1 Mensile Manifestazioni Artistiche e Culturali

Mensile Manifestazioni Artistiche e Culturali 

www.artecultura.org e-mail: info@artecultura.org 

Anno XLVI - N. 7 Luglio 2013 - Spedizione in abbonamento postale - D.L. 353/2003 (conv. in L. 27/2/2004 n.46) Art. 1, Comma 1, dcb Milano 

In caso di mancato recapito restituire al mittente che si impegna a pagare la relativa tassa 

ARTECULTURA 

1

ALVARO 

UN FUTURIBILE GEOMETRICO 

DI RICERCA PITTORICA 

A PROPENSIONE MATEMATICA 

2 ARTECULTURA 

Quando si conosce la configurazione 

pittorica che da decenni riflette sulla 

costante dell’operato di Alvaro, cercare 

di darsi una spiegazione razionale, 

consapevole del suo operato, sorge 

spontanea la domanda soprattutto da 

un punto di vista analitico: perché il 

cerchio e la linea caratterizzano 

l’aspetto intuitivo e strutturale della 

ricerca nel rapporto tra l’immagine e 

lo spazio. Considerazioni che non 

sono per noi motivi strettamente geometrici 

in ricerca di varianti con la finalità 

di voler giustificare riferimenti 

puramente speculativi su orientamenti 

euclidei, proiettivi ovvero anche il loro 

contrario, che al Maestro Alvaro non 

passano nemmeno per la mente, ma di 

aprirsi ad una spiegazione che puntualizzi 

sulla specificità della conoscenza 

circa un contenuto matematico-descrittivo 

che da una vita pone a catalizzatore 

creativo, l’immagine pittorica 

della bicicletta, la sua ruota, ad 

essere precisi. E questo senza ovviamente 

sottacere che la pratica teorica 

di Alvaro può orientativamente intendersi 

più affine alla relatività einsteniana 

che non sogna l’assoluto ma 

la matematica della certezza, la condizione 

cognitiva di una spinta operativa 

alla estenuante ricerca dell’equilibrio 

pittorico sia sotto l’apparenza visiva 

che di profondità psicologica. 

Ma sia l’uno che l’altro aspetto vengono 

sensibilizzati alla coscienza 

percettiva da un innato fermento 

motorio appagante che riguarda interessi 

di vita, la condizione umana del 

suo tempo sociale che continuamente 

lotta tra condizionamenti acritici e stimoli 

creativi alimentati dalla particolare 

carica poetica di cui potenzialmente 

dota il Maestro. Ed è partendo da 

simili congetture sulla pittura di Alvaro 

che si può cominciare ad intendere il 

suo Futuribile geometrico, cioè il divenire 

reso consapevole sulla finalità 

obiettiva che si domanda tramite la 

ruota della bicicletta quale simbologia 

dinamica che alimenta il motore creativo 

visibile o mimetizzato, sovrapposto 

o celato da altri elementi del dipinto, 

ma presente di principio in ogni 

sua opera. 

Insomma una bicicletta alata spinta 

dalla dinamicità costantemente in azio-

ne, sentita ed espressa nelle sue più 

varie forme e sempre strettamente connessa 

ad un sostanziale fermento 

ideativo che persevera l’ignoto suo 

destino di equilibrio teorico collegato 

alla dinamicità della forza creativa che 

intuisce e dipinge il soggetto nella costante 

finalità di un Futuribile geometrico 

in costante aspirazione di un più 

sereno assiomatico divenire artistico 

e culturale. Una ruota di bicicletta che 

nei termini più specifici vuole per noi 

intendere il cerchio ad intersecazioni 

infinite che poi conducono alla sfera, 

alla totalità dell’interesse di ricerca che 

avverte nel Futuribile geometrico l’incondizionato 

del proprio lavoro che 

propositivamente guarda con fiducia il 

suo personale divenire di comunicazione 

razionale-emotiva. 

Non dunque una sofisticata copia 

accademica, il Futuribile geometrico di 

Alvaro, ma l’innata introspezione che 

scava con le antenne del personale cervello 

le possibilità di conoscenza che 

dall’utopia mutano in assoluto di una 

realtà che interessa a pieno motivo la 

credibilità operativa del Maestro, il positivo 

ricercare dell’artista in stretta 

simbiosi con quella umana. Cioè il valore 

cognitivo che lavora nella galleria 

dell’ignoto. Ed è questa per noi una 

delle migliori letture sulla produzione 

pittorica di Alvaro, la sua instancabile 

missione alla scoperta dell’uomo esistenziale 

nell’impaginato storico dei 

suoi riflessi operativi tanto artistici 

quanto culturali. 

La copertina: DIREZIONE, cm. 100x140 

DALL’ALTO, cm. 40x50 

PLANIMETRIE, cm. 40x50 

COMPOSIZIONE, cm.50x60 

TASSELLO ROSSO, cm. 50x60 

PENOMBRE, cm. 40x50 

DINAMICITA’, cm. 50x50 

COSTELLAZIONE, cm. 50x60 

Anche la linea che pur tanto il 

Maestro impiega nelle sue elaborazioni 

pittoriche, riveste un significato di 

collaborazione con la bicicletta di 

Alvaro in quanto la ritiene e la sua nell’alfabeto 

delle sue composizioni visive. 

E se poi si vuole andare proprio 

all’origine dei mezzi di lavoro di cui 

si dota il Futuribile geometrico di 

Alvaro, allora si deve pure ricordare 

che la vera spinta del suo operato artistico 

sorge e si alimenta dall’a-dimensionale 

punto geometrico. Ma questa 

ARTECULTURA 3

iguarda più una dimensione generalizzata 

che il personale intervento 

che codifica il dipinto del Maestro. 

Interessante, specie nell’attuale 

operato dell’artista che è pur sempre 

un’evoluzione della personale attività, 

è il rivelare come nei suoi dipinti il 

pittore dia idea al punto di fuga, all’immaginario 

della sua bicicletta nella 

centralità del dipinto, dove cioè, a 

volte, il centro scompare ma si intuisce 

nel mosaico delle varie figure geometriche 

che motivano l’incontro come 

dimensione di perfetto equilibrio visivo 

e di stato d’animo. Un risultato 

raggiunto con obbiettività di conoscenza, 

è doveroso soggiungere. Metaforicamente 

detto Alvaro intuisce l’equi- 

4 ARTECULTURA 

librio anabolico del dipinto sovvertendo 

quanto guarda e tutto ciò che 

incontra per realizzare il nuovo del 

suo contenuto estetico e culturale. Una 

sorprendente composizione tra circonferenze 

e sfere di luna e mezzelune, 

di rette e triangoli, parallele e figure 

geometriche varie che sovrapponendosi 

non soffocano il respiro del dipinto, ma 

lo alleggeriscono alimentandone l’allusivo 

ossigenante fino a rendere piacevole 

l’invito fruitivo. Un aspetto che riguarda 

molto la psicologia percettiva 

del profondo nella quale ipotesi e realtà 

si contrastano per identificarsi nella 

conoscenza diversificata, riferita cioè 

al caso specifico. L’assiomatico che per 

diretta dimostrazione non abbisogna di 

alcuna verifica. Ed è questa ancora una 

dimostrazione che dà valore cognitivo 

al Futuribile geometrico di Alvaro. 

Sono composizioni nelle quali poi 

i vari interventi di colore liberi o posti 

in collaborazione geometriche ne raffinano 

la speditezza del messaggio 

fino a farne delle gioiose manifestazioni 

che piace guardarle appunto 

perché le varie tensioni tonali elevano 

al sublime l’atmosfera della poetica visiva 

e culturale. Colori vitali d’energia 

come il rosso, il verde, il giallo, 

l’arancione, il violaceo, il marrone o il 

nero nelle più diversificate densità e 

velature fermentano le campiture di 

una piacevole atmosfera di fertile primavera. 

Una modernissima pittura,

Da sinistra in senso orario: CAMPAGNA, cm. 50x70 

COREOGRAFIE,cm.100x100 - BALCONE, cm. 40x60 

CASETTE, cm.50x60 - PROSPETTIVA, cm. 90x140 - 

ALLEGORIA, cm.90x140 - ENTRATA cm. 50x70 - 

L’ALBERO, cm. 50x60 

quella di Alvaro, che non disperde 

l’archetipo della sua origine nella quale 

la bicicletta visibile ovvero allusiva, 

conserva la sua matrice d’origine, primaria 

e di evoluzione senza confini di 

affinità correntizie. La matrice del dipinto 

si cataloga come pittura che 

manifesta nel suo Futuribile geometrico 

il contributo innovativo di una struttura 

e di poetica nella diversità comparata 

della storia dell’arte. 

Giuseppe Martucci 

ARTECULTURA 

5

Corrispondenza Culturale: Enti e Circoli segnalano 

RESTAURO DEL NAPOLEONE 

DI BRERA 

L’Associazione Amici di Brera e dei Musei Milanesi 

e la Soprintendenza per i beni storici artistici e 

etnoantropologici di Milano presentano il progetto 

di restauro della statua in bronzo Napoleone 

come Marte Pacificatore di Antonio Canova, 

sostenuto da Bank of America Merrill Lynch 

2013 Art Conservation Project. 

L’opera posta al centro del cortile d’onore del 

palazzo di Brera dal 1859, è un elemento estremamente 

significativo e caratterizzante l’intero complesso. 

E del palazzo rappresenta una sorta di 

centro, non solo in una prospettiva geometrica ma 

ALVARO 

anche visuale, immediato impatto visivo che accoglie 

i visitatori e li introduce all’insieme unico 

delle Istituzioni braidensi. Non è soltanto un elemento 

iconico o emozionale. La statua rappresenta 

una figura storica inestricabilmente legata alle 

vicende della Pinacoteca, una sorta di presentazione 

e di tributo alla figura di Napoleone, che nel 

1809 ha istituito la Real Galleria di Brera. Un 

manufatto dal significato simbolico complesso che, 

esposto agli agenti atmosferici, ha subito un’alterazione 

nei materiali e nella staticità , richiedendo un 

intervento di restauro per essere riportato all’antico 

splendore.I lavori hanno inizio nel mese di giugno 

2013, per una durata di dodici mesi. L’intervento 

sarà realizzato direttamente sul posto, all’interno 

di una struttura trasparente che consentirà 

ai visitatori di osservare i lavori nel loro 

svolgersi. Sulla struttura del laboratorio saranno 

collocati pannelli esplicativi sulla storia del monumento 

e sui lavori di restauro in corso. Una particolare 

attenzione sarà posta alla comunicazione, 

grazie ad una sezione dedicata sul sito della Pinacoteca 

che permetterà al pubblico di seguire lo 

sviluppo del progetto. Sono previste inoltre attività 

educative specifiche, dedicate al pubblico generico, 

a scuole ed esperti d’arte. 

Il progetto di restauro è reso possibile dal generoso 

contributo di Bank of America Merrill Lynch, 

che fornisce sostegno ad istituzioni non-profit allo 

scopo di conservare opere significative per il patrimonio 

culturale di un Paese o importanti per la 

storia dell’Arte. Il supporto alla cultura locale è 

una parte rilevante della politica aziendale di Bank 

of America Merrill Lynch fondata sul riconoscimento 

che il mutuo rispetto e la comprensione 

reciproca sono elementi essenziali per la costruzione 

di forti legami economici. “Il nostro scopo è 

unire persone e culture attraverso il linguaggio 

dell’arte, un idioma potentissimo e universale. Attraverso 

la costante conservazione di importanti 

opere d’arte nel mondo, supportiamo la tutela della 

cultura locale ed il coinvolgimento delle comunità 

presenti e future dove viviamo e lavoriamo” sostiene 

Rena De Sisto, International CSR and Global 

Arts & Culture Executive, Bank of America Merrill 

Lynch. “Siamo fieri di finanziare il progetto di 

restauro del ‘Napoleone come Marte Pacificatore’ 

come parte di Bank of America Merrill Lynch’s 

Art Conservation Project. Questo ulteriore sforzo è 

testimone del nostro impegno nei confronti della 

cultura e dell’arte italiane, paese in cui siamo 

presenti da oltre 50 anni”. Il restauro è progettato 

e diretto dal dottor Daniele Pescarmona per la 

Soprintendenza per i Beni storici artistici ed 

etnoantropologici di Milano. Questo progetto è 

parte del lavoro di valorizzazione che la Pinacoteca 

di Brera ha avviato in preparazione dell’EXPO 

2015, in cui giocherà un ruolo fondamentale sulla 

scena culturale milanese e internazionale. 

Info: tel. 0272263273 - www.amicidibera.it 

6 ARTECULTURA 

CULTURA.PRESENTATO 

IL PROGETTO 

“MILANO ARCHEOLOGICA PER 

EXPO 2015”. 

Del Corno: “Un percorso per valorizzare Milano 

capitale, un ruolo mai perso che va ricordato 

e sottolineato”. 

E’ stato presentato lo scorso 5 giugno presso la 

Basilica di Sant’Eustorgio, il progetto “Milano 

Archeologica per Expo 2015”, un percorso che 

intende restituire alla città le principali realtà 

archeologiche presenti nel centro storico di Milano 

mediante azioni di manutenzione, promozione e 

comunicazione coordinata. Il progetto, promosso 

da Comune di Milano, Arcidiocesi, Regione Lombardia 

e Soprintendenza per i Beni Archeologici 

della Lombardia, è cofinanziato da Fondazione 

Cariplo ed è stato realizzato con il supporto scientifico 

di Politecnico di Milano, Università Cattolica 

e Università degli Studi di Milano. 

“Dal 286 d. C. Milano è sempre stata una capitale 

- ha dichiarato l’assessore alla Cultura Filippo Del 

Corno -. Questa sua funzione, più o meno riconosciuta 

dal punto di vista giuridico e formale a 

seconda delle fasi storiche che ha attraversato, non 

ha mai cessato di connotare la sua vita. Un ruolo 

che va ricordato e sottolineato specialmente ora, 

dal momento che con Expo 2015 più di cento capi 

di Stato avranno Milano come punto di riferimento 

ed è giusto che la nostra città si presenti al mondo 

con la coscienza e la conoscenza del suo passato, 

anche il più remoto. Questo progetto, fondamentale 

per acquisire quella coscienza, è il frutto di un 

patto virtuoso che lega oggi utilità pubbliche e 

private, per raggiungere il comune obiettivo di 

conservare quel ruolo di capitale che Milano ha 

sempre avuto”. 

Le principali e più recenti attività di intervento del 

progetto “Milano Archeologica per Expo 2015” 

sono: - Il restauro della Torre poligonale, del tratto 

delle mura romane e della Torre romana del Circo 

all’interno della sede del Civico Museo Archeologico. 

- Il restauro delle storiche sepolture 

paleocristiane sotto la Basilica di Sant’Eustorgio;. 

- La valorizzazione delle realtà archeologiche presso 

la Basilica di San Nazaro in Brolo. Tutti gli 

spazi del progetto coinvolgono una trentina di aree. 

Info: tel. 02-88450150 

CULTURA. DONATO AL COMU- 

NE DI MILANO L’ARCHIVIO DEL- 

LO STUDIO D’ARCHITETTURA DI 

VITTORIO GREGOTTI 

Oltre 800 progetti saranno consultabili gratuitamente 

nella prestigiosa Sala Sforzesca del 

Castello. Con delibera di Giunta, il Comune ha 

accettato la proposta di donazione dell’archivio 

dello Studio d’architettura Gregotti Associati: si 

tratta di decine di migliaia di pezzi, tra cui plastici, 

foto, corrispondenza e circa 44.000 disegni 

progettuali originali, che documentano la straordinaria 

attività di uno dei più importanti e prestigiosi 

studi d’architettura a livello internazionale, dal 

1953 al 2002. Info: 02-88450150 

L’HOMO NARRANS ARRIVA A 

PERGINE VALSUGANA 

Dal 5 al 13 luglio la 38esima edizione di Pergine 

Spettacolo Aperto. Performances, installazioni, 

pic-nic, aperitivi ed escursioni per raccontare e 

raccontarsi. Tra i protagonisti anche Alessandro 

Haber, Antonio Rezza , Emma Dante. 

Una nuova specie è in arrivo quest’estate a Pergine 

Valsugana, il suo nome è Homo Narrans. La sua 

caratteristica? L’esigenza di raccontare e raccontarsi: 

per lasciare traccia di sé, per interpretare il 

mondo e a volte per puro istinto di sopravvivenza. 

Homo narrans è infatti il tema della 38esima edizione 

di Pergine Spettacolo Aperto, in programma 

dal 5 al 13 luglio 2013. Info: www.perginefestival.it 

Capitale Europea della Cultura 

2019: Urbino protagonista, per un 

nuovo Rinascimento europeo 

Ufficializzata la candidatura della perla del Rinascimento 

italiano. Cento i membri di spicco del 

Comitato promotore, guidato Jack Lang: da 

Morricone a Camilleri; da Bocelli a Rubbia; da 

Eco a Vanessa Redgrave, tutti ‘tifano’ per la 

patria di Raffaello. Spacca: Progetto ambizioso, 

promosso con la consapevolezza delle straordinarie 

potenzialità che possiede questa città meravigliosa, 

culla del Rinascimento e di ogni forma 

di arte. 

“Urbino è il Rinascimento, Raffaello, il made in 

Italy. Urbino è il simbolo di una nuova utopia 

che vuole ispirare una rinascita culturale dell’Europa, 

come accadde cinque secoli fa” ha 

ricordato il Presidente della Regione Marche, Gian 

Maria Spacca, che ha aggiunto: “ Urbino la città 

ideale, una delle più alte espressioni dell’ingegno 

dell’uomo, sintesi perfetta di arte, scienza, 

filosofia. Urbino e le Marche, hanno quindi la 

potenzialità per vincere la sfida e divenire Capitale 

europea della Cultura 2019. Con noi credono 

e investono energie in questo progetto, personalità 

piene di passione e visione utopica. ...”. 

“Nella società attuale, segnata da eccessi di 

individualismo e competizione come tratti 

costitutivi della globalizzazione, il valore di 

Urbino può indicare, allusivamente, la via di un 

riscatto...” A sostenere il progetto di Urbino è 

scesa in campo una squadra formidabile di sostenitori, 

guidati da Jack Lang, già ministro della 

Cultura del Governo Mitterand. Info: 06-5807568 

MUVE CONTEMPORANEO 

Grandi mostre, esposizioni, progetti artistici 

sui linguaggi della contemporaneità proposti 

dalla Fondazione Musei Civici di Venezia, in 

occasione della Biennale Internazionale d’Arte. 

“Muve contemporaneo” sarà targata la ricca 

offerta espositiva legata ai linguaggi dell’arte 

contemporanea che la Fondazione Musei Civici di 

Venezia ha programmato per i suoi musei nella 

stagione della Biennale Internazionale d’Arte 2013. 

Un calendario denso, per qualità delle proposte, 

che conduce nel cuore della città e delle isole 

lagunari a incontrare alcuni dei principali protagonisti 

o movimenti dell’arte del secondo Novecento: 

dal Museo Correr alla Galleria Internazionale d’Arte 

Moderna di Ca’ Pesaro, da Ca’ Rezzonico- 

Museo del Settecento Veneziano al Museo di Storia 

Naturale fino al Museo del Vetro di Murano, a 

quello del Merletto nella fascinosa isola di Burano 

e alla Casa di Carlo Goldoni. Grandi eventi o 

suggestioni espositive. La Fondazione Musei 

Civici di Venezia punta a un sistema museale 

inserito nell’attualità, aperto alla contaminazione 

dei linguaggi. Info: tel. +39 041 2405211

Corrispondenza Culturale: Enti e Circoli segnalano 

Progetto Ulisse - Percorsi di autonomia 

abitativa per persone con una 

storia di disagio psichico 

Progetto Ulisse si pone la finalità di promuovere, 

sostenere e mantenere nel lungo termine l’autonomia 

abitativa di giovani adulti con disagio psichico, 

residenti nell’area milanese ed in carico ai Servizi 

Psichiatrici territoriali: propone la sperimentazione 

protetta e guidata dell’abitare, gestire e vivere una 

casa. Il benessere e la qualità di vita di una persona 

dipendono, infatti, anche dal prendersi cura di sé e 

dei propri spazi: un’esperienza che può restituire al 

soggetto una maggiore autostima e fiducia oltre 

all’apprendimento di nuove competenze e routine 

funzionali alla gestione del sé in una dimensione di 

reale autonomia abitativa. 

L’obbiettivo finale di Progetto Ulisse è di accompagnare 

la persona, dopo l’esperienza di “palestra” 

nell’appartamento, ad abitare una propria casa, 

accrescendo le proprie competenze personali e sociali 

e migliorando la propria qualità di vita. Viene 

messa a disposizione dei beneficiari una casa in 

affitto per un periodo massimo di sei anni entro cui 

realizzare, in accordo con i Servizi di cura territoriali, 

il progetto di reinserimento individuale e 

personalizzato; i beneficiari possono fare affidamento 

sull’assistenza di operatori specializzati, 

presenti almeno due ore al giorno o secondo necessità, 

e reperibili 24 ore su 24 in caso di emergenza. 

Info: 02-62695235 - ulisse@clubitaca.org. 

Il 5-6-7 Luglio siete tutti invitati a 

Art25helium al Botanikum di Monaco 

di Baviera 

Una tre giorni di autentica Festa dell’Arte. Nel segno 

dell’aria “Art25helium” propone installazioni, 

performances e l’apertura degli atelier di artisti, 

architetti e designer che lavorano all’interno del 

Botanikum spazio dedicato alla Natura e all’Arte. 

E’ l’occasione per un gemellaggio tra Botanikum e 

Bosco dei Poeti. Con l’occasione saranno esposti 

presso il Theaterhaus gli stendardi di 40 artisti 

internazionali nel segno di Arte e Natura. 

Info: tel. ++49-89-1411715 - www.boscodeipoeti.it 

Musica in Castello 2013 

25 eventi ad ingresso libero dal 31 maggio al 7 

settembre. Dall’Appennino al Po, attraverso 4 

province Piacenza, Parma, Reggio Emilia, Modena, 

in 20 Comuni.Alcuni artisti in cartellone: 

Gino Paoli, Cesare Picco, Tullio De Piscopo, Davide 

Van De Sfroos, Enzo Iachetti, Mark Baldwin 

Harrys, Orchestra Maniscalchi, Orchestra Filarmonica 

Mihail Jora Bacau dalla Romania. Nuova 

direzione artistica della rassegna affidata al Maestro 

Marco Gerboni. Info: tel. 3803340574 

UNA LUCE PER L’EMILIA RO- 

MAGNA ARRIVANO A MURANO 

I LAMPADARI DI SANT’AGO- 

STINO - IL COMUNE DELL’EMI- 

LIA ROMAGNA DEVASTATO DAL 

TERREMOTO AFFIDA AL CON- 

SORZIO PROMOVETRO IL RE- 

CUPERO DEI PREZIOSI LAMPA- 

DARI SOPRAVVISSUTI A SCOSSE 

Chi non ricorda le immagini che tutte le televisioni 

del mondo hanno mandato in onda: l’edificio del 

Comune divelto, spaccato in due, e i fragili lampadari 

in vetro ancora miracolosamente salvi. 

Ammalorati sì, ma salvi. Info: tel. 041-5275074 

Le botteghe ceramiche di Faenza 

assieme a MIC e Museo Zauli, rappresentano 

un patrimonio inestimabile di cultura, arte, 

tradizioni per turisti appassionati e curiosi 

“Faenza” o”Faience” è sinonimo nel mondo di 

“ceramica” artistica, ma è, ancor prima, la città 

dove quest’antichissima arte si è tramandata con 

continuità fino ad oggi.A Faenza (RA) si può 

scoprire un ambiente artistico dinamico e vivace, 

che si nutre dell’importante patrimonio architettonico 

e museale, dell’antico lavoro delle 

“botteghe” ceramiche e della presenza delle scuole 

d’arte. Nella capitale della ceramica artistica esse 

accolgono chiunque vi faccia visita 

Il MIC - Museo Internazionale delle Ceramiche 

(www.micfaenza.org) fondato nel 1908, rappresenta 

un punto di partenza importante del percorso 

cittadino, in quanto accoglie, nelle proprie 

ampie e luminosissime sale espositive, collezioni 

antiche e contemporanee uniche al mondo. Al 

Museo Carlo Zauli (museocarlozauli.blogspot.it) 

si scopre intatta, nell’antica bottega del maestro, 

l’affascinante atmosfera creativa e intimistica del 

laboratorio artigianale: atmosfera tipica di un “lavoro 

antico” che si ritrova, immutata, nelle tante 

botteghe ceramiche che si incontrano in città. 

Informazioni generali:tel. 0546.25231- 

PULSART RESTART: arte contemporanea, 

design street art e musica 

invadono Schio. 

Il primo weekend di luglio il centro storico di Schio 

ospiterà la 4° edizione del festival di arte contemporanea 

Pulsart, che quest’anno cambierà il proprio 

nome in Pulsart Restart. L’evento, patrocinato 

localmente dal Comune di Schio, dalla 

Provincia di Vicenza e dalla Regione Veneto, 

avrà respiro internazionale grazie al patrocinio 

della Commissione Europea e di UNICEF, oltre 

alla presenza dell’associazione GeoAir, di ALDA 

Europe e alla partecipazione di numerosi artisti 

provenienti da tutta Europa. A conferma 

dell’internazionalità dell’evento, la main partnership 

con lo storico brand di occhiali newyorkese 

Moscot.: tel. 340 9333345- www.hoodooh.com 

UN’ESTATE DI MOSTRE, CON- 

CERTI, INCONTRI DI POESIA A 

VILLA REGINA MARGHERITA. 

Mostre, concerti, laboratori didattici, incontri 

con personalità del mondo dell’arte e della cultura, 

eventi che incrociano la raffinata arte 

enogastronomica e che sviluppano l’offerta territoriale 

e la sinergia tra istituzioni. Villa Regina 

Margherita a Bordighera, con il suo percorso 

museale tra le stanze perfettamente recuperate di 

quella che fu l’ultima residenza della Regina madre 

e le splendide opere della collezione Teruzzi 

qui esposte, è sempre più punto di riferimento per 

i residenti della Riviera ligure e per i tanti turisti che 

d’estate affollano la Regione. Un sito d’arte che 

mira, nelle sue proposte, a coniugare cultura e stile. 

La programmazione degli eventi messa in cantiere 

per quest’estate dalla Fondazione Famiglia 

Terruzzi-Villa Regina Margherita, va dunque proprio 

in questa direzione cercando di diversificare le 

proposte per generi e interessi ma anche di creare 

una liaison con le istituzioni e le associazioni 

culturali del territorio per fare rete. Ma la Villa sarà 

anche teatro di grande suggestione di concerti sulla 

scia di quanto proposto con successo nella scorsa 

stagione. Incontri 14 luglio, 3 e domenica 10-18 

agosto e il 1 settembre. Info: 0184 276111- 

info@ftvm.it 

ASTE - ASTE - ASTE 

*Galleria Pace Piazza S. Marco 1 Milano 

11 Luglio ore 21 - Tel. 02-6590147 

ASTA D’ARTE MODERNA E CONTEM- 

PORANEA . Esposizione 6-11 Luglio 2013 

24 Ottobre: ASTA D’ARTE MODERNA E 

CONTEMPORANEA Esposizione 19 -24-10 

*Poleschi Casa d’Aste-tel. 02-89459708 

20121 Milano Foro Bonaparte 68 

Asta Ottobre 2013. Raccolta opere di Arte 

Moderna e Contemporanea, le opere pervenute 

prima delle ferie rimarranno assicurate 

gratuitamente. 

QUERCETTI: QUANDO IL GIO- 

CATTOLO DIVENTA OGGETTO 

DESIGN 

Sono cubetti e barrette, elementi all’apparenza 

semplici, che racchiudono al loro interno un 

secolo di storia del design. 

La Quercetti, la storica fabbrica di giocattoli con 

sede a Torino, è diventata famosa in tutto il mondo 

grazie ad un’idea talmente semplice da essere 

geniale:l’invenzione dei chiodini. Alessandro 

Quercetti dimostrò nel 1953 che sono sufficienti 

componenti elementari, addirittura banali, per realizzare 

un prodotto geniale. L’essenzialità è la 

chiave dei nuovissimi prodotti firmati dalla fabbrica 

del chiodino, Link e Poli Cubi, appena 

lanciati sul mercato come proposta di costruzioni 

senza “incastri autobloccati” per la prima infanzia. 

Una proposta di gioco unica nel suo genere; 

non esistono, infatti,altri esempi di costruzione in 

plastica con caratteristiche simili sul mercato del 

giocattolo. Info: +39 011 235656 

Festival di Fotografia di Capri 

Suggestioni Capresi, 100 anni dopo Diefenbach. 

Fotografie d Francesco Jodice e Olivo Barbieri 

a cura di Denis Curti. 

Il progetto nasce dalla collaborazione con la Soprintendenza 

Speciale per il Patrimonio Storico, 

Artistico, Enoantropologico, e per il Polo Museale 

della Città di Napoli in occasione della commemorazione 

dei 100 anni dalla morte dell’artista 

Wilhelm Diefenbach, le cui opere sono esposte nel 

Museo Diefenbach presso la Certosa San Giacomo. 

Partendo dalle opere dell’artista tedesco, i due 

artisti sono chiamati ad ispirarsi alla tensione che 

emerge da quadri di Diefenbach, dove improvvisi 

squarci luminosi interrompono il buio delle sue 

tele. Arte contemporanea e storia, in un connubio 

sempre più esplicito. Francesco Jodice e Olivo 

Barbieri realizzeranno, con linguaggi distinti che 

sapranno poi incrociarsi all’interno del percorso 

espositivo, due interventi site specific che li porteranno 

a confrontarsi nella mostra alla Certosa. 

Info: +39-081-8374082 - info@fondazionecapri.org 

GRUPPO D’ARTE Licia Massella 

Laboratorio delle arti figurative e plastiche 

Nasce nel 2013 dalla collaborazione tra l’Associazione 

Culturale Veronese e Pro Senectute. Insegnante 

conduttrice Licia Massella. La partecipazione al gruppo 

è aperta a tutti gli appassionati del mondo dell’arte 

che, con spirito creativo, intendono approfondire tecniche 

già acquisite o scoprirne di nuove. 

Tutti possono procedere secondo propri ritmi e 

preferenze attraverso il disegno, la pittura o la scultura 

di genere classico, astratto, informale o 

minimalista. Incontri di 2 ore settimanali: 1° turno 

Lunedì: 19.00-21.00 - 2° turno Giovedì . 16.00-18.00 

Info: tel.339 4336103 - www.liciamassella.com 

ARTECULTURA 

7

- RISORGIMENTO POETICO - 

Né porcellum e né mattarellum: 

senza una proporzionale pura 

il Parlamento è antidemocratico, 

ed ogni stravolgimento una tirannia 

8 ARTECULTURA 

Che la burocrazia abbia aggirato la 

nostra Costituzione per favorire d’indifferenza 

anche i massacri di stato, soprattutto 

in area mediterranea, vedi Siria 

e Turchia, non può esserci dubbio. 

La solidarietà non esiste nemmeno 

come sogno, infatti, non solo i politici, 

ma neppure i sindacati si sono preoccupati 

più di tanto, al contrario di quanto 

poteva sentire Giuseppe Di Vittorio 

nella sua calorosa stretta di mano 

internazionale. Ma, a conti fatti, meglio 

rendersi complici della più arretrata 

restaurazione che badare un tantino 

all’evoluzione internazionale dell’uomo. 

Ad una solidarietà sincera che 

non lasci morire nel tonfo della povertà 

i lavoratori autentici. E di coerenza 

stagnante sono duemila anni che pur 

la chiesa parla di una povertà che non 

diventa mai dignità umana della persona, 

con buona pace e rispetto di Papa 

Francesco I che un giorno potrebbe diventare 

Santo anche da vivo, ma senza 

aver potuto debellare la povertà. E 

così bisogna prendere atto che la democrazia 

degli stati non rispecchia la 

solidarietà, l’armonia, la fiducia di vivere, 

ma solo quegli interessi che riguardano 

il profitto, la prevaricazione, 

la distruzione dell’altro e non la 

condivisione leale dei rapporti nella 

reciprocità della vita quotidiana. 

Così ne consegue che in un Parlamento 

nazionale come il nostro, la democrazia 

la instaurano gli interessi di 

casta che deviando dai lineari principi 

della nostra Carta costituzionale, nella 

quale uno vale uno e non più di uno, 

impongono di prepotenza quando e 

come un’organizzazione politica possa 

entrare in Parlamento. Poi per meglio 

difendere i loro privilegi di casta 

si inventano un premio di maggioranza, 

in modo che se in una fabbrica si 

presenta un conflitto tra direzione 

d’impresa e manodopera possano intervenire 

i manganelli della polizia per 

continuare a garantire la gerarchia che 

regna tra padroni e dipendenti. Gli 

estremismi nelle organizzazioni politiche 

esistono perché si è impedito che 

si evolvesse una cultura di vicinanza 

dell’uno verso l’altro, ma si è perseverato 

nell’approfondire il solco delle differenze 

sociali non senza il marchio 

della discriminazione. Ed i politici della 

discriminazione ne fanno la loro 

arma migliore, specie quando devono 

far passare la calunnia per verità a destra 

come a sinistra, senza ignorare il 

centro. L’Italia ancora ha la più democratica 

costituzione del mondo, ma si 

sono messi tutti in testa di cambiarla 

per tradirla ulteriormente e non per eliminare 

le cause involutive nei rapporti 

con la vita sociale, ma stravolgerla 

tramite regole accentratrici che fanno 

genio ideativo alla casta intellettuale. 

Per alleggerire le spese burocratiche si 

è così avuta la brillante idea di dimezzare 

il numero dei deputati e senatori. 

Meglio non si poteva pensare per aumentare 

la distanza tra le rappresentanze 

istituzionali e la collettività cittadina. 

Il risparmio si dovrebbe realizzare 

in ben altre strutture dello stato 

burocratico, come nel rientro immediato 

dei soldati dalle missioni di pace in 

cui dovrebbero andare distinti dal Tricolore 

ad un braccio e non armati di 

tutta modernità per fare la guerra. Così 

nell’abituale dissesto anche se comandasse 

uno solo, i cittadini pagherebbero 

ancora più tasse di quante di 

soverchio ne paghino attualmente. Ma 

per noi le spese parlamentari si potrebbero 

non solo dimezzare, ma abolire 

del tutto. E non sarebbe poi tanto 

difficile, quando si va in pensione a 65 

anni e fino agli 80 si può essere benissimo 

sani e disponibili per assumere 

responsabilità di rappresentanze istituzionali 

con esperienze di attività provate, 

sarebbe più che un vantaggio, 

senza alcuna remunerazione, ma facendo 

affidamento sulla propria pensione. 

E mille persone idonee e desiderose 

di farsi carico di vita parlamentare 

sicuramente esistono. Basta volerlo. E 

così anche la fine del debito pubblico. 

Purché scompaia quell’infantilismo per 

il quale nella diatriba tra i partiti si debba 

rinnovare la carica di presidente 

della Repubblica a chi ha già espresso 

il suo mandato. Un delicato problema 

che noi, qualora per ipotesi avessimo 

la possibilità di farlo, lo faremmo diventare 

semplice in tutto rispecchio costituzionale. 

L’attuale strategia burocratica 

di parlare troppo senza mai concludere 

deve finire. 

Anche l’attuale rapporto tra Stato 

e Chiesa per noi deve cambiare, troppe 

contraddizioni rendono genuflesso 

lo Stato alla Chiesa. Ed in questo senso 

l’Italia liberale, laica, ha indietreggiato 

di 150 anni. Lo Stato e la Chiesa 

debbono avere collaborazione di tutta 

sovranità, senza essere vittime di strategie 

psicologiche e perdere di vista la 

reale evoluzione dell’uomo, per cui la 

piramide sociale, propende a diventare 

sferica per essere aperta a tutti. Senza 

colorarsi ideologicamente o religiosamente, 

ovvero esserlo, solo soggettivamente, 

senza pesare sulla libera coscienza 

dell’altro. Altrimenti sussistono 

fondati motivi per dire che i Patti 

Lateranensi vanno ridiscussi o aboliti. 

La libertà è una sola: chi la tinge di convenienza 

la distrugge. Artecultura

In questo numero LUGLIO 2013 

6 - CORRISPONDENZA CULTURALE 

8 RISORGIMENTO POETICO 

9 SOMMARIO 

10 INTERLUDI 

14 INTERLUDI CONTINUANO 

20 SALOME’ 

21 PISSARRO AL PORTO 

22 LETTERA DA ROMA 

23 VENEZIA - ARTE DALL’IRLANDA 

24 GIANNI BERENGO GARDIN 

25 MILAN-INTER 1963 

29 TURISMO - TAMBURRIATA 

30 GERARDO SANGIORGIO 

31 L’AUTODIDATTA NELLA STORIA 

32 LIBRI - IMMAGINI E LUOGHI 

34 SCUOLE: BOXE-MILITARISMO? 

36 UMANITA’ POETICA 

38 NUDO PER L’ESTATE 2013 

40 L’IMMAGINE QUOTATA 

41 ARTE-SCAMBIO ED ALTRO 

42 CONCORSI 

44 POESIA -SAGGISTICA-DISARMO 

Inserto redazionale: 

-MOSTRE A MILANO 

-POSTACATALOGO 

- ARTECULTURA è inviata: abbonati di tutta Italia, 

gallerie d'arte, critici, musei, scuole, alberghi, di 

Milano e categorie specializzate di professionisti. 

- Composizione e impaginazione: redazionali. Scritti e 

foto inviati e non richiesti non vengono restituiti. 

Fotolito e stampa Press Point 

Via L. Cagnola, 35 Abbiategrasso 

ARTECULTURA 

Le idee che la impegnano 

- CORRISPONDENZA 

CULTURALE 

- COSTUME POETICO 

- 24 OTTOBRE GIORNATA 

MONDIALE DISARMO 

- INFORMAZIONE 

ARTISTICO CULTURALE 

- POESIA DELLA NATURA 

- POESIA PACE 

- PSICOPOESIA 

ALVARO - EMILIO FORMENTI - CARLA MONTI - 

CARLO CIMMINELLI - LILIANA RAVALLI - LUISA 

VISCONTI - GIANCARLO AMURRI - MICHELE 

GIANNATTASIO - GREGORIO MANCINO - 

ANTONIETTA DI SECLI’ - PIT PALAZZOLI di 

Marpanoza; TRANQUILLO FREGONI - GIOVANNA 

GUSMAROLI VANNGIO’- NUDO PER L’ESTATE 

di Aoristias. TANO FORTUNA di Salvatore Cagliola. 

INSERZIONI DI: GIANFRANCO RONTANI - 

GALLERIA D’ARTE CORTINA 

ARTECULTURA 

Mensile Manifestazioni Artistiche e Culturali 

Registrazione Tribunale di Milano 

n. 253 del 6/9/1967 - Registro Nazionale della 

Stampa n. 5359 - Direttore responsabile: 

Giuseppe Martucci - ARTECULTURA Edizioni 

- Codice Fiscale MRT GPP 26M24 G616U 

-Partita IVA: 03093710154 

- Direzione: via Ciovasso 19 - 20121 Milano 

- Tel. 02/864.64.093 - 

Fax 02/860.833 - 02/896.573.02 

www.artecultura.org 

e-mail:info@artecultura.org 

Distribuzione gratuita senza impegno fisso di 

recapito. Chi lo desidera è pregato di abbonarsi. 

- Anno XLVI N. 7 Luglio 2013 - Spedizione in 

Abbonamento. Postale -D.L. 353/2003 (cov. in 

L. 27/2/2004 n.46) Art. 1, Comma 1, dcb Milano 

- caso di mancato recapito restituire al 

mittente impegnato a pagare la tassa. 

L'abbonamento (10 numeri annui) per i lettori 

che desiderano ricevere al proprio domicilio 

ARTECULTURA in modo continuativo. 

Non si risponde in caso di mancato recapito non 

dovuto ad adempimento della Rivista. 

Non si restituisce la quota di abbonamento se 

esigenze di forza maggiore costringessero la 

sospensione o la cessazione della pubblicazione. 

Finito di stampare il 27- 06- 2013 

Abbonamento annuo Euro 30,00 

Non disdetto tramite raccomandata un mese 

prima della scadenza si ritiene tacitamente rinnovato 

con invio della nuova quota. Non valide 

le disdette effettuate per telefono. 

Artecultura non riceve sovvenzioni pubbliche 

Intestare: 

ARTECULTURA di Giuseppe Martucci 

C.C.Postale N. 84356302 

Via Ciovasso 19 -20121 Milano 

un libero accesso 


info@artecultura.org 

da BRERA... 

ARTECULTURA 

PER IL MONDO! 

Sostienila 

con l’abbonamento... 

Pedalando al Passato: 

Storie, uomini, mestieri 

20 giugno- 17 novembre 

In occasione dei MONDIALI DI CI- 

CLISMO, il Museo Galileo ospita 

un’appassionante esposizione che 

racconta al pubblico le principali tappe 

nella storia della bicicletta.La bicicletta 

ha una storia ricca di interessanti sorprese. 

La mostra, che si articola in due sezioni, 

illustra alcune delle tappe più significative 

dello sviluppo dei veicoli a due ruote.Nella 

prima sezione sono esposti antichi bicicli 

che fanno parte delle collezioni del Museo 

Galileo, solitamente conservati nei 

depositi. Gravemente danneggiati durante 

l’alluvione di Firenze del 1966 e successivamente 

restaurati, sono stati donati 

da vari collezionisti. La raccolta spazia 

dalla draisina, l’antenato della bicicletta 

che si spingeva con i piedi, allo ”scuotiossa”, 

il primo velocipede dotato di 

pedali e freni, ai bicicli dalle grandi ruote 

anteriori fino ai più recenti “bicyclette” e 

“bicicletto”.La seconda sezione è dedicata 

alle cosiddette “biciclette dei mestieri”. 

Vere e proprie botteghe ambulanti, questi 

veicoli sono stati modificati e attrezzati 

con vari strumenti per lo svolgimento di 

diverse attività. Risalenti al periodo tra i 

primi anni del Novecento e il secondo 

dopoguerra, offrono uno spaccato di vita 

popolare e documentano antichi mestieri, 

come l’arrotino, il calzolaio, il burattinaio, 

alcuni dei quali oggi scomparsi. Le 

biciclette esposte costituiscono una 

selezione della collezione di Marco 

Paoletti. La mostra è ideata e curata dal 

Museo Galileo – Istituto e Museo di Storia 

della Scienza, in collaborazione con 

Comune di Firenze, Collezione Marco 

Paoletti, Fondazione Sistema Toscana, 

Opera Laboratori Fiorentini – Civita 

Group e con la partecipazione di Biblioteca 

delle Oblate – Archivio Storico Comunale 

Firenze. info@museogalileo.it 

ARTECULTURA 

9

INTERLUDI D'ARTE 


IL GIOIELLO ITALIANO ALLA TRIENNALE FRAMMENTO DI ARAZZO CON AQUILA Giorgio Morandi, NATURA MORTA 

1956, olio su tela 

Triennale Design Museum 

presenta 

Il design italiano 

incontra il gioiello 

Triennale DesignCafé 

2 luglio - 8 settembre 2013 

Triennale Design Museum presenta un’ampia 

rassegna dedicata al gioiello dei designer 

italiani, a cura di Alba Cappellieri e 

Marco Romanelli. 

La mostra percorre un arco temporale che 

va dagli anni Cinquanta a oggi, attraversa 

stile e momenti differenti, dal Razionalismo 

al Post Moderno fino al Minimalismo: un 

percorso con salti generazionali che includono 

grandi maestri e giovani designer, 

produzione industriale e pezzi unici. 

L’ipotesi curatoriale si compone di due 

parti: una rassegna storica con numerosi 

progetto inediti presentati per la prima 

volta a Milano e una sezione con gioielli 

progettati e realizzati ad hoc per la mostra. 

Afferma Silvana Annicchiarico, direttore 

del Triennale Design Museum: “Fin 

dagli anni Trenta del secolo scorso la storia 

della Triennale di Milano è densa di episodi 

emblematici e intelligentemente precursori 

nel rivendicare un rapporto non convenzionale 

del design con l’oreficeria e, 

soprattutto, con la gioielleria. Riprendendo 

questa grande tradizione, Triennale Design 

Museum ha reintrodotto con la mostra Il 

Design della Gioia, nel 2004, una particolare 

attenzione al tema del gioiello, negli 

anni successivi di nuovo protagonista nella 

sezione dedicata ai jewels designer in The 

New Italian Design (mostra itinerante dal 

2007 a oggi), e nelle mostre Gioielli di 

Carta (2009), Gioielli per Milano (2011) 

fino a Il gioiello sostenibile di Riccardo 

Dalisi (2012). Per lungo tempo il mondo 

del design ha fatto finta di non vedere i 

gioielli. Li ha relegati nel limbo dell’ornamento 

o nella gratuità del decoro, e li ha 

espunti da sé e dal proprio universo 

progettuale come tentazioni pericolose, 

come deviazioni eretiche, come indizi di 

quella ‘delittuosità’ che Adolf Loos denunciava 

in ogni deragliamento del designer 

verso la sfera dell’ornamentale, del superfluo, 

dell’orpello. (....). Info: tel. 02-724341 

10ARTECULTURA 

CASTELLO SFORZESCO. 

I TESSUTI EGIZIANI 

IN MOSTRA 

Dal 7 giugno al 15 settembre 2013. 

La mostra presenta “Tessuti egiziani dall’età 

ellenistica al medioevo nelle Raccolte 

del Castello Sforzesco di Milano”. L’esposizione, 

fino al 15 settembre 2013, con 

ingresso gratuito, presso la Sala del Tesoro 

del Castello, raccoglie circa 50 pezzi appartenenti 

alla collezione di tessuti copti 

delle civiche Raccolte d’arte applicata, 

costituita a partire dal secondo dopoguerra 

da due nuclei separati, uno del pittore 

Mariano Fortuny, venduto nel 1951 dalla 

moglie, e l’altro di Gabriella Debbane, 

che nel 1999 cedette i tessuti acquistati dal 

padre, diplomatico vissuto al Cairo. 

“Questa mostra ci offre l’occasione di ammirare 

i frammenti di un passato lontano, 

sopravvissuti al tempo e arrivati fino a noi 

dopo un lungo viaggio - ha dichiarato 

l’assessore alla Cultura Filippo Del Corno-. 

Sono porzioni di abiti e ornamenti 

fabbricati oltre 1500 anni fa da mani esperte 

e sconosciute. Grazie a questa mostra 

possiamo conoscere le piccole espressioni 

artistiche che facevano parte della 

quotidianità di mondi apparentemente lontanissimi 

da noi, ma che, come queste 

trame dimostrano, possedevano l’attenzione 

alla realtà e ai suoi dettagli: ancora oggi 

un principio fondamentale nell’arte della 

tessitura. Siamo quindi particolarmente lieti 

di ospitare nelle sale del Castello Sforzesco 

queste testimonianze, capaci di riconnetterci 

con altre culture, vite e storie”. 

Per la prima volta una selezione importante 

della raccolta viene presentata al pubblico. 

Si tratta di frammenti decorativi ritagliati 

dai capi di abbigliamento - tuniche, 

scialli, mantelli e veli da testa - ma anche da 

tessuti da arredo. Per ragioni di praticità 

raramente si sono conservati i capi di abbigliamento 

nella loro interezza: più frequentemente 

i collezionisti hanno preferito ritagliare 

gli elementi ornamentali. 

Info: tel. 02-88463700 

MORANDI / Retrospettiva 

Parigi, Palais des Beaux-Arts 

dal 7 giugno al 22 settembre 2013 

Dal 7 giugno, con GIORGIO MORANDI. 

Retrospective, Bruxelles celebra il genio 

dell’artista bolognese in una mostra che 

riunisce un centinaio di lavori tra dipinti, 

disegni, incisioni e acquerelli nelle sale del 

Palais des Beaux-Arts. Tra questi, cinque 

oli su tela e un disegno provenienti dalle 

collezioni del Museo Morandi di Bologna 

che saranno visibili al pubblico dell’esposizione 

fino al 22 settembre. 

L’ampia retrospettiva, curata da Maria 

Cristina Bandera (studiosa, direttrice della 

Fondazione Roberto Longhi di Firenze e 

co-curatrice della grande mostra su Morandi 

tenutasi al MAMbo - Museo d’Arte Moderna 

di Bologna e al Metropolitan Museum di 

New York nel 2008/2009) tocca i temi 

principali della ricerca dell’artista: la natura 

morta, il paesaggio e i fiori, senza trascurarne 

altri meno ricorrenti se non addirittura 

rari, quali l’autoritratto e la figura umana 

(come nel caso delle Bagnanti del 1915). 

Si parte dalle prime opere che si muovono 

nell’ambito delle avanguardie per seguire 

l’evoluzione espressiva morandiana fino 

alla progressiva dissolvenza dei lavori degli 

ultimi anni, attraversando tutte le tecniche 

e le varianti esplorate dall’artista. 

Le opere messe a disposizione dal Museo 

Morandi vanno dai fiori del 1924, passando 

per le nature morte (una del 1942, due del 

1951) fino ai paesaggi del 1961 (matita su 

carta) e del 1962 (olio su tela). 

A Bruxelles i lavori di Giorgio Morandi 

vengono accostati e posti in dialogo con 

quelli di un altro artista contemporaneo: 

Luc Tuymans. 

Tale scelta è stata già da tempo sperimentata 

nell’allestimento dell’ampia collezione 

di Bologna - la più rilevante raccolta 

pubblica morandiana, attualmente ospitata 

nelle sale del MAMbo - in cui sono presenti 

opere di diversi autori tra i quali Wayne 

Thiebaud, Sean Scully e Tony Cragg. 

Insomma una mostra di palese interesse 

storico nella quale l’osservatore può ragionevolmente 

darsi conoscenza storica. 

ufficiostampamambo@comune.bologna.it


RITRATTO DI ARCHIMEDE SU MONETA 

POST-CLASSICI 

l’antico nell’arte moderna 


Emilio Vedova, CICLO ‘62 (B3) 

Fondazione Vedova 

ARCHIMEDE / Arte e 

Scienza dell’invenzione 

Roma, Musei Capitolini 

30 maggio 2013 - 14 gennaio 2014 

Una mostra sulla figura di Archimede 

organizzata in collaborazione con il Museo 

Galileo - Istituto e Museo di Storia della 

Scienza di Firenze, con i modelli delle 

macchine di cui gli è attribuita l’invenzione 

e materiali archeologici dall’antica 

Siracusa, dove lo scienziato visse nel III 

secolo a. C. 

Si hanno pochi dati certi sulla sua vita. 

Tutte le fonti concordano sul fatto che fosse 

siracusano e che sia stato ucciso durante il 

sacco di Siracusa del 212 a.C. Tra le poche 

altre notizie certe vi è inoltre quella, tramandata 

da Diodoro Siculo, che abbia soggiornato 

in Egitto e che ad Alessandria 

d’Egitto abbia stretto amicizia con il matematico 

e astronomo Canone di Samo, come 

si evince dal rimpianto per la sua morte 

espresso in alcune opere: Tornato a Siracusa, 

tenne corrispondenza con vari scienziati di 

Alessandria. 

Secondo Plutarco era imparentato col monarca 

Gerone II. La tesi è controversa ma 

trova riscontro nella stretta amicizia e stima 

che, anche secondo altri autori, li 

legava. La data di nascita non è certa. Viene 

di solito accettata quella del 287 a.C., sulla 

base dell’informazione, riferita dall’erudito 

bizantino Giovanni Tzetzes.Non si sa se 

si basasse su fonti attendibili ora perdute o 

avesse solo tentato di quantificare il dato, 

riportato da vari autori, che Archimede 

fosse vecchio al momento dell’uccisione. 

L’ipotesi che fosse figlio di un astronomo 

siracusano di nome Fidia (altrimenti sconosciuto) 

è basata sulla ricostruzione di 

una frase di Archimede effettuata dal 

filologo Friedriec Blass, contenuta 

nell’Arenario, che nei manoscritti era giunta 

corrotta e priva di senso. Se questa 

ipotesi è corretta, si può pensare che abbia 

ereditato dal padre l’amore per le scienze 

esatte. Info: tel. +39 0639967800 

POST-CLASSICI / La ripresa 

dell’Antico nell’arte 

contemporanea 

Roma, Foro Romano e Palatino 

23 maggio - 29 settembre 2013 

La mostra viene dedicata al rapporto tra 

arte contemporanea e antichità: 17 artisti 

traggono ispirazione dal dialogo con i luoghi 

della classicità. Il tema della mostra, 

curata da Vincenzo Trione e promossa 

dalla Soprintendenza speciale per i beni 

archeologici di Roma in collaborazione con 

Electa, è il richiamo all’antico: inteso come 

fonte di valori “assoluti” - bellezza, armonia, 

perfezione, misura, sapienza - che vengono 

reinterpretati in chiave moderna. Per 

la prima volta, l’arte del nostro tempo entra 

nel Foro romano: diciassette artisti si confrontano 

con luoghi e monumenti diversi, 

presentando opere quasi tutte realizzate 

per questa occasione. La mostra documenta 

l’attività di artisti italiani impegnati a sottrarsi 

a ogni internazionalismo stilistico, 

che avvertono il bisogno di richiamarsi 

all’identità italiana per riaffermare con forza 

lo stile, nel segno di uno stringente e 

spesso conflittuale rapporto con la memoria, 

ma anche nell’orizzonte di una nuova 

riflessione tra contemporaneità e patrimonio 

storico. Vincenzo Trione ha invitato a 

partecipare artisti di diverse generazioni. 

Dai maestri dell’arte povera - Kounnellis, 

Pistoletto, Paolini - a protagonisti della 

transavanguardia come Paladino; da figure 

isolate - Parmiggiani, Longobardi, Albanese, 

Beecroft - a grandi fotografi come 

Jodice e Biasucci; da voci “mistiche” - 

Botta, Pietrosanti a personalità lontane da 

gruppi e da tendenze come Aquilanti; da 

autori post-informali come Colin a giovanissimi 

quali ZimmerFrei, Alis/Filliol e 

Barocco. Sono stati quindi scelti artisti che 

intrattengono con la classicità un dialogo 

fondato su appropriazioni e reinvenzioni 

spesso audaci, che tendono ad acquisire 

figure e motivi dell’immaginario archeologico 

e, spesso, evocando l’effetto di rovine 

e reperti. Info: www.postclassici.it 

VEDOVA TINTORETTO 

Venezia, Scuola Grande di San Rocco 

24 maggio - 3 novembre 20013 

La Scuola Grande di San Rocco, che ospita 

il grandioso ciclo dei Teleri di Jacopo 

Tintoretto, si apre all’arte moderna e contemporanea 

con il progetto: San Rocco 

Contemporaneo: in dialogo con Tintoretto. 

Il progetto mette in relazione cinque 

grandi artisti del Novecento internazionale 

con l’opera del Maestro Manierista. 

Il primo appuntamento di questo ciclo è 

dedicato alla figura di Emilio Vedova, un 

protagonista della scena internazionale del 

Novecento, e per la prima volta saranno 

esposte le sue opere che testimoniano il 

profondo legame che il giovane Vedova 

sentiva verso l’opera di Tintoretto fino alla 

maturità dei lavori più recenti, in una mostra 

realizzata in collaborazione da Arciconfraternita 

Scuola Grande di San Rocco 

e Fondazione Emilio e Annabianca Vedova. 

Le opere direttamente riferite a Jacopo 

Tintoretto saranno esposte , secondo il progetto 

di Germano Celant e Stefano 

Cecchetto, come in un ideale viaggio e 

dialogo nel tempo quasi lo spettatore possa 

rivivere e percepire lo sguardo attento e 

sensibile che provocò Vedova in quella 

situazione di forte attrazione mentre il ciclo 

degli Oltre verrà installato nella Sala Terrena 

tra le colonne della navata centrale. 

Si potranno vedere gli studi di Vedova dal 

Tintoretto, realizzati in epoche diverse fin 

dal 1936, due sculture e una grande tela 

degli anni Sessanta fino al ciclo degli Oltre 

che l’artista realizzò nel 1985, in un ideale 

percorso che ritrova Vedova nei luoghi di 

Tintoretto. Iacopo Robusti, per Emilio Vedova, 

è stato molto di più di un antico 

Maestro di riferimento ed ha costituito il 

supporto principale della sua formazione 

artistica. Questo percorso permette di sottolineare 

l’impeto e la forza di una Conversazione-lacerazione; 

partendo dall’inizio, 

dai primi esercizi di stile, peraltro già 

marcati da una forte personalità, si potrà 

comprendere lo sviluppo di quello che in 

seguito diventerà la cifra stilistica di Vedova. 

Info: +39.041.5234864 

ARTECULTURA11


Lieni Riefensthal, DEUTSCHE TURNERINNEN, 1936 

Guido Reni, GESU’ CONSEGNA LE CHIAVI 

A SAN PIETRO 


Miquel Navarro, TESTA PENSANTE 

F4 Un’Idea di Fotografia 

Treviso, Casa dei Carraresi 

dal 15 giugno all’11 agosto 2013 

Parte la terza edizione di F4/ un’idea di 

fotografia, il festival promosso da Fondazione 

Francesco Fabbri con un ampio programma 

di esposizioni, workshop e incontri 

con l’autore a Casa dei Carraresi a 

Treviso. Ad aprire il festival sono le esposizioni 

Sguardi sul tempo. Percorsi nella 

fotografia d’autore e Venezia / L’eredità 

dei precursori, mostra personale di Francesco 

Jodice. 

La prima rassegna, curata da Carlo Sala, 

proporrà oltre duecento lavori dalle origini 

del mezzo fino ai nostri giorni provenienti 

dalla collezione privata di Dionisio 

Gavagnin, finora rimasta inedita al pubblico. 

La selezione qui proposta è un percorso 

volto a raffigurare i cambiamenti culturali 

e sociali della storia tramite l’occhio privilegiato 

della fotografia con opere tra gli 

altri di Henri Cartier Bresson, Robert Capa, 

Candida Höfer, Robert Mapplethorpe, Fèlix 

Nadar, Man Ray, Thomas Ruff e Sebastiao 

Salgado. La prima esposizione è un intenso 

dialogo tra alcuni maestri della fotografia 

che in momenti differenti hanno raffigurato 

la condizione sociale dell’uomo: i ritratti 

l’alta borghesia di Félix Nadar si confrontano 

con la volontà classificatoria che 

emerge nei volti della gente comune del 

tedesco August Sander, ma anche con le 

immagini patinate uscite dalle riviste di 

moda di Robert Mapplethorpe e Irving Penn. 

La fotografia è anche specchio del proprio 

tempo che narra eventi epocali: ecco apparire 

gli scatti realizzati dalla NASA l’11 

luglio 1969 per celebrare lo sbarco sulla 

luna; ma anche fatti che hanno segnato le 

coscienze collettive come l’attentato al presidente 

Ronald Reagan colto da Sebastiao 

Salgado e le scene di mafia della palermitana 

Letizia Battaglia. Un nucleo di lavori 

che sanno anche tracciare i tratti identitari 

dei luoghi e delle genti che li popolano, 

dall’America di Walker Evans, all’Italia di 

Mario Giacomelli fino alla Francia narrata 

da Robert Doisneau e Henri Cartier- 

Bresson. Etc. Info: 042253150 

12 ARTECULTURA 

GUIDO RENI. LA CONSEGNA 

DELLE CHIAVI. 

UN CAPOLAVORO RITORNA 

Fano, Pinacoteca San Domenico 

15 giugno - 29 settembre 2013 

L’esposizione, ideata, voluta e promossa 

dalla Fondazione Cassa di Risparmio di 

Fano, organizzata insieme alla Soprintendenza 

per i Beni Artistici Storici ed 

Etnoantropologici delle Marche ed al Comune 

di Fano, è stata resa possibile grazie 

alla gentile collaborazione del Musèe du 

Louvre di Parigi, dei Musei Civici di Ascoli 

Piceno, della Pinacoteca Civica di Fano, 

della Diocesi di Fano Fossombrone Cagli 

Pergola, per l’occasione si è costituito un 

comitato scientifico d’eccezione composto 

da alcuni tra i più illustri esperti del settore: 

Maria Rosa Valazzi, Andrea Emiliani, 

Daniele Benati, Franco Battistelli, 

Rodolfo Battistini, Giuseppina Boiani 

Tombari, Daniele Diotallevi, Claudio 

Giardini, Stefano Papetti. 

Fino al 29 settembre la Pinacoteca ospiterà 

la “Consegna delle chiavi”, dipinta da 

Guido Reni per l’altare maggiore della 

chiesa fanese di San Pietro in Valle, tela 

“estratta” in epoca napoleonica (1797) ed 

oggi esposta presso il Musée di Louvre di 

Parigi. Saranno inoltre mostrati altri due 

capolavori del pittore bolognese, due 

Annunciazioni, una realizzata per la chiesa 

di San Pietro in Valle, oggi nella Pinacoteca 

del Palazzo Malatestiano, e l’altra proveniente 

dai Musei Civici di Ascoli Piceno. 

Guido Reni (1575-1642) rappresenta uno 

degli esponenti di spicco del barocco italiano 

e la mostra, oltre a costituire un’occasione 

imperdibile per ammirare uno dei suoi 

maggiori capolavori, rientrato, seppur temporaneamente, 

dopo oltre due secoli di assenza 

dal territorio italiano che costituisce 

una vera testimonianza. Info: 051.6569105 

Biennale Internazionale di 

Scultura, Racconigi 2013 

Pensare lo spazio: dialogo tra 

Natura e Immaginazione a cura di 

Claudio Cerritelli 

L’evento scultoreo è promosso dall’ Assessorato 

alla Cultura della Regione Piemonte 

in collaborazione con il Ministero per i 

Beni e le Attività Culturali ed altri enti 

nazionali ed esteri. Organizzata dall’Associazione 

Piemontese Arte presieduta dallo 

scultore Riccardo Cordero e disposta nella 

prestigiosa cornice del Parco della Reggia 

Sabauda di Racconigi la sede dove sono 

esposte sino al 13 ottobre 64 sculture di 

grandi dimensioni realizzate da artisti provenienti 

dall’Italia, Spagna e Germania a 

dimostrazione della vocazione internazionale 

dell’iniziativa oltre che dalla volontà 

di proporre testimonianze di esperienze 

vive, in un molteplice intreccio di forme, 

colori e dimensioni. La mostra è un esempio 

di espressione artistica multigenerazionale, 

con scultori che provengono da 

percorsi culturali eterogenei: Sono artisti 

affermati nel pieno della loro maturità 

creativa, noti per le personali scelte di 

poetica e di linguaggio. 

Nei locali sottostanti la serra della Margaria 

sarà presentata una sezione storica di scultori 

operanti nel secondo dopoguerra in 

Italia, una sorta di “numi tutelari” degli 

artisti le cui opere sono disseminate nel 

grande Parco. La tradizione del parco di 

scultura affonda le radici nell’antichità sino 

ad arrivare oggi alle grandi collezioni all’aperto 

con opere d’influenti autori internazionali 

moderni e contemporanei. Molteplici 

sono oggi gli esempi di allestimento 

nel verde in Italia e soprattutto all’estero, 

dove il dialogo trasversale, dunque, quello 

che aleggia nei giardini della Reggia, che 

alterna il sussurro intimista di alcuni lavori 

particolarmente delicati, all’esplosione di 

materia e significato di opere monumentali 

secondo l’intuizione di ciascun artista. Info: 

explan1@tin.it - tel. 335256829



Steve McCurry, PESCATORI DEL SRILANKA Joan Mirò, LITOGRAFIA Phil Stern, VERSO LA SICILIA 1943 

STEVE McCURRY 

Viaggio intorno all’Uomo 

Siena, Complesso Museale S. M. Scala 

15 giugno - 3 novembre 2013 

Dal 15 giugno è aperta al pubblico, nel 

Complesso Museale Santa Maria della Scala 

in Siena, la grande mostra dedicata a Steve 

McCurry, per iniziativa del Comune di 

Siena in collaborazione con Opera della 

Metropolitana, promossa e organizzata da 

Opera-Civita Group, con la collaborazione 

di Sud Est 57. 

Steve McCurry non è solo uno dei più 

grandi maestri della fotografia del nostro 

secolo, premiato diverse volte con il Word 

Press Photo Awards che si può considerare 

come una sorta di premio Nobel della fotografia, 

ma è un punto di riferimento per un 

larghissimo pubblico, soprattutto di giovani, 

che nelle sue fotografie riconoscono un 

modo di guardare il nostro tempo e, in un 

certo senso, “si riconoscono”. Veterano di 

National Geographic, sempre in viaggio, 

più facilmente in qualche parte dell’Asia 

che non in America, Steve McCurry ha 

fatto del viaggiare una sua dimensione di 

vita. 

La mostra di Steve McCurry, che arriva a 

Siena dopo aver raggiunto 400.000 visitatori 

in 4 città italiane, è curata da Peter 

Bottazzi che ha progettato il percorso e- 

spositivo e da Biba Giacchetti di Sud Est 57 

che rappresenta McCurry e ne cura tutte le 

attività espositive. L’allestimento, di grande 

impatto scenografico e studiato appositamente 

per gli ambienti del Santa Maria 

della Scala, si sviluppa attraverso l’antica 

“strada interna” e gli ambienti adiacenti, 

oggi sede del museo Archeologico Nazionale 

differenziato in ciascuno degli spazi 

tematici. Un modo ideale per accogliere 

immagini fotografiche, intuizioni di un maestro 

con particolare sensibilità di rilevamento, 

una prestazione artistica che si 

manifesta sotto la spinta creativa inconscia 

che poi sensibilizza l’opera nella cornice 

espositiva nella quale il pubblico si sente 

invitato ovvero attratto di curiosità appunto 

per lo spirito di ascendenza artistica, largamente 

facoltosa che fa dell’opera di Steve 

McCurry un continuo richiamo di pubblico. 

Info: tel. 055290383 

DAL MUSEO “GUELFO” 

MIRO’, CHAGALL, 

PICASSO, DALI’ E GLI ALTRI 

San Benedetto del Tronto 

6 luglio - 3 settembre 2013 

La mostra, promossa dal Comune di San 

Benedetto del Tronto e dalla Regione Marche 

e curata da Silvia Cuppini, presenta 

una selezione di opere provenienti dalle 

collezioni del Museo fabrianese intitolato 

all’artista Guelfo Bianchini (Fabriano 

1937- Roma 1997), che costituisce, per la 

Regione Marche, un raro, forse unico esempio 

di raccolta di opere originali di arte 

grafica, di grandi maestri internazionali, 

moderni e contemporanei, dall’Impressionismo 

francese al Surrealismo, fino ai nostri 

giorni. Guelfo iniziò la sua Collezione 

da studente delle Belle Arti ad Urbino; i 

successivi soggiorni, anche per motivi di 

studio, a Parigi, in Provenza, a Salisburgo 

negli anni ‘50 e’60 ed infine a Roma lo 

portarono ad incrementare la Collezione. 

L’artista fabrianese ha sentito sempre il 

fascino della secolare tradizione dell’arte 

della carta, propria della sua città natale, 

insieme ad una vocazione culturale ed artistica 

di respiro europeo. Dopo il Premio 

assegnatogli dall’Accademia di San Luca 

nel 1959 Guelfo continua la sua ricerca di 

artista collezionista, che lo porta ad incontri 

con artisti di fama internazionale, quali: 

Afro, Arp, Bartolini, Bellmer, Bodini, 

Chagall, Cocteau, Greco, Guidi, Kokoscka, 

Lam, Levi, Guttuso, Manzù, Masson, Matta, 

Mirò, Tanning, Tommasi-Ferroni, Turcato, 

Clerici, Man Ray. Di tali frequentazioni 

sono testimonianza, oltre alle opere della 

Collezione, anche i numerosi ritratti che 

molti citati maestri gli dedicarono, in segno 

di profondo sodalizio amicale e artistico. 

Con Giorgio De Chirico, che definiva quello 

di Guelfo “un talento eccezionale” ci fu una 

lunga serie di incontri. Info: 0735 581139 

PHIL STERN. SICILY 1943 

Acireale, Galleria Credito Siciliano 

11 luglio - 8 settembre 

Giusto settant’anni dopo l’avvio dell’operazione 

Husky che portò le truppe alleate a 

conquistare la Sicilia, la Galleria Credito 

Siciliano, ad Acireale, propone una grande 

mostra in cui lo Sbarco rivive nelle immagini 

del celebre fotografo statunitense Phil 

Stern. 

La mostra offre l’opportunità a Stern, oggi 

93enne, di tornare sui luoghi da lui raccontati 

nel 1943 e questo suo viaggio nel 

tempo, le impressioni a settanta anni di 

distanza saranno oggetto di un documentario 

curato da Ezio Costanzo per la regia di 

Filippo Arlotta. 

La mostra “Phil Stern. Sicily 1943” è curata 

da Ezio Costanzo con una ricerca 

dell’Imperial War Museum di Cristina 

Quadrio Curzio e Leo Guerra. 

Attraverso le potenti immagini di Stern e 

quelle di taglio documentario dall’Imperial 

War Museum rivivono i diversi momenti di 

quella che è stata una delle più imponenti 

operazioni della seconda guerra mondiale. 

Al comando di Patton (VII Armata Usa) e 

Montgomery (VIII Armata britannica) nelle 

prime ore del 10 luglio 1943 sbarcarono 

sull’isola 160 mila soldati anglo-americani. 

Le truppe americane raggiungono Gela, 

Scoglitti e Licata, mentre le truppe britanniche 

occupano il litorale sud orientale 

dell’isola, tra Marzamemi e Siracusa. La 

difesa della Sicilia è affidata a 220 mila 

soldati italiani e a 30 mila tedeschi. Il 22 

luglio Patton conquista Palermo e il 17 

agosto raggiunge Messina, ultima meta dell’Operazione 

Husky. 

La conquista dell’isola non sarà una semplice 

passeggiata per gli anglo-americani 

che lasceranno sul campo oltre 5000 morti 

in soli 38 giorni. Il 3 settembre, a Cassibile 

(Sr) l’Italia firma l’armistizio (reso pubblico 

alla radio l’8 settembre dal generale 

Badoglio) con gli alleati che sancisce la 

resa incondizionata. 

La mostra prodotta dalla Fondazione Gruppo 

Credito Valtellinese è certamente una 

rilettura di una pagina di storia siciliana e 

italiana ma è anche una grande mostra di 

fotografia. Info: +39 095.600.280 

ARTECULTURA13


INTERLUDI continuano INTERLUDI continuano 

Gregorio 

Mancino 

NELLA SFERA 

PLANETARIA 

Certo che aver dipinto ad alta quota in 

aereo ed in assenza di gravità, non sono 

considerazioni d’esistenza che si provano 

tutti i momenti così come lo è stato 

per Gregorio Mancino che d’impegno 

sperimentale ha voluto e saputo 

trovare il modo per innalzarsi e dipingere 

ben oltre l’atmosfera nello spazio 

del cielo infinito. Questo perché il pittore 

incontra la fortuna di poter entrare 

nell’ambiente della NASA che programma 

i viaggi spaziali degli aerei. 

E dopo i dovuti accertamenti innalzarsi 

per volare e poi dipingere con quella 

serenità emotiva che sulla terra un 

artista non incontra. Ma l’aspetto che 

ancora fa tanta meraviglia è che le opere 

dipinte dall’artista sono state donate 

ad ospedali come a significare un 

solo congiungimento tra la terra e la 

volta celeste osservata e vissuta senza 

alcuna estraneità di principio che qualifica 

il valore artistico dell’opera d’arte, 

la sua insostituibile estraneità. Per 

cui volendo motivare la finalità del 

volo, ed ad di là della personale sensibilità 

di coscienza, se ne deduce che 

l’impegno creativo dell’artista rimane 

la premessa per unire in armonia l’intero 

senso universale dell’esistenza. 

Marpanoza 

Gregorio Mancino 

ALLA NASA 

FOTOGRAFIA DELL’ARTISTA 2007 

DOISNEAU Paris en liberté 

Caserta, Reggia di Caserta 

Robert Doisneau (1912-1994), che ama 

paragonarsi a Atget, percorre fotograficamente 

le periferie di Parigi per 

“impossessarsi dei tesori che i suoi 

contemporanei trasmettono inconsciamente”. 

E’ una Parigi umanista e generosa 

ma anche sublime che si rivela nella nudità 

del quotidiano; nessuno meglio di lui si 

avvicina e fissa nell’istante della fotografia 

gli uomini nella loro verità quotidiana, 

qualche volta reinventata. Il suo lavoro di 

intimo spettatore appare oggi come un vasto 

album di famiglia dove ciascuno si riconosce 

con emozione. Noto oggi al grande pubblico, 

Doisneau, dopo essersi diplomato alla Ecole 

Estienne, scopre la fotografia da giovane, 

mentre lavora in uno studio di pubblicità 

specializzato in prodotti farmaceutici. Sino 

al 23 settembre. Info 0823 448084; 

SALVATORE. Sculture 

Como, Villa Olmo 

Negli ampi spazi degli incantevoli giardini 

di Villa Olmo a Como, l’artista Nicola 

Salvatore firma un’imponente mostra 

allestita dall’architetto Giovanni Sammartano. 

Ferro, bronzo, alluminio, acciaio 

lavorato e tessuti sono alcuni dei materiali 

con cui l’artista realizza sculture di grandi 

dimensioni che sorprendono il visitatore, 

entrando in dialogo con lo spazio naturale 

che le ospita. Tema comune è la balena, 

icona che accompagna sin dall’inizio il 

percorso artistico di Salvatore. Presenza 

ricorrente nelle sue opere, il mammifero 

leggendario è per l’artista simbolo di ricerca 

interiore. Grazie alle loro qualità cromatiche 

le sculture di Nicola Salvatore nei giardini 

di Villa Olmo creano un perfetto accordo 

visivo con l’architettura circostante. Dal 26 

maggio al 28 luglio Info 031 252352 - 

cultura@comune.como.it 

CROSSOVER 

Venezia, Tesa 113 

Con una performance live di anteprima (29 

maggio alle 20 e alle 22), viene presentata 

ai Chiostri di San Salvador a Venezia la 

mostra Crossover / A dialog between the 

Chinese School of Hubei and the New 

Italian Art Scene, che si svolge dal 2 giugno 

al 24 novembre alla Tesa 113, Arsenale 

Nord. Curata da Ji Shaofeng e Alessandro 

Riva, la mostra mette in luce il lavoro e le 

esperienze di un gruppo coerente e articolato 

di artisti cinesi - la cosiddetta Scuola di 

Hubei - ponendoli a confronto con analoghe 

esperienze provenienti dall’arte italiana 

contemporanea. Info 329/9388286 

WOMEN’S GENIUS 

Bologna, Galleria Bibò 

Sabato 18 maggio 2013 è stata inaugurata a 

Todi Bibo’s Place, la nuova galleria di 

Matteo Boetti e Andrea Bizzarro. 

Bibo’s place, il nome viene dalle iniziali 

del cognome dei due soci Matteo Boetti e 

Andrea Bizzarro, è il nome scelto per questo 

nuovo progetto che inaugura, negli spazi di 

Palazzo Pensi, in quella che era la storica 

Galleria Extramoenia di Giuliana Soprani 

Dorazio, con una mostra dedicata al genio 

femminile.Carla Accardi e Rebecca Ward 

sono le due artiste scelte che verranno 

messe a confronto nella mostra “Women’s 

genius. One step beyond”, che resterà aperta 

fino al 7 settembre 2013. Info 051437860 

DODGE. A permanently open window 

Reggio Emilia, Collezione Maramotti 

A permanently open window è un progetto 

site-specific per uno spazio industriale 

dismesso trasformato in un centro aziendale, 

connesso alla Collezione Maramotti, e la 

prima installazione permanente di Jason 

Dodge. Realizzata nella ex torre elettrica 

della fabbrica, l’opera si compone di tre 

elementi, che si sostituiscono ai cavi 

dell’elettricità e creano un nuovo ordine 

spaziale e percettivo. La ricerca di Dodge 

cerca di conferire nuova vita agli oggetti e 

generare esperienze personali nello 

spettatore, che diviene parte attiva nel suo 

lavoro. Sino al 4 novembre. 

Per informazioni 0522382484 

BISSANI. Risonanze 

San Martino in Rio, Rocca Estense 

Anche nelle immagini presentate in questa 

mostra, Roberto Bissani va alla scoperta, 

attraverso il mezzo fotografico, di frammenti 

del reale, spesso di ardua decifrabilità 

immediata, che evocano esperienze proprie 

della pittura e che ci rendono consapevoli 

di una verità che spesso, per trascuratezza, 

scarsa curiosità e superficialità dello 

sguardo, non riusciamo a cogliere: le cose, 

la natura, sono l'inesauribile scrigno di 

misteriosi ritmi e risonanze, di forme e di 

colori che ci propongono una dimensione 

nuova di ciò che può essere definito bellezza. 

Roberto Bissani, nato a Bolzano nel 1951, 

bolognese d'adozione, ha saputo conquistarsi 

nei quindici anni di attività espositiva, in 

Italia e all'estero, riconoscimenti e 

apprezzamenti diffusi. Sino al 28 luglio. 

Info 0522636709 

JOVANOVIC - DEMAN 

Trieste, Museo Revoltella 

Deserted Utopia è un progetto di Vesna 

Jovanovic e Tanja Deman che riflette sugli 

esempi architettonici e urbanistici generati 

dall’emancipazione della società socialista 

moderna. Gli edifici sono considerati 

strutture fisicamente articolate, brutali nel 

contesto in cui sono inserite, che si 

appoggiano scontrosamente sulla loro

INTERLUDI continuano INTERLUDI continuano 

monumentalità: sono autentici esperimenti 

che riflettono che cosa avrebbe dovuto essere 

un nuovo ordine sociale; sono costruzioni 

che hanno avuto un forte impatto su ciò che 

li circondava, e il risultato è che spesso 

sono percepiti come monumenti alla 

distopia. L’ambiente urbano come labirinto 

di proiezioni, desideri, illusioni, fantasie, 

ricordi, pensieri e ideologie spesso si 

discosta dalla realtà. Il focus concettuale di 

questo progetto è precisamente questo 

scostamento, o il momento in cui l’illusione 

incontra la realtà. Sino al 7 novembre. 

Info 0406754350 

GAFIC. Ricerca di identità 

Trieste, Magazzino delle Idee 

S/paesati - eventi sul tema delle migrazioni, 

in collaborazione con la Provincia di Trieste 

nell'ambito del progetto "Bosnia 20 anni 

dopo - il lavoro al tempo della globalizzazione" 

, presenta la mostra fotografica 

Ricerca di identità di Ziyah Gafic, celebre 

fotografo bosniaco che commemora la guerra 

in Bosnia attraverso le immagini degli 

oggetti che sono stati ritrovati nelle fosse 

comuni.Un’orazione silenziosa, perché ogni 

oggetto diventa intimo, unico e comune al 

medesimo tempo. Sino al 2 dicembre 

cultura@provincia.trieste.it 

HOUSEAGO. Roman Figures 

Roma, Gagosian Gallery 

La mostra “Roman Figures” di Thomas 

Houseago presenta la scultura monumentale, 

Reclining Figure (For Rome) 

insieme a sette maschere scolpite e alla 

scultura Untitled (Walking Boy on Plinth) 

(tutte del 2013). Le Roman Masks 

coniugano il fascino modernista occidentale 

con la carica spirituale di oggetti tribali 

dell’Africa e del Sud Pacifico. Realizzate 

in gesso e canapa da un calco di argilla e 

rinforzate con armature in ferro, le maschere 

lineari, simili a teschi ma comunque 

altamente espressive, e nelle quali la massa 

scolpita è impregnata della notevole qualità 

della pittura, provocano nuove e sorprendenti 

interpretazioni del genere transstorico 

e transculturale della Vanitas o 

della Mortuary Art. Sino al 26 luglio 

Info 0642086498 

JONAS 

Roma, Galleria Alessandra Bonomo 

In questa personale, l’artista americana 

presenta i suoi ultimi disegni, immagini 

raffiguranti pesci e altri animali con 

inchiostro blu giapponese, immagini 

speculari di diversi colori e altri disegni 

ottenuti con l’uso del ghiaccio. In occasione 

della mostra, l’artista trasformerà gli spazi 

della galleria con i suoi walldrawings, 

l’installazione dei disegni, le strutture 

metalliche luminose e i video. Nata a New 

York, studentessa presso la Columbia 

University, fa parte dell’avanguardia 

artistica degli anni ‘70 con artisti quali 

Andy Warhol, Bruce Nauman, Lawrence 

Weiner e altri. Nel suo percorso ha 

sperimentato linguaggi diversi fino ad 

approdare ad un’idea di arte come processo 

esplorando le infinite potenzialità dello 

spazio e del suono. Sino al 30 settembre 

Informazioni: 0669925858 

BACK TO BLACK 

Roma, Galleria L’Attico Fabio Sargentini 

Riguardo allo spirito della mostra afferma 

il gallerista Sargentini “...In Back to Black 

ho voluto mescolare generazioni, generi, 

stili. Dai quadri informali di Vasco Bendini 

e Raphael Canogar al cemento armato del 

'59 di Giuseppe Uncini. Dalla scultura di 

legno bruciato, Vetta, di Nunzio, a due 

piccoli dipinti del 1989 di Marco Tirelli. 

Dall'opera installativa del 1972, Early 

Dynastic, di Giulio Paolini, a una singolare 

scultura di Michelangelo Pistoletto. Si tratta 

di un omaggio a Pascali, suo grande amico, 

in occasione di una mostra da me dedicata 

a Pino. È un blocco circolare di marmo del 

diametro di trentanove centimetri, altezza 

di ottanta, alla cui sommità è inscritta la 

data: 1976. La scultura s'intitola: Pietra 

miliare. Collocata nel teatro de l'Attico, 

bianca al centro della scena nera, ci ricorda 

che lo spazio dell’arte è un fondamento 

granitico della civiltà dell’uomo.” Sino al 

27 settembre. Info 066869846 

NOVELLI - Scrivere la pittura 

Roma, MACRO 

Il MACRO presenta, dal 16 maggio al 22 

settembre 2013, la mostra Scrivere la pittura 

disegnare il linguaggio. Gastone Novelli. 

Opere su carta, curata da Paola Bonani e 

Benedetta Carpi de Resmini, e realizzata in 

collaborazione con l’Archivio Gastone 

Novelli, per rendere omaggio a uno tra i 

maggiori protagonisti dell’arte italiana del 

secondo dopoguerra. L’esposizione ruota 

attorno a uno dei capolavori di Gastone 

Novelli (Vienna 1925 – Milano 1968) – la 

grande tela Il re del sole (1961) – e raccoglie 

un nucleo di oltre trenta opere su carta, 

datate tra il 1957 e il 1968, molte delle 

quali fino ad oggi mai esposte. 

macro@comune.roma.it 

BENASSI 

Torino, Fondazione Merz 

La mostra, realizzata seguendo la consuetudine 

di far dialogare opere di artisti 

ospiti con quelle di Mario Merz, rappresenta 

la sintesi di una ricerca che Benassi porta 

avanti da molti anni. La forte connotazione 

fantasmatica del suo lavoro porta direttamente 

alle opere di Mario Merz. 

Queste, insieme al luogo che le ospita, sono 

state un forte stimolo all’ideazione e 

realizzazione della mostra. Ogni lavoro di 

Mario Merz è stato indagato con passione e 

curiosità; ogni suo pensiero esplicitato 

attraverso una scritta al neon o la stampa di 

un libro, è stato oggetto di riflessione. 

In esposizione alcuni lavori di Mario Merz 

realizzati tra gli anni Sessanta e Settanta e 

installazioni di Elisabetta Benassi realizzate 

appositamente per il progetto, tra le quali 

emerge l’opera MareoMerz, perno dell’intera 

mostra. Sino all’8 settembre. 

Informazioni: 01119719437 

HORNE & FRIENDS 

Firenze, Museo Horne & Friends 

E’ stato inaugrato lo scorso 25 maggio 2013 

presso il Museo Horne, Horne & Friends. 

Firenze un sogno da salvare, a cura di 

Elisabetta Nardinocchi e Matilde Casati, 

una mostra che per la prima volta ripercorre 

la storia di Herbert Percy Horne, mettendo 

in luce aspetti poco noti della formazione e 

della versatile attività artistica e culturale 

del raffinato personaggio inglese, essenzialmente 

conosciuto come studioso del 

Rinascimento fiorentino e collezionista. 

Herbert Percy Horne rimane tuttora una 

figura enigmatica, il cui contributo alla 

cultura tra Otto e Novecento è ancora in 

parte da valutare nella sua reale entità, per 

i molteplici interessi che coltivò nei campi 

dell’arte figurativa, della letteratura e della 

musica. Sino al 7 dicembre 

info@museohorne.it 

ARTI IN ITALIA 1920-1950 

Lucca, Fondazione Ragghianti 

La mostra intende offrire al pubblico le 

diversità di approccio alla questione delle 

arti decorative, ossia intende evidenziare le 

diverse opzioni stilistiche che convivono in 

quegli anni rispetto al problema dell'oggetto, 

al suo valore formale e al suo valore d'uso. 

In programma sino al 6 ottobre 2013 

info@fondazioneragghianti.it 

ILLUMINARE L’ABRUZZO 

Chieti, Museo Palazzo de Mayo 

Illuminare l’Abruzzo. Codici miniati tra 

Medioevo e Rinascimento costituisce 

un’occasione imperdibile per ammirare in 

un’unica esposizione, oltre che un vasto 

corpus di manoscritti miniati di proprietà 

delle Biblioteche pubbliche ed ecclesiastiche 

abruzzesi, soprattutto materiali 

finora sconosciuti o recentemente ritrovati 

come, per esempio, i due fogli dei corali 

rubati da Guardiagrele e rintracciati da 

Francesca Manzari sul mercato antiquario. 

L’importante mostra sino al 31 agosto. 

info@fondazionecarichieti.it 

ARTECULTURA15

Carlo 

Cimminelli 

UNA LIRICITA’ 

MEDITERRANEA 

VANNGIO’ 

Giovanna 

Gusmaroli 

“L’EMOZIONE PENSATA” 

Pit 

Palazzoli 

L’INCANTO 

DELLA MONTAGNA 

Lo spazio aperto è pur sempre un sollievo di 

benessere sia che ne constatiamo il caso 

direttamente sia che lo subiamo anche senza 

accorgersene, il nostro corpo beneficia 

una certa rilassante serenità. Se poi detto 

spazio possa essere un cielo ed un mare 

Jonio dell’esteso firmamento mediterraneo, 

poi dipinto anche da un pittore calabro 

come Carlo Cimminelli che ci fa conoscere 

“SCORCIO CALABRO JONIO CON 

BARCA”, allora l’attiva incidenza nel rapporto 

tra il pittore e l’ambiente esprime 

requisiti ancora superiori, basta ricordare 

che l’ambiente natìo incide non poco nel 

carattere della persona e per un artista 

ancora di più. Tant’è che nel dipinto segnalato, 

l’angolatura quasi triangolare che codifica 

ed unisce il territorio marino della 

costiera calabra, non è da sogno, ma una 

realtà lirica d’incanto distensiva che allieta 

la mente ed il corpo della persona. Il colore 

terso del cielo che fa manto unico col mare 

rivela una poesia della natura mediterranea 

che pensiamo non abbia troppi uguali. E 

poi l’incrinatura della costa quasi a ventaglio 

che sembra incontrare di gentilezza il 

mare ed il cielo compendia una poetica di 

un raro quanto meraviglioso evento artistico 

che appaga di rispecchio tonale e psicologico 

tutta la personalità del pittore. Un 

dipinto sentito, appunto, come una riconoscenza 

alla natività dell’artista che sente il 

suo spontaneo collegamento per spinta innata 

e culturale e che segnano l’appagante 

realtà della poetica mediterranea del nostro 

pittore. Cimminelli è un abbonato 

decennale di Artecultura per cui l’auspicio 

che lui possa dipingere tante marine come 

quella riprodotta è fondato, lo stimolo è 

facoltoso di creatività. 

Marpanoza 

L’opera della pittrice Giovanna 

Gusmaroli, che Artecultura pubblica 

per il mese di luglio 2013, documenta 

la sensibile vena espressiva dell’artista, 

la sua versatilità nel padroneggiare 

il disegno e la tecnica delle ombre. 

Ombre che in questo caso, sono l’acme 

stesso del dipinto, il suo punto nevralgico, 

quasi che la pittrice volesse suggerire 

che è proprio nell’ombra, nell’oscurità 

metaforica o reale della nostra 

esistenza che non apprendiamo e 

riveliamo la nostra più vera essenza. 

Del resto Ulisse nel suo viaggio temporaneo 

nell’Ade, il regno delle ombre, 

apprende la verità su stesso e sul 

suo destino. Ecco allora che in questo 

dipinto la figura traspare appena, quasi 

completamente nascosta da una vertigine 

d’ombra che nasconde un corpo, 

ma non completamente, lo lascia 

appunto appena appena intravedere. 

Da queste premesse si percepisce il 

senso nuovo che la pittrice conferisce 

al nudo, alla sua introspettiva evoluzione 

sui cui ritmi e sorprese la 

Gusmaroli monitora la sua raffinata e 

limpida espressione figurativa. 

Aoristias 

Giovanna Gusmaroli “VANNGIO’”: 

NELL’OMBRA 

Acrilico su carta, cm. 50x70 

Non sempre occorre entrare in una 

galleria per sentirsi nel ventre della 

natura e respirare l’originalità della 

terra fermentata dalla sua compatta 

composizione, a volte, visitando uno 

scenario alpino, montuoso, ci si imbatte 

in una visione che si lascia guardare 

per eterno, come potrebbe essere il 

dipinto “L’INCANTO DELLA MON- 

TAGNA” che questo mese ci fa 

conoscere Pit Palazzoli. Opera nella 

quale non sai se ti trovi di fronte ad una 

ispirazione dantesca, ovvero ad una 

realtà a sorpresa per l’incantesimo che 

l’essenza compositiva fermenta tra 

materia, colore e spiritualità. Un’ 

atmosfera che raffina il respiro d’una 

profonda quanto originale poesia 

illuminata dagli infiniti segreti 

dell’ignoto. Specie quando le montagne 

dipinte con particolare garbo pittorico 

in collaborazione tra marrone chiaro e 

un violaceo turbinoso, diffondono 

un’atmosfera ad infinito orizzonte. 

Tutto diventa incanto di stato d’animo 

che rispecchia la globalità del mondo 

senza un minimo sforzo, ma solo 

compensati a vivere in una perenne 

sfera d’armonia. Se poi dal folto 

didascalico delle montagne il primo 

piano rispecchia una centrale cascata, 

sei assorto nel mistero che li origina. 

Marpanoza 

Pit Palazzoli: 

“L’INCANTO DELLA MONTAGNA” 

Carlo Cimminelli: 

“SCORCIO CALABRO JONIO 

CON BARCA” 

Acrilico su tela sabbiata 

16ARTECULTURA

Ravalli 

Liliana 

RIFLESSIONI 

ALLO SPECCHIO 

Carla 

Monti 

VEDUTE 

DI CAMPAGNA 

Antonietta 

Di Seclì 

PARALLELISMO 

LIRICO-PITTORICO 

Il nudo, in tutte le sue manifestazioni 

visive ed immaginarie, si presenta un 

vasto campo a voler raggiungere le sue 

radici embrionali e visive. Questo perché 

da un punto di vista genetico e 

culturale interessa la medesima natura 

del mondo, l’origine e l’evoluzione. 

Cosicché, quando una pittrice dipinge 

un nudo, specie se dettato da una spinta 

creativa di spontaneità, più che un 

fattore estetico, sempre importante, da 

un punto di vista dell’animazione ne 

vale la fenomenologia della conoscenza 

che si domanda soprattutto con 

se stessa. Come del resto è possibile 

ritenere l’universalità della ricerca in 

RIFLESSIONI ALLO SPECCHIO dipinto 

della pittrice Liliana Ravalli che, 

appunto, cerca la sua identità artistica 

ed umana tra la figura ed il suo riflesso 

allo specchio. Un nudo che si erige 

con un certo dinamismo che abbellisce 

anche le forme anatomiche del dipinto. 

Quel nudo che di riflesso le compare 

nella virtualità del cristallo e che 

certamente incuriosisce l’approfondimento 

tra realtà e virtuale. Infatti, nel 

la figura più che il valore formale certamente 

ragguardevole, lo specifico del 

dipinto interessa la ricerca della meraviglia, 

il fermento artistico e psicologico 

che impegna la pittrice. (Marpanoza) 

Liliana Ravalli: 

RIFLESSIONI ALLO SPECCHIO” 

Olio su tela, cm 40x50 

Si fa conoscere sempre più incessante 

il rapporto pittorico con la natura e le 

sue stagioni che caratterizzano l’operato 

della pittrice Carla Monti che in 

questo luglio 2013 dipinge GIRASO- 

LI, olio su carta, cm. 70x50. E se a riguardo 

Van Gogh aveva certamente la 

sua immutabile personalità pittorica 

che distingueva l’operato figurale di 

raffinata poetica che germogliava dalla 

sua innata autodisciplina di bellezza 

tormentata, i girasoli di Carla Monti 

non si vogliono eguagliare nella loro 

storicità, ma solo sostenere una certa 

tensione fenomenica che dipinge i girasoli 

con una accensione di giallo che 

potrebbe sembrare arbitraria e lontana 

dalla realtà, ma così non è, quando non 

si compara, ma si distingue ché tutt’altra 

cosa. L’identità figurativa non si 

eguaglia, appunto, ma si differenzia 

come radice del desiderio che coinvolge 

tanto Van Gogh come tutti i pittori. 

E la pittrice Monti per quale si accenna 

per la differenza, appunto, sia come 

spinta propositiva che di tocco campestre 

del colore in odorato di natura. 

Dunque, nessuna abusata comparazione 

propagandistica, ma una differenziazione 

tecnica nella quale ogni 

artista della natura esprime l’ideogenia 

delle sue originali radici. Un girasole 

d’effetto, quello di Monti, come pure 

dalla spedita franchezza tonale e 

creativa. 

Marpanoza 

Info: www.carlamonti.it 

Carla Monti: “GIRASOLI” 

Olio su carta, cm. 50x70 

L’idea e il colore si pongono in una 

stretta simbiosi di percorso senza tuttavia 

mai incontrarsi per mantenere 

sano il principio che postula l’origine 

della fermezza come assioma di libertà 

indiscutibile nella quale ogni cosa 

ha la sua origine, ma non il termine 

poiché trattasi, appunto, d’infinito in 

cui si domanda la teoria conoscitiva. 

Ed una volta sintetizzata la premessa, 

si può argomentare sul dipinto della 

pittrice nonché poetessa Antonietta Di 

Seclì a cospetto della natura attratta 

dal mistero di una reale architettura 

marina che l’artista intitola “SEQUEN- 

ZE ARIDE” 1998, olio su cartone 

telato, cm. 35x25. Una mediazione, a 

nostro avviso, tra realtà e desiderio di 

un profondo inconscio in ribellione alla 

ricerca di conoscenza cosciente e di una 

libertà senza parametri di limitazioni. 

Così l’architettura marina del dipinto 

con arcate a confronto a spinta surreale, 

sul piano del mare su cui galleggia 

l’ipotesi dell’eterno divenire, diventa 

una dimostrazione palese del parallelismo 

lirico-pittorico conferito in una 

presenza a San Pietroburgo che la definisce 

anche pittrice Caposcuola di 

tale teoretico assunto. Ovviamente il 

marrone strutturale delle arcate e l’azzurro-chiaro 

delle acque del mare a cui 

fa rispecchio d’orizzonte un cenerino 

vorticoso che si pone in tutta armonia 

con la spinta complessiva che caratterizza 

l’opera, ci fa conoscere la congenialità 

creativa che caratterizza 

l’operato pittorico. (Marpanoza) 

Antonietta Di Seclì: 

“SEQUENZE ARIDE” 1998 

Olio su cartone telato, cm. 35x25 

ARTECULTURA17

Luisa 

Visconti 

UN ACQUERELLO 

FLUVIALE 

Michele 

Giannattasio 

NEL SOGNO 

DEL DESIDERIO 

Giancarlo 

Amurri 

L’ETERNO FLUIRE 

DELLA VITA 

Una novità per l’acquerello di Luisa 

Visconti che dal territorio prealpino di 

cui ha dipinto tante sue belle opere e 

per certi versi di finezza persino da ritenere 

un po’invidiabile per il raffinato 

della tecnica e della poetica che in 

questo numero realizza “NAVIGLIO 

PAVESE” percorso che rende navigabile 

il nord-ovest della piana lombarda 

che da Abbiategrasso si collega a 

Milano. 

Dunque un acquerello dalle caratteristiche 

storiografiche che interessò 

persino la genialità intuitiva di un 

Leonardo da Vinci. Un lungo tratto 

fluviale ispirato e dipinto in tramontana 

blu-rosa incanalato tra due ripe di 

marrone-opaco ed un cielo che fa 

rispecchio nello scorrere delle acque 

dalle medesime tonalità. Un singolare 

acquerello a propensione naturalista 

che sa collegare l’ambiente alle necessità 

della vita contadina ed urbana. 

Infatti l’acquerello diffonde l’atmosfera 

di un silenzio che ben si pone in 

sintonia tra il metafisico del sublime e 

la peculiarità sforzesca del quotidiano. 

L’immaginario che ci desta guardando 

il dipinto acquarellato di Luisa Visconti 

che tra il prealpino e la piana 

padana dipinge la sua pittorica quanto 

spontanea emozione. (Marpanoza) 

Luisa Visconti: “NAVIGLIO PAVESE“ 

Acquerello, cm. 31x41 

Sulla natura dei sogni si sono occupati 

filosofi e stregoni, maghi e teologi, 

indovini e psichiatri e, forse chi più a 

contribuito a chiarire la loro complessità 

è stato l’inventore della psicanalisi 

Sigmund Freud. Lo scienziato dell’immaginario 

che ha dominato tutto 

il secolo del Novecento senza però 

un’esaustiva ricetta che per noi sta bene 

così. Anche Buddha, a riguardo, non 

ha scherzato, ma la filosofia orientale 

non sempre s’immedesima con la nostra. 

A sintetizzare sul sogno queste 

mese ce lo suggerisce il dipinto del 

pittore Michele Giannattasio, appunto, 

“TORPORE 1992”, una donna dormiente 

accovacciata su se stessa. Capelli 

sciolti e castani, naso aquilino, 

faccia in rosa-scuro che poggia sul palmo 

della mano sinistra, reggipetto in 

blu-ombreggiato di chiaro-scuro e in 

dormiveglia di finta lettura, gonna 

come i capelli castano-scuro, gambe similmente 

alla visuale in rosa-scuro. A 

sintetizzare sulla simbologia del dipinto: 

una tensione di prudenza e di fuga, 

di ardimento e di sopportazione. Una 

situazione nella quale il sogno sensibilizza 

coscienza e ribellione e fornisce 

anche una sua metafora per la 

psicanalisi, aggiungiamo noi. 

Marpanoza 

Michele Giannattasio: “TORPORE” 1992 

Olio su tela 

Che la pittura sia da intendere come 

un linguaggio più diretto ed immediato 

a cospetto altre discipline linguistiche, 

come ad esempio la letteratura, 

pensiamo che non esistano dubbi. Specie 

quando si tratta di un dipinto che 

viene riprodotto questo mese del maestro 

Giancarlo Amurri: “SOTTO I 

PONTI DELLA SENNA” 1992. In tal 

caso, l’eterno fluire dell’acqua di un 

fiume spiega da sé e da sempre una riflessione 

di ragionamento, un principio 

di filosofia che spiritualizza il desiderio 

di un pittore. Se poi quel dipinto 

in compendio riproduce anche 

l’ancoraggio di barche e barconi che 

sostano sotto il ponte, la dimostrazione 

diviene palpante e reale che il linguaggio 

pittorico sia un linguaggio diretto 

che meglio facilita il volume ed il 

contenuto del messaggio umano, è da 

pensare che non esistono dubbi. Un dipinto 

nel quale le tonalità del giallo 

estivo che caratterizzano le arcate del 

ponte e le barche in sosta, stanno ad 

indicare un grande desiderio di luce 

che veglia la spiritualità del pittore ed 

a cui fa analogia di linguaggio l’azzurro 

delle acque che ricordano il costante 

desiderio di comunicazione della 

natura umana. Per cui volere esprimere 

in letteratura simili propositi, 

bisogna comporre per lo meno un romanzo. 

Un dipinto, invece, tramite la 

composizione e il colore, non solo abbrevia 

di molto nella completezza lo 

spirito di comunicazione, ma nel 

contempo lo rende anche più consono 

all’interiore del pittore. 

Marpanoza 

Giancarlo Amurri: 

“SOTTO I PONTI DELLA SENNA” 

1992 Olio , cm. 70x 50 

18 ARTECULTURA

ALVARO 

FUTURIBILE 

GEOMETRICO 

Una libera articolazione che prende 

avvio dai principi di quel Futurismo 

geometrico che caratterizza tutto l’operato 

del Maestro. Infatti si deve allo 

stesso titolo “ICONE DI UN SOGGET- 

TO” che ne dipana sia l’avvio iniziale 

del dipinto sia la sua finalità di moto 

che si costruisce tra il circolare di una 

ruota di bicicletta e le sue spinte linguette 

quasi arabesche che vegliano 

d’intesa le collegate simbologie sferiche. 

Se poi si vuole si potrebbe benissimo 

parlare anche di musica in questa 

tessitura strutturale dell’opera che 

si lascia scoprire un’unica armonia 

compositiva che ben delinea la spinta 

creativa di Alvaro. Libera di collegarsi 

con la libertà di essere per restare 

liberi significando che l’equilibrio visivo 

dell’opera d’arte si avvera e si matura 

per spinta di automotorio. Dunque 

un emblematico tassello dell’autopromozione 

che pone nel dipinto di 

tonalità cenerino a più tensioni e 

velature l’aspetto propositivo affine che 

virtualizza il moto materico a quello 

della luce inscenando la visione spirituale 

che intuisce e realizza l’opera. 

Così viene a delinearsi nella realizzazione 

artistica di Alvaro che ogni singola 

sua opera annovera di principio 

tutto lo scenario futuribile alvariano. 

Marpanoza 

Alvaro: 

“ICONE DI UN SOGGETTO” 

Olio su tela - spatola, cm. 80x100 

CORTINA 

A R T E 

GALLERIA 

Via MAC MAHON, 14 (Cortile int.7) 

PONTE 20155 MILANO ROSSO 

-ITALIA 

Tel 02/33607236 

www.cortinaarte.it 

E-mail: artecortina@artecortina.it 

PERMANENZE 

DINO BUZZATI - GIANCARLO 

CAZZANIGA - GIANCARLO 

CERRI - GIOVANNI CERRI - 

ROBERTO CRIPPA - DADAMAINO 

- FORTUNATO DEPERO - 

LUCIANO MINGUZZI 

Inaugurazione della mostra ore 18,30 

dal 4 giugno al 19 luglio 2013 

MARINA APOLLONIO 

DADAMAINO 

MARCELLO MORANDINI 

JORRIT TORNQUIST 

Fuori dal coro 

A cura di Susanne Capolongo 

e Stefano Cortina 

Apollonio, Torsione 

Dadamaino, 

Tempera su carta 

Morandini 

Jorrit Tornquist 

Gianfranco 

Rontani 

Un Maestro tra i 

personaggi della pittura 

che hanno segnato l’arte 

del secolo XX 

Cavaliere della Repubblica per 

meriti artistici dipinge 34 tele di 

metri 2 x1 per le 60 rappresentanti 

l’Inferno a cui fanno eco d’arte altre 

22 tele sul Carnevale di Viareggio, 

dall’opera di 4 metri donata al Santo 

Padre “Lasciate che i fanciulli 

vengano a me” in occasione della 

sua visita pastorale a Lucca, alla 

“Resurrezione di Cristo dinanzi a 

Sua Madre Maria” anch’essa 

donata al Papa durante la sua visita 

alla Diocesi di Lucca a Roma per il 

Giubileo. Una testimonianza di arte 

e di solidarietà che contraddistinguono 

l’operato. 

La donna ha sempre espresso una 

presenza di finezza e di composito 

stile nella pittura del maestro 

Gianfranco Rontani che in questo 

numero di luglio ci fa conoscere 

DONNA SULLA SCALA una ben 

raccolta composizione che aleggia 

una situazione che si manifesta tra 

desiderio e solitudine. Quel personale 

dibattito che l’artista inserisce 

nello spirito agevole della natura 

che accoglie la donna con un 

vero afflato di comprensione fino 

rallegrarla per la finalità artisticoculturale 

che n’ha ispirato l’atmosfera 

poetica del dipinto. (Marpanoza) 

Segromigno di Piano (Lu) 

Cell. 3349020404 

Artecultura tel. 02-864.64.093 

Gianfranco Rontani: 

”DONNA SULLA SCALA” 

Olio su tela, cm. 30x40 

ASSOCIAZIONE CULTURALE R. CORTINA 

Via Mac Mahon, 14 (Cortile interno n. 7) 

20155 MILANO - ITALIA 

Tel/Fax 02/33607236 - Cod.Fisc. 97181820156 

ARTECULTURA19

LIRICAMENTE SCORRETTO SPERARE CHE 

SALOME’ SI TOLGA DAVVERO I SETTE VELI 

Una volta usava solo l’ordinaria 

amministrazione colonialista dei seni 

nudi color cioccolato della marcia 

dell’Aida, poi, nel 1974, a Trieste, 

interpretando la regina di Shemakha 

nel “Gallo d’oro” di Korsakov, Gabriella 

Ravazzi si è tolta la tunica 

esibendo un seno scultoreo, e da allora 

è stata una progressione di nudo sulle 

scene della lirica, fino a quello 

integrale, apprezzabile ma di cui non 

si sentiva il bisogno, della cameriera 

di Donna Elvira nell’ultimo e meno 

che mediocre “Don Giovanni” scaligero. 

Un’epidemia di “Sindrome del 

Crazy Horse” che fa sì che siano ormai 

parecchi i melomani che, accingendosi 

ad assistere alla “Salomè” di Richard 

Strauss, si aspettano che la lussuriosa 

principessa, danzando, decida una 

buona volta di togliersi davvero quei 

benedetti sette veli, e mostri al 

pubblico ciò che la tradizione e- 

vangelica e la commedia di Oscar 

Wilde da cui è tratta l’opera hanno 

voluto mostrare al solo Erode. 

A parte le aspettative sporcaccione, 

è davvero bella questa “Salomè” di uno 

Strauss wagneriano finché si voglia, 

ma con una vena di plausibilità 

estranea ai codici espressivi del 

maestro, con il di più di libretti 

essenziali e nitidi (pensiamo anche a 

“Electra”) del tutto dissimili da quelli 

tonitruanti e verbosi di Wagner. 

Perciò ecco Erode, il tetrarca, che 

ha fatto imprigionare Giovanni il 

Battista, certo “voce in deserto clamante”, 

ma soprattutto voce della sua 

coscienza, che lo accusa dell’adulterio 

ai danni del fratello e del concubinaggio 

con la di lui moglie Erodiade. 

Ed ecco Salomè, tormentata e avida 

di passione, che nel fluire della musica 

interpreta un testo scabro e ficcante. 

E’ musica caratterizzata da un succedersi 

di note dalla purezza cristallina, 

con molto spazio ai fiati, da 

cui emerge la poderosa figura di 

Giovanni, ubriaco di Dio, sorta di 

talebano intransigente e misogino che 

deve resistere ai veleni carnali della 

seduzione e della lascivia, perché 

Salomè lo brama, non offrendosi, ma 

20ARTECULTURA 

Andrea Solari, SALOME’ RICEVE LA TESTA DEL BATTISTA 1520-1524 

pretendendo da lui l’offerta. Il profeta 

ha un bel chiamarla “figlia di Babilonia” 

e “figlia di Sodoma”, con lei 

che invece invoca il suo corpo e lo 

incalza con il “voglio baciare la tua 

bocca”, ossessivamente; e una donna 

respinta, dacché il mondo è mondo, 

diventa il peggiore dei nemici, in un 

duello di voci e di anime e di pulsioni, 

lei presa dalla carne e lui dallo spirito. 

“Salomè, danza per me” intima 

Erode alla nipote, al cospetto di una 

Erodiade sfiorita e in apprensione, che 

invidia la bellezza della figlia e teme 

l’ormai manifesto desiderio del tetrarca 

di possederla. Perciò la danza 

dei sette veli, la lascivia di Erode che 

si accende, e i registi che devono 

mettercela tutta per non rovinare la 

rappresentazione, perché può essere 

che Salomè sia una fior di interprete 

vocale, ma difficilmente saprà trasformarsi 

in ballerina dal potenziale 

erotico devastante, e troppe volte sulla 

scena si è materializzato il rischio di 

vedere paperotte disneyane intente a 

dimenarsi con goffaggine. 

Dopo la danza arriva la pretesa 

della testa di Giovanni, con le resistenze 

di un Erode incredulo incalzato 

da Salomè e da Erodiade, fino alla 

terrificante scena della passione 

necrofila della principessa che, se il 

regista ci sa fare (cosa che non sempre 

succede), in un delirio luciferino di 

voluttà mima amplessi con la testa del 

profeta alluvionandola di baci; fino 

alla rivolta di Erode che, al cospetto 

di tanta depravazione e stretto dal 

rimorso, ordina alle proprie guardie di 

uccidere la dissennata. Senza una 

grande Salomè, tuttavia, la tensione 

emotiva diventa forzata, né il fluire 

della apertissima forma musicale può 

reggere il pathos di questa lineare 

eppure complessa partitura. Fra le 

Salomè viste chi ci ha maggiormente 

colpito è stata Nadja Michael, vocalmente 

centrata e dalla fascinosa 

fisicità essenziale nella propria sinistra 

carica erotica, oltre che brava danzatrice; 

e non è poco. 

Giovanni Chiara

IL PIEMONTE 

DELL‘800 

nell’opera di 

Anselmo Sacerdote 

Camille Pissarro, Pont Boieldieu in Rouen, Rainy Weather, (1896), Art Gallery of Ontario 

PISSARRO AL PORTO 

In esposizione vedute di Rouen, Dieppe, Le Havre 

Le Havre, Musée André Malraux 

Sino al 29 settembre 2013 

La rappresentazione del porto industriale 

ha fatto il suo trionfale ingresso nella 

pittura moderna nel 1874 in occasione della 

prima mostra impressionista grazie all'opera 

di Claude Monet, Le Havre, Impressioni 

all’ alba. Ma sarà Camille Pissarro, che, 

poco dopo, darà tutta la sua ampiezza di 

significato a questo suggestivo tema 

attraverso una serie importante di lavori 

sviluppati nell’arco di 20 anni, 1883-1903, 

dipingendo le vedute di tre importanti porti 

normanni: Rouen, Dieppe e Le Havre. 

In occasione di successive visite, Pissarro 

dipinse quegli ambienti, spesso cogliendoli 

nella loro autunnale versione. La mostra 

intende, appunto, esplorare quel particolare 

universo portuale-marino, riunendo per la 

prima volta una trentina di dipinti, 

provenienti per lo più da collezioni 

pubbliche e private straniere. Inoltre opere 

di Eugène Boudin e Maxime Maufra 

completano questo viaggio impressionista 

intorno al tema del porto. Ma mentre 

Pissarro articolò il suo discorso all’inizio 

del ventesimo secolo, altri i giovani artisti 

i cui nomi sono Raoul Dufy, Othon Friesz, 

Albert Marquet, pur dipendendo da 

originarie radici impressioniste, iniziarono 

poi ad avventurarsi in altre direzioni 

estetiche. 

Jacob Camille Pissarro nato a Charlotte 

Amalie il 10 luglio 1830 e deceduto a Parigi 

il 13 novembre 1903, è stato dapprima 

commesso nella bottega di merciaio del 

padre, ed avendo una grande passione per il 

disegno, appena poté scappò di casa alla 

volta del Nicaragua, dove eseguì i suoi 

primi dipinti per pagarsi il viaggio per 

l'Europa. A Parigi frequenta l'École des 

Beaux-Arts e studia le opere di Gustave 

Courbet, Charles-François Daubigny, e 

Jean-Baptiste Camille Corot, che lo 

colpiscono in modo particolare. Dal 1859 

inizia a frequentare l'Académie Suisse, dove 

conosce Claude Monet. Si reca a dipingere 

en plein air (all'aperto) nei piccoli paesi di 

periferia e lungo i fiumi. Nello stesso anno 

partecipa per la prima volta al Salon con un 

paesaggio di Montmorency. Nel 1861 

diventa amico di Paul Cézanne e Guillaumin. 

Nel 1861 e nel 1863 viene rifiutato 

al Salon; per questo decide di esporre al 

Salon des Refusés. Come molti altri pittori, 

è un assiduo frequentatore del Café 

Guerbois, il locale di Batignolles dove si 

tengono accese discussioni sull'arte. 

Per il suo carattere aperto e conciliante, il 

suo aspetto simile ad un profeta con la 

lunga barba bianca, e gli incoraggiamenti 

che sapeva infondere nei giovani artisti (fu 

lui, infatti, a scoprire il genio di Van Gogh), 

venne visto da tutti gli impressionisti come 

l'anima che seppe mantenere unito il gruppo 

per tanti anni. 

Info 0033 (0) 2 35 19 62 62 

contact-muma@lehavre.fr 

Il Borgo Medievale di Torino propone sino 

al 29 settembre 2013 una mostra che 

documenta l’attività di Anselmo Sacerdote 

(Torino, 1868-1926), pittore, incisore e 

fotografo, che fu per ventitrè anni 

segretario-conservatore al Museo Civico 

di Torino. Il percorso, realizzato grazie 

alla generosa collaborazione degli eredi, 

seleziona diciassette dipinti, fotografie, 

incisioni e oggetti dell’archivio dell’artista 

ed evoca il clima e le atmosfere degli anni 

che videro la nascita, a Torino, del Museo 

Civico (1863) e del Borgo Medievale (1884). 

Anselmo Sacerdote iniziò la sua carriera 

come assistente di Vittorio Avondo, 

direttore del museo fino al 1910, artista ed 

erudito conoscitore dell’arte medievale. 

Sacerdote partecipò attivamente alla vita e 

agli interessi che ruotavano intorno alle 

associazioni artistiche torinesi, in 

particolare la Società Promotrice delle 

Belle Arti, dove espose in modo continuativo 

dal 1900, e il Circolo degli Artisti, dove fu 

ammesso socio nel 1903. Negli stessi anni 

suoi dipinti furono ospitati nelle mostre 

delle Società Promotrici di Genova e di 

Firenze. 

La pittura di Sacerdote si inserisce nel 

filone del nuovo interesse per il paesaggio 

maturato nella seconda metà dell’Ottocento 

dai pittori torinesi. Vittorio Avondo, la 

scuola di Rivara, Lorenzo Delleani 

svilupparono una particolare attenzione 

per la natura, dipingendo nelle campagne 

e nelle vallate piemontesi en plein air, per 

misurarsi dal vero con le variazioni della 

luce e dell’atmosfera. Aderendo a questa 

ispirazione Sacerdote frequentò la 

Valtournenche, le valli di Gressoney e di 

Cogne, o quelle più vicine di Lanzo e del 

Sangone in compagnia di Vittorio Cavalleri, 

Giovanni Colmo e Carlo Pollonera, dove 

realizzò studi ad acquarello, bozzetti ad 

olio e fotografie.Utilizzò la fotografia come 

ausilio per la pratica artistica, memoria 

visiva da rielaborare poi attraverso la 

pittura e l’incisione. Sperimentò anche la 

fotografia stereoscopica, il primo metodo 

di riproduzione delle immagini in tre 

dimensioni, ottenute con una fotocamera a 

due obiettivi che riprendevano due distinte 

immagini dello stesso soggetto alla distanza 

degli occhi umani.Raffigurò anche i 

dintorni di Torino, con le cascine della 

piana del Po, i carri trainati dai buoi, i 

lavori sulle aie: immagini di una campagna 

che sarebbe di lì a poco scomparsa con 

l’espandersi dell’industrializzazione. 

www.borgomedievaletorino.it 

ARTECULTURA 21

LETTERA 

DA ROMA 

di Milena Milani 

I nomi si aggrovigliano, sono gli stessi da 

un secolo all’altro. Ma tutto ha un significato 

nascosto, il globo terrestre si rinnova, 

i personaggi si muovono, si intrecciano. 

Ecco una mostra nella Capitale, a Roma, 

che visito incuriosita e atterrita. Si chiama 

“ a Roma come” e io pongo veramente a me 


Arthur Duff, Rope, foto altrospazio Roma 

stessa questa domanda: “Come?”. Va avanti 

all’Auditorium Parco della Musica, ci sono 

state anche due maratone , una affidata agli 

scrittori, e l’altra agli economisti e ai 

sociologi. Si sono ascoltati David Grossman, 

e poi Salman Rushdie che parlava con un 

ospite misterioso. È venuto anche Roberto 

Calasso con lezioni d’autore. Artisti e scrittori 

hanno mescolato le loro intenzioni 

cosicché i discorsi erano completi. Inoltre le 

lezioni d’arte terranno banco. Tutto ciò è 

stato interessante, ha dato le dimensioni di 

quanto ci vuole per mettere insieme la 

poesia con la pittura, sempre rispettandone 

il desiderio del pubblico. Arthur Duff con le 

sue metamorfosi di suoni e parole è stato 

assolutamente necessario, così come gli 

altri artisti del momento. C’è chi è nato in 

Germania ma vive in America o in Italia, 

insomma è un intrico. Le discordanze tra i 

protagonisti pittorici o letterari continuano 

a esserci (ed è quanto vogliamo) ma in 

realtà i mascheramenti ci sono davvero. Li 

avvertiamo ovunque con le loro finalità, gli 

scambi, il destino di luce profonda e 

mimetica. Arthur Duff può ritenersi fortunato, 

per appartenere a un mondo visionario 

di parole, che dicono le stesse cose, come 

già hanno proclamato Marcel Duchamps, 

io stessa (che nessuno ha considerato), 

Rotella e i suoi décollages con la Monroe, le 

discordanze formali su una tela, insomma 

le texture all’aperto. Ma sarei anch’io un 

artista concettuale? Oppure ANDROID 

come diceva Fontana di se stesso? Penso a 

Capogrossi e ai suoi segni bianchi e neri che 

si fanno colorati come “la vita” (titolo di un 

mio libro di poesie) con la prefazione di un 

caro amico, Renzo Arturo Bianconi, scomparso 

troppo presto, e i disegni per sculture, 

di Michela Savaia, uscito per Azzaytuna 

Edizioni di Salah Mahameed. Vedremo 

che cosa succederà adesso oppure accetteremo 

tutto? Certamente non sarà semplice 

districarci da quanto è in sovrappiù e trovare 

la superficie liscia, bianca, magari odorosa, 

respirare meglio agli stop. Ma l’uomo è 

testardo, desidera riuscire, ricevere suoni e 

vibrazioni, un varco, un riparo, una soglia 

sotto cui ripararsi per qualche secondo. 

Capogrossi l’ha fatto, ha provato le vertigini 

del vuoto, la mancanza d’aria, il respiro 

che se ne va. Poi tutto si è messo a posto, con 

pazienza, adagio o in fretta. E intanto la vita 

veniva avanti con la coscienza, con la 

speranza, con i battiti del cuore. Che cosa 

significa rifare un percorso pauroso? L’ho 

chiesto al pittore che dall’aldilà, mi ha 

ripagato della stessa moneta. Allora anch’ 

io sono ritornata fresca e lieta , con la voce 

e tutto in ordine. Poi, finalmente, sono 

riuscita a sorridere, a andare avanti. Benvenuto, 

amore Gesù.

ISLAND 

New Art from Ireland 

VENEZIA TRA 

‘800 e ‘900 

nelle fotografie di 

Tomaso Filippi 

Stra, Museo Nazionale di Villa Pisani 

Sino al 3 novembre 2013 

Procedendo nel filone consolidato da 

diversi anni a Villa Pisani, che ripercorre 

i territori della cultura figurativa veneta 

nei secoli diciannovesimo e ventesimo, la 

rassegna si propone di approfondire e 

ampliare lo studio su un tema, la fotografia 

storica, anticipato nella rassegna «Arti e 

mestieri nell’obiettivo di Tomaso Filippi» 

proposta a margine della mostra «Nobiltà 

del lavoro. Arti e mestieri nella pittura 

veneta tra Ottocento e Novecento» chiusa 

il 4 novembre 2012. Le feconde interazioni 

tra pittura e fotografia riscontrate 

nell’opera del veneziano Tomaso Filippi, 

uno dei più brillanti e creativi pionieri 

della fotografia in Italia, l’originalità e 

l’importanza storica dei materiali conservati 

nel Fondo omonimo conservato 

all’IRE e, insieme, il valore che la tecnica 

fotografica ha assunto quale moderno, 

fondamentale mezzo di comunicazione, 

hanno condotto all’idea di realizzare 

un’ampia e articolata rassegna antologica 

sul lavoro del fotografo. 

Filippi, già direttore dell’importante 

stabilimento fotografico di Carlo Naya, 

dal 1895 avvia uno studio proprio, attivo 

fino alla seconda metà degli anni Venti. La 

sua produzione si colloca in una fase di 

transizione della storia della fotografia. 

Mentre interpreta in forme nuove e originali 

il tradizionale vedutismo, creando paesaggi 

veneziani molto ricercati dai già allora 

numerosi viaggiatori, realizza campagne 

fotografiche atte a documentare le nascenti 

realtà industriali e l’attività di enti e 

istituzioni quali l’Esposizione Internazionale 

d’Arte, con la quale collabora 

fin dalla sua fondazione. 

Info 049 502074 

Il 20 giugno è stata inaugurata alla 

Palazzina dei Giardini di Modena la 

mostra “Island. New Art from Ireland” 

curata dalla direttrice della Glucksman 

Gallery University College di Cork Fiona 

Kearney e finanziata con un contributo di 

Culture Ireland. La collettiva – secondo 

step di una collaborazione internazionale 

che ha portato in Irlanda 80 fotografie 

selezionate dalla Raccolta di Fotografia 

della Galleria civica di Modena ( "The 

Artist's Eye" esposta fino al 7 luglio alla 

Glucksman) – presenta, fino al 15 settembre, 

il lavoro di 5 artisti contemporanei residenti 

in Irlanda, una ventina di opere fra 

fotografie, dipinti, disegni, sculture, film, 

video e installazioni, realizzate a partire 

dal 2000, in un periodo cruciale per l'Irlanda 

e per l'Europa nel corso del quale 

l'esuberanza e l'ottimismo per il nuovo 

millennio sono collassati nella crisi 

economica globale. 

Gli artisti selezionati, Dorothy Cross, 

Damien Flood, Mark Garry, Martin 

Healy, Niamh O’Malley, sono stati 

chiamati ad indagare il tema dell’isola con 

particolare riferimento all’Irlanda, alla 

quale hanno guardato cogliendo aspetti 

diversi della cultura isolana, interrogandosi 

su come possa tornare a crescere e a fiorire 

in futuro. La mostra si apre con "Drift" 

(2013), film di Mark Garry presentato in 

questa occasione in anteprima mondiale; 

l'artista presenta inoltre due sculture "Where 

oil meets water" e "To say a psalm for now". 

Niamh O’Malley è presente con due disegni, 

il video dal titolo "Island" (2010), e una 

scultura appositamente realizzata per la 

mostra. Martin Healy presenta scatti di 

archeologia industriale trattata dall'artista 

come se l'obiettivo fosse puntato su Dolmen 

Mark Garry, DRIFT, 2013, film 

e Menhir, "Fata Morgana" (2010), un'opera 

al neon che cita le coordinate di un'isola che 

non c'è, a richiamare l'idea del miraggio e 

"The Last Man", un film del 2011. 

Dorothy Cross espone sculture e fotografie, 

"Udder Chair" una sedia che richiama i 

valori tradizionali della cultura isolana e 

"Poll na bPeist (Wormhole)" (2008), 

l’immagine di una vasca scavata vicino alla 

costa che si riempie come una piscina 

naturale con la marea. 

Damien Flood indaga il tema dell'isola 

attraverso alcuni dipinti: "Smoke Ring" 

(2012), "Dig" (2012) "Glass Mountain" 

(2013), "Sunflower" (2012), "Bench" (2010) 

"Cyclical Mountains" (2011), "Dome" 

(2009). Queste opere dialogheranno con un 

dipinto di Paul Henry, celebre artista del 

XX secolo che ritrae dolci colline e cottage 

dal tetto di paglia tradizionali, una 

rappresentazione dell'immaginario popolare 

del paesaggio irlandese e, al contempo, un 

ritratto della dura realtà della vita quotidiana 

delle comunità rurali povere. 

“L'Irlanda - secondo la curatrice - cattura 

l'immaginazione dell'artista con i suoi 

lussureggianti prati verdi, i cieli mutevoli e 

la bellezza costiera. Ma questa immagine, 

sullo sfondo, è ricca di sfumature lugubri, 

di ombre oscure gettate dalle diverse ondate 

di invasori e dalle epopee di intere 

generazioni di emigranti. Per molti artisti 

irlandesi in questi paesaggi vi è un ricco 

filone di ispirazione che viene affrontato 

non senza una certa tensione. È attraverso 

di essa che non è difficile approdare al 

racconto di una vera e propria cultura 

dell'isola”. La mostra è in programmazione 

sino al 15 settembre. 

Aoristias 

Info 059 2032911/2032940 

ARTECULTURA 23

VICENDE DI UN FOTOGRAFO 

GIANNI BERENGO GARDIN 

Sopra: Gianni Berengo Gardin, MILANO 1968. A sinistra, Gianni Berengo Gardin, MILANO ANNI SETTANTA 

Rinvia ad un’epoca del passato, ricca 

di stimoli, di proposte, di suggestioni, 

anche, a volte, violente, le belle immagini 

fotografiche di Gianni Berengo 

Gardin, immerse nell’atmosfera della 

Milano degli anni sessanta e settanta. 

E’ un tempo di aspri contrasti sociali, 

di una frenetica attività culturale, artistica, 

che si espande anche nelle periferie, 

sollecitandone una più vasta 

partecipazione alla vita politica e democratica, 

quello che si vive nel capoluogo 

lombardo in quegli anni. Di questo 

clima, nel suo raffinato bianco e 

nero, Berengo Gardin coglie tutte le 

sfumature con una ricerca ad ampio 

raggio in cui elites intellettuali ed ambienti 

popolari si saldano in forme nuove 

di aggregazione e partecipazione. 

In programma dal 14 giugno all’8 settembre 

2013, l’esposizione, che rappresenta 

la più grande retrospettiva del 

maestro, è promossa dal Comune di 

Milano – Cultura, prodotta da Palazzo 

Reale, Civita Tre Venezie e Fondazione 

Forma per la Fotografia e curata da 

Denis Curti. La mostra presenta una 

raccolta di più di 180 immagini del 


fotografo divise in nove sezioni: apre 

la mostra “Gente di Milano” con oltre 

40 scatti che immortalano la vita degli 

ultimi 50 anni della nostra città. Questa 

mostra è un viaggio nella storia del 

nostro Paese e della nostra città, attraverso 

lo sguardo d'eccezione della figura 

tra le più importanti del foto-giornalismo 

italiano – ha dichiarato l’assessore 

alla Cultura Filippo Del Corno 

–. È dunque una preziosa testimonianza 

di come eravamo e di come siamo 

cambiati: un mosaico per immagini in 

cui ciascuno di noi ritrova un po’ della 

propria storia, dei propri ricordi e in 

definitiva di se stesso. Per questo, proprio 

quest’anno, Milano gli ha conferito 

l'Ambrogino d'Oro”. Il percorso 

espositivo approfondisce con nuove 

fotografie la famosa serie intitolata 

“Morire di classe”, realizzata su commissione 

del professor Franco Basaglia, 

che indagava sulla drammatica 

situazione dei manicomi in Italia e per 

cui Berengo Gardin ha realizzato una 

storica inchiesta; ci sono poi una sala 

interamente dedicata a Venezia, una 

sezione che getta sguardi dentro le case 

e sui baci rubati per strada o in stazione, 

un’altra ancora che racconta il lavoro, 

da Parigi a Monfalcone e da 

Vercelli a Osaka. Una selezione di foto, 

intitolata “Comunità Romanì in Italia”, 

narra la vita all’interno dei campi nomadi, 

e un’ultima indaga alcuni dei 

molti modi in cui fede e religiosità si 

fanno immagine. Il tutto in bianco e 

nero, visto con uno sguardo asciutto e 

diretto e catturato grazie alle lenti delle 

sue tante macchine Leica, molte delle 

quali esposte in mostra. Considerato da 

molti il più rappresentativo tra i fotografi 

italiani, ha cominciato nel 1954 

a lavorare con la macchina fotografica, 

tenendola appesa al collo mentre 

girava il mondo e usando sempre la 

pellicola. Berengo Gardin ha sempre 

voluto sottolineare del suo lavoro l’impatto 

politico-civile, ancor prima di 

quello strettamente artistico od estetico, 

collocando la fotografia nella dimensione 

della cronaca e della storia, 

alla ricerca delle verità del proprio tempo 

oltre le immagini e i riti dell’ufficialità. 

Aoristias 

Info 02 54917

Helenio Herrera (a sinistra) e Nereo Rocco 

Da sinistra: Galliani, Piraina, Del Corno, Moratti, Vitta Zelman 

QUELLI CHE... MILAN INTER 1963 

La leggenda del Mago e del Paròn 

Milano, Palazzo Reale 

Dal 23 maggio all’8 settembre 2013 

La mostra inaugurata a Palazzo Reale 

racconta una storia leggendaria: la 

rivalità, la carriera e l’amicizia, di una 

coppia celeberrima del calcio italiano e 

internazionale, quella formata da Helenio 

Herrera e Nereo Rocco, il Mago e il Paròn 

degli anni Sessanta milanesi. Un percorso 

di immagini, ricordi e documenti che 

racconta anche la Milano di quegli anni, 

che stava trasformandosi nella città di 

riferimento in Europa, non solo per lo 

sport, ma anche per la cultura, lo spettacolo, 

il design, la moda, le sue grandi aziende. 

“Oggi è una giornata speciale per lo 

sport a Milano – ha dichiarato l’assessore 

alla Cultura Filippo Del Corno –. A Palazzo 

Reale inauguriamo una mostra assolutamente 

inedita sul mondo del calcio 

milanese degli anni ’60, un periodo in cui 

la città cresceva e si affermava nel 

panorama internazionale insieme alle sue 

due grandi e storiche squadre; mentre, alla 

Fabbrica del Vapore, si stanno svolgendo 

gli ‘Stati generali dello Sport’, per riportare 

al centro dell’attenzione una nuova idea 

dello sport urbano. Un tema fortemente 

interconnesso con un utilizzo diverso 

degli spazi cittadini e con lo sviluppo 

culturale della società, tanto più sano 

quanto più legato ai valori che sono alla 

base di ogni disciplina sportiva”. 

La mostra, promossa dal Comune di 

Milano – Cultura, prodotta da Palazzo 

Reale e Skira editore e curata da Gigi 

Garanzini, storico giornalista sportivo, è 

sostenuta dalle due squadre di calcio 

simbolo della città – FC Internazionale 

Milano e AC Milan – che hanno messo 

a disposizione straordinari materiali 

d’archivio, dalla RAI, che ha condiviso 

i preziosissimi materiali delle sue Teche, 

dai quali sono tratti i filmati che 

accompagnano il percorso espositivo, e 

da Gazzetta dello Sport, anch’essa 

coinvolta con il suo archivio. 

Cinquant’anni fa, il 22 maggio del 1963, 

il Milan di Nereo Rocco vince la Coppa dei 

Campioni, il 26 maggio dello stesso anno 

l’Inter di Helenio Herrera festeggia lo 

scudetto. Da qui al 1969 si snoda una 

stagione irrepetibile: i due allenatori 

faranno di Milano la capitale europea e 

mondiale del calcio, alternandosi nella 

conquista di trofei nazionali, europei e 

mondiali. Eppure i due personaggi non 

potrebbero essere più diversi: questa 

contrapposizione diventa il tema centrale 

della mostra, che attraverso centinaia di 

fotografie, numerosi e rari filmati, 

installazioni, oggetti di culto appartenuti 

ai due allenatori disegna un ritratto 

veritiero e umanissimo di due personaggi 

che hanno fatto la storia del calcio e in 

parte della Milano del 1963. 

La mostra milanese si apre proprio sul 

tema della rivalità iniziale: il visitatore 

potrà scegliere infatti un ingresso 

nerazzurro o uno rossonero, che naturalmente 

poi confluiranno in spazi 

comuni. La prima sezione, a cura di John 

Foot (professore inglese di Storia moderna 

italiana, e profondo conoscitore della 

Milano di quegli anni), è dedicata alla 

Milano del 1963, con fotografie e filmati 

di altri celebri rivali: personaggi come 

Celentano e Jannacci, Walter Chiari e Gino 

Bramieri, Maria Callas e Renata Tebaldi, 

aziende come Motta e Alemagna: una 

panoramica del meglio della città 

dell’epoca. E poi, in una rassegna che 

raccoglie circa cento foto d’autore (scelte 

dallo storico della fotografia Cesare 

Colombo) la vita sociale della città, con 

gli immigrati, le fabbriche, la motorizzazione, 

i nuovi consumi, fino al cinema 

e ai protagonisti della vita culturale. 

La mostra prosegue con una sorta di 

memoriale, con fotografie e oggetti di 

Herrera e Rocco, con un omaggio speciale 

a Gianni Brera, massimo cantore del calcio 

a tutto tondo. Maglie, scarpe, ricordi 

personali, la famosa lavagna tattica di 

Herrera, un quadro che il grande De 

Chirico aveva regalato a Rocco per 

consolarlo di una sconfitta. Seguono poi 

filmati e interviste, che ripercorrono storia 

e personalità dei due protagonisti.Viene 

quindi ricostruita l’atmosfera degli 

spogliatoi, compreso lo scorrere dell’acqua 

e il profumo di olio canforato, con alcune 

sorprese per i visitatori negli armadietti 

che si aprono e mostrano filmati divertenti, 

spesso inediti. Segue la sala dei Trionfi, 

con tutte le coppe vinte da Herrera e Rocco. 

Info: 02.92800375 

ARTECULTURA25

Il punto 

Maestri contemporanei 

Tranquillo Fregoni 

in ritorno breriano con la mostra delle 

sue nuove opere inaugura la stagione 

artistica settembrina di Artecultura 

Milano, Sala Olimpia 1-27 settembre 2013 

Si rinnova in autunno l’appuntamento 

culturale ed espressivo con 

l’opera di Tranquillo Fregoni che in 

questa sua esposizione presso Artecultura 

presenta un’ampia e suggestiva 

selezione di dipinti. Dipinti che 

documentano il suo iter creativo nel 

continuo confronto con vari aspetti e 

momenti dell’esistenza: il paesaggio, 

come la natura morta, il mondo marino 

come la composizione floreale. 

Sono temi pittorici, questi, che stimolano 

in modo particolare la riflessione 

emotiva e stilistica di Tranquillo 

Fregoni. Il suo principio fondamentale 

di ispirazione si contraddistingue 


all’interno di una ricerca per la quale, 

la forma pittorica, la struttura plastica 

della composizione acquistano 

valore e significato nel momento in cui 

l’oggetto o la situazione rappresentati 

sulla tela emanano sensazioni ed atmosfere 

le quali entrano in un intimo 

colloquio con coloro che si pongono 

al cospetto della sua pittura. Ecco allora 

che Fregoni per essere in armonica 

sintonia con questo suo intedimento 

imprime alla forma figurativa 

l’estro della sua interpretazione per 

cui oggetti, paesaggi, città raffigurate 

diventano sensibili metafore di una 

condizione dell’esistenza. Naturalismo 

dell’esistenza si potrebbe, quindi, definire 

la profonda pittura dell’artista. 

Alla densità ed intensità dell’espressione 

si unisce quella forza di 

scavamento interiore che i suoi colori 

trasmettono con singolare efficacia 

espressiva. L’armonia, pare suggerire 

Fregoni, non è un dato scontato, la 

logica conseguenza di un prontuario 

estetico, ma una conquista della persona 

ancor prima che dell’artista, il 

quale poi naturalmente conferisce a 

questa armonia, ri-trovata o inaspettata, 

il crisma del personale linguaggio 

fatto di luci, colori e toni. Fregoni 

segue uno stile del tutto personale non

comparabile od assimilabile a quelle 

che sono le categorie tipiche dell’arte 

moderna. Anche se, naturalmente, si 

possono ravvisare elementi di ispirazione 

naturalista, post-impressionista, 

tuttavia fattori, questi, elaborati poi con 

personale tensione dall’artista. Da 

queste premesse si intuisce l’impegno, 

l’ispirazione genuina, la lucidità 

compositiva che contraddistingue la 

pittura di Fregoni, la sua acuta sensibilità. 

Da rilevare poi la sua capacità 

di inquadrare lo spazio con una percezione 

dinamica che entra in particolare 

sintonia con l’osservatore. 

Fregoni elabora le sue composizioni 

avvalendosi di un modellato plastico 

intenso e vigoroso che poi lentamente 

si fonde nell’atmosfera, nel lento affiorare 

della luce. Da questo punto di 

vista il suo linguaggio rivela la sua 

natura evocativa, vale a dire la capacità 

di suscitare sentimenti, emozioni, 

che stimolino la fantasia di chi 

osserva le sue opere. Spesso si sente, 

quasi come una sorta di triste mantra, 

il concetto che molta arte contemporanea 

sia priva di comunicatività e 

feeling nei riguardi del pubblico. E 

questo, in parte, può essere vero. Ma 

per fortuna esistono altre dimensioni 

di ricerca e di confronto nell’arte che 

esprimono un loro autentico appagamento 

sensibile e spirituale e che il 

pubblico sa riconoscere ed apprezzare. 

La sua pittura si sviluppa in sintesi 

intense e vibranti senza sperdersi 

nell’inutilità di dettagli o particolari, 

sempre comunque all’interno di un ritmo 

equilibrato e composto. Ma l’ordine 

che traspare dalle opere di Fregoni 

è in un certo senso ordine della vita e 

delle sue realtà emotive ed umorali, 

non è un qualcosa di imposto o di artificioso. 

Toni e forme si compenetrano 

in soluzioni espressive raffinate ed eleganti, 

quasi classiche sotto alcuni 

aspetti. Fregoni riesce a porre in sin- 

ARTECULTURA27

golare collaborazione linea e colore, 

forma e cromaticità. Fregoni ha così 

definito una sua personale visione dell’arte 

e del naturale confronto con la 

vita, la storia, l’ambiente in cui essa è 

ovviamente coinvolta. Più in generale 

è soprattutto la realtà misteriosa dell’ambiente 

che lo circonda, da quello 

intimo della propria casa sino allo spazio 

ampio della natura da cui maggiormente 

si sente attratta la personalità 

creativa dell’artista. Per Fregoni 

questo elemento ha una indubbia implicazione 

psicologica, in quanto lo 

porta ad interrogarsi in profondità su 

quanto osserva e constata. Sta poi alla 

sensibilità dell’artista trasformare questa 

osservazione nella realtà magica- 


mente immaginifica dei colori, delle 

forme, del disegno e delle linee. E’ qui 

infatti che il suo realismo intensifica 

il suo significato interiore, nel momento, 

appunto, in cui diventa esperienza 

visiva, oggettiva sulla tela. Pertanto 

parlare di contrasto realtà-immaginazione 

a proposito dei dipinti Fregoni 

non ha alcun senso, in quanto per l’artista 

le due dimensioni sono inscindibili 

e l’artista autentico, sensibile, 

questa compenetrazione la sa afferrare 

e soprattutto trasmettere. Dal 

che si comprende benissimo la modernità 

culturale ed espressiva dell’arte 

di Fregoni, l’originalità della sua proposta 

pittorica. Nel corso degli anni 

l’artista ha affinato la sua tecnica, il 

suo rapporto con la storia dell’arte, ma 

senza mai smarrire la sue caratteristiche 

interiori, l’obiettività della sua 

ricerca. Dai suoi dipinti traspare un 

senso di purezza, oggi sempre più raro 

(non solo nell’arte) ma che per Fregoni 

è ulteriore stimolo di creatività, di coerente 

impegno nell’arte e nella vita. 

Ed è con questo spirito che la sua nuova 

presenza espositiva ad Artecultura 

va letta ed interpretata. Un appuntamento 

a cui non mancheranno ulteriori 

fattori di riflessione su una realtà 

culturale ed artistica di così coinvolgente 

e coerente natura. 

Teodosio Martucci

Le recenti immagini, alla televisione, delle 

vittime del crollo di un balcone di un 

edificio del’700, a Portici, durante una 

processione, ha riportato la mia mente al 

tempo in cui, bambino, frequentavo, negli 

anni ’40, una scuola ubicata a pochi metri 

dal luogo di questo disastro. Ho dei ricordi 

terribili di quell’epoca, per la fame che 

pativamo e lo stress che ci procuravano le 

sirene notturne che ci buttavano giù dal 

letto e ci costringevano a rifugiarci in 

tutta fretta nei ricoveri antiaerei, col 

dilemma poco interessante, se saremmo 

stati uccisi dalle bombe tedesche o 

americane. Via i germanici dal sud, 

giunsero le truppe alleate, composte da 

soldati americani, inglesi, francesi e 

marocchini, che trovarono una popolazione 

stremata dalla paura e dalla 

fame. L’immagine più significativa di quel 

momento è quella delle lunghe code fuori 

le panetterie, per ritirare con la tessera un 

pessimo pane. La pacifica invasione degli 

alleati fu accolta trionfalmente dappertutto, 

perché costoro portarono un po’ 

di benessere: via la pessima farina di 

piselli dalle tavole ed ecco buone scatolette 

di carne, biscotti e grandi pezzi di pane a 

forma di parallelepipedo, che più bianco 

non si può. Ma ci fu anche un costo da 

pagare. Al di là degli stupri (Moravia, su 

Tamburriata 

amara 

uno di questi episodi, ha composto un 

gran romanzo: La Ciociara) molte ragazze, 

in cambio di pochi soldi, si prostituivano, 

mentre molte altre si fidanzavano o si 

sposavano con i soldati americani con la 

promessa di una vita migliore negli Stati 

Uniti. A guerra finita gli americani non 

sempre rispettarono le promesse fatte alle 

giovani donne e ritornarono al loro paese 

lasciandole tristi come un albero senza 

foglie e con le panze “annanze” come 

scandiscono i versi della celebre canzone: 

”Tammurriata nera”, scritta nel 1947 da 

Eduardo Nicolardi.Questa composizione, 

su musica di E.A.Mario, portata al 

successo dalla Compagnia di canto 

popolare, racconta lo stupore della gente 

per un fatto di cronaca insolito: la nascita, 

da una da donna napoletana, di un bambino 

nero a cui è dato il nome di Ciro. In realtà 

questo caso non fu certo unico: vi furono 

molte ragazze che partorirono bambini 

frutto di relazioni con soldati afro 

americani. Un momento significativo della 

canzone di Nicolardi è quello in cui un 

ortolano sostiene che: “Addò pastina ‘o 

ggrano ‘, ’o ggrano cresce.Riesce o nun 

riesce,sempe è ggrano chello ch’esce!”Il 

valore dell’uomo non dipende dal colore 

della pelle! La saggezza napoletana rifugge 

da ogni razzismo. 

Antonio Fomez 

TURISMO & POESIA: IL LUOGO DEL MESE 

IL MONTE TERMINILLO 

Il monte Terminillo (Mons Tetricus per gli 

antichi romani) è un massiccio montuoso, 

la cui vetta più elevata raggiunge i 2217,13 

m di altitudine (nuova rilevazione, 

precedentemente l'altezza era di 2216 m 

s.l.m.). Appartenente al gruppo dei Monti 

Reatini dell'Appennino Abruzzese, situato 

a 20 km da Rieti e a 100 km da Roma, fino 

al 1927 la vetta e gran parte del complesso 

appartenevano alla provincia dell'Aquila, 

essendo ricadente nel territorio del comune 

di Leonessa. È la sesta cima più alta del 

Lazio. Il Terminillo fu lanciato turisticamente 

negli anni trenta dopo una visita 

di Benito Mussolini che rimase “impressionato 

dalla bellezza del massiccio 

montuoso". Venne così realizzata un'ampia 

strada da Lisciano a Pian De' Rosce, 

successivamente completata fino a 

Terminillo, mentre negli anni venti il 

Terminillo poteva essere raggiunto solo a 

piedi o a cavallo attraverso sentieri. Negli 

anni '30 inizia quindi il boom turistico con 

le prime piste da sci attrezzate. Nel 1940 

viene realizzata la funivia, tutt'oggi 

esistente. Dagli anni '50 agli anni '70 

Terminillo è la località sciistica di 

riferimento di tutto il Centro Italia. Dagli 

anni '80 e '90, a causa dell'assenza di 

investimenti atti a rinnovare, modernizzare 

ed ampliare gli impianti di risalita, 

Terminillo vive una crisi dovuta anche alla 

sempre più forte concorrenza delle stazioni 

abruzzesi. Negli ultimi 20 anni gli impianti 

si sono ridotti, ma la Regione Lazio ha 

Terminillo visto da est, versante leonessano 

stanziato 20 milioni di euro per il rinnovo e 

l'aumento delle strutture sciistiche. 

Nonostante il Terminillo offra anche 

possibilità di sviluppo turistico alternativo, 

lo sci e il turismo invernale è ed è stato il 

settore verso il quale maggiormente si sono 

concentrati gli sforzi e le attenzioni degli 

operatori e delle amministrazioni locali. Le 

bellezze ambientali, la ricchezza della fauna 

e delle biodiversità, le tradizioni e le 

leggende locali, nonché i siti di importanza 

storica e culturale delle epoche passate, 

ancora presenti sui luoghi, sono state spesso 

trascurate dagli operatori del turismo, 

puntando invece quasi unicamente verso lo 

sviluppo degli sport invernali collegati allo 

sci.Il massiccio ospita due stazioni 

sciistiche, una più nota e frequentata sul 

versante meridionale che prende il nome 

direttamente dal massiccio (Terminillo) e 

posta in località Campoforogna (1640 m 

s.l.m.), l'altra posta sul versante opposto 

settentrionale (Leonessa-Campo Stella), 

geograficamente non collegate tra loro. 

Numerosi sono i percorsi a piedi che portano 

in vetta o su cime secondarie, da entrambi 

i versanti. Dalla cima la vista spazia a 360° 

sulla sottostante piana di Rieti, su tutta la 

Sabina fino alla campagna romana, sui 

monti dell'alto Lazio, i Monti Sibillini, i 

Monti della Laga, il Gran Sasso d'Italia, i 

monti del Cicolano, le Montagne della 

Duchessa, il massiccio del Monte Velino e 

i Monti Carseolani. 

ARTECULTURA29

GERARDO SANGIORGIO 

nel luminoso temerario della vita 

Luca Domenico Lombardo, QUERCIA PER GERARDO SANGIORGIO, collage in tecnica mista 

A riflettere sui diversi aspetti che compongono 

il tessuto umano e sociale di una persona 

si scopre il carattere, la manifestazione 

culturale che appaga il desiderio disinteressato. 

Si conosce la raffinatezza che 

sollecita l’alto valore della vita, l’innata 

spiritualità che alimenta sia il tessuto biologico 

che quello psichico della determinata 

persona. L’immaginario culturale dentro 

il quale nasce, cresce, lotta il quotidiano 

in tutti i suoi momenti per una finalità 

umana senza aggettivazione noi pensiamo 

che sia il cielo esistenziale e quello intuitivo 


in cui un fervente cattolico come Gerardo 

Sangiorgio possa essere conosciuto e compreso. 

La personalità che nasce nel 1921 

a Cancello Arnone in provincia di Caserta, 

conseguirà poi, seguendo il padre in servizio 

di Maresciallo dei Carabinieri, la Maturità 

classica a pieni voti al Liceo “Giovanni 

Verga” di Adrano (CT) nel 1940. 

Uno spirito versato per la conoscenza della 

storia che l’anno seguente si iscrisse a 

Lettere classiche all’Università di Catania 

dove per disposizione di regime gli venne 

imposto di prestare servizio militare 

come Volontario Universitario. Vive la tragedia 

italiana dell’8 settembre, restando 

soprattutto coerente con se stesso ed il linguaggio 

che la famiglia prima e la scuola 

poi gli avevano fatto conoscere come storia 

sociale della propria esistenza. Non fu quindi 

collaborazionista né con Badoglio e tanto 

meno con la Repubblica Sociale, scelta per 

la quale finisce deportato in Germania nei 

campi di sterminio nazista di Neubranderburg, 

Bonn e Duisdorf, luoghi dove i 

giorni non hanno somiglianza umana ma 

solo indicibili sofferenze di fame, ingiurie, 

violenze e morte. Disperazione che 

Sangiorgo supera alimentando la sua sopportazione 

alla volontà Dio, l’alto valore 

spirituale nel quale fermamente crede ed 

alla poesia che lo stimola alla visione critica 

equilibrata per effetto dello spontaneo 

respiro della poesia innata che poi si evolve 

in quella di forma culturale. Ed a soffermarsi 

un po’ sul verso poetico di 

Sangiorgio così puntuale di vocabolo e di 

filologia discorsiva, si avvertirebbe un mondo 

che potrebbe riservare anche cose nuove 

e certamente interessanti. L’aspetto che 

poi se ne deduce al rientro in patria nell’agosto 

del 1945 di Sangiorgio e che in 

seguito si laurerà e praticherà l’insegnamento 

e collaborazioni a varie testate stampa 

conseguendo non pochi riconoscimenti 

al suo verso primario e culturale. Quel fermento 

poetico che germoglia sempre dall’origine 

per abbellire di spirito primigenio 

alla luce del sole e alla maturità letterale 

e sociale la sua poesia. Il componimento 

nel quale l’etica e l’intuizione si cercano, 

si elogiano e si lottano per una compenetrazione 

sempre maggiore, come se 

Sangiorgio domandasse alla natura la 

visceralità della sua vocazione poetica. Un 

aspetto critico che certamente si delinea anche 

sulla base dell’esperienza vissuta, fermo 

restando, però, che la finalità del messaggio 

sa essere un’identità multipla, a vario 

titolo in cui soprattutto il valore, l’assidua 

spinta a fare caratterizza la personalità 

a cui nell’aprile 2003 è stata intitolata la Biblioteca 

comunale di Biancavilla (CT). 

Diversi autorevoli personaggi si sono occupati 

della sua poesia, ma in ogni verso di 

ogni tempo forma e luogo, la poesia, quando 

è tale, si manifesta un desiderio senza 

fine di ribellione, ed è la spiritualità nella 

quale con tutte le sue raffinate scene formali, 

il componimento di Gerardo Sangiorgio 

ha per noi le sue naturali radici. 

Giuseppe Martucci

L'AUTODIDATTA NELLA STORIA 

Personaggi, avventure, intuizioni 

Wilbur Wright (Millville, 16 aprile 

1867 – Dayton, 30 maggio 1912) e 

Orville Wright (Dayton, 19 agosto 1871 

– Dayton, 30 gennaio 1948) , spesso 

citati collettivamente come fratelli 

Wright, furono due ingegneri e 

inventori statunitensi, annoverati tra i 

più importanti aviatori dell'epoca 

pionieristica. Essi sono in generale 

considerati i primi ad aver fatto volare 

con successo una macchina motorizzata 

più pesante dell'aria con un pilota a 

bordo, essendo riusciti a far alzare dal 

suolo il loro Flyer per quattro volte, in 

modo duraturo e sostanzialmente 

controllato, il 17 dicembre 1903 

Wilbur e Orville Wright erano due dei 

sette fratelli Wright, figli del pastore 

evangelista Milton Wright (1828-1917, 

di origini anglo-olandesi) e di Susan 

Catherine Koerner (1831-1889, di 

origini svizzero-tedesche). Gli altri 

fratelli Wright erano Reuchlin (1861- 

1920), Lorin (1862-1939), i gemelli 

Otis e Ida (nati nel 1870 e morti 

entrambi prima di compiere le tre 

settimane), e Katharine (1874-1929). 

Wilbur e Orville erano rispettivamente 

il terzo e il sesto figlio della coppia. Pur 

avendo entrambi frequentato la scuola 

secondaria, né Orville né Wilbur si 

erano diplomati: Orville aveva abbandonato 

gli studi poco prima di 

terminarli, mentre Wilbur, che aveva 

frequentato tutti e quattro gli anni del 

liceo, non aveva ottenuto la sua schoolleaving 

qualification perché la sua 

famiglia aveva lasciato all'improvviso 

la città di Richmond (dove si trovava la 

sua scuola) per spostarsi a Dayton 

proprio in quello stesso anno 1884 in 

cui lui avrebbe dovuto ricevere il 

diploma. Inoltre, nessuno dei due aveva 

frequentato l'università: furono in effetti 

gli unici due membri della famiglia a 

non laurearsi. Wilbur e Orville si erano 

appassionati alle vicende del pioniere 

dell'aviazione tedesco Otto Lilienthal, 

che con i suoi alianti e deltaplani era 

riuscito a compiere voli di notevole 

lunghezza. E fu proprio la sua morte 

nel 1896 a spingerli a intraprendere 

Orville Wright 

I Fratelli 

WRIGHT 

Wibur Wright 

un'indagine approfondita delle possibilità 

del volo umano. Nonostante il 

tragico destino di Lilienthal i fratelli 

Wright adottarono la sua stessa 

strategia, che era quella di «saltare 

prima di volare» e cioè di studiare con 

attenzione i problemi di aerodinamica 

delle superfici e di controllo del volo, 

per dedicarsi solo in seguito all'installazione 

di un motore sui velivoli. 

La morte dell'aeronauta britannico 

Percy Pilcher in un altro incidente con 

un aliante nel 1899 non fece che 

rafforzare la loro convinzione che lo 

sviluppo di un metodo efficace per 

gestire un aeroplano in volo era la 

chiave verso il successo, nonché verso 

la possibilità di volare in relativa 

sicurezza. Quando cominciarono i loro 

esperimenti, i Wright ritenevano che 

quello del controllo fosse l'unico 

problema riguardante la costruzione di 

un aeroplano ancora sostanzialmente 

insoluto: gli altri due, quello della 

portanza generata dalle ali e della 

propulsione fornita dal motore, erano 

stati sostanzialmente risolti (grazie 

rispettivamente agli studi di Wenham 

sulla curvatura e l'allungamento delle 

ali e allo sviluppo del motore a scoppio 

che soppiantò quello a vapore). Tra la 

fine del 1902 e il settembre del 1903, 

dopo molte e diversificate esperienze 

con gli alianti, Wilbur e Orville Wright 

si dedicarono all'installazione di un 

motore su una cellula sostanzialmente 

identica a quella del loro ultimo aliante. 

Il progetto del loro Flyer ("aviatore", 

così battezzarono il loro primo velivolo 

motorizzato) era infatti molto simile a 

quello dell'aliante del 1902, il quale a 

sua volta aveva conservato l'architettura 

complessiva dei suoi predecessori in un 

processo di evoluzione molto graduale. 

Le novità più salienti del Flyer erano 

gli impennaggi raddoppiati, sia 

anteriormente che posteriormente, e 

ovviamente l'introduzione di un sistema 

motopropulsore. La configurazione era 

sempre quella del biplano canard, con 

struttura in abete rosso e copertura in 

mussola; i controlli erano organizzati 

nello stesso modo dei velivoli precedenti, 

e il pilota assumeva sempre 

una posizione prona; solamente, questa 

volta era collocato poco lontano dall'asse 

di simmetria dell'aereo, per compensare 

l'opposta eccentricità del motore. 

Nell'inverno tra il 1904 e il 1905 i 

Wright applicarono tutta l'esperienza 

accumulata alla progettazione di un 

terzo aeroplano, il Flyer III. Provato tra 

la fine di giugno e l'inizio di novembre 

del 1905, e ampiamente modificato 

man mano che i tests di volo davano i 

loro risultati, il Flyer III fu un notevole 

successo, ed è in genere considerato il 

primo aeroplano veramente "pratico" 

mai costruito. Finalmente stabile e 

completamente controllabile, il 5 

ottobre fu in grado di volare per 39 

minuti coprendo altrettanti chilometri, 

a una velocità media di 60 chilometri 

orari e a una quota sufficiente per evitare 

alberi ed edifici. L’era del volo moderno 

era iniziata. 

Lo scetticismo con cui il mondo 

dell'aviazione, specialmente quello 

europeo, aveva guardato alle rivendicazioni 

dei fratelli Wright a 

proposito dell'invenzione di una 

macchina volante si sciolse completamente 

tra il 1908 e il 1909. Wilbur 

Wright scomparve il 30 maggio 1912 

in seguito ad un attacco di febbre 

tifoidea, mentre il fratello Orville 

morirà il 30 gennaio 1948 al Miami 

Valley Hospital di Dayton il 30 gennaio 

del 1948. 

Aoristias 

ARTECULTURA31

...LIBRI....LIBRI...LIBRI... 

a cura di Aoristias 

Attilio Milani, ALLUNNAGGIO 40 ANNI DOPO n.1 

olio e collage su tela, 2009, cm. 80 x 80 

Aldo CICERI, PAVESI NEL MONDO 

Pime Editrice 

Nella ricca ed autorevole pubblicistica del 

Prof. Aldo Ciceri è da aggiungere 

un’ulteriore prova della sua lucida e 

documentata indagine che con il presente 

volume fa riferimento alla complessa ed 

intensa vita culturale, economica e sociale 

dei Pavesi, ovunque essi esplichino il loro 

ingegno e attitudini. Inserita nelle vicende 

storiche d’Italia e di Lombardia, la realtà 

pavese si apre nel corso tempo ad un attivo 

scambio culturale, economico, artistico con 

altre tradizioni storiche, politiche, 

ambientali e da questo confronto trae 

alimento e forza per sprigionare la propria 

creatività facendo anche perno sul ruolo 

importantissimo della sua prestigiosa 

università. Fra le maggiori personalità 

che da o a Pavia hanno tratto stimoli e 

possibilità per la loro ricerca sono da 

annoverare Ludovico Geymonat, storico 

della scienza, Renato Tisato, insigne 

pedagogista, Maria Corti, brillante filologa, 

solo per citarne alcune. Fra le eccellenze 

del territorio l’Ospedale Policlinico San 

Matteo, all’avanguardia nell’innovazione 

terapeutica, come testimoniano le interviste 

ai Professori Francesco Benazzo, Mario 

Viganò, Rodolfo Campani. Anche nel 

settore dell’arte contemporanea diversi sono 

gli artisti che si confrontano con le tendenze 

più significative del proprio tempo come 

Rosario Ticli, Marco Faggi, Attilio Milani, 

Andrea Ventura, Franco Marinaro, Renato 

Ricotti, Carlo Mo, Angelo Grilli ed altri 

ancora, a riprova della ricchezza espressiva 

e culturale dell’arte pavese. Ecco quindi 

come una provincia, un territorio, pur 

consapevole delle proprie tradizioni, 


tuttavia si apre da secoli al confronto con il 

mondo esterno, con altre civiltà e da questo 

ricava ulteriore energia per allargare e 

consolidare i propri orizzonti di crescita e 

di sviluppo. Tutto questo materiale storico, 

d’archivio, ma anche fatto di suggestioni, 

evocazioni, Ciceri seleziona e sintetizza 

con acuta competenza rivelando la vita 

profonda del territorio pavese e dei suoi 

protagonisti, noti e meno noti. Una lettura, 

pertanto, assai istruttiva per conoscere la 

realtà di una provincia, di un territorio, 

visto nelle sue relazioni d’insieme, aperte 

al dialogo fra i molteplici attori della sua 

vita associata, oltre quindi ogni visione di 

ristretto e rassegnato decadimento. 

Franco Avena Avellis, AUTOBIOGRAFIA 

STORICA Edizioni A.P.S. 

Franco Avena Avellis, in arte Franco da 

Lorenteggio, presenta in forma di suggestivo 

racconto le sue memorie. Una scrittura 

vivace, di gustosa lettura nella quale 

l’aneddoto, la personale vicenda 

esistenziale si salda al più vasto panorama 

storico internazionale, anche con approfondite 

digressioni come quelle dedicate, 

per esempio, alla civiltà islamica. 

Giulia Mafai, LA RAGAZZA CON IL 

VIOLINO, Skira Edizioni 

Giulia Mafai, figlia di Antonietta Raphael 

ricostruisce la vita di sua madre, celebre 

pittrice, partendo dal piccolo villaggio 

lituano dove era nata, ultima di dodici 

fratelli, sino alle vicende che la porteranno 

prima a Londra, poi in Francia e infine in 

Italia, attraverso gli incontri con artisti e 

intellettuali, all’amore contrastato per 

Mario Mafai. Ne scaturisce un ricordo 

vivo, affettuoso di una donna fortemente 

legata alle sue origini ebraiche. 

LIBRI RICEVUTI 

Daniela Evangelista, MARGIE PICCOLO 

FIORE, Editrice Italia Letteraria 

Bella favola con protagonisti gli animali 

con le loro straordinarie vicende 

Antonio Mennella, GLI SCAPPELLATO, 

Editrice Italia Letteraria 

Commedia brillante di dinamica e 

coinvolgente animazione teatrale. 

Valter Vendramin, STORIA DI UNA VITA 

RITROVATA, Editrice Italia Letteraria 

Intensa tensione narrativa di fronte alle 

dure sfide della vita e dell’esistenza. 

Nota informativa: Artecultura, per favorire 

il suo impegno divulgativo, non ha un 

prezzo di copertina e le recensioni dei libri, 

a totale discrezione redazionale, vengono 

effettuate solo a coloro che sottoscrivono 

un abbonamento annuale di 50 euro 

facendo pervenire in redazione copia di ricevuta 

del versamento effettuato. E verrà 

subito l’invio mensile della Rivista più 2 

copie con la recensione interessata. 

Elda DE LAURO 

Si è svolta dal 10 al 12 giugno allo Spazio 

Seicentro di Milano (Via Savona 99) 

l’interessante personale dell’artista Elda 

De Lauro. Stimolata da un’accurata 

preparazione, De Lauro si confronta 

apertamente con l’esperienza informale che 

aggiorna e sviluppa con soluzioni personali 

e pertinenti. Da rilevare l’arricchimento 

della pittura pura mediante l’inserimento 

di diversi materiali come colla, stoffa, 

sabbia, sassi, legno, metallo che accentuano 

la libera dialettica compositiva dell’opera. 

METAmorfosi I diversi aspetti del reale 

E’ il titolo della significativa rassegna 

svoltasi lo scorso giugno, promosssa dalla 

Sezione Milanese dell’UCAI alla Biblioteca 

Umanistica dell’Incoronata di Milano. Alla 

rassegna erano presenti opere di BA- 

RACHETTI - BOCCHIOLI - CATIRI - 

CIOFFI - COLOMBO - DI BATTISTA - 

FALTRACCO - FOLCIO - GALLI - 

GEROSA - GRAMAZIO CAPRARO - 

GUZZARDELLA - KIRCHNER - SIL LEE 

- LO GIUDICE - LOMBARDI - MARIANI 

- NUCCI - OLIVERI - PEDUZZI - PIZZOL 

- RITORNO-SCOTTI - TRAPASSO - 

TREVISAN. 

Emilio GRECO a Palazzo de’ Mayo 

La Fondazione Carichieti celebra il 

centenario della nascita di Emilio Greco 

(Catania 1913-Roma 1995) presentando 

dal 29 giugno al 29 settembre 2013 nelle 

sale di Palazzo de’Mayo a Chieti, in 

collaborazione con gli Archivi Emilio Greco 

di Roma e con l’Opera del Duomo di Orvieto, 

una grande mostra di sculture e disegni che 

documentano quasi quarant’anni di 

inesausta attività creativa, dal 1947 al 

1983.La mostra, curata da Gabriele 

Simongini e centrata sul tema del corpo 

nell’opera di Greco, presenterà sedici 

sculture fra bronzi, terrecotte, gessi e 

cementi, oltre ad un pregevole gruppo di 25 

disegni di soggetto sportivo. Le opere 

provengono dagli Archivi Greco di Roma, 

dal Museo Emilio Greco di Orvieto e da 

collezioni private. Informazioni Tel: +39- 

0871-359801 Fax: +39-0871-347606 - 

E-mail: set@fondazionecarichieti.it - 

IMMAGINI E LUOGHI 

a cura di Aoristias

FRA AMARCORD E PRESENZA 

Tano Fortuna, l’uomo e l’artista 

Per parlare di Tano Fortuna vorrei trovare 

il giusto equilibrio fra l’amarcord, che 

rievoca dolenti nostalgie, e la continua 

presenza dell’amico pittore, che occupa un 

posto rilevante nella mia vita per l’arte 

condivisa nel culto della pittura e della 

poesia. 

Se colgo una profonda tristezza, la colgo 

nelle cose, nei paesaggi urbani, nell’imprevedibile 

mare, nei cieli profondi, 

negli ameni dintorni, che non verranno più 

dipinti e resi immortali dal maestro.Uomo 

semplice, buono d’animo, personalità 

artistica complessa, pittore nel DNA, 

nessuno come lui sa inventare i colori e 

armonizzarli in melodie pittoriche che 

cantano all’anima. Ne parlo fra un elegiaco 

amarcord e un testardo presente che sfida 

donchisciottescamente la ribalda morte... 

Allievo del grande Ferruccio Ferri, talento 

naturale che a tanti giovani del suo tempo 

donò generosamente i suoi tesori, il suo 

gesto artistico, la sua sapienza pittorica, i 

reconditi segreti dell’arte che fa bella la 

vita, Tano Fortuna nulla ha sprecato di 

quanto appreso in quella rigorosa palestra, 

scandendo il suo tempo fra la cura della 

famiglia che amava con tenerezza, la scuola 

alla quale profuse non poche energie, 

l’impegno civile, la laboriosa bottega d’arte 

dove sbocciavano alla vita i suoi capolavori. 

Ed io ne ho visto nascere tanti di questi 

capolavori perché abitualmente passavo 

lunghe ore ad osservare l’amico pittore 

all’opera, fra atmosfere di un tempo antico, 

e mi beavo nel vedere prendere forma e 

consistenza alle felici intuizioni, alle divine 

ispirazioni che quel geniaccio tirava fuori 

dalla sua fervida fantasia e dal suo 

palpitante cuore. 

Sempre alla ricerca di nuove soluzioni e di 

efficaci espressioni a ciò che voleva 

significare, non c’era tecnica pittorica a lui 

sconosciuta e sapeva usare la più adatta coi 

versi colorati della sua magica tavolozza. 

Così scrivevo ne “Il Carbasio”, rivista d’arte 

di Palermo, nel 1973, a proposito del mio 

vedere il maestro all’opera fra le mille cose 

che potevano servire all’esecuzione 

dell’opera: “Cavalletti, latte di colore, 

montagne di sacchi, seghe, martelli, chiodi, 

tele grezze sparse dappertutto, sacchetti 

con terre varie, colla (...). Tano sembra un 

eroe, un combattente lacero e sporco ma 

carico di gloria. Quando la tela è pronta, 

sembra aggredirla con frenesia a lungo 

repressa. 

I colori nascono, muoiono, ritornano, 

spariscono, si formano come per incanto; 

ma alla fine uno squarcio di Paradiso si 

mostra ai nostri occhi. Sì, nell’arte c’è 

veramente Dio”. Continuo a parlare al 

presente perchè Tano Fortuna vive nelle 

sue splendide opere che sono finestre di 

sole aperte sullo stupefatto mondo. La sua 

è una pittura corposa, armoniosamente 

materica, calda, espressiva, che nasce dalla 

passione per il colore che sorge sulla tela 

come da una inesauribile fonte di blu 

sognanti, di gialli solari, di rossi squillanti. 

E’ l’inconfondibile pittura di Tano Fortuna 

che segna la cultura di un’epoca col suo stile 

unico, che sa coniugare l’estemporaneità 

del gesto con la riflessione pensosa e 

meditata di una orchestrale esecuzione 

sinfonica. 

Bene, anzi benissimo, ha fatto l’ “Acanto” 

ad ordinare la retrospettiva di Fortuna, 

perché i suoi contemporanei non dimentichino 

il grande pittore e le nuove 

generazioni, sorprendendosi, lo scoprano e 

imparino ad amarlo, ad arricchirsi l’anima 

col caldo buono che emana dai suoi 

appassionanti quadri. 

Ciao Tano, io ti vedo ancora all’opera in 

un’altra bottega d’arte molto più grande, 

più luminosa. Mi daranno del visionario, 

magari del matto, ma sono certo che tu, 

lassù, stai affrescando le volte del Cielo. 

Salvatore Cagliola 

ARTECULTURA33

ARTE E NON-VIOLENZA / POESIA / PSICOPOESIA / SESSO / SOCIETA’ 

Non l’Arte e la Poesia nelle scuole 

ma lo sconcerto di pugilato e militarismo 

per aizzare ancora violenza nella piramide sociale, 

in tutta indifferenza delle rappresentanze istituzionali. 

Quando psicologicamente non esiste 

malattia peggiore che aver paura della paura. 

Non occorrono grandi specialisti per 

comprendere alle radici delle loro conseguenze 

le cause che deviano la normalità 

della vita per far posto alla 

dissennata violenza. Il più delle volte 

basta l’esperienza del buon senso per 

non confondere la libertà con l’imposizione. 

Il problema dell’uomo e la sua 

difesa nasce agli albori della società e 

non si è risolto in quanto l’uomo non 

ha mai conosciuto a sufficienza la sua 

naturale poesia di natura, ma nella sua 

evoluzione ha solo continuamente subito 

la strategia della paura che nega 

la poesia innata da cui origina l’equilibrio 

per le utili convergenze appaganti 

nei rapporti con la vita sociale. E sul 

problema, senza imbottirci troppo la testa 

di teorie psichiatriche e di psicofarmaci 

ed assistenze psicologiche 

comprese, per renderci consapevoli di 

una normale convivenza basta riflettere 

un tantino sul perché il lupo azzanni 

la pecora, la volpe sgozzi una gallina, 

il falco rapace si precipiti in picchiata 

per afferrare un serpente strisciante 

per terra e divorarlo. Ed anche 

quando lo stesso uomo giunge di necessità 

a divorare un suo simile, questo, 

purtroppo, che piaccia o meno, lo 

si deve alle naturali leggi del mondo 

che riguardano tanti aspetti della conoscenza. 

Fondamentale però, a questo 

riguardo, è saper ben distinguere 

la crudeltà, l’assassinio, effettuati per 

necessità di sopravvivenza, dunque una 

legge di natura, che per nessun motivo 

al mondo va confusa con la strategia, 

ossia con il calcolo ragionato, il progetto 

umano consapevole che invece si 

avvera per la spinta distruttiva di finalità 

egoistica. Per cui diventa impossibile 

confrontare la strategia fatta pro- 


pria da un generale nel condurre a vittoria 

la sua battaglia che, perderla o 

vincerla, non riguarda affatto la sua sopravvivenza 

che non merita giustificazione 

alcuna e che invece interessa la 

coerenza culturale nella formazione 

storica della persona. L’evoluzione storica 

della nostra civiltà ragionata, pur 

con tutte le sue contraddizioni, si pone 

molto più avanti di quando il pesce 

grosso divora il piccolo per necessità 

di sopravvivenza. In tal caso per legge 

di natura a confronto, diventa più che 

comprensibile la finalità del divoramento 

tra pesci, un qualcosa molto 

diverso dalla drammaticità umana della 

cultura deviata quando la sopraffazione 

avviene non per motivi di sopravvivenza, 

ma per accumulo di ricchezza, 

di potere, che riguarda la follia che 

si determina a causa la degenerazione 

delle distorte evoluzioni sociali. Ed anche 

se il problema certamente interessa 

una vastità di argomenti, gli aspetti 

base orientativi non mutano, perché 

non si possono mutare i principi che 

danno conformazione al mondo in tutta 

la sua naturale quanto illimitata dimensione. 

Ma per meglio addentrarci 

nel problema e chiarirne le cause che 

si contrastano, diventa indispensabile 

fare qualche accenno sulla paura. 

Quella condizione di ansia, di preoccupazione 

che ognuno di noi conosce 

e subisce a proprio modo. Una paura 

cioè che si manifesta negli animali e, 

forse, nell’uomo ancora di più. Ma trattasi 

di una paura positiva che entro certi 

limiti e casi, riguarda la nostra sensibilità: 

quando cioè tramite gli occhi ci 

preveniamo d’inciampare evitandoci 

tristi conseguenze o tramite il tatto di 

non scottarci con il fuoco e via di questo 

passo, cosicché una certa paura è 

indispensabile in quanto connessa alla 

stessa vita dell’uomo, e lo è fintanto 

che non diventi angoscia con tutte le 

sue tristezze che possono seguire. Una 

paura, appunto, che a ben dirsi, deve 

manifestarsi nei limiti del naturale vivere, 

non deve cioè mai diventare una 

malattia poiché in tal caso siamo a cospetto 

con tutto l’impositivo della violenza, 

sia esso lo scatenarsi di un terremoto, 

il paraventarsi di un temporale 

o l’affrontarsi con un altro, fino al 

timore della guerra, ossia la regina 

della paura. Questo perché la guerra 

nelle sue manifestazioni di cause artificiose, 

indossando le vesti più diverse 

e facendo affidamento sulla potenza e 

quantità delle armi, si presenta comunque 

alla continua ricerca di sicurezza 

di una parte verso l’altra contendente. 

Ma quello che più meraviglia a riguardo, 

è come mai nessuna delle parti in 

contrasto non si renda conto dell’assurdità 

viziosa del problema, dell’utopismo-reale 

sull’impossibile difesa, 

incapace di comprendere che la vera 

sicurezza è nella mente dell’uomo a 

non ordinare al dito di tirare il grilletto 

e non nel possesso dell’arma più potente 

di quella del nemico. Infatti, ad 

essere brevi, dal lancio della pietra 

l’uomo è giunto alla bomba atomica 

senza rendersi conto che dorme su arsenali 

atomici che se per una qualsiasi 

disgrazia, ne scoppiasse uno, tutto il 

pianeta se ne va in frantumi. Questo il 

vero punto su cui riflettere per comprendere 

che il drammatico della violenza 

e la necessità che l’uomo intuisce 

un suo adattamento di coerenza con 

i sani principi della natura, una diversa 

cultura formativa dell’attuale, una

cultura che insegni a deporre le armi 

ed a conoscere meglio la mente tramite 

lo stimolo della naturale poesia e 

rendersi consapevoli che la vera sicurezza 

della persona o di una comunità 

si scopre sempre più in una superiore 

conoscenza di se stessi. 

La Boxe nelle scuole... 

Altro che portare il pugilato nelle scuole 

quando ai tempi di Papa Giovanni 

XXIII si dibatteva appunto di abolire 

il pugilato. L’umano principio della 

persona è quello di conoscere l’Altro e 

non di annientarlo o di giustificare la 

boxe come un salutare invito sportivo 

che a conti fatti spinge a sopraffare 

l’Altro e non a conoscerlo per convivere 

insieme fiduciosi. La boxe non è 

un’arte come surrettiziamente si vorrebbe 

far credere per verticizzare sempre 

più l’autoritarismo della piramide 

sociale, ma l’antiarte che sfregia la 

Bellezza spronando a confondere il 

coraggio con la paura. Questo il vero 

punto su cui riflettere per rendersi conto 

che il coraggio è sempre una conseguenza 

diretta della paura, da mai confondere 

però con il prode della generosità, 

quando ad esempio un bimbo 

sta annegando ed uno, al di là del pericolo, 

si butta generosamente in acqua 

per salvarlo, la benefica azione che per 

spirito disinteressato qui definiamo una 

“coraggiosa spinta poetica”. Per il resto 

- come detto - il coraggio forzato è 

sempre una conseguenza della celata 

paura e riguarda un circolo vizioso nel 

quale più la paura aumenta più il soggetto, 

anche mediante i più impensabili 

stratagemmi, cerca di vincerla ma che 

lui stesso, e senza rendersene conto, alimenta 

in continuazione. Una sorgente 

di paura, un’ansia, una malattia della 

paura, dalla quale si può guarire solo 

stabilendo nella persona un sano equilibrio 

psicofisico. Lo sport, invece, 

maggiora la stabilità della persona, la 

sua dinamicità, il suo equilibrio caratteriale 

anche nel rapporto con l’ambiente 

da non confondere però con la 

psicosi della sicurezza di tutt’altre origini 

e conseguenze. Del resto, ed a riguardo, 

psichiatri e psicologi dedicano 

la loro professione. Ed è alla Poesia 

della Natura che necessita aprire la conoscenza 

e l’insegnamento nelle scuole 

e non certo alla boxe che di principio 

è uno sfregio alla Bellezza umana, 

mosso da una celata tensione di paura. 

Pax Christi, una campagna contro i corsi 

delle Forze armate negli istituti: 

“L’istruzione ripudia la guerra”. 

A cui va la solidarietà di Artecultura 

Lo sosteniamo da sempre e le oltre 60 

antologie poetiche sulla “Cultura per 

la pace” edite da Artecultura provano 

inconfutabilmente per l’uomo la necessità 

di una diversa cultura formativa 

dell’attuale. Una cultura che insegni a 

deporre le armi ed a conoscere meglio 

la mente tramite lo stimolo della naturale 

poesia e rendersi consapevoli che 

la vera sicurezza della persona o di una 

comunità sempre più si avverte in una 

superiore conoscenza di se stessi. La 

premessa per rendersi consapevoli che 

specie nei giorni della globalizzazione 

in cui l’economia obbliga a rivedere i 

rapporti tra gli Stati che, a quanto pare, 

potrebbero avere benissimo superata la 

loro medesima geografia storica a favore 

delle Nazioni e l’unità dei Popoli. 

Come a dire che cercare strategicamente 

di favorire la conoscenza militare 

a scuola, non ha proprio più alcun 

senso oltre a determinarsi un accecante 

totale del divenire umano. Pertanto 

come ben sostiene Pax Christi nella 

sua promozione antimilitarista a cui 

esprimiamo tutta la nostra solidarietà 

“E’ urgente riaffermare che la scuola 

deve educare studentesse e studenti 

alla nonviolenza e alla pace”in quanto 

il nemico esprime una metafora reazionaria 

che frantuma la coscienza 

dell’uomo e non l’alimenta. E la storia 

purtroppo si evolve, la nuova realtà 

a cui l’uomo e la cultura non possono 

più sfuggire se ancora desiderano dare 

continuità alla storia sociale della nostra 

vita. Tra l’altro cercare di deviare 

l’opportuna formazione alle nuove 

generazioni soprattutto nella scuola, si 

presenta più che risaputo d’essere fondamentalmente 

contrario al nostro medesimo 

dettato costituzionale troppo 

oscurato da molti primati di rampante 

verticismo che non hanno nulla a che 

vedere con quella democrazia nella 

quale primeggiano i valori della persona 

responsabile e non la supremazia 

distruttiva delle armi ed in tutta violazione 

dell’articolo 11 della nostra Costituzione 

che “l’ Italia ripudia la guerra” 

e che la formazione alla pace dei 

giovani deve avvenire tramite la concretezza 

della conoscenza poetica della 

natura e non nelle specializzazioni 

militariste. 

Alla “Cultura per la pace” che da 

una vita pur sostiene Artecultura non 

servono i fucili ma di pervenire alla conoscenza 

dell’Altro tramite quella di 

se stessi. Il problema è da risolvere di 

coerenza culturale e non per imposizioni 

strategiche ovvero affossando la 

nostra Costituzione che per principio 

di civiltà indiscriminata punta al DI- 

SARMO e non al riarmo dei popoli. 

Per cui lo specifico culturale delle iniziative 

poetiche di Artecultura sono 

sensibilizzate al Disarmo, ed esprimono 

un’avanguardia di coerenza umana 

di valori che sono decisamente contro 

l’arbitrio della guerra e delle sue armi. 

E che nelle scuole si deve discutere e 

riflettere sulla fondatezza della Poesia 

della Natura che armonizza di autentica 

pace i popoli, appunto perché 

la poesia unisce dove le armi dividono. 

Una poesia della natura che in se 

stessa non è una disciplina letteraria 

come si possa pensare, ma un’energia 

innata presente in ogni spirito umano 

che regola la naturale sicurezza della 

persona nel rapporto con l’ambiente. 

Gli psichiatri e gli psicologi lo sanno 

benissimo, ma tirano a campare nella 

distorsione del mondo culturale anziché 

farsi promotori diretti di una coerente 

evoluzione di civiltà senza nemici. 

Tuttavia alla Poesia della Natura 

che vorremmo sensensibilizzare a Costume 

poetico nei nostri rapporti quotidiani, 

come alternativa ad ogni bassezza 

di violenza che ancora castiga gli 

onesti del mondo, è possibile contribuire 

in tanti modi. Non è una ricetta, 

ma una libertà di essere sempre più se 

stessi e vivere di naturale sicurezza 

senza più ombra di alcun nemico. Questo 

perché la piramide sociale ha fatto 

il suo tempo. Non la boxe e il militarismo 

nelle scuole, ma l’Arte e la 

Poesia della Natura. 


ARTECULTURA35

Umanità Umanità poetica poetica - Umanità - Umanità poetica 

poetica 

“La “La poesia poesia comincia comincia dove dove finiscono finiscono le discriminazioni” 

le le discriminazioni” 

Umanità Umanità poetica poetica è uno è uno spazio spazio aperto aperto alla alla divulgazione divulgazione poetica poetica interessata interessata al dibattito al al dibattito sull'identificazione sull'identificazione 

e il ruolo e il il ruolo odierno odierno della della 

poesia. poesia. Umanità La franchezza La poetica 

La franchezza e è l'obiettività uno e l'obiettività spazio aperto degli degli interventi, alla interventi, divulgazione costituiscono costituiscono poetica per interessata la per redazione la la redazione al della dibattito della Rivista Rivista sull'identificazione la premessa la la premessa per la per e pubblicazione. il la ruolo odierno della 

la pubblicazione. Per Per 

facilitare facilitare poesia. La franchezza e l'obiettività degli interventi, costituiscono per redazione della Rivista la premessa per la pubblicazione. Per 

la partecipazione la la partecipazione degli degli Autori Autori interessati interessati si suggerisce si si suggerisce negli negli elaborati elaborati brevità brevità e concisione. e concisione. Per Per necessità necessità di spazio di di spazio la redazione la la redazione 

si ritiene si facilitare la partecipazione degli Autori interessati si suggerisce negli elaborati brevità e concisione. Per necessità spazio la redazione 

si ritiene autorizzata autorizzata a sintetizzare a sintetizzare i testi i testi rispettando rispettando il contenuto. il il contenuto. La pubblicazione La La pubblicazione dei testi dei dei testi poetici poetici ha puro ha ha puro carattere carattere divulgativo, divulgativo, stimolo di di stimolo 

culturale. culturale. si ritiene autorizzata a sintetizzare i testi rispettando il contenuto. La pubblicazione dei testi poetici ha puro carattere divulgativo, di stimolo 

La proprietà La La proprietà letteraria letteraria dei componimenti dei dei componimenti pubblicati pubblicati rimane rimane pertanto pertanto a tutti a tutti gli effetti gli gli effetti di legge di di legge dei singoli dei dei singoli Autori. Autori. 

culturale. La proprietà letteraria Dei componimenti Dei 

dei componimenti pubblicati rimane pertanto a tutti gli effetti di legge dei singoli Autori. 

componimenti pubblicati pubblicati si tiene si si tiene conto conto soprattutto soprattutto dei contenuti dei contenuti culturali. culturali. 

Dei componimenti pubblicati si tiene conto soprattutto dei contenuti culturali. 

Apostolos Apostolou 

La poesia cerca un nuovo linguaggio figurato 

Il rimando dal detto al non-detto costituisce il tratto peculiare della lingua dell’esperienza umana dirà Sprachlichkeit. 

Questo rimando rappresenta la virtualità del non ancora detto che resta sullo sfondo del dire. Ma questo non succede con 

la poesia? 

La poesia è il non-detto della propria identità, un topos itinerante (come non luogo) che significa sia dimora che partenza 

verso l’estraneo. Una volontà di ciò che non è, il centro delle grandi assenze, un inizio del non inizio. 

Così la poesia rimane un divenire. L’ esilio della lingua. Il fascino del tutto - nulla, provando sia il tutto che il nulla. Così 

la poesia diventa l’ombra nello spazio – tempo. 

La lingua della poesia proviene dall’altro che funziona come dialogo indefinibile. Ecco un poema di Paul Valéry: 

Chanson à part 

Que fais-tu ? De tout. 

Que vaux-tu ? Ne sais, 

Présages, essais, 

Puissance et dégoût... 

Que vaux-tu ? Ne sais... 

Que veux-tu ? Rien, mais tout. 

Que sais-tu ? L’ennui. 

Que peux-tu ? Songer. 

Songer pour changer 

Chaque jour en nuit. 

Que sais-tu ? Songer 

Pour changer d’ennui. 

Que veux-tu ? Mon bien. 

Que dois-tu ? Savoir, 

Prévoir et pouvoir 

Qui ne sert de rien. 

Que crains-tu ? Vouloir. 

Qui es-tu ? Mais rien ! 

Où vas-tu ? À mort. 

Qu’y faire ? Finir, 

Ne plus revenir 

Au coquin de sort. 

Où vas-tu ? Finir. 

Que faire ? Le mort 

Traduzione in italiano: 

Cosa fai? Di tutto 

Cosa vali? Non so, 

Presagi, prove, 

Potenza e disgusto… 

Cosa vali? Non so…. 

Cosa vuoi? Nulla, ma 

tutto 

Cosa sai? La noia 

Cosa puoi? Pensare 

Pensare per mutare 


Ogni giorno in notte 

Cosa sai? Pensare 

Per mutare la noia 

Cosa vuoi? Il mio bene 

Cosa devi? Sapere 

Prevedere e potere 

Che a nulla non serve 

Cosa temi? Volere 

Chi sei? Ma nulla! 

Dove vai? A morte 

A farci che? Finire 

Non più ritornare 

Alla porca sorte 

Dove vai? Finire 

Far cosa? Il Morto 

Altre volte la poesia è come una sfida 

estrema che opera come conflitto. E 

diventa l’ orizzonte degli orizzonti 

lontani che ci procura le sue luci e offre 

profezie realizzate. E perché no, diventa 

una poesia clandestina, della memoria e 

della resistenza. Ecco un poema di 

poeta greco Michalis Katsaros. 

Il mio testamento. 

Resistere 

a colui che costruisce una piccola casa e 

dice: qui sto bene. 

Resistere a colui che rientra a casa e 

dice: Dio sia lodato. 

Resistere 

al tappeto persiano dei condomini 

all’ommerto dietro la scrivania 

alla societa’ d’ import-export 

all’ istruzione di stato 

alle tasse 

a me stesso che vi parlo. 

Resistere 

a colui che per ore intere dal podio 

saluta le sfilate, 

resistere al presidente del tribunale, 

alle musiche ai tamburi e alle parate, 

a tutti i congressi supremi dove 

chiacchierano 

bevendo caffe’ i congressisti consiglieri, 

a questa signora sterile che distribuisce 

santini incenso e mirra 

a me stesso che vi parlo. 

(Michalis Katsaros poeta greco.) 

La forza della poesia è la metafora. Il 

linguaggio riporta una conoscenza 

relativa cioè non totale, non esatta. 

Esiste sempre una distanza cognitiva tra 

la comprensione dei significati e la 

conoscenza esperienziale dei significati. 

Questa distanza diventa ancora più 

grande quando i significanti linguistici 

trasmettono un senso senza 

rappresentare immagini o composizione 

d’immagini della realtà sensibile. 

Quanto Aristotele ha parlato di metafora 

( da meta = oltre e fero = io porto 

fatto. Paragone abbreviato, fatto 

mentalmente ma non espresso, per 

esempio sei una volpe = sei furbo come 

una volpe) voleva indicare la 

comprensione intuitiva della simbolica 

del linguaggio. Nella lingua esiste 

sempre il linguaggio figurato. E 

l’espressione linguistica passa dal polo 

iconico al polo astratto. 

La poesia esprime sempre il rifiuto di 

esaurire la conoscenza nella sua 

formulazione. E questo perché l’uomo è 

una natura con accidenti. L’uomo è una 

natura con accidenti significa che c’e’

sempre un elemento che fa la differenzia 

dell’uomo. La differenza tra la logica 

concreta e dell’elemento fuori della 

logica concreta prende il significato di 

domanda, ovvero connette e soddisfa il 

bisogno con qualcun altro, fuori dalla 

lingua concreta. 

Però oggi viviamo il rifiuto di identificare 

la comprensione dei significanti con 

conoscenza dei significati. La regia fra 

significato e significante non c’e’. Il 

significato e il significante sono scomparsi, 

ma non a favore di una libertà aleatoria 

della parola, bensì a favore di una matrice 

chiamata codice. La reduplicazione 

dell’identico mette fine alla sua divisione. 

Dove era, l’Altro è giunto lo Stesso. 

Perché succede questo? Ma perché le 

cose, i segni, le azioni vengono liberati 

dalla loro idea, dal loro concetto, dalla loro 

essenza, dal loro valore, dal loro 

riferimento, dalla loro origine, e dal loro 

fine, allora entrano in un’ autoriproduzione 

all’infinito. 

Oggi il significato dell’ alterità diventa 

solo comparativo, cioè formale, perché l’ 

altro e’ definito rispetto ad una data 

omotropia. Con altre parole l’ altro 

diventa lo stesso. L’alterità oggi è 

diventata psicodramma, 

sociodrammatica, semiodrammatica, 

semiodrammatica, melodrammatica. E la 

poesia non ha la comprensione intuitiva 

della simbolica del linguaggio. Così 

possiamo dire che oggi la poesia cerca 

trovare un linguaggio figurato. 

Gentilissimo Prof. Apostolou, 

Innanzitutto Artecultura La ringrazia per 

il contributo saggistico sulla poesia che 

ha fatto pervenire. Un apporto culturale 

che letterariamente, pensiamo, abbia le 

migliori fondamenta orientative anche e 

soprattutto in riferimento a quella Poesia 

della Natura che da tempo contraddistingue 

la ricerca della Rivista. 

Il confronto ci suggerisce di approfondire 

ulteriormente l’indagine odierna sulla 

poesia che da un nostro stretto punto di 

vista riteniamo sia il vero motore 

dell’esistenza. E soprattutto Aristotele, 

pensiamo che avesse il merito di aver 

intuito l’energia dell’equilibrio anche se 

poi non completò nella specificità 

conoscitiva i percorsi evolutivi della 

naturale conoscenza.Come, a tanta 

distanza di secoli, anche Freud, pur 

essendo un attento conoscitore della 

cultura classica, abbia poi mancato 

nell’approfondimento della poesia. Intuire, 

cioè una psicopoesia come energia 

preventiva di equilibrio nel costante 

rapporto con le manifestazioni della 

vita.Un modo, di intendere la poesia anche 

oltre l’impaginato storiografico della 

simbologia letteraria e più in armonia con 

i principi innati della poesia della natura. 

Con l’occasione rinnoviamo ancora la 

nostra riconoscenza al prof. Apostolou. 

Artecultura 

VOLANDO ALTO 

Stuoli di povertà 

branchi d’emarginazione 

tratta delle donne, 

di bambini e d’ignoranti. 

Piazze di malviventi 

cresciuti tali 

come tale e innestate 

dall’arroganza, dalla violenza 

e dall’indigenza. 

E politici svergognati 

su pulpiti assisi 

a disseminare l’intolleranza. 

Televisori accesi 

computer, telefonini 

e docenti a professare un credo 

senza religione. 

Volando alto sul mio pianeta 

anche questo vedo 

e scelgo di restare a terra 

nel mio orticello 

potando qualche ramoscello qua, 

là seminando, 

cogliendo un fiore... 

Antonio Giuseppe Malafarina 

RIFLESSIONI NEL FANGO 

Voglia di vivere che ti perdi nel fango 

Fissa nello sguardo di chi ha perso il 

/domani 

E silenziosamente in via accatasta 

Un crepitio a rompere il tombale assoluto 

lampeggianti listati a rosso 

e capannelli di un uomo impotente 

Per ore un sogno immerso nel mare 

Con il fluido ospite nelle case 

Dopo aver sconfitto l’argine divelto 

L’erba ancora china non ha osato rialzarsi 

Gli alberi hanno mostrato bandierine 

E le siepi ancora trattengono bastoni 

/ di sconfitta 

Subdolo e silenzioso duello giunto 

/ nella notte 

Stratega dell’effetto sorpresa 

A mettere in ginocchio l’umanità 

Eppure a gattoni qualcuno 

/ ha rialzato lo sguardo 

Ritagliano un immagine di speranza 

Illuminando in una preghiera 

/ l’aiuto estremo. 

Giacomo Belluco 

SE SA CHE… 

Da quand la vid la cascia foeura i butt 

ghe voeur ses mes a madurà i sò frutt 

e almen on ann per poeu podè gustà 

el vin che in elisir se mudarà. 

Se sa che per mangià zucca e melon 

ghe voeur spettà la giusta soa stagion, 

ghe voeur tutt el sò temp a la covada 

per fà nass di poresitt ona niada 

Ghe voeuren ben noeuv mes de cristian 

per fà vegnì al mond on bell pattan 

e per fall cress, ann ghe vorarà 

e poeu ona vita intera a madurà. 

enrica 

SUL MIO FERMACARTE 

Fermacarte, a forma di cuore 

stai sulla mia scrivania 

spesso ti osservo 

sei carino! 

Le palline colorate 

i pezzetti di carta 

e i dadi 

stanno nel tuo liquido speciale... 

Ti ho preso in mano 

ti muovo 

sembri un acquario di pesci. 

Mi servi da stampino: 

quando disegno dei cuori 

ripasso la tua forma 

d’un bel color rosso vivo! 

Clarissa Boccabella 

ERGASTOLANI 

Anche oggi il raggiro della politica 

spigola la sua promessa di lavoro 

ma colmi di morte gli arsenali 

e la dignità discriminata 

intristita di povertà 

Impossibile sommare il conto finale 

i numeri hanno infettato la memoria 

a scuola si scazzotta 

e s’impara a maneggiare 

il fucile per la tua nevrotica 

violenza sul candore spirituale 

Gli stati ormai sono vere case di pena 

per ergastolani - dove se protesti 

vieni manganellato a sangue 

per la strategia di guerra 

quando sopravvivere 

serve l’arbitrio 

perciò non sperare 

per non morire disperato 

non sei il caporale dell’altro 

è il potere che genera carnefici 

solo la poesia sveglia dal torpore 

e stimola e libera la Bellezza umana 

ai giorni di una più sicura convivenza 


ARTECULTURA37

Nudo per 

l’Estate 2013 


Particolare della Sala Olimpia nel cuore di Brera a Milano 

ARTECULTURA 

programma le mostre personali 

per l’anno 2014 

Spazio espositivo 

Sala Olimpia e Sala Azzurra. 

Le esposizioni sono anticipate da servizi 

critici redazionali di storici dell’arte. 

I servizi, a parte la nota distribuzione 

cartacea, vengono poi efficacemente 

divulgati anche su Internet per la durata di 

un anno e scaricabili con libero accesso 

in un sito costantemente visitato 

Una premessa di sicuro riscontro culturale 

e divulgativo per le esposizioni, ricordando 

che la presenza su Internet dei servizi 

è visitabile 24 h. su 24 

in ogni parte del mondo! 

Una costante che contraddistingue 

l’operato di Artecultura nel diffondere 

l’arte a richiamo di attualità. 

info@artecultura.org - tel. 02-864.64.093 

Antonietta Di Seclì 

Giovanna Gusmaroli 

“Vanngiò” 

Maria Menconi 

Attilio Milani 

Luciano Redenti 

Lorenza Rossi 

Cesare Scarnò 

Laura Tosca 

Milano, Sala Olimpia Artecultura 

29 giugno - 20 luglio 2013 

E’stato un coerente e significativo 

incontro artistico-culturale la Rassegna 

NUDO PER L’ESTATE 2013 promossa 

dalla rivista Artecultura. Un 

confronto al quale gli artisti presenti 

hanno partecipato con le loro personali 

idee, elaborando una visione del tema 

del Nudo che va al di là della tradizione 

classico-accademica, come anche oltre 

quello che è stato presentato dall’arte 

del passato. Anche se, naturalmente, 

non sono mancati riferimenti più in 

sintonia con la classicità figurativa 

come per esempio il dipinto di 

Antonietta Di Seclì. Invece Vanngiò 

esplicita la sua visione del Nudo in 

termini più psicologici ed esistenziali 

che la pittrice Maria Menconi dispone 

nel suo dipinto in una coerente tensione 

lirica. Nell’opera di Attilio Milani si 

intravede, oltre alla notevole elaborazione 

tecnica, una raffinata 

simbologia moderna, mentre Luciano 

Redenti con la sua personale tecnica 

del collage sembra quasi rivisitare il 

Nudo in eco matissiano. Da rilevare 

Lorenza Rossi con la sua composizione 

dal limpido gusto quasi neo-metafisico, 

mentre Cesare Scarnò accentua la sua 

dimensione onirico-surreale dal caldo

Lorenza Rossi 

“L’INTERVENTO DELLA LUCE” 2013 

Tecnica mista su tela, cm. 70x80 

Antonietta Di Seclì 

“AL MARE CON LA MAMMA” - 2013 

Olio su cartone telato, cm. 30x40 

Giovamma Gusmaroli “Vanngio’” 

“LO PENSO ANCH’IO” 

Acrilico su carta, cm. 50x70 

Cesare Scarnò 

“L’ESTATE E’ DONNA” 

Acrilico su tela, cm. 50x70 

Luciano Redenti 

“DEMI-COLLAGE N. 25 (Tedio) 2013 

Tecnica mista acrlico collage, cm. 35x50 

Attilio Milani 

“NUDO: ESTATE 2012” 2012 

Acrilico, tempera ed olio su carta da spolvero 

cm. 50x70 

Laura Tosca 

“TUTA MIMETICA” 

Acrilico su cartone, cm. 70x100 

e coinvolgente cromatismo. Si ispira 

invece ad uno stimolo di neofigurazione 

il plastico intervento di Laura Tosca. 

Da queste brevi considerazioni emerge 

ancora la vitalità del Nudo, soprattutto 

quando viene inteso in un senso 

moderno di realizzazione sia dal punto 

di vista compositivo che da quello 

cromatico. Fattore questo, di cui gli 

artisti erano ben consapevoli, come del 

resto le caratteristiche espressive delle 

loro opere hanno apertamente ed 

intelligentemente evidenziato. 

Aoristias 

Maria Menconi 

“SOGNO D’ESTATE” 2013 

Acquarello, cm. 30x45 

ARTECULTURA39

L'IMMAGINE QUOTATA 

La rubrica riguarda tutti quegli artisti che necessitano di quotazioni, ovvero di aggiornarle. La segnalazione, con il consenso dell’artista comprende, la 

menzione dell'artista, residenza, indirizzo, telefono, sito internet ( se posseduto), opera, tecnica, misure, quotazioni. Per la definizione personale delle 

quotazioni l'artista sprovvisto deve portare a visionare 5 opere oppure far pervenire alla redazione 5 foto a colore della sua produzione, mentre per gli 

aggiornamenti sono sufficienti 3 foto a colore della sua più recente produzione. Le foto non vengono restituite perché divengono materiale dell'archivio di 

Artecultura. Le quotazioni, redatte a cura di un Perito del Tribunale di Milano, sono fornite all'artista su carta intestata e pubblicate su questa rubrica 

in aggiunta di una nota critica redazionale e della pubblicazione sulla base della colonna (cm. 5,4) di una foto delle opere visionate. 

L'operazione, in ordine di arrivo, comporta la sottoscrizione di un abbonamento sostenitore ad Artecultura di € 200,00 e di €.170 per i già abbonati da versare 

sul c.c.postale 84356302 di ARTECULTURA di Giuseppe Martucci o vaglia postale ovvero in sede. Informazioni tel. 02/86464093 - info@artecultura.org 

Rita Antonelli 

Pittrice di una tavolozza dalla materica incisività 

compositiva corale-paesistica, il campo di ricerca 

nel quale l’inventiva pittorica simboleggia con 

nitida chiarezza strutturale, visiva e tonale la moderna 

poetica della congeniale soggettività. Il colore 

emoziona a tutto spazio lo stimolo inventivo 

della serena ricerca artistico-culturale. Il simbolo, 

lo spazio e la natura additano ad un sentito tema 

pittorico di tensione moderno-contemporanea. 

La pittrice Rita Antonelli opera a 20871 Vimercate 

-MB, tel/fax. +39-039.6612688 

info@ritaantonelli.com -YouTube Channel 

Facebook Profile 

Quotazioni: 

Tecnica tecnica mista 

Cm. 43x34 Euro 1.800,00 

Cm. 48x57 Euro 2.200,00 

Cm. 70x50 Euro 2.600,00 

Cm. 60x60 Euro 2.800,00 

Rita Antonelli: 

“CUORE INFRANTO” 2012, cm. 60x60 

Carlo Maria Giudici 

Si è di fronte ad una gestualità di purezza creativa 

in cui l’estro facoltoso del pittore struttura il dipinto 

in modo dinamico e suadente d’invito fruitivo 

soprattutto dovuto alla particolare emozione dell’accesa 

poetica che distribuisce il colore così come 

la spontaneità del senso lo recepisce con sensibilità 

di sorpresa. Un sentito rapporto con la natura 

che il pittore intrattiene di merito innato e di formazione 

rendono l’immagine dipinta un rispecchio 

di un raro fascino lirico. Carlo Maria Giudici opera 

a 23900 Lecco, Via Timavo, 11 tel. 0341.241469 

- Cell. 347-0609101 -info@carlomariagiudici.it 

web: http://carlomariagiudic.it 

Quotazioni: 

Tecnica olio: 

Cm. 18x24 Euro 800,00 - Cm. 30x40 Euro 

1.200,00-Cm.40x50 Euro 1.600,00 - Cm. 50x70 

Euro 2.200,00 - Cm. 60x70 Euro 2.500,00 - Cm. 

100x120 Euro 5.000,00 

Tecnica acquarello 

Cm. 18x24 Euro 500,00 - Cm. 30x40 Euro 800,00- 

Cm. 40x50 Euro 1.200,00 - Cm. 50x70 Euro 

1.800,00 - Cm. 60x70 Euro 2.200,00 - Cm. 

100x120 Euro 4.000,00 

Carlo Maria Giudici:“DELTAPLANI IN GARA” 

2012, Olio su tela, cm. 80x60 

Nevenka Zvorc 

E’ la pittrice che intuisce l’evoluzione di una fertile 

congenialità geometrica. E trattasi di una composizione 

che rende l’immagine armoniosa di maturità 

pittorica che collega d’estro il contemporaneo 

al moderno dell’avanzata ricerca artistica. 

Evoluzione di una sveltita poetica figurativa che 

ha fatto da premessa a tutta la sua crescita di moderna 

pittura. Uno stile alimentato dall’innato e 

dalla perseveranza in continua ricerca dell’eccellente 

intuizione artistica. La pittrice opera in Via 

Carlo Pisacane, 2-20016 Pero-MI. Cellulare 346 

3941297 - E-mail: nzvor@yahoo.it 

Quotazioni 

Tecnica: acrilico, tecnica mista, olio 

Cm. 30x40 Euro 800,00-Cm. 40x50 Euro 

1.500,00 - Cm. 50x60 Euro 2.000,00 - Cm- 50x70 

Euro 2.500,00 - Cm. 90x90 Euro 5.000,00 

Nevenka Zvorc: 

“FIERA D’ARTE” 2011, Acrilico, cm. 35x45 

Aggiornate 

le vostre quotazioni 

per essere 

informati 

e corrispondere 

in modo adeguato 

a tutte le domande 

di mercato 

Informazioni 

tel.02/864.64.093 fax 

02/860.833 

Info@artecultura.org 


ARTESCAMBIO 

ed altre voci 

Le richieste di scambio di vendita, 

di acquisto vanno fatte in un 

massimo di 25 parole, firmate. 

Informazioni: telefonare 02- 86464093 

(ore 20 alle 23 tel. 02-8693029) 

Giusy Boncinelli “Nudo danzante”, 

un dinamico olio su tela di 

cm. 50x100 cedesi per trattative o 

permutasi con altro valido e noto 

artista contemporaneo 

Gianfranco Rontani "Donna di 

spalle" olio cm. 30x40 pregevole 

dipinto del Maestro. Cedesi per 

trattativa o permutasi con altro 

noto pittore contemporaneo. 

Alberto Venditti. Efficace 

composizione floreale su fondo 

verde, denota uno spontaneo stimolo 

poetico, cedesi o permutasi 

con altro noto maestro. 

Aldo Parmigiani “Ragazza con 

sciarpa rossa”, olio su tela, cm. 

30x40. Un bel dipinto del 

Maestro carico di efficace 

attrattiva, cedesi o permutasi 

con altro noto pittore. 

Michele Roccotelli meraviglioso 

dipinto mediterraneo 

composto da alberi e mare, 

fortemente tonale. Olio su tela 

cm. 120x120 cedasi o permutasi 

con altro noto maestro. 

Giancarlo Cerri un moderno 

dipinto molto illuminato di 

espansione teorica, cm. 60x60 

cedesi o permutasi con altro 

interessante maestro. 

Giancarlo Amurri ”Composizione”, 

cm. 40x50 congeniale 

paesaggio marchigiano di calorosa 

attrattiva. Disponibile o 

permutasi con altro noto artista 

Salvatore Fratantonio dipinto 

di cielo e terra mediterraneo che 

ne caldeggia l’ambiente in tutta 

atmosfera di natura, lirico e molto 

distensivo con simbologia di fichi 

d’india. Disponibile e permutasi 

con altro noto Maestro. 

40ARTECULTURA

ARTESCAMBIO ED ALTRE OCCASIONI 

Perito di tribunale effettua: 

autentiche - perizie - quotazioni - stime 

La rubrica è strettamente riservata agli abbonati di Artecttlura.Informazioni: tel. 02.86464093 - info@artecultura.org 

Pio Semeghini olio su tavola cm 56x43 

etichetta quadriennale di Roma 1939 - 

-da concordare. Paolo Tel. 337 323934 

ore ufficio 

Gino Tommasi olio su tela cm 50x70 . 

Tel. 33913 63178 - 

G.B. De Andreis olio su tela cm 40x50 

Tel. 33913 63178 - 

Bonacina Luigi cm 50x70 olio su tela 

Tel. 33913 63178 - 

- G. Cinotti olio su tela 74x54 - 

Tel. 337 323934 

Giuseppe Motti TM. su Tela cm 60x80 

Tel. 33913 63178 - 

Cippo Perelli olio su tavola cm 78x47 

Tel. 337 323934 

Ideo Pantaleoni, Ruderi romani 

olio su tela, cm. 50x60 

Tel. 33913 63178 

Cedesi o permutasi libri d’arte 

Giuseppe Mantessi, Rizzoli Ed. MCM 

XXXII-Del Bon v.1°,2°,3° Massimo 

Carrà 1977- Soffici Ardengo, Raimondi 

e Luigi Cavalli, Ed. Vallecchi, 1967 - 

Repertorio Pittura Fiorentina del 600, 

Gianfranco Campestrini, Fiori, cm. 

51x50. Tel. 33913 63178 

Opus libri G. Cantelli - La Pittura in 

Italia il 500, V.2 , Electra. - Enciclopedia 

Universale dell’arte, 16 Vol., Ed. 

Sansoni- Dizionario Enciclopedico dei 

Pittori e Incisori Italiani XI Vol. 

Mondadori, Tel. 33913 63178 

G. Jurato, olio su tela, cm. 50x70 

tel. 3391363178 

ARTECULTURA41

CONCORSI 

COERENZA STILISTICA 2013 

Rassegna di Pittura, Scultura, Grafica, Ceramica, Fotografia 

Nota critica e riproduzione dell’opera selezionata nel servizio su Artecultura 

8-24 Settembre 2013 -Via Ciovasso 19 Milano-Centro, Artecultura Sala Azzurra 

La Rassegna a finalità divulgativa e di confronto artistico viene 

indetta a cura dello storico d’arte Dr. Teodosio Martucci. Si 

aderisce con una sola opera di misure minime cm. 30x40 e 

massime di cm.60x80 munita di attaccaglia e di fotografia o 

materiale equivalente a colore per la riproduzione dell’opera nel 

servizio speciale che effettuerà ARTECULTURA sul numero di 

ottobre 2013. 

L’opera presentata e selezionata verrà riprodotta con la nota 

critica nel servizio oltre che corredata di titolo, tecnica ed anno 

di realizzazione nome e cognome dell’artista. 

La presentazione ufficiale della Rassegna COERENZA 

STILISTICA 2013 avverrà in una sala espositiva di Artecultura, 

Via Ciovasso 19 Milano alle ore 17,00 del sabato 14 Settembre 

2013. Il contributo di adesione è di euro 100 e comprende anche 

l’abbonamento ad Artecultura per i non abbonati, di euro 70 per 

gli aderenti già abbonati. Il contributo comprende l’esposizione 

nel centro di Milano, nota critica, stampa e il ricevimento di 5 

copie della Rivista con il servizio interessato. Speciale: Locandina 

degli artisti in esposizione. Il contributo è da versare al 

8. PREMIO ARTE LAGUNA: 

gli alieni ad art night per l’apertura ufficiale 

dell’8. EDIZIONE, Venezia, 11 giugno 2013 - 

Il Premio Arte Laguna ha scelto l’Art Night veneziana 

– la manifestazione annuale che coinvolge 

tutti i soggetti che si occupano di arte e di cultura 

in città – per aprire ufficialmente le iscrizioni all’8a 

edizione del concorso internazionale.“Prendendo 

spunto dal celebre sceneggiato radiofonico di Orson 

Welles “La Guerra dei Mondi” che nel 1938 seminò 

il panico convincendo il pubblico americano 

di una vera e propria invasione extraterrestre, il 

Premio Arte Laguna ha fatto atterrare gli alieni a 

Venezia, sabato 22 giugno al Telecom Italia Future 

Centre, per il lancio del nuovo bando.“Dalle ore 

18 l’artista russa Sasha Frolova, finalista dell’ultima 

edizione del Premio, ha portato in scena sculture 

e personaggi intergalattici con un ricco programma 

di performance e show musicali. “Momento 

clou della serata, la presentazione del video ufficiale 

dell’8° Premio Arte Laguna cui ha fatto seguito 

un cocktail.“Le performance sono state intervallate 

da letture di brani tratti da romanzi di 

fantascienza, interpretati da Mattia Peretti e altri 

giovani attori della compagnia teatrale Cantiere Cà 

Foscari. E’ stato allestito inoltre un set fotografico 

per un incontro ravvicinato con gli alieni. La serata 

è stata interamente animata da musica dal vivo. 

Molte e di prestigio le novità dell’edizione 

2013-14 del Premio Arte Laguna: 

PREMI “ARTIST IN RESIDENCE” 

Da sempre punto forte del Premio Arte Laguna, le 

residenze d’arte quest’anno diventano 6, con l’ingresso 

di due nuovi partner. Alla Scuola del Vetro 

Abate Zanetti di Murano, al festival sloveno Art 

Stays, all’azienda del marmo Miramarmi di 


CONCORSI 

momento della consegna dell’opera a mano o fatto pervenire 

tramite ricevuta di versamento sul c/c postale n. 84356302 

intestato ARTECULTURA di Giuseppe Martucci, Via Ciovasso 

19 Milano. I residenti fuori Milano sono invitati a spedire l’opera 

in porto franco e con imballo da riutilizzare nella rispedizione 

a domicilio in porto assegnato. La consegna dell’opera va fatta 

a partire dal 1 Giugno 2013 dal lunedì al sabato dalle ore 9,00 alle 

ore 12,30 e dalle ore 15,00 alle 19,30. La Rassegna è di carattere 

artistico culturale pertanto non soggetta a Bolla di accompagnamento 

ai sensi dell’Art. 03/D.P.R. del 6/10/1979. Da 

riportare sull’involucro. 

ARTECULTURA pur assicurando la più scrupolosa cura delle 

opere durante l’esposizione, non risponde in caso di ogni 

deprecabile danno anche nel tragitto di andata e ritorno. 

Assicurazione contro l’incendio. 

Informazioni: 

ARTECULTURA Via Ciovasso 19 Milano 20121. 

tel. 02-864.64.093 - info@artecultura 

PITTURA - SCULTURA - CINEMATOGRAFIA - FOTOGRAFIA -MUSICA - VIDEO - 

Vicenza e alla residenza a Mumbai, si aggiungono 

la storica Fonderia artistica Battaglia di Milano, 

nella quale sono state realizzate le opere di alcuni 

fra i più grandi artisti internazionali come Arnaldo 

Pomodoro e Giuseppe Penone, e la collaborazione 

con la città di Norimberga che prevede uno scambio 

culturale tra artisti veneti e tedeschi. 

Maggiori informazioni e bando di concorso sono 

disponibili su www.premioartelaguna.it 

ARCHIVIO ARTISTI ARTI VISIVE CON DI- 

STINTIVO E CATALOGO GRATUITI. 

E’stato istituito ed è in corso di realizzazione 

l’Archivio Internazionale degli Artisti di Arte 

visiva volto a registrare e catalogare tutti gli 

operatori che lo richiederanno. Altra nuova iniziativa 

è l’istituzione del DISTINTIVO ONORIFI- 

CO che distinguerà l’Artista. La durata di tal archivio 

sarà perenne e non richiederà alcun rinnovo. La 

quota di partecipazione è “una tantum” limitata ad 

Euro 70,00, per agevolare l’adesione a tutti è 

dovuta una sola volta all’iscrizione.Verrà pubblicato 

gratuitamente, un Catalogo con la biografia, 

la bibliografia e quotazioni di ognuno, con aggiornamenti 

annuali .L’Archivio eternizza e l’adesione 

di tutti gli interessati è doverosa nei riguardi dei 

familiari, conoscenti e possessori delle opere prodotte. 

Informazioni più dettagliate dr. Mario 

Giuffrida, Via Giuffrida 4 - 95128 CATANIA tel. 

095-444318 

PREMIO FRANCESCO FABBRI PER LE 

ARTI CONTEMPORANEE - Parte la seconda 

edizione del Premio dedicato all’arte emergente 

e alla fotografia contemporanea - Con una 

giuria e partnership rinnovate prende avvio la seconda 

edizione del Premio Francesco Fabbri con 

la pubblicazione del bando. 

Il Premio è suddiviso in due sezioni, la prima dedicata 

agli autori emergenti che non abbiano superato 

i 35 anni d età. Questi potranno partecipare attraverso 

ogni forma creativa visuale, dalla pittura 

alla scultura, dall’installazione alla fotografia, dalla 

video arte alla performance, fino al disegno e alla 

grafica, senza limitazioni nel linguaggio. 

La seconda edizione è rivolta alla fotografia contemporanea 

in continuità con l’azione di Fondazione 

Francesco Fabbri, promotrice di F4 / un’idea 

di fotografia, festival dedicato alla fotografia moderna 

e contemporanea. Vi potranno partecipare autori 

da ogni paese del mondo senza limiti di età. 

Il bando rimarrà aperto dal 20 maggio al 2 settembre 

e gli artisti potranno iscriversi sia via posta 

ordinaria sia via web sul sito della Fondazione. Nel 

mese di ottobre la giuria si riunirà per decretare i 

vincitori assoluti delle sezioni, che riceveranno un 

premio acquisto, che quest’anno ammonta a 5.000 

euro. La giuria inoltre attribuirà delle menzioni 

speciali della critica, per segnalare alcune opere 

particolarmente valenti e favorire una visibilità 

sulla stampa specialistica del settore. Le due opere 

vincitrici entreranno nella collezione di Fondazione 

Francesco Fabbri e saranno custodite a Casa 

Fabbri, il nuovo centro in cui si svolgono progetti 

residenziali e workshop legati alla contemporaneità. 

Le opere finaliste saranno esposte a Villa 

Brandolini a Pieve di Soligo (Tv) dal 30 novembre 

al 22 dicembre 2013 e durante il vernissage 

saranno proclamati i vincitori alla presenza 

degli operatori, della stampa e del pubblico. Il 

premio, curato da Carlo Sala , gode di una 

prestigiosa giuria composta da critici e curatori di

CONCORSI 

fama , quali Antonio Arévalo, Andrea Bruciati, 

Maria Cavallarin, Stefano Coletto, Filippo Maggia, 

Luca Panaro, Roberta Valtorta, e Francesco Zanot. 

Il Premio Francesco Fabbri per le arti contemporanee 

vuole essere uno strumento di indagine sulle 

varie sfaccettature della contemporaneità visiva 

internazionale e creare un momento di confronto 

tra autori di differenti paesi del mondo. Un momento 

di visibilità per gli artisti, con l’intento di 

creare nuove relazioni con gli operatori, la critica, 

la stampa e il dialogo con il pubblico. 

Il Premio è promosso da Fondazione Francesco 

Fabbri e reso possibile grazie al supporto della 

Famiglia Fabbri e alla collaborazione del Comune 

di Pieve di Soligo. Ed è patrocinato da FIAG (Federazione 

Italiana Associazioni fotografiche), GAI 

(Giovani Artisti Italiani), Landscapes Stories, TRA 

(Treviso Ricerca Arte) e Enzimi. Il Premio è inoltre 

inserito nel palinsesto regionale RetEventi Cultura 

Veneto 2013 per la Provincia di Treviso. 

Info e bando: www.fondazionefrancescofabbri.it/ 

piattaforme-culturali/premio-francesco-fabbri 

premio@fondazionefrancescofabbri.it - Fondazione 

Francesco Fabbri Onlus, Piazza Libertà, 7 - 

Solighetto 31053 Pieve di Soligo (Tv). 

PREMIO di PITTURA CESARE PAVESE - 

XXIV edizione - Il CEPAM (Centro Pavesiano 

Museo Casa Natale), in accordo con la Fondazione 

Cesare Pavese, la collaborazione della Banca Regionale 

Europea - Fondazione Cassa di Risparmio 

di Cuneo e comune di Santo Stefano Belbo, indice 

la XXIV edizione del Premio di Pittura Cesare 

Pavese con il seguente tema:”Luoghi, Personaggi 

e Miti Pavesiani”. Possono partecipare al Premio 

con una sola opera, artisti italiani e stranieri 

di qualunque tendenza e tecnica pittorica. Le 

opere, incorniciate e senza vetro dovranno essere 

munite di attaccaglia. Ogni partecipante dovrà 

versare , a mezzo vaglia postale o c/c postale nr. 

10614121, la somma di euro 30. Quale quota 

associativa 2013 al CEPAM, Via C. Pavese 20 - 

12058 Santo Stefano Belbo (CU), tel.0141844942 

cell. 33393 79857. Dove richiedere ogni altra 

informazione. Invio delle opere in porto franco. Per 

il XVII Premio di SCULTURA valgono i medesimi 

riferimenti con invio delle opere con apposito 

piedistallo, firmate e munite di etichetta contenente 

il nome dell’Artista. Invio entro il 15 settembre 

POESIA - LETTERATURA 

MASSA CITTA’ FIABESCA di mare e di marmo 

Scadenza 31 luglio 2013 

Il Premio è aperto a tutti e si articola in cinque Sezioni: 

Prima Sezione A) - Poesia a tema libero, edita 

o inedita, senza limite al numero dei versi (sono ammesse 

massimo DUE Poesie). Tra tutti i Concorrenti 

saranno proclamati cinque Vincitori Assoluti. 

1º classificato premio di € 600; 2º classificato premio 

di € 500; 3º classificato premio di € 400; Pergamena-ricordo 

a ognuno e pregiata bottiglia di vino di 

Candia. Cena d'Onore e Ospitalità in Hotel nel pernottamento 

di sabato 28 Settembre. Assieme alle 

cinque copie verrà inserita dentro al plico una busta 

chiusa contenente i dati dell'Autore (nome - cognome 

- indirizzo - telefono fisso - cellulare - email per 

chi ce l'ha - cenni autobiografici. Ripetere il titolo 

delle Poesie inviate, dichiarando che le opere sono 

di propria creatività). Una Giuria di alto profilo, il 

cui verdetto è inappellabile, aprirà le buste con i dati 

anagrafici soltanto a graduatoria di merito conclusa. 

Previste altre sezioni: B) LIBRO DI POESIE 

EDITO; C) UN RACCONTO (max.) cento parole; 

D) LIBRO DI NARRATIVA EDITO; E) POESIA 

IN DIALETTO. Info www.premiopoesiamassa.it 

“Il tempo delle DONNE” 

L’Associazione Culturale Culturaglobale di 

Cormòns organizza il 1° concorso fotografico internazionale 

con telefonino cellulare “Il tempo 

delle DONNE” patrocinato dal Comune di 

Cormòns e dai Club UNESCO di Gorizia e 

Udine. Al concorso possono partecipare tutti, italiani 

e stranieri, purché maggiorenni all’atto dell’invio, 

con fotografie realizzate con telefonino 

cellulare, saranno escluse immagini realizzate con 

altri mezzi oppure elaborate con software. Ogni 

aderente può realizzare massimo 3 immagini sul 

tema. Tel. 339.2650471 - info@culturaglobale.it 

CONCORSI 

CONCORSO NAZIONALE PREMIO PERINI 

In Memoria di Severino Gargano. 

Scadenza 15 settembre. Si partecipa con un max di 

tre poesie non superiori a 30 versi, da inviare in 

sette copie dattiloscritte fotocopiate. La partecipazione 

al Concorso è gratuita. Agli autori premiati 

verranno consegnati oltre all’assegno in euro, anche 

coppe, targhe. Per ulteriori informazioni: Fondazione 

Carlo Perini, Via Antonio Aldini 72, 

Milano Cell. 333 455 2091 / 380 4259991 

Concorso Letterario “Onda d’arte” 2013” 

Scadenza adesione 15 luglio e premiazione 1° 

settembre. Adesione gratuita per entrambe le sezioni. 

Grazie alla disponibilità del comico di Zelig 

Daniele Raco, i racconti dovranno ispirarsi 

all’incipit creato appositivamente per il nostro 

concorso. Una seconda sezione è dedicata ai 

volumi editi di racconti,fiabe e favole per bambini 

e ragazzi. I vincitori assoluti del concorso riceveranno 

un assegno del valore di euro 500,00. Il 

bando completo del Concorso e la scheda di partecipazione 

sono disponibili sul sito dell’associazione 

all’indirizzo: http://www.prolococeriale.it. 

PREMIO FAMIGLIA ARTISTICA MI- 

LANESE. Iscrizioni aperte fino al 1 ottobre 

2013. 140 ANNI D’ARTE A MILANO e in 

LOMBARDIA Concorso di PITTURA E POESIA 

La partecipazione è aperta a tutti gli artisti, pittori e 

poeti, residenti nella regione Lombardia. Premi a 

partire da 1000,00 euro per la pittura e 300,00 per 

la poesia oltre ad un premio speciale per i giovani 

artisti. Informazioni: Famiglia Artistica Milanese c/ 

o Circolo Culturale i Navigli Via E. De Amicis 17 - 

20123 Milano tel. 02-57402031. Bando da scaricare: 

http://famigliaartisticamilanese.wordpress.com/ 

ARTECULTURA 

abbonamenti 2013/14 

Un mensile semplice con tanta informazione culturale 

abbonati e consiglialo ai tuoi amici 

Chi ha l’abbonamento scaduto è invitato al rinnovo 

Abbonamento normale Euro 30,00 

iniziative culturali varie nelle specifiche rubriche 

Abbonamento collezionismo Euro 100,00 

omaggio grafica di maestri contemporanei disponibili. 

Abbonamento sostenitore Euro 500,00 

Testo critico, a 2 pagine su Artecultura, 6 opere 

riprodotte nei servizi espositivi di EXPO-AZZURRA 

Abbonamento sostenitore speciale Euro 1.500.00 

Mostra personale culturale di un mese, testo critico, 

3 pagine di redazionale e riproduzione fino a 6 foto 

nel servizio espositivo della Sala Azzurra di Artecultura 

www.artecultura.org - e-mail: info@artecultura.org 

POESIA E SAGGISTICA 

PER IL DISARMO 2013 

Bando completo a pagina 44 della 

Rivista. Importante iniziativa con 

adesione gratuita. Gli Autori 

interessati sono invitati ad aderire 

e far aderire a questa originale 

rassegna poetico-culturale. 

Abbonamenti accumulativi con sconto del 50% Euro 15,00 

cadauno da commissionare a partire da un minimo di 10 

(dieci) per: Accademie, Associazioni, Circoli, Ditte, Enti, 

Gallerie d'Arte, fatti pervenire su carta intestata. 

ARTECULTURA: un mensile di attualità artistico-informativa 

Abbonati e sostieni il suo sentito impegno culturale 

Intestare 

ARTECULTURA - c.c. postale n. 843 56 302 

Via Ciovasso 19 - 20121 Milano 

o servirsi di assegno bancario o vaglia postale. 

Informazioni, tel.: 02/864.64.093 - Fax 02/860.833 

ARTECULTURA43

1) L'adesione alla XLI: Edizione Poesia e Saggistica per il 

Disarmo 2013 è gratuita. L'iniziativa si autogestisce nello 

spirito di Artecultura orientata a stimolare una serena convivenza 

sociale tra le persone. 

2) Sono invitati quanti si sentono impegnati nella poetica 

ricerca saggistica della Pace, ideale di ogni libera persona 

umana. L'iniziativa non assegna premi di classifica e gli Autori 

delle liriche o dei saggi formalmente prescelti per l'inserimento 

nel volume antologico "Cultura per la pace"- Poesia e 

Saggistica 2013, riceveranno il Diploma di solidarietà, ed una 

riproduzione artistica della copertina del volume. 

3) Alla consultazione dei componimenti è preposta, a solo titolo 

di verifica formale, una Commissione composta da membri di 

varie attività sociali. 

4) La presentazione del volume verrà effettuata a fine novembre 

in data e luogo che saranno opportunamente comunicati come 

per le passate edizioni. 

5) Al ricevimento dell'esito dell'adesione l'Autore aderente 

s'impegna a comunicare il numero delle copie del volume che 

intende acquistare, al costo economico di Euro 5 al volume. 

Alla presentazione di Poesia e Saggistica - "Cultura per la 

pace" 2013 tutti gli Autori aderenti sono tenuti ad essere 

presenti, o in caso di forzata impossibilità, ad essere rappresentati 

da persone di fiducia per il ritiro dei volumi ordinati e il 

dovuto per regolamento. 

L'assenza immotivata e il non riscontro all'invito di presenza 

annullano ogni spettanza a domandarla nel tempo. 


Poesia e Saggistica 

per il Disarmo 

Con il patrocinio culturale della Libera Coscienza 

XLI Edizione Poesia Pace 2013. Scadenza 30 luglio 2013 

A confronto dell’avanzato traguardo culturale, a cui l’iniziativa è pervenuta nello spirito di un 

Costume poetico sempre più sentito e partecipato, non è possibile fermarsi, ma solo perseverare per 

l’ulteriore traguardo dell’attuazione consapevole. La capacità, cioè, di alternare nella persona la 

sicurezza della fiducia e della serena convivenza all’odio delle armi e della guerra. 

Poesia: l’adesione all’annuale nuova iniziativa per il disarmo può essere effettuata tramite 1 (uno) 

componimento poetico che non superi i 35 versi per essere accettato e pubblicato con qualche riga 

di commento da riprodurre a fondo pagina del componimento. 

Saggistica: l’invio di una sintesi saggistica (corpo 10 che non superi le 20 righe A-4 per essere 

accettata ed inserita esclusivamente in formato DOC ). In modo che il breve saggio sia di stimolo 

per successivi incontri promossi dall’Autore per confronti sempre più diretti ed allargati. Artecultura, 

informata, divulgherà prontamente la notizia per un impegno sempre più decentrato. 

Della nuova antologia di Poesia e Saggistica in rapporto alle adesioni pervenute sarà definita la 

tiratura ed il ricavato destinato a totale beneficio di Borse di studio per le Scuole aderenti. 

6) Poesia, una sola per ogni aderente, va spedita in duplice copia 

firmate di autografa, alla Segreteria c/o Artecultura - Via 

Ciovasso 19 - 20121 Milano o servirsi dell'indirizzo - 

info@artecultura.org 

Saggisica, 1 (solo per ogni aderente) vanno inviati esclusivamente 

per via e-mail all’indirizzo: info@artecultura.org 

Per le Scuole si richiede l'invio di componimenti a firma 

collettiva in modo da favorire la più ampia presenza scolastica 

nel nuovo volume antologico. Simboliche Borse di studio 

7) Le Poesie ed i Saggi debbono essere inediti, di personale 

ispirazione e composizione ed attinenti al tema Pace-Disarmo 

nella più ampia libertà di pensiero. I minorenni sono accettati 

solo con la prevista firma di chi esercita su di loro la tutela. 

Non sono accettati componimenti dedicati a persone viventi. 

8) Artecultura si riserva di favorire letture e altri stimoli culturali. 

9) In caso di nuove esigenze, il presente regolamento potrà subire 

modifiche che migliorino l'attività di Poesia e Saggistica per il 

Disarmo - "Cultura per la pace" 2013. 

L’adesione è limitata ad una sola sezione per Autore. 

10) Gli aderenti accettano il presente regolamento in ogni sua 

parte. Poesie e Saggi fatti pervenire per spirito di solidarietà 

all'iniziativa non vengono restituiti ed entrano a far parte dell'Archivio 

"Cultura per la pace" di ARTECULTURA. 

Sede nella quale permane l’Archivio di cui tutti possono 

prendere visione consultiva. La proprietà letteraria di tutti gli 

elaborati è ad ogni effetto pertinente agli Autori dei medesimi. 

INIZIATIVA CORALE PARTECIPA E FAI PARTECIPARE! 

Informazioni ulteriori e invio componimenti: 

Poesia e Saggistica per il Disarmo -“Cultura per la pace” 2013 

c/o Artecultura Via Ciovasso 19- 20121 Milano - Tel. 02/864.64.093 

http://www.artecultura.org e-mail: info@artecultura.org

1 Mensile Manifestazioni Artistiche e Culturali - Artecultura

Trasformi i suoi PDF in rivista online e aumenti il suo fatturato!

1 Mensile Manifestazioni Artistiche e Culturali - Artecultura

Trasformi i suoi PDF in rivista online e aumenti il suo fatturato!

Delete template?

Save as template ?