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Alessandro Solbiati 

ESZnews 

Edizioni Suvini Zerboni - Notiziario quadrimestrale 

Opera seconda 

I 

nizia a mezza estate la serie delle prime esecuzioni di 

Alessandro Solbiati. Il 1° luglio al Castello Caetani di 

Sermoneta viene presentato nel quadro del Festival 

Pontino Per Aldo per flauto, clarinetto (anche clarinetto 

basso), violino, violoncello e pianoforte nell’interpretazione 

del Divertimento Ensemble diretto da Sandro Gorli. 

L’Autore ne racconta in questi termini genesi e carattere: 

«Scritto su richiesta di Riccardo Cerocchi e del Campus 

Internazionale di Musica, Per Aldo è un breve brano 

composto sull’onda dell’emozione per la scomparsa di un 

caro amico quale Aldo Clementi. Quasi certamente 

costituirà il movimento centrale di un più ampio lavoro in 

tre tempi da affidare al Divertimento Ensemble. Ho 

pensato di far giocare insieme tre elementi, tre attitudini 

musicali e personali di Aldo: sopra all’iniziale e denso 

tessuto armonico costituito da bicordi di flauto e clarinetto 

riverberati dagli archi ovattati dalla sordina, appare un 

carillon acuto di pianoforte, quasi un ipnotico e innocente 

polo d’attrazione. Un’oscura polifonia canonica, anziché 

rimanere statica e disperdersi come le polifonie di Aldo, 

parte dalla regione più grave e via via sale unendosi al 

carillon in un danzante saluto finale». Le corde di Dejan 

Bogdanovic, violino, e Pierre-Henri Xuereb, viola, portano 

in tournée Due Lieder da “Winterreise” trascritti per violino 

e viola il 24 agosto a Le Poët Laval (Drôme Provençale), 

il 25 agosto a Seynes e il 28 agosto a Uzès. Spiega 

Solbiati: «Continua con i numeri II e XI , rispettivamente 

Gefrorene Tränen e Frühlingstraum, l’ambizioso progetto, 

nato un po’ incoscientemente nel 2010 su richiesta di 

Pierre-Henri Xuereb, di strumentare per violino e viola la 

Winterreise di Franz Schubert. Il progetto dovrebbe 

portare all’esecuzione integrale nel 2012. Si tratta di 

trascrizioni rispettose del testo originale, certamente, ma 

le stesse forti differenze di strumentazione mi costringono 

(con mia gioia) a inventare soluzioni, a spostare di 

I 

mportante prima esecuzione assoluta per Ivan Fedele 

al termine della primavera. Il 10 giugno il Festival Agora 

ospiterà nella Salle 400 del CentQuatre di Parigi La 

pierre et l’étang (…les temps…) per quartetto d’archi, 

percussioni, orchestra d’archi e elettronica, 

commissione Ircam - Centre Pompidou, 

nell’interpretazione del Quatuor Renoir, di Daniel 

Ciampolini alle percussioni e dell’Orchestre 

Philharmonique de Radio France sotto la direzione di 

Ernest Martinez Izquierdo. Il concerto, coproduzione 

Ircam - Centre Pompidou e Radio France con la 

collaborazione del CentQuatre e il sostegno della 

Sacem, verrà registrato da France Musique. In questi 

termini l’Autore ha raccontato a Jérémie Szpirglas il 

significato del nuovo lavoro, partendo dal titolo: «Si può 

intendere questo titolo in due modi diversi. In termini di 

dimensione temporale innanzitutto: quella della 

composizione, molto diversa da quella psicologica 

dell’ascolto, che varia tra il primo e l’ennesimo ascolto, 

ed è ancora diversa da quella della memoria. Poi si può 

intenderlo come stagno, distesa d’acqua, considerando 

la relazione tra due elementi, l’acqua, che rappresenta 

Ivan Fedele Il suono e lo spazio 

registro, ad affidare all’uno o all’altro strumento un ruolo 

guida, leggendo polifonie solo sottintese e ripercorrendo 

così, in modo penso personale, lo straordinario percorso 

melodico, armonico e timbrico di Franz Schubert». 

La Stagione Lirica 2010/11 del Teatro Regio di Torino 

ospita, nella sala del Teatro Carignano, la seconda opera 

scenica di Alessandro Solbiati: Leggenda, opera in un atto 

(prologo, quattro scene e epilogo) da La leggenda del 

Grande Inquisitore di Fëdor Dostoevskij, in cartellone il 

20, 24 e 27 settembre. Commissione del Teatro Regio, 

questa opera seconda, dopo Il carro e i canti (Trieste, 

Teatro Verdi, aprile 2009), rappresenta in realtà il primo 

progetto teatrale di Solbiati, concepito e nato nella 

primavera del 2007. Come chiarisce l’Autore, «la 

commissione triestina si era di fatto inaspettatamente 

inserita in un lungo percorso ideativo e mi ha permesso di 

mettere a fuoco molte problematiche teatrali rispetto alle 

quali ritengo che Leggenda costituisca un secondo, 

importante passo. Posso anche dire che la Leggenda del 

Grande Inquisitore di Fëdor Dostoevskij costituisce nella 

mia vita un testo di tale potente suggestione da avermi 

fatto superare una decennale ritrosia ad occuparmi di 

teatro musicale: la mia proposta a Torino non fu infatti, 

genericamente, quella di scrivere un’opera, bensì quella di 

“scrivere un’opera attorno alla Leggenda del Grande 

Inquisitore”. Il libretto, il testo, non poteva essere 

realizzato che da me, con l’aggiunta di frammenti tratti da 

altre zone del romanzo, anche perché si trattava di 

piegare quello che in Dostoevskij è per lo più un 

monologo a una vera struttura narrativa e scenica, poiché 

io volevo (e credo di aver ottenuto) una vera opera e non 

una sorta di oratorio o di cantata scenica. Quali significati 

di questa straordinaria pagina letteraria, tra i molti 

possibili, mi hanno condotto a sceglierla come spina 

dorsale del mio lavoro più importante? Due, in particolar 

55 

giugno2011 

continua a pag. 2 

la flessibilità, e la pietra, che rappresenta la durata. 

Da bambino mi divertivo spesso a lanciare pietre 

nell’acqua, ed è il ricordo di quel gioco che mi ha fatto 

prendere coscienza della ricchezza dinamica di questi 

due elementi. Nel mio pezzo l’immagine serve come 

metafora poetica o formale, ma non è illustrativa. 

Lo stagno è una superficie d’acqua assolutamente liscia, 

sulla quale, come su una tavoletta di cera, è possibile 

segnare ciò che si vuole. Non si tratta tuttavia di 

un’immagine naturalistica: non si sentiranno pietre che 

cadono, né piogge di sassolini. L’immagine veicola un 

ritmo che mi offre, metaforicamente, delle premesse 

formali. Il primo movimento s’intitola Rocher englouti : 

l’immagine poetica corrisponde a un masso enorme che 

cade nell’acqua, metafora della pesantezza e al tempo 

stesso dell’acqua che smorza questa pesantezza. 

Segue Ricochet de galets, che si occupa della traiettoria 

di piccoli oggetti che producono un’eterofonia. 

La metafora è anche in questo caso formale: il 

movimento rallenta e suggerisce una freccia temporale 

che guida il percorso. La terza immagine è quella di una 

singola pietra, la pietra pomice, che, meno densa 

continua a pag. 3 

Secondo lavoro scenico 

ispirato a Dostoevskij e 

omaggi a Clementi e 

Schubert 

Due prime al Festival Agora e 

a MITO approfondiscono una 

ricerca ventennale sulla 

spazializzazione

Giorgio Gaslini 

Giorgio Gaslini partecipa al 

progetto “Viaggio in Italia” di 

Alda Caiello e Maria Grazia 

Bellocchio con Kali nifta per 

voce femminile e pianoforte su 

un canto popolare griko 

salentino, in prima al Teatro 

Goldoni di Firenze il 19 maggio 

nel quadro del 74° Maggio 

Musicale Fiorentino, con 

riprese al Festival MITO, 

Settembre Musica, il 5 

settembre al Conservatorio 

“Giuseppe Verdi” di Torino e il 6 

settembre al Teatro Elfo Puccini 

di Milano, nell’interpretazione 

delle due artiste committenti. 

2 

segue da pag. 1 (Solbiati: Opera seconda) 

modo: 1) L’anestesia delle coscienze, il prendere 

possesso di queste ultime, rendendole indifferenti alle 

sofferenze di miliardi di persone vicine e lontane, alla 

presenza del “male” in mille forme anche di fianco a noi, 

l’abbagliarle con i facili miti della ricchezza, del potere e 

del “successo”, condurle a barattare la propria libertà 

profonda, la propria tensione alla riflessione dolorosa e 

drammatica sui temi fondamentali dell’esistenza con un 

più confortevole asservimento alla superficialità e alla 

distrazione: tutto ciò è la cifra molto più del XXI che del 

XVI secolo. 2) Che fine farebbe, se tornasse oggi, 

naturalmente subito dopo essere diventato un fenomeno 

mediatico, colui che predicava in modo intransigente 

paradossi quali l’amore incondizionato, l’amore per il 

proprio nemico come per l’amico? Come dice Alësa, “è 

stato mai dato modello di uomo più alto?”». Primi 

interpreti dell’opera saranno Urban Malmberg, baritono, 

Alda Caiello, soprano, Mark Milhofer, tenore, Laura 

Catrani, soprano, Gianluca Buratto, basso, l’Orchestra e 

il Coro del Teatro Regio di Torino diretti da Gianandrea 

Noseda; direttore del coro sarà Claudio Fenoglio; regia, 

costumi e luci sono affidati a Stefano Poda. Un’ulteriore 

prima esecuzione assoluta deriva dalla partecipazione al 

progetto “Viaggio in Italia” ideato da Alda Caiello e Maria 

Grazia Bellocchio, con Dolçe amore per voce femminile 

e pianoforte, interpretato dalle musiciste committenti il 

19 maggio al Teatro Goldoni di Firenze, nel contesto del 

74° Maggio Musicale Fiorentino, con due repliche 

successive per il Festival MITO Settembre Musica il 5 

settembre al Conservatorio Giuseppe Verdi di Torino e il 

giorno successivo, 6 settembre, al Teatro Elfo Puccini di 

Milano. Una ricca sequenza di riprese costella i mesi 

centrali del 2011 a cominciare dall’esecuzione d’una 

serie di pagine pianistiche, il 31 maggio al 

Conservatorio di Bologna, nell’ambito di un seminario 

sui lavori pianistici di Alessandro Solbiati in 

collaborazione con Emanuela Piemonti e Alfonso Alberti, 

che interpreteranno, Alberti, Interludi, e la Piemonti Fête 

e Sonata Seconda. Luigi Attademo porta in tournée Le 

sei corde di Nicolò per chitarra sola il 7 giugno 

all’Istituto Italiano di Cultura di Vienna, l’8 giugno 

all’Institut für Romanistik di Graz, il 24 giugno al Barge 

Music di New York e infine il 26 luglio alla Biblioteca 

Vescovile di Montepulciano, per il Cantiere 

Internazionale d’Arte, in quella che sarà la prima 

esecuzione italiana del pezzo. Il 10 giugno vengono 

“Leggenda”: Sinossi 

Prologo: Ivan e Alësa sono già sul proscenio a sipario aperto. Dietro ai 

due fratelli, su una simbolica figura di bimbo si addensano delle minacce 

che costituiscono il corrispettivo del “prologo” dostoevskijano, in cui Ivan 

rovescia su Alësa alcuni terribili esempi di violenza su bambini tratti dalla 

vera cronaca nera. 

Scena I: La prima scena è il dialogo tra i fratelli sul proscenio, il primo 

livello scenico, strumentalmente avvolto dalla sola Orchestra A, in buca. 

L’assunto della perorazione di Ivan è «se Dio esiste, perché un così 

terribile male nel mondo?». Alësa sa solo balbettare debolmente 

qualcosa sulla libertà dell’uomo. Allora Ivan narra il suo poema, la sua 

leggenda. 

Scena II: La leggenda, ovvero il secondo livello scenico (al centro del 

palco, alle spalle dei fratelli), temporale (Siviglia nel XVI secolo anziché la 

Russia di fine Ottocento) e narrativo. All’allargarsi dello spazio scenico 

corrisponde un analogo allargamento dello “spazio sonoro”: all’orchestra 

A si somma l’Orchestra B, che nel piccolo Teatro Carignano sarà disposta 

in platea. Il “suono” della folla sevillana è costituito dall’intreccio di mille 

frammenti di musiche medievali e rinascimentali spagnole. Via via quella 

folla si polarizza su uno di loro, inspiegabilmente identificato in Cristo 

ritornato: egli non parlerà mai, ma è in grado di compiere un miracolo e la 

folla è tutta per lui. Ma di fronte alla sua misteriosa autorevolezza si para 

l’autorità, ovvero l’autoritarismo, del Grande Inquisitore che provoca 

l’arresto del “presunto Cristo”. 

Scena III: Lo spazio si chiude intorno ai due, l’affollato meriggio sevillano 

si trasforma nel buio del carcere. Analogamente, lo spazio sonoro si 

proposti dall’Ensemble de Six Voix Solistes per il 

Festival d’Art Vocal Contemporaine a Le Bourget-du- 

Lac, Les Voix du Prieuré, To Whom? per soprano solo e 

La partenza, monodramma per voce e percussionista da 

un racconto di Franz Kafka. Il 21 giugno Pierre-Henri 

Xuereb esegue a Pechino Corde per viola sola. Il 2 

agosto, sempre Le Bourget-du-Lac ospiterà, per il 

Festival des Nuits d’Été, Durissimo silenzio per sei voci 

femminili e pianoforte, nell’interpretazione dell’Ensemble 

de Six Voix Solistes diretto da Alain Goudard e della 

pianista Ancuza Aprodu. Dal 2 al 10 luglio i pianisti 

Emanuela Piemonti e Alfonso Alberti registreranno 

presso l’Auditorium di San Fedele di Milano un Cd 

monografico per l’etichetta Stradivarius comprendente 

buona parte della produzione pianistica di Solbiati: 

Interludi, Fête, Sonata Seconda per pianoforte solo e As 

like the waves per pianoforte a quattro mani. Due 

composizioni cameristiche, Yang per timpani e Quattro 

pezzi per pianoforte e percussioni, verranno interpretate 

il 15 luglio all’Ensemble Modern Academy di 

Francoforte dal pianista Alberto Carnevale Ricci e dal 

percussionista Rho-Mei Yu. Il 28 luglio a Chambord, per 

il Festival Estival du Domaine National du Château, 

l’Ensemble Alternance offrirà un’esecuzione parziale di 

Linee per ensemble, dall’Arte della Fuga di J.S. Bach. 

Infine, il 29 agosto il Festival de la Chaise Dieu, Haute- 

Loire, proporrà il Trio d’archi nell’interpretazione degli 

strumentisti dell’Ottetto Unisoni. Nei mesi passati è stato 

possibile ascoltare la musica di Alessandro Solbiati il 24 

marzo alla Hochschule für Gestaltung di Karlsruhe, 

dove il duo Eve Cambreling e Alwyn Westbrooke ha 

eseguito Contrapunctus per flauto e violino, ripreso il 30 

aprile al Festival di musica contemporanea di Forlì da 

Annamaria Morini ed Enzo Porta. Dialogo per voce 

recitante, clarinetto e percussioni è stato proposto per 

l’Atelier Musical de Touraine il 6 maggio alla Salle 

Okeghem di Tours e il 7 maggio all’Abbazia di 

Bourgueil, con François Bazzola, voce recitante, 

François-Xavier Bouton, clarinetto, e Renaud Détruit, 

percussioni. L’Università di Catania ha ospitato il 6 e 7 

maggio l’esecuzione di Flos per sei strumenti, 

nell’interpretazione dell’Offerta Musicale Ensemble. 

Infine, l’Ensemble Zenit 2000 diretto da Massimo Testa 

ha proposto il 20 maggio ad Avellino Pour Ph.B. per 

clarinetto, violino, violoncello e pianoforte. 

riduce a un quintetto d’archi in buca, a due corni e qualche percussione. 

Le varie fasi di questa scena s’intitolano Responsori poiché è la musica a 

rispondere per il muto Cristo immobile. La voce dell’Inquisitore è 

riverberata da un sestetto vocale che corrisponde al coro delle vastità 

sevillane. 

Scena IV: L’Inquisitore cita le tentazioni nel deserto: si apre così il terzo 

livello, il terzo spazio scenico e temporale, il deserto dei Vangeli, con la 

terza coppia di personaggi, lo Spirito del Non Essere e un Cristo ancora 

silenzioso, le cui risposte sono affidate al coro, “voce del deserto”. È il 

momento di massima polifonia e massima ampiezza spazio-sonorotemporale: 

anche Alësa e Ivan interloquiscono, i tre livelli “dialogano” tra 

loro e si sommano le due orchestre, i personaggi, il coro e il sestetto 

vocale. Al culmine delle accuse l’Inquisitore condanna di nuovo Cristo a 

morte. 

Epilogo: L’intuizione assoluta di Dostoevskij: l’unica risposta del Cristo 

silenzioso è avvicinarsi all’Inquisitore e abbracciarlo: l’amore senza 

ragione di fronte alla ragione senza amore. L’Inquisitore, paralizzato ma 

persistente nella sua idea, caccia “per sempre” Cristo, che “si allontana 

nelle silenziose vie notturne di Sevilla”. La musica mette in scena il tempo 

psicologico: quei pochi passi verso l’abbraccio valgono infatti un’intera 

risposta. Allo stesso modo il lento allontanarsi nelle vie buie, intercalato 

da un ultimo intervento di Ivan e Alësa ha il suo corrispettivo musicale nel 

lento dissolversi del tutto, al passo del viaggiatore: è il vuoto che 

consegue a quella cacciata. Ma è proprio quel vuoto a lasciar trasparire 

via via il canto di un violoncello simmetrico all’iniziale oboe solo.

Jean-Luc Hervé 

Pensare il tempo 

I 

l 5 giugno il Nomos Ensemble proporrà al Festival 

Musique Action, al Centre Culturel André 

Malraux di Vandoeuvre-lès-Nancy, la prima 

esecuzione della versione definitiva di Au 

loin per otto violoncelli e elettronica, ampliato 

con un movimento iniziale rispetto alla prima 

esecuzione che lo stesso ensemble aveva 

proposto nell’agosto dello scorso anno alla 

Carrière Normandoux di Tercé. Il 26 giugno, 

a Huelgoat, sarà invece la volta della prima 

esecuzione assoluta di Amplitude 2 per viola 

d’amore, nell’interpretazione di Gilles 

Deliège. Si tratta della riscrittura di Amplitude 

per violoncello solo; in questa nuova 

versione vengono messe in evidenza le sette corde e la 

risonanza del nuovo strumento. Anche il tempo è stato 

segue da pag. 1 (Fedele: Il suono e lo spazio) 

dell’acqua, non affonda. Musicalmente, si tratta di 

un’esplorazione metaforica del rimbalzo: se si immerge 

la pomice nell’acqua, questa resiste ed emerge 

dall’acqua appena la si lascia. Infine abbiamo una Pluie 

de cailloux : occorre immaginare una giornata di 

pioggia. Tutto si ferma e la pioggia crea una rete 

complessa di increspature multiple alla superficie dello 

stagno. L’immagine suggerisce, anche in questo caso, 

un’eterofonia – i suoni sono diversi secondo la massa 

della pietra – e una polifonia – la sovrapposizione delle 

increspature e le loro interferenze – ma su un materiale 

più leggero e più fine. L’elettronica contribuisce a 

sottolineare, amplificare e moltiplicare certe idee di 

movimento come, per esempio, il percorso di questo 

oggetto duro, la pietra, e la sua relazione con l’elemento 

acqua. Nel caso dell’elettronica, l’idea di partenza è 

stata di ordine tecnologico: la successione dei gesti ci 

ha fornito un flusso continuo di informazioni. Se la 

partitura eseguita dai musicisti è naturalmente scritta, 

le informazioni che ricevo, tratto e ridirigo verso gli 

altoparlanti crea una partitura viva che rispetterà taluni 

algoritmi. E poiché ciascuna esecuzione è unica, ci sarà 

senz’altro qualche piccola variazione dall’una all’altra. 

D’altra parte, anche la spazializzazione gioca un ruolo 

metaforico essenziale. Tutti questi gesti rimbalzano 

nello spazio attraverso gli altoparlanti, secondo strategie 

determinate soprattutto dalla gestualità dei solisti, 

attraverso un gioco letteralmente stereofonico: 

l’orchestra d’archi avvolge il quartetto e le percussioni, 

che formano il concertino. La spazializzazione permette 

per esempio di suggerire dei cerchi concentrici 

provocati dai sassolini. Vorrei dunque, attraverso un 

contrappunto spaziale, creare una drammatizzazione 

spaziale. Qui utilizziamo dispositivi di cattura del gesto 

di piccola taglia, accelerometri e giroscopi che ci 

forniscono informazioni sull’accelerazione (dell’archetto, 

per esempio), sulla rotazione e la velocità. È così 

possibile sfruttare questi tre parametri del gesto per fare 

della musica, lavorando in tempo reale sul suono di uno 

strumento: il gesto dell’archetto, per esempio, per 

modulare il suono di un accordo dell’intero quartetto. 

Il gesto diventa così simultaneamente generatore del 

suono reale e del suono elettronico proveniente dallo 

stesso strumento o da un altro. Si tratta di una piccola 

rivoluzione copernicana per la composizione. Inoltre, tra 

la seconda e la terza parte ho scritto una cadenza per le 

percussioni, durante la quale il musicista dovrà eseguire 

dei gesti nello spazio non strettamente necessari al 

gioco acustico. Questi movimenti generano del suono, 

veicolato esclusivamente attraverso l’elettronica. 

Il percussionista viene così ad avere a disposizione uno 

strumento virtuale: un altro aspetto innovativo di questa 

tecnologia». Il 20 luglio verrà offerta a Cordes-sur-Ciel, 

per il Festival Musique sur Ciel la prima esecuzione 

assoluta di Pentalogon Quintet, revisione per quintetto 

rallentato per permettere la piena percezione del nuovo 

paesaggio armonico. Infine, l’Ensemble Les 

Temps Modernes sta preparando per il 28 

luglio la prima esecuzione, al Festival 

Messiaen di La Grave, di una novità per 

ensemble che l’Autore descrive in questi 

termini: «Il pezzo è una riflessione sul tempo. 

Mette in relazione diversi tipi di tempi. I tempi 

esterni con quello interno della musica. Il tempo 

esterno è quello “immobile” della materia, in cui 

tutto sembra fermo, oppure il tempo “ripetitivo”, 

che ripete l’avvenimento in modo ciclico, come 

in alcuni canti d’uccello o come il corso del sole 

nel cielo. Il tempo musicale è un tempo “in 

movimento” logico, ma spesso imprevedibile come il 

cammino del pensiero». 

d’archi di Pentalogon Quartet, il secondo quartetto per 

archi di Ivan Fedele, nell’interpretazione del Quatuor 

Ardeo. Tale revisione consiste nella sovrapposizione di 

una parte di contrabbasso che contribuisce a dare alla 

composizione un baricentro grave e un contrappunto 

timbrico che ne moltiplicano le intenzioni musicali. Una 

prima sinfonica viene invece proposta dall’Orchestra 

Sinfonica Nazionale della Rai diretta da Tito Ceccherini: 

sarà possibile ascoltare Lexikon per orchestra, 

commissione Festival MITO, Settembre Musica, 

nell’ambito dello stesso Festival il 9 settembre 

all’Auditorium Rai di Torino e il 10 settembre nella Sala 

Verdi del Conservatorio di Milano. Così Fedele descrive 

il nuovo lavoro: «La composizione è articolata in quattro 

grandi parti e riassume tutte le mie esperienze 

compositive degli ultimi dieci anni, fortemente marcate 

dalla ricerca dell’archè e dallo sprofondamento delle 

pieghe nascoste della contemporaneità. Il titolo rimanda 

ad alcuni processi archetipici della musica di ogni 

epoca, ciascuno dei quali è tema dei quattro movimenti 

principali in cui si articola la composizione (Lo specchio 

e il suo canone, Al-Qat, Eco multipla, Canone esteso), 

incorniciati da un’introduzione (Risonanza) e una Coda. 

La spazializzazione e la drammatizzazione del suono 

nello spazio, suono inteso come una scultura da 

svelare, scoprire da differenti punti di vista o in 

alternativa da illuminare parzialmente o globalmente, è 

un’esperienza che mi accompagna da ormai vent’anni e 

che nel recentissimo La Pierre et l’étang (...les temps...) 

per quartetto d’archi, percussioni, orchestra d’archi e 

elettronica, ha trovato la sua espressione finora più 

compiuta». Le riprese della musica di Ivan Fedele in 

questi mesi comprendono Latinamix per flauto, chitarra 

e pianoforte, il 4 giugno al Ny Musikk di Oslo per il 

Grønland Kammermusikfestival, nell’interpretazione di 

Luciano Tristaino, flauto, Gisbert Watty, chitarra, e 

Siegmund Watty, pianoforte; Animus Anima II per due 

soprani, mezzosoprano, controtenore, tenore, baritono, 

basso su testi di Giuliano Corti, il 17 giugno alla Salle 

des Concerts della Cité de la Musique di Parigi per il 

Festival Agora, presentato dai Neue Vocalsolisten 

Stuttgart; tre degli Études Boréales il 2 luglio al 

Castello Caetani di Sermoneta per il 47° Festival 

Pontino di Musica, al pianoforte di Roberto Prosseda; 

Maja per soprano e sei strumenti su testo di Giuliano 

Corti il 30 luglio al 36° Cantiere Internazionale d’Arte di 

Montepulciano, interpreti Livia Rado, soprano, e 

l’Ensemble Algoritmo diretto da Marco Angius; infine, 

En archè per soprano, violino e orchestra, per il Festival 

Enescu il 4 settembre a Cluj e il 6 settembre nella Sala 

“Mihail Jora” della Radio Rumena di Bucarest, con 

Valentina Coladonato, soprano, Caroline Widmann, 

violino, e la Transilvania Philharmonic Orchestra Cluj 

diretta da John Axelrod. 

Novità per ensemble 

e due rielaborazioni di 

pagine cameristiche 

Matteo Franceschini 

L’etichetta Stradivarius ha 

pubblicato il Cd monografico 

Il risultato dei singoli (STR 

33888) realizzato presso lo 

SugarMusicLab di Milano con il 

sostegno della Provincia 

autonoma di Trento. Vi sono 

registrati quattro recenti lavori 

concertanti composti da Matteo 

Franceschini tra il 2007 e il 

2009: Sequel per viola e 

ensemble, Legenda per violino 

e ensemble, Sine qua non per 

pianoforte e ensemble e A long 

time ago per violoncello e 

ensemble. Il Divertimento 

Ensemble guidato da Sandro 

Gorli dialoga con i solisti Maria 

Ronchini, Lorenzo Gorli, Maria 

Grazia Bellocchio e Relja 

Kukic. 

Federico Gardella 

Federico Gardella partecipa al 



Bellocchio con Voici venir la 

nuit - D’après une chanson 

valdôtaine per soprano e 

pianoforte, in prima al Teatro 









di Milano, nell’intepretazione 


Il 7 settembre, in Giappone, al 

Takefu International Music 

Festival, Ib Hausmann e il Trio 

di Parma eseguono Im Freien 

zu Spielen per clarinetto, 

violino, violoncello e pianoforte. 

3

Tre nuovi lavori che 

testimoniano di una continua 

riflessione esistenziale 

Valerio Sannicandro 

Quadranti per quattro tromboni 

è stato eseguito dal 

Composer’s Slide Quartet il 4 

maggio alla Philharmonie di 

Essen, mentre Epistolae III per 

flauto basso, percussioni e live 

electronics è in programma il 

10 giugno alla Kunst Station 

Sankt-Peter di Colonia, 

nell’interpretazione di Liz Hirst 

e Ralf Kurley. 

Al Festival Musica di 

Strasburgo un’estrema pagina 

di singolare violenza espressiva 

4 

Stefano Gervasoni 

Conflitti fecondi 

S 

tefano Gervasoni partecipa al progetto “Viaggio in 

Italia” ideato da Alda Caiello e Maria Grazia Bellocchio: 

un percorso ideale che racconta i tanti volti della nazione 

italiana in centocinquant’anni di storia, tramite la grande 

esperienza collettiva del canto popolare, nella sua 

capacità di restituire tempi e luoghi del nostro paese 

come li scandiscono le stagioni, la natura, le tradizioni, 

lungo le tappe delle esperienze capitali della vita umana, 

dalla nascita alla morte. Le due musiciste hanno chiesto 

a venti compositori italiani di ripensare altrettanti canti 

popolari, uno per regione d’Italia, in una rielaborazione 

moderna, contribuendo a rinnovare e ravvivare una 

tradizione che celebra appunto l’unità nella diversità. 

Il 19 maggio il Teatro Goldoni di Firenze ospiterà, nel 

quadro del 74° Maggio Musicale Fiorentino, la prima 

esecuzione assoluta di Çë m’pe ti zog sod per soprano e 

pianoforte su un canto tradizionale arbëreshë della 

Basilicata, con due riprese nel contesto del Festival 

MITO, Settembre Musica, il 5 settembre al 

Conservatorio Giuseppe Verdi di Torino e il 6 settembre 

al Teatro Elfo Puccini di Milano. Precisa Gervasoni: 

«Questo testo, eseguito durante la vallja, la danza 

cantata celebrativa dei riti di nozze e delle grandi 

ricorrenze, è uno dei pochi dove viene menzionato il 

turco, dunque presenta un richiamo all’espansionismo 

ottomano che fu la causa principale dell’emigrazione 

degli albanesi verso le coste italiane nel XV secolo». 

Sempre a Milano, all’Auditorium Di Vittorio della Camera 

del Lavoro, per l’Associazione Amici di Musica/Realtà, il 

9 giugno Alfonso Alberti eseguirà la prima esecuzione 

integrale dei nn. I-VI di Prés per pianoforte solo. 

La composizione verrà riproposta il 2 luglio, con 

l’aggiunta del n. VII nella versione originale per “Toy 

Piano”, al Castello Caetani di Sermoneta, nel quadro del 

47° Festival Pontino di Musica, Incontri Internazionali di 

Musica Contemporanea, da Maria Grazia Bellocchio, 

pianoforte. Spiega l’Autore: «Prés è un ciclo di dodici 

pezzi, divisi in quattro gruppi di tre, attualmente in corso 

di composizione. Le loro caratteristiche principali sono la 

brevità e semplicità (più o meno apparente), il che li fa 

appartenere alla categoria dei pezzi per bambini (nella 

duplice e ambigua accezione di essere eseguibili da 

pianisti non adulti o di ispirarsi al mondo dell’infanzia). 

Dodici piccoli préludes, così piccoli da doversi chiamare 

prés, cioè “prati” in francese. Da lì il tema soggiacente al 

ciclo, declinato in quattro modalità diverse, di tre in tre 

pezzi: l’apparente spensieratezza di un prato dove 

giocano bambini e la premonizione di qualcosa di oscuro 

che dovrà succedere e che lo sguardo innocente di un 

Christophe Bertrand 

L’ultimo quartetto 

D 

oppio appuntamento al Festival Musica di Strasburgo 

il prossimo autunno con la musica di Christophe 

Bertrand. Apre l’Arditti String Quartet il 24 settembre 

all’Auditorium France 3 Alsace con la 

prima esecuzione postuma del Quatuor II 

per quartetto d’archi. Tra le ultime 

partiture compiute del compositore 

prematuramente scomparso e dedicata 

allo stesso Arditti Quartet, è una pagina 

impressionante, di devastante violenza 

espressiva. Tagliato in un tempo unico, 

costringe gli esecutori a una tensione 

emotiva e cinetica senza tregua, dal 

fortissimo inaugurale alla conclusione su 

un caotico ritmicamente complesso che 

approda nell’ultima battuta all’indicazione 

possibile! nel punto in cui si raggiunge la 

più alta intensità dinamica. Tutto è eccessivo nell’opera 

ultima di Bertrand, dalle dinamiche (sovente quattro o 

cinque f ) alle indicazioni espressive (sempre più agitato, 

feroce, sempre più selvaggio, furioso, astioso, sempre 

bimbo è in grado di avvertire anticipatamente, con tutto il 

senso di minaccia che l’adulto non sa o non vuole 

cogliere». Il Kunstfest Weimar propone invece il 27 

agosto, per il Festival “Pèlerinages”, Froward per 

ensemble, nell’interpretazione del Klangforum Wien. 

Lasciamo ancora una volta la parola a Gervasoni: 

«L’etimologia della parola inglese “froward” associa al 

movimento contro-corrente (“from - ward”, opposto 

quindi a quello diretto indicato dalle parole “toward” e 

“forward”) un ventaglio di significati di qualità non 

propriamente positivi come l’essere avverso, scomodo, 

refrattario, difficilmente piacevole, o l’avere una 

propensione ad andare contro ciò che è richiesto dalla 

ragione, dalle regole, dagli usi, e quindi un’inclinazione 

all’erranza, nel duplice senso di sbagliare qualcosa o di 

non trovare la giusta via. E “Capo Froward” è anche un 

luogo geografico, il punto più meridionale del continente 

sudamericano, scoperto nel 1587 dal navigatore inglese 

Thomas Cavendish, che così lo chiamò per il suo 

aspetto ostile. Tutto ciò non è senza riferimento alla 

motivazione lisztiana inerente la commissione dei 

“Pèlerinages - Kunstfest Weimar 2011”. La parabola 

esistenziale e artistica di Liszt si è compiuta attraverso la 

trasgressione e il compiacimento mondano 

accompagnati da uno spirito avveniristico (propri 

dell’esploratore che scopre nuove terre, varcando il capo 

mai prima oltrepassato) in un rapporto vivo, spesso 

contraddittorio e conflittuale, fino alla sublimazione finale, 

risolutrice e pacificante degli anni che seguirono il 1862, 

quando Liszt decise di ritirarsi nel monastero della 

Madonna del Rosario di Roma e poi prese gli ordini 

minori. “Per i miei fratelli e i miei amici io dirò: Su te sia 

pace! Per la casa del Signore nostro Dio, chiederò per te 

il bene”: così recita il Salmo 122 (121), il “Canto delle 

salite” che nel 1884 Liszt scelse di musicare per coro 

misto, organo, due trombe, due tromboni e timpani, a cui 

nella mia composizione si fa, non esplicitamente, 

allusione». Infine, Horrido per ensemble vocale, dopo la 

prima assoluta a Witten il 7 maggio per i Wittener Tage 

für neue Kammermusik, con la Schola Heidelberg diretta 

da Walter Nußbaum, sarà presentato il 10 giugno in 

prima esecuzione francese dallo stesso ensemble 

all’Amphithéâtre della Cité de la Musique di Parigi nel 

contesto della Biennale d’Art Vocal. Il 27 agosto, infine, 

il gruppo Exaudi diretto da James Weeks proporrà 

l’esecuzione di In dir, tredici distici di Angelus Silesius 

per ensemble vocale, alla Quincena Musical di San 

Sebastián. 

brutto, prestissimo, frenetico, ferocissimo possibile, 

caotico), in cui la dépense pare assunta a criterio 

ispiratore, richiedendo agli esecutori una prova di 

assoluto virtuosismo. Né giovano a prestare alcuna 

forma di sollievo le rade sezioni in tempo lento o quelle 

dalla tessitura più diafana e trasparente giocate su uno 

staccato leggero o sul pizzicato, né quelle concepite 

come perfetti congegni a orologeria, poiché il 

meccanismo agisce anche in esse implacabile, 

sospingendole inesorabilmente verso il precipizio. Una 

volontà drammatica s’impadronisce insomma sin 

dall’attacco del quartetto – strumenti e strumentisti – 

piegandolo a una ridda inarrestabile e selvaggia, come 

in una prolungata esplosione d’energia. Il Festival 

Musica di Strasburgo ospiterà inoltre anche l’ultima 

partitura orchestrale scritta da Christophe Bertrand: 

il 6 ottobre Pascal Rophé, alla testa dell’Orchestre 

Philharmonique de Strasbourg, riproporrà Okhtor per 

orchestra, la partitura eseguita dalla medesima 

compagine in prima assoluta lo scorso febbraio.

Aldo Clementi 

In memoriam 

A 

ldo Clementi, protagonista della scena musicale del 

secondo Novecento, ci ha lasciato giovedì 3 marzo 2011 

all’età di 86 anni. Nato a Catania nel 1925, dopo il 

diploma in pianoforte si era trasferito a Siena per 

specializzarsi con Pietro Scarpini. Iniziati nel 1941 gli 

studi di composizione con Alfredo Sangiorgi, allievo di 

Schönberg, si era diplomato a Roma 

nel 1954 con Goffredo Petrassi. Fino al 

1962 aveva poi frequentato i 

Ferienkurse di Darmstadt, durante i 

quali erano state eseguite sue 

musiche. Negli anni Cinquanta era 

iniziata la collaborazione con Bruno 

Maderna, incontro che lo stesso 

Clementi riteneva decisivo; con 

Maderna avrebbe poi lavorato presso 

lo Studio di Fonologia Musicale della 

Radiotelevisione Italiana di Milano. 

Qui realizzò lavori come Collage 2 

(1960), Collage 3 (Dies irae) (1967) e 

Collage 4 (Jesu, meine Freude) (1979). 

Negli anni Sessanta compose la serie 

degli Informel (Informel 1 per 

percussioni e strumenti a tastiera, 

1961; Informel 2 per 15 esecutori, 

1962; Informel 3 per orchestra, 1961- 

1963). Ha varcato anche le soglie del 

teatro musicale con lavori come Es, 

Carillon, opera teatrale ispirata alla pièce Der 

Schwierige di Hugo von Hofmannsthal, e Interludi, 

musica per il mito di Eco e Narciso. Docente di 

composizione e teoria musicale per oltre vent’anni al 

Dams di Bologna, negli anni Sessanta è stato tra i 

fondatori dell’associazione romana Nuova Consonanza, 

assieme a Mauro Bortolotti, Franco Evangelisti, 

Domenico Guaccero e Francesco Pennisi. Nel 2005 

aveva ricevuto la “laurea honoris causa” dall’Università 

di Catania e il Premio “Presidente della Repubblica”; 

diversi concerti monografici ne avevano celebrato 

l’ottantesimo compleanno. Nel 2006 era stato nominato 

direttore onorario dell’Istituto Superiore di Studi Musicali 

‘Vincenzo Bellini’ di Catania. In questi termini David 

Osmond-Smith ne rievoca il significato storico: 

«I compositori che lavorano insistentemente con i 

canoni – Webern, Dallapiccola, Clementi, tanto per 

citarne tre – sono considerati con diffidenza da coloro 

che si avvicinano alla musica con la speranza di 

attingere un po’ del suo fascino di spontaneità 

soggettiva. Benché questi tre compositori dimostrino 

una straordinaria sensibilità verso le sfumature della 

musica sentita “nell’istante”, mettono in dubbio la 

convinzione generale secondo la quale il presente è 

l’unica dimensione temporale significativa della musica. 

La musica, invece, esiste anche nella temporalità 

virtuale dello spartito, dove il passato, il presente e il 

futuro coesistono e interagiscono. Di tutte le discipline 

musicali, è proprio il canone che media in modo più 

rigoroso tra queste dimensioni contraddittorie del tempo 

musicale. La costruzione di un canone richiede che ci si 

trovi contemporaneamente in più luoghi all’interno del 

tempo musicale virtuale dello spartito. Si tratta di un atto 

di fede nell’integrazione del tempo, che si realizza 

pienamente solo nel momento in cui il lavoro non viene 

filtrato dalle gerarchie imposte da un presente 

percettivo. Ma allo stesso tempo, il canone esalta il 

senso di responsabilità del musicista verso quel 

presente percettivo, disciplinandone sempre più la 

consapevolezza dei dettagli armonici e ritmici man mano 

che le differenti voci si intrecciano. Non c’è da stupirsi, 

allora, che un modo di concepire la musica che combina 

le due temporalità della tradizione musicale occidentale 

abbia ossessionato Aldo Clementi per più di trent’anni. 

Non si tratta soltanto di fedeltà all’essenza stessa della 

sua arte, ma anche alla sua posizione storica attuale. 

Clementi si rifiuta di comporre narrazioni, sia di tensioni 

risolte, sia di quella caleidoscopica successione, 

logicamente infinita, di stati d’essere così cari a tanti 

suoi contemporanei. I suoi materiali, sia che vengano 

attinti da un passato tonale, generati come un jeu 

d’esprit dai nomi delle persone alle quali sono dedicati, 

oppure prodotti attraverso la razionalizzazione della 

prassi compositiva dei suoi predecessori, utilizzando 

sequenze di intervalli derivate 

dalla scala diatonica, sono 

proiettati in uno stato rotazionale 

statico senza una vera e propria 

logica d’inizio o di fine. Clementi 

arriva a fare una sola concessione 

quasi teleologica, non alle 

convenzioni della tradizione 

soggettiva, bensì alle leggi della 

fisica. Trent’anni or sono 

propugnava la tesi che la musica, 

in quanto arte, fosse “in fase 

declinante”, se non addirittura 

morta, e che le sue strutture 

rotazionali potessero ormai 

fungere soltanto da memoriali 

musicali. Per nostra fortuna, non 

ha intrapreso la strada seguita da 

Samuel Beckett (anche lui 

maestro della negatività stoica), e 

quindi permesso alla sua musica 

di cadere lentamente nel silenzio. 

Anzi, l’incessante produzione della sua penna 

testimonia la capacità della musica di rinascere come 

l’araba fenice dalle ceneri. La sua straordinaria 

sensibilità per le sfumature e per le filigrane sonore 

(textures) – evidenziata per esempio dalle sottili armonie 

fluttuanti di Impromptu, oppure dalle filigrane così 

caratteristiche di Berceuse – dimostra l’abbondanza 

della vita musicale al di là della morte del “soggetto” 

musicale. E coloro che prendono le burle assolutamente 

sul serio, dovrebbero considerare che Scherzo sprigiona 

una sfrontata allégresse du fabricateur che non 

sentivamo nelle opere di Clementi dall’epoca in cui fu 

composto Triplum, nel lontano 1960. Uno sguardo alla 

produzione di Clementi delle ultime decadi mostra 

quanto intensamente sia stato attratto dall’adozione di 

frasi tratte dai corali protestanti come punto di partenza 

delle sue opere. E sebbene egli tenga a puntualizzare 

subito la loro qualità puramente estetica, questi 

frammenti inevitabilmente portano con sé risonanze di 

una vita vissuta in modo critico – come essenzialmente 

fecero le avventure più intense delle avanguardie del 

dopoguerra. Si sarebbe quindi tentati di affermare che 

questo sia semplicemente un altro “mondo perduto”, alle 

cui prassi – come quelle della musica amatoriale della 

sua giovinezza – Clementi afferirebbe una sobria 

affinità. Al pari delle personalità più forti della sua 

generazione, egli ha poco tempo per la nostalgia. Lavori 

di grande bellezza, come Vom Himmel hoch per 

pianoforte oppure Aus Tiefer... per coro femminile e 

strumenti, riaffermano la volontà dei suoi contemporanei 

di forgiare una personale esplorazione del passare del 

tempo, un modo personale di ottenere una disciplinata 

attenzione al fluire e rifluire delle densità sonore». Nei 

prossimi mesi sarà possibile ascoltare di Aldo Clementi 

Berceuse per clarinetto basso, viola e violoncello (in 

eco) ad libitum e pianoforte preparato, il 1° luglio al 

Castello Caetani di Sermoneta, nel quadro del 47° 

Festival Pontino di Musica, Incontri Internazionali di 

Musica Contemporanea, nell’esecuzione del 

Divertimento Ensemble diretto da Sandro Gorli. Il giorno 

successivo, 2 luglio, Maria Grazia Bellocchio proporrà 

nella medesima sede Loure per pianoforte solo. 

Passacaglia per flauto e flauto registrato è invece in 

cartellone all’Auditorium Pollini di Padova, per la Sound 

and Music Conference, il 6 luglio: al flauto Daniele 

Ruggieri. Il 25 settembre Andrea Pestalozza dirigerà 

alla Biennale di Venezia l’Orchestra Mitteleuropea nel 

Concerto per pianoforte, 24 strumenti e carillons. 

A tre mesi dalla scomparsa, un 

primo bilancio e diverse riprese 

Giovanni Verrando 

Giovanni Verrando partecipa al 



Bellocchio con Si credea fosser 

frati per voce e pianoforte 

amplificati su un canto popolare 

ligure, in prima al Teatro 











Luca Mosca 

Anche Luca Mosca partecipa al 



Bellocchio con Tenghe na 

favecella per soprano e 

pianoforte su un canto popolare 

molisano, in prima al Teatro 











Fernando Lopes Graça 

La Royal Scottish National 

Orchestra diretta da Alvaro 

Cassuto registrerà in studio il 

26 e 27 luglio, allo Henry Wood 

Hall di Glasgow, la Sinfonia per 

orchestra. 

5

Una pagina solistica dedicata 

a Francesco D’Orazio aprirà 

il Festival Pontino 

Nicolas Tzortzis 

Il 47° Festival Pontino di 

Musica, Incontri Internazionali 

di Musica Contemporanea, 

ospita il 1° luglio al Castello 

Caetani di Sermoneta il 

Divertimento Ensemble 

diretto da Sandro Gorli 

nell’interpretazione di Mnésique 

per cinque musicisti. 

Ci ha lasciato uno dei pionieri 

della musica elettronica 

Jorge Antunes 

Il violinista Elías Gurevich e 

l’Orquesta Sinfónica Nacional 

de Argentina diretta da Alejo 

Pérez proporranno il 17 giugno 

all’Auditorio Belgrano di 

Buenos Aires, nel contesto del 

Festival Claem, Tartinía 

MCMLXX per violino e 

orchestra. Nel corso del 

medesimo Festival sarà 

eseguito anche 

Microformobiles I per viola 

e pianoforte. 

6 

I volti del violino 

I 

Luis de Pablo 

l violinista Francesco D’Orazio proporrà il 1° luglio al 

Castello Caetani di Sermoneta, nell’ambito del 47° 

Festival Pontino di Musica, Incontri Internazionali di 

Musica Contemporanea, la prima esecuzione assoluta di 

Per violino. La genesi di questa pagina solistica, con la 

quale Luis de Pablo, dallo scorso anno Presidente 

onorario del Festival, aprirà l’edizione 2011 del Pontino, 

ci viene raccontata in questi termini dall’Autore: «Per 

violino nasce da una richiesta del mio amico e grande 

artista Francesco D’Orazio. I primi abbozzi risalgono al 

2009, ma il lavoro “serio”, cioè con l’intenzione di portare 

l’opera a compimento, iniziò il 1° giugno 2010 a Madrid. 

In quel momento mi accompagnavano diversi libri con un 

comune denominatore: rappresentazioni arcaiche del 

volto umano. Volti del Fayoum, degli Iberi, del Perù e del 

Messico precolombiani, della Polinesia... nessuno 

africano, non so perché. In un primo tempo pensai a 

un’opera in diverse parti che corrispondessero a tali 

ritratti e scelsi gli Iberi in quanto i più antichi: un arcaismo 

ingenuo. La retta via ha però prevalso e ho deciso che 

l’opera sarebbe stata ciò che doveva essere: un pezzo 

per violino solo, dedicato con rispetto allo strumento 

illustre e al suo interprete esimio. Senza dubbio qualcosa 

è rimasto dell’idea primigenia: nonostante la colata 

unica, vi sono evidenti sezioni contrastanti che eludono 

un lavoro tematico. Questo non significa certo il caos, 

ma il filo conduttore, come in quasi tutta la mia musica, si 

trova nel microelemento: forma d’attacco, ricorrenza di 

intervalli, polarizzazione di altezze fino a tipologie di 

Roland Kayn 

R 

durata. L’opera è stata scritta pensando alle mirabili 

capacità del dedicatario, ma non si tratta affatto d’una 

mera invenzione pirotecnica: il virtuosismo è al servizio 

della musica e della sua capacità espressiva, nella 

quale, per fortuna, tutto rientra. Per violino è stato 

ultimato il 26 agosto 2010 nella nostra fruttuosa casa di 

San Sebastián, nei Paesi Baschi». Diverse le occasioni 

di ascoltare musica di Luis de Pablo tra la fine della 

primavera e l’estate. Il 28 maggio Juan García 

Rodríguez dirigerà lo Zahir Ensemble in Eros per 

violoncello, pianoforte e sei esecutori, a Sueca 

(Valencia), per la manifestazione Mostra Sonora. 

Un importante concerto monografico avrà luogo il 3 

giugno al Teatro Real di Madrid: il pianista Horacio 

Lavandera, il controtenore Roberto Balconi, l’Orquesta y 

Coro Titulares del Teatro Real con Andrés Máspero, 

direttore del coro, e la direzione di Alejo Pérez, 

proporranno Natura per orchestra, il Concerto n. 2 “Per a 

Mompou” per pianoforte e orchestra, e Passio per soli, 

coro maschile e orchestra su poesie di Primo Levi. 

Musica di Luis de Pablo verrà eseguita a Buenos Aires, 

mentre il compositore terrà a metà giugno, al Teatro 

Real di Madrid, una conferenza su Olivier Messiaen. 

Luis de Pablo sarà membro della Giuria del Concorso di 

Composizione del Conservatorio di Santa Cecilia dal 16 

al 19 giugno; il 9 settembre Fabula per chitarra verrà 

eseguita in un recital a Lipsia, mentre il 12 settembre 

parteciperà a un incontro all’Instituto Cervantes di 

Berlino. 

Il maestro della cibernetica 

oland Kayn (1933-2011) è stato un pioniere della 

musica elettronica, mosso da un’indomabile curiosità 

nello scoprire orizzonti sonori 

nascosti. Il compositore, nato in 

Germania ma residente nei Paesi 

Bassi, è mancato il 5 gennaio 

2011. Kayn era conosciuto 

soprattutto per la sua cosiddetta 

musica cibernetica, lavori di 

musica elettronica che 

aderiscono a un processo sonoro 

singolare, autoregolamentato. 

Kayn così si espresse nel 2002: 

«La chiamo musica con un ritorno. Suoni che si 

rinnovano continuamente, indipendenti dal compositore. 

Come compositore, accetti il processo sonoro». I lavori 

cibernetici di Kayn come Makro, Tektra e il capolavoro di 

dieci ore Scanning consistono di campi sonori prolungati, 

allucinogeni e di tumultuose eruzioni sonore. Davvero 

musica del futuro. Roland Kayn era nato a Reutlingen 

(Germania), il 3 settembre 1933. Dopo aver studiato 

privatamente (1947-52), è stato allievo a Stoccarda della 

Musikhochschule e della Technical University (con Max 

Bense) fino al 1955, quando ha ottenuto il diploma di 

organista all’Esslingen Kirchenmusikschule. Ha poi 

studiato per altri tre anni con Boris Blacher 

(composizione) e Josef Leopold Rufer (analisi) alla 

Musikhochschule di Berlino. Dopo le prime prove di 

musica elettronica con Eimert a Colonia nel 1954, dal 

1959 ha lavorato negli studi di Bruxelles, Colonia, 

Sándor Veress 

Tre esecuzioni elvetiche ravvicinate per Sándor Veress. 

Il 15 giugno il Conservatoire Haute École de Musique 

de Genève proporrà la Passacaglia concertante per 

oboe e archi nell’interpretazione dell’Ensemble 

strumentale della stessa istituzione accademica, sotto 

la direzione di Antoine Marguier. Il 22 giugno il 

Sinfonieorchester Basel diretto da Stefan Lano eseguirà 

Milano, Monaco, Utrecht e Varsavia. Nel 1960 si è 

trasferito a Roma dove nel 1964, con Aldo Clementi e 

Franco Evangelisti, ha fondato il gruppo di 

improvvisazione Nuova Consonanza, di cui è rimasto 

membro fino al 1968. Nel 1964 è stato nominato nuovo 

responsabile musicale dell’NDR ad Amburgo. Nel 1970 è 

entrato nell’Instituut voor Sonologie dell’Università di 

Utrecht, dove vennero realizzati i suoi lavori 

elettroacustici degli anni Settanta e dei primi anni 

Ottanta. I primi lavori di Kayn subirono l’influenza di 

Schoenberg, Varèse e, per i pezzi organistici, di 

Messiaen. Incoraggiato da Bense, tuttavia, s’interessò di 

cibernetica e teoria dell’informazione, e ha applicato 

queste conoscenze alla composizione, per esempio nelle 

grandi composizioni elettroacustiche Monades (1971), 

Simultan (1970/72), Makro (1977), Infra (1978/79), 

Tektra (1980) e Scanning (1982/83). Considerava il suo 

metodo di selezionare i materiali su base cibernetica 

come un’alternativa alle tecniche informatiche; il suo 

scopo era un effetto rigorosamente controllato tramite 

l’impiego della gamma più ampia possibile di qualità 

sonore percepibili. Tra i suoi maggiori lavori strumentali: 

Spektren (1956) per quartetto d’archi; Quanten (1957) 

per pianoforte solo; Vectors I e II (1960/68) per orchestra 

da camera; Phasen (1964) per voci, coro, nastro 

magnetico e quattro gruppi di percussioni; Allotropie 

(1962/64) per orchestra; Diffusions (1965) per quattro 

organi elettrici; Aggrégates sonores (1958/71) per 

orchestra; Ektropie (1973/75) per coro e orchestra. 

il Concerto per clarinetto e orchestra allo Stadtcasino di 

Basilea, per la rassegna della Musik-Akademie Basel. 

Infine, Heinz Holliger proporrà il 22, 23 e 24 giugno al 

Tonhalle di Zurigo, alla testa del Tonhalle Orchester 

Zürich, due Ritratti ungheresi (n. 4 Teleky Laszlo e n. 7 

Mosonyi Mihaly in memoriam) di Franz Liszt 

nell’orchestrazione di Sándor Veress.

Michele dall’Ongaro 

Una tarantella siciliana 

L 

o scorso 3 aprile Domenico Nordio ha presentato al 

Teatro Sperimentale di Ancona, per la rassegna degli 

Amici della Musica “G. Michelli”, istituzione 

committente, la prima esecuzione assoluta di Zona 

rossa per violino solo. Spiega l’Autore: 

«Con il termine “zona rossa” s’intende 

generalmente il territorio strategicamente 

più sensibile, protetto. Qui trova asilo il 

cuore della polis, il suo centro politico, la 

parte sensibile. È l’obiettivo dei 

manifestanti, il nucleo da difendere per le 

forze dell’ordine. Anche le persone hanno 

una loro zona rossa, quella dove pochi 

possono entrare, a volte nessuno. Ma il 

suono del violino può penetrare anche lì, 

aprire le serrature più complesse, insinuarsi nelle 

pieghe più segrete del nostro animo. Esplorare la zona 

rossa, la musica può farlo». Anche Michele dall’Ongaro 

partecipa al progetto “Viaggio in Italia” di Alda Caiello e 

Maria Grazia Bellocchio con Carnascialata dei Pulcinelli 

per soprano e pianoforte su un canto popolare siciliano 

di Palermo, in prima esecuzione assoluta il 19 maggio 

al Teatro Goldoni di Firenze nel quadro del 74° Maggio 

Musicale Fiorentino, e con repliche per il Festival MITO, 

Settembre Musica, il 5 settembre al Conservatorio 

Giuseppe Verdi di Torino e il 6 settembre al Teatro Elfo 

Puccini di Milano, nell’interpretazione delle due artiste 

committenti. Così si esprime il compositore in proposito: 

«Non basta la dedica alle due strepitose protagoniste di 

Nicola Sani 

Il nuovo e l’antico 

A 

lda Caiello e Maria Grazia Bellocchio hanno 

arruolato anche Nicola Sani nel dar vita, al 74° Maggio 

Musicale Fiorentino, al progetto “Viaggio in Italia”. Il 19 

maggio le due artiste hanno interpretato al Teatro 

Goldoni di Firenze la prima esecuzione assoluta di Partì 

Mmaria - Canto di Passione per voce femminile e 

pianoforte su un canto popolare marchigiano del 

maceratese, con repliche per il Festival MITO, 

Settembre Musica, il 5 settembre al Conservatorio 

Giuseppe Verdi di Torino e il 6 settembre al Teatro Elfo 

Puccini di Milano. Un’altra prima cameristica avverrà il 

6 luglio all’Auditorium Pollini di Padova, in occasione 

del Sound and Music Conference, quando Daniele 

Ruggieri, flauto contralto, Aldo Orvieto, clavicembalo, 

Nicola Sani e Alvise Vidolin, regia sonora e live 

electronics, eseguiranno Un souffle le soulève, folie per 

flauto contralto, clavicembalo, live electronics e 

supporto digitale. Spiega l’Autore: «Nel mio percorso 

creativo ho incontrato in numerose occasioni il flauto e 

ho realizzato diversi lavori che uniscono questo 

strumento arcaico alle sonorità elettroniche, esplorando 

a fondo tutte le sue straordinarie potenzialità. In questa 

nuova composizione al flauto e all’elettronica, live e su 

supporto digitale, si unisce il clavicembalo. Così due 

strumenti che provengono dalla grande tradizione 

barocca e classica sono messi a confronto con i nuovi 

orizzonti tecnologici, dove la dimensione umana e 

poetica si fonde con la sperimentazione, creando 

Ennio Morricone 

Anche Ennio Morricone partecipa al progetto “Viaggio in 

Italia” ideato da Alda Caiello e Maria Grazia Bellocchio 

con Bella quanno te fece mamma tua per soprano e 

pianoforte su un canto popolare romano, in prima al 

Teatro Goldoni di Firenze il 19 maggio nel quadro del 

74° Maggio Musicale Fiorentino, con riprese al Festival 

MITO, Settembre Musica, il 5 settembre al 

Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Torino e il 6 

questa serata per ringraziarle a sufficienza, insieme al 

Maggio, dell’invito a partecipare a questa festa italiana. 

E siccome volevano “una cosa vivace” mi ero 

preoccupato. Per un compositore significa tante note e 

durata breve. Invece un bell’adagio è una pacchia: 

poche note e tempo largo (certo: tutto dipende poi da 

come ti viene l’uno e/o l’altro). Il 33% di sangue 

palermitano che scorre nelle mie vene mi ha gettato 

(dopo lunghe ricerche, invero) tra le braccia di questa 

specie di tarantella siciliana. Il mio intervento riguarda 

soprattutto la parte pianistica. L’idea è di srotolare 

uno sciame di veloci, liquidi minicluster (quasi 

tentando una microtonalità araba e remota) in cui 

affiorino armonie familiari subito però inghiottite 

(salvo in un momento di sosta nostalgicamente 

effimera) dal flusso e riflusso della lava cromatica. 

Tutto questo brulicare di note non è in realtà che una 

variazione continua del materiale melodico originale 

ipercompresso e velocizzato. Tout se tient: provatelo a 

tradurlo in palermitano e il giuoco è fatto». Due le 

esecuzioni di dall’Ongaro da segnalare nell’estate 2011: 

l’Ensemble Algoritmo diretto da Marco Angius propone il 

30 luglio Ad libitum per flauto, clarinetto, vibrafono, 

pianoforte, violino e violoncello al 36° Cantiere 

Internazionale d’Arte di Montepulciano; Marco Rogliano, 

violino, Silvia Chiesa, violoncello e Maurizio Baglini, 

pianoforte interpretano il 13 agosto il Trio n. 2 per 

violino, violoncello e pianoforte a Poggi del Sasso 

(Grosseto), per l’Amiata Piano Festival. 

inauditi percorsi sonori. Le loro voci si fondono in 

algoritmi di convoluzione che re-sintetizzano le loro 

componenti timbriche. Lo spettro complesso, metallico 

e distorto del clavicembalo si unisce alla dimensione 

ruvida e aerea dei tubi sonori. Il titolo della 

composizione è liberamente ispirato a una poesia di 

Giacinto Scelsi, a cui si unisce una parola, “folie” (follia), 

che svela l’origine antica e arcana dello schema 

armonico della composizione». La musica di Nicola 

Sani è in programma il 26 maggio al MUVE, Museo del 

Vetro di Empoli, dove, nell’ambito di un concerto 

promosso dal Centro Studi Musicali Ferruccio Busoni, 

verrà eseguito da Nicola Baroni Sonore image de mon 

absence per violoncello e supporto digitale a 8 canali. 

Nel mese di luglio Ciro Longobardi interpreterà al 

Civitafestival di Civita Castellana Concetto spaziale, 

attese per pianoforte e supporto digitale; nel medesimo 

contesto, l’Autore stesso alla regia del suono proporrà 

Studio per le ali, spazio sonoro elettronico a 8 canali. 

Infine, nell’ambito della rassegna Deutschlandradio 

Klangkunst, realizzata da Phonurgia Nova al Musée 

Réattu di Arles e dedicata alle opere radiofoniche, 

verranno programmate due opere di Nicola Sani 

prodotte dalla Deutschlandradio di Berlino: Voices 

Beyond the Edge, per voce di basso e voci elaborate su 

supporto digitale a 8 canali, e Diotima e Euridice, opera 

radiofonica per voci, strumenti e supporto digitale a 8 

canali. 

settembre al Teatro Elfo Puccini di Milano, 

nell’intepretazione delle due artiste committenti. Fabio 

Maestri dirige il 20 luglio l’Orchestra Sinfonica di Lecce 

“Tito Schipa” nel Cortile del Palazzo dei Celestini di 

Lecce in Grido per soprano, orchestra d’archi e nastro 

magnetico ad libitum, e Frammenti di Eros, cantata per 

soprano, pianoforte e orchestra su testi di Sergio Miceli. 

Pagina di bravura per il progetto 

“Viaggio in Italia”, protagonista 

ad Ancona la voce del violino 

Michele Tadini 

Luigi Attademo esegue Hands 

per chitarra il 7 giugno, in prima 

assoluta, all’Istituto Italiano di 

Cultura di Vienna, con riprese il 

24 giugno al Barge Music di 

New York e il 26 luglio, in prima 

esecuzione italiana, al 36° 

Cantiere Internazionale d’Arte 

di Montepulciano. 

Dialogo tra strumenti acustici di 

tradizione barocca e l’elettronica 

in un nuovo lavoro cameristico 

Giorgio Colombo Taccani 

Il 28 aprile Fabrizio Ottaviucci 

ha ripreso, nell’ambito del 

Festival di Musica 

Contemporanea Italiana di Forlì 

i Due Studi per pianoforte solo. 

7

Una monografia e un convegno 

fanno il punto su mezzo secolo 

di creazioni 

Nel decennale della 

scomparsa vede la luce 

un’importante monografia 

Bruno Maderna 

Musica su due dimensioni per 

flauto e nastro magnetico verrà 

eseguita nella versione del 

1952 da Rodrigo Cicchelli 

Velloso il 18 agosto a Rio de 

Janeiro, alla Fundação 

Universitária José Bonifácio, 

Salão Leopoldo Miguez, Escola 

de Música da UFRJ. 

Quattro critofilm rivelano 

a Firenze la ricchezza 

della nuova musica 

8 

Carlos Roqué Alsina 

L’artista raccontato 

I 

settant’anni di Carlos Roqué Alsina vengono celebrati 

sul piano editoriale con la pubblicazione, preannunciata 

sullo scorso numero di ESZ News, della monografia di 

Alexis Galpérine Carlos Roqué Alsina. Entretiens, 

documents, témoignages, Éditions Delatour France. 

In margine ai concerti e agli eventi diversi che ne 

celebrano il settantesimo compleanno, Carlos Roqué 

Alsina si è infatti confidato, in una serie di dialoghi, col 

violinista Alexis Galpérine, interprete e dedicatario di 

suoi lavori. Il ricco racconto ripercorre una carriera di 

virtuoso la cui produzione come compositore supera 

ormai i 120 numeri d’opus e si distende su oltre mezzo 

secolo. Dagli inizi come pianista prodigio nell’Argentina 

del dopoguerra (concerti con Otto Klemperer, Manuel 

Rosenthal, ecc.) fino ai grandi poli europei della 

creatività (i Festival di Darmstadt, Donaueschingen, 

Royan, La Rochelle, Metz, ecc.), il percorso giunge al 

suo apogeo con la commissione di una Sinfonia da 

parte dell’Orchestre de Paris. Nella seconda parte del 

libro l’intervista lascia posto a documenti, testimonianze 

e analisi che riflettono su un’opera polimorfa la cui 

portata non è stata ancora considerata compiutamente. 

In onore del compositore si è appena svolta 

un’importante manifestazione articolata, intitolata “Les 

Rencontres Alsina”: due giornate di studio e di concerti 

Giuseppe Sinopoli 

Ritratto d’artista 

E 

sce quest’anno, nel decennale 

della scomparsa, un’ampia 

monografia complessiva in due 

volumi su Giuseppe Sinopoli. Il 

lavoro di Ulrike Kienzle, Giuseppe 

Sinopoli. Komponist - Dirigent - 

Archäologe (Würzburg, 

Königshausen & Neumann), si 

articola in due volumi: nel primo 

(Lebenswege) vengono ricostruiti i 

percorsi esistenziali dell’artista, nel 

secondo (Porträts) la vita e l’opera 

sono documentate attraverso una 

serie di fotografie. Nel 2012 sarà 

pubblicato un terzo volume che 

avrà come oggetto l’analisi 

particolareggiata di composizioni, esecuzioni e scritti di 

Sinopoli. Giuseppe Sinopoli, oltre che uno dei più 

affermati musicisti del Novecento, fu uno spirito 

universale di grande spessore e pari competenza nei più 

svariati campi. Laureato in medicina, negli anni Settanta 

del secolo scorso si distinse come compositore 

nell’ambito dell’avanguardia musicale italiana. Dagli anni 

Ottanta si dedicò alla direzione d’orchestra, riscuotendo 

Mario Ruffini 

Vedere la musica 

I 

l 30 aprile, in occasione della Notte Bianca, il Comune 

di Firenze e il Lyceum Club Internazionale di Firenze 

hanno organizzato, in collaborazione col 

Kunsthistorisches Institut in Florenz - Max-Planck- 

Institut e la Fondazione Il Fiore, la manifestazione Mario 

Ruffini e il cinema. Dal Critofilm al Musik-Film nel nome 

di Luigi Dallapiccola, con la proiezione di quattro filmdocumentari 

d’arte e musica. Ruffini, che dirige il 

dipartimento di Musica e Arti figurative del 

Kunsthistorisches Institut in Florenz - Max-Planck- 

Institut, ha iniziato a promuovere il Musik-Film con il 

preciso intento di ripercorrere, sul versante della musica, 

coordinate da Bernard de Vienne, il 17 e il 18 marzo al 

CRR di Parigi, in collaborazione con il Centre de 

Documentation de la Musique Contemporaine - CDMC. 

L’iniziativa, che ha coronato una masterclass 

organizzata al CRR, ha avuto come scopo la 

puntualizzazione del pensiero estetico del compositore 

attraverso una serie di interventi di Corinne Schneider, 

Laure Berlioz, Pierre-Albert Castanet, Alexis Galpérine, 

Renaud François, Michel Bourdoncle, Bernard de 

Vienne, Carine Zarifian, e dello stesso Alsina. 

Gli interventi integrali pronunciati nel corso di questi 

incontri possono ora essere ascoltati on line attraverso il 

sito del CDMC (http://www.cdmc.asso.fr/). Il 17 maggio, 

Natasha Roqué Alsina ha eseguito al Temple Saint 

Marcel di Parigi la Suite per pianoforte e nastro 

magnetico. Il 30 giugno è invece in programma 

all’Auditorium della Hochschule für Musik di Amburgo 

Omaggio a Bach (Klavierstück 6) per pianoforte e nastro 

magnetico, nell’interpretazione di Yannaël Quenel. 

Si segnala infine che la percussionista bulgara 

Vassilena Serafimova ha in preparazione un Cd di 

prossima uscita che comprende due opere di Carlos 

Roqué Alsina: Themen per un percussionista e Reflet 

per vibrafono solo. 

apprezzamenti a livello internazionale per la sua 

capacità di esplorare il repertorio sinfonico e 

melodrammatico nell’ottica della Nuova Musica. Dallo 

studio dell’archeologia Sinopoli trasse ispirazione per 

una riflessione critica sul presente, elaborata tra l’altro 

nel suo romanzo-saggio Parsifal a Venezia. Nella sua 

attività scientifico-artistica, 

Sinopoli univa alla precisione 

intellettuale una peculiare 

radicalità del sentire e 

interpretare la musica. Le ESZ, 

che pubblicano al momento 

dodici titoli del compositore, 

sono da anni impegnate nella 

riscoperta dei lavori giovanili di 

Giuseppe Sinopoli, prodotti con 

crescente successo. Il 21 aprile 

la Staatskapelle Dresden ha 

celebrato il decennale della 

scomparsa del suo Direttore 

principale con la prima 

esecuzione tedesca, nella 

Lukaskirche di Dresda sotto la guida di Christian 

Thielemann, di Klangfarben per cinque archi solisti. 

le strade che mezzo secolo fa Carlo Ludovico 

Ragghianti aveva intrapreso su quello della storia 

dell’arte, ovvero allargare al grande pubblico la 

conoscenza, la comprensione e l’amore per la musica 

del nostro tempo. Dei quattro film proiettati, due 

(L’esperienza del Cubismo, 1949, e Firenze 

dodecafonica. 6000 passi in città con Luigi Dallapiccola, 

2011) prevedono musiche di Luigi Dallapiccola, ed 

altrettanti (Immotus. Magno silentio audire, 2008, e 

Giuseppe Gavazzi. Ritratto in quattro movimenti, 2010) 

quelle dello stesso Mario Ruffini.

Pasquale Corrado 

Lo sguardo dell’innocenza 

L 

a Biennale di Venezia propone il 25 settembre la 

prima esecuzione di Inciso per orchestra, commissione 

dell’Ente a Pasquale Corrado, nell’interpretazione di 

Andrea Pestalozza alla testa dell’Orchestra 

Mitteleuropea. Così l’Autore racconta il nuovo lavoro: 

«Inciso è un viaggio all’interno di una materia dai 

contorni indefiniti e dalle sfumature incerte. È la 

descrizione di una sola figura musicale e delle mille 

variazioni che la rendono sempre diversa e mutevole: 

le note Do e Si ricorrono durante tutto l’arco del pezzo 

dando vita a situazioni sempre differenti, nuove. 

Proseguendo il gesto musicale di Sovrainciso, pezzo 

per tredici strumenti, il brano approfondisce in forma più 

articolata il tema principale. Inciso narra dell’incontro tra 

un uomo (ancora bambino) inconsapevolmente miope e 

la sua fantasia. Così, nella parte iniziale del pezzo, 

questi due protagonisti sono come cristalli esaminati al 

microscopio, per mettere in luce forme, angoli e riflessi 

contenuti all’interno delle loro pieghe. Ed ecco che la 

fantasia trasforma la ghiaia del cortile in un confuso 

mare di pietra grigio e solo al tatto essa rivela la sua 

natura materiale di piccoli sassolini multiformi e dalle 

precise risoluzioni cromatiche. La struttura narrativa del 

brano si articola attraverso diversi movimenti e 

Eric Maestri 

sequenze ritmiche, descrivendo la straordinaria 

“complessità dell’innocenza” che, di fronte 

all’indeterminatezza del mondo, diventa l’unico e più 

forte elemento de/costruttivo del reale. Poi, man mano 

che le due note si sovrappongono, l’aspetto sincronico 

prevale su quello diacronico e l’aspetto armonico su 

quello melodico. Fa così comparsa in lontananza 

un’ambigua e crudele spettatrice: l’illusione, maschera 

dell’inconscio, forza logica costruttiva e distruttiva 

capace di trasformare l’uomo in un essere vulnerabile. 

Ma anche l’illusione, di fronte all’incanto del gioco di un 

bambino, non può fare altro che guardare e 

pazientemente attendere». Pasquale Corrado figura tra 

i compositori selezionati dal Premio San Fedele 

Giovani Artisti – Settore Musica “...e quindi uscimmo a 

riveder le stelle” secondo quanto stabilito dalla giuria 

costituita da Maria Grazia Bellocchio, Ernesto Esposito, 

Ivan Fedele, Federico Gardella, Stefano Gervasoni, 

Sandro Gorli, Isabel Mundry, Brice Pauset, Antonio 

Pileggi, Alessandro Solbiati. I compositori selezionati 

lavoreranno all’elaborazione di un articolato progetto di 

drammatizzazione musicale di alcune parti della 

Commedia di Dante, in collaborazione con il Quartetto 

Prometeo. 

Natura naturans naturata 

I 

l Festival Agora ospita il 18 giugno a Parigi, nella 

Grande Salle del Centre Pompidou, la prima 

esecuzione assoluta di Celestografia, musica musicans 

per soprano, violino, pianoforte, tastiere e elettronica, 

nell’interpetazione del soprano Elisabeth Calleo, 

dell’Ensemble musikFabrik e dell’elettronica Ircam. 

Coproduzione Ircam - Centre Pompidou e Les 

Spectacles Vivants, il concerto sarà registrato da 

France Musique. Spiega Maestri: «La celestografia era 

una pratica fotografica sviluppatasi sul finire 

dell’Ottocento. Vedere nelle immagini astratte della 

fotografia del cielo stellato un’immagine della psiche 

significava aprire lo scrigno del meccanismo interiore. 

Anche la musica può essere una chiave di lettura di 

questo stesso mondo, interno e esterno. In questo 

brano, basato su estratti di testi dall’Etica di Baruch 

Spinoza, l’idea del filosofo di una natura vista dal di 

fuori, naturata, e un’altra considerata da di dentro, 

naturans, coincide con l’idea poetica della celestografia: 

cercare di vedere la musica dal punto di vista della 

“logica” musicale, lasciandosi portare dai suggerimenti 

Vittorio Montalti 

Dal passato il presente 

D 

oppio palcoscenico per il nuovo Ghiribizzo per 

chitarra di Vittorio Montalti. Il breve pezzo, dedicato a 

Luigi Attademo e destinato a un programma di concerto 

che prevede l’esecuzione di Sonate e Ghiribizzi di 

Nicolò Paganini, viene proposto dal dedicatario in prima 

esecuzione assoluta l’8 giugno all’Institut für 

Romanistik di Graz, e ripreso il 26 luglio al 36° Cantiere 

Internazionale d’Arte di Montepulciano, nella Biblioteca 

Vescovile della città toscana. Spiega l’Autore: «Il mio 

lavoro, di appena 50 secondi, è basato su un solo 

oggetto sonoro, cercando di riallacciarsi a un’idea di 

semplicità di scrittura presente nei Ghiribizzi di 

Paganini: una sorta di pagina d’album». Un’ulteriore 

prima avrà luogo il 6 giugno all’Auditorium San Fedele 

di Milano nell’ambito della selezione del Premio San 

Fedele Giovani Artisti, in cui Vittorio Montalti figura tra i 

compositori selezionati per il Settore Musica. Maria 

Grazia Bellocchio eseguirà Bagatella per pianoforte 

del flusso musicale per scoprirne i limiti e i meccanismi, 

miei, personali, che guidano la mano scrivente. Così la 

musica, la scrittura, sono specchi che mostrano un 

percorso che si sviluppa in autonomia e di cui mi voglio 

appropriare. Da questa idea prende il via anche il lavoro 

sull’elettronica, principalmente di sintesi e di costruzione 

del suono elettronico come strumento, come timbro che 

si integra nell’ensemble e che orchestra, con gli altri 

timbri, la linea del brano. L’elettronica si basa su un’idea 

frontale dello spazio acustico e sulla percezione delle 

sorgenti sonore. Il pianoforte è una cassa di risonanza, 

con due altoparlanti al suo interno; le tastiere, una 

vocale e l’altra strumentale, sono localizzate nello 

spazio, e così il suono elettronico non solo è prodotto 

dagli altoparlanti, ma propriamente eseguito da un 

musicista che diviene, in dialettica con il pianoforte, la 

sorgente del suono elettronico. La voce, doppiata dalla 

tastiera, non procede per linee melodiche, ma per salti, 

per note tenute, per variazioni dinamiche minime o 

eccessive. Il fulcro non è l’affetto del testo ma il timbro 

puro della voce, che il testo semplicemente sostiene». 

solo, una pagina di cui Montalti precisa in questi termini 

la ragion d’essere: «La mia Bagatella per pianoforte 

solo è un lavoro da eseguire come collegamento tra la 

seconda e terza bagatella dell’ op. 119 di Beethoven in 

un tentativo di drammatizzazione musicale. Il mio pezzo 

agisce (rispetto alle bagatelle in questione) per 

contrasto. Si tratta quindi di una momentanea 

deviazione dal percorso originale che apre nuovi 

immaginari sonori; un tentativo di ripensare il ruolo e il 

luogo del concerto classico tramite l’accostamento tra 

opere del passato e opere moderne. Il brano nasce dal 

nulla. Al confine con il silenzio emerge il suono 

acutissimo di un pianoforte: i tasti sono appena sfiorati 

e il rumore della meccanica si confonde con il suono 

delle corde. Le irruzioni violente di un secondo 

materiale faranno precipitare la materia negli abissi 

della tastiera in un finale incandescente». 

Prima sinfonica alla 

Biennale di Venezia 

Prima al Festival Agora ispirata 

alla filosofia di Spinoza 

Due novità per solisti, all’ombra 

di Beethoven e Paganini 

La lirica di Mario Luzi 

accompagna e ispira la ricerca 

di confine 

cara al 

9

Installazione nel chiostro di 

Royaumont, come un’eco 

dell’ambiente circostante 

Andrea Mannucci 

Il 28 giugno verrà eseguito al 

Conservatorio della Svizzera 

Italiana a Lugano Mexico City 

Blues per flauto, clarinetto, 

chitarra elettrica e pianoforte. 

Un nuovo Concerto per 

flauto in edizione critica 

e un’inedita Sinfonia 

10 

Maurilio Cacciatore 

Ecologia del tempo 

D 

all’8 al 29 settembre il chiostro dell’Abbazia di 

Royaumont ospiterà l’installazione elettroacustica di 

Maurilio Cacciatore Apparaître, disparaître, se cacher, 

in cui sono riprodotti suoni di flauti registrati da Keiko 

Murakami negli studi della Muse en Circuit di Parigi. In 

questi termini l’Autore racconta questa nuova avventura 

creativa: «Quando la Fondazione Royaumont mi ha 

offerto questa possibilità, mi sono chiesto quale fosse la 

differenza profonda tra un brano di musica e 

un’installazione. In fondo entrambe sono una 

successione di eventi sonori: indipendentemente dal tipo 

di musica e dal materiale con cui essa è costruita, 

potremo aggrapparci durante l’ascolto a delle sinestesie, 

a dei materiali connotati, a dei profili, insomma a dei 

“personaggi” che arrivano, vivono e raccontano una 

storia. Seguendo questa narrazione, mai detta ma solo 

suggerita, prima o poi il pezzo arriverà alla fine. È qui 

che io noto una differenza profonda tra un pezzo di 

musica e un’installazione: in quest’ultima manca la 

dimensione del tempo nel suo rapporto con la fine. Tutto 

recupera una dinamica più umana, gli eventi sonori 

rivendicano un rapporto ecologico con la dimensione 

temporale: qualcosa succede senza sapere se 

succederà qualcos’altro, senza che nessun materiale si 

arroghi il compito di scolpire una forma, cioè di 

trasmettere la sensazione della fine. Se un’installazione 

è diffusa di continuo, allora il concetto di fine perde di 

rilevanza: la musica non finisce mai, i personaggi 

Saverio Mercadante 

Pensiero sinfonico 

P 

rosegue la pubblicazione in edizione critica dei 

Concerti per flauto di Saverio Mercadante, di cui ora è 

disponibile anche il Concerto in Re maggiore per flauto 

e orchestra a cura di Mariateresa Dellaborra che ci 

introduce alla scoperta dell’opera: «Probabilmente nel 

1819, verso la fine del cursus studiorum presso il Reale 

Collegio di Musica di Napoli, Saverio Mercadante ebbe 

l’onore di vedersi pubblicare una propria composizione: 

il “Sesto Concerto di flauto con accompagnamento di 2 

violini, viola, oboe, corni e basso”. Lo stampatore 

napoletano Girard, sicuro del successo, si fece carico 

dell’edizione e la pagina contribuì senza dubbio a 

consolidare la fama internazionale dell’emergente 

compositore oltre che a fornire un significativo 

contributo all’esiguo repertorio strumentale coevo. 

Rispetto ai precedenti concerti, il sesto, in Re maggiore, 

offre per lo meno due importanti elementi di distinzione: 

il solista non affronta passi di virtuosismo acrobatico, 

pur impegnato in una scrittura solistica molto ardua; 

l’orchestrazione è più originale e complessa. Gli 

strumenti sono infatti impiegati in modo molto vario 

mediante, ad esempio, una puntuale suddivisione tra la 

sezione grave e acuta degli archi, un differente ruolo 

assegnato ai violoncelli e ai contrabbassi e brevi 

passaggi solistici affidati ai fiati. Il brano si compone dei 

consueti tre movimenti (Allegro maestoso - Andante 

alla siciliana. Largo - Polacca. Allegro brillante), il più 

complesso dei quali è indubitabilmente il primo sia per 

l’articolata elaborazione, sia per il trattamento dei timbri, 

sia per la struttura formale che riproduce lo schema 

della forma-sonata, sia infine per l’impegno 

virtuosistico. Il secondo si staglia per la delicata 

bellezza e la grazia dell’invenzione tematica; il terzo 

sviluppa con felicità inventiva la Polacca, la forma più 

amata da Mercadante a conclusione dei suoi pezzi 

orchestrali. Oltre che dall’ottocentesca copia a stampa, 

il Concerto è tramandato in due esemplari manoscritti 

conservati nella biblioteca del Conservatorio di musica 

“San Pietro a Majella” di Napoli: uno autografo e l’altro 

datato 1834, testimonianza di una prolungata 

circuitazione e di un costante apprezzamento della 

composizione. Secondo i criteri adottati all’interno 

dell’edizione critica integrale delle composizioni per 

flauto e orchestra di Mercadante, di cui il Sesto 

arrivano, scompaiono, poi ritornano, per riprendere il 

loro ciclo. Un po’ come le persone: oggi nessuno può 

scomparire, si riesce al massimo a decidere di 

nascondersi dalla ribalta della vita di una persona. 

Questa visione ecologica del tempo in un’installazione 

musicale da ascoltare passeggiando ha suggerito in me 

anche la scelta delle tipologie di materiali da utilizzare. 

Influenzato anche dal fascino del chiostro dell’Abbazia di 

Royaumont, l’installazione sarà un’amplificazione di ciò 

che naturalmente si ascolta in quel luogo, quasi come 

se gli altoparlanti amplificassero l’area circostante. Poi, i 

suoni dei flauti di Keiko Murakami: come il vento può 

colorarsi di un profumo, così una scia di suoni 

eterogenei può colorarsi di un timbro, può creare dal 

generico una texture specifica. Se magari un giorno 

questa installazione avrà la fortuna di essere rimontata 

in un altro luogo, l’effetto sarà allora surreale, perché 

una stanza parlerà di un’altra stanza. 

Un dispositivo di captazione in tempo reale di alcuni 

eventi porta un parametro in più a ciò che è previsto 

dalla musica su supporto; l’interattività con il pubblico 

rende il tutto un po’ più instabile, imprevedibile: così ogni 

ascoltatore può decidere se apparire e far succedere 

qualcosa, sparire, per mettere fine alla sua esperienza, 

o se nascondersi, per vedere senza condizionare gli 

eventi cosa succede a un giardino quando dei suoni 

s’impossessano di uno spazio». 

Concerto in Re maggiore rappresenta il quarto volume, 

nell’introduzione e nell’apparato critico si ripercorre la 

genesi dell’opera, si indaga sul suo significato nel 

contesto della produzione dell’autore, si dà conto di tutti 

gli elementi utili per una sua corretta esecuzione, 

fornendone infine una lezione attendibile». In occasione 

dei festeggiamenti nazionali per il 150° dell’Unità 

d’Italia, le Edizioni Suvini Zerboni pubblicano (nella 

revisione di Mario Carbotta e Mariateresa Dellaborra) 

un inedito lavoro per grande orchestra di Saverio 

Mercadante, la Garibaldi-Sinfonia dedicata all’Italia, 

nell’edizione integrale secondo la partitura autografa. 

Quando nel marzo 1861 Saverio Mercadante mise la 

parola fine alla sua sinfonia Garibaldi iniziata il mese 

precedente, il clima politico era infuocato e la 

composizione apparve come l’ennesima riprova del 

coinvolgimento attivo del compositore alle vicende 

risorgimentali. Definita «stupenda, nobilissima e piena 

di effetti, infiorata di dettagli ed impasti strumentali» 

sorprendenti, rapì sino all’entusiasmo il pubblico del 

tempo. In effetti l’invenzione tematica vi è trascinante e 

la struttura denota la padronanza dell’orchestrazione 

nonché l’originale fantasia dell’autore. Si compone di un 

unico movimento al cui interno si riconoscono diverse 

sezioni, le più estese delle quali sono un Andante 

mosso e un Allegro che si conclude con un Più animato 

e molto staccato. Il motivo dominante è senza dubbio 

quello dell’Inno dei cacciatori delle Alpi variamente 

manipolato e riproposto nel corso del pezzo, interrotto 

periodicamente da una delle più famose melodie 

popolari milanesi, La bella Gigogin. Se l’interesse 

prettamente musicale della composizione è stato il 

motivo propulsore alla pubblicazione di questa edizione 

integrale secondo la partitura autografa, è tuttavia 

innegabile che la sua attualità storica ne è stato 

l’elemento risolutivo. La composizione può infatti 

aiutare a ricreare, e dunque a comprendere in modo più 

consapevole, il clima del risorgimento, a riflettere più 

profondamente sui sentimenti che animavano il 

pubblico di allora e sui motivi di tanto entusiasmo da 

parte dei critici e dei compositori (Ponchielli in primis) 

che quasi fecero a gara per trascriverla per organici 

differenti in modo da prolungarne l’esplosivo effetto di 

entusiasmo popolare originario.

Antonio Cano 

Il maestro sconosciuto 

Escono, nella revisione di Adriano Sebastiani, 

Tre fantasie spagnole per chitarra, quarto volume del 

progetto editoriale che le ESZ dedicano al grande 

chitarrista e compositore iberico Antonio Cano Curriela, 

cui poca attenzione è stata finora riservata sia dagli 

interpreti che dalla ricerca musicologica, 

eccessivamente concentrata sulle scuole chitarristiche 

classiche di Sor, Aguado e Tarrega, ignorando il 

contributo didattico e artistico di Antonio Cano. L’Autore 

nacque nel 1811 a Lorca, nella regione della Murcia. 

Contestualmente agli studi musicali si laureò in 

Medicina e Chirurgia. Nel 1847 fu lo stesso Aguado, 

dopo averlo ascoltato in un recital, a incoraggiarlo a 

proseguire la carriera di musicista. Il suo Metodo 

completo de guitarra, stampato nel 1852, mostra 

chiaramente la sua devozione verso il celebre maestro 

madrileno e allo stesso tempo l’influenza didattica 

esercitata su di lui da quest’ultimo. Numerosi e calorosi 

furono in seguito i consensi ottenuti ovunque nelle 

diverse tournées effettuate in Spagna, Francia e 

Portogallo. Nel 1859 fu nominato da Sebastiano di 

Borbone Musico da Camera e responsabile 

dell’Archivio Musicale Reale. Nel 1868 fu pubblicata 

una seconda edizione aggiornata del suo Metodo, 

ampliato da un Tratado de Harmonia aplicada a este 

instrumento; nello stesso anno ottenne l’incarico di 

Professore di chitarra presso il Conservatorio di Madrid. 

Nel 1874 il ventiduenne Tarrega frequentava la stessa 

Istituzione in qualità di studente, ed è quindi molto 

Hilarion Leloup 

Aria iberica 

Le ESZ inaugurano con l’uscita delle Arie Argentine 

per chitarra, nella revisione di Adriano Sebastiani, un 

progetto editoriale dedicato al chitarrista e compositore 

iberico Hilarion Leloup, prosecutore originale e di valore 

della scuola chitarristica tarreghiana. Leloup nasce nel 

1876 a Bilbao, nella regione dei Paesi Baschi, e 

intraprende lo studio della musica giovanissimo nella 

sua città natale, studiando prima chitarra con il padre e 

poi contrabbasso. Diventa professore di quest’ultimo 

strumento presso la Società Filarmonica di Bilbao, 

contrabbassista presso la Banda Municipale e la 

Società dei Concerti della capitale basca. Nel 1905 

stringe amicizia con Tarrega, grazie al quale prosegue 

la sua carriera di chitarrista, con tournées in Spagna, 

Francia e Inghilterra. Nel 1912 si trasferisce nella 

capitale argentina, dove acquista notevole fama come 

professore di chitarra. Si spegne a Buenos Aires nel 

Luigi Dallapiccola 

Il WDR Sinfonieorchester diretto da Emilio Pomarico 

propone il 30 settembre alla Philharmonie di Colonia 

Dialoghi per violoncello e orchestra, con Oren Shevlin 

nella veste di violoncello solista. È uscito per i tipi 

dell’Editorial Arpegio, Sant Cugat (Barcelona), il volume 

di Daniel Amadeo Zimbaldo Aproximación a la música 

Francesco Hoch 

Mercoledì 22 giugno si svolgerà al Parco Ciani di 

Lugano la manifestazione “Musica nel parco per un 

pubblico a passeggio”, durante la quale verrà proposta 

la prima esecuzione assoluta di Caleidoscopio di 

musiche e di luci. Sette musicisti dialogano tra loro 

all’interno del parco, eseguendo estratti musicali 

da brani composti da Hoch dal 1969 al 2010. 

Si ascolteranno in particolare: Es ist Zeit per flauto, 

probabile che egli abbia avuto l’opportunità di entrare 

strettamente a contatto con la tecnica e poetica del 

maestro murciano. Il 1892 è l’anno che segna l’uscita 

del Nuevo Metodo, la sua terza e ultima edizione. 

Cano si spense a Madrid nel 1897 all’età di ottantasei 

anni. La sua produzione chitarristica comprende circa 

una cinquantina di brani, tra cui alcune Fantasie su 

celebri temi operistici tratti da Norma e Capuleti e 

Montecchi di Vincenzo Bellini e Lucia di Lammermoor 

di Gaetano Donizetti. Questo quarto volume appena 

pubblicato, comprendente tre Fantasie spagnole 

originali per chitarra sola, si basa su altrettante edizioni 

a stampa dell’epoca, realizzate in Spagna con i titoli di 

Las Delicias de Mi Patria Fantasia Caracteristica n. 3, 

Mi Patria Gran Fantasia Caracteristica Española e La 

Gallegada Fantasia. La revisione è stata condotta 

rispettando fedelmente l’edizione dell’epoca e si è 

limitata a correggere gli errori di stampa presenti e a 

conferire chiarezza polifonica alle voci. Sono stati 

conservati i segni dinamici, le indicazioni degli armonici, 

le legature e i portamenti originali. I brani sono concepiti 

con un alto grado di idiomaticità e mostrano la mano di 

un musicista aggraziato che sa coniugare il fascino 

della sua raffinata scrittura chitarristica con un’elegante 

ricerca armonica. Ne nascono suggestive meditazioni 

intimistiche ispirate a stati d’animo, a gesti, a ricordi, in 

cui non mancano brillantezza e varietà di effetti, che 

creano un sottile equilibrio con la squisita cantabilità 

che pervade tutte le pagine. 

1939, all’età di 63 anni. La sua produzione chitarristica 

comprende un buon numero di opere per chitarra sola, 

due chitarre e canto e chitarra, oltre che alcuni lavori di 

carattere didattico. Il volume ora in uscita comprende 

alcune Arie Argentine per chitarra sola e si basa su 

un’edizione a stampa dell’epoca dal titolo originario di 

Aires Argentinos. La revisione è stata condotta 

rispettando fedelmente l’edizione dell’epoca e si è 

limitata a correggere gli errori di stampa presenti e a 

conferire chiarezza polifonica alle voci. Sono stati 

conservati i segni dinamici, le indicazioni degli armonici, 

le legature e i portamenti originali. Il brano è concepito 

con un alto grado di idiomaticità e mostra la mano di un 

musicista raffinato che sa coniugare l’originalità della 

sua sapiente scrittura chitarristica con un’elegante vena 

salottiera. 

de Dallapiccola, prima monografia in lingua spagnola 

sul compositore istriano. Rivolgendosi sia agli addetti ai 

lavori che agli appassionati, l’autore presenta, in forma 

chiara e piacevole, una vasta serie di opere con duplice 

attenzione al contesto in cui furono composte e 

all’analisi formale. 

Elemento per oboe, Miniature per violino, Per... dire per 

tenore, Spremute di senso per recitante e percussione, 

Sushi-Bar per soprano e 1969 per percussione. 

Gli interpreti saranno Lara Bergliaffa, flauto; Vittorio 

Bongiorno, oboe; Denis Monighetti, violino; Piotr 

Nikiforoff, violino; Massimiliano Pascucci, tenore; Ayumi 

Togo, soprano; Luciano Zampar, percussione. 

Prosegue la riscoperta dell’opera 

di una figura chiave della scuola 

chitarristica ottocentesca 

S’inaugura un progetto editoriale 

dedicato a un maestro basco della 

chitarra trapiantato in Argentina 

11 

Pagina 

da

ime esecuzioni ass 

Prime Prime esecuzioni assolute 

assolute 

GIUGNO 

Andrea Vigani 

UI 

per ensemble e elettronica 

Torino, Teatro Vittoria, 6 giugno 

Ensemble Antidogma Musica 

Ensemble Fiarì 

dir.: Marilena Solavagione 


INTERMEZZO 

per pianoforte 

Milano, Auditorium San Fedele, 6 giugno 

Maria Grazia Bellocchio, pianoforte 


BAGATELLA 


Milano, Auditorium San Fedele, 6 giugno 

Maria Grazia Bellocchio, pianoforte 

Michele Tadini 

HANDS 

per chitarra 

Vienna, Istituto Italiano di Cultura, 

7 giugno 

Luigi Attademo, chitarra 


GHIRIBIZZO 

per chitarra 

Graz, Institut für Romanistik, 8 giugno 

Luigi Attademo, chitarra 


PRÉS (I-VI) 


(Prima esecuzione integrale) 

Milano, Associazione Amici di 

Musica/Realtà, Auditorium Di Vittorio, 


Alfonso Alberti, pianoforte 

Ivan Fedele 

LA PIERRE ET L’ÉTANG (…LES TEMPS…) 

per quartetto d’archi, percussioni, 

orchestra e elettronica 

(Commissione Ircam - Centre Pompidou) 

Parigi, Festival Agora, CentQuatre, 


Quatuor Renoir 

Daniel Ciampolini, percussioni 

Orchestre Philharmonique de Radio France 

dir.: Ernest Martinez Izquierdo 

Eric Maestri 

CELESTOGRAFIA, MUSICA MUSICANS 

per soprano, violino, pianoforte, tastiere e 

elettronica 

Parigi, Festival Agora, Centre Pompidou, 

Grande Salle, 18 giugno 

Elisabeth Calleo, soprano 

Ensemble musikFabrik 

Ircam, elettronica 


AMPLITUDE 2 

per viola d’amore 

Huelgoat, 26 giugno 

Gilles Deliège, viola d’amore 

LUGLIO 

Luis de Pablo 

PER VIOLINO 

per violino solo 

Sermoneta, Castello Caetani, 47° Festival 

Pontino di Musica, Incontri Internazionali di 

Musica Contemporanea, 1 luglio 

Francesco D’Orazio, violino 


PER ALDO 

per flauto, clarinetto, violino, violoncello e 

pianoforte 

Sermoneta, Castello Caetani, 47° Festival 

Pontino di Musica, Incontri Internazionali di 

Musica Contemporanea, 1 luglio 

Divertimento Ensemble 

dir.: Sandro Gorli 

Nicola Sani 

UN SOUFFLE LE SOULÈVE, FOLIE 

per flauto contralto, clavicembalo, live 

electronics e supporto digitale 

Padova, Sound and Music Conference, 

Auditorium Pollini, 6 luglio 

Daniele Ruggieri, flauto contralto 

Aldo Orvieto, clavicembalo 

Nicola Sani e Alvise Vidolin, regia sonora e live 

electronics 

Ivan Fedele 

PENTALOGON QUINTET 

Revisione per quintetto d’archi di 

“Pentalogon Quartet” 

Cordes-sur-Ciel, Festival Musique sur Ciel, 

20 luglio 

Quatuor Ardeo 


NOVITÀ 

per ensemble 

La grave, Festival Messiaen, 28 luglio 

Ensemble Les Temps Modernes 

AGOSTO 2011 


DUE LIEDER da “Winterreise” 

per violino e viola 

Le Poët Laval, Drôme Provençale, 24 agosto 

Dejan Bogdanovic, violino 

Pierre-Henri Xuereb, viola 


FROWARD 

per ensemble 

Weimar, Kunstfest Weimar, Festival 

Pèlerinages, 27 agosto 

Klangforum Wien 

SETTEMBRE 

Ivan Fedele 

LEXIKON 

per orchestra 

(Commissione Festival MITO Settembre 

Musica) 

Torino, Festival MITO, Settembre Musica, 

Auditorium Rai, 9 settembre 

Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai 

dir.: Tito Ceccherini 


LEGGENDA 

Opera in un atto 

Libero adattamento e libretto dell’autore da 

“La leggenda del Grande Inquisitore” di Fëdor 

Dostoevskij 

(Commissione del Teatro Regio di Torino) 

Torino, Teatro Carignano, 20 settembre 

Mark Milhofer (Ivan Karamazov), tenore 

Alda Caiello (Alësa Karamazov), soprano 

Urban Malmberg (Il Grande Inquisitore), 

baritono 

Gianluca Buratto (Spirito del Non Essere), 

basso 

Laura Catrani (Una Madre), soprano 

Orchestra e Coro del Teatro Regio di Torino 

dir.: Gianandrea Noseda 

Regia, scene, costumi e luci: Stefano Poda 

Christophe Bertrand 

QUATUOR II 

per quartetto d’archi 

Strasbourg, Festival Musica, Auditorium 

France 3 Alsace, 24 settembre 

Arditti String Quartet 


INCISO 

per orchestra 

Venezia, Biennale di Venezia, 25 settembre 

Orchestra Mitteleuropea 

dir.: Andrea Pestalozza 

ESZ 

Il calendario completo delle esecuzioni, costantemente 

aggiornato, può essere consultato all’indirizzo internet: 

news EDIZIONI SUVINI ZERBONI 

www.esz.it 

Editore: Sugarmusic S.p.A. Galleria del Corso, 4 - 20122 Milano Tel. 02 - 770701 - E-mail: suvini.zerboni@sugarmusic.com - www.esz.it 

Direttore responsabile: Maria Novella Viganò - Responsabile del Settore Classica: Alessandro Savasta 

Redazione: Raffaele Mellace - Coordinamento di redazione: Gabriele Bonomo - Progetto e realizzazione grafica: Paolo Lungo - Traduzioni: Mike Webb 

Aut. del Tribunale di Milano n. 718 del 25-10-1991 

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