtemps
que la photographie ne se cantonne
plus à un encadrement derrière un passepartout.
On le constate dans les foires d’art :
la photographie devient de plus en plus
expérimentale. Nous avons ainsi acquis le
travail multidisciplinaire d’Anouk Kruithof
(1981) qui combine photographie, sculpture,
installation, collage, livres d’art, vidéo,
texte et performance. »
À FAIRE ET À NE PAS FAIRE
Quiconque conserve des photographies
peut s’adresser au Nederlands Fotomuseum
pour connaître les principaux critères à respecter.
Naturellement, il faut déterminer si
Anouk Kruithof, Neutral (openhearted), 2015, de
la série #EVIDENCE, 2015. © de l’artiste / Courtesy
Boetzelaer|Nispen, Amsterdam
Cas Oorthuys, Garçon transportant une carte de l’Indonésie, 1947, de la série Un Etat en devenir, 1947.
© Nederlands Fotomuseum
ces images sont simplement à regarder ou
ont un but d’investissement. Pour les collectionneurs
qui exposent leurs photographies,
il est primordial d’éviter la lumière.
« N’exposez jamais vos photographies à la
lumière directe du soleil », recommande
Loes Van Harrevelt. « Un verre résistant aux
UV est fortement conseillé. Si vous faites
encadrer une photographie, il est important
de faire attention au matériau utilisé.
Nous avons parfois reçu des photographies
dont le dos était une plaque de MDF, lequel,
en un rien de temps, en avait ruiné les
couleurs. Il arrive que l’artiste ait lui-même
encadré une image. Lorsqu’on débourse un
très gros montant pour l’achat d’une image,
il convient d’en parler au plus tôt au photographe.
Il nous arrive également d’acheter
une image en deux exemplaires pour pouvoir
exposer l’un et conserver l’autre. Si on
souhaite seulement conserver des images, il
est préférable de les stocker dans une boîte
portant la marque de qualité PAT (Photographic
Activity Test). » Certaines images
sont vouées à résister longtemps, d’autres
non. Si on souhaite sécuriser sa collection
en la confiant à une archive professionnelle,
outre la dimension personnelle, il
faut d’abord s’interroger sur sa pertinence :
« Chaque semaine, je reçois des dizaines
d’e-mails de personnes ayant quelque
chose dans leur maison : des photos de
famille, une boîte de négatifs en verre, les
diapos de voyage de la grand-mère, c’est
fou ! Tout le monde a déjà fait des photos et,
aujourd’hui, tout le monde se photographie
numériquement. Si quelqu’un conserve de
belles images des rues d’Amsterdam dans
les années 1920, je lui recommanderais de
se rendre aux archives de la ville. J’essaie
de penser à une autre destination, mais
bien souvent, il n’y en a pas. Bien sûr, il faut
se poser la question de savoir si tout doit
être conservé. Je ne le pense pas. La tâche
la plus cruciale consiste à choisir ce qui est
important. »
VISITER
Nederlands Fotomuseum
Rotterdam
www.nederlandsfotomuseum.nl
69

Fibules et broches
Si elle fut inventée pour répondre à un besoin pratique, la fibule a fait,
dès l’origine, l’objet d’une singulière attention. Réalisée en matériaux
nobles et coûteux, finement décorée, elle assuma un rôle ornemental.
Et lorsqu’elle perdit son rôle de fermoir, elle devint tout simplement une
broche illuminant le vêtement, se déclinant à l’infini.
TEXTE : ANNE HUSTACHE
Apparue dès l’âge du bronze, la
fibule (du latin fibula, attache)
est avant tout une agrafe, soit
une épingle servant à attacher
les deux pans d’un vêtement. Généralement
composée d’un ardillon (une pointe)
et d’un arc, elle se décline en différents
modèles. Constituant une amélioration
efficace par rapport au nœud ou à l’aiguille,
la fibule sera utilisée dans de nombreuses
civilisations européennes, des Etrusques
jusqu’aux Mérovingiens. L’abondance et
la variété des fibules retrouvées lors de
fouilles permettent de dater certains sites
en se basant sur leur forme et leur style.
Si la fibule disparaît en tant que fermoir
au cours du Moyen Âge, cet accessoire
utilitaire a également été signe de richesse
mais aussi symbole de pouvoir. A Rome, au
cours du troisième siècle, un type particulier
de fibule constituait un insigne militaire
donné en cadeau aux vétérans.
Epigraphique
seconde moitié du VIIe siècle av. J.-C.
(ca. -630)
VISITER
Brussels Jewellery Week
www.brusselsjewelleryweek.com
du 28-04 au 08-05
Découverte dans une tombe de Castelluccio
di Pienza (Chiusi), cette magnifique
fibule est de type fibula a drago ( fibule à
dragon) car elle se présente de profil sous
la forme d’une boucle ronde prolongée
par une aiguille et son fourreau. Ce bijou
est décoré de chevrons, de palmettes,
de méandres et de figures géométriques
toutes réalisées en granulation de petites
perles d’or déposées les unes à côté
des autres. Une inscription en langue
étrusque, également en granulation, s’étale
en deux lignes sur le pied : « Mi araθia
velaveθnaθ zamaθi manurke mulvenike
tursikina, » soit : « Je (suis) le zamathi
d’Aranθ Velavesna ; Mamurke Tursikina
(m’)a donné ». Cette pratique du don entre
aristocrates apparaît sur d’autres fibules,
mais celle-ci s’impose comme l’une des
plus anciennes mention épigraphique des
Etrusques.
Fibule d’Arath Velavesna, dite aussi de Chiusi,
Etrurie, période orientalisante, or martelé, découpé,
soudé, granulations, 1,7 x 11,1 x 1,7 cm, poids : 15,8 g.
Paris, Musée du Louvre, inv. Bj 816.
70

On retrouve des
fibules dans de
nombreuses
civilisations, des
Etrusques aux
Mérovingiens.
Combat
ca. -250 à -200 av. J.-C.
Cette remarquable fibule de type ‘‘à pied
long’’ fut probablement fabriquée par
un artisan grec pour un commanditaire
ibérique. Son décor est particulièrement
intéressant puisqu’il consiste en un guerrier
nu, mais armé, combattant un fauve.
L’épée cassée du personnage, ainsi que le
casque et le bouclier constituent des motifs
celtiques, caractéristiques des armes
ibériques de l’époque. Plusieurs fibules
ibériques de la même époque existent
mais sont toutes en argent. Celle-ci est
donc exceptionnelle tant en raison de son
matériau que de la finesse de son décor.
Les extrémités de l’arc prennent la forme
de têtes de fauves tandis que le dessus est
surmonté d’une crête de spirales évoquant
des vagues. Des brins d’or torsadés ornent
le pied, émergeant d’un côté de la gueule
d’un chien, d’un sanglier de l’autre.
Fibule Braganza, Espagne, or massif, verre incrusté,
5 x 14 cm. Londres, The British Museum, inv. 2001,
0501.1. © The Trustees of the British Museum
Entrelacs
début du VIIe siècle
Typique du style développé en Lombardie
au VIIe siècle, le décor de cette fibule combine
des motifs d’entrelacs et des formes
animales extrêmement stylisées : les onze
boutons (il en reste 9) disposés en éventail
sur la tête du bijou sont des masques d’animaux,
tandis que des oiseaux garnissent
la partie centrale ovale, dont la base se
termine en tête de sanglier. Les entrelacs
et autres motifs sont mis en valeur par
l’usage du nielle.
Fibule à tête rayonnante, Lombardie, argent doré,
nielle. L. 16,3 cm. Londres, The British Museum, inv.
1851,0806.10.
Prestigieux
ca. 775-800
Trouvée en 1969 dans un puits à Dorestad,
cette grande fibule s’est imposée comme
l’une des découvertes archéologiques
majeures des Pays-Bas. Fabriquée en or
et sertie d’émaux cloisonnés de diverses
couleurs ainsi que de perles et d’almandins
(une pierre semi-précieuse de couleur
rouge), c’est probablement au début du
IXe siècle que cette pièce coûteuse fut
dissimulée dans un puits, lors des invasions
vikings qui menaçaient la région.
Le travail en cloisonné, formant un motif
chrétien de deux croix entrelacées, semble
indiquer que le bijou fut fabriqué dans
un atelier d’orfèvrerie de l’entourage de
Charlemagne et qu’il fut porté par un haut
dignitaire ecclésiastique.
Fibule de Dorestad, Duurstede (Utrecht), or, émail,
verre, almandin, perles, diam. 8,5 cm. Leyde, Rijksmuseum
van Oudheden, inv. f 1978/1.1.
71

Création divine
fin du IXe siècle
Le décor de cette broche en argent martelé et niellé est particulièrement
soigné, sans doute parce que l’auteur souhaitait lui conférer une forte
charge symbolique. Les seize petits médaillons qui entourent le disque
central sont répartis en quatre groupes contenant chacun un visage humain,
un motif floral, un oiseau et un quadrupède. Ces motifs renvoient
à la création divine. Une composition également rigoureuse caractérise
le cercle central, divisé en cinq zones présentant chacune une figure
humaine. Ces personnages incarnent chacun l’un des cinq sens. Les
origines inconnues de la broche ont pendant longtemps jeté un doute
sur son authenticité, mais diverses analyses comparatives ont permis
d’établir qu’elle fut bien façonnée à la fin du IXe ou au début du Xe siècle.
Broche Fuller, culture anglo-saxonne, argent, nielle, diam. 11,4 cm. Londres, The British
Museum, inv. OA 144.
Bouquet de pierres
premier quarti du XIVe siècle
Découvert dans une maison de l’ancien quartier juif de la ville homonyme,
le Trésor de Colmar réunit une cinquantaine de pièces d’orfèvrerie
et trois cents monnaies. Il fut probablement enfoui lors de la Peste
Noire qui déferla sur l’Europe au milieu du XIVe siècle et entraîna des
persécutions contre la communauté juive tenue pour responsable de
l’épidémie. Accessoire du costume féminin comme masculin, ce ‘‘fermail’’
en forme de quadrilobe est richement orné de saphirs, de rubis,
de grenats et de perles formant un bouquet de pierres, fréquents sur les
bijoux des XIIIe et XIVe siècles.
Fermail du Trésor de Colmar, France, saphirs, rubis, grenats et perles, 3,7 x 3,7 cm. Paris,
Musée de Cluny, inv. Cl. 20672.
Symbole de Cupidon
ca. 1610-1620
Comme les bagues, les broches décorées d’un cœur font partie des cadeaux
très prisés au XVIIe siècle, alors donnés en gage d’amour. Le motif central,
composé d’un rubis serti dans l’or formant un cœur et entouré d’un cœur
de diamant lui-même percé de deux flèches contenant aussi des diamants,
fait référence aux attributs de Cupidon, fils de Vénus, garnement qui tire
aveuglément ses flèches sur celui ou celle qui n’a rien demandé mais tombe
alors instantanément amoureux. Le revers du bijou conserve le portrait
d’un homme peint à l’huile en miniature.
Broche avec cœur, Prague, or, rubis, émeraudes, diamants, diam. 6,3 cm. Londres, The
Victoria and Albert Museum, inv. M. 461-1936.
72

En vogue
XVIIIe siècle
Le XVIIIe siècle voit le triomphe de la joaillerie et la prospérité qui s’installe au
Siècle des Lumières entraîne la vogue des bijoux qui déborde du cercle jusqu’alors
restreint des nobles et autres richissimes dignitaires. Par sa thématique et les matériaux
utilisés, cette broche témoigne des somptueuses parures alors à la mode.
Le thème du rinceau renvoie aux motifs floraux qui faisaient fureur, tandis que les
diamants taillés en rose et en brillant sont caractéristiques de l’époque, surtout
quand ils se marient aux pierres de couleurs, ici des émeraudes.
Broche, France, or, émeraudes, diamants de taille rose et taille brillant, H. 8,5 cm. Paris, Musée des
arts décoratifs, inv. 9912. © MAD, Paris / photo : Jean Tholance
Les oiseaux du peintre
1962
Faune et flore
ca. 1900
Considéré comme l’inventeur du bijou
moderne, René Lalique livre dans cette
pièce la pleine mesure de sa virtuosité. Il y
utilise des matériaux inusités à l’époque,
mélangeant l’émail aux pierres fines, ici
des aigues-marines. En outre, il confère
une précieuse légèreté aux ailes des
libellules en les traitant en plique-à-jour.
Cette broche témoigne parfaitement de
l’inspiration de la flore et de la faune qui
amènera Lalique à concevoir des bijoux
devenus référentiels dans l’Art nouveau.
Ce bijou est aussi composé avec rigueur et
inventivité : bien qu’entremêlées, les libel-
Lalique osa user
de matériaux très
inhabituels pour
l’époque.
lules sont réparties symétriquement, leurs
corps et pattes soulevant gracieusement
les deux aigues-marines.
René Lalique, broche Quatre libellules, or jaune et
rose, diamants, émail plique-à-jour, aigues-marines,
7,48 x11,75 cm, signé sur la tranche. Pescheteau-Badin,
Paris, 02-12-2020. © Pescheteau-Badin.
230.000 €
Georges Braque ne s’est intéressé au
domaine du bijou qu’à la fin de sa vie, suite
à sa rencontre avec le diamantaire Heger
de Löwenfeld qui produisit des modèles à
partir de gouaches du maître. 110 gouaches
ont ainsi servi de base aux bijoux exécutés
entre 1952 et 1963, date de la mort de
l’artiste. Outre les figures de la mythologie
grecque, les oiseaux en vol s’imposent
comme une thématique centrale dans ces
œuvres. Cette broche figurant deux oiseaux
se croisant fut créée pour Grace Kelly d’après
la gouache intitulée Les Trois Grâces (1962).
Une photographie réunissant la Princesse
arborant Thalia et le peintre a immortalisé
cette réalisation.
Georges Braque, broche Thalia, New York, or jaune
lisse et sauvage, diamants, éd. 5/8, gravée ‘‘bijoux
de G. Braque’’, ca. 4 x 6 cm. © D. R.
73

Joost Caen avec un vitrail néogothique. © photo : J. Willems
Le vitrail en question
Un vitrail coloré était jadis considéré
comme le plus beau et le plus
prestigieux des cadeaux. Cette
forme d’art, peut-être la plus
fragile, a résisté aux iconoclasmes
et aux changements de mode. Les
vitraux ayant subsisté témoignent
d’un incroyable artisanat et d’une
histoire turbulente. Ils sont ainsi
parfois soigneusement préservés et
collectionnés. Notamment par Joost
Caen, dont l’immense collection
est enfin montrée au public, en ce
printemps.
TEXTE : CELINE DE GEEST
Décrétée par l’UNESCO, 2022 est
l’année du verre et Roulers a saisi
l’occasion de le célébrer. A l’occasion
d’In Vitris, une des principales
collections de vitraux au monde,
celle de l’artiste verrier, restaurateur et
collectionneur Joost Caen, est présentée au
public. Ses vitraux, du Moyen Âge, du Siècle
d’or et des Temps Modernes, révèlent
l’émotion suscitée depuis des siècles chez
les esprits tant religieux que séculiers
par cet artisanat qui consiste à colorer le
verre par cuisson d’oxydes métalliques, de
cobalt, de cuivre ou de manganèse. Professeur
émérite et auteur de nombreuses
publications sur le verre coloré, Joost Caen
possède aujourd’hui un savoir-faire unique
et rare, reconnu au niveau international.
Enfant, il accumulait un peu de tout dans
« L’art verrier est
en grande partie
tombé en désuétude
au XVIIIe siècle. »
un vieux hangar derrière la maison familiale.
Une pellicule retrouvée récemment le
montre lors d’un voyage scolaire, photographiant
des vitraux colorés. Lorsque,
bien plus tard, il créa un vitrail lors de sa
formation en art monumental à l’Académie
des Beaux-Arts d’Anvers, l’étincelle
jaillit enfin. Dix ans plus tard, Joost Caen
lançait une nouvelle formation en conservation-restauration
à l’ancien Institut
74

National Supérieur, devenue aujourd’hui
une formation universitaire : « À l’époque,
nous n’étions pas aussi avancés dans les
techniques de restauration du verre que
dans la peinture, par exemple. Pour élever
le niveau universitaire, nous avions besoin
d’art verrier ancien afin d’essayer de nouvelles
techniques. J’ai donc commencé par
nécessité à en collecter ici et là. C’est vite
devenu une passion. »
CHEFS-D’ŒUVRE FLAMANDS
De fil en aiguille, des marchés aux puces
aux enseignes d’antiquités, Joost Caen a
fini par s’adresser à des maisons de vente.
Chez les antiquaires, il trouvait surtout
des exemplaires des XIXe et XXe siècles
alors que la formation portait sur toute
l’histoire de l’art du verre. Dans les ventes
aux enchères, il découvrit du verre ancien
à bas prix, car ces pièces étaient souvent
détériorées. Soit un état idéal pour remplir
l’objectif qu’il s’était fixé : « Il y a très peu
de connaisseurs et ceux-ci se connaissent
entre eux. Mon collègue et co-auteur
Kees Berserik et moi-même sommes en
« J’ai accès à
ces chefs-d’œuvre
grâce à mon savoirfaire,
pas grâce à
mon argent. »
(1502-1550) qui se trouvait dans un piteux
état. Il en existe deux autres exemplaires au
Rijksmuseum, un dans l’église de Bremley
et deux au Victoria & Albert Museum. Le
mien est le second panneau en provenance
des chartreux flamands à demeurer sur le
sol flamand, l’autre se trouve au musée M
de Louvain. Quantité d’autres panneaux
destinés aux chartreux sont à New York, au
Metropolitan Museum of Art. » Les pièces
les plus anciennes qu’il possède datent de
la fin du XIIIe siècle. Ce verre ancien est
très rare, en raison des nombreuses catastrophes
qui frappèrent nos contrées. De
fait, les Pays-Bas furent souvent le champ
de bataille de l’Europe. Ainsi, les vitraux
médiévaux entiers sont très rares. Joost
Caen : « S’il arrive de trouver des vitraux
d’avant 1400, ce sont souvent des panneaux
composés de fragments médiévaux juxtaposés.
Il s’agit aussi rarement de panneaux
exécutés dans nos contrées. Les vitraux
les plus anciens proviennent d’Italie et
datent du VIe ou du VIIe siècle. Les traces
les plus anciennes de l’art du vitrail dans le
Benelux se trouvent à l’abbaye de Stavelot
et remontent aux VIIIe ou IXe siècles. Il
s’agit de fragments archéologiques de verre
et de plomb. Le vitrail le plus ancien du
Benelux est celui de l’église de Zichem et
date d’environ 1380. Le château de Rumcontact
avec quelques collectionneurs
de France, d’Angleterre et des États-Unis.
Nous connaissons le dada de chacun,
échangeons des informations par téléphone
et ne nous faisons pas concurrence.
Je suis le plus accommodant de tous, car
j’achète les pièces les plus endommagées.
J’ai ensuite le plaisir de les restaurer pour
les rendre dignes des musées. C’est un
atout par rapport à d’autres antiquaires,
qui craignent de mettre beaucoup d’argent
dans la restauration. Ils préfèrent acheter
les pièces présentables, vendables. J’ai
récemment acquis et restauré un magnifique
panneau de Pieter Coecke d’Alost
Joost Caen, Horizon doré, Schoten, 2020, verre
jaune argenté sur verre clair et opalescent soufflé
à la bouche, plomb, 42,5 x 65 cm. © de l’artiste
Groupe des “Pseudo Ortkens”, Le Triomphe de la Chasteté, Bruxelles, ca. 1525, peinture en grisaille et jaune
d’argent sur verre cerclé teinté, diam. 22,9 cm.
75

« J’ai le plaisir
de restaurer ces pièces
afin de les rendre
dignes d’intégrer des
musées. »
Vitrail Art deco de l’atelier de Frans-David Crickx,
Bruxelles, 1931, glace, verre structurel et opalescent
«américain», 158,5 x 48 cm. Provenance :
Couvent de Bethlehem, Duffel. © D. R.
beke à Roulers possède le vitrail le plus
ancien de l’ex-Comté de Flandre, et qui
date de 1470. » Il n’est donc pas étonnant
que Roulers, également lieu de naissance
de Joost Caen, soit aujourd’hui le décor
de la première exposition d’une collection
qui compte à l’heure actuelle plus de 2 500
panneaux et fragments, dont cinq chefsd’œuvre
flamands.
UNE DIFFUSION INTERNATIONALE
Mais qu’est-ce qui fait d’un vitrail coloré
un chef-d’œuvre ? Joost Caen explique :
« Il s’agit d’un certain nombre de médaillons,
ou petits vitraux ronds. Je me suis
toujours intéressé aux médaillons ou ce
que l’on appelle ‘‘petit verre’’. Un amateur
privé aura du mal à collectionner les
grands vitraux monumentaux parce qu’il
ne peut les installer aisément dans une
maison ou un atelier. Je possède un peu
de verre monumental, rangé en panneaux
individuels dans une caisse ou sur un
rayonnage. Les vitraux d’église ont presque
exclusivement un caractère religieux. Leur
diversité est très grande, y compris dans
les plus petits formats, ce que reflète ma
Pieter Coecke d’Alost, Personification de la Géometrie,
Anvers, ca. 1535, peinture en grisaille et
jaune argenté sur verre cylindrique teinté, 24 x 13
cm, inscription : “Geometeria / Verum mensuras
(…)” (On mesure la vérité). © D. R.
collection. » Les chefs-d’œuvre flamands
incluent un médaillon du XVe siècle dont
un losange similaire, peut-être du même
atelier, se trouve au Metropolitan Museum
of Art, un panneau du XVIIe siècle, provenant
du béguinage de Hasselt et dont les
deux autres sont au Victoria and Albert
Museum, et un archevêque du XVe dont le
Getty Museum possède le panneau correspondant.
La majeure partie de la collection
de Joost Caen remonte toutefois aux
XVIe et XVIIe siècles, car Anvers était alors
le centre de la production verrière, non
seulement pour les Pays-Bas, mais pour
l’ensemble du monde : « On trouve, par
exemple, des vitraux du XVIe siècle d’artistes
verriers anversois au King’s College
de Cambridge. Le roi d’Angleterre trouvait
la production des verriers brabançons supérieure
à celle de Londres. Il fit donc venir
des peintres verriers, mais la guilde locale
leur interdit de s’établir à l’intérieur de la
ville. Dès lors, le roi leur indiqua un territoire
extra-muros. Des vitraux anversois
figurent aussi dans la cathédrale de Grenade
en Espagne et dans la bibliothèque
de la basilique San Lorenzo de Florence,
un bâtiment conçu par Michel-Ange. » Au
XVIIIe siècle, l’art du vitrail est en grande
partie tombé en désuétude. La collection
des XIXe et XXe siècles de Joost Caen
montre toutefois clairement l’évolution
d’un renouveau à l’époque du néogothique
et du romantisme jusqu’à l’Art nouveau et
l’Art déco, puis le postimpressionnisme et
le modernisme. «La collection touche des
gens avec lesquels j’ai été en contact dans
ma jeunesse, comme Michel Martens. »
MECONNAISSANCE ET DESAMOUR
« La notoriété de cet art verrier est très
restreinte », soupire Joost Caen, « tant
auprès du grand public que des historiens
de l’art professionnels. » Au Moyen Âge
ainsi qu’aux XVIe et XVIIe siècles, le vitrail
constituait le cadeau le plus précieux qui
soit. De riches citoyens, frères de guilde,
évêques et membres de la cour s’offraient
des vitraux colorés quand il importait de
faire bonne impression. Un vitrail coûtait
alors plus cher qu’un tapis, un tableau
ou un retable, les tableaux arrivant juste
derrière dans la liste des cadeaux de prix.
« À la fin du XVIIIe siècle et pendant tout
le XIXe, les historiens de l’art commencent
à différencier les beaux-arts des arts appliqués.
Peinture, sculpture et architecture
sont alors considérées comme plus importantes
et le vitrail passe de mode comme
76

Pieter Coecke d’Alost, Le prieur Jan Gay et son saint patron Jean l’Évangéliste, Anvers, ca. 1540,peinture en grisaille, jaune d’argent et sanguine sur verre cylindrique
teinté et coloré, 65,5 x 48 cm, inscription : “Donavit Dominus Johannes Gaÿ, Prior domus Hollandiae Cartusiensium” (Le révérend Jan Gaÿ, prieur de la maison hollandaise
des chartreux, a fait don de cette maison à l’association.). Provenance : peut-être le monastère des Chartreux de Lier. Avant et après restauration. © D. R.
« Lorsque des vitraux colorés font partie
intégrante d’un bâtiment, ils ont une valeur
patrimoniale. »
autorités ont manifesté un certain intérêt.
L’Angleterre, l’Allemagne et la Suisse possèdent
leur musée du verre, il existe trois
centres en France et il n’y a toujours rien
dans le Benelux, à l’exception de celui de
Charleroi. J’espère pouvoir apporter, avec
ma collection, la contribution décisive à la
création d’un futur musée du vitrail. »
d’autres arts appliqués. Cette méconnaissance
devient vite synonyme de désamour
et la valeur historique des vitraux
demeure négligée. » La situation n’a fait qu’
empirer jusqu’à nos jours. Il arrive ainsi à
Joost Caen de sauver des vitraux de la bulle
à verre car ceux-ci n’ont plus leur place
dans un intérieur moderne ou rendent la
pièce trop sombre. A ceux qui ne savent
quoi faire de leurs vitraux colorés anciens,
il conseille de ne rien jeter ! Car ce qui est
sans valeur aujourd’hui sera hors de prix
demain : « Enfant, je me suis intéressé à
un service Gallé et Daum vendu 200 francs
belges dans une brocante. Ma mère ne
m’a pas autorisé à l’acheter et je le regrette
encore. Le marché de l’art a radicalement
changé en l’espace de 20 ans. Lorsque
des vitraux colorés font partie intégrante
d’un bâtiment, ils ont une valeur patrimoniale.
Les propriétaires futurs voudront
donc peut-être remettre ces vitraux
en place. J’invite tous ceux qui trouvent
des panneaux dans des conteneurs à les
prendre en photo et à me les envoyer. Je
pourrai leur dire rapidement si cela a ou
non de la valeur. » La collection de Joost
Caen n’a rien à envier à celles des musées
flamands : « Mais nos musées montrent
relativement peu d’art verrier. Le Rijksmuseum
remporte la palme, le M de Louvain
possède une belle collection, mais n’en
montre qu’une petite partie, le MAS et les
musées de Bruges ne montrent pratiquement
rien, ni le Bijloke de Gand, où il n’y a
pas grand-chose à voir après la rénovation.
Mon rêve est de fonder un centre d’étude
et de documentation sur le verre qui hébergerait
ma collection. Je souhaite offrir
aux jeunes la chance d’y faire des études,
tant en sciences naturelles qu’en histoire
de l’art. J’ai déjà pris des contacts et les
VISITER
In Vitris
Augustijnenkerk, Klein Seminarie College,
Roulers
www.erfgoedkleinseminarie.be
du 22-04 au 29-05
CONTACTER
Prof. Joost Caen
jc@joostcaen.be
www.joostcaen.com
SURFER
Atelier Flores : www.vitrauxflores.be
Pierre Majerus : www.majerus-vitrail.be
77

Focus
International
85.120 €
Melchior de Hondecoeter, Oiseaux de basse-cour
dans un paysage, huile sur toile, 120 x 100 cm.
Herbette, Doullens, 06-02. © Herbette
190.000 £ (250.000 €)
Paire de garnitures ‘‘à la chinoise’’, Angleterre, ca.
1730, argent doré, H. 38 cm. Christie’s, Londres, 08-
02. © Christie’s Images Ltd.
35.560 €
Frans Snyders, Nature morte avec femme portant un plat,
plume et encre brune sur trait de crayon noir, 25 x 40 cm.
Beaussant Lefèvre, Paris, 10 & 11-02. © Beaussant Lefèvre
ON A VENDU
Les poules de
Hondecoeter
s’envolent à
Doullens
Les oiseaux ont tenu une place
de choix au sein de la nature
morte du XVIIe siècle hollandais.
Avec l’essor des cabinets de curiosités
et des encyclopédies, les
artistes découvrent les espèces
des quatre coins du monde et
peuvent étudier chacun de leurs
aspects morphologiques, source
d’inspiration inépuisable. Ainsi
naquirent, sous les pinceaux
de Frans Snyders, Paul de Vos
ou encore Jan Van Kessel, des
compositions baptisées ‘‘concert
d’oiseaux’’ (vogelconcert), dans
lesquelles les volatiles presque
humanisés chantent autour
d’une partition. Il s’agissait alors
de mettre l’accent sur la diversité
de leur genre. Les générations
suivantes ont poursuivi cette thématique
en oubliant la symbolique
musicale pour se concentrer
sur un vibrant réalisme, à
l’instar de Melchior de Hondecoter
(1636-1695). Issu d’une
dynastie de peintres d’Utrecht,
l’artiste apprit le métier auprès
de son père, Gijsbert, et de son
oncle Jan Baptist Weenix. De ce
dernier, il retint une manière
italianisante et un style décoratif.
Après être passé par La Haye
entre 1658 et 1662, il s’installe
l’année suivante à Amsterdam,
se spécialisant dans les peintures
de natures mortes et d’oiseaux,
qu’il place au cœur d’un paysage
souvent coupé en partie centrale
par un mur ou une clôture,
comme c’est le cas dans la toile
intitulée Oiseaux de basse-cour
dans un paysage que proposait,
le 6 février, la salle Herbette
de Doullens, dans la Somme.
Estimée fort chichement entre
20.000 et 30.000 euros, cette
famille de gallinacés dominée
par un superbe coq, emblématique
du travail sophistiqué
de son auteur, quadruplait son
estimation basse en s’adjugeant
pas moins de 85.120 euros. Un
prix plutôt conforme à la réalité
du marché de ce peintre qui
connaît une belle embellie et un
engouement certain auprès des
collectionneurs, notamment du
Nord de l’Europe.
Une paire de
chinoiseries réjouit
Christie’s
Associant un singulier bol octogonal
chinois avec couvercle,
datant des environs de 1730, sa
copie anglaise et des socles en
argent doré, le tout fabriqué à
Londres, en 1810, par l’orfèvre de
la Cour Paul Storr, cette paire de
garnitures au décor chinoisant
d’oiseaux, d’animaux et de fleurs,
est inscrite du blason de Thomas
Reynolds Moreton, 4e baron de
Ducie, puis 1er comte de Ducie
(1776-1840), et de son épouse
Lady Frances Herbert, fille de
Henry Herbert, 1er comte de Carnarvon,
épousée en 1797. Typique
de la mode des chinoiseries,
encouragée par les importations
de la Compagnie anglaise
des Indes orientales, la coupe
originelle, rare exemple du XVIIIe
siècle d’argenterie chinoise d’exportation
qui nous soit parvenu,
fit d’abord un crochet par la
vice-royauté coloniale espagnole
du Pérou, avant de se retrouver
dans les ateliers londoniens des
orfèvres royaux. Estimée entre
50.000 et 80.000 livres sterling,
la paire était proposée lors
d’enchères en ligne par Christie’s
Londres. A la clôture de celles-ci,
le 8 février, son prix avait atteint
190.000 livres (250.000 euros) !
Succès pour la
Collection Ulmann
chez Beaussant
Lefèvre
Si le XVIIIe fut, en France, le
siècle de prédilection du dessin,
ce sont les feuilles des écoles
hollandaises et flamandes du
XVIIe qui eurent plus particulièrement
les faveurs de Jacques
(1917-2011) et Colette Ulmann
(1920-2021), dont la collection
était mise à l’encan, les 10 et
11 février, à Drouot, par l’étude
Beaussant Lefèvre. Un millier
de dessins étaient inscrits au
catalogue, pour certains vendus
en lots, les plus modestes à partir
de quelques centaines d’euros.
Parmi les feuilles les plus attendues,
cette Nature morte avec
une femme portant un plat, de
l’Anversois Franz Snyders (1579-
1657), étude préparatoire, avec
de nombreuses variantes, d’un
tableau conservé dans la collection
Fritz Frey à Burgenstock près
de Lucerne. Estimée entre 15.000
et 20.000 euros, cette plume et
encre brune sur trait de crayon
noir était emportée 35.560 euros.
Citons encore les 44.950 euros
donnés pour le projet d’Adriaen
Pietersz. van de Venne pour le
frontispice du Sinne-en-Minnebeelden
(ou Livre des emblèmes)
du poète Jacob Cats (1577-1660),
publié aux Pays-Bas en 1618.
L’ensemble de la collection générait
plus d’un million d’euros.
78

18.325.000 HKD (2.087.000 €)
Rarissime parure (collier modulable en bracelet, pendants d’oreille et bague) de
cabochons de jadéite (pour 307.55 carats) et diamants poire, montés sur or blanc
18 carats. Sotheby’s, Hong Kong, 18-02. © Sotheby’s
26.250 €
Kees van Dongen, Conversation dans la
rue, ca. 1900, aquarelle et lavis à l’encre
noire, 27 x 21,5 cm. Rennes Enchères
OVV, Rennes, 24-02. © Rennes
Enchères
27.048 €
Jan I Borreman (att.), Annonciation,
ca. 1480-1510, noyer sculpté en haut
relief, 42 x 26 cm. Coutau-Bégarie,
Paris, 25-02. © Coutau-Bégarie
Fabuleuse jadéite
chez Sotheby’s
Une imposante parure volait la
vedette lors de la vente de joaillerie
organisée par Sotheby’s, le
18 février à Hong Kong. Extrêmement
rare, cet ensemble composé
d’un collier transformable en
bracelets, de pendants d’oreille
et d’une bague, est orné de diamants
poire et de cabochons de
jadéite, pierre particulièrement
vénérée en Chine où elle est
réputée éloigner l’esprit du mal.
Symbole de pouvoir en tant que
pierre impériale, mais aussi de
pureté et d’élégance, la jadéite
était notamment l’apanage des
impératrices, dont la fameuse
Ci Xi, qui s’était constitué une
imposante collection. Rarissime à
l’état naturel, sa couleur verte est
aussi la plus prisée. Apparaissant
encore plus aléatoirement sur
le marché de l’art, un ensemble
aussi important (307.35 carats)
s’est tout naturellement envolé à
18,3 millions de dollars de Hong
Kong (2 millions d’euros).
Van Dongen et Van
Orley à Rennes
Une belle vente était proposée à
Rennes, le 24 février. S’en détachait
d’abord une Vierge à l’Enfant
avec un ange peinte vers 1540
dans l’atelier de Bernard van Orley
(1488-1541). Ce panneau reprend
toutes les caractéristiques de la
manière de cet artiste bruxellois
qui portraitura Charles Quint,
l’empereur d’Allemagne Ferdinand
Ier ou encore la reine du
Danemark Isabelle, avant d’être
nommé en 1518 peintre de la
cour de Marguerite d’Autriche,
gouvernante-générale des Pays-
Bas. Cette jolie maternité récoltait
56.250 euros. Dans un tout autre
registre, on notait une aquarelle
et lavis d’encre noire par Kees Van
Dongen, mettant en scène une
Conversation dans la rue. De cette
curieuse feuille, signée en bas à
gauche et datant visiblement des
années 1900, Rennes Enchères
OVV obtenait 26.250 euros.
Le premier
Borreman chez
Coutau-Begarie
Dynastie de sculpteurs belges,
les Borreman s’étendent sur
quatre générations, de 1460
à 1590, Le plus célèbre représentant,
Jan II dit l’Ancien (ca
1460-1520), établi à Bruxelles,
atteignit une maîtrise absolue de
la sculpture sur bois. Son père,
Jan I, était également sculpteur.
On pense qu’il fut l’auteur du
groupe sculpté dans le Brabant
vers 1480-1510, proposé à Drouot
par Coutau-Bégarie, le 25 février.
Cette délicate Annonciation, qui
faisait probablement partie d’un
retable, est en noyer sculpté. Un
haut relief adjugé 27.048 euros.
Records en nombre
à Londres
Portés par de solides enchères
asiatiques, les résultats enregistrés
début mars par les
grands auctioneers Christie’s
et Sotheby’s, en deux jours de
vente qui mélangeaient périodes
et fuseaux horaires ont plus que
jamais illustré l’état de déconnexion
du marché international
de l’art, pratiquement hors sol et
paraissant totalement insensible
à la guerre qui secoue l’Europe.
A moins que ce n’ait été son
chant du cygne… Quoi qu’il en
soit, le 1er mars, le marathon
de Christie’s, qui débutait à
Shanghai avant de se poursuivre
à Londres, s’inscrivait dans la
fourchette d’estimations, avec
un résultat total de 249 millions
de livres sterling (297 millions
d’euros) et 90 % de lots vendus.
Le clou de la vente, Les Renards
de Franz Marc, merveilleuse
œuvre cubiste, spoliée par les
nazis et récemment restituée par
le musée Kunstpalast de Düsseldorf
aux héritiers de Kurt et
Else Grawi, doublait le précédent
record de l’artiste avec une adjudication
à 42,7 millions de livres
sterling (51 millions d’euros). Le
lendemain, Sotheby’s confirmait
l’enthousiasme des acheteurs
pour les grands noms de la
modernité, en totalisant 221,4
millions de livres sterling (264,2
millions d’euros) en deux ventes
d’art moderne et contemporain.
Star de la soirée, L’empire
des lumières de René Magritte
dont se séparait la collectionneuse
bruxelloise Anne-Marie
Gillion-Crowet. L’œuvre, qui
avait été garantie, était adjugée
59,4 millions de livres (71
millions d’euros), acquise par
un collectionneur asiatique et
triplant le précédent record du
maître surréaliste. Le 3 mars et le
jour d’après, l’auctioneer Phillips
engrangeait pas moins de 7 nouveaux
records du monde lors de
sa double vente londonienne en
art contemporain qui totalisait
41,9 millions de livres sterling
(50,7 millions d’euros). Parmi les
artistes les plus suivis des enchérisseurs,
Caroline Walker. Sa toile
A Scattering (2011) n’était ainsi
pas loin de décupler les estimations
en s’adjugeant 327.600
livres sterling (396.330 euros).
79

Focus
International
42.700.000 £
(56.300.000 €)
Franz Marc, Les Renards, 1913, huile
sur toile, 88 x 66 cm. Christie’s,
Londres, 01-03.© Christie’s Images
Ltd.
59.422.000 £ (71.000.000 €)
René Magritte, L’empire des lumières, 1961, huile sur toile,
114,5 x 146 cm. Sotheby’s, Londres, 02-03. © Sotheby’s
327.600 £ (396.330 €)
Caroline Walker, A Scattering, 2011, huile sur toile, 166,7 x 199,8
cm. Phillips, Londres, 04-03. © Phillips
Nouveau record
du monde pour
Line Vautrin chez
Christie’s
Le 8 mars, à l’occasion de la
Journée internationale des droits
des femmes, Christie’s Paris
organisait sa première vente en
live de l’année. Intitulée Différents
Éclats de Paradis : Œuvres
de Line Vautrin, elle générait 3,3
millions d’euros et attirait des
enchérisseurs de 18 pays, venus
rendre hommage à Line Vautrin et
à sa fille Marie-Louise Bonnaud-
Vautrin, décédée quelque jours
auparavant. Un nouveau record
d’enchères était établi avec un
miroir en talosel orné de feuilles
de verre vertes. Cette pièce, seul
exemplaire jamais enregistré de
ce modèle, était vendue 491.400
euros, près de cinq fois l’estimation
basse fixée à 120.000 euros.
Sept ans après le succès de la
vente de la collection personnelle
de Marie-Laure Bonnaud-Vautrin,
en mai 2015, cette vente réunissait
un large éventail de créations de
l’artiste provenant de plusieurs
collections privées : miroirs, boîtes,
bijoux et accessoires précieux
illustrant l’univers poétique et la
délicatesse de cette élégante Parisienne.
Parmi les objets-phares
de la vente, l’iconique miroir Folie
en talosel noir plus que doublait
son estimation en atteignant
327.600 euros, tandis que le miroir
Chardon, se vendait 107.100 euros,
plus du double de l’estimation
et que le miroir Sequins partait
à 113.400 euros. Les boîtes et
accessoires attiraient également
l’attention des enchérisseurs : un
poudrier en bronze doré (1940)
représentant les constellations
atteignait ainsi 40.320 euros, plus
de huit fois l’estimation, tandis
qu’une boîte en bronze doré
était adjugée 27.720 euros, au
triple de l’estimation. Le même
jour, la maison Gros & Delettrez
rendait, elle aussi hommage à
un siècle de création féminine à
travers les œuvres de Charlotte
Perriand, Sonia Delaunay, Line
Vautrin, Eileen Gray, Elizabeth
Garouste et de nombreuses autres
femmes dans les domaines de la
peinture, du design, du mobilier,
de la sculpture et même des
bijoux d’art. Les collectionneurs
pouvaient ainsi découvrir des
miroirs de Line Vautrin et Marion
de Crecy ainsi que des chaises de
Claude Lalanne. De la première,
un miroir modèle Romain, à
structure en talosel et incrustations
de plaquettes de verre,
s’adjugeait 52.000 euros, dans la
fourchette des estimations. De la
deuxième, un miroir rectangulaire
en céramique émaillée dépassait
légèrement son estimation haute
en s’adjugeant 3.640 euros (frais
inclus), tandis que de la dernière
une paire de chaises aux ‘‘branchettes’’,
en bronze à patine dorée
et laiton, était emportée 104.000
euros (chaque exemplaire), soit au
total 208.000 euros hors frais.
ON VENDRA
La Collection Edric
van Vredenburgh
chez Sotheby’s
Le 13 avril, Sotheby’s disperse
à Paris la collection du Bruxellois
Edric van Vredenburgh.
À contre-courant des cabinets de
curiosités traditionnels connus
en Europe depuis la Renaissance,
cet ensemble propose un autre
regard sur des œuvres précieuses
et originales. Enfant déjà, le père
d’Edric van Vredenburgh, formé
aux arcanes de l’entomologie au
British Museum, transmet à son
fils cet intérêt pour les phénomènes
et choses curieuses de la
nature. En grandissant, son goût
se porte naturellement vers les arts
décoratifs, s’intéressant pour les
mêmes raisons à l’origine des objets,
à leur histoire et au contexte
culturel dans lequel ils ont été
créés. L’ensemble réuni dans cette
vente représente la collection personnelle
d’Edric van Vredenburgh.
Ces œuvres sont celles dont il s’est
entouré ces dernières années,
principalement depuis son installation
dans un loft du centre de
la capitale belge. Ils sont le fruit
d’une quête et de voyages incessants
auprès des marchands du
monde entier et dans les ventes
aux enchères. De ses débuts dans
le commerce d’antiquités de son
père jusqu’à son propre succès,
Edric van Vredenburgh sut gagner
la reconnaissance de ses pairs et
la confiance des plus grands collectionneurs
et institutions. D’un
ensemble exceptionnel d’objets
sculptés en pierre dure, de vases
et de mortiers en porphyre, à un
relief italien en marbre de Porto
80

491.400 €
Line Vautrin, Miroir, ca. 1960, pièce
unique. Christie’s, Paris, 08-03.
© Christie’s Images Ltd.
Est. 300.000-400.000 €
Sceau impérial, Chine, dynastie Qing, époque Qianlong, XVIIIe
siècle, néphrite. Beaussant Lefèvre, Paris, 15-04. © Beaussant
Lefèvre
Est. 48.000.000 $ (43.493.000 €)
Le diamant De Beers Cullinan Blue, 15.10 carats. Sotheby’s,
Hong Kong, 28-04. © Sotheby’s
Santo représentant un lion, en
passant par d’extraordinaires
objets d’Alaska, d’appuie-têtes
d’Afrique centrale et du Sud, de
lances jumonji japonaises de
l’époque Edo, de massues de Mélanésie
et de Polynésie, ou encore
un incroyable coffret moghol en
marqueterie et un magnifique
collier hawaïen lei niho provenant
de la collection Nathaniel Bright
Emerson, cet assortiment offre un
saisissant voyage dans le temps et
au fil des civilisations, qui propose
aux collectionneurs un riche
éventail illustrant les créations
des hommes, de la nature et du
temps.
Un sceau impérial
chinois à Drouot
Le 15 avril, à l’Hôtel Drouot, la maison
de ventes Beaussant Lefèvre &
Associés présente, dans une vente
d’arts d’Asie, un important sceau
impérial de l’époque Qing (1644-
1912) ayant appartenu à l’empereur
Qianlong (1736-1795). Découvert
par la maison de ventes au cours
d’un inventaire, ce sceau provient
d’une collection privée française,
dans laquelle il est resté près
d’un siècle. Sculpté en néphrite
vert épinard et figurant un lion
assis jouant avec une balle, ce
rare cachet qui illustre à merveille
la beauté et l’importance de la
culture du sceau sous la dynastie
Qing est estimé entre 300.000 et
400.000 euros. Pour comprendre
la culture du sceau en Chine, il est
important de savoir qu’apposer
son cachet – sur une œuvre, un
document, etc. – n’exprime pas
la notion de propriété. Apposer
son sceau, c’est exprimer son
approbation. On retrouve ainsi
parfois, sur une même œuvre,
plusieurs cachets d’Empereurs
successifs. Le développement de
la culture chinoise du cachet a
atteint son apogée au cours des
dynasties Ming et Qing. Les lettrés
cherchaient en effet à combiner la
calligraphie, la peinture et le sceau
pour atteindre la perfection dans
leurs créations artistiques. Les
artisans explorent alors l’utilisation
de matériaux très variés (néphrite,
stéatite, ivoire, bambou, cristal de
roche ou encore bronze), ainsi que
des formes diverses (carrés, ronds,
rectangulaires, ovales, etc.). Toutes
ces possibilités leur permettent de
développer un nouveau moyen
d’expression artistique. Les 1 800
cachets que possédait l’empereur
Qianlong illustrent bien l’importance
de cette culture du sceau
de l’époque. Enfin, issus de la
même collection, un ensemble
d’objets sculptés dans des pierres
dures sont également proposés.
Les plus importants sont sculptés
en néphrite, à l’instar d’une
importante coupe de mariage en
néphrite céladon du XVIIIe siècle,
estimée entre 40.000 et 60.000
euros, d’une chope couverte en
néphrite brun noir estimée 30.000
à 40.000 euros ou encore d’un
poisson sculpté dans de l’aiguemarine,
estimé entre 6.000 et
8.000 euros.
Un diamant bleu
pour Sotheby’s
Le 28 avril, surfant sur la vogue des
diamants de couleur (lire COLLECT
AAA n°514, mars 2022) Sotheby’s
proposera à Hong Kong un
exceptionnel diamant bleu de 15.10
carats, le De Beers Cullinan Blue.
Cet extraordinaire trésor naturel,
taillé dans une pierre brute
exceptionnelle découverte en avril
2021, est l’un des diamants bleus
les plus précieux jamais proposés
aux enchères puisqu’il est le plus
grand diamant bleu vif jamais
présenté aux enchères et le plus
grand diamant bleu vif taillé en
gradins sans défaut interne que le
Gemological Institute of America
(GIA) ait jamais classé. Parmi les
plus rares de tous les diamants
de couleur, les diamants bleus
constituent un fabuleux hasard
de la nature, leur couleur étant
généralement due à la présence
de traces de bore, un élément
rare, dans leur réseau cristallin. En
outre, il existe très peu de sources
d’approvisionnement, la plupart
étant extraits de la mine Cullinan,
en Afrique du Sud. Le De Beers
Cullinan Blue a, qui plus est, été
classé ‘‘Fancy Vivid Blue’’, le plus
haut degré de couleur possible, et
doté d’une clarté exceptionnelle,
déclaré ‘‘Internally Flawless’’. C’est
pourquoi, on l’estime aux environs
de 48 millions de dollars (43,5
millions d’euros).
81

216.750 €
La surprise du mois
Les parfums jouaient un rôle prépondérant
dans la culture chinoise et
étaient présents dans presque tous
les moments de la vie quotidienne.
Dans les nombreux rituels (taoïstes, bouddhistes
ou bien confucianistes) qui organisaient
la société, les Chinois employaient
résines et bois odoriférants pour délimiter
un espace ou un temps sacrés. La présence
seule du brûle-parfum suffisait à signaler
ou à définir un lieu sacré. Pour le Chinois
aisé (et le plus souvent pour la catégorie
sociale que l’on nomme les Lettrés), les
substances aromatiques faisaient partie de
la vie quotidienne, nécessitant l’utilisation
de nombreux objets raffinés, comme le
brûle-parfum, témoignant du rang de son
propriétaire. Le jeudi 10 mars, un exemplaire
exceptionnel était proposé par la
salle gantoise Coronari Auctions. Pesant
près de 60 kilogrammes, ce brûle-parfum
en bronze s’orne de dragons et de perles
enflammées, motifs récurrents de l’art
chinois, la perle représentant l’atteinte de
la sagesse, du pouvoir ou de l’immortalité.
Cette pièce, fabriquée sous la dynastie
Qing, durant le règne prestigieux de
l’empereur Qianlong (1735-1796), provenait
d’une collection privée anversoise. Son
propriétaire l’avait acquise sur le marché
londonien dans le troisième quart du XXe
siècle. Estimée dérisoirement entre 2.000
et 4.000 euros, cette pièce, traditionnelle
dans sa forme malgré l’absence de couvercle,
semble avoir bien plus d’importance
que ne le pensaient les experts de la salle
puisqu’un enchérisseur n’hésitait pas à
pousser le marteau jusqu’au prix faramineux
de 216.750 euros !
Important brûle-parfum, Chine, dynastie Qing,
règne de Qianlong, XVIIIe siècle, bronze, H. 46,5
cm, 60 kg. Coronari Auctions, Nazareth, 10-03.
© Coronari
82

Ventes
Belgique
Collect-1/2pQ-avril.qxp_320 8/03/22 17:14 Page1
VENTE PUBLIQUE
MA. 26 & ME. 27 AVRIL
à 18h30
22.500 €
Line Vautrin, Miroir Soleil XII, ca. 1955,
résine et verre, 11,18 x 1,97 cm. Flanders
Auctions, 09-02. © Flanders Auctions
22.000 €
Constantin Meunier, Le buste
du puddleur, 1890, bronze à
patine brune avec socle en
marbre. Vanderkindere, 16-
02. © Vanderkindere
ON A VENDU
Line Vautrin chez
Flanders Auctions
Les 9 et 10 février, Flanders Auctions
vendait un miroir Soleil XII
de Line Vautrin (1913-1997) pour
la coquette somme de 22.000
euros, nouveau résultat excellent
pour la miroitière française. En
outre, une sculpture en marbre
de Carrare blanc, à l’effigie d’une
dame avec son enfant et d'un
satyre, faisait l’objet d’une offre
à 11.250 euros. Une autre statue,
du sculpteur français Adrien
Etienne Gaudez (1845-1902),
obtenait elle aussi un bon résultat.
L’artiste avait étudié à l’École
des Beaux-Arts de Paris et fait
ses débuts au Salon de 1864. Il
travailla presque exclusivement le
bronze et se consacra aux scènes
de genre, thèmes militaires et
patriotiques. Sa statue en bronze
d’une jeune fille à la mandoline
était emportée 10.625 euros.
Un calvaire du XVIIIe siècle, de
plus de deux mètres de haut,
composé d’un Christ crucifié et
de deux pleurantes, quittait par
ailleurs la salle à 8.750 euros. Du
côté de l’art contemporain, citons
une œuvre de l’artiste malinois
Jef van Tuerenhout (1926-2006),
dont l’expressionnisme évolua
dans les années 1960 vers un style
légèrement érotique, sensuel
qui s’apparente au réalisme
magique. Sa muse récurrente,
femme mystique et exotique, fait
partie de ce style et apparaît aussi
dans ce portrait intitulé Avec ses
yeux pleins d’ombre, qui trouvait
acquéreur pour 8.125 euros.
Lalanne chez
Vanderkindere
Une lampe de table du modèle
Pigeon, créée par l’artiste français
François-Xavier Lalanne (1927–
2008) fut l’un des succès de la
vente du 16 février chez Vanderkindere.
L’artiste forma un duo
avec son épouse Claude, connu
pour ses sculptures surréalistes
d’animaux et de végétaux. Il avait
créé cette lampe en 1992, adjugée
39.000 euros (est. 20.000-
30.000 euros). Une grande nature
morte attribuée au peintre
du sud des Pays-Bas Alexander
Adriaenssen (1587-1661) créait,
par ailleurs, la surprise. Nombre
de natures mortes d’Adriaenssen
étaient de taille relativement
réduite et d’un prix abordable, sa
spécialité étant les produits de la
mer. Cette représentation d’un
homard et de fruits entourés
de divers animaux, dont des
perroquets, un singe, un écureuil
"Christ en croix" maniériste en bronze doré
Attribué à Guglielmo Della Porta. Epoque: XVIème
Reposant sur un crucifix en bois. Travail italien. Epoque: XVIIème
Dim: H.(Christ): 24cm. H.(Crucifix): 123,5cm
Huile sur toile marouflée sur toile "L'histoire de David et d'Abigaïl"
D'après Hugo van der Goes. Ecole flamande
Epoque: XVIIème. Dim: 135,5x240cm
EXPOSITION
22, 23 ET 24 AVRIL DE 10 HA18 H
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83

Ventes
Belgique
16.000 €
Horloge à pendule attribuée à Pierre-Philippe
Thomire (1751-1843), avec représentation de
Bacchus, ca. 1805, bronze ciselé et doré. Galerie
Moderne, 20 & 21-02. © Galerie Moderne
12.000 €
Gustave Van De Woestyne, Portrait
de Félicien Brys, huile sur toile, 70 x
50 cm. Horta, 21-02. © Horta
24.000 €
Bruno Catalano, Voyageur,
2014, bronze patiné,
H. 61 cm. Horta, 21-02.
© Horta
6.500 €
Firmin Baes, Jeune fille aux fuchsias, huile
sur toile, signé, 60 x 48 cm. Maison Jules,
26-02. © Maison Jules
et un chat, est plutôt exceptionnelle.
Elle s’adjugeait 32.000
euros (est. 8.000-12.000 euros).
Constantin Meunier (1831-1905)
était également présent avec le
buste d’un ouvrier métallurgiste
de 1890. Cette statue en bronze
à patine brune, au prix indicatif
de 7.000 à 10.000 euros était
adjugée 22.000 euros. Enfin, le
panneau Le Philosophe provenant
de l’atelier de David Teniers
le Jeune (1610-1690), estimé 600 à
800 euros, quittait la salle contre
20.000 euros.
Maurice Wyckaert à
la Galerie Moderne
Les 20 et 21 février, la Galerie
Moderne adjugeait, entre autres,
deux horloges à pendule de
la collection du baron et de la
baronne François Duesberg.
La première, datant de 1805,
attribuée à l’artiste néoclassique
français Pierre-Philippe Thomire
(1751-1843), avec représentation
du dieu Bacchus, était estimée
7.000 à 8.000 euros, mais adjugée
16.000 euros. La seconde était
signée Claude Galle (1759-1815),
important fondeur de bronze de
la fin du XVIIIe siècle qui créa des
ferrures pour meubles, horloges
et autres objets de bronze doré
pour les palais de Fontainebleau,
Versailles, Saint-Cloud et Compiègne.
Sur cette grande horloge
de style Empire sont assises deux
jeunes femmes, l’une lisant et
l’autre étudiant une carte. Cette
pendule, estimée 7.000-8.000
euros, changeait de mains contre
8.200 euros. Au rayon asiatique,
une grande assiette ronde à
décor de deux dragons en émail
rouge et doré remportait, elle
aussi, un vif succès. L’assiette
portant la marque de la période
Guangxu (1875-1908), était
estimée 3.000-4.000 euros, mais
faisait l’objet d’une offre à 15.000
euros. Enfin, une oeuvre de Maurice
Wyckaert (1923-1996) de 1985
était frappée 14.000 euros (est.
8.000-12.000 euros).
Bruno Catalano
chez Horta
Horta vendait, le 21 février, un
Voyageur du sculpteur français
Bruno Catalano (1960), réalisé
en 2014. Cette statue en bronze
faisait l’objet d’une offre à 24.000
euros. Parmi les bijoux, une
bague en or blanc ornée d’un
diamant de +/- 4,53 carats créait
la surprise en quittant la salle
contre 16.000 euros. Gustave Van
De Woestyne était représenté
dans la vente par un portait de
Félicien Brys, mère de l’orateur
et homme politique belge Arthur
Brys. Un acheteur déboursait pas
moins de 12.000 euros pour en
faire l’acquisition. De son côté,
une sculpture en albâtre d’une
mise au tombeau, peut-être
d’origine allemande et datant du
début du XVIIIe siècle, était adjugée
12.000 euros, tandis qu’un
dessin au crayon d’un deux-mâts
dans une tempête par le peintre
russe Ivan Constantinovich
Aivazovski (1817-1900) était payé
10.000 euros.
Firmin Baes chez
Maison Jules
La première vente aux enchères
organisée par Maison Jules dans
l’église paroissiale Sainte-Croix
de Sint-Amandsberg générait
quelques beaux résultats.
Une Jeune fille aux fuchsias de
Firmin Baes (1874-1945), estimée
2.000 à 3.000 euros, rapportait
finalement 6.500 euros, tandis
que deux statues en marbre de
la sculptrice belge Hilde Van
Sumere (1932-2013), chacune
estimée 3.000 à 5.000 euros,
trouvaient acquéreur contre
8.000 euros. Ces deux sculptures,
témoignant du style sobre caractéristique
de l’artiste, sont en
marbre de Carrare. Une œuvre
de Joseph Willaert, peintre belge
connu pour ses tableaux colorés
et enfantins de villages flamands
et de la vie rurale, s’adjugeait audelà
de la fourchette des estimations
: sa Porte d’une écurie, singulière
œuvre tridimensionnelle,
avec sa porte en bois ouverte où
est fixé le tableau, séduisait un
collectionneur à 7.000 euros. Le
catalogue proposait en outre un
dessin au pastel de l’expressionniste
gantoise Anna De Weert
(1867-1950). Estimé 1.600 à 2.400
euros, Le verger obtenait 5.000
euros.
Collections
européennes chez
FW Auctions
FW Auctions mettait aux enchères,
le 27 février, des œuvres
en provenance de quelques
collections européennes, dont un
portrait miniature rond d’Olympe
Desmaisieres (1766-1851), fille
de l’officier français François
Morin d’Arfeuille et épouse
de Charles-François-Paulin
Desmaisieres, propriétaire de
Monchaux, en France. Un de
ses fils était Léandre Desmaisieres
(1794-1864), homme d’État
belge, parlementaire, ministre
des Finances et gouverneur de
Flandre orientale. Ce délicat
portrait miniature représente
un témoignage précieux de la
carrière précoce d’Augustin Ritt,
né à Saint-Pétersbourg, mais
84

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Anno 1897
Vente design,
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VENTE XIV :
Dimanche 1er mai à 13 heures.
400 lots comprenant la collection de monsieur Jacques
Peltzer, fils de l’industriel verviétois Georges Peltzer et de
madame la Comtesse Hélène le Tonnelier de Breteuil. Petitfils
de la Princesse Elisabeth Chavchavadze née Ridgway.
André-Antoine LARDIN (1724
- 1790), ébéniste parisien reçu
Maître le 1er Juillet 1750.
Provenance : Comtesse de
Hélène de Breteuil.
Collection familiale Jacques
Peltzer : Comtesse Hélène de
Breteuil puis Château Peltzer.
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Constructivisme méditerranéen ou les
bateaux rentrant au port. Huile sur toile monogrammée,
datée en 1990, contresignée
et intitulée au dos, 65 x 54 cm. Provenance :
Galerie Polaris Paris. Collection privée Paris.
Collection privée d’art moderne et Street
Art Jacques Peltzer.
Les 150 lots liés à la famille Peltzer-de Breteuil comprennent :
- Du mobilier et des arts décoratifs du XVIII, XIX et XXème
siècle ayant appartenu aux membres de cette illustre famille
ou ayant meublé leur prestigieuses propriétés (Château Breteuil,
Château Peltzer, Palais Polignac à Venise, propriétés de
Deauville ou de l’avenue de Bellechasse à Paris)
- La collection d’art contemporain de monsieur Peltzer (Œuvres
de Yves Zurstrassen, Zender, Miguel Berrocal, Speddy
Graphito, Ludo, André Lhote, Patrick Hugues, Ender, Quick,
Britto, Chris Tap etc etc).
- Maroquinerie de Luxe.
Exposition du jeudi 28 au samedi 30 avril de 10 à 18 heures.
Hermes, Gucci, Louis Vuitton.
60 rue de Bertransart, 6280 Gerpinnes | Tel. +32 71 50 59 95 | +32 495 25 16 20 | info@mjvsoudant.be | www.mjvsoudant.be

Ventes
Belgique
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Georges Lavroff, La Nuit,
bronze doré, 77 x 57 x 14 cm.
FW Auctions, 27-02. © FW
Auctions
James Ensor, Le Christ calmant la tempête, 1886, eau-forte
sur japon magnifiquement rehaussée en couleurs par
l’artiste, signée et titrée en bas, au crayon, contresignée au
dos par l’artiste, 15,3 x 23 cm. Lhomme, 09-04. © Lhomme
EST. 30.000-50.000 €
Floris Jespers, Le Couple. Campo &
Campo, 20-04. © Campo & Campo
EST. 8.000-12.000 €
Joseph Lacasse, Composition
en bleu. Campo & Campo, 20-
04. © Campo & Campo
qui suivit une formation à Anvers
dans l’atelier du portraitiste
Andréas Bernardus de Quertemont
(1750-1835). Ce portrait
était emporté contre 6.000 euros.
Quant à elle, une sculpture de
Georges Lavroff qui, pour une
fois, ne représente aucun animal,
trouvait preneur à 5.000 euros.
Cette statue en bronze doré, sur
socle en marbre, représente une
jeune femme tendant le bras
vers la lune. Enfin, une vue de la
cascade de la station thermale de
Bad Gastein, en Autriche, par le
peintre franco-polonais Simon
Mondzain (1890-1979) quittait la
salle à 3.000 euros.
ON VENDRA
Belles impressions
chez Lhomme
La prochaine vente publique chez
Lhomme est prévue le samedi 9
avril. On y présente, au chapitre
des Beaux-Arts, un dessin de Jean
Delville, des tableaux de Léon
Wuidar, Ernest Marneffe, Auguste
Donnay, Albert Raty, Edgar
Scauflaire, Auguste Mambour ou
encore Gaston Bogaert, … Mais
aussi, des gravures de James Ensor,
Sam Francis, Pierre Alechinsky
ou Henri Michaux. Notons aussi
plusieurs dessins originaux de
Léonard Defrance, un beau petit
ensemble d’estampes japonaises,
ainsi qu’une importante collection
de dessins et gravures de Félicien
Rops. Au chapitre de la bandedessinée,
un bel ensemble d’éditions
originales de Tintin devrait
ravir les amateurs de l’œuvre de
Hergé. La vente se complète d’un
important chapitre en affiches
anciennes. Notons encore une
lettre portant la signature manuscrite
de Catherine de Médicis et
un ensemble de bronzes, dont un
superbe David d’Antonin Mercié.
Floris Jespers chez
Campo & Campo
Le lot-phare de la vente aux
enchères d’art moderne et
contemporain, organisée par
Campo & Campo le 20 avril, sera
une magnifique huile sur toile
de Floris Jespers. Le Couple (est.
30.000-50.000 euros) figurait jadis
dans la collection du poète Paul
Van Ostaijen. Outre un églomisé
(5.000-8.000 euros), d’autres
œuvres de ce peintre seront
mises aux enchères. Autre lotphare,
une broderie de l’artiste
conceptuel italien Alighiero Boetti,
Cinque x cinque venticinque (est.
25.000-35.000 euros). Parmi les
autres lots d’artistes internationaux
figurent un dessin au fusain
d’Ernst Ludwig Kirchner (est.
6.000-8.000 euros), une œuvre
sur papier de l’artiste colombien
Luis Caballero (est. 3.000-5.000
euros), un collage inhabituel
intitulé Reading, the Communist
ideal du Britannique Nick Banks
(est. 4.000-6.000 euros) et une
œuvre abstraite en technicolor
de l’artiste autrichien Thierry
Feuz (est. 10.000-15.000 euros).
Evidemment, l’offre inclura
nombre d’artistes belges connus,
ainsi d’une collection d’œuvres
d’Eugène Van Mieghem, avec
comme point d’orgue un pastel
représentant un homme au repos
avec une pipe au bord de l’eau
(est. 3.000-5.000 euros). Jakob
Smits sera représenté par un
portrait de fille (est. 15.000-25.000
euros). Un autre portrait, de la
main de Théo Van Rysselberghe,
est estimé entre 8.000 et 12.000
euros. Signalons aussi plusieurs
œuvres de Paul Joostens, dont
une belle toile de 1937 (est. 4.000-
6.000 euros). La liste se complètera
d’œuvres d’artistes abstraits
belges, dont une signée Maurice
Wyckaert (est. 8.000-12.000 euros)
et deux belles compositions de
Joseph Lacasse. Sa Composition
en bleu est attendue entre 8.000
et 12.000 euros. Plusieurs œuvres
de Bram Bogart sont en outre
attendues, avec comme point
d’orgue une peinture de 1964 (est.
10.000-15.000 euros). Cerise sur le
gâteau : six œuvres abstraites de
Guy Vandenbranden. Sculptures
et design seront également
proposés.
Grande collection
d’animaux du
Studio Steiff pour
Flanders Auctions
C’est un catalogue bien fourni en
art, design et antiquités qui est
proposé lors de la vente des 20
et 21 avril chez Flanders Auctions.
Cette fois, la salle présente une
grande collection d’animaux du
Studio Steiff. La société Steiff,
connue dans le monde entier
pour ses petits ours et autres animaux
de compagnie en peluche,
conçoit et produit depuis plus de
100 ans des peluches réalistes et
de grande qualité, principalement
utilisées pour orner les plateaux
de tournage, les intérieurs et les
fêtes à thème. La collection mise
aux enchères par Flanders Auctions
comprend des ours bruns
(est. 800-1.200 euros), des girafes
(H. 240 cm, est. 800-1.200 euros),
un tigre, une lionne et des huskies,
ainsi qu’une peluche d’ours
grandeur nature. Ce dernier fut
fabriqué pour orner le département
"enfants" de plusieurs
succursales du magasin Inno
en Belgique et est aujourd’hui
considérée comme une véritable
pièce de collection. Outre la
Collection Steiff, des œuvres de
Charles Catteau (est. 1.500-2.500
euros), une impressionnante
horloge en forme de cathédrale
86

Medusa-Auctioneers – Breda
LA salle de vente pour les Pays-Bas et la Belgique
Maiden Spring Auction
ART – ANTIQUITES – ET OBJETS DE COLLECTION
Offres d’achat à partir du 11 avril
Enchères en ligne et en direct à partir du 10 mai
WWW.MEDUSA-AUCTIONEERS.NL

Ventes
Belgique
EST. 800-1.200 €
Ours brun de la Collection Steiff Studio Animals.
Flanders Auctions, 20 et 21-04. © Flanders Auctions
EST. 8.000-12.000 €
Pendule en forme de cathédrale de
Reims, bronze doré. Flanders Auctions,
20 et 21-04. © Flanders Auctions
André Lanskoy, Cortège, éd.Pierre
Lecuire. Damien Voglaire, 22 & 23-
04. © Damien Voglaire
EST. 50.000-60.000 €
Andy Warhol, Mick Jagger,
1975, estampe, sérigraphie en
couleurs sur papier, signée dans
la plaque : Mick Jagger et hors
plaque : Andy Warhol, justification
de tirage 127/250, 110 x 73
cm. Horta, 25 & 26-04.
© Horta
de Reims (est. 8.000-12.000
euros), plusieurs œuvres du
peintre anversois Pol Mara (entre
autres des dames, est. 1.000-2.000
euros) et bien d’autres seront
mises à l’encan.
Artistes et écrivains
chez Damien
Voglaire
La vente de printemps, organisée
les 22 et 23 avril en la salle des
ventes Damien Voglaire se place
sous les auspices de plusieurs
grands artistes et écrivains. Ainsi,
Le Voyage d’Urien d’André Gide
est le premier livre illustré par
Maurice Denis et le seul pour
lequel il a gravé des lithographies
en camaïeu. Il marque le début
du mouvement Nabis, dont
Maurice Denis rédigea le premier
la définition, dès août 1890, dans
la revue Art et Critique. Demeurons
dans le XIXe siècle avec cette
belle et rare épreuve sur Japon de
James Ensor, La Bataille des Éperons
d’or (1895), datée et signée
au crayon ; une belle édition de
Notre-Dame de Paris, illustrée
de dix eaux fortes par Luc-Olivier
Merson et finement reliée par
Henri Blanchetière (avec un billet
signé par Victor Hugo), ou encore
la grammaire espagnole ayant
appartenu à Arthur Rimbaud,
avec la signature autographe du
poète et son adresse. ‘‘L’homme
à la grammaire espagnole’’ fut le
nom dont Delahaye qualifia Rimbaud
dans une lettre à Verlaine.
Rimbaud, peut-être influencé par
le côté hispanophile de Verlaine,
voulait apprendre l’espagnol et
avait dressé des listes de mots et
de tableaux de conjugaison en
Castillan. Il avait probablement
l’intention d’accompagner son
ami en Espagne et de s’engager
comme volontaire du côté des
Républicains. Le destin tragique
des deux hommes empêcha ce
projet. Passons à la modernité
et à l’avant-garde avec Cortège
(1959), livre de Pierre Lecuire
illustré de vingt-quatre pochoirs
d’André Lanskoy, dans une superbe
reliure de Devauchelle. On
continue avec un bel ensemble
d’affiches, d’éditions originales et
de cartons d’invitation de Marcel
Broodthaers. À noter, le carton
d’invitation de la toute première
exposition de l’artiste à la Galerie
Saint-Laurent, à Bruxelles, du
10 au 25 avril 1964, exemplaire
imprimé sur un feuillet de
magazine en couleurs. Du fait du
papier utilisé, chaque exemplaire
est unique. Il y aura aussi de
nombreux exemplaires illustrés
par Derain, Picasso, Buffet, Villon,
Maillol, Masson et aussi Dalí. On
verra également une riche section
de peintures, avec un ensemble
de sept œuvres de Guillaume
Vogels, dont le superbe tableau
intitulé L’Inondation à Anderlecht,
ainsi que six peintures africanistes
de Guilherme Marques. A noter,
un singulier et unique panorama
photographique de la côte belge,
composé de soixante-sept panneaux
sur lesquels sont collées
des centaines de photographies
représentant toute la côte, de La
Panne au Zoute, qui, mis bout
à bout, constitue un panorama
complet du littoral belge.
Andy Warhol
chez Horta
Ce sont les 25 et 26 avril que se
déroulera la traditionnelle vente
cataloguée mensuelle organisée
par la salle Horta. Au menu,
entre autres, une estampe par
Andy Warhol, sérigraphie en
couleurs sur papier représentant
Mick Jagger (1975), signée dans
la plaque : Mick Jagger et hors
plaque Andy Warhol, justification
de tirage 127/250, estimée
50.000 à 60.000 euros. Au rang
des œuvres plus classiques, deux
compositions pastorales signées
Eugène Verboeckhoven, quelques
chatons d’Henriette Ronner, une
école hollandaise du XVIIe siècle,
une école allemande vers 1600
et une école lombarde du XVIe
siècle, une Vue panoramique
de Dinant par James Webb (est.
13.000-15.000 euros), une Phryné
en ivoire et onyx signées Charles
Samuel (est. 6.000 à 8.000 euros),
Camille Lemonnier en visite au
jardin d’Isidore Verheyden (est.
15.000-25.000 euros), ainsi que
quelques bagues, dont une
en or blanc agrémentée d’une
tourmaline de ± 10,53 carats et de
diamants taille brillant (est. 11.000-
12.000 euros), et une en platine
agrémentée d’un saphir de ±
7,15 carats et de diamants tailles
trillant et brillant pour ± 1,80 carat
(est. 8.000-10.000 euros).
Collections
diverses et variées
chez Haynault
Haynault organise une vente de
collections en deux volets, le 26
avril. Le volet numismatique dispersera
notamment la deuxième
partie de la Collection Anvers,
important ensemble de médailles
belges et étrangères constitué
pendant plusieurs décennies par
le collectionneur. Provenant d’une
autre source, d’autres médailles
commémoratives belges, allant de
la révolution belge de 1830 jusqu’à
la période de la Première Guerre
88

ABACA
Association Brussels Art & Culture Auctions
BOOKS & PRINTS
LIVE AUCTION : SATURDAY 14 MAY 2022
Session I : 9.30 A.M. / Session II : 2.00 P.M.
VIEWING : by appointment : 2 - 7 MAY
9 - 13 MAY : 10.00 A.M. - 6.00 P.M.
Contact : Armelle Gasquet
+32 468 46 51 28
info@abaca.auction
Live bidding
Online catalogue : www.abaca.auction (starting : 14 April 2022)
Printed catalogue available on request
325 Bld Emile Bockstael – 1020 Brussels – Belgium

Ventes
Belgique
Guglielmo Della Porta (att.), Christ en croix sur crucifix, Italie,
XVIe-XVIIe siècle, bronze doré, bois noirci, H. 123,5 cm. Vanderkindere,
26 & 27-04. © Vanderkindere
EST. 600-800 €
Série d’assiettes de famille rose à décor de paons, Chine,
dynastie Qing, époque Qianlong (1711-1799). Jordaens, 26
et 27-04. © Jordaens
Jean Brusselmans, Femme écrivant,
technique mixte au pastel sur
papier. DVC, du 30-04 au 02-05.
© DVC
mondiale, seront proposées.
Le volet ‘‘autres collections’’ se
décline en : bandes dessinées, où
seront proposés une douzaine
d’albums de Tintin en état de
fraîcheur exceptionnel provenant
d’une récente découverte.
Son jeune propriétaire avait
conservé ses albums, reçus de ses
parents entre 1941 et 1950, sous
papier kraft. Les couleurs des
couvertures sont donc comme
neuves, il s’agit d’une découverte
importante pour les tintinophiles
avertis ; documents et actions
anciennes, témoins du glorieux
passé industriel de la Belgique ;
photographies, avec les archives
d’un scientifique belge ayant vécu
en Chine entre 1925 et 1950, et
d’un autre Belge ayant participé
à la campagne de Lybie conduite
par le maréchal Montgomery
durant la Seconde Guerre mondiale
; textiles et tapis anciens ; et
tabacologie, avec une importante
collection de pipes, constituée sur
deux générations.
Un Christ en croix
après Pâques chez
Vanderkindere
Issu d’une célèbre famille de
sculpteurs originaires des lacs
lombards, Guglielmo Della Porta
(1510-1577) s’affirma à Rome grâce
à Michel-Ange et aux Farnèse
et fonda un des ateliers les plus
cosmopolites de la ville. Actif à la
fin de la Renaissance, son style
s’inscrit plus particulièrement
dans le maniérisme. Les experts
de la salle Vanderkindere pensent
pouvoir lui attribuer un Christ en
croix maniériste en bronze doré,
daté du XVIème, reposant sur un
important crucifix en bois noirci
serti de cabochons en cristal de
roche biseauté, appliqués sur
fond de tissu rouge, agrémenté
de plaques en argent repoussé.
Les branches de la croix sont
terminées de têtes d’angelots en
bronze doré. Ce travail italien du
XVIIème siècle constituera le clou
de la vente cataloguée mensuelle
proposée les 26 et 27 avril.
Porcelaine de
Chine chez
Jordaens
Un certain nombre d’effets ménagers
seront vendus par Jordaens
les 26 et 27 avril. Le catalogue proposera,
en outre, des peintures de
maîtres anciens et romantiques,
de même que des meubles du
XVIIIe siècle et de la porcelaine de
Chine et du Japon. Un ensemble
d’assiettes en porcelaine de Chine
de famille rose, à décor de paons,
d’époque Qianlong, est estimé
600 à 800 euros.
Jean Brusselmans
pour DVC Gand
La vente organisée du 30 avril
au 2 mai en la maison de vente
gantoise DVC se divisera en une
journée pour l’art classique et les
antiquités et une journée pour
l’art moderne et le design. Une
des vedettes en sera une œuvre
de Jean Brusselmans (1884-1953),
VENTES AUX
ENCHÈRES
D'OBJETS D'ART
ET D'ANTIQUITÉS
JORDAENS SA
VENTES
LES MARDI 26 ET MERCREDI 27 AVRIL
À PARTIR DE 19H.
EXPOSITION
LES VENDREDI 22 ET SAMEDI 23 AVRIL
DE 10H À 17H.
Drabstraat 74 I 2640 Mortsel I info@jordaens.eu
03 449 44 30 I Catalogues et livestream: www.jordaens.eu
90

EST. 15.000-20.000 €
Francis Bacon, Study from the
human body, 1987, aquatinte en
couleurs signée et numérotée
64/90, 160 x 130 cm. Cornette,
Bruxelles, 01-05. © Cornette
estimée entre 1.000 et 5.000 compositions géométriques et
euros. Cette œuvre précoce présente
des influences impression-
surfaces de couleur. L’œuvre, une
stylisées et l’utilisation de grandes
nistes. Entre 1912 et 1920, influencé technique mixte au pastel sur papier
s’intitule Femme écrivant et
par son amitié avec Rik Wouters
et Ferdinand Schirren, Brusselmans
se rapproche du fauvisme soise. De la même collection, on
provient d’une collection anver-
brabançon. Ce n’est qu’à partir de trouve une œuvre de Victor Mahu
1920 qu’il développe un style plus (XVIIe siècle), estimée entre 3.000
personnel, caractérisé par des et 7.000 euros. Figurera égale-
200X132 LOUIZA.qxp_Mise en page 1 14/03/2022 12:50 Page1
ment une pièce unique tardive en
marbre de George Minne (1866-
1941), estimée entre 5.000 et 8.000
euros. On notera enfin de belles
collections privées d’antiquités
de Knokke et de Gand, un certain
nombre de peintures du monastère
des Capucins à Anvers et une
collection d’art surréaliste.
Editions limitées
chez Cornette
La maison de vente Cornette de
Saint Cyr, à Bruxelles, organisera
le 1er mai une vente en
éditions limitées, modernes et
contemporaines, variées et de
qualité. Ainsi, Francis Bacon
(1909-1992), peintre inclassable
à la personnalité complexe,
sera mis à l’honneur à travers
la présentation d’estampes
de grand format. Ces pièces
côtoieront d’autres lithographies,
sérigraphies, gravures sur bois
et eaux fortes en édition limitée
portant les signatures d’artistes
tels qu’Ensor, Picasso, Delaunay,
Mirò, Dalí, Klein, Poliakoff, Vasarely,
Kentridge, Beckman, Stella,
Lewitt, Baselitz ou encore Kapoor
et Banksy. Sans oublier de faire la
part belle aux artistes nationaux
tels que Alechinsky, Magritte
et Folon. La maison de vente
mettra également à l’honneur
les multiples, notamment sous
la forme de sculptures de César,
Arman ou Arp, des objets de
Klein, Raveel, Venet; ou encore
un bel ensemble de Berrocal. La
collection de cette vente est une
incontestable illustration de la façon
dont de grands noms se sont
imprégnés de la réthorique de
l’édition limitée dans l’art. Pour
les amateurs et les collectionneurs
avisés, il sera ainsi possible
de jouir d’œuvres signées de
grands noms et numérotées.
VENTE ONLINE : www.liveauctioneers.com
www.invaluable.com - www.drouot.com
www.auction.fr
VENTE AUX ENCHERES PUBLIQUES ONLINE
VENTE EXCLUSIVEMENT ONLINE - SAMEDI 2 AVRIL 2022 A 14H00
STREET ART - TABLEAUX & SCULPTURES CONTEMPORAINS
CLAIRE ROTHÄRMEL
EMBALLAGE ET ENVOI DES OEUVRES
SUR DEMANDE APRÈS LA VENTE
91

Christian
Dotremont
La plasticité du langage
À l’occasion du centenaire de la
naissance du poète et peintre belge
Christian Dotremont, une exposition
exceptionnelle est présentée à Bruxelles.
L’occasion de s’intéresser à la cote
de cet artiste majeur de la seconde
moitié du XXe siècle.
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
A bleu mentir qui vient de près, 1978, encre de Chine et mine de plomb sur papier, 21 x 27,5 cm. Fondation
Roi Baudouin / Dépôt aux Archives & Musée de la Littérature.
De fait, Christian Dotremont
(1922-1979) fut l’un des premiers
à élever l’écriture au rang
des arts plastiques. Novateur,
il invente les logogrammes, véritables
poèmes visuels tracés au pinceau en une
fabuleuse spontanéité. Ses mots, couchés
impulsivement sur le papier, s’allongent et
se distordent jusqu’à créer une composition
d’une grande expressivité. Écriture et
peinture y fusionnent, se voyant ainsi sans
cesse réinventées. Pour l’artiste, il s’agit
de tracer dans l’espace blanc et à l’aide de
l’encre de Chine la plus noire des signes
mimant une écriture cursive rêvée. Par
cette technique, expliquait son contemporain
Joseph Noiret, Dotremont « saisit la
nature matérielle de l’acte d’écrire, devine
le rôle initiateur de la main où le poids du
corps au travail se porte jusqu’à la pointe
de la plume. » Dès lors, le geste producteur
et l’écriture formalisée s’offrent simultanément
pour faire sens, pour restituer
l’impulsion créatrice, dire l’immédiateté
du poème, évacuer toute anecdote et en
définitive pousser le langage vers sa propre
disparition.
92

Dans la plénitude de mes moyens, qui sont aussi les vôtres, 1977, encre de Chine et mine de plomb sur
papier, 21,2 x 27,5 cm. Fondation Roi Baudouin / Dépôt aux Archives & Musée de la Littérature.
Des mots, c’est la
dimension matérielle
que Dotremont
cherche à exprimer.
Car, pour lui,
ils possèdent
une réalité propre.
DIMENSION MATÉRIELLE
En 1940, Christian Dotremont découvre la
revue surréaliste L’Invention Collective et à
l’occasion d’un envoi de ses poèmes, prend
contact avec le mouvement. Très attiré par
l’association des mots et de la peinture, il
s’intéresse plus particulièrement à l’œuvre
de René Magritte et à l’ambigüité des liens
qui s’y développent entre mot, chose et
image. Toutefois, il souhaite pousser plus
loin l’expérimentation. Des mots, c’est
la dimension matérielle qu’il cherche à
exprimer. Car, pour lui, ils ne servent pas
seulement à représenter les choses et leur
signification, mais possèdent une réalité
propre. Aussi n’a-t-il de cesse, entre les
expériences surréalistes et sa participation
essentielle à la fondation et à l’organisation
du mouvement CoBrA, en novembre 1948,
d’en découvrir le potentiel plastique et la
matérialité. Pour ce faire, il mène, entre
autres, des expériences à quatre mains
avec le Danois Asger Jorn, créant ensemble
les premières peintures-mots, œuvres
collectives que poursuivront plus tard
d’autres artistes Cobra comme Constant,
Appel ou Corneille. Dès 1949, Dotremont
se rapproche de Pierre Alechinsky au
contact duquel il se découvre peintre.
Au fil d’expérimentations obstinées
ayant pour but de tirer de la plasticité du
langage et des mots, en 1962, il réussit à
atteindre son objectif en inventant ces
logogrammes qui l’occuperont jusqu’à la
fin de sa vie. Pour Dotremont, il ne faut pas
savoir les lire, mais plutôt les voir dans leur
dimension graphique, matérielle. Le plus
souvent, leur texte se retrouve en dessous,
au crayon, à l’écriture régulière. Ce qui permet
d’en comprendre le sens après l’avoir
vu. Ses logogrammes seront montrés dans
plusieurs expositions, dont la première, en
1969, à la Galerie Maya de Bruxelles.
ICONIQUE ET RARE
Au regard de ce riche parcours, on se rend
compte de l’aspect iconique des œuvres
de Christian Dotremont, qui transcendent
les catégories artistiques. Ces poèmes à
voir et à lire que sont les logogrammes
constituent ainsi une des principales
découvertes plastiques de la seconde moitié
du XXe siècle. Un constat qui explique
la rareté de ces œuvres, particulièrement
recherchées. En outre, après le décès de
l’artiste, ses archives, documents, œuvres
graphiques et correspondance, ainsi que
sa bibliothèque, seront rassemblés en un
fonds géré par son frère Guy. En 2011, celui-ci
en confie une grande partie à la Fondation
Roi Baudouin, tandis qu’en 2018,
le reste de la succession est repris par la
Galerie Samuel Vanhoegaerden (Knokke-
Heist) qui contrôle aujourd’hui l’essentiel
d’un marché peu fourni et très fluctuant.
En conséquence, les œuvres atteignent
parfois des prix très élevés, comme ce
logogramme vendu 28.000 euros en mai
2019 chez Christie’s Paris, alors que le
record du monde est toujours détenu par
l’antenne parisienne de Cornette de Saint-
Cyr, qui adjugeait en octobre 2010 un important
logogramme de 1971 pour 61.000
euros. Sur un plan européen, de belles
enchères ont été obtenues par la salle
danoise Bruun Rasmussen (43.000 euros
en octobre 2003 et décembre 2020). En
Belgique (55,9 % des résultats), Cornette
de Saint Cyr et De Vuyst se partagent le
marché. Même si, selon Artprice, ces dernières
années on assiste à un tassement
des prix, la cote de Dotremont s’est tout de
même appréciée de +175 % sur la dernière
décennie ; la valeur moyenne d’une œuvre,
toutes techniques confondues, se situant
aux environs de 1.000 à 5.000 euros.
VISITER
Christian Dotremont. Peintre de l’écriture
Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique
Bruxelles
www.fine-arts-museum.be
du 28-04 au 07-08
Christian Dotremont en 1951. © D. R.
93

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Les armes secrètes
de Jacques Billen
Jacques Billen est
internationalement connu en
tant qu’éminent marchand
d’antiquités égyptiennes. On le
sait moins, depuis vingt-cinq ans,
il collectionne en toute discrétion
des armes d’Afrique Centrale. En
collaboration avec le spécialiste
Bruno Claessens, il en a tiré un
prestigieux album illustré. Nous les
avons rencontrés au milieu de ce
singulier ensemble.
TEXTE : THIJS DEMEULEMEESTER
PHOTOS : KAREL DUERINCKX
Jacques Billen et Bruno Claessens. Au premier plan, un couteau à lancer Vidri de la République Centrafricaine
(ca. 1880-1920).
Un ‘‘violon d’Ingres’’ désigne une
passion secrète. Celle du peintre
français Jean-Auguste-Dominique
Ingres était de jouer du violon.
Pour Jacques Billen, expert bruxellois et
marchand d’antiquités égyptiennes, il s’agit
d’armes africaines. Ce qui ne manque pas
de surprendre lorsqu’on apprend qu’en un
quart de siècle, il est parvenu à en réunir
environ deux cents de diverses cultures. Cet
ensemble est si discret que Bruno Claessens
lui-même, un des meilleurs experts belges
d’art africain, n’en avait jamais entendu parler.
Pourtant, il y a dix ans, il avait organisé
une exposition d’armes africaines de la collection
de l’Université de Gand. L’an dernier,
les deux hommes se sont rencontrés pour
la première fois et décidèrent de réaliser
ensemble un livre sur les armes africaines
au départ de cette collection méconnue,
Unû : Prestigieuses armes africaines. « Il
existe déjà quantité d’ouvrages didactiques
sur le sujet, avec beaucoup de textes. Nous
souhaitions en réaliser le premier volume
illustré en format de luxe. Il ne s’agit pas
d’informer le lecteur sur la provenance d’un
couteau à lancer, qu’il soit Ngbaka, Zandé
ou Zaghawa. Nous voulions d’abord attirer
son attention sur l’esthétique et le savoir-
96

« Il faut savoir
attendre patiemment
que surgisse la pièce
adéquate. »
faire, avant qu’il ne se plonge dans le texte.
Nous voulions mettre l’accent sur la beauté
de ces armes. Certaines pièces portent donc
des codes QR qu’il suffit de scanner pour
observer les armes en 3D. » Plus insolite, le
nom de Jacques Billen ne figure pas sur le
livre. Il avait délibérément choisi de maintenir
sa collection confidentielle, mais il s’est,
par bonheur, ravisé : « Lorsqu’en qualité de
marchand, vous vendez un objet, cela laisse
relativement peu de traces. Mais lorsque
vous réalisez un livre sur une collection,
ce n’est plus le cas. Une publication aide
à faire avancer la science et la recherche.
Quand un objet figure dans un livre, il existe.
L’ouvrage est là pour fournir des éléments
non encore publiés, pour le futur. Mais il
doit surtout servir à sensibiliser les personnes
qui ne connaissent rien aux armes,
un domaine négligé de l’art africain. »
PATIENCE ET LONGUEUR DE TEMPS
Il est étonnant que Jacques Billen se soit
plongé dans le domaine des armes africaines.
Tout a commencé il y a vingt-cinq
ans lorsqu’un homme est entré dans sa
Galerie Harmakhis, Jan Elsen : « Je ne le
connaissais pas, mais il m’a dit qu’il souhaitait
avoir un sarcophage égyptien dans
sa collection. Nous avons fait plus ample
connaissance et il m’a invité à venir voir sa
collection. Ce fut une incroyable découverte,
car il possédait un sublime ensemble
d’armes africaines et était le plus grand
expert en la matière, ayant déjà écrit une
dizaine de livres sur le sujet. Il avait aussi
organisé l’exposition Beauté fatale, présentée
à Bruxelles en 1992. Il me fit cadeau du
catalogue que j’ai entièrement lu. Les armes
étaient un domaine totalement neuf pour
moi. Je pensais jusqu’alors qu’il s’agissait
d’objets rouillés sans valeur esthétique.
Mais grâce à Elsen, j’ai vite rêvé d’avoir de
telles pièces dans ma collection. Après un
premier couteau à lancer, acheté au célèbre
collectionneur René Vanderstraete, j’y
ai pris goût. Jan Elsen est devenu un très
bon ami et un conseiller, car je voulais au
Couteaux Kuba (ca. 1850-1900) et épées Kuba (ca. 1880-1920) de la République Démocratique du Congo.
début acheter tout ce qui me tombait sous
la main, ce qui est une grave erreur. Il faut
savoir attendre patiemment que surgisse la
pièce de qualité. »
LA BELGIQUE AU SOMMET
À quelques rares exceptions près, les
pièces de la collection de Jacques Billen
datent des années 1850 à 1920, soit la
période généralement reconnue comme
la meilleure pour la production d’armes
africaines. Bruno Claessens : « Ces objets
furent collectionnés au début de la colonisation.
On ne trouve pas d’armes plus
anciennes, contrairement aux armes
européennes dont on découvre parfois des
cottes de maille ou des glaives médiévaux.
» Ce marché a connu son apogée
dans les années 1990, grâce aux expositions
et publications de l’époque. « La
Belgique compte toujours le plus grand
nombre de collectionneurs d’armes africaines
au monde », précise Bruno Claessens.
Tout comme Jan Elsen, Jacques Billen
se concentre essentiellement sur les pièces
du Congo, du Gabon et de l’Afrique Centrale.
Mais il possède aussi de singulières
armes calligraphiées du Soudan : « Parce
que le Soudan se trouve géographiquement
dans le prolongement de l’Égypte
ancienne, il a également connu des civilisations
avancées qui édifièrent des pyramides.
Le pays est, en outre, contigu au
Congo par le sud. Les Zandé, peuple dont
je possède quelques pièces, vivent dans
cette zone frontalière. »
LE FASTE DE L’ELITE
Les armes d’Afrique Centrale sont en général
les plus appréciées, en raison du délicat
97

Bonne nouvelle pour
les collectionneurs
débutants : le marché
des armes africaines
est encore sousévalué.
travail du fer. Dans cette région, riche en
minerais de cuivre et de fer, le travail du
métal était très élaboré. Bruno Claessens :
« Un forgeron aurait aujourd’hui du mal à
reproduire les détails que les artisans locaux
étaient capables de réaliser. » Jacques Billen
renchérit : « Ce qui fut conservé et collectionné,
ce sont souvent les armes cérémonielles.
Ces objets prestigieux n’ont jamais
vraiment servi dans le cadre de combats. Ils
appartenaient à d’importants chefs et rois.
Certes, les gens du peuple possédaient des
dagues, des faucilles et des couteaux, mais
ceux-ci portaient des ornements beaucoup
moins raffinés. Ces armes furent plus tard
refondues. Ce qui subsiste aujourd’hui
constitue le meilleur de cet art, car chez les
peuples africains, les pièces les plus prestigieuses
se transmettaient souvent d’une
génération à l’autre, comme symbole de
passation de pouvoir. » Les chefs-d’œuvre
de la collection de Jacques Billen appartenaient
à des dignitaires de la société
hiérarchisée des peuples africains. Ceux-ci
avaient souvent à leur service des sculpteurs
sur bois et sur ivoire, des forgerons
très qualifiés qui produisaient des armes
prestigieuses ou des objets d’art exclusifs.
Bruno Claessens : « Nombre de ces armes
sont personnalisées, par exemple avec des
manches anthropomorphes, des orne-
Détail d’un couteau Mbuun, R.D. Congo (ca. 1880-1920), anciennement dans la Collection Alexis Van Opstal.
ments ou incrustations en cuivre. Si votre
poignard était doté d’un manche en ivoire,
vous étiez apparenté au roi, car celui-ci en
détenait le monopole. Reflest de votre place
dans la société, ces symboles de pouvoir
étaient parfois portés de manière ostentatoire,
les poignards accrochés à la ceinture
et les haches posées sur l’épaule. Il s’agit ici
du faste et de l’apparat de l’élite. » Au début
du XXe siècle, les coloniaux créaient souvent
chez eux un cabinet congolais aux murs
orné d’armes et de boucliers. Bruno Claessens
: « Ces pièces arrivaient le plus souvent
en Europe par le biais de militaires coloniaux.
Ces soldats rapportaient en priorité
ce qu’ils connaissaient, non des sculptures,
mais des armes, surtout celles qui portaient
les plus beaux ornements. Il s’agissait aussi
de propagande pour leur mission civilisatrice
: “Regardez, nous avons apporté la
civilisation aux tribus africaines, elles n’ont
plus besoin de leurs armes. L’ordre, le droit
et la discipline règnent désormais grâce
à l’occupant colonial.” Lors des premières
expositions d’objets d’art africain, vers 1900,
des murs entiers étaient souvent recouverts
d’armes. Parfois même, il restait du poison
sur certaines d’entre elles. »
POSITIONNEMENT
Comment s’intègrent les armes dans l’art
africain ? Comment sont-elles considérées
en regard des masques et autres sculptures
plus visibles dans les musées ? Est-ce une
niche méconnue des spécialistes, à l’instar
des instruments de musique africains ?
Bruno Claessens : « C’est assurément
une niche dans laquelle je distingue trois
types de collectionneurs : le premier est le
collectionneur qui souhaite un exemplaire
de chaque type ; le deuxième est celui qui
achète en fonction de l’esthétique et de la
qualité, comme Jacques ; le troisième est
l’acheteur occasionnel qui achète des pièces
décoratives pour son intérieur. » Certains
couteaux, simples mais rares, valent
plusieurs milliers d’euros. Les armes plus
exceptionnelles apparaissent parfois lors
d’importantes ventes aux enchères ou dans
des foires comme la TEFAF ou la BRAFA
et peuvent facilement trouver acquéreur
pour 25.000 euros. De temps à autre, les
prix s’envolent. Ainsi, Christie’s vendait, en
2014, une hache Luba d’une exceptionnelle
beauté pour 163.000 euros. Quant à Sotheby’s,
une hache Songye y était vendue, en
2011, pour 384.750 euros, montant semblet-il
conforme au marché. Ces prix élevés
restent toutefois insignifiants en regard des
98

Couteau Mangbetu, R.D. Congo (ca. 1900-1920). / Jacques Billen et Bruno Claessens. Au premier plan, un couteau à lancer Vidri de la République Centrafricaine
(ca. 1880-1920) et un couteau à lancer Zaghawa du Tchad (ca. 1850-1900).
«Si je suis favorable à la restitution des biens
volés, j’ai du mal à accepter la généralisation de
l’étiquette ‘‘art volé’’.»
sommes déboursées pour des masques et
des sculptures de qualité équivalente. Autrement
dit, le marché des armes africaines
est encore largement sous-estimé. « Des
pièces inconnues apparaissent de temps à
autre », souligne Jacques Billen. « La plupart
du temps, elles faisaient partie de collections
anciennes dispersées après un décès.
Si vous avez de la chance, vous pouvez faire
une trouvaille au marché aux puces. J’ai
ainsi récemment acquis un beau couteau
de Cuba pour 100 euros. » Une bonne
nouvelle pour les collectionneurs débutants
: il est encore possible d’entamer une
collection avec un peu de connaissances et
relativement peu de moyens. Comme les
armes africaines ne sont pas très rares, le
risque que ce marché se tarisse est mince.
« C’est aussi la raison pour laquelle ces
pièces conservent une valeur financière,
sont conservées, exposées, montrées et collectionnées.
Sinon, elles rouilleraient tout
simplement. »
RESTITUTIONS
Impossible de prendre congé de Bruno Claessens
et Jacques Billen sans recueillir leur avis
sur le débat actuel autour des restitutions.
Ces spécialistes de l’art africain et des antiquités
égyptiennes y sont souvent confrontés.
Jacques Billen : « En soi, le mot restitution
pose problème car il signifie rendre ce qui
a été volé. Je suis favorable à la restitution
d’objets volés, mais j’ai des problèmes avec
une généralisation qui classerait tout comme
art spolié sans autre forme de procès. Un musée,
au Danemark, a voulu rendre quelques
œuvres d’art au Nigeria, mais les autorités de
ce pays ont estimé que ces pièces étaient les
meilleurs ambassadeurs à l’étranger de leur
fier passé. Il est arrivé la même chose pour
L’Entrée du Christ à Bruxelles d’Ensor au musée
Getty de Los Angeles. L’artiste y est notre
meilleur ambassadeur qui soit. Pourquoi
les Breughel du Kunsthistorisches Museum
de Vienne devraient-ils revenir dans notre
pays ? Breughel n’était même pas belge, car la
Belgique n’existait pas encore. C’est une discussion
complexe. Je m’interroge surtout sur
l’avenir et la garantie de conservation de ces
œuvres. Je me fiche qu’une œuvre se trouve
à Tokyo, Sydney ou Anvers. Ce qui me pose
problème, c’est que le musée de Tervuren soit
désormais perçu comme le lieu qui symbolise
notre effroyable passé colonial. Or, il s’agit à
mes yeux d’une institution scientifique qui
apporte une contribution essentielle à nos
connaissances sur le Congo et son art. La plupart
des gens ne connaissent pas bien l’histoire
de ses collections ethnographiques, ce
qui donne lieu à des conclusions trop souvent
peu nuancées.» Bruno Claessens : « Nous
vivons une époque de culpabilité coloniale, ce
qui ne se justifie pas la restitution d’emblée de
tous les trésors artistiques. Ce débat manque
de nuances. Et cette discussion passe souvent
au-dessus de la tête des intéressés. C’est à
celui qui criera le plus fort pour attirer l’attention,
même si ce n’est pas forcément le plus
compétent en la matière. »
LIRE
Jacques Billen et Bruno Claessens, Unû :
Prestigieuses armes africaines, autoédition
disponible à la Galerie Harmakhis (Bruxelles)
ou via : info@harmakhis.be
99

De l’artisanat
populaire devenu
pièce de musée
Le cheminement d’un sac fourretout
d’Anatolie jusqu’au prestigieux
musée du Quai Branly à Paris,
en passant par Anvers, est dû
au savoir-faire et à la notoriété
internationale du marchand
anversois N. Vrouyr.
Un double sac fourre-tout d’Anatolie
(Turquie) de la fin du XIXe
siècle attirait l’attention de
conservateurs parisiens. Les
travaux de recherche de l’enseigne familiale
N.Vrouyr ont permis de rendre histoire et
contexte à cette iconographie singulière.
« Nous avons d’abord recherché un lien
entre le lieu de fabrication de l’objet et l’inscription
qu’il porte », explique le marchand
Naïry Vrouyr. « Nous avons été surpris d’y
trouver des lettres latines au lieu d’une
écriture arabe, comme nous l’escomptions.
Le personnage à cheval présente également
un aspect plus européen et chrétien
qu’oriental. Des livres, des recherches en
ligne, de longues années de savoir-faire et
parfois aussi de la chance dans cette masse
d’informations jouent un rôle majeur. Nous
connaissons bien entendu nos limites et
savons où nous adresser pour demander
aide et savoir-faire ad hoc. Même si, dans le
cas présent, ce ne fut pas suffisant, ce genre
d’approche permet d’éviter les écueils. »
Le sac en question date, en fait, de la fin du
XIXe siècle et son ornementation est celle
de saint Georges. Une représentation guère
surprenante, car de nombreux chrétiens
vivaient alors sur le littoral de l’Anatolie. De
la fin du XIXe siècle au début du XXe siècle
jusqu’à la destruction de Smyrne (Izmir),
nombre d’Italiens, de Français et d’Anglais,
nommés Levantins, résidaient également
dans le pays. Ce qui explique l’emploi d’initiales
issues de l’alphabet latin. Ces Levantins
commandaient souvent des tapis et
travaux manuels à la population locale.
CURIOSITÉ À PLUSIEURS NIVEAUX
Naïry Vrouyr : « Ce sac en laine nouée, avec
nœud symétrique et attaches en cuir, se
trouve dans un parfait état de conservation.
« La collaboration
avec les musées
ne diffère pas chez
nous du contact avec
les particuliers. »
Il constitue une curiosité, car il est possible
d’interpréter les illustrations de son iconographie
tant occidentale qu’orientale. La
sirène sur les petites surfaces, par exemple,
renvoie à une légende locale et en même
temps à une histoire occidentale qui prend
de nombreuses formes différentes. Dans
l’histoire orientale, Shahmaran (nom persan
désignant la ‘‘maîtresse des serpents’’)
est mi-femme, mi-dragon. La plupart du
temps, elle figure avec une queue de poisson
sur des amulettes, car elle était dotée de
pouvoirs protecteurs. Suivant l’interprétation
occidentale, il s’agit de la fée Mélusine,
épouse du seigneur de Lusignan, proche
parent des rois de France. Diverses histoires
circulent à propos de son apparence, avec
l’affirmation récurrente qu’elle se changea
en sirène. Guy de Lusignan partit en
croisade au XIIe siècle et devint, par son
mariage avec Sybille de Jérusalem, roi de Jérusalem,
mais aussi de Chypre et d’Arménie.
Le royaume de Petite-Arménie se situait sur
la côte sud-est de l’Asie ; il n’est pas à exclure
que la représentation de la Mélusine occidentale
parle encore à l’imaginaire de la population
de cette région. Mais comme cela
est souvent le cas dans l’Histoire, les apparences
de Shamaran et Mélusine ont peu à
peu fusionné dans la mythologie populaire.
Saint Georges fut tour à tour un chrétien
100

Handgeknoopt, dubbel tasje uit Anatolië, begin 20e eeuw.
et un soldat romain (IVe siècle) de Cappadoce.
À Lydda (aujourd’hui Lod) mourut un
certain Nahfr, chef d’une bande de voleurs.
Nahfr signifie ‘‘dragon’’ ou ‘‘serpent’’. Cette
illustration pourrait donc représenter
Nahfr, sous une apparence humaine, vaincu
par saint Georges. » Cette pièce provenant
d’une collection privée fut achetée il y a de
nombreuses années par Christian Vrouyr
et ensuite acquise par le musée du Quai
Branly, à Paris. « Nous n’avions jamais proposé
d’œuvres à des musées par le passé »,
souligne Naïry Vrouyr. « Ils nous ont
contactés, peut-être après avoir consulté
notre site internet qui présente toutes nos
pièces, ou par le biais de notre présence en
foire. La collaboration avec les musées ne
diffère pas chez nous du contact avec les
particuliers. » La liste de ces institutions est
en tout cas remarquable : le musée du Tapis
de Téhéran, la Maison Rubens et le musée
Plantin-Moretus à Anvers, le Rijksmuseum
à Amsterdam et le Textielmuseum à Tilburg
ont ainsi enrichi leur collection grâce à
cette entreprise familiale. C’est maintenant
le tour du musée du Quai Branly à Paris :
« Le conservateur responsable de l’Afrique
du Nord et du Proche-Orient nous a écrit
pour nous faire part de son intérêt. Après
l’envoi des informations et photos d’usage,
l’acquisition fut proposée dans le cadre
d’une commission. L’approbation fut alors
donnée, sans autres négociations avec
nous. Ces pièces complèteront la collection
« La sirène sur le sac peut renvoyer à une
légende locale ou à une histoire occidentale
qui prend diverses formes. »
Moyen-Orient de l’institution. » Une procédure
fluide qui se base sur la réputation du
marchand et sur la confiance placée en son
savoir-faire.
CRÉATIONS CONTEMPORAINES
La prise de contact systématique avec
des musées ne fait pas partie des objectifs
prioritaires de N. Vrouyr, parce que ce type
de vente est assez marginal, mais aussi
parceque ses activités sont extensives et
intensives. Naïry Vrouyr : « L’approche
artistique du tapis n’a pas beaucoup
évolué au fil des années. Des créations
d’artistes vivants suscitent depuis peu un
vif intérêt. Nous avons récemment acquis
un tapis noué du Népal par Walter Van
Beirendonck réalisé au Textielmuseum de
Tilburg. Pour ce genre de tapis modernes,
nous rencontrons les artistes qui souhaitent
réaliser une œuvre textile et sont
en quête du savoir-faire approprié. Ils nous
soumettent le dessin d’un tapis ou d’une
esquisse qui, selon eux, pourrait devenir
un tapis. Nous pouvons faire réaliser leurs
idées avec quelques adaptations et aboutissons
à de nouvelles productions. KRJST,
par exemple, a fait réaliser certains tapis
par notre intermédiaire. » Le nouage de
tapis nécessite une grande maestria. Ces
pièces sont en général des objets usuels
dans lesquels beaucoup de travail et de
temps ont été investis. « Elles ont souvent
vu le jour dans un contexte populaire. Le
fait que cela ait engendré des pièces aussi
magnifiques représente pour moi l’aspect
le plus fascinant de mon travail de marchand
d’art. Vendre à un musée constitue
bien entendu une référence. Les musées
achètent en connaissance de cause et il
appartient souvent à une commission de
prendre les décisions à partir de données
précises. Ce compromis, conscient et
réfléchi, confère à la vente à un musée une
aura d’accomplissement et une reconnaissance
supplémentaires. »
SURFER
www.vrouyr.com
www.rocad.be
101

Auction calendar
APRIL / MAY 2022
Belgium
APRIL
1-17 Jordaens
Kunst en antiek MORTSEL
1-5 Rops
Kunst en antiek NAMEN
1-4 Maison des Huissiers de
Justice
Deurwaarderstukken BRUSSEL
2 Louiza Auctions
tableaux et sculptures
contemporain, steet art,
grafiti BRUSSEL
2 Campo & Campo
Grafiekveiling ANTWERPEN
2 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
2-3 Cnock
Juwelen en inboedels KNOKKE
4 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
4 Pictura
Inboedel, kunst en antiek
GENT
7 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
7-9 Sylvie’s Wine Auction
Lenteveiling ANTWERPEN
8 Maison des Huissiers de
Justice
Deurwaarderstukken BRUSSEL
9 Lhomme
Boeken, prenten, tekeningen,
schilderijen
LUIK
9 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
10 FW Auctions
Vente de bijoux, montres et
pierres précieuses NAMEN
11 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
16 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
16-18 Maison des Huissiers
de Justice
Deurwaarderstukken
BRUSSEL
18 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
20 Campo & Campo
Moderne en hedendaagse
veiling ANTWERPEN
20-21 Flanders Auctions
Kunst, antiek, en design
WINGENE
22-23 Damien Voglaire
Boeken en schilderijen
BRUSSEL
22-25 Maison des Huissiers de
Justice
Deurwaarderstukken BRUSSEL
23 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
24 Millon
Cave d’amateurs (Drouot)
PARIS
25 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
25 Uccle Saint Job
Kunst en antiek UKKEL
25-26 Horta
Kunst en antiek BRUSSEL
25-26 Elysée Liège
Kunst en antiek LUIK
25-26 Galerie Moderne
Kunst en antiek BRUSSEL
26 Haynault
Numismatiek, medailles, etc
BRUSSEL
26-27 Galerie Athena
Kunst en antiek BRUSSEL
26-27 Berg van
Barmhartigheid
Bijzondere verkoop keramiek,
glas en kristal BRUSSEL
26-27 Vanderkindere
Kunst en antiek UKKEL
28-3 Infinitas
Kunst, antiek, oude
bouwmaterialen, antiek
tuinmeubilair PLOEGSTEERT
28 Legros
Kunst en antiek VERVIERS
29 Phoenix Auctions
Art Contemporain WAVRE
29-1 Maison des Huissiers
de Justice
Deurwaarderstukken
BRUSSEL
30 DVC
Klassieke veiling GENT
30 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
30 Maison Jules
Kunst, antiek en design
GENT
30 ABACA-Auction
Boeken, prenten, tekeningen
BRUSSEL
MAY
1 Cornette de Saint Cyr
Editions limitées
BRUSSEL
1 Soudant
Kunst en antiek GERPINNES
1 DVC
Modern, hedendaags en
design GENT
2 Cornette de Saint Cyr
Art belge et contemporain
BRUSSEL
2 DVC
Schatten op zolder GENT
2 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
3 Berg van Barmhartigheid
Juwelen BRUSSEL
7 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
8 Soudant
Kunst en antiek GERPINNES
9 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
10 Berg van Barmhartigheid
Muziekinstrumenten en
juwelen BRUSSEL
The Netherlands
APRIL
28-4 Veilinghuis Korendijk
Kunst en antiek MIDDELBURG
1-4 BVA Auctions
Kunst en antiek AMSTERDAM
7-9 Twents veilinghuis
Kunst en antiek TWENTHE
11 Derksen
Kunst en antiek
ARNHEM
11-13 Schulman
Numismatiek AMSTERDAM
11-15 Korst Vander Hoeff
Kunst en antiek KEMPTEN
15-25 Notarishuis Arnhem
Online Klassieke Veiling
ARNHEM
24 Veilinghuis Peerdeman
Kunst, antiek, design,
sieraden en zilver MÜNCHEN
25-29 Van Spengen
Kunst en antiek HILVERSUM
26-28 Omnia
Kunst en antiek GRONINGEN
MAY
1-4 Botterweg
Voorjaarsveiling AMSTERDAM
France
APRIL
1 Drouot Estimations
Important Bijoux (Drouot)
PARIS
1 Tessier & Sarrou et Associés
Tableaux Mobilier (Drouot)
PARIS
1 Binoche et Giquello
Mobilier et objets d’art
(Drouot) PARIS
1-14 Artprecium
Egyptian Modern Art ONLINE
2-9 Sotheby’s
Living Contemporary PARIS
3 Osenat
Art Russe VERSAILLES
3 Lombrail Teucquam
Arts Premiers LA VARENNE-
SAINT-HILAIRE
4 Yann Le Mouel
Bijoux Anciens (Drouot) PARIS
5 Aguttes
Les Collections Aristophil
NEUILLY
5 Maison R&C
Bijoux et Montres (Drouot)
PARIS
5 Coutau Begarie
Bijoux, objets de vitrine,
orfèvrerie (Drouot)
PARIS
5 Lucien Paris
Paris Mon Amour (Drouot)
PARIS
5 Cornette de Saint Cyr
Art Contemporain PARIS
5 Tajan
Objets de Lettrés, Trésors de
l’art en Asie PARIS
5 Artcurial
More PARIS
5 Rouillac
Cartes Postales TOURS
5 Cannes Enchères
Vente Courante CANNES
5-21 Aguttes
Online only: montres de
poche et goussets NEUILLY
6 De Baecque & Associés
Poupees, jouets LYON
6 Tajan
Bijoux PARIS
6 Boisgirard Antonini
Presse-papiers - opalines -
verrerie PARIS
6 Cornette de Saint Cyr
Design Moderne et
Contemporain PARIS
7 Rouillac
Dessinsde Costumes TOURS
7 Artcurial
Bijoux Online PARIS
7 Alde
Bibliothèque d’un amateur
PARIS
7 Cornette de Saint Cyr
Editions Limitées PARIS
8 Tessier & Sarrou et Associés
Tableaux, mobilier & objets
d’art (Drouot) PARIS
8 Binoche et Giquello
Livres anciens et modernes
(Drouot) PARIS
8 Ferri & Associés
Art Populaire (Drouot) PARIS
8 Aguttes
Arts d’Asie NEUILLY
8 Ader
Collection d’Estampes autoir
de Bonnard PARIS
102

Auction calendar
APRIL / MAY 2022
8 Cornette de Saint Cyr
Art Moderne et
Contemporain PARIS
10 Mercier Art
Grande Vente d’Art Classique
10 Osenat
La Royauté à Versailles
VERSAILLES
11 Mercier Art
Belle Vente de Bijoux
12 Lucien Paris
Une Vente Evénement PARIS
12 Cannes Enchères
Vente de timbres CANNES
12 Nice Enchères
Collections niçoises NICE
12 Artcurial
Design Italien PARIS
13 Piasa
Céramique française
moderne, Brazilian design
PARIS
13 Cornette de Saint Cyr
Haute Couture PARIS
13-27 Aguttes
Online only: design NEUILLY
14 De Baecque & Associés
Autographes &
Photographies LYON
14 Tajan
Livres & Manuscrits PARIS
14 Ader
Livres Anciens et Modernes
PARIS
14 Piasa
Aboudramane: Chambre
à part, Art contemporain &
photographie PARIS
14 Bonhams
Paul Scheurich, l’avant garde
en céramique PARIS
14 Lucien Paris
Tableaux, dessins, objets
d’art et de bel ameublement
NOGENT
14-26 Aguttes
Online only: bijoux anciens &
modernes NEUILLY
15 Piasa
Editions et bijoux d’artistes
PARIS
17 Besch
Tableaux Modernes & Art
Contemporain CANNES
18 Besch
Haute Joaillerie CANNES
20 Aguttes
Art Impressionniste &
Moderne NEUILLY
20 Artcurial
Mobilier & Objets d’Art
Online PARIS
21 Artcurial
Bandes Dessinées PARIS
21 Boisgirard Antonini
Tableaux Modernes PARIS
22 Cannes Enchères
Litographies CANNES
22 Ader
Dessins PARIS
22 Alde
Livres de voyage PARIS
23 Osenat
Montres de Collection &
Horlogerie VERSAILLES
23 Cannes Enchères
Art Moderne CANNES
24 Osenat
Les Ecrins de Fontainebleau
VERSAILLES
24 Cannes Enchères
Art Contemporain CANNES
26 Tajan
Estampes PARIS
27 Piasa
DESIGN, RUCTIC REVIVAL
PARIS
27 Boisgirard Antonini
Bijoux, tableaux, objets d’Art
PARIS
28 Aguttes
Art Contemporain: de l’Après
Guerre à nos jours NEUILLY
28 Bonhams
Art Moderne & Contemporain
Africain PARIS
28 Tajan
Art Urbain PARIS
28 De Baecque & Associés
Arts d’Asie LYON
28 Boisgirard Antonini
Bijoux, livres anciens PARIS
28 Lucien Paris
Collection de Madame V
NOGENT
28-19 Aguttes
Online only: un printemps
moderne NEUILLY
29 Lombrail Teucquam
Bijoux, monnaies LA VARENNE-
SAINT-HILAIRE
29 Ader
Polonica, Art Russe PARIS
30 Osenat
Mobilier & Objets d’Art
VERSAILLES
MAY
1 Osenat
Les Intérieurs de Versailles
VERSAILLES
1 Aguttes
Un premier Mai à Cassel
CASSEL
12 Nice Enchères
Vente listée NICE
3 Artcurial
Modern & Vintage Watches
Onlin PARIS
4 Artcurial
Bibliothèque Maurice
Houdayer - Part 3 PARIS
4-5 Cornette de Saint Cyr
Bibliotheque d’un Grand
Amateur PARIS
6 Coutau Begarie
Tableaux, mobilier et objets
d’Art PARIS
6 Ader
Orfèvrerie & Art de la table
PARIS
7 Mercier Art
Vente d’Art du Xxème Siècle
7 Rouillac
Collection Arsicaud de Coiffes
Tourangelles TOURS
9 Lucien Paris
Deux collections Parisiennes
NOGENT
9 May Associés
Livres & Manuscrits
10 Tajan
Mobilier et Objets d’Art PARIS
10 Cannes Enchères
Vente Courante CANNES
United Kingdom
APRIL
1-6 Christie’s
Meteorites from the
collection of Michael Farmer
LONDON
1-6 Sotheby’s
Sladmore: Life in Bronze
LONDON
1-6 Sotheby’s
Old Master Paintings LONDON
4-13 Sotheby’s
History in Manuscript LONDON
4-14 Sotheby’s
Easter Feast LONDON
6 Bonhams
Knightsbridge Jewels
(Knightsbridge) LONDON
7 Phillips
Design LONDON
7 Bonhams
Impressionist & Modern Art
(New Bond) LONDON
13 Bonhams
Modern British and Irish Art
(Knightsbridge) LONDON
20-26 Sotheby’s
Banksy LONDON
22-28 Sotheby’s
Contemporary Curated
LONDON
27 Bonhams
London Jewels, The Library
of an English Collector (New
Bond) LONDON
27 Bonhams
Prints and Multiples, The
Marine Sale (Knightsbridge)
LONDON
27-28 Christie’s
Finest and Rarest Wines
LONDON
28 Phillips
New Now LONDON
28 Bonhams
Fine & Rare Wines, Design
(New Bond) LONDON
MAY
4 Bonhams
Rock, Pop & Film
(Knightsbridge) LONDON
4 Modern Art Online
Contemporary Curated
LONDON
9-10 Bonhams
Asian Art (Knightsbridge)
LONDON
Germany
APRIL
31-1 Hampel
Frühjahrs - Auktionen
MÜNCHEN
1 Jens Schölz
Auktion 73 KÖLN
1 Köller
Alte Grafik, Zeichnungen
Alter Meister, Gemälde Alter
Meister ZÜRICH
5-6 Koller
Online Only ONLINE
5-7 Bassenge
Wertvolle Bücher BERLIN
7 Lempertz
Preußen KÖLN
8 Jens Schölz
Auktion 73 KÖLN
9 Auktion Ruetten
Antiquitäten, Kunst,
Raritäten, Schöne MÜNCHEN
27 Karl und Faber
Spring Prints & Editions
MÜNCHEN
29 Jeschke Van Vliet
Wertvolle Bücher und Alte
Kunst BERLIN
103

L’Hippocampe Secret, 2019- 2022, pièce unique, grès blanc chamotté, émaux métalliques, émail ‘‘blister’’,
traces de majolique et émaux rouges, 155 x 70 x 70 x 180 cm. © de l’artiste / Creten Studio / Courtesy
Almine Rech, Paris / photo : Gerrit Schreurs
60
Nul n’est prophète en son pays.
Johan Creten pourrait, à lui
seul, être l’incarnation de cette
expression. Car, existe-t-il un autre
artiste belge dont la reconnaissance
à l’étranger soit si inversement
proportionnelle à celle rencontrée
chez nous ? Du côté institutionnel,
du moins. Car il est évident que
les connaisseurs ne s’y sont jamais
trompés.
TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT
lasticien reconnu pour ses œuvres,
terres cuites émaillées et bronzes,
Johan Creten, né à Saint-Trond en
1963, est très largement considéré
comme l’homme fort du renouveau de la
céramique en art contemporain. Et pour
cause, lorsqu’il commence à en explorer
les infinies possibilités dans les années
1980, la discipline est franchement snobée
par les prescripteurs de tendance qui
l’étiquètent en mode mineur. C’est dès
lors un vrai aboutissement d’observer que
la bataille menée par Johan Creten, aussi
longue et solitaire fut-elle, a porté ses fruits.
Mieux, elle a encouragé des vocations.
La céramique contemporaine s’invite à
présent dans toutes les programmations.
Conçue en partenariat avec la Galerie
Almine Rech, cette exposition présente
un ensemble de dix-sept sculptures
inédites en terre cuite. Dix-sept animaux
(Beasts), réalisés au cours des trois
Ta dolupta eatis cum quam fugia as pro del ipsundicid
quae nonsed que nim quias
dernières années, qui n’ont encore jamais
été présentés au public. On rencontre
un sanglier englué dans une fange
sanguinolente, une mouche endormie à la
manière d’un transi ou encore un pélican
pétrifié dans une insondable tristesse. Ce
noyau dur se complète de deux pièces
emblématiques dans sa carrière : C’est dans
ma nature (2001) et De Vleermuis (2015-
2019). La première compose un ensemble
de dix bas-reliefs métamorphiques ; la
seconde s’incarne en une monumentale
chauve-souris. Cette mise en perspective
de temporalités divergentes souligne la
cohérence et la constance de sa démarche.
Dans la veine d’un Georges Orwell ou d’un
Jean de La Fontaine, Johan Creten appelle
continuellement les animaux à parler de
nos sociétés et de leurs changements, des
dérives politiques, des conflits, des luttes et
des résignations, mais aussi des joies, des
consolations et des espoirs.
La Chauve-Souris, 2014-2019, 1/3, éd. 3 + 1 EA, bronze patiné, fonte à la cire perdue, signé, titré, sceau ‘‘aigle’’,
385 x 230 x 240 cm (1265 kg). © de l’artiste / Creten Studio / Courtesy Galerie Emmanuel Perrotin, Paris /
photo : Peter Lennby
JOUER AVEC LA TERRE ET LE FEU
Lors de l’entretien que Johan Creten
nous a chaleureusement accordé, nous
avons pu l’interroger sur les fondements
de son art, mais aussi sur ses joies, ses
combats et les nombreux choix qu’il
est amené à poser en tant qu’artiste
contemporain. Nos premiers échanges
éclairent le commencement ; le jour où il
mesura le pouvoir magique de la matière.
Une première anecdote en dit long sur
l’homme, plus encore sur l’artiste : «Enfant,
membre d’un groupe Chiro (équivalent
des scouts), je fus projeté contre mon gré
à la campagne. Étant un garçon un peu
singulier, j’étais régulièrement harcelé…
Jusqu’au jour où j’ai, moi-même, menacé
un gamin qui venait m’attaquer. J’ai saisi
un bout de matière (était-ce du pain ou
de la terre ?), ai très rapidement modelé
61
Fair calendar
APRIL / MAY 2022
Belgium
APRIL
26-12/6 Knokke
FOTO KNOKKE-HEIST
28-1/5 Brussels
ART BRUSSELS
28-1/5 Brussels
SOLO PROJECT
MAY
11-15 Brussels
TWENTY
7-10 Amsterdam
ART AFFAIR
9-10 Utrecht
VERZAMELJAARBEURS
9-11 Amsterdam
THE DAAF
13-18 Amsterdam
KUNSTRAI
MAY
8-15 Breda
ART BREDA
Germany
APRIL
28-1/5 Stuttgart
KUNST & ANTIQUITÄTEN TAGE
United Kingdom
APRIL
31-3/4 Bath
BATH DECORATIVE ANTIQUES FAIR
7-10 London
CERALMIC ART LONDON
Austria
APRIL
9-18 Salzburg
ART & ANTIQUE
23-1/5 Wien
WIKAM
Italy
APRIL
1-3 Milano
MIART
USA
APRIL
31-3/4 Los Angeles
THE OTHER ART FAIR
6-10 New York
TEFAF NEW YORK
14-12/6 Andenne
CERAMIC ART ANDENNE
The Netherlands
APRIL
30-03/4 Nooitgedacht
KUNST AAN HET HOF
2-3 Amsterdam
DESIGN ICONS
France
APRIL
5-10 Paris
HOTEL LA LOUISIANE
5-10 Paris
PAD
7-10 Paris
ART PARIS
MAY
4-8 London
SPRING FAIR
Portugal
APRIL
30-8/5 Lisboa
LAAF
23-1/5 Assisi
ASSISI ANTIQUARIATO
28-1/5 Milano
MILAN IMAGE ART FAIR
Sweden
APRIL
1-3 Brösarp
ANTIKMÄSSAN I BRÖSARP
La force
thaumaturgique
de l’objet
Johan Creten
P
Johan Creten geldt als de drijvende kracht
achter de vernieuwing in de hedendaagse
keramiek.
9 numéros pour 49,50 €
ou 25 € sur tablette
www.collectaaa.be

Museum calendar
APRIL / MAY 2022
Belgium
ANTWERPEN
FOMU
△ Max Pinckers
t/m 13-04
M HKA
△ Mash Up - Anthea
Hamilton
t/m 15-05
BINCHE
Musée du Carnaval
et du Masque
△ Bouffons !
j. 11-09
BRUGGE
Adornesdomein
△ Simply - Willy Vynck
t/m 6-04
Musea Brugge
△ Verhalen uit de
ondergrond. Brugge in
het jaar 1000.
t/m 27-10-2023
BRUSSELS
Art et marges musée
△ Haute tension
j. 16-06
Cinematek
△ contro-corrente - Op
het pad van Pier Paolo
Pasolini door Chantal Vey
j. 18-04
CIVA
△ Expo: le logis-floréal -
un project coopératif
j. 26-06
Design Museum
Brussels
△ Charlotte Perriand.
Comment voulonsnous
vivre? Politique du
photomontage
01-04 au 28-08
Fondation A Stichting
△ One, two, Three, More
- Helen Levitt
j. 10-04
Jewish Museum of
Belgium
△ Sol Lewitt. Wall
Drawings, Works on paper,
Structures (1968-2002)
j. 01-05
△ Works on Paper.
Gallila’s collection
j. 17-04
KBR
△ Toots 100. The sound
of a Belgian Legend
22-04 au 31-08
La Centrale
△ This is what you came
for. Els Dietvorst
28-04 au 02-10
Mima
△ Mima reload
j. 29-05
Musée de la bande
dessinée
△ Bulles de Louvre -
vingt auteurs de Bande
Dessinée propose de
découvrir le Louvre
j. 11-09
Musee Mode et
Dentelle
△ Brussels Touch
j. 22-05
Musées roayxu
des Beaux-Arts de
Belgique
△ Omar Ba - Christian
Dotremont. Peintre de
l’écriture - Tanya Goel
01-04 au 07-08
Museum Kunst &
Geschiedenis
△ Before Time Began
t/m 29-05
Villa Empain
△ Michel Polak
07-04 au 21-08
△ Portrait of a Lady
j. 04-09
CHARLEROI
BPS22
△ Teen Spirit
j. 22-05
Musée de la
Photographie
Charleroi
△ Michel Vanden
Eeckhoudt
j. 15-05
△ Soleil Noir - Gaëlle
Henkens et Roger Job
j. 15-05
△ Arbres-Troncs - Zoé
Van der Haegen
j. 15-05
△ Melanie De Biasio
j. 15-05
△ Danielle Rombaut
j. 15-05
DEINZE
Museum van Deinze
en de Leiestreek
△ Marcase. Aspects of
the image
t/m 03-04
GENT
Museum Dr. Guislain
△ Circonstances. Fernand
Deligny
t/m 29-05
S.M.A.K.
△ POPART van Warhol
tot Panamarenko Uit de
Collectie Matthys-Colle
& S.M.A.K.
t/m 08-05
HASSELT
Cultuurcentrum
Hasselt
△ En toch is ook de nacht
niet uitzichtloos zolang
er sneeuw ligt
t/m 22-05
△ Genre ZERO - Diana
Herz
t/m 22-05
△ Self-Portraits, Dated,
Untitled - Mies Cosemans
& Joke Timmermans
t/m 22-05
HORNU
CID Grand Hornu
△ Bricks beyond Walls
j. 05-06
MACS
△ Gaillard & Claude. A
Certain Decade - Aline
Bouvy. Cruising Bye
j. 18-09
KNOKKE-HEIST
Cultuurcentrum
Scharpoord
△ Foto Knokke-Heist
- Frieke Janssens &
Servaas Van Belle
t/m 12-06
LA HULPE
Fondation Folon
△ Tomi Ungerer. Enfant
terrible
j. 26-06
LA LOUVIÈRE
Keramis - Centre de
la Céramique de la
Fédération Wallonie-
Bruxelles (asbl)
△ Les collections de
Verviers à Keramis
j. 28-08
LEUVEN
Museum M
△ Prendre le temps
t/m 23-04-2023
△ Dry Culture Wet
Culture - Wael Shawky
t/m 28-08
LIÈGE
Maison des Métiers
d’Art
△ Upcycling - Recycler
avec style
j. 25-06
MECHELEN
Kazerne Dossin
△ Universal Human
Rights. Why they matter
t/m 11-12
MONS
Beaux-Arts Mons
△ Anto-Carte. De terre
et de ciel
j. 21-08
△ Souviens-toi -
Emelyne Duval
j. 29-05
MORLANWELZ
Musée Royal de
Mariemont
△ La Chine au féminin.
Une aventure moderne
02-04 au 23-10
△ Le Mysthère Mithra.
Plongée au coeur d’un
culte romain
j. 17-04
OOSTENDE
Mu.Zee
△ België-Argentinië.
Trans-Atlantische
modernismen, 1910-1958
t/m 12-06
Fort Napoleon
△ De Grote Ridder Muis
- Doe-expo
t/m 18-04
PUURS-SINT-AMANDS
Emile Verhaeren
Museum
△ La Ville abandannée -
Koen Broucke
t/m 22-05
SINT-MARTENS LATEM
Museum Dhondt-
Dhaenens
△ Blindsight – Manon
de Boer in dialoog met
Latifa Laâbissi en Laszlo
Umbreit
t/m 22-05
△ Time, and time again
– Werk uit de collectie
Vermeire-Notebaert
t/m 22-05
△ Yvan Derwéduwé -
Antichambre
t/m 22-05
△ untitled 2018 (the
infinite dimensions
of smallness) - Rirkrit
Tiravanija
t/m 31-05
SINT-NIKLAAS
Mercatormuseum
△ Kaarten aan de wand
- (Her)ontdek oldschool
platen en kaarten
t/m 01-05
SINT-PIETERS-
WOLUWE
Museum van de
Boekkunsten en de
Boekband
△ Touching, Moving,
Reading Books
j. 22-05
TOURNAI
Musée des Beaux-
Arts de Tournai
△ Toute une histoire,
regard sur les collections
#3
j. 02-2023
△ Open Field - Raffaella
Crispi
105

Gallery calendar
APRIL / MAY 2022
Belgium
AALST
Netwerk Aalst
△ Rewinding
Internationalism
t/m 01-05
ANTWERPEN
De Zwarte Panter
△ Tabula Rasa - Kiro Urdin
t/m 10-04
△ Alles stroomt - Frieda
Van Dun
t/m 10-04
Everyday Gallery
△ Beliefs, Apples and
Machines - Victor
Delestre
t/m 17-04
△ Venus and Adonis -
Magda Kirk
t/m 17-04
△ Newtro - Gao Hang,
Ahn Tae Won, Botond
Keresztesi
t/m 17-04
Gallery FIFTY ONE
△ ON & ONE - Eamonn
Doyle
t/m 16-04
△ Portraits - Jacques
Sonck
t/m 16-04
Tim Van Laere Gallery
△ Riding the Waves -
Leiko Ikemura
t/m 02-04
Zeno X Gallery
△ Le jour se lève -
Pélagie Gbaguidi
t/m 30-04
BEERSEL
LKFF Art Projects
△ Bij mijn venster -
A ma fenêtre -
At my window
t/m 02-04
BRASSCHAAT
Keteleer Gallery
△ A Short Trip - Floris
Van Look
t/m 17-04
BRUSSELS
A. Galerie
△ Elements - Terra
Abstracta - Benoît Feron
j. 09-04
Almine Rech
△ Otis Kwame Kye
Quaicoe
j. 16-04
△ Brian Calvin
27-04 au 28-05
△ Peter Peri
27-04 au 28-05
△ BLACK RODEO:
Cowboys of the 21st
Century - Otis Kwame
Kye Quaicoe
j. 16-04
Arthus Gallery
△ “Materia” group
exhibition - Alvina
Jakobssen,
Virginie de Limbourg,
Joao Manardù
j. 30-04
Association
du patrimoine
artistique
△ La révolte de la
couleur. Le Fauvisme
belge 1904-1918
j. 23-04
Atomium
△ View from my window
j. 29-05-2023
Baronian
△ Eric Poitevin
27-04 au 04-06
△ Olivier Mosset
j. 14-05
BE CULTURE
△ New Horizons in
Painting
01-04 au 28-05
Bernier/Eliades
△ Softly and Forever -
Romain Cadilhon
j. 14-04
Bruno Matthys
Gallery
△ Silences -
Eric Herrman,
Véronique Melotto
j. 09-04
Brussels Expo
△ Antoine de Saint-
Exupéry. Le Petit Prince
parmi les Hommes
j. 30-06
Centre d’art
Chapelle
de Boondael
△ Nature sacrée,
nature enchantée –
Geneviève Levivier
j. 10-04
CLEARING
△ Pandemic
Pandemonium - Neïl
Beloufa
j. 10-04
Contretype
△ Hernie & Plume -
Katherine Longly
j. 22-05
△ Retour à
La Louvière - Pauline
Vanden Neste
j. 22-05
△ D’ici là - Jérôme
Hubert
j. 22-05
Dauwens &
Beernaert Gallery
△ 1 x 4 = 5 -
Loïc Van Zeebroek,
Toon Boeckmans,
Isa De Leener,
Charlotte
Vandenbroucke
j. 01-05
Deodato Arte -
Brussels
△ Editions - Mr.
Brainwash
j. 24-06
Dvir Gallery
△ Haletant et éclatant -
Sigalit Landau
j. 16-04
Eleven Steens
△ Matières Premières
- Pauline Bonnet,
Yoshikazu Goulven
Le Maître, BeCraft,
La Gadoue, Réjean
Peytavin
j. 10-04
Esther Verhaeghe
Art Concepts
△ Jacqy duVal
j. 10-04
Fondation Thalie
△ Inner Bodies - Kiki
Smith
j. 01-05
Frédérick Mouraux
Gallery
△ Naphta Tribes &
Impermanence
j. 30-04
Galerie ABC
△ Quentin Smolders
j. 07-05
Galerie Aliénor
Prouvost
△ Figures anonymes -
Bryan Ley
j. 28-04
Galerie Baronian
△ The Last Cowboy
Songs - Olivier Mosset
j. 14-05
Galerie de la
Béraudière
△ Germaine Richier & La
Couleur
j. 29-04
Galerie Deletaille
△ Natures Mortes -
Living Country
j. 02-04
Galerie Dys
△ Carnaval. Peintures
et travaux sur papier -
Yasemin Senel
j. 03-04
Galerie Horta
△ Frida Khalo - The life of
an icon
j. 14-05
Galerie La Forest
Divonne
△ L’Oeuvre au coprs. Un
rencontre ente les arts et
le goût
19-05 au 18-06
△ Catherine François
j. 14-05
△ Singularités -
Catherine François
j. 15-05
Galerie Marie-Ange
Boucher
△ Noëlle Koning
j. 02-04
△ Philippe Desomberg
j. 02-04
Galerie
Nathalie Obadia
△ Foolhardy Boarding
A Lost State of Mind -
Joris Van de Moortel
j. 07-05
Galerie Templon
Bruxelles
△ Présences - Jeanne
Vicéral
j. 23-04
Galerie The Palm
Beach
△ Eikonoklastes - JNG,
Jean-Noël Guillemain
j. 24-04
Galleria
Anna Marra
△ Roshambo - Perino &
Vele, Túlio Pinto
j. 15-04
Gallery Sofie Van den
Bussche
△ New Memories -
Joke Raes & Jonas
Vansteenkiste
j. 10-04
Grand-Place
△ Pop Masters
j. 29-05
Horst
△ The Act of Breathing
12-05 au 31-07
Huberty & Breyne
△ Olivier Ledroit
08-04 au 14-05
△ Michel Vaillant Art
Strips - Jean Graton
j. 02-04
Husk Gallery
△ Enclosure undone -
Akiko Ueda
j. 30-04
Irène Laub Gallery
△ Meta-morphosis -
Tatiana Wolska
j. 09-04
KULT XL
△ Hypnagogie -
Robberto & Milena Atzori
21-04 au 22-05
Kusseneers Gallery
△ Dancing in the Dark -
Laurent Impeduglia
j. 02-04
L’Enfant Sauvage
△ Primitiv Acid - Thomas
Valere Gosset
j. 16-04
△ Comme une sorte de
respiration - Toinette
Chaudron
j. 16-04
La patinoire Royale,
Galerie Valérie Bach
△ Illimités - Sahar
Saâdaoui
j. 07-05
△ Au gré de ses
“déplacements” -
Marthe Wéry
j. 07-05
△ Au gré de ses
“déplacements” -
Marthe Wéry
j. 07-05
△ Illimités - Sahar
Saâdaoui
j.07-05
Laurentin Galerie
Bruxelles
△ Prints - Geneviève
Asse
j. 16-04
Le Botanique
△ Ce débris dont rien
n’est venu à bout - Alix
Dussart
j. 03-04
△ SARA TM - Void
Collective
j. 17-04
le salon d’art
△ arbo-naissance -
Simon Outers
j. 14-05
Lee-Bauwens Gallery
△ The Earth of Memory -
a collective exhibition
j. 30-04
Librairie Galerie
Chapitre XII
△ Reborn - Stephen Sack
j. 23-04
Maison Commune à
Ixelles
△ Bers Grandsinge
& Friends. Avis de
recherche
j. 20-05
Maison de l’Histoire
européenne
△ Quand les murs
parlent !
30-04 au 13-11
Maison des Arts
△ En quelques mots … -
In enkele woorden ...
j. 30-04
Marc Minjauw Gallery
△ Recent Works - Luis
Salazar
j. 03-04
Marie-Laure Fleisch
△ Sculptures of Stones -
Ronny Delrue
j. 16-04
Mathilde
Hatzenberger
Gallery
△ Old Farts ?! - Pierre
Dessons, Richard
Meitner
j. 02-04
Melissa Ansel
△ Devenir l’estran
- Alexane Sanchez,
Hadrien Loumaye,
Julia Renaudot
j. 08-05
106

Gallery calendar
APRIL / MAY 2022
Mendes Wood DM
△ Neïl Beloufa
j. 10-04
Michel Rein
△ Rubber soul - Edgar
Sarin
j. 16-04
Michèle Schoonjans
Gallery
△ Danielle Kwaaitaal. Still
Water
j. 30-04
Modern Shapes
Gallery
△ Simon Oud,
Andrew Clausen,
Enric Mestre
j. 30-04
Modesti Perdriolle
Gallery
△ The Color of Light -
Joël Denot
j. 23-04
Montoro12 Gallery
△ Ochre Yellow - Simone
Cametti
j. 16-04
△ I Saw a Blue Sphere
Falling - Emmanuele de
Ruvo
j. 16-04
NICC & The
Aprognostic Temple
△ Zebedee Armstrong
02-04 au 01-05
Nino Mier Gallery
△ Good Morning -
Monica Subidé
j. 16-04
Odradek
△ De la matière -
Fabienne Claesen &
Christine Nicaise
j. 30-04
Pierre Marie Giraud
△ Michaël Verheyden
j. 21-04
Rodolphe Janssen
△ Sausage Party -
exposition de groupe
j. 30-04
Rossicontemporary
△ Matrix Verbatim -
Charlotte Flamand
j. 07-05
Sophie Carrée
△ I’ve Lost My Head -
Nathalie Campion
j. 16-04
Spazio Nobile Gallery
△ Arbre de Vie - Bela
Silva & Vera Vermeersch,
duo show
01-04 au 15-05
△ Serendipity - Kiki van
Eijk & Joost van Bleisjwijk,
Duo show
17-05 au 04-09
Stems Gallery
△ I’ll Tell You Later -
Susumu Kamijo
j. 09-04
Super Dakota
△ Snowballing - Alex Clarke
j. 16-04
Xavier Hufkens
△ Keyhole - Josh Smith
j. 16-04
Zedes Art Gallery
△ The Lissitzky Case -
Igor Tishin
j. 23-04
CHARLEROI
Galerie Jacques
Cerami
△ La prière du coeur -
Philippe Herbet
j. 23-04
GENT
Tatjana Pieters
△ Yawn Holding Fields -
Indrikis Gelzis
t/m 17-04
△ Il faut cultiver son
jardin - curated by Fleur
De Roeck
t/m 17-04
GRIMBERGEN
Cultuurcentrum
Strombeek
△ Open Source - Noah
Latif Lamp
t/m 01-05
△ Sunny Afternoon -
Rirkrit Tiravanija
t/m 30-04
HASSELT
Z33
△ Charging Myths - On-
Trade-Off
t/m 21-08
HINGENE
Den Heeck
△ Wim Maes -
eenmanstentoonstelling
t/m 10-04
HINGENE-BORNEM
Den Heeck
△ Eenmanstentoonstelling
- Wim
Maes
t/m 10-04
JAMBES
Galerie Detour
△ Alain Janssens. Le
palabre des choses
j. 30-04
KNOKKE
Baronian
△ Max Frintrop
j. 15-05
KORTRIJK
Be-Part
△ Black Sun - Ruben
Bellinkx
t/m 05-06
LA LOUVIÈRE
Centre Daily-Bul & Co
△ Cactus inébralable
s’expose
j. 17-04
Galerie Nardone
△ Carlo Galfione
j. 23-04
LIÈGE
Europaexpo - Gare
de Liège Guillemins
△ I LOVE JAPAN
j. 31-08
Les Brasseurs art
contemporain
△ S!NGULIER - Andrea
Radermacher-
Mennicken
j. 09-04
Les Brasseurs art
contemporain
△ LUIK : panel that can
be placed in front of
a window - Maikel De
Greve
j. 09-04
LINKEBEEK
Huize Lismonde
△ Gaandeweg - Anne
Marie Finné
t/m 22-05
LOUVAIN-LA-NEUVE
Espace 001
△ Virginie de Limbourg
j. 10-04
NAMUR
Galerie Ronny Van de
Velde
△ Perspectives minimales
en Belgique
j. 17-04
OOSTEEKLO
Galerie William
Wauters
△ Wim Biewenga
10-04 t/m 15-05
△ Christian Verhelst
10-04 t/m 15-05
△ Marcase
t/m 03-04
TERVUREN
Art Gallery van
Lorreinen
△ Joy of Life - Carla De
Boeck
t/m 03-04
Spazio Nobile At
Home
△ Inner Landscapes
j. 29-05
VERVIERS
ABC&Design
△ Jacques Maréchal-
Muller, Jenny Verplanke
j. 09-04
WAREGEM
Be-Part
△ Hips don’t lie -
Hadassah Emmerich
t/m 22-05
WIJNEGEM
Axel Vervoordt
△ Shiro Tsujimura
t/m 07-05
△ Shen Chen
t/m 07-05
△ Chaos & Order -
Group exhibition
t/m 21-05
107

Chambre Royale Belgo –
Luxembourgeoise des salles de ventes
Aux enchères, commissaires-priseurs, courtiers et experts mobiliers
asbl fondée en 1936
Avenue Louise 500,
1000 Bruxelles
Tél. 0475-62 71 85
Fax 02-741 60 70
www.auctions-in-belgium.be info@auctions-in-belgium.be
Extrait liste des membres (Liste complète disponible au sécretariat ci-dessus)
ANTWERPEN 2000
AMBERES b.v.b.a
(Dir. Rik Dupain - Marc
Royer)
Terninckstraat 6-8-10
T.03/226.99.69 -
F.03/227.03.89
www.amberes.be.
Gecatalogeerde kunstveilingen,
schattingen voor nalatenschappen
en verzekering.
Geïllustreerde catalogus.
Wekelijkse burgerveilingen.
Meer dan 35.000 loten
toegewezen per jaar
BERNAERTS
Kunstveilingen
(Dir. Ch. & P. Bernaerts)
Verlatstraat 16-22
T.03/248.19.21
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LIVE & ONLINE VEILINGEN
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(Dir. Guy Campo)
Grote Steenweg 19-21 - 2600
Berchem
T.03/218.47.77
F.03/218.53.63
guy@campocampo.be
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Gecatalogeerde kunst- en
antiekveilingen - schilderijen
- grafiek - beeldhouwkunstmeubelen
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DVC
(Dir. D. Van Cappel)
Ellermanstraat 36-38 - 2060
Antwerpen
T.03/232.36.64
F.03/234.22.14
Gecatalogiseerde kunst- en
antiekveilingen schattingen
en expertises van nalatenschappen
en verzekeringen
e-mail: dvc@dvc.be
www.dvc.be
JORDAENS N.V.
Drabstraat 74 - 2640 Mortsel
T.03/449.44.30
e-mail: info@jordaens.eu
www.jordaens.eu
Openbare verkopingen van
kunst, antiek, juwelen, wijn,
collecties en inboedels.
Taxatie voor verdeling en
verzekering
BRUGGE 8000
CARLO BONTE AUCTIONS
Kardinaal Mercierstraat 20,
8000 Brugge
www.carlobonte.be
info@carlobonte.be
T. 050 33 23 55
Internationale ONLINE
Kunst- en Antiekveilingen.
Asian Art, Western Art,
Antiques, Design. Advies bij
verkoop - expertise - schattingen
Van de Wiele Auctions
Groeninge 34
T.050 49 07 69
auctions.vandewiele@proximus.be
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Zeldzame drukken en handschriften,
oude kaarten,
atlassen, grafiek en schilderijen.
Schattingen voor verzekeringen
en nalatenschap.
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ARENBERG AUCTIONS
(dir. Johan Devroe § Henri
Godts)
Wolstraat 19 bus 2 - 1000
Brussel
T. 02-5441055
info@arenbergauctions.com
www.arenbergauctions.com
Veilingen van zeldzame
atlassen, boeken, prenten
en tekeningen. Ook gehele
bibliotheken, archieven en
zeldzame manuscripten.
Salle de Ventes du
BEGUINAGE s.p.r.l.
(Olivier Bolens - David Libotte)
Rue Haute 161 (1000)
T.02/218.17.42
0475/87.06.77
F.02/218.86.50
www.salledeventesdubeguinage.be
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Online via Drouot digital
HAYNAULT Kunstveilingen
(dir. Rodolphe de
Maleingreau d’Hembise)
Stallestraat 9 - 1180 Brussel
T.02/842.42.43
www.haynault.be
info@haynault.be
Negen gespecialiseerde
veilingen per jaar: juwelen,
goud en zilverwerk (3x);
munten penningen, verzamelingen
en historische
souvenirs (2x); schilderijen,
kuntwerken uit Europa en
Azië (4x)
Lempertz 1798
(dir. Henri Moretus Plantijn)
Grote Hertstraat 6, 1000
Brussel / Rue du Grand Cerf
6, 1000 Bruxelles
T. 02 514 05 86
F. 02 511 48 24
brussel@lempertz.com
www.lempertz.com
Schattingen en expertises
van maandag tot vrijdag
van 9:00 – 13:00 uur en van
14:00 uur -17:00 uur.
Hôtel de Ventes HORTA
(Dir. Dominique de Villegas)
70/74 Avenue de
Roodebeek (1030)
T.02/741.60.60
F.02/741.60.70
www.horta.be
info@horta.be
‘Ventes mensuelles cataloguées
d’antiquitées, oeuvres
d’art, bijoux et vins’
Brussels Art Auctions
Dir. Ph Serck & Is. Maenaut
Rue Ernest Allardstraat 7-9 /
Sablon - Zavel (1000).
F. 02/503.62.10
www.ba-auctions.com
info@ba-auctions.com
T.02/511.53.24
Vente d’art et antiquités.
Spécialiste en art Belge classique
et moderne
Galerie MODERNE
(Dir. David & Jérôme Devadder)
Rue du Parnasse 3 (1050) -
T.02/511.54.15 - F.02/511.99.40
www.galeriemoderne.be -
info@galeriemoderne.be
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GENT 9000
DVC
(Dir. D. Van Cappel)
Zandlopersstraat 10 - 9030
Mariakerke
T.09/224.14.40
F.09/225.04.14
e-mail: dvc@dvc.be -
www.dvc.be
Gecatalogiseerde Kunst- en
Antiekveilingen
Schattingen en expertises
voor nalatenschappen en
verzekeringen
Galerie en Veilingzaal
PICTURA b.v.b.a.
Brusselsesteenweg 656
9050 Gentbrugge
T.0475/74.49.25
henk.vervondel@telenet.be
www.pictura.be
LOECKX
auctioneers Belgium
(Dir. Cécile La Pipe,
Peter en Natan Loeckx)
Ingelandgat 4
T.09/223.37.93
F.09/233.76.71
www.loeckx.be
info@loeckx.be
International art & antiques
auctions. Expertises
LIEGE 4000
Hôtel des Ventes Elysée
(Dir. Fairon)
Boulevard Cuivre et Zinc 28
T.04/221.09.09
F. 04/221.15.05
www.ventes-elysee.be
info@ventes-elysee.be
Ventes publiques mensuelles
d’antiquités et objets
d’art, Vintage, Maroquinerie,
Bijoux. Expertises et accueil
du lundi au vendredi de
9h00 à 12h00 et de 13h00 à
17h00. Fermé le mercredi
Légia – Auction
(Dir. Bruno de Wasseige
& Vincent de Lange)
Rue de Cras-Avernas, 12
4280 Hannut
Tél. : 019/63.55.59
0495/87.99.01 - 0475/27.73.87
www.legia-auction.com contact@legia-auction.com
Ventes publiques d’Arts et
d’Antiquités, tapis, mobiliers,
bijoux, tableaux, Art d’Asie,…
Expertises gratuites sur rendez-vous.
Librairie LHomme
(Dir. David Lhomme)
Rue des Carmes 9
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F.04/222.24.19
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Livres anciens et modernes
de qualité - Gravures -
Tableaux - Curiosités
Hôtel des Ventes MOSAN
(Dir. Maxence Nagant de
Deuxchaisnes)
Rue du Nord belge 9 (4020)
T.04/344.91.70 - F.04/341.39.19
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gratuites tous les vendredi
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DE VUYST
(Dir. Guy De Vuyst &
Pascale Philips)
Kerkstraat 22-54, 9160
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info@de-vuyst.com
Internationale Kunstveilingen
en Tentoonstellingen van
17de eeuw tot hedendaagse
kunst.
Schattingen en expertises
van nalatenschappen en verzekeringen
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MONSANTIC
(Dir: Daniel Otten)
Rue Grande 193b,
7020 Maisières (Mons)
T.065/73.94.00
F.065/73.94.09
otten@monsantic.com
www.monsantic.com
Ventes publiques cataloguées
Expertises le
mercredi, le samedi ou sur
rendez vous - déplacement
gratuit à domicile
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Salle de Ventes ROPS
(Dir. B. de Sauvage)
Avenue d’Ecolys 2, 5020
Suarlée (Namur)
T.081/74.99.88
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www.rops.be /
www.rops-online.be
Ventes publiques mensuelles
d’antiquités et ventes bourgeoises.
Expertises gratuites
à domicile sur rendez-vous
ou à la salle tous les jours
de 9h à 12h, sauf les lundis
et jeudis
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Hôtel des Ventes LEGROS
(Dir. Benoît Legros)
Rue Peltzer de Clermont 41
4800 Verviers
T. 087/33.01.00 - F.087.30.19.00
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