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sommario
C’era una volta… così iniziavano
le belle favole di una volta, quando
i bambini non si addormentavano
davanti alla TV ma nel loro letto,
ascoltando il racconto della sera
letto da uno dei genitori.
Oggi, grazie alla tecnologia,
tutto appare più semplice. Basta
un videogioco oppure un DVD o
– peggio – basta lasciarli col telecomando
di Sky in mano, per ritrovarli
addormentati senza alcuna
fatica.
Forse è arrivato il momento di
riflettere e iniziare a operare delle
scelte ben precise, tra emozioni
e progresso, tra passione e
utilitarismo.
La questione non è di poca importanza
e coinvolge un po’ tutto
il mondo della comunicazione.
È facile produrre, consumare,
C’era una volta…
la chitarra acustica
bruciare, vendere e dimenticare,
anche se ciò quasi sempre azzera
le emozioni, per dar spazio ai
numeri. Oltretutto non sempre veritieri,
ma – come ormai accade –
modellati a misura dall’utilizzatore.
Allora ecco che provare ad andare
un po’ controcorrente fa bene
allo spirito. Una rivista specializzata,
dedicata ad uno strumento
in una sua specifica peculiarità,
quella acustica, sembra emergere
in maniera anacronistica nel mondo
della tuttologia. Eppure noi ci
crediamo e siamo sicuri che tanti,
insieme a noi, inseguiranno questo
sogno aspettando ogni mese
la propria rivista dedicata. E potranno
riceverla online, oppure
scaricarla sul proprio computer/
iPad/iPhone all’indirizzo www.
chitarra-acustica.net. E, anche se
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sr
tutto questo sembra illogico e fuori
mercato, noi lo abbiamo realizzato
e su questo stiamo indirizzando
tutti i nostri sforzi.
Fingerpicking.net è l’editore di
Chitarra Acustica e, come è già
successo per il sito, anche il giornale
sarà pronto ad accogliere
ogni proposta e iniziativa appassionata.
È così che questo nuovo
progetto editoriale parte come una
bella favola del tempo andato.
C’era una volta una spiaggia, gli
amici, la musica e una chitarra…
E spero che emergano passione,
dedizione ed entusiasmo, per far sì
che questo primo numero rimanga
nella nostra memoria come il primo
passo di un lungo cammino.
Buon fingerpicking!
Reno Brandoni
Editoriale
La nostra rivista di Andrea Carpi pag. 3
Notizie
Il CD Guitar Sketch dei Bruskers di Alfonso Giardino e Alex Di Reto pag. 6
Una canzone dei Beatles per la chitarra acusitca di Giorgio Giordini pag. 7
Blog
Ho suonato anch’io a Ferentino di Alberto Ziliotto pag. 8
La strada dopo Ferentino di Reno Brandoni pag. 9
Dove sta il suono? di Giovanni Pelosi pag. 10
Basta con i tributi agli altri di Luca Francioso pag. 11
Hendrix acustico di Stefano Barbati pag. 12
La creazione di una cover e internet di Paolo Sereno pag. 13
La chitarra e internet di Massimo Varini pag. 14
Sogni dalla stanza di Luca Pedroni pag. 15
La mia chitarra Signature e le tensioni sociali in Cina di Riccardo Zappa pag. 16
La Franklin Guitar Company di Nick Kukich pag. 17
Dinamica e melodia in accordatura standard di Jacques Stotzem pag. 18
Artisti
Jackson Browne all’Acoustic Guitar Meeting di Sarzana di Andrea Fabi pag. 20
John Gorka a Sarzana di Lauro Luppi pag. 26
Standing at the Crossroads di Stefan Grossman pag. 32
La chitarra-arpa di John Doan di Sergio Bianco pag. 36

sr
Recensioni
Daniele Bazzani – Andrea Valeri – Guitar Republic di Giuseppe Cesaro e Alfonso Giardino pag. 40
Strumenti
Microfono USB sE Electronics 2200A di Daniele Bazzani pag. 42
ZT Lunchbox Acoustic di Mario Giovannini pag. 44
Gas Addiction di Mario Giovannini pag. 46
In visita dal liutaio Lukas Milani di Gabriele Posenato pag. 48
Chitarra battente, chitarra sarda, colascione di Andrea Carpi pag. 52
Tecnica
Da Please Please Me a Let It Be di Daniele Bazzani pag. 54
Le 15 Regole d’Oro per il musicista di Davide Mastrangelo pag. 56
Clarence White di Beppe Gambetta pag. 57
Basic Fingerstyle di Franco Morone pag. 59
Accordare la chitarra di Eric Lugosch pag. 61
Quando iniziai a suonare il bouzouki di Giorgio Cordini pag. 62
Launeddas a sei corde di Massimo Nardi pag. 63
Registrare tre chitarre (uguali… anzi, no) di Stefania Benigni pag. 65
Il PC per incrementare l’esperienza del chitarrista di Larry Kuhns pag. 67
Voicing aperti di Fulvio Montauti pag. 69
Il ragtime classico di Lasse Johansson pag. 70
www.chitarra-acustica.net
Direttore responsabile
Andrea Carpi
andrea.carpi@fingerpicking.net
Editore
Fingerpicking.net
Via Prati, 1/10
40057 Granarolo dell’Emilia (BO)
info@fingerpicking.net
www.fingerpicking.net
Amministrazione e coordinamento
Reno Brandoni
reno.brandoni@fingerpicking.net
Pubblicità
Tel. +39 349 0931913
adv@fingerpicking.net
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Progetto grafico
Outline s.a.s. di Matteo Dittadi & C.
Impaginazione
Outline s.a.s. di Matteo Dittadi & C.
Mario Giovannini
Coordinamento versione multimediale
Mario Giovannini
Grafica di copertina
Marcella Mastrorocco
Chitarra Acustica è una pubblicazione mensile
Registrazione del Tribunale di Bologna
n. 8151 del 07.12.2010
Manoscritti e foto originali, anche se non pubblicati, non si restituiscono.
È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti,
disegni e fotografie.

editoriale
Un altro passo è fatto, è nata una
nuova testata giornalistica. Del resto
noi di Fingerpicking.net abbiamo
sempre desiderato un giornale
di riferimento, e per lungo tempo il
nostro forum è stato animato da una
discussione intitolata appunto “La
nostra rivista”. Così, dopo un’annata
intensa di blog, articoli e recensioni
sul sito, finalmente ci siamo decisi:
abbiamo raccolto alcuni scritti che
ci sembravano particolarmente rappresentativi,
cercando di passare
in rassegna tutti i nostri blogger, insomma
abbiamo impaginato la nostra
rivista e siamo entrati nel mondo
dell’editoria! Come primo passo in
questa avventura abbiamo scelto il
supporto digitale, perché sentiamo
che questa sia per ora la strada giusta
da percorrere…
Come titolo abbiamo scelto Chitarra
Acustica, perché abbiamo voluto
affiancare al nome di Fingerpicking.
net – legato al mondo affettivo di
provenienza dei suoi fondatori, Reno
Brandoni con Giovanni Pelosi e Alex
Di Reto – il termine che fa riferimento
nella forma più ampia possibile al nostro
strumento preferito. E abbiamo
aggiunto un sottotitolo come “steelstring
– classica – archtop”, per richiamare
le tre più grandi tradizioni
liutarie di questo strumento e per
dire che il nostro desiderio di specializzazione
sulla chitarra acustica è
lontanissimo dal voler porre steccati,
La nostra
rivista
ma è anzi l’occasione per far ruotare
intorno a una passione specifica tutti
i possibili suoi universi di riferimento,
dal blues al country, dalla classica alla
latina, dal ragtime al jazz acustico
e al gipsy jazz, dal fingerstyle al flatpicking,
dai cantautori-chitarristi a tutte
le musiche del mondo.
Anche perché nel frattempo, dal
2000 a oggi e in particolare nell’ultimo
anno, Fingerpicking.net è profondamente
cresciuto. Per lungo tempo
il fulcro del sito è stato soprattutto il
forum di discussione, che ha conosciuto
un suo prolungamento fisico
di incontri negli Open Mic, i quali a
loro volta hanno avuto grandi occasioni
di partecipazione negli ultimi
anni grazie al prodigioso sviluppo in
Italia di un circuito di festival dedicati
alla chitarra acustica: partendo dalla
madrina di tutte le manifestazioni del
genere, l’Acoustic Guitar Meeting di
Sarzana, e proseguendo con Ferentino
Acustica, Acoustic Franciacorta,
ADGPA Guitar International Rendez-
Vous di Conegliano, Madame Guitar
di Tricesimo, Soave Guitar Festival,
Galliate Master Guitar, Acoustic Guitar
Festival di S. Benedetto Po, Un
Paese a Sei Corde intorno al lago
d’Orta, per arrivare a spettacoli come
le Acoustic Night organizzate
da Beppe Gambetta al Teatro della
Corte di Genova e vicenzAcustica
promossa da Roberto Dalla Vecchia.
L’attività dei musicisti vicini a Fingerpicking.net
ha trovato inoltre sbocco
nella produzione di CD, spartiti e libri,
distribuiti attraverso uno shop online
aperto anche ad altre realtà.
Poco sviluppata era d’altro canto
l’attività di web magazine, che ha
avuto invece uno sviluppo decisivo
nell’ultimo periodo, in buona parte
grazie all’introduzione di un multiblog
con la partecipazione di chitarristi,
didatti, liutai, giornalisti di esperienza,
esperti di registrazione e computer,
presenti in massa già da questo
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chitarra acustica 1 duemilaundici
ed
numero; e grazie a una fanzine altrettanto
attiva.
Ultimo tassello, ma non di ‘minore
importanza’, è stato il titanico lancio
da parte di Reno di una produzione
originale di video di grande qualità
sonora e d’immagine, video promozionali
e con esecuzioni di brani, videolezioni
e videocorsi, tutti veicolati
su supporto digitale e disponibili per
brani singoli e lezioni singole.
Questa attività video ci ha dato lo
spunto per avviare anche una sezione
“Strumenti”, nella quale i produttori,
i distributori di strumenti e i
liutai vengono ospitati per realizzare
delle dimostrazioni dei loro prodotti,
direttamente ad opera dei loro endorser
o di altri musicisti da noi coinvolti.
Non più solo test tradizionali,
quindi, ma anche la creazione di un
catalogo di video che permettono
di vedere e ascoltare gli strumenti in
condizioni ottimali di suono e di immagine,
lasciando a tutti la possibilità
di giudicare da sé e di commentare
in prima persona.
Del resto la nostra attività multiforme
e polivalente non ci permette
più di esercitare fino in fondo una
vera e propria ‘critica giornalistica’
autonoma, di presentarci cioè nella
dimensione di un giornalismo ‘puro’,
peraltro ormai praticamente sparita –
ahimè – dall’universo attuale dell’informazione.
Preferiamo presentarci
come un ‘contenitore’ aperto, nel
quale le più varie componenti del
settore della chitarra acustica potranno
esprimere i loro diversi punti
di vista, le loro personali opinioni, i
loro prodotti.
Tutti a bordo, quindi, si parte!
Andrea Carpi

nt notizie
Una recensione dagli Stati
Uniti
Il cd Guitar Sketch dei Bruskers,
inciso per la nostra etichetta Fingerpicking.net,
è stato da poco
molto ben recensito sul sito nordamericano
Acousticmusic.com.
Ecco la traduzione in italiano della
recensione, che è stata scritta da
Mark S. Tucker e che comunque
potrete trovare in originale all’indirizzo
http://www.acousticmusic.
com/fame/p06380.htm:
«Un duo chitarristico veramente
ben integrato può spesso superare
un quartetto tipo… il L.A. Guitar
Quartet, i cui arrangiamenti sono
spesso poco brillanti o costringono
i musicisti a pestarsi i piedi…
ehm, i tasti! I Bruskers sono un
gran duo. Eugenio Polacchini e
Matteo Minozzi presentano, a dirlo
con le loro stesse autoironiche
parole, “nuove idee per un jazz
un po’ snob e non convenzionale”,
idee che però sono tutt’altro
che snob, ma piuttosto fresche
ed energiche, giocose e intelligenti,
così come ‘non convenzionali’
(nel senso di un esteso interplay,
di scambi, di cambi di direzione) e
leggermente ‘fusion’. In altre parole,
tutto quello che vorreste ascoltare
quando mettete le mani sul
L.A. Guitar Quartet, la cui fedeltà
agli aspetti ‘moribondi’ dell’ambito
classico tende però a soffocare.
Il CD Guitar Sketch
dei Bruskers
I Bruskers si muovono tra jazz
standard e… non molto standard,
oltre a un brano originale di Polacchini.
Tra le scelte predominano
i ritmi latini, così che ascoltiamo
l’immortale “Black Orpheus”
di Bonfá e il “Bésame Mucho” di
Velázquez, rimbalzando verso lo
stile che Al Di Meola ha adottato
dopo il periodo con i Return To
Forever: viaggiando, in altre parole,
verso le musiche del mondo,
sebbene ci sia in Guitar Sketch un
grado di ingenuità simile a quello
che troviamo anche nel lavoro
che Al ha fatto con McLaughlin
e De Lucia. Ogni tanto appaiono
Kessel ed Herb Ellis, come nel
brano “Little Piece in C for U”,
ma ho il sospetto che Polacchini
& Minozzi prediligano un ascolto
eclettico, poiché sento Coryell,
Byrd, Catherine, Hall ed altri, persino
l’hot jazz (“All of Me”).
La registrazione di Guitar
Sketch è assolutamente cristallina,
ogni singola nota è pura e
non distorta, splendente ed effervescente.
L’approccio dei due
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è molto vicino a quello delle jam
bands, ma con una fine conoscenza
che manca totalmente alla
maggior parte di queste, da qui
il mio riferimento a una ‘leggera
fusion’ (che francamente qui è più
che ‘leggero’, senza essere però
come quella selvaggia degli anni
’70 britannici o di Miles). In fin dei
conti il bilancio del confronto tra i
brani originali e le interpretazioni
del duo è avvincente e sorprendente.
“Not Tomorrow” piacerebbe
molto a Ralph Towner, il
cui stile unico è ben riecheggiato
nell’arrangiamento, e “Take 5” si
discosta molto dalla tradizione,
rinforzando però l’immortalità
del brano. Dobbiamo, comunque,
considerare ogni traccia di
Sketch come un bel diamante
sfaccettato di artigianato moderno
e di intelligenza.»
Le nostre più sincere congratulazioni
ad Eugenio e Matteo!
Acoustic Franciacorta 2010
(foto di Elio Berardelli)
Alfonso Giardino e
Alex Di Reto

notizie
Il vincitore del concorso ad
Acoustic Franciacorta
La VII edizione di Acoustic
Franciacorta, su cui stiamo preparando
un articolo riepilogativo,
si è conclusa domenica 12 settembre
con il magico concerto di
Vincenzo Zitello che ha offerto, al
pubblico accorso al Monastero di
San Pietro in Lamosa a Provaglio
d’Iseo, la sua musica raffinata e
suggestiva. Tutto questo dopo un
pomeriggio estremamente impegnativo,
iniziato davanti al Municipio
di Provaglio d’Iseo con l’esibizione
dei tre finalisti del concorso
“Una canzone dei Beatles per la
chitarra acustica” e terminato con
la performance divertente e di alto
livello tecnico dei Bluegrass Stuff.ì
Ma veniamo al concorso chitarristico
dedicato ai Beatles: si
sono esibiti Andrea Scognamillo,
Paolo Capizzi e Federico Buccarelli.
Particolarmente elaborata
la versione di “Strawberry Fields
Forever” di Andrea, che era risultata
la preferita dal pubblico di
Andrea Scognamiglio
(Foto di Elio Berardelli)
Una canzone dei Beatles
per la chitarra acustica
Fingerpicking.net, ma non si trovava
tra le prime classificate dalla
giuria del concorso. Dopo l’esibizione
dei tre finalisti, la giuria,
presieduta da Reno Brandoni e
composta da Andrea Carpi, Hermes
Fornasari, Rolando Giambelli,
Giovanni Pelosi e da me
stesso, dopo un lungo confronto,
ha dovuto riconoscere la qualità
dell’arrangiamento e dell’esecuzione
del brano di Andrea e lo ha
proclamato vincitore.
Interessante il dibattito che si è
aperto tra i sei giurati prima della
proclamazione del vincitore.
Anziché tener conto unicamente
del banale conteggio di una votazione,
si è analizzato ogni dettaglio
delle tre versioni dei brani
dei Beatles proposti dai concorrenti,
cercando di valutare tutti
gli aspetti sia dal punto di vista
tecnico che creativo, affidandosi
soprattutto alle emozioni che le
tre esibizioni avevano suscitato in
ognuno di noi. L’incontro dei ‘giurati’
è stato oltremodo interessante
e il risultato della scelta quanto
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nt
mai azzeccato, nonostante l’apprezzamento
per gli altri due concorrenti
Paolo Capizzi e Federico
Buccarelli non sia venuto meno,
vista l’ottima performance che
entrambi ci hanno offerto.
Andrea Scognamillo, il vincitore,
se ne è andato raggiante dopo
aver ricevuto l’ambìto premio,
un amplificatore Jam 150, gentilmente
offerto dalla SR-Technology
di Recanati, che, mi diceva,
era proprio in procinto di acquistare
e quindi costituisce il miglior
regalo che in questo momento
potesse ricevere!
Non mi resta che concludere
dando a tutti appuntamento
alla prossima edizione di Acoustic
Franciacorta 2011, con la
promessa che verrà organizzato
nuovamente un concorso dedicato
alla chitarra acustica, aperto a
tutti i ‘navigatori’ di Fingerpicking.
net.
Giorgio Cordini

l blog
Il racconto del vincitore di
“Suona a Ferentino Acustica”
Io e Luca Francioso siamo partiti
alle nove di mattina circa del 24
giugno, pronti per un lungo viaggio
di circa sei ore diretti a Ferentino.
Il viaggio in compagnia di Luca
(rivelatosi in questa occasione un
incredibile macina chilometri come
tutti i degni musicisti) è stato ricco di
discussioni in diversi campi tra cui
musica, chitarre, nuovi progetti e altri
argomenti interrotti da un ascolto di
qualche cd di musica ‘da viaggio’ a
me sconosciuta. Dopo una sosta
per il pranzo siamo arrivati giusti
giusti prima del fischio d’inizio della
partita Italia-Slovacchia. Eravamo
d’accordo con Giovanni Pelosi di
trovarci assieme nel suo studio
per vedere questo atteso match.
Nello studio ci aspettava Giovanni
in compagnia di Daniele Bazzani e
dell’attore Renato Marchetti (ospite
della serata). Per me sinceramente
è stata una sorpresa e di primo
impatto mi sono sentito un po’ a
disagio a stare seduto in mezzo a
tutti questi personaggi. Al primo
commento in puro romanaccio di
Giovanni e Daniele mi sono sentito
più a mio agio, e dopo la rovinosa
partita siamo andati a mangiarci un
gelato in piazza per poi aspettare
di fare il soundcheck. Mentre
aspettavamo ho riconosciuto
“nonny guitar”, che avevo avuto il
(foto di Alfonso Giardino)
Ho suonato anch’io
a Ferentino
piacere di conoscere a Sarzana.
Anche se era la seconda volta che
lo vedevo, sentivo di aver condiviso
con lui una piccola parte della mia
esperienza a Sarzana ma non solo,
anche la passione per la musica,
acustica in questo caso. Questo mi
ha fatto riflettere, mentre guardavo
i chitarristi che si sarebbero esibiti
dopo la mia apertura della serata,
‘vinta’ con il concorso “Suona a
Ferentino Acustica”. Ho notato
come questi festival siano delle
occasioni, per amici che hanno
condiviso delle esperienze nel
passato, di ritrovarsi e raccontarsi
tutte le loro nuove avventure e i nuovi
progetti. La musica è di sottofondo
a tutto ciò, non è il fine, è come una
dolce compagnia. In particolare,
quando sono arrivati Reno ed Eric, si
è formato un gruppetto di chitarristi
che si salutavano e sorridevano
come se si fossero incontrati dopo
una straordinaria avventura. Una
volta fatto il soundcheck con un
po’ di ritardo, siamo andati tutti
assieme in cerca di un pasto prima
del concerto. Mi sentivo un po’ la
mascotte della serata, forse perché
ero il più giovane… tutti erano gentili
con me e curiosi di sentire i miei
tre brani che avrebbero aperto il
concerto!
Così, appena terminato il pasto,
accompagnato da Giovanni (che
doveva ancora mangiare), inizio
la serata. Giovanni mi presenta
come «Alberto Ziliotto il vincitore
del concorso “Suona a Ferentino
Acustica” su Fingerpicking.net…»
Salgo sul palco e senza dire nulla
suono il brano che era in concorso
e che mi ha fatto fare questo bel
viaggio, “Quello che ti vorrei dire”.
Non è la prima volta che mi trovo
su un palco a suonare davanti ad
altri musicisti e gente che si è fatta
anche molti chilometri, ma devo dire
che ero molto emozionato, perché
dovevo suonare solo tre brani e tra
il pubblico non c’erano dei comuni
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chitarristi, c’erano ‘i chitarristi’!
Finito di suonare il primo pezzo,
mi sono presentato e ho parlato
un po’ di me per farmi conoscere
e sciogliere un po’ la tensione. Gli
altri due brani che ho suonato erano
nati da poco, ma ho voluto suonarli
lo stesso per vedere la reazione
del pubblico, che sembrava essere
positiva… Prima di suonare l’utimo
pezzo, ho ringraziato Giovanni e
Fingerpicking.net per l’opportunità.
Ecco, dopo circa quindici minuti
era tutto finito, avevo suonato i
miei pezzi e mi sentivo soddisfatto
nonostante qualche imprecisione.
Così Giovanni è risalito sul palco
ripresentandomi e raccontando che
aveva avuto occasione di ascoltare
i miei brani anche a Sarzana per il
Premio Carisch e all’Open Mic, poi
ha richiesto un altro applauso che
mi ha fatto molto piacere… non
tanto per il gesto, ma perché le
sue parole mi hanno fatto sentire
quasi un chitarrista professionista!
Come quelli che seguiranno nella
serata… Micki Piperno e la sua
orchestra MP Delta Blues, Luca
Francioso accompagnato dalla
lettura di Renato Marchetti, Daniele
Bazzani, Riccardo Zappa con ospiti
Renato Marchetti, Giovanni Pelosi e
Reno Brandoni per l’ultimo brano.
Durante il resto della serata sono
stato con i ragazzi dell’orchestra
di Micki e con “lucapette”, che ho
incontrato lì dopo averlo conosciuto
a distanza sul Forum. È stato un
viaggio molto intenso e, nonostante
sia stato lungo, sono tornato a casa
pieno di gioia, con nuovi amici e
una nuova esperienza musicale alle
spalle! Grazie a Luca per il viaggio,
a Fingerpicking.net nelle persone di
Reno e Giovanni per avermi dato
questa bella occasione, e grazie
a quelli cui il mio brano è piaciuto
e che mi hanno fatto essere a
Ferentino per questo bel festival!
Alberto Ziliotto
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log
Chilometri, musica ed emozioni
La strada, la macchina, asfalto
caldo e sudore, c’è ormai l’iPod a
far compagnia e così la strada ed il
silenzio spariscono. E nella tua mente
rimangono solo ricordi e pensieri
e tutto diventa più facile, chilometri
che scivolano via mentre Mississippi
John Hurt suona, mia moglie legge
il suo libro ed Eric Lugosch, seduto
sul sedile posteriore, ascolta ripetendo
sottovoce le parole. Mi ritrovo
così a cinquant’anni a rivivere i miei
vent’anni, chilometri, musica ed
emozioni. Tante quante è impossibile
raccontare in un solo momento,
ma che mi passano addosso in un
unico interminabile istante.
Perché ne parlo? Perché questa
sera sento il bisogno di raccontarmi?
Ho lasciato Ferentino questa
mattina e sono appena arrivato a
Bologna, fra poco gli amici saranno
di nuovo sul palco per un’altra
notte di musica e sogni, mentre
io sto sistemando i lavori sospesi
e preparandomi per la prossima
video session con Pino Forastiere e
per il prossimo festival di Galliate,
dove parteciperò al convegno dei
liutai. Sono reduce da una nottata
passata con Walter Lupi, Giovanni
Pelosi ed Eric Lughosh e le loro
Brandoni in concerto a Ferentino Acustica
(foto di Alfonso Giardino)
La strada dopo
Ferentino
chitarre, barbecue eterno, vino
infinito e tanti amici speciali intorno.
Alle tre sono crollato, Giovanni mi
dicono alle quattro insieme ad Eric,
Walter invece solo alle sette – dopo
l’ennesima minaccia – ha finalmente
abbandonato la chitarra e anche lui
è andato a dormire.
Ho iniziato con il nuovo progetto
Fingerpicking.net qualche mese
fa (ottobre 2009). La diffidenza era
tanta, la chitarra acustica soffriva
del male dell’indifferenza. Quando
ho invitato qualcuno a registrare i
video per Fingerpicking.net, ho ricevuto
titubanti ed evasive risposte.
L’amico Daniele Bazzani si è sottoposto
quale ‘cavia’ ai miei primi
esperimenti di ripresa audiovideo.
Notti e notti insonni per inventare
un mestiere non mio. Sembra una
vita fa, da allora è iniziata la danza
e con la danza l’entusiasmo e poi
l’esaltazione: Daniele Bazzani, Luca
Francioso, Stefano Barbati, Giorgio
Cordini, Giovanni Palombo, Massimo
Nardi, Franco Morone, Giovanni
Pelosi, Luca Pedroni, i Bruskers,
Davide Mastrangelo, Paolo Mari,
Maurizio Geri, Paolo Bonfanti, Paolo
Sereno, Riccardo Zappa, Stefano
Mirandola, Eric Lugosh, Peppino
D’Agostino, Beppe Gambetta,
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bl
Luigi Grechi e fra poco Pino Forastiere,
Stefan Grossman, Jacques
Stotzem, Duck Baker… e chissà
quanti altri.
Cosa vi voglio raccontare non è il
lavoro, la fatica o l’impegno per la
costruzione del nostro catalogo, ma
è la gioia con cui tutti questi musicisti
hanno partecipato al progetto
e come si sia ritornati a quella atmosfera
degli anni ottanta, quando
suonare in compagnia era il piacere
più estremo. Potrei raccontare di
Riccardo Zappa che, imbracciata
la sua chitarra durante la colazione
del venerdì mattina, mi ha cantato
“Rimmel” di Francesco De Gregori
e qualcos’altro di Guccini; o di tutti
quei chitarristi che ho ritrovato con
l’entusiasmo di suonare, cantare
e vivere la musica come quando,
nelle serate d’agosto sulle spiagge
più anonime, si iniziava intonando
la “Canzone del sole”. Questo sta
accadendo sotto i miei occhi, il privilegio
della mia posizione di regista/
editore mi permette di godere a pieno
di questo continuo crescere e di
questa continua voglia d’incontrarci,
parlare, suonare, ma soprattutto
‘condividere’. La chitarra acustica
era ‘morta’? Viva la chitarra acustica!
Ho vissuto tanti periodi in cui la
musica mi ha esaltato, ed altri in
cui mi ha ignorato. Ma sento un
fermento, sento che la voglia di
cambiare, socializzare, cavalcare
l’entusiasmo è dentro di noi ed è
pronta ad esplodere per coinvolgere
sempre più curiosi e appassionati.
Così ieri sera sono salito sul palco
per il mio set e, invece dei miei soliti
sproloqui, ho sognato in silenzio un
mondo diverso. E quando si sono
spente le luci della sala e si sono
accese quelle del palco, ho chiuso
gli occhi tremando per l’emozione
come la prima volta.
Reno Brandoni
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l blog
Altre note di musicologia
‘ignorante’
Si è discusso spesso, in vari
forum, se il suono sia prevalentemente
nello strumento che si usa,
o nelle mani del chitarrista. È incontestabile
che, se pizzichiamo
le corde di una chitarra e poi quelle
di un’altra, esse emetteranno suoni
differenti. È vero anche, come
diceva Chet Atkins, che – se non
pizzichiamo le corde – nessuna
delle due suonerà affatto. Come
è vero che se due chitarristi suonano
la stessa chitarra, verranno
fuori suoni differenti. Allora, hanno
ragione tutti?
Penso di sì, anche se la prevalenza
dell’elemento ‘strumento’
può apparire maggiormente nel
caso di certe chitarre che hanno
un suono particolarmente caratteristico,
mentre la prevalenza dell’elemento
‘mani’ può essere evidente
nel caso di uno stile chitarristico
inconsueto, anch’esso molto caratteristico
di un certo chitarrista.
Ma… c’è un terzo elemento,
che vorrei sottoporre alla vostra
attenzione: la ‘testa’. Quando un
chitarrista suona, e suona da un
po’ di tempo, ha in testa dei riferimenti
sonori piuttosto definiti, e
sono quelli che cerca di produrre
quando suona la chitarra che imbraccia.
Mi rendo conto di poter
fare un’affermazione controversa o
non condivisibile, ma esistono una
serie di accorgimenti impercettibili,
potrei dire inconsci (almeno fino ad
un certo punto), che vengono posti
in atto dal chitarrista per ottenere il
‘proprio’ suono. Se il mio riferimento
sonoro vuole dei bassi potenti, e
la mia chitarra non me li dà volentieri,
ecco che il mio pollice userà
una forza maggiore, o la mia destra
si sposterà più verso il manico, o
ambedue le cose.
Lascia un commento
Dove sta
il suono?
Stoppare, lasciar risuonare, accentare,
forzare il picking di una
singola corda da cui ‘vogliamo di
più’ e chissà quante altre cose,
sono accorgimenti – ai quali si può
aggiungere l’insieme delle regolazioni
cui sottoponiamo il nostro sistema
di amplificazione – per ottenere
il suono che abbiamo in testa.
Ma questo non è ciò che si fa comunque
per controllare le dinamiche,
per esprimere la musicalità, insomma,
non è tecnica chitarristica
e, in sostanza, non sono ‘le mani’?
Penso che si tratti di altro. C’è
la nostra aspettativa che la chitarra
che abbiamo in mano suoni
come noi vogliamo, e ciò che noi
vogliamo non è tecnica, è il nostro
‘modello’. E penso anche che,
nella maggior parte dei casi, noi
10
chitarra acustica 1 duemilaundici
riusciamo ad utilizzare la chitarra,
purché non sia stonata o completamente
muta, nel modo che più
ci avvicina a quel modello. Ciò per
una sorta di memoria più o meno
cosciente, che trasmette al nostro
sistema neuromuscolare ciò che
serve per produrre il nostro suono
con la particolare chitarra che
suoniamo.
Cioè, la tecnica e il nostro gusto
musicale ci portano ad esprimerci
attraverso uno stile, mentre il nostro
modello sonoro ci porta, più
strettamente, verso il nostro suono.
Giovanni Pelosi
Giovanni Pelosi ad Acoustic Franciacorta
2007 (foto di Elio Berardelli)

È ora di farli a noi stessi!
blog
Basta con i tributi agli altri, è ora di
farli a noi stessi!
Da sempre la musica si impara sulla
musica. È una pratica naturale e di
certo produttiva, l’apprendere le regole
e le dinamiche di questo linguaggio
suonando, divertendosi e studiando
sulle note che più si amano,
così da affinare gusto e tecnica sullo
strumento.
Tutti i musicisti lo hanno fatto, anche
i più grandi, beneficiandone oltremodo
e in ogni senso. Tuttavia, lungo
il sentiero della loro formazione, con
tempi e modalità diversi per ognuno,
si è compiuta l’opportuna evoluzione
che ha permesso al mondo intero di
ascoltare e assaporare una musica
nuova, unica e irripetibile, perché nuovo,
unico e irrepetibile era diventato
nel frattempo il loro linguaggio.
Questo processo è la naturale progressione
individuale che permette alla
musica (ma in fondo ad ogni forma
Luca Francioso a Ferentino Acustica 2010
(foto di Alfonso Giardino)
Basta con i
tributi agli altri
di arte) di evolversi: contemplare e
studiare il passato, cercare la propria
voce nel presente, donare qualcosa di
nuovo al futuro.
Omaggiare un’opera con una personale
rivisitazione è cosa assai normale
e apprezzabile lungo i passi di un
percorso (perché arrangiare è un po’
come comporre). Ma se vissuto come
unico fine, suonare e interpretare solo
ed esclusivamente la musica di altri
artisti può rendere improduttiva qualsiasi
forma di ricerca, creando sterilità
creativa e stalli emotivi collettivi, una
sorta di palude artistica maleodorante.
È suonare e interpretare la propria
musica la massima espressione a cui
un musicista deve ambire, perché è in
questo scopo che si cela il germoglio
di nuova linfa.
Un mondo di cover e tribute band
non si può evolvere. È un fatto. Per il
cammino del linguaggio musicale non
può che essere una sosta, una lunga e
pericolosa sosta. Perché non mettere
il proprio talento al servizio dei propri
sogni? Meglio: perché limitare i propri
sogni fino a farli inaridire, diventando
11
chitarra acustica 1 duemilaundici
bl
uno sterile simulacro? Perché essere
l’ombra e lo spettro di qualcun altro?
Naturalmente, se sono divertimento
e svago ad alimentare l’ingenua
imitazione, non è davvero un problema.
Il problema prende vita, in effetti,
quando la maggior parte dei figli della
musica – per non dire quasi tutti – cedono
al vecchio, con totale esclusivismo,
e non si concedono al nuovo, a
quello che di raro e magnifico esiste in
ognuno di noi.
L’inganno più pericoloso, nel rinunciare
ad investire sul proprio poten-
ziale, è pensare e sostenere che solo
i grandi artisti possono comporre.
Inutile dire che non ci credo. Non si
tratta di creare a tutti i costi opere che
rimarranno alla storia, ma certamente
di affaccendarsi per dare vita a quel
fermento in cui ogni novità può divenire
sublime, anche la meno probabile.
Non è primeggiare in qualità compositiva
il fine, perché la musica non è una
competizione automobilistica, ma piuttosto
mettersi in gioco per alimentare
la propria unicità, ognuno come riesce,
ognuno con la propria sensibilità.
Allora, da queste righe, io grido con
forza e passione (e un po’ di impudenza):
basta tributi agli altri, facciamo
un tributo a noi stessi e alla nostra
arte. È tempo!
Luca Francioso
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l blog
“Si sentiva la folla che chiamava
a gran voce, mentre lui era in camerino
a suonare la chitarra acustica
per me.”
(Kristen Nefer, amica di Hendrix,
1970)
Come può un mito della chitarra
elettrica e del rock rumoroso incontrare
i gusti di noi amanti di sonorità
acustiche? Semplice: basta andare
oltre le apparenze.
Jimi Hendrix è senza dubbio il
chitarrista innovatore, virtuoso e
sperimentatore, divoratore di Stra-
tocaster e stupratore di Marshall
che siamo abituati a vedere. Ma si
è sempre considerato poco il fatto
che sia anche uno dei più grandi
compositori di popular music del
XX secolo. Da questo punto di vista
l’ottica potrebbe cambiare e, anche
se non immaginiamo un Jimi con
gli occhiali, in abiti sobri, seduto al
piano che scrive le sue musiche su
ordinati fogli pentagrammati, potremmo
almeno considerare il suo
materiale musicale da un punto di
vista compositivo e meno ‘performativo’.
Se facessimo questo piccolo
sforzo si aprirebbe un mondo
fatto di armonie, ritmi e melodie
del tutto originali e innovativi, figli sì
della tradizione afroamericana, ma
assolutamente oltre i soliti schemi.
Lascia un commento
Hendrix
acustico
Una musica universale, quindi, che
travalica i confini della chitarra elettrica
per abbracciare ambiti ben più
ampi.
In questo senso prendere in mano
il nostro strumento acustico e
provare a tirare fuori la musica del
nostro eroe, può risultare un’operazione
molto stimolante. La chitarra
acustica ci permette di ‘spogliare’
la composizione e vederne l’anima,
l’essenza, per poi poterla ricostruire
in maniera diversa e ‘rivestirla’ di
nuove suggestioni più intime e personali,
non per migliorarla (non mi
permetterei mai di avere tale pretesa)
ma per considerare un punto di
vista differente.
Sicuramente Jimi Hendrix stesso
non sottovalutava questo aspetto
e, anche se performativamente
la sua esuberanza, e sicuramente
il gusto di un ‘neanche trentenne’
degli anni sessanta, lo ha portato
a battere i sentieri elettrici in tutti i
modi possibili, la sua chitarra ritmica
(vero punto di forza del suo
playing) ha caratteristiche ben definite
anche se trasportate in acustico.
Del resto non possiamo dimenticare
la passione e il rispetto che
Hendrix nutriva per un musicista
prevalentemente acustico come
Bob Dylan…
Ci sono poche testimonianze di
Hendrix suonatore di chitarra acustica,
ma alcune di esse possono
ben rappresentare questo aspetto,
come i due video in cui Hendrix
interpreta classici del blues
con il suo inconfondibile approccio
ritmico: “Hear My Train Comin’”
(http://www.youtube.com/
watch?v=-H7fhq4yX0w) e “Hound
Dog” (http://www.youtube.com/
watch?v=AI-a9dEpQOA).
Ma un’interessante ‘sfida acustica’
potrebbe essere approcciarsi a
brani armonicamente più complessi
o intenzionalmente lontani da un
approccio acustico classico. Pensiamo
a brani in mid-tempo come
12
chitarra acustica 1 duemilaundici
“Angel”, “Castles Made of Sand”,
“Little Wing”, che sono caratterizzati
da progressioni armoniche
mai banali, con architetture a volte
complesse e sempre sospese tra
la tonalità maggiore e minore, con
largo uso di accordi non proprio
‘blues-rock’ con settime maggiori,
seste, none o tredicesime, con
cambi di tonalità che ci sorprendono,
ma che si risolvono sempre in
maniera coerente e precisa.
Probabilmente Jimi Hendrix è
andato via troppo presto per poter
deliziare il mondo con altri aspetti
della sua musicalità. Pare che negli
ultimi tempi si stesse dedicando a
un progetto orchestrale (poi ripreso
da Gil Evans) o a collaborazioni
trasversali con il jazz sperimentale
di Miles Davis. A me piace pensare
che prima o poi si sarebbe dedicato
ad un progetto acustico… ma poi ci
ha pensato Michael Hedges.
Stefano Barbati
Potete trovare le versioni di Barbati di
“The Wind Cries Mary” e “Sunshine of
Your Love” nella sezione Video di Fingerpicking.net,
e la lezione di “The Wind
Cries Mary” nella sezione Shop.
Stefano Barbati presenta il suo progetto
hendrixiano a Ferentino Acustica 2010
(foto di Alfonso Giardino)

log
Da dove partire per costruire
un arrangiamento
In questa rinnovata versione di Fingerpicking.net,
fra i numerosi temi
emersi nei primi interventi dei blogger,
uno fra tutti mi ha attirato, quello
dell’arrangiamento per chitarra acustica
sollevato da Giovanni Pelosi nel
suo “Si riparte” (http://giovannipelosi.
fingerpicking.net/lets-start-again). Sono
quindi a ragionare ad alta voce su
questo argomento per far condividere
a chi lo desideri la mia esperienza, ben
sapendo che ce ne sono e ce ne saranno
altre descritte in questi blog nelle
settimane a venire.
Da dove partire se si vuole costruire
un arrangiamento di un brano che
adoriamo per una qualsiasi ragione?
In realtà, se il brano ci piace, siamo
già partiti da un ottimo punto: nulla di
più fondamentale come il piacere di
ascoltare/ascoltarsi scrivere/suonare
quel brano, può essere il ‘motore’ del
nostro arrangiamento. E proprio la
metafora motoristica mi suggerisce
quale debba essere il passo successivo
sul quale appuntare la nostra
attenzione: un motore, un meccanismo,
un ingranaggio, un suono ritmico
che ci orienta.
Io mi riferisco soprattutto all’elemento
‘primordiale’ che scorre durante
un ascolto: il Ritmo. Carpire il ritmo
Paolo Sereno ad Acoustic Franciacorta
2009 (foto di Elio Berardelli)
La creazione di una
cover e internet
del proprio brano preferito, sistemarlo
in un tempo (un tempo pari, uno dispari?
Stai a vedere che il mio brano
preferito è un valzer?) è la prima
operazione da compiere. L’elemento
ritmico, in quanto ‘primordiale’, deve
essere ben individuato in modo da
centrare l’obiettivo: lo spirito del brano.
Numerose volte lo spirito del brano
è proprio dentro il suo ritmo. Quindi
attenzione a non abbandonare il
groove del brano per concentrarsi su
melodia, posizioni di accordo o altro: il
rischio è di appiattire l’arrangiamento,
che all’ascolto potrà essere perfetto,
sì, ma anche un po’ scocciante.
Gli altri elementi che ci servono quali
sono? La Melodia del brano: un elemento
di grande ed evidente profondità.
Non sarà ‘primordiale’ come il
Ritmo, ma quasi sempre è l’elemento
che ci fa distinguere un brano dall’altro.
Qui Internet comincia ad essere coinvolta
pesantemente: se non riusciamo
a individuare la melodia con precisione,
andiamo su un motore di ricerca
e vediamo se qualcuno si è preso la
briga di trascrivere il brano. Altrimenti
usiamo il nostro orecchio. Dopo averla
ben individuata, identica all’originale,
cominciamo a suonarla in almeno un
paio di diteggiature, più una terza che
ci faccia utilizzare intensivamente delle
corde a vuoto se possibile. Possiamo
inoltre sondare il tema in una ottava
più alta o più bassa.
Qualcosa nel cervello comincerà a
succedere e a farci preparare per l’incontro
col terzo elemento della nostra
ricerca, l’Armonia. Benedetti accordi
del pezzo: andiamo a spiare un cantante/chitarrista
su YouTube e vediamo
dove mette le mani, oppure in un
sito di tab, oppure ancora rivolgiamoci
al nostro caro vecchio orecchio. La
rete ci servirà moltissimo a osservare
come altri artisti hanno trattato il brano,
ed è chiaro che non mi riferisco
solo ad altri chitarristi (meglio evitare
incesti!) ma per esempio (ed è un
13
chitarra acustica 1 duemilaundici
bl
consiglio che mi sento di dare) ai gruppi
che cantano a cappella, cioè senza
l’ausilio di strumenti musicali. Molto
spesso mi è capitato in quel tipo di lavori
di percepire dove fosse l’elemento
saliente, lo spirito del brano (nel ritmo?
Nel modo di trattare la melodia? Nella
concatenazione armonica?) nel caso
non me ne fossi fatto ancora un’idea.
Faccio l’esempio della mia versione
di “Mission Impossible” di Lalo Schifrin,
che di recente il mio amico coreano,
il bambino prodigio Sungha Jung,
ha reso molto famosa (con cinque
milioni di click ad oggi [11 novembre
2009] su YouTube: http://www.youtube.com/watch?v=5IXa2pNGVj8.
Ancora Internet…). Si tratta di un
arrangiamento di tanti anni fa, sorto
dall’ascolto gradevole e imprevisto
(cioè non cercato e intenzionale) di
questo brano nell’esecuzione degli
Swingle Singers (storico gruppo/
compagnia vocale a cappella) durante
un loro concerto, quando Internet
ancora non esisteva e io cantavo nel
Coro dell’Università di Bari. Una delle
prime cose che ho fatto (con molta
intenzione!) quando ho avuto una
connessione Internet, è stata quella di
cercare il file musicale di quell’arrangiamento.
Poi tutto il resto (il materiale
dell’arrangiamento, la scelta della
tonalità) è una questione tecnica che
magari approfondirò in seguito coordinandomi
con gli altri blogger.
Quindi riassumendo: il brano vi piace?
Ottimo inizio. Adesso occorre:
1. Carpire il ritmo profondo del pezzo.
Cantatelo e battete le mani sulle gambe
come foste un batterista! Incastratelo
in un tempo!
2. Imitare la melodia con diverse diteggiature,
cercando di scoprirne una
con corde a vuoto.
3. Beccare gli accordi, magari con
l’aiuto della rete ed osservando ‘con
vouyerismo’ qualcuno su YouTube.
Paolo Sereno
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l blog
Come cambia la musica
Mi ricordo ancora un viaggio che
feci da ragazzo intorno al 1984…
Avevo più o meno quattordici anni
e con amici andammo da casa mia
a Carpi (Modena) a San Giovanni
in Persiceto (Bologna), cambiando
alcuni autobus. Per quale motivo?
Perché c’era un chitarrista che
sapeva fare l’assolo di “The Wall”!
Andammo a casa sua e ce lo mostrò
‘suonando dietro’ al disco: che
emozione! Sapeva fare il bending,
sapeva almeno due o tre posizioni di
pentatonica: tornammo a casa decisamente
soddisfatti.
Oggi basta collegarsi alla rete e
scaricare alcune centinaia di videolezioni,
PDF, tablature, tutorial sul
suono e chi più ne ha più ne metta!
Come si fa ad essere contro questa
vastità di informazioni, spesso reperite
in modo gratuito? Impossibile.
Infatti io non solo sono pro rete, ma
Internet è il veicolo col quale comunico
con i miei ‘allievi virtuali’: appena
realizzo qualcosa lo metto subito
in rete per un feedback; spesso, prima
ancora di realizzare un manuale
didattico, pubblico la presentazione
(video o audio o testo)… poi attendo
indicazioni per capire se posso integrare
al meglio con le esigenze del
pubblico.
Poi Internet è lì… sempre pronto!
E pensare che sono ormai tanti anni
che faccio il musicista, ho fatto tanti
passaggi TV con artisti importanti,
partecipato a diverse trasmissioni
televisive, ma… da quando il mio
Manuale di chitarra è su YouTube e
ha in totale diversi milioni di click (sì,
sì, a ottobre 2009 la lezione più vista
ha superato i 420.000 click e il totale
delle lezioni è oltre i 3.200.000 click)
ho firmato diversi autografi dopo la
domanda: «Ma tu sei quello che insegna
a suonare la chitarra su Internet?»
È successo in fila alla biglietteria
del cinema, sul treno… nemmeno
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La chitarra
e internet
sapevano se avevo suonato dischi
importanti o con artisti internazionali:
io ero ‘quello che insegna a suonare
la chitarra su Internet’! Beh, anche
ipotizzando che alcuni abbiano guardato
più volte il video, da qualche
parte almeno 300.000 allievi ‘virtuali’
ci devono pur essere…
E cosa rispondere all’affermazione
che Internet è causa di tutta la pirateria?
Personalmente rispondo che
la pirateria è un problema culturale,
e non di mezzi per compiere questo
tipo di atti! Infatti il Manuale di chitarra
di cui ho parlato è, sì, il più visto
su Internet, ma è anche – dal 2007
– il più venduto in Italia. Quindi la mia
ricerca di dare parecchio materiale –
e di qualità – ad un costo che venga
percepito come congruo, ha trovato
risposta affermativa!
Il problema, per il giovane musicista,
senza allargarmi ad altri àmbiti,
è che su Internet ‘c’è tutto’…
E avere assolutamente tutto è un
po’ come non avere niente! Come
avere un elenco telefonico ma non
in ordine alfabetico.
Incontro tanti ragazzi ai miei seminari
e, parlando e suggerendo qualche
video didattico viene spesso
fuori: «Ce l’ho!» E magari, entrando
14
chitarra acustica 1 duemilaundici
in confidenza, si scopre che in molti
hanno moltissimi gigabyte di materiale
didattico su hard disk… ma non
l’hanno mai assorbito. È una sorta
di gara allo scarico: «Io ho 300 giga
di video didattici», «Io ho scaricato
anche i PDF di tutti i booklet», «Io
ho 250.000 canzoni sul mio lettore
MP3», etc.
Troppo spesso le cose scaricate
‘aggratis’ e senza avere pagato
un prezzo hanno il valore del prezzo
che si è pagato: zero! Non c’è
l’affetto, la cura, lo scrupolo: «Tanto
è gratis e me lo riscarico quando
voglio»… Quando si acquista – per
esempio – un metodo con DVD, c’è
il momento in cui si sfoglia il cartaceo,
si sfila il DVD dalla custodia, lo
si infila nel lettore… questi momenti
sono ‘preparatori’ all’acquisizione di
nuovi dati. Non dimenticando che,
quando si acquista qualcosa e lo si
è quindi pagato, si cerca di sfruttare
al massimo quello che si trova al
suo interno.
Quindi: Internet sì, grazie! Ma con
una guida.
Massimo Varini
Massimo Varini al Festival “Città di Fiuggi”
2008 (foto di Roberto Fasulo)

log
Come sono approdato
all’acustica
Deve esserci sempre stato in
me un forte richiamo verso la chitarra
acustica, un richiamo verso
le origini. Se ben ricordo, infatti,
la scintilla è scattata ascoltando
in televisione un’esibizione in stile
‘one man band’ del mitico Edoardo
Bennato, una delle sue classiche
esibizioni in cui la chitarra
acustica dodici corde incalza con
un ritmo indiavolato. All’epoca
avevo circa otto anni e da quel
momento decisi che quello strumento
sarebbe diventato la mia
vita, un giocattolo inseparabile
per la mia infanzia e per la mia
adolescenza.
In realtà, anche se forse ho
sempre saputo che prima o poi
sarei tornato a suonare l’acustica,
Foto di Ezio Riboni
Sogni dalla
stanza
il mio viaggio mi ha poi portato
fino ad ora a fare esperienze
musicali spesso tra loro incredibilmente
distanti. Il mio percorso
ha avuto inizio come per molti in
tenera età adolescenziale, quando
con quattro carissimi amici
all’oratorio ho formato la prima
band. Ai tempi avevo una chitarra
acustica amplificata Takamine di
colore nero, come quella vista in
una foto del ‘Boss’, ma il mio sogno
era avere un’elettrica.
In prima liceo riuscii ad estorcere
a mio padre, in cambio di promesse
mai mantenute (avrei dovuto
diventare ingegnere!) la mia
prima chitarra elettrica: una PRS
rossa fiammante come quella del
mitico Carlos… un sogno! Questa
chitarra mi ha accompagnato
in tutto il periodo punk, in quello
grunge, metal, prog, fino a quello
15
chitarra acustica 1 duemilaundici
bl
blues e jazz conosciuto alla soglia
dei vent’anni, durante gli studi al
CPM di Milano.
In quegli stessi anni scoprivo anche
l’interesse verso il mondo della
chitarra classica, un mondo che
ho sempre sentito lontano dal mio
modo di essere, ma che mi è incredibilmente
servito sia dal punto
di vista della preparazione tecnica,
sia dal punto di vista della ricerca
del mio suono sullo strumento.
Tutte queste esperienze, vissute
sia in studio di registrazione che
dal vivo sui palchi, hanno arricchito
il mio bagaglio con contaminazioni
diverse. Mi è capitato nella
stessa settimana di esibirmi con
una band blues, il giorno dopo
con una band reggae-ska e il giorno
dopo ancora con un’orchestra
di chitarre classiche. Questi continui
cambiamenti di generi e stili,
oltre ad arricchirmi a livello musicale
e personale, mi hanno anche
insegnato ad essere ‘al servizio’
della musica e ad apprezzarla in
qualunque sua declinazione.
Circa cinque anni fa sono approdato
al mondo della chitarra acustica
solista, riscoprendo quell’emozione
provata davanti al televisore a
otto anni. Un ritorno, insomma, ma
arricchito da qualcosa in più. L’acustica
si è rivelata per me il contenitore
in cui far confluire questo
articolato percorso, lo strumento
con cui, libero da qualsiasi schema
mentale e di genere, posso creare
e arrangiare ciò che voglio.
Tuttavia ancora oggi, nonostante
mi esibisca prevalentemente in
concerti di chitarra sola, trovo che
il suonare insieme agli altri e condividere
il palco e le emozioni, sia
uno degli aspetti più belli e importanti
del fare musica.
Luca Pedroni
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l blog
Un passo verso la democrazia
Chi l’avrebbe detto che nel progettare
(e vedere realizzata e distribuita)
la mia Riccardo Zappa
Signature, avrei avuto a che fare
con le tensioni sociali che stanno
avvenendo in Cina, e delle quali
ormai si parla, in modo assai preoccupato,
a livello internazionale.
Vediamo la storia dall’inizio. Come
avevo annunciato proprio su
questa pagina qualche mese fa,
avevo accettato l’invito della Eko
a progettare un’acustica, una
classica e una dodici corde che
portassero il mio nome. L’impresa,
iniziata con la realizzazione di
una sei corde in metallo, ha avuto
un successo al di fuori di ogni
previsione, tanto che la prima e
cospicua fornitura è già andata
tutta esaurita. Nel frattempo avevo
preparato gli esecutivi a grandezza
reale della dodici corde, in
modo da mandarla in produzione
durante l’estate e averla disponibile
per il periodo natalizio. Ebbene,
è proprio di questi giorni la notizia
che la fornitura di ogni ordinativo
commissionato in Cina è rimandato
di sei mesi, che in gergo tecnico
significa: a tempo indeterminato.
Cos’è successo? Possibile che
un paese del quale da anni abbiamo
l’immagine di stoici lavoratori
disposti a lavorare giorno e notte
per una ciotola di riso, pur di riscattare
uno Stato ridotto in miseria,
incroci adesso le braccia e rivendichi
un trattamento salariale al
pari degli altri? Sul numero di Panorama
in edicola il 17 giugno, c’è
un articolo dell’ottimo Sergio Romano
che tratta proprio di questo
tema, rispecchiando perfettamente
quanto mi vanno raccontando
i responsabili della produzione
estera della Eko. Credo si possa,
giacché ne cito la fonte, riportarne
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La mia chitarra Signature
e le tensioni sociali in Cina
qualche frase: «Gli operai cinesi
vogliono più soldi e cominciano
ad ottenerli. È possibile che la protesta
operaia appaia, agli occhi
dei dirigenti del partito, molto più
preoccupante di una fiammata di
rabbia popolare nell’angolo sperduto
di un immenso mondo rurale.
Ma apre una fase delicata in cui i
sindacati diverranno più autonomi
e combattivi. È un passo, sia pure
esitante, verso la democrazia: una
prospettiva che a molti dirigenti
appare piena di rischi.»
Al tempo del liceo, ho attraversato
in pieno tutta quanta l’epopea
del ’68. Ricordo bene le adunanze
a Piazza Venezia, che davano forma
ad un corteo talmente grande
che, una volta avviatosi nelle prime
file, giungeva in Piazza San Babila
senza che ancora si fossero mosse
le ultime. Adesso, che ne è passato
di tempo, mi trovo ad essere il
committente di un oggetto, bello
quanto si vuole, ma evidentemente
progettato per costar poco, e ciò
alla luce di una realtà commerciale
che prima c’era ed ora non c’è più.
Da un lato, dunque, è destinata
ad aprirsi la forbice che segna un
prezzo per determinate prestazioni,
mentre dall’altro avremo enormi
16
chitarra acustica 1 duemilaundici
masse di popolazione non più destinate
ad essere deportate dalle
campagne verso le fabbriche lungo
la costa cinese.
Bene così, bene così.
Riccardo Zappa

… e la chitarra leggera
blog
Trentacinque anni fa la Franklin
Guitar Company era un piccolo
laboratorio con cinque dipendenti.
Le chitarre che costruivo erano
copie di una originale Martin OM,
e molti di questi strumenti sono
stati venduti in negozi di strumenti
musicali. Le vendite andavano
bene e io non cercavo niente
di nuovo. Il mio atteggiamento
cambiò verso la fine degli anni
’70, quando Stefan Grossman mi
contattò a proposito di una mia
chitarra che aveva suonato in un
negozio. Certamente gli era piaciuto
molto quello strumento, ma
stava cercando qualcosa di un
po’ diverso…
Fui felice di costruire per Stefan
una chitarra con le caratteristiche
da lui richieste, e lui fu contento del
mio successo. Così iniziai a ‘personalizzare’
le mie chitarre, non soltanto
con un nuovo intarsio o con
La Franklin Guitar
Company
diverse dimensioni del manico, ma
lavorando su suono e suonabilità.
Stefan mostrò la sua Franklin a un
suo amico, John Renbourn. Anche
lui aveva diverse idee e preferenze su
ciò che avrebbe voluto su una chitarra.
Così costruii la chitarra anche per
John e capii di avere un talento nel
soddisfare le esigenze dei chitarristi.
Il motto era: considerare le esigenze
di ogni cliente come modello
unico. Un esempio recente di questa
direzione è stato El McMeen,
che ama suonare in accordature
diverse abbassando le corde. El mi
chiese di costruire la sua chitarra
esclusivamente per queste accordature.
Questa chitarra è molto
leggera e non potrebbe essere accordata
in accordatura ‘standard’;
ma in DADGAD (e nelle altre accordature
con le corde abbassate) è
incredibile, la sua grande risposta la
distingue dalle altre chitarre.
Devo riconoscere che la mia abilità
e il mio approccio nel costruire
chitarre è maturato attraverso gli
anni. Ma questo è il tipico effetto del
passare del tempo ed è un lungo
percorso. I musicisti che ho citato
(e anche tanti altri) hanno arricchito
la mia carrierà e ispirato la mia creatività.
Le mie chitarre differiscono da
quelle ‘industriali’ perché sono fatte
dalle mie mani per le vostre mani.
Credo che ciò che mi distingue
particolarmente dagli altri liutai
sia il mio ‘istinto’ verso il legno.
Anche se la mia produzione prevede
dei modelli standard, considero
ogni chitarra che faccio
come una chitarra personalizzata
e costruita per soddisfare le specifiche
esigenze di un chitarrista.
Naturalmente tutte le mie chitarre
hanno qualcosa di simile che
le contraddistingue: il peculiare
‘suono Franklin’.
La chitarra costruita per El
McMeen può essere ascoltata sul
bl
Una Franklin OM del 2007 Lascia un commento
17
chitarra acustica 1 duemilaundici
suo DVD Celtic, Sacred & Pop Fingerstyle
Guitar (Stefan Grossman’s
Guitar Workshop, 2008). El ha avuto
tante chitarre, tutte molto buone,
ma erano costruite per sopportare
la tensione delle corde in accordatura
standard. Quando si passa per
esempio all’accordatura CGDGAD,
la tensione si abbassa notevolmente
e si ha come risultato che le corde
perdono la loro capacità di far vibrare
la tavola in maniera efficiente.
Per correggere questo problema la
mia idea è stata quella di rimuovere
la giusta quantità di legno dalle
catene e dalla tavola armonica. In
questo modo, nonostante la minore
tensione delle corde, la chitarra
suona correttamente.
La chitarra costruita in questa
maniera non può essere suonata in
accordatura normale con delle corde
light (ma si possono usare delle
extra-light) perché è stata costruita
appositamente per le accordature
aperte. Se si provasse a portarla
in accordatura standard (EADGBE)
con delle corde light, si correrebbe
il rischio di scollare il top e il ponte.
Nick Kukich

l blog
Ciao, sono Jacques Stotzem,
dal Belgio, e sono molto contento
di partecipare a Fingerpicking.
net. Due cose anzitutto sono importanti
da dire a proposito del
mio modo di suonare: la dinamica
e la melodia.
Da quando ho imparato la
chitarra fingerstyle attraverso il
blues acustico, ho sempre lavorato
sul controllo della gamma
dinamica, perché è questa che
dà vita a un brano per chitarra.
Nei miei concerti preferisco presentare
un repertorio ampio, dai
brani romantici fino a energici
pezzi rock. È interessante sottolineare
che anche brani molto
dolci devono essere suonati con
un forte controllo della dinamica.
I fingerpicks di plastica che uso
sono di grande aiuto per ottenere
un suono forte e pulito.
L’altra cosa che mi piace nella
musica è la melodia. È sempre
stata una grande sfida per me
cercare di creare sulla chitarra
delle melodie che possano essere
cantate. La conoscenza
dell’armonia è importante per
capire come una melodia possa
essere sviluppata, e questa è
una delle ragioni per cui, da molto
tempo, uso soltanto l’accordatura
standard, per mantenere
la conoscenza degli accordi,
delle scale, dell’armonizzazione
delle scale, e così via. È una
scelta personale, ma secondo
me l’unico modo per essere capace
di gestire tutte quelle nozioni
era utilizzare l’accordatura
standard.
Vi auguro ogni bene!
Jacques Stotzem
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Dinamica e melodia
in accordatura standard
18
chitarra acustica 1 duemilaundici
Jacques Stotzem a Ferentino Acustica 2010

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ar artisti
Jackson Browne all’Acoustic Guitar Meeting di Sarzana
Premiato a “Corde & Voci per Dialogo & Diritti”
Andrea Fabi
Tutti quelli con cui parlo sono pronti
a partire con la luce del mattino
Hanno visto abbastanza a lungo la
fine arrivare per credere
Di aver sentito il loro ultimo
avvertimento
Ognuno ha il suo biglietto in mano
E come scende la sera mi siedo a
pensare ad Ogni Uomo
(Jackson Browne. “For
Everyman”, dall’album omonimo,
1970)
Così, con la risposta scritta 37
anni fa a “Wooden Ships” dall’album
Crosby, Stills & Nash (1969),
un emozionato Jackson Browne
inizia la perfomance magica di sabato
22 maggio sul palco centrale
del XIII Acoustic Guitar Meeting di
Sarzana, dopo che gli è stato consegnato
il premio “Corde & Voci
per Dialogo & Diritti”. È stato il risultato
di un lungo lavoro, iniziato
da Roy McAlister, amico di lunga
data e liutaio di Jackson Browne,
coordinato dalla grinta del direttore
artistico della rassegna, Alessio
Ambrosi, che non ha mai mollato.
Anche nei momenti in cui sembrava
proprio si dovesse rinunciare,
ecco il jolly che non ti aspetti! Ma
com’è cominciato il tutto?
Abbiamo avuto un sogno
Durante l’XI edizione dell’AGM
di Sarzana, Alessio Ambrosi, Roy
McAlister ed io parlammo di un
sogno: far tesoro della grande
amicizia di lunga data di Roy con
Jackson Browne per portarlo al festival.
Eravamo proprio fuori della
Fortezza Firmafede – sede storica
dell’AGM – e tutti e tre discutevamo
di come si poteva fare per portare
un vero e proprio gigante della
‘nostra musica’ a Sarzana.
Tornato a Gig Harbor, Roy ha
cominciato a parlare del festival a
Jackson, ne ha parlato in maniera
davvero entusiasmante dato che
a Sarzana ci ha lasciato il cuore (e
infatti ci ha portato poi quest’anno
tutta la famiglia) e ne ha parlato tutte
le volte che si sono incontrati.
Un bel giorno, siamo nel 2009, mi
arriva un’e-mail dal buon Roy, nella
quale mi scrive che ci sono tre
pass per il backstage del concerto
che Jackson terrà a Bologna l’11
di maggio. Arriva il fatidico giorno
al Teatro Manzoni di Bologna e,
subito dopo il fantastico concerto,
vado nei camerini dove JB mi
riceve subito con un gran sorriso.
Infatti Roy gli aveva anticipato la
visita di un suo amico italiano. Dopo
aver parlato di chitarre per una
20
chitarra acustica 1 duemilaundici
buona mezz’ora, gli comincio a
raccontare del Meeting di Sarzana
e lui mi conferma che Roy gliene ne
aveva parlato tantissimo in termini
davvero entusiastici. Quando gli
dico che il festival si svolge in una
fortezza del ’500, nelle cui stanze
si tengono esposizioni di centinaia
di chitarre acustiche, workshop di
liuteria, seminari di chitarra e concerti,
vedo una luce accendersi nei
suoi occhi. Mi dice che gli piacerebbe
venire, però Roy mi aveva
avvertito: «Se fosse per Jackson,
lui andrebbe in tutti i posti dove viene
chiamato, ma poi il suo management
gli ricorda la sua fittissima
agenda di impegni e molte cose
purtroppo sfumano». Così saluto
Jackson con una flebile speranza

di rivederlo a Sarzana.
Passa l’estate e Alessio mi telefona,
dicendo con la passione
che lo contraddistingue: «Andre’,
ci dobbiamo provare, Roy lo deve
contattare a tutti i costi!» Jackson
è in tour e non risponde alle e-mail
di Roy, ma quando ormai avevamo
perso ogni speranza, Alessio
viene a sapere che la manager di
Jackson è Cree Clover Miller, figlia
– udite udite – di Joel Rafael, che
a sua volta a Sarzana ci aveva lasciato
il cuore. Comincia allora una
fitta rete di e-mail e telefonate tra
Alessio e Cree, il cui tema era dare
il premio “Corde & Voci” a Jackson
Browne, che avrebbe suonato alcuni
pezzi il sabato sera della settimana
dell’AGM. Ricordo come fosse
adesso la telefonata di Alessio:
«Andre’, ti comunico ufficialmente
che Jackson Browne sarà a Sarzana
per ritirare il premio e suonerà
alcuni pezzi, ma tu mi devi dare
una mano, ti devi prendere cura di
lui, ci conto». Stare tre giorni con
Jackson Browne… e chi sarebbe
stato cosi pazzo da rifiutare? Inizia
cosi il conto alla rovescia.
Un po’ di storia
Jackson Browne nasce in Germania
nell’ottobre del 1948, ma
cresce a Los Angeles e la sua carriera
di autore inizia prestissimo:
all’età di sedici anni scrive già un
capolavoro come “These Days”,
che gli viene subito presa da Nico
dei Velvet Underground. Durante
l’ultimo anno della high school
entra a far parte per un brevissimo
periodo della Nitty Gritty Dirt
Band, poi collabora con gli Eagles
con cui fa dei tour insieme a Linda
Ronstadt.
David Lindley è il musicista con
cui Browne ha condiviso gran parte
della sua vita musicale e le circostanze
del loro incontro furono molto
particolari. La prima volta si videro
al Topanga Banjo Fiddle Contest,
dove Jackson partecipò con la Nitty
Gritty che vinse, mentre per il primo
anno Lindley partecipò invece
come giudice, dopo aver vinto cinque
volte di fila; Ry Cooder fu uno
Jackson Browne all’Acoustic
Guitar Meeting di Sarzana
dei promotori di questa nomina…
forse perché lui arrivava sempre secondo!
Contestualmente, Lindley e
il suo gruppo, i Kaleidoscope, uscirono
con un album che colpì molto
Jackson. In seguito si incontrarono
ad una convention della CBS, dove
Lindley scoprì che Browne era un
grande appassionato della musica
dei Kaleidoscope e che andava ad
ascoltarli stando fuori dai locali perché
minorenne. Al primo concerto
di JB al Troubadour, dove apriva per
Linda Ronstadt, il batterista della
Nitty Gritty si presentò con Lindley,
il quale si era portato dietro il suo
violino. Appena presentati Jackson
iniziò a suonare “These Days”, che
David non aveva mai sentito prima,
e dopo qualche secondo cominciò
a suonare anche lui. L’emozione
che provò JB lo portò a iniziare una
collaborazione con Lindley che dura
ancora oggi.
Il suo debutto risale al 1972 con
l’album omonimo, al quale partecipano
musicisti già in evidenza (tra
cui Clarence White e David Crosby)
e che gli frutta già i primi successi
di classifica (“Doctor My Eyes” e
“Jamaica Say You Will”).
Nel 1973 esce For Everyman,
contenente la sua personale versione
di “Take It Easy”, brano che
aveva abbandonato e poi terminato
assieme al grande amico Glenn
Frey, che con gli Eagles ne fece
una hit incredibile: oggi ne esistono
oltre duecento versioni e Jackson
in ogni concerto dice che sta cercando
la versione cinese, perché
Lindley la vuole cantare… In For
Everyman ci sono inoltre la sua versione
di “These Days” e la piccola
hit “Redneck Friend”. L’anno dopo
pubblica Late for the Sky, da molti
critici ritenuto il suo lavoro migliore.
Nel 1976 esce The Pretender, con
liriche fortemente influenzate dal
suicidio della moglie Phillys.
Nel 1977 esce un album dal vivo
contenente solo pezzi inediti, Running
On Empty, che è tratto dal suo
tour americano e rappresenta il suo
maggior successo commerciale.
Nel 1979 organizza il grande concerto
No Nukes, con partecipazioni
21
chitarra acustica 1 duemilaundici
ar
tra gli altri di musicisti del calibro
di Crosby, Stills & Nash, Bruce
Springsteen, Ry Cooder e James
Taylor.
Hold Out esce nel 1980 e sale al
primo posto nelle classifiche. Nel
tour del 1981 continua a portare
avanti le sue idee pacifiste e antinucleari,
tanto che nel 1982 viene
arrestato in California mentre manifestava
davanti a una centrale nucleare.
Browne ritorna in classifica
sempre nel 1982 con il brano “Somebody’s
Baby”, con cui aprirà gli
show del suo primo lungo tour Europeo.
Nel 1983 esce Lawyers in
Love, con sonorità più pop e qualche
ritorno al folk-rock tradizionale:
il brano omonimo è una nuova hit.
Nel 1985 duetta con il sassofonista
Clarence Clemons nel singolo
“You’re a Friend of Mine”.
Tra il 1984 e il 1985 viene coinvolto
da Little Steven nel progetto
antiapartheid di Sun City, e nel
1986 vede la luce Lives in the Balance,
caratterizzato da forti accuse
al reaganismo, testi polemici e
appassionati e la novità di sonorità
esotiche grazie alla collaborazione
con un gruppo di artisti sudamericani
in alcune canzoni (“Lawless
Avenue” e “Lives in the Balance”).
Alla fine del decennio esce World in
Motion, in cui è presente la cover di
Little Steven “I Am a Patriot”.
Negli ultimi anni Browne non è
molto prolifico discograficamente,
ma ritrova una verve che ricorda,
almeno in parte, le composizioni
del suo periodo migliore. Nel 1993
esce infatti I’m Alive, in cui sono in
evidenza un paio di pezzi come la
title track e “Sky of Blue and Black”.
Nel 1996 esce Looking East, in cui
spicca il brano “The Barricades of
Heaven”. Per i venticinque anni di
carriera, nel 1997, esce la sua prima
antologia The Next Voice You
Hear – The Best of Jackson Browne,
contenente due brani inediti:
“The Rebel Jesus” e “The Next Voice
You Hear”.
Nel 2002 vede la luce The Naked
Ride Home, dove ci sono dei
veri e propri gioielli come il pezzo
che dà il titolo all’album, “About

ar
My Imagination” (riproposta poi in
tour come medley con “Doctor My
Eyes”), “Walking Town”, il reggae
“For Taking the Trouble” e “My Stunning
Mistery Companion”. Due anni
dopo viene pubblicata una nuova
compilation in due dischi, The Very
Best of Jackson Browne. Nel febbraio
del 2004 Bruce Springsteen
fa il discorso di presentazione per
lui alla Rock and Roll Hall of Fame.
Nel 2005 esce il suo primo vero e
proprio ‘live album’: Solo Acoustic
– Vol. 1, a cui fa seguito il Vol. 2. Entrambi
questi album danno la giusta
immagine di Jackson Browne
dal vivo: una serata tra amici dove
lui esegue pezzi a richiesta, commentandoli
con aneddoti e battute
e regalando emozioni uniche. Nel
2007 viene introdotto alla Songwriter’s
Hall of Fame. Esce poi Time
the Conqueror, molto ben scritto,
i cui testi sono centrati fortemente
su temi politici (“Why is impeachment
not on the table / We better
stop them while we are able”…)
e su fatti come l’uragano Katrina
(“Where Were You”). L’11 maggio di
quest’anno è uscito Love Is Strange,
registrato durante un tour del
2006 in Spagna (Madrid, Barcellona,
Oviedo e Siviglia) con ‘el maestro’
David Lindley e vari musicisti
spagnoli, con i quali Jackson ripercorre
magnificamente la sua ultradecennale
carriera musicale.
Tre giorni con JB
È finalmente il 20 maggio.
Jackson Browne arriva con un volo
da Madrid alle 15.52 a Firenze
e, per essere sicuro di non avere
intoppi e giungere in ritardo, sono
in aeroporto alle… 14! Le due
ore volano e poco dopo le 16 lui
si affaccia sorridente dal cancello
degli arrivi, con la sua simpaticissima
compagna Dianna, e mi saluta
dicendo: «Così dopo un anno
ci vediamo di nuovo!» ricordandosi
evidentemente del nostro incontro
dopo il suo show a Bologna.
Questo sorprendente saluto mi
tranquillizza e fa sparire in un secondo
tutte le paure e le ansie che
avevo nell’incontrare un pilastro
Jackson Browne all’Acoustic
Guitar Meeting di Sarzana
della musica come lui. La capacità
di Jackson di metterti a tuo agio è
stupefacente.
Carichiamo i bagagli con la sua
chitarra – una Gibson LG-2 degli
anni ’40 tutta in mogano – e ci dirigiamo
verso l’albergo a Sarzana;
abbiamo poco più di un’ora di strada
da fare. Dopo aver tranquillizzato
telefonicamente Alessio e dopo
i convenevoli di rito, il discorso scivola
subito e con naturalezza sulle
chitarre. Quando lui parla dei suoi
amici ovviamente li chiama per nome:
Neil, David, Bonnie, James,
Ry… In quel momento mi rendo
conto ancor di più che, accanto a
me nella mia auto, è seduto uno dei
miei miti musicali, uno dei migliori
cantautori di sempre con tutti i suoi
dischi, i capolavori che ha scritto, le
collaborazioni con centinaia di altri
musicisti…
Mi dice subito che non ha portato
la sua McAlister perché, essendo
in palissandro brasiliano, aveva
paura di incontrare problemi in dogana.
Poi, con un po’ di timore, gli
dico che in tutti questi anni di concerti,
secondo me, il miglior suono
dal vivo che io abbia mai sentito
è stato quello di Neil Young con il
suo FRAP (Flat Response Acoustic
Pickup) System; che però sembrerebbe
essere un sistema estremamente
difficile da settare, tanto
che il guitar tech di Young – Larry
Cragg – disse in un’intervista che
poteva andar bene solo per chi
ha un impianto da almeno 50.000
dollari e un “pazzo” come lui che
glielo regola prima di ogni spettacolo.
Jackson è assolutamente
d’accordo, anzi è proprio grazie
a ‘Neil’ che anche lui ha montato
per un periodo il FRAP sulle sue
chitarre. Poi un giorno è successo
un guaio e ha provato a sistemare
da solo il pickup, ma era davvero
impossibile. Così ha portato la
chitarra a Cragg per farsi spiegare
come ripararlo, ma lui non ne ha
voluto sapere: era davvero geloso
del suo sapere e non permetteva
a nessuno di assisterlo durante le
riparazioni. Allora Jackson ha lasciato
perdere il FRAP: «Sai, se mi
22
chitarra acustica 1 duemilaundici
succede qualcosa del genere durante
un tour è davvero un casino.
Così sono passato al Trance Audio
[Acoustic Lens] che praticamente
ha lo stesso principio del FRAP».
Successivamente gli chiedo
com’è arrivato alle chitarre Teisco
(a Bologna un anno fa l’ho visto
usare per tre pezzi proprio una Teisco
Del Rey da 150 dollari, e il suono
era stupefacente). E lui, facendo
un sorrisetto ironico, mi chiede se
ultimamente avevo visto Ry Cooder
dal vivo. Al che gli rispondo
che l’avevo visto proprio lo scorso
anno a Roma e che mi aveva colpito
una Telecaster baritona stranissima…
Jackson si mette a ridere e
dice: «Sì, proprio quella! Sai qual è
il segreto di quella chitarra? Il pick
up Teisco: Ry lo ha montato pure
sulla Coodercaster [la Strato più
usata da Cooder, che ha anche un
pickup Oahu Lap Steel al manico]».
Poi Jackson e Dianna rimangono
colpiti dai blocchi di marmo di Carrara
e poco dopo il jet lag ha il sopravvento;
JB è arrivato da Santa
Monica con uno scalo a Barcellona
per prendere Dianna…
La sera siamo a cena insieme a
Roy McAlister con famiglia e al nostro
caro amico Paolo. Roy vuol fare
una sorpresa e porta in albergo sei
chitarre di sua costruzione, tre mie
e tre di Paolo. Io prendo subito in
mano la nuova ‘Roy SmeckAlister’
di Paolo, battezzata cosi proprio da
Jackson, in adirondack e mogano:
davvero un gran suono. Ma, mentre
mi sto dilettando, vedo una mano
che afferra la chitarra e me la strappa
letteralmente via; mi giro e vedo
Jackson sorridente che dice: «Questa
la suono io!» Tira fuori un plettro
e si mette a suonare di fianco a me:
la chitarra suona molto meglio, alla
faccia di chi ancora non crede che
le mani contano nel suono! Quello
che mi sorprende è quanto JB
suoni pesante: pensavo di avere
io una mano pesante, ma lui suona
davvero molto più forte di me,
porta le chitarre veramente al limite
e – ripeto – le chitarre in mano sua
suonavano proprio meglio… Avere
lui vicino che accenna “Barricades

of Heaven”, “Time the Conqueror”,
“These Days”, “For Everyman”…
mi faceva sentire in paradiso. Ogni
tanto Paolo ed io ci guardavamo e
non credevamo ai nostri occhi.
Jackson quindi chiede a Roy a
che punto è la replica della Gibson
CF-100. In effetti è da un po’ che
ne sento parlare da Roy, il quale
non gliela voleva fare perché a suo
dire le tre originali che ha Jackson,
scelte tra oltre trenta, sono strepitose.
Roy comunque dice che
gliela porterà ad uno dei due concerti
che JB terrà nello stato di Washington
a fine luglio, anche perché
deve far provare una chitarra a David
Lindley. E aggiunge una novità
dell’ultima ora: dato che Jackson
ha tre CF-100 strepitose, che si sta
appassionando alle LG-2 e che la
LG-2 è di base una CF-100 senza
la spalla mancante, Roy si è ‘inventato’
un altro modello di chitarra da
sottoporgli, basato sulla LG-2 ma
un po’ più lunga e larga, con attacco
del manico al XIII tasto, fasce e
fondo in mogano, scala corta.
La prova continua con una Rick
Ruskin Signature Model, praticamente
una replica delle Gurian
che oltre trent’anni fa avevano sia
Paul Simon che JB. Poi, quando
quest’ultimo prende in mano la mia
00-45, Roy prontamente gli chiede
se la vuole portare sul palco il sabato,
visto che è anche microfonata.
Lui la suona ancora un po’, ma
non risponde…
Estasiati si va poi a cena, e quando
gli faccio provare un Amarone
con i controfiocchi, spalanca gli
occhi ed esclama: «This wine is
terrific!» Allora gliene porto due
bottiglie, che si porterà poi via in
valigia. Jackson è proprio a suo
agio, scherza moltissimo con i figli
di Roy, è loquace e rilassato, apprezza
davvero tanto i piatti a base
di pesce dell’hotel. Durante la cena
succede qualcosa di veramente
simpatico: alcuni fan mi avevano
detto che Jackson era vegano (i
vegani sono gli ultras dei vegetariani),
cosa che ho poi riferito a Roy,
che è rimasto molto sorpreso. Al
che, dopo i vari antipasti di pesce
Jackson Browne all’Acoustic
Guitar Meeting di Sarzana
e carne e i vari secondi sempre di
pesce che Jackson si era gustato,
Roy si è avvicinato a me con un
sorriso sornione e mi ha sussurrato:
«Vegan my ass!»
Dopo aver mangiato, Jackson
chiede esplicitamente di andare in
Fortezza, perché vuol vedere John
Gorka suonare. Appena entrati ci
accoglie Alessio Ambrosi, che finalmente
ha il piacere di stringergli la
mano e lo accompagna a lato del
palco principale. Noto che in quel
momento Jackson cambia faccia,
diventa molto serio e ho avuto la
sensazione che si trasformasse nel
professionista che è. Appena alcuni
fan lo hanno notato, ho sentito una
gran pressione, perché dovevamo
assolutamente evitargli situazioni
spiacevoli: la privacy per Jackson
è la priorità assoluta. Nonostante
sia nascosto nell’ombra, alcuni
si avvicinano, ma lui in ogni caso
ha un saluto per tutti. Così, ad un
certo punto, mi faccio coraggio e
gli dico che avevo piacere di presentargli
un ‘ragazzo’ che ha avuto
23
chitarra acustica 1 duemilaundici
ar
un impatto importante sulla chitarra
acustica in Italia; al suo benestare
faccio un cenno al nostro Andrea
Carpi, che si avvicina e i due iniziano
a parlare: bastano due minuti
per toccare i temi della tablatura,
che Jackson confessa di non aver
mai compreso appieno, e delle accordature
aperte, a proposito delle
quali raccomanda un libro che è
“profondamente connesso con l’intero
universo” e che approfondisce
in modo efficace il rapporto tra scale
e accordi: The Tao of Tunings – A
Map to the World of Alternate Tunings
(Hal Leonard, 2008) di Mark
Shark, di cui ricorda in particolare le
collaborazioni con John Trudell.
Poi è il momento di John Gorka,
a cui fa tantissimi complimenti
e a cui poi non risparmia applausi
quando sale sul palco. Appena
terminato il set di Gorka, chiede
subito di andarsene prima che si
accendano le luci. Arriviamo quindi
in albergo e ci si dà appuntamento
per la mattina successiva sul tardi,
perché voleva “esercitare la voce”
In concerto con la Gibson LG-2
(foto di Alfonso Giardino)

ar
per un paio d’ore.
Verso le 13 di sabato ci ritroviamo
al ristorante e ripetiamo la ‘performance
gastronomica’ della sera
precedente. Comincia a raccontarmi
di un Les Paul anni ’50 pagato
85.000 dollari e subito interviene
Dianna: «Quando Jackson compra
una chitarra non ti puoi sbagliare:
arriva a casa con un sorriso incredibile
e capisci che ne ha combinata
una delle sue… Dopo un po’ mi
confessa infatti che gli è successa
una cosa bellissima, cioè che si è
comprato una chitarra!»
Dopo pranzo si va in Fortezza,
dove il buon Alessio lo prende ‘in
consegna’. Così io vado a dare
un saluto ai vari amici di Fingerpicking.net,
che non vedevo da una
vita, poi mi avvicino allo stand di
Roy McAlister dove trovo una ressa
incredibile: infatti c’è Jackson
che sta suonando varie chitarre,
tra cui un paio di Gibson d’annata
di Andrea Bagnasco, liutaio e
In concerto con la McAlister 00-45
Vintage Series (foto di Alfonso Giardino)
Jackson Browne all’Acoustic
Guitar Meeting di Sarzana
grande appassionato ed esperto
di chitarre vintage. Jackson poi
comprerà da Andrea una LG-2
davvero splendida.
Durante il giro della Fortezza accade
proprio quello che temevamo:
un paio di fan estremamente
esuberanti si avvicinano con pacche
sulle spalle, urlando cose del
tipo: «Dai Jackson, facciamo una
foto!» Jackson non fa una piega e
sottovoce dice loro: «Va bene, ma
per favore non attirate l’attenzione
della gente». E come se avesse
parlato a un muro, uno dei due
grida: “Ahò, chi mi fa la foto con
Jackson?» Allora Alessio ed io facciamo
un tagliafuori degno del miglior
Meneghin e portiamo via JB,
che di lì a poco farà il soundcheck.
Per il soundcheck JB si porta sul
palco la sua LG-2 e la mia McAlister
00-45. Quando la prova, non
trovando dove attaccare la tracolla,
mi dice nel microfono: «Andrea, no
guitar strap?» Per fortuna qualcuno
24
chitarra chitarra acustica acustica 1 1 nov.duemiladieci
duemilaundici
dei tecnici gli porta una tracolla,
che legherà alla paletta.
Si va al ristorante con Dianna,
Roy e la sua famiglia. Quando entriamo
c’era un sacco di gente che
stava guardando la finale di Champions
League di calcio. JB si ricorda
che giocava la mia squadra: al
suo arrivo, per rompere il ghiaccio e
sapendo che veniva da Madrid, gli
avevo chiesto se aveva incontrato
molti italiani in aeroporto, visto che
c’era una finale di Coppa. Allora mi
dice: «Non vai a vedere la partita?»
Gli rispondo che preferivo stare con
loro, e comunque entro mezz’ora
saremmo dovuti ritornare in Fortezza.
Ma lui non sente ragioni, si alza,
mi prende sottobraccio e mi porta
davanti alla TV dicendo: «Adesso
spiegami cosa sta succedendo»…
Vedere la finale di Champions della
propria squadra con Jackson Browne
sottobraccio è difficile da credere
pure per me, ma è successo.
Dopo cena lui chiede espressamente
di tornare un po’ prima in
Fortezza, perché vuole vedere la
performance di Victoria Vox. Appena
finita la performance di Victoria,
lo accompagno nel camerino e lui
comincia a ‘scaldarsi’, prima con
la chitarra (“Time the Conqueror”,
“The Road”, “For Everyman”, “Barricades
of Heaven” e lick vari) poi
con la voce. Quando comincia a
cantare rimango a bocca aperta:
una potenza incredibile! Jackson
spingeva di brutto con il diaframma
e tirava fuori un volume di voce
pazzesco, un volume che sicuramente
non ti aspetti da un uomo di
circa sessanta chili di peso.
Il premio e l’esibizione
Ore 22.30: showtime! Prendiamo
l’ascensore insieme, Jackson
si sistema la camicia, chiede a
Dianna come sta, poi quando arriviamo
a lato del palco chiede di
poter verificare le chitarre prima di
essere chiamato. Al che Alessio
fa fare una pausa di cinque minuti
prima di chiamare sul palco Massimo
Caleo, il simpaticissimo sindaco
di Sarzana, appassionatissimo
di musica, che consegnerà il

premio “Corde & Voci per Dialogo
& Diritti” a JB. Il sindaco poi, quasi
urlando, ringrazierà Roy McAlister
per aver aiutato Alessio Ambrosi
nell’impresa di portare Jackson al
festival di Sarzana.
Finita la cerimonia arriva il momento
che i fan, venuti veramente
da tutta Italia, stavano aspettando:
Jackson imbraccia la sua Gibson
e inizia una sempre toccante “For
Everyman”. A dir la verità all’inizio
del pezzo si nota qualche incertezza:
infatti, incredibile a dirsi,
Jackson è davvero emozionato.
Finito il primo pezzo cambia chitarra,
prende la mia McAlister 00-45
e inizia l’inconfondibile arpeggio
di “These Days”. Segue poi una
struggente “Barricades of Heaven”.
E chiude il set quella che JB
chiama una sorta di preghiera, “Far
from the Arms of Hunger”. Il pubblico
lo richiama a gran voce per
un bis, che concederà: «Questa
è una canzone che ho scritto veramente
tanti anni fa!» Si tratta di
“Take It Easy”, con il pubblico entusiasta
che batte le mani a tempo
e canta il ritornello…
Ciao ‘little brother’
Dopo i saluti si torna in camerino,
dove ci si intrattiene con Roy
e altri amici, poi si va in albergo.
Mentre siamo in macchina metto
sul lettore cd Blood on the Tracks,
e Jackson e Dianna canticchiano
dietro a Dylan. Quando arriviamo
in albergo, gli dico che l’episodio
successo con quel fan nel pomeriggio
mi aveva fatto sentire a disagio,
e lui: «Andrea, mi dispiace
tantissimo averti causato questo
disturbo. Le persone che mi stanno
vicino subiscono questo genere
di pressione e vorrei evitarlo in
tutti modi, ma purtroppo succede.
Infatti oggi è anche successo
che qualcuno mi riprendesse con
la videocamera mentre ero con
Dianna, e questo è inaccettabile.
Dianna ed io ti ringraziamo tantissimo
per esserti preso cura di noi
in questi giorni, sei stato davvero
gentile». Appena Jackson mi dice
queste cose, mi viene in mente la
Jackson Browne all’Acoustic
Guitar Meeting di Sarzana
definizione che dà di lui David Crosby:
«Se il bufalo sta morendo di
fame o il vicino rimane senza luce
elettrica, arriva subito la chiamata
di Jackson». E Nash di rimando:
«Non c’è niente che non faremmo
per questo ragazzo quando ci
chiama». Non a caso anche Randy
Newman in una canzone dal titolo
emblematico, “A Piece of the Pie”,
scrive: «E se ne fregano tutti tranne
Jackson Browne […] Bono è in
Africa – non è mai qua / Il paese
volta i propri occhi solitari verso
chi? / Jackson Browne».
La domenica è il giorno dei saluti,
e durante il check out incontriamo
alla reception Beppe Gambetta,
che presento subito a Jackson come
“un orgoglio musicale italiano”.
Durante il viaggio verso l’aeroporto
telefoniamo ad Alessio: Jackson
lo ringrazia per l’invito, per quello
che sta facendo per la musica, gli
dice che si è trovato benissimo,
che l’AGM è uno dei festival più
belli a cui abbia mai partecipato, e
che per questo gli farà tantissima
pubblicità negli Stati Uniti. All’aeroporto
di Pisa ci si abbraccia come
vecchi amici: lo ringrazio per la sua
disponibilità e ci salutiamo dicendoci
che “ci vedremo on the road”.
Ciao little brother!
Appunti finali sul ‘guitar freak’
Jackson Browne è un vero e proprio
‘guitar freak’. Ha moltissime
chitarre e, in particolare, moltissime
chitarre acustiche. Bellissima fu la
battuta di Bonnie Raitt durante un
concerto insieme, riferendosi alla
lunga fila di chitarre che JB aveva
sul palco: «Ecco il miglior modo per
usare il legno: fare chitarre da far
suonare a Jackson Browne!»
E di ogni chitarra Jackson ha scoperto
le peculiarità e l’accordatura
che la fa suonare al meglio. JB usa
moltissime accordature alternative,
perché «ogni chitarra vuole essere
accordata in un certo modo» e
perché «con un’accordatura puoi
trasformare una canzone (vedi come
ha trasformato un pezzo come
“Looking East” accordando la chitarra
in CGDGDD); inoltre perché gli
25
chitarra acustica 1 duemilaundici
ar
piacciono sonorità «piene», e a volte
deve arrangiare con la chitarra canzoni
che sono state scritte ed eseguite
al pianoforte; oppure perché
spesso va in tour da solo e deve riarrangiare
pezzi che esegue di solito
con la band. Suona molti pezzi con
chitarre accordate mezzo tono sotto
e a volte usa un’accordatura appresa
da John Leventhal, in Sol aperto
ma con la sesta corda in Do.
In tour Jackson Browne si porta
un vero e proprio ‘armamentario’
e, come il suo amico David Crosby,
non ha problemi a montare pickup
su chitarre di 70-80 anni fa. Le sue
preferite sono:
– due Gibson Roy Smeck Stage
Deluxe degli anni ’30, una accordata
mezzo tono sotto e l’altra un
tono sotto.
Poi sul palco di solito porta anche:
– una riedizione Gibson Roy Smeck
Stage Deluxe del 1994;
– tre Gibson CF-100 degli anni ’50
(una accordata in Re minore, una
in Mi bemolle minore e una in Re);
– una CF-100E accordata in Sol;
– una Martin 00-17 degli anni ’50
(in C# G# D# G# D# D#);
– una Martin D-41 degli anni ’70 in
accordatura standard;
– una Epiphone Troubadour del ’66
accordata in Mi bemolle minore;
– una McAlister Crosby Model in
accordatura standard;
– una McAlister Roy SmeckAlister
accordata mezzo tono sotto, usata
in fingerpicking;
– una McAlister baritona;
– una Ryan Mission Grand Concert
accordata in Sol.
Le sue corde preferite sono le
D’Addario. Su tutte le chitarre
monta pick up Trance Audio Acoustic
Lens T3 e, quando suona da
solo, usa anche un microfono Neumann
KM 184 e un ampli Fender
Bandmaster.
Ma queste sono solo le chitarre
acustiche che si porta in tour…
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ar artisti
John Gorka a Sarzana
Incontro con un cantautore-chitarrista di punta del nuovo folk
Lauro Luppi
Questo maggio ho avuto il piacere
di partecipare al mio secondo
Acoustic Guitar Meeting di Sarzana.
Considerando la mia prima
visita, pregustavo già la magnifica
settimana che mi aspettava con
i miei cari amici italiani, con le
belle chitarre e la musica dal vivo
del festival. Quest’anno ho portato
con me mia moglie e i miei
due figli per far loro assaporare
le bellezze naturali e storiche… il
cibo e la cultura d’Italia e la sua
In concerto al Meeting di Sarzana
(foto di Tiziano Gagliardi,
Circolo Fotografico Sarzanese)
splendida gente. Non mi aspettavo
però di avere il privilegio di conoscere
un cantautore americano
che ammiravo da anni, John Gorka.
L’ho visto in concerto diverse
volte negli Stati Uniti… posseggo
diversi suoi cd… abbiamo anche
molti amici in comune. Ho spesso
pensato a lui come a un tesoro
dell’America, uno tra i più grandi
compositori contemporanei di
canzoni… ma non l’avevo mai
incontrato. Il caso ha voluto che
26
chitarra acustica 1 duemilaundici
fosse in un’antica fortezza dell’Italia
settentrionale, dove ho avuto
finalmente l’opportunità di stringergli
la mano e dirgli di persona
quanto io ami la sua musica.
Uno dei vantaggi del mio lavoro
di liutaio è di poter incontrare musicisti
che ammiro e aver l’onore
di dir loro personalmente quanto
la loro musica significhi per me.
Ma aver incontrato John Gorka
quest’anno a Sarzana è stato molto
di più. John ed io, insieme alla
mia famiglia, abbiamo passato tre
giorni assieme, contornati amorevolmente
da un gruppo splendido
di amici speciali. Abbiamo condiviso
momenti toccanti nel corso di
riunioni private e pranzi casalinghi.
Dopo ogni pranzo John prendeva
la sua chitarra e, senza che nessuno
glielo chiedesse, ci suonava
qualche sua canzone. È quello che
ha fatto… è quello che voleva fare.
È stata un’esperienza che mi ha
colpito e che mi è rimasta dentro.
Non dimenticherò mai quei giorni
e… dagli sguardi di quei pochi che
hanno avuto la fortuna di far parte
di quei momenti, posso dire che
non sarò il solo.
Delle tante cose che mi aspettavo
da Sarzana, questa esperienza
inaspettata è quella che più risplenderà
tra i miei ricordi. Grazie John!
(Roy McAlister, Gig Harbor, 9
giugno 2010)
Miglior presentazione dell’artista
credo non potesse essere espressa,
scritta da uno che di cantautori
se ne intende, almeno credo!
Pertanto, ogni intenzione o tentativo
di presentare John Gorka può
essere messo tranquillamente nel
cassetto o postposto a quanto ha
scritto chi, bisogno di tante presentazioni
certo non ha… Tuttavia

iteniamo (plurale ‘plurale’, non
‘maiestatis’) utile e doveroso completare
i servizi sulla XIII edizione
dell’Acoustic Guitar Meeting di
Sarzana presentando John Gorka
sia in modo un po’ ‘didascalico’,
sia successivamente in modo meno
scontato in quanto, d’accordo
con lo stesso artista e con il nostro
‘capitano’ Andrea Carpi, percorrere
un binario diverso, raccontare
una storia, una storia di amicizia,
intimità, sensibilità e… treni (sicuramente
uno di troppo), può fornire
una chiave di lettura diversa,
nuova, anche se saldamente legata
alla grande tradizione del nostro
strumento. Del resto, sapete
benissimo come il cuore pulsante
di Sarzana non sia soltanto la chitarra,
ma la gente che si incontra
e che la vive.
Perché John Gorka
Potrei iniziare semplicemente
dicendo “perché è John Gorka”:
perché personalmente lo ritengo
uno dei pochissimi in grado di
proseguire la grande tradizione
della canzone d’autore a un livello
paragonabile a quello dei grandi
classici, perché è cantautore per
cantautori, mai sopra le righe, mai
scontato, perché è cantastorie e
chitarrista dotato di tecnica poco
più che elementare ma estremamente
efficace, in grado di colpire
proprio per la leggerezza con cui
accompagna una voce splendida e
perché, aspetto di importanza fondamentale,
al recente Meeting di
Sarzana ha colpito profondamente
tutti i presenti, nessuno escluso.
Per questo ritengo, ma non sono
il solo, che l’apertura del Meeting
alla canzone d’autore sia un
aspetto fondamentale da considerare
per il movimento della chitarra
acustica tutta.
Cosa segnalare
Sarò sincero, non troverete
un’incisione che è una che non
valga i soldi che costa, a testimoniare
una serie di pubblicazioni di
livello qualitativo sempre molto alto.
Anche nel caso in cui il nostro
ha registrato con una band, questa
mai è sopra le righe, sempre al
servizio dell’artista e della canzone.
Non parliamo poi della qualità delle
registrazioni: se osservate le etichette
per cui John ha pubblicato
e pubblica tuttora, riconoscerete
due etichette che hanno fatto della
qualità un vero e proprio manifesto.
Irrinunciabili sono tutti i dischi
registrati per la Red House, a cui
deve essere aggiunto il Land of
the Bottom Line che ne diffuse il
talento purissimo. Qualcuno un
po’ di maniera (After Yesterday e
Old Future’s Gone) in cui si tentò
la via della ‘Americana’ o del ‘New
Country’, via che fu causa di fraintendimento
dell’artista, che si vide
etichettato un po’ in tutti i modi,
specie in seguito agli anni trascorsi
a Nashville e alle collaborazioni con
Nancy Griffith. Sappiate che John
Gorka nel 1996 decise di lasciare la
Windham Hill, complice la tendenza
dell’etichetta ad essere, per gli
intenti dell’autore, un filino troppo
‘commerciale’. Inoltre, le radici in
New Jersey (a poche uscite dopo
sulla NJ Turnpike vive quell’altro
italo-irlandese, quello che scrisse
di ‘fabbriche e oscurità’… ) e le
tematiche delle canzoni fecero sì
che John Gorka fosse etichettato
persino come il nuovo Springsteen:
beh, nulla di più sbagliato; qui
siamo alla presenza di una carriera
e di una forma di canzone che,
pur rispettando i canoni tradizionali
della canzone d’autore americana,
è del tutto originale.
Ma… sì, c’è un ma: John Gorka
è artista da palco, per la gente,
pare trovarsi maggiormente a
proprio agio di fronte o in mezzo a
delle persone che sono pronte ad
ascoltare le sue storie (ci arriveremo).
John Gorka potrebbe porsi
nelle migliori condizioni di fronte
alla bolgia impazzita di uno stadio
così come a poche persone presenti
in una stanza, e l’effetto sarebbe
esattamente lo stesso, identico:
toccare ciascuno dei presenti
in un modo profondo ed efficace,
ottenendone l’immediato silenzio
teso ad ascoltare l’unica cosa che
27
chitarra acustica 1 duemilaundici
John Gorka
a Sarzana
ar
conta, le canzoni, cantate da una
delle voci sicuramente più belle del
panorama musicale attuale.
A costo di fare a cazzotti con chi
vi precede nella fila per accaparrarsi
l’ultima copia disponibile, dovete
avere il dvd The Gypsy Life, a
qualunque costo… ne vale la pena,
tanto il male fisico poi passa. Come
definirlo? Concerto privato, ‘concept
concert’… non lo so, so solo
che una volta inserito il prezioso
dischetto nel lettore, la prima cosa
che sorprende è l’atmosfera intima
del contesto: un tappeto, qualche
pianta, qualche microfono, una
chitarra, un mandolino, un pianoforte
e un basso elettrico (suonato
da Michael Manring). E poi? Poi…
la chitarra acustica che suona come
una… chitarra di legno, il basso
caldo e naturale che suona come
un basso e la voce sorprendente
per la presenza e la pulizia, tale da
rendere il gruppetto presente lì dietro
a voi. Tecnicamente parlando
il dvd è una meraviglia: non ci sono
riverberi elastici, equalizzazioni
pesanti, compressioni… macché,
il tutto suona in modo assolutamente
e finalmente naturale, in un
modo splendido che rende onore a
uno dei più grandi cantautori oggi
viventi. Poche cose, ma quelle giuste
nel momento giusto e al posto
giusto, una serie di canzoni che inducono
il sottoscritto a una perversa
ricerca di aggettivi, peraltro inutile
in quanto nessuno renderebbe
onore a un documento così bello e
così prezioso.
Un po’ di storia
Della discografia di John Gorka
abbiamo già detto. Vediamo ora di
capire i perché (o provarci almeno)
che portano un personaggio qui in
Italia semisconosciuto ad essere
considerato uno dei maggiori cantautori
in attività.
Gli inizi lo vedono studente di
Storia e Filosofia ed ospite fisso nel
locale di Godfrey Daniels, una delle
istituzioni musicali della parte orientale
della Pennsylvania: un piccolo
caffè e sala d’ascolto di quartiere
che, come spesso accadeva, si

ar
John Gorka
a Sarzana
trovava ad esser ritrovo di amanti
della musica e musicisti. Ben
presto l’artista ‘residente’ John
Gorka incontra Stan Rogers, Eric
Andersen, Tom Paxton e Claudia
Schmidt, ricevendone influenze e
ispirazioni. Logica conseguenza
il successivo trasferimento a New
York City, dove Jack Hardy del circolo
Folk Fast (un terreno fertile per
molti importanti singer-songwriter)
diviene una potente fonte di educazione
e di incoraggiamento.
Seguono appuntamenti importanti
come il Kerrville Folk Festival in
Texas (dove ha vinto il New Folk
Award nel 1984) e Boston, ambienti
in cui la sua voce baritonale
e la sua scrittura molto intima iniziano
ad affermarsi definitivamente.
La Red House, sempre in cerca
di talenti, lo mette sotto contratto
nel 1987 e la pubblicazione del primo
album, nello stesso anno, è un
successo sia di pubblico che di critica,
che gli favorisce il passaggio
alla Windhan Hill di William Ackerman
nel 1989. In sette anni vengono
pubblicati cinque album: Land
of the Bottom Line (uno dei miei
preferiti), Jack’s Crows, Temporary
Road, Out of the Valley e Between
Dopopranzo con gli amici a Sarzana
(foto di Andrea Fabi)
Five and Seven, mentre Rolling
Stone lo indica come «il preminente
singer-songwriter maschile del
nuovo movimento folk».
Nel 1998, dopo sette anni di Windham
Hill/High Street, John sente il
bisogno di un cambiamento e decide
di tornare alle sue radici musicali
con la Red House Records: scelta
determinata in parte dall’onestà artistica
che l’etichetta rappresenta,
in un settore dove il business della
musica troppo spesso ha la precedenza.
Come dice lo stesso John,
«la Red House mette al primo posto
la musica, come me, ed è un
buon posto in cui stare».
Il marchio di Gorka
Il disco After Yesterday rappresenta
il primo frutto di quella riunione
e riflette il costante impegno
di John Gorka nel cercare una dimensione
artigianale della scrittura,
semplice e diretta. Chi conosce
John Gorka da più tempo ritroverà
il marchio di John costituito da una
liricità ed una attenzione ai dettagli
in grado di evocare efficacemente
un tempo, un luogo, una persona
o una gamma di emozioni. Ma sono
presenti in esso anche tracce
28
chitarra acustica 1 duemilaundici
di nuove direzioni musicali, con
l’aggiunta delle percussioni, archi,
pianoforte, elementi che verranno
ripresi e raffinati in ogni elemento
della sua discografia.
Tentando di focalizzare, possiamo
affermare senza tema di smentita
che John Gorka è uno scrittore
profondamente autobiografico: la
serenità interiore di cui gode gli
permette di condividere, senza
paura, anche i recenti cambiamenti
nella sua vita (il matrimonio, la
paternità, il viaggio verso il Minnesota)
raffigurati in immagini come
in “Cypress Trees”, “After Yesterday”
e “When He Cries”. Possiamo
notare una coscienza indurita,
racchiusa in “Wisdom”, ma ogni
canzone è un piccolo capolavoro
in quanto pervasa da storia e studi
di carattere: “Amber Lee”, “Silvertown”
e “Zuly”. Ogni canzone
per John Gorka ha un’importanza
fondamentale e potrebbe essere
pubblicata anche ‘a sola’ tanto è
profonda, tanto stuzzica l’immaginazione
e l’introspezione.
Qui troviamo quello che è forse il
limite di John Gorka: i suoi dischi,
intesi come pubblicazioni di raccolte
di inediti, non sono mai di facile
ascolto, richiedono quell’attenzione
che merita ogni quadro, anche
piccolo. La profondità che mette in
ogni suo verso richiede un’attenzione
che, oggi, in molti non sono
in grado di mantenere, in quanto
Gorka risulta abile nel coniugare
nelle proprie opere una miscela di
poesia, introspezione, umorismo
(circola un video splendido della
canzone “I’m from New Jersey”
in cui John alza il braccio come
quell’altro, sempre del NJ…).
Senza dubbio una lunga strada
dagli inizi in quel caffè di Godfrey
Daniels ed una strada altrettanto
lunga da percorrere ancora. Alla
base di tutto, John Gorka è ancora
fiero di far parte di quella ‘tradizione
popolare’ che vede nella
musica acustica non una tendenza,
non una moda, ma un’espressione
profonda e intelligente della
vita quotidiana.

Perché John Gorka dunque?
Cosa ricevo dal conoscere John
Gorka? Cosa mi rimane da questo
incontro che io non abbia tentato
di trasmettere? Mo lto di non
spiegabile, molto di soggettivo,
non raccontabile se non ricorrendo
al ‘gusto personale’. In ogni
caso sappiate che John Gorka è
in grado di aprire porte di cui chi
si trova ad incrociarne le canzoni
Discografia
Album in studio
I Know, Red House Records, 1987
Land of the Bottom Line, Windham Hill/High Street, 1990
Jack’s Crows, Windham Hill/High Street, 1991
Temporary Road, Windham Hill/High Street, 1992
Out of the Valley, Windham Hill/High Street, 1994
Between Five and Seven, Windham Hill/High Street, 1996
After Yesterday, Red House Records, 1998
The Company You Keep, Red House Records, 2001
Old Futures Gone, Red House Records, 2003
Writing in the Margins, Red House Records, 2006
So Dark You See, Red House Records, 2009
Antologie
Pure John Gorka, Windham Hill, 2006
Minialbum
Motor Folkin’, Windham Hill/High Street, 1994
ignora persino l’esistenza, e di trasmettere
emozioni che originano il
dubbio quasi retorico del: «È successo
davvero?» Già… non esiste
chitarra in una stanza che lui non
riesca ad accarezzare, non esiste
persona nella stessa stanza che lui
non riesca a toccare, commuovendola
di quella commozione sincera
e spontanea. Un’immagine mi
porto dentro, una delle più care di
29
chitarra acustica 1 duemilaundici
John Gorka
a Sarzana
ar
questi quarantaquattro anni di vita:
un uomo quasi in fuga da quella
stanza, un uomo di pari sensibilità
che, calati gli occhiali da sole sugli
occhi lucidi di lacrime, ha proferito
poche ma significative parole: «Io
costruisco chitarre per questo»…
Ed è successo davvero.
DVD
The Gypsy Life (AIX Records, 2007)
Lascia un commento
Altre raccolte
Vecchie registrazioni si trovano sul Fast Folk Musical
Magazine, mentre le bellissime “I Saw a Stranger
with Your Hair” e “Christmas Bells” le trovate anche
rispettivamente su AA.VV., Legacy – A Collection of
New Folk Music (Windham Hill, 1989) e AA.VV., On A
Winter’s Solstice – Vol. III (Windham Hill, 1990).
Siti di riferimento
http://johngorka.com
http://home.kpn.nl/f2hjhmvanvliet156/home.html
[da quest’ultimo potete scaricare gratuitamente
una quantità di materiele notevole, file audio e video
messi a disposizione dagli appassionati e dallo stesso
artista, brani già editi, inediti o versioni di brani famosi]

LYRICS
ar
Sapete bene che il gusto personale
è insindacabile… ma consentitemi
di segnalare qualche
canzone tra le tante splendide.
Can’t Get over It
I can’t get over it
Better go around
Can’t get around it
I better go down
Can’t get under so
I better go up
And start all over again
I really didn’t know
Didn’t get to say goodbye
And though it still hurts
Don’t know if I’ll ever cry
I can’t find words so
I shake my head and I
Try to start over again
There’s trouble if you stay
And sorrow if you go
Seems like you leave too fast
Or you check out way too slow
Seems like every path
Leads to something I don’t know
Over and over again
Feel like I’m running under water
I’m in way up over my head
God bless the sons and the
daughters
Whose fate has not been set
Non ne vengo a capo
Meglio girare attorno
Non riesco a girarci attorno
Meglio andar giù
Non riesco ad andare sotto
Quindi meglio salire
E ricominciare tutto da capo
Veramente non sapevo
Non sono riuscito a dire addio
E sebbene faccia ancora male
Non so se piangerò mai
Non trovo le parole così
Scuoto la testa e
provo a ricominciare
È un problema se resti
E un dolore se vai
John Gorka
a Sarzana
Sembra come se te ne vada via
troppo in fretta
O passi alla cassa troppo
lentamente
Sembra come se ogni strada
Conduca a qualcosa che non
conosco
In continuazione
Mi sembra di correre sott’acqua
Ci sono dentro fin sopra la testa
Dio benedica i figli e le figlie
Il cui destino non sia segnato
The Mercy of the Wheels
I heard a train calling
Through the middle of the night
I heard the whistle
And the mercy of the wheels
It’s a hand to mouth existence
In a mouth to nothing world
I was longing
For the way I used to feel
I’d like to catch a train
That could go back in time
That could make alot of stops
Along the way
I would go to see me Father
With the eyes he left behind
I would go for all the words
I’d like to say
And I’d take along a sandwich
And a picture of my girl
And show them all
That I made out ok
I heard a train calling
Through the middle of the night
And I wondered if I
Should have gotten on
‘Cause a train knows where it’s
going
And when it’s time to go
And that it looks best
When it’s already gone
I heard a train calling
Through the middle of a dream
And I wandered through the
weeds
As it went by
Oh the trains they have the
numbers
The nicknames and the nights
30
chitarra acustica 1 duemilaundici
They know it’s ok
To run away and cry
Ho sentito il richiamo di un treno
Nel mezzo della notte
Ho sentito il fischio
E la grazia delle ruote
È un’esistenza grama
In un mondo che non dice nulla
Desideravo
Sentirmi come un tempo
Mi piacerebbe prendere un treno
Che possa tornare indietro nel
tempo
Che possa fare tante fermate
Lungo la strada
Andrei a trovare mio padre
Con gli sguardi che ha lasciato
dietro
Andrei per tutte le parole
Che vorrei dire
E porterei un sandwich
E una foto della mia ragazza
E farei vedere a tutti
Che me la sono cavata bene
Ho sentito il rumore di un treno
Nel mezzo della notte
E mi sono chiesto
Se sarei dovuto salire
Perché un treno sa dove sta
andando
E quando è il momento di andare
E che sembra meglio
Quando è già andato
Ho sentito il richiamo di un treno
Nel mezzo di un sogno
E ho girovagato tra l’erbaccia
Mentre passava
Oh i treni hanno i numeri
I soprannomi e le notti
Sanno che possono
Correre via e piangere.

ar artisti
Standing at the Crossroads
Un tranquillo weekend al festival di Eric Clapton
Stefan Grossman
Mentre ero in Tasmania ho ricevuto
una e-mail da Eric Clapton che
mi chiedeva se volevo partecipare
al suo Crossroads Guitar Festival.
Non vedevo Eric da quarant’anni.
Lo avevo incontrato la prima volta
quando avevamo suonato entrambi
al Rock’n’Roll Show di Murray The
K, che si era tenuto per dieci giorni
al Paramount Theatre di Brooklyn.
Quattro concerti al giorno con
ogni gruppo che doveva suonare
un pezzo. C’erano anche gli Who e
vederli distruggere i propri strumenti
quattro volte al giorno era veramente
esilarante! Quando sono arrivato
a Londra, due mesi dopo, le uniche
persone che conoscevo erano Eric
e Ginger Baker. Andavamo in giro a
suonare e a parlare delle nostre cose.
Perciò il fatto di ritrovarci di nuovo
mi divertiva, anche se partecipare a
un evento con così tanti numeri uno
della chitarra elettrica mi intimidiva
un po’. (foto 2)
Mi è stato chiesto di fare alcuni
pezzi da solo e due in duo con Keb’
Mo’, oltre ad un seminario di 40 minuti
sul palco della Ernie Ball al Guitar
Village. (foto 3)
Avevo conosciuto Keb’ ad un
Namm Show, e mi era piaciuta la sua
voce e la sua musicalità. In cartellone
c’era anche Bert Jansch, che non vedevo
da dieci anni. (foto 4)
Pino Daniele era un altro artista che
avrei voluto incontrare. Avevo ascoltato
la sua musica quand’ero in Italia,
e mi piacevano la sua voce, le sue
canzoni e il suo modo di suonare.
(foto 5)
C’era anche Earl Klugh, di cui avevo
seguito la musica per anni.
(foto 6)
Robert Randolph e la sua band erano
un altro gruppo che volevo ascoltare.
Poi ovviamente c’erano le icone del
blues elettrico: Jeff Beck, Buddy Guy,
Robert Cray, Jonny Lang, Joe Bonamassa,
James Burton, Dereck Trucks,
perfino gli ZZ Top, e chiaramente Eric
e Steve Windwood. Oltre alle pop star
John Mayer e Sheryl Crow.
Faceva caldo, ma veramente caldo
32
chitarra acustica 1 duemilaundici
allo stadio Toyota Park di Chicago.
Venerdì è stato il giorno più bello. Ci
sono state le prove dalle 10 di mattina
fino alle 11 di sera. Jo è venuta con
me e avevamo anche due dei nostri
figli e mio nipote Noah. E in più alcuni
amici con i propri figli. È stato un
bellissimo weekend per stare insieme
genitori e figli. Abbiamo tutti assistito
alle prove e ai vari sound check.
Un’atmosfera molto rilassata per gli
artisti, mentre gli addetti al palco e al
service audio e video hanno lavorato
duro per far funzionare il tutto.
Io e Keb’ abbiamo provato “Mississippi
Blues” e “Roll and Tumble Blues”
vicino ai nostri camerini. Abbiamo provato
diversi arrangiamenti e dopo circa
un’ora avevamo pronti i nostri duetti.
Fortuna che c’era l’aria condizionata
nell’area dei camerini e della mensa
degli artisti! Siamo stati anche fortunati
ad avere come rifugio lo stand della
Fender, che aveva un grande schermo
12’ x 20’ dove si proiettavano le partite
del campionato mondiale di calcio.
Con Eric, David (mio figlio) e Noah (mio
nipote) abbiamo guardato la squadra
degli Stati Uniti lottare per la vittoria,

ma alla fine soccombere malgrado
tutte le nostre urla. (foto 7)
I musicisti ‘acustici’, Keb’ Mo’, Bert
ed io abbiamo fatto il sound check
dopo tutti i gruppi. Erano le 10 di sera
passate e abbiamo potuto sistemare
solamente i livelli dei monitor e non
tutto l’insieme. (foto 8)
Photogallery
Clapton osserva la vecchia Stella di Grossman
Bert Jansch al soundcheck
Infatti il mio suono da solo, sabato,
era pessimo, con rientri e interruzioni.
Fortunatamente le cose sono migliorate
in duo con Keb’ Mo’. (foto 9)
Un venerdì e sabato impegnativi,
ma molto piacevoli. Del resto cosa
33
chitarra acustica 1 duemilaundici
Standing at the
Crossroads
Il seminario sul palco della Ernie Ball
Pino Daniele con Grossman
ar
c’è di meglio che trascorrere un po’
di tempo con i vecchi amici, i propri
figli e i musicisti che avresti sempre
voluto ascoltare?
Lascia un commento

ar
Photogallery
Grossman e Earl Klugh
Grossman e Keb’ Mo’ al soundcheck
Standing at the
Crossroads
34
chitarra acustica 1 duemilaundici
Grossman e Clapton seguono la partita Stati Uniti-Ghana
Grossman e Keb’ Mo’ i concerto

ar artisti
La chitarra-arpa di John Doan
Un moderno bardo dell’Oregon
a cura di Sergio Bianco, traduzioni di Pierangelo Chiodaroli
Anche quest’anno si è rinnovata
la collaborazione tra il Six Bars
Jail 1 di Firenze e la Pro Loco di
Rigomagno 2 in provincia di Siena,
in occasione dell’annuale festa “Il
Colle degli Ulivi” giunta alla trentottesima
edizione. L’anno scorso il
Six Bars Jail aveva portato nel piccolo
borgo medievale senese due
grandi della chitarra acustica europea:
il nostro Franco Morone e il
tedesco Peter Finger. Quest’anno,
a rappresentare la chitarra fingerstyle
nel ricco programma di eventi
del festival, è stato lo statunitense
John Doan. Di passaggio in Italia
per partecipare alla Convention
ADGPA di Conegliano, Doan si è
offerto con nostro grande piacere
di suonare per il Six Bars Jail e, vista
la particolarità del repertorio e
gli strumenti proposti, lo scenario
di Rigomagno ci è sembrato l’ideale.
John è uno dei pochi maestri
della chitarra-arpa a 20 corde e da
anni ha approfondito e divulgato lo
studio di questo antico strumento,
proponendo nei suoi concerti un
repertorio affascinante in gran parte
dominato dalle arie e dalle melodie
della tradizione celtica, di cui
è profondo conoscitore. Il concerto
si è tenuto lo scorso 20 giugno
nella cornice della bellissima chiesa
di San Marcellino nella piazza
principale del paese, davanti a un
pubblico numeroso ed estasiato
dalle magiche atmosfere proposte
da questo moderno bardo
dell’Oregon, il quale ha incantato
gli spettatori – oltre che con la chitarra-arpa
– anche con aneddoti
e racconti della letteratura e della
mitologia irlandese.
In attesa di recarsi alla Convention
di Conegliano, John Doan è
rimasto a Rigomagno per alcuni
altri giorni e ha soggiornato, ospite
di Riccardo Luchi del Six Bars
Jail, in un casolare in pietra tra gli
olivi delle splendide colline senesi,
dove pochi fortunati lo hanno
continuato a sentir suonare e improvvisare
seducenti melodie, che
ci aspettiamo di trovare nei suoi
prossimi lavori. Da questo breve
soggiorno è nata inoltre un’inaspettata
amicizia tra noi del Six
Bars Jail e John Doan con sua
moglie Deirdra. E non poteva essere
altrimenti, vista la semplicità e
la simpatia di queste due persone.
John, entusiasta del clima che ha
trovato e dell’accoglienza ricevuta,
ha chiesto poco prima di salutarci
di far parte della nostra associazione,
per cui adesso compare nel
nostro sito web tra i membri del
Six Bars Jail. La cosa ovviamente
ci rende molto orgogliosi. Durante
il suo soggiorno toscano è nata
infine l’idea di questa intervista,
allo scopo di saperne di più sulla
sua musica e sugli strani strumenti
che suona, nella speranza che
ciò possa avvicinare anche altri
appassionati del fingerstyle verso
questo genere musicale.
36
chitarra acustica 1 duemilaundici
L’intervista
La curiosità ci porta a chiederti
come accade che ci si avvicini ad
uno strumento così particolare come
una chitarra-arpa?
In un mondo sempre più pieno
di cose fatte a macchina, tutte
uguali, ho trovato rigenerante celebrare
l’insolito. Sono cresciuto
a Venice in California, un posto
ispirato da Venezia in Italia. Credo
che la bellezza e l’insolito mi
sembrassero andare a braccetto
quando ero giovane e quando, da
teenager, suonavo una 12 corde
e un’elettrica a doppio manico in
un gruppo rock. Più tardi, mentre
studiavo musica all’università, fui
introdotto alla chitarra classica. Mi
piaceva molto la musica per liuto e
rimanevo a bocca aperta di fronte
al suono di tutte quelle corde.
Quando, in seguito, ho trovato
una chitarra-arpa vecchia di un
secolo sulla parete di un negozio
di strumenti musicali, ho sentito
il richiamo della sua bella forma e
dell’insolita collezione di corde in
più. Ero curioso fino a soffrirne e
volevo trasformare il suo abbandono
e il suo silenzio in qualcosa
John Doan

di vivo e vibrante. Fare musica sulla
chitarra-arpa è stata, e continua
ad essere, un’avventura.
Qual è l’origine della chitarraarpa?
Te la sei fatta costruire seguendo
il modello di altri strumenti,
oppure è stata costruita su tue
indicazioni originali? Quale accordatura
si usa?
La chitarra-arpa era popolare
negli Stati Uniti tra il 1890 e gli anni
venti. Veniva suonata nelle orchestre
di mandolini, negli spettacoli
di vaudeville e nei salotti. In Europa
la chitarra-arpa ha cominciato a
essere popolare a partire dal 1840
ed è cresciuta in popolarità agli inizi
del 1900 soprattutto in Germania
e in Italia. Pasquale Taraffo è
uno dei grandi maestri italiani dello
strumento agli inizi del XX secolo. 3
Per quel che concerne il mio
strumento, l’ho commissionato a
John Sullivan nel 1986 con la supervisione
e il progetto di Jeffrey
Elliot di Portland nell’Oregon. Jeffrey
ha realizzato chitarre per Julian
Bream, Ralph Towner e altri;
mi eccitava vedere come avrebbe
affrontato la sfida posta dal numero
di corde e come sarebbe
riuscito a soddisfare i miei requisiti
di equilibrio tonale, usando corde
di acciaio. Sebbene il progetto sia
basato su quello delle chitarre-arpa
Knutsen, Dyer e Gibson di un
secolo prima, è stato completamente
modificato per ottenere uno
strumento che suoni con lo stesso
volume su tutta la sua estensione
(come il pianoforte). È considerata
la ‘prima chitarra-arpa moderna’
dei nostri giorni. Ne sono state
fatte un sacco di copie e recentemente
è apparsa sulla copertina
della rivista American Lutherie. 4
Dal punto di vista della tecnica,
qual è la differenza per chi suona
una tradizionale chitarra a 6 corde
o una a 20? Esiste una letteratura
in materia per chi volesse cimentarsi,
oppure l’unica strada è quella
dell’autodidattica?
La versione a 20 corde della
chitarra-arpa che suono io è praticamente
una chitarra con corde
in aggiunta su entrambi i lati. Sul
manico centrale si può utilizzare
la tecnica con cui ci si sente più
a proprio agio sulla chitarra tradizionale.
Ho trovato utile utilizzare
la tecnica del liuto per la mia mano
destra dove, invece di allineare le
nocche delle dita con le corde, arrivo
quasi ad allineare le dita con le
corde. Questo mi consente di arrivare
meglio sia ai bassi liberi che
ai superacuti, e dà un suono più
caldo alle corde pizzicate.
Riguardo allo studio della chitarra-arpa,
ogni anno organizzo
dei corsi a luglio a casa mia, dove
ospito allievi che vengono per
studiare da ogni parte del mondo.
Insegno diversi esercizi su scale,
intervalli e diteggiature degli accordi.
Sono anche disponibili gli spartiti
della musica che ho registrato
negli anni, se qualcuno mi vuole
scrivere per chiederli. Inoltre ho realizzato
un dvd intitolato In Search
of the Harp Guitar [Fisher-King
Productions, 2005], che mostra la
storia, i fabbricanti e i musicisti che
suonano questo strumento. 5
Ma fondamentalmente, si deve
prendere in mano la chitarra-arpa e
divertirsi. Suonarla come piace ed
esplorare un mondo nel quale si è
completamente immersi nel suono.
E dal punto di vista interpretativo?
Ti abbiamo sentito suonare
anche “Purple Haze” di Jimi Hendrix:
questo vuol dire che si può far
tutto su questo strumento, oltre al
repertorio celtico-irlandese che ovviamente
sembra il più adatto?
Suono diversi stili di musica sulla
chitarra-arpa, fondamentalmente
ogni stile che si possa suonare
su una chitarra tradizionale. La
chitarra-arpa ti dà più risonanza,
estensione e comodità. Ciò a cui
non pensano di solito i chitarristi è
che sulla chitarra, per ottenere una
nota, occorre far due cose contemporaneamente:
pizzicare con
la mano destra e premere in corrispondenza
dei tasti con la sinistra.
Sulla chitarra-arpa si può semplicemente
pizzicare un basso libero
o un superacuto, e la mano sinistra
37
chitarra acustica 1 duemilaundici
La chitarra-arpa
di John Doan
ar
è libera di suonare qualsiasi cosa
sulla tastiera, senza restare fissa
in una posizione per tenere premuta
una nota dei bassi o mantenere
una nota della linea melodica
quando bassi e armonia potrebbero
cambiare. Amo il fingerstyle, la
musica classica, il rock, la musica
irlandese e altro, e a volte combino
gli stili per dire qualcosa che immagino
musicalmente.
A proposito del repertorio dominante
nella tua produzione discografica,
abbiamo constatato dal
vivo che tu hai una grandissima
conoscenza della musica, ma anche
della cultura e della tradizione
dei paesi di origine celtica: da dove
nasce il tuo interesse per questo
filone? Hai origini irlandesi?
Cerco di essere prima di tutto
un musicista e poi un chitarrista o
un chitarra-arpista. Credo che la
musica abbia un significato e così,
spesso, mi trovo a scrivere di ciò
che agita il mio cuore e la mia anima
mentre cerco di dare un senso
al mondo che mi circonda. Tendo
a sviluppare i miei lavori musicali
attorno a un concetto, così i miei
album non sono solo una collezione
di brani per chitarra ma un
tentativo di capire qualcosa.
Il mio cd natalizio Wrapped in
White – Visions of Christmas Past
[Hearts O’ Space, 1995] cerca di
infondere nuova vita a vecchi brani
natalizi, utilizzando dozzine di
strumenti vecchi di un secolo in
La chitarra-arpa di John Doan

ar
La chitarra-arpa
di John Doan
nuovi arrangiamenti e in medley,
che spesso sono trascritti per
orchestra da camera o piccoli
ensemble. Lo spettacolo televisivo
con questa musica, A Victorian
Christmas with John Doan
[OPB, 1993], è stato nominato
agli Emmy Awards come “Best
Entertainment Special of the Year”
[‘Miglior programma di intrattenimento
dell’anno’]. 6 In questo
programma cerco di ricreare un
tempo in cui i musicisti intrattenevano
veramente se stessi e
gli altri, prima che le macchine lo
facessero per noi. È spesso una
rivelazione per il pubblico il fatto
che noi viviamo sempre meno attivamente
le nostre vite, e invece
guardiamo altri farlo nei film, negli
eventi sportivi, nei concerti…
I miei album Eire – Isle of the
Saints [Hearts O’ Space, 1997],
che ha vinto il titolo di “Miglior album
celtico dell’anno”, e Wayfarer
– Ancient Paths to Sacred Places
[Hearts O’ Space, 1999] sono degli
schizzi musicali che ho fatto sul
luogo, in Irlanda e nelle Isole Britanniche,
e che raccontano la vita e i
tempi di San Patrizio. La storia di
questi luoghi, che ho raccontato in
musica, era così interessante che
mi sono trovato a voler ridare vita
alla tradizione da cantastorie dei
vecchi bardi irlandesi nei miei concerti.
Questo dà vita alla musica e
aiuta il pubblico a seguire e ad apprendere
dal suo significato.
Per quel che riguarda le mie origini
celtiche, sicuramente in me
c’è qualcosa di irlandese. Il mio
cognome Doan viene da “Dun”,
uno dei sei nomi celtici con cui
si indicava una collina fortificata.
Forse è per questo che mi sono
sentito così a mio agio sulla collina
fortificata di Rigomagno… ma in
realtà credo che sia stata la meravigliosa
e calorosa gente etrusca
che mi ha fatto innamorare della
vostra collina fortificata!
Hai in cantiere nuovi progetti
musicali?
Nel corso di un faticoso lavoro
di ricerca sulla storia della chitarraarpa,
ho scoperto dieci opere per
arpa-lira scritte da Fernando Sor.
La cosa sorprendente è non soltanto
che questi brani siano estremamente
dolci e lirici, ma anche
che non siano più stati rappresentati
in pubblico dal 1830! Mi sono
John Doan Lascia un commento
38
chitarra acustica 1 duemilaundici
sentito come Indiana Jones che
riscopre una musica dimenticata
per uno strumento dimenticato… 7
Da quel momento mi sono appassionato
alla musica di Sor e ho
trovato lo strumento che, sotto la
sua supervisione, è stato costruito
nel 1819 a Londra come copia
della sua chitarra da concerto.
Quindi ho scritto un album tributo
a Sor su questo strumento, usando
il suo linguaggio musicale, instaurando
una conversazione con
lui attraverso i secoli. È una musica
molto romantica e tra le più
delicate che io abbia scritto fino a
oggi.
Dopo questo progetto porterò
a termine un altro album intitolato
Icons of the Sixties, che comprenderà
versioni per chitarra-arpa di
brani di Jimi Hendrix, Jim Morrison,
Paul McCartney e altri.
Ringraziamo il Six Bars Jail
(www.sixbarsjail.it) per il contributo
dato alla realizzazione di questa
intervista.
Note
1 http://www.sixbarsjail.it.
2 http://www.rigomagno.it.
3 http://www.harpguitars.net/players/taraffo/taraffo.htm.
4 I disegni sono stati pubblicati
e possono essere acquistati su
Internet all’indirizzo http://www.
luth.org/plans/harp.htm.
5 Per saperne di più circa i corsi,
gli spartiti e il dvd citati in questo
paragrafo, potete consultare il sito
http://www.johndoan.com.
6 Il filmato è contenuto, insieme
all’altro special televisivo A
Christmas to Remember with
John Doan (OPB, 1991), nel dvd
Christmas Combo disponibile
all’indirizzo http://www.johndoan.
com/products.html.
7 John Doan ha interpretato queste
dieci composizioni nel cd The
Lost Music Of Fernando Sor, Tapestry,
2008.

c recensioni
Daniele Bazzani
Untitled 2010
Fingerpicking.net
«Best unknown guitar talents out
there? There’s a guy from Italy called
Daniele Bazzani, who plays well, really
well». Parola di Tommy Emmanuel. La
domanda è: chi sono io per smentire
lo stellare Tommy? Nessuno: soprattutto
perché non c’è alcuna ragione
per dar corso ad una smentita. Anzi.
È vero: Bazzani suona bene, davvero
bene. Ma la cosa non finisce qui. C’è
di più. Molto di più. E ci sono almeno
altri due elementi importanti da considerare
quando si ascolta il suo lavoro:
la scrittura e la strada. Partirei dalla
seconda, anche perché mi sembra
rivesta un ruolo fondamentale nella
nascita, nello sviluppo e nella maturazione
della prima. Con strada intendo
sia il percorso personale di Bazzani,
ricco – malgrado l’età – di esperienze
professionali importanti e certamente
significative, in Italia e all’estero, sia il
valore che il concetto di ‘strada’ ha
nelle radici del fare musica con la chitarra
e nella cultura che tali radici hanno
determinato in questi ultimi, ormai,
cento anni. La strada come simbolo
esistenziale, dunque, ma anche come
punto di osservazione e luogo privilegiato
dell’esecuzione e della creazione
musicale. Quella stessa strada
(tanto dolorosa, quanto luminosa) attraverso
la quale nonno blues ha dato
alla luce i tre grandi papà della musica
‘popolare’ contemporanea: jazz, rock
e pop. C’è molta di questa strada
nei piedi, negli occhi, nella testa, nel
cuore e nelle dita di Daniele Bazzani
e non credo sia un caso che le immagini
della copertina siano intrise di
riferimenti a lei. Impossibile non notare
(oltre alla strada stessa, al lato della
quale il chitarrista allarga le braccia
alla folgorazione dell’ispirazione, in
uno stilema classico dell’iconografia
blues) tutta una serie di richiami simbolici,
che rimandano istantaneamente
al concetto stesso di ‘crossroads’
– tra i più fertili di filiazioni creative – e
a copertine-icona, come quella del
mitico Nashville Skyline (Bob Dylan,
1969). Sì, perché la strada di Bazzani
parte certamente dal ‘delta’ di
Mr. Johnson & Co., passa inequivocabilmente
per la straordinaria fucina
creativa di Nashville (dove tra l’altro,
nel 2008, hanno smesso di vibrare le
corde del grande Jerry ‘Guitar Man’
Reed, al quale è certamente dedicato
il bellissimo bluesy-rag “So Long,
Jerry”), si bagna (a lungo) nelle rigeneranti
acque di Liverpool e riscende a
ritrovare misura ed equilibrio nella dolente
mediterraneità di Roma e Napoli
(pregevoli le riletture di “Roma nun fa’
la stupida stasera” e “Reginella”). Un
viaggio lungo il quale il nostro non perde
mai di vista il senso e il gusto per
un ingrediente fondamentale: la melodia.
L’ingrediente che – a mio modo
di vedere – marca il confine tra quanti
sanno ‘cosa’ dire e non soltanto ‘come’
dirlo. E una cosa è certa: Daniele
Bazzani appartiene alla (circoscritta
e fortunata) schiera di quei musicisti
che posseggono un ‘come’ adeguato
all’alto valore del ‘cosa’. Tutt’altro che
facile. Tutt’altro che frequente. L’insegna
luminosa che segnala la presenza
di un musicista. Sebbene, naturalmente,
un ascolto attento riveli come
siano stati molti altri i porti intermedi
toccati nel corso di una navigazione
lunga (e sempre aperta alle contaminazioni
con le buone vibrazioni), quelle
segnalate appaiono, tuttavia, le tappe
essenziali del percorso fondativo
dell’espressività dell’autore e interprete
di questo Untitled 2010. Una casa
con molte stanze (15: roba da album
doppio, soprattutto di questi tempi!):
tutte diverse e tutte meritevoli di una
visita e una sosta. Visita e sosta che
non rischiano mai di deludere. Anzi.
Forse è proprio per questo – azzardo
– che l’album resta ‘Untitled’ e che
il suo autore lo sigla ‘2010’, come a
40
chitarra acustica 1 duemilaundici
volerlo situare nel tempo, indicando
il momento di una breve sosta, nella
quale ordinare le immagini e i pensieri
raccolti, per fissarli nei solchi iridati di
un cd, in attesa di riprendere ciò che
la musica ci chiede di fare: cercarla e
crearla... along the road.
Andrea Valeri
Maybe
Vinile Records
Giuseppe Cesaro
Credo sia la prima volta, in più di
vent’anni di articoli sui miei incontri
con la musica e i musicisti, che mi
capiti di parlare del disco di un chitarrista
targato anagraficamente 1991:
l’età di mia figlia. Mi rendo conto che,
prima o poi, doveva pur capitare, ma
non nego che la cosa faccia un certo
effetto. E, ascoltando le undici (belle)
tracce di questo Maybe, mi fa ancora
più effetto l’idea che un ragazzo di
non ancora vent’anni possa mostrare
un così invidiabile rapporto con la sua
sei corde. Ma il talento è talento e non
conosce età. Ed è del tutto evidente
che, qui, del talento c’è. Non so voi,
ma personalmente sono sempre felice
di incontrare – anche se, per ora,
solo attraverso l’acustica delle note –
chitarristi come Andrea Valeri. Anche
perché non si tratta di incontri così
frequenti. Felice, ma anche preoccupato.
Non fraintendete: preoccupato
in senso positivo. Per la speranza che
il talento abbia la sapienza (l’occasione,
evidentemente, l’ha già avuta) di
riuscire a mantenere ciò che promette.
Che non è certo poco. Come diceva
uno dei grandi maître à penser

ecensioni
del Novecento – l’Uomo Ragno – «da
un grande potere derivano grandi responsabilità».
Ora, se alla parola “potere”
sostituiamo la parola “talento”,
cogliamo il senso di questa mia preoccupata
speranza. La cosa di Andrea
che colpisce sin dal primo ascolto
è la straordinaria contiguità con lo
strumento. Si sente subito che tra lui
e lei c’è una relazione immediata. Nel
senso letterale del termine: priva di
mediazioni. Ascoltandolo hai l’impressione
(confermata da quanto è visibile
in rete) che lo strumento sia una sorta
di emanazione diretta della persona.
Come se la ‘voce di fuori’ non avesse
alcuna difficoltà a dar voce alla ‘voce
di dentro’. Il passaggio dalla seconda
alla prima appare, infatti, quasi istantaneo.
Il che è un dono. Grande. Tutto
fluisce naturale, spontaneo, immediato.
Tutto viene ‘facile’. O, meglio, sembra
facile. Ed è proprio questa apparente
facilità uno dei segni rivelatori
del talento. Una facilità che, però, è
moneta a due facce. Da un lato, porta
spalancata verso la creatività; dall’altro,
pericolosa tentazione di strada
già compiuta, di fatica già archiviata.
L’idea di possedere già ciò che – per
ovvie ragioni – ancora non si può possedere.
Ascoltando Maybe si sente la
passione, si sente il cuore (grande), si
sente la vitalità (prorompente), si sente
l’istinto. Si sente, cioè, che la musica e
la chitarra hanno scelto Andrea. Non
serve fare esempi: tutte le tracce di
questo album dicono la stessa cosa:
c’è un ragazzo al quale la musica
‘dà del tu’, il quale, a sua volta, ‘dà
del tu’ alla chitarra. Cosa vogliamo di
più? Nulla. O, maybe… Veramente,
se posso, una cosettina ci sarebbe:
che non si lasci tentare e non tradisca
questo dono. Che continui a
lavorare per trovare quel delicatissimo
e fondamentale equilibrio tra ciò
che è in potenza (‘natura’) e ciò che
sarà in atto (‘cultura’). Il mai agevole
passaggio da ‘chitarrista’ ad ‘artista’.
Che ricambi, cioè, ciò che la musica
ha fatto scegliendo lui e che, anche
lui, scelga lei. Perché la sua lingua sia
sempre più sua e il valore, il senso, la
profondità, l’originalità del suo ‘cosa’,
raggiungano presto l’immediatezza,
la cristallinità, la freschezza e l’energia
del suo ‘come’. Solo così, nota dopo
nota, questo Maybe diventerà «Sure!»
e le promesse saranno mantenute.
Per il suo, e per il piacere di tutti noi.
Guitar Republic
Guitar Republic
CandyRat Records
41
Giuseppe Cesaro
Un disco di chitarra da non ascoltare
come un disco di chitarra.
Devo ammettere che all’inizio ero
un po’ prevenuto. Sono legato a una
concezione tradizionale e fondamentalmente
melodica della chitarra acustica,
pur riconoscendo e apprezzando
quanti stiano cercando, riuscendoci,
nuovi percorsi, nuove soluzioni tecniche
e nuove sonorità. Ho deciso,
quindi, di approcciare l’ascolto di questo
primo lavoro del trio formato da
Sergio Altamura, Stefano Barone e
Pino Forastiere con semplicità, senza
crearmi preconcetti, con la mente libera,
facendomi accompagnare dalla loro
musica mentre scrivevo al PC. Mi sono
sorpreso più volte con gli occhi fissi sullo
schermo e con le dita che non andavano
più sulla tastiera, assorto nell’ascolto
dei brani di Guitar Republic.
Tutto ho pensato tranne che alla
chitarra.
Così, le associazioni musicali e non
che mi sono venute in mente durante
l’ascolto potrebbero sembrare (e forse
lo sono) incongruenti, inappropriate, a
dir poco assurde, ma a me appaiono
come rappresentative di ognuno dei
nove brani che compongono il CD, un
modo come un altro per descrivere le
sensazioni provate.
chitarra acustica 1 duemilaundici
rc
Originale e divertente la decisione
che ha portato a inserire nei titoli
sempre un riferimento a “Republic” o
a “GR”, un continuo gioco di parole
come a voler ribadire la compattezza,
l’uniformità e anche la determinazione
di questo trio a proporsi come
una cosa sola.
”GR Airport”: in attesa del volo
che dal Brasile porta alla Terra del
Sol Levante, tra la fretta della gente
e gli orari di arrivi e partenze che si
rincorrono.
”Funky Sex Republic”: vaghi echi
hendrixiani con venature ‘principesche’
(non saprei come meglio riferirmi
al folletto di Minneapolis!).
”Republic Avenue”: un Piazzolla
condito da ritmi tribali.
”Radio Republic”: per ricordare
cosa si può ancora incontrare sulla
strada che da Parigi porta al Texas.
”Ghetto Republic”: si ritorna ai ritmi
funky, attraversando di notte vicoli
bui e silenziosi.
”Luna Park Republic”: ossessiva,
martellante come il sangue pompato
nelle tempie dopo una corsa sulle
montagne russe.
”GR Station”: ricordando Hackett,
colti da improvvisa nostalgia, il carillon
che non ti aspetti dopo una serata
di divertimenti.
”TCLD GR”: una danza ostinata,
incalzante, rituale, in compagnia delle
streghe alla luce dei falò.
”The Rite of the Republic”: visionaria
e onirica con i suoi intrecci e le
voci processate.
Un prodotto maturo, dal quale si
percepisce il grande lavoro svolto per
amalgamare i diversi suoni delle tre
Martin D-28, per la cura avuta negli
arrangiamenti, per l’affiatamento raggiunto,
con Sergio Altamura che caratterizza
le varie composizioni con le
sue sonorità inusuali, Stefano Barone
che riveste – tra i tanti – il ruolo di elettronico
del gruppo, e Pino Forastiere
– il più tradizionalmente moderno dei
tre, che mette al servizio degli altri la
sua grande tecnica chitarristica.
Alla fine, ti resta una grande curiosità:
come sarà dal vivo?
Alfonso Giardino

st strumenti
Eccoci a parlare di uno di quei
prodotti che, con l’avvento delle
nuove tecnologie (avrà senso
chiamarle ancora ‘nuove’?), offre
all’utente medio delle opzioni
fino a poco tempo fa impensabili.
L’oggetto in questione è un
microfono a condensatore con
pattern cardioide, costruito dalla
britannica sE Electronics
(www.seelectronics.com), in particolare
il modello USB 2200A
(319,00 euro di listino) dotato sia
della tradizionale uscita XLR che
di una più moderna USB.
A cosa serve, vi chiederete?
In sintesi: possiamo collegare
il 2200A a un ingresso USB del
nostro computer (PC o Mac) e
registrare tramite software di registrazione,
mono o multitraccia
non fa differenza… sEnza (notare
la maiuscola…) scheda audio! E
questa è la vera novità. Il 2200A
viene riconosciuto come un microfono
esterno, tipo quelli integrati
nelle webcam, per capirci, e
offre il suo segnale a qualunque
programma di registrazione (o
riproduzione in caso di podcast)
con cui lo volessimo usare. La
differenza con i prodotti fino a
poco tempo fa sul mercato è la
qualità: microfoni a condensatore
di questo tipo hanno di solito
bisogno di una scheda audio e
dell’alimentazione a 48 volt definita
phantom; questo modello
può funzionare sia in maniera
tradizionale che via USB.
Esempio: abbiamo un piccolo
netbook e l’sE 2200A, ce ne
andiamo in un campo di grano
o al mare di notte (occhio alla
sabbia), accendiamo il portatile
e relativo programma (il gratuito
Audacity è perfetto), colleghiamo
il microfono, attendiamo che
venga riconosciuto dal sistema,
premiamo Rec e iniziamo
Microfono USB sE
Electronics 2200A
a registrare. Prese di corrente?
Schede audio? Tecnici del suono?
Sbalzi di tensione? Un lontano
ricordo.
Il nostro studio di registrazione
è il mondo. E a che qualità! Sì,
perché come potrete aver modo
di ascoltare dai sample audio,
nella versione online dell’articolo,
qui si fa davvero sul serio.
Andiamo per ordine
Va detto che non è l’unico
modello sul mercato, altrimenti
sembreremmo di parte: molti
produttori si stanno attrezzando
ed i modelli in commercio sono
tanti. Noi oggi però scriviamo di
questo, ringraziando la MidiWare
42
chitarra acustica 1 duemilaundici
di Roma che ce lo ha gentilmente
fornito (www.midiware.com).
Bel design, colori bianco e silver
che lo dividono a metà, apparentemente
robusto, pesa poco
più di mezzo chilo. È dotato
di un’estensione che ne permette
l’aggancio a una tradizionale
asta microfonica e i controlli,
tutti sul r etro, sono: attenuatore
0dB/-10dB, selettore Apple/PC
per uso con sistemi diversi, filtro
per tagliare le basse frequenze
in caso di utilizzo podcast o simili
(per l’utilizzo con la chitarra
acustica lo lasceremo inattivo).
L’uscita cuffia a disposizione
è dotata anche di un controllo
volume indipendente a latenza

zero, molto utile per ascoltarsi
registrando più tracce. Infine le
due uscite, XLR e USB.
Non resta che farsi un giro
L’utilizzo è davvero semplice,
basta collegare il microfono ad
una uscita USB e il sistema lo
riconosce immediatamente. Abbiamo
provato a registrare sia
con un software professionale
come Cubase, sia con il gratuito
Audacity: entrambi i sistemi
funzionano perfettamente con il
2200A, anche se bisogna perdere
un momento a settare il gain
in ingresso. Questo perché, non
avendo una scheda audio con i
suoi controlli, il volume in entrata
è gestito dal sistema: si dovrà
quindi aprire la finestra di dialogo
Suoni > Proprietà e cercare Riproduzione
e Registrazione, selezionare
la voce sE USB 2200A
e dovremmo essere pronti a
partire.
Quello che abbiamo notato immediatamente
è che il volume in
ingresso è apparso molto basso:
il primo tentativo è stato quello di
alzare il gain del Mic Input di Windows,
con il risultato disastroso
di una distorsione completa di
tutto il segnale. Allora (perdendo
solo qualche minuto) abbiamo
cercato il giusto compromesso
di livello in ingresso, che abbiamo
dovuto tenere basso per poi
alzarlo in seguito, e tutto è andato
a posto. Essendo abituati
a usare una scheda audio, abbiamo
dovuto cercare un setup
adatto, niente di spaventoso.
I sample che potrete ascoltare
sono tre, ma doppi: il primo è
sempre relativo al tradizionale utilizzo
via XLR e scheda audio (una
Presonus Firebox); il secondo
via USB. Ho cercato di suonare
passaggi simili con ogni chitarra,
esempi diversi per strumenti
diversi: una classica artigianale
Bruno Tozzi del 1982, una Martin
OM-28V e una Martin D-28.
A registrazione finita
Il primo impatto riascoltando
la ripresa via USB è stato strano,
non vedevamo quasi l’onda
del segnale registrato; anche se
c’era, era però molto basso. Purtroppo,
senza scheda audio, si
può intervenire poco in tal senso.
Va detto però che, normalizzando
il tutto a cose fatte, il timbro
è risultato ottimo e con poco
fruscio di fondo, che è il rischio
maggiore quando si interviene
in maniera digitale sul segnale a
cose fatte. Il risultato è convincente
sia con Cubase che con
Audacity, crediamo quindi anche
con qualsiasi altro software.
Il 2200A suona alla grande se
utilizziamo la tradizionale uscita
XLR. Non dimentichiamo che la
scheda usata in questo caso si
colloca in una fascia di prezzo
superiore ai 300 euro ed è dotata
di uscita Firewire e non USB,
ha prestazioni ottime ed è quindi
un valore aggiunto non da poco.
Chissà con un vero preamplificatore
da studio quale sarebbe
il risultato. Il nostro intento è però
quello di verificare se l’utente
medio o addirittura i principianti,
che non hanno accesso a costose
configurazioni per registrare
la propria musica, si possano
avvantaggiare da una simile e
43
chitarra acustica 1 duemilaundici
Microfono USB sE
Electronics 2200A
st
innovativa tecnologia, e la risposta
è decisamente “sì”.
Abbiamo testato l’sE anche
con un piccolo PC portatile con
schermo da 10”, i netbook che
tanto si vedono in giro, e il risultato
è lo stesso: in fondo se la
scheda audio è interna al microfono,
e il microfono è lo stesso,
così come il software, c’è poco
da girarci intorno, il risultato può
cambiare di poco. Il consiglio è
quello di connettersi via USB direttamente
al PC, non a uno di
quei moltiplicatori di porte oramai
molto diffusi.
Ovviamente non ci siamo fatti
scappare la possibilità di confrontare
il 2200A con altri microfoni
di fascia anche superiore, e
dobbiamo dire che fa la sua figura.
È piuttosto aperto sulle alte,
molto definito, e ha una sensibilità
che è quella tipica dei microfoni
a condensatore: un prodotto
di media fascia di qualità, ottima
scelta se avete dei dubbi su cosa
acquistare per iniziare la vostra
professione di chitarristi-tecnicidel-suono
di voi stessi.
Tutti i file che ascoltate sono
gli originali WAV non convertiti in
MP3 e senza alcun intervento di
equalizzazione, quindi considerate
che sono migliorabili sotto
diversi aspetti: come al solito
non ci interessa far sentire pesanti
interventi di EQ, quanto la
pasta sonora del mic.
In conclusione
A questo prezzo abbiamo diverse
opzioni di acquisto; va detto
però che la ‘doppia vita’ del
2200A lo rende appetibile sia dal
principiante che dal professionista
più smaliziato. Del resto la sE
è un marchio che si sta facendo
apprezzare per la qualità e il prezzo
competitivo dei suoi prodotti:
molti altri modelli sono disponibili
nella linea di microfoni tradizionali,
potete trovarli visitando il
sito ufficiale sE Electronics.
Daniele Bazzani
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st strumenti
Ken Kantor è uno che non scherza. Affatto. Dopo
aver contribuito a creare e lanciare aziende del calibro
di Intelligent Audio Systems, Vergence Technology,
NHT e Tymphany, quando ha fondato la sua
ZT Amplifiers ha candidamente dichiarato di voler
rivoluzionare il mondo dei sistemi di amplificazione.
E nessuno si è messo a ridere, anzi. Perché il designer
e progettista californiano è uno da prendere
assolutamente sul serio. Già la serie The Lunchbox
per chitarra elettrica ha lasciato tutti a bocca aperta:
sembra incredibile che un oggettino di quelle
dimensioni riesca a produrre tanto volume e tanta
pressione sonora. E Kantor ha rilanciato con la versione
per chitarra acustica, che è ancora più raffinata
e interessante.
L’ingombro dell’amplificatore è assolutamente
ridicolo (25 cm il lato più lungo), il peso irrisorio
(5,4 kg). Il tutto montato in un cabinet di legno crema,
con venature marroni, molto elegante. La rete
davanti al cono da 6,5”, in plastica marrone dello
stesso colore di potenziometri e maniglia per il trasporto,
completa un look davvero azzeccato. Sembra
davvero un cestino per il pranzo. Con 200 W
di potenza in classe A/B, però, non si tratta esattamente
di un giocattolo. Le dotazioni di serie, del
resto, parlano chiaro.
Due canali, uno sbilanciato
e uno microfonico
con controlli sul pannello
superiore, che condividono
Master Volume e
Anti Feedback, ma con
Gain, Trebble, Bass e
Reverb dedicati.
Sul retro, accanto
all’ingresso per il microfono,
jack o XLR, trovano
posto un Aux In per
fonti sonore esterne,
Send e Return per la
mandata effetti, uscita
per le cuffie con volume
dedicato, attacco per
speaker esterno e interruttore
per l’esclusione
del cono. Naturalemente
è presente anche il
pulsante di accensione,
anche se non è poi così
scontato nelle ultime
ZT Lunchbox Acoustic
ampli per acustica
44
chitarra acustica 1 duemilaundici
produzioni di materiale elettronico, con l’attacco
per il cavo di alimentazione e la possibilità di commutare
il trasformatore tra 115 e 230 V. Dettaglio
non da poco. Una seconda maniglia, questa volta
cromata, serve anche da protezione per il potenziometro
delle cuffie e delle varie connessioni.
Nel complesso la costruzione del Lunchbox è assolutamente
impeccabile. Incastri netti e puliti, finiture
perfette e quell’aria un po’ rétro che si addatta
perfettamente all’idea che l’oggetto vuole comunicare.
È evidente che siamo davanti a un progetto di
livello professionale, in cui la miniaturizzazione è un
plus da apprezzare e non lo sfizio dell’ennessimo
gadget tecnologico, destinato a durare dall’alba al
tramonto.
È il momento di andare a sentire come suona. La
prima cosa che colpisce, naturalmente, è il volume:
impressionante. In termini assoluti e ancora di più
rapportato alle dimensioni della fonte. Lo ZT Acoustic
è estremamente rispettoso delle caratteristiche
dello strumento, non ci mette nulla di suo. La pasta
sonora è equilibrata, bilanciata e di qualità.
I controlli, anche se essenziali, permettono comunque
interventi sostanziali. L’Anti Feedback,
con tre tagli preimpostati, fa il suo dovere, ma

senza fare miracoli. La dotazione di ingressi permette
di soddisfare le esigenze del chitarrista acustico
moderno, che ormai difficilmente si accontenta
di un sistema di amplificazione a fonte singola. Il
controllo di gain permette di mixare i due canali ai
livelli desiderati e permette di gestire senza grossi
problemi anche rilevatori passivi.
Da non trascurare poi la possibilità dell’utilizzo
del microfono, sia per cantare che come seconda
fonte di ripresa dello strumento. Il riverbero è di
ottima qualità, anche se non ci sono le molle. Del
resto… dove potevano metterle?
Nonostante diversi tentativi di metterlo in crisi,
il piccoletto ha digerito in maniera egregia sistemi
passivi e attivi, a doppia fonte anche mista. Neppure
una chitarra baritono è riuscita a creare problemi
sulle basse, per quanto possa sembrare incredibile
con un cono di queste dimensioni.
Collegato a una cassa esterna guadagna corpo
e pressione sonora, ma non cambia radicalmente
la sua resa.
Prodotto molto interessante, anche per rapporto
qualità/prezzo. Moltissimi chitarristi acustici rinunciano
al monitor da palco per problemi di portabilità
e comodità di trasporto. Il Lunchbox è una risposta
alle loro preghiere, in questo senso. Sta in uno zainetto,
o nella sua bella borsettina in cordura acquistabile
direttamente sul sito del produttore, con un
ingombro pari a due o tre pedali. A cui si può tranquillamente
rinunciare, visto la bontà del riverbero
e la possibilità di sfruttare la mandata effetti come
uscita bilanciata.
Mario Giovannini
45
chitarra acustica 1 duemilaundici
ZtT Lunchbox Acoustic
ampli per acustica
SCHEDA TECNICA
ZT Lunchbox Acoustic
st
Tipo: amplificatore per chitarra acustica
Made in: USA
Distributore: Sisme
Prezzo: 450 Euro (street price)
Alimentazione: 115/220 V commutabile
Controlli: Master Volume, Master Anti
Feedback
Dotazione: Riverbero su entrambe
i canali
EQ: Gain – Bass – Treble
In/Out: Aux In mini jack, Headhpone
Out/Line out jack, External Speaker jack
Send/Return: In jack, Out jack
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st strumenti
Performing Artist Series
Si amplia la serie Performing Artist della Martin
con alcuni nuovi modelli. La GPCPA Mahogany
è una Grand Performance Cutaway con tavola in
abete europeo, fondo e fasce ovviamente in mogano,
come anche la copertura della paletta, e senza
intarsi sul manico.
La serie 3 si articola invece su tre diverse tipologie
del corpo: la Dreadnought DCPA3, la Orchestra
Model OMCPA3 e la Grand Performance GPCPA3,
tutte Cutaway con tavola in sitka e fondo e fasce
in palissandro indiano. Anche in questo caso la paletta
è in combinazione con la cassa. Per il resto
rimangono confermati gli standard della serie, con
manico a profilo parallelo e amplificazione ‘on board’
Fishman Aura F1.
Stessa gamma di scelta per la serie 4, che conserva
la tavola in sitka ma con fasce e fondo in
sapele. In questo caso l’amplificazione è sempre
Fishman, ma F1 Analog Elettronics.
D-18P e D-28P
Nuova versione per due modelli storici della casa
di Nazareth. La versione P, di quelli che per molti
sono gli archetipi della chitarra Martin, ha il capotasto
da 44,5 mm. Cosa che porterà a rivedere diverse
convinzioni in merito all’utilizzo di questi strumenti,
soprattutto in ambito fingerstyle.
Martin SP Lifespan.
Disponibili in tre scalature (.011, .012 e .013) le
nuove corde Martin sono preparate con una tecnologia
proprietaria di Cleartone che ne allunga la
vita, senza sacrificarne il tono naturale. Tutte e sei
le corde sono trattate per non trattenere grasso e
sporco che ne possono deteriorare la qualità.
Martin è distribuita da Eko Music Group
Notizie di mercato
dalle aziende
AER Pocket Tools
Potrebbero essere la risposta alle preghiere di chi è stanco
di trascinarsi appresso un ampli tutte le volte che deve
salire sul palco. Il Colourizer è un preamplificatore/D.I. per
microfoni o segnali di linea, con controlli di tono, enhancer ed
equalizzatore. Il Dual Mix dal canto suo è un preamplificatore
dello stesso tipo, a due canali separati con quattro preset effetti
disponibili: due riverberi, un delay e un chorus. Entrambi
sono dotati di alimentazione phantom.
AER è distribuita in Italia da Backline.
46
chitarra acustica 1 duemilaundici
Breedlove Custom Shop American Series
La nuova serie American di Breedlove è la naturale
evoluzione delle Pro e delle Roots, ormai fuori
produzione. La realizzazione è interamente artigianale
e made in USA nel Custom Shop di Bend
nell’Oregon. Top, fondo e fasce sono in massello
con legni altamente selezionati. Il top è rettificato
e graduated. Le American sono vendute con la
celebre custodia rigida Breedlove con impunture
rosse. In esclusiva per il mercato italiano: finitura
lucida non solo del top, ma anche del fondo e delle
fasce, ponte e tastiera in ebano anche sui modelli
più economici. Sono distribuite da Gold Music.

Looper/Phrase Sampler DigiTech JamMan Solo
Dagli otto secondi di capacità del PDS 8000, lanciato sul mercato
quasi venti anni fa, la nuova serie di Digitech arriva a mettere
a disposizione 99 banchi di memoria da 35 minuti. Espandibile
con memory card SD, può arrivare a memorizzare fino a 16 ore
di musica in altre 99 locazioni aggiuntive. Dotato di metronomo
e traccia ritmica configurabile, permette la quantizzazione del registrato.
Come oramai siamo abituati dalla casa, il JamMan Solo
permette il collegamento via USB a qualsiasi computer PC o
Mac, per l’uso del software gratuito DigiTech JamManager, per
la memorizzazione, l’organizzazione e il trasferimento dei singoli
loop e per la creazione di ‘JamMan List’ per le esibizioni dal vivo.
È distribuito da Casale Bauer.
47
chitarra acustica 1 duemilaundici
st
Jammin Pro USB Acoustic 505
Questa ci mancava, ma in certo senso c’era da
aspettarselo. Ormai una presa USB non si nega a
niente e a nessuno. Le grandi case americane già
da qualche tempo percorrono queste vie nel settore
elettrico, ma sull’acustica era rimasto il vuoto.
Ci ha pensato la Jammin con la Pro 505. Si tratta
di una dreadnought a spalla mancante, di design
piuttosto tradizionale che, oltre ad avere amplificazione
on board con accordatore integrato, dispone
di una presa USB che sostituisce di fatto la scheda
audio del PC, permettendo una connettività
immediata. Le specifiche tecniche sono piuttosto
modeste, sia per la parte di liuteria con materiali
economici, che per quanto riguarda l’elettronica
con sampling a 44.1 kHz a 16 bit. Ma il prezzo assolutamente
popolare, attorno ai 120 euro, fa venir
voglia di togliersi lo sfizio.
Info: http://www.jamminpro.net/505/pro_505_
overview.htm. Lo strumento è distribuito in Italia da
Frenexport.
Amplificatore L.R. Baggs A-Ref
Anche Baggs ha il suo amplificatore per chitarra acustica. Un progetto
frutto di quattro anni di lavoro. Il cuore dell’ampli è il Balanced
Mode Radiator, un nuovo tipo di speaker lanciato sul mercato
proprio con l’A-Ref. Si tratta di un cono da 8”, con diaframma a
nido d’ape e una bobina da 2”, in grado di generare un fronte sonoro
di 140°. I benefici della nuova tecnologia sono la limpidezza
e la larghissima apertura sonora. Il suono raggiunge ogni angolo
della stanza e, senza sforzo, avvolge l’ascoltatore. Lo stadio di
preamplificazione è basato sulll’apprezzatissima Para D.I. della casa,
mentre il finale è in grado di erogare 200 W. Il riverbero è a molle
e ciascun canale ha la sua mandata per gli effetti esterni. Tutta
questa tecnologia è racchiusa in un solido contenitore, leggero e
dal design piacevole, con i lati di legno naturale e una innovativa
maniglia, molto comoda per il trasporto. Distribuito in Italia da Magic
Music.
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st strumenti
http://www.milaniguitars.com
Ho conosciuto Lukas Milani
all’Acoustic Village durante il Soave
Guitar Festival 2010. Venni
attratto da un’acustica a doppia
spalla mancante e senza buca
centrale, ma con due gocce ai
lati. In esposizione vi erano altre
acustiche molto interessanti tra
cui una chitarra con una paletta
molto particolare.
Iniziai a parlare con lui di chitarre
e, poco dopo, siamo passati a
discutere di organismi geneticamente
modificati, problemi sociali,
vino… Tra una chiacchiera e l’altra
ho percepito una grande passione
e una certa umiltà, tipica di
chi ama il proprio lavoro e mette
questo prima di tutto, anche del
business. Parlando, Lukas mi racconta
che sta restaurando una
harp guitar dei primi del ’900. Incuriosito
gli dico che avrei piacere
di vederla, visto il mio interesse
per questo tipo di strumenti. Rivedo
Lukas qualche mese dopo
all’ADGPA Guitar International
Rendez-Vous di Conegliano, dove
per l’occasione aveva portato
tre chitarre di pochi giorni, assolutamente
perfette e dal suono
già notevole. Mi dice che la harp
è quasi pronta, manca qualche
ritocco e le corde in arrivo dagli
Stati Uniti. Ad agosto, complice la
In visita dal liutaio
Lukas Milani
poca voglia di stare al mare, prendo
la macchina e vado a trovarlo
nel suo laboratorio. Per arrivarci
bisogna percorrere tutta la dorsale
dei Colli Berici, un’area incontaminata
appena fuori Vicenza.
Percorrerla è come fare un salto
indietro nel tempo: tutto è immerso
nel verde, dove vigneti e ulivi si
alternano a boschi, e regna un silenzio
assoluto. Arrivo all’abitazione
di Lukas, uno chalet in mezzo
al bosco, e sembra di stare a casa
di qualche liutaio nordamericano,
l’ambiente ideale per chi vuole
fare questo mestiere. Il tempo di
dare uno sguardo alla harp guitar
che Lukas ha restaurato (e che ho
comprato subito) e gli chiedo di
concedermi un’intervista. Lukas
accetta volentieri.
Lukas parlaci di te, la tua storia,
come hai iniziato, i tuoi
maestri, a chi ti ispiri?
Ho cominciato a riparare e costruire
strumenti musicali grazie al
maestro Bruno Barnes. Ricordo
48
chitarra acustica 1 duemilaundici
che non è stata un’impresa facile:
non ne voleva sapere di rinunciare
alla sua tranquillità per seguire un
ragazzino nell’affilatura di una pialla
o nella piegatura a caldo. Io cominciavo
da zero, e lui aveva ormai
una lunga esperienza alle spalle.
E come è andata a finire?
È finita bene: ho insistito finché
ha ceduto. Costruivo una chitarra,
gliela facevo vedere, lui aggiungeva
i suoi commenti e mi mostrava
qualche ‘segreto di bottega’
per migliorare i miei strumenti. È
stata un’esperienza insostituibile.
Poi, dopo qualche anno e svariati
seminari, mi sono trasferito all’estero.
Da lì è iniziata la mia esperienza
professionale vera e propria:
nel frattempo erano passati
cinque anni.
So che hai trascorso diversi
anni in Grecia, sembra strano
per un liutaio, ci vuoi raccontare
questa esperienza?
Non saprei da che parte iniziare,
Milani Guitars modello Joplin e Walrus

in verità. È una storia piuttosto lunga.
La parte divertente è già stata
descritta ne La ruota del criceto
[un racconto di Milani dal sottotitolo
Una storia dell’isola di Creta,
edito da Saecula nel 2009 – ndr],
ma non ha a che fare con la liuteria.
Diciamo che questa esperienza
mi ha permesso di conoscere
diverse sonorità e modi di costruire.
Mi ha dato la possibilità di analizzare
i miei pregi e i miei difetti, e
soprattutto i limiti e i pregi della liuteria
italiana. Ho capito molte cose
che forse non avrei compreso rimanendo
qui. Ad esempio, l’utilizzo
della solera nella costruzione di
chitarre acustiche mi ha permesso
di orientarmi verso un suono che è
una specie di ‘marchio di fabbrica’
tutto mio. Funziona, ma ho dovuto
spostarmi per capirlo. Oppure le
sonorità dei paesi balcanici: pianeti
paralleli che sono riuscito a
comprendere e replicare solo dopo
una lunga permanenza.
Ho visto nel tuo laboratorio
strumenti antichi: esegui
restauri?
Sì, su strumenti a pizzico. La
considero un’esperienza fondamentale
per un costruttore:
La harp guitar Meinel & Herold restaurata
scoprire come e perché nel passato
si è adottata una soluzione
rispetto a un’altra, valutare la
tenuta nel tempo di certe colle o
vernici, ritrovare soluzioni dimenticate
ma ancora valide. C’è gente
che in passato costruiva cose bellissime
e valide, che sono un libro
aperto di alta liuteria ancora oggi.
Che strumenti costruisci?
Chitarre classiche, acustiche,
altro?
Visto il mio carattere piuttosto
curioso, non ho resistito alla tentazione
di costruire bassi acustici,
chitarre elettriche, liuti popolari,
chitarre battenti, chitarre fretless,
chitarre manouche, bouzouki,
saz e via dicendo. Sono serviti da
complemento per i miei pezzi forti:
chitarre acustiche e classiche.
Attualmente, costruisco tre linee
di strumenti dalle caratteristiche
estetiche e timbriche ben diverse
e definite. È stata una soluzione a
cui sono arrivato dopo un lungo
percorso, e che garantisce le tre
caratteristiche che ritengo fondamentali
in uno strumento: suono,
bellezza, crescita nel tempo.
Ho visto una splendida copia
Maccaferri: hai studiato o seguito
altri costruttori in questa
circostanza?
Sono stato aiutato inizialmente
dal liutaio Killy Nonis, che lavora
nel Kent. È stato lui che mi
ha fornito disegni e tecniche di
costruzione. Il suo metodo di lavoro,
molto creativo, mi ha aperto
nuove prospettive. L’incontro
con Favino, poi, mi ha portato ad
avere una idea più chiara su che
strumento desidera un chitarrista
manouche.
Ho visto delle chitarre con corde
in nylon che mi interessano
molto (anche ad Antonio Tarantino,
ricordo a Conegliano).
A prima vista sembrano delle
‘crossover’: ce ne parli?
Ci sono costruttori di chitarra
classica molto validi in giro, e
si corre il rischio di costruire dei
49
chitarra acustica 1 duemilaundici
In visita dal liutaio
Lukas Milani
st
doppioni. Inoltre, sembra che gli
strumenti da concerto siano arrivati
a un limite acustico invalicabile:
è richiesta una sonorità
standard e sono ammesse poche
variazioni sul tema. Ho preferito
spendere il mio tempo e le mie ricerche
esplorando la chitarra bossa
nova e latina. Sono strumenti
che partono dalla chitarra classica,
ma se ne discostano in termini
di sonorità, dimensioni e versatilità.
L’esperienza con il flamenco
mi ha aiutato molto. La chitarra
flamenca deve essere brillante, la
tavola armonica deve essere intonata
per rispondere ai golpe con
la mano, le note mute e i legati devono
essere molto presenti, a differenza
della chitarra classica. Un
bagaglio assolutamente notevole
da portare negli strumenti sudamericani.
Ovviamente ci aggiungo
del mio in termini di estetica dello
strumento e di sonorità. La rosetta
che sporge dalla tavola armonica,
per esempio, permette di stoppare
le corde rendendo un timbro molto
secco: ideale per accompagnare
rumba, cumbia, merengue e via
dicendo. La spalla mancante, poi,
è inevitabile. Rende lo strumento
decisamente più maneggevole.

st
In visita dal liutaio
Lukas Milani
Anche il manico è più stretto, proprio
per permettere l’esecuzione
di passaggi che sarebbero molto
difficili con una chitarra classica.
Il mio obiettivo è costruire un ‘attrezzo
di lavoro’ che suonato in
clave abbia come unico limite la
fantasia dell’esecutore.
… E dei ponti in acero?
L’utilizzo del ponte in acero, è
una scoperta recente: mi permette
di bilanciare bene il suono generale
dello strumento e di aggiungere
proiezione. Funziona bene anche
nelle chitarre con corde in nylon:
mi chiedo come mai non sia stato
scoperto prima. Negli archi è utilizzato
da quattrocento anni…
Chi è il tuo cliente tipo?
Non penso di poter identificare
una categoria particolare. Ho
clienti in tutta Europa, e di tutte le
estrazioni sociali. La maggior parte
sono musicisti, ovviamente. Ma
anche no. Una volta un muratore
inglese mi ha ordinato una chitarra
acustica decorata con fiori e tralci
di vite su tavola armonica, fasce e
tastiera. Un lavoro monumentale.
Quando gliel’ho consegnata ha
esclamato: «Bellissima! Adesso
dovrò imparare a suonarla».
Esegui riparazioni su strumenti
non di tua produzione?
Certamente. Il discorso è simile
a quello sui restauri: vedere
altri strumenti per imparare cose
nuove. Purtroppo in giro c’è molta
produzione industriale con una
qualità piuttosto scarsa. Per questo
riparo molto più volentieri strumenti
ben costruiti, rispetto a un
certo tipo di ‘made in chissà dove’
che personalmente non mi dà alcun
motivo di ispirazione.
Che tipi di legni usi?
I legni che utilizzo sono quelli
tradizionalmente usati in liuteria:
abete, palissandro, cipresso,
ebano, mogano. Ovviamente mi
piace sperimentare soluzioni nuove:
per esempio, ultimamente mi
sto interessando alle sonorità del
cedro del Libano negli strumenti
manouche.
Ho visto chitarre che hanno
un’impronta molto personale,
la forma della buca, la paletta
vuota, la doppia spalla
mancante: sperimentazione o
cosa?
Nei miei strumenti cerco di abbinare
l’estetica alla funzionalità
acustica. Per esempio, la buca rialzata
rispetto alla tavola armonica
mi permette di rinforzare un area
debole e soggetta a deformazioni,
aggiungendo un tocco di originalità.
Non mi piace sperimentare
in maniera casuale, non l’ho mai
fatto. Preferisco ricercare soluzioni
innovative a problemi concreti.
Qual è il tempo medio di attesa
per un tuo strumento?
Dipende dal lavoro accumulato
e dalla stagione. Preferisco lavorare
in inverno e in primavera. Impiego
circa tre mesi per completare
uno strumento.
Quante chitarre costruisci o
vorresti costruire?
Negli ultimi tempi ho costruito
una media di dieci strumenti
all’anno. Mi piacerebbe in futuro
poter ridurre il numero e dedicarmi
maggiormente ad altri settori
della liuteria, che non ho ancora
avuto il tempo di esplorare.
Cosa intendi per altri settori
50
chitarra acustica 1 duemilaundici
della liuteria?
Bassi acustici fretless: un universo
intero da scoprire, quello dei
bassi. E poi la storia della liuteria
e delle tecniche di costruzione nel
corso dei secoli, un interesse che
mi sta appassionando ogni giorno
di più. Poi la sperimentazione di
un tipo di truss rod alternativo da
utilizzare nelle chitarre con corde
in nylon. E le lezioni che già tengo
presso le scuole di musica. Come
vedi, ho un po’ di carne al fuoco…
Ho visto anche dei plettri in
legno, li costruisci tu?
Sì, interamente. Ho iniziato con
le chitarre manouche: mi venivano
richiesti plettri per eseguire questo
stile particolare. Di lì ho poi costruito
plettri per chitarra elettrica e
acustica. Al momento sto lavorando
a un progetto di costruzione
di unghie artificiali per le corde in
nylon. Molta sperimentazione, un
po’ di notti in bianco, e poi spero
di presentare un accessorio utile e
interessante.
Nel tuo laboratorio ho visto
strumenti di lavoro molto semplici:
ci vuoi parlare del tuo modo
di lavorare? Mi ha colpito
molto il tipo di verniciatura…
Nel corso degli anni ho eliminato
molti strumenti elettrici: non
li ritengo adatti al lavoro di liuteria.
È una complicazione inutile
e non sempre conveniente: è un
po’ come mettere uno strumento
Particolare della buca con la rosetta rialzata

musicale dentro un frullatore. Il
deterioramento acustico del legno
è evidente. Discorso a parte meritano
le vernici. Dopo aver provato
e testato ogni sorta di vernici
per liuteria, ho rinunciato all’idea
di avvelenare i miei clienti con le
comuni vernici sintetiche. Come
mi diceva spesso Bruno Barnes:
«Gommalacca: tutto il resto è una
porcheria». Così sono tornato alla
vecchia, cara, gradevole gommalacca.
Le chitarre suonano meglio,
respirano, maturano, si riparano
facilmente. Una piacevole riscoperta,
insomma.
Mi sembra quasi una filosofia
la tua…
Sì, si chiama “semplicità”. Funziona,
sai? Funziona in musica,
funziona ovunque, e funziona anche
in liuteria. E si vive meglio, decisamente
meglio.
Una domanda spinosa, quanto
costano i tuoi strumenti?
I modelli più semplici si aggirano
sui 1300 euro. Si arriva ai 2500
per la fascia superiore. Ritengo la
chitarra uno strumento popolare,
e mi fanno sorridere certi prezzi
stellari. È un mio punto di vista,
comunque, magari poco condivisibile.
Mi permette però di avere
accesso a realtà musicali straordinarie,
che altrimenti non potrei
raggiungere.
Ti abbiamo visto poco in
giro nei meeting dedicati alla
chitarra acustica: una scelta o
ti stai guardando intorno?
Sto diventando sempre più pigro.
Preferisco restare a casa a
costruire qualcosa, piuttosto che
guidare per centinaia di chilometri
per arrivare a un festival. E poi,
i clienti italiani attualmente coprono
il dieci per cento delle mie
ordinazioni. Preferisco, se necessario,
fare un sacrificio in più
e muovermi verso la mia clientela
storica: Grecia, Inghilterra e paesi
del Nord.
Particolare della verniciatura a gommalacca Lascia un commento
51
chitarra acustica 1 duemilaundici
In visita dal liutaio
Lukas Milani
st
Bene, si chiude qui questa breve
intervista a un personaggio
per noi nuovo nell’ambito della
liuteria acustica italiana, ma tutto
da scoprire per le sue idee e per
le esperienze passate. Persona
molto umile e curiosa, sempre alla
ricerca di nuove cose, con un
grande bagaglio alle spalle (debbo
dire che mi ha fatto impressione
sentirlo al telefono parlare
un greco perfetto…). Questo è
Lukas Milani. Penso che andrò
a trovarlo spesso. Ho alcuni progetti
in mente che presto vi svelerò…
A proposito, chi volesse
andarlo a trovare non dimentichi
che in zona ci sono ottimi ristoranti
che offrono pietanze tipiche
del luogo con gli ottimi vini dei
Colli Berici!
Gabriele Posenato

st strumenti
Le chitarre della tradizione popolare
italiana
Diversi tra i nostri chitarristi acustici
più rappresentativi anche in
campo internazionale, negli ultimi
tempi, non hanno mancato
di ispirarsi a vari aspetti della
tradizione musicale popolare e di
confine tra colto e popolare del
nostro paese. È il caso di Beppe
Gambetta, in particolare in dischi
come Serenata con Carlo Aonzo
(1997), Traversata con Aonzo
e David Grisman (2001) e nel cd
allegato al libro Traditional Italian
Dances di Federica Calvino Prina
(2000). Ed è anche il caso di
Franco Morone nel suo Italian Fingerstyle
Guitar (2005) e di Peppino
D’Agostino nel suo Made In
Italy (2008). Questo della ricerca
di una ‘voce italiana’ della chitarra
acustica attraverso un processo
di rivisitazione del nostro folklore
musicale, d’altra parte, è un mio
‘pallino’ da molti anni. E sarà inevitabilmente
uno degli argomenti
che tratterò più volentieri nei nostri
appuntamenti. In questa ottica,
tralasciando per il momento
le possibilità di riarrangiare per
chitarra acustica musiche di altri
strumenti e organici musicali,
conviene partire da uno sguardo
d’insieme dei diversi tipi di chitarre
effettivamente utilizzate nella
musica di tradizione orale italiana
e dei loro repertori.
La chitarra “francese”
Nell’uso folklorico la normale
chitarra monta di norma corde
metalliche e, in particolare nel
Sud d’Italia, era chiamata “francese”
per distinguerla dalla più
tradizionale chitarra “battente”.
Tenendo conto del fatto che la
moderna chitarra a sei corde singole
si è affermata storicamente
intorno al 1780, nonché del ruolo
importante svolto da Parigi nella
Chitarra battente, chitarra
sarda, colascione
rinascita della chitarra colta all’inizio
del XIX secolo, è probabile
che quell’appellativo risalga agli
influssi e alle dominazioni francesi
del primo Ottocento nell’Italia
meridionale. Accanto al più consueto
uso folklorico nell’accompagnamento
del canto e di altri
strumenti, uso peraltro non privo
di motivi di interesse, questa
chitarra “francese” mostra pure
– soprattutto in ambienti artigiani
e in particolare tra i barbieri – un
repertorio anche solistico di musiche
strumentali e di balli. Una
forma ricorrente è costituita da
musiche da ballo che modulano
intorno alle tonalità di La minore
e La maggiore, come il “Ballo per
chitarra” inciso da Eugenio Bennato
nell’album con Carlo D’Angiò,
Garofano d’ammore (1976),
e ripreso dal repertorio del liutaio
Nicola De Bonis di Bisignano in
provincia di Cosenza. Non mancano
poi alcuni esempi in accordatura
aperta di Sol, come la
“Spagnola” del barbiere Bartolo
Ruggiero di Lipari, raccolta dall’etnomusicologo
Sergio Bonanzinga
e inserita nel cd Sicile – Musiques
populaires (Ocora, 2004). Infine
sono da segnalare alcuni esempi
di tapping ante litteram, come il
brano lucano “A sa sampugnara”
52
chitarra acustica 1 duemilaundici
documentato nel disco L’arpa di
Viggiano (Taranta, 1991).
La chitarra “battente”
Come riporta Roberta Tucci nel
suo “Profilo storico-costruttivo
della chitarra battente” contenuto
in Strumenti della Musica Antica
a cura di Paola Pacetti (Urbino,
1996), la chitarra “battente” in
quanto strumento storico della
musica colta era contemporanea
e affine alla chitarra barocca, con
la quale condivideva la forma allungata
del corpo, fasce e fondo
costruiti a doghe, una tastiera
sullo stesso piano della tavola armonica,
il foro di risonanza munito
di una rosetta e l’incordatura a
cinque cori, generalmente doppi,
a volte anche tripli. La struttura
dell’accordatura, a parte le possibili
variazioni in altezza assoluta,
era simile a quella della normale
chitarra priva della sesta corda
bassa, con possibili variazioni
di ottava nei raddoppi del quarto
e quinto coro a seconda della
nazione di origine. In Italia, e in
particolare nel caso della chitarra
“battente”, l’accordatura più
accreditata prevedeva tutte note
comprese nell’ambito di altezza
delle tre corde acute. Quindi,
se l’accordatura standard della
Il barbiere Bartolo Ruggiero di Lipari esegue
un barré in accordatura aperta (foto di
Sergio Bonanzinga, 1987)

chitarra è Mi 2 La 2 Re 3 Sol 3 Si 3 Mi 4
(considerando Do 4 il Do centrale
di 261,626 Hz ca. secondo la
Scientific Pitch Notation), l’accordatura
più ricorrente della chitarra
barocca e “battente” è La 3
Re 4 Sol 3 Si 3 Mi 4 . Un’accordatura,
questa, che può essere messa in
relazione con l’accordatura per
chitarra attualmente conosciuta
come Nashville tuning o high
string tuning, cioè Mi 3 La 3 Re 4
Sol 4 Si 3 Mi 4 .
D’altra parte la chitarra “battente”
si discostava dalla chitarra
barocca per i seguenti aspetti:
corde metalliche invece che di
budello; ponticello mobile con
attacco delle corde alla fascia inferiore
invece che ponte-cordiera
fisso; tasti metallici fissi invece
che mobili di budello; e tavola
con piegatura sotto il ponticello
invece che piatta. Inoltre il fondo
era bombato, mentre nella chitarra
barocca poteva essere anche
piatto. La chitarra “battente” era
Chitarra battente costruita da Vincenzo De
Bonis (in Ciro Caliendo, La chitarra battente,
Edizioni Aspasia, 1998, p. 181)
Chitarra battente, chitarra
sarda, colascione
uno strumento tipicamente italiano,
con centri di produzione
riconosciuti a Venezia, in Calabria
e probabilmente a Napoli, in Umbria,
Abruzzo e Sardegna.
In ambito folklorico è attestata
con documenti sonori relativi alla
Campania, alla Calabria e alla
Puglia. Le chitarre “battenti” osservate
in Puglia possono avere
il fondo piatto anziché bombato,
mentre la tavola armonica può
avere tre fori di risonanza invece
di uno. In Calabria, accanto ai
modelli a cinque cori, sono documentati
altri modelli di grande
interesse, in cui il terzo coro è sostituito
da una corda di bordone
accordata generalmente in La 4 e
fissata con un bischero al centro
del manico, all’altezza del settimo
tasto. In Calabria e Campania sono
presenti modelli a quattro cori,
accordati rispettivamente come il
primo, secondo, quarto e quinto
coro del modello a cinque cori.
Come per la chitarra “francese”,
53
chitarra acustica 1 duemilaundici
st
anche nel repertorio folklorico
della chitarra “battente” possono
essere rintracciati esempi di musiche
strumentali solistiche, che
ne affiancano la preminente funzione
di accompagnamento.
La chitarra “gigante” sarda
Dal periodo della sua attestata
diffusione a livello popolare e dello
sviluppo del genere chiamato
“canto a chitarra”, che la memoria
corrente tende a far risalire a
fine Ottocento-inizio Novecento,
la chitarra sarda sembra essersi
diretta verso l’adozione di proporzioni
più grandi rispetto alla
normale chitarra e di accordature
più basse. Nel secondo dopoguerra,
con la definitiva affermazione
di una forma di professionismo
musicale legato alle “gare di
canto a chitarra”, la tradizionale
liuteria artigianale sarda, che prevedeva
probabilmente una maggiore
diversificazione di modelli,
è stata progressivamente soppiantata
dalla liuteria semiartigianale
e semindustriale siciliana,
rappresentata in particolare dallo

st
scomparso Carmelo Catania di
Mascalucia e da Gaetano Miroglio
di Catania. Questa liuteria ha
introdotto un modello standardizzato
di chitarra sarda, spesso
denominato “chitarrone” o “chitarra
gigante”, che è stato adottato
dalla stragrande maggioranza
di suonatori locali. Si tratta in
pratica di una chitarra baritono
dalle proporzioni notevoli (lunghezza
di 108 cm, larghezza di
44 cm, altezza di 11 cm), con
un diapason o lunghezza della
corda vibrante di 70,5 cm, corde
metalliche fissate a una cordiera
inferiore abbinata a un sottile
ponticello, accordatura tra una
quarta e una quinta sotto l’accordatura
standard, e decorazioni
tipiche: battipenna di materiale
plastico, leggermente intagliato
nel legno della tavola e decorato
con motivi floreali intarsiati in
finta madreperla; filetto bianco e
bordo con finitura chiara e scura
lungo il profilo della tavola; segnatasti
realizzati con uno strato
di finta madreperla che ricopre
tutto il tasto.
In passato i chitarristi suonavano
soprattutto a dita nude o
eventualmente con un plettro digitale
per il pollice, mentre attualmente
suonano principalmente
con il plettro. Lo stile di accompagnamento
è piuttosto ricco e
mette in mostra un vasto repertorio
di accordi per lo più maggiori
che, a contatto con un impianto
melodico vocale di tradizione mediterranea
con elementi modali,
determinano delle originali successioni
armoniche spesso estranee
alle convenzioni classiche.
Accanto a questo stile di accompagnamento
si è poi sviluppato
un repertorio solistico ispirato alle
danze tradizionalmente eseguite
sul triplo clarinetto sardo, le launeddas.
Questo repertorio mette
in evidenza un uso di accordature
aperte legate fondalmente ai due
modelli Mi 2 Do 3 Do 3 Sol 3 Do 4 Mi 4 e
Mi 2 Do 3 Do 3 Sol 3 Si 3 Mi 4 , naturalmente
trasportati in basso in relazione
all’accordatura base della
Chitarra battente, chitarra
sarda, colascione
“chitarra gigante”. Sulla chitarra
normale possono essere riportati
seguendo i modelli del Do aperto
(Do 2 Sol 2 Do 3 Sol 3 Do 4 Mi 4 ) e del
dropped C (Do 2 Sol 2 Do 3 Sol 3 Si 3
Mi 4 ). È stato inoltre documentato
anche un modello di dropped G
(Re 2 Sol 2 Re 3 Sol 3 Si 3 Mi 4 ).
Il colascione
Un ultimo accenno vale la pena
riservare a uno strumento ormai
caduto in disuso, il “colascione”
o “calascione”, un liuto a manico
lungo spesso raffigurato tradizionalmente
tra le mani di Pulcinella.
Delle poche tracce lasciate
da questo strumento in ambito
popolare si sono occupati in particolare
due testi: Il colascione sopravvissuto
di Giuliana Fugazzotto
e Roberto Palmieri (Orpheus,
1994) e Suoni che tornano
54
chitarra acustica 1 duemilaundici
– Calascione, tamburello ed altri
strumenti della tradizione musicale
a Caramanico e sulla Majella di
Giuseppe M. Gala, Silvio Pascetta
e Domenico Di Virgilio (Taranta,
2006). Come il bouzouki greco
o il saz turco-persiano e il setar
iraniano, il colascione sembra appartenere
a una vasta famiglia di
liuti a manico lungo mediterranei
e orientali, generalmente a tre (o
4) ordini di corde intonate su fondamentale
e quinta secondo lo
schema prevalente I-V-VIII, destinati
essenzialmente ad eseguire
linee melodiche sopra un bordone
di tonica e dominante.
Andrea Carpi
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Calascione di Pratola Peligna (AQ), Raccolta
G. Colella 1909, in Paola E. Simeoni
e Roberta Tucci

Un anno di Beatles
tecnica
Eccoci a scrivere di un lavoro
che è iniziato online il 5 ottobre
2010 e terminerà dopo dodici
mesi, durante i quali saremo in
compagnia dei Fab Four, i Fantastici
4 (ops!), i Baronetti di Liverpool,
i Favolosi Beatles!
Si tende troppo spesso a dimenticare
che gli ‘scarafaggi’
sono stati la prima vera poprock
band il cui sound era quasi
esclusivamente basato sull’utilizzo
delle chitarre: tranne qualche
sortita all’organo di John, il
suono live del gruppo, soprattutto
nei primi anni, era dato dalle
sei corde. E allora eccoci qui,
a giocare con i nostri miti, per
una rubrica in dodici puntate,
una al mese, che ci porterà ad
analizzare il lavoro chitarristico
di George, John e Paul, ma non
solo. Considerazioni varie saranno
fatte sulle singole canzoni,
quando ci sembrerà opportuno,
e sul modo di arrangiare
strumenti e cori. Perché la musica
non è fatta di sola chitarra,
Da Please Please
Me a Let It Be
per fortuna.
Perché il 5 ottobre? Perché
quel giorno del 1962 uscì il primo
singolo inglese della band,
“Love Me Do” / “P.S. I Love You”,
per iniziare un’avventura che si
concluse sette anni e molti primi
posti più tardi.
Ma perché dodici puntate se
i dischi ufficiali sono tredici ed i
singoli non presenti sugli album
numerosi? Per poter chiamare la
rubrica Un anno di Beatles!
La suddivisione in dodici episodi
è stata fatta da noi in modo
del tutto arbitrario, come del
tutto soggettivo sarà ciò che
diremo. Sui Beatles è già stato
scritto tutto e il suo contrario,
non siamo depositari di chissà
quale segreto. Ma l’amore per
la loro musica, che ha segnato
molti di noi, è una buona scusa
per divertirci ancora cercando di
vedere alcune cose da un punto
di vista diverso. Come abbiamo
diviso il tutto, lo scoprirete leggendoci
in questo anno.
Con l’amico cantante-chitarrista
Davide Canazza di Laster
Guitar andremo a spulciare fra
55
chitarra acustica 1 duemilaundici
tc
le note suonate e quelle cantate,
dividendo il lavoro fra i due
siti Fingerpicking.net e Laster.
it: su Laster ci sarà l’analisi del
lavoro delle chitarre ‘elettriche’,
su FP.net quello relativo alle
‘acustiche’ e considerazioni generali
sulla musica. Una traccia
di base sarà comunque comune
per non spiazzare troppo chi
leggerà gli articoli. Lungo il cammino
proveremo a coinvolgere
amici musicisti e giornalisti, se
avranno piacere di aggiungere
qualcosa.
Non siamo degli ‘storici’ o dei
maniaci di date, luoghi, strumenti
e altro, ma cercheremo
di comunicare nella maniera più
semplice e diretta possibile quelle
che sono le nostre opinioni ed
emozioni al riguardo, discutibili,
ma nostre.
In fondo, è solo un gioco.
Daniele Bazzani
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tc tecnica
Meglio prevenire che curare…
Ciao a tutti, prima di cominciare con
degli esercizi sullo strumento (ancora
un po’ di pazienza…) vorrei pubblicare
alcune regole da prendere in considerazione,
almeno in parte, per prevenire
l’ ‘usura’ del chitarrista. Queste quindici
regole mi sono state suggerite
dalla fisiatra Rosa Maria Converti, responsabile
dell’Ambulatorio Sol Diesis
presso il Centro Don Gnocchi di Milano,
specializzata nella cura e prevenzione
delle patologie dei musicisti:
1. Praticare un riscaldamento e un allungamento
muscolare mirato e globale
prima di suonare.
2. Eseguire un riscaldamento progressivo
allo strumento.
3. Evitare lunghi periodi di esecuzione
(circa 40-50 minuti) ed effettuare pause
di 5-10 minuti ogni ora.
4. Adottare posture corrette evitando
posizioni non fisiologiche che generano
compensazioni muscolari nefaste.
5. Assicurarsi un ambiente ergonomico
adatto (sedia, illuminazione, leggio).
6. Variare il repertorio e gli stili di musica
suonati.
7. Ricorrere se necessario ad accorgimenti
tecnici: accessori ergonomici
e modificazioni dello strumento.
8. Praticare dello stretching al termine
delle esecuzioni.
9. Evitare variazioni brutali dei ritmi di
lavoro, come periodi di lavoro intenso
prima di concerti o esami, o come
la ripresa eccessiva dopo un arresto
prolungato.
10. Evitare dei lunghi periodi senza suonare,
mantenere un’attività strumentale
minima durante i periodi di riposo.
11. Mai suonare con dolore: il motto
“No pain, no gain” è FALSO.
12. Prendere coscienza del proprio
corpo, cercando di eliminare le tensioni
muscolari presenti.
13. Controllare lo stress, l’ansia, la
fatica.
14. Fare attenzione al trasporto di
oggetti pesanti e alle attività fisiche di
Le 15 Regole d’Oro
per il musicista
una certa entità.
15. Nella vita quotidiana, conformarsi
a regole generali di igiene (alimentazione
e idratazione corretta, sonno
necessario, attività fisiche regolari) e
se possibile evitare alcool e tabacco.
Quest’ultima è davvero dura! Ma
cerchiamo di chiarire alcuni concetti
espressi nelle “15 Regole d’Oro per
il Musicista”. Il mio breve articolo ha
come fine quello di stimolare l’interesse
alla cura della nostra ‘macchina’.
Ogni musicista è un mondo a sé e
suggerire esercizi in generale non mi
sembra appropriato. Quello che consiglio
è di prendere atto di quali siano
i nostri eventuali piccoli malesseri derivanti
dall’attività musicale e cercare
di capire meglio, insieme a un medico
specializzato, quali possano essere i
rimedi.
Chi ha fatto della chitarra il proprio
mestiere si ritrova in braccio lo strumento
per ore, tutti i giorni, e deve
aver ben presente che quest’attività
può essere paragonata a quella di
un qualsiasi lavoratore soggetto ad
usura: per un piastrellista le ginocchia
saranno probabilmente a rischio, per
un chitarrista ci saranno altri problemi
(a meno che non suoni in ginocchio!).
In sostanza ognuno di noi dovrebbe
ascoltarsi, non solo dal punto di vista
musicale, e prendere coscienza di
come affronta la propria performance:
sono comodo mentre suono? La
postura mi crea delle tensioni? Suono
in apnea? Una determinata tecnica
mi procura affaticamento, dei dolori?
L’ansia da prestazione mi irrigidisce?
Riesco a suonare al meglio senza riscaldamento?
Il formato della chitarra
è quello giusto per me? E via dicendo.
Dopo un’attenta analisi si possono
prendere dei provvedimenti, aiutati
dal proprio buon senso e – perché
no – da un esperto, onde evitare che
cattive abitudini sfocino in patologie
più serie. Non me la sento di consigliare
esercizi o metodi specifici, non
è il mio campo (il mondo è già pieno
56
chitarra acustica 1 duemilaundici
di tuttologi) e soprattutto non è detto
che gli esercizi utili a me lo siano per
qualcun’altro. Per quanto mi riguarda,
utilizzo chitarre dal formato medio
piccolo. Ultimamente uso la cinghia
per chitarra anche quando suono da
seduto. Prima di un’esibizione eseguo
degli esercizi di stretching suggeriti dal
mio fisioterapista, che coinvolgono
mani, braccia, spalle e respirazione;
e come riscaldamento sullo strumento
suono lentamente alcuni semplici
arpeggi.
Se poi vogliamo ampliare la veduta,
conosco musicisti di fama internazionale
che, prima di ogni esibizione,
fanno lunghe passeggiate per
scaricare la tensione e ottimizzare
la concentrazione; altri che si scolano
tranquillamente litri di birra, ma
quest’ultima tipologia di riscaldamento
mi riesce difficile consigliarla…
Per concludere: in generale ci occupiamo
della chitarra e della sua
manutenzione molto più di quanto
non ci occupiamo dello strumento
principale che ‘fa musica’, noi stessi.
A presto!
Davide Mastrangelo
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tecnica
Un’introduzione essenziale
allo stile
Ecco un contributo per celebrare
la musica del grande Clarence
White. Questo lavoro fa
parte di una piccola campagna
che sto promuovendo su varie
testate e durante i miei seminari,
per ricordare ai chitarristi che Clarence
White è un maestro della
chitarra, e che dovrebbe essere
rievocato e onorato nei festival e
nei vari eventi dedicati a questo
strumento.
Non è stato facile raccogliere
un’introduzione essenziale per
raccontare musicalmente il suo
stile. White ci ha lasciato una
grossa mole di materiale e uno
stile veramente complesso con
molti arrangiamenti, licks e fraseggi.
È stata per me una grande
gioia trascorrere tante ore ascoltando
la sua musica, per trascrivere
frammenti significativi del
suo modo di suonare. Il risultato è
una piccola collezione di licks con
strutture e tonalità diverse, che
possono essere usati nella costruzione
di un solo o nel backup
di un brano.
Quando si presta molta attenzione
all’estetica di White e si
analizzano le sue scelte musicali,
la sua lezione può andare in profondità,
molto oltre la semplice
ripetizione delle sue note.
Clarence White fu senza dubbio
il primo chitarrista a innovare la
tecnica del crosspicking, con una
creatività molto più ampia di quella
fino a quel momento sviluppata
dai capostipiti dello stesso stile
(George Shuffler, Doc Watson,
ecc.). Il crosspicking nacque
come un arpeggio su tre corde
adiacenti con uno schema fisso
ripetitivo (down-down-up) in cui la
Clarence
White
57
chitarra acustica 1 duemilaundici
tc
Scarica la tablatura

tc
Esempi
Clarence
White
58
chitarra acustica 1 duemilaundici
melodia veniva possibilmente
adattata per essere suonata sulla
più grave delle tre corde, partendo
in genere sul primo ottavo
della battuta.
Clarence usò il crosspicking in
deliziosi brevi fraseggi di riempimento
(esempi 1 e 2) o con funzione
melodica (esempio 3) dove
viene inserito in punti imprevedibili
della battuta musicale (quasi mai
sul tempo forte) intercalandolo ad
altre tecniche e cercando le note
di melodia anche sulle corde più
acute della triade.
Gli esempi 4 e 5 riguardano
invece il raffinatissimo uso della
tecnica dei double stops (parti in
armonia su due corde adiacenti)
sempre calibrata con perfetta dinamica
e la giusta evidenza alla
nota di melodia. Da notare come
la scelta di Clarence non sia mai
su una lunga serie ininterrotta di
doppie note, ma come queste
vengano alternate e interrotte ad
arte con configurazioni diverse e
uso di effetti.
È anche importante vedere come
egli riesca a personalizzare e
dare nuova linfa ai fraseggi giocati
sui patterns più tradizionali, come
negli esempi 6 e 7 dove poche
semplici note inaspettate rinnovano
il suono dell’intera frase.
Negli esempi 8, 9 e 10 ho voluto
infine esemplificare alcune tra le
sue frasi più famose, in cui traspare
chiaramente il senso del gioco
e dello scherzo, ma che nella velocità
e chiarezza di esecuzione
ottengono un effetto di grande
virtuosismo e divertimento.
Beppe Gambetta
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tecnica
Considerazioni su un’antologia
di brani facili
A distanza di un anno dall’uscita
del mio libro con cd Basic
Fingerstyle – Antologia di brani
facili per chitarra acustica edito
dalla Carisch, sento l’obbligo di
ringraziare tutti gli appassionati
che hanno accolto con entusiasmo
questa pubblicazione. Gli
appunti che seguono sono riflessioni
che ho sviluppato in relazione
a questo progetto, distinzioni
e spiegazioni di termini che spero
risultino interessanti ai più.
Allegato a questo articolo troverete
un arpeggio iniziale tratto
da Basic Fingerstyle. Raccomando
di leggere le note di avvertenza
in fondo alla pagina prima di
iniziare a suonare. Buona lettura
e buona musica!
Perché una raccolta di brani
facili?
È auspicabile che, muovendo
i primi passi con il fingerstyle, si
incomincino ad affrontare esercizi
e brani facili. In realtà, molti
studenti sono attratti da brani impegnativi
perché, guarda caso,
sono anche quelli musicalmente
più interessanti. Spesso questa
Basic
Fingerstyle
abitudine porta a scoraggiarsi in
fretta, non avendo l’esperienza e
le basi necessarie per affrontare
esecuzioni del genere. In veste
d’insegnante, ho sempre consigliato
un percorso di brani che
possa creare una base solida
sulla quale muovere i passi successivi.
Ho anche però riscontrato
come sia difficile trovare
brani semplici che risultino piacevoli
da suonare. Ancor più un
testo unico con simili contenuti.
Mi limitavo, quindi, a raccogliere
stralci di musica e tablature da
testi diversi, che soddisfacessero
almeno in parte le mie aspettative
e quelle dei miei allievi. Ma
simbologie diverse, diteggiature
mancanti, carenza di supporti
audio, mi hanno spinto alla realizzazione
di questo progetto:
una raccolta di brani stimolanti
di primo repertorio, che consentisse
di raggiungere una certa
fluidità d’esecuzione in tempi ragionevoli
e senza cadute di entusiasmo.
Questo il mio obiettivo e
spero, almeno in parte, d’esserci
riuscito.
Chitarra acustica e chitarra
classica
Sebbene questa raccolta sia
dedicata alla chitarra acustica, risulta
senz’altro fruibile anche dal
chitarrista classico.
Sappiamo come i due strumenti
siano diversi nelle misure
e nel suono. La chitarra classica
con corde in nylon ha un manico
più largo e una diversa spaziatura
di corde. La chitarra acustica
ha corde in metallo, il manico più
stretto e richiede unghie molto
resistenti. Chitarristi esperti possono
utilizzare entrambi gli strumenti
per diversi repertori e avere
un suono più adatto a seconda
dei casi. Ma, in una fase di studio
iniziale, sarebbe preferibile
decidere fin da subito la chitarra
59
chitarra acustica 1 duemilaundici
tc
adatta alle nostre esigenze, perché
cambiando poi strumento
occorrerà del tempo per abituarsi
alle diverse caratteristiche.
Anche consultare un esperto
o un liutaio per controllare l’intonazione
e l’altezza giusta delle
corde è un elemento che risulta
decisivo per ottenere la massima
soddisfazione dal proprio
strumento.
Termini e significati a confronto:
dal fingerpicking al
basic fingerstyle
Il fingerpicking è nato come un
insieme di tecniche di chitarra per
eseguire il blues e il folk nordamericano.
Quindi questo termine
è da sempre associato a questo
tipo di musica tradizionale.
Il termine fingerstyle ha invece
origini più recenti e si riferisce,
genericamente, all’utilizzo delle
dita della mano destra; ragion
per cui questa parola viene associata
ad un’altra che definisce
il genere musicale: così si parla
spesso di classic fingerstyle, fingerstyle
jazz o celtic fingerstyle.
Ad esempio il fingerstyle blues ha
molto in comune con il fingerpicking,
ma nei casi più frequenti
si riferisce ad un blues contemporaneo
o a nuovi arrangiamenti
di vecchi blues, cioè non esattamente
gli originali che fanno parte
del traditional fingerpicking.
Comunque, al di là di queste
sfumature, i primi bluesman introdussero
con il basso alternato,
ostinato e walking, un importante
elemento nell’arte di utilizzare le
dita della mano destra: il ritmo.
Oltre ad essere una tecnica polifonica
che esegue melodia e
basso allo stesso tempo, questa
arte ha la caratteristica di essere
poliritmica, cioè di produrre
accenti diversi sulle due linee. È
senz’altro questo uno dei motivi
per cui generazioni di chitarristi

tc
Basic
Fingerstyle
hanno evoluto e introdotto con
successo questa tecnica anche
in altri generi musicali.
Basic Fingerstyle non esprime
un genere musicale definito,
bensì associa dei brani facili
alla tecnica del fingerstyle.
Esempi
Ma è inevitabile che, trattando
principalmente di chitarra acustica,
buona parte del materiale
contenuto in questa raccolta
derivi da generi tradizionali che,
oltretutto, risultano da sempre
i brani più adatti a un percorso
Open String Arpeggio 1
(da Franco Morone, Basic Fingerstyle, Carisch, 2009, p. 14)
60
chitarra acustica 1 duemilaundici
didattico iniziale.
Franco Morone
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Scarica il TEF
Il suono migliore è prodotto utilizzando
le unghie e disponendo le dita in senso
perpendicolare al piano armonico.
Pizzicare le corde cercando di muovere
solo la parte finale dell’indice, medio
e anulare.
In questo esercizio le note suonate
dal pollice della mano destra hanno
il gambo rivolto verso l’alto. ll pollice,
segnalato con la lettera «p» pizzica rispettivamente
5 a , 4 a e 6 a corda, l’indice
la 3 a , il medio la 2 a e l’anulare la
1 a corda.

Sulla nota La
tecnica
Ciao amici, questo è il primo articolo
di una serie che consisterà
in osservazioni maturate negli anni
riguardo al suonare la chitarra.
Questi suggerimenti vengono da
lezioni nelle scuole e da lezioni private.
Siete liberi di utilizzarli e/o di
fare commenti sulla loro utilità. Potreste
trovare questi suggerimenti
utili o no. Ricordatevi che ci sono
molti modi di suonare la chitarra, e
che vi troverete a sviluppare il vostro
stile personale e le vostre preferenze
man mano che suonate.
La prima cosa di cui vorrei parlare
è l’accordatura della chitarra.
Con l’andare del tempo, ho scoperto
che la gente è diventata
dipendente dagli accordatori elettronici.
Anche se questi marchingegni
sono utili, in un certo senso
vi separano dal vostro strumento,
al punto che – per sapere se siete
accordati o no – finite per fare
affidamento su una lancetta piuttosto
che sul vostro orecchio. Io
uso l’accordatore elettronico in
determinate situazioni (quando
suono dal vivo o in una stanza
rumorosa) ma, al di là di questo,
faccio affidamento sul mio orecchio.
E vi consiglio di accordare
alla vecchia maniera, per riuscire a
Gli armonici della corda La e le relazioni
dell’armonico al VII tasto con il Mi basso e il
Mi cantino (da “Tuning Guitar”, Wikimedia)
Accordare
la chitarra
sviluppare una relazione più stretta
fra il vostro orecchio (e il vostro
cervello) e il vostro stumento.
Non tutte le chitarre, specialmente
quelle con corde di metallo,
hanno manici perfettamente
intonati. Ecco una cosa che mi
piace fare quando accordo la
chitarra: innanzitutto, per accordare
la quinta corda, prendo un
La utilizzando un diapason (nel
caso la memoria non mi assista)
o il pianoforte. Poi uso questo
La come riferimento per accordare
tutte le altre corde, tranne
la sesta. Fare in questo modo
aiuta anche a diventare più consapevoli
nel localizzare il La su
tutte le corde, acquistando così
maggiore familiarità e disinvoltura
sullo strumento. Allora, iniziamo:
suoniamo l’armonico della quinta
corda al dodicesimo tasto, l’armonico
della quarta corda al settimo
tasto, la terza corda Sol al
secondo tasto, la seconda corda
Si al decimo tasto, il Mi cantino
al quinto tasto. Tutte queste note
sono dei La e, facendo qualche
aggiustamento con le meccaniche,
dovrebbero suonare tutte
uguali, ottava a parte.
Ora che le prime cinque corde
sono tutte correttamente accordate,
vado alla sesta corda e suono
l’armonico al settimo tasto, confrontandolo
con la seconda corda
a vuoto, che è un Si. Anche queste
due note dovrebbero avere lo
stesso suono.
Ricapitolando, noi abbiamo accordato
tutto lo strumento sulla
nota La, ad eccezione della sesta
corda, che è accordata sul
Si. A questo punto, eseguo una
regolazione fine dell’accordatura
suonando un accordo di Do con il
Sol al basso. È ben intonato questo
accordo? Se non lo è, posso
fare dei piccoli aggiustamenti
per correggerlo. Come dicevo, i
manici della maggior parte degli
61
chitarra acustica 1 duemilaundici
tc
strumenti non sono perfetti, e anche
l’uso di un accordatore elettronico
di alta qualità, che controlli
individualmente ciascuna corda,
potrebbe non farci ottenere necessariamente
un accordo intonato
alla perfezione.
Col sistema che vi ho appena
descritto, sarete più a contatto col
vostro strumento, che ora potete ritenere
ben accordato. Questo è un
eccellente primo passo per diventare
un chitarrista più sicuro di sé.
Ma ora basta con le chiacchiere
sulla chitarra. In un ambito più leggero,
ultimamente sto gustando
un po’ di cucina italiana, in preparazione
del mio tour estivo in Italia.
Sebbene stia registrando una
canzone italiana con la mia amica
Elaine, devo dire che – per parlare
di cultura – cucinare piatti italiani
è molto più semplice che imparare
la lingua! Ha anche un sapore
migliore. Lo spirito caldo e meraviglioso
di questo paese ti entra
dentro a ogni boccone!
Eric Lugosch
Nella versione online dell’articolo
troverete un link per ascoltare
Lugosch mentre accorda con il
sistema appena illustrato (http://
ericlugosch.fingerpicking.net/files/
tuning.mp3)
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tc tecnica
Quando iniziai a suonare il
bouzouki, alla fine del 1990, ero
convinto che quello strano strumento
greco, che assomiglia a un
mandolino di proporzioni smisurate,
fosse un oggetto antico e che
affondasse le sue radici nella tradizione
ellenica. Mi chiedevo se fosse
appartenuto al mondo di Atene o a
quello di Sparta: le corde metalliche
hanno un suono solido e compatto,
ma nello stesso tempo lo strumento
produce un caratteristico ‘sustain’
dal sapore vagamente lirico,
dato essenzialmente dalle accordature
aperte che fin dall’inizio avevo
imparato a usare. Tutto questo
nella mia fantasia mi lasciava nel
dubbio, se assegnare le sue origini
all’ars bellica spartana o all’orgoglio
dell’artigianato ateniese.
Scoprii con una certa delusione
che il bouzouki fu costruito per la
prima volta intorno al 1920, e che è
quindi relativamente recente. Assomiglia
molto al saz, tipico strumento
turco, e ricorda solo da lontano
il pandouris, antico liuto greco, entrambi
a tre corde doppie. Il primo
bouzouki, che utilizzava accordature
aperte (DAD), aveva appunto tre
corde doppie.
Soltanto dopo la seconda guerra
mondiale Manolis Chiotis, un virtuoso
dello strumento, introdusse
la quarta fila di corde, impiegando
l’accordatura che da allora utilizzano
normalmente i musicisti greci
(DAFC), * uguale a quella delle prime
quattro corde di una chitarra, un
tono sotto. Accordato in questo
modo, il bouzouki assume il suono
di una dodici corde cui mancano
i bassi e perde tutto il fascino che
avevano i suoi antenati, il saz e il
pandouris, anche se ovviamente
risulta molto facile da imparare
per chi sa già suonare la chitarra.
Le rare volte che l’ho accordato in
questo modo non ho avuto grandi
soddisfazioni: tanto valeva suonare
Quando iniziai a
suonare il bouzouki
la chitarra.
Già, perché per ottenere il suono
migliore da un bouzouki si deve cercare
di far suonare il più possibile le
corde libere. Provate ad accordarlo
come nei brani di Fabrizio De André,
“Crêuza de mä” (DADA) o “Jamín-a”
(EBEB) e vi accorgerete della magia
del suo suono. In quei brani vi
renderete conto che sempre ci sono
almeno due corde (doppie) che
suonano libere. Ma molto spesso
sono tre o addirittura quattro. Se,
dopo averci provato, riaccordate il
bouzouki ‘alla greca’ (DAFC), vi renderete
conto che non c’è modo di
ottenere le stesse sonorità.
Negli anni ’60 anche gli irlandesi
si appassionarono al bouzouki greco.
Al punto da decidere di reinventarne
una loro versione. Ma avevano
imparato la lezione e utilizzarono
da subito delle accordature aperte:
la stessa DADA o, più frequentemente,
DADG; solo più raramente
lo accordano a intervalli di quinta:
EADG. Naturalmente la loro versione
è molto diversa da quella greca.
Ha una cassa appiattita, con una
conseguente differenza timbrica,
e viene chiamato Irish bouzouki o
anche cittern, in ricordo dell’antico
liuto della tradizione irlandese.
Se volete riprodurre le sonorità
dell’album Crêuza de mä dovrete
dotarvi di uno strumento greco e
non irlandese, e con accordatura
62
chitarra acustica 1 duemilaundici
aperta.
Se volete acquistare un bouzouki
ne troverete di certo in qualsiasi
negozio di strumenti musicali ben
fornito. Ne vengono importati dalla
Grecia, ma normalmente in questi
modelli viene curata più l’apparenza
(fregi e ornamenti) e meno la timbrica
e la liuteria. In Italia esiste un
unico produttore, Musikalia (www.
musikalia.it) che ne ha di diversi tipi.
Fra questi i più costosi non sempre
sono i migliori. Eventualmente
scegliete pure il modello più economico
(902): ne possiedo un paio
e suonano bene. Naturalmente il
massimo è trovare un bouzouki Eko
usato. Sono proprio quelli utilizzati
da Mauro Pagani nell’album Crêuza
de mä, ma sono pressoché introvabili,
perché chi ne possiede uno se
lo tiene ben stretto.
Beh, ora sapete tutto del bouzouki.
Non vi resta che trovarne uno e
provare a suonarlo!
Giorgio Cordini
* Giorgio Cordini utilizza il criterio di
indicare le accordature partendo
dalla prima corda (quella generalmente
più acuta).
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Cordini ad Acoustic Franciacorta 2008
foto di Elio Berardelli)

tecnica
Suonare con la chitarra la
musica delle launeddas
Quando, alla fine di gennaio,
Reno mi propose di registrare
una serie di videolezioni da pubblicare
nel sito Fingerpicking.
net, rimasi, allo stesso tempo,
lusingato e stupito. Ci eravamo
conosciuti pochi mesi prima, al
festival Madame Guitar, ed avevamo
scambiato poche parole
alla fine della serata. Solo per un
suo dichiarato interesse per la
musica sarda, espresso in quella
breve conversazione, gli spedii
il mio manuale Musica Classica
Sarda - Suonare con la chitarra
la musica delle launeddas
(Scuola Popolare di Musica di
Testaccio, 2000) sicuro di fargli
cosa gradita, perché so che non
ci sono libri didattici che parlano
di musica sarda e in particolare
di chitarra. Pensavo che la
Nardi a Madame Guitar 2009
(foto di Riccardo Bostiancich)
Launeddas a
sei corde
cosa finisse lì e quindi fu con mio
grande stupore che ricevetti la
sua proposta.
Nelle conversazioni telefoniche
che seguirono apprezzai
molto le considerazioni di Reno
a proposito del mio lavoro, non
tanto perché erano degli espliciti
complimenti, quanto perché
centrava in pieno argomenti e
motivazioni che, evidenti a miei
occhi, sono stati molte volte per
me difficili da far accettare ai miei
interlocutori.
Nei giorni successivi incominciai
a pensare a come impostare
il lavoro e, pur avendo una certa
esperienza di insegnamento,
mi sembrò subito impegnativo
realizzare un intero videocorso.
Non so se e in quale misura ci
sia riuscito, ma spero comunque
di suscitare almeno curiosità per
un mondo magico e affascinante
63
chitarra acustica 1 duemilaundici
tc
come quello delle launeddas,
triplo clarinetto che la tradizione
sarda ci consegna dopo una
storia lunga 3000 anni.
Io che non sono sardo, per
potermi confrontare con una cultura
che non mi appartiene per
nascita, ho dovuto utilizzare due
sistemi di apprendimento che si
sono rivelati egualmente efficaci:
da una parte quello della musica
colta e dall’altro quello della musica
di tradizione orale.
Il primo si è articolato in più
punti:
1. Lo studio del libro di etnomusicologia
The Launeddas (Akademisk
Forlag, Copenhaghen,
1969) di Andreas Fridolin Weis
Bentzon, che contiene informazioni
e analisi teoriche riguardanti
il mondo dei suonatori e
trascrizioni di gran parte del loro
repertorio. Testo prezioso e insuperato
che consiglio vivamente
a chi volesse approfondire
l’argomento.
2. L’utilizzo della scrittura sul
pentagramma per ‘catturare’ le
suonate delle launeddas e poterle
poi scomporre ed analizzare,
per ordinare esercizi e ricordare
diteggiature, ecc.
3. Lo studio delle tecniche per
chitarra come quella classica o
fingerpicking o dei chitarristi sardi,
dalle quali imparare per elaborare
poi soluzioni ad hoc.
4. Il confronto della musica delle
launeddas con quelle di altre
culture che, per evidenti affinità
musicali (bordone fisso, musica
modale, ciclo ritmico ecc.), hanno
una seppur lontana parentela.
Dall’altra parte, per quello che
concerne il metodo “tradizionale”
che è alla base della “trasmissione
del sapere” nel mondo dei
suonatori di launeddas, l’opportunità
mi fu offerta dall’incontro

tc
Launeddas a
sei corde
con Dionigi Burranca, maestro di
launeddas e ultimo rappresentante
di una folta schiera di suonatori
dell’area del Campidano.
Malgrado la sua ‘nobile’ discendenza
musicale, considerava
l’interesse mostrato da degli
“estranei continentali” non come
un’intrusione fastidiosa, ma al
contrario una novità che dava
ancora più valore e prestigio alla
cultura sarda.
Per anni andai a trovarlo considerandolo
come il mio principale
punto di riferimento e fui
ricambiato con grande generosità.
I nastri delle lezioni registrate
erano il mio piccolo tesoro, che
portavo a casa dopo ogni viaggio
e riempivano i mesi che dividevano
un incontro dall’altro.
Ricordo ancora, con struggente
nostalgia, le prime lezioni nella
sua bottega di calzolaio a Senorbì
(nell’aprile 1978) quando,
trascurando il lavoro sulle scarpe,
afferrava una mancosedda
[la più corta delle due canne
melodiche delle launeddas] per
correggere un passaggio o raccontava
di come i suoi maestri
sapessero improvvisare «così
bene da suonare tre quarti d’ora
con tre picchiadas [frasi]», o successivamente
nella sua casa di
Ortacesus dove restavo per ore
ad ascoltarlo suonare e raccontare
della sua vita di suonatore.
Nei primi anni andavo con
l’amico chitarrista Luca Balbo.
Insieme suonavamo la musica
delle launeddas appresa dal libro
del Bentzon. Avevamo studiato
e imparato gran parte delle
trascrizioni: uno faceva la mancosedda,
l’altro la mancosa [la
più lunga delle due canne melodiche
delle launeddas]: Dionigi
apprezzava molto questo
“esperimento”.
In quegli anni il figlio più piccolo
del maestro, Efisio, poteva
avere allora 10-12 anni, suonava
le launeddas per tradizione familiare
più che per passione ed
era molto attratto dalla chitarra.
Efisio voleva provare a suonare
la chitarra come facevamo noi,
Luca ed io. Tornato a Roma preparai
degli appunti con le indicazioni
di base. In un quaderno
di fogli bianchi disegnai la griglia
della intavolatura e su di essa
scrissi gli esercizi delle launeddas
per la chitarra.
Buffo no? Il padre mi insegnava
gli esercizi, io li facevo
con la chitarra e poi li scrivevo
per Efisio. Questo è stato il primo
inconsapevole abbozzo del
metodo che avrei poi elaborato
e portato a termine molti anni
dopo. La storia con Efisio finisce
però che lasciò sia le launeddas
che i miei appunti e cominciò a
suonare rock con la chitarra elettrica
nella cantina di un amico.
Ora che Reno ed io siamo
arrivati alla fine del montaggio
e della verifica del materiale,
ho voluto scrivere queste righe
semplicemente per raccontare
prima di tutto come è nato il
progetto e per ribadire poi alcuni
64
chitarra acustica 1 duemilaundici
aspetti e informazioni espresse
‘a braccio’ e un po’ goffamente
durante le riprese.
Guardando le due lezioni introduttive
potrete farvi un’idea
chiara di qual è l’argomento trattato
e, con degli esempi pratici,
provare da subito la musica alla
quale faccio riferimento.
Nel resto delle lezioni c’è il metodo
vero e proprio con esercizi
e brani di repertorio. Sono presentate
le metodologie e le soluzioni
tecniche che sono state
necessarie, non solo per la memoria
e la conservazione della
tradizione, ma anche per ispirazione,
impulso e motivazione alla
composizione di nuova musica.
Ringrazio per lo spazio che mi
è stato offerto e per l’attenzione
di tutti.
Massimo Nardi
Lascia un commento
Dionigi Burranca (dal suo archivio personale,
1963)

tecnica
Intervista a Beppe Massara,
tecnico del suono di Guitar
Republic
Una cosa ho capito nel corso
degli anni: registrare la chitarra è
veramente complicato. A parte le
varie teorie sull’uso della diretta
da miscelare con il segnale del
microfono (abbastanza? Pochissimo?
Per nulla?), anche sul posizionamento
del/i microfono/i ce
n’è da dire, e ogni tecnico del suono
ha le sue convinzioni. Di fronte
a tanta variabilità, penso che non
si possa far altro che continuare
a raccogliere esperienze sul campo
per ragionarci su. Così, con
l’occasione del nuovo album di
Guitar Republic (al secolo Sergio
Altamura, Stefano Barone e Pino
Forastiere), ho intervistato Beppe
Massara, il fonico che ha registrato
e missato il lavoro del trio e
che tra l’altro, nel caso specifico,
aveva a che fare con tre fonti sonore
molto simili (tre Martin D-28)
seppure suonate in modo molto
diverso. Una differenza di tocco,
accordature, parti e oggetti che
Registrare tre chitarre
(uguali… anzi, no)
andava rispettata e anzi evidenziata
in ogni brano. Insomma, un
lavoro per nulla semplice nella
sua essenzialità.
Beppe Massara, che dal 2003
lavora nel suo Gel Studio di registrazione
a Trani (stupenda cittadina
in provincia di Bari, nota per
la sua bianca cattedrale sul mare),
nel corso della sua carriera di
tecnico del suono ha realizzato
vari lavori per chitarra (di tutti i
tipi, classica, acustica, elettrica)
incluso il recente Aria meccanica
di Sergio Altamura, che - come
anche in Guitar Republic - aggiunge
al ‘normale’ fingerstyle
l’utilizzo di archetto, ventole, dadi,
bulloni, cd e altri oggetti vari
per preparare la chitarra.
Perché è così difficile registrare
la chitarra?
Mah… se il musicista è bravo,
è facile registrare la chitarra. Il
musicista bravo ha già il suono
nelle mani. Poi, di solito, ha uno
strumento buono e quindi è tutto
più semplice, ed io… non devo
65
chitarra acustica 1 duemilaundici
fare danni! [ride]
tc
Per Guitar Republic come
hai organizzato tutto il setup?
Loro suonano tutti uno strumento
uguale, che è una Martin
D-28, e hanno gli stessi sistemi
di amplificazione interna, dunque
parliamo, più o meno, della stessa
emissione sonora, la stessa
sorgente come strumento. E
quindi ho scelto di utilizzare gli
stessi microfoni e preamplificatori
per avere lo stesso suono per
tutti; anche perché loro cambiano
di ruolo spesso nei brani, dove
per ruolo s’intende che ogni
volta uno è più percussivo, o magari
suona l’arco…
… e quindi cambiano anche
di postazione, alternandosi
nella registrazione in due
stanze separate.
Sì, infatti; in questo modo, anche
cambiando le postazioni di
registrazione il setup rimane lo
stesso. Comunque, come microfoni
ho usato gli AKG 414,
come preamplificatori gli Amek

tc
9098 disegnati da Rupert Neve;
le DI sono invece amplificate con
i Sunrise, un sistema piuttosto
frequente per i chitarristi acustici,
preamplificati con i Focusrite ISA
428, che è il nuovo prodotto derivante
dall’ISA 110, sempre disegnato
da Rupert Neve. E basta,
poi altri piccoli segreti me li tengo
per me…
Le tre voci però, pur provenendo
dallo stesso tipo di
strumento, sono comunque
molto diverse chitarristicamente
parlando…
Sì, ma appunto lì sta alla bravura
del musicista di mantenere
delle presenze importanti di suono
anche quando fa delle cose,
diciamo così, delicate; e poi, ovviamente,
nel missaggio si equilibra
ulteriormente.
E la percussione forse è un altro
problema per la registrazione,
rischia di venire ripresa sbilanciata
rispetto alla corda, no?
Si, è per questo che si usa
Registrare tre chitarre
(uguali… anzi, no)
infatti un microfono interno, un
pickup e un microfono esterno
su asta: in questa maniera, registrando
sempre almeno due
tracce per ogni strumento, si ha
sempre la possibilità di gestire la
cosa in modo ottimale, si riesce
a trovare l’equilibrio.
Come deve approcciare la
registrazione un chitarrista?
Innanzitutto impadronirsi tecnicamente
dello strumento.
Sono convinto che quando si
suona bene in acustico con le
mani, con un controllo reale, ci
sono davvero pochi problemi in
fase di registrazione. E poi, comunque,
un chitarrista deve fare
molti ascolti, ascoltare moltissimi
dischi, sia del passato che del
presente.
Ci sono differenze con la
chitarra classica?
La chitarra classica è più problematica,
secondo me, rispetto
all’acustica. Anche una buona
66
chitarra acustica 1 duemilaundici
chitarra di liuteria, e cioè parliamo
di valori elevati, può avere
molti problemi timbrici, soprattutto
di risonanze.
Cos’è la chitarra per te?
È uno strumento infinito, come
il pianoforte, dalle capacità timbriche
inesplorate. Non esiste un
punto di arrivo e in questo senso,
secondo me, il progetto Guitar
Republic è al posto giusto nel
momento giusto: è un disco molto
innovativo, dove l’innovazione
non è semplice sperimentazione
o sperimentazione fine a se stessa,
ma è proprio un modo nuovo
di intendere lo strumento. Sarà
sicuramente un ‘must’ nella collezione
dei chitarristici acustici.
Stefania Benigni
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tecnica
Un’introduzione al MIDI
Quando i personal computer
sono apparsi sulla scena, sono
stato uno dei pionieri a costruirmi
il mio primo PC nel 1977. Una
delle mie speranze era di ottenere
un programma di scrittura musicale
per poter convertire le mie
trascrizioni fatte a mano in spartiti
di bell’aspetto. Questa speranza
è diventata realtà quando
Internet ha aperto i battenti a numerosi
programmi di notazione.
Ho cominciato a utilizzare TablEdit
alla fine degli anni ’90 e, dal
1998 al 2002, ho curato l’archivio
delle tablature sul sito web di
TablEdit (www.tabledit.com). Ho
avuto la fortuna di vedere tablature
fatte da persone di tutto il
mondo, alcune erano buone, altre
meno. Il mio obiettivo era di
collaborare con tutti coloro che
sottoponevano trascrizioni all’archivio,
per aiutarli a migliorare
la qualità delle loro tablature. E
rapidamente divenni conosciuto
come il “Tabmeister”.
Gli anni passati a curare l’archivio
di TablEdit sono stati un
Il PC per incrementare
l’esperienza del chitarrista
periodo molto gratificante della
mia vita, e questo mi ha permesso
di incontrare un gran numero
di chitarristi meravigliosi. Due di
loro sono membri conosciuti di
Fingerpicking.net, Giovanni Pelosi
e Daniele Bazzani. Con l’inizio
di Fingerpicking.net 3.0, Reno
voleva migliorare le tablature
sul sito. Giovanni mi ha contattato
ed io ho accettato di lavorare
sulle tablature e di personalizzarle
col logo di Fingerpicking.net.
Man mano che delle tab saranno
aggiunte al sito, spero che voi le
troverete di qualità molto vicina
a quella editoriale. Inoltre il mio
obiettivo nei prossimi mesi è di
presentare articoli sull’uso del
PC per incrementare la vostra
esperienza chitarristica.
Una delle lamentele che ascolto
più frequentemente è che il
suono MIDI della chitarra ottenuto
dai programmi di notazione
musicale non è molto realistico.
È facile comprendere che il suono
di una corda di chitarra pizzicata,
con le sue armoniche e le
sue risonanze, è il più complesso
che ci possa essere tra gli strumenti
musicali. La maggior parte
67
chitarra acustica 1 duemilaundici
tc
delle schede audio utilizzano dei
software che sintetizzano i vari
strumenti, e falliscono ben presto
quando si arriva alle chitarre.
Io ho avuto la fortuna di comprare
una scheda audio Sound
Blaster Live!, che utilizza
soundfont per generare gli strumenti
musicali, ed il risultato è
che il suono MIDI è decisamente
migliorato. Cos’è un soundfont?
È semplicemente una raccolta di
campioni audio di strumenti reali,
che la scheda audio SB Live utilizza
per inviare i suoni ai nostri altoparlanti.
La maggior parte degli
strumenti hanno campioni multipli,
con ciascun campione dedicato
a uno specifico ambito di
frequenze. Per esempio, su una
chitarra, un campione può essere
utilizzato per generare note sul
Mi cantino dalla posizione a vuoto
fino al quarto tasto. Si potrebbe
usare un secondo campione per
le note dal quinto al decimo tasto,
ecc. Avere un campionamento
multiplo per uno strumento permette
alla scheda audio di confrontare
campioni diversi per tutte
le note su tutte le corde della
chitarra. In ragione della qualità

tc
del campionamento, si possono
ottenere dei suoni MIDI molto
realistici.
Poche settimane fa, Daniele
Bazzani mi ha scritto una e-mail
per chiedermi aiuto circa qualche
problema che aveva col MIDI.
C’era anche un lungo ‘thread’,
dove anche altri intervenivano
con i loro consigli. Lui ha risolto
il problema istallando una Sound
Blaster.
Mentre cercavo nella rete una
soluzione al suo problema, ho
scoperto due programmi gratuiti,
che permettono a qualsiasi
PC di utilizzare i soundfont per
l’uscita MIDI verso gli speaker.
Per cominciare, dovete scaricarvi
LoopBe1 (http://www.nerds.de/
data/setuploopbe1.exe) e SyFonOne
(http://www.synthfont.
com/SyFonOneSetup.php) e salvarli
nel vostro PC. LoopBe1 è
un dispositivo software MIDI che
lavora in modo simile a un cavo di
collegamento. Riceve eventi MIDI
da un programma e li inoltra ad un
altro programma. SyFonOne è un
player MIDI che utilizza soundfont
per generare i suoni da inviare
agli speaker. Entrambi i programmi
sono di installazione standard
per Windows, perciò dovrebbero
risultarvi molto familiari.
Installate LoopBe1 per primo
e, quando avete finito, dovrebbe
comparirvi un’iconcina nella
cartella di sistema, nella parte in
basso a destra dello schermo.
Se l’icona c’è, LoopBe1 è istallato
e siete pronti per SyFonOne.
Se non appare, riavviate il PC. Il
secondo passo è installare SyFonOne.
Alla fine dell’installazione,
quando appare la richiesta di
eseguire il programma, cliccate la
spunta dell’opzione, quindi cliccate
su “Chiudi”. Notate che ora
c’è una seconda icona (due barre
verticali) sul system tray. La prima
volta che avviate SyFonOne,
sarete guidati passo per passo
all’impostazione delle opzioni.
La prima finestra che appare si
usa per selezionare il soundfont,
e dovreste vedere la scritta
Il PC per incrementare
l’esperienza del chitarrista
“SYNTHGMS.SF2”. Questo è il
soundfont di default fornito con
SyFonOne, selezionatelo e cliccate
su “Apri”. La finestra successiva
spiega come interpretare
l’icona di SyFonOne nella cartella
di sistema. Quando SyFonOne
viene aperto per la prima volta,
l’icona è due barre verticali, il che
indica che il programma non è
attivato per ricevere eventi MIDI.
Quando è attivato, ci sarà una
barretta curva in cima alle barre
verticali. Chiudete questa finestra
per vedere la finestra principale di
SyFonOne.
La finestra principale è molto
semplice. Ci sono quattro pulsanti
sopra e due cursori del volume.
I cursori del volume permettono
di aumentare il volume dei suoni
MIDI fino al 300%. Con la finestra
aperta, cliccate sul pulsante
“Play” per abilitare il programma
ad accettare eventi MIDI. Notate
che l’icona nella cartella di
sistema, ora, ha la barretta curva
sopra. SyFonOne adesso è
pronto per inviare i suoni MIDI agli
speaker.
Prima di utilizzare il programma
come vostro lettore MIDI, ci sono
un paio di opzioni che devono essere
configurate, quindi cliccate
sul pulsante “Opzioni”. La parte
superiore della finestra “Opzioni”
mostra le porte di ingresso MIDI
disponibili. Cliccate su “LoopBe
Internal MIDI” per selezionarla. A
destra del centro della finestra,
sotto “Select Standard Audio Output
Port”, c’è l’elenco dei dispositivi
audio del vostro PC. Cliccate
su un dispositivo per selezionarlo.
A questo punto, dovete fare
un breve test per verificare la
vostra configurazione. Cliccate
sul pulsante “Test” e dovreste
sentire un beep continuo suonare
per tre secondi. Se ci sono
crepitii, o scricchiolii, aumentate
i “Samples/Buffers” o aumentate
il “Number of Buffers” e riprovate
col test. Continuate questa
fase finché non sparisca qualsiasi
rumore che sporca il beep.
Io raccomando di aumentare
68
chitarra acustica 1 duemilaundici
il “Number of Buffers” prima di
cambiare la dimensione del buffer.
Se nessuno di questi assestamenti
elimina gli scoppiettìi o i
click, allora il vostro PC potrebbe
essere troppo lento per questa
configurazione. Chiudete la finestra
“Opzioni” e ora siete pronti
per usare SysFonOne come vostro
lettore MIDI.
Aprite il vostro programma di
notazione. Prima di far suonare
una tablatura, dovete settare le
opzioni MIDI per usare LoopBe1
come dispositivo di uscita MIDI.
Per questa discussione utilizziamo
TablEdit, ma il procedimento
è simile per tutti i programmi di
notazione. In TablEdit, selezionate
“MIDI Setup” dal menu “MI-
DI”. Nel menu “MIDI Out”, selezionate
“LoopBe Internal MIDI”.
Chiudete la finestra e avviate il
playback di una tablatura per
godervi i vostri nuovi suoni MIDI.
Se avete bisogno d’aiuto per
configurare LoopBe1 o SyFonOne,
si possono trovare istruzioni
dettagliate su Guitar
SoundFont Central (http://
el-kay.com/soundfont/sf-forwin.
htm). Potrete trovare informazioni
aggiuntive sull’uso dei
soundfont e anche una banca
di soundfont supplementare
(http://el-kay.com/soundfont/
sf-library.htm), che contiene un
paio di soundfont creati da me.
Questa configurazione funziona
con i PC Windows. Ho cercato
di trovare una configurazione
analoga che funzioni sui Mac, ma
non ho trovato una soluzione.
Pensavo che ci fosse una possibilità
di incorporare soundfont
nel sistema operativo Mac, ma
credo che sia specifica per GarageBand.
Se qualcuno ha informazioni
su un setup simile per i
Mac, per favore ce ne parli.
Buona fortuna, e divertitevi
con i vostri nuovi suoni MIDI.
Larry Kuhns
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tecnica
Un programmino per trovare
accordi con corde a vuoto nelle
accordature alternative
Nell’era pre-Internet, uno degli
appuntamenti da me preferiti era lo
Speciale Chitarre che usciva ogni
estate a luglio-agosto. Ogni volta
un numero stracarico di interessanti
articoli e trascrizioni sempre
molto appetitose. Tra tutti quelli in
mio possesso, il mio favorito – in
assoluto un capolavoro per affinità
di gusti e professionalità nei contenuti
– è lo Speciale dell’estate
1988. Tra gli articoli di quel numero
ce n’è uno, a pagina 32, intitolato
“Tutti gli accordi in Sol aperto” e
scritto niente-popò-di-meno-che
da Reno Brandoni! In questo articolo,
Reno mostra le posizioni di
molti accordi nell’accordatura di
Sol aperto, coadiuvato in questo
(e, dopo anni di trasferelli, lo dice
espressamente senza velarne la
soddisfazione) dall’uso del computer…
Da allora la tecnologia ha
fatto passi da gigante e, in particolare,
oggi i tempi sono ormai maturi
per scrivere programmi usufruibili
tramite Internet senza l’obbligo
di essere distribuiti e installati nel
proprio computer.
La chitarra acustica è di per sé
uno strumento che esalta il suono
L’inizio della schermata di accordi in accordatura
DADGAD
Voicing
aperti
delle corde a vuoto, particolarità
questa che diventa ovviamente
e obbligatoriamente necessario
sfruttare negli arrangiamenti per
chitarra acustica. Una mia necessità
(e credo non solo mia) è individuare
dei voicing che portino a
suoni non scontati e contemporaneamente
in armonia con il brano
su cui sto lavorando. Studiando
e/o praticando si riescono a interiorizzare
alcune posizioni, ma ogni
cambio di accordatura ci porta in
un nuovo e sconosciuto mondo in
cui tutto è da reinventare. Senza
contare che il nostro personale
studio potrebbe essere incompleto
e forse ci preclude a priori un
mucchio di sonorità interessanti.
Ho così pensato di realizzare
un programmino che illustri, per
tutte le accordature, le posizioni
‘aperte’ degli accordi, cioè quelle
che ne sfruttano le sonorità delle
corde a vuoto. E questo per tutte
le accordature, dalla standard alla
meno utilizzata, a quella che tu e
solo tu utilizzi.
Il programmino non va dunque
alla ricerca dell’accordo ‘x’ nell’accordatura
prescelta, ma presenta
dei voicing che cercano di sfruttare
la potenza delle corde a vuoto per
incoraggiare ed aiutare a scoprire
posizioni con sonorità interessanti.
Per far questo lavora sui seguenti
parametri:
1. La famiglia di appartenenza
dell’accordo (maggiore, minore,
settima, minore settima, diminuita
e semidiminuita).
2. La ‘forma’ dell’accordo, per
indicare quali corde a vuoto
utilizzare.
3. L’accordatura desiderata.
Praticamente, scelta la famiglia,
l’accordatura e una o più ‘forme’,
ne calcola e visualizza i classici
diagrammi degli accordi per chitarra.
L’accordatura può essere
69
chitarra acustica 1 duemilaundici
tc
selezionata da un elenco precablato
oppure personalizzata corda
per corda. Di ogni accordo, oltre
alla posizione sulla tastiera, sono
visualizzati i gradi che lo compongono,
nell’ordine dalla corda più
bassa a quella più alta. La tonica
dell’accordo (indicata con T), per
intenderci quella che dà il nome
all’accordo, è assunta essere la
nota più bassa. Chi mastica un
po’ di queste cose può trovare
giovamento nel conoscere i singoli
gradi che compongono l’accordo,
mentre chi vuole astenersi
dalla teoria può godersi i suoni in
piena libertà, magari con l’indubbio
vantaggio nel conoscere che
quel suono rientra tra gli accordi
maggiori, oppure minori, ecc. Ho
ritenuto opportuno non indicare
il nome dell’accordo. Infatti, trattandosi
in molti casi di accordi
incompleti, si sarebbero ottenute
sigle complicate da leggere e senza
alcun ulteriore benefit musicale.
Il tutto con una interfaccia utente
che, nei miei intenti, dovrebbe
essere completamente intuitiva e
scevra da ulteriori spiegazioni.
Cosa c’è da aggiungere? L’elenco
precablato delle accordature,
oltre alla possibilità di essere
ampliato, ne contiene alcune con
nomi provvisori, in attesa di essere
definiti con la vostra collaborazione.
Ben vengano indicazioni in
questo senso. Sarò felice di apportare
modifiche o semplicemente rispondere
ad eventuali vostri dubbi.
Buon divertimento!
Fulvio Montauti
Il programma:
http://www.automarweb.
i t / O p e n C h o r d s .
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e=true&height=400&wid
th=650
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tc tecnica
Ciao, sono Lasse Johansson,
arrangiatore, insegnante e chitarrista.
I miei articoli affrontano l’argomento
del ragtime, del suo retroterra
e del modo in cui può essere
adattato e arrangiato per chitarra.
Il ragtime era in origine musica
per pianoforte. I suoi principali
compositori furono Joe Lamb, James
Scott e – sopra a tutti – Scott
Joplin. Essi lo intendevano probabilmente
come musica classica
piuttosto che jazz, sebbene ragtime
e jazz fossero nati più o meno
contemporaneamente nel Sud
degli Stati Uniti. A testimonianza di
questo fatto Joe Stark, l’editore di
molte composizioni di Joplin, arrivò
al punto di dare a un ragtime
di James Scott il titolo “Don’t Jazz
Me Rag (I’m Music)”. Comunque
la si veda, il ragtime ha giocato un
ruolo importante e la sua influenza
è stata un fattore determinante
per la nascita del jazz.
Esistono molti arrangiamenti per
banda di ragtime classici e, inoltre,
alcuni gruppi orchestrali li suonavano
in modo jazzistico, così che
si possono trovare dei ragtime nel
repertorio di molti dei primi gruppi
jazz. C’erano pure motivi pop di
Tin Pan Alley, come “Alexander’s
Ragtime Band”, e anche altre canzoni
che avevano nel titolo la parola
“Rag” ma avevano poco in comune
con lo stile di Joplin. Joplin,
in effetti, aveva obiettivi più ambiziosi,
palesati dalle sue due opere
A Guest of Honor e Treemonisha,
nessuna delle quali fu mai eseguita
nel corso della sua vita.
La moda del ragtime era già alla
fine quando iniziarono ad apparire
i primi dischi di jazz, e pianisti come
Fats Waller e James P. Johnson
svilupparono un nuovo stile,
lo stride piano. Ciò nonostante,
il primo brano jazz mai pubblicato
su disco, “Dixieland Jass
Band One Step” (1917), in realtà
Il ragtime
classico
utilizzava come inciso una vera
e propria composizione ragtime
classica, “That Teasin’ Rag” di
Joe Jordan. Quindi esiste un forte
legame tra il jazz delle origini e il
ragtime classico.
Alla fine degli anni 1950 i chitarristi
cominciarono a scoprire il
ragtime classico e ad arrangiarlo
per chitarra. Forse fu un tentativo
per ampliare il discorso dei bluesrag,
divenuti popolari quando artisti
come Blind Blake e Rev. Gary
Davis iniziarono a imporsi all’attenzione
durante il movimento di
revival della musica folk tradizionale
americana. Si potrebbe in effetti
definire il blues di Blind Blake
come “chitarra ragtime”, ma il suo
stile differisce dal classico ragtime
pianistico dell’età d’oro. D’altra
parte lo stesso Rev. Gary Davis
conosceva il ragtime classico e
fece delle versioni di “Maple Leaf
Rag” di Joplin con il titolo “Make
Believe Stunt”.
All’inizio degli anni ’60, Dave
Van Ronk fu uno dei primi ad arrangiare
rag pianistici per chitarra.
Il suo arrangiamento di “St. Louis
Tickle” è ancora tra i preferiti di
molti chitarristi ragtime. Più tardi
Dave Laibman, Eric Schoenberg
e altri registrarono rag per una o
due chitarre. Presto il ‘tesoro’ ragtime
fu pubblicato sotto forma di
70
chitarra acustica 1 duemilaundici
spartiti, e divenne disponibile per i
pianisti e per i musicisti che lo rielaboravano
per altri strumenti.
Quando Stefan Grossman, che
aveva registrato alcuni arrangiamenti
di Laibman, fondò la Kicking
Mule Records, molti chitarristi
europei e statunitensi ebbero
l’opportunità di incidere ragtime
classici per chitarra tra la fine degli
anni ’60 e gli anni ‘70. Cominciarono
ad essere pubblicati libri di
chitarra ragtime e l’interesse per
il genere crebbe man mano che
altre piccole etichette discografiche
iniziarono a pubblicare dischi
di ragtime.
Per mostrarvi cosa sia la chitarra
ragtime, ho scelto un arrangiamento
della composizione “Harlem
Rag” di Tom Turpin, uno dei
primi rag ad essere stato pubblicato
a stampa, nel 1897.
La base del ragtime per pianoforte
è la mano sinistra che suona
la linea di basso e gli accordi con
un solido andamento boom-chick
in 2/4, mentre la mano destra
suona la melodia sincopata sugli
acuti. Ciò si adatta molto bene
alla tecnica chitarristica del basso
alternato, dove il pollice della mano
destra mantiene un ritmo costante
sulle corde basse (come la

mano sinistra del pianista) mentre
le altre dita suonano la melodia e
le note di armonia sulle corde alte.
Nel ragtime è anche abbastanza
comune trovare una linea di
basso che varia e non si limita a
suonare il basso alternato sulle
note degli accordi. In alcuni ragtime
complessi troverete molti
movimenti contrappuntistici in cui
la linea di basso è fondamentale.
“Harlem Rag” presenta il più
delle volte un basso boom-chick
piuttosto basilare, ma con qualche
passaggio di rilievo sui bassi
quando si cambia accordo.
La maggior parte dei chitarristi
ragtime usa pollice, indice e medio
della mano destra, ma non
ci sono regole al riguardo. Alcuni
grandi interpreti del genere come
Doc Watson, Merle Travis e Rev.
Gary Davis utilizzano solo pollice
e indice con ottimi risultati. Altri
aspetti, che i chitarristi classici
definirebbero non ortodossi, sono
l’uso del pollice della mano sinistra
per tastare le corde basse e il
fatto che alcuni chitarristi tengono
il mignolo della mano destra appoggiato
sulla tavola armonica.
Vi prego di considerare che
queste non sono in alcun modo
delle regole cui dovete legarvi per
la vita, ma semplici osservazioni
circa le soluzioni adottate da molti
chitarristi ragtime.
* * *
Sono appena tornato dall’aver
trascorso dei bei mesi estivi, partecipando
anche ad alcuni festival
chitarristici, quello di Stamford in
Inghilterra, di Skarrildshus in Danimarca
ed il mio seminario di
Köveskal in Ungheria. L’incontro
con altri insegnanti e studenti mi
ha confermato una volta di più
quanto interesse ed entusiasmo ci
sia per la chitarra ragtime in questi
luoghi. Molti chitarristi fingerstyle
di adesso, infatti, non mancano di
aggiungere brani di ragtime classico
al loro repertorio.
Prendiamo ad esempio “Maple
Leaf Rag”, la seconda composizione
di Scott Joplin ad essere stata
pubblicata e sicuramente quella
che ha ottenuto maggior successo.
In Danimarca il pubblico ha
ascoltato cinque versioni differenti
di questo classico: io ho suonato
la mia, poi sono venute quelle di
Duck Baker, Dave Laibman, Paul
Banks e Nick Katzman. Era diventato
quasi uno scherzo annunciare
di continuo questo brano dal
palco. Stranamente le nostre versioni
erano tutte in tonalità diverse,
a dimostrazione del fatto che
trovare la tonalità più appropriata
per arrangiare un brano per pianoforte
sulla chitarra è estremamente
difficile. “Maple Leaf Rag”
fu composto in La bemolle, tonalità
ostica per la chitarra fingerstyle.
La mia versione è in La, quella di
Dave in Re, quella di Duck in Do.
Paul Banks ha suonato solo la
prima sezione come introduzione
ad un altro brano, ed era in Sol.
Katzman ha suonato la versione
di Rev. Gary Davis, “Make Believe
Stunt”, in La.
“Maple Leaf Rag” fu pubblicato
a stampa per la prima volta nel
1899, solo due anni dopo che si
iniziò a pubblicare spartiti di ragtime.
Nel 1897 diversi editori fecero
a gara per essere i primi a stampare
un pezzo rag. Vinse “Mississippi
Rag” di W. H. Krell che uscì a gennaio
dello stesso anno. Sempre
71
chitarra acustica 1 duemilaundici
Il ragtime
classico
tc
nello stesso anno, ma più tardi, fu
pubblicato il primo ragtime scritto
da un compositore afroamericano,
quello che ho arrangiato per
voi, “Harlem Rag” di Tom Turpin,
stampato nel dicembre del 1987.
“Harlem Rag” è stato pubblicato
per la prima volta dall’editore De
Yong di St. Louis, nell’arrangiamento
di D. S. De Lisle. Il brano fu
poi venduto a Stern di New York,
che ne stampò due versioni leggermente
differenti, una con l’arrangiamento
di William H. Tyers.
Avere versioni diverse dello stesso
spartito musicale ci permette di
scegliere quella che ci sembra più
adatta alla chitarra.
Notate che nell’arrangiamento
che vi propongo non ho voluto
ripetere la terza e quarta sezione.
Originariamente ambedue le
sezioni erano presenti in due diverse
versioni, di cui la seconda
in qualche modo più complessa.
Studiando la tablatura scoprirete
che ho dovuto muovermi piuttosto
avanti sulla tastiera, addirittura
fino al XV tasto per una
nota di corta durata. Tuttavia,
nonostante la posizione avanzata,
cerco sempre di suonare
delle corde a vuoto, nei bassi
o nella melodia, ogni volta che
è possibile farlo musicalmente
e tecnicamente. Lo faccio perché
è importante per me creare

tc
Il ragtime
classico
degli arrangiamenti che non siano
troppo difficili da suonare.
Nella terza parte troverete a
volte una ‘melodia sui bassi’ parallela
a una ‘melodia accordale’
suonata sui cantini. Linee di basso
che vanno insieme alla melodia
sono una caratteristica tipica
del ragtime. A volte ciò risulta
come due melodie suonate contemporaneamente.
Nella misura
42 si trovano alcuni armonici al
VII e XII tasto.
Nell’ultima sezione gli stessi
Esempi
HarlemRag, Tom Turpin
Arrangiamento per chitarra di Lasse Johansson
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62. Ho scritto i nomi degli accordi
e vi invito a cercare di tenere le loro
posizioni il più possibile, anche
se non ne suonerete tutte le note.
Questa è una pratica comune
in questo stile, per il fatto che vi
permette di ottenere un suono di
chitarra più pieno, visto che vibreranno
anche le corde che non saranno
suonate. Un’altra ragione è
che si noteranno di meno eventuali
errori: se suonerete la corda
sbagliata, suonerete comunque
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