LA BELLEZZA DISEGNATA Disegni dal ... - Gioielli di Carta

GIOIELLI DI CARTA
a passion for
D R A W I N G
LA BELLEZZA DISEGNATA
Disegni dal Cinquecento alle Avanguardie
Gioielli di Carta
Roma 25 febbraio 2010

Crediti
Salvo ove diversamente specificato,
tutti i testi e le immagini
appartengono a Gioielli di Carta,
senza limitazioni di tempo e di confini.
Essi non possono essere riprodotti
in alcun modo senza l’autorizzazione
scritta di Gioielli di Carta.
Copertina
Lotto 39. Edgar Degas (1834­1917)
Il Discobolo (recto e verso), 1858­1859
Contenuti
Le schede sono state scritte da Francesco Grisolia (f.g.),
Sabrina Galvano (s.g.) e Matteo Smolizza (m.s.)
e revisionate da quest’ultimo.
© 2010 Gioielli di Carta
Gioielli di Carta
Via Filippo Civinini 21
00197 Roma
t. +39.06.8075228
f. +39.06.40041969
info@gioiellidicarta.it
www.gioiellidicarta.it

GIOIELLI DI CARTA
a passion for
D R A W I N G
LA BELLEZZA DISEGNATA
Disegni dal Cinquecento alle Avanguardie
Gioielli di Carta
Roma 25 febbraio 2010

UNA SELEZIONE DI 54 DISEGNI PROVENIENTI
DA RACCOLTE PRIVATE ITALIANE
Fasi di vendita
2 febbraio 2010, ore 18.30 ­ apertura della vendita
8 febbraio 2010, ore 18 ­ apertura della vendita pubblica
25 febbraio 2010, ore 19 ­ esitazione
Informazioni
Claudia Bonino ­ Direttore
claudia.bonino@gioiellidicarta.it +39.347.6760650
Matteo Smolizza ­ Responsabile della Vendita
matteo.smolizza@gioiellidicarta.it +39.346.1299980
Aldo Smolizza ­ Responsabile Area Autografi e Manoscritti
aldo.smolizza@gioiellidicarta.it +39.346.1299630
Sabrina Galvano ­ Responsabile Area Clienti
sabrina.galvano@gioiellidicarta.it +39.349.5539328
Francesco Grisolia ­ Schede di Catalogo
francescogrisolia@gmail.com +39.338.1361969
Simone Caioli ­ Promozione
simone.caioli@gioiellidicarta.it +39.333.7157285
Stefano Pozza e Maurizio Trevisan ­ Referenti per il Veneto
Selena@tendenzepietre.com +39.0444.961220
Segreteria della Vendita
Gioielli di Carta, Via Filippo Civinini 21, 00197 Roma
T. 06.8075228 / Fax 06.40041969
e­mail: info@gioiellidicarta.it

INDICE
7
8
62
63
Presentazione
Lotti
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
10. Mauro Antonio Tesi, il Maurino (1730­1766). Attribuito a
11.
12.
13.
14. Michelangelo Buonarroti (1475­1564). Copia da. 1785­1790 ca.
15.
16. Johann Heinrich Wilhelm Tischbein (1751­1829)
17.
18. François Debret (1777­1850)
19. Tommaso Minardi (1787­1871)
20. Sante Nucci (1821­1896)
21.
Artista emiliano del Cinquecento
Lorenzo Lippi (1606­1665)
Italia centrale. Fine Cinquecento
Italia Settentrionale. Seconda metà del Seicento
Francesco Allegrini (1587?­1663?). Attribuito a
Jacques Callot (1592­1635). Seguace di
Firenze. Ambito di Giovanni Bilivert (1585­1644)
Cornelius Dusart (1660­1704). Attribuito a
François Boitard (1670 ca.­1715 ca.)
Giovanni Battista Busiri (1698­1757)
Artista olandese. Verso il 1720
Roma. 1740­1760
Antonio Bicchierai (attività 1706 ca.­1751). Attribuito a
Anne­Louis Girodet de Roussy­Trioson (1767­1824). Cerchia di
Italia. 1810 ca.
22. Michelangelo Grigoletti (1801­1870). Ambito di
23. Philipp Haarlem (1770­1840)
24. Francia. Metà Ottocento
25. Hudson River School (Albert Bierstadt?)
26. Antonio Senape (1788­1842)
27. Jean­Baptiste Millet (1831­1906)
Bibliografia
Regole della vendita
28.
29.
30.
31.
32.
33.
34.
35.
36.
37.
38.
39.
40.
41.
42.
43.
44.
45.
46.
47.
48.
49.
50.
51.
52.
53.
54.
Osmond Romieux (1826­1908)
Robert Henry Cheney (1801­1866)
Albert Goodwin (1845­1932)
Louis Boller (1862­1896)
Artista tedesco attivo a Roma. 1830­1840 ca.
Conrad H. R. Carelli (1869­1950)
Willelm Bastian Tholen (1860­1931)
Theo van Rysselberghe (1862­1926)
Francia. 1820­1830 ca.
Francia. 1850 ca.
Eugéne Isabey (1803­1886)
Edgar Degas (1834­1917)
Honoré Daumier (1808­1897). Cerchia di
Cesare Fracassini (1838­1868)
Giuseppe Castiglione (1829­1908)
Giacomo Favretto (1849­1887)
Francia. 1895­1910 ca.
Francia. 1874 (Alfred Choubrac?)
Oswald Heidbrink (1860­1914)
Ludwig von Hoffmann (1861­1945)
Christian­Jacques Bérard (1902­1949)
Georges­Manzana Pissarro (1871­1961)
Lukowicz (attività 1914­1915)
Francia. 1940­1950 ca.
Gino Severini (1883­1966)
Ferruccio Ferrazzi (1891­1978)
Pietro Annigoni (1910­1988)

Lotto 54
Pietro Annigoni (1910­1988)
Ritratto di donna, 1930 ca.
PRESENTAZIONE
Gioielli di Carta apre il nuovo anno con una importante selezione di disegni e con diversi
miglioramenti organizzativi.
Ne La Bellezza Disegnata si propongono 54 disegni dal Cinquecento al Novecento: ai
lavori dei grandi maestri si affiancano opere di artisti minori, ma di particolare pregio e
rarità. La prima menzione è certamente dovuta all’opera che abbiamo deciso di porre in
copertina: un foglio recto e verso realizzato da Edgar Degas (lotto 39) durante il suo soggiorno
a Roma. Identificato da Theodore Reff, il maggiore specialista al mondo sull’autore,
proviene dalle raccolte di un fondo speculativo. Eccezionale è anche un Severini di
soggetto "privato" (lotto 52), una madre con bambino, risalente al 1931. Il paesaggio
costituisce il nucleo più variegato: in alcune opere la natura possiede la scena, in altre è
lo sfondo delle azioni umane ovvero lo specchio dei sentimenti dell’artista, come avviene
per esempio in Willelm Bastian Tholen (lotto 34). I lotti 1, 40, 47 e 48, se acquistati
entro la stima massima, potranno essere ricomprati dalla Casa d'Aste a distanza di due
anni dall’acquisto con un incremento del valore del 10%. Questa iniziativa è uno strumento
per rafforzare il nostro rapporto con i clienti.
Con il 2010, Gioielli di Carta fortifica la propria struttura per realizzare un servizio sempre
migliore. Francesco Grisolia, che ha realizzato gran parte delle schede di questo catalogo,
è uno dei migliori giovani studiosi in Italia nel campo del disegno e d’ora in poi sarà
a disposizione dei nostri clienti per esaminare e valutare le loro collezioni.
La curatela dei clienti passa a me da Silvia Pederzolli (che è stata riassorbita dalla carriera
universitaria). Simone Caioli si dedica alle iniziative promozionali.
Un’altra importante novità è l’espansione dell’attività di Gioielli di Carta in Veneto,
attraverso serate di presentazione delle opere, curate da Stefano Pozza e Maurizio
Trevisan, raffinati collezionisti che hanno deciso di estendere la loro passione ad amici
e colleghi.
Inoltre già da ora è on­line sul sito www.gioiellidicarta.it il Calendario Aste 2010 con
indicazioni precise sulla chiusura della raccolta dei materiali per le vendite future, in
modo da agevolare sia chi vuole organizzare i propri acquisti sia chi intende alienare dei
beni.
Vi auguro una grande fortuna nella costruzione della Vostra raccolta e spero di essere
capace di aiutarvi!
Sabrina Galvano
7

1*. Artista emiliano del Cinquecento. Cerchia di Niccolò dell'Abate ?
Studio per riquadro ornamentale con storia, 1545­1575 ca.
Matita nera, inchiostro bruno a penna e ad acquerello su carta, 160x162 mm.
Siamo di fronte allo studio per una
ricca decorazione che doveva racchiudere
una scena nell'ovato centrale,
dove si intravedono un uomo a cavallo e
un altro inginocchiato di fronte a quello
che sembra un re o un imperatore.
Tutt'intorno l'artista ha inserito masche­
8
roni, protomi leonine e festoni, ripensando
elementi antichi in varianti tipicamente
cinquecentesche. La parte alta è occupata
da due puttini alati e quella inferiore
da due figure di ignudi. Il mascherone in
basso rimanda, nello stile, alle tante interpretazioni
di questo soggetto antico realizzate
da Giulio Romano a Mantova. Già
attribuito a Giorgio Vasari, il disegno è
ascrivibile ad un artista di origini emiliane
operante nella seconda metà del XVI
secolo e molto probabilmente attivo a
Roma. Il segno leggero e asciutto e la fantasia
degli elementi ornamentali fanno
pensare a Giovanni Guerra (1544­1618),
nato a Modena e prolifico disegnatore di
motivi decorativi, che Vasari, in una lettera
del 1573, ricorda tra gli artisti che lo
hanno preceduto nella decorazione della
Sala Regia in Vaticano. Il michelangiolismo
delle figure, tuttavia, ci allontana
dalle immagini ideate da Guerra, più sottili
e meno plastiche. Ignudi e putti rinviano,
infatti, ad alcuni esercizi grafici di
Niccolò dell'Abate (Modena, 1510 ca.­
Fontainebleau, 1571), dagli arti ipertrofici
e con fisionomie affini, dal tratto sempre
rapido ed elegante (ill. 1 e 2). Il pensiero va
anche alle virtuose soluzioni di altri abili
disegnatori di formazione emilianoromana,
quali Lelio Orsi, Orazio
Samacchini e Pellegrino Tibaldi, nei cui
studi troviamo figure dalle forme larghe,
atteggiate in difficili pose manierate,
come nel nostro disegno.
f.g.
1. Niccolò dell'Abate. Attribuito a.
Studio per capitello e base di colonna,
Parigi, Musée du Louvre,
Département des Arts Graphiques,
inv. RF 79 verso
2. Niccolò dell'Abate, Studio per pennacchio
con satiri e putti, Parigi,
Musée du Louvre, Département des
Arts Graphiques, inv. 5882
1
2

2. Lorenzo Lippi (1606­1665)
Monaco che sostiene una candela
Matita rossa su carta con filigrana applicata su un foglio di supporto, 150x225
mm.
Annotato al recto e al verso: "Lorenzo Lippi"
Al verso: "55/1", "25" e "3P"
Timbro al recto: C.Gasc (Lugt 543)
Provenienza: Charles Gasc, Parigi, ca. 1850
Bibliografia: Smolizza 2007, cat. 11
Alunno di Matteo Rosselli e intimo
di Salvator Rosa, Lorenzo Lippi è
principalmente pittore di temi religiosi
e di ritratti. All'attività artistica unisce
quella letteraria: compone poesie e
un'opera intitolata Malmantile riacquistato.
Il disegno, identificato da
William O'Reilly (comunicazione del 12
dicembre del 2003), rappresenta un
frate (probabilmente un francescano,
per la presenza della veste e del cappuccio),
la cui posizione del braccio e della
mano ­ una sostiene una candela e l'altro
si trova all'altezza del petto ­ e
l'espressione estatica del volto suggeriscono
un'aria mistica. Una certa rigidezza
del drappeggio e della mano, contrapposta
all'intensità e alla dolcezza
del volto, fanno pensare che l'artista si
sia ispirato ad un'altra opera, per potersi
concentrare nella resa dell'espressione.
s.g.
9

Lo stile grafico di questo disegno è
riconducibile ad un artista attivo in
Italia centrale tra la fine del XVI secolo e
gli inizi del XVII. Sono presenti affinità,
come le pesanti inchiostrature all'acquerello,
con la maniera di Cesare Nebbia, ed
anche, nelle piccole figure di putti che si
arrampicano ai lati degli stemmi, con
quella di Marco Marchetti da Faenza.
Non è da escludere nemmeno, per la
commistione del forte e pittorico chiaroscuro
con gli attenti contorni a penna
delle pur piccole figure, un artista fiorentino
formatosi alla scuola di Ludovico
Cigoli.
Lo stemma cardinalizio sulla sinistra e
quello con corona sulla destra non sono
identificabili perché privi dei riferimenti
all'interno, da inserire in un secondo
momento. È possibile che il doppio stemma
sia stato concepito per essere utilizzato
in un apparato effimero.
f.g.
10
3. Italia centrale. Fine Cinquecento
Studio per due stemmi
Matita nera, inchiostro bruno a penna e ad acquerello
su carta preparata azzurra, 217x274 mm.
Iscrizione a matita nera in grafia antica al recto: "Abscondi […]"
Iscrizione a matita nera in grafia ottocentesca al verso: "Perino del Vaga"
4. Italia settentrionale. Seconda metà del Seicento
Studio per decorazione di basamento
Matita nera e inchiostro bruno a penna e ad acquerello
su carta bianca, 86x146 mm.
Per la tipologia decorativa,
che mescola con
incastri di sapore tardo
barocco numerosi elementi
decorativi, il disegno è
ascrivibile ad un artista
dell’Italia settentrionale
della seconda metà del XVII
secolo. Le volute, le foglie
d'acanto, la cornucopia, la
conchiglia, la testa alata di
putto al centro son tutti
motivi tipici della decorazione
a grottesche, che
ebbe enorme fortuna a partire
dal ’500. Eseguito con
sicurezza a penna e
ombreggiato per mezzo di
un efficace tratteggio e lievi
tocchi di acquerello, lo studio
illustra un solo lato di
una decorazione da completare
simmetricamente, e
può pertanto essere considerato un progetto
finito. L'esatta destinazione, per il fronte
di un qualche basamento, è di difficile
identificazione. Il segno incisivo, il chiaroscuro
e la corposità illusionistica del risultato
finale fanno pensare a una decorazione
a bassorilievo o a stucco.
f.g.

5. Francesco Allegrini (1587?­1663?). Attribuito a
Paesaggio con capanna e figure
Inchiostro marrone a penna e ad acquerello su carta bianca
applicata su cartoncino di supporto, 126x95 mm.
Questo disegno a penna presenta le
peculiarità dei disegni di paesaggio
di vari artisti attivi in Italia centrale nella
prima metà del Seicento e in particolare
richiama lo stile di Francesco Allegrini.
Francesco nacque a Gubbio dal pittore
Flaminio e fu allievo di Giuseppe Cesari,
il Cavalier d'Arpino. L'esame della sua
ricca produzione grafica rivela anche
attenzioni verso Pietro da Cortona, benché
egli sia stato essenzialmente estraneo
al linguaggio barocco. Frescante, pittore
di gouaches e olii, prolifico disegna­
tore, le opere di Allegrini testimoniano
una grande versatilità, spaziando da soggetti
religiosi e allegorici a temi storici e
mitologici. Dipinse in prevalenza per
palazzi e chiese di Roma. Sue opere sono
presenti anche a Gubbio, a Savona e a
Genova, dove lavorò per i Durazzo e i
Pamphili.
Numerosi disegni attribuiti ad Allegrini
sono conservati in varie collezioni pubbliche,
tra cui la Stadtbibliothek di Leipzig, il
Metropolitan Museum e il Louvre.
f.g.
11

6. Jacques Callot (1592­1635). Seguace di
Isolotto roccioso con ponte e architetture
Tracce di matita nera, inchiostro marrone a penna su carta bianca, riquadrato a penna, 278x214 mm.
Abilissimo incisore francese, Callot
nacque a Nancy e si trasferì presto in
Italia, dove trovò modelli fondamentali
alla sua formazione. A Roma imparò a
maneggiare il bulino da Philippe
Thomassin e nel 1612 si recò a Firenze,
dove divenne allievo prediletto dell'incisore
Giulio Parigi, sperimentando tutte le
possibilità espressive dell'acquaforte. Nel
1621 torna a Nancy, dove incise i tanti disegni
eseguiti in Italia. È considerato dalla
critica uno degli ultimi grandi manieristi.
Le sue caratteristiche incisioni, eseguite in
gran numero, furono oggetto di numerose
imitazioni. Le acqueforti in particolare, sua
tecnica prediletta, si diffusero in tutta
Europa. Notevoli sono soprattutto i disegni,
dove impiega diverse tecniche e tratta
molti temi ad ambientazione teatrale, di
12
paesaggio, soggetti sacri e gustose scene
dal vero. Suoi fogli sono conservati per la
maggior parte all'Ermitage, al British
Museum, agli Uffizi e a Chatsworth, nella
collezione del duca del Devonshire. È proprio
a un disegno di soggetto analogo conservato
a Chatsworth [Choné 1992, fig. 411]
che sembra ispirarsi questo foglio, raffigurante
un improbabile isolotto roccioso con
delle architetture e un ponte. La maniera
grafica richiama quella di Callot nel sottile
tratteggio parallelo a penna, nell'equilibrio
della composizione, nel gusto per una narrazione
spesso al limite tra realtà e fantastico.
In pagina si riproduce il solo disegno, realizzato
su un foglio con ampi margini, ad
imitazione di una stampa.
f.g.

7. Firenze. Ambito di Giovanni Bilivert (1585­1644)?
Rinaldo e Armida?, 1630­1650 ca.
Matita nera su carta beige con filigrana, 139x166 mm.
Dal tratto leggero e preciso, la
scena, realizzata interamente
a matita nera, rappresenta un
uomo seduto in un sontuoso letto a
baldacchino, con la mano destra
portata al cuore e l'altra stretta in
quella di una figura femminile.
Quest'ultima trasporta oggetti e
armi di ogni genere, tra cui una
falce, e potrebbe raffigurare la
Morte, venuta a portar via il nobiluomo,
forse un re o un condottiero,
oppure una personificazione
della Guerra. Sulla sinistra un
cagnolino è l'unico testimone di
quanto accade e concorre, insieme
alla tenda che pende dall'angolo in
alto a sinistra, a equilibrare la composizione.
Il disegno potrebbe
essere preparatorio per un dipinto
moraleggiante. Un'ultima, più specifica,
ipotesi sul soggetto è relativa a due
famosi personaggi della Gerusalemme liberata
di Torquato Tasso, Rinaldo e Armida.
Il momento ricorda quello in cui lei, maga
pagana e guerriera, tiene prigioniero
Rinaldo nel suo sontuoso palazzo­giardino,
dopo essersene innamorata e averlo
sedotto. L'autore sembra essere un artista
toscano attivo a Firenze nella prima metà
del XVII secolo. Molto attento a tutti gli
elementi architettonici e decorativi, sottolinea
la sfarzosità dell'ambientazione ed è
meno interessato all'esecuzione delle figure.
Queste ultime e altri dati stilistici fanno
pensare, tra i tanti artisti del Seicento fiorentino,
alla produzione grafica di
Giovanni Bilivert, il quale, figlio di un orafo
olandese, tendeva molto al decorativismo.
La bizzarria della scena e ancora le fisionomie
dei personaggi rimandano anche a un
allievo del Bilivert, Francesco Montelatici,
detto Cecco Bravo, noto per la vena grottesca
della sua prima attività. Se non è uno
studio autografo degli artisti citati, il disegno
può essere ricondotto al loro stesso
milieau artistico.
f.g.
13

8. Cornelius Dusart (1660­1704). Attribuito a
Gioco di bocce, 1690 ca.
Inchiostro a penna e acquerello su carta, 304x262 mm.
Firmato (?): "Corn Dù Sart fecit"
Provenienza: E. A. Peart; Howard Spensley; P. D. Colnaghi, Londra
Bibliografia: Colnaghi 1951, cat. 41; Smolizza 2007, cat. 26
Alunno di Adriaen van Ostade,
Dusart entrò nella corporazione di
Harlem il 10 gennaio del 1679, dove fu
nominato commissario nel 1692. Aderì
alla chiesa riformata nel 1682. Riunì una
straordinaria collezione di dipinti e incisioni.
Il foglio in asta, pubblicato da Colnaghi
nel 1951 come Dusart, deriva da un disegno
che attualmente si trova al Louvre,
considerato da Lugt 1931 (p. 3, n. 505)
una imitazione di Ostade realizzata da
14
Dusart ed oggi un originale di Ostade.
Nel nostro foglio, la contrapposizione
tra l'estrema meticolosità e abilità nella
definizione delle figure e la parte non
terminata rivela una finalità estetica. Si
tratta di una copia realizzata da Dusart
quando era assistente del maestro? La
conclusione espressa da Colnaghi più di
mezzo secolo fa è ancor oggi la più
attendibile.
s.g.

9. François Boitard (1670 ca.­1715 ca.)
L'Estate
Inchiostro nero a penna su carta con filigrana, 530x392 mm.
Firmato e datato al recto "François Boitard inn. fecit 1692"
Bibliografia: Smolizza 2007, cat. 44
Disegnatore e pittore di scene mitologiche
e religiose, ambientate in
paesaggi dal grande effetto scenografico,
Boitard mescola barocco e manierismo
grazie all'insegnamento di La Fage, suo
maestro negli anni della gioventù. Nei
suoi disegni è sempre presente il riferimento
a Michelangelo e a Rubens, dal
quale deriva la messa a fuoco dello spazio.
Considerato per molto tempo un
"uomo inquieto e dissoluto" (Bénézit
1999 s.v.) per aver firmato una fortunata
serie di incisioni erotiche (giudizio che
ha disgraziatamente condizionato il
valore della sua opera), in realtà si dimostra
adatto alla rappresentazione di
16
tematiche allegoriche e moraleggianti,
come le ‘quattro stagioni’, tema del
quale si conoscono almeno cinque versioni
autografe. Nel nostro straordinario
foglio Boitard rappresenta l'Estate come
una donna coronata da spighe che
sostiene una falce con la mano destra. Ai
suoi piedi, accanto ad una copiosa quantità
di grano, c'è una forca e alcuni strumenti
per la cardatura, attività relazionata
con la stagione. Alla sinistra della
composizione, un gruppo di donne si
dedica alla mietitura. Sul fondo, una
città immersa in una esuberante natura.
s.g.

10. Mauro Antonio Tesi, il Maurino ( 1730­1766). Attribuito a
Studio per motivo ornamentale
Inchiostro bruno a penna su carta preparata rossa, montato su cartoncino in passepartout, 119x145 mm.
Architetto, quadraturista, scenografo,
decoratore e incisore, Mauro Tesi fu
nel Settecento uno dei protagonisti del
rinnovamento del gusto in chiave classicista,
non esclusivamente a Bologna. Amico
del celebre erudito veneziano Francesco
Algarotti, Tesi ne mise in pratica le teorie,
attingendo alla produzione ornamentale
antica e cinquecentesca. Decorò numerose
chiese ed edifici pubblici e privati a
Bologna, Pistoia e Firenze. Realizzato con
rapidità a penna, il disegno è forse preparatorio
per una cornice o per un elemento
decorativo nel quale inserire un'immagine.
L'artista, che dichiara un gusto rococò
di matrice veneziana, si ispira al repertorio
iconografico dell'arte manierista, come
gli elementi vegetali che scendono sul lato
sinistro e la protome antropomorfa sulla
destra. Pochi, rapidi segni concorrono a
un efficace risultato decorativo, che testimonia
la familiarità dell'autore con il
mezzo grafico e con simili motivi ornamentali.
Per una idea del contesto in cui si muove
l’autore del foglio, si veda Matteucci 2002.
f.g.

1. Giovan Battista Busiri, L'arco di
Giano e il campanile di San Giorgio al
Velabro, Cambridge, Fitzwilliam
Museum, inv. 3693 f.4
11. Giovanni Battista Busiri (1698­1757)
Veduta della basilica di Santa Sabina a Roma, ante 1735
Matita nera e inchiostro bruno a penna su carta bianca, 227x173 mm.
Iscrizione antica a penna al verso: "San Savina". In altra grafia: "138".
Bibliografia: Smolizza 2007, pp. 298­299
Giovanni Battista Busiri, nato a
Roma da padre francese, fu un pittore
di grande successo tra i viaggiatori
del Grand Tour in visita nell’Urbe.
Specializzato in soggetti romani e della
campagna circostante, i suoi paesaggi e
le sue vedute furono influenzati anche
dal Van Wittel e dal Dughet e, tutti animati
da figure di notevole qualità, non
sono privi di capricciose invenzioni.
Busiri fu molto apprezzato anche per i
suoi disegni. Numerosi fogli sono conservati
al Fitzwilliam Museum di
Cambridge (ill. 1) e al British Museum,
dove erano in passato attribuiti al Van
Bloemen. Il disegno, raffigurante la
Basilica di Santa Sabina all'Aventino e la
piazza antistante con alcune figure, è un
perfetto esemplare della sua maniera
grafica, dal segno sintetico e pulito, in
grado di restituire con rapidi tratti di
penna una visione poetica del paesaggio
tutta settecentesca. La numerazione sul
verso lascia pensare che il foglio facesse
parte, insieme ad altri similmente
numerati, di un unico taccuino di schizzi
dal vero, databile a prima del 1735,
dove l'artista prendeva rapidi "appunti"
in vista di future esecuzioni pittoriche.
f.g.
19

12. Artista olandese. Verso il 1720
Veduta del Ponte Salario a Roma
Inchiostro marrone a penna e acquerelli policromi su carta bianca, 215x137 mm.
Iscrizioni al verso: a penna in grafia antica: "ponte salaro, Civita Roma 1680"; in altra grafia "gerdyn" (?)
Il disegno offre una interessante testimonianza
delle condizioni del ponte
Salario nella seconda metà del Seicento.
Per le lumeggiature e per le nuvole l'artista
si è servito della tecnica "a risparmio",
sfruttando il bianco della carta sottostante
senza apporre alcun colore. Il
20
risultato finale, simmetrico e di notevole
luminosità, è una testimonianza della
concezione classicista e poetica del paesaggio
che prende avvio a Roma dal
Seicento.
f.g.

13. Roma. 1740­1760
Visione di santo o beato con Cristo e Dio Padre (recto)
Nudo maschile (verso)
Recto: matita nera e rossa, acquerello bruno e nero, gesso
su carta beige,206x280 mm.
Verso: matita nera e rossa su carta beige, riquadrato a penna con inchiostro
marrone, inserito in passepartout riquadrato a penna
Al recto, marchio "G" in basso a sinistra
14. Michelangelo Buonarroti (1475­1564). Copia da. 1785­1790 ca.
Uomo seduto con bambino
Inchiostro bruno a penna e ad acquerello, biacca a penna
su carta preparata beige applicata su cartoncino di rinforzo, 133x193 mm.
autore è collocabile cronologica­
L'mente intorno alla metà del
Settecento. Risente del recupero classicista
avviato a Roma da Carlo Maratti e non
è esente da influssi bolognesi. Il disegno,
inserito in un ovale, è forse preparatorio
per un'opera di piccolo o medio formato a
carattere devozionale. Anche la figura nel
verso (ill. 1), che combina le due matite,
rientra stilisticamente nel genere degli
studi accademici di pieno Settecento.
f.g.
22
Tratto da uno degli antenati di Cristo,
Salathiel, affrescati da Michelangelo
nelle lunette della cappella Sistina, il disegno
se ne allontana per alcuni eloquenti
particolari. Qui, la risoluzione della figura
principale è pienamente neoclassica e il
bambino, inoltre, corregge in chiave emotiva
la soluzione michelangiolesca, incentrata
sulla relazione dinamica con il gruppo
dall'altro lato della lunetta. Un'altra copia,
più puntuale, è conservata agli Uffizi (ill. 2).
f.g.
1. Verso di cat. 13
2. Anonimo sec. XVI. Da
Michelangelo Buonarroti, Salathiel,
Firenze, Gabinetto Disegni e Stampe
degli Uffizi, inv. 241 F
1
2

1. Antonio Bicchierai, Aurora, particolare,
Roma, Palazzo Borghese.
15. Antonio Bicchierai (attività 1706 ca.­1751). Attribuito a
Studio per volta con Aurora, 1740­50
Matita rossa, inchiostro bruno a penna e acquerello grigio
su carta bianca, 270x196 mm.
Il disegno si può mettere in rapporto
con la volta affrescata da Antonio
Bicchierai in Palazzo Borghese, a Roma:
un'Aurora, che però ha uno sviluppo più
ampio ed è inserita in un grande ovale (ill.
1). Bicchierai elaborò per questo dipinto
varie forme e soluzioni compositive, come
documenta un disegno dell'Istituto
Nazionale per la Grafica (inv. FN 7444).
L'artista inquadra la scena in una composizione
molto equilibrata, composta di
pochi elementi, con al centro la personificazione
alata dell'Aurora. Le figure e le
nuvole sono delineate a matita rossa con
un segno molto pulito e acquerellate con
un leggero acquerello grigio, dai toni
sapientemente sfumati. Il più ricco corpus
di disegni di Bicchierai, molto vicini nello
stile al nostro foglio, è conservato a Roma
presso l'Istituto Nazionale per la Grafica.
f.g.

16. Johann Heinrich Wilhelm Tischbein (1751­1829)
Mendicante alla porta di una famiglia povera
Matita nera, inchiostro marrone a penna, inchiostri policromi ad acquerello
e biacca su carta beige applicata su passepartout originale, 205x326 mm.
Appartenuto a una numerosa famiglia
di pittori, incisori e architetti,
ne è oggi il membro più noto. Attivo in
un primo momento a Kassel e ad
Hannover, si stabilì alla corte prussiana a
Berlino, dove si dedicò soprattutto al
ritratto. Nel 1779 compì il suo primo
viaggio in Italia, nel corso del quale eseguì
anche pittura di paesaggio e studiò i
grandi artisti italiani, soprattutto
Raffaello e Mi chelan gelo a Roma. A
Zurigo nel 1781, per mezzo di Lavater,
24
conobbe Goethe, la cui frequentazione
e amicizia
influenzò profondamente
le sue scelte artistiche.
Tornò in Italia nel 1783 grazie
allo stesso Goethe, che
ritrasse nel celebre dipinto
Goethe posa nella campagna
romana (1787). Dal 1787
al 1799 visse a Napoli, dove
fu nominato direttore
dell'Accademia. Costretto a
partire nel 1799 a causa
della guerra, tornò nella
Germania del nord. La personalità
di Tischbein è
molto interessante per i
legami che intrattenne con
la cerchia di Bodmer e con
Goethe: della sua attività di
grafico si ricordano le incisioni
di vasi della collezione
Hamilton e le illustrazioni
dei testi di Omero.
Nel disegno emerge, oltre
a un'attenta ricerca per gli
accostamenti cromatici, l'attenzione al
dato fisiognomico derivante dalle teorie
di Lavater, secondo le quali l'anima
e il carattere dell'individuo si riflettono
nell'aspetto esteriore. In questa scena
di genere Tischbein esprime tale idea
curando molto, come è sua abitudine, il
gioco degli sguardi, i volti dei personaggi
e le relazioni emotive che tra essi
intercorrono.
f.g.

1. Anne-Louis Girodet De Roussy-
Trioson, Enea al cospetto di Didone,
Parigi, Musée du Louvre,
Département des Arts Graphiques,
inv. 34730
17. Anne­Louis Girodet de Roussy­Trioson (1767­1824). Cerchia di
Enea fugge da Troia con Anchise e Ascanio
Matita nera su carta bianca, 223x292 mm.
Lo stile è riconducibile ad un artista
francese attivo nella prima metà
dell'Ottocento molto vicino a Girodet­
Trioson. Tra i migliori allievi dell'atelier
di David, vinse nel 1789 il Prix de
Rome. La sua originalità si esprime
liberamente nell'interpretazione dei
temi letterari e le ultime opere rivelano,
in un periodo in cui prendeva avvio
il romanticismo, una profonda fedeltà
allo stile neoclassico. Il disegno è accostabile,
stilisticamente e iconograficamente,
a fogli autografi di Girodet conservati
al Louvre e al British Museum,
eseguiti per illustrare un libro
sull'Eneide, mai realizzato (ill. 1). Con
leggeri e rapidi tratti di matita l'autore
racconta uno dei momenti più drammatici
del poema virgiliano. La scena
raffigura Enea che fugge, con il padre
Anchise sulle spalle e il figlio Ascanio
preso per mano, dalla città di Troia
divorata dalle fiamme. La moglie
Creusa li segue, ma resterà indietro e
cadrà vittima dei Greci. Sullo sfondo è
schizzato il cavallo di Troia, che permise
agli uomini di Ulisse di penetrare
nella città.
f.g.
25

18. François Debret (1777­1850)
Fonte battesimale con episodi del Nuovo Testamento
Matita nera, inchiostro grigio a penna e a lavis su carta bianca applicata a cartoncino, 265x197 mm
Al recto: iscrizione antica a penna: "François Debret"
Nato a Parigi, l'architetto François
Debret fu allievo di Charles Percier
e di Pierre­François­Léonard Fontaine e
divenne egli stesso il maestro di molti
architetti destinati a trasformare Parigi
sotto Haus smann. Fu restauratore molto
discusso di edifici storici, tra cui la famosa
basilica di Saint­Denis. Numerosi
disegni autografi di Debret, eseguiti nel
corso del suo viaggio in Italia, sono conservati
a Parigi presso l'Ecole Nationale
Supérieure des Beaux­Arts, contenuti in
26
volumi dal titolo Voyage en Italie de
François Debret. Il disegno, eseguito con
un livello di dettaglio elevato e una rara
attenzione per la luce, raffigura un fonte
battesimale, decorato con motivi desunti
dall'antico, come ovuli e foglie d'acanto.
Nella fascia superiore sono raffigurati
episodi del Nuovo Testamento, con al
centro il Battesimo di Cristo, mentre nel
basamento troviamo San Giovanni
Evangelista affiancato dall'aquila.
f.g.

1. Verso di cat. 19
2. Tommaso Minardi, Volto di donna,
Roma, G.N.A.M., inv. 5331/460/73
3. Tommaso Minardi, Combat -
timento tra Argante e Tancredi,
1819 ca., Roma, G.N.A.M., inv.
5331/805/320
4. Tommaso Minardi, Combat -
timento tra cavalieri, 1830-40,
Collezione Milano, inv. 84
19. Tommaso Minardi (1787­1871)
Scontro tra due cavalieri e divinità fluviale (recto)
Autoritratto (verso)
Recto: matita e inchiostro marrone a penna su carta bianca, 296x257 mm.
Verso: matita nera
Al verso: iscrizioni novecentesche; iscrizione a matita nera "T. Minardi
from sketchbook acq. 1957 piazza borghese /54"; a matita viola: "54"
Tommaso Minardi è uno dei maggiori
disegnatori dell’Ottocento italiano.
I disegni al recto raffigurano una
scena di battaglia tra due cavalieri in
armatura e una figura maschile barbuta
che fa pensare a una divinità pagana. La
veemenza dello scontro tra i cavalieri è
espressa, oltre che con le espressioni dei
due uomini e con l'incisività del segno
grafico, dall'andamento verticale della
composizione e anche dalla violenta
lotta, corpo a corpo, tra i due cavalli. La
scena potrebbe essere legata a un qualche
episodio della Geru salemme Liberata
del Tasso, dalla quale Minardi trasse più
volte ispirazione, come testimoniano
altri disegni (ill. 3), più rifiniti ma meno
immediati, oppure essere riferita a uno
dei duelli della serie della Disfida di
Barletta (ill. 4), ai quali è più vicina nella
tipologia delle armature, nelle fisionomie
di cavalieri e cavalli, nella vivacità
della scena. Nel verso (ill. 1) compare il
volto di un giovane stilisticamente affine
ad alcuni tra i disegni noti dell'artista
(ill. 2). Linea menti, naso e sguardo corrispondono
a quelli dello stesso
Minardi, che si è dunque autoritratto. Il
foglio, come testimonia l'iscrizione in
inglese sul verso, proviene da un taccuino
di disegni smembrato.
f.g.
27

20. Sante Nucci (1821­1896)
Allegoria della Pittura
Matita nera e inchiostro bruno a penna
su carta bianca quadrettata a penna, 197x213 mm.
Al recto: iscrizione a matita nera "Nucci"
21. Italia, 1810 ca.
Scena mitologica
Inchiostro marrone a penna su carta marrone chiaro, 287x238 mm.
Sante Nucci, pittore bolognese e frescante
di opere a soggetto sacro in
diverse chiese di area emiliana, elabora
in questo disegno un tondo con all'interno
una figura femminile intenta a dipingerne
un'altra sopra una tela poggiata su
cavalletto. Si tratta della personificazione
della Pittura, con una tavolozza e
affiancata da un amorino. Eseguito a
matita nera, l'artista ha solo in parte
ripassato il disegno a penna, limitandosi
ai contorni principali e quadrettandolo
per la successiva trasposizione in pittura.
L'opera di cui il nostro foglio è studio è
da rintracciare nella decorazione di
palazzi signorili in area bolognese o in
opere di piccolo formato destinate ad
ambienti privati.
f.g.
28
L'
autore è un artista neoclassico
attivo tra la fine del XVIII e la
prima metà del XIX secolo, che si ispira,
a livello compositivo e stilistico, alla pittura
mitologica di Nicolas Poussin
(1594­1665), del quale sembra imitare in
parte anche lo stile grafico. La scena è
forse riferibile a Cerere, divinità del
lavoro agricolo e della fertilità. Le figure
al centro sono impegnate nella potatura
e nella raccolta delle messi e la donna in
piedi, con un fascio di spighe su una
spalla, potrebbe rappresentare la dea
stessa. Il segno svelto e l'estrema riduzione
di elementi descrittivi della rappresentazione
sono la prova di un'esecuzione
immediata, forse con l'intenzione
di copiare velocemente un originale pittorico
o di fissare con rapidità sulla carta
una prima idea compositiva.
f.g.

22. Michelangelo Grigoletti (1801­1870). Ambito di
Ritratto di giovane donna
Matita nera su carta preparata beige, 113x161 mm.
Dopo un avvio di stampo neoclassico,
Grigoletti ottenne successo in
Italia e anche fuori, in particolar modo in
Austria, dove fu molto apprezzato per le
sue composizioni accademiche sacre e
profane. Fu professore all'Accademia di
Venezia dal 1839. Le sue opere più notevoli
sono i ritratti, dove esibisce tutte le
sue capacità di penetrazione psicologica
ed efficacia espressiva, in linea con la
grande tradizione della ritrattistica veneta
del secolo precedente. L'autore del
foglio ha una mano diversa, finissima e
per molti aspetti anche superiore a quella
del Grigoletti nei suoi disegni, ma è
accostabile al suo stile. La giovane donna
ritratta ha un viso aggraziato e
un'espressione gentile e dimessa.
L'elevato livello di dettaglio è unito a una
delicata attenzione per i passaggi chiaroscurali.
f.g.
29

23. Philipp Haarlem (1770­1840)
Il pascolo, 1820­1825 ca.
Matita nera su carta bianca con filigrana, 374x229 mm.
24. Francia. Metà Ottocento
Veduta di Parigi con l' Hôtel de Sens, dicembre 1842
Matita nera, inchiostro bruno a penna, inchiostri policromi ad acquerello e
biacca su carta bianca, 262x205 mm.
Firmato e datato al recto in basso a sinistra a penna: “CD X. Bre 1842"
architetto inglese Philipp Haarlem
L'ha realizzato una moltitudine di
progetti per ville e cottages, particolarmente
in Essex e Sussex. Haarlem era solito
studiare l’ambiente prima di procedere
al progetto dell’edificio. Il nostro foglio,
una veduta in cui paesaggio e architettura
si fondono, è in realtà una visualizzazione
della collocazione di un cottage. L’occhio
architettonico di Haarlem, che era anche
impegnato nella realizzazione di parchi e
giardini, non lascia tuttavia molto spazio
al naturale: la composizione è ricercatamente
equilibrata, alberi ed edificio sono
tutti alla medesima altezza e la coppia di
mucche sulla destra è un espediente per
riempire uno spazio altrimenti vuoto.
f.g.
30
L'
autore è un artista francese, le cui
iniziali, "CD" sono in attesa di identificazione.
Il foglio offre un'ariosa e realistica
veduta di una strada di Parigi in un
tardo pomeriggio del dicembre 1842. Sullo
sfondo è identificabile l'Hôtel de Cluny,
nel cuore del quartiere latino, importante
esempio di architettura gotica civile e oggi
sede del Musée National du Moyen­Age
Thermes de Cluny. L'artista è particolarmente
interessato a dare risalto ai valori
atmosferici e ai contrasti luministici. La
quotidianità della vita cittadina è ben resa
grazie all'inserimento di poche ma calcolate
figure e alla gustosa indagine dei più
disparati particolari, come le leggibili
insegne e le incrostazioni sui muri.
f.g.

1. Albert Bierstadt, Among the Sierra
Nevada Mountains, Washington,
National Museum of American Art
25. Hudson River School. (Albert Bierstadt ?)
Guado dopo la tempesta, 1860 ca.
Punta metallica, matita nera, bistro, sfumino, biacca a penna
su carta preparata grigia, 350x218 mm.
Questo splendido disegno unisce a
evidenti suggestioni romantiche
una precisione e una pulizia del segno
grafico davvero notevoli. Tra i vedutisti
dell'Ottocento con queste caratteristiche
e dall'enfasi ancora romantica ci sono i
pittori della Hudson River School, tutti
accomunati da un forte interesse per il
paesaggio e per gli effetti di luce. Tra questi
Albert Bierstadt (1830­1902), nato in
Prussia e cresciuto negli Stati Uniti, è
quello che più si avvicina al nostro disegno
(ill. 1). Bierstadt, che viaggiò molto in
Germania, Svizzera, Italia e Stati Uniti,
narrando gli incontaminati paesaggi
dell'Ovest, esibisce nei suoi grandi dipinti
un intenso luminismo, con il sole spesso
incorniciato da nubi, un nitore e un'accuratezza
nella resa del paesaggio tra i più
efficaci di tutta la pittura dell'Ottocento,
riscontrabili anche nel nostro foglio.
L'autore del disegno, interessato a esaltare
la natura e ogni effetto della luce, fa un
largo e virtuoso uso della biacca per sottolinearne
ogni vibrazione, nel cielo, nell'acqua,
nei contorni di figure e animali.
f.g.
31

26. Antonio Senape (1788­1842)
Popolo di Capri, 1825­1830 ca.
Matita, bistro e inchiostro di noce a penna su carta, 265x178 mm.
Intitolato al verso: "Villaggio di Capri"
Bibliografia: Smolizza 2007, cat. 63
Senape ottiene un grande successo
come disegnatore di paesaggi urbani
e costieri del regno di Napoli, dove lavora
tra il 1820 e il 1840 e dove risiederà fino
alla morte, sopraggiunta nel 1842. Tra le
sue opere vi è un gruppo di 100 vedute,
appartenente ad una collezione californiana.
Il nostro foglio, di qualità realmente
eccezionale, si può datare per lo
stile negli anni 1825­1830, quando l'artista
cercava il modo di restituire gli effetti
luministici variando il tono e il colore
32
delle tinte in una elaborata composizione
di segni, sempre particolarmente elegante.
Realizzato a matita, nella metà
prossima all'osservatore, è abbozzato
principalmente nei toni della terra, mentre
il popolo, nel fondo, si alza fino al
cielo in una soluzione di bistro che a
colpo d’occhio sembra azzurro: il telaio
dominato dalla cima del Vesuvio si perde
nell'orizzonte, confondendo intenzionalmente
paesaggio e volta celeste.
s.g.

1. Jean-Baptiste Millet, Paesaggio
estivo con la casa dell'artista a
Grucy, 1871ca, Londra, British
Museum, inv. 2004,1030.5
27. Jean­Baptiste Millet (1831­1906)
Paesaggio con villaggio sullo sfondo
Inchiostro bruno a penna su carta bianca applicata su cartoncino,
riquadrato in origine con carta dorata, 236x174 mm.
Al recto: firmato "J. Bapt. Millet"; numero "233" incollato in basso a destra
Al verso: iscrizioni a matita nera "J. Bapt Millet né a Greviglie [...]
Peintre e graveur eléve de son frere J. F. Millet"
Jean­Baptiste Millet, nato a Gréville, fu
fratello minore, allievo e collaboratore
del più noto pittore Jean­François. Pittore
di genere e di paesaggi, incisore e disegnatore,
molti suoi acquerelli sono stati esposti
nel 1876 alla seconda esposizione
impressionista di Parigi, alla Galleria
Durand­Ruel. L'ascendente del fratello è
evidente nei suoi disegni, che prediligono
le tematiche tipiche della Scuola di
Barbizon, come scene di pascolo e di puro
paesaggio (ill. 1).
La visione di derivazione romantica della
natura si traduce negli intensi contrasti del
nostro foglio, non esente da un crudo realismo
memore della lezione di Courbet. Gli
alberi e i massi sono qui i reali protagonisti,
in un primo piano di tale presenza scenica
che sembra voler umanizzare la stessa
natura e far gridare all'artista il sentimento
di totale trasporto nei confronti di essa.
f.g.
33

28. Osmond Romieux (1826­1908)
Veduta di una spiaggia con forte nelle isole Lerins
Matita nera, acquerello bruno e gesso bianco su carta beige, 180x120 mm.
Al recto: firma in basso a destra: "O. Romieux"; Al verso: "202 Lerins"
29. Robert Henry Cheney (1801­1866)
Paesaggio di campagna con fiume
Matita nera, inchiostro bruno a penna e ad acquerello
su carta bianca, 330x220 mm.
Osmond Romieux fu un ufficiale
di marina francese, capitano di
fregata, noto per i numerosi disegni
eseguiti nel corso dei suoi viaggi in
ogni parte del mondo. Il foglio, firmato,
fa parte di una serie di vedute
realizzate lungo la costa francese. La
scena ritrae tre pescatori su una
spiaggia che ritirano la rete dal
mare, sullo sfondo un fortilizio di origine,
forse, medievale.
L'artista si sofferma a descrivere con
delicata sensibilità gli effetti di luce sulla
sabbia, sulle figure, sulle architetture e
nel cielo, dove banchi di nuvole digradano
in profondità. Il mondo narrato da
Romieux ha il tono malinconico di chi sa
che difficilmente tornerà negli stessi luoghi,
dei quali l'unica e sbiadita traccia
rimarranno i disegni eseguiti sul posto.
f.g.
34
Specializzato in paesaggi, Cheney ha
sperimentato anche le possibilità
espressive delle prime tecniche fotografiche.
Il nipote e fotografo inglese Alfred
Capel­Cure, trasse dai negativi dello zio
alcune stampe (ill. 1). Nel disegno, è proprio
con sensibilità fotografica che l’artista
usa la tecnica "a risparmio", sfruttando
il bianco della carta, mentre per altri sceglie
di grattar via il colore già assorbito,
come nel caso delle lingue di luce sulla
poppa della barca, nell'acqua sottostante
e sulle spalle dell'uomo. Il disegno è stato
eseguito in Italia, soggetto di centinaia di
vedute di Cheney (ill. 2). Sul bordo inferiore
si legge, confusa con i segni d’erba e
i cespugli, la scritta "Ravenna".
f.g.
1. Robert Henry Cheney, Guy -
scliffe, 1850-60, stampa fotografica
di Alfred Capel-Cure, Mont -
real, Collection Centre Canadien
d'Architecture
2. Robert Henry Cheney, Veduta
di Paullo, vicino Milano, mercato
antiquario (Christie's)

1. Albert Goodwin, Veduta di
Mont St. Michel, Londra, British
Museum, inv. 1940,0713.19/n
Centre Canadien d'Architecture.
30. Albert Goodwin (1845­1932)
Rovine a Canterbury
Matita nera, gesso bianco su carta bianca, 350x254 mm.
Iscrizioni al recto: "Canterbury"; "Albert Goodwin"
Pittore e acquarellista inglese,
Albert Goodwin fu membro della
Royal Watercolour Society. Nato a
Maidstone, si sviluppa nell'ambiente
artistico generato dalle teorie di Ruskin
e dei Preraffaelliti. Frequenta lo studio
di Arthur Hughes, poi Ford Madox
Brown, e infine diventa allievo di
Ruskin. Nonostante i Preraffaelliti non
fossero in primo luogo pittori di paesaggio,
la loro maniera di dipingere direttamente
dalla natura influenzò molti artisti
contemporanei. I paesaggi di
Goodwin, molte sono le vedute italiane,
sono sempre pervasi di un fascino poetico
che si eleva al di sopra del mero
descrittivismo. Ha sperimentato tutte le
tecniche dell'acquerello, utilizzando in
vario modo e a volte in contemporanea
tempere, inchiostri a penna, gessi e
pastelli, su carte bianche oppure colorate.
Il Maidstone Museum and Art
Gallery possiede la più ricca collezione
delle sue opere. Disegni e pitture di
Goodwin sono anche al British Museum
(ill. 1).
Il disegno, eseguito a matita nera con
lumeggiature di gesso, raffigura rovine
medievali tuttora visibili, situate non
lontano dal grande complesso della cattedrale
di Canterbury.
f.g.

31. Louis Boller (1862­1896)
Paesaggio con alberi
Matita nera, acquerello bruno su carta marrone chiara, 283x113 mm
Al recto: iscrizione a matita nera in tedesco relativa all'artista; al verso: "64, Boller…"
Louis Jacob Ludwig Willhelm Boller
si forma a Francoforte sotto la
guida di Julius Welsch e in seguito allo
Stadelschen Kunst­Institut di Heinrich
Hasselhorst. Nel 1844­46 frequenta
l'Accademia di Karlsruhe, dove studia
con Hermann Baisch. Si trasferisce poi a
Monaco, dove è molto apprezzato come
paesaggista. Tra il 1891 e il 1895 viaggia
tra la Galizia, la Polonia e la Russia.
Il disegno riproduce un paesaggio con
alberi in una veduta di largo formato,
con un utilizzo sicuro dell'acquerello e
un risultato pittorico, accentuato dall’uso
di una analoga tonalità di carta e
inchiostro, che lascia trapelare influenze
dalla coeva pittura impressionista.
f.g.
36

32. Artista tedesco attivo a Roma. 1830­1840 ca.
Dinnanzi alla casa padronale
Matita nera su carta bianca, 250x167 mm.
Il foglio, di altissima qualità, va dato ad
un autore tedesco attivo a Roma nella
prima metà dell’Ottocento. La amplissima
comunità di pittori tedeschi faceva perno
su alcune eminenti personalità attive nella
capitale già da fine Settecento, come
Tischbein, e fu centrale nella nascita di
due movimenti paralleli ai Preraffaelliti
inglesi: i Nazareni e i Puristi. Una delle
mete favorite dei tedeschi era Olevano
Romano, nella campagna laziale. Tra i
primi a visitare Olevano è il tirolese
Joseph Anton Koch. Tra gli altri artisti
spiccano Jean­Baptiste Camille Corot,
Friedrich von Olivier e Franz Theobald
Horny morto giovanissimo e sepolto nella
chiesa di san Rocco. Nei pressi del centro
del paese è visitabile il Museo­Centro
Studi sulla pittura europea di paesaggio
del Lazio, ove sono esposti soprattutto
disegni dell'800 e '900, oltre alla donazione
dell'artista Heinz Hindorf ed alla collezione
delle stampe delle Vedute Romane
di Joseph Anton Koch.
A questo nucleo conviene riferirsi per
identificare il nostro autore, che si segnala
per la compostezza formale ed uno
spiccato interesse per i costumi popolari,
condiviso allora a Roma con Bartolomeo
Pinelli. Nel segno nitido e fitto è evidente
la mano di un esperto incisore. La veduta
è di genere fantastico, ed unisce opportunamente
architettura antica, natura
(sapientemente impostata con ritmo classico)
e vita popolare.
m.s.
37

33. Conrad H. R. Carelli (1869­1950)
Fortilizio con popolani su un ponte, 1898­1902 ca.
Inchiostro nero acquerellato correlato su carta bianca, 250x151 mm.
Firmato al recto: "Conrad H. R. Carelli; al verso: numero "33" ritoccato
Bibliografia: Smolizza 2007, p. 301
Carelli fu allievo di William
Bouguereau e di Tony Robert­Fleury
alla Académie Julian nel 1889. Fu uno dei
più apprezzati acquarellisti del suo tempo
e l'ultimo grande pittore di vedute orientali.
A lui si devono anche molte delle immagini
più vitali del Meridione d'Italia, spesso
brulicanti di personaggi. Carelli predilige
le vedute a distanza con figure che
costituiscono un naturale complemento al
paesaggio. Una particolare eleganza rivelano
i suoi lavori monocromi, come il
nostro disegno. Esso faceva parte, con il
38
numero 33, di un gruppo di più acquerelli,
forse un tempo raccolti in un album a soggetto
orientale. Da Venezia a Istanbul, da
ariosi paesaggi arroccati sui monti a dettagli
di architettura e scene di mercato, gli
acquerelli di Carelli ci raccontano le sue
prime impressioni, sempre focalizzate su
dettagli ed effetti di luce
Riproduciamo il solo disegno, mentre le
dimensioni riportate a capo pagina si
riferiscono al foglio, con margini bianchi
molto ampi, su cui è realizzato.
f.g.

34. Willelm Bastian Tholen (1860­1931)
Paesaggio boschivo
Carboncino nero e gesso bianco su cartoncino, 309x208 mm.
Al recto in basso a destra, siglato a carboncino: "TH"
Bibliografia: Smolizza 2007, p. 290
Willelm Bastian Tholen, nativo di
Amsterdam, fu pittore, disegnatore
e incisore. Proviene da una famiglia di
artisti, che visse a Kampen dal 1864, dove
l'artista divenne amico del giovane Jan
Voerman, con il quale entrò
nell'Accademia di Amsterdam nel 1876. Fu
allievo di P.J.C. Gabriel e abitò a lungo a
Scheveningen, dipingendo le campagne
circostanti con colori corposi e spesso
cupi, in opere di grande formato esposti
anche ai Salons parigini. Con uno di essi
vinse la terza medaglia all'Esposizione
Universale del 1889. Tholen può essere
considerato il maggiore paesaggista olandese
a cavallo tra Otto e Novecento e in
patria fu riconosciuto come un vero e pro­
prio enfant prodige, stimatissimo dai pittori
dell'Aja. Il disegno, che faceva parte di
una serie di studi autografi del Tholen, è
eseguito a carboncino e gesso con un tratto
mosso e vigoroso. Raffigura un bosco
nei suoi elementi essenziali e di prima percezione
agli occhi dell'artista, in un'alternanza
di vuoti e pieni che dona profondità
e dinamismo. Il chiaroscuro molto accentuato,
l'estrema semplificazione formale e
una visione cupa e dal sapore quasi espressionista,
denotano un'intenzione astrattiva
e di tipo antinaturalistico che non rimarrà
senza conseguenze sulle ricerche del
primo Mondrian.
f.g.
39

35. Theo van Rysselberghe (1862­1926)
Alberi a bordo di una scogliera, 1900­1902
Carboncino su carta crema, 330x420 mm.
Al verso: sigillo dell'Atelier van Rysselberghe
Bibliografia: Smolizza 2007, cat. 94
Pittore e decoratore olandese
neoimpressionista, proveniente
da una famiglia dell'alta borghesia di
Gent, composta prevalentemente da
architetti, van Rysselberghe è alunno
di Canneel e di Portales. Partecipa alla
fondazione del gruppo dei XX e della
Libre Esthétique. Partecipa a svariate
mostre e nel parigino Salon des
Indépendants. Con Seurat, Cross e
Pissarro si accosta al divisionismo e
fino al 1887 si distingue
come puntinista.
Dal 1895, con
Henry van de Velde
promuove il rinnovamento
delle arti
decorative, impegnandosi
nel disegno
di cartelli,
mobili, ornamenti
tipografici, gioielli di
stile nouveau e, con
un grande ciclo pittorico,
rivoluziona la
decorazione murale.
E' inoltre un personaggio
centrale nella
vita letteraria parigina
e in particolare
per Gide, Fénéon,
Maeterlinck e del
gruppo di Ver hae ­
ren. Lo splendido
foglio proposto, databile nel primo
biennio del XX sec e caratterizzato dall'idea
di semplificazione della visione,
rappresenta, nella forte contrapposizione
del chiaroscuro, nel taglio limpido
del paesaggio e nel gioco dei piani
architettonici, un perfetto esempio di
estetica modernista, prossima ai lavori
contemporanei di un altro dei padri
del movimento moderno, Mondrian.
s.g.
41

36. Francia. 1820­30 ca.
Ragazzo in lacrime
Matita nera e matita rossa su carta beige applicata su cartoncino azzurro, 142x176 mm.
37. Francia. 1850 ca.
Scena di battaglia al porto
Matita nera, inchiostro nero a penna e bistro su carta bianca, 235x167 mm.
Il disegno, eseguito con la combinazione
della matita nera e di quella
rossa, è riconducibile, per l'attenzione
al dato naturalistico e per motivi stilistici,
ad artista francese operante nei
primi decenni dell'Ottocento. L'opera è
priva della freschezza e dell'immediatezza
di uno studio dal vero fine a se
stesso ed è probabile che si tratti di uno
studio preparatorio per un dipinto con
scena di genere o per una qualche stampa,
come suggeriscono il segno preciso
e incisivo, il tratteggio insistente e l'attenzione
al dato chiaroscurale. Molto
vicino ai numerosi disegni dello scultore
Edmé Bouchardon (1698­1792),
potrebbe anche trattarsi di derivazione
da una incisione del Settecento.
f.g.
42
La presenza dell'insegna con la scorretta
dicitura "Tratoria" indica un
riferimento italiano, ma lascia ipotizzare
la mano di un artista d'oltralpe e lo stile è
accostabile a quello di tante scene di battaglie
eseguite da artisti francesi intorno
alla metà dell'Ottocento. Vi si riconosce
una località portuale, dove si svolge uno
scontro tra militari francesi, come si comprende
dalle uniformi, e civili. La disparità
di forze è stigmatizzata nella contrapposizione
tra il fucile e il pugnale al centro
della scena. La composizione è molto
equilibrata, con gli edifici in funzione di
quinte teatrali e l'apertura al centro che
fornisce luce all'episodio e ne esalta la
drammaticità.
f.g.

38.Eugéne Isabey (1803­1886)
Interno di una chiesa con personaggi in costumi rinascimentali, 1877
Matita nera, acquerello, gouache, inchiostri policromi e biacca
su cartoncino applicato su carta, 258x350 mm.
Al recto firmato e datato in basso a destra "Eugéne Isabey '77".
Al verso iscrizioni che indicano la provenienza della vendita"M Behaey 88
Avenue… Paris”
Isabey è considerato, per la qualità della
sua arte e per l'efficacia dei suo i mezzi
espressivi, tra i più importanti maestri
romantici francesi. Figlio di Jean­Baptiste
Isabey, ritrattista e miniaturista, fu
costretto dal padre a dedicarsi alla pittura.
Viaggiò molto e si ispirò ai tanti luoghi da
lui visitati, come la Normandia, la
Bretagna, l'Olanda, l'Inghilterra e
l'Algeria. Fu il pittore ufficiale della spedizione
di Algeri. Il suo esordio fu al salon
del 1824 con dipinti di marine, genere nel
quale espresse il meglio della sua produzione
e dove manifesta l'influenza dei paesaggisti
inglesi. Nei suoi dipinti Isabey si
diletta con audaci giochi di mezze tinte
bionde e di delicati grigi con cui ottiene
efficaci effetti di luce madreperlacea, evidenti
anche nel nostro disegno. Non
manca nelle sue opere l'impeto romantico
che caratterizza la sua epoca, spesso
affiancato a delicate movenze. Ebbe una
predilezione per l'intimismo e per le
ambientazioni storiche, le quali, eseguite
a olio o a guazzo e sempre con minuzia,
rimandano ai dipinti olandesi del
Seicento. Il disegno è eseguito con apparente
rapidità, ma cela una rara perizia
nella resa, tramite acquerelli colorati e
tocchi di colore spesso molto corposi, dell'intera
ambientazione. Dai costumi alle
architetture, dalla luce alla stessa narrazione,
l'artista rivela per ogni dettaglio
una attenta ripresa dal vero.
f.g.
43

39. Edgar Degas (1834­1917)
Il Discobolo (recto e verso), 1858­1859
Matita su carta bianca, 370x240 mm.
Iscritto in basso a destra al recto e al verso: "Rome" e in basso a sinistra, al verso: "260"
Cachet del nipote dell’artista in basso a sinistra, al recto: "Nepveu Degas"
Expertise: Theodor Reff pour le Comité Degas, Parigi, 15 marzo 2008
Provenienza: Fondo speculativo Previdart, Milano
N.B. Lotto gravato da Iva
Il foglio, un capolavoro della giovinezza
di Egdar Degas, è stato identificato
da Theodor Reff, che lo riconduce al soggiorno
dell’artista a Roma, presso Villa
Medici, tra il 1858 e il 1859. Il soggetto è la
celebre statua del Discobolo, conservata
appunto presso la sede della Accademia
di Francia.
Degas non era un pensionnaire, ma gli era
permesso di esercitarsi sui modelli
dell'Accademia. Del periodo romano dell’artista
si conoscono diversi studi di
accademia e copie di antichi maestri, nei
quali è forte la attenzione alla volumetria.
44
Degas stava studiando allora, in parallelo,
la statuaria antica e Michelangelo e
Signorelli. Nel nostro foglio la lezione
dell’antico si unisce ad un vivido interesse
per la natura, evidente per esempio
nell'espressione concentrata del viso e
nell'abilità nell'usare un contorno incisivo
per definire le forme. L'ombreggiatura
è utilizzata per creare un effetto forte di
mascolinità. L'opera, come testimonia la
stampa in basso a sinistra proviene dalla
collezione del nipote di Degas, Jean.
s.g.

40*. Honoré Daumier (1808­1897). Cerchia di.
Caricatura di un orientale, 1831­1835 ca.
Inchiostro marrone a penna su carta color crema, 193x280 mm.
Annotato al verso: "200" e "5/150"
Bibliografia: Smolizza 2007, cat. 136
Si trasferisce con la famiglia a Parigi
nel 1816 e per un certo periodo lavora
come fattorino di un ufficiale giudiziario.
Termina i suoi studi artistici con il pittore
Alexandre Lenoir, amico di suo padre e,
come continuazione, nell'Académie
Suisse. Si dedica alla litografia e raggiunge
la celebrità con le sue invenzioni di incisiva
satira politica nella rivista La
46
Caricature. Per Philippon, direttore della
rivista, porta a termine 45 busti caricaturali
in creta, plasmati con tratto libero ed
energico. Nel 1835, dopo le limitazioni
sulla libertà di pensiero, La Caricature
viene sospesa. Daumier incomincia una
nuova collaborazione con Le Charivari,
dedicandosi alla satira sociale, ispirata al
mondo dei teatri e dei tribunali, nella
scena di vita popolare. Con la Seconda
Repubblica (1848), il suo spirito critico
diventa più acuto. Alla metà del secolo si
dedica con maggiore interesse alla pittura,
che affronta adottando lo stile dell’amico
Courbet e di Millet. Opta per i temi realisti,
come la Lavandaia (1860­1862) e Il
vagone di terza classe. Il disegno, di una
qualità sorprendente, è analogo alla prima
produzione di Honoré Daumier. La figura
dell'orientale, con il turbante e la barba
larga e acuta, è resa con un tratto rapido e
agile e una grande dimestichezza del
mezzo grafico. L'artista utilizza la penna
con la libertà di un incisore che prepara
una matrice dell'acquaforte, caricando il
tratto con l'inchiostro e modellandolo
con estrema fluidità. L'intenzione della
rappresentazione è caricaturale ma non
ridicola; e il risultato è un piccolo divertissement
di raffinata spontaneità.
s.g.

41. Cesare Fracassini (1838­1868)
Vergine in gloria e Bambino con scettro
Matita nera su carta bianca, 80x134 mm
Provenienza: Eredi Fracassini, Roma
Bibliografia: Smolizza 2007, p. 278
Asoli dieci anni era già nello studio di
Tommaso Minardi, che fu suo professore
anche all'Accademia di San Luca.
Eseguì opere in diverse chiese romane,
oltre che ad Albano e a Terracina. Fu il
pittore di punta della corte di Pio IX e fu
salutato giovanissimo come il ‘Nuovo
Raffaello’. Dalla maniera classica delle sue
prime opere, volge progressivamente ad
esiti di tipo impressionista: morto a soli
trenta anni, nei dipinti non fa in tempo ad
allontanarsi completamente dall'accademismo
imperante nell'ambiente romano
in cui opera, ma nei bozzetti e nei disegni
mostra chiaramente una spontanea
immediatezza e il rifiuto di formule arcaiche
e soffocanti. Il nostro foglio proviene
da un taccuino di 36 pagine, scompaginato
in antico. È una testimonianza diretta
della maniera utilizzata dall'artista per fissare
su carta le sue prime idee.
Il recto del foglio è riprodotto a dimensione
reale. Al verso vi è uno schizzo, qui
non riprodotto.
f.g.

42.Giuseppe Castiglione (1829­1908)
Cardinale
Inchiostro marrone e nero a penna su carta azzurra applicata
su cartoncino, 201x180 mm.
Firmato al recto: "G. Castiglione"
Giuseppe Castiglione nasce a Napoli
nel 1829. Trasferitosi molto presto a
Parigi, vi espone a partire dal 1869. Fu
membro della Società degli artisti. Nel
1861 ottenne una menzione e nel 1900 una
medaglia di bronzo in occasione
dell'Esposizione Universale. Nel 1893 fu
decorato dalla Legion d'Onore. Fu pittore
e disegnatore di scene di genere e privilegiò
i ritratti e i paesaggi.
48
Il disegno, forse schizzo preparatorio per
un ritratto, ritrae un cardinale seduto su
una poltrona. Con pochi tratti di inchiostro
a penna, bruno per la figura e nero
per gli oggetti, l'artista riesce a rendere
l'autorevolezza del personaggio, dalle
forme larghe e monumentali.
f.g.

43. Giacomo Favretto (1849 ­1887)
Arrivano gli sposi­E questo va bene, recto
Il Fruttivendolo, verso
Carboncino su carta bianca, 318x464 mm.
Al recto: "70"; al verso: "69"
Provenienza: collezione Carlo Prayer, Milano
Bibliografia: Smolizza 2007, p. 302
All'Accademia di Venezia Favretto studiò
la grande pittura locale e si formò
con artisti quali Grigoletti, Nani e
Molmenti. La vena narrativa e di genere a
lui più consona si manifesta nelle opere successive
al 1870. Favretto può essere considerato
il maggiore artefice del Verismo veneziano
e la sua precoce morte, durante
l'Esposizione di Venezia del 1887, chiuderà
per molti aspetti questo capitolo della pittura
italiana.
In tutti i suoi esercizi grafici Favretto, dalle
prime prove giovanili e accademiche fino
alle ultime opere, è riconoscibile per il suo
profondo attaccamento alle figure. I disegni
del nostro foglio possono datarsi al 1884­
1886 circa e facevano parte di un album di
studi di grande formato, utile all'artista per
fissare scene dal vero, invenzioni e idee
compositive che attingono all'intimità della
sua città. Con pochi e fugaci tratti inquadra
ambientazione e personaggi, in un precario,
equilibrato e perfetto punto di incontro tra
"impressione" e scena di genere, anticipazione
grafica, scarna ma non meno efficace,
delle successive esecuzioni a colori.
f.g.
49

44. Francia. 1895­1910 ca.
La preparazione, recto; Donne a teatro, verso
Recto: matita nera, inchiostro nero ad acquerello, 159x112 mm.
Verso: matita nera, inchiostro nero e giallo ad acquerello
45. Francia. 1874 (Alfred Choubrac?)
Suonatrice di tamburo (Le pillole del diavolo), 1874
Carboncino, acquarelli nero, bianco, rosa e celeste su cartoncino marrone, 140x217 mm.
Iscrizione a penna in basso a sinistra al recto: "Le pilules du Diable/ Chatelet 1874"
Questo doppio disegno, di mano
francese, coniuga tutte le caratteristiche
dell’Art Nouveau, soprattutto
nel recto, dove troviamo un linearismo
ondulato e una forte stilizzazione della
figura umana. Evidente il rapporto con la
grande cartellonistica parigina.
f.g.
50
Il disegno è collegato a una rappresentazione
teatrale, tenutasi a Parigi al
Théatre du Châtelet, Le pilules du Diable,
commedia fiabesca (féérie) in tre atti.
L'attrice protagonista, Mlle Théol, compare
nelle stesse vesti di tamburino in una
foto dall'atelier di Nadar (ill. 1). L'autore è
rintracciabile tra i numerosi disegnatori
attivi in quegli anni a Parigi come cartellonisti.
Il gusto non è lontano dai manifesti
di Jules Chéret (1836­1932). Un artista
prossimo per tecnica e carattere delle
figure è Alfred Choubrac (1853­1902).
f.g.
1. Atelier Nadar, Mlle Théol in Les
Pilules du diable, negativo fotografico,
Francia, Ministère de la
Culture, Médiathèque de l'architecture
et du patrimoine (archives
photographiques)

46. Oswald Heidbrink (1860­1914)
Studi di modella in tre pose
Matita azzurra, su carta bianca applicata su cartoncino, 211x213 mm.
Siglato al recto con monogramma “HK”
Nativo di Bordeaux, Heidbrink fu
illustratore e autore di litografie.
Tra i più brillanti collaboratori delle riviste
artistiche e umoristiche della Belle
Époque, lavorò soprattutto per il
Courrier Français e Le Chat Noir. Il suo è
un segno fermo e rigoroso, dai contorni
ben definiti. Nel nostro disegno l'artista,
distante dal tono scherzoso delle sue
opere più note, si dimostra interessato
allo studio dell'anatomia femminile e dei
lineamenti della modella, senza tralasciare
il dato chiaroscurale.
f.g.
51

47*. Ludwig von Hoffmann (1861­1945)
Apparizione, 1895­1898
Carboncino su carta, 320x240 mm.
Bibliografia: Smolizza 2007, cat. 74
Nipote e alunno di Johann Michael
Heinrich Hoffmann, studia presso
le accademie di Dresda, Karlsruhe e
Monaco. Si trasferisce a Parigi,
all'Accademia Julian, dove conosce
Puvis de Chavannes e Albert Besnard.
Dal 1891 fino al 1894 è a Berlino, Monaco
(dove segue l'opera di Hugo von
Marées) e Roma. Membro del "gruppo
degli undici", con Corinth, Liebermann,
Skarbina e Leistikow, fino al 1923 è
direttore dell'Accademia di Weimar.
Trae grande notorietà per le sue doti di
brillante colorista e la sua abilità per il
nudo femminile. Influenzato dal simbolismo
e dal nascente Jugendstil, negli
anni novanta dell’800 von Hoffmann
predilige le figure dell'antichità in com­
posizioni piene di mistero e grazia che
esercitano una forte attrazione sui contemporanei:
il disegno esposto è pertinente
a questo periodo e rivela una relazione
con le investigazioni di Arnold
Böcklin (1827­1901) e del suo alunno
Max Klinger (1857­1920), come anche
l'interesse per la psicologia, intesa come
luogo di rivelazioni del sogno e dell'incubo.
Con il nuovo secolo von
Hoffmann partecipa alle ricerche cubiste.
Come illustratore realizza una serie
per Von Hoffmansthal. Esercitano un
grande effetto le sue pitture murali del
Nouveau Grand Théâtre e del Museo
Henry van de Velde.
s.g.
53

48*. Christian­Jacques Bérard (1902­1949)
La notte, 1930
Inchiostro nero e grigio a penna e acquerello su carta bianca applicata a passepartout, 152x202 mm.
Titolo a penna al recto: "Londres/ 1930 Ballet ‘La nuit’“; firma in basso a destra: "Berard"
Al verso del passepartout: annotazioni dell'artista
Il pittore e scenografo francese
Bérard, noto anche come Bébé, nacque
a Parigi e fece parte di quel movimento
di recupero neoumanistico sviluppatosi
nella capitale francese, tra il
1923 e il 1930, attorno alla figura di W.
George. All'interno di questa tendenza
Bérard offrì un'immagine dell'uomo
nostalgica e molto introversa, come
emerge anche dal disegno in esame. Sin
dai suoi esordi lavorò come scenografo e
costumista, contribuendo in modo fondamentale
allo sviluppo del design artistico
teatrale e della moda di quegli
anni. Artista eclettico, lavorò in più settori
ed anche nel cinema. Poco attratto
dalle Avanguardie e dalle novità espressive
del primo Novecento, aderì al neoromanticismo
figurativo, con l’intento di
riportare le arti ad una dimensione
umana. Come pittore fu molto apprezzato
a Parigi per i suoi ritratti. Nel 1930
si tenne, al Palace Theatre di
Manchester, la prima del balletto La
nuit, con scenografie e costumi di
Bérard e ideato dal suo compagno e collaboratore
Boris Kochno, che diresse
molti Balletti russi e co­fondò i Ballet des
Champs­Elysées. L'artista rende in questo
studio di costumi e scenografie l'atmosfera
notturna e malinconica dello
spettacolo, in sintonia con il titolo dell'opera,
suggerendola con i toni cupi e
con gli atteggiamenti delle figure.
f.g.
54

1.Georges Manzana-Pissarro, Ritratto
di Toulouse-Lautrec, Parigi, Musée du
Louvre, Département des Arts
Graphiques, inv. 35694.
49. Georges­Manzana Pissarro (1871­1961)
Caricature
Matita nera su carta bianca, 110x169 mm
al recto: timbro "Atelier Manzana Pisarro" al verso: "156"
Nato a Louveciennes e terzo figlio di
Camille Pissarro, dipinse inizialmente
sotto la guida del padre.
L'influenza dei dipinti esotici di Gauguin
lo portò verso l’orientalismo. Dimostrò
un forte interesse anche per le arti industriali
e decorative. Nel 1939 si sposta con
la famiglia a Casablanca, dove rimane
fino al 1947. Nelle sue ultime opere, trasferitosi
a Menton, sulla Costa Azzurra,
dipinge il paesaggio circostante, con uno
stile tardo impressionista. In questo disegno
l'artista si diverte a ritrarre un uomo,
caricandone i lineamenti, e fornisce un
gustoso esempio delle sue capacità di
disegnatore dal vero e di ritrattista. Il
foglio è di qualità analoga ad una serie
conservata al Louvre (per esempio, ill. 1).
f.g.
55

50. Lukowicz (attività 1914­1915)
L’impero austroungarico elemosina il sostegno degli Stati Uniti
Matita nera, inchiostro di china a penna e acquerelli policromi
su carta bianca, 265x182 mm.
Il disegno, di eccezionale qualità,
faceva parte di un taccuino realizzato
sul fronte orientale durante la Prima
guerra mondiale. L'artista, di cui si
dovranno cercare notizie tra gli illustratori
attivi per la stampa viennese, mette
in risalto le figure proiettandole su uno
56
sfondo nerissimo e colorandole ad
acquerello.
Riproduciamo il solo disegno, mentre le
dimensioni riportate a capo pagina si
riferiscono al foglio, con margini bianchi
molto ampi, su cui è realizzato.
f.g.

51. Francia. 1940­1950 ca.
Ritratto di un artista
Matita nera su carta bianca, 150x199 mm.
La mano è quella di un artista francese
attivo negli anni '40­'50 del secolo
scorso. La scena mostra un pittore
intento nel suo lavoro, i pennelli stretti
in una mano mentre con l'altra colora
con delicatezza la tela. È una visione
immediata, uno schizzo dove con la sola
matita l'autore fotografa un collega
all'opera, riuscendo a restituire la serenità
di un momento privato e lo spirito
quasi giocoso della situazione.
f.g.
57

52.Gino Severini (1883­1966)
Madre e bambina, 1931
Matita su carta, 280x230 mm.
Firma e data: "Severini 1931"
Provenienza: Ernesto Mancini, Roma
Bibliografia: Smolizza 2009, cat. 17
Nel 1921 Gino Severini pubblica Du
Cubisme au Classicisme. Esthétique
du compas et du nombre, un trattato che
prende le mosse da Pitagora e Platone
per identificare schemi e ritmi estetici
universali. I principi contenuti in questo
volume hanno una straordinaria applicazione
nel ciclo decorativo del Castello di
Montegufoni, nel Chianti, di cui l'artista
affresca una stanza su commissione del
barone inglese Sitwell (Benzi 1992, pp.9 e
27). A partire dal 1923 la tensione verso
una forma capace di cogliere ciò che è
veramente umano si lega ad un crescente
interesse religioso. Tra il 1925 e il 1934
l'artista si dedica prevalentemente alla
pittura sacra, affrescando tra l'altro le
chiese di Semsales (1925­1926), La Roche
(1927­1928), Tavannes (1930), San Pietro
a Friburgo (1932, 1935/1950) e Notre
Dame du Valentin a Losanna (1933­1934).
Il disegno porta la data 1931. Si avverte la
stessa profondità umana ­ dubbiosa, speranzosa,
solida e preoccupata ­ che
anima la pittura religiosa: una madre ed
una bambina strette in un abbraccio
esclusivo, lo sguardo sicuro della donna,
quello quasi interrogativo nella ricerca di
affetto della bambina, sottolineata dal
movimento della mano, che la madre
coglie immediatamente. Da un punto di
vista stilistico il disegno è abbastanza
completo: i contorni sono realizzati con
58
un segno leggero, spesso interrotto, che
richiama il disegno fauve (si guardi
soprattutto la manica della camicia),
mentre il viso della donna richiama
direttamente ­ sia nella scelta del profilo
sia nel modo di ombreggiare ­ i cartoni
preparatori per affresco. La provenienza
del foglio è chiarita da una nota sul passepartout
originale: "Al Prof. Ernesto
Mancini con profonda riconoscenza e
stima, Roma, 11 agosto 1937 XV. Gino
Severini”.
m.s.

53. Ferruccio Ferrazzi (1891­1978)
Ritratto della figlia Fabiola, 1933 ca.
Inchiostro a penna e a lavis su carta marrone, 260x337 mm.
Provenienza: Eredi Ferrazzi, Roma
Pittore e scultore, Ferrazzi esordisce
giovanissimo, a soli sedici anni,
esponendo alla LXXVII Esposizione di
Belle Arti, a Roma. Nel corso della sua
carriera artistica espone alle più importanti
manifestazioni artistiche nazionali:
Biennale di Venezia, Esposizione
della Società Amatori e Cultori di Belle
Arti, Biennale romana, mostre del
Novecento, Quadriennale di Roma,
divenendo il punto di riferimento del
panorama artistico romano. Con il
Ritorno all'ordine si accosta allo studio
di Piero della Francesca, alla ricerca di
principi compositivi capaci di ordinare
l'aspetto emotivo della figurazione.
Fortemente debitore di tali studi è questo
commovente ritratto di Fabiola, una
delle tre figlie dell’artista, realizzato
intorno al 1933. L’intensità dell’espressione,
la semplice bellezza della ragazzina,
che osserva in distanza sorpresa
quasi fotograficamente con la bocca un
po’ aperta, sono coerenti con una sensazione
di vitalità comunicato dai passaggi
di inchiostro a lavis sui capelli, contrapposti
ai precisi e taglienti passaggi
della penna.
m.s.
60

54. Pietro Annigoni (1910­1988)
Ritratto di donna, 1929­1930 ca.
Matita nera e carboncino su carta, 225x315 mm.
Annigoni è uno dei maggiori disegnatori
italiani del ’900. ll suo
stile evidenzia l'influenza del
Rinascimento e del Realismo, in contrasto
con gli stili di ritratto propri del
Modernismo e Postmodernismo in
auge negli anni della sua attività.
Specializzato in ritrattistica, la sua
attività è nota soprattutto per il ritratto
del 1955 di Elisabetta II (National
Portrait Gallery, Londra), sebbene soggetti
frequenti dei suoi lavori fossero
persone disagiate e senza fissa dimora.
Suoi affreschi si trovano nell'Abbazia
di Montecassino, nel Convento di San
Marco a Firenze (Discesa dalla Croce,
Morte di Abele), nella Basilica di
Sant'Antonio a Padova ed in molte
altre località. Una delle opere più
importanti è il ciclo pittorico della
Chiesa parrocchiale di S. Michele
Arcangelo a Ponte Buggianese. Nel
2008 è stato aperto a villa Bardini a
Firenze il "Museo Pietro Annigoni".
Il nostro foglio, databile al 1929­1930,
raffigura una giovane in vesti teatrali.
Tipici della prima produzione di
Annigoni sono la capigliatura vivace e
l’uso di punte friabili e dure.
m.s.
61

BIBLIOGRAFIA
Benzi 1992
F. Benzi, Gino Severini. Affreschi, mosaici,
decorazioni monumentali 1921­1941,
Roma, 1992
Choné 1992
P. Choné, J. Callot 1592­1635, Parigi, 1992
Colnaghi 1951
Exhibition of Old Master Drawings,
London, 1951 [Catalogo della mostra
omonima tenutasi a Londra, Colnaghi &
Co., 17 maggio ­ 20 giugno 1951]
Lugt 1921
F. Lugt, Le marques de collections dessins­estampes,
Amsterdam, 1921 [ristampa
anastatica, 2002]
Matteucci 2002
A. M. Matteucci, I decoratori di formazione
bolognese tra Settecento e Ottocento. Da
Mauro Tesi ad Antonio Basoli, Milano,
2002
Smolizza 2oo7
M. Smolizza, Idea y Sentimiento.
Itinerarios por el dibujo, de Rafael a
Cézanne, Cordova, 2007
Smolizza 2oo9
M. Smolizza,a cura di, con un dialogo
con Pierre Rosenberg, Il Disegno. Breve
viaggio da Fragonard a Beuys, Roma,
62
2009

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L'Intermediario
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P.I. 01996170021, è autorizzata dalla
Questura di Roma con licenza del 6
marzo 2001 a svolgere attività di
intermediazione nella vendita di
opere d'arte secondo le generali
prescrizioni del Testo Unico di
Pubblica Sicurezza. Nella propria
attività, l'intermediario si attiene
ad un apposito regolamento, accessibile
presso il sito www.gioiellidicarta.it
o fornito in copia a chi ne
faccia richiesta, inderogabile salve
le specifiche eccezioni previste e
comunicate per iscritto agli offerenti
durante la procedura di vendita.
La partecipazione alla procedura
di vendita prevede la conoscenza e
la adesione a tale regolamento e
alle predette eventuali eccezioni.
Esame degli originali,
lecita provenienza e
certificato di garanzia
Al fine di garantire agli interessati
la possibilità di verificare direttamente
quanto in vendita, gli oggetti
sono esposti a Roma presso
Rechburg e Betzkoj Associati (Via
Filippo Civinini 37, int. 4, T.
06.8075228), previo appuntamento,
dal 2 febbraio 2009 ore 18.30 al 25
febbraio 2009 ore 18, dal lunedì al
venerdì, in orario 9.30­13 e 14.30­18.
Tutti i lotti sono venduti con
dichiarazione di lecita provenienza.
Per ogni oggetto la Casa rilascerà
certificato di autenticità e lecita
provenienza.
Consegna e individuazione
della offerta vincente
Per quanto riguarda la attuale procedura
di vendita, si segnala quanto
segue:
­ La vendita apre il 2 febbraio 2010,
ore 18.30
­ Fino all’ 8 febbraio 2010, ore 17, il
catalogo è a disposizione dei clienti
della Casa, che hanno due opportunità:
a) rilevare immediatamente gli
oggetti attraverso una offerta pari al
doppio della stima minima; b) presentare
una offerta scritta vincolata
pari almeno alla metà della stima
minima. Le offerte vincolate hanno
valore sino alla conclusione della
procedura di vendita e diventano
efficaci se risultate vincenti in tale
occasione ovvero quando siano
accettate dalla Proprietà anche
prima di tale scadenza. Dall’8 febbraio,
ore 18, al 25 febbraio, ore 18, i lotti
ancora disponibili potranno essere
proposti anche in vendita pubblica
telematica.
Il 25 febbraio 2010, ore 19, i lotti disponibili
sono dispersi come segue:
­ l'offerente può far pervenire la propria
offerta scritta all'indirizzo di
Rechburg e Betzkoj associati ovvero
al fax 06.40041969 o alla e­mail
info@gioiellidicarta.it, entro le ore
17 del 25 febbraio 2010.
­ alle ore 19.00 pari data presso la
sede di Rechburg e Betzkoj Associati
vengono aperte le offerte pervenute.
Alle ore 19.15, letto pubblicamente
l'importo di ogni offerta pervenuta e
comparato con le migliori offerte pervenute
attraverso la predetta attività
di acquisizione di offerte telematiche,
vengono acquisite ­ in sequenza ininterrotta
­ eventuali altre offerte scritte
da parte di offerenti presenti e
accreditati, ovvero al telefono e
accreditai ovvero on line attraverso il
sito www.artfact.com. In presenza di
una sola offerta pari o superiore alla
stima minima, il lotto è aggiudicato
alla stima minima. In presenza di più
offerte, vengono selezionate le due
migliori e il lotto è aggiudicato all'offerente
che ha proposto l'offerta
migliore in assoluto ad una cifra pari
all'importo della seconda offerta
migliore maggiorata al massimo del
10% (ad esempio se la offerta migliore
in assoluto è 3.000 Euro e la seconda
migliore è 2.000 Euro, il lotto è
aggiudicato a 2.200 Euro all'offerente
che ha proposto 3.000 Euro). La
stima minima è espressa in Euro e
coincide con la cifra minore della
stima di ogni singolo lotto. Le offerte
devono essere pari o superiori alla
metà della stima minima. In caso di
offerta di pari importo, prevale quella
consegnata prima.
Indipendentemente dalla modalità
di acquisto adottata, l'offerente
riconosce a Claudia Bonino
(Gioielli di Carta), oltre al prezzo di
aggiudicazione ricevuto dalla stessa
in nome e per conto del cliente
venditore, un diritto di intermediazione
pari al 25% dello stesso (Iva
inclusa).
Ad aggiudicazione avvenuta,
Claudia Bonino (Gioielli di Carta)
rimette immediata fattura all'acquirente,
fuori campo Iva per quanto
concerne il bene e in campo Iva per
quanto concerne l'intermediazione.
L'acquirente provvede a saldare la
fattura entro 5 giorni lavorativi dall'acquisto.
Il lotto è ritirato dall'acquirente,
entro 45 giorni dalla vendita,
a pagamento avvenuto, presso
la sede di Rechburg e Betzkoj
Associati. Dopo la vendita, non sono
ammesse contestazioni riguardo al
lotto.
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Finito di stampare nel mese di gennaio 2010