Numero 52 - Città dei Mestieri

d’ARTIGIANATO 

TRA ARTE E dESIGN 

Anno XIV - Numero 52 

gennaio/marzo 2004 

Registrazione al Tribunale di Milano 

n. 45 del 30.1.1991 

Con il patrocinio del Ministero 

Industria Commercio e Artigianato 

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adriano gatti, giovanni mirulla 

cOmItAtO scIENtIfIcO 

Enzo Biffi gentili, giancarlo Bojani, gillo dorfles, 

Vittorio Fagone, anty Pansera 

HANNO cOllAbORAtO A quEstO NumERO 

per i testi: Eduardo alamaro, Felice Bonalumi, 

rossana Bossaglia, andrea Caruso, giorgio 

Casati, tiziano dal Pozzo, andrea del guercio, 

roberto de Paolis, Cristiana di nardo, 

Claudia Ferrari, alfredo gioventù, 

daniela mangini, armando marrocco, 

aurelia mazzeo, roberto rizzi, isabella taddeo, 

Sara tomasella, davide Viganò, Stefania Viti. 

per le fotografie: ag. Fot. luisa ricciarini, 

Paolo Bernardi, Foto Saporetti, Paolo manusardi, 

maurizio marcato, Sergio montanari, 

mauro ranzani, Saverio lombardi Vallauri. 

INsERZIONI pubblIcItARIE 

intergift-Fiera di madrid ii cop.; i.S.o.l.a. p.1; 

maison & objet p.2; morelato p.3; Florence gift mart 

p.4; italvetrine p.5; Hong Kong gifts&Premium Fair p.6; 

artisanexpo-Promos p.7; art-Firenzefiera p.8; 

gruppo Vetrario Paci p.9; Housewares & gift Fair p.10; 

C’è Usato & Usato p.11; mia-Ente mostre monza e 

Brianza p.12; architettura minimalista p.74; nozone 

p.75; 

artigianato religioso p.76; imago Shop&Fair p.77; 

annuario del Collezionista/i.H.m. iii cop.; 

macef milano-Fiera milano international iV cop. 

fOtOlItO 

Fotoprocess, milano 

stAmpA E cONfEZIONE 

SatE s.r.l., zingonia - Verdellino (Bg) 

carta patinata opaca senza legno 

pubblIcItÀ E cOmuNIcAZIONE 

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AbbONAmENtI 

italia: € 24,00 all’anno. numeri arretrati € 8,00 

Estero: € 37,00 all’anno. numeri arretrati € 11,00 

© 2004 Edizioni imago intErnational S.r.l. 

tutti i diritti riservati. riproduzione dei testi e delle foto 

solo previo consenso scritto dell’Editore. 

dA’ 

Vaso multicolor con due piccole 

plastiche, smalti al selenio, 

altezza cm 35, Bottega d’Arte 

Ceramica Mirta Morigi, Faenza. 

S O M M A R I O 

Editoriale 

LA CULTURA DEL FATTO A MANO di Ugo La Pietra 15 

Storia 

IL LIBERTY A MILANO di Rossana Bossaglia 16 

Mostre____________________________________________________________ 

MINIARTEXTIL 2003 di Roberto De Paolis 24 

GEGIA E MARISA BRONZINI di Roberto Rizzi 28 

CAMICIA D’AUTORE di Isabella Taddeo 33 

Arte Sacra 

GENESI DI UN’OPERA di Armando Marrocco 36 

Progetti e territori 

VETRO DAL VIVO di Stefania Viti 40 

Didattica 

PROGETTAZIONE ARTISTICA di Davide Viganò 44 

Autori 

I PIATTI DI GILLO di Giorgio Casati 47 

LE CERAMICHE DI MIRTA MORIGI di Tiziano Dal Pozzo 50 

Aziende _____ 

ITALVETRINE 

VETRINA ITALIANA NEL MONDO di Aurelia Mazzeo 54 

Fiere e Saloni 

MACEF MILANO 2004 di Sara Tomasella 56 

FATTO A MANO di Sara Tomasella 58 

FLORENCE GIFT MART di Claudia Ferrari 60 

MIA PRIMAVERA di Felice Bonalumi 61 

Rubriche 

MATERIALI E TECNICHE: 

LA LAVORAZIONE DELL’ARDESIA di Alfredo Gioventù 62 

AREE REGIONALI 66 

SEGNALAZIONI 68 

CALENDARIO DEGLI EVENTI 78 

Indirizzi 80 

13

COMITATO D’ONORE 

MINISTERO INDUSTRIA 

COMMERCIO E ARTIGIANATO 

Antonio Marzano (Ministro Attività Produttive) 

CASARTIGIANI 

Giacomo Basso (Presidente) 

Nicola Molfese (Direttore Generale) 

C.L.A.A.I. 

Franco Prinzivalli (Vicepresidente Vicario) 

Marco Accornero (Segretario nazionale) 

C.N.A. 

Ivan Malavasi (Presidente) 

Giancarlo Sangalli (Segretario Generale) 

Giovanni Morigi (Pres. Settore Artig. Art.) 

Walter Ferracci (Segr. Settore Artig. Art.) 

CONFARTIGIANATO 

Luciano Petracchi (Presidente) 

Guido Bolaffi (Segretario Generale) 

Raffaele Masprone (Resp. Artigianato Artistico) 

FEDERAzIONE NAzIONALE 

ARTIGIANATO ARTISTICO 

Lamberto Mancinelli e Antonio Parrucca 

“Collezione ’900” 

di Ugo La Pietra, produzione 

Ceramiche Marioni, 1989. 

14 

COMITATO TECNICO E CORRISPONDENTI PER LE AREE ARTIGIANE 

Gilda Cefariello Grosso 

Luciano Marziano 

Maria Luciana Buseghin 

Alabastro di Volterra 

Irene Taddei 

Bronzo del veronese 

Gian Maria Colognese 

Ceramica campana 

Eduardo Alamaro 

Ceramica di Albisola 

M. Trogu - R. Costantino 

Ceramica di Caltagirone 

Francesco Judica 

Ceramica di Castelli 

Vincenzo Di Giosaffatte 

Ceramica di Deruta 

Nello Zenoni 

Ceramica di Grottaglie 

Ciro Masella 

Ceramica di Laveno 

Marcello Morandini 

Ceramica di Nove 

Katia Brugnolo 

Ceramica di Palermo 

Rosario Rotondo 

Ceramica di Vietri Sul Mare 

Massimo Bignardi 

Ceramica faentina 

Tiziano Dalpozzo 

Ceramica piemontese 

Luisa Perlo 

Ceramica sestese 

Stefano Follesa 

Ceramica umbra 

Nello Teodori 

Cotto di Impruneta 

Stefano Follesa 

Cristallo di Colle Val d’Elsa 

Angelo Minisci 

Ferro della Basilicata 

Valerio Giambersio 

Ferro di Asolo 

Stefano Bordignon 

Gioiello di Vicenza 

Maria Rosaria Palma 

Intarsio di Sorrento 

Alessandro Fiorentino 

Legno di Cantù 

Aurelio Porro 

Legno di Saluzzo 

Elena Arrò Ceriani 

Legno della Val d’Aosta 

Franco Balan 

Marmo di Carrara 

Antonello Pelliccia 

Marmi e pietre del trapanese 

Enzo Fiammetta 

Marmo del veronese 

Vincenzo Pavan 

Mosaico di Monreale 

Anna Capra 

Mosaico di Ravenna 

Gianni Morelli 

Mosaico di Spilimbergo 

Paolo Coretti 

Oro di Valenza 

Lia Lenti 

Peperino 

Giorgio Blanco 

Pietra di Apricena 

Domenico Potenza 

Pietra di Fontanarosa 

Mario Pagliaro 

Pietra di Lavagna 

Alfredo Gioventù 

Pietra lavica 

Vincenzo Fiammetta 

Pietra leccese 

Luigi De Luca 

Pietra Serena 

Gilberto Corretti 

Pizzo di Cantù 

Aurelio Porro 

Tessuto di Como 

Roberto De Paolis 

Travertino romano 

Claudio Giudici 

Vetro di Altare 

Mariateresa Chirico 

Vetro di Empoli 

Stefania Viti 

Vetro di Murano 

Marino Barovier 

Federica Marangoni

La cultura del Fatto a Mano 

Alcuni storici dell’arte o delle arti 

applicate possono ricordarci come 

i primi annunci pubblicitari, nella metà 

del XIX secolo, mettessero in risalto 

il “fatto a macchina” come dato 

garante della produzione 

standardizzata, come oggi il “fatto 

a mano”, la “produzione artigianale” 

e la “confezione sartoriale” servono 

a enfatizzare la cura particolare di ogni 

dettaglio. Il rilievo dato negli ultimi 

decenni ai valori decorativi, 

alle tecniche tradizionali e al saper 

fare a mano deve senz’altro essere letto 

come fenomeno positivo, di reazione, 

rispetto all’omologazione della nostra 

vita nei confronti dei sempre crescenti 

prodotti industriali, espressione 

d’una sempre più vasta globalizzazione 

dei mercati. Oggi come ieri, molti 

artisti guardano all’universo artigiano 

come ad una grande risorsa 

Some historians of art or the applied 

arts may remind us of how the first 

advertisements in the mid-nineteenth 

century emphasised that goods were 

“machine made” in order to guarantee 

standardised production, in the same way 

that today “hand-made”, “handcrafted” 

and “tailor made” are used to emphasise 

the particular care given to every detail. 

The importance given in recent decades to 

decorative features, traditional techniques 

and craftsmanship must without doubt be 

seen as a positive phenomenon, a reaction 

against the homologation of our lives 

due to the growing number of industrial 

products that are the expression of an ever 

e d i t o r i a l e 

di Ugo La Pietra 

e spesso si “danno da fare” cercando 

di riportare nel proprio lavoro piacere, 

valore ed esclusività del fatto a mano. 

Designers e architetti riscoprono 

il piacere (un po’ come tanti anni fa era 

successo nella Bauhaus) di lavorare 

gomito a gomito con artigiani sapienti, 

esaltando le risorse tecniche 

e dei materiali, per definire una nuova 

“decorazione” essenziale, non 

ridondante. L’artigianato diventa così 

un luogo dove fare sperimentazione, 

scoprire, affermare e rinnovare 

le matrici storiche della cultura 

materiale di un territorio, esaltare 

vaster market globalisation. Today, as in 

the past, many artists look at the universe 

of craftsmanship as a great resource and 

often they make an effort to try to bring 

back the pleasure, value and exclusiveness 

of hand-made products to their work. 

Designers and architects rediscover the 

pleasure (a bit like what happened many 

years ago in the Bauhaus) of working 

alongside skilled craftsmen, exalting 

the technical resources and materials 

to make a new essential, not superfluous 

“decoration”. Thus craft becomes a place 

to experiment, discover, affirm and renew 

the historic settings of the material 

culture of a territory, to bring out 

its individuality within a community 

la propria individualità all’interno 

di una comunità di centri omogenei 

di produzione. Ognuno di questi centri 

esprime la stratificazione storica 

della società espressa attraverso 

l’evoluzione della cultura materiale 

che viene continuamente rinnovata 

(da Vietri sul Mare negli anni Trenta 

a Faenza, Caltagirone, Deruta, ecc.) 

attraverso il confronto con i materiali, 

i processi di realizzazione, le nuove 

tipologie di oggetti, i nuovi stilemi. 

Per qualsiasi italiano o straniero 

che abbia voglia di frequentare i nostri 

territori, saper riconoscere, apprezzare, 

distinguere le varie espressioni 

artigianali è senz’altro un esercizio 

intelligente di consapevolezza culturale 

che ci aiuta ad amare ed apprezzare 

“le diversità”. Siamo tanti 

e con diverse culture e la diversità 

non è più un’eccezione ma la norma! 

of equal production centres. Each of these 

centres expresses the historic layers of 

society shown in the evolution of material 

culture which is continually renewed 

(from Vietri sul Mare in the 1930s to 

Faenza, Caltagirone, Deruta, etc.) through 

materials, production processes, new 

types of objects, new styles. For any Italian 

or foreigner who wants to discover our land, 

learning how to recognise, appreciate 

and tell apart the various forms 

of craftsmanship is certainly an intelligent 

exercise of cultural awareness that helps 

us to love and appreciate “the differences”. 

There are many of us, with different 

cultures, and these differences 

are no longer an exception but the rule! 

15

STORIA 

di Rossana Bossaglia 

Poiché lo stile Liberty 

è l’immagine della nuova borghesia 

imprenditoriale che si afferma 

con rapida energia a fine ’800, 

è ovvio che per quanto riguarda 

l’architettura esso si concentri 

in interi quartieri o, per meglio dire, 

promuova l’edificazione di nuovi 

quartieri moderni, periferici rispetto 

al centro storico, ma studiati 

in ampiezza di respiro perché 

consentano rapidi rapporti con 

il fulcro della città. Stiamo parlando 

di quartieri residenziali, destinati 

ad abitazioni private e, nella maggior 

parte dei casi, privi di strutture 

commerciali: anche i negozi pensati 

per una clientela ricca e colta sono 

situati altrove, in luoghi centrali 

o di specifica fisionomia. Quanto 

si è venuto ora precisando riguarda 

non soltanto la situazione milanese, 

e neppure soltanto quella italiana: 

il modernismo, che si presenta 

con caratterizzazioni distinte ma 

con una fisionomia comune in tutta 

Europa, è ovunque simbolo della 

classe sociale di cui stiamo trattando 

e delle sue aspirazioni. Si può dire 

però che la posizione ambientale 

di Milano, la larghezza dei suoi spazi 

e l’andamento senza intrusioni delle 

sue strade dal centro verso le zone 

periferiche, hanno consentito lo sviluppo 

di interi quartieri moderni, 

ampli e utilizzabili secondo criteri 

urbanistici coerenti; d’altra parte 

proprio l’applicazione dei nuovi progetti 

urbanistici ha consentito 

a Milano l’utilizzo organico di varie 

zone della città. Questa situazione 

e l’entusiasmo dei committenti, 

per quello che nel linguaggio 

elegante veniva definito “stile 

floreale”, incentivò dunque il rapido 

16 

“Il Liberty a Milano” 

In occasione del centesimo anniversario 

dell’inaugurazione di Palazzo Castiglioni 

la Provincia di Milano ha promosso la mostra 

curata da Rossana Bossaglia e Valerio Terraroli

nella pagina a fronte: 

Angelo Cattaneo e Giacomo Santamaria, 

Ex Corso Hotel, 1902-1905. 

In questa pagina, dall’alto e da sinistra: 

Sebastiano Locati e Orsino Bongi, 

Acquario Civico, particolare 

con le decorazioni ceramiche, 1906; 

Giuseppe Sommaruga, 

Palazzo Castiglioni, particolare 

delle finestre tonde, 1903; 

Giovan Battista Bossi, 

Casa Galimberti, 1902-1905; 

Giuseppe Sommaruga, 

Palazzo Castiglioni, scalone d’onore, 1903. 

erigersi di una serie di edifici che 

sarebbe inesatto e ingiusto definire 

omogenei, vista la vivace varietà 

delle soluzioni, ma certo improntati 

al medesimo gusto; nel giro di pochi 

anni -più o meno dal 1903 al 1911- 

i quartieri liberty di Milano erano 

completati. Le zone con una forte 

concentrazione di edifici liberty 

sono due: quella delimitata da Corso 

Venezia e Corso Monforte e quella 

a ridosso dell’attuale Stazione Nord, 

a fianco del Parco Sempione. 

Il simbolo della prima è appunto 

Palazzo Castiglioni, l’unico ad essere 

situato proprio in Corso Venezia: 

Sommaruga aveva già compiuto 

altri interventi nella zona e in seguito 

avrebbe ancora operato a Milano, 

anche se purtroppo numerosi degli 

edifici da lui progettati sarebbero 

stati modificati o demoliti. 

Di Sommaruga rimane, oltre che 

una serie di piccole case d’abitazione, 

nell’attuale zona Fiera la Villa 

17

Faccanoni, poi Clinica Columbus, 

dove sono state trasferite le due 

sculture di Bazzaro provenienti 

da Palazzo Castiglioni (purtroppo, 

ultimamente, in stato di degrado). 

La zona di cui si sta trattando è ricca 

di belle testimonianze del nuovo stile, 

rappresentate da architetti di raffinata 

cultura. Si pensi agli interventi 

di Giulio Ulisse Arata, di Gaetano 

Moretti e, in Via Bellini, alla 

incantevole casa Campanini, che pare 

18 

una edizione, meno altisonante, dello 

stesso Palazzo Castiglioni. 

Una delle vie del quartiere, 

via Pisacane, allinea una sequenza 

di edifici di variata fisionomia liberty, 

realizzati dalla medesima ditta, 

ciascuno opera di un architetto 

diverso, che sembrano costituire 

una sorta di repertorio sulla varietà 

di soluzioni espressive con cui 

può manifestarsi il nuovo stile. 

Il quartiere della zona Magenta- 

In questa pagina: 

Carlo Zen, scrittoio, 1902, 

Galleria Robertaebasta, Milano. 

nella pagina a fronte, dall’alto: 

Gaetano Previati, “Il carro del Sole”, 

particolare dal dipinto 

“Trittico del Sole”, 1907; 

Giorgio Spertini, 

vaso in terraglia forte verde, 1903, 

Collezione Antonello, Milano.

Ringraziamo Skira Editore 

di Milano per la gentile concessione 

delle immagini tratte dal volume 

“Il Liberty a Milano” 

(a cura di Rossana Bossaglia 

e Valerio Terraroli). 

Sempione annovera un minor numero 

di edifici vistosi, 

caratterizzandosi per quel tono 

elegante e schivo che intende 

rappresentare il gusto della 

borghesia medio-alta; comunque 

la varietà degli architetti che vi hanno 

agito dimostra l’interesse e l’impegno 

dei committenti e le loro curiosità 

culturali. Milano non esaurisce 

la sua impronta liberty nell’edilizia 

privata che abbiamo ricordato. 

Ci sono alcuni edifici in centro, 

come quello della piazza dedicata 

appunto al Liberty, di particolare 

impegno progettuale e fisionomico. 

Così le sedi dei luoghi d’incontro 

per il moderno pubblico colto, 

per esempio quella del Circolo 

Filologico o il teatro Filodrammatici, 

e gli interventi nel mondo 

industriale, in particolare dovuti 

all’architetto Mazzocchi. Non si 

dimentichi che le grandi esposizioni 

internazionali e, per quanto concerne 

Milano, quella del 1906, lasciarono 

spesso una traccia duratura, essendosene 

poi conservati alcuni padiglioni: 

a Milano, il bell’Acquario ancora 

attivo nel Parco Sempione. 

Nel trattare il Liberty a Milano 

si è poi, nella presente occasione, 

allargato lo sguardo al territorio 

della provincia, dove si erano via 

via individuati edifici di questo stile 

sia nell’edilizia per abitazione, 

sia in quella industriale. La sequenza 

più omogenea, sia per la fisionomia 

stilistica, sia per l’ubicazione, 

è costituita dalla serie di villette, 

o comunque case private, sorte a 

Monza nel periodo; il gusto floreale 

che domina gli apparati decorativi 

è ispirato nella massima parte al tema 

della margherita, evidente omaggio 

19

20 

In questa pagina, dall’alto: 

Adolfo Wildt, 

“L’idiota”, 1903 ca, Fondazione 

Il Vittoriale, Gardone Riviera; 

Leonardo Bistolfi, 

“Il sogno”, tomba Cairati Vogt, 1900. 


Giovanni Beltrami, 

“Trittico dei fiori rossi”, 1910 ca, Milano, 

Collezione Studio Laura Morandotti. 

alla regina. Ma a conclusione 

dell’argomento è fondamentale 

riprendere il discorso sul grande 

architetto Sommaruga che ha lasciato 

in Lombardia, anche se non 

nel contesto geografico milanese, 

il suo capolavoro: sul Sacro Monte 

di Varese l’hotel Campo dei Fiori, 

insieme sontuoso e gradevole, 

monumentale e accogliente. 

Con qualche brivido, ricordo 

che non molti anni fa l’edificio 

era in decadenza e correva il rischio 

di andare in rovina per il disinteresse 

delle istituzioni responsabili. 

Ora, speriamo, la battaglia è vinta. 

La mostra allo Spazio Oberdan è stata 

dedicata agli artisti operosi a Milano 

e nel territorio, di esplicita cultura 

simbolista e liberty, e presenta 

più di cento di oggetti: dalla grafica 

alle vetrate, dalle ceramiche agli 

arredi, dai dipinti alla scultura, dai 

ferri artistici ai disegni architettonici. 

È la testimonianza della straordinaria 

creatività di Milano tra gli ultimi anni 

dell’800 e i primi dieci anni del ’900, 

avendo come fulcro simbolico 

il 1903 di Palazzo Castiglioni. 

Tra gli artisti figurano: Alessandro 

Mazzucotelli (ferri battuti); Gaetano 

Previati e Giovanni Segantini (pittura); 

Ernesto Bazzaro, Domenico Ghidoni, 

Eugenio Pellini e Leonardo Bistolfi 

(scultura); Ernesto Quarti, Carlo Zen, 

Carlo Bugatti e Ugo Ceruti (arredi); 

Giovanni Beltrami e Giovanni Buffa 

(vetrate). Inoltre compaiono 

ceramiche della Società Ceramica 

Italiana di Laveno; gioielli della Ditta 

Cusi, manifesti di Hohenstein, 

Metlicovitz, Dudovich, Beltrami, 

progetti architettonici, disegni 

esecutivi e fotografie d’epoca della 

Milano d’inizio secolo dominata 

dalla figura di Giuseppe Sommaruga.

In questa pagina, da sinistra: 

Adolf Hohenstein, 1902, 

manifesto per Calderoni Gioielliere, 

Civica Raccolta Bertarelli, 

Castello Sforzesco, Milano; 

Marcello Dudovich, 1904, 

manifesto per Bitter Campari, 


Castello Sforzesco, Milano. 

As Art nouveau -or Liberty 

as it is known in Italy- is the image 

of the new mercantile bourgeoisie 

that emerged at the end of the 19th 

century, it was obvious that, 

as far as architecture was concerned, 

it encouraged the construction 

of modern residential quarters that 

were peripheral with respect 

to the historical centre but conceived 

in such a way as to allow fast 

connections with the city centre. 

This premise applies not only to Milan 

or, more in general, to Italy, but what 

22 

can be said is that the location 

of the city -it’s large spaces 

and its environmental features- 

has allowed for the construction 

of brand new modern quarters and for 

the application of new urban layouts 

in various areas of the city. 

These characteristics as well as the 

enthusiasm of the clients for the “flower 

style” stimulated the rapid construction 

of a series of buildings that 

accommodated a lively variety 

of solutions that, nevertheless, shared 

a common taste. The Art nouveau 

nella pagina a fronte, dall’alto e da sinistra: 

manifesto padiglione Fratelli Branca, 1906, 

Esposizione Internazionale di Milano, 



Leopoldo Metlicovitz, 1906, 

Esposizione Internazionale in occasione 

dell’inaugurazione del Sempione, 



Adolf Hohenstein, 1894, 

manifesto per la Cloisonné Artistic Glass, 


Castello Sforzesco, Milano. 

quarters of Milan were built 

between 1903 and 1911. 

Two stand above all others, the one 

enclosed by Corso Venezia and Corso 

Monforte and the one near Stazione 

nord, alongside Parco Sempione. 

The symbol of the first quarter 

is Palazzo Castiglioni, the only building 

that is located on Corso Venezia. 

Apart from this edifice, other 

constructions by architect Giuseppe 

Sommaruga include, besides a number 

of houses, Villa Faccanoni at the Fair. 

Successively transformed into

the Columbus Clinic, the villa hosts 

the two sculptures by Ernesto Bazzaro 

that were previously kept 

at Palazzo Castiglioni. 

There is in this area a wide 

representation of the new style: 

buildings by Arata and Moretti and, 

in Via Bellini, Campanini House. 

Via Pisacane also hosts a number 

of Art nouveau made by the same firm 

but by different architects, providing 

a sort of repertory of the wealth 

of solutions offered by the new style. 

The quarter located in the Magenta- 

Sempione area, though offering 

a fewer number of conspicuously 

Art nouveau buildings stands out for 

its middle-high bourgeoisie character. 

In Milan the modernist touch can 

be seen in other buildings in the centre, 

such as the one on the piazza dedicated 

to the Liberty style and those where 

the intellectual classes met, namely 

the Philologists’ Club and the Teatro 

Filodrammatici. 

Other significant buildings are those 

that served industrial interests, such 

as those by the architect Mazzocchi. 

In other instances, the big International 

Expos left a permanent trace, 

such as the 1906 exhibition which 

left the Aquarium that continues to be 

operative to this day at Parco Sempione. 

At the same time residential buildings 

for both the housing and manufacturing 

sectors were being made 

in the provinces: the most typical 

are the small villas in Monza. 

It is but right to conclude by mentioning 

Sommaruga’s masterpiece on the Sacro 

Monte of Varese, the Campo dei Fiori 

hotel, which is at the same time 

monumental but cosy. 

The exhibition at Spazio Oberdan 

has been dedicated to the artists who 

worked in Milan and surrounds and 

can be defined as belonging to the 

symbolist and Liberty fold; on show are 

objects ranging from graphics to glass 

panes, from ceramics to furniture pieces, 

from paintings to sculptures, from 

wrought iron to architectural designs. 

The exhibition provides an overview 

of the creativity of Milan in the last 

years of the 19th and the beginning 

of the 20th centuries and includes 

a fine selection of the works 

by the period’s most talented artists. 

23

MOSTRE 

di Roberto Rizzi 

Sviluppata a partire dal primitivo 

intreccio di foglie o rami, la tessitura 

viene perfezionata, anche in relazione 

alle prime produzioni di filati, dalla 

messa a punto del telaio, strumento 

che permette la razionalizzazione della 

semplice operazione di far passare 

alternativamente, sopra e sotto, un filo 

(trama) ad ogni singolo filo di una 

serie preventivamente preparata 

(ordito). Tela è il nome di questa 

particolare struttura (armatura) del 

tessuto: 

la più semplice, che dà il tessuto più 

compatto, morbido e sottile perché i 

fili della trama e dell'ordito sono tenuti 

il più vicino possibile. Questa semplice 

tecnica produttiva viene utilizzata dalla 

tessitura Bronzini sin dalla nascita, 

avvenuta all’inizio degli anni ’30 per 

iniziativa di Gegia da subito affiancata 

dalla figlia Marisa, a contatto 

con la tradizione esecutiva rurale 

della campagna veneta, rapidamente 

sviluppatasi in organizzata struttura 

produttiva (comprendente la 

coltivazione, la filatura, la realizzazione 

di tessuti, la loro confezione e vendita), 

animata da un ideale di promozione 

del lavoro artigianale, soprattutto 

femminile. Con questa tecnica 

e il medesimo spirito produttivo, 

la tessitura Bronzini ha saputo 

sviluppare (nell’originario laboratorio 

di Marocco di Mestre e poi, dal 1946, 

in quello di Cantù) una pluralità 

di ricerche e sperimentazioni fondate 

sulla metodica e paziente ricerca 

dei filati da tessere e sull’esaltazione 

dell’abilità esecutiva, con creazioni 

di grande qualità cromatica 

e compositiva. I primi esperimenti 

(intorno alla metà degli anni ’30) sono 

sollecitati dal sostegno dato ai prodotti 

autarchici e portano all’utilizzo di filati 

28 

Gegia e Marisa Bronzini 

Alla Galleria del Design e dell’Arredamento di Cantù 

una mostra dedicata a due sperimentatrici 

il cui lavoro di tessitura dagli anni Trenta ad oggi 

ha contribuito alla crescita di questa antica arte 

di ginestra, canapa, ortica, ma anche 

di cotone, lino e seta filati a mano 

e di cartocci di granoturco 

con cui vengono realizzate tappezzerie 

dalle straordinarie sfumature dorate, 

impreziosite dall’innesto di piccoli 

ritagli di semplice cellophane 

colorato. I filati naturali, e poi 

la viscosa, vengono utilizzati per 

la realizzazione di grandi pannelli, 

concepiti come opere uniche tessute 

con la tecnica dello “spolinato 

primitivo”, da sempre utilizzata, 

ad esempio, nella realizzazione degli 

arazzi. Essa consiste nel far passare 

a mano e per brevi tratti, anziché con 

il più veloce movimento della navetta 

che attraversa tutto il tessuto 

da cimosa a cimosa, i differenti fili 

di trama, di diversi colori in funzione 

del particolare disegno da realizzare. 

In pratica l’operatore utilizza 

contemporaneamente diverse spole 

di differenti colori con le quali 

realizza i settori di diverso colore 

in ogni linea di trama, determinando, 

cosa impossibile con lavorazioni 

meccanizzate, un disegno 

perfettamente identico sulle due facce 

del tessuto. I temi decorativi realizzati 

con questa tecnica, potenzialmente 

infiniti, vanno dalle semplici rigature 

disposte nella direzione dell’ordito o 

in diagonale a più complessi disegni, 

sempre basati su geometrie astratte 

comprendenti linee incrociate, 

spezzate, curve, quadrettature. 

A fianco di queste realizzazioni 

si sperimenta l’utilizzo di materiali 

normalmente non impiegati nella 

tessitura, come il rame e la pelle. 

Le prime sperimentazioni per l’uso 

del rame risalgono al 1986, con la 

ricerca di un filo che avesse sufficiente 

resistenza e flessibilità per essere 

tessuto e non avesse problemi di 

ossidazione. Con esso sono realizzati 

tessuti su ordito di cotone con 

rese cromatiche differenti a seconda 

del colore del cotone di ordito, 

del colore del rame (naturale, 

rosa o stagnato), dell’eventuale

nella pagina a fronte, da sinistra: 

Gegia Bronzini 

(Milano 1894 - Venezia 1976); 

Marisa Bronzini 

(Montenero 1920). 


il primo negozio, 

Procuratorie Vecchie, Venezia, 1937; 

“Libellule”, tenda, inizio anni ’40. 

filato, aggiunto in trama al rame. 

Questo tessuto esalta le caratteristiche 

di riflessione della luce proprie 

del rame e ne conserva la malleabilità 

rendendo possibile una sua 

modellazione volumetrica. La pelle 

viene ritagliata con un andamento 

a spirale in modo da ottenere strisce 

sottili e lunghe, così da ridurre 

le giunture e facilitare la tessitura; 

questo nastrino viene tessuto insieme 

alla lana, al cotone, alla ciniglia, 

29

Dall’alto: 

“Canne al vento”, 1965; 

“Tessuto 40”, 1952; 

telai nel laboratorio di Cantù e Carimate. 

30 

ma la variante che avrà più diffusione 

è quella con ordito e trama in pelle. 

Analoghe le modalità con le quali 

vengono utilizzate differenti tipologie 

di strisce di tessuto, come fettucce, 

nastri, trecce, stringhe; fra queste 

particolarmente significativo l’uso 

di un nastrino di cotone ottenuto 

tagliando a strisce un tessuto realizzato 

precedentemente, la cui variante 

più interessante, dal vivace effetto 

multicolore, viene sviluppata a partire 

da un prototipo realizzato da Marisa 

Bronzini colorando a pennarello 

un nastro bianco. Importanti i rapporti 

con il più vasto settore produttivo 

del mobile e dell’arredamento, da cui 

scaturiscono numerose collaborazioni 

con aziende e progettisti, per realizzare 

tessuti per rivestimenti o tendaggi, 

stuoie, copriletto e tovaglie. Mentre 

alla scala del singolo elemento d’arredo 

una progettazione coordinata rende 

dialoganti il volume dell’imbottito 

con il tessuto di rivestimento 

e i suoi decori, alla scala dello spazio 

emergono i temi di coordinamento, fra 

i diversi tessuti presenti, e del comfort 

tattile e, attraverso la graduazione 

della luce naturale per mezzo dei 

tendaggi, visivo. È questo un campo 

in cui la tessitura Bronzini continua 

a mettere a frutto le caratteristiche 

proprie della tessitura a mano, in grado 

di adattarsi facilmente, con sensibilità 

e delicatezza, a qualsiasi necessità 

dimensionale, materica, cromatica. 

Gegia Bronzini (1894 Milano, 1976 

Venezia) e Marisa Bronzini (1920 

Montenero LI) cominciano, insieme, 

a praticare la tessitura nel 1932, 

a Marocco di Mestre, dopo averne 

appreso la tecnica da una contadina, 

dipendente della tenuta agricola 

di Villa Papadopoli, di cui il marito 

di Gegia è direttore. Gegia avvia 

una scuola di tessitura, cui affianca 

la coltivazione e filatura di fibre naturali 

così da controllare l’intero ciclo 

produttivo dei tessuti. Del 1936 

è la prima importante mostra 

alla Loggetta del Sansovino a Venezia, 

cui ne seguono numerose altre, 

sia in manifestazioni di settore 

che in quelle dedicate più in generale 

alle arti applicate, fra cui le Triennali, 

dalla VI (1936) sino alla XV (1973), 

nelle quali ricevono diversi premi 

(come le segnalazioni al Premio 

Compasso d’Oro). Marisa, dopo 

gli studi magistrali, affina la propria 

sensibilità artistica sotto la guida 

dello zio Mario Broggi, pittore 

e frequentatore del cenacolo artistico 

di Burano. Dopo un breve passaggio 

a Carpendo, nel 1946 si stabiliscono 

a Cantù, dove fondano l’ancora attiva 

tessitura a mano Gegia Bronzini, svi-

luppando soprattutto la ricerca per i tessuti 

d’arredamento. Dopo il negozio di Venezia (1936), 

aprono, a Cortina e a Milano, negozi che interrompono 

l’attività alla fine degli anni settanta, anni a 

partire dai quali Marisa sviluppa originali ricerche 

sull’uso di particolari filati (rame, pelle, tessuto ritessuto), 

a fianco di poetiche creazioni tessili (la serie 

intitolata Filo) nelle quali vengono spesso incorporati 

frammenti di elementi naturali. 

Dall’alto e da sinistra: 

nastrino multicolore in cotone; 

tappezzeria, ordito in refe di canapa, 

trama in cartocci di granoturco, 1930; 

“Tessuto 3” (seta, cotone, 

viscosa su telaio a due licci), 1958. 

31

Dall’alto: 

tessuto in nastrino di nappa, 1979; 

tenda in pelle, 1979; 

“Geometria libera”, 

stuoia in cotone, ciniglia, rame, 1999. 

In constant evolution since the first 

primitive interlacing of leaves or branches, 

weaving is still being perfected with respect 

to early yarn production and the fine 

tuning of the loom. The canvas -a special 

structure (weave) used in textiles which 

makes them more compact, softer and finer 

because the threads of the warp and weft 

are held as close together as possible- is the 

simple technique which has been used by 

the textile company Bronzini since it was 

first established, at the start of the 1930s, 

by Gegia, who was joined right from the 

start by his daughter Marisa, in contact 

with the rural tradition of the Venetian 

countryside, rapidly organizing themselves 

into a production entity. Likewise the 

weaving of Bronzini has evolved in a 

variety of areas, the first experiments of 

which were called for to support the home 

products range 

and have lead to the use of yarns spun from 

broom, hemp, and nettles, but also from 

hand-spun cotton, wool and silk, and 

from the use of corn husks in the creation 

of tapestries. The natural yarns, as well 

as viscose, are used to create large panels, 

conceived as one-off pieces woven with 

the “primitive spolinato” technique which 

has been used since the beginnings of time 

in tapestry creation. The decorative themes 

that can be created with this technique 

go from simple stripes in the direction 

of the warp or in diagonal, to more 

complex designs, always based on abstract 

geometry. Alongside these creations they 

also experiment with the use of unusual 

materials such as copper and leather: since 

1986 they have been creating textiles based 

on a cotton warp with chromatic effects 

that differ according to the colour of the 

warp, woven from copper (natural, pink or 

plated) and according to the yarn which is 

then chosen for the weft against the copper 

warp. This weave exalts the lightreflecting 

properties of the copper and 

32 

retains its malleability enabling it to be 

volumetrically modelled. Leather is cut in a 

spiral pattern in order to obtain long, thin 

strips, 

in this way reducing the joins and making 

it easier to weave; this ribbon is then woven 

together with wool, cotton and chenille, but 

the most commonly used combination is with 

both weft and warp in leather. Different 

typologies of strips of cloth are used in the 

same way. Relationships with manufacturers 

and designers in the furniture and interior 

decoration world are very important in the 

realization of new textiles for curtains 

and draperies or upholstery, rugs, tablecloths 

and bedspreads. This is the area in which 

Bronzini continues to make the most of 

the unique characteristics of hand-weaving. 

Gegia Bronzini (1894 Milan, 1976 Venice) 

and Marisa Bronzini (1920 Montenero-LI) 

1920 started weaving together in 1932, 

in Marocco (MS), after having learned the 

techniques from a peasant-woman. Gegia 

started up a weaving school which he ran 

alongside the cultivation and spinning of 

natural fibres in order to control the entire 

production cycle of his textiles. 

In 1936 came the first important exhibition 

of Bronzini’s work at the Sansovino 

Loggetta in Venice, followed by numerous 

others (among them the Triennial 

from the 6th in 1936, through the 15th 

in 1973), at which they received several 

awards. After a brief stay in Carpendo, 

they established themselves in Cantù where 

they founded the hand-weaving textile 

house Gegia Bronzini that is still active 

today, specialising above all in furnishing 

textiles. The first shop opened in Venice 

in 1936, followed by shops in Cortina and 

Milan, which ceased trading at the end 

of the 1970s, after which Marisa started 

experimenting with the use of unusual 

yarns and the creation of poetic textiles 

in which she often incorporated fragments 

of natural materials (such as stone).

MOSTRE 

di Isabella Taddeo 

A cinquant’anni dalla fondazione, 

Alea è un’azienda ormai affermata 

nella camiceria maschile, anche 

attraverso la sua costante presenza 

a Pitti Uomo. La ricerca è il punto 

di forza della società che ha portato 

33 

Camicia d’Autore 

Una raccolta di camicie decorate da diversi artisti 

a sostegno degli “Amici della Fondazione Floriani” 

alla creazione di diverse linee 

caratterizzate da materiali 

e soluzioni sartoriali innovative: 

Collezione Privata-Liberi di Scegliere, 

Linea Oro, Linea Classica. Oggi 

la camicia Alea si caratterizza 

con l’immagine “Camicia d’Autore” 

attraverso una serie di eventi 

arricchiti dall’intensa collaborazione 

con il mondo dell’arte e della cultura. 

L’attuale evento “Camicia d’Autore 

2003”, progettato da Lamberto 

Correggiari, coniuga l’Arte 

con la Moda per uno scopo sociale: 

raccogliere fondi per gli “Amici della 

Fondazione Floriani”, associazione 

che si occupa, da oltre vent’anni, 

dell’assistenza gratuita dei malati 

terminali, in collaborazione 

con la Lega Italiana per la Lotta 

contro i tumori. Sessanta artisti 

di fama nazionale ed internazionale 

(è doveroso citarli: Annabel, Adler, 

Vittorio Avella, Renata Boero, 

Anna Boschi, Giancarlo Bulli, 

Marcovinicio Carrelli, Mirta Carroli, 

Angelo Casciello, Alberto Casiraghi, 

Ezio Cella, Mariavera Chiari, 

Fiormario Cilvini, Lamberto 

Correggiari, Riccardo Dalisi, Sergio 

d’Angelo, Lucio Del Pezzo, Guido 

de Zan, Fernanda Fedi, Alessandra 

Ferron, Candida Ferrari, Enzo 

Forese, Francesca Friso, Gianni 

Gangai, Gino Gini, Alessandro 

Guerriero, Emilio Isgrò, Ugo La 

Pietra, Luca Lerici, 

Corrado Levi, Massimo Lippi, 

Pietro Lista, Ruggero Maggi, Silvio 

Manzotti, Lino Marzulli, Alessandro 

Mendini, Ignazio Moncada, 

Emanuele Napoli, Caludio Olivieri, 

Oki Izumi, Stanislao Pacus, Stefano 

Pizzi, Felix Policastro, Annamaria 

Pugliese, Renata Ramazzi, Cosimo 

Di Leo Ricotto, Gaetano Ricci, 

Raffele Romano, Mirella Saluzzo, 

Luca Scacchetti, Turi Simeti, 

Vittorio Sironi, Anna Spagna, Pippo 

Spinoccia, Tino Stefanoni, Michele 

Tamaso, Togo, Valentino Vago,

nella pagina di apertura: 

opera di Alessandro Guerriero. 

nella seconda pagina, a sinistra, dall’alto: 

opere di Valentino Vago 

e Claudio Oliveri. 

nella seconda pagina, a destra, dall’alto: 

opere di Ugo La Pietra e Corrado Levi. 

In questa pagina, da sinistra: 

opere di Stefano Pizzi 

e Lamberto Correggiari. 

Grazia Varisco, Marco Viggi, 

Guido Villa) hanno dato il loro 

contributo interpretando una 

camicia in terracotta bianca, 

creando originali ed esclusivi pezzi 

da collezione, 

vere e proprie opere d’arte 

che si sono potute ammirare presso 

“Il Ponte” Casa d’Aste - Palazzo 

Crivelli (via Pontaccio 12 - 

Milano), successivamente vendute. 

Il ricavato dell’asta benefica 

è stato di 30.000 euro, interamente 

devoluto all’Associazione 

“Amici della Fondazione Floriani”. 

34 

Alea is a renowned firm in the 

shirting industry thanks also to its 

constant presence at Pitti Uomo. A 

consolidated feature of Alea is the focus 

on research, thanks to which the 

following lines have been developed: 

Collezione Privata-Liberi di Scegliere, 

Linea Oro, Linea Classica. Currently 

Alea’s image hinges on the “designer 

shirt”, presented at events that bring 

together the world of art and culture. 

The recent exhibition “Camicia 

d’Autore 2003”, organised by 

Lamberto Correggiari, combined art 

and fashion to raise funds for Amici 

della Fondazione Floriani, a 

foundation that provides care for the 

terminally ill, in cooperation with 

Lega Italiana per la Lotta contro i 

tumori, the Italian cancer association. 

Sixty famous artists (Annabel, Adler, 

Avella, Boero, Boschi, Bulli, Carrelli, 

Carroli, Casciello, Casiraghi, Cella, 

Chiari, Cilvini, Correggiari, Dalisi, 

D’Angelo, Del Pezzo, De Zan, Fedi, 

Ferron, Ferrari, Forese, Friso, 

Gangai, Gini, Guerriero, Isgrò, La 

Pietra, Lerici, Levi, Lippi, Lista, 

Maggi, Manzotti, Marzulli, Mendini, 

Moncada, napoli, Olivieri, Izumi, 

Pacus, Pizzi, Policastro, Pugliese, 

Ramazzi, Di Leo Ricotto, Ricci, 

Romano, Saluzzo, Scacchetti, Simeti, 

Sironi, Spagna, Spinoccia, Stefanoni, 

Tamaso, Togo, Vago, Varisco, Viggi, 

Villa) have given their contribution by 

creating a shirt in white terracotta. 

These exclusive collector’s items were 

exhibited at the “Il Ponte” auction 

house of Palazzo Crivelli and 

successively sold for eur. 30,000, 

a sum that was entirely devolved to 

“Amici della Fondazione Floriani”.

ARTE SACRA 

di Armando Marrocco 

È trascorso più di mezzo secolo 

da quando, nel Salento, 

iniziai a trasformare la materia 

grezza in opere di ornato: marmo, 

pietra leccese, legno, mosaico. 

A Galatina, mia città natale, 

nella bottega di un maestro 

scalpellino ho appreso quelle norme 

che ancora oggi mi aiutano 

a risolvere i molteplici problemi 

che emergono nella scultura, 

nella pittura, nell’affresco. 

Alla mia origine formativa, 

di matrice artigianale, seguirono 

gli studi artistici alternati al lavoro. 

Nei primi anni Sessanta, 

su suggerimento di Lucio Fontana, 

che conobbi nell’anno 1959, 

lasciai l’insegnamento presso 

l’Istituto d’Arte di Lecce 

e mi trasferii a Milano, dove ebbi 

la possibilità di approcciarmi anche 

ad esperienze di architettura, 

ingegneria e urbanistica. 

Erano gli anni della sperimentazione, 

della ricerca, dell’entusiasmo, 

oggi ancora vivo, della cinetica, 

dell’optical, dell’arte programmata, 

della matematica. 

Nel 1966 a Milano, alla Galleria 

Rizzatto-Whitworth, ora Galleria 

Diagramma, presentai una personale 

dal titolo “Gli spazi multipli 

di Marrocco”, opere concepite 

sul sottile rapporto arte-scienza, 

realizzate con oggetti trasparenti 

e arte elettronica, sculture in acciaio 

speculare: strutture pulite, nitide, 

terse, volumetricamente perfette 

nella geometria degli elementi. 

Opere d’arte di alto artigianato. 

In questo linguaggio seguirono 

altre esposizioni, saggi critici, 

premi notevoli come il “Silvestro 

36 

Genesi di un’opera 

Un’esperienza sacro-spirituale 

raccontata da un artista scultore 

attraverso le varie correnti artistiche 

degli ultimi quarant’anni


“Cristo luce del mondo”, 

porta bronzea della cattedrale di Lecce, 

bronzo, vetro colorato, 2000. 


Armando Marrocco 

con la testata del portale della cattedrale; 

tre diverse immagini della copertura 

bronzea dell’antico fonte battesimale 

della cattedrale di Acerenza, 2002. 

Lega” del 1967. Mi venne offerto 

e accettai l’incarico di Art Director 

di un’impresa che progettava 

e produceva oggetti di 

complemento per la casa, sempre 

presente da una fiera all’altra. 

Ebbi un rigetto negli anni Settanta. 

Successivamente iniziai ad 

avvicinarmi anche all’arte sacra. 

E’ stato un lento e riflessivo 

approccio con lo spirituale, un 

percorso che mi ha portato a 

realizzare opere che credevo parte 

solo della mia giovinezza, maturate 

dall’esperienza di vita. 

L’arte sacra mi ha dato 

l’opportunità di confrontarmi con 

la storia, con la tradizione italiana 

senza trascurare la possibilità di 

innovazione che il nostro tempo 

esige. L’opera sacra di 

committenza, stabilita nei temi e 

nell’ambiente, ha sempre rapporti 

con i secoli precedenti ed è dunque 

difficile infiggere un piccolo graffio 

alla cultura. Diverso è quando si è 

37

Dall’alto: 

Armando Marrocco, presso il laboratorio 

di Felice Bertozzi a Pientrasanta, 

con le sedie e gli scanni 

per il presbiterio della chiesa 

di S. Antonio al Fulgenzo di Lecce; 

altare e sedie di marmo nella chiesa 

di S. Antonio al Fulgenzo. 

artisticamente liberi di realizzare 

opere sacre per proprio conto nel 

proprio studio: nasce “l’opera” 

autonoma di espressione in quanto 

libera da qualsiasi costrizione 

ambientale. A volte la realtà è 

tiranna, l’opera d’arte viene 

collocata in luoghi poco adatti: 

cambia l’ambiente e cambia la 

visione dell’insieme pensato. 

L’architettura e l’ambiente sono 

determinanti per tessere un dialogo, 

un rapporto arcano. Perché l’opera 

d’arte è questo. Nella realizzazione 

dell’opera d’arte sono necessari 

mestiere, esperienza, vocazione, 

memoria visiva, conoscenza della 

38 

propria coscienza, confronto con la 

propria storia personale e con 

l’ambiente, approccio con il 

trascendente. Nella mia esperienza 

di scultore il contatto con il 

mistero che circonda il creato è 

quotidiano. L’opera è nell’aria 

pregna di onde-pensiero, di suoni, 

di eventi. L’aria stessa è materia da 

trasformare in opera, lo spazio è 

materia, le distanze sono materia. 

L’universo è materia: venti solari, 

polvere cosmica, reversibili alla 

trascendenza che ci unisce al 

Sommo Creatore che ci ha donato 

passione creativa di idee e memoria. 

Tutto è utile per avere il coraggio di 

vivere al livello dei propri sogni. 

Alcuni miei sogni sono diventati 

realtà. Ho realizzato porte bronzee 

per cattedrali, altari, amboni, 

cappelle, vetrate, fontane, 

battisteri... Non si rimane 

indifferenti a tali committenze che 

chiamano in causa la propria storia 

personale, il proprio linguaggio, il 

proprio operare moltiplicando i 

punti di vista dell’osservatore e 

creano un continuo alternarsi di 

emozioni. Nella mia esperienza 

artistica ho imparato ad imparare 

che l’arte è sempre sacra in ogni 

sua espressione, perché nasce e 

prende forma da me-uomo.

Dall’alto: 

Armando Marrocco 

scolpisce la base dell’altare 

della chiesa di S. Antonio al Fulgenzo; 

ambone della medesima chiesa, 

2001/2002. 

More than half a century ago, 

in Salento, I began transforming 

raw material into ornate works of art: 

marble, Lecce stone, wood, mosaic. 

In Galatina, the city where I was born, 

I learnt the basic skills in the workshop 

of a master stone mason. After this 

I studied art and at the start of the 

1960s, on the advice of Lucio Fontana, 

I left formal education and transferred 

to Milan where I had the chance to take 

an interest in architecture, engineering 

and town planning. In 1966 at the 

Rizzatto-Whitworth Gallery, I put on 

a one-man show entitled “The multiple 

spaces of Marrocco”, a work conceived 

based on the close relationship 

between art and science, executed using 

transparent objects and electronic art 

and mirrored steel sculptures. After this 

came other exhibitions in the same vein, 

critical acclaim and awards. I accepted 

the position of Art Director in 

a company that designed and produced 

complementary objects for the home. 

We parted company in the 1970s. 

After this I became interested in sacred 

art, a slow and reflexive encounter with 

the spiritual that brought me to create 

works I believed belonged only to my 

youth, matured by experience. Sacred 

art allowed me to confront tradition 

without neglecting the innovation 

required in our time. The creation 

of such works requires skill, experience, 

vocation, visual memory, consciousness, 

confrontation with ones own personal 

history and the environment, awareness 

of the transcendent. In my experience 

as sculptor, contact with the mysteries 

of creation happens on a daily basis. 

Everything comes in useful to give 

one the courage to live at the level 

of one’s own dreams. I have created 

bronze doors for cathedrals, altars, 

ambones, chapels, stained-glass windows, 

fountains and baptisteries; 

it is impossible to remain indifferent 

to those clients who involve you 

in their own personal history, their own 

language, their own operation and who 

create a continuous alternation 

of emotions. With the passage of time 

I have learnt that art is always sacred 

however it is expressed, because it is 

born of and takes the form of me-man. 

39

DIDATTICA 

di Davide Viganò 

Il nuovo Dipartimento di 

Progettazione Artistica per l’Impresa 

che, coordinato da Ugo La Pietra, 

è ormai attivo da tre anni, 

ha dimostrato, attraverso una serie 

di materie, laboratori e metodi 

didattici, la possibilità di riportare 

all’interno dei corsi universitari 

quell’area che si colloca tra l’arte 

e il disegno industriale. Fortemente 

connotato dalla presenza di 

La Pietra, che ha sempre coltivato 

un rapporto intenso con il mondo 

dell’arte ma anche dell’artigianato 

artistico e del design, questo 

dipartimento si colloca tra i nuovi 

corsi di Laurea dell’Accademia, allo 

scopo di coprire un vuoto culturale. 

Un vuoto lasciato dalla nostra cultura 

ufficiale che ha guardato con troppa 

attenzione al disegno industriale, 

dimenticando quel territorio, 

coltivato in altre aree geografiche 

(Europa del Nord, Stati Uniti 

e Giappone), che come molti 

ricordano ha fortemente connotato 

le nostre Triennali di Milano 

fino agli anni Cinquanta. Il corso, 

in questi anni, ha dato agli studenti 

l’occasione di approfondire materie 

di storia (storia dell’arte e storia 

delle arti applicate e del disegno 

industriale), di carattere teorico 

(logica d’impresa, risorse 

del territorio), di tecnica (tecniche 

e materiali) ma anche veri e propri 

laboratori progettuali. Il laboratorio 

di Ugo La Pietra ha visto impegnati 

gli studenti ad affrontare temi che 

vanno da una collezione di ceramiche 

ispirate a quelle storiche 

del territorio di Ariano Irpino (ora 

realizzate ed esposte in permanenza 

nel Museo di quella cittadina) 

ai progetti di lettura e rivisitazione 

44 

Progettazione artistica 

Un nuovo corso di Laurea 

presso l’Accademia di Belle Arti di Brera 

rinnova l’interesse per le Arti Applicate 

ambientale nella città di Milano, 

“La modifica dell’ambiente”, dai 

souvenir della città di Milano a una 

serie di oggetti realizzati in feltro 

in collaborazione con il laboratorio 

della professoressa Trapassi. 

Quest’ultima, con il valido aiuto 

di Cristiana Di Nardo, ha sviluppato 

un laboratorio estremamente 

completo: dalla lavorazione 

alla realizzazione di opere in feltro. 

La capacità e la lunga esperienza


elaborazione di “campioni” di decori 

in feltro durante il laboratorio del III anno 

condotto dalla Professoressa Matilde 

Trapassi con Cristiana Di Nardo. 

didattica della Trapassi, attiva 

per molti anni nel Dipartimento 

di Decorazione, ha portato 

un gruppo di studenti del 2° e del 3° 

anno a dei risultati particolarmente 

interessanti, al punto di diventare 

il soggetto portante della presenza 

del Dipartimento presso il Salone 

del Mobile di Milano (padiglione 

dei giovani e delle scuole). Un’altra 

esperienza di laboratorio è quella 

che da ormai tre anni si rinnova 

In questa pagina e nella successiva: 

oggetti in feltro realizzati dagli studenti 

del II anno durante il laboratorio 

progettuale condotto dai professori 

Ugo La Pietra e Matilde Trapassi 

con Cristiana Di Nardo. 

attraverso il lavoro di Johnny 

Dell’Orto, titolare di una piccola 

impresa modello: “La Fabbrica 

di Dedalo”. Dell’Orto ospita 

gli studenti nel proprio laboratorio 

e così, oltre a dimostrare i metodi 

45

con cui egli, negli anni, 

ha realizzato questa impresa 

artigiana, rende partecipi gli studenti 

delle varie fasi di progettazione, 

lavorazione e commercializzazione 

dei suoi prodotti (microcittà 

realizzate in gesso colorato). 

A loro volta gli studenti elaborano 

(personalmente) oggetti in gesso, 

spesso con riferimenti a soggetti 

ambientali e architettonici. 

Sempre attraverso delle semplici 

convenzioni con i laboratori esterni, 

Andrea Simoncini conduce 

lo studente all’interno 

dell’affascinante materia del bronzo 

e dell’argento, attraverso 

la realizzazione di piccoli oggetti 

eseguiti (in fusione) in laboratorio, 

con la tecnica della cera persa. 

A questi laboratori riferiti a materiali 

specifici e alla loro capacità 

di esprimere un’idea si affianca 

il laboratorio di modellistica 

di Ave Tornaghi, che da molti anni 

porta avanti questa disciplina presso 

46 

l’ISA di Monza e che è riuscita 

(anche se ancora con pochi 

strumenti) a coinvolgere gli studenti 

in una serie di esperimenti sulla 

materia: dal cibo alla riproduzione 

(attraverso modelli in scala) di 

oggetti storici di design. 

A queste molteplici esperienze 

si aggiungono alcuni particolari 

laboratori, come quello di Nanni 

Strada, che introduce lo studente 

nel mondo della moda. 

Queste ed altre esperienze 

vengono realizzate nel triennio 

propedeutico aprendo diversi 

orizzonti al giovane studente. 

Un percorso in grado di formare 

lo studente ed accentuare 

la sua attitudine nel mondo della 

cultura del fare, senza dimenticare 

la cultura del progetto. 

Un percorso, quindi, che consente 

di dare allo studente gli strumenti 

per scegliere la specializzazione 

che, attraverso il successivo 

biennio, lo porterà alla laurea. 

The Corporate Design Department, 

coordinated by Ugo La Pietra 

has now been operating for three years 

during which it has proved, through 

a series of materials, of workshops 

and of didactic methods, that 

is it is possible to once again include 

in university courses that area 

of research that is halfway between 

art and industrial design in an attempt 

to fill a cultural void. 

The course provides students not only 

with the opportunity for an in-depth 

study on historical subjects (history 

of art, of applied arts and of industrial 

design) and on technique (technique 

and materials) and also 

organises designing workshops. 

Ugo La Pietra’s course deals with issues 

ranging from ceramics inspired 

by the historical pieces by Ariano Irpino 

to projects dealing with the urban 

redesigning of the city of Milan 

and on the crafting of a series of objects 

in felt made with the workshop 

of Prof. Matilde Trapassi (in 

cooperation with Cristiana Di nardo) 

who outlined the technique required 

for the processing of this material. 

In addition, Johnny Dell’Orto, 

owner of a small model firm, 

“La Fabbrica di Dedalo,” hosts 

the students in his workshop, showing 

them the methods that are utilised 

in his craftwork firm for the designing 

and manufacturing of works in chalk. 

Andrea Simoncini, in this case as well 

with the help of an external firm, 

takes the students on a voyage in the 

fascinating world of bronze and silver, 

showing them how to make small objects 

with the cire perdue technique. 

Alongside these workshops that deal 

with materials, there is Ave Tornaghi’s 

that specialises in model making. 

She focuses on conducting experiments 

on materials, reproducing a range of 

objects ranging from food to historical 

designer items. 

These and other experiences are offered 

in the three-year basic course, which 

provides the students with the 

background knowledge that will enable 

them to enhance their manufacturing 

and designing skills. This preparation 

will then allow students to choose the 

following two-year specialisation course 

that will take them to the degree.

AUTORI 

di Giorgio Casati 

La creatività umana ha subito 

un’accelerazione straordinaria. 

Da quando, nel 1886, Etienne Jules 

Marey rappresentò la sequenza 

di movimenti di un uomo in corsa, 

gli artisti hanno avuto la possibilità 

di produrre una vasta gamma 

di manifestazioni figurative, 

senza limiti di materiali, 

forme e strategie espressive. 

Oggi libertà di pensiero e azione, 

insieme con gli strumenti più insoliti, 

permettono di esplicitare, senza 

riserve, le sensibilità più profonde 

dell’animo e della mente, 

la vera Sehnsucht dell’artista. 

Gli artisti non si pongono più limiti 

nell’uso del colore: fanno convivere 

materiali e tecniche, elementi naturali 

e tecniche sofisticate 

(suoni digitali, tracciati laser, …), 

installano queste opere in ambienti 

naturali e utilizzano sempre 

più di frequente materiali antichi. 

Gillo Dorfles coglie e legge 

queste nuove sensibilità, le elabora 

e le comunica in sintonia 

col cambiamento del sentire 

e degli umori umani, ma sa anche 

esemplificare artisticamente 

con figure e colori che si calano nel 

nostro archivio di stilemi, muovendo 

emozioni antiche, ancestrali. 

Esse ci ricordano e riscoprono 

il periodo pre-classico della civiltà 

precolombiana (mesoamericana), ma 

anche culture ed evocazioni legate 

al nord europeo, tra colori vivaci 

e figurazioni antropomorfe, climi 

e sensazioni oniriche quasi genetici. 

Il suo modo di vedere le cose, 

la sua sensibilità, ci restituiscono 

una produzione sempre più ricca 

e riconoscibile: per temi, emozioni, 

tratti e colori; la sua vigorosa 

47 

I piatti di Gillo 

Terra, colore e fuoco esaltano l’espressività 

di Gillo Dorfles in alcune ceramiche 

realizzate dal laboratorio Erman di Albisola 

e fresca creatività ci meraviglia 

ancora una volta. 

Questo desiderio di esprimersi con 

l’argilla viene da lontano: già nel 

1944, aveva prodotto piccole 

statuette dipinte e poi cotte nella sua 

fornace di Laiatico (Pisa). 

Gli stilemi di Gillo ci ricordano 

alcuni piatti (su supporto di rame e 

conchiglia) che si rifanno alla cultura 

nordamericana influenzata 

certamente da quella mesoamericana. 

Se la memoria non mi vien meno, 

ricordo una ricchissima produzione 

di piatti con figurazione zoomorfa 

della civiltà di Key Marco, 

una piccola isola a sud-ovest 

della Florida, centro che ha saputo 

irradiare in tutta quell’area 

una cultura e una produzione 

artistica che ancor oggi ci meraviglia. 

Sono segni così profondamente 

assorbiti dalla cultura indigena 

che, dopo mille anni, li ritroviamo 

in artisti moderni quali Wilfredo 

Lamm e Matta, fino ad influenzare 

aspetti della cultura europea. 

Mirò ne è un esempio così perfetto 

da rendere evidente che la cultura 

si nutre di conoscenza e di 

immaginazione anche parascientifica. 

Giustamente Caramel, analizzando 

alcune incisioni di Gillo, può leggere 

il suo segno libero e diramato 

come derivante da un procedere, 

in parte ragionato e voluto, in parte 

automatico ed identificarlo “con un

nelle due pagine: 

piatti decorativi di Gillo Dorfles realizzati 

dal laboratorio Erman di Albisola. 

fare pressoché obbligato, più ancora 

che abitudinario”: continuum 

narrativo che viene da lontano, dalle 

sue grisaglie che, messe l’una dopo 

l’altra in diverse alternanze, 

definiscono una storia particolare, 

analoghe alle “Città Invisibili” di 

Italo Calvino, che solo al superficiale 

risultano simili, ma che in realtà 

nascondono la diversità di sentimenti 

e culture nell’omogeneità dei gesti 

del suo creatore, l’uomo. 

Così la cultura materiale di Gillo 

Dorfles, nata da una immaginativa 

ricca di energia, ci fornisce 

due ulteriori esempi di quella 

ricchezza comunicativa che muove 

emozioni sopite, paure fantastiche, 

per riproporre con ironia 

e sapienza narrativa un altro breve 

racconto in ceramica. Dorfles ha 

quindi saputo risemantizzare il 

disegno rifacendosi alle grandi lezioni 

di Kandinskij, espresse in particolare 

nel testo “Punto linea superficie”, 

alla sua universale conoscenza 

degli strumenti comunicativi 

dell’arte e della psiche umana. 

In questo particolare caso Gillo 

ha potuto produrre, affiancato dalla 

tecnica e dagli strumenti messi 

a disposizione dal laboratorio Erman 

di Albisola, queste due preziose 

opere, due piatti in ceramica, 

utilizzando smalti vivacissimi, 

esaltando alcune forme visionarie 

con graffi che definiscono e stagliano 

il disegno dal fondo, rafforzando 

in tal modo segno e colore. 

Ed è proprio il connubio di tecniche 

lontane e colori netti a rendere 

attuale e sintetica l’espressività vitale 

di Dorfles: il coinvolgimento 

dell’artista è profondo quanto antico. 

Oggi, questi piatti esprimono 

quella sapienza e determinazione 

grafica e pittorica piena di vitalità 

e luminosità che solo la lucentezza 

della ceramica sa restituire. 

Con una particolarità: il colore, 

durante l’altissima cottura (poco 

sotto i mille gradi), darà ogni volta 

un risultato differente, che stupisce 

lo stesso artista. Bastano alcuni gradi 

in più, una posizione più eccentrica 

durante la cottura in forno, per dare 

risultati, effetti e sfumature differenti, 

per la natura stessa infida e 

meravigliosa di questo materiale che 

può modificarsi, alterarsi, deformarsi 

o rompersi durante il procedimento. 

È quindi questo processo 

a produrre poi effetti inaspettati, 

perché parte di questi è governata 

dall’imponderabile “Fuoco” del 

forno. L’argilla e il caolino, quella 

terra che impastata servì 

mitologicamente alla creazione 

dell’uomo, hanno raccontato a noi e 

ai nostri padri la genesi 

dell’evoluzione della materia, 

dell’uomo e degli dei. 

L’argilla e i suoi derivati hanno 

infatti sempre avuto un linguaggio 

proprio, 

un codice che contiene la 

trasfigurazione di un’idea dapprima 

concettuale, poi estetica. 

Tutte le civiltà antiche (assirobabilonesi, 

cinesi, egizie, greche, 

fenicie, romane, …) si sono espresse, 

attraverso questo materiale, 

con stilemi riconoscibili. 

Non è casuale che molti artisti, 

dopo un percorso tortuoso, tornino 

a sentire e manipolare la terra, quasi 

che l’uomo, dopo aver percorso una 

pur ricca vita piena di passioni, 

ricerchi ulteriori emozioni nella 

semplice e spontanea manipolazione 

della terra: Pablo Picasso, Wilfredo 

Lamm, Bridget Riley e Céline. 

Fu questo l’espediente terapeutico 

adottato da Céline dopo anni 

tormentati e bui, per ricercare, 

anche coltivando un piccolo orto, il 

giusto equilibrio tra mente e corpo. 

Queste storie rivelano il legame 

indissolubile tra l’essenza, 

la natura umana e la Natura. 

Lo stesso Dorfles in questi ultimi 

lavori esprime, con immagini 

sempre più nitide e fresche, 

il ritrovato equilibrio tra la sua 

ricchezza culturale e la complessità 

aggressiva e protettiva, 

oscura e luminosa della Natura. 

48

Sotto: 

particolare di pavimento in mosaico, 

realizzato per la storica villa Rosnati 

di Appiano Gentile, che richiama le stesse 

forme visionarie dei piatti raffigurati nelle 

pagine precedenti. 

Human creativity has witnessed 

a tremendous acceleration. 

Ever since E. J. Marey represented 

in 1886 the movement sequence 

of a man while running, artists have 

been able to produce a vast range 

of figurative manifestations, forms 

and expressive strategies, with no limits 

as far as materials are concerned. 

Today artist no longer set limits 

for themselves in the use of colour, they 

allow natural elements and technical 

sophistication (digital sounds, laser 

beams…) to combine with each other, 

49 

installing these works in natural 

settings and utilising old materials 

with increasing frequency. 

Gillo Dorfles grasps and “reads” these 

new creative bearings; he elaborates 

and communicates them but is also able 

to artistically concretise figures 

and colours that bring to mind 

the pre-classic period of pre-Colombian 

civilisation as well as cultures linked 

to northern Europe. His sensibility 

produces a creative output that 

is more and more recognisable in terms 

of themes, emotions, touch and colour. 

Dorfles had already produced small 

statuettes (1944) that were painted 

and then baked in the Laiatico furnace 

near Pisa; his stylistic characteristics 

are shown in certain plates (on brass 

and sea shell supports) that echo north 

American culture that is in turn 

influenced by the Meso-American one. 

These signs have been so profoundly 

absorbed by indigenous culture 

that after a thousand years we find 

them once again in modern artists 

such as Wilfredo Lamm and Matta, 

and even capable of influencing aspects 

of European culture, of whom Mirò 

is an example. Similarly, Gillo Dorfles’ 

material culture, arising from a rich 

and powerful imagination, provides 

us with two further examples of that 

communicative wealth and power that 

awakens sleepy emotions and fanciful 

frights in order to tell, once again, 

with irony and skill, another brief tale 

in ceramics. Dorfles has been able 

to semantically recharge the art 

of drawing by absorbing Kandinsky’s 

lesson as principally expressed in 

“Surface line point.” In this particular 

case, Dorfles has been able to produce 

two ceramic plates, with the technical 

know-how and tools available 

at the Erman workshop at Albisola 

and by utilising very bright enamels 

that highlight a number of visionary 

forms with scratches that define 

and outline the background painting 

so as to enhance both sign and colour. 

Today these plates express that graphic 

and pictorial know-how 

and determination full of vitality 

and luminosity that only ceramics 

can give. With a particularity: 

the colour in such high temperatures 

(just under one thousand degrees) 

produces a different result each time 

- something that surprises the artist 

himself. Just a few more degrees, 

an unusual position during the baking, 

is enough to produce different results, 

effects and hues, thanks 

to the marvellously tricky nature 

of this material - a material that can 

change, alter, deform and break during 

processing. Clay and its derivatives 

have always had a code that contains 

an idea that is initially conceptual 

and successively aesthetic. Ancient 

civilisations have expressed themselves 

through this material with recognisable 

stylistic features. It is no coincidence that 

many artists, after having matured 

often tortuous experiences, feel the need 

to go back to manipulating soil: Pablo 

Picasso, Wilfredo Lamm, Bridget Riley 

and Céline. Through these latest works 

Dorfles himself expresses, with images 

that are as clear and fresh as ever, 

the regained equilibrium between 

his cultural wealth and the obscure 

and luminous complexity of nature.

AUTORI 

di Tiziano Dal Pozzo 

(Foto di Sergio Montanari) 

Dal 24 al 26/10/2003 si è tenuto 

a Faenza un grande convegno, 

indetto dall’Associazione delle Città 

Italiane della Ceramica, dal titolo 

“La rete dei Musei”, che ha coinciso 

con un momento importante: 

il trentennale della “Bottega 

di Mirta Morigi” e della gestione 

Servadei della “Bottega Gatti”. 

I due laboratori hanno deciso 

di realizzare congiuntamente un 

oggetto che celebrasse la ricorrenza. 

La Bottega Morigi ha proposto 

inoltre una mostra celebrativa 

a Palazzo delle Esposizioni di Faenza. 

L’esposizione della sua migliore 

produzione attuale è divenuta 

anche occasione per una riflessione 

sul trentennale lavoro di una 

delle principali botteghe faentine. 

Il lavoro di Mirta Morigi 

si può sintetizzare in alcuni punti: 

Romagnolo: la componente 

romagnola non viene intesa nella 

sua accezione riduttiva di localistico, 

incapace di leggere quanto avviene 

in scala più allargata, bensì di capacità 

salda di mantenere un rapporto 

con la cultura del luogo e la cultura 

che -nel luogo- deriva alla materia. 

Alla Biennale Arte 2003 sono state 

esposte alcune architetture di Hassan 

Fahty che, sul fronte architettura e 

urbanistica, si basa su simili principi. 

Femminile: la femminilità deriva 

dalla capacità di seguire la materia 

nella propria espressività precipua, 

dalla capacità di far sì che finga altro 

da sé. Per storica necessità. Così 

le capacità connaturate alla ceramica 

di morire e rinascere in forme diverse, 

divengono proprie del lavoro della 

Morigi. Per lo stesso motivo queste 

caratteristiche sono state l’alimento 

e l’elemento di difficoltà dei suoi 

50 

Le ceramiche di Mirta Morigi 

Terra di Romagna e femminilità 

le due grandi risorse del trentennale lavoro 

di una eclettica ceramista faentina 

rapporti con la cultura del progetto 

derivata dal design. Questa cultura, 

astratta, perché legata principalmente 

alle storie del design, mal si adatta 

alla cultura dell’esperienza fabbrile 

ereditata in bottega. La cultura 

del design è assiomatica (si pensi 

alla stupidità di professori e studenti, 

ripetuta per anni, che “la forma segue 

la funzione”), come può conciliarsi 

con una cultura dell’esperienza, 

spesso casuale di tutta la storia 

della ceramica? La cultura del design, 

industriale ed internazionale, nasce 

nell’Inghilterra del XVII/XVIII sec. 

per diffondere i prodotti in tutto 

il mondo, per catalogo. Il design 

moderno, per limitarci alla ceramica, 

nasce per imitazione del valore 

presunto (il vaso e la fabbrica Etruria) 

valido per tutti, in ogni luogo. 

L’esatto contrario dei prodotti della 

Bottega Morigi, nati dall’esperienza 

più immediata e importante: quella 

conosciuta e verificata direttamente. 

Le prime esperienze della Bottega 

con il mondo del design sono dei 

primi anni ’80. I progettisti vengono 

ritenuti “presuntuosi e scorretti, 

di una diversità incolmabile”, 

senza conoscenza della peculiarità 

del materiale. “Distribuiscono in giro 

progetti non belli e si rivolgono 

a noi perchè l'industria non li tiene 

in considerazione (...) non c'è nulla di 

peggio d’un progettista frustrato”.


vaso con rane, smalti al selenio, 

altezza cm 20. 


centro tavola con lucertola, 

smalti al selenio, altezza cm 28; 

“Sakti”, vaso con smalti arancio al selenio 

e spirale in verde ramina, diametro cm 30. 

Le esperienze con la “Linea terre” 

-con un progetto per un servizio da 

tavola del sottoscritto- sono dei primi 

anni ’80. In questa esperienza viene 

azzerato ogni intervento decorativo (il 

decoro è la nuda materia) 

o specificamente ceramico (i piatti 

non devono avere il piedino, oggi 

sarebbero definiti minimal). L'errore, 

da parte del progettista, consiste 

sopratutto nell'ignorare la cultura 

storica di bottega come la manualità 

visibile e le pennellate, per ridurre 

l'oggetto ad una concorrenzialità con 

un presunto disegno per un’estetica 

della macchina, supposto come 

disegno ridotto ai minimi termini. 

Un’esperienza analoga, seppure 

formalmente molto diversa, accade 

con Ugo La Pietra. In questo caso 

il designer esprime -a priori- 

le specificità formali dell’artigianato 

contemporaneo e ne forza, 

senza remore, modalità espressive 

e specificità plastiche. Divengono 

quindi esperienze difficili che non si 

inseriscono nella tradizione mentale 

della bottega. A metà anni ’80, in 

occasione del restauro del fabbricato 

in cui ha sede, la bottega si trasferisce 

a Palazzo Mazzolani (sede anche 

dell'ISIA). Questa è l’occasione 

che farà nascere la collaborazione 

con Carlo Pastore prima della nascita 

di “Elica” (Carlo Pastore/Elisabetta 

Bovina) grazie a certe fondamentali 

differenze rispetto a quanto 

è accaduto in precedenza. Carlo 

Pastore, da studente ISIA, trascorre 

parte del suo tempo nel laboratorio 

ampliando la sua esperienza del fare. 

Elica è una espressione artigiana, 

fabbrile, di derivazione popolare. 

Gli autori soggiornano a lungo 

in bottega studiando le specificità 

dei gesti, i decori che ne derivano, 

le congruità plastiche che li fondono 

in un’unica sintesi. Nasce così 

una ceramica letteraria rispettosa 

delle rispettive culture (con scritte 

in romagnolo o campano): nascono 

in tale periodo le ceramiche animate 

zoomorfiche o antropomorfiche. 

I sentimenti più reconditi 

del ceramista trovano finalmente 

l’ambito ed i modi in cui esprimersi 

dopo essere stati a lungo compressi 

51

52 


Mirta Morigi con uno dei suoi vasi con 

smalti al selenio, con camaleonte; 

quattro ciotole prima della cottura; 

vaso multicolor con due piccole plastiche, 

smalti al selenio, altezza cm 35; 

particolare di una delle piccole plastiche. 

nella pagina a fronte, dall’alto: 

ciotola del “Trentennale” 

lustrata a terzo fuoco, prodotta in 150 

esemplari dalle Botteghe Gatti e Morigi, 

diametro cm 20; 

vaso-scultura con quattro rane, 

smalti metallici. 

in abiti altrui. Ricordo le lunghe 

esperienze del graffito neomedioevale 

in cui il colore ed il segno faticavano 

ad essere compressi nelle armature 

della storia. Le ceramiche prodotte 

da questa collaborazione risentono 

del gioco di rimando fra le due realtà, 

la giocosità si trasmette agli oggetti. 

Il piacere di farli diventa un piacere 

di vederli e comperarli. 

I suggerimenti sui soggetti e sull'uso 

della pennellata (vera tradizione 

attuale faentina) maturano nelle mani 

dell'operatore trovando nuovi felici 

ambiti espressivi, allargando la loro 

influenza ad altre botteghe. 

L'esperienza progettuale e la cultura 

del design di Carlo Pastorre 

e Elisabetta Bovina hanno differenza 

fondamentale rispetto alle altre: nascono 

dall'artigianato, cogliendo 

di questo le maggiori ricchezze 

e peculiarità. È un’esperienza diversa 

dalla cultura del disegno industriale. 

Non posso non ricordare 

che quando feci da relatore di tesi 

per Carlo Pastore, alcuni membri 

della commissione per le tesi, poi 

ascesi a importanti ruoli direttivi, ne 

negavano l'appartenenza al mondo 

del design, ma queste sono piccole 

storie. Dal rapporto Elica/Morigi 

nasceranno (anni ’90) espressività 

cromatiche, plastiche, intriganti 

e del tutto nuove, che approderanno 

alla realtà attuale in cui le capacità 

artigiane plastiche emergono 

con prepotenza assieme a cromatismi 

squillanti propri della ceramica. 

La materia ritrova le sue infinite 

capacità di stupire, di essere 

altro da sé. La terra è vaso, è polipo, 

è camaleonte per antonomasia, 

è tutto quanto la volontà e la capacità 

femminile riesce ad esprimere.

The Association of Italian Ceramicproducing 

Cities held a meeting entitled 

“The Museum network” in Faenza 

from 24-26 October 2003, which 

coincided with the 30th anniversary 

of the “Mirta Morigi’s Bottega ” 

(“Bottega” = Studio) and the 

30th anniversary of the Servadei 

management of the “Bottega Gatti”. 

The two Bottega decided to collaborate 

in the creation of a piece to mark 

the occasion. The Bottega Morigi, 

in addition, put on an exhibition 

to commemorate the event 

at the Faenza Exhibition Centre. 

The work of Mirta Morigi 

can be summarized into two points: 

“Romagnolo” (meaning “of Romagna”, 

an Italian region), since the local 

component is understood to be the ability 

to maintain a relationship with 

the culture of a place; and feminine, with 

the kind of femininity that derives from 

the ability to follow the material 

in its own particular expressiveness, 

and from the ability to make it pretend 

to be something else. It is in this way 

that the innate abilities of ceramics 

to die and be reborn in a different form 

come together in her work. 

For this very reason these characteristics 

have been a stumbling block in her 

relationships with the design project 

mentality, which is abstract in nature, 

because it is connected principally to the 

history of design but does not adapt well 

to the culture inherent to the Bottega. 

The Bottega’s first experiences 

with the design world date from 

the early 1980s: the designers were 

considered “presumptuous and 

bad-mannered, irreconcilably different” 

with no knowledge or understanding 

ßof the characteristics of the material. 

The collaborations with “Linea Terre” 

-a project by yours truly for a dinner 

service- date from the early ’80s 

and reset any intervention of decorative 

art, or, specifically, ceramics. 

A similar experience, if ostensibly very 

different, happened with Ugo La Pietra. 

In this case the designer sets out 

-in advance- the required specific 

details of contemporary crafts and is 

relentless in his insistence on expressive 

methods and plastic specificities. 

This time the importance of the object 

and its marketability were secondary. 

These, therefore, become difficult 

collaborations that do not fit in well with 

the mental traditions of the Bottega. 

In the mid-1980s the Bottega Morigi 

relocated to Palazzo Mazzolani, 

home of the ISIA (Istituto Superiore 

per le Industrie Artistiche: Italian Art 

& Design university with its ceramics 

faculty in Faenza) an occasion which 

gave rise to new collaboration – with 

Carlo Pastore, prior to the setting up of 

“Elica” (Carlo Pastore and Elisabetta 

Bovina) thanks to several fundamental 

differences with repect to the past. 

Carlo Pastore, as an ISIA student, spent 

part of his time in the workshops 

to broaden his practical experience. 

Out of this came literary ceramics 

which observed the respective 

cultures and the spirited zoomorphic 

and anthropomorphic ceramics. 

The suggestions for subjects and on 

the use of the brushwork mature in the 

hands of the operator finding new, 

happy expressive environments, widening 

their influence to other Bottegas. 

The design experience and the design 

culture of Carlo Pastore and Elisabetta 

Bovina, has a fundamental difference 

with respect to the others: it is born from 

craftsmanship, bringing with it a greater 

richness and distinctiveness. Out 

of the Elica/Morigi relationship came, 

in the 1990s, chromatic expressiveness 

and intriguing forms, completely 

innovative, which lead to actual 

reality in which the artisan’s plastic 

skills are dominant together with a clear 

emphasis on colour peculiar to ceramics. 

The material again discovers its infinite 

abilities to amaze, to be other than itself. 

53

Aziende 

di Aurelia Mazzeo 

Italvetrine è un’azienda specializzata 

nella produzione di arredamenti 

per negozi, di mobili espositori 

e allestimenti museali. Appartiene 

al Gruppo Vetrario Paci, fondato da 

Ugo Paci, con sede a Seregno (MI). 

Si sviluppa su una area di 25.000 mq. 

di cui 15.000 sono coperti, conta 

ad oggi 75 dipendenti ed è certificata 

UNI EN ISO 9001: 2000. Oltre 

il marchio Italvetrine di cui 

il responsabile è Ambrogio Paci, 

il gruppo GVP comprende altre 

due divisioni: la “vetreria industriale” 

operante nel terziario avanzato 

54 

Italvetrine 

vetrina italiana nel mondo 

per l’industria mobiliera, responsabili 

i fratelli Maurilio e Piercarlo Paci; 

la “vetreria artistica” operante 

nel campo della decorazione vetraria 

per gli interni collettivi e privati 

come musei, chiese, negozi 

e abitazioni, responsabile Silvia Paci. 

GVP, benché fondata nel 1959, 

si avvale per la sua produzione 

di macchinari e processi produttivi 

fra i più tecnologicamente avanzati, 

pur mantenendo un carattere 

artigianale in ogni fase della 

produzione, a garanzia d’un prodotto 

che sappia coniugare avanzate qualità 

tecnologiche e cura artigianale 

dei particolari. Italvetrine, leader 

nella trasformazione del vetro 

per interni, ha una produzione 

aziendale dedicata all’arredamento 

che conta ben 300 modelli standard 

divisi in sette linee: “Aury”, “Black 

& White”, “Design”, “Italblock”, 

“Laminato”, “Overglass” 

e “Top Line”, vetrine in cui il vetro 

è protagonista assoluto, e scaffalature 

di varie forme e colori. Elemento 

caratterizzante le collezioni è la 

modularità: la possibilità di arredare 

usando un’unica linea o accostando


esempio di arredamento per negozi 

con l’accostamento di due linee: 

linea “Aury” alle pareti 

e linea “Overglass” per le vetrine centrali. 


linea “Design” con montanti in legno 

e vetro colorato che, grazie all’opacità, 

permette anche la funzione di stoccaggio; 

espositore esagonale per addobbi natalizi, 

Upim/La Rinascente; 

linea “Aury” per la lista nozze ai “Negozi 

Nicodemo”, Nocera Inferiore (SA). 

più linee per lo stesso ambiente. 

La produzione aziendale per 

gli espositori si avvale di materiali 

durevoli come il legno, il metallo 

e il vetro; non a caso aziende come 

La Rinascente, Sony, Omnitel, Fiat, 

Honda, Wella etc. si sono rivolte 

ad Italvetrine per realizzare 

un appropriato espositore che sia, 

allo stesso tempo, funzionale 

promotore della loro immagine. 

L’attenzione tecnica ed estetica per 

il vetro ha portato Italvetrine, negli 

ultimi anni, a realizzare allestimenti 

museali su disegni di architetti 

specializzati: Musei di Storia 

Naturale come il “G. Doria” 

a Genova, Museo di reperti storici 

di Palazzo Olginati a Como, Museo 

macchine per cucire a Wimbledon, 

Londra, Museo Indian Summer 

in Belgio, rappresentano solo 

alcuni dei più importanti lavori 

di allestimento realizzati dall’azienda. 

Italvetrine is a company specializing 

in the production of furnishings for shops, 

exhibition furniture and museum décor. 

It belongs to the Gruppo Vetrario Paci, 

founded by Ugo Paci, with head office 

in Seregno, in the province of Milan. 

It stretches over an area of 25,000 m2, 

of which 15,000 are covered, today 

has 75 employees and it’s UnI En ISO 

9001: 2000 certified. As well as the 

Italvetrine brand, responsible for which 

is Ambrogio Paci, the GVP group includes 

two other divisions: the “industrial 

glassworks” operating in the advanced 

service sector for the furniture industry, 

for which brothers Maurilio and Piercarlo 

Paci are responsible; the “artistic 

glassworks” operating in the field 

of the glass decoration for the community 

and private interiors, for which Silvia 

Paci is responsible. Although founded 

in 1959, for their products GVP use 

among the most technologically advanced 

machinery and production processes, 

also maintaining an artisan character 

in every phase of production, to guarantee 

a product that is capable of combining 

advanced technological quality and the 

craftsman’s attention to detail. Italvetrine, 

leaders in the transformation of glass 

for interiors, has a company production 

devoted to furnishing that has no less than 

300 standard models divided into seven 

lines: “Aury”, “Black&White”, “Design”, 

“Italblock”, “Laminato”, “Overglass” 

and “Top Line”: showcases in which glass 

is the absolute protagonist, with shelving 

with various forms and colours. 

The element characterizing the collections 

is modularity: the possibility of furnishing 

using a single line or of combining 

a number of lines for the same 

environment. To produce the display cases, 

the company uses durable materials, 

such as wood, metal and glass; 

it is no coincidence that companies such 

as La Rinascente, Sony, Omnitel, Fiat, 

Honda, Wella etc. have used Italvetrine 

to create an appropriate display case that 

is, at the same time, a functional promoter 

of their image. In recent years Italvetrine’s 

technical and aesthetic attention to glass 

has prompted the company to create 

museum fittings and furnishings 

using the designs of specialist architects: 

natural History Museums such 

as the “G. Doria” in Genoa, the Museum 

of Historical Finds at Palazzo Olginati 

in Como, the Sewing Machine Museum 

in Wimbledon, London, the Indian 

Summer Museum in Belgium, 

are just some of the most important 

fitting-out works by the company. 

55

FIERE E SALONi 

di Sara Tomasella 

La prima edizione del nuovo Macef, 

che si terrà in Fiera Milano dal 30/1 

al 2/2/2004 e che inserisce in un 

percorso espositivo unico 

il Macef tradizionale, il Chibi&Cart e 

due manifestazioni nate dallo storico 

Salone del Giocattolo, G! come giocare 

(Salone del gioco e del giocattolo) 

e Festivity (Salone delle decorazioni 

natalizie e feste), nasce all’insegna 

delle anticipazioni, interpretazioni, 

nuove tendenze. A questo grande 

progetto si affiancano dimensioni 

uniche nella storia di Macef, 

dal fronte espositivo di oltre 3.500 

espositori all’area complessiva netta 

di 160mila mq. Sarà un evento non 

solo fieristico ma anche di marketing 

che rilancerà il senso di fare fiere 

d'affari oggi. I percorsi nei quali 

è articolato il salone sono cinque. 

TAVOLA, CUCINA 

E ARGENTERIA PER LA CASA 

È il settore che porta vitalità sulla 

tavola grazie a un nuovo stile 

espositivo e ad un ricco calendario 

di eventi. La cucina, con il suo 

avvicinamento alla tavola, acquisisce 

un ruolo primario e l'argenteria da 

tavola è la grande novità del 2004. 

Per creare stimoli, sono stati studiati 

tre eventi particolari: Incontri a tavola, 

Cucina "live" e H2O on the table. 

56 

Macef Milano 2004 

Attraverso cinque percorsi tematici e tante novità 

Macef diventa la più grande vetrina d’Europa 

moltiplicando la forza, l’interesse e l’offerta 

per trasformarsi in un sistema di manifestazioni 

che si svolgono in contemporanea 

COMPLEMENTO D'ARREDO 

TESSILE E DECORAzIONE 

Accompagna il visitatore nella 

scoperta della decorazione d'interni: 

dal classico al moderno, dall'etnico 

al design d’autore, dalla ceramica 

ornamentale alle suggestive 

ambientazioni d'arredo per esterno. 

Decorazioni d'Atmosfera è il progetto 

che in questo percorso sottolinea, 

con eventi e “aree di qualità”, il ruolo 

primario della decorazione d'interni. 

FESTIVITà 

Una vasta panoramica sulle tendenze 

più innovative delle decorazioni 

natalizie, dell'addobbo e delle feste. 

Assoluto protagonista di questo 

percorso sarà Festivity, Salone delle 

decorazioni natalizie e delle feste, 

in cui l’offerta merceologica spazierà 

dagli addobbi natalizi agli articoli 

e costumi per le feste, dagli articoli 

pirotecnici alle luminarie, dalle 

candele agli oggetti in cera per 

decorare e profumare gli ambienti. 

REGALO, CERIMONIA 

E CARTOLERIA 

Arricchito dalle merceologie 

da sempre in mostra a Chibi&Cart, 

presenta le idee regalo classiche e 

quelle più innovative che hanno dato 

origine a Experience 21: il regalo 

d'affari, gli accessori di gusto etnico, 

i monili più raffinati, i giochi di 

società, i peluches e il giocattolo 

presentato in G! come Giocare. 

La cerimonia, che ha come oggetto 

simbolo la bomboniera, si integra 

con il biglietto augurale, la carta da 

decorazione, i nastri vivaci presentati 

nel padiglione della cartoleria. 

Fatto a Mano, fiore all’occhiello 

dell'artigianato e della creatività 

tutta italiana, costituisce un punto 

di riferimento per i compratori 

nazionali ed esteri alla ricerca 

della novità che fa la differenza.

GIOIELLERIA, OREFICERIA 

E ACCESSORI MODA 

Vetrina internazionale privilegiata 

per captare il mood del mercato 

dei preziosi ed esprimere lo stile 

ed il design si svolge 

in un'ambientazione espositiva 

assolutamente nuova, pensata 

per eventi, per temi, per aree 

dedicate e per affinità progettuali. 

Nella speciale area espositiva 

Top of the Top, confluiranno i grandi 

nomi della gioielleria; verranno 

inoltre proposti eventi come 

In Scena e Tempo di Moda, l’area 

dedicata all’orologeria fashion. 

The first edition of the new Macef, 

scheduled at Fiera Milano from 

30 January to 2 February 2004, which 

brings together the traditional Macef, 

Chibi&Cart and two events deriving 

from the historical Toy Exhibition 

(G! come giocare -Exhibition 

of Games and Toys- and Festivity 

-Exhibition of Christmas and party 

decorations) in a single exhibition, 

is born under the banner of previews, 

interpretations and new trends. This 

major project presents never-seen-before 

dimensions in Macef’s history - over 

3,500 exhibitors and an overall net 

exhibition area of 160,000 sq.m. 

It will not only be a fair event, but also a 

marketing event that is to relaunch the 

meaning of organising trade fairs today. 

The Macef will be divided into 5 sections. 

TAblewAre, kITcHenwAre, 

SIlverwAre for THe Home 

This section brings vitality 

to the table thanks to a new exhibition 

style and a truly rich calendar of events. 

The kitchen, brought closer to the 

tableware area, plays a primary role, 

and silverware for the table is the great 

novelty of 2004. Three special events 

have been set to boost this section 

even more: Incontri a tavola [Table 

Encounters], Cucina "live" [Cooking 

live] and H2O on the table. 

furnISHIng AcceSSorIeS, 

TexTIleS, DecorATIonS 

This section takes the visitor to discover 

interior decoration: from classic 

to modern, from ethnic to design, 

from ornamental ceramics to fascinating 

outdoor furnishing setups. In this section 

Decorazioni d'Atmosfera is the project 

that highlights the primary role 

played by interior decoration, 

with events and “quality areas”. 

feSTIvITIeS 

A broad overview of the most innovative 

trends in Christmas decorations, 

decorations in general and parties. The 

absolute star of this section is Festivity, 

Exhibition of Christmas and party 

decorations, where the goods offering 

will span from Christmas decorations 

to party articles and costumes, from 

fireworks to luminaires, from candles 

to items made from wax to decorate 

and provide fragrance to interiors. 

gifts, ceremonies and Stationery 

Enriched with the products that have 

always been on display at Chibi&Cart, 

this section presents classic gift items, 

as well as the more innovative 

ones presented under the sub-section 

Experience 21: business gifts, ethnicstyle 

accessories, sophisticated objects. 

Parlour games, furry toys and toys 

come under G! come Giocare, while 

the “Ceremony” area 

is symbolised by bonbonnières 

and also integrates greeting cards, 

decorative paper and bright ribbons 

presented in the stationery hall. 

Fatto a Mano, the feather in the cap 

of all-Italian handicrafts and creativity, 

is a point of reference for Italian 

and non-Italian buyers out seeking 

novelties that make the difference. 

Jewellery, golDwAre, 

fASHIon AcceSSorIeS 

The ultimate international showcase 

to capture the mood of the jewellery 

market and express its style and design, 

it is held in an absolutely 

new exhibition setup, divided by event, 

dedicated area and project affinity. 

In the special area called Top of the 

Top, major jewellery names will be on 

display, while events such as In Scena 

and Tempo di Moda, will be held in 

the area dedicated to fashion watches. 

57

FIERE E SALONi 

di Sara Tomasella 

A Macef Milano 2004 ritroviamo, 

all’interno della sezione Regalo 

Cerimonia e Cartoleria, il progetto 

Fatto a Mano (Pad. 24/1) che, 

lanciato nel 2002 da Fiera Milano 

International in collaborazione con 

la nostra rivista, propone un percorso 

che accompagna i visitatori 

alla scoperta delle migliori tradizioni 

artigiane italiane. Questo progetto, 

emblema della creatività italiana, 

vuole contribuire a rileggere 

il patrimonio nazionale rappresentato 

dal mondo artigianale evidenziando 

le aziende che meglio esprimono 

risorse, linguaggi e tradizioni dei 

territori di provenienza. Il pad. 24/1 

rappresenta un punto di riferimento 

per gli operatori che ricercano 

quei valori di unicità del prodotto 

artigianale italiano, così strettamente 

legato alla matrice artistico-culturale 

e tanto spesso espressione del “genius 

loci” del nostra terra. A Fatto a Mano 

si rivivono fascino e qualità del lavoro 

della “bottega artigiana” attraverso 

prodotti realizzati rigorosamente 

a mano: oggetti d’arredo, tessuti, 

giochi antichi, mosaici, ricami, cesti, 

scatole, vetri, maioliche, ceramiche, 

profumi ed essenze. Le aziende 

espositrici mettono in mostra 

prodotti, lavorazioni e materiali 

che parlano un linguaggio antico 

ma sempre più attuale e vitale, 

attraverso un viaggio che si snoda 

lungo diverse aree geografiche. 

D’Artigianato tra Arte e Design, 

partner editoriale dell’iniziativa per 

la comunicazione, presente a Macef 

nello stesso padiglione, sabato 31/1, 

alle ore 16, illustrerà alla stampa 

e ai buyers la nuova filosofia 

della testata dopo l’avvenuta fusione 

tra Artigianato tra Arte e Design e D’A. 

58 

Fatto a Mano 

un percorso per l’artigianato 

A Macef si ripresenta lo spazio-simbolo 

del mondo artigianale quale punto di riferimento 

per chi ricerca i valori unici dell’hand-made in Italy 

macef Milano 2004 is once again 

housing the Fatto a Mano project 

within the Gifts Ceremonies 

and Stationery section (Hall 24/1). 

Launched in autumn 2002 by Fiera 

Milano International, in association 

with our magazine, offers Macef visitors 

a “pathway” to discovering the best 

Italian handicraft traditions. On the 

whole, this project, the emblem of Italian 

handicrafts and creativity, wishes 

to aid visitors in interpreting the Italian 

heritage made up of handicrafts, and 

highlights -within the major Milanese 

event- the companies that best express 

the resources, languages, traditions 

of their places of origin. Hall 24/1 

will bea point of reference for both 

Italian and international trade operators 

seeking those values of uniqueness present 

in Italian handicrafts so closely bound 

to the artistic-cultural matrix and very 

PAD. 24/1 

FATTO A MANO 

ELENCO ESPOSITORI 

E PLANIMETRIA 

frequently expressing the “genius loci” 

of Italy. 

At Fatto a Mano visitors can experience 

the charm and quality of only handmade 

crafts created in handicraft 

workshops: furnishing objects, textiles, 

old games, mosaics, embroideries, 

baskets, boxes, glasses, majolica, 

perfumes and essences. The exhibitors 

will display to the Macef public products, 

techniques, materials that speak 

an ancient language, increasingly vital 

and of topical interest, through a journey 

across different geographical areas. 

On Saturday 31st January, at 4 PM, 

in the same Hall, D’Artigianato 

tra Arte e Design, publishing 

partner of the initiative as regards 

communication, will present 

to the press and buyers the magazine 

born by merging the two magazines 

Artigianato tra Arte e Design and 

D’A, as well as its publishing projects.


planimetria del padiglione 24/1. 


vassoio, vasi e scatole in ceramica 

della “Piccole Gioie” di Ramacca (CT); 

vasi in cristallo della “Effeci” 

di S. Lucia di Piave (TV); 

lampade da tavolo/comodino 

della “Aracne” di San Clemente (RN). 

Agresti Osvaldo srl - E06 

Aracne di Mantovani Lorenzo & C. snc - C01 

Artista Artigiano snc - C03 

Beppetre di Codazzi Giuseppe - D07 

Bortoletti Fonderia Artistica snc - D03, E02 

Buba srl Unipersonale - D02 

Centro Servizi Promozionali per le Imprese 

C10/12/13/15, D13/14/15/16/17/18, E14/16 

Cleò snc di Solaroli S. & C. - A13 

D’Artigianato tra Arte e Design - E13 

Defendina Mosaici - A11 

Donatella Capillo - E03 

Effeci di Camatta Francesca - E08 

Filippini & Paoletti snc 

di Fei Ascanio e Paoletti Paolo - B06 

Florentia snc 

Pelleterie Artistiche Fiorentine - C02/04 

Gargiulo Salvatore - D01 

Giglio Asla snc - A09 

Il Barattolo di Mazzon Giorgio - E01 

Il Pianeta delle Idee snc 

di Santarelli e Capolungo - B01 

Indiveri Carla - Jujuò - E11 

L'Artigiana srl - B02 

La Bottega di Tipì di Colucci A. - D12 

La Cuoieria di Romeo Giuseppa - D10 

La Gatta snc di Polce & Gambetta - B04 

La Giostra delle Metamorfosi 

di Vitullo Carmela - E07 

Le Bambole di Arianna snc - D04 

Lòarte del Legno di Pellanda Michele - D06 

Lòart Marmoreo di Gallo Jean Luc - C09 

Lorenzi srl - D09 

Marigiò Creazioni snc - A05 

Mastro de Paja di Montini Alberto - B05, C06 

MI.VI.S. snc - A01 

Monti Antonio Export - E12 

M.V.M. snc - A04 

Nuovaplex di Ercolani Davide - D05 

Oggetti per l’Arredamento 

di Tommasini Fulvio - A03 

Ottavio Recalcati 

di Renato & Antonio Recalcati snc - A06 

Piccole Gioie di zampogna Francesca - E09 

Prima srl - A02 

Regione Calabria 

Assessorato alle Attività Produttive - E15/17 

Re.Leg.Art. Coop. Sociale a rl - C11 

Sorrento Intarsio snc - C05 

Terramia sas di Luca Gianì - B03 

59

FIERE E SALONI 

di Claudia Ferrari 

Il Florence Gift Mart giunge 

alla sua 51 a edizione in un momento 

non facile, in un clima di generale 

instabilità a livello nazionale 

e internazionale, in un periodo 

di particolare crisi che investe tutti 

i settori. Nonostante il momento 

di forte preoccupazione per 

le produzioni dei settori dell’articolo 

da regalo, del complemento d’arredo 

e non solo, che già hanno subito 

diminuzioni delle vendite, 

il Florence Mart, in collaborazione 

con la Regione Toscana, 

si è impegnato per agevolare 

la presenza in fiera delle aziende 

produttrici. L’investimento stanziato, 

di notevoli dimensioni, purtroppo 

in molti casi non è stato sufficiente 

a causa della profonda crisi 

che investe il mercato. In numerosi 

settori i produttori risentono 

della crisi di vendite dei negozi 

e delle boutiques tradizionali, 

ai quali vengono preferiti i Centri 

Commerciali e i prodotti esteri 

di minor costo e valore. Il Florence 

Mart sta attuando specifiche 

iniziative promozionali, rivolte 

ad una selezione di operatori 

principalmente del Centro-Sud Italia, 

volte a favorire la presenza in mostra 

di nuovi compratori e a riconfermare 

quella di coloro che da molti anni 

visitano la manifestazione. 

Tra queste iniziative, è stata 

effettuata 

una campagna di inviti che prevede 

l’ospitalità a Firenze dei principali 

clienti degli espositori. Per questa 

edizione, che si svolgerà dal 13 al 16 

febbraio 2004 e che sarà dedicata 

all’anteprima dell’articolo da regalo 

e del complemento d’arredo, 

gli organizzatori, gli espositori 

e gli operatori confidano 

60 

Florence Gift Mart 2004 

Una sfida alla crisi attraverso il rilancio della qualità 

per l’evento fiorentino giunto alla sua 51° edizione 

in una ripresa e puntano 

sulla presentazione di produzioni 

di qualità e sulla creatività artistica. 

Le aziende che parteciperanno alla 

mostra, seppure in numero ridotto 

rispetto alle passate edizioni, 

continuano a credere nella realtà 

fieristica, che rimane il palcoscenico 

ideale per quelle merceologie 

che possono essere apprezzate 

al meglio soltanto di persona, 

toccando gli oggetti e guardandone 

da vicino ogni particolare. 

The Florence Gift Mart opens its 51st 

edition in a climate of general instability 

on a domestic and international scale. 

Despite the crisis underway in the gift 

items and furnishing accessories sectors, 

the fair -in association with the Tuscany 

Region- has undertaken to facilitate 

the presence of the manufacturers 

by implementing specific promotional 

initiatives. In particular, it is addressing 

a select group of trade operators, chiefly 

from Central-South Italy, so as to foster 

the attendance of new buyers at the fair. 

For this edition (from 13 to 16/2/2004) 

dedicated to a preview of gift items and 

furnishing accessories, the organisers, 

exhibitors and trade operators trust 

in a recovery, and aim to present quality 

articles and items focussing on creative 

art. The companies that will take part 

in the exhibition continue to believe in 

this fair, and consider it the ideal setting 

for those items that can be appreciated 

best only when they are seen live.


di Felice Bonalumi 

Mia Primavera, mostra dell’abitare 

e del benessere, la più giovane delle 

manifestazioni organizzate dall’Ente 

Mostre di Monza e Brianza, con 

un target di visitatori estremamente 

interessante (il 70% ha meno 

di 35 anni), nelle scorse edizioni 

ha dedicato singoli spazi ai mobili 

ecosostenibili e biocompatibili. 

L’interesse e il successo riscosso 

ha “imposto” agli organizzatori 

la necessità di allargare il discorso 

per questo settore non più di nicchia 

e, non a caso per l’11ª edizione, 

presso il polo fieristico di Monza 

dal 20 al 28/3/2004, si è scelta la 

nuova headline “Abitare-Benessere” 

che intende coniugare l’idea 

dell’abitare con l’idea del benessere 

psicofisico e ambientale. Una scelta 

commerciale ma soprattutto culturale 

che impone di non pensare all’arredo 

come ad una semplice somma, 

magari esteticamente pregevole, 

di mobili, ma implica il pensare 

l’intera casa come espressione 

del proprio modo di concepire la vita 

in un ambiente sereno, dove 

ci si possa rilassare e dove si possano 

sviluppare i legami sociali. 

Da qui nascono sei settori specifici. 

Arredamento: proposte d’arredamento 

in un viaggio che porta i visitatori 

in locali completamente ricostruiti 

per vivere e non semplicemente 

vedere la propria casa. 

Artigianato d’arte: proposte italiane 

e internazionali con al centro la 5ª 

edizione del Premio Internazionale 

Humanware... natural inspiration. 

Ecoforum: salone degl arredi 

e dei prodotti ecosostenibili 

e biocompatibili per la casa 

per una migliore qualità della vita. 

Ecobenessere: prodotti, servizi, fitness, 

Benessere dell’Abitare 

e Abitare nel Benessere 

in mostra a MIA Primavera 

beauty farm per una visione completa 

di ciò che è benessere psicofisico 

all’insegna del tutto naturale. 

Piazza dell’Ecobimbo: momenti creativi 

con materiali riciclabili e incontri 

con i genitori per capire come creare 

ambienti a misura di bambino. 

Design del Senegal: una selezione 

di arredi e complementi d’arredo 

della tradizione del paese africano 

reinterpretati con moderno design. 

At the previous editions, Mia 

Primavera - Exhibition of the Home 

and Wellbeing, dedicated individual 

spaces to eco-sustainable and 

biocompatible interiors. The interest 

aroused and success achieved “imposed” 

the need to broaden these topics as the 

sector is no longer a niche; in fact, 

it is not by chance that a new headline 

has been chosen for the 11th edition, 

scheduled at the Monza Fair Grounds 

from 20 to 28 march 2004: Home - 

Wellbeing, which combines the concept 

of the home with the concept 

of psychophysical and environmental 

wellbeing. This concept produces 

six specific sections: Interior Decoration, 

Artistic Handicrafts, Ecoforum, Ecowellbeing, 

Eco-Child Square, Senegalese 

Design. A commercial, but above all 

cultural choice that drives us to think 

of interior decoration not only as 

a simple, perhaps aesthetically exquisite, 

sum of furniture pieces, but makes 

us think of the home as the expression 

of one’s way of conceiving life within 

a serene environment in which to relax 

and develop social relations. 

61

M a t e r i a l i & t e C N i C H e 

Cosa contraddistingue la “tecnica di 

un maestro” dalla corrispettiva “tecnologia 

del materiale”? Forse lo stesso 

principio che fa sì che l’ardesia e il 

marmo, pur essendo classificabili 

entrambe come pietre e ad entrambe 

applicabili le stesse tecnologie di 

lavorazione, possono essere considerate 

due materiali agli antipodi, tali da 

non poter neppure supporre un paragone 

tra loro. È in questo caso che la 

“tecnologia” lascia il posto alle “tecniche 

tradizionali di lavorazione”, cioè 

a quell’insieme di conoscenze accumulate 

in centinaia di anni di osservazione 

e convivenza quotidiana con un materiale; 

esse forniscono la possibilità di 

un approccio più complesso ed articolato 

e permettono di realizzare un 

“unicum” culturale insostituibile ed 

irripetibile, con il quale l’ardesia diventa 

molto più di una semplice pietra. 

La genesi 

Ottanta milioni di anni fa, grandi 

spessori di fanghi e sabbie scivolavano 

62 

Le tecniche dei maestri ceramisti 

LA LAVORAzIONE DELL’ARDESIA 

pagine di pietra di lavagna 

Di Alfredo gioventù 

lungo le scarpate marine verso le zone 

abissali, si generavano torbide correnti 

di materiali in sospensione che sedimentavano 

in sottili strati di differenti 

granulometrie. Successivamente enormi 

pressioni fino a 3/4000 atmosfere 

(con l’innalzamento di temperature 

fino a 350° C), comprimevano questi 

“fogli” e li trasformavano in pietra 

scistosa. Essa si dotò perciò di fissilità 

dovuta al fatto che i minerali argillosi 

si erano disposti su piani paralleli, 

tra cui giacevano, in finissime strutture 

lenticolari, i granuli di calcite e 

di quarzo. La roccia così si suddivise 

lungo precisi piani a grana molto 

fine, che determinarono la possibilità 

di ottenere lastre sottili fino a 3 m/m; 

d’altra parte, poiché tra un piano di 

fissilità e l’altro i minerali si sono 

organizzati in una struttura compatta, 

le lastre che ne derivano saranno 

molto elastiche e resistenti, sia pure 

sottili come fogli. 

Questi banchi rocciosi, sotto l’effetto 

di pressioni orientate conseguenti alle 

spinte tettoniche, sono poi affiorati, 

rivelando all’uomo primitivo la magia 

di un libro dalle pagine di pietra nera 

su cui la natura ha scritto storie 

d’acqua sotto forma di raffinatissime 

textures che noi oggi cataloghiamo 

come superfici a spacco.

M a t t e r i i a l l i i & t t e C N i i C H e 

nella pagina a fronte, dall’alto e da sinistra: 

blocco di ardesia da cava; 

texture in rilievo di ardesia a spacco della 

Val Fontanabuona; 

cava a tetto, i segni longitudinali sono 

stati lasciati dai picconi dei cavatori; 

disegno di porzione interna della cava, 

detta “il Chiappajone”, tratto dal volume 

di Nicolò Della Torre “Guida del 

viaggiatore alle cave di Lavagna”, 1838 

(Società Economica di Chiavari). 

La tecnica 

L’uomo attraverso la tecnica impara a 

decifrare il materiale e i suoi segreti: 

aprire questo libro, probabilmente, 

non è stato così facile come può 

apparire oggi osservando la semplicità 

con la quale uno spacchino, con 

pochi gesti ben calibrati, divide in 

meno di un quarto d’ora un ceppo di 

ardesia in quaranta sottili lastre. Ma a 

sfogliare queste pagine si inizia ancora 

prima con la “coltivazione” della 

cava. In Liguria si è affermata in passato 

la coltivazione sotterranea “a 

tetto”: intelligente ma pericoloso 

sistema per evitare di dover continuamente 

asportare lo “sfrido” 

all’esterno. Infatti i detriti derivati dal 

taglio andavano a riempire il vuoto 

creato dall’asportazione dei blocchi 

di materiale, permettendo di mantenere 

costante la distanza tra il suolo 

formato dagli scarti e il tetto da tagliare 

formato dalla roccia. Questa tecnica 

sfruttava al meglio la proprietà 

dell’ardesia di sfaldarsi lungo piani 

paralleli di scistosità; si praticavano 

quattro profondi solchi nel soffitto di 

roccia delimitando il blocco da 

estrarre, bastava poi conficcare alcuni 

cunei, in fondo al solco e in direzione 

parallela al suolo, che il blocco, per 

effetto della fissilità, con un sordo 

rumore, si staccava lungo un piano 

In questa pagina dall’alto e da sinistra: 

tabernacolo in ardesia dell’Abbazia 

di S. Andrea a Borzone anno 1513; spacchino 

nel momento dello spacco 

di un doppione; 

l’apertura del “libro di pietra”; 

ceppo spaldato in grandi e sottili lastre; 

tetto della chiesa parrocchiale 

di Santa Margherita a Vernazza. 

perfettamente parallelo al soffitto e 

per la forza di gravità andava a cadere 

sui cumuli di detriti appositamente 

sistemati per attutire l’urto. Una volta 

caduto il banco d’ardesia veniva suddiviso 

in ceppi attraverso nuovi 

solchi, questa volta però, in modo più 

comodo, con colpi di piccone dall’alto 

verso il basso. Ancora oggi come nel 

passato, la successiva fase di “schiappatura” 

del ceppo avviene in modo 

completamente manuale con una 

mazzetta di ferro e due scalpelli 

affilati. Si inizia posizionando il blocco 

perpendicolare al terreno, si procede 

dividendo il blocco a metà con 

d u e p r e c i s i c o l p i l u n g o 

un’immaginaria retta; si vede a questo 

punto apparire una netta fessura che, 

leggermente forzata con la scalpella, 

apre un piano di spacco perfettamente 

perpendicolare determinando 

due perfette metà del blocco. Il vero 

e semplice segreto è continuare ad 

aprire la metà della metà del “libro” 

fino ad ottenere fogli sottili dai 5 ai 3 

millimetri. Il procedere di metà in 

metà è determinante, poiché la fessura 

di spacco tende a deviare in direzione 

di un eventuale spessore minore 

del pezzo sottoposto al processo di 

sfaldatura; se si cercasse di laminizzare 

il ceppo iniziando da un lato esterno 

e non dal centro, si otterrebbero 

63


Dall’alto: 

fregio scultoreo realizzato 

da Gloria Campana; 

antico lavatorio con lastra, in ardesia quadrettata, 

per lo scolo dell’acqua; 

“Corbezzolo”, scultura progettata 

e realizzata da Angelo Oliveri 

per la collezione “Oggetti dellla memoria”. 

solamente delle scaglie perché la 

resistenza e l’elasticità delle due parti 

non sarebbero bilanciate. Le lastre 

che si ottengono con la tecnica “a 

spacco”, vengono storicamente utilizzate 

per la copertura dei tetti ed in 

questa funzione possono variare nelle 

seguenti misure: cm. 30x30, 40x40, 

57x30, 57x40, 57x57, fino ad arrivare 

a cm. 75x100 con spessori che variano 

dai 3 ai 30 millimetri. L’impiego 

dell’ardesia per la copertura dei tetti 

risale ad epoche così remote da aver 

dato il nome alla popolazione dei 

“Tiguli”, abitanti preromani 

dell’attuale “Tigullio”, derivato da 

“taegula” ossia “copertura”. Questi 

fogli sui quali la natura aveva scritto 

sottilissime rigature in rilievo, orientate 

in andamenti mossi e paralleli 

come la sabbia dei fondali marini o 

come la superficie del mare increspata 

dal vento, fossilizzando e pietrificando 

ciò che a noi appare impalpabile, 

sono così, singolarmente, finiti a 

coprire le architetture spioventi in 

quello stesso mare che li ha generati, 

creando un’unicità paesaggistica di 

altissimo pregio. Chi lavorava 

l’ardesia si è presto accorto che con 

un particolare attrezzo chiamato 

“frappo” (oggi si usano i macchinari 

per la rettifica dello spessore) si poteva 

cancellare ciò che su quei fogli 

aveva scritto la natura ed ottenere 

una pagina “vergine” dalla superficie 

vellutata, nera, con una straordinaria 

caratteristica in più: bastava inciderla 

con una punta acuminata per ottenere 

segni grigi (che è possibile fissare 

in modo permanente attraverso 

un particolare sistema di inceratura), 

ottenendo così straordinari effetti 

grafici e di rilievo in sottilissimi spessori 

ed utilizzando tutta le potenzialità 

espressive delle textures lasciate 

dai differenti tipi di scalpelli e dai differenti 

modi di utilizzo degli stessi. 

Questa fusione tra potenzialità plastiche 

e segniche ha permesso la realizzazione 

di autentici capolavori, 

come il tabernacolo in ardesia 

64 

nell’Abbazia di Borzone. Un uso sapiente 

delle textures nella modulazione 

plastica delle sculture su ardesia è la 

base per un corretto approccio tecnico 

a questo materiale, materiale dal 

quale non si può pretendere l’ utilizzo 

di grandi spessori e profondità, in 

quanto oltre i 4 cm. di spessore si 

supera il suo fisiologico limite di 

resistenza alle sfaldature spontanee. 

La vera tecnica colta e sapiente, in 

scultura su ardesia, è quella che sa 

sfruttare al meglio la luce rimandata 

dai segni bianchi su fondo nero, sapendo 

diversificarne la rifrazione 

attraverso le differenti qualità del 

segno, aumentando virtualmente la 

plasticità dei volumi scolpiti. La 

capacità dell’ardesia di recepire tracce 

dell’umana attività, sia fisica che 

intellettuale, è ben illustrata da uno 

degli usi più tradizionali di questa 

pietra: quello della lavagna scolastica. 

Dall’immagine dei “fogli” scritti dalla 

natura ai “fogli” riutilizzati da l’uomo 

per la scrittura, si può chiudere il cerchio 

delle curiosità lessicali, ricordando 

che Lavagna è la cittadina ligure, 

località storica, dell’estrazione 

dell’ardesia e prende il suo nome proprio 

da “las”, cioè “pietra”. Per concludere 

può essere utile citare quegli 

artisti che, con un approccio più con-


cettuale ed una nuova metodologia 

progettuale, hanno saputo cogliere e 

comunicare quegli aspetti della cultura 

materiale che hanno maggiormente 

caratterizzato l’estetica di un 

In questa pagina dall’alto: 

“Lettura” di Nadia Nava, 

ardesia sagomata; 

“Lavagnetta portafoto” di 

Luca Calcagno e Massimo Hassid 

realizzata da Lertora Francesca per 

la collezione “Oggetti dellla memoria”; 

“Cofanetto ” di Ugo La Pietra 

realizzato da Ardesia Fontanabuona 

Consorzio Artigiano per la collezione 

“Oggetti dellla memoria”. 

territorio, come ha fatto Ugo La 

Pietra nella collezione “Gli oggetti 

della memoria” commissionata 

d a l l ’ e c o m u s e o d e l l a V a l 

F o n t a n a b u o n a o n e l l ’ o p e r a 

“Nazionalismo” dove la riflessione 

sulle tematiche legate alla territorialità 

raggiunge alti livelli espressivi e 

comunicativi. Nell’opera di Nadia 

Nava, in particolare “Lettura”, il concetto 

dominante di libro di pietra 

creato dalla natura e riscritto 

dall’uomo, passa dalla geniale intuizione 

della storia di un materiale e 

della sua vocazione, (basti citare 

l’opera di Domenico Piola nel coro 

dell’ex chiesa dei Santissimi Girolamo 

e Francesco Saverio a Genova (datata 

1668), alla capacità di emozionare 

con il suo lirismo. 

GLOSSARIO 

Scistosità 

tessitura propria degli scisti cristallini, 

dovuta alla disposizione dei minerali 

lungo piani o direzioni parallele. 

Fissilità 

facoltà di una roccia di dividersi in lastre 

in seguito ad erosione, percussione 

lungo piani paralleli. 

Spacco 

superficie che evidenzia la disposizione 

dei componenti mineralogici della roccia. 

Cava a tetto 

cava realizzata a partire dalla quota inferiore 

del banco di ardesia. 

Sfrido 

detriti delle cave di lavagna 

detti anche “scagioe”. 

Schiappatura 

divisione in lastre del blocco di ardesia, 

dal termine “ciappa”. 

Doppione 

lastra di ardesia che deve subire 

l’ultima sfaldatura in due lastre definitive. 

Laminizzare 

suddividere una roccia fissile 

lungo i piani di scistosità principale. 

Frappo 

attrezzo tradizionale simile ad una piccozza, 

utilizzato per la rettifica del bordo angolato 

di una lastra o, imbracciato con la posizione 

del manico invertita, per la piallatura 

della superficie texturizzata dello spacco. 

65

aree reGioNali oMoGeNee 

LA NUOVA TERRITORIALITà “Opus incertum” 

L’Italia frantumata in tanti territori, luoghi omogenei di attività legate alla cultura materiale 

È sempre più chiara la frantumazione 

per ragioni etniche, culturali, 

economiche, filosofiche...; siamo tanti 

e sempre più diversi, e la diversità 

non è più privilegio, non è più 

emarginazione, ma è diritto. 

Diritto a sviluppare ed esaltare 

le proprie convinzioni e le proprie 

appartenenze senza prevaricazioni. 

CERAMICA DI DERUTA 

RECENTI ACqUISIzIONI 

DEL MUSEO 

A cura di Giulio Busti e Franco 

Cocchi, dal 20/9 al 30/11/03 presso il 

Museo Regionale della Ceramica di 

Deruta, si è tenuta la mostra sulle 

recenti acquisizioni. Nel discorso di 

apertura, il sindaco Mauro Mastice 

ha parlato della prospettiva di 

“Museo Industriale” che l’Ente vuol 

darsi sempre più. Pertanto intende 

evidenziare maggiormente il percorso 

che va dal progetto all’oggetto, cioè 

documentare i momenti di eccellenza 

della ceramica derutese, spaziando 

(ed attingendo) dalle collezioni private 

sino alla documentazione di fab- 

Versatore da farmacia in maiolica 

con decorazioni a grottesche e l'emblema 

della testa di moro, Deruta, 1501, 

Museo Regionale della Ceramica di Deruta. 

66 

brica. Nella fattispecie, dai 16 pezzi 

della farmacia della collezione 

CherubiniCaraffa (seconda metà del 

XVIII secolo) ai progetti artisticiindustriali 

disegnati per la C.I.M.A. del 

XX° secolo, con acquerelli di 

Marcello Fantoni, Nino Strada, Lely 

Loy, Anna Bonazzi, ecc., tutte belle 

cose bene in mostra, a documentazione 

di uno sforzo, una tensione progettuale, 

evidenziata anche dai giusti 

testi del giornale di mostra. Per non 

parlare del versatoio di farmacia 

(Deruta 1501, già collezione 

Sprovieri) in bella mostra, così come 

del piatto con cavallo arabo del feroce 

Saladino, (elegantissimo, prima metà 

del ’500), dei due splendidi albarelli 

da farmacia (sempre del primo ’500, 

periodo d’oro di Deruta, collezione 

Sprovieri anch’essi), delle coeve 

“fuseruole”, lasciate nella loro confezione 

collezionistica primonovecentesca, 

sì che sembra un antico pallottoliere. 

Tutte cose nobili, quindi; 

tutte cose eccellenti, tutti acquisti 

museali resi possibili dalla generosità 

della Fondazione Cassa di Risparmio 

di Perugia, e Carlo Colaiacovo, il 

presidente, ne ha rivendicato il merito, 

sull’utile “giornale di mostra”. 

Eduardo Alamaro 

CERAMICA DI PALERMO 

ARTISTI NEL PIATTO NOVE 

ARTISTI PER CALECA ITALIA 

L’arte in fabbrica, per dare vita ad 

una ricerca d’autore nel segno della 

sperimentazione e del design più 

avanzato. Questa la chiave interpretativa 

di “Artisti nel Piatto”, una collezione 

di piatti dipinti da 9 artisti di 

fama consolidata in Italia e all’estero, 

proposta al pubblico del Primo 

S a l o n e d e l l a C e r a m i c a d e l 

Mediterraneo (Palermo, 816/11/2003 

Fiera del Mediterraneo) da Caleca 

Italia, l’azienda di ceramiche deco- 

La ricerca della differenza ci porta a 

leggere un’Italia frantumata in tanti 

territori, luoghi omogenei di attività 

legate alla cultura materiale. Vengono 

qui presentate le aree che, in questi 

ultimi anni, hanno dimostrato una 

volontà di affermazione della propria 

identità e, contemporaneamente, 

il bisogno di rinnovamento. 

rate a mano che, con oltre 200 anni 

di storia alle spalle, è una delle realtà 

produttive più interessanti del settore. 

Il progetto “Artisti nel Piatto” è 

un’iniziativa voluta dai coniugi 

Gaetano e Rossana Caleca, titolari 

dell’azienda, per ripercorrere un vissuto 

di famiglia degli anni ’50, quando 

casa ed azienda erano frequentati 

da artisti come Gianni Dova, Aligi 

Sassu e Dartel, che si recavano nella 

città tirrenica per sperimentare sulla 

ceramica nuovi concetti artistici. A 

mezzo secolo di distanza, a rivivere 

quell’esperienza artistica e personale, 

sono alcuni dei nomi più significativi 

dell’arte contemporanea: Nicola 

Salvatore, Ignazio Moncada, Alfonso 

Leto, Keizo Morishita, Stefano Pizzi, 

Michele Spadaro, Filippo La Vaccara, 

Ugo La Pietra e Sofia De Mas. Le 

loro opere, realizzate su grandi piatti, 

oggi costituiscono la sezione contemporanea 

del Museo della Ceramica di 

Patti, frutto della donazione della 

famiglia Caleca. Il progetto “Artisti 

nel Piatto” è stato realizzato con il 

contributo dell’Azienda Autonoma di 

Soggiorno e Turismo di Patti e 

Tindari, che ha prodotto il catalogo 

della mostra. Isabella Taddeo 

Piatto in ceramica di Ignazio Moncada.

aree reGioNali reGioNali oMoGeNee 

oMoGeNee 

CERAMICA DI PESARO 

15 DONAzIONI AL MUSEO 

All’interno delle iniziative culturali 

che il Museo delle Ceramiche di 

Pesaro propone per valorizzare la 

grande tradizione della ceramica 

pesarese, occorre segnalare quella più 

importante che ha concluso magnificamente 

il 2003: 15 recenti donazioni 

di ceramiche d’arte contemporanea. 

Più precisamente, le opere provengono 

da 2 manifestazioni cittadine 

dedicate alla ceramica: la Mostra 

Concorso di Ceramica d’Arte indetta 

dal Rotary Club di Pesaro in occasione 

del cinquantenario (315/6) e la 

mostra finale itinerante del Progetto 

europeo Art.Ce.Mo. (Artigianato 

Arte Ceramica Moderna, 328/6). Nel 

primo caso, accanto alle opere dei 

vincitori dei tre premi come prevedeva 

il regolamento del concorso sono 

state donate anche le opere dei segnalati 

e di 2 artisti che hanno deciso 

spontaneamente di lasciare i propri 

pezzi ai Musei Civici. Per Art.Ce.Mo. 

le donazioni provengono da due ceramisti 

greci. L’intento è stato quello 

di sottolineare i risultati delle mostre 

pesaresi, documentare quanto accade 

in città nell’ambito della produzione 

contemporanea, dare nuovo impulso 

alla ceramica. Perché il valore di una 

tradizione antica e prestigiosa come 

la ceramica passa anche attraverso le 

manifestazioni che riesce a promuovere. 

Se si guarda ancora più lontano, 

si intravede un altro obiettivo finale: 

creare una sezione di produzione 

contemporanea ai Musei Civici. (I.T.) 

Orazio Bindelli, sintesi di una stessa ciotola 

sovrapposta, 2003, Musei Civici di Pesaro. 

MARMO DI CARRARA 

L’HORTUS CONCLUSUS 

DI ANTONELLO PELLICCIA 

Al culmine del passaggio collinare tra 

Massa e Carrara, dove il territorio ha 

assunto nella cultura popolare il termine 

“foce”, non più inteso geograficamente 

in riva al mare ma più in 

generale come punto di incontro tra 

le due distinte realtà che in quel 

punto si confrontano, da alcuni giorni 

si incontra un luogo diverso, il 

frammento archeologico di un moderno 

“Hortus Conclusus”, una parete 

ad arco protetta da pilastri, segnata 

dal verde di una siepe di bosso che 

non divide ma lega con l’antistante 

presenza di un monolite in marmo 

bianco di Carrara. Sostiamo in silenzio 

davanti a tale presenza non retorica, 

che non urla né dichiara espressionisticamente 

ma, silenziosa, suggerisce 

alla sensibilità e all’intelletto 

la conoscenza e l’approfondimento di 

notizie e valori; il monolite diventa la 

presenza significativa del ricordo di 

fronte all’ennesima violenza perpetrata 

dagli uomini contro gli uomini 

in un’epoca di barbarie che dal 1943 

giunge fino ad oggi forse dislocata 

solo in altri territori del pianeta. Il 

progetto così raccolto, a tratti quasi 

enigmatico, è opera di un architettoartista, 

di un professore artefice 

della cultura artistica contemporanea; 

Antonello Pelliccia mi ha sottoposto 

gentilmente questo suo contributo 

espressivo alla storia del suo territorio 

ed ho apprezzato con un’ideale 

visita personale i valori di documento 

storico e di significato etico, proprio 

della cultura artistica, rilevando come 

la sua azione risponda con corretta 

intelligenza alla sensibilità contemporanea 

di fronte alla storia. Le 

forme articolate tra il movimento 

della superficie, il sistema chiaroscurale 

degli angoli e degli spigoli conducono 

al valore ed alla componente 

eticoconcettuale della lavagna, di quel 

l u o g o s c o l a s t i c o s p e c i f i c o 

all’insegnamento, al calcolo dei 

numeri, alla poesia del disegno, quel 

luogo in cui nasce simbolicamente 

l’atto della conoscenza; il rosso, il 

verde e la distesa luminosa del bianco 

non sono indicazione di retorica ma 

sono stimoli di luce, tentano di 

avvolgere la nostra presenza nel 

sistema dialettico delle forze, suggeriscono 

la nostra relazione con un 

sistema di tensioni simboliche radi- 

cate nella nostra coscienza critica: 

Pelliccia, con estrema correttezza 

progettuale, ha affrontato e penetrato 

con la nozione di memoria il sistema 

d e l l ’ a r t e c o n t e m p o r a n e a . 

Andrea Del Guercio 

MOSAICO DI CANTÙ 

LUCIO FONTANA A CANTÙ 

Allestita alla Galleria del Design e 

dell’Arredamento (26/10/0331/1/04) 

la mostra intende ricostruire la 

memoria culturale del mosaico pavimentale 

di Lucio Fontana collocato 

nello stesso edificio della Permanente 

di Cantù e voluto dalla lungimiranza 

dell’arch. Renato Radici che progettò 

e realizzò la costruzione tra il 1955 e 

il 1957. Muovendo dalla considerazione 

che la Città di Cantù ha perso la 

memoria di questo significativo intervento 

artistico, la mostra intende 

ricostruirne l’identità non solo 

attraverso la documentazione fotografica 

originaria dell’edificio e delle successive 

modificazioni del mosaico, ma 

anche esplorando analoghi interventi 

dell’artista nell’ambito del suo rapporto 

con architettura, decorazione e 

arti applicate. Accanto a questi aspetti 

connessi con l’identità del mosaico di 

Cantù, la rassegna presenta un percorso 

di opere di Fontana che precedono 

o seguono quel particolare 

momento della sua ricerca, evidenziando 

i punti di contatto con quanto 

l’artista andava inventando su molteplici 

piani operativi. Verrà pubblicato 

il catalogo con un saggio critico di 

Claudio Cerritelli, un dialogo tra 

Paolo Minoli e l’arch. Renato Radici, 

la documentazione fotografica dei 

rapporti tra arte e architettura, gli 

apparati biobibliografici. (I.T.) 

67

S e G N a l a Z i o N i 

ASSOCIAzIONI AUTORI 

ASSOCIAzIONE CULTURALE 

ARTE GIAPPONE 

L’associazione, che ha sede a Milano, 

si fa promotrice di suggestivi eventi e 

mostre che, attraverso colori, suoni, 

riscoperta di tradizioni artigianali 

dimenticate, diventano un momento 

di incontro con la cultura orientale. 

Eredità di un’antica tecnica giapponese, 

il Sakiori consiste nel tingere 

tessuti utilizzando materiali naturali 

come radici, foglie, fiori... Con tale 

tecnica Akiro Nomura, fashion 

designer e artigiano giapponese che 

vanta prestigiosi riconoscimenti nel 

campo delle arti applicate, tinge vecchi 

kimono che vengono poi strappati, 

tessuti nuovamente con altro filo 

pregiato per creare nuovi abiti, reinventando 

lo stile classico giapponese 

per una vestibilità più consona alle 

moderne esigenze. Modernità che 

però si mantiene fortemente legata 

alla poesia che i kimono sono capaci 

di evocare. I colori ed i motivi si ispirano 

alla natura: irregolari linee 

azzurre ci riportano alle onde del 

mare e alle mille sfumature di un paesaggio 

marino, motivi geometrici dai 

colori caldi sembrano evocare i variopinti 

cambiamenti che in natura caratterizzano 

il passaggio dalla stagione 

estiva all’autunno... Abiti belli da 

ammirare, presentati come curiosi 

quadri appesi alle pareti, e anche 

piacevoli e comodi da indossare. 

Isabella Taddeo 

Abito-kimono di Akiro Nomura. 

68 

“SASSI GALLEGGIANTI” 

DI ALFREDO GIOVENTÙ 

“Sasso galleggiante” di Alfredo Gioventù 

Può sembrare un bizzarro scherzo 

della natura, la pomice in effetti è una 

pietra che galleggia, ma lo si può 

escludere da subito, considerando il 

colore e la durezza di quelle pietre 

grigie, con venature bianche, troppo 

simili ai sassi che Bruno Munari 

andava cercando sulle spiaggie del 

Tigullio e che spesso ci portiamo a 

casa ancora calde di sole come oggetto 

vocatore. Come è possibile allora 

che galleggino in una bacinella 

d’acqua, se non sono di pomice e 

sembrano sassi, tra l’altro assolutamente 

identici a quelli sul fondo del 

vetro? È possibile perché sono realizzazioni 

di Alfredo Gioventù, ceramista 

che da tempo ci ha abituati a 

camminare con lui sul filo tra artificio 

e natura, e grazie alle possibilità 

espressive dei grès cotti ad alta temperatura, 

a trovare nuovi percorsi tra 

emozione e riflessione. Così questa 

“anima” del sasso, che riesce ad elevarsi 

senza perdere la sua materialità, 

può rimanere in bilico tra smaterializzazione 

e nuova coscienza di sé o 

rimandarci ad un semplice sorriso di 

stupore. Per rappresentare al meglio 

questa ricerca, l’autore ha realizzato 

durante due mostre collettive differenti 

installazioni sul tema: una ad 

Erba in occasione della Fiera 

dell’Artigianato, nella sezione “I maestri”, 

di carattere più scenografico, 

l’altra ad Albissola, presso il museo 

per la ceramica Manlio Trucco, in 

occasione della mostra “Trisart”, 

curata dal centro culturale Paraxo, di 

sapore più concettuale. (D.M.) 

MARCO FANTINI 

La prima mostra personale dell’artista 

milanese Marco Fantini ha aperto la 

stagione artistica della Galleria 

Antonio Battaglia di Milano. 

Quattordici opere inedite dello stesso 

formato (50X50): taccuini di fatti non 

accaduti, cortocircuiti mentali compressi 

all’interno di spazi incerti e 

barcollanti, teschi beffardi ridenti e 

irridenti, rebus e strani “topolini” 

stupiti e consunti. “Mickey Mouse”, 

soggetto che l’artista elabora dal ’95, 

emerge come un tentativo demitizzante 

di ogni icona. Difficile riassumere 

la traccia di questa mostra, una 

pittura brutale, istintiva, sofferta, 

comunque raffinata, quella di Fantini, 

artista che non dà risposte chiare di 

sé. Gli ultimi lavori, di grande formato, 

che vanno a completare la mostra 

sono alleggeriti da modalità grafiche 

e geometrie inesatte, spesso giocate 

sui forti contrasti dei bianchi e dei 

neri che ritagliano le figure rendendole 

autonome, irriverenti e quasi 

comiche se raffrontate alla destabilizzante 

inquietudine dei loro sfondi. 

Opera su carta di Marco Fantini. 

RAkU DI MARISTELLA PERIN 

L’antica tecnica giapponese “Raku”, 

strettamente legata alla produzione di 

ciotole per la cerimonia del tè, ha 

origini nella filosofia buddista e cominciò 

a diffondersi in Europa a partire 

dagli anni ’40 raggiungendo però 

l’apice del suo sviluppo in America 

negli anni ’60 quando si assistette ad 

un rinnovamento delle tecniche, specialmente 

nella costruzione dei forni 

per la cottura dei manufatti. Da allora 

molti artisti ceramisti di tutto il 

mondo hanno sperimentato e amato 

il “raku”, affascinati dalle ampie possibilità 

di improvvisazione creativa e 

dalla componente spettacolare che 

accompagna le fasi di cottura. Questa

S S e e G G N N a a l l a a Z Z i i o o N N i i 

Grande piatto raku di Maristella Perin. 

tecnica è espressione di una concezione 

della vita che aspira all’armonia 

tra la natura e l’uomo: l’uomo infatti 

è coinvolto in una serie di azioni nelle 

quali gli elementi determinanti sono 

la terra, il fuoco e l’acqua, tre elementi 

che costituiscono l’essenza 

della vita. Questo legame tra creatività 

umana e vitalità degli elementi 

naturali ha spinto Maristella Perin, 

g i o v a n e a r t i s t a a r t i g i a n a d i 

Castelseprio, verso il “raku”, arte che 

ha saputo assimilare ed interpretare 

con sapienza e raffinatezza. Le sue 

forme pure, come le particolari piastrelle 

o i grandi piatti, sono attraversate 

e contaminate da suggestioni 

cromatiche e textures complesse. 

L’armonia delle proporzioni viene 

spezzata da linee inusuali e affascinanti 

che si insinuano in queste forme 

archetipiche, risultati che sono frutto 

in parte della componente casuale 

propria di questa tecnica e che ci 

ricordano il forte legame con i processi 

naturali. (I.T.) 

NINA 

Ceramista originaria di Erevan 

(Ar-menia) vive e lavora a Parigi; a lei 

la Galleria Magenta 52 dedica una 

per-sonale dal 13/1 al 7/2/2004. Nina 

si è lasciata affascinare dalla forma 

ance-strale della sfera evocatrice della 

terra in tutta la sua pienezza e sferiche 

so-no tutte le sue sculture in 

ceramica, elementi primitivi e misteriosi. 

Legata alla purezza delle sue 

sfere mistiche, Nina interviene solamente 

con un bicromatismo: nero e 

bianco. Il disegno si assoggetta alla 

forma, un disegno raffinato in cui si 

esprime tutta la forza espressiva 

dell’autrice. Corpi che si avviluppano 

su queste sfere, corpi di cui possiamo 

leggere la storia attraverso un percorso 

di poesie e racconti che accompagnano 

le opere e le completano. 

(I.T.) 

RINO LIMIDO 

Pittore, scultore, ceramista, un vero 

artista poliedrico, una personalità 

complessa e affascinante nel panorama 

artistico del varesotto. Schivo alla 

mondanità e riservato nel parlare del 

suo lavoro, Rino Limido si definisce 

semplicemente un ricercatore, uno 

sperimentatore nell’arte. Numerose 

sono le mostre collettive a cui ha 

preso parte (ricordiamo anche 

un’importante personale presso la 

Galleria 3 di Varese nel 1989), sue 

opere figurano in importanti collezioni 

private e pubbliche, molti sono i 

giornalisti e i critici d’arte che hanno 

parlato di lui come l’amico Silvio 

Zanella: “Le sue opere sono forma, 

disegno, materia, colore; sono spontaneità 

e improvvisazione. Sono 

anche risultato di ricerca e casualità: 

può sembrare contraddittorio, ma è 

così, perché così è la vita” (Silvio 

Zanella). Negli anni ’80, la sua attenzione 

comincia a spostarsi anche 

verso la ceramica: proprio mentre nei 

suoi quadri si avverte un progressivo 

sgretolarsi del segno che potrebbe 

rimandare alla pittura segnica e informale 

ecco il recupero della forma con 

un nuovo materiale, un’esigenza che 

avverte come primaria. “Le tentazioni 

della forma” rappresentano per 

Limido il tema costante della sua 

sperimentazione nel campo della 

ceramica, arte appresa attraverso la 

frequentazione di artisti ceramisti 

come Luciano Morosi e proseguita 

da autodidatta nella sua casalaboratorio, 

dove si è concentrato soprattutto 

sul raku affascinato da quella componente 

in parte casuale e spettacolare 

tipica di questa tecnica. Nelle sue 

opere sembrano trapelare echi 

dell’infanzia, i colori rosa e gli azzurri 

di un romanticismo sofferto, mai gri- 

dato, interiorizzato e apparentemente 

sublimato, un immaginario fantastico 

dove però la tragicità e l’inquietudine 

dell’esistenza emergono con sottile 

ironia attraverso un accostamento 

stridente con altri materiali come 

legno, tronchi segnati dal tempo, 

vetri colorati ma taglienti e forme 

archetipali ricorrenti. (I.T.) 

WELMA CARITà 

Sperimentatrice nel campo della 

ceramica, come ama definirsi, ha scoperto 

il piacere di manipolare l’argilla 

dal fortunato incontro con il maestro 

cileno Sergio Tapia Radic, artista 

ceramista con cui ha condiviso parte 

del suo lavoro. Nel corso degli anni 

l’esigenza di approfondire lo studio 

intorno al tema delle arti applicate 

l’ha indotta a sperimentare anche 

altre tecniche (pittura a olio, lavorazione 

del legno, progettazione di gioielli 

a cera persa, batik, ecc.), ma la 

ceramica è diventata ora la sua vera 

vocazione. Nel suo laboratorio, a 

Cerro Laveno, Welma affianca alla 

Vaso in raku di Welma Carità. 

69


produzione di oggetti realizzati con 

la tecnica raku, come ciotole, piatti e 

vari complementi (camini in terracotta 

sono ambientati in varie ville in 

Toscana, Liguria, Lombardia), quella 

di scultrice. Il professor Renato 

Polacco, docente di Storia dell’Arte 

all’Università di Venezia, scrive in 

merito al suo lavoro: “Nonostante 

Welma Carità consideri ogni suo 

momento produttivo un momento di 

intimità che la isola dalla convulsa 

vita di tutti i giorni, è innegabile che 

ella è in possesso di un enorme e ben 

radicato bagaglio di scultura classica 

greca e romana, che costituiscono i 

fondamentali riferimenti di ogni sua 

opera. (…) i messaggi dell’antico 

sono molti, ma la sincretizzazione di 

essi è vissuta dall’artista in forme 

assolutamente personali, che cercano 

un’atmosfera di serenità e un raccoglimento 

interiore”. Periodicamente 

Welma espone in gallerie d’arte della 

provincia e molte sue opere appartengono 

a collezioni private. (I.T.) 

LAURA FERRARIO 

“Omaggio a Mucha”, vetrata di Laura Ferrario. 

L’artista-artigiana si propone alla 

nostra attenzione per tre creazioni 

volte a raggiungere un obiettivo: la 

luce. La prima, intitolata Omaggio a 

Mucha, è l'interpretazione della famosa 

vetrata liberty La donna dei Disegni: 

si tratta di una vetrata legata a piombo, 

dipinta in monocromo con il 

metodo tradizionale della grisaille 

francese, tecnica che ha origine nel 

XII secolo, raggiunge il massimo 

splendore al tempo delle grandi cattedrali 

gotiche e, dopo un periodo di 

anonimato, rinasce con l'Art 

Nouveau. La seconda, Il Quinto 

Giorno: Genesi di Pesci e Uccelli, è una 

vetrataa a tema biblico, sempre legata 

70 

a piombo e dipinta a grisaille, con 

una struttura più complessa e tecniche 

antiche e moderne; è presente 

anche la vetrofusione con sfumature 

ed effetti dal sapore materico. Il terzo 

lavoro è un piatto in vetrofusione, 

originale complemento di arredo 

ottenuto lavorando lastre di diverso 

colore e dando al vetro una forma 

concava. La Ferrario sintetizza così il 

suo lavoro: “Ho provato a recuperare 

una tecnica millenaria e a farla rivivere 

in una creazione moderna, rispettando 

la tradizione ma nel contempo 

ispirandomi a un contesto 

contemporaneo”. Sara Tomasella 

I CORALLI SCARLATTI 

DI GIO & kATI 

Colpiscono soprattutto l’intricata 

trama dei rami e il bel rosso acceso 

nelle creazioni di Giovannella (Gio) 

Montorselli e Kathaline (Kati) 

PageGuth, 2 artigiane fiorentine che 

si ispirano al collezionismo delle 

Wunderkammer proponendo, con la 

griffe “Rosso & Dintorni”, imitazioni 

rigorosamente fatte a mano dei preziosissimi 

cespugli corallini. La base 

è in legno tornito, modellato in varie 

forme per lo più classicheggianti, ed 

è laccata in nero o in abbinamenti di 

colori neutri, ma anche tartarugata o 

impreziosita (con piedi di leoni, conchiglie, 

fili d'oro). Tutto perché risalti 

il contorcimento scarlatto dei ramoscelli 

che si levano al cielo, secondo 

le leggi imperscrutabili del caso nei 

coralli autentici, ubbidendo invece a 

un pazientissimo lavoro di ricostruzione 

in questi straordinari manufatti, 

che proprio nella realizzazione trovano 

la caratteristica più genuina. Per 

restituire l’idea delle infinite evoluzioni 

e asperità degli originali, Gio e 

Kati procedono infatti segmento per 

segmento, anche di pochissimi millimetri. 

E così avanzano, certosinamente, 

curva dopo curva, una dira- 

mazione dopo l’altra, incollando, 

scartando, gessando e scartando 

ancora, fino a risolvere il progetto in 

intrighi di rami simili del tutto ai 

modelli osservabili in natura. Un 

bagno di lacca corallina completa 

un’opera di sorprendente complessità. 

Sono oggetti belli da vedere, 

curiosi in sé, molto decorativi: stanno 

benissimo dovunque e ne basta uno 

soltanto per dare luce e spessore a un 

ambiente. La diversità delle forme e 

delle dimensioni favorisce, istintivamente, 

anche l’idea del collezionismo 

nel più puro stile Wunderkammer 

oggi di nuovo in voga. Le 

Wunderkammer, si sa, erano le stanze 

delle meraviglie in cui facoltosi e 

cosmopoliti di un tempo raccoglievano 

i più eterogenei reperti del mondo 

della natura: animali, piante e minerali 

(in latino, naturalia), manufatti 

(artificialia) e bizzarrie (curiosa). 

Forme e dimensioni diverse sono 

peraltro all’origine della scala dei 

prezzi a partire da 100 Euro. Le creazioni 

di “Rosso & Dintorni naturalia, 

artificialia, curiosa” esposte alla 

mostra Artigianato e Palazzo, dal 16 

al 18/5/2003 a Palazzo Corsini di 

Firenze, si trovano a Milano da 

“L’utile e il dilettevole”, a Firenze da 

“Studio Puck” e a Roma da “Sisters”. 

(Davide Viganò) 

CORSI - CONCORSI 

PREMIO VADO MARTINI 

Nell’ambito della 2 a Biennale di 

Ceramica nell'Arte Contemporanea, 

il Premio Vado Martini è stato assegnato 

a Jeppe Hein per l’opera “Si 

prega di non toccare le opere d’arte” 

in seguito alle seguenti motivazioni: 

opera che manifesta la capacità 

dell’artista di aver fatto interagire la 

tradizione locale della ceramica con 

le proprie radici culturali; grande abilità 

nell’inserimento del mezzo ceramico 

all’interno della ricerca contemporanea; 

notevole capacità progettuale; 

capacità di interazione e coinvol


“Tapis du piéton”, bassorilievo di Wang Du. 

gimento del pubblico che diventa, di 

volta in volta, parte integrante 

dell’opera; richiamo al valore del rapporto 

tra visitatore e opera d’arte 

all’interno di un contesto museale; 

opera realizzata da uno degli artisti 

più giovani e nel contempo apprezzato 

e affermato a livello internazionale. 

La giuria era composta da: Arrigo 

Cameirana (storico della ceramica), 

Cecilia Chilosi (storica della ceramica), 

Eliana Mattiauda (direttrice 

Pinacoteca Civica di Savona), 

Almerino Lunardon (presidente della 

Commissione Cultura, Fondazione 

“A. De Mari” Cassa di Risparmio di 

Savona), Daniele Perra (caporedattore 

Tema Celeste), Michele Robecchi 

( m a n a g i n g e d i t o r F l a s h A r t 

International). Jeppe Hein (1974 

Copenhagen) vive a Berlino, è nipote 

dell’artista danese Asger Jorn ed è 

stato invitato alla Biennale da 

HansUlrich Obrist, curatore del 

Museo d’Arte Moderna di Parigi; nel 

2003 ha anche esposto alla 50 a 

“Si prega di non toccare le opere d’arte”, 

opera di Jeppe Hein. 

Biennale di Venezia, alla Fondazione 

Caixa di Barcellona, al Museo 

Ludwig di Colonia e alla Fondazione 

D e A p p e l d i A m s t e r d a m . 

Nell’occasione è stato inoltre assegnato 

il Premio Speciale della Critica 

agli artisti Wang Du, per l’opera 

“Tapis du piéton” e Nedko Solakov, 

per l’opera “Fear”. (S.T.) 

FELTRO A MILANO 

Se è esistita ciò che idealmente chiamiamo 

la “via della seta” è esistita 

anche quella d’un materiale più umile 

ma non meno importante, il feltro, le 

cui origini sono antichissime e perm 

e a t e d a m i t i e l e g g e n d e . 

Sicuramente se ne trovano tracce in 

contesti umili, all’interno di alcune 

popolazioni nomadi dell’Asia minore 

che praticavano la transumanza e che 

lo usavano per ricoprire le tende dove 

vivevano, per ripararsi dalla pioggia e 

dal freddo. Per realizzare un feltro 

infatti non occorrono particolari strumenti 

ma solo la materia prima, la 

lana, che viene cardata e follata, cioè 

battuta, usando generalmente mani, 

gomiti e piedi (per le tribù eurasiatiche 

la battitura diventava una suggestiva 

danza). Il feltro veniva steso al 

suolo e ripetutamente bagnato con 

acqua calda mista a sapone, rullato e 

poi arrotolato. Segni e disegni potevano 

nascere in qualunque momento 

dall’inserimento di lane di diverso 

colore che si amalgamavano con lo 

strato sottostante. Le sue potenzialità 

espressive e questa grande libertà 

d’azione ha richiamato l’attenzione di 

molti stilisti e designers che negli 

ultimi anni lo hanno utilizzato per 

moltissime creazioni originali. Tutti 

possono apprenderne la tecnica 

attraverso i corsi proposti dell’atelier 

FuoriClasse di Milano: laboratorio 

creato da Matilde Trapassi con molti 

anni di esperienza su tale materiale, 

mostre e laboratori didattici realizzati 

in diverse città italiane. Esperienza 

che, con valenti assistenti, pazienza 

ed entusiasmo, mette a disposizione 

di tutti coloro che vogliono ampliare 

i propri orizzonti su materiali inusuali 

per realizzare oggetti, accessori, arazzi 

e qualunque altra cosa suggerisca la 

fantasia. (S.T.) 

L’ORO DEL VASAIO 

XXIV EDIzIONE 

MONDIAL TORNIANTI 

Quarantotto i concorrenti che si sono 

sfidati “a colpi di tornio” e hanno 

dato prova della loro abilità in occasione 

della XXIV a edizione Mondial- 

Tornianti, tenutasi a Faenza il 7 e l’8 

luglio 2003. Per il campionato mondiale 

tecnico “maestri” il primo classificato 

è stato Francesco Motolese di 

Grottaglie (TA), la città di antica 

tradizione ceramica con il maggior 

numero di iscritti (dieci). La squadra 

vincitrice è stata invece quella di 

Deruta (PG). Nel campionato mondiale 

tecnico donne la prima classificata, 

Doriana Usai di Assemini (CA), 

si è aggiudicata la medaglia d’argento 

della nostra rivista. (D.V.) 

EVENTI 

VALTER BOJ: PINI PER IL WWF 

Dal termine della scorsa estate, nel 

contesto del progetto “Arte Natura”, 

5000 pini marittimi in ceramica con 

marchio di qualità sono stati realizzati 

a mano con la collaborazione 

della Ceramica Cecchetto di Nove. 

L’iniziativa, ideata dall’artista Valter 

Boj, ha lo scopo di aiutare il WWF 

nel ripristino delle coste liguri tramite 

“un’opera-simbolo della natura 

e del mare” e si sta estendendo a livello 

nazionale in collaborazione con 

la Banca AntonVeneta e con il WWF 

Italia. Molte le istituzioni che hanno 

già aderito al progetto, visibili sul sito 

www.valterboj.com. Per partecipare, 

viene richiesta semplicemente una 

adesione che prevede di collocare i 

pini in ceramica in un espositore di 

centimetri 40x60 con una locandina 

descrittiva dell’evento. (S.T.) 


ARTE E DESIGN A NEW YORk 

A New York si è da poco conclusa, 

c o m e o g n i a n n o , l a F i e r a 

Internazionale di Arte e Design 

(19002003), diretta ora da Brian e 

Anna Houghton. Molte le categorie 

in esposizione: ceramiche, vetri, 

mobili, arazzi, gioielli, sculture. Tra 

71


le 36 gallerie partecipanti, massiccia 

la presenza americana, alcune francesi 

ed inglesi, una svedese, ed una italoamericana 

(Gioielliere Sabbadini, 

con sedi a Milano e New York). 

Aggirandosi tra gli stands, è stato facile 

notare il movimento artistico 

meglio rappresentato, senz’altro l’Art 

D é c o , d i g r a n d e p o p o l a r i t à 

nell’America Nordorientale. A tale 

proposito, la Galleria francese 

Jacques de Vos, specializzata in 

questo periodo storico, ha esposto 

sculture e mobili di grande raffinatezza 

e eleganza. Tuttavia gli espositori 

hanno anche presentato parecchi 

manufatti contemporanei e di altri 

periodi, quali gli anni ’50/’60. In vista 

diversi artisti e designers italiani tra 

cui Gio Ponti, Piero Fornasetti ed il 

pittore Alberto Morrocco, rappresentato 

dalla John Martin di Londra. 

Particolarmente belli e interessanti 

gli oggetti della galleria Tai, specializzata 

in arti tessili (www.textilearts. 

com) e con sede a Santa Fé, Nuovo 

Messico, una delle zone americane 

più ricche di tradizioni artigianali. 

Per la ceramica contemporanea, 

Adrian Sassoon ha portato da Londra 

diversi suoi artisti e designers inglesi. 

( w w w . a d r i a n s a s s o o n . c o m ) . 

Andrea Caruso 

MOSTRE 

ART DéCΟ IN ITALIA 

Prosegue fino al 13/4/2004 la mostra 

a cura di Rossana Bossaglia e Alberto 

Fiz, presso il Museo Archeologico 

Regionale di Aosta, che si configura 

come il primo evento specificatamente 

dedicato all'analisi dell'Art 

Déco in Italia e consente d'indagare 

il fenomeno nel suo complesso facendo 

emergere la sua specificità culturale 

e artistica. Attraverso un percorso 

particolarmente suggestivo, 

vengono presentate oltre centocinquanta 

opere provenienti da 

importanti collezioni pubbliche e private 

italiane tra cui: Mart di Trento e 

Rovereto, Galleria d'Arte Moderna 

di Torino, Galleria del Costume di 

Palazzo Pitti di Firenze, Museo 

Richard Ginori della Manifattura di 

Doccia di Sesto Fiorentino, collezione 

Buccellati e collezione del 

Credito Emiliano di Reggio Emilia. 

La selezione comprende arredi, dipinti, 

sculture, manifesti, ceramiche, 

vetri, argenti, abiti, gioielli, cartoline 

e riviste illustrate, la maggior parte 

risalenti agli anni ’20, periodo cruciale 

dell'esperienza Déco. Molti i 

72 

protagonisti della rassegna, tra cui è 

s u f f i c i e n t e s e g n a l a r e G u i d o 

Andlovitz, Giacomo Balla, Umberto 

Brunelleschi, Galileo Chini, 

Fortunato Depero, Marcello 

Dudovich, Ivanhoè Gambini, 

Alessandro Mazzucotelli, Arrigo 

Minerbi, Gio Ponti, Enrico 

Prampolini, Mario Sturani, Adolfo 

Wildt e Vittorio Zecchin, a cui vanno 

aggiunte le manifatture Lenci e 

Richard Ginori. (I.T.) 

E IL DUOMO TOCCÓ IL CIELO 

Con questa mostra in programma dal 

24/10/03 al 31/1/04, la Veneranda 

Fabbrica del Duomo apre il sipario 

su un’altra inedita sezione del grande 

patrimonio della Cattedrale e della 

sua ricca e affascinante storia. Questa 

mostra non vuole solo gettare uno 

sguardo sul passato ma, illustrando la 

storia della costruzione della facciata 

ne sottolinea il valore storicoartistico 

e quindi dà il senso a qualsiasi intervento 

di recupero e salvaguardia su di 

essa come quello ora in corso, nella 

prospettiva della conservazione per il 

futuro. Attraverso i disegni conservati 

nell’Archivio della Fabbrica, di cui 

molti inediti, la mostra ripercorre le 

principali vicende fra la prima dominazione 

austriaca e il Regno d’Italia 

affrontando ed approfondendo, 

attraverso la realizzazione della facciata 

e della guglia maggiore, le grandi 

tematiche architettoniche e cultura 

l i s v o l t e s i i n q u e g l i a n n i . 

L’esposizione si tiene nelle sale 

101112 e, nelle successive sale del 

Museo, attraverso le opere esposte, è 

possibile completare il percorso 

architettonico affrontato con uno 

sguardo completo sull’epoca, con testimonianze 

di pittura e scultura: dai 

rilievi creati per la facciata ai modelli 

in terracotta e in legno per la 

Madonnina, alla sua intelaiatura 

interna. Catalogo Skira, info Museo 

d e l D u o m o t e l . 0 2 / 8 6 0 3 5 8 . 

(I.T.) 

COSA C’È DIETRO AL kIMONO 

Nella splendida cornice di Palazzo 

Barolo di Torino si è svolta la mostra 

dal titolo “Cosa c’è dietro al kimono” 

ideata, organizzata e coordinata da 

Consolata Pralormo, un suggestivo 

viaggio nella tradizione, negli usi e 

costumi del Giappone. In particolare 

si è potuta ammirare una collezione 

privata di kimono dei secoli XIX e 

XX, affiancata a una collezione 

attuale proveniente dalla Città di 

Tokamachi, una delle città leader del 

Giappone per la produzione di kimono, 

gemellata con Como da 27 anni. 

Uno sguardo sullo stile di vita giapponese 

attraverso la cerimonia del tè, 

l’ikebana, la calligrafia, la vestizione 

del kimono, oltre che filmati, 

fotografie, presentazione di libri e 

personaggi che hanno completato la 

rassegna rendendola vero e unico 

evento sul Giappone. Per approfondire 

la conoscenza di questa nazione, 

oggi più che mai al centro 

dell’interesse e delle mode, sono stati 

organizzati laboratori didattici, seminari, 

conferenze e un’ampia sezione 

sul Giappone, oggi vero e proprio 

fashiontrender e fonte di ispirazione 

per mode e nuovi stili di vita: dagli 

stilisti ai manga, la nuova musica, il 

sushi e il tatami, la geisha, le ultime 

tendenze, Banana Yoshimoto e il 

packaging ispirato alle linee giapponesi... 

Tanti spunti interessanti e 

curiosi per avvicinare una civiltà lontana 

e affascinante, che affonda le 

radici nella tradizione ma è da sempre 

proiettata nel futuro. Tutta 

Torino ha partecipato all’evento proponendo 

un itinerario shopping alla 

scoperta di ristoranti giapponesi, 

show room attenti all’oggettistica e ai 

complementi d’arredo di ispirazione 

orientale o originali giapponesi, atelier 

di moda con abiti dal particolare 

taglio sartoriale simile a quello dei 

kimono. (I.T.) 

IL BOTTONE 

Nel Padiglione Reale della stazione 

centrale di Milano si è svolta una 

affascinante mostra su un insolito 

oggetto: il bottone (i proventi sono 

stati devoluti alla Comunità di S. 

Egidio ACAP Onlus). Organizzata 

dal Circolo Culturale “I Navigli” a 

cura del collezionista Franco Jacassi, 

la mostra ha presentato migliaia di 

bottoni di varie epoche, realizzati in


diversi materiali, a testimonianza 

dell’evolversi di un oggetto tanto 

familiare e d’uso quotidiano quanto 

raffinato e prezioso. Il percorso partiva 

dalle raffinate romanticherie e 

miniature in avorio o underglass ’700, 

per arrivare alle preziose lavorazioni 

cut steel, ai picture buttons vittoriani 

in metallo stampato, alle madreperle 

finemente cesellate. E ancora smalti 

francesi ’800 e del periodo liberty, 

bottoni intrecciati con fili di seta colorata, 

oro e argento di Paul Poiret 

dei primi ’900, tartaruga, corno, gli 

americani gay nineties, i bottoni di 

vetro e poi plastiche, bachelite e luciti 

americane dell’Art Déco, fino alle 

lavorazioni artigianali italiane in galatite 

degli anni ’30’60. La mostra è 

stata impreziosita dall’intervento del 

fotografo Alfredo Sabbatini che ha 

interpretato magicamente il tema, 

rendendo questo piccolo oggetto 

protagonista indiscusso e gioiello 

ammaliatore. (I.T.) 

INTERNI ITALIANI 

In data 24/6/03, alla Kunsthaus 

Tacheles di Berlino, Oranienburger 

Str. 5456, si è inaugurata la terza edizione 

di “Interni Italiani”, rassegna 

itinerante a cura di Edoardo Di 

Mauro e Walter Vallini, dedicata alla 

creatività italiana nell'ambito esemplare 

delle arti visive di matrice 

oggettuale e del design che, dopo 

aver toccato Lisbona e Praga nel 

2002, prosegue il suo percorso europeo 

approdando in un centro di grande 

rilevanza culturale come Berlino. 

La mostra, allestita all'interno dello 

spazio postindustriale della Kunsthaus 

Tacheles, collocato in pieno centro, è 

realizzata in collaborazione con l'Istituto 

Italiano di Cultura, il quale presenta 

l'evento nell'ambito dell'importante 

Festival della Cultura Italiana 

organizzato a Berlino sul tema “La 

Dolce Vita”, dal 20/6 al 6/7/03. 

“Interni Italiani” rappresenta alla 

perfezione il connubio tipico fra 

oggetti del design d'avanguardia e 

arti plastiche, secondo le regole del 

buon gusto italiano. Tra i designer 

invitati citiamo M. Duranti che presenta 

i prodotti di Glass e Gumdesign 

che presenterà i prodotti di Elios 

Ceramica e Nuova Ceramica 

Ternana. La mostra prosegue fino al 

27/7, con il patrocinio del Ministero 

per gli Affari Esteri, Regione 

Piemonte e Comune di Parma. 

(D.V.) 

PUBBLICAzIONI 

IL CANTO DEL CARRETTO 

Signore delle strade di campagna dissestate 

e impraticabili del secolo scorso, 

il carro agricolo è oggi una 

memoria del passato che figura solo 

(miniaturizzato in legno o ceramica) 

nella paccottiglia dei “souvernirs”. 

Giovanni Virgadavola, carrettiere e 

poeta dialettale, autore di vari volumi 

di poesie ispirati alla vita contadina 

ha raccolto in un particolare museo 

(a sue spese) le sue memorie intorno 

al carretto siciliano (decine e decine di 

manufatti dai colori squillanti, ruote, 

pennacchi, chiavi, gualdrappe, ...) 

considerandolo un fatto culturale e 

un sedimento popolare del passato. 

Virgadavola, mecenatecustode di 

questa tradizione, ha inoltre raccolto 

nel libro “Il canto del carretto” (di 

Giovanni Virgadavola stampato dalla 

Tipolitografia “Leggio & Diquattro” 

Ragusa, settembre 1996) pregevoli 

riproduzioni fotografiche, documenti 

storici e ricordi di gioventù; un libro 

che vuole documentare origini ed 

evoluzione storica di questo pittoresco 

mezzo di trasporto, un bel volume 

che consigliamo a chi vuole viaggiare 

con la mente ed il cuore in una Sicilia 

un po’ dimenticata. (I.T.) 

IL MANIFESTO DELLA 

“FOIRE DE SAINTOURS” 

Manifesto per la 995 a Foire de Sait-Ours 

realizzato da Franco Balan, 1995. 

Quella del manifesto della “Foire de 

SaintOurs” è ormai tradizione nella 

tradizione. Da più di trent’anni viene 

indetto uno specifico concorso internazionale 

per l’immagine grafica in 

occasione dell’edizione annuale (30 e 

31 gennaio) di un evento ormai 

diventato il più importante appuntamento 

dedicato all’artigianato di 

tradizione delle Alpi. È il manifesto 

della fiera il protagonista del volume 

curato da Franco Balan (uno dei suoi 

grandi illustratori), Rino Girotto, 

Mario Piazza, edito da Imprimerie 

Valdotaine e sostenuto dalla Regione 

Autonoma Valle d’Aosta; pubblicazione 

che contiene splendide fotografie 

storiche dell’esposizione artigiana e 

di oggetti rari e preziosi in legno che 

hanno, di volta in volta, ispirato gli 

artisti per il manifesto. Un interessante 

percorso, nella storia di una 

regione ricca di cultura artigiana, 

fatto dal punto di vista di un evento 

che ripercorre antiche tradizioni mai 

scomparse, anzi sempre affascinanti, 

vive e rinnovate. (I.T.) 

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Ai lettori che avessero intenzione 

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attuali RicoRdiAmo che, anche 

per il prossimo anno, tutti i nostri 

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la pubblicazione di una foto. 

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73

CaleNdario deGli eVeNti 

mostre 

ITALIA 

CAMPANIA 

PADULA (SA) 

Le Opere e i Giorni Due 

Il Precetto. Ortus Artis 

18 luglio 2003 - 30 aprile 2004 

Certosa di San Lorenzo a Padula 

tel. 0975.77745 • 089.2573217 

EMILIA ROMAGNA 

BOLOGNA 

Le immagini del corpo 

17 gennaio - 25 febbraio 2004 

Galleria de' Foscherari, via Castiglione 2/b 

tel./fax 051.221308 • www.defoscherari.it 

Odun: helga franza, michela lorenzi 

beatrice pasquali 

17 gennaio – 28 febbraio 2004 

Galleria Arte e Arte, Galleria Falcone- 

Borsellino 1/c - 40123 Bologna 

tel. 051.6569049 • fax 051.2911854 

info@arteearte.it • www.arteearte.it 

La cattedrale scolpita 

Il romanico in San Pietro a Bologna 

13 dicembre 2003 - 12 aprile 2004 

Museo Civico Medievale di Bologna 

via Manzoni 4 

tel. 051.203916 • fax 051.232312 

museiarteantica@comune.bologna.it 

PIACENZA 

Ludovico Mosconi. Inquiete Stelle 

1 novembre 2003 - 18 gennaio 2004 

Palazzo Gotico, info: Piacenza Turismi 

tel. 0523.305254 • fax 0523.309298 

RAVENNA 

Mondino Aldo-logica 

16 novembre 2003 - 15 febbraio 2004 

Alberto Giacometti 

13 novembre 2004 - marzo 2005 

Le 2 mostre Museo d’Arte della Città 

Loggetta Lombardesca, via di Roma 13 

tel 0544.482791-75 • fax 0544.482092 

ufficio.stampa@museocitta.ra.it 

REGGIO EMILIA 

WAL 

7 dicembre 2003 - 1 febbraio 2004 

Sala Esposizioni - Chiostri di S.Domenico 

via Dante Alighieri, 11 

tel. 0522.451722 • musei@municipio.re.it 

LAzIO 

ROMA 

Vetrine alla Calcografia 2003: 

Sislej Xhafa. See no evil/hear no evil/ 

speak no evil 

Maurizio Donzelli. Spettacolo di niente 


Le 2 mostre presso Palazzo Fontana di Trevi 

tel. 06.69980238 • fax 06.69921454 

78 


Salvatore Scarpitta. L’opera su carta 


Istituto Nazionale per la Grafica 

via della Stamperia, 6 

tel. 06.699801 • fax 06.69921454 

LOMBARDIA 

BERGAMO 

Another zero 

6 febbraio - 2 maggio 2004 

GAMeC, via San Tomaso 53 

tel. 035.399529 • www.gamec.it 

BUSTO ARSIZIO (VA) 

Progetto Libro. In forma di libri 

18 ottobre 2003 - 29 marzo 2004 

Progetto Libro. I giochi di 

pulcinoelefante, piccoli libri d’artista 

13 marzo - 30 maggio 2004 

Le due mostre presso Fondazione Bandera per 

l’Arte, via Andrea Costa 29 

tel. 0331.322311 • fax 0331.398464 

CANTÙ (CO) 

Lucio Fontana e il mosaico di Cantù 

27 ottobre 2003 - 31 gennaio 2004 

Galleria del Design e dell’Arredamento 

piazza Garibaldi, 5 

tel. 031.713114 • fax 031.713118 

COMO 

Joan Mirò. Alchimista del segno 

13 marzo - 6 giugno 2004 

Villa Olmo, info@mirocomo.it 

tel. 031.252402 • fax 031.713118 

CREMONA 

Il Divino Infante 


Museo Civico, via Ugolani Dati 4 

tel 0372.31222 www.cremonamostre.it 

MILANO 

Fridakahlo. La Mostra 

9 ottobre 2003 - 8 febbraio 2004 

Museo della Permanente, via Turati 34 

Infoline tel 02.54915 

Laurie Anderson. 

The Record of theTime 


PAC Padiglione d’Arte Contemporanea 

via Palestro 14, tel. 02.76009085 

Le culture del Perù da Chavìn agli Inca 

29 gennaio - 2 maggio 2004 

Castello Sforzesco, Museo delle Arti 

Decorative, Sala 30 

tel. 02.88463833 

I mobili-scultura di Roberto Guidi 

30 marzo - 19 aprile 2004 

Galleria Milarte, via Solferino 42 

tel. 02.62690448 • # 347.5754835 

SAN DONATO MILANESE (MI) 

Cinque Artisti a Milano 1983-2003: 

P. di Gennaro, R. Galbusera, 

M. Jannelli, A. Miano, C. zanini 

13 dicembre 2003 - 11 gennaio 2004 

Museo d’Arte Contemporanea 

Cascina Roma, piazza delle Arti 

tel. 02.55603159 

SONDRIO 

Ruggero Savinio. 

Momenti nel tempo 1980-1992 

19 febbraio - 24 aprile 2004 

Galleria Credito Valtellinese 

Museo Valtellinese di Storia e Arte 

tel. 02.89404694 • fax 02.8356467 

MARCHE 

ANCONA 

Francesco Messina. 

Cento sculture, 1920-1994 


Mole Vanvitelliana 

tel. 071.2225031 • fax 071.3589035 

PIEMONTE 

TORINO 

Africa. Capolavori da un continente 

2 ottobre 2003 - 15 febbraio 2004 

Galleria d’Arte Moderna, via Magenta 31 

tel. 899.500001 - 039.2823403 


Salvatore Scarpitta. L’opera su carta 

25 febbraio - 28 marzo 2004 

Archivio di Stato, piazza Castello 209 

tel. 011.5624431 • fax 06.69921454 

TOSCANA 

LUCCA 

Luigi Rosati. Pinocchio in trasparenza 


Fondazione Giuseppe Lazzareschi, Palazzo 

di Vetro, piazza Felice Orsi - Porcari 

tel. 0583.298163 • fax 0583.297972 

info@fondazionelazzareschi.it 

TRENTINO - ALTO ADIGE 

ROVERETO (TN) 

Montagna arte scienza mito 


MartRovereto, c.so Bettini 43 - Trento 

tel. 800.397760 • fax 0464.430827 

info@mart.trento.it 

VALLE D’AOSTA 

AOSTA 

Art déco in Italia 


Museo Archeologico Regionale 

Daniella Bertola. 

Il fascino segreto dell’intaglio 

13 dicembre 2003 - 28 marzo 2004 

Chiesa di San Lorenzo 

Per le 2 mostre: Ufficio Mostre della Regione 

tel 0165.230545 - u-mostre@regione.vda.it 

VENETO 

BASSANO DEL GRAPPA (VI) 

Canova. Mostra Antologica 

22 novembre 2003 - 12 aprile 2004 

Museo Civico e Gipsoteca di Possagno 

tel. 0424.522235 • fax 0424.523914 

Giuseppe Lucietti. Il segno e la terra 

29 novembre 2003 - 25 gennaio 2004 

Museo della Ceramica, Palazzo Sturm 

tel. 0424.522235 • fax 0424.523914 

info@museobassano.it

CaleNdario deGli eVeNti 

VENEZIA 

Venezia fra Guerra ed Arte 1866-1918 

opere di difesa, patrimonio culturale, 

artisti, fotografi 


Museo Correr e Biblioteca Marciana, 

Sala Sansoviniana (San Marco) 

tel. 041.2747607-8-14-18 

pressmusei@comune.venezia.it 

VERONA 

De Nittis. A Leontine 

1 febbraio - 30 maggio 2004 

Villa Vecelli Cavriani - Mozzecane 

tel. 045.6340799 • fax 045.6340698 

ESTERO 

AUSTRIA 

VIENNA 

Yearning for Beauty. For the 100th 

Anniversary of the Wiener Werkstatte 


MAK, Exhibition Hall, Weiskirchnerstrasse 3 

tel +43.1.71136229 • fax +43.1.71136227 

presse@MAK.at 

FRANCIA 

PARIGI 

Terres en lumière 


Centre Wallonie-Bruxelles 

127-129 rue Saint-Martin 

GERMANIA 

FRANCOFORTE 

Julian Schnabel. Paintings 1978-2003 

29 gennaio - 25 aprile 2004 

Art- A Child’s Play 

9 maggio - 18 luglio 2004 

Le 2 mostre presso la Schirn Kunsthalle 

Frankfurt - Römerberg 

tel. +49.69.299882 • fax +49.69.299882240 

fiere 

ITALIA 

EMILIA ROMAGNA 

FERRARA 

Restauro 2004. Salone dell’arte del 

Restauro e della Conservazione dei 

Beni Culturali e Ambientali 

25 - 28 marzo 2004 

Quartiere Fieristico di Ferrara 

Via della Fiera, 11 

tel. 051.6646832 • fax 051.864313 

www.salonedelrestauro.com 

RIMINI 

SIB Atmosfair 

13 - 16 marzo 2004 

Rimini Fiera, via Emilia 155 

tel 0541.744111 • fax 0541.744243 

LOMBARDIA 

MONZA (MI) 

XI° MIA Primavera 

20 - 28 marzo 2004 

Polo Fieristico Monza 

tel 039.2842310 • fax 039.2842312 

TOSCANA 

FIRENZE 

ART. La mostra dell’Artigianato 

Fortezza da Basso, viale Strozzi 1 

tel. 055.49721 • fax 055.4972268 

mostrartigianato@firenze-expo.it 

51° Florence Gift Mart 

13 - 16 febbraio 2004 

Fortezza da Basso, via Filippo Strozzi 1 

tel. 055.477841 • fax 055.480110 

VENETO 

PADOVA 

Argenti 2004 

11 - 14 giugno 2004 

Padova Fiere 

tel 049.8800305 • fax 049.8800944 

VICENZA 

Tempo libero 

20 - 28 marzo 2004 

Fiera di Vicenza, via dell’Oreficeria 16 

tel. 0444.969111 • fax 0444.969000 

vicenzafiera@vicenzafiera.it 

ESTERO 

BRASILE 

SAN PAOLO 

Housewares & Gift Fair South America 

21 - 24 agosto 2004 

Expo Center Norte 

tel +5511.3896.0200 • fax +5511.3896.0201 

CINA 

HONG KONG 

Hong kong Gift & Premium Fair 

28 aprile - 1 maggio 2004 

13 th Hong kong International: 

Toys & Gifts 

12 th Premium & Household 

28 aprile - 1 maggio 2004 

Le tre fiere presso Hong Kong Convention and 

Exhibition Centre, 1 Harbour Road, Wanchai 

Kenfair International Ltd 

tel +852.23118216 • fax +852.23116629 

tel. +39.02.865405 • fax +39.02.860304 

FRANCIA 

PARIGI 

Museum Expressions 

22 - 25 gennaio 2004 

Congrès Centre, Palais des Congrès 

2 Place de la Porte Maillot, XVIIème 

tel +33.1.44290200 • fax +33.1.44290201 

Maison & Objet 

23 - 27 gennaio 2004 

Paris-Nord Villepinte 

tel. +33.1.44290200 • fax +33.1.44290201 

SMAC 6 a Edizione. Salone dei Mestieri 

e delle Attività Creative 

14 - 16 marzo 2004 

Paris-Expo, Porte de Versailles, Pad. 2.2 

tel. +33.1.49960066 • fax +33.1.49960067 

GERMANIA 

FRANCOFORTE 

Christmasworld 


Ambiente 

20 - 24 febbraio 2004 

Le due mostre presso Messe Frankfurt 

Ludwig-Erhard-Anlage 1 

tel +49.69.75756687•fax +49.69.75756433 

LIPSIA 

Cadeaux Leipzig 

1 - 3 marzo 2004 

Quartiere Fieristico di Lipsia 

tel. +39.02.33606013 • fax 02.33617637 

www.cadeaux-leipzig.de 

GRAN BRETAGNA 

LONDRA 

Asia Expo 

6 - 9 febbraio 2004 

Grand Hall Oljmpia 


tel. +852.23118216 • fax +852.23116629 

INDIA 

NUOVA DELHI 

XVII a Indian Handicrafts & Gifts Fair 

28 febbraio - 2 marzo 2004 

tel. +91.11.26135256 • fax 11.26135518-19 

IRLANDA 

DUBLINO 

Showcase Ireland 

18 - 21 gennaio 2004 

tel. 02.8800991 • fax 02.8690243 

PORTOGALLO 

LISBONA 

Homestyle 

14 - 17 febbraio 2004 

Fiera di Lisbona, www.fil.pt 

SPAGNA 

MADRID 

Settimana Internazionale del regalo, 

della gioielleria e della bigiotteria: 

Intergift, Iberjoya, Bisutex 

15 - 19 gennaio 2004 

Parque Ferial Juan Carlos I° 

tel. +34.91.7225023 • fax +34.91.7225792 

STATI UNITI 

LAS VEGAS 

Showcase for Asian - Made 

Toys, Gifts, 

Premium & Household Products 

17 - 19 agosto 2004 

Mandalay Bay Convention Center 

Bayside B 


tel. +852.23118216 • fax +852.23116629 

79

ABBONAMENTO 2004 D’ARTIGIANATO 

tra arte e design 

direttore Ugo La Pietra 

80 

i N d i r i Z Z i 

ACCADEMIA BELLE ARTI DI BRERA 

Via Brera, 28 - 20121 Milano 

tel. 02.869551 - fax 02.86403643 

ASS. CULTURALE ARTE GIAPPONE 

Vicolo Ciovasso, 1 - 20121 Milano 

tel./fax 02.865138 

ATELIER FUORICLASSE 

Corso di Porta Romana, 51 - 20122 Milano 

tel. 02.5455234 - fuoriclasse@supereva.it 

ATTESE 

Biennale di Ceramica nell’arte contemporanea 

Via Lepontina, 12 - 20159 Milano 

tel./fax 02.6081878 

BOJ VALTER 

Via Spotorno 13/15 - 17100 Albisola Sup. (SV) 

tel./fax 019.480022 - www.valterboj.com 

BOTTEGA D’ARTE CERAMICA 

MIRTA MORIGI 

Via Barbavara 19/4 - 48018 Faenza (RA) 

tel./fax 0546.29940 - www.mirtamorigi.it 

BRONzINI MARISA 

Piazza Castello, 4 - 22060 Carimate (CO) 

tel./fax 031.790833 

CALECA ITALIA 

C.da Ponte Vecchio - 98066 Patti (ME) 

tel. 094.121860 - www.caleca.it 

CARITà WELMA 

Via Castellini, 27 - 21014 Cerro Laveno (VA) 

tel. 0332.667161 - # 328.5766543 

DORFLES GILLO 

P.le Lavater, 3 - 20129 Milano 

tel. 02.29400351 

FERRARIO LAURA 

Via Botticelli, 32 - 20052 Monza (MI) 

tel. # 347.7420891 

GALLERIA DEL DESIGN 

E DELL’ARREDAMENTO 

Piazza Garibaldi, 5 - 22063 Cantù (CO) 

tel. 031.713114 - fax 031.713118 

GALLERIA MAGENTA 52 

Corso Magenta, 52 - 20123 Milano 

tel. 02.4816963 - www.magenta52.it 

GIOVENTÙ ALFREDO 

Piazzetta Rizzi, 16 - 16039 Sestri Levante (GE) 

tel./fax 0185.457596 

LIMIDO RINO 

Via Risorgimento, 58 - 21040 Oggiona (VA) 

tel./fax 0331.219205 

L’UTILE E IL DILETTEVOLE 

Via della Spiga, 46 - 20121 Milano 

tel. 02.795044 - fax 02.783321 

MARROCCO ARMANDO 

Via Savona, 97 - 20144 Milano 

tel. 02.42290645 

MIA-ENTE MOSTRE MONzA BRIANzA 

Via G. B. Stucchi, 64 - 10052 Monza (MI) 

tel. 039.2842310 - fax 039.2842312 

MONCADA IGNAzIO 

Viale Umbria, 36 - 20100 Milano 

tel. 02.54116796 - # 335.5305899 

MUSEO ARCHEOLOGICO REGIONALE 

Piazza Roncas, 1 - 11100 Aosta 

tel. 0165.275902 - fax 0165.230537 

www.regione.vda.it - u-mostre@regione.vda.it 

A R T I G I A N A T O Abbonamento Italia 1 anno € 24,00 - 2 anni € 44,00 

t r a a r t e e d e s i g n 

Abbonamento estero 1 anno € 37,00 - 2 anni € 70,00 

Numeri arretrati per Italia € 8,00 - (min.5 € 7,00) 

Numeri arretrati per estero € 11,00 - (min.5 € 9,50) 

Desidero abbonarmi a 5 numeri della rivista pagando la quota 2004 

Desidero abbonarmi a 10 numeri della rivista pagando la quota 2004+2005 

Desidero ordinare i seguenti numeri arretrati 

Tramite assegno non trasferibile di € (solo per l’Italia) 

Tramite versamento di € sul Conto Corrente Postale 

N. 18160242 intestato a Edizioni IMAGO INTERNATIONAL S.r.l. 

Nome Cognome 

Via n. 

Comune e provincia CAP 

Professione Telefono 

Ritagliare e spedire in busta chiusa unitamente all’assegno o ricevuta (fotocopia) del versamento. 

MUSEO FABBRICA DEL DUOMO 

Piazza del Duomo, 14 - 20123 Milano 

tel. 02.3452639 - fax 02.3452669 

MUSEO REGIONALE DELLA 

CERAMICA DI DERUTA 

Largo San Francesco, 1 - 06053 Deruta (PG) 

tel. 075.9711000 - fax 075 9711000 

MUSEI CIVICI DI PESARO 

Piazza Toschi Mosca, 29 - 61100 Pesaro 

tel. 0721.387474 - fax 0721.387524 

PELLICCIA ANTONELLO 

Via Maggiani, 123 - 54036 Marina di Carrara 

tel. # 347.3799687 - fax 0585.631574 

PERIN MARISTELLA 

Via Don Macchi, 7 - 21050 Castelseprio (VA) 

tel. 0331.820564 - marikosan@libero.it 

ROSSO&DINTORNI 

di G. Montorselli e K. Page-Guth 

Via S. Quirichino, 7 - 50124 Firenze 

tel. 335.5355110 - # 347.3387171 

SISTERS 

Via dei Banchi Vecchi, 143 - 00100 Roma 

tel./fax 06.6878497 

SkIRA EDITORE 

Via Torino, 61 - 20123 Milano 

tel. 02.72444.1 - fax 02.72444219 

STUDIO PUCk 

Via S. Spirito, 28/r - 50100 Firenze 

tel./fax 055.280954 

VITI STEFANIA 

Via Pratignone, 71 - 50053 Empoli (FI) 

tel./fax 0571.921594 

D’Artigianato: è una rivista trimestrale 

che interpreta e diffonde l’evoluzione 

delle Arti Applicate e i processi 

di contaminazione con l’arte e il design. 

D’Artigianato: parla di creatività 

e di produzione, sostenendo la ricerca 

e la sperimentazione e introducendo 

nuovi concetti per la costituzione 

e il rinnovamento della piccola impresa. 

D’Artigianato: uno strumento impegnato 

a diffondere la cultura materiale legata 

alle risorse dei vari territori, guardando 

con interesse alla tradizione e alla storia. 

D’Artigianato: rivela il rapporto tra cultura 

del progetto e capacità del fare, presentando 

oggetti riferibili alla logica produttiva 

e d’uso che, nello stesso tempo, mantengono 

tutta la virtualità degli oggetti d’arte. 

EDIzIONI 

IMAGO INTERNATIONAL 

C.so Indipendenza 6 - 20129 Milano 

tel 02.70009474/80 - fax 02.71092112 

info@edizionimago.com 

www.ArtigianArteDesign.it

Numero 52 - Città dei Mestieri

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