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Dossier de presse
Translations
Expositions des oeuvres du Frac Midi-Pyrénées
et du Frac Aquitaine
Le Parvis
centre d’art contemporain Ibos et Pau
> Hybrides & Chimères IBOS
Oeuvres de la collection Les Abattoirs / Frac Midi-Pyrénées, Toulouse
Vernissage le 22 juillet à 19h au centre d’art
Dans le cadre du programme Fanstasmogoria le monde mythique
> Fantômes Domestiques PAU
Oeuvres du Frac - Collection Aquitaine, Bordeaux
Vernissage le 22 juillet à 17h au VidéoK.01
et présentation de la saison 2010-2011 du Parvis scène nationale
Expositions du 23 juillet au 29 octobre 2010
Art Orienté objet, Le Tout Autre, 2008. Agneau taxideermisé, acier inoxydable doré

Le projet
Profitant d’une implantation originale sur deux régions voisines, Le
Parvis centre d’art propose cet été deux expositions fondées sur une
sélection d’œuvres issues des FRAC Midi-Pyrénées et Aquitaine, territoires
auxquels il se rattache géographiquement.
Derrière l’intérêt que recèlent de telles collaborations, quelques questions
sous-tendent ce projet : Qu’est ce que collectionner ?
Comment exposer un patrimoine en devenir ? Pour quels territoires
et quels publics ? Quels regards ces deux institutions portent-elles sur
l’époque ?
On le sait, les FRAC ne sont pas les conservatoires d’œuvres figées
dans des usages révolus qu’ils promettaient d’être. Ceci dit, il semble
toujours contradictoire de vouloir associer ces deux termes «patrimoine»
et «art contemporain» quand l’un, justement, est considéré
comme une activité de préservation qui sacralise les œuvres et que
l’autre, à l’inverse, s’envisage comme une fabrique de prospectives
(et d’imaginaires) capables d’interroger les mutations et problématiques
de la vie contemporaine. Ainsi, l’art contemporain serait un art
vivant ou à vivre qui s’opposerait à sa propre conception historiciste
et conservatoire ?
Collectionner de l’art contemporain en réalité ne s’envisage pas
dans une telle dualité.
Au contraire, les fonds d’oeuvres se conçoivent aujourd’hui et de plus
en plus (de même que les formes de l’art) dans la contradiction, l’hétérogénéité
et l’opposition autant d’ailleurs que dans la cohérence
supposée des mouvements historiques ou des tendances artistiques.
Ce qui compte finalement pour toute collection c’est le contenu et
l’esprit des œuvres, l’intuition de la démarche artistique, l’énergie qui
anime la relation de l’artiste à l’objet créé, l’échange et l’exigence
mise à les restituer au regardeur et à les partager avec le monde
commun…
Au delà donc des ressemblances formelles, des territoires d’appartenance
ou des parentés historiques, ces deux expositions aux partis
pris artistiques si différents tentent de créer des espaces sensibles
et conviviaux, faisant de l’exposition un jeu entre réel et imaginaire
(Hybrides et Chimères à Ibos) pour l’une et un lieu vivant (Fantômes
Domestiques à Pau) pour l’autre.
Ainsi, nulle exposition des dernières acquisitions comme on s’y attend
souvent avec les projets de collection (les deux expositions favorisant
la relecture d’œuvres acquises depuis plusieurs années et de pièces
toutes récentes), ni d’exposition d’ensembles, de mouvements ou de
nationalités… tout juste admettrons nous le principe de thématiques
dans la mesure où les oeuvres n’illustrent pas un propos mais où ce
dernier s’enrichit des hypothèses qu’elles soulèvent, qu’elles soient
d’ailleurs perçues seules ou en écho les unes avec les autres.

Le FRAC Midi-Pyrénées, célèbre cette année
ses 10 années d’existence. Il est un FRAC «seconde
génération » organisé autour d’une collection
constituée d’œuvres souvent produites à
l’occasion des expositions menées dans l’institution.
Toutefois, la collection se base également
sur un patrimoine pré existant d’art moderne et
d’art contemporain, qu’il enrichit donc depuis
2000 avec une large ouverture sur la scène internationale
: avec des artistes internationaux
et confirmés comme AES, Maria Nordman, Atelier
Van Liehout, Yayoï Kusama, Wang Du… sur la
création française : Franck Scurti, Michel Blazy,
Bertrand Lamarche, artistes pour lesquels un ensemble
d’œuvres représentatives a été acquis,
sur la jeune création Myriam Méchita, Delphine
Gigoux-Martin, mais également la scène régionale
: Guillaume Pinard, Victoria Klotz, Nicolas
Primat…
Plusieurs thèmes sont privilégiés pour les acquisitions
et s’ajustent aux contenus des expositions
que le FRAC mène dans ses murs. Ainsi «l’organique»
: l’art et le vivant, «l’œuvre collective»
: l’art relationnel, «l’engagement de l’artiste» :
art et politique, «les poétiques urbaines» : l’art
et la cité, «les hybrides et chimères» : l’art entre
réel et imaginaire… sont les grandes pistes
artistiques qui bâtissent par leur singularité une
véritable identité pour le lieu.
> Le FRAC Aquitaine quant à lui existe depuis
1983. La particularité même de sa collection est
sans doute son éclectisme, la trace du passage
de plusieurs directions et de plusieurs époques.
Il privilégie dans un premier temps le médium
photographique, avec des œuvres remarquables
d’artistes comme : Diane Arbus, Henri Cartier-Bresson,
Larry Clark, Raymond Depardon, et
opère par la suite le redéploiement de ses acquisitions
vers un art international très reconnu,
avec des oeuvres de l’art conceptuel : Roman
Opalka, Joseph Kosuth, On Kawara, du Land Art
: Richard Long, Hamish Fulton, Denis Oppheim
et d’artistes notoires tels John Armleder, Katharina
Fritsch, Jeff Koons (artistes dont les prix atteignent
aujourd’hui sur le marché de l’art de véritables
fortunes et dont les oeuvres deviennent
par conséquent inaccessibles pour la plupart
des collections publiques françaises).
Quelques lignes fortes émergent également
de la collection, elles sont liées au design, à la
question de l’image, de la sculpture et de l’objet,
de l’intime, du corps….
Aujourd’hui, le fonds Aquitain se dirige vers la
grande hétérogénéité des arts plastiques et des
avancées les plus récentes de la pratique artistique
: comme la vidéo, le cinéma et les courtsmétrages
de fiction, les installations de grandes
dimensions tout en s’attachant à la jeune
création régionale (Sébastien Vonnier, Benoit
Maire…)
Magali Gentet
Translation est un trait d’union artistique initié
par Le Parvis Scène-Nationale entre les régions
Midi-Pyrénées et Aquitaine. L’art contemporain,
les arts de la scène et le cinéma sont les
disciplines partagées par ce programme inter
régional qui associe, sur la base de projets
communs, Le Parvis aux principales institutions
et associations culturelles du grand sud-ouest.
A noter que dans le cadre du programme d’expositions
Fantasmagoria, le monde mythique,
conçu pour les 10 des Abattoirs – Frac Midi-Pyrénées
, Le Parvis centre d’art d’Ibos accueille
l’exposition « Hybrides et Chimères » . Cette exposition
conçue en étroite collaboration avec
le FRAC Midi-Pyrénées inaugure un partenariat
renforcé entre les deux institutions.

A Ibos
Hybrides et Chimères
avec les oeuvres de : Art Orienté objet, Sophie Dubosc, Evru, Jan Fabre,
Siobhan Hapaska, Virginie Loze, Gillaume Pinard, Marianne Plo,
Todt, Fabien Vershaere...
Collection Les Abattoirs / Frac Midi-Pyrénées, Toulouse.
Les chimères, ces êtres fantastiques et hybrides liés à la
mythologie, apparaîtraient régulièrement et de préférence
à des moments de transformations profondes des
sociétés humaines.
Dans le langage courant, les chimères sont aussi des illusions
ou des projets irréalistes.
Aujourd’hui, l’hybride et le chimérique reviennent en
force sous la forme d’organismes génétiquement modifiés,
de même que sous les traits de nouvelles figurations
qui surgissent autant de la mémoire, que des métamorphoses
physiques et psychologiques du monde actuel.
Dans cet ensemble d’œuvres, ces nouvelles chimères
résultent de l’exploration de la lisière entre le réel et
l’imaginaire, à travers la fantasmagorie ( Virginie Loze,
Fabien Vershaere ), la fiction historique et politique (Siobhan
Hapaska, Todt ), le rêve, ou le mythe ( Art orienté
Objet, Thomas Grünfeld), voir les mutations de nos identités
corporelles et spirituelles (Evru, Primat).
Ces artistes nourrissent un axe fort de la collection des
Abattoirs / Frac Midi-Pyrénées : celui de l’imaginaire et
de ses modalités d’apparition. L’intérêt pour ces processus
recoupe des enjeux actuels cruciaux. Car si le
monde est bien ce que l’on en fait, matériellement et
physiquement, il reste au préalable déterminé par nos
images mentales. Dès lors la conscience et l’expérimentation
de ces domaines, en vue d’un renouvellement de
nos représentations, apparaissent comme autant d’urgentes
nécessités. Sans manquer, comme ici, d’exorciser
les « monstres de la raison».
Pascal Pique
Directeur pour l’art contemporian
Frac Midi-Pyrénées, les Abattoirs.
co commissaire de l’exposition

Oeuvres présentées dans l’exposition
Art Orienté objet, Le Tout Autre, 2008
Agneau taxidermisé, acier inoxydable doré
Entre art et science, éthologie et anthropologie, Art Orienté Objet expérimente différents
champs d’action dans l’étude de nos comportements à l’égard du vivant :
transgénie, réduction de la biodiversité, pandémies, mutations dues aux nouvelles
technologies... Le Tout Autre reprend l’image de l’agneau mystique et cristallise le
symbole universel de l’innocence, l’animal du sacrifice et le bouc-émissaire qui
permet aux sociétés humaines de pacifier sur la «peau» de l’animal.
Sophie Dubosc, Cheval d’arçon, 2007
Cheval d’arçon, chanvre
Sophie Dubosc active des formes ou des matériaux marqués par le temps. Ella patine
ainsi ses sculptures d’un authentique vernis de réalité touchant directement à
la mémoire et aux sentiments. Ses oeuvres prennent résolument le parti du souvenir
pour dresser le décor d’une délicate poétique.
Evru, Bureau de Flux Evrugo Mental State, 2008
Photographies
Evru se définit comme un «ArtCieMist», néologisme qui englobe les concepts d’artiste,
de scientifique et de mystique. C’est à la jonction de ces trois domaines qu’il
a établi «l’Etat mental d’Evru», territoire psychique et physique. Le Bureau de Flux
en est l’ambassade qui propose au visiteur de devenir citoyen et revêtir une nouvelle
identité grâce aux différents masques et vêtements mis à sa disposition. Invitation
à dépasser et à connaître ses propres frontières et laisser advenir d’autres
formes d’identités.
Jan Fabre, Stilife with artist, 2004
Paon naturalisé sur cercueil en bois intégralement recouvert d’ailes de scarabées
Metteur en scène, chorégraphe, écrivain, poète et plasticien, Jan Fabre travaille
à la lisière du réel et crée un univers fantastique souvent inspiré par le monde animal
et organique. Stilife with artist est un autoportrait constitué d’un cercueil-paon
recouvert de coléoptères qui semble célébrer un rite mortuaire mystérieux. Mais
au-delà du catafalque, synonyme d’enfouissement, se dessine la figure éclatante
et lumineuse de la renaissance. Jan Fabre propose une figure démiurgique et éternelle
de l’artiste.

Thomas Grünfeld, Misfit Ane/Coq, 1996
Taxidermie, corps d’âne avec tête de coq
L’oeuvre de Thomas Grünfeld relaye une interrogation sur la nature et l’art. Les Misfits
sont des animaux taxidermisés résultant d’une hybridation entre différentes espèces
ou familles. Ce travail est né d’une critique ironique de la Gemutlichkeit qui a produit
aussi bien la tradition des trophées de chasse que des cabinets d’amateurs du 18e
siècle. L’artiste instaure par là une dialectique entre réel et imaginaire qui prend une
tournure singulière à l’heure du clonage et des manipulations génétiques.
Siobhan Hapaska, Becoming cyclonic, 1996
Fibre de verre, fourure de différents animaux, agathe
Siobhan Hapaska joue du rapport contradictoire entre le naturel et l’artificiel au travers
de sculptures qu’elle considère comme de véritables êtres vivants, avec un passé
et un devenir. Toute son oeuvre semble provenir d’un futur indéterminé qui viendrait
prendre à revers nos conceptions de la civilisation. Becoming cyclonic incarne une
sorte d’animal proche du yack tibétain. Cette créature semble avoir régressé d’une
origine génétique hyper-tech en une machine de guerre barbare et primitive.
Virginie Loze, Mural pour film, séquence n°6, essai vidéo n°1, automne septembre
2005
Projection vidéo sur dessins, crayon noir, crayon de couleur et fusain sur papier
Les dessins de Virginie Loze sont peuplés de figures hybrides, personnages étranges
entre réel et imaginaire. Ces drôles de spectres alternent des expressions de tristesse
ou de béatitude, de passivité ou de colère. «Mes recherches m’amènent à travers
ces simulacres d’existences dessinées et filmées ,à évoquer certaines menaces qui
défient l’individu comme :l’atteinte à l’intégrité, le dérèglement psychique, la barbarie
et le rapport que j’entretiens avec ma liberté d’expression».
Guillaume Pinard, Hydrocéphalus, 2003
Vidéo
L’univers pictural de Guillaume Pinard est peuplé d’êtres monstrueux, outrageux, et
d’offenses contre des tabous sexuels et scientifiques. Plaçant sur un pied d’égalité
la culture de l’élite et la culture des masses, il hybride en quelque sorte les ténébreux
désirs d’un Marquis de Sade avec la clarté analytique d’un Emmanuel Kant.
Extrait du texte de Christoph Doswald, Des tests de rorschach pour con-con, in Catalogue de
l’exposition Chtong de Guillaume Pinard, capcMusée d’art contemporain de Bordeaux, du 21
mai au 31 août 2003.

Todt, Exurbia, 2007
Polyuréthane expansé, objets en plastique
Todt, collectif d’artistes américains, développe un art radical et exubérant qui
attaque les outrances de la surconsommation tout en dénoncant les effets
pervers de la normalisation des individus et de leur environnement physique ou
mental. Exurbia fait référence à ce qui existe au-delà de l’urbain (friches, échangeurs
d’autoroute, jachères) comme seuls espoirs d’espaces non contrôlés et
non anthropiques, propices au dévelopement d’espèces endémiques parfois
mutantes. Jardin d’Eden peuplé d’animaux mutants, de plantes bizarres et
d’une vie grouillante, Exurbia hybride littéralement nos conceptions de l’artificiel
et du naturel dans un paysage à la fois jubilatoire et caustique.
Fabien Verschraere, Black clown and mystery, 2004
Céramique, acrylique, socle bois
L’univers ludique, étrange et mystérieux de Fabien Verschaere est peuplé de
clowns, de diables, de machines à copuler, à enfanter... Son oeuvre grouille
comme la création humaine, dans une imagerie toute médiévale, convoquant
la culture populaire, la bande dessinée, le monde de l’enfance, l’inconscient et
la psychanalyse. Pour lui, le cirque, «le carnaval, la fête, c’est la métaphore de
la réunion entre le clown et la mort» qu’il cristallise dans sa démarche artistique à
l’instar de l’iconographie mexicaine qu’il admire tout particulièrement.
Mariane Plo, Les Hordes, 2007
L’oeuvre de Mariane Plo procède par assemblage de formes, de volumes et de
pratiques hétérogènes. «Mes dessins sont des collages inspirés de l’actualité, des
contes, des légendes et des icônes populaires afin de créer un jeu de coïncidences,
une mythologie personnelle. Les objets du monde juxtaposés offrent-ils une
lisibilité ? L’intention serait d’expérimenter des agencements, un tenir-ensemble
d’éléments hétérogènes, où se croisent de multiples récits que nous aurions à
décypter. Tenter de trouver un sens caché.»

Articles de presse
sélection
GALERIE ANTON WELLER ISABELLE SURET
La peau de l’autre
Exposition du 14 mars au 17 mai 2008
Le duo Art Orienté objet (Marion Laval-Jeantet &
Benoît Mangin) s’est engagé résolument, depuis
une quinzaine d’années, à réfléchir ou faire réfléchir
par leurs œuvres sur un sujet crucial :
la valeur des relations de l’homme et de son environnement,
le rôle qu’il y tient, la place qu’il a
voulu y prendre. Si la figure de l’animal est omniprésente
dans leur travail, ce n’est pas tant pour
illustrer sa condition souvent mise à mal, mais
parce qu’il représente à leurs yeux la figure exemplaire
de l’altérité, de l’Autre absolument.
Ces préoccupations sont exprimées dans le titre
donné à leur exposition à la galerie Anton Weller
La peau de l’autre.
Parce que l’environnement représente pour eux
un vaste champ d’expérimentation, et qu’ils possèdent
les outils des anthropologues, des éthologues
ou plus généralement des chercheurs, leur
travail interroge notre existence et en révèle les
contradictions. Ainsi ils n’ont pas peur d’expérimenter
eux-mêmes dans une nécessaire prise de
risque : ramasser des plumes d’oiseaux possiblement
contaminés par la grippe aviaire, tenter de
communiquer munis d’un casque à bois avec des
cerfs sauvages, recevoir du sang animal... bref
aller à la rencontre physique et émotionnelle de
ce tout- autre.
Ils absorbent le monde en posant la question de
l’empathie : voir l’Autre tant chez l’homme que
dans l’animal ou le végétal, se glisser dans sa
peau, afin de cerner les frontières de moins en
moins tangibles de ce qui nous définit en tant
qu’humains. Mais La peau de l’autre recèle également
des connotations nettement moins altruistes
et beaucoup plus guerrières : la peau de
l’autre, c’est aussi celle qu’on veut se faire.
Art Orienté objet
D’où naît une tension inquiétante entre des points
de vue contradictoires : la rencontre et l’empathie,
mais aussi le désir de dominer, de détruire.
Dans l’installation Le tout Autre, un agneau taxidermisé
est transpercé par des tiges d’acier dorées,
sur lesquelles il repose. Symbole universel
de l’innocence, il est aussi animal du sacrifice,
c’est-à-dire métaphore et substitut au sacrifice
humain. Il représente autant le bouc émissaire
dont parle René Girard (La violence et le sacré)
que l’agneau mystique de Jan Van Eyck dont il
reprend la position exacte. Ainsi il est exutoire social,
mais encore cristallisation cathartique, qui
permet aux sociétés humaines de pacifier sur sa
« peau ».
L’installation qui lui fait face, La Machine à méditer
sur le sort des oiseaux migrateurs, est un chaise
interactive dont les ailes composées de plumes
d’oiseaux migrateurs récupérées en période de
grippe aviaire, se replient sur le visiteur au moment
où, méditatif, il relâche son corps.
D’emblée, la chaise évoque un baiser de l’ange,
et donc la protection ; mais elle induit aussi un
trouble lié à sa dimension animale autant qu’à
la peur du virus actuel. Cette œuvre fait partie
du projet Paran’home, une série de pièces à habiter
visant à guérir les inquiétudes du quotidien
contemporain.
Les nouvelles installations proposées à la galerie
Anton Weller sont d’abord des appels à reconsidérer
la place de l’Autre, à l’éprouver physiquement,
avec un parti-pris écologique manifeste.
Elles sont autant d’éléments qui nous renvoient
à la dualité humaine, où le germe de violence et
de destruction semble ineffaçable. Et de façon inquiétante,
l’autre à soi-même devient l’autre soimême.

T h o m a s
Grünfeld
Alchimie
Le propos de l’exposition
est d’offrir
au public un moment
de magie, un instant
hors de la réalité
quotidienne, une
plongée sensorielle
dans l’univers
étrange et labyrinthique
de l’alchimie
et de la mode.
L’alchimie est symbole
de mystère.
Elle recherche la
Pierre Philosophale,
la Poudre de Projection,
qui l’aidera à
transformer le plomb
en or. Elle est en
quête de l’Elixir de
Longue Vie et cherche
par tous les moyens
à purifier l’homme
pour mieux comprendre
l’Ame du monde.
L’alchimie est une
parfaite allégorie
de la mode car,
comme la mode, elle
entretient une relation
complexe avec
le temps dont elle
cherche à s’assurer
la maîtrise.
D’une part, elle vise
par l’expérience à
accélérer le cours du
temps pour reproduire
dans l’alambic,
des processus naturels
qui s’étalent
sur des millénaires
; d’autre part, elle
essaie au contraire,
de retarder les effets
du temps pour
conserver à l’homme
sa santé et sa jeunesse.
La mode œuvre
dans le même sens
: sans cesse, elle
métamorphose l’insignifiante
matière
brute en créations
somptueuses qui subliment
la beauté
humaine.... Comme
par magie, elle nous
change, elle nous
transforme d’une saison
à l’autre. Elle
règne sur les apparences,
et bien plus
qu’on ne le croit,
sur ce que nous prétendons
être. Inlassablement,
la mode
renouvelle notre
image pour nous donner
l’illusion d’une
éternelle jeunesse
et déjouer ainsi
l’emprise du temps…
Enfin, mode et alchimie
ont encore un
point commun : toutes
deux demeurent
mystérieuses pour le
profane. Pour mieux
préserver leurs secrets,
elles se dissimulent
derrière un
langage ou des codes
ésotériques.
De cette alchimie
mystérieuse et fascinante,
cette exposition
retiendra,
l’idée d’une quête
initiatique et d’une
très forte relation
au temps, mais également,
tous les
processus de correspondances,
de
transformations ou
de transmutations.
Cette manifestation
pluridisciplinaire
prendra la forme d’un
labyrinthe initiatique
dont les méandres,
comme autant
d’expériences que le
visiteur aura à accomplir,présenteront
les arcanes de
la création contemporaine…
Catherine Ormen, février
2003.

Guillaume Pinard
Un projet avant tout lié à l’espace, à la fois mental, et physique, celui-là même de
la galerie.
Des dessins comme possibilité de fiction, avec un sol de mots, de lettres, un sousbois
et un arrière-plan.
Les surfaces, murs, écrans, feuilles, servent de support, ou de cloisons.
Un personnage est enfermé, humain, mouche, chimère, se débat dans ses pulsions,
dans son cadre.
Une feuille pas toujours blanche, souvent striée, pliée en son milieu, des copies
doubles que l’on pourrait ouvrir, refermer, ouvrir, comme une porte agaçante qui
bat toujours.
Espace limite, quadrillé, cellulaire, qui peut se déformer vers un mur, en une
fresque, en une boucle animée et projetée.
Traits au bord du cri, de la saturation, dans leur figuration sourde, son qui apparaît
dans ces films où les images se meuvent dans un champ minimal.
Bruits comme l’amplification du dedans, de l’obsession, de la répétition du geste,
de la séquence, du fantasme, où le temps, le corps, tournent à l’intérieur de l’espace,
de pièces en pièces, d’acte en acte, comme une convulsion, ou une danse.
Petits films aiguisés où une situation s’enroule sur elle-même, comme un arrêt
sur image, dans la secousse qui la tient en une cruelle claustrophobie.
Figures, monstres, gestes anticipés en des rêves in extremis, où se débattent des
apparitions logées sous un bail temporaire.
Ce seuil même, comme le décrit Guillaume Pinard, “dont on ne se sent pas propriétaire,
qui ne nous relie pas, mais qui pourtant comme un socle nous fonde”.
Félicia Atkinson

PARIS ART.COM
Sophie Dubosc
Prolongation
04 avril-09 mai 2009
Galerie Chez Valentin
Dans Prolongation, Sophie Dubosc imagine un espace étrange, quelque part entre une Renaissance
sous la poussière et un Surreálisme mortifère. Magritte n’est pas très loin et au
milieu du gué, le spectateur aux prises avec les apparences.
On entre dans une clairière certainement oublieé, à l’abri des regards et de l’agitation.
Au centre, un bassin circulaire à l’ourlet geńéreux un peu désuet, comme le vieux souvenir
suspendu d’une ordonnance classique (Bassin, 2009). A proximité du plan d’eau, des
morceaux de corps en attente, postés contre les murs ou étendus sur le sol (Figures et
Couple, 2009).
Ce ne sont que des jambes et des bras, enlacés ou emboîtés, aussi diaphanes que l’espace
dans lequel ils se trouvent, blanchis et jaunis par l’effet de cire, aussi laiteux que le liquide
en stagnation dans le bassin.
Rien ne vient perturber ce tableau, pas même un léger clapotis. Rien si ce n’est cette
suspicion traînante, la gêne de deámbuler au milieu des monstres, la peur de rompre la
glace de cette bulle polaire figeé dans un équilibre de formes inertes. La seule issue ressemble
aux souricières aligneés dans le fond de l’espace (Niches, 2009), une ećhappatoire
à considérer plutôt comme de petits goulots d’étranglement.
On connaissait Sophie Dubosc pour ses objets à la croiseé des chemins, un pas dans le reél
un autre dans une saisissante torpeur onirique, mimant à chaque installation l’inquiétante
étrangeté freudienne. Pour sa première exposition personnelle Chez Valentin, elle invente
une espèce d’enclave surreáliste qui tient de la rigueur architecturale d’un Chirico ou du
morcellement disparate d’un Tanguy. C’est pourtant vers René Magritte qu’elle se tourne.
Et prećisément vers un tableau du maître, L’Entr’acte reálisé en 1927. Il y montrait les
mêmes corps morcelés en attente derrière un rideau que l’un des organes s’apprêtait à
ouvrir, dévoilant un curieux paysage de montagne alveóleé.
Même mise en scène au cordeau, même dramaturgie du moment, même paysage avant
la rupture: Sophie Dubosc déplace dans la sculpture ce que Magritte composait en peinture.
Le calme avant l’orage, les indices dispersés dans les quatre coins de l’installation/
tableau. Et le spectateur laissé au milieu du gué, remplissant le vide et conjuguant ses
déplacements avec le règne mortifère de la scène. Le silence des «mannequins», leur
attente infinie face à nos pas de vivants, ce monde trouble, asexué et poussiéreux face à
notre indétermination laĉhe. Regarder, hésiter, toucher et tenter de s’éloigner.
Un theá̂tre des apparences et des illusions donc, que Magritte représentait par un rideau
et que Sophie Dubosc matérialise par un mur faisant obstacle (Couloir, 2009). Sauf
qu’avec elle, une fois passé le mur, le spectateur fait corps avec la scène. La magie de Sophie
Dubosc opère à cet instant, quand il s’y sent totalement emprisonné.

Curriculum Vitae
Sélection
• Art Orienté objet
Art orienté objet est un duo artistique
français créé en 1991 par Marion Laval-Jeantet
et Benoît Mangin. Ils vivent
et travaillent à Paris.
www.artorienteobjet.com
Expositions personnelles
2010
Niward-Darwin, Muzz Space, Kyoto,
Japon
May the horse live in me, galerie Kapelica,
Ljubjana, Slovénie
2009
La peau de l’autre, galerie Anton Weller,
Paris
Expositions collectives
2009
Le jour d’avant, La Tôlerie, espace d’art
contemporain, Clermont-Ferrand
Sk-Interfaces, Casino, Luxembourg
Genipulation, centre PasquArt, Kunsthalle
de Bienne, Suisse
• Sophie Dubosc
Sophie Dubosc est née en 1974 à Paris.
Elle vit et travaille à Château-Thierry et
Paris.
Expositions personnelles
2008
Adieu Berthe, Lab - Labanque, Béthune,
France
2006
Cul-de-sac La Générale, Paris, France
Expositions collectives
2008
Antidote 04, Galerie des Galeries, Galeries
Lafayette, France
The Waste Land, Caravan , Berlin, Allemagne
4 artistes, Galerie Chez Valentin, Paris,
France
• Evru
Alberto Porta Munoz dit Evru est né en
1946 à Barcelone. Il vit et travaille à
Barcelone. Connu sous le nom d’Evru
depuis 2001 qui s’est substitué à celui
de Zush porté par l’artiste depuis 1968.
www.evru.org
Expositions personnelles
2007
De Zush a Evru, Retrospective, Shanghai
DuoLun Museum of Modern Art,
Shanghai
Today Art Museum, Beijing
2006
Evru, Oficina de Flujos, Galería Fernando
Latorre, Madrid
Expositions collectives
2007
Fondation Maeght, Saint Paul de Vence
Faites le vous-mêmes, Palais de Tokyo,
Paris
VisualKulture.Cat. Museum für Angewandte
Kunst, Frankfurt
• Jan Fabre
Jan Fabre est né en 1958 à Anvers. Il vit
et travaille à Anvers. L’artiste plasticien
Jan Fabre a pour « manager » Angelos
BVBA.
Expositions personnelles
2008
Jan Fabre, l’Ange de la métamorphose,
Musée du Louvre, Paris
2003
Umbraculum, Kunstnernes Hus, Oslo
Sanguis/Mantis, Galerie Daniel Templon,
Paris
Expositions collectives
2003
2003 Beaufort, Triënnale voor hedendaagse
kunst aan zee.
2001
The Body and Sin, 1st Biennial of Valencia,
Valence
Collections d’artistes, Collection Lambert
Avignon,
Egofugal/Egokaç, 7th International Istanbul
Biennial, Istanbul
• Thomas Grünfeld
Thomas Grünfeld est né en 1956 à
Opladen en Allemagne. Il vit et travaille
à Cologne.
Thomas Grünfeld est représenté en
France par la galerie Jousse Entreprise,
Paris.
Expositions personnelles
2009
Salon, Jousse Entreprise, Paris
2008
Heimspiel, McBride Fine Art, Antwerpen
Thébaïde, Galerie Michael Janssen,
Berlin
Expositions collectives
2008
Genesis - die Kunst der Schöpfung,
Zentrum Paul Klee, Bern
Expedition ins Tierreich, Sprengel Museum,
Hannover
Länderspiel, MMKK Museum für Moderne
Kunst, Klagenfurt
•
Siobhan Hapaska
Siobhan Hapaska est née en 1963 à
Belfast. Elle vit et travaille à Londres.
Siobhan Hapaska est représentée par
la galerie Tania Bonakdar Gallery, New
York.
Expositions personnelles
2007
Camden Art Centre, London
Tanya Bonakdar Gallery, New York
2004
Playa de Los Intranquilos, Pier Trust,
London
Expositions collectives
2008
Neo Futur – ver de nouveaux imaginaires,
les Abattoirs, Musee
d’art moderne at contemporain, Toulouse
Micro-narratives: tentation des petites
realités, Muséed’ArtModerne, Saint
Etienne
2005
Configured, Tanya Bonakdar Gallery,
New York

• Virginie Loze
Virginie Loze est née en 1964 à Toulouse.
Elle vit et travaille à Caraman à
côté de Toulouse.
Expositions personnelles
2008
Musée Goya, Castres
Le LAIT, Albi
2007
Ecole Supérieur d’Art de de Communication,
Pau
Expositions collectives
2010
10 ans des collections Un musée, un
FRAC , Les Abattoirs, Toulouse
2007
Absolumental, les Abattoirs, Musee
d’art moderne at contemporain,
Toulouse
• Guillaume Pinard
Guillaume Pinard est né en 1971 à
Nantes. Il vit et travaille à Toulouse.
Il est représenté par la galerie Anne
Barrault, Paris.
Expositions personnelles
2007
Très chère Anne, Galerie Anne Barrault,
Paris
2006
Provisional end, Galerie Vera Gliem,
Cologne
2005
Expresso, team gallery, New York,
Expositions collectives
2006
Grandes vacances, Galerie Anne
Barrault, Paris
Nouvelles fabriques d’images et de
sons, Frac Limousin
Until it makes sense, Galerie Thaddaeus
Ropac, Paris
• Marianne Plo
Marianne Plo est née en 1977, elle vit
et travaille à Toulouse. http://marianneplo.com.
Expositions personnelles
2008
Projet 1% artistique Lycée Toulouse-
Lautrec, Toulouse
2006
Lassie performance, Acces(s), Pau
Les Millions ALaPlage, Toulouse Expositions
collectives
2010
Fantasmagoria, le monde mythique,
Fiac
2008
Versant animal Centre d’art Le Lait,
Castres 2007
Le Printemps de septembre, Toulouse
• Todt
Todt est un collectif d’artistes américains
installé à New-York et en
Pennsilvanie. Todt est représenté par
la Fleischer Ollman Gallery, Philadelphie.
USA
http://todt.us.
Expositions personnelles et collectives
2008
Apocalyptic Pop, Dorsky Gallery
As IF at Area 919 Gallery
2007
Todt After Next Fleisher, Ollman Gallery,
Philadelphia
Expositions collectives
2009
Designing Intelligence ?, - Schmidt
Center Gallery & Ritter Art Gallery,
Boca Raton
2008
NéoFutur - vers de nouveaux imaginaires
- les Abattoirs de Toulouse,
Toulouse.
•
Fabien Verschraere
Fabien Verschraere est né en 1975
à Paris. Il vit et travaille à Paris. Il est
représenté par la Galerie Louise
Alexander, Paris.
Expositions personnelles
2007
Babe I’m On Fire, Parker’s Box, New
York
After Seven remix, Baltic, Center for
Contemporary Art, NewcastleGateshead,
United Kingdom
Seven Days Hotel, Musée d’art
contemporain, Lyon
Expositions collectives
2009
La Force de l’Art 02, Le Grand-palais,
Paris
2008
The Florence and Daniel Guerlain collection:
selected drawings, Services
Culturels de l’Ambassade de France
à New York, USA
Animations fictions - oeuvres de la
collection du FNAC, MNAC, Bucarest,
Romania (cur. R.Balaci)
Du dessin à l’animation du dess(e)in,
Centre Wallonie-Bruxelles, Paris

A Pau
Fantômes Domestiques
Artistes présentés : Elisabeth Ballet, Enna Chaton, Katharina Fritsch,
Joachim Mogarra, Pierre Molinier, Juan Munoz, Cindy Sherman,
Nathalie Talec, Jan Vercruysse...
Oeuvres du Frac - Collection Aquitaine, Bordeaux.
Exposition au VidéoK.01 et dans l’Espace des rencontres littéraires au Parvis à Pau.
L’exposition « Fantômes Domestiques » est née de l’envie de s’introduire
dans la réalité un peu «kitsch» de l’espace d’exposition de Pau, en en
détournant l’usage et le sens pour y proposer des situations de vies décalées,
poétiques et parfois humoristiques.
Parmi les œuvres acquises par la collection du FRAC Aquitaine, beaucoup
relèvent d’une certaine forme de domesticité, utilisant des éléments
visuels issus du décor, combinant des formes du quotidien, mêlant
vases, tables, réfrigérateurs, miroirs ou cheminées (Joachim Mogarra,
Elisabeth Ballet, Nathalie Talec, Jan Vercruysse) sans pour autant exactement
s’attacher à l’exercice du design. Surréalisantes (Juan Munoz,
Pierre Molinier), parfois minimales (Jan Vercruysse), maquillées de couleurs
vives pour d’autres (Katharina Fritsch, Elisabeth Ballet), les oeuvres
s’emparent de l’histoire du goût, de l’art et du lieu lui-même auquel elles
proposent un scénario fictif qui oscille entre l’étrangement familier et le
tout à fait anormal.
Certaines œuvres conjuguent par exemple les contraintes , les techniques,
et l’esthétique des arts décoratifs ou du design (Nathalie Talec) ;
d’autres s’attaquent aux objets du quotidien qu’elles déforment jusqu’à
leur conférer un aspect abstrait qui en détourne les perspectives d’usages
(Eisabeth Ballet). Certaines enfin, proposent ni plus, ni moins, de redéfinir
l’histoire de la sculpture et de la peinture depuis leurs origines
(Katarina Fritsch, Jan Vercruysse, Joachim Mogarra).
Chaque œuvre en fait investit métaphoriquement l’espace d’exposition
et offre des possibilités narratives suggérant une présence humaine
impalpable, une histoire invisible, propice à l’imaginaire. Une scène de
vie, le souvenir d’une présence sont inventés dans ce lieu qui de fait
est presque « habité». Et ce sont les photographies de Pierre Molinier et
Chindy Sherman qui matérialisent cette présence chimérique, de même
que la vidéo d’Enna Chaton dans laquelle le corps devient le lieu où
se concentrent les interrogations existentielles permettant l’expression
d’une mythologie individuelle.
Magali Gentet

Oeuvres présentées dans l’exposition
Cindy Sherman, Untitled n°110, 1982
Photographie couleur, 112,3 x 75,5 cm
Le travestissement, l’auto-mise en scène sont les principales composantes du travail
de Cindy Sherman. Empruntés à la filmographie du néoréalisme italien, aux faits divers,
à l’histoire de l’art, ou au quotidien, ses personnages habitent un univers dans
lequel le désir, la peur, la mort, la perversion et la séduction occupent une place
prépondérante.
Untitled n°110 correspond à une période où l’artiste travaille avec la couleur. Dans
cette photographie, les limites rapprochées de l’arrière-plan confèrent au personnage
une présence énigmatique, renforcée par des ombres inquiétantes.
Enna Chaton, Passages, 2005
vidéos, 17’21’’
Enna Chaton utilise l’image, fixe ou en mouvement, pour mettre en scène des corps
nus, d’hommes et de femmes de tous âges, modèles non professionnels, parents,
amis, inconnus, dans différents espaces domestiques ou dans toute sorte de paysages.
Dans la vidéo Passages, des plans panoramiques de durées inégales se succèdent.
La caméra se déplace lentement, horizontalement, à l’intérieur de ce qu’on
suppose être les appartements des gens qui s’y trouvent, immobiles, nus, assis ou
debout. Ils sont simplement là, seuls ou en groupe. Il y a dans ce travail quelque
chose de la nature morte ou de l’album de famille, où l’intense présence iconique
des personnages semble nous parler de mémoire, comme de l’origine du monde.
Katharina Fritsch, Bilder, 1990
Détrempe sur bois, feuille de métal et vernis
140 x 500 x 8,5 cm
Les profondeurs de l’inconscient individuel et des mythes collectifs (légendes, contes,
religions, superstitions, phobies) inspirent les installations de Katharina Fritsch. Mais ses
oeuvres, par leur facture industrielle, neutralisent toute tentative d’expressionnisme
directe. Bilder (qui se traduit littéralement par « images/tableaux ») semble relever a
priori de la sculpture. Mais ces trois plans monochromes, cernés chacun d’un cadre
épais de couleur métallisée, simulent des tableaux dont on peut aussi bien penser
qu’il s’agit d’embrasures de fenêtre interrogent aussi la peinture.

Joachim Mogarra, Bouquet perpétuel, 1988
Fleurs coupées, vase, eau et présentoir. Dimensions variables
Les photographies noir & blanc de Joachim Mogarra instaurent un jeu cocasse
d’échos entre des évenements sublimes de l’histoire de l’humanité et leur représentation
par des moyens de fortune. Le Bouquet perpétuel, composé de fleurs
naturelles qu’il convient d’entretenir et changer lorsqu’elles sont fanées, se présente
comme une offrande de l’artiste aux visiteurs - «le geste artistique est un
engagement de tous les jours» - et la marque d’une profonde attention, celle
qu’apporte, chaque jour la personne en charge de son entretien au centre d’art.
Joachim Mogarra réussit ainsi, de manière paradoxale, à proposer un art sans
oeuvre.
Pierre Molinier, Pierre Molinier fétiché, 1970-1976
Photographie noir et blanc
La photographie constituait pour Pierre Molinier un instrument d’analyse de soi,
au sens d’auto-mise en scène et de catharsis. Dans un rituel de représentation
narcissique, Pierre Molinier s’employa à donner forme à ses fantasmes sexuels,
à caresser ses désirs dans le sens d’une perversion sublimée, où plaisir solitaire et
quête d’un idéal de soi devaient aboutir à la perfection de l’image. Transfiguration
esthétique du plaisir interdit par le regard de l’autre ou le reflet des miroirs,
la scène photographiée parvient à cette sublimation par un patient travail de
retouches, de reprises et de montages.
Juan Muñoz, Balcón/nes, 1986
Fer et néon
La sculpture de Juan Muñoz s’emploie à détourner le réel pour repenser l’image
de l’homme. Des fragments d’éléments architecturaux ou de mobilier (balcons
en fer, minarets, tours, mains courantes, tables, chaises...) se confrontent à des
éléments étranges ou inquiétants (sols en marqueterie illusionniste, mannequins...)
chargés de perturber le regard et la compréhension de la scène. Balcón/nes se
constitue d’un balcon en fer soudé accroché en hauteur à côté d’un néon reproduisant
le mot « HOTEL », lisible à l’envers. Le balcon constitue pour l’artiste une
métaphore de l’espace habité depuis lequel on peut contempler ou se montrer.
Le spectateur se retrouve pourtant face à cet élément architectural, vide de
toute présence humaine.
Elisabeth Ballet, Fabrique II, 1999
Bois peint, 115 x 188 x 151 cm
Selon des principes formels rigoureux qui découlent d’une géométrie pensée
avant d’être dessinée, le travail d’Elisabeth Ballet présente une apparence ambigüe,
comme une épure d’architecture. Fabrique II est une sculpture dense et
dynamique, composée de quatre modules de même longueur mais de hauteurs
dégressives qui, se chevauchant, définissent un carré central vide. L’architecture
générale de la pièce (ressemblance avec des étagères, couleur, titre) confère à
l’oeuvre une lecture double permettant un rapport évident avec un objet utilitaire,
tout en affirmant son caractère inutile (sculpture).

Nathalie Talec, Paroles gelées, 1997
Réfrigérateur, moniteur et bande vidéo, bassine, goutte-à-goutte, eau, 130 x 120 x 80 cm
Nathalie Talec s’attache à représenter différentes réalités physiques apparemment
irreprésentables, comme le froid, le gel, la condensation. Emblématique de
cette pratique, Paroles gelées confirme l’intérêt de l’artiste pour la représentation
du froid et de ses effets. L’oeuvre est constituée d’un réfrigérateur dans lequel
est placé un moniteur qui diffuse une vidéo en boucle. On y voit un écran givré
derrière lequel une femme apparaît de plus en plus nettement en chantonnant «
Cry me a river ». Au fond du réfrigérateur, un dispositif de goutte-à-goutte remplit
un récipient placé sous le moniteur. « Il y a d’abord comme une intuition, dit l’artiste,
celle de ‘‘faire fondre’’ du Verbe dans un réfrigérateur, puis, petit à petit, j’ai
éprouvé la nécessité ‘‘d’en rajouter’’. Ici, un moniteur vidéo - placé à l’endroit de
la glacière - puis un simple système de goutte-à-goutte. »
Jan Vercruysse, Atopies (XI), 1986
Bois, placage d’acajou, miroirs, 238 x 322 x 35 cm (4 éléments)
Le travail de Jan Vercruysse renvoie à l’idée d’absence, de fuite ou de vide. La
série de sculptures Atopies utilisent un répertoire d’éléments neutres, lisses, empruntés
à l’architecture, au mobilier (panneaux verticaux, cadres, cheminées, miroirs
découpés) éclatés sur l’espace d’un mur, niant ainsi toute perception de la
perspective. Devant ces découpes ou fragments d’un monde qui n’existe pas,
le regard se perd dans des surfaces réfléchissantes ou se trouve confronté à des
plans opaques, à des volumes obtus. Atopie signifie « qui n’a pas de lieu ». C’est
un « non-lieu » ou un simulacre d’une portion du réel que propose l’artiste dans
cette composition austère et monumentale. Elle fonctionne comme une parodie
d’espace habitable dans lequel le spectateur ne peut pénétrer. Dépourvue de
toute temporalité, l’oeuvre renvoie à son propre espace et à son propre vide.

Articles de presse
Sélection
Pierre Molinier,
le chaman pornographe
«Pierre Molinier», texte de Jean-Luc Mercié
Troublant Pierre Molinier, figure underground
révérée de l’art moderne et
contemporain, travesti d’appartement
né avec le siècle et disparu en 1976 d’un
coup de revolver dans la bouche, après
avoir rédigé son testament et légué à un
ami « éperon d’amour, fausses cuisses
avec godemiché, masque avec dentelles,
une paire de chaussures, quelques photos
correspondantes, la petite poupée ».
Un inventaire qui pourrait grossièrement
résumer le vocabulaire iconographique
d’un photographe qui se disait peintre,
et dont l’œuvre, célébrée en son temps
par André Breton, est somptueusement
exposée dans un ouvrage monumental
co-édité par la galerie Kamel Mennour
et les Presses du réel. Dans un long texte,
l’éditeur et essayiste Jean-Luc Mercié y
explique l’alchimie du travail méticuleux
de travestissement du corps, mais aussi
de montage d’images et de fabrication
d’une identité vécue dans le plaisir, très
réel, de l’image de soi.
Molinier, vers 1950, meurt à lui-même.
Son épouse vient de le quitter, lasse de
sa sexualité fétichiste et pour le moins
débridée... Dans son appartement de la
bourgeoise Bordeaux, Molinier débute
alors, à côté de la peinture qu’il n’abandonnera
jamais, son œuvre de « chaman
», comme il se nomme, intercesseur entre
l’ici-bas souillé et l’au-delà chimérique.
Il se photographie, la poire à la main, bas
résilles jusqu’en haut des cuisses, perché
sur des talons vertigineux qu’il fabrique
lui-même.
Masqué, corseté, ganté ou menotté, parfois
accompagné de sa « Poupée », Molinier
prend son pied devant l’objectif, un
sourire sardonique sur les lèvres.
Âmes sensibles s’abstenir, ici on est bien
dans le domaine de la pornographie.
Assumée, poussée à l’extrême, et surtout
esthétisée au point que certaines de
ces images sont d’incontestables chefsd’œuvre,
travaillés à l’extrême par leur
auteur : clair-obscur savant, aspect charbonneux
qui évoque la photographie pictorialiste
de la fin du XIXe siècle, rajouts
ou estompages soignés (notamment des
sexes), prise de vue à travers de la dentelle,
orbe ombrée évoquant le trou de
serrure ou l’auréole divine... En bon fétichiste,
Pierre Molinier ne laissait rien au
hasard. Son œuvre, qui circula d’abord
sous le manteau, est aujourd’hui en pleine
lumière, et brille d’un éclat noir.
Pierre Molinier, texte de Jean-Luc Mercié, conception artistique d’Adrien Sina,
co-édition galerie Kamel Mennour, Paris, et Les Presses du réel, Dijon, 2010.

JAN VERCRUYSSE
Places [Lost]
En 2005, Jan Vercruysse initiait un nouveau
groupe d’oeuvres, nommé Places (Lieux).
L’artiste situait les oeuvres Places vis-à-vis
par la phrase “le brouillard obscurcissait ...”
(par exemple, “le brouillard obscurcissait
... Palermo”). A travers cette manoeuvre
réflective, l’attention initiale pour la mémoire
d’un lieu réellement existant, peut être guidée
vers une compréhension de “l’existence” des
oeuvres Places: elles sont leur propre lieu.
les oeuvres précédentes, Tombeaux, en se
basant sur l’idée et la pratique de mémoire.
Les oeuvres que Jan Vercruysse expose maintenant,
font partie d’une nouvelle série: Places
[Lost].
Alors que les Tombeaux sont des lieux pour Comment entamer une première introduction,
la mémoire—vides, par définition pleins de la une narration sur ces nouvelles oeuvres?
faculté de mémoire, les Places sont des lieux Un ensemble limité d’objets sélectionnés
de mémoire—plus concluantes, concentrant constitue la base des compositions des
des “significations”, des choses “qui se sont oeuvres: quelques caisses à vin en bois–de
passées”, des tranches de vies. Elles permet- différentes formes et dimensions, deux palettent
et soutiennent une “plénitude”.
tes en bois et une paire de queues de billard.
Ces objets sont des artéfacts, des objets
Un premier groupe d’oeuvres, Places (I)— façonnés, et ont servi un but précis; ils ont une
dont l’image réfère aux ex–voto—est consti- histoire “humaine”.
tué des mains des cinq cartes du jeu de poker. Alors qu’une seule caisse à vin, une seule pa-
Les configurations sont installées en usant les lette, une seule paire de queues de billard ne
quatre “couleurs” du jeu de cartes— pique, seraient que ça, c’est dans leur combinai-
coeur, carreau et trèfle—et faites de fines son—leurs compositions—que ces objets
tôles d’acier rouillé ou paint.
“transcendent” leurs caractères physiques
Un deuxième groupe d’oeuvres, Places (II), est primaires: ils deviennent les traces, les restes
basé sur l’image de plaques commémoratives, d’un voyage, les gardiens silencieux de “tran-
souvent incrustées dans le sol des églises ches de vie”.
ou trouvées sur des sites archéologiques, et A fin de renforcer la distance avec ces
dans lesquelles les inscriptions traditionelles caractères primaires, les artéfacts originaux
ont été remplacées par les formes des quatre sont coulés en bronze; ces bronzes sont en-
couleurs du jeu de cartes, découpées dans des suite paints d’une couleur blanche plâtreuse,
épaisses tôles d’acier cor–ten rouillées. ou parfois patinés à la manière classique. Tan-
Ces oeuvres se focalisent sur la façon de définir dis que les Places [Lost] acquièrent une qua-
un espace / lieu par le biais d’éléments purelité sculpturale—en fait, ce sont même des
ment visuels et de stratégies (rhétoriques).
Les Places (III) contiennent du texte. Les
sculptures—elles sont leur propre lieu.
caractères de l’alphabet romain sont transcrits
dans un nouvel alphabet, en usant un
système de permutation avec les quatre formes
(couleurs) du jeu de cartes.
Dans une première série d’oeuvres, les textes
dénotent un contenu plutôt poétique ou philosophique
(comme le formulerait un artiste)—
sans aucune référence à un “lieu” existant.
Dans une deuxième série, Places (III.8)—
dont les formes qui constituent le text, sont
découpées dans des plaques en marbre—
apparaîssent des noms de lieux “réels”, cha-
Galerie Xavier Huflens
6–8 rue Saint-Georges Brussel 1050 Bruxelles t 32 (0)2 639 67 30 f
32 (0)2 639 67 38 info@xavierhuflens.com www.xavierhuflens.com
cun de ces noms étant à chaque fois précédé

Juan Munoz
Juan Munoz s’est distingué très tôt par sa capacité à créer
des formes résolument modernes tout en s’appuyant sur
l’héritage de l’art ancien, le vocabulaire baroque notamment.
En quelques années, il a mis en place un univers totalement
original, synthèse de ses influences du surréalisme, de son
goût des mises en scène étranges, et de son désir de traiter
de la condition humaine à travers des métaphores très suggestives.
Nourri de culture espagnole, sensible à la littérature et au
cinéma anglo-américain, il fut l’un des premiers sculpteurs
au début des années 1980, à renouer avec le langage de
la figuration et à placer la narration au coeur de sa démarche.
Une sélection réduite mais significative de sculptures permet
de suivre le parcours de l’artiste, de ses premières réalisations
marquantes comme Ventriloque regardant un intérieur
double, 1988, jusqu’à Conversation Piece, 1996. D’autres
oeuvres avec une seule figure, laissent deviner quelques
unes des références de l’artiste (Vélasquez, Goya, Boromini,
Bunuel...) et illustrent sa vision d’une humanité tour à tour
prisonnière de son corps ou de ses rêves.
Les oeuvres sur papier présentées, proviennent pour l’essentiel
de l’atelier de l’artiste et permettent de mesurer le lien
profond qui unit sculpture et dessin.
Juan Munoz pensait en dessinant. Le trait est sûr, incisif, mais
il peut aussi se faire délicat, voir suave, avec l’emploi notamment
de la craie grasse. Cette sélection éclaire les différents
aspects de son oeuvre graphique, des dessins préparatoires
pour des sculptures aux feuilles plus autonomes,
comme une suite de 13 dessins concus en relation avec une
nouvelle de Joseph Conrad. Cet ensemble offre la possibilité
de découvrir un remarquable dessinateur.
Musée de Grenoble, 5 place de Lavalette - 38000 Grenoble.
Ouvert tous les jours, sauf le mardi de 10h à 18h30.

Curriculum Vitae
Sélection
• Elisabeth Ballet
Elisabeth Ballet est née en 1957 à Cherbourg. Vit et travaille
à Paris.
Elisabeth Ballet est représentée par la galerie cent8, Paris.
Expositions personnelles
2008
Lazy Days, galerie serge le borgne, Paris
2007
Sept pièces faciles, Le Grand Café - Centre d’art contemporain,
Saint-Nazaire
Projet Beaugrenelle, commande de Valode & Pistre Architectes,
Paris
Expositions collectives
2010
En mai, fais ce qu’il te plaît!, Musée Bourdelle, Paris
2009
FIAC 2009, Galerie Serge Le Borgne, Grand Palais, Paris
Elles@centrepompidou, MNAM-Centre Pompidou, Paris
• Enna Chaton
Enna Chaton est née en 1969 à Grenoble. Elle vit et travaille
près de Sète.
Expositions personnelles
2006
La Chapelle Saint Jacques centre d’art, Saint Gaudens et
Vidéo K.01, Parvis Centre d’Art, Pau.
Expositions collectives
2006
Voiler dévoiler, Villa du parc, centre d’art contemporain,
Annemasse.
2005
Affinités, la Saline Royale d’Arc et Senans, Le Pavé dans la
Mare, Besançon
Mutzigzag, itinéraire d’art contemporain, A Le Forum
Itinérant et le Fort de Mutzig, en partenariat avec le Frac
Alsace, l’École Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg,
la Région Alsace, la ville de Mützig.
• Katharina Fritsch
Katharina Fritsch est née en 1956 à Essen. Vit et travaille à
Düsseldorf.
Katharina fritsch est représentée par la galerie Matthew
Marks, New York.
Expositions personnelles
2009
Katharina Fritsch, Kunsthaus Zürich, Switzerland.
Traveled to Deichtorhallen, Hamburg
2008
Katharina Fritsch, Tischgesellschaft, Zollamt, Museum für
Moderne Kunst, Frankfurt
Expositions collectives
2009
Le Sort Probable de L’homme qui avait avalé le Fantôme,
Centre des Monuments Nationaux, Paris
Avantgarde aus Westfalen, Kunstmuseum Ahlen, Ahlen
2008
You Dig The Tunnel, I’ll Hide The Soil, White Cube Hoxton
Square and Shoreditch Town Hall, London
• Joachim Mogarra
Jocachim Mogarra es néé en 1954 à Tarragone. Il vit et
travaille à Montpeyroux.
Joachim Mogarra est représentépar la Galerie Georges-
Philippe & Nathalie Vallois, Paris.
Expositions personnelles
2009
Galerie GP & N Vallois, Paris
Vuelve la Leyenda, Institut Français, Valence (Espagne)
2008
Pièces à conviction 2, Frac Aquitaine, Bordeaux
Expositions collectives
2010
Dreamlands, Centre Georges Pompidou, Paris
2009
Dead Air, Frac Aquitaine, Bordeaux
Fais comme chez toi, Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur,
Nice
•
Pierre Molinier
(1900-1976)
Expositions personnelles
2005
Je suis né homme-putain, Galerie Kamel Mennour, Paris
Pierre Molinier, une vie magique, A l’enseigne des Oudin,
Paris
Pierre Molinier / Jeux de miroirs, Galerie des Beaux-Arts,
Bordeaux

• Juan Muñoz
(1953-2001)
Expositions personnelles
2009
Juan Muñoz, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia,
Madrid
2008
Juan Muñoz: A Retrospective, The Tate Modern, Londres
Guggenheim Bilbao, Bilbao
Expositions collectives
2009
Silences : un choix d’oeuvres de Marin Karmitz, Musée
d’Art Moderne et Contemporain, Strasbourg
Museu Colecçao Berardo, Lisbone
2008
Self as Selves, Irish Museum of Modern Art (IMMA), Dublin
• Cindy Sherman
Cindy Sherman est née en 1954 à Glen Ridge. Elle vit et
travaille à New York.
Expositions personnelles
2007
Bus Riders, Barbara Krakow Gallery, Boston
A Play of Selves, Galerie Monika Sprüth Philomene Magers,
Londres
Retrospektive, Martin Gropius Bau, Berlin
Expositions collectives
2008
Second Thoughts, The Center for Curatorial Studies at Bard
College, Annandale-on-Hudson, New-York
Body Work, Le Case d’Arte, Milan
2041, Artnews Projects, Berlin
• Nathalie Talec
Nathalie Talec est née en 1960 à Paris. Elle vit et travaille à
Baron (Oise).
Expositions personnelles
2011
Yerba Buena Museum, San Fransisco
2010
De Facto Gallery, Paris
2008
MAC/VAL, Vitry-sur-Seine
Expositions collectives
2010
Polar expeditions, Fondation Verbeke, Anvers
Dans la forêt, Frac Aquitaine, Bordeaux.
Défilé de sculptures, Collection Frac Aquitaine, Marmande
•
Jan Vercruysse
Jan Vercruysse est né en 1948 à Waregen. Il vit et travaille
à Bruxelles.
Expositions personnelles
2010
Places [Lost], Xavier Hufkens, Bruxelles
2009
Jan Vercruysse. Works 1975-2009, M.M van Museum Leuven,
Leuven
Places, Tucci Russo Studio per l’Arte Contemporanea,
Turin,
Expositions collectives
2006
Lignes Brisées/Broken Lines, Le printemps de septembre,
Toulouse
Extiem, Poeziezomer 2006, Watou, Belgique
The 80’s. A topology, Museu Serralves, Porto

Le Service éducatif
Pour chaque exposition, le Service éducatif du Parvis imagine
en concettation avec les artistes des expositions et des
artistes intervenants différents ateliers de pratique artistique
qui permettent aux élèves d’aborder de manière interactive
et ludique les différents champs de la création contemporaine.
Centrés sur la présence et la pratique de l’artiste ou plus simplement
appuyés sur l’histoire de l’art et les contenus des
expositions, ils s’adaptent à toutes les classes et à tous les
âges et constituent la base même d’un apprentissage créatif
et convivial !
LES FORMULES DE VISITES PROPOSEES A IBOS
Hybrides & Chimères : La visite et l’atelier
La formule visite d’exposition associée à un atelier expérimental
favorise une découverte interactive et dynamique
du projet des artistes.
La visite guidée permet aux élèves de prendre parole face
aux oeuvres. L’atlier propose une approche des techniques
utilisées par les artistes ou font un parallèle avec d’autres
domaines de création (cinéma, théâtre, danse, sons...)
• Pour les classes du primaire et du collège jusqu’à la
5ème :
Provoquer l’insolite par la combinaison d’images ou d’objets
et expérimenter : le mélange des genres, les inversions, les
porportions, les emplacements, les formes, les couleurs, les
matières...
• Pour les classes du collège à partir de la 4ème et du
lycée :
Proposition croisée avec le cinéma : projection du film Le
labyrinthe de Pan du réalisateur espagnol Guillermo del Toro
(2006) + atelier d’analyse d’images autour de la figure du
monstre, du merveilleux et du fantastique.
ATTENTION : ce programme est organisé pendant une semaine
en octobre du lundi au vendredi. Le matin est consacré
à la visite de l’exposition Hybrides & Chimères (10h-12h).
Déjeuner au Café des Images(12h-14h). Projection du film
et atelier d’analyse d’images (14h-16h30). Les élèves bénéficient
d’un tarif à 1,50 €, gratuité pour les accompagnateurs.
Et toujours...
Le coup de projecteur sur l’exposition Botto & Bruno Le
Quartier de l’enfance jusqu’au 16 octobre !
En partenariat avec l’Inspection Académique des
Hautes-Pyrénées.
ATTENTION ! Uniquement pour les classes du primaire
des Hautes-Pyrénées.
• La malette pédagogique :
Elle contient des outils permettant de sélectionner des
morceaux d’image dans la composition de Botto &
Bruno. Et permet un travail d’analyse sur le support,
le trompe l’oeil, l’espace de l’oeuvre, les techniques
utilisées, le sujet de l’exposition.
Animateur : Christian Sabathié, conseiller pédagogique
en arts visuels.
• L’Atelier science
«Murs, flaques, trottoirs, arrêt de bus, graffitis, constructions,
habitations, quartiers désertés ou en train de disparaître
mais marqués de traces... Les traces sont la
mémoire de ce qui a été. Dans cet atelier scientifique
sont présentés des empreintes, des nids, des insectes,
des pelotes de réjection, des graines, des feuilles,
des fossiles, des roches, un morceau de météorite,
des photos de la Lune, du Soleil et d’une nébuleuse,
autant de traces à travers lesquelles nous essaierons
de comprendre le monde qui nous entoure et de reconstruire
ce qui n’est plus.
Animateur : Olivier Espagnet, animateur science à
l’Inspection Académique
•
L’Atelier photomontage
Atelier photomontage manuel animé par Arnaud
Pora de l’Ecole Supérieur d’Art et Céramique de Tarbes
à partir des thématiques : «représenter ma ville» /
«inventer ma ville : fiction et réalité»
LES FORMULES DE VISITES PROPOSEES A PAU
La visite et la fiche découverte
La visite de l’exposition propose un parcours parmi les
oeuvres du FRAC à la recherche des décors du quotidien,
des oeuvres mobilières ou design et des présences
fantomatiques. Afin de permettre aux jeunes publics
de découvrir en s’amusant les différentes pièces
qui ponctuent l’espace d’exposition, la visite sera accompagnée
d’une fiche découverte pleine de jeux
et d’activités.
Toutes les visites du centre d’art (Ibos et Pau)ainsi que
les ateliers s’effectuent :
Pour les publics scolaires du mardi au vendredi (ex.
mercedi après midi) : de 11h à 13h et de 14h à 18H30
Pour les publics hors temps scolaires et familles, les :
Mercredi et Samedi de 11h à 13h et de 14h à 18h30
(Horaires et projets adaptables en fonction des besoins).
Sur réservation pour les groupes.

Le Hors-temps scolaire
L’action culturelle du centre d’art constitue un lien entre
la programmation artistique et la médiation culturelle. Elle
accompagne le contenu des expositions et le donne à voir
sous un nouveau jour aussi exigeant que convivial.
A IBOS
Hybrides & Chimères : La visite et l’atelier
La formule visite + atelier est également proposée aux
groupes du hors-temps scolaire.
• Pour les enfants jusqu’à 14 ans :
Inventer des figures et des personnages monstrueux, fantastiques
ou féériques à partir d’images et d’objets du
quotidien et les mettre en scène dans une histoire drôle ou
inquiétante.
• Pour les ados de 14 à 18 ans :
Proposition croisée avec le cinéma à travers la projection
du film The Host (2006) du réalisateur coréen Joon-ho Bong
(2006) suivi d’un atelier d’analyse d’images autour de la
figure ambigüe du parasite dans la société contemporaine.
ATTENTION : cette proposition vous est faite un seul mercredi
d’octobre. Le matin est consacré à la visite de l’exposition
Hybrides & Chimères (10h-12h). Déjeuner au Café
des Images(12h-14h). Projection du film et atelier d’analyse
d’images (14h-16h30). Les adolescents bénéficient d’un tarif
à 3,50 €, gratuité pour les accompagnateurs.
Et toujours ...
l’atelier photomontage autour de l’exposition Botto & Bruno
Le Quartier de l’enfance jusqu’au 16 octobre !
Atelier photmontage manuel animé par Arnaud Pora de
l’Ecole Supérieur d’Art et Céramique de Tarbes à partir des
thématiques : «représenter ma ville» / «inventer ma ville :
fiction et réalité»
Et pour le Finissage....
Restitution publique des ateliers d’écriture/slam animés par
Séverine Lepan-Vaurs et Gaëtan Navas avec les jeunes de
Tarbes autour de l’exposition Le Quartier de l’enfance.
Le 15 octobre
Cette journée sera l’occasion de présenter au Café des
Images la vidéo réalisée par les jeunes sur le quartier de
Laubadère dans le cadre du projet «Dialogue entre population
et territoires» mené par l’association Le Point jeunes.
On pourra aussi découvrir les réalisations des élèves encadrés
par Elsa Mazeau, artiste et enseignante à l’Ecole Supérieure
des Arts et de la Céramique de Tarbes lors de son
workshop photographique .
A PAU
Découvrir l’exposition en s’amusant avec la fiche découverte
Grâce à la fiche découverte, les enfants et les ados partent
à la découverte de l’exposition tout en s’amusant :
mener l’enquête sur les artistes, débusquer les indices dans
les oeuvres présentées et retrouver la trace des spectres
dans l’exposition !

Informations pratiques
Le Parvis, centre d’art contemporain
Centre Méridien
Route de Pau
65420 Ibos
et
Centre Univerdis
Avenue Louis Sallenave
64000 Pau
www.parvis.net
• Magali Gentet
Responsable du centre d’art et commissaire des expositions.
magali.gentet@parvis.net
• Catherine Fontaine
Contacts presse Ibos et service des publics Ibos
centredart@parvis.net - 05 62 90 60 82
•
Etienne Veillon
Contacts presse Pau et service des publics Pau
parvis@wanadoo.fr - 05 59 80 80 65
Horaires d’ouverture (Ibos et Pau)
Du mardi au samedi
De 11h à 13h et de 14h à 18h30
Horaires modulables pour les groupes
Entrée libre
Fermé les jours fériés
Scolaires et autres groupes
Visites et ateliers adaptés aux niveaux des classes et des groupes
Uniquement sur réservation
Toutes les activités se déroulant au Parvis sont gratuites
Venir au Parvis à Ibos
En voiture :
Depuis Toulouse et Tarbes - Autauroute A64, sortie 12
En bus depuis centre ville Tarbes :
Bus Alezan, ligne 6 (Ibos/centre commercial)
consultations horaires : www.alezan-bus.com
En avion :
Paris Orly Ouest / Tarbes Lourdes Ossun (3 fréquences par jour avec Air France)
Paris Orly Ouest et Paris Charles de Gaulle / Pau Uzein (3 fréquences par jour avec Air France)
Venir au Parvis à Pau
En voiture :
Depuis Toulouse et Tarbes - Autauroute A64, sortie 10
En bus depuis centre ville Pau :
Depuis centre ville (Place Clémenceau) : ligne 4
En avion :
Paris Orly Ouest et Paris Charles de Gaulle / Pau Uzein (3 fréquences par jour avec Air France)
Paris Orly Ouest / Tarbes Lourdes Ossun (3 fréquences par jour avec Air France)