Download Catalogue - Paola Anziché

Greater Torino
:
Fondazione
Sandretto Re Rebaudengo
2 febbraio — 4 marzo
2 0 1 0
Paola Anziché
Paolo Piscitelli
1

G T
: Pubblicato in occasione
della mostra
Greater Torino
Paola Anziché – Paolo Piscitelli
Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo
2 febbraio – 4 marzo 2010
A cura di
Curated by
Irene Calderoni
Maria Teresa Roberto
Progetti speciali a cura di
Special projects curated by
Giorgina Bertolino
Progetto grafico
Graphic design
Elyron
Traduzioni
Translations
Elisabetta Zoni
Stampato in Italia da
Printed in Italy by
Musumeci Spa. Aosta
Distribuito in Italia da
Distributed by
Books Import Srl.
Prima edizione © 2010
Sandretto Re Rebaudengo Press
via Modane 16, 10141 Torino
Tutte le immagini © gli artisti
Tutti i diritti riservati.
Nessuna parte della presente
pubblicazione può essere
riprodotta o utilizzata in alcuna
forma, elettronica o meccanica,
senza il permesso scritto degli
editori.
First edition © 2010
Sandretto Re Rebaudengo Press
via Modane 16, 10141 Turin – Italy
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or by any means, electronic or
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Greater Torino :
Paola Anziché
Paolo Piscitelli
Media Partner

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
Torino
Turin
Presidente
President
Patrizia Sandretto Re Rebaudengo
Consiglio d’Amministrazione
Board of directors
Emilia Broggi Sandretto
Marco Drago
Giovanni Lageard
Giuseppe Pichetto
Agostino Re Rebaudengo
Eugenio Re Rebaudengo
Pier Luigi Sacco
Dino Sandretto
Franca Sozzani
Marco Testa
Roberto Testore
Marco Weigmann
Direttore Artistico
Artistic Director
Francesco Bonami
Revisore unico
Auditor
Marco Bosca
Segreteria Fondatori
Founders Secretary
Maria Zerillo
Società di Revisione
Auditors
Reconta Ernst & Young
Curatore per la Fotografia Italiana
Curator of Italian Photography
Filippo Maggia
Curatore
Curator
Irene Calderoni
Relazioni Esterne
Public Relations
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Relazioni Internazionali
International Public Relations
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Ufficio Stampa
Press Office
Angiola Maria Gili
Silvio Salvo
Helen Weaver
Comunicazione e marketing
Marketing and communication
Chiara Torta
Coordinatore
Coordination
Enzo Frammartino
Formazione Mediatori Culturali
Tutoring of Art Mediators
Giorgina Bertolino
Progetti Educativi
Educational Projects
Elena Stradiotto
Francesca Togni
Annamaria Cilento
Alessia Palermo
Progetto Residenze Giovani Curatori
Young Curators Residency Program
Stefano Collicelli Cagol
Grafica
Graphic designer
Elisa Canal
Progetti web
Web Projects
Alberto Visconti
Segreteria
Secretarial staff
Renata Malaguti
Registrar
Carla Mantovani
Coordinamento Tecnico
Technical coordination
Bruno Bertolo
Assistente organizzazione mostre
Assistant to exhibition organization
Lorenzo Balbi
Allestimenti
Installation
Luca Genovesi
Giuseppe Tassone
Mediatori Culturali
Art Mediators
Francesca Busellato
Attilio Granelli
Eleonora Pietrosanto
3

Greater Torino
:
Patrizia Sandretto Re Rebaudengo
presidente
Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
Greater Torino :
Nel 2010 la Fondazione Sandretto Re
Rebaudengo compie quindici anni, un traguardo
importante per un’istituzione che è diventata un
riferimento nel panorama artistico internazionale,
ma anche un punto di partenza per raggiungere
altri risultati, in un momento – e in una città – in
cui è sempre più vitale considerare la cultura come
risorsa.
L’anniversario assume una valenza ancora più
significativa alla luce della sua concomitanza con la
nomina di Torino a “Capitale dei Giovani”, coincidenza
che rinsalda il forte legame esistente tra la Città, la
Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e le nuove
generazioni.
Greater Torino è un nuovo ciclo espositivo
dedicato agli artisti delle giovani generazioni
che hanno trovato in Torino il proprio spazio di
formazione o di lavoro. Questo progetto interpreta
la città come territorio allargato, luogo di nascita
o di elezione, ma soprattutto piattaforma per la
costruzione di un percorso di ricerca alimentato da
opportunità di crescita, di mobilità e di relazioni con
l’esterno. Una città aperta dunque, capace
di accogliere quelle dinamiche di “andata e ritorno”
essenziali nella definizione delle singole carriere
artistiche.
Premessa

I due artisti selezionati per la prima edizione di
Greater Torino dalle tre curatrici Giorgina Bertolino,
Irene Calderoni e Maria Teresa Roberto, sono Paola
Anziché e Paolo Piscitelli. Le loro biografie dimostrano
quanto Torino sia uno scenario culturale – storico e
contemporaneo – interessante per le nuove generazioni
che intendono fare ricerca e avviare una carriera, e
per chi si vuole misurare all’estero. Torino, negli anni, ha
saputo dar vita a un “sistema” di arte contemporanea
riconosciuto a livello internazionale, che comprende i
musei, le fondazioni private, le gallerie, l’Accademia,
i collezionisti e gli artigiani che producono le opere:
un substrato unico, ideale per la crescita
professionale degli artisti.
La scelta di strutturare il ciclo di mostre in doppie
personali risponde a una strategia che intende
approfondire e valorizzare i percorsi artistici degli
autori attraverso l’esposizione di più opere per
ciascuno (una delle quali specificamente prodotta
dalla Fondazione per l’occasione espositiva), capaci
di restituire ai visitatori i loro interessi tematici, le
modalità progettuali, le pratiche e gli strumenti della
loro produzione artistica.
Il mio grazie particolare va agli artisti e alle
curatrici per la professionalità e l’entusiasmo con cui
hanno dato vita a questo progetto.
5

G T
:
Greater Torino :
Introduzione 8
Paola Anziché 10
chronophilia
Irene Calderoni
Paolo Piscitelli 32
seconde intenzioni
Maria Teresa Roberto
I progetti speciali 54
di Greater Torino
Giorgina Bertolino
Apparati 64
English text 70

Paola Anziché
Paolo Piscitelli
7

Greater Torino
:
Giorgina Bertolino
Irene Calderoni
Maria Teresa Roberto
curatori
Greater Torino :
Introduzione

Greater Torino si apre con la doppia personale di
Paola Anziché e Paolo Piscitelli.
Pur provenendo da tragitti diversi – per l’uno
Torino è stata un punto di partenza, e di frequenti
ritorni, per l’altra è diventata da alcuni anni il
baricentro di esperienze e progetti – entrambi
pongono al centro del loro lavoro il principio della
transitorietà, ed esplorano la relazione tra corpo e
scultura, tra spazi e oggetti. Segnate da una forte
valenza performativa, le loro opere non hanno
un’identità fissa, e mutano stato nell’incontro
col pubblico (Anziché) o attraverso processi di
metamorfosi e traduzione (Piscitelli).
Di recente il tema della memoria è diventato
per l’uno e per l’altra centrale: Anziché rilegge
criticamente la stagione modernista rapportandosi
alla pratica artistica e relazionale di Lygia Clark;
Piscitelli registra le trasformazioni del paesaggio
americano cercandovi gli indici delle trasformazioni
economiche e sociali.
9

P A
Greater Torino :
Il corpo consuma gli oggetti, lascia la traccia
del suo passaggio.
Il movimento, il pensiero, le idee trasformano
e consumano l’oggetto dando un’interpretazione
indefinita, aperta, un movimento articolato.
Il movimento scrive gli spazi, scandisce il tempo,
apre la mente alle associazioni di idee, dando
un orientamento rispetto a un insieme di condizioni
di partenza.
“La mancanza di corporeità nella vita di tutti
i giorni è un’esperienza che appartiene alla
maggioranza delle persone ed è una componente
dell’automobilizzazione e della suburbanizzazione.
Il camminare è un gesto di resistenza nei confronti
della tradizione.
Il camminare era predominante quando il suo
passo si muoveva in contraddizione con il suo tempo,
e questo spiega perché gran parte di questa storia
del camminare riguardi il primo mondo del dopo
Rivoluzione industriale, più o meno quando camminare
cessò di appartenere al continuum dell’esperienza e
diventò invece una scelta cosciente…
Può darsi che alcune controculture e sottoculture
continueranno a camminare per opporsi alla
mancanza di spazio, di tempo e di corporeità
postindustriali e postmoderni.”
Rebecca Solnit, Storia del camminare

Paola Anziché
11

Paola Anziché
Irene Calderoni
chronophilia
Greater Torino :
“Solamente tiene vida el istante del acto.
En él, el devenir está inscrito. El instante del acto
es la única realidad viva en nosostros mismos.
Ser conscientes de ello es ya el pasado. La
percepción bruta del acto es el futuro realizándose.
El presente y el futuro están implicados en el
presente-ahora del acto.”
Lygia Clark, Livro-obra, Rio de Janeiro, 1983
Il percorso si apre con una trappola. Un reticolo
di tessuto candido e brillante si aggrappa alle pareti
del corridoio, si inerpica sui muri e sale verso il
soffitto, lasciando dietro di sé seducenti sagome di
luce ed ombra. Poi la rete si china, diviene ostacolo,
e il passante si trova preso nel groviglio, deve farsi
strada lottando, deve creare da sé uno spazio
di apertura, trasformando temporaneamente la
struttura messa in piedi dall’artista. Spaziando, 2010,
sviluppa la ricerca di Paola Anziché sul rapporto tra
scultura, architettura e pubblico, ovvero tra oggetto,
spazio e corpo. Ciascun elemento si dà in relazione
agli altri e l’opera d’arte vive precariamente nel
momento del loro incontro / scontro. L’interazione
è una dimensione centrale nell’opera di Anziché,
ne costituisce il principio generativo, volto ad
esplorare i meccanismi della percezione e della
costruzione del sé. La versione tradizionale del
rapporto opera-spettatore implica e riproduce una
Paola Anziché
chronophilia

Paola Anziché
Spaziando, 2010
dettagli dell’installazione
13

1.
Lars Bang Larsen, Suely Rolnik,
“A Conversation on Lygia Clark’s
Structuring the Self”,
Afterall, Spring / Summer 2007
Greater Torino :
modalità “estensiva” di cognizione del mondo: nella
fruizione i due termini del rapporto sono separati,
ovvero si stabilisce una netta linea di demarcazione
tra soggetto e oggetto. Nelle modalità partecipative
invece questa separazione viene indebolita, al
limite abolita, perché se l’oggetto non può più
essere percepito come esterno rispetto al sé,
reciprocamente si dissolve la separazione del sé dal
mondo, e il corpo diviene un “ricettacolo” per tutte
le forze dell’alterità. La psicanalista Suely Rolnik ha
definito questa seconda modalità di apprensione
sensibile della realtà “corpo risonante”, un concetto
elaborato a partire dall’opera di Lygia Clark. 1 La figura
della grande artista brasiliana ha avuto un’influenza
particolare sulla ricerca di Paola Anziché, che ha
reso palese il riferimento nell’opera Aggrovigliamenti.
Un omaggio a Lygia Clark, 2009, una ricostruzione
di Rete de elastico, 1968. L’opera è esemplificativa
della pratica di Clark, che supera la concezione
dell’opera d’arte autonoma per creare oggetti
funzionali, dispositivi, macchine che mettono in moto il
processo di interazione con il pubblico. Per realizzare
Aggrovigliamenti, una gigantesca rete di elastici
allestita negli spazi delle cisterne della Fondazione
Merz, Anziché ha coinvolto numerose persone,
studenti dell’accademia per la performance che ha
visto poi la partecipazione attiva del pubblico in un
evento emozionante e ludico. Il movimento di ciascuna
Paola Anziché
chronophilia

Paola Anziché
Aggrovigliamenti, 2009
documentazione della
performance,
documentation of the
performance,
Fondazione Merz, Turin
15

Greater Torino : Paola Anziché
chronophilia

Paola Anziché
Shopping - t, 2004
documentazione della
performance,
documentation of the
performance,
Frankfurt am Main
Shopping - t 01, 2004
fotografia digitale
digital photo
17

Greater Torino :
persona influenzava quello degli altri, e insieme
trasformavano la geometria della rete.
L’attitudine giocosa e la dimensione relazionale
della scultura sono elementi centrali anche in
Shopping-t, 2004, presentata in mostra nella forma
di un’azione che coinvolge lo staff del museo e il
pubblico. I mediatori culturali indossanno speciali
magliette progettate dall’artista e munite di tasche
collocate in corrispondenza di diverse parti del
corpo, all’interno delle quali è stipata della frutta. Le
magliette danno vita a ibridi scultorei, in cui corpo,
oggetto sintetico e materiale organico si fondono,
sollecitando una riflessione sulla interdipendenza tra
il sé e l’esterno. Questo si dà anche come relazione
con l’altro nel momento in cui i mediatori offrono
la frutta ai visitatori, che sono liberi di prenderla,
mangiarla subito o portarla via con sé, anche al di
fuori dello spazio della mostra.
Se la connessione tra spettatore ed oggetto si
dà apparentemente come esperienza spaziale, la
dimensione più rilevante da prendere in esame è in
realtà quella temporale, il modo in cui la materia del
tempo diviene qui mezzo espressivo. In Spaziando,
l’oggetto si attiva nell’istante della percezione/fruizione,
e non solo muta subitaneamente, ma porta traccia dei
successivi incontri con gli spettatori, li registra in una
trasformazione graduale di struttura, consistenza e
cromia, volgendo in forma scultorea il trascorrere del
Paola Anziché
chronophilia

Paola Anziché
Shopping - t 02, 2004
fotografia digitale
digital photo
19

Greater Torino :
tempo espositivo. Così, come non esiste opera se non
nell’atto della sua percezione, non esiste una versione
originale od originaria dell’opera, che vive proprio in
questo flusso, nell’accadere della sua metamorfosi.
L’idea di metamorfosi è centrale anche nella
serie delle opere-tappeto, che acquisiscono forme
e statuto diversi a seconda dei contesti e delle
modalità di presentazione. Già il materiale di cui
sono fatti, i tradizionali pezzotti, scampoli di tappeto
intessuti a partire da stracci, rimandano a un’idea
di transitorietà, per la loro natura di prodotti del
reimpiego e per l’utilizzo che avevano in passato in
relazione alla vita nomade dei pastori. I pezzotti sono
composti di strisce multicolori, sono vivaci e robusti,
e si caratterizzano per una resistenza meccanica,
cioè mantengono facilmente una forma. L’artista
crea i tapis cucendo insieme un certo numero di
questi pezzotti, dando così vita a tappeti che hanno
forme e proporzioni differenti. I tapis non sono però
così completi, ma attendono di essere vissuti, usati
e manipolati per acquisire una struttura specifica,
benché temporanea. Nasce così la performance
Tapis-à-porter, 2009, dove il tappeto si fa abito, viene
“indossato” dai performer e acquisisce mutevoli
configurazioni nell’interazione col corpo. L’oggetto e
il corpo entrano così in un dialogo significante, che
crea forma e senso, e in cui nessuno dei due termini
può esistere al di fuori della relazione con l’altro.
Paola Anziché
chronophilia

Paola Anziché
Tapis-à-porter, 2009
still dal video
stills from the video
21

Greater Torino : Paola Anziché
chronophilia

Paola Anziché
Tapis - accroché Magali,
2009
fotografie digitali
digital photos
23

Greater Torino :
Un aspetto particolare delle performance è
dato dalle coreografie; spesso Anziché si avvale
di danzatori che interagiscono con le sue opere
non in maniera immediata, ma secondo un copione
molto definito e rigoroso, sorretto da una pratica
consapevole e strutturata del movimento. Nelle fasi
di preparazione della performance l’artista lavora
con i danzatori alla creazione di figure, costruzioni
di specifiche relazioni formali tra corpo e oggetto,
un processo che viene documentato in mostra dal
video Tapis-à-porter. Queste figure costituiscono
un nodo centrale dell’opera di Anziché, soprattutto
in relazione alla dimensione della temporalità, in
quanto scaturiscono da un movimento bloccato,
sono come fotogrammi di un potenziale sviluppo
filmico, sono immagini sospese, estrapolate da un
flusso di movimento e di tempo. Illuminante a questo
proposito è l’opera Functional Fake Objects, 2007, un
progetto articolato, nato da una serie di fotografie
da cui è scaturita successivamente una performance
coreografata. Se di solito la fotografia serve come
traccia mnemonica e reperto documentale di ciò
che accade in una performance, Anziché ribalta il
processo e rimette in moto l’attimo cristallizzato
nell’immagine fotografica.
Questo discorso appare forse più evidente
nell’opera Paesaggi istantanei, 2009. La performance,
realizzata in collaborazione con la compagnia di ballo
Paola Anziché
chronophilia

Paola Anziché
The functional fake
objects, 2007
fotografia digitale
digital photo
courtesy Placentia arte,
Piacenza
25

2.
Giorgio Agamben, “Nymphae”,
Aut Aut, maggio - agosto 2004
Greater Torino :
dell’Esperia, ha visto l’interazione dei danzatori con la
rete elastica di Aggrovigliamenti. L’artista ha costruito
una precisa coreografia, basandosi su fotografie
scattate durante le prove. La performance si sviluppa
come passaggio da una posizione di stasi a un’altra,
il movimento è funzionale alla creazione delle figure,
sorta di tableaux vivants. L’opera richiama alla mente
l’immagine della “danza per phantasmata” teorizzata
dal coreografo quattrocentesco Domenico da
Piacenza e analizzata da Giorgio Agamben nel suo
saggio sul Warburg. 2 Domenico chiama fantasma
un arresto improvviso tra due movimenti, tale da
contrarre virtualmente nella propria tensione interna
la misura e la memoria dell’intera serie coreografica.
L’arresto è un cristallo di tempo, un’intensità in cui il
corpo e, in questo caso, l’oggetto, mantengono traccia
del movimento precedente e di quello a venire. Una
pausa, dunque, non immobile, ma carica, insieme, di
memoria e di energia dinamica.
Nell’opera di Anziché questa immagine di tensione
sospesa è enfatizzata, resa fisica dall’interazione tra
il corpo dei danzatori e la struttura reticolare: è il
concetto dell’energia elastica, che si accumula per via
di un movimento per poi liberarsi grazie all’atto del
rilasciare, ma nell’attimo di pausa tra un movimento
e l’altro non c’è quiete, ma produzione di forza,
potenziale energetico, intensità. Mi sembra che la
stessa lettura possa applicarsi ai tappeti presentati
Paola Anziché
chronophilia

Paola Anziché
Paesaggi istantanei,
2009
fotografia digitale
digital photo
27

3.
Walter Benjamin, Parigi Capitale
del XIX secolo. I Passages di Parigi,
Torino, Einaudi, 1986, fr. 2a, 4
Greater Torino :
in mostra in configurazioni scultoree, Tapis-accroché,
Origami-tapis e Tapis-à-porter (tutti 2009). La forma
definita che prendono in questo caso non è definitiva,
ma rimanda a un potenziale di cambiamento, richiama
le passate performance e prelude alla possibilità di
ulteriori utilizzi. Sono immagini dialettiche, per usare
la terminologia di Benjamin, immagini in tensione tra
passato e presente:
“Al pensiero appartiene tanto il movimento
quanto la sospensione dei pensieri. L’immagine
dialettica appare là, dove il pensiero si arresta in una
costellazione satura di tensioni. Essa è la cesura nel
movimento del pensiero. Naturalmente il suo non è
un luogo qualsiasi. Essa va cercata, in una parola,
là, dove la tensione tra gli opposti dialettici è al
massimo.” 3
Questa nozione della temporalità come divenire,
come tensione dialettica tra passato e presente che
si condensa nell’atto del presente riporta nuovamente
alla ricerca di Lygia Clark, cui è dedicato un progetto
in corso di Paola Anziché, Indagando. L’artista ha
iniziato a intervistare gli ex-studenti di Clark, che
negli anni Settanta insegnava alla Sorbona di Parigi.
I corsi erano strutturati come laboratori, all’interno
dei quali l’artista sviluppò delle proposizioni che
contraddistinguono l’ultima fase della sua poetica e
che intitolò Fantasmática do corpo o Corpo-coletivo.
Ed è proprio questa memoria che Anziché cerca
Paola Anziché
chronophilia

Paola Anziché
Origami-tapis, 2009
documentazione del
workshop,
documentation of the
workshop,
Careof, Milano
Tapis-à-porter, 2009
documentazione della
performance,
documentation of the
performance,
Careof, Milano
photo Endstart
29

Greater Torino :
di recuperare, la memoria di un’esperienza, della
partecipazione attiva alla creazione, della liberazione,
tramite azioni collettive che coinvolgono il corpo,
delle fantasie inconsce che chiamiamo fantasmi.
Ma fantasmi sono anche, come si è detto, le immagini
cariche di passato e futuro che si addensano in un
attimo presente, proprio come questo lavoro
di Anziché, che nel rievocare i ricordi dei partecipanti
alle azioni di Lygia Clark, recupera e restituisce
all’oggi un progetto estetico ancora carico di
potenzialità.
Paola Anziché
chronophilia

Paola Anziché
Origami-tapis, 2009
fotografie digitali
digital photos
31

P P
Greater Torino :
Quello che ho imparato di me stesso lasciando
Torino, è stato il riscoprirmi nuovamente come
artista multidisciplinare. Non solo questo; il trovarmi
nella condizione d’immigrato mi ha imposto nuove
necessità da soddisfare, tra queste la sincera
curiosità per le persone che mi circondano e il
desiderio di sapere da dove esse vengono, anche se,
a dire il vero, non vedo quasi mai nessuno.
Nel 2006 mi sono trasferito in Texas per una
residenza d’artista. Anche da qui, dalla profonda
America, ho potuto respirare l’american dream
assistendo poco tempo dopo all’elezione del primo
presidente di colore della storia americana. Nello
stesso periodo si consolidava la crisi bancaria,
finanziaria e reale di questo paese.
Mi sono trovato coinvolto in concreto e in
astratto, emotivamente e intellettualmente nel mondo
che mi circonda. Diversi familiari, amici e conoscenti
hanno perso il lavoro, molti piccoli business hanno
chiuso, altri stanno aprendo, conquistando uno spazio
orizzontale che sembra non finire mai.
Questa trasformazione personale, collettiva
e direi globale, mi ha naturalmente portato
a contestualizzare il lato estetico con quello
economico-politico e dei simboli del quotidiano.

Paolo Piscitelli
33

Paolo Piscitelli
Maria Teresa Roberto
seconde
intenzioni
1.
Paolo Piscitelli, “Seconda
intenzione / con gli occhi del
tempo”, in Emanuela Termine, Paolo
Piscitelli. Some Prefer Nettles,
Gangemi Editore, Roma 2007, p. 50
Greater Torino :
A più riprese, tra il 2000 e il 2005,
Paolo Piscitelli ha scelto per titolare i suoi lavori
l’espressione “seconda intenzione”,
accompagnandola, dopo la prima ricorrenza,
con un sottotitolo: “volume rosa”, “volume bianco”,
“punto senza punto”, “con gli occhi del corpo”.
Sono installazioni, video, tracce sonore, disegni,
accomunati, pur nell’alterità degli strumenti
espressivi, dalla pratica del ripensamento, dalla
volontà, o piuttosto dalla necessità, di dislocare in
forme nuove gesti e pensieri.
Il processo di modificazione cui Piscitelli
sottopone i suoi progetti, innescando meccanismi
di traduzione e di alterazione, è la cifra distintiva
dell’intero suo ciclo di lavoro: “Non c’è percorso –
ha scritto – senza un movimento. È il ricordo che
trasla, per suggestione artificiosamente ricostruita.
La seconda intenzione cos’è se non l’assenza della
prima? O è l’impossibile sovrapposizione della
seconda alla prima?”. 1
Lavori già noti cambiano il loro stato per effetto
di movimenti diversi: quello che nei confronti della
consistenza fisica delle sculture procede lungo la via
della de-costruzione o della cancellazione del nucleo
originario, quello che nelle due dimensioni dello
scatto fotografico o del disegno isola, taglia, rimonta
i particolari dell’immagine, quello che degli oggetti
e dei movimenti che li hanno generati propone i
Paolo Piscitelli
seconde intenzioni

Paolo Piscitelli,
Platonic 5, 2006
Scultura performativa
Performative sculpture
September 26 - 28, 2006
Architecture Ranch, Texas
A&M University, Texas
courtesy l’artista e
Tucci Russo Studio
per l’Arte Contemporanea
35

Greater Torino :
corrispettivi sonori. E nelle catene di opere innescate
da questi procedimenti, si perde il confine tra
prototipo e replica. Seconde intenzioni, appunto, nate
dalla nostalgia di un originale che, appena formulato,
si consuma e si perde.
Tre sono gli assi generativi che presiedono a
queste trasformazioni.
Il primo istituisce il campo dell’autoritratto, là
dove cercano una definizione l’identità dell’artista e i
confini del suo essere fisico e mentale.
Il secondo insiste sul tema dello status dell’opera,
sulla possibilità che essa trovi il suo fondamento solo
in condizioni temporanee: scultura, fotografia, suono,
video, disegno non compaiono qui come linguaggi
codificati e distinti ma come situazioni di passaggio,
luoghi possibili di transizione e articolazione degli atti,
delle materie e delle immagini.
Il terzo asse riguarda il rapporto tra opposti,
l’oscillare del focus dell’invenzione tra il centro e i
margini, tra la materia e la memoria, tra il lavoro e il
pensiero.
Mettersi in relazione con questo artista significa
disporsi a incontrarne le opere all’incrocio delle
possibili triangolazioni di quei parametri, e a scorrere
lungo la linea del tempo in entrambe le direzioni,
qualunque sia il punto di partenza prescelto.
Dai Noccioli del 2000 a Platonic 5 del 2006
gruppi di sculture nascono attraverso un processo
Paolo Piscitelli
seconde intenzioni

Paolo Piscitelli,
Platonic 5, 2006
Scultura performativa
Performative sculpture
September 26 - 28, 2006
Architecture Ranch, Texas
A&M University, Texas
courtesy l’artista e
Tucci Russo Studio
per l’Arte Contemporanea
37

2.
Cfr. Emma Cocker, “Over and
Over, Again and Again”, in Not Yet
There. Writing & Research By
Emma Cocker, http: //not-yet-there.
blogspot.com, 27 March 2008
Greater Torino :
performativo, l’avvolgimento di chilometri di nastro
adesivo intorno a un nucleo centrale – un seme che
offre resistenza e genera movimento nel primo caso,
solidi geometrici la cui forma è progressivamente
cancellata nel secondo. Tensione energetica ed
entropia si intersecano, e l’azione può essere letta
come una delle molte pratiche contemporanee
che si confrontano con il mito di Sisifo, con una
performatività ripetitiva e non teleologica. 2
Ma, nell’intervallo tra le due azioni, nasce nel
2001 Cores Mix 1, in cui la fisicità dei volumi si
annulla – o, come ama dire Piscitelli, “disappare” – e
la registrazione degli strappi successivi del nastro
genera una scultura soltanto acustica, capace
tuttavia di installarsi nello spazio, conquistandone
ogni interstizio.
Negli stessi anni un altro ciclo di lavori tematizza
in modo diretto il disapparire: le fotografie del
respiro dell’artista nelle grotte di Bossea (In cieco,
2003) sono autoritratti del ritmo vitale, del continuo
contrarsi ed espandersi del corpo in rapporto
all’ambiente che lo racchiude. In questo doppio gioco
di contenitori che si rispecchiano e si corrispondono
– la cavità toracica, le pareti delle grotte – il vapore
disegna volumi indefinibili, segue correnti ascensionali
e si perde nelle cavità d’ombra. Se qui l’accento
cade sulle architetture naturali, l’anno precedente la
registrazione del fluire delle acque in quelle stesse
Paolo Piscitelli
seconde intenzioni

Paolo Piscitelli
More Work / More Space,
2009
scultura in legno
wooden sculpture
39

Greater Torino :
grotte era stata invece utilizzata per un’installazione
sonora nel vano della Scala delle Forbici nel Palazzo
Reale di Torino (Seconda intenzione / volume rosa).
Il progetto juvarriano ha il suo perno nell’inatteso
scatto di apertura delle due rampe, e il respiro delle
acque suggeriva in quell’ambiente nuove relazioni
tra spazi naturali e artificiali. Le sculture di schiuma
che Piscitelli ha realizzato successivamente (Gong,
Seconda intenzione / volume bianco) potrebbero
essere lette anche come progetti innescati dal
confronto con gli stucchi e le volute juvarriani,
con la passione per l’effimero e la leggerezza del
vocabolario visivo tardo barocco.
Queste due filiere di opere costituiscono la
doppia genealogia di More Work / More Space.
Composta dall’aggregazione di ottocento elementi
lignei modulari, questa scultura viene regolarmente
costruita, smontata e poi ancora riaggregata, e le
sue configurazioni possono assumere andamenti
geometrici o organici, farsi cavità o blocco compatto.
Mentre scrivo ancora non si può sapere la forma che
assumerà alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo.
Il tema del lavoro (Labor, come recita il titolo
di alcuni video realizzati dal 2007) è diventato
ricorrente negli ultimi tre anni, da quando il centro
dell’attività di Piscitelli si è spostato negli Stati Uniti, più
precisamente in Texas.
Di questa nuova stagione Sign of the Times è
Paolo Piscitelli
seconde intenzioni

Paolo Piscitelli
More Work / More Space,
2009
scultura in legno
wooden sculpture
41

Greater Torino :
l’opera più recente, che trova nell’allestimento per
Greater Torino la sua prima configurazione.
Il punto di partenza è stato l’osservazione delle
tante insegne vuote che con ritmo crescente indicano
il declino economico della provincia americana:
magazzini, officine, distributori di carburante, locali
pubblici sospendono la loro attività, e le targhe che
da decenni ne annunciavano la presenza ai lati di una
Highway o di una Main Street vengono smantellate.
Scatto dopo scatto, Piscitelli si è trovato a comporre
un archivio fotografico di quegli spazi un tempo
destinati alla pubblicità e alla comunicazione, poi
scivolati nel silenzio della grande crisi: “Ogni singola
lettera che scompare sulla facciata di un edificio –
rileva l’artista in una nota di lavoro inedita – lascia
una traccia, un fantasma svuotato del proprio
contenuto e della propria funzione”. Così egli ha
iniziato a cercare tra mercati e depositi le lettere
rimosse, raccogliendo e salvaguardando quell’alfabeto
disperso di caratteri eterogenei e desueti.
Le vocali e le consonanti recuperate vengono
ancorate a parete in ordine sparso, accostate,
sovrapposte, accavallate, per sottolineare
l’impossibilità di tornare a farle corrispondere a un
senso compiuto, a un nome riconoscibile. Quindi il
lavoro compie il definitivo passo di avvicinamento
al tema della traccia: come in un frottage, i profili di
ogni carattere sono ricalcati a carboncino sul muro,
Paolo Piscitelli
seconde intenzioni

Paolo Piscitelli
Sign of the Times, 2010
disegno su muro
(particolare)
wall drawing (detail)
43

Greater Torino : Paolo Piscitelli
seconde intenzioni

Paolo Piscitelli
Sign of the Times, 2010
disegno su muro
wall drawing
45

3.
Dave Hickey, “Edward Ruscha:
Twentysix Gasoline Stations, 1962”,
Artforum, January 1997, pp. 60-61
Greater Torino :
le lettere vengono ancora una volta staccate, e sulla
parete rimane l’impronta evanescente di nomi e
parole che hanno smarrito luogo, identità e funzione.
“Ogni singola lettera – scrive ancora Piscitelli –
localizza una memoria perduta nella trasformazione
globale”.
Sono trascorsi quasi cinque decenni da quando
Edward Ruscha pubblicò in un volume di piccolo
formato le fotografie di ventisei stazioni di servizio
dislocate lungo la Route 66, tra Los Angeles e Groom,
in Texas. Nel ricordare su Artforum l’emozione provata
nel 1964 nello scoprire il volumetto bianco delle Twenty
Six Gasoline Stations in una libreria di Austin (ancora
il Texas), Dave Hickey ha sottolineato come in quel
viaggio fotografico attraverso l’America Ruscha avesse
definito la sua idea di strada in relazione ai “regni
dell’assenza”, al “progredire iterativo attraverso un
territorio di nomi e di luoghi, attraverso i paesaggi vuoti
di un linguaggio effimero, battuto dal vento”. 3
I nessi che legano la serie delle fotografie di Piscitelli
per Sign of the Times a quelle di Ruscha indicano il
tracciato di una trasformazione strutturale profonda,
che ha reso letterale il senso di vuoto che negli anni
Sessanta era leggibile solo in filigrana nell’assertività
delle insegne e dei proclami pubblicitari.
L’opera che ha in quelle fotografie il suo punto di
partenza è una sinopia disegnata direttamente sul
muro della Fondazione, caratterizzata dunque da
Paolo Piscitelli
seconde intenzioni

Paolo Piscitelli
Recession, 2009
immagini per slideshow
photo slideshow
47

4.
Mel Bochner, “ ‘Why Would Anyone
Want to Draw on the Wall?’ ”,
October, n. 130, Fall 2009,
pp. 135 - 140
5.
Ivi, p. 140
Greater Torino :
uno statuto effimero; ma ancora più significativo è il
fatto che per realizzarla Piscitelli abbia usato e poi
immediatamente rimosso le lettere ritrovate, cioè gli
oggetti fisici che rappresentano il punto di contatto tra
gli scatti fotografici e il wall drawing.
Di recente, Mel Bochner è tornato a interrogarsi
sulle ragioni per cui alla fine dei Sessanta un gruppo
di artisti – Sol LeWitt, Robert Ryman, Richard Tuttle,
Lawrence Weiner e lui stesso – avessero iniziato a
“usare i muri”, come recitava il titolo – Using Walls
– della mostra al Jewish Museum di New York che
nel 1970 segnalò per la prima volta la rilevanza di
quel fenomeno. 4 Quelle opere inafferrabili, che non
potevano essere concepite – né toccate – come
oggetti, ma solamente guardate, aprivano un nuovo
campo di esperienza: “… un wall painting fa cadere
il divario tra il tempo vissuto e il tempo della pittura,
consentendo all’opera di impegnarsi in più vaste
questioni filosofiche, sociali e politiche. (…) Era il sogno,
forse irrealizzabile, di un’opera che potesse in qualche
modo concretizzare l’unità esistenziale di realtà e
apparenza”. 5
Realtà e apparenza si incontrano similmente in
un’altra installazione del 2009. 107 Days / 100 Drawings
potrebbe, citando Esiodo, avere come titolo alternativo
Le opere e i giorni. Il ritmo del tempo e quello del
lavoro sono scanditi insieme, nei cento disegni che
riproducono vecchi guanti da lavoro su pagine dello
Paolo Piscitelli
seconde intenzioni

Paolo Piscitelli
107 Days / 100 Drawings, 2009
(Day #2)
(Day #42)
(Day #64)
(Day #21)
disegni
drawings
49

Greater Torino : Paolo Piscitelli
seconde intenzioni

Paolo Piscitelli
107 Days / 100 Drawings,
2009
vista dell’installazione
installation view
Galerie Paul Andriesse,
Amsterdam
courtesy l’artista e
Galerie Paul Andriesse,
Amsterdam
51

6.
Georges Didi-Huberman, “ ‘Fissata
a sua insaputa in uno stampo
magico…’ Anacronismo del calco,
storia della scultura, archeologia
della Modernità”, Ipso Facto, n. 1,
maggio-agosto 1998, pp. 4 - 30
(trad. it. Elio Grazioli)
7.
La ricerca di Paola Anziché, che
in Greater Torino dialoga con
quella di Paolo Piscitelli, trova uno
dei suoi punti nodali proprio nella
rilettura dell’opera di Lygia Clark
Greater Torino :
Houston Chronicle. Soli o appaiati, tutti diversi nella
loro gestualità residuale, quei guanti sono, in un
duplice senso, dei calchi: calco delle mani che hanno
contenuto e cui si sono adattati, calco delle materie
e degli oggetti che hanno afferrato e manipolato.
Disegnare calchi: un procedimento che, alle origini
della modernità, divenne – come afferma Georges
Didi-Huberman – “paradigma estetico, pensiero del
processo scultoreo, procedura di generazione formale
e di trasformazione plastica incessante”. 6
Le mani sono presenti in più di un lavoro
di Piscitelli. Agiscono esplorando materie (la creta
manipolata ipnoticamente nel video Seize the
Moment II ) o inventando possibili forme (come Lygia
Clark con i suoi Bichos). 7 Oppure producono linee da
cui scaturiscono parole o immagini (come nei grandi
fogli predisposti da Alighiero Boetti per i suoi interventi
di segno / disegno). Così avviene in Unpacking, una
serie di video proiettati su un muro di scatole nella
Singuhr-hœrgalerie di Berlino nel 2009. Ombre di
mani, quelle dell’artista e quelle di persone a lui vicine,
scrivono su schermi trasparenti il catalogo sfuggente
di libri letti, amati, perduti, dimenticati. Prendono
forma sullo schermo – così le descrive Piscitelli – le
architetture caleidoscopiche della memoria. Ancora
una volta, attraverso molti scatti generazionali, si
rinnova l’emozione sfuggente e instabile dei processi di
pensiero visualizzati.
Paolo Piscitelli
seconde intenzioni

Paolo Piscitelli
Seize the Moment II, 2008
still dal video
stills from the video
courtesy l’artista ed
e / static, Torino
53

G T
:
Greater Torino :
P A
P P
i progetti
speciali
di Greater
Torino

Giorgina Bertolino
i progetti
speciali
di Greater
Torino
Greater Torino :
Greater è un’ottima parola per introdurre
i progetti speciali che corredano la mostra, la
integrano e ne ampliano significati ed effetti oltre
la cornice espositiva. Greater è un luogo largo,
spazioso. È l’immagine che abbiamo inteso suggerire
e auspicare per una città, Torino, e per i suoi artisti.
È, insieme, un concetto che può far da chiave a
un indirizzo peculiare della Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo che, nel rapporto quotidiano con
i suoi pubblici, incrementa le funzioni di diffusione
e promozione dell’arte contemporanea con quelle
che ne fanno il centro di una capacità relazionale,
educativa, sociale. Greater è, in questa prospettiva,
un luogo intensivo. Più grande, appunto più intenso.
La mostra, già di per sé specchio di una geografia di
contatti, di ricerche, di biografie, si allarga diventando
l’occasione di un “laboratorio” di attività e di
riflessioni aperto a giovani e adulti, studenti, visitatori.
La presenza dei due artisti ha fornito l’opportunità
per l’elaborazione di un programma che fa delle loro
opere, dei temi e delle ricerche che le sottendono,
altrettante palestre di gesti e di pensieri.
Basato sull’applicazione pluriennale della
mediazione culturale d’arte – sfera concettuale e
metodologica in cui la Fondazione situa l’accoglienza
dei pubblici adulti e non-scolastici, sin dall’apertura
della sede torinese nel 2002 – il progetto intende
offrire due spazi laboratoriali ove esprimere,
elaborare, confrontare e socializzare percezioni,
informazioni e opinioni. In linea con le teorie e le
prassi del Lifelong Learning – l’apprendimento
lungo tutto l’arco della vita – mira a sollecitare la
partecipazione attiva del visitatore, a valorizzarne il
portato individuale e i diversi stili di apprendimento
i progetti speciali

1.
Gli studenti coinvolti negli Istituti
superiori sono attivi nell’ambito del
progetto Ars Captiva
2.
Pur avendo pertinenze diverse,
l’attività di mediazione culturale
e di formazione dei mediatori
culturali, è strettamente intrecciata
ai progetti del dipartimento
educativo della Fondazione. Oltre
alla frequente co-presenza degli
educatori e dei mediatori nelle
sale espositive durante i laboratori
per le classi scolastiche, sono
infatti numerose le occasioni
di condivisione del lavoro, in
particolare nelle Restituzioni, la
modalità scelta per trasmettere
a tutto lo staff della Fondazione,
il racconto e l’analisi di ogni
singola mostra dalla prospettiva
del feedback dei pubblici e degli
studenti, nonché in workshop
ideati per gruppi misti, composti da
studenti universitari, giovani artisti,
scrittori, musicisti, designer ecc.
come nel caso di quello tenutosi in
Fondazione durante la personale di
Glenn Brown il 30 settembre, 1 e 2
ottobre 2009
e a iscriverli nel confronto con una piccola e
temporanea comunità.
Trans-formare di Paolo Piscitelli e Ingombri
di Paola Anziché sono i laboratori progettati per
Greater Torino. Si svolgeranno nel corso della mostra
e sono l’esito di un percorso di ideazione condivisa
che ha coinvolto, insieme agli artisti,
i mediatori culturali d’arte della Fondazione,
un gruppo di studenti del Laboratorio Multimediale
“G. Quazza” della Facoltà di Scienze della Formazione,
dell’Accademia Albertina di Belle Arti, e di alcuni
Istituti superiori di Istruzione Artistica 1 di Torino.
Secondo gli orientamenti della mediazione
culturale e secondo la filosofia del dipartimento
educativo, 2 la mostra è uno spazio da abitare.
Un luogo di produzione e di espressione, del fare
e del parlare, oltre la consuetudine delle visite
“silenziose”. La “scala 1 : 1” che fa da sfondo al
rapporto tra mediatore e visitatore così come la
dimensione della classe di studenti o del piccolo
gruppo misto, per età, provenienze e competenze
disciplinari, costituiscono altrettanti modi di stare
intorno e insieme alle opere. Tutti si iscrivono però
in un’assunzione dell’arte contemporanea quale fonte
e strumento di apprendimento, di ispirazione, di
cura della vita collettiva e comunitaria, sia essa tra
sconosciuti o conoscenti, estranei o famigliari.
Le sale espositive, l’aula didattica e così pure gli spazi
informali della Fondazione sono tutti intesi dunque
quali spazi utili per la creazione di “piazze”, di agorà
e speaker’s corner temporanei quanto reali
e praticabili.
I due laboratori di Greater intendono aprirne e
sperimentarne di nuovi.
57

Paolo Piscitelli
More Work / More Space, 2009
Greater Torino :
Paolo Piscitelli: Trans-formare
La fase processuale che porta all’opera,
la definizione della forma di una scultura o di
un’installazione, così come la loro stessa transitorietà,
potenzialità e mutevolezza, rappresentano alcuni
degli elementi centrali della ricerca di Paolo Piscitelli.
La costruzione dell’opera, quale momento di accumulo
di attività (gesti, energia, intenzioni, decisioni), e
una riflessione sul lavoro inteso come labor, sono le
due componenti che stanno alla base dell’ideazione
e della realizzazione del laboratorio. Nei giorni
immediatamente precedenti l’apertura di Greater
Torino, l’artista coinvolgerà un gruppo di lavoro
composto da mediatori culturali e studenti, invitandolo
a uscire dal contesto espositivo per percorrere
l’area limitrofa alla Fondazione – il quartiere San
Paolo, uno dei luoghi che, nel passato recente, hanno
rappresentato l’anima produttiva della città – in cerca
di segni. Tracce, rumori, immagini delle trasformazioni
anche estetiche di una città in tempo di crisi, saranno
riportate in varie forme (foto, filmati, audio, narrazioni,
diari di bordo) e costituiranno i materiali per una
riflessione condivisa ed estesa a tutti i partecipanti al
laboratorio.
La scelta del titolo Trans-formare fornisce una
prima indicazione: il suffisso posto innanzi al verbo
dichiara immediatamente che la forma è effetto
di un’azione iscritta in una condizione di mobilità.
È l’esito di un’operazione che si fa per transiti,
traduzioni e spostamenti. Due dei lavori esposti in
mostra – More Work / More Space, e 107 Days / 100
Drawings – si annunciano, anche in questo caso
fin dai titoli, nella capienza di una correlazione. Una
parte ne genera una seconda. Una conseguenza. Più
i progetti speciali

Paolo Piscitelli
107 Days / 100 Drawings, 2009
spazio – uguale / quindi – più tempo (è l’artista stesso
a dire che la frase può valere anche
a rovescio). Centosette giorni – ovvero – cento
disegni (la non piena specularità del conteggio, lascia
un margine alle varianti, alle scelte e agli imprevisti).
In tutti e due i casi Paolo Piscitelli delimita un
campo, dice un metodo di lavoro, dichiarando il tema
d’interesse del suo operare artistico. Le due opere
fanno da indice alle due “famiglie” di lavoro proposte
per le diverse fasi del laboratorio, quella all’esterno in
città, e quella interna fra i tavoli dell’aula didattica.
More Work / More Space è una scultura concepita
nel 2009. Il suo assetto, la sua forma, cambiano a
ogni nuova installazione. Il lavoro necessario alla
costruzione, svolto in fase di allestimento, resta
invisibile al pubblico. Per alcune sue opere, come
Noccioli del 2000 e Platonic 5 del 2006, Piscitelli usa
la definizione di “scultura performativa”: il processo di
realizzazione, la sua durata anche come prolungato
esercizio di resistenza e di indagine sul limite,
registrati in video o in audio, sono parte dell’opera
stessa. More Work / More Space è una scultura la
cui performatività richiede invece a chi la osserva
un processo immaginativo, un tragitto a ritroso, un
rovesciamento del risultato finale nella scomposizione
dei gesti che hanno assemblato gli 800 moduli in
legno che compongono la scultura. La scultura si
dà infatti come accumulo di quei pezzi-gesti, come
sequenza delle intenzioni e delle decisioni prese
dall’artista una a una, della sua ricerca di equilibri e
di sviluppi di crescita dell’insieme. “Che cosa è?” si
chiedeva Piscitelli di fronte a Mu, opera progenitrice
di questa. “Attraverso la strutturazione dello spazio
pieno e costruendo arbitrariamente dei vuoti
59

Paolo Piscitelli
Sign of the Times, 2010
3.
Paolo Piscitelli, “Mu”, in Emanuela
Termine, Paolo Piscitelli. Some
Prefer Nettles, Gangemi Editore,
Roma 2007, p. 48
Greater Torino :
– aveva spiegato – ricavo i ritmi plastici e gli intervalli
secondo la logica della fuga, dell’assemblatore o
della termite. La sequenza attivata durante tale
processo utilizzato, trasforma lo spazio in tempo
per riconvertirlo successivamente, al termine della
mia operazione, ancora in spazio”. 3 Da un concetto
di lavoro come attività trasformativa, cui fanno da
motore intenzioni ed energie, con 107 Days / 100
Drawings e The Sign of the Times, la riflessione
passa all’attualità, alla percezione collettiva di
un’emergenza. Con due operazioni fondate su
una raccolta (i guanti dei lavoratori immigrati, le
lettere delle insegne di attività dismesse) e su un
successivo rifacimento per mezzo della pittura e del
wall drawing, Paolo Piscitelli ricalca l’idea stessa
del lavoro attraverso una metodica del fare che
assomiglia a un’azione di cura e di manutenzione delle
umane attività.
Paola Anziché: Ingombri
Centinaia di scatole di cartone, scotch, tute
di carta da indossare. Con una serie di immagini,
raccontate o fissate alle pareti dell’ambiente in cui si
svolgerà il laboratorio, l’artista inviterà i partecipanti
a costruire con le scatole di cartone dei punti
d’appoggio e a saldarli al corpo. Il punto d’appoggio
diventa base e, nello stesso tempo, ingombro. Crea
nuovi punti di equilibrio ma è anche di ostacolo alla
normale mobilità: camminare, stare in piedi, sedersi,
alzarsi, avvicinarsi agli altri. Le singole costruzioni
potranno rimanere isolate o essere sommate le une
alle altre, dando vita a una complessa architettura
effimera.
Il tema di Ingombri rispecchia puntualmente alcuni
i progetti speciali

Paola Anziché
Tapis - accroché, 2009
4.
Prendo a prestito il bellissimo
titolo di un laboratorio che si
è tenuto nel 2009 alla Tate
Modern di Londra. L’istituzione
inglese e, segnatamente, la sua
articolata offerta per i pubblici
adulti, costituisce un modello di
riferimento per la ricerca svolta
in questi ultimi anni in Fondazione,
finalizzata all’elaborazione di nuove
proposte di attività per i pubblici
non-scolastici
5.
Le azioni descritte si riferiscono
rispettivamente: all’operazione
documentata da una serie di
fotografie scattate nello studio
dell’artista nel 2008 nel corso
del Progetto Passaporto; alla
performance Paesaggi Istantanei,
Cavallerizza Reale / Manica Corta,
Torino 2009, a cura di Lisa Parola;
alla performance Aggrovigliamenti
– un omaggio a Lygia Clark,
Meteorite in giardino, Fondazione
Merz, Torino 2009, a cura di Maria
Centonze
degli interessi, delle peculiarità e delle modalità della
ricerca di Paola Anziché. Spaziando e Tapis-à-porter,
esposti in Greater Torino, attestano la continuità tra
l’opera finita e consegnata alla lettura del pubblico
e l’attività del laboratorio. Un oggetto (un tappeto,
una rete, una scatola, una t-shirt) è per l’artista uno
“strumento”, un “dispositivo di interazione” messo
in campo e offerto allo spettatore-partecipante
per attivare un’esperienza condivisa nell’ordine
delle percezioni dello spazio e del corpo. Tratto
dall’orizzonte del quotidiano, fatto di materiali
semplici come la stoffa o la carta, questo oggetto è
referente di significati simbolici più o meno espliciti:
il tappeto, metafora del nomadismo, copre una
porzione di pavimento e di terreno, diventando per
esteso un territorio; attraverso trama e ordito, la rete
intesse e mette in vista un insieme di nodi, legami
e intrecci; la scatola accoglie, chiude e trasloca,
conserva e rimuove, fa da ripostiglio e da casa, da
pieno e da vuoto. Al di là dei singoli portati, è con
questa tipologia di cose che Paola Anziché avvia
ciò che definisce un “processo scultoreo” mettendo
continuamente in causa elementi quali il costruire,
il fissare e il disfare. Nella scelta di operare entro
i termini di un ossimoro – il processo / la scultura
– l’artista interroga le idee di equilibrio, di stabilità,
di immobilità e insieme i loro contrari. Lo fa nella
sfera della collaborazione con altri, in uno stato che
potremmo definire di Physical Thinking . 4 Chiamati
a prendere posizione accanto a un grande tappeto
appeso in mezzo al suo studio, coinvolti in una
coreografia di passi e di movimenti in mezzo a una
rete di elastici, 5 o sollecitati a ingombrare il proprio
corpo con una momentanea protesi di cartone, gli
61

Paola Anziché
Paesaggi istantanei, 2009
6.
Francesca Pasini, testo introduttivo
alla personale dell’artista, Tapis-àporter,
Careof, Milano 2009
Greater Torino :
invitati alle azioni di Paola Anziché provano, misurano
e spartiscono insieme a lei le abitudini scritte nella
corporeità, quale superficie di scambio tra il sé e il
mondo. “Il corpo è la casa, è un’esperienza comune”,
dice l’artista prendendo a prestito una frase di Lygia
Clark, figura che insieme a Helio Oiticica, costituisce
uno dei suoi riferimenti cardine, da esplicitare infatti
nella forma dell’ “omaggio”, della ricostruzione e della
ricerca.
Quelle abitudini del corpo, che l’artista chiama
altrimenti “dimestichezze”, sono sospinte oltre:
nel cimento della durata, nella tenuta e poi nello
sciogliersi di una tensione. In Ingombri il processo
scultoreo, singolo e collettivo, ruota intorno
all’individuazione di un punto di equilibrio eccentrico
che trasforma la scatola in puntello, stampella, guscio
o carapace. L’attività di documentazione prevista
durante il laboratorio, rientra nelle modalità della
pratica dell’artista. La fotografia e il video, come ha
giustamente sottolineato Francesca Pasini, “(...) da un
lato ci fa capire il movimento percettivo della realtà,
dall’altro mette in scena la decisione necessaria
perché un’immagine acquisti quella specifica figura e
non un’altra”. 6
i progetti speciali
Questo testo, e le iniziative che
descrive e analizza, rientra
nella ricerca che sto conducendo
grazie alla borsa di studio
concessami dalla Fondazione
Giovanni Goria “Progetto Master
dei Talenti” Fondazione CRT per
l’anno 2009 - 2010

Preparazione ai workshop di
Greater Torino – gennaio 2010
Towards the Greater Torino
workshops – January 2010
63

G T
:
Greater Torino :
Apparati

Paola Anziché
Nata a born in Milano nel in 1975
Vive e lavora a lives and works in Torino
Formazione
Education
2000 – 2004
–
Städelschule, Staatliche Hochschule
für Bildende Künste, Meisterschülerin,
Frankfurt am Main
1996 – 1999
– Accademia di Belle Arti di Brera, Milano
Mostre Personali
Solo Exhibitions
2010
–
Greater Torino. Paola Anziché – Paolo Piscitelli,
Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino
(doppia personale two - person exhibition)
2009
– Tapis-à-porter , Careof, Milano
2008
– Flash out, Studio Baroni Associati Design,
Milano
2007
– The functional fake objects, Placentia Arte,
Piacenza
2003
– Film Abend: Paola Anziché,
Museum Abteiberg,
Moenchengladbach
2001
–
Exchange. White Cube project,
progetto di project by Elmgreen&Dragset
Städelschule, Frankfurt am Main
Mostre Collettive
Group Exhibitions
2009
– Opening. Il Balletto dell’Esperia incontra l’arte
contemporanea, Cavallerizza Reale / Manica
Corta, Torino
– Meteorite in giardino, Fondazione Merz, Torino
–
Sans les murs. Le complexe de Rittberger,
Glassbox, Cité Internationale Universitaire
de Paris
2007
– Leap into the Void. Proposte XXII, Accademia
Albertina, Torino
– Die Sammlung Rausch. It takes something to
make something, Portikus, Frankfurt am Main
2005
– XII Biennale dei giovani artisti dell’Europa e
del Mediterraneo, Castel Sant’Elmo, Napoli
– Lido, progetto di project by Anny&Sibel Öztürk,
Kunsthalle, Düsseldorf
2004
– Fact or Faith, Kunsthaus Kloster Gravenhorst,
Hörstel
– International Meeting of Photography, George
Papzoff Art Gallery, Plovdiv
– Fin Absolventen, Städelmuseum, Frankfurt am
Main
Greater Torino :
2003
– Soffio, Rundgang Städelschule, Frankfurt am Main
– Schauraum, Stadthaus Galerie, Münster
– Festival junger Talente, Alphakanal, Offenbach
2002
– Work in Progress, via B. Marcello 6, Milano
– Open studio / Rundgang, Städelschule, Frankfurt
am Main
2001
– Klasse Christa Näher, Frankfurter Kunstverein,
Frankfurt am Main
– Real Presence, SKC, Belgrado
1999
– Artworkshop, Casino de Luxembourg, Luxembourg
Video Festivals
2008
– Optica Festival, Madrid – Gijon
– Riccione TTV, Concorso Italia 08, Riccione
– FestArte, Roma
– VideoIT, premio Artegiovane, Torino
2005
– Video festival ACCEA / NPAK, Yerevan
Premi / Residenze
Awards / Residencies
2010
– Pact Zollverein, Essen
2009
– Cité Internationale Universitaire de Paris,
Fondation Biermans-Lapôtre, Paris
2008
–
Programma di residenza, Progetto Passaporto,
Città di Torino, UniCredit Private Banking,
Fondazione Spinola Banna per l’Arte, organizzato
da organized by Dena Foundation for
Contemporary Art, Centre International d’Accueil
et d’Echanges des Recollets, Paris
2007
– Workshop con with Eva Marisaldi e and Tobias
Rehberger, Fondazione Spinola Banna per l’Arte,
Poirino
– Workshop con with Stalker. Osservatorio
Nomade. Proposte XXII, Torino
– Premio-VideoIT, premio Artegiovane, Torino
2004
– Workshop The Galileo Studio, Kunsthaus
Gravenhorst, Hörstel. Moving up Award – Mobility,
G.A.I. Torino
– Workshop Vitra Design Museum, Boisbuchet
2001
– Workshop Real Presence / SKC, Belgrado
2000
– Programma Erasmus Städelschule, Frankfurt
am Main
1999
– Artworkshop con with John Armleder, Casino
de Luxembourg
Paola Anziché
Apparati

Bibliografia
Bibliography
2009
– Francesca Pasini, “ Ballando con l’arte”, Linus,
Novembre 2009
– “Aggrovigliamenti della Anziché per Meteorite in
Giardino alla Merz”, TO.7, La Stampa, 31.08.09
– Lisa Parola, “ Tappeto per apparire
e nascondersi”, TO.7, La Stampa, 20.03.09
– Paola Anziché e Francesca Picchi, “Precarietà
nell’architettura”, Domus 926, pp. 63 - 64
– Francesca Picchi, “ Tapis-à-porter, La visione di
un’architettura organica nella ricerca artistica
di Paola Anziché”, Domus 924, pp. 82 - 85
2008
– Alessandro Guerriero, “ Arredi del corpo”,
Made 05, n. 26
2007
– Devrim Bayar, “ I’m Not a Plastic Bag”,
Code Magazine, n. 5
2006
– Sandra Danicke, “ Kleider die Zwiebeln gebären”,
Art Kaleidoscope, Heft 1 / 06, Gen / Apr. 06,
pp. 62 - 65
2005
– Ixtaso Diaz, “ Etecè”, Cover n. 6, p. 53
2003
– “Spaced Out Elmgreen&Dragset”, in White cube
project, Portikus editore, Frankfurt
am Main, pp. 24 - 25
2001
– Gabriele Nicol, “ In Städel spielt die Fantasie”,
Frankfurter Rundschau 17.02.01
– Dorothee Baer-Bogenschutz, “ Eine weisser
Wurfel fur das Chaos”, Faz.net
2000
– “Austauschstudenten der Städelschule”,
Frankfurter Rundschau
– “Füllen jeweils für drei Tage den White Cube”,
Frankfurter Rundschau, 09.12.00
– “Kcd, Internationale Nachwuchskunstler”,
Frankfurter Allgemeine, 07.12.00
Opere in mostra
Exhibited works
Origami-tapis, 2009
sculture, tessuti vari
sculptures, various textiles
dimensioni variabili
variable dimensions
Tapis-à-porter, 2009
video, colore, suono
video, color, sound
5’ 37’’
Spaziando, 2010
installazione, Lycra bianca
installation, white Lycra
dimensioni variabili
variable dimensions
Shopping - t, 2004 – 2010
azioni con indumenti modificati
actions with modified garments
67

Paolo Piscitelli
Nato a born in Venaria Reale, Torino, nel in 1971
Vive e lavora a lives and works in
College Station (Texas) e and Torino
Formazione
Education
1990 – 1995
– Accademia Albertina di Belle Arti, Torino
Mostre Personali
Solo Exhibitions
2010
–
Greater Torino. Paola Anziché – Paolo Piscitelli,
Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino
(doppia personale two - person exhibition)
2009
– Unpacking, e / static, Torino
– Work, Galerie Paul Andriesse, Amsterdam
– Unpacking, Singuhr-hœrgalerie, Berlin
2008
– Sunday Times, Paolo Maria Deanesi Gallery,
Rovereto
– Labor, Folio Gallery, Texas Tech University,
Lubbok, Texas
– In Between the Lines, College of Architecture
(Texas A&M University), College Station, Texas
– At the Same Time, e / static, Torino
– Reading Paolo, Galleria Maria Grazia Del Prete,
Roma
2007
– Labor, Tucci Russo Studio per l’Arte
Contemporanea, Torre Pellice
– Some Prefer Nettles, MLAC Museo Laboratorio
d’Arte Contemporanea, Roma
– Platonic 5, Tucci Russo Studio per l’Arte
Contemporanea, Torre Pellice
2006
– One Year’s Seed, Seven Years Weeds, Galerie
Paolo Boselli, Bruxelles
2005
–
If You Fear Something, You’ll Hear Something,
Ravenstein Galeries (Bozar, Central Station),
Bruxelles
2004
– Con gli occhi del corpo, Laden No. 5, Bad Ems
2003
– Present Future, Artissima 10, Torino
– Gong, Galerie Paolo Boselli, Bruxelles
2002
– Finiscimi, Tucci Russo Studio per l’Arte
Contemporanea, Torre Pellice
2001
– Noborder, Museo d’Arte della Città, S. Maria
delle Croci, Ravenna (doppia personale
two - person exhibition)
– Cores Mix1, The Flying Cow Project, Bruxelles
2000
–
Paolo Piscitelli – Simone Mussat Sartor,
Videoteca GAM, Galleria d’Arte Moderna e
Contemporanea, Torino (doppia personale twoperson
exhibition)
– Seconda intenzione, e / static, Torino
Greater Torino :
1999
– Paolo Piscitelli, Castello di Rivara, Torino
1998
– Paolo Piscitelli, The Flying Cow Project, Bruxelles
Mostre Collettive Selezionate
Selected Group Exhibitions
2009
– Speculazioni d’artista, Museo Carlo Bilotti, Roma
– Qui è altrove, Palazzo De Santis, Castelbasso
2008
– Subtle Energies of Matter, Urban Planning
Exhibition Center, Shanghai and China National
Academy of Painting, Beijing
– Flora, ar / ge kunst Galerie Museum, Bolzano
– Out of Place, evento parallelo Manifesta 7, Trento
– Collezione Farnesina Experimenta, Ministero degli
Affari Esteri, Roma
2007
– Senza Paura – Arte italiana dopo il duemila,
Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato
– Poi piovve dentro a l’alta fantasia, Museo Marino
Marini, Firenze
– Arte nell’età dei conflitti ininterrotti, Centro Arte
Moderna e Contemporanea, La Spezia
2006
– In a silent way, Zizkov Monument, Prague
2005
– S.N.O.W. Sculpture in Non-Objective Way,
Tucci Russo Studio per l’Arte Contemporanea,
Torre Pellice
– Thin Line, Viafarini, Milano
– Light Sculpture, 503 Mulino, Vicenza
2004
– Drawing – Here and Now, Art Forum Berlin, Berlin
– La linea del tempo, Tucci Russo Studio per l’Arte
Contemporanea, Torre Pellice
– Think(in)things, Galerie Bernhard Knaus, Mannheim
2003
– Giovane arte italiana “Premio Maretti”, Galleria
d’Arte Moderna, Bologna
– Assenze / presenze, Le Botanique, Bruxelles
– Eco e Narciso, Ecomuseo “Feltrificio Crumière”,
Villar Pellice
– Ratio, Galleria Comunale d’Arte Contemporanea,
Monfalcone
– Before and after sound, e / static, Torino
2002
– Gemine Muse, Palazzo Reale, Torino
– Periscopio, Galleria Gruppo Credito Valtellinese,
Milano
– Nous tournons en rond dans la nuit et nous
sommes dévorés per le feu, Frac Bourgogne, Dijon
2001
– Cosa arcana e stupenda – Contemporary Italian
Sculpture, Sermoneta
Paolo Piscitelli
Apparati

Premi / Residenze
Awards / Residencies
2006 – 2007
– Artist-in-Residence, Texas A&M University
2005
– Viewing Program, The Drawing Center, New York
2004
– Fellowship for Visual Art, Künsterhaus Schloß
Balmoral, Bad Ems
2003
– Premio Maretti, Galleria d’Arte Moderna, Bologna
– Artist-in-Residence Program, Chateau de
La Napoule
Bibliografia
Bibliography
2009
– 107 Days / 100 Drawings, Blurb.com
2008
– Carlo Fossati, Works, Paolo Piscitelli, Blurb.com
2007
– Emanuela Termine, Some Prefer Nettles, testi di
texts by Domenico Scudero, Claudio Zambianchi,
Paolo Piscitelli, Gangemi Editore, Roma
2005
– Danièle Perrier e and Janine Schmutz,
Seconda intenzione / con gli occhi del corpo,
Künstlerhaus Schloß Balmoral
2003
– Paolo Piscitelli, Seconda intenzione / volume
rosa, Cane Andaluso, Milano. (CD) Limited edition
2001
– Paolo Piscitelli, Cores Mix1, e / static records,
Torino. (CD) Limited edition
2000
– Seconda intenzione, testi di texts by Paolo
Boselli, Carlo Fossati, Maria Teresa Roberto,
Paolo Piscitelli, Bacacay, Milano
Opere in mostra
Exhibited works
Seize The Moment II, 2008
video, colore, muto
video, color, mute
20”, loop
courtesy l’artista ed e / static, Torino
107 Days / 100 Drawings, 2009
disegni a inchiostro su giornale e su carta
ink drawings on newspaper and on paper
installazione a dimensioni variabili
variable dimensions installation
courtesy l’artista e Galerie Paul Andriesse,
Amsterdam
More Work / More Space, 2009
scultura in legno
wooden sculpture
dimensioni variabili
variable dimensions
Sign of the Times, 2010
disegno a carboncino su muro
charcoal wall-drawing
dimensioni variabili
variable dimensions
69

G T
:
Greater Torino :
English text

Foreward
Patrizia Sandretto Re Rebaudengo
President
Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo
2010 marks the fifteenth year of activity of
Fondazione Sandretto Re Rebaudengo’s. It is an
important achievement for an institution that
has come to be a point of reference on the international
art scene, but it is also an occasion
for setting and reaching new goals, at a time (and
in a city) in which putting value on culture as a
resource is increasingly important.
This anniversary acquires even greater relevance
considering that it coincides with Turin’s
designation as “European Youth Capital”, a simultaneous
event that further reinforces the strong
link between the City, the Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo and the new generations.
Greater Torino is a new exhibition cycle dedicated
to young generation artists who have chosen
Torino for their education or workplace. The
project takes the city as an enlarged territory, a
place of birth or a spiritual homeland, but above
all a platform, upon which to build a research effort
fueled by opportunities for growth, mobility
and external exchanges. Torino as an open city,
therefore, a city capable of embracing the “twoway”
logic that is essential in defining individual
artistic careers.
The two artists selected for the first edition
of Greater Torino by the three curators Giorgina
Bertolino, Irene Calderoni and Maria Teresa
Roberto, are Paola Anziché and Paolo Piscitelli.
Their biographies show how interesting Turin’s
culture scene – both historical and contemporary
– can be for members of the younger generations
whose aim is to do research and start
a career, as well as for those who want to make
it abroad. Over the years, Turin has succeeded in
developing an internationally acknowledged contemporary
art ‘system’, which includes museums,
private foundations, galleries, the Academy, private
collectors and the craftsmen who produce
the artworks themselves. This is a unique, ideal
substratum for an artist’s professional growth.
The choice to organize the exhibition cycle as
a series of double personal exhibitions is part of a
strategy to analyze, and put value on, the authors’
artistic progress by presenting several works for
each individual artist – one of the works was especially
produced by the Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo for this exhibiting event. The
featured works are also meant to inform visitors
about the themes, projectual approaches,
practices and production tools peculiar to each
artist.
I would like to give a special thank to the artists
and curators, for their professional expertise
and the enthusiasm they put in breathing life into
this project.
Introduction
Giorgina Bertolino
Irene Calderoni
Maria Teresa Roberto
curators
Greater Torino opens with the double personal
exhibition devoted to Paola Anziché and Paolo
Piscitelli.
Despite the differences in their background –
the latter experienced Torino as a starting point,
whereas for the former it has for some years been
the center of several experiences and projects,
they both put the principle of impermanence at
the core of their work, exploring the relationship
between body and sculpture, spaces and objects.
Characterized by a strong performative quality,
their works do not possess a fixed identity. They
change their status whenever they come in touch
with the public (Anziché) or through metamorphoses
and transposition processes (Piscitelli).
The theme of memory has recently become
central for both: Anziché critically re-reads the
modernist experience, confronting the artistic
and relational practice of Lygia Clark. Piscitelli
records the transformations in the American
landscape, trying to identify indicators of economic
and social change.
71

Paola Anziché
The body consumes objects, leaving traces of
its passage.
Movement, thought, ideas, transform and consume
the object, offering an indefinite, open interpretation,
a structured movement.
Movement writes spaces, marks the passage
of time, opens the mind to thought associations,
guiding us as we move on from a set of starting
conditions.
Rebecca Solnit writes that the lack of corporeity
in everyday life is an experience shared by the
majority of people, and is a consequence of the
automotive and suburban development of human
life. Walking is an act of resistance to tradition.
Walking prevailed at a time when its pace contradicted
its epoch, and this explains why most
of this walking history has to do with the First
World after the Industrial Revolution, which was
more or less when walking ceased to be part of
the flow of experience and became a conscious
choice. But, the author suggests, there may still
be counter-cultures and subcultures that will
continue walking in order to protest against the
lack of space, time and corporeity typical of the
post-industrial and postmodern world.
Paola Anziché
chronophilia
Irene Calderoni
“Only the instant of the act is alive. In it the
future being is inscribed. The instant of the act
is the only living reality in ourselves. Becoming
aware is already in the past. Brute perception of
the act is in the future being made. The present
and the future are implied in the now-present of
the act.”
Lygia Clark, Livro-obra, Rio de Janeiro, 1983
The path opens with a trap. A network of
snow-white, shiny fabric clings to the corridor
walls, climbs the walls up to the ceiling, leaving
behind it seductive silhouettes of light and
shadow. Then the net bends and becomes an obstacle,
as passers-by find themselves caught in a
tangle, forced to fight their way through, to make
Greater Torino :
themselves an opening space, and temporarily
transform the structure erected by the artist.
In Spaziando, 2010, Paola Anziché further develops
her research on the relationship between
sculpture, architecture and public, i.e. between
object, space and body. Each element exists in a
relationship with the other components, and the
work of art leads an unstable life the moment the
two meet/clash. Interaction is a central element
in Anziché’s works, we could say it is their creative
principle, and aims at exploring the mechanisms
of perception and of the construction of
self. The traditional view of the work-spectator
relationship implies and reproduces an ‘extensive’
mode of world cognition: in experiencing
the work, the two terms of this relationship are
separated, in that a clear dividing line is drawn
between subject and object. In the participatory
mode, instead, this separation gets reduced,
sometimes even erased, for if the object can no
longer be perceived as something outside the
self, in turn the separation between self and the
world dissolves, and the body becomes a ‘receptacle’
of every power that has to do with otherness.
Psychoanalyst Suely Rolnik described this
second mode of sensibly apprehending reality as
“resonant body”, a notion she originally derived
from the work of Lygia Clark. 1 The great Brazilian
artist has had a special influence on the research
of Paola Anziché, who made this reference explicit
in her work Aggrovigliamenti. Un Omaggio
a Lygia Clark, 2009, a reconstruction of Rete de
elastico, 1968. The work is a clear illustration
of Clark’s practice: overcoming the idea of the
work of art as something self-sufficient in order
to create functional objects, devices, machines
that trigger off the process of interaction with
the public. To create Aggrovigliamenti, a giant net
made of rubber bands installed in the tank spaces
of the Fondazione Merz, Anziché involved many
people, mainly Academy students, for a performance
the public actively took part in, creating an
exciting and playful event. Each person’s movement
influenced that of others, so that together
the group modified the net’s geometry.
The playful attitude and the relational dimension
of sculpture are also the key elements of
Shopping-t, 2004. For Greater Torino this work
is presented as a live action that involves the museum’s
staff and the public. The art mediators are
1.
Lars Bang Larsen, Suely Rolnik,
“A Conversation on Lygia Clark’s
Structuring the Self”,
Afterall, Spring / Summer 2007
english text

dressed in special t-shirts designed by the artist,
fitted with pockets on different parts of the
body and containing fruit. These t-shirts generate
sculptural hybrids, in which body, synthetic
object and organic material blend, prompting a
reflection on the interdependence between the
self and the outside world. This extends to the
relationship with other people as soon as the art
mediators offer the fruit to the visitors, who are
free to accept it, eat it immediately, or take it with
them, away from the exhibition space.
While the relationship between the spectator
and the object apparently exists as a spatial experience,
the most relevant aspect to take into
account is actually the temporal level, the way
time-matter, in this case, becomes a means of expression.
In Spaziando, the object gets activated
the moment it is perceived/experienced, and not
only does it immediately change, but also bears
the traces of its subsequent interactions with the
spectators, registering them through a gradual
transformation of its own structure, substance
and color nuancing, giving a sculptural shape to
the passing of the exhibiting time. Therefore, just
as works can only exist in the act of their perception,
there can be no original, or earliest version
of a work, which lives in this very flow, in the happening
of its own metamorphosis.
The idea of metamorphosis is also central to
the carpet-work series. These take on a different
shape and identity depending on the context they
are placed into and the way they are presented.
The very fabric they are made of, the traditional
pezzotti, carpet scraps woven together from
rags, evokes an idea of fleetingness, because it
is the product of recycling, and because the pezzotti
were once used by nomadic shepherds. The
pezzotti consist of multi-colored, tough stripes,
and their main quality is mechanic resistance, i.e.
they easily retain their shape. The artist creates
her tapis, or carpets, by sewing together a certain
number of pezzotti, and the resulting carpets
have of course varying shapes and proportions.
The tapis, however, are not yet finished – they are
waiting to be experienced, used and manipulated
in order to acquire a specific, if only temporary,
structure. This is how the artist came to the
live performance entitled Tapis-à-porter (2009),
where the carpet turns into a garment, ‘worn’ by
performers and repeatedly changing its configu-
ration as a result of the interaction with the human
body. Object and body thus engage in a signifying
dialog that generates forms and meanings, a
dialog in which neither term can exist outside its
relationship with the other.
A specific aspect of the performance is choreography.
Anziché often introduces dancers
who interact with her works, not in an immediate
manner, but following a highly detailed, rigid
script based on a conscious, structured practice
of movement. At the preparation stage for the
performance the artist works with dancers to
create figures, i.e. to construct specific formal
relationships between body and object, a process
documented by the video Tapis-à-porter, also
on exhibit. These figures are a central issue in the
work of Anziché, especially as they relate to the
temporal dimension, i.e. they are the product of
an impeded, blocked movement – like frames of a
potential film development, suspended images extracted
from a flow of motion and time. The work
entitled Functional Fake Objects (2007) casts a
revealing light on this. Anziché’s complex project
originated from a photo series, which subsequently
gave life to a choreographed performance.
While photography usually serves as an
aide-mémoire, a trace, a document that records
what happens during a performance, Anziché
subverts this process and re-starts the moment
frozen in the photographic image.
This procedure may emerge more clearly in
the work Paesaggi istantanei, 2009. The performance,
created in collaboration with the Esperia
dance company, involved dancers who interacted
with the rubber net of Aggrovigliamenti. The artist
contrived a special choreography, based on
photo shots taken during rehearsals. The performance
starts from a static position and ends
in another, equally static, situation. Movement
is functional to the creation of the figures in a
sort of tableau vivant. The work evokes to our
minds the image of the ‘danza per phantasmata’,
the phantom dance, theorized by the XIV century
Italian choreographer Domenico da Piacenza,
and analyzed by Giorgio Agamben in his essay on
Aby Warburg. 2 What Domenico calls phantom is
an abrupt stop in between two movements, such
that the resulting inner tension produces a virtual
crunch in the measure and memory of the whole
choreographic series. The halt is time crystal-
2.
Giorgio Agamben,
“Nymphae”,
Aut Aut, May - August 2004
73

lized, an intensity where the body and, in this
case, the object, still retain traces of their previous
and next movement. A pause, therefore, not
static and quiet but charged with both memory
and dynamic energy.
In the work of Anziché, this image of suspended
tension is emphasized, and made physical by
the interaction between the dancers’ body and
the reticular structure. The underlying notion is
that of elastic energy, which accumulates by successive
movements, and is then freed thanks to
the act of releasing – yet in the pause between
one movement and the next there is no stillness,
but a creation of strong energy, potential energy,
intensity. It seems to me that the same reading
key could be applied to the carpets that are exhibited
in sculptural compositions, Tapis-accroché,
Origami-tapis and Tapis-à-porter (all 2009).
The definite shape they take in this case is not
final, but alludes to a potential change, recalling
past performances and envisaging the possibility
of further developments. These are dialectical images,
to use Benjamin’s terminology – images that
contain a tension between past and present.
Benjamin wrote that both thought movement
and thought suspension are qualities pertaining
to thought. The dialectical image, for Benjamin,
appears where thoughts halt, in a constellation
saturated with tensions. It is an interruption, a
caesura in the movement of thought. Of course
its dwelling place is no ordinary place: Benjamin
says that you have to search for it, in a word, go
where the tension between dialectical opposites
reaches a peak. 3
This notion of temporality as becoming, as a
dialectical tension between past and present,
condensed in the present act, refers us back
again to Lygia Clark’s research. To her Paola
Anziché has dedicated Indagando, a work-inprogress
project. The artist has started to interview
former students of Clark’s, who taught at
the Sorbonne in Paris during the 70s. In these
university courses, structured as workshops,
the artist developed the propositions that characterize
the last stage of her æsthetic evolution
and that she called Fantasmática do corpo or
Corpo-coletivo. And it is precisely this memory
that Anziché is trying to rescue – the memory
of an experience, of actively participating in an
act of creation, of unleashing, through collective
Greater Torino :
actions that involve the body, those unconscious
fantasies we call ghosts. Yet the ghosts are also,
as we mentioned above, images charged with
both past and future, condensed in one present
moment, just like Anziché’s work. For, while it reevokes
the memories of those who participated
in Lygia Clark’s actions, it simultaneously rescues
and restores to our present time an æsthetic
project that still retains its full potential.
Paolo Piscitelli
What I learnt about myself when I left Torino
was the ability to discover myself anew as a
multi-disciplinary artist. But I also found myself
in the condition of an immigrant, and this brought
new, compulsory needs that had to be satisfied.
Among them, I have a sincere curiosity for the
people around me, the desire to know where they
come from, although, to tell the truth, I almost
never see anyone.
In 2006 I moved to Texas for an artist - inresidence
stay. Here, too, from the Deep South
of America, I could breathe the American dream
and, shortly after, witness the election of the first
black president in American history. At the same
time, the banking, financial and real economy crisis
was starting to get hold of the country.
I found myself involved, both concretely and
abstractly, emotionally and intellectually, in the
world around me. Several relatives and acquaintances
of mine have lost their jobs, many small
businesses have closed down, others are opening,
conquering a horizontal space that seems to
have no end.
This individual, collective and, I would say, global
transformation led me to connect my æsthetic
vision to aspect of economy and politics, and to
the symbols of everyday life.
Paolo Piscitelli
second intentions
Maria Teresa Roberto
Repeatedly, between 2000 and 2005, Paolo
Piscitelli chose the expression ‘second intention’
as a title for his works, and after the first occurrence
added the subtitles: ‘pink volume’, ‘white
3.
Walter Benjamin, Paris Capital of the
XIX Century. The Arcades Project.
Edited by R. Tiedemann, translated by
Howard Eiland and Kevin McLaughlin.
Harvard, 1999, fr. 2a, 4
english text

volume’, ‘point without a point’, ‘with the body’s
eyes’. These works are installations, sound traces,
drawings – and despite their different expressive
media, they all share the practice, or rather, the
necessity, of rethinking, of de-locating gestures
and thoughts in new, different forms.
The modification process Piscitelli’s projects
are put through, which triggers off transposition
and alteration mechanisms, is the distinctive
quality of his whole series: “There is no path
– he writes – without movement. It is memory
that transposes, by an artificially reconstructed
suggestion. What is a second intention but the
absence of a first one? Or is it rather the superimposition
of the second upon the first?”. 1
Already known works change their status as a
result of different movements: as far as the physical
substance of the sculptures is concerned, it is
a movement towards the de-construction, even
erasing, of the original generating nucleus. Then
it is the movement which, in the two dimensions of
the photographic shot, or of the drawing, isolates,
cuts, puts the image details back together. Finally
it is the movement that offers the sound equivalent
of the objects and actions that have generated
them. And, in the artwork chain sparked off
by these processes, the boundary is lost between
the prototype and its replica. Second intentions,
indeed – arising from the yearning for an original
utterance that gets consumed and lost as soon as
it is formulated.
There are three generating variables governing
these transformations.
The first introduces the domain of self-portrait,
where the artist’s identity and the boundaries
of his physical and mental being seek to be
defined.
The second variable stresses the theme of the
work’s status, the idea that it can only be grounded
in temporary conditions: sculpture, photography,
sound, video, drawing, do not appear as
codified, distinct languages, but as transitional
situations, possible places of passage and articulation
of acts, types of matter and languages.
The third variable has to do with the relationship
between opposites, the oscillation of the creative
focus between center and periphery, matter
and memory, work and thought.
To relate to this artist means to prepare to
meet his works at the crossroads between the
possible triangular constellations of these parameters,
and running down the line of time in
both directions. What matters is the path, not the
starting point.
From the Noccioli in 2000 to Platonic 5 in
2006, groups of sculptures come to being as a
result of a performative process, the winding of
miles of adhesive tape around a central nucleus
– a seed that opposes resistance and generates
movement in the first work, geometrical solids
whose form is progressively obliterated in the
second work. Energy tension and entropy flow
into each other, and that action can be read as
one of many contemporary projects dealing with
the myth of Sisyphus, with a repetitive, non-teleological,
performative quality. 2 However, during
the hiatus between the two actions, in 2001 another
work, Cores Mix 1, was created, where the
physical dimension of volumes is zeroed – or, as
Piscitelli loves to say, ‘disappare’: un-appears – and
the registering of multiple, successive tearings
in the tape generates a sculpture that is entirely
acoustic, and yet is capable of installing itself in
space, invading its every interstice.
In the same years, another work series openly
deals with the theme of disappearance: the photographs
of the artist’s breath in the Bossea
caves (In cieco, 2003) are self-portraits of his vital
rhythm, of the constant contraction and expansion
of a body in its relationship with the environment
it is wrapped in. In this double play of containers
that mirror each other and correspond to each
other – the thoracic cavity, the cave walls – vapors
draw undefinable volumes, follow rising currents
and lose themselves in the dark cavities. While
the emphasis now lies on natural architecture, the
year before a recording of a water stream flowing
inside the same caves was used for a sound
installation in the stairwell of Scala delle Forbici
in Turin’s Palazzo Reale (Seconda intenzione / volume
rosa). Juvarra’s project for the Palace focuses
on the sudden opening up of the two flights
of stairs: the breathing sound of water in such an
environment was meant to suggest new relationships
between natural and artificial spaces. The
foam sculptures Piscitelli later created (Gong, Seconda
intenzione / volume bianco) could be read as
projects set off by looking at Juvarra’s stuccoes
and spirals, and by the passion for the ephemeral
and lightness of the late Baroque visual style.
1.
Paolo Piscitelli, “Seconda intenzione /
con gli occhi del tempo”, in Emanuela
Termine, Paolo Piscitelli. Some Prefer
Nettles, Gangemi Editore, Rome 2007,
p. 82
2.
See Emma Cocker, “Over and Over,
Again and Again”, in Not Yet There.
Writing & Research By Emma Cocker,
http: // not-yet-there.blogspot.com,
27 March 2008
75

These two work ‘threads’ constitute the double
genealogy of More Work / More Space. Consisting
in an aggregation of 800 modular elements,
this sculpture is systematically built, dismantled
and then aggregated again. It can be variously
configured, geometrically or organically, it can be
shaped like a cavity or a compact block. As I’m
writing this, we can only imagine the shape it will
take in the spaces of the Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo.
Labor (as the title of a series of videos made in
2007 reads) has become a recurring theme during
the last three years, i.e. since Piscitelli’s main
center of activity moved to the United States,
more precisely to Texas.
Sign of the Times is the last work of this new
season, and its very first configuration is the one
included in the show.
The starting point was the observation of the
many empty shop signs that, at a growing pace,
show the economic decline of the American province:
warehouses, factories, gas pumps, public
places are closing down and the signs that announced
their presence for decades at the side
of a highway or a main street are removed. Shot
after shot, Piscitelli has found himself putting
together a whole photo archive of such spaces,
which were once reserved for advertising and
communication, and have now slumped into the
silence of the great crisis: “Every single letter
that disappears from a building’s façade – notes
the artist in an unpublished work note – leaves a
trace, a ghost, a shell emptied of its content and
function”. So he has started to search markets
and depots for letters removed from shop signs,
in order to collect and preserve that lost alphabet
of brands and often obsolete types.
The rescued vocals and consonants are anchored
to the walls in random order, placed side to
side, superimposed, or overlapped, to underline the
impossibility of restoring them to a definite meaning,
a recognizable name. The work therefore takes
the final step in approaching the theme of the trace:
as in a frottage, the profiles of each character are
traced in charcoal on the wall, then the letters are
once again detached, and what is left on the wall is
the evanescent print of names and words that have
lost their place, identity and function. “Every single
letter – writes again Piscitelli – maps a lost memory
within a global transformation”.
Greater Torino :
Almost fifty years have elapsed since Edward
Ruscha published a small-sized volume with photos
of 26 filling stations located along Route 66,
between Los Angeles and Groom, Texas. When
recalling, in an Artforum article, the emotion he
felt in 1964 as he discovered the small white book
of the Twenty Six Gasoline Stations in an Austin
library (again in Texas), Dave Hickey notes how,
during that photo travel through America, Ruscha
shaped his idea of road in relation to the “realms
of absence”, “the iterative progress through the
domain of names and places, through vacant
landscapes of windblown, ephemeral language”. 3
The links between Piscitelli’s photo series for
Sign of the Times and Ruscha’s own shots show
the progress of a deep structural transformation
that made literal the sense of emptiness of the
60s – that could then barely be read between the
lines, in the assertiveness of shop signs and commercial
proclamations.
The work that takes those photographs as its
starting point is a sinopia, traced directly on the
wall of the Fondazione, and therefore having the
status of an ephemeral thing. But even more significant
is the fact that, in order to do it, Piscitelli
used, and then immediately removed, the found
letters, i.e. the physical objects embodying the
point of contact between the photo shots and the
wall drawing.
Mel Bochner recently asked himself once
again why, at the end of the 60s, a group of artists
– Sol LeWitt, Robert Ryman, Richard Tuttle,
Lawrence Weiner, and himself – began to “use
walls”, as the title of the exhibition at the New
York’s Jewish Museum in 1970 suggested – Using
Walls –, the first event to stress the importance
of that artistic phenomenon. 4 The elusive works
on exhibit, which could not be conceived, nor
touched as objects, but only looked at, opened a
new experience field: “…a wall painting negates
the gap between lived time and pictorial time,
permitting the work to engage larger philosophical,
social, and political issues. (…) It was a dream,
perhaps unrealizable, that this work might somehow
achieve an existential unity between reality
and appearance”. 5
Reality and appearance similarly meet in another
2009 installation. 107 Days / 100 Drawings
could, in the words of Hesiod, bear the alternative
title Works and Days. The rhythm of time and that
3.
Dave Hickey, “Edward Ruscha: Twentysix
Gasoline Stations, 1962”, Artforum,
January 1997, pp. 60-61
4.
Mel Bochner, “ ‘Why Would Anyone
Want to Draw on the Wall?’ ”, October,
n. 130, Fall 2009, pp. 135-140
5.
Ivi, p. 140
english text

of work are marked simultaneously, in the hundred
drawings that reproduce pairs of old worker’s
gloves on the pages of the Houston Chronicle.
Alone or paired off, all of them different in
their residual, gestural quality, those gloves are
casts, in a twofold sense: a cast of the hands they
used to contain, and to which they adapted, and a
cast of the matter and objects they have grabbed
and manipulated. Tracing casts: a method that, at
the dawn of modernity, “… tends to become – as
stated by Georges Didi-Huberman – an æsthetic
paradigm, the thought of the sculptural process,
a procedure for incessant form generation and
plastic transformation”. 6
A pair of hands can be seen in more than one
work by Piscitelli; it functions as an exploration of
matter (the clay that gets manipulated in the video
Seize the Moment II), or an invention of possible
forms (like Lygia Clark did with her Bichos), 7 or
it creates lines that in turn spawn words or images
(as in the large sheets prepared by Alighiero
Boetti for his sign / drawing interventions). This
also happens in Unpacking, a series of videos
projected onto a wall made of boxes inside the
Singuhr-hœrgalerie in Berlin in 2009. Shadows
of hands, of the artist, and of people close to him,
write an elusive list of books – read, loved, lost,
forgotten – on transparent screens. The kaleidoscopic
architectures of memory take shape on
the screen. Once again after the Conceptual season,
through several generational passages, the
fleeting, unstable emotion of visualized thought
processes can be experienced anew.
The special projects
for Greater Torino
Giorgina Bertolino
Greater is an excellent word to introduce the
special projects that accompany the exhibition, integrating
and expanding its meanings and effects
beyond the exhibiting context. Greater is a large,
spacious place. This is the image we wanted to
suggest, and wish to associate with a city, Torino,
and its artists. At the same time, it can be an idea
and a key to interpret a research line peculiar to
the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo which,
in its daily relations with the public, is strengthening
its role as a communicator and promoter of
6.
Georges Didi-Huberman, “‘Fissata a
sua insaputa in uno stampo magico…’
Anacronismo del calco, storia della
scultura, archeologia della Modernità”,
Ipso Facto, n. 1, May-August 1998, pp.
4-30
7.
The research of Paola Anziché, which
in Greater Torino interacts with that
of Paolo Piscitelli, has one of its crucial
points precisely in the interpretation
of Lygia Clark’s work
contemporary art, and has come to be the center
of a successful relational, educational, and social
project. Seen from this perspective, Greater
is an intensive place – bigger and, indeed, more
intense. The exhibition, itself the mirror of a geography
of contacts, research themes, and biographies,
expands until it becomes the occasion for a
‘workshop’ of practical activities and reflections,
open to both young people and adults, students,
regular attendees, and visitors. The presence of
the two artists was an opportunity to develop a
program aimed at turning their works, themes
of interest, and research projects into as many
training fields for thoughts and actions.
The project rests on the application, tested
over several years, of cultural art mediation – a
conceptual and ‘methodological’ space where
the Fondazione has welcomed and met the adult,
non-school public ever since the opening of its
Torino seat in 2002. It aims at offering two workshop
spaces to express, elaborate, confront, and
socialize personal perceptions, information and
opinions. In keeping with the theory and practice
of Lifelong Learning, it also aims at eliciting the
visitors’ active participation, putting value on individual
resources and different learning styles,
and offering them to a small, temporary community
as a subject of confrontation.
Trans-formare by Paolo Piscitelli and Ingombri
by Paola Anziché are the workshops organized
for Greater Torino. They will take place during the
exhibition, and are the result of a shared planning
experience that saw the participation of artists
and of the Fondazione’s cultural mediators, plus a
group of students from the Laboratorio Multimediale
“G. Quazza” of the Facoltà di Scienze della
Formazione, of the Accademia Albertina di Belle
Arti, and of some Higher Institutes of Art Education
in Torino. 1
Following the guidelines of cultural mediations
and the philosophy of the Educational Department,
2 the exhibition is presented as a living
space to be inhabited. A place of production and
expression, a place for doing and talking, not just
attending the usual ‘silent’ visits. The 1 : 1 scale
that acts as a background in the relationship
between the mediators and visitors, just like the
size of a student class, or of a small mixed group
including people of different age, origin and disciplinary
fields, are all ways of approaching and
1.
The students from the higher Institutes
are working within the Ars Captiva
project
2.
Although they operate within different
study areas, their mediation activity
and cultural mediation training is
strictly linked to the projects of the
Fondazione’s Educational department.
Aside from the frequent simultaneous
presence of both educators and
mediators in the exhibition spaces
during workshops for school classes,
they indeed have several other
occasions for sharing their work,
in particular in the Restituzioni
(restitutions), i.e. when they inform the
whole Fondazione staff about what
happened at every single exhibition,
analyzing it from the point of view
of the public’s and the students’
feedback. Another occasion for
sharing are the workshops intended
for mixed groups, including both
university students, young artists,
writers, musicians, designers, etc.
like the one held at the Fondazione
Sandretto Re Rebaudengo during
Glenn Brown’s personal exhibition
on September 30th, October 1st and
2nd, 2009
77

experiencing the works on exhibit. All of these
methods, however, pertain to a vision of contemporary
art seen as a source, an intermediary, a
tool for learning, inspiration, and care of both collective
and community life, lived by strangers or
acquaintances, outsiders or relatives. Therefore,
the exhibition halls, the learning room, but also
the informal spaces of the Fondazione, are all
conceived as useful spaces for creating temporary,
but real and practicable, “forums”, agoras,
or speaker’s corners. The two workshops for
Greater are meant to open up such spaces and
test new ones.
Paolo Piscitelli: Trans-formare
The process-oriented phase that leads to
the work, the definition of an installation’s or a
sculpture’s form, their very transitoriness, potential
and changeability, constitute some of the
central elements of Paolo Piscitelli’s research.
The construction of a work as the moment when
different activities merge (gestures, energies, intentions,
decisions), and a reflection on work as
labor, are the two components that lie at the root
of the planning and production of the workshop.
In the run-up to the opening of Greater Torino,
the artist will gather a workgroup formed by cultural
mediators and students, and invite the participants
to move outside the exhibition context,
and walk the area that surrounds the Fondazione
– the San Paolo district, which used to be one
of the productive areas of the city until recent
times – in search of signs. Traces, noises, images
of (even æsthetic) transformation of a city in a
time of crisis. These signs will be recorded in different
ways (photography, film, audio, narration,
logs) and will provide the material for a shared
reflection, which will be offered to all workshop
participants.
The choice of the title itself, Trans-formare,
trans-forming, gives us the first clue: the suffix
placed before the verb immediately suggests
that form is the effect of an action inscribed in
a condition of mobility. It is the result of a transit,
translation and de-placement operation. Two
of the works on exhibit – More Work / More
Space, and 107 Days / 100 Drawings – distinguish
themselves, from their very titles, for the capacity
of their relationship. One part generates the
second. A consequence. More space equals,
Greater Torino :
therefore, more time, and the artist himself says
that this statement can be reversed and still be
equally valid. 107 days, or 100 drawings: in this
case the imperfect mirroring of the calculation
leaves a margin for variants, choices and unpredictability.
In both cases, however, Paolo Piscitelli
defines a field, and describes a working method,
openly stating the theme upon which his artistic
creation focuses. The two works act as indexes
for the two work ‘families’ proposed for the workshop
stages – the work that happens outside, in
the city, and the interior work, which takes place
on the desks of the learning room.
More Work / More Space is a sculpture that
was first conceived in 2009. Its structure and
form change with every new installation. The
work necessary for construction and during the
mounting phase remains invisible to the public.
For some of his works, such as Noccioli, 2000,
and Platonic 5, 2008, Piscitelli uses the definition
‘performative sculpture’, in that the process
of making, its duration, seen as a prolonged resistance
exercise and a testing of limits, are recorded
on video or audio, and are an integral part
of the work. More Work / More Space is, instead,
a sculpture whose performative quality requires
that the observer do an imaginative effort, follow
a backward path, a reversal of the final result,
breaking down the set of gestures made to assemble
the 800 wooden modules that form the
sculpture. The latter is indeed offered as the accumulation
of such pieces-gestures, a sequence
of intentions and decisions taken by the artist
one after the other, while searching for balance
and development within a global growth process.
“What is this?” asked Piscitelli standing in
front of Mu, the progenitor of the work at hand.
“By structuring the whole space, and arbitrarily
building empty spaces – he explains – I draw
the plastic rhythms and the intervals according
the logic of the fugue, or of the assembler, or
the termite. The sequence that is activated during
this process transforms space into time, and
subsequently reconverts it, at the end of my operation,
back to space”. 3 Starting from this idea
of artwork as a transforming act fueled by intentions
and energies, 107 Days / 100 Drawings and
Sign of the Times develop a new reflection on
current events, on the collective perception of
an emergency. With two experiments based on
3.
Paolo Piscitelli, Mu, in Emanuela
Termine, Paolo Piscitelli. Some Prefer
Nettles, Gangemi Editore, Rome 2007,
p. 48.
english text

the collection of objects (the gloves of immigrant
workers, the discarded letters of shop signs) and
a subsequent remake that uses painting and wall
drawing, Paolo Piscitelli redefines the very notion
of labor through a method based on doing, which
resembles a care-and-maintenance intervention
on human activity.
Paola Anziché: Ingombri
Hundreds of cardboard boxes, scotch tape,
paper overalls to be worn. With a series of images,
narrated or fixed to the walls of the room
that will host the workshop, the artist will invite
participants to build points of support from the
cardboard boxes, and attach them to their own
bodies. The point of support thus becomes a
base and, at the same time, a clutter. It creates
new points of balance, but it is also an obstacle
to normal mobility: walking, standing, standing up,
approaching each other. The single buildings will
be allowed to remain isolated, or can be added
one to the other, thus generating a complex, temporary
architecture.
The theme of Ingombri perfectly mirrors some
of the interests, peculiarities and expressive
modes of Paola Anziché’s research. Spaziando
and Tapis-à-porter, her works on exhibit at Greater
Torino, testify to the continuity between the
finished work, offered to the public’s interpretation,
and the workshop activity. An object (a carpet,
net, box, or t-shirt) is used by the artist as a
‘tool’, an ‘interaction device’ given to the spectator
to activate a shared experience in the realm
of perception of space and body. Coming as it is
from everyday life, and made of ‘simple’ materials
such as fabric or paper, this object is a referent
for more or less explicit symbolic meanings:
the carpet, as a metaphor of nomad life, covers
a portion of floor and ground, and, if taken figuratively,
becomes a territory. Through warp and
weft, the net weaves and exposes a set of nodes,
ties and webs. The box welcomes, encloses, and
moves things, preserves and removes, functions
as a storeroom and a house, as both a full and
empty space. Beyond individual results, it is with
this object type that Paola Anziché opens what
she refers to as a ‘sculptural process’ that constantly
throws into question elements such as
building, fixing and undoing. The artist’s choice
of the terms of an oxymoron (the process / the
4.
I am quoting the beautiful title of a
workshop held in 2009 at London’s
Tate Modern. The British institution
and, in particular, its rich offer for the
adult public, is a reference model for
the research the Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo has focused upon
in recent years, aimed at developing
proposals for new activities intended
for a non-school public
sculpture) as her operating limits, is her way of
questioning the notions of balance, stability, immobility
and, at the same time, their opposites.
She does this within the context of a collaboration
with other people, in a condition we could
describe as Physical Thinking. 4 Asked to place
themselves next to a large carpet hanging in the
middle of her study, involved in a choreography
of steps and movements amid a net of rubber
bands, 5 or encouraged to encumber their bodies
with a temporary cardboard prosthesis, the people
invited to Paola Anziché’s actions test, gauge,
and share with her a series of habits written on
the body as a surface of exchange between themselves
and the world. “The body is the home, it is a
shared experience”, says the artist quoting Lygia
Clark, an artist who, along with Helio Oiticica, is
one of her key reference figures. Anziché makes
this reference explicit when she pays a ‘homage’
to them, doing reconstructions and researching.
The habits of the body, which the artist otherwise
calls ‘familiarities’, are pushed beyond
their limits: put to the test of time and resistance,
they finally release their tension. In Ingombri the
sculptural process, seen both individually and collectively,
is all about identifying an eccentric point
of balance that transforms the box into a support,
crutch, shell or carapace. The documentation
work she will do during the workshop is part
of her usual working method. Photography and
video, as Francesca Pasini rightly pointed out, “(...)
on the one hand make us understand the perceptual
movement of reality, on the other hand stage
the decision process that is necessary to endow
the image with a certain specific figure and not
another”. 6
5.
The actions described respectively
refer to: the operation documented
by a series of photographs taken
in the artist’s study in 2008 during
the Progetto Passaporto; Paesaggi
Istantanei, Cavallerizza Reale/Manica
Corta, Torino 2009, curated by Lisa
Parola; Aggrovigliamenti. Un omaggio
a Lygia Clark, Meteorite in giardino,
Fondazione Merz, Torino 2009,
curated by Maria Centonze
This text, and the projects it describes
and analyzes, are part of a research
I am carrying out thanks to the study
grant I received from the Fondazione
Giovanni Goria “Progetto Master dei
Talenti ” Fondazione CRT for the year
2009-2010.
6.
Francesca Pasini, introductory text to
the artist’s personal exhibition Tapisà-porter,
curated by Francesca Pasini,
Careof, Milan, 2009.
79

Questo volume è stato stampato
per conto di
Sandretto Re Rebaudengo Press
nello stabilimento Musumeci Spa.
Aosta
gennaio 2010
Greater Torino :