download gratuito - casa editrice i sognatori

tutti i diritti riservati © I sognatori
vietata la riproduzione totale o parziale dell'Opera

Alessandro Pedrazzi Alex Visani
ILLUSIONI SVELATE
L’altro volto del cinema dell’orrore

INDICE
Introduzione 5
So bad it’s good (Alex Visani) 11
Only the brave (Alessandro Pedrazzi) 51
Altre visioni 133
Intervista a Luigi Cozzi 169
Glossario 177

INTRODUZIONE
L’horror, forse, è il genere cinematografico maggiormente
composito, considerata la mole di sottocategorie che lo caratterizza.
Spesso ci si affida alla commistione di generi per
fare un po’ di chiarezza a livello terminologico, d’altronde è
impossibile confondere un horror fantascientifico come “La
Cosa” con una commedia horror in stile “Un Lupo Mannaro
Americano a Londra”. In altre occasioni è presente un elemento
caratterizzante vero e proprio, quali ad esempio nudi
e/o sadismo (penso ai recenti torture porn, per quanto si
tratti di roba rimasticata). Ci sono poi gli slasher, gli zombimovie,
i gialli/thrilling sovrannaturali, i film splatter e così
via.
Insomma, un gran macello.
Rimane tuttavia un elemento spesso ignorato – o comunque
sottovalutato – dalla critica: il fine.
Non tutte le pellicole horror, infatti, si pongono come obiettivo
principale quello di spaventare lo spettatore. A volte si
intende disgustarlo (è questo il compito dei film splatter,
innanzitutto), altre volte scioccarlo (penso agli shockumentary
in stile “Man Behind the Sun”) o farlo sentire a
disagio (i disturbanti rape and revenge, fra i quali “L’Ultima
Casa a Sinistra” spicca ancora oggi per notorietà), altre volte
divertirlo, ricorrendo a un consapevole umorismo (“Shaun
of the Dead” è il primo titolo che mi sovviene).
In questo libro parleremo invece di una sottocategoria particolare
e circoscritta del cinema horror. Non rientra in un
genere specifico, e nel momento in cui si pone un obiettivo
– terrorizzare lo spettatore – finisce regolarmente e tragicamente
per mancarlo. Più che alla grande. Per quanto possa
suonare paradossale, è proprio questa discrasia tra “obiettivo”
e “risultato” che ha permesso ai film citati nel presente
volume di guadagnarsi un posto al sole.
7

Anche qui occorre operare dei distinguo, perché sono tante
le pellicole che vorrebbero spaventare senza però riuscirci.
Tra queste, alcune si limitano a intrattenere senza suscitare
tuttavia particolari sussulti. Poi ci sono le pellicole che –
semplicemente – annoiano. E infine ci sono i film horror che
vorrebbero incutere timore o quanto meno creare in alcuni
frangenti un’atmosfera di vera tensione, ma che ottengono
l’effetto contrario: far ridere e/o sorridere.
Il raggiungimento di un obiettivo diverso e antitetico rispetto
a quello originario, in qualunque altro genere cinematografico
condurrebbe il fruitore a maledire il regista e la sua progenie.
O magari a premere il tasto STOP del lettore dopo venti
minuti e anche meno. Un ridicolo film di tensione, invece,
cattura subito e rimane impresso nella memoria in proporzione
al numero di risate che riesce a strapparci. Perché? Essenzialmente
per l’involontarietà. In fin dei conti, un clown
che scivola di proposito su una buccia di banana non è divertente
quanto una sofisticata signora che, a sua insaputa,
sorride mostrando del cibo infilato tra i denti.
Se un film non fa paura, almeno faccia ridere.
La critica colta e blasè, incline a fare di tutta l’erba un fascio,
infila questi film in un solo, grande calderone: quello
del cinema trash. Ebbene, le cose non stanno esattamente
così. Ci sono infatti pellicole – brutte e stravaganti quanto si
vuole – che nascono col preciso scopo di sfoggiare la propria
bruttezza, o la penuria di mezzi con cui vengono realizzate.
Film che non si prendono sul serio fin dall’inizio,
insomma. In questa sede va citata l’opera omnia della casa
di produzione americana “Troma”, portabandiera del trash
più anarchico e iconoclastico. Si tratta però di un trash
consapevole, che poca o nessuna attinenza ha coi film dei
quali parleremo in questa sede.
C’è un altro tipo di trash consapevole, sul quale però non
vale la pena soffermarsi troppo. È un trash furbo, realizzato
da gente furba per gabbare spettatori poco furbi. Un trash
costruito a tavolino ma fasullo nello spirito. Mi riferisco a
8

quei film che risultano brutti e ridicoli perché qualcuno –
dall’alto – ha voluto che uscissero in quel modo.
Oggi il trash tira, è una discreta fonte di reddito, normale
che qualcuno tenti di capitalizzare. Qualcuno abbocca pure,
ma non molti. Anche per questo genere di pellicole non ci
sarà spazio nel volume che stringete fra le mani. La prima
esclusione è di tipo teorico, la seconda di tipo “etico” – per
così dire.
Poi ci sono le estromissioni sofferte. Schematizzando, sono
stati omessi i film nei quali:
- l’elemento horror è accessorio, e viene posto in secondo o
terzo piano rispetto a quello fantascientifico (“Latitudine Zero”,
“Spaceman Contro i Vampiri dello Spazio”, “Gappa”),
avventuroso (“1990: I Guerrieri del Bronx”, “Non Aprite
Quella Tomba”), action (“Hellbound – All’Inferno e Ritorno”),
fantasy (“The Barbarians”, “Jungle Virgin Force”),
erotico (“Gorotica”, “Hardgore”, “Orgasmo Esotico”) e così
via;
- l’umorismo presente in uno o più elementi del film lascia
intendere che il regista non si è preso molto sul serio (penso
agli zombi flatulenti di “Spookies”);
- la qualità media del film non conduce al sorriso, ma a un
giudizio di merito negativo. Come già detto, un film horror
che non riesce a strapparci una sola risata, e men che meno
un solo brivido, è – in ultima analisi – un film mediocre (con
le varie sfumature di grigio).
Tutto questo per replicare subito a coloro che, leggendo il
libro, dovessero esclamare: ma come, hanno citato questo
film e non quell’altro!
Una filmografia completa e del tutto esaustiva comporterebbe
la realizzazione di un’enciclopedia, non quella di un
volume, ragion per cui in molti casi si è resa necessaria l’introduzione
di uno o più criteri di scelta. Ci è parso insensato, ad
esempio, citare tutti i film di un medesimo regista. Elencare
9

ogni bruttura girata da un DeCoteau, per fare un nome,
avrebbe comportato uno spreco di carta non indifferente: i
difetti son sempre quelli, storie e attori pure, quindi perché
dilungarsi nello studio della saga di “Stirpe di Sangue”
quando basta il solo “Killer Bash” per rendere bene l’idea?
Stesso discorso per le trashate contemporanee che vedono
due mostri scontrarsi e il “Vs.” nel titolo: c’è bisogno davvero
di elencarle tutte? E gli infimi lavori di case di produzione
vecchie (Empire/Full Moon) e nuove (Nu Image, Asylum)?
Per non parlare delle centinaia di opere indipendenti
girate da videomaker sconosciuti.
Si tratta di norme razionali ma non infallibili, dopotutto
anche in “Illusioni svelate” alcune scelte sono state dettate
dal cuore (non scordatelo). Forse perché l’intero libro risponde
a un sentimento di grande affetto nei riguardi delle
pellicole che ha la presunzione di commentare, finanche con
un pizzico di sarcasmo.
La grande verità è questa: quando si assiste – spesso con
occhi increduli – a un certo genere di film, è naturale lasciarsi
trasportare dall’ilarità. Non è colpa nostra se quell’attore
non sa recitare, se quel ciak è comparso nell’inquadratura o
se il filo che regge quel pipistrello è perfettamente visibile.
Qui entra in scena la seconda, grande verità: le risate scattano
nel momento in cui il regista, lo sceneggiatore o chi per
loro falliscono nel proprio intento. Perché sanno benissimo
che quell’attore non sa recitare, che quel ciak non doveva
comparire nell’inquadratura e che il filo del pipistrello doveva
restare nascosto.
In qualche modo il fan si macchia di questa colpa: godere
del fallimento altrui, che di per sé non è un bell’atteggiamento.
Se il vostro datore di lavoro vi licenziasse in tronco,
dubito che esultereste nel vedere i colleghi ridere a crepapelle.
Forse che il fan medio di questi horror stravaganti sia
un mostro peggiore di quelli esibiti dal regista?
Macchè. Il fan vero, piuttosto che perdere tempo dietro ai
sensi di colpa o smarrirsi in certe elucubrazioni, preferisce
10

conferire lo status di “cult” a queste pellicole e consigliarne
la visione, con un entusiasmo pari (se non superiore) a
quello che mostrerebbe nei riguardi di un film bello e spaventoso.
E ne parla ovunque: nei blog, nei siti, nei forum,
nelle fanzine.
O magari in un libro scritto a quattro mani da due tra i
principali esperti di cinema weird e trash presenti nella rete
internet: Alex Visani e Alessandro Pedrazzi.
In “Illusioni svelate”, il primo ha ripercorso la genesi, gli
sviluppi e le caratteristiche di questo genere di film, operando
i doverosi distinguo e calando ogni pellicola nel suo
contesto storico-sociale. Il secondo ha accentuato l’analisi di
alcuni lavori e ne ha introdotti altri di pari passo. Troverete
dei titoli che si ripetono, e tuttavia approfonditi solamente in
una delle due sezioni.
D’altronde, chiunque affronti l’esegesi dei migliori film di
genere dovrà pur citare perle del calibro di “Paganini Horror”,
“Malabimba”, “Plan 9 from Outer Space” o “La Rabbia dei
Morti Viventi”.
La terza sezione, infine, si prefigge lo scopo di ampliare lo
sguardo e indagare – più o meno brevemente – altre pellicole
degne di menzione, spesso provenienti dalle filmografie
di Paesi lontani quali il Messico, Hong Kong, la Turchia, le
Filippine, il Sudafrica o il Brasile.
Dopotutto la capacità di ridere, spaventarsi o ridere per uno
spavento mancato, è comune a tutti gli esseri umani. E in
qualunque parte del mondo.
Buona lettura,
Aldo Moscatelli
11

SO BAD IT’S GOOD
di Alex Visani
Non c’è nulla di più divertente di un brutto film horror.
Il buon Tobe Hooper, regista dello stranoto “Non Aprite
Quella Porta”, è l’autore della frase citata in apertura. E credo
che riassuma appieno il senso del libro che vi apprestate
a leggere.
Sviscerare il concetto di “brutto film horror” non è affatto
semplice, o almeno non lo è per come io lo intendo. Meglio
raccontare un episodio che risale alla mia gioventù: avevo
dodici anni e un bel giorno m’imbattei, girovagando in orario
notturno su scalcinate televisioni private, in un film che
sin dal titolo mi lasciò perplesso e incuriosito: “Monster
Dog – Il Signore dei Cani”.
Tengo a precisare che già all’epoca ero un avido appassionato
di film horror, ma fino a quel giorno la mia cultura era
legata principalmente a pellicole tratte dai bestseller di Stephen
King o ai blasonati blockbuster. Fu quindi molto eccitante
affrontare un film come “Monster Dog”, del quale sin
lì avevo ignorato l’esistenza ma il cui rutilante titolo prometteva
orrori e brividi a non finire. Ammetto che la storia
mi lasciò piuttosto confuso, con un cantante rock (Alice
Cooper) alle prese con un maniero spettrale, strani personaggi
di contorno, un cane mostro e un uomo lupo. Non
apprezzai particolarmente il film e – anzi – durante la visione
mi ero ritrovato a ridacchiare nel bel mezzo di scene che
avrebbero voluto essere spaventose. La recitazione degli
attori e gli effetti speciali mi avevano lasciato interdetto, pur
essendo all’epoca solamente un ragazzino.
Però mi ero divertito. E parecchio anche. Non so se per
13

spirito goliardico, o per l’effetto-sorpresa che aveva giocato
su di me il fatto di trovarmi dinanzi a un film potenzialmente
spaventoso e in concreto piuttosto ridicolo. So con certezza,
tuttavia, che quel film aveva fatto anche qualcos’altro, qualcosa
che oggi non so ben definire: mi aveva intrattenuto piacevolmente,
aveva spiazzato le mie certezze riuscendo a
sorprendermi e divertirmi.
Da quella notte, per me, si aprì una porta che in seguito
avrei spalancato numerose volte, per addentrarmi curioso
all’interno di un sottobosco di produzioni che i critici americani
bonariamente definiscono so bad it’s good, ossia
“talmente brutto da risultare bello”.
Oggi, con oltre venti anni di esperienza e una caccia continua
a queste pellicole, posso dire di aver capito alcuni dei
meccanismi che le muovono e soprattutto posso candidamente
ammettere di essere assuefatto alla loro libera e spregiudicata
follia.
Improbabili mostri, discinte donnine urlanti (dalla recitazione
spesso più agghiacciante del film), sangue fucsia a fiumi,
situazioni paradossali e improvvisazioni di vario genere:
tutto questo è diventato il pane quotidiano con cui sfamo la
mia voglia di cinema bizzarro e che, più di una volta, ha
rallegrato le grigie giornate della mia vita.
Una delle prime cose che ho imparato è che non bisogna
usare in modo improprio l’appellativo “trash” per definire i
film in questione. Oggi va di moda abusare del sopraccitato
termine senza comprenderne a fondo l’origine. Ai suoi esordi
il cinema trash fu un vero e proprio moto di protesta nei
confronti del cinema hollywoodiano, messo in atto sul finire
degli anni ‘60 da geniacci quali John Waters, Andy Wharol,
Jack Smith, Paul Morrissey (tanto per citarne una manciata),
i quali assemblarono con mezzi di fortuna le proprie opere e
misero in scena un canovaccio di atrocità, situazioni deliranti
e attori presi in prestito dalla strada per creare una
“rottura” con il consueto modo di fare cinema, allestendo
così una vera e propria protesta/provocazione nei confronti
dello Star System americano.
14

I film analizzati in questo libro non vanno confusi dunque
con quelli che, in origine, venivano definiti film trash.
Un’ulteriore distinzione va operata all’interno del genere
cinematografico di riferimento. Se i lavori di Waters o Warhol
rappresentano infatti un cinema “altro” rispetto all’horror,
altre pellicole s’inscrivono all’interno del medesimo genere.
Impossibile, al riguardo, non citare i film della Troma. Casa
di produzione statunitense specializzata in pellicole horrorsplatter-fantasy
demenziali (“The Toxic Avenger”, “Class of
Nuke ‘em High”, “Tromeo and Juliet”, per citarne alcune),
le opere della Troma possiedano elementi in comune con i
film trattati nel presente volume ma si distinguono da essi
per un motivo fondamentale: nascono col preciso intento di
far ridere lo spettatore, attraverso il cattivo gusto e la comicità
pecoreccia, che poi rappresentano i comun denominatori
dell’opera omnia targata Troma. Qui e lì è possibile ravvisare
anche messaggi di protesta (delle volte accessori e/o pretestuosi)
contro il nucleare, la violenza sulle donne, l’abuso
di droghe e via dicendo, ma la denuncia sociale rimane quasi
sempre a pelo d’acqua e comunque soverchiata da sangue,
frattaglie e gag comiche. Lo spirito iconoclasta e anarcoide
di Lloyd Kaufman (mastermind della Troma assieme a Michael
Herz), peraltro, rende molte pellicole tromiane più vicine
all’insistita ricerca dello shock visivo caro a un John
Waters piuttosto che alla pochezza delle produzioni –
anch’esse trash, ma in modo diverso – di una Full Moon (ex
Empire, casa di produzione fondata da Charles Band nel
1983).
I film trattati in questo volume invece, seppur in alcuni casi
sposino il pensiero trash, spesso e volentieri non mirano ad
alcuna forma di protesta, non seguono una precisa filosofia
di pensiero, non si fanno alfieri di una consapevole rivoluzione
cinematografica. Non possiedono ironia dissacratoria.
Sono, semplicemente, realizzati nel modo sbagliato.
Di base falliscono nel rispettare il dogma principale, ossia
incutere paura, e ottengono per assurdo l’effetto contrario.
15

Seppur vi siano esemplari mainstream (dei quali parlerò
più avanti), c’è da dire che uno dei principali ingredienti
rintracciabili in questo genere di film è il budget risicato,
ancor più spesso risicatissimo, che esclude l’utilizzo di mezzi
tecnici adeguati per assemblare un film decente. Poi si passa
a sceneggiature approssimative in grado di concatenare eventi
in modo improbabile ma che, indomite, non si tirano indietro
nel proporre idee che nessun produttore sano di mente
accetterebbe di finanziare. Vampire ninfomani? Televisori
che sfornano zombi? Videoregistratori posseduti dal demonio?
Mostri dall’aspetto più buffo che terrificante? Alieni
arrapati? Squali di cartapesta? Lupi mannari che sfidano la
camorra? Beh, troverete tutto questo e molto altro, all’interno
di storie che non si reggono in piedi neanche a impalarle,
infarcite di trovate discutibili e dal fiato corto e tempestate
di dialoghi – essi sì – da brivido. Ovviamente questi dialoghi
devono essere recitati da qualcuno, e qui entrano in scena gli
attori: nomi quasi sempre sconosciuti al grande pubblico,
lanciati e lasciati allo sbaraglio davanti alla macchina da
presa. Gli esiti sono, come potrete immaginare, disastrosi: la
recitazione appare talmente approssimativa da implementare
ancor di più l’effetto comico involontario.
Immaginate l’estemporanea apparizione di un mostro repellente.
La macchina da presa inquadra in primo piano il
volto dell’attrice che, voltandosi, nota all’improvviso la presenza
e le fattezze del mostro. Sta a lei trasmettere allo
spettatore il senso di terrore che il regista vorrebbe infondere
nella sequenza, l’angoscia del sapersi braccati da un essere
che non ha nulla di umano, la paura che immobilizza mente
e corpo in una morsa di puro sgomento.
Ebbene: a meno che il ruolo della vittima non sia interpretato
da una talentuosa interprete (quelle che in gergo vengono
chiamate “scream queen”), con ogni probabilità tutto ciò
che vedrete sarà una smorfia grottesca, alla quale nessuno
crederà mai e che abbatterà impietosamente qualsiasi tentativo
di conferire un minimo di pathos alla scena.
16

Piuttosto che spaventarvi, insomma, il suo urlo di terrore vi
farà ridere.
Passiamo adesso al comparto tecnico. Assemblati spesso in
tempi ristretti per i sopraccitati problemi di budget, girati
talvolta back­to­back con altre pellicole per sfruttare i medesimi
set, troupe e attori, i film in questione palesano evidenti
limiti nella messa in scena e nella cura estetica. Fotografia
talvolta dozzinale, costumi orribili, riprese sfocate, traballanti
e con riverberi di luce in camera, il tutto condito da effetti
speciali caserecci che spesso danno il colpo di grazia agli
horror in questione. Gli animatroni, il make-up, gli interventi
in computer grafica (il cui acronimo è CG) sono lontani anni
luce da ciò che “Il Signore degli Anelli” vi ha abituato a vedere.
Qui i mostri sono spesso attori impacciati che indossano
tute di gomma, il sangue ha tinte mai viste, le interiora
non sono finte ma frutto di un saccheggio ai danni della macelleria
all’angolo, gli zombi indossano mascheroni bislacchi
in volto o, peggio ancora, una semplice passata di vernice
bianca sulla faccia. E la computer grafica non è propriamente
quella di “Matrix”.
Infine, prima che il film sia pronto, si passa alla post-produzione
per montare le varie sequenze e aggiungere musiche,
suoni e altro. E anche qui sono dolori, perché sfido
qualsiasi montatore a tirar fuori cose decenti da materiale assemblato
con così tanta fatica. Perciò c’è la sagra degli errori
di continuità, con attori che entrano da una porta e sbucano
inspiegabilmente da quella al lato opposto, incongruenze
visive a iosa, doppiaggi fuori sincrono, tagli e raccordi fatti
con l’accetta. A commentare il tutto la musica che – quando
non viene sgraffignata da altre pellicole – si risolve in deprimenti
accompagnamenti al sintetizzatore, la qual cosa di
certo non aiuta l’atmosfera a decollare.
A capo di tutto questo c’è il regista.
Povero disgraziato.
Dalla posizione di spettatore in cui mi trovo, che poi è la
stessa in cui vi trovate voi che leggete, è facile sparare a ze-
17

o sul regista. È il capro espiatorio per eccellenza, e ammetto
che – specie in passato – anch’io ne ho scritte di tutti i colori
su questo o quel cineasta. Ciò nonostante, come ogni fan degli
“horror brutti ma divertenti”, continuo a nutrire rispetto per
chi ha realizzato questi film, nonostante i loro evidenti limiti.
Questo perché al di là delle scarse capacità tecniche e/o
narrative, i registi delle opere in questione sono dei sognatori.
Per passione, per sfrontatezza o per motivi spudoratamente
“alimentari”, si sono gettati (e molti di loro lo fanno tutt’ora)
in imprese epiche, spesso fuori dalla loro portata, e hanno lasciato
un segno nella storia del cinema. Piccolo o grande che
sia, non importa: credo valga la pena ricordarlo a prescindere.
Personaggi come Ed Wood, Andy Milligan, Ted V. Mikels, Jesus
Franco, Fred Olen Ray (potrei proseguire, ma la lista è
sterminata) hanno raccolto una manciata di spiccioli, qualche
metro di pellicola e tanto coraggio (follia?) per inseguire e dar
forma ai propri sogni – o incubi, a seconda del punto di vista.
Chi sono questi sognatori? Qualcuno l’ho già citato, ma nel
ripercorrere la storia dei principali horror entrati nella
leggenda in base ai criteri già evidenziati, di sicuro ne citerò
altri.
continua...
18

ONLY THE BRAVE
di Alessandro Pedrazzi
Pare che il miglior recensore sia sempre quello con il quale
si concorda. Il che ovviamente è lusinghiero (anche per il recensore),
perché se il critico al quale facciamo riferimento è
uno che di film ne ha visti a bizzeffe e magari è pure noto,
riteniamo implicitamente che anche noi ne capiamo un
sacco. Leggere una recensione con la quale conveniamo è
tranquillizzante, cosa che comunque è diversa da “giusta” o
“migliore”. Capita, e capita spesso agli individui di mentalità
aperta, di scoprire che altre persone abbiano idee diverse
dalla propria, idee davvero originali. Sulle prime l’istinto è
di rifiutare i nuovi modelli, poiché l’essere umano funziona
secondo il principio di coerenza che lo porta a cercare cose e
concetti che confermino il proprio modello di pensiero. Ma
se ci si sforza un poco si riuscirà ad accettare il fatto che una
recensione antipatica possa nascondere qui e lì piccole verità.
In effetti, a ben riflettere, che necessità c’è di leggere una
recensione che dice al cento per cento cose che avevamo già
capito da soli? Di fatto, e questa cosa il lettore la capisce velocemente,
quello che fa preferire un recensore a un altro
non è tanto la percentuale d’intesa ma lo stile di scrittura,
poiché la recensione è una forma di letteratura e ogni letteratura
ha i propri scrittori. Il bravo recensore, quindi, prima di
tutto è uno bravo intrattenitore letterario che, caso vuole,
ama scrivere di cinema.
So quanto sia difficile non prendersela a male quando
qualcuno dà giudizi superficiali su un film al quale noi teniamo
tantissimo, oppure quando incensa una pellicola che
noi vorremmo dare alle fiamme. In rete le risse si sprecano,
un film qualsiasi diventa in molti (troppi) forum, e in alcune
20

ecensioni di commentatori biliosi, l’occasione per scatenare
dei demenziali litigi che esulano dall’analisi del film e
approdano a scambi di battute ben poco shakespeariani. E
del film che aveva innescato il litigio alla fine non parla più
nessuno. Ma vale davvero la pena litigare per una cosa del
genere? Si spera davvero di convincere una persona aggredendola?
Lo scambio dialettico è un’ottima cosa perché ci
permette di capire le ragioni di chi abbiamo davanti, il quale,
magari, ha notato lati di un film che ci erano sfuggiti.
Con un po’ di umiltà potremmo scoprire che nessuno ha ragione
in assoluto ma che molti hanno le loro ragioni. E se
così non fosse non avrebbe alcun senso l’esistenza di una
molteplicità di recensori (me compreso), poiché esisterebbe
solo un’interpretazione corretta e quindi basterebbe eleggere
un solo recensore che promana da Dio e dice sempre cose
esatte. La critica cinematografica è – e dovrebbe essere intesa
– come uno scambio di idee fra chi ha visto un po’ più di
film ma ha mantenuto una sana dose d’umiltà, e chi di film
ne ha visti meno e dovrebbe conoscere il valore del rispetto,
perché il cinema è sentimento ma anche storia e non tutte le
competenze possono essere improvvisate. È un atteggiamento
molto arrogante credere di capire tutto di un film solamente
per averlo guardato con i propri occhi. I film hanno
una storia che va al di là di quella raccontata sullo schermo.
Essi possiedono una meta-storia fatta di ciò che sta dietro: la
realizzazione, le idee, le persone. Ciò che noi vediamo, e
che dura circa due ore, è il risultato di giorni, settimane, mesi
di lavoro. Non voglio dire che per ogni film che si guarda
occorra compiere degli studi e degli approfondimenti, ma ci
sono film che meritano un’attenzione che deve andare,
seppur un minimo, al di là della durata del film stesso. Non
tutto nella vita è d’immediata comprensione e così è il cinema.
Ad esempio, non si può dare nessun giudizio su un film
se non si tiene conto del periodo storico in cui è stato prodotto.
Non si può pensare di guardare i film e di giudicarli
da un punto fisso con un unico metro di giudizio a-storico,
21

che in genere è la propria reazione emotiva alla pellicola. Se
guardate un film horror del ‘70 e notate che il sangue ha un
colore rosso fiammante inverosimile e che gli effetti speciali
non sono uguali a quelli che avete appena visto al cinema in
un film prodotto nel 2011 tramite computer grafica, oppure
che guardando un film comico degli anni ‘30 non ridete per
nulla, o anche che “La Guerra dei Mondi” (1953) è fantascienza
fatta male perché le astronavi non volano veloci come
la Millennium Falcon... beh, siete davvero fuori strada.
Al di là dell’ottica a-storica con la quale molte persone giudicano
un film, in linea generale sono due i macro-atteggiamenti
da evitare.
Il primo: mai cadere nella trappola di coloro che vogliono
farvi credere che il cinema sia degno di essere visto solo se
“d’impegno”, d’essai, arthouse. Queste persone vi racconteranno
di quanto sia bello il “Decalogo” di Kieślowski (che
in effetti è bello) ma vi guarderanno con infinita pietà se direte
di aver apprezzato “Predator” con Schwarzy (film
anch’esso pregevole). “Americanate!” vi sentirete rispondere.
I fratelli Taviani, Antonioni, Chaplin, il cinema indipendente...
dite queste parole ed essi avranno un orgasmo! Queste
persone ritengono che solamente le opere più incomprensibili,
quelle più legnose, quelle di una certa corrente politica,
rappresentino in pieno il concetto di cinema. Tali persone temono
sopra ogni cosa di sembrare stupide e quindi si bevono
i film più astrusi pisciando panegirici con la speranza di
apparire colti, profondi e non superficiali. Li vedrete sforzarsi
nella ricerca di doppifondi culturali e, se non ne troveranno,
ne creeranno loro in bella posta, forzando contenuti e
concetti. Ma “inintelligibile” non è sinonimo di “intellettuale”.
Solitamente poi – cosa peggiore – questa gente ha visto
pochi film, sempre del solito genere e soprattutto si è lasciata
istruire per bene su cosa debba essere colto e su quale
cineasta debba essere considerato un artista. E pretendono di
imboccarvi nello stesso modo. Per loro l’horror è un cinema
di secondo ordine: a parte “Shining” di Kubrick, of course.
22

Secondo punto: mai cadere nella trappola di coloro che vogliono
farvi credere che il cinema “d’impegno”, d’essai,
arthouse, sia un cinema da evitare. Nella vita ognuno fa ciò
che vuole, ovvio, ma sappiate che rinunciando aprioristicamente
alla visione di certe pellicole perderete parecchie
emozioni ed esperienze. Non è vero che i vecchi film, quelli
in bianco e nero ad esempio, siano tutti noiosi e banali, non
è vero che andare a vedere Antonioni, i fratelli Taviani e
Chaplin sia palloso. I film di una volta e quelli più impegnati
sono spessissimo la colonna vertebrale sulla quale si
regge tutto il cinema e vi stupirebbe sapere quanti dei moderni
ed “originali” film siano debitori verso i più vecchi.
È scontato che non si nasca esperti. Occorre leggere ciò
che altri, prima di voi, sono arrivati a capire su una determinata
opera. Dopo esserci informati a dovere, abbiamo il diritto
di pensarla diversamente. Il cinema è un fenomeno artistico
e come tale permette una fruizione e una comprensione
relative alla soggettività. Se un film vi ha fatto paura, e una
recensione sostiene che il film è una buffonata, rimane il
fatto che quel tale film vi ha fatto paura. Allo stesso modo,
non esitate a ritenere emozionante un film che vi ha fatto
commuovere, anche se c’è chi sostiene che il tale film sia un
chick flick, una pellicola per svenevoli donnette. Certo, potete
anche uniformarvi e, mentendo a voi stessi e agli altri,
affermare di non aver provato paura o di non aver pianto...
ma ne vale davvero la pena?
Attenti però a giudicare solo in base alle vostre emozioni. Iniziate
a dubitare del vostro giudizio se vi accorgete di mal digerire
interi generi: è impossibile che tutti gli horror, tutti i film
d’azione, tutti i film comici, per esempio, siano brutti o malfatti.
È chiaro che esistono film che riescono a toccare le nostre
corde più di altri ma non bisogna prescindere dall’importanza
storica, dalla tecnica con la quale una pellicola è stata realizzata
e così via.
Per quanto riguarda il genere trattato in questo libro, nessuno
pensi di poter sparare a zero sul cinema horror solo perchè
23

itenuto un genere più leggero, meno passibile di riletture
profonde e di concetti seriosi. Non relegate l’horror a un fenomeno
adolescenziale o morboso, benché possa anche diventarlo
(come moltissime altre cose, invero). Aver visto
qualche film con Freddy, Jason e Michael non vuol dire conoscere
l’universo del cinema “di paura”.
Solo prescindendo dalla tensione che un film è in grado di
instillare, e attraverso un approccio onnivoro e curioso, è
possibile scoprire che c’è anche un cinema horror nato per
far paura e che alla fine, nonostante i molteplici sforzi, ottiene
l’effetto contrario. È un tipo di cinema che mantiene integra
la sua dignità, proprio perché riesce a smuovere qualcosa
dentro. A intrattenere. La risata è anch’essa un’emozione,
l’altra faccia della medaglia – se vogliamo. Si ride per
esorcizzare la paura, quando un film fa paura. Si ride per
riempire il vuoto, quando la paura ha voltato le spalle al film
ed è andata a farsi un giro. Delle volte queste pellicole annoiano,
ma si riscattano all’improvviso grazie a una sequenza
inverosimile, a un dialogo raffazzonato, a un effetto speciale
che di speciale non ha nulla, se non la grossolanità. Ciò che
vediamo acquisisce allora un senso, un suo senso. E finché un
film è in grado di emozionare, vale sempre la pena parlarne.
Coloro che invece hanno visto centinaia di film dell’orrore,
non pensino che per loro “il mattino ha l’oro in bocca”, non
credano di essere arrivati solo perché citano opere underground
che gli altri non conoscono. Volate basso e se davvero amate
il cinema, questo cinema, fate conoscere i film di cui parlate.
È l’obiettivo che mi propongo di raggiungere nelle pagine
che verranno. Parlerò di alcune tra le pellicole più disastrose
e/o divertenti (o tutt’e due le cose) che io abbia mai visto nel
mare magnum del cinema horror, nella speranza di fornire,
in tal modo, il mio piccolo contributo alla causa.
continua...
24

ALTRE VISIONI
In questa sezione troverete l’analisi (breve, a volte brevissima)
di film che non sono stati citati nelle pagine precedenti
per questioni di spazio, o che sono stati citati en passant.
Si tratta di pellicole meritevoli di menzione, in alcuni
casi già assurte allo status di cult. E che potrebbero essere
oggetto – un giorno – di un secondo volume dedicato al cinema
horror trash/weird.
7 PER L’INFINITO CONTRO I MOSTRI SPAZIALI
ANNO: 1970
REGIA: Al Adamson
UN MOTIVO PER RIDERE: gli uomini-aragosta.
Fantahorror bislacco un po’ su tutti i fronti (a partire dal titolo),
che vede un gruppetto di scienziati alle prese con
vampiri che schiavizzano uomini primitivi su un altro pianeta.
Trash fin nelle ossa, il film ha la capacità di accecare
letteralmente lo spettatore attraverso continui cambi di colore.
Il filtro della fotografia non è mai stato usato così a
sproposito.
ALIEN ABDUCTION
ANNO: 2005
REGIA: Eric Forsberg
UN MOTIVO PER RIDERE: l’aspetto degli alieni, le scene
di combattimento.
Difficile stabilire quale titolo della casa di produzione Asylum
sia il peggiore. “Alien Abduction” se la gioca, visto che
lo squallore raggiunto dagli attori, dai dialoghi e dai movi­
26

menti di camera è di tutto rispetto. In teoria dovrebbe
scimmiottare “Bagliori nel Buio” (di Robert Lieberman,
1993), dal quale riprende il tema del rapimento alieno.
AMOK TRAIN
ANNO: 1989
REGIA: Jeff Kwitny
UN MOTIVO PER RIDERE: i dialoghi, le scene girate nel
villaggio slavo.
Prodotto da quella vecchia volpe di Assonitis, è conosciuto
con una sfilza di altri nomi (“The Train”, “Beyond the Door
III”, “Evil Train” e chissà quanti altri). Molto sanguinoso, ma
scadente nei dialoghi (a tratti allucinanti) e nella messinscena,
basta dare un’occhiata alle facce degli attori che interpretano
la popolazione locale. Alcuni lo considerano un discreto
horror, giudizio generoso derivante forse dal fascino retrò
tipico dei B­movie splatter anni ‘80.
LA BARA DEL VAMPIRO
ANNO: 1972
REGIA: John Hayes
UN MOTIVO PER RIDERE: i dialoghi (in particolare
quando apre bocca il prof. Lockwood) e l’inespressività del
giovane protagonista (l’attore William Smith).
Film statunitense sui vampiri che – incredibile a dirsi, vista la
qualità – riscosse un discreto successo anche da noi in Europa.
Diverte nella prima parte, quando papà­vampiro aggredisce
la coppietta che amoreggia nel cimitero (va beh, anche
in altri film il camposanto risveglia certi desideri, “Dellamorte
Dellamore” di Michele Soavi docet), poi il plot del film si
avvicina a quello dei manga horror/fantasy incentrati su faide
e vendette tra mostri consanguinei. Gli attori e gli scambi
di battute tengono desta l’attenzione del trash­seeker, comunque.
27

BLACK ROSES
ANNO: 1988
REGIA: John Fasano
UN MOTIVO PER RIDERE: lo scontro tra il professore e il
capo dei demoni, nel finale.
Dopo aver sfornato “Rock ‘n’Roll Nightmare”, Fasano ci riprova
con questa pellicola che vede una band di metallari
coatti (il cui nome farebbe pensare agli allora famosissimi
Guns N’ Roses) guidata da un emissario del diavolo. Girato
male e interpretato peggio. Della partita è anche il mitico
batterista Carmine Appice.
BLOODBEAT
ANNO: 1985
REGIA: Fabrice A. Zaphiratos
UN MOTIVO PER RIDERE: le apparizioni del samurai.
Cosa ci faccia un samurai nel Wisconsin non è dato sapere,
visto che tutto il film appare reticente. Tentiamo un’interpretazione:
visto che una ragazza ha degli orgasmi irrefrenabili
quando appare il samurai, l’assassino del film potrebbe
rappresentare quello che il poltergeist di “Entity” rappresentava
per Carla Moran e suo figlio. Il prodotto di una sessualità
anormale, insomma. Va beh. Da segnalare gli effetti
di luce, fra i più camp mai visti in ambito horror.
BLOOD SHACK
ANNO: 1971
REGIA: Wolfgang Schmidt (Ray Dennis Steckler)
UN MOTIVO PER RIDERE: la messinscena poveristica, la
regia e gli interpreti.
Pellicola scalcinata che narra di una divinità indiana (in
calzamaglia) che uccide un po’ di gente. Messa su alla bell’e
meglio dallo stesso regista di “The Incredibly Strange Creatures
Who Stopped Living and Became Mixed­Up Zombies”.
Chi ha visto quel film sa già cosa aspettarsi.
28

BLOOD TRACKS – SENTIERI DI SANGUE
ANNO: 1985
REGIA: Mike Jackson
UN MOTIVO PER RIDERE: l’imperizia di regista e attori.
Come si fa a non inserire in questo libro un film che parte
con una valanga causata da un gruppo metal (esteticamente
dei Tokyo Hotel ante litteram) che sta girando un videoclip
in montagna? Incrocio tra gli horror rock­movie tipici degli
Eighties e le pellicole con gli hillbillies assassini, fa parte di
quella lunga lista di film che dipinge i metallari come dei
perfetti idioti erotomani. Ma “This is Spinal Tap” è un’altra
cosa.
BLOODY PSYCHO
ANNO: 1989
REGIA: Leandro Lucchetti
UN MOTIVO PER RIDERE: il dialogo tra il barbone e il
pranoterapeuta, nell’incipit; le faccette di Peter Hintz; la scena
della tazza da tè scagliata sul pavimento.
Non il peggiore horror italiano come vuole qualcuno, e
neanche il peggior episodio della serie “Lucio Fulci presenta”
(lì è sfida aperta tra “Massacre” e “Hansel e Gretel”).
I motivi di interesse però sussistono, a partire da una
recitazione a dir poco approssimativa per arrivare ai dialoghi
grevi. Tutta la trama, inoltre, non pare avere un gran
senso. Peccato, perché l’omicidio nel lavatoio è interessante.
THE BOXER’S OMEN
ANNO: 1983
REGIA: Kuei Chi Hung
UN MOTIVO PER RIDERE: l’attacco dei pipistrelli che
fuoriescono dai teschi dei coccodrilli.
Se il Messico incrociava horror e wrestling, giustamente a
Hong Kong incrociavano horror e Thai Boxe. Il film in questione
non è per stomaci deboli, dal momento che i personaggi
mangiano e vomitano di tutto. Mostra però una certa
29

cura (come quasi tutti i film orientali) nella fotografia e
nelle scenografie. Weird più che ridicolmente brutto, però
c’è da ridere.
THE BRAINIAC
ANNO: 1962
REGIA: Chano Urueta
UN MOTIVO PER RIDERE: ovviamente le fattezze del
mostro, in pratica un tizio con una maschera di gomma sul
volto (dotata però di lingua chilometrica) e guanti artigliati
che paiono le chele del dottor Zoidberg di “Futurama”.
Noto anche col titolo originale di “El barón del terror”, narra
la storia di un tale (il Barone del titolo) che compie un salto
temporale di trecento anni per vendicarsi di chi, durante
l’Inquisizione, lo condannò al rogo come eretico. Impedibili
le trasformazioni del protagonista e il finale, con lo scontro
fra mostro e polizia.
BREEDERS
ANNO: 1986
REGIA: Tim Kincaid
UN MOTIVO PER RIDERE: l’ingloriosa fine del mostro,
abbattuto da una semplice randellata.
A Kincaid va la riconoscenza di tutti gli appassionati, visto
che ci ha fornito – a metà anni ‘80 – fulgidi esempi di fantascienza
caciarona e scombinata. Qui siamo nella media (la
sua media, per intenderci), ragion per cui la visione di “Breeders”
è fortemente consigliata. Kincaid lavora adesso nel
campo del porno­gay, ambito nel quale sta riscuotendo
grande successo, tanto da essere entrato nella “Gay Hall Of
Fame”.
continua...
30

INTERVISTA A LUIGI COZZI
Qui di seguito trovate un’intervista a Luigi Cozzi, regista,
aiuto-regista, sceneggiatore, effettista e scrittore noto per le
collaborazioni con Dario Argento (“Quattro Mosche di
Velluto Grigio” in primis) e per diversi film girati negli anni
‘70 e ‘80.
Dai fan del cinema di genere, però, il nome di Luigi Cozzi
viene inevitabilmente associato a “Paganini Horror”. Se con
buona ragione o meno, lo lasciamo stabilire a lui. In effetti
questa intervista ha anche lo scopo di dare voce a chi – nei
saggi sul cinema – raramente ha la possibilità di replicare.
Ovviamente “Illusioni svelate” non è un atto di accusa, bensì
un omaggio a un certo tipo di cinema horror. Ci è parso interessante,
tuttavia, confrontare il giudizio (spesso implacabile)
dello spettatore medio con quello di chi conosce tutti i retroscena
relativi alla produzione di un film.
L’intervista è stata raccolta da Alex Visani nel settembre di
quest’anno, gli autori delle differenti domande sono stati
specificati tra parentesi.
Approfittiamo dell’occasione per ringraziare Luigi Cozzi,
persona gentile, disponibile e dotata di un invidiabile sense of
humour.
L’editore (A. M.) e gli autori (A. P. e A. V.)
1. Regista, sceneggiatore, effettista, produttore. Un’esperienza
a 360° in quella che viene definita “la fabbrica dei
sogni”, cioè il cinema. Tuttavia questa definizione è relativa
più che altro al risultato finito. Cos’è in effetti il cinema visto
da dentro? (A. P.)
Qualcosa di diverso. Qualcosa che peraltro cambia coi tempi.
Oggi in Italia il cinema non esiste più. C’è la fiction, che pe-
32

ò è un’altra cosa. Tutto è terminato alla fine degli anni ‘80.
In precedenza c’erano tanti produttori, tanto mercato, tanto
pubblico. Serviva un’idea e poi occorreva farla circolare.
Delle volta bastava guardare gli incassi dei film altrui e scovare
un titolo. Racconto un aneddoto: io avevo visto “Alien”
a New York. Torno qua in Italia e Valenti (Ugo Valenti, produttore
di “Contamination”, N.d.R.) mi confida: “servirebbe
un film di fantascienza, però deve costare poco perché abbiamo
pochi soldi”. Io gli propongo: “facciamo Alien Arriva
sulla Terra”, e lui dice: “Cazzo che idea!”. Fa realizzare
subito un manifesto col mostro e mi chiede un soggetto.
Scrivo una paginetta e al MIFED (mercato internazionale
dei film) si riuniscono i produttori di tutto il mondo. Valenti
va su e torna coi contratti. Mi dice: “abbiamo i contratti, ora
bisogna scrivere la sceneggiatura”. Era un altro mondo,
capisci? Oggi la locandina è l’ultima cosa che viene fatta,
invece allora era l’unica cosa che esisteva, assieme a un
soggetto scritto su una paginetta e tradotto in inglese. Altri
tempi.
2. Gli anni ‘70 e gli anni ‘80 hanno rappresentato il periodo
più fertile per la produzione di pellicole a basso costo, al
di là della loro effettiva riuscita. Che ricordo ha di quel periodo?
(A. M.)
Oddio, a basso costo non direi, perché quei film costavano.
Io sostengo spesso di aver fatto film con pochi soldi, ma
intendo dire che i soldi erano pochi per poter realizzare un
film di spessore. Certe volte me ne davano tanti, ma si trattava
comunque di cifre insufficienti a realizzare quello che il
copione prevedeva. Erano a basso costo rispetto alle produzioni
che c’erano all’epoca, ma “Paganini Horror” ad esempio
fu realizzato con un budget di un miliardo di lire. Considerato
il tempo che è trascorso, parliamo di 1,5 o 2 milioni di
euro odierni, e oggi non si fanno film con questo budget. Il
problema è che allora quelle cifre le recuperavi, oggi non
33

più. Il mercato è cambiato. Per i DVD non ti danno niente,
tanto tutti se li scaricano gratis. I canali televisivi sono interessati
ad altro, i film horror non li comprano, e se li comprano
li trasmettono da mezzanotte in poi, quando non c’è
pubblicità. E senza pubblicità… guadagno zero.
3. Non le è mai tornata la voglia di rimettersi in gioco come
regista, magari approfittando (come già Bruno Mattei)
dell’avvento della tecnologia digitale? (A. M.)
Per Mattei è stato più semplice perché lui girava a modo
suo. Io sono stato costretto a vedere un solo film di Mattei, i
produttori dicevano che il girato faceva schifo e che bisognava
rimetterci mano. Chiesero a me di occuparmene. Il film
era “I Magnifici Sette Gladiatori”, e in effetti faceva schifo.
Quel film l’aveva fatto con un mucchio di soldi e nonostante
questo... D’altronde Mattei era un bravo montatore, non un
regista. Comunque col digitale ho già lavorato tantissimo,
ho sempre sostenuto che avrebbe spazzato via le vecchie
tecniche. Il problema è: che cosa realizzi oggi? Fare qualcosa
tanto per non restare con le mani in mano non ha senso. I
problemi distributivi si rivelerebbero enormi e il film spacciato
in partenza. Magari con un buon soggetto… che poi è quello
che manca oggi. Tutti fanno film ma di soggetti interessanti
non ce n’è.
4. Le secca essere ricordato spesso come il regista di “Paganini
Horror” piuttosto che per un solido e convincente
thrilling come “L’Assassino è Costretto a Uccidere Ancora”?
(A. M.)
Io ritengo che un bravo regista deve sapersi muovere fra
più generi. In Italia vengo ricordato come il regista di quel
film – dai fan di genere – perché di horror ho girato solo
quello. A parte “Black Cat”, che però non ha avuto distribuzione.
In verità il mio più grande successo in Italia è stato
34

“Dedicato a una Stella”, che arrivò primo in classifica. Il secondo
maggiore incasso l’ho avuto con “Starcrash”, che però
piace agli appassionati di fantascienza. “Contamination”
è già una fantascienza diversa, mischiata con l’horror.
“L’Assassino è Costretto a Uccidere Ancora” è di genere
giallo. E al fan del giallo importa poco la mia produzione
fantascientifica. Del genere sentimentale poi gliene frega
anche meno. Sono fasce di pubblico diverse. Per esempio in
Francia vengo invitato per parlare di “Starcrash”, lì lo adorano.
In Giappone mi chiamano per il “Godzilla” colorizzato,
altrove per “Contamination” o per “Hercules” che ho fatto
con Lou Ferrigno. Questa suddivisione mi fa piacere, significa
che ho lasciato un segno in più generi.
5. Ma cosa ne pensa oggi di “Paganini Horror”? (A. V.)
continua...
35

2011 I sognatori, Lecce
ISBN 978-88-95068-16-9
Per contattare la casa editrice I sognatori,
consultare il sito internet:
www.casadeisognatori.com
e il blog:
casadeisognatori.splinder.com
In copertina: disegno di Francesca Santamaria