Alienata con la monomania del gioco - percorsi di arte

SCHEDA 14
Théodore Géricault, “Alienata con la monomania del gioco”, 1822-1823, olio su tela, 77 x 64,5
cm, Parigi, Museo del Louvre.
Scoraggiato e deluso, Géricault si trasferì a Londra per alcuni mesi, attratto soprattutto dai
bassifondi, dall’emarginazione, dal lato meno esaltante della metropoli moderna, quello che
nessuno, nell’euforia per il progresso industriale, voleva ancora vedere e rappresentare.
Tra i dipinti degli ultimi anni una serie di tele rappresenta bene il carattere oscuro di Géricault, ma
anche il suo interesse per la realtà contemporanea e la sua idea alle idee liberali e innovative.
Stimolato dalle ricerche di un amico psichiatra, impegnato a dimostrare che la follia è una malattia,
non una colpa da punire in quei luoghi di orrore che erano i manicomi dell’epoca, Géricault dipinse
alcuni ritratti di uomini e donne affetti da alterazioni psichiche, da monomanie, cioè da ossessioni
che coinvolgono un unico aspetto del comportamento: il furto, il gioco d’azzardo, la pedofilia,
l’invidia.
La dignità dimostrata nel dipingere il dolore dei personaggi in balia delle onde ne La zattera della
Medusa, si rivela anche nella solitudine dell’Alienata con la monomania del gioco.
Géricault dipinse una serie di dieci ritratti (dei quali solo cinque sono giunti fino a noi), dedicati ad
altrettante forme di “monomania”, come la cleptomania, la pazzia, la grandezza militare e l’invidia.

Il suo interesse dal dramma collettivo de La zattera si trasferisce a quello individuale di questi
dipinti.
Dei protagonisti di queste opere il pittore rende (attraverso la profondità espressiva degli occhi, il
movimento dei piani facciali e il rapporto cromatico) il dolore interiore, la sofferenza di chi guarda
un mondo che non comprende e che gli è estraneo: pazzo è l’ “a-normale”, il “diverso”, l’
“irregolare”, colui cioè che non agisce com’egli altri vorrebbero; perciò è emarginato, anzi,
estromesso dalla società.
Pazzia e genio, nella poetica romantica, quasi si identificano: l’uno e l’altro conducono alla
sofferenza, prezzo ineliminabile che deve essere pagato alla società borghese.
In quest’opera è rappresentata una donna vecchia dagli occhi incavati e dalle palpebre arrossate,
dalla fronte solcata da profonde rughe e dai capelli corti che fuoriescono dalla cuffia scomposta, con
lo sguardo perso nel vuoto a rincorrere il pensiero fisso che l’ha estraniata dalla vita reale.
L’artista esplora gli abissi della malattia senza morbosità. Coglie i sintomi del delirio negli sguardi,
nell’abbigliamento, ma il suo pennello rivela simpatia e partecipazione: non abbiamo di fronte
mostri, ma esseri umani la cui ragione è vigile solo in parte.
Il confine tra verità e orrore, tra salute mentale e follia è molto labile, sembra dirci l’artista,
preannunciando un tema fondamentale della cultura moderna.