COLLECT Belgique Septembre 2024

Exposition
EMILE CLAUS
Les amis artistes
Albijn Van den Abeele, Xavier De Cock, George Minne e.a.
28 septembre 2024 - 5 janvier 2025
Samedi & dimanche de 14h à 18h
Latemstraat 20
9830 Sint-Martens-Latem
+32 9 281 11 70 | www.oscardevos.be

COLLECT
Est. 1971 – septembre 2024
n°536
Édito
Rédacteur en Chef
Christophe Dosogne
Rédaction
Els Bracke
Christophe Dosogne
Trice Hofkens
Collaborateurs
Gilles Bechet, Tamara Beheydt,
Jean-Marc Bodson, Thijs Demeulemeester,
Gwenaëlle de Spa, Gwennaëlle
Gribaumont, Elien Haentjens, Diane
Hennebert, Ben Herremans, Anne
Hustache, Ewoud Mijnlief, Bernard Roisin,
Christine Vuegen
Vers un retour à l’essentiel
Mise en pages
Renaldo Candreva
Ellis De Vuyst
Administration, Rédaction, Agenda
Begijnhoflaan 464 G
9000 Gand
Tél. : 09/216.20.20
collect@ips.be
www.collectaaa.be
Publicité
Secteur Art : Joris van Glabbeek
Tél. : 09/216.20.24
collect.net@ips.be
Tout autre secteur :
MAC-Strat SRL /
Yves de Schaetzen
Tél. : 0475/82.96.00
yves@macstrat.be
Distribution
Librairies
AMP
La Poste
Abonnements
Pays d’Abonnements, Ambachtenlaan 21,
Unit 2A - 3001 Heverlee
Tél. 02/808.55.23
serviceclient@paysdabonnements.be
Belgique 49,5 €, Europe 70 €
Les abonnements sont à reconduction
automatique, sauf avis contraire envoyé
au minimum deux mois avant la date
d’échéance. Un abonnement offert en
cadeau se termine automatiquement
au bout d’un an. Pour un changement
d’adresse, une résiliation, un numéro
manquant, ou toute autre question,
surfez sur : www.paysdabo.be
Membre de l’Union des Editeurs
de la Presse Périodique
Pour les auteurs d’art visuel et les photographes
: © CISAC / SABAM Belgium 2024
Portrait : © Guy Kokken
Editeur responsable :
Patrick Snoeck
En couverture
Emile Claus, Fumeur à Tlemcen, 1879,
huile sur toile, 21 x 17 cm. © The Phoebus
Foundation
Nulle partie de cette publication ne peut être reproduite
et/ou publiée par impression, photocopie ou
de toute autre manière que soit, sans l’autorisation
écrite de l’éditeur. Ni la rédaction ni l’éditeur ne
peuvent être tenus pour responsables des opinions
et faits contenus dans les articles signés ou les
contributions de ce magazine, lesquels n’engagent
que leurs auteurs. COLLECT ne peut être tenu pour
responsable du contenu des annonces publicitaires
publiées, la responsabilité en incombant uniquement
à l’annonceur. © Arts Antiques Auctions, Gand
Tant les grandes ventes de fin de saison,
à New York, Paris ou Londres, que les
résultats d’Art Basel l’indiquaient : après
les turbulences des dernières années,
contrairement à la forte correction redoutée,
le marché de l’art semble être globalement
retourné à des fondamentaux plus éprouvés.
Retour à la sécurité d’enchères raisonnables
pour les uns, dépenses pondérées et réfléchies
pour les autres. Tous les observateurs le disent :
le marché s’est remis sur des rails plus solides,
bien loin des folies spéculatives et irrationnelles
post-pandémiques. On a ainsi vu, ces derniers
mois, le retour des vrais collectionneurs,
plus cérébraux, amoureux de l’art et soucieux
de la valeur de leur argent, au détriment des
financiers et des techniciens, qui considèrent
les œuvres d’art davantage comme des marchandises
ou de simples points sur un graphique
boursier. Un changement de paradigme
qui devrait également concerner les galeries de
premier et second marché, comme l’a confirmé
l’ambiance, acheteuse mais plus studieuse,
ressentie dans les allées d’Art Basel. Alors
que tous étaient apriori dans l’expectative, les
ventes conclues dès les premières heures de la
foire illustraient le retour vers des transactions
nombreuses mais plus saines, car souvent effectuées
en personne par des collectionneurs
ayant repris leur bâton de pèlerin, désireux, et
heureux, de se retrouver en contact direct avec
les œuvres, mais aussi de se replonger dans
l’ambiance unique d’une foire d’art comme
de ses événements collatéraux. Une réalité
dont s’est immédiatement réjoui Iwan Wirth,
cofondateur du mastodonte Hauser & Wirth
(21 galeries à travers le monde), dans un communiqué
de presse publié en marge de la foire :
« L’avantage du retour du marché à un rythme
plus humain est que les collectionneurs internationaux
les plus exigeants s’engagent ici et
maintenant pour le meilleur de ce qui se fait
de mieux. (…) Les amateurs veulent voir les
œuvres, en faire l’expérience, en parler. C’est
« Il est important
de faire un zoom
arrière et de prendre
en compte la
tendance sur le long
terme, plutôt que
de se concentrer
uniquement sur
l’année en cours. »
ce qui s’est passé à Bâle cette année, beaucoup
plus que l’année dernière. » De son côté, Alex
Forbes, vice-président des galeries et des foires
chez Artsy, cité par ARTnews, confirmait
ce retour à une forme de salubrité : « Dans
l‘ensemble, la plupart des galeries se portent
mieux aujourd’hui qu’en 2019, date de la dernière
foire pré-pandémique. Il est important de
faire un zoom arrière et de prendre en compte
la tendance sur le long terme, plutôt que de se
concentrer uniquement sur l’année en cours. »
Pour autant, on a aussi assisté à Bale à une
forme de ralentissement des transactions, celles-ci
nécessitant un travail de persuasion plus
intense de la part des exposants. Etat de fait
qui fut loin d’être perdu pour tout le monde,
puisque certaines œuvres très qualitatives sont
ainsi redevenues accessibles à une plus grande
diversité de collectionneurs, les marchands
étant plus tentés de faire feu de tout bois afin
d’écouler leur stock et de faire leur chiffre. A
bon entendeur…
Heureux de vous retrouver, l’ensemble de la rédaction
se joint à moi pour vous souhaiter une
exaltante rentrée artistique !
Christophe Dosogne
5

50
42
La soie, trésor
universel
78
Ben n’a pas dit son
dernier mot
Envoûtants bronzes
d’Asie
46
Diamants et pierres précieuses :
choisir la bonne taille
22
Sophie Taeuber & Jean Arp :
singulier duo créatif
Le véritable ancêtre du
diamant taillé, tel que nous
le connaissons aujourd’hui,
est belge !
6

82
Le design intemporel
de Gae Aulenti
Sommaire
Septembre 2024
Dossiers
Ventes
28
Elen Braga : politique textile
16 Emile Claus :
star du luminisme
22 Sophie Taeuber & Jean
Arp : singulier duo créatif
28 Elen Braga : politique
textile
36 Venise, en marge de la
Biennale
42 Au fil du temps :
la soie, trésor universel
46 Diamants et pierres
précieuses : choisir la
bonne taille
50 Envoûtants bronzes d’Asie
72 L’Ancienne Nonciature,
ambassade artistique au
Sablon
74 Proximus Art Collection :
un virage stratégique
78 Ben n’a pas dit son
dernier mot
80 Marché : en quête de
cybersécurité
82 Le design intemporel
de Gae Aulenti
86 L’avis de l’expert :
Christophe Fairon et le Val
Saint Lambert
88 Focus International
92 La surprise du mois : un
Rembrandt chez Campo &
Campo ?
93 Ventes en Belgique
Agendas
62 Musées
70 Galeries
114 Ventes
115 Foires
116 Salles de ventes
Rubriques
8 Up to date
12 Personalia
26 L’artiste du mois : Milan
Jespers
32 Zoom : Cindy Sherman
58 Musées
64 Paroles de galeriste :
IN-DEPENDANCE
65 Galeries
69 Paroles de galeriste : KIN
Gallery
117 Bonnes adresses
& Petites annonces
La rédaction de COLLECT
envoie régulièrement une
newsletter d’actualité des
ventes, foires et salons...
Inscrivez-vous y directement via
notre site internet ci-dessous.
SUIVEZ-NOUS ÉGALEMENT
@ARTMAGAZINECOLLECT
www.collectaaa.be
7

Up to date
->
Maître de la Vierge entre les Vierges
(att.), La descente de croix, fin du XVe
siècle. © Biennale d’art contemporain
d’Enghien
->
Théo Massoulier. © de l’artiste / Gaep Gallery / Biennale d’art contemporaine d’Enghien
Signa temporum, ars temporis…
S Le parc d’Enghien accueille la cinquième
édition de sa Biennale d’art contemporain,
intitulée Miroirs 5 : Précieux (jusq. 15-09).
Axé sur l’extraordinaire nature environnante
et le patrimoine bâti, ce parcours
artistique associe joyaux du passé et
créations contemporaines. Point d’orgue :
La descente de croix (fin du XVe siècle),
œuvre exceptionnelle de la Renaissance
flamande, attribuée au Maître de la Vierge
entre les Vierges. www.expo- miroirs-parcenghien.be
S L’exposition Louis Thevenet.
Une vie en couleurs est à voir au musée
régional Den AST et en la Villa Servais de
Halle. La rétrospective de cet excentrique
fauve brabançon propose une belle image
de la région. (jusq. 27-10). www.halle.be/
denast S L’association temporaire noAarchitects,
David Khon Architects et Asli
Çiçek a remporté le pré-projet d’expansion
et de rénovation du musée S.M.A.K. de
Gand. Celui-ci prévoit de déplacer l’entrée
du musée dans le Hall des Floralies, qui
jouera dès lors un rôle central dans le Parc
de la Citadelle. www.smak.be S Pour une
courte période (du 19 au 26-09), l’Ecole des
Arts Joailliers accueille, à Paris, le grand
collectionneur japonais Kazumi Arikawa
(Albion Art Collection) et une vingtaine de
pièces de sa collection pour le lancement
de son livre Divins joyaux. A la recherche de
la beauté (éd. Flammarion). www.lecolevancleefarpels.com
S Pour une exposition
exceptionnelle, intitulée Absences, mues
et macules et qui réunit le travail d’artistes
contemporains qu’elle défend, la galerie
bruxelloise Meessen est accueillie temporairement
à Paris, dans les espaces de
L’Atlas, galerie des mondes (du 07-09 au
26-10). www.meessen.com S Dans un arrêt
rendu le 26 juin, la chambre des mises en
accusation de la Cour d’appel de Bruxelles
a modifié la jurisprudence, permettant
désormais à un marchand d’art établi en
Belgique, en sa qualité de dépositaire, et
non plus seulement à son propriétaire, de
solliciter la mainlevée de la saisie d’un bien
confié à la vente par un collectionneur.
Un sérieux camouflet pour les cow-boys
de la Direction Générale de l’Inspection
Economique (DGIE) qui, en 2020, avaient
bousculé, sans ménagement mais avec
une solide dose de mauvaise foi et d’amateurisme,
les antiquaires de la BRAFA en
leur confisquant tous azimuts des biens
qu’ils jugeaient illicitement proposés à la
vente. S Le fonds souverain d’Abu Dhabi
(ADQ) vient d’acquérir une participation
minoritaire (l’équivalent d’1 milliard de
dollars) dans Sotheby’s, propriété du milliardaire
français Patrick Drahi, alors même
que, conséquence du Brexit, l’auctioneer
dégraisse à Londres, y licenciant une
cinquantaine de personnes. En revanche,
Sotheby’s Paris déménagera mi-octobre,
quittant les abords de l’Elysée pour un espace
de 3 300 m² au cœur du quartier des
galeries d’art, de la mode et du luxe (83
rue du Faubourg Saint- Honoré). S Quant à
8

UP TO DATE
->
L’avant-projet de nouvelle entrée du S.M.A.K., dans le hall des Floralies réaménagé. © SMAK
elle, sa rivale Christie’s annonce l’inauguration
de ses nouveaux espaces de Hong
Kong, dans l’immeuble The Henderson,
dessiné par Zaha Hadid Architects, lors des
ventes en art des XXe et XXIe siècles, les 26
et 27 septembre prochains. S Dynamique
animatrice du Cercle d’Art Contemporain,
Stéphanie Bliard réalise, cette rentrée, le
commissariat d’une exposition intitulée I
Wish You Were Here (du 12-09 au 19-10), en
l’espace bruxellois Chez Olivia. Cet accrochage
fait la part belle à la carte postale en
tant que véhicule d’expressions contemporaines.
www.chezolivia.be S L’Espace
Européen pour la Sculpture, dans le parc
régional Tournay-Solvay, accueille (jusq.
30-09) l’exposition des créations sculptées
de Jephan de Villiers. www.eesculpture.
be S Toujours à Bruxelles, la Fondation
Boghossian lance un Prix international
d’arts visuels, design/artisanat et art du
bijou. Ce prix annuel récompensera trois
créateurs qui contribuent à la promotion
du dialogue interculturel. Ils recevront
chacun 12.000 euros, une exposition et
un séjour d’un mois dans la ‘‘résidence
d’artistes’’ de la Villa Empain. Les dossiers
de candidature sont à remettre au
plus tard le 15-09. www.villaempain.com
S De son côté, le concours pour jeunes
artistes contemporains ArtContest expose
à la Maison des Arts de Schaerbeek (du
19-09 au 10-11) les œuvres des dix artistes
sélectionnés pour sa 20e édition. www.
artcontest.be S Enfin, Anvers accueille une
double exposition (Eclaircie) de l’artiste
Kevin Denis : en la salle des pas perdus de
la Gare Centrale, d’une part (du 01 au 30-
09), en la National 55 Gallery, d’autre part
(du 14 au 22-09). www.kevindenis.net S
Art on Paper
Une position singulière
La neuvième édition d’Art on Paper devrait à nouveau susciter
l’intérêt des amateurs d’art, marchands et collectionneurs
professionnels attirés par l’art du dessin. Une sélection d’une
soixantaine de galeries internationales proposera, début octobre,
non seulement des œuvres contemporaines sur papier, mais aussi
des dessins de plus en plus modernes, voire anciens. La foire offre
ainsi un aperçu qualitatif de l’art du dessin à travers les âges et
concurrence les événement internationaux similaires. Les galeries
belges participantes sont notamment Lowet de Wotrenge, Schönfeld,
Laurentin, valerie_traan, Settantotto Art, Atelier Ecru, DYS et Thomas
Deprez. Cette année, le salon, en collaboration avec la Fondation
Roi Baudouin et le musée des Beaux-Arts de Tournai, présentera
également deux expositions exceptionnelles pour l’art du dessin : une
sélection d’œuvres de la collection de Jos Knaepen (1933-2014) et du
mécène et collectionneur bruxellois Henri Van Cutsem (1839-1904).
Le lauréat du Eeckman Art Prize 2024, Mouad El Bissaoui (1996), fera
également l’objet d’une exposition personnelle. Le jury a choisi son
projet engagé et porteur de valeurs, Face à l’horizon, qui cherche à
explorer la symbolique des frontières. A découvrir (du 03 au 06-10)
dans les halls de Tour & Taxis, à Bruxelles. www.artonpaper.be
->
Tina Berning, Lack of Information @ Schönfeld Gallery.
© de l’artiste / Schönfeld Gallery
9

UP TO DATE
->
Le temple du Cercle des Amis philanthropes. Artonov Festival. © Artonov
->
Arnaud Eubelen, de la série Porous
Walls Reminiscence. Open studio
durant Design September.
© de l’artiste / photo : Guillaume
Blondiau
Bruxelles inaugure
l’arrière-saison
Bruxelles se prépare à un automne riche en
événements artistiques. Du 12 au 15-09, Rendez-Vous
donne le coup d’envoi de la saison
avec un week-end de vernissages, de performances
et de rencontres dans les galeries
d’art de la ville. L’événement, lancé par Laure
Decock et Evelyn Simons pour remplacer le
Brussels Gallery Weekend, vise à célébrer la
richesse artistique de la capitale belge et à
intensifier la position de la ville sur la scène
internationale. www.rendezvousbxl.com S Le
12-09, est également lancée la dix-huitième
édition du Brussels Design September. Designers
belges et internationaux, mais aussi
amateurs de design s’y pressent lors d’une
centaine d’événements répartis dans toute la
ville. Cette édition met en lumière le design
en édition limitée, explore les tendances
émergentes et souligne le rôle central du design
dans la ville. Outre les expositions dans
des galeries telles que Objects with Narratives,
Augusta Gallery et Spazio Nobile, des
visites d’atelier, conférences et autres happenings
sont attendus. Parmi ceux-ci, Renewal
se concentre sur une approche responsable
et durable du design et explore la manière
dont celui-ci peut contribuer à une économie
circulaire. www.designseptember.be S
Durant le week-end d’ouverture du Brussels
Design September, le Sablon Design Market
accueille (du 13 au 15-09), une trentaine
d’exposants, dont l’invitée d’honneur :
Alexandra Morel, participante à l’émission
Affaire conclue. www.sablondesignmarket.
com S Foire annuelle, ADAF réunit art et
fonctionnalité en annihilant les frontières
entre design et esthétique, avec pour chaque
édition une nouvelle scénographie. Du 19 au
26-09, ce concept sera réinterprété à travers
le travail d’artistes basés en Belgique. www.
adomesticartfair.com S Après une première
édition en 2022, Paul Kusseneers organise à
nouveau The Solo Project, cette fois au rezde-chaussée
du bâtiment CCN en la Gare du
Nord de Bruxelles, du 26 au 29-09. Pour cet
événement, l’organisateur invite les galeries à
présenter le travail d’un ou plusieurs artistes
contemporains. Cela garantit la qualité, la
profondeur et la diversité de la foire, qui met
l’accent sur la présentation individuelle d’un
ensemble cohérent d’œuvres. Elle accueille
également la première édition de l’exposition
Emerging Artistic Talents (EAT) pour
laquelle les œuvres de quatre-vingts jeunes
artistes prometteurs ou récemment diplômés
ont été sélectionnées dans quatre écoles
d’art. @thesoloprojectbxl S Le festival interdisciplinaire
Artonov fête cette année son
10e anniversaire. Si la musique et l’architecture
en sont le fil conducteur, il est ouvert à
toutes les disciplines artistiques, y compris les
arts visuels. Le festival se caractérise par des
représentations dans des lieux architecturaux
singuliers, à savoir, pour cette édition spéciale,
la station de métro Rogier, la salle des
ventes Lempertz et le temple maçonnique
du Cercle des Amis philanthropes. Le cœur
battant de ce festival, Artonov Lab, est situé
dans la New Hope Gallery où toutes sortes
d’activités, conférences, ateliers et expositions,
sont prévues (du 26-09 au 13-10). www.
festival-artonov.eu
->
Ader s’installe à
Bruxelles
Le marché de l’art belge accueille
une nouvelle figure de proue avec
l’arrivée d’Ader Brussels (avenue
de Tervuren 113). Fondée en 1692
à Paris, Ader est renommée pour
son expertise, son sérieux et son
engagement envers l’excellence.
À la tête de l’antenne bruxelloise,
Octavie Bordet, commissaire-priseur
expérimentée, dirige cette nouvelle
aventure. L’antenne, qui ne vendra
pas pour le moment dans la capitale
belge, souhaite cependant enrichir
la vie culturelle bruxelloise avec des
soirées-conférences, les ‘‘Mardis
de l’Art’’. Ces rendez-vous mensuels
proposeront 45 minutes de
conférences sur des thèmes variés
d’histoire de l’art, suivies d’un drink
chaleureux. Ouverts aux passionnés
comme aux néophytes, ils permettront
d’enrichir ses connaissances
au côté de professionnels reconnus.
L’ouverture d’Ader Brussels marque
une étape dans le développement
international de cette maison qui
continue d’écrire son histoire en tissant
des liens étroits avec ses clients
belges. www.ader-brussels.be
10

UP TO DATE
Retour à Paris
->
Sculpture Idoma Akewe d’une femme
assise, Ekotame, bois, métal et pigment,
57 x 19 x 24 cm. © Spectandum / Courtesy
Parcours des Mondes
Abdias do Nascimento, Oricha’s Mother (Mother Nature), 1971, acrylique sur toile. © de l’artiste / Courtesy
Galeria MaPa, São Paulo / Independent
-> ->
Paris devrait à nouveau attirer un public
international pour le Parcours des Mondes,
l’un des événements les plus importants et
les plus prestigieux en matière d’art tribal,
d’art asiatique et d’ethnographie. Réparties
sur plusieurs sites, dans le quartier historique
de Saint-Germain-des-Prés, plus de
50 galeries internationales présentent des
pièces uniques et exceptionnelles provenant
d’Afrique, d’Océanie, des Amériques et
d’Asie. Parmi les participants belges, citons
Bruno Claessens – Duende Art Projects,
Grusenmeyer, Patrick & Ondine Mestdagh
et un nouveau venu, Frank Van Craen.
Spectandum (Louvain), connu pour sa
Kunstkammer de curiosités exotiques et ethnographiques,
est également présent. (du 10
au 15-09) www.parcours-des-mondes.com
S La foire Menart se tient également à Paris
du 20 au 22-09. Cette cinquième édition est
exclusivement dédiée aux femmes artistes
du Moyen-Orient et d’Afrique du Nord,
mettant en avant des talents pionniers
ou prometteurs. Par ce choix audacieux,
Menart Fair vise à sensibiliser les visiteurs
à la richesse et au rôle crucial mais souvent
inédit des femmes sur la scène artistique.
Parmi les 26 galeries participantes, figure la
galerie bruxelloise W+S. www.menart-fair.
com S On choisira d’assister aussi à la Paris
Design Week (du 05 au 14-09), ou encore au
Parcours de la Céramique et des Arts du
Feu dans et autour du quartier Rive Gauche
(du 24 au 28-09). www.maison-objet.com
/ www.parcoursdelaceramique.com S Les
amateurs qui préfèrent le confort de leur
canapé sont invités à participer à Metafair,
foire d’art numérique où dix galeries présentent
une sélection d’œuvres par le biais d’un
scan tridimensionnel. Gisèle Croës (Bruxelles)
et La Galerie Léage (Paris) font partie
de ces intrépides pionniers. Leurs portes
s’ouvriront virtuellement du 25-09 au 27-10.
www.metafair.art S Septembre marque également
la rentrée artistique new-yorkaise.
Du 05 au 08-09, plusieurs foires s’y ouvrent
simultanément, dont la troisième édition
d’Independent 20th Century. Cette foire
sur invitation se concentre sur les artistes et
mouvements d’avant-garde internationaux
du XXe siècle. Ensemble, ses 32 participants
présentent 65 artistes – certains d’entre eux
incluant des créateurs dont le travail a été
réévalué par des expositions institutionnelles
majeures, telles que la Biennale de Venise.
www.independenthq.com S L’Armory
Show débute, quant à elle, le 06-09. Cette
foire réunit depuis 1994 des galeries d’art
Raouf Rifai, Darwish Abou El Abed, 2023,
acrylique sur toile, 150 x 150 cm. © de l’artiste /
Courtesy Nadine Fayad Art Gallery / Menart Fair
moderne et contemporain de renommée
internationale. Parmi les participants belges,
citons Tim Van Laere, Sorry We’re Closed et
Maruani Mercier. www.thearmoryshow.com
S Après sept éditions à Bruxelles, COLLEC-
TIBLE étend son influence à New York dans
le but d’offrir une plateforme de premier
plan aux galeries, designers, collectionneurs
et architectes d’intérieur pour explorer les
créations de pointe et s’engager dans un
discours sur la nature évolutive du design. La
foire se déroule (du 05 au 08-09) au Water
Street Projects. www.collectible.design/
collectible-nyc
11

Têtes de l’Art
Philip Serck
In memoriam : « Il a marqué le marché
de l’art en Belgique, ne vénérait
pas l’argent et, dans sa maison de
ventes, tout était décrit honnêtement.
Une exception parmi ses
pairs », voici parmi quantité d’autres
l’un des témoignages émus reçus à
l’annonce du décès du commissaire-priseur
gantois Philip Serck,
emporté par un cancer le 7 juillet
dernier à l’âge de 68 ans. Quelques
jours plus tôt, à sa demande, nous
lui avions encore rendu visite dans
sa belle demeure gantoise et avions
pu longuement échanger à propos
de ses passions, l’art bien entendu,
notamment chinois, mais aussi la
mer et la voile, qu’il avait assidûment
pratiquée avec son épouse,
Ellen Colpaert, disparue en 2016.
Né à Bromley, près de Londres, en
1956, Philip Serck avait longuement
œuvré au sein de la salle des
ventes du Palais des Beaux-Arts de
Bruxelles, avant de collaborer avec
les frères De Jonckheere puis d’ouvrir
sa propose enseigne, BA Auctions,
avec Isabelle Maenaut, son fidèle
bras droit à propos de laquelle il ne
tarissait pas d’éloges. Unanimement
apprécié pour ses compétences,
tant en Flandre qu’en Wallonie et
à Bruxelles, il n’était « brouillé avec
personne », ce qui est assez rare
dans le marché de l’art pour être
souligné… Il fut notamment Président
de la Chambre Royale belge
des Experts en Œuvres d’Art, Président
de la Chambre Belgo-Luxembourgeoise
des salles de ventes, mais
aussi expert judiciaire. Il manquera
cruellement à la profession.
© photo : Joana Pollet
Hans De Wolf
In memoriam : Le professeur et historien
de l’art Hans De Wolf (1961-
2024) décédait le 17 juin des suites
d’une longue maladie. Connu pour
son immense énergie et son dévouement
dans le monde de l’art, ce fut
un pionnier dans la promotion de
la recherche artistique qui joua un
rôle crucial dans la mise sur pied de
la Plateforme artistique de la Vrije
Universiteit Brussel (VUB), laquelle
intégrait art et science. Son travail
comme ses expositions, incluant des
projets à Bruxelles, en Chine et en
Corée du Sud, ont contribué à renforcer
la réputation internationale
de la capitale belge.
© photo : Samuel van Leeuwen
Bill Viola
In memoriam : L’artiste vidéaste
américain Bill Viola décédait le 12
juillet à l’âge de 73 ans. Sa carrière
fut marquée par une profonde fascination
pour l’eau et la spiritualité,
inspirée par une expérience de
noyade vécue dans son enfance. Ses
œuvres visionnaires, telles que The
Reflecting Pool (1977-1979) ou The
Passions (2000-2002), exploraient
inlassablement les thèmes de la vie,
de la mort et du mysticisme par le
biais de la vidéo et de la technologie.
En dépit de la maladie d’Alzheimer
contre laquelle il luttait, son œuvre
est demeurée puissante et émotionnellement
prégnante, ayant eu un
impact durable tant sur le public que
sur le monde de l’art.
© photo : Alessandro Moggi
12

Kasper König
Octave Landuyt
In memoriam : L’artiste Octave Landuyt
décédait le 7 août, à l'âge de 101
ans. Né en 1922 à Gand, c’était un
artiste polyvalent qui s'adonnait à
la peinture, à la sculpture, à la céramique
et à la création de bijoux. Son
œuvre expérimentait des mondes
fantastiques, aux accents sombres,
souvent inspirés par son expérience
durant la Seconde Guerre mondiale.
Elles ont fait l'objet d'expositions
internationales et sont présentes
dans l’espaces public, tels notamment
la station de métro Porte de
Namur, à Bruxelles.
© photo : Michiel Hendryckx
In memoriam : L’influent commissaire
d’exposition et directeur de
musée allemand Kasper König décédait
à Berlin, le 9 août, à l'âge de 80
ans. Connu pour son travail pionnier
à la tête du musée Ludwig de
Cologne et pour avoir co-initié le
Skulptur Projekte de Münster, il a
eu un impact majeur sur le monde
de l’art international. Son approche
visionnaire a ainsi permis à de nombreux
artistes de s’épanouir.
© Getty Images
Jean-Pierre Ghysels
Barbara Gladstone
In memoriam : Influente fondatrice
de l’une des plus grandes galeries
américaines, Barbara Gladstone
décédait à Paris, le 16 juin, à l’âge
de 89 ans. Son enseigne, ouverte
en 1980, qui inclut aujourd’hui des
succursales à New York, Bruxelles,
Séoul et Rome, représente certains
des artistes les plus importants de
notre temps, tels Matthew Barney,
Alex Katz, Shirin Neshat ou Joan
Jonas, dont elle défendait le travail
avec passion et fidélité.
© photo : Shawn Ehlers
In memoriam : Le 23 juillet, le sculpteur
Jean-Pierre Ghysels décédait à
son domicile de Couture-Saint-Germain,
à l’âge de 91 ans. Né à Uccle, il
avait suivi une formation de dinanderie
et d’orfèvrerie à l’École d’Art
de Maredsous. En 1953, après avoir
obtenu son diplôme, la Communauté
française lui offrait une bourse
d’études qui lui permit de suivre
les cours d’Ossip Zadkine à l’Académie
de la Grande Chaumière, et
les cours de taille directe dans l’atelier
de George Saupique, aux Beaux-
Arts de Paris. Reconnaissables par
leur style fluide et abstrait, ses sculptures
étaient conçues et crées pour
être examinées sous toutes les coutures,
en un dialogue intense avec la
matière, source d’inspiration inépuisable.
Grand voyageur, il avait parcouru
l’Asie, aux côtés de son épouse
Colette Colin, en quête d’art tribal,
de bijoux et de textiles ethniques
que le couple a collectionné avec
passion et érudition.
© photo : Christian Carez
13

Albert Baronian
Clap de fin : Fondée à Bruxelles, en
1973, par Albert Baronian (1946),
faute de repreneur, la galerie éponyme
fermera définitivement ses
portes en décembre prochain. Sa
riche histoire lui a permis d’acquérir
une reconnaissance internationale,
l’enseigne ayant entre autres défendu
l’Arte Povera, le mouvement Supports/Surfaces,
et joué un rôle-clé
dans le développement de la scène
artistique bruxelloise, notamment
au sein de l’Association des Galeries
d’Art Actuel, organisme à l’initiative
de la foire qui deviendra en 1997
Art Brussels. Si sa galerie ferme ses
portes, Baronian devrait rester actif
dans le monde de l’art et poursuivre
un travail de commissaire d’exposition,
notamment dans le cadre du
Centre d’Art Bonisson de Rognes,
en France.
© D. R.
Émilie Jolly
Mercato : En juillet, Bonhams nommait
Émilie Jolly à la tête d’un nouveau
département d’art africain
et océanique, créé au sein de son
antenne bruxelloise. Active depuis
2016 au sein de la maison de ventes
aux enchères allemande Lempertz,
Emily Jolly possède une grande
expérience dans le domaine, ayant
notamment contribué à trois expositions
de renom à Bruxelles. Elle
travaillera avec Tim Teuten afin de
renforcer la présence de Bonhams
auprès des collectionneurs belges et
internationaux. La première vente
de ce nouveau département est prévue
en décembre.
© photo : Maurine Toussaint
Chabi Nouri
Nomination : Depuis le 1er août, la
Suissesse Chabi Nouri est la nouvelle
Global CEO de l’auctioneer
Bonhams. Elle prendra ses fonctions
en octobre, au sein du siège
londonien. Celle qui fut auparavant
PDG de la marque horlogère
Piaget et, plus récemment, associée
du groupe Mirabaud, est spécialisée
dans le luxe et la vente au
détail. Hans-Kristian Hoejsgaard,
président exécutif de Bonhams, a
salué ses capacités en matière de
création de marques et d’innovation
numérique. Elle combinera la
riche histoire de Bonhams, maison
fondée en 1793, à sa transformation
numérique et à son besoin de croissance
internationale.
© Bonhams
Klaas Muller
Nomination : Après en avoir été longtemps
le vice-président, l’antiquaire
bruxellois Klaas Muller vient d’être
nommé à la présidence de la BRA-
FA, où il succède à Harold t’Kint
de Roodenbeke, qui y achevait son
quatrième mandat. Né à Lokeren
en 1975, ce spécialiste des maîtres
flamands des XVIe et XVIIe siècles
participe aux activités de la BRAFA
depuis 2004. En tant que président,
il devrait se concentrer sur le maintien
et le renforcement de la diversité
et de la qualité de la foire. Sous
sa direction, la BRAFA fêtera sa 70e
édition en 2025, avec pour objectif de
poursuivre sa croissance à l’échelle
internationale.
© photo : Guy Kokken
Jean-Marc Delcroix
Mercato : En partenariat avec le
groupe immobilier de luxe Hillewaere,
Christie’s International Real
Estate étend sa toile sur le marché
immobilier belge en ouvrant une
première agence à Bruxelles, à la
même adresse que Christie’s Belgium
sur l’avenue Louise, en association
avec Jean-Marc Delcroix.
Pour ce dernier, qui en prend les
rênes, il s’agit d’un tout nouveau défi,
après sept années passées comme
directeur commercial chez Brussels
Sotheby’s International Realty. www.
christiesrealestatebelgium.be
© D. R.
14

Brussels
International
Drawing Fair
03 06.10.2024
03: by invitation only
04 > 06: public days
Gare
Maritime
Gare Maritime - Tour & Taxis
Rue Picard 11 Picardstraat, 1000 Brussels
artonpaper.be
Co-organised by With the support of Thanks to our parners

Emile Claus
Star du luminisme
16

La récolte du lin, 1883, huile sur toile, 110 x 150 cm. Collection privée. © MUDEL
17

Fortement
influencé par
l’impressionnisme
et le néoimpressionnisme
français, le luminisme
accorde une
attention toute
particulière à la
lumière.
Fillettes au champ, n. d., huile sur toile, 100 x 99 cm. © Galerie Oscar De Vos
Cette œuvre est passée en vente chez Sotheby’s, à Londres, le 13-07-2022. Elle y était adjugée 350.000
livres sterling (413.738 euros).
En bord de Lys, la ville de Deinze
rend cet automne hommage à
l’enfant du pays, Emile Claus,
décédé il y a tout juste un siècle
et considéré comme la figure de
proue du luminisme.
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
Peintre de tradition impressionniste,
Emile Claus (1849-1924) a
principalement peint des paysages
humides et vaporeux, représentant
souvent des vues de campagne traversées
par les douces ondulations de la Lys.
Formé entre 1869 et 1874, à l’Académie
d’Anvers, où il a suivi les cours de Nicaise
de Keyser et de Jacob Jacobsz, il expose
pour la première fois à Bruxelles, en 1875,
une peinture teintée de réalisme, avant
de partir, en 1879, poursuivre sa formation
en Afrique du Nord, où la lumière le
marque profondément. Guidé à son retour
par Théo Verstraete, il n’aura de cesse d’en
faire le centre de sa peinture, usant pour ce
faire des couleurs élémentaires et décomposant
le prisme et la réfraction chromatique
par le biais de tons presque bruts.
Dès 1882, il s’installe à Astene, village voisin
de Laethem-Saint-Martin, où il nomme
sa villa du bord de Lys Zonneschijn (rayon
de soleil). A ce propos, James Ensor dira :
« C’est là qu’il tirera le soleil en bouteille ».
La même année, sa notoriété décolle
lorsque ses peintures, aux sujets encore
réalistes et pittoresques, dans la veine de
Jules Bastien-Lepage, notamment Combat
de coqs en Flandre, sont exposées à Paris.
Son travail attire rapidement l’attention
de la bourgeoisie locale et séduit jusqu’à la
famille royale belge, qui fait l’acquisition
d’une de ses toiles. En 1888, il se rend dans
la capitale française où il tombe évidemment
sous le charme triomphant de la
peinture impressionniste. Régulièrement,
il reviendra dans cette ville-lumière, où il a
loué un atelier qu’il occupe l’hiver, notamment
entre 1890 et 1892.
DE LA LUMIÈRE AVANT TOUTE CHOSE
Evoluant de la narration vers la peinture
de paysage, Emile Claus va peu à peu se
focaliser exclusivement sur le rendu des
nuances de couleurs douces et lumineuses.
Entre ses séjours parisiens, il
exporte en Flandre ses impressions françaises,
qu’il transpose rapidement dans
18

une peinture très personnelle que l’on
qualifiera plus tard de luministe. Ce terme
de ‘‘luminisme’’ vient de l’association Vie et
Lumière, qu’il contribua à fonder en 1904,
avec George Morren et Adrien-Joseph
Heymans, et auquel participe James Ensor
et Georges Lemmen, alors que, à l’opposé,
s’est formé un peu plus tôt le premier
groupe de l’Ecole de Laethem-Saint-Martin.
Fortement influencé par l’impressionnisme
et le néo-impressionnisme français,
ce mouvement typiquement belge accorde
une attention toute particulière à la
lumière. Son foyer le plus actif se situe
sur les bords de La Lys. Certes, depuis la
Renaissance, les peintres ont compris que
la lumière constitue un élément essentiel
d’une composition picturale et il n’y a donc
rien de fondamentalement neuf dans la
démarche dite luministe, sinon qu’elle se
propose d’inonder la toile de soleil en se
rattachant à l’esthétique de la perception
qu’est l’impressionnisme. Un postulat
que rejettent radicalement les peintres de
l’Ecole de Laethem... En revanche, au salon
de La Libre Esthétique, à Bruxelles en
1905, Claus se présente avec succès sous la
bannière de cette nouvelle association. Car
l’artiste est un maître dans ce domaine,
sont talent se situant dans sa capacité
à faire partager sa perception singulière
de la lumière solaire éclairant un milieu
naturel. Dans son art désormais, toutes
les formes se perdent dans un brouillard
de lumière, structuré en de petits coups de
pinceau sautillants. S’il accède rapidement
à la reconnaissance internationale et poursuit
inlassablement son œuvre luministe,
il se montre totalement hermétique aux
‘‘avant-gardes’’ de l’époque ( fauvisme, cubisme,
expressionnisme, …). En 1906, désormais
célébré à Bruxelles comme à Paris,
toujours inspiré par l’œuvre de Claude
Monet, il part pour Venise, en quête des
miroitements d’une eau omniprésente.
Une décennie plus tard, il se verra forcé de
se réfugier, à contre-gré, à Londres durant
la Première Guerre mondiale. Toujours sur
les traces de Monet, la Tamise y deviendra
son nouveau thème favori, interprété dans
une série de ‘‘réflexions sur la Tamise’’.
De retour à Astene, en 1918, il y décède
paisiblement dans cette villa qu’il aimait
tant, conforté par une aura qu’il aura su
conserver jusqu’au bout, sans jamais se
laisser influencer par les dérives de la
mode, particulièrement présentes dans la
création artistique du XXe siècle.
Evoluant de la
narration vers la
peinture de paysage,
Emile Claus va peu
à peu se focaliser
exclusivement sur le
rendu des nuances
de couleurs douces et
lumineuses. Le vieux jardinier, 1885, huile sur toile, 216 x 140 cm. Liège, musée des Beaux-Arts / La Boverie, inv. AM 156/173; 72
19

L’œuvre de Claus
conserve une
cote très élevée et
place son auteur
comme une valeur
sûre en salle des
ventes.
UNE VALEUR SÛRE
Considéré comme l’héritier de la peinture
romantique de Jacob Jacobs (1812-1879),
Émile Claus a très vite acquit une réputation
et une place sur le marché de l’art
international. De son vivant, il a connu
un succès indéniable, les musées ayant
acquis ses œuvres sans hésitation. Sa
notoriété grandissante, dès la fin du XIXe
siècle, et l’appétit pour son œuvre développé
par la grande bourgeoisie belge lui
ont ainsi assuré une position financière
confortable. Si, comme le précise Edwin
Van Trijp de la Galerie Oscar De Vos,
spécialisée dans la vente des œuvres de
l’artiste, « il n’est guère possible de donner
une estimation globale de la valeur de
son œuvre, tant celle-ci est diversifiée et
les facteurs entrant en ligne de compte
(représentation, technique, époque,
rareté sur le marché, état et qualité de
l’œuvre) sont nombreux », ont peut tou-
Soir de juin, 1907, huile sur toile, 152x162 cm. Collection SPF Finances. © MUDEL
20

Le talent de Claus
se situe dans
sa capacité à
faire partager sa
perception singulière
de la lumière solaire
éclairant un milieu
naturel.
Vue du pont de Waterloo à Londres, 1918, huile sur toile, 92 x 72 cm. Collection privée. © MUDEL
tefois confirmer qu’aujourd’hui celle-ci
conserve une cote très élevée et place
son auteur comme une valeur sûre en
salle des ventes. Les prix s’échelonnent
ainsi de quelques centaines d’euros pour
une estampe à 300.000 euros pour une
peinture, même si cette fourchette haute
est souvent dépassée. En témoignent les
490.000 livres sterling hors frais (552.990
euros) obtenues par Christie’s London,
en février 2018, pour une huile sur
toile intitulée Vue sur Murano, lueur du
couchant (1906), record du monde pour
l’artiste. Evidemment, son marché est à
plus de 80 % belge, même si Londres s’y
intéresse aussi, tandis que les acheteurs
se concentrent, suivant Artprice, à 80 %
sur sa peinture. En juillet 2022, la toile
Fillettes dans un champ, une merveille
luministe, acquise en 1983 par la famille
du vendeur en la Galerie Oscar De Vos,
atteignait sous l’estimation basse 350.000
livres sterling hors frais (413.738 euros)
chez Sotheby’s, à Londres. Quant à elle,
en avril dernier, la salle bruxelloise Vanderkindere
obtenait tout de même 23.000
euros au marteau d’un terne Fermes en
bordure de Lys, contre une estimation de
3.000 à 4.500 euros.
VISITER
Rétrospective Emile Claus. Prince du
luminisme
MUDEL
Deinze
www.mudel.be
du 27-09 au 26-01-2025
Emile Claus
Galerie Oscar De Vos
Laethem-Saint-Martin
www.oscardevos.be
du 28-09 au 05-01-2025
SURFER
www.emile-claus.be
21

Sophie Taeuber
et Jean Arp
Singulier duo créatif
Ils étaient déjà chacun artiste avant
de se rencontrer et ont formé
un couple non seulement en se
passant la bague au doigt mais en
pratiquant une œuvre commune
autant que singulière. Car, forte
de sa vie propre, cette œuvre ne
correspondait pas à celle que
chacun des deux artistes poursuivait
personnellement. Cela rend plus
fascinant encore le parcours de ce
duo hors du commun.
TEXTE : ANNE HUSTACHE
Hans/Jean Arp et Sophie Taeuber-Arp, Sculpture conjugale, 1937, bois, enduit d’huile, 39 x 26,8 x 26,2 cm.
Collection privée. © SABAM Belgium 2024 / photo : Alex Delfanne
Comme le rappelle Walburga
Krupp, dans le catalogue de
l’exposition qui s’ouvre cet automne
au Palais des Beaux-Arts
de Bruxelles et dont elle est commissaire :
« Arp et Taeuber se sont rencontrés pour
la première fois en 1915 à la Galerie Tanner
de Zurich, où Arp était exposé aux côtés
d’Otto et Adya van Rees-Dutilh dans Moderne
Wandteppiche, Stickereien, Malereien,
Zeichnungen. Dans l’avant-propos du catalogue,
Arp souligne son unicité car centrée
sur les textiles ainsi que sur l’abstraction :
« Les œuvres sont des structures de lignes,
de plans, de formes, de couleurs. » Ce qui
était conforme à l’approche de Taeuber
d’un art non hiérarchique et permettait
aux deux artistes d’entrer dans un dialogue
qui en fit des amis, des amants et des
partenaires. » Lorsqu’ils se rencontrent,
Sophie Taeuber et Jean Arp ont déjà posé
22

Hans/Jean Arp avec Monocle-nombril, 1926.
Stiftung Arp e.V., Berlin/Rolandswerth. © SABAM
Belgium 2024
Hans/Jean Arp, Composition en diagonales, 1915, laine, 122 x 122 cm. Collection Naomi Milgrom,
Melbourne, Australie. © SABAM Belgium 2024 / photo : Christian Capurro
les premiers pas dans leur cheminement
artistique. Ils se reconnaissent dans leur
désir d’ouvrir de nouveaux espaces à l’art
traditionnel et d’ouvrir les frontières entre
la peinture, la sculpture et les arts décoratifs.
Cette exposition permet de découvrir
à la fois le travail réalisé en commun et la
voie personnelle que chacun a également
empruntée.
UNE ABSTRACTION ASSUMÉE
Née à Davos, en Suisse, le 19 janvier 1889,
Sophie Taeuber se forme à l’École des Arts
et Métiers de Saint-Gall puis aux Ateliers
d’apprentissage et d’essai pour les Arts
libres et appliqués de Munich et à l’École
des Arts appliqués de Hambourg, en 1912.
Elle a donc joui d’un enseignement ouvert
à une nouvelle conception de l’art, contre
le système établi. Mais, si les arts plastiques
l’intéressent énormément, elle va
aussi se passionner pour la danse et c’est
d’ailleurs sous cette expression qu’elle
participe aux fameuses soirées Dada. Au
cours de ces années joyeuses et anticonformistes,
elle crée deux œuvres majeures :
sa Tête dada, qui témoigne de la fusion
entre sculpture, peinture et objet concret,
et ses audacieuses marionnettes créées
pour le conte satirique Le roi cerf. Initiée
depuis le plus jeune âge aux arts du tissu,
elle y entrevoit un vocabulaire de formes
essentielles et, dès 1914, son œuvre entre
en abstraction, ce qui impressionnera
fortement le jeune Arp. Sans souci de
théorisation, l’œuvre de Sophie Taeuber ne
rejette pas tout-à-fait la figuration, la quête
de la jeune femme étant d’exprimer la vie
par l’harmonie des couleurs et des formes
élémentaires, cercles, carrés, lignes, arabesques,
celles dont elle estime que toute
la création procède. Peintures, reliefs colorés,
dessins, gouaches témoignent de sa
quête réfléchie et rigoureuse d’une expression
équilibrée des forces de la vie dans
leur caractère essentiel. L’art de Sophie
Taeuber s’exprime aussi dans bien d’autres
domaines : la décoration intérieure, avec
entre autres L’Aubette de Strasbourg, la
confection de tissus et de vêtements et
le graphisme (la revue Plastique). Elle fut
enseignante et, pendant des années, ce
revenu permit au couple de survivre et à
Arp de poursuivre sa passion.
Le plâtre a permis
à Arp de traduire
des états aboutis en
bronze ou en marbre,
mais de continuer ses
recherches vers de
nouvelles formes.
LE POÈTE AMOUREUX DE LA NATURE
Né à Strasbourg en 1886, d’une mère alsacienne
et d’un père allemand, Hans/Jean
Arp reste pendant des années un artiste
profondément anticonformiste, quittant les
écoles d’art parce qu’il les juge étouffantes. Il
souhaite introduire l’art dans la vie et la vie
dans l’art : il peint tout autant qu’il pratique
l’art du tissu et s’engage en abstraction,
stimulé par l’exemple de Sophie Taeuber.
Il fonde Dada à Zurich, avec une poignée
d’autres trublions, et y apprend la leçon
du hasard et de l’intuition, l’audace de la
23

Nic Aluf, Sophie Taeuber avec la Tête Dada, 1920.
Stiftung Arp e.V., Berlin/Rolandswerth. © SABAM
Belgium 2024
subversion, le pouvoir des mots. Car Arp est
aussi poète. Il commence par réaliser des
collages, des structures en relief. L’humour
règne dans l’œuvre quand l’artiste introduit
dans ses formes des références à des
êtres ou à des objets : nombril, moustache,
cravates, une attitude qui le rapproche des
surréalistes. Mais, la nature demeure sa profonde
source d’inspiration : l’ovale de l’œuf,
les organismes unicellulaires peuplent
son travail ainsi que le cycle de la vie qu’il
traduit dans ses ‘‘concrétions’’. Fasciné aussi
par la quête de la ligne pure, Arp s’oriente
vers la ronde-bosse et, comme le montre
l’exposition présentée actuellement à La
Haye, il explore les formes en travaillant
le plâtre, cette matière qui lui permet de
traduire des états aboutis en bronze ou en
marbre, mais de continuer ses recherches
vers de nouvelles formes et vers les sculptures
qui le rendront célèbre.
CRÉER EN DUO
Au travers de ces deux courts portraits, on
comprend aisément que les personnalités
artistiques de Sophie Taeuber et de Jean
Arp soient très différentes. Mais, comme
l’écrit Walburga Krupp : « C’est ainsi qu’en
1915, la Galerie Tanner voit se rencontrer
deux êtres partageant les mêmes idées,
ayant tous deux tourné le dos à la tradition
et s’essayant à de nouveaux moyens
d’expression. (…) C’est la naissance
d’une amitié d’artistes, suivie par des
échanges et une collaboration intense. »
Arp l’informe de ses expériences dans le
monde de l’art, Taeuber l’initie aux secrets
de la broderie. Cette collaboration éclot
dans les Duo-collages des années 1918 :
des papiers découpés aux formes géométriques
pour être agencés sur le fond
du tableau. La technique du collage et la
gamme chromatique réduite sont attri-
Hans/Jean Arp, Trois objets désagréables sur une figure (1933), bronze (éd. 3/5, 1971), 23 x 34 x 30 cm. Stiftung Arp e.V., Berlin/Rolandswerth. © SABAM Belgium 2024
24

« Sophie Taeuber et
Jean Arp ont déjà posé
les premiers pas dans
leur cheminement
artistique. Ils se
reconnaissent dans
leur désir d’ouvrir de
nouveaux espaces à
l’art traditionnel et
d’ouvrir les frontières
entre la peinture, la
sculpture et les arts
décoratifs. »
WALBURGA KRUPP
buables à Arp, les éléments géométriques
et la structure verticale-horizontale à
Taeuber. Ils s’attaquent aussi ensemble à
des sculptures en bois qui trouvent sans
doute leur origine dans les objets du
quotidien, Amphore ou Puderdose. Cette
première phase de collaboration a servi
d’expérience marquante, ayant permis à
chacun d’approfondir leurs choix personnels
: la forme et la couleur pour Taeuber,
les formes biomorphiques pour Arp.
Ils reprennent leur collaboration en 1926,
à Strasbourg, pour la transformation de
L’Aubette, à laquelle ils convient aussi
Theo van Doesburg. Mais le duo artistique
se reforme surtout vers 1937-1938
en se focalisant alors sur la sculpture,
Jalon et l’étonnante Sculpture conjugale.
En 1939 apparaissent les Duo-dessins qui
constituent le plus vaste ensemble de
travaux communs : « Tout à l’inverse de
leurs premières collaborations, (…) on y
reconnaît leurs écritures personnelles (…)
un examen attentif permet de distinguer
où s’arrête et où reprend la main qui est en
train de dessiner. » Cette manière d’unir
des forces créatrices personnelles dans
une seule œuvre culminera en 1941-1942 :
en compagnie d’Alberto Magnelli et de
Sonia Delaunay, Arp et Taeuber créent des
œuvres à huit mains qu’ils auraient voulu
Itat eium hil estotaspe rectur arum dolorem nimin est rerum hil molorerro que vent.
Hans/Jean Arp et Sophie Taeuber-Arp, Duo-Dessin, 1939, encre sur papier, 27,2 x 20,9 cm. Stiftung Arp e.V.,
Berlin/Rolandswerth. © SABAM Belgium 2024
publier en lithographies. Mais, ils séjournaient
alors à Grasse, en pleine guerre. Ce
contexte et peut-être aussi la mort prématurée
de Sophie empêcheront le projet
d’aboutir. De manière symptomatique, la
disparition de sa compagne n’empêche
pas Arp de continuer le dialogue. En effet,
Sophie a plusieurs fois illustré la publication
des poèmes écrits par Jean et les
Duo-dessins ont accompagné la parution
du recueil Le Siège de l’air. En 1947, Arp va
utiliser les tirages de ces Duo-dessins pour
ses papiers déchirés, une forme de collage
qu’il expérimente depuis les années 1930.
Au-delà de la mort, Arp perpétuait ainsi ce
précieux travail à deux.
VISITER
Jean Arp. A Petrified Forest
Museum Beelden aan Zee
La Haye
www.beeldenaanzee.nl
jusq. 15-12
Hans/Jean Arp & Sophie Taeuber-Arp.
Friends, Lovers, Partners
Bozar
Bruxelles
du 20-09 au 19-01-2025
www.bozar.be
LIRE
Etienne Barilier, Sophie Taeuber : la Force
du silence, éd. Savoir Suisse, Lausanne,
2023, ISBN 978-2-88915-5-149
25

L’ARTISTE DU MOIS
Milan Jespers
Dans
Dans cette série, COLLECT s’intéresse à la place occupée par les jeunes
artistes dans le monde contemporain. Pourquoi ont-ils choisi cette voie,
d’où leur vient leur inspiration et comment se positionnent-ils ? Ce moisci,
c’est au tour du Bruxellois Milan Jespers (1992).
TEXTE : ELIEN HAENTJENS
PORTRAIT : GUY KOKKEN
l’intimité de son confortable
atelier, Milan Jespers travaille sur
des aquarelles photoréalistes qui
vous transportent en un clin d’œil
dans un passé longtemps révolu. Son pupitre
est recouvert de deux dessins en cours
d’élaboration pour sa prochaine exposition
personnelle, Vergogna, qui aborde des
thèmes comme la honte, l’humilité et l’abus
d’alcool. La combinaison de portraits aux
allures historiques, peints dans cinquante
nuances de gris, d’ocre et de bistre, avec une
couche ornementale de couleur, produit un
choc fascinant : « Pour ces deux derniers,
je me suis inspiré de motifs de carreaux en
ciment, du bleu de Delft et d’incrustations
en marbre, comme on en trouve sur les
autels des églises italiennes. J’ai donné de la
couleur aux corps des personnages dans les
Baigneurs de Rance (2023), avec du marbre
trouvé dans les environs de Mons. La scène
est une réinterprétation d’une photographie
de soldats prenant un bain dans les bois
pendant la Première Guerre mondiale. Le
marbre charnel et la scène du bain inscrivent
parfaitement l’œuvre dans la peinture
classique, tandis que l’original n’avait pas
cette vocation. J’ai passé plus de trois mois
sur ce format plus grand que la normale
et sur les détails de broussailles. J’apprécie
cette lenteur face à la surabondance actuelle
d’images. » Pour étayer son langage visuel,
l’artiste utilise des clichés anonymes du XIXe
et du début du XXe siècle, qu’il déniche
sur les marchés aux puces, en Belgique et à
l’étranger : « J’affectionne particulièrement
les scènes judiciaires ou médico-scientifiques
qui montrent le corps sous un autre
jour. Pour Vergogna, j’utilise entre autres des
photos d’anciens soldats blessés par balles.
Leurs portraits statiques, dans lesquels ils
se laissent apparemment photographier à
demi-nus en studio, tandis que les balles
ne touchent qu’une partie infime de leurs
corps, ont quelque chose d’étrange. La
couche ornementale de couleur témoigne
en partie de ce passé et offre une nouvelle
interprétation aux conventions sociales et
esthétiques. Le début du XIXe siècle a aussi
un côté fascinant, en ce sens qu’il représente
un moment charnière de l’Histoire.
Les scènes paysannes, les sorcières ou les
costumes folkloriques sont les témoins du
monde ancien, tandis que les objets peuvent
être tout à fait contemporains. Le matérialisme
et l’industrialisation ont connu un
véritable boom, le christianisme a décliné
en Europe et on a commencé à rechercher
des alternatives spirituelles. Selon moi, cette
période marque un peu le début de la fin.
L’éruption du volcan indonésien Tambora, en
1815, a eu des répercussions dans le monde
26

L’ARTISTE DU MOIS
entier sous la forme de récoltes désastreuses
ou de nuages de poussière. Les titres de
mes œuvres véhiculent souvent mon regard
sur ces événements. » Sa démarche l’aide à
comprendre le monde actuel, voire à le relativiser
: « La confrontation de notre image
d’un événement historique avec la réalité
donne souvent lieu à des constats contradictoires.
Presque rien n’a changé sur le plan
du racisme ou de la politique, par exemple.
Le pouvoir de l’argent continue de jouer un
rôle prépondérant et la classe sociale la plus
pauvre demeure sous-représentée. Ce n’est
pas toujours rassurant. Je m’estime heureux
de pouvoir me retirer dans mon atelier pour
me consacrer avec obsession à mon art et
oublier le monde extérieur. »
BESOIN DE SPIRITUALITÉ
Le caractère narratif de son œuvre est
vraisemblablement dû à sa formation
d’auteur de bandes dessinées, à l’ESA
Saint-Luc de Bruxelles : « Pendant mes
études, je privilégiais les projets exigeant
la réinterprétation d’images existantes. Le
fonctionnement d’une image, la possibilité
de raconter une histoire en établissant des
liens entre diverses illustrations ou d’activer
l’espace intermédiaire m’aident beaucoup.
C’est la raison pour laquelle je réalise en
général des séries. Tout comme Tacita Dean
dans ses dessins élaborés, je tente de m’en
tenir le plus fidèlement possible à l’image
originale et de l’intégrer dans mon langage
visuel. J’admire l’immédiateté de Berlinde
De Bruyckere et sa façon de s’approprier
diverses temporalités. J’apprécie beaucoup
aussi David Van Reybrouck et la perspective
singulière avec laquelle il traite les objets ou
encore l’interprétation contemporaine que
Dienne donne à la musique religieuse classique.
» La vision spirituelle et mystique de
ses œuvres plastiques fait de William Blake
une véritable référence : « Sa cosmographie
personnelle et sa gravure, qui illustre le savant
Isaac Newton comme un danger pour
le monde magique et mystique, donnent le
ton. Notre humanité a effectivement besoin
de repères spirituels, ce que nous avons en
partie oublié aujourd’hui. Nous cherchons
donc trop souvent refuge dans des succès
superficiels qui ne peuvent jamais nous
rendre véritablement heureux. J’espère
atteindre un jour le niveau des symbolistes
belges du XIXe comme Henry de Groux ou
Fernand Khnopff. » En hiver, l’artiste se rend
parfois à Lecce, ville baroque du sud de l’Italie,
où il travaille dans un atelier traditionnel
sous la direction du peintre Marcello Nitti :
« J’ai découvert son œuvre sur Instagram
et lorsque nous nous sommes rencontrés,
nous avons immédiatement sympathisé. Il
Delft Woman, aquarelle sur papier, 34 x 33 cm, pièce unique. Collection privée. © de l’artiste
« J’apprécie cette
lenteur face à la
surabondance actuelle
d’images. »
commercialise des gravures d’artistes avec
son éditeur Guado Edizioni. La technique
séculaire de l’aquatinte me permet de
procéder manuellement à la gravure et à
l’impression. La première impression donne
une idée du résultat. J’aime pirater les codes
des techniques traditionnelles afin de produire
quelque chose d’original. L’aquarelle
constitue en principe un support léger et
rapide, alors que j’applique trente couches
pour fixer en profondeur les nuances de
gris. » Milan Jespers a utilisé le thème de
la mort pour une seule édition ; il s’est fait
fabriquer sur place un modèle en marbre.
Sur d’autres gravures, il partage sa vision
d’une hagiographie moderne et la théorie
du gnosticisme qui se réfère à une spiritualité
pur-sang, à l’écart de tout dogme : « Je
joue, par exemple, avec trois descriptions
existantes de Marie-Madeleine et établis
un lien entre l’histoire de la décapitation
de saint Jean-Baptiste et celle des comtes
d’Egmont et de Hornes, qui furent exécutés
en 1568 sur la Grand-Place de Bruxelles. »
La technique de la gravure lui permet de
réaliser des séries, alors que toutes les aquarelles
sont des pièces uniques : « J’apprécie
que les œuvres trouvent acquéreur
et connaissent ainsi une nouvelle vie. La
situation fut un peu plus délicate lors d’une
vente, pendant la soirée de vernissage de
mon exposition personnelle Cénotaphes
chez Huberty & Breyne, parce que j’avais
rarement eu l’occasion de voir l’œuvre
encadrée. J’étais enchanté que la galerie
m’accepte dans sa nouvelle aile réservée à
l’art contemporain et manifeste sa confiance
en moi. Je travaille en ce moment sur ma
prochaine exposition Vergogna pour le
salon parisien Drawing Now et j’ai aussi des
projets en tête pour les prochaines années,
notamment avec des aquarelles. »
VISITER
Exposition Vergogna
du 27 au 30-03-2025
@ Huberty & Breyne
Drawing Now
Paris
www.drawingnowartfair.com
Insta : @milan_jespers
27

Elen Braga
Politique textile
Avec une deuxième exposition
personnelle à la Wouters Gallery
et une première exposition
institutionnelle au CC Strombeek,
l’automne s’annonce riche pour
Elen Braga. La Brésilienne poursuit
ainsi son ascension depuis qu’elle
s’est installée en Belgique en 2017.
« La Belgique m’a adoptée. Je
fais de mon mieux pour lui offrir
quelque chose en retour. »
TEXTE : ELIEN HAENTJENS
PORTRAIT : GUY KOKKEN
Mistress of beasts, 2022, tapisserie tuftée à la main, 200 x 140 cm. © de l’artiste / photo : Isabelle Arthuis
Elen Braga (1984) n’était pas prédestinée
à une carrière artistique. Pour
elle, c’était surtout une manière
d’échapper à la religion tenant
sa famille sous emprise. Ses premières
performances, elle les réalise avant même
de savoir ce que c’est. Ses racines brésiliennes,
qu’il s’agisse des proverbes, des
traditions culturelles, des hymnes religieux
ou des concours de beauté auxquels elle
participait enfant, constituent aujourd’hui
encore le fil conducteur de son œuvre.
Elle les associe à des événements actuels
(belges), à sa vie personnelle et à des
récits mythologiques et religieux, créant
ainsi de nouveaux liens interculturels. Ce
qui apparaît à première vue comme une
scène chaotique, mais charmante, cache
un univers d’histoires. Dans Als een vis op
het droge (2021), par exemple, elle tend
un miroir au spectateur : sur le corps d’un
piranha tufté, de quatre mètres de haut,
sont représentés les navires coloniaux
28

Hungry Pigeon, 2024, tapisserie tuftée à la main, ca. 50 X 60 cm. © de l’artiste / photo : Philip De Man
qui transportaient les produits tropicaux
du Brésil vers nos régions. L’agressivité
que dégage le poisson compose un clin
d’œil sarcastique à la peur des immigrés.
Son contexte pluriculturel, mais aussi la
persévérance, la résilience et les limites
des capacités du corps humain sont des
thèmes centraux dans sa pratique protéiforme.
Depuis qu’elle vit en Belgique,
Elen Braga a découvert dans le tuftage une
technique accessible permettant de créer
des scènes figuratives : « J'aime l’ambivalence
du résultat. Avec ses couleurs et ses
textures, il a quelque chose de kitsch et
d’enchanteur à la fois. Cela me permet de
découvrir lentement mon univers. » Son
premier fait d’armes technique fut la dernière
des douze pièces de la série Elen ou
hubris (2020). Au printemps 2020, un portrait
de pas moins de 24 mètres de hauteur
flottait sur l’arc de triomphe du parc du
Cinquantenaire à Bruxelles : « Le tuftage
de ce grand tapis de 120 mètres carrés a
« Avec ses couleurs
et ses textures,
le tuftage a quelque
chose de kitsch et
d’enchanteur
à la fois. »
constitué une guerre d’usure de deux ans.
Sa présentation dans le cadre du parc du
Cinquantenaire ouvre la discussion sur la
monumentalité, la fierté nationale et des
représentations futures du passé, comme
le plan d’urbanisation de Léopold II, dont
je ne veux plus faire partie. Il remet également
en question la position de la femme,
l’orgueil humain ou la manière dont nous
construisons des récits autour de nous. La
taille de l’autoportrait, soixante coudées,
c’est-à-dire soixante fois mon avant-bras,
fait référence à Nabuchodonosor (634-562
av. J.-C.), qui voulut défier les dieux avec
une statue de soixante coudées. Je m’interroge
sur ce que signifie encore l’hubris, s’il
n’y a plus de dieux. »
DES RÊVES D’AVENIR COLORÉS
Roi guerrier, le Nabuchodonosor de la
Bible a reconstruit Babylone (dans l’actuel
Irak), avec notamment ses jardins suspendus
et sa porte d’Ishtar, et y a introduit un
culte religieux, convaincu que les dieux
l’aideraient à demeurer au pouvoir : « Dans
l'Église protestante, nous lisons l’histoire
de son rêve, dans lequel son corps gigantesque
est fractionné en quatre métaux
différents, chacun représentant la puissance
des nations futures. Cela m’a menée à
m’interroger sur notre situation par rapport
à l’essor et à la chute des civilisations. Le
dessin de William Blake représentant la
chute de Nabuchodonosor m’a fait penser à
29

« J’explore des
concepts tels que
l’autorité et le pouvoir,
ainsi que l’influence
des idéologies
collectives sur les
individus. »
la décadence du système patriarcal. Cette
réalité sociale est traduite par le danseur
Michiel Vandevelde dans une performance
vidéo, présentée au Kunstplaats Vonk, le
27 septembre. » Lors de sa résidence au
Kunstplaats Vonk, Elen Braga a également
travaillé sur la performance vidéo Flesh,
stone, iron and clay (2024). Dans ce film,
douze jeunes hommes tentent de suivre
du mieux qu’ils peuvent une Volkswagen
Coccinelle noire : « Cette performance
renvoie aux gardes du corps des dictateurs
conduits en voiture à travers la ville. La
‘‘voiture du peuple’’ était à l’origine une idée
d’Hitler et, plus tard, Volkswagen soutint
activement le gouvernement militaire du
Brésil (1964-1985). Les douze performeurs,
qui tendent à sombrer dans le chaos,
s’efforcent de rester droits, afin de ne pas
paraître faibles face au pouvoir. Par ce biais,
j’explore les concepts de l’autorité et du
pouvoir, ainsi que l’influence des idéologies
collectives sur les individus. » L’artiste
questionne également le pouvoir avec Als
een leeuw in een kooi (2024), titre de l’exposition
organisée par Laila Melchior au CC
Strombeek : « Lorsque j'ai entendu pour la
première fois ce schlager flamand au cours
de néerlandais, la chanson m'a de suite
plu. En association avec les déclarations
d’hommes politiques d’extrême droite
ayant affirmé vouloir s’attaquer à la culture
à coups de butoir, elle m’a inspiré une sculpture
en bois d’un lion en forme de maisonnette
avec un toit en tuiles de céramique. Je
m’interroge ainsi sur ce lion qui semble tapi
dans de nombreux foyers flamands et sur
la question de savoir si cet animal sauvage
est vraiment domestiqué ou s’il se promène
encore en liberté. » L’installation Behold in
awe (2024) représente un monde idyllique,
dans lequel sont réunis tous les clichés sur
le bonheur : « La propagande politique et
la religion nous font croire à des endroits
paradisiaques. Mais la citation évangélique
‘‘admirez avec crainte’’ met en exergue une
ambiguïté sous-jacente. Pour ce travail,
j’ai interrogé des citoyens sur les concepts
de ‘‘bouc émissaire’’ et de ‘‘paradis’’, et leur
relation mutuelle. Nos rêves d'avenir constituent
un des moteurs de ma pratique. »
ENTRE PRIVÉ ET PUBLIC
Avec son exposition personnelle The Love
Hotel, Elen Braga fait référence au plus
ancien hôtel de passe de Bruxelles, situé
au coin de la Wouters Gallery, mais aussi
à la façon dont nous envisageons l’amour
et notre vie de famille, alors que le monde
s’embrase : « Une tapisserie dépeint le
monde extérieur, où règnent la police, la
guerre et le chaos. La conversation sur
une couverture, à propos de nos rêves, par
exemple de guerre, ou un dîner avec un
emoji, incitent les spectateurs à s’arrêter
pour réfléchir avec légèreté à la réalité parfois
absurde dans laquelle nous vivons, et
à la manière dont l'espace privé et l'espace
public ne cessent de s’alimentent mutuellement.
À côté de la chambre d›hôtel, j’ai
tufté un bistrot belge, avec des éléments typiques
tels que des sansevierias, des pintes,
des boulettes et des frites. Des répliques
grandeur nature de moi-même et de mon
partenaire sont assises à table. Lorsque
nous nous sommes rencontrés, nous avons
parlé pendant des heures de créativité, du
monde idéal ou d’amour. Ici aussi, j’intègre
le monde extérieur, par le biais d’une projection
par la fenêtre, dans la sphère privée
et intime ». Ces derniers mois, les œuvres
30

de l’artiste ont été acquises par différentes
institutions, dont l’installation The Course
of Empire (2022) par la Communauté
flamande, actuellement présentée dans
une exposition au Mu.ZEE. La Banque
Nationale a acquis Hide yourself (2022),
tandis que Prophecies (2020) fait désormais
partie de la collection du FRAC des Pays
de la Loire : « Ce que j’apprécie particulièrement
dans ces ventes, c’est qu’elles
me permettent de nouer des relations
avec des institutions artistiques. Et je sais
qu’avec elles, mon travail se trouve dans
de bonnes mains. Je réalise généralement
de grandes installations, ce qui ne facilite
pas les choses pour les collectionneurs
privés. Mais, avec la galerie, nous tentons
de rester flexibles et de réaliser certaines
éditions. » Pour le nouveau Kaaitheater,
Elen Braga travaille sur l’installation Two
Weights, Another Measure (2024-2025). Un
The Adoration of the Earth, 2023, 200 x 500 cm. © de l’artiste / Courtesy M HKA / photo : Kristien Daem
« La performance
Flesh, stone, iron
and clay renvoie
aux gardes du corps
des dictateurs
conduits en voiture
à travers la ville. »
pied, également soixante fois plus grand
que le sien, en marbre rouge belge, soutient
un tapis occupant tout l’espace au moyen
de cordes de théâtre récupérées : « Avec
Eszter Némethi, j’ai exploré, dans le cadre
d’ateliers, ce que signifie pour les habitants
d’appartenir à un groupe sous-représenté,
à Bruxelles ou en Belgique. Je présente
leurs histoires sur le tapis. Avec mon pied,
je maintiens cette représentation en l’air,
offrant littéralement un contrepoids à l’histoire
très bourgeoise du monde de l’art. »
VISITER
Full house collection
Mu.ZEE
Ostende
jusq. 05-01-2025
www.muzee.be
7th FITE – Biennale Textile
jusq. 05-01-2025
Clermont-Ferrand (FR)/ São Paulo (BR)
www.the-fite.com
The Love Hotel
du 12-09 au 26-10
Wouters Gallery
Bruxelles
www.woutersgallery.com
Als een leeuw in een kooi
du 24-10 au 26-01-2025
CC Strombeek
Grimbergen
www.ccstrombeek.be
Image de Flesh, Stone, Iron and Clay, 2024, vidéo, produite par Vonk. © de l’artiste
31

ZOOM
Cindy Sherman
Images prescriptives
Avec les expositions Anti-Fashion
et Early Works, le FOMU présente,
pour la première fois en Belgique,
un très large aperçu de l’œuvre
profondément novateur de la
photographe et artiste conceptuelle
Cindy Sherman. C’est là une belle
façon pour l’institution anversoise
de participer à ENSOR 2024
puisque, comme le travail du
peintre ostendais réputé pour
ses ‘‘mascarades’’, celui de la
photographe américaine invite à
poser un regard critique sur les
conventions sociales.
TEXTE : JEAN-MARC BODSON
Untitled #414, 2003. © de l’artiste / Courtesy Hauser & Wirth
Les débuts de la notoriété de
Cindy Sherman (1954) datent d’une
époque où l’on croyait encore à
la transparence de l’image, à sa
capacité à nous offrir un reflet crédible
du monde, que ce soit en photographie
ou au cinéma. Pourtant, pour nombre de
photographes de la fin de ces années 1970,
la tendance propagandiste du documentaire
ne faisait plus de doute. Pour en
rendre compte, ils sortirent donc de son
périmètre journalistique et investirent
l’art contemporain à travers des œuvres
fictionnelles. Cindy Sherman participa
précocement à ce mouvement qu’on a
circonscrit dans l’appellation ‘‘photographie
plasticienne’’. Dès la fin de ses études
de photographie, en 1977, elle entame la
création de Untitled Film Stills, une série
fictionnelle achevée trois ans plus tard,
dans laquelle la jeune artiste incarne elle-
32

ZOOM
« Tout est faux dans
ce que vous voyez,
je ne vous le cache
pas, mais admettez
que ce que je mets
au jour est vrai »,
semble nous dire
l’artiste.
tement l’immense pouvoir de l’industrie
du vêtement et son aptitude à récupérer la
critique sociale des artistes, à la transformer
en un vaccin, pis à s’en servir comme
le signe ultime de la ‘‘branchitude’’. Bref,
à avoir le dernier mot. C’est ce que pointe
Alessandra Nappo, conceptrice de l’exposition
pour la Staatsgalerie de Stuttgart,
dans la préface du catalogue publié par
Hannibal Books, lorsqu’elle montre comment,
dans les années 1990, le réalisme,
la trivialité voire la vulgarité, jusque là
proscrits, se sont imposés dans la photographie
de mode, « en recherche d’authenticité
après une décennie dominée par le
bon goût qu’incarnaient les top-modèles
tels que Naomi Campbell, Linda Evangelista
et Claudia Schiffer ». Cindy Sherman ne
fut pas en reste avec des créations « grandmême
les personnages de pseudos photos
extraites de films imaginaires des années
1950. En soixante-neuf (auto)portraits, elle
y revisitait toute la panoplie des stéréotypes
féminins, éclairant au passage le
côté prescriptif des films produits par une
industrie du cinéma pétrie de l’idéologie
ambiante, machiste en diable et consumériste
à tout crin. De la jeune urbaine, vigilante
en rue, à la femme au foyer devant
‘‘son’’ évier, en passant par l’étudiante en
bibliothèque ou la fille se pomponnant
dans la salle de bain, le FOMU nous en
montre une large sélection dans Early
Works 1975 – 1980, seconde exposition
vouée à présenter « les principales motivations
et idées de Cindy Sherman ».
Untitled #462, 2007-2008. © de l’artiste / Courtesy Hauser & Wirth
« Les personnages n’étaient pas des
mannequins, ce n’étaient pas de simples
actrices écervelées. C’étaient des femmes qui
se débattaient avec quelque chose, mais je ne
savais pas quoi. »
CINDY SHERMAN
MISE AU CLAIR DES ARTIFICES
« Tout est faux dans ce que vous voyez, je
ne vous le cache pas, mais admettez que
ce que je mets au jour est vrai », semble
nous dire l’artiste. Ce renversement de paradigme,
cette inversion des priorités entre
le réel de l’enregistrement et la vérité de la
fiction imprègnera toute la suite de tout
son œuvre. Dans la plupart de ses séries,
elle a continué d’explorer les structures de
la représentation, en rendant visible les
dispositifs utilisés dans la construction de
l’image. Ce faisant, elle nous amène à nous
interroger sur ce phénomène contemporain
de l’omniprésence des images, qui
nous travaillent au quotidien sans que
nous en soyons conscients. Cette mise au
clair des artifices est aussi le ressort de
l’exposition Anti-Fashion, à ceci près qu’elle
le pousse un cran plus loin en présentant
ensemble des créations personnelles et
des images de commande du monde de la
mode. Ce qui questionne dès lors indirecguignolesques
» ou même grotesques, au
point de se voir parfois refusées par les
commanditaires. Pas souvent cependant,
tant le système de la mode ne déteste rien
plus que le conformisme. Vendre du vêtement,
c’est vendre de la différenciation,
c’est en tout cas faire oublier à chaque
client potentiel qu’avec son achat, il se
démarquera du tout venant ... comme des
milliers d’autres gens.
VISITER
Cindy Sherman. Anti-Fashion & Early Works
FOMU
Anvers
www.fomu.be
du 28-09 au 02-02-2025
33

19 - 22
09
2024
27, RUE DES MINIMES, BRUXELLES
MINIEMENSTRAAT 27, BRUSSEL
ZABULUM-DESIGN.COM
ZABULUM@ZABULUM.COM
DESIGN & VINTAGE

Retrospective
1960-2024
Exhibition
From 18.10.24 Till 16.11.24
© Gilles van den Abeele
Stables of the Hôtel Solvay Brussels
rue Lens 36, 1050 Brussels
adochale.com

Venise, en marge
de la Biennale
La 60e Esposizione Internazionale d’Arte de Venise se déroule
jusqu’au 24 novembre, avec une offre considérablement élargie.
Comme nombre d’entre vous préfèrent attendre la fin de l’agitation
estivale pour vous rendre à Venise, voici l’automne de la Biennale
en vingt conseils, en toute subjectivité.
TEXTE : BEN HERREMANS
La Biennale de Venise se concentre
principalement dans les Giardini
et l’Arsenale. On pourra facilement
consacrer une journée entière à chacun
de ces deux endroits, à la découverte
des pavillons de nombreux pays, ainsi que
de l’exposition principale Strangers Everywhere.
Et après ? Voici quelques découvertes
indispensables à faire parmi les
dizaines d’événements ‘‘collatéraux’’, dont
trente en collaboration avec l’organisation
et d’autres sans lien direct.
Berlinde De Bruyckere, City of Refuge III. © de l’artiste / photo : Miriam Devriendt
36

Glasstress, vue de l’installation. © Berengo Studio / photo : Francesco Allegretto
1.
Con i miei occhi, au Pavillon
du Saint-Siège, prison pour
femmes de la Giudecca
Le Vatican a installé son pavillon dans
cette prison pour femmes. Textes et
images proposés correspondent au récit
historique du lieu, mais les détenues ont
eu leur mot à dire pour la sélection et ce
sont elles qui guident les visiteurs. Ceux-ci
doivent ainsi réserver, s’enregistrer et respecter
les consignes de sécurité.
www.labiennale.org
2.
William Kentridge, Self-Portait as
a Coffee Pot, Arsenale Institute
for Politics
Un film d’une demi-journée, du Sud-Africain
William Kentridge, est présenté en
sessions du matin et de l’après-midi. Self-
Portrait as a Coffee Pot est divisé en neuf épisodes
d’une trentaine de minutes chacun,
que William Kentridge a réalisés dans son
atelier de Johannesburg. Il le représente
en version magnifiée : « L’atelier est une
tête agrandie : une pièce dans laquelle les
pensées sont extériorisées sous forme de
dessins, de photographies, de fragments
sur le mur. » Dans Self-Portrait as a Coffee
Pot, William Kentridge s’interroge sur l’art
et la création artistique à l’ère numérique et
dialogue avec des versions démultipliées de
lui-même, ses alter ego. Comme une gymnastique
mentale, Self-Portrait as a Coffee
Pot captive le regard et le cerveau.
www.arsenale.com
3.
Berlinde De Bruyckere,
City of Refuge III, Abbazia di San
Giorgio Maggiore
Dans la grande église bénédictine du XVIe
siècle, les archanges de Berlinde De Bruyckere
sont postés sur des coffres usés par
le temps. Des voiles recouvrent leurs têtes
et des miroirs en amplifient les effets. Un
échantillon d’œuvres antérieures de l’artiste
est présenté dans la sacristie et l’abbaye,
complété de nouvelles œuvres. L’interaction
avec l’intérieur est intrusive. Dans son
œuvre post-apocalyptique, Berlinde De
Bruyckere traduit les connotations théologiques
de l’universel et du profane.
www.abbaziasangiorgio.it
4.
Foreigners in their Homeland,
Palazzo Mora ; South West Bank
- Landworks, Collective Action
and Sound, Magazzino Gallery,
Palazzo Polignac
Cette année, Israël se fait remarquer par son
absence à Venise. Au pavillon, une affiche
signale : « The artist and curators will not
open until a ceasefire and hostage release
agreement is reached (L’artiste et les commissaires
n’ouvriront pas le pavillon tant
qu’un cessez-le-feu et un accord de libération
des otages ne seront pas conclus) » En
revanche, la Palestine y est présente pour
la première fois. Au Palazzo Mora, où il y a
beaucoup d’autres choses à admirer, l’exposition
Foreigners in Their Homeland organisée
par le Palestinian Museum US, se concentre
sur la guerre à Gaza. Les 26 participants y
présentent un travail poignant. Au Palazzo
Polginac, vingt artistes du SOUTH WEST
BANK – Landworks, Collective Action and
Sound illustrent la vie quotidienne sur fond
de conflit. Non loin de là, à la Ferruzzi Gallery,
The Horse Fell off the Poem, œuvre de cinq
mètres du Palestinien Malak Mattar, n’a pas
peur de montrer, en noir et blanc, l’horreur
de la réalité : l’association avec Guernica est
évidente.
www.palestinemuseum.us
https://artistsandallies.art
https://darjacir.com
Des femmes
détenues guident
les visiteurs.
Maurizio Cattelan, Father, peinture murale sur la façade de la prison pour femmes de la Giudecca.
© de l'artiste / photo : Marco Cremascoli
37

M.F. Husain, The Rooted Nomad, vue de l’installation immersive. © Kiran Nadar Museum Of Art
6.
Glasstress 8 ½, Fondation
Berengo, Murano & Tesa 99,
Arsenale Nord
Pour la huitième édition de Glasstress – à laquelle
s’ajoute 8 ½ en hommage au célèbre
film de Fellini – l’exposition retourne dans
l’ancien atelier où l’atelier Berengo a débuté,
en 1989. Avec ce projet, Adriano Berengo
promeut le lien entre art contemporain et
verre. Une trentaine de sculptures, pour lesquelles
des artistes de renom ont collaboré
avec des souffleurs de verre, mettent en
valeur le potentiel du médium.
www.berengo.com
Yoo Youngkuk, A Journey to the Infinite, vue d’installation. © de l’artiste / photo : G. Maitan
5.
Zeng Fanzhi, Near and Far/Now
and Then, Scuola Grande della
Misericordia
Les visiteurs peuvent découvrir (jusq.
30-09) comment Zeng Fanzhi redéfinit
l’abstraction avec une grande maîtrise
technique. Le Chinois associe de nouvelles
œuvres à celles de ses débuts en
utilisant encre, graphite, craie et poussière
d'or sur du papier artisanal. Son œuvre
peut être vu de deux façons : à distance ou
de manière intime ; de loin, les éléments
figuratifs sont reconnaissables, mais ils
disparaissent dans la matérialité de la
peinture dès que l’on s’en approche. Son
travail sur papier combine les iconographies
chrétienne, bouddhiste et taoïste. La
scénographie de l’architecte Tadao Ando
est à couper le souffle.
www.lacma.org
7.
Pierre Huyghe, Liminal,
Collection Pinault, Punta della
Dogana
Pierre Huyghe présente – parfois à l’aide de
l’IA – des œuvres hybrides qui jettent un
pont entre humain et non-humain. Le visiteur
a l’impression de mettre le pied sur une
nouvelle planète. Dans un no man’s land
entre possible et impossible, l’imagination
de l’artiste rencontre celle du visiteur.
www.pinaultcollection.com
38

Hommage à M.F.
Husain, l’artiste
indien le plus connu
du XXe siècle.
Cette production
complexe a nécessité
deux ans de travail.
Une expérience
kaléidoscopique.
8.
M.F. Husain, The Rooted Nomad,
Magazzini Del Sale
Hommage à M.F. Husain (1915-2011),
artiste indien le plus emblématique du
XXe siècle. Cette production complexe, qui
mêle peintures, gravures, photographies,
textes, animations, créations sonores et
chorégraphie 3D, a nécessité deux ans de
travail. Une expérience kaléidoscopique.
www.knma.in
9.
Helmut Newton, Legacy & Patrick
Mimran, Out of Focus, Fondation
Le Stanze della Fotografia
Exposition rétrospective du photographe
Helmut Newton (1920-2004). Sa nouvelle
approche de la nudité féminine continue
Morad Mostafa, I Promise You Paradise, 2023, court métrage. © Bonanza Films
encore d’étonner. À l’étage supérieur,
Patrick Mimran présente des photographies
floues.
www.lestanzedellafotografia.it
10.
Your Ghosts Are Mine, films
asiatiques et africains au Palazzo
Franchetti
Les Qatar Museums présentent les œuvres
de plus de quarante réalisateurs asiatiques et
africains. Eyeopeners. www.qm.org.qa
11.
Breasts, Palazzo Franchetti
Comment l’art représente-t-il le sein
féminin ? Plus de trente artistes renommés
illustrent les thèmes de la maternité,
de la sexualité, de l’émancipation féminine,
de l’image corporelle, du marketing
et de la maladie. De source de plaisir et
de nutrition à la honte et à la douleur,
Breasts souhaite davantage sensibiliser
au cancer du sein.
www.breastsartexhibition.com
12.
Lee Bae, La Maison de la Lune
Brûlée, Wilmotte Foundation
Le Sud-Coréen Lee Bae se plonge dans
le Daljip Teugi, rituel cyclique et cosmologique
séculaire. L’artiste a recueilli des
messages (en particulier des vœux de Nouvel
An) du monde entier et les a transcrits
sur du papier onto hanji. Et il a brûlé le tout
lors du rituel du Moonhouse Burning, le
24 février, au clair de la première lune de
l’année. Les visiteurs revivent cette cérémonie
contemplative à travers la vidéo,
l'audio, la sculpture et les installations. Lee
Bae utilise le charbon de bois pour faire
passer son message d’espoir.
www.leebaestudio.com
Oliviero Toscani, United Colors of Benetton advertising campaign, 1989. © de l’artiste, Benetton
39

Andrzej Wróblewski, Wedding photograph (Married
couple with a bouquet), 1949, peinture à l’huile sur
toile, 119 × 69 cm. © Starak Foundation
Memo Akten, Boundaries, 2024, vidéo, 8:15. © de l’artiste
13.
Arne Quinze & Swizz Beatz,
Are We The Aliens, Scuola San
Pasquale
Est-ce que nous nous comportons comme
des extraterrestres ? L’artiste visuel Arne
Quinze et le sound designer Swizz Beat
dénoncent notre perte de lien avec la nature.
Dans une mise en scène prismatique, des
sculptures colorées en verre et en céramique
forment une métaphore de l’homme débarquant
sur terre comme un extraterrestre.
Dans ses vidéos, des créatures humanoïdes
créées par l’IA témoignent de leur évolution,
de la forme biologique à la forme numérique.
Au premier étage, des paysages sonores
expérimentaux résonnent dans un espace
blanc. Le Murchison Garden d’Arne Quinze
représente la météorite Murchison, haute de
6 mètres, juste avant qu’elle ne s’écrase dans
un paysage verdoyant.
www.arnequinze.com
14.
Ilya & Emilia Kabakov.
Between Heaven and Earth,
A Tribute to Kabako ;
Yoo Youngkuk, A Journey to
the Infinite, Fondazione
Querini Stampalia
Ilya Kabakov est décédé le 27 mai 2023.
Son œuvre conceptuelle bouscule les
salles et la collection permanente du
musée. Ailleurs, on découvre la première
exposition européenne du Coréen Yoo
Youngkuk (1916-2002), pionnier de la géométrie
abstraite.
www.querinistampalia.org
www.yooyoungkuk.org
15.
Willem de Kooning e l’Italia,
Gallerie dell’Accademia di Venezia
Comment ses séjours en Italie ont-ils
influencé Willem de Kooning, figure de
proue de l’expressionnisme abstrait ?
www.gallerieaccademia.it
16.
Pakui Hardware & Marija Teresė
Rožanskaité, Inflammation,
Chiesa di Sant’Antonin
L’inflammation est une réponse naturelle
du corps à des conditions malsaines.
L’association des peintures de Marija
Rožanskaité et des sculptures de Pakui
Hardware place des corps post-humains
dans un contexte médico-industriel,
comme des techno-organismes hybrides.
www.carliergebauer.com
40

Son enchevêtrement labyrinthique se lit
comme une recyclerie, exposant les systèmes
de la dette et du capital.
www.fondazioneprada.org
19.
Ilya & Emilia Kabakov, The fallen chandelier, 1997. © des artistes / photo : Richard Ivey
17.
Andrzej Wróblewski, In the First
Person, Procuratie Vecchie
Andrzej Wróblewski (1927-1957) est l’un
des plus importants peintres polonais de
la seconde moitié du XXe siècle. Le régime
communiste ayant tout fait pour museler
cet outsider, sa reconnaissance internationale
n’est donc venue qu’à titre posthume.
www.starakfoundation.org
18.
Christoph Büchel, Monte di
Pietà, Fondazione Prada
Le Suisse ramène le palais de la Fondazione
Prada à la fonction dévolue à l’initiative du
pape Pie VII, de 1834 à 1969 : une banque de
prêts sur gage accordés par des donateurs
aux pauvres, avec leurs maigres possessions
comme garantie. Christoph Büchel a rempli
trois étages de bric-à-brac, mais aussi de
peintures et de trouvailles archéologiques.
Ernest Pignon-Ernest, Je Est Un
Autre, Espace Louis Vuitton
Trente ans avant le street art, le Français
Ernest Pignon-Ernest utilisait déjà les
murs comme des toiles.
https://eu.louisvuitton.com
20.
Memo Akten, Boundaries,
Chiesa di Santa Maria delle
Visitazione
La vidéo d’animation numérique Boundaries
de Turk Memo Akten mêle images
et sons oniriques. Memo Akten oppose
synergie, symbiose et dialogue aux idéologies
qui sapent la solidarité, la cohésion
sociale et la démocratie.
www.vanhaerentsartcollection.com
www.memo.tv
Ernest Pignon-Ernest, Je Est Un Autre, expo. © Louis Vuitton Fondation
41

La soie
Trésor universel
Découverte en Chine, la soie s’est
répandue dans le monde entier,
estimé tissu de prestige et objet
précieux de commerce, comme en
témoigne l’exposition Silk roads qui
ouvre bientôt ses portes à Londres.
L’occasion de vous présenter un
choix de soieries, anciennes ou plus
récentes, d’Orient et d’Occident.
TEXTE : ANNE HUSTACHE
La soie est une fibre protéique naturelle
que fabriquent de nombreux
papillons et certaines araignées.
Mais, pour en faire des tissus, seul
le cocon produit par la chenille (ver à
soie) du bombyx du mûrier est utilisé
pour la sériciculture, et celui du ver à soie
tussah (plusieurs espèces de chenilles du
genre Antheraea) pour la soie sauvage.
Les premières traces biomoléculaires de
tissus de soie ont été trouvées en Chine,
dans des tombes datant de 8500 avant
notre ère. Toutefois, le premier exemple
existant d’un tissu en soie tissé est un
fragment daté de 3630 avant notre ère,
également exhumé en Chine. Il fut utilisé
pour envelopper le corps d’un enfant. La
production de soie est restée longtemps
majoritaire en Chine, mais elle s’est parallèlement
répandue dans toute l’Eurasie.
Et puis, vers l’Europe et bien au-delà, via
les ‘‘routes de la soie’’. Comme cherche à le
démontrer l’exposition de Londres : plutôt
qu’une seule route commerciale, les routes
de la soie étaient constituées de réseaux
superposés reliant des communautés à
travers l’Asie, l’Afrique et l’Europe, du Japon
à la Grande-Bretagne, de la Scandinavie à
Madagascar. Avec la soie comme commun
dénominateur, ces routes furent aussi le
vecteur d’échanges culturels, religieux et
politiques.
VISITER
Silk roads
British Museum
Londres
www.britishmuseum.org
du 26-09 au 23-02-2025
La soie est une fibre protéique
naturelle que fabriquent de
nombreux papillons et certaines
araignées.
Rêve d’éternité
IIe siècle av. J.-C.
La découverte, en 1972, de trois tombes, à Mawangdui dans la province
du Hunan, en Chine, a révélé des milliers d’objets, dont des
peintures sur soie parmi les plus anciennes conservées au monde.
Appartenant à une famille d’aristocrates, ces tombes datent de la
dynastie des Han occidentaux, au IIe siècle avant notre ère. En sus
de son ancienneté dans le domaine de la soie, cette bannière, qui
reposait sur l’un des cercueils gigognes de Lady Dai, est importante
pour deux autres raisons : iI s’agit d’un des premiers exemples d’art
pictural, représentant des scènes naturalistes, pas seulement abstraites,
en Chine ; deuxièmement, cette bannière représente le premier
portrait connu de la peinture chinoise. Toute la scène traduit
l’espérance que la défunte atteigne la vie éternelle.
Bannière funéraire de Lady Dai (Xin Zhui), tombe 1 de Mawangdui, Changsha,
province du Hunan, soie, 205 x 92 x 47,7 cm. Musée provincial du Hunan.
42

Traditionnel byzantin
600-900 ap. J.-C.
Ce fragment de soie embellissait la manche
d’une tunique qui s’impose comme l’habit
traditionnel des hommes et des femmes
dans l’empire byzantin. Des éléments décoratifs
comme celui-ci étaient tissés dans le
vêtement ou appliqués comme panneaux
de garniture. Jusqu’aux années 500, la soie
naturelle était importée de l’Est et puis, peu à
peu, la sériciculture se développa également
à Byzance. Ce panneau provient d’Akhim,
en Egypte. Il présente deux scènes, chacune
composée d’un cavalier piétinant un soldat
armé d’une lance. Des oiseaux et des formes
végétales entourent ces scènes bordées
d’ornements stylisés.
Manche de tunique montrant des cavaliers, Egypte,
soie, 47,5 x 30,6 cm. Londres, The British Museum, inv.
1904,0706.41.
Multiculturel
ca. 801-850 ap. J.-C.
Cette bannière fut trouvée dans la grotte
17, dite ‘‘grotte bibliothèque’’ du fameux
site de Dunhuang, un vaste complexe de
temples bouddhistes. Cette somptueuse
pièce témoigne des échanges fructueux
entre civilisations, établis sur les routes de
la soie. Car, si cette bannière fut trouvée à
Dunhuang, elle a probablement été réalisée
ailleurs, certaines de ses caractéristiques la
liant aux traditions artistiques du Khotan,
du Tibet, du Cachemire et plus généralement
de l’Himalaya : la représentation du
torse nu, de la couronne à trois pointes et
du dhoti (long pagne) à bandes colorées. En
outre, la soie utilisée est plus dense et plus
étroite en largeur que les autres bannières
de Dunhuang. Elle n’a pas non plus de
cartouches, pour y écrire des inscriptions
chinoises, mais dispose d’une notation
tibétaine identifiant le bodhisattva comme
étant Vajrapani. Autre hypothèse : cette
œuvre aurait pu être fabriquée à Dunhuang
pendant la période où la région fut sous
autorité tibétaine, par un peintre du lieu,
mais familier avec les Khotanais.
Bannière peinte d’un Bodhisattva Vajrapani, Chine,
Grotte 17, grottes de Mogao, Dunhuang, encre
et pigments sur soie, 56,1 x 15,1 cm. Londres, The
British Museum, inv. 1919,0101,0.103.
Sacerdotale
ca. 1000
Chasuble de Saint Albuin, Bressanone, Italie, soie, 150 x 340 cm. Bressanone, Musée
diocésain.
Depuis l’empire carolingien, la soie est devenue un produit
extrêmement recherché, tant pour les vêtements des ecclésiastiques
que pour l’habillement des autels et des reliques. Centre
prospère de sériciculture, Byzance en fut un grand fournisseur
durant tout le Moyen Âge comme en témoigne cette chasuble
qui évoque la richesse des vêtements somptueux portés par les
évêques francs dès le IXe siècle. Sa couleur vive, obtenue grâce à
la coûteuse teinture pourpre tyrienne, ainsi que les aigles, emblématiques
des empereurs depuis l’Antiquité, incarnent la cour
byzantine où le tissu fut produit. Elle fut offerte à Albuin comme
cadeau de l’empereur du Saint-Empire romain germanique, qui
lui-même l’avait reçue de l’empereur byzantin.
43

De métal
fin du XIIIe-XIVe siècle
Cette soierie a vraisemblablement été réalisée
à une fin vestimentaire : il s’agit peutêtre
du panneau de dos d’un manteau. Ces
coûteuses étoffes, ornées de fils d’or ou
d’argent, étaient désignées par les termes
de panni tartarici ou ‘‘tissus tartares’’ dans
les inventaires médiévaux, en référence
aux nouveaux dirigeants de l’Orient, les
Mongols, appelés Tartares en Occident.
Le Vénitien Marco Polo, qui se rendit en
Chine en traversant l’Asie, entre 1271 et
1295, mentionne pas moins de neuf endroits
au Moyen et en Extrême-Orient où
ce type de textile était tissé. Plus près, dans
la Syrie et l’Égypte des Mamelouks et dans
les centres de tissage espagnols et italiens,
des étoffes comparables étaient également
réalisées. Dans le cas présent, une caractéristique
technique désigne l’Iran comme
lieu d’origine. Certains motifs séduisaient
particulièrement les Occidentaux par leur
exotisme comme ces rosaces disposées de
manière alternée.
Panneau de velours, Iran, probablement Tabriz, soie
et fils métalliques, 58,4 × 22,9 cm. New York, The
Metropolitan Museum of Art, inv. 46.156.72.
Naufragée
XVIIe siècle
Robe dite de Palmhoutwrak, Angleterre ou Pays-
Bas ?, soie. Oudeschild (Texel), Museum Kaapskil.
Peu de vêtements complets de ce type ont
été conservés ! Cette robe, qui correspond
à la mode en Europe occidentale au début
du XVIIe siècle, a attisé la curiosité des
chercheurs car elle est étonnamment bien
conservée, bien qu’elle soit demeurée dans
les fonds marins pendant près de quatre
siècles. Composé d’un corsage à manches
rehaussé d’un faux-col et d’une large jupe
plissée, le vêtement ressemble à la tenue
que porte la comtesse Catherine Howard
sur une peinture de William Larkin (XVIIe
siècle). La robe accueille un motif floral
tissé. Bien qu’elle ait désormais une apparence
colorée pleine de tons crème, rouge
et marron, elle avait probablement à l’origine
une seule couleur, mais on ne peut
déterminer précisément laquelle. En effet,
les teintures d’origine se sont probablement
partiellement dégradées, tandis que
d’autres vêtements, rangés dans la même
caisse, peuvent avoir décoloré sur elle.
Vive la mariée !
ca. 1760
Le robes de mariée n’ont pas toujours été
blanches, loin s’en faut ! Aux Pays-Bas, au
XVIIIe siècle, la mariée portait généralement
une robe dans des tons clairs de
bleu, jaune et rose ou avec un motif tissé
ou brodé à la mode. Seules les épouses
royales portaient du blanc argenté. Cette
tenue se compose d’une robe et d’une
jupe, toutes deux ornées d’une bande
froncée du même tissu. De jolis feuillages
fleuris s’éparpillent harmonieusement sur
tout le vêtement.
Robe de mariée fleurie, Pays-Bas, soie, fils de lin.
Amsterdam, Rijksmuseum, inv. BK-16062.
44

Élégance indienne
ca. 1850
La soie est depuis longtemps le tissu le plus prisé en Inde, tant pour un usage
profane que rituel. Il continue aujourd’hui d’être un matériau populaire et
largement utilisé. Ce somptueux sari est appelé Banarasi car il a été fabriqué
à Bénarès (Varanasi), ville ancienne et centre important du tissage de la soie,
développé pendant la période moghole. Comme cet exemple le prouve, ces
saris s’imposent parmi les plus beaux de l’Inde grâce à leur brocart d’or et
d’argent sur de la soie fine. Varanasi est toujours l’un des principaux centres
de tissage de la soie en Inde.
Sari Banarasi, Bénares (Uttar Pradesh), soie, fils de métal doré et argenté, 640 x 119 cm. Londres,
Victoria and Albert Museum, inv. 767-1852.
Pour le théâtre
1860-1880
La soie a été introduite au Japon, probablement
par des moines bouddhistes,
vers 300 avant notre ère. Elle y devint un
symbole de richesse et de statut social,
réservé aux nobles et aux membres de la
cour impériale. Sa production a atteint
des sommets au XVIIe siècle, le tissu étant
renommé pour sa beauté, la délicatesse
de ses coloris et ses motifs élégants. Sur ce
kimono, le motif associant une carpe à de
l’eau tourbillonnante est signe de bon augure.
Il dérive d’une légende chinoise dans
laquelle tout poisson capable de sauter la
cascade se transforme en dragon, l’histoire
étant une métaphore de la réussite et de
l’avancement dans la vie. Selon la personne
ayant offert ce kimono au musée, il
appartenait autrefois au célèbre acteur de
théâtre kabuki Ichikawa Danjuro IX.
Kimono en brocart, Japon, soie, 142,5 x 134 cm. Londres,
The Victoria and Albert Museum, inv. T.65-1915.
Suprême sobriété
ca. 1979-1980
Quel couturier amoureux des tissus ne rêverait de travailler les plus
belles soieries ? Pour ce fourreau de star, il s’agit d’un satin duchesse
ivoire qui se drape à la taille et sur l’épaule, en un décolleté ‘‘Diana’’.
Simplicité de la ligne, rigueur et élégance ! Cette robe fut portée le 3
décembre 1979 au bal du Metropolitan Museum of Art de New York
et lors de la 5e cérémonie du Prix The Best où la comtesse de Ribes
fut désignée comme l’une des femmes les plus élégants, en 1981, dans
le salon de la Maison de l’Europe.
Marc Bohan pour Christian Dior, Robe, Paris, soie, satin (armure), métal, 152 x 33 cm.
Palais Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris, inv. 2021.18.56.1.
45

Diamants et
pierres précieuses
Choisir la bonne taille
La taille d’un diamant, comme
d’ailleurs celle d’une pierre fine
ou précieuse, constitue un facteur
très important, non seulement
dans le choix qu’on en fera mais
aussi dans sa valeur finale. Si on
peut faire des compromis sur la
couleur et la pureté d’une pierre,
impossible d’en négliger la taille,
primordiale pour en faire ressortir
l’essence, soit la brillance, le feu et
le scintillement. C’est pourquoi elle
doit constituer une absolue priorité
lors de toute transaction.
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
Le diamant Chrysler, taillé en forme de poire, pèse 54,03 carats et est de couleur D (d’un blanc exceptionnel).
Christie’s, New York, 08-06-2021. © Christie’s Images Ltd. – 5.070.000 $ (4.639.000 €)
La taille du diamant (ou cut) fait
partie des fameux quatre ‘‘c’’ (carat,
colour, clarity, cut) qui permettent
d’en déterminer la qualité et donc
la valeur marchande. D’une importance
fondamentale, c’est elle qui va permettre
à la pierre de générer un maximum de
brillance. C’est également le seul des quatre
paramètres précités qui résulte d’une intervention
humaine, réalisée par des artisans
qualifiés que l’on nomme lapidaires. Ils ont
pour mission de travailler la pierre pour
en faire ressortir le “feu”, soit sa brillance
et sa beauté, qui dépendent de sa capacité
à agir comme un prisme et à disperser
la lumière. Ainsi, il est parfois difficile de
comprendre que la brillance d’un diamant
ou d’une pierre précieuse ne dépend pas
forcément de son poids en carats, mais
bien plutôt de sa taille, qui est technique,
mesurable et ajustable, afin d’en sublimer
la nature intrinsèque. Car, une pierre ou un
diamant bien taillés vont réfléchir une plus
46

Le véritable ancêtre
du diamant taillé,
tel que nous
le connaissons
aujourd’hui,
est belge !
du Moyen Âge en Europe, précisément au
XIVe siècle, par un polissage très superficiel
destiné à conférer un peu d’éclat à la pierre.
Cette ‘‘taille’’ primitive (dite point cut) suivait
la forme naturelle de la table, afin de la
rendre utilisable en joaillerie. Mais, le véritable
ancêtre du diamant taillé, tel que nous
le connaissons aujourd’hui, est belge ! En
1456, le diamantaire brugeois Louis de Berken
développe les bases de la taille moderne
en découvrant que, comme pour les pierres
précieuses, le meilleur moyen de tailler un
diamant, matière naturelle la plus dure, est
d’en utiliser de la poussière appliquée à une
roue. Bruges devient ainsi un centre diamantaire
mondial jusqu’au développement,
au XVIe siècle, des activités portuaires
d’Anvers, ville qui va peu à peu absorber
ce négoce qui s’y perpétue aujourd’hui. La
taille ‘‘en table épaisse’’ (dite french ou table
cut) devient la première digne de ce nom :
le sommet de la ‘‘pyramide’’ du cristal de
diamant brut disparaît et l’on commence
à facetter les arêtes. En 1477, la duchesse
Marie de Bourgogne est ainsi la première
femme à recevoir une bague de fiançailles
en diamant, offerte par l’archiduc Maxigrande
quantité de lumière dans et hors
de la pierre, tandis qu’ils paraîtront plus
gros qu’en réalité, grâce à cette plus grande
brillance. Les proportions que le lapidaire
choisira de conférer à la pierre travaillée
auront ainsi pour rôle d’éviter les fuites de
lumière et donc de la rendre plus brillante.
Un autre facteur important dans la taille
correspond à l’angle du pavillon, sa partie
basse. Ce facteur joue sur la qualité de la
réflexion de la lumière vers le spectateur. Si
cet angle est peu profond, la lumière réfléchira
vers le bas et non vers la table, ou partie
haute. Et donc, à vue d’œil, la pierre sera
moins brillante. Pourtant, si la taille influe
sur leur brillance et donc leur qualité, le
négoce des pierres tient souvent compte de
leur poids en carat. C’est pourquoi, nombre
de lapidaires vont préférer conserver celuici
plutôt que de tailler une pierre dans des
proportions idéales, au risque de lui faire
perdre de précieux carats et donc de faire
Bague en or blanc sertie d’un diamant de taille marquise,
pesant 23,16 carats, de couleur D (d’un blanc
exceptionnel). Christie’s, Genève, 11-05-2022. © Christie’s
Images Ltd. – 1.008.000 CHF (965.000 €)
Harry Winston, bague sertie de l’émeraude Stotesbury, de taille hexagonale, pesant 34,40 carats. Sotheby’s,
New York, 25-04-2017. © Sotheby’s Art Digital Studio – 996.500 $ (918.600 €)
baisser son prix… Par ailleurs, la présence
d’inclusions, défauts internes résultant de
la cristallisation, suivant qu’elles soient plus
ou moins grosses, va également inciter les
lapidaires à jouer sur la taille d’une pierre,
en privilégiant sa pureté, autre critère de
valeur, plutôt que sa brillance.
UNE HISTOIRE BELGE
Les tous premiers diamants exploités à des
fins commerciales le furent en Inde où, dès
le IVe siècle avant notre ère, les taxes sur
les pierres précieuses étaient fixées dans
un document intitulé Artha-Castra. Ces
pierres, extraites des mines de Golconde,
à l’aspect parfois très grossier, étaient alors
conservées sous leur forme brute car, considérées
comme des talismans, on croyait
qu’elles protégeaient leur propriétaire et
qu’elles perdraient leurs pouvoirs si elles
étaient taillées. De manière générale, dans
l’Antiquité, seuls les cabochons étaient
connus. Ainsi, les Romains trouvaient
vulgaire le port de pierres facettées, leur
préférant le caractère lisse d’un cabochon,
à la couleur pleine et intense. Le véritable
travail lapidaire ne débuta en fait qu’à la fin
47

Facsimilé de la bague de fiançailles en diamants,
offerte par l’archiduc Maximilien d’Autriche à la
duchesse Marie de Bourgogne, en avril 1477. A
l’époque, la taille des diamants se limite souvent à
la table. © Diamantmuseum Brugge
Niklas Reiser, Portrait de Marie de Bourgogne, demi-figure de profil, ca. 1500, huile sur panneau, 79,5 x 56,5
cm. Vienne, Kunsthistorisches Museum, inv. 4400.
Ce qui compte en définitive, c’est que la
pierre soit bien taillée pour absorber le
plus de lumière et ainsi qu’elle soit la plus
brillante possible.
milien d’Autriche. Il est d’ailleurs probable
que la tradition de la bague de fiançailles
en diamant trouve là son origine. Aux XVIe
siècle, se développe une nouvelle taille,
dite en ‘‘huit huit’’, composée d’une table
et de huit facettes. Puis, dans les années
1650, le cardinal Mazarin, approvisionné en
diamants de Golconde par le fameux aventurier
Jean-Baptiste Tavernier, améliore
celle-ci en faisant rajouter neuf facettes
à la ‘‘couronne’’ du diamant, soit la partie
entre la ‘‘table’’ et la ‘‘culasse’’. Avec cette
‘‘taille Mazarin’’, les diamants commencent
à briller. En parallèle, la taille rose, dôme
orné de vingt-quatre facettes, est également
développée en Inde, pays qui aujourd’hui
encore conserve l’apanage exclusif de cette
maîtrise. Vers 1700, apparaît aussi la ‘‘taille
Peruzzi’’, ancêtre de la taille moderne en
brillant, mais qui suit encore la forme naturelle
du brut, étant plus carrée ou ‘‘coussin’’
que ronde. Vers 1750, le roi Louis XV charge
son joaillier de créer un diamant taillé à la
forme de la bouche de sa favorite, Madame
de Pompadour, faisant naître la taille ‘‘marquise’’
ou ‘‘navette’’. Puis, la ‘‘Peruzzi’’ évolue
jusqu’à compter cinquante-huit facettes
comme dans les tailles modernes. En vogue
entre 1825 et 1900, le monde anglo-saxon la
nomme taille old mine, les Francophones la
désignant plutôt sous l’appellation de ‘‘taille
coussin’’. A la fin du XIXe siècle, l’invention
de nouvelles machines va révolutionner
la taille des diamants, qui deviennent
plus ronds et plus brillants. Ces nouvelles
techniques donnent naissance aux tailles
anciennes européennes (dites european old
cut). 1919 voit l’invention de la taille ronde
en brillant par l’ingénieur et diamantaire
anversois Marcel Tolkowsky, qui définit
les proportions idéales d’une pierre. Cette
taille, qui compte cinquante-huit facettes,
est considérée comme la base de la ‘‘taille
moderne’’, optimisée progressivement dans
les décennies suivantes, notamment avec
l’avènement de la taille au laser, en vogue
depuis les années 1980. De nos jours, les
principaux centres lapidaires se situent à
Bombay, Anvers, Tel-Aviv et New York.
UN FLORILÈGE
Quel que soit votre goût, l’acquisition d’un
diamant ou d’une pierre précieuse doit impérativement
s’accompagner d’un certificat
établi par un laboratoire indépendant (GIA,
IGI, HRD), qui en renseignera la taille, classée
en cinq catégories par le Gemological
Institute of America (GIA), soit d’excellent/
ideal à poor, en passant par very good,
good et fair. La première, aux proportions
parfaites, maximise la brillance, la dernière
étant terne, même à l’œil nu. En fonction de
votre budget, le mieux sera de privilégier la
taille par rapport à la couleur et la pureté
du cristal, tout en gardant à l’esprit qu’un
48

diamant taillé parfaitement, donc excellent
et d’une brillance exceptionnelle, sera
souvent plus petit qu’un diamant good ou
fair, à la brillance bien moindre. En raison
de leurs différentes propriétés optiques,
il n’existe pas, pour les pierres de couleur,
une taille uniforme idéale comme la ‘‘taille
brillant’’ pour les diamants. Le style, la taille
et la forme dépendront donc du type, de la
forme et de la qualité de la gemme brute,
qui sera toujours taillée non seulement
pour être regardée du dessus, mais aussi
pour qu’on puisse, également du dessus,
en saisir l’essentiel du poids. La taille
aura donc un impact direct sur sa valeur,
puisque c’est elle qui définit la façon dont
la pierre restitue la couleur de sa structure
cristalline. Ainsi, on l’a dit, le lapidaire devra
trouver l’équilibre idéal entre considérations
esthétiques et commerciales. Par
ailleurs, s’il n’existe pas de taille idéale, il
existe des tailles plus adaptées à certaines
pierres de couleur. Un des exemples les plus
connus est la taille émeraude, aux étapes de
taille octogonales, initialement employée
pour les cristaux prismatiques et qui a
pour but de faire ressortir la couleur et les
caractéristiques de l’émeraude, dans le but
de valoriser au mieux cette pierre fragile et
naturellement très incluse. Pour les rubis
et les saphirs, eu égard à la complexité de
leurs cristaux prismatiques bipyramidaux,
les tailles ovale et ‘‘coussin’’ paraissent les
plus appropriées. Du côté des diamants, la
taille la plus populaire demeure aujourd’hui
le ‘‘brillant’’, qui concerne pas moins de 95%
de tous les bruts taillés. Mais, il en existe
bien d’autres, parmi lesquelles la taille
‘‘princesse’’, ou brillant carré, qui permet de
préserver 80 à 90 % du cristal brut ; la taille
‘‘cœur’’, très périlleuse car les deux courbes
doivent être parfaitement symétriques pour
obtenir un scintillement optimal ; la taille
‘‘Asscher’’, forme de diamant carrée, qui se
situe entre l’émeraude et le coussin et dont
on obtient une belle lumière et brillance,
malgré une table très plate qui fait ressortir
inclusions et impuretés ; la taille ‘‘radiant’’,
de forme carrée ou rectangulaire avec des
coins légèrement arrondis, qui convient
particulièrement aux diamants de couleur ;
la taille ‘‘ovale’’, apparue en 1960, combinant
les formes ronde et poire, au curieux scintillement
allongé ; enfin, très prisée de nos
jours mais nécessitant une grande dextérité
et ne convenant qu’à 1 % seulement des
diamants bruts, la taille ‘‘ASHOKA’’, mise au
point par le joaillier new-yorkais William
Goldberg, comporte 62 facettes allongées
qui transforment la lumière comme aucune
autre. En conclusion, la seule exigence est
donc que la pierre soit bien taillée, pour
absorber le plus de lumière, et ainsi qu’elle
soit la plus brillante possible.
Diamant naturel
ou artificiel ?
Le 14 mai dernier, la holding britannique
Anglo American PLC annonçait
vouloir se séparer de son joyau le plus
emblématique, le conglomérat diamantaire
sud-africain De Beers, dans
son giron depuis 1926. En cause, des
résultats 2023 en chute de 36 % par
rapport à l’année précédente, notamment
en raison de la montée en
puissance des diamants de synthèse
qui, inexorablement, conquièrent
le gigantesque marché de la bague
de fiançailles, jusqu’à désormais
représenter 50 % des achats de
solitaires aux Etats-Unis. De fait, ces
nouvelles pierres (de qualité gemme),
fabriquées en laboratoire, sont
absolument identiques d’un point de
vue physicochimique aux diamants
naturels, certains étant même plus
durs qu’aucune autre pierre naturelle
connue. Qui plus est, avec un impact
écologique nettement moindre – les
diamants de laboratoire étant de plus
en plus issus des énergies renouvelables
– et un coût sensiblement
inférieur, de l’ordre de 30 à 50 %
moins élevé qu’une pierre naturelle.
En outre, ils permettraient une joaillerie
plus inventive, tant en termes
d’intensité lumineuse que de volume,
même si le plus gros diamant synthétique
utilisé dans le secteur dépasse
à peine les 50 carats. En revanche, le
procédé de polissage et de taille de la
pierre brute demeure quasi identique
dans les deux cas de figure, même
si certaines tailles, comme la récente
''Flamme'' proposée par la marque
Unsaid, ne sont tout simplement pas
possibles avec des diamants naturels.
Il n’en reste pas moins qu’un diamant
de synthèse est reproductible à
l’infini tandis qu’une pierre naturelle
demeure, par essence, unique. A vous
donc de choisir en fonction de votre
propre éthique… (cd)
SURFER
Gemological Institute of America
www.gia.edu
LIRE
Le rubis Estrela de FURA provient d’un cristal pur de 101 carats, découvert au Mozambique en juillet 2022.
De taille coussin et de couleur ‘‘sang de pigeon’’ (la plus prisée), il pèse 55,22 carats. Sotheby’s, New York,
09-06-2023. © Sotheby’s Art Digital Studio – 34.800.000 $ (32.000.000 €)
Pierre Ménard, Le chasseur de diamants :
les fabuleuses aventures de Jean-Baptiste
Tavernier, Tallandier, Paris, 2023, ISBN 979-
1-02104-639-9, 22,90 €
49

Envoûtants
bronzes d’Asie
Dans sa nouvelle exposition, le Rijksmuseum d’Amsterdam accueille
une impressionnante quantité de trésors orientaux. L’histoire du
bronze y est contée par le biais d’objets et de rituels raffinés au
service du divin. L’historien de l’art Ching-Ling Wang nous en
présente sept.
TEXTE : BELINDA VISSER
Depuis une dizaine d’années, les
bronzes asiatiques de la collection
du Rijksmuseum ont fait
l’objet d’études scientifique et
historiques. Une équipe de conservateurs
s’est penchée sur les techniques de fabrication
de ces objets, du Pakistan au Japon.
Ching-Ling Wang, conservateur de l’art
chinois au Rijksmuseum, en fait partie.
D’importantes découvertes sur la propagation
de l’art et de l’artisanat ont ainsi pu
être réalisées : « La technique de la fonte
du bronze s’est développée distinctement
dans l’ouest, le sud-est et l’est de l’Asie,
engendrant des singularités marquantes,
tandis que l’iconographie se développait
en parallèle sur le continent. L’influence
entre ces cultures qui travaillent le bronze
s’est exercée par le biais de la diffusion des
religions – le bouddhisme entre autres – et
par les voies commerciales telles que les
Routes de la Soie. » Le travail du bronze –
un alliage de cuivre et d’étain aux propriétés
avantageuses qui le rendent plus dur
que le cuivre pur et qui fond à une faible
température – est sans doute originaire de
l’ouest de l’Asie. Cet artisanat s’est ensuite
répandu vers la Méditerranée, la Chine et
d’autres pays asiatiques. Pour rendre leur
récit attrayant, les conservateurs ont réuni
75 chefs-d’œuvre, dont la plupart jamais
montrés aux Pays-Bas, avec entre autres
quantité d’œuvres empruntées à des
musées d’Asie, des États-Unis et d’Europe.
Ces superbes statues de Bouddha, Shiva
et Vishnu illustrent, dans nombre de pays
asiatiques, l’utilisation du bronze dans la
représentation du paradis sur terre. Sans
oublier les objets usuels aux formes magnifiques
et au caractère cérémoniel, telle
cette hache néolithique chinoise et cette
imposante cloche javanaise du IXe ou Xe
siècle. Ching-Ling Wang nous présente
sept de ces objets dont il nous explique
l’importance.
VISITER
Bronze d’Asie. 4 000 ans de beauté
du 27-09 au 12-01-2025
Rijksmuseum
Amsterdam
www.rijksmuseum.nl
LIRE
Coll., Bronze d’Asie. 4 000 ans de beauté,
nai010, Rotterdam, 2024, ISBN 978-9-
46208-885-6, 35 €
50

Char antique
Les techniques utilisées pour fabriquer les
sculptures figuratives s’accompagnaient
souvent d’un savoir-faire local. Des codes
stricts pouvaient aussi influencer l’illustration
du divin. L’exposition rend tangibles
les techniques de production utilisées
dans diverses régions d’Asie et la façon
dont cette spécialisation a suscité un
exceptionnel raffinement. Chaque région a
assisté à la naissance d’un artisanat riche,
reflétant la technique et les influences
culturelles et artistiques. Nombres d’objets
datant de l’Antiquité apportent un éclairage
intéressant sur le développement des
techniques. L’exposition met en évidence
des œuvres en bronze, découvertes lors
de fouilles archéologiques dans la vallée
de l’Indus, dans l’actuel Pakistan et le
nord-ouest de l’Inde. Vers l’an 2500 avant
notre ère, des objets en bronze y étaient
fabriqués. Les fouilles ont révélé que, pendant
la période Harappan (ca. 2000-1750
av. J.-C.), des artefacts complexes étaient
créés au départ de morceaux fondus séparément.
Ce char, avec son conducteur et
deux bœufs, trouvé à Daimabad dans le
Maharashtra indien, en constitue un parfait
exemple.
Char, Inde, Daimabad, Maharashtra, époque
Harappan, ca. 2000-1500 av. J.-C., bronze, 23,3 x 50
cm. New Delhi, Musée National. Courtesy Musée
National, New Delhi / Institut de recherche archéologique
indien
51

D’une seule pièce
L’un des clous
de l’exposition
est une statue de
Shiva Nataraja de
la collection du
Rijksmuseum, dont
la majeure partie
a été fondue d’une
seule pièce.
Fondre des statues massives suivant la
technique ancestrale de la cire perdue fait
partie intégrante de la tradition locale du
sud de l’Inde. Cire et moules sont utilisés
afin d’obtenir une empreinte de bronze
fondu. Si retraits et fissures représentaient
un défi, quelques-unes des sculptures les
plus belles, les plus grandes et les plus
raffinées furent fondues dans cette région.
Cette tradition de la statuaire en bronze
remonte à la dynastie Chola (IXe-XIIIe
siècle) et a perduré dans les ateliers traditionnels
du sud de l’Inde. L’un des clous
de l’exposition est une statue de Shiva
Nataraja, d’un mètre et demi de hauteur et
pesant trois cents kilos, de la collection du
Rijksmuseum. Cette œuvre, qui représente
un dieu aux membres étirés, entouré d’une
couronne de feu, fut en grande partie fondue
d’un seul tenant. Les autres méthodes
n’auraient pas permis de fondre sous cette
forme pareille quantité de métal. L’étude a
révélé plusieurs orifices de fonderie dans le
dos, lesquels facilitaient considérablement
la fabrication pour les artisans, alors en
mesure de faire fondre le métal rapidement.
Shiva Nataraja, Inde, Tamil Nadu, dynastie Chola
(IXe-XIIIe siècle), ca. 1100-1200, bronze, 153 x 114,5
cm. Amsterdam, Rijksmuseum, inv. AK-MAK-187,
prêt de l’Association Royale des Amis de l’Art
asiatique
52

Icônes bouddhistes
Le choix d’un matériau précieux tel que le
bronze revêtait une signification profonde
dans l’Antiquité asiatique. Le bronze
entrait dans la fabrication d’objets usuels
à des fins rituelles et afin également de
représenter le divin. Le raffinement et le
savoir-faire artisanal avaient une grande
valeur, ce qui joua un rôle important dans
les échanges techniques et artistiques,
accompagnés d’échanges d’idées, entre
les différentes régions asiatiques. Les
ateliers locaux étaient en contact étroit,
tandis que les relations distantes étaient
entretenues via les routes commerciales
et de pèlerinage. Cet aspect est perceptible
dans l’évolution des icônes bouddhistes
au fil de leur fascinant voyage
depuis l’Inde jusqu’en Chine, en Thaïlande
et en Indonésie. Cet exemple d’innovation
technique, partagé par différentes
cultures, est fourni par les clichés radiographiques
de ce Bouddha debout du
Bihar, en Inde. Cette statue creuse révèle
un système particulier de canaux horizontaux
permettant au métal de couler
régulièrement à travers un moule aux
minces parois. Les aspects du style et de
l’iconographie furent également influents
dans d’autres régions, dont la Chine. Cette
représentation incarne calme et quiétude
intérieurs, produits de la sagesse suprême.
D’une main levée en abhaya mudra, geste
signifiant n’aie crainte, Bouddha offre à ses
adeptes réconfort et protection.
Bouddha offrant sa protection, Inde, probablement Bihar, période postérieure à Gupta (fin du VIe, début
du VIIe siècle), alliage de cuivre, 47 x 15,6 x 14,3 cm. New York, The Metropolitan Museum of Art, inv. 69222
53

Première fois hors de Thaïlande
Les superbes statues
de Bouddha, Shiva
et Vishnu illustrent
l’utilisation du
bronze dans de
nombreux pays
asiatiques comme
représentation du
paradis sur terre.
Ce Bouddha assis, protégé par les têtes
dressées d’un serpent, est un motif populaire
dans le sud et le sud-est de l’Asie.
Dans la tradition bouddhiste du Theravada,
ces statues sont considérées comme
des références au récit légendaire qui vit
le serpent Mucalinda protéger le Bouddha
en méditation des pluies torrentielles. Aux
XIIe et XIIIe siècles, ces motifs de bronze
étaient en vogue au Cambodge et dans
certaines parties de la Thaïlande. Il se peut
que leur popularité soit liée à la symbolique
de l’eau. Ce Bouddha assis sur un
Naga à sept têtes en constitue un exemple
exceptionnel. Il provient de Wat Wiang à
Chaiya, dans la province du Surat Thani,
en Thaïlande. Ce chef-d’œuvre, imposant
par sa taille et particulièrement raffiné
dans son exécution, date du XIIe ou du
XIIIe siècle. Les commissaires de l’exposition
se réjouissent d’avoir pu faire voyager
cet objet aux Pays-Bas. Il appartient au
musée national de Bangkok et est exposé
pour la première fois hors de Thaïlande.
Bouddha assis sur un Naga à sept têtes, Thaïlande,
temple de Wat Wiang, Chaiya/province de Surat
Thani, XIIe-XIIIe siècle, bronze, H. 165 cm. Bangkok,
Musée National, inv. 01/655/2565 S.W.22
54

Symbole de statut social
Jarre à vin en forme d’éléphant, Chine, Xe-XIe siècle avant J.-C., Paris, Musée Guimet.
Le bronze est extraordinairement polyvalent.
Ce métal fluide peut être fondu dans
n’importe quelle forme. Après s’être solidifié,
il devient dur, impénétrable et thermorésistant.
Ces propriétés le rendaient idéal
dans la fabrication d’objets usuels, tels que
les lampes à huile et les brûleurs d’encens,
mais aussi divers récipients et plats. Dès
l’Antiquité, ces conteneurs étaient conçus
pour conserver et présenter le vin, l’eau et
la nourriture. Quantité de somptueux récipients
asiatiques en bronze servaient à des
fins rituelles. Exemple particulièrement
frappant, ce tonneau de vin en forme d’éléphant
(zun) en provenance de la région
chinoise du Changsha, dans la province
du Hunan. Ce récipient massif très ancien
date de la dynastie des Shang (ca. 1600-
1100 av. J.-C.). Il devait, à l’origine, être doté
d’un couvercle, de façon à obturer le trou
ovale sur le dos de l’éléphant. Son ouverture
en biais possède un bord décoratif
d’écailles. Il a dû appartenir à un personnage
de haut rang. Les récipients de cette
taille étaient utilisés lors des sacrifices,
fêtes et rituels en l’honneur des ancêtres.
55

Miroirs magiques
Dès le troisième millénaire avant notre
ère, le bronze poli a servi de miroir. Une
catégorie unique de miroirs magiques a
vu le jour dans l’est de l’Asie. Ils pouvaient
projeter sur les murs des objets cachés
sous leur surface apparemment lisse. Sous
la dynastie des Han (202 av. J.-C.-220 ap.
J.-C.), la Chine se dote de singuliers miroirs
translucides (tuoguang jing), semblant
projeter l’image d’un envers décoré. Bien
entendu, la lumière ne traversait pas le
métal. La face réfléchissante reflétait en
réalité un motif identique à l’endroit où le
rayon de lumière la frappait. Le procédé
de fabrication de ces miroirs magiques
s’est perdu sous la dynastie des Song (960-
1279). Durant l’ère Edo (1600-1868), des artisans
japonais semblent avoir utilisé une
technique similaire en réussissant à cacher
toute l’image dans le miroir. La persécution
chrétienne a mis un frein à cette pratique.
Des miroirs magiques projetant des
images de la croix et de la Vierge étaient
toutefois distribués secrètement par les
chrétiens. Cette technique fut également
utilisée dans le contexte bouddhiste au
Japon et est encore appliquée de nos
jours. A Kyoto, Yamamoto Akihisa (1975),
fabricant de la cinquième génération de
miroirs magiques, s’engage en faveur du
maintien de cet artisanat. Il a récemment
créé l'exemplaire illustré ci-desus pour le
Rijksmuseum.
Yamamoto Akihisa, Kirishitan, miroir magique, 2024,
bronze, H. 21 cm. Commande du Rijksmuseum,
Amsterdam. © de l’artiste
56

Fusion de l’Orient et de l’Occident
La présentation d’art décoratif japonais
à l’Exposition universelle de Paris, en
1867, eut d’immenses répercussions sur
l’aménagement intérieur occidental et,
plus tard, sur le mouvement Art nouveau.
Mais, l’effet inverse s’est également produit.
Des artistes asiatiques ont adopté
des styles occidentaux tels que le cubisme,
le futurisme, le surréalisme, le dadaïsme,
l’expressionnisme abstrait et d’autres mouvements
d’avant-garde en y apportant une
touche personnelle. L’exposition inclut
un certain nombre de bronzes d’artistes
asiatiques qui, pendant leur formation,
furent influencés par des traditions européennes,
tant dans leur propre pays qu’à
l’étranger. Khien Yimsiri (1922-1971) fut
un pionnier de la sculpture thaïlandaise
moderne. Après ses études à l’École des
Beaux-Arts de Bangkok, en 1941, il fut l’un
des premiers élèves du sculpteur italien
Corrado Feroci. En 1949, il étudia avec
Henry Moore au Chelsea College of Art
and Design de Londres et poursuivit ses
études à l’Accademia di Belle Arti de Rome.
En parallèle, il s’est intéressé au patrimoine
culturel thaïlandais. Dans une de
ses œuvres les plus remarquables, Musical
Rhythm, il fusionne l’art moderne européen
abstrait de l’après-guerre avec la sculpture
traditionnelle thaïlandaise. Sa réinterprétation
de l’art thaïlandais traditionnel a
considérablement influencé l’évolution de
l’art moderne et contemporain, en Thaïlande
et dans d’autres pays asiatiques.
Dans Musical Rhythm,
Khien Yimsiri fait
fusionner l’art
moderne européen
abstrait de l’aprèsguerre
et la sculpture
traditionnelle
thaïlandaise.
Khien Yimsiri, Musical Rhythm, 1949, bronze, 52 x 40 x 40 cm. Bangkok, Musée d’Art Contemporain, inv.
OCAC 9915-005-0001/54
57

Sélection Musées
La joyeuse poésie
de Corneille
jusq. 03-11
Centre de la Gravure et
de l’Image Imprimée
La Louvière
www.centredelagravure.be
Human/Nature
du 21-09 au 06-10
De Cellen
Oostkamp
www.expohumannature.com
Certes, ses peintures les
plus connues relèvent de
la période CoBrA, peuplées
de sympathiques
bestioles aux couleurs
ardentes. Cependant,
l’œuvre de Corneille est
bien plus vaste, témoignant
d’une imagination
sans cesse débordante,
d’un univers poétique
toujours renouvelé et
d’une ouverture à d’autres
mediums artistiques.
C’est justement le propos
de cette exposition qui
dévoile l’univers gravé
de l’artiste hollandais,
né Guillaume Cornelis
van Beverloo, à Liège en
1922. Le parcours de cette
exposition embrasse toute
sa carrière mais refuse
tout développement chronologique, optant pour une répartition thématique qui
sied mieux à cette œuvre prolifique : Corneille explore de manière récurrente
certains thèmes comme l’oiseau (son emblème), la femme, le soleil et les astres,
le chat, … Comme l’écrit Christophe Veys, commissaire de l’exposition : « Pendant
plus de 70 ans, Corneille a conjugué avec génie un vocabulaire pictural personnel,
coloré et envoûtant. Son œuvre est un appel à la rêverie, à l’imagination et à la
liberté. » (ah)
Callant Insurance & Financial Advice présente
Human/Nature, exposition gratuite dans le
parc du château De Cellen. Tous les week-ends,
les visiteurs pourront admirer une centaine
d’œuvres d’art contemporain, allant de la
peinture à l’installation, qui explorent la relation
complexe entre l’homme et la nature. Pour
ce faire, la commissaire Benedict Vandaele
a réuni 24 artistes, dont Sammy Slabbinck,
Mehdi-Georges Lahlou, Tom Liekens, Jan
Devliegher, Hans Vandekerckhove, Nick Ervinck
et Nathalie Vanheule. Inspirée par la zone
naturelle entourant De Cellen, l’exposition
explore l’interaction entre évolution naturelle et
influence humaine. (eb)
Arnout Zwaenepoel, Ruisseau, installation, © de l’artiste
Corneille, Hommage à García Lorca, 1986, sérigraphie d’après une gouache originale de 1948.
© Centre de la Gravure et de l’Image imprimée
ATELIER. Stephan Vanfleteren
du 13-09 au 21-12
Hangar
Bruxelles
www.hangar.art
Stephan Vanfleteren, Autoportrait.
© de l’artiste
Le photographe belge Stephan Vanfleteren (1969) est connu pour ses portraits en noir et blanc
de célébrités et d’inconnus. Son exposition ATELIER, basée sur l’ouvrage éponyme, présente la
polyvalence de son travail. Après une carrière de photographe de presse et d’impressionnants
essais photographiques sur des sujets tels que les vitrines de magasins et le mythique mur
de l’Atlantique, il s’est concentré ces dernières années sur son atelier en Belgique. En utilisant
comme toile de fond des éclairages variés et d’omniprésents rideaux de théâtre gris, il capture
la beauté et la signification de sujets familiers ou anonymes. Des rides d’un vieux pêcheur à la
main de Nick Cave, du corps d’un martin-pêcheur à la taille d’une danseuse, son travail explore
les subtiles nuances de la lumière et de la vie. (eb)
58

Dans la rue
du 13-09 au 15-12
Espace Vanderborght
Bruxelles
www.urbnd.com
Une
collection
insigne
du 06-09 au 05-01-2025
Musée Jacqurmart-André
Paris
www.musee-jacquemartandre.com
Placée sous le titre
URBND (à lire urbanned),
cette vaste
exposition itinérante
retrace les évènements
majeurs de
l’histoire du Street
Art, de la naissance
du mouvement dans
les années 1960 aux
Etats-Unis à nos
jours, en passant par
son arrivée et son déploiement
en Europe
dans les années 1980.
L’exposition présente
les œuvres de plus de
60 artistes contemporains,
venant de
15 pays différents,
comme le pionnier
américain Futura, ceux d’entre eux qui se sont très tôt installés en Europe, JonOne
(en France) ou encore Kool Koor (en Belgique), et ceux qui depuis n’ont de cesse
de renouveler ce mouvement artistique comme Invader (France), Vhils (Portugal),
Felipe Pantone (Espagne), M-City (Pologne), Daim (Allemagne) ou encore Niels
Shoe Meulman (Pays-Bas). Le parcours intègre évidemment les nouvelles générations
qui, à leur tour, repoussent les limites du mouvement et le réinventent. (ah)
Space invader, PacMan. Mosaique, 2001, 40 × 40 cm. Collection privée. © Courtesy Danysz Gallery
Pour sa réouverture
après un
an de travaux, le
musée Jacquemart-André
a
mis les petits
plats dans les
grands en
accueillant une
quarantaine de
chefs d’œuvre
d’une collection
extrêmement
prestigieuse : celle qui fut initiée par
Scipion Borghèse (1577-1633) et qui constitue
aujourd’hui la fameuse Galerie Borghèse de
Rome. La villa Borghèse Pinciana fut construite
entre 1607 et 1616, afin d’abriter les œuvres
antiques et modernes déjà acquises et celles
à venir par le puissant cardinal, collectionneur
insatiable et doué. En témoigne la liste des
œuvres qui feront le voyage à Paris : les Italiens
Raphaël, Antonello da Messina, Parmesan,
Lorenzo Lotto, Titien, Véronèse, Caravage,
Bernin… et les Nordiques comme Rubens et
Gerrit von Honthorst. L’exposition souhaite
aussi faire découvrir des artistes moins connus
que les maîtres précédents, comme Annibal
Carrache, Guido Reni, Le Cavalier d’Arpin et
Jacopo Bassano. (ah)
Raphaël, La Dame à la licorne, ca. 1506, huile sur toile
appliquée sur panneau, 67 × 56 cm. Rome, Galleria
Borghese. © Galleria Borghese / photo : Mauro Coen
Unravel. The Power and
Politics of Textiles in Art
du 14-09 au 05-01-2025
Stedelijk Museum
Amsterdam
www.stedelijk.nl
Jeffrey Gibson, SPEAK TO ME SO THAT I CAN
UNDERSTAND, 2018, technique mixte, 216 × 178 × 38 cm.
Collection Sunderland-Cohen. © de l’artiste / Courtesy
Sikkema Jenkins & Co., Roberts Projects et Stephen
Friedman Gallery / photo : John Bentham
La tradition a longtemps réservé les ouvrages réalisés avec du textile et du fil aux
seules mères au foyer et à leurs filles. Si la broderie jouissait d’un peu plus de considération,
elle était quand même considérée comme un passe-temps. Mais ce point
de vue a changé ces dernières années et certains artistes ont commencé à découvrir
les possibilités offertes par le travail de la fibre et du fil. Comme la peinture pour le
peintre ou la pierre pour le sculpteur, ces matériaux offrent la possibilité d’exprimer
leurs opinions quant aux aléas de ce monde : problématique du pouvoir, exploitation,
déplacements, injustice, migration, impérialisme et bien d’autres encore… Le Stedelijk
Museum donne aujourd’hui à une quarantaine d’artistes l’occasion d’exposer, parfois
avec des œuvres de grande envergure, ce talent à l’avenir radieux.
59

Sélection Musées
Sensibilité norvégienne
du 24-09 au 12-01-2025
Musée d’Orsay
Paris
www.musee-orsay.fr
Une ‘‘Invitation
au voyage’’
du 22-09 au 26-01-2025
Fondation Beyeler
Bâle
www.fondationbeyeler.ch
Voici une exposition propre à plaire aux véritables curieux de l’art, ceux qui aiment
aller à la rencontre de l’inconnu et, en effet, qui connaît l’œuvre d’Harriet Backer
(1845-1932) ? D’emblée pourtant, ses coloris audacieux, son usage libre de la
touche et de la lumière, entre naturalisme et impressionnisme, sont déjà des
ingrédients séduisants. De plus, outre les thématiques habituelles comme les
scènes d’intérieur ou la nature morte, l’artiste norvégienne a développé des sujets
bien à elle comme les représentations d’églises norvégiennes et, surtout, les
scènes de musique. Il s’agit d’une composante importante dans la vie de Backer,
dont la sœur Agathe Backer Grøndahl fut une musicienne renommée en Norvège
et un sujet central dans son œuvre, où les vibrations de la touche rendent perceptibles
les notes de musique. (ah)
Harriet Backer, Musique, intérieur à Paris, 1887, huile sur toile, 38,5 × 55,5 cm. Oslo, National
museum. © National Museum / photo : Børre Høstland
Le poème de Charles Baudelaire L’Invitation
au voyage (1857) a été choisi comme point de
départ de cette vaste rétrospective consacrée
à Henri Matisse (1869-1954). Les commissaires
estiment que l’on trouve dans son oeuvre de
nombreux thèmes et motifs qui font écho au
poème de Baudelaire, comme par exemple, la
célèbre toile Luxe, Calme et Volupté. Ensuite, le
parcours souhaite mettre en lumière l’évolution
et la richesse du travail précurseur de
l’artiste en regroupant des oeuvres de toutes
les époques. Peintures, sculptures et papiers
découpés prouvent combien Matisse à su
libérer la couleur du motif, simplifier les formes
jusqu’à une sensualité inédite et se renouveler
dans son oeuvre tardive en développant une
pratique unique à la croisée des mediums. (ah)
Henri Matisse, Grand nu rose, 1935, huile sur toile,
66,4 × 93,3 cm. The Baltimore Museum of Art, Maryland,
inv. BMA 1950.258. © Succession Henri Matisse / 2023,
ProLitteris, Zurich / photo : Mitro Hood
Van Gogh :
un double anniversaire
du 14-09 au 19-01-2025
National Gallery
Londres
www.nationalgallery.org.uk
L’année 2024 est celle du bicentennaire de la National Gallery et du centenaire de l’acquisition
par l’institution londonnienne de deux oeuvres majeures : La Chaise et Les Tournesols,
toutes deux peintes par Vincent Van Gogh en 1888. Il semblait donc normal que ce double
anniversaire rende hommage à ce peintre. Le processus créatif établi par Van Gogh,
année après année, tisse le fil rouge du parcours qui met d’abord en lumière les sources
d’inspiration du maître, sources littéraires autant que plastiques. Il s’agit ainsi de retracer
comment Van Gogh transforme les sujets “qu’il voit’’ (un champ de blé, des fleurs, une
chambre, une chaise…) en espaces picturaux idéalisés. Cette démarche se révèle plus âpre
encore lorsque Van Gogh préparait des toiles (dont certaines en série) afin de livrer un
ensemble cohérent pour l’exposition universelle de 1889. (ah)
Vincent van Gogh, Tournesols, 1888. National Gallery, Londres.
60

« L’art est beau, mais demande
un effort considérable »
du 29-09 au 18-01-2025
MoMA
New York
www.moma.org
Les jouets, comme
transmetteurs
du 08-09 au 09-02-2025
Bundeskunsthalle
Bonn
www.bundeskunsthalle.de
Thomas Schütte aime citer cette phrase, « L’art est beau, mais demande un effort
considérable », que l’on doit au marchand d’art allemand Curt Valentin (1902-1954).
Des efforts peut-être pour communiquer avec un langage et des matières appropriées,
la réflexion que l’artiste porte sur le monde qui l’entoure. Aussi son travail
est-il jalonné d’œuvres qui semblent n’avoir rien en commun : des aquarelles
intimes, des sculptures figuratives, des modèles d’architecture, … C’est précisément
le lien reliant ces pièces, au fil des années, qui constitue le fil rouge de cette large
rétrospective consacrée à l’artiste, né à Oldenburg en 1954 et formé à la Kunstakademie
de Dusseldorf. Le parcours évoque toute sa carrière, depuis les premières
œuvres critiquant le minimalisme et l’art conceptuel, jusqu’à aujourd’hui. (ah)
Thomas Schütte, Ackermans Tempel III (Modell 1:10), 2011, briques LEGO, bois, aluminium,
45 × 44,7 × 60,7 cm. Collection de l’artiste, Düsseldorf. © 2024 Thomas Schütte / Artists Rights Society
(ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn / photo : Luise Heuter
Depuis les années 1980, Mark Dion s’intéresse à
la question de savoir comment la connaissance
est transmise au sein des musées, portant
attention aux systèmes d’exploitation et d’oppression.
Et pour cette exposition, qui a d’abord
été conçue et présentée à Berlin, l’artiste américain
a plongé dans les quelques 70 000 pièces
du musée des jouets de cette ville. Car les
jouets, généralement conçus par des adultes
pour les enfants, véhiculent toujours des idées,
des concepts, des coutumes, des poncifs sur la
société et sur le monde. Lorsqu’ils manipulent
des jouets, les enfants mettent en pratique certains
modèles et, à travers les jouets, intègrent
des règles, voire des idéologies. Afin de mettre
ces codes en question, Mark Dion (1961) a créé
plusieurs installations dont, par exemple, un
labyrinthe de jeux de société, une pyramide
d’animaux, une grotte aux poupées et une
‘‘armoire à poison’’, avec des jouets borderline
et transfrontaliers. (ah)
Mark Dion, Race Delirious Toys. © Stadtmuseum Berlin /
photo : Michael Setzpfandt
Design d’aujourd’hui et de demain
du 18-09 au 18-05-2025
MAK
Vienne
www.mak.at
Bonpart, Ast [Branch], ouvre-bouteille, 2018, DANIEL
édition. © photo : Étienne Delorme
La capitale de l’Autriche dispose d’un bel héritage concernant le design avec l’aventure
magnifique du Wiener Werkstätte, qui révolutionna le domaine des arts décoratifs
au début du XXe siècle. Cette exposition ne revendique toutefois aucun héritage et ne
souhaite rendre aucun hommage. Elle établit seulement un constat : depuis le début de
notre siècle, l’Autriche a vu naître de nombreux designers, et c’est ce panel que le musée
souhaite dresser ici au travers de 100 objets, de 100 designers, durant 25 ans, en 25 catégories.
Chacune de ces catégories thématiques – de A pour ‘‘Alpine’’ à Z pour ‘‘Zeitgeist’’
– contient quatre objets représentatifs du large éventail produit en Autriche, de l’an 2000
à nos jours. Il s’agit là d’exemples particulièrement remarquables de conception, de vrais
modèles pour le XXIe siècle. (ah)
61

Agenda Musées
Katharina Pepijn, Norbertus van Couwerven, abbé de Sint-Michiels. Collection KMSKA, Anvers -
Vlaamse Gemeenschap, Inv.nr. 873
Aarschot
Stedelijk Museum
Aarschot
△ Johan Dockx. Elke Dag
Een Nieuwe Nacht
till 01-09
Stedelijk Museum
Aarschot
△ Het Kabinet
till 22-09
Antwerpen
KMSKA
△ What’s The Story?
till 17-11
M HKA
△ De Stadcollectie
Antwerpen
till 05-01-2025
△ Dierenleven
till 22-09
MAS
△ Naar Antartica.
De poolpioniers van
de Belgica
till 03-10
Middelheim Museum
△ Dennis Tyfus. Come
Closer
till 29-09
Red Star Line
museum
△ Einstein, een gewilde
vlucheling
till 08-09
FOMU
△ Dirk Braeckmann.
Echtzeit
till 19-01-2025
RockoxHuis
△ Jan Davidsz. De Heem
till 01-10
Binche
Musée international
du Carnaval et du
Masqu
△ Binche Intime. Une
exploration sonore
till 15-09
Brugge
Adornes Domein
△ Gloire et infortune
d’un voyageur du XVe
siècle
till 31-12
Brussels
Africa museum
△ ReThinking Collections
till 29-09
Boghossian
Foundation - Villa
Empain
△ Josef and Anni
Albers. Iconic couple of
modernism
till 08-09
Bozar
△ Hans / Jean Arp &
Sophie Taeuber-Arp.
Friends, Lovers, Partners
20-09 till 19-01-2025
CIVA
△ Simone Guillissen-Hoa
till 22-09
Design Museum
Brussels
△ Innovating across
Borders. Reflections on
the Oeuvre of Sándor
Borz Kováts
till 22-09
Espace Vanderborght
△ URBND. Une
anthologie du Street Art
en Europe
till 15-12
Fondation CAB
Brussels
△ Richard Nonas
till 21-12
Fondation Thalie
△ Regenerative Futures
till 28-09
iMAL
△ NaturArchy: Towards a
Natural Contract
till 29-09
ISELP
△ Olivia Hernaïz. Silencio
20-09 till 30-11
La Wittockiana.
△ Design du livre & du
papier
till 29-09
Les Rencontres de la
Photographie d’Arles
△ Quand les images
apprennent à parler
till 29-09
Maison De L’Histoire
Européenne
△ Bellum et Artes.
L’Europe et la guerre de
Trente Ans
till 12-01-2025
MIMA
△ Vhils. Multitude:
Carving Memories in the
Digital Age
till 05-01-2025
Musée Horta
△ Comme sur du velours.
Le Textile s’empare des
murs
13-09 till 30-05-2025
Musée Juif
△ Passage. Textiles &
Rituels
till 01-09
Musée Mode &
Dentelle
△ Jules François Crahay.
Back in the spotlight
till 10-11
René Magritte
Museum
△ En compagnie de René
Margritte: Jane Graverol
till 20-10
Royal Military
Museum
△ Knallende Kleine
Kanonnen
till 29-09
Tour & Taxis
△ Terracotta Army
27-09 till 09-03-2025
Train World
△ Dessine-moi un train
19-09 till 21-08-2025
Villa Empain
△ Alechinsky. pinceau
voyageur
26-09 till 16-03-2025
△ Beyond the Lines
till 03-11
△ Josef et Anni Albers
till 08-09
WIELS
△ Jana Euler. Oilopa
till 29-09
Wittockiana.
△ Jean Boghossian.
Abstract Writings,
Abstract Thoughts
till 15-09
Design Museum
△ Olivetti Folon
till 15-09
Charleroi
Glass Museum
△ Lila Farget. Under
Construction
till 22-09
Musée de la
Photographie
△ Laura Henno. Outre
Monde - Ethel Lilienfeld.
EMI
till 29-09
62

Drogenbos
Hingene
Leuven
Namur
Raversijde
FeliX Art & Eco
Museum
△ Futuromarennia,
Oekraïne & avant-garde
till 09-09
Gaasbeek
Kasteel van Gaasbeek
△ Échos rebelles
till 03-11
Gent
Huis van Alijn
△ Ja Santé!
till 27-04-2025
MSK
△ Alternatief Narratief
20-09 till 26-01-2025
Museum Dr. Guislain
△ Ikigai
till 08-09
SMAK
△ Private Passion X Public
Duty
till 05-01-2025
Grimbergen
Cultuurcentrum
Strombeek
△ Maëlle Dufour. Sonar
till 08-09
Kasteel d’Ursel
△ Les Liaisons Désireuses.
Over Lust, verleiding en
verlangen
till 13-10
Hornu
MACS
△ Ariane Loze - Orla Barry
till 03-11
△ Alec De Busschère.
Memory Cache
Collection 99
till 22-09
Kluisbergen
Beukenhof-Phoenix
△ Sculpture. Resilience
till 22-09
Knokke
Mu.Zee
△ Attitude
till 25-11
La Louvière
Centre de la Gravure
et de l’image
imprimée
△ Corneille langs de
vreugde
till 03-11
MILL
△ Temps de pause
till 15-09
M Leuven
△ DOKA
till 05-01-2025
△ Open M. Caché en
plein vue
till 27-10
△ Alias
till 01-09
Liège
La Boverie
△ Brûlures. Carine
Doutrelepont
20-09 till 10-11
Musée d’art
contemporain en
plein air du Sart
Tilman
△ Eva Evrard, FIG.
till 15-09
Trinkall Museum
△ Dan Miller. À l’oeuvre
- Modesties d’Andre
Wostijn
till 09-03-2025
Musée de la Vie
Wallonne
△ #365 Unpacked
till 06-10
Mons
Salle Saint Georges
△ Alfredo Longo.
Avat’Art 2
till 27-10
Le Delta
△ 60 ans de la Maison de
la Culture
till 28-09
Le Pavillon
△ Stellar Escape. Les
Nouvelles conquetes
spatiales
till 26-01-2025
Musée Félicien Rops
△ Le Cercle des Femmes
peintres (1888-1893) &
Kikie Crêvecoeur
till 08-09
Oudenaarde
MOU
△ Margaret. La fille de
l’empereur entre pouvoir
et image
21-09 till 05-01
Poperinge
Museum Lucien
De Gheus
△ Fuga’s & Pimpelmezen
till 29-09
Puurs-Sint-
Amands
Emile
Verhaerenmuseum
△ Le Jardin enchanté
till 06-10
Atlantikwall
Raversyde
△ Getekende oorlog:
De atlantikwall Gestript
- Ensor 1940 - James
Baron Ensor
till 11-11
Seneffe
Domaine du Chateau
de Seneffe
△ Bon Voyage
till 11-11
Sint-Niklaas
Mercatormuseum
△ Hachmi Azza
till 08-09
Turnhout
De Warande
△ HYBRIDEN:
Samengestelde wezens
uit fabels, mythen en
legenden
till 17-11
Westende
Villa Les Zephyr
△ Wear Sunscreen
till 03-11
Jane Graverol, La Mauvaise Etoile, 1956. © SABAM 2024 - Collection Musée René Magritte, Jette-Bruxelles
Envoyer vos informations pour le mois
d’octobre à collect@ips.be avant le 5
septembre.
63

Paroles de galeriste
IN-DEPENDANCE – #066
Une perspective plus
large
Les collectionneurs de photographie d’art Annemarie
Zethof et Martijn van Pieterson ont découvert la
photographie japonaise après avoir vu l’exposition
de William Klein et Daidō Moiyama à la Tate Modern.
Fascinés par les scènes de rue réalistes et contrastées
de ce dernier, ils décidèrent de se concentrer sur
la photographie japonaise en ouvrant la galerie
IBASHO à Anvers, en 2015. Voici leur seconde antenne :
IN-DEPENDANCE.
© IN-DEPENDANCE
D’où vous vient cet intérêt pour
la photographie japonaise ?
Le Japon possède une riche
tradition photographique, qui a
débuté au milieu du XIXe siècle,
à une époque où il subissait une
profonde transformation, passant
d’un isolement traditionnel
à une modernité tournée
vers l’Occident. Cette histoire,
relativement longue, a donné
lieu à une certaine singularité
de la photographie japonaise,
les influences occidentales se
mêlant aux valeurs culturelles
traditionnelles. D’un côté, on
retrouve la sérénité du bouddhisme
zen et l’accent mis sur
l’imperfection du Wabi Sabi.
De l’autre, l’aspiration typique
du Japonais au sublime, visible
aussi dans l’artisanat où les
photographes s’emploient à
photographier un objet particulier
jusqu’à la perfection.
Avec IN-DEPENDANCE,
on se tourne aussi vers la
photographie occidentale et
les arts visuels.
Chez IBASHO, nous collaborons
avec des artistes occidentaux
ayant des liens singuliers avec
le Japon. Ces projets voient en
général le jour au Japon où cette
‘‘japonité’’ est incontournable.
Nous avons en outre rencontré,
au fil des ans, quantité d’artistes
occidentaux qui n’entretiennent
pas de relation avec le Japon,
mais dont les œuvres
s’inscrivaient parfaitement
dans l’esthétique d’IBASHO.
Nous estimions nous trouver
à un croisement, avec le choix
d’élargir ou non ce profil. La
fondation d’ IN-DEPENDANCE
nous permet de collaborer
avec ces artistes, tout en nous
concentrant davantage sur la
photographie japonaise chez
IBASHO. Avec la combinaison
de ces deux galeries, nous
approchons un public plus large
et comptons bien entendu sur
une pollinisation croisée.
Comptez vous participer à
des foires ?
Très certainement ! Avec
IBASHO, nous participons
depuis des années à divers
salons de photographie et
d’art et ferons de même avec
IN-DEPENDANCE. Nous aurons,
par exemple, deux stands à
Paris Photo et un stand combiné
sur Art Antwerp, où nous ferons
dialoguer les artistes d’IBASHO
et d’IN-DEPENDANCE. Cette
dernière sera non seulement
une galerie, mais aussi un
espace d’événements culturels
en collaboration avec d’autres
artistes et galeries.
Quelle est votre vision
pour IN-DEPENDANCE ?
IN-DEPENDANCE se base
essentiellement sur notre goût
« Avec la fondation d’IN-DEPENDANCE,
nous pouvons enfin collaborer avec
des artistes n’ayant aucun lien direct
avec le Japon. »
personnel, qui s’exprime clairement
aussi chez IBASHO. La
galerie se tournera surtout vers
la photographie, mais d’autres
supports seront également
présents, l’accent étant mis sur
la matérialité, le savoir-faire et
une esthétique sobre. L’exposition
inaugurale, Waiting for our
Sight, de l’artiste flamand Anton
Kusters combine les œuvres de
cinq séries différentes. L’artiste
présentera, en outre, ses tableaux
et ses dernières œuvres
vidéo de l’eucalyptus du lieu où
la bombe atomique a touché
Hiroshima en 1945. Son œuvre
est empreinte d’une fascination
pour la condition humaine et
le transfert entre générations,
où le traumatisme constitue un
thème majeur.
Que pensez-vous de l’utilisation
de l’Intelligence Artificielle en
photographie ?
L’IA nous paraît un développement
intéressant. Nous ne la
considérons pas comme une
menace et sommes curieux de
voir comment les artistes vont
l’utiliser. Lors de la deuxième
exposition d’IN-DEPENDANCE,
avec le Danois Adam Jeppesen,
nous présenterons une série
contenant un élément d’IA.
L’art est, en fin de compte,
une expression qui touche les
hommes et cela vaut aussi pour
la photographie.
Anton Kusters.
Waiting for our Sight
du 07-09 au 17-11
IN-DEPENDANCE
Anvers
www.in-dependancegallery.com
Sudi. Beyond shadow
Toshiya Watanabe.
Beyond what you see
du 14-09 au 30-11
IBASHO
Anvers
www.ibashogallery.com
64

Sélection Galeries
Richard Nonas
du 07-09 au 21-12
Fondation CAB
Bruxelles
www.fondationcab.com
François Jacob. Rhegma
du 08-09 au 26-10
Rossi Contemporary
Bruxelles
www.rossicontemporary.be
À travers son approche unique, Richard Nonas (1936-2021) questionne les
frontières entre art et architecture, naturel et artificiel. L’exposition présentée
offre une immersion fascinante dans son monde singulier. À travers ses
œuvres, souvent composées de matériaux bruts comme le bois, le métal et la
pierre, il crée des sculptures minimalistes qui interrogent les relations entre
l’objet et son environnement. Il explore comment ces éléments simples,
par leur placement et leur forme, peuvent transformer notre perception
des lieux et évoquer des sensations de stabilité et de déséquilibre. Parmi les
pièces maîtresses de l’exposition, des œuvres en bois qui se déploient sur les
murs créant une tension entre le vide et le volume, mais aussi des blocs de
pierre disposés au sol invitant les visiteurs à redéfinir leur cheminement dans
l’espace. (gg)
Exposition Richard Nonas, Fondation CAB Brussels, 2024. © Courtesy Galerie Christophe
Gaillard / The Estate of Richard Nonas / photo : Philippe De Gobert
Ce qui a été brisé, mis en morceaux, voilà la définition
du terme grec Rhegma, titre de la cinquième
exposition personnelle de François Jacob chez
Francesco Rossi. À travers ses huiles sur toile, l’artiste
évoque un écart qui brouille les lignes, fusionnant
réel et peintures. Ses nouveaux paysages rappellent
des lieux connus, habités d’histoires qui sommeillent
dans notre inconscient, tout en distillant
une charge mystérieuse, insaisissable, apportant
à la composition un caractère fictif. François Jacob
construit des scénarios et illustre un moment dans
le temps, apparemment arrêté ou figé. Parfois
proche des photographies anciennes, voire des
illustrations religieuses, son imagerie narrative
oscille entre vérité et tromperie. Quant aux scènes
les plus sombres, elles sont toujours éclairées par
une lumière tamisée. Et le rhegma couve lentement
dans cette fracture entre ce que nous connaissons,
ce dont nous rêvons et ce qui est réel. (gg)
François Jacob, Les Bâtisseurs, 2023, huile sur toile,
180 x 230 cm. © de l’artiste / Courtesy Rossi Contemporary –
Prix : entre 3.000 et 12.000 €
Mike Bourscheid
- Weeping sand castles
du 05-09 au 05-10
Nosbaum Reding
Bruxelles
www.nosbaumreding.com
Mike Bourscheid, A spell in the Alphabet Soup,
Rustic Pain, Gr_und, 2023, installation à Berlin.
© de l’artiste / photo : James Verhille
Mike Bourscheid (Esch-sur-Alzette/Luxembourg, 1984) développe une pratique artistique
multifacette en utilisant le jeu comme méthode, notamment à travers la création de
costumes et d’espaces théâtraux. L’humour lui permet d’explorer les conventions et les
comportements sociaux pour aborder les mœurs. Les récits qu’il construit sont souvent
drôles ou absurdes, tout en contenant un sens critique, renversant les représentations traditionnelles
du genre. Après ses études à Marseille et à Berlin, Mike Bourscheid se rend au
Canada où il se fait rapidement remarquer. En 2019, la Vancouver Art Gallery invite l’artiste
pour une exposition personnelle, doublée d’une performance publique. Entretemps, Mike
Bourscheid a eu l’honneur de représenter le Grand-Duché de Luxembourg à la Biennale
de Venise (2017) et son exposition Thank you so much for the flowers lui a perms de renforcer
sa visibilité sur la scène européenne. (gg)
65

Sélection Galeries
Nú Barreto. Sensibilité
du 05-09 au 19-10
Galerie Nathalie Obadia
Bruxelles
www.nathalieobadia.com
Natsukashii
du 20-09 au 26-10
Mazel Galerie
Bruxelles
www.mazelgalerie.com
Originaire de São Domingos en Guinée-Bissau, le Parisien Nú Barreto (1966) est
l’un de ces artistes qui « savent inscrire la réalité contemporaine dans une forme
singulière nettement symbolique », déclarait le critique d’art Philippe Dagen
dans Le Monde. Depuis son enfance, le dessin est le lieu dans lequel s’inscrivent
toutes les expressions. Nú Barreto transmet sa vision sensible à partir d’un répertoire
graphique résolument personnel. L’exposition présente des œuvres sur
papier anciennes et récentes – convoquant le dessin et le collage – ainsi qu’un
drapeau aux dimensions monumentales, intitulé Transmissions. Celui-ci entre
dans la continuité de la série États-Désunis d’Afrique, initiée en 2009, reprenant
le drapeau américain aux couleurs troquées par celles de la majorité des États
africains. Traços Diário 1, un polyptyque de quarante-deux dessins, tel un carnet
de bord durant la pandémie, figure également parmi la sélection bruxelloise.
(gg)
Nú Barreto, Mar Burmedju, 2021, collages (carton, papier, tissus), crayon céramique, pastel migras,
papier recyclé. © Courtesy Galerie Nathalie Obadia Paris / Bruxelles / de l’artiste / photo :
Bertrand Huet / tutti image – Prix : entre 10.000 et 80.000 €
La Sato Gallery est invitée à faire dialoguer des
artistes autour du concept de Natsukashii, mot
japonais pour lequel il n’existe pas d’équivalent
français. Le mot le plus proche serait ‘‘nostalgie’’,
mais une nostalgie qui évoque le plaisir de
la réminiscence de moments heureux. Natsukashii,
c’est également les souvenirs heureux
de l’enfance. Certains artistes ont donc profité
de l’occasion pour créer des œuvres rappelant
cette période de leur vie, Mayumi Nakao
avec Birthday party ou Laurina Paperina avec
un dessin compilant tous les héros de dessins
animés japonais. Quant à Murmure, le duo
d’artistes a conservé son langage subversif tout
en le ‘‘japonisant’’ avec ce ‘‘Molotov’’ réalisé
dans une bouteille de Ramune, associé à des
personnages enfantins tel que le Doreamon
et les Pokemons. Enfin, Bordalo2 s’est plus
simplement emparé du tanuki, une espèce de
raton-laveur japonais, très présent dans le folklore
et à qui l’on prête des pouvoirs magiques.
(gg)
Bordalo2, Tanuki (neutral), 2024, assemblage d’objets
et peinture sur bois, 91 x 111 cm. © de l’artiste / Courtesy
Mazel Galerie – Prix sur demande
more overall
du 13-09 au 26-10
Irène Laub Gallery
Bruxelles
www.irenelaubgallery.com
Guðný Rósa Ingimarsdóttir, vue de
son studio à Bruxelles. © de l’artiste –
Prix : entre 2.000 et 15.000 €
Le travail d’Ingólfur Arnarsson est d’une grande précision : en traçant méthodiquement des lignes sur
le papier, la matière se superpose au support. Ce n’est qu’en regardant de plus près que les légères
nuances et les motifs des structures superposées apparaissent à l’œil du spectateur. Une telle stratification
se retrouve dans la démarche de Guðný Rósa Ingimarsdóttir, composée de couches choisies de
manière réfléchie. L’œuvre se construit lentement, parfois sur plusieurs années. Chaque ligne tracée
ou effacée a la même valeur, les éléments restants ont la même force que ceux qui ont été enlevés.
De la même manière, Hildigunnur Birgisdóttir rassemble des fragments collectés dans une fouille
quasi archéologique d’archives personnelles. Sa pratique magnifie des objets quotidiens absurdes et
souvent inutiles de la consommation de masse, en les présentant sur de nouveaux supports et à de
nouvelles échelles. Une sublimation du banal. (gg)
66

Frédéric Biesmans
et Éric Gunera
jusq. 17-10
HU! Galerie d’art
Bruxelles
www.instagram.com/hu_galerie
Léonard
Misonne
du 06-09 au 05-10
Galerie Nardone
La Louvière
www.galerienardone.be
À l’occasion de son
ouverture, fin juin,
la galerie HU! présente
deux artistes qui
abordent la céramique
sous un jour tout à fait
unique, tant par la technique
de réalisation que
par l’imaginaire qu’ils
suscitent : Frédéric Biesmans
et Éric Gunera. Le
premier modèle la terre
avec une minutie hors
norme. Il façonne directement
dans l’argile crue
des temples en ruine,
des machines utopiques
tout droit sorties d’univers
de science-fiction.
Des populations lilliputiennes
s’affairent sur
ces scènes miniatures,
travailleurs, touristes ou
habitants. Malgré leur
format minuscule, ces
œuvres fourmillent de détails dans lesquels on plonge le regard et où l’imagination
bascule. Le second, Éric Gunera, a rencontré sa vocation dans la maisonatelier
du céramiste Antoine de Vinck. Né de la tension entre formes et couleurs,
son travail associe le résultat issu de la technique du tournage à la diversité
organique qu’offre le façonnage de l’argile. (gg)
Frédéric Biesmans, Lost Robot, 2016, céramique, 17,5 x 16 x 22 cm. © de l’artiste – Prix : entre
250 et 28.000 €
Focus sur le chef de file du pictorialisme en
Belgique. Amoureux de la nature, Léonard
Misonne (1870-1943) va consacrer sa vie à la
glorifier par la photographie pour en faire ce
qu’il nomme lui-même des tableaux. Dès 1896,
il trouve sa voie : explorer les campagnes de
l’Entre-Sambre-et-Meuse, de la Campine ou
des Ardennes pour en ramener des images
intemporelles et mystérieuses qui le rendront
rapidement célèbre. Abondante, son œuvre
s’inscrit dans le mouvement pictorialiste qui, au
tournant des XIXe et XXe siècles, va affirmer la
photographie en tant qu’art, prônant des interventions
manuelles sur les images au moyen de
procédés complexes. S’il s’intéresse principalement
aux paysages et scènes champêtres, on
trouve aussi dans son œuvre de séduisantes
vues de villes sous la pluie. La Galerie Nardone
réunit ici un ensemble de trente photographies.
(gg)
Léonard Misonne, Aiseau, 1926, photographie,
30 x 40 cm. Courtesy Galerie Nardone – Prix : entre
3.000 et 5.000 €
Djos Janssens
- Super Samedi
du 07-09 au 03-11
La Châtaigneraie -
Centre wallon d’Art contemporain
Flémalle
www.cwac.be
Djos Janssens, My secret garden, 2017, technique
mixte, 30 x 40 cm. © de l’artiste
Djos Janssens critique les dérives de la société de consommation. Il s’amuse, détournant
les slogans et codes publicitaires, en associant des œuvres connues à des installations in
situ. Objectif ? Offrir aux visiteurs l’expérience d’un parcours immersif et réflexif. Justine
Mathonet : « Grâce à son langage plastique, Djos Janssens déconstruit les stéréotypes, superpose
les sens de lecture, triture les contextes pour mieux nous y faire songer. L’ensemble
des techniques et des supports utilisés dans l’exposition sont multiples (…). Si la couleur
est une composante essentielle du langage plastique de Djos Janssens, le mot l’est tout
autant. Cette exposition ne déroge pas à la règle : les verbes s’enchaînent au fil des salles
(…). Chaque espace est associé à un verbe : parier, produire, accumuler, contester, lessiver,
influencer, essayer... ainsi qu’à une couleur particulière. » (gg)
67

Sélection Galeries
Exposition surprise de
Yannick Ganseman
du 28-09 au 27-10
Anouk Vilain Art Gallery
Diepenbeek
www.anoukvilain.be
Jeff McMillan
et la nature
du 08-09 au 06-10
Galerie
Kristof De Clercq
Gand
www.kristofdeclercq.com
Yannick Ganseman s’est fait connaître avec des scènes domestiques et natures
mortes en céramique peinte à partir de 2017 et en plâtre peint un peu plus tard.
Légèrement archaïques, mais absolument remarquables. Il a été exposé par la
galerie de Simon Delobel, puis par Otty Park, qui a cessé ses activités cette année.
Aujourd’hui, Anouk Vilain a demandé à exposer principalement des œuvres
de grande taille, ce qui est rarement possible. Grijs werd alle kleur est présente
avec quelques nouvelles sculptures et des œuvres pour la plupart inédites. Le
titre est un vers extrait d’un poème de l’écrivain et médecin de bord J. Slauerhoff.
Yannick Ganseman a étudié la médecine et est devenu artiste. Kissmequick,
présenté l’année dernière au CENTRALE Lab à Bruxelles, sa ville, est une scène
familiale se déroulant à proximité d’un paysage avec des chevaux. Kissmequick
est le nom du poney du défunt fils de Léopold II. Son travail pour la collection
Kunst in de Stad d’Anvers, qui sera inaugurée à Ekeren en octobre, est également
de taille. Il s’agit d’un bas-relief en bronze à deux faces représentant un père et sa
fille. (cv)
Yannick Ganseman, Kissmequick, 2023, bas-relief, céramique SE10-SE20 sur argile à biscuit cuite
à basse température, monté sur métal, 127 x 176 x 15 cm, pièce unique. © de l’artiste – Prix : entre
2.000 et 15.000 €
Soil under
pavement
dreams of
grass est la
troisième
exposition
personnelle
de l’artiste
américain
Jeff McMillan
chez Kristof
De Clercq.
Son titre
est tiré d’un
poème de l’écrivain américain Wendell Berry,
qui fut également agriculteur. Sous les pavés, le
sol rêve d’herbe. Jeff McMillan serait-il devenu
militant écologiste, prônant le retrait des pavés
et autres revêtements de sol pour lutter contre
le réchauffement climatique ? Cet artiste
texan de plus en plus en vue vit à Londres
depuis 1998. Il dispose d’un atelier avec jardin
où il cultive des légumes et laisse pendre des
peintures quasi monochromes aux intempéries.
La pluie, la pollution, les escargots, les insectes
et les renards y laissent leurs traces. Après
quelques années, lorsqu’il estime qu’elles sont
‘‘mûres’’, il retend les toiles de manière à ce que
les bords soient visibles. Ses huiles récentes
côtoient désormais des aquarelles sur papier
trouvé, réalisées en voyage. Une sorte de carnet
de route, qui permet d’appréhender le temps
et l’espace de manière différente. (cv)
Jeff McMillan, Untitled (Green/Fox H-212), 2021-2024,
peinture à l’huile sur toile, 125 x 101 cm. © de l’artiste /
Courtesy Galerie Kristof De Clercq – Prix : entre 1.700 et
18.000 €
Roeland Tweelinckx
défie la perception
du 08-09 au 26-10
Eva Steynen Gallery
Anvers
www.evasteynen.be
Roeland Tweelinckx, Trying to keep up,
2024, bois, métal, peinture. © de l’artiste
/ Courtesy Eval Steynen Gallery – Prix :
entre 500 et 5.000 €
When it’s Right to do the Wrong Thing: Bending the Rules of Functionality est la première exposition
personnelle de Roeland Tweelinckx chez Eva Steynen. L’artiste belge (1970) réalise des
interventions et des sculptures in situ. Qu’il s’agisse d’un petit groupe de prises de courant ou de
grilles de ventilateur placées de travers, on ne remarque parfois pas tout de suite qu’il s’agit d’art.
Il peut également s’agir d’un mur incliné, d’un barrage ou encore d’un radiateur dont les éléments
s’élèvent en hauteur, comme pour échapper à la chaleur. Le tout est délicieusement absurde et les
objets souvent dotés d’une dimension humaine. L’une de ses nouvelles œuvres, Trying to keep up,
est une courte rallonge électrique verticale dotée d’une fiche inutile, un trompe-l’œil de bois peint
et de métal. On dit souvent de Roeland Tweelinckx qu’il dépouille les objets de leur fonction. Mais
le titre de l’exposition révèle qu’il ne fait que contourner les règles de la fonctionnalité. Il aiguise
ainsi notre perception quotidienne, ce qui est déjà une fonction de son art. (cv)
68

Paroles de galeriste
KIN Gallery – #067
Affinités électives
Nouvelle galerie établie dans la rue Ravenstein, au cœur
de Bruxelles et spécialisée dans l’art difficile à cataloguer,
la galerie KIN base son programme sur de longues
collaborations avec divers artistes, associant les activités
commerciales à une plateforme favorable aux échanges
artistiques. Dans ce cadre, l’amitié a la priorité absolue.
COLLECT s’est entretenu avec Nicolaus Schafhausen (1965).
© KIN Gallery
KIN se singularise-t-elle sur
le marché bruxellois en se
concentrant sur les tendances
artistiques difficiles à
cataloguer ?
Cela fait plus de vingt ans que je
vis à Bruxelles, en tant que personne
privée et sans fonctions
officielles. J’ai donc pu suivre
de près le programme d’autres
galeries et institutions, sans
en être pour autant tributaire.
Certains artistes, qui exposent
chez KIN, travaillaient précédemment
pour des institutions
et bénéficient désormais de
mon soutien. En tant que
marchand je suis libre d’agir de
manière subjective et expérimentale,
indépendamment des
tendances dominantes. Cela me
permet de proposer une offre
inédite au public local, même
s’il n’y est pas habitué.
coup cet endroit. Je collabore
souvent avec des artistes que
je connais depuis longtemps,
ce qui génère des histoires
significatives pour le présent.
Le réseau de collectionneurs,
d’artistes et de relations que j’ai
nouées cette dernière décennie
contribue au succès de KIN à un
niveau local et international.
Comment les parcours et
expériences des collaborateurs
de KIN, par exemple ceux
de vos administrateurs
internationaux et de Micaela
Dixon, qui a travaillé chez
Hauser & Wirth et Fogo
Island Arts, contribuent-ils au
positionnement sur le marché
et à l’orientation artistique de la
galerie ?
J’ai voulu d’emblée me doter
d’une équipe de professionnels,
pas d’assistants passifs.
Micaela Dixon fut mon bras
droit à la Fogo Island Arts/
Shorefast Foundation au
Canada. Je l’ai choisie pour
ses talents exceptionnels en
matière de communication
et pour sa compréhension
de l’art en tant que tel, mais
aussi parce qu’elle a travaillé
dans l’une des galeries les
plus influentes au monde.
Ce qui a porté ses fruits. En
plus de ses qualifications
professionnelles, Micaela
constitue, à tous niveaux, un
‘‘atout’’ naturel et personnel
pour KIN, ce dont une galerie
a besoin. Nous œuvrons en
faveur d'une reconnaissance
internationale et de carrières
Le bureau d’architectes KGDVS a
conçu un pavillon flexible et durable
dans un espace brutaliste.
d’artistes réussies. Micaela et
moi appartenons à différentes
générations. Cette interaction,
comme l’apprentissage mutuel,
sont tout à fait profitables, ce
qui se répercute aussi sur notre
positionnement.
Comment KIN nourritelle
ses relations avec les
collectionneurs ?
Nous sommes tous dans le
même bateau, à tenter de
comprendre la nature de l’art.
Mon travail consiste à stimuler
une compréhension partagée
de notre avenir social en tant
qu’artistes, institutions, organisateurs
et collectionneurs. La
clé de la réussite est un mode
de création et d’expérience
commun. J’entretiens, pour
cette raison, un réseau de collectionneurs
internationaux qui
me font confiance et vice-versa.
Nous nous implantons lentement
à Bruxelles et les collectionneurs,
jeunes ou établis,
nous découvrent avec un intérêt
croissant. C’est captivant.
Quelle importance de participer
au nouveau Rendez-Vous ?
KIN y a déjà participé l’an
dernier, pour notre deuxième
exposition. Nous avons été
Comment le réseau d’artistes de
KIN et leur fidélité contribuentils
au succès de la galerie ?
KIN est synonyme d’affinités,
d’amitié et de confiance. Je
souhaite raconter des histoires
et nouer des relations avec
les artistes, le public et les
collectionneurs. Nous avons
sciemment choisi le centre de
Bruxelles, tout près de Bozar, en
face du nouveau bâtiment de
la BNP Paribas, pour y établir la
galerie. Le caractère brutaliste
de l’espace m’a attiré et, avec
l’aide du bureau d’architectes
Kersten Geers/David Van
Severen, nous avons pu aménager
un lieu flexible et durable.
Les artistes apprécient beauravis
de l’accueil que nous ont
réservé visiteurs et collègues.
Nous collaborons évidemment
avec d’autres galeries. Une ville
au look global, en constante
évolution, a tout intérêt à offrir
de la diversité à un public international
qui utilise les mêmes
paramètres éthiques.
Pouvez-vous préciser le contenu
de votre prochaine exposition ?
La prochaine exposition, Extensions,
accueille la dernière série
d’Andrzej Steinbach, qui explore
l’idée d’exister au moyen de
la technologie. Son titre fait
référence à une expérience
fondamentale de la robotique :
comprendre notre environnement
pour pouvoir y naviguer
efficacement. Ce concept sert
d’analogie et décrit parfaitement
notre programme actuel.
La vie humaine est par définition
très abstraite.
Andrzej Steinbach:
Simultaneous Localization
and Mapping
du 12-09 au 09-11
KIN Gallery
Bruxelles
www.kinbrussels.com
69

Agenda Galeries
Julien Calbert, Akhe, 2022...© de l'artiste / Courtesy L'Enfant Sauvage, Bruxelles
Antwerpen
Anna3
△ de zee, de zee!
till 29-09
Art Forum
△ Maurice Brams.
Frank Van Herck
till 15-09
Galerie De Zwarte
Panter
△ Benjamin Demeyere.
Riflessioni sulla Natura
- Greet Martens. Enkel
dit - Frank Wagemans.
O wat een heerlijke
anekdote
till 08-09
Gallery Fifty One
△ Harry Gruyaert.
Homeland - TV Shots:
Olympics 1972
07-09 till 26-10
Tim Van Laere Gallery
△ Ben Sledsens. Between
Fish and Stars
till 05-10
VCRB Gallery
△ Dirk Roseport. Graeme
Wilcox. After the Event
13-09 till 03-11
△ Tales of Humanity
till 08-09
Bacht-Maria-
Leerne
Francis Maere Fine
Arts
△ Ooidonk Art Festival
till 15-09
Brugge
Galerie Sabine
Pinsart
△ Zomertentoonstelling.
Ten minsge houdbaar
tot, best before:
22-09-2024
till 22-09
Brussels
Almine Rech
△ Zio Ziegler. Reverse
Paintings
12-09 till 02-11
Baronian
△ Leen Voet. Heilig Graf,
landschap en portret -
Michel Frère
12-09 till 05-10
Beige
△ Melissa Gordon.
Portals
12-09 till 26-10
Bernier/Eliades
△ Richard Long. Dry Walk
19-09 till 07-12
Botanique
△ De fil et de nature
07-09 till 27-10
Bruno Matthys
Gallery
△ Marie Morel
till 05-10
Chez Olivia
△ I Wish you Were Here
12-09 till 19-10
Contretype
△ Les Guèrillères
d'Agnes Geoffray
12-09 till 17-11
Galerie Albert
△ Hommage à Fernand
Wéry
till 22-09
Galerie Faider
△ Jean Pierre Pincemin
05-09 till 12-10
Galerie La Forest
Divonne
△ Tinka Pittoors. Marsyas
and Me
12-09 till 02-11
Galerie Nathalie
Obadia
△ Nu Barreto. Sensibilité
05-09 till 19-10
Gallery Sophie Van
den Bussche
△ Moon River. Steven
Antonio Manes & Bart
Vandevijvere
01-09 till 05-10
Hangar
△ Atelier. Stephan
Vanfleteren
13-09 till 21-12
Hopstreet Gallery
△ Habitus. Mona
Ardelean & Tinus
Vermeersch
08-09 till 26-10
Irène Laub Gallery
△ More Overall
13-09 till 26-10
Jan Mot
△ Andrea Büttner.
Shame Punishments
12-09 till 26-10
La Verrière
△ Hélène Bertin.
Esperluette
13-09 till 30-11
Le Salon d’Art
△ Pierre Radisic.
Photographies
till 19-10
L'Enfant Sauvage
△ Julie Calbert. Ekhô
13-09 till 15-12
Maruani Mercier
△ Jaclyn Conley. Castles
in the air
05-09 till 19-10
Michèle Schoonjans
Gallery
△ Jérôme Bouchard. On
n'y voit rien: tout de suite
08-09 till 26-10
Modesti Perdriolle
Gallery
△ Samantha McEwen
till 28-09
Nino Mier Gallery
△ Jess Allen - Orkideh
Torabi
13-09 till 26-10
OV Project
△ JFO >

info & tickets / chabotmuseum.nl / museumparkvillas.nl
Henk Chabot
Schilderijen, beelden, tekeningen en grafiek van
Henk Chabot, zijn tijdgenotenen geest verwanten
© Photos Kévin Rinclin Photography 2024
71

L’ Ancienne Nonciature
Ambassade artistique au cœur du Sablon
Havre de raffinement d’une
beauté intemporelle en plein
cœur du Grand Sablon, l’Ancienne
Nonciature s’anime d’un souffle
nouveau. Véritable ambassade
dédiée aux arts et au patrimoine,
le lieu entretient des relations
privilégiées avec l’art contemporain.
Rencontre avec sa propriétaire,
l’architecte d’intérieur et historienne
de l’art, Anne Derasse.
TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT
Pièce maîtresse de la bâtisse, l’escalier d’honneur dans toute sa splendeur. © photo : Jörg Bräuer
C’est une bâtisse de légende qui
nous ouvre ses lourdes portes. Au
milieu du XIXe siècle, le cardinal
Pecci, futur pape Léon XIII, fut en
ces lieux nonce apostolique, faisant de la demeure
l’Ambassade du Vatican à Bruxelles.
Vers 1860, la famille De Mot s’y installe.
Manifeste du style néo-classique, cet élégant
hôtel particulier présente également
de sublimes caves voûtées du XVIe siècle,
vestiges de l’ancien palais Renaissance alors
entre les mains d’un haut dignitaire de la
cour de l’empereur Charles Quint. En 2005,
quand le couple formé par Willy d’Huysser,
personnalité hors du commun qui dédia
sa vie à l’art, et Anne Derasse, architecte
d’intérieur reconnue internationalement,
en réalise l’achat, le lieu était en piteux état.
Sa propriétaire nous explique : « Je suis
une amoureuse des maisons qui ont une
âme, une histoire… Quand nous avons fait
l’acquisition de l’Ancienne Nonciature, elle
était dans un état très vétuste nécessitant
des travaux considérables, mais l’esprit des
lieux était toujours là, malgré les outrages
du temps. » La découverte ébahie du lieu,
entièrement restauré dans les règles de
l’art, livre une leçon de patiente détermination
: « Lorsque l’on s’attelle à la rénovation
72

Quelle que soit la
raison, une invitation
à l’Ancienne
Nonciature constitue
un privilège.
ANNE DERASSE
profonde d’un tel bâtiment, il faut prendre
le temps de la réflexion, nourrie de longues
recherches historiques, pour poser les bons
choix. Ce sont des projets qui vous dépassent
largement parce qu’ils sont amenés
à traverser le temps et à exister bien au-delà
de votre vie. C’est aussi pour cette raison
que tous les choix doivent être motivés par
cette perspective de pérennité, en privilégiant
les options les plus intemporelles. Hors
décoration et finition, le chantier a nécessité
cinq ans. » L’année 2011 fut marquée par la
disparition de Willy d’Huysser. Pour perpétuer
sa mémoire, Anne Derasse a poursuivi
seule la restauration qui leur tenait à cœur.
Plus tard, elle fit la rencontre de son compagnon
actuel, l’artiste Jörg Bräuer. Ce dernier
éprouve instantanément la même affection
pour la maison. Une passion partagée qui
amplifia leur volonté de redonner vie à ce
lieu emblématique : « Durant la restauration,
à mesure que le bâtiment nous dévoilait
sa beauté, nous ressentions la nécessité
de faire vivre ce patrimoine en accueillant
certains types d’événements. Aujourd’hui,
nous souhaitons rester extrêmement
sélectifs en n’acceptant que des initiatives
s’inscrivant dans l’esprit du lieu, à savoir des
événements prestigieux ayant trait à l’art,
au patrimoine et au luxe. Nous accueillons
et/ou organisons des expositions d’art
contemporain, nous recevons également
la maison de vente Antenor, qui y organise
expositions et ventes. Il y a quelque temps,
la maison Dior a lancé en nos murs l’un de
ses parfums. En outre, l’endroit héberge
mes bureaux d’architecture d’intérieur. À
nos yeux, il est important de conserver ce
caractère un peu secret, intime, préservé et
privilégié. » Quelle qu’en soit la raison, une
L’Ancienne Nonciature s’ouvre à l’art contemporain. Au centre : Jörg Bräuer, Mystères de l´existence, 2024,
tirage d’encre pigmentaire, lutrin, éd. limitée, 196 x 46 cm. À gauche : Jörg Bräuer, Réflexions fluctuantes,
2024, tirage d’encre pigmentaire, lutrin, éd. limitée, 196 x 46 cm. © de l’artiste
invitation à l’Ancienne Nonciature constitue
donc un privilège : l’occasion d’accéder à un
lieu historique d’un raffinement hors norme.
D’ailleurs, aussi qualitatives que soient les
œuvres présentées, la vraie sensation réside
dans la présence de l’escalier d’honneur qui
subjugue invariablement l’assistance.
LE SABLON, VERSION
ART CONTEMPORAIN
Qui ose encore penser que le Sablon est
un sanctuaire réservé à l’art ancien et aux
antiquités ? Depuis quelques années, l’arrivée
de plus en plus remarquée d’enseignes
défendant la production actuelle rebat les
cartes. Alors que les antiquaires ont toutes
les difficultés à trouver des repreneurs, ce
sont les galeries d’art contemporain qui s’y
multiplient. Sorry We’re Closed, Mendes
Wood, Wouters, Nino Mier, Absolute Art
Gallery, Jonathan F. Kugel…, autant d’acteurs
y insufflant un vent de fraîcheur salvateur.
L’Ancienne Nonciature s’inscrit pleinement
dans cette dynamique nouvelle. Après des
collaborations avec Spazio Nobile, Maria
Lund ou encore Maison Parisienne, les propriétaires
ont trouvé en Frédérick Mouraux
et son épouse Flavie Durand-Ruel, descendante
du fameux marchand d’art français,
de merveilleux complices pour poursuivre
leur aventure. Le succès remporté par leur
première expérience durant Art Brussels les
a conduits à récidiver pour la rentrée avec
une nouvelle proposition intitulée In Praise
of Time / Éloge du Temps. Au programme,
les recherches de quatre artistes internationaux
: Jörg Bräuer, Jean-Philippe Duboscq,
Dom Gray et Philippe Pasqua. Une exposition
dont les dates ont été soigneusement
choisies pour s’inscrire dans deux week-ends
‘‘événements’’ : Rendez-Vous et Brussels
Art Square. L’occasion pour le public de (re)
découvrir ce lieu unique.
VISITER
In Praise of Time
du 12 au 22-09
Ancienne Nonciature
Bruxelles
www.frederickmourauxgallery.com
ENCHÉRIR
Vente Antenor VII
01-12
www.antenor-auction.com
LIRE
Anne Derasse. Le temps intérieur, Beta-Plus,
Bruxelles, 2024, ISBN 978-2-87550-143-1
SURFER
www.annederasse.be
73

La Proximus
Art Collection se
sépare de 200 œuvres
Une option stratégique
Andy Warhol, Flowers, 1970, sérigraphie en couleurs, 91,5 x 91,5 cm, signé et numéroté (sur le revers) ‘‘Andy Warhol 197/250’’, Factory Additions, New York. © 2024
Christie’s Images Ltd. - Est. 40.000-60.000 € .
74

En ce mois de septembre, 70
œuvres de la collection d’entreprise
de Proximus seront mises aux
enchères par Christie’s. En amont,
130 œuvres ont été proposées, à
des conditions préférentielles, aux
employés. Rencontre avec Stefaan
De Clerck, président du Conseil
d’Administration de Proximus et de
la Proximus Art Collection.
TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT
Dépassant largement la simple
volonté d’habiller les murs
d’une société, les collections
d’entreprise sont aujourd’hui
observées comme un formidable outil de
communication. Elles permettent d'en
renforcer l’identité en reflétant visuellement
certaines de ses valeurs, notamment
une sensibilité artistique. Aux yeux du
grand public, ces collections s’apparentent
à des actes de philanthropie. Pour ne rien
gâcher, les œuvres achetées embellissent
les espaces de travail, offrant aux employés
un cadre inspiré et inspirant. Il est même
prouvé que disséminer de l’art dans les
bureaux augmente l’épanouissement et
la productivité, favorise une atmosphère
d’innovation et réduit le stress. C’est donc
bien une stratégie gagnante dont les bénéfices
se situent autant en interne qu’en
externe, en raison de l’image véhiculée,
toujours améliorée. Soulignons d’autre part
que le concept ne date pas d’hier, puisqu’il
ancre ses profondes racines à l’époque
de la Renaissance, la première collection
d’entreprise remontant à 1472, lorsque
la famille Monte dei Paschi commença à
collectionner pour sa banque, à Sienne. En
Belgique, les collections d’entreprise sont
très nombreuses (ING, Belfius, Delen, …).
Parmi les plus importantes figure la Proximus
Art Collection, fondée en 1996. Annuellement,
elle bénéficie d’une enveloppe
de 250.000 euros versée par la maisonmère,
permettant d’en assurer la gestion
(assurance, transport, restauration, …) et
l’acquisition de nouvelles pièces. La collection
comptait quelque 600 œuvres avant
que Stefaan De Clerck annonce, en avril
dernier, vouloir se séparer de 200 d’entre
elles : « La collection était directement
Sol Lewitt, Splotch, 2005, fibre de verre et acrylique sur bois, 152 x 114 x 75,5 cm. © 2024 Christie’s Images Ltd.
Est. 40.000-60.000 €
« Je conseille
à toutes les
entreprises d’investir
dans une collection
d’art contemporain.
C’est absolument
fantastique ! »
exposée dans nos différents bâtiments,
actuellement en pleine rénovation et que
nous réintégrerons début 2027. Aussi,
nous nous sommes séparés de certains
bâtiments et notre siège social offrira, à la
fin du chantier, deux fois moins de surface
de travail. La question du stockage représentant
des coûts considérables, il nous
a paru nécessaire de nous défaire d’une
partie de notre collection. » Mais d’autres
raisons sont rapidement venues conforter
cette décision.
ENVERGURE INTERNATIONALE
Alors que de nombreuses collections d’entreprise
misent sur le local en valorisant des
artistes régionaux ou nationaux, les choix
de la collection Proximus ont d’emblée
été tournés vers l’international : « Même si
nous comptons une quarantaine d’artistes
belges sur la centaine de signatures qui
composent la collection, nous insistons sur
la dimension internationale et d’un niveau
muséal de l’ensemble. C’est assurément
ce qui en fait la force. Nous possédons des
œuvres que beaucoup de musées nous
envient, ce dont nous pouvons être fiers.
Toutefois, pour pérenniser pareille collection,
renforcer sa qualité et la maintenir
75

« La vente devrait
rapporter entre 1,5
et 2 millions d’euros,
mais ces estimations
pourraient s’envoler. »
ASTRID CENTNER (CHRISTIE’S)
Thomas Ruff, Substrat 20 III, 2003, tirage chromo-génique, monté sur Diasec, cadre d'artiste, 165 x 108 cm, signé,
titré, numéroté et daté ‘‘sub 20 III Th Ruff 3/5 2003’’ sur le support. © 2024 Christie’s Images Ltd.
Est. 30.000-50.000 €
parmi les ensembles les plus prestigieux,
il nous faut opérer des choix, notamment
pour la rendre plus homogène. » Parmi les
200 œuvres sélectionnées avec l’aide d’un
comité d’experts extérieurs, dont Joost Declercq
et Dirk Snauwaert, on retrouve des
œuvres ‘‘doublons’’, du même artiste et de
la même série, par exemple, des œuvres secondaires
(multiples, œuvres sur papier, …),
de même que des acquisitions qui sortent
de l’esprit de la collection, notamment des
planches originales de bandes dessinées ou
des dessins humoristiques. Les 200 œuvres
proposées à la vente ont été scindées en
deux ensembles. Le premier regroupe 130
créations à l’intention exclusive des employés,
avec un maximum de deux œuvres
par travailleur, afin d’éviter toute démarche
spéculative : « Nous avons voulu permettre
à nos employés d’accéder à ces œuvres en
leur offrant des conditions d’achat plus
favorables que dans tout autre contexte.
Nous avons réalisé plusieurs estimations de
toutes les œuvres, desquelles nous avons
retenu la valeur la plus basse. Soit le prix
de vente, sans autre frais supplémentaire,
réservé à nos employés. » Stefaan De Clerck
insiste sur cette dimension d’accessibilité,
soulignant que ces œuvres sont, pour l’écrasante
majorité, estimées entre 250 et 3.000
euros. Début juillet, environ 80 d’entre elles
avaient déjà trouvé preneur…
UNE VENTE-ÉVÉNEMENT ORCHES-
TRÉE PAR CHRISTIE’S
L’événement est sans nul doute la vente
du second ensemble, assuré par la maison
Christie’s. Cette mise aux enchères
concerne 70 œuvres signées par certains
des plus grands noms de l’histoire de l’art.
À l’heure de mettre sous presse, la sélection
n’était toutefois pas encore communiquée
officiellement, façon d’entretenir le
suspense et de ménager l’effet de surprise.
Seule certitude, la présence des œuvres
suivantes : Flowers (1970) d’Andy Warhol,
deux Love (1982) de Robert Indiana, une
lithographie Red Lamps (1990) de Roy
Lichtenstein, une œuvre intitulée Erectile
76

de Pol Bury, un fusain Black Tube (2002)
de Robert Longo, un Grand Mur (2008) de
Walter Swennen, Torsion rouge de Walter
Leblanc, mais aussi une sélection de Sol
Lewitt, Dirk Braeckman, Thomas Ruff,
Damien Hirst, Peter Halley, Jenny Holzer,
Robert Mapplethorpe, … Selon Astrid
Centner, directrice de Christie’s Belgique
et Luxembourg, la vente devrait rapporter
entre 1,5 et 2 millions d’euros. Compte tenu
de la qualité muséale des œuvres proposées,
ces estimations pourraient s’envoler.
Les enchères se dérouleront exclusivement
sur internet : « Par le passé, cette pratique
était souvent privilégiée pour les lots de
moindre valeur. Aujourd’hui, c’est presque
le contraire. Depuis la pandémie, les ventes
en ligne se sont multipliées et les acheteurs
s’y sont également habitués. Cette façon
de faire offre de nombreux avantages. Elle
résout notamment la question, souvent
problématique, des fuseaux horaires. Les
ventes se déroulent sur plusieurs jours et les
enchérisseurs peuvent placer leurs ordres
d’achat ou surenchérir à leur meilleure
convenance. Les ventes en ligne permettent
d’attirer des collectionneurs internationaux.
Aussi, la sélection propose des œuvres estimées
entre 3.000 et 300.000 euros, soit des
prix très variables touchant tous les types
de collectionneurs, du débutant au confirmé.
» Les lots-phares seront ainsi exposés
en septembre dans les salons bruxellois
de la maison de vente. L’ensemble sera
ensuite accessible sur rendez-vous dans
l’entrepôt de Proximus. Quant aux bénéfices,
ils seront réinvestis dans de nouvelles
œuvres, notamment d’artistes émergents,
et dans l’art numérique. Il est évident que
pour une société tournée vers les nouvelles
technologies, intégrer des œuvres digitales
s’inscrit mieux que toutes autres dans la
culture d’entreprise, mais Stefaan De Clerck
insiste : « Nous souhaitons lancer des commandes
et acheter des œuvres imaginées
sur-mesure pour les nouveaux bâtiments.
Aussi, si la majorité des œuvres seront
présentées dans les espaces de travail, sécurisés,
certaines pièces emblématiques – je
pense notamment au Parachutiste de Panamarenko
– seront exposées dans l’atrium
ouvert au grand public. » Et de conclure,
imparable : « Je conseille à toutes les entreprises
d’investir dans une collection d’art
contemporain. C’est absolument fantastique
! Cela permet aux employés d’évoluer
dans un contexte d’innovation et de
créativité, donne l’occasion de s’interroger,
d’entrer en dialogue les uns avec les autres,
mais aussi de vivre de belles émotions tout
en offrant à tous une interprétation artistique
de notre monde. »
ENCHÉRIR
Vente en ligne Proximus Art Collection
du 19 au 03-10
www.christies.com
VISITER
Exposition des lots chez Christie’s à
Bruxelles
du 13 au 15-09
Exposition dans l’entrepôt de Proximus
(sur rendez-vous) du 20 au 28-09
SURFER
www.proximus.com
« Pour pérenniser
une telle collection,
renforcer sa qualité
et la maintenir parmi
les ensembles les
plus prestigieux, nous
devons opérer des
choix »
Roy Lichtenstein, Red Lamps, 1990, lithographie, gravure sur bois et sérigraphie en couleurs, sur carton de musée, 130,5 x
185 cm, signé, numéroté et daté ‘‘37/60 R Lichtenstein ‘90’’’. © 2024 Christie’s Images Ltd. - Est. 70.000-100.000 €
STEFAAN DE CLERCK
77

Ben n’a pas dit
son dernier mot
engagé, personnalité singulière de l’avantgarde
post-moderne, Ben ne dessinait pas
de frontière entre l’art et la vie. Pour lui,
tout était possible en art et tout était art.
Aussi bien un moment d’attente à un arrêt
de bus que la traversée du port de Nice à la
nage vêtu d’un costume sombre, portant
chapeau melon et parapluie, que l’action
de signer un passant dans la rue. Très vite,
il avait compris que dans le monde de l’art
du XXe siècle, c’est la signature et non la
forme qui authentifie une œuvre. Dans
ses écritures, qu’il appliquait sur tout type
de support, il mêlait réflexions et doutes,
maniant le décalage philosophique et
l’humour pour se remettre en question et
interroger le monde.
Faites pas de l’art, suicidez-vous, 2017 acrylique sur toile, 50 x 70 cm. Bonhams Cornette de Saint Cyr, Bruxelles,
10-12-2023. © Bonhams Cornette – 5.120 €
Conceptuel et populaire à la fois,
Ben est un artiste marquant et
singulier de l’art du XXe siècle, avec
une présence stable et discrète sur
le marché. Sa disparition récente
ne devrait pas, dans l’immédiat,
faire évoluer sa cote.
TEXTE : GILLES BECHET
Son écriture aux boucles rondes
est reconnaissable entre toutes :
des lettres d’écolier, en blanc sur
fond noir ou coloré, auxquelles
s’ajoutent une signature en trois lettres,
prénom devenu marque de fabrique, Ben.
Benjamin Vautier (1935) décédait le 5 juin,
après une carrière diverse et foisonnante
et une présence discrète et continue sur
le marché. S’il en a beaucoup écrits et s’ils
furent beaucoup reproduits, les mots de
Ben ne représentent pourtant que la partie
émergée de son travail et d’une œuvre protéiforme,
qui englobe sérigraphie, photographie,
film, sculpture, dessin, action, art
conceptuel, performance et happenings.
Par conséquent aussi, le type d’œuvres de
Ben disponibles sur le marché ne reflète
qu’une partie de sa pratique. Artiste
SINGULARITÉ OBSCURE
Ben fut une personnalité à part dans le
monde de l’art du XXe siècle. Conceptuel
et populaire, il est difficile à saisir dans sa
globalité et bénéficie d’une diffusion qui va
bien au-delà du marché de l’art, sans pour
autant bénéficier d’une reconnaissance
à la hauteur de son importance. « C’était
un précurseur dans bien des domaines.
Son travail et ses œuvres méritent d’être
vus davantage et mieux compris. Quand
un enfant achète dans un magasin une
trousse ou un cahier avec des mots de
Ben, il active un lien avec l’imaginaire
artistique », estime Sabine Cornette de
Saint Cyr, chef du département art d’aprèsguerre
et contemporain chez Bonhams
Cornette de Saint Cyr. Au début de sa carrière,
il dessinait des bananes dont il avait
retenu la forme simple, abstraite et phallique
pour en faire une première signature.
C’est sur les conseils d’Yves Klein, qui les
avait remarquées dans son atelier, qu’il fera
de ses écritures sa principale expression
plastique. Le début de celles-ci est indisso-
78

« C’était un
précurseur dans
bien des domaines.
Son travail et ses
œuvres méritent
d’être vus davantage
et mieux compris. »
SABINE CORNETTE DE SAINT CYR
ciable du magasin de disques d’occasion
qu’il avait ouvert à Nice en 1958. Les murs,
intérieurs comme extérieurs, débordaient
de petits panneaux couverts de phrases
peintes comme autant d’indications pour
ses clients-visiteurs. Un lieu qui faisait aussi
office de galerie, d’espace d’exposition.
Son magasin devint rapidement le point
de rencontre des artistes de l’école de Nice
(Arman, César, Martial Raysse) et, plus
tard, des artistes et des actions du mouvement
Fluxus, qu’il ralliera de 1962 à 1963.
Si Ben revendique la primeur du fond sur
la forme, l’esthétique de ses lettres cursives
se détachant sur un fond monochrome
transforme ses écritures en tableaux.
Je suis toute nue en dessous, n. d., huile sur tissu, H. 134,6 cm. Bonhams, New York, 06-08-2020.
© Bonhams – 6.325 $ (5.341 €)
(eh ben oui mon vieux, t’as raison n’importe qui peut
faire ça), 1974, acrylique sur toile, 116 x 89 cm. Collection
Jean Ferrero, les années joyeuses, Boisgirard – Antonini,
Nice, 28-06-2024. © Boisgirard – Antonini – 20.150 €
UNE CÉLÉBRITÉ PEU MERCANTILE
Dans sa réflexion sur sa pratique picturale,
Ben a insisté sur l’importance que Duchamp
et ses ready-mades ont pu avoir sur
sa propre recherche plastique. Il a longtemps
eu la réputation d’être un des artistes
célèbres les moins chers du marché.
Ses collectionneurs sont à trouver essentiellement
en France, en Suisse et en Italie,
en raison d’un lien intime avec la langue.
Ses toiles se négocient ainsi entre 10.000
et 30.000 euros. Une pièce exceptionnelle
comme la boîte de Duchamp, rassemblant
43 éléments créés de 1979 à 1992, extraite
de la Collection Daniel Varenne, était
adjugée chez Piasa, en octobre 2019, pour
106.000 euros. Ben a également produit de
nombreux multiples, dont des sérigraphies
que l’on peut trouver entre 1.000 et 2.000
euros. Pour autant, sa disparition ne devrait
pas affecter sa cote dans l’immédiat.
Sabine Cornette de Saint Cyr : « Sa cote est
stable. Ce qui est intéressant, c’est que sa
disparition va amener plus d’œuvres sur le
marché, des pièces historiques comme des
multiples, même si je reste persuadée que
les grands collectionneurs, qui possèdent
une bonne pièce bien datée, des décennies
1960 à 1970, préfèreront la garder. » Pionnier
de l’art conceptuel, l’artiste qui a réussi
à se faire identifier à sa signature gardait
un regard ironique sur le marché comme
en témoignent les quelques mots qu’il écrivait
dans le catalogue de l’exposition Tout
est art, Ben au musée Maillol en 2017 :
« Comme pour les restaurants
il faudrait un Michelin des artistes
avec la cote des artistes dont on parle
à quels prix ils se vendent etc
les morts
les vivants
Garouste, Buren, Boltanski
Ben très loin derrière pas pris au sérieux
Martial Raysse dont on parle moins que
d’Arman »
79

Le Marché
en quête de
cyber sécurité
Comme les autres secteurs de
l’économie, le marché de l’art
peut être la cible de pirates
informatiques. La réponse à cette
menace ne peut venir que de la
prudence de tous les acteurs d’un
écosystème interconnecté et très
diversifié.
TEXTE : GILLES BECHET
« Il faut toujours
regarder vers l’avant
et essayer d’anticiper
au maximum le
comportement des
hackers. »
ANTOINE DE ROCHEFORT
La nouvelle a fait l’effet d’une bombe
chez les collectionneurs : en mai
dernier, un groupe de cyber criminels,
RansomHub, s’attaquait à une
des places fortes du marché de l’art. A
quelques semaines de la New York Auction
Week, une des plus importantes ventes
de l’année, la maison Christie’s était ainsi
la cible d’escrocs informatiques exigeant
le paiement d’une rançon sous peine de
divulguer les données sensibles de 500 000
clients répartis dans le monde, dont ils
affirmaient s’être emparés. La maison de
vente fit d’abord le gros dos, le site Web ayant
été fermé pendant dix jours. Les ventes
eurent lieu comme prévu et connurent le
succès grâce aux enchères enregistrées
en personne, par téléphone, ou via un
site spécialement ouvert pour l’occasion.
Dans toutes les langues, Christie’s, qui
a reconnu l’attaque, soit « un accès non
autorisé d’une tierce partie à une partie
du réseau informatique de Christie’s », a
assuré qu’aucune rançon n’avait été payée
et qu’aucune donnée sensible n’avait été
dérobée. Ce que confirme Alain Servais,
collectionneur belge et un des clients
concernés par l’attaque. On n’en saura pas
plus. Le fin mot sera peut-être obtenu à
l’issue d’une class action (action collective)
intentée aux Etats Unis par certains
clients s’estimant lésés. Si la tentative
d’extorsion n’a eu, semble-t-il, aucune conséquence
dommageable pour l’auctioneer
et pour ses clients, ce fut cependant une
séquence de mauvaise publicité pour un
secteur qui cultive la discrétion et une
certaine opacité. C’est aussi un rappel que
le marché de l’art constitue un secteur
économique comme les autres et une cible
potentielle des cyber hackers, au même
titre que les banques, les compagnies
d’assurance ou les hôpitaux. Ainsi, selon
l’organisme Identity Theft Resource Center,
les attaques en ligne dirigées contre
des entreprises en 2023 auraient augmenté
de 28 % par rapport à l’année précédente.
MALAISE ET VULNÉRABILITÉ
Quelques mois après ce que Guillaume
Cerutti, CEO de Christie’s, a présenté
comme un « incident technologique de
sécurité », les affaires ont repris. Vendeurs,
collectionneurs et intermédiaires continuent
leurs transactions, notamment sur
Internet. Pourtant, un malaise subsiste et
le sujet reste délicat et sensible. Aucune des
différentes maisons d’enchères contactées
pour la rédaction de cet article n’a de fait
souhaité communiquer sur la cyber sécurité,
assurant que ces questions étaient
abordées très sérieusement et de manière
proactive. Pauline Haon, ancienne directrice
de Christie’s Benelux et aujourd’hui
directrice Benelux du Fine Arts Group
explique que, dans son ancienne maison
comme dans l’actuelle, des formations et
des tests de simulation sont régulièrement
organisés : « On vous envoie des e-mails
piège qui communiquent des infos sur
un tableau, par exemple, mais avec une
adresse bizarre où l’on vous demande de
cliquer sur un lien. L’objectif est de s’assurer
que vous avez bien suivi le training et que
vous arrivez à l’appliquer. Si vous n’y arrivez
pas, vous êtes prêts pour un nouveau
tour ! » On peut se demander si le monde
de l’art présente des spécificités particulières
qui le rendent plus vulnérable aux
attaques informatiques. Le marché a sans
doute pris des mesures de sécurité avec
retard en regard d’autres pans de l’écono-
80

« Tout le monde
dans le monde de
l’art ne prend pas
la technologie au
sérieux. Le hacking
est un problème
majeur. Et on peut s’en
prémunir en prenant
des précautions
élémentaires. »
ALAIN SERVAIS
mie, alors que le secteur affiche parfois une
certaine ostentation et des transactions où
s’alignent les zéros. C’est aussi un segment
qui a longtemps fonctionné à la confiance,
basée sur des relations informelles où les
interlocuteurs sont avant tout motivés par
la passion de l’art. « Tout le monde, dans le
milieu de l’art, ne prend pas la technologie
au sérieux. Le hacking est un problème
majeur. Et on peut s’en prémunir en prenant
des précautions élémentaires », précise
Alain Servais. L’autre particularité du
marché de l’art est d’être un système très
éclaté et interconnecté qui se ramifie dans
ses acteurs multiples, que ce soient les
maisons de vente, importantes ou non, les
marchands et galeries, les collectionneurs
privés, les musées et les transporteurs. La
sécurité de l’ensemble dépend ainsi de
celle de chaque maillon et certains font
sans doute preuve d’un degré de tolérance
supérieur à ce qui serait accepté dans
d’autres secteurs.
CIBLES PRIVILÉGIÉES
« Des données à caractère sensible se
retrouvent à différents niveaux de la
chaîne », note Eric Hemeleers, CEO
d’Eeckman, compagnie d’assurance spé-
cialisée en art, qui propose depuis trois
ans une police contre les attaques cyber
et leurs conséquences. « Certains auront
tendance à faire l’autruche. C’est comme
avec les cambriolages, ce n’est qu’après la
première effraction qu’on va installer un
système d’alarme. On se dit que ça n’arrive
qu’aux autres. Il y en a qui attendront une
première tentative d’intrusion informatique
pour installer un système de sécurité
performant. » Dans un marché éclaté, les
grosses structures qui font la une de la
presse, avec leurs ventes spectaculaires,
constituent des cibles privilégiées, parce
que plus visibles. Mais d’un autre côté,
elles ont plus de moyens pour se protéger
efficacement, au contraire des petites
structures qui développent parfois moins
de sécurité, mais sont moins vulnérables
parce que moins visibles. Les fraudes et
extorsions ne sont pas nouvelles dans le
monde de l’art. Si il y a trente ou quarante
ans, il fallait se méfier des chèques en
bois, aujourd’hui ce sont les tentatives de
phishing et leurs malware qui s’achètent
d’un simple clic sur le Dark Web. Une des
méthodes les plus dangereuses est celle
du ‘‘man in the middle’’, où une tierce personne
s’intercale sans se faire repérer dans
une transaction internet pour détourner le
numéro de compte lors de la vente d’une
œuvre d’art. Il faut donc être très prudent,
surtout depuis le développement de
l’intelligence artificielle (IA) qui permet de
faire apparaître des interlocuteurs virtuels
tout à fait crédibles. C’est pourquoi, avant
de transférer un montant important, de
plus en plus de sociétés ou de banques, appellent
le destinataire pour s’assurer qu’il
est bien le titulaire du compte mentionné.
Les faiblesses dont profitent les cyber
criminels sont toujours les mêmes : mots
de passe trop vulnérables, navigateurs
web ou systèmes d’exploitation obsolètes,
failles dans la structure d’un site. La cyber
sécurité peut ainsi s’appuyer sur des solutions
technologiques internes, mais aussi
sur une simple ‘‘hygiène de sécurité’’. Alain
Servais : « Je suis prudent. Je ne laisse rien
sur le cloud. Toutes mes données sensibles
sont conservées chez moi, hors d’accès à
Internet et je n’effectue aucune transaction
à partir de mon smartphone. » C’est
pour les mêmes raisons de prudence que
les maisons de vente évitent de disperser
les données de leurs clients pour les
rassembler sur des serveurs ultra sécurisés
ou que, pour des raisons historiques,
la direction de la BRAFA, qui a conservé
la forme d’une asbl, ne dispose pas sur
ses serveurs des données relatives à ses
exposants et à ses clients. Or, le marché de
l’art, comme l’ensemble de l’économie, sera
de plus en plus dépendant des transactions
et des échanges en ligne et un retour
en arrière n’est pas envisageable. Avec
l’inflation technologique et le développement
de l’IA, c’est à chaque acteur du
marché de redoubler de prudence et de
tourner sept fois son index sur son écran
avant de cliquer. Du coté des plateformes
et des marchands, la prudence prend la
forme d’une veille technologique. « Il faut
toujours regarder vers l’avant et essayer
d’anticiper au maximum le comportement
des hackers. Mais, ce n’est pas propre au
marché de l’art. Il s’agit d’une problématique
rencontrée par de nombreux secteurs
comme, par exemple, les banques ou
les administrations », conclut Antoine de
Rochefort, CEO du site drouot.com.
« Certains auront
tendance à faire
l’autruche. C’est
comme avec les
cambriolages, ce n’est
qu’après la première
effraction qu’on
installe un système
d’alarme. »
ERIC HEMELEERS
81

Gae Aulenti
Le design intemporel
Si Gaetana (Gae) Aulenti fut avant
tout architecte, son nom est plutôt
associé aux meubles et objets
de design. Ses luminaires, dont
quelques modèles sont toujours
produits, ont contribué à sa
réputation. Elle a, en outre, conçu des
mises en scène pour des expositions,
le théâtre et l’opéra. Pourtant, elle
demeure relativement méconnue du
grand public, d’où le prix abordable
de nombreuses pièces.
TEXTE : ELIEN HAENTJENS
Gae Aulenti pour Martinelli Luce, Pipistrello, 1965. © Vitra Design Museum / photo : Andreas Sütterlin
Même si elle est un peu plus
jeune que Charlotte Perriand
et Eileen Gray, Gae Aulenti
(1927-2012) appartient à la
première génération des créatrices qui,
en tant que pionnières, ont percé dans
une discipline dominée par les hommes.
Poussée par un besoin de voyager et de
découvertes, Gae Aulenti choisit d’étudier
les arts plastiques à Florence jusqu’à
ce que survienne la Seconde Guerre
mondiale. « À l’époque, elle était active
dans la résistance », raconte Nina Bassoli,
commissaire pour l’Architecture et le
renouveau urbain à la Triennale de Milan.
« Mue par cet engagement et sa soif de liberté,
après la guerre, elle quitte la région
du Frioul-Vénétie julienne pour s’installer
à Milan où elle étudie l’architecture à
l’Université Polytechnique. Elle souhaite
ainsi contribuer à la reconstruction du
pays. » La Triennale de Milan joua un rôle
majeur dans la carrière de la créatrice ;
82

Gae Aulenti pour Poltronova, Sgarsul, 1962. © Vitra Design Museum / photo : Andreas Sütterlin `
ÉCLAIRAGE EXPÉRIMENTAL
Pour les magasins Olivetti, Gae Aulenti
créa deux lampes qui seraient plus tard
produites en série : Pipistrello (1965)
pour Paris et King Sun (1967) pour Buenos
Aires. Cette dernière, d’un diamètre
d’environ 70 centimètres, se compose d’un
plexiglas au bord lumineux évoquant les
rayons du soleil. Ce matériau novateur
ouvrait des possibilités de conception
entièrement inédites. Ces exemplaires
authentiques, produits par la société italienne
Kartell, valent aujourd’hui plus de
15.000 euros. Nina Bassoli : « Le modèle
Pipistrello devait, par sa forme biomorphique
bizarre, donner aux consommaelle
y exposa régulièrement et remporta
plusieurs prix. Depuis 2007, c’est devenu
un musée permanent et, cet automne, le
lieu d’une première grande rétrospective
organisée par Nina Bassoli, en collaboration
avec le critique d’art Giovanni Agosti
et Nina Artioli, directrice de l’Archivio
Gae Aulenti et petite-fille de l’artiste. Nina
Bassoli : « L’exposition est conçue comme
une série de reconstructions architecturales
de projets perdus au fil des ans.
Nombre d’objets design sont nés dans ce
cadre architectural et trouvent ainsi une
place. À cet égard, c’est davantage une
architecte qu’une créatrice industrielle. »
La deuxième salle est ainsi consacrée à
l’intérieur du magasin Olivetti (1968)de
Buenos Aires : « Adriano Olivetti lui avait
commandé l’aménagement intérieur de
sa filiale parisienne. Même s’il s’agissait
d’un de ses premiers exploits, elle en tira
une grande notoriété. Elle eut par la suite
l’occasion de concevoir les showrooms
Gae Aulenti a créé un style avant-gardiste
et postmoderne qui rompait avec les lignes
rationnelles et géométrique des modernistes.
de Fiat et fut invitée, à la fin des années
1970, à concourir pour l’architecture intérieure
du musée d’Orsay, concours qu’elle
gagna. Comme, pour ce projet de grande
envergure, elle souhaitait partir ‘‘de zéro’’,
elle ouvrit un bureau à Paris et imagina,
entre autres, des bancs et un panneau
d’affichage sous la forme d’un seul ensemble,
ainsi qu’un système intégré pour
l’éclairage et le partage d’informations et
collabora avec Bruno Monguzzi pour la
création graphique. » Une série de chaises
et de tables, en métal et cuir, aux pieds
en continu, portant le nom du musée,
fut produite entre 1975 et 1979 par Knoll
International.
83

Gae Aulenti pour Kartell, No. 4794, 1968. © Vitra Design Museum
/ photo : Andreas Sütterlin
Lampe King Sun, modèle créé eb 1967. © Artcurial
Le rocking-chair
Sgarsul, en multiplex
et cuir, a évolué
grâce aux lignes
sophistiquées et
sensuelles pour
devenir une pièce
emblématique de
design postmoderne.
teurs l’impression d’être assis sur une
place italienne. Par leur taille, ces lampes
amplifiaient l’énergie et les relations mutuelles
dans l’espace et n’ont perdu aucun
de leur pouvoir en dehors de ce contexte
spécifique. » Grâce à sa base télescopique,
cette lampe est réglable en hauteur, de
66 à 86 centimètres. Pipistrello signifie
‘‘chauve-souris’’, animal auquel l’abat-jour
en méthacrylate blanc opalin fait penser.
Depuis 1965, cette lampe est produite
en série sans interruption par Martinelli
Luce. À l’occasion de son cinquantième
anniversaire, une variante revêtue d’une
couche d’or 24 carats est sortie en 2015.
«Cette lampe résiste à l’épreuve du temps
grâce à son esthétique et à sa fonctionnalité
singulières », souligne Justine
Despretz, de la salle parisienne Artcurial.
« Elle a en outre fait son apparition dans
des longs métrages, comme La piscine
avec Alain Delon, et dans des oeuvres de
science-fiction qui ont permis au grand
public de la découvrir. » Diverses autres
lampes de sa main sont également devenues
de véritables icônes. Ses modèles
Pileino (1972) – Pileino, Mezzopileo et
Pileo – pour la société italienne Artemide
s’inscrivent parfaitement dans l’esthétique
space age des années 1970. Elle s’est
inspirée d’un chapeau antique romain en
forme de champignon, le pileus. La possibilité
de faire bouger l’abat-jour comme un
casque renforce non seulement son effet
sculptural, mais permet aussi de créer
différentes atmosphères. En 1972, Gae
Aulenti participait à une exposition au
MoMA qui fit date : Italy: The New Domestic
Landscape. « La Patroclo de 1975 pour
Artemide est ma favorite », souligne Justine
Despretz. « Du verre est soufflé dans
l’encadrement d’une grille métallique,
ce qui lui donne des formes organiques.
Même si c’est l’architecte autrichien
Adolf Loos qui a inventé cette technique,
Gae Aulenti fut la première à suivre ses
traces. Ses œuvres présentent l’avantage
d’être toujours accessibles sur le marché.
Certaines se vendent environ 1.000 euros.
Quant aux lampes plus spéciales, comme
Patroclo, toujours produite en série, les
prix peuvent atteindre 4.000 euros. Bien
que les prix des pièces vintage et neuves
soient parfois comparables, il vaut mieux
acquérir un exemplaire d’une série datant
de la période à laquelle la créatrice était
encore en vie. Ces pièces sont, pour ainsi
dire, les plus authentiques. » Les lampes
qui sont toujours produites ont à peine
84

« Ses œuvres
présentent
l’avantage d’être
toujours accessibles
sur le marché de
l’art. Certaines
se vendent pour
environ 1.000
euros. »
JUSTINE DESPRETZ (ARTCURIAL)
tubes font aussi leur retour dans Locus
Solus. Si elle a d'abord privilégié les couleurs
vives avec des motifs psychédéliques
sur textile, elle en a plus tard produit une
version chromée via Zanotta. Nina Artioli
: « Les trois séries sont très prisées des
collectionneurs. Locus Solus est réapparue
entretemps sur le marché via Exteta, dans
ses dimensions d’origine. » La rockingchair
de la série se vend en général un peu
plus de 1.000 euros au marteau, tandis
que des séries limitées de Locus Solus
sont estimées environ 5.000 euros. Avec
ses contemporains, Gae Aulenti a créé un
langage avant-gardiste et postmoderne
qui rompt avec les lignes rationnelles et
géométriques des modernistes. Ils ont
cherché des alternatives à la normalisation
du mobilier de masse, marquant ainsi
le début d’un nouveau design italien qui n’a
cessé de séduire de par le monde.
VISITER
Gae Aulenti (1927-2012)
jusq. 12-01-2025
Triennale de Milan
www.triennale.org
changé, à en croire Nina Artioli : « Seule
la technique d’assemblage diffère, mais le
reste a conservé son caractère original.
Nous recherchons de nouvelles couleurs
pour le socle de la Pipistrello. Les trois
versions des lampadaires Oracolo, se
composant d’un grand globe en opaline
sur un socle métallique, sont devenues
des objets de collection. Ma grand-mère
les a créés dans les années 1960 pour
Artemide. Autre objet singulier à signaler,
Rimorchiatore (1967) qui, inspiré de
la forme des remorqueurs américains,
associe une lampe à un vase, un cendrier
et un pot à crayons. »
CONTREPOIDS AU MODERNISME
En dehors de ses projets architecturaux,
Gae Aulenti a conçu des installations pour
des expositions, le théâtre et l’opéra, des
luminaires et du mobilier. Elle utilisa des
parties de sa scénographie de 1984-1985
destinée à l’opéra Le voyage à Reims de
Gioachino Rossini pour réaménager le
Palazzo Grassi de Venise. Son travail de
conceptrice graphique pour le magazine
Casabella lui a donné accès à un réseau
étendu de créateurs et de producteurs.
Elle a, par exemple, produit via Poltronova
son premier meuble Sgarsul (1962) et créé
des séries importantes comme Stringa
(1963) et Locus Solus (1964). La rocking-chair
Sgarsul, en multiplex et cuir, a
évolué grâce à ses lignes sophistiquées et
sensuelles pour devenir une pièce emblématique
du design postmoderne. Pour la
série Stringa, la créatrice a associé du cuir
à un cadre tubulaire en métal chromé. Les
Gae Aulenti pour Candle, Rimorchiatore, 1967. © Vitra Design Museum / photo : Andreas Jung
85

L’avis de l’expert
Christophe Fairon à propos du Val Saint Lambert
« Tenu à la lumière,
on observe de subtils
arcs-en-ciel et
scintillements.
Ce qu’on ne trouvera
pas dans les
imitations de qualité
inférieure. »
Modeste Denoël pour le Val Saint Lambert, Vase Léopoldville, 1927, cristal taillé soufflé à la bouche, motifs
végétaux gravés à l’acide dans un décor moiré d’argent partiellement métallisé par galvanoplastie. © Elysée
Le 23 septembre, l’Hôtel des
Ventes Élysée vendra à Liège une
collection de pièces en cristal du
Val Saint Lambert. Que valentelles
actuellement et comment
les reconnaître ? Nous avons posé
la question à Christophe Fairon..
TEXTE : BEN HERREMANS
Ce nom résonne toujours comme
une douce musique. Cristallerie
et verrerie située à Seraing, le
Val Saint Lambert fut fondée en
1826 par François Kemlin, sur le site de
l’abbaye cistercienne de Saint-Lambert,
à proximité de sources de charbon pour
l’énergie et de la Meuse pour le transport.
Célèbres pour sa technique du ‘‘cristal
coloré doublé et taillé’’, ses créations firent
longtemps l’objet de collections et de
cadeaux d’affaires. L’Hôtel des Ventes Élysée
met donc en vente une collection de
ces pièces. Son gérant, Christophe Fairon,
en a sélectionné deux pour vous : « Elles
figurent dans de nombreux ouvrages de
référence sur la verrerie belge. Le premier
vase est en verre feuilleté multiple, gravé
à l’acide fluorhydrique, orné d’un motif
floral stylisé en émail coloré et métallisé à
la vapeur d’oxyde et estampillé du monogramme
‘‘VSL’’. Cette pièce a été réalisée
entre 1906 et 1907 par Muller Frères. Les
frères Henri et Désiré Muller furent engagés
en 1905 par le Français Léon Ledru,
directeur artistique du Val Saint Lambert
depuis 1888. C’est à eux que l’on doit l’arrivée
de l’Art nouveau dans la production :
un style aux nuances de couleur variées
et aux éclats contrastés, où le symbolisme
floral prédominait. Le second vase
fut créé par Modeste Denoël (1869-1940)
en 1927, pendant la période Art déco. Ce
Vase Léopoldville, en cristal taillé soufflé à
la bouche, arbore une forme de calebasse,
des couleurs violettes éclatantes et des
motifs végétaux gravés à l’acide dans un
décor moiré d’argent, partiellement métallisé
par galvanoplastie. »
UN PATRIMOINE DISPERSÉ
« Le prix d’une pièce du Val Saint Lambert
reste stable », affirme Christophe Fairon.
« Il est bas pour tout ce qui est courant.
Les objets usuels se vendent ainsi entre
100 et 150 euros. On peut donc acquérir
une pièce authentique pour une somme
modique. Ces deux vases sont évidemment
exceptionnels. Ils se vendront plus
chers, mais n’atteindront jamais des
sommes folles. Je les estime entre 1.000
et 2.000 euros. » Qui sont les acheteurs?
« Des collectionneurs », répond Chris-
86

tophe Fairon. « À Liège et dans les environs,
chaque foyer possède encore du Val
Saint Lambert, exposé dans ou sur l’armoire
ou la table. Au cours des 40 années
d’existence de l’Hôtel Élysée, mon père
et moi en avons vendu plusieurs milliers.
Ce marché est donc saturé. Les musées
et les institutions publiques disposent
également d’un stock suffisant. » Des
collectionneurs, donc, « mais ils ne sont
plus des centaines et leur nombre tend à
diminuer», constate Christophe Fairon.
« La passion de la collection se transmet
rarement d’une génération à l’autre. J’ai
des clients qui collectionnent par couleur.
Ou qui se limitent à un style ou à une
période. Ce que je ne recommanderais pas
à l’acheteur occasionnel. Mon conseil ?
Achetez avec votre cœur, suivez vos goûts
personnels. » Beaucoup d’entre eux sont
des collectionneurs belges : « Nous avons
des clients allemands qui collectionnent
Muller Frères, Vase, 1906-1907, verre feuilleté multiple gravé
à l’acide fluorhydrique, décoré d’un motif floral stylisé en
émail coloré et métallisé. © Elysée
du Val Saint Lambert. Les Anglais aiment
aussi le cristal. La Chine ? Nous vendons
aux Chinois, mais bizarrement des objets
du quotidien. Ils ne sont pas intéressés par
les pièces de collection. Ces deux vases
resteront sans doute en Belgique. »
REGARDER ET ÉCOUTER
Comment reconnaître un véritable Val
Saint Lambert ? « Par l’expérience »,
répond Christophe Fairon. En fait, il faut
d’abord se poser cette autre question :
comment distinguer le verre du cristal ? Il
s’agit de deux types de verre. Le verre est
un mélange de sable, de chaux et de soude.
Dans le cristal, une partie de la chaux a été
remplacée par un faible pourcentage de
plomb. Christophe Fairon : « C’est parce
que le cristal contient du plomb qu’il est
plus lourd que le verre. En outre, le cristal
est plus brillant que le verre et produit
davantage d’éclats de couleur. La réfraction
plus élevée du cristal explique ses
propriétés réfléchissantes. » L’indice de
réfraction est le rapport entre la vitesse
de phase de la lumière dans le vide et la
vitesse de phase de la lumière dans un
milieu. La différence entre le verre et le
cristal s’entend aussi : « Tapotez votre
ongle contre le cristal et vous entendrez
un ‘‘pinggg’’ mélodieux. Avec le verre, vous
obtiendrez un ‘‘pok’’ sourd. L’appellation
‘‘cristal’’ dépend ainsi de la quantité de
plomb contenue dans le verre. L’Union
européenne considère le verre comme
du cristal à partir d’une teneur en plomb
de 10 %. Le cristal doit contenir 24 % de
plomb, le cristal supérieur 30 %. Aux États-
Unis, en revanche, 1 % suffit pour parler
de cristal. Le Val Saint Lambert peut se
prévaloir d’une qualité supérieure puisqu’il
n’utilise que du plomb de haute qualité.
Son cristal se compose de trois parts de
silice (sous forme de sable blanc), de deux
parts d’oxyde de plomb pour la brillance
et l’éclat, et d’une part de potassium, plus
une quantité d’éclats de verre (cristal clair
cassé) pour faciliter la fusion. » Christophe
Fairon balaye l’idée reçue selon laquelle
toutes les pièces sont signées : « Cela n’a
d’ailleurs pas d’importance. Rien n’est plus
facile à imiter qu’une signature. Une pièce
signée n’a donc pas nécessairement plus
de valeur qu’une autre. » Le faux Val Saint
Lambert a « moins d’éclat », selon lui.
« Le véritable cristal du Val Saint Lambert
est reconnu pour sa clarté et sa brillance.
Lorsqu’il est mis à la lumière, on observe
de subtils arcs-en-ciel et scintillements. Ce
« De minuscules
bulles dans le
cristal et de
subtiles variations
d’épaisseur sont
les signes d’un
travail humain. »
CHRISTOPHE FAIRON
qu’on ne trouvera pas dans les imitations
de qualité inférieure, où le savoir-faire
verrier fait défaut. Les gravures raffinées,
la complexité des détails taillés, la
composition des motifs et les couleurs, en
particulier le bleu de cobalt, sont difficiles
à copier. Les erreurs de forme trahissent
également les faussaires. » Pourtant, les
imperfections font également partie de
l’ADN du Val Saint Lambert : « Ces petits
défauts prouvent que l’objet est bien le
fruit d’un travail artisanal. De minuscules
bulles dans le cristal et de subtiles
variations d’épaisseur sont les signes d’un
travail humain, alors que la production
mécanique engendre des créations parfaitement
uniformes. Mais les écarts vraiment
importants sont rares. Le Val Saint
Lambert appliquait une approche très
sélective : dès qu’une pièce s’écartait de la
norme, elle était mise au rebut. »
ENCHÉRIR
Vente : le 23-09
Hôtel des Ventes Élysée
Liège
www.ventes-elysee.be
87

Focus
International
525.000 £ (617.000 €)
Fabergé, Moineau friquet se
baignant dans la poussière, ca.
1900, obsidienne, or, rubis, L. 7,5 cm.
Elmwood’s, Londres, 30-05.
© Elmwood’s
3.678.400 € (frais inclus)
Rembrandt Bugatti, Trois panthères marchant, ca. 1905, bronze, pièce
unique, 20 x 150 x 22,5 cm. Bonhams, Paris, 05-06. © Bonhams
10.660.000 £ (12.525.500 €)
Quentin Metsys, La Vierge aux cerises (après
restauration), ca. 1520, huile sur panneau,
75,3 x 62,9 cm. Christie’s, Londres, 02-07.
© Christie’s Images Ltd.
ON A VENDU
Grand succès
pour Fabergé chez
Elmwood’s
L’excitation était à son comble, le
30 mai dernier, en la maison de
vente londonienne Elmwood’s au
moment de la mise aux enchères
de la plus importante collection
historique d’animaux sculptés
en pierre dure par Fabergé. Des
enchérisseurs de tous horizons
tentaient ainsi de s’emparer d’une
des vingt figurines proposées,
dont beaucoup conservées dans
leur écrin d’origine. L’ensemble atteignait
la somme stupéfiante de 2
millions de livres sterling, doublant
ainsi son estimation. Rassemblé
avec soin, il était impeccable en
termes de provenance, de qualité
et d’état. Nombre de pièces provenaient
ainsi des collections de la
famille impériale russe, avant d’appartenir
à l’aristocratie britannique,
à des familles royales européennes
ainsi qu’à certaines des collections
les plus prestigieuses du monde.
Nombre d’entre elles bénéficiaient
donc d’un riche historique d’expositions
dans le monde, ce qui
explique leur prix extrêmement
élevé. Le clou de la vente était
un rare modèle en obsidienne
sertie représentant un moineau
se baignant dans la poussière,
dans le goût japonais, d’après un
netsuke en ébène d’Horaku, une
des grandes sources d’inspiration
de Carl Fabergé. Il était emporté
par un collectionneur nippon à
525.000 livres sterling (617.000
euros), contre une estimation de
40.000 à 60.00 livres sterling.
Record pour
Rembrandt Bugatti
chez Bonhams
Un bronze exceptionnel de
Rembrandt Bugatti, jamais vu sur
le marché, était vendu 3.678.400
euros lors de la vente impressionniste
et moderne de Bonhams, à
Paris, le 5 juin. Proposant 42 lots,
elle générait un total de plus de 5,2
millions d’euros. Après une bataille
d’enchères suivie d’applaudissements,
cette pièce unique, fondue
en bronze par Adrien- Aurélien
Hébrard, représentant trois
panthères marchant ensemble,
réalisait un record mondial
pour une œuvre de l’artiste aux
enchères. Bénédicte van Campen,
spécialiste internationale senior
chez Bonhams : « Figurant en
couverture du catalogue raisonné
de l’œuvre de l’artiste, rédigé par
Véronique Fromanger, cette pièce
unique est sa sculpture la plus
emblématique, exceptionnelle par
sa taille et sa merveilleuse patine. »
Né en 1884, Rembrandt Bugatti
choisit de se consacrer à la
sculpture animalière. Il trouve des
modèles exotiques dans les zoos
de Paris et d’Anvers. Des animaux
tels que le fourmilier, le tapir, la
cigogne marabout, le yack, le
rapace, l’éléphant, le lion et le
kangourou font leur entrée pour la
première fois dans l’histoire de l’art
européen en tant que sujets sculptés.
Après une longue observation,
il exécute ses sculptures sur le vif.
Sa capacité à capturer l’instant
présent, lui permet de saisir l’expression
et la posture de chacun,
créant ainsi des portraits d’une
incomparable vérité. C’est en 1903
que Bugatti, installé désormais à
Paris avec ses parents, découvre
le Jardin des Plantes. Il se rend
tous les jours à la Ménagerie pour
voir les animaux exotiques et les
grands prédateurs. Son attention
se porte sur les panthères qui sont
« ses compagnons de vie et de
travail ». Il prend le temps de les
observer tous les jours et travaille
in situ devant leurs cages.
Un Metsys s’envole
pour le Getty chez
Christie’s
Le 2 juillet, chez Christie’s à
Londres, le J. Paul Getty Museum
de Los Angeles s’emparait d’un
chef-d’œuvre redécouvert du
maître flamand Quentin Metsys
(1466-1530), la Madone aux cerises
(ca. 1520). Cette peinture sur panneau
établissait ainsi un nouveau
record d’enchères pour l’artiste,
en s’adjugeant 10,66 millions de
livres sterling (12,52 millions de
dollars), au cœur de l’estimation.
Le précédent record d’enchères
pour Metsys, considéré comme
le principal peintre anversois du
début du XVIe siècle, avait été
établi en 2020 avec la vente d’une
Madone en prière chez Lempertz,
à Cologne, contre 1,9 million de
dollars. Cette Madone aux cerises
est une des œuvres les plus
connues de l’artiste, dont quatre
autres variantes furent mises aux
enchères au siècle dernier. Déjà
reconnue comme un chef-d’œuvre
à son époque, cette composition
devint particulièrement célèbre au
XVIIe siècle, avant qu’on perde sa
trace. Le Getty possède déjà une
autre œuvre de Metsys, un Christ
de douleur, acquis en 2018.
88

64.288 € (frais inclus)
Suzanne Belperron, bague Boule, 1948, saphirs et diamants
montés sur or jaune. Aguttes, Neuilly-sur-Seine,
03-07. © Aguttes
356.000 £ (420.000 €)
Samuel van Hoogstraten, Perspective dans une
Galerie Ouverte (la Galerie Toscane), n. d., huile
sur toile, 138,2 x 118,6 cm. Bonhams, Londres,
03-07. © Bonhams
100.100 €
Jean-Michel Folon, Sans bagage, 2005,
bronze à patine brune, éd. 36/50, cachet
du fondeur Bronze Romain et Fils, 65 x 27 x
40 cm. Aguttes, Neuilly-sur-Seine, 04-07.
© Aguttes
Succès pour
Suzanne Belperron
chez Aguttes
Les six bijoux par Suzanne Belperron
(1900-1983) composant la
Collection Marinier, l’écrin Belperron
d’un couple de la Café Society,
atteignaient, à eux seuls 527.424
euros (frais inclus), chez Aguttes,
le 3 juillet. A ce sujet, l’experte
Philippine Dupré la Tour précisait,
à l’issue de la vente : « Les batailles
d’enchères autour des créations de
Suzanne Belperron sont à la hauteur
de son talent. En 20 ans, nous
avons pu voir les prix s’envoler, et
aujourd’hui, il s’agit de la signature
la plus prisée aux enchères, en ce
qui concerne les bijoux. » Contrairement
à la plupart des grands
joailliers, Suzanne Belperron ne
signait jamais ses bijoux. Dotée
d’une forte personnalité, elle avait
pour seul adage : « mon style
est ma signature ». Au début du
XXe siècle, elle fit partie des rares
femmes créatrices de bijoux, ce
qui était inattendu au point qu’il
faudra attendre de nombreuses
années pour que son œuvre
soit reconnu et s’impose en tant
que tel. Ses modèles atemporels
ont révolutionné le monde de la
parure ; ses matières, ses volumes,
ses créations effleurant parfois la
démesure, tant sur un plan artistique
que sculptural. Chez elle, si
le bijou se voulait parfois exubérant,
il n’en demeurait pas moins
élégant, sa créativité n’outrepassant
jamais la limite du bon goût,
clef du mystère Belperron. Inédits
sur le marché de l’art, les bijoux
proposées par Aguttes suscitaient
donc forcément l’enthousiasme
des amateurs. Un collier d’émeraudes
gravées décrochait ainsi
160.064 euros, après une longue
bataille d’enchères, plus que
triplant son estimation haute.
Autre belle envolée pour un
bracelet ‘‘nid d’abeille’’ en saphirs
et diamants. Les enchérisseurs se
disputaient cette création jusqu’à
150.880 euros. Une paire de
pendant d’oreilles marquait 65.600
euros, tandis qu’une bague Boule
emportait 64.288 euros.
Belle envolée pour
Van Hoogstraten
chez Bonhams
Le Hollandais Samuel van
Hoogstraten (1627-1678) fut l’un
des élèves les plus novateurs de
Rembrandt et parmi ses œuvres
les plus recherchées aujourd’hui figurent
ses remarquables trompel’œil,
ou ‘‘perspectives’’, comme le
tableau que proposait Bonhams
à Londres, le 3 juillet, qui constitue
un témoignage important de
l’imagination et de l’originalité
artistique de ce peintre, reflétant
sa profonde fascination pour la
perspective et l’illusion d’optique.
Ainsi, lorsque l’artiste vint travailler
à Londres, à la fin des années 1650
et au début des années 1660, son
travail fut très demandé et l’on sait
que cinq tableaux de cette période
ont survécu, dont cette œuvre. Les
grandes toiles en perspective de
cette période représentent toutes
des cours bordées de colonnes
de marbre, comme celle-ci. Ce
tableau constitue un bon exemple
de la manière dont Van Hoogstraten
a combiné ses intérêts
expérimentaux avec ses intérêts
littéraires. Il s’envolait vers de
nouveaux horizons à 356.000 livres
sterling (420.000 euros).
Beau résultat pour
une sculpture de
Folon chez Aguttes
« Je suis entré en sculpture fin
1989, pendant l’exposition du
Metropolitan », expliquait Folon
à Alechinsky en 1995. Si l’artiste
belge (1934-2005) y a expérimenté
tous les matériaux, ses premiers
personnages de bronze, où
chacun peut se reconnaître, sont
apparus au début des années
1990. Portant une valise, accessoire
récurrent de l’artiste, un exemplaire
était proposé le 4 juillet
par Aguttes, à Neuilly-sur-Seine.
Illustrant un de ses thèmes de prédilection,
le voyage, cette sculpture
était proposée contre une estimation
de 60.000 à 80.000 euros. On
en obtenait 100.100 euros.
Le Gantois Laurent
Delvaux en forme
chez Artcurial
Un des plus célèbres sculpteurs
flamands du XVIIIe siècle, inspiré
par le Bernin et l’Antique fut
Laurent Delvaux (1696-1778) qui
marqua de son empreinte l’art des
Lumières. Né à Gand, où il reçut
probablement sa formation initiale
auprès du sculpteur Jean-Baptiste
Van Helderberghe, après des
études à Bruxelles et un séjour à
Londres, il partit pour Rome en
1726 où il restera jusqu’en 1732. Il y
étudia les œuvres de ses compatriotes
Jean Bologne et François
Duquesnoy, des sculpteurs italiens
contemporains et du XVIIe siècle
et s’imprégna, entre autres, des
89

Focus
International
104.960 € (frais inclus)
Laurent Delvaux, L’Hercule Farnèse, Rome,
1728-1732, terre cuite, 51,8 x 20 x 17,5 cm.
Artcurial, 10-07. © Artcurial
44.600.000 $ (40.800.000 €)
Apex, squelette fossile de stégosaure, fin du Jurassique, ca. 161-46 millions
d’années, ca. 335 x 610 cm. Sotheby’s, New York, 17-07. © Sotheby’s Art
Digital Studio
EST. 3.000-4.000 €
Mario Minale, Red Blue Lego, 2007,
briques Lego®, EA. Bonhams Cornette
de Saint Cyr, Paris, du 02 au 13-09.
Bonhams
œuvres du Bernin et des sculptures
antiques, récemment découvertes,
dont il réalisa de belles
copies. Rentré dans les Pays-Bas
méridionaux, il y devint aussitôt
sculpteur de la Cour à Bruxelles.
Mais celle-ci se montrant avare
de commandes, il s’installa plutôt
à Nivelles où la célèbre abbaye
Sainte Gertrude lui confia de
nombreux travaux. L’œuvre en
terre cuite (modello ou bozzetto)
proposée par Artcurial, le 10 juillet,
compte parmi les copies qu’il réalisa
à la fin de son séjour romain.
Cet Hercule Farnèse, d’après la
copie romaine d’un original grec,
à l’époque exposée au palais Farnèse
mais conservée aujourd’hui
au musée archéologique de
Naples, était estimé entre 50.000
et 80.000 euros mais fut emporté
104.960 euros, avec les frais.
Un stégosaure
acquis au prix fort
par Ken Griffin
chez Sotheby’s
44,6 millions de dollars (40,8
millions d’euros) contre une
estimation de 4 à 6 millions de
dollars, c’est la somme faramineuse
que le milliardaire américain
Ken Griffin, fondateur et gérant
du hedge fund Citadel, n’a pas
hésité à déboursé, le 17 juillet
dernier, pour s’offrir un squelette
fossile de stégosaure, un des
dinosaures herbivores les plus
caractéristiques, reconnaissable
à ses grandes plaques dorsales
osseuses alternées. Jusqu’ici pourtant,
le milliardaire était surtout
connu pour ses acquisitions d’art
moderne et contemporain, son
portefeuille étant évalué à près de
800 millions de dollars et comprenant
plusieurs peintures faisant
partie des plus chères du monde.
Notamment, Rideau, cruchon et
compotier (1893) de Paul Cézanne,
payée 60 millions de dollars en
1999 ou Orange Marilyn d’Andy
Warhol, acquise 200 millions de
dollars en 2017. Réputé proche du
Parti républicain, il aurait, dit-on,
préféré s’offrir chez Sotheby’s ce
squelette de stégosaure, à un prix
record pour un fossile, plutôt que
de soutenir financièrement la candidature
de Donald Trump…
ON VENDRA
Vente Home and
Interiors chez
Bonhams
La première vente de la rentrée
chez Bonhams Cornette de Saint
Cyr est Home and Interiors, vente
en ligne organisée du 2 au 13 septembre.
Cette vacation proposera
des pièces de design français,
hollandais, italien et scandinave.
Un ensemble de plus de soixante
rares lampes, souvent de première
édition, est proposé dans une
importante section dédiée aux luminaires
de design, à des prix très
abordables (à partir de 500 euros).
C’est en 2000 que Job Smeets et
Nynke Tynagel fondaient Studio
Job, après avoir obtenu leur
diplôme de la Design Academy
d’Eindhoven. En quelques années,
les deux designers sont devenus
les pionniers contemporains de
l’expression personnelle, combinant
techniques modernes et traditionnelles
pour créer des objets
au design unique, rendus célèbre
par leur style iconique inspiré du
monde des dessins animés. Un
miroir Rock Mirror (2008), signé,
daté et numéroté 1/6, en bronze
doré 24 carats est proposé avec
une estimation de 5.000 à 7.000
euros, tandis qu’on attend entre
3.000 et 5.000 euros d’un lampadaire
Gold (2009), signé, numéroté
1/1, en bois, carton, papier et
feuille d’or 24 carats. Une Chaise
Red Blue Lego, réalisée en 2007
par Mario Minale (1973) s’inspire
de la chaise rouge et bleue (1923)
de Gerrit Rietveld. En utilisant des
briques Lego® comme matériau,
le designer fait référence à
l’intention initiale de Rietveld de
faire fabriquer cette chaise en
série. Cette épreuve d’artiste a été
réalisée par les éditions Droog (est.
3.000-4.000 euros). Un exemplaire
de ce modèle est conservé dans
les collections du Central Museum
d’Utrecht.
Design made
in Vienna au
Dorotheum
Depuis cinq générations,
Werkstätte Car Auböck a façonné
et continue de façonner comme
aucun autre atelier l’art autrichien
et le design de meubles. Ses créations
minimalistes caractéristiques,
réalisées dans le respect des traditions
artisanales, allient fonctionnalité,
innovation et modernité. Le
19 septembre, le Dorotheum en
proposera environ deux cents objets
en provenance de collections
autrichiennes. Il s’agit notamment
des légendaires tables en forme
d’arbre, de lampes, d’accessoires
pour la maison et d’objets de la vie
quotidienne, ainsi que de petits
meubles, dont la plupart furent
conçus dans les années 1950 et
1960. Ce style objectif et unique,
qui n’a pratiquement pas eu de
précédent en Autriche, est né à
Vienne au début du XXe siècle
et a fasciné les collectionneurs,
notamment aux États-Unis.
90

EST. 1.500 €
Carl Auböck, table arbre, ca. 1948-1952, bois et métal.
Dorotheum, Vienne, 19-09. © Dorotheum
EST. 400.000-600.000 €
Max Ernst, Trois montres ou La Horde, 1927,
huile sur toile, 46,5 x 39 cm. Christie’s, Paris,
24-09. © Christie’s Images Ltd.
EST. 30.000-50.000 €
Bergère royale, époque Louis XVI, livrée par
Jean-Baptiste Claude Sené pour Madame
Elisabeth, au palais des Tuileries en 1790, bois
laqué. Sotheby’s, Paris, 25-09. © Sotheby’s
Art Digital Studio
Les combinaisons de matériaux
proposées alors étaient totalement
inédites : le métal était utilisé avec
des éléments naturels tels que la
pierre, le bois, le cuir ou la corne.
« Carl Auböck II (1900-1957) et
son fils n’étaient pas seulement
des artisans ou des artistes/architectes,
ils combinaient plutôt deux
ensembles de compétences dans
leur travail », explique Nina Schedlmayer
dans le catalogue de l’exposition
ICONIC AUBÖCK au MAK
de Vienne (jusq. 06-01-2025). Les
liens avec le Bauhaus de même
que le séjour de Carl Auböck III
aux États-Unis eurent un effet
formateur. Carl Auböck II a d’abord
étudié à l’Académie des beauxarts
de Vienne, puis à Weimar, où
Walter Gropius fut son professeur.
Après avoir étudié l’architecture à
l’Université technique de Vienne,
Carl Auböck III (1924-1993) a suivi
un cours de troisième cycle au
célèbre Massachusetts Institute
of Technology de Boston. L’une
des créations les plus connues
et les plus convoitées d’Auböck,
au milieu du siècle, est la table
en forme d’arbre. L’esthétique
particulière de cet objet repose sur
le contraste des matériaux utilisés.
Le plateau de la table, fabriqué à
partir d’une seule pièce de bois
tout en conservant sa forme naturelle,
est soutenu par trois pieds de
métal qui confèrent au meuble sa
légèreté typique (est. 1.500 euros).
Le rotin tressé fut également très
apprécié pour la fabrication de
petits meubles, tels qu’une chaise
coque (600 euros) ou des tables
(à partir de 120 euros). Alors que
cuir et laiton étaient utilisés pour
les porte-journaux (de 150 à 400
euros), Carl Auböck a combiné la
corne et le laiton dans une paire
de serre-livres (200 euros) ou un
chandelier (200 euros). Auböck reçut
la médaille d’or de la Triennale
de Milan 1954 pour son Umkehrlampe
réversible. Un exemplaire
de ce lampadaire, dont l’abat-jour
peut être monté de deux manières
afin de créer des ambiances lumineuses
différentes, sera proposé
avec une estimation basse de 500
euros. Parmi les raretés, citons un
jeu d’échecs, conçu vers 1970-1980,
avec des pièces en corne et en
métal nickelé, et un échiquier en
cuir noir et blanc, ainsi qu’une
horloge de table décorative dans
un boîtier hémisphérique en noyer
(est. 900 euros chacun).
La Collection Paul
et Jacqueline
Duchein chez
Christie’s
Le 24 septembre, Christie’s Paris
présentera la vente de la Collection
Duchein, le théâtre de l’imaginaire.
La passion et l’originalité de ce
couple de collectionneurs se lisent
tout au long des 200 œuvres sélectionnées.
Ensemble, elles forment
un bel hommage au parcours et
à l’héritage artistique singulier de
deux figures profondément enracinées
dans leur ville, Montauban,
dont elles marqueront l’histoire.
Fortement imprégnée par le
surréalisme, la Collection Paul et
Jacqueline Duchein s’inscrit de fait
dans la série d’événements proposés
par Christie’s dans le cadre
des célébrations du centenaire
du mouvement à Paris. Ainsi, le
cœur de cette vacation se dessine
autour de Marie Toyen, Yves Tanguy,
Max Ernst, Wolfgang Paalen,
André Breton, Salvador Dalí, Victor
Brauner et, bien sûr, Man Ray.
La Collection
Saint-Sulpice chez
Sotheby’s
Sotheby’s Paris présentera, le 25
septembre, une vente dédiée à
une superbe et unique collection
de 168 lots, réunie par un amateur
d’arts décoratifs du XVIIIe siècle
pour une estimation de plus de
2,5 millions d’euros. Ce passionné,
doté d’un œil infaillible,
a su rendre hommage au grand
décor français et aux collections
parisiennes du XXe siècle, comme
celle de Jean Pétin. La collection
porte aussi une attention toute
particulière sur les provenances
historiques et royales. On y
compte ainsi des origines prestigieuses
comme celles de Louis
XVI pour le château de Compiègne,
de Madame Elisabeth
pour le Palais des Tuileries, du duc
de Penthièvre pour Chanteloup
ou des collections de Jean Pétin
et de Marie-Blanche de Polignac.
Les provenances de certains
meubles et objets les rendent
donc désirables, comme la suite
de trois chaises d’époque Louis
XVI par Jean-Baptiste Claude
Sené pour le salon des jeux de
Louis XVI au château de Compiègne
ou encore le coffret en
marqueterie Boulle provenant
de la collection Pétin. Plusieurs
bronzes d’exception seront aussi
présentés de même qu’une sélection
de tableaux et de dessins
anciens. De son côté, l’orfèvrerie
regorge de remarquables pièces
tel ce très bel ensemble de porcelaines
japonaises et chinoises
montées sur argent, datant de
la Régence, mais également une
très jolie tasse à deux anses en
agate avec monture en or.
91

3.750.000 €
La surprise du mois
Quels liens peut-on établir entre
l’empereur moghol Jahângîr
(1569-1627), fils d’Akbar le
Grand et père de Shah Jahan,
bâtisseur du fameux Taj Mahal, et Guillaume
III d’Orange (1650-1702) ? A priori
aucun, sauf à regarder de plus près le
‘‘portrait de sultan oriental’’ qui était
proposé chez Campo & Campo, à Anvers,
le 28 mai dernier et parvenait à attirer des
enchérisseurs du monde entier. Consignée
fin avril, cette petite huile sur panneau
du XVIIe siècle n’a apparemment rien
d’extraordinaire lorsque les experts de la
salle l’examinent, si ce n’est une marque
au fer au verso qui ne sera identifiée
qu’après l’impression du catalogue. Ce HW
couronné est finalement reconnu, grâce à
une marque comparable dans les collections
du Mauritshuis de La Haye, comme
étant le cachet identifiant la collection
de peinture du stadhouder Guillaume
III d’Orange, devenu roi d’Angleterre en
1689, suite à son mariage avec Marie II
Stuart (1662-1694). Une partie de cette
collection fut longtemps conservée dans le
palais de Honselaarsdijk, près de La Haye,
démoli en 1815. Forte de ces informations,
confirmées par le Mauritshuis, Campo
& Campo identifie le modèle représenté
comme étant Jahângîr, attirant l’attention
en Inde et suscitant un grand intérêt parmi
la diaspora indienne. Est-ce eux, comme le
pensent certains observateurs, qui ont fini
par pousser les enchères, d’une estimation
plus que modeste (2.000 à 3.000 euros)
jusqu’au prix stupéfiant de 3.750.000
euros ? A pareil montant d’aucuns ne
peuvent s’empêcher de spéculer sur l’identité
de l’auteur de cette œuvre. Serait-ce
une peinture de jeunesse de Rembrandt ?
On sait que le fameux natif de Leyde,
qui fit carrière à Amsterdam notamment
grâce à la réalisation de tronies et autres
portraits, s’est particulièrement intéressé
aux personnages orientaux, au point de
réaliser plusieurs portraits d’hommes en
costume oriental et de s’auto-portraiturer
de la sorte à plusieurs reprises tout au long
de sa vie. Maigre preuve ? Outre le prix
obtenu par Campo & Campo, qui correspond
grosso modo à celui d’une petite
œuvre de Rembrandt, les détails du visage,
notamment dans le rendu des oreilles et
du nez, font également penser au style
expressif du maître. L’avenir nous dira si
l’acheteur de cette œuvre, sans doute bien
informé, a eu raison de délier aussi largement
la bourse…
Anonyme (Rembrandt ?), Portrait de l’empereur
moghol Jahângîr, ca. 1630 ?, huile sur panneau, fer
au dos aux armes de Guillaume III d’Orange, 51 x
42 cm. Campo & Campo, Anvers, 28-05. © Campo
92

On a vendu
Belgique
13 & 14-05 1000 Francs et un bracelet Napoléon III chez Haynault
4.000 €
Banque du Congo belge, 1000 Francs,
10.04.47, signatures : Guillaume-
Charles, pêcheurs Wagenia, imprimé
par Waterlow & Sons Limited.
Est. 1.200-1.800 €. © Haynault
3.200 €
Banque de Belgique, 5 Francs,
signatures : Deswert-Anspach,
impression uniface en noir sur papier
vert, par Jean Jouvenel, 12,6 x 8,5 cm.
Est. 1.000-2.000 €. © Haynault
6.000 €
Important bracelet articulé Napoléon
III, or jaune 18 carats finement ciselé,
décoré d’émail bleu roi, centré d’un
motif de volutes entrelaçées, rehaussé
de trois diamants taille ancienne et de
six petits diamants taille rose, poinçon
: deux fois tête d’aigle, poinçon
de maître, poids total : 44,2 g. Est.
2.000-3.000 €. © Haynault
14 & 15-05 L’art chinois crée la surprise chez Vanderkindere
31.000 €
Attribué à Luca Signorelli,
Saint Jérôme, ca. 1515-1516,
huile sur panneau, 45 x
18 cm. Cette œuvre est à
mettre en parallèle avec
une paire de panneaux aux
dimensions proches, vendue
chez Christie’s en juillet 2016,
ainsi qu’avec La Vierge à
l’Enfant trônant entourée de
saints de la Pinacothèque de
Volterra et celle de la National
Gallery de Luca Signorelli.
Est. 12.000-18.000€.
© Vanderkindere
27.000 €
Lot de cinq jades, travail chinois, XIXe et XXe siècle,
comprenant : un vase, deux coupelles, dont une à
cerclage en argent, ainsi que deux «Oiseaux», en
deux parties, vase signé à six caractères. Est. 400-
600€. © Vanderkindere
7.200 €
Paravent à neuf feuilles, travail
chinois, ca. 1900, bois de fer sculpté
garni de soie brodée, 181,8 x 33 cm.
Est. 800-1.200 €. © Vanderkindere
18-05 Folon très demandé chez De Vuyst
170.000 €
Jean-Michel Folon, La pluie, 1999, sculpture/fontaine,
bronze à patine verte,
92,5 x 28 x 33 cm. Est. 80.000-120.000 €.
© De Vuyst
140.000 €
Paul Delvaux, Le rendez-vous d’Éphèse
II, 1972, aquarelle, dessin à la plume,
encre de Chine et aquarelle sur papier,
51,5 x 77,3 cm. Est. 140.000-180.000 €.
© De Vuyst
Plus de 600 œuvres, toutes
exceptionnelles, étaient adjugées
lors de la vente du 18 mai chez
De Vuyst. Le catalogue regorgeait
ainsi de merveilleuses sculptures,
installations, peintures, photographies...
Les amateurs du
monde entier enchérissaient sur
les œuvres les plus appréciées, ce
qui permit d’atteindre quelques
prix exceptionnels. Certaines
grandes sculptures, en particulier,
attiraient l’attention des collectionneurs
et se vendaient pour
des sommes impressionnantes.
Jean-Michel Folon, sculpteur qui
fit de sa vie un grand voyage, en
fut l’une des vedettes. Sa fontaine
La pluie (1999), où l’eau est un
complément essentiel du bronze,
séduisait plus d’un amateur.
Mais certaines autres œuvres du
sculpteur, des plus petites aux
plus grandes, étaient également
très convoitées.
93

On a vendu
Belgique
20-05
David Hockney à la Galerie Moderne
25-05
Singuliers atlas chez Van de Wiele
31.000 €
David Hockney, Sun, from the weather-serie,
1973, lithographie, 40/98, 85 x 71 cm. © Galerie
Moderne
5.000 €
Lita Cabellut, Angel Unica,
2016, technique mixte,
128 x 98 cm. © Galerie
Moderne
52.000 €
Jules Sébastien César, le Comte
Dumont d’Urville, Voyage de la
Corvette l’Astrolabe, Paris, 1830-1834.
Est. 45.000-50.000 €. © Van de Wiele
Auctions
42.000 €
Pieter Mortier I, Le Neptune françois,
ou Atlas nouveau des cartes marines,
Paris, 1693. Est. 40.000-50.000 €.
© Van de Wiele Auctions
26-05 Bretschneider s’envole chez MJV Soudant
68.000 €
Johann Bretschneide, Intérieur de collectionneur, 87 x 121 cm.
Est. 40.000-60.000 €. © MJV Soudant
14.000 €
Lombardie, attribué à Giovanni Angelo
del Maino (actif à Pavie de 1496 à
1536), important panneau représentant
Saint Léonard délivrant un captif,
ca. 1530, bois sculpté, polychromé et
doré, 88,5 x 85 cm. Est. 12.000-15.000€.
© MJV Soudant
8.500 €
Pierre Jean-Joseph Verhaghen,
La Sainte Famille avec Saint
Jean-Baptiste enfant et sainte
Elisabeth, 139,5 x 119,5 cm. Est.
4.000-6.000 €. © MJV Soudant
94

Collect-1/2pQ - sept FR+NL.qxp_320 9/08/24 15:41 Page1
VENTE PUBLIQUE
10 & 11 SEPTEMBRE à18h30
Huile sur toile "Portrait d'un jeune arlequin"
Signé en bas à droite Anto-Carte
HÔTEL DES VENTES DE MONTE-CARLO
Importante terrine couverte Louis XVI et son présentoir
Poinçon de Johannes Cornelius Hendrickx et de Malines datés (17)92
vente aux enchères
MOBILIER ET OBJETS D’ART, TABLEAUX ANCIENS ET XIX ÈME
COLLECTION DE DESSINS JOAILLIER WOLFERS
SAMEDI 19 OCTOBRE 2024
Invitation à Consigner
ANTOINE-FRANÇOIS GERARD
(1760 - 1843) attribué à
Le cerceau
Bas relief en cire
À décor d’une frise à l’antique
40 x 17 cm
Note :
Paris, Musée Louvre, départements des Objets d’Arts,
Numéro d’Inventaire OA 6075.
Pendule Directoire dite
"L'Afrique" en bronze
Début XIXème
EXPOSITION
VENDREDI 6, SAMEDI 7 ET DIMANCHE 8
SEPTEMBRE DE 10 À 18H
Exceptionnelle bague en platine
sertie d'un diamant
taille brillant de +/- 5.60 carats
THEODOR ROMBOUTS (1597-1637)
L’Homme à la pipe
Toile
140 x 100 cm
EXPERT ERIC TURQUIN
WWW.HVMC.COM
CABINET EN MARQUETERIE AU JASMIN
Dernier tiers du XVII ème siècle
171 x 121 x 54 cm
10 - 12 QUAI ANTOINE 1 ER - 98000 MONACO - 00 377 93 25 88 89
CONTACT
ARNAULT PIANO
00 377 93 25 88 89
APIANO@HVMC.COM
HOTEL DE VENTES VANDERKINDERE S.A.
CHAUSSÉE D’ALSEMBERG 685-687-1180 BRUXELLES
PARKING PRIVÉ • TÉL. 02 344 54 46
info@vanderkindere.com
w w w . v a n d e r k i n d e r e . c o m

On a vendu
Belgique
26-05 Trésors de Perse chez Haynault
5.800 €
Tapis Kasgaï, décor bayadère
de bandes polychrome
chargées de palmes mille
fleurs, bordure crème de
médaillons hexagonaux,
165 x 116 cm. Est. 300 x 500 €.
© Haynault
3.150 €
Carreau de revêtement,
Kashan, Iran, période
ilkhanide, XIIIe-XIVe
siècle, céramique, 38,3 x
42,7 cm. Est. 800-1.000 €.
© Haynault
27-05 Hommage aux artistes belges chez Bonhams Cornette
16.000 €
Maurice Wyckaert, La fleur. Est.
12.000-15.000 €. © Bonhams Cornette
9.000 €
Ado Chale, rare table, 1977, bois de
sequoia pétrifié. © Bonhams Cornette
85.000 €
Jean Michel Folon, L’amour sans
frontière, 2003, bronze à patine
brune, rouge et bleue, H. 51 cm.
Est. 55.000-75.000 €. © Bonhams
Cornette
17.000 €
Jo Delahaut, Composition
abstraite, 1953. Est. 6.000-8.000 €.
© Bonhams Cornette
27 & 28-05 Les bijoux en vedette chez Horta
17.000 €
Paire de dormeuses en platine,
agrémentées de diamants taille
ancienne pour ca. 5,10 carats, dont
deux diamants taille coussin de
ca. 2,20 carats chacun, L. 2,5 cm.
Est. 10.000-11.000 €. © Horta
12.500 €
Triptyque attribué à Marcellus
Coffermans (École anversoise), La
crucifixion flanquée de La bénédiction
de la Vierge à gauche et Noli me
Tangere à droite, XVIe siècle, huiles
sur panneau, 22,5 x 35 cm. Est. 8.000-
12.000 €. © Horta
12.000 €
Travail sicilien, attribué à Trapani,
médaillon en ivoire finement
sculpté représentant la Vierge à
l’Enfant adorée par un saint, dans
un encadrement de bois, corail
et nacre, XVIIIe-XIXe siècle, 30 x
20 cm. Est. 4.000-6.000 €. © Horta
22.000 €
René Boivin, broche en platine et or
blanc agrémentée d’un saphir jaune
taille briolette de ca. 20 carats et de
diamants taille brillant. Est. 10.000-
12.000 €. © Horta
96

Vente d’Art et du 20 au 23 septembre
d’Antiquités 2024
Johannes Akkeringa (1861-1942),
huile sur panneau,
des enfants sur la plage,
double signé en bas à droite,
dim. 21 x 26 cm
(avec cadre 41 x 46 cm)
Est. 6.000 - 9.000 €
SALLE DE VENTES MAISON JULES
VENTE D’ART, ANTIQUITÉS & VINTAGE
VENTE
SAM 21/09 & DIM 22/09 à 11h
L’exposition débute le 13/9 jusqu'à et y compris le 20/9
Collier ancien en corail rouge, cinq rangs, avec bicolore
serrure en or, 14 kt, sertie de corail rouge,
l. 45 cm, diam. perles environ 5-6 mm.
Est. 1.400 - 2.400 €
Début
ven. 20 sept. - 09h00
Fin
lun. 23 sept. - 18h00
Exposition du 20 au 23 septembre
Heures d’ouverture:
ven. 20 septembre au
lun. 23 sept. de 11h00 à 17h00
(dernier jour de la vente)
Dépôts pour la vente de décembre possibles sur
rendez-vous. Les enchères sont accessibles lors des
journées d’exposition, Bredestraat 23/23A, ou via
votre ordinateur.
BENGT LINDSTRÖM LUC PEIRE NORMAN BLUHM
HEILIG-KRUISPLEIN, ST.-AMANDSBERG (GAND)
Accès facile, proche du R4 (sortie Oostakker)
Grand parking devant la porte
SEDERT 1930
A bientôt dans notre salle de vente! www.veilingmaastricht.nl
Venduehuis Dickhaut B.V. I Bredestraat 23/23A I 6211 HA Maastricht
Tel 0031 43 321 30 95 I info@veilingmaastricht.nl
CATALOGUE ET INFOS :
www.maisonjules.be
info@maisonjules.be - Tel. 0475/45 86 23 & 0478/84 30 58

On a vendu
Belgique
28-05 Belles surprises chez Millon Belgique
13.000 €
Superbe et très long
sautoir Art nouveau,
or jaune 18 carats,
alternant maillons
aux formes végétales
en émail vert pâle
en plique-à-jour, et
maillons rectangulaires
à quatre côtés,
poids brut : 49,1 g.
Est. 2.500-3.500 €.
© Millon Belgique
46.000 €
Exceptionnelle perle
fine d’eau de mer,
en forme de goutte,
sans traitement,
couleur gris clair au
lustre bon, demipercée
pour être
montée en pendentif,
pendentif des
années 1880, platine
surmonté d’un
diamant taille old
mine (ca. 1,10 carats),
poids brut : 7,9 g.
Est. 15.000-30.000 €.
© Millon Belgique
11.500 €
Marwick & Markham,
Londres, XVIIIe
siècle, travail à
destination de
l’Empire Ottoman,
montre de poche
à double boîtier, or
jaune 18 carats, très
richement décorée
tant sur le boîtier
extérieur aux bords
découpés et émaillés
sur la ligne de
fermeture que sur la montre, mouvement mécanique
manuel à la clef, poids brut : 62,5 g. Est. 400-600 €.
© Millon Belgique
du 28 au 30-05
Une étude de Subleyras chez Carlo Bonte
Lors de la vente d’art et d’antiquités
de Carlo Bonte, les amateurs
livraient une bataille passionnante
pour une étude à l’huile sur panneau
attribuée à Pierre Hubert
Subleyras (1699-1749), portant
la marque d’un sceau au verso.
Ce panneau rapportait 65.000
65.000 €
Pierre Hubert Subleyras, étude à
l’huile sur panneau, 30 x 22 cm, avec
marque de sceau au verso. © Carlo
Bonte Auctions
euros. Les peintres de Laethem
représentés obenaient quelques
beaux résultats : La ferme Tempelhof
de Valerius De Saedeleer
était ainsi adjugée 8.000 euros,
tandis que l’émouvante sculpture
en bois Baigneuse I (H. 40 cm)
de George Minne changeait de
mains à 26.000 euros. La célèbre
œuvre de George Minne Les
saintes femmes au tombeau,
exécutée en plâtre ébénisé et
datée de 1896, était adjugée 9.000
euros. De son côté, la première
partie du ‘‘fond d’atelier’’ de Pol
Spilliaert (1935-2023) suscitait
également un vif intérêt, tant
en Belgique qu’à l’étranger : sa
Danse mexicaine en bronze poli
était adjugée 7.000 euros tandis
qu’une sculpture en polyester en
trois parties (Sans titre) quittait la
salle contre 8.000 euros. La suite
de cette collection sera proposée
en octobre et en février. La
rubrique Asie atteignait, elle aussi,
quelques sommets : par exemple,
un vase lune en porcelaine bleue
et blanche (style Ming), décoré
d’œillets et d’asters, était adjugé
26.000 euros, tandis qu’une impressionnante
figurine de Guandi
s’adjugeait 7.500 euros.
01-06 Le Deweer Gallery Estate chez De Vuyst
120.000 €
Jan Fabre, Le Médium (lit), 1979, installation
avec lit en métal, couverture et coussin colorés
au stylo à bille bleu Bic. Est. 130.000-180.000 €.
© De Vuyst
370.000 €
Jan Fabre, Umbraculum, 2001, installation de
37 objets. Est. 400.000-600.000 €. © De Vuyst
55.000 €
Panamarenko, Île, 2004, sculpture en plexiglas, cellules
solaires, aluminium et bois, diam. 180 cm. Est. 60.000-
80.000 €. © De Vuyst
98

VENTES D’AUTOMNE 2024
20 SEPTEMBRE
LIVRES AUTOGRAPHES
ESTAMPES ANCIENNES
21 SEPTEMBRE
ESTAMPES MODERNES
ESTAMPES CONTEMPORAINES
Longus. Daphnis & Chloé. 2 vol. Paris
1961. Avec 42 lithographies en couleur
par Marc Chagall. Ex. 237/250.
Cäcilienstrasse 48 · 50667 Cologne · Tel. +49-221-257 54 19 · venator@lempertz.com · www.venator-hanstein.de
AAA-Sept24-V&H-french.indd 1 26.07.24 15:55
VENTE XXXV : ANTIQUITES ET OBJETS D’ART 22/09 À 13H
Exposition du 19 au 21 septembre de 10 à 18 heures
Nous recherchons de
belles pièces pour nos
futures ventes. Notre
réclame : Nos résultats !
Expertises gratuites
partout en Belgique.
Trois adresses fixes
pour vous accueillir
Informations
sur notre site
Henri Victor WOLVENS (1896-1977)
La salle de restaurant aux chaises rouges, 70 x 100 cm
Toon DUPUIS (1877-1937)
Marbre grandeur nature, 141 cm
Vous pouvez à tous moments
nous envoyer des photos sur :
expertises@mjvsoudant.be ou par
Whatsapp : +32.495.25.16.20
Pour une relation directe avec
nos experts en art asiatique :
asie@mjvsoudant.be
Salle de vente Gerpinnes : 52 rue de Bertransart | Bureau de Woluwe Saint Pierre : 177 rue au bois | Bureau de Nivelles : 31 rue de Saintes
Tel. +32 71 50 59 95 | +32 495 25 16 20 | info@mjvsoudant.be | www.mjvsoudant.be

On a vendu
Belgique
08-06 Art moderne chez Damien Voglaire
46.000 €
Eugène Leroy,
Autoportrait,
1972, huile
sur toile,
92 x 65,5 cm.
Est. 20.000-
30.000 €.
© Damien
Voglaire
24.000 €
Stéphane
Mandelbaum,
Femme Bira et
prédelle aux
bustes, 1979,
mine graphite
sur papier, montée
sous cadre
en bois, 69 x 60
cm. Est. 15.000-
20.000€. ©
Damien Voglaire
7.500 €
Jean Tinguely,
Composition
n°1, 1959, dessin
double-face
aux feutres de
couleurs, 66,5
x 66,5 cm. Est.
1.000-1.200 €.
© Damien
Voglaire
10-06 Anto Carte convainquant chez Haynault
42.000 €
Anto Carte, Le jardinier, huile sur
toile, 50 x 40 cm. Est. 15.000-25.000 €.
© Haynault
23.000 €
Anto Carte, Portrait de femme
devant une péniche, huile sur toile,
50 x 40 cm. Est. 15.000-25.000 €.
© Haynault
5.600 €
Pierre Paulus, Ramasseuse de
charbon, huile sur toile, 100 x 80 cm.
Est. 5.000-6.000 €. © Haynault
8.200 €
Egypte, aiguière, milieu du XIXe
siècle, son support et son bassin en
argent à décor floral stylisé gravé,
tughra du Sultan Abdülhamid II
(R. 1876-1909), H. 45 cm. Est. 400-
600 €. © Haynault
10-06 Succès pour des cavalières chez Amberes
36.000 €
Grand plat à décor continu de dames
à cheval et de guerriers dans un paysage
fluvial, époque Kang-he, diam.
55 cm. Est. 1.000-1.500 €. © Amberes
11.000 €
Claude Wesel pour Demaret, paire
de clips d’oreilles, or et diamants,
décorés de perles. Est. 2.000-2.500 €.
© Amberes
10.000 €
Maurice Wyckaert, Le nuage mère,
1974, toile, 100 x 120 cm. Est. 3.000-
5.000 €. © Amberes
9.200 €
Éléphant avec howdah, Maure et
kornak, fin du XIXe siècle, figurine
en émail et cristal de roche sur socle
octogonal, 35, 5 x 31 x 15 cm. Est.
1.500-2.000 €. © Amberes
100

14.09
AUCTIONS
VENTE PUBLIQUE de bijoux, tableaux, ...
Exposition des lots du 12 au
14 septembre.
s c u l p t u r e s d e j a r d i n
EXPO
JEUDI 19
- SAMEDI 21
septembRE
ELLERMANSTRAAT 36-38
2060 Anvers
SAMEDI 28
DIMANCHE 29
septEMBRE
AUCTION
Vente le samedi 14 septembre à 13h.
Enchérissez en salle, par téléphone,
par ordre d’achat ou en LIVE sur Drouot.
ACCÈS AU CATALOGUE
montdepiete.be
tel: +32 9 224 14 40
mail: dvc@dvc.be
Vente : 3-4 septembre 2024
Asiatique, vintage, bijoux, antiquités
Huile sur toile d’Emile CLAUS (1849-1924)
« Ferme dans le paysage ».
Estimation : €3000 - €5000
Paire de vases chinois en
porcelaine Famille rose, XIXème
siècle. Hauteur : 64 cm
Estimation : €3000-€4000
Dépôt d’objets avant le 15 octobre pour notre vente aux enchères
internationale de Decembre 2024.
Ostantix Auctions BV | Torhoutsesteenweg 553 | Belgie – Oostende 8400
info@ostantix-auctions.com | www.ostantix-auctions.com | 0494 262 147
Mont-de-Piété 19 Rue Saint-Ghislain,1000 BXL

On a vendu
Belgique
du 11 au 18-06
The Europe car sale pour Bonhams
244.160 € (frais inclus)
2010 Lamborghini Murciélago LP640
Roadster. Est. 200.000-240.000 €.
© Bonhams
229.600 € (frais inclus)
1967 Iso Grifo GL Series I Custom.
Est. 250.000-350.000 €. © Bonhams
210.000 € (frais inclus)
1970 De Tomaso Mangusta.
Est. 180.000-250.000 €. © Bonhams
168.560 € (frais inclus)
1967 De Tomaso Vallelunga.
Est. 250.000-350.000 €. © Bonhams
15 & 16-06 Un Picasso à la Maison Jules
23.000 €
Pablo Picasso, Trois têtes II, 1969,
dessin à l’encre. Est. 16.000-24.000 €.
© Maison Jules
5.000 €
Pjeroo Roobjee, Quelque part dans
la campagne, 1978, huile sur toile.
Est. 2.600-3.400 €. © Maison Jules
La vente de juin de la Maison
Jules proposait un mélange
d’œuvres et d’objets attrayants.
Le coup de cœur en était sans
conteste un dessin original à
l’encre réalisé par Picasso en 1969,
Trois têtes II, estimé 16.000 euros
et vendu 23.000 euros. Une huile
sur toile, nature morte avec globe
de la symboliste française Louise
Alexandra Desbordes-Jonas, estimée
300 euros s’envolait à 5.500
euros. Quant à lui, l’artiste gantois
Pjeroo Roobjee obtenait 5.000
euros d’une grande toile (200 x
200 cm) intitulée Quelque part
dans la campagne (1978). Pour
la plus grande œuvre graphique
de Roger Raveel, Le sentiment et
les choses (1983), estimée 2.000
euros, 4.000 euros étaient déboursés
tandis que son compagnon
de route, Etienne Elias, obtenait la
somme honorable de 3.800 euros
d’une huile sur toile intitulée Le
jardinier. Le score du regretté designer
italien Gaetano Pesce était
également remarquable, puisqu’il
obtenait la jolie somme de 4.600
euros de sa Green Street Chair,
estimée 1.200 euros. D’autres
grands noms étaient également
représentés, comme Ensor (5.000
euros pour une grande œuvre
académique au fusain), Xavier
De Cock (4.500 euros pour l’huile
sur toile intitulée Printemps),
Joseph Willaert (3.000 euros pour
la gouache Pigeon voyageur) et
Joe Colombo (2.800 euros pour la
Lounge chair Elda).
17-06 Wim Delvoye domine chez Bonhams Cornette
130.000 €
Wim Delvoye, Nautilus, 2013,
pièce unique en acier inoxydable.
Est. 100.000-150.000 €. © Bonhams
Cornette
50.000 €
Wim Delvoye, Concrete Mixer (scale
model 1:4), 2010, sculpture en acier
corten nickelé découpé au laser.
Est. 50.000-80.000 €. © Bonhams
Cornette
32.000 €
Jose Maria Sicilia, La luz que se
apaga, 2003, acrylique et cire d’abeille
sur bois, 184 x 156 cm. Est. 25.000-
35.000€. © Bonhams Cornette
32.000 €
Tony Cragg, Can 2000, bronze à patine
noire numéroté 5/6. Est. 25.000-
35.000 €. © Bonhams Cornette
102

18 & 19-06 Un paysage attribué à Brueghel chez Vanderkindere
85.000 €
Attribué à Jan Ier Brueghel dit de
Velours, Paysage à la fermette animée
en bord de rivière, huile sur cuivre,
portant au dos la marque du fabricant
de cuivres Pieter Stas (1587-1610), à
Anvers, 11,8 x 16,8 cm. Est. 12.000-
18.000 €. © Vanderkindere
19.500 €
Grand vase à section carrée, Chine,
dynastie Ming, XVIIe siècle, marque
Jiajing à six caractères en bleu sous la
base, décoré d’un «Paysage lacustre
animé» et de «Calligraphies», porcelaine
bleue et blanche, H. 52,5 cm. Est.
2.000-3.000 €. © Vanderkindere
8.000 €
Jean Boullet, Le Marin, huile sur
toile, 100 x 80 cm. Est. 2.000-
3.000 €. © Vanderkindere
3.000 €
Augustus Wynants (att.), Vue de ville
animée, début du XIXe siècle, huile
sur panneau de chêne renforcé,
33,5 x 40 cm. Est. 400-600 €.
© Vanderkindere
du 18 au 20-06
Le ‘‘Vase d’anniversaire’’ surprend chez Bernaerts
45.000 €
Michael Neher, L’hôtel de ville de
Louvain, 1857, huile sur toile (doublée).
Est. 60.000-80.000 €. © Bernaerts
34.000 €
Maître de Paulus et Barnabas, Portement
de croix, ca. 1535-1540, huile
sur panneau, avec restaurations. Est.
12.000-15.000 €. © Bernaerts
22.000 €
Table console, Angleterre, période
George I/II, ca. 1730-1740, acajou avec
plateau en marbre gris moucheté.
Est. 1.500-2.000 €. © Bernaerts
45.000 €
Vase de forme balustre à décor figuratif
(vase d’anniversaire), Chine, Jingdezhen,
dynastie Qing (1644-1911),
période Kangxi, porcelaine à décor
bleu sous glaçure. Est. 8.000-12.000 €.
© Bernaerts
19-06 Rare design pour Piasa à La Patinoire Royale
29.957 € (frais inclus)
Serge Mouille, applique à deux bras
de lumière, modèle créé vers 1955,
métal laqué et laiton, 61 x 280 x 37 cm.
Est. 12.000-18.000 €. © Piasa / photo :
Xavier Defaix
26.050 € (frais inclus)
Pierre Chapo, table modèle T22 dite
Œil, créée en 1972, édition Meuble
Chapo, date de production : années
1990-2000, orme, 46 x 175 x 130 cm.
Est. 8.000-12.000 €. © Piasa / photo :
Xavier Defaix
26.050 € (frais inclus)
Flemming Lassen, paire de fauteuils,
modèle créé vers 1940, édition Jacob
Kjaer, teck et textile, 77 x 75 x 61 cm.
Est. 12.000-18.000 €. © Piasa / photo :
Xavier Defaix
18.235 € (frais inclus)
Christian Astuguevieille, Ilbal Il 1837,
prototype, modèle créé en 1997,
buffet en corde de chanvre et chêne,
100 x 120 x 45 cm. Est. 12.000-18.000 €.
© Piasa / photo : Xavier Defaix
103

On a vendu
Belgique
19 & 20-06 Vases et reliquaires chez Flanders Auctions
12.000 €
Quatre thèques scellées contenant
des reliques de Jésus-Christ
ou de sa famille, des objets de la
passion et la Sainte-Croix, chacune
d’une hauteur d’environ
4 cm. Est. 400-600 €. © Flanders
Auctions
2.500 €
Jacques & Dani Ruelland, Vases, XXe-
XXIe siècle, céramique émaillée turquoise,
H. 41 cm, produit de la vente
intégralement versé à la Fondation
Pelicano, qui lutte contre la pauvreté
des enfants. Est. 1.500-2.500 €.
© Flanders Auctions
21 & 22-06 La Collection Harry Dewit chez Elsen
13.000 €
Pays-Bas autrichiens, François II,
double souverain d’or, 1793, Bruxelles.
Est. 7.500 €. © Elsen
7.000 €
Siège de Bruxelles par Alexandre
Farnèse, monnaie de nécessité de 2
florins, 1584. Est. 5.000 €. © Elsen
6.000 €
Macédoine, Alexandre le Grand, statère
d’or, frappe posthume, ca. 250 av.
JC, Callatis. Est. 1.500 €. © Elsen
6.000 €
Pays-Bas espagnols, méreau en laiton
de Melchior Waerbeeck, monétaire à
Anvers. Est. 100 €. © Elsen
24 & 25-06 Les peintres de l’Ecole belge se distinguent chez Horta
13.000 €
Théo van Rysselberghe, Portait
présumé de Monsieur Dewinter,
huile sur toile, 105 x 85 cm.
Est. 8.000-12.000 €. © Horta
10.000 €
Alphonse Mucha, Les Arts
(muses de la Poésie, la
Musique, la Danse et la
Peinture), 1898, estampes,
impressions sur satin, 57 x
36,5 cm. Est. 6.000-8.000 €.
© Horta
54.000 €
Willy Schlobach, Jour ensoleillé en bord de mer, huile sur
toile, 61 x 91,5 cm. Est. 3.500-5.000 €. © Horta
16.000 €
Jacques François Carabain, Marché aux
fleurs devant la Maison du Roi sur la
Grand Place de Bruxelles, 1921, huile sur
toile, 90 x 130 cm. Est. 12.000-15.000 €.
© Horta
104

PROCHAINE VENTE
Lundi 30 septembre à 15h
Florilèges II:
Tableaux, Mobilier
& Objets d’Art
NOS PROCHAINES VENTES :
Ventes Online :
Du 1er au 10 septembre : Livres anciens , modernes
(Pléiade) et illustrés (Foujita), BD
Du 1er au 17 septembre : Collections & Successions
Du 1er au 24 septembre : Vente Généraliste
Vente Publique :
Mercredi 02 octobre à 18h30 : Belle Vente Cataloguée
( Tableaux – mobilier – Objets d’art – Pendule …..)
www.legia-auction.com
LEGIA-AUCTION, rue de Cras-Avernas, 12
4280 Hannut - 019/63 55 59 - contact@legia-auction.com
EXPOSITION
Vendredi 27.09 10 à 18h
Samedi 28.09 10 à 18h
Dimanche 29.09 10 à 18h
9 rue de Stalle
1180 Uccle
www.haynault.be
02 842 42 43
CONTACT
Rodolphe de Maleingreau d’Hembise
rdm@haynault.be
Bertrand Leleu
bl@haynault.be
René MAGRITTE (1898 - 1967)
La Joconde (Mona Lisa),
sculpture en bronze
LIVRES, DESSINS, GRAVURES ET PEINTURES
estampes Ensor, Spilliaert, Delvaux, Peire
surréalisme et art conceptuel
Magritte, Broodthaers, Buren, Kosuth
impressions anciennes thomas More, Utopia (1518)
Boccaccio (1487) • Pline (1518), enluminé
atlas Doppelmayer, 1742
Livres de villes italiennes de Blaeu, 1697
livres illustrés Piranesi, Le Hay
VENTE 18-19 OCTOBRE 2024
Groeninge 34, 8000 Bruges Tél. +32 478 99 55 25
auctions.vandewiele@proximus.be www.vdw-auctions.com

On a vendu
Belgique
25-06 Hommage au corps masculin chez Bonhams Cornette
25.000 €
Constant Ambroise Roux, La colère
d’Achille, sculpture. Est. 3.000-
5.000€. © Bonhams Cornette
19.000 €
Auguste Rodin, torse d’homme
dit torse n°748, 1880-1885, bronze
à patine brun foncé, H. 22,8 cm.
Est. 12.000-18.000 €. © Bonhams
Cornette
16.000 €
Tom of Finland, Untitled
( panneau 6 de Sex in the
Shed), 1975. Est. 15.000-
25.000 €. © Bonhams Cornette
12.000 €
Sarah Lucas, Beer Can Penis, 1999. Est.
3.000-5.000 €. © Bonhams Cornette
25-06 Un suiveur de Breughel surprend chez Millon Belgique
18.000 €
École flamande, suiveur de Jan
I Brueghel, XVIIe siècle, Paysage
animé avec roulette, huile sur cuivre,
36 x 25 cm. Est. 4.000-6.000 €.
© Millon Belgique
du 27 au 29-06
Catéchisme chez Arenberg Auctions
26.000 €
James Ensor, Vase avec
fleurs, 1940, une huile sur
toile redécouverte, dédiée
à la famille Demoulière,
18,9 x 12,4 cm. Est. 10.000-
12.000 €. © Arenberg
Auctions
19.000 €
Albrecht Dürer, Vingt
gravures sur bois de la
Petite Passion, ca. 1511,
12,6 x 9,6 cm chacune.
Est. 8.000-10.000 €.
© Arenberg Auctions
8.000 €
Willem Jansz Blaeu, Nova totius terrarum
orbis geographica ac hydrographica tabula,
Amsterdam, 1649, mappemonde coloriée
à la main et ornée de 22 décorations allégoriques,
41 x 54,7 cm. Est. 6.000-8.000 €.
© Arenberg Auctions
20.000 €
Alexandre de Rhodes, Catechismus pro iis, qui volunt
suscipere baptismum (...). Ope sacrae Congregationis
de Propaganda Fide in lucem editus (…), Rome, 1651,
rare première édition d’un catéchisme vietnamien
avec texte latin-annamite en parallèle. Est. 800-
1.000 €. © Arenberg Auctions
106

08-07 Prix étonnant chez Millon Belgique
2.100 €
Boucle d’oreille incomplète en
or jaune et blanc 18 carats, ornée
d’un diamant taille old European
ca. 1,5 ct., poids brut : 2,2 g. Est.
600-800 €. © Millon Belgique
1.350 €
Claude Wesel pour Demaret, grande
bague en or jaune moulé 18 carats
ornée d’un grand saphir de synthèse
de couleur violette tirant sur le rose,
1962-1963, poids brut : 30,5 g. Est. 500-
700 €. © Millon Belgique
21-07 Delahaut s’impose chez MJV Soudant
6.000 €
Léon Spilliaert, Fillette au nœud
rouge, 1921, crayon, aquarelle,
gouache, encre de Chine sur papier,
75,5 x 55 cm. Est. 6.000-8.000 €.
© MJV Soudant
5.000 €
Auguste Mambour, Les deux africaines
enlacées, au dos figurent une
étude de femme et une étude d’africaine
à la poitrine dénudée, huile
sur toile double face, 80 x 63 cm. Est.
4.000-5.000 €. © MJV Soudant
14.000 €
Jo Delahaut, Composition géométrique, 1961, huile sur toile, 40 x 50 cm.
Est. 2.000-3.000 €. © MJV Soudant
5.000 €
Paul Delvaux, La Roche, 1930, aquarelle,
52 x 73 cm. Est. 5.000-6.000 €.
© MJV Soudant
4.400 €
Jane Graverol, Nature morte, 1937,
huile sur toile, 39 x 52 cm. Est. 800-
900 €. © MJV Soudant
107

On vendra
Belgique
01 & 02-09
Varia pour MonsAntic
03 & 04-09
L’Asie pour Ostantix Auctions
Ostantix Auctions annonce pour sa vente de septembre une sélection
exclusive en art asiatique, antiquités, bijoux et porcelaine.
EST. 4.000-6.000 €
Imposante paire de vases,
Chine, porcelaine de Famille
Rose, à décor de scènes de
palais, H. 87,5 cm. © Ostantix
Auctions
EST. 3.000-4.000 €
Ensemble de cinq pièces de cabinet, Japon,
style Imari, porcelaine émaillée, H. 40 et
61 cm. © Ostantix Auctions
EST. 600-800 €
Arnould Beth, Composition,
marbre, H. 75 cm. © MonsAntic
EST. 400-600 €
John Godenne, Composition, 1963,
huile sur panneau, 60 x 40 cm.
© MonsAntic
EST. 6.000-8.000 €
François Musin, Tempête en
mer, huile sur toile, 126 x 75 cm.
© Ostantix Auctions
Parmi la grande diversité des lots proposés à Mons, en ce début
du mois, on verra quelques tableaux, notamment des œuvres
signées Emile Van Doren (1865-1949) et John Godenne (1930-1965),
mais aussi une sculpture en marbre d’Arnould Beth (1930-2016), de
même qu’une bague en platine sertie d’une tourmaline (rubellite)
d’env. 4,48cts entourée de diamants (avec certificat AIG) (est. 600-
800 euros), ainsi qu’une médaille de Grand Officier de l’Ordre de
Léopold II, en argent 925/1000 (est. 500-700 euros).
09 & 10-09 Art moderne chez Horta
EST. 50.000-75.000 €
Wilfredo Lam, L’oiseau, 1950, huile et
fusain sur toile, 74 x 60,5 cm. © Horta
EST. 12.000-15.000 €
Léon Spilliaert, Marine avec ciel nuageux, 1935,
aquarelle sur papier, 34 x 42 cm. © Horta
Lors de sa vente cataloguée de rentrée, la
salle Horta annonce un important ensemble
d’œuvres modernes et contemporaines,
notamment une importante huile et fusain
sur toile de Wilfredo Lam (1902-1982), intitulée
L’oiseau (1950), qu’on estime entre 50.000
et 75.000 euros. A noter également, un ensemble
d’œuvres de Léon Spilliaert, dont une
belle marine de 1935, estimée 12.000 à 15.000
euros. Du côté du mobilier, on annonce
une intéressante console du designer belge
Olivier De Schrijver (1958), estimée 7.500 à
10.000 euros. Signalons aussi, au rang des
bijoux, un intéressant diadème à transformation
de la fin du XIXe siècle, dessinant des
feuilles de laurier, qu’on estime entre 15.000
et 18.000 euros. Du côté des maîtres anciens,
une charmante école française du XVIIIe
siècle, d’après Nicolas Lancret, représentant
Le jeu de colin-maillard, est estimée entre
5.000 et 7.000 euros.
108

AUCTIONS &
COLLECTIONS
200X132 LOUIZA v2.qxp_Mise en page 1 13/08/2024 07:41 Page1
Exposition privée et collecte des lots
sur rdv uniquement
Nous prenons en compte demandes
de lignes téléphoniques et ordre d'achat
VENTE ONLINE : www.liveauctioneers.com
www.drouot.com - www.invaluable.com
www.lot-tissimo.com - www.auction.fr
n
-
SAMEDI 28 SEPTEMBRE 2024
À 14H00
TABLEAUX & SCULPTURES
CONTEMPORAINS
STREET ART
VENTE AUX ENCHERES EXCLUSIVEMENT
ONLINE ET PAR TELEPHONE
JEAN-LUC MOERMAN (Né en 1967)
Frais acquéreur :
29%TTC (29 % en Live)
www.louizaauktion.com
LOUIZA AUKTION & Associés
www.louizaauktion.com

On vendra
Belgique
10 & 11-09 Offre intéressante chez Vanderkindere
Plusieurs pièces d’orfèvrerie sont
proposées, en cette rentrée, en la salle
Vanderkindere. On notera ainsi une
importante terrine couverte Louis XVI
et son présentoir en argent et bronze
doré, richement décorée au poinçon de
Malines, en provenance de l’ancienne
collection des barons de Meester de
Ravestein. On annonce également le
Portrait d’un jeune arlequin, signé en
bas à droite Anto Carte, œuvre de 1949.
Johannes Cornelius Hendrickx, Malines,
Terrine couverte et son présentoir, 1792,
style Louis XVI, argent et bronze doré,
43,5 x 27 x 24,5 cm. © Vanderkindere
Pendule ''L’Afrique''
ou ''Au bon sauvage'',
style Directoire, France,
début du XIXe siècle,
bronze à patine brune
et dorée, H. 46 cm.
© Vanderkindere
Anto Carte, Portrait d’un
jeune arlequin, 1949,
huile sur toile, 50 x 40 cm.
© Vanderkindere
10 & 17-09 Ventes en ligne chez Legia
Robot, figurine de manga en pvc.
© Legia
En cette rentrée de septembre,
Legia procède à plusieurs ventes
en ligne, dont la première ayant
pour thème les livres anciens,
livres modernes, la Pléiade et les
bandes dessinées se clôture le
10 du mois. Issus de différentes
bibliothèques, un grand in-folio
de Robert-John Thornton, avec
de grandes illustrations botaniques,
publié à Londres entre
1799 et 1805, est estimé 10.000
euros. Une importante collection
de volumes de la Pléiade, dont
les albums (collection complète
de 1962 à 2021 ), est estimée 1.200
euros. Daudet, Gide, Mérimée,
Baudelaire, Anatole France, et
de nombreux autres grands
écrivains français sont également
à l’honneur, aux côtés d’un
nombre important d’ouvrages
édités sur l’horlogerie, de
nombreux volumes sur l’Art et le
mobilier, de même qu’une belle
série d’atlas anciens. La deuxième
vente se clôture le 17 du
mois et a pour thème Collections
& Successions. On y trouve un
important ensemble de petits
flacons à parfum de grandes
marques comme Guerlain,
Givenchy, Chanel ou Lancôme…
On y joint un ensemble de livres
sur le sujet. Suit une collection
de modèles réduits de voitures
de courses et motos, une collection
de casques de motos griffés,
des mangas en pvc, des supports
publicitaires de film comme Star
Trek, Star Wars, de l’art de la
table, des bijoux fantaisie, des
montres, des objets de fouille et
une belle suite de cannes.
11 & 12-09 Exceptionnelle table pour Flanders Auctions
Au sein de l’offre en art, antiquités et design de
la vente de septembre organisée par Flanders
Auctions, on trouve quelques lots remarquables :
Gabriel Argy-Rousseau, grand nom de la verrerie
t, a réalisé en 1926 des Lions en pâte de verre (est.
6.000-8.000 euros) ; à noter également une table de
salle à manger d’une taille exceptionnelle (L. 473 cm)
datant du XVIIe ou XVIIIe siècle, avec plateau en
noyer d’une seule pièce, les quatre pieds reliés par
des pièces de fer forgé de style espagnol. Cette table
est estimée entre 12.000 et 15.000 euros ; mentionnons
également une paire de cervidés décoratifs,
statues de jardin en béton à la belle patine de
mousse, estimée entre 1.500 et 2.500 euros.
EST. 12.000-15.000 €
Exceptionnelle table de salle à manger, XVIIe-XVIIIe
siècle, plateau en noyer d’une seule pièce, L. 473 cm.
© Flanders Auctions
EST. 6.000-8.000 €
Gabriel Argy-Rousseau, Lions,
ca. 1926, pâte de verre, H. 22 cm.
© Flanders Auctions
110

C R -Art Auctions
VEILINGHUIS
Florent Willems Jean Ransy Évariste Carpentier
VENTE OCTOBRE 2024
Thomire & Cie and Louis Moinet, Paris circa 1850.
Overleiestraat 126B, 8530 Harelbeke, België
Tel:+32 56 903 240
info@cr-art-auctions.be
Complete catalog on:
cr-art-auctions.be

On vendra
Belgique
14-09 Keith Haring au Mont-de-Piété
De beaux bijoux, des montres de luxe (Rolex,
Cartier, Chopard, Hermès), des tableaux et
nombre d’autres lots exceptionnels sont à saisir.
Parmi les lots proposés, on note un dessin sur
papier de Keith Haring, avec certificat, estimé
2.600 euros.
EST. 2.600 €
Keith Haring, dessin sur papier au marqueur acrylique,
21 x 29,5 cm. © Mont-de-Piété
Est. 800 €
Broche, or jaune 18 carats et aigue- marine,
poids : 27,8 gr. © Mont-de-Piété
21 & 22-09 Une vedette mondiale à la Maison Jules
EST. 12.000-18.000 €
Norman Bluhm, White Squall, 1963,
huile sur toile. © Maison Jules
EST. 13.000-15.000 €
Luc Peire, Oujda, 1975, huile sur toile.
© Maison Jules
La vente de septembre à la
Maison Jules peut s’enorgueillir
d’un chef-d’œuvre de classe
mondiale : une grande huile
sur toile de l’expressionniste
abstrait Norman Bluhm, White
Squall (1963). Bengt Lindström
est présent avec La Confidence,
toile de 1997, aux côtés d’œuvres
de Constant Permeke, José
Vermeersch (terre cuite), Ensor,
Malfait, Luc Peire, Saverys, Anna
De Weert, Jan Burssens, Wolvens,
Domien Ingels ou Jozef Cantré.
Un bijou en or d’Octave Landuyt
sera également proposé, aux
côtés de porcelaine chinoise,
bronzes, design et meubles d’exception
tel ce singulier fauteuil
dans lequel Albert Einstein s’est
entretenu avec James Ensor, en
1933, lors de ses visites à l’hôtel
Astoria du Coq.
23-09
Un peu de tout à l’Elysée
Une œuvre de Gaston
Bogaert. © Elysée
Parmi la diversité des lots proposés fin
septembre en la salle Elysée, notons
des peintures de Pierre Alechinsky,
Gaston Bogaert, Roger Somville, Jean
Dupont, Maurice Musin, Gustave
Camus, Luc Genot, Pierre Grahame,
Paul Delvaux, des bijoux de la
succession de Madame de La Marck,
à Liège, une exceptionnelle collection
de verrerie dont de rares cristaux du
Val Saint Lambert, des sculptures en
bronze dont Victor Demanet, Henri
Honoré Plé, Edouard Drouot, Carrier-
Belleuse, etc.
24-09
Estampes et multiples chez Bonhams
Cornette de Saint Cyr
EST. 12.000-15.000 €
Roy Liechtenstein, Untitled head, 1995,
sérigraphie en couleur, éd. 50/75.
© Bonhams
Au sein de la vente d’estampes
et multiples, proposée en la salle
Bonhams Cornette de Saint Cyr,
on annonce quelques lots intéressants,
don une Tête sans titre
(1995) par Roy Liechtenstein (est.
12.000-15.000 euros), ainsi qu’un
ensemble de tirages photographiques
par Hiroshi Sugimoto,
Time exposed (1991) estimé entre
16.000 et 20.000 euros. De
Wolfgang Tillmans, on annonce
un tirage offset sur aluminium
représentant une nature morte
de pommes (2017), estimée entre
5.000 et 7.000 euros).
112

26-09 Belle diversité chez Legros
Le 26 septembre, à l’hôtel des ventes Legros de Verviers,
sera présenté un large choix de tableaux, mobilier et
objets d’art. On y notera une spectaculaire garniture de
cheminée de Charpentier & Cie, bronziers à Paris (est.
6.000-10.000 euros), un important mortier en bronze du
fondeur hollandais Franciscus Schaapman, daté de 1745
(est. 3.500-4.000 euros), un très beau tableau figurant
une Vierge à l’enfant attribué au peintre baroque
anversois Jan van der Hoecke (1611-1651) (est. 2.000-3.000
euros), ainsi que d’autres tableaux anciens de belle
facture. Les artistes intimistes verviétois tels que Maurice
Pirenne, Joseph Gérard et Paul Schmitz seront également
présents.
Est. 6.000-10.000 €
Charpentier & Cie, Paris, garniture de cheminée,
bronze doré. © Legros
EST. 2.000-3.000 €
Jan van der Hoecke (att.), Vierge à
l’enfant, huile sur toile. © Legros
HUMAN/NATURE
21.09.24—› 06.10.24
CHÂTEAU DES CELLES, OOSTKAMP
WWW.EXPOHUMANNATURE.COM
113

Auction calendar september—october 2024
Belgium
SEPTEMBER
1-2 MonsAntic
Art et antiquités MONS
2 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
3-4 Ostantix Auctions
Kunst en antiek OOSTENDE
6 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
7 Morel de Westgaver
Cartes postales, cartes
porcelaine, éditions illustrées
avant-garde et surréalisme
etc. BRUXELLES
7 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
9 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
9-10 Horta
Art et antiquités BRUXELLES
9-10 Galerie Moderne
Art et antiquités BRUXELLES
10 Berg van Barmhartigheid
Zilversmeedwerk,
edelsmeedwerk en juwelen
BRUSSEL
10 Salle de ventes du
Béguinage
Vente bourgeoise BRUXELLES
10-17 Legia Auction
Livres anciens, modernes et
bandes dessinés ONLINE
10-11 Vanderkindere
Art et antiquités BRUXELLES
10-12 Flanders Auctions
Kunst, antiek, design en
religieuze kunst WINGENE
11 Salle de ventes Uccle
Saint-Job
Art contemporain et mobilier
design BRUXELLES
13 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
14 Berg van Barmhartigheid
Speciale verkoop BRUSSEL
14 Millon Belgique
Bandes dessinés ONLINE
14 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
14 Rob Michiels Auctions
Charity Auction: Art for
Uganda BRUGGE
16 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
17 Loeckx
Aziatische kunst GENT
17 Berg van Barmhartigheid
Juwelen, sieraden en
numismatiek BRUSSEL
17 Vanderkindere
Vente bourgeoise BRUXELLES
17 Legia Auction
Collections et successions
HANNUT
17-21 Antenor Auction
Paintings, furniture and works
of art ONLINE
18-22 Antenor Auction
Jewels, watches and bags
ONLINE
20 Damien Voglaire
Livres et peintures BRUXELLES
20 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
21 Damien Voglaire
Livres BRUXELLES
21 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
21-22 Maison Jules
Kunst en antiek GENT
22 MJV Soudant
Antiquités, tableaux, mobilier
et objets d'art, art nouveau,
art déco GERPINNES
23 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
23-24 Ventes Elysée
Art et antiquités GRIVEGNÉE-
LIÈGE
24 Berg van Barmhartigheid
Lederwaren, luxe accessoires
en juwelen BRUSSEL
24 Salle de ventes du
Béguinage
Instruments et collections
musées BRUXELLES
24 Millon Belgique
Bijoux et leur histoire
BRUXELLES
24 Bonhams-Cornette de
Saint Cyr
Prints and multiples
BRUXELLES
24 Legia Auction
Grand classique et fin de
successions HANNUT
24 Arts Talents Enchères
Collection de jouets anciens,
documents, affiches etc.
BRUXELLES
24-25 Jordaens
Antiek MORTSEL
24-25 Galerie Athena
Kunst en antiek BRUSSEL
26 Hôtel des ventes Legros
Antiquités et objets d'art
VERVIERS
26 Arts Talents Enchères
Interieurs - Collections et
successions BRUXELLES
26-27 Arcanii Auctions
Koksijde
Kunst en antiek KOKSIJDE
27 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
28 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
28 Louiza Auktion
Art moderne et contemporain
BRUXELLES
28-29 DVC Antwerpen
Collectie moderne
tuinsculpturen, kunst en
antiek ANTWERPEN
30 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
30 Haynault
Florilèges II : importants
tableaux, mobilier et objets
d'art BRUXELLES
30-6 Salle de ventes Rops
Art et antiquités ONLINE
OCTOBER
1 Berg van Barmhartigheid
Juwelen, sieraden en
numismatiek BRUSSEL
3-14 Bernaerts
Classic vs. Modern ONLINE
4 Hôtel des ventes Mosan
Vente cataloguée & Vente
bourgeoise ONLINE
4 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
5 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
5 Campo & Campo
Grafiekveiling ANTWERPEN
7 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
8 Berg van Barmhartigheid
Keramiek, glaswerk, kristal,
vitrinevoorwerpen en juwelen
BRUSSEL
8-9 Carlo Bonte Auctions
Kunst en antiek BRUGGE
8-9 CR-Art Auctions
Kunst, antiek en design
HARELBEKE
8-10 Bernaerts
Classic vs. Modern including
the LO&S mansion ANTWERPEN
10 Carlo Bonte Auctions
Vintage Poster Collection
ONLINE
10-11 Coronari Auctions
Aziatische, Europese en
Islamitische kunst NAZARETH
11 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
11-12 Arenberg Auctions
Boeken, prenten en
tekeningen BRUSSEL
12 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
The Netherlands
SEPTEMBER
26-2 Veilinghuis Korendijk
Kunst en antiek ONLINE
26-4 Venduehuis Den Haag
Vendue Next Door Part I & II &
Special ONLINE
26-18 Venduehuis Den Haag
Collectie Roel en Paulien de
Lange ONLINE
2 Veilinghuis Bouwman
Faillissement Noteboom
Eefde ONLINE
2-6 Ald Fryslân
Kunst en antiek IJLST
3-4 Veilinghuis De Jager
Kunst, antiek, juwelen en
aziatica GOES
3-7 Heritage Auctions Europe
Fine art and collectibles
ONLINE
9-11 Veilinghuis Klinkhamer
Kunst en antiek GRONINGEN
9-13 Korst van der Hoeff
Kunst en antiek ONLINE
14 Hessink's Fine Art
Aucioneers
Ferdinand de Bruijn Collectie
BEEK/LIMBURG
14-29 Moart Veilinghuis
Kunst en antiek ONLINE
16 Veilinghuis Bouwman
Speelgoed ONLINE
16-17 Van Zadelhoff
Kunst en antiek HILVERSUM
16-18 Veilinghuis Onder de
Boompjes
Kunst en antiek LEIDEN
16-20 Derksen Veilingbedrijf
Kunst en antiek ARNHEM
17-22 Oprechte Veiling
Haarlem
Kunst en antiek HAARLEM
19 Hessink's Fine Art
Aucioneers
Europese kunst en antiek
BEEK/LIMBURG
20 Veilinghuis Bouwman
Speelgoed ONLINE
20-22 Venduehuis Dickhaut
Kunst, design, juwelen en
antiek MAASTRICHT
21 Derksen Veilingbedrijf
Goud en zilver,
brocanteveiling ONLINE
22 Veilinghuis Peerdeman
Kunst, antiek en design
ONLINE
23-25 Medusa Auctioneers
Kunst en antiek BREDA
26 Hessink's Fine Art
Aucioneers
Aziatische kunst BEEK/LIMBURG
30-3 Van Spengen
Kunst en antiek ONLINE
30-8 Venduehuis Den Haag
Vendue Next Door Part I & II
ONLINE
OCTOBER
1 Veilinghuis Omnia
Algemene kunst- en
antiekveiling KOLMHAM/
HOOGEZAND
3 Hessink's Fine Art
Aucioneers
Art of the Islamic World and
India BEEK/LIMBURG
3-5 Heritage Auctions Europe
Militaria ONLINE
3-5 Veilinghuis De Ruiter
Juwelen, diamanten, zilver en
horloges KLAASWAAL
10-12 Twents Veilinghuis
Kunst en antiek ONLINE
Luxembourg
SEPTEMBER
21 Goldfield Auctions
Luxembourg
Art et antiquités LUXEMBOURG
114

Fair calendar
september—october 2024
Austria
SEPTEMBER
11-15 Parallel Vienna
Vienna
12-15 Viennacontemporary
Vienna
Belgium
SEPTEMBER
12-30 Brussels Design
September
Brussels
13-15 Sablon Design Market
Brussels
19-26 A Domestic Art Fair 2024
Brussels
26-29 The Solo-Project
Brussels
26-13/10 ARTONOV
Brussels
OCTOBER
03-06 Art on Paper
Brussels
06 Collect-Hit &
Brocantissimo
Groot-Bijgaarden
France
SEPTEMBER
30-01/09 Art-o-rama
Marseille
30-01/09 Paréidolie
Marseille
04-14 Paris Design week
Paris
10-15 Parcours des mondes
Paris
20-22 Menart Fair Paris 2024
Paris
24-28 Parcours de la
Céramique et
des Arts du Feu
Paris
Germany
SEPTEMBER
12-15 POSITIONS
Berlin
27-29 Neue Art
Dresden
Italy
SEPTEMBER
28-06/10 BIAF
Florence
Korea
SEPTEMBER
04-07 FRIEZE Seoul
Seoul
14-15 KIAF
Seoul
Luxembourg
NOVEMBER
22-24 Luxembourg Art Week
2024
Luxembourg
Switzerland
OCTOBER
23-27 Art Salon Zurich
Zurich
The Netherlands
SEPTEMBER
18-22 Haute Photographie
Amsterdam
20-22 Unseen
Amsterdam
21 Dialogue Vintage
Photography
Amsterdam
26-29 Art Noord
Heerenveen
27-29 BIG ART
Amsterdam
28-29 Tribal Jewelry &
Textiles Fair.
Amsterdam
OCTOBER
02-06 Art The Hague
Den Haag
09-13 Affordable Art Fair
Amsterdam
United Kingdom
SEPTEMBER
06-08 Penman Antique Fair
Petersfield
14-22 London Design Festival
London
24-29 Goldsmiths' Fair
London
26-29 British Art Fair
London
OCTOBER
01-06 The Decorative Fair
London
08-13 PAD
London
United States
SEPTEMBER
05-08 Independent
New York
05-08 Art on Paper
New York
05-08 COLLECTIBLE NY
New York
05-08 Clio Art Fair New York
New York
06-08 PHOTOFAIRS New York
New York
06-08 Armory Show
New York
2024
Art and artefacts from Africa, Asia and Oceania
T
A
Amsterdam
F
25 - 26 - 27 October 11.00 - 18.00
preview 24 October by invitation only
De Duif • Prinsengracht 756 • Amsterdam
www.tribalartfair.nl
T A F
115

Chambre Royale Belgo-
Luxembourgeoise des salles de ventes
aux enchères, commissaires-priseurs, courtiers et experts mobiliers
asbl fondée en 1936
Avenue Louise 500,
1000 Bruxelles
Tél. 0475-62 71 85
Fax 02-741 60 70
www.auctions-in-belgium.be info@auctions-in-belgium.be
Extrait de la liste des membres (Liste complète disponible au sécretariat ci-dessus)
ANVERS
Amberes sprl
(Dir. Rik Dupain - Marc
Royer)
Terninckstraat 6-8-10, 2000
Antwerpen
T.03/226.99.69 - 0745/708782
www.amberes.be.
info@amberes.be
Ventes aux enchères d’œuvres
d’art cataloguées, estimations
pour successions
et assurances. Catalogues
illustrés. Ventes bourgeoises
hebdomadaires. Plus de 35
000 lots attribués par an.
Bernaerts
(Dir. Ch. & P. Bernaerts)
Verlatstraat 16-22, Antwerpen
T.03/248.19.21
info@bernaerts.be
www.bernaerts.be
Live & online.
Maîtres anciens, romantiques
et modernes.
Antiquités, arts appliqués,
design, œuvres sur papier.
Expertises pour succession et
assurance.
Campo & Campo
(Dir. Guy Campo)
Grote Steenweg 19-21 - 2600
Berchem
T.03/218.47.77
F.03/218.53.63
guy@campocampo.be
www.campocampo.be - 5
Ventes aux enchères cataloguées
d’art et d’antiquités,
de peintures, d’estampes, de
sculptures, de meubles, de
porcelaine, d’argenterie, de
tapis, de vins, etc.
DVC
(Dir. D. Van Cappel)
Ellermanstraat 36-38 - 2060
Antwerpen
T.03/232.36.64
F.03/234.22.14
Ventes aux enchères d’art
et d’antiquités cataloguées,
estimations et évaluations
pour successions et assurances.
dvc@dvc.be
www.dvc.be
Jordaens SA
Drabstraat 74 - 2640 Mortsel
T.03/449.44.30
info@jordaens.eu
www.jordaens.eu
Ventes publiques d’œuvres
d’art, d’antiquités, de bijoux,
de vins, de collections et
mobilier. Évaluations pour
succession et assurance.
BRABANT-WALLON
Salle de Ventes du
Beguinage s.p.r.l.
(Olivier Bolens - Samy Greif)
Avenue Vésale 11, 1300 Wavre
T.02/218.17.42
F.02/218.86.50
www.salledeventesdubeguinage.be
info@svbeguinage.com
Online via Drouot digital
BRUXELLES
Arenberg Auctions
(Dir. Henri Godts)
Rue aux Laines 19 bte 2 -
1000 Bruxelles
T. 02-5441055
info@arenbergauctions.com
www.arenbergauctions.com
Vente aux enchères d’atlas,
de livres, d’estampes et de
dessins rares. Également
bibliothèques entières,
archives et manuscrits rares.
Ventes Haynault
(Dir. Rodolphe de
Maleingreau d’Hembise)
Rue de Stalle 9 - 1180 Uccle
T.02/842.42.43
www.haynault.be
info@haynault.be
Neuf ventes aux enchères
spécialisées par an : bijoux,
orfèvrerie, pièces de monnaie,
collections et souvenirs
historiques, peintures,
œuvres d’art d’Europe et
d’Asie.
Lempertz 1798
(Dir. Emily Jolly)
Rue du Grand Cerf 6, 1000
Bruxelles
T. 02 514 05 86
brussel@lempertz.com
jolly@lempertz.com
www.lempertz.com
Estimations et évaluations du
lundi au vendredi de 9h à 13h
et de 14h à 17h.
Hôtel de Ventes Horta
(Dir. Dominique de Villegas)
70/74 Avenue de
Roodebeek, 1030 Schaerbeek
T.02/741.60.60
F.02/741.60.70
www.horta.be
info@horta.be
Ventes mensuelles cataloguées
d’antiquitées, oeuvres
d’art, bijoux et vins.
Galerie Moderne
(Dir. David & Jérôme Devadder)
Rue du Parnasse 3, 1050
Ixelles
T.02/511.54.15 - F.02/511.99.40
www.galeriemoderne.be -
info@galeriemoderne.be
11 Ventes mensuelles cataloguées.
FLANDRE ORIENTALE
Coronari
(Dir. Tim De Doncker)
Steenweg 144/A, 9810
Nazareth
T. 09/3123240
info@coronariauctions.com
www.coronariauctions.com
Coronari Auctions organise
quatre ventes aux enchères
internationales d’art et d’antiquités
par an. Spécialisée
dans l’art européen, asiatique
et islamique, avec un accent
particulier sur la porcelaine
chinoise, les maîtres anciens
et les peintures des XIXe
et XXe siècles. Audience
internationale. Expertise
scientifique. Estimations,
recherches, conseils.
DVC
(Dir. D. Van Cappel)
Zandlopersstraat 10 - 9030
Mariakerke
T.09/224.14.40
F.09/225.04.14
dvc@dvc.be
www.dvc.be
Ventes aux enchères d’œuvres
d’art et d’antiquités
cataloguées. Successions et
évaluations pour successions
et assurances.
Galerie et Salle de Ventes
Pictura sprl
Brusselsesteenweg 656
9050 Gentbrugge
T.0475/74.49.25
henk.vervondel@telenet.be
www.pictura.be
Loeckx Auctioneers
(Dir. Cécile La Pipe,
Peter en Natan Loeckx)
Ingelandgat 4, 9000 Gand
T.09/223.37.93
F.09/233.76.71
www.loeckx.be
info@loeckx.be
International art & antiques
auctions. Expertises.
De Vuyst
(Dir. Guy De Vuyst &
Pascale Philips)
Kerkstraat 22-54, 9160
Lokeren
T.09/348.54.40
F.09/348.92.18
www.de-vuyst.com
info@de-vuyst.com
Vente aux enchères et
expositions internationales,
du XVIIe siècle à l’art contemporain.
Successions et
évaluations de successions
et assurances.
FLANDRE OCCIDENTALE
Carlo Bonte Auctions
Kardinaal Mercierstraat 20,
8000 Brugge
www.carlobonte.be
info@carlobonte.be
T. 050 33 23 55
Ventes aux enchères internationales
en ligne, art et
antiquités, art asiatique,
art occidental, antiquités,
design. Conseils de ventes -
expertises - estimations.
Van de Wiele Auctions
Groeninge 34, 8000 Bruges
T.050 49 07 69
auctions.vandewiele@proximus.be
www.vdw-auctions.com
Imprimés et manuscrits
rares, cartes anciennes,
atlas, gravures et peintures.
Estimations pour assurances
et successions.
HAINAUT
Monsantic
(Dir: Daniel Otten)
Rue Grande 193b, 7020 Mons
T.065/73.94.00
F.065/73.94.09
otten@monsantic.com
www.monsantic.com
Ventes publiques cataloguées.
Expertises le
mercredi, le samedi ou sur
rendez vous - déplacement
gratuit à domicile.
LIEGE
Hôtel des Ventes Elysée
(Dir. José & Ch. Fairon)
Boulevard Cuivre et Zinc 28,
4000 Liège
T.04/221.09.09
F. 04/221.15.05
www.ventes-elysee.be
info@ventes-elysee.be
Ventes publiques mensuelles
d’antiquités et objets
d’art, Vintage, Maroquinerie,
Bijoux. Expertises et accueil
du lundi au vendredi. Fermé
le mercredi.
Légia Auction
Rue de Cras-Avernas 12,
4280 Hannut
Tél. : 019/63.55.59
0495/87.99.01 (Bruno de
Wasseige) 0475/27.73.87
(Vincent de Lange)
www.legia-auction.com
contact@legia-auction.com
Ventes publiques d’Arts et
d’Antiquités, tapis, mobiliers,
bijoux, tableaux, Art d’Asie,…
Expertises gratuites sur rendez-vous.
Librairie Lhomme
(Dir. David Lhomme)
Rue des Carmes 9, 4000
Liège
T.04/223.24.63
F.04/222.24.19
www.michel-lhomme.com
librairie@michel-lhomme.
com
Livres anciens et modernes
de qualité, gravures, tableaux,
curiosités.
Hôtel des Ventes Legros
(Dir. Benoît Legros)
Rue Peltzer de Clermont 41,
4800 Verviers
T. 087/33.01.00
www.venteslegros.com
benoit.legros@euronet.be.
Ventes régulières d’antiquités
et objets d’art.
Hôtel des Ventes Mosan
(Dir. Maxence Nagant de
Deuxchaisnes)
Rue du Nord belge 9, 4020
Liège
T.04/344.91.70 - F.04/341.39.19
www.hvm.be
Expertises gratuites tous les
vendredi de 9h à 12h30 et de
14h à 18h
NAMUR
Salle de Ventes Rops
(Dir. Paul & Benoît de
Sauvage)
Avenue d’Ecolys 2, 5020
Namur
T.081/74.99.88
F.081/74.99.86
www.rops.be
www.rops-online.be
Ventes publiques tous les
deux mois d’antiquités
et ventes bourgeoises.
Expertises gratuites.
116

Bonnes
adresses
Petites annonces
Assurance
Musée
Recherche
INVICTA ART INSURANCE
L’assurance au service de l’art
Eeckman Jean-Pierre &
Eeckman Isabelle
67-69 Bd. Reyerslaan
1030 Bruxelles
Tel : 02/735 55 92
info@invicta-insurance.be
Musées. Collections privées.
Expositions. Fondations particuliers/
professionnels. Séjours - Transports
www.invicta-insurance.be
Art Handling
ART ON THE MOVE
Rue Henri-Joseph Genesse 1,
1070 Bruxelles
Tél. : 02 333 2411,
georges.merz@art-onthemove.be &
stephane.merz@art-onthemove.be
Un service spécialisé et complet :
avant, pendant et après le transport.
Décrochage/accrochage, protection
& emballage,entreposage sécurisé,
assurance, transport/expédition
nationale et internationale, formalités
douanières, etc….
www.art-onthemove.be
Livres
ERIK TONEN BOOKS ANVERS
Beaux livres illustrés sur les beauxarts
et les arts appliqués. Large
choix à destination des historiens de
l’art, des musées, des antiquaires
professionnels, des galeries et des
collectionneurs. Livres d’art neufs
ou d’occasion, éditions bibliophiles
ou livres anciens. Visitez notre site
web pour un aperçu de notre offre
ou envoyez-nous un e-mail avec vos
demandes spécifiques :
www.erik-tonen-books.com
MUSÉE DE L’EROTISME ET
DE LA MYTHOLOGIE
Musée de l’Erotisme et de la
Mythologie . Le musée, situé dans
une maison ancienne du Sablon,
offre un aperçu historique de l’art
érotique de l’antiquité à nos jours.
Cette collection privée, parmi les
plus belles d’Europe, présente des
pièces rares et uniques : ivoires,
peintures, sculptures, antiquités greco-romaines,
estampes japonaises,
œuvres d’artistes belges et autres
curiosités. Rue Sainte-Anne, 32
Bruxelles T : +32(0) 2/514.03.53
E-Mail : info@m-e-m.be
www.m-e-m.be
Restauration
ATELIER DE RESTAURATION
TEMPERA
Tempera sprl, Alost - Aäron
Uytterhaegen. Restauration d’oeuvres
d’art - toiles - panneaux - statues
polychromes. Devis & expertise (sans
engagement):
tempera@telenet.be
0494 47 60 32
www.temperarestauratie.be
Guy Poelvoorde recherche des
tableaux de peintres brugeois (par
exemple Reckelbus), de l’école irlandaise
(par exemple Ballagh, O’Conor),
de Paul Permeke, Paul Klein, Gaston
Bogaert, ainsi que des tableaux
avec des chiens et des chevaux :
0475/39.34.98 ou www.guyart.com
Collectionneur de bouteilles
recherche des bouteilles de vin en
verre des XVIIe et XIXe siècles, de
préférence avec une estampille /
sceau dans le verre.
Willy Van den Bossche, wvdbossche@
telenet.be ou T. +32/(0)473/37.24.94
www.facebook.com/profile.
php?id=100080201273036
Recherche : En collaboration avec
Richard Overstreet, ayant-droit de
Leonor Fini et co-auteur du Catalogue
Raisonné des peintures à l’huile de
l’artiste, paru en 2021, nous recherchons
activement les tableaux qui
n’auraient pas été repris dans la première
version de cet ouvrage pour
une actualisation de celui-ci. Nous
sommes également à la recherche
de toute oeuvre originale (dessin ou
aquarelle) ayant été réalisée entre 1940
et 1955, car plusieurs des séries réalisées
à cette époque figureront également
dans le Supplément actuellement
en cours de rédaction. Les
propriétaires de ces oeuvres peuvent
prendre contact avec nous à l’adresse
e-mail : cedric.crlf@gmail.com
Collectionneur cherche à acquérir
des dessins ou peintures des XVIIe
et XVIIIe siècle : marines, batailles,
fleurs et natures mortes. Jean Pierre
Moerman, Tél. : 0472/30 81 06
VOTRE PUBLICITÉ ICI !
Votre publicité paraîtra pendant un an
(9 numéros) pour 340 €. Une insertion
mensuelle coûte 45 € (prix htva).
Infos : Joris van Glabbeek
09/216 20 24 ou collect.net@ips.be
117

Pieter Fransz. de Grebber (vers 1600 Haarlem–1652/53 Haarlem). L’Annonciation. Huile sur panneau, 85 x 112,5 cm
Monogrammé et daté : P.DG / 1633 (D G doré). Vente le 17 novembre à Cologne. Estimation 250.000-350.000 €
1798
VENTES EN PRÉPARATION :
Tableaux Anciens et du 19e siècle, Bijoux et Montres précieuses, Argenterie, Arts Décoratifs
Art Moderne, Art Contemporain, Photographie, Art d’Asie, Arts d’Afrique et d’Océanie
N’hésitez pas à nous contacter pour l’estimation gracieuse et confidentielle de vos objets et œuvres d’art :
6 rue du Grand Cerf 1000 Bruxelles T 02-514 05 86 bruxelles@lempertz.com
Journées d’expertise à Bruxelles : 10–13 septembre : Tableaux Anciens et du 19e siècle,
Art Moderne et Contemporain
11–12 septembre : Art Asiatique, Bijoux et Montres précieuses, Photo