ESZ NEWS N. 56_ottobre 2011.pdf - Edizioni Suvini Zerboni

Ivan Fedele
ESZnews
Edizioni Suvini Zerboni - Notiziario quadrimestrale
Il virtuosismo come mezzo
T
re le prime esecuzioni assolute nell’autunno di Ivan
Fedele. Il 6 ottobre Francesco D’Orazio presenta al
Teatro Verdi di Firenze, per il Festival Play It!, la versione
per violino elettrico a cinque corde, orchestra da camera e
live electronics di L’orizzonte di Elettra. Marco Angius è
alla testa dell’Orchestra della Toscana. Concepito nel
1990 in una versione per viola, live electronics e orchestra
da camera, il pezzo è stato rielaborato nel 2009 su
sollecitazione di Francesco D’Orazio in una nuova
versione per violino elettrico a cinque corde (Mi-La-Re-
Sol-Do), con l’aggiunta di una quinta corda intonata una
quinta sotto la quarta corda e coincidente dunque col Do
della quarta corda della viola. Questa nuova versione, mai
eseguita finora dal vivo ma di cui era già pubblica la
registrazione in studio per il Cd Mosaïque (Stradivarius
STR 33850) realizzata dallo stesso solista con l’Orchestra
Sinfonica Nazionale della Rai sempre diretta da Marco
Angius, trova ora il proprio battesimo esecutivo a Firenze
nella cornice dell’importante Festival dedicato alla musica
contemporanea italiana che Giorgio Battistelli ha
concepito per l’Orchestra della Toscana. Come spiega
Dino Villatico nelle note di presentazione del citato Cd,
«il pezzo acquista in questa versione un aspetto di
straordinario impatto emotivo. Anche per la sfida
virtuosistica dello strumento solista. Del resto anche il
virtuosismo paganiniano ha tutt’altro che il carattere di
un’esibizione gratuita di bravura: ma, come quello
lisztiano, è un affondare negli abissi demoniaci dello
strumento, e dunque del suono. L’esperienza elettronica,
ma anche strumentale, della musica spettrale acquista qui
un nuovo senso. Il campo armonico di un suono non è
solo la risonanza dei suoi armonici o il riverbero del suo
timbro nello spazio, ma anche l’espandersi in volute
melodiche di quegli armonici e di quei timbri. Ne configura
per noi una premonizione visionaria l’Adagio della sonata
D
ue le prime vocali nel mese di ottobre di Stefano
Gervasoni. Il Festival Musica di Strasburgo propone il 6
ottobre alla Salle de la Bourse Due poesie francesi di
Luca per voce femminile e ensemble su poesie del poeta
d’origine rumena Ghérasim Luca. Ne saranno interpreti il
soprano Françoise Kubler e il gruppo Accroche Note.
Il pezzo, composto nel 2009, appartiene al ciclo Poesie
francesi, formato da coppie di poesie scritte in lingua
francese da poeti non di madrelingua francese (Ungaretti,
Rilke, Beckett). Spiega l’Autore: «Le poesie di Luca hanno
in comune con quelle su testi di Beckett dei procedimenti
di scrittura decostruttivista, un tono secco tra il sarcasmo
e l’assurdo, e una proliferazione vertiginosa e labirintica
del significato. Si oppongono in questo modo alla
dimensione lirica, emotivamente carica e metafisica delle
poesie di Rilke e Ungaretti. Le quattro coppie di poesie
sono accompagnate da un organico differente, scelto in
funzione delle qualità espressive di ciascuna. Il mio
obiettivo era rivestire questi testi della veste sonora più
scarna, il più pertinente possibile e rispettosa delle qualità
poetiche e formali dei testi stessi, nel tentativo di
realizzare un fenomeno di spaesamento e ambiguità. La
Stefano Gervasoni Tra musica e poesia
beethoveniana op. 27 n. 2, cosiddetta Al chiaro di luna
[…], in cui l’espansione del Do diesis si allarga
minacciosamente all’intera tastiera del pianoforte,
investendo brutalmente anche l’ultimo tempo». S’intitola
invece Suite Francese V il pezzo d’obbligo, per arpa sola,
del Concours Lily Laskine che si terrà a Parigi tra il 16 e il
23 novembre. In questi termini l’Autore racconta questa
nuova esperienza compositiva: «Quando si scrive un
pezzo d’obbligo per un concorso d’interpretazione,
qualsiasi sia lo strumento in questione, la tentazione del
virtuosismo è molto forte. Io credo di aver resistito a
questa tentazione e di aver composto semplicemente un
pezzo di musica, magari talvolta difficile, ma pur sempre
una composizione che “si serve” della tecnica e non
“serve” la tecnica come un idolo a cui rendere
incondizionatamente omaggio. Ecco quindi che Suite
Francese V si offre a un ascolto che non debba essere
solo di curiosità strumentale. La composizione si articola
in cinque parti (Preludio e Ciaccona, Allemanda, Preludio
e Passacaglia) e riprende il modello antico della Suite.
Ovviamente, in questo caso, si tratta di un’ispirazione
spogliata da ogni contestualità storica ma che prende le
mosse dall’archetipo di riferimento proiettandolo in un
linguaggio della contemporaneità. Particolare attenzione è
stata data alle “strategie” dell’accordatura. Questa cambia
secondo precisi modelli scalari che, per contrasto con la
tradizione, privilegiano più l’aspetto cromatico che quello
diatonico dei campi armonici utilizzati. D’altra parte, la
composizione esplora in maniera sintetica alcuni modi
idiomatici di suonare lo strumento, proiettandoli in una
dimensione di ricerca timbrica particolarmente articolata e
varia». Diverso il contesto in cui il 14 dicembre verrà
eseguito, alla Rachmaninov Hall del Conservatorio
Čajkovskij di Mosca, Deystviya per bayan e quartetto
d’archi, nell’interpretazione dello Studio for New Music
lingua “visibile” di questi testi si lega segretamente a una
lingua ombra, la madrelingua del poeta. Le due lingue
sono legate strettamente nell’immaginario del poeta e si
riflettono reciprocamente, poiché “il luogo del senso nasce
nello spazio tra le lingue” (Jean-Charles Vegliante).
Si tratta di una situazione simile a quella del compositore
che mette in musica un testo? Attratto dalle forze opposte
della musica e della poesia, non può limitarsi a trasferire
la parola in suono. Deve unire l’energia contraddittoria di
questi due ambiti che reclamano ciascuno la propria
autonomia. Le Due poesie francesi di Luca sono scritte e
dedicate alla memoria di Haydée Charbagi, con la quale
ho intessuto un dialogo molto fecondo sul rapporto tra
composizione musicale e poesia, tema che mi ha sempre
interessato e anche oggi è uno dei motori principali della
mia ispirazione. Haydée mi aveva guidato nella scelta
delle poesie di Luca ed è scomparsa prematuramente
prima che questa partitura vedesse la luce». L’altra
imminente prima di Gervasoni, Se taccio, il duol s’avanza,
madrigali per violino e dodici voci soliste su testi di
Torquato Tasso, commissione di Milano Musica e
KlangForum Heidelberg, è in cartellone il 24 ottobre al
56
ottobre2011
continua a pag. 2
continua a pag. 2
Ricerche su timbri e modelli
matematici in tre prime tra
Firenze, Parigi e Mosca
Prosegue a Strasburgo
e a Milano la ricerca
interlinguistica del
compositore

Aldo Clementi
Numerose le occasioni per
ascoltare quest’autunno la
musica del compositore
catanese recentemente
scomparso. La Biennale Musica
2011 propone il 25 settembre al
Teatro alle Tese di Venezia il
Concerto per pianoforte, 24
strumenti e carillons diretto da
Andrea Pestalozza alla testa
della Mitteleuropa Orchestra.
Il 4 ottobre Roberto Prosseda
esegue alle Sale Apollinee del
Teatro La Fenice, nel contesto
dell’Italian-Fest, le Variazioni e
lo Studio 2 (Sulla monotonia)
per pianoforte solo. Halleluja
(Variazioni sul Corale) per
orchestra è invece in cartellone,
con la direzione di Johannes
Kalitzke, l’8 ottobre al Teatro Dal
Verme per il 20° Festival di
Milano Musica, con l’Orchestra
I Pomeriggi Musicali. Il 22
ottobre la Caroli Church di
Borås (Svezia) propone un ricco
programma monografico in
memoria del compositore che
include nel primo concerto Due
canoni circolari per tre violini,
Due canoni per flauto, violino e
pianoforte, Fantasia su Giorgio
moEnCH per violino, Sigla per
organo, Loure per pianoforte,
Sarabande dalla Suite per
pianoforte, e Sei canoni per
flauto dolce contralto e
clavicembalo (o tastiere),
nell’interpretazione di Ann Elkjär
Gustafsson, flauto, Anna Lindal,
Eva Lindal e Joar Skorpen,
violini, Kristine Scholz,
pianoforte, e Björn Nilsson,
organo; nel secondo concerto i
pianisti Mats Persson e Kristine
Scholz eseguiranno Invenzione
4 per pianoforte, Invenzione 2
per due pianoforti, Vom Himmel
hoch, per tastiera o quattro
strumenti, Canone circolare per
quattro strumenti ad libitum,
Madrigale 2 per due pianoforti,
Blues per pianoforte, Blues 2
per pianoforte, e Catene
simmetriche per due pianoforti.
Anna Clementi prenderà parte al
primo concerto cantando le
Variazioni per voce sola.
2
segue da pag. 1 (Fedele: Il virtuosismo come mezzo)
Ensemble. L’esecuzione rientra nel progetto “Europe
through the Eyes of Russians. Russia through the Eyes
of Europeans”, sostenuto dalla delegazione della
Commissione Europea in Russia, che prevede la
commissione di nove composizioni a compositori
europei ed altrettante a compositori russi, composizioni
che dovranno rapportarsi reciprocamente a temi della
cultura dell’altro, così da promuovere il dialogo
interculturale tra compositori, teorici, musicologi e
strumentisti dei diversi paesi attraverso lo scambio di
soggiorni dei compositori tra la Russia (dove i nuovi
pezzi verranno eseguiti dallo Studio for New Music
Ensemble) e l’Europa. Questa l’ispirazione di Fedele per
il nuovo lavoro: «Recentemente il matematico russo
Grigoriy Perelman ha risolto la cosiddetta “Congettura di
Poincaré”, uno dei quesiti più intriganti che ha
impegnato per oltre un secolo i più grandi matematici nel
tentativo di una dimostrazione. Esiste una branca della
matematica che viene chiamata Topologia e che studia
la proprietà delle figure e delle forme che non cambiano
quando subiscono delle deformazioni continue, cioè
senza strappi, incollature o sovrapposizioni.
Si definiscono omeomorfi due oggetti che possono
essere deformati l’uno nell’altro in modo continuo.
Per esempio un cubo e una sfera sono omeomorfi, così
come lo sono un parallelepipedo e un dodecaedro.
Non sono omeomorfi una sfera e una ciambella con un
buco (chiamata toro) in quanto è impossibile una
deformazione che porti a una loro coincidenza.
In Topologia è inoltre molto importante il concetto di
varietà (manifold nei trattati in lingua inglese) che
consiste in uno spazio localmente simile a uno spazio
euclideo. Per fare un esempio la superficie terrestre è
localmente simile a un piano a due
dimensioni. Il concetto stesso di mappa
proviene da questa proprietà di poter
assimilare localmente il territorio a uno
spazio euclideo in due dimensioni. Una
varietà è detta semplicemente connessa se
è fatta di un pezzo solo e non ha buchi.
Questa affermazione un po’ all’ingrosso
può essere resa rigorosa introducendo il
concetto di cammino o laccio. Date queste
premesse sarà facilmente intuibile il
progetto formale e, perché no?, estetico dei Deystviya
(“azioni” in russo): i tre movimenti di cui si compone il
pezzo realizzano ora delle forme omeomorfe ora dei tori
in processi di continuità e discontinuità che si alternano,
segue da pag. 1 (Gervasoni: Tra musica e poesia)
Teatro Elfo Puccini di Milano per il 20° Festival di Milano
Musica. Ne saranno interpreti la violinista Lina Uinskyte
e Walter Nußbaum alla testa della Schola Heidelberg.
Così il compositore descrive il nuovo pezzo: «Scritto per
l’edizione 2011 del Festival di Milano Musica, questo
corto ciclo di madrigali per dodici voci soliste e violino (di
cui è in cantiere una seconda parte) risponde alle
sollecitazioni del progetto “Netzwerk Madrigal” di Walter
Nußbaum e di KlangForum Heidelberg. Utilizza testi
poetici dei madrigalisti del grande repertorio
rinascimentale (in questo caso, il Tasso, il cui Se taccio,
il duol s’avanza è stato musicato tra gli altri da
Gesualdo) e sfrutta procedimenti di tipo microtonale,
amplificando in senso contemporaneo gli esperimenti
cromatici di Gesualdo e di Michelangelo Rossi, e
prolungando gli esperimenti enarmonici
dell’archicembalo di Nicola Vicentino. La scrittura
vocale, ma non quella solistica del violino, impiega i terzi
di tono (in funzione espressiva in rapporto ai testi poetici
adottati) come elementi tensivi, distorsivi e interpolativi
tra intervalli o combinazioni di intervalli temperati di
chiara distinguibilità fino (quasi) alla connotazione tonale
o modale. L’espressione dello smarrimento, della
nostalgia, dell’eco inteso come ricordo perduto o visione
appena intravista o agognata, del contrasto tra il
contrappongono, integrano nella mappa della partitura
come in quella dello spazio nel quale gli strumenti sono
collocati». Numerose le esecuzioni di musica di Ivan
Fedele negli ultimi mesi dell’anno. Il 4 ottobre Roberto
Prosseda interpreta tre Études boréales per pianoforte
alle Sale Apollinee del Teatro La Fenice di Venezia, nel
contesto dell’Italian-Fest. Il 9 ottobre la rassegna Ars
Nova Series of Contemporary Music ospita al Sejong
Chamber Hall di Seoul Maja per soprano, pianoforte,
percussione, flauto, clarinetto, violino e violoncello su
testo di Giuliano Corti, nell’esecuzione del soprano
Helena Juntunen e dei Solisti della Seoul Philharmonic
Orchestra diretti da Ilan Volkov. Il 16 ottobre è possibile
ascoltare, al Conservatorio di Musica S. Cecilia di
Roma, Elettra per viola e live electronics interpretata dal
solista Luca Sanzò nell’ambito dell’EMUFest, Festival
Internazionale di Musica Elettroacustica. Il Festival de
Guarda di Lisbona propone invece il 3 novembre
Imaginary Islands per flauto, clarinetto basso e
pianoforte, e Aiscrim per flauto, clarinetto e pianoforte,
affidati all’Ensemble Les Temps Modernes. Sempre
Imaginary Islands, in abbinamento con Immagini da
Escher per ensemble, risuona anche il 9 novembre alla
Sala de Cámara dell’Auditorio Nacional de Música di
Madrid per l’XI Ciclo de Conciertos de Música
Contemporánea Fundación BBVA, col Plural Ensemble
diretto da Fabián Panisello. Il Quartetto Prometeo
porterà Palimpsest, quarto quartetto d’archi, prima
all’Accademia Americana di Roma, il 18 novembre, per
il Festival di Nuova Consonanza, poi il 24 novembre al
Teatro San Martín di Buenos Aires. Il violoncellista
Francesco Dillon eseguirà infine il 12 dicembre tre
movimenti da Suite Francese III alla Rachmaninov Hall
del Conservatorio Čajkovskij di Mosca. Tra
fine dicembre e inizio gennaio Ivan Fedele
sarà protagonista di una masterclass e di un
concerto cameristico all’Università di Santo
Domingo. Infine è uscito, nella collana
discografica del Festival Milano Musica, un
Cd (Stradivarius STR 33891) che propone di
Ivan Fedele, insieme a due lavori di Verrando
e Francesconi, Duo en résonance per due
corni concertanti e ensemble, registrato live
nell’interpretazione di Pierre Boulez alla testa
dell’Ensemble Intercontemporain e dei solisti Jens
McManama e Jean-Christophe Vervoitte, in occasione
del concerto tenutosi il 22 giugno 1994 al Teatro alla
Scala, nell’ambito della III edizione del Festival.
desiderio e la situazione presente di privazione: questi
sono i nodi che i procedimenti per terzi di tono cercano
di intensificare in maniera non retorica e in stretto
contatto con i valori del testo poetico cantato. Lo stesso
contrasto tra idealità e realtà è rappresentato inoltre dal
violino, il cui contributo è sfaccettato: ambiguamente
sospeso tra il ruolo di tredicesima voce del coro, di
solista accompagnato da un’orchestra di voci, di filtro
nel quale tutte le voci si sintetizzano e, tacendo, si
riducono a una, senza parole, nonché di icona sonora di
un valore simbolico che sopravanza quello musicale – il
solista come la personificazione della “dama” – a cui il
poeta aspira». In questi mesi il pianista Andrea
Corazziari ha presentato una selezione da Prés per
pianoforte solo il 29 maggio al Museo Archeologico Eno
Belis di Oderzo, per il Maggio Archeologico Opitergino, il
22 agosto alla Sala Raffaello dell’Associazione Musa di
Urbino, per la rassegna Vacanze Musicali 2011, e infine
il 13 ottobre al Teatro Sperimentale di Ancona, per gli
Amici della musica. In Dir, tredici distici di Angelus
Silesius per ensemble vocale è in cartellone il 27
agosto alla Quincena Musical di San Sebastián
e il 3 ottobre al Kings Place di Londra per la
manifestazione “Out Hear!”, nell’interpretazione
dell’ensemble Exaudi diretto da James Weeks.

Alessandro Solbiati
L’ombra, la luce, i giovani
A
nche Alessandro Solbiati partecipa al 20° Festival di
Milano Musica con una novità, Suite da “Le réveil de mon
âme”, due movimenti e un intermezzo per dodici voci
soliste su versi di Charles Baudelaire, in cartellone il 24
ottobre al Teatro Elfo Puccini di Milano nell’interpretazione
della Schola Heidelberg diretta da Walter Nußbaum.
Spiega l’Autore: «L’idea centrale della composizione
(il passaggio articolato e complesso dall’oscurità alla luce)
è luogo ricorrente del mio comporre, e quindi
evidentemente anche della mia persona. Nel 1990
composi un’azione scenica intitolata Attraverso, in cui due
mimi percorrevano una scena disegnata da una luce che
trascolorava progressivamente, attraverso il verde,
l’azzurro, il rosso e il giallo, dal nero al bianco.
Una scelta di versi dei miei poeti più amati
(Baudelaire, Rilke, Hölderlin, Garcia Lorca...)
estrinsecava le simbologie d’ogni colore e
d’ogni fase. Nel 1994, non soddisfatto d’una
certa ingenuità di Attraverso, ne realizzai una
seconda versione sicuramente meglio
articolata, intitolata El canto quiere ser luz. Nel
2000, l’Ensemble Vocale Soli-Tutti di Parigi,
con cui avevo collaborato in varie occasioni, mi
propose la commissione di un lungo lavoro
solo vocale che tenesse conto della loro
attitudine a cantare sempre a memoria e quindi
a poter realizzare una sorta di “teatro vocale”.
Mi sembrò subito l’occasione ideale per
mettere a fuoco ulteriormente la mia idea: limitai la fonte
poetica al solo Baudelaire e, stimolato dall’assenza di
strumenti, cercai di stringere il legame più stretto possibile
tra significato, parola, suono, gesto musicale, gesto e
contesto scenico. Ne nacque quella sorta di ampio poema
vocale, di astratto lavoro teatrale che è Le réveil de mon
âme. Peraltro il livello di astrazione e di trasformazione in
puro suono del portato visivo era tale da farmi considerare
fin dalla partenza non indispensabile la dimensione
scenica. Tuttavia, malgrado si trattasse di una Commande
d’État francese, vicende non felicissime dell’Ensemble
Vocale dedicatario impedirono sempre la prima esecuzione
di un lavoro a me particolarmente caro. Milano Musica mi
ha offerto la possibilità di un’esecuzione almeno parziale
(il totale dura 25’, la presente versione 10’) e allora ho
realizzato una sorta di Suite: trattandosi di un percorso
formale estremamente unitario e continuo, ho preferito
estrapolarne due momenti in sé sufficientemente compiuti,
l’inizio e la fine, l’oscurità estrema e la luminosità pura,
entrambe delineate da potentissimi versi baudelairiani.
Al centro un breve e forse sorprendente Intermezzo:
Baudelaire dice che nella pura malinconia di alberi che ci
fremono attorno (il verde) risuona un antico ricordo.
E allora, dentro un fondale sonoro estraneo, prende
corpo, più o meno annebbiata, una polifonia “antica”,
un’apparente citazione cui non ho voluto rinunciare».
Un’ulteriore, doppia prima milanese è offerta dall’Orchestra
I Piccoli Pomeriggi Musicali diretta da Daniele Parziani,
che eseguirà al Teatro Dal Verme il 30 ottobre il primo
movimento (“Hallo!”) e l’11 dicembre il secondo
movimento (“Fête II”) di Crescendo, otto brevi brani in
forma di studio per orchestra da camera. In questi termini
Solbiati spiega le ragioni del nuovo lavoro:
«In un’epoca come la nostra in cui la drammatica e
quotidiana diminuzione di risorse destinate alla cultura
impedisce anche solo di sognare progetti, l’Orchestra
I Piccoli Pomeriggi Musicali costituisce una formidabile
eccezione e una splendida idea, ben premiata dagli
esiti: creare cioè un’orchestra di “musicisti minorenni”
e darle subito in mano un’intera stagione di concerti,
unendo allo scopo di una formazione musicale,
strumentale e orchestrale, quello di un immediato e
continuo riscontro col pubblico. Sono stato quindi
particolarmente felice di diventare in certo senso
“compositore in residenza” presso questa orchestra e
di immaginare una sorta di Mikrokosmos orchestrale, una
sequenza di otto brevi brani “in progress”, la cui prima
esecuzione sarà distribuita in otto differenti concerti di due
stagioni, 2011/12 e 2012/13, che possano consentire un
approccio alle scritture contemporanee, senza sciocche
semplificazioni ma anche senza terrorismi, e soprattutto
senza perder di vista che il primo scopo è “fare musica
insieme”, spero con gioia e con piacere, avvicinare i
giovanissimi all’oggi, senza rinunciare io al mio linguaggio,
ma modellandolo su esigenze non solo tecniche ma anche
“ambientali”: ad esempio, poiché il primo concerto di
stagione è tradizionalmente legato ad “Halloween”, l’idea di
realizzare un unico crescendo un po’ “pauroso” di circa tre
minuti mi consente sia di proporre trasformazioni timbriche
e dinamiche dell’oggi, sia di riferirmi a un immaginario caro
ai giovanissimi. Allo stesso modo, poiché il secondo
concerto è previsto in date pre-natalizie, metterò in scena
l’idea di “festa”, pretesto per una seconda indagine timbrica
e ritmica». Di Solbiati è stato ed è possibile
ascoltare in questi mesi I quattro punti per
dodici violoncelli, il 10 luglio al Domaine
de Chamarande, nell’interpretazione
dell’Ensemble Nomos, che l’ha replicato il
17 luglio alla rassegna Flâneries
Musicales de Reims. Laura Catrani ha
eseguito il 27 luglio all’Auditorium di
Sperlonga (Latina), per il 47° Festival
Pontino, To Whom? per soprano solo.
I Quattro pezzi per pianoforte e percussioni
vengono proposti a Karlsruhe (ZKM,
Internationale Ensemble Modern
Akademie) il 1° ottobre dal pianista Alberto
Carnevale Ricci e da Rho-Mei Yu alle
percussioni. Il 4 ottobre Roberto Prosseda eseguirà tre
Interludi alle Sale Apollinee del Teatro La Fenice di
Venezia, nel contesto dell’Italian-Fest. Durissimo silenzio,
madrigale per pianoforte e sei voci soliste su una poesia di
Mario Luzi, vedrà una bella serie di repliche ad opera di
Ancuza Aprodu e dell’Ensemble de Six Voix Solistes diretto
da Alain Goudard il 17 ottobre all’Auditorium San Fedele
di Milano; il 18 ottobre (registrazione) negli studi
LimenMusic, sempre a Milano; il 19 ottobre alla Biblioteca
Marucelliana di Firenze; il 20 ottobre sempre a Firenze al
Cenacolo della Basilica di Santa Croce; infine il 22 ottobre
alla Badia di San Salvatore e San Lorenzo a Settimo,
Scandicci. Il violista Pierre Henri Xuereb eseguirà Corde
per viola sola il 25 novembre al Centre Edgar Varèse di
Gennevilliers; l’Ensemble Musagète Der Wind spielt, due
movimenti per quintetto di fiati il 4 dicembre alla Galleria di
Palazzo Leoni Montanari di Vicenza, per il “Pomeriggio tra
le Muse”, e il 7 dicembre al Teatro Comunale di Vicenza
per “Riflessioni contemporanee”. Luigi Attademo proporrà
l’8 dicembre al Teatro Everest di Firenze, per il Festival
G.A.M.O., Le sei corde di Nicolò per chitarra: nelle parole
dell’Autore, «sequenza di piccolissimi brani modellati
ciascuno su un “Ghiribizzo” per chitarra di Paganini.
La sequenza prevede il numero finale di sei, ovviamente, e
per una sorta di patto amichevole con Luigi Attademo, ad
ogni suo concerto si aggiunge la prima esecuzione di uno
di loro. Questa volta sono arrivato a quattro...». Negli stessi
giorni, Annamaria Morini e Enzo Porta eseguiranno il
10 dicembre alla Chiesa di San Fedele di Milano
Contrapunctus per flauto e violino, mentre il giorno
successivo, 11 dicembre, Dario Savron riproporrà Bois per
marimba al Teatro Everest di Firenze per il Festival
G.A.M.O. È uscito in ottobre un nuovo
Dvd realizzato da Limen Music
(DVD007DTZ) nel proprio studio di
registrazione: «L’idea di Michele
Forzani», spiega il compositore,
«è quella di accostare differenti tipi di
vocalità. A una vocalità sottilmente
jazzistica viene contrapposta la
splendida esecuzione parziale dei
miei Tre Lieder su George (In
Mittagstraum) effettuata dal soprano
Stelia Doz e da Guido Salvetti».
Continuerà, sul sito di Limen Music
(www.limenmusic.com), la messa in onda dello speciale
dedicato a Solbiati, di cui sono attualmente in onda quattro
puntate; alla fine le puntate saranno undici e conterranno,
oltre all’intervista, anche l’esecuzione di svariati brani
musicali.
Si potrà finalmente ascoltare
un progetto poetico a lungo
accarezzato, accanto a due
lavori per formazioni giovanili
Festival Play It!
S’intitola Play It! il nuovo
Festival fiorentino di musica
contemporanea diretto da
Giorgio Battistelli. “It” sta per
Italia, come ben sanno gli
internauti: non è stato trovato
nome migliore per un festival
interamente dedicato alla
musica italiana del nostro
tempo. La manifestazione si
prefigge di offrire visibilità alla
ricca e sfaccettata produzione
del nostro Paese in questo
settore, in modo tale da mettere
in evidenza la produzione dei
nomi più affermati e osservare
da vicino le giovani promesse.
In tre giorni, il 6, 7 e 8 ottobre,
una serie di luoghi diversi di
Firenze ospitano quest’autunno
la prima edizione del Festival,
che propone in sei concerti
quasi trenta autori, tra i quali
prime esecuzioni assolute o
italiane di Ivan Fedele, Michele
dall’Ongaro, Valerio
Sannicandro, Federico
Gardella, Pasquale Corrado e
Christian Cassinelli.
Giorgio Gaslini
Alfonso Alberti presenta la
prima esecuzione assoluta di
Piano Sonata Décollage n. 3
per pianoforte il 6 novembre al
Foyer del Teatro Comunale di
Treviso, per la rassegna
“L’Arsenale 2011”.
3

Foto: Gianluca Moggi, New Press Photo Firenze
© Teatro del Maggio Musicale Fiorentino
Goffredo Petrassi
Il 14 ottobre Pietro Massa
eseguirà, insieme al Göttinger
Symphonie Orchester diretto da
Christoph-Mathias Mueller, il
Concerto per pianoforte e
orchestra alla Stadthalle di
Göttingen (l’esecuzione sarà
registrata per una produzione
discografica). Noche oscura,
cantata per coro misto e
orchestra su versi di San Juan
de la Cruz, è in cartellone il 29
e 30 ottobre al Teatro
Filarmonico di Verona, con
l’Orchestra e il Coro dell’Arena
di Verona. Infine Ritratto di Don
Chisciotte, suite dal balletto per
orchestra, è proposto da
Marcello Panni alla testa
dell’Orchestra I Pomeriggi
Musicali il 1° e 3 dicembre al
Teatro Dal Verme di Milano.
4
Luca Mosca
L’Italia del destino
rassegna stampa
rassegna stampa
Su L’Italia del destino al Maggio Musicale Fiorentino,
Firenze, Teatro Goldoni, 15 maggio 2011
Mario Messinis, «Il Gazzettino», 17 maggio 2011
Il teatro musicale è un genere impuro. Tutte le
infrazioni drammaturgiche e linguistiche sono
ammesse. Non ci stupiremo dunque se Luca Mosca,
nell’Italia del destino, rappresentata al Maggio
Musicale Fiorentino in prima assoluta, concepisce il
suo stile comico, acre, grottesco, ironico, deformante
attraverso un vagabondaggio tra tutte le lingue
novecentesche, in cui coesistono cultura alta e cultura
bassa, musica di consumo e rovello intellettuale.
Apparentemente Mosca – docente di cultura musicale
generale e di analisi musicale presso il Conservatorio
“Benedetto Marcello” di Venezia – sembra allontanarsi
dagli algidi artifici dell’avanguardia; ma a ben vedere le
peripezie da Stravinskij a Weill, dal musical al jazz, dal
barocco a Sostakovic, si raggelano in una alchimia
strumentale e vocale che privilegia molto
modernamente il distacco critico. Così i personaggi di
questo “reality show” – una parodia spietata della
televisione, che si conclude con una sinistra morte
collettiva – non sono altro che marionette futili, a tratti
perverse, ma senza psicologia, in un gioco impassibile
di montaggi musicali. Questa partitura magistrale
nasce su una drammaturgia frammentata dell’originale
e pungente libretto di Gianluigi Melega (con la
collaborazione di Pilar García). La regia e le scene di
Davide Livermore ricompongono abilmente, e
crudelmente, il mondo policromo e fatuo della
televisione. Magnifico il cast vocale; direzione
inappuntabile di Marco Angius.
Dino Villatico, «La Repubblica», 21 maggio 2011
L’Italia del destino, scritto da Gianluigi Melega insieme
a Pilar García e Davide Livermore, che ne è anche il
fantasioso regista e un irresistibile interprete del
Cantante, messo in musica con raffinata sapienza
contrappuntistica da Luca Mosca, porta in scena la
frivola volgarità di un reality italiano per mostrarne
l’altra faccia di tragico degrado: “è un gioco in cui
perdono tutti” dice il Presentatore, un bravissimo Sax
Nicosia. Spettacolo agilissimo, pieno di idee, interpreti
strepitosi, Daniela Bruera, Alda Caiello, Cristina
Zavalloni, Sara Mingardo, Chris Ziegler, Roberto
Abbondanza, oltre ai già citati. Successo a dir poco
trionfale, per tutti e per il direttore Marco Angius che
concerta con intelligenza e precisione l’insieme. Ma
perché solo una replica?
Gianfranco Capitta, «Il Manifesto»¸ 29 maggio 2011
Unica opera nuova di questo Maggio musicale, [...]
L’Italia del destino è stata commissionata a Luca
Mosca e per il libretto a Gianluigi Melega, già autori
assieme di divertenti incursioni attraverso il
melodramma nel paese sfasciato di oggi. La cui
bandiera culturale (capace di divenire formato
esistenziale del telespettatore ingenuo) sembra essere
davvero il reality show, sperimentato in tutte le possibili
location e assurto a scansione delle tv berlusconiane,
ovviamente comprese quelle pubbliche. Sul
palcoscenico del bel Teatro Goldoni (purtroppo
sottoutilizzato dal Maggio che ne dispone), in quadri
successivi, avviene la rituale scansione dei drammi
“dentro la casa”, ispirata certo al Grande fratello, ma
che crudelmente ce ne mostra anche i dissesti, i
trabocchetti e le incongruenze, nella improbabile
parade dei personaggi che la affollano. La partitura di
Mosca è piacevole e divertente nel far coincidere i
caratteri con le vocalità dei ruoli operistici, e i testi di
Melega non risparmiano nessun pudore e debolezza
dei partecipanti. Davide Livermore firma regia e scene,
ma canta anche in uno dei personaggi. Divertito e
divertente nei suoi diversi ruoli, non ci risparmia la sua
ironia creativa che qui è libera di inventare, trattandosi
di un’opera nuova, e basta poco in certi momenti a
scoprire l’orrore della nostra tv quotidiana: scalinate da
soggiorno, piscine da calidarium, confessionale di
rigore, delazioni e deiezioni al veleno. Sotto l’agile, e
divertita anch’essa, direzione di Marco Angius, i
cantanti non si risparmiano pur nei ruoli improbabili
quanto “reali”; il pubblico ascolta e guarda lo specchio
deformato di un intero paese, che nella tv raccoglie e
mixa non tanto l’esistente, quanto la sua aberrante
proiezione finale: L’Italia del destino, che neanche la
Vergine degli angeli (il forse oggi è auspicio d’obbligo)
ce la farebbe più a coprire del suo manto.
Davide Annachini, «L’Opera», giugno 2011
In linea con la volontà di fissare un appuntamento
annuale con l’opera contemporanea, il Maggio ha poi
commissionato un nuovo lavoro teatrale ad un ulteriore
musicista italiano, Luca Mosca, che in collaborazione
con Gianluigi Melega per il libretto, insieme a Pilar
García e a Davide Livermore, ha dato vita a L’Italia del
destino, in occasione delle celebrazioni per i
centocinquant’anni dell’Unità nazionale. Con la
definizione di “Real-italy in un atto”, l’opera intendeva
proporre un testo in musica sull’Italia di oggi, attraverso
quella che per certi versi può rappresentare una delle
più devastanti aberrazioni, il reality televisivo. Nella
definizione di alcuni caratteri tipici del genere (il
Palestrato, il Creativo, la Diva, la Stilista) e di alcuni
appuntamenti irrinunciabili (il “confessionale”, gli
stacchi pubblicitari), il lavoro condensava quanto di più
vacuo, volgare, orrido possa ritrovarsi in un format
televisivo, in cui il peggio dell’umanità e – ahinoi –
dell’attuale Italia si rispecchia. Soggetto quindi ideale
per suggerire ad un musicista come Mosca, che
denuncia la sua passione per il melodramma barocco e
rossiniano, una musica ricca d’ironia e giocata
soprattutto sugli interventi vocali e strumentali,
elaborati con virtuosismo spericolato quanto grottesco.
Difficilissime le parti solistiche e i pezzi d’insieme, che
richiedono cantanti particolarmente duttili e musicali,
come quelli utilizzati in quest’occasione, sulle cui
specifiche qualità sono stati scritti i diversi ruoli. Così si
sono potuti ammirare l’avvolgente registro contraltile di
Sara Mingardo, calatasi nei panni di una Diva
distaccata e pesantemente razzista, la ragguardevole
estensione tra mezzo e soprano di Alda Caiello (la
Stilista), impegnata in un’aria di bravura di memoria
settecentesca, la disinvoltura vocale e scenica di
Cristina Zavalloni come l’oca bionda di turno, il cui
nome Sexilia è tutto un programma, la
caratterizzazione sadomaso della Cameriera di Daniela
Bruera, la goffaggine del Palestrato Chris Ziegler, la
retorica declamata col birignao di un De Sica o di un
Gassman dal bravissimo Roberto Abbondanza (il
Creativo), la caricaturale piattezza cerebrale del
Cantante di Davide Livermore, autentico factotum dello
spettacolo. Il versatile regista-tenore torinese ha dato
fuoco alle polveri, firmando uno spettacolo di grande
fantasia e ritmo, in cui le citazioni scoperte ai mostri
televisivi (come ad esempio la debordante
interpretazione in stile drag-queen del Presentatore, un
inquietante Sax Nicosia) e le continue rotazioni
sceniche di una casa da Grande Fratello hanno
veramente costituito l’aspetto più avvincente dell’intera
operazione. Autore anche delle scene in stile optical
dalle prospettive caleidoscopiche, Livermore ha trovato
man forte nei piccanti costumi di Gianluca Falaschi e
nelle luci psichedeliche di Nicolas Brewy, per le quali il
pubblico aveva ricevuto in dotazione un occhiale per
visione in 3D e un telecomando per votare i
protagonisti del reality, in realtà rivelatisi volutamente
inutili. Lo spettacolo e l’esecuzione, condotta con
maestria da Marco Angius alla guida dell’Orchestra del
Maggio, hanno raccolto applausi calorosi […].

Luis de Pablo
Festa veneziana
D
ue le prime assolute in un’unica settimana per Luis
de Pablo, una coppia inaugurata da Largo “en torno a
una antigua canción popular” per orchestra,
commissione del Philharmonisches Orchester des
Staatstheaters Cottbus che l’eseguirà nella propria sede
l’11 e il 13 novembre sotto la guida di Evan Christ.
Così l’Autore racconta la genesi del nuovo lavoro: «Mi è
stata richiesta un’opera breve, non oltre i 5’, che, senza
rinunciare alla propria “modernità”, incorporasse in
qualche modo l’idea del canto popolare del paese del
compositore, sia come citazione, sia come stile.
Ho dunque scritto una musica di carattere statico
(corrispondente a certi aspetti della mia lingua) in cui
compare in forma cangiante una vecchia canzone virile
in forma di “tonada”, cioè assolo. Questa “tonada”
proviene dalla provincia di Zamora, nell’antico regno di
León, al confine col Portogallo, e conserva un forte
sapore modale, tipico di tutta la Spagna centrale. Ma il
modo (o meglio: i modi) oscilla/no liberamente tra il
missolidio e il frigio, in modo che è possibile ottenere
una differenza espressiva tra scala ascendente e
discendente senza ricorrere ai classici modi maggiore e
minore. Il testo recita così: Anoche soñaba yo / que los
moros me mataban / y eran tus ojos, morena, / que de
lejos me miraban, por la calle me miraban, por la calle
de mi alma (“La notte scorsa ho sognato / che i mori mi
uccidevano, / ma erano i tuoi occhi, morettina, / che mi
guardavano da lontano / per la strada mi guardavano /
per la strada della mia anima”). L’anonimo poeta
musicista si è servito abilmente dell’ottonario: c’è infatti
una corrispondenza tra le domande/risposte del testo e
la curva melodica ascendente e discendente della
musica, sottolineata con gli ornamenti simmetrici di
“mataban” e “miraban”. Questa analisi potrebbe
proseguire, ma credo che quanto ho detto sia già
sufficiente per percepire la sua eleganza». Un’ulteriore
prima avrà luogo il 17 novembre presso le Sale
Apollinee del Gran Teatro La Fenice di Venezia, dove
l’Ex Novo Ensemble, committente del pezzo con il
sostegno della Fundación BBVA, eseguirà Números, sei
pezzi per ottetto. Racconta Luis de Pablo: «Números è
stato composto tra il febbraio e il maggio 2011, durante
la convalescenza da un’operazione. L’organico è
Malika Kishino
In memoriam
Q
uattro le prime esecuzioni assolute nell’autunno di
Malika Kishino. La serie s’inaugura il 4 ottobre al
Concert Hall di Kyoto, con l’esecuzione di Ichimai-
Kishohmon (for the 800 th memorial year of Hônenshônin)
per coro misto, voci di monaci buddisti, shô,
hichiriki, koto, percussioni e trio d’archi,
nell’interpretazione dei monaci del tempio Zenrinji, di
Shohko Ohtani, koto 20 corde, Junko Tanaka, shô,
Tohru Yamamoto, hichiriki, Keyaki Satoh, percussioni,
Reina Yamana, violino, Naoka Tokizawa, viola, e Yoriko
Miyake, violoncello, sotto la guida di Toshiko Kikuchi.
La composizione, che commemora il fondatore della
dottrina buddista giapponese della Terra Pura chiamata
Jodo Shu, di cui il tempio di Eikan-do Zenrin-ji è una
delle sedi principali, si rifà a uno scritto (letteralmente:
“documento di un unico foglio”) vergato da Hônen il 23
gennaio 1212, due giorni prima della morte. Della
composizione è stata realizzata anche una versione per
voci e pianoforte per uso cerimoniale, destinata alla
scuola Seizan Zenrin-ji del tempio di Jodo Shu. Un testo
del poeta indiano, premio Nobel nel 1913, Rabindranath
Tagore (da Fruits Gathering, LXXIX), ispira la
compositrice giapponese in Prayer / Inori (after March
11 th , 2011) per coro misto a cappella, in cartellone il 5
ottobre al Bunka Kaikan di Tokyo, nell’interpretazione di
Matsubara Chiaki alla testa del Tokyo Philharmonic
Chorus, ente committente del lavoro scritto in omaggio
costituito da flauto (ottavino e flauto in Sol), oboe,
clarinetto in La (clarinetto basso in Si bemolle), tromba
in Do, pianoforte, percussione, violino e violoncello. Si
compone di sei parti (sei “números”) da eseguirsi senza
soluzione di continuità. Il titolo è deliberatamente neutro:
ho cercato una musica la cui espressione sia la musica
stessa; un suono organizzato in modo cangiante e
perfino vertiginoso: raramente vi è un “tutti”, mentre
sono frequenti i passaggi in assolo, a due, a tre
strumenti. Il timbro vi è protagonista, così come la
metrica, in costante opposizione tra regolarità e
irregolarità, così come ancora il gioco intervallare
dipendente dai due parametri precedentemente citati.
Nell’impulso creativo ha svolto dunque un ruolo
importante il gioco, un gioco tuttavia né gratuito né
superficiale, così come non lo sono gli haiku giapponesi,
i disegni di Picasso o i Proverbi di Antonio Machado…
La durata totale del pezzo è di circa 18 minuti». Lo
stesso concerto ospiterà la ripresa di Epístola al
transeúnte per flauto, clarinetto, violino, viola, violoncello
e pianoforte, mentre il giorno successivo, 18 novembre,
sempre nel contesto dell’Ex Novo Festival, è previsto
nella Sala Piccolo Teatro della Fondazione Giorgio Cini
l’incontro di studio con Luis de Pablo “Verso Darmstadt”,
in occasione del quale verrà eseguito da Daniele
Ruggieri Condicionado per flauto insieme alla Sequenza
I di Luciano Berio; il pianista Aldo Orvieto vi interpreterà
invece il Terzo Capriccio di Camillo Togni. La III Serie di
Retratos y Transcripciones per pianoforte sarà proposta
da Alfonso Gómez il 4 ottobre e il 25 novembre al
Teatro Arteria di Bilbao. Il brano n. 2, “Confusione”, dalla
medesima III Serie di Retratos y Transcripciones verrà
interpretato il 6 novembre da Alfonso Alberti al Foyer
del Teatro Comunale di Treviso, nel quadro della
manifestazione “L’Arsenale 2011”, mentre Latidos per
orchestra è in cartellone il 12 novembre alla Salle du
Gran Tinel del Palazzo dei Papi di Avignone, ad apertura
di un concerto della stagione sinfonica dell’Orchestre
Lyrique de Région Avignon Provence diretto da Jean-
François Heisser. Infine, Luis de Pablo terrà tra il 26 e il
28 ottobre una masterclass di composizione, collegata
a un concerto da camera monografico, al Conservatorio
“G. Cantelli” di Novara.
alla duplice catastrofe dello scorso 11 marzo, il grande
terremoto che ha scosso il Giappone Orientale e il
disastro nucleare di Fukushima. L’8 ottobre verrà
presentata una commissione del Westdeutscher
Rundfunk, Monochromer Garten II per clarinetto basso,
saxofono baritono e trombone, presso il Funkhaus
Wallrafplatz del WDR di Colonia. Ne sarà interprete il
Parkhaus Trio: Ernesto Molinari, clarinetto basso,
Markus Weiss, saxofono baritono, e Uwe Dierksen,
trombone. Incluso nella serie Monochromer Garten della
Kishino, rappresenta un omaggio alle peculiarità
estetiche delle arti figurative giapponesi. Alla stessa
serie appartiene Monochromer Garten per accordéon e
violoncello, che sarà proposto in prima esecuzione
assoluta il 20 dicembre al BKA-Theater di Berlino dal
duo Christin Paté e Valérie Dulac. Ulteriori esecuzionI
della musica di Malika Kishino comprendono
Épanouissement per violoncello solo il 15 ottobre a
Insel Hombroich, in Germania, nell’interpretazione di
Giorgio Casati dell’Mdi Ensemble; Aqua Vitae II per
flauto contralto, clarinetto basso, violino, violoncello e
pianoforte il 7 novembre al Bielefelder Philharmoniker
(ne sarà interprete l’Ensemble Horizonte diretto da
Jörg-Peter Mittmann); infine, il 15 dicembre, il
Kulturhaus Abraxas di Augsburg ospiterà il
percussionista Stefan Blum in Lebensfunke per
grancassa e live electronics.
Prima sinfonica al Teatro di
Cottbus e un ricco carnet
a Ex Novo Musica
Ivan Vandor
La prima esecuzione assoluta
di Otto brevi pezzi per
violoncello e pianoforte è in
cartellone l’11 dicembre nelle
Sale Apollinee del Gran Teatro
La Fenice di Venezia per la
rassegna Ex Novo Musica,
ente committente del brano.
Carlo Teodoro e Aldo Orvieto,
dedicatari della composizione,
interpreteranno una pagina in
cui gli otto pezzi del titolo si
susseguono senza soluzione
di continuità.
Importanti composizioni vocali
commemorano un fondatore
del buddismo giapponese e il
terremoto della scorsa primavera
5

Christophe Bertrand
6
Tre prime prestigiose
riflettono sul rapporto
tra linguaggi artistici
Il Konzerthaus di Berlino ospita
il 4 ottobre lo Zafraan
Ensemble nell’esecuzione di
Aus per viola, sax soprano,
clarinetto basso e pianoforte.
Okhtor per orchestra è invece
in cartellone il 6 ottobre per il
Festival Musica al Palais de la
Musique et des Congrès di
Strasburgo, nell’interpretazione
dell’Orchestre Philharmonique
de Strasbourg diretta da Pascal
Rophé. Infine, Alfonso Alberti
interpreterà Haïku per
pianoforte il 6 novembre al
Foyer del Teatro Comunale di
Treviso, per la rassegna
L’Arsenale 2011.
Tre concerti cameristici e una
serie di pubblicazioni (un libro,
due Cd, un video online)
Nicola Sani
Il suono e l’immagine
U
n concerto monografico e una serie di prime
esecuzioni assolute chiudono l’anno di Nicola Sani.
Il 28 novembre il Contempoartefestival offre nella Sala
Magliabechiana della Galleria degli Uffizi un ricco
concerto ritratto del compositore, in occasione dei suoi
cinquant’anni. Il Contempoartensemble diretto da Mauro
Ceccanti interpreterà AchaB per clarinetto, Oltre il
deserto spazio per ensemble, Come una specie di
infinito per violoncello e pianoforte, Verso un altro
occidente per ensemble, A time for the evening per
ensemble, Sul denaro, per voce recitante e ensemble su
testo di Luigi Pestalozza, con la partecipazione di Moni
Ovadia nella parte del recitante, e una nuova
composizione per ensemble in prima esecuzione
assoluta. Spiega l’Autore: «L’organico di questo nuovo
lavoro scritto per il Contempoartensemble, cui è
dedicato, comprende flauto, clarinetto, quartetto
d’archi con contrabbasso, pianoforte e percussioni.
Questo “spazio sonoro” fortemente improntato al
rapporto con l’immagine unisce le suggestioni già
presenti nei miei ultimi lavori strumentali alla ricerca del
Contempoartensemble, che ha fatto del rapporto con il
visivo e con l’intermedialità il tratto caratteristico del
proprio percorso tra i linguaggi sonori contemporanei».
In quell’occasione verrà effettuata la registrazione
discografica dell’intero programma (ad eccezione di Oltre
il deserto spazio e Verso un altro occidente, tutte prime
registrazioni assolute). Il 7 dicembre sarà invece la Sala
Santa Cecilia dell’Auditorium Parco della Musica a
ospitare, in collaborazione con l’Accademia Tedesca di
Villa Massimo, la prima di Seascape II per ensemble e
supporto digitale, nell’interpretazione dell’Ensemble
Modern di Francoforte diretto da Frank Ollu. Racconta
Sani: «Seascape II è una nuova versione della
precedente composizione per orchestra Seascape,
scaturita dal rapporto con le immagini fotografiche di
Hiroshi Sugimoto. La trasposizione per ensemble è
l’occasione per privilegiare i dettagli dei rilievi interni alla
struttura timbrica della composizione, che emergono
all’interno della fitta trama timbrica. I chiaroscuri di
Sugimoto, che trasforma le campiture del mare e
dell’orizzonte in sconfinati spazi nella cromatura dei grigi,
si rispecchiano nell’insieme di contrasti e riflessioni
sonore, a loro volta proiettate nello spazio con le
elaborazioni digitali dei suoni strumentali». Terzo
palcoscenico di una nuova composizione di Nicola Sani
sarà, l’11 dicembre, la Sala Rachmaninoff del
Conservatorio Čajkovskij di Mosca, dove l’Alter Ego
Ensemble eseguirà Lied - You Have Been Lied 2 per
ensemble, live electronics, supporto digitale e video.
In questi termini l’Autore racconta la genesi del pezzo:
«Dieci anni fa, nel luglio 2001, Genova diventava teatro
Giovanni Verrando
Nuova liuteria
L
a musica per ensemble di Giovanni Verrando viene
proposta in questi mesi in tre diversi concerti. Il 28
settembre la Biennale Musica di Venezia, 55° Festival
Internazionale di Musica Contemporanea, ha ospitato al
Teatro Malibran Dulle Griet per ensemble,
nell’interpretazione dei Sentieri Selvaggi diretti da Carlo
Boccadoro. L’8 ottobre è in cartellone al Festival de Tres
Cantos di Madrid Animismus per sax alto, flauto, violino
e violoncello, nell’esecuzione del Grupo Sax-Ensemble.
Infine, l’Mdi Ensemble proporrà il 23 gennaio alla
Société de Musique Contemporaine di Losanna le
Quattro invenzioni sull’«Offerta musicale» per piccolo
ensemble. È uscito un nuovo Cd Stradivarius (STR
33891), nella collana dedicata al Festival Milano Musica,
che riporta la registrazione del Quartetto n. 2 eseguito
dal Quartetto di Torino e registrato nell’ambito del
Festival stesso nell’ottobre 1999. È disponibile in rete,
sul canale web www.limenmusic.com, il video di Il ruvido
dettaglio celebrato da Aby Warburg, nell’esecuzione del
degli scontri tra dimostranti e forze dell’ordine durante il
G8. Gli scontri causarono una repressione violentissima
e insensata, mai verificatasi nel nostro Paese dopo
l’epoca fascista, sulla quale restano ancora numerose
ombre e circostanze non chiarite. Centinaia i feriti, Carlo
Giuliani, un giovane dimostrante, venne ucciso. In quei
giorni ho scritto Lied - You Have Been Lied To, per
percussioni elettroniche, supporto digitale e DJ remix,
che ebbe la sua prima esecuzione al Festival GAS di
Göteborg. Mentre scrivevo scorrevano sui teleschermi le
immagini della protesta e dell’assassinio di Carlo
Giuliani, a cui il pezzo è dedicato. Il titolo utilizza il
termine tedesco di Lied (“canzone”), nel senso in cui una
canzone è testimonianza di un fatto reale concretamente
avvenuto e lo racconta, come avviene nel rap
contemporaneo, e di lied nel significato inglese di
“essere stato ingannato”, quindi di “vivere nella società
dell’inganno”. Un inganno continuo e costante, dove alla
musica è tolto il significato di far riflettere l’individuo sulla
sua condizione di sfruttato e di sottomesso alle logiche
del mercato e della mercificazione. Un Lied che diventa
manifesto a lettere maiuscole, gridato, distorto, che si
trasforma in gesto di strada, di contestazione, di rivolta.
Un ritmo continuamente spezzato, che raccoglie i suoni
delle percussioni trasformandoli in loops e grooves
ritmici e tecnologici, entrando violentemente nella ferita
aperta di un conflitto in atto. Dieci anni dopo, ricordando
quei giorni, la nuova versione intitolata Lied - You Have
Been Lied 2, torna a riflettere su quei tragici momenti,
unendo a una riscrittura per ensemble strumentale e
supporto digitale una nuova realizzazione video,
realizzata dall’ensemble Alter Ego, a partire da
documenti selezionati per questa produzione da Enrico
Ghezzi». È possibile ascoltare musica di Sani il 5
novembre all’Auditorium San Fedele di Milano per il
Festival di Milano Musica (I binari del tempo per flauto e
supporto digitale, interpretato da Annamaria Morini e
Alvise Vidolin); il 19 novembre per il Festival “All
Frontiers” a Gradisca di Isonzo (Gorizia) (il ciclo integrale
di Elements, prodotto dallo Studio Akustische Kunst del
WDR di Colonia, che comprende: Wasserinnerungen per
flauto basso e supporto digitale a 8 canali, Windstille per
flauto contrabbasso e supporto digitale a 8 canali, Terra
per percussioni e supporto digitale a 8 canali, Con fuoco
per flauto iperbasso e supporto digitale a 8 canali, con
interpreti Roberto Fabbriciani, flauto basso, flauto
contrabbasso e flauto iperbasso, Pietro Bertelli,
percussioni, Aldo Orvieto, organo, e Alvise Vidolin, regia
del suono); infine il 20 gennaio all’Auditorium Saint
Germain di Parigi per la stagione di concerti del GRM -
Groupe de Recherches Musicales (Preludio dall’opera Il
tempo sospeso del volo per supporto digitale a 8 canali).
Divertimento Ensemble diretto da Sandro Gorli proposto
nella scorsa stagione della rassegna Rondò. La Biennale
Musica di Venezia ha consegnato il Leone d’argento
2011 a RepertorioZero, il gruppo di musicisti che lavora
sulla nuova liuteria attivo dal 2007, di cui Giovanni
Verrando è uno dei fondatori. È in fase di pubblicazione
presso le ESZ il libro La nuova liuteria: orchestrazione,
grammatica ed estetica, scritto da Giovanni Verrando in
collaborazione con la classe di orchestrazione del
Conservatorio della Svizzera Italiana di Lugano. Il libro è
realizzato con il sostegno del Dipartimento di ricerca
dello stesso Conservatorio e uscirà in due lingue, italiano
e inglese. Il testo rappresenta il frutto dei due anni di
progetto di ricerca sulla nuova liuteria svolto e finanziato
dallo stesso Dipartimento nel biennio 2009/10. È infine in
fase di registrazione un Cd che proporrà il recente brano
per orchestra amplificata The Sinopia of Dulle Griet,
registrato in Germania dal Philharmonisches Orchester
dello Staatstheater di Cottbus diretto da Evan Christ.

Valerio Sannicandro
Teatro senza scena
D
ue le prime per Valerio Sannicandro. Il 23 aprile
sono stati presentati a Strasburgo Trois Chants Noh per
voce e flauto, eseguiti alla Chiesa di Saint Pierre Le
Vieux dal duo Ryoko Aoki e Ayako Okubo. La Aoki
riprenderà il pezzo col flautista Klaus Schoeppl il 12 e
13 settembre al Radialsystem di Berlino. L’Autore
racconta in questi termini la nuova esperienza
compositiva: «I tre pezzi scritti e commissionati per la
cantante Noh Aoki Ryoko fanno parte di un progetto più
vasto di teatro musicale intitolato Hagakure. Il contatto
con la cultura giapponese, durante il mio soggiorno a
Kyoto nel 2010, ha significato in questo lavoro cercare
un modo di integrare elementi tradizionali in una
scrittura molto dettagliata oltre che avanzata. Il flauto
(scritto per la flautista Ayako Okubo) rappresenta invece
una specie di “eco” della voce, un’amplificazione a volte
“naturalisticamente descrittiva” (per esempio, l’ottavino
impersona la pioggia). Nell’opera Hagakure
(dall’omonimo testo giapponese del XVIII secolo) i tre
momenti in cui la cantante Noh appare rappresentano
delle situazioni in cui i protagonisti guardano indietro e
cercano nella loro memoria i pensieri filosofici,
raccontati da Jôchô Yamamoto. Ognuno ci parla di un
pensiero sulla vita, la sostanza dei nostri corpi basati
sul vuoto, i sette respiri, tempo massimo entro cui ogni
decisione deve essere presa, la metafora della pioggia
come immagine del destino... Tre isole che
contrappuntano musicalmente il lavoro teatrale e
rappresentano, quando i canti vengono eseguiti da soli,
un momento atemporale di introspezione». Una
commissione Ex Novo Musica è invece Trois Sûtras,
quarta scena da Hagakure per flauto basso, clarinetto
basso e live electronics, che l’Ex Novo Ensemble
(Daniele Ruggieri, flauto basso, Davide Teodoro,
clarinetto basso, Amalia de Götzen, live electronics e
Alvise Vidolin, regia sonora) propone in prima
esecuzione assoluta il 17 ottobre al Conservatorio
Benedetto Marcello di Venezia e in replica il 25 ottobre
all’Auditorium Pollini di Padova. Spiega Sannicandro:
Federico Gardella
Meditazioni sulla natura
D
ue le prime esecuzioni di quest’autunno per Federico
Gardella. Inaugura la piccola serie Kyklos per orchestra,
in cartellone l’8 ottobre al Teatro Verdi di Firenze per il
Festival Play It!, affidato all’Orchestra della Toscana
diretta da Tito Ceccherini. Questa la filosofia del lavoro
nelle parole dell’Autore: «Il rapporto tra la vita
individuale e la natura è caratterizzato dal confronto tra
una percezione lineare e una visione ciclica del tempo;
la riflessione su questi aspetti rappresenta il punto di
partenza del percorso formale di Kyklos per orchestra,
che si articola a partire dalla relazione tra l’uno e il
molteplice. Come in un prato, in cui i singoli fili d’erba
concorrono a formare un’immagine unitaria, in questo
lavoro le caratteristiche dei singoli strumenti sono
immaginate in funzione della costruzione di uno
strumento interiore che non sia solamente la somma
delle individualità, quanto piuttosto l’espressione di un
microcosmo. Gli elementi che costituiscono Kyklos si
susseguono senza interruzioni, confluendo gli uni negli
altri, e si articolano in una serie di ritorni che
scandiscono dei cicli, ognuno dei quali presenta
un’evoluzione interna: la linearità dei singoli frammenti
viene così integrata nella ciclicità della struttura
complessiva, originando una forma pensata come luogo
della memoria». Kraus-Mikro-Lieder per voce femminile
e ensemble è invece il titolo della novità proposta il 26
novembre al Teatro Sociale di Bergamo per il Bergamo
Musica Festival. Ne saranno interpreti il soprano Ljuba
Bergamelli e il Texture Ensemble diretto da Pierre
«Trois Sûtras costituisce il materiale musicale principale
della quarta scena di un’opera teatrale da camera
basata sull’antico testo giapponese chiamato Hagakure.
In ognuna delle sette scene che costituiscono l’opera un
aspetto differente della filosofia e della cultura del
Bushido viene tematizzato grazie a una drammaturgia
prodotta per collage con frammenti di testi spesso
aforistici. La quarta scena è dedicata alla religiosità; il
canto di una donna, Akemi Tone, sciamano e guardiana
di un tempio a Kyoto, che intona delle preghiere rituali
scintoiste mi colpì da subito e, quando su mia richiesta
accettò di registrarle, decisi di farne parte integrante del
progetto a cui stavo lavorando. L’uso di questi suoni
“concreti” è stato però deciso anche per affermare il
carattere di “diario” della mia permanenza in Giappone
che questa opera inevitabilmente comprende. Nella
versione per concerto tre diverse situazioni musicali, su
tre preghiere differenti, si succedono senza pausa; in
essi cambia la relazione tra strumenti, elettronica in
tempo reale e suoni registrati: flauto basso e clarinetto
basso possono per esempio “generare” i suoni vocali,
possono semplicemente accompagnarli o arricchirli con
un procedimento di morphing in tempo reale». Ulteriori
esecuzioni di Valerio Sannicandro comprendono …All
Shadows of Red and Yellow per flauto in Sol, viola e
arpa, e …All Shadows of Red and Yellow II per flauto in
Sol, clarinetto, arpa, viola e violoncello, interpretati il 30
settembre a Detmold dall’Ensemble Horizonte diretto
dall’Autore; Lasco per quattro archi, pianoforte (con
assistente) e percussione, in prima esecuzione italiana
il 6 ottobre per il Festival Play It! di Firenze, al
Cenacolo S. Apollonia, proposto dall’Ensemble
dell’Orchestra della Toscana diretto da Tito Ceccherini;
infine Constructa per sette strumenti, anch’esso in
prima esecuzione italiana, che Renato Rivolta
interpreterà alla testa dell’Ensemble United Berlin nel
contesto del 20° Festival di Milano Musica, il 10 ottobre
al Teatro Elfo Puccini di Milano.
Hoppé. Così Gardella descrive il nuovo pezzo:
«La struttura di una composizione è la sua storia: ne
descrive non soltanto la cronologia, ma anche, a un
livello più profondo, il carattere. Partendo da una serie
di aforismi di Karl Kraus, che racchiudono in poche
righe una visione del mondo, questi Kraus-Mikro-Lieder
per soprano e ensemble si dispiegano in quattro
brevissimi movimenti; in questo caso però la brevità
non coincide con una concezione frammentaria della
forma, ma, al contrario, suscita la costruzione di quattro
micro-storie, quattro arcate che si esauriscono nello
spazio di un aforisma. La visione apocalittica della
natura umana, presente in questi testi, si riflette sul
piano compositivo nel rapporto tra voce e strumenti: la
solitudine dell’uomo è nell’indifferenza della natura che
lo circonda». Im Freien zu singen per sei voci femminili
e pianoforte viene ripreso dall’Ensemble de Six Voix
Solistes diretto da Alain Goudard, coadiuvato da Ancuza
Aprodu al pianoforte. La tournée comprende le seguenti
date: Milano, Auditorium San Fedele, 17 ottobre;
Milano, Limen Music, 18 ottobre (registrazione in
studio); Firenze, Biblioteca Marucelliana, 19 ottobre;
Firenze, Cenacolo della Basilica di Santa Croce, 20
ottobre; Scandicci, Badia di San Salvatore e San
Lorenzo a Settimo, 22 ottobre. Im Freien zu spielen per
clarinetto, violino, violoncello e pianoforte sarà eseguito
il medesimo 22 ottobre all’Auditorium San Fedele di
Milano, nell’ambito del Festival Milano Musica, dal Trio
di Parma e dal clarinettista Ib Hausmann.
Due prime a Strasburgo e a
Venezia, primi frammenti di un
lavoro teatrale “in progress”
Henri Pousseur
Il Festival “Traiettorie” propone
Scambi per nastro magnetico il
21 settembre alla Casa del
Suono di Parma. Il 30
settembre Roberto Fabbriciani,
coautore del pezzo con
Pousseur, interpreta Zeus
joueur de flûtes per flauti,
nastro magnetico e live
electronics a Cittadella
(Padova). Il 28 ottobre David
Robertson esegue allo
Herkulessaal della Residenz di
Monaco di Baviera, alla testa
del Symphonieorchester des
Bayerischen Rundfunks,
Couleurs croisées per grande
orchestra, nel contesto della
stagione di Musica Viva del
Bayerischer Rundfunk.
Due novità “filosofiche”
ai festival di Firenze e
Bergamo
Marco Momi
Ludica II per ensemble e
elettronica viene portato in
tournée con i musicisti degli
Ensemble Nikel e Court-Circuit
il 26 ottobre alla Gare du Nord
di Basilea per il Festival
CultureScapes, il 12 novembre
al Théâtre de l’Archipel di
Perpignan per il Festival
Aujourd’hui Musiques, il 15
novembre al Théâtre Garonne
di Toulouse per il Festival
Novelum, e il 17 novembre al
Musée d’Art et d’Histoire du
Judaïsme di Parigi.
7

Al Festival Manca l’opera realizzata
col nuovo sistema di orchestrazione
assistita dal computer
Sándor Veress
Un concerto monografico
dedicato a Veress è in
cartellone il 22 ottobre alla
Pinakothek der Moderne di
Monaco di Baviera. I pianisti
Yaara Tal e Andreas
Groethuysen interpreteranno
con il Münchener
Kammerorchester diretto da
Alexander Liebreich Hommage
à Paul Klee, fantasie per due
pianoforti e archi, Musica
Concertante per dodici archi, e
Quattro danze transilvane per
orchestra d’archi. L’Ensemble
Contrechamps diretto da Olivier
Cuendet propone il 1°
novembre a Ginevra, allo
Studio Ernest Ansermet della
Radio de la Suisse Romande,
per la stagione di
Contrechamps, Orbis tonorum
per orchestra da camera. Carlo
Teodoro eseguirà l’11 dicembre
presso le Sale Apollinee del
Gran Teatro La Fenice di
Venezia, nell’ambito della
rassegna Ex Novo Musica, la
Sonata per violoncello solo.
Tre sedi prestigiose per
altrettante prime d’autunno
8
Javier Torres Maldonado
Un teatro immaginario
J
avier Torres Maldonado sarà protagonista al prossimo
Festival Manca di Nizza del CIRM (Centre National de
Création Musicale). Il 18 novembre verrà eseguito alla
Salle Pierre Brasseur del Théâtre National de Nice
Iridiscente per pianoforte, percussioni, sistema
elettroacustico interattivo e video, commissione del
GRAME e dell’SNCA (Sistema Nacional de Creadores de
Arte) messicano. Ne saranno interpreti i solisti dell’Icarus
Ensemble (Kumi Uchimoto, pianoforte, Simone
Beneventi, percussioni) e Danio Catanuto per il video.
Il 22 novembre il medesimo teatro, nella Salle Michel
Simon, ospiterà la ripresa di Un posible día, quasi un
radiodramma per soprano, attore, ensemble e sistema
elettroacustico interattivo, nell’interpretazione di Maja
Pavlovska, soprano, David Jisse, attore, dell’Ensemble
2e2m diretto da Pierre Roullier, e col contributo tecnico di
La Muse en Circuit. La prima del lavoro, Commande
d’État 2011 – terzo prestigioso riconoscimento
consecutivo per Javier Torres Maldonado –, commissione
dell’Ensemble 2e2m col patrocinio dell’SNCA, ha avuto
luogo il 20 maggio scorso per il Festival Extension al
Théâtre de Villejuif. Il testo originario di Ana Candida de
Carvalho è stato integrato da José Manuel Recillas;
graphic art e video sono di Magali Lara. In questi termini
l’Autore si esprime a proposito di Un posible día:
«Da alcuni anni la mia ricerca personale è stata in parte
orientata verso le possibilità di tradurre e trasformare
degli oggetti musicali a partire dalle loro informazioni
spettrali in una sorta di “risintetizzazione” realizzata con
diverse fonti sonore. A questo scopo ho impiegato, oltre
all’analisi spettrale, alcuni programmi sviluppati all’Ircam
come il Repmus, distribuito col software Open Music.
Tuttavia la relazione tra la tecnica impiegata e il materiale
della fonte sonora non era sempre soddisfacente,
specialmente perché era intuitiva rispetto alla deduzione
delle combinazioni strumentali: dipendeva cioè dalla mia
intuizione, dalle mie capacità di orchestrazione e derivava
solo parzialmente da deduzioni scientifiche. Fu nel 2003,
grazie a Yan Maresz, che ho saputo di un importante
progetto di ricerca nel campo dell’orchestrazione assistita
dal computer all’Ircam, strumenti ai quali ho potuto
accedere dal 2009 soprattutto grazie alla mia amicizia
con uno dei principali ricercatori in questo campo,
Grégoire Carpentier, che mi ha dato molti importanti e
interessanti suggerimenti. Impiegando il software da lui
sviluppato nel Music Representations Group dell’Ircam,
Pasquale Corrado
P
asquale Corrado è in cartellone il 20 ottobre al Teatro
Studio del Parco della Musica di Roma con Ombra di
macramè per sei strumenti, nell’interpretazione
dell’Ensemble Algoritmo diretto da Marco Angius. Così
l’Autore ne spiega l’ispirazione: «Il macramè è una
tipologia di ricamo a intreccio la cui lavorazione richiede
precisione, agilità e creatività. Macramè è arte dalla
straordinaria e discreta complessità, la cui caratteristica è
quella di creare figure complesse intrecciando e
annodando una serie di fili. La tecnica araba del
macramè approda in Italia nel XV secolo e si diffonde
principalmente in Liguria ad opera dei marinai, i quali
mettono in pratica le conoscenze acquisite in Oriente per
fissare le vele delle proprie imbarcazioni e per passare il
tempo nelle lunghe traversate. Dall’esplorazione di
questa antica e affascinante arte, connubio tra forza e
pazienza, indissolubilità e resistenza, prende il nome il
brano. Il mistero e la magia dell’intreccio danno vita a un
ricamo musicale, in cui ognuno dei sei strumenti
rappresenta un filo melodico e armonico pronto
all’intreccio. Gli elementi del brano procedono in un unico
luogo elastico e dalle forme cangianti e mutevoli,
sviluppandosi con la stessa complessa abilità delle
decorazioni artigianali di una trina intrecciata». Seconda
novità, il 26 novembre al Teatro Sociale di Bergamo per il
Bergamo Musica Festival, con Lamer per soprano e
ho scoperto una nuova dimensione nell’alchimia di
composizione e orchestrazione. I materiali musicali più
importanti presentati e trasformati in Un possible día
derivano dal calcolo di diverse soluzioni
nell’orchestrazione rese possibili dal software Orchidée
di Grégoire Carpentier e Damien Tardieu».
Per ulteriori informazioni e per gli esempi del
procedimento adottato si rinvia al sito
www.torresmaldonado.net/un_posible_dia.html.
Un possible día sarà presto disponibile in un Cd
coprodotto dall’Ensemble 2e2m, da La Muse en Circuit
e dal FONCA messicano. Il Cd è stato realizzato
dall’etichetta Alamuse. Il 27 giugno Radio France ha
dedicato una trasmissione, “Les lundis de la
contemporaine” di Arnaud Merlin, alla musica di Javier
Torres Maldonado, con l’esecuzione di esempi da diversi
lavori tra cui Un posible día, Rosa mutabile per due
gruppi strumentali, Esferal per orchestra e elettronica,
e Obscuro etiantum lumine per violino e tre gruppi
orchestrali. Tra le esecuzioni recenti di Javier Torres
Maldonado vanno segnalati Desde el instante, nella
nuova versione per clarinetto basso, interpretata da
Antonio Rosales, il dedicatario, il 18 giugno al XXIII Foro
Internacional de Música Nueva Manuel Enriquez, nella
Sala Blas Galindo del Centro Nazionale delle Arti di
Mexico City; Lacrymosa 2 per flauto, violino e pianoforte,
eseguita il 22 maggio in prima esecuzione assoluta in un
concerto dell’Ensemble Nuevo de Mexico (Wilfrido
Terrazas flauto, Ludwig Carrasco violino, Miguel Salmon
del Real pianoforte) in memoriam di Omar Hernandez
Hidalgo, al Palazzo delle Belle Arti di Mexico City; infine
dal 29 agosto al 1° settembre il Festival Nuovi Orizzonti
Sonori (Porretta Terme, Bologna) ha ospitato nell’ambito
di una masterclass di composizione, composizione
acusmatica e assistita dal computer tenutasi con la
collaborazione dell’Ensemble ArsContemporanea diretto
da Caterina Centofante, il 29 agosto la conferenza
“Incontro con Javier Torres Maldonado e la sua musica”
al Teatro Testoni di Porretta Terme, e il 2 settembre,
nella stessa sede, il concerto dell’Ensemble
ArsContemporanea diretto da Caterina Centofante, con
Fabiana Ciampi, harmonium, in cui sono state eseguite
Fontane per elettronica (video: Elisa Franzoi), Lacrymosa
I per qualsiasi strumento aerofono a tastiera e Invención
per violino solo.
Raffinato artigianato compositivo
percussioni, interpretato da Ljuba Bergamelli e Jacopo
Costa. In questi termini Corrado descrive il lavoro:
«Questo brano per voce e percussione è forgiato come la
lama di una spada dalla superficie liscia e dalle estremità
affilate. È un blocco unico, frenetico e compulsivo, teso
alla ricerca dell’armonia fondamentale e costruito attorno
all’incipit dello scherzo della Seconda Sinfonia di Mahler
utilizzato anche da Berio nella sua Sinfonia. La prima
parte del brano è un melisma continuo, unito da voce e
vibrafono. Con il procedere del brano, l’aspetto diacronico
lascia spazio a quello sincronico e al ritorno continuo
della pulsazione. Le due cellule La-Mer si inseguono
dando significato alle molteplici combinazioni delle loro
sillabe (La-Me; La-Mer; Ma(h)-Ler)». Pasquale Corrado è
presente anche al 55° Festival Internazionale di Musica
Contemporanea con una commissione della Biennale
Musica di Venezia, Inciso per orchestra, eseguita il 25
settembre al Teatro alle Tese da Andrea Pestalozza alla
testa della Mitteleuropa Orchestra (il pezzo è stato
presentato sullo scorso numero di ESZ News).
Sovrainciso per ensemble è invece in programma l’8
ottobre in prima esecuzione italiana a Firenze, Sala
Carlo VIII di Palazzo Medici Ricciardi, per il Festival Play
It!, nell’interpretazione dell’Ensemble dell’Orchestra della
Toscana diretto da Tonino Battista.

Giorgio Colombo Taccani
Suoni e silenzi
T
re prime esecuzioni assolute e una prestigiosa ripresa
per Colombo Taccani nell’ultima parte dell’anno. Il 20
settembre, nell’ambito del Festival delle Nazioni, al
Teatro di Marcello di Roma è stato presentato in prima
assoluta I muri bianchi di Endenich per pianoforte
nell’interpretazione di Adele D’Aronzo. Così l’Autore
introduce il lavoro: «Robert Schumann trascorre gli ultimi
due anni di vita nel manicomio di Endenich, presso
Bonn. Assistito amorevolmente dalla moglie Clara e da
Brahms, vede divenire sempre più precari i rapporti con
il mondo reale. I muri bianchi di Endenich trae il proprio
spunto iniziale nella risonanza di questa situazione
esistenziale dolorosamente frantumata: la tensione che
accompagna quasi tutte le scelte figurali, sempre
parossistiche ed eccessive, si disgrega in continui cambi
di scena e in frenetiche rincorse di situazioni diverse,
appena mitigate da brevi ripiegamenti più silenziosi. Con
un’impostazione strutturale apertamente asimmetrica,
questo convulso alternarsi di apparizioni repentine si
blocca di colpo nell’ultima estesa sezione del lavoro,
volutamente uniforme ed elementare: una lunga
successione di accordi in “fortissimo” attraversa
lentamente tutta la tessitura del pianoforte dall’acuto al
grave. Come anche precedentemente, ma forse ora in
modo più chiaro, emergono frammenti provenienti dalla
Seconda Sonata per pianoforte di Schumann, a partire
dai quali è costruito l’intero brano». Importante ripresa
per Timor panico, lavoro per ensemble del 2001,
nell’ambito della Biennale di Venezia al Teatro Malibran
il 27 settembre. In questa occasione l’Ensemble da
Camera dell’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai è
stato diretto da Marco Angius. Questa la presentazione
dell’Autore: «Nell’ora più calda del giorno, quando
l’intera natura rimane immobile e attonita, non ci è
concesso alcun canto, alcun suono. Il dio Pan, dal
carattere aspro e irascibile, si riposa, stanco degli amori
e delle cacce mattutine. Pauroso sarebbe il suo risveglio
prematuro, come paurosi sono i rumori misteriosi di cui
riempie i boschi per farsi beffe dei malcapitati viandanti.
Si tace, dunque: timor panico». Il 6 ottobre è invece
prevista la prima esecuzione di L’àgnili per voce e
pianoforte su due poesie in sardo di Pompeo Calvia.
Il Duo Alterno, formato da Tiziana Scandaletti e Riccardo
Piacentini, lo presenterà all’Academy for Performing Arts
(HKAPA), Recital Hall di Hong Kong. Due repliche
successive del brano sono previste il 29 ottobre alla
Fondazione Delfino di Cuneo e il 30 ottobre alla Galleria
di Arte Moderna di Torino. Dice il compositore: «Figura
appartata, vissuta a Sassari a cavallo dei due secoli
scorsi, Pompeo Calvia si è imposto alla mia attenzione
quando, alcuni mesi fa, ho avuto modo, finalmente, di
mettermi a lavorare per un brano dedicato agli amici del
Duo Alterno. La morbida petrosità della lingua sarda,
unitamente alla leggerezza del linguaggio poetico di
Calvia, del tutto privo di turgori retorici, sono risultati gli
elementi che più mi hanno colpito. Le due brevi poesie
scelte hanno – prevedibilmente – caratteristiche
Andrea Mannucci
La poesia e il nulla
N
ell’ambito della stagione 2011 dell’Accademia
Musicale di Verona, il 30 Novembre presso la Sala dei
Concerti del Circolo Ufficiali in Castelvecchio verrà
eseguito Volo per altri cieli è la mia vita per voce e
pianoforte, su poesie del poeta goriziano Carlo
Michelstaedter. Così ne parla l’Autore: «In questi testi il
poeta non riesce ad accettare il mistero della creazione,
non crede in fondo né a un amore divino né tantomeno a
un suo riflesso efficace nell’uomo, e desidera solo
dissolversi nel nulla. Nonostante questo sfondo
pessimistico e nichilista, la poesia di Michelstaedter ci
dona immagini di struggente bellezza, perfette nell’uso
della lingua. La musica traduce questo contraddittorio
espressive complementari: sospesa fissità notturna in
Madrigale, nervosa impertinenza in Non ti fidà di l’àgnili
(“Non ti fidare dell’angelo”). Ciò si riflette in maniera
diretta nelle scelte compositive, pronte ad assecondare
senza rigore preconcetto le sfumature del testo poetico,
che viene sempre tenuto a un livello di notevole
intelligibilità; tutto ciò si appoggia su una scrittura
estremamente flessibile e aperta, richiedente un grande
affiatamento da parte dei due esecutori». Il Duo Alterno
eseguirà L’àgnili, sotto forma di anteprima, anche il
prossimo 23 settembre all’Auditorium di Maccagno
(Varese). Nel gennaio 2012 è infine prevista la prima
esecuzione assoluta di Al terzo foco per recitante, due
voci femminili, oboe, fagotto e pianoforte su testo di Pier
Luigi Berdondini. Al Museo Internazionale delle
Ceramiche di Faenza ne saranno interpreti lo stesso
Pier Luigi Berdondini come recitante, Akiko Kozato e
Simona Barbieri Mckenzie come voci e il Trio InUno
(Francesco Lovecchio, oboe, Paolo Rosetti, fagotto e
Martina Drudi, pianoforte). «Capita talvolta», dice
Colombo Taccani, «di ricevere commissioni che sulle
prime mettono in qualche difficoltà; la richiesta di un
lavoro di dimensioni non esigue – ci si muove alle soglie
della mezz’ora… – collegato con il mondo della
ceramica non era certo fra le più scontate e facilmente
gestibili. La presenza di Pier Luigi Berdondini e, quindi,
di un suo testo appositamente scritto e ben collocato fra
riferimenti diretti e obliqua allusività ha reso l’impresa
decisamente agevole e, mi auguro, convincente.
Accanto alla voce recitante, le due voci femminili
presentano caratteristiche diverse e complementari: una
voce impostata, anche se disponibile a tutte le possibilità
della vocalità contemporanea, e una seconda voce di
differente estrazione musicale, non impostata, alla quale
vengono affidati percorsi spesso avventurosi fra le
pieghe del parlato o allusioni a svariati ambiti musicali.
Anche i tre strumenti utilizzati, il cui raggrupparsi in trio
non rappresenta certo una delle possibilità più comuni in
quanto ad equilibrio e varietà di situazioni, si muovono
spaziando entro territori molto vasti, che da episodi
venati da qualche inflessione addirittura neoclassica
vanno fino a esplorazioni timbriche molto aperte e
avventurose, pronte a sfruttare tutte le tecniche offerte
allo strumentista contemporaneo. La parte di recitante
risulta sempre inserita con precisione nel discorso
musicale (o, se si preferisse, gli strumenti cercano
sempre un’adesione estremamente attenta e puntuale
allo scorrere del testo); il reperimento di strategie
notazionali che garantissero con relativa facilità questa
integrazione ha rappresentato probabilmente l’aspetto
più impegnativo del lavoro; sulla scorta di precedenti
esperienze, le componenti musicali, in presenza di parti
recitate, sono quasi sempre parcellizzate in piccole
sezioni gestibili ad libitum da parte di ogni singolo
esecutore, garantendo così la naturalezza della
recitazione e la valorizzazione della componente
musicale».
estetico attraverso una corrispondenza rigorosa tra
campi armonici, ritmo fraseologico ed emanazioni di
profilo melodico». L’esecuzione rientra nel bando per la
selezione di giovani voci liriche indetto dall’Accademia di
Alta Formazione Musicale di Verona. Il brano sarà
registrato in un Cd dell’Accademia Edizioni Musicali di
Verona. Nell’ambito del IV Festival del Ned Ensemble, la
violinista Lena Yokoyama, allieva di Salvatore Accardo
alla Stauffer di Cremona, accompagnata dal pianista
Diego Maccagnola, eseguirà il 20 novembre presso
l’Auditorium Celesti di Desenzano The Sound in Your
Mind per violino solo di Andrea Mannucci accanto a
Opus Felix di Michele dall’Ongaro.
Una serie di prime per organici
sempre diversi tra Hong Kong
e la Biennale
Matteo Franceschini
Approda finalmente alla prima
esecuzione, dopo una serie di
rinvii di concerti in precedenza
annunciati, L’alter ego per
violino e pianoforte, in
cartellone il 17 novembre con
Francesco D’Orazio e
Giampaolo Nuti alla Società
Aquilana dei Concerti “B.
Barattelli”. È in programma
invece il 7 dicembre a Roma, al
Festival di Nuova Consonanza,
la prima esecuzione italiana di
Concerto per ensemble,
nell’interpretazione
dell’Ensemble Algoritmo diretto
da Marco Angius.
Martino Traversa
Doppia esecuzione per Bianco,
ma non troppo per flauto basso
e nastro magnetico, in
cartellone il 4 novembre alla
Casa della Musica di Parma
per il Festival Traiettorie, solista
Martin Fahlenbock, e il giorno
dopo, 5 novembre,
all’Auditorium San Fedele di
Milano per il 20° Festival di
Milano Musica, solisti
Annamaria Morini, flauto, e
Alvise Vidolin, regia del suono.
La lirica di Mario Luzi
accompagna e ispira la ricerca
Versi di Carlo Michelstaedter
ispirano una novità, pezzo di punta
di due appuntamenti veronesi
9

Concerto con l’Ensemble
Intercontemporain, novità
“teatrale” per flauto a Vienna
Maurizio Ferrari
Il “teatro di stanza” Una voce di
donna. Polifonia per Rosa su
testi curati da Maurizio Ferrari e
Luigi Pestalozza è in
programma nella versione per
voce, recitante e quattro
strumenti il 14 ottobre al Ridotto
del Teatro Regio per il Festival
Verdi, nell’interpretazione del
soprano Teresa Cammellini e
del New Made Ensemble
diretto da Alessandro
Calcagnile. Il 20 ottobre Yoko
Marimyo, Maura Gandolfo e
Francesco Bergamasco
presentano alla Palazzina
Liberty di Milano, per
l’Associazione Amici di
Musica/Realtà, la prima
esecuzione assoluta del Trio
per violino, clarinetto e
pianoforte.
Quattro novità tese tra
vocazione narrativa
e ricerca d’interiorità
10
Maurilio Cacciatore
Tastiera Midi al Pompidou
I
mportante prima in Francia per Maurilio Cacciatore.
Il 20 ottobre la Grande Salle del Centre Pompidou
ospita a Parigi l’Ensemble Intercontemporain diretto da
Alejo Perez con Hideki Nagano alla tastiera Midi e
l’Autore al live electronics nel Concerto per tastiera Midi,
ensemble e live electronics. Questa la concezione
dell’opera nelle parole del compositore, «risultato di
numerose idee di partenza. Innanzitutto, l’amore che ho
per il pianoforte, in seconda istanza, la passione per gli
apparecchi di controllo del Midi. In letteratura non era
presente, a mio avviso, un lavoro che dava la giusta
importanza alle tastiere Midi; esse generalmente sono
usate solo come mezzi “operai”, utili cioè per aprire file
audio o per impostare settaggi nella musica elettronica.
In questo pezzo la tastiera Midi si scopre come solista;
le competenze che le sono proprie e che la differenziano
da un pianoforte, ad esempio il numero e la funzione dei
pedali, l’interazione con i fader, la non corrispondenza
tra il tasto abbassato e l’altezza del suono prodotto ecc.,
diventano per me spunti compositivi. Terza leva del
brano è l’interesse verso la sintesi per modelli fisici: ho
lavorato molto affinché essa fosse lontana dalla sua
forte connotazione e divenisse qualcosa di più
malleabile e naturale, diversa rispetto al timbro acusticostrumentale
ma non del tutto estranea ad esso.
Nel Concerto tutti gli strumenti concorrono a nutrire
l’elettronica in tempo reale: quattro legni e cinque ottoni
sono trattati per gruppi. Questa maniera di gestire la
captazione degli strumenti ha influenzato fortemente
anche la scrittura strumentale, così come è accaduto
per i due set di percussioni; quasi identici nell’organico,
essi sono trattati in tempo reale indipendentemente l’uno
dall’altro, amplificando la visione simmetrica degli
strumenti e l’effetto stereo che esiste già in partenza.
Tra gli altri spunti di partenza, quello forse più difficile dal
punto di vista del compositore: cosa può essere oggi un
Concerto? La forma del primo tempo cerca d’essere
consona al suo ruolo, di cui conserva gli archetipi
liberandosi delle parti più accessorie e discorsive;
Vittorio Montalti
Scelte, preghiere, addii
Q
uattro le prime esecuzioni assolute di Vittorio
Montalti nell’ultimo terzo dell’anno in corso. Il 18
settembre è stato possibile ascoltare alla Maison de la
Télévision di Strasburgo Notturno breve per ensemble,
nell’interpretazione del Texture Ensemble diretto da
Pierre Hoppé. Commissionato per il concerto a tema
“Sources et voies du renouveau - Hommages à Gustav
Mahler et Iannis Xenakis à travers le regard de 6+6
compositeurs de notre temps”, sarà trasmesso in
differita il 9 ottobre. Nelle parole dell’Autore «Notturno
breve è un aforisma in omaggio a due grandi della
storia della musica: Gustav Mahler e Iannis Xenakis.
I suoni della notte tessono tele di vetro. Urla lontane
irrompono cruente». L’isola di Patmos per suoni
elettronici è invece il titolo del pezzo proposto il 1°
ottobre all’Auditorium San Fedele di Milano, con la
realizzazione informatica della partitura a cura di
Daniele Amidani. Racconta Montalti: «L’isola di Patmos
è un brano scritto su commissione della Fondazione
Culturale San Fedele di Milano e in collaborazione con
la Fondazione Prometeo di Parma con l’esplicita
richiesta di creare un lavoro che introduca il Quatuor
pour la fin du temps di Messiaen in un tentativo di
“drammatizzazione musicale”. Il lavoro, per sola
elettronica, si ispira al libro dell’Apocalisse e il titolo del
pezzo si riferisce all’isola su cui Giovanni Evangelista
avrebbe scritto l’ultimo libro del Nuovo Testamento. La
composizione parte da un materiale molto semplice
che, grazie a una serie di processi, si sviluppa per dare
vita a un arco narrativo ben preciso. Ne deriva così il
possibile racconto di una vita, vita in cui siamo chiamati
l’elaborazione tematica è direttamente proporzionale
all’elaborazione della sintesi con i modelli fisici.
La Toccata mette in mostra la bravura tecnica sia del
solista sia dell’ensemble, con un tessuto fibrillante di
carattere virtuosistico; sulle armonie di questi due tempi,
il Finale mostra la differenza tra le parti strumentali e le
stesse doppiate dalla sintesi per modelli fisici. Il terzo
tempo, volutamente poco prolungato e di carattere più
iconico che dialogico, apre la porta a un intermezzo per
sola elettronica con la successiva cadenza della tastiera
solista. Man mano che il tempo passa, il mondo sonoro
di partenza si degrada, si trasforma, assumendo in
forme molteplici i caratteri dall’anima vuota dello
strumento che li trasmette». Avrà luogo il 20 gennaio, in
cartellone all’Alte Schmiede Kunstverein di Vienna, la
prima esecuzione assoluta di Quarto anfibio per flauto
traverso solo nell’interpretazione di Matteo Cesari.
Spiega l’Autore: «Scrivere un pezzo per flauto traverso
nel 2011 può essere un’operazione rischiosa… quante
meraviglie sono state scritte per questo strumento negli
ultimi decenni! E allora, come rapportarsi con lo spettro
del confronto? Il Quarto anfibio questo problema forse lo
aggira, data la sua natura e onorando il nome che porta.
Come gli altri pezzi di questa serie, il brano vive a metà
tra la musica strumentale e la musica vocale “per
strumentisti”. L’uso pregnante della voce, all’interno
dello strumento porta a risultati timbrici inaspettati.
Il flauto non finisce per me di rinnovarsi e ho provato
grande piacere nello scrivere un pezzo per quel “tubo
aperto” che nella sua natura è per me sinonimo di
libertà. Matteo Cesari è l’artista che lo creerà e quindi la
prima versione è pensata per una voce maschile. Come
per altri pezzi dalle tecniche simili, anche questo brano
avrà forse un giorno la sua versione per flautista donna.
Il flauto come tubo risonatore, lo spazio amplificato per
fare risuonare una stanza immaginaria, la bocca come
amplificatore nell’anima: l’azione teatrale tra queste
risorse porta avanti la musica, scolpendo poco a poco
l’incertezza della sua doppia natura».
a scegliere tra il Bene ed il Male nell’attesa della fine
dei tempi». Il 7 ottobre la Radio Vaticana realizzerà la
registrazione radiofonica di Tre schizzi per la radio per
violino, violoncello e pianoforte, interpretati dal Trio
Bettinelli; l’emissione radiofonica è fissata per il 18
ottobre sul quinto canale di Radio Vaticana. Il 26
novembre il soprano Ljuba Bergamelli, accompagnata
dal Texture Ensemble diretto da Pierre Hoppé, proporrà
la prima esecuzione assoluta di Farewell per voce
femminile e ensemble al Teatro Sociale di Bergamo, nel
contesto del Bergamo Musica Festival. Spiega l’Autore:
«Il brano si colloca in una serata di omaggio a Gustav
Mahler ed è ispirato alla Nona Sinfonia del compositore
austriaco. Come alla Nona è sottesa la riflessione sul
congedo dalla vita terrena, così il mio brano è un addio
che prende spunto da un testo di Emily Dickinson.
In Farewell si incontrano la previsione di una fine
tragica dell’uomo da parte di Mahler e la visione serena
del distacco così come vede la morte la poetessa
americana». Infine, ancora una volta Milano, in
particolare la Chiesa di San Fedele, ospiterà un’ultima
novità, Prayer per flauto e violino, il 10 dicembre,
nell’interpretazione del duo Annamaria Morini e Enzo
Porta. Questa la chiave fornita dall’Autore: «Con questo
brano ho voluto esplorare il concetto di preghiera e le
sue diverse declinazioni. Un gesto ripetitivo emerge
gradualmente dando vita a un rituale cui prendono
parte sempre più personaggi. I due strumenti sono
trattati con l’obiettivo di sintetizzare i due ruoli in uno
solo per dare forma a una preghiera universale e a più
voci».

Luigi Manfrin
Armonie poetiche
Si concentra in ambito cameristico la ricerca di Luigi
Manfrin nella seconda parte dell’anno. Il 31 agosto il
Festival di Bellagio e del Lago di Como ha ospitato, alla
Biblioteca Comunale di Bellagio, la prima esecuzione
assoluta di Batter My Heart per soprano e pianoforte su
testo di John Donne, nell’interpretazione di Karin Selva
e Mihoko Miyagawa, dedicatarie del brano. Spiega il
compositore: «Il trattamento della voce e il suo rapporto
con la materia timbrica del pianoforte, densa e spessa,
articolata con complesse strutture ritmiche, sono
scaturiti dal confronto con la poesia di John Donne,
tratta dalla raccolta Holy Sonnets. Batter My Heart,
infatti, è un testo di grande impeto espressivo, a tratti
visionario, con amare e sentite riflessioni sui limiti e
l’impotenza della ragione e della sua vana pretesa di
rispondere alle domande sull’esistenza. A tale
impotenza fa eco la richiesta disperata del divino, con
un linguaggio di affetti aspri e violenti. La musica segue i
significati delle parole contraendo o dilatando le durate
delle sue sezioni, frammentando o allungando così nel
tempo le sequenze testuali della poesia; sono pertanto
le immagini irruente e esplosive, oppure i silenzi sofferti
del testo a far erompere gli estemporanei gesti che
animano e costellano di discontinuità sonore improvvise
la conduzione della composizione. Nell’insieme il brano
rallenta irregolarmente. L’invocazione finale converge
nella balbuzie, ossia in una vocalità tesa, interrotta e
ripresa a fasi irregolari, fino all’afasia in cui entrambi gli
esecutori fingono di suonare e di dire qualcosa
d’impossibile. A tutto questo va aggiunta una sottile
ironia che permea l’intero brano fin dall’inizio, un
atteggiamento di parziale estraneità avvertita nella
scelta dei materiali sonori, elaborati e immessi nel corso
del brano». Vede la luce nel contesto dell’Autunno
Musicale Agimus Disappearing... in the Black of
Fullness per suoni di sintesi, in programma il 26
novembre al Centro Candiani di Mestre. Nelle parole
dell’Autore, «la composizione elettronica è stata derivata
da The Island of the Fay di Poe. Il racconto narra di un
anonimo protagonista che perviene all’incontro
vespertino e solitario con un ruscello avente un’isola
ambivalente: il lato occidentale appare inondato dalla
luce del tramonto, il lato orientale, invece, è circondato
dal buio della foresta. Il protagonista si abbandona a
una rêverie che entra in intimità sognante con l’acqua
sempre più pesante e più morta del fiume. L’acqua,
dunque, sembra inghiottire l’ombra degli alberi come
prede, privandoli della vita. Dal punto di vista
dell’elaborazione elettronica musicale, la suggestione
del racconto mi ha indotto a generare una liquefazione
progressiva del suono generale del brano, procedendo
da una massa timbrica oscillante, ora chiara ora scura,
progressivamente filtrata e resa così, di volta in volta,
più fantasmatica. L’isola di Poe appare avvolta da
un’atmosfera incantata, tramutandosi nella dimora
mortifera delle fate; in tal modo la consumazione degli
alberi nell’acqua diviene il destino della fata inghiottita
dalla morte. Come la lirica di Poe, “poesia della
materia”, anche il suono elettronico possiede una
massa, un volume e un’ombra sonora che lo raddoppia;
proprio il racconto di Poe mi ha suggerito l’idea di
separare l’ombra dal proprio suono generatore per
lasciarla inghiottire e liquefare nello sfondo sonoro che
Luca Antignani
La nuova versione del Giuoco delle perle di vetro è stata
eseguita il 3 settembre nell’ambito di Opus XXI,
Académie de Musique Contemporaine, alla Chartreuse
di Villeneuve-lez-Avignon. Nome - non nome per
pianoforte e sei voci soliste su poesie di Mario Luzi è in
tournée con l’Ensemble de Six Voix Solistes diretto da
Alain Goudard e la pianista Ancuza Aprodu nelle
seguenti date: il 17 ottobre all’Auditorium San Fedele
di Milano; il 18 ottobre, registrazione negli studi di
Limen Music, sempre a Milano; il 19 ottobre alla
Biblioteca Marucelliana di Firenze; il 20 ottobre al
si rabbuia sempre più. L’ultima immagine è quella di una
fata su una barca che circola intorno all’isola, passando
dal lato luminoso a quello tenebroso, avvicinandosi
sempre più alla morte. L’immagine della fata morente
motiva la scelta di derivare i suoni dalla voce femminile
del soprano Karin Selva. Vi sono, tuttavia, altre
suggestioni; alludo a Liszt e, in particolare, alla
rielaborazione elettronica di alcuni frammenti tratti dalla
Lugubre gondola: omaggio personale al grande
compositore ungherese. Per la prima esecuzione, il
brano sarà diffuso con un video del giovane artista
berlinese Cristiano Tassinari ispirato a Poe». A Berlino,
al BKA Theater per la rassegna Unerhörte Musik, verrà
presentato il 17 gennaio Overflowing Crystals II per
cimbalom e trombone, con replica il 18 gennaio al
Brandenburg Theater, sempre nella capitale tedesca.
Ne saranno interpreti Eniko Ginzery allo cimbalom e
Andras Fejer al trombone. Racconta Manfrin:
«Overflowing Crystals II deriva da una precedente
composizione per cimbalom solo. Il nuovo brano
riprende e espande le Gestalten sonore del primo,
facendo di nuovo riferimento analogico ai processi
chimici di liquefazione dei cristalli e proseguendone così
l’immaginazione materiale. La presenza di un secondo
strumento, il trombone, costituisce un accoppiamento
inedito con lo cimbalom; l’accostamento, difficile e
insolito, ha stimolato e potenziato la ricerca compositiva,
consentendo la realizzazione di un’interazione assai
complessa tra i due strumenti. Si alternano infatti fasi
omogenee nelle quali i due strumenti tendono
timbricamente e ritmicamente ad avvicinarsi il più
possibile, a fasi contraddistinte da ampi contrasti in cui
appaiono apparentemente indipendenti. L’oscillazione
rientra all’interno di un più vasto piano di composizione,
che prevede il dispiegamento di più livelli sonori.
Ne deriva una scrittura musicale polimorfa e instabile.
Nel corso del brano si formano organizzazioni sonore
che permettono all’ascolto di ritagliare sezioni distinte.
Alcune di queste sono formate prevalentemente da
blocchi ritmici-accordali o masse sonore variamente
lavorate e articolate, altre appaiono più fluide e
scorrevoli, come se la solidità si dissolvesse
parzialmente, in una soluzione meno compatta. Il tutto
rimanda all’immagine della diluizione cristallina, al
passaggio dalla condizione solida a quella liquida o, più
precisamente, alla presenza di fasi intermedie dette
“mesofasi”. Dunque, le sezioni emergenti, dal profilo ora
più cristallino, ora più fluente, provengono in realtà
dall’immagine materiale di base, che fa riferimento alla
compresenza caotica delle opposte caratteristiche
affioranti alternativamente in superficie. Overflowing
Crystals II è una composizione costruita su una
metafora: una matrice energetica le cui vibrazioni o
improvvisi sbalzi intensionali generano la morfologia
spazio-temporale, timbrica, ritmica e figurale del brano,
questo anche attraverso il gioco fluttuante dei ruoli
principali sostenuti ora dallo cimbalom, ora dal
trombone». Infine, il 3 dicembre Raffaele Negri del New
Made Ensemble proporrà Composizione per violino solo
al Palazzo Rosso di Genova, nell’ambito della rassegna
Musica in Mostra promossa dall’Associazione Rive
Gauche Concerti.
Cenacolo della Basilica di Santa Croce di Firenze; il 22
ottobre alla Badia di San Salvatore e San Lorenzo a
Settimo a Scandicci. Blumine per voce femminile e
ensemble è proposto in prima esecuzione assoluta al
Teatro Sociale di Bergamo per il Bergamo Musica
Festival il 26 novembre, nell’interpretazione del soprano
Ljuba Bergamelli e del Texture Ensemble diretto da
Pierre Hoppé. Un nuovo lavoro per ensemble sarà
eseguito ad Annecy a fine novembre nell’ambito del
Festival Sons d’Automne dall’Ensemble Pleiade.
Poe, Donne e un fascinoso
processo chimico ispirano
tre novità
Jean-Luc Hervé
L’Ensemble Les Temps
Modernes esegue En
mouvement per ensemble il 15
novembre al Salon de l’Hôtel
de Ville di Lione. En découverte
per due violini e elettronica è in
programma il 10 gennaio alla
Scène Nationale d’Orléans e il
22 gennaio a Boulogne -
Billancourt nell’interpretazione
dell’Ensemble Kern.
Luigi Dallapiccola
Emilio Pomarico dirige il 30
settembre Dialoghi per
violoncello e orchestra alla
Philharmonie di Colonia, alla
testa del WDR
Sinfonieorchester, col solista
Oren Shevlin. Il 4 ottobre
Roberto Prosseda esegue alle
Sale Apollinee del Teatro La
Fenice, nel contesto
dell’Italian-Fest, la Sonatina
canonica per pianoforte.
Pagina da camera in prima
assoluta, quasi un intermezzo
Bruno Maderna
Dimensioni n. 2, Invenzione su
una voce per nastro magnetico,
è in cartellone il 21 settembre
alla Casa del Suono di Parma
per il Festival Traiettorie.
11

Una serie di prime per strumenti
tradizionali e elettronica mette a frutto
la ricerca del compositore all’Ircam
Luciano Berio
Thema (Omaggio a Joyce) per
nastro magnetico è in
cartellone il 21 settembre alla
Casa del Suono di Parma per il
Festival Traiettorie e il 5
novembre all’Auditorium San
Fedele di Milano per il 20°
Festival di Milano Musica, con
Alvise Vidolin alla regia del
suono. Daniele Ruggieri
eseguirà Sequenza I per flauto
il 18 novembre alla Sala
Piccolo Teatro della Fondazione
Giorgio Cini di Venezia, per il
festival Ex Novo Musica.
Camillo Togni
Aldo Orvieto eseguirà Terzo
Capriccio per pianoforte il 18
novembre alla Sala Piccolo
Teatro della Fondazione
Giorgio Cini di Venezia, per la
rassegna Ex Novo Musica.
Novità per coro femminile e
orchestra, commissione del
Teatro Lirico di Cagliari
12
Lorenzo Pagliei
Studi sonori
N
umerosi gli impegni di Lorenzo Pagliei in questi mesi.
Il 29 maggio il Museo Archeologico Eno Belis di Oderzo
ha ospitato, nell’ambito del “Maggio Archeologico
Opitergino”, la prima esecuzione assoluta di Cristalli per
pianoforte, affidato all’interpretazione di Andrea
Corazziari, con replica il 22 agosto alla Sala Raffaello di
Urbino, per l’Associazione Musa, e il 13 ottobre al
Teatro Sperimentale di Ancona, per gli Amici della
Musica. Spiega l’Autore: «Cristalli è un divertissement
sul tema dei suoni legati al brindisi. Parte del materiale è
ricavato dall’analisi del suono di una bottiglia di vino
stappata e del primo bicchiere versato da una bottiglia a
collo dritto e stretto, col suo caratteristico doppio
glissando incrociato. Accanto a questi si aggiungono
suoni di bicchieri che si toccano per brindare, i Cristalli,
e un ospite verdiano tanto ingombrante quanto familiare
che si paleserà solo alla fine del brano. Tutto è tenuto
insieme dall’utilizzo della Scala Enigmatica che si
presenterà nuda e senza orpelli verso la fine come
presenza sonora altra da contemplare». Tra il 22
settembre e il 16 dicembre il Centre des Arts di
Enghien-les-Bains (Parigi), ospiterà, nel corso
dell’esposizione “Invisible et Insaisissable”, in
collaborazione e col sostegno del Collège de France,
l’Université Pierre e Marie Curie (UPMC), CNRS e
NanoSciences Île-de-France, l’installazione sonora per
diffusione a 4 canali Les invisibles, un progetto reso
possibile dalla collaborazione con il CNRS e il Collège
de France, con l’assistenza di Carmine Emanuele Cella,
già ricercatore Ircam. Francesco Filidei porterà in
tournée Macchine selvagge per organo nelle tappe di
Strasburgo, Église du Temple Neuf, per il Festival
Musica, il 1° ottobre, in prima esecuzione assoluta,
Colonia, Kunst-Station Sankt Peter, il 15 ottobre, Parigi,
Église de Saint Eustache, il 23 ottobre, e infine
Stoccarda, StiftKirche, il 28 ottobre. Racconta Pagliei:
«Macchine selvagge è un brano che esplora dei
meccanismi musicali attraverso delle piccole
imperfezioni; delle micro-variazioni di elementi minimi
minano l’identità stessa dei meccanismi e li rendono
mobili e evolutivi come degli esseri viventi. La microvariazione
di elementi interni sembra essere un principio
naturale, infatti, anche nelle forme naturali simmetriche
non esistono ripetizioni esattamente uguali dei dettagli.
È il sottile movimento di queste variazioni che rende
ogni essere vivente unico. In questo brano la
duplicazione imperfetta di elementi si applica all’armonia
e al tempo musicale: le micro-variazioni d’armonia
creano un’ambiguità fra il verticale e l’orizzontale e un
Michele dall’Ongaro
Voci della poesia
I
l Teatro Lirico di Cagliari ospiterà il 22 e 23 dicembre la
prima esecuzione assoluta di Attimo per coro femminile e
orchestra, su testo della poetessa polacca
Wislawa Szymborska, premio Nobel per la
letteratura nel 1996. L’Orchestra e il Coro
del Teatro Lirico di Cagliari saranno diretti
da Giacomo Sagripanti. Per questo nuovo
lavoro, scritto su commissione dell’Ente
lirico che ne ospiterà la prima esecuzione,
Michele dall’Ongaro ha utilizzato il
componimento d’apertura della raccolta
poetica Swila (“Attimo”, da cui il titolo del
brano), nella traduzione di Laura Rescio.
Nei mesi scorsi è stato possibile ascoltare
Opus Felix per violoncello e pianoforte l’11
agosto nella Sala delle Stilate dell’Abbazia di Pomposa,
per l’Emilia Romagna Festival, nell’interpretazione del
duo Vittorio Ceccanti e Bruno Canino. La versione per
violino e pianoforte verrà invece proposta il 20
novembre all’Auditorium Celesti di Desenzano, nel
contesto del IV Festival del Ned Ensemble, eseguita da
Lena Yokoyama e Diego Maccagnola. Perpetuum mobile
movimento polifonico in ciò che sembra fisso. Allo
stesso modo, il tempo musicale non scorre a velocità
costante ma segue piuttosto delle curve più o meno
brusche, più o meno continue. Il tempo diventa
ondulatorio e condizionato dal peso degli elementi
musicali che lo abitano». Saisir per violoncello e live
electronics è invece in cartellone, sempre in prima
esecuzione assoluta, il 13 ottobre al Centre des Arts di
Enghien-les-Bains, affidato alla violoncellista Séverine
Ballon e all’Autore stesso per il live electronics, nel
contesto della citata esposizione “Invisible et
Insaisissable”. In questi termini Pagliei racconta il nuovo
lavoro: «Saisir è un duo fra un violoncellista e un
esecutore elettroacustico: si tratta di ricreare la
situazione tipica della musica da camera in cui i due
musicisti sono posti sullo stesso piano. Il brano fa parte
della mia ricerca personale volta a far uscire l’elettronica
dei brani misti dalla sua posizione “dietro le scene” per
farla entrare a far parte effettiva di ciò che il pubblico
fruisce. I due esecutori utilizzano un insieme di soluzioni
tecnologiche sperimentate all’Ircam nel corso del mio
lavoro di compositore in ricerca. Il suono è prodotto in
tempo reale utilizzando il metodo di sintesi dei modelli
fisici che permette di simulare oggetti reali (placche,
corde, membrane, voci, ecc.) e di variarli nel tempo.
Accanto a questo metodo di sintesi, viene utilizzata
anche la “sintesi micro-particellare” concepita in
collaborazione con Carmine Emanuele Cella e il
contributo fondamentale dei ricercatori del CNRS e del
Collège de France. Questo metodo di sintesi permette di
tradurre in suono i dati di esperimenti sulle microparticelle
(in particolare la risonanza magnetica
nucleare) e di ascoltarli in tempo reale». Va infine
segnalata la prima di AirPlay per due esecutori
elettronici, il 16 ottobre al Conservatorio di Santa
Cecilia di Roma, nel contesto dell’EMUFest 2011,
nell’interpretazione dell’Autore e di Bruno Zamborlin.
Spiega Pagliei: «AirPlay è un brano che fa uso di nuove
tecnologie che sto sperimentando all’Ircam. I due
esecutori utilizzano due metodi per produrre e
controllare i suoni: il gesto delle mani in campo libero e i
gesti delle mani e/o oggetti su due placche di legno. Per
il gesto si usano sensori di movimento espressamente
concepiti all’Ircam e l’interfaccia gestuale Kinect di
Microsoft. Per i gesti delle mani sulle placche si
utilizzano dei microfoni a contatto e una nuova tecnica di
controllo e sintesi chiamata Mogees messa a punto da
Bruno Zamborlin in collaborazione con Norbert Schnell».
dal balletto We Like Mozart (Versione A) per orchestra
viene eseguito dalla Melbourne Symphony Orchestra
diretta da Paul Fitzsimon il 4 ottobre al Clocktower
Centre di Moonee Ponds (Australia) e in replica il 5
ottobre al West Gippsland Arts Centre di Warragul
(Australia). Il Festival Play It! ospita il 7 ottobre al
Teatro Verdi di Firenze la prima esecuzione italiana
di Checkpoint per orchestra, nell’interpretazione
dell’Orchestra della Toscana diretta da Tonino
Battista. Bach Haus, intermezzo in un atto su
libretto di Vincenzo De Vivo, viene proposto da
Vittorio Parisi alla testa del Dèdalo Ensemble il 21
ottobre alla Sala Rodi di Cremona, e il 22 ottobre
al Teatro Sancarlino di Brescia. Oleg Caetani
concerta l’11 e il 12 novembre il
Konzerthausorchester Berlin nella sua sede nei Fünf
Lieder op. 3 di Anton Webern per mezzosoprano e
orchestra, nell’orchestrazione di Michele dall’Ongaro
dall’originale per voce e pianoforte, commissione dello
stesso Konzerthaus Berlin; mezzosoprano, Katharina
Kammerloher.

Riccardo Malipiero
Ritratto d’autore
I
l 25 ottobre il 20° Festival di Milano Musica propone
nella Sala Puccini del Conservatorio “G. Verdi” un
concerto ritratto di Riccardo Malipiero (1914-2003)
attraverso alcune tra le sue più belle composizioni
cameristiche. Il programma contempla due brani solistici
(14 variazioni di un tema musicale per pianoforte, in
prima esecuzione assoluta, e Konzertstück per
violoncello solo), il Trio per violino, violoncello e
pianoforte e due brani per voce e ensemble: Sei poesie
di Dylan Thomas per soprano e dieci strumenti e
Liederétudes, in prima esecuzione assoluta nella
versione per soprano e undici strumenti. Pagine scritte
in un arco temporale molto esteso, che ben riassumono
le principali fasi dell’attività compositiva di Malipiero.
È noto come nel primo dopoguerra, insieme a Luigi
Dallapiccola e Camillo Togni, egli sia stato tra i primi ad
avvertire la necessità di aprire la musica italiana al
pensiero e alle tecniche dodecafoniche, anche
attraverso la fattiva organizzazione del Primo Congresso
Internazionale per la Musica Dodecafonica, tenutosi a
Milano nel maggio 1949. Il programma permetterà di
cogliere ulteriori sfaccettature dell’identità musicale di
Malipiero, misurandone l’evoluzione nel tempo.
Ad esempio, le 14 Variazioni per pianoforte, nate come
pendant delle omologhe incisioni di Luigi Veronesi
(pubblicate nel 1939 dalla Tipografia Lucini), ci
restituiscono la fisionomia delle scelte linguistiche di
Malipiero antecedenti all’adesione alla dodecafonia,
ancora sotto l’influenza del perfezionamento avvenuto
con lo zio Gian Francesco Malipiero. Le Sei poesie,
collegate ai simmetrici profili dei testi di Dylan Thomas,
testimoniano insieme al Trio una fase stilisticamente più
Francesco Hoch
Caleidoscopi sonori
L’
Auditorio della Radio della Svizzera italiana ha
ospitato il 6 settembre una seduta straordinaria di
sperimentazione elettronica con l’Orchestra della
Svizzera Italiana, nel corso della quale la compagine,
diretta da Francesco Bossaglia e con Fabrizio Rosso al
live electronics, eseguirà alcuni frammenti orchestrali
dall’opera Falstaff a Phuket che Francesco Hoch sta
componendo in vista della prima rappresentazione per
la Stagione 2015/16 del nuovo Teatro di Lugano che
sorgerà nel Polo Culturale Lugano-Arte-Cultura (LAC).
Un complesso set di strumenti elettronici ha suddiviso
l’orchestra in 8 gruppi indipendenti; la registrazione dei
suoni dell’orchestra è avvenuta con una quarantina di
microfoni, trasformando i suoni dal vivo e
sperimentando la commistione e il rapporto tra la
musica modificata elettronicamente con quella prodotta
dall’orchestra dal vivo. Il 24 settembre la Corte del
Municipio di Lugano è stata teatro di Musica, luci e
danza, progetto e musica di Francesco Hoch, riedizione
della prima al Longlake Festival, con la nuova
interpretazione di Stra… dire da parte del soprano
Barbara Zanichelli, in omaggio a Stralugano 2011.
In questi termini il compositore presenta il progetto:
«Sette musicisti, cantanti e strumentisti, situati lungo i
colonnati della corte del Municipio di Lugano, si
salutano, si rispondono e dialogano tra di loro, con un
caleidoscopio di musiche originali, cenni di luce,
interventi di danza ed estratti musicali provenienti da
brani che ho composto nel corso di diversi decenni».
Ne sono stati interpreti Lara Bergliaffa, flauto; Vittorio
Bongiorno, oboe; Denis Monighetti, violino; Piotr
Nikiforoff, violino; Massimiliano Pascucci, tenore;
Barbara Zanichelli, soprano; Luciano Zampar,
percussione; con la partecipazione straordinaria del
violinista di appena 6 anni Leon Nikiforoff e con le
danzatrici Francesca Sproccati e Manuela Bernasconi.
matura della vocazione dodecafonica. Il Konzertstück
per violoncello è un brano solistico di ampio respiro, di
grande impegno tecnico-strumentale e alto contenuto
lirico ed espressivo. La partitura nasce come omaggio
musicale per l’amico Paolo Franci, curatore insieme a
Giorgio Lucini di un’antologia di scritti, immagini e
frammenti musicali dello stesso Malipiero e di artisti a lui
legati. Le Liederétudes si inseriscono infine nell’ultima
stagione creativa, caratterizzata da una prorompente
riscoperta della vocalità, promossa dall’incontro con
Victoria Schneider che diverrà sua interprete d’elezione
e seconda moglie. Di questi brani, di cui era nota finora
la stesura per voce e pianoforte, tenuta a battesimo nel
1991 da Victoria Schneider e dallo stesso Malipiero,
viene ora proposta in prima esecuzione assoluta la
versione per voce e undici strumenti che il compositore
realizzò nel 1992/93. Il concerto è una produzione del
Conservatorio “G. Verdi” di Milano in collaborazione con
l’Associazione Milano Musica e le Edizioni Suvini
Zerboni. L’esecuzione, concertata da Davide Pandini,
è affidata agli studenti delle classi di canto, strumento,
musica da camera, direzione d’orchestra e del
laboratorio di musica contemporanea del Conservatorio
di Milano coordinato da Mauro Bonifacio: Iacopo
Petrosino, pianoforte; Lorenzo Derinni, violino; Issei
Watanabe, violoncello; Stefano Fiacco, pianoforte; Ljuba
Bergamelli, soprano; Luca Colardo, violoncello; Sohee
Bae, soprano; Giorgio Consolati, flauto; Elisabetta Ruffo,
oboe; Daniela Fiorentino, clarinetto e clarinetto basso;
Gordon Fantini, fagotto; Stefano Bertoni, corno; Gabriele
Lattuada, percussioni; Cesare Zanfini, violino; Lorenzo
Boninsegna, viola; Stefano Morelli, contrabbasso.
Le musiche di Hoch comprendevano una novità per
sette strumenti ed estratti da Es ist Zeit per flauto,
Elemento per oboe, Miniature per violino, Per... dire per
tenore, Spremute di senso per recitante e percussione,
Kultur, Modestia e Stra… dire per soprano. Un’ulteriore
prima è in cartellone il 17 novembre al Grand Théâtre
di Ginevra per l’International Music Competition - Canto
2011: I tre tiranni per voce e pianoforte, su testo di
Francesco Hoch tratto da Leonardo da Vinci e Sigmund
Freud, in tre versioni (per soprano/tenore;
mezzosoprano/contralto; baritono/basso), pezzo
d’obbligo composto su commissione del concorso,
riservato ai dodici cantanti semi-finalisti della
competizione, la cui giuria è presieduta da Teresa
Berganza. Accompagneranno al pianoforte Todd
Camburn, François Killian e Reginald Le Reun. Così
l’Autore descrive il nuovo pezzo: «Esso si suddivide in
due parti, come il testo, scelto e combinato dall’Autore,
suggerisce. In forma di poesia e in modo conciso, viene
collegata una lapidaria e tipica affermazione scritta da
Leonardo da Vinci concernente la possibilità di vivere
una vita sicura che, di conseguenza, positivamente si
allunga, con le riflessioni sperimentate da Sigmund
Freud circa le grandi difficoltà e le continue lotte che l’Io
deve sostenere con le pulsioni dell’Es, le censure del
Super-Io e le minacce della realtà esterna, per
affrontare la vita quotidiana stessa». Di Francesco
Hoch è possibile ascoltare il 6 novembre all’Auditorium
San Salvatore di Rodengo Saiano (Brescia), per
l’Associazione “Centro Musicale Mauro e Claudio
Terroni”, L’isola dell’amore per tre voci recitanti e
orchestra a plettro su testo di Gabriele Alberto Quadri;
e il 30 novembre, alla Cité Bleue di Ginevra, Poema
orchestrale per ensemble di sei percussionisti,
nell’interpretazione di Studenti della Haute École de
Musique de Genève.
Milano Musica dedica al
compositore un concerto ritratto
impreziosito da alcune prime
Niccolò Castiglioni
Tropi per complesso da camera
è in programma il 21 ottobre
alla Villa Elisabeth di Berlino.
L’Ensemble United Berlin sarà
diretto da Andrea Pestalozza.
Sperimentazione elettronica, una
festa con luci e danze, e il pezzo
d’obbligo di un concorso
Franco Donatoni
Pagina da camera in prima
assoluta, Etwas quasi ruhiger un im intermezzo Ausdruck è in
cartellone il 3 ottobre
all’Auditorium Paganini di
Parma per il Festival Traiettorie,
nell’interpretazione
dell’Ensemble Prometeo diretto
da Marco Angius.
13

Alla Biennale di Venezia e
in Inghilterra due ritratti
su diverse interiorità
Carlos Roqué Alsina
Il Festival internazionale
Les Nuits Pianistiques di
Aix-en-Provence proporrà il 2
dicembre un omaggio a Carlos
Roqué Alsina, in occasione del
suo 70° anniversario:
l’Orchestre Lyrique de Région
Avignon - Provence diretta da
Yeruham Scharovsky eseguirà
Suite indirecte per orchestra e
Fantaisie per clarinetto e
orchestra, solista Dominique
Vidal. Lo stesso Festival
ospiterà il 17 dicembre un
recital di Carlos Roqué Alsina,
dove il compositore interpreterà
alcune sue composizioni
pianistiche accanto a pagine di
Scarlatti, Bach/Busoni, Chopin
e Debussy.
Novità incentrata sulla
spazializzazione del
suono al Festival Play It!
Rivede la luce un repertorio
composto per gli intrattenimenti del
governatore francese di Genova
14
Eric Maestri
Voci di dentro
Ritratto vivente per violino e elettronica è stato
proposto in prima esecuzione italiana dalla violinista
Georgia Privitera e dall’Autore all’elettronica
alla Biennale Musica di Venezia, 55°
Festival Internazionale di Musica
Contemporanea, nel concerto tenutosi il 30
settembre nella Sala Concerti di Palazzo
Pisani del Conservatorio Benedetto
Marcello. Così Eric Maestri ci introduce a
questo lavoro, nato sotto l’egida dell’Ircam:
«Questo brano nasce da un malinteso.
Quello che si è venuto a creare, e che
spesso succede, nel passaggio all’atto
pratico. L’idea di base era di lavorare tra il suono
strumentale e il suono elettronico, caratterizzando
entrambi nella differenza tra acustico e elettronico.
I suoni sono quasi tutti suoni sintetici, generati in
Max/MSP. Il suono del violino doveva essere leggero e
trasparente, in certe parti al limite del rumore del vento.
Il risultato del lavoro invece è piuttosto diverso.
L’elettronica si carica del timbro ambientale, il violino
invece è duro e asciutto. Tra l’idea iniziale e il risultato
finale c’è stato il passaggio della relazione con
l’interprete, che poco a poco ho conosciuto,
rendendomi conto che il suono che avevo previsto non
gli si addiceva e che mandarlo in scena con una certa
partitura sarebbe stato contraddittorio. Così ho scoperto
che ogni interprete ha il suo suono, che ha i suoi tic
Christian Cassinelli
L’io e il mare
D
ialogo dipinto per quindici archi è la novità di
Christian Cassinelli in cartellone il 7 ottobre al Teatro
Verdi di Firenze nel contesto del Festival Play It!,
nell’interpretazione dell’Orchestra della Toscana diretta
da Tonino Battista. In questi termini l’Autore descrive la
composizione: «Il titolo descrive l’immagine di un Io
solitario che, trovandosi in mezzo al suo peregrinare
dinanzi al mare, gli si rivolge interrogandolo. Il mare
risponde, dando inizio a un dialogo, il cui contenuto
tuttavia è ignoto all’Autore; forse egli ha visto lo strano
incontro in un dipinto. Il silenzio di quell’immagine trova
il senso nella direzione del flusso sonoro che taglia la
larghezza e la profondità del palcoscenico. A tale
proposito, la particolare disposizione degli strumentisti –
seduti a occupare l’area di un triangolo, con il vertice
acuto (il contrabbasso) rivolto verso il fondo del palco e
seguito dalle altre file di strumenti – rappresenta il
Nicolò Paganini
Il ballo del generale
N
on cessa di destare interesse la produzione del
virtuoso genovese. Di Paganini le ESZ pubblicano ora i
Divertimenti carnevaleschi per due violini e basso M.S.
4, nell’edizione critica a cura di Italo Vescovo e Flavio
Menardi Noguera, che negli ultimi anni hanno già dato
alla luce, sempre per le ESZ, i paganiniani Tre duetti
concertanti per violino e fagotto, Tre duetti concertanti
per violino e violoncello, Tre ritornelli per due violini e
basso, e Sei cantabili e Valtz per violino e chitarra.
Preceduta da un’introduzione storica, dallo studio delle
fonti e degli autoimprestiti tra composizioni paganiniane,
la partitura riproduce le parti manoscritte non autografe
conservate alla Biblioteca del Conservatorio di Musica
“N. Paganini” di Genova, unico testimone del lavoro.
La composizione, che fa riferimento esplicito a danze
popolari secondo una consuetudine consolidata, risale
alla prima fase dell’attività di un Paganini ventenne,
nervosi esattamente come un compositore. Che ha un
suo gusto e anche una speciale sensazione del tempo
e del movimento. Quello che era cominciato
come una Natura vivente, titolo originale, è
diventato un Ritratto vivente dell’interprete.
Per me è stato un esercizio di ritratto in musica
e quindi anche l’inizio di un work in progress
sulla relazione tra il suono e il suo contenuto
psicologico. L’elettronica è a se stante, uno
strumento in quanto tale, ciò che mette in
vibrazione gli altoparlanti o, in modo specifico,
che determina una sorgente sonora. Lo spazio
della musica è integralmente frontale, in modo
da fondere il piano sonoro tra l’acustico e l’elettronico».
Il 28 ottobre sarà il Cerenem New Music Series
di Huddersfield, West Yorkshire, a offrire,
nell’interpretazione di Lore Lixenberg, una seconda
novità: Ritratto voce per mezzosoprano. Si chiede
l’Autore: «Come ritrarre la voce? In questo brano cerco
di dare una luce personale alla voce. Il testo, da
Spinoza, è il punto di partenza per la divisione e la
definizione dei valori, delle note e delle pause. Il testo e
la particolare emissione della voce vorrebbero indicare
una possibilità della musica di mostrarsi e di indicare
qualcosa di se stessa. Un ritmo cullante accompagna la
declamazione del testo in un piccolo tentativo di
costruzione della forma dall’interno».
fondamento per l’intera architettura del pezzo. Sul piano
formale il lavoro si articola in due sezioni, la prima delle
quali si caratterizza per l’individuazione – sempre in
funzione della diffusione del suono – di sottogruppi
strumentali all’interno dell’insieme orchestrale; in
particolar modo due quartetti ai lati e un gruppo di
cinque violini al centro. In questa prima parte il
movimento sonoro avviene soprattutto lungo il fronte del
palco. Affinché tale movimento sia percepito in modo
discreto, le figure musicali utilizzate sono ridotte a puri
inviluppi (attacco e decadimento del suono) di durata
variabile. Nella seconda sezione il flusso sonoro
percorre nelle due direzioni la profondità del
palcoscenico, creando un effetto di risacca simile a un
respiro. Un violino emerge dal mare orchestrale, dando
letteralmente il La al dialogo».
all’epoca in cui il virtuoso frequentava la dimora del
Generale Millot, governatore francese di Genova, e
«componeva talvolta per le sue società tutta la musica di
una serata, vale a dire contradanze, intermezzi, ecc.»,
una produzione andata in gran parte perduta. Millot
(«Milhaud», nel manoscritto dei Divertimenti, che a lui
sono dedicati) fu in carica dal 1803 al 1805, ed è dunque
altamente probabile che la composizione risalga al 1804,
anno delle Sei Nuovissime Alessandrine M.S. 131
composte per il palazzo storico del Festone dai
Giustiniani. La raccolta, costituita da una ventina di
danze diverse (un Minuetto, una Scozzese, due
Perigordini, quattro Valtzer e sei Contraddanze inglesi)
dall’organico analogo a quello dei Tre ritornelli, assolve
perfettamente alla sua funzione d’intrattenimento, con
grazia e fascino melodico.
P

ime esecuzioni as
Prime Prime esecuzioni assolute
assolute
OTTOBRE
Vittorio Montalti
L’ISOLA DI PATMOS
per suoni elettronici
Milano, Auditorium San Fedele, 1 ottobre
Daniele Amidani, realizzazione informatica
della partitura
Lorenzo Pagliei
MACCHINE SELVAGGE
per organo
Strasbourg, Festival Musica, Église du Temple
Neuf, 1 ottobre
Francesco Filidei, organo
Malika Kishino
ICHIMAI-KISHOHMON (for the 800 th
memorial year of Hônen-shônin)
per coro misto, voci di monaci buddisti, shô,
hichiriki, koto, percussioni e trio d’archi
Kyoto, Concert Hall, 4 ottobre
Monks of Zenrinji-Temple
Shohko Ohtani, koto a 20 corde
Junko Tanaka, shô
Tohru Yamamoto, hichiriki
Keyaki Satoh, percussioni
Reina Yamana, violino
Naoka Tokizawa, viola
Yoriko Miyake, violoncello
dir.: Toshiko Kikuchi
Malika Kishino
PRAYER / INORI (after March 11 th , 2011)
per coro misto a cappella
su testo di Rabindranath Tagore
(Commissione Tokyo Philharmonic Chorus)
Tokyo, Bunka Kaikan, 5 ottobre
Tokyo Philharmonic Chorus
dir.: Matsubara Chiaki
Stefano Gervasoni
DUE POESIE FRANCESI DI LUCA
per voce femminile e ensemble
su poesie di Ghérasim Luca
Strasbourg, Festival Musica, Salle de la Bourse,
6 ottobre
Françoise Kubler, soprano
Accroche Note
Giorgio Colombo Taccani
L'ÀGNILI
per voce e pianoforte
su due poesie in sardo di Pompeo Calvia
Hong Kong, Academy for Performing Arts
(HKAPA), Recital Hall, 6 ottobre
Duo Alterno:
Tiziana Scandaletti, soprano
Riccardo Piacentini, pianoforte
Ivan Fedele
L’ORIZZONTE DI ELETTRA
Versione per violino elettrico a 5 corde,
orchestra da camera e live electronics
Firenze, Festival Play It!, Teatro Verdi, 6 ottobre
Francesco D’Orazio, violino elettrico
Orchestra della Toscana
dir.: Marco Angius
Federico Gardella
KYKLOS
per orchestra
Firenze, Festival Play It!, Teatro Verdi,
8 ottobre
Orchestra della Toscana
dir.: Tito Ceccherini
Malika Kishino
MONOCHROMER GARTEN II
per clarinetto basso, saxofono baritono
e trombone
(Commissione Westdeutscher Rundfunk)
Köln, Ensemble Europa, Westdeutscher
Rundfunk, Funkhaus Wallrafplatz, 9 ottobre
Parkhaus Trio:
Ernesto Molinari, clarinetto basso
Markus Weiss, saxofono baritono
Uwe Dierksen, trombone
Lorenzo Pagliei
SAISIR
per violoncello e live electronics
Enghien-les-Bains, Centre des Arts, 13 ottobre
Séverine Ballon, violoncello
Lorenzo Pagliei, live electronics
Valerio Sannicandro
TROIS SÛTRAS
Quarta scena da “Hagakure”
per flauto basso, clarinetto basso
e live electronics
(Commissione Ex Novo Musica/SaMPL)
Venezia, Ex Novo Musica, Conservatorio
“B. Marcello”, 17 ottobre
Daniele Ruggieri, flauto basso
Davide Teodoro, clarinetto basso
Amalia de Götzen, live electronics
Alvise Vidolin, regia sonora
Maurilio Cacciatore
CONCERTO PER TASTIERA MIDI,
ENSEMBLE E LIVE ELECTRONICS
Paris, Centre Pompidou, Grand Salle,
20 ottobre
Hidéki Nagano, clavier Midi
Ensemble Intercontemporain
dir.: Alejo Pérez
Maurilio Cacciatore/Ircam, live electronics
Pasquale Corrado
OMBRA DI MACRAMÉ
per sei strumenti
Roma, Auditorium Parco della Musica, Teatro
Studio, 20 ottobre
Ensemble Algoritmo
dir.: Marco Angius
Maurizio Ferrari
TRIO
per violino, clarinetto e pianoforte
Milano, Associazione Amici di Musica/Realtà,
Palazzina Liberty, 20 ottobre
Yoko Marimyo, violino
Maura Gandolfo, clarinetto
Francesco Bergamasco, pianoforte
Stefano Gervasoni
SE TACCIO, IL DUOL S’AVANZA
Madrigali per violino e dodici voci soliste
su testi di Torquato Tasso
(Commissione di Milano Musica e KlangForum
Heidelberg)
Milano, 20° Festival di Milano Musica, Teatro
Elfo Puccini, 24 ottobre
Lina Uinskyte, violino
Schola Heidelberg
dir.: Walter Nußbaum
Alessandro Solbiati
SUITE DA LE “RÉVEIL DE MON ÂME”
Due movimenti e un Intermezzo per dodici
voci soliste su versi di Charles Baudelaire
Milano, 20° Festival di Milano Musica, Teatro
Elfo Puccini, 24 ottobre
Schola Heidelberg
dir.: Walter Nußbaum
Riccardo Malipiero
14 VARIAZIONI DI UN TEMA MUSICALE
per pianoforte
Milano, 20° Festival di Milano Musica,
Conservatorio “G. Verdi”, Sala Puccini,
25 ottobre
Iacopo Petrosino, pianoforte
Riccardo Malipiero
LIEDERÉTUDES
Versione per soprano e undici strumenti
Milano, 20° Festival di Milano Musica,
Conservatorio “G. Verdi”, Sala Puccini,
25 ottobre
Sohee Bae, soprano
Ensemble del Laboratorio di Musica
Contemporanea del Conservatorio “G. Verdi”
di Milano
dir.: Davide Pandini
Alessandro Solbiati
“Hallo!” - Primo movimento da:
CRESCENDO
Otto brevi brani in forma di studio
per orchestra da camera
Milano, Teatro Dal Verme, 30 ottobre
Orchestra I Piccoli Pomeriggi Musicali
dir.: Daniele Parziani
NOVEMBRE
Giorgio Gaslini
PIANO SONATA DÉCOLLAGE N. 3
per pianoforte
Treviso, L’Arsenale 2011, Foyer del Teatro
Comunale, 6 novembre
Alfonso Alberti, pianoforte
Luis de Pablo
LARGO
“en torno a una antigua canción popular”
per orchestra
(Commissione Philharmonisches Orchester des
Staatstheaters Cottbus)
Cottbus, Staatstheater, 11 novembre
Philharmonisches Orchester Cottbus
dir.: Evan Christ

Ivan Fedele
SUITE FRANCESE V
per arpa
Paris, Concours Lily Laskine, 16-23 novembre
Pezzo d’obbligo del Concorso
Francesco Hoch
I TRE TIRANNI
per voce e pianoforte
Testo di Francesco Hoch tratto da Leonardo
da Vinci e Sigmund Freud
Genève, Grand Théâtre, 17 novembre
Pezzo d’obbligo per il Concours de Genève,
International Music Competition - Canto 2011
Matteo Franceschini
L’ALTER EGO
per violino e pianoforte
L’Aquila, Società Aquilana die Concerti
“B. Barattelli”, 17 novembre
Francesco D’Orazio, violino
Giampaolo Nuti, pianoforte
Luis de Pablo
NÚMEROS
Sei pezzi per ottetto
(Commissione Ex Novo Musica con il sostegno
della Fundación BBVA)
Venezia, Ex Novo Musica, Sale Apollinee del
Gran Teatro La Fenice, 17 novembre
Ex Novo Ensemble
Federico Gardella
KRAUS-MIKRO-LIEDER
per voce femminile e ensemble
Bergamo, Bergamo Musica Festival, Teatro
Sociale, 26 novembre
Ljuba Bergamelli, soprano
Texture Ensemble
dir.: Pierre Hoppé
Vittorio Montalti
FAREWELL
per voce femminile e ensemble
Bergamo, Bergamo Musica Festival, Teatro
Sociale, 26 novembre
Ljuba Bergamelli, soprano
Texture Ensemble
dir.: Pierre Hoppé
Pasquale Corrado
LAMER
per soprano e percussioni
Bergamo, Bergamo Musica Festival, Teatro
Sociale, 26 novembre
Ljuba Bergamelli, soprano
Jacopo Costa, percussioni
Luca Antignani
BLUMINE
per voce femminile e ensemble
Bergamo, Bergamo Musica Festival, Teatro
Sociale, 26 novembre
Ljuba Bergamelli, soprano
Texture Ensemble
dir.: Pierre Hoppé
Luigi Manfrin
DISAPPEARING... IN THE BLACK OF
FULLNESS
per suoni di sintesi
Mestre (Venezia), Centro Candiani, Autunno
Musicale Agimus, 26 novembre
Luigi Manfrin, regia del suono
Eric Maestri
RITRATTO VOCE
per mezzosoprano
Huddersfield, Cerenem New Music Series,
28 novembre
Lore Lixenberg, soprano
Nicola Sani
NOVITÀ
per ensemble
Firenze, Contempoartefestival, Galleria degli
Uffizi, Biblioteca Magliabechiana, 28 novembre
Contempoartensemble
dir.: Mauro Ceccanti
Andrea Mannucci
VOLO PER ALTRI CIELI È LA MIA VITA
per voce e pianoforte
su poesie di Carlo Michelstaedter
Verona, Sala dei Concerti del Circolo Ufficiali,
30 novembre
Accademia di Alta Formazione Musicale di
Verona
DICEMBRE
Nicola Sani
SEASCAPE II
per ensemble e supporto digitale
Roma, Auditorium Parco della Musica, Sala
Santa Cecilia, 7 dicembre
Ensemble Modern, Francoforte
dir.: Frank Ollu
Vittorio Montalti
PRAYER
per flauto e violino
Milano, Chiesa di San Fedele, 10 dicembre
Annamaria Morini, flauto
Enzo Porta, violino
Ivan Vandor
OTTO BREVI PEZZI
per violoncello e pianoforte
(Commissione Ex Novo Musica)
Venezia, Ex Novo Musica, Sale Apollinee del
Gran Teatro La Fenice, 11 dicembre
Carlo Teodoro, violoncello
Aldo Orvieto, pianoforte
Alessandro Solbiati
“Fête II” - Secondo movimento da:
CRESCENDO
Otto brevi brani in forma di studio
per orchestra da camera
Milano, Teatro Dal Verme, 11 dicembre
Orchestra I Piccoli Pomeriggi Musicali
dir.: Daniele Parziani
Nicola Sani
LIED - YOU HAVE BEEN LIED 2
per ensemble, live electronics, supporto
digitale e video
Moscow, P.I. Tchaikovsky Conservatory,
Rakhmaninov Hall, 11 dicembre
Ensemble Alter Ego
Ivan Fedele
DEYSTVIYA
per bayan e quartetto d’archi
Moscow, P.I. Tchaikovsky Conservatory,
Rakhmaninov Hall, 14 dicembre
Studio for New Music Ensemble
Malika Kishino
MONOCHROMER GARTEN
per accordéon e violoncello
Berlin, BKA Theater, 20 dicembre
Christin Paté, accordéon
Valérie Dulac, violoncello
Michela dall’Ongaro
ATTIMO
per coro femminile e orchestra
su una poesia di Wislawa Szymborska
(Commissione Teatro Lirico di Cagliari)
Cagliari, Teatro Lirico di Cagliari, 22 dicembre
Orchestra e Coro del Teatro Lirico di Cagliari
dir.: Giacomo Sagripanti
GENNAIO
Luigi Manfrin
OVERFLOWING CRYSTALS II
per cimbalom e trombone
Berlin, Unerhörte Musik, BKA Theater,
17 gennaio
Eniko Ginzery, cimbalom
Andras Fejer, trombone
Maurilio Cacciatore
QUARTO ANFIBIO
per flauto solo
Vienna, Alte Schmiede Kunstverein, 20 gennaio
Matteo Cesari, flauto
Giorgio Colombo Taccani
AL TERZO FOCO
per recitante, due voci femminili,
oboe, fagotto e pianoforte
su testo di Pier Luigi Berdondini
Faenza, Museo Internazionale delle Ceramiche,
gennaio [data da definire]
Pier Luigi Berdondini, recitante
Akiko Kozato, voce
Simona Barbieri Mckenzie, voce
Trio InUno:
Francesco Lovecchio, oboe
Paolo Rossetti, fagotto
Martina Drudi, pianoforte
ESZ
Il calendario completo delle esecuzioni, costantemente
aggiornato, può essere consultato all’indirizzo internet:
news EDIZIONI SUVINI ZERBONI
www.esz.it
Editore: Sugarmusic S.p.A. Galleria del Corso, 4 - 20122 Milano Tel. 02 - 770701 - E-mail: suvini.zerboni@sugarmusic.com - www.esz.it
Direttore responsabile: Maria Novella Viganò - Responsabile del Settore Classica: Alessandro Savasta
Redazione: Raffaele Mellace - Coordinamento di redazione: Gabriele Bonomo - Progetto e realizzazione grafica: Paolo Lungo - Traduzioni: Mike Webb
Aut. del Tribunale di Milano n. 718 del 25-10-1991
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