No.02 - Alcovacreativa.Org

il secchio
il secchio
02.11
inside IO
performaces
sottraggo
l'ossessione anoressico-bulimica
diventa performance
di Giovanna Lacedra
movimenti
ARTE sincretica
Movimenti artistici contemporanei
di Angelo Mazzoleni ed Emanuela Dho
talenti
Amelia Ferrari
Pittura plastica...
di Amelia Ferrari e Luigi Crescibene
eventi
Dal buco della serratura
Apre con la sua prima collettiva a tema
il neonato movimento artistico indipendente
St’Art over Art
di Stefania Colizzi e Renato Iannone
respirARTE
Turista Napoletano...
breve viaggio alla scoperta
del cuore antico di Napoli
di Gabriella Pesacane
il rospo
in the cage
avventura nel malallestimento museale
di Renato Iannone
il periodico gratuito dedicato alle ARTI di ogni tempo
interamente realizzato in esclusiva da ALCOVACREATIVA.org il portale delle Arti figurative in rete
il progetto ALCOVACREATIVA è completamente ideato realizzato e curato da Renato R. Iannone

performaces
IO sottraggo
l'ossessione anoressico-bulimica
diventa performance
di Giovanna Lacedra
Io Sottraggo, Performancehappening
di Giovanna Lacedra
presso la Galleria Famiglia Margini il
30 giugno
Trasformare in arte la patologia.
Fare in modo che il corpo,
da anni ostaggio di rituali ossessivi,
da anni contenitore di vuoti affettivi,
di assenze e di mancanze,
da anni vittima e carnefice di se
stesso,
diventi racconto espressivo e
creativo di una tra le più paradossali
malattie:
il disturbo anoressico-bulimico.
Mangiare niente come mangiare
tutto.
Svuotarsi come ingombrarsi.
Mettere dentro il mondo intero, o il
mondo intero rifiutare.
Sbranare pulsionalmente l’amore che non si ha, o scegliere stoicamente la rinuncia.
Controllare il corpo per illudersi di controllare la vita intera.
Operare calcoli minuziosi, e istituire una vera e propria aritmetica del desiderio.
Sottrarsi chili per sottrarsi ai desideri.
Scarnificarsi e rischiare la vita, pur di rendersi visibili.
Fingersi inarrivabili, perché il contatto è già una ferita.
Non ho bisogno di niente. Non ho bisogno di cibo. Non ho bisogno di te
Trasformare in arte la patologia.
Con un corpo che hai stancato, creare.
Mettere in scena il dolore, la rabbia, l’ossessività.
Mettere in scena il paradosso dell’anoressia.
Il paradosso della fame. Il paradosso della dismorfofobia.
Ricavare, da una esperienza reale e personale, nuovo materiale espressivo.
La performance che ho, con grande fatica emotiva, ideato e progettato, grazie al
sostegno della mia curatrice Grace Zanotto, è totalmente autobiografica, e quindi
visceralmente mia.
Da 14 anni la mia vita dondola sull’altalena dell’anoressia-bulimia.
E non è facile. Non è facile per niente.
Ora ho deciso di scendere, e provare a raccontarla, a modo mio. Con un happening,
del quale sarò la sola protagonista.
“IO SOTTRAGGO” vuole essere la rappresentazione di quel luogo immaginario, ma dai
confini ben delineati, in cui finisci per autoblindarti, una volta diventata vittima di
questa paradossale patologia. E’ un luogo isolato, matematizzato, stretto e raccolto; è
il luogo dei rituali ossessivi e della triangolazione cibo-corpo-peso.
il secchio

IO sottraggo
l'ossessione anoressico-bulimica
diventa performance
Un luogo che lentamente diventa tutto lo spazio di cui
disponi.
Diventa la vita intera, e non lascia spazio per nient’altro, se
non per quella martellante triangolazione che illusoriamente
ti sterilizza da ogni altro desiderio vitale.
A quattro anni ero una bambina che camminava per ore
lungo il perimetro quadrato dell’ampio salone vuoto di un
asilo.
Senza che nessuno mi fermasse. Senza che nessuno mi
abbia mai fermata.
A trentatre anni sono una donna che invisibilmente
cammina lungo il triangolare perimetro di un’ossessione:
farmi vuota.
Sottrarre da me l’ingombranza.
Sottrarre da me ogni sporgenza, ogni morbidezza, ogni
eccesso, ogni evidenza.
Sottrarre da me ogni appetito.
Svuotarmi del desiderio.
Voglio soltanto sentirmi leggera.
E per questo, sottraggo.
Razzio la materia.
Sferro colpi algebrici.
Io no, non sono anoressica.
Sono soltanto
la presentificazione di una mancanza.
IO SOTTRAGGO
Performance di Giovanna Lacedra
cura di Grace Canotto
30 giugno 2011 - ore 19.30
Galleria Famiglia Margini
Via Simone D’Orsenigo, 6
20135 Milano
il secchio

performances: Giovanna Lacedra
il secchio
performances: Giovanna Lacedra

opera: Angelo Mazzoleni
movimenti
ARTE sincretica
Movimenti artistici contemporanei
di Angelo Mazzoleni ed Emanuela Dho
IL MANIFESTO
Con il presente Manifesto, sulla base della comunanza di alcuni elementi di fondo della
nostra indagine poetica, intendiamo porre le basi per un progetto di sperimentazione
di nuovi percorsi artistici , attraverso la fondazione del gruppo ”nuova arte sincretica"
: una ricerca di sintesi e
rielaborazione personale dei
linguaggi della storia umana ,sia in
senso diacronico che sincronico, in
chiave interculturale ed interetnica
,con il fine della creazione di una
opera globale ed universale .
Ci accomuna il viaggio interiore
attraverso il tempo e la storia, tra
passato e presente,tra le diverse
culture del mondo,alla riscoperta
delle nostre origini e radici e
intendiamo percorrerla per scelta
consapevole in modo piu’ ampio
rispetto a quanto già è stato
realizzato in passato.
Come artisti, riteniamo inoltre di
dover dare il nostro contributo ad
una difficile iniziativa contro il
degrado culturale , dell'arte e il
conformismo mediatico presente
nella nostra società globalizzata...
L’arte sincretica, pur ponendo al
centro della sua dinamica operativa
la sperimentazione e l’innovazione, vuole perseguire senza schemi precostituiti o
mercantili , in modo libero ,istintivo e nel contempo meditato, un’arte “totale” e
interiore, basata sul recupero di ciò che oggi e' andato perso, a causa di alcune
degenerazioni prodotte da un certo mercato oligopolistico: valori espressivi,simboli
ancestrali ,problematiche del mondo contemporaneo viste dall’interno ed in
prospettiva storico-universalistica. Cio’ significa anche: un continuo confronto tra
contemporaneità ed il mondo delle nostre origini e dei valori più alti espressi dalla
storia, quindi la riscoperta di un nuovo umanesimo contro la decadenza di valori
artistici ed umani prodotti da una certa cultura mediatico-tecnologica .Proponiamo in
forme nuove una ricerca ispirata al recupero del concetto di bellezza ed universalità
dell’opera d’arte trasposto nel mondo attuale.
Proponiamo il ritorno, in modo nuovo, ad un processo creativo che riporti però l’uomo
e le sue emozioni al centro dell’universo-opera, ai suoi valori profondi, riportando l’arte
nei luoghi che le competono: case, chiese, antiche dimore ecc., in modo che le opere
accompagnino nel tempo la vita di chi le abita. Non a caso utilizziamo, accanto a quelli
tradizionali, materiali che abbiano la caratteristica di essere il più possibile “naturali”,
"vecchi", per poter raccontare una storia o infinite storie accanto alla nostra ed a
quella di chi ci ha preceduto.
il secchio

ARTE sincretica
Movimenti artistici contemporanei
Speriamo che le nostre opere sappiano evocare, con le emozioni, anche la riscoperta
della humanitas oggi parzialmente perduta e possano ricondurre l’osservatore verso le
fonti sorgive istintuali dell’essere , della nostra storia e del nostro presente. L’ arte
sincretica non può essere più di tanto definita né spiegata ma solo vista attraverso la
continua evoluzione delle nostre opere come un continuo libero processo dinamicocreativo
da noi stimolato e prodotto ed è perciò, solo una delle tracce di passaggio del
gruppo,una cornice comune di riferimento nella quale ognuno possa operare
liberamente , in continua ricerca evolutiva verso altri orizzonti e nuove
sperimentazioni.
BERGAMO 3-Novembre-2004
I fondatori del gruppo-movimento "Neosincretico": Angelo Mazzoleni, Marco
Ceravolo, Tommaso Cocco, Carlo Oberti, Alfonso Rocchi.
opera: Angelo Mazzoleni
il secchio

ARTE sincretica
Movimenti artistici contemporanei
Intervista di Emanuela Dho al Maestro
Angelo Mazzoleni , cofondatore del gruppo -
movimento della "Nuova Arte Sincretica".
In ogni epoca, c’è un tempo per creare e
un tempo per distruggere, un tempo per
agire e un tempo per riflettere, un tempo
per giudicare ed un tempo per ascoltare.
"Irak" periodo del sincretismo
contemporaneo
In ogni epoca, ci sono eventi che
travolgono gli uomini e uomini che scrivono
la Storia, in un divenire incessante per cui
nulla cambia e nulla è mai uguale, tutto
torna sotto forme diverse e irriconoscibili,
reminescenze distinte e inconsapevoli,
memoria ancestrale di un passato comune
che si fa strada attraverso le ombre del
subconscio. Così, nel ciclico ingranaggio del
tempo, l’Arte si muove senza vincoli,
benigna divinità dispensatrice di bellezza,
luminosa depositaria dei segreti
dell’essenza. Nel suo linguaggio universale,
in continua evoluzione, molteplici sono i
simboli, illimitate le chiavi interpretative,
ma una sola è la ricerca di un significato
superiore, in un cammino senza soluzione
di continuità dove il particolare si dissolve
in una visione più ampia dell’esistenza,
dove le ere si accavallano e s’intrecciano,
lasciando vecchie risposte e nuovi
interrogativi, dove l’innato anelito
dell’uomo verso il sacro conduce ad un più
profondo livello di saggezza.
È il respiro dell’assoluto che si ritrova
nell’arte di Angelo Mazzoleni, ideatore e cofondatore
del Gruppo-Movimento
“Neosincretico”, sintesi concettuale di stili e
tecniche diverse, provenienti da epoche ed
esperienze distinte ma assimilabili in un
processo di creazione che guarda oltre i
confini del tempo e dello spazio, arrivando
alla scintilla vitale dell’Io. Ma come nasce
questo movimento, che pare attingere
tanto dall’arte, quanto dalla storia e dalla
filosofia, proponendo e rielaborando
concetti e teorie, spalancando le porte della
percezione e della conoscenza? Lo
chiediamo al Maestro Angelo Mazzoleni,
cofondatore ed autore del manifesto del
gruppo.
“Anni fa, in una lettera pubblicata da
Stefano Zecchi su arte Mondadori, sulla
base di una mia osservazione
dell’accentuarsi di tendenze sincretiche
nell’arte contemporanea e naturalmente
alla luce della mia ricerca artistica
personale, ebbi già modo di anticipare
sinteticamente i motivi della mia idea di
fondare il gruppo artistico della “Nuova
Arte Sincretica”.
Pare incredibile, quasi un caso di empatia o
telepatia, ma allora ancora non sapevo che,
l’anno prima, in un suo libro “Capire l’arte”,
Stefano Zecchi aveva già parlato del
crescente diffondersi tendenze sincretiche
nell’arte contemporanea. In questo suo
libro, che lessi solo in seguito, Zecchi
sosteneva la tesi, da me oggi condivisa,
che queste tendenze erano legate
essenzialmente alla mancanza di idee
nuove e ad una certa confusione in certe
ricerche artistiche contemporanee.
La fondazione del gruppo ”Nuova Arte
Sincretica” nasceva tuttavia proprio dalla
necessità , da un lato di rendere palese e
programmatica questa tendenza presente
nell’arte contemporanea, cercando però di
svilupparne i motivi positivi di fondo,
uscendo dall’ambiguità e dalle
contraddizione sottolineate giustamente da
Zecchi e di cui noi stessi eravamo
consapevoli, dall’altro di condurre una
sperimentazione in grado di trovare nuovi
percorsi di ricerca cercando di proporre un
arte sincretica nuova, capace di andare
oltre lo stesso concetto sincretico di
il secchio

opera: Angelo Mazzoleni
ARTE sincretica
Movimenti artistici contemporanei
partenza.
Dal confronto tra i vari artisti del
gruppo, già allora accumunati da
un tipo di sperimentazione affine,
era emerso chiaramente che uno
dei modi per andare oltre,
evitando il rischio di rielaborazioni
confuse o di scadere nella
semplice imitazione del passato,
era quello di ripercorrerlo in modo
consapevole, attraverso
l’approfondimento interno e lo
studio delle arti e delle culture nel
tempo. In altri termini, il nostro
intento artistico e filosofico era
quello di ridare nuovo spessore e
valore ai nostri sentimenti ed alla
nostra ricerca esplorando più a
fondo, nel cuore della dimensione
storica per poi reinterpretarla in
forme del tutto nuove, alla luce
della realtà del nostro presente.
E’ quello che ognuno di noi,
secondo la propria sensibilità,
sperimentando modi e percorsi
diversi, ha cercato di fare in
questi anni. “
Al di là delle impressioni
immediatamente suscitate da
opere come “Memorie sincretiche”
o “Memorie sacra”, manifesti
viventi del movimento, dove la
lezione dell’arte rinascimentale
dialoga liberamente con le grandi
avanguardie del ‘900, senza
dimenticare le proprie origini
primitive, quali sono gli elementi portanti del progetto neosincretico, quali sono i
suoi fondamenti filosofici e, soprattutto, in che modo li interpreta il suo
fondatore?
"Della filosofia di fondo ho già in parte risposto sopra, posso aggiungere
sinteticamente che la nostra arte sincretica si bassa sostanzialmente su una
difficile ricerca di sintesi interculturale, storica ed interetnica, volta a produrre un
opera universale, capace di parlare al nostro tempo .
Personalmente ho cercato di sviluppare la mia sperimentazione a tuttotondo, cioè
esplorando arte, storia e culture partendo dalle origini (arte primitiva ) fino ai
nostri giorni per poi reinterpretala sia interiormente che nella dimensione storica
attraverso tre cicli sperimentali :
il sincretismo storico,contemporaneo e spirituale. Come dire, dal passato al futuro
il secchio

ARTE sincretica
Movimenti artistici contemporanei
attraverso il presente. Aggiungo che ,da
questa mia esperienza ho tratto la
convinzione che, a patto di una grande
operazione di rielaborazione originale del
passato , sia possibile produrre
artisticamente qualcosa di nuovo e nel
contempo controcorrente rispetto alla
confusione ed alle contraddizioni prodotte
oggi da un certo sistema di mercato
dell’arte .
Sono convinto che questa operazione non
sarebbe stata possibile se non gettando
un ponte tra passato e presente,
operando, ripeto, “per scelta
consapevole”, una faticosa ricerca di
sintesi e conciliazione dei linguaggi nel
tempo.
Nelle ultime mie opere ,al di là del
giudizio estetico che ognuno può darne,
spero di essere riuscito nel mio intento,
volando oltre, o, forse, entrando
nell’anima stessa del concetto sincretico
di partenza, creandoun mio linguaggio
che spero possa ridare ed evocare
emozioni nel nostro presente. "
Dunque, dopo decenni di rifiuto
apparente del passato, di rottura dei
legami con tutto ciò che è già stato detto
e scritto, il Gruppo-Movimento
“Neosincretico” segna un’inversione di
tendenza, una sorta di riabilitazione della
tradizione artistica di ogni epoca, una
presa di coscienza dell’innegabile bagaglio
di umana esperienza, che costituisce il
retaggio irrinunciabile di ogni
generazione, poiché “chi dimentica il
proprio passato è condannato a riviverlo”.
Solo dalla conoscenza nasce la vera
libertà: è proprio questa finalità catartica
che si intuisce nell’arte neosincretica, arte
totale ed essenziale insieme, colta ed
istintiva, per questo destinata ad
attraversare il tempo, senza mai esserne
schiacciata.
opera: Angelo Mazzoleni
il secchio

talenti
Amelia Ferrari
Pittura plastica...
di Amelia Ferrari e Luigi Crescibene
Amelia Ferrari nasce a Cassino nel 1976.
Fino al 1996 vive a Isernia dove consegue
la Maturità Classica e, successivamente,
quella Artistica entrando in contatto con la
pittrice molisana Anna Maria Farina e lo
scultore Benvenuto Succi.
Nel 1997 si iscrive all'Accademia di Belle
Arti di Roma dove, sotto la guida
dell'artista Antonia Ciampi, approfondisce
ed indirizza la propria impostazione
artistica verso un interesse per la figura
umana e le possibilità espressive delle sue
forme anatomiche.
Nel 1998 si trasferisce all'Accademia di
Belle arti di Firenze ed entra in contatto
con gli artisti Cesare Pacitti, Rodolfo
Ceccotti ed, in particolare, con il pittore e
scultore Francesco Preverino che la spinge
verso una maggiore libertà espressiva e le
consente di maturare a pieno il proprio
linguaggio.
Negli anni successivi compie viaggi in
Irlanda , Germania e Stati Uniti
approfondendo le proprie conoscenze
sull'arte europea e arricchendo i propri
mezzi espressivi.
Nel 2002 si diploma a pieni voti in
Decorazione all'Accademia di Belle Arti di
Firenze sostenendo la tesi in tecniche
dell'incisione "Le incisioni di Kathe
Kollwitz, tra Naturalismo ed
Espressionismo".
Attualmente vive a Modena, dividendosi
tra pittura e insegnamento.
il secchio

opera: Amelia Ferrari
Amelia Ferrari
Pittura plastica...
Nella luce del tempo
La consistenza e l’evanescenza, il piacere e il dolore, la sconfitta e
l’accensione, la tensione, lo sfinimento, le dissolvenze, i sussulti, i
ripiegamenti e l’incanto vibrano, lampi di equilibrio, nell’intimo sentire. La
pittura di Amelia Ferrari si arpiona, così, agli occhi ed al cuore. Fionda
sensazioni elitarie, rasserenamenti inquieti, tenerezze ardenti,
smemoranti abbandoni, acquisizione del vero oltre l’opaco apparire. Un
mondo di urgenze interiori, uno sciame di voci bisbiglianti, raccolte,
balenanti di luci, snervate di ombre splendenti, carezzate, disperse,
rianimate, reinverate, sono tanta
parte della stupefacente resa
pittorica della grande Amelia
Ferrari. Il niente si fa tutto. Si
disfa, scompare, ritorna ancora,
baluginio, scintillio di luce e
colore, giallo fulgente, riflessi
d’oro, nastri di rosso e di nero,
nitore, bagliore, splendore di sole
e di cielo, lame ebbre di chiaro,
intrico di limpido vero, di mesto
apparire, di mistero affatturante.
La grande Amelia Ferrari, dalla
sorvegliata e rigorosa
consapevolezza tecnica, va tanto
oltre i rigidi moduli di tendenze e
di scuole. Non riporta il dato
oggettivo. Lo decontestualizza e
destruttura. Lo scompone, lo
ritempra e rinnova. Gli esiti
fattuali, mai statici, pulsanti,
energici, vibranti, rimandano a
rammemorazioni, evocazioni,
allusioni, alla esigenza di
disvelare il vero apparente e
attingere quello segreto, più vero,
più puro che si salda con la
stringente necessità di esplicitare
stati d’animo, i raccordi, le
discrasie con una realtà ora
appagante e ristoratrice, più
spesso insipiente, asfittica e bara. Ma la Ferrari non affida all’alido
concettualismo la sua suggestiva comunicazione pittorica. Ne scansa le
secche risucchianti, si libera di un abbraccio tentacolare, come di morte.
L’arte non può essere militante, non può dipingere soltanto idee. Esse
scaturiscono dalle cose, da quelle che per l’artista diventano meta e mezzo
di accostamento e evasione, di fuga e raccoglimento, di palpito vivo, di
il secchio

Amelia Ferrari
Pittura plastica...
tenerezza inquieta. Amelia Ferrari ne è consapevole. In un’apparente fissità, fa
riemergere l’interna evidenza delle cose, le lievitanti consistenze, l’intimo
messaggio, lo “slancio vitale”. Il segno e il colore, che si caricano di significazione,
circoscrivono il bello, la sua vaghezza, il suo fascino eterno ed uguale, la
mormorante sensuosità, l’inebriante divenire. E la luce buca e accende anche
l’ombra, le figure immote, irrigidite, ma onde di luce e colore, creano atmosfere
turgide e rarefatte, pencolanti fra la terra ed il cielo, sospensione di tensioni e
passioni. L’emozione fluttua, ardente e silenziosa, lieve, fervente, eccitata,
incantata. Alimenta echi, attese, ritorni. Ma l’ansia del bello cerca e trova conforto.
L’armonia trascorre la forma e il colore. Le autoilluminazioni della Ferrari travestono
e vivificano il dato reale, lo adagiano, tra energia e seduzione, purezza e lievitante
distacco nel bello mai freddo ed inerte in un vertiginoso e inesondabile scenario che
dilata le mordenti e placate emozioni. La Ferrari dipinge la vita. Ne fissa, sulla tela,
tremori, stupori, sospiri, l’intima essenza della complessità umana. La stilizzazione
asseconda l’empito creativo in una consapevolezza misurata che si scolla da
risoluzioni tumultuose, corrosive e scomposte, e cerca e trova varchi nelle
abbaglianti urgenze di equilibrio dei tempi del cuore.
opera: Amelia Ferrari
il secchio

opera: Amelia Ferrari
Amelia Ferrari
Pittura plastica...
opera: Amelia Ferrari
il secchio

eventi
Dal buco della serratura
Apre con la sua prima collettiva a tema
il neonato movimento artistico indipendente
St’Art over Art
di Stefania Colizzi e Renato Iannone
St'Art over Art
CHI Siamo
Siamo prevalentemente artisti operanti nel settore dell'Arte da diversi
anni con un bagaglio di esperienza da mettere al servizio di tutti!
Siamo fortemente motivati e pronti ad operare in "prima linea" per
creare e, migliorare un settore oramai saturo di false promesse ed
iniziative non sempre a favore dell'artista! Ci autogestiamo e, ci
stiamo organizzando grazie anche all'aiuto degli artisti in primis e di
tutti coloro che credono in questa iniziativa di accorpamento di ideali
e forze!!!
Siamo a disposizione di chiunque voglia aderire al progetto e, darci
sostegno in ogni forma ed in base alle proprie esigenze e possibilità!!!
Siamo aperti a tutti: artisti e persone motivate e/o amanti dell'arte!!!
Non c'è limitazione ideologica, di colore e politica: SOLO UNICAMENTE
COMUNIONE DI INTENTI ED ARTE!!!!!
Il nostro è il desiderio e l'ambizione di voler "costruire" un canale fluido di arte ed
informazione volta anche al sociale!!! Gli artisti, meritano ogni onore e gloria che non
sia solo mero ricordo e rappresentanza di una mostra, ma, bensì, progetto concreto da
consolidarsi unitamente a tutte le forze positive e buone di chi, come noi e moltissimi
altri con noi, vuole "correggere" con leggerezza e semplicità un settore "inficiato" e
fruibile dei pochi eletti!!! L'Arte è di tutti!!! Tutti coloro in grado di poterla seminare
con intelligenza sono degni d'essere chiamati "Artisti"!!!!!
W il gruppo
La VERA concreta forza di azione sul territorio!!!!!!!!
il secchio

Dal buco della serratura
Apre con la sua prima collettiva a tema
il neonato movimento artistico indipendente
St’Art over Art
Dal buco della serratura ovvero...
Una prospettiva che orienta gli artisti ad esprimersi in ordine alla propria
visione introspettiva, onirica, simbolica e tutto ciò che ispira il tema proposto.
"Buco della serratura" inteso non solo come riferimento oggettivo del
simbolo, ma come "apertura" o "chiusura" legata alla percezione di questo
"impalpabile" scenario nel quale l'occhio e la fantasia si affacciano.
Questa visione è compartecipe all’universo estetico: compito dell'artista è
aprire più scenari a questa interpretazione.
il secchio

Dal buco della serratura
Apre con la sua prima collettiva a tema
il neonato movimento artistico indipendente
St’Art over Art
il secchio

Dal buco della serratura
Apre con la sua prima collettiva a tema
il neonato movimento artistico indipendente
St’Art over Art
Come sempre dietro la forza
delle Arti, la naturalezza
esplosiva degli eventi e la
compiutezza degli obiettivi c'è il
fuoco freddo di chi genera tutto
uesto. Fuoco freddo... Già. Quel
fuoco che da sì calore e tepore,
che sa ardere più o meno
consapevolmente sul piano dei
comuni buoni intenti e delle
sane idee... Ma che puoi
attraversare come se non ci
fosse... Puoi carezzare come
compagno e su cui puoi contare
come buon viatico di complicità
e comunione.... E allora Fuoco
Freddo per tutti
il secchio

espirARTE
Turista Napoletano...
breve viaggio alla scoperta
del cuore antico di Napoli
di Gabriella Pesacane
Tempo addietro, un’amica mi ha chiesto di preparare per la sua
agenzia di viaggi un itinerario turistico di Napoli che si discostasse
da quelli tradizionali, la mente è subito andata a quei luoghi posti
tra Piazza Cavour e via Tribunali, ovvero al centro antico della città.
In epoca greco – romana il centro fisico e culturale della zona era il
Foro, un ampio spiazzo rettangolare che interrompeva il decumano
maggiore oggi via Tribunali. Circondato probabilmente da porticati
che sorreggevano loggiati al piano superiore, era frequentato da
tutti coloro che al mattino tenevano mercato, vi si potevano perciò
trovare le botteghe più ricche, i banchi dei venditori di carni, erbe,
generi commestibili e, proprio come in un odierno mercato rionale,
si potevano acquistare calzature e abiti usati; anche gli “antichi
disoccupati” frequentavano il Foro intrattenendosi a suonare oppure
ad aspettare un qualche padrone che avesse bisogno dei loro
servigi.
Nel Foro si ritrovavano cittadini e forestieri, gli Alessandrini, gli
Orientali riconoscibili dagli orecchini pendenti, oppure i Greci che
calzavano sandali ed infine i Romani togati. Tuttavia al Foro si
disbrigavano prevalentemente gli affari, nella taberne argentariae
ad esempio, si prendeva il denaro ad usura oppure si compravano e
vendevano oggetti preziosi. La scuola pubblica aveva sede nel Foro,
gli allievi assistevano alle lezioni seduti sui banchi, con il libri aperti
sulle ginocchia, mentre il maestro “barbato e vestito di lunga toga”
stava in piedi. Non meno importante era la presenza dei templi, sul lato
settentrionale del Foro era edificato il Tempio dei Dioscuri. Secondo il Capasso,
esso doveva risalire alla fondazione della città in quanto questi erano una delle tre
maggiori divinità patrie, sia perché le “sostruzioni” murarie erano in tufo reticolato,
tecnica costruttiva del V secolo a.C.
Parte del Tempio si ritrova nella chiesa di San Paolo, due busti marmorei
incastrati nella facciata e due colonne ricongiunte alla chiesa per mezzo dell’antico
architrave.
L’antica insula era luogo di delizia e svago grazie alla presenza di un impianto
termale, di uno stadio e di un ippodromo, e dei due teatri, quello più piccolo e
coperto, l’Odèo, fu molto caro a Nerone il quale convinto di essere un
ineguagliabile cantante, volle esibirsi anche a Napoli proprio nel teatro piccolo.
Nei secoli la zona ha subito notevoli trasformazioni, mantenendo pressoché
intatto il suo tracciato viario, si è arricchita di abitazioni prima e si è consolidato
poi come insula monastica a partire dal 1500; da questo momento storico inizia il
nostro viaggio, proviamo dunque a prendere la metropolitana, scendiamo alla
fermata di Piazza Cavour, attraversiamo la strada e incontriamo Porta San
Gennaro. E’ stata l’unico accesso alla città dall’epoca greca come riporta
Bartolomeo Capasso, fino al XVI secolo, posta in tempi antichi più indietro rispetto
a dove è oggi, fu spostata nel 1537 ed intitolata a San Gennaro perché da detta
porta, secondo alcune fonti, si dipartiva la strada che porta alle catacombe dove
era sepolto il santo, o perché bisognava passarvi per andare alla Basilica di San
Gennaro extra moenia secondo altre. L’attuale struttura cinquecentesca è stata
il secchio

Turista Napoletano...
breve viaggio alla scoperta del cuore antico di Napoli
arricchita dopo la peste del 1656 da un’edicola affrescata poi da Mattia Preti. Questa
era in realtà un ex voto fatto dai cittadini per la conclusione dell’epidemia. Affreschi
simili furono posti sulle altre porte vicine, ma non vi è più traccia di entrambi.
L’affresco di Porta San Gennaro,raffigurava i santi Gennaro, Rosalia e Francesco
Saverio, fatto questo che suscitò le ire dei padri teatini che intendevano annoverare
il beato Gaetano Thiene tra i Patroni della città. Pertanto fu loro concesso di porre
statue o busti del Beato sulle porte della città, sicché nella parte interna della porta,
si trova un busto del beato di modesta fattura. Sotto la porta, a destra, è posta
un’edicola marmorea con un quadro della Vergine, altro ex voto eretto per lo
scampato morbo asiatico del 1884.
Superata la Porta, è possibile scorgere l’Edicola di via Settembrini, fondata nei primi
anni del Settecento ma rifatta nel 1913, si ricorda in quanto in essa è posta la figura
di un Ecce Homo in cartapesta. A coloro che in questo luogo rivolgevano una prece,
il papa Leone X concesse nel 1878 delle indulgenze.
Proseguendo nel nostro cammino, ci troviamo dinanzi ad un’imponente facciata,
quella della chiesa di Gesù delle Monache voluta nei primi anni del Quattrocento da
Giovanna II sotto il regno di Ferrante I. La semplice architettura della chiesa, ad una
navata con quattro cappelle, presenta uno schema tipico di molte chiese napoletane.
L’interno della chiesa è stato più volte rimaneggiato a partire dal 1517. In particolare
alla fine del Seicento, la chiesa fu ammodernata in sintonia con il nuovo gusto
barocco, di particolare interesse è la piccola cupola ellittica soprastante la zona
absidale realizzata su progetto di Arcangelo Gugliemelli, così come il soffitto ligneo
realizzato dalle maestranze napoletane intorno al 1680.
Sorgeva nei pressi anche il monastero oggi sede di una scuola, in una zona ad alta
densità conventuale come questa non era inusuale assistere alle ricorrenti liti tra le
monache, in particolare con quelle del vicino monastero di Donnaregina che all’inizio
del ‘700 costruirono una nuova terrazza turbando la tranquillità delle suore di Gesù.
La controversia oltre ad avere risvolti legali sfociò in vere e proprie risse durante le
quali piovvero sassate dall’alto dei conventi. Al di là
dell’aneddotica, il monastero vanta opere di gran
pregio artistico come il pavimento maiolicato
realizzato nell’800, un omaggio alle recenti scoperte
archeologiche di Pompei; detto pavimento era uno
dei primi prodotti della fabbrica Giustiniani la cui
tecnica di lavorazione giunse ad un tale livello di
maestria da essere paragonata alla celeberrima
fabbrica di Wedgwood.
Se ci spostiamo nel vicino Vico Limoncello troviamo
i resti di una chiesa chiamata San Gennaro degli
Spogliamorti perché vi si portavano i cadaveri dei
poveri; questi, una volta spogliati dei loro abiti,
venivano seppelliti nel cimitero comune di San
Gennaro. Pare che gli ebrei abitanti di questa zona
fino all’espulsione nel 1540, acquistassero questi
abiti per poi rivenderli negli ospedali, ma la notizia
è stata smentita. Di origine alto medievale, questa
chiesetta fu abbandonata quando cadde in disuso
l’antica tradizione. Oggi l’edificio è il deposito di un
artigiano e della facciata non resta che il portale.Lo
il secchio

Turista Napoletano...
breve viaggio alla scoperta del cuore antico di Napoli
stesso vicolo era detto secondo il Doria, dè Giudei o Spogliamorti, tuttavia questa
lugubre denominazione, agli inizi del ‘600 venne mutata in Vico Limoncello, forse dalla
presenza sporadica di qualche albero di limone.
Facendo attenzione ai motorini che ci sfrecciano di fianco, entriamo nel Complesso
degli Incurabili, vale la pena accennare alla bella storia di questo nobile nosocomio.
Fondato dalla nobildonna catalana Maria Longo miracolosamente guarita da una
paralisi nel 1510, ella decise di dedicare la sua vita alla cura degli ammalati; quindi
acquistò delle case sul lato orientale della collina di Caponapoli per ospitare i primi frati
cappuccini che vennero a Napoli al seguito di E.Vernazza. Questi era un predicatore
che in altre città italiane aveva fondato case di cura per gli ammalati incurabili. Intorno
a questo nucleo sorse l’Ospedale in questione dove si trasferirono tutti gli ammalati
ricoverati al San Nicola al Molo, attraverso una singolare processione, i derelitti
attraversarono a piedi la città. Al contempo insieme a San Gaetano, all’epoca suo
confessore, la nobildonna fondò la chiesa annessa ed un
monastero per le “convertite”, Santa Maria di Gerusalemme
o delle Trentratrè, questo era il numero delle aspiranti alla
clausura a testimonianza del legame ideale che l’ordine
intendeva rappresentare con l’esperienza terrena di Cristo.
Qui si ritirò definitivamente a vita di clausura nel 1535 per
morirvi sei anni dopo. La farmacia è il luogo forse più
conosciuto del complesso. L’aspetto attuale si deve a B.
Vecchione che grazie ad un cospicuo lascito, progettò nel
1747 la Sala Grande e la Sala Laboratorio alle quali si
accede attraverso una breve scala a doppia rampa, le
dimensioni differenti delle sale sono accomunate da un
stiglio in noce impiallacciato in radica che si stende tra le
pareti. La farmacia conserva ancora il corredo di vasi
originale, ve ne erano in passato 480. Nella Sala grande
sui vasi di maggior dimensione, sono dipinte ben 32 scene bibliche.
Sulla parete destra di questa sala si trova inoltre una teca che conserva uno scudo che
reca al centro una ferita suturata, allegoria del parto cesareo, mentre ai lati dello
stesso sono ancora fissati a due ganci i ferri necessari alla pratica.
All’interno del complesso si trovano altri luoghi di culto poco noti, autentici gioielli
dell’architettura e dell’arte italiana. Visitiamoli, almeno solo idealmente poiché l’incuria
del tempo li ha in parte sottratti alla nostra vista.
La Cappella dè Bianchi il cui nome deriva dal colore del saio con cappuccio conico
indossato dai frati che accompagnavano i condannati sul patibolo, risale al
Cinquecento, fu ridecorata nel ‘600 su progetto di Dionisio Lazzari. L’ambiente
adiacente che era adibito alla vestizione dei fratelli, è dipinta ad affresco dal De
Matteis. Alla fine dell’800 Salvatore. Di Giacomo, attento lettore della vita cittadina, nel
consultare l’archivio della confraternita, scoprì un mezzo busto di cera custodito in una
bacheca; raffigurava una donna, la “ Donna Scandalosa” atrocemente divorata da topi
e vermi, creata e lì posta in antico, a monito per tutte le donne che conducono un vita
cattiva. Non manchiamo di visitare il chiostro di fattura cinquecentesca della Chiesa di
Santa Maria delle Grazie a Caponapoli, con i pilastri e gli archi in piperno nonché le
decorazioni dipinte da Paolo Bril. Questi, pittore fiammingo, eseguì nel 1600 paesaggi
e ornati vegetali, riaffermando motivi ornamentali derivati dall’ambiente romano.
Passando sotto un ponticello formato dal piano superiore dell’ospedale e percorrendo
via Armanni, ci ritroviamo nella zona che fu dei teatri; al loro posto il Complesso di
il secchio

Turista Napoletano...
breve viaggio alla scoperta del cuore antico di Napoli
Santa Patrizia, uno dei monasteri più antichi della citta, pare anzi, che la sua
fondazione sia dovuta ad una principessa bizantina. Nulla resta dell’originario
convento più volte trasformato. All’epoca del Sanfelice, il complesso constava di due
chiese, quelle esterna più piccola aperta al culto quotidianamente, in sostanza un’aula
con atrio affrescata da B. Corinzio. A causa dell’ultimo conflitto bellico quasi tutto è
andato distrutto tranne l’altare maggiore, opera del Sanfelice, che presenta un
gradino aperto in quanto, in antico tempo, custodiva il più prezioso ciborio oggi al
museo di Capodimonte come altre opere d’arte della chiesa e della sagrestia; la
stessa urna con il corpo di Santa Patrizia si trova a S. Gregorio Armeno. L’isolato è
chiuso da Santa Maria Regina Coeli , oggi è una scuola ma mantiene la chiesa il cui
assetto attuale è quello conferitogli nel 1500 allorquando, demolito il primo impianto,
furono acquistate altre case e giardini dai frati. Questi erano noti
presso il popolo come Bottazzielli o Vottazzielli perché vendevano
ai soldati spagnoli il vino delle loro terre in piccole botti. La
vicinanza con gli Incurabili, rese la vita difficile ai frati,si narra
che nella notte del 4 novembre 1728, le monache dell’ospedale,
particolarmente aggressive, abbattuti i muri divisori del
convento, cacciarono via i frati. I Pisani riebbero la chiesa solo
nel 1832 ma ormai, il convento era stato inglobato nell’ospedale.
La chiesa dal 1953 in poi è stata abbandonata totalmente come
la massima parte della nostra memoria storica e architettonica.
La fabbrica iniziata nel 1590 ad opera del Mormando era in
origine una casa con giardini acquistata 30 anni prima dalle
canonichesse lateranensi. Dei molti interventi che si sono
succeduti per due secoli, si ricordano la sistemazione del
chiostro,opera seicentesca del Picchiatti, ed il ponte che unisce i
due corpi conventuali su via Pisanelli. All’interno della chiesa a
navata unica, si possono ammirare i dipinti su tela di Massimo
Stanzione,gli affreschi di Micco Spadaro tra i finestroni della
navata. Molto significativa la presenza di Luca Giordano con gli
affreschi della volta, notevoli anche i marmi di Serravezza usati
per decorare la tribuna.
Per ora la nostra passeggiata termina qui, fa caldo e tanto; vi
andrebbe una granita caffè prima di ripartire?
il secchio

il rospo
in the cage
avventura nel malallestimento museale
di Renato Iannone
La passione e l'interesse per le Arti non può prescindere dal sapore inebriante
delle visite itineranti presso gallerie, mostre, musei, eventi particolari e
quantaltro riesca a mettere nelle mani del fruitore entusiasta tutto quanto il
necessario bagaglio di percezione e sensazione legato alla fruizione fisica e
intima delle Opere. E' pur vero che oggi, i media ed il web facilitano non poco
la divulgazione ma ovviamente restano mezzi monchi della parte più preziosa
della verifica esperienziale.
Unitamente a tale ovvia riflessione ecco il sempre più vivo accendersi di
eventi, fiere e quant'altro alle Arti dedicato.
Quindi tanto per numero che per oggettiva valutazione, il mondo
dell'Espositivo fisico resta strumento principe ed importantissimo.
L'Arte in mostra, l'arte vissuta, vista, osservata e magari... toccata è
l'auspicio più importante e significativo che l'addetto ai lavori, lo studioso,
l'appassionato possano augurarsi legato a qualsiasi nuovo Talento o Storica
figura.
Premesso ciò bisogna dire quanto tutto questo dovrebbe essere ben
registrato con la solita doppia violenza di chi si occupa degli allestimenti di
tali eventi. Doppia perchè scindibile in interesse al business; ovvero imbottire
di presenze le rassegne per aumentare potenziali e fattivi guadagni; ed
interesse al far lievitare il numero di presenze quasi a sostenere un fittizio
peddegree di associazioni, movimenti e trovate celebrative, sostenendo che la
maggior quantità sia sintomo di miglior qualità.
Ecco quindi un brulicare di "cages" (gabbie) dove al posto delle sbarre
troviamo issati a parete due, tre ed anche quattro ordini di dipinti incastellati
il secchio

in the cage
avventura nel malallestimento museale
più o meno disordinatamente, persino con una pretesa di
spiegazione concettuale!
Mille altre violenze poi sono all'ordine del giorno in gallerie e
mostre dove per supplire a manutenzioni adeguate,
ricostruzioni... O peggio, per non pensar mai a progettare
con cura prima di tutto il proscenio di un evento e poi
"piazzarci" le opere, questo pur con una presumibile
ipersensibilità da addetti ai lavori che dovrebbero lamentare
questa insana approssimazione.
Invece?
Invece basta far visita con buon intento almeno alla metà dei
siti che celebrano le Arti o dovrebbero, per accorgersi del
caos che struttura una presentazione di opere.
Ricordiamo che l'Arte figurativa come teatro e musica,
meritano silenzio, certa studiata illuminazione, adeguata
segnaletica e storiografia; così pittura, scultura, fotografia
ecc. Hanno assoluto bisogno di un proscenio dedicato e
studiato che non solo tenda a nobilitar le opere stesse ma
che aiuti il visitatore a percepirne al meglio ogni rivolo
essenziale.
Questo ahimè difficilmente accade.
Troppo piccoli ed effimeri siti, troppo mal illuminati, quattro
bigliettini in fotocopia o peggio scritti di pugno, musiche
celtiche passate al magnetofono e poi....
Drappi colorati, brochure buttate su di un tavolo, scarsissima
presenza degli stessi tutor dell'evento o degli Artisti
impegnati fanno il resto e sono tutte cose all'ordine del
giorno.
Spesso sarebbe meglio in coscienza non fare invece di far
male.
il secchio