ARTECULTURA GIUGNO 2013

Mensile Manifestazioni Artistiche e Culturali 

www.artecultura.org e-mail: info@artecultura.org 

Anno XLVI - N. 6 Giugno 2013 - Spedizione in abbonamento postale - D.L. 353/2003 (conv. in L. 27/2/2004 n.46) Art. 1, Comma 1, dcb Milano 

In caso di mancato recapito restituire al mittente che si impegna a pagare la relativa tassa 

ARTECULTURA 

1

Pit-Palazzoli 

DIALOGHI A COLORE DI NATURA 

LE ROSE - LA SPIAGGIA - LA LUNA 

E LA RIFLESSIONE BIPIDE ALATA 

Indubbiamente l’arte di Daniele 

Palazzoli si configura come coerentemente 

figurativa. Nel panorama complessivo 

dell’arte di oggi, questo è un 

punto di forza e di seduttivo fascino 

per l’artista, ancor di più per il fatto 

che questa figurazione si mantiene con 

l’ausilio della sola pittura classica, tradizionale, 

senza banalizzazioni fotografiche, 

objet trouvè e quant’altro 

possa insidiare il suo sereno e lucido 

confronto con la natura, l’ambiente, 

le cose. Poi, occorre ben precisare, 

Palazzoli non è un narratore, non esprime 

e non si esprime per aneddoti o 

convenzioni manierate, piuttosto è un 

osservatore attento e scrupoloso di 

quello che vede e lo circonda. Lo si 

potrebbe definire un analizzatore di 

immagini. E’ sufficiente prendere in 

considerazione le sue raffigurazioni, 

2 ARTECULTURA 

minuziose e plasticamente definite, di 

volatili o di altri animali, per rendersi 

conto della sensibilità tecnica e 

spaziale con cui l’artista elabora le sue 

immagini e comprendere pienamente 

il valore e il significato dell’opera di 

Palazzoli. La sua oggettività non è fotografica, 

di banale riporto, ma oltre 

l’apparenza, così pregnantemente modulata, 

lascia sempre trasparire una 

domanda, un interrogativo che probabilmente 

rimarrà senza risposta. 

Nelle sue composizioni realtà ed 

immaginazione si fondono all’interno 

del contesto limpido dell’immagine. Ed 

in questa dinamica il ruolo essenziale 

viene svolto dalla luce. Una luce tersa, 

sbiancante che nel momento in 

cui apre lo spazio, lo fa anche sospendendo, 

come se ci si trovasse sul ciglio 

di un precipizio, lo strumento classico 

della prospettiva, che ad un certo punto 

si sperde, lasciando l’oggetto, così 

còlto, in uno splendido e quasi aureo 

isolamento. Ecco allora che l’immagine 

nel momento in cui diventa leggibile, 

esprime anche la sua tensione 

espressiva. Ciò che ancora sorprende 

nella pittura di Palazzoli è la scioltezza 

compositiva, tanto più paradossale 

se posta in relazione a composizioni 

contraddistinte da un’estrema e 

tornita plasticità. Eppure una luce 

immota crea dinamismo, allarga e 

scioglie volumi, fondendoli nella sua 

pura essenza. Si intuisce, pertanto, 

come Palazzoli faccia riferimento ad 

una figurazione priva di aggettivi, ma 

libera, lontana anche da quella che un 

tempo fu la cosiddetta neo-figurazione. 

L’artista non deforma, non tronca, non 

spezza, piuttosto è assimilabile ad una

sorta di tecnico delle luci che manovrandole 

con sensibilità, crea la suggestione 

compositiva, lo stupore della 

forma che si offre allo sguardo. E da 

questo punto di vista il pittore può essere 

considerato un convincente 

luminista, immune, però, da affinità 

caravaggesche, ma stimolato da un gusto 

e da una sensibilità moderni. 

La luce nel suo caso plasma le forme, 

le rende efficacemente espressive, 

proprio perché trattasi di una luce 

unitaria, che avvolge come un manto 

la composizione creando un incanto tra 

la realtà e la sua visibilità. Allora nella 

sua lucida placidità le sue composizioni 

acquistano il fascino di una visione. 

Vi è poi da rilevare un’altra 

fondamentale componente nell’arte di 

Palazzoli, vale a dire la notevole capacità 

disegnativa, una qualità che 

oggi, purtroppo, sta divenendo sempre 

più rara. Il suo è un disegno preciso, 

ma al tempo stesso elegante che 

si integra in maniera perfetta nel dinamismo 

della luce. Disegno essenziale, 

non tanto per brevità di tratto, 

quanto per la sua pertinenza nel definire 

la figura, i volumi, delicati ed 

espressivi. Rendere la precisione comunicativa 

non è mai facile, quasi che 

i due elementi debbano per forza essere 

in reciproca contraddizione. E’ una 

constatazione veritiera, questa, in base 

alla quale spesso la ricerca del dettaglio 

diventa pedante, annulla la fre- 


3

schezza di una ricerca come di una 

pittura. Eppure i dipinti di Palazzoli, 

pur ricchi di dettagli, di piccole o grandi 

attenzioni, non hanno la durezza 

dello schema arido o della convenzione, 

perché essi sono lavorati, elaborati, 

fanno parte integrante di un fluido 

intarsio luminoso che l’artista ormai 

padroneggia con maestria. Se si osservano 

i dipinti di Palazzoli si ha 

modo constatare come essi siano diversi 

l’uno dall’altro, pur recando, naturalmente 

l’impronta unitaria di colui 

che li ha fatti. Ogni dipinto, infatti, 

è un mondo a se, evoca un partico- 


lare momento o situazione. E’ facile 

allora comprendere come l’artista 

abbia nel corso della sua esperienza ed 

attività saputo sviluppare uno stile, 

cosa ben diversa da una più ovvia maniera, 

in quanto lo stile è il segno di 

un personale confronto da parte dell’artista 

con la natura, lo spazio, l’ambiente, 

la storia, confronto che poi trova 

il suo acme nella concreta realizzazione 

del dipinto. La maniera, invece, 

più spesso, al di là di virtuosismi o 

arzigogolature, rimane confinata nello 

stereotipo, magari elegante o dotto, 

ma sempre stereotipo. 

Da queste considerazioni emerge il 

profilo di una pittura originale, neppure 

di facile classificazione all’interno 

dei contemporanei orientamenti 

della storia dell’arte. E’ da rilevare 

inoltre come Palazzoli si allontani da 

quello che è il filone tipico del 

naturalismo impressionista, per cercare 

invece una sintesi liquida, per dirla 

con una terminologia attuale, tra quello 

che è l’aspetto plastico della forma, 

la sua risultante volumetrica e l’ambito 

inafferrabile della luce. Di fronte ad 

una società sempre più tecnocratica e 

per certi aspetti “schiava” del virtuale,

Palazzoli rivela la sua anima d’artista 

quale homo faber in cui cervello e 

mano si integrano nella realizzazione 

effettiva della pittura. Al di là di 

tante convenzioni filosofiche o 

sociologiche il dipinto di Palazzoli 

mantiene la sua esemplare schiettezza 

espressiva e psicologica, in quanto 

senza pregiudizi o ripari si offre al libero 

incontro con la nostra, spesso 

soffocata e tuttavia sempre desiderosa, 

sensibilità. 

Teodosio Martucci 


5

Corrispondenza Culturale: Enti e Circoli segnalano 

ARREDO URBANO. RINASCE LA 

LOGGIA DEI MERCANTI: RESTAU- 

RO E NUOVA ILLUMINAZIONE 

PER LE 19 LAPIDI AI CADUTI PER 

LA LIBERTA’. 

La Giunta approva il progetto d’intervento donato 

da Anpi. Bisconti: “Custodiamo un luogo simbolo 

di democrazia e libertà”. Afferma Del Corno: 

“Spazi restituiti ai cittadini”. 

Rinasce la Loggia dei Mercanti. Alla vigilia della 

data simbolo del 25 aprile, la Giunta di Palazzo 

Marino ha accettato la donazione del progetto di 

Anpi provinciale di Milano per il restauro e la 

valorizzazione del Sacrario dei Caduti per la libertà. 

In particolare, sarà eseguito un intervento di 

pulizia e protezione delle 19 lapidi di bronzo in 

onore di quanti, come recita la targa collocata in 

via Mercanti, “in supremo anelito di libertà, hanno 

donato la vita; Milano ne consacra i nomi gloriosi 

alla storia - 1943/1945”. Sarà installato, inoltre , 

un nuovo sistema di illuminazione a 19 elementi, 

uno per ciascuna lapide della Loggia. Con una 

lettera di intenti inviata lo scorso aprile, Anpi 

Milano ha manifestato la volontà di donare al 

Comune il progetto e l’esecuzione degli interventi 

di riqualificazione della Loggia dei Mercanti. Il 19 

aprile la Soprintendenza per i beni Architettonici e 

Paesaggistici di Milano ha espresso parere favorevole 

ai lavori di restauro delle opere, in un’ottica di 

valorizzazione del patrimonio culturale cittadino a 

beneficio dell’intera collettività. 

INTITOLAZIONI. A MILANO IL 

PARCO DELLA RESISTENZA E IL 

PIAZZALE DONNE PARTIGIANE 

Lo ha deciso la Giunta comunale, approvando 

nuove intitolazioni. In particolare, l’area verde 

attualmente denominata ‘parco Baravalle’ a chiamarsi 

parco della Resistenza. L’area situata in 

Zona 5 e che si trova vicino all’edificio di viale 

Tibaldi 26, il 28 agosto 1944 fu teatro della 

fucilazione di quattro partigiani da parte della 

Legione Muti. L’intitolazione avviene nell’anno 

in cui cade il 70° anniversario dell’inizio della lotta 

di liberazione e vedrà anche la posa di un monumento 

commemorativo donato al Comune di Milano 

dall’artista Antonio Musella. 

Si trova invece in Zona 6 e, in particolare, in via 

Barona all’angolo tra via Boffalora e via Mazzolari, 

il piazzale dedicato alla memoria delle Donne 

partigiane. “Milano - dichiara l’assessore alla Cultura 

Filippo Del Corno - è Città Medaglia d’Oro 

della Resistenza e queste due intitolazioni sono un 

doveroso omaggio alla memoria di chi ha contribuito 

a liberare il Paese dal nazifascismo. Uomini e 

donne che, con impegno e passione, anche a costo 

della vita, hanno lottato per la libertà e per la difesa 

dei diritti. Con questo provvedimento l’Amministrazione 

comunale raccoglie le numerose richieste 

giunte da associazioni e da semplici cittadini, 

oltre che dai due Consigli di Zona interessati”. 

Seguiranno altre intitolazioni. 

Regione Lombardia 9 maggio 2013: 

Giornata della memoria per le vittime 

del terrorismo. Presidente Cattaneo: 

“Ferite ancora aperte anche in Lombardia”. 

“Oggi, a trentacinque anni esatti dalla morte di 

Aldo Moro - ha evidenziato Cattaneo - , ricordiamo 

i 420 morti e i 1181 feriti dal 1969 al 1988, e le loro 


famiglie colpite della violenza ideologica, 

riaffermando ancora una volta con forza che la 

violenza non è mai la soluzione dei problemi”. 

Gianfelice Rocca Presidente 

Assolombarda. 

Milano, 8 maggio 2013 - “Grande imprenditore e 

uomo di lunga esperienza che ha dedicato molta 

parte della sua attività al tema del capitale umano, 

vera sfida per gli anni a venire”, così il 

Presidente del Consiglio regionale Raffaele 

Cattaneo ha espresso il suo augurio a Gianfelice 

Rocca, designato come candidato presidente della 

Giunta di Assolombarda. 

Città della salute: in Commissione Sanità 

audizioni dell’Istituto Tumori, 

Besta a Infrastrutture Lombarde 

Il Presidente Rizzi: “Non sono emerse soluzioni 

migliori e più vantaggiose dell’area ex Falck di 

Sesto San Giovanni”. “La Commissione - ha detto 

ancora Rizzi - ha intenzione di chiudere in tempi 

brevissimi l’istruttoria riguardo alla Città della 

salute perché vogliamo dare un’adeguata 

allocazione strutturale alle eccellenze della sanità 

della nostra regione. Nelle prossime settimane la 

Commissione proseguirà le audizioni riferite al 

centro di ricerca Nerviano e al progetto Cerba”. 

In Commissione Bilancio l’Assessore 

Garavaglia: entro metà giugno ai Comuni 

le risorse del patto di stabilità 

verticale. 

(Milano, 8 maggio 2013). 

Ricorrere al patto di stabilità verticale per aggirare 

i vincoli correnti, valutare nuove opportunità 

di utilizzo dei fondi di Finlombarda, approfondire 

il tema della società di riscossione regionale 

con cui sostituire Equitalia: sono le tre priorità 

evidenziate dall’Assessore regionale all’Economia 

Massimo Garavaglia (Lega Nord) durante 

un’audizione in Commissione Bilancio, presieduta 

da Alessandro Colucci (PdL). 

Presidente Cattaneo: “Urge un intervento 

legislativo che tuteli i risparmiatori” 

Milano, 6 maggio 2013. ”Una relazione ampiamente 

condivisibile soprattutto dove richiama la 

trasformazione con il passare del tempo della 

finanza da mezzo a fine, perdendo il legame con 

le attività produttive”. Lo afferma il Presidente 

del Consiglio regionale della Lombardia Raffaele 

Cattaneo che questa mattina, partecipando all’incontro 

annuale della Consob, ha ascoltato la 

relazione del Presidente Giuseppe Vargas. 

Info: Valentina Bolis -335 1949523 

Festa dell’Europa: il Consiglio Comunale 

dei ragazzi di Clusone (BG) in visita al 

Consiglio regionale della Lombardia 

Ad accoglierli il Consigliere Segretario Daniela 

Maroni e alcuni Consiglieri regionali bergamaschi 

Milano, 9 aprile 2013 - In occasione della giornata 

dedicata alla Festa dell’Europa, questa mattina il 

Consiglio regionale ha accolto la visita degli studenti 

che compongono il Consiglio comunale dei 

ragazzi di Clusone (BG) accompagnati dal dirigente 

scolastico Francesco Moioli e dai docenti 

Felicetta Tucci e Aurelio Bertoni. Con loro il 

sindaco di Clusone Paolo Olini, l’assessore all’istruzione 

Antonella Luzzana e l’assessore al 

Il Consiglio comunale dei ragazzi di Clusone (BG), il 

dirigente scolastico e docenti 

turismo Lorenzo Balduzzi. I ragazzi sono stati 

ricevuti dal Consigliere Segretario dell’Assemblea 

Daniela Maroni, che ha loro fornito alcune indicazioni 

sui lavori del parlamento lombardo: “Mi 

auguro - ha detto Daniela Maroni - che tra voi ci 

possa essere qualcuno che abbia in futuro voglia 

e passione per impegnarsi come politico o amministratore 

al servizio del proprio territorio”. 

FESTIVAL DEGLI ORTI 

Monza, Villa Reale 

23 maggio 2 giugno 2013. 

Per la sua seconda edizione, il Festival si presenta 

con un nuovo format allargato ai temi della città e 

un grande orto fiorito all’ingresso della Villa. Per 

dodici giorni, i giardini delle Serre, si animeranno 

di incontri, corsi e lezioni di orticultura, di cucina 

e di conoscenza delle piante curative e aromatiche, 

laboratori per bambini, show cooking e una mostra 

d’installazioni sul tema ‘Coltiviamo la città’. Ideata 

e curata dall’associazione Terralab3.0, la 

manifestazione viene introdotta da un grande orto 

fiorito, posto proprio all’ingresso della Villa. 

L’evento è organizzato in collaborazione con la 

Reggia di Monza e con il patrocinio del Comune di 

Monza, dalla Provincia di Monza e Brianza, di 

Expo, della Camera di Commercio di Monza e 

Brianza, di Coldiretti Monza e Brianza e del Consorzio 

Florovivaistico alto lombardo. Informazioni: 

segreteria@terralabtrepuntozero.org 

L’INAUGURAZIONE 

DELLA TERRAZZA DELLE PROTEE. 

Lago Maggiore, Giardini dell’Isola Madre. Da 

giugno 2013. Ci sono voluti 3 decenni e infiniti 

tentativi per arrivare al grande annuncio: la prima 

collezione ampia di protee a cielo aperto in Italia. 

Il primato lo annunciano i Principi Borromeo che 

in questi trent’anni di tentativi hanno sostenuto il 

capo giardiniere dei loro Domini sul Lago Maggiore, 

il signor Gianfranco Giustina. L’inaugurazione 

della Terrazza delle Protee, all’Isola Madre, è 

prevista per il mese di giugno 2013. 

Info: www.isoleborromee.it 

PROGETTO DI UNA TELEFERICA 

A ROMA. 

Il Ponte della Musica collega l’asse della cultura 

(via Guido Reni) all’asse dello sport (via delle 

Olimpiadi): in poche parole serve a connettere il 

quartiere Flaminio al Foro Italico. Eppure il ponte 

è rimasto sostanzialmente inutilizzato per una 

semplice ragione:nell’intersezione tra i due assi 

non c’è nulla, anzi, c’è solo la bellissima Casa della 

Scherma di Luigi Moretti, che però purtroppo 

giace in uno stato di rovine, fatiscenza e incuria che 

grida vendetta, ma questa è un’altra storia. Il ponte

Corrispondenza Culturale: Enti e Circoli segnalano 

è vuoto perché non esiste una vera ragione per 

attraversarlo. Quella che vogliamo descrivere è 

un’idea per dare un vero significato al ponte e per 

risolvere contemporaneamente una parte dei problemi 

di mobilità dei quartieri Flaminio e Trionfale: 

il nostro progetto consiste in una teleferica che 

dalle pendici di Monte Mario sale in direzione 

assiale rispetto al Ponte della Musica, fino ad 

arrivare quasi alla sommità del parco di Monte 

Mario stesso. info@lad.roma.it 

Museo Nazionale Archeologico 

di Venezia verso il rinnovamento. 

Completata la messa a sicurezza e il restauro 

conservativo di due prospetti del magnifico cortile 

di Vincenzo Scamozzi che accoglie la statua colossale 

di Agrippa e altri importanti reperti di età greca 

e romana. Lo visitano oltre 250 mila persone ogni 

anno, si trova in Piazza S. Marco e conserva tesori 

unici al mondo. Per valorizzare al massimo le sue 

potenzialità è iniziata una fase nuova che culminerà 

nei prossimi anni in un nuovo progetto di ordinamento 

delle collezioni e in un nuovo allestimento. 

info www.polomuseale.venezia.beniculturali.it/ 

index.php?it/6/museo-archeologico-nazionale 

PASSO DEL BRENNERO (BZ) 

21 GIUGNO 2013 S’INAUGURA 

PLESSI MUSEUM 

In prossimità del luogo dove sorgeva la dogana 

autostradale tra Italia e Austria, la nuova struttura, 

progettata dall’ingegnere Carlo Costa - primo esempio 

in Italia di spazio museale in autostrada - 

accoglierà video, disegni e installazioni di Fabrizio 

Plessi insieme alla grande opera realizzata per 

l’Expo di Hannover del 2000. Il nuovo complesso 

architettonico dell’Autostrada del Brennero spa 

propone inoltre un centro convegni, un punto di 

ristoro e rappresenta una sperimentazione formale 

e funzionale, lontana dalle tradizionali aree di 

sosta. info : www.a22.it 

La sostenibilità s’impara all’Ecomuseo 

Un viaggio nella nuova struttura, realizzata grazie 

a un cofinanziamento europeo, che rende 

omaggio alla “Civiltà Palustre” di Villanova di 

Bagnacavallo, nel cuore della Romagna. 

Oggi si chiama “ecosostenibilità”. Un tempo, semplicemente, 

industria, quella della lavorazione della 

canna palustre che - fino al secondo dopoguerra 

- rappresentava la principale fonte di sostentamento 

per la comunità di Villanova di Bagnacavallo, in 

provincia di Ravenna. Una peculiare forma di 

artigianato artistico da sempre carattere distintivo 

di questa comunità che oggi viene celebrata 

nell’Ecomuseo delle Erbe Palustri, realizzato grazie 

a un cofinanziamento europeo (fondi Por Fesr 

2007-2013) e inaugurato lo scorso 12 maggio 

2013. Info: www.ecomuseoerbepalustri.it 

GIUGNO 2013. TORNA “MODENA 

TERRA DI MOTORI”, 

LA KERMESSE DEI BOLIDI 

Nel week end dell’8 e 9 giugno torna “Terra dei 

motori”, la più importante manifestazione automobilistica 

italiana “en plein air”. Dopo il passaggio 

della Mille Miglia e la rassegna “Motor Gallery”, 

ancora un week end tra i motori per le strade della 

città, con grandi mostre e la rievocazione dell’antico 

circuito cittadino, che farà tornare protagonisti 

i gloriosi viali di Modena, testimoni delle più belle 

gare del passato. Info: info@modenatur.it 

IN EMILIA LA RICOSTRUZIONE 

PARTE DAL BASSO 

Oltre 300 persone all’inaugurazione del nuovo 

asilo Sacro Cuore, un “cuore pulsante” di legno 

che ospiterà 240 bambini del nido e della maternità. 

Finale Emilia è stata in festa domenica 5 maggio 

per l’inaugurazione ufficiale dell’Asilo Sacro Cuore, 

struttura di 1.600 metri quadrati interamente 

realizzata in legno e donata alla comunità da 

Federlegno Arredo e dalle sue aziende, in collaborazione 

con progettisti, enti pubblici e donatori 

privati. Info. press@federlegnoarredo.it 

L’ISOLA D’ELBA PRESENTA I 

“MEDITERRANEAN DREAMS FA- 

SHION EVENTS” PER RIPARTIRE 

SULLE ALI DELLA MODA 

L’isola d’Elba, terza isola italiana, rilancia la propria 

immagine a livello nazionale e internazionale 

- dopo le disastrose conseguenze delle alluvioni del 

7 novembre 2011 - sulle ali dell’alta moda, con due 

serate speciali a Marina di Campo, località maggiormente 

colpita. Il primo evento si terrà il 1° 

Giugno direttamente sulla bellissima spiaggia di 

Marina di Campo, tra due degli stabilimenti balneari 

più eleganti ed esclusivi del golfo: Paglicce 

Beach e da Sergio. Si tratterà di una sfilata di 

Casting tra aspiranti modelle nazionali e straniere, 

per assegnare numerose fasce da Miss e premiare le 

ragazze più belle con ingaggi per sfilate e campagne 

pubblicitarie con stilisti internazionali d’alta 

moda. Il secondo evento si terrà il 6 luglio, sempre 

nella stessa location da “sogno mediterraneo” e 

vedrà sfilare circa 10 designer provenienti da tutto 

il mondo per presentare alla stampa nazionale, a 

numerosi blogger e al pubblico le loro collezioni 

inedite “cruise” o “primavera-estate”. Informazioni 

www.unconventionalfashiondistrict.com. 

RIENTRA IN ITALIA, GRAZIE ALLA 

FONDAZIONE ACCORSI-OLMETTO, 

UN CAPOLAVORO PIETRO PIFFETTI 

La Fondazione Accorsi-Olmetto ha acquistato il 1° 

febbraio 2013, all’asta newyorkese di Sotheby’s, un 

prezioso scrigno realizzato da Pietro Piffetti, che 

andrà ad aggiungersi agli altri sette capolavori realizzati 

dell’ebanista piemontese e custoditi nel Museo 

di Arti Decorative Accorsi-Olmetto di Torino. 

Pagato 170.000 dollari, questo scrigno col suo tavolino 

potrebbe essere uno dei tre cofano-forti che, i 

documenti riportano, l’artista realizzò per i Savoia 

nel 1732, 1745 e 1760. Info: tel. 011837688 

Schindler fornitore di mobilità di Toledo, 

la più bella metropolitana di Napoli, 

mette in mostra l’arte internazionale e le migliori 

soluzioni di mobilità Schindler, che ha fornito alla 

stazione 18 scale mobili - di cui due con un dislivello 

di 30 metri - 4 tappeti mobili e 4 ascensori. 

Una mobilità urbana più efficiente e confortevole. 

Sarà presto completata la seconda uscita della Stazione 

Toledo, a Piazza Montecalvario, nel cuore dei 

quartieri spagnoli. Schindler contribuirà ad accelerare 

gli spostamenti dei passeggeri in transito dal 

nuovo ingresso tramite tappeti mobili di 75 metri e 

6 scale mobili. Le scale mobili e i tappeti mobili 

saranno collegati ad un sistema di monitoraggio da 

remoto che permetterà agli operatori di cambiarne, 

se necessario, il senso di marcia, e di ricevere informazioni 

in tempo reale su eventuali problemi di 

servizio. Info: schindler@noesis.net - tel. 02831051.1 

VASCO BENDINI: DONAZIONE AL 

MACRO DELLE OPERE CABINA 

SOLARE E LA SCATOLA U 

Lo scorso 23 aprile in occasione della presentazione 

del catalogo della mostra Vasco Bendini. 1966- 

1967, l’artista ha annunciato la donazione non solo 

dell’opera Cabina Solare (1967), ma anche de La 

scatola U (1966), due lavori fondamentali del suo 

percorso creativo che vanno ad arricchire la collezione 

del Museo. Bartolomeo Pietromarchi, direttore 

di MACRO, ha accolto con estrema gratitudine 

il gesto generoso del maestro Bendini, che aveva 

già onorato il Museo con la propria mostra e con la 

donazione di una sua opera. Bendini è considerato 

uno dei pionieri dell’informale italiano. 

Info: maria.bonmassar@tiscali.it - tel. 335490311 

PREMIO ALBERO ANDRONICO: 

MILLE MODI PER RACCONTARE 

IL MONDO. 

Nella storica sede della Promoteca del Campidoglio, 

si è svolta la cerimonia di premiazione della 

sesta edizione del Premio nazionale “Alberoandronico”. 

Il presidente Pino Acquafredda: “Partecipazione 

fortemente popolare, carattere 

intergenerazionale e internazionale, per una gara 

trasparente, alla ricerca della qualità. Valorizzazione 

della lingua italiana e dell’espressione artistica”. 

Informazioni: www.alberoandronico.-net 

LIBRIAMO 2013 - LA LETTERATU- 

RA DELLE EMOZIONI 

Anche quest’anno Libriamo2013 promette di sorprendere 

e soddisfare tutti gli appassionati lettori, 

con un programma ricco e attento, come sempre, 

alle suggestioni della contemporaneità. La rassegna 

letteraria, giunta all’ottava edizione, si articolerà 

su tre serate, due mattine e due pomeriggi, 

da venerdì 14 a domenica 16 giugno. Libriamo2013 

indagherà, attraverso un ricco calendario 

di eventi e i suoi illustri ospiti, una delle grandi 

tendenze della cultura e della società occidentale di 

questi ultimi decenni ossia Letteratura delle emozioni. 

info@zoing.com - tel. 328.214.3191 

L’Associazione LIBERAL Organizza: 

Venerdì 28 Giugno 2013 dalle ore 16:30 alle 

18.00 LABORATORIO DI POESIA. 

Tutti possono partecipare entrata libera. Rinfresco. 

Via Volta 50 Garbagnate Milanese (MI). 

POESIA E SAGGISTICA 

PER IL DISARMO 

con il patrocinio della libera coscienza 

QUALE CULTURA e FINALITA’ 

nel coerente rinnovamento 

dei nostri linguaggi 

Redazione 


Via Ciovasso 19 - 20121 Milano 

Tel. 02-864.64.093 

info@artecultura.org 

Sono graditi liberi contributi 

che aiutino a stimolare 

la ricerca di linguaggi universali 

che più scoprano e appaghino 

i nostri profondi desideri 

SABATO 15 GIUGNO ORE 17 


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- RISORGIMENTO POETICO - 

Costituzione Tradita: per un Parlamento 

che nasca da una proporzionale pura 

Quanti come noi hanno combattuto per 

l’Italia unita-libera-sovrana senza nulla 

succhiare alle mammelle dello Stato, 

nella situazione nella quale è stato 

ridotto il nostro Paese oggi hanno tutto 

il diritto di esprimere il loro originale 

dissenso al conformismo burocratico 

dei colletti bianchi. Ed è fortemente 

paradossale oltre che illeggittimo che 

proprio coloro che hanno strangolato 

la democrazia soprattutto tramite il 

condizionamento economico e le 

trasgressioni istituzionali, attualmente 

pretendano d’essere i nuovi salvatori 

della patria. Gli italiani sono generosi 

per radice di costume mediterraneo, 

ma non distratti o fessi come si 

possa abusare. Ed entro certi limiti sorvolano 

per compassione d’intelligenza 

ma non per carenza mentale. 

Per cui, solo accennando, quando nel 

corso delle votazioni politiche o amministrative 

vigeva il rispetto costituzionale 

della proporzionale pura, la 

vita degli italiani era certamente più 

tranquilla e meno inquieta dell’attuale 

a causa le tante inettitudini burocratiche, 

la corruzione dilagante, gli omicidi, 

e soprattutto i suicidi di imprenditori 

per insopportabile aggravio di 

tasse e tanti operai che si suicidano a 

rispetto della propria dignità. Cosicché, 

storicamente, spentasi la generazione 

che aveva sognato e realizzata di sacrificio 

la Repubblica democratica 

nelle generazioni seguenti non è perseguito 

il rigore della responsabilità che 

aveva caratterizzato l’opera dei padri. 

Questo perché alla liberazione politica 

del 1945 non era seguita quella economica, 

la cui potenzialità padronale ha 

molti vantaggi sulla dipendenza della 

manodopera. Tantoché l’evoluzione 

che doveva seguire, che ponesse un rispettoso 

equilibrio tra i due mondi, è 

stata molto limitata e spesso contraddittoria 

favorendo di molto l’accaparramento 

capitalista dal cervello corto 

ma dall’egoismo senza fine. A memoria 

il primo allarme di tradimento costituzionale 

fu delineato dalla Legge 

Truffa che non passò, essendoci allora 

un coerente Partito Comunista che più 


si oppose. In seguito, la Repubblica democratica 

parlamentare, a volerla presidenziale, 

è stato sempre il chiodo fisso 

della cosiddetta destra politica, che 

non ha mai receduto da tale posizione. 

Ed ai nostri giorni si fa un gran parlare 

di Repubblica Presidenziale sostenuta 

a gran voce anche da una certa 

sinistra-bene. Si fa finta di dimenticare 

che i costituenti non ascoltarono l’allora 

repubblicano Ministro Pacciardi, 

che, appunto, sosteneva la Repubblica 

Presidenziale ed era anche un antifascista 

combattente della guerra civile 

spagnola. Ma i progressisti dell’Italia 

in recessione la vogliono fare oggi, 

per armare più di arbitrio il potere burocratico 

dando maggiore sudditanza 

al popolo “sovrano”. Si vuole legittimare 

la superiorità del parassitismo dei 

colletti bianchi a cospetto la grande 

moltitudine lavoratrice indotta a soccombere 

per forzata imposizione. Poi 

non importa se la corruzione dilaga, 

basta tassare le piccole e medie imprese 

e comprimere i salari della manodopera, 

per continuare come prima 

e più di prima a disfare l’Italia che i 

nostri padri avevano unificata con sacrifici 

e pericoli non da poco. Ed un 

giorno il razzismo stregone straparla 

di secessione ed un altro di macroregioni 

che è sempre la stessa minestra 

disfattista senza che un presidente 

della Repubblica o del Consiglio, 

ovvero un Ministro intervenga per dire 

che la Costituzione si rispetta. E di 

contribuire a migliorare con l’unità 

l’equilibrio realistico democraticamente 

di tutti i possibili problemi in cui 

ognuno ha le sue rivendicazioni. E che 

per le prime donne non c’è posto nella 

Repubblica democratica nata sui valori 

della Resistenza che non è ideologia, 

ma grandiosa umanità senza ritocchi 

di privilegi di parte. Anche se, a 

ricordare, l’80 per cento dei Martiri a 

pagare con il sangue per la libertà, furono 

comunisti! Non lo dimentichi la 

discriminazione perpetua di una certa 

politica quando confonde la libertà con 

lo sfruttamento. Naturalmente, Tambroni, 

il bipolarismo, la soglia del quorum 

parlamentare e premio di maggioranza, 

miserabili pensate dei colletti 

bianchi, hanno completato la festa della 

disgregazione e della sfiducia nella 

comunità nazionale. La quale a meraviglia 

ha visto rieleggere per la seconda 

volta lo stesso Presidente della Repubblica. 

Un troppo mascherato autoritarismo 

per rendere scontata la 

Republica presidenziale. Questo perché 

l’Italia non ha un suo Diritto millenario, 

ma lo deve importare dai 

plagiatori. Non si vuol capire che Presidente 

della Repubblica può essere anche 

un lavoratore di merito di cui 

Artecultura ha già parlato. Ed a questo 

riguardo si rende necessaria l’istituzione 

di coordinate tribune televisive 

Nazionali che argomentino l’indispensabile 

nozione del Diritto pubblico 

in modo che chiunque voglia adempiere 

alle cariche istituzionali sia consapevole 

dei suoi compiti. E non per 

simboleggiare quotidianamente negli 

spazi d’apertura dei Telegiornali, eccezioni 

a parte, le solite facce delle 

grandi disuguaglianze e recessione dell’Italia 

e del mondo. Al loro posto si 

dibatta la nostra Costituzione, affinché 

la prepotenza svesta i suoi abiti 

truffaldini. 

Dunque speriamo che il nuovo Presidente 

del Consiglio dei Ministri voglia 

tener presente gli argomenti qui accennati 

e rendere possibile un Ministero 

per il Disarmo ovvero quanto meno 

rendere operative delle Commissioni 

di studio sul problema interessando soprattutto 

le scuole. Un Disarmo che 

origini dallo studio conoscitivo della 

Poesia della Natura che le scuole, purtroppo, 

ancora non conoscono, come 

il Costume poetico di Artecultura. La 

nuova cultura nella quale la persona 

umana nasca per vivere e non polverizzata 

negli inceneritori atomici della 

follia, si è resa indispensabile. Impossibile 

ancora ignorarla per i tanti 

pericoli distruttivi che incombono sulla 

libera coscienza del mondo. Oppure 

i giovani non devono aver famiglia affinché 

nella catastrofe atomica ne muoiano 

in meno? Artecultura

In questo numero GIUGNO 2013 

6 - CORRISPONDENZA CULTURALE 

8 RISORGIMENTO POETICO 

9 SOMMARIO 

10 INTERLUDI 

14 INTERLUDI CONTINUANO 

20 ANTONIO SALIERI 

21 PROUVE’ - MANGA FESTIVAL 

22 LETTERA DA CORTINA 

23 VERSO MONET 

27 LUOGHI COMUNI -ARCHEOLOGIA 

28 IMMAGINI E LUOGHI 

29 L’AUTODIDATTA NELLA STORIA 

30 TURISMO - SUOR GRAZIA 

36 ATTUALITA’ COSTUME POETICO 

38 UMANITA’ POETICA 

39 I CANTI DEL BORGO 

40 LIBRI 

41 POESIA-SAGGISTICA -DISARMO 

42 CONCORSI 

44 PROMOZIONE ARTESTIVA 

Inserto redazionale: 

-MOSTRE A MILANO 

-POSTACATALOGO 

- ARTECULTURA è inviata: abbonati di tutta Italia, 

gallerie d'arte, critici, musei, scuole, alberghi, di 

Milano e categorie specializzate di professionisti. 

- Composizione e impaginazione: redazionali. Scritti e 

foto inviati e non richiesti non vengono restituiti. 

Fotolito e stampa Press Point 

Via L. Cagnola, 35 Abbiategrasso 


Le idee che la impegnano 

- CORRISPONDENZA 

CULTURALE 

- COSTUME POETICO 

- 24 OTTOBRE GIORNATA 

MONDIALE DISARMO 

- INFORMAZIONE 

ARTISTICO CULTURALE 

- POESIA DELLA NATURA 

- POESIA PACE 

- PSICOPOESIA 

Pit PALAZZOLI- FRANÇOIS DE CASABIANCA - 

NEVENKA ZVORC- MICHELE ROCCOTELLI - 

GUSMAROLI VANNGIO’di Teodosio Martucci - 

EMILIO FORMENTI -REMO LANA - ALVARO- 

CARLA MONTI - LUISA VISCONTI - GIANCARLO 

AMURRI - MICHELE GIANNATTASIO - 

GREGORIO MANCINO - ANTONIETTA DI SECLI’ 

- di Marpanoza; INSERZIONI DI: GIANFRANCO 

RONTANI - GALLERIA D’ARTE CORTINA - 

GALLERIA D’ARTE PONTE ROSSO - 


Mensile Manifestazioni Artistiche e Culturali 

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n. 253 del 6/9/1967 - Registro Nazionale della 

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IPOTIZZABILE 

TOGLIERE 

LA SCORTA 

AI POLITICI? 

“MALE NON FARE 

E PAURA 

NON AVERE...” 

Recita un’antica saggezza popolare. 

Quindi, stando alla massima, 

le scorte pubbliche o private ai politici 

potrebbero essere inutili. Per 

cui bene ha fatto il Presidente della 

Camera Laura Boldrini a dire 

di non aver paura e non volere la 

scorta come pur fece il Presidente 

Pertini. Poi fare il politico ad una 

persona non glielo ordina il medico 

e chi ha paura può cambiare attività 

e starsene tranquillo. 

Inoltre, detto senza spigolature di 

comodo, togliendo le scorte ai politici 

non si può del tutto escludere 

di vedere crescere a sorpresa anche 

la responsabilità collettiva nel 

rapporto sociale tra le persone. Lo 

stimolo della fiducia o della diffidenza 

in una società si delinea dai 

fattori di cause che caratterizzano 

quella società e l’ abusata protezione 

può essere benissimo suscettibile 

di nocive contraddizioni. 

Uno spontaneo punto di vista che 

ci sorge a seguito del drammatico 

avvenimento di Roma in piazza 

Montecitorio da parte dello sparatore 

disoccupato, certamente 

esasperato, ed i carabinieri feriti 

ai quali va di sincerità tutta la nostra 

solidarietà, non formale, ma 

di coscienza. Ma togliendo la scorta 

ai politici, a parte il vantaggio 

economico, si potrebbe anche alleggerire 

una certa pesantezza di 

servizio alle forze dell’ordine, carabinieri 

e polizia, che possono risentirne 

a seguito le lunghe ore di 

presenza e dislocarle in altre più 

vitali funzioni. 

Artecultura 

ARTECULTURA 9

INTERLUDI D'ARTE 

CAMPBELL’S di Warhol 


ANTICA STRADA DI POMPEI Vincenzo Cabianca, LUNGOMARE, 1860 

ANDY WARHOL (1928-1987) 

Stampe dalla collezione 

Bank of America Merril Lynch 

Milano, Museo del Novecento 

5 aprile - 8 settembre 2013 

Il Museo del Novecento, dopo la riuscita 

esperienza dello scorso anno con la mostra 

fotografica Conversations, è lieto di annunciare 

una seconda collaborazione con Bank 

of America Merril Lynch - sponsor principale 

del museo, insieme a Finmeccanica - 

attraverso un’esposizione dedicata a una 

delle icone internazionali dell’arte del dopoguerra, 

Andy Warhol (1928-1987). Lo 

spazio espositivo del museo ospiterà alcune 

delle stampe più significative dell’artista 

provenienti dalla collezione Bank of 

America Merril Lynch, che attua il prestito 

nell’ambito del programma Art in Our 

Communities. La polvere di stelle evocata 

dal titolo non è solo la polvere del diamante 

utilizzata in molte stampe, ma è la capacità 

di Warhol di creare icone scintillanti e 

immortali. Attraverso un percorso espositivo 

cronologico che inizia con le serigrafie 

degli anni settanta e si conclude con quelle 

create nel corso degli anni ottanta, la mostra 

è un’occasione per tornare su alcune 

delle tappe salienti della produzione artistica 

di Warhol. 

Il sabato e la domenica, nei mesi di aprile, 

maggio e giugno Civita organizza per i 

bambini dai 6 a 12 anni, oltre alla visita 

didattica, laboratori specifici sui temi della 

mostra. Inoltre, la compagnia di danza 

contemporanea Progetto D’Arte proporrà 

una serie di laboratori nello spazio 

espositivo della mostra, per avvicinare i 

bambini e soprattutto gli adolescenti, alle 

tematiche di Warhol, attraverso un lavoro 

sul corpo e una performance adatta ai giovanissimi. 

Alcune delle attività proposte 

coinvolgeranno bambini e adolescenti anche 

nel periodo estivo, grazie alla collaborazione 

con i servizi del Settore Educazione del 

Comune di Milano. Info: 02-43353522 


Vita e Morte a Pompei 

ed Ercolano 

Londra, British Museum 

28 marzo - 29 settembre 2013 

Il British Museum presenta una grande 

mostra sulle città romane di Pompei ed 

Ercolano, sponsorizzato da Goldman Sachs. 

Questa mostra è la prima grande rassegna 

a Londra, da oltre 40 anni, dedicata al 

suggestivo tema di Pompei ed Ercolano. 

Essa è il risultato di una stretta collaborazione 

con la Soprintendenza Archeologica 

di Napoli e Pompei, e riunisce oltre 250 

oggetti affascinanti, frutto di scoperte recenti 

o di scavi più antichi. Molti di questi 

oggetti non sono mai stati visti prima d’ora 

fuori dall’Italia. La mostra avrà un unico 

obiettivo, studiare la civiltà romana, in 

tutti i suoi aspetti, in riferimento a popolazioni 

che furono così sfortunate. 

La data dell’eruzione del Vesuvio del 79 

d.C. è attestata da una lettera di Plinio il 

Giovane a Tacito. Nella variante universalmente 

ritenuta più attendibile del manoscritto, 

si legge nonum kal. septembrs cioè 

nove giorni prima delle Calende di settembre, 

data che corrisponde al 24 agosto. 

Questa data era stata accettata come sicura 

fino ad oggi, ma alcuni dati archeologici via 

via emersi mal si accordano con una data 

estiva. Ad esempio, il ritrovamento di frutta 

secca carbonizzata, di bracieri, usati 

all’epoca per il riscaldamento, di mosto in 

fase di invecchiamento trovato ancora sigillato 

nei contenitori (dolia), e soprattutto, 

di una moneta ritrovata sul sito archeologico, 

che riferisce della quindicesima acclamazione 

di Tito ad imperatore, avvenuta 

dopo l’8 settembre del 79 d.C. - quindi 

dopo il 25 agosto - lasciano supporre che 

l’eruzione sia avvenuta in autunno, probabilmente 

il 24-25 ottobre di quell’anno. Ma 

i primi eventi sismici si ebbero già nel 62 

d.C. Info: www.britishmuseum.org 

I Macchiaioli 1850-1874. 

Impressionisti italiani? 

Parigi, Museo dell’Orangerie 

10 aprile - 22 luglio 2013 

Al Caffè Michelangelo di Firenze, attorno 

al critico Diego Martelli, un gruppo di 

pittori dà vita al movimento dei macchiaioli. 

Questo movimento vorrebbe rinnovare la 

cultura pittorica nazionale. La poetica macchiaiola 

è verista opponendosi al Romanticismo, 

al Neoclassicismo e al Purismo accademico, 

e sostiene che l’immagine del 

vero è un vero contrasto di macchie di 

colore e di chiaroscuro, ottenuti tramite 

una tecnica chiamata dello specchio nero, 

utilizzando uno specchio annerito col fumo 

permettendo di esaltare i contrasti 

chiaroscurali all’interno del dipinto. L’arte 

di questi pittori consisteva “nel rendere le 

impressioni che ricevevano dal vero col 

mezzo di macchie di colori di chiari e di 

scuri”. Del gruppo fanno parte Serafino De 

Tivoli, Eugenio Cecconi, Odoardo Borrani, 

Raffaello Sernesi. Niccolò Cannicci, Egisto 

Ferroni e Adriano Cecioni, scrittore e scultore 

oltre il pesarese Vito D’Ancona; il 

napoletano Giuseppe Abbati il trentino 

Eugenio Prati e il Veronese Vincenzo 

Cabianca, Domenico Caligo, cui si aggiunse 

Diego Martelli, critico e mecenate. In 

certo qual senso più isolati, ma considerati 

fra i principali del movimento: Giovanni 

Fattori, Silvestro Lega e Telemaco 

Signorini. Il luogo di ritrovo fu il Caffè 

Michelangelo a Firenze e più tardi nella 

tenuta che nel 1861 ereditò Diego Martelli 

a Castiglioncello, il Castello Pasquini. I 

Macchiaioli sono considerati gli iniziatori 

della pittura moderna italiana. 

La corrente diede luogo a quella dei 

Postmacchiaioli, cioè dei pittori di origine 

toscana che furono attivi, richiamandosi 

alla pittura di “macchia”, tra il 1880 ed il 

1930. I principali furono: Giovanni 

Bartolena, Leonetto Cappiello, Vittorio 

Matteo Corcos, Michele Parigi, Oscar 

Ghiglia, Francesco Gioli, Luigi Gioli, Ulvi 

Liegi, Guglielmo Micheli, Alfredo Müller, 

Plinio Nomellini, Filadelfo Simi, Adolfo 

Tommasi, etc. Info: www.musee-orangerie.fr/



Life, COPERTINA DI TITO, settembre 1048 LA SITULA BENVENUTI VIOLENZA SULLE DONNE 

IN UN ANTICO VASO ATTICO 

LIFE. I GRANDI FOTOGRAFI 

Roma, Auditorium Parco dela Musica 

dal 1 maggio al 4 agosto 2013 

Nel nuovo spazio AuditoriumExpo dell’Auditorium 

Parco della Musica di Roma, 

si inaugura la mostra Life. I grandi Fotografi, 

una retrospettiva ragionata ed emozionante 

sugli autori e le immagini che 

hanno reso Life un mito e un riferimento 

della fotografia internazionale. La mostra è 

una produzione della Fondazione Musica 

per Roma e della Fondazione FORMA per 

la Fotografia, in collaborazione con Life e 

Contrasto. Per buona parte del XX secolo, 

i fotografi di Life hanno raccontato con le 

loro immagini ogni aspetto della vita umana. 

Uscita per la prima volta nel 1936 e poi 

con cadenza settimanale fino agli anni Settanta, 

la rivista fu creata da Henry Luce 

per cercare proprio nel fotogiornalismo, 

negli occhi privilegiati dei fotografi, le 

immagini del nuovo secolo da mostrare ai 

lettori. “Vedere la vita, vedere il mondo” 

era il motto sul primo numero di Life e 

veramente, con il loro stile inconfondibile, 

i fotografi di questa rivista hanno impresso 

una svolta nella maniera di comprendere 

l’attualità, di vederla e di raccontarla attraverso 

le immagini. Gli anni Trenta della 

Depressione, gli anni Quaranta, la Seconda 

guerra mondiale, il difficile dopoguerra, il 

Vietnam: Life ha raccontato il Novecento e 

ha imposto una linea, indicato una maniera 

particolare di guardare e quindi di pensare 

l’attualità. La mostra Life. I grandi Fotografi 

è una produzione inedita, messa a 

punto proprio per questa occasione: un 

insieme di circa 150 fotografie tra le più 

celebri racconteranno la nascita, l’evoluzione 

e lo stabilizzarsi di una visione che è 

diventata decisiva: il mondo alla maniera 

di Life. Info: www.auditorium.com 

Venetkens. Viaggio 

tra gli antichi Veneti 

Padova, Palazzo della Ragione 

dal 6 aprile al 17 novembre 2013 

A oltre trent’anni dall’ultima rassegna 

espositiva, la civiltà degli antichi Veneti 

torna a Padova, dal 6 aprile al 17 novembre 

nella prestigiosa sede del Palazzo della 

Ragione. L’evento, dal nome “Venetkens - 

Viaggio nella terra dei Veneti antichi”, 

sarà uno dei principali eventi protagonisti 

della città di Padova e, per numeri e caratteristiche, 

si preannuncia come una delle 

più grandi mostre italiane in assoluto per 

l’anno 2013. L’iniziativa, promossa e organizzata 

dall’Assessorato alla Cultura di 

Padova, dalla Soprintendenza per i Beni 

Archeologici del Veneto e da Gruppo Icat, 

agenzia di comunicazione e marketing, si 

propone come un vero e proprio viaggio nel 

tempo e nello spazio, volto a presentare la 

vita quotidiana, il territorio, le attività commerciali, 

i cerimoniali funebri e le espressioni 

artistiche del popolo che abitò l’area 

del Nord-est italiano nel corso del I millennio 

a.C. 

I Veneti, a volte indicati anche come 

Venetici, antichi Veneti o Paleoveneti per 

distinguerli dagli odierni abitanti del 

Veneto, erano una popolazione indoeuropea 

che si stanziò nell’Italia nord-orientale dopo 

la metà del II millennio a.C. e sviluppò una 

propria originale civiltà nel corso del millennio 

successivo. Caso unico tra i popoli 

dell’epoca nell’Italia settentrionale, si può 

stabilire l’identità tra la popolazione e la 

cultura veneta, ovvero agli antichi Veneti è 

possibile attribuire una precisa cultura 

materiale e artistica sviluppatasi nel loro 

territorio di stanziamento, la Venezia. Questa 

facies culturale si sviluppò durante un 

lungo periodo, per tutto il I millennio a.C., 

anche se nel tempo subì diverse influenze. 

Di questa popolazione e identità la documentazione 

archeologica è particolarmente 

ricca: Lago del Garda, Colli Euganei, etc. 

Info: 049-2010010 

Uomini che inseguono le 

donne. La violenza sulle 

donne sui vasi attici dalla 

necropoli etrusca di Spina. 

fino al 30 giugno 2013 

A margine dell’iniziativa “Donne nell’antichità. 

Le radici della civiltà e del rispetto”, 

che ha visto la Pinacoteca Nazionale di 

Bologna e i Musei Archeologici Nazionali 

di Parma e Ferrara ospitare eventi e dibattiti 

incentrati sul confronto tra l’antichità e 

il mondo contemporaneo, l’archeologo Mario 

Cesarano ha curato questa mostra selezionando, 

tra i reperti vascolari esposti nel 

museo, quelle raffigurazioni in grado di 

documentare, nel mondo etrusco, il riconoscimento 

di una dignità della donna non 

vilipesa come purtroppo sempre più spesso 

accade oggi. Ne è nato un percorso suggestivo, 

che attraverso le immagini raffigurate 

su 19 vasi, mostra in vetrine tematiche, 

i sei argomenti fondamentali dell’esposizione: 

I modelli iconografici del mito, l’inseguimento 

amoroso, Cacciatori e prede, 

Teseo: l’efebo per eccellenza, Tutto per 

volontà degli dèi, La violenza come empietà. 

Al termine del percorso espositivo, l’immagine 

di una musa riafferma, attraverso la 

sua grazia e femminilità, i valori e la dignità 

della donna. Tra i vasi esposti, segnaliamo 

per il loro significato simbolico, la 

grande kylix con il rapimento di Ganimede 

da parte di Zeus del Pittore di Pentesilea 

(nella foto), il cratere a campana con il ratto 

delle Leucippidi, il cratere con la rara 

rappresentazione del rapimento di Elena da 

parte di Teseo, opera del Pittore di Boreas, 

e lo splendido cratere su piedistallo della 

tomba 136A di Valle Pega con Aiace che 

trascina via Cassandra nell’ultima notte di 

Troia. Originale anche l’approccio del curatore 

al tema da trattare. Se l’oggetto è 

“la rappresentazione della violenza sulle 

donne nella ceramica attica” - si è chiesto 

Cesarano - possiamo tradurlo nella domanda 

“la violenza sulle donne viene presentata 

(e come) dai ceramografi attici?” (...) E 

visto le scene con uomini che inseguono o 

rapiscono donne, come interpretarle? (...) 

Informazioni: 053266299 


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LEONARDO DA VINCI 

ABRUZZO, riti pagani da Oricola 


Jan Fabre, PLANETS 1 - IX 

( Foto Francesco Allegretto) 

Le incredibili macchine 

di Leonardo 

Genova, Museo Sant’Agostino 

fino al 30 giugno 

Il 25 novembre 1796 i manoscritti di 

Leonardo sottratti alla Biblioteca Ambrosiana 

giungevano a Parigi e dalla loro 

analisi il fisico italiano Giovanni Battista 

Venturi, allora in Francia, traeva un Essai 

sur les ouvrages physico-mathématiques 

de Leonard de Vinci, escludendo da questo 

gli studi vinciniani sul volo, giudicandoli 

probabilmente solo una bizzarria chimerica. 

Nel 1486 Leonardo aveva espresso la sua 

fede nella possibilità del volo umano: “potrai 

conoscere l’uomo colle sue congegnate 

e grandi alie, facendo forza contro alla 

resistente aria, vincendo, poterla soggiogare 

e levarsi sopra di lei”. Dal 14 marzo al 

15 aprile 1505 scrive parte di quello che 

doveva essere un organico Trattato degli 

uccelli, dal quale avrebbe voluto estrarre il 

segreto del volo, estendendo nel 1508 i suoi 

studi all’anatomia degli uccelli e alla resistenza 

dell’aria e, verso il 1515, vi aggiunge 

lo studio della caduta dei gravi e i moti 

dell’aria. 

Chiama moto strumentale il volo umano 

realizzato con l’uso di una macchina: individua 

nel paracadute il mezzo più semplice 

di volo: “Se un uomo ha un padiglione di 

pannolino intasato, che sia di 12 braccia per 

faccia e alto 12, potrà gittarci da ogni 

grande altezza senza danno di sé”. Dall’analogia 

col peso e l’apertura alare degli 

uccelli cerca di stabilire allora come impiegarla, 

muoverla e sostenerla. La fede di 

Leonardo nel volo umano sembra essere 

rimasta immutata per tutta la sua vita, 

malgrado gli insuccessi e l’obiettiva difficoltà 

dell’impresa. Ma un esperimento in 

tal senso ci fu e fece da cavia l’amico 

Tommaso Masini. Info:0102511263 


Devozioni millenarie: dai riti 

pagani di Oricola agli ex 

voto dell’Abruzzo medievale 

e moderno. 

Francavilla al Mare, Museo Michetti 

Sino al 23 giugno 

C’è un filo rosso lungo oltre 2000 anni che 

collega le popolazioni italiche che abitavano 

l’Abruzzo nel III-II secolo avanti Cristo 

e gli abitanti di oggi: le offerte votive (ex 

voto) nel culto religioso. Questo è il tema 

della mostra “Devozioni millenarie -Dai 

riti pagani di Oricola agli ex voto dell’Abruzzo 

medievale e moderno” che si 

inaugura al Museo Michetti di Francavilla 

al Mare a cura della Soprintendenza per i 

beni archeologici dell’Abruzzo, della Soprintendenza 

BSAE dell’Abruzzo in collaborazione 

con la Regione Abruzzo, i Comuni 

di Oricola (AQ) e Francavilla al Mare. 

La mostra evidenzia l’ideale continuità tra 

i votivi del III-II sec. avanti Cristo rinvenuti 

nelle indagini archeologiche del santuario 

suburbano di Carsioli (Civita di Oricola- 

AQ) e alcune particolari tipologie di 

offerte di età moderna. Il percorso e- 

spositivo si sviluppa in sequenza diacronica 

dall’età romana all’età moderna, attraverso 

la selezione di reperti significativi del 

rapporto di reciprocità che si stabilisce tra 

dedicante e Dio, passando dai toni simbolici 

del santuario di Oricola (statue, parti 

del corpo umano, animali, frutti e oggetti 

d’uso quotidiano) alle attestazioni popolari 

degli ex voto pittorici e anatomici di età 

moderna (XVIII-XX secolo), ai manufatti 

della cereria De Rosa di Lanciano (CH), 

alle sculture di santi particolarmente venerati, 

fino all’espressione artistica di matrice 

aulica di un’icona della Vergine in trono 

con Bambino. E poi gioielli tradizionali, 

“gli storpi” e “Le serpi” (1900). etc. 

Info: 085-4920300 

MERANO ARTE 

MERANO-MURANO 

Il vetro e l’arte contemporanea 

dall’8 giugno all’8 settembre 2013 

a cura di Adriano Berengo 

e Valerio Dehò 

L’esposizione accosta l’esperienza di una 

serie di artisti contemporanei internazionali 

quali Aldo Mondino, Aron Demetz, Jan 

Fabre, Jaume Plensa, Oleg Kulik, Marya 

Kazoun, Orlan Robert Pan, Vik Muniz e 

altri, e si propone di individuare un percorso 

critico e di studio in grado di espandere 

le capacità espressive di un materiale come 

il vetro di Murano. 

Il filo conduttore è il rapporto che s’instaura 

tra l’artista e il vetro, il confronto con le 

caratteristiche e i vincoli tecnici che il 

medium impone, il dialogo tra il pensiero 

dell’ideatore e la mano del maestro, in cui 

l’opera è la sintesi di saperi, conoscenze ed 

esperienze diverse attraverso le quali si 

approda a un nuovo linguaggio espressivo. 

Gli artisti presenti in questa rassegna sono 

entrati in contatto solo saltuariamente con 

il mondo del vetro. Anche per questo motivo 

i risultati sono di grande originalità e 

innovazione, straordinari e non prevedibili. 

Quello che emerge è che l’incontro tra due 

realtà apparentemente lontane, l’arte contemporanea 

da un lato, il vetro dall’altra, 

ha consentito di immaginarne, idearne e 

costruirne una terza: un mondo nuovo, in 

cui il vetro non rappresenta più semplicemente 

un simbolo della tradizione ma si 

apre a nuovi orizzonti e prospettive. 

Il vetro, materiale estremamente duttile, 

aperto a recepire la creatività artistica nelle 

sue forme più innovative, è protagonista 

negli ultimi anni di un rilancio mondiale. 

L’occasione è stata la prima edizione nel 

2009 di “Glasstress”, iniziativa presentata 

come evento collaterale della Biennale di 

Venezia e diventata una piattaforma di 

riflessione sul rapporto tra designer e arte, 

tra tecniche antiche e arte contemporanea. 

Grazie ad Adriano Berengo e al suo 

laboratorio di Murano la manifestazione si 

è successivamente arricchita di interventi 

da parte delle più importanti personalità 

contemporanee, diffondendosi in tutto il 

mondo. Info: +39-0473212643


MEDAGLIERE ROMANO 

Liu Heung Shing, GIOVANE CINESE COI PATTINI 

DAVANTI ALLA STATUA DI MAO, Dalian, 1981 


Carol Rama, NAIR, 2005, acquaforte su zinco 

I medaglioni romani del 

Monetiere del Museo 

Archeologico Nazionale di 

Firenze. 

Sino al 30 settembre 2013 

Il Monetiere del Museo Archeologico Nazionale 

di Firenze custodisce una tra le più 

belle e importanti collezioni italiane di 

medaglioni di età romana imperiale, oggi 

interamente edita in due volumi di catalogo 

e della quale viene ora esposta una scelta 

di 150 esemplari in oro, argento e bronzo, 

databili tra il I sec. d.C. (Nerone) e il IV sec. 

d. C. (Graziano). 

Iniziato da Lorenzo il Magnifico, l’attuale 

Monetiere è l’erede diretto del Medagliere 

Granducale che nel 1897 fu distaccato dalle 

collezioni delle Gallerie degli Uffizi e 

trasferito nell’allora Regio Museo Archeologico 

inaugurato pochi anni prima. La 

stessa collezione faceva parte dell’immenso 

patrimonio artistico di famiglia che l’Elettrice 

Palatina Anna Maria Luisa, ultima 

discendente dei Medici, donò nel 1743 allo 

Stato di Toscana, a condizione che non 

fosse mai alienato da Firenze e che rimanesse 

“per ornamento dello Stato, per utilità 

del pubblico e per attirare la curiosità dei 

Forestieri”. 

I medaglioni antichi, di maggior modulo 

rispetto alle serie ordinarie, rari nel mondo 

greco e del tutto sconosciuti in epoca romana 

repubblicana, sono ancora poco diffusi 

negli anni di regno degli imperatori del I 

secolo d.C. Una maggiore produzione si 

data, invece, a partire dal II secolo d.C., 

soprattutto negli anni dell’impero di 

Traiano, di Marco Aurelio e di Commodo, 

mentre decisamente più ricca è la serie con 

i ritratti di imperatori a partire dall’età di 

Costantino I e dei suoi successori. I medaglioni 

romani in oro o argento erano multipli 

di valuta nominale corrente ed avevano 

un alto valore intrinseco e più spendibili. 

Info: 055-2357720 

ST. MORITZ ART 

MASTERS 

Sesta edizione 

23 agosto 1 settembre 2013 

Per dieci giorni, la Regione Svizzera 

dell’Engadina rinnova l’appuntamento 

con i protagonisti dell’arte contemporanea. 

Ospite d’Onore di SAM 2013 sarà 

la Cina. www.stmoritzartmasters.com 

Torna a St. Moritz e in tutta l’Engadina uno 

degli appuntamenti culturali più importanti 

dell’estate. Dal 23 agosto al 1 settembre 

è in programma la sesta edizione di St. 

Moritz Art Master (SAM), il festival dedicato 

all’arte contemporanea ideato da 

Monty Shadow e curato da Reiner Opoku, 

che rivela il suo profondo legame con la 

contemporaneità sin dall’immagine guida, 

curata quest’anno dall’artista tedesco 

Tobias Rehberger. 

Da sempre, l’Engadina ha attratto e ispirato 

artisti, sceneggiatori, scrittori e filosofi. 

L’obiettivo del St. Moritz Art Master è 

quello di ripercorrere questa storia, combinando 

le tradizioni locali con le suggestioni 

della cultura internazionale. Non è un caso 

che la nazione ospite d’onore di SAM 

2013 sia la Cina. Il paese asiatico, infatti, 

sta vivendo una stagione artistica di grande 

vivacità che, partendo dalle proprie 

millenarie tradizioni, si apre verso le esperienze 

degli altri paesi. Per dieci giorni, St. 

Moritz e l’Engadina apriranno i loro spazi 

espositivi pubblici e privati per accogliere 

mostre d’arte orientale e occidentale. Un’attenzione 

particolare verrà riservata alle 

tendenze e agli sviluppi dei fenomeni in 

atto in Cina. A tal proposito, in collaborazione 

con il network d’arte svizzero 

Artalliance, si terranno degli incontri con 

giovani artisti (...). press2@ponline.it 

CAROL RAMA. 

Oltre l’opera grafica. 

Museo Comunale d’Arte Moderna 

di Ascona (Svizzera) 

29 giugno - 15 settembre 2013 

La rassegna, curata da Mara Folini, direttrice 

del Museo di Ascona, e Alexandra 

Wetzel, profonda conoscitrice del lavoro 

dell’artista, presenterà 100 opere, alcune 

mai esposte prima, che appartengono alla 

sua produzione grafica più recente, realizzata 

nella stamperia di Franco Masoero, 

che per Carol Rama è stata atelier, luogo 

di creazione, di scambio e d’incontri. 

L’iniziativa offrirà un compendio dei soggetti 

e delle ossessioni che l’artista ha 

inseguito per tutta la vita, ma concedono 

anche uno sguardo sul suo modo di procedere, 

di vivere l’arte, di prendersi gioco dei 

propri tormenti; sarà l’occasione per immergersi 

nel mondo fantastico, di bizzarrie, 

di racconti accennati e allusioni mitiche 

e leggendarie, della quasi centenaria guerriera 

dell’arte, insignita del Leone d’oro 

alla carriera in occasione della 50^ Biennale 

di Venezia. 

Il rapporto tra Carol Rama e l’incisione è 

abbastanza recente. L’artista ha approfondito 

questa tecnica a partire dal 1993, dopo 

un primo contatto avvenuto cinquant’anni 

prima. In pochi anni, fino al 2005, ha 

realizzato più di 150 incisioni originali, 

ricreando il suo personale universo affollato 

di figure e di oggetti. Carol Rama ha 

esplorato fin nei suoi minimi aspetti il 

mezzo espressivo, sia che si trattasse di 

acquaforte, acquatinta, vernice molle e 

qualche rarissimo intervento di puntasecca, 

accompagnato dall’amico Franco Masoero, 

stampatore e pure complice delle sue 

sperimentazioni che trasgrediscono i confini 

della calcografia ortodossa. Infor.ni: 

tel.+41 (0)91 7598140 -museo@ascona.ch 

ARTECULTURA13


INTERLUDI continuano INTERLUDI continuano 

Gregorio 

Mancino 

NELLA SFERA 

PLANETARIA 

La particolare considerazione che 

meglio e più può interessare la pittura 

sperimentale di Gregorio Mancino 

è per noi quella di rivoluzionare il 

luogo comune in dimensione di a- 

vanguardia, far diventare cioè la 

consuetudine un’avanzata finestra del 

divenire tanto artistico quanto umano. 

Una pittura, pertanto, aperta a diversi 

interrogativi tanto statici quando 

dinamici. E trattasi in Mancino di quel 

dinamismo che fermenta il cuore 

battente della sua psicologia artistica 

che fraziona il tempo-critico per unirlo 

ed elevarlo sempre più al dinamismo 

della dimensione avveniristica più 

avanzata. L’aspetto meraviglioso che 

ci rammarica e ci sorprende (come a 

pensare che lo sapevamo anche noi...), 

ma che l’intervento di Mancino, che 

considera il mondo una ruota in eterno 

movimento, stimola a ben riflettere sul 

caso per comprendere meglio noi e la 

sua opera pittorica. L’intervento, che 

partendo dal vissuto, scava la novità 

dell’attesa senza spigolature di facciate, 

ma rivoluzionando quella stessa 

realtà che noi prima ritenevamo 

superata. Invece la realtà non ha 

clessidre e non può non esistere, perché 

in tal caso equivale ad annullare il 

mondo che, invece, Mancino intende 

evolvere in tutta la sua ascendenza 

conoscitiva. 

Marpanoza 

Gregorio Mancino 

“LA RUOTA DEL MONDO” 2008 

Tecnica mista, cm. 100x100 

YOUNG AT ART 

Acri (CS), MACA 

Il progetto di promozione artisticoterritoriale 

Young at Art, giunto alla sua 

seconda edizione, presenta i lavori di 12 

giovani talenti della scena contemporanea 

calabrese. La mostra del MACA di Acri è la 

prima di quattro tappe che si susseguiranno 

lungo tutto l'arco del 2013. In mostra opere 

di Anna Capolupo, Maurizio Cariati, 

Salvatore Colloridi, Marco Colonna, 

Giovanni Fava, Giuseppe Guerrisi, 

Salvatore Insana, Giulio Manglaviti, 

Domenico Mendicino, Mirella Nania, Giusy 

Pirrotta. Sino al 16 giugno. 

Info maca@museovigliaturo.it 

ACCARDI - Opere dagli anni ‘60 

Caserta, Nicola Pedana Arte Contemp. 

In esposizione alla Galleria Nicola Pedana 

Arte Contemporane di Caserta tredici opere 

realizzate dall’artista Carla Accardi a partire 

dagli anni Sessanta fino ad arrivare a quelle 

più recenti. In occasione dell’inaugurazione 

ufficiale della mostra è stato presentato il 

catalogo, edito da Nicola Pedana Arte 

Contemporanea / Grafica Nappa, Aversa 

2013. Il volume contiene i testi di Enzo 

Battarra e Teresa Lucia Cicciarella, oltre 

alle riproduzioni delle opere esposte. “Ho 

sempre usato la pittura come un’ispirazione 

di antipittura, è un desiderio di contraddizione”, 

ha dichiarato l’Accardi in 

un’intervista nel 2004, dicendo di una 

contraddizione che è urgenza vitale, 

principio di un’espressione energica e 

svincolata da barriere e forme preconcette. 

Sino al 16 giugno. 

Info ilcaravaggiopn@libero.it 

LUMPENFOTOGRAFIE 

Bologna, P420 Arte Contemporanea 

E’ di Franco Vaccari la paternità del termine 

Lumpenfotografie (letteralmente, “fotografia 

stracciona”) derivato dalla celebre 

definizione della sociologia marxista. Marx 

definì sul piano sociale “lumpenproletariat” 

un gruppo formato dagli “scarti di tutte le 

classi”: una plebe che vive di espedienti, 

del tutto priva di coscienza di classe. 

Trasformando la categoria socio-politica 

marxiana in categoria estetica, Vaccari ha 

parlato di “lumpenfotografie” a proposito 

del lavoro dell’artista tedesco Joachim 

Schmid, che da trent’anni, raccoglie, 

seleziona ed espone quella che non è, e non 

aspira ad essere, fotografia “d’arte”: le 

fotografie dei quotidiani e quelle amatoriali, 

le fototessere, gli scatti pornografici, le 

illustrazioni dei manuali… Una massa 

irregolare e anarchica, priva della 

consapevolezza estetica (e della autoconsapevolezza 

linguistica) che contraddistingue 

la fotografia “d’autore”, e 

che costituisce perciò l’analogo fotografico 

dei “lumpen” marxiani. La definizione di 

Vaccari ha suggerito l’idea di riunire alcuni 

artisti che hanno fatto della “lumpenfotografie” 

l’oggetto (e spesso il 

materiale stesso) del loro lavoro: Hans- 

Peter Feldmann, Peter Piller, Alessandra 

Spranzi, Joachim Schmid e Vaccari stesso. 

Sino al 31 luglio 

Info 0514847957 

VENTAGLI DI CORTE 

Dozza (BO), Pinacoteca Rocca Sforzesca 

La mostra si articola in due sezioni. Una di 

esse è dedicata ai ventagli di corte con 

esemplari eccellenti come quelli appartenuti 

alla Regina Carlotta Mecklemburg-Strelitz 

(1744-1818) moglie di Giorgio III d’Inghilterra, 

all’Imperatrice Eugenia de 

Montijo (1826-1920), ultima sovrana di 

Francia come moglie di Napoleone III, alla 

corte reale di Danimarca.La mostra si 

conclude con una sezione dedicata ai 

ventagli pubblicitari, alcune decine di 

esemplari che si aggiungono ai cento 

ventagli artistici. Sono pezzi a stampa 

tipografica disegnati da celebri autori quali 

Pal, Mario Pozzati, Morin, Redon, Regent, 

Cappiello, Cassandre, etc. Sino al 30 giugno. 

Info T. 0542678240 

RUTH van BEEK 

Modena, Buchmann Galerie 

Greenhouse è uno dei nomi con cui Ruth 

van Beek chiama il proprio archivio, nel 

quale conserva immagini fotografiche di 

diverso tipo e su supporti variabili, dagli 

album di famiglia alle diapositive, fino ai 

ritagli di giornale, a partire da cui realizza 

le proprie opere. Ruth van Beek usa le 

fotografie come se fossero oggetti, i suoi 

lavori si compongono con uno stile che 

ricorda banali e quotidiane operazioni di 

“taglia e incolla” aprendosi però a soggetti 

e risultati sempre diversi. Accostando 

immagini a grandezza naturale con elementi 

simili, van Beek opera in modo tale che 

forma, grandezza e colore collaborino per 

dare una apparenza di veridicità a qualcosa 

che in realtà non è mai esistito. Si creano 

quindi incidenti aerei, strani oggetti, o 

composizioni floreali, che grazie a una 

accurata costruzione formale riescono a 

offrire una immagine di realtà e di 

credibilità. Sino al 29 giugno. 

Info 059344692 

ARGENTINA Tra arte e fede 

Roma,Braccio di Carlo Magno 

Per la prima volta in Vaticano e in Italia si 

presenta il grande patrimonio artistico che 

ha caratterizzato e caratterizza la storia e le 

tradizioni del popolo argentino. La rassegna, 

divisa in diverse sezioni e organizzata da 

Artifex, è il risultato di un’attenta selezione 

di opere appartenenti a importanti

INTERLUDI continuano INTERLUDI continuano 

collezionisti argentini che hanno generosamente 

messo a disposizione le loro 

opere, molte delle quali lasceranno il paese 

per la prima volta.Conoscere l’Argentina, 

la sua cultura e la sua storia è l’intento 

dell’esposizione. La fratellanza fra il popolo 

argentino e italiano la rende un omaggio 

alle due nazioni che condividono un lungo 

percorso di storia. La mostra è un riguardoso 

omaggio a Papa Francesco, alla sua terra, e 

alle sue origini italiane. Sino all’8 giugno. 

Info 0668193064 

FAULHABER LDPF 

Roma, Galleria Extraspazio 

LDPE (low density polyethelene) è il nome 

di un polimero termoplastico ricavato dal 

petrolio, sintetizzato negli anni ’30 del 

secolo passato e tuttora in uso per infiniti 

oggetti, dalle buste di plastica alle superfici 

di lavoro, a parti di hardware nei computer. 

Molti degli interni ed esterni fotografati da 

Faulhaber sono effettivamente costruiti con 

questo materiale ‘moderno’ per definizione, 

ma in ogni caso LDPE si adatta perfettamente 

alle ironiche metafore dell’artista 

di utopica resistenza alla corrosione, 

al deperimento, alla mortalità; necessariamente 

un mondo senza esseri viventi 

che fastidiosamente sporcano, graffiano e 

danneggiano. Sino al 28 giugno. 

Info 0668210655 

GHIRRI - Pensare per immagini 

ROMA, Museo MAXXI 

Il MAXXI dedica all’opera di Luigi Ghirri, 

tra i maestri indiscussi della fotografia in 

Italia, una grande mostra antologica, nata 

dalla collaborazione tra il Museo e il 

Comune di Reggio Emilia, la città dove il 

fotografo ha vissuto e alla quale ha lasciato 

il suo archivio. E proprio dai materiali 

originali – fotografie, menabò, libri, 

cataloghi e negativi – oggi conservati presso 

la Biblioteca Panizzi, partner istituzionale 

del progetto, la mostra intende partire per 

raccontare i diversi profili di questa 

complessa figura di artista. Sino al 27 

ottobre. Info 0639967350 

PITTORISCRITTORI 

Torino, Spazio Don Chisciotte 

Nove pittori scrittori per un nuovo spazio 

espositivo. Dal 18 aprile è aperto a Torino 

( via della Rocca 37) Spazio Don Chisciotte 

con la mostra Pittoriscrittori: una ventina di 

opere di alcuni protagonisti culturali del 

Novecento, che hanno dedicato la loro vita 

alla pittura e alla letteratura, alle immagini 

e alle parole: Luigi Bartolini, Dino Buzzati, 

Italo Cremona, Filippo de Pisis, Albino 

Galvano, Mario Lattes, Carlo Levi, Alberto 

Savinio, Emilio Tadini.Spazio Don 

Chisciotte è il nuovo luogo espositivo ideato 

e voluto da Caterina Bottari Lattes, 

presidente della Fondazione Bottari Lattes. 

Porta il nome della storica galleria romana 

diretta da Giuliano De Marsanich, che aprì 

la sua attività nel 1962, testimonial Alberto 

Moravia, proprio con una mostra di Mario 

Lattes. Idealmente dedicata allo scrittore e 

pittore scomparso nel 2001, la rassegna 

torinese presenta nove artisti che, come 

Lattes, trovarono nella pittura e nella 

scrittura scambievole e paritaria modalità 

espressiva. Sino al 22 giugno 

Info 0173789282 

MUKHIN - La Mia Mosca 

Milano, Laura Bulian Gallery 

Laura Bulian Gallery presenta la mostra 

personale del fotografo russo Igor Mukhin, 

"La Mia Mosca".In mostra saranno 

presentate fotografie in bianco e nero, tra 

cui una selezione di opere recentemente 

pubblicate nel libro La mia Mosca. 

Fotografie 1985-2010 , edito Thames & 

Hudson ed esposte in occasione del Festival 

della Fotografia Europea 2012 a Reggio 

Emilia, "Vita comune". Sospesi tra lo spettro 

e il reale, qualunque esso sia, in tutta la sua 

contraddizione insondabile, pare il tono di 

tutte le immagini del libro di Mukhin, di 

fronte alle quali viene spesso da chiedersi: 

stiamo sognando? o piuttosto loro stanno 

sognando? La Mosca di Mukhin è un 

crogiolo in ebollizione: tutto è compresente, 

tutto è possibile.Sino al 6 luglio. 

Info 02 4800 8983 

MAURONER - Spigolature 

Milano, Stazione Centrale 

Le immagini di Eros Mauroner vanno oltre 

la descrizione puramente tecnica lasciando 

allo spettatore la possibilità di intraprendere 

in poco tempo un viaggio di mesi, dal quale 

si percepisce il grande impegno assolto in 

tempi incredibilmente brevi, la scoperta di 

originali decorazioni e pavimenti stile 

liberty, di elementi simbolici che raccontano 

vecchie storie, per la realizzazione di un 

ambiente rinnovato e contemporaneo nel 

rispetto della storia. Ogni fotografia 

possiede una singolare forza espressiva, la 

suggestione dello sforzo fisico e progettuale 

diviene tangibile grazie anche alla 

particolare complessità e luminosità 

dell'ambiente cantiere. La serie elaborata 

attraverso la duplicazione speculare mostra 

una forma del tutto inaspettata. La 

congiunzione di geometrie e colori dà vita 

a visioni nuove, ambienti onirici nei quali 

l’orientamento si perde nei pieni e nei vuoti 

suggerendo punti di vista di un’intensa 

dinamicità spaziale. Sino al 21 giugno 

DA DURER A PICASSO 

Cagliari, Castello di San Michele 

La mostra presenta quasi novanta capolavori 

provenienti dalla Collezione ArtCamù 

dedicati al paesaggio e nasce dall’idea di 

cogliere la forte relazione che c’è tra il 

Castello San Michele, il paesaggio e la 

città. Strutturata in undici sezioni tematiche, 

l’esposizione si snoda in un’affascinante 

successione di opere grafiche dove 

protagonisti sono gli alberi, le rocce, l’acqua, 

ma anche paesaggi notturni, di sfondo o 

urbani. La mostra, arricchita da una 

articolata sezione didattica con laboratori 

per piccoli e adulti, è organizzata e prodotta 

dal Consorzio Camù e realizzata in 

collaborazione con il Comune di Cagliari. 

Sino all’8 settembre. Info 070500656 

SARNARI - Frammenti 

Agrigento, Fabbriche Chiaramontane 

Dettagli di corpi, primissimi piani come 

fotogrammi intimi fra amanti, l’invenzione 

di una pittura a impatto. Si annuncia come 

un silenzioso e vibrante racconto sull’amore 

quello di Franco Sarnari alle Fabbriche 

Chiaramontane di Agrigento dove dal 20 

aprile al 23 giugno è di scena la mostra 

Sarnari. Frammenti, la prima antologica 

dedicata al ciclo più importante dell’autore, 

romano di nascita e siciliano d’adozione. 

A cura di Lorenzo Canova, e in collaborazione 

con Antonio Sarnari, in mostra 

alle FAM è un percorso monografico sui 

Frammenti: quasi cinquant’anni di pittura 

che dagli anni Settanta hanno collocato 

Sarnari tra i maggiori pittori italiani del 

secondo Novecento. Info 3492684564 

LEONARDO da Vinci - Machines 

Noto (SR), Palazzo Trigona 

Le sorprendenti Macchine progettate dal 

genio di Leonardo da Vinci sono esposte a 

Palazzo Trigona, Noto, dal 5 aprile al 30 

giugno 2013. Realizzate interamente in 

legno e a dimensione reale, simbolo di 

genialità e invenzione, sono opera dello 

staff del Worldwide Museum Activities. 

Fanno da cornice alla mostra, i capolavori 

artistici del giardino di pietra barocco più 

grande d’Europa. per informazioni 

www.comune.noto.sr.it 

LI YING JIE - Lo Spirito della Roccia 

Firenze, Palazzo Medici Riccardi 

L'originale artista cinese Li Ying Jie porta 

a Palazzo Medici Riccardi cinquantadue 

delle sue magnifiche opere: lastre di marmo, 

pietra fossile, giada, alabastro provenienti 

da tutto il mondo da cui emergono colori 

naturali delineando forme che appaiono 

come pitture naturali. L'opera artistica è 

quella di saper estrapolare questi disegni 

con tagli in sezioni verticali e orizzontali. 

Le immagini che sembrano raffigurare fiori, 

paesaggi, profili di montagne, fiumi e colline 

sono un impressionante frutto della natura 

Dal 6 giugno al 30 luglio. Info 0552760340 


Antonietta 

Di Seclì 

PERCORSI 

PARALLELI 

Il tempo nel dramma sembra non esistere 

quello che prevale nella mente in 

allarme si deve soprattutto al superamento 

ostacolante affinché il normale 

riordino possa ripresentare di 

nuovo la dimensione della condivisa 

attività. Un modo espressivo per significare 

che il dipinto che la pittrice 

Antonietta Di Seclì ci fa conoscere 

questo mese: “L’ARNO IN PIENA” 

1999, olio su tela cm. 70x50 può essere 

l’esemplare manifestazione della 

tensione sovvertitrice che possa avverare 

in un’artista visiva l’emblematicità 

del dramma. Infatti la pittrice 

incolora lo scorrere tempestoso delle 

acque in una tristezza violacea intercalando 

il fluviale delle onde di ricalcate 

tonalità che puntualizzano la sfera 

psicologica dell’artista nell’uso risentito 

del colore. Un dipingere che poi 

si pone in tutta sintonia con il rettangolare 

dell’urbano, i due lati che contengono 

la piena preoccupati d’una 

crescita, ma che la pittrice dipinge quasi 

a dispetto come argine d’insuperabile 

sicurezza. Il secondo aspetto alluvionale 

del dipinto che insieme allo scorrere 

inquieto delle acque si condensa 

con il più violaceo pauroso del cielo 

fino a formare un trinomio di congiunzione 

piramidale d’orizzonte che dà 

senso a quello che prova la pittrice nel 

suo cielo interiore. Così da formare una 

parallela emozione il cui incanto emotivo 

sprigiona dalla diretta sensibilità 

che prova una pittrice a cospetto di certi 

indesiderati quanto dolorosi avvenimenti. 

(Marpanoza) 

Antonietta Di Seclì: 

“L’ARNO IN PIENA” 1999 

Olio su tela, cm 70x50 

VANNGIO’ 

Giovanna 

Gusmaroli 

“L’EMOZIONE PENSATA” 

Nel suo continuo confronto con la suggestione 

e la sfida, implicite nell’importante 

genere artistico del nudo, 

VANNGIO’ sa imprimere il senso di 

un suo personale stile espressivo. Esso 

rivela qualità notevoli di forza 

disegnativa e di approfondimento psicologico. 

Per l’artista il nudo non è 

solo o tanto una realtà fisica, quanto 

una percezione, in primo luogo emotiva, 

poi del pensiero riflessivo. Tutti 

questi elementi si ritrovano sistematicamente 

nei nudi da lei dipinti, in cui la 

struttura plastica della forma si accorda 

ad un cromatismo freddo, spesso 

giocato su ocra, grigi, terre, che però 

mettono in risalto quell’indagine interiore 

a cui l’artista tende . Da queste 

premesse scaturisce una pittura di 

lineare configurazione che trasforma 

il nudo in una sottile metafora della 

condizione umana, dei suoi stati d’animo. 

Da notare poi il controllo del mezzo 

espressivo, quasi spinto alla ricerca 

di un’oggettiva purezza che silenziosamente 

si esalti nel puro apparire 

dell’immagine. Un ulteriore fattore, 

questo, che convalida la pittrice. 

Aoristias 

Giovanna Gusmaroli “VANNGIO’” 

SALUTO NOSTALGICO 2013 

Acrilico su carta, cm. 50x70 

Giancarlo 

Amurri 

L’INCANTEVOLE 

PAESISTICO 

Il mare in tutto il suo mistero e la sua 

magia, la sua utilità e pericolo, la sua 

immensità oceanica e ristrettezze d’incrinature 

di coste, sa di continuo destare 

meraviglia a quell’invito artistico 

che in modo particolare possa sentire 

un pittore, forse, ancor più di un 

poeta o di un musicista, ovvero attrarre 

la spontanea attenzione di un normale 

ammiratore. Il suo rapporto con 

l’uomo interessa a pieno tutta la sua 

sensibilità di vocazione che un pittore 

possa poi sentire come suo impegno di 

tavolozza. Quel mondo oceanico o costiero 

che poi spinge in modo irresistibile 

un operatore visivo a riprodurre 

sulla tela la sua emozione dipingendo 

una appagante marina, similmente 

come Giancarlo Amurri realizza la riproduzione 

del dipinto: “BARCHE A 

CUPRAMARITTIMA”, quell’azzuro 

mare e di cielo che caratterizzano le 

coste adriatiche italiane. Il dipinto che 

non lega la sua vitalità d’invito tanto 

all’ambiente, il luogo, quanto alla scelta 

soggettiva che poi interessa il collezionismo 

come esigenza di emozione 

liberatoria senza uno specifico dettaglio. 

Piace e basta. Questo è il punto 

che chiama in causa un pittore, regista 

ed esecutore dell’opera che trae fermento 

di bellezza o drammatica dal 

mare. Un mare come filosofia dell’infinito 

in cui la ragione viene superata 

dall’incanto lirico o tempestoso ma 

comunque inesauribile di attrazione 

pittorica e non solo. (Marpanoza) 

Giancarlo Amurri 

“BARCHE A CUPRAMARITTIMA” 1998 

Olio su tavola, cm. 25x 20 

16 ARTECULTURA

Gianfranco 

Rontani 

Un Maestro tra i 

personaggi della pittura 

che hanno segnato l’arte 

del secolo XX 

Cavaliere della Repubblica per 

meriti artistici dipinge 34 tele di 

metri 2 x1 per le 60 rappresentanti 

l’Inferno a cui fanno eco d’arte altre 

22 tele sul Carnevale di Viareggio, 

dall’opera di 4 metri donata al Santo 

Padre “Lasciate che i fanciulli 

vengano a me” in occasione della 

sua visita pastorale a Lucca, alla 

“Resurrezione di Cristo dinanzi a 

Sua Madre Maria” anch’essa 

donata al Papa durante la sua visita 

alla Diocesi di Lucca a Roma per il 

Giubileo. Una testimonianza di arte 

e di solidarietà che contraddistinguono 

l’operato. 

Nel floreale acceso di primavera 

Gianfranco Rontani, maestro storico 

di vissuta esperienza artistica, 

ha sempre guardato con l’attivo 

piglio della libera creazione pittorica 

nella quale la forza primigenia 

della semplicità naturale 

fa richiamo con la spontanea armonia 

della sensibilità umana. E 

nel dipinto che si riproduce la dimostrazione 

pensiamo che sia tanto 

evidente quanto palese. Il rosso 

corolla acceso di vitalità tonale che 

emerge sul verde delle foglie sorrette 

a loro volta da un fondo grigio-verde 

ramificato compongono 

lo spirito stilistico della libera 

poetica. (Marpanoza) 

Segromigno di Piano (Lu) 

Cell. 3349020404 

Artecultura tel. 02-864.64.093 

Gianfranco Rontani 

“PENSIERI FLOREALI” 

Olio su tela, cm. 30x40 

Carla 

Monti 

PITTURE 

FLOREALI 

La luminosità poetica favorisce l’espressione 

colorata del sorriso come se 

gli “ANEMONI” si alimentassero per 

miracolo e non dell’ acqua che contiene 

la trasparenza del vetro dove si dilungono 

gli steli. Ma non è tutto, guardando 

i due lati del tavolo su cui posano, 

a destra alcuni libri chiusi, in cui 

spicca il rosso del primo che, come per 

magìa, si pone in tutto sollazzo con il 

rosso degli anemoni. Mentre sulla sinistra, 

un libro aperto, spalanca le sue 

due pagine segnate da due fili di rosso 

in parallelo di pendenza fino a formare 

un immaginario triangolo, a dirsi, 

di sembianza equilatera in cui l’insieme 

ravviva un’atmosfera di festa. L’armonia 

pittorica in cui gioisce la diversificata 

poetica delle parti che, a sua 

volta, si rispecchia su un fondo di azzurro-chiaro. 

La virtuosa maestria di 

Carla Monti nel cui dipinto domina 

l’estro della sentita ricerca che armonizza 

in modo misterioso tutta la composizione 

del dipinto. Un bel dipinto 

che nella sua scioltezza di realizzazione 

collega l’intuizione alla natura, la 

struttura all’idea e la poetica all’emozione 

nella quale le convergenze 

fenomeniche ritmano quel battito d’armonia 

che appaga l’emozione, lo stimolo 

della pittrice e quello più generale 

dell’altrui fruizione. Un dipinto 

primavera/estate in eco di stagione e 

di carica culturale detto nel senso più 

esteso della manifestazione pittorica. 

Marpanoza 

Info: www.carlamonti.it 

Carla Monti: “ANEMONI” 

Olio su carta, cm. 50x70 

Emilio 

Formenti 

VEDUTE 

DI CAMPAGNA 

Il paesaggio, i suoi molteplici aspetti 

sono sempre stati quella versione pittorica 

che ha sempre attratto la tavolozza 

di Emilio Formenti che, come 

nel caso, dipinge “GIRASOLI”. Un primo 

piano del dipinto nel quale il giallo 

risentito dei girasoli può esprimere 

un senso di sofferenza e di sollievo, 

asseconda l’atto della lettura con cui 

l’umore dello sguardo si presta. Girasoli 

in assemblage di fila indiana, quasi 

una processione in cui il canto e l’indulgenza 

si contengono vicendevolmente. 

Il dipinto - per essere compreso 

- presenta una composizione disordinata 

e composita, ma comunque attraente, 

specie per quel verde primavera 

che si interpone tra i girasoli e il 

filar delle case che si dispongono sul 

fondo del dipinto. Un alto senso di raccoglimento 

vezzeggia tutta la composizione 

che nel più lontano orizzonte 

accenna e dispone una catena di monti 

in atmosfera di risentita lontananza. 

Un particolare dipinto nel quale primeggia 

la personalità pittorica e, si 

direbbe in parallelo, anche umana del 

maestro Emilio Formenti. La sua campagna, 

il suo verde, i suoi fiori, le sue 

case, il dipinto che n’elogia la natura 

in tutte le sue forme, il suo mondo inquieto 

e ribelle di poetiche a sorpresa 

che nel caso segnano l’iter della sua 

tematica che dipinge ed unisce il variabile 

della natura agli umori dell’uomo. 

(Marpanoza) 

e-mail:emilioformenti@yahoo.it 

Emilio Formenti 

“GIRASOLI” 



Luisa 

Visconti 

L’ACQUERELLO 

A VISI DI SOLE 

Michele 

Giannattasio 

LA MEMORIA 

RICONOSCENTE 

Laura 

Tosca 

IL TEMPO 

INFINITO 

Non è una singolarità dipinta per caso, 

ma un acquerello che si origina con lo 

stimolo improvvisato dell’autodibattito 

sperimentale in cui tutto va bene, ma 

si cambia, perché la macchia del colore 

non si distende come desidera l’appagamento 

creativo. Il desiderio in arte 

non ha un simbolo specifico come lo 

possa avere un balcone ovvero un albero, 

ma stando a quanto lasciano intendere 

Buddha e Freud sa essere fluttuante 

per avvicinare amici e nemici 

degli amici a dissuadere dalle proprie 

proposte per convenire alla pianificazione 

di un accordo artistico equilibrato. 

Che piace, soddisfa il gusto sensitivo, 

perché spontaneamente si ramifica 

al grande tronco dell’albero universale. 

Così, per affinità di principio e di condizione 

conseguita si presenta “DIGI- 

TALE”, l’acquerello che propone la pittrice 

Luisa Visconti. Una composizione 

deliberatamente armoniosa per la 

sua sintonia di primo piano dello steccato 

rivestito di floreale con il verde 

un po’ asciutto che s’immedesima al 

cenerino del fondo che, dai laterali della 

base, poi si distende a macchia d’informale 

in tutta la campitura del dipinto 

additando la compatta visione. 

(Marpanoza) 

Luisa Visconti“DIGITALE“ 

Acquerello , cm. 36x51 

Il mondo delle emozioni è davvero infinito, 

in un pittore, poi, premuto dalla 

spinta di ricerca, la considerazione 

diventa ancor maggiore per comprendere 

il movente di una sua opera, una 

vera e propria domanda come si vuol 

dire per Michele Giannattasio che in 

questo numero di Artecultura propone 

“AI CADUTI 1985”. Un fatto apparentemente 

commemorativo, che però sta 

a significare molto di più del semplice 

ricordo, ed infatti, Gannattasio non a 

caso simboleggia l’idea di un grande 

cerchio dal quale poi pende un Martire 

che interessa la tristezza del sentimento 

che va ben oltre la casualità del 

ricordo. Tanto che da un dato commemorativo, 

poi l’idea muta in rivendicativa, 

in cui il cerchio si equivale 

alla sfera del mondo, all’idea universale 

verso cui un artista come Giannattasio 

non si lascia sfuggire il suo 

contributo con stimolo di umana emozione. 

Infatti il cerchio viene dipinto 

in un marrone che rasenta il nero mentre 

l’ambiente urbano circostante in un 

marrone molto più chiaro segnato da 

gestualità grafica evidente di partecipazione 

del pittore alla condanna del 

sopruso.. L’arte, prima di ogni altra 

cosa, è l’uomo! (Marpanoza) 

Michele Giannattasio 

“AI CADUTI 1985”, Olio su tela 

La figura in tutte le sue forme e dettagli 

comporta sempre uno spirito di comunicazione 

in cui il linguaggio ci interessa 

sempre più da vicino, questo perché 

in un certo qualmodo ci immedesimiamo 

in esso anche senza saperlo. Se 

invece guardiamo un paesaggio anche 

se l’ambiente nel suo insieme risulta a 

noi vicino, le considerazioni di lettura 

sono diverse, perché differenti sono gli 

stimoli della nostra percezione. Così, 

ritornando alla figura, che ci fa conoscere 

Laura Tosca: “TIME OUT” 2012 

possiamo al caso meglio comprendere 

la tensione che fermenta la figura femminile 

raccolta e verticale. Una triangolare 

geometria dipinta a macchia di 

risentito cenerino che poggia il corpo 

seduta su un drappo rosso e la testa 

castano-scuro dei capelli, lascia comprendere 

che il vero messaggio della 

figura non è la materica fisicità del 

dipinto, ma quello che bolle nell’interiore 

della persona raffigurata. Quanto 

basta per farci consapevoli che dipingere 

una figura umana è superiore alla 

poetica di tutti i paesaggi. Per cui che la 

figura sia raccolta, dipinta in verticale 

in sensibile cenerino, morfologica una 

tensione culturale in alfabeto di realtà. 

Marpanoza 

Laura Tosca 

“TIME OUT” 2012 

Acrilico su tela, cm. 60x80 


ALVARO 

FUTURIBILE 

GEOMETRICO 

A VOCAZIONE PITTORICA 

La bicicletta si lascia sempre intuire più 

che l’embrione, il motore geometrico che 

compone e movimenta il dipinto del maestro 

Alvaro che, all’occasione, ci fa conoscere 

“CONVERGENZA”, una tecnica 

mista di cm. 100x100. Opera nella 

quale il prodigio dei colori che armonizza 

il dipinto assume una doppia funzione: 

l’immaginaria della linea tracciante 

e la prestazione del colore che di 

fatto intuisce e traccia la formale composizione 

nel cui ventre si nota trasversale, 

appunto, un metaforico schema di 

bicicletta, dipinta in arancio-azzurrocenerino. 

Tonalità verso cui poi fanno 

convergenza d’armonia le diverse tonalità 

che danno adito ad un allusivo quanto 

variato collegamento semantico che 

si origina dagli accostamenti poetici del 

colore disposto in riquadrature, circonferenze, 

ed appunti grafici che risvegliano 

nel dipinto una compiacente emozione 

nella quale geometria e colore si si 

amalgamano in modo virtuoso come lo 

stimolo inventivo del maestro avvera. 

Cosa di più specifico voglia ancora dire 

e significare la congeniale composizione 

geometrizzata con incidenze informali, 

lo dobbiamo domandare alla ricerca 

del maestro, alla scelta propositiva della 

bicicletta, alla sua premessa di partenza 

e di collegamento con i giorni 

culturali dell’uomo. Una pittura tutta al 

futuribile che domanda l’avvenirismo 

nel tempo per conseguire la forma avanzata 

di nuove meraviglie. (Marpanoza) 

Alvaro: “CONVERGENZA” 


CORTINA 

A R T E 

Via MAC MAHON, 14 (Cortile int.7) 

20155 MILANO -ITALIA 

Tel 02/33607236 

www.cortinaarte.it 

E-mail: artecortina@artecortina.it 

PERMANENZE 

DINO BUZZATI - GIANCARLO 

CAZZANIGA - GIANCARLO 

CERRI - GIOVANNI CERRI - 

ROBERTO CRIPPA - DADAMAINO 

- FORTUNATO DEPERO - 

LUCIANO MINGUZZI 

Inaugurazione della mostra ore 18,30 

dal 4 giugno al 19 luglio 2013 

MARINA APOLLONIO 

DADAMAINO 

MARCELLO MORANDINI 

JORRIT TORNQUIST 

Fuori dal coro 

A cura di Susanne Capolongo 

e Stefano Cortina 

Apollonio, Torsione 

Dadamaino, 

Tempera su carta 

Morandini 

Jorrit Tornquist 

GALLERIA 

PONTE ROSSO 

20121 - Milano via Brera 2 

Tel/Fax 02/86461053 

Corrisp. via Monte di Pietà1/A 

WWW:http://www.ponterosso.com 

E-mail:ponterosso@ponterosso.com 

AGENDA Stagione 2012/2013 

Dal 6 al 30 giugno 2013 

Andar per mostre 

antologia delle mostre 

personali e collettive presentate 

nella stagione 2012 / 2013 

G. Sperati Andar per mostre, 1958 

Inaugurazione 

giovedì 6 giugno ore 18 

ASSOCIAZIONE CULTURALE R. CORTINA 

Via Mac Mahon, 14 (Cortile interno n. 7) 

20155 MILANO - ITALIA 

Tel/Fax 02/33607236 - Cod.Fisc. 97181820156 

Galleria d'Arte 

Ponte Rosso 

Orario di apertura: 

10-12,30 / 15,30 -19 

Chiusura: domenica e lunedì 

E-mail:ponterosso@ponterosso.com 

Sito Internet: www.ponterosso.com 


SALIERI, IL “NON OMICIDIO” DI MOZART 

E LO SPOGLIARELLO DI RAFFAELLA 

Mentre assistiamo a una delle 

brutte opere serie di Rossini, si rafforza 

in noi la convinzione che nella lirica 

ci siano figli e figliastri: ai primi tutto 

è dovuto, mentre agli altri toccano le 

briciole se non l’oblio, e a questo 

proposito non possiamo non pensare 

ad Antonio Salieri. Chiariamolo 

subito: non solo Salieri (1750-1825) 

non ha ucciso Mozart, ma neppure è 

provato che, ormai folle, si sia accusato 

di averlo fatto. Fra i due poteva non 

esserci simpatia, ma è bene tener 

presente che all’epoca Salieri era una 

celebrità, mentre Mozart, smessi i 

panni del bambino prodigio e non più 

attrazione virtuosa, annaspava per 

affermarsi. 

E’ certo che Salieri ne comprendesse 

a pieno la genialità e forse 

in cuor proprio la invidiasse, il che non 

giustifica il poemetto di Puskin 

“L’invidia” nel quale è appunto Salieri 

20ARTECULTURA 

Il compositore Antonio Salieri 

a uccidere Mozart, 

né ha dissolto i 

dubbi sulle potenzialità 

omicide del 

musicista italiano 

il dramma teatrale 

di Shaffer, che nel 

1978 ha rivisitato 

in chiave parzialmente 

assolutoria 

la cosa, ripresa 

pochi anni dopo 

sullo schermo da 

Forman con il bello 

e fantasioso “Amadeus”. 

Salieri,oltre 

che autore di 

successo, fu anche 

prestigioso insegnante, 

tanto da 

avere fra i propri 

allievi Beethoven, 

Schubert e Liszt, 

oltre che uno degli 

orfani dello stesso 

Mozart, il che implica 

che Costanze, 

la vedova, non nutrisse paricolari 

animosità nei suoi confronti. 

“Se è vero che Salieri non ha 

ucciso Mozart, è altrettanto vero che 

Puskin ha ucciso Salieri” è stato 

ripetuto mentre, con il passare del 

tempo, la produzione musicale del 

compositore veneto scivolava verso il 

dimenticatoio. Ed è un peccato. E’ 

stata la sua “Europa riconosciuta” a 

inaugurare a Milano, il 3 agosto 1778, 

il nuovo Teatro alla Scala, e per 

celebrare il duecentenario dell’evento 

si era dato per scontato, nel 1978, che 

l’opera venisse riproposta; ma il 

maestro Claudio Abbado, dopo averci 

riflettuto, ha finito per concludere che 

“Europa” fosse ormai inadatta. 

Riccardo Muti, invece, l’ha 

voluta per la nuova inaugurazione del 

2004, dopo i restauri sciagurati che 

hanno devastato l’estetica del complesso 

scaligero, e perciò rieccola, noi 

curiosi a scoprirne la musica di fattura 

veramente alta, in un insieme tuttavia 

datato e non sorretto da una regia che 

nel barocco o è dinamica o è sbadiglio, 

esteticamente però pulitissimo, scenografia 

elegante e un gran daffare di 

macchinari scenici a dimostrazione 

che l’esecrabile restauro a qualcosa 

deve essere servito. Restiamo a quel 

“ritorno”, a dire il vero interlocutorio, 

e non per il fatto che la solita schiera 

degli inutili e ignorantissimi vip 

perennemente a scrocco ha cominciato 

a guardare più l’orologio che il 

palcoscenico prima del solito, ma 

perché anche noi rimanevamo perplessi, 

nonostante le arie pregevoli, i 

concertati armoniosi, gli smalti del 

coro e una Diana Damrau nei panni 

di Europa convincente fino a travolgere. 

Colpa forse dei recitativi 

“pesanti”, pensavamo; invece la nostra 

era precognizione, perché sul finire del 

primo atto l’opera è stata funestata da 

un interminabile balletto (18 atroci 

minuti!) che ci ha ridotto, dopo una 

desolata sbirciatina alle inquietanti 

scheletricità delle ballerine e un’altra 

piena di invidia alle michelangiolesche 

strutture muscolari dei maschietti, 

a fissare l’orologio come 

qualsiasi vip incolto. 

Nessuno però ci convincerà 

che per Salieri non possa esserci un 

futuro sui palcoscenici, dove arriva di 

tutto compresa la terrificante “Osteria 

di Marechiaro” di Paisiello. Si 

potrebbe cominciare da “La grotta di 

Trofonio”, operina di pregevole rilievo 

musicale. Chi volesse farsene un’idea 

può trovarne qualcosa in “rete”: c’è il 

delizioso “La ra la ra” di Cecilia 

Bartoli, raccomandabilissimo, riproposto 

anche in chiave scenica da 

Raffaella Milanesi, che è bellina, sa 

di esserlo e, nell’aria “O cangia 

cervello…” si esibisce in uno spogliarello 

al termine del quale esplicita 

un seno spettacolare: cosa non si fa per 

amore della lirica! 

Giovanni Chiara

Jean Prouvé, STAZIONE DI RIFORNIMENTO PREFABBRICATA 

UN PASSIONE 

PER JEAN PROUVE’ 

La Pinacoteca Giovanni e Marella 

Agnelli di Torino presenta Una 

passione per Jean Prouvé, una mostra 

di mobili e architetture del designer 

francese Jean Prouvé provenienti dalla 

collezione di Laurence e Patrick 

Seguin. Laurence e Patrick Seguin 

hanno scoperto l’opera di Jean Prouvé 

attraverso le sue creazioni di mobili 

alla fine degli anni ‘80. Subito sedotti 

dalla loro estetica unica, nella quale 

tutta la capacità artistica convive 

nell’impercettibile maestria tecnica a 

servizio della resistenza dei materiali; 

considerando che all’epoca pochissimi 

sapevano chi fosse veramente Jean 

Prouvé, il loro entusiasmo è stato 

immediato, un’emozione di linee, una 

rivelazione che è diventata una vera 

passione. La coppia si è poi interessata 

all’insieme della produzione di Jean 

Prouvé, di cui i mobili non costituiscono 

che una parte. E’ così che hanno 

scoperto le sue architetture. Partendo 

dal principio che “non c’è una 

differenza tra la costruzione di un 

mobile e di un immobile” Jean Prouvé 

ha applicato questa sua riflessione sia 

ai mobili sia all’architettura; questa 

logica costruttiva comune è diventata 

la base di tutta la sua opera. 

Dall’apertura della galleria a Parigi 

nel 1989, Laurence e Patrick Seguin 

hanno intrapreso un rigoroso lavoro 

per far conoscere le creazioni di Jean 

Prouvé. I più importanti collezionisti 

internazionali e i musei più prestigiosi 

hanno ormai pezzi di questo architettodesigner 

francese nelle loro collezioni. 

Jean Prouvé è oggi considerato come 

uno dei massimi esponenti del design 

del XX secolo.Laurence e Patrick 

Seguin presentano per la prima volta 

alcune opere dalla loro collezione 

privata: una quarantina di pezzi di 

Jean Prouvé, la maggior parte prototipi 

o esemplari molto rari, dalla poltrona 

immaginata per la città universitaria 

di Nancy nel 1954, alla poltrona 

leggera creata per l’università 

d’Antony nel 1954, passando per i 

mobili creati per l’Africa.Gli stessi 

principi basati su una logica di 

fabbricazione e di funzionalità applicati 

ai mobili spesso destinati al settore 

pubblico sono ripresi nelle architetture: 

le stesse strutture solide sono assemblate 

e articolate da meccanismi astuti 

che permettono sia ai mobili che alle 

costruzioni di essere facilmente 

spostate, smontate, modificate.Sulla 

pista del Lingotto viene montata per la 

prima volta la Maison Metropole (8x12 

metri), casa in alluminio vincitrice nel 

1949 di un concorso del Ministero 

dell’Istruzione per la costruzione di 

una scuola rurale con annessa la casa 

per l’istitutrice. Capolavoro di 

architettura nomade, ideata sul 

principio degli edifici a portici 

brevettati da Prouvé nel 1939, l’Ateliers 

Jean Prouvé ne realizzò due prototipi. 

Mostra in programma sino all’8 settembre. 

Info 0110062008 

MANGA 

FESTIVAL 

200 anni di Arte Manga 

Milano, Spazio WOW - sino al 15 giugno 

Milano, Rotonda della Besana sino al 21 luglio 

L’esposizione, curata da Isao Shimizu, 

riunisce per la prima volta quasi 500 

tavole – originali e copie – di oltre 350 

artisti. Il progetto, frutto di anni di 

lavoro, ha coinvolto manga-ka, esperti 

del settore e oltre 20 tra le più importanti 

case editrici giapponesi ed è stato ideato 

e realizzato da ADK in collaborazione 

con l’Associazione culturale Giappone 

in Italia e con il patrocinio del Consolato 

generale del Giappone in Italia. Il 

progetto espositivo offre una pluralità 

di prospettive su questa antica arte, che 

si colloca al crocevia tra cultura, storia 

e società e offre la possibilità di 

osservarne l’evoluzione e la diffusione 

in tutto il mondo. Partendo dal “Manga 

di Hokusai” (1814) - l’opera formata 

da 15 volumi in cui compaiono oltre 

quattromila personaggi e a cui si deve 

la diffusione del termine “Manga” - la 

mostra ripercorre lo sviluppo di questa 

arte negli ultimi due secoli, divenuta 

una delle più rappresentative della 

cultura giapponese contemporanea. 

L’esposizione prevede un percorso 

cronologico suddiviso in sei tappe - 

sarà sede di una serie di eventi 

collaterali. La mostra, a ingresso 

gratuito, getta uno sguardo sul futuro 

della centenaria arte del Manga. 

Info www.milanomangafestival.it 


LETTERA 

DA CORTINA D’AMPEZZO 

(BELLUNO) 

di Milena Milani 

Rimasi molto colpita quando il 

registra Mario Monicelli si uccise. 

Capitò a Roma, lui seppe che stava 

per morire (il suo tumore era in fase 

terminale), così si buttò dalla finestra 

della stanza dell’ospedale, dove era 

da solo. Io l’avevo conosciuto 

parecchi anni fa a Cortina d’Ampezzo, 

quando venne in giuria ai 

Cortometraggi che una mia amica 

triestina presentava nella Regina 

delle Dolomiti, tra belle ragazze alla 

moda, verso le quali, sorridendo, il 

regista si rivelava molto disponibile. 

Adesso leggo la sua vita difficile, tra 

il lavoro continuo di film avvincenti, 

in cui si parla dell’Italia, e anche di 

donne. Il fatto più curioso è che ebbe 

due famiglie, dalle quali nacquero 

tre figlie femmine. Era talmente 

preoccupato dalle bambine che 

avrebbero portato il suo cognome, da 

minacciare l’eventuale maschio che, 

magari sarebbe nato. Il regista della 

Grande Guerra e di altri capolavori, 

detestava avere maschi in casa. Era 

lui l’assoluto padrone in ogni senso. 

Eppure tra le montagne non mi 

apparve votato alla misoginia, faceva 

la corte (magari un filo) a ogni 

componente femminile della troupe, 

a tavola raccontava storielle, parlava 

con educazione, inventava episodi 

della sua esistenza, sembrava che 

fosse religioso almeno alla base. 

Invece trovo nel volume di Ottavia 

Monicelli, seconda figlia della prima 

moglie la descrizione del genitore 

totalmente diversa. Il suo volto di 

novantacinque anni, l’età in cui morì, 

ci fa capire quella terribile decisione, 

per la quale ha certamente sofferto, 

c’è voluto molto coraggio per 

affrontarla. Con il titolo Guai ai baci 

- così grande, così lontano: ritratto 

di mio padre, bisogna conoscere 

questo libro e pensare che la vita non 


Roma 1992, Ottavia Monicelli, con suo padre Mario, alla festa dei suoi diciotto anni. Lui ne aveva settantasette. 

ci appartiene, è del nostro Creatore, 

Monicelli non lo dice mai, nasconde 

i suoi segreti, inventandosi un alter 

ego che non gli appartiene, che 

naturalmente porta sofferenze a sua 

figlia,la quale finge di essere felice 

anche così, senza un gesto affettuoso 

da conservare tra i migliori ricordi. 

In una bella foto, a colori, padre e 

figlia sono vicini, fanno parte 

dell’identica famiglia, lui ha settantasette 

anni, la figlia ne ha 

diciotto, è intimidita, con il capo 

reclino, i capelli scuri ben pettinati. 

“ Con quell’ abbraccio” spiega 

Ottavia, “mio padre voleva dirmi: te 

la caverai benissimo da sola, sono 

orgoglioso di te, hai grinta proprio 

come me”. E infatti la ragazza va 

avanti con quell’insegnamento, per 

fortuna aveva un feeling con sua 

madre che non l’ha mai abbandonata. 

In questi anni,la figlia (anche 

recandosi in analisi), visse sempre in 

simbiosi ideale con la figura paterna, 

perdonandolo, comprendendolo nelle 

sue lezioni di comportamento,e, pur 

soffrendo dentro di sé, ringraziava 

per gli ammaestramenti di vita. E 

adesso ha scritto questo romanzo in 

cui pensa a quell’unica carezza, che 

conserva nel suo io straziato e 

infelice. Voglio dirle grazie per le 

sue parole . Vorrei rivedere Monicelli 

come a Cortina, penetrare di più il 

suo animo, magari provocarlo, perché 

anch’io soffro con Ottavia per questi 

terribili racconti. Quanto sarebbe 

bello guardare le vette ampezzane, 

cercare Dio, sentire il suo soffio 

spirituale.

PRIMA E 

DOPO LA 

SECESSIONE 

ROMANA 

Pittura in Italia 1900-1935 

Claude Monet, La casetta del pescatore sugli scogli, Varengeville, Boston, Museum of Fine Arts 

VERSO MONET 

Storia del Paesaggio dal XVII al XX secolo 

Verona, Palazzo della Gran Guardia 

Dal 26 ottobre 2013 al 9 febbraio 2014 

Dopo lo straordinario risultato del primo 

appuntamento, torna l’abbinata di capoluoghi 

veneti (prima Verona, alla Gran 

Guardia, dal 26 ottobre 2013 al 9 febbraio 

2014; poi Vicenza, in Basilica Palladiana, 

dal 22 febbraio al 4 maggio 2014) per la 

seconda, grande esposizione promossa tra 

Verona e Vicenza dal Comune di Verona, 

dal Comune di Vicenza, dalla Fondazione 

Cariverona e da Linea d’ombra, a cura di 

Marco Goldin. Questo secondo capitolo è 

dedicato alla storia del paesaggio in Europa 

e in America dal Seicento al Novecento. 

Il precedente del ciclo, come si ricorderà, 

era stato riservato alla storia dello sguardo 

e dunque alla vicenda del ritratto ma anche 

alla descrizione del corpo. Nelle due sedi i 

capolavori riuniti da Marco Goldin erano 

stati ammirati da 367.999 persone. “Verso 

Monet” intende invece raccontare lo studio 

della natura a partire dal XVII secolo, per 

giungere alle ninfee dipinte da Claude 

Monet nella prima parte del Novecento. 

Facendo ricorso a oltre novanta dipinti 

provenienti come sempre da alcuni tra i 

maggiori musei del mondo, e da alcune 

preziose collezioni private, la mostra sarà 

divisa in cinque sezioni, che descriveranno 

i momenti fondamentali legati alla 

narrazione della natura come fatto autonomo 

e indipendente rispetto all’inserimento delle 

figure. Insomma, quella sorta di e- 

mancipazione dell’immagine quando il 

paesaggio non è più visto come semplice 

fondale scenografico, ma campeggia quale 

divinità assoluta e dominante. Per questo 

motivo la mostra prenderà in esame i punti 

di snodo di una vicenda che diventerà 

sempre più centrale nella storia dell’arte, 

fino a giungere all’Ottocento, che a buon 

diritto è stato denominato “il secolo della 

natura”. Quindi, senza allargarsi a 

innumerevoli e frazionate esperienze, starà 

piuttosto stretta ai cardini fondamentali. 

E in questo senso il titolo dell’esposizione 

sancisce l’idea dell’enorme cambiamento 

attuato da Claude Monet a partire dalla 

seconda metà degli anni sessanta del XIX 

secolo, lui impegnato in quel momento a 

dipingere nella foresta di Fontainebleau. 

Monet che trapassa dal senso pur nobile 

della realtà, che a Corot prima di lui 

giungeva da una tradizione secolare – 

evidenziata in questa mostra –, e si spinge 

con le ninfee finali, ma già con le “serie” 

dell’ultimo decennio dell’Ottocento, verso 

il campo aperto di un paesaggio che non 

dimenticando appunto la realtà si appoggia 

quasi totalmente ormai sull’esperienza 

interiore. Aprendo così ad alcune delle 

manifestazioni più belle e nuove della natura 

dipinta nel corso del Novecento. Monet 

dunque quale paradigma del nuovo 

paesaggio, il punto di attraversamento tra 

un prima e un poi. Per questo motivo, la sua 

presenza coprirà oltre un quarto dell’intera 

esposizione, con venticinque dipinti. 

Aoristias 

Info e prenotazioni: 0422-429999 / 

www.lineadombra.it 

Il Centro Matteucci per l'Arte Moderna 

prosegue nella sua indagine sul migliore 

collezionismo italiano del secolo passato e 

dal 20 luglio al 3 novembre 2013 presenta 

nella sede di Viareggio la mostra Prima e 

dopo la Secessione Romana. Pittura in Italia 

1900-1935. 

Costruita intorno a un nucleo portante di 

opere provenienti da una raffinata raccolta 

di arte italiana tra le due guerre, la rassegna 

rappresenta una deliberata novità per il 

Centro Matteucci, sinora impegnato a 

scandagliare in ogni mostra un'unica 

collezione: in questo caso si è invece voluto 

ampliare lo sguardo rispetto al periodo 

storico così ben rappresentato da quella 

raccolta e ricostruire, seppure sinteticamente, 

un quadro più vasto, ripercorrendo 

con esempi di grande qualità, 

scelti in poche e selezionate altre collezioni 

private, la cultura artistica italiana negli 

anni che dalla Belle Epoque attraversano 

la Grande Guerra, si nutrono felicemente 

del successivo clima europeo del “rappel à 

l'ordre” e approdano agli esiti, lungamente 

rimossi per ragioni ideologiche, ma ormai 

riconosciuti nel loro valore internazionale, 

del rinnovato classicismo degli anni Venti 

e dei primi anni Trenta. 

La mostra si apre dunque allo scoccare del 

XX secolo, quando si pongono le basi di 

tanta parte dell'arte successiva, e prima di 

giungere agli anni tra le due guerre appunta 

il suo interesse sull'avventura delle 

Secessioni Romane, tanto affascinante 

quanto poco indagata dopo lo studio 

pionieristico del 1987 di Rossana Bossaglia 

con Mario Quesada e Pasqualina Spadini. 

Tre le sezioni che la compongono: “Sotto 

l'impulso del nuovo secolo”, “Il clima delle 

Secessioni Romane” e “Ritorno all’ordine. 

Novecento Italiano e oltre”, affidate 

rispettivamente alla cura di Ada Masoero, 

Susanna Ragionieri e Nicoletta Colombo. 

È Giuseppe Pellizza da Volpedo ad aprire 

la sezione “Sotto l'impulso del nuovo 

secolo” con L’annegato, 1894, opera 

fondamentale di un percorso di ricerca 

tecnica che lo avrebbe portato agli esiti 

altissimi de Il quarto Stato ed esempio di 

quel “socialismo umanitario” che arricchisce 

il divisionismo italiano di 

contenuti inediti rispetto al pointillisme 

francese. Info 0584 430614 


Il punto 

Maestri contemporanei 

François de Casabianca 

LA LIRICITA’ MEDITERRANEA 

DIPINTA TRA NATURA E CIVILTA’ 

Milano, Sala Olimpia Artecultura 

1-29 giugno. Inaugu.ne 4-6-2013 h.18 

Originario della Corsica, Francois 

de Casabianca, pone in atto nella pittura 

il senso di una lunga vicinanza e 

sperimentazione del paesaggio e delle 

sue più incredibili suggestioni. Osservare 

i suoi dipinti significa entrare in 

un’intima sintonia con realtà paesistiche 

ancora incontaminate, immerse 

in una loro magica ed ancestrale dimensione. 

Ambienti diversi, dalle coste 

silenziose e soleggiate della nativa 

Corsica, ai rapidi precipizi marittimi 

delle Cinque Terre, dal tranquillo ritmo 

lagunare di Venezia e dei suoi dintorni, 

ai silenziosi paesaggi interni dell’Algeria 

o della Svizzera, essi sono 

sempre indagati con particolare sensibilità 

dell’artista che tutto riconduce all’energia 

primigenia del colore e alle 


sue splendide risonanze. Ciò che veramente 

sorprende nella pittura di 

Casabianca, è la forza sintetica della 

composizione, scandita con accostamenti 

timbrici intensi e vibranti. La 

forma stessa origina dal e nel colore, 

nella sua maieutica brutalità che fa 

nascere tutte le cose. Un insegnamento 

questo che Casabianca ha potuto approfondire 

studiando con particolare 

attenzione la pittura fauvista che insiste 

con determinazione sulla dimensione 

pura del colore, sulla sua intrinseca 

vitalità. Tuttavia nelle composizioni 

di Casabianca, questo riferimento 

al fauvismo va letto soprattutto 

nel senso di una fiducia nella potenzialità 

espressiva della luce la quale 

deve alimentare di linfa nuova le 

forme, i paesaggi, i volumi. Casabianca 

è un osservatore attento del paesaggio, 

non è incline alla decorazione o al simbolismo, 

ma ad un realismo evocativo, 

che si orienti verso una sua dimensione 

meditativa. Si potrebbe quasi 

parlare di una sorta di realismo magico, 

se non fosse che il suo paesaggio, 

marino o montano, nasconde un’energia 

interiore che è lontano da ogni 

sorta di idillio. Soggiace nel paesaggio 

una forza misteriosa, enigmatica 

ed è questa che attraverso la luce 

Casabianca intende scoprire e rivelare. 

Per l’artista, infatti, il paesaggio non 

va raffigurato, ma interpretato in relazione 

ai propri sentimenti, emozioni 

e riflessioni, lungo un tracciato che già 

all’inizio del XX secolo Cézanne aveva 

intuito con la sua sistematica indagine 

sulla Montagna di Saint Victoire, 

nel tentativo di ridurre il molteplice 

infinito della natura alla razionalità

Pagina 24 dall’esterno di sinistra: 

COSTA DI BONIFACIO - VENEZIA 

Pag.25 dal basso di sinistra in senso orario: 

FIUM’ORBU - SAN FIURENZU 

- SAN FIURENZU - FIUMARA DI AMENDOLEA 

di una semplificazione cromatica e luminosa. 

Infatti Casabianca si sente sensibile 

a questo orientamento espressivo 

e non a caso i suoi dipinti valorizzano 

il colore puro che nella sua atmosferica 

vibrazione imprime unità 

percettiva e sensoriale all’immagine. 

Osservando in profondità i suoi dipinti 

si può constatare la cristallina trasparenza 

della luce che sebbene, potente, 

satura, tuttavia dispiega la realtà raffigurata 

in accensioni cromatiche 

rutilanti e tuttavia limpide. L’artista sa 

con personale sintesi fondere il frammento 

di luce /colore in un insieme 

più vasto ed armonico, dall’intonazione 

quasi musicale. Il fatto è che il colore 

non può solo essere visto, ma deve 

essere percepito, e poi inte- riorizzato, 

in una suggestiva espansione del senso 

del tempo e dello spazio. Non è esatto 

quindi parlare a proposito della sua 

pittura di un’autonomia del colore, 

quanto della sua singolare e misteriosa 

presenza nel contesto della realtà 

vissuta. 

Da questo punto di vista si può allora 

considerare come la realtà figurale 

della pittura di Casabianca abbia 

una sua peculiare originalità nel porsi 

in contatto con la natura. Senza 

frammentazioni luminose, post o 

neoimpressioniste, ma elevando il colore 

ad una sua ben strutturata plasticità, 

Casabianca sviluppa quella che 

è stata la tradizione del genere 

paesistico contaminandola con quanto 

le avanguardie storiche elaborarono in 

uno straordinario passato innovatore. 

Ma, occorre aggiungere, Casabianca 

non è comunque un dottrinario, ma 

un artista che segue la sua particolare 

ispirazione, assecondando i propri sentimenti, 

emozioni, che modella però 

in riferimento a quello che sono le legittime 

leggi della pittura. Eppure questa 

pittura così calibrata, definitiva e 

sobria nelle sue plastiche articolazioni, 

rivela nel profondo un’anima sensitiva 

in virtù di quel cromatismo abbacinante 

che stimola l’occhio e lo 

sguardo. Ed è proprio per queste caratteristiche 

così intense e coerenti che 

la pittura di Casabianca evita lo scivolamento 

verso un forzato manierismo. 

Gli stessi volumi perdono la 

loro apparente consistenza volumetrica 

per fondersi nel richiamo infinito della 

luce. Ecco allora che la sua pittu- 


a, questo inesausto incontro con il paesaggio, 

più che rivelare una realtà 

geografica o storica determinata, elabora 

una commossa e viva autoconfessione 

dello stesso autore che 

si esprime con sensibile armonia. E qui 

si giunge al nucleo della sua pittura 

che si pone nei confronti dell’osservatore 

con solare tensione, infondendogli 

una sensibilità altra, capace di rilevare 

una nuova coesistenza tra uomo 

e natura, una realtà, come si può vedere, 

quanto mai attuale che i dipinti 


di Casabianca intuiscono in termini di 

verità poetica. Si avverte nelle sue 

composizioni il gusto per un approccio 

classico, nel senso che la stessa 

natura viene considerata non tanto in 

termini di afflato romantico, quanto 

come realtà dotata di una sua architettura, 

di un’equilibrio di forze e di spazi 

che spetta al pittore trovare e verificare, 

una aurea misura che non appartiene 

più al campo della stilizzazione 

geometrica quanto alla 

compenetrazione tra luce e colore, 

Dal basso di sinistra in senso orario: 

IL PITTORE FRANÇOIS DE CASABIANCA 

VICINO AD OLIENA - AURORA A MANAROLA - 

PALOMBAGGIO - PORTICCIOLU 

spazio e atmosfera. Ed ecco, pertanto, 

l’altro significativo paradosso dell’arte 

di Casabianca. Una figurazione nella 

quale la quasi totale mancanza della 

figura umana, rivela per converso la 

sua più profonda umanità, nel percorso 

infinito dell’arte e della sua salvifica 

fascinazione. 

Teodosio Martucci

LUOGHI COMUNI 

Vedutisti inglesi a Roma tra il XVIII e il XIX secolo 

nelle opere grafiche del Museo di Roma 

Pifferaio nella campagna romana, opera di Arthur 

John Strutt (disegno e tempera, 1847) 

Un raffinato omaggio a Roma nel giorno 

del suo 2766° compleanno la mostra 

“Luoghi comuni. Vedutisti inglesi a 

Roma tra il XVIII e il XIX secolo nelle 

opere grafiche del Museo di Roma”, 

omaggio che vuole proseguire il 

percorso iniziato nel 2012 con 

l’iniziativa dedicata ai vedutisti 

francesi. L’esposizione – promossa da 

Roma Capitale, Assessorato alle 

Politiche Culturali – Sovrintendenza 

Capitolina con l’organizzazione di 

Zètema Progetto Cultura – permette 

anche la valorizzazione di opere 

provenienti dalla consistente collezione 

del Museo e che, alla luce della loro 

delicatezza, possono essere esposte solo 

a rotazione. 

Questi acquerelli ed incisioni – che si 

potranno ammirare nelle Sale espositive 

al piano terra di Palazzo Braschi dal 21 

aprile al 15 settembre 2013 - sono stati 

selezionati tra due dei fondi più 

interessanti del Museo: la raccolta del 

barone Basile de Lemmermann e quella 

di Anna Laetitia Pecci Blunt, due colti 

e appassionati collezionisti che, dopo 

aver acquistato nel corso della vita 

opere a soggetto romano, decisero di 

donarle al museo evitando così la loro 

dispersione e permettendo ad un vasto 

pubblico di usufruire della loro bellezza. 

In mostra vedute suggestive della città, 

immagini struggenti della campagna 

romana che avevano catturato la 

fantasia dei pittori i quali, pur di fissare 

nella memoria il fascino delle immagini, 

spesso si sottoponevano a 

spostamenti faticosi e a volte pericolosi, 

in zone dove imperversavano malaria e 

briganti. Ed ecco che scorrendo le 

forme e i colori esposti al Museo di 

Roma, si incontrano le opere di Richard 

Cooper, maestro scozzese dell’acquatinta, 

in Italia dal 1770. O le 

litografie di Edward Lear, dedicate ai 

territori intorno a Roma e pubblicate a 

Londra nel 1841. Come Arthur John 

Strutt, particolarmente interessato agli 

aspetti “pittoreschi” della campagna 

romana o John Ruskin che, pur venendo 

molte volte in Italia, non subì mai il 

fascino di Roma, trovandola sporca e in 

stato di abbandono. 

Dunque un’affascinante selezione 

artistica per una mostra gioiello, che 

vuole rivelare con garbo e sensibilità, 

ma assoluto rigore scientifico, le 

molteplici facce di una città, raccontata 

con i tanti occhi di artisti stranieri. Una 

narrazione che ancora una volta 

conferma l’amore che l’arte di tutti i 

tempi ha riservato a Roma. La rassegna 

evidenzia nella sua intrinseca 

suggestione un modo particolarmente 

sensibile di considerare Roma e la sua 

storia, in cui proprio il vituperato 

“pittoresco”, oggetto in seguito di tante 

polemiche e opposizioni, rivela in 

realtà il suo genuino e concreto dialogo 

con il mito della Città Eterna. Esso è il 

naturale sviluppo di tendenze artistiche, 

mentalità, già presenti nel XVI e XVII 

secolo e che ora pervengono alla loro 

fase più matura, il Romanticismo, 

aprendo definitivamente la strada alla 

pittura moderna del XIX secolo con 

tutti i suoi conseguenti, anche se 

imprevedibili, sviluppi. 

Info 0682077304 

Aoristias 

Dal 20 maggio al 5 novembre 2013, a 

Roma, a Castel Sant’Angelo è 

visitabile la trentaduesima edizione 

della Mostra Europea del Turismo e 

delle Tradizioni Culturali, dedicata ai 

vent’anni di collaborazione tra l’Arma 

dei Carabinieri, la Guardia di Finanza 

e la Polizia di Stato con il Centro 

Europeo per il Turismo, presieduto da 

Giuseppe Lepore. La mostra, è 

organizzata in collaborazione con la 

Soprintendenza Speciale per il Patrimonio 

Storico-Artistico ed Etnoantropologico 

e per il Polo Museale 

della Città di Roma, diretta da Daniela 

Porro, con l’ausilio di un Comitato 

Promotore, presieduto da Roberto 

Cecchi Sottosegretario di Stato 

MiBAC. L’esposizione, che si avvale 

di un comitato scientifico di grande 

prestigio, presieduto da Eugenio La 

CAPOLAVORI e 

ARCHEOLOGIA 

Storie di recuperi, 

ritrovamenti, confronti 

Rocca, è curata da Mario Lolli Ghetti 

e da Maria Grazia Bernardini. Con 

questo progetto si vuole presentare al 

numerosissimo pubblico che visita ogni 

giorno Castel Sant’Angelo la fondamentale 

azione svolta delle Forze 

dell’Ordine per la protezione e la difesa 

dei beni artistici e archeologici 

dell’Italia. Le opere in esposizione, 

infatti, sono state al centro, anche 

recentemente, d’importanti attività di 

recupero e ritrovamento, grazie alle 

quali è stato possibile far rientrare 

nelle loro sedi reperti archeologici 

rubati, trafugati da scavatori clandestini 

o esportati illecitamente. 

Seguendo il percorso della mostra, i 

visitatori possono ben comprendere il 

continuo pericolo di saccheggio e 

dispersione cui è sottoposto l’immenso 

patrimonio italiano, e, nello stesso 

tempo, potranno apprezzare il grande 

lavoro scientifico e di ricerca, che sta 

dietro il ritrovamento di materiale 

archeologico appartenente alle diverse 

tipologie maggiormente a rischio 

(bronzi, marmi, affreschi, ceramiche, 

argenti e oreficerie, ecc.), insieme alla 

storia, spesso avvincente e sempre 

complessa, del loro ritorno a casa. 

Info 066819111 


IMMAGINI E LUOGHI 

a cura di Aoristias 

Rubens FONTANESI 

Nel bel dipinto opera del pittore Rubens 

Fontanesi l’artista intende in primo luogo 

esprimere il suo stupore, di fronte alla 

notizia che lo stato cinese ha in progetto di 

costruire, in breve tempo, 800 grattacieli, 

tutti più alti del più alto grattacielo del 

mondo, (che è poi quello di Dubai ).Ne sono 

già stati costruiti otto ed ognuno di questi 

colossi potrà dare asilo a ben 35 000 persone. 

E’ innegabile che al cospetto di notizie così 

poco rassicuranti l’arte manifesti la sua 

perplessità, come appunto il dipinto di 

Fontanesi lascia intravedere. Da rilevare 

poi l’equilibrio tonale dei colori, la fusione 

di realtà figurativa e di metafora, l’articolata 

disposizione dei vari elementi compostivi a 

sottolineare ulteriormente il suggestivo 

valore espressivo e stilistico dell’opera. 

Rubens FONTANESI, DIPINTO, misure 150 x 100 

NON-CONVENTIONAL FREAK 

Sirskape-Wahid 

Al MACFA di Milano dal 16 al 31 maggio 

viene presentata la duplice personale di 

SIRSKAPE e di Francesca WAHID. 

Sirskape reinterpreta il tema iconografico 

Agnello di Dio in chiave religiosa, politicosociale 

e satirica. Le sue opere giocano con 

sottigliezza linguistica e visiva intorno alle 


problematiche dell’odierna comunicazione. 

Wahid, invece, presenta due opere della 

serie Mujeres Eyes (2012) incentrate sul 

tema della donna e alcuni recenti lavori 

della Serie S (2013). Infor.:3409089514. 

BACINI MEDITERRANEI 

Limpido confronto tra la straordinaria 

ceramica islamica del passato e la 

contemporeaneità nella rassegna in 

programma sino al 30 giugno al Castello 

Visconteo di Pavia. E’ il caso dell’iniziativa 

sulla ceramica d’arte che i Musei, in sinergia 

con le gallerie Scoglio di Quarto di Milano 

e Bludiprussia di Albissola ora allestiscono 

nelle splendide sale della Pinacoteca nel 

Castello Visconteo, affiancando e facendo 

dialogare tra loro manufatti ed utensili, la 

cui tecnica di base è rimasta pressoché 

invariata nei secoli, ma che sono, ciascuno, 

testimonianza eccellente del proprio tempo, 

del gusto e della cultura dei rispettivi 

artefici. Artisti partecipanti: Francesca Betti 

- Claudio Carrieri - Marilù Cattaneo - 

Mariangela De Maria - Fausta Dossi - 

Giovanna Fra - Nes Lerpa - Giorgio Moiso 

- Claudio Nicolini - Giampaolo Parini - 

Lucio Perna - Mario Raciti - Beppe 

Schiavetta - Stefano Soddu - Luiso Sturla - 

Walter Valentini - Armanda Verdirame - 

Franco Vertovez. Info: 3485630381 

Aurelio GRAVINA Volti e Figure 

La nuova stagione di Aurelio Gravina parte 

da una diversa filosofia: prima una 

rappresentazione espressionistica, oggi una 

visione più risolta alla ricerca della realtà 

in azione. La scena si popola di animali che 

passeggiano nella città, guardandola 

dall'alto, la citazione al film di Wim 

Wenders “Il cielo sopra Berlino” è stata 

fatta dallo stesso autore, che riconosce di 

aver sostituito gli Angeli con animali, 

simbolo di una umanità varia a spasso per 

la giungla metropolitana. Dal 24 maggio al 

22 giugno Berlino, Kuhn&Partner Galerie 

PholStrasse 71 – In collaborazione con la 

galleria Cortina di Milano. 

Info 02 33607236 

Aurelio Gravina, DIPINTO 

Si è svolta con un ampio riscontro da 

parte della critica e del pubblico la 

seconda mostra personale del Pittore 

Michele Roccotelli nella Sala Olimpia 

di Artecultura che per il suo nuovo 

appuntamento espositivo oltre alla 

specificità del suo limpido linguaggio 

pittorico ha presentato anche una 

selezione di sculture che documentano 

un altro aspetto della sua creatività. 

Forse meno noto, ma non per questo 

meno rilevante. L’artista in questo suo 

incontro milanese era reduce anche 

da un ‘ altra importante rassegna 

svoltasi in gennaio nei prestigiosi 

spazi di Castel dell’Ovo a Napoli. Quasi 

a volere collegare idealmente Nord e 

Sud Italia nello slancio vitale dell’arte. 

E che questa sia stata la chiave più 

pertinente di lettura della sua opera 

artistica è confermato anche dal 

confronto tra il suggestivo romanico 

delle cattedrali pugliesi e quello 

ambrosiano della Basilica di Sant’ 

Ambrogio e il meraviglioso gotico del 

Duomo di Milano. Nella serata 

inaugurale i molteplici aspetti della 

poetica di Roccotelli sono stati 

sottolineati dal critico Teodosio 

Martucci. Roccotelli ha plasmato un 

suo stile dai tratti originali, elaborando 

una inedita ed armonica convivenza 

tra astratto e figura sviluppata nella 

dinamicità compositiva del colore e 

delle sue infinite sfaccettature, 

ponendo così in rilievo anche il 

desiderio di consolidare la sua 

presenza artistica e culturale nello 

stimolante territorio lombardo. 

Aoristias

L'AUTODIDATTA NELLA STORIA 

Personaggi, avventure, intuizioni 

Srinivasa Ramanujan, bambino prodigio, 

imparò la matematica da 

autodidatta. Lavorò principalmente 

sulla teoria analitica dei numeri ed è 

noto per molte formule di sommatorie 

che coinvolgono costanti come p, 

numeri primi e la funzione di partizione. 

Frequentemente le sue formule furono 

enunciate senza dimostrazione e solo 

in seguito si rivelarono corrette. I suoi 

risultati hanno ispirato un gran numero 

di ricerche matematiche successive. 

Ramanujan era un indiano tamil nato a 

Erode nel Tamil Nadu, India. Si iscrisse 

alla scuola superiore cittadina di 

Kumbakonam nel 1898, quando aveva 

10 anni, e sembra che lì entrò in contatto 

per la prima volta con i formalismi 

matematici. A undici anni eguagliava 

in conoscenza matematica gli inquilini 

della sua casa, entrambi studenti al 

Government College, ed ebbe in prestito 

libri di trigonometria avanzata, che 

due anni più tardi già padroneggiava. 

Il suo biografo riporta che a quattordici 

anni il suo genio iniziava a manifestarsi: 

non solo ottenne certificati di merito e 

premi accademici in tutti i suoi anni 

scolastici, ma aiutò la sua scuola nella 

logistica necessaria ad assegnare tutti i 

1.200 studenti (ognuno con le proprie 

esigenze) ai trentacinque insegnanti; 

completò gli esami nella metà del tempo 

a disposizione, mostrando familiarità 

anche con le serie infinite; i compagni 

dell'epoca commentarono in seguito 

"Noi, insegnanti inclusi, raramente lo 

comprendevamo" e "lo guardavamo con 

rispettosa ammirazione". Tuttavia, 

Ramanujan non si concentrò sulle altre 

materie, tanto da non superare gli esami 

della scuola superiore. In questo periodo 

della sua vita era ancora molto povero, 

quasi fino alla miseria. 

Una volta sposato, dovette cercare un 

lavoro. Con la raccolta dei suoi calcoli 

matematici, si spostò nella città di 

Chennai alla ricerca di un lavoro da 

impiegato. Alla fine trovò una 

occupazione e un inglese gli consigliò 

di contattare i ricercatori di Cambridge. 

Mentre era impiegato nella Ragioneria 

di Stato, Ramanujan cercò di ottenere 

quei riconoscimenti che sperava gli 

avrebbero consentito di lasciare il lavoro 

RAMANUJAN 

e concentrarsi sullo studio della 

matematica. Sollecitò tenacemente 

l'aiuto di individui di buona posizione, 

e pubblicò molti articoli nei giornali 

matematici indiani, ma non riuscì ad 

ottenere una sponsorizzazione. Durante 

questo periodo Sir Ashutosh Mukherjee 

cercò di supportare la sua causa. 

Vistosi respingere diverse volte nella 

ricerca di sostegno finanziario, per aver 

prodotto risultati che nessuno di quelli 

che aveva contattato in India poteva 

comprendere pienamente, egli infine, 

nel 1913, mandò una lettera a tre 

professori di Cambridge: H. F. Baker, 

E. W. Hobson e G. H. Hardy, includendovi 

una lunga lista di teoremi 

dalla complessità fino ad allora mai 

vista, che si dichiarò in grado di 

dimostrare. Solo Hardy, membro del 

Trinity College di Cambridge in 

Inghilterra, notò il genio dei teoremi di 

Ramanujan. Le altre due lettere invece 

non ricevettero risposta. 

Hardy, assieme al collega Littlewood, 

analizzò questa missiva non sollecitata, 

e successivamente commentò che dei 

teoremi di questa lettera iniziale, 

scoperti e dichiarati come risolti da un 

matematico indiano senza formazione 

accademica, "non uno avrebbe potuto 

essere collocato nelle più avanzate 

indagini matematiche del mondo". 

Anche se Hardy era uno dei più 

prominenti matematici dell'epoca, e un 

esperto in diversi dei campi trattati 

dagli scritti di Ramanujan, egli aggiunse 

che molti di questi "mi lasciarono 

stupito; non avevo mai visto niente che 

gli si avvicinasse prima di allora."Dopo 

uno scetticismo iniziale, Hardy rispose 

alla lettera richiedendo le dimostrazioni 

di alcuni dei risultati citati nella lettera 

ricevuta e iniziò ad organizzare l'arrivo 

di Ramanujan in Inghilterra. Essendo 

un brahmano ortodosso, Ramanujan 

consultò dati astrologici per il suo 

viaggio, per timore di perdere la sua 

casta andando a vivere in terre lontane. 

La madre sognò che la dea protettrice 

della sua famiglia le diceva di non 

opporsi al viaggio del figlio, e così si 

comportò di conseguenza. Il figlio cercò, 

comunque, nei limiti delle sue possibilità, 

di mantenere un opportuno 

stile di vita braminico. 

Ne seguì una collaborazione fruttuosa, 

che Hardy descrisse come "l'unico 

episodio romantico della mia vita". 

Hardy disse delle formule di Ramanujan, 

alcune delle quali non era in 

grado inizialmente di capire, che "un 

singolo sguardo è sufficiente a mostrare 

che possono essere state scritte solo da 

un matematico di alta classe. Devono 

essere vere, perché se non lo fossero, 

nessuno avrebbe avuto l'immaginazione 

per inventarle." Paul Erdos dichiarò in 

una intervista che il più grande 

contributo alla matematica di Hardy è 

stato la scoperta di Ramanujan, e 

paragonò Ramanujan ai giganti della 

matematica come Eulero e Jacobi in 

termini di genio. Ramanujan venne in 

seguito nominato membro del Trinity, 

e ricevette la massima onorificenza 

nella scienza, la nomina a membro 

della Royal Society. Fra i suoi principali 

contributi si segnalano lavori sulla 

proprietà dei numeri altamente 

compositi; un'espressione asintotica per 

la funzione di partizione; funzione theta 

di Ramanujan; funzioni gamma; forme 

modulari; serie divergenti; serie 

ipergeometriche; teoria dei numeri 

primi. 

Aoristias 


TURISMO & POESIA: IL LUOGO DEL MESE 

LA RIVIERA DEL CONERO 

La Riviera del Conero è un tratto di 

costa marina che si affaccia sul Mar 

Adriatico, poco a sud della città di 

Ancona, capoluogo di Regione, dotato 

di un porto turistico e commerciale. 

Prende nome dalle pendici del Monte 

Conero, promontorio alto 572 metri, a 

picco sul mare, protetto nel Parco 

regionale del Conero, primo parco 

regionale marchigiano. 

La Riviera del Conero si colloca 

geograficamente nell’Italia centrale, nel 

territorio della Regione Marche. La 

Riviera interrompe la fascia sabbiosa 

continua del litorale adriatico proprio a 

metà, da Trieste al Gargano. Il territorio 

della Riviera del Conero non si delimita 

solo ai tratti costieri, ma coinvolge 

anche la fascia più interna, comprendendo 

una miscellanea di comuni 

immediatamente a ridosso della costa, 

ricchi di cultura, storia e tradizioni. 

A seconda dei periodi storici le 

popolazioni si insediarono sul Conero 

in siti via via differenti. Le prime 

testimonianze risalgono al Paleolitico 

inferiore, periodo a cui si attribuiscono 

le incisioni rupestri rinvenute. Tra il 

IX e il II sec.a.C. lungo la costa adriatica 

tra i fiumi Foglia e Pescara, fiorì la 

cosiddetta Civiltà Picena, documentata 

nella cosiddetta “Area dei Pini”, antica 

necropoli Picena sita nei pressi di Sirolo 

(aperta al pubblico) i cui numerosi 

reperti rinvenuti sono conservati 

nell'Antiquarium di Numana e all'interno 

delle grotte romane. Durante 

il Medioevo sul Conero si insediarono 

La bella spiaggia di Sirolo, Riviera del Conero 

delle comunità religiose, che scelsero 

questo monte solitario come luogo 

ideale per dedicarsi al lavoro e alla 

spiritualità. Ancora oggi sono presenti 

testimonianze del loro passaggio 

riscontrabile in tracce come la Chiesa 

di Santa Maria a Portonovo, il 

monastero dei Camaldolesi sulla vetta 

del Monte e lungo le falesie, la grotta 

del Mortarolo ed l’eremo di San 

Benedetto. Tra i luoghi più suggestivi 

della zona si segnala Recanati, città 

natale di Giacomo Leopardi. Sorge 

sulla cima di un colle, la cui cresta 

tortuosa è quasi pianeggiante, a 296 m 

s.l.m., tra le valli dei fiumi Potenza e 

Musone. Il mare Adriatico, oltre il 

quale quando l'aria è chiara si vedono 

i monti della Dalmazia, è ad una decina 

di chilometri ad Est della città. In 

direzione Nord è visibile il monte 

Conero che si perde nelle acque e dagli 

altri lati della città non chiusa né 

limitata da prossime elevazioni, si 

vedono le cime degli Appennini. Le 

cime dei Monti Sibillini con il monte 

Vettore e più su il monte San Vicino, la 

Strega e il Catria sono ben visibili. 

Come altri centri marchigiani, anche 

Recanati è la tipica "città balcone" per 

l'ampio panorama che vi si scorge: città 

e borgate sono sparse in gran numero 

nell'ampia distesa, tra piani, valli e 

colline. Fra i più celebri luoghi 

leopardiani: il Palazzo Leopardi, casa 

natale del Poeta, la Piazzetta del sabato 

del Villaggio, il Colle dell’Infinito. 

Info: www.rivieradelconero.it 

Nei pressi del settecentesco Palazzo Reale 

di Portici si trova il Vico Ritiro dove un 

tempo si ergeva il Convento delle Suore 

del Preziosissimo Sangue, con annessa la 

scuola elementare gestita dalle religiose 

stesse. Un tempo, su questo piccolo vicolo 

cieco, si affacciavano parecchie abitazioni 

fatiscenti, alcune delle quali situate al 

piano terra, buie e dai muri spessi come 

quelli del convento. In uno di questi 

monolocali, nel periodo della seconda 

guerra mondiale, abitava l’anziana Ciretta 

che, a tarda sera, trasformava il suo 

“vascio” in un luogo di godimento, con un 

andirivieni di donne e di militari alleati 

che in quel periodo erano accampati con 

gli altri soldati nella Villa Comunale del 

paese. 

In quegli anni abitavo in questo vicolo e 

passavo il mio tempo giocando a pallone 

con una palla di pezza o duellando con altri 

Suor Grazia 

bambini utilizzando spade di legno fissate 

con un chiodo. Mi piaceva abitare qui, 

anche perché ero a pochi passi dalla scuola 

e da un provvidenziale rifugio che ci 

proteggeva dai bombardamenti aerei. 

In prima elementare, a 5 anni, mi 

assegnarono una maestra ventenne di una 

bellezza devastante tanto quanto il suo 

nome: Suor Grazia. La ricordo tuttora… 

Un giorno in classe, anziché scrivere una 

pagina di “o” sul quaderno a nove righe, 

utilizzai quello a quadretti. Ciò fece 

arrabbiare l’insegnante che mi sgridò 

rimandandomi al posto in malo modo. 

Mentre, con un nodo in gola, cambiavo il 

quaderno, Suor Grazia mi lanciò dalla 

cattedra la sua malefica bacchetta di legno 

- solitamente utilizzata per picchiarci sulle 

mani e sul sedere - che finì appena sotto 

l’arcata del mio occhio destro, col rischio 

di accecarmi. Dolorante per la ferita, scattai 

come una molla dalla lunga panca per 

gettarmi sulla suora e strattonare dal basso 

la sua veste nera, per poi esclamare tra le 

lacrime: “Sei una zoccola!”. In seguito, 

dopo che la mamma si fu rivolta alla 

Madre Superiora per segnalarle l’accaduto, 

cambiai scuola. Negli anni seguenti, con 

la crisi delle vocazioni, il convento del 

Vico Ritiro fu lasciato libero dalle “cape 

‘e pezz’”, trasformato in una scuola media 

statale e poi in un istituto magistrale. In 

ogni caso, a parte quell’episodio, conservo 

un buon ricordo della scuola e delle sue 

luminose aule che si affacciavano sul gran 

chiostro e della piccola cappella dove, 

ogni domenica, arrivava un certo prete 

dalla chiesa di S. Ciro per celebrare la 

messa. In seguito venni a sapere che questo 

sacerdote ebbe una lunga relazione con 

Suor Grazia e, se ricordo bene, la sposò. 

Oggi la grande struttura conventuale è 

disabitata e taluni affermano che quegli 

spazi saranno presto occupati da un Bed & 

Breakfast. E così sia. 

Antonio Fomez 


Vincenzo BRAMBILLA 

LA PRIMIGENIA NATURA 

DEL COLORE 

Si avverte nella fresca e seducente 

pittura di Vincenzo Brambilla il segno 

di un intimo dialogo con il mondo della 

natura. Un dialogo che, oltre ad essere 

il frutto di una personale ricerca, è 

anche agevolato dal fatto che l’artista 

si ispira a quel suggestivo campo di 

riflessione che è il paesaggio in cui lo 

spazio, l’ambiente, ovviamente riletti 

con spirito nuovo, rivestono una loro 

singolare e meravigliosa bellezza che 

non può non colpire la sensibilità di chi 

da quel paesaggio si sente affascinato. 

Da queste premesse scaturisce la visione 

pittorica dell’artista, così limpida e 

solare, priva di inutili sofisticazioni o 

di aride ombrosità. Pertanto, ancor 

prima di porre la pittura di Brambilla 

in relazione con qualche aspetto della 

storia dell’arte, è davvero importante 

sottolineare la forza e l’intensità del 

suo porsi in relazione con l’atmosfera 

che scaturisce dal colore, dalla luce. 

Poi sul piano più concretamente 

espressivo, si ha modo di osservare il 

ruolo organico della luce, appunto, in 

contaminazione con un segno dinamico 

e calligrafico che delle forme suggerisce 

la loro impressiva apparenza. Da questo 

si può agevolmente dedurre come il 

pittore non sia affatto un naturalista, 

un puntuale descrittore di quello che 

osserva, piuttosto lo trasforma sotto 

l’impulso della sua immaginazione. 

Ed ecco che allora le sue composizioni 

acquistano la viva caratteristica 

dell’evocazione lirica, del cromatismo 

lieve, ma non per questo meno incisivo. 

Volendo approfondire ulteriormente 

le caratteristiche della pittura di 

Brambilla si può ravvisare in essa un 

certo collegamento con la realtà del 

post-impressionismo, decantato all’interno 

di una dimensione psicologica 

e percettiva di gusto mediterraneo. Nel 

suo linguaggio l’artista esprime i 

personali sentimenti ed emozioni 

tramite il colore e la luce senza alcun 

residuo di modellato plastico. Ecco 

perché i suoi dipinti sono essenzialmente 

atmosfere emozionali, 

libere elaborazioni della mente e della 

mano. Nelle sue composizioni la natura 

stessa tende a smaterializzarsi sino a 

divenire pura sensazione, ricordo, che 

poi, a sua volta, si trasmuta in armonia 

luminosa e policromatica. Brambilla 

appartiene a quella categoria di pittori 

che si può definire coloristi, in quanto 

per loro il colore stesso è l’anima, 

l’energia vitale della pittura ed appunto 

per valorizzare tale forza che l’artista 

concepisce il disegno non tanto come 

schema preliminare, quanto come 

grafico accompagnamento dei toni 

cromatici che alimentano la sua pittura. 

Di fronte a tante sterili discussioni 

della critica d’arte contemporanea che 

spesso parla superficialmente di fine 

della pittura, la proposta intelligente 

e poetica di Brambilla si orienta in una 

direzione decisamente opposta. La 

natura, infatti, intesa in senso lato, può 

ancora essere un’invitante e profonda 

fonte di ispirazione ed impegno per un 

artista autentico. Senza, però, formalismi 

o pesantezze, ma solo con 

quella serena e sciolta inventiva di cui 

i dipinti di Vincenzo Brambilla hanno 

così dato prova di oggettivo e stimolante 

valore. 



Zvorc Nevenka 

L’EQUILIBRIO DELLA FANTASIA 

DISPIEGA QUELLO DELL’ANIMO 


Nella sua più recente produzione 

Nevenka Zvorc ha radicalmente mutato 

la radice espressiva del linguaggio, 

virando verso una struttura 

compositiva dall’oggettivo richiamo 

geometrico e simbolico. Più spesso, 

quando un cambiamento avviene all’interno 

di una sequenza artistica consolidata 

nel tempo e nelle opere, è più 

facile individuare i mutamenti, gli 

approfondimenti tematici o stilistici, 

appunto perché la differenza si situa 

nel contesto di un ben documentato 

arco di lavori e proposte. Ma quando 

il cambiamento, appare così repentino 

e profondo, è più aleatorio individuare 

le ragioni obiettive, ammesso pure che 

ce ne siano, della svolta. Indubbiamente 

da parte della pittrice c’è il desiderio 

di elaborare un tipo di pittura, che 

meglio possa esprimere sentimenti, 

emozioni, pensieri che non possono 

essere per forza definiti all’interno di 

un linguaggio figurativo o realista. Del 

resto neppure è il caso di accentuare 

al parossismo il contrasto astratto-figurativo 

che tante polemiche e dibattiti 

suscitò nel secolo scorso. Infatti nel 

campo pittorico, una volta che colore 

e forma abbiano dispiegato sul supporto 

la loro natura, sempre di immagini si 

tratta, e il confine per poi stabilire dove 

inizi l’astratto o il figurativo, è più teorico 

che reale. Inoltre in queste stilizzate 

composizioni dell’artista, pur 

entro uno schema di natura geometrica, 

con echi visuali che possono andare 

da Kandinskij a Mirò, l’immagine 

figurativa non si dissolve completamente, 

si trasforma, muta, e può diventare 

scacchiera, filo, palla, in un 

gioco di rimandi, evocazioni ed allusioni 

che interpella sensibilmente la 

curiosità dello spettatore interessato. 

D’altra parte alcune caratteristiche 

della pittura più apertamente figurativa, 

realizzata dalla Zvorc, sono rimaste 

anche nel nuovo confronto stilistico. 

Ed in particolare ci si riferisce alla stesura 

dei colori, sempre limpida ed equilibrata, 

alla raffinatezza del segno dal 

gusto quasi calligrafico, all’attenzione 

per il singolo dettaglio e più in generale 

ad una costante tensione verso 

un’armonia compositiva generale. 

Questo per dire che una pittura in 

apparenza più cambiare anche radi-

Da sinistra a destra in senso orario: 

“ENIGMA” 2012, 

Tecnica mista su cartone telato cm. 50x40 

“SUPPOSIZIONE” 2012 

Tecnica mista su cartone telato, cm. 50x40 

“FRAMMENTI DEL TEMPO” 2012 

Tecnica mista su cartine 

“SULLE ALI DEL VENTO” 2012 

Tecnica mista su cartone telato, cm. 40x50 

“DISARMO DEI CUORI” 2012 

Acrilico su cartone telato, cm. 40x50 

“MEMORIE DI UN VIAGGIATORE” 2011 

Acrilico su cartone, cn. 36,5x51 

“RICORDI” 2012 

Acrilico su tela, cm. 30x45 

calmente nei suoi aspetti visivi, ma 

l’anima spirituale che l’ha concepita 

e realizzata non può mutare, ad ulteriore 

conferma dell’autenticità e convinzione 

di una determinata ricerca. 

Elementi, questi, che accentuano il significato 

estetico e psicologico dell’organica 

riflessione creativa dell’artista. 



Il Pittore-Poeta Remo Lana 

che in arte sostiene l’Energetismo 

una costante perseveranza 

per il suo scavo conoscitivo 

Milano, Sala Azzurra Artecultura 

Mostra culturale 1-12 giugno 2013 

Nel binomio pittura-poesia è da dire 

che Remo Lana, che Artecultura segue 

da quasi mezzo secolo, sia una perfetta 

incarnazione spirituale e di realizzazione 

artistica. Pittore e poeta lirico 

che, nella pratica della tavolozza, 

è sempre stato preso dal fascino della 

ricerca. Lui, di principio innato e di 

conseguenza culturale poi, sente continuamente 

la necessità sperimentale di 

cimentarsi con qualcosa di nuovo: sia 

d’intuizione artistica sia di realizzazione 

tecnica e di forma, la sua premessa 

di fondo è di scavare nella curiosità e 

di giungere alla conoscenza sperata per 

sentirsi appagato nella sua visceralità 

creativa. E detto con suadente obiettività 

psicologica la sua vera tensione 

riguarda il suo rapporto con il mondo, 

la sua personalità e la percezione che 

ne consegue nel rilevare il mistero che 


sensibilizza il sentimento nella domanda 

avveniristica in attesa di coscienza. 

Una breve introduzione sul personaggio 

Remo Lana, affinché il lettore possa 

comprendere il perché del suo 

Energetismo in cui, a parte i riferimenti 

a propensione parascientifica, 

l’aspetto che soprattutto va tenuto in 

considerazione è l’innata natura del 

pittore, la sua energia biologica e 

psichica che continuamente gli fermentano 

il cervello. Di conseguenza 

l’Energetismo che Lana sente, dipinge 

e divulga, non va creduto come una 

spigolatura di convenienza, ma il vocabolo 

della sua necessità di sentirsi 

integrato universale della visione planetaria. 

La pittura, è il caso da ribadire, 

non è solo quella della quotazione 

o non lo è affatto, ma si conosce nella 

sua originalità di proposta che uniscono, 

l’uomo e il pittore con il mondo. E 

sotto questo aspetto, tendenzialmente 

futuribile, Lana ha le sue carte in regola, 

una personale posizione che lo 

fa dipingere - per intendersi - con tanta 

serena passione, specie da quanto il 

pittore ha coniato la sua produzione 

artistica di Energetismo. Non si sa mai 

con certezza cosa esista dietro un simbolo, 

da quando si è venuto a conoscenza 

che la libertà cognitiva comincia 

sempre dietro e mai prima del simbolo. 

E Remo Lana che noi conosciamo 

come un cattolico di fede senza presunzione, 

cioè di vasta apertura mentale, 

ne ha compreso l’assunto e lo persevera 

istintivamente ed in modo culturale 

in quanto pensa che domandarsi 

con il planetario si possa giungere a 

quell’attesa conoscenza che l’uomo si 

domanda da sempre. La peculiarità che 

lascia intendere perché Lana dipinge 

o compone poesie in continua osservazione 

di quotidiano a cospetto il 

mistero del mondo. E bene ha fatto e

da sinistra in senso orario: 

Opera di energetismo, donata alla Galleria Civica 

“Giuseppe Sciortino” città di Monreale-Palermo 

Olio su tela, cm. 50x70 -Composizione spaziale 1 

Opera di energetismo, donata al Comune di Comacchio 

(FE) -Titolo: 150°dell’unità d’Italia 

Olio su tela cm. 50x70 

Opera di energetismo- Titolo: La porta della fede 


Opera di energetismo - Titolo: La porta del Purgatorio 


Opera di energetismo - Titolo: Frammenti nello spazio uno 


Opera di energetismo - Titolo: Frammenti nello spazio due 


continua a prodigarsi il pittore ad 

omaggiare i suoi dipinti in biblioteche 

e musei, in tutti quei luoghi nei quali 

l’immagine artistica è testimoninaza di 

conoscenza, cultura di vicinanza per 

l’esemplare rispetto di se stesso come 

di tutta l’umana collettività. Una pittura 

quella di Lana che si origina dalle 

più improvvisate strutture e si colora 

con il battito tonale della natura, con 

la luce che si origina dal moto universale, 

per cui una volta sensibilizza una 

poetica arcobaleno, ed un’altra a vocazione 

mistica, quei due mondi che il 

pittore non scinde ma tiene fermamente 

uniti come sincera premessa verso se 

stesso e il principio teologico della creazione 

in cui fa fede tutta la sua opera 

artistica, sia pittorica che letteraria. 

Dal 1 al 12 Giugno 2013 Remo Lana 

espone in mostra culturale i suoi dipinti 

nella Sala Azzurra di Artecultura 

e sarà pertanto ancora un momento di 

riflessione sulla spinta creativa che affascina 

il pittore che, nel suo Energetismo, 

pensiamo che ponga tutta la 

sua spiegazione pratica e teorica che 

unisce l’artista ai valori del sapere disinteressato. 

(Giuseppe Martucci) 


ARTE E NON-VIOLENZA / POESIA / PSICOPOESIA / SESSO / SOCIETA’ 

L’attualità del Costume poetico 

Non è l’economia bancaria ed altre 

che promuovono l’equilibrio sociale 

ma l’azione spirituale del lavoro 

che appaga il desiderio dell’esistenza 

Lavorare tutti per lavorare meno e 

utilmente meglio, pensiamo che colga 

il nostro comune desiderio, cosciente 

ovvero inconscio. Tanto che volendo 

approfondire l’argomento, bisogna sintetizzare 

molto per affermare che desiderio 

e lavoro si possono confrontare 

e comprendere solo ritenendoli 

assiomatici sinonimi. Per il resto impossibile 

approfondire di conoscenza 

il discorso per analizzare di teoria e di 

pratica tutti i suoi aspetti anche più 

misteriosi o controversi. Tuttavia, nel 

nostro caso, il lavoro esprime una conseguenza 

appagante del desiderio, sia 

che riguardi il soddisfacimento di prima 

necessità come procacciarsi l’abbondante 

nutrizione del pane o un 

aspetto di civiltà come costruire un 

ponte per superare l’ostacolo delle acque 

di un fiume in modo che ci permetta 

di continuare il cammino che ci 

porti alla meta prefissa. Ma il desiderio, 

per chiarire, interessa molto anche 

le nostre emozioni sia di gioia come 

esultare per il bacio di una donna amata 

o per una vincita di gara competitiva, 

senza però escludere il rovescio drammatico, 

come una folle tensione che 

punti a vedere in miseria chi ci ha fatto 

uno sgarbo, se non augurarsi addirittura 

la sua morte per il grave torto 

subito a sua colpa. Un argomento delicatissimo, 

quello in discussione, che 

non deve mai confondere il desiderio 

con la speranza, quest’ultima un aspetto 

importante della morale laica o religiosa 

non fa differenza, mentre il desiderio 

interessa direttamente la naturale 

origine del nostro interiore “IO”. 

Quel mondo psichico sul quale si sono 

soffermati a lungo ed a proprio modo, 

sia Buddha che a distanza di secoli 

Freud, mantenendo ognuno il proprio 

punto di vista non senza casi conver- 


genti di finalità sulle tesi dell’altro. A 

chi poi a riguardo volesse approfondire 

l’argomento, si suggerisce la lettura 

del recente quanto importante volume 

di Mark Epstein: BUDDHA.FREUD 

e il DESIDERIO, Indiana Editore 2012 

www.indianaeditore.com 

Il nostro intento però non è quello 

di divagare nella letteratura psicanalitica, 

ma di chiarire quale ramificazione 

sussista tra desiderio umano e il 

mondo del lavoro. E certamente consapevoli 

che, anche se questo universo, 

si presenta infinitamente ampio, si 

cercherà di sintetizzare l’orientamento 

tematico all’indispensabile dell’argomento. 

L’importante, di fondata premessa, 

è di saper riflettere per rendersi 

conto che prima del lavoro storicamente 

emancipato, nell’animale uomo 

esiste di primaria necessità il bisogno 

del linguaggio. E di evolverlo a richiamo 

universale poiché, tuttora, nell’era 

dell’atomo, l’uomo culturale non è riuscito 

a corrispondere appieno alla vocazione 

del suo ”IO-desiderio”, cosciente 

o giacente nell’inconscio per 

vivere una vita incondizionato dall’ignoto. 

Una grande utopia che, tuttavia, 

si lascia individuare e questo per 

se stesso si presenta già un grande passo 

avanti. L‘avvenirismo del tempo è 

un capitale infinito per il procedere del 

sapere cognitivo. Per cui l’indispensabile 

ai nostri giorni è che il lavoro esprima 

la scrittura della civiltà, la sua evoluzione 

storica in tutti i suoi risvolti e, 

pertanto, ogni singola persona umana 

per soddisfare la spinta dei suoi desideri 

coscienti o meno, deve sentirsi uno 

scrittore di se stesso e dei suoi simili a 

cospetto dell’universo. Nessuno deve 

sentirsi subordinato ad un altro e 

tantomeno un lavoratore nella naturale 

pratica del lavoro, della produzione 

del suo nutrimento quotidiano e di 

quanto necessita per vivere la sua esistenza 

dignitosamente. Cosa che, invece, 

il barbaro sadismo istituzionale 

o di una certa marca imprenditoriale 

di tutti gli Stati, non vogliono comprendere 

e preferiscono il comodo della 

guerra a quello evolutivo della cultura 

del lavoro. Preferiscono, cioè, sovvertire 

la cultura della civiltà della convivenza 

pacifica con la produzione delle 

armi per la guerra permanente, distruttrice, 

restando freddamente indifferenti 

che l’imprenditore ragionevole 

venga sommerso da tante inutili tasse 

fino a farla finita con il suicidio o che 

l’operaio, a sua volta, si butti dalla finestra 

o si spara perché disoccupato, 

nudo, privo di ogni dignità sociale. Il 

motivo per sostenere che la disoccupazione 

all’interno di uno o più stati costituisce 

la barbarie insopportabile dei 

poteri governativi, monopolisti o 

padronali che di repressione possono 

esercitare sulla libera coscienza della 

gente desiderosa solo di lavorare dignitosamente. 

Non esiste un modo unico 

per sconfiggere la disoccupazione in 

uno stato grande o piccolo che sia, in 

quanto per stimolo di coscienza s’intuisce 

sempre e comunque come 

sensibilizzare l’equilibrio tra le parti 

sociali, basta volerlo. E’ solo sufficiente 

sostituire l’etica dell’abbaglio e criminale 

delle armi con quella del Costume 

poetico che nella sua microscopica 

incidenza Artecultura sensibilizza. 

Ma è un principio, sia chiaro, 

che potrebbe anche diventare un’estensione 

sociale pacifica di poesia, che alimenta 

la parte migliore dell’uomo. In 

modo che nessuno lo possa impedire 

perché termina il lavaggio di cervello 

degli attuali linguaggi di volgare prepotenza. 

Un perverso sistema nei cui

stati cambiano le persone ma non i selvaggi 

condizionamenti di metodi di poteri 

costuititi sulla imposizione violenta, 

autoritaria, come indiscutibile principio. 

Ma il desiderio - è stato detto - ha 

tanti risvolti restando comunque desiderio, 

energia pura dell’”IO” da non 

confonderlo con la superbia di altre 

varianti narcisiste, cosicché è sufficiente 

essere un tantino riflessivi per comprenderlo 

e rendersi conto come nelle 

popolazioni sia più estesa la grande 

magnanimità umana capace pertanto 

di sdradicare dalla forza cosciente del 

personale “IO” l’estraneo innesto velenoso 

e militaresco del cancro della 

guerra. Mai giusta ed avversaria spietata 

della spiritualità culturale nonviolenta 

che caratterizza la natura poetica 

dell’uomo. Al cui riguardo, soprattutto 

la militarizzazione della donna 

di qualche decennio addietro e quella 

della scuola che si vuol tentare attualmente 

per la giustificazione della 

guerra, costituiscono la più inaudita 

bassezza a cui la deviazione mentale 

dell’uomo possa giungere. Artecultura 

ha detto molto sotto questo aspetto e 

non è qui il caso di ripeterlo, ma di 

continuare a domandarci sul rapporto 

desiderio-lavoro. Questo perché dall’aspetto 

artistico, allo specialista di 

qualsiasi attività di lavoro e soprattutto 

di ricerca, non può esistere realizzazione 

sperata necessaria alla nutrizione 

esistenziale e d’altra congenialità 

umana come alla sua costante evoluzione 

di conoscenza che non sia mossa 

da uno stimolo spirituale del desiderio. 

L’agricoltore non seminare 

il grano se non spinto dalla convinzione 

della raccolta che gli fornisca il 

pane per mangiare. Così l’ingegnere 

ed il muratore non costruiscono la casa 

solo per principio speculoso di mercato, 

bensì dalla premessa che la casa 

serve per la difesa dell’uomo dalle varie 

intemperie d’ambienti e stagionali. 

Tutte le altre voci di comodità vengono 

dopo, anche se consapevoli che le 

comodità auspicate, sono tuttavia una 

conseguenza più indiretta del desiderio 

di prima istanza come il nutrirsi 

per non morire di fame o di accendere 

il fuoco per non spegnersi di assideramento. 

Non diversamente si manifesta 

il desiderio nel campo artistico come 

per un musicista. Infatti se non spinto 

a connotare l’armonia tramite dei suoni 

che corrispondano più direttamente 

al desiderio spirituale, lui non compone 

un bel niente. La medesima tensione 

che dipingere ad un pittore l’attrazione 

poetica di un paesaggio ovvero 

a prestarsi ad una ricerca di composizione 

teorica, che, però, mancando 

il desiderio si blocca nella sua creatività. 

Del resto lo stesso scienziato quale 

risultato di ricerca può sperare se non 

favorito dal desiderio di pervenire ad 

ulteriori scoperte? 

Il desiderio - è stato ancora detto - 

può avere diverse manifestazioni. Proprio 

così, ma secondo noi dobbiamo 

stare molto attenti a non confonderlo 

con le strategie che possono benissimo 

mimetizzarsi nel desiderio per raggiungere 

atti di bassezze distruttive 

come un generale nel condurre una battaglia. 

Il desiderio, voce diretta della 

spontaneità, non fa la guerra, mai, 

mentre la strategia diventa la tattica più 

distruttiva della guerra. Proprio l’opposto 

di quanto si manifesta nella teoria 

e pratica del lavoro, il desiderio non 

inganna nessuno, ma semplifica continuamente 

la chiarezza della scoperta 

che rende più libero e ricompensa l’uomo 

delle sue necessità, dei suoi diversi 

bisogni esistenziali, primari e non. 

Come avviene quando il contadino nel 

lavorare la terra dalla zappa passa all’aratro, 

o nel muoversi sceglie, di usare 

il cavallo anzicché camminare a piedi 

e via di questo passo. La catena degli 

esempi si presenta infinita, ma l’indispensabile 

nel nostro caso è quello 

di assimilare il concetto per poi svilupparlo, 

confrontarlo ed evolverlo a 

seconda le più opportune circostanze. 

E di comprendere all’occasione come 

la nostra spontaneità in qualsiasi manifestazione 

della vita sia sempre mossa 

da un desiderio a volte avverato ed 

altre mancato secondo Freud, ma comunque 

motore di tutte le nostre emozioni, 

senza delle quali noi saremmo 

nient’altro che delle eterne palafitte. 

Per cui si deve allo stimolo innato del 

nostro desiderio anche di percepire 

sensazioni di fenomeni che la potenzialità 

limitata dei nostri sensi non 

può congiungere alla luce della coscienza 

per mancanza degli opportuni 

rispecchi sensitivi. Fino al punto da 

farci sostenere come fenomenologia, 

desiderio e poesia costituiscano un fenomeno 

inscindibile, condiviso o respinto 

anche da Husserl. Quello che a 

riguardo conta, non è il rigetto, ovvero 

l’accettazione unificata del trinomio, 

ma di darsi idea allusiva per comprendere 

il tracciato del filo conduttore ipotetico 

che li unisce nella realizzazione 

dell’opera creativa. E di venire a considerare 

come il desiderio origini comunque 

da una radice embrionale di 

poesia che spinge un autore a comporla 

per soddisfare disinteressaramente 

il suo desiderio, ed a ben spiegarsi, nel 

caso specifico, senza una tariffa sindacale... 

E quando Artecultura sostiene che 

il lavoro è poesia, che si manifesta alla 

coscienza tramite il desiderio, sostiene 

una verità psichica e nel contempo 

reale su cui tutto il sindacalismo dovrebbe 

riflettere molto ed a lungo per 

motivare su esigenze incontrastabili 

come la disoccupazione sia solo il ricatto 

materiale della ibrida ricchezza 

che ha svanito tutta la sua spiritualità 

per vestirsi di rinuncia verso il naturale 

equilibrio sociale che qualifichi il 

valore culturale del lavoro. E quando 

certi padroni di Stato e d’altro, diventano 

tanto più ricchi quanto più la disuguaglianza 

del mancato equilibrio 

colpisce la manodopera, significa che 

quelle identità verticiste hanno perso 

la testa e sono fuori dalla normalità. 

Hanno cioè svanito l’origine e il valore 

del desiderio perché in sostanza hanno 

distrutto la poesia in tutta la loro 

personalità, ormai diventata tanto sadica 

dove il fine giustifica il metodo 

come far manganellare i lavoratori dipendenti 

quando contestano l’arroganza 

padronale. 

L’iniziativa nel lavoro non è di chi 

ha più soldi in banca o di chi li gestisce, 

ma di quanti lavorano con la normalità 

dell’entusiasmo poetico che non 

livella la potenzialità creativa, ma la 

favorisce come stimolo di collaborazione 

indiscriminata all’equilibrio in cui 

il lavoro è per unire nella positività 

della produzione e non per il fallimento 

preventivato della fabbrica. La 

cui vera direzione si deve alla spiritualità 

creativa quando chi più ne ha la 

pone liberamente a disposizione per 

soddisfare il comune desiderio del lavoro 

senza annullare la dignità culturale 

della presenza lavoratrice. Non è 

la proprietà positiva, collaborata, che 

va contrastata, ma il razzismo dei colletti 

bianchi che può essere estinto dallo 

stimolo poetico del lavoro che non sopprime 

il desiderio, costante fenomeno 

intuitivo nella produzione del lavoro. 

Giuseppe Martucci 


SPETTANZE 

DAI PORTI APERTI 

Aspetto che mi ridiano le chiavi di casa 

la dignità di perdere, piangere, 

fare ammenda per migliorarmi. 

Aspetto che il mare sia pulito 

che i fiumi scorrano liberi 

invece che sotto le vie delle città 

che gli alberi crescano nel bosco 

che tempi e stagioni cadenzino la vita. 

Aspetto che il mio bimbo impari a parlare 

che il mio cane non abbia paura di abbaiare 

che le barche approdino a riva 

che il sodalizio degli intenti sia compiuto 

che si costruisca una casa per tutti 

che la gente non dorma sotto i ponti 

delle autostrade. 

Aspetto, ancora aspetto 

che i politici smettano di litigare in 

/ televisione 

che la vera democrazia trionfi 

che Paolo Conte riceva il Nobel per la poesia 

che la musica non sia un prodotto in scatola 

che l’arte venga acquistata per il 

/ piacere di possederla 

anziché per investimenti futuri. 

Aspetto, aspetto, ancora aspetto 

che i beni essenziali non siano oggetto 

di speculazioni diserzioni 

accaparramento per guadagni… 

sulla pelle degli ignari. 

Giuseppe Zumbolo 

IL SILENZIO DELLE COSE 

Scorre sul filo dell’aria 

il silenzio delle cose. 

Tace il tamburo 

maestro di colpi assordanti 

nel profondo di una morte. 

Muto è il corno 

nelle selve dove corre 

la lepre braccata, 

svanisce il sì della sposa tradita 

il suo velo si strappa 

dinanzi al mondo bugiardo. 

Non canta più il gallo respinto, 

il grido è lacerato 

dal mattino senza forma 

da cui prende commiato. 

Onora i vivi e la loro fede 

il silenzio delle cose 

che scorre sul filo dell’aria 


Umanità Umanità poetica poetica - Umanità - Umanità poetica 

poetica 

“La “La poesia poesia comincia comincia dove dove finiscono finiscono le discriminazioni” 

le le discriminazioni” 

Umanità Umanità poetica poetica è uno è spazio uno spazio aperto aperto alla divulgazione alla divulgazione poetica poetica interessata interessata al dibattito al al dibattito sull'identificazione sull'identificazione e il ruolo e il il ruolo odierno odierno della della 

poesia. poesia. Umanità La franchezza La poetica 

La franchezza e l'obiettività è uno e l'obiettività spazio degli aperto interventi, degli alla interventi, divulgazione costituiscono costituiscono poetica per la interessata per redazione la la redazione della al dibattito Rivista della Rivista sull'identificazione la premessa la la premessa per la per pubblicazione. e il la ruolo odierno della 

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facilitare facilitare poesia. La franchezza e l'obiettività degli interventi, costituiscono per redazione della Rivista la premessa per la pubblicazione. Per 

la partecipazione la la partecipazione degli Autori degli Autori interessati interessati si suggerisce si si suggerisce negli elaborati negli elaborati brevità brevità e concisione. e concisione. Per necessità Per necessità di spazio di di spazio la redazione la la redazione 

si ritiene si facilitare la partecipazione degli Autori interessati si suggerisce negli elaborati brevità e concisione. Per necessità spazio la redazione 

si ritiene autorizzata autorizzata a sintetizzare a sintetizzare i testi i rispettando testi rispettando il contenuto. il il contenuto. La pubblicazione La La pubblicazione dei testi dei dei poetici testi poetici ha puro ha ha carattere puro carattere divulgativo, divulgativo, stimolo di di stimolo 

culturale. culturale. si ritiene autorizzata a sintetizzare i testi rispettando il contenuto. La pubblicazione dei testi poetici ha puro carattere divulgativo, di stimolo 

La proprietà La La proprietà letteraria letteraria dei componimenti dei dei componimenti pubblicati pubblicati rimane rimane pertanto pertanto a tutti a gli tutti effetti gli gli effetti di legge di di dei legge singoli dei dei singoli Autori. Autori. 

culturale. La proprietà letteraria Dei componimenti Dei 

dei componimenti pubblicati rimane pertanto a tutti gli effetti di legge dei singoli Autori. 

componimenti pubblicati pubblicati si tiene si si conto tiene conto soprattutto soprattutto dei contenuti dei contenuti culturali. culturali. 

Dei componimenti pubblicati si tiene conto soprattutto dei contenuti culturali. 

Caterina Rovatti 

Foglie d’autunno 

(tempi di crisi) 

Foglie d’autunno sono i tuoi sogni 

scippati dai progetti d’alte sfere, 

nell’incertezza fluttua il tuo domani. 

Di certo solo il mutuo e le bollette 

che non sai, se pagare potrai. 

Lo sconcerto ha esaurito ormai 

il suo corso e come polvere 

rossa del deserto 

ti avvolge e ti travolge l’apatia 

La verve si è smarrita fra i cavilli 

che non comprenderai. 

Che succederà mai’? Incongnita 

infinita! Che risucchia la vita 

e ti deruba la serenità 

Maria Chiara Quartu 

VARIEGATO 

Nulla sta fermo 

anche se tutto è immobile 

Viavai di colori 

transita luce... 

Vitalità pura 

mistero d’essere. 

Maria Tersa Mosconi 

SERA DI NORMANDIA 

(un tramonto di settembre: 

tra St-Malo e le Mont-St-Michel) 

La marea 

che mi lambisce i piedi scalzi 

lentamente ora si ritira 

-silenziosasrotolando 

gusci di conchiglie 

vuote e lucenti, 

lasciando esposti e smarriti 

piccoli granchi, 

molluschi nudi e indifesi, 

rare ostriche 

strappate dalle onde 

alle filze degli allevamenti: 

preda di gabbiani mai sazi 

e cena 

di qualche anziana donna 

che tiene -per non bagnarlala 

gonna sollevata 

appena sopra le ginocchia. 

Fabiano Braccini 

QUEST SE SA…MA… 

Cosa ghe voeur mai a fà on governa 

in d’on moment tant ner come l’inferna 

in dove l’economia la va in malora? 

Politich dissedevess, ‘dess l’è ora! 

Chi gh’ha la panscia pièna e no rabbiosa 

purtròpp el cognoss nò quella sgajosa 

che la inversa stòmegh e busecch 

che la consuma el sangu e lassa gnecch 

che smòrza el slanz e fa vegnì l’arlia 

che la pana i dì de malinconia. 

Chi perd el lavorà no gh’ha doman 

inscì se coppa lassaa soll ‘me on can. 

“Politich, vialter, oh sacchforment! 

‘se sii lì a fà, de grazia, in Parlament? 

Domà a tegnì franch el cadreghin 

e a impienì de grana el vòs borsin?” 

Se per fà el Papa gh’è vorsuu trii dì 

allora, demm a trà, fasemm inscì: 

mettom tutt’ i politich in conclav 

je sarom dent e sbattom via la ciava 

Avevi cominciaa ‘sti vers ruspant 

inscì per toeu on poo in gir i 

governant ma nel pensà a ‘sta greva 

situazion me son lassaa ciappà da on 

gran magon e anch, per dilla tutta, 

dal fotton. 

enrica 

AL SUPERMERCATO 

Sui quarant’anni seduta sui gradini 

dell’entrata emaciata e pallida 

tendeva livida la mano 

“Signore... 

una monetina per la bambina... 

per favore... dammi qualcosa... 

...grazie e buona giornata... “ 

La fissai negli occhi 

prima e dopo la supplica 

per capire la sua amarezza 

ma accortasi girò subito 

la testa senza parola 

imbalsamata com’era di freddo 

nel cielo rigido di domenica mattina 

E rammaricato tuttavia decisi 

di riprendere l’andar mio anche 

pensando alla gracile dolcezza dei 

suoi occhi che volevano scusare 

l’impenetrabile suo riserbo 

(forse colpita da una sofferenza 

maggiore dell’apparenza) ma inchiodata 

e fatta giurare a non rivelarla mai... 

Giuseppe Martucci

Salvatore Cagliola 

I CANTI DEL BORGO 

Poesie - Morrone editore 2013 

Il filo rigoroso della ricerca ci fa 

dire che ad una silloge non bene si addice 

una recensione dato che gli elaborati 

che la compongono sono per se 

stessi già una sensibile visione critica, 

mancante la quale non potrebbe essere 

poesia. Però, come eco di accordo con 

l’altro nella colta eccellenza del linguaggio, 

uno spirito di confronto sa essere 

comprensibile per stimolare una 

conoscenza sempre più universale. 

L’aspetto che, putroppo, ai nostri giorni, 

ancora scarseggia di molto nella 

parola dell’uomo, e che pensiamo la 

nuova silloge poetica di Salvatore 

Cagliola ne sigilli il desiderio più viscerale 

vestendosi della semplice o della 

doppia metafora per svelare il suo 

sincero candore di luminosità nello 

spontaneo collegamento tra il peso del 

quotidiano e il liberatorio del divino. 

Un verso estremamente ribelle alle costrizioni 

dell’abuso ma che sa rendersi 

sereno nella più nitida visione nella conoscenza 

di se stesso e del prossimo. 

La religiosità cristiana di Cagliola, è 

da pensare che non si addica ad alcuna 

aggettivazione in quanto lo è di superlativa 

essenza che non intacca, ma 

agevola d’armonia il respiro della gente. 

La spinta creativa sa manifestarsi 

nel primario universale ancora prima 

di quello ecumenico-culturale, sulla cui 

forma letterale il componimento si presenta 

ineccepibile. Il candido sonoro 

della parola nella sua equilibrata struttura 

semantica, spesso vicino al pentagramma, 

che venera disinteressatamente 

la bellezza della luce del sole 

come quella di tutta la natura, rivela 

la sua anima a Dio. Un cristianesimo 

poetico quello di Cagliola che, per il 

moto di libertà che lo nutre, ha sicuramente 

profondi richiami francescani 

e non senza qualche celato fiato 

panteistico. E’ persino impossibile stabilire 

un confronto quando la poesia 

parla a se stessa senza limitazioni di 

confini tra Dio, la fede e la secolarità 

in tutti i suoi risvolti di credenti ovvero 

no. La creatività poetica è la scienza-madre 

incomparabile dell’infinito 

universo, mondo nel quale la medesima 

teologia non può andare oltre l’assenza 

poiché l’ipotesi e la nullità si dissolvono 

di ogni significato persino del 

punto geometrico. E solo la poesia 

elogia l’esistenza, proprio perché tra 

poesia, esistenza e Dio non sono possibili 

accezioni senza ferirne d’incomunicabilità 

la Bellezza poetica. 

Cosicché “I CANTI DEL BORGO” 

di Cagliola costituiscono lo spirito ed 

il corpo di una elevatissima espressione 

poetica, in cui cultura e costume si 

danno l’intesa, confrontano le discordanze 

della vita reale e di quella 

sognata accettando di prudenza poetica 

i condizionamenti abusati della nonpoesia. 

Quella negazione che addolora 

il mondo di ogni specie di mortificazione, 

dal contadino al pescatore, 

dall’operaio al sacerdote che, a cospetto 

il superamento di un certo dolore, 

si affida con la preghiera alla bontà Celeste. 

Il verso di Cagliola nasce e continua 

ad essere bambino per spirito critico 

di consapevolezza, per la grande 

affettività che sensibilizza il pane quotidiano 

della vita: da Vendicari a 

Spinazza a Marzamemi a Pachino quel 

territorio Jonico che abbraccia di spontaneo 

linguaggio il componimento poetico 

di Cagliola. E lo abbraccia perché 

lo vive come se stesso intuendone 

i vari umori del linguaggio che ramifica 

i desideri del costume che danno 

poi vita alle emozioni di gioia o di rammarico. 

A quella radice di poesia che 

vive ed anima la stessa natura delle 

cose. Dunque, I CANTI DEL BORGO, 

lo lascia bene intendere lo stesso 

Cagliola, sono la metafora della metafora 

che rispecchia quella del mondo. 

Un’altra fondamentale visione nella 

quale la poesia di Cagliola si santifica 

forse senza nemmemo saperlo in 

quanto la sua coscienza poetica riflettendo 

sul particolare poi si eleva senza 

volerlo alla grande visione universale 

che è appunto la poesia della spontaneità 

innata. Eppure Cagliola ne ha 

vinti di premi per il suo classico fermento 

poetico, fattori però che vengono 

sommati e prendono forma storiografica 

solo come indice delle circostanze 

esistenziali, in quanto Cagliola 

intende vivere ed elevarsi sempre 

più consapevolmente nella spiritualità 

della poesia universale. Ed infatti 

verseggia in: 

Pensieri prima dell’alba 

Abbrividisce l’ultima stella / alla 

brezza chiacchierina / donzella marzamemina 

/ occhi di cielo / ricci profumati 

d’alga - Un raggio fuggito dal 

sole / che ancora indugia / alla fiera 

dell’est / già disegna una finestra / sul 

verticale muro d’ombra - Saltano il davanzale 

/ i miei freschi pensieri / e corrono 

lungo sentieri / silenti di luce vaghe 

/ un po’ prima dell’alba - Con le 

antiche parole / che toccano il cuore / 

canto coi passeri / l’atteso miracolo / 

d’un nuovo giorno - Ora non so dove / 

ma occorre che vada / altrove.... 

Anche le stagioni le sente perché 

le vive ma la sua vera poesia bussa alle 

meraviglie dell’infinito. Forse sovviene 

alla timidezza quando menziona Dio, 

ma trattasi di una timidezza di responsabilità 

del poeta Cagliola che non vuole 

far torto a se stesso senza ferire 

l’emozione liberante della sua Poesia. 

Giuseppe Martucci 


...LIBRI....LIBRI...LIBRI... 

a cura di Aoristias 

Benedetto XVI, SULLA MUSICA 

Edizioni Marcianum Press 

Il volume raccoglie i più importanti pensieri 

di Joseph Ratzinger sul valore della musica 

e il linguaggio universale della bellezza. 

Per Benedetto XVI la musica, forse più di 

altre arti, ha il potere di «aprire le menti e 

i cuori alla dimensione dello spirito e 

condurre persone ad alzare lo sguardo verso 

l’Alto». Le riflessioni del Santo Padre si 

offrono come un’autentica guida per 

accostarsi alla musica in maniera non 

scontata e banale, per non viverla come un 

fatto di consumo, come ci ha abituati la 

società attuale, ma come un’esperienza 

privilegiata per meditare sul senso della 

nostra vita e sul rapporto che noi, attraverso 

la musica, possiamo instaurare con l’eterno 

di Dio. Sulla Musica è il sesto titolo di 

Joseph Ratzinger pubblicato da Marcianum 

Press dopo Il Dio delle fede e il Dio dei 

filosofi (2007), L'Apostolo Paolo (2010), 

Lodate Dio con arte (2010), Un cuor solo, 

un'anima sola (2011) e Progetto di Dio: la 

Creazione (2012). Nel 2008 è uscito 

Benedetto XVI e le sue radici, dove Alfred 

Läpple, insegnante di filosofia e teologo, 

descrive la giovinezza di Joseph Ratzinger. 

Il volume è a cura di Lucio Coco. 

Celso Costantini FOGLIE SECCHE 

L’opera non è solo una autobiografia del 

Cardinale Celso Costantini dal 1876, anno 

di nascita, al 1922, ma anche una raccolta 

di preziosi documenti e riflessioni del 

Porporato pordenonese. Il volume si divide 

in quattro parti. La prima riguarda la 

giovinezza di Costantini e ne mette in luce 

la genialità artistica, letteraria e culturale, 

sottolineando il suo talento come scultore, 

scrittore e stratega del rinnovamento 

dell’arte cristiana. La seconda parte, 

denominata Ortiche, manifesta la grandezza 

spirituale del pastore che intende stimolare 

il lettore a tenersi nel retto sentiero, come 

fa la pianta citata con chi la tocca. Il suo 

coinvolgimento nella Grande Guerra e la 

sua missione apostolica a Fiume costituiscono 

la terza e la quarta parte, che 

offrono una testimonianza storica eccezionale 

sul primo conflitto mondiale e 

sulle vicende di Gabriele D’Annunzio. 

Costantini, inviato nel 1920 nella martoriata 

città, riuscì a far fronte alle avventure del 

Comandante poeta scongiurando un bagno 


di sangue alla popolazione civile. Con Foglie 

Secche il curatore conclude un ciclo di 

pubblicazioni edite da Marcianum Press, 

dedicate a un figura riscoperta grazie ai 

suoi studi. Le altre opere della serie sono: 

Edizione critica del Diario inedito del 

Cardinale Celso Costantini “Ai margini 

della guerra” (1938-1947), Chiesa e Stato 

in Cina. Dalle imprese di Costantini alle 

svolte attuali, Il ritratto segreto del 

Cardinale Celso Costantini in 10.000 lettere 

dal 1892 al 1958. Bruno Fabio Pighin è 

professore ordinario della Facoltà di Diritto 

Canonico San Pio X di Venezia. Insegna 

anche nello Studio Teologico “Cardinale 

Celso Costantini” del Seminario in 

Pordenone, affiliato alla Facoltà Teologica 

del Triveneto. È autore di sedici volumi in 

ambito storico, giuridico e etico, nonché di 

numerosi contributi per collane e riviste 

scientifiche. 

Rosa Maria Cimino 

LEGGENDE E FASTI DELLACORTE 

DEI “GRANDI RE” Ediz. Cesmeo 

Lo stato del Mewar, Rajasthan, vanta una 

gloriosa storia di eroi guerrieri, nobili 

d’animo e intrepidi in battaglia, e nello 

stesso tempo amanti delle arti e dei piaceri 

della vita. Le loro splendide magioni sono 

quindi ricche di decori e di dipinti murali 

Il volume vuole offrire un panorama dei 

decori e delle pitture murali che ornano non 

solo i palazzi reali, ma anche i templi e le 

abitazioni dei nobili (haveli) i quali, per 

acquistare prestigio sociale, imitavano il 

tenore di vita dei sovrani. L’analisi dei 

dipinti, soprattutto quelli che illustrano 

alcuni aspetti della vita di corte, offre un 

importante strumento per entrare nel mondo 

ormai scomparso dei ‘grandi re’, facendo 

rivivere avvenimenti quotidiani, le grandi 

feste e gli sfarzosi cortei per le uscite dal 

palazzo, i darbar (assemblee ufficiali) e gli 

incontri con altri raja, i divertimenti e gli 

spettacoli di musica e danze, i convegni 

nell’harem, le grandi cacce. Rosa Maria 

Cimino è Docente di Storia dell’Arte 

dell’India presso la Facoltà dei Beni 

Culturali dell’Università degli Studi del 

Salento. Ha lavorato per circa un trentennio 

presso l’ufficio culturale dell’Istituto 

Italiano per il Medio ed Estremo Oriente 

(ora IsIAO), promuovendo i rapporti 

culturali tra l’Italia e i paesi orientali, 

organizzando mostre, convegni, conferenze 

e congressi. E’autrice di numerose 

pubblicazioni scientifiche. Giuliano Boccali 

è professore di Indologia all'Università degli 

Studi di Milano. Studia in particolare la 

mitologia hindu, la poesia classica, l'estetica 

sia letteraria sia figurativa e lo status delle 

passioni nella cultura indiana. Da oltre 

dieci anni si interessa anche ai mutamenti 

della società indiana avvenuti dopo 

l'Indipendenza e oggi particolarmente rapidi. 

Info 02 8846 5720 

THE ARTIST’S EYE 

Silvana Editoriale 

144 pagine, con testi di Fiona Kearney e 

Marco Pierini, curatori della mostra, e di 

Silvia Ferrari e Francesca Mora, il catalogo 

bilingue edito da Silvana editoriale presenta 

un ricco repertorio iconografico delle opere 

in mostra, da Max Ernst seduto nel suo 

studio di New York, con il viso avvolto dal 

fumo di sigaretta, a Pablo Picasso sdraiato 

in riva al mare, in posa declamatoria, fino 

a John Lennon immortalato nudo, abbracciato 

a Yoko Ono, poche ore prima 

della sua morte. Questi e molti altri 

personaggi dell’arte contemporanea sono 

protagonisti di un allestimento che presenta 

scatti realizzati dai più grandi maestri della 

fotografia italiani e stranieri confluiti nel 

corso del tempo nella collezione permanente 

del museo modenese. 

Antonio Visconte, IL MESSIA (Poema) 

Edizioni Quintessenza 

Giunto alla decima edizione il significativo 

volume di Antonio Visconte si pone in 

relazione con la suggestiva dimensione del 

poema che vanta precedenti illustri, dalle 

antichissime letterature indiane, mesopotamiche 

ad Omero, da Virgilio a Dante. 

Scrive acutamente nelle Premessa al libro 

Gerardo Zampella: “..Diciamo subito che 

ci troviamo di fronte ad una vasta opera, 

composta da 14.400 endecasillabi sciolti, 

raccolti in ottave, tra il poema, costruito 

intorno ad un “intento pubblico”, ossia 

l’urgenza di registrare la corruzione dei 

tempi e la decadenza generica di cui è 

vittima l’uomo, e l’epinicio finalizzante 

una, in verità considerata dall’Autore molto 

improbabile, conquista morale”. 

SOLENNE RICORDO 

Venne qui in quel meriggio, 

per portarci il suo Vangelo, 

un messaggio di grande amore, 

per questa povera umanità. 

Ora è là nella sua patria, 

non in Polonia, ma in paradiso, 

dove lo acclama la immensa folla, 

che invoca Giovanni Paolo Secondo. 

Ha pregato e insegnato, 

il cammino santo della fede, 

senza paura della sofferenza. 

Avea trovato la città mariana, 

la Vergine Madre nella Capua Vetere, 

un Concilio Ecumenico proclamava 

Antonio Visconte 

Nota informativa: Artecultura, per favorire 

il suo impegno divulgativo, non ha un 

prezzo di copertina e le recensioni dei libri, 

a totale discrezione redazionale, vengono 

effettuate solo a coloro che sottoscrivono 

un abbonamento annuale di 50 euro 

facendo pervenire in redazione copia di ricevuta 

del versamento effettuato. E verrà 

subito l’invio mensile della Rivista più 2 

copie con la recensione interessata.

1) L'adesione alla XLI: Edizione Poesia e Saggistica per il 

Disarmo 2013 è gratuita. L'iniziativa si autogestisce nello 

spirito di Artecultura orientata a stimolare una serena convivenza 

sociale tra le persone. 

2) Sono invitati quanti si sentono impegnati nella poetica 

ricerca saggistica della Pace, ideale di ogni libera persona 

umana. L'iniziativa non assegna premi di classifica e gli Autori 

delle liriche o dei saggi formalmente prescelti per l'inserimento 

nel volume antologico "Cultura per la pace"- Poesia e 

Saggistica 2013, riceveranno il Diploma di solidarietà, ed una 

riproduzione artistica della copertina del volume. 

3) Alla consultazione dei componimenti è preposta, a solo titolo 

di verifica formale, una Commissione composta da membri di 

varie attività sociali. 

4) La presentazione del volume verrà effettuata a fine novembre 

in data e luogo che saranno opportunamente comunicati come 

per le passate edizioni. 

5) Al ricevimento dell'esito dell'adesione l'Autore aderente 

s'impegna a comunicare il numero delle copie del volume che 

intende acquistare, al costo economico di Euro 5 al volume. 

Alla presentazione di Poesia e Saggistica - "Cultura per la 

pace" 2013 tutti gli Autori aderenti sono tenuti ad essere 

presenti, o in caso di forzata impossibilità, ad essere rappresentati 

da persone di fiducia per il ritiro dei volumi ordinati e il 

dovuto per regolamento. 

L'assenza immotivata e il non riscontro all'invito di presenza 

annullano ogni spettanza a domandarla nel tempo. 

Poesia e Saggistica 

per il Disarmo 

Con il patrocinio culturale della Libera Coscienza 

XLI Edizione Poesia Pace 2013. Scadenza 30 luglio 2013 

A confronto dell’avanzato traguardo culturale, a cui l’iniziativa è pervenuta nello spirito di un 

Costume poetico sempre più sentito e partecipato, non è possibile fermarsi, ma solo perseverare per 

l’ulteriore traguardo dell’attuazione consapevole. La capacità, cioè, di alternare nella persona la 

sicurezza della fiducia e della serena convivenza all’odio delle armi e della guerra. 

Poesia: l’adesione all’annuale nuova iniziativa per il disarmo può essere effettuata tramite 1 (uno) 

componimento poetico che non superi i 35 versi per essere accettato e pubblicato con qualche riga 

di commento da riprodurre a fondo pagina del componimento. 

Saggistica: l’invio di una sintesi saggistica (corpo 10 che non superi le 20 righe A-4 per essere 

accettata ed inserita esclusivamente in formato DOC ). In modo che il breve saggio sia di stimolo 

per successivi incontri promossi dall’Autore per confronti sempre più diretti ed allargati. Artecultura, 

informata, divulgherà prontamente la notizia per un impegno sempre più decentrato. 

Della nuova antologia di Poesia e Saggistica in rapporto alle adesioni pervenute sarà definita la 

tiratura ed il ricavato destinato a totale beneficio di Borse di studio per le Scuole aderenti. 

6) Poesia, una sola per ogni aderente, va spedita in duplice copia 

firmate di autografa, alla Segreteria c/o Artecultura - Via 

Ciovasso 19 - 20121 Milano o servirsi dell'indirizzo - 


Saggisica, 1 (solo per ogni aderente) vanno inviati esclusivamente 

per via e-mail all’indirizzo: info@artecultura.org 

Per le Scuole si richiede l'invio di componimenti a firma 

collettiva in modo da favorire la più ampia presenza scolastica 

nel nuovo volume antologico. Simboliche Borse di studio 

7) Le Poesie ed i Saggi debbono essere inediti, di personale 

ispirazione e composizione ed attinenti al tema Pace-Disarmo 

nella più ampia libertà di pensiero. I minorenni sono accettati 

solo con la prevista firma di chi esercita su di loro la tutela. 

Non sono accettati componimenti dedicati a persone viventi. 

8) Artecultura si riserva di favorire letture e altri stimoli culturali. 

9) In caso di nuove esigenze, il presente regolamento potrà subire 

modifiche che migliorino l'attività di Poesia e Saggistica per il 

Disarmo - "Cultura per la pace" 2013. 

L’adesione è limitata ad una sola sezione per Autore. 

10) Gli aderenti accettano il presente regolamento in ogni sua 

parte. Poesie e Saggi fatti pervenire per spirito di solidarietà 

all'iniziativa non vengono restituiti ed entrano a far parte dell'Archivio 

"Cultura per la pace" di ARTECULTURA. 

Sede nella quale permane l’Archivio di cui tutti possono 

prendere visione consultiva. La proprietà letteraria di tutti gli 

elaborati è ad ogni effetto pertinente agli Autori dei medesimi. 

INIZIATIVA CORALE PARTECIPA E FAI PARTECIPARE! 

Informazioni ulteriori e invio componimenti: 

Poesia e Saggistica per il Disarmo -“Cultura per la pace” 2013 

c/o Artecultura Via Ciovasso 19- 20121 Milano - Tel. 02/864.64.093 

http://www.artecultura.org e-mail: info@artecultura.org 


CONCORSI 


CONCORSI 

UN NUDO PER L’ESTATE 2013 

29 giugno - 20 luglio 2013: incontro inaugurale sabato 6 luglio h. 17,30 

Spazi espositivi Artecultura nel centro di Milano. Il Nudo promosso in Rassegna 

può essere realizzato nelle seguenti tecniche: pittura, scultura, grafica, fotografia 

Lo speciale evento viene realizzato in Rassegna a cura del 

critico dr. Teodosio Martucci ed indetto come ricerca del 

bello nella sua più ampia libertà ideativa e nello spirito 

evoluto della cultura artistica. 

La realizzazione dell’opera può essere affettuata nella tecnica 

ad olio, acrilico, pastello, tecnica mista ed altro nella 

misura minima di cm. 30x40 e massima di cm. 60x80, 

accettazione delle opere entro il 28 giugno 2013 e l’invio 

della foto o di altro materiale equivalente (CD, e-mail, etc.) 

riferita all’opera, per la riproduzione sulla base della 

colonna nel servizio che redigerà Artecultura sulla Rassegna, 

entro e non oltre il 20 giugno 2013. 

Esposizione da sabato 29 giugno al 20 luglio. Presentazione 

di UN NUDO PER L’ESTATE 6 luglio h. 17,30 sede di 

Artecultura via Ciovasso 19 Milano (angolo via del Carmine). 

Le opere aderenti verranno esposte in uno degli spazi 

espositivi della Rivista. Le opere riprodotte nel servizio che 

effettuerà Artecultura e singolarmente accompagnate di 

Nome e Cognome dell’artista, Titolo, Anno di realizzazione, 

Tecnica e misure. Dati da riportare dietro la foto e anche 

ripetuti su un talloncino nel retro dell’opera. Materiale che 

rimane a documentazione redazionale. 

L’artista aderente alla Rassegna UN NUDO PER L’ESTA- 

TE 2013 riceverà 3 copie di Artecultura con il servizio 

interessato, 1 locandina degli aderenti e Diploma di Merito. 

Per gli artisti fuori Milano si domanda l’invio delle opere 

nella sede espositiva di Via Ciovasso 19 -20121 Milano in 

porto franco mediante imballo da riutilizzarsi per il ritorno 

in porto assegnato. 

Il contributo di adesione a parziale sostegno spese varie ed 

esposizione è di Euro 50,00 (cinquanta) da versare al momento 

della consegna a mano dell’opera , ovvero spediti a mezzo 

vaglia postale o tramite C.C. Postale n. 84356302 intestato 

ARTECULTURA Via Ciovasso 19- 20121 Milano. 

La Rassegna è di carattere artistico-culturale pertanto non 

soggetta a Bolla di accompagnamento ai sensi dell’Art.03/ 

D.P.R. del 6/10/1979, da riportare sull’involucro. 

Artecultura come di sua consuetudine, pur assicurando la più 

scrupolosa cura delle opere, non risponde in caso di ogni 

deprecabile danno che possa verificarsi nell’andata e ritorno 

dell’opera, ovvero durante l’esposizione. Assicurazione contro 

l’incendio. Informazioni: ARTECULTURA Via Ciovasso 

19- 20121 Milano, tel. 02-864.64.093 -info@artecultura.org 

PITTURA - SCULTURA - CINEMATOGRAFIA - FOTOGRAFIA -MUSICA - VIDEO - 

PREMIO FAMIGLIA ARTISTICA MI- 

LANESE. Iscrizioni aperte fino al 1 ottobre 

2013. 140 ANNI D’ARTE A MILANO e in 

LOMBARDIA Concorso di PITTURA E POESIA 

La partecipazione è aperta a tutti gli artisti, pittori e 

poeti, residenti nella regione Lombardia. Premi a 

partire da 1000,00 euro per la pittura e 300,00 per 

la poesia oltre ad un premio speciale per i giovani 

artisti. Informazioni: Famiglia Artistica Milanese c/ 

o Circolo Culturale i Navigli Via E. De Amicis 17 - 

20123 Milano tel. 02-57402031. Bando da scaricare: 

http://famigliaartisticamilanese.wordpress.com/ 

PREMIO di PITTURA CESARE PAVESE - 

XXIV edizione - Il CEPAM (Centro Pavesiano 

Museo Casa Natale), in accordo con la Fondazione 

Cesare Pavese, la collaborazione della Banca Regionale 

Europea - Fondazione Cassa di Risparmio 

di Cuneo e comune di Santo Stefano Belbo, indice 

la XXIV edizione del Premio di Pittura Cesare 

Pavese con il seguente tema:”Luoghi, Personaggi 

e Miti Pavesiani”. Possono partecipare al Premio 

con una sola opera, artisti italiani e stranieri 

di qualunque tendenza e tecnica pittorica. Le 

opere, incorniciate e senza vetro dovranno essere 

munite di attaccaglia. Ogni partecipante dovrà 

versare , a mezzo vaglia postale o c/c postale nr. 

10614121, la somma di euro 30. Quale quota 

associativa 2013 al CEPAM, Via C. Pavese 20 - 

12058 Santo Stefano Belbo (CU), tel.0141844942 

cell. 33393 79857. Dove richiedere ogni altra 

informazione. Invio delle opere in porto franco. Per 

il XVII Premio di SCULTURA valgono i medesimi 

riferimenti con invio delle opere con apposito 

piedistallo, firmate e munite di etichetta contenente 

il nome dell’Artista. Invio entro il 15 settembre 

. 

XI CONCORSO NAZIONALE. DI PITTURA 

ESTEMPORANEA - BARBAIANA (MI) 

Sabato 22 e domenica 23 giugno 2013. 

Previsti numerosi Premi acquisti. Iscrizione e consegna 

gratuito di un buono pasto da consumarsi il 

23 giugno.Gli Artisti potranno timbrare le tele a 

Barbaiana al Parco di Via Roma di fronte al 

civico 45: il 22.06 (8-17) e il 23/6 (8,00 alle 

13,30) - Consegna dell’opera finita non inferiore a 

cm. 40x50 e non superiore a cm. 70x100 ed incorniciata 

entro le ore 17,30 di domenica stessa. 

Info: tel. 3391552958 

ARCHIVIO ARTISTI ARTI VISIVE CON 

DISTINTIVO E CATALOGO GRATUITI. 

E’stato istituito ed è in corso di realizzazione 

l’Archivio Internazionale degli Artisti di Arte 

visiva volto a registrare e catalogare tutti gli 

operatori che lo richiederanno. Altra nuova iniziativa 

è l’istituzione del DISTINTIVO ONORIFI- 

CO che distinguerà l’Artista. La durata di tal archivio 

sarà perenne e non richiederà alcun rinnovo. La 

quota di partecipazione è “una tantum” limitata ad 

Euro 70,00, per agevolare l’adesione a tutti è 

dovuta una sola volta all’iscrizione.Verrà pubblicato 

gratuitamente, un Catalogo con la biografia, 

la bibliografia e quotazioni di ognuno, con aggiornamenti 

annuali .L’Archivio eternizza e l’adesione 

di tutti gli interessati è doverosa nei riguardi dei 

familiari, conoscenti e possessori delle opere prodotte. 

Informazioni più dettagliate dr. Mario 

Giuffrida, Via Giuffrida 4 - 95128 CATANIA tel. 

095-444318 

Premio Internazionale d’Arte Letteraria e 

Figurativa Borgo degli Artisti - 33° anno 

www.borgodegliartisti.it - info@borgodegliartisti.it 

Nell’ambito delle manifestazioni per l’anno culturale 

2013 indice i seguenti concorsi a tema libero: 

Premio KALENDIMAGGIO scadenza 31 maggio 

2013- Premio GIOVANI “RAGAZZI DEL ‘96” 

scadenza 15 giugno 2013 - Premio SETTEMBRE 

A MILANO scadenza 15 giugno 2013. Ogni premio 

prevede le seguenti sezioni: Poesia inedita, 

Poesia edita, Silloge inedita, Saggio Letterario, Saggio 

teatrale, Pittura, Scultura, Grafica e Saggio per 

bambini. L’artista può partecipare a più premi e sezioni. 

All’artista che risulterà migliore in assoluto 

verrà assegnato il Trofeo Internazionale “POESIA 

ED ARTE A MILANO” - XXVI edizione. La cerimonia 

di Premiazione ed il relativo rinfresco con il 

taglio della torta del Borgo degli Artisti si svolgeranno 

alle ore 15,00 di sabato 26 ottobre 2013 presso 

lo Spazio Hajech del Liceo Artistico di Brera a Mi- 

“Il tempo delle DONNE” 

L’Associazione Culturale Culturaglobale di 

Cormòns organizza il 1° concorso fotografico internazionale 

con telefonino cellulare “Il tempo 

delle DONNE” patrocinato dal Comune di 

Cormòns e dai Club UNESCO di Gorizia e 

Udine. Al concorso possono partecipare tutti, italiani 

e stranieri, purché maggiorenni all’atto dell’invio, 

con fotografie realizzate con telefonino 

cellulare, saranno escluse immagini realizzate con 

altri mezzi oppure elaborate con software. Ogni 

aderente può realizzare massimo 3 immagini sul 

tema. Tel. 339.2650471 - info@culturaglobale.it 

POESIA - LETTERATURA 

CONCORSO NAZIONALE PREMIO PERINI 

In Memoria di Severino Gargano.

CONCORSI 

Scadenza 15 settembre. Si partecipa con un max di 

tre poesie non superiori a 30 versi, da inviare in 

sette copie dattiloscritte fotocopiate. La partecipazione 

al Concorso è gratuita. Agli autori premiati 

verranno consegnati oltre all’assegno in euro, anche 

coppe, targhe. Per ulteriori informazioni: Fondazione 

Carlo Perini, Via Antonio Aldini 72, 

Milano Cell. 333 455 2091 / 380 4259991 

Concorso Letterario “Onda d’arte” 2013” 

Scadenza adesione 15 luglio e premiazione 1° 

settembre. Adesione gratuita per entrambi le sezioni. 

Grazie alla disponibilità del comico di Zelig 

Daniele Raco, i racconti dovranno ispirarsi 

all’incipit creato appositivamente per il nostro 

concorso. Una seconda sezione è dedicata ai 

volumi editi di racconti,fiabe e favole per bambini 

e ragazzi. I vincitori assoluti del concorso riceveranno 

un assegno del valore di euro 500,00. Il 

bando completo del Concorso e la scheda di partecipazione 

sono disponibili sul sito dell’associazione 

all’indirizzo: http://www.prolococeriale.it. 

PREMIO LETTERARIO”CAMAIORE” 

2013 XXV Edizione. Invio componimenti entro 

il 5 giugno 2013. Saranno prese in esame le 

opere in lingua italiana di autori viventi pubblicate 

nel periodo compreso tra il 1° aprile 2012 e il 31 

marzo 2013. Informazioni e bando del premio 

Comune di Camaiore tel. 0584-986272372 

premioletterario@comune.camaiore.lu.it 

PREMIO LETTERARIO NAZIONALE 

CAVALLARI DI PIZZOL. Invio elaborati 

cartaceo e telematico entro il 28 giugno 2013. 

Il Premio si articola in tre sezioni: A- POESIA 

EDITA invio1-5 poesie lingua italiana; B-NAR- 

RATIVA INEDITA invio 1-5 racconti inediti; C- 

AUTORI IN ERBA fino a 14 anni. E’ ammessa la 

partecipazione ad entrambe le sezioni. Per invio 

elaborati cartacei: Fernando Iannozzi -Direttore 

del Premio Cavallari - Casella Postale 45 - 

00062 Bracciano (RM). Per invio telematico: 

premio@cavallaridipizzoli.it sito dove domandare 

il bando completo ed altre informazioni. 

Premio Letterario Cesare Pavese 2013 

E’ bandita la XXX edizione del Premio Letterario 

Cesare Pavese promosso e organizzato dal CEPAM 

(Centro Pavesiano Museo Casa Natale) con il 

coordinamento del Parco Culturale Piemonte 

Paesaggio Umano e la collaborazione di Regione 

Piemonte, Provincia di Cuneo di Santo Stefano 

Belbo, Fondazione Cassa di Risparmio di Cuneo, 

Fondazione per il libro, la musica e la cultura e 

Fondazione Cesare Pavese. Il Premio, presieduto 

da Luigi Gatti, presidente del CEPAM, ha 

frequenza annuale, comprende opere edite ed 

inedite ed ha sede nella casa natale dello scrittore. 

Per le OPERE INEDITE sono previsti: Un premio 

di narrativa; Un premio di poesia; Un premio di 

saggistica. Le opere INEDITE di narrativa e 

saggistica non dovranno superare le 8 cartelle, 

quelle di poesia i 70 versi complessivi. Scadenza 

20 giugno 2013.Info: 0141844942 

Premio Letterario Giuseppe Dessì 

XXVII edizione 2013 per opere edite 

Il Premio Letterario Giuseppe Dessì viene assegnato 

a opere di narrativa e di poesia che si distinguono 

per qualità letteraria. 

Il premio è dotato Euro 5000,00 per la Narrativa; 

Euro 5.000,00 per la Poesia ; Euro 5.000,00 

per il Premio Speciale della Giuria. Premio di 

Euro 1.500,00 per i finalisti di ciascuna sezione. 

La partecipazione è aperta a tutti gli scrittori e i 

poeti in lingua italiana. I volumi di narrativa e 

di poesia devono essere spediti, in numero di 

11 copie, direttamente alla segreteria del premio 

entro e non oltre il 20 giugno 2013. I volumi 

devono essere pubblicati in data successiva 

al 31 gennaio 2012. Sono escluse le stampe e le 

edizioni successive a quella originale. Chiarimenti 

ed eventuali informazioni sul bando vanno richieste 

a: Segreteria organizzativa Fondazione Giuseppe 

Dessì, Via Roma n. 65 - 09039 Villacidro 

(VS) tel. 0709314387 - www.fondazionedessi.it 

CONCORSI 

CAFFE’ LETTERARIO MOAK 2013 

Si concorre inviando un racconto inedito della 

lunghezza che va da un minimo di 5 ad un massimo 

di 20 cartelle. Il racconto partecipante deve essere 

inviato entro il 10 giugno 2013 via mail all’indirizzo 

letterario@caffemoak.com. 

MASSA CITTA’ FIABESCA di mare e di marmo 

Scadenza 31 luglio 2013 

Il Premio è aperto a tutti e si articola in cinque Sezioni: 

Prima Sezione A) - Poesia a tema libero, edita 

o inedita, senza limite al numero dei versi (sono ammesse 

massimo DUE Poesie). Tra tutti i Concorrenti 

saranno proclamati cinque Vincitori Assoluti. 

1º classificato premio di € 600; 2º classificato premio 

di € 500; 3º classificato premio di € 400; Pergamena-ricordo 

a ognuno e pregiata bottiglia di vino di 

Candia. Cena d'Onore e Ospitalità in Hotel nel pernottamento 

di sabato 28 Settembre. Assieme alle 

cinque copie verrà inserita dentro al plico una busta 

chiusa contenente i dati dell'Autore (nome - cognome 

- indirizzo - telefono fisso - cellulare - email per 

chi ce l'ha - cenni autobiografici. Ripetere il titolo 

delle Poesie inviate, dichiarando che le opere sono 

di propria creatività). Una Giuria di alto profilo, il 

cui verdetto è inappellabile, aprirà le buste con i dati 

anagrafici soltanto a graduatoria di merito conclusa. 

Previste altre sezioni: B) LIBRO DI POESIE 

EDITO; C) UN RACCONTO (max.) cento parole; 

D) LIBRO DI NARRATIVA EDITO; E) POESIA 

IN DIALETTO. Info www.premiopoesiamassa.it 

POESIA E SAGGISTICA 

PER IL DISARMO 2013 

Bando completo a pagina 41 della 

Rivista. Importante iniziativa con 

adesione gratuita. Gli Autori 

interessati sono invitati ad aderire 

e far aderire a questa originale 

rassegna 

poetico-culturale sul Disarmo 

COERENZA STILISTICA 2013 

Rassegna di Pittura, Scultura, Grafica, Ceramica, Fotografia 

Nota critica e riproduzione dell’opera selezionata nel servizio su Artecultura 

8-24 Settembre 2013 -Via Ciovasso 19 Milano-Centro, Artecultura Sala Azzurra 

La Rassegna a finalità divulgativa e di confronto artistico viene 

indetta a cura dello storico d’arte Dr. Teodosio Martucci. Si 

aderisce con una sola opera di misure minime cm. 30x40 e 

massime di cm.60x80 munita di attaccaglia e di fotografia o 

materiale equivalente a colore per la riproduzione dell’opera nel 

servizio speciale che effettuerà ARTECULTURA sul numero di 

ottobre 2013. 

L’opera presentata e selezionata verrà riprodotta con la nota 

critica nel servizio oltre che corredata di titolo, tecnica ed anno 

di realizzazione nome e cognome dell’artista. 

La presentazione ufficiale della Rassegna COERENZA 

STILISTICA 2013 avverrà in una sala espositiva di Artecultura, 

Via Ciovasso 19 Milano alle ore 17,00 del sabato 14 Settembre 

2013. Il contributo di adesione è di euro 100 e comprende anche 

l’abbonamento ad Artecultura per i non abbonati, di euro 70 per 

gli aderenti già abbonati. Il contributo comprende l’esposizione 

nel centro di Milano, nota critica, stampa e il ricevimento di 5 

copie della Rivista con il servizio interessato. Speciale: Locandina 

degli artisti in esposizione. Il contributo è da versare al 

momento della consegna dell’opera a mano o fatto pervenire 

tramite ricevuta di versamento sul c/c postale n. 84356302 

intestato ARTECULTURA di Giuseppe Martucci, Via Ciovasso 

19 Milano. I residenti fuori Milano sono invitati a spedire l’opera 

in porto franco e con imballo da riutilizzare nella rispedizione 

a domicilio in porto assegnato. La consegna dell’opera va fatta 

a partire dal 1 Giugno 2013 dal lunedì al sabato dalle ore 9,00 alle 

ore 12,30 e dalle ore 15,00 alle 19,30. La Rassegna è di carattere 

artistico culturale pertanto non soggetta a Bolla di accompagnamento 

ai sensi dell’Art. 03/D.P.R. del 6/10/1979. Da 

riportare sull’involucro. 

ARTECULTURA pur assicurando la più scrupolosa cura delle 

opere durante l’esposizione, non risponde in caso di ogni 

deprecabile danno anche nel tragitto di andata e ritorno. 

Assicurazione contro l’incendio. 

Informazioni: 

ARTECULTURA Via Ciovasso 19 Milano 20121. 

tel. 02-864.64.093 - info@artecultura 



Promozionale ARTE OMAGGIO estiva 

giugno-settembre 2013 

vera occasione per incontri-vacanze 

da mettere subito in valigia 

Abbonamenti normali euro 50 

omaggio 

1 grafica cm.50x70 

di maestri contemporanei: 

Alfieri, Contenotte, Fomez, Kodra, ecc. 

*** 

Abbonamenti sostenitori 

di varie combinazioni a partire da euro 100 

omaggio 

a scelta in diverse misure 

1 acquarello, dipinto, tempera, scultura 

di Maestri contemporanei ed Artisti emergenti 

Addamiano, Alfieri, Alvaro, Amurri, Battaglia, Bellaviti L., 

Bertrand, Boncinelli, Bonetto, Bortolin, Bottari, Brindisi, 

Cannata, Cassani, Cavallo, Cerri, Conservo, Consilvio, De 

Gasperi, Di Seclì, Fael, Fichera, Fomez, Formenti, 

Fratantonio, Frugoni, Frunzo, Giannattasio, Giannini, 

Kodra, Maggi, Mazzotta, Melotto, Parmigiani, Pellicanò, 

Roccotelli, Rontani, Rotella, Scorrano, Senigalliesi, Sperati, 

Tavernari, Turroni, Venditti,Verre,Viola G., ecc. 

Apertura da lunedì al sabato dalle ore 9 alle 12,30 e dalle 15 alle 19,30 

Milano, Via Ciovasso 19 entrata angolo via del Carmine 

Informazioni tel. 02-864.64.093 - 

www.artecultura.org - info@artecultura.org 

44ARTECULTURA

ARTECULTURA GIUGNO 2013

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