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Francisco Goya
Francisco Goya
Contro la violenza che vince la ragione

La produzione artistica
• Goya comincia a lavorare per la casa reale a partire dal
1774 realizzando i primi cartoni per arazzi.
• Nel 1780 viene eletto membro dell’Accademia reale di
S. Barbara. L’alta società di Madrid lo nota e i nobili gli
chiedono ritratti che ottengono un largo consenso.
• Il culmine della sua ascesa nel 1789 quando il re Carlo
IV lo nomina pittore di Camera del Re.
• Nel 1792 la malattia che lo porta alla sordità. Ma i
riconoscimenti alla sua pittura continuano.
• Nel 1800 dipinge il Ritratto alla famiglia reale, che
segna l’apice della sua carriera di ritrattista ma che
documenta il suo distacco spirituale dall’ambiente
della corte.

Famiglia di Carlo IV.
Soggetto ritrattistico.
Elementi formali: E’ un’opera la cui grande protagonista è
la luce, che crea forti contrasti chiaroscurali ed esalta gli
abiti sontuosi, i pizzi, le decorazioni e i gioielli ma insieme
indaga con crudo realismo la bruttezza e la vacuità degli
illustri personaggi.
Goya vi compare sul fondo, nella penombra, come a porre
la firma all’opera attraverso la sua presenza.

La famiglia di Carlo IV
Particolare
1800-1801. Olio su tela,
280 x 336 cm.
Madrid, Museo del Prado

La maya
• Soggetto ritrattistico: si tratta molto probabilmente di
Pepita Tudò, amante del potentissimo Manuel Godoy,
primo ministro del re.
• Sono opere di committenza privata che ai tempi avevano
fatto parecchio scandalo.
• Se si prende sotto esame la Maja desnuda, si può
notare le influenze dalle Veneri di Tiziano.
• La differenza, qui, è che la donna rappresentata non è
una dea, né una figura idealizzata, ma una semplice
popolana che acquista dignità aristocratica.
• Viene ripresa anche la "Madame Recamier" di David:
l'iconografia è la stessa, ma il modo di rappresentare i
soggetti è tutto diverso.
• La modella, mantiene la stessa posa provocante per
tutti e due i quadri; lo sguardo è malizioso e ammiccante.
La testa in entrambi i casi sembra innaturalmente
sovrapposta al busto,come se fosse stata aggiunta
successivamente.

La maja desnuda,1796-98
olio su tela, cm.97x190
museo del Prado, Madrid

I Capricci (Los Caprichos)
Soggetto: tematiche allegoriche,fantastiche e satiriche.
"I Capricci" è la serie di incisioni di Goya più conosciuta.
Essa comprende 80 stampe, numerate e firmate e dai
soggetti più diversi.
Il termine "capricci", infatti, serviva per indicare i pensieri
stravaganti che davano origine a raffigurazioni di fantasia;
in tale modo gli artisti potevano permettersi grande libertà
creativa, senza dover rispettare i soggetti e le regole
convenzionali e potevano rappresentare tematiche serie e
satiriche.

Los Caprichos, Il sonno della ragione genera mostri
1799, serie di incisioni ad acquaforte, 21,5x15 cm,
Madrid, Prado

L'artista spagnolo si proponeva di rappresentare i
pregiudizi, le menzogne, le superstizioni, le assurdità e
gli inganni degli esseri umani.
La sua satira colpiva ogni classe e categoria, non
risparmiando la Chiesa, la nobiltà e la stessa famiglia reale.
Le incisioni, stampate in 300 esemplari, furono messe in
vendita nel febbraio del 1799
Appena furono in commercio "I Capricci" crearono
scandalo, per la loro novità e crudezza e perché alcuni dei
contemporanei vi si riconobbero.
In pochi giorni vennero tolte dalla circolazione.
Nel 1803, per preservare le sue opere e come misura
cautelativa per se stesso, Goya cede i rimanenti de "I
Capricci" al re, ottenendo in cambio una borsa di studio per
il figlio Javier.

Fino alla morte

I Disastri della Guerra
• Soggetto: tematica storico/documentaria.
• A partire dal 1810 Goya realizzò una serie di incisioni che
quasi nessuno vide.
• Esse raffiguravano gli orrori avvenuti durante
l'occupazione napoleonica della Spagna, di cui l'artista
stesso fu testimone, in particolare durante un suo viaggio
verso Saragozza nel 1808.
Dalle incisioni emergono la crudeltà e la grettezza
dell'uomo, colpevole dei crimini più atroci. Spesso non c'è
neanche la distinzione tra spagnoli e francesi, per
mostrare come chiunque può essere un feroce carnefice.
Accanto alle scene di violenza ci sono immagini di stampo
politico, di critica sociale e di anticlericalismo.
Le 80 incisioni furono censurate, in quanto giudicate di
carattere sovversivo e troppo crudeli. Furono date alle
stampe postume, soltanto nel 1863.

E non c'è più niente da fare
acquaforte, 141 x 168 mm
1810 - 1815

Grande impresa! Con i morti!
acquaforte,157 x 207 mm
1810 - 1815

Che coraggio!
acquaforte e acquatinta, 155 x 208 mm
1810 - 1815

Che mai si può fare di più!
acquaforte,157 x 207 mm
1810 - 1815

Il 2 Maggio 1808 e il 3 Maggio 1808.
Soggetto: Storico/documentario
Nel 1814 ,con la disfatta di Napoleone e la restaurazione
della monarchia spagnola sotto Ferdinando VII, Goya
cercando di tornare nelle grazie del sovrano gli propone di
dipingere i momenti più eroici della resistenza spagnola.
Il risultato furono queste due enormi tele con soggetto
storico e significato altamente drammatico.

Il 2 Maggio 1808
1814. Olio su tela, 266 x 345 cm.
Madrid, Museo del Prado

Il 2 Maggio 1808
Rappresenta la sollevazione del 2 maggio 1808: i cittadini
insorgono contro le truppe mammelucche assoldate dagli
invasori francesi, dando l’avvio alla guerra di
indipendenza spagnola.
In primo piano un cavaliere viene disarcionato e
accoltellato; sulla destra i cavalli intrappolati nella folla
fissano con gli occhi smarriti la brutalità feroce della scena.
Privilegiando l’aspetto espressivo su quello
documentario,Goya evita qualsiasi enfasi facendo
emergere la tragica irrazionalità di un mondo governato
dalla violenza. Volti trasfigurati dall’odio, gesti furiosi,
espressioni smarrite, sguardi disperati.

F.J.Goya
Il tre maggio 1808
1814. Olio su tela, 266 x 345 cm.
Madrid, Museo del Prado.

Le fucilazioni del 3 Maggio 1808
Questa seconda opera, la più nota tra le due, narra il
momento di rappresaglia del giorno dopo, quando i francesi
fucilarono, tutti gli spagnoli sospettati di sommossa.
E’il primo manifesto dei fatti della guerra, spogliata di ogni
eroismo e ufficialità.
Linguaggio stilistico:Per l’analisi d’opera risulta utile il
confronto con il giuramento degli Orazi. L’opera di Goya
perde tutti gli elementi stilistici che caratterizzano lo stile
neoclassico, a partire dal disegno. Ne risulta uno stile
altamente espressionista privo di ogni ricerca di bellezza,
è evidente che attraverso l’utilizzo della “categoria del
brutto”viene espressa una nuova visione della storia,
nella quale le strutture ideali,morali e politiche dell’Occidente
appaiono irrimediabilmente in crisi.

• Estensione spaziale e temporale
della scena.
tre momenti, tre gruppi: Fissa
l’istante fuggevole e la progressione
temporale che va dal prima della
fucilazione al durante e al dopo.
E’ come una sequenza
cinematografica che attraverso le fasi
dell’agonia indica il passaggio reale e
simbolico dalla vita alla morte.
Tecnica sommaria ma non
abbozzata.
Violentemente illuminato, dai forti
contrasti chiaroscurali.
La gamma cromatica predominante è
quella delle terre sulle quali esplodono
il bianco il giallo e il rosso.
Forte anche il contrasto espressivo
tra il gruppo degli uomini fucilati
(utilizzo della categoria del brutto) e il
plotone senza volto dei soldati (la
macchina da guerra)

Il Colosso
• Soggetto: Si tratta di un esempio di allegoria romantica.
• Non è rappresentato di un evento di genere, ma una
visione fantastica rappresentata realisticamente; in un
paesaggio notturno, un gigante su una collina dove si
trovano delle case, ridotte a puntini.Nella versione ad olio,
un intero popolo sembra fuggire a precipizio di notte
attraverso la pianura da un pericolo incombente
• Sebbene Goya intendesse comunicare qualcosa, egli si
limitò a fornire una forma, di cui il significato rimane
oscuro.
• Secondo alcuni, l'apparizione rivelerebbe il rischio del
popolo spagnolo di essere assoggettato dalle truppe
napoleoniche, altri pensano che essa rappresenti la
malinconia di fronte ad un universo inconoscibile ed
incontrollabile (quest’ultima visione è un presagio
Romantico).

1810-1818. Acquatinta. Parigi, Biblioteca Nazionale.

Il colosso
1808 ca.,Olio su tela,116x105 cm.
Madrid, Prado

La quinta del sordo

Le pitture Nere della Quinta del Sordo
Soggetto:Fantastico
Sulle pareti di due grandi sale della parte vecchia, una del
pianterreno e del piano superiore, Goya dipingerà a olio
l'impressionante ciclo delle "pitture nere ":
Sette composizioni per stanza, larghe da una settantina di
centimetri a quattro metri e mezzo, alte circa un metro e
cinquanta (circa trentaquattro mq.).
La maggior parta delle pitture raffigura scene di
stregoneria e di esorcismi, immagini d'incubo, proiezioni
dirette e immediate dei più nascosti turbamenti
dell'inconscio, con colori incredibili, fatti di bianchi gelidi, di
neri spessi come la pece, di ocre sfregiate da pennellate di
rosso che sembrano ferite o da gialli intensi che sembrano
lampi di luce.

Saturno che divora uno dei suoi figli
1820-1823. Olio su intonaco trasportato su tela.
Madrid, Museo del Prado.

Saturno che divora uno dei suoi figli (Quinta del Sordo)
Questa pittura si trova al pianterreno, dove tutte le pitture
sono legate da riferimenti saturnali.
Questa rappresentazione di un tema mitologico fa parte
della famosa serie di "pitture nere" della Quinta del Sordo.
L'artista, settantaquattrenne, è ormai quasi completamente
sordo, solo, sfiduciato dalle vicende politiche europee e
spagnole in particolare, ed è preda dell'angoscia di cui è
testimonianza gran parte della produzione della sua
vecchiaia.
Soggetto: mitologico/allegorico
I romani identificavano Saturno con il dio greco Crono,figlio
di Urano che cacciato dal padre sulla terra, si fece signore
del mondo. Ebbe molti figli ma gli venne predetto che uno
dei suoi figli l’avrebbe spodestato ed egli li divorò tutti
tranne uno, Zeus che nascosto dalla madre Rea affrontò e
rovesciò dal trono il padre.

.
Saturno sembra simboleggiare il tiranno che divora i suoi
sudditi, un'allusione di Goya a Ferdinando VII.
L'atmosfera allucinata e la potenza fantastica della scena
si manifestano nel concentrare la rappresentazione su
pochi elementi, mediante un uso altamente suggestivo
della luce, che fa emergere dal fondo scuro la figura
mostruosa, trattata con toni ocra e grigiastri, sui quali
spicca, nota raccapricciante, il rosso del sangue del corpo
dilaniato del figlio.
La modernità nell'uso dei mezzi pittorici mette quest'opera
tra i principali precedenti dell'espressionismo.

Il sabba delle streghe 1819-1823
Olio su intonaco trasportato su tela; 438 x 140 cm.
Museo del Prado, Madrid.

Il sabba delle streghe (Quinta del Sordo)
• Soggetto: fantastico
• In quest'opera Goya rovescia il rapporto tra
mostruoso e umano.
• Per l'artista il mostruoso e il demoniaco sono il lato
oscuro della stirpe umana e non forze indipendenti che
le si contrappongono.
L'animale che troneggia al centro del dipinto ha infatti
perduto i tratti demoniaci che si sono trasferiti agli esseri
umani disposti a cerchio intorno a lui: donne da volti
deformati e grotteschi che offrono dei bambini al caprone
(le bestia che è nell'uomo, assurta al rango di maestro di
stregoneria), uno dei quali ha smarrito la freschezza e la
spontaneità che Goya attribuiva spesso ai piccoli,
simbolo di innocenza, per assumere l'aspetto di un
cadavere.