Artisti della Valdisieve e del Valdarno Superiore

Daniela Fontanazza 

Artisti della 

Valdisieve e 

del Valdarno 

Superiore

Artisti della 

Valdisieve e 

del Valdarno 

Superiore 

A cura di 


con la collaborazione di 

lucia raveggi 

e 

chiara scali

COLLANA 

Artisti in Toscana 

11 

Diretta da 

FABRIZIO BORGHINI 

Con il contributo di 

Villa 

Gisella 

FIRENZE 

Il volume è stato realizzato da 

Iª edizione settembre 2014 

ISBN 978-88-6039-323-4 

Tutti i diritti riservati 

© Copyright Associazione Toscana Cultura 

e Masso delle Fate Edizioni 

Masso delle Fate Edizioni 

Via Cavalcanti, 9 - 50058 Signa (FI) 

www.massodellefate.it 

Finito di stampare nel mese di settembre 2014 

presso la Nova Arti Grafiche 

Via Cavalcanti, 9/D - 50058 Signa (FI) 

Tel. 055 8734952 - fax 055 875713 

In copertina: 

Masaccio, Trittico di San Giovenale, 1422, Museo Masaccio d’Arte Sacra, Cascia di Reggello (FI) 

Nel retro di copertina: 

Il Ponte Mediceo di Pontassieve (foto Marco Quinti)

Con grande piacere saluto la realizzazione 

di questo libro che racchiude 

artisti del territorio del Valdarno Superiore 

e della Valdisieve. Una pubblicazione 

che rappresenta una vetrina per 

tanti artisti locali che avremo il piacere di ospitare 

nell’interessante e ricca collettiva del polo 

espositivo di Casa Rossa. 

Molti di loro hanno un forte legame con questo 

territorio; sono tanti i nomi qui presenti 

che a Pontassieve hanno esposto e tanti quelli 

che a vario titolo hanno collaborato o collaborano 

ancora con l’amministrazione aiutandoci 

nell’importante e difficile compito di 

diffondere e promuovere cultura. Con i tratti 

che li distinguono, con le loro specifiche tecniche 

e peculiarità, ognuno di loro ha lasciato 

un segno e scelto questo territorio come fonte 

di ispirazione, come luogo dove esprimere 

la propria creatività, oltre che dove vivere la 

quotidianità. A tutti loro va il mio augurio perché 

possano continuare a regalare emozioni e 

che queste siano trasmesse sempre ad un 

pubblico più vasto perché la cultura arricchisce 

la nostra anima, aggiunge valore alla nostra 

vita, ci rende più consapevoli. Per questo, 

come amministratori, abbiamo il dovere di 

sostenere l’arte e la cultura, crediamo nel lavoro 

e nella passione di chi fa dono della sua 

arte, facendo scoprire diversità, sfumature e 

suggestioni, che ci fanno crescere e ci arricchiscono 

come persone. 

Monica Marini 

Sindaco del Comune di Pontassieve 

La Valdisieve e il Valdarno Superiore 

sono aree geograficamente vicine e 

affini sotto molti punti di vista: si presentano 

come conche naturali create 

dallo scorrere di un corso d’acqua, il Sieve 

nel primo caso e l’Arno nel secondo. I due 

fiumi confluiscono a Pontassieve, luogo fisico 

di incontro tra le acque, e in questa occasione, 

anche spazio ideale dove convergono le 

esperienze artistiche e culturali dei due territori. 

Entrambe le valli sono caratterizzate da 

una suggestiva commistione di elementi naturalistici 

e dalla presenza della sapiente 

mano dell’uomo che nei secoli ha dato vita a 

paesaggi unici, veri quadri di vita. È così che 

l’occhio si perde in campagne ricche di oliveti, 

vigneti, querce, cipressi, piccoli torrenti, ville 

padronali, case coloniche, castelli, tabernacoli 

e antiche pievi. 

Numerose sono le tracce di una storia che ha 

visto la Valdisieve e il Valdarno Superiore protagonisti, 

durante il Basso Medioevo, dei contrasti 

tra i grandi e piccoli feudatari e l’ambizione 

espansionistica di Firenze. La graduale 

acquisizione da parte della città ha influenzato 

le sorti e legato a sé le vicende delle vallate, 

favorendone nei secoli la crescita ma allo stesso 

tempo non impedendone lo sviluppo di 

una specifica e originale produzione artistica 

e culturale. Proprio da tali terre gli artisti presenti 

in questo volume hanno tratto la loro 

ispirazione, la loro linfa vitale per esprimere la 

propria arte e comunicarla agli altri. 


Storica dell’arte

Artisti della Valdisieve e del Valdarno Superiore 

Patrizia Bacarelli 

Cell. 393 5138274 

info@patriziabacarelli.it 

È Luce, olio su tela, cm. 40x50 

Patrizia Bacarelli è nata a Firenze il 31 ottobre 

1953. I suoi primi approcci con la pittura risalgono 

agli anni degli studi giovanili trascorsi in 

alcuni collegi di Fiesole e Settignano. Su sollecitazione 

del fratello gemello Massimo, pittore successivamente 

destinato ad imporsi in Germania, si impegna 

nella riproduzione di capolavori dell’amato Van Gogh 

tratti da libri d’arte. Fino al 1968 Patrizia protrae fin 

dopo l’orario scolastico l’impegno nei confronti della 

pittura dipingendo la sera e nei fine settimana trascorsi 

a casa. 

Nel 1969 inizia a lavorare alla Ceramica Mas di Giolli 

a Sesto Fiorentino e vi rimane per vent’anni; infatti, 

dopo la nascita del primogenito Lorenzo nel 1989 e 

successivamente della secondogenita Margherita, 

abbandona la ceramica per accudire i due figli, anche 

se continua a dipingere e ad approfondire la studio 

della storia dell’arte che tanto l’appassiona. Su sollecitazione 

di alcuni amici artisti quali Luca Alinari ed 

Eugenio Miccini e spronata dal confronto con il fratello 

gemello Massimo, decide di esporre per la prima 

volta nel 1995. 

Dopo il debutto intensifica la frequentazione dell’ambiente 

artistico, esponendo anche con Osvaldo Curandai 

e Piero Maffessoli in arte Malipiero, e dà continuità 

all’attività espositiva partecipando a rassegne e 

premi a Lastra a Signa, Firenze, Rignano sull’Arno, 

Prato, Roma, Pontassieve, Pontedera. In particolare, 

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Micia, olio su tela, cm. 35x50 

ottengono un ottimo riscontro di pubblico e l’interesse 

della critica le personali tenute nella sala consiliare 

del Comune di Rignano nel 1998, quella al Palazzo 

Datini di Prato nel 2000, quella all’Associazione Fate 

di Firenze nel 2002 e quella del maggio 2010 nella 

Biblioteca Comunale di Pontassieve voluta dall’assessore 

alla Cultura Alessandro Sarti da sempre estimatore 

della pittrice. 

Fra i riconoscimenti ricevuti, da menzionare il 1° premio 

rappresentanza al Città di Lastra (1995), il 7° 

premio al concorso “Una fontana per la piazza” 

(1998), il 3° premio alla XXV edizione del Premio Italia 

per le Arti Visive (2010) a Capraia Fiorentina e il 1° 

premio a Certaldo. 

Attualmente Patrizia vive sulle colline di Rignano 

sull’Arno dove realizza, nel verde e nel silenzio, le sue 

opere che presentano temi ricorrenti come quello del 

paesaggio toscano, ricco di colori anche se venato da 

una crepuscolare malinconia, le nature morte, le marine 

e il suo contesto familiare al quale ha dedicato 

una serie di ritratti dei figli. Parallelamente si dedica 

anche alla lavorazione artistica del legno in stile fiorentino. 

Fabrizio Borghini 

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Giaggioli a Moriano, olio su tela, cm. 50x70 

Tranci d’uva a Moriano, olio su tela cm. 25x35 

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Massimo Barcariol 


Cell. 392 9199069 

massimo@barcariol.it - www.barcariol.it 

La preghiera del ragazzo mormone, esposizione manuale, 

bianco e nero nativo 

Massimo Barcariol nasce a Firenze l’8 febbraio 

del 1959 da genitori istriani e all’età di cinque 

anni si trasferisce con la famiglia a Pontassieve 

dove attualmente risiede. 

Informatico “per mestiere” è attratto da tutto ciò che 

attiene alla sfera umanistica, in particolare si appassiona 

e studia la letteratura e le arti figurative del Novecento: 

la fotografia rientra a pieno titolo in questo 

suo percorso, attraversata a volte da grande passione 

come da periodi di quiescenza. 

Ha pubblicato due raccolte fotografiche: “La prova 

dell’ottico” nel 2007 e “L’osservatorio” nel 2008, oltre 

a due propri calenbooks, ai calendari 2009 e 2010 

per la Società di Nuoto Sincronizzato Rari Nantes Florentia, 

ed ai cataloghi per le mostre “Istantanea” ed 

“Aqua”. Ha esposto nel 2009 a Pontassieve con la 

personale fotografica “Poesia dell’immagine” 

nell’ambito dei “Percorsi d’Arte in Biblioteca”. 

Sempre nel 2009 e con la stessa mostra ha esposto al 

Wine Bar Ristorante Carpe Diem di Pontassieve in una 

lunga personale durata alcuni mesi. 

A dicembre dello stesso anno vince il primo premio 

Fiorino d’oro per le arti visive alla XXVII edizione del 

Croce umana, esposizione manuale, colore 

Premio Firenze con la fotografia “lrene nel paese delle 

meraviglie”. 

Si aggiudica nel 2010 il Premio Mostra alla XXV edizione 

del Premio Italia per le arti visive con la fotografia 

“Lunatiche”. 

A giugno 2010 espone in una personale al locale Babalè 

nel Parco costiero della Sterpaia – Piombino. 

A settembre dello stesso anno presenta, presso il locale 

“Toscani da sempre”, la nuova mostra “Istantanea” 

e a ottobre 2010 espone in una personale alla 

mostra d’arte contemporanea degli artisti vincitori 

del Premio Italia per le arti visive 2010 ‘’Viaggio nel 

contemporaneo” nella Casa Museo Machiavelli a 

Sant’Andrea in Percussina. 

Nello stesso mese è presente, insieme alla Galleria 

d’Arte il Candelaio, alla XlI Mostra Mercato “Immagina 

Arte in Fiera” di Reggio Emilia, con la raccolta 

“Aqua”. A luglio 2011 partecipa alla mostra d’arte 

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Massimo Barcariol 

Salto nel Tempo, doppia esposizione manuale colore e bianco e nero, rielaborata 

con Adobe PS6 

contemporanea di Pitigliano, ottenendo un’ottima 

critica da parte della giuria popolare. Nello stesso periodo 

espone alla mostra d’arte contemporanea di 

Abbadia San Salvatore. Nei mesi di luglio, agosto e 

settembre del 2011 espone anche al Gruppo Vela 

L.N.I di Follonica. Nell’ottobre dello stesso anno presenta 

tre fotografie a Rovereto, Contemporary Art 

House sulla tematica “Parole, suoni, immagini, rumori... 

futuristi, nel terzo millennio, Viaggio nel Contemporaneo”. 

Negli anni successivi continua ad esporre 

in varie città italiane riscuotendo sempre unanime 

consenso ed apprezzamento. 

Cura e gestisce il proprio sito internet www.barcariol.it. 

Pubblica anche sui siti specialistici dedicati al mondo 

fotografico. 

“Incontrando Massimo Barcariol si comprende subito 

come la fotografia sia una forma d’arte e non un 

mero strumento documentaristico o di reportage. 

Ogni sua mostra è un nuovo e diverso “viaggio” che 

si compone di immagini tratte dal suo ricco repertorio 

sullo spazio, sia esso naturalistico o urbano, sull’uomo, 

soggetto antropologico o simbolico. 

L’artista ogni volta ci guida attraverso “incontri” a riflettere 

su temi importanti e magari discordanti; la 

guerra, il gioco, la morte, la vita, la realtà e l’illusione, 

la spiritualità e la cultura. 

Nella percezione emotiva che Barcariol ci offre del 

reale è spesso chiave della sua ricerca trovare quella 

dimensione che appartiene all’infanzia, alla sua disincantata 

positività sempre disposta ad accogliere contraddizioni 

e diversità come valore per comporre una 

visione più ampia e libera del mondo. 

Grazie a questo suo atteggiamento convivono infatti 

nei suoi lavori poesia ed ironia e la fotografia diviene 

mezzo espressivo non necessariamente vincolato 

all’oggettività ma si fa rappresentazione di un’idea, 

narrazione. 

È nel suo stile non limitarsi a cogliere l’attimo bensì 

sperimentare anche una riqualificazione dell’immagine, 

talvolta intervenendo sulla scena come nell’allestimento 

di un “set”, altrove sapientemente accendendo 

di colore un elemento espressivo su una 

stampa in bianconero o ancora elaborando il soggetto 

con suggestioni di rilievo materico. 

Ecco perché col suo sguardo l’artista supera il ritratto 

oggettivo della realtà e ce ne restituisce la magica 

trasformazione al “filtro” della sua appassionata 

correzione”. 

Roberta Fiorini 

Critico d’arte 

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Mauro Baroncini 


Cell. 348 9172065 - maurobaroncini@yahoo.it 

Blog: maurobaroncinipittore.blospot.com 

Arpeggiando, 2014, olio su tela, cm. 70x100 

Nato a Pontassieve il 13 giugno 1944 vive a Firenze 

ed opera a Dicomano. Ha frequentato 

l’Istituto Statale d’Arte di Firenze; già membro 

del GADA negli anni Settanta, oggi socio del gruppo 

Dalle Terre di Giotto e dell’Angelico. La pittura di 

Mauro Baroncini esalta il particolare, evidenzia l’inquadratura 

passando da un soggetto all’altro con 

estrema facilità. È possible seguire il percorso artistico 

di Mauro attraverso i social network e visionando i 

numerosi video delle sue mostre presenti su youtube. 

“Fedele alla miglior tradizione figurativa italiana, di 

costruire e coltivare la pratica pittorica sulle solide 

basi del disegno e dello studio del vero, Mauro Baroncini 

ci mostra al contempo come l’entusiasmo e la 

passione per l’arte abbia continuamente arricchito il 

suo percorso. Non si è fermato ai risultati pur edificanti 

raggiunti nel ritrarre con contorni più vividi della 

realtà i suoi paesaggi, le nature morte; è andato oltre 

e si è rimesso in gioco affrontando il difficile tema 

della figura umana. Le sue opere ora argomentano 

non solo col realismo di scene o di nudi o di volti, né 

solo con la bellezza, ma si qualificano ed impongono 

per un loro peculiare carattere, forte, dirompente, 

carico di energia ed abilmente sostenuto da un tessuto 

pittorico che unisce alla plasticità gli scontri emozionali 

di luce e d’ombra”. 


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Leticia Berriel 

Via Castellana, 24 - 50064 Incisa in Val d’Arno (FI) 

letiberri@gmail.com 

Farfalla bianca, 2013, acrilico su tela, cm. 50x50 

Nasce in Uruguay il 23 febbraio 1974. Fin da 

bambina manifesta tutta la sua passione e interesse 

per il disegno e la pittura che cresce 

insieme a lei. 

Frequenta l’Accademia delle Belle Arti nel suo paese 

d’origine, ma sempre guidata dalla sua ricerca interiore 

e da un forte desiderio di rendere concreti i suoi 

ideali viaggia in diverse occasioni in Italia. 

Nel 2000 si trasferisce in Toscana. “Approda” nella 

valle dell’Arno che farà da culla ai suoi sogni e a un 

forte desiderio di “ricerca” nel “generare” artisticamente. 

Incontra in questi anni “l’essenzialità” che 

voleva esprimere nei suoi dipinti. Troverà in Toscana 

l’ispirazione più sincera, traendola dalla terra, dalla 

luce, dall’aria, dalla nebbia, dai colori e dalle sfumature 

della civiltà che la circonda. La sua pittura vuole arrivare 

al profondo dello spirito; entrare dolcemente, 

aprendo porte, dando sollievo, guarendo ferite. 

La sua Natura è fresca come un balsamo, che dopo 

aver dato sollievo, ravviva lo spirito…Come un profumo 

che si spande dentro. Le sue nature morte sono 

pennellate di colori caldi, trasparenze che rivelano 

storie, linee chiare che si compongono in una danza 

di tonalità che si abbracciano. 

La sua pittura esprime spazialità aperte e perciò la sua 

pittura si completa con chi la guarda, con chi la osserva…Con 

chi la fa sua. 

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Francesco Beccastrini 


Studio: Monteloro - 50065 Pontassieve (FI) 

francescobeccastrini@gmail.com 

Marina d’inverno, 2013, olio su cartone pressato, cm. 60x40 

Francesco Beccastrini, nato a Fiesole, ha iniziato a 

disegnare e dipingere fin da giovanissimo. La 

sua attività espositiva inizia negli anni Settanta; 

si è intensificata poi nel corso del tempo partecipando 

a diverse manifestazioni, mostre personali, collettive, 

fiere e premi, ottenendo vari riconoscimenti. La 

sua pittura ha varcato anche i confini nazionali e le 

sue opere si possono trovare in Francia, Germania e 

negli Stati Uniti. 

Ha scritto di lui il professor Carlo Pedretti: “[…] ha ripercorso 

come d’istinto le esperienze impressioniste a 

livello di necessità spirituale e mediate, se non giustificate, 

dall’esempio dei Macchiaioli, anch’essi attenti 

alla lezione di Leonardo. Ed è così che Beccastrini ha 

conosciuto la seduzione del colore, si è entusiasmato 

alla poetica del territorio e delle sue tradizioni rurali, 

ed è pervenuto, pure d’istinto, si direbbe, a una svolta 

che lo riporta ai fondamenti teorici del paesaggio formulati 

due secoli fa da Alexander Cozens […]”. 

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Daniela Bencivenni 

Via di Monteloro, 30b - 50065 Pontassieve (FI) 

Cell. 349 0756279 - dbencivenni@yahoo.it 

Incontro con la Pace, 2012, olio su tela, cm. 50x70 

Daniela Bencivenni, fiorentina, da sempre interessata 

alla pittura, segue da alcuni anni i corsi 

del pittore Nazareno Malinconi. Ricercatrice 

etnobotanica (erborista-antropologa) predilige soggetti 

relativi all’ambiente in cui vive: i paesaggi e le 

piante che li caratterizzano. 

Intensa l’attività espositiva degli ultimi anni attraverso 

le iniziative di Gadarte (associazione di artisti fiorentini 

con una propria galleria): partecipa a numerose 

manifestazioni ed espone in mostre personali e collettive 

a Firenze, Pontassieve, Montespertoli, Viareggio 

e Parigi. 

Nel 2013 riceve a Parigi il Premio Le Marais, partecipa 

al volume Donne dell’Arte in Toscana - Firenze e alcuni 

suoi dipinti sono pubblicati sulla rivista Effetto Arte-Palermo. 

Sempre nello stesso anno è inserita nel 

DIAC Dizionario d’Arte Contemporanea-Bologna. 

Alcune sue opere si trovano presso collezioni private 

a San Francisco, negli Stati Uniti. 

“La realtà della sua opera ha un suggestivo potere 

evocativo che viene trasmesso dalla chiara narrazione 

figurativa del paesaggio. L’ordine e i colori tenui 

dell’immagine infondono serenità all’osservatore, 

che viene proiettato in un paesaggio caldo e accogliente. 

La capacità artistica e comunicativa di Daniela 

Bencivenni, viene fuori dalla realtà espressiva e dalla 

consistenza del paesaggio...” 

Simona Giurintano 

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Bianco Bianchi snc 


Via Lisbona, 4e - 50065 Pontassieve (FI) - Tel. 055 8314509 

bianchiscagliola@alice.it - www.biancobianchi.com 

Lavorazione e restauro di tavoli 

e pannelli in scagliola 

Nel laboratorio “Bianco Bianchi”, attivo sin dagli 

anni Sessanta prima a Firenze e poi a Pontassieve, 

i figli Alessandro e Elisabetta spinti dalla 

stessa passione del padre e da un costante spirito di 

ricerca, coadiuvati da validi collaboratori, realizzano 

manufatti di scagliola, di tradizionale o di moderna 

ispirazione, secondo le più genuine tecniche artigianali: 

si realizzano con grande cura i disegni, si preparano 

i supporti di marmo o di ”muro”, si incidono i piani, si 

scelgono i colori da inserire negli intarsi secondo il decoro 

prescelto, fino alla fase finale della lucidatura. 

Il Laboratorio Bianco Bianchi, produce tavoli, pannelli, 

quadri, bordure, oggettistica e vari elementi di arredo. 

Le tavole vengono realizzate in diverse dimensioni 

e forme e commissionate alla “bottega” da ogni parte 

del mondo. 

Lavoriamo anche in collaborazione con importanti 

architetti realizzando decorazioni da interni e una vasta 

gamma di manufatti da inserire in arredamenti 

antichi e moderni, progettiamo ed eseguiamo opere 

“personalizzate” e rispondenti alle esigenze dell’arredo 

cui sono destinate. 

La tecnica, l’esperienza, la capacità creativa, l’abilità 

nel disegno, la raffinata eleganza degli ornati e l’armoniosa, 

equilibrata scelta dei colori, oltre alla meticolosità 

dell’esecuzione fanno delle opere in scagliola 

dei Bianchi, “pezzi unici”, documenti di un’arte che si 

perpetua fino ai nostri giorni. 

Il laboratorio si dedica da sempre anche all’attività di 

restauro, lavorando con Soprintendenze, musei, collezionisti 

e antiquari. 

Pannello in marmo con intarsi policromi, disegno IRIS, 

cm. 138x80 

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Adriano Bolognesi 

Via le Balze di Vespignano, 137 - 50039 Vicchio (FI) 

Tel. 055 844539 - Cell. 338 4085129 - bolognesia@teletu.it 

Vecchio molino dell’Arno, olio su tela, cm. 40x60 

Adriano Bolognesi è nato il 2/6/1950 a Vicchio 

(FI) dove vive e lavora. 

Autodidatta ha iniziato a dipingere nel 1981; 

in seguito decide di perfezionarsi seguendo dei corsi 

privati. Attualmente è membro del direttivo dell’Associazione 

Dalle Terre di Giotto e dell’Angelico. 

Predilige il paesaggio e la natura morta con tendenza 

al figurativo dipingendo dal vero. 

“In un mondo che sembra abbia perso ormai la bussola 

del tempo, così purtroppo anche nel nostro piccolo 

mondo dove la luna calante si sposa al sole sorgente 

con l’immutabile arco della vita, fortunatamente ci 

sono uomini che ancora resistono o meglio cercano in 

qualsiasi maniera di opporsi a questo incombente degrado, 

per difendere quello che la natura così troppo 

calpestata e violentata ci ha offerto per secoli. 

E questi uomini, con tanta passione e naturalezza, 

muovendosi in largo e in lungo ci fanno rivivere con 

garbo, rispetto e semplicità quello che il Creato ha 

ancora la forza di offrirci, poiché ha vissuto e quindi 

conosciuto un mondo, segnatamente quello rurale e 

contadino, dove niente era fuori posto e niente era 

lasciato al caso. 

La luminosa e corposa tavolozza di Adriano Bolognesi 

ci riporta a queste sensazioni e non può esser diversamente, 

nella tradizione figurativa; l’uomo è al centro 

della vita e tutto ruota intorno a lui . 

Sulle tele di Adriano Bolognesi c’è il bello, il pulito, c’è 

insomma nei colori e nei toni, sulla sua iconografia 

integrale il Creato: e di questi tempi non è poco, grazie 

appunto a chi difende e rispetta quello che è stato 

l’evolversi della natura e della vita. 

Qualche volta anche una semplice tela può dare una 

preziosa e profonda testimonianza”. 

Aldo Giovannini 

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Marco Bonechi 


www.marcobonechi.com 

atelier@marcobonechi.com 

Il labirinto, 2013, olio su tela, cm. 90x90 

Marco Bonechi vive con la moglie Franca da 

oltre quarant’anni sulle colline del Chianti 

a Figline Incisa Valdarno, in provincia di Firenze. 

Le sue prime opere, dipinti ad olio risalenti alla 

prima metà degli anni Sessanta, interpretano la poesia 

dei casali e dei castelli della campagna toscana. In 

questo contesto e in questi luoghi l’artista realizza la 

sua casa ed il suo studio secondo i propri canoni artistici 

e poetici di quel momento. 

Successivamente Marco e Franca iniziano un percorso 

sperimentativo, l’uno nell’incisione e l’altra nelle tecniche 

di stampa. 

Gli ottimi risultati consentono a Marco Bonechi di 

proporsi con successo al mercato nazionale ed internazionale 

con opere che ritraggono vedute di città e 

paesaggi ideali. 

Nello stesso periodo l’artista realizza numerose opere 

in ceramica e in bronzo. Soprattutto le sculture, nate 

da un attento design, conoscono l’uso di molteplici 

materiali di pregio. 

Le recenti importanti personali, in spazi museali storici, 

hanno raccolto le più significative interpretazioni 

pittoriche e scultoree delle “città ideali” e delle “visioni 

fantastiche”. 

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Arcangela Bruni 

Cell. 339 8384668 

arcangela.bruni@alice.it 

Mi chiamo Arcangela Bruni e sono nata il 5 

agosto del 1956 a Firenze, dove ho vissuto 

fino al 1993. 

Mi sono trasferita a Le Sieci e dopo qualche anno ho 

conosciuto il mio Maestro d’Arte Francesca Vannini e 

con lei ho iniziato a “pasticciare” con le tempere a 

olio. È stato e lo è ancora un bel percorso. 

Uso spesso le dita per dipingere, divertendomi a miscelare 

i colori. 

Cipresso in fuga, olio su tela, cm. 25x30 

Pare-normale, olio su tela, cm. 50x70 

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Silvano Caldini 


Studio: tel. 055 8307477 - Cell. 339 8824740 

s.caldini@libero.it 

Corpo femminile in movimento, 1992, legno di olivo, 

h. cm. 150 

Madonna col Bambino, 2000, legno di cirmolo, 

cm. 50x45 

Silvano Caldini nasce a Firenze il 5/4/1948 e studia 

per quattro anni arti grafiche all’Istituto Statale 

d’Arte di Firenze. Nel frattempo, grazie agli 

stimoli del professor Marcello Guasti, comincia ad 

appassionarsi alla scultura, che diventerà la sua 

espressione artistica per eccellenza. Si dedica quindi 

alle arti plastiche, eseguendo opere in materiali diversi 

quali pietra, marmo, legno, alabastro, bronzo, e 

resina, partecipando a mostre in Firenze, Bologna, 

Milano, ricevendo riconoscimenti e premi fra cui il 

Fiorino d’Oro per la scultura nel 2009. Esegue ritratti 

ma ciò che lo interessa è l’espressione del corpo umano 

in movimento: le rotondità delle forme femminili 

nello splendore della loro potenza di vita, la forza maschile 

colta nella tensione muscolare. Dal 2005 frequenta 

l’Accademia di Belle Arti di Firenze sezione 

Scuola Libera del Nudo. Frequenta anche lo studio 

privato del professor Vincenzo Ventimiglia, insegnante 

di scultura all’Accademia di Belle Arti di Firenze. Fa 

parte dell’Associazione culturale Ardengo Soffici. 

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Silvano Caldini 

Emma, 2009, legno di cirmolo, h. cm. 100 

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Massimo Cantini 


Via Tanzini, 2/B - 50065 Pontassieve (FI) - Cell. 347 4079383 

massimocantini46@gmail.com - www.massimocantini.it 

Una mela per Eva, olio su tela, cm. 100x100 

Massimo Cantini è nato a Pontassieve (FI) nel 

1946: ha quindi vissuto gli anni postbellici 

della ricostruzione, respirato l’aria nuova 

che soffiava prepotentemente dal resto d’Europa. Infatti, 

anche Cantini, come altri giovani artisti fiorentini, 

nei primi anni Settanta cominciò a gravitare alla 

Galleria Inquadrature (nel 1973 fece parte, con la 

Galleria, del gruppo “Come pittura”). Poi, nel 1979, 

insieme agli artisti Del Testa, Fusi, Nigiani, firmò il manifesto 

“Foto di gruppo”, presentato da Pier Carlo 

Santini. Il suo lavoro si è collocato fin dall’inizio entro 

la tematica del rapporto tra l’immagine derivata dalla 

natura e il rigore compositivo, l’incasellatura geometrica 

che non lascia scampo. 

La figura è spesso “accolta” o forse, quasi “inserita” 

in un paesaggio memore degli scorci “ideali” del Manierismo. 

Cantini non cerca di suscitare l’emozione, 

ma punta all’effetto straniante, che replica il disagio 

dei nostri tempi, in cui tutto guarda e niente si può 

toccare. Affinando la propria tecnica e le tematiche, 

Cantini ha intrapreso un nutrito percorso espositivo 

in Italia e all’estero (Parigi, S. Genis Laval, Biarritz, Waterbury 

USA, Damasco e Vienna): decine di mostre, 

allestite in spazi pubblici e privati, a Firenze, Pontassieve, 

Prato, Arezzo, Montevarchi, La Spezia, Massa, 

Grosseto, Perugia, Roma, Catanzaro, Cagliari, Como, 

Modena, Mantova, Napoli, Palermo, Brescia. Nel 

1981 Renzo Biasion lo ha segnalato nel Catalogo Bolaffi. 

Nel 1987 viene scelto per illustrare la campagna 

pubblicitaria Ray-Ban. Ha realizzato, nel 2002, una 

cartella litografica commissionata dal Credito Cooperativo 

di Pontassieve. Cinque anni dopo ha dipinto il 

Palio di Torrita di Siena, e il Comune di Pontassieve ha 

acquistato due grandi dipinti, adesso posti nella Sala 

Consiliare del Comune stesso. 

È presente nel volume “Storia dell’arte italiana del 

Novecento” a cura di Giorgio Di Genova. 

Testimonianze critiche 

G. Benignetti - L. Bernardi - L. Bertacchini - R. Biasion 

- A. Bueno - P. Castellucci - J. Chabanon - E. Crispolti 

- A. David - G. Faccenda - G. Di Genova - R. Federici 

- R. Forni - G. Grassi - M. Greco - J. Hart - R. Margonari 

- C. Marsan - D. Micacchi - R. Molinà - F. Napoli 

- E. Natali - A. Nocentini - T. Paloscia - D. Pasquali - G. 

Pedicini - U. Piscopo - M. Portalupi - G. Ruggeri - P.C. 

Santini - D. Tiezzi - M. Venturoli - F. Veronesi. 

19


Fernando Cardenas Barrera 

Cell. 389 1505387 

fecarbar@hotmail.com 

Atmosfera marina, olio su tela, cm. 110x90 

La nostra idea è considerare la pittura 

come uno strumento per trasmettere 

concetti, emozioni o sentimenti, rivalutando 

l’esperienza visiva e lasciandosi trasportare 

dalla pittura in una dimensione spazio 

temporale in cui si ritrova l’essenza stessa della 

natura. Attraverso l’energia creativa entriamo 

in contatto con l’armonia del fluido cosmico 

che, con l’aiuto della pittura, ci fa evolvere 

fino ad arrivare alla bellezza delle cose immateriali. 

Infatti l’aspetto esterno delle cose, in 

altre parole l’apparenza, ci impedisce di avere 

un contatto profondo con la realtà che ci circonda 

(non si tratta di un discorso religioso, 

ma di un approccio alla vita che deve avere in 

sè qualcosa di spirituale). La pittura ci permette 

di trasmettere quella sensibilità della natura 

che è invisibile agli occhi e che si mostra soltanto 

a chi sia in grado di riconoscere e apprezzare 

la bellezza della vita. L’universo illumina 

tutti gli esseri viventi senza alcuna 

eccezione e tutti possiamo elevare il nostro 

essere se solo riusciamo ad entrare in sintonia 

con la natura, senza affanni ma con semplicità. 

Non occorre contrapporsi allo stile di vita 

moderno, ma è sufficiente ritagliarsi degli spazi 

di contemplazione in cui ritrovarsi con se 

stessi. Queste opere aprono la strada a nuove 

e antiche formule di convivenza come in un 

percorso sciamanico, ricordandoci che all’origine 

dell’universo e di ogni forma vivente ci 

sono l’amore e l’armonia. 

“Fernando Cardenas: il pittore del mare, come 

lui stesso ama definirsi. Un incontro, quello 

con il mare, avvenuto diversi anni fa nel suo 

paese di origine, sulla costa caraibica. All’epoca 

immergersi nei fondali marini significava 

per lui riappropriarsi di un elemento, l’acqua, 

in cui il grande mistero della vita ha avuto origine. 

Il mare, con le sue profondità, è anche 

un archetipo dell’inconscio, cioè di quella parte 

di noi in cui è più difficile arrivare perché rimane 

sotto il livello della coscienza. Nella poesia 

“L’uomo e il mare” Charles Baudelaire paragona 

l’insondabilità dell’animo umano alla profondità degli abissi 

marini; un’affinità che rende l’uomo e il mare tanto nemici, e 

quindi pronti a scontrarsi, quanto fratelli perché entrambi gelosi 

custodi dei loro segreti, delle loro intime certezze. 

Per Fernando Cardenas il mare è uno spazio cosmico in cui 

immergersi per conoscere se stessi più nel profondo. Nel 

mare non c’è più alcuna distanza tra noi e le cose: un’esperienza 

attraverso cui scopriamo di essere parte di un tutto. 

“Ciò che si trova nel creato - scrive il poeta libanese Kahlil 

Gibran - esiste anche dentro di te, e tutto ciò che hai dentro 

esiste nel creato. Non vi è alcun confine tra noi e le cose più 

vicine, ma ciò che è più importante, la distanza non è sufficiente 

a separarci dalle cose più lontane. Ogni cosa, dalla più 

bassa alla più sublime, dalla più piccola alla più grande, esiste 

dentro il tuo essere, senza differenze. Nell’atomo si possono 

trovare tutti gli elementi della terra. La goccia d’acqua contiene 

tutti i segreti degli oceani. In un moto della mente si 

trovano tutti i moti di tutte le leggi dell’esistenza”. 

I suoi dipinti sono un invito a lasciarci avvolgere dal silenzio e 

dalla luce del mare per ristabilire l’armonia che ci lega non 

solo ai nostri simili ma anche alle altre creature viventi. Un 

concetto espresso a livello pittorico rappresentando branchi 

di pesci che si muovono nella stessa direzione non per inerzia 

e per pigrizia, ma perché tutti guidati da quell’amore che, 

come scrive Dante Alighieri in conclusione della terza cantica 

della Divina Commedia, ‘move il sole e le altre stelle’.” 

20

Paolo Catelani 


Via Viacce, 8 - Località Girone - 50061 Compiobbi (FI) 

Tel. 055 691548 - Cell. 338 3675140 

Venezia, 2012, olio su tela, cm. 35x50 

Nasce a Firenze nel 1943. Nell’anno 1960 si avvicina 

alla pittura per passione ed inizialmente 

è seguito dal maestro G. Mazzon. 

Con il pittore Marcuzzi ha collaborato a dipingere, 

per una casa editrice inglese, una collana di quadretti 

commemorativi della storia dei francobolli di quel 

paese. Lascia la pittura e il disegno nel 1969. 

Stimolato fortemente dalla figlia Beatrice, il 15 luglio 

2007, dipinge un nuovo quadro. 

Predilige rappresentare la natura, la campagna e 

quant’altro lo ispiri. 

Espone con l’Associazione G. Mazzon, l’Associazione 

Artisti Fiesolani, con il C.N.A. Arte e occasionalmente 

con l’Associazione Toscana Cultura. Alcune sue opere 

sono esposte ad Antella presso il Teatro Comunale, ad 

Ellera, a Compiobbi, al Ristorante Le Lance, a Cellai, 

presso la Galleria Pio Fedi a Firenze, alla Sala del Basolato 

a Fiesole, alla Biennale dell’Acquerello a Levizzano 

(MO), alla Saletta “Spiga d’Argento” di Montagnana 

Val di Pesa - Montespertoli. 

21


Sara Cenci 

Cell. 380 6873766 

saracenci4@yahoo.it 

Arbutus unedo “Corbezzolo”, 2013 

acquerello su carta, cm. 48x37. Famiglia delle Ericaceae, arbusto di 

macchia mediterranea 

Nata a Roma nel 1975 risiede a Reggello (FI) dal 

2004 col marito e i suoi quattro figli. 

L’amore per la natura e la passione per i colori 

le hanno fatto scoprire da alcuni anni l’acquerello botanico 

a cui si dedica con entusiasmo da autodidatta 

frequentando corsi attinenti. 

Ama rappresentare e valorizzare in particolare le sfumature 

e i dettagli dei fiori e dei frutti. 

L’acquerello botanico è caratterizzato da una fedele 

rappresentazione dal vero del Regno Vegetale, in un 

armonico equilibrio tra ricerca estetica e rigore scientifico. 

È una tecnica che ha radici antichissime (I secolo 

d.C.). Oltre a funzioni decorative, questo genere 

pittorico ebbe fin dagli albori anche scopi scientifici e 

illustrativi, in particolare al servizio della medicina. 

22

Alessandro Chelini 


Spedaletto, 47 - 50067 Rignano sull’Arno (FI) 

Cell. 329 1123897 - alessandro1944@gmail.com 

Cavalli al lavoro, olio su tavola, cm. 69x100 

Senese per nascita e per cultura, stregato fin 

dall’infanzia dalla pittura del Trecento senese: 

Simone Martini, Duccio, i Lorenzetti etc. ed in 

seguito dalla pittura fiamminga, riproduce da sempre 

i grandi del passato studiandoli minuziosamente e 

cercando di interpretarne soprattutto lo spirito. 

Autodidatta per scelta, vive nella campagna fiorentina 

coltivando l’amore per la natura e per la tradizione 

senese dipingendo cavalli al lavoro e barberi del Palio 

ricercando le tecniche artigiane antiche. 

Avvicinatosi in modo particolare alle opere fiamminghe: 

Bosch, Peter Bruegel il Vecchio etc., ha sviluppato 

un interesse ed un amore particolare per Vermeer 

ed esegue con passione copie di celebri artisti, in particolare 

Caravaggio, Van Gogh, gli Impressionisti ed i 

Macchiaioli. 

Ha partecipato con discreto successo alle ultime tre 

edizioni della Mostra Collettiva Nazionale “Falsi d’Autore” 

a Stia ed ha tenuto una personale nei mesi di 

marzo-giugno 2012 presso lo Studio Longo Bellesi in 

Firenze. 

Ha partecipato inoltre nel maggio 2014 alla mostra 

itinerante di pittura allestita nella sede della Regione 

Toscana, con il patrocinio della stessa, a Palazzo Bastogi 

in via Cavour a Firenze. 

23


Alessandro Chelini 

Madre e figlia, olio su tavola, cm. 62x62 

24

Paola Lucrezia Cioncolini 


Cell. 338 7936891 

paolacioncolini@gmail.com - www.facebook.com/paola.cioncolini 

Natura 1, olio e acrilico su tela, cm. 185x150 

Paola Lucrezia Cioncolini, insegnante di Disegno 

e Storia dell’Arte, si è sempre interessata all’arte 

contemporanea nelle sue varie espressioni, 

ai linguaggi interdipendenti, alla ricerca artistica basata 

sulla continua sperimentazione. Come creatrice 

ha partecipato ad eventi, mostre collettive e personali 

in Italia, Francia e Germania. 

È fondatrice e presidente di Montevarchi Arte, una 

delle associazioni culturali più attive nella valle 

dell’Arno. Curatrice di numerose mostre nel territorio 

di Montevarchi, è stata curatrice assistente del progetto 

“Acqua Contemporanea” nel 2013. 

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Roberto Cipollone (Ciro) 

La Bottega di Ciro: via Montelfi, 8 - 50064 Loc. Loppiano - Incisa in Val d’Arno (FI) 

Tel. 055 8339703 - info@labottegadiciro.it - www.labottegadiciro.it 

Anghiari, maggio 2014, cm. 76x33x9 (LxHxP) 

Nato a Pescara nel 1947, Roberto Cipollone 

(Ciro) ancora bambino, trascorre i suoi giorni 

intorno alla fonderia artigianale del padre. Guidato 

da un profondo amore per la natura e insieme da 

una tensione spirituale verso il Bello, egli cerca di cogliere 

fin da giovanissimo ogni occasione per esprimere 

questo suo essere attraverso piccoli manufatti, tele, 

disegni o incisioni. La sua città lo vede ben presto partecipe 

delle varie iniziative artistiche. Nel 1970 è in 

Olanda dove vi rimane per sei anni lavorando come 

operaio. Dirà in seguito commentando quel periodo: 

“Facevo diecimila viti al giorno. Un lavoro molto monotono. 

L’aspetto creativo era sacrificato. È stato un 

distaccarmi dall’arte. Questo ha acuito il mio desiderio 

di vedere cose belle”. 

In questo periodo conosce e frequenta un orefice che 

è anche scultore. Trova così nei ritagli di tempo la possibilità 

di creare con lui oggetti d’arte. 

“Portavo a Joop Falke qualcosa di ciò che veniva scartato, 

perché fuori misura o presentava qualche piccolo 

difetto”. 

Dal 1977 è a Loppiano, nei pressi di Firenze, dove 

tutt’ora vive e lavora. Qui apre nel 1982 “La bottega 

di Ciro”, un laboratorio artistico di stampo medioevale. 

Vi si trovano inusitati accostamenti e vi si riscopre 

la poesia che può essere racchiusa in un vecchio oggetto 

rotto ed arrugginito che, riabilitato, parla di 

passato e presente, della nobiltà della vita umana anche 

nei suoi aspetti più umili e dimenticati. 

Dal 1982 realizza numerose mostre personali in Italia, 

Germania, Svizzera, Austria, Belgio e Lussemburgo. 

Dal 1991 gli vengono commissionati lavori di arredo 

sacro e interventi di recupero d’ambiente, sia in Italia 

che all’estero. Ovunque la sua arte materica è stata 

apprezzata per il senso di semplicità, bellezza e umanità 

che riesce a comunicare da una realtà che può 

apparire dimenticata e trascurata. 

Ciro nel suo laboratorio 

26

Carlo Ciucchi (Picchio) 


Tel. 055 8385060 - Cell. 338 5253569 

carlociucchi@tiscali.it - web.tiscali.it/carlociucchi 

Carlo Ciucchi in arte “Picchio” è nato il 

31/08/1955 a Dicomano (FI), paese in 

cui ancora oggi vive e lavora, nello studio-abitazione 

della frazione Dicomano Campagna 

3b, località “Le Vigne”. I primi segni 

della vocazione per la pittura li ha manifestati 

fino dalle scuole elementari e medie, quando 

vinse alcune mostre scolastiche. Del 1968 è la 

scritta “Bravo Carlino continua!!! Il pittore 

Paolo Galli” con cui l’artista e amico e compaesano 

incita e incoraggia il giovanissimo 

pittore Picchio. Si è diplomato nel 1977 presso 

la Scuola Statale d’Arte di Porta Romana a Firenze, 

nella sezione di Decorazione Pittorica. 

Nel 1978 si è iscritto all’Accademia di Belle 

Arti di Firenze nella sezione Pittura con il professor 

Silvio Loffredo, nello stesso anno ha 

frequentato sempre all’Accademia di Belle 

Arti la “Scuola Libera”. Ha frequentato gli 

studi dei maestri Silvestro Pistolesi e Alfio Rapisardi; 

con quest’ultimo ha fatto anche esperienza 

nell’arte della scultura. Ha conosciuto il 

professor Armando Nocentini che in più occasioni 

ha espresso lodevoli giudizi sulla pittura 

di Carlo Ciucchi “Picchio”, fino a presentarlo 

al pittore Ennio Cocchi con il quale ebbe una 

breve ma positiva esperienza nello studio 

dell’Antella (Fi). Ha avuto buoni consigli dai 

pittori Armando Grazzini e Luciano Ori, positivi 

giudizi e preziosi consigli li ha ricevuti 

anche dal maestro Pietro Annigoni che lo ha 

sempre incitato a dipingere dal vero. “Il vero 

nutre, il vero è una fonte continua di ispirazione”. 

Con queste parole il maestro Annigoni 

ha incoraggiato “Picchio”, giovane pittore, 

a intraprendere la difficile quanto appassionante 

pittura dal vero. Dal 1972 ad oggi ha 

partecipato a innumerevoli mostre collettive di 

pittura. Numerose le esposizioni personali in 

Italia e all’estero. I suoi quadri si trovano in 

importanti collezioni private in Germania, Argentina 

e negli Stati Uniti. Negli ultimi anni ha 

eseguito importanti pitture murali e affreschi. 

Altissimo, olio su tela, cm. 70x100 

Panorama Mugello, olio su tavola, cm. 125x172 

Hanno parlato e scritto di “Picchio” 

Pittore Osman De Scolari, Prof. Silvio Loffredo, Prof. Giuliano 

Romoli, Prof. Franca Nesi, Prof. Domenico Viggiano, Prof. 

Demo Veronese, Pittore Dino Migliorini, Prof. Aldo Giovannini, 

Prof. Stefano Benedetti, Prof. Antonio Berti, Prof. Piero 

Poggiali, Prof. Tommaso Paloscia, Prof. Elvio Natali, Prof. Gastone 

Breddo, Prof. Dino Pasquali, Prof. Daniela Pronestì. 

La lunga tradizione della pittura di paesaggio ci ha insegnato 

a considerare la natura come soggetto autonomo da cui scaturisce 

un’esperienza che è insieme spirituale ed estetica. Il 

costituirsi del paesaggio come “figura”, ovvero tema unico 

27


Carlo Ciucchi (Picchio) 

Sieve in controluce, olio su tavola, cm. 160x200 

Sieve al tramonto, olio su cartone telato, cm. 25x25 

della rappresentazione visiva, prevede che le emozioni 

siano lo strumento attraverso cui dare vita ad un’interpretazione 

soggettiva del mondo naturale, un’immersione 

dei sensi e dello spirito nel mistero della 

realtà che ci circonda. Realizzati en plein air, i paesaggi 

di Carlo Ciucchi, in arte Picchio, reinterpretano e 

attualizzano le caratteristiche di un genere pittorico 

che ancora oggi conserva la capacità di richiamare la 

nostra attenzione sulla bellezza che la natura ci riserva 

e che spesso però sfugge ad uno sguardo disattento. 

Una bellezza che Picchio ha imparato ad apprezzare 

fin dall’infanzia trascorsa tra le colline mugellane, 

che sono state e continuano ad essere protagoniste 

assolute del suo repertorio espressivo. Il genius loci ha 

influito sulle sue scelte artistiche a tal punto che nemmeno 

gli anni della formazione accademica, ai quali 

risale l’apprendimento delle tecniche dell’affresco e la 

scultura di segno astratto, sono bastati ad allontanarlo 

dal naturalismo e dal bisogno di trarre dal ‘vero’, 

dall’osservazione non mediata delle cose, l’essenza 

viva della sua ispirazione. Il fatto d’intendere la pittura 

come espressione di un contatto diretto con la natura 

non gli impedisce di riconoscere e celebrare il valore 

culturale del paesaggio toscano, in cui sono impresse 

le impronte della storia e dell’ingegno umano. Non si 

è mai soltanto spettatori al cospetto di uno scenario 

naturale, specie se questo, oltre a stimolare le corde 

più intime della nostra sensibilità, ci porta l’eco di un 

passato che con rispetto e sapiente intuito estetico ha 

modellato il paesaggio per venire incontro alle esigenze 

dell’uomo. La natura è storia, sembra dirci Picchio, 

così com’è memoria collettiva e individuale. 

Collettiva perché con la trasposizione pittorica l’artista 

preserva per sempre l’aspetto di un luogo che il 

tempo o l’intervento umano potrebbero irrimediabilmente 

mutare; individuale perché i suoi scorci paesaggistici 

raccontano di una familiarità maturata negli 

anni, ripercorrendo più volte, e sempre con 

rinnovata curiosità, le stesse mete. Ritrarre la natura è 

per lui come immortalare il volto di una persona a cui 

è legato da un affetto antico e che di quadro in quadro 

gli appare sotto una nuova luce. A volte il suo 

sguardo si allunga in profondità per abbandonarsi 

dolcemente alla vastità di uno spazio che la sola visione 

pittorica non può contenere - l’orizzonte è una 

striscia di luce che si estende a perdita d’occhio dietro 

le colline -, altre volte, invece, si muove con curiosità 

tra le distese di verde, le rocce e i ruscelli, come rapito 

dal fluire innarrestabile dei fenomeni naturali. In entrambi 

i casi, la pennellata è leggera, intrisa di luce, 

guidata dalla necessità di fermare velocemente sulla 

tela le impressioni che arrivano all’occhio e che da qui 

si calano nelle profondità del sentimento. Un dialogo 

con il paesaggio che non conosce soste o variazioni, 

ma che trapassa di opera in opera per comporre 

un’unica grandiosa immagine della natura. 

Daniela Pronestì 

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Silvana Cipriani 


Tel. 055 4215719 

silvana.cipriani@gmail.com 

La candela, olio su cartoncino telato, cm. 30x40 

Natura morta, olio su masonite, cm. 50x40 

Da Firenze, ove è nata, si trasferisce a Sesto Fiorentino 

nel 1970; dilettante e autodidatta, 

dagli anni Ottanta dipinge e scrive poesie per 

passione. Ha partecipato a varie mostre collettive e 

realizzato esposizioni personali, ottenendo riconoscimenti 

sia nella pittura che nella poesia. 

Successivamente si è aggiunto un nuovo interesse 

che ha portato alla realizzazione del libro “Per grazia 

ricevuta” sul Santuario della Madonna dei Fossi, ricerca 

storica su di una robbiana datata 1510-20, pubblicazione 

presentata nel 2012 presso la Pieve di San 

Bartolomeo a Pomino - Rufina (edizione Servizio Editoriale 

Fiesolano). 

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Silvana Cipriani 

Pace, pastelli a cera su sughero, cm. 78x48 

Mostre collettive e personali 

1987 San Niccolò (FI) 



1989 Ardengo Soffici (Rignano sull’Arno) 

1990 Festa di Primavera (Sesto Fiorentino) 

1990 Pescetti (Sesto Fiorentino) 

1991 S.A.P Firenze e AICS sestese 


1992 Personale presso la Biblioteca Pubblica di Sesto 

Fiorentino 



1994 Pescetti (Sesto Fiorentino) – Naif pittura 

1997 Personale presso il Caffè Piansa Firenze 

1998 Riviera degli Etruschi – astratto 

1999 Fenalc (Livorno) 

1999 Personale presso il Caffè Le Logge (Greve in 

Chianti) 


2000 Antonio Berti (Sesto Fiorentino) 



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Donato Cocca 


Via XXIV Maggio, 62 - 52025 Montevarchi (AR) 

Cell. 339 6513430 - 333 2347178 - donacocca@hotmail.com 

Bassa marea, acquerello, cm. 60x50 

Donato Cocca nasce a Figline Valdarno nel 

1953; persegue da sempre la sua passione per 

l’arte, ora dedicandosi al disegno e alla pittura, 

ora realizzando sculture in diversi materiali (terracotta, 

pietra, acciaio, rame, cristallo). 

Dal 1997 inizia la propria attività con mostre personali 

e collettive: negli ultimi anni si segnalano le personali 

di Torre del Lago Puccini (Lucca); Pieve a Presciano 

(Arezzo); primo premio per la scultura al “39° Cardo 

d’Argento” (Gadarte - Firenze); partecipazione alla 

“19ª Rassegna internazionale del Presepe” all’Arena 

di Verona; colletiva a Kitzingen (Germania) e numerose 

presenze alle “Biennali d’Arte Presepiale” curate 

dall’Associazione Culturale “Natale nel Mondo” di 

San Giovanni Valdarno (Arezzo). 

“Nell’opera di Donato Cocca si notano continue allusioni 

alle sfere del magico e del fiabesco che s’intrecciano 

ad un elogio esemplificato del comportamento 

virtuoso. 

Nella sua produzione scultorea abilmente accosta 

materiali diversi come il cristallo, la terracotta, l’acciaio, 

la pietra. Materiali anche teoricamente contrastanti 

fra loro per intrinseche qualità, trasparenze ed 

L’attesa, olio su tela, cm. 40x60 

impenetrabilità, durezza e malleabilità, brillantezza e 

opacità. Da qui un sapore evocativo che pervade anche 

la sua pittura, accentuatamente simbolica, laddove 

vi riecheggia come un accorato intimismo, seppure 

circondati come siamo (ci dice l’autore nei suoi soggetti) 

da tracce provenienti dal mondo fuori della nostra 

ristrettezza umana: è il caso dei fiori posti in primo 

piano nel quadro intitolato “L’attesa”. 

Tutto, comunque, espresso secondo sensazioni ed 

idee immediate, istintive, pur seguendo un’elaborazione 

mentale precisa, frutto di una cultura e di un 

sentire schietto che lo porta ad utilizzare forme espressive 

comuni. Vi è un uso continuo ed espressivo del 

linguaggio popolare e nello stesso tempo un sapore di 

antico rappresentare che deriva da una sorta di memoria 

individuale che in tal modo affiora in lui. 

L’espressività immediata coinvolge emotivamente sul 

piano comunicativo anche se il linguaggio pittorico e 

scultoreo si rende più complesso. Ma è uno sviluppo 

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Donato Cocca 

Riflesso, pietra, acciaio e cristallo, cm. 60x70 

Eterno presente, acciaio inox e cristallo, 

altezza cm. 550 x larghezza cm. 440 x profondità 

cm. 80. Collocazione: Altare Maggiore della chiesa 

di Sant’Andrea Corsini in Montevarchi (Arezzo) 

effettuato sul piano artigianale come sapiente capacità 

di fare e di elaborare, come a coordinare fra loro 

diversità solo apparentemente inconciliabili. Affiora 

così anche un atteggiamento rivolto al mondo circostante 

che definire pervaso di religiosità forse è eccessivo, 

ma è certo connotato da un non troppo vago 

senso del sacro, aspetto che poi costantemente è 

presente nell’opera dell’artista toscano. 

L’entusiasmo che Donato Cocca mostra nel proprio 

lavoro artistico, è diretta espressione della sua ‘innocenza 

percettiva’ nel cogliere la società intorno, del 

suo continuo attendere di ricevere una gratificazione 

personale ed affettiva e al proprio aprirsi ad essa”. 

Federico Napoli 

32

Christian Coviello 


Cell. 392 2269228 

chriscov@gmail.com 

Bullet in the head, acrilico e pastello ad olio, cm. 120x100 

Man vs society, tecnica acrilico e pastello ad olio, 

cm. 70x100 

Christian Coviello nasce a Bressanone (BZ) trentasei 

anni fa; è un artista autodidatta che dipinge 

da quasi vent’anni. Approda in Toscana 

dopo varie esperienze in Europa, in particolare in Germania, 

Svizzera e Olanda; viene notato da Antonio 

Davide e successivamente inizia a collaborare con Paola 

Cioncolini e l’associazione Montevarchi Arte fino ad 

allestire la sua prima personale quest’anno a febbraio. 

Le sue opere si trovano in molte collezioni private. 

Ha parlato di lui anche lo storico Eraldo Di Vita dedicandogli 

una critica intitolata “La danza dei colori di 

Christian Coviello” reperibile sul sito webartmagazine. 

33


Renzo Del Lungo 

Piazza Ghiberti, 13 - 50060 Pelago (FI) 

Tel. 055 8326636 - 333 3080225 - dellungo.renzo@gmail.com 

Renzo Del Lungo nasce a Firenze nel 1942. Dopo 

un continuo vagare per tutti i continenti, approda 

nelle regioni polari, dove subisce il fascino 

irresistibile del silenzio dei ghiacciai e della maestosità 

del paesaggio, tanto da farne i soggetti incontrastati 

dei suoi dipinti, in cui domina la natura scevra dalla 

mano dell’uomo. Ha al suo attivo numerose mostre 

personali tra l’Italia (Firenze, Lecce, Crotone, Madesimo, 

Livigno, Como, Sondrio) e l’estero (Parigi, Montecarlo, 

Zurigo, Caracas, Lugano, Losanna, Bruxelles), 

confortate da largo plauso di critica e di pubblico sia 

in Europa che nelle due Americhe. Hanno scritto di 

lui, tra gli altri: M. Dezzi Bardeschi, A. Polesella, A. 

Cotti, A. Aschei, A. Molteni, P. Frattini. Articoli e recensioni 

critiche che lo riguardano sono state pubblicate 

sui quotidiani La Nazione, Il Giornale (Varese), Il 

Corriere di Firenze, Il Giornale d’Italia, Agorà (Zurigo), 

Paris Match, L’Osservatore Romano, La Gazzetta del 

Popolo e sulle riviste di settore Eco d’Arte Moderna, 

Gallery, AD, Il Narciso, Firme Nostre. Tra gli appuntamenti 

espositivi più recenti, si ricordano quelli realizzati 

nel 2010 presso Palazzo Panciatichi, sede del 

Consiglio regionale della Toscana, e nel 2012 presso 

lo show room Cieffe in via Baccio da Montelupo a 

Firenze. 

“Fare della pittura un’oasi di pace e silenzio, una dimensione 

confortante e luminosa che parli all’anima 

attraverso gli occhi: questo il pensiero che nasce in chi 

osserva i dipinti di Renzo Del Lungo, pittore fiorentino 

che si distingue nel panorama artistico toscano per i 

suoi paesaggi rarefatti e senza tempo. Come sia giunto 

a una tale raffinatezza espressiva e originalità di 

contenuti lo spiega lui stesso, quando racconta che i 

tanti viaggi fatti intorno al mondo gli hanno permesso 

di conoscere la bellezza di luoghi lontani dalle calde 

e variopinte atmosfere mediterranee, ma capaci, 

nondimeno, di toccare le corde più intime del sentimento. 

Non sorprende che la luce bianca e le monocromie 

del paesaggio polare abbiano risvegliato in lui 

la consapevolezza emotiva dell’infinità e della potenza 

irresistibile della natura, come accade ogni qual 

volta l’essere umano abbia il coraggio di guardare in 

faccia la sua finitezza e scoprirsi “umano troppo 

34


Renzo Del Lungo 

umano” al cospetto di forze che mettono a dura prova 

la sua arroganza. Vengono in mente, a tal proposito, 

i versi di Aleksandr Blok: ”Prendi la tua barca, salpa 

verso il polo fra mura di ghiaccio, e in silenzio oblìa 

come l’uomo ama, lotta e muore solo: dimentica il 

paese dell’umana follia”. Predisporsi all’ascolto del 

silenzio significa, quindi, essere presenti a se stessi, 

capaci di raggiungere la quiete interiore come bisogno 

primario della natura umana, mettere un freno ai 

ritmi feroci e insostenibili che sempre più trascinano 

le nostre esistenze nel baratro dell’insignificanza e del 

nonsenso. Un’esperienza che riempie e che non si 

può dimenticare perché stravolge il modo d’intendere 

la vita e di guardare alle cose. Anche per questo Del 

Lungo ha scelto di farne il nucleo ispirativo del suo 

immaginario pittorico, in cui trovano spazio, oltre alle 

immancabili distese ghiacciate e agli orizzonti sottili e 

tersi dei paesaggi innevati, le bellezze del territorio 

toscano riprodotte non in maniera realistica, ma trasfigurate 

in una sintesi cromatica di grande eleganza 

e potenza espressiva. Se il bianco e l’azzurro, declinato 

in tutte le sue varianti di tono, sono i colori che 

imperano nelle visioni polari e che invitano a immergersi 

in un’atmosfera in cui tutto è pace e tranquillità 

e in cui anche il rigore compositivo si addolcisce per 

dare voce al sentimento, i marroni e i rossi riscaldano 

la tavolozza negli scorci di terra toscana, per farsi interpreti 

dell’amore che da sempre lo lega a questa 

regione e alla sua antica storia. In entrambi i casi, l’impostazione 

pittorica è insieme solida ed equilibrata, 

con una sapiente distribuzione delle pennellate, spesso 

povere di materia per lasciare spazio agli effetti di 

trasparenza e alle velature, e della luce, che cancella 

le ombre per far risplendere ancora di più i colori. Eppure, 

contrariamente a quanto si potrebbe pensare, 

l’attività creativa di Del Lungo non si lega alle soluzioni 

stilistiche e formali del paesaggismo toscano, ma 

propone un’originale alternativa al quadro “di maniera” 

spezzando il racconto in più episodi o associando 

ai valori di superficie elementi “altri” - pagine 

di libri, piatti rotti, frammenti di oggetti reperiti nel 

quotidiano - la cui funzione è accentuare il contrasto 

tra il frastuono del mondo, il suo disordine insulso, e 

l’armonia delle forme naturali. Lo stesso può dirsi delle 

ceramiche, il cui registro decorativo fa eco alle immagini 

dipinte su tela riassumendole in deliziose miniature 

che fotograno la realtà con grande 

accuratezza e attenzione certosina nella resa dei dettagli. 

In controtendenza con l’autoreferenzialità di 

molti linguaggi artistici contemporanei, Renzo Del 

Lungo riporta la pittura alla sua missione etica, convinto 

com’è che fare arte non voglia dire disperdersi 

in mille rivoli di senso, ma andare dritto al punto, mirare 

al cuore dell’uomo”. 

Daniela Pronestì 

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Angela Del Sarto 

Via di Castagneto, 15 - 50064 Figline Incisa Valdarno (FI) 

Tel. 055 8337883 - Cell. 339 6747256 - angelagaos@gmail.com 

Ibis Nero, visione della soglia ecoline a pennello e pennino su carta, 

cm. 51x42 

Il visibile e l’invisibile 

“ Il percorso che Angela compie nelle sue opere si 

apre sulla concretezza della creatura protagonista 

che spicca al primo sguardo e, colorata, domina il 

panorama. 

Avvicinarsi ai suoi “ritratti” significa entrare nel mito, 

nel sogno, in una favola che ci intriga, in una ripetizione 

mantrica sempre più sottile e rarefatta. Ci 

apriamo all’invisibile ed il sotterraneo appare, dejà vu 

di ciò che è sempre stato lì. Voi che guardate l’opera 

ne vedrete anche il limite, io vi ho scorto soprattutto 

l’infinito”. 

Maria Grazia Toti 

Filosofa, insegnate di yoga, mindfullness counselor 

...e soprattutto amica 

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Candida Maria Duarte 


www.candyduarte.com 

info@candyduarte.com 

I Colori della Vita, tecnica mista, cm. 30x30 

“Nella notte, nel buio della vita, tutto si amplifica. 

Ma, nell’oscurità, basta una piccola fiammella che squarcia il nero. 

Le realtà iniziano a prendere forma, la paura svanisce e si apre la porta della speranza” 

Anche l’arte può essere e può procurare benessere 

sia per chi la genera che per chi la osserva 

o ne gode, inserendola nell’ambiente in cui si 

vive. La mia esperienza si inserisce, anche se inconsapevolmente, 

in quest’ambito. 

Dopo la malattia e la morte del mio primo figlio, il 

dolore e la tristezza mi hanno invaso per tanto tempo, 

finchè un giorno, come se mi fossi svegliata da un 

lungo sonno, ho sentito il desiderio di poter esprimere 

la gioia, la vita, perché non volevo vivere come se 

fossi morta con lui. Convinta che lui è vivo nell’eternità, 

ho cominciato a dipingere quadri, adottando diverse 

tecniche e materiali. 

Dopo alcune sperimentazioni, ho trovato questa forma 

espressiva che sento più congeniale alla mia esperienza... 

Colori, sabbia, trame di tessuti, materiali naturali 

e accessori, un insieme di forme e colori diversi 

che si esprimono sempre in un’armonia visibile e trasmettono 

un senso di gioia e di pace. 

Sono nata in Argentina il 23 novembre del 1975. 

La mia famiglia è stata sempre molto creativa; sono 

cresciuta fra artigiani e artisti: sarte, grafici, scultori, 

fumettisti e architetti convivono dentro di me. 

Nel 2000 ho finito i miei studi presso l’Universidad 

Catolica de Asunción in Paraguay col titolo di Disegnatrice 

Grafica. Dal 2004 abito a Firenze. 

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Sandra Ferroni 

Via Garibaldi, 36 - 50068 Rufina (FI) - Tel. 328 4718292 

sandra.ferroni@yahoo.it - www.sandraferroni.com 

Dea marina, ceramica, h. cm. 60 

Sandra Ferroni nasce a Rignano sull’Arno ed inizia 

giovanissima il proprio percorso artistico in 

un laboratorio artigiano di ceramica nel quale, 

dopo una lunga esperienza, scopre il proprio talento 

e la propria creatività. 

Successivamente si diploma come Grafica Pubblicitaria‚ 

mentre la sua capacità pittorica e creativa è riconosciuta 

in più di una occasione. 

Frequenta corsi di restauro su tela‚ su vetro e su stoffa‚ 

non tralasciando l’affresco ed affinando la propria 

manualità nel lavoro della creta. 

Fra le proprie esperienze figura anche il fiore all’occhiello 

del restauro del settecentesco altare ligneo 

della chiesa spagnola di Chacas in Perù. 

Le ceramiche di Sandra, creazioni uniche, esaltano lo 

spirito creativo, la fantasia, il gusto e la sensibilità di 

questa artista artigiana, le cui opere sono da tempo 

rintracciabili ovunque si spinga la ricerca del bello. 

Adesso, all’apice di un percorso artistico che l’ha vista 

sempre alla ricerca di nuove esperienze creative, si accinge 

ad affrontare con umiltà e la serenità di sempre 

il giudizio del pubblico che manifesterà le proprie sensazioni 

nell’osservare le sue tele e le sue maioliche. 

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Sandra Ferroni 

Il Giardino dell’Eden, tecnica mista su tessuto di damasco, cm. 80x100 

39


Luciana Gabellini 

Cell. 339 6208888 

gabellinil@yahoo.it 

Neve, 2009, incisione a ceramolle, cm. 24x17 

Luciana Gabellini, nata a Borgo San Lorenzo e 

residente a Figline Valdarno (FI), ha frequentato 

il Liceo Artistico e conseguito il diploma in Pittura 

presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze. Ha poi 

concluso con successo, sempre presso l’Accademia, 

un corso sperimentale in Arte della Incisione e della 

Stampa. 

Ha partecipato a mostre personali e collettive e attualmente 

frequenta l’Università dell’Età Libera di Firenze 

nei corsi di Incisione e Modellato. 

40

Vered Gamliel 


Cell. 328 3538235 - Tel. 055 8354151 

www.gamliel.vered.name - vered.gamliel@aruba.it 

Nata in Israele il 10/09/1970, attualmente vive e 

lavora in Toscana. Dal 1991 al 1996 frequenta 

la Ritveld Academie di Amsterdam. Nel 1996 

vince una borsa di studio del governo israeliano per 

artisti meritevoli. Dal 1998 al 2000 insegna Elaborazione 

Stampa e Serigrafia presso l’Accademia di Belle 

Arti “Avni” a Jaffa, Pittura e Disegno alla Scuola Superiore 

“Alon Junior” di Holon e al Neve Eliezer Centro 

Comunità Culturale di Tel Aviv, realizza le stampe 

nello studio “Romi Shaked” - Rishon Le Zion. Vince 

una borsa di studio del Ministero per Studi Artistici in 

Italia e frequenta il corso di Scenografia presso l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze. Nel 2001 realizza la 

scenografia per la messa in scena di “Sogno di una 

notte di mezza estate” di William Shakespeare, nella 

rassegna degli Eventi Estate del comune di Firenze 

presso il Museo ed il parco Stibbert con la regia di 

Stefano Massini. 

Dal 2002 espone in mostre collettive e personali in 

Italia. 

Principali mostre: 

1996 Ritveld Accademia Amsterdam singolo espositore: 

pittura e stampa 

1997 Popolos galleria Tel Aviv singolo espositore: 

pittura 

- La casa degli Artisti Jerusalem: pittura e stampa (collettiva) 

- Il teatro di Gerusalemme: pittura e stampa 

2002 Daniele Ugolini Contemporanea, “Middle 

Class” Firenze, singolo espositore: pittura 

- Biennale di contemporanea di Porto Ercole 

- Daniele Ugolini contemporanea “Mi Art” Milano 

2003 Body language Galleria Beukers, Rotterdam, 

Olanda (collettiva) a cura di Maurizio Sciaccaluga 

2004 “20x20” Galleria Ibiscus (collettiva), Studio 

Nuova Figurazione, Ragusa 

- Lilith, “L’aspetto femminile della creazione” (collettiva), 

Museo Tuscolano della scuderia di Palazzo Aldobrandini, 

Frascati, Roma 

- Mostra Personale Galleria Ibiscus, Ragusa a cura di 

Farah, 2008, olio su keffia su tela, cm. 70x50 

Maurizio Sciaccaluga 

- “Gamliel-Janson-Ortona-Sesia” Galleria Ibiscus Ragusa 

- Mostra Personale Agheiro Arte contemporanea, Lavagna 

(GE) 

- Il Corpo dell’anima, Galleria Ibiscus, Ragusa (collettiva) 

a cura di Maurizio Sciaccaluga 

2005 “Paintspotting” Le ultime frontiere della pittura 

(collettiva), Galleria Allegretti contemporanea, Torino 

2008 “My sisters and I” mostra personale di pittura, 

Comune di Londa 

2011 “Rosa canina e Amiche” mostra personale di 

pittura, Centro visite Castagno d’Andrea (Fi) 

2014 “Pelle su Tela” mostra personale di pittura, alla 

Biblioteca Comunale di Pontassieve. 

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Rolando Gheri 

Via S. Michele, 1 - 50064 Figline e Incisa Valdarno (FI) 

Tel. 055 8330177 - Cell. 329 4236726 

Il cavallino, acquerello su carta, cm. 30x22 

Rolando Gheri nasce a Firenze nel 1951 e attualmente 

vive e lavora a Incisa Valdarno. 

Ha partecipato a numerose mostre e pur riscuotendo 

lusinghieri ed incoraggianti consensi, non 

le ritiene il suo habitat naturale. 

Si è classificato ai primi posti nella Mostra Nazionale 

dell’Umorismo di Siena, in quella internazionale 

dell’Umorismo Sportivo di Ancona ed altre di non minor 

spessore. 

Ha prestato i suoi pennelli per la rivista Pescare, per il 

giornale Satirikon di Ancona, per Metropoli Firenze e 

Telelibera Firenze. 

Ha illustrato numerosi libri di fiabe tra cui “Pinocchio” 

per Pugliese Editore, i libri a fumetti dai titoli 

“Firenze e il suo gioco del calcio”, “Lo scoppio del 

carro a Firenze”, “Siena e il suo Palio” sempre per 

Pugliese Editore. Ha lavorato come grafico all’Enel. 

Adesso dipinge perlopiù a tempera su legni antichi e 

acquerello su encausto pur non disdegnando terracotta, 

cartapesta, scultura su legno e pietra. 

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Monica Giarrè 


Corso Tintori, 7 - 50122 Firenze 

Tel. 055 245014 - Cell. 339 3929022 - monicagiarre@alice.it 

Sguardi (dal coro degli angeli), 2013, acrilico e olio su tela, 

cm. 100x120 

Monica Giarrè nasce a Tosi, ai limiti della Foresta 

Vallombrosana dove trascorre l’infanzia 

e l’adolescenza. A Firenze, dopo aver compiuto 

studi ad indirizzo artistico e musicale, prosegue 

la sua formazione (è allieva di Giuseppe Leo e di Paolo 

Frosecchi) avvertendo l’esigenza di perfezionare ed 

evolvere uno stile che le permetta di esprimere il proprio 

sentire con un linguaggio rispondente ed incisivo. 

La prima fase pittorica rivela un prorompente impulso 

creativo: è come la fuoriuscita di una energia troppo a 

lungo contenuta che finalmente esplode scaturendo 

in vibranti e luminose cromie. Attinge ispirazione dal 

territorio in cui è nata ed al quale è profondamente 

legata, invade le tele del colore e delle sensazioni di un 

paesaggio ricco di boschi, colline, sentieri e sorgenti. 

Della natura ama dipingere i fiori: attenendosi inizialmente 

ad un figurativo tradizionale, Monica Giarrè rispetta 

le forme, al tempo stesso si avvale di uno stile 

gioioso ed espressionista che mostra tutta la sua tensione 

verso una resa istintiva, libera ed emozionale. Da 

subito si riconosce un raffinato senso estetico che verrà 

mantenuto anche quando, dopo una continua ed 

incessante sperimentazione, passerà, attraverso una 

fase intermedia, dai paesaggi alle nature morte. Avvicendando 

ai pennelli le spatole, abbandonerà l’aspetto 

più materico, ma non trascurerà il disegno delineando 

sempre più gli spazi con precise campiture. 

Nel continuare a svelare il suo mondo pittorico Monica 

Giarrè prosegue dunque nell’evoluzione di un linguaggio 

che si fa più essenziale; risentendo di influssi 

cubisti, in particolare della pittura di Braque, la pittrice 

arriva a creare forme geometriche semplici, sottopone 

la tela ad una scomposizione, la seziona e ricompone 

in una sorta di gioco-studio fino ad ottenere la perfet- 

43



Monica Giarrè con Tobia e Oliver a 

casa a Tosi 

ta riuscita degli incastri. 

Come i cubisti, 

non perde mai la riconoscibilità 

dell’oggetto, 

semmai, consapevole 

della finitezza 

delle cose, tende a ridurne 

la presenza concentrando 

la sua attenzione 

sulla figura 

femminile che pone al 

centro del suo mondo 

in un intento di “narrazione” 

autobiografica 

ed intimista. I colori 

vedono insiemi sempre 

più decisi dalle variazioni 

timbriche e 

tonali forti e contrastanti: i bianchi risaltano sullo sfondo nero; 

il verde, il blù, l’amaranto e l’oro vengono accostati in maniera 

armonica ed elegante. 

Nell’ultima fase i contenuti appartengono sempre più alla sfera 

spirituale ed affettiva. Si definisce così il passaggio dalla vanità 

seppur attraente della forma ad uno spazio puro in cui ritratto 

psicologico, sentimenti e sensibilità hanno una parte 

preminente; in questo transito tra l’effimero e la dimensione 

interiore dell’essere, vengono a collocarsi le tenere figure del 

cane e del gatto così care alla pittrice e degli angeli, preziose 

presenze sulle tele. 

Monica Giarrè è pervenuta nell’arco di un lungo percorso di 

trasformazione ad una forma pittorica di grande forza espressiva 

ed emozionale, dotata ormai di uno stile facilmente riconoscibile 

riesce a trasmettere la sua visione dell’arte intesa 

come sintesi di pensiero e ricerca, di astrazione e figurazione, 

di raffinatezza e luminosità. Vive e lavora a Firenze nel suo 

studio ed abitazione in Corso dei Tintori. 

Eleonora d’Aquino 

Mostre 

2001 

Personale “L’idea e il colore” al Palagio di Parte Guelfa a Firenze 

Personale a Villa Montalvo a Firenze 

Collettiva “Il Mare” al Centro Espositivo Costa Fiorita a Castiglioncello 

(Livorno) 

Galleria Le Lac, Lugano 

2002 

Personale a Galleria Mentana di Firenze 

Collettiva La Pasqua, al Centro Congressi Convitto della Calza a 

Tobia, 2012, acrilico e olio su tela, cm. 80x120 

Firenze 

Collettiva allestita alla Saletta Boccuzzi di Firenze 

dall’Antica Compagnia del Paiolo 

Free Trade, Centro d’Arte San Vidal a Venezia 

Palagio di Parte Guelfa a Firenze 

Centro d’Arte Puccini a Firenze 

“Donne in Arte”, Villa Strozzi, Firenze 

2003 

Personale alla Galleria La Tartaruga a Roma 

Collettiva alla Rotonda di Livorno 

Collettiva alla Galleria Mentana di Firenze 

Collettiva all’Antica Compagnia del Paiolo 

8 marzo al femminile, Palagio di Parte Guelfa, 

Firenze 

“Un quadro per la vita” Palazzo Vecchio, Firenze 

2004 

Collettiva di pittura, Galleria Mentana di Firenze 

2005 

Arte 2005, Galleria Mentana, Firenze 

2006 

Collettiva alla Galleria Frosecchi di Firenze ”Mini 

Strenna d’autore” 

“Situazione in rosso”, Teatro Romano, Fiesole 

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Collettiva, “Nudo e dintorni”, Galleria Mentana, Firenze 

Collettiva, “Valori di continuità”, Galleria Mentana, 

Firenze 

2007 

Collettiva “Trepiùtre” alla Galleria Frosecchi di Firenze 

Mostra Mercato d’Arte Moderna e Contemporanea 

di Firenze Stand Galleria Frosecchi 

Collettiva “Strenna d’autore” alla Galleria Frosecchi 

di Firenze 

Artefiera di Reggio Emilia, Stand Galleria Frosecchi 

Collettiva Opere su carta, Galleria Mentana Firenze 

2008 

Arte Fiera Genova 2008 Personale Stand Galleria 

d’Arte Frosecchi 

Collettiva “Figure Fiori Frutta” alla Galleria Frosecchi 

di Firenze 

Esposizione “La visione del Pensiero” al Ristorante 

Garbo a Firenze 

Collettiva “Donna” alla Galleria Frosecchi di Firenze 

2010 

Personale “Interno” al Ristorante Garbo a Firenze 

Personale a La Buchetta Caffè in Palazzo Bardi a Firenze 

Artistrada Mostra d’arte contemporanea in via dei 

Neri a Firenze 

2011 

Rassegna itinerante “50 pittori toscani per 50 cantanti 

toscani” 

VIII Rassegna “Il sacro nell’arte” Basilica della SS. 

Annunziata a Firenze “Il Cantico dei Cantici” 

Manifestazione “Libera Fantasia” Galleria Mentana 

a Firenze 

Collettiva presso l’Antica Compagnia del Paiolo a 

Firenze 

Collettiva al Consiglio Regionale della Toscana, Firenze 

Collettiva alla Galleria Mentana, Firenze 

2012 

“Donne, angeli e miti” Sala Costantini Museo Archeologico 

di Fiesole 

Espone le sue opere in mostra permanente alla Galleria 

del Teatro Romano di Fiesole 

Esposizione presso il Loggiato del Museo Nazionale 

della fotografia Alinari a Firenze 

Mostra Mercato Arte Expo di Arezzo 

“Art Spring”, Mostra Collettiva presso il Museo del 

L’attesa, 2013, acrilico su tela, cm. 120x100 

Calcio di Firenze, Galleria del Teatro Romano di Fiesole 

“L’arte di presentare Arte” presso Il Salviatino Hotel a Fiesole 

Collettiva CNA Arte, Galleria Pio Fedi Firenze 

2013 

“Il Coro degli Angeli” Art Gallery Il Cesello, Firenze 

Volterra in Cornice, rassegna d’arte contemporanea 

Mostra Collettiva Celebrazioni Vespucciane, “Il viaggio” Palazzo 

Comunale Pontassieve (Fi) 

Vin-Art 2013, Mostra Collettiva, Fiesole 

Mostra Collettiva Gruppo Donatello “Presepe in piazza” 

Firenze 

Personale “Percorsi” Gruppo Donatello, Firenze 

2014 

Concorso Pittorico per il Bicentenario dell’Arma dei Carabinieri 

al Basolato di Fiesole 

“Guarda Firenze” Passeggiata turistica, sportiva a Firenze, 

Mostra Collettiva del Gruppo Donatello a Palazzo Medici 

Riccardi, Firenze 

Premi 

Ha ottenuto riconoscimenti nell’ambito del Premio Calindri 

(2001), del Premio Firenze (2001), del Premio Italia (2002) 

ed il Premio Arte in Toscana (2012), 

Del suo lavoro hanno scritto: 

Luciano Artusi, Ugo Barlozzetti, Prof. Patrizio Borella, Fabrizio 

Borghini, Lia Bronzi, Sauro Cavallini, Carlo Cinelli, Eleonora 

d’Aquino, Vittorio Esposito, Vera Giammacci, Giuseppe 

Leo, Pier Francesco Listri, Samanta Monco, Nicola Nuti, 

Tommaso Paloscia, Sonia Salsi, Rodolfo Tommasi, Ferruccio 

Ulivi, Daniela Pronestì, Giulia Ballerini. 

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Miriam Gragnoli 

Tel. 339 1525201 

sergio.pescioli@libero.it 

Girasoli, acrilico e olio su tela, cm. 135x50 

Marciana Marina, acrilico e olio su tela, cm. 45x90 

Mi chiamo Miriam Gragnoli, sono nata nel 

Valdarno, esattamente a Montevarchi. 

Per me dipingere è stata una vera passione 

sin da piccola ed oggi, per migliorarmi, sono iscritta 

ad un’associazione di pittori. 

Ritraggo gli antichi paesi che trovo viaggiando per la 

Toscana e sono affascinata dai paesaggi della mia regione, 

ma soprattutto amo tantissimo i fiori. Credo 

che i fiori, con le loro varietà e caratteristiche, siano 

tra i migliori soggetti da dipingere e ammirare. 

Ho esposto i miei quadri a mostre nel grossetano, nel 

senese e in vari paesi in provincia di Firenze, che hanno 

suscitato molto interesse nel pubblico. 

Questo mi ha spronato a continuare con maggiore 

convinzione. 

Ho partecipato anche ad estemporanee di pittura, da 

sola e con delle associazioni di pittori. 

Attualmente vivo a San Francesco nel comune di Pelago. 

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Miriam Gragnoli 

Cane Lupo, acrilico e olio su tela, cm. 50x35 

Veliero in alto mare, acrilico su tela, cm. 90x40 

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Enrico Guerri 

Cell. 338 3577739 - info@enricoguerriphotography.com - www.enricoguerriphotography.com 

https://www.facebook.com/EnricoGuerriPhotographer - http://www.flickr.com/photos/enrylion/collections/ 

Sono un fotografo freelance da quattro anni, ed 

in ogni lavoro che svolgo cerco di fornire il mio 

supporto fotografico con due precise intenzioni: 

ritrarre la realtà in modo oggettivo senza rinunciare 

a fornirne una impronta personale, e cercare di 

sviluppare attraverso le immagini sensazioni ed emozioni 

da far provare anche a chi non era presente 

all’evento ritratto. Il mio scopo è cercare di portare la 

partecipazione attiva nella creazione del legame tra la 

percezione visiva delle immagini e l’evento ritratto, e 

ciò portando al “tocco” di sensazioni ed emozioni. 

Tutto avviene attraverso la ricerca di dettagli, inquadrature, 

sguardi, persone, e racconti di storie. 

I miei generi fotografici spaziano tra varie tipologie: 

- dibattiti e riunioni (politici/culturali/etc...) 

Installazione di Mimmo Paladino in Piazza Santa 

Croce a Firenze, “Florence 2012” 

- fotografia street (quella che possiamo fare carpendo 

piccoli particolari e dettagli che ci circondano o che ci 

colpiscono quando andiamo in giro) 

- mezzi di soccorso (vigili del fuoco, ambulanze, elisoccorso) 

- live music (concerti di band emergenti e/o artisti/ 

band del panorama nazionale ed internazionale) 

- eventi di cronaca (fotogiornalismo) 

- sport (scalate storiche, motociclismo) 

- matrimoni (dalla preparazione ai festeggiamenti 

conclusivi). 

Successivamente agli scatti fotografici, gestisco ed 

elaboro in proprio le immagini fornendo la mia impronta 

al lavoro. L’elaborazione è un valido aiuto per 

attribuire maggiore importanza a dettagli che potrebbero 

non risaltare in una immagine nuda e cruda, 

nonché sfruttare quello che la fotografia è, ovvero un 

“gioco precario di equilibri fra luci ed ombre”. 

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Enrico Guerri 

Scarpe rosse in Piazza Santa 

Croce a Firenze contro la 

violenza sulle donne 

Sbandieratori in Piazza del Duomo a Firenze in occasione della “Cavalcata dei Magi” 

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Verena Guerrini 

Loc. Camprenna, 8 - 50066 Reggello (FI) - Tel. 055 8667511 - Cell. 340 7581911 

Negozio: Via Matteo Palmieri, 27/r - 50122 Firenze - Tel. 055 242038 - verenaguerrini@gmail.com 

Donna stelle gialle pesce, acrilico su tela, cm. 100x80 

Mascherina, acrilico su tela, cm. 100x80 

Artista autodidatta (dopo due anni di studio 

all’Accademia di Firenze), Verena si presenta 

come una donna dolce ed estroversa, piena di 

vissuto ed emozioni, come i suoi quadri del resto. 

Predilige nelle sue opere i volti umani, soprattutto 

donne dalle vaporose chiome ad onde, questo perché, 

come la stessa pittrice tiene a sottolineare, le 

donne sono il suo soggetto preferito in quanto più 

vicine al suo animo. 

Il tratto è deciso, i colori acrilici brillanti e la linea nera 

è doppia e semplice. Si ispira ai grandi maestri quali 

Matisse, Gauguin, Paul Klee, Renoir, Monet, Andy 

Warhol e Cézanne. 

Parallelamente alla sua attività di pittura, Verena crea 

personalmente gioielli di bigotteria che espone e vende 

nel suo negozio a Firenze e per questo può essere 

considerata un’artista a tutto tondo. 

Dall’anno 2000 numerose sono le esposizioni di pittura 

in ristoranti e bar fiorentini, si segnala poi nel 

2001 la mostra nel convento agostiniano di San Donato 

di Scarlino (Grosseto) con l’Associazione Culturale 

il Magazzino; realizza in seguito il manifesto per 

il Festival della Musica di Pitigliano per conto dell’Associazione 

Culturale Ad occhi chiusi, nel 2010 crea 

cartoline distribuite e vendute in diverse cartolerie nel 

centro storico di Firenze. Tra le ultime esposizioni si 

ricorda una personale presso il Teatro Excelsior di Reggello 

nel 2013. 

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Emilio Ingenito 


Corso G. Matteotti, 46 - 10121 Torino / Loc. Martigliano, 52038 Sestino (AR) 

Cell. 335 477532 - ingenito.emilio@gmail.com - www.ilterzoocchiophoto.it 

Riflesso, 2011 

Tappeto urbano, 2011 

Emilio Ingenito è nato nel 1956, vive a Torino e in 

località Martigliano a Sestino (AR). Si è laureato 

con una tesi storico-fotografica sull’Archeologia 

Industriale nel Canavese. Il suo interesse per la 

fotografia risale agli anni giovanili, inizi degli anni Settanta. 

Per lui la fotografia è il mezzo con cui colleziona pezzi 

di mondo, di fatto la sua ricerca fotografica spazia 

dal paesaggio al ritratto, dal reportage ad una fotografia 

più concettuale. Ultimamente il suo interesse è 

nella rappresentazione dell’uomo nel paesaggio e 

negli spazi urbani. 

Nel 1995 ha fondato il gruppo di ricerca Il Terzo Occhio 

photography, con cui progetta lavori tematici, 

pubblicazioni, calendari, videoproiezioni e organizza 

mostre. Principali esposizioni in Italia: Torino, Milano, 

Firenze, Genova, Bologna, Padova, Alessandria, Cuneo, 

Foiano della Chiana, Spoleto, Pontassieve e Sassocorvaro 

e all’estero, Berlino, Lille, Nizza e Biot. Molte 

sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e 

private. 

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Emilio Ingenito 

Bar Italia, 2010 

Pubblicazioni 

1998 - VideoVisioni - Provincia di Torino 

1999 - Atlante - A. Avogadro di Torino 

1999 - S.S.20 - R.N.204 una strada in Europa - Edizioni 

L’ Artistica Savigliano 

2001 - I Torinesi tra secondo e terzo millennio - Edizioni 

Angolo Manzoni 

2003 - Arcipelago delle memorie - Fondazione Italiana 

per la Fotografia 

2005 - Atlante 1805 - 2005 - A. Avogadro di Torino 

2005 - Piemonte - Natura Olimpica tra spirito e materia 

- Regione Piemonte 

2007 - I portici di Torino - Daniela Piazza Editore 

2009 - Un salotto all’aperto - Città di Torino 

2009 - I Dormienti - Ages Grafiche 

Le foto presentate in queste due pagine fanno parte del progetto: 

TRICOLORE 

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Furio Innocenti 


Via Scopeti,138 - 50068 Rufina (FI) 

Cell. 345 0828913 - info@furioarte.com - www.furioarte.com 

Filari a mare, 2012, olio su tavola, cm. 85x120 

“Quando dipingo il tempo vola e supera quello che sto facendo” 


Artista “ nel ventre di sua madre prima ancora di 

nascere” viene al mondo il 30 dicembre 1956 

a Rufina dove vive. Lavora a Firenze, ma appena 

può si rifugia nella sua marroneta, un bosco di 

castagni, nel Mugello, terra di Giotto e del Beato Angelico, 

e là, a contatto con la natura, protagonista di 

molte sue opere, trova la maggiore ispirazione. 

È interessato ad ogni forma espressiva - ha scritto, 

infatti, canzoni, poesie e testi teatrali - ma trova nella 

pittura forse il mezzo più immediato per comunicare 

con il mondo. 

Ha esposto in varie collettive a Firenze, San Gimignano, 

Volterra, Roma, Parigi raccogliendo sempre l’ampio 

consenso del pubblico. 

Vincitore sia al XXV Premio Italia 2010 che al XXIX 

Premio Firenze 2011, ha ricevuto premi e menzioni 

speciali in vari concorsi in Toscana. 

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Dentro all’accampamento, 2011, olio su tavola, cm. 107x162 

“Artista sensibile e raffinato, è stato definito il cantore del magnetismo misterioso e suggestivo” 

Faustina Tori 

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La tundra, 2006, olio su tavola, cm. 125x73 

Polvere di stelline, 2012, olio su tavola, cm. 100x55 

“La pittura di Innocenti è legata al suo nome, è furiosa. È anche metaforica perché non si ispira alla natura 

ma ad un’idea della natura. Intrigano i suoi colori squillantemente parlanti, come i rossi clamorosi…” 

Pierfrancesco Listri 

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Pesci volanti, 2002, olio su tela, cm. 90x100, collezione privata 

“Il cantore che ci conduce ai confini della realtà attraverso una 

profonda immaginazione. Le sue opere sono “Nuove” c’è il sapore 

della prima volta […] 

Quest’artista non copia la realtà, ma si affida ad un suo alfabeto 

simbolico. Crea immagini allusive, colpisce con l’efficacia delle intuizioni…” 

Nella Guelfi 

Anoressia, 2009, olio su tela, cm. 30x90, 

collezione privata 

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3° omaggio a Vincent Van Gogh, 2009, olio su tavola di legno, cm. 60x165 

“Innocenti celebra i 120 anni del capolavoro di Van 

Gogh, accostandolo con estremo rispetto e suggerendone 

una rilettura originale. Superando la sfida di 

un’identificazione piatta e inutilmente replicante del 

Campo di grano con corvi, ha assorbito, da artista 

sensibile qual è, la corposità materica dei colori ed il 

turgore esasperato della pennellata. La sua rivisitazione 

rispetta la violenza cromatica del testamento spirituale 

di Van Gogh, ma ne ribalta gli esiti […] Il cielo di 

Van Gogh era un mare notturno in tempesta nel quale 

il pittore sprofondava tragicamente, qui è invece il 

campo di grano a dominare la scena con la sua luce 

abbagliante che propone una possibilità di speranza. 

Anche la strada che con il suo percorso spezzato alludeva 

a illusioni irrimediabili e a sconfitte definitive, 

qui diventa un’opportunità con delle prospettive da 

trovare. L’elegia danzante dei colori, riproposta da 

Innocenti con responsabile puntualità, riassume angoscia 

e solitudine, ma li sublima in una luce unitaria 

che restituisce dignità alla vita dell’uomo e fa del 

“nuovo” quadro un messaggio vibrante di sostegno 

alla condizione umana.” 

Gianni Lattes 

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Kevo (Claudio Cavallini) 

Cell. 335 7027082 

kevo-firenze@tiscali.it - www.kevo-firenze.it 

Nato a Firenze, risiede a Sieci (Pontassieve - 

FI) e si dedica alla scultura dal 2003, prediligendo 

come materiale il legno che elabora 

dal blocco intero senza nessun assemblaggio. 

Ha affrontato diverse tematiche: dal figurativo di 

carattere primitivo-etnico, al realismo simbolico, 

maturando infine una sua personalissima ed originale 

sintesi della forma alla cui espressività essenziale 

contribuiscono talvolta anche il colore ed 

elementi di metallo. Presente in rassegne, fiere e 

premi d’arte, ha tenuto numerose personali a Firenze 

e provincia, Arezzo, Pisa, Bologna, Bratislava, 

di particolare rilievo quelle nel 2012 alla Sala 

delle Eroine del comune di Pontassieve, al Museo 

della Casa di Giotto a Vicchio, al Museo Etrusco di 

Dicomano e al Museo del Duomo di Viterbo. Tre 

volte finalista nel Premio Firenze nel 2012 si aggiudica 

Il Fiorino d’Argento con la scultura “Nefertiti” 

e nel 2013 è medaglia di Bronzo con la 

scultura “Lo Squalo”. Nel maggio del 2013, a 

coronamento del suo percorso espositivo, allestisce 

una bellissima mostra personale nell’importante 

Museo di Storia Naturale della Specola a Firenze. 

Lo aspettiamo nel prossimo futuro per verificare 

ulteriori evoluzioni della sua arte. 


Madre con bambino, scultura a togliere, pino rosso e metalli, 

h. cm. 90 

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Kevo (Claudio Cavallini) 

Il navigatore, scultura a togliere, abete e metalli, h. cm. 100 

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Maria Grazia Lissona 

Via Upia di Sotto, 80 - Loc. Canova - 50066 Reggello (FI) 

Tel. 055 8656806 - Cell. 340 6756315 - 346 3684114 - mglissona@gmail.com 

Iris, olio su tela, cm. 70x100 

Nata a Firenze, Maria Grazia Lissona studia all’Istituto 

d’Arte della sua città, conseguendo il 

diploma di Maestro d’Arte e quello di Magistero 

d’Arte. Successivamente si abilita nell’insegnamento 

di Disegno e Storia dell’Arte. Matura una notevole 

esperienza nel campo della grafica lavorando in alcuni 

laboratori artigiani della zona. In seguito si diploma in 

Pittura all’Accademia di Belle Arti di Firenze sotto la 

guida del prof. Silvio Loffredo. Per diversi anni insegna 

nella Scuola Media di Pontassieve. Sono numerose le 

partecipazioni a mostre ed iniziative artistiche organizzate 

nel corso degli anni. Tra le ultime si ricordano le 

mostre personali presso la Sala Bonci a Montevarchi 

(AR), nel Palazzo Comunale a Castelfranco (anno 

2009) e alla Filanda di Loro Ciuffenna (AR) nel 2010. 

Realizza poi due personali di acquerelli presso l’ufficio 

turistico del Saltino- Vallombrosa (FI) e alla Badia di 

San Salvatore a Soffena di Castelfranco (AR); nel 2011 

partecipa alla Florence Biennale presso la Fortezza da 

Basso di Firenze nell’ambito della manifestazione Arte 

per la Ricerca Fiorgen Onlus. Attualmente collabora in 

qualità di disegnatrice al periodico semestrale «Corrispondenza», 

pubblicato dalla diocesi di Fiesole. 

“Nella pittura dell’artista si possono riconoscere due 

anime, corrispondenti ai due generi principali della sua 

produzione artistica: una morbida sensuosità di sapore 

post-impressionista nelle nature morte e un’incisività 

cromatica e segnica quasi espressionista nei ritratti e 

negli studi di figura. Il trait d’union di queste due apparentemente 

divergenti modalità espressive risiede 

nella partenza dal dato naturale - vegetale o umano - 

riletto e reinterpretato in maniera assolutamente personale: 

il vero di una natura non rappresentata con 

fotografica obiettività, ma scelta e colta nella sua dimensione 

emozionale. Nelle nature morte della pittrice 

appare frequentemente l’Iris, fiore che per la sua 

leggera sinuosità, per il naturale andamento curvilineo 

e le tenere note cromatiche dei carnosi petali, ben si 

presta ad una accentuazione delle strutture formali 

che vengono sottolineate per mezzo di vibranti pennellate 

di contorno, a volte soltanto accennate ma mai 

lasciate al caso, e un sapiente uso di colori puri, brillanti, 

che sfumano a tratti in irreali e sognanti cromie. Un 

simile tema naturalistico è svolto con pari efficacia in 

una serie di opere di piccolo e medio formato realizzate 

ad acquerello, tecnica che l’artista padroneggia con 

grazia squisita. Contestualmente all’attività pittorica, 

l’artista si dedica alla decorazione di mobili e arredi, 

dove ancora una volta la natura è il dato di partenza 

sia per la definizione di eleganti, sintetici e sobri motivi 

ornamentali fitomorfi, sia per arditi sfondamenti trompe 

l’œil della superficie decorata.” 

Andrea di Nardo 

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Livia Livi 


Cell. 340 1434249 

(Sogno) sciame cosmico, olio su tela, cm. 120x150 

Fin dagli anni Sessanta Livia espone in numerose 

mostre collettive e personali sul territorio 

toscano, riscuotendo sempre l’apprezzamento 

del pubblico e della critica. Dal 1987 è 

ammessa alla Società delle Belle Arti, Circolo degli 

Artisti di Dante a Firenze, dove tuttora presenta le 

sue opere. Tra le esposizioni personali si ricordano 

quelle a Firenze presso la Casa di Dante e a Siena, 

dove varie volte presenta le sue opere al Museo 

dell’Opera del Duomo e nella cripta della Basilica 

di San Domenico; in ultimo nel 2014 realizza una 

personale alla Sala delle Eroine del comune di 

Pontassieve (FI). 

“L’attività di Livia Livi inizia prestissimo con quadri a olio, 

grafica a puntinismo, bianco-nero, acquerello e con sculture 

in gesso e poi in stucco colorato a olio. L’artista è autodidatta 

e, partendo dall’esperienza degli Impressionisti, 

dei Macchiaioli e dell’espressionismo di Van Gogh, elabora 

una poetica personalissima in cui Natura e Uomo, rappresentati 

con dinamicità cromatica racchiusa in “macchie” 

e volumi, sono collocati in una aurale Età dell’Oro, in 

una arcaica purezza. 

L’esperienza della grafica iniziata verso il 1980 segna un 

punto di arrivo - partenza nelle recherce dell’artista. La 

tecnica dei “puntini” si evolverà nell’uso dei “frammenti” 

di roccia del mosaico livico. L’esperienza del lavoro a 

olio consoliderà e porterà a ricercare nelle “pietre naturali” 

un nuovo mezzo di espressività cromatica.” 

Mary Feroci Manescalchi 

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Livia Livi 

Isolda, Mosaico Livico, 

cm. 51x131 

“In pochi forse si sono soffermati 

ad osservare le pietre del fiume, 

Livia invece con amore e dedizione 

ne è naturalmente attratta, le 

ha guardate, cercate, scelte con 

cura e portate nel suo studio, nel 

suo mondo. Qui le pietre sono diventate 

sia fonte di ispirazione 

per alcune opere che materiale 

“vivo” per la realizzazione dei 

suoi eccezionali mosaici, che riproducono 

fedelmente dipinti ad 

olio realizzati dalla stessa artista. 

Ciò che rende uniche le opere 

musive di Livia, dal cui nome è 

nata la dicitura di Mosaico Livico, 

Marisa, Mosaico Livico, 

cm. 60x120 

è la filosofia che accompagna tutto 

il processo creativo che si compie 

come un rituale iniziando 

dalla scelta del materiale litico ed 

arrivando al risultato finale di eccezionale 

qualità artistica. Una 

volta trovate, le pietre abbandonano 

la loro naturale collocazione, 

vengono poi spaccate a metà 

perdendo anche l’originaria conformazione, 

svelano la loro nudità 

rivelando ciò che ognuno di noi 

ha di più intimo, la propria anima, 

l’anima della pietra, il cuore nascosto 

incredibilmente ricco di 

venature e tonalità inaspettate. 

Il materiale viene poi ridotto in piccoli 

frammenti irregolari, che andranno 

a comporre il mosaico così, 

in un continuo atto d’amore la pietra 

torna a nuovo uso, a un nuovo 

fine, quello del creare figure, sogni, 

impersonare colori, luci e immagini. 

Come in un ciclo naturale 

dove nulla si crea ma tutto si trasforma 

e prende nuova vita sotto 

forme diverse. 

Nelle ultime grandi tele ad olio le 

pietre ritornano ad essere protagoniste: 

queste paiono fluttuare 

nell’etere, come in un turbine cosmico 

in una visione della creazione 

dell’universo che scaturisce proprio 

dalla pietra. 

La pietra come metafora dell’uomo, 

dura da scalfire così come una 

corazza ma che al proprio interno 

nasconde un’anima ricca di sfumature, 

sembra inerte sul greto del 

fiume tuttavia è pronta a brillare 

nell’acqua a seconda della luce: 

bisogna solo avere pazienza e saper 

osservare per conoscere e apprezzarne 

il carattere”. 


62

Susan Luppino 


Località San Michele, 2 - 50064 Incisa Valdarno (FI) 

Tel. 055 8330133 - Cell. 340 3767469 - sluppino45@yahoo.com - www.susanluppino.com 

Susan Luppino nasce a New York nel 1945. A 

sedici anni frequenta l’Art Center a Lima; 

ciò rappresenta l’inizio di un’educazione artistica 

più completa. È nel Perù che per la prima 

volta ha la possibilità di vivere una cultura diversa 

da quella americana. Nel 1964-65 per il Junior 

Year Abroad si trasferisce a Firenze e all’Accademia 

delle Belle Arti segue alcuni corsi fra cui quello 

di Scultura. Nel 1966 consegue il Bachelor of 

Art con indirizzo scultura alla American University 

di Washington D.C. e nella stessa città riceve l’incarico 

di insegnamento alla Alice Deal Junior High 

School. Nel 1972 espone le sue opere alla Watergate 

Gallery di Washington D.C., dal 1973 al 

1975 si trasferisce col marito e le due figlie in Calabria 

dove esegue anche alcuni ritratti. Nel 1975 

rientra a Firenze alternando al soggiorno fiorentino 

viaggi in Italia, negli Stati Uniti ed in altri paesi. 

Con l’opera “Double Dutch” (il primo lavoro in 

bronzo, venduto alla poetessa Nikki Giovanni) le 

viene dedicata la copertina del volume commemorativo 

del venticinquesimo anniversario 

dell’attività del James Weldon Johnson Housing 

Development in New York. Nel 1977 ha la sua 

prima mostra personale alla Galleria Davanzati di 

Firenze. Nel 1978 sottoscrive un contratto con la 

Zenith Gallery di Washington D.C. Dal 1977 le 

sue opere vengono esposte in molti paesi e diventano 

proprietà di moltissimi collezionisti privati e 

di istituzioni pubbliche. Nel 1986 a Palmi (Reggio 

Calabria) viene inaugurato il monumento a San 

Francesco posto in una piazza dominante lo 

Stretto di Messina. Il tema prevalente delle sue 

opere è la figura umana nelle sue molteplici 

Donna con piante, terracotta, h. cm. 38x30 

espressioni. Di lei hanno scritto: Pietro Aloise, Dario Bellezza, 

Giuseppe Blefari, Giancarlo Brilli, Antonio Carannante, 

Franco di Carlo, Marco Fagioli, Marzia Galardini, 

Nikki Giovanni, Dante Maffia, Lara Maffia, Carlo Mannocci, 

Gennaro Mercogliano, Carmelo Mezzasalma, Eugenio 

Nastasi, Gabriella Nocentini, Gaetana Pace, Dino 

Pasquali, Gino Rago, Gianpaolo Rugarli, Giuseppe Saffioti, 

Paolo Sfogli, Pino Trebisacce, ecc. 

63


Mario Magherini 

Cell. 329 7480764 

info@mariomagherini.it - www.mariomagherini.it 

Paesaggio toscano, tecnica mista di acrilico e olio su tavola, 

cm. 40x50 

Pittore della Valdisieve con quarant’anni 

di attività pittorica alle spalle e varie 

esposizioni personali in tre continenti 

diversi, tra le più importanti in Italia si ricorda 

quella a Firenze presso il Consiglio Regionale 

della Toscana. Si sono occupati di lui il quotidiano 

La Nazione, la rivista australiana Educations 

ed i canali televisivi Rai3, canali d’arte 

della piattaforma satellitare. 

Parco dell’Uccellina, tecnica mista di acrilico e olio su tavola, cm. 190x100 

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Maristella Marsana 


Cell. 328 1587003 

maristellamarsana@yahoo.it 

Eccolo all’orizzonte 

il grande occhio della terra dai mille sguardi… 

Silenzioso ma imponente, sovrasta la natura 

che immobile lo ammira lasciandosi scaldare 

e quasi addomesticare… 

Giunge il tramonto che conferisce l’ultimo tocco 

di colore alle calde giornate estive ove l’afa, 

lo scirocco e il rumore del mare lasciano il posto 

alla quiete serale… 

Elementi contrastanti di una natura che si 

trasforma dall’alba al tramonto… e con essa 

sopraggiungono. 

Schiamazzi, voci, silenzi: 

contraddizioni della mia amata terra 

Tramonto siciliano, tecnica mista, cm. 100x80 

Fabiola Marsana 

Nata in Sicilia, il 26 gennaio 1981, il suo amore 

per l’arte e la sua tenacia l’hanno spinta a 

compiere i suoi studi lontano da casa. Fin 

dall’adolescenza si trasferisce ad Arezzo, qui frequenta 

l’Istituto d’Arte Pier della Francesca dove ottiene il 

titolo di Maestro d’Arte e il diploma in Arte della 

moda e del Costume Teatrale. Di seguito prosegue i 

suoi studi a Firenze come designer e stilista di moda. 

Ha partecipato a diverse mostre personali e collettive. 

Intraprende un lavoro creativo che intende tracciare 

un percorso di fusione tra arte e moda, proponendo 

un linguaggio personale fortemente espressivo. 

Questa sinergia conferirà alle opere una grande libertà 

artistica: tra armonie e dissonanze, contrasto di 

volumi e di colori, utilizzo di diverse tipologie di tessuti 

e materiali. “Le tele prima di essere dipinte vengono 

preparate in una prima fase che la stessa artista definisce 

di “texture iniziale”, cioè la superficie piana della 

tela viene modellata e lavorata con delle paste particolari, 

creta e colle che conferiscono all’opera l’idea 

del bassorilievo”. Il quadro rappresentato nasce dall’idea 

di utilizzare materiali di recupero come pelle, plastica 

e conchiglie. Materiali che, anziché essere destinati 

alla discarica, continuano a vivere cambiando la 

loro destinazione d’uso e assumendo un ruolo di 

grande creatività. Piccoli panneggi di pelle si intrecciano 

nello spazio e formano le rotonde volumetrie 

del sole, che per le sue dimensioni, predomina sulla 

tela e con i suoi raggi, vuole raffigurare una “danza” 

dai colori caldi, echeggiando un tramonto siciliano. 

Nel paesaggio la natura viene rappresentata nella sua 

più intima essenza: il sole, il mare, la sabbia e le piante 

di fichi d’india. La linea d’orizzonte fluttua e si distorce 

come se la realtà apparente fosse descritta dal 

sogno di una terra magica. 

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Neda Mathis 

Tel. 0332 870792 - Cell. 340 6613794 

nada.mathis@hotmail.com 

Creola, olio su tela, cm. 50x50 

La pittrice Neda Mathis nasce a Figline Valdarno il 

10 marzo 1938. 

Seguendo le sue inclinazioni artistiche, inizia a 

studiare arte pittorica privatamente presso il collegio 

di Badia a Ripoli a Firenze e successivamente consegue 

il diploma di Istituto Magistrale. 

Nel 1963 si trasferisce a Milano e di seguito a Varese. 

Quest’ultimo trasferimento influirà molto sulla sua 

formazione artistica, senza però farle mai dimenticare 

le sue origini toscane. 

Frequenta lo Studio d’Arte della pittrice Mara Lorenzini 

allieva a sua volta presso l’Atelier del famoso pittore 

milanese Vittorio Emanuele. 

Nel corso di questo studio acquisisce profonde conoscenze 

sia dal punto di vista tecnico che emozionale, 

oltre alla condivisione di esperienze di stage e conferenze 

all’interno dello studio d’arte con famosi pittori. 

Il suo stile di pittura rappresentativa viene realizzato 

con un delicato e paziente processo di velature successive 

ad olio, ovvero con pennellate ricche di legan- 

66


Neda Mathis 

Donna con collana, olio su tela, cm. 60x80 

Nezha, olio su tela, cm. 60x80 

te e povere di colore fino ad ottenere, per trasparenza, 

la tonalità cromatica desiderata il tutto unito ad 

un sapiente uso dei colori acrilici sugli sfondi. 

Le esperienze di tecnica pittorica si evolvono successivamente 

in dipinti ad olio con spatola. 

Ha partecipato a numerose mostre personali e collettive 

con il circolo culturale di Varese (vedi www.artisticontemporanei.it). 

Dipinti, disegni e collage raccontano momenti di vita 

quotidiana e ricordi di viaggi, frammenti di memoria 

impreziositi da volti e paesaggi a lei cari come la campagna 

toscana ed il lago di Varese, emergenti dalle 

fonti autentiche dei sentimenti che alimentano le sue 

suggestioni creative. 

Il suo stile si può definire ”la rappresentazione dell’apparenza 

attivata dal sentimento della bellezza”. 

Vive e lavora a Varese. 

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Paola Meini 

Cell. 347 2304609 

arte.paola@alice.it 

Peonie, olio su tela, cm. 30x40 

Da sempre appassionata di pittura Paola Meini 

inizia a dipingere giovanissima. Innamorata 

della natura, i suoi soggetti sono soprattutto 

fiori e paesaggi toscani. Ha partecipato a numerose 

mostre ed estemporanee. 

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Samanta Milanesi 


Via Risorgimento, 36 - 50065 Sieci (FI) 

Tel. 055 8328308 - Cell. 333 7895345 - nikealata74@virgilio.it 

Manca qualcosa, tecnica mista olio, acrilico e bitume su tela, 

cm. 65x100 

Samanta nasce a Firenze nel 1974, si laurea con 

il massimo dei voti presso l’Accademia di Belle 

Arti di Firenze nel 2003, nella cattedra di Decorazione 

del professor Pacitti. Relatore della tesi, Amedeo 

Lanci. 

Frequenta poi un corso per operatori tecnici specializzati 

in calchi in gesso e duplicazioni organizzato dal 

C.E.D.T. (Centro Imprenditoriale della Toscana) in collaborazione 

con la Regione Toscana e l’Istituto d’Arte 

di Porta Romana di Firenze. Nel programma del corso, 

oltre alle lezioni di laboratorio, apprende nozioni di 

Storia della Conservazione e Tecniche di Restauro e 

chimica, con docenti dell’Opificio delle Pietre Dure, 

tra cui Annamaria Giusti. 

La prima mostra collettiva nel 2000, “Armonia nei 

Colori”. Nel novembre 2003 partecipa al primo concorso 

di Pittura Contemporanea e nel 2004 all’esposizione 

per esordienti “Amici di Amedeo Lanci”, presso 

l’Accademiarte, Accademia Musicale di Firenze. 

Da novembre 2006 realizza alcune esposizioni personali, 

l’anno successivo partecipa, presso la chiesa di S. 

Giovanni Battista a Remole, alla mostra collettiva 

“Arte sotto il campanile”, patrocinata del Comune di 

Pontassieve e presentata da don Luca Mazzinghi (docente 

presso la Facoltà Teologica dell’Italia centrale e 

il Pontificio Istituto Biblico di Roma). 

Nel 2008 espone con l’Associazione Culturale “Magnolia” 

di Fiorella Silvestri, ottenendo il Premio della 

69


Samanta Milanesi 

Cerca l’essenziale, olio e acrilico su tela, cm. 85x71 

critica; sempre nello stesso anno partecipa al Premio 

Italia per le arti visive XXIII edizione, Certaldo - Palazzo 

Pretorio, e effettua un’esposizione personale alla 

Galleria del Candelaio di Firenze in collaborazione 

con Eco d’arte moderna. Prende parte poi alla seconda 

edizione del concorso di poesia e pittura dell’Associazione 

il Fuligno (FI) ottenendo il Premio Pittura e il 

Premio della Giuria di Giovanni Battiloro. 

Nel 2011 partecipa alla Rassegna d’arte al Museo Archeologico 

di Gela (RG), presieduta dal Presidente 

generale dell’Accademia Giovanni Maggi di Roma, ex 

Direttore del Museo Archeologico di Gela oggi Sopraintendente 

ai BB.AA.CC. di Enna, il critico prof. 

Maria Teresa Prestigiacomo e Maria Ventura Presidente 

Regione Sicilia dell’Accademia Internazionale Città 

di Roma e il professor Salvatore Parlagreco docente e 

storico dell’arte. Nel 2013 espone poi nella mostra 

collettiva d’arte contemporanea “La luce e i colori 

dell’anima” concorrendo al Concorso premio Internazionale 

Barocco a Ragusa; a novembre dello stesso 

anno prende parte alla Biennale di Malta presso il museo 

di Mgarr. 

70

Jacopo Nocentini 


Cell. 340 0709987 

jacopo.nocentini@alice.it 

L’uccisione di Giulio Cesare, acquerello, cm. 5,8x10 

L’ultimo stadio dell’evoluzione umana, acquerello, cm. 20x10 

Jacopo Nocentini nasce l’8/12/1988 a Contea, piccola 

frazione in provincia di Firenze. Già dalla tenera 

età la passione per la pittura si fa sentire, 

forse perché fin dalla nascita Jacopo è sempre stato 

circondato da quadri, specialmente da quelli di suo 

nonno, che purtroppo non ha mai conosciuto. L’interesse 

per queste opere probabilmente alimenta nel 

tempo l’amore per la pittura e lo spirito di osservazione, 

perché guardando questi quadri e ricopiandoli, 

non si limitava a capirne la tecnica o la sfumatura ma 

cercava di individuare la personalità del nonno, come 

se fosse un modo alternativo per conoscerlo. Fin 

dall’infanzia dimostra un grande senso critico soprattutto 

nei confronti di se stesso. Come scuole superiori 

sceglie di intraprendere gli studi presso l’Istituto 

d’Arte di Firenze, nella sezione Arti Grafiche, dove nel 

2007 si diploma. Successivamente decide di continuare 

gli studi alla Scuola Internazionale di Comix 

indirizzo illustrazione. Per tre anni studia e lavora per 

mantenersi. Si diploma nel 2010. Dopo un anno circa 

conosce il maestro Carlo Ciucchi, in arte “Picchio”, 

che lo accoglie molto volentieri nel suo studio e lo 

incoraggia a coltivare la sua passione, oltretutto tra i 

due si instaura anche una bella amicizia. Frequentando 

lo studio del maestro ha l’opportunità di respirare 

l’arte, di imparare, di discutere di essa e anche di essere 

criticato e far tesoro di buoni consigli. 

È iscritto all’Associazione delle Terre di Giotto e 

dell’Angelico. Ha esposto le sue opere in varie mostre 

collettive. Ha partecipato all’ultima edizione della 

mostra Pontevecchio a Dicomano (FI), dove ha riscosso 

una buona considerazione, pur essendo molto più 

giovane degli altri partecipanti. Presentato da Carlo 

Ciucchi Picchio è diventato “paiolante” nella prestigiosa 

Compagnia di Firenze. 

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Sonia Paladini 

Via del Bisenzio, 4 - Mercatale - 59100 Prato 

Cell. 392 8158158 - Tryllycampanellino@libero.it 

Trapppola in rilievo, olio su tavola, cm. 50x70 

Sonia Paladini nasce a Firenze nel 1971; ha vissuto 

nel Mugello fino all’età di 27 anni per poi 

trasferirsi nella provincia pratese. Ama da sempre 

dipingere e da quattro anni si è messa in gioco 

con passione e dedizione. Autodidatta, gli studi che 

ha intrapreso sono ben diversi da ciò che voleva realmente 

fare; si è iscritta alla scuola Leonardo ed ha 

sperimentato alcune tecniche come l’acquerello e 

l’incisione ma la materialità del colore ad olio è parte 

di sé, può esprimersi e liberarsi contemporaneamente 

di tutte le emozioni vissute. Ha alle spalle quattro personali 

tenute nella città di Prato e diverse collettive 

distribuite tra Prato, Galliano e Capannori, partecipa 

agli incontri mensili alla Taverna degli Artisti di Firenze 

esponendovi ogni volta un pezzo nuovo. Ha in programma 

per il prossimo anno una personale alle 

Giubbe Rosse di Firenze dove presenterà pezzi inediti, 

frutto di uno stile ed una ricerca interiore tra inconscio 

e sentimento. 

Da sottolineare le sue Trappole, come vediamo in 

foto, figura immaginaria molto personale che sta portando 

avanti da due anni per la quale è pronto il brevetto 

e nella quale si rispecchia totalmente essendone 

vittima e carnefice al tempo stesso, creatrice a lei legata 

come fosse imprigionata in essa stessa. 

72

Alessandro Parrini 


Via della Costituzione, 6 - 50068 Rufina (FI) 

Cell. 335 7011043 - parrini49@interfre.it 

Paesaggio innevato, 2014, olio su tela, cm. 50x70 

Alessandro “ 

ed io non ci conosciamo da molto 

tempo ma di certo ci siamo subito “riconosciuti”, 

perché è subito scattata una sintonia 

profonda di personalità e di identità di intenti. 

Noi crediamo fortemente che la dimensione estetica 

sia una dimensione imprescindibile per la formazione 

della persona e per questo mi piace sempre ricordare 

una famosissima frase di Dostojevski secondo 

la quale la bellezza salverà il mondo. La bellezza intesa 

ovviamente come dimensione di pienezza, come 

arricchimento della persona, come spazio della creatività 

e del gioco. Lo spazio ludico in cui, a differenza 

che nella vita, non necessariamente contano solo le 

cose utili, pragmatiche e profittevoli ma conta ciò che 

fa respirare l’anima e che ci consente di essere veramente 

liberi. 

È vero, l’artista è davvero un essere speciale, una persona 

con una dote in più, in grado di cogliere l’essenza 

delle cose e di renderla se non comprensibile, almeno 

capace di evocare sensazioni, emozioni, 

riflessioni… Ma gli artisti di oggi non vivono più isolati 

dal mondo nella loro torre d’avorio, vivono accanto 

a noi: sono i nostri vicini di casa, i nostri colleghi di 

lavoro, sono padri, madri, mogli, mariti…Sembra incredibile, 

ma è proprio così…Sarà perché hanno dovuto 

imparare che di sola Arte non si vive Sarà soprattutto 

il fatto che ogni artista, nel suo lungo 

percorso di ricerca, da qualsiasi punto abbia iniziato a 

scavare tra le pieghe della vita reale, giunge sempre a 

cogliere nelle cose circostanti e nel loro aspetto un’esperienza 

più intensa e intima. 

Ed Alessandro è questo, persona semplice e generosa 

73


Alessandro Parrini 

caratterizzata da una profonda sensibilità per la 

natura, che ha messo il suo amore per la pittura a 

disposizione di tutte le persone affascinate, incuriosite 

ed interessate ad approfondire esperienze 

di bellezza. 

In questo contesto, grazie sempre ad Alessandro, 

è nata l’Associazione Cassiopea “Liberi Artisti del 

Levante Fiorentino”, che compie quest’anno il sesto 

anno di vita, nella quale svolge il ruolo di “paziente” 

Maestro, di anima, di forza stimolatrice. 

La grande specificità del linguaggio pittorico di 

Alessandro si riferisce al movimento impressionista 

per l’uso del colore e della luce. Colore e luce 

sono gli elementi principali della visione: l’occhio 

umano percepisce inizialmente la luce e i colori, 

dopo di che, attraverso la sua capacità di elaborazione 

distingue le forme e lo spazio in cui sono 

collocate. Alessandro in questo è unico: nel rappresentare 

la bellezza ritraendo la vita della nostra 

epoca con un delicato realismo e con elementi 

chiave di una filosofia pittorica che sarà sempre 

amata da tutti”. 

Andrea Falugiani 

Presidente dell’Associazione Cassiopea 

“Liberi Artisti del Levante Fiorentino” 

Rosa, 2011, acquerello, cm. 35x50 

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Liliana Pescioli 


Via 1° Maggio, 32 - 50065 Rignano sull’Arno (FI) 

Cell. 333 4560726 - liliana.pescioli@hotmail.it 

Profumo di donna, olio su tela, cm. 40x30 

Agave a Nipozzano, olio su tela, cm. 40x60 

Liliana Pescioli nasce a Volognano (FI) dove trascorre 

gran parte della sua giovinezza. Inizia a 

disegnare in giovane età, usa matita e carta 

come fossero il prolungamento del suo sentire, poi si 

cimenta con i pennelli su tele, stoffe, quelli che sono i 

soggetti della vita di tutti i giorni: un volto di un amico 

o di un familiare, un paesaggio di campagna, un vicolo 

del suo paese. 

La passione per il disegno diventa poi una professione, 

per un certo periodo Liliana lavora come disegnatrice 

di moda in un’azienda di abbigliamento. Partecipa 

inoltre a varie mostre collettive e estemporanee di 

pittura in cui riscuote un ottimo successo. 

Dopo un periodo di silenzio artistico, Liliana decide di 

tornare con amore alla sua passione e quindi con la 

cassetta dei colori e i pennelli sotto il braccio, si consegna 

alla guida del maestro Roberto Smorti. 

Partecipa a varie manifestazioni artistiche e mostre 

collettive. Negli ultimi anni organizza esposizioni personali, 

tra queste si ricordano quella nel 2008 presso 

la Chiesa di San Michele a Volognano (FI), nel 2012 al 

Circolo ricreativo di Rosano (FI) e nell’anno 2013 al 

Bar Serafini di via Gioberti e al Ristorante Le Campane 

a Firenze. 

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Liliana Pescioli 

Matteo, olio su tela, cm. 40x50 

Pisa, Piazza dei Miracoli, olio su tela, cm. 40x50 

“Nei suoi dipinti riconosciamo quelli che sono i paesaggi 

delle nostre terre: le Gualchiere, la Pescaia 

dell’Arno, le campagne di Pelago, i vicoli di Raggioli e 

in particolare gli scorci del Castello di Volognano e di 

Torri, questi ultimi a lei particolarmente cari perché 

luoghi di ricordi dell’infanzia dove la memoria del 

passato si fonde con i cambiamenti del presente. 

La pittura è per Liliana un modo di raccontare tracce 

di vita fatta di cose semplici, attraverso un linguaggio 

figurativo altrettanto semplice ma efficace che si 

esprime con pennellate veloci e colori vivi e brillanti. 

Al nostro occhio, spesso troppo frettoloso, si svelano 

così particolari inediti dei nostri paesaggi come un 

dettaglio di un muro, di un fiore o un tetto di una 

vecchia casa. La personalità artistica di Liliana non si 

ferma qui, è da sempre un’appassionata della scrittura, 

quindi scrive. Scrive poesie, libri, i suoi pensieri. 

Liliana scrive.” 


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Gaetano Petrioli 


Abitazione e studio: piazza Don Milani, 2 - 50065 Molino del Piano (FI) 

Tel. 055 8317787 - Cell. 339 5600283 - g.petrioli@alice.it 

Tramonto La Sterpaia, olio su tavola, cm. 20x25 

Gaetano Petrioli nasce a Pelago e vive a Molino 

del Piano, in provincia di Firenze. 

Da sempre appassionato di pittura inizia a 

dipingere dapprima come autodidatta, in seguito approfondisce 

la tecnica con la frequentazione di corsi 

specializzati. Ha partecipato a numerose estemporanee 

e rassegne collettive. Espone dai primi anni del 

Duemila segnalandosi anche in premi nazionali di 

pittura. 

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“Nei suoi quadri è protagonista assoluto la natura: 

osservandoli è come entrare dentro a paesaggi 

immersi di luce dove traspare l’amore per la 

campagna. 

Qualunque siano i suoi soggetti: dai campi solcati 

da vigne colorate a spiagge che si dileguano 

all’orizzonte, per passare ai riflessi della neve in 

un bosco a quelli di un castello sulle acque del 

fiume, il paesaggio resta quello tipico toscano e si 

dilata nella percezione di grandi spazi, sempre 

bagnati da una luce che spinge lo sguardo verso 

l’infinito. Ogni inquadratura diviene una finestra 

aperta su luoghi che possiamo riconoscere e allo 

stesso tempo assumono l’incanto di una visione 

idealizzante. La schiettezza delle immagini e la 

loro aderenza al vero sono arricchite da un’atmosfera 

che le rende tuttavia più vicine ad uno 

sguardo intimista più che realista”. 


Sentiero in autunno, olio su tela, cm. 35x45 

Casolare, olio su tela, cm. 25x30 

78



Chiesa di Fornello, olio su tela, cm. 50x40 

Campo con rotoli di paglia, olio su tela, cm. 30x80 

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Mariano Pinzauti 

mpinzauti@alice.it - info@marianopinzauti.it 

www.marianopinzauti.it 

Campagna d’autunno, olio su tavola, cm. 15x50 

Riflessi tra gli olivi, olio su tavola, cm. 15x50 

L’opera di Mariano Pinzauti è ispirata ad un realismo 

essenziale ed una osservazione coscienziosa 

delle infinite forme e caratteri della natura; i 

suoi soggetti rappresentano infatti una natura composita 

che è fatta di campi, casolari isolati, spiagge 

deserte, scorci di piccoli borghi illuminati dal sole, 

trovando in essi una giusta misura di stile e sentimento. 

Nei suoi orizzonti solitari traspare un forte senso di 

pacato equilibrio ed una confortante tranquillità, 

espressioni al contempo di raggiunta maturità artistica 

ed autentica serenità interiore. 

Le cose, egli le ritrae con tale amore che prendono 

uno stile: il suo. 

Mariano Pinzauti, in collaborazione con l’Associazione 

Fotografi del Levante Fiorentino, di cui è socio, nel 

periodo marzo/aprile 2014, ha esposto le proprie 

opere nella prestigiosa sede di Palazzo Medici Riccardi 

a Firenze. 

80

Paola Poggiali 


Cell. 339 6122480 

paola.poggiali@inwind.it 

Capriolo, olio su cartone telato, cm. 20x30 

Veduta della Chiesa di S. Bartolomeo a Pomino, olio su cartone telato, 

cm. 20x30 

Paola Poggiali pittrice per passione fin da bambina, 

ha approfondito le conoscenze pittoriche 

frequentando dal 2008 lo studio artistico di 

Francesca Vannini “Decorazioni e Pitture”. Ha partecipato 

alla mostra “Arte sotto il campanile” nel 2008 

alle Sieci con il patrocinio del comune di Pontassieve 

ed ha esposto successivamente negli anni le proprie 

opere presso “Che Pacchia! Alimenti e vini” di 

Gabriele Pratesi in località Pomino. 

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Stefania Pratesi 

Via Ardengo Soffici, 2 - 50060 Leccio, Reggello (FI) 

Tel. 055 8657653 - pratesi.stefania@gmail.com 

Pinocchio in libreria, 1998, tecnica mista su sportello originale, cm. 125x56, collezione privata 

Stefania Pratesi è nata a Firenze e risiede a Leccio 

(FI). Si è diplomata in Scenografia e Pittura 

all’Accademia di Belle Arti di Firenze. Su commissione 

ha lavorato nel campo della pittura e del 

restauro, attualmente è docente di Disegno e Storia 

dell’Arte. Ancora studentessa, nel 1987 entra a far 

parte del circolo artistico fiorentino Casa di Dante, 

partecipando alle esposizioni organizzate dall’associazione 

ed allestendovi la prima personale nel 1992. 

Dal 1994 un suo lavoro fa parte della rassegna internazionale 

itinerante di piccolo formato “Blocco per 

artisti”. Ancora nel 1994 è presente in tutte le edizioni 

del Premio Firenz e dal 1995 del Premio Italia per le 

Arti Visive e della Mostra Concorso Internazionale 

EtruriaArte a Venturina. 

Tra le più recenti esposizioni si ricordano nel 1996 la 

personale alla Casa di Dante a Firenze e la Fiera Vicenza 

Arte e, nel 1997, l’invito alla rassegna Top 20, alla 

Fortezza Nuova di Livorno, la Fiera Arte Expo 97, a 

Roma e la personale allestita nell’ambito della XXV 

Rassegna dell’olio extravergine di oliva di Reggello – 

Pratomagno a Reggello. 

Nel 1998 ottiene il secondo premio al 3° concorso 

AARS d’oro a Paestum, partecipa al 1° Premio di Pittura 

dal Vero Città di Trevi, organizzato dal “Trevi 

Flash Art Museum” presso Palazzo Lucarini di Perugia, 

in quest’ultimo luogo espone alla 1ª Biennale Internazionale 

d’Arte Contemporanea Trevi Flash Art 

82



Felicità, 1992, olio su tela, cm. 69x115 

Museum. Sempre nello stesso anno effettua una personale 

nell’ambito della XXIX Mostra Mercato “Toscanello 

d’oro” a Pontassieve, alla rassegna Firenze 

oggi - arte in galleria alla Casa di Dante a Firenze, alla 

rassegna Effetto Estensionismo nella Sala Comunale 

Ex Leopoldine a Firenze. Di rilievo l’inserimento nella 

cartella di grafica “Retouche”, edita da Il Candelaio 

Edizioni e presentata nella Sala Lorenzo di Palazzo 

Vecchio a Firenze. Prestigiosi, nel 1999, gli inviti a “Il 

vino nell’arte - Omaggio di 20 pittori fiorentini”, nella 

Sala della Scherma alla Fortezza da Basso di Firenze 

nell’ambito della 63° Mostra Internazionale dell’Artigianato 

e la partecipazione al I° Premio di Pittura 

“Città di Volterra”, Associazione ARS. Sempre nello 

stesso anno partecipa alla Biennale d’Arte “La Torre” 

a Pontassieve e alla mostra “Un fiume e le sue terre. 

Omaggio all’Arno di 200 pittori” presso Villa Caruso 

a Lastra a Signa; viene inserita in “Art Diary Italia 

1999” e nell’Archivio Storico di Consultazione 

dell’Arte Moderna e Contemporanea presso il Museo 

delle Arti, Palazzo Bandiera di Busto Arsizio (Varese). 

Nel 2000 viene premiata nel Salone dei Cinquecento, 

Palazzo Vecchio (FI) per il “XVIII Premio Firenze”, sezione 

Pittura e inserita nella relativa antologia del premio. 

Nel 2003 è invitata al Caffè Storico Letterario Giubbe 

Rosse per esporre alla mostra “Artisti ritraggono Artisti” 

a cura di Fiorenzo Smalzi. 

83



Trattato di pittura, 1995, olio su sportello originale, cm. 84x42 

84

Belinda Quercetini 


Cell. 338 6366328 

belindaquercetini@gmail.com 

Cavallo, olio su tela, cm. 40x30 

Pittrice autodidatta. Nata a Firenze il 09/07/1970, 

attualmente vive a Rufina e lavora come educatrice 

in un Centro Riabilitativo per Disabili, presso 

Diacceto. 

Fa parte del gruppo “I pittori del Levante Fiorentino”. 

I suoi lavori non puntano alla perfezione ma cercano 

di trasmettere emotività interiore. 

Paesaggio africano, acrilico su tela, cm. 70x100 

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Gaetano Salmista 

Gaetano Salmista e Fonderia Art’ù di Gaetano Salmista - Via Aretina, 214 - 50061 Fiesole (FI) 

Laboratorio: via Boccaccio, 8A - 50012 Bagno a Ripoli (FI) 

Tel. 055 6461897 - Fax 055 646945 - Cell. 3384706475 - artusculture@libero.it - www.artusculture.com 

La Fonderia Art’ù 

Gaetano Salmista, nato a Firenze il 18 gennaio 

1968, vive e lavora nel comune di Fiesole. 

Frequenta gli studi dei più importanti scultori e 

pittori italiani che lo iniziano al mondo dell’arte; attualmente 

numerose delle sue opere, dipinti e sculture, fanno 

parte di collezioni pubbliche e private in Italia e all’estero. 

Nel contempo, dopo un periodo di apprendimento 

nella fonderia di famiglia, inizia collaborazioni con le 

più importanti fonderie italiane e straniere. 

Nel 1990 ha il privilegio di collaborare alla realizzazione 

delle copie della Porta del Paradiso del Battistero di Firenze. 

La fonderia Art’ù di Gaetano Salmista produce opere 

in bronzo e altri metalli oltre che in materiali di nuova 

concezione. 

Lo studio tecnico/artistico della fonderia è specializzato 

nell’assistenza a scultori e gallerie anche per organizzare 

eventi espositivi. Collabora con il comune di Fiesole, con 

l’Accademia di Belle Arti di Firenze e con l’Istituto Statale 

d’Arte di Firenze. 

In quest’ultimo Gaetano Salmista ha tenuto stage di Arte 

Fusoria (fusione a cera persa). È inoltre maestro di Scultura 

e Arte Fusoria alla Scuola d’arte Benvenuto Cellini di 

Vicchio del Mugello e ha insegnato scultura alla Florence 

Accademy of Art. 

L’invito, fusione a cera persa e lastra di bronzo 

saldata, h. cm. 60 

Nel 2009 gli è stato assegnato il premio Fiorino 

d’oro e nel 2010 il premio Incontri con l’Arte. Nel 

2012 è stata affidata ad Art’ù la riproduzione delle 

opere scultoree in bronzo e in marmo della 

Fontana del Pescatore nel Giardino del Cavaliere, 

Boboli (Firenze), a scopo di restauro. 

Nel 2013 Gaetano Salmista ha avuto l’onore di poter 

partecipare ad un consulto tecnico/artistico 

con l’Opificio delle Pietre Dure sul Pulpito della Resurrezione 

di Donatello e sulla Porta Nord del Battistero 

del Ghiberti. 

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Kayo Sato 


kayo@ip.kyusan-u.ac.jp 

Il Mare Adriatico: dall’alba al tramonto, 2014, opera eseguite con 8 licci in doppio tessitura, cm. 90×180 

Kayo Sato è nata nell 1972 a Fukuoka in Giappone. 

Nel 2006 si è laureata in PhD (Arte) presso 

l’Università di Kyushu Sangyo. Attualmente 

è docente presso l’Università Kyushu Sangyo a Fukuoka, 

alla Facoltà di Arte del Dipartimento di Arte tessile. 

Ha ricevuto numerosi premi dal 1995 nei concorsi di 

“Artigianato giapponese moderno” a Tokyo e Saga. 

Durante il 2013 e 2014 ha soggiornato a Firenze dove 

ha realizzato opere personali presso la Scuola di Arte 

SRISA (Santa Reparata International School of Art). 

Ha collaborato con l’artista Francesca Vannini presso 

lo studio artistico “www.decorazioni e pitture.it”. 

Alcune sue opere sono esposte presso la Galleria 360 

a Firenze e presso San Gregorio Art Gallery a Venezia. 

A giugno del 2014 realizza una mostra personale dal 

titolo: “Un abbraccio di filati e colore”, presso la Sala 

delle Eroine nel Palazzo Comunale di Pontassieve. 

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Roberto Smorti 

Studio: Via Paoletti, 12 - Villamagna - 50012 Bagno a Ripoli (FI) 

Tel. 055 6519169 - Cell. 366 4860305 - smortiroberto@libero.it - www.smortiroberto.it 

Toro e vacche maremmane, olio su tela, cm. 50x100 

Oggi corrono più di cinquant’anni dal primo 

quadro eseguito da Roberto Smorti, un tempo 

lungo alimentato da un’intensa produzione 

artistica caratterizzata da un’assoluta fedeltà ad 

una stessa arte, una pittura tradizionale legata essenzialmente 

ai valori della natura e basata sullo studio 

della luce e del colore. 

I lontani esordi artistici si compiono da autodidatta 

poi, sotto la guida del maestro Giuseppe Mazzon, Roberto 

inizia a dipingere en plein air imparando ad osservare 

i colori e a scoprire il vero valore della luce, instaurando 

così quel rapporto simbiotico con la natura 

e il paesaggio che ancora oggi alimenta la sua arte. 

Da subito la sua è una pittura di macchia, memore di 

una tradizione artistica toscana solo percepita ma mai 

studiata, Roberto infatti per lungo tempo rifugge 

l’osservazione e lo studio dei grandi del passato, così 

da poter elaborare uno stile personale al di là delle 

influenze esterne; solo dopo molti anni, racconta, deciderà 

di guardare alla pittura macchiaiola e di confrontarsi 

con essa. 

Roberto è fiorentino di nascita e toscano nel sangue, 

forte è il suo attaccamento alle radici, la terra toscana 

dove è cresciuto è la sua vera passione, un amore forte 

per una natura plasmata dalle mani dell’uomo: 

campi, borghi antichi, scorci di case coloniche, e ancora 

Firenze, la città dove è nato, ha trascorso la sua 

infanzia, e dove per molti anni ha condiviso uno studio 

di pittura. Proprio in quel vecchio appartamento 

vicino Sant’Ambrogio, che affettuosamente ama definire 

la “casaccia”, dove insieme ad altri artisti, in 

uno spirito fraterno ha respirato l’arte e la vera vita 

popolare fiorentina. 

La pittura è per Roberto una pura e vera esigenza di 

vita: ogni quadro è frutto di un attento lavoro di osservazione 

e rielaborazione della realtà. Dipingere è 

un’esperienza totalizzante: osservare la natura dal 

vero non solo con gli occhi ma guardando al di là di 

ciò che realmente appare, sentirne i profumi, coglierne 

gli odori, ascoltare i rumori degli animali e 

lasciarsi attraversare dal vento. Ogni sensazione percepita 

riempie poi la tela, viene trasformata dall’artista 

in colore e luce, una luce vibrante che agita le 

foglie degli alberi, che increspa l’acqua, accarezza le 

case creando inaspettati contrasti cromatici. 

Il dipinto nasce sempre all’aria aperta, è qui che viene 

abbozzato il disegno, successivamente distrutto dal 

pennello che velocemente cattura i colori e le forme, 

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Roberto Smorti 

I butteri, Maremma, olio su tela, cm. 70x100 

Bovi al lavoro, olio su tela, cm. 50x100 

in ultimo poi l’abile mano dell’artista lavora febbrilmente 

per ricambiare i contorni delle cose imprimendo sulla tela le 

sensazioni, le emozioni create dall’atmosfera del momento. 

Il quadro viene poi finito in studio, in quella piccola stanza 

affacciata sulle colline di Villamagna, dove il silenzio e la luce 

del sole attraversano i vetri delle finestre per accarezzare i 

pensieri dell’artista. Ciò che rimane è dunque l’essenza, la 

vera memoria del luogo, non più lo stesso paesaggio, ma 

tanti paesaggio e tanti colori visti e immagazzinati da quegli 

occhi che in molti anni hanno ricercato la bellezza. E’così 

che la luce non sarà più quella reale che ha accompagnato 

la giornata, ma la migliore colta dagli occhi dell’artista, rielaborata 

attraverso i profumi e le sensazioni percepite e riascoltate 

nel silenzio. 

La “macchia” costruisce e allo stesso tempo distrugge i profili 

del quadro, lasciandone il mistero, suggerendoci una visione 

personale dell’opera che può essere colta nella sua 

totalità solo se ci abbandoniamo ai nostri sensi, è una pittura 

che va accarezzata, annusata e ascoltata come una musica 

Un’esperienza importante nella vita di Roberto è stata l’insegnamento, 

in tutti questi anni in molti lo hanno seguito nelle 

sue uscite per le campagne, hanno ascoltato 

le sue parole, ne hanno imitato la sua pittura, 

rimanendone attratti. La sua non è stata una 

scuola nel vero e proprio senso del termine ma 

una condivisione di esperienze e suggestioni 

catturate e poi tradotte sulla tela, si apprende 

non a dipingere ma a sentire la natura, a saperla 

osservare e assorbirne le sensazioni, si impara 

a vedere i colori, coglierne le sfumature ma non 

a mescolarli. Lo scambio con gli allievi è reciproco, 

continuo, costruito su di un sentimento di 

sincera amicizia e stima. 

Ogni volta che dipinge è per l’artista come riscoprirsi 

fanciullo, perdersi in quel gioco che è 

la rivelazione della natura, il lasciarsi abbandonare 

al suo richiamo, con quegli occhi che solo 

i bambini nella loro ingenuità hanno, è per questo 

che ancora dopo tutti questi anni i suoi quadri 

ci appaiono veri, sinceri e freschi. 


89


Andrea Stella 

andreastella@andreastella.com 

www.andreastella.com 

Sogno in un paese, tecnica mista, cm. 110x170 

Andrea Stella nasce a Firenze nel 1950 da famiglia 

di origine greca. Attualmente vive e lavora 

a Bibbiano nel comune di Pelago. 

La sua arte è figlia di due culture ed in essa si riassumono 

gli ori ed i colori greco-bizantini con le armonie 

del Rinascimento italiano. 

Studia così profondamente la “materia” che riesce ad 

ottenere da essa risultati straordinari, rendendo le sue 

opere uniche nella loro contemporaneità. Le sue neofigure 

inconfondibili ed asessuate vagano in mondi 

fantastici e giardini paradisiaci, in paesaggi arcaici che 

portano un respiro di rinascita. 

Opere che sembrano possedere una vita propria, che 

cambiano sotto gli occhi di chi guarda, ora mandando 

bagliori di luce, ora rifulgendo di calore dorato. 

L’artista è conosciuto ed apprezzato da molti anni negli 

Stati Uniti, ha effettuato mostre in Texas, New 

York, Louisiana, Hawaii, Colorado, Florida, California. 

Da qualche anno, in California a Carmel, bellissima 

città sull’oceano meta di turismo e di cultura, e a Palm 

Springs esistono sue mostre permanenti. 

Molti dei suoi collezionisti risiedono in America ed in 

varie città d’Europa. 

In Italia ha effettuato con ottimo successo di critica 

innumerevoli mostre organizzate da importanti gallerie 

d’arte. 

Fra le tante importanti performance è da ricordare 

l’ultima mostra “Canti e Incanti” svoltasi a Palazzo 

Medici Riccardi in Firenze nel giugno/luglio 2013. 

90

Sabrina Strampelli 


Cell. 347 7310596 

Classico, olio su tela, cm. 100x50 

La magnifica coppia, olio su tela, cm. 30x40 

Sabrina Strampelli, dopo aver approfondito la sua 

conoscenza artistica frequentando corsi di pittura 

presso il laboratorio di Francesca Vannini, inizia, 

a partire dal 2010, a partecipare a rassegne d’arte; 

tra queste si ricorda: “L’arte sotto il campanile”. 

91


Inge Valentini 

v-a-i@libero.it 

Dettaglio dalla serie “Migration”, cm. 70x50 

L’arte, quella che si sperimenta, si vive e si 

condivide è metamorfosi. La creatività - oltre 

ad essere un potenziale incredibile di rinnovamento 

e di ricerca continua - è soprattutto un 

bisogno innato della persona. 

Dettaglio dalla serie “Migration”, cm. 70x50 

92

Stefania Valentini 


Studio: via di Cappello, 30/1 - Donnini - 50066 Reggello (FI) 

Tel. 055 860357 - Cell. 333 9173901 - stefaniavalentini@live.com - www.stefaniavalentini.com 

Diplomata nel 1987 presso l’Accademia 

delle Belle Arti di Firenze, Stefania 

da allora si dedica quasi 

esclusivamente alla pittura, realizzando 

anche grandi dipinti su parete e a trompel’oeil. 

Partecipa a numerose mostre collettive 

e personali riscuotendo sempre un ottimo 

successo del pubblico e della critica. 

Nel 2010 prende parte con alcune opere 

alla “Grand Exhibition of selected paintings 

of Chinese, Italian and International 

artists” presso l’International Convention 

Center di Shangai, per l’Expo mondiale 

2010. L’anno successivo gli stessi dipinti 

vengono esposti al Wison Art Center e alla 

New Pudong Library di Shangai. Tra le ultime 

mostre si ricordano nel 2013 e 2014 

due importanti personali entrambe curate 

da Daniela Fontanazza e presentate da 

Pierfrancesco Listri: la prima presso la Sala 

delle Colonne a Pontassieve e l’altra nei 

prestigiosi spazi di Palazzo Medici Riccardi 

a Firenze. 

“ [...] La pittura per Stefania richiede tempi 

lunghi di esecuzione, inizia con una prima 

indagine del dato naturale attraverso un 

elaborato disegno e su questo poi dipinge 

ad olio; il pennello così lavora con fatica sia 

sulle grandi campiture di colore che in maniera 

quasi lenticolare sui singoli elementi 

del quadro ricercando meticolosamente le 

gradazioni di luce e colore [...] 

L’insieme e il particolare per l’accuratezza 

dell’esecuzione, assumono pertanto nella 

pittura di Stefania la medesima importanza, 

la volontà è quella di riempire ogni 

spazio disponibile sulla tela, con un’esuberanza 

pittorica che si contrappone al 

carattere introverso e delicato dell’artista 

Ellebori e camelie, olio su tela, cm. 50x50 

[...] Nelle nature morte si riscontra una duplice e diversa ricerca 

nei fondali: completamente chiusi da raffinati e variopinti panneggi 

o, quasi per contrasto, aperti su paesaggi toscani di ampio 

respiro inseriti su vasti cieli che, per un effetto di sfondamento 

prospettico, sembrano continuare al di là del quadro. 

Natura quindi e artificio allo stesso tempo, osservazione del vero e 

creazione di “teatrini”, ovvero piccole scenografie composte dalla 

pittrice in studio, in cui i panneggi e i singoli elementi che andranno 

a comporre il quadro sono sapientemente accomodati [...] 

Come su un palcoscenico gli oggetti prendono vita e curiosamente 

lo spettatore è invogliato a spostare i tessuti dell’immaginario 

sipario per svelare cosa si nasconde dietro. [...] In un silenzio quasi 

sacro si inseriscono le sue composizioni ma la musica, compagna 

sincera di Stefania è presente emotivamente in ogni sua pennellata 

che facendo vibrare i colori sembra muovere gli eleganti panneggi 

delle figure e delle nature morte”. 


93


Francesca Vannini 

Studio artistico: via dell’Agnolo, 29r - 50122 Firenze 

Cell. 338 8586705 - info@decorazioniepitture.it - www.decorazioniepitture.it 

Cappelli di paglia di Firenze, tempera su parete 

Porcellane, tempera su parete 

Francesca Vannini nata a Firenze nel 1977, dopo 

il diploma conseguito all’Accademia di Belle Arti 

in decorazione nel 2000, svolge la sua attività di 

Maestro d’Arte presso la sua bottega nel centro di 

Firenze. 

Realizza decorazioni appositamente studiate per ogni 

esigenza del committente, come le opere sopra citate 

che sono state dipinte presso l’Hotel Kraft a Firenze 

con effetto “trompe l’oeil”. 

Ogni pannello presente nei corridoi descrive qualcosa 

di curioso da sapere o di molto interessante, ma poco 

conosciuto da visitare nell’antica città, attraverso “disegni 

appuntati sulla bacheca”come se fossero stati 

fatti da un artista viaggiatore ospite nell’Hotel. 

Francesca, come Maestro d’Arte, inoltre insegna presso 

il suo studio a Firenze e alle Sieci (Pontassieve) ad 

italiani e stranieri che hanno il desiderio di imparare le 

antiche tecniche pittoriche e decorative di Firenze. 

94

Manuela Veri 


Via del Paretaio, 47 - 50065 Sieci - Pontassieve (FI) 

Cell. 338 2083722 - yma_nu@tiscali.it 

Olivo ciliegio, 2014, bronzo con base di travertino opalino, tecnica cera persa, h. cm. 38 

Architetto paesaggista, sta completando l’Accademia 

delle Belle Arti di Firenze. L’osservazione 

è un meccanismo utilizzato per cogliere 

le differenze. Sempre attenta a ciò che la circonda, ai 

cambiamenti in corso tra la natura e le sue forme, 

l’urbano e le sue relazioni. In questa fase l’arte figurativa 

viene utilizzata per la natura e l’astrattismo per la 

città. È certamente una frase banale scrivere che il 

mondo è unico ma gli ambienti sono diversi. Eppure 

l’elemento in comune, nello specifico l’essere umano, 

riesce a rendere sempre più piatto l’urbano. L’olivo, 

una pianta ricca di significati che ci ha accompagnato 

nella storia della vita del paese dove viviamo, trovo 

che abbia carattere, presenza, forza, capacità di adattamento, 

vita propria, per questo degna di essere rappresentata 

e ricordata. 

95


Silvia Vinci 

Tel. 333 9830725 

silviavinc@hotmail.it 

Aurora boreale, olio su tela, cm. 50x50 

Farfalla, olio su tela, cm. 35x50 

Silvia Vinci nasce a Fiesole nel 1961 e vive a Pontassieve 

a pochi chilometri dalla città di Firenze. 

L’arte che si respira in ogni angolo del territorio 

l’affascina da sempre e la inizia ad un percorso artistico 

vissuto con passionalità come si evince dalle sue 

ultime opere. 

È allieva della Maestra d’Arte Francesca Vannini che la 

stimola a rappresentare sulla tela la luce e l’essenza 

delle sue emozioni più belle; nelle sue opere i colori 

fanno da protagonisti con corposità o sfumature quasi 

velate. 

Dal 2006 partecipa a diverse mostre collettive quali: 

- esposizione di pittura “Arte sotto il Campanile” 

presso la Parrocchia di San Giovanni a Remole, Sieci 

(Firenze); 

- nel 2007 è finalista al “V Premio Internazionale Albatros” 

sez. arte con l’opera “Luce nei fiori d’estate”; 

- nel 2009 partecipa alla mostra del gruppo di pittori 

della località Sieci “L’Arte non ha età” nell’ambito dei 

percorsi d’arte presso la Biblioteca Comunale di Pontassieve 

(Fi). 

- Nel 2010 risulta vincitrice al “Premio Giovanni Paolo 

II” di Pompei con l’opera “Donna del sole e del vento”, 

ricevendo il 3° Premio speciale della presidenza; 

nello stesso anno espone le sue opere nell’ambito 

dell’evento “Ut pictura poesis” presso la sala Sette 

Santi a Firenze. 

- Nel 2011 partecipa alla collettiva “Il Sacro nell’Arte 

- Il Cantico dei Cantici” presso la SS. Annunziata con 

l’opera il “Profumo dell’Amore”; 

- nel 2012 e nel 2013 partecipa alle mostre del Maggio 

Salesiano. 

96

ISBN 978-88-6039-323-4 

E 15,00 (IVA inclusa)

Artisti della Valdisieve e del Valdarno Superiore

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