BOXOFFICE - N° 02 / Juin-juillet 2024

Numéro 02 02 / / Juin-Juillet 2024 

DIRECTEUR DE LA PUBLICATION : SOUFIANE SBITI 

Le cinéma au Maroc a enfin son magazine 

MAROC 

N°02 / Juin-Juillet 2024 . 25DH 

LE 22 ÈME 

FICAM: SES 

MOMENTS 

FORTS 

LES DEUX 

VIES DU CINÉ 

ALCAZAR 

HICHAM 

LASRI 

LA 

COMÈTE 

PUNK

EDITO 

MAROC 

Directeur de la publication 

et de la rédaction 

Soufiane Sbiti 

Conseiller de la rédaction 

Yacine Kaouti 

L’ESPOIR DE 

FAIRE MIEUX 

PAR SOUFIANE SBITI 

«Ne pas désespérer ». « Oser 

faire des films ». C’est ce 

qu’on pourrait retenir de deux 

interviews de ce numéro accordées par 

des figures incontournables du cinéma au 

Maroc : Faouzi Bensaidi et Hicham Lasri. 

Un duo, au ton et à la cinématique qui diffèrent, 

mais qui se rejoint dans ce que nous 

pouvons encore faire dans ce pays : faire 

preuve d’un peu plus d’audace dans son 

art, tête froide et sur les épaules, se dire 

qu’on peut quand 

même faire mieux. 

Le choix de la facilité 

est pour d’aucuns toujours 

évident : autant 

faire dans le simple, le 

sans ambages ni ambition, 

qui convient 

autant aux partisans du moindre effort 

qu’aux critères d’un succès commercial 

assuré. 

À Bensaidi et Lasri, on doit ce contre-courant 

qui rassure : deux cinéastes de leur 

temps qui veulent aller plus loin, essayer 

autre chose, et peut-être, pourquoi pas, 

changer les choses. Le premier vous dira 

qu’il le fait pour que ses compatriotes aient 

« cet amour pour la beauté », le second 

IL Y AURA 

TOUJOURS CETTE 

VOLONTÉ D’ALLER 

PLUS LOIN 

vous expliquera qu’il veut que les spectateurs 

se questionnent sur le monde qui les 

entoure. 

C’est que dans un pays, mu par sa diversité 

et dont les habitants tâtonnent encore 

pour trouver des terrains d’entente, il y 

aura toujours cette volonté d’aller plus loin, 

de vouloir, non pas que briser des tabous, 

mais ouvrir de nouvelles brèches. 

L’ouverture de brèches ne devrait à aucun 

moment être perçue 

comme étant une fragilité 

: elle est là pour 

nous rassurer qu’un 

autre avenir est possible, 

que de nouveaux 

horizons pourront toujours 

être présentés, 

aussi bien à nous qu’à 

ceux qui viendront après. 

Oser faire mieux, c’est vouloir libérer le 

Marocain en considérant qu’il méritera toujours 

ce qu’il y a de mieux. Un bon film qui 

le provoque, le pousse dans ses derniers 

retranchements et l’interpelle, vaudra toujours 

mieux qu’un film qui ne sera là que 

pour faire passer un bon moment. Autrement 

dit, cinéastes, osez faire du bruit. Du 

vacarme naîtra forcément quelque chose.● 

Rédaction 

Salma Hamri 

Reda K. Houdaïfa 

Chronique 

Aïcha Akalay 

Photos 

Alexandre Chaplier 

MAP 

Maquette 

Pulse Media 

Directeur artistique 

Mohamed Mhannaoui 

Maquettistes 

Ezzoubair Elharchaoui 

Zineb Azeddine 

Direction générale 

Fatima Zahra Lqadiri 

fz@storyandbrands.com 

Régie publicitaire 

Story & Brands 

Impression 

Les imprimeries du Matin 

Distribution 

Sapress 

Remerciements 

American Art Center 

FICAM 

FICIC 

Les cinémas Mégarama 

La cinémathèque de Tanger 

Mauritania de Tanger 

Le Colisée de Marrakech 

BOXOFFICE MAROC 

est édité par 

Pulse Media 

sous licence 

The Boxoffice Company 

de Global Cinema Maroc 

Capital Business Office, 

B 127, 6ème étage, 

Bd Abdelmoumen, 

Casablanca, Maroc 

Site web : 

www.boxoffice.com 

Dépôt légal 

10/2024 

ISSN : 2024PE0026 

Juin-Juillet 2024 / Maroc 

3

SOMMAIRE 

18 

26 

42 

06 

׀ SNAPSHOT La mer au loin une vague d’émotions et de raï 

08 

׀ LA PÉPITE DU MOIS Sofia El Khyari L’effet papillon 

12 

׀ LA RENCONTRE Faouzi Bensaidi Déserts, ce tiers manquant 

qui crée tout le mystère 

18 

׀ LA COUV’ Hicham Lasri L’artiste rebelle à l’assaut 

des normes non-belles 

Interview « J’ai une profonde affection 

pour les loosers » 

Moroccan Badass Girl A tout cœur 

34 

׀ EN SALLES Voyage dans les chemins troubles du Désert 

Le Deuxième Acte Derrière le rideau 

Taxi Bied 2 : Le convoi des rires manqués 

Furiosa : a Mad Max saga 

La fureur de vivre 

42 

׀ DOSSIER L’animation en éclats : 

Highlights du 22ème FICAM 

52 

׀ ACTU-CINÉ De la censure au rayonnement 

Coup de projecteur sur le cinéma saoudien 

Leos Carax : Une leçon de cinéma 

« C’est la caméra qui crée une histoire d’amour 

ou rend les choses réelles » 

60 

׀ ZOOM SUR UNE SALLE Cinéma Colisée : Décors anciens pour des films 

modernes 

66 

׀ INTERVIEW PRO Hammadi Gueroum 

Le Festival International du Cinéma 

Indépendant de Casablanca, une aventure 

cinématographique unique 

Malika Chaghal 

Au début, Il fallait développer tout un travail de 

médiation culturelle qui était quasi inexistant 

74 

׀ REPORTAGE CinéAtlas Mauritania de Tanger 

Revivre le passé aux couleurs modernes

74 

60 

84 

96 

78 

׀ INTERVIEW Matthew Grady, le nouveau monsieur cinéma club 

82 

׀ GUIDE DES SORTIES 84 

׀ DOSSIER PRO La relation tumultueuse entre cinéastes 

et critiques 

90 

׀ UNE SALLE, UNE HISTOIRE Les deux vies du Ciné Alcazar 

92 

׀ STREAMING/VOD The Bear saison 3 aux fourneaux de Disney+ 

La Chronique des Bridgerton, saison 3, partie 2 

House of the Dragon, du grand spectacle sur 

Max depuis le 17 juin 

94 

׀ LIRE, VOIR ET ÉCOUTER Spectacle « Nostalgia tour » 

Livre: L’anatomie du scénario, nouvelle édition 

Podcast : Salam Cinéma 

96 

׀ FINAL CUT Ali Rguigue 

98 

׀ LE CLAP DE AICHA AKALAY 

De haut en bas, la fable de l’eau

SNAPSHOT 

LA MER AU LOIN 

UNE VAGUE 

D’ÉMOTIONS 

ET DE RAÏ 

La mer au loin, deuxième long métrage du réalisateur 

franco-marocain Saïd Hamich Benlarbi, 

a été présenté le 17 mai en séance spéciale à 

la Semaine de la Critique au Festival de Cannes. 

Sur instagram, plusieurs images immortalisent 

la fin de séance, au moment où les lumières 

se rallument dans la salle après la projection. 

On y voit l’acteur principal, Ayoub Gretaa, ému 

devant un public charmé et un réalisateur fier. 

Tourné entre Marseille et Casablanca, le film 

suit dix ans de la vie de Nour, campé par l’acteur 

Ayoub Gretaa, un jeune de 27 ans qui est 

arrivé clandestinement à Marseille où il va 

mener une vie marginale et festive. 

Sur fond de musique raï, de 1990 à 2000, le 

spectateur évolue avec le personnage principal, 

ses découvertes, ses déboires et frissons 

amoureux. 

« L’humanité touche dans chaque scène, et 

l’ampleur romanesque emporte », confient les 

responsables de la Semaine de la critique au 

sujet du film.● 

PAR SALMA HAMRI / CRÉDIT : JULIA HERVOUIN / INSTAGRAM 

6 Maroc / Juin-Juillet 2024

LA PÉPITE DU MOIS 


Sofia 

El Khyari 

L’EFFET PAPILLON 

Au cœur du quartier du Habous à Casablanca, Sofia El 

Khyari nous ouvre les portes de son riad familial pour se 

raconter. Avec quatre courts métrages d’animation à son actif 

et une approche unique mêlant rêve et réalité, tradition et 

modernité, elle se lance désormais dans son prochain grand 

défi en se préparant à réaliser son premier long métrage. 

Rencontre avec une artiste passionnante et passionnée. 

PAR YACINE KAOUTI - CRÉDIT PHOTO : ALEXANDRE CHAPLIER - BOXOFFICE MAROC 

C 

hez Sofia El Khyari, le cinéma coule dans les 

veines. La grande collection d’affiches de films 

qui nous accueille dès l’entrée de son riad en est 

la preuve. Son grand-père travaillait pour le cinéma Sherazade, 

un lieu presque sacré pour la famille. «Ma famille 

allait tout le temps à ce cinéma, c’était leur deuxième maison» 

raconte-t-elle. Dès l’enfance, Sofia savait qu’elle voulait 

faire de l’animation, mais convaincre ses parents fut 

un long parcours. «Ce qui a été long, c’est le chemin pour 

convaincre mes parents. À l’époque, l’animation au Maroc, 

c’était un peu lunaire » dit-elle, en souriant. 

Déterminée, elle a suivi cinq années d’études de commerce 

pour rassurer ses parents avant de se diriger vers 

le cinéma. « Après mon master, j’ai intégré une prépa 

en art à Paris » raconte-t-elle. Durant cette période, elle 

réalise Le grain de ta peau, un film hybride combinant 

diverses techniques, explorant le sentiment amoureux 

et le travail sur le corps à travers la métaphore d’une 

femme fleur. 

Son second court métrage Ayam, est né d’un casting 

peu conventionnel et d’une inspiration familiale. « Je 

voulais trouver une actrice d’un certain âge, et Amina 

Rachid m’est venue immédiatement à l’esprit. Sa façon 

de parler ressemblait beaucoup à celle de ma grandmère 

» se remémore Sofia. 

Pour la contacter, elle se tourne vers les réseaux sociaux. 

« Je me suis rappelé que j’avais aperçu sa petite-fille à 

l’école primaire. Je lui ai envoyé un message sur Facebook 

avec le projet, et elle a transmis à sa grand-mère 

qui a beaucoup aimé ». Le film a pris forme avec des 

voix non professionnelles, dont celles de l’architecte et 


9

LA PÉPITE DU MOIS 

FILMO DE 

SOFIA 

2015 

Le grain de ta peau 

2017 

Ayam 

2018 

Le corps poreux 

2022 

L’ombre des 

papillons 

CRÉDIT : SOFIA EL KHYARI 

L’ombre des papillons, 2022. 

CRÉDIT : ALEXANDRE CHAPLIER - BOXOFFICE MAROC 

artiste Sarah Addouh et de la mère de Sofia, créant une 

ambiance intime et authentique. « C’était vraiment super 

parce qu’elles se sont trouvées toutes les trois », raconte 

Sofia, avec une pointe de nostalgie. 

Avec Le Corps Poreux, son troisième court métrage, Sofia 

El Khyari explore la nostalgie et la mélancolie « C’est un film 

né d’une émotion, pas d’un fait ou d’une histoire. J’ai un rapport 

fort avec la nostalgie, un sentiment que je ressors souvent 

» explique-t-elle. « Je voulais capturer ce mélange de 

tristesse et de beauté, un peu comme un poète maudit ». 

Sofia refuse de se laisser enfermer dans une seule technique. 

Si la peinture animée reste une constante dans 

son travail, elle s’aventure aussi dans l’animation en 

volume, ou encore la pixilation. « La technique est au 

service de ce qu’on raconte. Je n’ai pas envie de me 

restreindre », affirme-t-elle. 

Consciente des défis que rencontre l’animation au Maroc, 

et bien que des initiatives comme le Festival International 

de Cinéma d’Animation de Meknès (FICAM) existent, l’écosystème 

reste encore fragile et incomplet. « Il y a encore 

du travail pour qu’on arrive vraiment à un écosystème qui 

fonctionne tout seul dans l’animation », admet-elle. 

Pour y remédier, elle a créé sa propre société de production 

et milite pour un soutien accru du Centre Cinématographique 

Marocain aux projets d’animation. «Je 

suis en discussion avec le ministère de la Culture depuis 

CE FILM A CONFIRMÉ SON 

TALENT POUR RACONTER DES 

HISTOIRES UNIVERSELLES À 

TRAVERS UNE LENTILLE 

INTIMEMENT PERSONNELLE. 


CRÉDIT : SOFIA EL KHYARI 

Ayam, 2017. 

des années pour qu’ils ouvrent l’aide du CCM aux projets 

d’animation. Pour le moment, je suis la seule depuis 

les années 80 à avoir la carte professionnelle de réalisatrice 

de films d’animation» souligne-t-elle. 

« Un festival comme le FICAM permet de diffuser des films 

et de donner une vitrine aux réalisateurs locaux, mais cela 

ne suffit pas. Il faut des structures de formation et des moyens 

financiers pour soutenir les créateurs » ajoute-t-elle. 

Il y a quelques semaines se cloturait une exposition à 

l’institut du monde arabe à Paris pour découvir l’envers 

du décor de ses films. « Quand tu fais de l’animation traditionnelle, 

tu te retrouves avec tellement de matière 

chez toi, des milliers de dessins, de carnets de recherche. 

L’exposition permet de montrer le travail derrière les films 

et de donner une autre lecture » explique-t-elle. Une 

exposition qu’elle apportera dans ses bagages dans 

quelques mois à Casablanca. 

Lorsqu’on la questionne sur l’impact de l’intelligence artificielle 

sur le monde de l’animation, la cinéaste ne botte 

pas en touche. «Peut-être que l’IA va me faire gagner un 

temps fou en calculant automatiquement des images intermédiaires. 

Cela rendrait mon processus plus rapide, tout 

en conservant la magie de l’animation artisanale », dit-elle. 

L’Ombre des Papillons, son dernier court métrage, est 

une œuvre profondément introspective et poétique. Ce 

film est né d’une émotion brute, une technique chère à 

Sofia qui aime plonger dans ses souvenirs pour en extraire 

des images et des sentiments. L’idée centrale du film est 

venue de la métaphore du papillon, une image forte et 

évocatrice pour Sofia. « La première image que j’avais 

eue, c’était le papillon qui sortait de la bouche. Je voulais 

capturer cette émotion complexe, un mélange de tristesse 

et de beauté » dit-elle. 

Le résultat est un film qui touche quelque chose de profond 

et de subconscient chez le spectateur. « On ne peut 

pas toujours mettre des mots dessus, mais on ressent 

quelque chose, que ce soit par la couleur, le son, le texte 

ou la composition de l’image » explique-t-elle. 

Présenté à des festivals prestigieux tels que Toronto, 

Locarno et Annecy, ce film a confirmé son talent pour 

raconter des histoires universelles à travers une lentille 

intimement personnelle. 

Son prochain défi ? Un premier long métrage, mêlant prise 

de vue réelle et animation, pour mieux immerger les spectateurs 

dans son univers unique. « J’ai envie de partager 

mon travail avec le plus grand nombre possible. Le long 

métrage permet de plonger les spectateurs dans mon 

œuvre et de susciter des émotions profondes sur une plus 

longue durée, » déclare-t-elle. 

Avec son futur long métrage, Sofia El Khyari continuera 

d’explorer les recoins de l’âme humaine et de la mémoire, 

offrant des œuvres qui résonnent profondément avec ceux 

qui les regardent. » L’animation, c’est presque un métier 

d’artisan. Le temps passé, la patience, et la magie finale 

quand tu vois ton dessin prendre vie, c’est ça qui me 

motive, » conclut-elle.● 


11

LA RENCONTRE 

FAOUZI 

BENSAIDI 

DÉSERTS, 

CE TIERS 

MANQUANT 

QUI CRÉE 

TOUT LE 

MYSTÈRE 

A quelques heures de l’avant-première à Casablanca, 

Faouzi est plus qu’enthousiaste à l’idée de rencontrer son public. 


Faouzi Bensaidi, metteur en scène de théâtre, scénariste et réalisateur. 

Faouzi Bensaidi, metteur en scène de théâtre, scénariste 

et réalisateur de plusieurs courts et longs-métrages, signe 

« Déserts » sa sixième expérience cinématographique dans la 

catégorie des longs-métrages. Dans une ambiance intimiste d’une 

salle de cinéma, le réalisateur a traversé les thèmes de son 

dernier film à quelques heures de l’avant première marocaine. 

INTERVIEW MENÉE PAR SALMA HAMRI - CRÉDIT : ALEXANDRE CHAPLIER - BOXOFFICE MAROC 

Comment vous est venue l’idée du film 

Déserts ? 

L’idée de tous mes films nait à travers des 

scènes de vie quotidiennes. J’étais dans un 

hôtel à Marrakech et au petit déjeuner, il y 

avait deux hommes qui prenaient leur petit 

déjeuner en costume cravate et mallette. Il 

y avait entre eux une certaine complicité 

flagrante et donc tout est parti de là. J’ai 

commencé à imaginer leur vie mais je n’avais 

pas leur métier en tête. L’idée n’est donc 

pas tout de suite sortie de mon carnet de 

notes ; et puis un jour à Casablanca j’ai vu 

une publicité d’une agence de recouvrement 

de crédit, puis j’ai connecté cela avec 

une envie très lointaine de western. 

Le structure du film est particulière. On a 

l’impression de voir un film en deux 

parties qui brouillent les pistes du genre. 

Je n’aime pas dire qu’il y a deux parties dans 

le film mais c’est plus simple à expliquer. Le 

film s’ouvre sur le duo Hamid et Mehdi, tous 

deux employés dans une société de recouvrement 

qui vont sillonner des zones rurales et 

arides du sud du Maroc en costume cravate 

pour tenter de récupérer les dettes auprès 

des villageois. Dans cette première partie la 

satire prédomine. Puis, à partir du moment 

où le duo va rencontrer le voleur en fuite, le 

film va basculer vers quelque chose de mystique 

et poétique où fable métaphysique, tragique 

et abstrait s’entremêlent. 

Parlez-nous du duo Mehdi et Hamid 

Le film était écrit en pensant à Fehd Benchemsi 

et Abdelhadi Talbi. J’ai quand même 

fait un casting même si j’étais sûr de les avoir 

parce que j’aime tout remettre en doute. J’ai 

pensé à eux dès le départ et je croyais fortement 

à cette intuition, l’idée s’est confirmée 

par la suite au fil des castings. 

Si certains réalisateurs ont des acteurs 

fétiches, vous avez plutôt une troupe 

fétiche que vous embarquez dans vos 

différents projets. 

Cela me vient du théâtre. J’aime bien cet 

esprit de troupe. Elle s’est constituée petit 

à petit autour de moi au fil des projets. 


13

LA RENCONTRE 

Déserts, son cinquième long métrage traverse plusieurs thématiques. 

Quand je parle de troupe, il ne s’agit pas 

uniquement de comédiens mais de techniciens 

aussi. J’aime travailler avec les gens 

avec qui je suis ami, ils me nourrissent, et 

cette complicité et entente qu’on a développé 

au fur et à mesure nous permettent 

d’aller plus loin. 

Faouzi raconte son film, à la croisée de la satire sociale et du western. 

Vous avez parlé d’une envie lointaine de 

western. Est-ce que cela a orienté votre 

choix du désert comme décor principal ? 

Le film a appelé les grands espaces comme 

il a appelé les grands sentiments, parce qu’il 

y a cette dimension mystique qui prend le 

dessus dans l’histoire. Les deux personnages 

principaux font une traversée mystique 

du désert qui les change à jamais pour 

qu’ils deviennent plus sensibles au monde 

qui les entoure. J’aime beaucoup l’espace, 

j’aime le filmer, et j’aime qu’il raconte aussi 


CRÉDIT : MONT FLEURI PRODUCTION 

De gauche à droite, Abdelhadi Taleb et Fehd Benchemsi dans le film Déserts de Faouzi Bensaidi. 

le film. Ça ne m’intéresse pas d’être réaliste 

et de jouer avec les espaces comme s’ils 

étaient simplement des points de départ, 

d’arrivée ou de transition. Je cherche toujours 

une cohérence émotionnelle des 

espaces, plus qu’une cohérence géographique. 

Dans mon court métrage La falaise 

, on est à Meknès mais c’est un Meknès 

avec la mer. Un même espace peut donc 

être tendre, violent, mélancolique, romantique… 

tout ce qu’on veut. Cela dépend du 

regard que porte le cinéaste sur le lieu, 

encore faut-il qu’il y ait un regard du cinéaste, 

parce que malheureusement, le cinéma est 

souvent réduit à des plans informatifs. 

La forte présence de plans séquences 

s’est imposée à vous dans ce décor ? 

Les plans séquences pour moi sont avant 

tout très intuitifs. C’est comme une écriture 

musicale, une mélodie. Ce n’est qu’après 

que j’y met du sens, mais j’ai l’impression 

que sur cette partie-là je suis plus dans l’intuition 

que dans la construction. Il y a des 

moments où je sens que le plan séquence 

va apporter quelque chose au rythme du 

film. Dès que j’ai aimé le cinéma, mon amour 

pour le plan séquence s’est directement 

imposé à moi. Je me souviens qu’à l’âge de 

14 ans déjà j’aimais de manière intuitive et 

inconsciente les plans séquences et les 

cinéastes qui en faisaient beaucoup dans 

leurs films. Cela est dû au fait que je déteste 

ce langage très simple et classique dans les 

films. Le plan séquence c’est de la poésie et 

ce qui est autour c’est de la prose. C’est aussi 

une chorégraphie, chaque mouvement est 

travaillé. Le cinéma permet des choses formidables 

pour celui ou celle qui veut explorer 

ce genre de choses. 

Vous avez choisi de titrer votre film 

Déserts au pluriel. Cette pluralité se 

manifeste sur plusieurs plans, notamment 

les genres qui s’entremêlent dans 

votre long métrage, mais aussi sur le 

plan géographique et émotionnel, entre 

autres. 

Le titre au pluriel est arrivé très vite. Le film 

est principalement tourné dans un désert et 

sur le coup la notion de désert est partie plus 

loin, du désert affectif des personnages principaux 

au désert économique. Le désert fait 

également référence à cette dimension mystique 

et cosmique. Au niveau du genre, il y a 

quelque chose de pluriel aussi dans le film 

qui est une comédie burlesque, un western, 

une histoire de vengeance et d’amour et une 

quête existentielle des protagonistes. Talt al 

khali, le titre marocain parle plus aux Marocains. 

C’est ce tiers manquant qui crée tout 

LE FILM A APPELÉ LES GRANDS 

ESPACES COMME IL A APPELÉ LES 

GRANDS SENTIMENTS, PARCE QU’IL Y A 

CETTE DIMENSION MYSTIQUE QUI 

PREND LE DESSUS DANS L’HISTOIRE 


15

LA RENCONTRE 

le mystère autour de beaucoup de choses 

auxquelles le film n’apporte pas de réponse. 

Votre sixième long-métrage, sélectionné 

à la Quinzaine des Cinéastes et doublement 

primé à la Mostra de Valence 

(meilleurs acteurs/meilleur réalisateur), 

arrive en salles marocaines à partir du 15 

mai. A quelques heures de l’avant-première 

à Casablanca, quelles sont vos 

impressions à chaud ? 

J’ai beaucoup d’attentes quant à la réaction 

du public marocain face à l’humour développé 

dans ce film. J’ai la conviction qu’il y a un imaginaire 

intéressant dans l’humour marocain 

qui est à mon sens un humour quasi surréaliste, 

parfois assez noir. Cet humour n’a pas 

été assez exploité au Maroc, il est resté en 

surface. La comédie au Maroc est une comédie 

de dialogues et de blagues, et on est rarement 

allé sur un humour de situation plus 

décalé ou sur du burlesque. Dans ce film, on 

a fait un travail très précis sur les dialogues 

et je m’attends à ce que les nuances (qui n’empêchent 

pas la compréhension du film, s’il 

elles ne sont pas assimilées) soient captées 

par le public marocain, plus que le public 

étranger. Il y a donc cette attente qui m’accompagne, 

je m’attends à ce que le public 

marocain réagisse bien à l’humour proprement 

marocain qui se dégage du film. 

Vous pensez que le public marocain est 

beaucoup plus réceptif aux gags qu’à un 

humour fin de situation ? 

Je pense qu’il faudrait habituer le public à 

se dire que ce sont des films pour lui aussi. 

L’humour reste très présent des films de Faouzi Bensaidi. 

J’AIME BEAUCOUP LES ESPACES, ET 

J’AIME QU’ILS RACONTENT LE FILM. 

D’AILLEURS, JE LEUR CHERCHE TOUJOURS 

UNE COHÉRENCE ÉMOTIONNELLE, PLUS 

QU’UNE COHÉRENCE GÉOGRAPHIQUE 

Il y a une espèce de séparation que je ressens 

entre les comédies marocaines et les 

films de genre qui recèlent de l’humour. C’est 

comme si ces films pour lesquels on a un 

peu plus d’ambition et qui peuvent nous parler 

à nous et au monde sont des films que 

peut être une partie du public ne considère 

pas pour lui. Il va donc plus vers des films 

directs, plus accessibles et finit par se dire 

que peut-être il n’y a que ça qui existe. 

Il faut permettre à ce même public d’aller 

vers des films qui proposent à la fois une 

comédie et un accès à la poésie, parce que 

la comédie est une poésie aussi. Aucune 

personne au monde n’est insensible à la 

beauté même les gens qui viennent voir la 

comédie lourdingue. Il faut donc réveiller 

en eux cet amour pour la beauté par le grand 

art, en faisant un travail d’éducation et de 

médiation, tout en gardant en tête qu’il ne 

faut pas désespérer s’ils ne réagissent pas 

tout de suite.● 


LA COUV’ 

HICHAM LASRI 

L’ARTISTE 

À L'ASSAUT DES NORMES 

Hicham Lasri, né à Casablanca en 1977, est un artiste inclassable 

qui refuse de se plier aux genres et aux conventions. Son travail 

traverse la littérature, la bande dessinée, le cinéma, la musique et le 

théâtre, créant des passerelles entre les disciplines. Il n'hésite pas à 

recourir à la provocation et au sarcasme pour faire réfléchir son 

public et questionner les normes sociales. Rencontre. 

DOSSIER RÉALISÉ PAR REDA K. HOUDAÏFA - CRÉDIT PHOTOS : ALEXANDRE CHAPLIER - BOXOFFICE MAROC 


Hicham Lasri, le 29 

avril 2024, chez lui 

à Casablanca. 


19

LA COUV’ 

Ce film nous entraîne dans une rêverie urbaine, guidée 

par un personnage énigmatique. 

Au cœur de Casablanca, se niche le repaire 

d'Hicham Lasri. Un havre de création où 

s'amoncellent papiers, livres et CD, témoins 

d'une passion dévorante. Son regard vif et 

perçant se pose sur ces trésors, dévoilant un 

attachement viscéral à son art. So punk et 

intransigeant, Lasri s'affranchit des diktats de 

la modernité. Facebook, TikTok et Instagram 

n'ont pas leur place dans son univers. Les 

visites sont rares et précieuses, car pour lui, 

l'art est le centre de sa vie, sa raison d'être. 

En réalisateur, Lasri a signé de nombreux 

courts et longs métrages qui ont marqué le 

paysage cinématographique marocain. Parmi 

ses œuvres les plus marquantes, citons The 

Sea is Behind 2014, Affame ton chien 2016, 

Jahilya 2018, Nayda? 2019 et la trilogie Marroc 

2020. Son long métrage, False Drama 

(Haysh Maysh) 2022, confirme son talent et 

sa vision unique. Son cinéma, souvent 

empreint d'humour noir et d'une esthétique 

singulière, explore des thématiques universelles 

avec audace et sensibilité. 

« Mon cinéma est une ode aux marginaux, 

aux oubliés, à ceux qui ne rentrent pas dans 

les cases (...) C'est une invitation à explorer 

l'inconnu, à remettre en question nos certitudes, 

à rêver d'autres mondes possibles », 

confie Lasri. Son engagement se manifeste 

à travers des œuvres qui donnent voix aux 

opprimés et dénoncent les injustices sociales. 

« Les gens ont peur de voir des choses négatives 

sur eux-mêmes, mais il est important de 

ne pas se voiler la face. Le cinéma n'est pas 

un outil de propagande, il doit montrer la réalité, 

même quand elle est dure », dit-il. Son 

art ne cherche pas à flatter. Il met en lumière 

les aspects sombres de la société pour encourager 

la réflexion et le changement. 

« Je fais un cinéma sans message, mais 

avec des émotions et des débats. Je veux 

que mes films provoquent, dérangent et 

fassent réfléchir. Je crois que le cinéma a 

le pouvoir de changer le monde », déclare 

Lasri. Il n'a pas peur de secouer son public. 

Son objectif est de susciter le débat et 

d'amener les gens à réfléchir sur le monde 

qui les entoure. 

Le parcours artistique de Lasri est un témoignage 

de sa curiosité insatiable et de son 

dévouement indéfectible à son art. C'est un 

véritable touche-à-tout qui défie toute catégorisation, 

repoussant les limites de la narration 

et remettant en question les normes 

sociétales. A travers ses œuvres diverses, il 

nous invite à affronter des vérités dérangeantes, 

à célébrer les marginalisés et à rêver 

d'un monde plus juste et plus équitable. 

JE FAIS UN CINÉMA SANS MESSAGE, 

MAIS AVEC DES ÉMOTIONS ET DES DÉBATS. 

JE VEUX QUE MES FILMS PROVOQUENT, 

DÉRANGENT ET FASSENT RÉFLÉCHIR 


Marroc, une satire mordante de notre société. 

« Je ne fais pas de films pour attaquer les 

gens, mais plutôt pour les regarder avec intelligence 

et sarcasme. Mon approche est ironique, 

mais elle est empreinte de tendresse. 

Je ne juge pas mes personnages, je les aime 

et je les filme avec amour ». Son engagement 

est teinté d'humanité et de compassion. 

Il cherche à comprendre la société et 

ses maux, non pas à la condamner. 

Un miroir satirique de la société marocaine 

Hicham Lasri s'est imposé comme un précurseur 

des web-séries au Maroc, bousculant 

les conventions et explorant des thé- 

La vie d'un flic bascule dans une aventure tragicomique où 

rires et larmes se confondent. 


21

LA COUV’ 

Kathy, jeune femme célibataire en quête 

d'un mari, partage ses réflexions sur la 

société dans Bissara Overdose (2017) ; un 

moudjahine autoproclamé, reclus dans une 

cave au Pakistan, livre sa vision du monde 

dans le faux vlog No-vaseline Fatwa 

(2017-2018) ; une campagne 

électorale absurde du 

parti Gamila, dont le 

président promet 

monts et merveilles 

pour gagner des voix, dans No-Vaseline 

Politic 2017-2018; Zoubida lance un 

appel public pour recenser une nouvelle 

espèce humaine, les Caca-Mind 2017; des 

Casablancais livrent leur opinion sur ce qu'ils 

changeraient au Maroc dans des interviews 

spontanées dans K7el Rass - Les Basanés 

2017; Ta ana Bnadem Wellah 2018 dénonce 

les clichés sexistes avec humour et absurdité, 

mettant en lumière les inégalités 

hommes-femmes au Maroc ; depuis ses toilettes, 

Camarade Khikhi, chômeur accro au 

hash, partage sa vision du monde dans le 

faux vlog décalé Rafik Khikhi 2017. 

Ces web-séries, empreintes d'un humour 

noir et d'une satire acerbe, abordent des 

thèmes variés tels que la religion, la politique, 

les relations hommes-femmes, 

les inégalités sociales et la vie quotidienne 

au Maroc. 

Tba3sis BlFrançais 2018-2019, 

elle, se distingue par son 

approche éducative et divertissante. 

Dans cette web-série, 

Hicham Lasri explique des mots 

soutenus en darija, accompagné d'un 

invité différent à chaque épisode, s'attaquant 

à la fracture linguistique et promouvant 

la valorisation de la langue arabe 

marocaine. 

« Marroc n’est pas le peuple mais la mentalité 

de certains en mode ‘Khoroto’, niveau expert 

tendance ‘caca mind’ », ironise Hicham Lasri. 

matiques sociales avec une 

verve satirique et un humour mordant. 

Ses créations, souvent provocatrices 

et décalées, offrent un regard unique sur 

la vie quotidienne au Maroc et les questions 

qui préoccupent la société. 

L'ensemble des web-séries d'Hicham 

Lasri témoigne de son talent créatif, de 

son sens de l'observation et de son 

engagement infaillible. Elles ont 

contribué à faire évoluer le paysage 

audiovisuel marocain et à 

ouvrir la voie à une nouvelle génération 

de créateurs audacieux et 

iconoclastes. Lasri s'affirme ainsi comme 

un maître de la satire, un observateur perspicace 

de la société marocaine et un véritable 

pionnier dans l'univers des web-séries. 

Ce mec cool et déjanté refuse de se répéter 

: « Malgré mes thématiques récurrentes, 

je m'attache à renouveler mon approche à 

chaque projet ». Il explore constamment de 

nouvelles formes d'expression pour transmettre 

son message. 

La provocation et le regard critique 

« Après plusieurs années consacrées à des 

tournages intenses, j'ai ressenti le besoin de 

me retirer, de me reconnecter à mon essence 

créatrice », confie-t-il. Ce « hiatus » de quatre 

années fut une pause salutaire, un retour 

aux sources de son inspiration : l'écriture. 

22 

Maroc / Juin-Juillet 2024

LA COUV’ 

Lasri ne s'arrête de réaliser que pour se plonger 

aussitôt dans l'écriture d'un livre, 

sa seconde passion dévorante. Il s'y adonne 

avec une frénésie insatiable, passant des 

nouvelles aux romans. 

« Pour moi, l'écriture est plus qu'un simple 

métier, c'est une passion viscérale, une quête 

de sens », avoue-t-il. Le livre, objet tangible 

et symbole de savoir, occupe une place centrale 

dans son univers. Il se remémore son 

enfance bercée par le bruissement des 

pages tournées et l'odeur rassurante des 

JE NE FAIS PAS DE FILMS POUR 

ATTAQUER LES GENS, MAIS PLUTÔT 

POUR LES REGARDER AVEC 

INTELLIGENCE ET SARCASME 

vieux papiers. Cette fascination pour le livre 

le pousse à réfléchir à son rôle dans la 

société moderne, à une époque où l'écran 

semble régner en maître. Ainsi, Lasri ne voit 

pas l'écriture comme un simple travail, mais 

comme une force vitale qui le pousse à explorer 

les recoins de l'âme humaine. 

Pêle-mêle 

Sous le pseudonyme de Daddy Desdenova, 

Lasri se révèle être un romancier aux verbes 

acérés. Ses œuvres, telles que Stati © 2009, 

Sainte Rita 2015 et L'Effet Lucifer 2021, 

plongent le lecteur dans des réflexions profondes 

sur la société marocaine, l'identité, 

la religion et les mutations technologiques. 

Son roman, Big Data Djihad (2023), se présente 

comme une critique acerbe de notre 

monde numérique, mêlant science-fiction 

et frictions digitales. 

« J'envisage le livre comme un agent infiltré 

dans la société, un vecteur de culture et 

d'imaginaire », déclare-t-il. Lasri se bat pour 

redonner au livre ses lettres de noblesse à 

l'ère du numérique. Il imagine des stratégies 

pour le rendre accessible à tous et lutter 

contre l'uniformisation de la pensée. 

« Je prône une ‘glamourisation’ de la lecture, 

une mise en valeur de l'objet, livre, qui 

en appelle à l'émotion et à l'esthétique (…) 

Un film présenté sous forme d'un found footage, sorti en 2013. 

Le cinéma de Lasri est imprégné de folie. Une folie qui reflète 

les errements étranges, énigmatiques, inquiétants de Marocains. 


Entiché de Céline, nous 

avons trouvé cette plaque 

accrochée sur l'un des 

murs de son atelier-maison. 

La lecture et la culture sont essentielles pour 

comprendre le monde et pour développer 

son esprit critique. Elles nous permettent de 

voir au-delà des clichés et des préjugés ». 

Lasri ne se cantonne pas au roman. En tant 

que dramaturge au verbe tranchant, il livre 

avec Arab Lives Matter 2023 une pièce poignante 

sur l'invisibilité sociale, mettant en 

scène quatre personnages coincés dans un 

hall d'immeuble, confrontés à leurs angoisses 

et peurs. Son théâtre engagé questionne 

les injustices sociales et invite à une réflexion 

collective sur les défis du monde contemporain. 

Maîtrisant également le neuvième art, Lasri 

a signé plusieurs bandes dessinées à succès, 

dont Vaudou 2015, Fawda 2017, Tijuana 

Bible 2017 et Marroc 2019. Ses illustrations, 

empreintes d'un style unique et humoristique, 

dépeignent la vie quotidienne au 

Maroc avec finesse et acuité, offrant un 

regard original sur les réalités sociales du 

pays. 

Et, en artiste au groove rebelle, Lasri s’est 

également aventuré, en 2019, dans le monde 

de la musique avec son groupe ChicShocs. 

Leur chanson L'B3abe3 est une expérience 

sociale audacieuse, où l'artiste « insulte tout 

le monde » pour observer la réaction du public. 

Une performance artistique qui interroge les 

conventions et les limites de l'expression. 

Par son audace, sa créativité et son engagement, 

Hicham Lasri ne cesse de nous 

surprendre et de nous interpeller. Il anticipe 

les mutations de la société et explore 

les complexités de la société marocaine et 

les questions qui taraudent le monde 

contemporain. Son regard acéré et son 

sens de la satire nous invitent à une réflexion 

critique et à une remise en question permanente, 

à s'exprimer librement et à défier 

le statu quo, surtout.● 

Hicham est un artiste soucieux de l'équilibre entre didactique et création. Il cherche à 

partager ses connaissances et ses réflexions tout en respectant l'intelligence et la 

sensibilité du spectateur. 


25

LA COUV’ 

Hicham Lasri 

« J'AI UNE 

PROFONDE 

AFFECTION 

POUR LES 

LOOSERS » 

Hicham Lasri, réalisateur, 

scénariste, romancier et 

dessinateur marocain, dépasse 

les frontières de la simple 

représentation du réel pour 

explorer des univers mentaux 

profonds, remettre en question 

les normes sociales et inviter le 

public à la réflexion. Son œuvre 

se distingue par son exploration 

courageuse de certaines sujets, la 

richesse de ses personnages et 

son esthétique artistique. Nous 

l’avons rencontré chez lui à 

Casablanca. 


Le cinéma, pour vous, va au-delà de la 

simple reproduction du réel. Comment 

définissez-vous votre approche de la 

création cinématographique ? 

Je conçois le cinéma comme un moyen de 

créer des univers mentaux uniques, d'explorer 

les zones grises de la société et de questionner 

les normes établies. Je ne m'intéresse 

pas aux gens « normaux », à ceux qui se 

fondent dans la masse. Ce qui m'attire, c'est 

ce qui est différent, ce qui dérange, ce qui 

nous invite à réfléchir. 

Vous abordez souvent la thématique des 

« loosers » dans vos films. Qu'est-ce qui vous 

attire chez ces personnages marginalisés ? 

J'ai une profonde affection pour 

les « loosers », ces personnages souvent fragiles 

et imparfaits. Ils m'inspirent des histoires 

fortes et complexes, loin des clichés et des 

conventions. Je suis fasciné par leur capacité 

à survivre et à s'adapter dans un monde qui 

ne leur fait pas toujours de cadeaux. 

Quelle est votre approche de la narration 

cinématographique en ce qui concerne la 

vérité et la stimulation intellectuelle du 

public ? 

Je ne cherche pas à délivrer une vérité absolue 

dans mes films. Je préfère montrer, susciter 

des émotions et des réflexions chez le 

spectateur. Le cinéma est un art de la dialectique, 

il doit permettre le débat et la confrontation 

d'idées différentes. 

cultivé pourra lire une histoire à plusieurs 

niveaux, tandis qu'un spectateur moins éduqué 

la recevra au premier degré. 

Vos films remettent en question le statu quo 

et défient les attentes du public. Vous créez 

des personnages à la fois nuancés et porteurs 

d'espoir… 

Je refuse de faire un cinéma misérabiliste qui 

montre uniquement les problèmes de la 

société. Je préfère créer des personnages 

complexes et nuancés, qui se battent pour 

survivre et pour réaliser leurs rêves. L'espoir 

est un élément fondamental de l'existence 

humaine, et il doit être présent dans mes films. 

Moroccan Badass Girl se démarque par son 

ton audacieux et son esthétique unique… 

(rires)… C'est un film frais et audacieux qui 

se démarque de la production cinématographique 

marocaine traditionnelle. Il s'adresse 

à un public large et invite à la réflexion tout 

en divertissant. 

Votre figure féminine dans ce film est forte 

et multidimensionnelle… 

Le premier défi était de créer un personnage 

féminin principal qui échappe aux clichés habituels. 

Fadoua Taleb, dans ce film, n'est ni une 

victime ni une héroïne idéalisée, mais une 

femme imparfaite et attachante, avec ses 

défauts et ses contradictions. 

Pourquoi utilisez-vous l'humour noir, le 

rythme soutenu et les situations cocasses ? 

Le cinéma n'est pas une question de jugement 

moral. Derrière l'humour noir et l'aspect 

divertissant du film, se cache une réflexion sur 

la société marocaine et ses travers. J'utilise 

des personnages archétypaux et des situations 

cocasses pour aborder des sujets sensibles. 

En outre, j'aime casser les clichés et 

JE DÉFIE RÉGULIÈREMENT LES 

REPRÉSENTATIONS STÉRÉOTYPÉES ET 

SIMPLISTES DU MONDE ARABE DANS 

MES FILMS 

Vous défiez régulièrement les représentations 

stéréotypées et simplistes du monde 

arabe dans vos films… 

Il y a une sorte d'orientalisme à deux sous qui 

veut que les films du monde arabe ne parlent 

que de problèmes et de souffrance. Je combats 

cette vision en faisant des films de plus 

en plus fous et originaux. 

Mais, vous y abordez des sujets 

tabous et controversés… 

On a encore peur des films au Maroc. 

Il faut dépasser cette peur et oser faire 

des films qui remettent en question 

les idées reçues. 

Comment le cinéma peut-il 

être un moyen puissant pour 

sensibiliser et influencer le 

public sur des questions 

importantes ? 

Le cinéma n'est pas une 

question d'éducation, 

mais d'expérience. 

Un spectateur 

Hicham Lasri : « Dans une société où tout le monde filme tout le temps, je m'interroge 

sur le sens et l'impact de ces images. Je critique l'utilisation superficielle des 

caméras et encourage à les utiliser de manière plus créative et réfléchie. » 


27

LA COUV’ 

proposer des personnages et des situations 

qui sortent de l'ordinaire. Moroccan Badass 

Girl évite la contemplation et offre un rythme 

soutenu, presque frénétique. Il s'agit d'une 

journée infernale pour Fedoua Taleb, ponctuée 

d'événements drôles, déjantés et parfois 

même un peu fous. 

Vous y présentez Casablanca d'une 

manière unique. Comment avez-vous voulu 

dépeindre la ville ? 

Je n'aimerais pas montrer une vision clichée 

de Casablanca. Je choisis plutôt de mettre en 

avant la ville moyennant une perspective poétique 

et personnelle. Mon film propose une 

réflexion sur les Casaouis d'aujourd'hui. Il s'agit 

d'une population en pleine évolution, pleine 

de contradictions et de richesses. Je ne cherche 

pas à faire de la critique facile, mais plutôt à 

proposer une expérience cinématographique 

qui invite à la réflexion et au dialogue. 

Comment transformez-vous vos expériences 

personnelles et vos observations de la société 

en récits cinématographiques ? 

J'aime poser des questions, explorer des pistes 

inattendues… : « Et si le gardien de parking 

était un personnage fascinant ? Et si le directeur 

de banque cachait une part d'ombre ? ». 

Le surréalisme et la déformation de la réalité 

nous permettent de révéler des vérités 

cachées, de porter un regard neuf sur la société. 

Mon style d'écriture cinématographique est à 

l'image de ma personnalité : vif, direct, parfois 

provocateur. J'utilise un langage riche et imagé, 

ponctué d'anecdotes et d'humour. 

Comment équilibrez-vous votre intégrité 

artistique avec les exigences commerciales 

de l'industrie cinématographique ? 

Je fais des films parce que j'ai des histoires à 

raconter. Et je les raconte avec sincérité et 

conviction, sans me soucier des modes et des 

tendances. Le succès commercial est important, 

mais il ne doit pas se faire au détriment 

de la qualité artistique. 

par la main et qu'il puisse se faire sa propre 

opinion sur les personnages et les événements. 

Le cinéma doit être une source de 

réflexion ainsi que d'interrogation, et non un 

simple divertissement. En évitant la contemplation 

et en offrant un rythme soutenu, on 

peut amener le spectateur à réfléchir sur des 

questions importantes. Je ne crains pas d'aborder 

des sujets sensibles dans mes films. J’essaye 

d’interroger la société, bousculer les 

idées reçues et inviter à la réflexion. Au cœur 

de mon dernier film se trouve la question de 

l'énergie individuelle, souvent gaspillée ou 

mal canalisée dans une société contraignante. 

Comment envisagez-vous le rôle du spectateur 

dans vos films Moroccan Badass Girl ? 

Le personnage principal s'adresse directement 

à la caméra, ce qui renforce encore le 

lien entre le film et le spectateur. J’utilise cette 

technique pour questionner la place de la 

caméra et notre rapport à l'image. J'aime jouer 

avec les codes du cinéma et briser le quatrième 

mur. Cela permet de créer une relation 

directe avec le spectateur et de le rendre 

acteur de l'histoire. 

Quelle importance accordez-vous à la technique 

cinématographique dans votre processus 

créatif ? 

La caméra n'est pas un simple outil de capture 

d'images, mais un véritable outil d'expression. 

Je l'utilise comme un stylo, pour transcrire des 

émotions et des idées précises. La caméra 

n'est pas seulement un outil, mais aussi un partenaire 

de création. Dans Moroccan Badass 

Girl, je ne me contente pas de filmer de loin. 

Je suis souvent au cœur de l'action, portant la 

caméra moi-même et interagissant avec mes 

acteurs. Cela permet de créer une certaine 

énergie et une spontanéité. Je joue également 

avec les distances, les angles et les mouvements 

pour créer des émotions et des sensations 

chez le spectateur. 

Vos principales caractéristiques du style 

cinématographique ? 

Le son joue, chez moi, un rôle essentiel dans 

l'expérience cinématographique. Il peut créer 

une atmosphère, susciter des émotions et 

même influencer l'interprétation du film. J'utilise 

des références culturelles subtiles pour 

enrichir mon travail et créer un lien avec mon 

public. Je m'inspire de la pop culture locale et 

internationale, tout en veillant à ce que ses 

références soient accessibles à tous. 

Un mot pour finir ? 

J'ai toujours plein de nouvelles histoires en 

tête, des personnages à creuser et des univers 

à explorer. Je ne veux pas me limiter. 

Mon objectif principal est de continuer à faire 

des films qui divertissent, qui font réfléchir et 

qui marquent les esprits.● 

Loin de la propagande et la simplification 

excessive des problèmes, comment les 

cinéastes peuvent-ils utiliser leur art pour promouvoir 

le changement social et politique ? 

Le cinéma peut être un outil formidable pour 

le changement social. Mes films ne sont pas 

des pamphlets politiques, mais ils invitent le 

spectateur à réfléchir et à se questionner sur 

le monde qui l'entoure. Je crois au pouvoir du 

divertissement intelligent pour faire passer 

des messages forts. J'aime les films qui laissent 

place à l'ambiguïté et à l'interprétation. Il est 

important que le spectateur ne soit pas guidé 

Intellectuellement engagé, Hicham Lasri jette à la face de la société ses 

défaillances. Tout ce qui fondrait un monde insatiable. Et stimulant ?! 


LA COUV’ 

CRÉDIT : HICHAM LASRI 

« Moroccan Badass Girl » marque une étape importante 

dans l'évolution cinématographique de Hicham Lasri. 

MOROCCAN BADASS GIRL 

A TOUT CŒUR 

Le dernier film de Hicham Lasri, « Moroccan Badass Girl », 

débarque enfin sur les écrans nationaux. Après une première 

nationale remarquée au Festival International du Film de 

Marrakech, ce long métrage de 83 minutes de punch, 

d’énergie féroce et d’humour cinglant, nous plonge dans le 

quotidien tumultueux de Kathy, une jeune femme marocaine 

en quête d'émancipation. 



Hicham lasri : « Nous vivons une époque de violence éthique 

terrible, où l'on nous dicte ce qu'il faut penser et ressentir. » 

Fadoua Taleb incarne avec brio Khadija, 

alias Kathy, une trentenaire Casablancaise 

qui se bat contre les injustices 

sociales et les conventions étouffantes. Lassée 

d'être exploitée par son entourage, elle 

décide de prendre son destin en main, quitte 

à bouleverser les codes établis. 

Mêlant avec brio comédie et satire, Moroccan 

Badass Girl dresse le portrait d'une 

société en pleine mutation, où les rêves se 

heurtent aux réalités parfois cruelles. Hicham 

Lasri ne recule devant rien pour dénoncer 

les travers de notre société, et rendre hommage 

à la résilience ainsi qu’à la combativité 

des femmes marocaines. 

« J'ai réalisé ce film pour critiquer la société 

de consommation et ses dérives, tout en 

m'amusant avec les conventions du genre de 

la comédie noire », explique Hicham Lasri. 

Il s'agit là d'une célébration de l'esprit combatif 

de la femme marocaine, « qui n'est pas soumise 

ou victimisée comme on l'imagine souvent, 

mais plutôt une pionnière qui se bat, 

trébuche et se relève ». 


« Moroccan Badass Girl » : Un film audacieux et original qui 

explore la « hard life » de Kathy, incarnée par Fadoua Taleb 

avec une sensibilité et une créativité indéniables. 

La vie en pose 

Cependant, malgré le manque d'informations 

sur leur vie personnelle, leurs passions et 

leurs goûts, tous les personnages nous 

intriguent et nous touchent par leurs interactions 

et leurs réactions face aux situations 

qu'ils traversent. Loin d'être définis par des 

étiquettes ou des caractéristiques superficielles, 

ils se révèlent à travers leurs actes et 

leurs relations avec les autres. 

J'AI RÉALISÉ CE FILM POUR 

CRITIQUER LA SOCIÉTÉ DE 

CONSOMMATION ET SES DÉRIVES, 

TOUT EN M'AMUSANT AVEC LES 

CONVENTIONS DU GENRE DE LA 

COMÉDIE NOIRE 


31

LA COUV’ 


Une scène du film. 

Au fil du film, une connexion profonde se tisse 

entre le spectateur et ces protagonistes énigmatiques. 

On s'immisce dans leurs pensées 

et leurs émotions, ressentant leurs joies, leurs 

peines, leurs doutes et leurs aspirations. Bien 

que leur passé et leurs motivations restent en 

partie flous, leur humanité et leur complexité 

transparaissent, nous amenant à les comprendre 

et à les aimer, même si on ne les 

connaît pas entièrement. 

C'est là la magie de ce film : il parvient à créer 

des personnages fascinants et attachants, tout 

en préservant une part de mystère qui renforce 

leur authenticité et leur profondeur. 

Une comédie noire corrosive pour briser les 

carcans 

Soit ! Conscient que l'attention du public 

peut parfois être détournée par l'image, 

Hicham Lasri accorde une importance particulière 

à la concision et à l'impact de ses 

dialogues. Il privilégie des échanges brefs 

et directs. 

Plutôt que de longues tirades explicatives, 

Hicham Lasri opte pour des phrases courtes 

et percutantes qui font mouche. Les dialogues 

deviennent ainsi une mélodie rythmée 

qui accompagne l'image et renforce l'impact 

émotionnel du film. 

De gauche à droite : Salah Bensalah, Youssef Rami, 

Al Kayssar Amine, Moulay Idriss Fatemi. 

Ce choix stylistique n'est pas pour autant 

synonyme de superficialité. Au contraire, la 

concision des dialogues permet de concentrer 

l'attention sur l'essentiel et de révéler 

la profondeur des personnages et de leurs 

interactions. Les mots choisis avec soin 

portent en eux une charge émotionnelle 

forte, transmettant les sentiments et les 

intentions des protagonistes avec justesse 

et efficacité. 

LASRI PARVIENT À CRÉER DES 

PERSONNAGES FASCINANTS ET 

ATTACHANTS, TOUT EN PRÉSERVANT 

UNE PART DE MYSTÈRE QUI RENFORCE 

LEUR AUTHENTICITÉ ET LEUR 

PROFONDEUR 



Long cours d’alchimie 

Autour de Fadoua, un casting exceptionnel 

réunit Saleh Ben Saleh, Ayoub Abou Nasr, 

Malek Akhmiss et Mounia Lmkimel. 

Ensemble, ils composent une galerie de 

personnages hauts en couleur, cabossés 

par la vie mais jamais résignés. 

Le choix des acteurs est une étape cruciale 

dans la réalisation d'un film, et Hicham Lasri 

en est parfaitement conscient. Il sélectionne 

ses interprètes avec soin et précision, s'assurant 

qu'ils correspondent parfaitement aux 

personnages qu'ils incarneront. Une fois sur 

le plateau, Hicham guide ses acteurs avec 

finesse et précision, leur insufflant la vie et 

l'âme que l'histoire requiert. 

Loin d'imposer une direction rigide, Hicham 

crée un espace de liberté créative où ses 

acteurs peuvent s'exprimer pleinement. Il 

leur donne confiance et les encourage à 

explorer leurs personnages en profondeur, 

à apporter leur propre sensibilité et leur 

propre vision à l'œuvre. Cette collaboration 

étroite entre le réalisateur et ses interprètes 

donne naissance à des performances authentiques 

et touchantes, qui contribuent grandement 

à la réussite du film. 

Le talent des acteurs, combiné à la vision créative 

de Hicham Lasri, donne vie à des personnages 

qui nous transportent dans l'univers du 

film et nous font vivre leurs émotions comme 

si elles étaient les nôtres. 

« Pour incarner mes personnages marginaux, 

j'ai le privilège de travailler avec mes acteurs 

de toujours… Leurs physiques atypiques et 

leur talent brut de décoffrage font d'eux des 

interprètes hors du commun. Ils sont capables 

d'exprimer une multitude d'émotions et de 

nuances, donnant vie à des personnages à la 

fois touchants et dérangeants (…) Notre collaboration 

est une aventure créative permanente. 

Ensemble, nous déconstruisons les clichés 

et reconstruisons des personnages 

complexes et multidimensionnels. Nous nous 

amusons à jouer avec les genres et les conventions, 

à explorer les limites de l'acceptable », 

confie Hicham Lasri. 

Caméra au point 

Hicham Lasri adopte parfois une approche 

immersive, plaçant souvent la caméra en 

position d'observateur externe aux personnages. 

Ce choix délibéré permet de créer 

une distance objective et de capter la réalité 

de manière brute, sans interférence 

subjective. 

Le spectateur devient ainsi un témoin privilégié 

des événements qui se déroulent à 

l'écran, comme s'il y était présent. Cette 

démarche permet de plonger le public au 

cœur de l'action et de ressentir les émotions 

des personnages avec plus d'intensité. 

En évitant de s'identifier à un point de vue 

particulier, la caméra de Hicham Lasri offre 

une vision globale de la situation, capturant 

les interactions entre les personnages et leur 

environnement. Ce choix permet de mettre 

en lumière les dynamiques sociales et les 

rapports de force qui sous-tendent l'histoire. 

Après, Moroccan Badass Girl est un film 

audacieux qui ne manquera pas de susciter 

des réactions et de provoquer le débat. 

« Mon film ne plaira peut-être pas à tout le 

monde, et c'est tout à fait normal. Je ne 

cherche pas à faire l'unanimité, mais plutôt 

à susciter des réactions et à provoquer la 

réflexion. Le cinéma doit être un art vivant 

et audacieux qui ne laisse pas indifférent », 

affirme ce réalisateur qui n'a pas peur de 

bousculer les convenances et de questionner 

les normes établies. Le cinéma de Hicham 

Lasri est une invitation à la réflexion et à la 

remise en question, un hymne à la liberté 

individuelle et à l'affirmation de soi.● 

Maroc 

4 / 5 

TITRE : Moroccan Badass Girl 

PAYS : Maroc 

RÉALISATEUR : Hicham Lasri 

GENRE : Comédie 

DURÉE : 83 minutes 

ANNÉE : 2023 


33

EN SALLES 

Mehdi et Hamid, deux agents de recouvrement 

désorientés en plein désert. 

M 

ehdi et Hamid, deux agents qui 

travaillent pour le compte d’une 

société de recouvrement, se 

retrouvent au milieu de nul part, dans un 

Maroc rural et aride, à devoir faire payer 

les paysans surendettés qui n’ont pas remboursé 

leur prêt. Ironie du sort: la carte du 

Sud du Maroc qu’ils scrutaient au départ 

finit par s’envoler, désorientant encore plus 

nos protagonistes préalablement paumés. 

C’est avec cet imprévu chargé de sens 

que Faouzi Bensaidi orchestre l’ouverture 

de son film. Le périple de Mehdi et Hamid 

commence ainsi par une désorientation 

totale face aux lignes géographiques et à 

la vie elle-même, marquant le début d’un 

voyage à la fois physique et métaphysique 

où la recherche de soi devient centrale. 

Cette désorientation on la ressent également 

en tant que spectateur face à la transition 

abrupte mais surprenante d’un genre 

à un autre et d’une trame narrative à une 

autre. Ce qui commence comme une exploration 

légère et humoristique des fractures 

sociales à travers le prisme de la satire et du 

burlesque, se métamorphose en un voyage 

introspectif et mystique des deux protagonistes. 

Cette bifurcation initie un ballet d’émotions 

et de réflexions chez le spectateur, 


VOYAGE DANS LES 

CHEMINS TROUBLES 

DU DÉSERT 

Sélectionnée à la Quinzaine des Cinéastes lors du Festival de 

Cannes 2023 et primée à la Mostra de Valence, la dernière 

œuvre du cinéaste Faouzi Bensaidi, « Déserts » plonge les 

spectateurs, du sable plein les yeux, dans un monde où se mêlent 

déserts géographiques et affectifs, western, absurde et onirisme. 

PAR SALMA HAMRI 

CRÉDIT : DULAC DISTRIBUTION 


CE QUI COMMENCE COMME UNE 

EXPLORATION LÉGÈRE ET 

HUMORISTIQUE DES FRACTURES 

SOCIALES À TRAVERS LE PRISME DE 

LA SATIRE ET DU BURLESQUE 

dérouté devant les multiples interprétations 

et questions sans réponses. 

Le désert, personnage à part entière dans 

ce film, se mue en théâtre à ciel ouvert. Au 

milieu de paysages immenses, Mehdi et 

Hamid vadrouillent au volant d’une guimbarde, 

dévalent et remontent les pentes dans 

des mouvements presque chorégraphiés, à 

la recherche du moindre sou. 


35

EN SALLES 

LE FILM 

DU MOIS 

prendre une deuxième épouse. Ils s’emparent 

aussi du seul tapis que possède une 

famille qui s’est endettée pour payer le 

mariage du frère, et emmènent trois 

chèvres d’une autre. 

Ils croisent également un coiffeur 

alcoolique qui n’ouvre plus boutique, 

un épicier à la boutique désertée par 

l’exode et un couple de vieux dont le fils 

est parti tenter sa chance de l’autre côté de 

la Méditerranée, tous incapables de rembourser 

leurs dettes. Une suite de gags à 

l’arrière fond mélancolique et une mise en 

scène à travers laquelle se profile la passion 

du réalisateur pour le théâtre. 

Ensuite, le choix de Bensaidi de filmer en 

longs plans-séquences contribue à l’immersion 

dans cet univers aride et poignant, et 

enrichit ainsi la narration avec une dimension 

presque métaphysique. Les paysages 

du désert marocain sont magnifiés par les 

plans larges, offrant un contraste avec la 

petite échelle humaine des protagonistes 

qui, tout comme la carte du Sud du Maroc, 

sont susceptibles d’être balayés par les 

vents du destin. 

Les vastes étendues désertiques servent 

non seulement de toile de fond mais aussi 

de catalyseur émotionnel pour Hamid et 

Mehdi ainsi que le spectateur, notamment 

dans la deuxième partie du film lorsque le 

récit prend un tournant onirique et contemplatif. 

Une seconde partie faite d’errances, 

de confessions de moments de silence forts 

en émotions. 


Dans l’ensemble, Déserts est un film qui 

brille par son humour absurde, intrigue et 

éveille les sens, laissant une grande place 

à l’imagination du spectateur. Si la misère 

et la fracture sociale sont au centre de récit, 

de l’amour et de la tendresse rôdent discrètement 

dans ce désert économique, émotionnel 

et géographique.● 

A chaque discussion avec les villageois, une 

nouvelle petite histoire alliant le tragique et 

le ridicule se dévoile. En effet, le fil débute 

comme un film à sketches. Faute de soutirer 

de l’argent aux villageois endettés, Mehdi 

et Hamid embarquent une camionnette en 

piteux état d’un villageois que sa femme a 

mis à la porte, parce qu’il a décidé de 

Maroc 

3 / 5 

TITRE : Déserts 

PAYS : Maroc 

RÉALISATEUR : Faouzi Bensaidi 

GENRE : Comédie/Drame 




EN SALLES 

TAXI BIED 2 : 

LE CONVOI DES 

RIRES MANQUÉS 

Un chauffeur de taxi bavard, intrusif et maladroit, un baron de la drogue qui a 

soif de vengeance, une course poursuite et une série de situations qui se veulent 

comiques. Voilà ce qu’il faut retenir du deuxième volet du long métrage Taxi 

Bied, réalisé par Moncef Malzi, et actuellement en salles de cinéma. 


Dans la première partie de Taxi Bied, Allal 

Lbahraoui, interprété par Mohamed 

khiari, un chauffeur de taxi blanc typique, 

se retrouve au cœur d’une mésaventure 

lorsqu’il entre en collision avec le véhicule de 

Bouaouina, un grand trafiquant de drogue 

campé par Mohcine Malzi, alors qu’il prenait en 

charge des passagers d’El Jadida à Casablanca. 

CRÉDIT : SCREENSHOT BANDE ANNONCE 

S’ensuit alors une course poursuite pour sauver 

la vie des passagers pris en otages. Celle- 

-ci se conclut sur l’arrestation du baron de la 

drogue, grâce à la collaboration du chauffeur 

de taxi avec la police. Ce dénouement ouvre 

la voie à Taxi Bied 2 : Le Convoi, où l’histoire 

prend un nouveau tournant cinq ans après les 

événements initiaux. 

Bouaouina, le baron de la drogue assoiffé de vengeance. 

Le film s’ouvre sur la nouvelle vie de Allal qui, 

ayant touché une importante somme d’assurance, 

se reconvertit dans le transport touristique 

et VIP. Il a pour mission de récupérer une 

certaine Roxana et ses amies de l’aéroport, 

avant de découvrir qu’il s’agit d’un piège orchestré 

par Bouaouina pour l’obliger encore une 

fois à transporter sa marchandise. 

Dans cette deuxième partie, les dialogues souffrent 

d’une redondance que le spectateur remarque 

dès l’ouverture du film. Les personnages 

s’enlisent dans des monologues interminables, 

ponctués d’un enchainement de proverbes 

marocains qui alourdissent le rythme du film et 

créent dès les dix premières minutes une lassitude 

chez le spectateur. 

Taxi Bied 2 réunit une brochette d’acteurs talentueux 

: Mohamed Khiari, Mouhssine Malzi, 

Mohamed Choubi, Abdelkabir Rgagna, Mansour 

Badri, Ilham Karaoui, Maryam El Garaa… 

Pourtant, les performances des acteurs n’ont 

pas pu sauver le film de son scénario médiocre, 

même le talent comique de Mohamed Khiari 

n’a pas réussi à relever le niveau du film dont 

le scénario est paresseux et se contente de 

recycler des blagues déjà vues et entendues. 

LES GAGS RÉCURRENTS, BIEN 

QU’ANCRÉS DANS LA RÉALITÉ SOCIALE 

MAROCAINE, MANQUENT DE FRAÎCHEUR ET 

DE SUBTILITÉ ET TABLENT SUR UN 

HUMOUR VULGAIRE 

Les situations comiques censées alléger la tension 

tombent souvent à plat. Les gags récurrents 

et les tentatives d’humour, bien qu’ancrés dans 

la réalité sociale marocaine, manquent de fraîcheur 

et de subtilité et tablent sur un humour vulgaire 

qui réussit à réveiller par moment les spectateurs 

assommés dès le début de la projection. 

Loin de la comédie ratée, les scènes d’action 

et de combat sont très peu convaincantes. En 

plus des costumes ridicules, les chorégraphies 

de combat manquent de dynamisme et sont si 

maladroites et mal exécutées qu’elles paraissent 

presque parodiques.● 

Maroc 

1 / 5 

TITRE : Le convoi-taxi bied 2 

PAYS : Maroc 

RÉALISATEUR : Moncef Malz 

GENRE : Action, Comédie 




EN SALLES 

CRÉDIT : CHI-FOU-MI PRODUCTIONS 

Léa Seydoux, Vincent Lindon, Louis Garrel et Raphaël Quenard sont excellents dans leurs rôles 

respectifs ; ils campent avec brio des personnages excentriques et attachants. 

LE DEUXIÈME ACTE 

DERRIÈRE LE RIDEAU 

Le cinéaste Quentin Dupieux revient sur le grand écran avec «Le Deuxième Acte», 

une comédie noire qui ne manquera pas de diviser, comme souvent chez lui. 

PAR REDA K. HOUDAÏFA 

Le Deuxième Acte suit les mésaventures 

de Florence, une jeune femme qui 

décide de présenter son petit ami David 

à son père Guillaume, un célèbre réalisateur. 

Mais David, qui n’est pas amoureux de Florence, 

met au point un plan pour la faire tomber 

amoureuse de son ami Willy. 

Le film se déroule presque entièrement dans 

un restaurant isolé, où les quatre personnages 

se retrouvent piégés. Cette situation 

donne lieu à des dialogues percutants et des 

situations absurdes, typiques de l’univers de 

Dupieux. Le réalisateur utilise le procédé de 

la mise en abyme, ce qui lui permet de jouer 

avec les niveaux de réalité et de fiction. 

LE DEUXIÈME ACTE MONTRE LES 

COULISSES DU MÉTIER D’ACTEUR, AVEC 

SES VANITÉS ET SES HYPOCRISIES. 

DUPIEUX N’ÉPARGNE PERSONNE... 

Quentin Dupieux nous invite à une réflexion 

profonde sur la vie réelle et la nature de 

l’illusion cinématographique. Il explore les 

thèmes de la comédie, du mensonge, du 

stress, du trac, de l’oubli, du succès, de 

l’échec, du rire, si proche des larmes et 

des drames. 

D’autres regretteront que Dupieux ne développe 

pas davantage ses personnages. 

Par ailleurs, pour souligner l’univers décalé 

du film, la bande-son est composée de 

musiques originales signées Thomas Bangalter 

(Daft Punk). ● 

Ce long métrage est aussi l’occasion pour 

Dupieux de livrer une réflexion sur le monde 

du cinéma. Le film montre les coulisses du 

métier d’acteur, avec ses vanités et ses hypocrisies. 

Dupieux n’épargne personne, et son 

regard est souvent acerbe. 

Le Deuxième Acte met en scène des acteurs, 

exaspérés par leur métier, mais acculés à 

vivre de ce jeu permanent. Ils ne savent faire 

que ça, et nous manipulent avec brio, pour 

notre plus grand plaisir. 

Le réalisateur utilise la métaphore du travelling 

pour illustrer la vie des acteurs, un long 

et interminable voyage où tout est joué, où 

rien n’est vrai. Il laisse ensuite le spectateur 

libre de choisir s’il veut se laisser emporter 

par le jeu des acteurs ou non. 

Cette approche plaira à ses fans et à tous 

ceux qui aiment les films originaux et audacieux. 

Cependant, le film n’est pas exempt 

de défauts : certains spectateurs pourront 

trouver le film trop long ou trop bavard. 

Maroc 

3 / 5 

TITRE : Le Deuxième Acte 

PAYS : France 

RÉALISATEUR : Quentin Dupieux 





FURIOSA : A MAD MAX SAGA 

LA FUREUR DE VIVRE 

À 79 ans, George Miller prouve qu’il n’a rien perdu de sa verve 

créatrice en nous offrant un prequel aussi audacieux que captivant. 

PAR YACINE KAOUTI 

Anya Taylor dans le rôle de Furiosa. 

Depuis le premier Mad Max en 1979, 

George Miller a su imposer sa vision 

unique du cinéma d’action post-apocalyptique. 

Dans Furiosa, il revient à ses premiers 

amours avec une histoire qui se penche 

sur l’enfance de Furiosa, incarnée ici par Anya 

Taylor-Joy. Si nous avions eu peur de l’épisode 

de trop, ce prequel explore de nouveaux 

territoires narratifs tout en restant fidèle à l’esthétique 

chaotique et viscérale qui a fait la 

renommée de la saga. 

Furiosa a la fureur de vivre, et cela se voit à 

l’écran tout au long des 2h28 du film. Arrachée 

des siens à sa terre verte et abondante par 

des motards menés par le redoutable Dementius 

(Chris Hemsworth), Furiosa n’a qu’une 

obsession : retrouver son foyer et se venger. 

Le film, couvrant plusieurs années de la vie 

de Furiosa, alterne entre scènes d’action frénétiques 

et moments introspectifs. Construit 

en plusieurs actes, les séquences de flashbacks, 

loin d’alourdir le récit, viennent éclairer 

les motivations de Furiosa et rendre son 

parcours encore plus poignant. 

Si Furiosa est moins frénétique que Fury Road, 

il n’en reste pas moins spectaculaire. Ce dernier 

opus rentre dans la catégorie des films 

d’actions maitrisés. Ceux ou les scènes d’actions 

ne sont jamais de trop et ou l’intensité 

de l’histoire et au service du dévellopement 

SI FURIOSA EST MOINS FRÉNÉTIQUE QUE 

FURY ROAD, IL N’EN RESTE PAS MOINS 

SPECTACULAIRE ET RENTRE DANS LA 

CATÉGORIE DES FILMS D’ACTIONS MAITRISÉS 

du scénario. Les poursuites en véhicules customisés, 

signature de la saga, sont toujours 

aussi impressionnantes et magnifiquement 

chorégraphiées. Le film réussit à maintenir un 

équilibre subtil entre action pure et narration, 

permettant aux spectateurs de s’immerger 

complètement dans cet univers déjanté. 

Anya Taylor-Joy incarne une Furiosa à la fois 

déterminée et vulnérable, offrant une performance 

d’une intensité rare. Que dire alors de 

Chris Hemsworth, qui incarne Dementius avec 

une brutalité magnétique. 

Avec Mad Max: Furiosa, George Miller signe 

un retour en force dans l’univers qu’il a créé, 

prouvant qu’il est toujours un maître incontesté 

du genre. Ce prequel est à la fois un 

hommage aux racines de la saga et une 

œuvre ficelée, grâce à une réalisation impeccable 

et des performances d’acteurs 

époustouflantes. Courez le voir, enfin un bon 

blockbuster cette année.● 

Maroc 

4 / 5 

TITRE : Furiosa : A Mad Max Saga 

PAYS : États-Unis 

RÉALISATEUR : George Miller 

GENRE : Action, Science-fiction 




41

DOSSIER 

L’ANIMATION EN ÉCLATS : 

HIGHLIGHTS DU 

22 ÈME FICAM 

Le Festival International du Cinéma d’Animation de Meknès 

(FICAM) a connu une 22ème édition exceptionnelle, qui s’est 

déroulée du 10 au 15 mai 2024. Des projections captivantes, des 

débats stimulants, des ateliers enrichissants et des rencontres 

animées ont ponctué cette semaine dédiée à l’animation. 

DOSSIER RÉALISÉ PAR REDA K. HOUDAÏFA 

Au soir du mercredi 15 mai, baisser 

de rideau de la 22ème édition du 

Festival International du Cinéma 

d’Animation de Meknès (FICAM), en apothéose 

au Théâtre Mohammed El Mennouni.. 

« Quelle édition extraordinaire ! La présence 

remarquable de nos invités et l’affluence 

record du public témoignent de l’engouement 

suscité par cet événement. Six jours 

d’activités intenses, de projections inédites, 

de débats stimulants, d’ateliers enrichissants 

et de rencontres animées (…) Le Forum des 

métiers du film d’animation a également 

connu un franc succès, réunissant des talents 

venus de toute la région. Plus de 10 000 spectateurs 

et festivaliers ont assisté aux projections, 

rencontres et ateliers, et 6 000 enfants 

ont pu découvrir les films en avant-première 

lors de projections scolaires », a commenté 

le président de la Fondation Aïcha, Mardochée 

Devico. L’éloge, formulé sans emphase, 

est allé droit au cœur de la direction du FICAM. 

Dessein animé 

Vendredi 10 mai. Les alentours du cinéma 

Caméra prennent un air de fête. Les gens du 

cinéma d’animation arborent tous une mine 

réjouie qui fait plaisir à voir. L’engouement 

du public pour ce genre cinématographique 

lors de ce festival insuffle une nouvelle motivation 

aux acteurs, même si ce genre n’est 

pas toujours reconnu à sa juste valeur. 

« Dans le paysage cinématographique italien, 

l’animation peine à trouver sa place. Les 

financements sont rares, la couverture médiatique 

quasi inexistante et les opportunités de 

diffusion limitées. Cette marginalisation est 

d’autant plus regrettable que l’Italie, berceau 

d’une riche culture artistique, semble négliger 

le potentiel du cinéma d’animation. Les 

réalisateurs qui ne font pas du cartoon pour 

enfants doivent lutter pour survivre. J’ai compris 

cette situation dès mes débuts, et pourtant 

j’ai continué à réaliser des films d’animation 

», fait savoir le réalisateur Simone Massi. 

« L’animation est souvent reléguée au 

domaine du divertissement pour enfants, 

considérée comme une forme d’art mineure 

par rapport aux beaux-arts traditionnels… 

C’est le paradoxe de l’Italie (Rires) », reconnait 

Christian De Vita, d’abord story-boarder 

avant de devenir scénariste et réalisateur, 

auteur du long-métrage Gus en 2015 et participant 

au développement de la série à succès 

PJ Masks de Disney Junior. 

À nos deux réalisateurs qui incarnent la ténacité 

et la passion des créateurs d’animation, 

nous voulions dire qu’en Italie comme ailleurs, 

la réalisation de films d’animation 

s’avère d’une complexité redoutable. Cette 

difficulté est d’autant plus accrue que cet art 

est souvent cantonné dans l’ornière jeune 

public, limitant ainsi son audience et son 

potentiel d’expression. 

Ceux de l’animation marocaine ont été 

conviés en nombre, aussi. Hamid Semlali faisait 

partie de ces privilégiés et n’a pas manqué 

d’exprimer sa fierté, allant jusqu’à louer 

les mérites de l’équipe du FICAM. 

Peu après 19 heures, sous les regards d’une 

foule nombreuse, les officiels ont fait leur 

apparition. Crépitements de flashs, mitraillages 

photographiques en règle et lazzi des 

paparazzi ont accompagné leur arrivée. 

« Je l’ai vu, de mes propres yeux vus ; vous 

l’avez sûrement remarqué aussi, tant il ne 

passait pas inaperçu. Mehdi Bensaid, notre 

très visible ministre de la culture, est présent 

pour l’ouverture du FICAM, rayonnant, 

jubilant et avenant », s’écria une jeune femme 

à côté de nous. Pendant ce temps, les 

cinéastes et réalisateurs, parés de leurs plus 

beaux atours pour l’occasion, se voyaient 

contraints d’emprunter une entrée discrète, 

loin des projecteurs. 

Une ouverture en fanfare 

La cérémonie d’ouverture du 22ème FICAM 

s’est déroulée dans une ambiance festive 

et conviviale, empreinte de grâce et de faste. 

Mohamed Beyoud, directeur artistique du 

FICAM et maître de cérémonie, brillait de 

L’ANIMATION EST SOUVENT RELÉGUÉE 

AU DOMAINE DU DIVERTISSEMENT POUR 

ENFANTS, CONSIDÉRÉE COMME UNE 

FORME D’ART MINEURE 


CRÉDIT : FICAM 

Le FICAM, c’est avant tout une semaine riche et intense, ponctuée de 

projections exceptionnelles, de débats animés, d’ateliers de formation 

captivants et de rencontres avec les maîtres du cinéma d’animation. 

mille feux, tandis que les fleurs de rhétorique 

de Mardochée Devico, président de 

la Fondation Aïcha, étaient accueillies avec 

enthousiasme. 

Après le discours d’Agnès Humruzian, directrice 

générale de l’Institut Français du Maroc 

et un bref rappel de l’édition précédente, 

Mohamed Mehdi Bensaid a remis un trophée 

d’honneur à Hamid Semlali, précurseur du 

cinéma d’animation au Maroc. Ce fut ensuite 

au tour d’Abdelghani Sebbar, gouverneur de 

la province de Meknès, de rendre hommage 

à Bill Plympton, figure emblématique de l’animation 

américaine indépendante, en lui décernant 

un trophée d’honneur. Les facéties du 

premier et les pitreries du second ont déridé 

l’assistance. Cerise sur gâteau ? Des épisodes 

de La linea d’Osvaldo Cavandoli ont 

ponctué cette cérémonie. 

Le Grand Prix Aïcha de l’Animation 2024 a 

été décerné à Nouhayla El Hassani pour son 

court-métrage d’animation L’éléphant du 

Cheikh. Remis par Jaouad Bahaji, président 

de la commune de Meknès, et Mardochée 

Devico, ce prix récompense non seulement 

le talent de la lauréate mais lui offre également 

les moyens de concrétiser son projet, 

« l’encourageant ainsi à poursuivre son rêve 

dans le monde professionnel », rappelle Mardochée 

Devico. Dotée de 50 000 dirhams, 

la récompense s’accompagne d’une bourse 

de l’ambassade de France et d’une résidence 

artistique d’un mois à l’Abbaye de 

Fontevraud en France. 

La journée s’est achevée par le lancement 

des projections scolaires Trop classe le ciné 

et la présentation en avant-première du film 

norvégien Super Lion, par la distributrice Mounia 

Layadi avant sa sortie nationale. En guise 

de finir la journée en beauté, le public a pu 

découvrir le long-métrage Linda veut du poulet 

!, César 2024, réalisé par Sébastien Laudenbach, 

animateur, illustrateur et réalisateur. 

Qui plus est, sous le signe de la légèreté 

et de la bonne humeur, le film Super Mario 


43

DOSSIER 

CRÉDIT : BOXOFFICE MAROC 


Précurseur du genre au Maroc, Hamid Semlali a marqué l’histoire de la publicité 

au Maroc avec la célèbre sardine dansant avec une rondelle de citron. 

Bros, projeté en plein air sur la Place l’Agora 

a joui d’un grand enthousiasme auprès du 

jeune public Meknassi. Ces projections grand 

public en plein air tous les soirs ont permis 

au plus grand nombre d’accéder à la programmation 

du festival. Alléchant ! 

Le FICAM fait un carto(o)n 

La 22ème édition possédait des arguments 

éblouissants. Au premier chef, une constellation 

d’étoiles indécrochables. Et, ils étaient 

pour beaucoup très abordables. Car, ils se 

promenaient avec nous dans les jardins de 

l’Institut Français. 

En n’isolant pas les « gens de l’animation » 

étrangers et en favorisant délibérément leurs 

rencontres avec nos créateurs, le FICAM ne 

faillit pas à l’une de ses missions, celle d’établir 

des ponts entre notre animation et la leur. 

« Tout festival consiste en un espace où les 

acteurs provenant de divers horizons 

confrontent leurs expériences afin de s’enrichir 

mutuellement », estime Michel Ocelot. 

La plupart formulent les mêmes superlatifs à 

l’égard de l’équipe, qui fait plus d’égards. 

Personne n’est mécontent, personne n’a fait 

de la figuration ou n’est sorti du champ en 

se sentant hors-jeu. 

Nous n’y avons constaté aucune imperfection. 

Mieux encore, cette édition a non seulement 

répondu aux attentes, mais elle les a 

surpassées, notamment avec la sélection des 

films en compétition. Comme à l’accoutumée, 

la sélection s’est avérée homogène dans le 

haut de gamme, donnant à découvrir tant 

d’œuvres denses et originales. Exigeantes 

mais ouvertes vers le public. Signées d’auteurs 

qui ont un univers personnel riche mais 

ne cèdent pas aux tics d’un « auteurisme » 

autoproclamé. Et quand on sait que ces films 

ont été réalisés souvent dans des conditions 

aléatoires, cela ne fait qu’ajouter à leur mérite. 

Les films inscrits en compétition sont un régal 

pour les yeux et les sens. À tel point que le 

jury, bien avant la proclamation du palmarès, 

n’arrivait pas à les départager, malgré leurs 

préférences. « J’ai regardé les courts-métrages 

en compétition, et la sélection est vraiment 

très forte. Nous avons beaucoup apprécié 

la qualité des films présentés. C’était 

difficile de choisir les gagnants, car tous méritaient 

d’être récompensés. Malheureusement, 

nous ne pouvons attribuer que deux prix et 

une mention spéciale », explique le président 

du jury, Theodore Ushev. 

Un second hommage a été rendu à Bill Plypmton, légende vivante du cinéma 

d’animation, dessinateur de presse et réalisateur indépendant américain. 

LA 22ÈME ÉDITION POSSÉDAIT DES 

ARGUMENTS ÉBLOUISSANTS. AU 

PREMIER CHEF, UNE CONSTELLATION 

D’ÉTOILES INDÉCROCHABLES 

Enchantements 

Le court-métrage Swimming with Wings de 

Daphna Awadish Golan a reçu le Prix du Jury 

au festival, et pour cause. Ce film poignant 

explore le destin d’une jeune fille fragile, Lyri, 

confrontée aux bouleversements de la migration 

et à la recherche de son identité. Le déracinement 

et le sentiment d’être étranger dans 

un nouvel environnement sont des épreuves 

que beaucoup connaissent. La force du film 

réside également dans sa combinaison 

unique de techniques d’animation. L’utilisation 

de l’aquarelle, du collage et de l’animation 

traditionnelle crée un univers visuel à la 

fois poétique et poignant. Les images douces 

et oniriques reflètent la sensibilité de Lyri et 

l’intériorité de ses émotions. La reconnaissance 

du jury pour Swimming with Wings est 

amplement méritée. Ce court-métrage va 

bien au-delà d’un simple récit de migration. 

Il s’agit d’une exploration profonde de l’identité, 

de la perte et du sentiment d’appartenance. 

Le film nous interroge sur la notion 

de « chez-soi » et sur la complexité des liens 

que nous entretenons avec nos racines.Nous 


DOSSIER 

Pierre-Luc Granjon 

Réalisateur, scénariste 

et animateur Français. 


et aquatintes de l’époque. La couleur rouge, 

omniprésente, évoque l’atmosphère sensuelle 

et mystérieuse du bar, tout en distinguant 

clairement le monde intérieur du bar 

du monde extérieur. 

Nous avons également remarqué La Notte 

de Martina Generali, Simone Pratola et 

Francesca Sofia Rosso, un conte dont on 

garde longtemps la douce musique comme 

une trace fuligineuse. Ce court-métrage se 

distingue par la qualité de son animation, 

alliant une architecture vénitienne réaliste à 

une utilisation experte des couleurs. Le dessin 

simple des personnages et le rythme soutenu, 

dicté par la musique de Vivaldi, contribuent 

à une composition chromatique de 

plus en plus kaléidoscopique. Le film parvient 

à capturer une atmosphère onirique, transformant 

le rêve de richesse en cauchemar 

grâce à l’usage des couleurs et des perspectives 

inquiétantes. 

On regrettera que pas le moindre accessit 

n’ait attiré l’attention sur le poignant Via 

Dolorosa de Rachel Gutgarts, qui suit une 

cinéaste cherchant sa jeunesse perdue en 

errant dans les rues de Jérusalem entre toxicomanie, 

premières découvertes de la sexualité 

et état de guerre permanent, ou sur le 

sidérant Été 96, dans lequel les crayons de 

Mathilde Bédouet croquent, en douze 

minutes, magnifiquement l’enfance. 

Malgré les défis persistants, le FICAM a su briller par son engagement à promouvoir le cinéma 

d’animation, offrant une plateforme à des talents émergents et confirmés, tout en contribuant à son 

évolution et à sa reconnaissance, souvent sous-estimé. 

AU MAROC, IL Y A DE NOMBREUX 

TALENTS DÉSIREUX DE CRÉER, MAIS IL 

MANQUE D’INFRASTRUCTURES ET DE 

SOUTIEN INSTITUTIONNEL 

avons été frappés par la réalisation de Margarethe 

89 de Lucas Malbrun, un film se 

déroulant à la fin des années 80 en RDA, qui 

suit une punk internée. Malbrun utilise un 

style naïf et coloré pour illustrer les effets du 

régime sur les citoyens et les patientes en 

psychiatrie. L’animation, influencée par l’art 

brut et l’école de Leipzig, crée un contraste 

avec l’univers sombre de la scène punk, un 

monde où la réalité frôle le surnaturel, explorant 

les répressions de la RDA de manière 

personnelle et imaginative. 

Bobette, une drag queen de Tom Prezman 

et Tzor Edery, bien sûr. Maurice’s Bar, 

d’abord. Il y a de l’audace à lancer dans le 

bain meknassi un film court, confidentiel, 

qui échappe encore au moule formules 

conventionnelles et reste fidèle à un style 

personnel malgré les tendances Disneyennes. 

L’audace s’est révélée payante. 

Maurice’s Bar est un film hypnotique dont 

on sort grisé, et pas seulement parce qu’il 

nous propose une tournée dans l’un des 

premiers bars queer de Paris. Le style visuel 

du film, basé sur des compositions plates, 

utilise une technique conférant au film une 

texture rappelant l’esthétique des gravures 

Ensuite, les films longs ont tenu toutes leurs 

promesses, et même un peu au-delà. Duel 

à Monte-Carlo del Norte, du célèbre cinéaste 

d’animation indépendant américain Bill 

Plympton, était notre favori. Cette fresque 

picturale donne à voir brillamment un western 

aussi drôle que déjanté. C’est la combinaison 

d’une chanson de Hank Williams, 

d’un dessin animé des frères Fleischer et 

des souvenirs d’enfance de Plympton dans 

l’Oregon. Le personnage principal, Slide, est 

un cowboy silencieux inspiré de Clint 

Eastwood. Il évolue dans des paysages forestiers 

grandioses, un univers cher à Plympton. 

Le film est également un hommage aux 

bûcherons et aux westerns que le réalisateur 

regardait étant enfant. 

Sans oublier Invelle de Simone Massi, un récit 

émouvant sur la résilience, l’espoir et la transmission 

des valeurs à travers les générations, 

où Zelinda (1918), Assunta (1943) et Icaro (1978) 

luttent contre leur destin défavorable : Zelinda, 

confrontée à la guerre, assume les responsabilités 

du foyer dès son plus jeune âge et 

utilise son imagination fertile pour s’évader 


Le FICAM est un lieu de rencontres entre petits et grands, professionnels et 

amateurs, grands noms du cinéma d’animation et jeunes diplômé. 


d’un quotidien difficile ; Assunta, avec son 

esprit rebelle, refuse de se laisser abattre par 

les séquelles de la guerre et vit sa vie avec 

passion et insouciance ; Icaro, héritier des 

rêves de ses ancêtres, est déterminé à briser 

le cycle de la pauvreté et à offrir un avenir 

meilleur à sa famille. 

Voici donc, en substance, l’argument de 

quelques œuvres de la plus belle eau, qui 

font voler en éclats les fondements de la 

société de consommation séduit par leur tendresse. 

On s’émeut de trois fois rien, on 

découvre des abîmes d’humanité cachée, on 

est subjugué par les personnages… Mais que 

les jury aient décerné la Mention spéciale du 

jury, coup de cœur de cette édition, à Nicolas 

Piret pour son court-métrage Silent Panorama 

et le prix du Meilleur film étudiant, visant 

à encourager la nouvelle génération, à Lina 

Saïdani pour D’Oran à Alméria, relève de l’intuition 

la plus heureuse. Tout comme Beurk! 

de Loïc Espuche, qui a remporté le Prix du 

jury junior, toutes ces œuvres, aussi dissemblables 

que splendides, ont affirmé des points 

de vue radicaux. 

Les films toontastiques 

Pour sa 10e édition, côté Long Compet’, le 

Jury Junior* a attribué le Prix du Meilleur 

long-métrage d’animation, doté de 2000 €, 

au film La Sirène de Sepideh Farsi. 

Le Prix Jeune public Court’ compèt, composé 

des élèves des cours de langue de l’Institut 

français de Meknès, a été octroyé à Dance 

with the Seashells! de Théo Carme, Julie Fournier, 

Alessandra Rosmarino et Anaëlle Saba. 

Le Prix du public, quant à lui, exprimant le 

choix des spectateurs après chaque séance, 

a été décerné ex-aequo à Papillon de Florence 

Miailhe et Box Cutters de Naomi Van 

Niekerk pour les courts-métrages. Le Prix du 

public pour le long-métrage a été remporté 

par Saleem de Cynthia Madanat Sharaiha. 

Pour sa première édition, la compétition internationale 

du film d’animation VR a décerné deux 

prix. Drifting in the Void of Nonsense, réalisé 

par Badr Benfanich, a reçu le coup de cœur du 

jury, tandis que le Grand Prix du Jury a été attribué 

à celui que nous avions élu bien avant la 

clôture : Madame Pirate: Code of Conduct de 

Morgan Ommer et Dan-Chi Huang. 

On se gardera, en revanche, de verser un 

soupçon de larme sur l’absence du film marocain. 

Seulement deux films figuraient dans la 

compétition du court : Dyscalculia, de Kawtar 

Waddi et Modifs d’Anas Belgazar. Ce qui donne 

la mesure de l’état du cinéma d’animation 

marocain. « Il est à construire (…) Au Maroc, il 

y a de nombreux talents désireux de créer, 

mais il manque d’infrastructures et de soutien 

institutionnel. Les artistes, l’État et les chaînes 

de télévision font des efforts, mais il est nécessaire 

d’avoir des structures professionnelles 

pour soutenir cette industrie », estime Lahcen 

Bahji, un producteur marocain basé en France. 

Pour cela, il importe qu’il se confronte à des 

cinématographies plus attrayantes. Le FICAM, 

jusqu’ici, lui en offre toujours cette occasion.● 

* Encadré par Delphine Harmand, 

documentaliste au Lycée Paul Valéry, et 

Bousselham Daif, metteur en scène, le Jury 

Junior est composé des élèves de la 

spécialité Cinéma du Lycée Paul Valéry et 

des adhérents du Théâtre des Chamates. 


47

DOSSIER 

MICHEL OCELOT, 

LE PÈRE DE KIRIKOU 

Au FICAM, on dirait que Michel Ocelot est comme chez lui. 

Il semble tout heureux lorsque nous l’avions rencontré. 

Tout d’abord, que pensez-vous du festival 

cette année ? 

Le FICAM est né de la volonté d’un jeune 

homme ( Mohamed Beyoud ) de faire découvrir 

des œuvres souvent méconnues ou inaccessibles. 

C’est l’essence même des festivals, 

nous permettant de voir des films que nous 

n’aurions pas l’occasion d’apprécier autrement. 

Chaque année, je vois une croissance, mais 

sans perdre son essence. Le FICAM continue 

de croître harmonieusement tout en préservant 

son caractère authentique. Et, je suis également 

heureux de voir des habitués, des 

fidèles du festival, qui continuent à venir chaque 

année. C’est un signe positif de la pérennité 

et de la popularité de l’événement. 

Vous avez une approche unique des mythes 

dans votre travail… 

Absolument, pas ! Je suis particulièrement 

attiré par les contes... Dans mon prochain film, 

je vais présenter quinze contes dans un format 

d’une heure. Je trouve que cette durée 

permet une expérience enrichissante sans 

être trop longue. Cela permet également de 

maintenir l’attention et de transmettre efficacement 

le message. 

Pourquoi se concentrer sur des contes destinés 

aux adultes ? 

Je trouve que les contes pour adultes offrent 

une richesse et une profondeur narratives souvent 

négligées. Ils abordent l’amour, la mort, 

la quête de soi, de manière poétique et symbolique. 

Ce sont des récits intemporels qui 

résonnent avec les expériences et les préoccupations 

humaines les plus profondes. 

Pouvez-vous nous en dire plus sur votre 

approche qui consiste à combiner le théâtre 

d’ombres avec le cinéma d’animation ? 

J’ai été inspiré par Lotte Reiniger et son utilisation 

ingénieuse du théâtre d’ombres dans 

le cinéma d’animation. Cette technique m’a 

fasciné et j’ai décidé de l’adopter dans mon 

propre travail… J’ai découvert, par ailleurs, le 

potentiel du papier découpé en animant des 

ateliers avec des enfants, et j’ai réalisé que 

c’était une méthode idéale pour créer des 


Michel Ocelot, lors de notre interview à Meknès. 

films d’animation, même avec un budget limité. 

Depuis, j’ai exploré les possibilités de cette 

technique et je reviens régulièrement à cette 

esthétique, car elle me permet de créer des 

univers visuellement uniques. 

Quels avantages trouvez-vous à utiliser cette 

technique ? 

Le théâtre d’ombres offre une esthétique distincte 

et évocatrice qui enrichit mes films. Les 

ombres et les silhouettes permettent de suggérer 

plus que de montrer, laissant place à l’imagination 

du spectateur. De plus, cette technique 

permet une grande liberté créative et une flexibilité 

dans la narration, ce qui me permet d’explorer 

une variété de styles et d’esthétiques. 

Kirikou a eu un impact énorme et continue 

de captiver les spectateurs à travers les 

générations… 

Kirikou a été une expérience transformative 

pour moi. Sa création a été le résultat d’une 

lutte acharnée pour réaliser quelque chose de 

sincère et authentique. Bien que certaines personnes 

puissent penser que je dois me lasser 

de parler de Kirikou, je suis reconnaissant de 

l’impact qu’il a eu sur ma vie et sur les spectateurs 

du monde entier. Le fait que les enfants 

qui l’ont vu à sa sortie soient maintenant adultes 

et veuillent encore discuter de Kirikou avec 

moi est une source de fierté et de satisfaction. 

Kirikou a été particulièrement remarquable 

pour ses choix audacieux en matière de 

représentation des corps… 

La représentation des corps dans Kirikou était 

une expression de la beauté naturelle que 

j’avais observée en Afrique, où j’ai passé une 

partie de mon enfance. J’ai été frappé par la 

pureté et la simplicité des corps humains tels 

qu’ils sont, sans artifices ni jugements. J’ai 

voulu capturer cette essence dans le film, en 

montrant les personnages tels qu’ils sont, sans 

censure ni honte. C’était une façon de célébrer 

la diversité et la beauté du corps humain 

dans sa forme la plus authentique. 

Vous avez bifurqué vers l’utilisation de la 

3D informatique dans vos films… 

La transition vers la 3D informatique a été motivée 

par la nécessité d’explorer de nouvelles 

possibilités créatives et de relever de nouveaux 

défis artistiques. Bien que j’aie apprécié 

le processus artisanal du papier découpé, 

j’ai trouvé dans la 3D informatique une commodité 

et une flexibilité qui m’ont permis d’exprimer 

ma vision artistique de manière plus 

efficace. Cela dit, j’essaie toujours de conserver 

une esthétique distincte et un aspect légèrement 

artificiel dans mes films en 3D, afin de 

préserver l’essence de mon style artistique. 

Comment cette transition a-t-elle affecté 

votre processus créatif ? 

La 3D informatique m’a permis de repousser 

les limites de ma créativité en me donnant 

accès à des outils et des techniques que je 

n’aurais pas pu utiliser auparavant. Cependant, 

cela a également introduit de nouveaux 

défis, notamment en termes de complexité 

technique et de temps de production. Malgré 

ces défis, je trouve que la 3D informatique 

offre une souplesse et une précision qui enrichissent 

mon processus créatif et me permettent 

d’explorer de nouvelles idées et de 

nouvelles esthétiques.● 


VR ET CINÉMA 

D’ANIMATION : 


MORGAN OMMER 

REPOUSSE LES 

LIMITES DE LA 

NARRATION 

Morgan Ommer a remporté le Grand Prix du jury de 

la compétition internationale du film d’animation VR. 

Morgan Ommer, co-réalisateur de « Madame Pirate », dont 

le deuxième épisode a été primé meilleure film d’animation 

VR au FICAM, est un réalisateur de films d’animation 

passionné par les nouvelles technologies et l’innovation. Son 

parcours, initialement lié à la photographie, l’a amené à 

explorer le cinéma graphe, une technique hybride mêlant 

photographie et vidéo, pour donner vie à ses histoires. 

Racontez-nous votre parcours dans le 

domaine du film d’animation. Qu’est-ce 

qui vous a amené à vous intéresser à cette 

forme d’art ? 

À l’origine, je suis photographe. C’est en découvrant 

l’histoire de Madame Pirate, incarnée 

par Jenny Sam, que j’ai eu envie de la porter 

à l’écran. Attiré par les nouvelles technologies 

et l’innovation, j’ai décidé de raconter son histoire 

à travers le cinéma. J’ai exploré le cinéma 

graphe, une technique fusionnant la photographie 

et la vidéo, où des éléments vidéo sont 

intégrés à une image fixe, créant ainsi une 

expérience visuelle hypnotique et immersive. 

J’ai présenté le projet de Madame Pirate à travers 

le monde et ai réussi à obtenir le financement 

nécessaire, notamment de Taïwan, qui a 

insisté pour que le film soit réalisé en réalité 

virtuelle (VR), en raison des coûts élevés de 

production d’un film de pirate traditionnel. Dans 

l’épisode un, nous avons utilisé une combinaison 

de vidéo et de dessin en VR, tandis que 

dans l’épisode deux, nous avons intégré la 

capture volumétrique pour donner plus de 

cohérence à l’histoire. 

Combien de temps a-t-il fallu pour réaliser 

chaque épisode de Madame Pirate ? Une 

fourchette du budget ? 

Enfin, en ce qui concerne les délais de production, 

les deux épisodes de Madame Pirate 

ont chacun pris environ deux ans, avec un budget 

compris entre 200 000 et 300 000 euros 

LES PROGRÈS DANS CE DOMAINE 

BÉNÉFICIENT À L’ENSEMBLE DE 

L’INDUSTRIE DE L’ANIMATION, DES JEUX 

VIDÉO À LA RÉALITÉ VIRTUELLE 

pour une durée totale de quinze minutes. 

Votre processus de création ? 

Tout commence par une bonne histoire. Ensuite, 

beaucoup de temps est consacré à l’écriture 

du scénario, ce qui diffère en VR où le réalisateur 

a moins de contrôle sur les plans et doit 

trouver des moyens subtils d’orienter l’attention 

du spectateur pour susciter l’émotion. 

Le paysage du cinéma d’animation a beaucoup 

évolué… 

L’évolution du paysage du cinéma d’animation, 

notamment avec l’avènement des technologies 

numériques, a été significative. Bien 

que la VR offre des possibilités uniques, la distribution 

reste un défi majeur. Cependant, les 

progrès dans ce domaine bénéficient à l’ensemble 

de l’industrie de l’animation, des jeux 

vidéo à la réalité virtuelle. 

Quant à l’image du cinéma d’animation, elle 

évolue également, touchant un public de plus 

en plus large grâce à des histoires captivantes 

et universelles. Des studios comme Ghibli ont 

prouvé que de belles histoires peuvent transcender 

les frontières d’âge. 

Pouvez-vous nous parler de vos projets futurs ? 

Je travaille sur un troisième épisode de 

Madame Pirate, cette fois-ci en réalité mixte, 

offrant une expérience interactive avec un 

casque moins imposant, permettant une interaction 

avec l’environnement.● 


49

DOSSIER 

ALEXIS HUNOT : 

DE LA PASSION À 

LA TRANSMISSION 

Alexis Hunot, spécialiste en cinéma d’animation, a débuté 

sa carrière comme journaliste pour plusieurs magazines 

spécialisés. Son parcours l’a ensuite amené à donner de 

nombreuses conférences et à participer à des festivals en tant 

que membre de jury ou de comité de sélection. Lors de ces 

événements, il excelle dans l’animation de séances, la 

conduite d’interviews et la participation à des tables rondes. 

Sa présence au FICAM, où il a modéré plusieurs rencontres, 

en est un parfait exemple. 

Vous êtes professeur d’histoire du cinéma 

d’animation, journaliste et conférencier… 

J’adore parler d’animation et de cinéma 

d’animation. Dès que j’en ai l’opportunité, 

je le fais. C’est un domaine qui me passionne 

énormément. 

J’enseigne principalement l’histoire du 

cinéma d’animation. Mais je me suis rendu 

compte que beaucoup de gens dans le 

domaine de l’animation connaissent peu 

l’histoire du cinéma en général. Donc, pour 

le métier que je fais, je me concentre sur 

l’histoire du cinéma d’animation tout en 

essayant de l’enrichir avec des éléments de 

l’histoire du cinéma traditionnel. 

La transmission est essentielle pour moi. En 

tant que passionné de cinéma, mon objectif 

est de partager cette passion avec mes étudiants. 

Je ne me concentre pas tant sur les 

dates ou les événements historiques, car j’ai 

moi-même été un mauvais élève en ce qui 

concerne la mémorisation de ces éléments. 

Au lieu de cela, je souhaite que mes étudiants 

comprennent la richesse et la diversité du 

cinéma d’animation. Je les encourage à développer 

leur propre compréhension et leur 

propre appréciation de cet art. 

Je donne aussi des conférences, et j’interviewe 

des réalisateurs et des réalisatrices. 

Quand je retourne en classe, j’essaie de transmettre 

ce que j’ai appris de ces rencontres. 

L’histoire est importante, mais il est également 

crucial de rester connecté à l’actualité et aux 

travaux contemporains des créateurs. 

Vous parlez de l’importance de la discussion 

et du dialogue dans la promotion du 

cinéma d’animation. Pouvez-vous développer 

ce point ? 

Je crois fermement que la discussion est 

essentielle pour élargir les horizons et promouvoir 

une compréhension mutuelle. Plutôt 

que de catégoriser les films d’animation 

comme destinés uniquement à un public 

jeune, il est important de reconnaître la diversité 

des publics et des thèmes abordés dans 

ce genre cinématographique. Les films d’animation 

peuvent toucher des sujets adultes 

tout en captivant un public de tous âges. 

Notre rôle en tant que professionnels est de 

créer un espace où les différentes perspectives 

peuvent être explorées et discutées, 

sans préjugés ni limitations. 

Le terme « cinéma d’animation » est souvent 

mal compris. Pouvez-vous nous éclairer 

à ce sujet ? 

C’est en effet un sujet complexe, même pour 

ceux qui connaissent bien le cinéma d’animation. 

À la base, le terme vient du latin « animare 

» qui signifie « donner une âme à quelque 

chose ». Par exemple, prenons cette bouteille; 

l’idée des animateurs et animatrices est de 

faire bouger cette bouteille de manière à ce 

qu’on ait l’impression qu’elle est vivante. On 

a ensuite ajouté la notion de l’image par image, 

où chaque image est créée une à une. Le dessin 

animé est la forme la plus connue, mais 

cela peut aussi inclure des marionnettes et 

d’autres techniques. Certaines personnes, 

comme moi, considèrent que l’animation ne 

se limite pas à l’image par image. Par exemple, 

si vous manipulez une marionnette, c’est aussi 

de l’animation car vous donnez du mouvement 

à quelque chose qui n’en a pas. En bref, 

l’animation implique de mettre en mouvement 

quelque chose qui, a priori, n’est pas vivant. 

De nos jours, le cinéma d’animation est souvent 

perçu comme étant destiné aux enfants. 

Comment changer cette perception ? 

Cela prendra du temps, et il y a un problème 

économique en jeu. Par exemple, produire un 

long métrage d’animation en Europe peut coûter 

entre 3 et 10 millions d’euros. Pour rentabiliser 

un tel investissement, il faut viser un 

public large, ce qui oriente souvent les productions 

vers un public familial ou enfantin. 

Cependant, chaque génération évolue. Ma 

génération est la première à avoir grandi avec 

les jeux vidéo, ce qui nous rend plus réceptifs 

à l’animation en tant qu’adultes. La génération 

actuelle, qui a grandi avec des jeux 

LE CINÉMA D’ANIMATION ENTRETIENT 

DES LIENS ÉTROITS AVEC D’AUTRES 

FORMES D’ART, TELS QUE LA MUSIQUE, 

LA PEINTURE ET LA SCULPTURE 


vidéo plus immersifs, pourrait dans 10 ou 15 

ans, être plus ouverte aux films d’animation 

pour adultes. 


Cinéma et animation… 

Pour moi, l’animation fait partie intégrante du 

cinéma. Plutôt que de les considérer comme 

deux entités distinctes, je pense qu’elles 

devraient être envisagées comme un seul et 

même ensemble. Lorsque j’ai découvert le 

cinéma d’animation, j’ai réalisé que c’était une 

fusion de deux mondes qui me passionnaient: 

le cinéma et l’art visuel. Je ne fais pas de distinction 

entre un grand cinéaste comme Tarkovski 

et un réalisateur d’animation réputé. 

Quelle est votre vision du lien entre le cinéma 

d’animation et les autres formes d’art ? 

Le cinéma d’animation entretient des liens 

étroits avec d’autres formes d’art, tels que la 

musique, la peinture et la sculpture. Les réalisateurs 

puisent souvent leur inspiration dans 

ces différentes disciplines, ce qui se reflète 

dans leurs œuvres. Par exemple, la musique 

peut jouer un rôle crucial dans la création de 

l’atmosphère et de l’émotion d’un film d’animation, 

tandis que la peinture et la sculpture 

peuvent influencer le style visuel et la composition 

des images animées. Cette interdisciplinarité 

contribue à enrichir l’expérience cinématographique 

et à créer des œuvres d’une 

grande profondeur artistique. 

Alexis Hunot est un passionné et un activiste du cinéma d’animation. 

Vous semblez avoir des liens étroits avec 

d’autres formes artistiques, comme la peinture 

et la musique. Comment ces influences 

se manifestent-elles dans les films d’animation 

contemporains ? 

En effet, la musique et d’autres formes d’art 

jouent un rôle crucial dans les films d’animation 

contemporains. Les cinéastes d’animation 

d’aujourd’hui ne se limitent plus à une 

seule discipline. Par exemple, certains réalisateurs 

intègrent des éléments de musique 

contemporaine dans leurs œuvres. Ils explorent 

également des techniques artistiques variées, 

telles que la peinture et la sculpture, pour créer 

des expériences visuelles riches et complexes. 

L’animation contemporaine est donc le reflet 

de cette diversité d’influences artistiques. 

Pouvez-vous nous parler de certains défis 

auxquels sont confrontés les réalisateurs 

de films d’animation, en particulier dans les 

pays où ce genre n’est pas aussi largement 

reconnu ? 

Dans de nombreux pays, l’animation rencontre 

encore des défis en termes de reconnaissance 

et de soutien. Même dans des 

pays riches en histoire artistique comme 

l’Italie, l’animation n’est pas toujours pleinement 

reconnue. Les réalisateurs doivent 

souvent faire face à un manque de ressources 

et de soutien institutionnel. De plus, 

ils doivent surmonter le défi de convaincre 

les institutions et les financiers de l’importance 

et du potentiel de l’animation en tant 

qu’art cinématographique. Il est crucial que 

les réalisateurs bénéficient d’un soutien 

adéquat pour pouvoir exprimer pleinement 

leur créativité. 

Les réalisateurs de films d’animation sont 

confrontés à divers défis, en particulier dans 

les pays où ce genre n’est pas pleinement 

reconnu. Ils doivent souvent lutter pour 

obtenir des ressources financières et institutionnelles 

pour leurs projets. De plus, 

avec l’émergence de nouvelles technologies, 

il y a une pression croissante pour 

produire des œuvres à moindre coût et 

dans des délais plus courts. Cependant, 

malgré ces défis, de nombreux cinéastes 

d’animation continuent de créer des œuvres 

innovantes et inspirantes, démontrant ainsi 

la résilience et la créativité de cette communauté 

artistique. 

Comment voyez-vous l’avenir du cinéma 

d’animation 

Avec les avancées technologiques, de plus en 

plus de personnes ont accès aux outils nécessaires 

pour créer des films d’animation. Cela 

ouvre la voie à une plus grande diversité de voix 

et d’histoires dans le domaine de l’animation. 

Cependant, il est essentiel de garantir que ces 

voix puissent être entendues et que les artistes 

bénéficient du soutien nécessaire pour réaliser 

leurs projets. De plus, il est important de reconnaître 

l’animation comme un art à part entière, 

capable de rivaliser avec la prise de vue réelle 

dans son impact et sa portée. En fin de compte, 

je crois que l’animation continuera à évoluer et 

à nous surprendre, offrant des expériences cinématographiques 

uniques et stimulantes. 

Quel est votre sentiment sur l’avenir de l’animation, 

notamment en Afrique ? 

L’animation en Afrique connaît un essor remarquable, 

et je suis convaincu que son potentiel 

est immense. Les artistes du continent ont une 

richesse culturelle et une créativité exceptionnelles 

qui ne demandent qu’à être explorées et 

valorisées. Je suis optimiste quant à l’avenir de 

l’animation africaine.● 


51

ACTU-CINÉ 

CRÉDIT : CONCEPT MENA 

L’ouverture des «Nuits du film saoudien» au Mégarama de Casablanca. 

DE LA CENSURE AU RAYONNEMENT 

COUP DE PROJECTEUR 

SUR LE CINÉMA SAOUDIEN 

Longtemps isolé du monde du cinéma, l’Arabie Saoudite connaît 

aujourd’hui un véritable renouveau cinématographique. Depuis la levée de 

l’interdiction des cinémas en 2018, le pays assiste à une expansion rapide de 

son industrie cinématographique, soutenue par des investissements nationaux, 

des festivals internationaux et l’adoption des plateformes de streaming. 



Il y a quelques années, les secteurs de la 

production et de la distribution de films 

étaient peu développés en Arabie Saoudite, 

un pays qui a attendu 2018 pour lever 

l’interdiction de projeter des films dans des 

salles de cinéma, une restriction en vigueur 

depuis 1970. 

Depuis les premières réouvertures des salles 

obscures, le cinéma saoudien connaît un 

développement exponentiel et l’émergence 

d’une industrie du film, appuyée également 

par la prolifération des services de streaming 

comme Netflix et Shahid VIP, son équivalent 

dans le Golfe 

Selon la Commission générale des médias audiovisuels 

chargée de règlementer et de gérer les 

cinémas du pays, ce dernier comptera 2600 

écrans de cinéma d’ici 2030, pour une industrie 

qui pèse environ 1,2 milliard de dollars. 

Aujourd’hui, le marché saoudien comptabilise 

65 cinémas, 593 écrans et 62 000 sièges 

répartis dans 20 villes et exploités par 6 

opérateurs (AMC, Empire, Muvi, Vox, Cinépolis 

Cinemas et Imax Cinema). 

Côté création, Riyad brille avec plusieurs 

films saoudiens, des films comme Le Photographe 

d’Arabie (2020) et Scales 

(2020), qui a été sélectionné pour représenter 

l’Arabie Saoudite aux Oscars, 

illustrent le potentiel et la diversité du 

cinéma saoudie. Sattar de Abdullah 

Al-Arak, une comédie d’action réalisée 

en 2022, est pour sa part restée en tête 

du box-office saoudien pendant plus de 

deux mois, avec plus de 900 000 entrées, 

générant près de 24 millions de dollars 

de recettes dans le royaume, auxquels 

s’ajoutent 8,5 millions de dollars supplémentaires 

engrangés au Royaume-Uni. 

AUJOURD’HUI, LE MARCHÉ SAOUDIEN 

COMPTABILISE 65 CINÉMAS, 593 ÉCRANS 

ET 62 000 SIÈGES RÉPARTIS DANS 20 

VILLES ET EXPLOITÉS PAR 6 OPÉRATEURS 

CRÉDIT : DR 

Première édition du Festival international du film de la mer Rouge qui 

s’est déroulé à Djeddah du 6 au 15 décembre 2021. 


53

ACTU-CINÉ 

La floraison du cinéma saoudien 

Dans un entretien accordé à Boxoffice Maroc, Abdulelah Al Qurashi, 

le réalisateur de Al Hamour H.A, premier film projeté dans le cadre des 

Nuits du Film Saoudien, nous parle de son expérience de réalisateur 

dans un pays où l’industrie cinématographique est en plein essor. 

Al Hamour H.A est le premier film 

saoudien à être projeté au Maroc, 

quelles sont vos impressions à chaud 

alors que nous venons d’assister à sa 

projection, à l’occasion de l’ouverture 

des Nuits du film Saoudien ? 

Honnêtement c’était surprenant. La salle était 

comble et le public avait l’air de passer un bon 

moment. Je dirais même que c’est une de 

mes meilleures projections. Il y avait un peu 

d’appréhension et de stress au début mai 

aussi une grande excitation à l’idée de rencontrer 

le public marocain. Ce qui m’a d’ailleurs 

surpris c’est que le dialecte saoudien 

n’a pas été un obstacle durant la projection. 

De plus, j’ai appris que les Marocains et les 

Saoudiens ont quelque chose de fort en commun 

: la sensibilité au sarcasme et à la comédie 

noire. Durant la projection, l’audience a ri 

de presque toutes les blagues que je pensais 

être difficilement compréhensible pour les 

non Saoudiens. Les Marocains ont cette faim 

de compréhension, ils ont envie de comprendre 

ce que les personnages pensent et 

pourquoi les personnages agissent ainsi. En 

Europe, par contre, le public s’obstine à comprendre 

une société dans son ensemble à travers 

le film et son histoire seulement, et cela 

m’agace un peu. Ce n’est pas la bonne 

démarche à adopter parce que ni mon film ni 

les films en général ne peuvent représenter 

la société à 100 %, mais plutôt un aspect de 

la société ou un petit groupe de la population. 

C’est un film qui tente de briser un certain 

nombre de tabous que partagent les pays 

arabes, il est aussi le premier film sudien 

à être interdit pour les moins de 18 ans, 

quelle a été la réaction du public saoudien 

lorsque le film est sorti en salles ? 

Je m’attendais au pire, mais j’ai été agréablement 

surpris par la bonne énergie qui régnait 

dans les salles pendant et après chaque projection 

dans mon pays. Mon but principal n’est 

pas de choquer ou déranger mais surtout 

d’être à l’origine de discussions et de débats 

afin de remettre en question les conventions 

sociales qui limitent souvent notre liberté d’expression. 

Le public s’est identifié au personnage 

principal et à ses tribulations d’esprit, 

d’autant plus que mon film est inspiré d’une 

histoire vraie d’escroquerie qui avait secoué 

l’Arabie Saoudite au début des années 2000. 

Cette histoire d’ascension et de chute que 

développe mon film dans un registre burlesque 

a fédéré un public saoudien qui se sentait souvent 

déconnecté des films proposés dans les 

cinémas et avait surtout soif d’identification. 

Depuis la réouverture des salles de 

cinéma en Arabie saoudite, l’industrie 

cinématographique a connu une 

croissance exponentielle. Comment 

avez-vous vécu cette évolution en tant 

que réalisateur saoudien ? 

J’ai commencé à écrire mon premier long 

métrage Roll’em en 2017, à une époque où 

les salles de cinéma étaient toujours fermées. 

Il n’y avait pas non plus de Commission 

Saoudienne du Film, et par conséquent pas 

de fonds d’aide ni de soutien. J’ai dû donc 

produire et financer moi-même mon premier 

projet de long métrage dont la sortie a 

coïncidé avec la réouverture des salles de 

cinéma. Celle-ci s’est déroulée dans une 

seule salle à Riyad, la seule du pays. La 

réalisation de Alhamour H.A s’est faite dans 

un tout autre contexte dans lequel l’État 

encourage les réalisateurs saoudiens en 

finançant leurs projets et travaille activement 

à faire rayonner son cinéma à l’échelle 

mondiale à travers des partenariats et des 

festivals. Aujourd’hui, il est indéniable que 

l’industrie cinématographie avance et évolue 

à pas de géants, et je pense aussi que la 

grande diversité de genres de films proposés 

par nos réalisateurs fait notre force.● 

Pour soutenir cette croissance, l’Arabie Saoudite 

a encouragé les réalisateurs saoudiens 

en finançant leurs projets. Le pays a également 

investi dans la formation et l’éducation, 

et des partenariats ont été établis avec 

des institutions étrangères pour former les 

jeunes talents saoudiens dans divers aspects 

de la production cinématographique. 

Le retour du cinéma en Arabie saoudite a même 

inspiré la création de nouveaux festivals pour 

promouvoir et célébrer le 7ème art saoudien à 

l’international, et mettre en lumière les talents 

locaux et internationaux, notamment le Festival 

international du film de la mer Rouge, les Saudi 

Cinema Nights « Nuits du cinéma saoudien », 

tenues à l’Institut du monde arabe, à Paris ou 

encore les « Nuits du film saoudien » au Maroc. 

Si l’avenir du cinéma saoudien semble prometteur, 

avec de nombreux projets en développement 

et une volonté manifeste de conquérir le 

marché international du film, l’industrie cinématographique 

saoudienne continue de faire face 

à certains défis en ce qui concerne la censure 

et la liberté d’expression. 

A sa deuxième édition cette année, le festival 

« Nuits du Film Saoudien », organisé par la Commission 

Saoudienne du Film du 23 au 26 avril, 

a permis au public marocain une immersion dans 

l’univers du cinéma saoudien. L’évènement a 

par ailleurs mis en lumière l’industrie cinématographique 

saoudienne, son potentiel et les 

talents émergents de la région. Le premier film 

projeté Al Hamour H.A, de son réalisateur 

Abdulelah Al Qurashi, avait été choisi comme 

entrée officielle du pays dans la compétition des 

longs métrages internationaux aux Oscars. 

Les cinéphiles marocains ont ensuite découvert 

Hajjan, un autre long métrage saoudien 

réalisé par Abu Bakr Shawky, ainsi que trois 

courts métrages: Me and Aydarous de Sara Balghonaim, 

Old Phone Number de Ali Saeed et 

VHS Tape Replaced de Maha Al-Saati.● 


ACTU-CINÉ 

LEOS CARAX : UNE LEÇON DE CINÉMA 

« C’EST LA CAMÉRA QUI CRÉE UNE 

HISTOIRE D’AMOUR OU REND LES 

CHOSES RÉELLES » 

Audacieux et espiègle, évoquant les errances nocturnes dans les ruelles 

urbaines à la recherche de la poésie quotidienne, Leos Carax se fait 

entendre d’une voix calme, mesurée et douce. C’est dans le cadre d’une 

master class au Festival International du Cinéma Indépendant de Casablanca 

(FICIC) que ses réflexions se déploient, invitant à la contemplation et à la 

découverte de son univers cinématographique singulier. 

PAR REDA K. HOUDAÏFA 

CRÉDIT : OMAR EL AGAL / COURTESY FICIC 

Leos Carax à la rencontre du public à l’American Arts Center dans le cadre du FICIC 2024. 

Né Alex Christophe Dupont en 1960, Leos 

Carax se passionne pour le cinéma dès 

son plus jeune âge. Adolescent, il 

s’adonne à la critique cinématographique et fréquente 

les cercles intellectuels parisiens. C’est 

à cette époque qu’il adopte son pseudonyme, 

inspiré des noms des poètes grecs Léos et Carax. 

Leos Carax, le réalisateur de Boy Meets Girl, 

Holy Motors ou encore Annette entre autres 

œuvres de la plus belle eau, a donné « une leçon 

de cinéma » au Festival International du Cinéma 

Indépendant de Casablanca (FICIC). L’occasion 

pour le cinéaste français de revenir sur ses obsessions, 

sa pratique cinématographique et son 

rapport à l’art. 

LEOS CARAX A EXPLIQUÉ QUE 

LORSQU’IL TOURNE, IL NE SAIT PAS 

TOUJOURS CE QU’IL VA FILMER, MAIS 

LA CAMÉRA LE GUIDE ET L’AIDE À 

DÉCOUVRIR SON HISTOIRE. 



Moments de partage et de bonne humeur. 

Le bluff ! 

Leos Carax, l’enfant terrible du cinéma français, 

a raconté ses débuts dans le cinéma. 

A l’âge de 16 ans, il achète une caméra et 

envisage de réaliser son premier film. Il a 

évoqué le fait qu’à cette époque, il bluffait 

beaucoup car il n’avait aucune expérience 

concrète dans le domaine du cinéma. 

Un cinéaste en quête d’absolu et 

d’expériences sensorielles 


Arrivé à Paris depuis la banlieue alors qu’il 

était jeune et timide, il a utilisé ce bluff pour 

convaincre les gens de son talent, bien qu’il 

n’ait pas encore réalisé de film à l’époque. 

Il a souligné la chance qu’il a eue de rencontrer 

des personnes qui ont cru en lui 

malgré le manque de preuves tangibles. 

En 1984, à l’âge de 24 ans, Carax signe son 

premier long-métrage, Boy Meets Girl, une 

œuvre poétique et audacieuse qui le propulse 

sur le devant de la scène cinématographique. 

Coup d’essai, coup de maître. 

Le film, porté par la performance magnétique 

de Denis Lavant et Juliette Binoche, 

explore les thèmes de l’amour, de la solitude 

et de la quête d’identité avec une sensibilité 

rare et une mise en scène inventive. 

Lors de sa leçon de cinéma au FICIC, Leos 

Carax a souligné que parfois, c’est la caméra 

qui crée une histoire d’amour ou rend les 

choses réelles, et non l’inverse. Il a expliqué 

que lorsqu’il tourne, il ne sait pas toujours 

Leos Carax s’émerveille devant les œuvres de Daoud Aoulad Syad exposées 

à l’American Arts Center dans le cadre du FICIC 2024. 

La filmographie de Leos Carax est jalonnée 

de films uniques, tels que Les Amants 

du Pont-Neuf (1991), une fresque romantique 

d’une ambition folle, Pola X (1999), 

une plongée vertigineuse dans l’univers 

d’une femme fatale, et Holy Motors (2012), 

une symphonie visuelle et sonore qui 

repousse les limites du genre. 

Carax est un cinéaste viscéral, obsédé par 

la beauté et la fragilité de l’existence. Ses 

films, souvent empreints de mélancolie et 

de romantisme noir, explorent les zones 

grises de l’âme humaine et invitent le spectateur 

à une expérience sensorielle. 

Le cinéaste français ne cesse de se réinventer 

et de défier les conventions. Son 

style, en constante évolution, est caractérisé 

par une utilisation audacieuse de la 

lumière, de la musique et du son. Carax 

est un véritable créateur d’univers qui ne 

laisse personne indifférent. 

Sa dernière œuvre en date, Annette (2021), 

un drame musical réalisé en collaboration 

avec le groupe Sparks, est une nouvelle 

preuve de son génie créatif. Le film, porté 

par les performances exceptionnelles 

d’Adam Driver et Marion Cotillard, explore 

les thèmes de l’amour, de la célébrité et 


57

ACTU-CINÉ 

de la paternité avec une poésie et une originalité 

saisissantes. 

40 ans après Boy Meets Girl, Leos Carax 

lève le voile sur son prochain film 

A l’occasion du 40ème anniversaire de 

son premier long-métrage, Boy Meets Girl, 

Leos Carax a donné quelques informations 

sur son nouveau projet. Il s’agit d’un 

autoportrait commandé par un musée parisien, 

qui prendra la forme d’un moyen-métrage. 

Initialement prévu pour durer entre 10 et 

15 minutes, le film a finalement évolué vers 

un format plus long, avoisinant les 40 

minutes. Cette évolution s’explique en partie 

par le fait que Carax a choisi de monter 

le film lui-même, une première pour lui 

sans sa collaboratrice habituelle, Nelly 

Quettier. 

Une scène de Boy Meets Gril. 

Le réalisateur décrit l’expérience comme 

« tellement intéressante de travailler seul ». 

Le film alterne entre des scènes tournées 

récemment avec Denis Lavant et des 

images d’archives tirées de ses projets 

précédents, ainsi que des vidéos personnelles 

filmées avec son iPhone. 

Actuellement en post-production, le film 

est réalisé avec la complicité de Charles 

Gillibert et Les Films Du Losange, comme 

pour la plupart de ses œuvres. 

Ce moyen-métrage, encore untitled, s’annonce 

comme une pièce intime et introspective, 

offrant un regard unique sur l’univers 

et la carrière de Leos Carax.● 


ce qu’il va filmer, mais que la caméra le guide 

et l’aide à découvrir son histoire. Carax a 

également exprimé sa difficulté à faire des 

auditions ou à répéter sans la présence de 

la caméra, expliquant qu’il se sentait mal à 

l’aise et incapable dans ces situations. 

Plus chaotique que ça, tu meurs! 

Leos Carax a partagé une réflexion personnelle 

sur la valeur du cinéma dans sa vie. Il 

a exprimé que le cinéma a été salvateur pour 

lui, surtout lorsqu’il sentait que l’école ne lui 

apportait rien. Il a souligné que le cinéma 

était une alternative valable à l’éducation traditionnelle. 

Sur la question de l’art comme moyen de 

survie, Leos Carax a souligné que l’art est 

fait pour partager des expériences, pour vivre 

intensément, même si cela peut parfois être 

explosif. Il a expliqué que le cinéma lui permet 

d’exprimer ses émotions et ses sentiments 

de manière brute et directe. 

En ce qui concerne sa vision du cinéma et 

de son processus créatif, Leos Carax rejette 

l’idée de suivre des intrigues bien définies 

dans ses films, préférant aborder le cinéma 

comme s’il composait de la musique. Il a souligné 

qu’il n’était pas un conteur traditionnel, 

mais qu’il attachait de l’importance au storytelling. 

Carax aime créer des films qui sont 

à la fois visuels et sonores, et qui invitent le 

spectateur à faire son propre interprétation. 

Leos Carax, un orateur captivant. 

Fidèle à son chaos intérieur, Leos Carax 

avoue ne pas avoir d’autre choix que de 

suivre son instinct créatif, même s’il admet 

ne pas toujours comprendre les motivations 

qui le poussent à agir ainsi. Il explique que 

ses films sont le reflet de sa personnalité et 

de ses expériences, et qu’il ne cherche pas 

à plaire à tout le monde.● 


ZOOM SUR UNE SALLE 

CINÉMA COLISÉE : 

DÉCORS ANCIENS 

POUR DES FILMS 

MODERNES 

Conçu par un architecte français en 1953, le cinéma 

Colisée à Marrakech a su au fil des temps résister à la 

concurrence à travers les nombreuses rénovations qui 

conservent son charme d’antan tout en s’adaptant aux 

exigences modernes du cinéma. Racheté par la famille 

Layadi, le cinéma est aujourd’hui une salle de cinéma mais 

aussi une boite de distribution de films marocains et 

internationaux. Zoom sur le cinéma Colisée. 

PAR SALMA HAMRI - CRÉDIT PHOTO : BOXOFFICE MAROC 



61


S 

itué au cœur du quartier de 

Guéliz à Marrakech, le cinéma 

Colisée est une institution 

emblématique de la ville, 

depuis son ouverture en 1953. 

Il a été onçu par l’architecte français 

Georges Peynet, qui a signé avec son 

équipe plus de 600 cinémas à travers le 

monde, dont les salles parisiennes Le Max 

Linder, Le Vendôme-Opéra, et Le Paramount-Elysées. 

Racheté en 1972 par Said Layadi, le Colisée 

est toujours une affaire familiale pilotée 

par Mounia Layadi, la seule femme à 

la tête d’un cinéma au Maroc. Avec une 

capacité initiale de 475 places, réparties 

entre orchestre et balcon, le cinéma a été 

rénové plusieurs fois pour offrir une qualité 

de son et de projection à la pointe de 

la technologie. 

La salle était entièrement recouverte de 

tenture jaune en amiante jusqu’à sa 

rénovation en 1994 où tout l’intérieur a 

été refait à neuf. Sa structure originale 

a été préservée et enrichie au fil des 

ans, notamment par l’ajout de trois nouvelles 

salles. Le cinéma est aujourd’hui 

équipé d’une projection et d’une sonorisation 

numériques. Il est par ailleurs 

doté d’un toit ouvrant et a une capacité 

d’accueil de 750 places reparties sur 

deux niveaux. 

« Nous avons pris le pari risqué de garder la 

salle dans son aspect original, malgré la tentation 

forte de la diviser et d’en créer plusieurs 

salles forcément plus rentables. Nous 

estimons quelque part que cette salle ne 

nous appartient pas, qu’elle appartient plutôt 

aux générations de Marrakchis qui l’ont 

fréquentée et qui ont vibré au son des 

musiques de films et partagé tellement d’émotions 

dans ce lieu mythique », nous explique 

Mounia Layadi, exploitante du Colisée. 

La salle est maintenant parée d’équipements 

modernes. Au total 750 fauteuils sont 

mis à disposition des spectateurs qui 

regardent les films projetés avec un projecteur 

Laser NEC K et 4K, et un système audio 

5.1. et 7.1. Le cinéma est par ailleurs doté 

d’un toit ouvrant dessiné en couronne. « Le 

Colisée fait partie des rares salles de cinéma 

ayant un toit ouvrant, on compte une dizaine 

dans le monde entier. Pour l’anecdote en 

1953, les deux seuls endroits climatisés à 

Marrakech étaient La Mamounia et Le Colisée 

! », précise notre interlocutrice. 

Le Colisée n’est pas seulement un cinéma, 

c’est aussi un centre culturel vibrant qui 

œuvre pour l’éducation par l’image destinée 

au jeune public. La salle accueille le 

Festival International du Film de Marrakech 

depuis sa création et a même été salle officielle 

lors de la première édition en 2001. 

Elle accueille également Les Semaines du 

Film Européen et d’autres manifestations 

culturelles comme des pièces de théâtre 

ou des concerts. 

Quant à la programmation, celle-ci est très 

diversifiée et va des plus gros blockbusters 

aux films d’auteurs les plus pointus en 

fonction des sorties mondiales. « Nous 

accordons une attention particulière aux 

films marocains, notre public aime beaucoup 

se reconnaître à l’écran et passe un 

bon moment devant une comédie familiale 

», souligne Mounia Layadi. 

« Les films marocains en plus d’exploser 

le box-office, ont l’avantage de nous permettre 

d’organiser des séances en présence 

des équipes de films, l’occasion pour 

le public de débattre avec les réalisateurs 

et les acteurs », ajoute-t-elle. 

Le cinéma Colisée s’est également lancé 

dans la distribution depuis 2001. « C’était 

une évolution naturelle et une réponse à 

la demande grandissante en films avec 

l’arrivée des multiplexes Mégarama au 

Maroc », selon Layadi. Les premiers films 

distribués par Le Colisée étaient Yamakasi 

de Ariel Zeitoun et Le Fabuleux destin 

d’Amélie Poulin de Jean-Pierre Jeunet, 

tous deux sortis en 2001. Le Colisée est 

aujourd’hui le 2ème distributeur au Maroc 

avec 20,80 % de part de marché et 45 

films distribués en 2023.● 


???????????. 

Nombre de fauteuils 

750 

Taille de l’écran 

12 M 

Ratio de l’écran 

1,85 

Marque du 

projecteur 

NEC 

Résolution 

du projecteur 

2K ET 4K 

Son 

5.1 ET 7.1 

COLISÉE 


63


Le guichet du cinéma Colisée à l’entrée avec des affiches 

et livres sur le cinéma exposés. 

Projecteur numérique dans la salle de projection du cinéma Colisée. 


INTERVIEW PRO 

CRÉDIT : MAP 

HAMMADI GUEROUM 

LE FESTIVAL 

INTERNATIONAL DU 

CINÉMA INDÉPENDANT 

DE CASABLANCA, 

UNE AVENTURE 

CINÉMATOGRAPHIQUE 

UNIQUE 

Hammadi Gueroum, président du Festival 

International du Cinéma Indépendant de 

Casablanca (FICIC), nous a accordé une 

interview pour parler de la 3ème édition du 

festival, qui s’est tenue du 19 au 25 avril. Ce 

fervent défenseur du cinéma y explore les 

motivations derrière la création du festival, 

sa sélection de films, les prix décernés et les 

nouveautés pour la prochaine édition. 

INTERVIEW MENÉE PAR REDA K. HOUDAÏFA 

CRÉDIT : ALEXANDRE CHAPLIER - BOXOFFICE MAROC 

Comment l’idée de lancer une manifestation 

dédiée au cinéma indépendant vous 

était-elle venue ? 

Je me souviens d’un ami qui me questionnait 

sur mes accomplissements, me poussant 

à réfléchir à mes réalisations. Cette 

réflexion m’a amené à reconnaitre ma capacité 

à rassembler et à fédérer, comme je 

l’ai démontré en organisant le Festival international 

du cinéma d’auteur de Rabat en 

1995. Cet événement a réuni des participants 

des cinq continents, contribuant ainsi 

à sa pérennité. Fort de cette expérience, 

j’ai souhaité créer un festival qui rende hommage 

à la ville de Casa et à sa jeunesse. 

L’idée d’un festival de cinéma indépendant 

s’est imposée, incarnant un esprit dynamique 

et novateur. 

La jeunesse est essentielle pour insuffler 

une énergie nouvelle et dépasser les obstacles. 

À Casa, comme ailleurs, la vitalité des 

jeunes est indispensable pour surmonter les 

difficultés et faire avancer les choses. C’est 

pourquoi ce festival s’adresse en particulier 

aux jeunes cinéastes et à un public jeune. 

Le Festival de Cinéma Indépendant de Casa 

s’inspire de l’esprit dudit Festival de Rabat, en 

reprenant son dynamisme et sa capacité à rassembler. 

Il vise à promouvoir la création cinématographique 

indépendante et à offrir une 

plateforme d’expression aux jeunes talents. 

Dans la gamme des films, vous avez 

privilégié celles dites « Indépendant ». 

A quoi était lié ce choix ? 

Les films indépendants, souvent produits 

en dehors des grands studios et des 

circuits commerciaux traditionnels, 


Hammadi Gueroum, spécialiste du discours narratif, enseignant à l’Université 

Hassan II de Casablanca, au Doha Film Institute du Qatar, directeur-fondateur du 

Festival de Films d’Auteur de Rabat, directeur du Forum International Cinéma et 

Droits de l’Homme, auteur de plusieurs essais, parmi bien d’autres interventions 

sur la scène cinématographique internationale…. 

représentent une voix alternative dans le 

paysage cinématographique. Ils offrent une 

liberté de création et d’expression plus 

grande aux cinéastes, leur permettant 

d’explorer des thématiques originales, de 

développer des styles narratifs innovants 

et de mettre en avant des perspectives et 

des expériences souvent marginalisées par 

le cinéma grand public. 

En soutenant ces films, les festivals 

contribuent à la diversité des voix et des 

représentations à l’écran, enrichissant ainsi 

le panorama cinématographique et 

nourrissant la réflexion du public. 

Ensuite, les films indépendants se 

caractérisent souvent par leur audace et 

leur esprit expérimental. Ils explorent des 

formes narratives innovantes, s’affranchissent 

des conventions du cinéma grand 

LE FESTIVAL ENCOURAGE LA PRISE DE 

RISQUE ARTISTIQUE ET PERMET AU PUBLIC 

DE DÉCOUVRIR DE NOUVELLES FORMES 

D’EXPRESSION CINÉMATOGRAPHIQUE 

public et abordent des sujets parfois 

tabous ou controversés. En mettant en 

avant ces films, le festival encourage la 

prise de risque artistique et permet au 

public de découvrir de nouvelles formes 

d’expression cinématographique. 

En soutenant et en diffusant ces films, le 

FICIC joue un rôle essentiel dans la 

démocratisation de l’accès à la culture et 

dans la promotion d’un cinéma audacieux, 

engagé et porteur de sens. 

On utilise souvent l’expression « Cinéma 

d’auteur » sans savoir ce qu’elle recouvre 

exactement. Pourriez-vous éclairer notre 

lanterne sur ce point ? 

André Bazin, Jean-Luc Godard, ou encore 

Agnès Varda, étaient contre le cinéma français 

traditionnel, symbolisé par le « téléphone 

blanc ». Ils prônaient une libération 

de la caméra, la sortant du studio pour la 

confronter à la réalité de la rue. Ils privilégiaient 

la légèreté et l’improvisation, lais- 


67

INTERVIEW PRO 

CRÉDIT : MAP 

Hammadi Gueroum posant devant une œuvre du photographe, 

réalisateur et scénariste, Daoud Aoulad-Syad, à l’American Arts Center. 

sant libre cours à leurs idées et à leurs 

bêtises. C’est ainsi que le cinéma d’auteur 

a pris naissance. 

Il est primordial de ne pas effacer l’auteur du 

processus créatif. Le cinéma d’auteur doit se 

démarquer des productions commerciales et 

mettre en avant la voix et la vision de l’artiste. 

C’est l’auteur qui nous interpelle, qui nous 

transmet ses idées et ses émotions. 

Même au sein d’une société de production, l’auteur 

doit conserver une place centrale. C’est lui 

qui insuffle l’innovation et la créativité au sein 

du collectif. Il est le moteur du projet cinématographique 

et le garant de son identité unique. 

CREDIT : DR 

Prenez- vous des risques dans le choix des 

films qui font partie de la sélection du 

festival ? 

Je prends des risques assumés dans la sélection 

des films. Je ne me contente pas de programmer 

des œuvres qui ont déjà fait leurs 

preuves dans d’autres festivals prestigieux 

comme Cannes ou Berlin. Je recherche des 

films qui me touchent personnellement et qui 

correspondent à la sensibilité du festival. 

Je privilégie les festivals qui se déroulent 

en Asie, en Afrique et en Amérique latine, 

des régions du monde où le cinéma est souvent 

moins visible et moins soutenu. Je suis 

particulièrement attentif aux films qui 

explorent des thématiques universelles et 

qui se connectent avec des publics du 

monde entier. 

Je suis conscient que certains films, en particulier 

ceux issus de cinématographies 

moins connues, ont besoin d’un accompagnement 

particulier pour toucher un large 

public. C’est pourquoi nous organisons des 

débats, des rencontres avec les réalisateurs 

et des projections spéciales pour mettre en 

lumière ces œuvres et les rendre accessibles 

à tous. 

Mon rôle en tant que président du festival 

ne se limite pas à la sélection des films. Je 

suis également un médiateur entre les 

œuvres et le public. Je m’efforce de créer 

un contexte favorable à la réception des films 

et à la découverte de nouveaux talents. 

Le 25 avril, le FICIC a clôturé sa 3ème 

édition. C’est le temps du bilan ! De fait, 

pour nominer les films, le jury procède-t-il 

selon des critères objectifs, précis, 

connus ? Y a-t-il une part de subjectivité ? 

Le jury du FICIC s’appuie sur des critères précis 

pour nominer les films. Ces critères 

concernent différents aspects du film, tels que 

le scénario, la mise en scène, la photographie, 

le jeu d’acteur et le montage. 

Afin de garantir une certaine objectivité, le jury 

En 2019, Hammadi Gueroum a rejoint les 

Ambassadeurs des Rimbaud du Cinéma. 

est composé de personnalités aux profils variés, 

tels que des réalisateurs, des scénaristes, des 

acteurs, des directeurs de la photographie, 

des critiques de cinéma, etc. Chaque membre 

du jury apporte son expertise et son regard 

singulier sur les films. 

Malgré des critères objectifs et une diversité 

de regards, il est impossible d’éliminer totalement 

la subjectivité dans le processus de sélection. 

En effet, chaque membre du jury possède 

ses propres goûts et sa propre sensibilité, qui 

influencent inévitablement son jugement. 

Le cinéma est un art qui touche à l’émotion et 

à l’interprétation. Il est donc naturel que les 

membres du jury soient sensibles à l’impact 

émotionnel des films et à leur capacité à les 

interpeller personnellement. 

L’objectivité n’est pas une réalité absolue, mais 

plutôt une projection de nos propres critères 

et de notre propre subjectivité. Le jury du FICIC 


s’efforce d’être le plus objectif possible, tout 

en étant conscient de la part inévitable de subjectivité 

dans son jugement. 

Pourquoi le film Winners a-t-il été choisi 

comme récipiendaire du Grand Prix dans 

la catégorie Long Métrage? Quels aspects 

du film ont particulièrement impressionné 

le jury? 

Un récit captivant et émouvant qui plonge 

le public dans l’univers des rêves et des aspirations 

d’un jeune garçon iranien, Yahya, face 

aux dures réalités de la vie quotidienne ; une 

cinématographie exceptionnelle qui capture 

la beauté et la rudesse du paysage iranien, 

contribuant à l’immersion du public dans 

l’histoire ; des performances puissantes des 

jeunes acteurs, en particulier Yahya et Leyla, 

qui incarnent avec brio la résilience et la 

détermination de leurs personnages ; l’exploration 

de thèmes universels tels que l’amitié, 

les rêves, la poursuite de la passion et 

le pouvoir transformateur du cinéma, qui ont 

profondément touché le jury ; une célébration 

du cinéma comme source d’espoir, 

d’imagination et d’inspiration, soulignant son 

importance dans la formation des vies et 

des perspectives. 

Winners s’est distingué par sa qualité artistique, 

son impact émotionnel et sa contribution 

à la promotion des valeurs universelles 

du cinéma, ce qui en a fait un choix unanime 

du jury pour le Grand Prix. 

Quels éléments ont conduit à la sélection 

de Les Meutes pour recevoir le Prix du 

Jury parmi les longs métrages en 

compétition? 

Au cœur de ce film se trouve une exploration 

captivante de la nature humaine, plongeant 

dans les profondeurs de notre capacité à la fois 

à la sauvagerie et à l’empathie. Le protagoniste 

du film, un jeune garçon, incarne cette dualité, 

ses actions reflétant un esprit brut et indompté 

qui vacille au bord du précipice de la violence. 

La décision du jury d’honorer Les Meutes par 

le Prix du Jury souligne leur profonde admiration 

pour la capacité du film à affronter des 

thèmes complexes et inquiétants avec une 

honnêteté sans faille. L’exploration de la violence 

par le film, non pas comme un spectacle, 

mais comme un phénomène profondément 

humain, a profondément marqué le 

jury, remettant en question ses perceptions 

et invitant à la réflexion. 

En quoi la réalisation de Gondola a-t-elle 

été considérée comme méritoire, au point 

de remporter le Prix de la Réalisation? 

L’utilisation créative et technique de procédés 

cinématographiques non conventionnels, 

notamment le « circuit fermé » et l’incorporation 

d’éléments inattendus, pour créer un style 

visuel unique et captivant. 

Une mise en scène efficace qui plonge le 

public dans l’univers du protagoniste, créant 

une atmosphère immersive et captivante, et 

suscitant des sentiments de tension, de suspense 

et d’anticipation. 

L’exploration de la répétition, la monotonie et 

la recherche de sens, ajoutant de la profondeur 

et de la résonance au récit. 

Pourquoi Inchaallah un fils a-t-il été 

distingué par le Prix du Scénario? 

Qu’est-ce qui a rendu son scénario 

remarquable aux yeux du jury? 

Dans le monde du cinéma, les scénarios exceptionnels 

constituent l’épine dorsale des récits 

captivants, insufflant la vie à des personnages 

LE JURY S’EFFORCE D’ÊTRE LE PLUS 

OBJECTIF POSSIBLE, TOUT EN ÉTANT 

CONSCIENT DE LA PART INÉVITABLE DE 

SUBJECTIVITÉ DANS SON JUGEMENT 

Pendant 25 ans, Hamadi Gueroum a été le directeur 

artistique du Festival du cinéma d’auteur de Rabat. 

et des histoires qui captivent le public. 

L’intrigue bien structurée du scénario, avec 

ses arcs narratifs soigneusement conçus et 

les parcours des personnages, a été un facteur 

déterminant dans sa sélection. Le jury a 

été particulièrement impressionné par la capacité 

du scénario à équilibrer les moments 

d’humour, de drame et de suspense, créant 

une histoire captivante et engageante. 

Le jury a reconnu la capacité du scénario à 

transporter le public dans le monde des personnages 

et à l’immerger dans le récit. 

Les dialogues étaient à la fois authentiques 

et captivants, reflétant la personnalité, le 

contexte et les émotions des personnages. 

Le jury a apprécié la capacité du scénariste à 

créer des personnages crédibles et auxquels 

on peut s’identifier à travers leurs dialogues. 

Quelles performances d’Assia Zara dans 

Excursion ont conduit à sa victoire dans 

la catégorie Interprétation Féminine? 

La performance de Zara a été saluée pour 

son authenticité et sa capacité à capturer l’essence 

de son personnage. Le jury a été particulièrement 

impressionné par sa capacité à 

transmettre la complexité des émotions, des 

motivations et des luttes de son personnage. 

Sa performance a présenté une palette émotionnelle 

remarquable, allant de moments de 

vulnérabilité et de tendresse à des explosions 

de colère et de frustration. Le jury a reconnu 

sa capacité à connecter avec le public à un 

niveau profondément émotionnel. Puis, sa 

présence physique et la présence captivante 

de cette actrice à l’écran étaient indéniables. 

Son authenticité, sa palette émotionnelle, sa 

présence captivante à l’écran et sa contribu- 


69

tion significative à la narration du film l’ont 

solidifiée comme meilleure actrice féminine 

du FICIC 2024. 

Qu’est-ce qui a distingué Abdellatif 

Mestouri dans Les Meutes, lui permettant 

de remporter le Prix de l’Interprétation 

Masculine? 

Mestouri a donné vie à un personnage complexe, 

tiraillé entre ses instincts primaires et 

ses aspirations humaines. Le jury a été particulièrement 

impressionné par sa capacité à 

naviguer dans les nuances de la psychologie 

de son personnage, révélant à la fois sa vulnérabilité 

et sa force intérieure. 

Sa gestuelle, ses expressions faciales et son 

langage corporel étaient parfaitement synchronisés 

avec les émotions et les motivations 

de son personnage. 

Le jury a reconnu sa capacité à se fondre dans 

la peau de son personnage, créant une illusion 

de réalité qui a profondément touché le public. 

La victoire d’Abdellatif dans le Prix de l’Interprétation 

Masculine pour son rôle dans Les 

Meutes n’est pas une simple coïncidence. Sa 

performance exceptionnelle, caractérisée par 

sa capacité à incarner une complexité psychologique, 

sa présence physique captivante, 

son authenticité crédible, sa contribution à la 

narration et son impact durable, a consolidé 

sa position d’acteur talentueux. 

Pourquoi le film Three a-t-il reçu une 

Mention Spéciale dans la catégorie Long 

Métrage? 

Three a captivé le jury par sa narration captivante 

et émouvante. L’histoire, habilement développée 

et rythmée, a su transporter le public 

dans l’univers du film, le touchant profondément 

par son authenticité et sa sensibilité. 

Les performances d’acteurs ont été saluées 

pour leur authenticité et leur profondeur. Le 

jury a été particulièrement impressionné par 

la capacité des acteurs à incarner leurs personnages 

avec nuance et émotion, contribuant 

à la crédibilité et à l’impact de l’histoire. 

Ensuite, nous étions charmé par la direction 

artistique du film, sa palette de couleurs, sa 

composition visuelle et son utilisation de la 

lumière, contribuant à l’expérience cinématographique 

globale. 

Rappelez-nous, en substance, l’argument 

des courts-métrages nominés ? 

Closer (Grand Prix dans la catégorie Court 

Métrage) : Bernardas et Silvija, divorcés mais 

vivant dans le même appartement, partagent 

des espaces communs selon un horaire 

convenu. Lorsqu’un jeune homme arrive à 

la recherche de Silvija, Bernardas se remémore 

leur première rencontre dans une 

chambre d’hôtel grâce à une annonce dans 

un journal. Leur interaction démarre maladroitement, 

mais finalement, malgré leur différences, 

ils découvrent un espoir commun 

pour l’avenir. 

L’ombre de mon père (Prix de la Réalisation 

dans la catégorie Court Métrage) : Une femme 

arrive devant le ministère de la justice et réussi 

à rentrer dans le bureau de l’assistante sociale. 

Très occupée, cette dernière en lui prête aucune 

attention alors qu’elle voulait raconter une 

longue histoire, un secret qu’elle a dû garder 

pendant des années. 

Boussa (Mention Spéciale dans la catégorie 

Court Métrage) : Meriem et Réda sont deux 

jeunes algériens amoureux. Ils n’ont pas le 

droit de s’embrasser pudiquement et aucun 

droit où se retrouver dans l’intimité. Ce simple 

bisou va se transformer en un véritable parcours 

du combattant. Une question subsiste : 

vont-ils y parvenir ? 

Envisagez-vous des nouveautés pour la 

prochaine édition ? 

Écoutez, il y a l’eau et le ravin. Le ravin reste 

immuable, tandis que l’eau, elle, coule et se 

renouvelle. De même, le festival ne cesse de 

se réinventer ; il y aura toujours de nouveaux 

films et de nouveaux talents. 

En 2017, il est membre du jury Longs métrages à la 6e édition 

du Festival du film africain de Louxor (LAFF, Egypte). 

C’est dans cet esprit de renouveau que le FICIC 

s’apprête à explorer les richesses cinématographiques 

de l’Europe de l’Est. La Géorgie, 

en particulier, possède un cinéma d’une grande 

qualité que j’apprécie particulièrement… 

Parmi les grands noms que le festival espère 

accueillir l’année prochaine figure Šarūnas 

Bartas, cinéaste lituanien reconnu pour son 

style poétique et contemplatif. Lors de la 

première édition digitale du FICIC, il nous 

a fait l’honneur de partager son film, alors 

qu’il se trouvais au Mexique. Sa présence 

et son talent seraient un atout précieux 

pour le festival. 

Un autre invité de marque pourrait être Abdellatif 

Abdelhamid, réalisateur syrien à qui l’on 

doit le film poignant Layali Ibn Awa (1989). Ce 

serait une occasion formidable de lui rendre 

hommage et de mettre en lumière son cinéma 

engagé et percutant. 

Un troisième invité devrait également enrichir 

la programmation du festival. En plus de ces 

hommages et découvertes, le FICIC réserve 

encore bien des surprises pour sa prochaine 

édition. Nous travaillons d’ores et déjà sur de 

nouvelles initiatives et collaborations qui permettront 

de faire vivre une expérience cinématographique 

unique aux festivaliers. Rendez-vous 

l’année prochaine pour découvrir un 

programme riche et prometteur ! ● 


INTERVIEW PRO 

C’est au café de la 

Cinémathèque de Tanger 

que son infatigable viceprésidente 

Malika Chaghal, 

dont la carrière est marquée 

par un engagement profond 

pour l’éducation à l’image, 

nous accueille. Entre le 

cliquetis des tasses et les 

discussions enchevêtrées des 

clients et visiteurs, Malika nous 

parle de son parcours, des 

métiers d’exploitation et de 

distribution au Maroc et de la 

plus-value de ce cinéma 

emblématique dans le paysage 

cinématographique marocain. 

INTERVIEW MENÉE PAR SALMA HAMRI 

CRÉDIT PHOTO : ALEXANDRE CHAPLI - BOXOFFICE MAROC 

Au début, Il fallait 

développer tout un 

travail de médiation 

culturelle qui était 

quasi inexistant 

Malika Chaghal, vice-présidente de la Cinémathèque de Tanger 


Parlez-nous de votre parcours. 

J’ai fait des études de lettres 

modernes en France avant de 

démarrer ma carrière dans le 

domaine culturel, dans la 

musique, Je suis arrivée un peu par 

hasard dans le cinéma au début des années 

2000. J’ai été directrice de deux cinémas 

en région Île-de-France, Galilée à Argenteuil 

(un complexe de 4 salles) et L’Etoile à 

la Courneuve. J’ai ensuite vu qu’en 2012 la 

cinémathèque de Tanger recrutait un(e) 

délégué(e) général(e). J’ai postulé et c’est 

comme ça que j’ai traversé la Méditerranée 

pour venir m’installer à Tanger et assurer 

la gestion de la cinémathèque, qui a 

comme particularité le fait d’être une association 

à but non lucratif qui ne reçoit aucune 

aide étatique, et se finance par ses propres 

ressources, à savoir la billetterie, le café et 

la privatisation de l’espace pour des évènements. 

J’ai toujours travaillé dans des 

cinéma Art et Essai, qui mettent en avant 

le cinéma d’auteur et font du travail d’éducation 

à l’image et d’animation culturelle, 

et mon travail au sein de la cinémathèque 

va dans ce sens. Au début, Il fallait développer 

tout un travail de médiation culturelle 

qui était quasi inexistant. 

En quoi consiste la gestion de la 

cinémathèque de Tanger ? 

C’est d’abord avoir une ligne éditoriale précise 

pour offrir une programmation riche et 

singulière, et fournir une éducation par 

l’image. On travaille beaucoup avec les 

écoles, les universités et les associations. 

Nous allons souvent chercher les publics 

éloignés de la culture, dans les quartiers 

excentrés, et nous les ramenons au cinéma 

pour qu’ils découvrent des films de tous 

genres et toutes nationalité. Ce travail de 

médiation est primordial. 

L’offre cinéma au Maroc est essentiellement 

axée sur les films commerciaux et blockbusters, 

en d’autres termes, les films qui 

ramènent de l’argent. A la cinémathèque, 

c’est un travail différent qu’on fait. On montre 

des films des quatre coins du monde en version 

originale. On peut passer du documentaire, 

au drame, aux films d’animation et films 

de répertoire, et on fait également un travail 

de collecte, de conservation et de valorisation 

de films. 

Mon travail consiste aussi à aller chercher 

de l’argent pour pouvoir financer les films 

que je veux projeter, d’ailleurs le modèle 

économique de la cinémathèque repose en 

grande partie sur les partenariats que nous 

mettons en place avec les distributeurs de 

IL Y A UN INTÉRÊT GRANDISSANT 

POUR LES FILMS D’AUTEUR QUI SONT 

D’AILLEURS DE PLUS EN PLUS 

PROJETÉS DANS LES GRANDES 

SALLES DE CINÉMA, ET C’EST 

RÉCONFORTANT. 

films ou les organismes comme l’Institut français, 

Cervantes, Le Goethe-Institut … 

Comment fonctionne le processus de 

programmation des films à la 

cinémathèque de Tanger ? 

En France, la programmation est hyper simple. 

Tu as une liste de toutes les sorties (et au 

moins 20 films sortent par semaine) et il faut 

ensuite juste voir qui distribue le film puis 

appeler le distributeur puis programmer le 

film, après une simple négociation en fonction 

du nombre de séances… Au Maroc, ca 

diffère dépendamment du lieu de distribution 

du film. Quand le film est distribué au Maroc, 

j’appelle directement son distributeur au 

Maroc pour négocier. Par exemple, pour le 

film Back to Black, qui est actuellement dans 

les salles de cinéma au Maroc, c’est Megarama 

qui fait sa distribution. Je l’appelle donc 

pour programmer le film à la Cinémathèque. 

Dans ce cas, on fait un partage de recette. 

Chez moi tu vas payer la place à 40 dirhams. 

La première semaine de programmation ça 

sera du 50/50 entre le distributeur (Megarama) 

et l’exploitant (La Cinémathèque), donc 

20 dirhams chacun. C’est ensuite dégressif, 

la deuxième semaine je vais donner 55 % des 

recettes au distributeur et garder 45 % etc... 

Il y a ensuite ce qu’on appelle les bordereaux 

de recette. Toutes les caisses des salles de 

cinéma sont normalement numérisées en lien 

avec le Centre cinématographique marocain 

(CCM). Toutes les fins de journée le CCM sait 

combien de place ont été vendues, à quel 

prix et pour quel film, et à la fin de chaque 

semaine cinématographique tu dois donner 

les bordereaux de recette au distributeur. Et 

là-dessus il fait le partage avant de t’envoyer 

la facture. 

Comment ça se passe quand le 

distributeur n’est pas au Maroc ? 

Dans ce cas, il faut chercher les ayants droit. 

Ce sont généralement les producteurs. Une 

fois trouvés, tu négocies avec eux pour qu’ils 

te vendent le film. Typiquement il y a eu une 

remasterisation du film culte La cité de Dieu. 

J’ai acheté le film auprès des ayants droits 

et que je vais le projeter au mois de mai, six 

séances au total. Pour le film Parasite qu’il 

fallait absolument que projette, j’ai dû appeler 

l’ambassade de Corée au Maroc pour 

qu’ils m’aident à trouver les ayants droits. 

J’ai ensuite réussi à négocier avec un distributeur 

français. Un autre exemple : les 

droits du film français Little Girl Blue avaient 

été achetés par l’Institut français, ce qui 

nous a donc facilité la tâche. C’est au cas 

par cas, mais c’est souvent super compliqué. 

Pour les recettes il n’y a pas de partage, 

tout me revient mais souvent je paye 

cher les films et les recettes ne sont pas 

équivalentes à ce que j’ai payé projeter le 

film chez moi. Ça peut aller de 300/ 500 

euros la séance jusqu’à 1000 euros. C’est 

horriblement cher. 

Vous avez distribué le film de Asmae 

El Moudir, La Mère de tous les 

mensonges. Comment avez-vous atterri 

dans la distribution ? 

Il y a plusieurs années, je voulais projeter 

un film palestinien pour enfants à la Cinémathèque. 

J’ai donc contacté les distributeurs 

Pyramide Films qui m’avaient proposé 

1800 euros pour une dizaine de séances. 

J’ai répondu « non à ce prix-là j’achète le 

film et je le garde toute l’année et je le distribue 

au Maroc ». C’est ce que j’ai fini par 

faire et c’est comme ça que je me suis lancée 

dans la distribution, sauf que quand je 

m’y suis mise, les films que je distribuais 

(principalement des films d’auteurs) n’intéressaient 

pas les autres salles de cinéma. 

J’ai donc arrêté car je distribuais souvent à 

perte. J’ai repris depuis peu la distribution, 

parce que les salles s’ouvrent maintenant 

à plusieurs types de programmations, et 

c’est réconfortant. Il y a un intérêt grandissant 

pour les films d’auteur qui sont d’ailleurs 

de plus en plus projetés dans les 

grandes salles de cinéma, je parle notamment 

du film de Asmae El Moudir La Mère 

de tous les Mensonges, ou encore d’Anatomie 

d’une Chute de Justine Triet, etc... ● 


73

REPORTAGE 

En rénovation, la façade chargée d’histoire du cinéma 

Atlas a été recouverte d’une peinture blanche. 


CINÉATLAS MAURITANIA DE TANGER 

REVIVRE LE PASSÉ AUX 

COULEURS MODERNES 

Situé au carrefour des cinémas Goya, Roxy et Le 

Paris à Tanger, le cinéma Mauritania a ouvert ses 

portes dans les années 40. Un joyau architectural 

qui fera bientôt peau neuve grâce à l’intervention de 

CinéAtlas qui s’est proposé de raviver son âme. 

Rencontre avec Pierre-François Bernet, directeur de 

groupe CinéAtlas qui nous a accompagné pour la 

visite du chantier, dont les travaux de rénovation 

entrent dans leur phase finale. 

PAR SALMA HAMRI - CRÉDIT : ALEXANDRE CHAPLIER - BOXOFFICE MAROC 


75

REPORTAGE 

Le logo du CinéAtlas marqué au sol du hall d’entrée du cinéma. 

Au cœur de Tanger, les murs chargés d’histoire 

du cinéma Mauritania se parent 

d’un nouveau visage. La façade dont le 

design est resté intact, est recouverte 

d’une peinture blanche donnant un 

aspect propre mais inachevé à l’édifice. 

L’enseigne métallique iconique est toujours visible en 

lettres cursives latines au-dessus de l’entrée principale. 

Pierre-François Bernet a décidé de garder cette inscription 

au côté du nouveau nom du cinéma « CinéAtlas Tanger 

» pour conserver le lien des habitués du cinéma avec 

son passé historique. Par ailleurs, le mur emblématique 

du cinéma avec l’inscription « Mauritania cinéma » en 

rouge ne sera pas changé mais accompagné du logo 

de CinéAtlas, assure Bernet. 

Chaque aspect de la rénovation est pensé pour allier 

modernité et tradition. « Nous avons pris grand soin de 

préserver chaque détail qui confère à ce lieu son caractère 

unique, y compris le marbre et les arcadres en 

briques, et maintenant, nous y ajoutons des installations 

modernes pour assurer sa pérennité d’une part mais 

aussi le confort des spectateurs ». 

La grande salle du cinéma s’est métamorphosée en 5 

salles de différentes tailles sur trois étages, avec 59 fauteuils 

pour les petites salles et 220 pour la grande. « Le 

cinéma est aujourd’hui une offre variée avec un taux de 

remplissage assez faible donc il vaut mieux avoir des 

petites salles avec une seule grande pour les films porteurs 

». 

Concernant l’intérieur des salles, « on refait à l’identique 

et tous les signes anciens vont rester sur place ». L’aménagement 

des salles est à son étape finale, « il ne reste 

plus qu’à installer les fauteuils, importés de l’étranger, 

ainsi que les vidéoprojecteurs et les équipements son 

qu’on va louer ». 

Cinéma et espace de vie 

Le Weston Jazz Club, un club de Jazz qui tient son nom 

du Jazzman Randy Weston est prévu au troisième et dernier 

étage du complexe, à la place de la cabine de projection. 

Randy Weston gérait durant les années 1970 

l’African Rhythms Clubs, premier club de jazz africain qui 

était situé au premier étage du cinéma Mauritania. 

L’UNIQUE SALLE DU CINÉMA 

S’EST MÉTAMORPHOSÉE EN 5 

SALLES SUR TROIS ÉTAGES, AVEC 

59 FAUTEUILS POUR LES PETITES 

SALLES ET 220 POUR LA GRANDE 


Zoom sur le cinéma 

Mauritania 

Le cinéma Mauritania est l’œuvre de l’architecte 

rbati Jean-François Robert qui avait déjà signé 

une dizaine d’années plus tôt le cinéma Empire 

à Fès. Lancée en 1939, la construction du 

Mauritania est tout comme celle du Rex 

(Cinémathèque de Tanger actuellement) ralentie 

par la guerre. 

Finalement inauguré en 1945, le cinéma affichait 

une programmation très internationale. Il a 

d’ailleurs accueilli le premier club de jazz africain, 

l’African Rhythms Club, créé pendant les années 

1970 par le compositeur et pianiste américain 

de jazz Randy Weston. 

Une des 5 salles du Ciné Atlas de Tanger en chantier. 

Le club de Jazz était situé au premier étage du 

cinéma, juste en dessous du balcon et attirait 

des musiciens de renommée internationale dont 

Dexter Gordon, Ahmed Abdul-Malik, Marvin 

Gaye, Billy Harper, James Brown, Stevie Wonder 

et Cecil Bridgewater.● 

La façade emblématique du cinéma Mauritania restera intacte suite 

aux rénovations. Le logo de Ciné Atlas s’y rajoutera seulement. 

Cinéma Mauritania avant rénovations. 

En plus du club de Jazz, le propriétaire de CinéAtlas prévoit 

également un « restaurant gastronomique style vintage 

avec un chef français », dévoile Bernet. « Il y avait 

ici un bâtiment ancien, rajouté il y a quelques années 

avant la fermeture du cinéma Mauritania. On a tout rasé 

et reconstruit ». 

Engagés depuis septembre dernier, les travaux de rénovation 

transforment ce joyau du patrimoine cinématographique 

marocain en un complexe ultramoderne, tout en préservant 

son âme artistique et son architecture emblématique. Il s’agit 

pour Pierre-François Bernet, de « reproduire la transformation 

réussie que nous avions menée au Colisée de Rabat, 

pour rendre au Mauritania sa gloire d’antan ». 

Si le permis de construire avait été délivré en décembre 

2021, les travaux ont été interrompus suite à la crise 

sanitaire de la Covid-19. Le chantier a ensuite redémarré 

en septembre 2023, pour une ouverture prévue 

à la fin de l’été 2024. 

Les rénovations du Mauritania sont financés entre 

fonds propres, crédit auprès d’une banque française, 

et des subventions du Centre cinématographique 

marocain, à hauteur de 2,8 millions de dirhams. Le 

budget total des travaux de rénovation s’élève à 14 

millions de dirhams. « Il faut également prévoir 2 millions 

de dirhams pour la location de l’équipement », 

précise Bernet.● 


77

INTERVIEW 

MATTHEW 

GRADY 

LE NOUVEAU 

MONSIEUR 

CINÉMA 

CLUB 

Je souhaite que l’on 

devienne un rendezvous 

incontournable 

pour les réalisateurs 

émergents de cette 

génération 


CRÉDIT : AAC 

Le réalisateur Hakim Belabbas en discussion à l’American Art Center. 

CRÉDIT : AAC 

Maryam Touzani en discussion après la projection de son film Le bleu du Caftan. 

Il maîtrise la darija à la 

perfection depuis son passage 

comme volontaire pendant 

deux ans dans la petite ville 

de Outat El Haj. Passionné de 

cinéma et d’art visuel, il devient 

professeur au Centre 

Américain de Casablanca 

avant de rejoindre le American 

Art Center en 2022, en tant que 

responsable du département 

des arts visuels. Un parcours 

atypique pour celui qui 

participe à faire de ce nouveau 

centre culturel, un espace 

incontournable à Casablanca. 

Rencontre avec le nouveau 

monsieur cinéma club. 

INTERVIEW MENÉE PAR YACINE KAOUTI 

CRÉDIT PHOTOS : ALEXANDRE CHAPLIER - BOXOFFICE MAROC 

Vous êtes à l’American Art Center 

depuis ses débuts en 2021. Comment 

avez-vous rejoint le ACC et comment se 

sont passés les débuts ? 

Le ACC a été lancé en mars 2022. Il était en 

phase de planification depuis cinq ans. C’est 

Ricky Martin, l’actuel directeur du Centre Américain 

à Casablanca, qui a porté le projet dès 

ses débuts. L’ouverture a connu certains retards 

dus au Covid-19. Au tout début, nous étions très 

peu dans l’aventure et nous ne savions pas vraiment 

quoi faire de ce bel espace. Mais, je pense 

que la plus belle chose que Ricky ait pu faire 

pour a été de nous donner carte blanche pour 

faire ce qui nous passionne. 

J’ai fait des études de cinéma, et cela a toujours 

été ma passion. C’est ainsi que j’ai pu contribuer 

au lancement d’un programme de cinéma. 

Nous avons pu le faire pour la première fois 

avec Nouredine Lakhmari, qui est venu présenter 

ses films à notre audience. Plusieurs autres 

réalisateurs lui ont emboîté le pas juste après. 

Le American Art Center est devenu un 

espace culturel incontournable à 

Casablanca. Quelles sont les principales 

activités que vous avez couvertes ? 

Parlez-nous de cette communauté et de 

ce que vous avez appris de tout cela. 

Pendant plus de quatre ans, je me suis 

occupé d’animer les activités du club de 

photo de l’American Language Center, donc 

j’avais déjà une communauté qui nous suivait 

et qui adhérait à ce que nous faisions. 

Cela a donc été plus simple pour moi de 

créer un club de cinéma lors de l’ouverture 

du American Art Center. Pour la première 

projection, nous avions choisi le film City of 

God, et nous n’étions que dix personnes. 

Mais grâce à notre groupe WhatsApp et au 

bouche à oreille, notre communauté s’est 

agrandie et nous sommes aujourd’hui plus 

de 1200 personnes. 

Nous avons commencé par les séries Filmmakers 

Spotlight et le cinéma Club, puis nous 


79

INTERVIEW 

J’avais peur de partager certains des classiques 

avec eux. J’étais très surpris par leur 

réaction. Que ce soit un classique du cinéma 

ou des films plus récents, nous avons réussi 

à créer un espace d’échange enrichissant. 

Je pense également que ce qui fait qu’aujourd’hui 

ce genre d’espace existe de moins 

en moins, c’est cette réticence de certaines 

personnes à penser qu’il faut être un grand 

cinéphile ou un érudit pour assister à ce genre 

de projection. Notre ciné-club n’existe pas 

que pour cette catégorie de personnes, mais 

notre objectif est de réunir tous ceux qui sont 

curieux et souhaitent passer un bon moment. 

Certains films sont présentés en 

avant-première chez vous. Qu’est-ce qui 

fait que certains cinéastes choisissent 

le American Art Center pour présenter 

leur film ? 

En effet, nous sommes devenus un espace 

qui accueille plusieurs cinéastes pour leurs 

projections en avant-première. Je ne sais 

pas si c’est à cause de notre flexibilité ou 

de notre ouverture à tous les cinéastes. 

Aujourd’hui, certains réalisateurs viennent 

même tester leurs films bien avant leur finalisation 

chez nous. Par exemple, Hicham 

Lasri est venu à deux reprises projeter deux 

de ses films auprès de notre public pour 

tester les différentes réactions. 

Les cinéastes ont rapidement compris que 

le American Art Center était également leur 

espace et que les échanges avec notre 

public sont importants et enrichissants pour 

eux. Certains réalisateurs comme Noureddine 

Lakhmari et Hicham Lasri peuvent rester 

jusqu’à 1h30 à discuter avec le public. 

JE RÊVE DE POUVOIR RÉITÉRER CES 

EXPÉRIENCES EN DEHORS DES MURS 

DE L’AMERICAN ART CENTER 

avons commencé à présenter des films et des 

documentaires en avant-première. Leos Carax 

est par exemple venu en marge du festival 

du film indépendant de Casablanca et a 

accepté de se prêter au jeu et de participer 

à une rencontre. 

Les ciné-clubs au Maroc ont eu une 

importance majeure dans les années 70 

et 80, forgeant une génération de 

cinéphiles. Avec le temps, ce 

mouvement a disparu. À votre façon, 

vous réitérez cette expérience, mais 

avec un public différent. Quels ont été 

pour vous les moments forts ? 

Les discussions sont toujours un moment fort 

pour nous. Je me souviens d’une projection 

avec le réalisateur Hakim Belabbas, qui est 

venu me voir juste après pour me dire : «Mais 

qui sont ces gens ? C’est la première fois que 

je vois des personnes au Maroc parler de 

films de cette façon et en anglais.» Je ne pourrais 

pas dire que les ciné-clubs des années 

70 et 80 sont mon inspiration, mais je remarque 

que, lorsque notre jeune public discute des 

films, leur intérêt augmente. 

À l’heure de faire un premier bilan 

après deux ans d’existence, quelle est 

votre plus grande fierté et quels sont 

vos objectifs futurs ? 

Les Short Film Showcase sont probablement 

ma plus grande fierté. Le public y est 

nombreux et les échanges sont particulièrement 

riches. Je souhaite que nous devenions 

un rendez-vous incontournable pour 

les réalisateurs émergents de cette génération, 

afin qu’ils puissent montrer leurs premiers 

films. Nous démarrons bientôt un programme 

autour des acteurs et actrices, qui 

viendront nous parler de leurs rôles majeurs. 

Aujourd’hui, je rêve de pouvoir réitérer ces 

expériences en dehors des murs de l’American 

Art Center et de rencontrer de jeunes 

amoureux du cinéma aux quatre coins du 

royaume.● 


GUIDE DES SORTIES 

DEPUIS LE 17 AVRIL 2024 DEPUIS LE 22 MAI 2024 

DEPUIS LE 05 JUIN 2024 

PAYS : France 

PROJECTIONS : 

Casablanca : Mégarama, Pathé 

Californie, Ciné-théâtre Lutetia 

Rabat : Mégarama 

Marrakech : Mégarama 

Tanger : Mégarama 

NOM DU FILM : Ce qui se passe 

à Marrakech reste à Marrakech 



RÉALISATEUR : Said Khallaf 

PAYS : Maroc 

PROJECTIONS : 


Californie 

Marrakech : Megarama 

Rabat : Megarama, CinéAtlas 

Fès : Mégarama 

Tanger : Megarama 

El Jadida : CinéAtlas 

DEPUIS LE 22 MAI 2024 

NOM DU FILM : Furiosa 


GENRE : DAction, Science-Fiction, 

Thriller 

RÉALISATEUR : George Miller 


PROJECTIONS : 


Californie 


Marrakech : Mégarama, Le Colisée 

Tanger : Mégarama, 


NOM DU FILM : Mystère sur la 

colline aux gâteaux 


GENRE : Animation, Familial, 

Mystère, Aventure, Comédie 

RÉALISATEUR : Will Ashurst 

PAYS : Norvège 

PROJECTIONS : 

Casablanca : Mégarama 


Rabat : Mégarama, CinéAtlas 


DEPUIS LE 1 ER JUIN 2024 

NOM DU FILM : Les guetteurs 

DURÉE : 102 minutes 

GENRE : Horreur, Mystère, Thriller 

RÉALISATRICE : Ishana Night 

Shyamalan 


PROJECTIONS : 






NOM DU FILM : Bad Boys: 

Ride or Die 


GENRE : Action, Thriller, Crime 

RÉALISATEURS : Matt Bettinelli- 

Olpin, Tyler Gillett 


PROJECTIONS : 








NOM DU FILM : Hiding saddam 

hussein 


GENRE : Documentaire 

RÉALISATEUR : Halkawt Mustafa 

PAYS : Norvège 

PROJECTIONS : 





NOM DU FILM : Taxi Bied 2 


GENRE : Comédie, Action 

RÉALISATEUR : Moncef Malzi 

PAYS : Maroc 

PROJECTIONS : 







NOM DU FILM : Le deuxième acte 



RÉALISATEUR : Quentin Dupieux 


NOM DU FILM : Vice-versa 2 



Drame, Aventure, Fantastique 

RÉALISATEUR : Kelsey Mann 


PROJECTIONS : 









RÉALISATEUR : Michael Sarnoski 


PROJECTIONS : 















INFOS PRATIQUES 

NOM DU FILM : Welad Rizk 3 


GENRE : Comédie, Action 

RÉALISATEUR : Tareq El Erya 

PAYS : Egypte 

PROJECTIONS : 







DÈS LE 17 JUILLET 2024 


NOM DU FILM : The bikeriders 


GENRE : Crime, Drame 

RÉALISATEUR : Jeff Nichols 


PROJECTIONS : 








NOM DU FILM : Sans un bruit : 

jour 1 


GENRE : Horreur, Science-Fiction, 

Thriller 

NOM DU FILM : Le comte de 

Monte-Cristo 


GENRE : Aventure, Histoire 

RÉALISATEURS : Alexandre de 

La Patellière, Matthieu Delaporte 

PAYS : France 

PROJECTIONS : 



Rabat : Mégarama, 




NOM DU FILM : Moi, moche et 

méchant 4 



Comédie, Aventure 

RÉALISATEUR : Chris Renaud 


PROJECTIONS : 

NOM DU FILM : Twisters 


GENRE : Action, Aventure, Drame 

RÉALISATEUR : Lee Isaac Chung 


PROJECTIONS : 







NOM DU FILM : Garfield, héros 

malgré lui 


GENRE : Animation, Comédie, 

Familia 

RÉALISATEUR : Mark Dindal 


PROJECTIONS : 




83

DOSSIER PRO 

LA RELATION 

TUMULTUEUSE 

ENTRE CINÉASTES 

ET CRITIQUES 

La plupart des cinéastes répondent immédiatement 

que les critiques de cinéma sont indispensables. 

Mais quand on les presse d’approfondir leur 

appréciation, des qualificatifs désobligeants surgissent. 

Les critiques de cinéma seraient incultes, désinvoltes, 

malveillants, intéressés... 

DOSSIER RÉALISÉ PAR REDA K. HOUDAÏFA 


Une critique se présente comme une analyse aiguisée, un 

jugement éclairé porté sur une œuvre. Elle permet de 

cerner les points forts et les points faibles d’un film. 


CRÉDIT : BOXOFFICE 

Lieu de jonction entre l’information, supposée 

objective, et l’opinion, intrinsèquement 

subjective, la critique s’applique 

à remplir cette double fonction : 

inspirer aux lecteurs le désir de voir un film, 

leur éviter de voir tel autre, tout en les renseignant. 

Immense responsabilité que les 

critiques entendent assumer pleinement, 

librement, fermement. 

Pendant que les créateurs mettent en 

avant une conception distincte. Toute 

bonne critique, clament-ils, est descriptive, 

parce que le rôle du critique est exclusivement 

un rôle d’information. S’il s’aventure 

hors de ce territoire, il s’engage dans 

un terrain glissant où il risque de laisser 

des plumes. 

Un critique, nous disait un réalisateur en 

vue, doit être un metteur en lumière, jamais 

un metteur en ombre. Et de nous citer Jean- 

Louis Bory, qui possédait ce don inestimable 

de s’enthousiasmer et de savoir faire partager 

ses passions. Rares sont nos critiques, 

ajoute notre interlocuteur, qui sont à même 

d’aimer et de défendre ce qu’ils aiment. La 

plupart s’enferrent dans le dénigrement 

systématique, la démolition obstinée, la formule 

manière incendiaire. En bref, la critique 

s’exerce surtout de manière négative. 

Le critique ne se contente pas de partager son ressenti. Il 

étaye son opinion par une analyse fouillée, s’appuyant sur des 

éléments concrets et des outils d’analyse rigoureux. 

Un mauvais accueil critique influerait-il sur 

la carrière d’un film ? Sur ce point essentiel, 

les cinéastes s’accordent à penser 

que non. La critique n’aurait, selon eux, 

aucun effet ni positif ni négatif sur le destin 

d’une œuvre. L’unanimité ne suffit pas 

à faire marcher un film si celui-ci ne bénéficie 

pas d’un lancement publicitaire, la 

diatribe ne saurait desservir un film efficacement 

mis en place. 

Une interrogation affleure : « Pourquoi les réalisateurs 

sont-ils tant sensibles à la presse ? ». 

Par narcissisme, tout d’abord. En choisissant 

de révéler sa création, alors que personne ne 

l’y a contraint, le créateur se soumet à l’opinion 

d’autrui. Celle-ci lui importe grandement, 

question d’égo. 

EN CHOISISSANT DE RÉVÉLER SA 

CRÉATION, ALORS QUE PERSONNE NE L’Y 

A CONTRAINT, LE CRÉATEUR SE SOUMET 

À L’OPINION D’AUTRUI 


85

DOSSIER PRO 


Si l’expression d’une opinion sur un film est accessible à tous, le 

métier de critique requiert des compétences et un savoir-faire 

spécifiques. Il ne suffit pas d’apprécier ou de ne pas apprécier une 

œuvre pour en proposer une analyse critique de qualité. 

Narcissisme, mais surtout enjeu. L’image du 

metteur en scène, celle qu’en donne la critique, 

demeure auprès des guichets de 

financement hyperdéterminante pour la suite 

d’une carrière. Certes, les critiques ne contribuent 

nullement au succès d’un film, il n’en 

demeure pas moins qu’ils apportent leur 

pierre à la notoriété d’un auteur. Ce qui n’est 

pas négligeable. 

Un fossé entre critiques et spectateurs 

Une certitude acquise : les goûts des critiques 

diffèrent radicalement de ceux des 

spectateurs. Les uns, engoncés dans les 

préjugés théoriques et les querelles d’école, 

ne jurent que par des « œuvres », les autres 

se précipitent sur un cinéma qui parle d’eux, 

se gavent d’images qui ne sont pas coupées 

de leur vie, se délectent de mots qui 

sont les leurs. Les premiers vitupèrent « ce 

terrible appel vers le bas que constitue le 

goût du public », lequel fait bon marché de 

leurs jugement et s’en va applaudir des deux 

mains ce qu’ils ont descendu en flammes. 

De là à conclure que la critique ne sert à 

rien, ou comme se plaît à dire un critique, 

reprenant le mot d’André Bazin, que l’essentiel 

du plaisir que lui procure la critique 

provient justement de l’inutilité de cette pratique, 

il n’y a qu’un pas que nous nous garderons 

de franchir. Poser péremptoirement 

leur inutilité reviendrait à prétendre que le 

langage cinématographique est si limpide 

qu’il pourrait faire l’économie d’un décryptage. 

Cela signifierait également que le 

cinéma marocain, longtemps mis sous l’éteignoir, 

aurait eu sa place au soleil sans l’action 

généreuse et militante de la critique 

dans les années soixante et soixante-dix. 

Des auteurs comme Tazi, Noury, Lagtaa, 

Chraibi.... aujourd’hui reconnus, auraient-ils 

émergé de l’anonymat dans lequel ont les 

confinait, sans la contribution de la presse ? 

Des distributeurs se seraient-ils intéressés 

à des jeunes comme Nabil Ayouch, Nour-Eddine 

Lakhmari, Faouzi Bensaïdi... tous créateurs 

d’œuvres qui n’appartiennent pas au 

courant dominant, si les critiques n’avaient 

pas attiré l’attention sur eux ?● 


SAID EL MAZOUARI : 

"LA CRITIQUE PEUT 

FACILITER L’ACCÈS 

DU FILM AU PUBLIC" 

Contrairement aux apparences, le rôle du critique cinématographique est 

plus essentiel que jamais. Comme le souligne le réalisateur et scénariste Saâd 

Chraibi : « La critique cinématographique se nourrit du cinéma autant que le cinéma 

se nourrit de la critique ». Tel est aussi notre avis, et nous nous interrogeons sur le 

point de vue des critiques eux-mêmes. De fait, nous avons choisi de mettre en avant 

l’analyse de Said El Mazouari, critique de cinéma, pour l’intérêt qu’elle présente. 

Quel est le rôle du critique ? 

La critique cinématographique joue un rôle 

essentiel et tridimensionnel : Primo, informer 

le public : La critique a pour mission première 

de tenir le spectateur informé sur l’actualité 

cinématographique. Cela inclut les 

sorties de films, la programmation des salles, 

des informations sur le casting et la fiche 

technique, ainsi que la couverture des festivals. 

Ce travail contribue à maintenir le 

cinéma vivant dans la vie des spectateurs 

et à leur fournir les outils nécessaires pour 

choisir les films qu’ils souhaitent voir. 

CRÉDIT : MUSTAPHA RAZI / BOXOFFICE MAROC 

Secundo, prescrire et guider : Le second 

rôle de la critique est de prescrire, c’est-àdire 

de donner son avis sur les films. Il s’agit 

soit de recommander un film au spectateur, 

en argumentant son choix, soit de le déconseiller, 

toujours en justifiant son opinion. 

Cette prescription éclairée permet au spectateur 

de se forger son propre jugement et 

de faire ses choix en connaissance de cause. 

La critique devient ainsi un guide précieux 

dans le vaste paysage cinématographique. 

Tertio, analyser et décrypter : Enfin, la critique 

a pour vocation d’analyser, c’est-à-dire 

d’aller au-delà des simples opinions pour 

décrypter les films en profondeur. Il s’agit 

d’examiner le discours des films, leurs enjeux, 

leurs propos et les intentions du réalisateur. 

Cette analyse approfondie permet d’éclairer 

les tenants et les aboutissants d’une 

œuvre et d’en comprendre les impacts sur 

le spectateur. C’est généralement l’apanage 

Said El Mazouari animant une rencontre au dernier Festival international de 

cinéma d’animation de Meknès (FICAM). 


87

DOSSIER PRO 

des médias spécialisés, tels que les revues 

cinématographiques ou les suppléments 

dédiés au cinéma, car elle nécessite un 

espace d’expression conséquent. 

Comment voyez-vous l’interaction entre 

les critiques de cinéma et les cinéastes ? 

La relation entre critiques et cinéastes au 

Maroc est souvent complexe et tendue. Les 

torts sont partagés des deux côtés. D’un 

côté, certains critiques dépassent parfois 

leur rôle en adoptant un ton moralisateur visà-vis 

des cinéastes. Ils oublient que leur rôle 

premier est d’informer et d’analyser, et non 

de dicter des leçons. De l’autre côté, certains 

cinéastes ne comprennent pas toujours 

le rôle de la critique. Ils prennent les critiques 

négatives trop personnellement et refusent 

de les accepter comme une opportunité de 

réflexion et d’amélioration. 

Il est pourtant essentiel que critiques et 

UN DIALOGUE OUVERT ET RESPECTUEUX 

ENTRE CRITIQUES ET CINÉASTES EST 

INDISPENSABLE POUR LE DÉVELOPPEMENT 

DU CINÉMA MAROCAIN 

cinéastes puissent établir un dialogue 

constructif autour des films. Chacun a le droit 

d’exprimer son opinion, à condition qu’elle 

soit argumentée et respectueuse. 

J’aime parler de critique argumentée plutôt 

que de critique constructive. En effet, la 

notion de cette dernière est souvent floue 

et peut être utilisée pour justifier des propos 

blessants ou dénués de sens. Une critique 

argumentée est une critique qui s’adresse à 

l’œuvre et non à la personne. Elle doit être 

étayée par des arguments précis et ne doit 

pas tomber dans l’attaque personnelle. 

Un dialogue ouvert et respectueux entre critiques 

et cinéastes est indispensable pour le 

développement du cinéma marocain. En 

acceptant la critique et en en tirant des leçons, 

les cinéastes peuvent améliorer leurs œuvres 

et proposer un cinéma de qualité au public. 

Certains critiques sont capables d’apprécier 

et de soutenir ce qu’ils aiment, mais 

parfois ils adoptent une approche de dénigrement 

et de démolition. La critique est 

parfois exercée de manière négative… 

Comme je l’ai mentionné précédemment, 

certains critiques adoptent une approche 

Entouré d’artistes passionnés, Said El Mazouari dirigeait avec 

enthousiasme un des « cafés à la menthe » du FICAM 2024. 


Said El Mazouari est aussi le Directeur Général de la Commission Saoudienne du film. 

basée sur le dénigrement et l’attaque personnelle. 

Ils formulent des jugements non 

argumentés souvent pour masquer leur 

manque d’arguments. De plus, leurs textes 

manquent de profondeur et d’analyse. 

Ce type de critique, souvent virulent et gratuit, 

vise à décrédibiliser le film plutôt qu’à 

l’analyser de manière constructive. Il est 

important de souligner que ce type de comportement 

est nuisible à la fois pour la critique 

et pour la création cinématographique. 

A l’inverse, certains réalisateurs refusent 

catégoriquement toute critique négative, 

même si elle est constructive, argumentée 

et étayée par des exemples concrets. Ils qualifient 

toute critique négative de leur film de 

dénigrement ou de critique frustrée. 

Cette attitude d’intolérance à la critique est 

un frein au progrès car elle empêche les 

cinéastes de prendre du recul sur leur travail 

et de l’améliorer. 

Il est indispensable que critiques et cinéastes 

adoptent une approche constructive basée 

sur le dialogue, le respect et l’honnêteté. 

Cela implique une humilité de la part des 

deux parties, permettant de trouver un terrain 

d’entente et d’engager un dialogue 

fructueux. 

L’entretien peut être un outil précieux pour 

favoriser ce dialogue. En effet, il permet aux 

critiques et aux cinéastes de défendre leurs 

points de vue de manière argumentée et 

respectueuse, tout en écoutant attentivement 

les arguments de l’autre. 

Ce type d’échange peut parfois aboutir à 

une troisième vérité qui n’est ni celle du critique 

ni celle du cinéaste, mais se situe entre 

les deux. Cela permet à chaque partie de 

grandir et de progresser grâce à la confrontation 

d’idées différentes. 

Malheureusement, le Maroc a connu un 

rétrécissement considérable de l’espace 

dédié à la critique cinématographique ces 

dernières années. Cet espace, autrefois 

essentiel pour l’information, la prescription 

et l’analyse, s’est réduit comme peau de 

chagrin. Depuis les années 90, les suppléments 

cinéma dans les journaux et les 

revues ont progressivement disparu, privant 

le public d’une analyse approfondie et 

éclairée des films. 

Si l’information reste relativement accessible, 

la prescription et l’analyse sont devenues 

rares, voire inexistantes. Cette situation est 

regrettable car elle prive le public d’un outil 

précieux pour naviguer dans le monde du 

cinéma et faire des choix éclairés. 

Un mauvais accueil critique influerait-il 

sur la carrière d’un film ? 

L’influence de la critique sur le destin d’un 

film est un sujet souvent débattu. Si l’on 

entend par « influencer » le pouvoir de faire 

basculer la carrière d’un film, il est vrai que 

cela est devenu beaucoup plus difficile, 

voire impossible, dans le monde actuel. 

En Occident, où la tradition de la critique 

cinématographique est plus ancrée et les 

salles de cinéma plus développées, l’impact 

d’un critique sur le succès commercial d’un 

film grand public est généralement limité. 

Cela s’explique par la multitude de sources 

d’information et d’avis auxquels les spectateurs 

ont accès, réduisant ainsi l’influence 

d’un seul critique. 

Cependant, la critique peut encore jouer un 

rôle important dans la réception d’un film 

d’auteur. En effet, le succès de ces films 

repose souvent plus sur l’estime critique 

que sur le nombre d’entrées en salles. 

Une critique positive d’un film d’auteur, surtout 

si elle émane d’un critique influant dans 

le milieu cinématographique, peut attirer 

l’attention sur un cinéaste débutant. 

Ainsi, la critique peut faciliter l’accès du film 

au public et contribuer à son succès.● 


89

UNE SALLE, UNE HISTOIRE 

LES DEUX VIES 

DU CINÉ ALCAZAR 

Initialement inauguré comme théâtre, le cinéma Alcazar a brillé de toute sa 

splendeur à Tanger, avant de connaitre une période sombre qui l’a condamnée à fermer 

ses portes. Le cinéma dont la façade a figuré sur le film « The Sheltering Sky » de Bernardo 

Bertolucci, renait de ses cendres en 2022 pour redevenir un havre de paix pour les 

cinéphiles. Retour sur les deux vies d’une salle emblématique de la ville du Détroit. 

PAR SALMA HAMRI - CRÉDIT PHOTOS : ALEXANDRE CHAPLIER - BOXOFFICE MAROC 

Érigé au cœur de Tanger, entre le jardin 

de la Mendoubia et la tombe d’Ibn 

Battuta, le ciné Alcazar a été fondé en 

1913 par un commerçant juif d’origine andalouse 

qui envisageait cet espace comme un 

centre de divertissement pour les habitants 

du centre-ville. Le Cinéma Alcazar (initialement 

Teatro Alcazar) a d’abord été un théâtre 

avant de devenir une des premières salles 

de cinéma au Maroc. 

La salle a d’ailleurs accueilli 

de nombreuses troupes 

de théâtre mais aussi 

des chanteurs de 

renom. En 1917, afin de concurrencer deux 

salles de cinéma qui avaient ouvert leurs 

portes à quelques mètres du Teatro Alcazar 

(le Capitol et l’American Cinéma), les propriétaires 

décident de transformer cet 

espace en cinéma. Le Teatro Alcazar devint 

ainsi le Ciné Alcazar. 

Doté de deux entrées distinctes, l’une permettant 

d’accéder aux loges et au balcon 

et l’autre à l’orchestre, le cinéma pouvait 

accueillir jusqu’à 700 spectateurs. On y 

projetait dans un premier temps des films 

muets et les images étaient accompagnées 

par la musique d’un pianiste qui jouait derrière 

l’écran. 

Des pellicules inédites y étaient montrées, 

ainsi que certaines premières images cinématographiques 

en couleurs dans les 

années 1930, relatent des habitués 

du cinéma. Les années suivantes, 

le ciné Alcazar 

s’est distingué par sa 

programmation 

éclectique, attirant 

des films internationaux de tous genres. 

« Cette petite salle, malgré sa capacité limitée, 

était devenue un lieu incontournable 

de la vie artistique tangéroise, offrant aux 

jeunes un précieux accès au cinéma mondial 

et une initiation aux principes de base 

du septième art », nous assure Aïcha Msaidi, 

la vice-présidente de l’Association TanjAflam, 

qui assure actuellement la gestion du cinéma 

Alcazar, 

Dans les années 30, malgré l’avènement de 

cinémas offrant une capacité plus importante, 

notamment le Rex (Cinéma Rif), le 

Roxy, le Goya et le Mauritania, la popularité 

du Ciné Alcazar resta intacte. Il fut même le 

cinéma le plus populaire de la ville, « réputé 

pour la qualité de ses projections, 

toutes en langue espagnole. 

« Le ticket d’entrée coûtait 

60 centimes, 


et il y avait toujours des vendeurs de limonades 

et un agent de police dans la salle », 

précisent avec nostalgie les habitués de 

cette salle de cinéma à l’époque. 

En 1945 le bâtiment fut racheté par Mimoune 

Cohen, un homme d’affaires tangérois qui 

y a effectué des travaux pour améliorer l’intérieur 

et en faire l’une des salles les plus 

importantes dans la zone sous administration 

espagnole. Toutefois, dans les années 

80, le ciné Alcazar commence malgré lui à 

perdre de son éclat. Progressivement délaissée, 

la salle a été contrainte de fermer ses 

portes en 1993, plongeant ainsi dans une 

longue période d’oubli. 

une deuxième vie pour le ciné Alczar, où l’ancien et le nouveau se complètent harmonieusement. 

En 2010, lors de la 11e édition du Festival 

National du Film de Tanger, « une lueur d’espoir 

surgit lorsque Nour Eddine Saïl, à 

l’époque directeur du Centre Cinématographique 

Marocain (CCM) et autrefois spectateur 

assidu de l’Alcazar, dévoila un projet 

de restauration ambitieux », explique la 

vice-présidente de l’Association TanjAflam. 

Grâce à un investissement de huit millions 

de dirhams, soutenu par la Wilaya de la 

région Tanger-Tétouan Al-Hoceima, le Ministère 

de la Jeunesse et de la Culture, ainsi 

que l’Agence pour le Développement des 

Provinces du Nord, le cinéma a été entièrement 

rénové avec comme ligne directrice 

: « moderniser les installations, tout en préservant 

le style architectural mauresque distinctif 

du bâtiment ». 

Le 26 mars 2022, le ciné Alcazar entame 

Ancien projecteur à bobines, conservé à l'entrée du cinéma. 

AVEC UNE CAPACITÉ DE 1 500 

PLACES, IL RIVALISAIT EN CONCEPTION 

ET EN CONFORT AVEC LES PLUS 

GRANDS CINÉMAS DU MONDE 

une deuxième vie où l’ancien et le nouveau 

se complètent harmonieusement. A l’entrée 

de la salle de cinéma, un projecteur de film 

classique est exposé avec de vieilles affiches 

de film, qui servent de rappel nostalgique 

de l’histoire du cinéma. De nouveaux sièges 

élégants avec un tissu bleu et des accoudoirs 

en bois clair ont été installés créant 

une atmosphère moderne au côté du mur 

de pierre conservé qui ajoute un aspect rustique 

et historique à l’espace. 

Désormais, le cinéma Alcazar héberge un 

projet éducatif et culturel visant principalement 

à développer la sensibilité des enfants 

et des jeunes à l’image. « Ce projet, géré 

avec passion par l’association Tanja Films, 

permet au Cinéma Alcazar de continuer à 

briller comme un joyau historique, veillant 

méticuleusement à son rayonnement culturel 

», conclut notre interlocutrice.● 


91

STREAMING/VOD 

THE BEAR 

UNE SAISON 3 AUX FOURNEAUX DE DISNEY+ 

LA CHRONIQUE 

DES BRIDGERTON, 

SAISON 3, PARTIE 2 

Autre temps fort du mois de juin, la suite tant 

attendue de La Chronique des Bridgerton. Après 

quatre premiers épisodes dévoilés au mois de 

mai, la suite de la saison 3 de La Chronique des 

Bridgerton sera disponible à partir du 13 juin sur 

Netflix, pour une partie 2 très attendue. 

La première partie de la troisième saison a 

enregistré 45,1 millions de vues lors de ses 4 

premiers jours de diffusion. C’est en effet l’une 

des séries les plus vues de l’histoire de Netflix, 

et en quelques semaines de la diffusion de sa 

première saison, la série adaptée des romans 

de l’Américaine Julia Quinn et produite par 

Shonda Rhimes (à qui l’on doit notamment 

Grey’s Anatomy et Scandal) est devenue 

un phénomène.● 

Forte d’un succès critique et commercial, 

The Bear, fait son retour pour une troisième 

saison de huit épisodes qui sera 

diffusée à partir du 17 juillet sur Disney+. 

Une saison 4 a déjà été confirmée et 

est en cours de tournage. 

Cette nouvelle saison continuera de 

suivre les péripéties de Carmy, un jeune 

chef cuisinier issu du monde de la gastronomie 

qui rentre à Chicago pour gérer 

la sandwicherie familiale après le suicide 

de son frère. 

La saison 2 s’achevait sur l’ouverture 

du nouveau restaurant de Carmy et son 

équipe, Dans The Bear saison 3, Carmy, 

Sydney (Ayo Edebiri) et Richie (Ebon 

Moss-Bachrach) ont un seul objectif, 

celui de hisser leur restaurant gastronomique 

au sommet de la scène culinaire 

tout en affrontant leurs propres démons. 

Christopher Storer reste le showrunner 

du show pour cette troisième saison. Il 

réalisera lui-même plusieurs épisodes, 

aux côtés de l’actrice Ayo Edebiri qui 

s’essayera à la réalisation sur quelques 

épisodes, avait déclaré Storer. 

The Bear est une des séries phénomène 

de ces dernières années et celle qui 

engrange chaque année de multiples 

récompenses lors des cérémonies de 

remise de prix, aux Golden Globes, aux 

Critic Choices et aux Emmy Awards.● 

HOUSE OF THE DRAGON, 

DU GRAND SPECTACLE 

SUR MAX DEPUIS LE 

17 JUIN 

House of the Dragon, la première 

série dérivée de Game of Thrones, 

a débarqué sur Max (anciennement 

HBO Max) le 17 juin, avec une saison 

2 événement. Lancée le 1 er août 2022 

aux Etats-Unis, la série s’intéresse à 

l’histoire de la dynastie Targaryen. 

Ce spin-off avait battu des records 

d’audiences dès la sortie de son 

premier épisode, ce qui a conforté 

la plateforme de streaming à 

commander une saison 2 dès le mois 

d’août 2022. La saison 2 de House 

of the Dragon s’est dévoilée avec 

une première bande-annonce mise 

en ligne en mai. 

Maintenant que la série a raconté 

les origines du conflit qui oppose les 

clans Targaryen et Hightower, cette 

nouvelle saison évolue autour d’un 

jeu de pouvoir entre les Verts et les 

Noirs. Le créateur de la série confie 

d’ailleurs avoir concocté du grand 

spectacle, promettant deux des plus 

grosses batailles de l’histoire de 

la franchise.● 


LIRE, VOIR ET ÉCOUTER 

SPECTACLE 

“NOSTALGIA TOUR” 

LIVRE 

L’ANATOMIE DU 

SCÉNARIO, NOUVELLE 

ÉDITION 

Ecrire un scénario qui tient la route, et qui 

aura peut être la chance de se transformer 

en film ne s’improvise pas. Dans L’anatomie 

du scénario John Truby nous présente sa 

bible pour réussir son scénario. Sa méthode 

unique nous fait entrer dans les secrets de 

fabrication de ce qui constitue la condition 

première de la réussite d’un film : une bonne 

histoire, et nous guide pas à pas dans la 

construction des personnages, de l’intrigue, 

de l’univers du récit et des dialogues.● 

* Disponible en précommande chez Livremoi.ma. 

Les génériques de Dragon Ball, Pokémon, 

ou encore Captain Majid, n’ont aucun 

secret pour vous? Le temps d’une soirée, 

revivez les plus belles musiques de dessins 

animés et de films qui ont bercé votre 

enfance. Interprété par Rasha Rizk et le 

compositeur Tarek alarabi tourgane, le 

PODCAST 

SALAM CINÉMA 

tout joué en compagnie de l’Orchestre 

interculturel du Maroc sous la direction 

du chef Hamza Amazgar et un chœur 

dirigé par le chef Idriss Lamarti. À Casablanca 

le 28 Juin, à El Jadida le 6 Juillet 

et à Marrakech le 13 Juillet.● 

* Plus d’informations sur Guichet.ma. 

Dans Salam Cinéma, Mohamed Tarik El Hajjam, se livre sur les films qui l’ont marqués le 

plus. On y découvre des critiques aussi juste que profonde de Perfect Days le dernier Wim 

Wenders, ou encore le La La Land de Damien Chazelle. Chaque épisode est une invitation 

à redécouvrir les films sous un nouvel angle, enrichi par des anecdotes personnelles et 

des analyses poussées. Sur Spotify, le podcast se vit différemment, car Tarik y invite à 

chaque épisode un proche pour parler du film qui l’a marqué le plus. Les discussions sont 

souvent empreintes de nostalgie, mais aussi remplies de messages inspirants qui résonnent 

longtemps après l’écoute.● 

* Salam Cinéma sur Instagram et Spotify. 


FINAL 

CUT 

ALI RGUIGUE 

Ali Rguigue, Directeur Général des studios Artcoustic 

spécialisés dans la 2D, joue un rôle central dans la 

production, la promotion et la formation dans le domaine 

de l’animation au Maroc. Nous l’avons rencontré au FICAM. 

INTERVIEW MENÉE PAR REDA K. HOUDAÏFA 

CRÉDIT PHOTO : ALEXANDRE CHAPLIER - BOXOFFICE MAROC 

Pitch nous ton dernier projet ... 

La réalisation de Hikayat wa 3ibar s’est avérée 

être une entreprise particulièrement ardue 

pour plusieurs raisons. Tout d’abord, l’équipe 

n’avait pas encore finalisé le concept de la 

série animée. Ils travaillaient simultanément 

sur trois courts métrages distincts : Jenb 

Al Hayt, un projet axé sur les influenceurs, 

et 3ibra, une série éducative pour les 

enfants. C’est ce dernier projet qui a servi 

d’inspiration pour Hikayat wa 3ibar. 

L’un des principaux 

obstacles rencontrés 

par l’équipe ... 

La scénarisation. 

Chaque épisode, distinct 

et mettant en 

scène des personnages 

différents, devait 

être soigneusement élaboré. 

De plus, les processus 

d’animation, bien plus 

complexes et différents de 

ceux du live-action, imposaient 

des contraintes supplémentaires. 

La complexité du pitch, l’inexpérience 

de l’équipe en matière de production télévisuelle, 

la composition entièrement marocaine 

de l’équipe, la diversité des chartes 

graphiques et des univers, l’obligation de 

rédiger 30 épisodes dans un délai serré et 

avec un budget limité, tous ces facteurs ont 

fait de Hikayat wa 3ibar un projet particulièrement 

ambitieux. 

Ton plus grand défi ? 

Lors de la création d’un documentaire animé 

sur l’histoire du Maroc pour la plateforme 

#AJITFHAM, nous nous sommes confrontés 

à un défi particulier : l’absence de portraits 

des personnages historiques que nous souhaitions 

mettre en lumière. Face à ce manque 

d’informations visuelles, nous avons dû adopter 

une approche créative et rigoureuse pour 

reconstituer leur apparence. 

Notre quête nous a menés à explorer diverses 

sources, allant des sculptures et des récits 

anciens aux descriptions écrites par des 

contemporains de ces figures historiques. En 

nous basant sur ces témoignages, nous avons 

minutieusement reconstitué les traits de ces 

personnages, cherchant à capturer leur essence 

et à les ramener à la vie pour notre public. 

Le dernier film que tu as vu ? 

Moroccan Badass Girl, de Hicham Lasri, est 

un film qui m’a profondément marqué. En 

effet, Hicham a toujours eu cette capacité 

à sortir des sentiers battus, tant au niveau 

des scénarios que des personnages, proposant 

une vision unique et percutante de 

la société marocaine. 

La dernière fois que tu as pleuré devant 

un film ? 

Si je n’ai pas ressenti le besoin de pleurer, 

ce n’est pas par manque d’émotion, mais 

plutôt parce que l’expérience que j’ai vécue 

était plus profonde et complexe qu’une 

simple tristesse. L’intrigue et le twist final de 

Usual Suspects m’ont tellement marqué que 

je me suis retrouvé submergé par une vague 

d’émotions. 

La dernière fois que tu as été déçu 

d’un film ? 

Je parle du tout dernier film de La Planète 

des Singes. J’ai été particulièrement impressionné 

par la performance des acteurs… 

Cependant, j’ai trouvé l’histoire un peu décevante. 

Elle suit une structure assez classique 

avec un méchant bien défini et une résolution 

prévisible. 

La dernière que tu as ri au cinéma ? 

C’était en regardant le dernier film de 

Hicham Lasri. Ce qui m’a fait rire, ce n’est 

pas tant le jeu de Fadoua Taleb, mais 

plutôt la façon dont elle était mise en 

scène. Il y avait des situations tellement 

cocasses et inattendues que je ne 

pouvais m’empêcher de rire. 

Ta dernière collaboration ? 

Pour l’animation, je ne travaille pas directement 

avec des acteurs au sens traditionnel 

du terme. Or, nous collaborons étroitement 

avec des comédiens pour le doublage, afin 

qu’ils prêtent leur voix aux personnages et 

interprètent leurs dialogues. 

Parmi les comédiens avec lesquels j’ai eu le 

plaisir de travailler, je peux citer Hamid Choukri 

et Sanaa Aassif. J’ai également eu l’occasion 

de collaborer avec des comédiens de théâtre 

qui ont apporté leur expérience et leur sensibilité 

à leurs personnages.● 


LE CLAP DE AICHA AKALAY 

DE HAUT EN BAS, 

LA FABLE DE L’EAU 

Qu’est-ce que les gens d’en haut 

doivent aux gens d’en bas ? Question 

fondamentale qui traverse 

l’époque du triomphe du petit entre-soi, 

où les valeurs se déclament, mais ne s’incarnent 

plus, et où le préjudice le plus 

fort est toujours ressenti du même côté, 

celui des plus faibles. Le mouvement de 

l’eau vient y répondre, de manière implacable, 

comme de tout temps. L’eau 

s’écoule du haut vers le bas. Des gens 

d’en haut, il est attendu une conduite 

exemplaire, ce devoir leur incombe pour 

prémunir les gens d’en bas des conflits. 

Sur les enfants comme sur les adultes, 

les fables ont une efficacité redoutable 

pour amener à la réflexion, à la prise 

de conscience, voire à l’action. La fable 

racontée dans le film « Le mal n’existe 

pas » du réalisateur japonais Ryūsuke 

Hamaguchi, est un enseignement. Elle 

est celle de notre époque, donne à 

voir le précipice dans lequel l’humanité 

se jette et guide vers les ressorts 

de notre salut. 

D’abord le précipice. Au milieu des majestueux 

mélèzes du Japon, dans un îlot de 

forêts, Takumi porte sa fille Hana sur le 

dos, lui fait deviner les noms d’arbres, 

ils hument l’air pur des montagnes et se 

laissent apprivoiser par la nature. Venus 

de la ville, des communicants rassemblent 

les villageois de cet îlot pour 

SUR LES ENFANTS COMME SUR 

LES ADULTES, LES FABLES ONT UNE 

EFFICACITÉ REDOUTABLE 

leur présenter un projet de camping glamour 

pour citadins en mal de vie sauvage. 

La mise en scène est celle d’un 

atelier d’écoute et de partage entre les 

porteurs d’un projet lucratif et les 

modestes gens de cette région reculée. 

D’un côté l’acuité et la pertinence des 

villageois : « La fosse septique telle que 

prévue dans votre projet va contaminer 

l’eau du village, le gout de notre soupe 

aux nouilles va changer, la capacité de 

traitement des eaux usées est prévue 

pour un remplissage du camping à 80% 

et si le camping est complet, comment 

l’eau sera traitée ? Le camping prévu est 

sur le passage des cerfs, vos clients 

risquent d’être en danger de mort si une 

biche est accompagnée de ses faons… 

». De l’autre, des communicants ignorants 

mais ébranlés, rappelés à l’ordre 

par leur employeur et homme d’affaires 

aguerri. Cette consultation des villageois 

est un exercice de façade, elle a deux 

finalités : montrer aux autorités que le 

Capital est à l’écoute des gens, et permettre 

à ces derniers d’exprimer leur 

frustration. Peut-on imaginer d’adapter 

ce projet de camping glamour à la lumière 

de cette consultation, projet auquel 

aucun villageois ne s’oppose franchement 

? Non, car derrière ce camping, il 

y a une subvention de l’État. Dernier 

échelon de ce système qui tourne dans 

le vide : censé réguler, protéger, développer, 

l’État voit en fait ses leviers d’incitations 

renforcer les puissants. 

Enfin notre salut. Retrouver le sens de 

la vie, qui n’est pas celui de l’argent, en 

se souvenant du mouvement de l’eau, 

qui s’écoulera toujours de haut en bas, 

tant qu’il y en a.●

BOXOFFICE - N° 02 / Juin-juillet 2024

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