COLLECT Belgique Septembre 2023

collect
Mensuel ne paraît pas en janvier, en juillet ni en août - 6,95 € - P608061
n° 527 / septembre 2023
Antoni Tàpies
Des murs intérieurs
Septembre à Bruxelles
Design, Art, Street Art
Carlo Bugatti
L’inclassable

TBA
CHRISTOPHE GEVERS
1958
Quattro Benelux - Altenaken, 11 - 3320 Hoegaarden
T. +32 16 765400 - vossen@quattro-bnlf.com - www.be-classics.com

_
VENTE DE DESIGN, D’ART
ET D’ANTIQUITES DE 13 ET 14 SEPTEMBRE 2023
WWW.FLANDERSAUCTIONS.COM

Sommaire
Bruxelles
Terreau de talents
EST. 1971 / septembre 2023 N°527
www.collectaaa.be
Jaime Hayon
30
34
Au fil du
temps :
le couteau 72
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Rédacteur en Chef
Christophe Dosogne
Rédaction
Els Bracke
Christophe Dosogne
Trice Hofkens
Collaborateurs
Roxane Baeyens
Gilles Bechet
Jean-Marc Bodson
Thijs Demeulemeester
Gwenaëlle de Spa
Gwennaëlle Gribaumont
Elien Haentjens
Johan Frederik Hel Guedj
Diane Hennebert
Anne Hustache
Christine Vuegen
Traduction
Dynamics Translations
Didier Vanhede
Mise en pages
Renaldo Candreva
Freek Lukas
Impression
Graphius, Gand
Distribution
Librairies
AMP
La Poste
Abonnements
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3001 Heverlee - Tél. 02/808.55.23
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la date d’échéance. Un abonnement
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au bout d’un an. Pour un
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un numéro manquant, ou toute
autre question, surfez sur :
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En couverture
Jaim Hayon, Singe, partie de la collection Faunacrystopolis,
2021, cristal et marbre, 19,7 x 11,4
cm, édition limitée (25 pièces par animal) pour
Baccarat. © de l’artiste / MAD Brussels – Prix :
35.000 à 40.000 €
Membre de l’Union des Editeurs
de la Presse Périodique
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Editeur responsable :
Patrick Snoeck, Begijnhoflaan 464G - 9000 Gand
Pour les auteurs d’art visuel et les photographes :
© CISAC / SABAM Belgium 2023
Portrait : © Silvie Bonne
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à l’annonceur. © Arts Antiques Auctions, Gand

Édito
Retour de bâton sur le marché de l’art ?
Tous les observateurs s’accordent à le dire : le
marché de l’art, notablement dans le domaine
de l’art contemporain, semble à l’aube d’une
récession qui serait directement proportionnelle
aux excès des dernières années. Scène
parmi les plus dynamiques dans ce segment,
New York vient ainsi d’assister à la fracassante
désaffection de quelques uns de ses acteurs
les plus éminents, de la faillite frauduleuse
de la conseillère artistique Lisa Schiff à la fermeture
de la galerie blue-chip Simon Lee, entre
autres déconvenues. Autre signe inquiétant,
les résultats des ventes de juin en art moderne
et contemporain chez Christie’s ont chuté de
66 % par rapport à celles de l’année 2022 (-23 %
tous secteurs confondus, sur les six premiers
mois de 2023), portées alors, il est vrai, par
une fringale post-pandémique inédite. Une
contraction à laquelle le dernier Rapport Art
Basel/UBS faisait allusion sous forme de litote,
en signalant seulement un début de ‘‘refroidissement’’.
Les plus optimistes parleront, eux,
d’un simple réajustement du marché, toujours
boosté par l’arrivée de jeunes enchérisseurs
(31 % du total chez Christie’s) et une frénésie
d’achats en ligne (80 % du volume chez
Christie’s) ; réajustement aussi de la valeur
d’œuvres d’artistes stars, naguère encore
adulés, tels Jean-Michel Basquiat, Willem
de Kooning, Matthew Barney ou Elizabeth
Peyton, alors que, pour les plus cyniques, leurs
œuvres ont tout bonnement été ravalées. En
d’autres termes, grillées, et pour longtemps, la
perte de confiance sur un segment de marché
étant toujours la pire des choses. Autre source
d’inquiétude, la chute des ventes privées (-16%
chez Christie’s), secteur pourtant en pleine
efflorescence ces dernières années. Noircissant
encore un peu plus le tableau, viennent
s’ajouter des nouvelles peu rassurantes du
côté de l’économie chinoise, dont le ralentissement
structurel plombe de plus en plus les
bourses asiatiques, de Tokyo à Hong Kong,
de même que les performances des grands
groupes de luxe comme LVMH (-10 % depuis
avril), Kering ou Richemont, également
victimes d’un ralentissement insidieux de la
consommation aux Etats-Unis. Car, depuis
la réouverture post-pandémique, après une
période de frénésie, la « tendance mondiale
n’est plus au ‘‘revenge buying’’ de 2021 et 2022,
et nous voyons plutôt une normalisation de
la demande de produits de luxe en général »,
signalait le directeur financier de LVMH, Jean-
Jacques Guiony, récemment cité par le quotidien
L’Echo. Or, pour beaucoup, luxe rime avec
art. Même si des secteurs comme les montres,
la haute joaillerie, les sacs et le vin semblent
encore tirer leur épingle du jeu, les ventes en
fine art auraient déjà chuté de 14 % aux Etats-
Unis, tandis que celles de l’art contemporain y
connaissaient une chute de 25 % depuis janvier.
En conjuguant les résultats de Sotheby’s,
Christie’s et Phillips, d’une année sur l’autre,
cela représenterait un plongeon vertigineux de
-51 %, selon les chiffres du Artnet Intelligence
Report, publiés le 11 août. Petite lueur d’espoir,
malgré tout, comme on le lira par ailleurs,
le marché de l’art ancien résiste, ainsi qu’en
témoignent les résultats obtenus en juillet à
Londres. Certes, il s’agissait de pièces exceptionnelles
et d’acquisitions haut de gamme
(à noter qu’un tiers des lots est demeuré invendu),
mais c’est tout de même réconfortant,
malgré la difficulté pour les auctioneers de
‘‘sortir’’ des œuvres de qualité, ce qu’elles font
à coups de garanties et de surenchères dans
les estimations. De quoi fausser un marché
qui, tenant compte de l’inflation galopante en
Angleterre, aurait à peine retrouvé son niveau
de 2010, précise l’Antiques Trade Gazette. Alors,
la récession, voire le krach sont-ils à l’horizon ?
L’avenir nous le dira. D’ici là, nous vous souhaitons,
malgré tout, une très belle rentrée !
Christophe Dosogne
RUBRIQUES
6 Up to date
10 Personalia
12 Musées
20 Paroles de galeriste : Olivier Meessen
21 Galeries
25 Paroles de galeriste :
Christophe Gaillard
26 L’artiste du mois : Arnaud Eubelen
28 Zoom : Ursula Schulz-Dornburg
DOSSIERS
18 Laurence Dervaux
30 Bruxelles, terreau de talents
34 Jaime Hayon
36 Contour : l’exposition comme
expérience cinématographique
40 Gertrude Stein : papesse de l’avant-garde
44 Art ancien : un marché tatillon
48 Les Bruegel, une dynastie
à travers les âges
54 Carlo Bugatti, l’inclassable
60 Antoni Tàpies, des murs intérieurs
64 Sarah Lucas, l’art comme
moyen critique
66 La Longue Marche d’Ai Weiwei
70 L’art pluriel de Sin Wai Kin
72 Au fil du temps : le couteau
76 Kurt Peiser, l’empathie à l’état brut
112 Beaux-Livres
VENTES
80 Focus International
84 La surprise du mois
85 Ventes en Belgique
AGENDAS
106 Auction calendar
109 Fair calendar
109 Museum calendar
110 Gallery calendar
113 Bonnes adresses & Sites web
113 Petites annonces
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UP TO DATE
Signa temporum, ars temporis…
->
Henk Visch, Du livre du matin, 2018, parcours Gist le
long de la vallée de la Senne, 2023. © de l’artiste /
photo : Joep Eijkens
->
Kyle Weeks, Prince, 2018, de la série Good News. © de l’artiste / Courtesy Galerie Gomis
Erratum : En page 75 de notre numéro
d’été (n° 526), il était indiqué à tort que
Rosalba Carriera est passée de l’ivoire au
parchemin comme matériau de base de
ses miniatures. C’est en fait l’inverse qui
s’est produit : l’artiste fut d’ailleurs probablement
la première à peindre des miniatures
sur ivoire, se passant du parchemin
auparavant utilisé. S Le Brussels Gallery
Weekend (lire par ailleurs) sera également
l’occasion d’une visite au Sablon Design
Market (du 08 au 10-09), dont la sixième
édition est dédiée aux meubles d’exception.
www.sablondesignmarket.com S Ce
même week-end, l’exposition 1001 Plateaux
(du 07-09 au 10-11) s’ouvre dans la salle
des guichets de la Banque Nationale
de Belgique, à Bruxelles. Il s’agit d’une
œuvre participative dans laquelle l’artiste
Françoise Schein a guidé 155 employés
de la banque afin d’y créer leur propre
interprétation d’œuvres de la collection sur
des plateaux en porcelaine. www.nbb.be
S Du 22 au 24-09, le salon Art & Passion,
réunissant une vingtaine d’antiquaires sous
la houlette de Bernard De Leye, se déroulera
dans l’Hôtel de la Poste au Sablon. S
Gist, nouvelle Triennale dans la vallée de
la Senne (jusq. 05-11), mixe art, théâtre,
littérature, nature, gastronomie et industrie
dans des lieux emblématiques. Avec le
parcours artistique Shifting Sceneries, long
de 35,5 km et organisé par Benedict Vandaele,
divers changements dans la nature,
l’industrie et l’urbanisation sont explorés.
Le travail de talents émergents et de noms
établis est présenté dans huit lieux. www.
gist-zennevallei.be S A Waterloo, le Domaine
de la Bataille accueille (du 23-09 au
18-05-2024) l’exposition Abba 1974-2024.
From Waterloo to the World qui permet de
retracer les étapes clés de la carrière des
quatre Suédois. www.waterloo1815.be S La
21e édition de la Biennale Hedendaagse
Kunst se déroule du 01 au 10-09 au Château
van Poeke d’Aalter. Organisée par Els
Wuyts et Wim Lambrecht, cette édition est
entièrement dédiée aux artistes jeunes et
contemporains. Invité d’honneur : l’artiste
et chanteur Bent Van Looy, aux côtés d’Alice
Vanderschoot, Sven Boel, Elisa Pepermans,
Thomas Renwart et Nel Bonte, entre autres.
www.biënnaleaalter.eu S Depuis janvier,
les amateurs de céramique contemporaine
et autres potiers amateurs ont à leur
disposition un nouvel espace de création
bruxellois : Potiche. Boutique-atelier,
installée dans une ancienne droguerie (rue
Joseph Stallaert 75), l’enseigne dispense
un programme de cours pour débutants
et initiés et propose désormais aussi un
espace d’exposition et d’expression pour
la scène artistique belge. www.potiche.
be S Cet automne, séduite par la riche et
complexe l’histoire (de l’art) romaine, la
galerie anversoise Tim Van Laere ouvre un
second espace dans la capitale italienne, au
sein du Palazzo Donarelli Ricci, bâtiment du
XVIIe siècle sis juste en face de la Via Giulia,
au cœur d’un important quartier d’art et
d’histoire regorgeant d’églises, de palais,
et non loin de la maison de Raphaël. www.
timvanlaeregallery.com S Autre bonne
nouvelle, du côté des enseignes bruxelloise,
l’ouverture (rue Lebeau) de la Galerie
Gomis (ancienne Galerie Number 8), dont
la première exposition (du 07-09 au 28-10)
s’intitule Sanlé Sory x Kyle Weeks. Fondée
par la franco-sénégalaise Marie Gomis-Trezise,
elle s’est spécialisée dans la défense
6

UP TO DATE
->
Francis Bacon, Trois études pour un portrait de Georges Dyer, 1963, première œuvre coté sur Artex.
© Polaris / Photo News
de la jeune photographie africaine. www.
galeriegomis.com S En revanche, c’est le
cœur lourd que la Galerie Zeno X annonce
sa fermeture définitive à la fin de cette
année pour raisons de santé. www.zeno-x.
com S Autre triste nouvelle, le décès de
l’artiste peintre bruxello-gantois Wilfried
van Gaver (1958-2023), survenu inopinément
le 23 juin. Actif en son art dans
une veine érotique hyperréaliste, il avait
longtemps travaillé au sein de la Galerie
Patrick Derom avant de poursuivre sa carrière
au cœur de l’antenne bruxelloise du
Dorotheum. S La salle parisienne Aguttes
quitte le Sablon et déménage son antenne
bruxelloise du côté des étangs d’Ixelles.
Elle s’est aussi adjointe les services de l’expert
en art classique Thomas Unger et dotée
d’un nouveau département, celui des
cartes de collection Pokémon. La première
vente est prévue à Paris, le 18 octobre.
www.aguttes.com S Le célèbre marchand
d’art et galeriste italien Massimo De Carlo
annonçait, début juillet, son intention de
créer prochainement une fondation privée
à Asti. Celle-ci devrait proposer, à la fois,
un programme d’expositions d’œuvres
contemporaines internationales et des
résidences d’artistes. L’architecte suisse Valerio
Olgiati en concevra le plan directeur.
www.massimodecarlo.com S L’iconique
et brutaliste Breuer Building réalisé à New
York par l’architecte Marcel Breuer accueillera
prochainement le nouveau siège
social de Sotheby’s. Conçu à l’origine pour
accueillir, en 1966, le Whitney Museum of
American Art, il sera rénové en 2024 pour
accueillir tous les espaces de l’auctioneer.
L’ouverture est prévue fin 2025. www.sothebys.com
S Phillips vient de lancer une
plateforme digitale, intitulée Dropshop, qui
devrait permettre aux artistes sélectionnés
par une équipe spécialisée de vendre
leur travail directement aux clients de
l’auctioneer, celle-ci se contentant d’une
commission de vente. La sélection sera
entièrement renouvelée chaque mois.
www.dropshop.phillips.com S Basée
au Liechtenstein, la société Artex Stock
Exchange lançait début juillet un marché
boursier où sont cotées des parts de
société dont l’actif est composé d’œuvres
d’art. La première œuvre ciblée par cette
titrisation et ce fractionnement est le
triptyque des Trois études pour un portrait
de Georges Dyer (1963) de Francis Bacon,
valorisé à 55 millions de dollars. Accessibles
à tous, moyennant une commission de 3
% pour Artex, les différentes parts de ce
tableau sont achetables et revendables
au jour le jour contre liquidités… www.
artex-stockexchange.com S A Genève, du
12 au 17-09, s’organise la première Geneva
Art Week, Plus de 60 membres, parmi
lesquels musées, fondations, centres d’art,
galeries et espaces indépendants, ainsi que
des lieux partenaires, s’associent pour faire
de la ville suisse, le temps d’une semaine,
le rendez-vous de référence de tous les curieux
et passionnés d’art. www.geneve.art
S A Paris, L’Ecole des Arts Joailliers, avec
le soutien de Van Cleef & Arpels, s’installe
à partir du 06-10 dans l’Hôtel de Mercy-Argenteau
(16bis bd Montmartre), hôtel
particulier du XVIIIe siècle. La première
exposition y sera consacrée aux Bijoux de
Scène de la Comédie-Française. www.
lecolevancleefarpels.com
->
Nouvelles acquisitions
Plusieurs acquisitions récentes pour
les musées belges : d’une part, le M
Leuven s’enrichit d’une œuvre exceptionnelle
et rare de Michaelina Wautier
(1604-1689). Récemment découverte,
cette Etude d’une tête d’homme
barbu (ca. 1655) a été authentifiée par
Katlijne Van der Stighelen (KU Leuven),
spécialiste de l’œuvre de l’artiste. Après
restauration, elle intégrera les collections
permanentes de l’institution
louvaniste. D’autre part, le TreM.a –
Musée des Arts anciens de Namur vient
de faire l’acquisition, grâce à la Province
de Namur, en la salle de vente colonaise
Lempertz, d’un magnifique Paysage
montagneux avec scènes de la vie de
saint Jean-Baptiste par le peintre Henri
Bles (1510-1550). Dans un très bon état
de conservation, ce tableau était connu
des spécialistes depuis les années 1990.
Il est exposé dans l’institution namuroise
depuis le 7 juillet.
Michaelina Wautier, Etude d’une tête
d’homme barbu, ca. 1655, huile sur panneau,
76,5 x 26,5 x 5 cm. Louvain, M Leuven.
© photo : Cédric Verhelst
7

UP TO DATE
La culture
en boîte
->
La box de Colette Haute Culture. © Colette
Pas toujours simple de se cultiver ! L’objectif de la box Colette,
lancée en 2022, est de « supprimer les barrières qui empêchent
certaines personnes de se programmer des sorties
culturelles ». Alexandra de Behault a fondé Colette – Haute
Culture afin de permettre au plus grand nombre d’organiser
des sorties culturelles. Tous les trois mois, les abonnés reçoivent
une boîte en carton contenant trois tickets, ainsi qu’un
magazine expliquant les différentes sorties. La fondatrice
travaille également en collaboration avec divers artistes, pour
proposer des surprises en plus dans ses box. Pour s’assurer
d’offrir des sorties adéquates à chaque abonné (70 euros pour
trois mois), celui-ci choisit entre plusieurs disciplines comme
la danse, le théâtre ou encore les expositions au moment de
commander sa box. Colette – Haute Culture a développé un
partenariat avec de nombreux lieux culturels dans la capitale.
Ce qui permet à sa fondatrice d’obtenir à l’avance des tickets
pour certains événements, et ainsi assurer à ses abonnés de
pouvoir s’y rendre, même si ces événements finissent par être
sold out… www.colettehauteculture.be
Palais Stoclet :
de l’argenterie
vendue
en Angleterre !
Alors qu’il est entièrement classé, depuis
2005, comme ‘‘immeuble par destination’’
(intérieur et extérieur) par la Région
bruxelloise et repris depuis 2009 sur la
liste du Patrimoine mondial de l’UNES-
CO, le Palais Stoclet (1905-1911), construit
à Bruxelles par Joseph Hoffmann et les
Wiener Werkstätte, comme une œuvre
d’art total, se dépouille toujours plus de
ses merveilles. Outre une stèle en marbre
des Qi du Nord (550-577), provenant de
la collection d’Adolphe Stoclet, adjugée
440.000 livres sterling (506.000 euros), le
24 mai, la salle Woolley & Wallis de Salisbury
dispersait, le 21 juin dernier, un ensemble
d’une importance bien plus grande
puisqu’il s’agit rien moins que d’une partie
du fameux service de table, en argent et
->
Joseph Hoffmann et Alfred Mayer pour les Wiener Werkstätte, Service de table pour la salle à manger
du Palais Stoclet à Bruxelles, ca. 1905, argent et malachite. Woolley & Wallis, Salisbury, 21-06.
© Woolley & Wallis — 505.000 £ (588.000 €)
malachite, dessiné par Hoffmann pour
la salle à manger du palais. D’une provenance
étonnante puisque le site de la
salle de vente mentionne directement le
Palais Stoclet, les sept pièces, proposées
séparément, étaient finalement acquises
par un même enchérisseur au téléphone
contre 505.000 livres sterling (588.000 euros).
A défaut d’être demeuré en Belgique,
comme il l’aurait dû, au moins l’ensemble
a conservé son intégrité. Pas sûr, toutefois,
qu’on le revoie de sitôt… A confirmer
prochainement, à Bruxelles, à l’occasion de
la rétrospective que consacrent les musées
Art & Histoire à Joseph Hoffmann (du 06-
10 au 14-04-2024).
8

UP TO DATE
Des foires de septembre,
entre Paris et New York
->
Nour Elbasuni, Friday Afternoon, 2021, huile sur toile. © de l’artiste / Courtesy Galerie Hunna Art (EAU)
/ Menart Fair Paris
->
Hadassah Emmerich, Pink Pineapple, 2023,
huile et acrylique sur toile, 220 x 114 cm.
© de l’artiste / Courtesy Galerie Ron Mandos
/ The Armory Show, New York
Parcours des Mondes, l’une des plus
prestigieuses manifestations d’art tribal
et au monde, organisée depuis 2002, a
contribué à promouvoir les objets ethnographiques
dans le monde, en faisant
de Paris une destination majeure pour
les amateurs du genre. L’événement,
qui se tient cette année du 05 au 10-09,
attire collectionneurs, galeristes, artistes
et amateurs d’art du monde entier et se
déroule dans le quartier de Saint-Germain-des-Prés.
Des ensembles, comprenant
masques, sculptures, bijoux,
textiles, céramiques et autres objets rares
provenant de régions aussi diverses que
l’Afrique, l’Océanie, les Amériques et l’Asie,
y sont proposés. En marge, conférences,
expositions et événements permettent
aux visiteurs de mieux comprendre le
contexte culturel et l’histoire des œuvres.
www.parcours-des-mondes.com S Cela
vaut vraiment la peine de passer le mois
de septembre à Paris, où les foires se
succèdent sans discontinuer. Pour l’art du
Moyen-Orient, rendez-vous au Palais d’Iéna,
du 14 au 17-09, où se tient la troisième
édition de la Menart Fair. Cette foire d’art
contemporain et moderne constitue une
plateforme pour les artistes du Levant,
du golfe Arabo-persique et d’Afrique du
Nord, montrés par des galeries de premier
plan. www.menart-fair.com S Le design
(Paris Design Week, du 07 au 16-09 ) avec
www.maison-objet.com et la céramique
(Parcours de la Céramique et des Arts
du Feu, du 19 au 23-09) sont également
à l’honneur dans la capitale française. S
De l’autre côté de l’océan, c’est New York
qui tient le haut du pavé. L’Armory Show,
qui, depuis 2021, a migré vers la fin de
l’été pour être moins en concurrence avec
un calendrier artistique de plus en plus
chargé, s’associe pour la première fois à
la foire de photographie Photofairs New
York, qui se tient au Javits Center. Du 08
au 10-09, plus de 140 galeries, dont James
Cohan, 303 Gallery, Kasmin et Sean Kelly
de New York, ainsi que Victoria Miro de
Londres, Instituto de Visión de Bogota,
Almine Rech de Paris, et quatre autres
‘‘méga galeries’’ ayant leur siège à New
York – Gagosian, David Zwirner, Pace et
Hauser & Wirth – participent à l’une des
plus importantes foires d’art contemporain
au monde. www.thearmoryshow.com
et www.photofairs.org S Du 07 au 10-09,
Independent 20th Century revient à New
York en mettant l’accent sur les artistes autodidactes.
Les galeries participantes sont
invitées par Matthew Higgs, fondateur de la
foire, à redéfinir et élargir le canon de l’art
contemporain et susciter des conversations
qui n’ont peut-être jamais eu lieu auparavant
ou qui auraient dû avoir lieu depuis
longtemps. www.independenthq.com
9

Têtes de l’Art
Christian Salez
Nomination : Début juin, le CA d’Europalia,
dont la prochaine édition est
consacrée à la Géorgie, nommait
Christian Salez (56 ans) comme
nouveau directeur général. Depuis
le mois d’août, il succède à Koen
Clement, après avoir dirigé Apple
Europe/MCI à Paris. Il fut aussi PDG
chez Delvaux et au sein du groupe
international de publicité TBWA,
ainsi qu’entre autres administrateur
de plusieurs marques belges
et à Londres. L’édition 2025 du festival
accueillera l’Espagne.
© photo : Geertje De Waegeneer
Brice Marden
In memoriam : Chantre d’une abstraction
tour à tour géométrique et
sinueuse, à la palette d’abord tranchée
et puis pleine de nuances
sourdes, Brice Marden a déployé,
pendant plus d’un demi-siècle, une
Françoise Gilot
In memoriam : Seule des nombreuses
femmes de Picasso à avoir
su lui tenir tête et même le dépasser
en longévité, Françoise Gilot
s’est éteinte le 6 juin à New York à
l’âge de 101 ans. Issue de la bonne
bourgeoisie parisienne, elle rencontra
Picasso en 1943. Les dix années
passées ensemble sont marquées
par l’installation dans le Sud et par
la naissance de Claude en 1947 et
de Paloma en 1949. Jalouse de son
indépendance, François Gilot quitte
Picasso en 1953. La publication de
Vivre avec Picasso, passionnant récit
de sa vie avec l’artiste, les brouillera
définitivement. Installée aux Etats-
Unis, elle relance sa carrière artistique,
produisant une peinture dont
la cote a dépassé le million d’euros,
en 2021, chez Sotheby’s.
© photo : Marian Andreani
peinture sensible, tonique et emplie
d’une sérénité contemplative. Il
décédait le 9 août, dans l’Etat de
New York, à l’âge de 84 ans.
© Getty Images / photo : Patrick
McMullam
Paul Dujardin
Eviction : Le CA de l’asbl 50-200, qui
gère l’important projet de rénovation
du site du Cinquantenaire à
Bruxelles, décidait début juillet de
licencier son directeur Paul Dujardin
et la directrice opérationnelle,
Yasmina Amir, suite à de graves problèmes
de gestion. Paul Dujardin,
ex-CEO de Bozar, avait été recruté
en décembre 2021 pour gérer le
projet de revalorisation du site du
Cinquantenaire et de ses musées à
l’horizon du bicentenaire.
© D. R.
Khosrow
Hassanzadeh
In memoriam : Début juillet, l’artiste
iranien Khosrow Hassanzadeh décédait
à l’âge de 60 ans des suites d’un
empoisonnement lié à la consommation
d’arak frelaté. Reconnu
internationalement, il avait fait des
luttes quotidiennes des Iraniens et
Iraniennes sa marque de fabrique,
s’intéressant aux prostituées ou aux
lutteurs. Ses thèmes de prédilection
incluaient également les rituels religieux,
mais aussi les cicatrices de la
guerre Iran-Irak, la vénération des
icônes culturelles, du consumérisme
et de la culture Pop.
© D. R.
10

Cildo Meireles
Albert Baronian
Jubilaire : En ce mois de septembre,
Albert Baronian célèbre ses 50 ans
d’activité en tant que galeriste par
une double exposition, à la Fondation
CAB et au musée Van Buuren,
à Bruxelles. La première (du 06-09
au 25-11) réunira une trentaine d’artistes
ayant traversé son parcours,
notamment Gilbert & George ou
Bernd Lohaus. La seconde, intitulée
Echoes from Daedalus’ Garden,
ouvre le 1er septembre et se focalise
sur les sculptures de Xavier Mary.
© D. R.
Lauréat : Doté de 150 000 francs
suisses par la fondation zurichoise
Roswitha Hatmann, créé en hommage
à la galeriste suisse du même
nom (1924-1998), le prix éponyme
a été remis cette année à l’artiste
brésilien Cildo Meireles (1948). Son
œuvre, polymorphe, couvre différents
genres tels que la sculpture, les
installations et la performance. L’artiste
est notamment connu pour ses
installations immersives, qui expriment,
pour beaucoup, la résistance
à l’oppression politique, à l’exploitation
coloniale et à l’extraction des
ressources naturelles.
© photo : Everton Balardin
Karin van Gilst
Caroline von Reden
Nomination : Après avoir créé et porté
la foire depuis 2015, Alex Reding
vient de passer le relais organisationnel
de la Luxembourg Art Week
à une nouvelle directrice, Caroline
von Reden. Née en 1978, consultante
en art depuis 2018, elle a initié des
projets pour différents acteurs du
marché de l’art depuis 2007, notamment
en tant que responsable des
programmes VIP et collectionneurs
pour la foire viennacontemporary
en 2012 et 2013. Parmi ses clients
figurent également la foire belge Collectible
et Messe Berlin.
© photo : Wouter Maeckelberghe
Nomination : Le CA du musée de la
photographie Foam d’Amsterdam
a annoncé la nomination, effective
au 1er juillet, de Karin van Gilst en
tant que directrice. Née en 1964,
elle bénéficie d’une longue expérience
dans le secteur des médias
et de la culture. Elle fut notamment
directrice commerciale du Stedelijk
Museum d’Amsterdam, directrice
générale de la BNNVARA et directrice
de WPG Media. Elle est également
activement impliquée dans
diverses institutions culturelles et
organisations caritatives en tant
que superviseur et conseillère.
© photo : Friso Keuris
Annabelle Ténèze
Nomination : Conservatrice en chef
du patrimoine, directrice depuis
2016 des Abattoirs de Toulouse (à
la fois musée et FRAC Occitanie),
Annabelle Ténèze (1979) était nommée
début juillet à la direction du
Louvre-Lens, où elle prendra ses
nouvelles fonctions cet automne.
Diplômée de l’École des chartes en
2004 puis de l’Institut national du
patrimoine, elle a débuté sa carrière
au musée Picasso, en charge de 2006
à 2012 du cabinet d’art graphique.
Elle effectua ensuite le saut vers l’art
contemporain en devenant directrice
du château de Rochechouart,
musée d’art contemporain de la
Haute-Vienne.
© photo : Boris Conte
11

MUSEES
Une photo plurielle
et inventive
du 22-09 au 27-01-2024
Musée Juif de Belgique
Bruxelles
www.mjb-jmb.org
Entre fiction et
documentaire
du 29-09 au 21-01-2024
LaM
Villeneuve d’Ascq
www.museelam.fr
Réunissant plus d’une
centaine d’œuvres, cette
exposition livre un beau
portrait du photographe
Erwin Blumenfeld. S’il
est surtout connu pour
ses clichés de mode, à la
créativité exceptionnelle,
Blumenfeld est aussi
l’auteur d’une œuvre
polymorphe où se mêlent
inspirations dadaïstes,
engagements politiques
et expérimentations
artistiques. Né en 1897
à Berlin, il fit partie des
avant-gardes culturelles à
Amsterdam, où il s’installa
après la Première Guerre
et débuta son travail
photographique. Dès
1936, il part à Paris, s’initie
à la publicité et entame
des collaborations avec Vogue et Harpers Bazaar, avant de connaître les camps
d’internement lorsqu’éclate la Seconde Guerre mondiale. Parvenu in extremis à
se réfugier à New York, en 1941, il y mène une carrière à succès, marquée par une
libre exploration des formes et des couleurs. (ah)
Erwin Blumenfeld, Red Cross (Croix rouge), variante d’une photographie pour le Vogue US, mars
1945, New-York, 1945. © The Estate of Erwin Blumenfeld 2022
Ancien élève des Arts décoratifs et du Fresnoy-Studio
national des Arts contemporains
de Tourcoing, Mohamed Bourouissa (1978)
interroge la représentation des personnes marginalisées
ainsi que les mécanismes du pouvoir
et de l’autorité. Pour cette exposition, il explore
plus particulièrement le rapport de la société
contemporaine au contrôle, à l’enfermement
et à la surveillance. Des installations inédites
et un spectacle, Quartier de femmes, viennent
particulièrement illustrer son propos. Celui-ci est
plus largement traité, tant en photographie que
par le dessin, la sculpture, la vidéo, l’installation
et le spectacle vivant. Dans cet accrochage, sa
pratique du dessin reçoit une attention particulière.
Artiste franco-algérien, qui vit et travaille
à Paris, il poursuit une création qui brouille les
frontières entre fiction et documentaire et place
l’individu au centre. (ah)
Mohamed Bourouissa, Sans titre, 1928 ?, huile sur toile,
aquarelle sur papier. © de l’artiste
Poésie graphique
du 02-09 au 29-10
Le Botanique
Bruxelles
www.botanique.be
Boris Thiébaut, F J Landscape,
2020. © de l’artiste
Cette exposition propose trois types d’œuvres réalisées par Boris Thiebaut, qui entrent bien sûr en
étroite résonnance. L’artiste, né à Charleroi en 1981, qui vit et travaille à Bruxelles, propose d’abord une
série récente de dessins sur papier de grand format, compositions d’éléments divers qu’il décrit comme
suit: « Je cherche un équilibre entre simplicité et complexité : simplicité d’outils et de technique directe.
Complexité d’une composition faite de strates, de reprises et d’effacements. Complexité aussi de lecture,
où le geste et le signe se disputent un même territoire. Ces formes luttent constamment pour construire
leur propre langage : un langage hésitant, qui se cherche et se nie lui-même au fur et à mesure qu’il se
construit ». Ces papiers grand format sont accompagnés d’une série de dessins automatiques dont des
détails sont déclinés en peinture murale et en peinture sur bois. Enfin le titre de l’exposition, Every minute
is Lettered, renvoie plus précisément au livre d’artiste réalisé spécialement pour l’occasion, en compagnie
de la graphiste Caroline Wolewinski. (ah)
12

MUSEES
Werner Berg
du 16-09 au 03-03-2023
Chabot Museum
Rotterdam
www.chabotmuseum.nl
50 ans
de carrière !
du 23-09 au 01-01-2024
Royal Academy
Londres
www.royalacademy.org
Depuis plusieurs années, le musée Chabot expose des œuvres d’autres
artistes que celui qui lui a donné son nom. Voici l’Autrichien Werner Berg
(1904-1981), dont les peintures se situent dans le style expressionniste. Ses
peintures et gravures sur bois représentent principalement des personnages
et paysages à l’aspect campagnard. En 1931, le peintre s’était retiré dans la
ferme Rutarhof de Kärnten, où il effectua également beaucoup de travaux
agricoles, ce qui ne l’empêcha pas de garder contact, à Berlin, avec le couple
Ada et Emil Nolde.
Werner Berg, Rakonig Kathi, 1933, huile sur toile, 75 x 65 cm. © Chabot Museum
Voilà une rétrospective d’envergure ! La
Royal Academy présente cinq décennies de
création, soit l’ensemble du travail mené par
Marina Abramovic (1946) depuis sa formation
à la peinture à l’Académie des Beaux-Arts de
Belgrade. L’artiste s’est vite éloignée de ce
medium pour se tourner, dans les années 1970,
vers la performance, devenant d’ailleurs une
pionnière dans l’utilisation de son propre corps,
au fil de sa pratique. L’exposition est composée
de photographies, de documents divers et,
bien sûr, de vidéos. Préparé en collaboration
étroite avec Marina Abramovic elle-même, le
parcours intègre la ‘‘re-création’’ de quatre de
ses performances ‘‘historiques’’, régulièrement
réinterprétées dans les salles par des personnes
ayant été formées et dirigées au sein du Marina
Abramovic Institute. (ah)
Marina Abramović, The Artist is Present, 2010,
performance. New York, The Museum of Modern Art /
Courtesy The Marina Abramović Archives. © de l’artiste /
photo : Marco Anelli
Mari, cité mythique
du 16-09 au 07-01-2024
Musée royal de Mariemont
Morlanwelz
www.musee-mariemont.be
Statue d’un porteur de chevreau,
albâtre, Mari. © Musée du Louvre /
dist. RMN - Grand Palais / photo :
Raphaël Chipault et Benjamin
Soligny
Au troisième millénaire avant notre ère, Mari était une puissante cité, avantageusement située au
cœur du Croissant fertile, dans l’actuelle Syrie. Ville dont le commerce fut favorisé par l’Euphrate, elle
était réputée pour son artisanat de cuivre et de bronze, et pour son architecture de briques crues.
Des archéologues envoyés par le Louvre y ont mené vingt campagnes dont une livra des milliers de
tablettes cunéiformes décryptées par le Liégeois Georges Dossin, l’un des fondateurs de l’assyriologie
belge. Ces fouilles sont présentées dans l’exposition, réalisée en partenariat avec l’institution
française. Le parcours réunit de nombreuses œuvres à connotation religieuse (images de divinités,
scènes divinatoires, …), portraits de dignitaires, documents administratifs, de même que quelques
objets pratiques comme des céramiques et, bien sûr, l’image du protecteur de la ville, le fameux ‘‘lion
de Mari’’. (ah)
13

MUSEES
Sur le Bosphore
du 16-09 au 28-01-2024
Museum Ludwig
Cologne
www.museum-ludwig.de
Nicolas
de Stael,
in extenso
du 15-09 au 21-01-2024
Musée d’Art Moderne
Paris
www.mam.paris.fr
S’imposant comme une figure majeure de l’art actuel en Turquie, Füsun Onur
(1938) a acquis une réputation internationale, mais est encore trop peu exposée
en Europe. Les commissaires du musée Ludwig ont à cœur de combler cette
lacune en présentant cette grande rétrospective. Le parcours comprend dix-neuf
installations qui couvrent l’ensemble de sa carrière, depuis ses débuts à Istanbul,
où elle étudia la sculpture de 1957 à 1962, avant d’aller se former aux Etats-Unis.
Dès les années 1970-1980, elle introduit une approche conceptuelle dans sa
pratique de la sculpture en présentant ses œuvres sous forme d’installations. Au
fil des années, Fusün Onur a exploré le rapport entre forme et processus. Tout
en marquant un intérêt pour les thèmes et les variations, ainsi qu’en menant une
réflexion sur l’espace et le mouvement. L’artiste n’assigne pas de signification à
ses créations mais incite le public à en faire sa propre interprétation, celui-ci occupant
dès lors une place centrale. Le lien entretenu avec sa famille et Istanbul (où
elle vit, dans une maison donnant sur le Bosphore) est également important. (ah)
Fusün Onur, Third Dimension in Painting / Come In, 1981 (détail). © de l’artiste / photo : Murat
Germen
En 2003, une grande rétrospective était
consacrée à Nicolas de Stael (1914-1955) au
Centre Pompidou. Depuis et ailleurs, plusieurs
ont révélé d’autres facettes de cette figure
incontournable de la scène artistique française
de l’après-guerre. Cette nouvelle exposition
du musée d’Art Moderne de Paris se trouve
enrichie de ces divers événements et présente
– à côté de chefs d’œuvres comme Le Parc des
Princes – un ensemble de travaux qui n’ont
jamais été vus en France. Cette importante
rétrospective, organisée chronologiquement,
rappellera certainement qu’avant de s’installer
et de faire carrière à Paris, cet artiste d’origine
russe a été élevé et formé en Belgique, à l’Académie
des Beaux-Arts de Bruxelles, puis à celle
de Saint-Gilles. C’est aussi dans nos musées
qu’il a senti sa vocation grandir et s’affirmer,
contre l’avis de son entourage. (ah)
Nicolas de Stael, Arbre rouge, 1953, huile sur toile, 46 x
61 cm. Collection privée. ©ADAGP, Paris 2023 / photo :
Christie’s Images Ltd.
De l’eau, de la fluidité et
de la gravité !
du 09-09 au 10-03-2024
Kunstmuseum
St. Gallen
www.kunstmuseumsg.ch
Roman Signer, Grosser Tropfen, 1973,
Kunstmuseum St. Gallen, Donation Ursula Hauser
2022.
Le musée de St. Gallen a récemment reçu huit œuvres de Roman Signer (1938) issues de
la Collection Ursula Hause. Cinq de ces sculptures datent du début des années 1970 et
sont basées sur les observations et expériences que l’artiste menait sur l’eau, testant sa
fluidité, son énergie, son élasticité. L’œuvre Grosser Tropfen, par exemple, se concentre
sur la tension qui émane d’une goutte, depuis sa formation jusqu’à sa chute. L’œuvre qui
en résulte, comme tout le travail de Signer, oscille entre expérimentation scientifique et
création plastique. Les trois autres œuvres datent des années 1990 et sont présentées ici
pour la toute première fois. Afin de saluer cette donation, cette exposition se tient dans la
Kirchhoferhaus, magnifique bâtiment situé en face de l’institution. (ah)
14

MUSEES
Tout d’argent
jusq. 29-10
Museum für Ostasiatische Kunst
Cologne
www.mok.koeln
Féminités
rubéniennes
du 27-09 au 28-01-2024
Dulwich Picture Gallery
Londres
www.dulwich
picturegallery.org.uk
Entre 1891 et 1908, l’ingénieur Heinrich Hildebrand construisit partout en Chine des
lignes de chemin de fer, des usines et autres bâtiments. Ce faisant, il acquit aussi
des dizaines d’œuvres d’art pour en orner sa résidence située à Tsingtao. Parmi
ces œuvres, la plupart des argenteries furent fabriquées dans cette région reculée,
aux alentours de 1900. Cette élégante production combine des formes importées
d’Europe à un décor typiquement chinois : oiseaux, figures mythologiques,
acteurs de théâtre et scènes littéraires. La qualité du travail des orfèvres saute aux
yeux ! A côté de ces objets, le musée présente aussi des œuvres de ses collections
permanentes. Des photos et archives diverses viennent documenter le commerce
organisé pour l’exportation chinoise de l’argenterie. (ah)
Tasses et coupe, Chine, dynastie Qin, ca. 1901, argent. The estate of Roesberg/Hildebrand, inv. Cd
2020,10. © Rheinisches Bildarchiv Köln / photo : Marion Mennicken
On associe généralement Rubens à des
figures féminines rieuses et plantureuses, aux
chairs rosées, dégoulinantes de sensualité,
voire de volupté. Les commissaires de cette
exposition estiment que ce jugement est bien
trop réducteur ! Ils le prouvent en réunissant
un ensemble très varié, car composé
de portraits de différents types de femmes :
celles de pouvoir, riches princesses et/ou
aristocrates, celles qu’il aima comme ses deux
épouses, et comme, aussi, sa fille. Et puis
seront présentes, bien sûr, les voluptueuses
déesses, de Diane à Vénus, ainsi que les plus
sages représentations de la Vierge Marie.
Force est de le reconnaître : la rencontre du
peintre avec certaines femmes à quelques
moments de sa vie lui a permis d’évoluer, de
remettre ses valeurs en cause, d’avancer dans
sa quête insatiable d’idéal et de beauté. (ah)
Peter Paul Rubens, Isabelle Infante d’Espagne dans
l’habit de Sainte Claire, 1625, huile sur toile. Collection
privée, Anvers.
Le rôle du marchand
du 19-09 au 14-01-2024
Musée de l’Orangerie
Paris
www.musee-orangerie.fr
Amadeo Modigliani, Paul Guillaume, Novo
Pilota, 1915. © RMN-Grand Palais (musée de
l’Orangerie) / photo : Hervé Lewandowski
S’il est d’abord l’écrin où se déploient les formidables Nymphéas de Monet, le musée de
l’Orangerie abrite aussi la collection majeure de Paul Guillaume et Domenica Walter. La ligne
suivie par ses conservateurs est de mettre en valeur cette collection permanente en explorant
divers liens inconnus jusqu’ici. C’est précisément le cas pour cet ensemble consacré aux liens
tissés entre Amadeo Modigliani et Paul Guillaume, qui fut son marchand dès 1914. Le parcours
invite à comprendre comment les relations nouées entre les deux personnages peuvent éclairer
la carrière de l’artiste. À travers un choix d’œuvres emblématiques, il met en exergue ces liens
dans le contexte artistique et littéraire parisien des années 1910. Et précise aussi le rôle joué par
Paul Guillaume dans la diffusion de l’œuvre de Modigliani sur le marché de l’art, à la fois en
France et aux États-Unis, dans les années 1920. (ah)
15

GALERIE ALBERT 1er
depuis 1952
PEINTURES DE
XAVIER HUCHEZ (PARIS 1966)
Exposition du 2 au 24 septembre 2023
Du mardi au samedi de 13 à 19h – Le dimanche de 14 à 18h
galerie-albert1er.be
+32 (0) 512 19 44 — Info@galerie-albert1er.be
Rue de la Madeleine 45 – 1000 Bruxelles

TYPIQUEMENT
DOMINIQUE RIGO.
ACERBIS / ALIAS / ARCO / ARPER / ARTEMIDE / ARTEK / B&B ITALIA / BROKIS
CAPPELLINI / CARL HANSEN / CASALIS / CECCOTTI / CLASSICON / CRUSO
DESALTO / DECLIC / EMECO / EXTREMIS / FERMOB / FIAM / FLEXFORM / FLOS
FONTANA ARTE / FOSCARINI / FRITZ HANSEN / GALOTTI & RADICE / GUBI
HERMAN MILLER / INGO MAURER / INTERLÜBKE / KARTELL / KNOLL
LAPALMA / LIGNE ROSET / LIMITED EDITION / LOUIS POULSEN / LUCEPLAN
MARTINELLI LUCE / MDF ITALIA / MOCA / MOROSO / MOTTURA / NEMO
OPINION CIATTI / PALLUCO / PAOLA LENTI / PASTOE / POLIFORM
POLTRONA FRAU / SAHCO HESSLEIN / SILENT GLISS / STUA / TECTA
TOLIX / TOULEMONDE BOCHART / VITRA / ZIMMER+ROHDE
RUE DE STALLE 210 STALLESTRAAT B-1180 BRUSSELS
INFO + 32 [0]2 649 95 94 info@dominiquerigo.be www.dominiquerigo.be

Laurence Dervaux
Les merveilles de la vie
Cet automne, l’artiste belge
Laurence Dervaux investit la totalité
des espaces du BPS22, à Charleroi.
Elle n’est pas inconnue de la scène
artistique, tant en Belgique qu’à
l’étranger, mais son travail n’avait
jusqu’alors jamais fait l’objet d’une
telle rétrospective. Celle-ci débute
par une toute nouvelle installation,
dans une salle obscure avec des
reflets de lumière en mouvement
et, au sol, de la verrerie contenant
des liquides : les mille douze litres
d’eau contenus dans vingt corps
humains. Une œuvre fascinante qui
fait prendre conscience de la beauté
et de la fragilité du corps humain,
rappelant aussi qu’il nous faut
prendre soin du vivant.
TEXTE : CHRISTINE VUEGEN
Test d’installation (2022) au BPS22 pour L’eau du corps. Les mille douze litres d’eau de vingt corps humains,
2023, récipients en verre transparent, eau, liquides colorés, miroirs, tissu. Production BPS22 – Musée d’art
de la Province de Hainaut, Charleroi. © de l'artiste / photo : Leslie Artamonow
L’œuvre L’eau du corps. Les mille douze
litres d’eau de vingt corps humains
a été réalisée spécialement pour
l’occasion. Les images d'une installation-test,
réalisée à l›automne dernier, en
offrent un avant-goût. En réalité, ce titre ne
devrait pas encore être dévoilé, car il ne l'est
qu'à mi-chemin dans l'espace. L'installation
n›en sera pas moins surprenante. Laurence
Dervaux (1962) décrit sa démarche comme
suit : « Mon travail parle de l’être humain,
du corps humain, de l’étonnant fonctionnement
physiologique du corps, des fonctions
vitales comme le système circulatoire, des
fluides corporels comme l’eau qui constitue
65 % de notre corps. Il traite de l’incroyable
beauté des fonctions corporelles, de leur
fragilité, de leur finitude. Mais aussi de ce
qui est nécessaire pour maintenir la vie,
par exemple la nutrition, comme dans les
œuvres réalisées avec du riz coloré à la teinture
comestible ou celles relatives à l’eau,
breuvage vital ».
18

« L'installation
célèbre la vie, cet
instant qu'est la vie »
VANITÉS CONTEMPORAINES
Laurence Dervaux me décrit son installation
immersive, prévue dans une salle
de vingt-huit mètres de long aux murs
s’élevant jusqu’à huit mètres. De grands
et petits reflets lumineux s’y animent, par
moments, de mouvements ondoyants. Ils
sont blancs, rouges, jaunâtres ou brunâtres,
mais peuvent aussi se confondre
avec le spectre lumineux. Un monde mystérieux,
intriguant, visuellement attrayant.
Un peu plus tard, son titre nous révèle qu’il
concerne l’évaporation de l’eau contenue
dans les fluides d’une vingtaine de corps
humains. Au sol, le visiteur pénètre dans
une installation composée d’objets en
verre, non pas du verre soufflé comme
dans d’autres installations de l’artiste,
mais des vases, du matériel de laboratoire
et d’autres objets en verre qu’elle
a rassemblés. Ceux-ci sont remplis de
liquide transparent et de liquides colorés.
Vingt spécimens ont la taille d’un être
humain, de 160 à 180 centimètres environ.
Entre eux, des cordons de textile rouge
paraissent comme autant de veines les
reliant. Goutte à goutte, le liquide passe
d’un plus grand récipient à un plus petit,
éclairé par un faisceau lumineux. En
son sein, un miroir semble à l’origine de
reflets ondulant fugacement. Les cordons
rouges agissent comme autant de
réseaux capillaires. Le mouvement induit
n’utilise d’ailleurs que la capillarité, sa
force d’aspiration. A certains endroits, une
forme d’évaporation sera compensée par
la condensation. « Je tente de préserver
au maximum l’état liquide de l’eau de ces
vingt corps. L’installation centrale en verre
constitue une métaphore matérielle du
corps humain tandis que les reflets représentent
les corps dans leur forme immatérielle,
une sorte d’aura », précise Laurence
Dervaux. Lorsque je lui demande s’il s’agit
d’une vanité inversée, elle répond : « C’est
une vanité, mais il s’agit moins de rappeler
l’inéluctable disparition de tout corps que
d’en exacerber la magie de la présence.
C’est l’instant de la vie que célèbre cette
installation. »
Fluides humains, 2006-2007 (détail). © Studio Laurence Dervaux
Son œuvre nous fait prendre conscience de
la beauté et de la fragilité du corps humain et
souligne la nécessité de prendre soin de la vie.
EN BAS, EN HAUT
Une autre œuvre emblématique de l’artiste
est La quantité de sang pompée par le cœur
humain en une heure et vingt-huit minutes
(2003), constituée d’une immense quantité
d’objets en verre contenant du liquide rouge
et dans lesquels joue la lumière entrante. En
2004, l’installation recevait les honneurs d’Art
Brussels. Comme elle fut présentée, en 2020,
lors d’une exposition collective au BPS22,
elle ne sera pas montrée ici. L’installation
qui ouvre l’exposition est son premier travail
incluant des reflets lumineux dans un espace
sombre. Elle peut faire penser à un monde
sous-marin, à des images aux rayons X, au
Cosmos. Ce qui se passe en bas est projeté
en haut. Ainsi en haut, ainsi en bas, et viceversa:
une sagesse ancienne embrassée par
l’Alchimie. Cette référence se retrouve également
dans la disposition de la verrerie, qui
ressemble parfois à un laboratoire d’alchimiste.
Ces réflexions entre microcosme
et macrocosme apparaissent à plusieurs
reprises dans le parcours des œuvres, dont
certaines n’ont jamais été exposées en Belgique
: vidéos, sculptures, installation imposante
de gouttes de verre suspendues dans
le hall principal et des œuvres plus petites,
mais non négligeables, telles ce jeune plant
de fougère et, non loin, une petite sculpture
de résine représentant l’eau contenue dans
le creux des deux mains. La plante a besoin
d’attention, d’entretien, d’eau. C’est une
invitation à porter une attention spécifique
à notre environnement, dont il faut prendre
soin. En effet, après l’extinction massive des
dinosaures, la fougère fut l’une des plantes
qui permit l’évolution. Sans elle, pourraiton
dire, l’homme n’existerait pas. D’où nous
venons, où nous allons, la vie, la mort et la
survie, l’homme et la planète : à sa manière,
Laurence Dervaux aborde autant les grandes
questions existentielles que les sujets
d’actualité.
VISITER
Exposition Laurence Dervaux
BPS22
Charleroi
www.bps22.be
du 23-09 au 07-01-2024
19

Paroles de galeriste #09.2023 — PART 1
Olivier Meessen
L'aventure en solo
En 2008, Olivier Meessen et Jan De Clercq
cofondaient leur galerie d’art contemporain.
Récemment, la décision fut prise de mettre un
terme à cette collaboration. Olivier Meessen
poursuit désormais seul l’aventure. Entretien.
Qu’est-ce qui a présidé à cette
décision étonnante ?
« Après une douzaine d’années
de travail en commun, mon
associé a souhaité s’investir
dans d’autres domaines qui
lui sont chers. Son départ m’a
permis de reconsidérer ma
motivation et de réévaluer la
pertinence de ma vocation. Il
m’est apparu clairement que le
projet initial était très cohérent
et qu’il était important pour
moi de continuer à le porter
avec loyauté. »
Quels sont les enjeux pour
l’avenir de la galerie ?
« La galerie a quinze ans
d’existence et le monde
change si vite qu’il est primordial
d’évoluer et de tenter
de décoder ce qui est en
train de se passer. Je pense
qu’il y a lieu de sentir les
vibrations du monde et d’en
être, à notre petite mesure,
une caisse de résonance.
Mais cela n’est pas nouveau.
A.N.T.H.R.O.P.O.C.E.N.E, la
grande exposition organisée
en 2018 pour nos dix ans,
ouvrait des pistes de réflexion
relatives aux enjeux climatiques.
Mon souhait est de
continuer à faire de la galerie
un lieu accessible où les gens
se sentent accueillis, stimulés
intellectuellement, émus et
accompagnés dans l’acquisition
d’œuvres. Il est important
pour moi de chérir chaque
relation privilégiée avec les
artistes et les collectionneurs.
Ceux-ci, comme les institutions,
restent au cœur de
notre activité. »
Il y a désormais un grand focus
sur les artistes internationaux.
Quels seront vos futurs critères
de sélection ?
« Notre critère fut toujours
la pertinence et la qualité.
Peu importent les frontières.
L’essentiel est de donner la
parole à celui ou celle qui a des
choses à dire et le dit de façon
singulière. Pour cela, il est
important de voir beaucoup,
de lire, de se renseigner, pour
tenter d’entendre ces voix et
de débusquer la parole juste,
dans l’amas des commentaires
et des informations multidirectionnelles.
La galerie continuera
à défendre autant des
jeunes artistes que des artistes
confirmés. L’exposition de septembre
donne ainsi de l’espace
à de nouvelles voix émergentes
comme Namsal Siedlecki, Gaspar
Willemann et Solène Rigou,
mais aussi à des artistes confirmés
comme Goshka Macuga et
Ellen Harvey. »
Etes-vous en quête d’autres
formes de collaboration ?
« Effectivement, j’ai des idées
de rapprochement avec des
collègues étrangers. Je vais
aussi tenter de développer
mes affinités avec New York et
prolonger ce que j’avais initié
en 2019 avec le projet I would
prefer not to, une référence à
Bartleby, nouvelle écrite par
Herman Melville. Je me suis
rendu compte, avec cette exposition,
qu’il y avait un public
américain avide d’expositions
moins orientées ‘‘marché’’ et
un peu plus intellectuelles. Le
retour des visiteurs m’a fait
© photo : Laurent de Broca
« Il était important pour moi de
continuer à porter le projet initial
et cohérent avec loyauté »
comprendre que cela faisait
sens de réitérer un tel projet. Je
réfléchis désormais à la notion
de migration en me basant
sur la réalité historique d’Ellis
Island, cette île non loin de la
Statue de la Liberté, qui a vu
passer des millions de migrants
en provenance d’Europe, entre
1892 et 1954. On parle d’espérance,
de fantasme mais aussi
de séparation, de rejet, de
classification, d’errance. Sujet
hautement sensible, mais qui
ouvre une réflexion sur certains
enjeux actuels et planétaires. »
Sous quel nom allez-vous
poursuivre vos activités ?
« En fait, j’aimerais garder cela
confidentiel jusqu’au moment
de l’ouverture officielle, qui se
fera le 29 février 2024. Quand
je me suis aperçu que l'année
qui vient sera bissextile, je me
suis emballé et ai d’emblée
décidé d’en faire une date
symbolique pour la galerie.
C’est un jour qui n’en est pas
un, qui sommeille pendant
trois années avant de réapparaître
au grand jour et puis
de s’éclipser à nouveau. C’est
tellement inspirant que j’en ai
parlé à plusieurs artistes pour
la réalisation de projets spécifiques,
dont un qui me tient
à cœur avec Ignasi Aballí, qui
fut le premier artiste montré
par Meessen De Clercq, en
2008, et qui vient de représenter
l’Espagne à la Biennale de
Venise. »
A Sedimentation of the Mind
Meessen De Clercq
Bruxelles
www.meessendeclercq.be
du 07-09 au 14-10
20

GALERIES
Skender Hyseni
du 08-09 au 21-10
Zedes Art Gallery
Bruxelles
www.zedes-art-gallery.be
Bart Spitaels,
jeune talent
du 16-09 au 22-10
Rufus Gallery
Gand
www.rufus.gallery
Tant originel qu’archéologique,
l’œuvre de l’artiste
albanais Skender Hyseni
paraît le plus ancien du
monde. Le sculpteur
délaisse le bois pour
explorer l’expressivité
d’une autre matière : la
terre. Entre ses mains,
elle se fait plus mystérieuse
que jamais. Les
entailles, les déchirures
sont autant de stigmates
qui témoignent du geste
fondateur de l’homme
sur la matière brute et
imparfaite. Par l’action de
ses mains, de ses doigts,
de son corps tout entier, il
insuffle l’esprit à la matière
qui s’étire et s’enroule
sur elle-même, formant,
dans son antre, des lieux
soustraits à la lumière
d’où émane un fascinant
mystère. Le sculpteur
intègre volontiers son œuvre dans l’espace, qui implique à la fois la lumière et son
contraire. L’ombre y est alors aussi solide que l’objet projeté. Seule certitude : la
terre, humble texture, se voit transfigurée par la poésie de l’artiste en une forme
sculpturale minimaliste, à la fois rustique mais si raffinée qu’elle en devient somptueuse.
(gg)
Skender Hyseni, Tokê (terre) 19/06/2019, 2019, terre cuite, 37 x 29 x 26 cm. © de l’artiste / Courtesy
Zedes Art Gallery – Prix : entre 500 et 5.000 €
Bart Spitaels joue, ose et crée avec une
audace infinie. C’est ce qu’on peut lire sur le
site de l’énergique Rufus Gallery. L’exposition
Steenwegen & Zeestraten est la première
personnelle de Bart Spitaels (1987) dans une
véritable galerie. L’artiste est célèbre pour
ses dessins, tableaux et immenses peintures
murales, allant d’une simple maison à des
bâtiments industriels, des systèmes de tuyauterie
et des éléments floraux. Ses œuvres ont quelque
chose de graphique. Il donne forme à une
architecture inexistante sur le papier. Il présente
exclusivement des œuvres nouvelles, toujours
dessinées et coloriées à la main avec la même
minutie. Chaque construction se pare d’une
couleur douce en trois dessins au format allongé.
S’agit-il de rangées de maisons ? Ou d’une
machine avec des tuyaux aux extrémités ? Et les
cheminées ne sont-elles pas aussi les têtes de
personnages stylisés ? Difficile à dire, mais tous
les fantasmes, émotions et interprétations sont
permis. (cv)
Bart Spitaels, Steenweg 1 (194,5 x 24 cm), Steenweg 2 (191,8
x 22,5 cm) et Steenweg 3 (190,8 x 23 cm), 2023, crayon et
marqueur permanent sur papier. © de l’artiste / Courtesy
Rufus Gallery – Prix : à partir de 1.300 €
L’heure bleue
du 03-09 au 12-11
Exit 11 – Centre d’Art contemporain
Gembloux
www.exit11.be
Jacqueline Devreux, La Femme sans visage,
s.d., huile sur toile, 140 x 120 cm. © de l’artiste
/ Courtesy Exit 11 – Prix sur demande
L’heure bleue est la période entre et la nuit et le jour, où le ciel se remplit presque entièrement
d’un bleu plus foncé que le bleu ciel du jour… C’est aux premiers instants de ‘‘l’heure bleue’’
que l’ensemble des oiseaux se met à chanter. Cela ne dure que quelques minutes avant que la
vie ne reprenne son cours. L’exposition éponyme est la quatrième et dernière clôturant le cycle
Entre chien et loup. Réunissant essentiellement des photographes, d’autres plasticiens se plient
également au jeu de cette thématique et livrent leur propre fable ou interprétation de ce court
moment de la journée, symbole de renouveau. Instantanés, clichés nostalgiques, tapisseries,
poupées et masques aux accents de réalisme magique sont autant d’éléments composant cette
exposition. Les artistes réunis sont David Ameye, Gil Barez, Jérémie Denis, Jacqueline Devreux,
Jean-François Flamey, André Fromont, Nina Lassila, Maladita, Didier Renard et Jean-Michel
Uyttersprot. (gg)
21

GALERIES
André Blank.
Œuvre graphique
du 07-09 au 28-10
ABC&Design
Verviers
www.abcetdesign.be
Clara Brörmann
et Joke Hansen
du 10-09 au 15-10
Whitehouse Gallery
Lovenjoel
www.whitehousegallery.be
Germanophone pétri
de culture française,
André Blank (1914-1987)
est parti de l’impressionnisme
pour traverser
successivement
fauvisme, expressionnisme
et cubisme. C’est
à ce moment que,
par une décantation
progressive, il s’achemine
vers l’abstraction
géométrique et
débouche dans cette
période que l’on
conviendra de nommer
‘‘classique’’ parce qu’elle marque un premier aboutissement
de sa recherche. Mais la rupture avec le monde, au profit
des formes abstraites, n’a pas été si définitive qu’on a pu le
penser. La nature, en effet, a continué longtemps d’habiter
ses formes abstraites, de les vivifier et de trouver en elles
comme un lieu de rassemblement et de synthèse. « Je suis
sur la route vers l’inconnu. Mon point de départ est la toile.
Mais peindre reste toujours une aventure pour moi. Je suis
un artisan », a-t-il toujours répété. Depuis son passage
inéluctable de la figuration à l’abstraction, André Blank n’a
cessé de poursuivre cette quête d’absolu. Notons encore
qu’il fut, de 1960 à 1980, l’un des artistes les plus importants
de l’art du vitrail. (gg)
André Blank, Gouache et encre n°8, s.d., technique mixte, 66 x 50 cm.
© de l’artiste / Courtesy ABC&Design – Prix : entre 2.000 et 10.000 €
Qu’est-ce qu’un artiste
contemporain peut
encore peindre et comment
? La Whitehouse
Gallery à Lovenjoel organise
deux expositions
en solo qui démontrent
le potentiel illimité d’un
art ancien, à savoir la
peinture. La Belge Joke
Hansen se fait de plus
en plus remarquer.
Une dynamique souple
réside dans les formes
irrégulières, l’utilisation
des couleurs et les
motifs qui peuvent parfois
relever du cartoon.
Elle expose à l’heure
actuelle dans l’immense
Whitehouse Gym l’installation
Blame it on the
Boogie, avec de nouvelles toiles de type shaped canvas, des panneaux
et des photos peints. Le seul titre donne déjà envie de swinguer. Dans
la galerie même, une villa blanche du XVIIIe siècle, la jeune peintre
allemande Clara Brörmann présente de nouvelles toiles dans le cadre de
son exposition Anatomy of Color. Son abstraction s’inspire de la réalité.
La photo ci-jointe représente une œuvre exposée cette année pendant
Art Brussels. Elle donne une idée de la façon dont l’artiste s’y prend pour
maintenir l’énergie dans ses œuvres. (cv)
Clara Brörmann, Laternenbild 16, 2022, huile et pigments sur toile, 120 x 90 x 7 cm.
© de l’artiste / Courtesy Whitehouse Gallery – Prix : Clara Brörmann, de 1.500 à
12.000 € – Joke Hansen, de 1.500 à 7.000 €
Deep Down Inside
du 03-09 au 22-10
Michèle Schoonjans Gallery
Bruxelles
www.micheleschoonjansgallery.be
Nicolas Delprat, Dan, évolution 6, 2021, acrylique
sur toile, 100 x 81 cm. © de l'artiste - Prix : entre
6.800 et 12.500 €
Nicolas Delprat (1972) développe une pratique picturale dont le sujet est de mener une
réflexion sur la valeur de la lumière en peinture. Sa troisième exposition chez Michèle
Schoonjans réunit huit peintures inédites, tirées de trois dernières séries développées par
l’artiste. Marc Donnadieu, commissaire de l’exposition : « Le rapport de Nicolas Delprat à
la peinture est tout à la fois de notre temps et intemporel. En choisissant les tableaux de
l’exposition avec l’artiste dans son atelier, j’ai été particulièrement frappé, non seulement par
les images successives qu’ils évoquent tour à tour, mais également par la myriade d’émotions
presque palpables qu’ils suscitent au plus profond du spectateur. Et plus l’élaboration de
chaque œuvre est précise et rigoureuse, plus leur expressivité est immédiate et fulgurante.
Aussi sont-elles de l’ordre d’un véritable saisissement physique autant que mental, sensoriel
autant que conceptuel. » (gg)
22

GALERIES
Undivided Attention
jusq. 28-10
Xavier Hufkens
Bruxelles
www.xavierhufkens.
com
Les nouveaux
sauvages
du 03-09 au 21-10
La Peau de l’Ours
Bruxelles
www.lapeaudelours.
net
Des moments d’intimité sans garde-fou. Voilà résumés les portraits
de Nathanaëlle Herbelin (1989). Pour son exposition inaugurale chez
Xavier Hufkens, l’artiste franco-israélienne présente une série de
peintures qui capturent les sensations de l’expérience vécues ainsi
que le lien intime entre l’art et la vie. Les personnes qui campent les
rôles centraux de ses œuvres – amis, artistes, membres de sa famille,
partenaire, voisins, ainsi qu’occasionnellement des étrangers – y
sont dépeints dans des portraits sereins qui témoignent de l’acte
d’observation intense de l’artiste, autant psychologique que physique.
Les lieux y sont généralement modestes (chambres, salles de bain,
espaces domestiques, studio…), les détails y étant clairsemés. Dans le
monde rapide et ultra-connecté d’aujourd’hui, Nathanaëlle Herbelin
explore le sujet de la concentration et ce que cela signifie de donner à
quelqu’un, ou à quelque chose, toute son attention. (gg)
Cette exposition réunit
une nouvelle génération
d’artistes qui passe
par l’expérience du
feu et la rudesse de
l’atelier pour nous offrir
quelques précieux
ersatz, annonciateurs
d’un monde sauvage et
intemporel, parce que
résolument imaginaire.
Parmi ces explorateurs,
voyageurs d’aujourd’hui
et de demain, Victor
Levai, Rémy Pommeret et
Anatole Tièche. Formés aux Beaux-Arts, tous trois voient en
la céramique une nouvelle force de l’art, une nature à saisir
autant qu’à défricher, et surtout à transformer avec humour,
ironie et fantaisie. De son côté, Yoann Estevenin développe
une pratique mixte entre dessins et sculptures, naviguant dans
un univers troublant et attirant, qui explore la part sombre et
ésotérique de la pensée. Jean-Marc Dimanche, commissaire
de l’exposition : « Chez ces quatre garçons de la terre, une
même détermination : revenir au geste essentiel et sans doute
primaire de la trace à laisser, témoignage de notre humanité et
hommage au vivant qu’il nous faut aujourd’hui plus que jamais
mieux respecter et partager. » (gg)
Rémy Pommeret, Le plus beau dans mon terrier c’est son silence, 2022,
grès, émail et cire, 66 x 40 x 30 cm. © de l’artiste / La Peau de l’Ours –
Prix : entre 1.500 et 6.000 €
Nathanaëlle Herbelin, Claire et Cécile, 2022-2023, huile sur toile, 130 x 140 cm.
© de l’artiste / Courtesy Xavier Hufkens, Bruxelles / photo : HV-studio – Prix sur
demande
Lise Duclaux observe abeilles
et fleurs sauvages
du 10-09 au 05-11
Annie Gentils Gallery
Anvers
www.anniegentilsgallery.com
Lise Duclaux a l’art d’étudier les processus de la nature. Elle a déjà réalisé des projets durables
dans des jardins de musées, elle dessine, photographie, écrit et crée des affiches et des livres
d’artistes. Les abeilles et les fleurs indociles, sa première exposition personnelle chez Annie
Gentils, présente dessins et affiches. Ses délicats dessins au crayon montrent l’observation des
abeilles sauvages qui butinent les fleurs de son jardin. L’artiste remplace le mot ‘‘sauvage’’ par
‘‘indocile’’, autrement dit ‘‘opiniâtre’’ ou ‘‘incontrôlable’’. Ce projet a vu le jour suite à une résidence
en la faculté de sciences de bio-ingénierie de l’UCL lors de sa participation à la Triennale
de Louvain-la-Neuve, en 2021. Les fleurs attirent les abeilles avec couleurs, odeurs et goûts. Les
abeilles évoluent avec précaution sans les abîmer et garantissent ainsi leur reproduction. Plantes,
animaux et humains vivent sous le même ciel et ont besoins les uns des autres. (cv)
Lise Duclaux, A garden bumblebee in a
female compost pumpkin - un bourdon
des jardins dans une citrouille de compost
femelle, 2022, crayon de couleur et peinture
sur papier, 29,7 x 21 cm. © de l’artiste /
Courtesy Annie Gentils Gallery – Prix : de
2.750 à 4.000 €
23

GALERIES
Quelques
pas de côté
du 07-09 au 04-11
Templon Brussels
Bruxelles
www.templon.com
Michel Pérez Pollo.
Un Automne
du 07 au 24-09
Lempertz
Bruxelles
www.lempertz.com
Le peintre français
Claude Viallat (1936)
dévoile une vingtaine
de nouvelles toiles,
réalisées entre 2022 et
2023. Figure de proue
et membre fondateur
du groupe avantgardiste
Supports/
Surfaces, dans les
années 1970, l’artiste
poursuit depuis 50
ans l’exploration des
limites de la peinture abstraite, en déclinant sa ‘‘forme’’
– un motif à l’allure d’osselet – sur une large variété de
tissus ou de bâches, accrochés de façon libre à travers
l’espace. Pour cette exposition, installée avec soin par
l’artiste lui-même, Claude Viallat a choisi de dévoiler
quelques-unes de ses dernières expérimentations.
Dans certaines œuvres, la forme, au lieu d’être répétée
de façon sérielle, est diluée à l’excès, formant de larges
taches de couleurs fondues. Parfois tracée en dripping,
elle évoque au contraire une écriture calligraphiée.
Aussi, l’utilisation de tissus bigarrés lui offre la possibilité
d’introduire de nouvelles couleurs: une toile d’un
profond rubis côtoie une œuvre d’un parme doux ou
d’un gris platine. Chez Viallat, la palette s’impose toujours
d’elle-même : « Je suis un instrument, explique-til.
L’œuvre a sa vie propre. Je ne me préoccupe pas du
résultat ». (gg)
Claude Viallat, Sans titre n°336, 2022, acrylique sur montage de
tissus, 156 × 116 cm. © de l’artiste / Courtesy TEMPLON / photo :
Claude Viallat Studio – Prix : entre 15.000 et 45.000 €
En collaboration avec la Galerie Mai 36, Lempertz présente une série
de peintures signées Michel Perez Pollo (1981), déclinant le thème de
l’automne et prenant l’arbre pour axe narratif de ses œuvres. Duviel
Fernandez, co-commissaire : « Installé à Madrid, l'artiste s'intéresse à
l'expérience du passage des saisons. À Cuba, son pays d'origine, il n’y
a qu’une saison comme une léthargie. L’arbre est alors une métaphore
de la décomposition, de la métamorphose et de la renaissance. Troncs,
branches et fruits imaginaires, ces figures sont à la fois une synthèse et
un prolongement de sa poétique. (…) Le jeu des échelles est constant
dans l’œuvre de Michel. Comme à l’accoutumée dans son processus
de création, la peinture commence par la construction de maquettes à
petite échelle, en pâte à modeler, des modèles miniatures que l’artiste
amplifie sur de grandes toiles. (…) Dans ces paysages d’automne, les
personnages sont placés sur des fonds colorés. Les ombres, indispensables
à la composition, donnent à cette couleur des voies de développement
et aussi un mouvement indispensable et harmonieux. » (gg)
Michel Perez Pollo, Un Automne XI, 2023, huile sur toile, 400 x 200 cm. © de l’artiste
/ photo : Flavia Fuentes – Prix : entre 12.500 et 55.000 €
Robin Vermeersch. Entre les plis
du 03-09 au 21-10
Galerie Zwart Huis
Bruxelles
www.galeriezwarthuis.be
Cette deuxième exposition personnelle de Robin Vermeersch (1977) rassemble une série de
nouvelles peintures, des sculptures suspendues et plusieurs reliefs muraux réalisés en divers
matériaux tels que l’époxy, la cire, le jute et le polyester acrylique. Une édition limitée de 15 pièces
en céramique est également présentée. Femke Vandenbosch : « L’œuvre de Robin Vermeersch
vous mène d’emblée vers l’œil du cyclone. Là où tout est calme et quiétude alors que se fractionne
violemment le monde environnant. Il s’empare du vacarme strident de la vie quotidienne, le pétrit,
le sculpte, le coule, le dessine et le façonne jusqu’à ce qu’il se fige dans l’espace dans un bruit
assourdissant. Pas de panique, ce n’est que le chaos. L’artiste a un don pour la sérénité mais, tout
comme les premiers dieux, ses œuvres émergent du chaos. Dans la mythologie grecque, le chaos
est désigné comme un néant insondable où tout tombe indéfiniment. Non pas vers le bas, car toute
orientation y est impossible, mais dans tous les sens. De cet immense désordre tourbillonnant est né
l’ordre. (…) » (gg)
Robin Vermeersch, Oranje/blauw, 2021,
acrylique polyester et pigments, 42 ×
29 cm. © de l’artiste / Courtesy Galerie
Zwart Huis / photo : David Samyn –
Prix : entre 800 et 10.000 €
24

Christophe Gaillard
s’installe à Bruxelles
Le 7 septembre, la Galerie Christophe Gaillard
ouvre un nouvel espace à Bruxelles, en face du
futur KANAL-Centre Pompidou. Un premier pas
vers l’international pour cette galerie parisienne qui
s’intéresse de près au monde de l’art belge.
Pourquoi avez-vous choisi de
vous installer à Bruxelles et à
cet endroit ?
Christophe Gaillard :
« Bruxelles, tout en étant
géographiquement
proche de Paris, est une
ville internationale et très
dynamique. Le lieu, une
magnifique maison de maîtres
de plus de 500 mètres carrés,
est situé à quelques minutes
à pied du Cloud Seven ouvert
par le collectionneur Frédéric
de Goldschmidt, et fait face au
futur KANAL-Centre Pompidou
dont l’activité devrait drainer
à terme quantité de visiteurs
belges et internationaux. L’idée
d’être actif dans cet endroit ‘‘en
devenir’’ me plaît bien plus que
de m’installer parmi les autres
galeries françaises de Bruxelles.
Le challenge à relever est plus
important et correspond mieux
à mon identité comme à mes
aspirations. Réputée pour la
curiosité et la connaissance
pointue de ses collectionneurs,
la Belgique est un marché
différent de la France et
une première étape pour la
Galerie Christophe Gaillard
qui a le souhait de s’ouvrir à
l’international. »
Considérez-vous ce nouvel
espace comme une extension
de votre réseau international
ou vous concentrerez-vous
aussi sur les artistes belges ?
« Ce nouvel espace nous permet,
d’une part, de proposer
davantage d’expositions aux
35 artistes que représente
déjà notre galerie et, d’autre
part, d’intégrer des artistes,
issus de la scène belge, dont
j’admire le travail depuis de
nombreuses années. Le fait
d’avoir maintenant un pied à
Bruxelles donne sens à ce que
la Galerie Christophe Gaillard
représente et collabore avec
certains artistes belges ou, à
tout le moins, bien implantés
en Belgique. Je me réjouis
également de découvrir la
scène locale, réputée pour sa
créativité et sa qualité. »
Quels sont vos critères de
sélection ?
« Mon seul critère est mon
goût personnel : je ne
montre dans ma galerie que
des artistes dont l’œuvre
me parle et m’émeut. Cela
ne m’intéresse nullement
d’intégrer des artistes qui
fonctionneraient bien,
commercialement parlant,
mais dont le travail ne me
procurerait aucune émotion.
Notre exposition inaugurale,
intitulée Signatures, présente
une sélection de travaux
de quinze de nos trentecinq
artistes, reflétant
l’ADN de la galerie basé sur
le dialogue international
et intergénérationnel. Au
travers des œuvres de Marcel
Bascoulard, Éric Baudart,
Stéphane Couturier, Hélène
Delprat, Marina Gadonneix,
Michel Journiac, Tetsumi
Kudõ, Anita Molinero, Ceija
Stojka, Richard Nonas, Ursula
Schultze-Bluhm, Pierre Tal
Coat, Pablo Tomek, William
Tucker et Franz West, le visiteur
pourra découvrir l’identité de
notre galerie. »
© photo : Rebecca Fanuele
« L’idée d’être actif dans un endroit
‘‘en devenir’’ me plaît bien plus que
de m’installer au milieu d’autres
galeries françaises à Bruxelles »
Vous représentez également
vos artistes dans des foires
internationales et des
expositions muséales. Quelle
est votre position par rapport
au marché belge ? Quels sont
les musées avec lesquels vous
aimeriez collaborer ?
« Effectivement, nous sommes
très actifs sur les foires
internationales comme Art
Basel/Miami/Hong Kong, FAB
Paris, Paris+, Paris Photo et
The Armory Show. Nous nous
réjouissons de participer pour
la première fois à la BRAFA, en
janvier 2024, foire que nous
visitons depuis de nombreuses
années, très qualitative et qui
mélange l’ancien, le moderne
et le contemporain. Et bien
évidemment nous comptons
faire notre retour à Art Brussels
en 2024, une foire au regard
avant-gardiste. Quant aux
musées, nous collaborons
avec beaucoup d'entre eux à
l’international, dont le Centre
Pompidou à Paris, Le Museu
Picasso à Barcelone ou encore
le Ludwig Museum de Cologne.
En Belgique, nous avons déjà
été impressionnés par la qualité
des expositions montrées au
Wiels, au SMAK, au Musée M
et d’autres grandes institutions
comme les Musées royaux
des Beaux-Arts de Belgique.
Nous espérons effectivement
collaborer avec nombre d’entre
eux ! »
Signatures
Galerie Christophe Gaillard
Bruxelles
www.galeriegaillard.com
du 07-09 au 28-10
Paroles de galeriste #09.2023 — PART 2
25

L’ARTISTE DU MOIS
Arnaud Eubelen
Dans cette série, COLLECT s’intéresse à la place occupée par les jeunes
artistes dans le monde contemporain. Pourquoi ont-ils choisi cette voie,
d’où leur vient leur inspiration et comment se positionnent-ils ? Voici
venu le tour du Bruxellois Arnaud Eubelen (1990).
TEXTE : ELIEN HAENTJENS
PORTRAIT : GUY KOKKEN
Les rues de Molenbeek constituent
une réserve inépuisable qui n’en finit
pas de le surprendre. Une économie
alternative, comme la nomme
Arnaud Eubelen : « C’est une aubaine
pour moi que les gens se débarrassent de
leurs vieilleries. Le matériau trouvé est à
la base de mes créations. Je le complète
de choses dénichées sur des marchés
aux puces ou dans des friperies. J’achète
uniquement à l’état neuf les éléments plus
élaborés ou les éclairages. » S’il a étudié le
design industriel à Liège, puis à La Cambre
à Bruxelles, il crée surtout des pièces
uniques. Celles-ci sont avant tout le résultat
de sa quête d’une économie alternative
et de possibilités de produire localement:
« Par mes objets, je questionne notre
monde matériel et propose une vision
alternative. Je ne souhaite pas alimenter un
monde regorgeant de produits médiocres.
La production pour elle-même me laisse
indifférent. Le monde du design industriel
m’effraie, même s’il me fascine également
au plus haut point. » Chacun de ses objets
détient le potentiel d’une production en
série. La transparence de leur construction
offrant aux spectateurs une idée
de leur composition : « Je désire que le
public prenne davantage conscience de
la valeur du monde matériel, et atténuer
la distance entre utilisateur et objet. Par
mes imitations, je cite et j’interprète des
objets industriels existants. Mon œuvre est
un hommage au design, lequel constitue
en même temps un support de questionnement
du monde en tant qu’artiste. Si
je crée des objets souvent fonctionnels,
chaise de bureau ou luminaire, l’idée
prédomine toujours. Par exemple, mes
chaises de salon perdent en confort si
vous restez assis une minute de trop, car
je m’interroge aussi sur la valeur que nous
attachons aux choses ou sur notre mode
de cohabitation dans la ville. »
D’EILEEN GRAY À PANAMARENKO
Arnaud Eubelen ne cache pas son amour
pour Bruxelles : « Cette ville n’a pas sa
pareille pour me fournir une source de matériaux
inépuisable. J’aime la dynamique
énergétique qui y règne et la proximité
entre travail et vie. Ma principale source
d’inspiration se trouve dans la façon dont
les gens profitent de la ville et aussi de
leur propre environnement. Je n’ai pas de
référence absolue à cet égard. Je considère
mes objets comme une sorte de microarchitecture.
Par leur intermédiaire, je fais
entrer les façades à l’intérieur et révèle ce
26

L’ARTISTE DU MOIS
« Le fait de
n’appartenir à aucune
discipline stricte me
laisse les coudées
franches »
qui est normalement caché derrière le mur.
Un matériau tel que le gyproc renvoie
aussi à cette philosophie. » Ce Bruxellois
compte parmi ses idoles créatives tant
Eileen Gray « pour son esthétique et sa
force de ne pas devoir se cacher en tant
que femme », que Mario Merz « pour son
esthétique poétique, épurée et la synergie
captivante entre matériaux ». Des compatriotes
et architectes comme Charles
Vandenhove et Gustave Serrurier-Bovy le
fascinent aussi, respectivement pour leur
style, qui fait fusionner passé et présent,
et leur façon audacieuse de montrer et
d’utiliser des éléments constructifs comme
les vis, en guise d’ornements. Arnaud
Eubelen poursuit : « J’admire beaucoup
Panamarenko. Ses engins volants étaient
After Seat, 2022, acier, pvc flexible, aluminium, autocollants
imprimés, tissu, mousse de polyuréthane, signé, 180
x 70 x 80 cm. © de l'artiste / photo : Piercarlo-Quecchia-
Dsl-Studio - Prix : 6.500 €
Groom Service, 2020, signé, 120 x 120 x 50 cm. © de l'artiste / Courtesy Galila's P. O. C. Collection, Bruxelles /
photo : Jeroen Verecht - Prix : 5.500 €
tout à fait fonctionnels et sa quête de nouveaux
matériaux et formes dans des objets
archétypiques très inspirante. J’aime aussi
jouer, dans mes objets, avec l’effet de surprise
et questionner les grands symboles
du monde du design. »
DES RÉSIDUS COMME PIÈCES
DE PUZZLE
Dans son œuvre, Arnaud Eubelen jette des
ponts entre industrie, design de collection,
art et artisanat : « Dans le monde de l’art,
je suis considéré comme un designer, mais
dans celui du design, je passe pour un
artiste. J’ai cessé de tenter de me coller une
étiquette. Je considère la confusion comme
un avantage, car cela me laisse une plus
grande latitude pour tester les limites de
chaque discipline. Je réinvente tous les
objets et remets en question leur statu
quo. Chez Super Dakota, par exemple, je
me concentre davantage sur les bruits ambiants
qui dérangent ou, dans ma série de
photos Ornamented bubble, questionne la
manière dont les gens protègent leur propriété.
Leur façon de faire des choses me
captive. » Son œuvre fait place à un white
cube, les objets prenant un autre statut
dans un intérieur, tout en restant euxmêmes
: « Il est plus simple de vendre une
sculpture environ 3.000 euros qu’un objet
fonctionnel. La fonction constitue pourtant
une valeur ajoutée qui doit se traduire
dans le prix. Je ne vois pas d’inconvénient à
ce que les spectateurs touchent et testent
les objets lors d’une exposition. Cela me
permet de mieux comprendre si un objet
fonctionne ou pas, l’effet qu’il exerce sur le
spectateur et la façon dont je peux encore
le peaufiner. » S’il n’a pas encore de galerie
attitrée, l’artiste montre régulièrement ses
œuvres : « Le circuit des galeries constitue
un moyen intéressant pour montrer des
œuvres au public, mais j’accorde aussi une
grande importance aux expositions, dans
les musées et les festivals dans l’espace
public, ou à des projets de moindre envergure
d’autres artistes. J’aime aussi beaucoup
les collaborations, en passant par
exemple voir les gens chez eux et utilisant
les matériaux qu’ils me donnent afin de
créer un objet personnel. Cela rencontre
mon intérêt pour les résidus de matériaux.
Comme dans un jeu de LEGO, je m’amuse
à dénicher les bonnes pièces, dans la rue
ou sur les marchés aux puces. L’esthétique
de ces matériaux, parfois trouvés
dans la poussière, et ce choix du low-tech
confèrent un caractère intemporel à mes
objets. Ils se démontent facilement et ne
sont donc jamais définitifs. Une bonne
façon d’établir un lien entre passé, présent
et futur. »
VISITER
Einstein on the beach
du 07-09 au 21-10
Super Dakota
Bruxelles
www.superdakota.com
27

ZOOM
Ursula Schulz-
Dornburg
Qu’est-ce qu’on fait là au milieu de nulle part ?
From Medina to Jordan Border, 2002-2003. © de l’artiste
À Bruxelles, la Fondation A présente une dizaine de séries
photographiques de l'Allemande Ursula Schulz-Dornburg dont le sujet
récurrent de la ruine pointe la vanité de l’homo faber et suscite quelques
questions métaphysiques.
TEXTE : JEAN-MARC BODSON
À
première vue, et si l'on s'en tient
à l'aspect formel, on pourrait
supposer que l'œuvre d’Ursula
Schulz-Dornburg (1938) procède
de l’École de Düsseldorf. La frontalité, l’aspect
sériel, le noir et blanc, mais aussi l’apparente
banalité des sujets abordés font
évidemment penser au travail de Bernd et
28

ZOOM
Les arrêts de bus en
Arménie témoignent
de la planification
utopique de l'ère
soviétique et
symbolisent le déclin
du communisme.
Hilla Becher. Pourtant, bien qu’elle vive et
travaille aujourd’hui dans cette ville, l’artiste
n’a jamais suivi leur enseignement. De
sa biographie, qu’elle garde particulièrement
succincte, on peut déduire qu’elle est
une photographe autodidacte qui a commencé
sur le tard. Son premier essai photographique
Huts, Temples, Castles, publié
par MACK l’an passé, date en effet de 1969.
Il s’agit d’une série d’images d’architecture
de cabanes du ‘‘Jongensland’’, une île des
alentours d’Amsterdam où les enfants pouvaient
jouer, construire, créer et détruire,
en grande partie sans surveillance. De ses
interviews, on sait qu’elle a vécu à New
York en 1967, où elle s'est ouverte à l'art
contemporain dans des galeries privées,
mais aussi à la photographie en visitant
les expositions de Walker Evans et Robert
Frank. On sait aussi que, de retour en
Europe, elle s’est familiarisée avec les
œuvres de Walter De Maria, Per Kirkeby et
Ed Ruscha. D’évidence, mieux vaut-il donc
lire son travail à travers le prisme large
du bouillonnement artistique des sixties
plutôt qu’à travers celui, trop restreint, de
l’École de Düsseldorf. C’est, par ailleurs, ce
que confirme sa bibliographie, bien étoffée
quant à elle. Une trentaine de publications
depuis les années 1970 et donc autant
de travaux où l’on perçoit tout aussi bien
l’influence de l’art conceptuel que celui des
New Topographics. (1)
METAPHORE DU TEMPS QUI PASSE
Sous l’énigmatique intitulé Niemandslicht,
la Fondation A présente une dizaine de
séries qui, pour la grande majorité, ont
été réalisés ces 25 dernières années. Ceci,
à la notable exception près, des vues des
splendides demeures en bois prises sur
les rives du Bosphore à Istanbul en 1978,
Erevan – Parakar, 2004. © de l’artiste
que l’on avait pu voir l’an passé en ce
même lieu lors de l’exposition Regards de
femmes. Cet ensemble, plus précoce donc,
embrasse déjà pleinement le sujet central
et récurrent de son œuvre, à savoir le bâti
comme trace et métaphore du temps qui
passe. Une sorte de memento mori que
l’on retrouve, par exemple, aussi dans
Transit sites, busstops, Armenia 1997-2011,
collection d’images d’arrêts de bus avec
leurs aubettes construites lors de l’occupation
soviétique. Toutes uniques, car
dessinées par des architectes différents,
le plus souvent en ruine, elles continuent
à matérialiser la planification utopique
de l’URSS dont elles rappellent, dans le
même temps, la définitive dissolution. De
la même façon – qu’il s’agisse des énormes
structures métalliques abandonnées sur
la route de Mourmansk (Kronstadt, Russia,
2002), ou des grottes autrefois habitées
par des moines chrétiens qui avaient fui
l’Empire byzantin (15 kilometers along the
georgian-azerbaijanian border, 1998-1999),
de l’architecture vernaculaire de Marib,
au Yémen ( From Sanaa to Ma’rib, Yemen,
1987-2021) ou du chemin de fer de Damas
à Médine dont il ne reste rien (From
Medina to jordan border (Hejaz Railroad
and Petroglyphs), 2002-2003) (2) – tout
nous parle de la vanité et de la fragilité des
constructions de l’homo faber. De série en
série et, à l’intérieur de celles-ci, d’image
en image, lorsqu’apparaissent au milieu
des déserts traversés quelques silhouettes
humaines auxquelles nous nous identifions,
une seule question s’impose : « Mais
que fait-on là au milieu de nulle part ? »
(1) Du nom de l’exposition New Topographics : Photographs
of a Man-Altered Landscape, organisée
en 1975 à la George Eastman House de Rochester
et qui a marqué un tournant dans l’évolution de la
photographie documentaire.
(2) La série n’est pas sans rappeler Westward, the
course of empire, le merveilleux livre sur les ruines
des chemins de fer nord-américains de Mark Ruwedel
(1954), un photographe dans la tradition des
New Topographics, qui a exposé de concert avec
Ursula Schulz-Dornburg en 2019.
VISITER
Exposition Ursula Schulz-Dornburg.
Niemandslicht
Fondation A
Bruxelles
www.fondationastichting.com
du 21-09 au 17-12
29

Aurélie Bayad, I wish to be far, far away from you, 2022, installation vidéo, sonorisée par Welcome Alone, réalisée dans le cadre de la résidence Meetfactory à Prague. © de
l'artiste – Prix : 2.000-5.000 €
Bruxelles, terroir
de talents
Pour se plonger dans la scène
créative, après deux mois
d’interruption estivale, c’est à
Bruxelles qu’il faut se rendre en
septembre. Au programme : Design
September, le Brussels Gallery
Weekend et les vingt ans d’art de
rue de Farm Prod.
TEXTE : ELIEN HAENTJENS
À
l’occasion du 130e anniversaire
de la naissance de l’Art nouveau,
Design September jette
un regard rétrospectif sur cette
intense période créative. Le festival a, par
exemple, invité le créateur limbourgeois
Peter Donders à présenter ses créations
dans l’hôtel The Dominican. Pour réaliser
ses meubles en édition limitée, il associe
savoir-faire artisanal et connaissances approfondies
des programmes numériques.
Il réussit ainsi à faire vivre un langage formel
organique compliqué qui s’inspire de
l’Art nouveau. MAD Brussels crée, par ailleurs,
avec Jaime Hayon des liens avec l’Art
nouveau espagnol d’Antonio Gaudí, tandis
que le Design Museum explore, dans
le cadre de l’exposition Resonanties, les
relations entre sa collection de design en
Design September
se place sous le signe
de l’Art nouveau.
plastique et les pièces Art nouveau d’une
collection privée. Lignes structurelles
fluides, motifs floraux et environnements
oniriques illustrent, entre autres, la façon
dont les formes organiques naturelles
s’expriment dans le plastique. L’utilisation
du verre est également typique de l’Art
nouveau. Avec ses tables peintes, Isabelle
de Borchgrave donne une tournure contemporaine
à ce matériau. Lors de l’avantdernier
week-end de septembre, Design
September misera à nouveau sur la combi-
30

De l’Art nouveau en
plastique à gogo :
lignes structurelles
fluides, motifs
floraux exotiques
et environnements
oniriques fabuleux.
naison entre vintage et design contemporain.
Sur pas moins de 8 000 mètres carrés,
des exposants venus de toute l’Europe
présenteront leurs meilleures pièces dans
l’imposant cadre de la Gare Maritime. Si
l’on préfère découvrir et encourager les
jeunes talents, il faut se rendre à For The
Now (ancien Contemporary Design Market,
ndlr). Parmi les cinquante exposants,
signalons la présence de deux duos interculturels
et interdisciplinaires qui, ensemble,
ont créé une nouvelle collection. La
Belge An Gillis et l’artiste belgo-marocain
Nabil Aniss ont réalisé avec Al Khat un
objet ou mur multifonctionnel en laine
belge. An Gillis : « Lors de nos entretiens,
nous avons découvert un intérêt commun
pour l’exploration et l’art de rendre visible
ce qui est caché. Notre objet se réfère donc
à l’authentique haïk, sorte d’étoffe enveloppante
que les gens portaient dans les
montagnes de l’Atlas, ainsi qu’au paysage.
En choisissant de la laine belge, nous insufflons
une nouvelle vie à ce matériau et
aux connaissances qui lui sont associées. »
LE CENTRE BOURDONNANT
Plusieurs œuvres de jeunes talents belges
seront exposées dans divers endroits du
centre-ville. Le Belgian Design Pavilion
concocte, par exemple, une suite à son
succès milanais chez Rempart44, espace
de coworking de l’architecte d’intérieur
Nicole Brock. Ses initiateurs, Joris Verstrepen
et Timon Mattelaer, y présentent
une sélection de tabourets et banquettes
uniques de collègues créateurs dans un
style sobre, internationalement apprécié.
B-collective célèbre ses cinq ans d’existence
en s’adjoignant un espace supplémentaire
et des tabourets uniques ou en
série limitée privilégiant les matériaux
écologiques, circulaires et innovants. L’exposition
inclut, entre autres, des créations
originales d’Anthony Leenders, des objets
sculpturaux de Robin Berrewaerts et les
matériaux naturels de Bento Architecture,
qui représente cette année la Belgique à
la Biennale d’Architecture de Venise. Au
Sablon, la nouvelle galerie Augusta mise
sur le design unique et durable de talents
bruxellois comme Roxane Lahidji, La
Gadoue ou la créatrice Ariane van Dievoet.
Dans la ville haute, Trenzar suit une
tendance similaire. Sa fondatrice argentine,
Violeta Guerrero, recherche dans son
Marijke Jans, table d’appoint Kaffa t°05, 2022, marc
de café et chêne noirci, 42 x 28 cm. © de l’artiste /
photo : Thibeau Scarcériaux
propre pays des objets artisanaux avec
lesquels elle souhaite stimuler le dialogue
culturel. À noter deux incontournables
sur la place Brugmann : Shåk Gallery, qui
expose sous le titre The Trip les nouveaux
tabourets et lampes de Pierre Coddens,
et AXL-Jewelry qui présente les nouvelles
pièces du studio textile artisanal Hey Jude
Design. Si vous n’avez qu’un week-end à
consacrer à ces découvertes, des créations
uniques de talents locaux sont à découvrir
dans le flambant neuf complexe Mix.
Pour reconvertir six étages de l’ancien
bâtiment de la Royale Belge, l’architecte et
homme-orchestre Lionel Jadot a chargé 52
créateurs de créer des pièces sur mesure
destinées à 140 chambres d’hôtel, trois restaurants
et plusieurs espaces de coworking,
fitness et wellness. Au rez-de-chaussée, le
foodmarket Fox, entièrement aménagé de
créations de talents belges comme Arnaud
Eubelen (lire par ailleurs) et Bram Vanderbeke,
est aussi de sa main.
Peter Donders, Wind, 2019, placage de bouleau 12 mm, signé, 220 x 100 x 105 cm. © de l’artiste / photo : Paul Croes –
Prix : 35.000-40.000 €
BRUSSELS GALLERY WEEKEND
Le Brussels Gallery Weekend ouvre pour
la seizième fois la saison artistique. En
dehors des expositions des 45 galeries
participantes, il faut s’attendre à des
propositions collectives dans un espace
qui offre invariablement une plateforme
à de nouveaux talents bruxellois. Pour la
sixième édition de Generation Brussels,
le commissaires Sam Steverlynck s’est
31

Une oeuvre de Pei-Hsuan Wang. © de l'artiste / Courtesy
Ballon Rouge
Une oeuvre d'Emmy Larsson. © de l'artiste / Courtesy Galerie Dys
An Gillis et Nabil Aniss, Al Khat, 2023 (détail), laine. © des artistes
inspiré de Cet obscur objet du désir (1977),
chef-d’œuvre du cinéaste surréaliste Luis
Buñuel. Même s’il s’agit d’un de ses films
les plus conventionnels, cette sombre
fable sur l’amour et la luxure regorge
de moments subtils de perturbation,
d’aliénation et d’humour surréaliste. Pour
l’exposition, Sam Steverlynck a choisi des
œuvres qui partagent la même ambivalence,
paraissant attrayantes au premier
abord, mais à la connotation sombre et
parfois menaçante. Aurélie Bayad explore,
par exemple, dans sa vidéo I wish to stay
here, far away from you (2021-2022) des
sentiments éternels comme l’amour et le
désir. Pour ce faire, elle évoque l’objet d’un
désir absent vers lequel elle se sent attirée.
Elle mélange les images d’elle-même et
de substances visqueuses tirées d’Internet
sur des écrans qui se chevauchent et
éclairent d’emblée le spectateur sur son
processus créatif. Cette situation hybride,
entre réalité et fantaisie numérique, fait
partie intégrante de son œuvre. Dans les
pièces sculpturales de Chloé Arrouy est
aussi perceptible une tension vive, entre
beauté et souffrance, sensualité et rigidité,
sacré et profane. L’ambivalence entre douleur
et plaisir renvoie à l’univers du BDSM,
tandis que les indices pointant vers des
histoires plus sombres constituent une
menace envers l’innocence et l’adolescence.
Si son œuvre se réfère souvent à de
rustiques objets usuels et sa création exige
un certain savoir-faire, un second coup
d’œil suffit pour découvrir que son twist
32

Le chef-d’œuvre de
Buñuel Cet obscur
objet du désir a inspiré
le commissaire
Sam Steverlynck
pour la sélection de
Generation Brussels.
Farm Prod (œuvre collective d’Alexis Corrand, Arnaud Debal, Guillaume Desmarets, Nelson Dos Reis et Fred
Lebbe), Tupak (partie du triptyque All eyes on you), 2020, acrylique, peinture en aérosol. © des artistes
personnel rend ses pièces totalement inutilisables.
Dans cet ancien quartier général
de D’Ieteren, à Ixelles, quatre artistes réfugiés
et douze artistes souffrant d’un léger
handicap mental présentent leurs œuvres,
respectivement sous la houlette de Globe
et Ateliers Indigo. Parmi les galeries, on
compte aussi quelques nouveaux venus
comme KIN, qui répond aux changements
sociaux majeurs, et Christophe Gaillard,
en face du futur KANAL-Centre Pompidou
(lire par ailleurs).
VINGT BOUGIES POUR FARM PROD
L’espace d’exposition et d’ateliers d’artistes
LaVallée fête, ce mois-ci, les vingt ans du
collectif belge Farm Prod. Des images
d’archive, photographies et autres œuvres
inédites révélent l’univers singulier de l’art
urbain et les réalisations du collectif au
fil des vingt dernières années. A ce jour,
les rues de Bruxelles ont été animées par
le parcours Bruegel dans les Marolles
(2019), fresque réalisée à l’invitation du
festival Racines (2022) à Evere, une peinture
murale pour la boulangerie Charli
(2022), dans la rue Sainte-Catherine, ou
l’œuvre d’art L’Arbre – d’après un dessin de
Maurane Mazars – (2023), à Neder-Over-
Heembeek. LaVallée donne en outre carte
blanche au collectif Farm Prod sur tous les
murs, des salles à la cour intérieure, ce qui
permet de se plonger dans l’œuvre des dix
membres, actuels et anciens. En joignant
leurs efforts à ceux d’artistes extérieurs
pour la réalisation de grands projets tels
que celui-ci, ils complètent leurs compétences
et enrichissent le collectif de leurs
diverses expériences. Chaque membre a
développé, en parallèle, une pratique artistique
personnelle, usant de techniques, de
thématiques et d’approches spécifiques :
« Nous montrons et vendons individuellement
nos œuvres, via des canaux plus traditionnels
comme les salons d’art, tandis
que les projets collectifs voient plus souvent
le jour sur invitation, à la suite d’un
événement », précise l’équipe de Farm
Prod. « Qu’il naisse spontanément ou sur
commande, soit autorisé ou illégal, l’art
de rue est par nature gratuit et visible de
tous, sans limitation de durée, de façon à
ce que le grand public puisse en parler. Le
marché de l’art s’adresse surtout à une élite
culturelle, du moins financièrement. La
relation entre artiste et public est, du reste,
plus directe, sans intermédiaire tels que
galeriste ou curateur. L’artiste peut dès lors
faire passer sans filtre son message créatif,
politique ou social. L’art de rue revêt un
caractère brut qui fait peut-être défaut
au marché de l’art actuel. » En dépit de
personnalités aux nombreux succès commerciaux
comme Keith Haring ou Blade,
dans les années 1980, l’art de rue a longtemps
été taxé de sous-culture. Farm Prod
note un changement, opéré ces dernières
années : « Le grand public s’intéresse de
plus en plus à ce courant artistique. La
communication directe, via les réseaux
sociaux, a notamment joué un rôle majeur
dans sa popularisation. L’art de rue est
souvent extraordinaire, facile à photographier
et à partager. Cette forme artistique
s’inscrit parfaitement dans une tendance à
l’appropriation et à l’unicité. Par cet intérêt
du public, le marché de l’art, comme les
galeries et salles de vente, manifeste une
attention envers l’art de rue qui ne cesse
d’augmenter. A ce titre, le démontage et la
mise aux enchères d’œuvres de Banksy en
constituent la preuve irréfutable. »
VISITER
Design September
www.designseptember.be
du 12 au 30-09
Brussels Gallery Weekend
www.brusselsgalleryweekend.com
du 07 au 10-09
Twenty years of Farm Prod
LaVallée,
www.farmprod.be
du 01 au 30-09
33

Jaime Hayon
Un langage organique et coloré
Tel un Gaudí contemporain, Jaime
Hayon travaille, dans son atelier de
Valence, sur une œuvre qui mêle
design, dessin, intérieur et peinture.
Formes organiques et riche palette
colorée en sont le leitmotiv.
TEXTE : ELIEN HAENTJENS
Silhouette dans une étreinte, 2022, porcelaine, 57 x 25 x 23 cm, édition limitée de 500 pièces pour Lladró.
© de l’artiste – Prix : 3.800 €
MAD Brussels accueille une
exposition personnelle
de Jaime Hayon (1974). Si
ce créateur espagnol s’est
d’abord fait connaître, ces vingt dernières
années, comme créateur d’intérieurs, de
mobilier industriel et d’objets de collection,
il s’est aussi lancé, ces dernières
années, dans des dessins et des tableaux :
« Dans ma jeunesse, je réalisais des dessins
sur ma propre planche à roulettes
ou celle d’amis. L’art a toujours été un
prisme par lequel s’est exprimée ma créativité.
L’objet de ma démarche consiste à
transmettre et à stimuler des émotions,
notamment par la couleur. Je ne fais
aucune distinction entre design, création
d’intérieur, peinture et installations. Je
me consacre toujours à une thématique
particulière et choisis pour cela le support
le plus approprié. » Depuis 2001, l’artiste
élabore une œuvre cohérente, facilement
identifiable, qui franchit en douceur les
limites entre disciplines : « On pourrait
dire que je n’ai jamais su distinguer le
‘‘moi’’ expressif du fonctionnel. Ces divers
‘‘moi’’ sont toujours demeurés étroitement
apparentés. Ma conception de
l’étude m’a obligé à apprendre à dessiner
de manière pratique, comme un moyen
d’explorer formes et fonctions. Certains
de mes carnets de croquis, regorgeant
34

« Je n’ai jamais
su distinguer le
‘‘moi’’ expressif du
fonctionnel. »
d’études sur l’identité formelle et fonctionnelle,
seront exposés. Dans mes
croquis plus artistiques, l’expressivité de
l’installation ou de la sculpture occupent
une place centrale. Pour distinguer art et
design, la fonction joue un rôle-clé dans la
création d’intérieur ou mobilière. Chaque
projet représente une page blanche dans
laquelle prévaut le défi créatif. J’intègre
souvent mes dessins dans des objets plus
fonctionnels, par exemple mes tapis pour
nanimarquina ou mes collections d’accessoires
pour Bosa et Vista Alegre. »
NOUVEL ART NOUVEAU
Par ses créations, Jaime Hayon occupe
une place singulière dans l’univers du
design et s’inspire de son propre environnement
: « Mon style découle de ma vision
du monde. Un monde coloré, où la nature
regorge non seulement de couleurs, mais
la couleur crée des liens très forts avec nos
émotions. On peut y exprimer diverses
atmosphères et ambiances. J’attache, en
outre, une grande importance aux formes
organiques. Dans la nature, les lignes droites
n’existent pas. Les formes arrondies
sont plus douces, chaleureuses et belles.
Le corps humain se composant de formes
organiques, je crée des meubles en conséquence.
Cela m’aide à sortir de ma zone
de confort, ce que je trouve passionnant.
Mes voyages constituent donc de véritables
révélations. Ils permettent d’explorer
d’autres cultures. Le folklore, l’art ou les
traditions disparues constituent une
source inépuisable de rêves. » Même si, ces
vingt dernières années, son langage créatif
a évolué, il est en substance demeuré
identique. Jaime Hayon a, parallèlement,
étendu son univers créatif à la peinture :
« Je suis devenu accro à la notion de
liberté que m’offre la toile. Peindre me passionne
au plus haut point. Si ma créativité
doit d’abord être libre et s’il est absurde de
tenter de tout ranger dans différentes catégories,
le public a souvent du mal à comprendre
mon univers. Il tente de classer
Singe, partie de la collection Faunacrystopolis, 2021, cristal et marbre, 19,7 x 11,4 cm, édition limitée (25 pièces
par animal) pour Baccarat. © de l’artiste – Prix : 35.000 à 40.000 €
art et design dans des compartiments différents.
A cet égard, j’ai l’impression que les
choses sont en train d’évoluer. Les éditions
de design sont davantage estimées à leur
juste valeur et montrées parfois aux côtés
d’œuvres d’art. Vouloir faire la distinction
donne parfois lieu à un véritable casse-tête
chinois : un vase peint à la main est-il de
l’art ou du design ? » L’histoire a prouvé
que ce catalogage était tout à fait absurde,
estime l’artiste : « Un vase grec ancien,
peint à la main, orné de scènes illustrant la
vie et les passions de cette ancienne civilisation,
dans quelle catégorie le rangezvous
? Celle du design parce que vous
pouvez l’utiliser pour y mettre de l’eau ?
Ou celle de l’art parce qu’il nous informe
sur notre histoire et les passions humaines
? Dans l’Art nouveau, l’art, le design et
l’architecture se conjuguaient. L’utilisation
de formes organiques, inspirées de la
nature, était le leitmotiv de toutes les
créations. Les architectes attachaient une
grande importance à l’artisanat et aux
matériaux traditionnels comme le bois ou
le métal. Tous ces aspects sont également
récurrents dans mon travail. On pourrait
le qualifier de ‘‘nouvel Art nouveau’’. » La
possibilité d’exposer dans la ville natale
de l’Art nouveau convient parfaitement à
l’artiste : « Je nourris depuis longtemps une
grande admiration pour la Belgique et la
manière avant-gardiste dont vous percevez
le monde. Je garde, en outre, de beaux
souvenirs d’Intérieur Courtrai dont je fus
l’invité d’honneur en 2008. »
VISITER
Exposition Jaime Hayon
MAD Brussels
Bruxelles
www.mad.brussels
du 22-09 au 27-01-2024
35

Une exposition
comme expérience
cinématographique
Rosine Mbakam, La fin d’un temps, 2023. © de l’artiste / Courtesy Tândor Productions
Contour, la Biennale de l’Image
en Mouvement de Malines, fête
son dixième anniversaire. Cette
manifestation festive est organisée,
pour la première fois, par une
plateforme d’artistes, Auguste
Orts, qui produit et distribue des
films d’art au niveau national et
international. Entretien avec ses
cofondateurs, Herman Asselberghs
et Anouk De Clercq.
TEXTE : TAMARA BEHEYDT
Depuis 2006, Auguste Orts produit
et distribue à un niveau
international les films d’artistes
de ses propres membres, mais
aussi de tiers. Si Herman Asselberghs et
Anouk De Clercq possèdent une certaine
expérience en matière d’organisation
d’expositions et si Auguste Orts établit
plus souvent un programme de films et de
débats, la mise en œuvre d’une exposition
de l’ampleur de Contour est inédite pour
la plateforme. Il leur a ainsi fallu un temps
de réflexion avant de réagir à l’open call
de la biennale. Anouk De Clercq : « Nous
existons depuis quinze ans. Concevoir
un projet d’exposition nous a permis de
réfléchir à nos perspectives d’avenir, mais
« Nous souhaitons
offrir un aperçu
du riche écosystème
des pratiques
d’artistes de cinéma
en Belgique »
ANOUK DE CLERCQ
surtout à la scène sur laquelle nous opérons
et à laquelle nous donnons forme. »
En dehors de ce duo, Fairuz Ghammam,
Sven Augustijnen et Manon de Boer font
36

aussi partie d’Auguste Orts. Presque tous
ont déjà participé à l’événement, mais
ont choisi de ne pas exposer leurs propres
œuvres dans le cadre de cette édition :
« Nous souhaitons offrir un aperçu du
riche écosystème des pratiques d’artistes
de cinéma en Belgique et notre sélection
n’est que la partie visible de l’iceberg.
» Le choix s’est sciemment porté sur
la diversité des pratiques artistiques à
regrouper. Au lieu de se concentrer sur un
seul thème, l’exposition s’articule autour
de deux points d’ancrage. Si la pièce
minimaliste Coming Together de l’Américain
Frederic Rzewski constitue le point
de départ conceptuel, une autre de ses
compositions, People United Will Never
Be Defeated, sera exécutée lors du dernier
week-end de Contour.
INCLUSIF, IMMERSIF ET SUBVERSIF
Le titre de cette édition We are… is/
suggère avant tout la diversité et l’ouverture
du réseau d’artistes de cinéma (ou
artist’s moving image). Si la vidéo et le
cinéma ont toujours constitué l’essence
de Contour, chaque édition s’ouvre aussi à
d’autres médias et disciplines. En dehors
des musiciens, on note également la présence
de l’écrivain et artiste Dominique
De Groen. Autre participation remarquable,
celle de l’artiste-peintre Melissa
Gordon, qui s’est récemment intéressée
à la scénographie, au mouvement et au
théâtre et que l’invitation des organisateurs
a incitée à approcher ses propres
œuvres différemment. Elle en présente
quatre que lui ont inspiré les fenêtres
des ateliers d’artistes parisiens du début
du XXe siècle, lieux où le modernisme
(abstrait) a vu le jour. Une installation
lumineuse mobile montre au spectateur
les tableaux frame per frame, expérience
quasi-cinématographique dans laquelle
des aspects inédits de la peinture et de
l’observation deviennent soudain visibles.
Subversive Film fut, l’an dernier, un hôte
remarqué de la Documenta XV de Cassel.
Ce collectif, qui existe depuis 2011
et opère entre Ramallah et Bruxelles, se
concentre sur la recherche et la production
de films historiques en rapport avec
la Palestine et les régions environnantes.
Son œuvre contribue activement à la
conservation et à la protection de documentaires
et de productions artistiques
dans les zones de conflit. Si les compositions
de Frederic Rzewski, qui ont inspiré
Auguste Orts, portent un titre quasi-mi-
litant, l’exposition n’a pas pour seul but
d’exprimer une opinion politique. Herman
Asselberghs : « Nous nous intéressons
avant tout à une approche poétique
de la politique. Nous n’exposons donc pas
de documentaires à strictement parler,
mais des films d’artistes avec une touche
personnelle. Ils se penchent tout naturellement
sur le monde d’aujourd’hui. »
CHANTAL AKERMAN
Au fil des éditions, divers lieux malinois
ont été investis par Contour, mais Auguste
Orts a décidé de renoncer à un parcours
urbain et d’utiliser exclusivement
les salles pouvant accueillir les œuvres
dans des conditions optimales : le centre
d’art Nona, le musée Hof Van Busleyden,
le cinéma Lumière et De Garage. Herman
Asselberghs : « Il n’y a pas d’exposition
centrale. Tous les espaces revête la même
valeur dans le projet. Nous approchons
l’exposition en termes d’expérience cinématographique
: l’expérience partagée
d’un public. Au cinéma, vous êtes assis
dans un fauteuil et explorez le monde. Le
film d’artiste évolue entre cinéma et arts
plastiques. La recherche des façons de
traduire un film en espace, dans lequel
le spectateur se déplace librement, fait
bien entendu partie de nos activités. »
Au rez-de-chaussée du Hof van Busleyden,
un immense mur de projection
permet aux visiteurs de découvrir en
boucle un programme de films courts
ou de fragments de films, proposés par
les artistes participants et assemblés par
Auguste Orts. Six artistes ont aussi créé
un nouveau film omnibus en hommage à
Chantal Akerman (1950-2015), influente
cinéaste belge dont Jeanne Dielman, 23
quai du Commerce, 1080 Bruxelles fut
élu cette année meilleur film de tous les
temps et qui fera l’objet d’une exposition
rétrospective à BOZAR, l’an prochain. Au
cinéma Lumière, Auguste Orts inscrira
chaque semaine une projection au cœur
de la programmation cinématographique
régulière. Herman Asselberghs : « Nous
souhaitons offrir au film d’artiste la
place qui lui revient dans l’offre cinématographique
régulière et espérons ainsi
mélanger les publics, du moins symboliquement.
» À l’occasion de son jubilé,
Les œuvres de Melissa Gordon s’inspirent
des fenêtres d’ateliers d’artistes parisiens
du début du XXe siècle.
Melissa Gordon, Liquid Gestures, Towner Gallery, 2022. © de l’artiste
37

Rebecca Jane Arthur, Sirah Foighel Brutmann & Eitan Efrat, Eva Giolo, Katja Mater, Maaike Neuville, I hope this finds you well, 2023.
© des artistes / Courtesy Centre d’art nona
« Nous voulons donner au film d’artiste
la place qui lui revient dans l’offre
cinématographique »
HERMAN ASSELBERGHS
VISITER
Contour, Biënnale van Bewegend Beeld
(C0n10ur)
Divers endroits
Malines
www.nona.be/nl/contour-biennale
du 09-09 au 05-11
la biennale s’étend à d’autres villes. Au
centre des arts audiovisuels bruxellois
Argos, Auguste Orts organise une exposition
personnelle d’Aay Liparoto qui traite
de la limite, parfois ténue souvent mouvante,
entre amour et violence. L’artiste
crée un environnement où la violence
conjugale, le consentement, l’amour et les
limites physiques et émotionnelles sont
visibles dans la scénographie, mais aussi
perceptibles dans une expérience de réalité
virtuelle. Le STUK (Huis voor Dans,
Beeld en Geluid), à Louvain, coproduit
quelques œuvres et reprend l’hommage à
Chantal Akerman dans son programme.
Au Kunsthal Extra City d’Anvers, Auguste
Orts invite une autre plateforme de production
et de distribution de film d’art:
elephy. Quatre artistes de ce collectif,
Rebecca Jane Arthur, Chloë Delanghe, Eva
Giolo et Christina Stuhlberger, exposent
leurs œuvres dans une scénographie de
Yuichiro Onuma, en mettant l’accent sur
des questions comme l’intimité familiale,
les identités construites et le lien entre
homme et nature.
Elephy, Double Voiced
Kunsthal Extra City
Anvers
www.extracitykunsthal.org
du 07-09 au 19-11
Aay Liparoto. Small Acts of Violence
Argos
Bruxelles
www.argosarts.org
du 06-09 au 23-12
SURFER
www.augusteorts.be
38

CALLEWAERT
VANLANGENDONCK
GALLERY
BELGIAN ABSTRACT POST-WAR ART
INFORMAL ART IN BELGIUM
10 September – 19 November 2023
vernissage Sunday 10 September, 2 pm - 6 pm
introduction by Kurt Van Eeghem at 3 pm
HUGO CLAUS
ANTOINE MORTIER
SERGE VANDERCAM
RENÉ GUIETTE
MAURICE WYCKAERT
ROGER RAVEEL
ENGLEBERT VAN ANDERLECHT
JULES LISMONDE
VIC GENTILS
PAUL VAN HOEYDONCK
WOUT VERCAMMEN
JAN SAVERYS
POL MARA
JEF VERHEYEN
MARCEL-HENRI VERDREN
BRAM BOGART
JAN BURSSENS
MARK VERSTOCKT
Callewaert Vanlangendonck Gallery
17 Sint-Jacobstraat, 2000 Antwerp
Friday – Saturday – Sunday 2 pm - 6 pm
or by appointment
gallery@callewaert-vanlangendonck.com
www.callewaert-vanlangendonck.com
Brecht Callewaert +32 475 92 67 24
Yoeri Vanlangendonck +32 476 44 46 11
39
Hugo Claus, Untitled, 1959, mixed technique on paper, 72.5 x 49 cm

Gertrude Stein
Papesse de l’avant-garde
C’est l’histoire d’une amitié
hors norme entre deux icônes
du XXe siècle, Pablo Picasso et
Gertrude Stein. Une amitié qui
s’est cristallisée à Paris, autour de
leur travail respectif, fondateur
du cubisme et des avant-gardes
picturales et littéraires du XXe
siècle. Si la postérité du premier
est immense, celle de la seconde
ne l’est pas moins. Pourquoi, et qui
était-elle ?
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
Pablo Picasso, Portrait de Gertrude Stein, 1905-1906, huile sur toile, 100 x 81,3 cm. New York, The Metropolitan
Museum of Art, inv. 47.106. © Succession Picasso 2023
Femme au physique colossal, figure
incontournable du monde de l’art
de la première moitié du XXe siècle,
Gertrude Stein (1874-1946) fut à
la fois écrivaine, poétesse et esthète. Elle
passa la majeure partie de sa vie en France
et fut un catalyseur dans le développement
de la littérature et de l’art moderne.
Par sa collection personnelle et par ses
livres, elle contribua à la diffusion du cubisme
et plus particulièrement de l’œuvre
de Picasso, de Matisse et de Cézanne. Première
collectionneuse de Picasso, le portrait
qu’il réalise d’elle en 1906, quelques
mois après leur rencontre, scelle aux yeux
de la postérité leur alliance amicale et artistique
autour du cubisme, entre peinture
40

et écriture. L’histoire de cette émulation
respective est bien connue, grâce notamment
au récit que l’écrivaine en fit dans
sa fameuse Autobiographie d’Alice Tokias
(1933). Préoccupés par la question du réel
et sa représentation, Picasso comme Stein
partagent la même volonté de ramener
l’attention aux choses vues, ancrée dans
l’expérience sensible du présent. Chacun
développe sa propre écriture : l’une, littéraire,
fondée sur ‘‘l’insistance syntaxique’’,
sonore et lexicale, et l’autre, picturale,
sur la simplification et la décomposition
des formes. A partir de quelques traits,
Gertrude Stein suggère, par le rythme oral
ou visuel de la répétition aux variations
infimes, la pulsation de vie de son modèle,
tandis qu’avec quelques lignes reconnaissables,
Picasso restitue, par l’ordonnance
des volumes condensés, l’essence de ses
figures. Dans les années 1910, ils entreprennent
ainsi, à partir du registre de la
nature morte, un tournant radical. Leurs
réflexions sur la relation qui unit les mots
ou les images aux choses les mènent à
élaborer une écriture expérimentale relativement
hermétique. Ils opèrent une déconstruction
de la syntaxe, pour la poète,
et des volumes et plans, pour le peintre,
aboutissant à l’éclatement final de la
phrase et de la forme. Dès lors, témoignant
d’une admiration sans faille pour Picasso
qui est le seul, selon elle, à être en relation
avec l’objet même, Stein va accompagner
et soutenir financièrement les grandes
étapes du cubisme, en acquérant des
œuvres de chaque période et en construisant,
en parallèle, son écriture personnelle
selon des approches formelles voisines. De
son côté, bien qu’il ne la lise pas, le peintre
andalou la considère comme son double
littéraire et est respectueux de son travail
d’écriture, ce qui lui vaut d’être surnommée
''la cubiste des lettres''.
VERS L’AFFIRMATION DE SOI
Née en Pennsylvanie, cadette d’une famille
juive aisée d’origine allemande ayant fait
fortune dans l’immobilier et les tramways,
Gertrude Stein perd son père à l’âge de
quatorze ans et passe alors sous la tutelle
de ses frères, Michael et Leo, qu’elle chérit
particulièrement. En 1893, elle s’inscrit en
sciences humaines à Radcliffe, aile féminine
de Harvard, où elle étudie la philosophie
et la psychologie en compagnie de
William James, frère aîné d’Henry James,
qui sera la grande figure intellectuelle de
sa vie. En 1897, elle entre à John Hopkins,
Pablo Picasso, Trois Figures sous un arbre, Paris, 1907-1908, huile sur toile, 99 x 99 cm. Paris, Musée national
Picasso. © RMN-Grand Palais (musée national Picasso-Paris) / photo : Mathieu Rabeau / Succession Picasso 2023
Préoccupés par la question du réel et sa
représentation, Picasso comme Stein partagent
la même volonté de ramener l’attention aux
choses vues, ancrée dans l’expérience sensible
du présent.
faculté de médecine de Baltimore, où elle
ambitionne d’effectuer des recherches
sur les névroses féminines, mais échoue à
obtenir son diplôme. Au tout début du XXe
siècle, Gertrude, sous le coup d’une déception
amoureuse – elle a découvert qu’elle
aimait les femmes – décide de s'arracher à
son milieu pour suivre Leo dans ses aventures.
Celui-ci, désireux de devenir artiste,
est parti s'établir à Paris en 1903 et Gertrude
l’y rejoint l’année suivante. Dès 1904,
le frère et la sœur louent un petit appartement
rue de Fleurus (adresse destinée à
devenir mythique), près du Luxembourg,
et fréquentent notamment le milieu de
l’avant-garde artistique de Montparnasse.
En 1905, Leo, qui manifeste un intérêt
très vif pour Cézanne, s’offre une de ses
toiles, la première d’une longue série
d’œuvres acquises avec sa sœur. La même
année, par l’intermédiaire de l’écrivain
et esthète Henri-Pierre Roché, la fratrie
rencontre Picasso. Le peintre est ébahi par
le physique impressionnant de Gertrude
et lui demande d’être son modèle. Après
nonante séances de pose, il donne le dernier
coup de pinceau à sa toile, en 1906. En
1907, Gertrude rencontre Alice B. Toklas,
secrétaire de Leo, avec qui elle partagera
sa vie, de 1909 jusqu’à sa mort. Cette relation
amoureuse, de plus en plus affirmée
aux yeux de tous, ainsi que son soutien
au mouvement cubiste contribueront à la
brouiller définitivement avec son frère.
41

Le genèse croisée des
œuvres respectives
de Stein et Picasso
a, en grande partie,
fondé le cubisme dont
les œuvres auront
des répercussions
majeures, durant la
seconde moitié du xx e
siècle, sur l’art moderne
et contemporain.
PREMIERS SUCCÈS
Si la demeure de la rue de Fleurus
accueille désormais toute l’avant-garde
artistique et littéraire, Gertrude ne rencontre
que peu de succès auprès des
éditeurs. Car, alors que le cubisme lui a fait
appréhender le langage autrement que
par l’approche traditionnelle signifiant/
signifié, les journalistes lui reprochent de
malmener la langue française. C’est donc
à compte d’auteur qu’elle publie Trois
Vies, en 1909. Rédigé devant un tableau de
Cézanne (Madame Cézanne à l’éventail,
1878-1888), cet ouvrage tisse une réflexion
sur la texture et la densité de l’écriture.
Leo, qui s’entend mal avec Alice Toklas,
s’apprête à quitter la France pour l’Italie, où
il s’installera l’année suivante. Dès lors, les
Stein se partagent l’importante collection
de tableaux qu’ils ont réunie (pas moins
de 600 œuvres passeront entre leurs mains
entre 1905 et 1920), quitte à en vendre
certains. Son frère, qui déteste le cubisme,
conserve les Renoir, tandis que Gertrude
garde l’œuvre de Picasso. Après la guerre,
le salon de la rue de Fleurus a moins de
succès, mais Gertrude poursuit sa collection
même si ses moyens ne lui permettant
plus que de s’offrir des œuvres de Juan
Gris, André Masson, Balthus et Francis
Paul Cézanne, Pommes et biscuits, 1880, huile sur toile, 45 x 55 cm. Paris, musée de l’Orangerie. © RMN-
Grand Palais (musée de l’Orangerie) / photo : Franck Raux
Picabia. En 1922, elle publie un recueil
de poésie, Géographie et autres pièces,
dans lequel elle réfléchit sur la manière
de brouiller les mots par la répétition, les
débarrassant ainsi de leurs stéréotypes.
« A rose is a rose is a rose is a rose », l’un
des vers du recueil, devient ainsi sa devise.
Dès lors, la renommée de Gertrude va
croissant. En 1933, l’Autobiographie d’Alice
Toklas, son œuvre la plus connue et la
plus facile d’accès, lui vaut une tournée de
conférences aux États-Unis. Gertrude s’y
raconte elle-même à travers les yeux de sa
compagne, décrivant l’aventure de la collection,
en éliminant Léo et en s’attribuant
le premier rôle…
ZONE LIBRE
En 1938, le couple quitte la rue de Fleurus
pour s’installer rue Christine. Toujours intéressée
par la nouveauté, Gertrude Stein
qualifie les jeunes auteurs, parmi lesquels
Ernest Hemingway et Francis Scott Fitzgerald,
de lost generation. « Vous autres,
jeunes gens qui avez fait la guerre, vous
êtes tous une génération perdue», rapportera
le premier dans Paris est une fête
(1957-1960). Il s’y souvient aussi que « Miss
Stein, était très forte, mais pas très grande,
lourdement charpentée comme une
paysanne. Elle avait de beaux yeux, et un
visage rude de juive allemande, qui aurait
aussi bien pu être friulano et elle me faisait
penser à quelques paysannes du nord de
l’Italie par la façon dont elle était habillée,
par son visage expressif, et sa belle
chevelure, lourde, vivante, une chevelure
d’immigrante, qu’elle relevait en chignon,
sans doute depuis le temps où elle était à
l’Université. Elle parlait sans cesse et surtout
des gens et des lieux. » Américaines,
juives et lesbiennes, Gertrude et Alice se
réfugient dès 1939 en zone libre dans la
maison qu’elles louaient depuis plusieurs
années dans l’Ain. « Tous savaient où elle
était mais personne n’osa la toucher, ni
les Allemands ni la Milice de Vichy », écrit
à ce propos Antoine de Baecque, un de
ses biographes. De fait, Gertrude et Alice
retrouveront leur appartement parisien et
leur collection intacts après la guerre. Car
elles ont bénéficié de la protection d’un
de leurs amis, l’universitaire et écrivain
Bernard Faÿ, qui a collaboré avec Vichy…
Le bonheur de la Libération ne dure guère
car la ‘‘papesse de l’avant-garde’’ s’éteint
à Paris en juillet 1946, onze ans avant sa
compagne, qui fit tout pour préserver son
inestimable collection.
42

Andy Warhol, Gertrude Stein, 1980, acrylique et
sérigraphie sur toile, 101,9 x 101,9 cm. New York,
Whitney Museum of American Art. © Digital image
Whitney Museum of American Art / The Andy
Warhol Foundation fort he Visual Arts, Inc. / ADAGP,
Paris 2023
‘Ik gebruik
materialen die hun
kwaliteit behouden
in de loop der jaren’
CHRISTOPHE GEVERS
Nam June Paik, Gertrude Stein, 1990, installation de moniteurs de télévision anciens, techniques mixtes,
deux canaux vidéo, 248,9 x 195,9 x 94 cm. The Edkard Collection. © Courtesy James Cohan Gallery, New York
/ Nam June Paik Estate
LA RADICALITÉ EN HÉRITAGE
Son portrait par Picasso achevé en 1906,
évoqué plus haut et entré dans les collections
du Metropolitan Museum of Art de
New York, s’était fait avec beaucoup de
difficultés. Pour saisir la personnalité de
Stein, l’artiste avait trouvé la solution en
utilisant une espèce de masque inexpressif,
issu de ses études de l’art ibérique
ancien et de l’art africain, y préfigurant
ainsi Les Demoiselles d’Avignon (1907). A
l’époque, personne n’aimait ce portrait,
sauf le peintre et son modèle. À ceux qui
s’inquiétaient de la fidélité de ses traits, Picasso
répondait : « Vous verrez, elle finira
par lui ressembler ». De son côté, la poétesse
écrivait, en 1938, dans sa biographie
du maître : « J’étais à cette époque seule
à comprendre Picasso, peut-être aussi
parce que j’exprimais la même chose en
littérature (…) » Cette radicalité poétique,
élaborée à travers un dialogue avec la
peinture de Picasso, va constituer la pierre
angulaire des premières avant-gardes de
la culture américaine sur laquelle vont se
fonder les mouvement expérimentaux
performatifs et musicaux des années
1950 et 1960, autour de John Cage et de
Merce Cunningham, du Living Theater, de
Fluxus, du Pop Art et de l’art minimal. Car,
si le rôle de Marcel Duchamp en tant que
source de l’art conceptuel est pleinement
reconnu, la poésie expérimentale de Gertrude
Stein a également ouvert un champ
d’explorations artistiques et poétiques,
centrales dans les démarches conceptuelles,
notamment autour de la plasticité
du langage, la dimension performative et
la matérialité visuelle et sonore des mots.
Plus près de nous, en 1983, A rose is a rose
is a rose is a rose a inspiré le titre d’une des
pièces chorégraphiques fondatrices de la
danse contemporaine, Rosas danst Rosas
d’Anne Teresa De Keersmaeker, et le nom
même de sa compagnie, Rosas.
VISITER
Exposition Gertrude Stein et Pablo Picasso.
L’invention du langage
Musée du Luxembourg
Paris
www.museeduluxembourg.fr
du 13-09 au 28-01-2024
43

L’Art ancien
sur un fond d’or
Sur le marché discret et sélectif
de l’Art ancien, la plus-value est
désormais à chercher du côté des
grands noms, même si la curiosité
pour des chefs-d’oeuvre oubliés est
toujours présente.
TEXTE : GILLES BECHET
Une des meilleures garanties que
l’art ancien peut offrir au marché,
c’est son âge. Ses grands artistes,
ses icônes, occupent une place
indétrônable dans l’histoire de l’art et sont,
en principe, à l’abri des effets de mode et
de revirements d’opinion. Mais, son ancienneté
est aussi son principal handicap,
parce que son iconographie, ses références
mythologiques, historiques et religieuses
ne parlent plus à une large part du public.
Pourtant, l’immense succès de l’exposition
Vermeer au Rijksmuseum prouve, s’il
en était besoin, que les chefs-d’œuvre du
maître de Delft, peints il y a près de 400 ans,
font toujours courir les foules.
Michael Sweerts, L’atelier de l’artiste avec une couturière, huile sur toile, 79,5 x 108,4 cm. Christie’s, Londres, 06-07. © Christie’s Images Ltd. — 12.615.000 £ (14.790.000 €)
44

« Les collectionneurs
plus jeunes aiment
mélanger les choses
et commencent avec
un tableau, se mettent
à lire, à découvrir
puis en achètent un
deuxième. »
KLAAS MULLER
RARETÉ ET QUALITÉ
Traditionnellement, l’Art ancien, old
masters en anglais, couvre les œuvres
réalisées entre les XIVe et XVIIIe siècles.
Aujourd’hui, on y ajoute de plus en plus
souvent les artistes du XIXe. Longtemps, il
a dominé sans partage les transactions sur
le marché de l’art, mais progressivement le
vent a tourné. En 2022, suivant une étude
menée par Arttactic pour les maisons de
vente Christie’s, Sotheby’s et Phillips, l’Art
ancien occupait moins de 5 % des ventes,
alors que celles d’Art d’après-guerre et
contemporain montaient à 45 %, tandis
que l’Art impressionniste et moderne
occupait les 50 % restant. Ces chiffres sont,
bien sûr, à prendre avec des pincettes,
car les maisons de vente ne constituent
pas l’ensemble du marché, surtout pour
l’Art ancien, où galeries, ventes privées et
départements confidentiels de ces mêmes
maisons alimentent également le marché.
Mais la tendance est là. Autre caractéristique
de ce segment, c’est qu’il repose
désormais essentiellement sur les grands
noms. Ce sont les Botticelli, les Rubens, les
Titien, les Goya qui attirent les acheteurs.
L’Art ancien est devenu une niche qui
récompense la rareté et la qualité. « On
a maintenant des clients qui cherchent
peut-être un peu tous les mêmes choses,
les mêmes images un peu puissantes mais
qui sont aussi curieux de voir ce qu’on peut
leur proposer. Ils sont prêts à accepter
des noms moins connus, mais il faut en
montrer l’importance, il faut la justifier.
Artemisia Gentileschi, Lucrèce, huile sur toile, 96,5 x 75 cm. Artcurial, Paris, 13-11-2019. © Artcurial
4.647.500 €
C’est un marché où les gens ont peur
parce qu’ils ne se pensent pas forcément
spécialistes. Mais, si on arrive à montrer
les choses avec intelligence et de façon
aisément compréhensible, on trouve son
public », assure Pierre Etienne, directeur
international chez Christie’s.
ENGOUEMENT POUR LES FEMMES
PEINTRES
Les petits maîtres, encore fort appréciés
et bien cotés il y a une trentaine d’années,
essentiellement pour leurs qualités décoratives,
ont disparu des catalogues des
grandes maisons de vente. « Le petit paysage,
avec une scène de bataille, ça ne plaît
plus tellement. Les tableaux dont la valeur
est fixée en dessous des 20.000 à 30.000
euros sont de moins en moins faciles à
vendre, alors qu’au-delà du million, c’est
généralement très facile, même si entre les
deux, c’est plutôt aléatoire », précise Mat-
« Les tableaux qui
valent en dessous
de 20.000 à 30.000
euros sont de moins
en moins faciles à
vendre. »
MATTHIEU FOURNIER,
ARTCURIAL
45

Atelier de Hyacinthe Rigaud, Portrait de Louis XIV, huile
sur toile, 249,8 x 151,3 cm. Christie’s, Londres, 06-07.
© Christie’s Images Ltd. — 1.915.500 £ (2.245.000 €)
Anne Vallayer-Coster, Nature morte au vase d’albâtre rempli de fleurs avec sur une table plusieurs espèces
de fruits, comme ananas, pêche et raisins, 1783, huile sur toile, 108,5 x 89,5 cm. Christie’s, Paris, 15-06.
© Christie’s Images Ltd. — 2.581.000 €
« On a maintenant
des clients qui
cherchent peutêtre
un peu tous les
mêmes choses. »
PIERRE ETIENNE, CHRISTIE’S
thieu Fournier, commissaire-priseur et directeur
associé chez Artcurial. Aujourd’hui,
c’est plutôt la peinture Renaissance et
maniériste italienne qui a la cote, à l’instar
des portraits italiens, hollandais, flamands
ou français. « Les fonds d’or sont aussi
toujours très recherchés. Comme ce sont
des tableaux assez géométriques, simples
dans leur composition mais très colorés,
cela se marie très bien avec l’art contemporain
», remarque Nicolas Joly, courtier et
expert indépendant. Depuis deux ou trois
ans, on assiste à un engouement pour les
femmes peintres. Allégorie de la sculpture,
une toile de la plus médiatisée d’entreelles,
Artemisia Gentileschi (1593-1654)
était ainsi vendue 1.855.000 livres sterling
chez Christie’s à Londres, en juillet dernier,
alors qu’elle était estimée entre 300.000 et
400.000 livres. Dans ce marché discret, dynamisé
par une forte demande, les prix des
tops lots ont augmenté en même temps que
l’exigence de qualité. On dit qu’il suffit de
dix acheteurs pour réveiller le marché, c’est
aussi un segment très muséal. « Les grands
musées, aux Etats-Unis, comme en Asie et
au Moyen-Orient, notamment en Arabie
Saoudite, mènent une politique très active
pour acheter des chefs-d’œuvre européens
», reprend Matthieu Fournier. Si les
grands noms sont les premiers à attirer les
regards, la curiosité guide aussi les acheteurs
vers des artistes moins connus qui
peuvent réaliser des résultats totalement
inattendus. C’est le cas de Michael Sweerts
(1618-1654), peintre flamand de l’âge d’or
de la peinture baroque, né à Bruxelles, dont
Atelier d’artiste, un magnifique tableau en
excellent état, dans son cadre d’origine,
était vendu chez Christie’s à Londres, le
6 juillet dernier, pour 12.615.000 livres
sterling (avec frais), alors qu’il était estimé
entre deux et trois millions.
COLLECTIONNEURS PLUS JEUNES
Si le marché est dynamique, il est aussi
très sélectif et il n’est pas rare de voir, dans
des ventes de prestige, des toiles de qualité
ne pas trouver preneur. Surtout en période
d’incertitude économique où ce sont les
acheteurs qui dictent les prix, il est crucial
d’établir la juste estimation. En mars 2023,
une nature morte de Frans Snyders (1579-
1657), estimée entre 600.000 et 800.000
euros chez Artcurial à Paris, était adjugée
787.200 euros, alors que la couverture du
46

« C’est un marché qui
n’est pas extensible
et qui reste sur un
nombre d’acteurs
assez limité, mais
avec des gens qui
sont prêts à dépenser
ce qu’il faut pour les
chefs-d’œuvre. »
NICOLAS JOLY
catalogue, une nature morte du Pensionnaire
de Saraceni (actif entre 1610- 1620),
estimée entre 1,5 et 2 millions d’euros, n’a
pas trouvé preneur. « C’est la première fois
depuis six ans, que je n’ai pas vendu mon
top lot. C’était un tableau extraordinaire,
sans doute très particulier, mais un chefd’œuvre.
Je ne l’ai pas vendu parce que le
contexte est plus difficile et qu’il faut faire
plus attention aux prix », confie Matthieu
Fournier. Du côté des collectionneurs, le
marché est aujourd’hui assez différent
de ce qu’il était il y a vingt ou trente ans.
Toute une génération de spécialistes et
connaisseurs de l’Art ancien a disparu.
« On a aujourd’hui des collectionneurs qui
se concentrent sur plusieurs noms importants
et n’ont pas nécessairement envie
de trop se diversifier, ou alors c’est à nous
de les convaincre de quelque chose qui
semble pertinent », avance Pierre Etienne.
Mais le marché se renouvelle aussi avec
des collectionneurs plus jeunes qui n’hésitent
pas à pousser la porte des galeries.
« Ils sont souvent très au courant, constate
le marchand Klaas Muller. Ils aiment mélanger
les choses et commencent avec un
tableau, se mettent à lire, à découvrir puis
en achètent un deuxième. » Il s’agit aussi
de clients qui portent un autre regard sur
le marché parce qu’ils veulent donner du
caractère à leur collection. « Ils montrent,
par exemple, un intérêt plus marqué pour
les primitifs qui ont un caractère plus
épuré et détaillé, qui correspond bien
avec celui de l’art contemporain », ajoute
Arnaud Jaspar de la Galerie Costermans.
SORTIR L’ŒUVRE DE SON CONTEXTE
En février dernier, le Portrait d’un homme
en Dieu Mars de Rubens était présenté à
Bruxelles avant de retourner à New York
où il était mis aux enchères en mai chez
Sotheby’s, dans une vente du soir d’Art
moderne où il était adjugé 22,5 millions de
dollars, signe d’une tendance marquée à
mêler une ou deux pièces anciennes à des
ventes modernes et contemporaines. Une
manière de faire l’événement mais aussi
de toucher un nouveau public en sortant
l’ancien d’un carcan devenu trop étroit.
Sortir l’œuvre de son contexte attendu,
c’est ce qu’a fait Pierre Etienne en présentant
un portrait monumental de Louis
XIV, issu de l’atelier de Jacinthe Rigaud,
dans une vente de mobilier et d’argenterie.
« Estimée 200.000 à 300.000, elle a fait un
million et demi de livres avec les frais, en
juillet dernier, auprès d’un nouvel acheteur
qui a trouvé cette toile spectaculaire et
ne serait jamais allé dans une vente d’art
ancien. » Pour ce qui est de son évolution
future, Nicolas Joly se montre confiant :
« C’est un marché qui n’est pas extensible
et qui reste sur un nombre d’acteurs assez
limité, mais avec des gens prêts à dépenser
ce qu’il faut pour des chefs-d’œuvre. Le
seul souci, c’est la réduction de l’offre, car
les belles pièces deviennent compliquées à
trouver. » Des craintes que Matthieu Fourniret
ne partage pas complètement. « Il y
a de nombreux chefs-d’œuvre à découvrir.
Prenez les catalogues raisonnés et regardez
les mentions ‘‘localisation actuelle
inconnue’’ sous les grands tableaux, elles
ne manquent pas. Croyez-moi, les greniers
sont encore pleins. »
Jean-Siméon Chardin, Le panier de fraises des bois, 1761, huile sur toile, 38 x 46 cm. Artcurial, Paris, 23-03-
2022. © Artcurial — 24.381.400 €
47

48
Bruegel
Une affaire de famille

Pieter Bruegel le Jeune, La Danse de mariage
(Vue d’un village), vers 1610, huile sur panneau,
40 x 56 cm. Gand, Musée des Beaux-Arts.
© photo : Hugo Maertens
49

Pieter Bruegel l’Ancien, La pie sur le gibet, 1568, huile sur panneau, 46 x 51 cm. Darmstadt, Musée régional de la Hesse. © photo : Wolfgang Fuhrmannek
Des siècles durant, la famille
Bruegel a joué un rôle de premier
ordre dans la peinture flamande. Il
y eut d’abord bien sûr le patriarche,
Pierre Bruegel l’Ancien. Une
exposition, à Bois-le-Duc, réunit
pas moins de cinq générations de
cette fameuse dynastie de peintres.
TEXTE : BERNADETTE VAN DER GOES
De Pierre Bruegel l’Ancien
(1525 ?-1569), on ne sait quasiment
rien, si ce n’est qu’il a vécu
et travaillé à Anvers et Bruxelles.
Dans sa jeunesse, il entreprit un voyage en
Italie, puis à Bruxelles et épousa, en 1563,
Mayken Coecke, fille de Pieter Coecke
d’Alost. Dès le début de sa carrière, il se
fait remarquer par un coup de crayon
exceptionnel. Pendant son séjour en Italie,
il s’adonne essentiellement au dessin,
étudiant non seulement les peintures de
la Chapelle Sixtine ou les Chambres de
Raphaël, à Rome, mais dessine surtout
dans la nature. Il immortalise le paysage
au crayon et à l’encre. Les sommets des
Alpes italiennes le fascinent. Tout au long
de sa carrière, il ne cessera de se reporter
à ces dessins. Bruegel devint très célèbre
pour ses paysages, représentations allégoriques,
mariages paysans et places de villages
avec enfants jouant ou personnages
illustrant des proverbes. Il a su conférer
un caractère exceptionnel à ses récits
bibliques, retranscrits dans un environnement
local et contemporain.
CÔTÉ AMUSANT
Depuis Jan van Eyck, les artistes flamands
ne cessent de s’améliorer dans la
représentation de la nature et de la vie
quotidienne. Pierre Bruegel l’Ancien y
ajoute une dose de moquerie et d’humour,
surtout dans ses peintures de la vie
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La plupart des
collectionneurs
ont dû se contenter
de copies et
d’imitations.
paysanne. Le célèbre biographe Karel van
Mander le mentionne d’ailleurs dans son
Grand Livre des peintres de 1604 sous le
sobriquet de ‘‘Pieter le Drôle’’ car il excellait
dans la peinture de scènes appelées
drôleries : « Il y a peu de tableaux de lui
devant lesquels un spectateur peut garder
son sérieux et ne pas éclater de rire. » Il
est certes fort divertissant de contempler,
sur un petit panneau rond, un paysan
ivre se faire pousser par un groupe de
villageois dans l’enclos à cochons. Bruegel
excellait à susciter des émotions.
N’éprouve-t-on pas de la compassion à la
vue de tableaux de mendiants estropiés ?
« Son seul maître était la nature », écrivait
son ami Abraham Ortelius, après la mort
de l’artiste, en 1569. Grâce à lui, la représentation
de scènes de la vie quotidienne
devint un thème sérieux et la peinture de
genre émergea, dans la seconde moitié du
XVIe siècle. Bruegel est mort jeune, sans
doute avant d’avoir atteint l’âge de 45 ans.
Ses deux fils allaient devenir eux-mêmes
peintres et pères de peintres. Les enfants
deviennent orphelins au décès de leur
mère en 1578. Les futurs peintres Pierre
Bruegel le Jeune et Jean Bruegel l’Ancien
sont donc élevés par leur grand-mère
Mayken Verhulst, veuve depuis 1550 du
maître de leur père, Pieter Coecke d’Alost.
Mayken est également peintre d’aquarelle
et réalise des miniatures. Le marchand
et écrivain italien Lodovico Guicciardini
en fait mention, en 1567, comme une des
principales femmes artistes des Pays-Bas.
Karel van Mander écrit, en 1604, qu’elle
a enseigné à son petit-fils Jean la technique
de l’aquarelle. Elle a probablement
repris la direction de l’atelier de Bruegel
après le décès de son gendre, comme
elle l’avait fait après celui de son époux,
Pieter Coecke d’Alost. Si Bruegel l’Ancien
est considéré comme le patriarche de la
dynastie, Mayken passe, quant à elle, pour
la matriarche de la famille.
IMITATION
Mayken a donc tous les atouts en main
pour assurer la continuité de l’atelier Bruegel.
Durant la vie de son gendre, nombre
de ses créations avaient été reproduites
sous forme d’estampes et il existait aussi
un stock de dessins. Van Mander mentionne
que Bruegel, sur son lit de mort, a
demandé à sa femme de brûler une grande
quantité de dessins, sans doute en raison
de l’époque politiquement troublée. De
fait, les Pays-Bas étaient alors engagés
dans un conflit ne cessant de se détériorer
avec le roi Philippe II d’Espagne. L’arrivée
du duc d’Albe et de ses troupes en 1567 se
solda par un régime de terreur. Le maître
craignait manifestement de causer des
problèmes à sa veuve avec ses dessins :
« Parce qu’ils étaient déjà trop agressifs
ou injurieux. » Il lâche donc la proie pour
l’ombre en les faisant détruire. Un tableau,
au moins, confirme son appartenance au
legs posthume : le panneau La Pie sur le gibet,
que Bruegel peignit peu avant sa mort
et légua par testament à sa femme. Son
fils, Pierre Bruegel le Jeune, en fera plus
tard deux copies. Depuis qu’il s’est établi
à Anvers, en 1584 ou 1585, cet aîné dirige
un atelier très productif, spécialisé dans la
production de copies et de variantes des
compositions de son père. Après sa mort,
ses œuvres faisaient l’objet d’une demande
telle que la plupart des collectionneurs ont
dû se contenter de copies et d’imitations.
Pierre Bruegel le Jeune, ses collaborateurs,
disciples et, plus tard, son fils Pierre
Bruegel III, utilisèrent à cet effet tout ce
qui était encore disponible dans l’atelier du
grand maître : esquisses, études, projets,
gravures et tableaux inachevés. Des copies
de tableaux originaux furent produites à
l’infini, ce qui explique l’émergence d’un
langage visuel ‘‘breughelien’’, à la fin du
XVIIe siècle. Il subsiste ainsi cinquante
exemplaires du Paysage d’hiver avec patineurs
et trappe aux oiseaux et dix-sept du
tableau Les proverbes flamands.
RAFFINEMENT
Jean Bruegel l’Ancien, frère de Pierre, de
quatre ans son cadet, est entretemps devenu
un artiste novateur, avec son propre
style. Il se rend en Italie dans sa jeunesse
et, après s’être établi à Anvers en 1596, il se
spécialise dans les paysages, scènes de villages,
allégories, tableaux historiques et natures
mortes de fleurs. Pour le distinguer de
son père, il reçoit le surnom de Bruegel de
Velours, des Fleurs et du Paradis. Ce dernier
nom fait allusion à ses paysages ponctués
Pieter Bruegel l’Ancien, Les mendiants, 1568, huile sur panneau, 18,5 x 21,5 cm. Paris, Musée du Louvre, don de
Paul Mantz, 1892. © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / photo : Gérard Blot
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Les descendants
de Pierre l’Ancien
répondaient aux désirs
d’un marché étendu
d’amateurs d’art.
Avec une grande
flexibilité, ils
adaptèrent sujets,
techniques et styles,
selon les besoins
exprimés
de scènes bibliques. Il fait souvent peindre
les personnages par un collègue. En 1615,
l’ami de Jean, Pierre Paul Rubens, peint ainsi
les personnages d’Adam et Ève sur le magistral
Péché originel aujourd’hui conservé
au Mauritshuis de La Haye. Le même
souci de perfection technique, de détail
et de raffinement s’exprime dans le genre
auquel Jean fut le premier de la famille à
se consacrer : celui des natures mortes de
fleurs. Cette exposition permet d’admirer
un tableau peint sur cuivre, Vase de fleurs
avec bijoux, pièces et coquillages, de 1606.
Chaque fleur est reproduite séparément
avec la même attention. Ce fut un travail de
longue haleine, à en croire l’échange de correspondance
avec son commanditaire, le
cardinal milanais Frédéric Borromée. Jean
s’y consacra du printemps à l’automne. Les
fleurs ne s’épanouissent pas toutes à la fois :
« Je crois que nul n’a jamais peint autant de
fleurs rares et différentes avec un tel zèle, a
écrit le prélat. Leur vue sera magnifique en
hiver. » Une fois la composition conçue, l’artiste
en peindra d’innombrables répliques
et variantes, aidé en cela d’assistants. Jean
Bruegel l’Ancien (de Velours) meurt en 1625.
Son fils, Jean Bruegel le Jeune, revient d’urgence
d’Italie et reprend l’atelier anversois.
Il imite le style de son père en choisissant
les mêmes sujets et réalise d’innombrables
copies de ses œuvres. Le journal, tenu par
Jean, fait état du succès remporté par cette
production en série.
David Teniers le Jeune, Singes au poste de garde, vers 1633, huile sur panneau, 41 x 58 cm. Collection privée.
COLLABORATION
Talent, liens familiaux et réseau étendu
constituent la base de la dynastie Bruegel. À
partir de Jean Bruegel l’Ancien (de Velours), la
famille s’agrandit par mariages et naissances.
Sa fille Paschasia donne naissance, en 1626,
à Jean van Kessel l’Ancien, qui se rend célèbre
par ses peintures de mammifères, d’oiseaux,
de poissons et ses compositions de coquillages
exotiques. Il apprend le métier, entre
autres, auprès de son oncle Jean Bruegel le
Jeune. Conformément à la tradition familiale,
Van Kessel réalise, lui aussi, des allégories.
Une fille, Anna, née du second mariage de
Jean Bruegel l’Ancien (de Velours), épouse
David Teniers le Jeune en 1637. L’œuvre de ce
dernier, essentiellement composée de fêtes
villageoises, d’intérieurs de tavernes et autres
scènes de genre, confirme l’existence d’un
lien solide avec la tradition des Bruegel. Dans
son tableau Singes au poste de garde, des
singes déguisés en soldats s’amusent dans
une taverne éclairée à la bougie. À droite,
un prisonnier travesti en chat est poussé à
l’intérieur. Tout comme les fêtes villageoises
des Bruegel, celle-ci prête à rire en dépit d’un
côté plus sérieux et moralisateur. Le rôle, en
partie invisible, joué par les femmes dans
le réseau familial occupe, pour la première
fois, une place de choix dans l’exposition :
Mayken Verhulst, mentionnée plus haut, la
matriarche qui prit sous son aile les deux fils
de Pierre l’Ancien et assura la succession et
la continuité de l’atelier de ce dernier. Clara
Eugenia Bruegel, fille de Jean l’Ancien (de
Velours), servit, au siècle suivant, de médiatrice
entre artistes, commanditaires et collectionneurs.
Son demi-frère, Jean Bruegel le
Jeune épouse, en 1626, Anna Maria Janssens,
fille du peintre d’histoire Abraham Janssens.
Anna Maria était, elle-même, peintre de
natures mortes de fleurs. On présente, dans
l’exposition, un tableau de sa main intitulé
Guirlande de fleurs avec la Sainte Famille et
un ange musicien, une des rares œuvres qui
puisse lui être attribuée avec certitude. Mais
elle a probablement évolué au sein de l’entreprise
familiale, comme Abraham Janssens,
Jan van Kessel l’Ancien et David Teniers le
Jeune qui collaborèrent parfois avec Jean
Bruegel le Jeune. Anna Maria Janssens et Jean
Bruegel le Jeune ont eu onze enfants. Cinq de
ses sept fils devinrent peintres et constituent
la dernière génération des Bruegel. Abraham
Bruegel fut le plus talentueux d’entre
eux. Il se spécialisa dans les natures mortes
de fruits et de fleurs. Dès son plus jeune
âge, il quitta la Flandre, s’établit en Italie et y
demeura sa vie durant.
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Jan Bruegel le Jeune, Allégorie de la peinture, ca. 1625-1630, huile sur cuivre, 49 x 77 cm. JK Art Foundation Nederland. © photo : Peter Cox
Les femmes Bruegel
occupent, pour la
première fois, une
place de choix.
FIERTÉ
De 1550 à 1700, les membres de la famille
Bruegel se sont illustrés dans presque tous
les thèmes, à une cadence constante et
en entretenant des liens étroits entre eux,
avec leurs prédécesseurs et les développements
artistiques de leur temps. Tandis
que de grands peintres baroques flamands
tels que Pierre Paul Rubens, Jacques Jordaens
et Antoine van Dyck décrochaient
des commandes plus officielles, les descendants
de Pierre l’Ancien répondaient
aux désirs d’un marché étendu d’amateurs
d’art. Avec une grande flexibilité, ils adaptèrent
sujets, techniques et styles, selon les
besoins exprimés. En outre, ils travaillèrent
souvent en collaboration. Quelques
années après avoir repris l’atelier de son
défunt père en 1625, Jean Bruegel le Jeune
peint sa fameuse Allégorie de la peinture.
Dans un atelier immense et encombré, la
personnification de la peinture, Pictura,
exécute des natures mortes de fleurs. Entourée
de matériel de peinture, de dessins,
de livres d’échantillons et de nombreuses
œuvres achevées, entre autres, de Pieter
Coecke d’Alost, Pierre Bruegel l’Ancien
et Jean Bruegel l’Ancien (de Velours). Un
portrait de ces trois maîtres est suspendu
de chaque côté de la porte ouvrant sur une
salle où travaillent des peintres. Non loin,
les portraits de prédécesseurs, également
sources d’inspiration, comme Michel-
Ange, Dürer et Van Eyck. De ce tableau
émane une certaine fierté : Jean Bruegel le
Jeune, petit-fils de Pierre Bruegel l’Ancien,
exprime ici non seulement ses compétences,
mais rend aussi hommage à son
propre métier et à la réussite de sa famille.
VISITER
Bruegel : la réunion de famille
Musée du Brabant Septentrional
Bois-le-Duc
www.hetnoordbrabantsmuseum.nl
du 30-09 au 07-01-2024
53

Carlo Bugatti
L’inclassable
A l’origine d’une véritable saga
familiale, Carlo Bugatti ne cesse,
encore aujourd’hui de fasciner.
Père du célèbre sculpteur de
bronzes animaliers Rembrandt et
du non moins fameux constructeur
automobile Ettore, il s’est illustré, au
tournant du XXe siècle, au travers
de la création d’étonnants meubles
d’exception, au style sans pareil.
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
Bureau, ca. 1902, noyer, laiton, étain, vélin, 74,9 × 60,1 × 57,2 cm. New York, The Metropolitan Museum of
Art, inv. 1970.181.3.
A
la fois dessinateur, ébéniste, décorateur
et architecte, Carlo Bugatti
est souvent considéré comme
l’un des représentants de l’Art
nouveau européen, défini en Italie comme
le ''style Liberty''. Pourtant, son caractère
farouchement indépendant a grandement
contribué à le maintenir en marge des
mouvements artistiques dominants son
époque. Si son œuvre est si reconnu, c’est
que sa production ne ressemble à aucune
autre, ses pièces ne reprenant pas le langage
si caractéristique de l’Art nouveau. Le seul
élément que l’on puisse rapprocher de ce
style est l’esprit légèrement japonisant qui
ressort de certains de ses ornements, ou la
stylisation florale, bien que celle-ci serve
uniquement d’ornement, sans définir la
forme. La force et la singularité de ses recherches
formelles ne trouvent alors d’équivalent
que dans l’œuvre de deux autres
figures, tout aussi isolées, Antoni Gaudí en
54

Lit de repos, ca. 1902, bois noirci, vélin, étain, laiton et cuivre, 81 x 190 x 70 cm. Collection privée, Angleterre. © Oscar Graf
Espagne et Hector Guimard en France. De
fait, Carlo Bugatti aura toujours suivi ses
propres obsessions plastiques et formelles,
une approche sans concession à l’origine
d’une création mobilière immédiatement
reconnaissable. Ancré dans une époque à
la charnière de deux siècles, il offre l’image
d’un artiste profondément moderne, proposant
une autre vision du monde et de la vie,
alors en pleine transformation, cherchant
l’harmonie entre les impératifs fonctionnels
qui dominent le quotidien et le besoin
impérieux d’imaginaire et d’humanité, à
travers une écriture formelle totalement à
part. Il va ainsi développer un langage plastique
constitué d’influences variées qu’il
interprète de façon très personnelle.
ARTS APPLIQUÉS
Carlo Bugatti (1856-1940) est né à Milan,
fils de Giovanni Luigi Bugatti, sculpteur
et architecte localement renommé, qui
lui dispensera une première formation
artisanale, que le jeune homme complètera
en s’inscrivant en 1875 à l’Académie
de Brera puis à l’Académie des Beaux-Arts
de Paris, au cours des années 1870, et enfin
en étudiant auprès de l’ébéniste milanais
Mentasti, avant d’ouvrir son propre
atelier vers 1880. Il commence alors une
carrière d’artisan d’art ébéniste, créateur
de meubles d’art et, d’emblée, pose
les jalons de son style si reconnaissable,
avec la création d’une chambre à coucher
qu’il réalise pour le mariage de sa sœur.
Incrustations de métal et d’ivoire, cuivre
repoussé, beaucoup d’éléments caractéristiques
de son travail futur y sont déjà
visibles. Ses premières commandes importantes
suivent, principalement destinées à
l’aristocratie lombarde, l’artiste choisissant
de se montrer élitiste dans sa démarche.
Attentif à la qualité des matériaux, Carlo
Bugatti peut compter sur le savoir-faire
des artisans italiens pour traiter au mieux
les bois divers, les éléments en cuivre,
laiton et étain repoussés, les incrustations
d’ivoire, de nacre ou de métaux qui ornent
ses meubles, ainsi que le cuir ou le parchemin
qui les gaine. Il ne cherche pas à imiter
quoi que ce soit et les matériaux qu’il
utilise lui sont propres. Il appose parfois
sur le parchemin, quelques poétiques dessins
évoquant la nature. En 1888, Bugatti
« C’est un marché
très inégal, en dent
de scie, car il est très
peu fourni en pièces
de très belle qualité. »
SONJA GANNE, CHRISTIE’S
obtient ses premiers succès à l’Exposition
des Beaux-Arts Italiens de Londres, puis
accroît sa notoriété artistique avec une
médaille d’argent à l’Exposition Universelle
de 1900, à Paris. Son mobilier prend alors
55

Paire de chaises d’appoint, ca. 1900, hêtre partiellement teinté, laiton, parchemin, corde, H. 101,5 cm. Christie’s, New York, 09-12-2014. © Christie’s Images Ltd.
23.750 $ (19.200 €)
Portrait de Carlo Bugatti, ca. 1920. © D. R.
L’approche sans
concession de
Carlo Bugatti est
à l’origine d’une
création mobilière
immédiatement
reconnaissable tant
elle est atypique.
une toute autre dimension, où priorité
est donnée à la forme qui se déploie dans
l’espace, lui conférant une véritable qualité
sculpturale. C’est durant les années
1901-1902 que Carlo Bugatti introduit la
forme ovoïde dans son répertoire formel,
dont la déclinaison lui permettra d’infinies
variantes de composition. En 1902, il est
présent à la Première exposition internationale
d’art décoratif moderne, organisée
à Turin. Cette participation va révéler son
exceptionnel talent, parvenu à maturité.
Il y présente une célèbre suite de quatre
salles entièrement gainées de parchemin
au décor intégré, dont le ‘‘Salon escargot’’,
ainsi qu’une gamme de meubles gainés de
même. Si cette réalisation sans précédent
suscite de vifs débats parmi le jury et le
public, la modernité de sa vision est finalement
reconnue et il y obtient le Diplôme
d’Honneur.
UN STYLE PROPRE
Fort de sa propre culture, s’inspirant du
riche vocabulaire ornemental hérité des
ébénistes de la Renaissance italienne, à
laquelle il emprunte essentiellement son
goût pour les marqueteries et fines incrustations,
l’usage extensif du parchemin est
une signature propre à Carlo Bugatti, qui
apparaît comme le seul à cette époque en
Europe à en faire un usage aussi régulier.
Il aime jouer de son contraste avec la
couleur sombre des bois, et développe un
subtil décor peint, souvent d’esprit japonisant
ou calligraphié sur sa surface plane.
Avec le temps il parviendra à une parfaite
maîtrise de cette technique du gainage
de parchemin, véritable prouesse, sous
lequel disparaît entièrement le bâti du
56

Sensible à l’éclectisme caractéristique
du XIXe siècle, Bugatti s’inspire
principalement de l’art islamique pour la
création de son mobilier, fuyant le poids du
classicisme historique.
meuble. Toutefois, mû par une constante
volonté d’innover, Bugatti s’ouvre à
d’autres mondes. Sensible à l’éclectisme
caractéristique du XIXe siècle, il s’inspire
principalement de l’art islamique pour la
création de son mobilier, fuyant le poids
du classicisme historique. Ses incrustations
prennent ainsi souvent la forme de
signes s’apparentant à des écritures aux
formes arabisantes, mais sans signification
particulière. Partant, à l’instar de son
fils Rembrandt, qui créera de merveilleux
bronzes animaliers exotiques sans
avoir quasi jamais voyagé, Carlo Bugatti
demeure très sédentaire, même si son
œuvre est imprégnée d’un imaginaire,
d’un goût de l’ailleurs qui fait tant rêver
en cette fin du XIXe siècle. A la recherche
d’un autre mode de vie, il conçoit ainsi ses
meubles comme autant d’architectures
orientalistes, à la géométrie marquée,
dans un savant jeu de lignes et de plans
soulignés d’arcs outrepassés ou lancéolés,
de fines colonnettes, de pignons, de frises
denticulées et autres éléments typiques de
ce vocabulaire architectural. Pour autant,
Bugatti déteste qu’on lui attribue un style,
à tel point qu’à l’Exposition Internationale
de Turin, la reine Hélène d’Italie évoquant
le style mauresque à la vision de ses
meubles, se fait sèchement reprendre par
l’artiste : « Vous vous trompez, Majesté : ce
style est à moi. »
PARIS ET L’ORFÈVRERIE
A compter de cette date, Carlo Bugatti
s’oriente vers un travail plus dépouillé
et des courbes douces qui trahissent
l’influence de l’Art nouveau. En termes
de création mobilière, on lui connaît
l’ameublement de la résidence d’été de la
mère du khédive, à Constantinople, une
chambre orientale pour un Lord anglais
où le salon de la villa de Giacomo Puccini,
en Toscane. C’est à Paris que Carlo Bugatti
poursuit sa carrière, à partir de 1904,
rejoignant ainsi son fils Rembrandt, arrivé
l’année précédente. Sa rencontre avec le
fondeur et galeriste Adrien Hébrard donne
lieu à une collaboration fructueuse. Sous
contrat avec la galerie à partir de 1906,
il conçoit notamment quelques pièces
Théière, ca. 1907, bronze doré et ivoire, 17,7 x 15,9 x
9,7 cm. © Alamy Stock Photo
Table à Thé, ca. 1907, bois marqueté (acajou ?), bronze doré, ivoire ou os, métal, nacre, 71,5 x 67,1 x 41,3 cm.
The Cleveland Museum of Art, inv. 1991.45.
57

Sellette, ca. 1900, noyer et noyer noirci, vélin, incrustation de cuivre et d’étain estampés, 112,5 x 47 x 46,5 cm. Sotheby’s, Londres, 06-04-2022. © Sotheby’s Art Digital Studio
6.048 £ (7.245 €)
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L’usage extensif du
parchemin est une
signature propre à
Carlo Bugatti, qui
apparaît comme le
seul à cette époque en
Europe à en faire un
usage aussi régulier.
d’orfèvrerie qui sont autant de sculptures,
dans lesquelles il donne libre cours
à sa fantaisie créative. Ne perdant jamais
de vue la fonction de l’objet, Bugatti va
imaginer des théières, cafetières, sucriers,
cendriers, vases, coupes, plateaux, dont
il développe l’ornementation dans la
grande tradition de l’orfèvrerie classique,
mais une fois encore selon ses propres
règles. Ses pièces se parent d’un univers
animalier fantastique, teint d’humour et
de poésie, qui ne se veut pas seulement
décor mais également partie intégrante du
volume. Veuve d’un magnat sud-africain
qui avait fait fortune dans les mines d’or
du Transvaal, Anna Blake, arrivée à Paris
en 1902, est très vite fascinée par cette
orfèvrerie dont l’imaginaire grotesque
lui rappelle son pays natal. Elle devient
ainsi rapidement la meilleure cliente de
Bugatti. Vers 1907, dans une lettre envoyée
à l’artiste, elle lui commande un service à
thé et café en argent. Celui-ci lui renvoie
trois croquis différents mais, ne sachant
lequel choisir, Anna Blake lui commande
les trois, l’un ‘‘aux phacochères’’ (collection
du Cleveland Museum of Art), l’autre ‘‘aux
éléphants’’ (Collection Geoff Burr, Le Cap)
et le troisième ‘‘aux libellules’’, proposé à la
vente par Christie’s en novembre 2012. En
1910, l’artiste se retire à Pierrefonds (dans
l’Oise), commune dont il devient maire
durant la Première Guerre mondiale. Il
continue à participer aux Expositions
internationales où il présente des pièces
d’orfèvrerie, avant de rejoindre l’Alsace en
1935 pour s’installer dans un appartement
de la remise nord de l’usine automobile de
son fils Ettore Bugatti, à Molsheim, où il
finira par décéder.
Paire de chaises d’appoint, ca. 1900, noyer, laiton, étain, ébène, H. 99,1 cm. Christie’s, New York, 12-06-2014.
© Christie’s Images Ltd. - 30.000 $ (22.164 €)
UN MARCHÉ TRÈS ÉTROIT
La singularité des œuvres de Carlo Bugatti
fait de lui un artiste très collectionné, et
ce depuis 1900. Editées à un très petit
nombre d’exemplaires, dont une partie
est déjà conservée dans des collections
publiques internationales, très peu de ses
créations demeurent encore en mains
privées. Beaucoup, bien sûr, se trouvent
en Italie, pays particulièrement peu enclin
à les laisser quitter son territoire… Sonja
Ganne, présidente du département Design
du XXe siècle chez Christie’s, explique :
« C’est un marché très inégal, en dent de
scie, car il est très peu fourni en pièces de
très belle qualité. Fragile, le mobilier de
Carlo Bugatti a parfois subi d’importantes
restaurations, notamment dans le gainage
du parchemin, ce qui influe considérablement
sur son prix. Les fourchettes
s’échelonnent ainsi entre 3.000 ou 4.000
euros jusqu’à 60.000 euros, voire plus, pour
des pièces exceptionnelles. » Une table a
thé (ca. 1904), en bois parcheminé, à décor
de fleurs et d’insectes, était ainsi frappée
260.000 euros chez Christie’s, à Paris, en
novembre 2012. C’est toutefois Sotheby’s
Paris qui détient le record d’enchères
pour l’artiste avec 310.000 euros, obtenus
pour une paire de Chaises cobra (1902), en
novembre 2016. En revanche, en novembre
2019, la même obtenait ‘‘seulement’’
145.000 euros d’une paire similaire. « Du
côté de l’orfèvrerie, poursuit Sonja Ganne,
si certains prix peuvent être très soutenus,
à l’instar des 220.000 euros obtenus
en 2012 par Christie’s pour une Coupe
aux libellules de 1907, le public comme
les œuvres disponibles sont bien trop
restreints pour pouvoir parler d’un marché
autre que de niche ! »
59

Antoni Tàpies
Les murs
intérieurs
Il y a cent ans naissait l’artiste catalan Antoni Tàpies. Créateur prolifique,
il livra pendant près de 70 ans (entre les années 1940 et 2011) quelque
neuf mille œuvres qui célèbrent la matière, conduisent à l’introspection
et portent en elles les stigmates d’un XXe siècle conflictuel.
TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT
Matière en forme de pied, 1965, technique mixte sur toile marouflée sur bois. © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona / SABAM / photo : FotoGasull
60

Dans les années 1960,
la réception critique
des œuvres de Tàpies
confère à l’artiste une
place de premier plan
au sein de l’avantgarde
nationale et
internationale.
Issu d’une famille très engagée dans
la vie culturelle barcelonaise, Antoni
Tàpies (1923-2012) apprend à peindre,
en autodidacte, dès son plus jeune
âge. Un apprentissage qui s’intensifie en
1942-1943 : une affection pulmonaire le
conduit en convalescence dans différents
sanatoriums où le jeune homme passe
une bonne partie de son temps à lire et
à dessiner. Remis sur pied, il entame des
études de droit à l’Université de Barcelone,
tout en livrant ses premiers portraits et
autoportraits marqués par l’influence de
Picasso, du surréalisme et des courants
d’avant-garde. Farouchement opposé à
l’académisme, il renonce aux techniques
classiques telles qu’enseignées dans les
écoles d’art pour explorer de nouvelles
perspectives expérimentales. Dès 1945,
cessant d’envisager la peinture à l’huile
comme un médium neutre et illusionniste,
Tàpies pousse la discipline dans ses
retranchements en la mélangeant à des
pigments de chaux, créant naturellement
ses premiers empâtements. Fort de cette
expérience, il poursuit en introduisant des
matériaux ‘‘pauvres’’ ou à portée de main :
grains de riz, ficelle, corde, papier hygiénique…
« Il y a parfois dans mon œuvre un
hommage aux objets insignifiants : papier,
carton, détritus... », disait-il. En 1971, le critique
Jacques Dupin poussait la réflexion.
À ses yeux, la main de l’artiste a emprunté
ces matières pour « les recueillir et les sauver
de l’abandon, de la fatigue, de la déchirure,
de la marque du pas de l’homme et
de celle du temps. » Assez étonnamment,
Antoni Tàpies atteint très tôt sa maturité
artistique. Le peintre s’éloigne de la
Panier à œufs et journal, 1970, objet-assemblage. Collection privée, Barcelone.© Comissió Tàpies
figuration à mesure qu’il se consacre à son
aventure matiériste, cherchant à créer
une surface opaque à l’image d’une paroi
ou d’un mur. D’ailleurs, l’artiste nommait
lui-même ses œuvres ‘‘murs’’, notamment
en référence à son nom de famille (Tàpies
signifiant ‘‘murs’’ en catalan).
UNE INFINITÉ DE TEXTURES
ET DE RELIEFS
Tàpies s’emploie à créer de l’épaisseur en
réalisant des émulsions, en appliquant du
goudron en larges couches. Gratter, coller,
griffer, lacérer ou encore creuser deviennent
ses principaux gestes créateurs. Le corps
à corps avec la matière est palpable. Sur
la toile se confondent les incisions, les
marques, les empreintes et les perforations.
Dans ces pâtes épaisses viennent se rencontrer
des signes graphiques et symboliques
: triangles, cercles, croix qui renvoient
à des références archéologiques, mystiques
ou historiques. Le tout présentant une
infinité de textures et de reliefs. Autant
Antoni Tàpies devant une gravure sur bois de
grand format dans l’atelier Stoob, à Saint-Gall,
1993. © photo : Franziska Messner-Rast, 2023
61

En mémoire de Salvador Puig Antich, 1974, technique mixte sur toile. © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona / SABAM / photo : FotoGasull
« L’œuvre de Tàpies
nous rappelle
l’importance de
suivre le déroulement
historique, politique
et social, et les
changements qui
se produisent dans
le monde sans être
déconnecté de la
réalité. »
CHRISTEL TSILIPARIS
d’œuvres qui prennent une dimension quasi
géologique, caractère renforcé par le choix
de teintes ocres, grises et brunes. Dans les
années 1960, la réception critique de ses
œuvres confère à l’artiste une place de premier
plan au sein de l’avant-garde nationale
et internationale. Les expositions prestigieuses,
tant collectives qu’individuelles,
se succèdent (New York, Zurich, Cassel…).
Parallèlement, ses créations s’échangent à
des prix qui confirment la reconnaissance
et l’importance de son travail. Fidèle à sa
quête matiériste, et dans le sillage de Marcel
Duchamp, Antoni Tàpies intègre durant
la décennie suivante des fragments de la réalité
extérieure. Il introduit dans sa composition
de véritables objets reconnaissables,
souvent banals et usagés (t-shirt, assiettes,
boîtes…), continuant de revaloriser des
rebuts privés de leur utilité. Aussi, quelques
œuvres présentent des objets échangés
entre artistes, comme Ouera i diari (Panier
à œufs et journal) avec Joan Brossa.
REFLETS D’UN XXE SIÈCLE CONFLICTUEL
Moins formaliste qu’il n’y paraît, la démarche
d’Antoni Tàpies est ancrée dans la
réalité. Son art a toujours été lié à l’histoire
et à la politique de son pays, touché par la
guerre civile, la Seconde Guerre mondiale
et le franquisme. Les événements politiques
se retrouvent régulièrement invités
dans des titres plus ou moins explicites
ou dans les œuvres elles-mêmes. C’est
notamment le cas de A la memòria de Salvador
Puig Antich, en hommage à un jeune
anarchiste exécuté en 1974, ou de Caixa de
la camisa roja, allusion à l’indépendantiste
catalan Lluís Companys, fusillé en 1940.
« Si je peins comme je peins, c'est d'abord
parce que je suis catalan. Mais, comme
tant d'autres, je suis atteint par le drame
politique de l'Espagne tout entière. (…) Je
veux inscrire dans ma peinture toutes les
difficultés de mon pays, même si je dois
déplaire : la souffrance, les expériences
douloureuses, la prison, un geste de révolte.
L’art doit vivre la vérité », expliquait-il en
1971. Fin lettré, Antoni Tàpies orienta une
partie de ses nombreuses lectures vers
les religions orientales et les philosophies
asiatiques. Ses gammes chromatiques,
multipliant les bruns, les ocres, les rouges,
lui apparaissent favorables à l’introspection.
Voilà un autre fondement de sa
pratique : l’artiste nous invite à regarder
62

« Tàpies est l’exemple
de l’artiste en vogue
de son vivant qui
connaît après sa
mort une certaine
désaffection. »
ANTOINE LAURENTIN
ses œuvres autrement, que l’on passe du
temps à déceler leurs mystères… Au début
des années 1980, sa peinture présente
quelques changements formels et conceptuels.
L’artiste utilise pour base de son
œuvre le vernis, manié comme de l’encre,
qui devient un protagoniste à part entière.
La tendance de ces vernis à se ‘‘répandre’’
sur le support ouvre un monde de possibilités
qui invite l’imprévu et le hasard,
lui permettant de jouer avec les transparences,
le désordre, les taches, l’informe.
Pendant les deux dernières décennies de sa
vie, son travail s’imprègne peu à peu d’un
sentiment de mélancolie. L’artiste continue
de jouir d’une grande reconnaissance
mais l’abattement, la maladie et la douleur
prédominent. Et pourtant, il ne cesse à
aucun moment de souligner l’importance
de l’art comme lanceur d’alerte au service
Dukkha, 1995, technique mixte et assemblage sur bois. Collection privée, Barcelone. © Comissió Tàpies
de la société. Consterné par l’épuration
ethnique qui se déchaîne en Bosnie, il
réalise en 1995 une des œuvres les plus
iconiques des années tardives, Dukkha.
Dans le cadre de la Présidence espagnole
du Conseil de l’Union Européenne, BOZAR
présente un panorama complet de son
travail, épinglant pour chaque période de
nombreuses œuvres-clés. En charge de
l’accrochage, Christel Tsiliparis précise :
« Je pense que Tàpies souhaiterait que les
spectateurs prennent vraiment le temps de
lire, de regarder et de développer un esprit
critique, et d’être informé. Comme le fit
Tàpies, son œuvre nous rappelle l’importance
de suivre le déroulement historique,
politique et social, et les changements qui
se produisent dans le monde sans être
déconnecté de la réalité. »
VISITER
Exposition Antoni Tàpies. La pratique de l’art
BOZAR
Bruxelles
www.bozar.be
du 15-09 au 07-01-2024
Un marché qui fait le grand écart
Autoportrait à la plume, 1945, encre de Chine sur
papier. © Fundació Antoni Tàpies, Barcelona /
SABAM / photo : FotoGasull
Avec un chiffre d’affaire atteignant
les 3.831.089 euros en 2022, Antoni
Tàpies se place, selon la plate-forme de
référence Artprice, à la 364e position
des artistes les plus performants. Le
site nous apprend que la majorité de
ses œuvres (57,8 %) se vendent en
France. Et pourtant, ses records sont
enregistrés à Londres. Sur la première
marche : 1.747.760 euros pour Gran ocra
amb incisions (1961). Les trois résultats
suivants se situent entre 962.195 et
1.112.580 euros. Le point commun entre
ces quatre œuvres remarquables est
d’avoir été produites entre 1957 et 1963.
Et pour cause, cette période, considérée
comme sa plus inventive, est aussi
la plus recherchée. Aux antipodes, des
techniques mixtes des années 1980
et 1990 qui atteignent péniblement
les 30.000 à 40.000 euros. Galeriste
spécialiste du marché de Tàpies,
Antoine Laurentin nous explique ce
grand écart : « Si sa production est
extrêmement abondante, le marché est
à l’inverse très sélectif. Les œuvres les
plus prisées sont celles créées entre les
années 1950 et 1970. Les réalisations de
cette période se situent généralement
autour des 250.000 euros. Aussi, le
reste de sa production n’a pas encore
atteint sa valeur véritable. Tàpies est
l’exemple de l’artiste en vogue de son
vivant qui connaît après sa mort une
certaine désaffection. Il faut dès lors un
peu de temps pour que l’on reprenne
conscience de l’importance de son
œuvre. » (gg)
63

Sarah Lucas
Kitsch et critique
« Sarah Lucas traite du quotidien
avec humour. Ce n’est pas donné à
tout le monde », déclarait Damien
Hirst, un des Young British Artists
exposés dès 1988, dont Sarah
Lucas fit également partie. Cette
dernière est entre-temps devenue
mondialement célèbre. Son
exposition personnelle à la Tate
Britain présente, entre autres, deux
versions de Sandwich (2004-2020 et
2011-2020), dont l’une est associée à
Cnut, installation regroupant divers
thèmes propres à son œuvre.
TEXTE : TAMARA BEHEYDT
Le surdimensionnement d’objets
quotidiens ou de scènes de l’environnement
personnel, dans une
mise en œuvre qui flirte avec le
kitsch, non dénuée d’une connotation
humoristique caractérise les œuvres de
plusieurs membres des Young British
Artists comme Damien Hirst, Tracey Emin
ou Sarah Lucas. Ces objets quotidiens
sont récurrents dans les photographies,
sculptures, installations et assemblages
de Sarah Lucas (1962) : entre autres, aliments,
cigarettes et toilettes. Un Sandwich
en béton, élaboré par l’artiste de 2011
à 2020, était exposé durant la dernière
Frieze, dans Regent’s Park à Londres. Par
leur format et le coin soulevé de la tartine
supérieure, ces Sandwiches font penser à
un matelas. Une banale consommation
quotidienne devient ainsi universelle, tout
en renvoyant aux infiltrations capitalistes
de la sphère intime. Deux œufs sur le plat
et un Kebab (1992), séminale œuvre-clé de
l’artiste, se compose d’une table en bois
vernie avec l’image verticale de deux œufs
sur le plat et d’un kebab semblant composer
un visage. Chaque fois qu’elle l’expose,
Sarah Lucas dispose ces composants sur
la table de façon à ce qu’ils évoquent deux
seins et une vulve et ajoutent ainsi une
couche métaphorique supplémentaire à
ce ‘‘visage’’. Manger a toujours joué un rôle
dans l’œuvre de cette artiste, qui utilise par
exemple souvent légumes et fruits comme
allusion aux organes sexuels (des mangues
en guise de seins, une orange pour illustrer
la vulve ou un concombre représentant le
pénis). Cette sexualisation des aliments
s’apparente à une blague d’un goût aussi
douteux qu’un pénis dessiné sur la porte
de toilettes publiques, mais l’œuvre de Sarah
Lucas explicite ainsi l’objectification,
la réduction et la consommation des corps
Cette sexualisation
des aliments
ressemble à une
blague d’un goût
douteux, mais explicite
l’objectification,
la réduction et la
consommation du
corps et de la sexualité.
et de la sexualité dans notre quotidien.
L’artiste s’est également rendue célèbre
pour ses autoportraits, dans lesquels son
propre corps devient instrument critique.
Dans Autoportrait avec œufs sur le plat
(1996), elle regarde droit dans l’objectif, les
œufs couvrant ses seins. Elle inverse le regard
masculin, mais là où Manet le faisait
avec grâce dans son Olympia, Sarah Lucas
pulvérise les conventions extérieures de la
féminité. Son regard se fait provocant, avec
ce sourcil levé. Une attitude peu flatteuse,
mais confiante et rebelle : penchée en
arrière, bras sur les accotoirs, jambes écartées.
Elle répond non seulement au regard
de l’observateur (masculin), mais semble
également lui demander : « Qu’est-ce que
tu regardes ? »
RÉVÉLATION D’UN SEXISME LATENT
Dans l’œuvre Cnut (2004), tirée d’un mot
trivial de la langue anglaise qui désigne le
vagin, une cuvette de toilette et un corps
assis, coupé à partir des épaules et donc
décapité, semblent avoir grandi ensemble.
La toilette, avec ses divers creux et tuyaux
64

Sandwich, 2004-2020, jesmonite, polystyrène et peinture, 65 x 250 x 190 cm. © de l’artiste / Courtesy Sadie Coles HQ, Londres
et sa connotation ‘‘salace’’ représente, aux
yeux de Sarah Lucas, la métaphore idéale
du corps humain et de ses organes. Elle
confère à cet être universel l’ensemble
des aspects corporels que nous préférons
cacher ou nier (digestion, excrétion,
odeurs). Ce corps assis est tout à fait
universel, ordinaire dans son attitude décontractée
: un corps féminin dans toute
sa splendeur, pas tels que les critères de
beauté le prescrivent ou que les médias et
l’art l’idéalisent souvent. En 2015, l’artiste
représentait la Grande-Bretagne à la
Biennale de Venise. Elle y présentait divers
meubles et sculptures en plâtre de corps
souvent coupés au niveau de la taille. Des
cigarettes conférant l’aspect d’un visage
à des parties de corps totalement différentes
dépassant des cavités corporelles.
Pour l’artiste, la cigarette, que la main
tient aussi dans Cnut, est une valeur sûre,
reconnaissable dans son œuvre (The Fag
Show présenté en 2000 par la galerie Sadie
Coles). Plus que l’attribut du fumeur, la
cigarette constitue un repère, une valeur
sûre qui revêt la même importance que le
Sandwich renvoie à la consommation
quotidienne en interpellant la banalité
universelle, mais aussi les infiltrations
capitalistes dans la sphère intime.
manger et boire, une façon de se donner
une attitude dans chaque situation et de
favoriser les contacts sociaux. En dépit de
l’évidence et de la nonchalance qui lui sont
inhérentes, fumer fait partie de l’intimité
de la vie quotidienne et constitue une
dépendance qui extériorise notre vulnérabilité.
Sarah Lucas n’hésite pas à mettre
l’accent sur ce qui est sale ou gênant dans
l’humain, et donc souvent romancé ou
systématiquement nié. Elle use de ce qui
peut passer pour un humour vulgaire,
‘‘gras’’ afin de questionner, entre autres, le
sexisme latent de la langue, des actions et
habitudes quotidiennes. Elle démasque,
en outre, l’humour comme compensation
sociale de la pudeur et de la gêne, pour
expliquer le côté banal et absurde de
chaque jour, l’ordinaire et le tabou que
nous y associons, pour les faire fusionner
en une sorte de kitsch. Une grande
tendresse se mêle en même temps à
cet humain universel qui s’inscrit dans
l’intimité de ses thèmes.
VISITER
Exposition Sarah Lucas, Happy Gas
Tate Britain
Londres
du 28-09 au 14-01-2024
65

La Longue Marche
d’Ai Weiwei
En plus de quatre décennies,
Ai Weiwei a produit une œuvre
imposante, diverse et paradoxale.
Artiste et activiste, il a puisé dans
son histoire personnelle et dans
les états du monde, les raisons de
sa colère, de son empathie et de
son ironie. A Rotterdam, une vaste
exposition décline les multiples
facettes de sa création.
TEXTE : GILLES BECHET
Un doigt d’honneur face à la
Cité interdite, sur la place
Tian’anmen à Pékin. Cet acte de
défiance adressé aux autorités
chinoises en 1995 par l’artiste Ai Weiwei
fut le premier d’une série intitulée Etude
de Perspective, qui compte plus d’une centaine
de photographies similaires prises
devant des symboles politiques ou culturels
comme la Maison-Blanche, le Kremlin,
la Tour Eiffel ou La Joconde. C’est aussi
devenu, pour l’artiste chinois, une carte de
visite et un emblème.
Gao Yuan, Portrait d’Ai Weiwei, 2012. © Ai Weiwei Studio
ENFANCE À LA DURE
Artiste et activiste, Ai Weiwei (1957) a
derrière lui une œuvre protéiforme où se
mêlent peinture, sculpture, ready-mades,
performances, installations, photos, vidéos
et films documentaires qui ont en commun
une expression d’injustice et de colère, un
sens de l’image immédiat et un goût pour
66

Crystal Ball, 2017, cristal, gilets de sauvetage, 100 x 100 x 100 cm. Collection privée. © Ai Weiwei Studio
DÉTRUIRE L’ANCIEN
Durant les premières années qui suivent
son retour en Chine, il produit peu, préférant
parcourir les marchés et les magasins
d’antiquités pour y racheter des objets
anciens. Il développe ainsi une connaissance
approfondie et une passion pour
l’artisanat traditionnel de son pays, qui
sera à l’origine de performances provocatrices
et controversées comme Dropping
a Han Dynasty Urn, en 1995, où il brise
un vase vieux de 2000 ans, reprenant mot
pour mot le dicton de Mao Zedong : « Pour
construire un nouveau monde, il faut détruire
l’ancien. » Il couvrira aussi des vases
antiques du logo de la boisson Coca-Cola
ou d’une couche de peinture industrielle
pour protester ironiquement contre la destruction
du passé prônée par la révolution
culturelle et par l’uniformisation engenl’ironie.
Agé d’un an à peine, l’artiste fut
exilé avec son père, le poète Ai Qing (1910-
1996), dans une région aride aux portes
du désert de Gobi. Il y survécut près d’une
dizaine d’années dans des conditions difficiles,
dans un abri creusé dans le sol, alors
que son père devait nettoyer les latrines
publiques du village voisin. Cette enfance
à la dure a profondément marqué son
œuvre, par un sens de la débrouillardise, un
rapport aux objets trouvés, une empathie
pour les exilés et les réfugiés, mais aussi
une opposition aux pouvoirs aveugles. De
retour à Pékin, à la fin des années 1970, il
s’y inscrit à l’école de cinéma et participe
aux premiers mouvements artistiques qui
émergent au cœur du désert créatif laissé
par la révolution culturelle (1966-1976),
à la faveur du bref ‘‘Printemps de Pékin’’
(1989). Lorsqu’il part pour l’Amérique,
l’artiste annonce à sa mère qu’il reviendra
en Picasso, même si c’est plutôt en héritier
de Duchamp qu’il regagne son pays. Aux
Etats-Unis, il découvre un art qu’il ne
soupçonnait pas, Marcel Duchamp, Andy
Warhol ou encore Jasper Johns. Le Français
le fascine par un art qu’il perçoit comme
ramené au cerveau et à des activités liées à
Dans une approche très ‘‘warholienne’’,
Ai Weiwei se met souvent en scène et en
représentation dans ses œuvres.
notre capacité de jugement. « J’ai toujours
admiré son humour et sa manière de combattre
les bras croisés », ajoute-t-il. A New
York, sans le sou, Ai Weiwei commence par
créer ses premiers ready-made avec des
objets qu’il trouve autour de lui, chaussures,
outils, instruments de musique ou
cintre, avec lequel il reproduira le profil de
Marcel Duchamp (Hanging Man, 1985). A
la différence de l’approche détachée et plus
conceptuelle du maître dadaïste, ses ready-made
sont liés à un vécu et, plus tard, à
un activisme politique. Cette pratique est
une constante dans son œuvre, où il aime
bousculer la signification qu’on attache
aux objets les plus banals. En transposant
ces artefacts dans d’autres matériaux, bois,
marbre, verre ou thé, il cherche à changer
la perception qu’on s’en fait et questionner
leur valeur et leur authenticité.
67

Porte métallique avec trous de balle, 2015. Collection privée. © Ai Weiwei Studio
Zodiac (Dragon), 2019, briques LEGO®, 190 ×
190 cm. Collection privée. © Ai Weiwei Studio /
photo: Albertina, Vienne – Lisa Rastl and Reiner
Riedler
« Mes mains
doivent toujours
travailler. Si les
mains ne travaillent
pas, le cerveau ne
fonctionnera pas. »
AI WEIWEI
drée par la mondialisation. Dans un esprit
plus surréaliste, il recompose des meubles
impossibles en assemblant des fragments
de mobiliers antiques ou en les faisant
fabriquer par des artisans héritiers des
techniques d’assemblage traditionnelles.
Fasciné par la maison que le philosophe
autrichien Ludwig Wittgenstein a fait
construire pour sa sœur, à Vienne, il se dit
que lui aussi peut le faire. Ainsi, élabore-t-il
les plans de sa maison-atelier de Caochangdi,
dans la banlieue de Pékin. Quelques
années plus tard, il fonde le bureau d’architecture
Fake Design et collabore avec les
architectes suisses Herzog & de Meuron
pour la conception du stade national de
Pékin, dit le ''nid d’oiseau'', emblème des
Jeux olympiques de 2008.
ENGAGEMENT POLITIQUE ET SOCIAL
Le grand tremblement de terre qui frappe
le Sichuan, en 2008, va bouleverser l’artiste
et renforcer son engagement politique et
social. Parmi les 90 000 victimes, nombreux
étaient des enfants, ensevelis sous
les décombres d’écoles mal construites sur
base de plans et à l’aide de matériaux non
fiables. Dès l’annonce de la catastrophe,
Ai Weiwei se rend sur place et, avec l’aide
de collaborateurs locaux, dresse une liste
des noms et dates de naissance des 5 197
enfants décédés, qu’il publie sur son site,
à la grande fureur des autorités chinoises.
Il n’en oublie pas pour autant ses réflexes
artistiques en réalisant une imposante
installation en forme de serpent composée
de sac à dos d’enfants, à l’image de
ceux retrouvés sous les décombres, ou en
reproduisant les barres de métal tordues
qui émergeaient des gravats pour les
transformer en de menaçantes sculptures.
Sa première exposition personnelle
remonte à 2004. Rapidement, il devient
une figure médiatique et est invité par les
grands musées pour y réaliser des expositions
comme celle de la Tate de Londres,
en 2010, où il présente Sunflower Seeds
dans le Turbine Hall. Cette spectaculaire
installation et ses 100 millions de graines
de tournesol en porcelaine, moulées et
peintes à la main, constitue une allégorie
du conformisme chinois, lorsque durant
la révolution culturelle, Mao Zedong
était comparé au soleil et sa population à
des fleurs de tournesol tournées dans sa
direction. Interdit de séjour et expulsé de
Chine en 2015, après un séjour en prison,
l’artiste s’installe à Berlin où il s’investit de
plus en plus dans des projets ‘‘non-chinois’’.
Avec Human Flow, il aborde le drame des
réfugiés avec un film tourné dans 40 camps
répartis dans 24 pays, tout comme dans
Tyr, où il transforme des bouées-chambres
à air en anneaux de marbre pour en faire
un empilement de sobres couronnes mortuaires
; de même que dans la gigantesque
sculpture en latex noir Law of the journey,
zodiaque de soixante mètres de longueur
flottant dans le vide, comprenant à son
bord les silhouettes de 258 réfugiés.
68

En transposant
des artefacts dans
d’autres matériaux,
bois, marbre, verre
ou thé, l’artiste
souhaite changer la
perception qu’on s’en
fait et questionner
leur valeur et leur
authenticité.
HOMME D’IDÉES
Aujourd’hui, Ai Weiwei travaille entouré
d’une équipe d’une trentaine de personnes
aux compétences diverses qu’il considère
comme sa famille. Même s’il reste
un manuel, l’artiste se perçoit comme un
homme d’idées. « Mes mains doivent toujours
travailler. Si les mains ne travaillent
pas, le cerveau ne fonctionnera pas », a-t-il
ainsi déclaré. Dans une approche très
‘‘warholienne’’, il se met souvent en scène
et en représentation dans ses œuvres. Ici,
il reprend la pose du petit réfugié kurde
dont on a retrouvé le cadavre échoué sur
une plage turque ; là, il apparait nu et
bondissant à l’arrière-plan de la transposition
en LEGO® du Cri de Munch. Dans
S.A.C.R.E.D., il représente le quotidien
banal et humiliant de sa vie en prison, lors
de ses 81 jours de détention en 2011, avec
des figurines en fibre de verre grandeur
nature de lui-même et de ses gardiens. Un
auto-centrisme qui peut agacer certains,
auxquels il répond qu’il fait de son personnage
un ready-made pour faire avancer les
projets qui lui tiennent à cœur. Ce faisant,
il adopte aussi un rapport décomplexé au
marché, déclinant ses œuvres iconiques
en multiples éditions et matériaux. Durant
la pandémie, lorsque la Chine et Wuhan
étaient sous cloche, il a ainsi imprimé sur
des masques chirurgicaux des gravures de
son fameux doigt d’honneur, mis en vente
sur eBay, ce qui lui aurait permis de récolter
plus de 1,4 millions de dollars reversés
à des associations humanitaires locales.
Sur le second marché, Ai Weiwei demeure
un nom porteur. Le choix est large depuis
des éditions de graines de tournesol en
porcelaine valant une bonne dizaine
d’euros, des éditions de photographies ou
des éditions de son doigt en bois, verre
ou métal, jusqu’à des œuvres muséales,
un vase Coca-Cola, vendu 665.000 dollars
chez Phillips en 2014, Forever Bicycles,
assemblage de 42 fragments de bicyclettes
pour 730.310 dollars chez Sotheby’s Hong
Kong, en 2015, ou encore ses douze têtes
Surveillance Camera with Plinth, 2015, marbre.
© Ai Weiwei Studio / photo : Albertina, Vienne – Lisa
Rastl and Reiner Riedler
en bronze d’animaux du fameux zodiaque
du Palais d’été, dispersé en 1860, vendues
pour 3,4 millions de livres sterling chez
Phillips, à Londres. Désormais ancré en
Occident, mais profondément imprégné
de culture chinoise, Ai Weiwei est l’artiste
global par excellence. Paradoxal et disruptif,
il est convaincu que tout est art et peut
devenir objet de réaction ou de réflexion.
VISITER
Study of Perspective, Eiffel Tower, 1999. Albertina, Vienne – The ESSL Collection. © Ai Weiwei Studio /
photo : Mischa Nawrata
Exposition Ai Weiwei. In search of
Humanity,
Kunsthal
Rotterdam
www.kunsthal.nl
du 30-09 au 03-03-2024
69

A Dream of Wholeness in Parts, 2021, film. © de l’artiste / Courtesy Chi-Wen Gallery / Soft Opening
Sin Wai Kin
Dédoublement
de personnalité
Entre Jessica Rabbit et Marilyn Monroe, les archétypes surréalistes de
Sin Wai Kin explorent l’identité de genre, critiquent la représentation
de la féminité, les normes de beauté et l’imagerie ultra-sexuée. Dans
l’air du temps, l’artiste visuelle canadienne questionne sans cesse la
notion de non-binarité avec ces maîtres-mots que sont l’intensité, la
performance et la théâtralité…
TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT
70

Née Victoria Sin à Toronto en 1991,
Sin Wai Kin impose son esthétique
sur la scène internationale.
Nommée au Turner Prize 2022,
elle remporte en 2023 le Baloise Art Prize
(Art Basel). Et d’emblée, on commet une
erreur. L’artiste – qui s’exprime par la performance,
l’image animée, l’écriture, l’installation
et l’édition de fanzines – demande
à être évoquée, non par le pronom genré
‘‘elle’’, ni même par le très clivant et actuel
‘‘iel’’, mais par l’emploi de ‘‘ils/elles’’ (they/
them). Oubliez dès lors le singulier, la jeune
femme revendique sa pluralité, se considérant
métisse et non-binaire.
Sin-Wai Kin dénonce
la représentation
de la féminité, les
normes de beauté
occidentales,
l’imagerie sexuée…
NOM CHINOIS
Diplômée du Camberwell College of Arts et
du Royal College of Arts (Londres), Victoria
Sin est âgée de 17 ans lorsqu’elle commence
à s’intéresser à l’univers drag, soit des performances
utilisant le vêtement, le maquillage
et la coiffure pour créer une incarnation
exagérée de la féminité. Fréquentant les
bars gays, elle s’investit sur la scène créative
queer, travaillant à déconstruire le genre. Au
même moment, elle prend conscience de sa
non-binarité. Un constat qui nourrit inlassablement
sa pratique. Depuis 2017, Victoria
Sin joue de la fiction spéculative, employant
les plus diverses métaphores, pour tirer à
boulets rouges sur nos attitudes et comportements
normatifs vis-à-vis du genre et des
discours historiques sur l’identité. Explorant
sans relâche l’univers drag, l’artiste dénonce
la représentation de la féminité, les normes
de beauté occidentales, l’imagerie sexuée…
En mars 2021, à l’occasion de la présentation
de son film A Dream of Wholeness in Parts,
Sin Wai Kin annonce la mise en retrait de
‘‘Victoria Sin’’. Une déclaration réalisée par
l’intermédiaire de la revue digitale NOWNESS
(qui lui consacre le premier épisode d’une
série commandée par Art Basel). Un retour
à ses origines : Sin Wai Kin étant le nom
chinois qui lui a été donné à sa naissance.
MOI EST UN AUTRE
Dans ce « rêve de plénitude », Sin Wai Kin
marie la dramaturgie chinoise traditionnelle
et l’univers drag-queen. Cet arrêt sur image
réunit les deux protagonistes, apathiques
et complètement artificiels. Assis face à
face, ils se dévisagent. Symbole politique
par excellence, un échiquier les sépare. Ils/
elles semblent en tous points identiques.
Perruques foncées, blazers un peu trop
ajustés, jupes assorties qui rappellent le look
des pin-up des années 1950, des chaussures
à plateformes massives décorées des fioritures
habituellement réservées aux robes de
mariée. Et que dire de leurs décolletés, imposantes
poitrines en plastique sur lesquelles
ruissellent des cascades de strass ? Et pourtant,
un détail les distingue : leur maquillage.
Voilà l’une des caractéristiques des opéras
cantonais et pékinois, productions ayant
inspiré l’artiste, dans lesquels les rôles sont
strictement établis. Sin Wai Kin rapproche
le premier individu de l’archétype féminin
(se prénommant Dan), avec le rose et le bleu
pour couleurs dominantes, soit des teintes
qui symbolisent l’intégrité et la vigueur.
Aussi, la direction de ses sourcils lui confère
un air innocent, discret et doux. Le rôle
masculin, Sheng, présente du jaune et du
vert, soit des couleurs associées à la ruse et
à l’irascibilité. Ses sourcils le font apparaître
en colère ou cruel. Sur les murs, deux œuvres
faisant directement référence à d’autres
scènes du film. La plus évidente, cette Vénus
de Botticelli qui renvoie explicitement à un
plan dans lequel Sin Wai Kin pose, debout,
poitrine nue, sur un rocher battu par les
vagues de la côte chinoise. La citation est
limpide, la symbolique multiple.
SURFER
www.art.baloise.com
71

Le couteau
Arme et ustensile aux multiples métamorphoses
Il figure parmi les tout premiers objets fabriqués par l’homme, parmi
les plus utiles aussi puisqu’il permet de trancher, de séparer, de gratter,
d’embrocher… Mais, si le couteau est avant tout pratique, il endosse
aussi un rôle symbolique, reflétant le niveau social, la richesse, tenant
place dans certains rituels. Toutes ces raisons expliquent pourquoi le
couteau a toujours fait et fait, aujourd’hui encore, l’objet du plus grand
soin dans sa confection.
TEXTE : ANNE HUSTACHE
Lorsqu’en 1991 fut découverte la
momie d’Ötzi, homme du néolithique
mort il y a environ 4600 ans, elle
était accompagnée de divers outils
et armes, dont un couteau. Les recherches
ont récemment démontré qu’il s’agissait plus
d’un marqueur social que d’un instrument
puisqu’il ne semble pas avoir été utilisé. Mais
sa forme cependant et les matières utilisées
(silex taillé fiché dans un manche de bois)
correspondent bien à ce qu’utilisèrent nos
plus anciens ancêtres. La lame de métal apparaît
chez les Romains et prend rapidement
le dessus sur d’autres matières. Pendant
longtemps, le couteau sert essentiellement
de tranchoir à table, où chacun mange avec
les doigts. Mais il aide aussi à ‘‘piquer’’ les
morceaux pour les déposer ensuite dans son
assiette. Chacun apporte alors son propre
couteau. Née au Moyen Âge, la fourchette
ne se répandra que petit à petit et l’usage
des couverts, tels que nous les connaissons
aujourd’hui, n’apparaît qu’au XVIIe siècle,
pour ne se généraliser qu’au XVIIIe siècle.
Apparat
-3600 / -3300 av. J.-C.
Ce magnifique couteau d’apparat n’a jamais
servi : il ne comporte en effet aucune
trace d’usure. En outre, son manche est
richement orné sur ses deux faces, celle
à l’avant de scènes de bataille et navigation,
renvoyant sans doute à des victoires
militaires égyptiennes. Celle à l’arrière,
qui comporte une ‘‘bossette’’ servant sans
doute à attacher le couteau, comporte
des scènes mythologiques qui témoignent
d’une influence mésopotamienne, tant au
niveau du thème (maître des fauves) que
du style. Lorsque ce couteau fut proposé
à la vente, sa lame de silex était séparée
du manche. Ce sont les spécialistes du
Louvre qui ont compris que les deux parties
s’emmanchaient parfaitement.
Couteau du Gebel el-Arak, Egypte, Nagada II, silex,
ivoire d’hippopotame, L. 25,50 cm. Paris, Musée
du Louvre, inv. E 11517. © Musée du Louvre/ photo :
Christian Décamps
72

Eplucheur ?
IIIe siècle
Ce couteau à lame d’acier rappelle que les Romains furent les premiers, en
Europe, à réaliser cet outil en métal. Ils ont d’ailleurs multiplié les couteaux,
spécifiant leur usage par des noms précis. On leur doit aussi l’invention du
couteau pliant, particulièrement prisé des soldats. Ce petit couteau était
d’usage courant et, comme d’autres exemplaires de ce type, son manche est
sculpté. Celui-ci est façonné en forme de bras, dont la main tient une forme
sphérique. Est-ce un fruit ? Il indique ainsi la fonction possible de l’ustensile.
Mais, peut-être cette main tendue, offrant un orbe, revêt-elle une signification
symbolique ?
Couteau au manche orné d’une main tenant un orbe, Rome, alliage de cuivre, acier, 13,4 x 1,1 x
1,2 cm. New York, The Metropolitan Museum of Art, inv. 17.192.253.
Droit au cœur
1450-1521
Les sacrifices humains sont caractéristiques des cultures méso-américaines,
et dans l’enceinte du grand temple de l’ancienne Mexico (Tenochtitlan), les
prêtres offraient aux dieux le cœur fraîchement arraché de leurs victimes. De
nombreux couteaux sacrificiels ont ainsi été préservés, mais celui-ci est particulièrement
rare. D’une part, parce qu’il est entier, d’autre part parce que la
somptuosité de son décor suggère qu’il n’était pas destiné à l’usage rituel mais
plutôt comme un don symbolique. Son manche prend la forme d’un homme
accroupi : il s’agit d’un ‘‘chevalier aigle’’, représentant de l’élite militaire. Dans la
mythologie mexicaine, l’aigle symbolise la force du jour et est sensé conduire
le soleil, chaque matin, du monde souterrain vers le ciel.
Couteau sacrificiel, Mexique, culture Aztèque ou Mixtèque, calcédoine
(lame), bois de cèdre (manche), mosaïque de turquoise et
coquillages, malachite, fibre d’agave, L. 32,3 cm. Londres, The British
Museum, inv. Am, St.399. © The Trustees of the British Museum
Cadeau d’amour
1597
Offrir, de la part du futur marié à la mariée, un set de deux couverts, soit une
fourchette et un couteau dans un étui, fut un temps assez courant. Ce couteau au
manche d’or, délicatement décoré de nielle, en constitue un bel exemplaire. Ces motifs,
typiques du XVIe siècle, que sont grotesques, chérubins, médaillons et dieux de
la mythologie, ont directement été inspirés d’un recueil de gravures traitant de l’ornement,
réalisé par Théodore de Bry (1528-1598). Ce graveur, originaire de Liège, qu’il
quitta parce qu’il était protestant, fut surtout célèbre pour ses illustrations des récits
entourant la découverte du Nouveau Monde. Mais le décor de ce couteau reprend
directement des motifs sciemment composés pour orner les manches de couverts.
La date et les initiales sont gravés sur l’un des côtés de l’objet.
Couteau de couverts de mariée, Pays-Bas du Nord, or, fer, nielle, 16,6 x 2,1 cm. Amsterdam, Rijksmuseum,
inv. BK-1975-79-B.
73

A la mode
1687
Ce type de couteau était très prisé dans le dernier quart du XVIIe siècle. Il se compose
d’une lame d’acier au bout arrondi (caractéristique de la production de Sheffield) et
d’une figurine féminine habillée à la mode de l’époque. Toutefois, les traits du visage
de la belle figurant sur le manche sont plutôt indiens, ce qui indique que l’ivoire aurait
été sculpté à Goa, alors que la ville était sous domination portugaise. Souvent, des artisans
locaux réalisaient ces produits destinés à l’exportation. Ce couteau a été assemblé
par un certain Vigo, coutelier de Sheffield, qui a gravé son nom sur la lame.
Vigo, Couteau, Sheffield, acier et ivoire, L. 21,7 cm. Londres, The Victoria and Albert Museum, inv.
CIRC.63-1909.
Impérial
ca. 1760-1770
Ce couteau provient d’un service à dessert
que l’impératrice Marie-Thérèse d’Autriche
offrit à Madame Geoffrin, en 1770. Marie-
Thérèse Rodet, épouse Geoffrin, joua un
rôle essentiel dans la vie parisienne de
son époque : salonnière de premier plan,
elle reçut les grandes personnalités du
monde littéraire et tissa un réseau de
relations à l’échelle de l’Europe. Sa réputation
était telle qu’elle fut reçue à Vienne
par l’impératrice Marie-Thérèse. Suite à
cette rencontre, elle se vit offrir ce service
de porcelaine envoyé par la souveraine
elle-même. Il fut produit par la Manufacture
de porcelaine de Vienne, fondée par
Du Pasquier en 1717. L’envoi, en 1758,
par Louis XV d’un service en porcelaine
de Sèvres à la Cour de Vienne y suscita
une évolution stylistique vers les modèles
français. Ce service illustre parfaitement
cette influence. Si le profil de la plupart
des pièces relève d’une esthétique rocaille
germanique, le décor de rubans peints de
bleu rehaussé d’or, scandés par des nœuds
moulés alternant avec des palmettes
peintes à l’or sur fond blanc, est d’esprit
purement français.
Ignace-Joseph Würth, Couteau d’un service à dessert,
Manufacture impériale de Vienne, porcelaine,
vermeil, L. 24 cm. Paris, Musée du Louvre, inv.:
OA.2020.23.13.3. © Musée du Louvre / photo : Hervé
Lewandowski
Oriental
XVIIIe siècle
Arme blanche orientale, le khanjar (ou cangiar) est originaire de Perse. La
délicate courbure de sa lame d’acier, avec crête centrale et pointe gonflée, ainsi
que les volutes élégantes de son manche en font une pièce caractéristique du
costume masculin oriental. Ce couteau cérémoniel s’est largement répandu
dans le monde islamique, notamment dans la péninsule Arabique, plus particulièrement
au Sultanat d’Oman où il est considéré comme un symbole culturel
national. Il se glisse traditionnellement à la ceinture. Cet exemplaire ancien
fut réalisé dans l’Inde moghole, comme l’indique le superbe motif émaillé de
sa poignée au pommeau arrondi, incrustée d’or et de pierres précieuses, formant
tiges de défilement d’où émergent bourgeons et fleurs de lotus.
Khanjar (dague ou couteau cérémoniel), Inde, acier, émail, or, pierres précieuses, L. 32 cm.
© Oriental Art Auctions
74

Délicat
ca. 1899-1908
Multiforme et multi-usage, le couteau peut aussi servir des causes plus
intimes, comme ouvrir les enveloppes et l’on aime à imaginer que ce délicat
coupe-papier ornait le bureau d’une dame en attente de tendres missives.
Rarement un si bel équilibre aura été atteint entre la forme, d’une sobriété
presque austère, et le décor floral, symétrique et pourtant plein de vie.
L’influence de l’Art nouveau s’y fait subtilement sentir. Si Karel Fabergé est
surtout connu pour ses fameux œufs, il était avant tout joaillier, créant bijoux
et précieux objets de fantaisie.
Karl Fabergé, Couteau coupe-papier, Moscou, argent, L. 25,5 cm. © Sotheby’s
Présidentiel
1934
Cet exceptionnel et important couteau pliant a appartenu
à Albert Lebrun, Président de la République française entre
1932 et 1940. De style laguiole (lame et manche droits),
il fut fabriqué par le coutelier Thérias, à Thiers, avec un
manche en ivoire sculpté par le génial Nicolas Crocombette
(1863-1955), devenu à la fin du XIXe siècle un décorateur
hors-pair de manches de beaux couteaux et considéré
depuis comme quasiment sans égal. Les flasques en ivoire
sont ici sculptées de têtes de femme au bonnet phrygien,
symbole de la République, et de fleurs. A deux lames, un
poinçon et un tire-bouchon en acier, par ses fonctionnalités,
cette pièce n’est pas sans rappeler les fameux couteaux
créés en 1890 à la demande de l’Armée suisse.
Nicolas Crocombette pour Thérias, Couteau pliant, France, ivoire, acier, L. 61
cm (ouvert). Goxe Belaisch / Hôtel des Ventes, Enghien, 06-02-2022. © Goxe
Belaisch - 55.000 €
Retour aux sources
2016
Le designer brésilien Klivisson Dennison Campelo dos Santos souhaitait
créer un couteau de cuisine, à la fois esthétique et multifonctionnel.
Il s’est spontanément tourné vers les premiers couteaux connus de
l’Histoire, les silex bifaces, pour en comprendre la géométrie interne. Le
couteau de cuisine IP Knife est ainsi né de ces recherches : en épurant
les lignes, le créateur est arrivé à un couteau au profil fuselé, d’un design
assez futuriste, caractérisé par des formes géométriques chevauchant
des figures organiques. Fabriqué en pierre taillée, l’objet se décline en
deux couleurs, le noir corbeau ou le blanc neige.
Klivisson Campelo pour Monkiy’s Design, Couteau IP, 2016, pierre, L. 20 cm.
© de l’artiste / Monkiy’s Design
75

Kurt Peiser
Peintre de
l'empathie
Campo & Campo (avec 136 tableaux) et le musée De Reede (avec 35
œuvres graphiques) consacrent simultanément une exposition à ce
peintre un peu oublié qu’est Kurt Peiser, grâce à la passion de deux
collectionneurs. Rencontre avec Pierre Buch, qui a sélectionné les œuvres
et nous parle de son talentueux grand-père.
TEXTE : BEN HERREMANS
Blizzard, ca. 1950, huile sur toile, 56,5 x 64,5 cm. © Pierre Buch
76

Ces deux expositions
visent à prouver
qu’il avait atteint la
perfection tant sur le
plan technique que
dans le choix de ses
thèmes et l’expression
des émotions.
Le peintre, dessinateur et graveur
anversois Kurt Peiser (1887-1962) a
légué une impressionnante œuvre,
demeurée toutefois méconnue.
Depuis vingt ans, Pierre Buch étudie de
près l’œuvre de son grand-père, intérêt
qu’il qualifie de passion aux motivations
émotionnelles. « Cela occupe mes pensées
tous les jours. Ma banque de données
contient douze mille documents. L’exploration
de son œuvre est une initiative
intime, qui s’accompagne de nombreux
souvenirs personnels. Mais il faut que le
monde sache qui était Kurt Peiser pour
apprécier son œuvre. » Il est né à Anvers
et mort à Uccle. D’origine juive allemande,
ses parents quittent Berlin pour Anvers
en 1885. Son père, chimiste de renom, est
employé comme directeur de la sucrerie
de Tirlemont. Son fils devient, dans le
cadre de sa formation artistique, élève
de Gerard Jacobs à l’Académie royale des
Beaux-Arts d’Anvers où il expose, pour la
première fois, en 1907. Sept ans plus tard,
une deuxième exposition entraîne une
sanction pécuniaire pour ‘‘outrage aux
bonnes mœurs’’ : onze tableaux en sont
retirés. Durant la Première Guerre mondiale,
il s’établit à Bruxelles où ses parents
habitent déjà. Il épouse Renée Groeninckx,
elle-même peintre, avec laquelle
il a une fille, Irma. Kurt Peiser élabore une
œuvre vaste et variée, tant sur un plan
technique que thématique, des créations
graphiques aux peintures. La vie au port
d’Anvers et, plus tard, dans le quartier des
Marolles à Bruxelles furent ses principales
sources d’inspiration. Il a connu
son ‘‘moment de gloire’’ en 1929, avec une
exposition rétrospective en la prestigieuse
Galerie Georges Giroux, à Bruxelles. Mais,
à son décès, il disparaît totalement de
l’histoire de l’art.
Joyeux Soupeur, ca. 1928, huile sur toile, 61,5 x 50,5 cm, © Pierre Buch
MÉCONNU
Pierre Bruch, aux côtés des collectionneurs
Thomas Helmer et Jan Verstappen,
est l’organisateur des deux expositions
actuelles : « Ce projet a vu le jour à la
demande de Campo & Campo, explique
Jan Verstappen. Le musée De Reede, qui
avait organisé une exposition sur l’artiste
en 2018, s’est joint à nous. Les galeries
notent qu’il existe une demande d’œuvres
de qualité de l’artiste, qui obtiennent des
résultats élevés aux enchères. Leur valeur
marchande varie selon les thèmes abordés.
Il y a quelques années, chez Horta,
un autoportrait était adjugé 8.000 euros. »
De leur propre aveu, les deux collectionneurs
souhaitent ouvrir les yeux du public
et prouver que Kurt Peiser avait atteint
la perfection, tant sur un plan technique
que dans le choix de ses thèmes et l’expression
des émotions. Jan Verstappen :
« Kurt Peiser est un grand peintre, hélas
Kurt Peiser dans son atelier. © D. R.
77

COLLECT : Qui était Kurt Peiser ?
« C’était d’abord mon grand-père, avant
d’être un peintre qui remporta un certain
succès au début du XXe siècle. Sa vie
durant, il a travaillé et est quasi mort le
pinceau à la main. Sa production est, par
conséquent, immense. Il a parfois eu cinq
expositions par an. »
On le surnomme ‘‘le peintre de la misère’’…
« Ce n’est pas faux, mais un peu réducteur.
On lui a collé cette étiquette, mais Kurt
Peiser est bien plus que cela. En 2015, j’ai
rédigé l’ouvrage Kurt Peiser – Le peintre du
peuple. Si je devais le réécrire, je choisirais
plutôt comme sous-titre Le peintre
de l’empathie. Il peignait la douleur de
l’homme, telle qu’il la voyait. Avec empathie,
mais sans compassion. Il n’avait aucune
intention de porter accusations ou
protestations. Il souhaitait confronter son
public à la réalité de la rudesse de la vie,
sans le pousser à la compassion : rendre
avec réalisme ce que chacun éprouve à
la vue de cette réalité. Mais tout n’est pas
aussi noir dans son œuvre. Il a effectué de
superbes marines et vues de plages, dans
lesquelles règne aussi une grande joie. On
y voit des gens qui font la fête. »
Saturé d’alcool, 1924, huile sru toile, 94 x 74 cm. © Pierre Buch
« Il peignait la
douleur de l’homme,
telle qu’il la voyait.
Avec empathie, mais
sans compassion »
méconnu. Il est incompréhensible que les
musées possèdent aussi peu d’œuvres de
lui, car il produisait de véritables pièces
muséales. L’Accordéoniste fut exposé
récemment au Kunstuur de Malines. Ce
tableau provient de la collection de Hans
Bourlon, co-initiateur du Kunstuur, qui
l’avait acquis dans une galerie anversoise.
Il ne connaissait pas l’artiste, mais fut
émerveillé par cette œuvre. »
PEINTRE ET REPORTER
Le petit-fils de l’artiste, Pierre Buch (73
ans), a fait carrière dans l’édition de livres
d’art et est un photographe passionné. Il
a aujourd’hui l’impression, grâce à la préparation
de ces deux expositions, d’être
parvenu à comprendre l’objectif que
poursuivait son aïeul. Rencontre chez lui,
à Wezembeek-Oppem.
Cette appellation de ‘‘peintre du peuple’’
va dans le sens de ses convictions. Fils de
bonne famille, pourquoi est-il devenu
communiste ?
« C’est encore une fois cette empathie.
Les docks et usines du sud d’Anvers, les
terrains vagues tout autour et les quais de
l’Escaut, cela lui rappelait sa jeunesse. Les
enfants des dockers, ouvriers et bateliers
étaient ses amis. Cet univers l’attirait.
C’était son côté social. »
Communiste et juif, ce fut un avantage
pour sa carrière, non ?
« Il aborde à peine sa judéité dans son
œuvre. Cela ne l’intéressait pas vraiment. »
Qu’est-ce qui l’intéressait alors ?
« Kurt Peiser fut peintre et reporter de son
époque. Il peignait ce qu’il vivait. Et il le vivait
parce qu’il le peignait. Il peignait la vie du
peuple parce qu’il rencontrait de préférence
des gens ordinaires. C’est la raison pour laquelle
il fréquenta le port d’Anvers et les Marolles,
à Bruxelles. Il lui importait de rendre
compte, dans son œuvre, du spectacle de la
vie qu’il avait choisie. C’est le peintre de l’histoire
de la classe populaire. Mais ses thèmes
sont intemporels et universels. »
78

« Le succès
ou l’échec ne
l’intéressaient pas »
Pourquoi est-il tombé dans l’oubli ?
« Il fut catalogué comme peintre social.
Ses autres œuvres n’étaient plus montrées.
Et il s’est rendu compte que la bourgeoisie
préférait ne pas accrocher de tableaux de
personnes en déchéance. Mais le succès
ou l’échec, cela ne l’intéressait pas. »
Il ne suivait aucune tendance, comment
décririez-vous son style ?
« Il n’en faisait qu’à sa tête. Une seule chose
comptait : être juste. Il était techniquement
supérieur, ses gravures le montrent
clairement. Sur le plan des émotions et de
l’empathie, il fait partie des impressionnistes.
Mais dans ses efforts de montrer
‘‘la condition humaine’’, il est expressionniste.
Kurt Peiser synthétise à merveille,
avec une touche de réalisme, la sensibilité
impressionniste et la volonté expressionniste.
C’est ce qui le rend exceptionnel. Le
peintre Charles Degroux, le photographe
George Brassaï et l’Ashcan School étaient
ses références – pas sur le plan du style,
mais des thématiques. »
Kurt Peiser est un maître du clair-obscur
et un coloriste. Il ajoute même une touche
d’optimisme dans ses œuvres pessimistes.
« Il disait : ‘‘Le soleil brille même par un
jour gris, parce qu’il brille dans mon cœur’’.
De fait, un tiers de lumière, deux tiers
d’ombre, telle était sa formule. Il admirait
Rembrandt et Goya. »
Quels furent les critères de sélection pour
ces deux expositions ?
« Je souhaite libérer Kurt Peiser des étiquettes
qui lui restent collées, le montrer
dans son intégralité, avec des choses que
nul ne connaît de lui et illustrer de cette
façon l’immense variété de son œuvre.
Mais révéler en même temps la cohérence
dans cette diversité. »
Comment définiriez-vous cette cohérence ?
« L’obsession de s’améliorer sans cesse. De
se rapprocher davantage des sentiments de
ses personnages. De mieux les comprendre
pour mieux pouvoir les reconstruire. Il est
allé très loin dans cette amélioration de soi. »
À quel moment considérez-vous que ces
expositions sont réussies ?
« Quand les visiteurs sont fascinés, peut-être
au-delà de leurs préjugés, par ce qu’ils voient
et quand ils disent : ‘‘Comment se fait-il que
nous ne connaissions pas cet artiste ?’’ Pour
qu’ils se rendent compte qu’il y a toujours des
choses nouvelles à découvrir. »
Pierrot, 1962, huile sur toile, 160 x 100 cm. © Pierre
Buch
VISITER
Kurt Peiser
Campo & Campo
Berchem
www.campocampo.be
du 08-09 au 07-10
Kurt Peiser
Musée De Reede
Anvers
www.museum-dereede.com
du 08-09 au 04-12
SURFER
Kermesse de Louvain, 1930, huile sur toile, 72 x 100 cm. © Pierre Buch
www.kurtpeiser.be
79

Focus
International
85.305.800 £ (99.204.000 €)
Gustav Klimt, Dame à l’éventail, 1917-1918, huile
sur toile,100,2 x 100,2 cm. Sotheby’s, Londres,
27-06. © Sotheby’s Art Digital Studio
189.000 £ (220.000 €)
Ahmed Mater, Magnetism (Triptych), 2021, tirage photographique,
136,7 x 319,3 cm. Christie’s, Londres, 28-06. © Christie’s Images Ltd.
ON A VENDU
Le dernier Klimt
chez Sotheby’s
Une œuvre fameuse de Gustav
Klimt, Dame à l’éventail, que
l’artiste réalisa durant la dernière
année de sa vie, était adjugée le 27
juin à Londres pour 85,3 millions de
livres sterling (99,2 millions d’euros)
chez Sotheby’s. Il s’agit d’un nouveau
record européen toutes catégories
confondues. Gustav Klimt
avait entamé la toile en 1917, une
année avant sa mort, à l’âge de 55
ans. On y voit une femme brune,
à l’identité inconnue, vêtue d’une
robe ample et l’épaule dénudée,
tenant un éventail à la main. Derrière
elle, on retrouve les motifs et
couleurs souvent vus chez l’artiste,
tels que oiseaux bleus et verts, ou
fleurs sur fond jaune doré. Cette
toile faisait partie d’une collection
privée depuis 1994, qui l’avait alors
acquise 12 millions de dollars, déjà
chez Sotheby’s. Il s’agit, selon Artprice,
d’une plus-value de +805%
en 29 ans.
Record pour
Ahmed Mater chez
Christie’s
L’œuvre s’inspire des rituels
complexes du Hajj, le pèlerinage
annuel à La Mecque au cours
duquel les fidèles tournent autour
du sanctuaire en forme de cube
connu sous le nom de Kaaba, dans
le sens inverse des aiguilles d’une
montre. Œuvre du Saoudien
Ahmed Mater (1979), Magnetism
fut exposé pour la première fois
sous la forme d’une installation
à la Biennale de Venise en 2009,
des variantes ayant ensuite été
exposées au British Museum, au
Victoria and Albert Museum et à
l’Arab American National Museum
de Détroit. En 2016, l’artiste
devenait le premier saoudien
à bénéficier d’une exposition
personnelle au Smithsonian
Institute de Washington, D.C. Une
version imposante, en triptyque,
de cette œuvre séminale faisait
partie de la vacation en art des
XXe et XXIe siècles, organisée par
Christie’s London, le 28 juin. Elle
établissait un record du monde
pour l’artiste en s’adjugeant
189.000 livres sterling (220.000
euros). Ce résultat confirme
sa position de pilier de l’art
contemporain saoudien.
Une Bugatti pour
Artcurial
La onzième édition du Mans
Classic, qui célébrait le centenaire
de l’épreuve éponyme tenait
toutes ses promesses pour les
passionnés et collectionneurs, avec
230 000 spectateurs sur l’ensemble
du week-end. Très joli succès
également pour la vente Artcurial
Motorcars, le 30 juin, avec 75 % de
véhicules vendus et un résultat de
plus de 10 millions d’euros frais
inclus. Si la Bugatti Veyron 16.4
de 2007 changeait de mains pour
1.358.000 euros, dans la fourchette
des estimations, quelques records
sont également à noter. Ainsi
des 89.400 euros obtenus pour
une Land Rover Discovery 300 TDI
Camel Trophy Mongolie de 1997.
Parmi les autres résultats, notons
encore ce million d’euros généré
par une Aston Martin Ulster de
1934.
Joachim Wtewael
pour Ardennes
Enchères
Découverte chez un particulier de
la région des Ardennes françaises,
cette peinture est l’œuvre d’un des
plus grands artistes maniéristes
hollandais du début du XVIIe siècle,
Joachim Wtewael (1566-1638).
Originaire d’Utrecht, il fit un voyage
en Italie et en France, notamment
à Saint-Malo, et développa à
son retour, en 1592, une peinture
maniériste inspirée d’Abraham
Bloemaert ou de Bartholomeus
Spranger. S’inscrivant parfaitement
dans cette veine, avec ses excès
de rouge et de vert, la torsion des
mains et des doigts, ou encore
la composition en trompe l’œil
comprise dans un ovale en pierre
de couleur, Ardennes Enchères
proposait, le 1er juillet, la figure du
Philosophe Démocrite. Une œuvre
jusque-là connue uniquement
par des copies et gravures. La
redécouverte de cet original est
donc un événement, sachant que
son pendant, Héraclite, est toujours
perdu. Car les deux philosophes
faisaient la paire. Vivant entre 460
et 370 av. J.-C., Démocrite était
réputé rire de tout, et notamment
de la folie et de la bêtise humaines,
tandis que son alter ego voyait les
choses de manière plus tragique
et pleurait devant cette même
situation : deux visions du monde,
l’une hédoniste et résiliente, l’autre
mélancolique et résignée.
Un Claus de Werve
à Drouot
Difficile en voyant le buste de saint
Jean-Baptiste proposé à Drouot,
le 5 juillet, dans la vente haute
époque de Giquello & associés,
80

1.358.000 €
Bugatti Veyron 16.4, 2007. Artcurial, Le Mans, 30-
06. © Artcurial
226.875 €
Joachim Wtewael, Le Philosophe
Démocrite, panneau de chêne,
31,4 x 24,5 cm. Ardennes Enchères,
Charleville-Mézières, 01-07.
© Ardennes Enchères
4.895.600 £ (5.713.485 €)
Pierre Paul Rubens, Saint Sébastien
tenté par deux anges, huile sur toile, 124
x 97,8 cm. Sotheby’s, Londres, 05-07-
2023. © Sotheby’s
de ne pas penser aux visages des
prophètes du Puits de Moïse de
la Chartreuse de Champmol, près
de Dijon. Ce chef-d’œuvre de
l’art gothique bourguignon est
le fruit du travail de Claus Sluter,
aidé par celui à qui l’on attribue ce
buste : son neveu Claus de Werve.
De cette personnalité artistique
demeurée longtemps obscure, car
occultée par son oncle, peu nous
est connu. Originaire de Gueldre
(Pays-Bas du Nord), l’homme
est mentionné pour la première
fois en 1396 dans les comptes de
la Chartreuse de Champmol. À
la mort de son oncle, en 1406, il
est appelé à lui succéder dans
la charge de ‘‘tailleur d’images’’
du duc de Bourgogne, Jean sans
Peur. Ce dernier lui demande
ainsi d’achever le tombeau de
Philippe le Hardi, décédé en 1404.
Claus y travaillera pendant cinq
ans, sculptant le gisant et le lion
à ses pieds, les quatre anges aux
angles ainsi que la plupart des
fameux pleurants entourant le
tombeau, deux étant de son oncle.
Bien que désirant continuer à
diriger l’atelier dans la ligne de
Sluter, le tempérament de Claus
de Werve lui fera privilégier une
certaine douceur de sentiment,
que l’on retrouve dans les figures
de Zacharie, Daniel et Isaïe, mises
en place au début de 1401 sur le
Puits de Moïse. Adoucissement
visible dans le buste délicat,
d’une grande bonté d’expression,
proposé à Drouot, et une tendance
qui connaîtra son apogée au
milieu du XVe siècle, notamment
avec son successeur, Jean de la
Huerta, qui achèvera le tombeau
de Jean sans Peur. Estimé entre 15
et 20.000 euros, ce Jean-Baptiste
était emporté près de dix fois plus,
à 130.000 euros (hors frais).
Un Rubens chez
Sotheby’s
C’est une œuvre récemment retrouvée
de Rubens que proposait
Sotheby’s, à Londres, le 5 juillet.
Cette composition est connue
depuis longtemps à travers une
version – jusqu’à la fin du XXe
siècle considérée comme unique
– dans la Galleria Corsini de Rome,
acquise par le cardinal Neri Corsini
(1685-1770) à Bruxelles vers 1750.
Bien conservée, plus petite, la version
proposée à Londres rend bien
compte du talent de l’artiste, par
exemple dans la draperie blanche
tenue en l’air par l’ange et descendant
de la tête du saint. L’examen
technique fut ici crucial pour
établir l’originalité de l’œuvre. Les
radiographies révèlent que Rubens
a d’abord conçu saint Sébastien
avec le torse tordu vers la gauche,
le bras droit arqué au-dessus de
la tête, tournée vers le bas et vers
le côté droit de la composition.
Le drap blanc, le plus facilement
visible en raison de sa forte teneur
en blanc de plomb, drapé sur
la tête. La radiographie montre
aussi que ses pieds et le bas de ses
jambes étaient positionnés plus à
gauche de la composition. Dans
la création de ce tableau, comme
dans beaucoup d’autres, Rubens
s’est inspiré du Laocoön, qui avait
été découvert en 1506 et qu’il a
pu contempler lors de son séjour
à Rome, au palais du Belvédère.
Cette œuvre, prisée 4 à 6 millions
de livres sterling était finalement
emportée 4,9 millions frais inclus
(5,7 millions d’euros).
Les derniers
Rembrandt chez
Christie’s
Deux petits portraits, attribués au
peintre Rembrandt, s’envolaient
à 11,2 millions de livres sterling
(13,1 millions d’euros), le 6 juillet
chez Christie’s à Londres. Ces
toiles, qui représentent les époux
Jan Willemsz van der Pluym (ca.
1565-1644) et Jaapgen Carels (1565-
1640), datent de 1635. Adjugées
en 1824 à un ancêtre des actuels
propriétaires britanniques dans
la même maison de vente, les
œuvres sont restées longtemps
aux mains de particuliers et
n’ont été que récemment
redécouvertes. Pour Henry Pettifer,
directeur adjoint chez Christie’s, il
s’agit d’une « des plus incroyables
découvertes de ces dernières
années concernant les grands
maîtres » de la peinture. Les deux
œuvres constituent les portraits
les plus intimes signés de la main
de l’artiste hollandais, a ajouté
l’expert. « Ils nous permettent
de mieux appréhender le génie
incontesté » de Rembrandt dans
le style du portrait. Le fils de
Jan Willemsz van der Pluym et
Jaapgen Carels avait épousé une
parente de l’artiste, Cornelia van
Suytbroeck. Cette dernière et
son époux Dominicus donnèrent
naissance à un garçon, Karel van
der Pluym, dont on sait qu’il fut
formé par Rembrandt. Le jardin
du couple immortalisé par l’artiste
jouxtait en outre celui de la mère
de Rembrandt.
Une broche royale
chez Dreweatts
Une broche en émeraudes et
diamants de style Régence,
d’importance historique, ayant
appartenu à la princesse Charlotte
de Galles (1796-1817), était vendue
aux enchères le 12 juillet par
Dreweatts, à Newbury. Epouse du
prince Léopold de Saxe-Cobourg-
Saalfeld, futur roi Léopold Ier de
Belgique, cette princesse, qui
aurait pu devenir reine d’Angleterre,
décédait prématurément
en couches, en 1817. La broche fut
alors gracieusement offerte par
son époux à la dame de chambre
81

Focus
International
11.235.000 £ (13.122.480 €)
Rembrandt Harmensz. Van Rijn, Portrait de Jan Willemsz. van der PLuym et de
Jaapgen Carels, 1635, huiles sur toile, 19,9 x 16,5 cm. Christie’s, Londres, 06-07.
© Christie’s Images Ltd.
22.000 £ (26.000 €)
Importante broche, Regency, XIXe
siècle, or, argent, émeraudes et
diamants. Dreweatts, Newbury, 12-07.
© Dreweatts
EST. 30.000-50.000 £
(35.000-58.000 €)
Utagawa Hiroshige, Ohashi Atake
no yudachi, Japon, époque Edo,
XIXe siècle, xylogravure, 33 x 23 cm.
Sotheby’s, Londres, 06-09.
© Sotheby’s Art Digital Studio
de la princesse, Mary Anne John
Thynne, baronne Carteret (décédée
en 1863), qui l’a conservée
dans sa famille où elle fut transmise
de génération en génération
jusqu’à nos jours. Serti d’une émeraude
colombienne carrée de taille
coussin dont le poids est estimé à
2,47 carats, le bijou, estimé entre
10.000 et 15.000 livres sterling, était
finalement emporté 22.000 livres
(26.000 euros).
ON VENDRA
La Collection
Freddie Mercury
chez Sotheby’s
Environ 1 500 objets du leader des
Queen, Freddie Mercury, dont des
costumes de scène, des paroles
manuscrites et même des œuvres
d’Henri Matisse et Pablo Picasso,
sont mises aux enchères par Sotheby’s
Londres en septembre, les
6, 7 et 8 pour ce qui est des ventes
en direct et du 1 au 13 en ligne.
Parmi les objets qui passent sous
le marteau figurent une couronne
et une cape en fausse fourrure
et en velours rouge que Freddie
Mercury portait pour chanter
God Save The Queen lors de sa
dernière tournée avec le groupe,
The Magic Tour, en 1986. Elles sont
estimées entre 60.000 et 80.000
livres sterling (67.000 à 90.000
euros). Autre pièce importante
de la vente : les paroles écrites à
la main par le chanteur, sur neuf
pages, de la chanson We Are The
Champions. Ce manuscrit est
estimé entre 200.000 et 300.000
livres sterling. Citons encore une
guitare acoustique de l’artiste,
tout comme des œuvres de
James Tissot, Fabergé ou encore
une pièce maîtresse de la série
des Cent Vues du Mont Fuji par
Utagawa Hiroshige, estimée entre
30.000 et 50.000 livres (35.000 à
58.000 euros). Les bénéfices de la
vente seront en partie reversés aux
fondations Mercury Phoenix Trust
et Elton John Aids Foundation.
Design du Nord
et du Brésil pour
Artcurial
Le 12 septembre, à l’occasion de la
Paris Design Week, dont Artcurial
est partenaire, l’auctioneer fait
sa rentrée du design avec deux
ventes : l’une en hommage au
designer finlandais Paavo Tynell
(1890-1973) et la seconde consacrée
au design brésilien. Première
vente dédiée au maître de la
lumière scandinave, cette vente
propose une vingtaine de luminaires
mêlant pièces iconiques et
masterpieces telles une suspension
Snowflake des années 1940,
estimée 100.000 à 150.000 euros.
Du côté du design brésilien, dont
c’est la deuxième vente, Artcurial
propose des créateurs stars tels
que José Zanine Caldas ou encore
Joaquim Tenreiro, dont une rare
table basse estimée entre 30.000
et 40.000 euros, qui se distingue
par la pureté de ses lignes. Ce
meuble, composé d’une seule
et unique pièce, témoigne de
l’ingéniosité exceptionnelle de
cet artisan emblématique de la
période moderne au Brésil. A ses
côtés, on annonce une rare table
de José Zanine Caldas, estimée
entre 40.000 et 60.000 euros, ainsi
qu’un fauteuil signé Carlo Hauner
& Martin Eisler, estimé entre 6.000
et 8.000 euros.
Une collection
éclectique pour
Piasa
Piasa organise, le 20 septembre,
une vente d’art et de design à partir
d’une collection. Composée de 155
lots, cette vacation s’articule autour
d’une sélection particulièrement
éclectique dans sa composition.
Constitué à partir d’une sélection
très exigeante d’œuvres d’art et de
pièces de design, le catalogue de
cette vacation illustre remarquablement
le mélange des genres que
la salle aime à proposer. Si le titre
de la vente insiste sur son caractère
éclectique, c’est notamment
parce qu’on y trouve des corpus
de pièces provenant de scènes et
de créateurs aux inspirations très
diverses mais dont le rapprochement
orchestré par l’œil et le goût
affirmés du propriétaire fonctionne
parfaitement. On notera, par
exemple, une importante série de
meubles et objets produits par des
créateurs de la scène américaine du
milieu du XXe siècle, tels que Frank
Lloyd Wright, George Nakashima,
Isamu Noguchi, Vladimir Kagan.
L’école française est aussi très bien
représentée avec des créateurs
devenus incontournables sur la
scène internationale, à l’image de
Jean Prouvé, Mathieu Matégot,
Pierre Guariche, Pierre Paulin et
des designers très actuels comme
Philippe Starck ou Martin Szekely.
De même, la scène italienne est
largement présente à travers des
objets signés Gabriella Crespi, Enzo
Mari, Andrea Branzi, Michele de
Lucchi, Ettore Sottsass ou encore
Tobia Scarpa. Enfin, cet ensemble
de pièces vient parfaitement dialoguer
avec une sélection rigoureuse
d’œuvres d’art parmi lesquelles un
dessin de Picasso, un bronze de
César, une sculpture en céramique
de Michèle Serre, une acrylique sur
papier signée Gérard Schneider ou
une sculpture signée Harry Bertoia.
82

EST. 20.000-30.000 €
(chaque)
Paavo Tynell, Deux lampadaires,
modèle 9619, ca. 1950, fonte, laiton,
cuir, 178 x 53 x 30 cm. Artcurial, Paris,
12-09. © Artcurial
EST. 6.000-8.000 €
Ettore Sottsass pour Memphis, coupe Murmansk,
1982, argent. Bonhams Cornette de Saint Cyr,
Paris, 21-09. © Bonhams
EST. 500.000-800.000 €
Germaine Richier, L’homme qui
marche, 1961, bronze patiné, H. 138 cm.
Ader, Paris, 26 et 27-09. © Adagp Paris
/ Ader
Les années
quatre-vingt chez
Bonhams Cornette
de Saint Cyr
A Paris, Bonhams Cornette
de Saint Cyr organisera, le
21 septembre, une vente aux
enchères consacrée aux années
1980. En France, cette décennie
historique a marqué un tournant
à la fois politique et artistique
dans les domaines de la mode, du
design et du graphisme, depuis
l’arrivée au pouvoir de François
Mitterrand en 1981 jusqu’à la chute
du mur de Berlin en 1989. Seront
proposées plus de quatre-vingt
œuvres, tableaux, mobilier et
photographies, qui retracent
cette époque qui a vu éclore les
radios libres et un grand nombre
d’artistes éclectiques. Le lot-phare
de la vente est Sans titre (noble
1982), tableau de Patrick Nagel,
artiste et illustrateur américain,
estimé entre 80.000 et 120.00
euros. Son style se caractérise par
l’utilisation d’aplats de couleurs
vives, d’un minimum de détails
et de lignes épurées pour créer
des représentations stylisées de
femmes des années 1980. Il est
célèbre pour ses créations pour
le magazine Playboy et le groupe
pop anglais Duran Duran, pour
lequel il a notamment dessiné la
couverture de l’album Rio.
Art+Design pour
Piasa
Piasa organise le 27 septembre une
vente d’art et de design du fonds
de la Dotation Lefebvre-Vornic
pour le Renouveau de l’Opéra,
dont le but est d’encourager les
productions d’opéras récents et
surtout la visibilité internationale et
la pérennité des meilleurs d’entre
eux, en finançant les premières,
les deuxièmes ou les troisièmes
productions de ces œuvres
sur les scènes mondiales. Sans
volonté de hiérarchisation ou de
classification, cette vente est un
formidable parcours à travers le
monde de la création visuelle et
plastique aux XXe et XXIe siècles
et les interactions entre chacune
des pratiques. On y trouve autant
de sources d’inspirations que
de médiums employés dans la
production actuelle d’œuvres d’art
et d’objets usuels. L’éclectisme
des œuvres d’art présentées
renvoie souvent à la thématique
récurrente de la couleur noir et
blanc, notamment illustrée par
des pièces significatives de Sophie
Calle, de Michel Journiac, ainsi que
des tirages argentiques de Thomas
Struth et de Hiroshi Sugimoto.
On retient, en outre, quatre
œuvres majeures: un exceptionnel
diptyque d’Alighiero Boetti intitulé
Energia iniziale (1986-1987),
totalement recouvert au stylo
bille, une très belle installation
d’Alfredo Jaar, intitulée Water
(1990), une sculpture ancienne et
minimaliste de Bertrand Lavier,
représentant un siège africain
reposant sur un socle en acrylique
peinte, et une huile sur toile du
trop rare Ed Paschke (1939-2004).
Cet artiste polono-américain de
l’école de Chicago, qui a fait partie
de la seconde génération du
Pop Art, est notamment présent
à travers une pièce fluorescente
datant de 1989 intitulée Je suis
de passage. Côté design, le fil
directeur de cette collection est
l’intérêt tout particulier porté à
l’histoire de la production, à partir
de l’après-guerre, qui a vu se
succéder de nombreux courants
et styles. La scène d’alors fut
un champ d’expérimentation
particulièrement riche pour ce
qui concerne les matériaux de
fabrication. Ces expériences
sont notamment illustrées par le
mobilier en aluminium de Gio
Ponti, conçu spécialement pour
l’immeuble Montecatini de Milan.
La Collection
Gérard Depardieu
chez Ader
Les 26 et 27 septembre, près de
250 oeuvres (sculptures, peintures
et dessins) de la collection d’art de
l’acteur français Gérard Depardieu
seront dispersées par la maison
Ader, en l’hôtel Drouot à Paris.
Abritant des œuvres de Rodin,
Hartung ou encore Eugène Leroy,
cet ensemble révèle la surprenante
passion de l’acteur pour un mouvement
de l’art du XXe siècle. Dans
les plus attendus figurent, bien sûr,
L’homme qui marche de Germaine
Richier, spectaculaire tirage
en bronze de 1961 (est. 500.000-
800.000 euros), trois sculptures
de Rodin acquises après qu’il ait
incarné le sculpteur dans le film
Camille Claudel, ou une composition
de Hans Hartung datée de 1971
(est. 50.000 à 80.000 euros). Dans
les plus surprenants, on annonce
un ensemble de vingt-trois toiles
d’Eugène Leroy (estimées autour
de 30.000 à 50.000 euros chacune),
des œuvres d’Henri Michaux et
un magnifique Bleu léger aux
taches lourdes d’Olivier Debré, de
1965 (est. 25.000 à 30.000 euros).
L’ensemble est estimé autour de 3
à 5 millions d’euros.
83

30.000 €
La surprise du mois
La Fête nationale a porté chance à la
salle MJV Soudant de Gerpinnes qui,
depuis quelques années, organise
une vente d’art belge à cette date-clé
de l’histoire du pays. Obtenant d’excellents
résultats, elle s’est aussi permise de générer
quelques records du monde, notamment
pour Pol Mara (1920-1998). Né à Anvers, cet
artiste est une figure majeure de la nouvelle
figuration et du Pop art belge. A la fin des
années 1950, après des débuts figuratifs
empreints de connotations surréalistes, il
devint un artiste abstrait largement ovationné.
En 1955, il remporte ainsi le Prix de
la Jeune Peinture Belge et, quelques années
plus tard, participe à la fondation du groupe
G58 à Anvers. Ses œuvres ont alors pour but
de rendre visible certains détails de la vie
quotidienne et se peuplent à nouveau de
détails figuratifs. Début 1963, Pol Mara opte
pour de nouvelles formes d’expressions faisant
penser à l’art américain ou britannique,
mais à la différence du Pop art critique et
contestataire, il met l’accent sur les émotions
humaines. Il pratique un art qui, inspiré
par la publicité et les images photographiques
de la société de consommation, sera
significatif au sein de la nouvelle figuration
et du Pop art européen. C’est à ce courant
que peut être rattachée l’œuvre vendue
chez Soudant. Alliant fibre de polyester,
impression sur papier et collage, ce triptyque
est une pièce unique dans la carrière de
Pol Mara, qui la conserva longtemps dans
son atelier de Borgerhout. Transmise dans
sa descendance, cette œuvre de grande
dimension avait reçu une estimation assez
modeste, de 4.500 à 6.000 euros.
Pol Mara, Colorado Spring, 1964, technique mixte,
220 x 81 cm. MJV Soudant, 21-07. © MJV Soudant
84

On a vendu
Ventes en Belgique
10-05 Une figurine Fang surprend Lempertz
34.000 €
Appuie-tête, Mbala du Nord, RDC, H. 17 cm. Est. 10.000-15.000 €.
© Lempertz
31.000 €
Figurine Fang, sculpture
Ntumu, Guinée Equatoriale, H.
38 cm. Est. 2.000-3.000 €.
© Lempertz
16.500 €
Masque Dan pour la mascarade
Deangle, Côte d’Ivoire, H.
24,5 cm. Est. 8.000-12.000 €.
© Lempertz
15.000 €
Masque Sepik, Papouasie-
Nouvelle-Guinée, H. 37,5
cm. Est. 8.000-12.000 €.
© Lempertz
20-05 Beau prix pour Ensor chez De Vuyst
De beaux résultats étaient enregistrés,
le 20 mai dernier, chez De
Vuyst. Le clou de l’après-midi était
le tableau Dame en bleu de James
Ensor, également appelé Portrait
de Madame Duhot. Un magnifique
coup de pinceau comme
l’originalité du sujet font de cette
œuvre un joyau suscitant l’intérêt
de divers collectionneurs et
rapportant la somme de 220.000
euros. Plusieurs sculptures importantes
de George Minne étaient
en vente, dont un Grand porteur
de reliques (1929), faisant auparavant
partie de la collection de Leo
Van Puyvelde. Cette pièce suscitait
un vif intérêt et générait des
surenchères animées. Elle était
finalement adjugée 110.000 euros,
plus du double de son estimation.
Quant à elle, l’œuvre Fiesole, pourquoi
le soleil s’est-il levé aussi noir
(1976) de Jef Verheyen séduisait
maints amateurs avec ses splendides
couleurs, quittant la salle
contre 110.000 euros. Une offre l
élevée (60.000 euros) allait aussi
à Shisto (1977) de Panamarenko.
Des records étaient également
enregistrés pour Anne Bonnet
et Tibor Csernus. Ce dernier,
apparemment l’un des artistes
les plus prisés de ce catalogue :
toutes les lignes téléphoniques
étaient réservées pour des offres
relatives à ses natures mortes de
1973-1974. Avec une estimation
largement dépassée, elles rapportaient
65.000 euros, montant
le plus élevé jamais enregistré aux
enchères pour cet artiste.
220.000 €
James Ensor, La dame en bleu (Portrait
de Madame Duhot), 1906, huile sur toile,
74 x 60 cm. Est. 150.000-200.000€.
© De Vuyst
110.000 €
George Minne, Le grand porteur de
reliques, 1929, sculpture en bronze avec
patine brun foncé, 95,5 x 28 x 47 cm.
Est. 40.000-60.000 €. © De Vuyst
22-05 Diamants chez Horta
15.500 €
Maurice Langaskens, Archers pendant
une compétition, huile sur toile,
signé, 87 x 100 cm. Est. 5.000-7.000 €.
© Horta
16.000 €
Rik Wouters, Lit défait, aquarelle sur
papier, signé, 42,5 x 52,5 cm. Est. 15.000-
18.000 €. © Horta
L’offre la plus élevée de cette
vente d’art et d’antiquités chez
Horta portait sur une superbe
bague en or blanc, sertie d’un
solitaire de taille brillant d’environ
8,7 carats et de diamants de
diverses tailles, adjugée 73.000
euros. Six autres pièces exceptionnelles
séduisaient, elles aussi,
les acheteurs (respectivement
22.000, 18.000, 16.000, 2 x 13.000
et 10.000 euros). Le tapis rouge
était ensuite déroulé pour une
élégante danseuse de Kapurthala,
sculpture chryséléphantine
signée Demeter Chiparus, qui
rapportait 23.000 euros. On
trouve également de l’art parmi
les meilleures enchères, avec des
best-sellers comme Rik Wouters
(16.000 et 14.000 euros), Maurice
Langaskens (15.500 euros) et
Léon Spilliaert (12.300 euros). La
vente de vins comprenait deux
Mouton Rothschild de 1945, vendus
4.600 et 3.800 euros.
85

On a vendu
Ventes en Belgique
22-05 Étonnant triptyque à la Galerie Moderne
12.000 €
Triptyque avec icône centrale mobile de la mère
de Dieu portant l’enfant Jésus. Un panneau de
chaque côté, divisé en trois registres illustrant la vie
de la Vierge Marie et du Christ. Moscou, règne de
Pierre le Grand (1682-1725),
poinçon moscovite en caractères
cyrilliques datant
1710, panneau encadré de
bandes de vermeil et orné
de cabochons émaillés.
La Sainte Trinité illustrée
dans la partie supérieure
du fronton, détrempe sur
bois, ensemble enrichi de
dix-sept petites couronnes,
vermeil filigrané avec
émail, dim. 51 x 64 x 6 cm.
Est. 1.500-2.000 €.
© Galerie Moderne
7.500 €
Tapisserie avec la tête
d’un cheval blanc harnaché,
France, milieu du
XVIe siècle, 106 x 68 cm.
Est. 1.000-1.500 €.
© Galerie Moderne
9.000 €
Emiel Jan Van Cauwelaert, Les enfants du
voisinage, huile sur toile, 70 x 90 cm. Est. 2.000-
3.000 €. © Galerie Moderne
23 — 24-05 Art et antiquités chez Vanderkindere
50.000 €
Valérius De Saedeleer, Paysage d’hiver en
Flandre, huile sur toile, 106 x 137,5 cm. Prix.
50.000-70.000 €. © Vanderkindere
8.800 €
Disciple d’Antonio Moro,
Portrait d’un homme à
col blanc, Pays-Bas, XVIIe
siècle, huile sur panneau
de chêne, 31,5 x 26 cm. Est.
800-1.000 €. © Vanderkindere
10.000 €
Paire de petits plats monochromes jaunes en
porcelaine à décor floral gravé, Chine, Yongzheng,
diam. 14,5 cm. Est. 300-400 €.
© Vanderkindere
7.200 €
Van Cleef & Arpels, collier, 1985, en
or jaune 18 carats, serti de diamants
taille brillant d’environ 3,25 carats au
total, signé et numéroté, dans l’étui
d’origine. Est. 4.000-6.000 €. © Vanderkindere
03-06 Résultats élevés pour les bijoux au Mont-de-Piété
10.000 €
ROLEX GMT MASTER,
montre-bracelet pour
hommes Pepsi automatique,
dans son coffret
d’origine, acier. Est. 9.000-
10.000 € © Mont-de-Piété
3.500 €
Bracelet, platine et or blanc 18 carats, serti de 36 brillants
(env. 1,10 carat), 402 diamants (env. 6 carats) et 1
émeraude, poids : 48,3 g. Est. 2.400-2.600 €.
© Mont-de-Piété
3.400 €
Boucles d’oreilles, Cartier, or jaune 18 carats, 8 brillants,
poids : 8 g. Est. 580-640 €. © Mont-de-Piété
1.950 €
Briquet Piaget,
pochette d’origine,
or blanc 18 carats et
pierres de couleur,
poids : 91,2 g. Est.
1.000-1.200€. © Montde-Piété
86

Collect-1/2pQ-septembre.qxp_320 27/07/23 15:14 Page1
VENTE MARDI 26 SEPTEMBRE
VENTE PUBLIQUE
12 & 13 SEPTEMBRE à18h30
ART MODERNE, MAITRES ANCIENS
ET OBJETS DE COLLECTION DE SUCCESSION ET À DIVERS
Tél +32 2 511 53 24
info@ba-auctions.com – www.ba-auctions.com
Ernest Allardstr. 7/9, ZAVEL – 1000 Bruxelles
Verre églomisé "L'arlequin vert"
Signé en bas à droite Jespers et daté (19)63
Ecole belge. Dim.: 80x60cm.
Lundi 18 septembre
«Florilège» : Importants
tableaux et objets d’art, vin
Manufacture Royale de Berlin,
Vase au portrait de Guillaume I er
de Prusse, 1867
EXPOSITION
Vendredi 15.09 10 à 18h
Samedi 16.09 10 à 18h
Dimanche 17.09 10 à 18h Pierre ALECHINSKY,
Composition, 1975
CONTACT
Rodolphe de Maleingreau d’Hembise, rdm@haynault.be
Bertrand Leleu, bl@haynault.be
9, rue de Stalle, 1180 Uccle, 02 842 42 43
Cabinet - bar réfrigéré gainé de peau de chèvre laquée
Par Aldo Tura. Travail italien. Epoque: vers 1960
Dim.: 85 x 130,5 x 40 cm.
EXPOSITION
VENDREDI 8, SAMEDI 9 ET DIMANCHE 10
SEPTEMBRE DE 10 À 18H
HOTEL DE VENTES VANDERKINDERE S.A.
CHAUSSÉE D’ALSEMBERG 685-687-1180BRUXELLES
PARKING PRIVÉ • TÉL. 02 344 54 46
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On a vendu
Ventes en Belgique
04-06 Record du monde pour le ‘‘collier de Rubens’’ chez Antenor
26.000 €
École hollandaise, Mars et Venus, ca. 1600, fusain et
encre brune, traces de craie rouge, 28,2 x 42 cm. Est.
10.000-15.000 €. © Antenor
150.000 €
(record mondial pour
un collier de guilde)
Collier de la Guilde des Arquebusiers,
dit ‘‘collier de Rubens’’,
portant l’inscription ‘‘Mr Rockox
bourguemestre d’Anvers à Monsieur
P. P. Rubens, 1614’’, argent et
vermeil, 54 x 39 cm. Est. 150.000-
200.000 €. © Antenor
395.000 €
Michel Anguier, Pluton
mélancolique, statuette en
bronze à patine brun doré,
H. 54,5 cm. Est. 100.000-
200.000 €. © Antenor
35.000 €
Olivier Debré, Sans titre, ca. 1980,
huile sur toile, 100 x 100 cm. Est.
20.000-30.000 €. © Antenor
05-06 Designers belges chez Bonhams-Cornette
35.000 €
Ado Chale, Mod. Volcanique,
ca. 2000, console composée
d’un plateau massif en bronze
reposant sur deux trépieds noirs
en acier laqué, 82,5 x 197 x 45 cm.
Est. 35.000-40.000 €. © Bonhams
28.000 €
Jules Wabbes, table, ca. 1965, wengé sur
pied central de forme tulipe, cinq bras en
bronze poli, 76 x 165 x 174 cm. Est. 18.000-
22.000 €. © Bonhams
Le 5 juin, Bonhams Cornette de
Saint Cyr présentait un large
choix d’œuvres dans le cadre
de sa vente en design des XXe
et XXIe siècles. La star en était
le célèbre designer belge Ado
Chale (1928), dont la console
Volcanique avec plateau massif
en bronze reposant sur deux
trépieds en acier noir laqué
s’adjugeait 35.000 euros. Pour sa
part, une table longue Galaxy du
même, avec plateau en aluminium,
sur deux trépieds en acier
laqué noir, générait 24.000 euros.
Jules Wabbes (1919-1974), autre
artiste belge très apprécié, était
présent avec une table au plateau
en wengé, design découpé
reposant sur un pied central en
forme de tulipe à cinq branches,
en bronze moulé, estimée 18.000
à 22.000 euros. Elle quittait la
salle contre 28.000 euros. Quant
à lui, Cubo Magico de Gabriella
Crespi (1922-2017), table de salon
sur roues de la série Plurimi,
s’adjugeait au prix marteau de
16.000 euros. Parmi les autres
points forts, citons une paire de
grandes suspensions de Paavo
Tynell (1890-1973), en laiton et
verre sablé, ayant trouvé preneur
à 15.000 euros ; un divan PK80
de Poul Kjærholm (1929-1980),
en acier chromé mat et multiplex
laqué, avec matelas en cuir
patiné, était adjugé 15.000 euros.
05-06 Bijoux V chez Antenor
13.500 €
Bracelet, or blanc, 21 brillants, L. 18
cm. Est. 7.000-9.000 €. © Antenor
12.000 €
Van Cleef & Arpels, collier ras-de-cou,
or jaune 18 carats, 20 brillants, L. 39
cm. Est. 7.000-9.000 €. © Antenor
9.000 €
Sterlé, broche oiseau, 1963, or jaune
18 carats, double perle et diamants,
8,5 x 3,5 cm. Est. 3.000-5.000 €.
© Antenor
11.500 €
Cartier, Paris, années 1990, bracelet, or
jaune 18 carats, L. 20,5 cm. Est. 5.000-
7.000 €. © Antenor
88

VENTE XXVI DIMANCHE 24 SEPTEMBRE À 13H
Exposition du 21 au 23 de 10 à 18 heures.
Georges Morren : 6 œuvres exclusives provenant de la famille J-Emile Havet, proche de l’artiste. Dons de l’artiste entre 1916 et 1918 !
HERMAN Richir ( 1866-1942) Fernandez ARMAN (1928-2005) “The day after”
Elvire COISNE (1873-1956)
Bronze edition 8 exemplaires.
Anna BOCH (1848-1936) Wijnand Jan Joseph NUYEN (1813-1839) Jenny MONTIGNY (1875-1937)
60 rue de Bertransart, 6280 Gerpinnes
Tel. +32 71 50 59 95 | +32 495 25 16 20
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On a vendu
Ventes en Belgique
12-06 Excellents résultats pour le surréalisme belge chez Bonhams
400.000 €
Jane Graverol, La chute de
Babylone, 1967, huile et collage
sur masonite, 92,5 x 72,3 cm. Est.
50.000-70.000 €. © Bonhams
43.000 €
Philippe Pastor, Composition en Bleu, 2013,
technique mixte sur toile, 200 x 200 cm.
Est. 5.000-7.000 €. © Bonhams
Le 12 juin, Bonhams Cornette de
Saint Cyr dispersait de l’art belge
moderne et contemporain, dont
des tableaux de Jane Graverol,
Bram Bogart, Marcel Mariën et
Walter Swennen. Nouvelle star
montante du surréalisme belge,
Jane Graverol (1905-1984), faisait
à nouveau monter les enchères
avec La Chute de Babylone,
composition qui définit le corps
féminin par son absence. Cette
œuvre était vendue 400.000
euros, près de dix fois son estimation
basse. L’intérêt pour cette
artiste ne cesse de croître. Après
le record enregistré en avril chez
Bonhams Cornette de Saint Cyr, à
Paris, cette toile générait le deuxième
prix le plus élevé pour une
de ses œuvres. Côté abstraction,
une œuvre de Bram Bogart, Bleu
sur jaune (1967), quittait la salle
à 20.000 euros. En art contemporain,
un tableau de 2001,
Motoromain char de Ben-Hur
à essence de fumier de Robert
Combas (1957), rapportait 115.000
euros. Philippe Pastor (1961)
remportait, lui aussi, un immense
succès avec une Composition
en bleu (2013), qui a pratiquement
multiplié par quatorze son
estimation (5.000-7.000 euros) en
trouvant preneur à 43.000 euros.
Une autre de ses œuvres, datée
de 2018, rapportait 20.000 euros.
12-06 Résultats surprenants chez Amberes
7.600 €
Saupoudreuse et pot à moutarde,
XVIIIe siècle, argent repoussé, écailles,
poids : 570 g. Est. 800-1.000 €.
© Amberes
11.000 €
Bague Toi&Moi, or, diamants. Est.
3.000-4.000 €. © Amberes
31.000 €
Alberic Collin, Cerf et deux biches, bronze à patine verte, cire perdue, C. Valsuani,
30 x 77 x 14 cm et 30 x 45 x 14 cm. Est. 10.000-15.000 €. © Amberes
13-06
Bons résultats pour les bijoux chez
Haynault
13-06
Varia au Mont-de-Piété
21.000 €
France, fin du XIXe siècle, platine et
or jaune, diamants taille ancienne
et rose, perles, poids : 48,5 g. Est.
10.000-18.000 €. © Haynault
9.200 €
Ceinture à 23 éléments, or jaune 18 carats,
fausses pierres et pierres de couleur,
poids : 242,1 g. Est. 8.500 €. © Mont-de-
Piété
5.000 €
Collier, pierres de couleur avec
41 pendant fixe, or jaune 18
carats, L. 82 cm. Est. 2.500 €.
© Mont-de-Piété
90

Venator & Hanstein
Ventes de livres et d’estampes
VENTES D’AUTOMNE 2023
22 SEPTEMBRE
LIVRES AUTOGRAPHES
ESTAMPES ANCIENNES
23 SEPTEMBRE
ESTAMPES MODERNES
ESTAMPES CONTEMPORAINES
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28| 9 - 2| 10
Classic
vs.
Modern
ventes
3 - 4| 10
Pieter Claesz. (1597-1660). Nature morte avec verre, huîtres, tabac, noix,
petit pain et salière en étain, 1646. Est.: € 60 000 - 80 000
Karel Appel. Zonder titel, Est.: € 150 000 - 200 000
Karel Appel (1921-2006). Sans titre, 1951. Est.: € 150 000 - 200 000
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Ch & R Eames / Vitra
Vente d’Art et d’Antiquités & I du 23 au 25 septembre
vente de bijoux et de montres 2023
Passeront sous le marteau : grande collection de sculptures en
bronze (dont S. Jacobs, P. Schuijren, C. Spronken,) ; grande collection
de jouets en étain, panneaux publicitaires émaillés ; peinture et
gravure ; céramique et verre ; art asiatique et ethnique ; bijoux (bijoux
anciens/vintage et montres-bracelets), Art nouveau/Art deco/vintage/
design ; Art religieux ; mobilier ; divers ;
Bague cocktail en or blanc, 18 carats,
sertie de diamants et d’émeraude,
ca. 6,8 gr., diamètre 15 3/4
Est. 500 - 800 €
Début
sam. 23 sept. - 09h00
Exposition du 23 au 25 sept.
Heures d’ouverture:
sam. 23 sept. au
lun. 25 sept. de 11h00 à 17h00
(dernier jour de la vente)
A bientôt dans notre salle de vente!
Jean Després (1889-1980),
bracelet en argent et or,
Art déco, vers 1930, signé,
c. 76,4 grammes.
Est. 2.000 - 8.000 €
Fin
lun. 25 sept. - 18h00
Venduehuis Dickhaut B.V. I Bredestraat 23/23A
René Lalique (1860-1945),
Thaïs,1925, sculpture en verre,
signée ‘R. Lalique’, sur une
monture en bronze ornée
de paons, dim. 23 x 18 x 4 cm.
Est. 6.000 - 10.000 €
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Les enchères sont accessibles lors des journées
d’exposition, Bredestraat 23/23A, ou via votre
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Tél 0031 43 321 30 95 I Fax 0031 43 325 93 84 I info@veilingmaastricht.nl
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CONSIGNATION chaque semaine
GAND: lundi 14h-17h
ANVERS:
ven 14h-17h & sa 10h-12h
DATES DES VENTES
AUTOMNE 2023
Anvers 30/09 - 1/10
Gand 11 - 12/11
Anvers 16 - 17/12
23.400 €
Fl. Jespers: 30 sept

13 et 15-06 Patchwork chez Bernaerts
58.000 €
Jean-Michel Folon, La pêche
miraculeuse, 2004, bronze avec
patine brun foncé, brun clair et
verte, éd. 3/50, H. 52 cm. Est.
30.000-40.000 €. © Bernaerts
20.000 €
Tom Wesselmann, Nature morte avec
Liz, 1993, sérigraphie couleur sur carton
marouflé sur toile, signé et numéroté
18/90, 152 x 145 cm. Est. 20.000-30.000 €.
© Bernaerts
Des pièces classiques et modernes
étaient proposées lors de
la vente des 13 et 15 juin derniers
chez Bernaerts. Deux collections
méritent d’être mentionnées :
celle vendue suite à la faillite
de Merit Capital et la suite des
archives de Jan Hoet. La première
comportait, entre autres, des
œuvres de Rinus Van De Velde,
Folkert de Jong, Luc Tuymans
et Jan Cobbaert. Une œuvre
de Cristof Yvoré, estimée 3.000
à 4.000 euros, créait la surprise
avec un prix marteau de
17.000 euros. Les archives Hoet
contenaient une photolithographie
de Jan Vercruysse qui
trouvait preneur à 8.500 euros,
de même qu’une œuvre de
Thierry De Cordier. Joseph Beuys,
Luigi Ontani et Michael Büthe
suscitaient également un bel
intérêt. Le bronze Multiplication
des poissons de Jean-Michel
Folon, d’une collection privée
anversoise, changeait de mains
à 58.000 euros, doublant son
estimation. De son côté, une
impressionnante sérigraphie de
Tom Wesselmann, Nature morte
avec Liz, s’adjugeait au niveau de
l’estimation basse à 20.000 euros.
Si les tableaux classiques étaient
également au rendez-vous, les
acheteurs internationaux tournaient
plutôt leurs regards vers
les antiquités classiques : une
statue de Mercure s’adjugeait
ainsi 9.500 euros, une garniture
de cheminée de style Louis XVI
11.000 euros et une garniture des
Frères Raingo 12.000 euros.
16 – 17-06 Monnaies anciennes chez Jean Elsen & ses Fils
44.000 €
Décadrachme, Syracuse, Sicile, ca. 390 av. J.-C., graveur
Evainetos. Est. 25.000 €. © Elsen
24.000 €
Corneille de Berghes, Florins rhénans, Hasselt, or.
Est. 4.000 €. © Elsen
7.000 €
Gand en rébellion contre Maximilien, 1488,
florins en or de saint Jean. Est. 3.000 €.
© Elsen
17 — 18-06 Atchugarry adjugé chez Maison Jules
La dernière vente de la saison
chez Maison Jules remportait
un vif succès et presque tous les
lots importants y trouvaient un
nouveau toit. Comme il fallait s’y
attendre, quelques vases chinois
se vendaient à des prix exceptionnellement
élevés. Un grand
vase Qing bleu et blanc, estimé
500 à 1.000 euros, rapportait
finalement 12.000 euros. Deux
sculptures en marbre de Pablo
Atchugarry rapportaient respectivement
10.500 et 3.800 euros.
De son côté, une œuvre précoce
sur papier (1967) de Roger Raveel
était frappée 10.000 euros. Une
sérigraphie réalisée avec un bâton
d’huile et signée Bernar Venet
changeait, quant à elle, de mains
à 7.000 euros. Modest Huys (5.000
euros) et Henri Victor Wolvens
(4.400 euros) enregistraient, eux
aussi, de beaux résultats. Notons
surtout cette héliogravure colorée
intitulée Canicule de Félicien Rops
qui rapportait 3.400 euros. Une
gravure en couleur de Rops, Satan
semant l’Ivraie, était également
adjugée 2.400 euros et une héliogravure
coloriée Le démon de la
coquetterie 1.400 euros. Enfin, un
vase de Boch Keramis par Charles
Catteau, avec motifs d’oiseaux
stylisés, quittait la salle contre
2.600 euros.
12.000 €
Grand vase, Chine, fin du XIXe siècle,
bleu et blanc, motif floral de montagne,
H. 79 cm. Est. 500-1.000 €. ©
Maison Jules
10.500 €
Pablo Atchugarry, Sans titre, marbre
de Carrare, H. 29,5 cm. Est. 8.000-
12.000 €. © Maison Jules
93

On a vendu
Ventes en Belgique
18-06
Résultat phénoménal chez MJV Soudant
2.600 €
Charles Catteau, vase Boch Keramis,
design polychrome avec oiseaux stylisés,
décor 1366, H. 34 cm. Est. 800-1.200 €.
© Maison Jules
3.400 €
Félicien Rops, Canicule,
héliogravure colorée, numéro
64, 23 x 14,5 cm. Est. 2.000-
2.500 €. © Maison Jules
30.000 €
Claude Lalanne, A l’intérieur de la bouche, ca. 1970, laiton et cuivre galvanisé,
signé, 12 x 11,5 x 10 cm. Est. 30.000-40.000 €. © MJV Soudant
19-06 Enorme enchère pour une émeraude chez Millon
3.800 €
Fernand Demaret, parure de
perles, fermoir orné de cabochons
d’améthyste de qualité supérieure,
poids : 132,9 g. Est. 300-500 €.
© Millon
160.000 €
Cartier Paris, broche, platine et
émeraude colombienne verte
+/- 75 carats, diamants taille
rose européenne ancienne,
rapport d’identification de
2008, 5,5 x 5 cm, poids : 31,1 g.
Est. 150.000-250.000 €.
© Millon
19 — 20-06 Chef-d’œuvre de Chine à la Galerie Moderne
42.000 €
Paire de grands brûle-parfums en forme de porteurs sacrificiels
assis sur des chiens de Fô, Chine, dynastie Qing, XIXe
siècle, bronze patiné, 43 x 34 x 15 cm. Est. 1.200-1.600 €.
© Galerie Moderne
14 500 €
Cabinet, avec tablette d’écriture et fronton, Italie, XVIIIe siècle,
bois d’ébène et bois noirci incrusté d’ivoire et de pierres dures, 180
x 155 x 60 cm. Est. 8.000-12.000 €. © Galerie Moderne
8.500 €
Jacques Carabain, Palazzo del
Capitano e torre dell’ Orologio,
huile sur toile, 77 x 54 cm.
Est. 3.000-4.000 €. © Galerie
Moderne
94

LIVRES, DESSINS, GRAVURES ET PEINTURES
SALLE DE VENTES MAISON JULES
VENTE D’ART, ANTIQUITÉS & VINTAGE
VENTE
SAM 23 & DIM 24
SEPTEMBRE à 11u
Grande collection d’affiches RED STAR LINE
gravures Chagall, Delvaux, Ensor, Raveel, Peire
peintures Lindstrom, Lucebert, Cobbaert, Van Hecke
manuscrits Livres de prière du 15ième siècle,
miniatures, fragment de PLINE (ca. 1200)
incunable Boccace (Louvain, 1487)
incunable grec (Venise, Alde, 1499)
VENTE 29-30 SEPTEMBRE 2023
Groeninge 34, 8000 Bruges Tél. +32 478 99 55 25
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Est. 14.000 – 18.000 €
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On a vendu
Ventes en Belgique
19 et 21-06 Insolites montres de poche chez Horta
33.000 €
Sha Qi ‘Sadji’, École chinoise, Composition
avec fleurs, livres et fruits, huile sur
toile, 79 x 70 cm. Est. 35.000-45.000 €.
© Horta
12.000 €
École espagnole, Salvator Mundi,
XVIe siècle, huile sur panneau,
114 x 88 cm. Est. 8.000-12.000 €.
© Horta
La vente de juin était florissante
chez Horta ! Les montres et
bijoux y tenaient le haut du pavé,
avec d’exceptionnelles montres
de poches Ilbery Londres du
début du XIXe siècle, respectivement
adjugées 23.000, 16.500 et
12.000 euros ; deux montres, une
Markwick Markham Borrell et une
Rentzsch généraient chacune
11.000 euros. Une élégante horloge
en bronze ‘‘aux porteurs’’
d’époque Restauration était adjugée
14.000 euros. Une superbe
bague en or jaune et blanc avec
diamant taille brillant d’environ
3,01 carat changeait de mains à
38.000 euros. Quant à eux, divers
tableaux de qualité élevée quittaient
également la salle, dont
une magnifique huile sur toile de
‘‘Sadji’’ (33.000 euros), la Femme
au panier de Jakob Smits (15.000
euros) et un Salvator Mundi de
l’École espagnole du XVIe siècle
(12.000 euros). Sans oublier Rik
Wouters et Anto Carte qui généraient
respectivement 8.500 et
8.000 euros.
20 et 21-06 Art et antiquités chez Vanderkindere
8.000 €
Andy Denzler, Étude pour Billie Jean
II, 2018, huile sur toile, 60 x 50 cm. Est.
7.000-10.000 €. © Vanderkindere
7.100 €
Grand pot, Chine, jade vert sculpté,
tourmalines roses, pied en bois sculpté,
H. 8,8 cm. Est. 1.500-2.000 €. © Vanderkindere
6.400 €
Deux grâces et au petit Amour,
horloge de fabrication française,
XIXe siècle, marbre blanc sculpté et
bronze doré, cadran émaillé, H. 80
cm. Est. 1.000-1.500 €. © Vanderkindere
5.000 €
Joël Moens de Hase, La jeune fille
à la perle, mosaïque photo sur
papier, 114,2 x 82,2 cm. Est. 1.000-
1.500 €. © Vanderkindere
21-06 Art asiatique chez Carlo Bonte
12.000 €
Paire de Qilins, Chine,
fin de la période Qing,
émail cloisonné, 20 x
21 cm. Est. 600-800 €.
© Carlo Bonte
La vente d’art asiatique du 21
juin chez Carlo Bonte enregistrait
plusieurs résultats intéressants.
La porcelaine de Chine continue
à bien se comporter sur le
marché : une paire de vases de
Famille Rose avec personnages
peints sur un fond turquoise
rapportait 9.500 euros. Un corail
rouge de la fin de la période
Qing, avec représentation d’une
femme immortelle, changeait de
mains contre 20.000 euros. Une
collection de petits coraux rouges
d’un poids total de 347 grammes
s’adjugeait 6.000 euros. Un petit
vase hu, en émail céladon à motifs
archaïques générait 22.000
euros. Enfin, une paire de Qilins
en émail cloisonné rapportait
12.000 euros, tandis qu’un plat à
décor de ‘‘neuf pêches’’ quittait
la salle contre 5.500 euros.
96

22.000 €
Petit vase, Chine, marque Qianlong,
émail céladon à décor en relief et
anses en forme d’animaux mythiques,
H. 19,5 cm. Est. 600-1.000 €. © Carlo
Bonte
6.000 €
Collection de trois figures et boîte
à priser en corail, poids : 347 g, H.
11-15,5 cm. Est. 2.000-3.000 €.
© Carlo Bonte
9.500 €
Paire de vases, Chine, époque Daoguang/Xianfeng,
‘‘Famille Rose’’,
fond turquoise, décor de dames sur
une terrasse, H. 63,5 cm. Est. 2.000-
4.000 €. © Carlo Bonte
5.500 €
Plat, Chine, début du XIXe siècle,
porcelaine de ‘‘Famille Rose’’, à
décor de ‘‘neuf pêches’’, diam. 30,7
cm. Est. 3.000-4.000 €. © Carlo
Bonte
26-06 Bons résultats pour les gravures d’Alechinsky chez Bonhams-Cornette
Bonhams-Cornette de Saint
Cyer, à Bruxelles, proposait un
large choix d’impressions et de
multiples qui attiraient un grand
nombre d’acheteurs internationaux,
le 26 juin. Keith Haring
enregistrait le score le plus élevé
avec une sérigraphie en couleur
de 1985 emportée à 38.000
euros. De son côté, un ensemble
de treize gravures sur bois de
l’artiste belge Frans Masereel
(1889-1972) changeait de mains
contre 10.000 euros. Enfin, Pierre
Alechinsky (1927) enregistrait,
à quatre reprises, des résultats
élevés avec quatre gravures et
une aquatinte sur papier japonais
de 1983, dont Le Chien Roi
qui rapportait 9.000 euros. Autre
artiste à avoir le vent en poupe,
Invader (1969) avec Invasion
Kit 1: Albinos. Cette sculpture
mosaïque, numérotée 316/350,
se vendait 8.000 euros. Autres
succès à signaler, une lithographie
en couleur d’Ellsworth Kelly
(7.500 euros), un multiple en
résine d’Yves Klein (6.500 euros)
et une gravure d’Eduardo Chillada
(6.000 euros).
9.000 €
Pierre Alechinsky, Le Chien Roi, 1983, n° 9/35, gravure
et aquatinte sur papier japon, 65 x 97 cm. Est. 6.000-
8.000 €. © Bonhams
10.000 €
Frans Masereel, ensemble
de 13 gravures sur bois.
Est. 1.800-2.200 € .
© Bonhams
28-06 Piasa à La Patinoire Royale
97.500 €
Gio Ponti, paire de fauteuils, ca. 1937, Casa &
Giardino, hêtre laqué, laiton, métal et textile,
85 x 60 x 83 cm. Est. 45.000-65.000 €. © Piasa
57.200 €
Alexander Calder, tapis en jute, 1975, n° 58/100, 148 x
215 cm. Est. 15.000-20.000 €. © Piasa
39.000 €
Charlotte Perriand, À gorge, ca. 1954, table en frêne, 72
x 200 x 84 cm. Est. 30.000-40.000 €. © Piasa
97

On a vendu
Ventes en Belgique
21-07 Record du monde chez MJV Soudant
75.000 €
Jean Michel Folon, Sans bagage, 2005,
bronze à patine brune, fonderie Romain et
Fils, n° 1/50, avec certificat, H. 65 cm. Est.
50.000-60.000 €. © MJV Soudant
26.000 €
Anna De Weert, La baie de Menton, 1926,
huile sur toile, 150 x 136 cm. Est. 20.000-
25.000 €. © MJV Soudant
9.500 €
(record du
monde)
Elvire Coisne, Berkendreef,
impressionniste
et luministe, huile sur
toile, 49 x 24 cm. Est.
1.500-2.000 €. © MJV
Soudant
11.000 €
Jo Delahaut, Composition géométrique,
1962, huile sur toile, 45
x 55 cm. Est. 2.000-3.000 €. © MJV
Soudant
ROB MICHIELS
Auctions
5 OCTOBRE 2023
The Exceptional Sale
RM-AUCTIONS.COM
98

On vendra
Ventes en Belgique
05-09 Classic Cars chez Bernaerts
Cette impressionnante collection
de plus de 40 voitures et de
quelque 70 motos est l’œuvre
de Marcel Sprangers, industriel
belge qui commença à collectionner
les voitures anciennes en
1980 et créa, au fil des ans, son
propre musée privé. Sa collection
comprend certaines des plus
grandes marques américaines,
des premiers jours du sport automobile
aux décennies les plus récentes,
ainsi que des exemplaires
réalisés par les deux grands
noms belges de l’histoire de l’automobile,
Minerva et FN. Parmi
les pièces maîtresses, citons une
Lincoln-Zephyr douze coupé de
1939, une berline Auburn 8-90
décapotable de 1929, une berline
Cadillac Series 61 décapotable
de 1939, une berline Pierce Arrow
de 1930, un coupé Packard 640
de 1929 et plusieurs Corvettes
de différentes époques, dont
quelques modèles très rares.
Notons aussi de rares voitures de
sport américaines, comme une
Glasspar G2, un roadster Kellison
et une La Dawri canadienne.
EST. 50.000-70.000 €
Lincoln-Zephyr douze coupé, 1939, moteur : Ford/Zephyr V12 4375 cc, 4 vitesses,
kilométrage : 1.605 miles, restaurée. © Bernaerts
11-09 Art belge chez Horta
EST. 16.000-
18.000 €
Jean Brusselmans, Faucheur
dans un champ de
blé, 1922, huile sur toile,
59 x 59 cm. © Horta
La vente de rentrée de la salle
Horta propose une belle offre
en artistes belges. Outre deux
bronzes de Jean-Michel Folon,
on annonce des œuvres de Paul
Leduc, Joseph-Charles François,
Pierre Paulus de Châtelet ou encore
Jean Brusselmans. La vente
vaudra toutefois surtout pour
ses bijoux, dont une très belle
paire de dormeuses en platine
sur or agrémentées de diamants,
taille ancienne, dans son écrin
d’origine de la maison Simonet
à Bruxelles, estimée entre 45.000
et 50.000 euros, ainsi qu’une
intéressante montre française, en
forme d’amphore, en or et émail
bleu roi formant flacon à parfum,
boîte à mouches, double cadran
(heures et fast slow) et guichet
tourbillon pour une face, l’autre
face représentant une huile sur
métal à quatre personnages
avec guichet automate dans la
partie supérieure découvrant une
scène érotique, couvercle du dos
présentant un oiseau de paradis
en or ajouré (est. 8.000-12.000
euros). On annonce également
une lithographie originale d’Henri
de Toulouse-Lautrec, affiche pour
le Salon des Cent, estimée entre
20.000 et 25.000 euros.
12 et 13-09 Belle diversité chez Vanderkindere
Parmi les lots intéressants de
la vente cataloguée de rentrée,
proposée par la salle Vanderkindere,
citons ce pendule Directoire
en bronze à patine noire,
dorée et porcelaine polychrome
surmontée de ‘‘Diane chasseresse
entourée d’Amours’’, travail
français , vers 1795, ainsi que ce
régulateur de parquet Napoléon
III, d’après Jean-Henri Riesener
(1734-1806), en bois de placage et
marqueterie d’acajou, d’amarante
et de bois teinté à riche
ornementation en bronze doré
surmonté de ‘‘Chérubins dans
les nuages’’ (est. 6.000-8.000
euros). Au rang des tableaux,
on annonce un très bel Arlequin
vert, églomisé signé Floris Jespers
(est. 7.000-10.000 euros), ainsi
qu’une importante bacchanale
rythmée d’offrandes à Bacchus,
huile sur toile attribuée à Gérard
de Lairesse, datée du XVIIe siècle,
estimée 4.500 à 6.000 euros.
EST. 7.000-10.000 €
Floris Jespers, L’arlequin vert, 1963,
verre églomisé, 80 x 60 cm. © Vanderkindere
99

On vendra
Ventes en Belgique
13-09 Art d’Asie chez Millon
L’antenne bruxelloise de Millon
organise une vente cataloguée
entièrement dédiée aux arts de
l’Asie, dont une riche collection
de porcelaine chinoise, de bronze
et de coraux. L’exposition mettra
en lumière ces objets traditionnels,
notamment un plat en
porcelaine à décor en émaux de
la famille rose de chauves-souris,
arque à six caractères et époque
Guangxu (est. 5.000-7.000 euros),
une importante potiche couverte
en porcelaine à décor en émaux
Doucai de dragons chassant la
perle sacrée, estimée 8.000 à
12.000 euros, ainsi qu’un bassin
en bronze et émaux cloisonnés
à décor de chiens de Fô, travail
chinois de la dynastie Ming (est.
3.000-4.000 euros)
EST. 8.000-12.000 €
Potiche couverte, Chine, XIXe siècle, marque apocryphe Qianlong,
porcelaine, H. 56 cm. © Millon
13 et 14-09 Art, antiquités et design pour Flanders Auctions
La vente de septembre chez
Flanders Auction présentera une
offre variée en art, antiquités et
design. Parmi les pièces anciennes
se distingue un ensemble
de cheminée trois pièces, une
pendule et deux chandeliers de
style Louis XVI. Signée Maison
Marquis, Paris, elle est estimée
entre 20.000 et 30.000 euros.
Dans le domaine de l'art, une
sculpture en marbre de Carrare
de Pablo Atchugarry (1954) datant
de 2008, estimée entre 250.000
et 350.000 euros, recueille tous
les espoirs. Une sculpture en
verre du duo d'artistes tchèques
Stanislav Libensky et Jaroslava
Brychtova (1954-2022) est également
très attendue. Bien qu'ils
soient relativement peu connus
dans notre pays, ils obtiennent
des résultats surprenants aux
enchères. L'œuvre Tête V, avec
son œil carré, est ainsi estimée
entre 5.000 et 7.000 euros. Autre
belle curiosité, un dessin original
en biros de Dalí (est. 2.400-3.400
euros) réalisé lors d'un safari au
Congo pour un hôtelier belge.
EST. 20.000-30.000 €
Cheminée en trois parties de la Maison Marquis, Paris, pendule et chandeliers de style Louis XVI,
hauteur des chandeliers : 97 cm. © Flanders Auctions
16-09 Modernes et contemporains chez Damien Voglaire
Henri Michaux, encre sur papier. © Voglaire
Pour cette vente de rentrée, la
salle des ventes Damien Voglaire
propose une palette assez larges
d’artistes modernes et contem-
porains. La photographie est à
l’honneur avec une superbe pièce
d’Andres Serrano représentant
un grand portrait en cibachrome
de sa série sur le Klan. Il y a aussi
trois œuvres, collage et photographies,
de Jonathan Monk, artiste
anglais qui manie les concepts de
manière poétique et aussi deux
photographies de Mimmo Jodice.
Parmi les pièces principales, on
trouve une grande et belle encre
de Henri Michaux, un dessin de
Stéphane Mandelbaum de la série
de ce qu’il nommait Scraboutcha,
un beau dessin de Paul Delvaux
ou encore deux eaux fortes de
Serge Poliakoff. Ensuite, un peu de
singularité avec Opus (1941), peinture
réalisée par Victor Servranckx,
œuvre qui peut se regarder dans
tous les sens, le peintre ayant pris
la peine d’écrire un texte à ce sujet
au verso où il explique que « la
pesanteur est ici victorieusement
abolie. Tableau à contempler dans
tous les sens. » On retrouvera dans
la section des multiples, une rare
lithographie de Marcel Broodthaers,
La souris écrit rat (cette pièce fût
présentée à la Biennale de Venise
en 1978), un bel ensemble d’œuvres
de Corneille et aussi de Wallasse
Ting, ami de Pierre Alechinsky. De
ce dernier, il y a aussi quelques
lithographies ou eaux fortes. De
la singularité toujours avec ce vélo
peint par Jean-Luc Moerman, tiré
à 10 exemplaires. Celui-ci porte le
nom de Ginette car il fut réalisé
pour le créateur de la célèbre
marque de bière. Et puis, comme
à chaque fois, la salle propose un
ensemble d’œuvres abstraites
des années 1950 aux années 1970,
dont deux collages de Jo Delahaut,
une toile de Robert De Winne, une
grande encre de Van Anderlecht et
une série de toiles de Jean Dubois.
Pour finir, une belle section africaine
avec des pièces de Pili Pili, Kabinda,
Mwenze ou encore Thango.
100

16-09 Des pièces exceptionnelles au Mont-de-Piété
Le Mont-de-Piété invite à une
vente aux enchères qui propose
des pièces exceptionnelles : des
montres Rolex et Piaget, des sacs
à main Delvaux, une ceinture
Louis Vuitton, un foulard en soie
Hermès, des sièges Philippe
Starck, ainsi que des bijoux
anciens et de caractère. Il y en
aura pour tous les goûts !
EST. 3.600-4.000 €
Fermoir en or blanc 18 carats et platine serti de 27 diamants taille baguette, 20
brillants et deux diamants taille marquise, poids : 14,5 gr. © Mont-de-Piété
EST. 760-800 €
Bague en or jaune et blanc 18 carats,
sertie de 18 diamants et 1 saphir traité,
poids : 7,5 g, taille : 50,5. © Mont-de-
Piété
18-09 Vente Florilège chez Haynault
Pour la rentrée, la salle Haynault
qui a redéployé l’ensemble de
ses activités à Uccle, a décidé
de présenter une sélection
d’environ 120 lots de grande
qualité, dans tous les domaines
de l’art et toutes les périodes.
En peinture, on remarquera une
toile de l’atelier de Brueghel
le Jeune, intitulée Les animaux
rentrant dans l’arche, alors qu’en
art moderne, on contemplera
les couleurs d’une composition
d’Alechinsky de 1975. Côté mobilier,
un bureau Mazarin devrait
plaire aux amateurs tandis que
dans le domaine de l’argenterie,
une grande fontaine de table en
argent, réalisée en 1762 à Paris
par Antoine Jean de Villeclair fera
face à une importante épergne
en argent, réalisée à Londres
par Thomas Pitts, en 1767. Côté
sculpture, une série de trois
pierres sculptées ornementales
provenant d’un château
et figurant des têtes de satyres
pourraient créer la surprise. La
vente sera suivie d’une dispersion
de vin provenant d’une cave
bruxelloise, non ouverte depuis
les années 1930...
EST. 15.000-20.000 €
Vase au portrait de Guillaume Ier de Prusse, Manufacture Royale de Berlin,
porcelaine émaillée bleu nuit et or. © Haynault
23 et 24-09 Belle offre chez Maison Jules
La vente de la salle gantoise
Maison Jules annonce quelques
grands noms : trois œuvres de
Théo Van Rysselberghe, dont
un beau portrait de son ami
et écrivain Emile Verhaeren,
deux natures mortes de Louis
Thevenet, une impressionnante
huile sur toile de Modest Huys
intitulée Bateau sur la Lys, et
un tableau de 1923, Les rives du
Gulden Stroom à Wielsbeke. Pour
les amateurs d’Anna De Weert,
on annonce un pastel avec vue
de la côte d’Azur. Albert Saverys
sera présent avec une imposante
vue animée de la Lys, une grande
nature morte et un petit panneau
de Pêcheur sur la Lys. Des œuvres
originales de Rik Wouters, avec
une aquarelle de son ami et
peintre Fernand Verhaegen
(ex-collection Giroux), d’Octave
Landuyt, du sculpteur Geo Verbanck
(statue de baccantes) et
du symboliste gantois Jan Frans
De Boever seront également à
saisir. Les amateurs de Felix De
Boeck n’auront que l’embarras
du choix, avec plusieurs peintures
et autoportraits originaux
des années 1970, 1980 et 1990.
Enfin, citons encore un beau Guy
Vandenbranden et des pièces
du céramiste français Pierre
Bayle (1945-2004). Cet artiste
a développé une œuvre très
reconnaissable, qui s’inspire de
la technique gréco-romaine de la
cuisson à basse température.
EST. 4.000-6.000 €
Anna De Weert, pastel avec vue de
la Côte d’Azur, 42 x 42 cm. © Maison
Jules
EST. 2.000-4.000 €
Guy Vandenbranden, huile sur toile,
1980, 90 x 90 cm. © Maison Jules
101

On vendra
Ventes en Belgique
24-09 Georges Morren chez MJV Soudant
Pour nourrir sa vente cataloguée
de rentrée, la salle Soudant de
Gerpinnes eut l’agréable surprise
d’être contactée par une famille
du Brabant-Wallon possédant six
peintures originales de l’artiste
Art nouveau belge Georges
Morren (1868-1941). Il s’avère que
le grand-père, qui était proche
de l’artiste, avait reçu en cadeau
plusieurs toiles dont certaines
représentent ses propres
sœurs, Anna et Clem, dont on
retrouve plusieurs allusions dans
le catalogue raisonné de Tony
Calabrese. Ce référencement est
composé de quatre huiles sur
toile et de deux pastels, totalement
inédits et détenus par la
famille propriétaire depuis les
années 1916 à 1918. Ils sont titrés
et dédicacés par l’artiste. Enfin,
faisant suite au record du monde
produit par la salle pour une
huile sur toile d’Elvire Coisne, le
propriétaire du tableau a soumis
une nouvelle pièce, très belle
huile sur toile représentant une
scène intimiste dans un intérieur
bourgeois.
Une des œuvres de Georges Morren proposées. © Soudant
29 et 30-09 Livres et oeuvres d'art chez Van de Wiele
EST. 15.000-18.000 €
Boccaccio, De Claris Mulieribus, Louvain,
1487, manuscrit enluminé avec 70
gravures sur bois. © Van de Wiele
EST. 10.000-14.000 €
Livre de prière, Utrecht, XVe siècle.
© Van de Wiele
Cette vente de livres et d'objets
d'art présente des documents datant
de plusieurs siècles. Le Moyen
Âge est représenté par un fragment
de manuscrit du XIIe siècle,
avec un texte de Pline, deux livres
de prières du XVe siècle et sept
incunables. On attend beaucoup
d'une édition d'incunables du
recueil de biographies de femmes
célèbres de Boccace. Le Claris
Mulieribus fut imprimé à Louvain
en 1487 et enluminé de quelque
septante gravures sur bois, dont
de nombreuses scènes de violence.
La période de l'humanisme
et de la Renaissance est également
bien représentée, comme la
Bible grecque publiée par Érasme
de Rotterdam, imprimée par l'ami
d'Érasme, Froben, en 1516 : son
influence sur le protestantisme
peut difficilement être surestimée.
Bien qu'elle ait été imprimée à
environ 1 200 exemplaires, elle est
extrêmement rare sur le marché.
Le second jour de vente vous verra
plonger dans l'histoire de la Red
Star Line, avec de belles affiches
d'Henri Cassiers et autres. Il y aura
aussi un riche éventail d'artistes
belges, dont James Ensor, Paul
Delvaux, Roger Raveel, Jan Cobbaert,
Jane Carion et Panamarenko.
Au total, un peu plus de 1
300 lots seront proposés.
30-09 Varia chez Lhomme
La prochaine vente publique
chez Lhomme comprendra, au
chapitres des beaux-arts, des
œuvres de ''Sadji'' (Sha Qi),
Christian Dotremont, Georges
Collignon, Léopold Plomteux,
Pierre Paulus, Albert Raty… mais
aussi des dessins originaux de
James Ensor, un bel ensemble de
dessins à l’encre et de gravures
de Félicien Rops et une eauforte
de Pablo Picasso figurant
le célèbre galeriste français
Ambroise Vollard. Un petit
ensemble d’icônes orthodoxes
russes et bulgares sera également
dispersé. Du côté des livres
anciens et modernes, notons
tout particulièrement le manuscrit
original de Tempo di Roma,
célèbre roman d’Alexis Curvers
ayant inspiré le film éponyme.
Parmi les impressions anciennes,
notons de beaux exemplaires des
Délices du Païs de Liège, illustré
des gravures de Remacle Leloup
et de la Description de tous
les Païs Bas de Guichardin, et
parmi les impressions modernes
la Divine Comédie de Dante
illustrée par Salvador Dalí et un
rare exemplaire de Construction
d’un temple en ruine à la déesse
Vanadé d’Alain Robbe-Grillet,
avec onze gravures originales de
Paul Delvaux. Notons également,
au catalogue de cette vente, une
collection d’armes anciennes
et plus particulièrement un bel
ensemble d’épées de cour XVIIIe,
à montures d’argent.
Pablo Picasso, Ambroise
Vollard, eau-forte.
© Lhomme
102

200X132 LOUIZA sept 2023 v3.qxp_Mise en page 1 11/08/2023 15:43 Page1
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On vendra
Ventes en Belgique
03 — 05-10 Art belge chez Carlo Bonte
EST. 30.000-50.000 €
Impressionnant plat à dragon (le plus grand du marché) en porcelaine bleublanc,
avec marque faisant référence au palais où l’impératrice douairière Cixi
(dynastie Qing) célébra son 50e anniversaire, diam. 70,8 cm. © Carlo Bonte
La vente aux enchères proposée
au début du mois d’octobre par
Carlo Bonte inclut un certain
nombre d’œuvres issues du
territoire belge. Le coq (2003) de
Koen Vanmechelen, qui ornait la
nouvelle galerie de Carlo Bonte
à Knokke dans les derniers mois
d’été, attire évidemment tous
les regards. Notons aussi ce
Champ de blé dans la lumière de
la mer Baltique de Roger Raveel
ou cette Tête de femme (1933)
de Paul Delvaux. Egalement à
retenir, cette Étude d'une tête
de Permeke et une œuvre de
Panamarenko. La vente inclut,
en outre, une grande collection
de gravures d’Ensor. Parmi les
maîtres anciens du XVIIe siècle,
on annonce une Tronie de
l’entourage de Rembrandt, un
Alchimiste de David Teniers le
Jeune et une nature morte de Jan
Weenix le Jeune. De la collection
de l’antiquaire brugeois Michel
Depondt, de l’ancienne Chronos
Antique Gallery, Carlo Bonte
disperse de l’horlogerie du XVIIIe
siècle de grande qualité, dont
une pendule Louis XV attribuée
à Balthazar Lieutaud (ca 1775) et
une rare pendule Louis XVI en
bronze et marbre. Au rang des
arts appliqués, citons un impressionnant
cabinet du XIXe siècle
(H. 277 cm) en ébène, écaille de
tortue et ivoire. La vente comprend
ainsi plusieurs cabinets du
XVIIe siècle. Pour les amateurs
de mode, une exceptionnelle
sélection de sacs Hermès sera
proposée. Enfin, la section
asiatique comprendra deux vases
boules à décor de pêche et une
assiette Yongzheng à la scène
subtilement érotique, ainsi qu’un
imposant plat (le plus grand sur
le marché) à décor de dragon
en bleu et blanc, comportant la
marque de l’impératrice douairière
Cixi et un bel ensemble de
porcelaines Kangxi à décor bleu
et blanc.
03 — 05-10 Classique et moderne chez Bernaerts
La salle Bernaerts mise cet
automne sur une diversité de
maîtres anciens, romantiques et
modernes, provenant en grande
partie d’une poignée de collections
privées. Ainsi, cette vente comprend
la collection d’un éminent
expert belge en antiquités et arts
appliqués, avec de remarquables
dessins du XVIIe siècle de, entre
autres, Paul Bril, Cornelis Schut et
Tobias Verhaecht, et des peintures
d’Adriaen van Utrecht, Louis de
Caullery, Pieter Neefs et Abraham
Govaerts. En ce qui concerne la
porcelaine, ce collectionneur fit
preuve d’un excellent sens de la
qualité et du goût. La porcelaine
de Chine, achetée pour l’essentiel
à J. Van Goidsenhoven à la fin
des années 1960 et au début des
années 1970, comprend plusieurs
belles pièces Wangli et Kangxi. Une
sublime nature morte au saloir de
Pieter Claesz (1597-1660), datée et
provenant d’une succession, passe
également sous le marteau. Une
magnifique horloge squelette
parisienne d’époque Directoire et
une impressionnante pendule à
cercle tournant figurent parmi les
pièces maîtresses de la section
des antiquités. Après ces pièces
très classiques, la collection de feu
l’architecte de ZERO Wim Van Opstal
passera également sous le marteau.
Outre plusieurs lots de documentation
personnelle, de matériel
de modélisation et de littérature
sur l’art et l’architecture, cette vacation
de plus de quatre-vingts lots
comprend dix œuvres de Bernard
Aubertin, Jan Schoonhoven, Jan
Henderikse, Paul Van Hoeydonck,
Panamarenko, Eric van Solm, Klaas
Gubbels et Dan Van Severen, pour
n’en citer que quelques-uns. Une
pléthore d’autres lots mérite également
d’être mentionnée, comme
deux magnifiques bronzes et trois
peintures à l’huile de Constant
Permeke, un large éventail de
verreries Art déco, entre autres de
Gallé et Tiffany, deux assemblages
et une œuvre monumentale sur
contreplaqué de Paul Joostens
provenant de la collection Lohaus
et de l’ancienne collection Raoul
Tyriard, ainsi qu’une incomparable
toile de Jean Miotte.
EST. 60.000-80.000 €
Pieter Claesz, Nature morte au roehmer, huîtres, tabac, noix, pain et salière
en étain, 1646, huile sur panneau, monogrammé et daté, 41 x 37 cm.
© Bernaerts
104

Assiette de décembre en émail peint de Limoges Datée de 1560, monogrammée P.R. pour Pierre Reymond. D 17,6 cm
En vente le 16 novembre à Cologne. Estimation 20.000-25.000 €
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Wijn ANTWERPEN
2 ABS VEILINGEN MECHELEN
Deurwaarderstukken
MECHELEN
4 AMBERES
Burgerveiling ANTWERPEN
4 PICTURA
Meubels GENTBRUGGE
5 LEGIA AUCTION
Mobilier, verrerie, argenterie
et bijoux ONLINE
5 VANDERKINDERE
Vente bourgeoise UCCLE
5 BERNAERTS
Classic Cars ANTWERPEN
7-17 ARENBERG AUCTIONS
Collectables ONLINE
8 MAISON DES HUISSIERS DE JUSTICE
Deurwaarderstukken
BRUXELLES
8-18 MILLON BELGIQUE
Numismatique, bijoux,
accessoires et stock de
bijouterie ONLINE
9 ABS VEILINGEN MECHELEN
Deurwaarderstukken
MECHELEN
9-17 MILLON BELGIQUE
Bandes dessinées ONLINE
10-11 MONSANTIC
Art et antiquités MONS
11 UCCLE SAINT JOB
Art contemporain et mobilier,
design BRUXELLES
11-12 GALERIE MODERNE
Art et antiquités BRUXELLES
11-12 HORTA
Art et antiquités BRUXELLES
12 BERG VAN BARMHARTIGHEID
Zilverwerk, edelsmeedwerk
BRUSSEL
12-13 VANDERKINDERE
Vente cataloguée BRUXELLES
13 MILLON BRUSSEL
Arts d'Asie BRUXELLES
13-14 FLANDERS AUCTIONS
Kunst, antiek en design
WINGENE
15 MAISON DES HUISSIERS DE
JUSTICE
Deurwaarderstukken
BRUXELLES
15 PHOENIX AUCTIONS
Un lot, une vente
WAVRE
15-16 JEAN ELSEN ET SES FILS
Numismatique général
ETTERBEEK
16 ABS VEILINGEN MECHELEN
Deurwaarderstukken
MECHELEN
16 BERG VAN BARMHARTIGHEID
Uitzonderlijke stukken
BRUSSEL
16 DAMIEN VOGLAIRE
Art moderne et contemporain
BRUXELLES
16 FW AUCTIONS NAMUR
Vente caritative NAMUR
18 AMBERES
Burgerveiling ANTWERPEN
18 HAYNAULT
Florilège, tableaux et objets
d'art BRUXELLES
18 VENTES ELYSÉE
Vente cataloguée LIÈGE
19 BERG VAN BARMHARTIGHEID
Vente de bijoux et
numismatique BRUSSEL
19 SALLE DE VENTE DU BEGUINAGE
Art et antiquités WAVRE
19 VENTES ELYSÉE
Vente bourgeoise
LIÈGE
19-20 GALERIE ATHENA
Kunst en antiek BRUSSEL
22 MAISON DES HUISSIERS DE
JUSTICE
Deurwaarderstukken
BRUXELLES
22-23 LEMPERTZ
Antiquarian books, old &
moderns BRUXELLES
23 ABS VEILINGEN MECHELEN
Deurwaarderstukken
MECHELEN
23 FW AUCTIONS NAMUR
Bijoux, tableaux, Asie, Objets
d'art NAMUR
23-24 MAISON JULES
Kunst en antiek GENT
24 MJV SOUDANT
Art et Antiquités GERPINNES
25 AMBERES
Kunst en antiek ANTWERPEN
26 BERG VAN BARMHARTIGHEID
Lederwaren, luxe accessoires
en juwelen BRUSSEL
26 MILLON BELGIQUE
Tableaux & objets d'art
BRUXELLES
28 HÔTEL DES VENTES LEGROS
Art et antiquités VERVIERS
29 MAISON DES HUISSIERS DE
JUSTICE
Deurwaarderstukken
BRUXELLES
29-15 ARTS TALENTS ENCHÈRES
BRUXELLES
Passion et collection d'un
musée privé ONLINE
29-30 VAN DE WIELE VEILINGEN
Boeken, handschriften,
grafiek en schilderijen BRUGGE
30 ABS VEILINGEN MECHELEN
Deurwaarderstukken
MECHELEN
30 LHOMME
Vente cataloguée LIÈGE
30-1 DVC GENT
Klassieke veiling GENT
30-8 MILLON BELGIQUE
Bandes dessinées ONLINE
OCTOBER
2 AMBERES
Burgerveilingen ANTWERPEN
3-5 CARLO BONTE
Kunst en antiek BRUGGE
3-5 BERNAERTS
Modern versus Classic
ANTWERPEN
5 ROB MICHIELS
Exclusive sale BRUGGE
6 MAISON DES HUISSIERS DE JUSTICE
Deurwaarderstukken
BRUXELLES
7 MOREL DE WESTGAVER
Boeken, literatuur, prenten en
ansichtkaarten BRUXELLES
7 ABS VEILINGEN
Deurwaarderstukken
MECHELEN
8 BONHAMS
The zoute sale KNOKKE-HEIST
9 AMBERES
Kunst en antiek ANTWERPEN
The Netherlands
SEPTEMBER
4 DE RUITER
Zilver en diamanten, juwelen
en horloges ONLINE
5 DE JAGER
Antiek en juwelen GOES
6-7 DE JAGER
Aziatica GOES
6-7 HERMITAGE AUCTIONS EUROPE
Art en collectables IJSSELSTEIN
8-9 DICKHAUT
Kunst en antiek ONLINE
11 VEILINGHUIS BOUWMAN
Speelgoedveiling BRUMMEN
11-15 KORST VAN DER HOEFF
Kunst en antiek
S-HERTOGENBOSCH
12-26 VENDUEHUIS DER NOTARISSEN
DEN HAAG
Classical paintings & drawings
ONLINE
12-27 VENDUEHUIS DER NOTARISSEN
DEN HAAG
Modern art ONLINE
18-22 DERKSEN VEILINGBEDRIJF
Kunst en antiek ARNHEM
19-24 OPRECHTE VEILING
Kunst en antiek HAARLEM
23 DERKSEN VEILINGBEDRIJF
Kunst en antiek
ONLINE
23-25 DICKHAUT
Kunst en antiek MAASTRICHT
24 PEERDEMAN
Kunst en antiek UTRECHT
25 MOART VEILINGHUIS
Schilderijen en beelden
BERKEL EN RODENRIJS
25 NOTARISHUIS ROTTERDAM
Munten ONLINE
25-27 ONDER DE BOOMPJES
Kunst en antiek LEIDEN
25-28 DE ELAND & DE ZON
Kunst en antiek DIEMEN
26-10 CHRISTIE'S
Made in Holland ONLINE
30 VEILINGHUIS BOUWMAN
Speelgoedveiling BRUMMEN
OCTOBER
2 ALD FRYSLAN
Chinees en oosters porselein
ONLINE
2-5 VAN SPENGEN
Kunst en antiek HILVERSUM
3 VEILINGHUIS OMNIA
Kunst en antiek KOLHAM
3-6 ALD FRYSLAN
Kunst en antiek IJLST
11-12 NOTARISHUIS ROTTERDAM
Algemene veiling
ONLINE
France
SEPTEMBER
1-13 AGUTTES
Bijoux or ONLINE
4-12 BONHAMS
Art moderne et contemporain
ONLINE
5-14 BONHAMS
Luisa's Wardrobe: The Alfieri-
Federici Collection. Part II
ONLINE
5-19 MAURICE AUCTION
Preloved fashion sale
(Drouot) ONLINE
6 CANNES ENCHÈRES
Bijoux Anciens & modernes
CANNES
7 AGUTTES
Arts classiques NEUILLY
7 DE BAECQUE & ASS
Intérieurs et décoration
VILLEURBANNE
7 LUCIEN PARIS
Collection de Madame M. et
à divers Amateurs NOGENT-
SUR-MARNE
8-15 ARTCURIAL
The Clock collection
ONLINE
8-22 CHRISTIE'S
L'Enragé: Hommage à Jean
Fautrier PARIS
11 TESSIER&SARROU ET ASS
Livres de valeur (Drouot)
ONLINE
11-21 TAJAN
Le coin du connaisseur PARIS
12 ADER
Verrerie contemporaine PARIS
12 ARTCURIAL
Design Brésilien PARIS
12 ARTCURIAL
Paavo Tynell PARIS
12 DE BAECQUE & ASS
Intérieurs et décoration
MARSEILLE
12 THIERRY DE MAIGET
Vente bandes dessinees,
albums, plance originale
(Drouot) PARIS
13 ALDE
Livres anciens et timbres PARIS
13 MILLON
Boudoir de madame PARIS
13 PARIS ENCHÈRES
Piasa X Annmaris: Finnish
Design PARIS
13 PIASA
Piasa X Annmaris: Finnish
Design PARIS
13 TESSIER&SARROU ET ASS
Photos du Normandie ONLINE
13-20 TAJAN
Livres, Manuscrits & Estampes
PARIS
14 AGUTTES
Art contemporain NEUILLY
14 BOISGIRARD-ANTONINI
Livres anciens et modernes
ONLINE
14 DE BAECQUE & ASS
Bibliotheque d'un humaniste
marseillais VENDÔME
14 GROS & DELETTREZ
Bijoux anciens & modernes
(Drouot) PARIS
14 MILLON
Petites oeuvres de grands
maîtres-tableaux modernes
(Droulot) PARIS
14-27 SOTHEBY'S
Handbags and accessoiries
PARIS
14-28 ALDE
Bibliothèque Hubert Morent
partie II ONLINE
15 ADER
Vente classique (Drouot) PARIS
15 AUCTIE'S
Arts du Xxe siècle (Drouot)
PARIS
15 COUTAU-BÉGARIE
Boutons de livre (Drouot)
PARIS
15 EUVRARD & FABRE
Vente classique (Drouot)
ONLINE
15 MILLON
Biennale, souvenirs de la
princesse Micaela D'Orleans
(Drouot) ONLINE
106

Auction calendar
SEPTEMBER / OCTOBER 2023
15 MILLON
Hunna - women artists from
the arabian peninsula -
exhibition PARIS
15 PARIS ENCHÈRES
Charles Ratton ONLINE
15 THIERRY DE MAIGET
Tableaux Anciens, Mobilier &
Objets d'Art (Drouot) PARIS
18 AGUTTES
Arts Classiques ONLINE
19 ART VALOREM
Vente classique (Drouot) PARIS
19 ART RÉMY LE FUR & ASS
Vente classique (Drouot) PARIS
19 BEAUSSANT LEFÈVRE
Vente classique (Drouot) PARIS
19 GROS & DELETTREZ
Tableaux des années 60
à 80 et icônes du design
international (Droulot) ONLINE
19 MIRABAUD-MERCIER
Vente classique (Drouot)
ONLINE
19 MORAND & MORAND
Livres anciens et modernes et
bandes dessinées (Droulot)
ONLINE
19 PESCHETEAU-BADIN
Vente Classique (Drouot)
PARIS
19 RÉMY LE FUR & ASS
Vente classique (Drouot) PARIS
19 TAJAN
Céramique moderne &
contemporaine PARIS
20 DE BAECQUE & ASS
Timbres et cartes postales
LYON
20 MILLON
Une collection privée
Française-Archéologie haute
Epoque (Drouot) PARIS
20 PIASA
Art + Design: an eclectic
collection PARIS
20-21 ADER
Collection Pont-aven,
symbolistes et nabis PARIS
21 ART RICHELIEU
Bijoux, Orfevrerie, Tableaux
anciens et modernes,
sculptures (Drouot) ONLINE
21 BOISGIRARD-ANTONINI
Vente XXe et Design
PARIS
21 BONHAMS
Eighties PARIS
21 COUTAU-BÉGARIE
Vente classique (Drouot) PARIS
21 DE BAECQUE & ASS
Intérieurs et décoration LYON
21 LUCIEN PARIS
Mobilier garnissant un hôtel
particulier NOGENT-SUR-MARNE
21 MILLON
Archéologie et préhistoire
PARIS
21 THIERRY DE MAIGET
Vente classique (Drouot) PARIS
22 ARTCURIAL
Amateurs & collectionneurs
PARIS
22 ERIC CAUDRON
Bijoux (Drouot) PARIS
22 GROS & DELETTREZ
Bijoux et montres (Drouot)
PARIS
22 LYNDA TROUVÉ
Indocine - Chapitre 16
(Drouot) PARIS
23 GIQUELLO & ASS
Collection Gilbert Lascaut
(Drouot) PARIS
23 SOTHEBY'S
Arts d'Asie PARIS
23-01 MILLON
Bandes dessinées PARIS
24 COUTAU-BÉGARIE
Mode & vintage (Drouot)
ONLINE
24 OSENAT
Art Russe VERSAILLES
25 BOISGIRARD-ANTONINI
Art et deco VII ONLINE
25 PESCHETEAU-BADIN
Vente d'atelier - Haruhiko
Sunagawa (Drouot) PARIS
25-3 TAJAN
Design du 20 ième siècle PARIS
25-4 BONHAMS
Vintage Posters ONLINE
26 ARTCURIAL
Maîtres Anciens & du XIX
siècle PARIS
26 CANNES ENCHÈRES
Vente courante CANNES
26 COPAGES AUCTION PARIS
Bijoux anciens & modernes
(Drouot) PARIS
26 PARIS ENCHÈRES
Design d'un hôtel particulier
décoré par Damien Langlois-
Meurienne PARIS
26 PIASA
Design d'un hôtel particulier
décoré par Damien Langlois-
Meurienne
ONLINE
26 SOTHEBY'S
Collection François Meyer: A
Colorful Passion PARIS
26 YANN LE MOUEL
Atelier Saverio Lucariello PARIS
26-27 ADER
Collection Gérard Depardieu
(Drouot) PARIS
27 ALDE
Bibliothèque Hubert Morent,
Editions originales du Xxe
siècle PARIS
27 ARTCURIAL
Le portrait en Miniature PARIS
27 ARTCURIAL
Alexandre Dumas, Collection
Kahn PARIS
27 DE BAECQUE & ASS
Intérieurs et décoration LYON
27 DE BAECQUE & ASS
Mineraux MARSEILLE
27 PARIS ENCHÈRES
Art et Design Collection de
la Dotation Lefebvre-Vornic
PARIS
27 PESTEL-DEBORD
Vente classique (Drouot) PARIS
27 PIASA
Art + Design Collection de
la Dotation Lefebvre-Vornic
PARIS
27-9 MILLON
Dessins de 1500 à 1900 ONLINE
28 BONHAMS
Atelier Hugo PARIS
28 DE BAECQUE & ASS
Fonds d'Atelier Marcel
Charbonnel MARSEILLE
28 TAJAN
Art d'Asie PARIS
28 VILLANFRAY POMMERY
Vente classique (Drouot) PARIS
29 DAGUERRE
Collections privées, tableaux,
mobilier et objets d'art PARIS
29 THIERRY DE MAIGET
Tableaux Anciens, Mobilier &
Objets d'Art (Drouot) PARIS
29-30 OSENAT
Vente de l'angélus à
Chantilly-en-bière (Drouot)
ONLINE
30 HVMC
Mobilier Objet d'art, Tableaux
anciens et XIXème, Art d'Asie
MONTE-CARLO
30 OSENAT
Mobilier & objets d'art -
Vente prestige (Drouot)
FONTAINEBLEAU
30-8 MILLON
Bandes Dessinees ONLINE
OCTOBER
1 COUTAU-BÉGARIE
Jazz (Drouot) ONLINE
1 OSENAT
Les intérieurs de Versailles
(Drouot) VERSAILLES
1-3 ADER
Livres de photographies
(Drouot) ONLINE
2 GROS & DELETTREZ
Collection d'art moderne de
M.X (Drouot) PARIS
3 ADER
Art d'après-guerre et
contemporain (Drouot) PARIS
3 CANNES ENCHÈRES
Bijoux Anciens & modernes
CANNES
3 SOTHEBY'S
Fine Jewels PARIS
3-4 BEAUSSANT LEFÈVRE
Une propriété au bord du lac
(Drouot) PARIS
4 BOHAMS
Parisians Collections
including the Estate of Olivia
de Havilland PARIS
4 MILLON
Carnets de voyages PARIS
4 PIASA
Design français PARIS
4 THIERRY DE MAIGET
Vente classique (Drouot) PARIS
4 SOTHEBY'S
Collection Claude & François
Xavier Lalanne PARIS
5 ARCANE ENCHÈRES
Bijoux (Drouot) PARIS
5 BOISGIRARD-ANTONINI
Arts d'asie et d'orient
NICE
5 DE BAECQUE & ASS
Or et numismatique LYON
VENTES AUX
ENCHÈRES
D'OBJETS D'ART
ET D'ANTIQUITÉS
JORDAENS SA
VENTES
LES MARDI 26 ET MERCREDI 27 SEPTEMBRE
À PARTIR DE 19H.
VENTE DE VINS
25 SEPTEMBRE À PARTIR DE 19H.
EXPOSITION
LES VENDREDI ET SAMEDI AVANT LA VENTE
DE 10H À 17H.
Drabstraat 74 I 2640 Mortsel I info@jordaens.eu
03 449 44 30 I Catalogues et livestream: www.jordaens.eu
107

Auction calendar
SEPTEMBER / OCTOBER 2023
5 DOUTREBENTE
Vente cataloguée de bijoux et
argenterie (Drouot) PARIS
5 LUCIEN PARIS
Entier contenu d'une grande
demeure nogentaise NOGENT
5 MILLON
Intérieur de Madame B., un
appartement sur la Riviera
NIVE
6 DE BAECQUE & ASS
Asie, tribale (Drouot) PARS
6 ERIC CAUDRON
Vente de mobilier et objets
d'art (Drouot) PARIS
6 GROS & DELETTREZ
Bijoux & montres PARIS
6 YANN LE MOUEL
Vente classique (Drouot) PARIS
8 OSENAT
Collection Jean Louis
Noisiez, La Royauté (Drouot)
VERSAILLES
10 ADER
Haute couture (Drouot) PARIS
10 GIQUELLO & ASS
Collection Galerie Chevalier
(Drouot) PARIS
10 PESCHETEAU-BADIN
Vente Classique (Drouot)
PARIS
10 TAJAN
Transmission(s)-collection
Jean-Pierre et Matine Nuaud
PARIS
United Kingdom
SEPTEMBER
1-13 BONHAMS
Hospital Rooms: Hold Me
ONLINE
6-13 SOTHEBY'S
Freddie Mercury: A world on
His Own LONDON
7-21 SOTHEBY'S
Travel, Atlases, Maps &
Photographs ONLINE
11-21 BONHAMS
The Art of Luxury: Chanel
ONLINE
11-25 CHRISTIE'S
Picasso Ceramics ONLINE
12 BONHAMS
Hospital Rooms: Holding
Space LONDON
12-28 CHRISTIE'S
Contemporary Edition ONLINE
13 BONHAMS
Old Master Paintings LONDON
13 BONHAMS
Knightbridge Jewels LONDON
13-20 SOTHEBY'S
Old Master & 19th Century
Paintings LONDON
13-27 CHRISTIE'S
Prints ans Multiples ONLINE
15-29 CHRISTIE'S
Charlie Watts: Literatue and
Jazz Part II ONLINE
18-28 BONHAMS
British and European Art
ONLINE
19 SOTHEBY'S
Fine Jewels LONDON
19-26 SOTHEBY'S
Banksy ONLINE
19-26 SOTHEBY'S
Prints & Multiples ONLINE
20 BONHAMS
Blazing a Trail: Modern British
Women LONDON
20 BONHAMS
Prints ans Multiples LONDON
20 PHILLIPS
Evening & Day Editions
LONDON
20 PHILLIPS
David Hockney LONDON
20-27 SOTHEBY'S
Modern Discoveries ONLINE
21 BONHAMS
London Jewels LONDON
22-3 BONHAMS
Votes for Women: the Lesley
Mees Collection LONDON
27 BONHAMS
19th Century and British
Impressionist Art LONDON
27 BONHAMS
A focus on Willian Kentridge
LONDON
27 BONHAMS
Home & Interiors LONDON
28 CHRISTIE'S
Charlie Watts: Literatue and
Jazz Part I LONDON
OCTOBER
3 BONHAMS
Design LONDON
4 BONHAMS
Sir Roger Moore: The
Personal Collection LONDON
Germany
SEPTEMBER
1-2 BASSENGE
Kunst des 15.-19.
Jahrhunderts, Moderne Kunst
KÖLN/BERLIN/
MÜNCHEN
1-7 VAN HAM
From a Magnificient Private
Collection - 150 works
MÜNCHEN
6 KARL & FABER
Zeitgenössische Kunst
DÜSSELDORF
6-7 KETTERER KUNST
Contemporary Art AHLDEN
6-7 KETTERER KUNST
Modern Art
ONLINE
6-14 VAN HAM
Modern Art ONLINE
7 KETTERER KUNST
19th Century ZÜRICH
10 BASSENGE
Fotografiedes 19.-21.
Jahrhunderts MÜNCHEN
10 DR. EDER
Kunst & Antiquitäten
MÜNCHEN
11 GRISEBACH
Schätztage BERLIN
20-28 VAN HAM
Jewels Quarterly ONLINE
22-23 LEMPERTZ
Antiquarische Bücher,
Graphik (Venator & Hanstein)
ONLINE
OCTOBER
10 HERMANN HISTORICA
Kunst & Antiquitäten, Antiken
& Asiatika MÜNCHEN
10 QUITTENBAUM
Italienisches design MÜNCHEN
Switzerland
SEPTEMBER
12-27 KOLLER
Schmuck ONLINE
12-27 KOLLER
Möbel ONLINE
12-27 KOLLER
Porzellan ONLINE
12-27 KOLLER
Bücher & Autographen ONLINE
12-27 KOLLER
Alter Meister & des 19 Jhs
ONLINE
12-27 KOLLER
Alte Grafik & Zeichnungen
ONLINE
12-27 KOLLER
Silber ONLINE
12-27 KOLLER
Gemälde ONLINE
12-27 KOLLER
Schmuck ONLINE
18-21 PIGUET
Tableaux ONLINE
20 KOLLER
Bücher & Autographen ZÜRICH
21 KOLLER
Decorative Arts ZÜRICH
21 KOLLER
Möbel ZÜRICH
21 KOLLER
Porzellan ZÜRICH
21 KOLLER
Skulpturen ZÜRICH
21 KOLLER
Teppiche ZÜRICH
22 KOLLER
Gemälde ZÜRICH
22 KOLLER
Zeichnungen Alter Meister
ZÜRICH
22 KOLLER
Alter Meister & des 19 Jhs
ZÜRICH
Austria
SEPTEMBER
1 DOROTHEUM
Ölgemälde und Aquarelle des
19. Jahrhunderts SALZBURG
4 DOROTHEUM
Kunst & Antiquitäten ONLINE
5 DOROTHEUM
Schmuck, Kunst &
Antiquitäten ONLINE
6 DOROTHEUM
Schmuck und Uhren WEINER
NEUSTADT
6 DOROTHEUM
Fahrzeuge und Technik
VÖSSENDORF
6 DOROTHEUM
Antiquitäten ONLINE
6 DOROTHEUM
Schmuck, Kunst &
Antiquitäten ONLINE
7 DOROTHEUM
Schmuck und Uhren ONLINE
7 DOROTHEUM
Erlesener Schmuck WIEN
7 DOROTHEUM
Schmuck und Uhren SALZBURG
7 DOROTHEUM
ölgemälde und Aquarelle des
19. Jahrhunderts
WIEN
8 DOROTHEUM
Teppiche für Einrichter und
Sammler ONLINE
8 DOROTHEUM
Aus aristokratischem Besitz
und bedeutender Provenienz
WIEN
11 DOROTHEUM
Kunst & Antiquitäten, Möbel
und Technik
ONLINE
11 DOROTHEUM
Schmuck, Kunst &
Antiquitäten ONLINE
12 DOROTHEUM
Bilder ONLINE
12 DOROTHEUM
Schmuck und Uhren ONLINE
13 DOROTHEUM
Antiquitäten ONLINE
13 DOROTHEUM
Aus aristokratischem Besitz
und bedeutender Provenienz
WIEN
14 DOROTHEUM
Aus aristokratischem Besitz
und bedeutender Provenienz
ONLINE
14-15 DOROTHEUM
Schmuck und Uhren ONLINE
14 DOROTHEUM
Möbel und Interieur ONLINE
18 DOROTHEUM
Möbel ONLINE
18 DOROTHEUM
Schmuck, Kunst &
Antiquitäten ONLINE
19 DOROTHEUM
Silber ONLINE
19 DOROTHEUM
Bilder ONLINE
20 DOROTHEUM
Antiquitäten ONLINE
20 DOROTHEUM
Kunst & Antiquitäten und
Schmuck ONLINE
20 DOROTHEUM
Moderne und
Zeitgenössische Kunst WIEN
20 DOROTHEUM
Österreichische Moderne und
Zeitgenössische Kunst WIEN
21 DOROTHEUM
Schmuck und Uhren
INNSBRUCK
21 DOROTHEUM
Schmuck und Uhren ONLINE
21 DOROTHEUM
Design WIEN
21 DOROTHEUM
Porzellan, Glas und
Sammelgegenstände ONLINE
21 DOROTHEUM
Schmuck WIEN
22 DOROTHEUM
Münzen und Medaillen WIEN
22 DOROTHEUM
Teppiche für Einrichter und
Sammler ONLINE
22 DOROTHEUM
Charity-Auktion zugunsten
von HEMAYAT ONLINE
25 DOROTHEUM
Kunst & Antiquitäten, Möbel
und Technik ONLINE
25 DOROTHEUM
Briefmarken und
Ansichtskarten WIEN
25 DOROTHEUM
Volkskunst, Skulpturen und
Fayencen ONLINE
25 DOROTHEUM
Schmuck, Kunst &
Antiquitäten ONLINE
26 DOROTHEUM
Bilder & Schmuck ONLINE
27 DOROTHEUM
Nasa Fotosammlung ONLINE
27 DOROTHEUM
Diamonds only ONLINE
27 DOROTHEUM
Antiquitäten ONLINE
28 DOROTHEUM
Schmuck und Uhren ONLINE
28 DOROTHEUM
Erlesener Schmuck WIEN
28 DOROTHEUM
Bilder und Grafiken aller
Epochen ONLINE
29 DOROTHEUM
Exklusive Farbsteine ONLINE
OCTOBER
4 DOROTHEUM
Meisterzeichnungen und
Druckgraphik bis 1900 WIEN
4 DOROTHEUM
Aquarelle und Miniaturen
WIEN
108

Fair calendar
SEPTEMBER / OCTOBER 2023
Austria
France
Germany
28-1 Art Salon Zurich
ZURICH
United Kingdom
SEPTEMBER
SEPTEMBER
SEPTEMBER
6-10 Swiss Art Expo
ZURICH
SEPTEMBER
5-10 Parallel Vienna
VIENNA
7-10 Viennacontemporary
VIENNA
8-10 Transform Arte
EISENSTADT
Belgium
AUGUST
12-30 Brussels Design
September
BRUSSELS
29-01 Around Video Art Fair
BRUSSELS
8-10 Sablon Design Market
BRUSSELS
22-24 Art & Passion
BRUSSELS
OCTOBER
1 Collect-Hit & Brocantissimo
GROOT-BIJGAARDEN
7-15 Brussels Biennale of
Eclectic Architecture
BRUSSELS
Denmark
7-16 Paris Design week
PARIS
1-3 Paréidolie
MARSEILLE
5-10 Parcours des mondes
PARIS
7-10 Mercanteinfiera
PARIS
14-17 Menart Fair Paris 2023
PARIS
19-23 Parcours de la Céramiqu
e et des Arts du Feu
PARIS
France
OCTOBER
18-22 Design Miami/Paris
PARIS
20-22 Paris Asian Art Fair
PARIS
20-22 AKAA 23
PARIS
NOVEMBER
9-12 Paris Photo
PARIS
22-26 FAB Paris
PARIS
29-1 Neue Art
DRESDEN
Korea
SEPTEMBER
6-9 FRIEZE Seoul
SEOUL
7-10 KIAF
SEOUL
Luxembourg
NOVEMBER
10-12 Luxembourg Art Week
2023
LUXEMBOURG
Sweden
SEPTEMBER
5-10 Stockholm Design Week
STOCKHOLM
Switzerland
SEPTEMBER
12-17 Geneva Art Week
GENEVA
The Netherlands
SEPTEMBER
23 Dialogue Vintage
Photography
AMSTERDAM
28-01/10 Art Noord
HEERENVEEN
29-1 BIG ART
AMSTERDAM
20-24 Haute Photographie
AMSTERDAM
21-24 Unseen
AMSTERDAM
23-24 Tribal Jewelry & Textiles
Fair.
AMSTERDAM
OCTOBER
4-8 Art The Hague
DEN HAAG
NOVEMBER
1-5 Affordable Art Fair
AMSTERDAM
Turkey
26-1 LAPADA
LONDON
28-1 British Art Fair
LONDON
1-3 Penman Antique Fair
PETERSFIELD
26-8 Goldsmiths' Fair
LONDON
16-24 London Design Festival
LONDON
OCTOBER
10-15 PAD
LONDON
United States
SEPTEMBER
7-10 Independent
NEW YORK
7-10 Art on Paper
NEW YORK
7-10 Clio Art Fair New York
NEW YORK
8-10 PHOTOFAIRS New York
NEW YORK
8-10 Armory Show
NEW YORK
SEPTEMBER
1-3 Art Nordic: Art Unites
COPENHAGEN
28-1 art3f Lausanne Art Fair
LAUSANNE
SEPTEMBER
27-1 Comtemporary Istanbul
ISTANBUL
6-11 SPRING/BREAK Art Show
NY
NEW YORK
1-3 Juxtapose Art Fair
AARHUS
Museum calendar
SEPTEMBER / OCTOBER 2023
Belgium
ANTWERPEN
DIVA
△ Zilvertriënale: expo
voor hedendaags design
till 08-10
Extra City Kunsthal
△ Marcin Dudek. The
group
till 08-10
FOMU
△ Grace Ndiritu
reimagines the fomu
collection
till 07-01-2024
△ Vincen Beeckman.
Ping pong
till 08-10
△ TIFF 2023
Emerging belgian
photography
till 08-10
KMSKA
△ Een hommage aan
Gilberte Ghesquière
23-09 till 07-01-24
M HKA
△ Gordon Matta-Clark.
Museum in Motion
till 05-04-2024
MAS
△ Stad in oorlog.
Antwerpen, 1940 - 1945
08-09 till 12/11
Museum De Reede
△ Kurt Peiser
08 till 04-12
Phoebus Foundation
△ Saints, Sinners, Lovers,
and Fools: 300 Years of
Flemish Masterworks
till 15-10
△ Ode aan Antwerpen,
reizende schat
till 17-09
Red star line
△ Heimwee. Tussen
troost en trots
till 03/09
BRUGGE
Groeningemuseum
△ David Claerbout.
Wildfire
till 05-09
BRUSSELS
Abbaye de
Dieleghem
△ Walter Seghers.
Retrospective
08-09 till 22-09
Art & Marges
△ Adalberto Colarelli &
Shen Özdemir
till 05-11
109

Museum calendar
SEPTEMBER / OCTOBER 2023
Bibliotheca
Wittockiana
△ Nathalie Berjon 'Un
printemps, un.e relieur.se'
till 17-09
Botanique
△ Aymeraude du
Couédic. Panatopique
02-09 till 15-10
△ Boris Thiébaut. Every
minute is letterd
02-09 till 29-10
△ Alexandra Mein.
Diffraction (Serres)
02-09 till 29-10
BOZAR
△ Antoni Tàpies. 'La
Pratique de l'Art'
15-09 till 07-01-24
△ Un Centenaire en VR:
Bourdelle
15-09 till 23-10
Centrale
△ vitrine: Antoine
Waterkeyn "Sapristi,
Sorcellerie et saint
Sacrilège"
till 05-11
△ Mehdi-Georges
Lahlou & Candice Breitz.
extra
till 17-09
Erasmushuis
△ Les Adages d'Erasme
prennent formes
till 29-10
△ Les objets Insolites
N°12 Hâte-toi lentement
till 29-10
Fondation A
△ Ursula Schulz-
Dornburg
21-09 till 17-12
Fondation blan
△ Stephan Balleux.
Artificialia
till 30-09
Fondation
Boghossian - Villa
Empain
△ House of Dreamers
till 01-10
Fondation CAB
△ Niele Toroni
till 29-10
ISELP
△ Maen Florin
29-09 till 02-12
Joods Museum van
België
△ Shoshana Walfish.
Illusive Bodies
07-09 till 18-02-2024
△ Erwin Blumenfeld.
Photography 1930 -1950
29-09 till 04-02-2024
KMKG
△ Expéditions d'Égypte
till 01-10
MAD
△ Jaime Hayon
22-09 till 27-01-2024
Maison des arts
△ Dressing
23-09 till 26-11
MIMA
△ Jean Jullien. Studiolo
till 31-12
Vanhaerents Art
Collection
△ Viewing depot
EXH#02. Spotlight
till 23-09
WIELS
△ Francis Alÿs. The
Nature of the Game
07-09 till 07-01-24
Wittockiana
△ Camille De Taeye dans
les livres. L’Immortalité
chimérique
till 24-01-24
CHARLEROI
BPS22
△ Laurence Dervaux
23-09 till 07-01
Musée de la
Photographie
△ Gaël Turine. Jacquie
Maria Wessels.
Sarah Lowie. Héloïse
Boulanger. Randa
Maroufi.
till 24-09
DEINZE
Mudl
△ Jan De Vliegher.
Myriad Pursuits
till 17-09
DEURLE
Mdd
△ wegens verbouwingen
extra muros: Maria
Blondeel in Gevaert-
Minne
09-09 till 19-11
△ Woning Van
Wassenhove: Mark
Manders. The Absence of
Mark Manders
20-09 till 19-11
EUPEN
IKOB
△ Vera Drebusch.
Vogelschwärm
till 30-09
GAASBEEK
Kasteel van Gaasbeek
△ Ne mobliez mie
till 05-11
GENK
C-mine
△ Athos Burez. As it (n)
ever was
till 29-09
GENT
Dr. Guislain Museum
△ Safe(r)Space
till 01-10
Huis van Alijn
△ 90's
till 21-04-2024
Kunsthal /
Caermersklooster
△ Ben Thorpe Brown
en Jan Minne. Cura's
Garden
till 06-10
SMAK
△ Grace Ndiritu. Healing
the Museum
till 10-09
△ Haegue Yang Several.
Reenactments
till 10-09
△ Pieter Engels. Fabulous
Oldest Hits
till 10-09
GRAND HORNU
MACS
△ Angel Vergara. Dans
l'instant
till 08-10
CID
△ Des archives au design.
Audace et innovation
till 15-10
HASSELT
C-Mine
△ Veldwerkers.
Ontwerpkamer
till 31-12
MMH
△ We need to talk abaut
fashion
till 18-02-24
Z33
△ Save our souls
02-09 till 22-12
ITTRE
Marthe Donas
△ Acquisitions 2022-2023
till 01-10
KOKSIJDE
Kunstencentrum Ten
Bogaerde = Stichting
George Grand
△ Joëlle Dubois. Private
Parts
till 07-01-2024
LA LOUVIÈRE
Ianchelevici
△ ARTour. Entre-Mondes
till 10-09
Keramis
△ Julie Decubber.
Tessons Exquis
09-09 till 21-01-24
LEUVEN
M
△ Huma Bhabha ‘LIVIN’
THINGS’
till 29-10
△ Jill Magrid en Leen Voet
till 10-09
Parcum
△ In beeld geboren
till 22-10
LIÈGE
Cité Miroir
△ Chili 73, La résistances
s'affiche
till 10-09
MARCINELLE
Musée du Verre
△ Desislava Stoilova et
Rémy Hans. de Mémoire
et de Forme
till 10-09
MARIEMONT
Musée royal de
Mariemont
△ Mari en Syrie.
Renaissance d'une cité
au 3ème millénaire
16-09 till 07-01-2024
MECHELEN
Stedelijke Musea
△ C0N10UR
08-09 till 05-11
MENEN
CC De Steiger +
't Schippershof
Stadsmuseum
△ Yvonne Serruys:
Beeldhouwer van de
niuewe vrouw
till 17-12
MIDDELKERKE
Cultuurstek
△ La Isla Bonita
till 05-11
MONS
BAM
△ Jaume Plensa.
Sculptures iconiques à la
Cité du Doudou
till 08-10
NAMUR
DELTA
△ Pierre Dandoy
photographie Evelyne
Axell
till 15-10
Le Pavillon
△ Capture #2
23-09 till 14-01
Musée de la Vie
walonne
△ Upcycling
till 07-01-2024
Musée Félicien Rops
△ Peter Depelchin
'Hommage à Pan -
Volet 2'
till 17-09
OOSTENDE
Mu.ZEE
△ Anna Boch. Een
impressionistische reis
till 05-11
PUURS-SINT-AMANDS
Emile
Verhaerenmuseum
△ Kijk! De wolken!
till 08-10
SINT-NIKLAAS
SteM
△ Burcht Malpertuus
till 22-10
TOURNAI
Musée des Beaux-
Arts
△ Isabelle Detournay. Le
Travail et la Maison
till 6-11
ZULTE
Roger Raveel
museum
△ Jan Vercruysse, Nel
Aerts, John Murphy.
Unreadiness
till 10-09
110

Gallery calendar
SEPTEMBER / OCTOBER 2023
Belgium
ANTWERPEN
Campo & Campo
△ Kurt Peiser
08-09 till 07-10
△ Luk Van Soom
11-09 till 31-10
Gallery Fifty one
△ Dirk Zoete. Faces and
Flowers
09-09 till 28-10
GNYP
△ Kaifan Wang. In the
spot on the neck bitten
by mosquitoes?
till 24-09
Ibasho
△ Casper Faassen
16-09 till 19-11
Tim Van Laere Gallery
△ Rinus Van de Velde
till 07-10
BEVEREN
Hof ter Saksen
△ Parklife’
till 08-10
BRUGGE
Adornesdomein
△ Jean De Groote. It is
till 09-09
BRUSSELS
Almine Rech
△ Larry Poons. Recent
Paintings
07-09 till 04-11
Arielle d'hauterives
galerie
△ Hélène Picard. La Robe
Rouge
07-09 till 22-10
Association du
patrimoine
artistique
△ Victor Van Dyck
07-09 till 28-10
Baronian
△ David Nash
till 10-09
Bernier/Eliades
△ Misheck Masamvu.
Pivot
07-09 till 16-12
BrAMS 3
△ Group Show
08-09 till 14-10
Bruno Matthys
Gallery
△ Bruno Matthys. Vivant
till 30-09
Charles Riva
Collection
△ ‘Intersection’
06-09 till 30-10
Clearing
△ Julia Yerger et Javier
Barrios
07-09 till 21-10
Collectors Gallery
△ Claude Wesel
21 till 24-09
Contretype
△ Michel Mazzoni &
Bastiaan Van Aarle.
Agrégat
07-09 till 26-10
Didier Claes
△ 5 Baule Masks
07 till 10-09
Esther Verhaeghe
△ Britta Borgers.
Approach
07-09 till 12-10
Exitt11
△ L'heure bleue
03-09 till 12-11
Fondation blan
△ Stephan Balleux.
Artificialia
till 30-09
Fondation CAB
△ Albert Baronian
Quinquagesimun,
exposition de groupe
06-09 till 25-11
Frédérick Mouraux
Gallery
△ Françoise Catalàa.
Actualités
03-09 till 21-10
Galerie Albert 1 er
△ Peintures de Xavier
Huchez
02-09 till 24-10
Galerie
Aliénor Prouvost
△ Rose
28-09 till 28-10
Galerie Eric Mouchet
△ Louis-Cyprien Rials.
Fondation
22-09 till 16-12
Galerie Faider
△ Michel Mouffe. A
thousand uplands
till 23-09
Galerie Gomis
△ Sanlé Sory et Kyle
Weeks. Intersections of
African Youth
07-09 till 28-10
Galerie Greta Meert
△ Richard Tuttle & Edith
Dekyndt
07-09 till 21-10
Galerie La Forest
Divonne
△ Rachel Labastie. (Re)
Lier
07-09 till 21-10
Galerie Le Fell
△ Racines
16-09 till 04-11
Galerie Templon
△ Claude Viallat
07-09 till 04-11
Gallery Sofie Van den
Bussche
△ Marcase. The Stillness
of the image
02 till 30-09
Gladstone
△ Yuji Agematsu
07-09 till 28-10
Hangar
△ Close Enough, New
Perspectives from 12
Women Photographers
of Magnum
08-09 till 16-12
△ Georges Rousse.
Rising Circles
08-09 till 16-12
Hopstreet Gallery
△ Johan De Wilde. Les
Très Riches Heures de
Jean le Sauvage
07-09 till 21-10
Husk Gallery
△ Nathalie Pirotte.
Mêmetés
03-09 till 22-10
In-Gate Gallery
△ Danja Akulin.
Lightscapes
07-09 till 28-10
Irène Laub
△ Gauthier Hubert
08-09 till 14-10
Jan Mot
△ Lili Dujourie
07-09 till 28-10
La Peau de l'ours
△ Les nouveaux
sauvages
03-09 till 21-10
La Verrière
△ Cristof Yvoré. Coi
07-09 till 04-11
LaVallée
△ 20 ans de street art
belge
01 till 30-09
Le Botanique
△ ‘Aymeraude du
Couëdic. Paranoptique’
02-09 till 15-10
Lempertz
△ Michel Pérez Pollo. Un
Automne
07 till 24-09
Maruani Mercier
△ Peter Halley. Black
Light
07-09 till 21-10
Mathilde
Hatzenberger
Gallery
△ Variations abstraites
15-09 till 21-10
Modesti Perdriolle
△ Tushar & Mayur
Vayeda. Eyes of Forest
07-09 till 21-10
Nino Mier Gallery
△ Andrew Dadson
05-09 till 14-10
Partage galerie
△ Exposition collective
till 10-09
Pierre Marie Giraud
△ Kristin McKirdy
07 till 30-09
Queens Brussels
△ Caroline Andrin. La
Part Animale
30-09 till 21-10
Rodolphe Janssen
△ Gina Beavers et Fred
Bervoets
07-09 till 14-10
Sorry We're Closed
gallery
△ Eric Croes.
La nuit est une Femme
à barbe
07-09 till 28-10
Spazio Nobile
△ Group exhibition.
Plein air
till 17-09
Stems Gallery
△ Shaina McCoy. More
about everything
07-09 till 07-10
Super Dakota
△ Einstein on the beach
07-09 till 21-10
Templon
△ Claude Viallat.
Quelques pas de côté
07-09 till 04-11
The Palm Beach
△ ‘Guillaume Thunis.
Espaces Répétés’
15-09 till 14-10
Xavier Hufkens
△ Thierry De Cordier
07-09 till 14-10
△ Harry Irene, curated by
Joe Bradley
till 10-09
Zedes art gallery
△ Skender Hyseni
08-09 till 21-10
DURBY
Galerie Brachot
△ Group Show. The
Other Side of Summer
till 15-09
FLÉMALLE
La Châtaigneraie
△ 11e Prix de la Jeune
Sculpture
16-09 till 29-10
GENT
Tatjana Pieters
△ Felix Beaudry & Arthur
Dufoor
till 10-09
GENTBRUGGE
Settantotto
△ zwart-wit
03-09 till 01-10
KNOKKE-HEIST
Guy Pieters Gallery
△ Jan Frederik De Cock.
Classicalism -
till 01-10
△ Julian Schnabel. What
are we painting after all’
till 02-09
△ Paul Delvaux. Drawings
and watercolors
till 09-10
△ Manolo Valdès. Récent
Works
till 09-10
QG Gallery
△ Georg Karl Pfahler
till 01-10
Samuel
Vanhoegaerden
Gallery
△ Fred Eerdekens.
See or seem-outdoor
sculptures and scale
models
till 17-09
Stephane Simoens
△ A group exhibition.
Puch, vibrate, scrape,
crash, move
till 18-09
Lee-Bauwens Gallery
△ Ode Bertrand. L'Épure
10-09 till 15-10
LIÈGE
Galerie Christine
Colon
△ Anne Manoli &
François Weil
till 24-09
LOUVAIN-LA-NEUVE
Espace 001
△ Elise Leboutte
17-09 till 08-10
MECHELEN
Artmut Gallery
△ Ine Lammers & Marika
Vansant
16-09 till 08-10
MONS
Beffroi
△ Thierry Suzan. La
beauté sauvera le
monde
till 29-10
OOIDONK
Francis Maere gallery
△ Goed te Réables
till 17-09
OOSTEEKLO
Galerie William
Wauters
△ Boutelegier - Michels
10-09 till 15-10
SOIGNIES
Collégiale Saint
Vincent
△ Martine Vanderhoven.
ARTOUR
till 10-09
111

Beaux-Livres
Les femmes
de Picasso
Pierre Culot en
monographie
Le Bruxelles
de Horta
Art nouveau
Cet ouvrage propose de découvrir
ou redécouvrir huit femmes
qui partagèrent un temps la vie
de Picasso. Germaine Pichot,
Fernande Olivier, Eva Gouel,
Olga Khokhlova, Marie-Thérèse
Walter, Dora Maar, Françoise
Gilot et Jacqueline Roque
formèrent avec lui de singuliers
couples, plus ou moins
durables, plus ou moins publics.
Ces femmes, que l’histoire a
intimement liées à la production
de Picasso, ont souvent été étudiées
sans nuances, enfermées
dans un processus de création
et de destruction typiquement
picassien. Avec un soin de
chercheuse égal à son talent de
conteuse, Laurence Madeline
restitue à chaque femme et audelà
des années passées auprès
de lui, l’intensité d’une existence
irréductible à Picasso, lequel
n’est ni un héros, ni un dieu.
Il vit, tombe amoureux, trahit,
est trahi, travaille, expose, crée
inlassablement.
Laurence Madeline,
Picasso. 8 femmes,
Hazan, Paris, 2023,
ISBN 978-2-75411-234-5,
25 €
Céramiste et sculpteur belge,
formé par Antoine de Vinck et
le maître potier anglais Bernard
Leach, Pierre Culot (1938–2011) a
jeté un pont entre les traditions
britannique, japonaise et française,
et exprimé avec passion
son désir d’être au monde, d’être
sur terre, dans la nature, seule
génératrice de vie et de beauté.
Toute sa vie, il est demeuré
fidèle à son expérience initiale
de potier, faisant évoluer ses
œuvres céramiques des formes
basiques (bols, assiettes, pichets)
à d’autres, plus audacieuses
(vases cruciformes, gourdes,
pots composés, encriers). Son
imagination dépassant la fonctionnalité,
il a créé des sculptures
et n’a pas hésité à s’inscrire durablement
dans le paysage avec
ses murs sculptures. Le Fonds
Mercator rend hommage à son
talent par une imposante monographie,
illustrée de nombreux
documents, certains totalement
inédits.
Coll., Pierre Culot 1938-2011,
Fonds Mercator, Bruxelles, 2023,
ISBN 978-9-46230-340-9,
65 €
Conservatrice honoraire du
musée Horta, Françoise Aubry
est une spécialiste incontestée de
Victor Horta. Sous sa houlette, la
maison-atelier du maître a connu
une restauration exemplaire et
des extensions tout aussi salutaires.
De son écriture, précise et
sensible à la fois, elle emmène
le lecteur dans le Bruxelles du
maître, depuis la première maison
encore éclectique jusqu’à la
gare centrale (terminée après la
mort de l’architecte) en passant
par ces chefs-d’œuvre incontournables
que sont l’hôtel Tassel,
l’hôtel Solvay ou l’hôtel Van
Eetvelde. Nourri des recherches
et découvertes menées pour
les restaurations de ces œuvres
et mené par l’œil sagace de
l’autrice, le texte renouvelle vraiment
le propos et c’est un délice
que de se laisser mener, d’une
maison à l’autre, d’un projet à un
autre. En outre, cette balade dans
le Bruxelles de Horta est aussi
ponctuée de quelques pages
thématiques : la mode des serres
et verrières, le vitrail, la sculpture,
… Un régal ! (ah)
Françoise Aubry, Le Bruxelles
de Horta, Ludion, Bruxelles, 2023,
ISBN 978-9-49303-993-3,
24 €
Historienne et guide conférencière
spécialisée en architecture
Art nouveau et Art déco, Cécile
Dubois est aussi présidente de la
Brussels Art Deco Society, association
dont elle est la fondatrice.
C’est donc à juste titre que la
rédaction de cet ouvrage lui a
été confiée, puisqu’il réunit une
grosse trentaine de ‘‘demeures
intemporelles’’ liées à ce style
Belle Epoque. Les incontournables
y sont présents bien sûr,
mais les pépites de l’ouvrage
résident plutôt dans ces œuvres
trop peu connues, comme celles
de Strauven, de Hamesse, de
Dewin ou encore de Hobé. Et
puis certaines œuvres célèbres
du paysage bruxellois, comme
la maison Saint-Cyr retiennent
particulièrement l’attention
puisque les photos témoignent
des restaurations menées ces
dernières années : le lecteur
découvre une véritable splendeur
! L’autrice accorde aussi une
attention particulière aux divers
habitants qui se sont succédés
dans ces maisons, le texte étant
agrémenté de photos d’époque
et d’encarts réservés à certaines
personnalités comme la pianiste
Marie Pleyel, qui habita l’hôtel
Cohn-Donnay (aujourd’hui
l’Ultieme Hallucinatie) et y fit
aménager un pavillon où elle
organisait des soirées musicales.
Cécile Dubois, L’Art nouveau à
Bruxelles, Demeures intemporelles,
Racine, Bruxelles, 2023,
ISBN 978-2-87386-975-5,
45 €
112

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Musée
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DE LA MYTHOLOGIE
Musée de l’Erotisme et de la
Mythologie . Le musée, situé dans
une maison ancienne du Sablon,
offre un aperçu historique de l’art
érotique de l’antiquité à nos jours.
Cette collection privée, parmi les
plus belles d’Europe, présente des
pièces rares et uniques : ivoires,
peintures, sculptures, antiquités greco-romaines,
estampes japonaises,
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Malderen / Baeyens / E. Hoorne / P.
Mara / e. a. Info : 02/428 32 60
Vente privée : collection d’art populaire
d’environ 1.600 appats de toute
l’Europe en bois, liège, balsa, etc.
ludofagus@gmail.com
Recherche
Possédez-vous un tableau de
Marguerite Radoux ?
Les Musées de la Ville de Liège
consacreront prochainement
une exposition à l’artiste-peintre
Marguerite Radoux (Liège 1873- Paris
1943). Formée à l’Académie de Liège,
en France à partir de 1910, elle a à son
actif beaucoup de portraits, souvent
de femmes (élégantes), de musiciens,
de membres de sa famille et d’amis,
qu’elle rend à l’huile dans des tons
sombres ou, à l’inverse, de manière
très épurée et minimaliste au pastel.
Elle excelle à rendre le clair-obscur
et les jeux de couleurs et de lumière
des scènes de tous les jours dans
des « tableautins » croqués sur le vif,
des paysages et des natures mortes.
Son style peut être qualifié de postimpressionniste,
évoluant vers le
fauvisme. Elle signe généralement «
Marg. Radoux », parfois MR ou MRO.
Contact : info@MargueriteRadoux.art
ou Sophie Wittemans, commissaire
de l’exposition, au 0479 91 11 28, margueriteradoux.org.
Recherche : œuvres d’art de Geo
Sempels. Artiste né en 1926 à Lubbeek
et décédé à Vilvorde, Belgique, le
25.08.1990. À l’occasion du 100e anniversaire
de la naissance de cet artiste
abstrait belge, une exposition rétrospective
sera organisée en 2026. Pour
les besoins de cette rétrospective,
nous recherchons des amateurs d’art,
des collectionneurs, des galeries d’art
et des musées prêts à prêter temporairement
leurs œuvres. Plus précisément,
nous recherchons des œuvres
datant des débuts de Geo Sempels,
des années 1950, 1960, 1970 et 1980.
Les photos, publications ou textes,
lettres ou histoires de ou sur cet
artiste sont également les bienvenus.
Si vous souhaitez collaborer à ce
projet, veuillez nous contacter sans
engagement à l’adresse
info@geosempels.com
Cherche : Oeuvres (tableaux, dessins)
et détails (articles de journaux, lettres,
photos, …) sur la vie du peintre
belge Albert Dupuis (1923-2010) pour
une prochaine exposition et catalogue
au Musée Charlier. Contact :
Michèle Schoonjans de la fondation
F.A.D. - Tél. 0478/71 62 96 ou courriel
michele@micheleschoonjans.be /
fondation.albert.dupuis.2010@gmail.
com
Recherche : tableaux de l’artiste
Gabriel Meiring (1946). Merci de me
contacter par e-mail :
jean.wattenberge@telenet.be
Dans le cadre du projet «Thevenet
150», l’AST (Archives, Musée régional
et Tourisme de Halle) est la recherche
de tableaux de Louis Thevenet afin de
les photographier et de les enregistrer
dans sa base de données. Vous
en possédez un ou en connaissez
dans votre entourage ? Merci de
prendre contact avec l’AST via le site
www.halle.be/denast/nieuws/louisthevenet
ou par e-mail à : denast@
halle.be
Ecole d’art (Waterloo) cherche à
acquérir, pour sa section restauration,
des peintures anciennes (XVIe, XVIIe,
XVIIIe siècle), abîmées ou endommagées
(petits accidents - trous
– écaillements / éclats de peinture
- usures - fissures - plis sur la toile ou
sur le panneau). Tél. 0472/30 81 06 ou
0491/93 20 94
Afin d’établir le catalogue raisonné
du peintre Ward Lernout (Tervuren),
nous sommes en quête de tous ses
tableaux et dessins signés. Nous profitons
de cette occasion pour lancer
un appel aux personnes en possession
d’œuvres de Ward Lernout.
Confidentialité garantie. Idéalement,
il nous faut une photographie (également
avec téléphone portable) et les
informations suivantes : titre, année
et dimensions (hors cadre). Ces informations
peuvent être transmises à
l’adresse : tille.lernout@telenet.be. Ce
message peut également être lu sur
la page FB : «Ward Lernout peintre».
Merci d’avance pour votre collaboration.
Je cherche des tableaux et dessins
du peintre belge Guillaume van
Strydonck (1861-1937) pour achat,
mais aussi pour l’échange des informations
concernant l’artiste (photo
tableau, renseignements…).
Merci de me contacter pour ceci. Luc
De Wilder, président cercle historique
de Machelen. 0499/46.23.52 ou email:
luc.de.wilder1@telenet.be
113

Chambre Royale Belgo-
Luxembourgeoise des salles de ventes
aux enchères, commissaires-priseurs, courtiers et experts mobiliers
asbl fondée en 1936
Avenue Louise 500,
1000 Bruxelles
Tél. 0475-62 71 85
Fax 02-741 60 70
www.auctions-in-belgium.be info@auctions-in-belgium.be
Extrait de la liste des membres (Liste complète disponible au sécretariat ci-dessus)
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présente
en collaboration avec
Les Amis de l’Orchestre Philharmonique Royal de Liège
et la Ville de Liège
Georges Morren: zes werken exclusief afkomstig uit het nalantenschap van de familie J-Emile Havet, bevriend met de kunstenaar.
Geschonken door de kunstenaar tussen 1916 en 1918 !
HERMAN Richir ( 1866-1942) Fernandez ARMAN (1928-2005) “The day after”
Elvire COISNE (1873-1956)
Brons, editie uit serie van 8 exemplaren.
Le peintre
Edgar SCAUFLAIRE
Liège 1893 – 1960
À la Galerie des Beaux-Arts
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Du 5 octobre 2023 au 5 novembre 2023
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Anna BOCH (1848-1936) Jenny MONTIGNY (1875-1937)