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LUCA BELLANDI MILLE VOLTE LONTANO
a cura di Chiara Argenteri

LUCA BELLANDI MILLE VOLTE LONTANO
ANGELA MEMOLA
A CURA DI CHIARA ARGENTERI

MILLE VOLTE LONTANO DI CHIARA ARGENTERI
Con il simbolo della matita, che si muove lasciando
una traccia sullo schermo del computer, disegno il
contorno di una figura. Poi, dalla barra degli
strumenti scelgo la modalità di riempimento del
colore, simboleggiata da un minuscolo secchiello
inclinato che versa pittura dall'orlo. Seleziono una
tinta sulla tavolozza e coloro la mia figura: basta
cliccare. Ma il colore, con mio disappunto, deborda
dalla forma che volevo riempire, copre lo spazio
intorno. Allaga le porzioni adiacenti del disegno,
finché non trova un argine che lo fermi, qualcosa di
più grande che racchiuda quella figura. Se non trova
alcun contorno contenitore, invece, il colore ricopre
tutto il resto, divora lo sfondo. Esistono dunque
argini che sono chiusi male, oppure sono troppo
deboli per contenere una forma. Ed esistono colori
dalla forza contratta, che non aspettano altro che di
esplodere erompendo fuori dai contorni che li
trattengono. I soggetti di Luca Bellandi sembrano
calmi. L'equilibrio è stato raggiunto, la tensione fra
le porzioni interne che strutturano una figura è stata
risolta, ogni elemento ha raggiunto la sua uniformità.
Non c'è più niente da discutere, l'abbondanza di
particolari che nel resto del mondo convivono
all'interno delle superfici è stata zittita, l'omogeneità
si è dispiegata, il colore ha steso il suo velo di
purezza. Anche se le immagini hanno raggiunto
questa pace in seguito a brutalità e sopraffazioni:
ogni colore ha vinto su tutti gli altri debordando dai
suoi contorni, e si è accampato imperialisticamente
fino alla frontiera della tinta confinante che non gli
ha permesso di invadere (o quasi) il proprio
territorio. Bellandi racconta storie lontane, con toni
accesi e finale a sorpresa. Quelle del pittore
livornese sono rappresentazioni sceniche del mondo,
amplificazioni del ricordo, ricerca ancestrale delle
proprie origini, metafore della vita (e delle sue
origini) fatte di simboli, icone (come fantasmi
dell'esistenza) e oggetti armonicamente incastonati
tra loro. Ma sono anche piene zeppe di stipi, segreti,
di meccanismi e cassetti nascosti: paesaggi che
come scrigni racchiudono misteri accessibili solo a
chi ha la voglia e la costanza di entrarci, e che
custodiscono a loro volta oggetti, simboli, ricordi
ancestrali. Scandagliare la poetica di Bellandi è un
po' come sfogliare i capitoli di un libro. Segni, colori
e, soprattutto, un volere artistico ricco di sorprese,
dove ogni incastro svela un significato nascosto:
figure mitologiche, donne con la testa da cavallo in
attesa che la giostra della vita ricominci a girare,
cani solitari che sembrano contemplare l'orizzonte,
vestiti da mille e una notte che aspettano di essere
indossati, e intanto conservano il ricordo di chi li ha
indossati prima di allora. E poi, ancora, mazzi di
rose rosse, cuori ex-voto, essenza della devozione,
pappagalli e pesci rossi, e poi fiori. Bellandi spinge
lo spettatore ad attraversare un universo visivo di
grande portata, proprio come nelle favole. Il
riferimento è alla natura, ma a una natura
completamente reinventata alla luce dei miti, delle
leggende, delle fiabe, del ricordo delle origini. Come
un troubadour del XXI secolo, con forte spirito
romantico e un occhio alla pittura dell'Ottocento,
l'artista porta in giro le sue ballate, storie che
parlano di luoghi lontani, magici e ancestrali, che
sollecitano l'immaginario e la fantasia. Senza
dichiararlo apertamente, nelle tele fonde insieme
tempi successivi e consequenziali, unifica in una
sola visione i processi di causa ed effetto. A volte lo
fa nella stessa opera, in altri casi sviluppa gli
argomenti in serie e cicli complementari, da leggere
in un serrato confronto. L'impianto iconografico
spesso si ripete, ma si rinnova l'approccio
all'immagine: la medesima situazione viene cioè
interpretata e descritta da diverse angolazioni (le più
improbabili e differenti tra loro), le stesse figure
inserite in differenti contesti. Che non si dichiarano
con immediatezza, e si svelano solo dopo un'attenta
visione. L'abilità di Luca è tenere sotto controllo i
vari passaggi, riuscire a far convivere i ricordi sulla
tela senza lasciarli deflagrare, dare vita – nella
stessa sperimentazione – a un lavoro sul miraggio e
la realtà, la proiezione e l'assorbimento,
l'impalpabilità e la consistenza, la fissità e il

movimento. Bellandi obbedisce all'evidenza e alla
corposità della materia, la stessa che suggerisce le
forme e guida la rappresentazione. E si affida a una
pittura gestuale, istintiva e immediata, con
un'organizzazione dello spazio atemporale, quasi
astratta, basata sul ricordo dell'immagine e sulla
scrittura automatica. Niente bozzetti preparatori,
Luca traduce direttamente sulla tela il ricordo di
fantasmi lontani, mille volte lontani: veri elementi
pulsanti di umanità, alla cui luce tutto acquista
valore affrancandosi dal neutro (più spesso nero) dei
fondi. Fondi eterni, solenni ma vuoti, da cui
emergono le figure, stilizzate nelle loro tensioni
essenziali (ed esistenziali). L'artista affronta la luce
concentrandosi sulla sua proiezione e il suo
assorbimento, ma non gli basta descrivere le fonti
luminose, raccontare il loro impatto in un ambiente,
evocare le atmosfere giocate su ombre e splendori.
Vuole immortalare il processo d'illuminazione,
identificare e catturare l'attimo e i modi in cui un
raggio parte e gli oggetti o un paesaggio ne sono
colpiti. Desidera seguire, in ogni fase, il miracolo
della formazione di una forma, quel momento che
permette alla luce di disegnare una silhouette, far
comparire un oggetto, creare dal niente
un'immagine. Accarezzandola o violentandola,
plasmandola con delicatezza o cancellandola con la
sua troppa forza, l'artista, in lavori complementari,
sembra aver voluto inquadrare lo stesso istante da
angolazioni diverse, pare aver costruito un discorso
pittorico con le tecniche cinematografiche del campo
e del controcampo. A volte punta contro la fonte
luminosa, e i raggi esplodono fuori, in uno splendore
puro e intenso che il quadro sembra non riuscire a
trattenere. La luce attende che lo spettatore si
avvicini alla tela e lo assale, si avventa su di lui con
una foga incontrollabile. Altre volte capita che i raggi
si spengano, colpiscono il bersaglio e terminano la
loro corsa. L'artista ha dato le spalle alla fonte
luminosa e guarda adesso il paesaggio come se
potesse vederlo dal sole. La luce non investe più lo
spettatore, non invade la sala fuoriuscendo dalla
tela, non brucia più i contorni degli ambienti
descritti. Anzi, dalla stanza s'infila nel quadro,
sparisce nelle sue profondità, si perde nei panorami
– appena rubati ad atmosfere impastate – dipinti
con vocazione alchemica e intimista dall'artista. Una
tela proietta, l'altra risucchia. E in mezzo, ci sono i
sogni dell'autore e quelli dello spettatore, che
possono vedere la luce partire e giungere a
destinazione. Non c'è inflazione di luci, mancano le
folle e gli schiamazzi, tutto è natura e silenzio,
contemplazione di un orizzonte da percorrere in
lungo e largo con lo sguardo: un viaggio alla ricerca
dell'essenza e delle origini, che le pennellate
trasformano in sogni, in memorie, in apparizioni
magari destinati a scomparire di lì a poco. Ogni
elemento è destinato a galleggiare in una
dimensione illogica e sospesa, in un magma onirico
e impalpabile, ma anche alquanto reale, sognato ma
terribilmente concreto. Quando inquadra un punto
luminoso, Bellandi si concentra sul suo
ondeggiamento, sulle vibrazioni dei raggi,
sull'impossibilità di bloccare e definire la forma, e
l'impressione dello spettatore è quella di essere
davanti a una sequenza, tradita proprio dalle
vibrazioni delle luci, a una lentissima panoramica o
all'istante rubato a una zoomata progressiva. Nelle
mani dell'artista simboli e icone s'infittiscono e
moltiplicano fino a sembrare un brulicante formicaio
di concetti e di rimandi, s'ingigantiscono fino a farsi
memento mori per un intero popolo, si fissano sulla
tela fino a diventare imponenti come vessilli, e
sempre sottintendono la capacità di catturare,
convincere, trasportare mille volte lontano.

MILES AND MILES AWAY BY CHIARA ARGENTERI
Moving the pencil symbol over the computer screen
where it leaves a line, I draw the outline of a figure.
Then, from the toolbar, I choose the method of filling
in the colour, symbolized by a tiny bucket leaning
over and pouring paint from its rim. I select a shade
from the palette and colour in my figure: all I do is
click on the mouse. But, to my displeasure, the
colour overflows from the shape I wanted to fill and
covers the space around it. It spreads over the parts
adjacent to the drawing until it finds a border that
will stop it - something larger that can contain the
figure. If it does not find any other containing
boundaries, however, the colour covers everything,
devouring the background. Thus there are borders
that are not properly closed, or are too weak to hold
in a shape. And there are colours with a contracted
strength, which lie in wait only to explode by
bursting forth from the outlines that hold them in.
Luca Bellandi's subjects appear calm. A balance has
been reached, the tension between the internal parts
that make up the structure of a figure has been
resolved and each element has reached its state of
uniformity. There is nothing more to be disputed, the
abundance of details that in the rest of the world
exist together within the surfaces has been silenced,
homogeneity is displayed and the colour has spread
its veil of purity. Nonetheless, the images have
reached this state of tranquillity following episodes
of brutality and oppression: each colour has gained
the upper hand over all the others by overflowing its
borders, and has imperialistically advanced right up
to the frontier of the neighbouring colour, which has
not (or not quite) allowed it to invade its own
territory. Bellandi narrates stories from far away,
with bright colour tones and surprise endings. The
scenes created by this painter from Livorno are
scenic representations of the world, amplifications of
memories, ancestral research into his own origins,
metaphors of life (and of its origins) made up of
symbols, icons (like ghosts of existence) and objects
that are harmonically inserted alongside each other.
However, they are also full to the brim with votive
offerings, secrets, hidden mechanisms and
concealed drawers: landscapes that, like treasurechests,
contain mysteries that are accessible only to
those who have the will and the constancy to get
into them, and that enclose in their turn objects,
symbols and souvenirs of the past. Sounding the
depths of Bellandi's poetic output is rather like
leafing through the chapters of a book. There are
symbols, colours and, above all, an artistic intent
rich in surprises, where each groove in the image
reveals a hidden meaning: mythological figures,
women with horses' heads waiting for the
roundabout of life to start up again, solitary dogs
that seem to contemplate the horizon, dresses from
the Arabian Nights waiting to be worn while in the
meantime they keep the memory of those who have
worn them before now. And then there are also
bouquets of red roses, hearts like votive offerings,
the essence of devotion, parrots and goldfish and
then flowers. Bellandi forces the viewer to pass
through a large-scale visual universe, as in fairytales.
The reference is to nature, but to a nature that
has been completely reinvented in the light of
myths, legends, fairytales and the memory of a far-
st
off past. Like a 21 -century troubadour with a strong
romantic spirit looking back towards 19th century
painting, the artist goes out to display his ballads;
these stories talk of far-off, magic, ancestral places
that appeal to the imagination and fantasy. Without
openly stating it, he merges on his canvases both
subsequent and consequential times, and unifies the
processes of cause and effect into one single vision.
He sometimes does this in the same work and in
other cases he develops the subjects in
complementary series and cycles, to be read in close
comparison. The iconographic system often repeats
itself, but the approach to the image is continually
renewed: the same situation is therefore interpreted
and described from different angles (most
improbable ones and different from each other) and
the same figures are inserted in different contexts.
These do not declare themselves immediately but
reveal themselves after careful inspection. Luca
Bellandi's skill lies in keeping the various passages
under control and managing to bring alive the

memories on the canvas without allowing them to
explode. He is able to give life – in the same
experimentation – to a work dealing with mirage
and reality, projection and absorption, impalpability
and consistency, fixity and movement. Bellandi
works together with the clearness and the impasto
quality of the material, which is what suggests the
shapes and guides the representation. And he relies
on gestural, instinctive and immediate painting, with
an almost abstract organization of timeless space
based on a remembrance of the image and on
automatic writing. Luca Bellandi makes no
preparatory sketches, he translates directly onto the
canvas the memory of far-off ghosts, miles and
miles away. These are the real pulsating elements of
humanity, in the light of which everything acquires
value, freeing itself from the neutral (or more often,
the black) of the backgrounds. These are eternal
backgrounds - solemn but empty - from which the
figures emerge stylised in their essential (and
existential) tensions. The artist deals with the light
by concentrating on its projection and its absorption,
but it is not enough for him to describe light sources
and to recount their impact in an environment, or
evoke the atmospheres created by the play on shade
and bright light. He wants to immortalise the
lighting process, identify and capture the moment
and the ways in which a ray starts out and the
objects or a landscape are struck by it. He wants to
follow the miracle of a shape being formed - that
moment when the light is allowed to draw a
silhouette; he wants to make an object appear,
create an image from nothing. Caressing it or
coercing it, moulding it delicately or rubbing it out
with his overriding force, the artist, in
complementary works, seems to have wanted to
frame the same instant from different angles and he
appears to have constructed a painterly discourse
with the cinematographic techniques of long shots
and reverse angle. At times he directs his aim
against the light source and the rays explode
outwards in a pure, intense display of light that the
picture seems unable to hold back. The light waits
until the viewer comes near the canvas and attacks
him, pouncing on him with an uncontrollable
passion. At other time it may be that the rays are
extinguished; they hit their target and come to the
end of their path. The artist has turned his back on
the light source and is now looking at the landscape
as it he could see it from the sun. The light no longer
strikes the viewer: it does not come out of the
canvas to invade the room and does not burn the
outlines of the described environments. On the
contrary, it slips from the room into the picture and
disappears into its depths, losing itself in the
panoramas – lightly created from impasto areas –
painted with the artist's vocation as an intimist and
alchemist. One canvas projects while another
swallows up. And in between, there are the dreams
of the painter and those of the viewer, who can see
the light starting out and reaching its destination.
There is no inflation of lights: the crowds and the
noises are missing, and all is nature and silence, the
contemplation of a horizon for one's gaze to run back
and forth over. This is a journey in search of essence
and origins, which the brush-strokes transform into
dreams, memoriesand apparitions maybe destined
to disappear very soon. Each element is designed to
float in an illogical, suspended dimension, in an
oneiric, impalpable magma, but one that is also
quite real – dreamt but terribly concrete. When he
depicts a light point, Bellandi concentrates on its
flickering quality, on the vibrations of the rays, and
on the impossibility of fixing and defining the shape.
The impression the viewer has is of being in front of
a sequence that is seen in the vibrations of the lights
- a very slow panoramic shot or one that has been
momentarily taken from a progressive zoom. In the
hands of the artist symbols and icons become more
and more dense and multiply until they appear as a
swarming anthill of concepts and references; they
become enlarged until they become a memento mori
for a whole population, they fix themselves on the
canvas until they become as grand as banners, and
they always have as their underlying meaning the
ability to capture, convince and transport you miles
and miles away.

OPERE WORKS

SANTO RAIN TECNICA MISTA SU TELA CM.60X60
TESTA DI NUVOLA TECNICA MISTA SU TELA CM.60X60

OH MY DEAR 3 TECNICA MISTA SU TELA CM.60X60
VAIESTAITECNICA
MISTA SU TELA CM.60X60

MILLE VOLTE LONTANO TECNICA MISTA SU TELA CM.150X150

ISLAND POSTCARD TECNICA MISTA SU TELA CM.150X150
ETRUSCO TECNICA MISTA SU TELA CM.150X150

RES IPOTESI DI RESURREZIONE TECNICA MISTA SU TELA CM.150X180

MITH E GHOST TECNICA MISTA SU TELA CM.60X60
HYPOTESIS TECNICA MISTA SU TELA CM.150X150
SHADOWS TECNICA MISTA SU TELA CM.60X60

WIZARD TECNICA MISTA SU TELA CM.150X180

LITTLE WIZARD TECNICA MISTA SU TELA CM.60X60

NIGHT RES TECNICA MISTA SU TELA CM.180X180
ALMOST GHOST TECNICA MISTA SU TELA CM.180X150
INSIDER TECNICA MISTA SU TELA CM.180X150
HASSLE
TECNICA MISTA SU TELA CM.180X150

SIRENETTA TECNICA MISTA SU TELA CM.60X60
PASION TECNICA MISTA SU TELA CM.150X150

SABOR ROJO TECNICA MISTA SU TELA CM.150X150
SPANISH KITSCH TECNICA MISTA SU TELA CM.180X180

LOST IN SPACE 7 TECNICA MISTA SU TELA CM.100X100 (COLLEZIONE PRIVATA)
LOST IN SPACE 8 TECNICA MISTA SU TELA CM.100X100 (COLLEZIONE PRIVATA)

LUCA BELLANDI È NATO A LIVORNO DOVE LAVORA. LA RECENTE PERSONALE AL MUSEO MICHETTI, LO HA CONSACRATO ARTISTA DI RIFERIMENTO NEL PANORAMA
ARTISTICO NAZIONALE.
LUCA BELLANDI WAS BORN IN LIVORNO, WHERE HE WORKS. THE RECENT SOLO EXHIBITION AT THE MUSEO MICHETTI ESTABLISHES HIM AS A LEADING ARTIST ON THE
NATIONAL SCENE.

COORDINAMENTO E CATALOGO A CURA DI / EDITED BY ANGELA MEMOLA TESTO / TEXT BY CHIARA ARGENTERI FOTOGRAFIE / PHOTOGRAPHS ALESSANDRO RUGGERI - CLAUDIO BOARINI
PROGETTO GRAFICO / DESIGN ARTI GRAFICHE DELLA TORRE
FINITO DI STAMPARE NEL SETTEMBRE 2008
TRADUZIONI / TRANSLATIONS EUROTRAD STAMPA / PRINTED BY ARTI GRAFICHE DELLA TORRE
ANGELA MEMOLA
GRAFIQUE ART GALLERY VIA FERRARESE, 57 - 40128 BOLOGNA - TEL. 051 363880 - WWW.GRAFIQUE.IT - GRAFIQUE@GRAFIQUE.IT