Bollettino 2009 - Comune di Pontedera

Comune di Pontedera 

Centro Studi e Documentazione Andrea da Pontedera 

Centro di Documentazione Fotografica nel Comune di Pontedera e nel Territorio della Valdera 

Anno 2009 

BOLLETTINO pubblicazione periodica delle attività del Centro 

a cura di Mario Lupi 

BOLLETTINO 

Redazione: 

Angela Loretta, Anna Vanni, Jonath Del Corso, Mario Lupi, Nancy Barsacchi, Valentina Reino 

Testi di: 

Africano Paffi, Alessandro Salvini, Andrea Lupi, Angela Loretta, Anna Ferretti, Anna Maria Braccini, 

Anna Vanni, Daniela Quirici, Enzo Gaiotto, Jonath Del Corso, Lara Parisotto, Luigi Nannetti, 

Mario Lupi, Mario Mannucci, Mario Piatti, Michele Gorini, Nancy Barsacchi, 

Sara Taglialagamba, Simone Stefanelli, Valentina Reino 

Fotografie di: 

Africano Paffi, Alessandro Salvini, Angela Loretta, Antonella Papiro, 

Enzo Gaiotto, Eric Perrone, Foto Fatticcioni, Foto Pagni, Marco Bruni, Mario Lupi, Mauro Binci, 

Norbert Nengebaner, Simone Salvini 

Si ringraziano per il contributo alle ricerche in campo musicale: 

Giancarlo Calamai, Michele Gorini, Sauro Lupi, 

Presentiamo il quarto numero del Bollettino del Centro 

Studi e Documentazione Andrea da Pontedera. La sua pubblicazione 

avviene di solito a fine anno, mese più, mese 

meno, perché realizzata essenzialmente con il contributo 

volontario degli Autori che non percepiscono compenso. 

Sono infatti la passione e l’impegno civile e culturale che li 

spingono a occuparsi dei problemi artistici e a valorizzare 

le potenzialità e le personalità del territorio. È un impegno 

questo che il Centro Studi, che opera nel campo della Ricerca 

e Documentazione, si è sempre preso fin dalla sua 

nascita. Un occhio di riguardo è sempre stato tenuto anche 

per la scuola producendo materiali per la didattica dell’arte, 

intervenendo con personale qualificato in varie classi, tenendo 

lezioni sull’Arte e su Andrea da Pontedera. Il Bollettino 

è il diario delle nostre attività e delle nostre ricerche; è 

anche uno dei pochi canali di cui possiamo servirci per farci 

conoscere poiché possiamo contare solo sul contributo finanziario 

del Comune che non ci permette però di poter intraprendere 

iniziative importanti. Ci sono comunque molti 

cittadini e alcune Istituzioni, sia nel territorio che all’Estero 

(Francia, Inghilterra, Russia, U.S.A…) che conoscono la 

nostra pubblicazione e ci stimolano a continuare nel nostro 

lavoro gravoso ma gratificante. 

Ringraziamo gli autori delle foto pubblicate che non siamo riusciti a contattare 

©Copyright 2009 Centro Studi e Documentazione Andrea da Pontedera



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ANDREA PISANO 

E L’ASSIMILAZIONE 

DELLA LEZIONE DI 

GIOTTO E DELL’ANTICO 

di Sara Taglialagamba 

La rivoluzione giottesca apportata 

alle arti e declinata avrebbe 

segnato sia la pittura che la 

scultura. Infatti è il Ghiberti a scrivere 

che Giotto fu “dignissimo in tutta 

l’arte, ancora nell’arte statuaria”. 

Giotto si misurò con l’arte statuaria 

quando nel 1334 fu nominato capomastro 

nella costruzione della torre 

campanaria di Santa Maria del Fiore. 

L’apporto giottesco è rintracciabile 

nel complesso programma iconografico 

che decora il campanile incentrato 

sul tema escatologico della salvezza 

dell’uomo grazie al lavoro attraverso 

le arti meccaniche, le virtù, le 

arti liberali, i pianeti e i sacramenti, 

che fu certamente ideato in ambito 

domenicano. La forte connotazione 

ideologica e teologica infatti richiamava 

l’enciclopedismo medioevale 

di Isidoro da Siviglia, Vincenzo de 

Beauvis, Tommaso d’Aquino e Brunetto 

Latini. L’intero ciclo apriva una 

visione positiva, escludendo episodi 

con una connotazione negativa come 

ad esempio la Cacciata dal Paradiso 

Terrestre: l’uomo ha dunque la possibilità 

di riscattarsi grazie al lavoro e 

alla fatica, entrambi visti come strumenti 

di riscatto ed espiazione per 

grazia e misericordia divina. La critica 

propone di assegnare l’elaborazione 

del progetto a Giotto e l’esecuzione 

dei lavori a un cantiere di scultori 

attivi a Firenze, tra cui il cosiddetto 

Maestro di Noè e il Maestro dell’Armatura, 

all’interno del quale Andrea 

Pisano godette di una posizione guida 

tanto da diventare sovrintendente 

dei lavori al Campanile dopo la morte 

di Giotto nel 1337 fino al 1348, anno 

della partenza per Orvieto. Nei rilievi 

che Andrea eseguì per il basamento 

del Campanile è possibile rilevare 

una sempre più consistente influenza 

giottesca. Consideriamo le due formelle 

della Creazione di Eva e dell’Ercole 

vittorioso su Caco: il nuovo 

scarto stilistico seppe tradursi in un 

sempre più preciso ed articolato inserimento 

delle immagini nello spazio, 

in una più aggiornata sensibilità descrittiva 

di sapore quasi lenticolare, 

in una sintesi narrativa tagliente e diretta 

ed in una definizione anatomica 

che pienamente recepisce e mette in 

pratica la grande lezione dell’antico. 

Nella formella esagonale della Creazione 

di Eva, pendant della formella 

gemella con la Creazione di Adamo, 

la scena è scandita su due piani: in 

primo piano vediamo i corpi sensuali 

dell’Adamo addormentato, di 

cui sono apprezzabili i particolari 

realistici del braccio reclinato sotto 

la testa e della gamba piegata sotto 

a quella superiore salvo il rovesciamento 

a piatto del tallone, e di Eva 

nascente, il cui corpo tradisce già 

nelle sue forme appena svelate quella 

esattezza anatomica e quel modellato 

vibrante delle forme presenti anche 

nell’Adamo. Il vero protagonista della 

formella è il Dio Benedicente che 

dona la Vita, raffigurato in scorcio 

possente nell’atto di sorreggere la 

donna per l’avambraccio: è la presa 

del Dio a farsi quasi ricettacolo emotivo 

dell’evento e si noti con quanta 

maestria Andrea seppe risolvere il 

particolare del braccio in scorcio. La 

pesante veste di cui è ammantato il 

Dio, in contrasto con i corpi nudi dei 

Progenitori, disvela e si modella grazie 

al corpo sottostante cadendo in 

pieghe leggere. Il lembo della veste 

alzato ben inserisce per riequilibrare 

la figura reclinata impreziosita dai 

particolari lenticolari: l’ammantarsi 

della veste in prossimità della vita, il 

naturale scoprirsi del braccio benedicente, 

i preziosi riccioli ondulati e 

la conformazione attenta della barba. 

Lo sfondo, in secondo piano, è occupato 

da un Eden rigoglioso parte 

integrante dell’Atto della Creazione: 

i tre alberelli sullo sfondo, carichi 

di fiori e frutta, sono descritti con 

un’inedita precisione lenticolare e 

con un’attenzione naturalistica di sapore 

catalogatorio. Dal punto di vista 

stilistico si rivela la vibrante intensità 

della scena, ricca di chiaroscuri e vicina 

alla formazione peculiare come 

orafo di Andrea di cui aveva dato un 

saggio magistrale nella Porta bronzea 

del Battistero di San Giovanni; i 

preziosismi cesellati dei particolari, 

che ben si amalgamo con il substrato 

della pittura fiorentina di tendenza 

miniaturistica che permette al nostro 

scrittore di indugiare nella compiaciuta 

descrizione dei fichi e dei fiori 

che dona la natura dell’Eden; infine 

l’assimilazione della grande lezione 

della scultura antica, tanto che è stata 

proposta una citazione per l’Adamo 

tratta da un sarcofago antico raffigurante 

scene bacchiche conservato al 

Camposanto Monumentale di Pisa e 

che dunque Andrea avrebbe potuto 

studiare direttamente. 

Passiamo all’Ercole vittorioso su 

Caco: l’eroe, atteggiato all’antica 

grazie alla calcolata ponderatio delle 

membra che evoca direttamente antecedenti 

classici, è raffigurato al centro 

della composizione inquadrata 

entro la formella esagonale. Rispetto 

all’iconografia canonica che raffigura 

l’eroe in media res nell’atto della 

stretta marziale di Caco, l’evento si 

è appena concluso: Ercole, vestito 

della pelle di leone e appoggiato 

alla clava, è rappresentato in tutta la 

sua fierezza di eroe vincitore mentre 

Caco è esangue e sconfitto a terra. 

Più che come gigante ferino e spietato 

descritto da Virgilio, il corpo di 

Caco quasi inghiottito dall’antro della 

grotta è il centauro apostrofato da 

Dante come colui che fece “cessar le 

sue opere biece sotto la mazza d’Ercule” 

come si legge nel Canto XXV 

dell’Inferno. Rispetto alla formella 

precedente quello che colpisce è la 

massima sintesi evocativa dell’evento: 

si aboliscono i dettagli accessori e 

il paesaggio è evocato solo dall’esile 

alberello e dalla montagna, strettamente 

funzionale alla scena visto che 

è l’antro in cui Caco aveva nascosto 

il bestiame rubato e quindi elemento 

narrativo essenziale. L’attenzione 

è focalizzata sui due corpi umani: 

quello atletico e bellissimo di Ercole 

basato sul fiero e potente ancheggiamento, 

potenziato dal delizioso gesto 

della mano nascosta e appoggiata sul 

fianco, dalla presa sicura della clava, 

dal ricadere soffice in pieghe inviluppate 

della veste di pelle di leone 

Giotto di Bandone, 

Cristo benedicente fra 

San Giovanni Evangelista, 

la Vergine, 

San Giovanni Battista, 

San Francesco d’Assisi. 

North Carolina, Museum 

of Art, Kress Collection 

(Samuel H. Kress). 

Esposto alla mostra 

L’eredità di Giotto presso 

gli Uffizi nel 2008



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In questa pagina alcune 

delle formelle di Andrea 

da Pontedera: 

La creazione di Adamo, 

La creazione di Eva, 

Ettore vittorioso su Caco 

ed infine dal trattamento prezioso e 

cesellato della barba, oltre che dall’evidente 

consapevolezza anatomica; 

quello esangue e rilasciato di 

Caco con la testa reclinata all’indietro, 

il braccio rilasciato 

ormai privo di vita e 

di quella ferinità 

che possedeva 

in vita, il torso 

potente che si fa 

scandaglio spaziale 

suggerendo 

verosimilmente la 

profondità della 

grotta grazie alla 

sua posizione di 

scorcio. In 

parti- 

cola- 

re la posizione 

isolata 

di Ercole potrebbe 

essere finalizzata 

ad esaltarne 

la condizione 

presentandosi, 

forse per la prima 

volta, come 

exemplum fiorentino 

per eccellenza: 

è l’eroe 

che ha liberato la terra 

dai mostri e quindi che permette 

di ripristinare l’ordine sociale 

necessario al progresso civile 

(non a caso la formella che segue è 

l’Agricoltura, simbolo della produttività 

dell’umanità). Dal punto di vi- 

sta stilistico si registra dunque una 

sterzata: il ductus si fa più lineare 

perché capace di sbalzare le forme in 

maniera più netta e precisa rispetto 

alla porta bronzea dove invece predominavano 

preziosità orafe e modellato 

pittorico, caratteristiche della 

prima fase fiorentina di Andrea. 

Rispetto alle altre formelle, grazie 

al progressivo contatto e all’influsso 

della pittura plastica e monumentale 

di Giotto, Andrea potenzia sempre di 

più l’aspetto eroico, lo spazio compositivo, 

la resa plastica e l’effetto 

monumentale. Si provi a paragonare 

le due formelle e il Polittico Raleigh 

conservato nella Kress Collection 

del North Carolina Museum of Art: 

si può notare il perfetto inserimento 

dei corpi nello spazio, la descrizione 

psicologica di ogni personaggio e la 

casistica dei gesti naturali e realistici. 

Valga la pena di apprezzare la 

bellezza del gesto della Vergine che 

sembra pudicamente nascondere la 

mano nel prezioso velo ceruleo quasi 

a pendant della mano di Ercole 

che si intuisce celata dietro la pelle 

di leone e appoggiata sul fianco riecheggiando 

la stessa posa e la stessa 

naturalezza; il gesto benedicente 

di Cristo che realisticamente vede 

incresparsi e cadere la veste all’altezza 

dell’avambraccio così come 

accade al braccio benedicente del 

Dio della Creazione di Eva; infine 

la convincente e realistica presa del 

vangelo di San Giovanni Evangelista 

che potrebbe equivalere in quanto 

a realismo alla stretta del Dio all’avambraccio 

di Eva ma anche alla 

mano dell’Ercole che grava con tutto 

il suo peso sopra la mazza. È nei rilievi 

della torre campanaria di Santa 

Maria del Fiore, detta appunto anche 

Campanile di Giotto, che la lezione 

giottesca è perfettamente assimilata 

e realizzata grazie allo scultore 

Andrea Pisano, guadagnandosi di 

diritto quindi il suo posto in quella 

che il Ghiberti aveva definito “Arte 

statuaria”. 

ANDREA DA PONTEDERA 

E L’OREFICERIA PISANA 

DAL XIV SECOLO ALLA 

CONQUISTA FIORENTINA 

di Jonath Del Corso 

Sebbene sotto il nome di scultura 

si possa comprendere 

anche l’oreficeria è doveroso 

fare però una marcata distinzione fra 

le due arti, visto che gli orafi hanno 

sempre formato una classe distinta 

dal resto dei maestri di scultura in 

pietra e marmo, ed essendo totalmente 

diverso anche il meccanismo 

di lavoro e la materia utilizzata. Piuttosto 

potrà appartenerle in generale 

l’arte fusoria e di conseguenza tutti i 

lavori non solo d’argento e d’oro, ma 

in bronzo e in qualsiasi altro metallo. 

Senza dubbio l’oreficeria, come la 

scultura, ha una sua matrice unica in 

Costantinopoli da dove provenivano 

abili maestri. Si veda a tale proposito 

l’architrave e gli stipiti del portale 

maggiore del battistero pisano, i cui 

disegni furono poi migliorati dalla 

scuola di Nicola e Giovanni Pisano 

tra il XIII e il XIV secolo in cui prende 

avvio una delle più importanti 

scuole scultoree capeggiata appunto 

dal pugliese Nicola, i cui insegnamenti 

furono ripresi successivamente 

dal figlio Giovanni e dalla sua cerchia 

per poi essere rielaborati da una 

delle ultime botteghe pisane del XIV 

secolo, quella di Andrea da Pontedera, 

la quale cominciò a produrre 

opere scultoree significative soltanto 

a partire dal 1342, quando Nino, 

insieme al padre, portò a termine il 

sepolcro dell’arcivescovo Simone 

Saltarelli per la chiesa di Santa Caterina. 

Ma Il nome di Andrea Pisano, 

figlio di Ugolino di Nino da Pisa, era 

già ben noto alle cronache artistiche 

prima del 1342, quando compare già 

nei documenti fiorentini attestanti la 

commissione della porta bronzea del 

battistero di Firenze realizzata negli 

anni ’30 del XIV secolo. 

Non è facile ricostruire le vicende 

che hanno portato a suddetta commissione 

vista la frammentarietà dei 

documenti, ma grazie anche all’aiuto 

del Vasari sappiamo che i fiorentini 

vollero delle porte di metallo massiccio 

come quelle della cattedrale di 

Pisa di Bonanno, così l’Opera di San 

Giovanni vi inviò Piero di Jacopo e 

nel gennaio del 1330 Andrea è già all’opera 

come “maestro delle porte”. 

Questo testimonia che i fiorentini non 

commissionarono l’opera al primo 

capitato, ma sicuramente a chi a Pisa, 

dove lo trova Piero di Jacopo, aveva 

una bottega ben avviata all’interno 

della quale, prima del 1330 e dopo, 

non si lavorava soltanto marmo, ma 

anche oro e argento, come del resto 

testimoniano i documenti in base 

ai quali risulta che a Nino, insieme 

agli orafi Coscio di Gaddo da Cascina 

e Simone detto Boschiera, viene 

commissionata una tavola d’argento 

e successivamente viene pagato per 

un altro lavoro di oreficeria. I dati 

chiariscono pertanto un periodo di 

attività precedente al 1330 quando 

dalla bottega di Andrea uscivano lavori 

in oro e argento che andavano a 

decorare gli altari, le cappelle e i tesori 

delle chiese, tra queste quello di 

Santa Maria Maggiore. Gran parte di 

questa produzione rimane però anonima, 

è solamente presente in lunghi 

inventari che tacciono sul nome 

dell’artista. Pertanto, l’attività orafa 

di Andrea, cui viene fatto riferimento 

anche per spiegare alcuni aspetti 

della sua produzione scultorea, che 

vede implicato anche il lavoro del 

figlio Tommaso, basti analizzare i 

rilievi, quasi incisi, delle predelle 

del dossale d’altare della chiesa di 

San Francesco a Pisa, è solamente 

ipotizzabile attraverso documenti 

certi, tra i quali anche quello che lo 

vede autore di un marchio in ferro 

per bollare i panni francesi commissionato 

dall’Arte dei Baldigrai, nonché 

sulla notizia, forse fantasiosa, 

del Vasari secondo cui Andrea, tra-



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Riproduzione del manto 

della Vergine del Duomo 

di Orvieto 

(da Cellini 1933) 

mente incise, 

la paternità 

è da 

a t t r i b u i r e 

ad Andrea 

Pisano, non 

solo perché 

il suo nome 

è al centro 

del distico 

leonino, 

ma perché 

l ’ a f f i n i t à 

stilistica è 

vicina ai rilievi 

della 

porta bronzea 

ed in 

particolare 

la testa del 

Cristo del 

reliquiario 

non è lontana 

da quella del Cristo benedicente 

di Firenze. Altre analogie, evidenziate 

dal Kreytenberg, come la stessa 

posizione della testa, la definizione 

dei particolari del volto, i folti capelli 

e la barba sono riscontrabili anche 

in una croce astile di Montopoli del 

XIV secolo nella pieve dei Santi Stefano 

e Giovanni Evangelista attribuita 

ad incerta manifattura toscana, a 

conferma del carattere complesso e 

composito dell’ambiente produttivo 

toscano nel quale lavoravano gli artisti, 

infatti, la croce sembra essere 

rappresentativa di una vasta koinè 

che, in tutto il XIV secolo fino alla 

metà del Quattrocento, interessò gli 

ambienti fiorentino, senese e lucchese-pisano, 

quest’ultimo legato anche 

da vicende politiche. 

Vista l’abile arte fusoria raggiunta 

da Andrea la letteratura artistica gli 

attribuisce anche una serie di campane. 

Il Da Morrona riporta una notizia 

tratta dall’archivio delle Riformagioni 

di Firenze, in cui si trova più 

volte la dicitura Magister Andreas 

Campanarius identificato come uno 

dei cittadini del quartiere di Chin- 

zica, quartiere dove si trovavano 

i beni di Andrea 

Pisano, e più precisamente 

nella cappella di San Cristoforo, 

già San Cristofano, 

inoltre ci riferisce anche 

di una scritta che egli 

aveva visto sulla campana 

grossa di San Martino la 

quale, datata 1333, riporta 

il nome Andreas come uno 

degli autori. Sempre il Da 

Morrona riporta la notizia 

di un’altra campana per il 

campanile di San Francesco 

a Perugia e infine, viene 

attribuita ad Andrea Pisano 

una campana per la chiesa 

di Iglesias in Sardegna datata 

1337, sulla quale sono 

presenti gli stemmi di Pisa 

e di Arborea e con la seguente 

iscrizione “A.D. 

MCCCXXXVII DUS PE- 

TRUS VICES COMES 

DE BASSO DEI IGRA 

IUDEX ARBOREE AN- 

DREAS PISANUS FE”. 

Nei suoi lavori Andrea veniva 

aiutato sia dal figlio Nino sia da 

altri collaboratori tra i quali spicca il 

nome di Giglio Pisano. Egli risulta 

un personaggio chiave per delineare 

i difficili aspetti ed intrecci dell’arte 

pisana con quella pistoiese, perché 

proprio per Pistoia Giglio Pisano 

lavorò alla sua più celebre opera, 

la statua di San Jacopo che doveva 

stare nel mezzo della tavola pittorica 

sopra l’altare del duomo pistoiese 

alla quale vi si impegnò dal 1349 al 

1353 e che il Vasari attribuì erroneamente 

a Leonardo di ser Giovanni da 

Firenze. Una delle componenti dirette 

della cultura artistica di Andrea 

Pisano, probabile maestro dell’orafo 

Giglio, era stata individuata 

anche nello 

stile del pistoiese 

Andrea di Jacopo 

d’Ognabene, inoltre 

non è da escludere la 

mite Giotto, avrebbe inviato al Papa 

ad Avignone un crocifisso d’oro, o 

più concretamente attraverso una 

notizia del 1933 di Pico Cellini il 

quale afferma di aver visto ad Orvieto 

un frammento ancora supersite 

dell’arabesco d’oro che decorava il 

panno azzurro della Vergine sopra la 

porta principale del Duomo. 

Unica opera di oreficeria, e ormai 

concordata dai più autorevoli storici 

dell’arte, è il reliquiario della croce 

nel Duomo di Massa Marittima in 

lamina d’argento lavorato a cesello 

con smalti su entrambe le facce, una 

tipologia di crocifisso su doppia faccia 

riscontrabile anche in pittura. Il 

reliquiario presenta alla base, costituita 

da un insieme di sei spioventi 

curvilinei, un’iscrizione sulla quale 

compaiono tre nomi: HOC MEUS ET 

GADDUS CEUS ANDREASQUE 

MAGISTRI – PISIS FECERUNT 

ARGENTI AUIRQUE MINISTRI. A 

Meo, Gaddo e Ceo forse sono riconducibili 

gli smalti e i lavori a cesello, 

mentre per il Crocifisso a tutto rilievo, 

dal perizoma goticamente mosso 

e dal volto con le chiome finissimastessa 

presenza di Andrea a Pistoia 

in quanto gli viene attribuito il progetto 

architettonico del battistero. I 

rapporti e gli scambi che sicuramente 

vi furono non sono ancora oggi 

stati chiariti definitivamente, mancano 

ancora chiarimenti sulle aree 

di confine, tanto che anche verso la 

scultura senese Giglio sembra essere 

attratto, basti pensare all’arca di san 

Cerbone a Massa Marittima, scolpita 

con finezza e mentalità da Goro 

di Gregorio nel 1324, non a caso in 

quella Massa Marittima dove Andrea 

Pisano realizzò il crocifisso reliquiario 

precedentemente descritto. 

Tra le poche notizie dei documenti 

Sopra: 

recto della croce reliquiario 

di Massa Marittima 

In alto a destra: 

Parte superiore 

della Croce reliquiario 

Incisione sul braccio 

verticale attestante 

il peso della croce



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11 

Nella pagina successiva: 

Maestro dell’Universitas 

Aurificum, 

Madonna degli Orafi, Pisa 

Museo Nazionale 

di San Matteo 

Bibliografia: 

Alampi M. T., Le pergamene 

dell’Archivio di Stato di Pisa 

dal 1195 al 1198, tesi di laurea, 

1967-1968. 

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in Florenz”, XI, 1965. 

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sacra dal secolo VI al secolo 

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ai dipinti di Francesco Traini 

e altre opere di disegno dei 

secoli XI, XIV e XV, Pisa 

1846. 

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della città di Pisa dal XII al 

XIV secolo, I, II e III, Firenze 

1875. 

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Archivio di Stato di Lucca, 

Lucca 1898. 

Brugaro A., L’artigianato 

pisano nel medioevo (1000- 

1406), in “Studi Storici”, vol. 

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Burresi M., Andrea, Nino 

e Tommaso scultori pisani, 

Milano 1983. 

Calderoni Masetti A. R., Il 

reliquiario della croce nel 

Duomo di Massa Marittima, 

in “Mitteilungen des Kunsthistorischen 

Institutes in 

Florenz”, XXII, 1978. 

Calderoni Masetti A. R., 

Smalti traslucidi nella Toscana 

occidentale, in “Annali 

della Scuola Normale Superiore 

di Pisa, III, vol. XIV, 2, 

1984. 

Casini B., Inventario dell’Archivio 

del Comune di 

Pisa (secolo XI – 1509), Livorno 

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Carli E., Goro di Gregorio, 

Firenze 1946. 

Carli E., Il Museo di Pisa, 

Pisa 1974. 

Carli E., L’arte a Massa Marittima, 

Siena 1976. 

Carli E., La pittura a Pisa 

dalle origini alla bella maniera, 

Pisa 1994. 

ufficiali relative all’arte degli orafi 

pisani notevoli sono i passi contenuti 

rispettivamente nel capitolo XLV, 

libro II del Breve del Comune del 

1286 e l’altro nel Capitulum contra 

hospites del Breve della Curia 

Mercatorum del 1305, poiché oltre 

a rilevare l’esistenza dell’arte degli 

orefici e la sua dipendenza dalla 

curia dei mercanti, attenendoci alle 

parole del testo, dimostrano, fin da 

quel tempo, l’esistenza di uno statuto 

andato purtroppo smarrito. Non 

possediamo alcuna notizia che illumini 

la graduale costituzione della 

corporativa degli orafi e lo stesso 

non possiamo affermare se prima 

fosse fusa con una delle affini corporazioni 

maggiori, quali quella dei 

fabbri, come farebbe pensare l’avere 

queste due corporazioni in comune 

il Santo patrono, Sant’Alò, storpiatura 

derivata dalla pronuncia francese 

di Sant’Eligio, apostolo del Belgio 

che in gioventù aveva esercitato 

l’arte dell’oreficeria. Infatti, anche a 

Firenze, fino al 1452, gli orafi erano 

accorpati ai fabbri, e lo stesso a Bologna 

dove l’arte degli orafi, anche 

se nata tardi, fece da principio parte 

della società dei fabbri. 

Una spinta verso la sua organizzazione 

dovette indubbiamente venire 

dall’alto, dai Consoli del Comune i 

quali avevano tutto l’interesse di avere 

di fronte un ente collettivamente 

responsabile per i singoli, ente che 

era assai più facile tenere soggetto 

anziché un numero grande di individui 

esercitanti indipendentemente gli 

uni dagli altri. Inducono a pensare 

ciò due eventi: il divieto agli orafi di 

lavorare alcuni oggetti di ornamento 

che alle donne della città e del contado 

era rigorosamente proibito indossare 

e la legislazione sancita contro 

i falsificatori di moneta. Il raffinarsi 

dei costumi, specialmente delle esigenze 

della moda femminile, insieme 

alla gara dei cittadini di qualunque 

grado o condizione, nell’arricchire 

di preziosi oggetti di culto il patrimonio 

artistico delle chiese sono da 

annoverarsi fra i movimenti che favorirono 

questa attività artistica. Già 

nel lamento accorato di Cacciaguida 

troviamo un’alta testimonianza dell’eccessiva 

importanza che fin da 

quel tempo i monili preziosi avevano 

preso nell’abbigliamento muliebre, 

contro la quale la stessa autorità non 

tardò a porre dei freni. Gli stessi divieti 

del breve del 1286 sono ripetuti 

nello statuto del 1313-1317, nel 1349 

quando era Podestà Francesco di 

Ugolino da Gubbio e sotto la dominazione 

fiorentina quando le autorità 

tornarono sull’argomento inserendo, 

il 29 febbraio del 1455, negli Statuti 

un capitolo che regolava il lusso 

delle donne e dei cittadini iscritti nel 

libro delle gravezze. 

La differenziazione fra Arti diverse si 

è compiuta a Pisa alla fine del XII secolo: 

industrie da una parte e mestieri 

dall’altra. La dipendenza dell’arte 

degli orefici dalla Curia dei Mercanti 

è chiaramente affermata nel breve del 

1321-1341, dove al capitolo III, tra le 

corporazioni dipendenti, sono specificatamente 

indicati li homini dell’arte 

delli orafi, mentre nel 1369 l’arte degli 

orafi non è più dipendente dalla Curia 

dei Mercanti e diventa autonoma in 

un momento storicamente felice della 

città e di poco segue l’apogeo della 

storia artistica di Pisa, appartenendo 

a quest’arte lo stesso Giovanni Pisano 

che nell’iscrizione del pergamo 

del Duomo di Pisa si vanta sculpens 

in petra ligno et auro, l’iscrizione funebre 

di Andrea Pisano ricorda che ha 

saputo simulacra deum mediis imponere 

templis ex aere ex auro condenti 

et pulcro elephanto e probabilmente 

anche una donna come rende testimonianza 

un libro della nuova massa 

delle prestanze di Pisa del 1371 nel 

quale si trova inscritta per un fiorino e 

60 soldi domina Gemma aurifex della 

cappella di San Giorgio porta a Mare 

(se non fosse da dubitare che questa 

Gemma potesse avere soltanto una 

bottega di orefice). 

Gli orafi, come gli altri artigiani 

vengono indicati nel Breve 

come artefici. Si tratta evidentemente 

di artefici nel senso 

medievale della parola, cioè di 

mercanti veri e propri e di artigiani 

produttori, così aurifex 

è tanto l’orefice quanto il trafficante 

di oreficeria visto che 

l’industria non si era ancora 

differenziata molto dal commercio 

e spesso una persona 

si dedicava all’uno e all’altro. 

Gli orafi sono un ceto speciale, 

non sono dei lavoranti come 

gli artisti addestrati a trattare 

metalli e le pietre preziose, in 

modo da trarne oggetti di squisita 

fattura. In generale sono 

coloro che, dice uno Statuto 

fiorentino emunt, vendunt et 

operantur aurum et argentum 

et stagnum battutum, collam 

biancam, azzurrum, cinabrum 

et alios colores e materiali simili 

sono acquistati appunto 

da Andrea Pisano ad Orvieto 

; e qualche volta al nome generico 

di orafo aggiungono 

quello specifico del metallo 

da essi lavorato di preferenza. 

Alla lavorazione dei metalli si 

affiancava anche quella degli orologi, 

infatti, viene ricordato a Pisa l’orefice 

Guaspare di Bogiunta che ebbe l’incarico 

nel 1380 di fare due orologi 

per i quali veniva pagato 15 fiorini e 

sempre a Pisa il Comune pagava un 

orafo per governare gli orologi della 

comunità pisana. A Firenze i fabbricatori 

e i conciatori di orologi erano 

chiamati orivoli i quali si unirono nel 

1452 in società con gli orafi, distinguendosi 

così i primi come i meccanici 

e i secondi come artisti. 

Il grande numero di orafi pisani e la 

loro grande vitalità produttiva mostra 

come nel XIV e XV secolo tale 

arte fosse molto seguita, iniziando 

ad assumere anche aspetti governativi 

della città e non dimenticando 

anche la presenza nella stessa città 

di una Universitas Aurificum, cioè 

di una compagnia degli Orefici per 

la quale nell’ultimo venticinquennio 

del secolo un pittore anonimo, meglio 

conosciuto come Maestro dell’Universitas 

Aurificum, eseguiva 

due pale, una Madonna degli Orafi e 

un Polittico, conservate oggi al Museo 

Nazionale di San Matteo. Di tale 

università presso l’Archivio di Stato 

di Firenze è conservato forse il primo 

statuto risalente al 1438 il quale 

mette in evidenza anche la zona 

scelta per aprire le botteghe di suddetta 

università, presso la cappella di 

San Felice, zona detta “cantone degli 

orafi”. Dal punto di vista politico, 

dal 1287 al settembre del 1406 due 

sole volte incontriamo i pittori tra gli 

Anziani del Popolo, una delle magi- 

Cecchini G., Il Caleffo vecchio 

del Comune di Siena, 

Siena 1931. 

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dell’Archivio di Stato 

di Pisa dal 1198 al 1201, tesi 

di laurea, 1966-1967. 

Dolo G. M., Le pergamene 

dell’Archivio di Stato di 

Pisa dal 1192 al 1196, tesi di 

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1901. 

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of Andrea and Nino Pisano, 

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12 

13 

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1959. 

Abbreviazioni: 

ASP: Archivio di Stato di 

Pisa 

ASF: Archivio di Stato di 

Firenze 

ACP: Archivio Capitolare 

di Pisa 

AODO: Archivio dell’Opera 

del Duomo di Orvieto 

strature più importanti del Comune e 

composta da dodici individui, tre per 

ogni quartiere, mentre gli orafi furono 

ammessi per ben trentadue volte. 

In tale documento, pubblicato dal 

Bonaini, oltre all’elenco con i nomi 

e alla data in cui ricoprono la loro carica, 

troviamo anche l’indicazione di 

provenienza dei loro quartieri, Ponte, 

Mezzo, Fuor di Porta e Chinzica, 

così da delineare le aree lavorative 

di questi maestri. Dal documento, 

nel quale è presente anche Coscio di 

Gaddo da Cascina collaboratore di 

Nino Pisano nella realizzazione della 

tavola d’argento per l’altare maggiore 

del Duomo, si evince che provengono 

dal quartiere di Mezzo 15 orafi, 

da quello Fuori di Porta 9, da quello 

di Chinzica 7 e da quello di Ponte 1. 

Dal documento risulta come l’attività 

orafa era ben radicata, sia nel XIII 

e XIV secolo sia nel XII, in tutta la 

città. Orefici, in base ad altri documenti, 

si potevano rintracciare presso 

San Michele in Borgo, quartiere di 

Fuori Porta, Santa Cecilia, quartiere 

di mezzo, S. Cristoforo e San Lorenzo, 

entrambe del quartiere di Chinzica 

in cui la presenza degli orafi viene 

confermata anche da una Descrizione 

di Pisa che riflette perfettamente 

la situazione della città all’apice del 

suo sviluppo urbano : […] et più si 

v’è apresso tucti i banchi dè merchatanti 

et fondachi e molti artigiani, 

vaiai, speziali, orafi […]. 

Se il primo statuto degli orafi è andato 

perso, quello del 1448 appartiene 

al periodo della dominazione 

fiorentina. Venne redatto dai tre consoli 

di quell’anno, Niccolaio d’Antone, 

Simone d’Antone di Neruccio, 

Simone di Giovanni (o Nanni) di 

Bergo, i quali avevano ottenuto pieni 

poteri dall’Assemblea degli Orafi 

il 18 giugno 1448 e il 9 agosto dello 

stesso anno lo statuto venne approvato. 

Lo statuto mostra l’arresto di 

ogni attività, tra le quali quella politica, 

la sua nuova fisionomia viene 

impressa adesso dalle contingenze 

dell’epoca in cui fu redatto (sotto 

la dominazione fiorentina), pertanto 

tale attività venne vigilata con intenti 

che non erano più quelli ai quali 

si ispirava un tempo il Comune di 

Pisa. La decadenza e la miseria del 

Comune aveva d’altra parte il suo 

riflesso nelle tristi condizioni delle 

Corporazioni artigiane. Riguardo a 

queste, Pisa fu trattata come già Firenze 

trattava Prato e come verranno 

trattate Arezzo e Cortona. Furono 

conservate le corporazioni quali erano 

al momento della conquista fiorentina, 

ma dovevano pagare quelle 

tasse che avevano imposto le corporazioni 

fiorentine. La corporazione 

fiorentina dava norma alla corrispondente 

pisana, la quale doveva 

assumere come santo protettore il 

santo della fiorentina; pagare quelle 

tasse che i consoli dell’arte fiorentina 

avevano imposto e i consoli 

fiorentini potevano procedere contro 

i morosi; mandare ogni anno, il giorno 

del santo protettore, un tributo in 

segno di omaggio ai capi dell’arte 

fiorentina. Una certa indipendenza 

venne lasciata per ciò che riguardava 

le occorrenze interne dell’arte, e 

si concedeva anche la facoltà di far 

leggi quando i bisogni locali lo richiedessero, 

pretendendo però una 

parte delle entrate e stabilendo che 

in tutte le cause i contendenti potessero 

appellarsi a Firenze. 

Un secondo statuto venne redatto 

successivamente tra il 1518 e il 1519 

non presentando però sostanziali 

differenze da quello precedente. 

Anche nel rapido evolversi dei brevi, 

si è giunti ormai ad un punto di 

stabilità e di cristallizzazione, segno 

della decadenza nella quale l’arte, 

così attiva nei secoli precedenti, era 

precipitata. Lo stesso numero degli 

iscritti ne è una conferma. Mentre ad 

approvare lo Statuto del 1448, esclusi 

i tre Consoli, figurano due consiglieri 

e dieci maestri, ad approvare 

quello del 1518-1519, figurano solo 

due Consoli e sette maestri. 

BENI CULTURALI: 

QUALITÀ, VALORE E 

SVILUPPO ECONOMICO 

PER IL RILANCIO 

DEL PAESE 

di Angela Loretta 

All’interno del nostro Bollettino, 

attento all’informazione 

artistica ed impegnato nella 

sensibilizzazione dei cittadini riguardo 

all’importanza dei beni culturali, 

non poteva mancare una riflessione 

su Lu.Be.C., Lucca Beni Culturali, 

il Convegno nazionale sulla valorizzazione 

del patrimonio culturale e 

l’innovazione tecnologica. Nel suggestivo 

centro storico di Lucca, all’interno 

dell’abbraccio rassicurante 

delle mura, il Real Collegio, splendida 

“isola” ristrutturata da tempo, 

ma soltanto da poco fruibile, si configura, 

già per il quarto anno consecutivo, 

come la cornice ideale per 

questo appuntamento importante; la 

collocazione prestigiosa consente di 

immergersi nella brulicante atmosfera 

del Convegno, che quest’anno 

ha avuto luogo il 23 e 24 ottobre, ed 

ha previsto il tema: “Beni culturali: 

qualità, valore e sviluppo economico 

per il rilancio del Paese”. Tra i soggetti 

promotori spiccano la “Promo 

P.A.” e “Confcultura”: “come affrontare 

la concorrenza di Paesi incomparabilmente 

meno dotati del nostro 

dal punto di vista dei beni culturali 

e paesaggistici, ma che riescono a 

valorizzare maggiormente i propri 

luoghi e ad intercettare flussi turistici 

sempre più importanti?”. Questi 

i temi e le domande che, nel corso 

di Lu.Be.C. 2008, hanno guidato le 

sessioni plenarie delle mattine del 23 

– 24 ed i Convegni pomeridiani del 

23, offrendo ai partecipanti concreti 

strumenti di lavoro e di scambi di 

esperienze. La contestuale rassegna 

“Lu.Be.C. Digital Technology” (la 

prima rassegna delle soluzione ICT 

per la promozione del territorio e del 

marketing turistico – territoriale) ha 

presentato, in tale quadro, le novità 

relative allo sviluppo concreto di tutta 

la “filiera” beni culturali – turismo 

– tecnologia. L’organizzazione di 

eventi come il Lu.Be.C è un segno 

della volontà di proporre una cultura 

di qualità ad una domanda culturale 

in crescita continua, ed un passaggio 

importante consiste nella capacità di 

rendere il bene culturale interessante 

innanzitutto per la sua comunità di 

appartenenza: le scuole ed i giovani 

devono quindi configurarsi come 

il target principale cui rivolgersi per 

attivare un processo di educazione 

al patrimonio. L’idea di incardinare 

a Lucca una riflessione periodica sul 

tema della valorizzazione dei beni 

culturali si va consolidando con una 

forte stabilità di percorso che ruota 

intorno ad alcuni punti come la comunicazione 

culturale, le esperienze 

di cooperazione per fare sistema, le 

problematiche legate alla saturazione 

dei flussi turistici, l’uso delle 

tecnologie per valorizzare i beni culturali 

e promuovere lo sviluppo dei 

territori. Dal 2005 al 2008 il Convegno 

ha conosciuto una forte crescita 

partecipativa ed anche quest’anno 

si è registrata una forte affluenza: la 

prima sessione plenaria, dal titolo 

“Lo scenario: criticità, prospettive, 

testimonianze” ha avuto luogo nella 

mattinata del 23; gli interventi hanno 

avuto un ritmo serrato, assicurato 

anche dalla verve del presidente e 

moderatore della sessione, Ferruccio 

ANGELA LORETTA 

Angela Loretta si è laureata 

in Scienze dei beni culturali 

presso l’Università di Pisa 

con una tesi sulla chiesa 

del Santo Sepolcro di Pisa, 

nell’ambito del settore di 

storia dell’architettura. Ha 

poi conseguito il titolo di un 

Master in Progettazione e 

comunicazione dei beni culturali, 

presso l’Università di 

Firenze, facoltà di scienze 

politiche. Dopo una esperienza 

di stage presso l’Opera 

della Primaziale pisana, 

per la quale ha redatto alcuni 

contenuti del sito web, 

lavora attualmente presso il 

Sistema Museale del Comune 

di S. Miniato nei servizi 

al pubblico circa le attività 

di accoglienza, biglietteria 

e visite guidate. Sta inoltre 

svolgendo un tirocinio formativo 

presso il Centro Studi 

e Documentazione “Andrea 

da Pontedera” e presso 

il Comune di Pontedera. 

Consegna del premio 

Lubec 2008 

a Ferruccio De Bortoli



14 

15 

Convegno: 

sessione plenaria 

De Bortoli, direttore de “Il Sole 24 

Ore”, assegnatario inoltre del premio 

Lu.Be.C. 2008. L’apertura dei 

lavori è stata affidata a Salvatore 

Settis, presidente del Consiglio superiore 

per i beni culturali che, nella 

sua comunicazione appassionata, ha 

proposto di “ripartire”, per attuare 

una efficace valorizzazione del Paese, 

dal paesaggio e dal suo recupero. 

Si riportano alcuni passaggi del suo 

intervento: “L’Italia soffre di alcuni 

elementi di contrasto come lo scollamento 

tra l’estensione territoriale 

limitata ed il più alto tasso di suo uso 

e sfruttamento; detiene le più antiche 

ed organiche leggi di tutela, ma 

non le applica in modo coerente; la 

scuola, “termometro della cultura” 

del Paese, rimane muta di fronte a 

queste tematiche ed il paesaggio è 

vissuto come qualcosa di estraneo: 

lo stesso processo linguistico della 

denominazione del Ministero e 

delle leggi di tutela ha progressivamente 

messo in ombra il concetto di 

paesaggio. Esso godeva però di una 

attenzione particolare già nel 1309, 

quando il “Costituto del Comune di 

Siena”, redatto in lingua volgare, 

affermava che il primo dovere per 

chi guida una città è quello di conservare 

la bellezza della città stessa 

per la felicità dei cittadini e per la 

loro gloria. Il paesaggio altro non è 

che la rappresentazione visibile dei 

nostri valori, giunta a noi attraverso 

la lente dei secoli e l’articolo 9 della 

nostra Costituzione deve essere la 

nostra stella polare. Per capire l’importanza 

del paesaggio basta guardarsi 

intorno, esso ci dà orgoglio, 

crea la coscienza della nostra storia 

e ci comunica il senso di appartenenza. 

Un bel paesaggio, una volta distrutto, 

non torna più”. Settis lancia 

il suo “grido di dolore” per l’avanzata 

del cemento che sta distruggendo 

l’eredità dei nostri padri e conclude 

dicendo: “la nostra identità sta per 

implodere”. L’analisi del turismo 

culturale e dell’importanza del “fare 

sistema” hanno caratterizzato gli interventi 

successivi: un territorio non 

si promuove con l’invenzione di un 

logo, e ad attirare sono non gli slogan 

ma la storia, i luoghi, gli stili di 

vita, le comunità e le emozioni, che 

permettono di cogliere l’anima di 

un luogo. La Commissione europea 

ha compilato una “Agenda europea 

della cultura”, che prevede alcuni 

punti fondamentali quali la promozione 

della ricchezza, della diversità 

culturale e del dialogo interculturale; 

la cultura come catalizzatore dell’economia 

e come elemento essenziale 

delle relazioni internazionali. 

La sessione pomeridiana ha visto 

lo svolgimento di quattro Convegni 

paralleli: “Dal territotio al museo e 

dal museo al territorio interpretando 

le esigenze di una utenza che cambia”; 

“Turismo e cultura digitale: la 

domanda emergente”; “Partenariato 

e promozione del territorio: linee 

d’azione e casi di successo”; “Integrazione 

dei percorsi tra beni culturali 

e luoghi della fede: esperienze, 

modelli e professionalità”; “Musica 

e management: modelli di sviluppo 

del turismo musicale e sostenibilità 

economica tra pubblico e privato”. 

La sessione plenaria della mattina 

del 24 ha conosciuto un momento 

di forte impatto durante l’intervento 

di Oliviero Toscani, comunicatore e 

fotografo di grande fama, del quale 

si riportano i passaggi più significativi: 

“La creatività e la bellezza 

italiana stanno affrontando una battaglia 

con l’estetica del brutto, ed il 

nostro paesaggio rigurgita cemento. 

La creatività deve essere sovversiva 

ed eccentrica, e deve porsi al di fuori 

degli schemi precostituiti; essa non 

ha certezze e presuppone uno stato di 

“non – controllo”, di coraggio totale 

contrapposto al conformismo. Oggi, 

la ricerca ossessiva del consenso genera 

inevitabilmente un appiattimento 

ed una mediocrità dilagante, ed 

ogni città diventa l’immagine turistica 

di se stessa. La creatività, surplus 

di intelligenza, possibilità tra cuore e 

cervello, va insegnata e trasmessa”. 

Anche l’edizione 2008 del Lu.Be.C. 

è certamente stimolo per una riflessione 

sui valori che devono caratterizzare 

le azioni: è possibile realizzare 

l’obiettivo di un rilancio del Paese 

a partire da una valorizzazione integrata 

del patrimonio culturale, confidando 

sulle capacità delle pubbliche 

amministrazioni, Fondazioni, categorie 

economiche ed associazioni 

culturali, di fare sistema, nel rispetto 

della tutela, della conservazione, del 

recupero dei nostri straordinari beni 

culturali; è arrivato il momento di 

creare davvero quel valore aggiunto 

capace di sviluppare una maggiore 

consapevolezza civile ed un senso 

di appartenenza del patrimonio culturale 

quale bene universale, di tutti 

e per tutti. 

Convegno: 

sessione plenaria


DARIO 

VIVALDI 


Figure sul divano 

di Mario Lupi 

DARIO VIVALDI 

Nasce nel 1938 a Pontedera, 

dove tuttora risiede e lavora. 

É titolare della cattedra di 

Anatomia dell’Accademia 

delle Belle Arti di Firenze. 

Sopra: Autoritratto 

A destra: Venere 

Dario è un amico, un collega, 

prima come pittore poi come 

insegnante. È una vita che lo 

conosco ed è proprio per questo che 

ho aspettato tanto tempo a scrivere 

di lui sul Bollettino; c’è un meccanismo 

di rispetto, verso chi si stima che 

scatta per considerare, con il dovuto 

rispetto i sentimenti dell’altro. È affetto. 

Ricordo Dario da ragazzo attaccato al 

braccio dell’Armenia, la bidella della 

scuola, in giro con la sua timidezza, o 

quando con il Piccolo Teatro cercava 

di inserirsi nel mondo della comunicazione 

artistica. 

Dario ha poi fatto il suo percorso scolastico, 

dalla biologia alla anatomia artistica, 

conciliando un vecchio sogno: 

dalla scienza all’arte. Se l’arte è anche 

conoscenza non è poi un sogno. 

Dario ha sempre conciliato la sua ricerca 

artistica con la sua vicenda nel 

mondo familiare, con le cose care 

alla sua sensibilità, ai suoi affetti 

(ricordo un bel ritratto della moglie 

Raffaella), Questo atteggiamento si 

evidenzia anche nei ritratti di amici, 

modelle, allievi. Dell’ultima mostra, 

tutta di grafica, ricordo gli autoritratti 

di impianto classico, ma impietosi 

come una commemorazione ante litteram 

che ci ricorda come sia intenso 

di pensiero il suo rapporto con la sua 

vicenda d’arte. 

Il segno languidamente concavo sui 

gessi, più duro sugli umani, come è 

giusto che sia, ci propone una connotazione 

diversa del linguaggio del 

disegno. Oggi è tuttavia un momento 

per fare attenzione ai futuri progetti 

perché in ogni artista convivono due 

aspetti mutevoli e intensi: il primo è 

il proprio percorso personale che gratifica 

chi lo compie, se ne resta appa- 

gato, l’altro è il rapporto con la Storia 

dell’Arte di chi si deve confrontare 

per un discorso serio che non ripercorra 

il déjà vu oggi tanto di moda. 

Ultimamente Dario ripercorre pittoricamente 

un momento della memoria 

familiare a lui tanto cara, è un ritrovarsi 

tra le cose care, gli affetti di cui 

sente il bisogno. E l’arte che cos’è se 

non una visione appassionata della 

nostra vita? 

A destra: Composizione 

16 

17 

A destra: Teatrino 

Lo studio dell’artista 

Ritratto di Raffaella



18 

19 

OPERE 

A CASCIANA TERME: 

1977 – San Rocco, affresco, lunetta 

portale d’ingresso chiesa 

di San Rocco, Parlascio, Casciana 

Terme; 

1982 – Resurrezione, pittura 

murale, cappella privata, famiglia 

Bonicoli, Solcini, Casciana 

Terme; 

1988 – Adorazione ai piedi 

della croce, affreschi, Oratorio 

Madonna dei sette dolori, Casciana 

Terme; 

1989 – M° Giacinto Citi, bassorilievo 

bronzo, cm. 20 x 25, 

famiglia Citi, Casciana Terme; 

1990 – Visione di San Antonio, 

cappella privata famiglie Ricci, 

Del Picchia, Casciana Terme; 

1997 – Ritratto di Monsignore 

Don Aurelio Veracini, olio su 

tavola, archivio parrocchiale 

arcipretura di Casciana Terme; 

1999 – Vittorio Emanuele II°, 

restauro busto in gesso, Castello 

di Lari; 

2000 – Ritratto dell’Arciprete 

Don Ernesto Testi, olio su tela, 

archivio parrocchiale, arcipretura 

Casciana Terme; 

AFRICANO PAFFI 

a cura della Redazione del Centro 

Nato a Pisa, ha frequentato l’Istituto 

d’Arte ed il Magistero d’Arte 

applicata di Firenze. 

Già docente di Linguaggi Visivi e Storia 

dell’Arte nelle scuole medie superiori, è 

residente a Casciana Terme (Pi), con studio 

in Piazza Martiri della Libertà. 

Dal 1960 ha operato in più settori delle 

arti figurative come pittore e scultore. 

Attualmente collabora come grafico ed 

illustratore con alcune riviste. 

Nel suo curriculum personale sono presenti 

numerosi e importanti riconoscimenti, 

tra questi la medaglia d’oro della 

seconda rassegna nazionale d’arte sacra 

a Firenze nel giugno 1978. Le sue opere 

si trovano presso collezioni pubbliche e 

private in Italia e all’estero. 

Ha realizzato diverse pubblicazioni e saggi 

inerenti le arti visive. Nel 1974 è stato 

uno dei fondatori del “Premio Via dell’Arco” 

di Casciana Terme, nel 1985 dell’A.P.A.P.“ 

Associazione Artisti Pisani”. 

Dal 1998 collabora, con pubblicazioni e 

studi di storia e arte locale, con la rubrica 

“Fatti d’Arte” per il periodico “Nuova 

Casciana”, edito dalla Bottega della 

Stampa – La Capannina di Lari (Pi). Ha 

fatto parte di svariate giurie e premi, recentemente 

è stato presente al premio nazionale 

città di Livorno di pittura e scultura 

“Rotonda 2003 e 2007”. Ha curato 

come critico d’arte la stampa per mostre, 

rassegne e convegni (1989 - 2008). È 

Presidente dell’Associazione Culturale 

Orizzonti Toscani della Valdera e della 

Università del Tempo Libero di Casciana 

Terme. 

Il percorso espositivo di Paffi inizia 

tra gli anni’60 / ’70. È presente alla 

6° rassegna pisana di arti figurative 

del 1966 a cura dell’Amministrazione 

Provinciale di Pisa, successivamente a 

mostre e concorsi regionali e nazionali 

di grafica e di pittura. È allievo dello 

scultore Prof. Silvano Pulcinelli con 

il quale approfondisce le conoscenze 

artistiche cominciando la sua attività 

plastico- scultorea. 

Il critico Mario Tozzi nell’Annuario bio 

- bibliografico del 1978 a cura di Elio 

Marcianò – Magalini Ed. Brescia, definisce 

così la sua ricerca espressiva: 

“Una pittura personalissima, dove i rossi 

vivi di fondo creano con i blu, i verdi 

e i gialli, un equilibrio poetico e dove 

forme e colori si integrano a vicenda 

dando luogo ad una tela ricca nella sua 

semplicità… la natura viene caricata di 

metafisica astrazione, per una ricerca 

sempre più ampia di possibilità espressive. 

Pittura quindi in divenire questa 

di Paffi, che si delinea in senso di impegno 

e di definizione della posizione 

dell’artista rispetto alla realtà”. 

Il critico Mario Meozzi sul mensile “La 

Zattera”del 1977 così scrive della sua 

pittura: “Paffi ha trovato quell’equilibrio 

fra soggettivismo e realtà che 

porta alla sintesi vera degli elementi 

indispensabili a fare dell’arte contenuto 

e forma.” In occasione della mostra 

personale al “Ritrovo del Forestiero” di 

Casciana nell’ottobre del 1979 il critico 

d’arte Nicola Micieli conclude la sua 

presentazione sul catalogo della mostra 

di Paffi, scrivendo: “ Per ora conta 

l’aver constatato, alla base di questa vicenda, 

un problema di definizione della 

posizione dell’artista rispetto alla realtà, 

cui si guarda con spirito sensibilmente 

incline alla meditazione e alla trasfigurazione. 

È un dato che da solo avvalora 

l’impegno di un artista e ne nobilita 

l’ispirazione.” Il suo percorso artistico, 

iniziato dalla grafica e dalla pittura, in 

seguito confluisce nella plastica e scultura, 

con un ulteriore affinamento del 

linguaggio espressivo, ispirato al figurativismo 

moderno. 

Il critico d’arte Salvatore Amodei nel 

catalogo pisano d’arte contemporanea 

del 1987 scrive: “Disegnatore sensibile 

ed accurato, scultore e medaglista 

raffinato e pittore di indubbie capacità 

espressive, Africano Paffi è uno dei 

pochi artisti pisani in grado di vantare 

un bilancio più che lusinghiero della 

propria attività.” 

Nelle recenti opere pittoriche sono 

presenti messaggi e percorsi di ricerca, 

ispirati all’uomo, alla natura, filtrati attraverso 

un “modus creandi” ricco di 

suggestione. 

Africano Paffi ha realizzato dipinti, 

sculture, medaglie, ritratti, opere di 

soggetto religioso che si trovano in diverse 

collezioni pubbliche e private. 

Nella pagina precedente: 

Africano Paffi nello studio 

Mostra personale 

a Ponsacco nel giugno 2002, 

presentata dal Sindaco 

Silvano Granchi e dal critico 

d’arte Riccardo Ferrucci 

1977 - San Rocco, 

affresco, cm. 1,65 x 87, 

lunetta portale ingresso 

chiesa di San Rocco, 

Parlascio, Casciana Terme 

2004 - Omaggio a Dino 

Campana, cm. 50 x 70, proprietà 

privata, 

famiglia Bonicoli 

In questa pagina, in alto: 

1989 - Giacinto Citi, 

bassorilievo bronzo, 

cm. 20 x 25, famiglia Citi, 

Casciana Terme 

Medaglie Celebrative 

coniate nelle officine 

dei Fratelli Staccioli: 

1985 - Medaglia argento 

Terme di Casciana - D/ 

2006 - Medaglia argento 

Comune di Casciana Terme 

- D/



ALBERIGO 

E CARLO NOVELLI: 

L’ARTE 

DAL PADRE AL FIGLIO 

di Africano Paffi 

Autorevoli critici hanno spesso 

dichiarato la “morte” dell’arte 

e dell’artista di derivazione romantica. 

Personalmente ritengo che nell’arte 

in generale e in quella figurativa in 

particolare, la promozione di indirizzi di 

studio e di formazione con l’artigianato 

siano alla base dell’apprendimento artistico, 

per la stimolazione delle potenzialità 

creative dell’individuo, basi queste estendibili 

ai molteplici linguaggi espressivi. 

Credo che il pittore, lo scultore siano legati 

strettamente alla manualità con i propri 

strumenti, colori, pennelli o scalpelli, 

nonchè all’utilizzo di nuove e adeguate 

tecnologie operative. La premessa è utile 

in particolare per poter parlare in modo 

opportuno di due artisti ponsacchini: Alberigo 

e Carlo Novelli, padre e figlio. 

Alberigo Novelli, intagliatore e artista autodidatta, dal talento naturale, riesce con la sua innata sensibilità, a cogliere gli aspetti essenziali 

della realtà. La sua passione per l’arte figurativa e per la musica lo predispongono verso il mondo circostante, ma soprattutto 

verso la figura umana. 

In questo artista non troviamo imitazioni stilistiche, l’immagine disegnata, per quanto figurativa, rappresentativa di un volto, di 

una figura, di un oggetto, ci appare astratta (e spesso portata al limite dell’astrazione), sicché il figurativo e l’astratto si toccano, si 

confondono o meglio si ritrovano l’uno nell’altro, nell’interpretazione dell’opera. Nei bozzetti ritrovati, dove l’idea viene fissata per 

poi essere tradotta in scultura o in pittura, appare il suo spirito libero ed anarcoide che rende con immediatezza ed efficacia le sue 

inquietudini, i suoi pensieri, i ritmi della sua personale ricerca espressiva. 

Osservando con attenzione l’insieme della sua produzione, si riesce a capire il suo mondo umano e artistico, le sue idealità, l’attenzione 

e la predilezione per le classi sociali più deboli, e infine la prorompente vitalità e unitarietà di stile. 

Questa piccola mostra retrospettiva di Alberigo Novelli è doverosa affinché non si perdano le tracce di un artista del Novecento 

scarsamente citato e documentato, soprattutto sul piano locale che ha contribuito con la sua operatività, il suo personale linguaggio 

espressivo, a tracciare un percorso ascendente, dagli anni ’50 – ’60 del Novecento ad oggi, contribuendo insieme alle molteplici e 

numerose aziende artigiane e all’imprenditoria locale a far nascere e crescere sul piano produttivo, Ponsacco come “Città del Mobile”, 

oggi sicuramente importante e nota a livello europeo. 

ALBERIGO NOVELLI 

Alberigo Novelli – (Marsiglia 1906 – Ponsacco 1990). Nel 1916 la sua famiglia rientra a Ponsacco, presso i parenti materni. Dopo 

qualche tempo Alberigo inizia il suo lavoro come intagliatore a Cascina nella avviata bottega di Grigò. Il suo apprendistato artigianale 

è agevolato dall’inclinazione naturale per il disegno, infatti le iniziali difficoltà operative vengono facilmente risolte, le esercitazioni 

di disegno unitamente alle copie di opere d’arte divengono una consuetudine non solo nella bottega cascinese, ma anche al 

di fuori del lavoro. 

All’epoca Cascina era considerata una realtà produttiva in costante ascesa, soprattutto per la produzione di un artigianato di stile 

neo-rinascimentale richiesto su scala nazionale. Dopo aver acquisito il mestiere e le indispensabili conoscenze tecnico – operative, 

Ulderigo, nel primo dopoguerra comincia in proprio la sua attività di intagliatore nella cittadina di Ponsacco, che in quel periodo 

vedeva nascere numerose botteghe artigiane indirizzate sulla costruzione del mobile, ed è proprio nel 1950 che si costituisce l’Ente 

Mostra del Mobilio. Novelli, oltre all’intaglio decorativo, realizza sculture di soggetti sacri, in bassorilievo e in tuttotondo con immagini 

di Cristo e della Madonna.. 

In questo periodo la produzione grafica viene affinata, sono significativi i molteplici schizzi e disegni realizzati a carboncino, spesso 

riferiti a modelli classici del primo e secondo Rinascimento fiorentino, sempre interpretati in modo virtuoso. 

Negli anni ’60 iniziano le frequentazioni dei diversi ambienti espositivi attraverso le mostre collettive e personali che gli permettono 

di conoscere alcuni noti personaggi, come l’eclettico pittore Cristoforo Mercati, detto Krimer, fondatore della famosa “Bottega dei 

Vageri” a Viareggio, il livornese Giovanni March, e molti altri pittori labronici; questi rapporti e scambi risultano stimolanti per lo 

studio dell’arte del Novecento, delle avanguardie storiche e per l’affinamento artistico. Negli anni successivi la sua attività espositiva 

si intensifica, iniziano le mostre su scala regionale e nazionale a Firenze, a Milano alla “Galleria Montenapoleone”, a Napoli alla “ 

Galleria Yosé ”, con molteplici riconoscimenti di pubblico e critica. Molte opere degli anni ‘60/’70 sono presenti anche in diverse 

collezioni private e pubbliche della Valdera e naturalmente a Ponsacco. 


Il catalogo della mostra 

pisana alla “Vecchia 

Soffitta”, 1962 

Alberigo Novelli 

e Carlo Carrà alla Galleria 

Monteleone, Milano, 1964 

A fianco: 

Figura di donna, 

disegno, 1961 

Bestiari, disegno, 1961 

Mobile, disegno 

del Maestro d’Arte Grigò, 

intagli di Alberigo Novelli 

in collaborazione con altri 

artigiani di Ponsacco, 1956 

20 

21



CARLO NOVELLI 

A fianco: 

Carlo Novelli alla mostra 

personale nella “Sala Valli”, 

Ponsacco, 2008 

Sopra: 

Figura seduta, 

ceramica, 1988 

Cavallo e cavaliere, 

olio, 1996 

Sotto: 

Carlo Novelli 

nel suo studio, 1988 

Cavallo in bronzo, 

Esterno edificio 

commerciale e direzionale 

del palazzo degli affari 

di Ponsacco, 1990 

A fianco: 

Mostra permanente 

di Carlo Novelli 

in viale 1° Maggio 

a Ponsacco 

Carlo Novelli è figlio d’arte: inizialmente è stato formato e diretto dal padre Alberigo, dal quale ha appreso la tecnica dell’intaglio, 

poi perfezionata con lo studio del disegno, della scultura e delle tecniche pittoriche all’Istituto d’Arte di Cascina e all’Accademia 

di Firenze. 

Il suo percorso espressivo si è arricchito di riferimenti e richiami formali, a contatto diretto con il padre, soprattutto per quelli 

relativi allo studio della figura umana, orientata verso una classicità espressiva pienamente reinterpretata; successivamente è stato 

ampliato e perfezionato dagli insegnamenti degli scultori Silvano Puccinelli e Quinto Martini. 

Le partiture spaziali di Novelli, dai primi semplici elaborati al bassorilievo, al tutto tondo, vengono risolte con volumetrie figurative 

e astrazioni, riprese sempre dalla quotidianità, anche se sviluppate con forme plastiche e richiami cubo – futuristi che denotano 

l’approdo verso nuove potenzialità espressive. Di questo periodo giovanile tra gli anni ’60 – ’70, il Cristo ligneo nella chiesetta del 

Cottolengo a Fornacette, e quello in piombo, oggi a Milano, realizzato all’epoca per l’attrice Marta Abba. 

Lo studio della Storia dell’Arte del XX° sec. e dei linguaggi plastici da Brancusi, a Manzù, a Greco, a Moore, a Giacometti, a Picasso, 

a Guttuso, a Marino Marini, ha costituito una maturazione espressiva e stilistica soprattutto nella scultura, con sperimentazioni 

e passaggi dalle superfici chiuse a quelle aperte. 

Negli anni ’70 e ’80 è presente in mostre personali e collettive, talvolta insieme al padre Alberigo. Di questo periodo è la Via Crucis 

in terracotta nella chiesa dei Boschi di Lari dove troviamo una variante della sua ricerca con volumi plasmati e profondamente 

espressivi che denotano la grande capacità interpretativa della nostra tradizione evangelica. 

Anche nella grafica e nella pittura, con diversificazioni rispondenti al linguaggio utilizzato, sono evidenti soluzioni espressive molto 

originali, nelle quali troviamo stilemi compositivi risolti verticalmente con forme schematiche incastrate in giuochi di piani, che 

risentono delle esperienze cubiste. In sostanza, in tutto il linguaggio espressivo, Novelli compie una modificazione dei tradizionali 

postulati di base, spesso sperimentando nuove stilizzazioni. 

Un soggetto affrontato e risolto in modo originale è il tema del cavallo, di origine mitica, come osservazione della natura, che ricerca 

disperatamente con la sua energia vitale l’antico equilibrio. I suoi cavalli riflettono e affrontano l’odierno disagio esistenziale 

attraverso una molteplicità di schemi, con soluzioni plastiche diverse, alcune realizzate con volumetrie compatte e scabre, come 

l’opera collocata nel 1990 a Ponsacco a corredo dell’edificio Commerciale e Direzionale del Palazzo degli Affari. 

Il richiamo al cavallo rievoca per certi versi l’opera di Marino Marini, del Cavallo con cavaliere, verso il quale Novelli mostra una 

naturale simpatia soprattutto per le soluzioni scavate e mosse con rientranze dinamiche altamente drammatiche. 

L’ultima produzione creativa è caratterizzata da tipiche forme espressive, risolte con masse essenziali, graffiate, dove la luce cade 

sui piani inclinati, che esprimono una tragica instabilità tipica della nostra epoca. I dipinti e i disegni, soprattutto quelli segnati da 

forti contrasti cromatici, pongono la composizione entro limiti spaziali, accentuando l’effetto tridimensionale, svincolato dagli 

schemi usuali. 

Il messaggio trasmesso dalle opere plastiche o pittoriche di Carlo Novelli è tratto dalla costante e progressiva penetrazione della 

quotidianità, che egli cerca di affrontare, con il suo originale stile, cogliendo le molteplici inquietudini esistenziali e drammatiche 

del nostro tempo.



24 

25 

In alto una tabella 

con i dati relativi 

alle varie gallerie presenti 

sul territorio di Pontedera. 

Oltre alle Gallerie sono 

stati censiti 3 Ateliers 

di artisti locali: 

Atelier di Lorenzo Terreni, 

Atelier di Luigi Lo Scalzo, 

Atelier di Grazia Puccini. 

Tre di questi Ateliers 

(Lorenzo Terreni, Luigi Lo 

Scalzo, Studio Quadrelli) 

sono tutt’oggi attivi 

GALLERIE D’ARTE 

IN CITTÀ: 

PRIMO CENSIMENTO 

RAGIONATO 


Elenco Gallerie: 

- Galleria Andrea 

- Galleria Il Ponte 

- Galleria Bizacuma 

- Saletta A5 

- Galleria Centro Arti Visive 

- Galleria La Tavolozza 

Nella città di Pontedera ci sono 

attualmente diverse gallerie 

d’arte che svolgono un’attività 

di mostre di opere di artisti con 

- Galleria Era 

- Galleria Liba 

- Galleria Autoscatto 

- Galleria Il Germoglio 

- Galleria 18 

- Galleria In Folio 

- Museo Piaggio 

- Centro per l’Arte Otello Cirri 

- Galleria Carrozzeria Rizieri 

Elenco Ateliers: 

- Lorenzo Terreni (stato: aperto) 

- Luigi Lo Scalzo (stato: aperto) 

- Grazia Puccini (stato: chiuso) 

- Studio Quadrelli Arte (stato: aperto) 

una frequenza discontinua come di solito 

avviene nelle attività di chi opera 

in Provincia. È importante chiederci 

qual’è la funzione di queste gallerie 

che operano in città e quale è la loro 

incidenza culturale, oltre a quella economica 

che riuguarda per lo più vari 

impresari. 

La nostra città è sprovvista del tutto di 

una collezione d’arte permanente organizzata, 

di una raccolta d’arte, di un 

museo, per una fruibilità da parte del 

cittadino di quelle opere (poche in verità) 

disperse nei meandri di vari uffici 

comunali. Una catalogazione fu tentata 

nel 1997 con la pubblicazione di un 

catalogo ragionato. 

Anche per quanto riguarda il nostro 

illustre passato (Andrea da Pontedera) 

non si è riusciti a riunire in un luogo 

adatto la traccia della sua Opera il cui 

valore è universalmente riconosciuto. 

Sopra da sinistra: 

una pubblicazione 

del Centro Arti Visive, 

una pubblicazione 

della Galleria Bizacuma, 

la pubblicazione 

Immagini da un inventario 

A fianco: una locandina 

della Galleria Bizacuma 

Sotto da sinistra: 

due locandine 

della Saletta A5, 

l’invito ad una mostra 

presso la Galleria 18 

A sinistra: una 

pubblicazione della 

Galleria Andrea 

A fianco: una locandina 

della Galleria Bizacuma



26 

27 

Interno della Saletta 

d’Arte A5, da sinistra: 

Dino Carlesi, 

Brunero Tognoni 

e Otello Cirri 

Interno della Saletta A5: 

alcune visitatrici 

di una mostra 

In questa realtà un po’ deprimente quale 

può essere la funzione delle gallerie 

d’Arte nel tessuto culturale cittadino? 

Intanto quello di mostrare a un pubblico 

vasto quello che offre il territorio 

nel campo dell’Arte e poi di avvicinare 

il cittadino al fatto creativo per 

coinvolgerlo, non solo per questioni 

economiche, ma emotivamente. 

Certo, entro certi limiti non dobbiamo 

aspettarci che queste gallerie, escluse 

alcune, ci propongano, in rari casi, ar- 

Passiamo ora in rassegna le gallerie 

d’Arte che hanno operato e che tutt’ora 

operano in città: 

Una delle Gallerie più note in città, ma 

che ha chiuso i battenti, è stata la galleria 

Bizacuma il cui nome era composto 

dai nomi dei 4 fratelli Falorni: 

Bireno, Zanetto, Cupido, Mandricardo 

che il padre aveva anagrammato. 

Era stata diretta da Zanetto, coadiuvato 

dal nostro critico e poeta Dino 

Carlesi e aveva mostrato alla 

città i più importanti artisti 

del 900 e i contemporanei 

di buon livello come Bussotti, 

Viviani, Cirri, Krimer, 

Trafeli, Schinasi, Pellegrini, 

Strazzullo e critici come 

Carlesi e Miceli. Operando 

anche un’intelligente attività 

commerciale avevano favorito 

il formarsi di intelligenti 

collezionisti che scoprivano 

tisti di chiara fama, tuttavia, spesso le 

opere che espongono hanno un livello 

dignitoso. Forse un aspetto positivo è 

la funzione che possono svolgere offrendo 

un palcoscenico a giovani artisti 

che non potrebbero aspirare a avere 

uno spazio in gallerie più importanti. 

In sostanza, pur con vari distinguo, si 

può affermare che in città le gallerie 

d’Arte svolgano una funzione positiva, 

anche dal punto di vista dell’informazione. 

il valore dell’Opera d’Arte. 

La Saletta A5, gestita da Vivaldi Francesco 

e Mori Wladimirro e diretta da 

un gruppo di amici tra i quali Sergio 

Vivaldi e Dino Carlesi, Sergio Castellani, 

portò a più riprese artisti di 

ottimo livello, tra i quali Paolucci, 

Tamburi, Guttuso, Lotti, Possenti, 

Masoni, Maffei, Liberatore, Viviani, 

Grazzini, Morena, Vaccarone e pittori 

locali quali Dal Canto, Vivaldi, Pucci- 

nelli, Gorini, ecc. ma dopo alcuni anni 

il tentativo di fare opera culturale in 

città non ebbe esiti positivi. 

La Galleria Il Putto gestita dall’ing. Roberto 

Rinaldi si è distinta per esposizione 

di artisti a livello nazionale. 

La Galleria Tico Tico Arte ha svolto 

la sua attività per un breve periodo dal 

1979 al 1986 durante il quale ha orga- 

nizzato anche dibattiti, letture di poesie e 

vari incontri culturali. Due stanze comunicanti 

tra loro in un’ambientazione di 

gusto esponevano artisti di buon livello. 

Una delle gallerie che tra varie difficoltà 

è ancora attiva è 

La Tavolozza, gestita 

dal dinamico Mario 

Meozzi che dal 1995 

ha il merito di proporre 

oltre ad artisti di livello 

nazionale anche 

ciò che produce il territorio 

facendo opera 

di promozione delle 

attività artistiche della 

Valdera. La Tavolozza 

svolge un’attività culturale variegata, 

promuovendo un gruppo artistico 

e culturale e organizzando rassegne e 

concorsi d’arte a livello nazionale come 

Sopra: Prima Rassegna 

di Arti Visive, 

Mostra di San Luca, 2003 

presso la galleria 

La Tavolozza diretta da 

Mario Meozzi 

A sinistra: Interno della 

Galleria Immaginarte 

di Filippo Lotti, durante 

una mostra dell’artista 

Fabio Calvetti 

1997. I soci fondatori 

della Galleria Liba: 

da sinistra Roberto 

Badulato, Birgit 

Schneider, Alessandro 

Gamba, Pina Gusella, 

Simonetta Boldrini, 

Fabrizio Puccioni, Alfonso 

Guiggi. In basso da 

sinistra: Bruno Biasci, 

Antonio Catarsi 

L’interno della 

Galleria Liba durante 

l’esposizione delle opere 

di Arturo Carmassi



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29 

Alcune immagini 

di opere esposte 

alla Galleria In Folio 

Sopra: il logo 

della Galleria Il Germoglio 

Sopra: l’esterno 

della Carrozzeria Rizieri 

A destra: locandina 

di una mostra svoltasi 

presso la Carrozzeria 

Rizieri 

Sotto: l’esterno 

della Carrozzeria Rizieri 

il “Premio Gronchi” e incontri di poesia. 

Il Meozzi è impegnato, come membro, 

anche nel Comitato del Centro per l’Arte 

“Otello Cirri”. L’attività della galleria 

prosegue con un programma per il 2009. 

La Galleria Immaginarte di Filippo Lotti 

ha esposto artisti locali e nazionali. La 

sua attività dal 1996 si è protratta fino al 

2005 quando il titolare si è trasferito. 

La galleria Autoscatto ha avuto un’attività 

di pochi anni, 1994 – 99, rivolta 

soprattutto all’immagine fotografica. La 

galleria era diretta da Antonio Lo Bartolo 

coadiuvato dal critico Mario Lupi. 

La galleria L’Autoscatto ha cercato di 

dare visibilità alla attività fotografica dei 

fotoamatori del territorio ma non sono 

mancati grandi nomi a livello nazionale 

e internazionale come Graziano Villa, 

Holger Stumpf, Alessandro Squilloni, 

Maniscalchi, Calvani, ecc., presenti con 

immagini di foto d’arte. 

Il Germoglio, galleria gestita da Manrico 

Mosti opera da diversi anni ed è 

ancora attiva con esposizioni di buon 

livello, organizzando incontri culturali 

per gli amatori della poesia e della musica. 

Ancora attiva, propone mostre di 

buon livello con artisti di fama nazionale 

a cominciare da Rosai, Possenti, Grigò, 

ecc.. Il titolare collabora con Enti 

Pubblici in campo Regionale. 

La galleria Liba è una galleria che offre 

esperienze di artisti di avanguardia. Anch’essa 

opera da diversi anni e propone 

avvenimenti culturali con incontri tra 

critici e cittadinanza. Il suo titolare Alessandro 

Gamba è un esponente di una 

corrente informale alla quale aderisce un 

gruppo di artisti come gruppo culturale. 

Le mostre proposte sono prevalentemente 

di pittura e scultura con qualche 

inserimento di fotografi di tendenza. 

La Galleria 18 di Carla Burgalassi ha 

operato per pochi anni proponendo all’attenzione 

del pubblico cittadino per lo 

più autori locali. La titolare opera nel laboratorio 

di ceramica attiguo alla galleria 

che momentaneamente non è attiva. 

Il Centro per l’Arte Otello Cirri è una 

struttura comunale grande e articolata in 

diversi ambienti che offre una superficie 

espositiva di circa 400 mq e una segreteria 

che opera per la gestione della galleria 

con personale addetto. Vi sono state presentate 

mostre di rilievo nazionale sia di 

pittura e scultura che di fotografia; vi si 

svolgono a rotazione convegni, seminari, 

conferenze. È gestita da un Comitato 

di cui fanno parte artisti, critici e politici, 

diretto da Dino Carlesi e presieduto dall’Assessore 

alla P.I. Il centro si propone 

come una delle poche strutture che vogliono 

avere una funzione culturale sul 

territorio e con mostre e avvenimenti di 

rilievo nazionale, esplica annualmente 

un’intensa attività propositiva. 

Il Museo Piaggio è una struttura ampia 

e organizzata che offre una grande 

superficie espositiva ed è organizzata 

con criteri di professionalità sia negli 

allestimenti che nelle attività propositive. 

Organizza avvenimenti a livello 

nazionale e internazionale. 

Da notare il fatto che in Pontedera negli 

anni ’50 e ’60 sono state aperte delle 

gallerie di cui abbiamo perso la traccia 

perché non avendo avuto un archivio 

e non essendoci più i titolari, si hanno 

notizie solo in via orale da qualche loro 

conoscente. Alcuni esempi: la galleria Il 

Ponte, diretta da Otello Cirri, pittore e 

sindaco della città e la Galleria Andrea 

che aveva la sede in Piazzetta del Teatro 

il cui titolare Tamberi porta a Pontedera 

l’artista Padre Ugolino da Bolzano. 

Da notare che ci sono anche alcuni ateliers 

che espongono in permanenza opere 

dei pittori proprietari. 

Vi sono poi degli avvenimenti 

sporadici di Enti e 

privati: (Università della 

terza età, Biblioteca Comunale, 

Cooperativa, Cineplex, 

Atrio Comune, 

ecc.) che concludono questa 

panoramica, che non 

vuol essere esaustiva, ma 

un primo momento di un 

censimento ragionato. 

Il laboratorio adattato a 

galleria che opera dentro la 

carrozzeria Rizieri, gestita 

da L. Zucconi, fa un tentativo 

culturali mostrando 

opere d’arte e performances 

in ambienti di lavoro 

per nobilitarli ambedue. La 

sua attività si svolge due 

volte all’anno con performances 

che durano pochi 

giorni ma richiamano una 

miriade di “artisti” che con 

i loro interventi, dedicati 

soprattutto a un pubblico 

di giovani, creano un happening 

nazionale. 

Interno del Centro per 

l’Arte Otello Cirri durante 

l’inugurazione della mostra 

antologica dedicata 

a Otello Cirri, artista 

e sindaco di Pontedera. 

Al centro il direttore artistico 

Dino Carlesi, 

alla sua destra l’Assessore 

alla Cultura Daniela 

Pampaloni e alla sua 

sinistra Silvia Guidi, 

coordinatrice del Centro. 

Sulla sinistra: 

interno del Centro Arti Visive 

durante l’inugurazione 

di una mostra. 

Sotto: l’interno del Museo 

Piaggio durante la mostra 

dedicata a Pietro Cascella



ARTE, BAMBINI, 

SCUOLA DELL’INFANZIA 

di Anna Maria Braccini 

30 

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ANNA MARIA 

BRACCINI 

È nata e risiede a Pontedera. 

Insegnante nella scuola 

primaria in località Romito, 

ha dato il suo contributo ai 

gruppi di ricerca di Idana 

Pescaioli, formatrice per 

l’IRSAE, ha fatto varie 

esperienze di educazione 

per gli adulti, per conto dei 

Comuni, delle Provincie, di 

varie Associazioni. 

Ha fatto diverse pubblicazioni 

per la promozione di 

una cultura per l’infanzia 

in direzione nonviolenta. 

È laureata in pedagogia ed 

ha conseguito tre specializzazioni. 

Esercitazioni di laboratorio 

con la tecnica della carta 

Questo breve contributo si 

sofferma sull’importanza del 

percorso logico creativo che 

interessa i bambini da tre a sei anni 

e in particolare i bambini che frequentano 

la scuola per l’infanzia “Il 

Romito”, da anni impegnata in una 

ricerca che tende al superamento di 

eventuali stereotipie nelle rappresentazioni 

grafiche e pittoriche infantili, 

in rapporto con il Gusias1. 

Ed è proprio nel Gruppo di Ricerca, 

frequentato da alcune insegnanti, che 

si è condivisa l’idea di una nuova e 

diversa concezione di “cultura per 

l’infanzia”, che intendiamo nutrita 

di Arte e Scienza, per vincere eventuali 

condizionamenti e stereotipie, 

che contraddittoriamente potrebbero 

essere subite da adulti e bambini, 

nell modello di società in cui tutti ci 

troviamo a vivere. 

Uno dei progetti Gusias, sostiene 

l’idea che i bambini, prima di passare 

all’uso del computer, abbiano bisogno 

di imparare a dire fare pensare 

accanto agli altri e di fruire di stimoli 

di qualità, per poter affermare la propria 

originale creatività. 

È importante quindi che il percorso 

artistico che i bambini vivono nella 

scuola per l’infanzia, sia, ritenuto 

fondamentale e basilare anche per la 

costruzione dei diversi complessi apprendimenti 

futuri. 

È da questa prima esperienza formativa 

e dalla impostazione delle attività 

di gioco e lavoro e di ricerca, che 

si pongono le premesse di una nuova 

cultura, portatrice di valori per 

l’infanzia; che li veda attivi e protagonisti 

nel tempo in cui lo sviluppo 

umano consente di dispiegare al massimo 

le potenzialità individuali. Ciò 

è possibile se i bambini sono posti 

nelle più adatte condizioni di sviluppo 

e apprendimento, se si alimenta la 

motivazione alla partecipazione attiva, 

promozionale e non giudicante, in 

direzione logica, originale e creativa. 

Per lo sviluppo progettuale, nel rispetto 

dell’impostazione rigorosa 

della ricerca è di particolare rilevanza 

il ruolo dell’adulto che, in prima 

istanza, è chiamato a ripensare se 

stesso per e nel rinnovamento della 

didattica; per non forzare i tempi e 

non anticipare risposte, assumendo 

che i bambini abbiano bisogno di 

elaborare e realizzare in prima persona 

“atti e fatti” intelligenti, impegnativi 

e creativi, attraverso il “saper 

vedere” gli oggetti della realtà, nei 

suoi aspetti costitutivi di “natura e 

cultura”; di vivere i processi esplorativi 

secondo una congeniale sequenza 

che passa attraverso il corpo, 

le mani, il segno. Un ruolo, quello 

dell’adulto, che si esplica in scelte 

di stimoli di qualità, che attingono al 

patrimonio delle Arti e delle Scienze, 

condivise nella storia dal cammino 

dell’umanità. 

Pertanto i bambini sono accompagnati 

a “saper vedere”, osservare, 

esprimere, progettare; ad elaborare 

immagini con utilizzo di più linguaggi 

e più tecniche di significazione; 

ad esprimere parole ed azioni, che si 

addentrano nella letteratura e nella 

poesia con produzioni individuali e 

di piccolo gruppo, all’interno dei laboratori. 

Il percorso pedagogico, ma si potreb- 

Esercitazione 

per l’identificazione 

delle forme



Processi esplorativi 

attraverso il gioco 

con il corpo in una 

sequenza che passa 

attraverso il corpo, 

le mani, il segno 

be dire anche il rapporto tra bambino 

e Arte, si configura come una serie di 

azioni che nella quotidiana didattica, 

coinvolgono bambini e adulti a partire 

da “letture” di immagini, fiabe, filastrocche, 

poesie, guidate da “domande 

stimolo”, pedagogicamente fondate e 

scientificamente provate, per facilitare 

un’osservazione sistematica, che si 

arricchisce nel vivace confronto del 

piccolo gruppo di bambini. 

Nelle scuole sono attivi diversi laboratori, 

spesso frequentati anche dai 

genitori in cui, per il sostegno dell’Ente 

Locale, sono presenti figure 

di artisti, per offrire a tutti stimoli di 

qualità, attraverso esperienze dirette; 

scopo prioritario è quello di avvicinare 

all’Arte, ai suoi alfabeti, alle 

sue forme espressive e rappresentative, 

il maggior numero di persone, 

per una migliore fruizione possibile, 

nell’ottica del Diritto allo Studio. I 

laboratori sono sempre integrati nel 

percorso educativo e formativo delle 

singole scuole e tra esperti ed insegnanti 

sono condivisi scopi, contenuti 

e metodi, per la ricerca di produzioni 

di qualità. 

Dalla elaborazione degli stimoli di 

partenza, dalla osservazione elaborazione 

dei significati che emergono 

dalla lettura dei particolari più riposti 

nell’immagine o nelle parole,si 

impostano sequenze, attività di gioco 

e lavoro, non aliene dal contesto 

di vita, vissuto tra scuola e famiglia 

e dalle percezioni, emozioni di ogni 

singolo bambino.Attraverso le verbalizzazioni 

essi comunicano sentimenti 

e pensieri che offrono spunti per 

attività logiche e creative, da vivere 

con il movimento e con il gioco, con 

i gesti, nel mimo e nel gioco-dram- 

98 

99 

ma, con i canti e con le danze. Solo 

in seguito si passa a rappresentare i 

significati che emergono (dal singolo 

e dal gruppo), con elaborazioni ben 

organizzate, in forme originali che 

testimoniano l’importanza dell’esperienza 

artistica vissuta. 

Per quanto esposto, sembra opportuno 

sottolineare che nel Gruppo di 

ricerca e nei laboratori espressivi, è 

forte l’idea che il percorso creativo 

individuale sia per buona parte compreso 

nel proprio vissuto socio culturale 

di provenienza, sempre molto 

complesso e legato a diversi fattori: 

che sono insieme biologici ed ambientali, 

oggettivi e soggettivi, con 

influenza sulle intelligenze e sui caratteri, 

su affettività e socialità, come 

sulla costruzione di atteggiamenti, 

comportamenti e conoscenze.Di fatto 

influenti sulle modalità espressive 

di ognuno e di tutti. 

La scuola dell’infanzia, che agisce 

su un’età dei bambini particolarmente 

interessante dal punto di vista dei 

processi di apprendimento, lo abbiamo 

già ricordato, assume, per il 

rapporto bambino-Arte e non solo, 

un ruolo di basilare importanza, poichè 

può stimolare tutta una serie di 

potenzialità che non possono essere 

rimandate a tempi o ad esperienze 

successive. 

Le produzioni artistiche dei bambini 

impegnati nella ricerca Gusias, come 

nei laboratori promossi dall’Ente locale, 

segnalano, con le forme reali o 

magiche rappresentate, con i tratti più 

o meno forti, con gli accordi cromatici, 

con la composizione degli spazi, 

con la rappresentazione dei movimenti, 

quali siano state le situazioni 

fruitive di stimoli in cui sono vissuti 

Esercitazioni 

di laboratorio: ricerca 

degli accordi cromatici



RIFLESSIONI SULL’ARTE 

DEL “CONTEMPORANEO” 


...nella marea referenziale, 

una voce critica… 

34 

35 

Esercitazioni di laboratorio: 

composizione degli spazi 

In queste pagine abbiamo 

riportato alcune immagini 

dei bambini della scuola 

dell’infanzia 

“Il Romito” a lavoro 

e in cui sono stati immersi. Queste 

produzioni sono da leggere tenendo 

conto della più evidente presenza di 

“originalità” e o di “stereotipie”, che 

possono essere riconducibili al “clima” 

più o meno promozionale, che 

essi possono aver vissuto. Perchè il 

“clima” educativo e formativo sia 

davvero promozionale, con forti valenze 

pedagogiche, è necessario che 

la presenza degli adulti sia davvero 

rigorosa nel non essere impositiva; 

nel fare in modo di liberare nel bambino 

le proprie autentiche potenzialità 

in progressiva autonomia. 

Gli stimoli in cui immergere i bambini, 

dovranno irrinunciabilmente 

essere di qualità e nello stesso tempo 

essere il frutto di una consapevole 

e approfondita ricerca da parte dell’adulto, 

rispetto al mondo delle Arti 

e delle Scienze, così come testimoniano 

il passato e il presente, con un 

futuro tutto da costruire. Stimoli capaci 

di aiutare l’infanzia a capire e 

capirsi, evitando impostazioni adultiste, 

anticipatorie o peggio ancora 

suggerire modelli da seguire, che potrebbero 

non favorire nei bambini la 

motivazione ad esprimersi. 

L’adulto ricercatore, sostiene Idana 

Pescioli, “della propria unicità 

creativa è invitato a rivedere continuamente 

i propri atteggiamenti e 

comportamenti, in modo da essere 

in ogni caso portatore e promotore 

consapevole di stimoli alla originalità, 

anzichè portatore inconsapevole 

di stereotipie”, facilmente leggibili 

nell’utilizzo diffuso di materiale graficamente 

strutturato, che non facilita 

la costruzione delle singole intelligenze 

nei bambini da tre a sei anni, 

nella prima scuola. 

La produzione artistica, negli 

anni 2000, è in gran parte una 

pseudo produzione d’Arte; 

non che tutto sia negativo ma il disorientamento 

è totale specialmente 

in Italia dove le idee, spesso fagocitate 

dal dio denaro, confliggono con 

la cultura e si allineano con le leggi 

di mercato ormai in modo sempre 

più scoperto. La situazione è ricca 

di fenomeni diversi, dai gruppi associativi 

“dei Molti” che producono 

“contaminazioni” (assemblaggi 

di pittura, scultura, foto, ecc, ecc.) 

in ritardo rispetto alla controcultura 

americana degli anni ’60 della West 

Coast, agli isolati che vivono narcisisticamente 

la loro “performance” 

quotidiana. 

P. Daverio ha affermato che in Italia 

non si dipinge più dagli anni ’70, significando 

che le nuove generazioni, 

sfornate dalle scuole d’Arte, non 

hanno avuto più legami con le avanguardie 

storiche della metà del secolo 

scorso ma hanno acquisito una 

sorta di imbarbarimento biologico 

culturale (la pittura è sempre più 

marginalizzata nelle mostre e musei 

cult e anche nella Biennale di Venezia. 

È da considerare che da tempo la 

pittura non ci fornisce prove nuove, 

convincenti e autonome per i percorsi 

di Storia dell’Arte). 

Si teorizza l’ambiguità dell’arte contemporanea 

che non può essere un 

fatto a sé stante, è il prodotto di correnti 

di pensiero, esperienze, creatività 

che si è andata sviluppando su 

movimenti che hanno le loro radici 

nel pensiero dei secoli precedenti. 

Si inventano nuove parole, nuove 

definizioni o accezioni di definizioni 

ripescate e riproposte come nuove 

per affermare che (“anch’io dico 

qualcosa”) sono spesso indice di un 

Ginger e Fred, Praga 

Museo d’Arte 

Contemporanea, Bilbao



36 

37 

Cupola del Reichstang, 

Berlino 

Ross L., Capsula alpina 

vuoto ideologico. 

Si è affermato che l’artista deve 

“confliggere con la realtà perché 

può agevolare un’azione di rottura 

con l’attuale stato delle cose”, 

“L’atto di creazione è per sua natura 

dunque libero, agisce sui processi di 

oggettivazione svincolandoli dall’io 

dogmatico” (T. Villani). Definire il 

nuovo spazio dell’arte senza ideologie 

per chiarificare il territorio 

su cui si muovono gli autori della 

produzione contemporanea, è caos. 

Attenzione, non c’è più, ad esempio, 

l’arte di protesta alla guerra del 

Vietnam che definiva un terreno di 

intervento degli artisti, non perché 

non ci siano più guerre, ma perché, 

caduta l’utopia socialista, completata 

l’egemonia del liberismo, le 

pratiche artistiche non hanno più un 

luogo deputato cui riconoscersi collettivamente, 

o se c’è, è compresso 

dalle leggi di mercato. 

Improvvisazioni, fantasia, spontaneismo, 

definizioni che si utilizzarono 

anche per definire le performance 

dei musicisti Jazz, ma nella loro 

espressione d’arte vi era il contenuto 

della loro storia, non nasceva dal 

vuoto ideologico. 

Il concetto di Opera d’Arte, nella 

contemporaneità, è un concetto erroneo. 

La parola Arte, con l’A maiuscola, 

si riferisce ad un concetto che 

ha dei contenuti specifici, un modo 

di lettura acquisito, un modo di relazionarsi 

con la Storia. Il concetto 

che questa parola ha nel mondo contemporaneo 

quasi sempre non corrisponde 

a queste definizioni, quindi è 

un’accezione erronea. Per questa ragione 

la produzione di opere, in gran 

parte potrebbe essere definita con le 

locuzioni: oggetti frutto di gioco, 

casualità, fantasia, populismo, produzione, 

spontaneismo. Questi possono 

essere i concetti dell’arte con 

cui si richiama al “contemporaneo”, 

gran parte degli autori italiani attuali. 

Il “contemporaneo” si manifesta 

come produzione senza libertà di 

ricerca autonoma che sia svincolata 

dalla tradizione, dal divenire storico 

e spesso senza concetti e idee ma 

solo come il “ripetitivo” di esperienze 

fatte nel secolo scorso. 

Alcune tendenze mostrano che dei 

percorsi d’arte sono andati, via, via 

adattandosi ai nuovi disvalori in gran 

parte prodotti dal liberismo esasperato, 

e da un egocentrismo egoistico 

che non valuta il concetto di solidarietà, 

disponibilità, legalità, eticità. 

Quasi sempre la ricerca verte sull’evoluzione 

formale personale ma 

basata su concetti di un secolo scorso, 

per cui è un ripercorrere antichi 

sentieri ormai già indagati e obsoleti. 

L’unica forma d’Arte del Contemporaneo 

che sembra non aver perso 

(o almeno ha ancora quel barlume 

di coscienza) l’A maiuscola è certamente 

in parte l’Architettura che 

per ragioni contingenti e pratiche 

è legata alla funzione per cui forma 

e contenuto hanno un richiamo 

alla “contemporaneità”. Es: il nuovo 

museo di Bilbao in Spagna, il ponte 

di Calatrava a Venezia, ecc…, dove 

il divenire della Storia favorisce una 

funzione estetica leggibile, legata 

alla funzione strutturale. Deludente 

invece la Biennale di Venezia del 

2008 sull’architettura dove, sembra 

prendere piede l’effetto Cinque 

Terre: telai in verticale, case torri 

e minispazi da molti euro al metro 

quadro. 

Il fatto che oggi si sperimentino 

nuove forme espressive di comunicazione 

è un arricchimento, ma 

siamo ancora ai primordi di nuove 

forme che dovranno maturare nel 

divenire. Si è parlato in un primo 

tempo, tanto per giustificare, di “impronte”, 

“testimonianze”, poi della 

bellezza delle “Contaminazioni”. 

È, a parer mio, necessario fare delle 

precisazioni altrimenti si rischia di 

finire in un ibrido di scarso valore 

e non otteniamo opere pregevoli: 

un quadro pregevole e una scultura 

ugualmente pregevole, se concepiti, 

assemblati come opera unica, 

daranno un’opera di scarso valore. 

Al contrario si è visto che, una cosa 

Ponte di Calatrava, 

Venezia 

Centro Paul Klee, Berna



38 

39 

Museo d’Arte 

Contemporanea 

(vista dal lago), Bilbao 

Interno della stazione 

ferroviaria, Lisbona 

nuova come le immagini in movimento 

e il sonoro, abbiano prodotto 

nuovi linguaggi e capolavori cinematografici. 

Significa che la “contaminazione” 

deve nascere da nuove 

forme/tecniche espressive diverse 

da quelle tradizionali altrimenti si 

cade in un “déjà vu” della Storia. 

Sono stati inventati questi nuovi/ 

vecchi neologismi: “Arte del Contemporaneo” 

“Testimonianze”, “Inquietudini”, 

“Avventura di viaggio”, 

“Installazioni” e “Contaminazione”. 

Sotto queste diciture si inquadrano 

tutte le manifestazioni della fantasia 

contemporanea, a parer mio, non necessariamente 

Opere d’Arte. Si sta 

ingenerando nuovamente tra molti 

“artisti” contemporanei il concetto 

romantico di un artista scapestrato, 

insofferente delle regole, privo di 

cognizione della Storia dell’Arte, 

con un pizzico di vertigine e un po’ 

di pazzia necessarie per la creatività. 

Sarà lo sconcerto dei tempi che 

viviamo che permea tutti indistintamente.È 

certo che molti giovani che 

sono usciti con i diplomi dalle Scuole 

d’Arte e dalle Accademie dimostrano 

una bassa conoscenza culturale e 

una forte impronta che esaltano solo 

la dimensione interiore e l’emotività 

più che una linea legata a un’idea. 

Oggi è il “tempo delle inquietudini” 

e ognuno è depositario di un concetto 

di Arte, ma è bene pensare che 

ogni “Artista” percorre due strade: 

la prima è il suo percorso personale 

che, se lo appaga e lo gratifica, è positivo. 

La seconda, è quando espone 

pubblicamente i suoi lavori e deve 

fare i conti con la Storia dell’Arte. 

Oggi ampi spazi sono riempiti di 

“Artisti” senza motivazioni o ideali. 

È necessario che un’Arte abbia un 

senso. Lascerà una traccia solo chi 

saprà inserirsi nelle problematiche 

del nostro tempo. 

L’ARTE 

CONTEMPORANEA 

NELLA SCUOLA: 

PERCHÈ E COME 

città e alle scuole, questa grande opportunità: 

La connessione con i luoghi 

deputati delle opere o del patrimonio 

artistico diffuso sul territorio 

che permette di attivare innumerevoli 

approfondimenti e percorsi attraverso 

approcci e metodi che le stesse opere 

d’arte sono in grado di suscitare. 

Quando si è a scuola nel ruolo di docente, 

da dove si parte per proporre un’attività 

didattica riferita all’arte contemporanea? 

Come si fa a realizzarla? 

Per quanto mi riguarda ho sempre 

pensato e sostenuto che certe esperienze 

nella scuola si devono proprio 

fare, e due sono stati gli “avvii” e, all’inizio, 

estranei alla scuola. Il primo, 

una serie di importanti eventi culturali 

offerti a Pontedera tra il 2004 e il 

2006: il tessuto urbanistico della città 

si stava facendo “museo all’aperto” 

con installazioni di grandi sculture 

permanenti 

come quelle 

poste sulle “rotonde” 

o in luoghi 

diversi della 

città come le 

Panchine d’Autore 

e il Muro 

di Baj lungo 

la ferrovia, ma 

anche con installazioni 

effimere 

di grande 

suggestione. Ho 

partecipato con 

grande impatto 

emotivo a questi 

eventi, prima 

di tutto come 

persona interessata 

all’arte 

contemporanea. 

Il secondo “avvio” 

mi ha portato 

a studiare 

e approfondire 

questi percorsi 

contemporanei 

dell’arte quando 

decisi di propordi 

Anna Ferretti / Foto Marco Bruni 

“Non è possibile capire l’arte del passato 

se non si capisce l’arte del proprio tempo” 

G .C. Argan 

Mettere come obiettivo didattico 

la possibile educazione 

attraverso l’arte è un 

compito istituzionale importante che 

avvia un processo in cui è necessario 

stringere delle alleanze formative 

con enti presenti sul territorio. La 

città di Pontedera grazie alla sensibilità 

del sindaco Paolo Marconcini e 

dell’Assessore alla Cultura Daniela 

Pampaloni, da anni sta offrendo alla 

ANNA FERRETTI 

È nata a Pisa il 06 gennaio 

1960 e vive a Capannoli. 

Insegna dal 1987 materie 

artistiche nella provincia di 

Pisa e dal 2001è docente di 

disegno e storia dell’arte all’Istituto 

Superiore “XXV 

Aprile” liceo scientifico 

di Pontedera. Si è sempre 

interessata all’arte e ha 

partecipato a varie mostre 

collettive e personali, come 

scultrice su metallo. Da 

diversi anni si dedica allo 

studio di progetti contro la 

dispersione scolastica, favorendo 

l’inserimento dell’arte 

contemporanea nelle 

scuole superiori, realizzando 

laboratori multimediali 

con artisti di chiara fama. 

Nel 2002 è stata referente 

di rete e coordinatrice 

del progetto per l’obbligo 

formativo “Costellazioni” 

Provincia di Pisa, Ministero 

del lavoro. Nel 2003 

è stata referente di Rete e 

coordinatrice del progetto 

Costell@zioni didattica e 

nuove tecnologie Regione 

Toscana e insegnante referente 

di “Storie di minori 

a rischio”, progetto pilota 

d’informazione sui nuovi 

bisogni giovanili proposto 

dalla Fondazione Sipario 

Toscana di Cascina. 

Nel 2004 è stata referente 

di Rete e coordinatrice 

del progetto per l’obbligo 

formativo “Costellazioni” 

anno II. Provincia di Pisa, 

Ministero del Lavoro. 

(continua) 

FiloTape, 2005 

Laboratorio 

con Lorenzo Pezzatini



40 

41 

Nel 2005-2006-2007-2008, 

in particolare, ha collaborato 

insieme all’Assessore 

alla cultura e pubblica istruzione, 

Daniela Pampaloni, 

progettando e coordinando 

i “laboratori di Espressione 

Creativa”: Arte contemporanea 

nelle Scuole Superiori 

di Pontedera - Progetto 

integrato di area della 

Valdera- Provincia di Pisa, 

Regione Toscana-, che ha 

visto la realizzazione di 

percorsi culturali di qualità 

con la partecipazione 

di artisti come: Lorenzo 

Pezzatini, Stefano Tonelli, 

Paolo Grigò, e Nado Canuti. 

Esperienze documentate 

e pubblicate nella collana 

“diritto all’arte” edizione 

Morgana Firenze. 

Presi per mano, 2006 

Laboratorio 

con Stefano Tonelli 

ha nell’educazione. Non si tratta solo 

di un contenuto da apprendere, ma di 

una proposta di esperienza da elaborare 

ed interiorizzare. La trasmissione 

culturale, per essere veramente tale, 

esige che se ne possa fare realmente 

esperienza. Fare per capire. 

L’ arte contemporanea secondo il mio 

punto di vista, è espressione integrale 

di pensiero, ambito di riflessione 

su quanto avviene nella sfera sociale 

e nel contesto in cui l’artista si trova 

ad operare: gli artisti con le loro 

opere parlano della società, esprimono 

questioni, preoccupazioni, istanze 

dell’attualità, quelle stesse di cui parliamo 

noi, di cui scrivono i giornali. 

L’arte quindi non è legate alla decorazione, 

al lusso,né va considerata 

come un divertimento per il tempo 

libero, ma è qualcosa di sostanziale, 

è legata a una ricerca di senso, a percorsi 

mentali nuovi, soprattutto a una 

lettura del presente. 

Trovandomi spesso ad interpellare i 

ragazzi di varia età, paradossalmente, 

malgrado la scarsissima o nulla 

conoscenza dell’arte contemporanea, 

molti di essi risultano già impregnati 

di preconcetti negativi. Per esempio 

si esprimono attraverso osservazioni 

come “ ma questa non è arte”, o 

“ma è dipinto male”, o “ ma quanre 

una visita guidata ai miei allievi 

della classe di maturità della V A del 

liceo scientifico. Pensavo che la visita 

per la città mi avrebbe permesso 

di introdurre una nuova esercitazione 

sul campo che affiancasse il tradizionale 

programma di storia dell’arte per 

far comprendere la funzione perturbatrice 

dell’arte contemporanea che 

non è soltanto ricerca dell’armonia e 

conciliazione degli opposti. 

Tuttavia, nella scuola sono necessarie 

condizioni favorevoli perché le cose 

avvengano e si verifichino. Per questo, 

in collaborazione con l’Assessore 

alla Cultura, l’editore Alessandra 

Borsetti Venier e la sottoscritta abbiamo 

costruito questi nuovi “percorsi” 

istituzionalizzati, documentati, e 

successivamente pubblicati. 

Il patrimonio artistico è un’eredità 

viva che permette di mettere in 

contatto le generazioni, acquistando 

continuamente nuovi significati. 

Per questo occorre conoscerlo e 

comprenderlo, ma ciò non avviene 

solamente attraverso lo studio delle 

diverse metodologie di indagine e di 

analisi, né solo attraverso lo studio 

della storia dell’arte. Il discorso che 

mi ripropongo di fare, quindi, non 

riguarda in prima istanza la didattica 

dell’arte, ma la funzione che l’arte 

ve e ognuno è in cammino. A scuola, 

invece, si seguono percorsi stabiliti, 

e codificati in programmi condivisi 

con i colleghi della materia o del 

consiglio di classe. Questa meticolosità 

dei programmi spesso si “scontra” 

con la casualità quotidiana degli 

eventi che la città offre: un articolo di 

giornale, uno spettacolo teatrale, un 

film, una mostra, possono spostare 

imprevedibilmente l’attenzione, rendendo 

la didattica e le lezioni talvolta 

molto più stimolanti e vivaci. E sta a 

noi docenti saper cogliere queste intuizioni 

lasciandoci anche trasportare 

dalla curiosità e dalle reazioni degli 

studenti. 

Per queste ragioni ho ritenuto e ritengo 

fondamentale favorire un accesso 

più diretto e concreto possibile all’arte 

contemporanea; l’incontro diretto 

con l’artista, l’esperienza dell’opera, 

la visita alla mostra, possono essere 

strumenti didattici efficacissimi. 

Queste esperienze nelle scuole superiori, 

con gli adolescenti, sono state 

veramente degli strumenti didattici 

efficaci che hanno combattuto la dispersione 

scolastica offrendo stimoli 

culturali di qualità. Iniziate nel 2005 

con“ Forse Immagini L’Oggetto” laboratorio 

progettato insieme all’artista 

Lorenzo Pezzatini che ha cointo 

costa” o ancora “non è bello non 

vorrei averlo a casa mia…” Queste 

osservazioni sono frutto di una serie 

di stereotipi recepiti dall’esterno. Chi 

si chiederebbe di fronte ad un opera 

d’arte antica, se è “fatto bene”, 

e chi si chiede veramente davanti 

ad un’opera antica “cosa significa”. 

Questi preconcetti negativi secondo 

me si possono smontare immediatamente 

nel momento in cui ci rendiamo 

conto che l’arte, come la cultura 

in generale, è legata, non tanto alla 

piacevolezza di una forma, né ad un 

aspetto decorativo, ma soprattutto ad 

una interrogazione su cosa sia la nostra 

realtà. Ed ecco allora che per i 

giovani diventa facile avvicinarvisi. 

Basta non mettere filtri tra i ragazzi e 

il fare artistico, perché l’arte contemporanea 

è il nostro presente ed è un 

linguaggio comprensibile; e se i ragazzi 

si avvicinano all’arte in modo 

diretto, spontaneo, non influenzato 

da luoghi comuni, come è successo 

in questi laboratori, l’approccio sarà 

senza dubbio positivo. 

L’arte contemporanea infine, offre un 

ambiente ideale per imparare. Pone 

l’insegnante e lo studente sullo stesso 

piano perché entrambi sentono la necessità 

di imparare insieme, dato che 

nell’arte non ci sono risposte definiti- 

Officina Canuti, 2007. 

Il Maestro Nado Canuti 

con i ragazzi



42 

43 

Officina Canuti, 2007 

volta individuato il luogo - l’ex acciaieria 

in via Turati - subito è stato 

trasformato in una suggestiva officina 

dove quaranta studenti del Liceo 

Scientifico, tutti i lunedì pomeriggio, 

coordinati dalla sottoscritta, si sono 

“animati” insieme all’artista Canuti 

e a Stefano Stacchini, dando il via a 

qualcosa di veramente unico e sorprendente! 

Mentre la mattina circa 

200 studenti delle scuole medie frequentavano 

il laboratorio. 

Il progetto del 2008 “Racconti d’argilla,…segni…orme…impronte…di 

percorsi di pace”, ha visto impegnati 

quaranta studenti del liceo e dell’istituto 

commerciale di Pontedera. 

Progetto proposto dalla sottoscritta, 

sviluppato in sinergia con la prof.ssa 

Roberta Giglioli, diretto dall’artista 

Paolo Grigò, si è sviluppato partendo 

dai segni comunicativi dei ragazzi, 

giungendo alla realizzazione di 

opere in argilla suggerite dall’analisi 

di questi segni che sono il loro linguaggio, 

il loro modo di comunicare, 

le loro emozioni, il loro “diario”, 

attraversati dal tema della Pace. Per 

questo anno scolastico abbiamo in 

progetto una nuova esperienza diretta 

dall’artista Ugo Nespolo che si chiamerà 

“Laboratorio senza segreti” 

Il mio sogno-bisogno è quello di imvolto 

una classe dell’ultimo anno del 

liceo scientifico di Pontedera; con 

“Presi per mano”, laboratorio realizzato 

insieme a Stefano Tonelli, artista 

che non ha portato un progetto, ma 

stimoli dettati dalla passione per l’arte, 

per il lavoro, e per le nuove generazioni. 

Insieme a quaranta ragazzi 

del liceo e dell’istituto professionale 

di Pontedera, due situazioni completamente 

diverse, abbiamo trovato una 

occasione culturale per incontrarsi e 

dialogare. L’esperienza del 2007 ci 

ha visto coinvolti nel grande progetto 

“Officina Canuti” con l’artista Nado 

Canuti. Questo evento non poteva 

passare inosservato! L’artista Nado 

Canuti stava “contaminando” con 

le sue opere i luoghi di Pontedera, 

Ponsacco, Palaia, e Lajatico, dando 

nuova luce alle piazze, agli edifici, e 

a buona parte del tessuto urbano del 

territorio. Questo evento non poteva 

rimanere fuori dalla Scuola ma essere 

utilizzato nella pratica didattica in 

modo costruttivo. 

Così è nata la proposta di coinvolgere 

l’artista Canuti in un percorso che 

prevedesse - come era stato già fatto 

nelle due esperienze precedenti - la 

realizzazione di un laboratorio dove 

l’artista agisse, nel processo creativo 

di un’opera, insieme ai ragazzi. Una 

mettere nella scuola tutto questo, con 

pari considerazione rispetto agli altri 

insegnamenti del curricolo scolastico. 

La scuola, un’officina dei saperi e 

laboratorio del futuro per eccellenza, 

grazie anche a docenti “sognatori”, 

nella città di Pontedera e nei Comuni 

della Valdera, ha finalmente dato 

via ad un grande progetto innovativo 

che non considera l’arte di un tempo 

e quella di oggi solamente un esercizio 

formale, ma piuttosto una viva 

e mobile espressione del contesto, 

capace di modificarsi in ragione dei 

cambiamenti del mondo, accogliendo 

e ascoltando le nuove generazioni che 

proprio con il loro continuo divenire 

ci insegnano crescendo, quanto nella 

vita tutto scorre e si rinnova, modificando 

il senso delle idee e la forma 

delle cose. Ora mi rivolgo soprattutto 

ai genitori di questi ragazzi, ai cittadini 

della Valdera e ai loro figli che 

frequentano queste scuole e voglio 

sottolineare il valore di questa grande 

opportunità, perché in modo intelligente, 

divertente ha dato il via ad una 

scuola d’utopia. Anche io mi sono ricordata 

che ancora credo nell’utopia e 

non per nostalgie romantiche, ma perché 

l’utopia è un bisogno fisiologico 

dell’uomo, una necessità corporea e 

tangibile in ognuno di noi. E mi chie- 

do: ma davvero vogliamo consegnare 

a questi ragazzi un mondo fatto di bar, 

aperitivi alcol, droga, violenza, isolamento, 

televisione spazzatura? Qui a 

Pontedera, grazie alla sensibilità dell’Assessore 

alla Cultura, abbiamo fatto 

una scommessa : una scuola di utopia, 

che non significa nessun luogo, ma - e 

sopratutto -, un luogo altro, un luogo 

che insegna a nutrire un sogno di un 

futuro nuovo, praticabile percorribile 

e realizzabile, un luogo in cui il cambiamento 

sia possibile, dove ognuno, 

praticamente concretamente, a partire 

dai bambini, possa credere che è possibile 

cambiare, che è possibile inseguire 

la speranza, realizzare se stessi, 

crescere,vivere nel pieno senso della 

parola. Insieme a loro, alla tribù degli 

annoiati, come io li chiamo,degli inquieti, 

degli smaniosi, dei “mutanti”. 

E direi che ci siamo riusciti vedendo 

tutto questo. 

Questi ragazzi che sono venuti e che 

sono ritornati, hanno saputo raccontarci 

che non tutto è perduto che si 

può ancora sognare, e ce lo hanno 

detto creando questa occasione di 

scambio dove si sono veramente 

rivelati, creando vicinanze inaspettate. 

Insieme abbiamo riconosciuto 

utile la cosa più inutile del mondo: 

l’ARTE. 

Laboratorio di ceramica 

con Paolo Grigò, 2008

Centro di Documentazione Fotografica 


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MARIO MANNUCCI 

Mario Mannucci si è laureato 

in lettere e dopo brevi esperienze 

da insegnante decise 

di tentare la grande avventura 

nel giornalismo locale diventando 

alla fine degli anni ‘70 

il primo giornalista professionista 

in attività a Pontedera. 

Al lavoro quotidiano nel 

campo della cronaca politica, 

sportiva, sociale e purtroppo 

“nera”, Mario Mannucci ha 

sempre unito un interesse per 

la storia, sia quella “classica” 

sia quella locale. E poiché 

i fiumi sono per Pontedera 

l’elemento essenziale di una 

storia millenaria, ecco recentemente 

l’idea che riportare 

la gente sull’Arno sarebbe 

stato un grosso contributo 

alla riscoperta della vera prima 

identità cittadina. Da qui 

nasce l’esperienza del battello 

subito sposata dal sindaco 

Paolo Marconcini e corredata 

da un successo popolare in 

proporzioni superiori alle 

aspettative. 

IL BATTELLO FLUVIALE 

ANDREA DA PONTEDERA 

di Mario Mannucci / Foto M. L. 

Chi sa quante volte il nostro 

Andrea si sarà specchiato e 

bagnato in Arno, che sicuramente 

avrà solcato su barche e navicelli... 

La storia non ce ne tramanda 

notizie, ma vederlo imbarcare o sbarcare 

al porto fluviale di Pontedera è 

quantomeno immaginabile. Dunque 

verosimile. Ebbene, Andrea da Pontedera, 

il grande nostro artista che ci 

guarda dal centro della piazza a lui 

vigazione fluviale 

nel più 

grande, ma dimenticato, 

fiume 

di Pontedera. 

Provocando 

una reazione 

così positiva 

da parte della 

p o p o l a z i o n e 

che furono necessari 

i vigili 

urbani e i biglietti 

a numeri 

progressivi, 

come alla Usl 

o al supermercato, 

per regolare 

in qualche 

modo le file ai 

due attracchi. 

Realizzati in 

fretta e furia al 

porto fluviale 

di Pontedera 

e al neonato 

parco fluviale 

della Rotta. 

85 le escusioni 

nell’arco di 

una settimana, 

per un totale 

di 5000 escursionisti 

saliti 

a bordo, ma 

con altre migliaia 

di persodedicata 

(che però conserva anche 

un secondo nome) solcherà l’Arno 

col suo battello a motore. Sarà infatti 

intitolato ad Andrea il natante a vocazione 

turistica che dopo il grande 

successo nella settimana sperimentale 

del settembre scorso tornerà la 

primavera prossima a Pontedera, per 

restarci assai più a lungo rispetto alla 

prima esperienza, e forse per prendervi 

la residenza definitiva. L’intitolazione 

ad Andrea è un’idea del 

sindaco Paolo Marconcini, che insieme 

ad altri (fra cui l’autore dei queste 

note, poi guida turistica a bordo) 

ebbe la prima idea di riportare la na-



ne rimaste escluse perchè non se la 

sentivano di far file lunghe due ore. 

Un successo per cui la parola travolgente 

non è esagerata, mentre i suoi 

motivi sono al tempo stesso semplici 

e complessi. Il perchè di un interesse 

così massiccio per una escursione 

da cui, per fare un esempio, si scorgeva 

soltanto una villa di campagna 

(sulla bella collina del Bufalo, verso 

ponte alla Navetta) mentre i palazzi 

pontederesi in vista alla partenza o all’arrivo 

non sono certo da classificare 

come attrazioni artistiche o di storia 

altolocata, è da ricercare prima di tutto 

nella riscoperta di un fiume, che fu 

padre e che poi era diventato patrigno. 

Di un luogo, che da una trentina d’anni 

era stato cancellato dalla memoria 

dei pontederesi perchè l’inquinamento 

che lo aveva ucciso ne veva ucciso 

anche la memoria. Ma è bastato mostrare 

ai primi escursionisti un Arno 

tornato bello, maestoso e ricco di vita, 

per innescare il classico passaparola 

— per fortuna, resiste anche in tempi 

di internet — da cui è derivato l’assalto 

quotidiano al battello. Si cominciò 

con un’escursione riservata alle autorità, 

ma centinaia di persone erano 

già ad attendere il battello alla Rotta 

per applaudirlo e per «pretendere» 

l’aumento delle corse e dei giorni in 

modo da soddisfare tutti. In questo 

meccanismo hanno giocato anche i 

tempi della storia. I famosi corsi e 

ricorsi, arrivati al momento in cui 

tutti si sono ricordati dei racconti 

di nonni, babbi e mamme. sui bagni 

d’Arno che hanno resistito fino agli 

anni Sessanta. Sentendosi travolgere 

dalla nostalgia di un tempo per qualcuno 

perduto e per altri mai vissuto 

ma acquisito nell’anima attraverso 

la voce di persone care. Un mix 

di successo che viene da lontano e 

dall’anima. L’anno prossimo sarà il 

momento della verifica. Ma ci sono 

già idee per arricchire, migliorare e 

allargare le escursioni. E l’idea di dedicare 

al battello d’Arno ad Andrea da 

Pontedera è già un ottimo inizio. 

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Alessandro Salvini 

SALVINI 

FOTOGRAFO IN VALDERA 

di Alessandro Salvini 

Sono nato nel 1961 a Santo Pietro 

Belvedere un paese della 

Vald’Era in provincia di Pisa 

dove tutt’ora risiedo. Ho iniziato a 

fotografare nel 1986, acquistando una 

Yashica manuale e dedicandmi a tutto 

quello che poteva essere la fotografia. 

Sono sempre stato affascinato dalla 

natura, e così dal 90 mi dedico esclusivamente 

a questo tipo di foto. Sempre 

nel 90 con alcuni amici e l’appoggio 

dell’asociazione AVIS di S. Pietro 

abbiamo dato vita a un concorso fotografico 

esclusivamente di natura. Il 

concorso “FOTONATURA”è durato 5 

anni, risquotendo un grande successo 

a livello nazionale. Finita l’esperianza 

del concorso sono diventato socio 

del 3C Silvio Barsotti di Cascina e mi 

sono iscritto alla FIAF. Intanto dopo 

i primi ritratti agli animali, mi sono 

sempre più dedicato per cercare di 

conoscerne anche il comportamento, 

e quindi cercare di fermarne con un 

clik le gesta e i rituali tipiche di quella 

specie. Le mie foto sono il frutto di 

molta osservazione e di lunghe attese, 

e tutto questo sempre in luoghi vicino 

a dove abito. Oggi scatto esclusivamente 

in digitale. 

Per i numerosi successi in campo internazionale 

sono stato insignito dell’onoreficenza 

AFIAP. Ho fatto parte 

della selezione nazionale che ha partecipato 

alla coppa del mondo natura 

fiap del 2006 dove ci siamo laureati 

campioni del mondo e, quest’anno abbiamo 

replicato il successo. Quest’anno 

mi sono laureato anche Campione 

Italiano di fotografia naturalistica. 

Dicono di me... Grande amante della 

natura e vero Fotonaturalista ci ha 

abituato ad immagini perfette e scatti 

irripetibili, mai scontati o banali, i suoi 

soggetti non sono gli animali della savana 

Africana o delle montagne Americane, 

ma molto più semplicemente 

quelli delle “sua “ Toscana, che riesce 

sempre a ritrarre, esaltandone ogni pur 

piccolo particolare. 

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Il “Logo” del 40° Truciolo 


1° Truciolo 1969: Luciano 

Monticelli “L’Uomo dei 

dolori” 

9° Truciolo 1977: Bruno 

Dalle Carbonare “La casa” 

I PRIMI 40 ANNI DEL 

“TRUCIOLO D’ORO” 

di Enzo Gaiotto (BFI-AFI) 

Quaranta anni pensandoci bene 

sono parecchi, specialmente 

se vissuti da una manifestazione 

nata in sordina per il volenteroso 

impegno di alcune persone residenti a 

Cascina affette dal “mal di fotografia”. 

Il lavoro di quei caparbi appassionati 

è passato nel futuro come il testimone 

di una staffetta che ha inanellato, senza 

mai fermarsi, ben quaranta giri nella pista 

accidentata del tempo. 

Ciò che sorprende, a proposito di un 

concorso come il “Truciolo d’Oro”, è 

la sua vitalità continuamente rafforzata, 

malgrado abbia ormai raggiunto la mezz’età 

con gli inevitabili acciacchi fisiologici 

dovuti al passare delle stagioni. 

Alla sua nascita il Concorso venne battezzato 

“Truciolo d’Oro” in omaggio 

allo scarto del legno piallato, essendo 

Cascina la patria del mobile di qualità. 

Di sicuro non poteva chiamarsi diversamente, 

questo trofeo fatto dalle mani di 

un orafo arricciolando una duttile lamina 

di oro zecchino. 

La storia del “Truciolo” ebbe inizio 

nel ’69, due anni dopo la fondazione 

del “3C”, avvenuta nel ’67. L’interesse 

delle prime due edizioni del Concorso 

venne focalizzato sulle stampe in bianco 

e nero dedicate a raccontare il legno 

e i suoi artigiani. Nell’occasione fu istituito 

anche il tema libero per stampe 

monocromatiche al fine di permettere 

la partecipazione dei fotografi che non 

frequentavano temi obbligati. Il primo 

“Truciolo” se lo portò a casa il cascinese 

Luciano Monticelli, che fotografò il 

viso di Gesù scolpito in un blocco di legno 

abbandonato in un buio scantinato. 

L’anno successivo il trofeo fu appannaggio 

di Enzo Conti, altro autore di casa, 

che presentò una sequenza di quattro 

stampe che sorprendevano un artigiano 

impegnato a modellare un angelo da un 

cilindro di legno. 

Proprio alla fine di quelli anni ’60 un 

nuovo fermento animava la società: in 

giro si respirava desiderio di cultura, voglia 

di fare, di creare. Le comunicazioni 

raggiungevano ogni angolo di mondo e 

le notizie appartenevano subito a tutti. 

Anche la fotografia amatoriale italiana 

avvertiva l’onda lunga del cambiamen- 

corso i soci del “3C” presero ad affermarsi 

sempre più nel vasto panorama 

della fotografia nazionale. Le loro immagini 

conquistavano apprezzamenti 

rivelando sorprendenti e innovative 

capacità realizzative. Il Circolo seppe 

autodotarsi di una scuola severa e coerente, 

ma anche appagante, alla luce dei 

successi raggiunti. 

Il “Truciolo d’Oro” intanto proseguiva 

il proprio cammino calamitando i fotoamatori 

italiani, rassicurati dalla serietà 

e l’efficienza del “3C”. Tutti i nomi più 

referenziati hanno detto la loro al Concorso 

cascinese, insieme ai tanti debuttanti 

nella fotografia che si sono affidati 

con fiducia alle giurie del Concorso. Il 

“Truciolo” ha contribuito a scoprire e 

valorizzare talenti sconosciuti che proprio 

da Cascina hanno preso il via verso 

traguardi ritenuti impensabili. 

In così tanti anni hanno vinto il “Truciolo 

d’Oro” Giorgio Tani, Nando Casellati, 

Franco Salgarelli, Italo Di Fabio, 

Bruno Dalle Carbonare, Umberto Nave, 

il Gruppo Quattro di Torino, Mario Marsilia, 

Giancarlo Baldi, Paolo Fontani, 

Sergio Pampana, Giulio Veggi, Mario 

Stellatelli, Giorgio Rigon, Angelo Palto: 

le fiamme di Jan Palach, le esplosioni 

e le stragi italiane, i concerti di Woodstock 

e dei Rolling Stones, le guerre, 

gli eccidi, il terrorismo. Avvenimenti di 

natura diversa che segnavano mutamenti 

radicali che avrebbero impresso un 

corso diverso alla storia dell’umanità. 

In questo clima di mutamenti il “Truciolo 

d’Oro” spiccava il volo. Nel ’70 

il Concorso si apriva anche alle stampe 

a colori e nel ’74 alle diapositive, 

spalancando le porte ai fotografi che si 

esprimevano usando materiali sensibili 

diversi. Nel ’74 il “Truciolo” dette l’addio 

al tema del legno e dell’artigianato. 

Parecchi anni dopo, nel ’96, si aggiunse 

al “Truciolo” la sezione “Reportage, 

Racconto, Sequenza, Portfolio” per 

accogliere espressioni fotografiche di 

ampio respiro creativo. Il fotografo, in 

questo caso, si trasformava in sceneggiatore, 

operatore e regista del proprio 

progetto narrativo. 

Il merito di questi e altri cambiamenti 

fu in gran parte di Silvio Barsotti, eletto 

nel ’72 presidente del “3C”, una persona 

dalle grandi doti organizzative e artistiche. 

Parallelamente al crescere del loro Con- 

In basso: 

15° Truciolo 1983: Paolo 

Fontani “Pensieri Lontani” 

Il Truciolo d’oro 

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La premiazione, 

dal parte del Sindaco 

di Cascina Moreno 

Franceschini, 

di Andrea Onofri, 

38° Truciolo d’Oro 

25° Truciolo 1993: Paolo 

Mancinelli “ La sorpresa” 


39° Truciolo 2007: Mario 

Spalla “Still Life in Light 

Painting” 

23° Truciolo 1991: Claudio 

Calvani “Il salto” 

mesi, Andrea Grande, Enrico Patacca, 

Claudio Calvani, Giovanni Brighente, 

Ivo Demi, Roberto Rossi, Giorgio Bertoncello, 

Gianni Mantovani, Fabio Gherarducci, 

Roberto Alderighi, Fabrizio 

Tempesti, Diego Speri, Andrea Onofri, 

Spalla Mario e Valerio Perini. Autori di 

ogni parte d’Italia, appartenenti a circoli 

dalle diverse culture e formazioni. 

Aprendosi alle positive tendenze innovative, 

il Concorso cascinese è anche 

rimasto fedele alle regole formali di cui 

la fotografia ha bisogno per esprimersi 

al meglio, riuscendo, in certi casi, ad 

annullare la separazione che contraddistingue 

il documentarismo dalla composizione 

artistica delle immagini. 

Il cambiamento epocale del “Truciolo” 

avvenne nel ’99, quando Silvio Barsotti 

e alcuni soci di ampie vedute proposero 

di far nascere, da una costola del Concorso 

tradizionale, il “Pixel d’Oro”, manifestazione 

riservata ad immagini digitali. 

In Italia un paio di associazioni del 

nord Italia, affiliate alla FIAF, emettevano 

i primi vagiti in questo senso, visto il 

dilagare dei sistemi informatici applicati 

alla fotografia. Le immagini non si imprigionavano 

più sullo strato sensibile 

della pellicola, ma nella memoria di un 

sensore digitale. La tecnologia permetteva 

di poter trattare e conservare con 

una certa facilità le foto scattate. 

È singolare constatare che il 40° anniversario 

del “Truciolo” si sovrappone 

con il 10° anno di vita del “Pixel”, Concorso 

frequentato da fotografi che possono 

partecipare inviando a Cascina le 

proprie immagini tramite Internet, oppure 

su CD-Rom. 

Per il “Truciolo d’Oro” il passare 

degli anni si è dimostrato una buona 

medicina: nel succedersi delle edizioni 

qualcosa si è sempre modificato in 

meglio. Le prime mostre furono allestite 

nel salone della “Mostra Permanente 

del Mobilio”, successivamente 

nel foyer del “Teatro Nuovo” per poi 

usufruire delle sale multimediali del 

“Teatro Politeama”. Ogni esposizione 

è sempre stata supportata da adeguato 

allestimento per presentare nel migliore 

dei modi le 

immagini ammesse 

e premiate dalle 

giurie. Le proiezioni 

su grande 

schermo, prima 

delle diapositive e 

poi dei files digitali, 

sono state corredate 

da originali 

colonne sonore 

stereofoniche. 

Ogni “Truciolo” 

ha riscosso successo 

e il Concorso 

di Cascina 

è divenuto sinonimo 

di incontro 

e partecipazione a 

cui non mancare. 

Questo grazie anche 

all’interesse 

mostrato dall’Amministrazione 

Comunale 

che sin 

dalla prima edizione 

contribuisce 

a finanziare l’iniziativa, 

seguendo 

con interesse costante 

il lavoro del 

“3C”. 

Nel 2004 il Presidente 

Silvio Barsotti 

fu costretto 

dal destino ad abbandonare 

il cammino 

del “Trucio- 

lo d’Oro” non senza aver prima dettato 

ai suoi “ragazzi” le coordinate per 

proseguire il viaggio intrapreso tanto 

tempo prima. Nell’edizione di quell’anno, 

la 36ª, Barsotti, degente in clinica, 

parlò in collegamento telefonico 

con la sala gremita in occasione della 

premiazione. La sua voce, sempre sicura 

e profonda, quel pomeriggio tradì 

commozione e rammarico per non 

essere presente. 

Per i molti fotografi, le personalità e 

gli appassionati quello fu il suo ultimo 

saluto. 

L’allestimento, al Teatro 

Politeama, di una sala 

del “Truciolo” 

Sotto: 

40° Truciolo 2008: Valerio 

Perini “Anta”



SIMONE STEFANELLI 

Simone Stefanelli è nato a 

Lucca, classe 1973, Vive da 

sempre a Ponsacco. 

Fotografo professionista dal 

2004 collabora con l’agenzia 

Emblema di Milano.. 

Ho realizzato servizi in Darfur 

(Sudan), Haiti, Nicaragua, 

Senegal, Mali, Estonia, 

Lettonnia e Lituania, Bielorussia, 

Burkina Faso, Kenia, 

Israele, Palestina e Striscia di 

Gaza oltre a coprire eventi a 

livello Nazionale. 

Le mie foto sono state stampate 

su numerosi settimanali 

quali Panorama, Oggi, Gente, 

Specchio, Diario, Nigrizia, 

Carta, Vita, 30Giorni Popoli e 

quotidiani a livello Nazionale 

come La Stampa, Quotidiano 

Nazionale, Il Giornale etc.. 

Nel 2005 alla Sorbona di 

Parigi sono stati esposti alcuni 

scatti tratti dal reportage 

realizzato in Darfur, in una 

collettiva, insieme a quelli di 

grandi fotoreporter di guerra. 

Le immagini realizzate 

nella Striscia di Gaza e in 

Israele, per conto della cattedra 

Unesco per la Pace 

dell’Università di Firenze 

saranno utilizzate per illustrare 

una serie di volumi 

sulla cultura della Pace. 

www.simonestefanelli.com 

SIMONE STEFANELLI 

FUNERALE A GAZA 

di Simone Stefanelli 

Le immagini, sono una breve 

selezione di un ampio lavoro 

realizzato tra Marzo e Aprile 

di questo anno per la Cattedra UNE- 

SCO in Sviluppo Umano e Cultura di 

Pace dell’Università di Firenze diretta 

dal Prof. Paolo Orefice che mi ha 

incaricato di svolgere una ricerca dei 

saperi locali, tangibili e intangibili, 

delle differenti culture Isareliana e 

Palestinese coinvolte nel decennale 

conflitto. Ho passato quasi due mesi 

in giro tra i due “ Paesi “, cercando 

di cogliere nascoste somiglianze e 

evidenti differenze. Quando sono 

riuscito ad entrare nella Striscia di 

Gaza ho avuto la sensazione di trovarmi 

in un’irrealtà dei nostri giorni 

e non ho potuto che concentrarmi su 

quel che succedeva. Un quotidiano 

fatto di manifestazioni più o meno 

spontanee, violenze, rassegnazione e 

speranza il tutto ripetuto giorno dopo 

giorno dove l’unica strada che si crede 

percorribile sia quella armata. 

A circa un anno e mezzo dall’ascesa 

al potere di Hamas e all’avvicinarsi 

dello scadere dei sei mesi di tregua 

firmata tra il partito islamico e il 

governo israeliano, un viaggio tra i 

detenuti della più grande prigione a 

cielo aperto del mondo. 

Quotodianamente Gaza 

La striscia di Gaza è poco più di un 

fazzoletto di terra, quarantacinque chilometri 

per nove. Un milione e quattrocentomila 

persone stipate all’inverosimile. 

Gli Israeliani non possono 

entrare. I palestinesi non possono uscire, 

fatte rarissime eccezioni. Entrano 

solo stranieri con un permesso speciale 

del governo di Tel Aviv, rilasciato 

con non poche difficoltà a giornalisti 

e operatori delle agenzie umanitarie. 

Si accede alla striscia solo dal valico 

di Erez, un tunnel blindato lungo un 

paio di chilometri dove le voci degli 

altoparlanti ti guidano svogliate verso 

quello che loro chiamano inferno. Una 

striscia di terra circondata su tutti i lati, 

da una parte il mare, dall’altra muri e 

filo spinato segnano il confine. Uno 

dei luoghi più densamente popolato 

del mondo. 

Un’enorme prigione a cielo aperto. 

Le strade sono piene di bambini che 

con la loro innocente immaginazione 

scambiano le azioni di guerriglia in 

un gioco collettivo, una sorta di guardie 

e ladri dove non si vince niente, 

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Un ringraziamento speciale 

a Massimo Adduci che ha 

curato la stampa delle fotografie 

e la realizzazione del 

video. Post produzione di 

Claudio Carbonetta 

Nella pagina seguente: 

Invocando Halla, 

Il valore di un simbolo 

Contro tutti



il premio più ambito è tornare a casa. 

Una vita rinchiusi in un grande parco 

dove non ci sono giardini per giocare 

ma strade tappezzate di cartelloni, 

murales e fotografie dove gli AK 47 e 

RPG fanno da scettro per i martiri in 

posa. Va da se che durante gli scontri, 

i più grandi se ne stiano in prima 

fila a guardarsi lo spettacolo dei 

carri armati Israeliani che si avvicinano 

mentre i più piccoli stanno dietro, 

defilati a far finta di essere parte 

della guerra stessa. Simulano azioni, 

strisciano per terra facendo il passo 

del giaguaro, si alzano, si voltano sospettosi 

come se il nemico arrivasse 

da tutte le parti, impugnano armi giocatolo, 

sparano e iniziano a ridere. 

Scenette simpatiche e divertenti solo 

in altri contesti, qui sono difficili da 

accettare. Domani sicuramente non 

sarà più un gioco e le armi che impugneranno 

saranno vere. 

La generazione dei ventenni di oggi, 

nati tra la fine degli anni ottanta e l’inizio 

dei novanta è cresciuta con la guerra 

negli occhi, in pochi hanno avuto la 

possibilità di uscire anche solo per una 

volta. Allo scoppio della seconda In- 

tifada non erano ancora adolescenti. 

Molti di loro hanno perso qualcuno di 

caro per colpa di questo eterno conflitto: 

familiari, amici o semplici conoscenti. 

Si impara prima a riconoscere 

le armi che a leggere. Se i bambini 

prendono gli scontri come un diversivo 

alla monotonia, i ragazzi più grandi 

sentono il dovere di fare qualcosa, non 

ci stanno. Si sentono oppressi e non 

hanno intenzione di stare a guardare. 

Nel pieno delle loro forze e con l’incoscienza 

che caratterizza quell’età, 

non si tirano indietro alle richieste dei 

gruppi armati, pronti a far valere le 

proprie motivazioni. 

Tutti questi fattori, conditi con un po’ 

di integralismo religioso, ne fanno 

lo scenario ideale dove convertire la 

propria vita alla lotta armata e di liberazione. 

Secondo le statistiche, l’età media dei 

miliziani morti non supera i 25 anni, 

molti di loro muoiono alla prima 

vera missione. Le celebrazioni fatte 

in onore di chi ha omaggiato la Jihad 

con la propria vita, diventano solo un 

mezzo per riaffermare gli ideali per 

cui si muore e si continuerà a morire. 

Il pianto della madre 


In Moschea, 

Verso il cimitero



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L’ultima visita a casa 

Nella pagina seguente: 

L’ultimo saluto, 

Quello che resta 

Nella striscia di Gaza è più facile assistere 

ad un funerale che a qualsiasi 

altro evento. 

Si parte dall’ospedale dove affannate 

ambulanze portano i cadaveri. 

Amici e parenti vengono a onorare il 

defunto che viene tenuto nell’obitorio 

fino a che non scocca l’ora di partire. 

Il corpo avvolto nella bandiera 

del gruppo miliziano di appartenenza, 

viene caricato su di una barella e 

portato in spalla. Fuori dall’ospedale 

centinaia di persone attendono di 

partire per la processione. In testa al 

corteo c’è sempre un furgone, dove 

alte bandiere sventolano. Un grosso 

altoparlante al centro del cassone fa 

da eco alla voce di uno speaker che 

inneggia contro Israele, contro il sionismo, 

contro tutti quelli che odiano 

e promette vendetta in nome del morto 

ma sopratutto in nome della Jihad 

e della gente di Gaza. 

La prima sosta è nella casa natale, 

dove la madre sostenuta moralmente e 

fisicamente dalle donne della famiglia 

aspetta di vedere per l’ultima volta il 

figlio. Le scene strazianti e di dolore si 

susseguono, resteranno indelebili per 

chi sa quanto tempo. Pochi minuti e si 

riparte per la moschea, il corpo viene 

portato dentro e l’Himam si prepara a 

recitare la preghiera in onore del nuovo 

martire. Finito il momento di raccoglimento 

religioso, si segue il corpo 

fino al cimitero dove è già stato preparato 

il posto per la sepoltura. 

Più che a un vero e proprio funerale, 

sembra di assistere ad una marcia 

funebre al suono di Kalashnikov. Miliziani 

armati incappucciati e no, si 

muovono dentro al corteo, dall’inizio 

alla fine sparano a turno raffiche di 

mitra in aria per onorare il compagno 

caduto. I bambini si affannano a raccogliere 

i bossoli esplosi. Il dito indice 

è sempre alzato a indicare il cielo 

e Dio ad ogni grido di incitamento 

dello speaker. Si arriva al cimitero 

dove il corpo viene deposto nella 

nuda terra e coperto con alcuni blocchi 

di cemento a loro volta ricoperti 

di sabbia. Una breve preghiera. Le 

urla disperate dei padri e dei fratelli 

fanno da finale. A loro non resterà 

che una foto incorniciata da appendere 

a qualche parete. 

Si torna tutti a casa. 

Domani ce ne sarà un altro.



MARCO BRUNI 

Nato a Venezia nel 1943, 

vive a Pontedera dal 1948. 

Dopo aver conseguito il diploma 

di ragioniere presso 

l’istituto E.Fermi, nella sua 

città d’adozione, ha iniziato 

subito a lavorare presso la 

locale Biblioteca Comunale. 

Oltre che a occuparsi di biblioteconomia 

ha seguito e 

collaborato all’organizzazione 

di molte importanti manifestazioni 

culturali programmate 

dall’Assessorato alla 

Cultura del Comune di Pontedera. 

Grazie all’esperienza 

acquisita documentando vari 

eventi (cataloghi per mostre, 

spettacoli teatrali, convegni, 

ecc.) ha acquisito notevole 

dimestichezza nell’uso della 

macchina fotografica riuscendo 

così a perfezionare la 

costruzione dell’immagine, 

dando a queste un particolare 

senso estetico. 

Ha effettuato reportage per i 

Festival più importanti organizzati 

dal Comune di Pontedera: 

Sete Sois Sete Luas; 

Musicastrada Festival, Qui 

rido io, Utopia del Buongusto, 

Orme Gialle. 

di M. L. 

MARCO BRUNI 

La storia della fotografia non 

appartiene solo ai grandi artisti 

che hanno dato la dignità 

d’Arte alla fotografia. La cosiddetta 

“Quinta Arte” è nata e si è sviluppata 

attraverso una miriade di appassionati 

che l’hanno curata, vezzeggiata, 

circondandola di esperienze 

personali e collettive. 

Chi ha fatto l’esperienza della camera 

oscura non può dimenticare questo 

percorso, dalle prime evanescenti immagini 

raccolte con trepidazione alle 

belle stampe “Fine Art”di un risultato 

finale, gratificante, ma sofferto. 

Il passaggio attuale alla fotografia digitale 

ha portato tra i fotografi qualche 

perplessità e difficoltà sia per la tecnologia 

sia per il risultato iconografico perché 

ci ha costretto tutti a ripensare anche 

le forme espressive attraverso una tecnologia 

diversa dalla precedente. 

Marco Bruni, fotoamatore da sempre, 

ha attraversato tutte queste vicende 

fotografiche. Ricordo le prime 

immagini di Marco realizzate alle 

performances del Piccolo Teatro, poi 

le immagini delle squadre di basket 

per documentare l’attività sportiva 

dei figli, infine gli avvenimenti cittadini. 

Le immagini sono didascaliche, 

descrittive, con una attenzione 

alla luce nei ritratti cercando quelle 

atmosfere di intima partecipazione e 

di contenuto lirismo. 

“Tutto cominciò con una piccola 

macchina fotografica e da un mio regalo, 

un ingranditore. 

La “camera oscura” era in cantina, 

dove Marco sviluppò le prime foto e 

soprattutto le prime nostre foto e i tanti 

miei ritratti. Foto private e foto pubbliche 

perché ogni avvenimento della città, 

ogni spettacolo lo vedevano presente per 

documentare. E così nel nostro archivio 

ritroviamo foto di Giorgio Gaber, di 

Maria Carta, di spettacoli, di dibattiti, 

rassegne cinematografiche, avvenimenti 

della città, come la costruzione del nuovo 

palazzetto dello sport o una piena dell’Arno, 

ed è come rivivere 40 anni della 

nostra storia. E Marco sensibile, curioso 

e soprattutto attento a quanto gli avveniva 

intorno riprendeva con taglio originale 

e con l’attenzione per il momento, 

per i particolari e con le angolazioni che 

rendevano uniche le immagini, che lasciavano 

trasparire una dimensione culturale 

e personale che non banalizzava 

neanche la ripresa più scontata. 

Gli stessi risultati oggi li cerca con il digitale, 

ma con un pizzico di nostalgia per 

quel bianco e nero che emergeva piano 

piano dalle vasche dello sviluppo. 

Queste immagini ci raccontano la 

nostra vita: il nostro stare sempre insieme, 

le nidiate dei bambini, le feste 

di compleanno, i viaggi, le partite di 

basket, gli amici, gli avvenimenti pubblici 

e la nostra città sempre presente, 

e per questo siamo davvero grati con 

grande amore a Marco.” 

Daniela



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A destra: Giovanni Pascoli 

fotografato da Michele 

Bertagna, inventore 

del sistema di riprese a 

colori utilizzato anche in 

questa occasione (Foto M. 

Bertagna) 

La Eastman Kodak, la 

pellicola mai impressionata 

e il libretto di istruzioni 

(Foto E. Gaiotto) 

GIOVANNI PASCOLI 

IL POETA - FOTOGRAFO 

di Enzo Gaiotto (BFI-AFI) 

La passione per la fotografia assalì 

Giovanni Pascoli nel 1899, quando 

Angelo Orvieto, fondatore e 

direttore della rivista letteraria Il Marzocco, 

per sdebitarsi di una collaborazione, 

gli regalò la prima macchina a soffietto di 

piccolo formato prodotta dalla Eastman 

Kodak e acquistata a Parigi. La febbre 

per l’istantanea fu talmente alta che il 

Pascoli decise di trattare personalmente 

i negativi impressionati nel suo rudimentale 

ma funzionale, laboratorio. 

La fotocamera è oggi conservata in un 

cassetto del canterale nella camera da 

letto del poeta a Caprona, in Garfagnana. 

Intatta c’è anche una confezione di 

pellicola Eastman da sei pose formato 

6X9 con l’indicazione: “Develop before 

April 1919” e un minuscolo “Manuel 

du pocket Kodak pliant - Appareil de 

luxe”, edito da Eastman Kodak, Place 

Vendòme 4, Paris. In alto a destra del libretto 

c’è scritto “Pascoli”, a matita per 

evidenziarne la proprietà. 

La casa di Caprona, a Castelvecchio, 

dove il poeta abitava con la sorella Mariù, 

era sprovvista di energia elettrica 

e acqua corrente, per cui il trattamento 

delle pellicole e delle carte fotografiche 

avveniva in maniera assai artigianale. 

Una volta sviluppata nel buio la pellicola 

impressionata, immergendola e facendola 

scorrere in un catino di coccio 

contenente un bagno rivelatore a base 

di fenolo bivalente, Pascoli si dedicava 

alla successiva fase di camera oscura. Le 

stampine che realizzava erano ottenute 

per contatto usando un telaietto con una 

doppia cornice di legno combaciante e 

cernierata, che racchiudeva un vetro sul 

lato anteriore. Al contrario, l’altro lato 

era sigillato come il retro di un quadro. 

Sopra il vetro scorreva, per mezzo di 

una scanalatura, una sottile anta di legno 

a prova di luce. Lavorando in completa 

oscurità Pascoli metteva nel telaietto la 

carta fotografica da impressionare con 

l’emulsione verso l’alto; dalla parte del 

vetro posizionava sulla carta i negativi 

6X9. Sigillato il telaietto con il fermaglio 

di sicurezza, proteggeva la carta fotosensibile 

tenendo l’anta chiusa, quindi 

usciva alla luce. In giardino cercava un 

punto ben illuminato, che conosceva 

alla perfezione, quindi esponeva alla 

luce solare la carta fotografica per il 

tempo stabilito dalla pratica, sollevando 

l’anta di protezione. Al termine dell’esposizione 

richiudeva l’anta e poi, di 

nuovo al buio, sviluppava in un bagno 

rivelatore la carta impressionata. 

Le fotografie, fissate a lungo nell’aspro 

aceto di Zi’ Meo, una volta lavate e asciugate 

venivano incollate su dei cartoncini 

sui quali aveva fatto stampare il motto 

“Opus Aetherii solis et Iani Nemorini” 

(Opera dell’etereo sole e di Giovanni, 

amante della vita agreste). 

Giovanni Pascoli, abituato a raggiungere 

livelli altissimi in letteratura, non era del 

tutto soddisfatto delle proprie realizzazioni 

fotografiche e umilmente chiedeva 

consigli agli amici più esperti. Nella vicina 

Barga aveva conosciuto un professore 

di fisica, Michele Bertagna, che stava 

facendo interessanti ricerche in campo 

fotografico. Bertagna mise in contatto 

Pascoli con il francese Gabriel Lippman, 

premio Nobel per la fisica e inventore 

di un sistema per fotografare a colori. 

Lippman, che si trovava in vacanza estiva 

proprio a Barga, non fu certamente 

avaro di consigli al poeta: passeggiando 

insieme discutevano di composizione, 

inquadrature e luce, oltre che di chimica 

e tecnica. Anche Bertagna, qualche anno 

più tardi, seguendo i suggerimenti di Lippman, 

mise a punto un proprio metodo 

per realizzare fotografie a colori. 

Da Messina, dove insegnava all’Università, 

nel 1900, Giovanni Pascoli scriveva 

in continuazione a Bertagna chiedendo 

aiuto per migliorare le sue foto: “Prestissimo 

istruzioni semplici… per stampare 

così come stampa lei, che pajono vere e 

proprie incisioni...” 

Le numerose immagini che Pascoli ci ha 

lasciato nella sua casa di Castelvecchio 

raccontano gli anni di insegnamento a 

Messina, ma soprattutto i lunghi periodi 

trascorsi nel “nido” di Caprona. Nei 

piccoli rettangoli ingialliti si affacciano 

impacciati i personaggi dei Canti di 

Castelvecchio: la sorella Mariù, il fido 

cane Gulì, Valentino vestito di nuovo, 

Zi’ Meo il saggio contadino, Chiara la 

cantatrice e tanti altri. 

L’obiettivo della Kodak di Pascoli si apre 

anche sulla vita del borgo, propone i lavori 

agricoli, le cerimonie religiose, gli 

attimi di festa, il mutare del paesaggio 

nel corso delle stagioni e, sullo sfondo, 

spesso inquadra le Alpi Apuane che separano 

la Garfagnana dalla Versilia. Un 

mosaico di immagini sottratte all’usura 

del tempo, allo svanire della memoria, 

di grande valore documentario e storico, 

In alto a sinistra: Il Tiro 

della forma a Castelvecchio 

(Foto G. Pascoli) 

In alto a destra: La 

“cantatrice” di Caprona, 

Chiara Mazzari, con il figlio 

Valentino (Foto G. Pascoli) 

Sotto a sinistra: Mariù, Zi’ 

Meo e Gulì durante la fienagione 

(Foto G. Pascoli) 

Sotto a destra: Mariù e le sue 

caprette nel giardino della 

casa. L’immagine è incollata 

sul cartoncino con i fregi e il 

motto pascoliano (Foto G. 

Pascoli)


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In alto a sinistra: 

Tempo di trebbiatura a 

mano (Foto G. Pascoli) 


Valentino Arrighi, 

“Valentino vestito di 

nuovo, come le brocche 

dei biancospini…” (Foto 

G. Pascoli) 

L’ingresso di casa Pascoli a 

Caprona (Foto E. Gaiotto) 

oltre che personale e sentimentale. Le 

foto sono state scattate da uno studioso 

e letterato incantato dalla possibilità 

della tecnica di catturare l’essenza dei 

momenti più belli e dilatarli oltre i limiti 

dell’attimo perduto. 

Nella cappellina di lato all’ingresso della 

casa a Caprona, Giovanni e Mariù Pascoli 

dormono il loro giusto sonno nel 

profumo intenso dell’erba cedrina, che 

ancora oggi cresce e fiorisce in folti ciuffi 

nel giardino del “nido”. 

Intorno tutto è pace; proprio come avrebbe 

voluto lui, il grande poeta-fotografo. 

Il “Nido” di Giovanni e Mariù Pascoli con 

gli anni è divenuto un delizioso museo 

che vale la pena di visitare. Chi proviene 

da Lucca deve risalire, per giungere a 

Caprona, la Statale 445 della Garfagnana 

e valicare il Serchio al Km 41, in località 

Ponte di Campia, dirigendosi poi verso 

Castelvecchio Pascoli, la nostra meta. Chi 

invece si trova in Versilia deve attraversare 

le Alpi Apuane imboccando a Forte 

dei Marmi l’antica Via d’Arni, in direzione 

di Castelnuovo Garfagnana, per poi 

raggiungere il vicino Castelvecchio Pascoli. 

Quest’ultimo itinerario è di grande 

spettacolarità fotografica: transitando 

attraverso le imponenti cave di marmo 

pregiato, paradiso di Michelangelo, è 

impossibile non fermarsi nelle apposite 

piazzole per effettuare qualche scatto di 

particolare effetto paesaggistico. 

La casa dove i Pascoli vissero dal 1895 

al 1912 mantiene la struttura, gli arredi, 

la disposizione degli spazi che aveva alla 

scomparsa del poeta e ne conserva i libri, 

i diplomi e i manoscritti. Nel vasto 

giardino crescono numerosi alberi messi 

a dimora dal Pascoli stesso. 

INTRODUZIONE ALLA MUSICA 

In questo numero, una buona parte dello spazio è dedicata 

alla musica nel territorio della Valdera e della nostra città. 

Una consistente tradizione è quella della musica lirica che 

ha avuto esecutori e stimatori tanto che il primo teatro a 

Pontedera, il teatro dei “Ravvivati”, operava già nel 1850. 

Nel 1885, dopo una ristrutturazione e restauro da parte dell’architetto 

Bellincioni, prese il nome di “Andrea da Pontedera”. 

Un teatro però esisteva anche nella frazione di La 

Rotta dove la Società Filarmonica nel 1872 aveva incaricato 

l’architetto Bellincioni della costruzione di un teatro. Questa 

tradizione musicale ha creato quel tessuto culturale che 

ha dato vita a numerosi artisti: come non ricordare Davide 

Calamai, violino di prima fila a La Scala di Milano, Brenno 

Ristori tenore di buona levatura, Maria Cioppi soprano di 

ottime capacità vocali. Per restare nel campo della musica 

classica si deve ricordare l’attività del CRAL-Piaggio con i 

concerti della Gioventù Musicale Italiana. Alcuni concerti 

sono stati fatti anche nelle nostre chiese cittadine. Anche 

la musica contemporanea ha avuto e ha una notevole parte 

nelle attività culturali giovanili nella nostra città e nella Valdera. 

Decine di gruppi musicali si esibiscono ancora nelle 

piazze e nei locali della città. Alcuni gruppi musicali hanno 

varcato anche l’ambito della provincia per esibirsi in tutta 

Italia e all’estero. Un’altra importante Istituzione è la Filarmonica 

“Volere è Potere” che vanta una tradizione importante 

di successi anche all’estero con la vittoria a Bruxelles 

del 1° premio dei complessi bandistici internazionali. Anche 

il nuovo teatro Era inaugurato recentemente, si innesta 

in questa tradizione culturale di cui la città si vanta.



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MARIO PIATTI 

Docente di Pedagogia musicale 

nel Conservatorio di musica 

della Spezia e presso la 

Scuola di animazione musicale 

a orientamento pedagogico 

e sociale del Centro Studi Musicali 

e Sociali “M. Di Benedetto” 

di Lecco, collabora con 

Enti pubblici e Associazioni, 

per l’aggiornamento e la formazione 

di insegnanti della 

scuola di base. 

Con le edizioni PCC di Assisi 

ha pubblicato, in collaborazione 

con altri musicisti, alcune 

raccolte di canzoni per uso 

didattico, su testi propri e di 

Gianni Rodari. 

Oltre a numerosi articoli su 

riviste del settore didatticomusicale, 

ha pubblicato: Filastroccantando, 

Nicola Milano, 

Bologna 1989; Musica e 

scuola dell’infanzia, Juvenilia, 

Bergamo 1992; Con la musica 

si può, Valore Scuola, Roma 

1993; Progettare l’educazione 

musicale, Cappelli, Bologna 

1993; Gianni Rodari e la 

In queste pagine: interno 

del cortile della scuola 

Curtatone e Montanara 

FARE MUSICA A SCUOLA: 

IL PIACERE DEL FARE 

espressive, e che quindi vanno considerati 

una componente fondamentale per 

una equilibrata e completa formazione 

di tutti, a dispetto di chi crede che sia 

fondamentale solo il leggere, scrivere e 

fare conti economici. Il fare, nei saperi 

artistici, mette in gioco la creatività. 

I problemi che si pongono quando a 

scuola si vuole sviluppare la creatività 

dei bambini e delle bambine anche con, 

attraverso, dentro le esperienze musicali 

sono, a mio avviso, attinenti a due aspetti: 

quello relativo al prodotto finale di 

una attività musicale e quello di metodo, 

cioè relativo al percorso operativo. Cantare 

una filastrocca o una canzone, di per 

sé, non è una attività creativa, ma tutt’al 

più ripetitiva (teniamo conto comunque 

che anche nella ripetizione ci può essere 

piacere); battere un ritmo su un tamburo 

può rivelarsi un semplice esercizio 

tecnico, che però soddisfa il piacere 

sensomotorio; ascoltare un brano musicale 

può essere funzionale a creare un 

ambiente rassicurante e piacevole, senza 

per questo dover attivare immaginazione 

e creatività. Il momento finale, il 

prodotto conclusivo dell’attività musicale 

può risultare, all’occhio e all’orecchio 

dell’adulto, poco significativo dal punto 

di vista della originalità e della novità: 

ma ciò che conta, in questo caso, è quanto 

è stato ricco di stimoli creativi il perdi 

Mario Piatti (foto di Marco Bruni) 

Non ho ancora trovato, nelle mie 

continue peregrinazioni nelle 

scuole, un bambino o una 

bambina, un ragazzo o una ragazza che 

alla domanda: “Ti piace la musica?” mi 

risponda di no. Segno evidente che la 

musica (cioè tutto quello che i bambini 

e i ragazzi mettono sotto questo termine 

ombrello) è qualcosa che viene piacevolmente 

accolto e ricordato nel vissuto 

dei ragazzi: è il piacere di ascoltare, di 

cantare, di suonare, di elaborare pensieri 

e parole sulla musica, o meglio, sulle 

nostre esperienze musicali, semplici 

o complesse che siano, brevi momenti 

quotidiani o immersione saltuaria, ma 

intensa, in eventi straordinari. 

Perché piace la musica? Perché fondamentalmente 

mette in gioco le emozioni, 

i sentimenti, le sensazioni che il suono, 

il ritmo, le parole dei canti, la melodia 

attivano in noi, sia a livello di sensazioni 

corporee, sia nella nostra mente. È quello 

che capita con tutti quesi ‘saperi’ che 

possiamo definire ‘artistici’, che hanno 

come caratteristica fondamentale quella 

di coniugare in modo strettissimo il fare 

con il pensare nel campo delle attività 

corso fatto, il lavoro di esplorazione e di 

invenzione a partire dal testo di una filastrocca 

o di una canzone, l’elaborazione 

e la ricerca delle molteplici potenzialità 

dei ritmi e dei timbri da ottenere sul tamburo 

prima di scegliere e di organizzare 

quelli adeguati ai propri scopi, il confronto 

e la comparazione tra brani musicali 

contrastanti prima di individuare 

quello più significativo e più funzionale 

ai nostri bisogni. Attività sensomotorie, 

elaborazione di regole, immaginazione 

simbolica: tre elementi che, come ben 

sappiamo, sono costantemente presenti 

nell’agire e nel pensare dei bambini e 

dei ragazzi, anche nell’agire e nel pensare 

musicale. 

Se a scuola la musica viene ridotta a una 

‘materia’ da imparare, e quindi il ‘piacere’ 

viene ridotto a ‘dovere’, la creatività 

si spegne. 

La musica è un gioco da bambini 

François Delalande, studioso e ricercatore 

francese, ha usato questa frase come 

titolo di un suo libro in cui descrive le 

ricerche sulle condotte infantili relative 

sia alle pratiche d’uso degli oggetti e degli 

strumenti musicali, sia all’ascolto, sia 

alla capacità di invenzione e di composizione 

di eventi musicali, evidenziando 

come esistano profonde analogie tra le 

condotte musicali dei bambini e quelle 

dei musicisti e dei compositori. Le condotte 

musicali spontanee dei bambini 

hanno però bisogno di essere “educate”, 

debbono cioè trovare condizioni favorevoli 

per potersi sviluppare. Diventa allora 

fondamentale il ruolo dell’insegnante, 

ma anche del genitore, che predispone 

situazioni stimolanti, che aiuta i bambini 

a trovare i dispositivi giusti per progredire 

nelle conoscenze e nello sviluppo di 

abilità tecniche, che valorizza gli aspetti 

di originalità dei prodotti. Delalande usa 

anche per le attività musicali la tripartizione, 

elaborata da Jean Piaget, di gioco 

sensomotorio, di regole e simbolico, evidenziando 

come nelle condotte infantili 

siano comunemente presenti aspetti di 

creatività che si connotano come: curiosità 

esplorativa sul materiale sonoro, sia 

vocale che strumentale; gusto del mettersi 

alla prova nell’inventare dispositivi 

che permettono di ottenere risultati 

soddisfacenti sul piano della produzione 

musicale; gioia nel vedere valorizzato il 

proprio prodotto sonoro, che acquista sapore 

musicale nel momento in cui si dà 

valore estetico a tale produzione: e qui si 

aprirebbe un capitolo ampio e profondo 

sul rapporto tra creatività e dimensione 

estetica dell’esperienza. 

Personalmente ho trovato e trovo funzionali 

per lo sviluppo della creatività 

- anche nella didattica musicale - alcune 

musica. Appunti pedagogici e 

proposte didattiche, Edizioni 

del Cerro, Tirrenia (PI) 2001; 

con M. Disoteo, Specchi sonori. 

Identità e autobiografie 

musicali, Franco Angeli, Milano 

2002, e con Enrico Strobino, 

Anghingò. Viaggi tra 

giochi di parole e musica, Edizioni 

ETS, Pisa 2003. Infine 

ha curato i volumi di AA.VV., 

Pedagogia della musica: un 

panorama, CLUEB, Bologna 

1994; AA.VV, Un secchiello 

e il mare. Gianni Rodari, i saperi, 

la nuova scuola, Edizioni 

del Cerro, Tirrenia (PI) 2001; 

G. Rodari, Il mio teatro. Dal 

teatro del ‘Pioniere’ a ‘La storia 

di tutte le storie’, a cura di 

Andrea Mancini e mario Piatti, 

Titivillus, Corazzano (PI) 

2006; AA.VV., Saperi artistici 

e mutamenti sociali: attualità 

di Gianni Rodari, Edizioni del 

Cerro, Tirrenia (PI) 2008. 

E’ direttore della collana 

Musica&Didattica delle edizioni 

ETS e della rivista on 

line www.musicheria.net del 

CSMDB di Lecco.



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tecniche (o regole del gioco) che Rodari 

ha esemplificato nel suo libro Grammatica 

della fantasia : il binomio e l’ipotesi 

fantastica, il ricalco, l’inversione, l’errore 

creativo, ecc. ecc. Al di là (e forse prima) 

delle tecniche, ciò che conta, fondamentalmente, 

è avere una mente aperta, 

disponibile all’imprevisto, al diverso, ad 

accettare anche l’imperfezione, comunque 

a mettersi in gioco: “Ci sono persone 

– dice Rodari - a cui è permesso, 

socialmente, di continuare a giocare per 

tutta la vita. Sono poeti, artisti, scienziati, 

inventori. Persone che possono continuare 

a cercare più in là di quello che 

già si vede, ed analizzare e sperimentare 

nuove possibili combinazioni di parole, 

di idee, di concetti. (…) Queste persone 

per tutta la loro vita compiono un lavoro 

che per loro è un grande gioco. Che 

comporta la mobilitazione, dentro di 

loro, non solo della creatività scientifica, 

ma anche della creatività ludica. Ci sono 

oggi molti che studiano anche le omologie 

tra il processo di creatività scientifica 

e quello di creatività artistica”. 

Un elemento per le nostre regole è l’oggetto 

stimolo (il rodariano “sasso nello 

stagno”) per attivare curiosità e interesse, 

per motivare alla esplorazione di 

materiali, repertori, oggetti musicali, 

comportamenti motori funzionali alla 

produzione di suoni e ritmi, ecc. Quale 

miglior oggetto stimolo di uno strumento 

musicale, soprattutto se non ancora 

conosciuto dai bambini e dalle bambine 

della nostra scuola? Strumenti dell’altro 

mondo, ma anche della nostra tradizione 

popolare, che ci permettono progetti 

interdisciplinari e interculturali dove 

fantasia e creatività trovano sicuramente 

terreno fertile, come sono tutti gli itinerari 

che possiamo percorrere con spirito 

nomade. 

Anche le filastrocche sono sicuramente 

un buon oggetto stimolo che permette 

di correlare alle attività musicali anche 

l’educazione linguistica, le attività motorie, 

le competenze grafiche . 

Infine, alcune storie possono senz’altro 

essere considerate sasso nello stagno che 

può favorire al massimo grado la creatività 

dei bambini, non solo sul piano linguistico, 

ma anche per quanto riguarda 

la competenza musicale (e Rodari ha 

alcuni testi particolarmente significativi 

a questo proposito, come Il concerto 

dei gatti, in: Fiabe lunghe un sorriso, Ed. 

Riuniti, o La canzone del cancello, in: Il 

gioco dei quattro cantoni, Einaudi . 

Perché la musica diventi culla di creatività, 

per aiutare gli altri a diventare sempre 

più creativi, dobbiamo innanzitutto 

imparare a creare contesti e situazioni 

educative dove si possa scegliere tra le 

infinite forme del possibile e dell’impossibile, 

dove non ci si debba modellare 

unicamente su standard predefiniti da 

esperti poco inclini al sapere creativo, 

dove si abbia il coraggio di mettere in 

discussione antiche certezze e di andare 

alla ricerca di variazioni fantastiche. 

La musica, o meglio, le musiche dei 

vari popoli e delle diverse culture, nella 

loro molteplicità di funzioni, di stili, di 

generi, di usi, di pratiche sono già oggi 

segno e testimonianza di una creatività 

diffusa, che non si lascia imprigionare in 

tradizionali schemi disciplinaristici. Per 

favorire la creatività dei bambini occorre 

innanzitutto fare personalmente esercizi 

di creatività. Porre attenzione a tutti gli 

eventi musicali, ascoltare con curiosità 

tutto ciò che risuona nel mondo, provare 

a inventare qualcosa, con la voce e con 

gli strumenti musicali, valorizzando conoscenze 

e competenze anche minime 

che già possediamo, può essere un buon 

inizio per diventare più creativi: lasciamoci 

contaminare dalla curiosità e dalla 

passione di bambini e bambine. Il piacere 

della musica trasformerà il mondo. 

Un laboratorio musicale 

Le belle idee hanno però bisogno di gambe 

organizzative e finanziarie per essere 

realizzate. Un buon esempio ci sembra 

essere quello messo in atto dai tre Istituti 

Comprensivi di Pontedera che, in 

collaborazione con l’Amministrazione 

comunale, hanno dato vita al progetto 

“Musicascuola – Laboratorio musicale 

di rete”. 

Il progetto è articolato in una serie di 

iniziative mirate da un lato a dare la 

possibilità a tutti i bambini delle scuole 

dell’infanzia e ai ragazzi della scuola 

dell’obbligo di poter fare esperienze 

musicali significative, dall’altro ad offrire 

alle insegnanti occasioni di formazione 

in servizio per migliorare la 

propria competenza nel settore della 

didattica della musica, sulla base anche 

delle nuove Indicazioni per il curricolo 

per la scuola dell’infanzia e per il primno 

ciclo di istruzione (settembre 2007). 

Al progetto collaborano le Associazioni 

musicali che operano sul territorio, e in 

particolare l’Accademia della Chitarra 

– Musica & C., L’Accademia musicale 

Glenn Gould, l’Accademia Musicale 

Toscana, l’Associazione culturale Musicastrada, 

l’Associazione La Girandola, 

la Filarmonica Volere è Potere. 

Il Laboratorio ha preso avvio nell’a.s. 

2007-2008, sviluppando e potenziando 

quanto già fatto anche in anni precedenti, 

con l’intervento di alcuni esperti in didattica 

musicale che hanno coadiuvato gli 

insegnanti delle otto scuole dell’infanzia 

e di una trentina di classi della scuola primaria. 

Inoltre si è dato vita all’esperienza 

del cantare in coro, con la costituzione 

di un coro in ogni scuola, ciascuno composto 

mediamente da una quindicina di 

ragazzi. I cori si sono esibiti in occasione 

del “Festival dei bambini” di Montecastello 

nel mese di maggio 2008. 

A integrazione degli interventi nelle 

scuole, il Laboratorio musicale di rete ha



organizzato, con la collaborazione delle 

associazioni musicali, ben 26 incontriconcerto 

rivolti alle scuole dell’infanzia, 

elementari e medie, con l’esecuzione di 

fiabe musicali, repertori di vari generi 

musicali, presentazione di strumenti, 

dialogo con i musicisti sulla professione 

musicale. Tra febbraio e maggio 2008 

hanno partecipato agli incontri-concerto 

una ottantina di classi con, complessivamente, 

circa 400 bambini delle scuole 

dell’infanzia, circa 1000 ragazzi delle 

scuole elementari e circa 190 ragazzi 

delle scuole medie. Le iniziative dell’a. 

s. 2007-2008 si sono concluse con la 

manifestazione La città in musica che ha 

visto la realizzazione di performance e 

mini-concerti durante tutta la domenica 

25 maggio, nel cortile della scuola ‘Curtatone 

e Montanara’. 

La gestione di “Musicascuola – Laboratorio 

musicale di rete” è affidata ad una 

Giunta esecutiva, composta dai Dirigenti 

Scolastici e dell’Assessore alla Pubblica 

Istruzione, e a un Gruppo di Progetto, 

composto da venti insegnanti, referenti 

per la musica nei vari plessi scolastici, 

coordinati da un esperto in pedagogia 

e didattica della musica. I finanziamenti 

sono costituiti da un contributo delle 

singole scuole e da un consistente apporto 

dell’Amministrazione Comunale, 

in collaborazione con il CRED, presso il 

quale ha sede anche Musicascuola (Via 

Manzoni 22). 

Analoghe iniziative verranno realizzate 

nel corso dell’a.s. 2008-2009, con 

riferimento a due temi particolarmente 

interessanti: le fiabe e le filastrocche 

per fare musica con i più piccoli, il 

‘Paesaggio sonoro’ per i ragazzi più 

grandi, un paesaggio da osservare (o 

meglio: da ascoltare), da descrivere e, 

perché no, da reinventare componendo 

‘sculturÈ sonore, itinerari musicali, 

considerando la città come una grande 

orchestra capace di ‘armonizzarÈ 

i vari ‘strumentisti’ nella produzione 

di una piacevole sinfonia. Suonare la 

città diventa allora un obiettivo artistico 

ed espressivo che ha l’ambizione di 

rendere piacevole, anche acusticamente 

parlando, i propri spazi vitali. 

Le iniziative di Musicascuola saranno 

sviluppate con il supporto determinante 

dell’Amministrazione Comunale di 

Pontedera, particolarmente attenta non 

solo al sostegno dell’arte visiva, ma 

anche di quell’arte sonora che, a differenza 

della pittura, della scultura, dell’architettura, 

vive solo nell’istante in 

cui la si produce e la si ascolta. Un’arte 

‘fragilÈ, ma che proprio per questo 

esige da parte di tutti maggior rispetto, 

attenzione, cura, nel tentativo di rendere 

meno caotico il nostro vissuto sonoro 

quotidiano, così spesso pieno di 

cacofonie deturpanti e inquinanti, non 

solo per le nostre orecchie, ma anche e 

soprattutto per le nostre intelligenze. 


DINO CAVALLINI 

LIUTAIO 

La prima volta che ho sentito 

parlare di Dino Cavallini è 

stata nella “bottega” di Loris 

Lanini in piazza Garibaldi. Si parlava 

di un artigiano dalle notevoli capacità 

tecniche e dotato di una grande 

sensibilità nello scegliere i materiali 

per i suoi violini. Scoprii dopo, che 

questo sensibile artigiano liutaio altro 

non era che il mio barbiere. Sì proprio 

lui, taciturno, schivo, che mai si 

vantava dei suoi successi e delle sue 

capacità come liutaio. Il suo mestiere 

era il “barbiere”, il “liutaio” era un 

hobby, È sconcertante vedere come 

questi dilettanti raggiungano livelli 

di eccellenza, siano apprezzati dai 

professionisti e stimati per la qualità 

delle loro opere. 

Mi hanno raccontato che un musicista 

di Pontedera, trovandosi a Cremona, 

patria dei liutai, per portare a 

un liutaio il suo contrabbasso a cui 

doveva cambiare il ponticello, il liutaio 

quando seppe che era di Pontedera 

gli disse: “ Ma voi a Pontedera 

avete il Cavallini!…”. 

Segue a pagina 76 

Dino Cavallini nella sua 

bottega di barbiere 

72 

73 

Dino Cavallini 

con un amico 

per un controllo a due



Il controllo dello spessore 

è determinante per la 

riuscita del violino 

Dino con la moglie 

Azzaleria. Si discute sul 

manico dello strumento 

Dino che controlla le fasce 

A sinistra: dopo la 

verniciatura gli strumenti 

sono stati appesi per la 

stagionatura 

Dino prova il violino per 

saggiare il suono 

Alcuni strumenti della 

produzione di Dino 

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77 

Produzione differenziata 

con viola e violino 

La nipote 

di Dino Cavallini con un 

esempio di violino 

Dino Cavallini nato a Pontedera il 

9/11/1907, morì il 18/7/1995. Era sposato 

con Guidi Azzaleria e non avevano 

figli. Aveva messo assieme, riunendo 

vari componenti, uno dei più bei laboratori 

di liuteria situato in una mansarda 

di via Gotti e con un ordine preciso 

aveva disposto tutti gli utensili. 

Altruista e amante della buona tavola, 

soggiornava talvolta a Montenero 

dove, una volta con la pittrice Bianca 

Bagnoli, partecipò ad una esposizione 

mettendo in mostra i suoi violini 

e viole. 

Si dice, che ogni liutaio avesse nella 

verniciatura un segreto, decisivo per la 

qualità del suono dello strumento. Forse 

è un aneddoto, ricordo, però, che in 

un’occasione, io ero presente mentre 

il Cavallini discuteva con il Lanini sul 

tono del colore, sulla diluizione della 

vernice o sulla qualità dell’abete per 

il piano e dell’acero per il fondo della 

cassa e sulla struttura delle fasce. 

Tutti questi artigiani di valore, e ce ne 

sono ancora, penso creino quell’humus 

necessario a creare un ambiente ricco 

e culturalmente avanzato. 

L’ACUSTICA A TEATRO 

di Valentina Reino 

Quando le leggi dell’acustica 

fisica vengono applicate a 

delle strutture edilizie, possiamo 

parlare di acustica architettonica. 

L’acustica architettonica studia 

le caratteristiche volumetriche degli 

ambienti e le proprietà dei materiali 

utilizzati. Sappiamo che il suono è sia 

un fatto oggettivo, sia una sensazione 

fortemente soggettiva, infatti l’ascolto 

è condizionato da situazioni psicofisiche 

momentanee, in base alle quali il 

soggetto varia il proprio giudizio. A 

tale proposito la psicoacustica studia i 

meccanismi di elaborazione del suono 

da parte del cervello. 

I primi studi di acustica risalgono al VI 

secolo a.C. con il filosofo greco Pitagora 

e i pitagorici, che giunsero a stabilire 

le relazioni fra la lunghezza delle 

corde vibranti e l’altezza dei suoni, oltre 

ad introdurre una delle prime scale 

musicali. La possibilità che il suono si 

propaghi attraverso onde di pressione 

fu evidenziata da Aristotele e dal suo 

allievo Aristosseno, le cui teorie sono 

state alla base della costruzione dei teatri 

greci all’aperto del tipo a ventaglio e 

degli anfiteatri romani. 

Per secoli i progettisti hanno cercato 

di ricreare in altri luoghi l’acustica 

perfetta dei teatri greci, anche usando 

espedienti a volte dettati solo da discutibili 

convinzioni. 

Naturalmente gli antichi trattati greci 

e romani, come i testi di Vitruvio e 

la meccanica di Erone di Alessandria, 

vennero ripresi nel corso del Rinasci- 

mento e furono d’ispirazione a progettisti 

e mecenati, tra cui la famiglia 

de’Medici, che volle meraviglie simili 

nei propri palazzi. 

Progressi sostanziali avvennero solo 

a partire dal XVI secolo. Al filosofo 

naturale inglese Francis Bacon 

(1561-1626), che per la prima volta 

usò il termine “arte acustica”, dobbiamo 

il primo esperimento sulle 

misurazioni acustiche. 

Durante tutto il ‘600 possiamo annoverare 

un vasto repertorio strumentale 

all’interno della fisica sperimentale, tra 

cui il monocordo, i piatti di Chladni e 

una ruota dentata in bronzo inventata 

da Robert Hooke. 

Fino al XVIII secolo la composizione 

musicale veniva influenzata dalle 

condizioni del luogo in cui sarebbe 

stata eseguita. Il compositore Henry 

Purcell (1659-1695) crea impasti 

orchestrali e tessiture ritmiche differenti, 

quando compone per l’Abbazia 

di Westminster, in cui l’acustica è 

determinata dalla presenza di marmi, 

pietre dure e vetrate, rispetto a quando 

compone per la Cappella Reale di 

Carlo II d’Inghilterra, dove il suono 

viene assorbito da tappeti e arazzi. Fu 

durante il tardo barocco che si invertì 

questo rapporto, la scienza dell’acustica 

cominciò a influenzare l’architettura, 

la quale doveva essere idonea 

alla tipologia di musica eseguita. 

Il fisico tedesco G.S. Ohm (1787- 

1854), durante le sue ricerche, scoprì 

che l’orecchio si comporta come 

un analizzatore acustico, in grado di 

scomporre un suono complesso nelle 

diverse componenti armoniche. 

Bayreut, Festpielhaus 

Grossesschauspielhaus, 

Berlino



Roma, Auditorium 

Teatro di Epidauro 

Il più antico e famoso teatro semicircolare è quello di Epidauro (360 a.C.) di 

Polykleitos. Il proscenio sopraelevato a causa della maggiore altezza della cavea 

e la presenza di un logheion sopra il proscenio, riservato al coro, formavano una 

alta struttura a telaio, tamponata con riquadri di legno che riflettevano il suono in 

direzione del pubblico. Ancora oggi le voci possono essere ascoltate chiaramente 

dalle file più lontane, distanti circa 60 metri. Le gradinate in quanto superfici 

periodiche contribuiscono alla diffusione delle onde sonore e agiscono come un 

filtro acustico che sopprime i rumori di fondo, mentre lascia passare le frequenze 

alte degli esecutori. 

Il principio del riverbero delle onde sonore varia in base ai materiali adoperati, ci 

sono differenze a seconda del tipo di pietra e dell’angolazione rispetto alla sorgente 

sonora. Ad esempio in Sicilia e in Campania si ricorreva spesso alla pietra 

lavica come nel teatro greco-romano di Taormina (III secolo) e nell’anfiteatro di 

Pompei. 

78 

79 

Fu il professor W.C. Sabine che, fra 

il 1895 e il 1915, gettò le fondamenta 

di una nuova scienza: l’acustica 

architettonica. 

Sabine fu il primo a definire il tempo 

di riverberazione, ovvero il tempo 

impiegato da un suono, dopo il suo 

spegnimento, per decrescere di 60 dB 

(decibel) di livello di intensità. Inoltre 

progettò la Symphony Hall di Boston, 

costruita nel 1900 e ancora oggi tra le 

migliori sale da concerto. 

Dobbiamo tener presente, soprattutto 

negli ultimi decenni, dell’impegno di 

architetti e progettisti per generalizzare 

la fruizione delle sale da concerto. 

Teatro Olimpico 

Il Teatro Olimpico a Vicenza progettato da Andrea Palladio e realizzato dal figlio 

Silla e da Vincenzo Scamozzi nel 1585, è il primo teatro stabile fatto costruire 

dopo l’epoca classica, alla quale si ispira. In esso si hanno due innovazioni fondamentali: 

la sala coperta e la prospettiva nella scena. Quest’ultima rappresentò 

una rivoluzione per l’aspetto visivo e per quello acustico: i passaggi ristretti e la 

pendenza ascensionale data dal retroscena concedono allo spettatore la sensazione 

di essere immerso nel dedalo delle sette strade di Tebe. 

Questo teatro rappresenta l’anello di congiunzione tra l’antico e il moderno: 

non è più aperto e semicircolare bensì semiellittico e chiuso da un soffitto 

piano, con ripida gradinata. Il suono è brillante e c’è una significativa diffusione dovuta alla presenza 

delle sculture e delle ricche decorazioni. 

Il Teatro Italiano 

Con il teatro di S. Cassiano e dei SS. Giovanni e Paolo a Venezia (1637- 38), in 

cui le file delle gradinate vennero sostituite con diversi ordini di palchi riservati 

all’aristocrazia, si compì un passo decisivo nella definizione del modello di teatro 

italiano. Il tempo di riverberazione era breve e ridotto al minimo l’eco, grazie al 

potere assorbente dei palchi e del pubblico in platea. 

La ricostruzione del Teatro di Tordinona a Roma (1696) ad opera di Carlo Fontana, 

fu un modello e dette luogo ad alcune varianti, denominate pianta a ferro di cavallo 

e pianta a campana. Su di esso sorse a Milano il Teatro alla Scala (1778) dove l’originale interprete del neoclassicismo, 

Giuseppe Piermarini, ricreò un’acustica perfetta, grazie al giusto rapporto fra masse e spazi vuoti. 

A Palermo, nel 1897, l’architetto Basile termina la costruzione del Teatro Massimo. La sala a ferro di cavallo, con 

una superficie pari a quella dei teatri di Vienna e Parigi, fu concepita secondo il modello del teatro all’italiana, con 

file di logge suddivise in palchi indipendenti e disposti secondo precisi calcoli di acustica e visibilità. La forma della 

sala consente al pubblico di avvicinarsi maggiormente alla scena, in virtù di una maggiore intensità del suono diretto; 

è la migliore risposta alle esigenze dell’opera all’italiana. L’opera lirica impone requisiti acustici molto diversi dalla 

musica sinfonica o da camera. Per mantenere intelligibile il libretto, non così diverso dal parlato, la riverberazione 

deve essere breve, affinchè le successive sillabe non siano mascherate dalla riverberazione di quelle immediatamente 

precedenti. 

Sydney, Australia, 

Open House 

Opera House 

L’Opera House di Sidney (1973) dichiarata patrimonio dell’umanità dall’Unesco, è 

stata considerata un capolavoro del linguaggio architettonico moderno. La struttura 

avrebbe dovuto suggerire il comportamento sonoro delle conchiglie, ma l’architetto 

Jorn Utzon e l’ingegnere Ove Arup, non riuscirono a renderla acusticamente all’altezza 

delle aspettative, forse per certi volumi inadeguati e per le scelte legate alla 

standardizzazione degli elementi costruttivi.



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Festpielhaus di Bayreuth 

La Festspielhaus di Bayreuth, costruita nel 1876, come risposta al teatro aristocratico 

proponeva un nuovo tipo di spazialità atto a modificare il rapporto 

tra pubblico e scena, basandosi sulle teorie drammatico - musicali di Richard 

Wagner. Le caratteristiche acustiche della sala sono determinate dalla pianta 

“a ventaglio”, dalle grandi quinte sporgenti all’interno della sala e degradanti 

verso il boccascena con valore di riflessione, e dai palchi e dalle gallerie con 

funzione assorbente. Uno degli elementi innovativi è il “golfo mistico”: fossa 

orchestrale articolata su sei differenti piani, posti sotto il livello della platea e rivestita da stucco duro, altamente 

riflettente. Applicando un riparo curvo dietro l’orchestra Wagner tentò di ottenere uno schermo che invii i suoni 

verso l’uditorio, questo ufficio era compiuto, nell’antico teatro romano, dalla parete di fondo. 

Il teatro wagneriano mirava alla creazione di un ambiente in cui il pubblico venisse raccolto in un’unica comunità. 

Con analoghe intenzioni nacque nel 1919 a Berlino la Grosses Schauspielhaus di Hans Poelzig. Un ottimo esempio 

di architettura espressionista, con provvedimenti costruttivi e decorativi che eliminano i riflessi del soffitto troppo 

alto e della cupola che fu suddivisa da originali anelli, ciascuno formato ed irrigidito da una serie di archetti. 

Hollywood Bowl 

Un tipico esempio di teatro moderno che si trova all’aperto è l’Hollywood 

Bowl, costruito nel 1922-1929 da Allied Architects e Frank Lloyd Wright jr. 

La struttura opera come un riflettore acustico che dirige il suono verso la platea, 

inoltre è stato ricavato, come nella tradizione greca, in una grande cavità 

naturale. L’anfiteatro è stato ristrutturato da Frank O. Gehry con un intervento 

in 6 fasi, di cui nel 1980 la sistemazione acustica permanente della copertura 

dell’orchestra con sfere di fiberglass. 

Philarmonie di Berlino 

In Germania Hans Scharoun, esponente di spicco dell’architettura organica, 

progettò la Philarmonie di Berlino (1956-63) una sala da concerto che 

potrebbe sembrare il risultato dell’espressione individuale dell’architetto 

per la novità del linguaggio formale. In realtà la disposizione dei sedili in 

terrazzamenti ascendenti che circondano i suonatori, costituisce una soluzione 

razionale ai problemi acustici e risponde all’ obiettivo di generare un 

rapporto tra pubblico e orchestra. La struttura dalla forma pentagonale visibile 

all’esterno viene mantenuta anche all’interno, l’orchestra occupa la sezione centrale della sala mentre 

attorno si trovano le gallerie per il pubblico e la copertura esterna è in alluminio dorato. 

Villaggio della Musica 

Renzo Piano ha progettato il Villaggio della Musica (2002) di Roma. Attraverso 

un’attenta analisi acustica, ogni sala è la cassa armonica più idonea 

al tipo di musica che vi verrà suonata. Viste dall’esterno le tre sale sembrano 

rocce che affiorano tra la ricca vegetazione. 

La sala Santa Cecilia, è stata studiata per i grandi concerti sinfonici, ha una 

scena centrale di configurazione modulabile e le sedute disposte a terrazzamenti. 

La sala Sinopoli, è la più flessibile delle tre, grazie alla possibilità 

di adattare le dimensioni della scena e la disposizione delle sedute secondo 

il tipo di spettacolo, può ospitare sia concerti di musica contemporanea che balletti. 

La sala più piccola, ha una configurazione simile a quella dei teatri storici, con la fossa per gli orchestrali 

e la struttura scenica di tipo tradizionale anche se movibile, è in grado di ospitare opere liriche, concerti di 

musica da camera o barocca e spettacoli teatrali. All’interno, le tre sale sono rivestite di legno di ciliegio, 

adatto ad accogliere e restituire in modo affidabile le onde sonore. 

MARIA CIOPPI 

CANTANTE LIRICA 

di Anna Vanni 

Ho incontrato casualmente Maria 

Cioppi sul “PIAZZONE” 

verso la fine dell’estate 2008 

. Si è diretta verso di me col suo bel 

sorriso cavalcando una bicicletta stracarica 

di borse della spesa e agitando 

una mano in segno di saluto. 

Immagine davvero inusuale di una 

cantante abituata a calcare importanti 

palcoscenici di teatri esteri e italiani. 

Immagine inusuale però per chi non 

conosce la sua schiettezza e la sua semplicità 

e non per le persone che hanno 

la possibilità di poterla frequentare nel 

privato. Ci fermiamo un po’ a parlare; 

le chiedo dei suoi successi, dei suoi 

impegni futuri ma la reciproca fretta 

e il pranzo che aspetta non mi danno, 

come vorrei, la possibilità di iniziare 

un discorso che metta bene in luce la 

sua professionalità. 

Domando se possiamo incontrarci di 

nuovo e Maria propone di vederci a 

casa sua. 

Il giorno seguente, sedute sul divano 

del salotto, riprendiamo il discorso 

interrotto in un ambiente caldo, fantasioso, 

perfettamente aderente alla 

sua personalità. 

Le chiedo quando ha deciso di intraprendere 

una carriera interessante 

ma difficile. 

Mi risponde che la voglia di esprimersi 

con ilcanto non è nata con lei. Voleva 

fare altre cose, non pensava assolutamente 

di poter diventare una cantante 

lirica. Le persone a lei vicine però, familiari, 

parenti, amici, dicendole che 

aveva una bella voce, l’hanno consigliata 

a valorizzare questa sua qualità. 

Ha cominciato allora a cantare nel 

Coro Parrocchiale del Duomo di Pontedera, 

distinguendosi subito, fra i coristi, 

per il volume e l’armonia della 

voce, elementi questi che l’hanno spinta 

successivamente a intraprendere lo 

studio del canto, uno studio però non 

finalizzato nelle, sue intenzioni, a una 

possibile carriera di cantante. Pensava 

che la conquista di un titolo di studio 

o un diploma, le avrebbero permesso 

eventualmente di insegnare. 

I casi della vita però l’hanno portata a 

percorrere strade diverse da quelle immaginate. 

Determinante è stata per lei la conoscenza 

di persone operanti nel campo 

musicale che l’hanno convinta a studiare 

per seguire la strada del canto. 

Negli anni di studio, passando da un insegnante 

a un altro, veniva indirizzata 

da alcuni in un senso, da altri in un altro. 

Poiché Maria aveva cominciato gli studi 

quando era una adolescente e aveva 

una voce chiara e squillante, i maestri 

ritennero che il suo timbro vocale fosse 

quello di un soprano leggero. Successivamente, 

entrando a studiare nel Conservatorio 

di Lucca, Maria cominciò 

“... ad aprire gli occhi”. Sulle sue corde 

vocali si erano formati dei noduli che 

non le permettevano più di emettere i 

toni acuti da soprano leggero. Pensò 

allora di abbandonare gli studi. La madre 

di Maria, però, avendo visto in una 

trasmissione televisiva il famoso tenore 

Carlo Bergonzi che teneva con passione 

e disponibilità dei Master in una 

Accademia Musicale, decise di contattarlo 

per chiedergli un’audizione per la 

figlia. La richiesta fu accolta dal tenore 

che, in seguito all’audizione si espresse 

in termini positivi dicendo che “quella 

voce” meritava assolutamente di essere 

valorizzata. 

Incoraggiata da questa valutazione 

Maria continuò il suo percorso artistico 

riuscendo a prendere una borsa di studio 

e a fare un’Accademia di quaranta 

giorni a Busseto. 

Queste esperienze la incoraggiarono a 

pensare che, forse, “ ce la poteva fare”a 

proseguire nel suo cammino. 

Ricominciò cantando “L’ELISIR 

D’AMORE” di DONIZZETTI e “LE 

NOZZE DI FIGARO” di MOZART 

però non era ancora ben definito ben 

definito quale sarebbe stato in futuro il 

percorso artistico. 

MARIA CIOPPI 

È nata e risiede a Pontedera. 

Ha iniziato cantando nel 

Coro parrocchiale del Duomo 

di Pontedera. 

Ha studiato con vari insegnanti 

e, successivamente, 

iscrivendosi al Conservatorio 

“Boccherini” di Lucca. 

Avendo vinto una borsa 

di studio, ha continuato 

ha continuato il suo “iter“ 

presso l’Accademia Musicale 

di Busseto. Studiando 

ancora da privatista, ha 

conseguito il Diploma di 

Conservatorio presso 

il Conservatorio “Niccolò 

Paganini” di Genova. 

Ha mosso i suoi primi passi 

nell’ambiente musicale 

molto giovane cantando 

brani Da “L’Elisir d’Amore“ 

e da “Le Nozze di Figaro“ 

di Mozart. 

Nel 1989, a Torre del Lago, 

ha cantato nell’opera “ Suor 

Angelica” di Puccini e, negli 

anni seguenti, in molti 

importanti teatri. 

Attualmente, con il maestro 

e collega Luca Casarin, studia 

per affrontare ruoli congeniali 

alla sua sensibilità. 

Collaborando con Mario 

Dradi, importante agente 

a livello internazionale, 

ha interpretato il ruolo di 

Colombina nell’opera “Le 

Donne Curiose“ di Wolf 

Ferrari, ottenendo anche 

importanti ruoli di comprimariato 

in opere rappresentate 

all’Arena di Verona e al 

San Carlo di Napoli. 

A Verbania, sul Lago Maggiore, 

ha cantato nell’opera 

“Aida” di Verdi, diretta da 

Lorin Mazel e, come interprete 

principale, in un’opera 

di Menotti intitolata “Il 

telefono“. 

Nel Dicembre 2008, si è 

esibita durante una tournèe



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di concerti pucciniani a Las 

Palmas, nelle isole Canarie 

e nei concerti di Natale a 

Ragusa e Augusta. 

Arena di Verona, 

Rigoletto di Verdi 

Messina, 

Il Falstaff di Verdi 

Gli insegnanti del Conservatorio non 

avevano ben capito le caratteristiche 

del suo timbro vocale e le avevano imposto 

un repertorio non adatto. 

Successivamente, continuando a studiare 

e frequentando anche altri insegnanti, 

capì che la sua voce avrebbe 

potuto affrontare esperienze da soprano 

lirico. 

In seguito a una visita effettuata da una 

celebre foniatra, venne poi a sapere 

che la sua laringe aveva una conformazione 

particolare che le permetteva di 

emettere toni da soprano leggero ma 

che aveva sostanzialmente un apparato 

da soprano lirico puro. 

Questo fatto la spinse successivamente 

ad aspirare a ruoli prevalentemente 

drammatici, passionali come 

la “TOSCA “di PUCCINI o DONNA 

ELVIRA nel “DON GIOVANNI” di 

MOZART. 

Attualmente, in sintonia con la sua 

scelta, sta facendo un “grande lavoro” 

con il maestro e collega LUCA 

CASARIN. 

Studiando con lui ha scoperto nella 

sua voce delle qualità che non aveva 

mai sfruttato e che possono realmente 

offrirle l‘occasione di affrontare 

ruoli più congeniali alla sua sensibilità 

di artista. 

Secondo Maria però, “... un tempo i 

cantanti erano …i cantanti! Per loro 

era importante come vivevano un 

personaggio”. Pensa invece che oggi 

direttori d’orchestra e registi spesso 

impongano le loro idee a cantanti e 

registi per i quali, pur restando aderenti 

al testo, è determinante come 

“scolpire” un personaggio. 

Ritiene comunque che ci siano alcuni 

registi, ZEFFIRELLI, UGO GUER- 

RA, ABBADO e altri che non stravolgono 

i testi e rispettano il ruolo degli 

interpreti. Alla domanda se lei pensa 

di essere stata capita e valorizzata adeguatamente, 

secondo la sua professionalità, 

risponde: “Non in pieno”. 

Chiarisce il concetto dicendo che se un 

artista non ha un’agenzia con la quale 

avere rapporti di collaborazione, le 

possibilità di lavorare sono poche. 

Ha cominciato a cantare molto giovane, 

nel 1989 a TORRE DEL LAGO 

interpretando un piccolo ruolo nella 

“SUOR ANGELICA” di PUCCINI. 

Successivamente, per 15, 16 anni, le 

sono stati offerti ruoli meno importanti 

perché “…gran parte di quello 

che ho fatto, l’ho fatto da sola, senza 

alcun aiuto”. 

Scriveva ai direttori dei teatri, andava 

a fare audizioni ma otteneva solo “ le 

briciole“ perché non aveva alle spalle 

un’agenzia che la proponeva. 

È stato molto difficile per lei continuare 

nel suo cammino artistico. Ha perseverato 

spinta dalla passione e dalla sua 

forza di volontà finchè ha incontrato 

MARIO DRADI, uno dei più importanti 

agenti, a livello mondiale, di grandi 

artisti quali PLACIDO DOMINGO, 

CARRERAS, RAIMONDI, la GULE- 

GHINA, BRUSON… 

L’incontro con Mario Dradi col quale 

sta collaborando da qualche anno, è 

stato per lei determinante perché le ha 

permesso di rinunziare a ruoli minori 

per affrontarne più importanti come 

quello di COLOMBINA nell’opera 

“LE DONNE CURIOSE” di WOLF 

FERRARI che è stata rappresentata al 

Teatro Filarmonico di VERONA. 

Attualmente, sempre in collaborazio-



Concerto a Pontedera 

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Verona, Le donne curiose 

di Wolf Ferrari 

ne con l’Agenzia di M. Dradi, alterna 

a questi ruoli altri di “comprimariato” 

in opere quali il “RIGOLETTO” 

di VERDI, cantando in grandi teatri 

come l’ ARENA di VERONA e il SAN 

CARLO di NAPOLI e facendo anche 

importanti registrazioni in DVD. In 

occasione del cinquantenario dalla 

morte di TOSCANINI, a Verbania sul 

Lago Maggiore, ha anche cantato nell’ 

AIDA diretta da LORIN MAZEL col 

quale ha fatto poi una tournée 

in Brasile. 

Nel prossimo mese di dicembre 

(2008), sempre collaborando 

con l’Agenzia di 

Mario Dradi, il cui impegno 

è finalizzato anche alla realizzazione 

di grandi eventi 

a carattere internazionale, 

andrà a Las Palmas, nelle 

Gran Canarie, dove avrà 

luogo una serie di concerti 

pucciniani. 

Quando ho chiesto a Maria 

la sua opinione sui musicisti 

contemporanei come LUIGI 

NONO, mi ha risposto che 

non ha, a tale riguardo, una 

conoscenza approfondita. 

Ha cantato però in un’opera 

di MENOTTI intitolata “IL 

TELEFONO” nella quale 

gli interpreti sono soltanto 

due: un soprano, LUCY, interpretato 

da Maria e BEN, 

interpretato da un baritono. 

In pratica l’interpretazione di questa 

Lucy si svolge al telefono nella paradossale 

situazione, decisa dal regista, 

di un trasloco per cui la protagonista, 

affaccendata a riempire scatoloni e 

contemporaneamente a rispondere alle 

telefonate, riesce a malapena a scambiare 

qualche parola col povero fidanzato 

Ben che vuole chiederle di sposarlo 

ma che per parlarle è costretto 

anche lui a telefonarle dall’esterno. 

Maria dice che questo è un tipo di 

scrittura musicale molto diverso da 

quello con cui si è formata musicalmente 

però, in qualche modo vicino 

al suo “animus” per il “suo aspetto 

divertente e comico”. 

Afferma anche di essere una “pucciniana 

sfegatata” perché Puccini tocca le 

corde del suo animo e perché, da toscana, 

ritiene che in opere come BOHE- 

ME o BUTTERFLY, emergano “palpiti 

e fremiti della toscanità dell’autore”. 

Prima di concludere la nostra lunga 

conversazione, le chiedo se può parlarmi 

di alcune cantanti liriche da lei 

particolarmente apprezzate . Mi risponde 

facendo i nomi di : MIREL- 

LA FRENI, RENATA TEBALDI, 

MARIA CALLAS. 

“... la Callas aveva una voce che le 

permetteva di fare ciò che voleva, nonostante 

il colore di quella voce fosse 

metallico. La Callas era talmente 

padrona del suo strumento - voce che 

non lasciava niente al caso, studiava 

qualsiasi parola, qualsiasi inflessione, 

diventando sul palcoscenico il personaggio 

che interpretava e portando sul 

palcoscenico una ventata di novità”. 

A questo punto della nostra amichevole 

conversazione, ritenendo di avere un 

pò “abusato” della disponibilità di Maria, 

la ringrazio per la sua gentilezza. 

Le auguro di proseguire nel suo cammino 

di artista raccogliendo i successi 

che merita ma restando la bella 

persona che è. 

Messina, 

Le nozze di Figaro 

di Mozart 

Verona, Carmen di Bizet


IL TEATRO ERA 


Retro della struttura 


Entrata del Teatro Era 

di Pontedera 

Il 21 ottobre dopo circa 15 anni dall’inizio 

dei lavori è stato inaugurato 

il teatro Era, un teatro con soluzioni 

e innovazioni tecnologiche d’avanguardia 

che lo pongono ai primi posti 

nella scala dei valori tecnologici. 

È un teatro che è cresciuto con la voglia 

dei cittadini di avere una struttura 

degna di questo nome: ricordo una 

manifestazione pubblica, a sostegno 

del teatro, per la ripresa dei lavori interrotti 

a cui parteciparono anche Gerzy 

Grotowski, gli attori dell’Odin Teatret 

e una gran folla: cose mai viste per 

un avvenimento culturale. Quindi, se il 

teatro c’è è merito dei cittadini e delle 

autorità. Si deve riconoscere anche un 

gran merito agli addetti ai lavori che 

hanno saputo trasformare un sogno in 

una realtà, che ha dato a questa città, 

un luogo di incontro culturale per il 

teatro e per una scuola di attori. 

Un Festival di apertura di questo teatro 

si è svolto nei due mesi di ottobre e 

novembre e ha coinvolto tutta la città 

per la varietà degli interventi. L’impegno 

proseguirà con i vari laboratori 

messi in programma per un lavoro che 

si annuncia lungo e gratificante per le 

nuove generazioni. 

La struttura avrà altre funzioni perché 

sarà anche la sede il Consiglio di 

Quartiere, della filarmonica “Volere 

è Potere” e della Fondazione Pontedera 

Teatro. 

Interno 

Il Teatro Greco 

72 

73



Immagini dell’interno 

del Teatro Era 

BRENNO RISTORI 

di Michelangelo Gorini 

88 

89 

Ci raccontano i vecchi pontederesi 

la storia di un tenore dalla voce 

chiara e squillante che ebbe i suoi 

natali in questa città nel 1912; Brenno Ristori 

che ebbe anche la fortuna di cantare 

ed essere apprezzato dai maggiori artisti 

lirici del suo tempo. Iniziò a studiare canto 

nella scuola del maestro Raul Frazzi di 

Firenze, una scuola ritenuta importante 

e dalla quale era uscito il baritono Gino 

Bechi, un grande della lirica. Brenno Ristori 

vincitore al concorso “voci nuove” 

indetto dal Teatro Comunale di Firenze, 

come tenore, insieme a Rolando Panerai 

vincitore come baritono, ebbe una carriera 

artistica ricca di soddisfazioni per 

aver interpretato ruoli di rilievo e aver 

BRENNO RISTORI 

Appunti cronologici 

1947 - Pisa/ Concerto vocale. 

1948 - Pisa/ Teatro Italia “Lucia 

di Lammermoor”. 

1948 - Pontedera/ Teatro Italia 

“Lucia di Lammermoor”. 

1948 - Firenze/ Teatro Comunale 

“Chovanjcina”, “Lombardi 

alla prima crociata”, 

“Salomè”, “Aida”. 

1950 - Lucca/ Teatro del Giglio 

“I Pagliacci”. 


“Rigoletto”, “Boris 

Godounov”. 


“I vespri siciliani”, 

“Traviata”, “Ballo in maschera”, 

“Aida”. 


“Dama di picche”, 

“Guerra e pace”. 


“La fanciulla del 

West”, “Il contrabbasso”, 

“Nabucco”. 


“Don Sebastiano”, 

“Werther”, “La fiera di Sorocinsky”. 


“Ballo in maschera”. 

“Nei “Pagliacci” si sono distinti 

soprattutto la soprano 

Rinetta Romboli (Nedda) 

e il giovanissimo baritono 

Raoul Di Fiorino (Tonio), 

una sicura promessa del 

teatro lirico. Bene anche il 

tenore Brenno Ristori (Canio), 

il baritono Alfredo Fineschi 

(Silvio) ed il tenore 

Modigliano Sernissi (Arlecchino)”. 

(da “Al Teatro del 

Giglio”, 14 febbraio 1950) 

In alto: Brenno Ristori in 

La Fanciulla del West 

Sotto: Prove 

per La Traviata 

A fianco: Brenno Ristori 

è il primo a sinistra 

seduto con il clarino



cantato con i più grandi artisti della lirica 

della sua epoca. Nel 1948, dopo “Lucia 

di Lammermoor” a Pisa e a Pontedera, 

nel ruolo di “Edgardo” accanto al celebre 

soprano Lina Pagliughi, lasciò nei vecchi 

pontederesi un ricordo indelebile; nello 

stesso anno fece il suo debutto al Teatro 

Comunale di Firenze in “Chovanscina” 

di Mussorgsky diretta da Vittorio Guì e 

con artisti del calibro di Nicola Rossi - 

Lemeni e Boris Christoff. 

Nel febbraio del 1950 cantò “ I Pagliacci” 

al Teatro del Giglio di Lucca nel ruolo di 

“Canio” ottenendo un ottimo successo. 

Nel 1954 prese parte alla memorabile 

“Fanciulla del West” di G. Puccini, diretta 

dal grande Dimitri Mitropoulos con 

la regia di Curzio Malaparte accanto al 

tenore Mario del Monaco al soprano 

Eleonor Steber e al baritono Gian Giacomo 

Guelfi nei ruoli principali. Brenno 

Ristori è rimasto attivo al Teatro Comunale 

di Firenze dove ha svolto la maggiore 

attività artistica nei ruoli di comprimario 

fino al 1957 partecipando sia 

alle stagioni invernali, sia a quelle del 

Maggio Musicale, sia a tutte le grandi 

produzioni, insieme ai grandi della musica 

che in quel periodo calcarono quel 

palcoscenico. Morì nel 1997. 

In alto a sinistra: 

il programma di sala 

di Kovanscina, l’opera 

fu rappresentata a Firenze 

nel dicembre del 1948 

Locandina de 

“La fanciulla del West” 

90 

91 


Brenno Ristori, 

“Il contrabbasso” 

Sotto: 

Brenno Ristori 

è l’ultimo a destra 

A fianco: 

“Werther”, Brenno Ristori 

è il primo a destra 

La fanciulla del West



92 

93 

RICCARDO MORETTI 

Riccardo Moretti si è diplomato 

in flauto presso il 

conservatorio “Boccherini” 

di Lucca. Ha studiato composizione 

con il M° Gaetano 

Giani Leporini. Ha seguito 

corsi superiori di flauto con il 

M° Severino Gazzelloni e direzione 

d’orchestra con il M° 

Franco Ferrara presso l’Accademia 

di S. Cecilia in Roma. 

Ha collaborato per molti anni 

con il M° Carlo Maria Giulini 

e, per la musica da film 

con il M° Nino Rota. È stato 

invitato a dirigere l’orchestra 

sinfonica della televisione 

belga. È stato direttore stabile 

dell’Orchestra Giovanile Toscana 

e dell’Ensemble Music 

Brass formato da solisti della 

New York Sinfony e della 

Philadelphia Orchestra. Dal 

1992 è Guest Director dell’orchestra 

del teatro Bolshoj 

di Mosca, dell’orchestra Gosteleradio 

e della Moskow 

Synfony. Ha composto colonne 

sonore per film e documentari 

e musica di scena per 

teatro tra cui “Un po’ per non 

morire”,sulla vita di Puccini 

presentato a Torre del Lago 

e al festival di Tel Aviv. A 

Mosca gli è stato attribuito 

il “Premio Nino Rota” dall’Unione 

dei Compositori 

Russi. Ha curato per la RAI: 

“ La musica nel cinema italiano” 

e”Il 50° Anniversario 

del Maggio Musicale Fiorentino. 

Ha presentato al Teatro 

Regio di Parma il suo lavoro 

ebraico “Ebraica” con il ballerino 

Tierry Parmentier. Insegna 

presso il conservatorio 

“A. Boito” di Parma dove ha 

la cattedra di flauto e composizione 

per Musica da Film. 

Nel 2008 ha interpretato il 

ruolo di Giacomo Puccini 

nel film di Paolo Benvenuti 

“Puccini e la fanciulla”. 

RICCARDO MORETTI 


A 

Pontedera il ricordo di Riccardo 

Moretti è rimasto nel 

tempo molto vivo. Suo padre, 

Furio Moretti, conosciuto in 

città perché portiere dell’ospedale 

“Lotti”, aveva trasmesso al figlio, fin 

dalla sua prima infanzia, la sua passione 

per la musica. Frequentando la 

scuola elementare, Riccardo ha avuto 

ulteriori stimoli. Negli anni 1960 

infatti, a Pontedera, nell’ambito della 

scuola primaria, venivano fatte interessanti 

esperienze di educazione 

didattica a carattere teatrale e musicale. 

Venivano organizzati spettacoli 

sotto la direzione di maestri di musica 

quali la Sig.Vaber e il Maestro 

Bonsignori, con la collaborazione di 

due giovani insegnanti, Pazzi Maria 

Novella e la sottoscritta, desiderose 

di affrontare nuove esperienze a 

carattere didattico. In uno di questi 

spettacoli intitolato “Il giro del mondo”, 

gli alunni, accompagnati da una 

piccola orchestra composta da com- 

pagni di scuola e diretta dal Maestro 

Bonsignori, erano impegnati in 

danze russe, olandesi, cancan, valzer 

viennesi… È proprio in quest’ultimo 

ballo che vediamo il nostro piccolo 

Riccardo,con i suoi riccioli neri e il 

suo bel frac che tiene al braccio la 

compagna Enrica Ercoli, nel… vortice 

della danza. 

Negli anni ’70 vediamo Riccardo 

Moretti ancora impegnato nella 

scuola, questa volta però nel ruolo 

di flautista. I professori delle materie 

artistiche della scuola media 

“Curtatone e Montanara” avevano 

organizzato dei concerti per gli studenti 

con l’intento di proporre ai 

ragazzi la conoscenza di un tipo di 

musica,quella classica,che difficil- 

mente avrebbero ascoltato se non 

guidati. Naturalmente,per coinvolgere 

i ragazzi, era importante rivolgersi 

a musicisti giovani che proponessero 

brani adeguati. Pensarono 

allora di invitare a scuola,per fare 

alcuni concerti,un giovane flautista, 

Riccardo Moretti, che conoscevano 

bene perché aveva studiato nella 

loro scuola e si era successivamente 

diplomato in flauto presso il 

“Conservatorio “Luigi Boccherini” 

di Lucca. Riccardo accettò volentieri 

e fece brevi concerti per varie 

classi suonando brani con il flauto e 

lasciando negli alunni il ricordo di 

un’esperienza gratificante. A Pontedera 

ha diretto anche per diversi anni 

la filarmonica “Volere è Potere”, 

poi,prendendo il volo verso altri più 

importanti lidi, ha raggiunto prestigiosi 

traguardi,ultimo dei quali nel 

2008 quando ha interpretato il ruolo 

di Giacomo Puccini nel film del regista 

Paolo Benvenuti “Puccini e la 

Fanciulla”che lo vede protagonista a 

livello internazionale. 

Queste sue affermazioni,insieme a 

molte altre, possono essere di stimolo 

alla cittadinanza per conoscere 

meglio il valore di questo nostro 

“pontaderese”. 

A sinistra: ritratto 

di Riccardo Moretti 

A destra: ritratto 

di Giacomo Puccini 

(straordinaria somiglianza) 

Riccardo Moretti all’interno 

del cortile del conservatorio 

A. Boito di Parma 

Moretti a Mosca mentre 

dirige l’orchestra Bolshoi



Foto riprese prima 

della partenza 

per Bruxelles. 

Qui a fianco la parte 

riquadrata in basso 

ingrandita 

DAVID CALAMAI 


Gli episodi che riguardano persone 

“note” nella vita di una 

Comunità, passando di bocca 

in bocca, si alterano fino a diventare 

“miti”, la tradizione orale poi fa si che 

gli episodi diventino patrimonio consolidato 

della Comunità. Vi è anche il 

rovescio della medaglia: avviene che 

questi episodi si dimentichino e gli 

episodi cadano nell’oblio. 

È il caso di David Calamai, violinista di 

prima fila, per 44 anni alla scala di Milano. 

Noi della Redazione e alcuni ricercatori, 

abbiamo iniziato a interessarci di 

lui da molto tempo perché volevamo dedicare 

il numero del Bollettino 2008 alla 

musica nella Valdera. Come si fa di solito 

in questi casi si incomincia a consultare i 

parenti stretti per poi allargare la ricerca. 

Per quanto si sia ricercato tra i parenti, 

nessuno aveva una fotografia o una notizia 

da darci! Sembrava quasi che non 

fosse mai esistito; eppure io mi ricordavo 

che mio padre mi aveva parlato di questo 

ragazzo prodigio che a 8 anni aveva 

tenuto un concerto per violino al Teatro 

Comunale di Firenze, che il maestro Arturo 

Toscanini lo aveva ascoltato mentre 

suonava in un locale in Galleria a Milano 

e lo aveva voluto nella sua orchestra 

come “Primo violino”. Lo aveva poi portato 

con sé in una tourné in America. Altri 

94 

95 

mi avevano confermato le stesse notizie, 

ma non si trovava traccia di questo prodigio. 

Una prima conferma venne da Sauro 

Lupi, esperto musicofilo, che negli archivi 

della Diocesi di Pontedera aveva trovato 

l’atto di nascita del Calamai che informava 

della nascita il 2 dicembre 1899, 

altre notizie indicavano che si era sposato 

a Milano e qui era morto il 28 febbraio 

1983. Nel Comune di Pontedera, all’Ufficio 

anagrafe, è stato ritrovato l’atto di 

nascita. Quindi l’esistenza era certa ora 

mancava il vissuto artistico. L’archivio 

del Museo della Scala di Milano ci ha 

fornito alcune notizie: Calamai David 

è stato dipendente del Teatro alla Scala 

per 44 anni come violino di prima fila 

ma non dispongono di una sua fotogra- 

fia. Michele Gorini, esperto e appassionato 

di musica ha condotto una ricerca 

attraverso molte pubblicazioni librarie 

sull’attività della Scala di Milano, ricercando 

tra le varie immagini pubblicate 

una possibile immagine di Calamai. 

Ingrandite e riprodotte una decina di 

immagini con il maestro Toscanini e gli 

orchestrali le abbiamo sottoposte ai conoscenti 

del Calamai per individuarne il 

maestro: esito negativo. Michele Gorini 

ha infine ritrovato su una pubblicazione 

del Teatro alla Scala del 1958, inerente 

la tournée dell’orchestra in occasione 

dell’Expò a Bruxelles dello stesso anno 

le foto dell’orchestra al completo, nell’ingrandimento 

riconosciamo David 

Calamai con il suo violino. 

I componenti 

dell’orchestra della Scala



Una delle prime 

esibizioni pubbliche 

della “Volere è Potere” 

Un’esibizione pubblica 

diretta dal maestro Granchi 

LA “VOLERE è POTERE” 


Una delle Istituzioni musicali più 

longeve, tra alti e bassi, della città 

di Pontedera è senza dubbio 

la Filarmonica “Volere è Potere” fondata 

nel 1835. La data è stata tramandata dai 

cronisti dell’epoca, non esistendo documentazione 

a tal proposito. La fondazione 

avvenne ad opera di un sacerdote, 

don Angelo Magnani che la diresse come 

Maestro fino al 1865. Via, via poi tanti 

altri maestri, musicisti di grande valore e 

competenza, portarono questa Filarmonica 

a raggiungere 

livelli di eccellenza a 

livello internazionale 

come le varie vittorie 

riportate in concorsi 

a Cannes, Marsiglia 

(Francia), Differdange 

(Lussemburgo) 

e ad avere successi 

in tutta Italia come a 

Torino al Concorso 

Internazionale dove 

il “Conte di Torino” 

fece dono di una spil- 

la in oro e brillanti al Maestro G. Falorni. 

In 174 anni di attività la banda ha collezionato 

vittorie e successi, ma ha avuto 

anche di periodi difficili per mancanza di 

mezzi finanziari. Le manifestazioni della 

vita cittadina hano sempre visto in prima 

fila la partecipazione della “Banda” di 

Pontedera. Una “Banda”, la Filarmonica 

“Volere è Potere” sostenuta in gran parte 

dall’entusiasmo dei musicisti del suo organico 

che partecipano con sacrifici personali 

non sempre ricompensati. 

L’Istituzione musicale della “Banda”ha 

sempre avuto un’attenzione particolare 

alla scuola musicale dedicata ai giovani 

allievi per avere un serbatoio di utenza 

da cui attingere i futuri musicisti; l’attività 

didattica oltre ai docenti qualificati è 

sempre stata seguita dai vecchi musicisti 

che hanno tramandato l’amore per la musica 

alle nuove generazioni. 

Oggi, dopo tante difficoltà, la “Volere 

è Potere” ha trovato una sede definitiva 

nei locali del nuovo teatro Era che ha destinato 

alla Filarmonica parte delle sue 

strutture architettoniche. 

Filarmonica 

Volere è potere 

“Nonostante la mia 

estrema riservatezza, 

sono ben lieto di stendere 

queste poche righe della 

mia breve esperienza in 

qualità di ex segretario 

della banda “Volere è 

Potere”, un’istituzione 

che tanto onore ha dato 

a Pontedera, e che ha 

contribuito ad avvicinarmi 

ulteriormente al 

mondo della musica. Il 

ricordo a cui sono sicuramente 

più legato 

è la partecipazione al 

concorso internazionale 

di Differdange in Lussemburgo 

del giugno 

1959; dal 1904 la banda 

“Volere è Potere” non 

partecipava a concorsi 

di carattere internazionale, 

pertanto l’evento del 1959, in 

cui la nostra banda risultò l’assoluta 

vincitrice di tale manifestazione conquistando 

il trofeo Granduca Adolfo, 

nonostante l’estrema bravura degli 

altri complessi musicali, rappresenta 

senza ombra di dubbio un rilancio 

della “Volere è Potere” e, con essa, 

della città di Pontedera. La preparazione 

al concorso fu lunga e laboriosa, 

ma il successo di quei giorni 

Sotto: alcune esibizioni 

pubbliche della banda 

96 

97 

Una recente esibizione 

per l’inaugurazione della 

nuova piazza della stazione



98 

99 

La nuova sede 

della “Volere è Potere” 

presso il Teatro Era 

Una recente esibizione 

a Differdange ci ripagò di tutte le 

energie profuse. Il nostro soggiorno 

in terra lussemburghese fu un susseguirsi 

di successi ed emozioni, e di 

giorno in giorno fu crescente la partecipazione 

del pubblico. La stessa 

critica trovò le nostre esecuzioni impeccabili, 

ricche di calore e lirismo, 

caratteristiche che probabilmente 

mancavano negli altri complessi 

bandistici, i quali, pur essendo stati 

dotati di ottima preparazione e grande 

esperienza, risultarono esecutori 

più freddi. Grande merito del trionfo 

della nostra banda è da attribuire 

al Maestro Libero Granchi, il quale, 

con estrema professionalità, seppe 

raggiungere un successo che ancora 

oggi rappresenta motivo di vanto per 

Pontedera. Per quanto mi riguarda, 

ricordo ancora con nostalgia quei 

giorni così intensi e ricchi di avvenimenti 

e successi, così come non 

potrò mai dimenticare le magnifiche 

emozioni provate allora. Vorrei concludere 

con un augurio alla nostra 

amata “Volere è Potere”, che un 

giorno possa ritrovare e rivivere i 

fasti di quei lontani giorni. 

(Michelangelo Gorini) 

SIGNIFICATO 

DELL’INSEGNAMENTO. 

LA CREATIVITÀ 

EDUCABILE 

di Luigi Nannetti 

Tra le finalità che nel 2003, al momento 

della sua nascita, l’Accademia 

della Chitarra – Musica 

& C. si è posta di perseguire attraverso 

la propria attività vi è quella della pratica 

e diffusione della cultura musicale 

in ogni sua forma, con particolare attenzione 

al mondo della contemporaneità. 

Parlare, ascoltare, ma soprattutto 

promuovere attività che abbiano a che 

fare con la musica contemporanea in 

Italia, e ancor più nel contesto in cui 

si muove l’associazione, ovvero Pontedera, 

la Valdera e i territori limitrofi, 

è evidentemente assai difficile. Pochi 

sono i frequentatori di questo genere, 

quasi del tutto assenti i luoghi ove esso 

abbia trovato una dimora stabile nelle 

programmazioni concertistiche, moltissime, 

invece, le iniziative che tendono 

in direzione diametralmente opposta, 

perpetrando una tipologia di offerta 

musicale ancorata alla mera riproposizione 

di capolavori del passato che, dati 

in pasto senza un’adeguata modalità e 

spesso percepiti in opposizione con la 

prassi musicale divulgata dai media, da 

tempo hanno smesso di rappresentare 

l’humus musicale entro cui le nuove 

generazioni maturano il proprio gusto 

musicale. Del resto è incontrovertibile 

quanto il problema della fruibilità 

posto dalla musica contemporanea 

– come del resto accade anche per altri 

campi artistici – sia avvertito tanto nel 

mondo accademico quanto dall’offerta 

musicale presente nei grandi centri cittadini 

italiani, e d’altronde risulta innegabile 

quanto esista un vero e proprio 

doppio canale a livello di produzione: 

da un lato il percorso che la musica 

classica e popular colta hanno intrapreso 

nel secolo appena conclusosi, dall’altro, 

parallelamente, il florilegio di 

produzione musicale, spesso semplicisticamente 

definita “commerciale”, la 

quale ri-propone un linguaggio musicale 

che – escludendo l’aspetto innovativo 

legato allo sviluppo delle nuove 

tecnologie applicate agli strumenti e 

alla spettacolarizzazione del momento 

esecutivo – dal punto vista tecnico 

(armonico/melodico) risale più o meno 

alla prima metà dell’Ottocento. Del resto, 

se il gap presente tra i due percorsi 

ha trovato tanto sporadici quanto proficui 

punti d’incontro a livello di discussione 

e prassi accademica, per quanto 

riguarda un ambito, diremmo, più po- 

LUIGI NANNETTI 

Ha conseguito il Diploma in 

Flauto nel 2001 presso l’Istituto 

Musicale Pareggiato 

“L. Boccherini” di Lucca e 

si è Laureato in Storia della 

Musica presso la facoltà di 

Lettere dell’Università di 

Pisa nel 2004, con una tesi 

dal titolo: La Formazione di 

Giacomo Puccini dall’Istituto 

Musicale “G. Pacini” al 

Conservatorio di Milano. Nei 

due anni successivi al diploma 

in flauto ha frequentato 

il Corso di Perfezionamento 

presso l’Istituto Musicale “P. 

Mascagni” di Livorno tenuto 

da Stefano Agostini, mentre 

nell’anno 2003/2004 ha frequentato 

il Corso Annuale 

di Perfezionamento presso 

l’Accademia “San Felice” 

di Firenze sotto la guida di 

Michele Marasco (1° flauto 

dell’ORT). Ha partecipato 

ai Corsi Estivi di Perfezionamento 

a Campiglia 

Marittima nell’anno 1999, 

e al Corso Estivo presso l’ 

“Associazione Stravinskij” 

a S. Martino Val Caudina 

nel 2002 entrambi tenuti da 

Conrad Klemm. Nel 2003 

frequenta il Corso Perfezionamento 

presso l’ Accademia 

Chigiana di Siena tenuto da 

Patrick Gallois, mentre nel 

2004 ha frequentato i corsi di 

perfezionamento nell’ambito 

del Festival “S. Gazzelloni” 

a Roccasecca con Maxence 

Larrieu, Carlo Macalli, Mario 

Caroli e Michele Marasco. 

Ha al suo attivo numerosi 

concerti effettuati come 

solista e/o come membro di 

vari ensemble cameristici e 

orchestrali (Vanhal, Nuova 

Orchestra Labronica (NOL), 

Youth Arts & Sounds Orchestra 

(YASO) di La Spezia) 

e, in qualità di musicista, 

di varie compagnie teatrali 

(Teatro del Té, Lusiadi). Ha 

pubblicato articoli di interesse 

musicologico su Giacomo



100 

101 

Puccini e programmi di sala 

per importanti rassegne concertistiche 

(Associazione 

Musicale Lucchese, Festival 

“Claudio Monteverdi” di 

Cremona). Da alcuni anni 

ha iniziato un percorso di 

specializzazione nell’ambito 

della didattica musicale, 

ottenendo il Diploma di 

Specializzazione, abilitante 

per l’insegnamento delle 

discipline musicali, presso 

la Facoltà di Musicologia 

di Cremona (SILSIS), e 

frequentando vari corsi di 

perfezionamento sotto il patrocinio 

della SIEM (Società 

Italiana per l’Educazione 

Musicale) e GMI (Gioventù 

Musicale Italiana), 

nonché pubblicando alcuni 

progetti rivolti alla didattica 

dell’ascolto musicale (Lol 

Production, 2006). Nel 2006 

ha vinto la selezione nazionale 

per la partecipazione al 

Corso Superiore di Ricerca 

nel campo dell’Educazione 

Musicale, in collaborazione 

con la SIEM, la Facoltà di 

Scienze della Formazione 

dell’Università di Bologna 

e l’Accademia Filarmonica 

di Bologna, finalizzato alla 

realizzazione di un progetto 

di ricerca riguardante l’uso 

delle nuove tecnologie nella 

didattica flautistica, in collaborazione 

con il M° Stefano 

Agostini, Docente e Direttore 

dell’Istituto Musicale 

“P. Mascagni” di Livorno, 

presentato alla 28th International 

Society for Music 

Education World Conference 

di Bologna nel Luglio 

2008 e pubblicato nel relativo 

volume degli abstract. 

Studia Composizione con il 

M° Fabio De Sanctis De Benedictis 

presso l’Accademia 

della Chitarra – Musica & 

C. di Pontedera (PI), di cui 

è Direttore dall’A.A. 2008- 

2009 e docente di Flauto, 

Storia della Musica, Teoria 

e Solfeggio, oltre che coordinatore 

delle attività didattiche 

rivolte alle scuole cittadine 

in collaborazione con il 

Laboratorio Musicascuola. È 

docente di Musica presso le 

Scuole Secondarie di Primo 

Grado. 

polare, la mancanza di divulgazione e 

di educazione legata alla storia della 

musica, nonché alla pratica esecutiva 

nelle scuole pubbliche, nutre ancora 

oggi una concezione dell’espressione 

musicale risalente più o meno allo 

stesso periodo di cui sopra. Trovandoci 

seduti in platea, ad esempio, prima 

dell’inizio di un concerto di musica 

classica, di uno spettacolo musicale 

fatto per o dai bambini, in occasioni 

di ricorrenze pubbliche per le quali sia 

previsto un intervento musicale, ancora 

oggi è tutt’altro che infrequente 

sentire insistere colui che ha il compito 

di introdurre l’evento sull’importanza 

del fare e/o ascoltare la musica poiché 

nessun altra disciplina artistica, più di 

questa, possiede il privilegio di essere 

considerata il “linguaggio universale” 

per eccellenza. Del resto chi, ad un 

primo momento, potrebbe dargli torto 

dal momento che l’Inno alla Gioia di 

L. van Beethoven, Imagine di J. Lennon, 

Fra Martino sono solo tre esempi 

di melodie che nessuno esiterebbe a 

definire “universali”? Volendo ben vedere, 

però, sebbene tale questione sia 

stata oggetto di una copiosa letteratura 

scientifica, il doppio errore compiuto 

dal nostro oratore sembra ancora oggi 

venire ignorato dai più. Volendo semplificare 

al massimo la questione, infatti, 

al fine di poter definire la musica 

un linguaggio bisognerebbe prima trovare 

il modo di fissare almeno la maggior 

parte dei materiali musicali in un 

immaginario “vocabolario sonoro”, in 

modo da potervi andare a rintracciare 

i significati – fissati una volta per tutte 

– da dare a qualsiasi aggregato sonoro 

ascoltato, produrre delle grammatiche, 

dei manuali che disciplinino non tanto 

le note (significanti) e/o la loro corretta 

organizzazione all’interno del sistema 

musicale (sintassi), quanto piuttosto la 

relazione tra esse e le reazioni scaturite 

negli ascoltatori che ne fruiscono 

(pragmatica): ma c’è di più! Anche 

se, per assurdo, vi riuscissimo, prima 

di poterlo definire universale dovremmo 

metterci tutti quanti d’accordo, e 

riconoscere che Beethoven è sicuramente 

uno dei maggiori compositori 

mai esistiti al mondo, salvo ignorare 

certi bislacchi esperimenti compiuti 

nella prima metà del novecento da famosi 

musicologi i quali, girovagando 

per le tribù del centro Africa con una 

incisione della Quinta Sinfonia, si sentirono 

disconoscere perfino il suo status 

di “musica” da alcuni autoctoni, 

peraltro unanimemente riconosciuti 

eccellenti musicisti dai loro conterranei. 

Se il lettore, nonostante l’immeritata 

stringatezza che qui occorre per 

ragioni di spazio, vorrà accettare una 

tale evidenza, potrebbe sentire sorgere 

una domanda agghiacciante: ma se 

la musica non è propriamente un linguaggio, 

e nemmeno può darsi una sua 

“traduzione” per coloro i quali siano al 

di fuori del contesto musicale nel quale 

essa è stata concepita (come invece 

può avvenire per qualsiasi testo scritto), 

come concepire, alla luce di tutto 

questo, un’offerta musicale concertistica 

il meno possibile restrittiva e, ancor 

di più, una didattica della musica che 

vada al di là della mera trasmissione di 

nozioni teoriche e tecnico-strumentali? 

Non potrebbe essere, forse, che la suggestiva 

metafora usata dal nostro presentatore, 

attraverso cui la musica si 

traveste da linguaggio universale, non 

nasconda invece la difficoltà di parlare 

della musica e/o del suo senso senza 

termini musicali? “Il senso della musica 

può apparire solo nella descrizione 

della musica stessa. Il significato viene 

musica contemporanea. 

L’emergere di un’abitudine inconsapevole 

nel considerare “musica” solo 

una parte assai ristretta dei repertori 

attualmente esistenti (o esistiti) ad essa 

realmente afferenti, come peraltro solo 

alcune delle sua forme e possibilità / 

modalità espressive, pone ad un’associazione 

come l’Accademia della Chitarra 

il problema di concepire un’offerta 

musicale fatta di concerti, proposte 

didattiche (corsi, concerti per studenti, 

dimostrazioni), simposi e occasioni di 

incontro in cui innovazione e tradizione, 

nuovo e già sentito, sperimentazione 

e classicità possano trovare un 

equilibrio funzionale, una terra di confine 

dove le persone possano sentirsi 

circondate da musica che appartiene 

al proprio vissuto, ma al tempo stesso 

siano chiamate ad affacciarsi per guardare 

(sentire) ciò che succede fuori, 

pena l’angosciosa scelta se tramutarsi 

in una copia di tante associazioni già 

esistenti o in una realtà produttrice di 

eventi incomprensibili per la maggior 

parte del proprio bacino d’utenza. È in 

questa direzione, quindi, che gli eventi 

promossi dall’Accademia della Chitarra 

hanno preso vita: prima fra tutte la 

Mostra di Liuteria, nella quale hanno 

trovato posto sia l’incontro tra i maggiori 

esperti del settore (Paulino Bernabè, 

Antonio Scandurra, Paolo Codato, 

in musica, nella descrizione del 

significante” asserisce Ruwet, e con 

lui tantissimi altri filosofi, pensatori, 

musicisti consegnano alla natura più 

profonda della musica una virtù per 

noi sì intelligibile ma al tempo stesso 

il più delle volte intraducibile: “il suo 

privilegio consiste nel saper dire quello 

che non può esser detto in nessun altro 

modo” (C. Lévi-Strauss). La matassa 

sembra dissiparsi, ma solo apparentemente: 

può bastare, quindi, dotare i ragazzi 

di un vocabolario di termini musicali 

(di questo tipo sì, ne esistono!) in 

modo tale che sia possibile formare un 

adulto capace di comprendere “il senso 

della musica”? Molto probabilmente se 

ciò fosse vero la considerazione che la 

musica gode in Italia non sarebbe quella 

a noi tristemente nota. Al di là delle 

comprensibili richieste di ampliare lo 

spazio consegnato a questa disciplina 

nelle scuole, infatti, tale problema è 

ancora più sentito a livello di Accademie 

e Scuole di Musica, le quali vivono 

la contraddizione di avere le classi 

piene di ragazzi e adulti che seguono 

le lezioni ma al tempo stesso assistono 

ad un continuo dimagrimento degli 

spettatori nelle stagioni di concerto di 

musica classica, direttamente proporzionale 

tanto all’invecchiamento della 

popolazione, quanto alla percentuale 

dei programmi incentrati su brani di



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103 

riani, Andrea Tacchi, Rinaldo Vacca e 

Franco Barsali) che semplici curiosi di 

un mondo in cui l’esperienza italiana è 

stata per secoli ed è all’avanguardia nel 

mondo. Tale appuntamento, oggi biennale, 

è stato d’altronde occasione per 

ascoltare musica eseguita dai maggiori 

interpreti internazionali, i quali hanno 

offerto appuntamenti più sperimentali, 

come i concerti di Ganesh del Vescovo, 

Marco Gammanossi, Nuccio D’Angelo, 

assieme a percorsi di ricerca sul 

timbro degli strumenti originali di Lorenzo 

Micheli, ed a serate incentrate 

su programmi più classici come quelle 

di Piero Bonaguri e Antigoni Goni. 

La stessa filosofia struttura i percorsi 

didattici proposti dall’Accademia: da 

decenni, ormai, moltissime metodologie 

riconosciute a livello internazionale 

(Orff, Dalcroze, Gordon, etc.), sui 

quali molti docenti dell’associazione 

hanno intrapreso percorsi di perfezionamento, 

fondano le proprie attività su 

modelli e procedure compositive affini 

alla musica contemporanea, specie per 

quanto concerne gli esercizi che tendono 

ad attivare i bambini sotto l’aspetto 

creativo e non solo come ascoltatori, 

in contrapposizione ad una didattica 

fondata sulla sterile ripetizione di modelli 

non assimilabili che dopo anni di 

specializzazione professionale, e che 

del resto eviti il più possibile quello 

spontaneismo di bassa lega che àncora 

spesso l’educazione musicale a pratiche 

ove tutto e il contrario di tutto è 

possibile, dove non esiste verifica degli 

apprendimenti, dove ciò che si raggiunge 

è nel migliore dei casi uno spettacolino 

buono a soddisfare genitori e 

maestre nella festa finale. Dunque, anche 

nella didattica, l’affiancamento, o 

per meglio dire, l’intersezione di percorsi 

tradizionali e sperimentali risulta 

l’arma vincente anche per quanto 

concerne i corsi perfezionamento, le 

conferenze, i seminari attivati durante 

i primi cinque anni di attività, come 

testimoniano quelli svolti da docenti 

operanti nel panorama contemporaneo, 

come Alvaro Company (Presidente 

Onorario), Fabio De Sanctis 

De Benedictis, Salvo Marcuccio, ad 

altri che hanno avuto come oggetto i 

repertori più frequentati della musica 

classica e popular, sempre promossi 

da docenti di livello internazionale. 

(Per maggiori informazioni: www.accademiachitarra.it) 

RICCARDO FOGLI 


Fra gli abitanti della centrale via 

Roma, a Pontedera, c’è ancora chi 

ricorda un ragazzino sorridente 

che passava in bicicletta tenendo a spalla 

la sua chitarra. Il ragazzino sorridente 

era Riccardo Fogli che, pedalando, pedalando 

andava a Montecalvoli a prendere 

lezioni di canto e basso elettrico dal 

maestro Santarnecchi. Lavorando alla 

Piaggio, conobbe, nell’ambiente musicale 

dell’Enal Piaggio, dei musicisti con 

i quali iniziò a cantare nelle sale da ballo 

di Pontedera e dintorni, fecendosi conoscere 

interpretando le canzoni di moda 

in quel periodo. Nel 1963 interpretando 

la canzone lanciata da Gianni Morandi 

(“Fatti mandare dalla mamma a prendere 

il latte”) vinse il primo premio al Festival 

di Cascine di Buti. 

Quando la sua famiglia si trasferì a 

Piombino, dove Riccardo aveva trovato 

un lavoro Riccardo conobbe gli “Slenders”, 

una formazione beat semiprofessionista 

di Piombino che si esibiva nei 

locali della Versilia. Collaborando con il 

gruppo come cantante e bassista la sua 

passione per la musica si accentuò fino 

a diventare una scelta di vita. Sarebbe 

lungo a questo punto parlare delle fasi 

successive della sua carriera, l’incontro 

e la collaborazione con i “Pooh”, l’uscita 

sofferta dal gruppo, la sua partecipazione 

nel 1983 all’Eurofestival di Monaco 

di Baviera a rappresentare l’Italia, 

le varie partecipazioni al Festival di San 

Remo, in particolare quella al festival 

del 1982 in cui ebbe un grande successo 

con la canzone “Storie di tutti i giorni”. 

Bisogna ricordare anche i successi 

da lui ottenuti lanciando canzoni che 

ha reso famose quali: “Piccola Katy”, 

“Pensiero”, “Noi due nel mondo e nell’anima” 

affermazioni che non hanno 

alterato la spontaneità del suo carattere. 

Molti pontederesi ricordano quando 

negli anni novanta ritornò a Pontedera 

per fare,una sera, un concerto in Piazza 

Cavour,davanti al Palazzo Comunale. 

Mentre cantava davanti a un pubblico 

folto e partecipe, riuscendo a individuare 

fra il pubblico un suo vecchio 

amico,interruppe il concerto mettendosi 

a chiamare: Mintrone! Mintrone! 

Dimostrò così che i ricordi legati alla città 

della sua infanzia e adolescenza erano 

per lui ancora vivi. 

RICCARDO FOGLI 

È nato il 21 Ottobre 1947 a 

Pontedera dove ha trascorso 

la sua infanzia e dove 

ha avuto i primi contatti 

con l’ambiente musicale, 

a Montecalvoli,prendendo 

lezioni di canto e basso dal 

maestro Santarnecchi. 

Ancora adolescente ha fatto 

parte, come cantante e 

bassista,del gruppo “The 

Slenders”, formazione semiprofessionista 

originaria 

di Piombino. La svolta 

decisiva della sua carriera 

è avvenuta nel 1966 quando 

è entrato a far parte dei 

“POOK” con i quali ha 

condiviso molti successi . 

Nel 1973 si è separato dai 

“POOH” non tanto a causa 

di divergenze di ordine artistico 

ma per problemi di 

carattere personale. 

Negli anni seguenti la sua 

carriera è stata contrassegnata 

da molti successi. 

Ricordiamo fra i tanti la sua 

partecipazione nel 1982 al 

Festival di San Remo con 

la canzone “Storie di tutti i 

giorni “ e la partecipazione 

nel 1983 al Festival di Monaco 

di Baviera dove rappresentò 

l’Italia. 

La carriera di Riccardo 

Fogli ha avuto anche negli 

anni novanta e nei primi 

anni del duemila ulteriori 

successi.



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ANDREA “LUPO” LUPI 

Nato a Pontedera, padre di 

Jaco, convive con Liviana 

da 18 anni. Nella sua vita ha 

viaggiato molto ed esercitato 

lungamente molte professioni 

legate al mondo dello 

spettacolo (dal facchino, al 

macchinista teatrale, al fonico, 

scenografo, fino all’attore 

e al programmatore culturale 

e soprattutto ha cambiato le 

lettere dei titoli dei film sul 

tetto dell’ormai scomparso 

Cinema Massimo). Da sempre 

il suo veicolo espressivo 

preferito è la Musica che lo 

ha portato a bistrattare i suoi 

strumenti in varie nazioni tra 

cui Italia, Svizzera, Francia, 

Belgio, Germania, Olanda, 

Danimarca, Inghilterra, Portogallo, 

Malta e vari stati dell’America 

del Nord suonando 

con tanti veri musicisti. Per 

errore, nel 2002 è stato considerato 

tra i migliori 4 bassisti 

italiani in ambito blues. 

Umanamente continua a non 

credere nelle Autorità ma 

semmai nell’Autorevolezza 

delle persone e nel rispetto 

che ad ognuno si deve. 

Crede inoltre di aver diritto 

di bere due bicchieri di vino 

pasteggiando senza incorrere 

in sanzioni e spera di non essere 

travolto da un figlio di 

papà che viaggia a tutta birra 

con il Suv, mentre lui è fermo 

al posto di blocco. 

il suo curriculum vitae si trova 

su www.hotellasalle.it 

In alto: Andrea Lupi, 

Villa Piccolo Capo 

D’Orlando, 

Messina 

(foto Antonella Papiro) 

di Andrea Lupi 

RIFLESSIONI 

Quando mi è stato chiesto di scrivere 

un articolo per questa rivista, 

mi sono trovato francamente 

spiazzato, si certo onorato dal fatto che mi 

sia stato chiesto da una persona che stimo 

molto (e che tra l’altro è mio padre), ma 

per uno come me che alterna momenti 

di convinzione nei propri mezzi e nelle 

proprie idee e motivazioni a più spesso 

momenti di autocritica sul proprio operato 

e sulle proprie reali capacità, non è 

stato facile; in parole povere, un diploma 

di liceo classico (conseguito in 7 anni!) 

non ti rende “un Pavese”, un “Calvino” 

o “un Terzani” e una carriera, che chiamerei 

piuttosto esperienza, musicale, pur 

già abbastanza lunga, non ti fa comunque 

essere “un Mingus”, “un Hendrix” o “un 

Ughi” qualsiasi, anche se ho avuto la fortuna 

di suonare molto e in molte nazioni 

(una dozzina) e di condividere esperienze 

e incisioni con musicisti di altre parti 

del mondo, dall’America al Nepal… 

Come spesso abbiamo detto con un musicista 

con cui collaboro da tanto tempo, 

Suonare è un continuo cercare di sfiorare 

un cielo che si chiama Musica, alzandosi 

sulle punte dei piedi con grande sforzo e 

tensione emotiva, ma, al cospetto di essa, 

i nostri arti sono molli. 

E allora si ricade giù e si riprova con 

patetica e cronica ostinazione, cercando 

di assaporare nuovamente quei 

pochi attimi di Arte che ti sei illuso di 

creare, di vivere. 

Piuttosto, come si fa a scrivere qualcosa 

che sia così intenso, totalizzante 

e al tempo stesso etereo, passeggero… 

come la Musica…no, non me la sento, 

…del resto anche Frank Zappa diceva 

che “scrivere di Musica è come danzare 

di Architettura” palesando l’inadeguatezza 

di qualsiasi critica, saggio o semplicemente 

articolo... 

Ecco, perché ho aspettato fino a pochi 

minuti prima di andare in stampa a 

consegnare questo scritto, mal scritto 

e forse un po’ banale 

Marguerite Duras scrive in un suo raro 

saggio: “La liberazione è quando si fa 

buio. Quando fuori cessa il lavoro. Rimane 

il nostro lusso di poter scrivere nel 

buio. Possiamo scrivere a qualunque ora. 

Non siamo penalizzati da ordini, da orari, 

da capi, da armi, da multe, da insulti, da 

poliziotti, da capi e ancora da capi. E da 

chi sta covando i fascismi di domani.” 

Amo sillaba per sillaba di questa frase 

e vi riconosco in essa anche quella che 

per me è l’essenza del fare musica, che è 

stata e continua ad essere un’ esperienza 

catartica, anarchica, liberatoria, e anche 

di vicinanza al prossimo senza bisogno 

di grandi “sbandieramenti” politici o filosofici 

spesso pretestuosi, arrivisti, sterili; 

( non sono un fan dei 99 Posse, ci siamo 

capiti? ma semmai di Leo Ferré per 

il quale ho avuto la fortuna di lavorare 

come assistente di palco per pochi indimenticabili 

giorni, molti anni fa…) 

E allora proviamo a scrivere queste quattro 

righe….e poi pensandoci bene, visto 

che a un noto architetto si permette di 

stravolgere l’aspetto dell’intera Val d’Era 

con interventi spesso di dubbio se non 

pessimo gusto, mi sento automaticamente 

autorizzato a cimentarmi a scrivere 

(usanza che non ho propriamente in uso) 

di qualcosa che bene o male, mal o bendestramente 

è la mia vita e non solo un 

ambizioso pavoneggiarsi. 

Mi è stato chiesto genericamente di fare 

un excursus su quella che è la “situazione 

musicale” sul nostro territorio, 

ma meno che mai sono un ricercatore, 

uno statista o un giornalista….si certo le 

mie attività di musicista, insegnante e di 

ideatore e co-direttore del festival Musicastrada 

mi pongono in una posizione 

di protagonista e anche di osservatore 

privilegiato…..ma comunque parziale 

e soggettivo; però, certo qualche idea a 

riguardo ce l’ho, è innegabile. 

Io penso che per lungo tempo sia stata 

sottovalutata l’enorme potenzialità della 

musica nel nostro territorio, che le persone 

coinvolte o anche inconsapevolmente 

vicine a questa disciplina artistica 

siano state storicamente dieci, cento volte 

di più di quelle attratte da altre forme 

espressive e che tuttora sia così….e ciò 

non è mai stato capito davvero profondamente, 

benché da qualche anno si registri 

una ritrovata sensibilità all’argomento da 

parte del Pubblico e del Privato. 

Godere della musica (e di tutte le Arti) 

cambia le persone e le società, riduce il 

disagio sociale, l’alienazione, la criminalità 

e le spese che si sostengono per 

arginare questi fenomeni….Un concetto 

talmente ovvio che alle volte non lo si 

capisce….e fortunatamente dalle nostre 

parti lo si capisce più che altrove... 

Ma lasciatemi provare a partire da un 

po’ di tempo fa: ricordo con piacere e 

nostalgia, mio nonno paterno, uomo 

di una forza morale alla Nuto Revelli, 

alla Pertini per intenderci….lo ricordo 

imbracciare una vecchia 

chitarra alle feste di famiglia 

e trasformarsi, magia 

della Musica, in dolce, 

ironico, romantico…e 

poi raccontarmi di come 

una lite in osteria riguardo 

alle Filarmoniche di 

Pontedera e Ponsacco 

finì con una pistolettata 

(del bisnonno?) al malcapitato 

oppositore... 

Dico io, potrebbe mai succedere per la 

rotonda delle “Piramidi Ecologiche” 

? (e cosa avranno mai di ecologico poliuretano 

espanso e truciolare, qualcuno 

per favore me lo spieghi….) magari per 

il Fiore di Carmassi, o per il Teatro Era 

avrebbe paradossalmente un senso, ma 

nessuno se lo augura... 

In questo aneddoto di tipo “bandistico”, 

peraltro, sta uno dei problemi 

atavici della musica e dei musicisti: 

competizione, individualismo, e in seconda 

battuta paura del confronto, rinuncia 

alla comunicazione... 

Altresì è vero che la Musica è sempre 

stata una forma espressiva estremamente 

popolare, di conseguenza 

difficilmente ha goduto dei favori del 

Potere, eccetto che nelle sue forme più 

Andrea Lupi on lapsteel 

(foto Eric Perrone) 

Andrea Lupi e Oscar Bauer, 

San Severino Blues 2007 

(foto Mauro Binci)



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Hotel La Salle, 

Schmolzer Blues Tage 2005, 

Schmoelz, Germania 

(foto di Norbert 

Nengebaner) 

edulcorate e classiche. 

Da questo dualismo tra condivisione e 

isolamento spesso il musicista fatica a 

uscirne in modo costruttivo. 

La storia di Pontedera e della Valdera in 

generale è piena di personaggi di spessore 

musicale: liutai, maestri d’orchestra, 

primi violini alla Scala, musicisti 

dalle alterne fortune, cantanti lirici, star 

della musica leggera, competenti appassionati, 

collezionisti di supporti fonici o 

di strumenti musicali... una miriade di 

storie e di esperienze tra cui molte notevoli 

e molte di queste sconosciute ai più. 

Credo che in questo numero del Bollettino 

ci sarà chi scriverà meglio di me 

riguardo ad alcuni dei molti personaggi 

che musicalmente hanno dato davvero 

lustro al territorio. 

Suppongo che ciò giocherà a favore della 

mia affermazione di poc’anzi. E allora è 

facile capire di come la Musica dal dopoguerra 

in poi sia stata ancor più parte 

importante della vita di molte persone. 

Pontedera, al pari di molte grandi città, 

e la Valdera in generale, hanno visto diffondersi 

ampiamente tra le proprie giovani 

generazioni tempeste socio-culturali 

quali il “beat”, il “rock”, il “punk”, “new 

wave”, “afro-reggae”,“pop”… e riflessi, 

riflussi vari….eventi che ho conosciuto 

dapprima marginalmente o per sentito 

dire, poi, crescendo, in maniera diretta e 

mano a mano consapevole... 

Ragazzino andavo ad ascoltare i 

gruppi provare in camere da letto 

trasformate in pseudo-cantine, 

gioia di genitori e vicinato…e 

poi le decine di sala-prove più o 

meno attrezzate in cascinali scalcinati, 

in edifici malconci di umide 

zone industriali immerse nella 

nebbia, in case occupate (via 

Valtriani, p.za Belfiore…); tante 

storie disorganizzate ma che testimoniavano 

un fermento pazzesco….partire 

il fine settimana 

per andare a sentire il concerto 

del gruppo di amici, così come 

quello di Santana con Wayne 

Shorter, era un pensiero costante... 

per me come per tanti altri. 

Poi nei primi anni ’80, in concomitanza 

con l’incedere dei miei primi incerti 

e maldestri passi nel mondo della musica 

suonata, il sentire la necessità di fare 

qualcosa di più; ed ecco che organizzammo 

al Palazzetto dello sport tre edizioni 

di un partecipatissimo Live-Aid dÈ 

noartri (Rockline I, II e III); e poi dalle 

ceneri di questa esperienza ne nacque 

un’altra che fu un importante tentativo di 

mettere insieme le forze: il CMP (Coordinamento 

Musicale Pontederese), nato 

in contemporanea con associazioni gemelle 

di Roma, Torino, Bologna proiettò 

Pontedera alla ribalta tra quelle città in 

Italia che cercavano di dare una sorta di 

struttura al mondo dei gruppi emergenti; 

arrivammo a coinvolgere una settantina 

di gruppi dalla Valdera, dal pisano 

e dall’empolese... in seguito, per palese 

inesperienza, per alcuni nostri errori e per 

alcune promesse non mantenute da chi ci 

aiutò ma non fino in fondo (vedi: mancata 

costruzione bagni e impianto riscaldamento 

alla scuola di musica, divenuta 

in seguito, giustamente, Centro Sociale 

Okkupato Ex-Enel, zona Oltrera), la cosa 

apparentemente si spense. 

Durante quegli anni proposi ripetutamente 

a chi di dovere la costruzione di un auditorium….poi 

forse perché le idee circolano, 

e dato che le necessità, appunto, “ 

necessitano”... si è costruito, dopo molte 

tribolazioni, un bel Teatro (ben venga!!!), 

una ricchezza per una città che cresce. 

Anche in quella esperienza (CMP) ritrovo 

in embrione molte cose che oggi si 

sono avverate; ad esempio attualmente 

Pontedera vanta ben tre scuole di Musica 

di buon livello (Accademia della 

Chitarra, Accademia Musicale Toscana, 

Accademia Glen Gould), che hanno 

raccolto i semi di quell’esperienza e di 

altre (la Scuola della Filarmonica Volere 

e Potere, e quella che era sita in piazzetta 

delle erbe e che mi par di ricordare era 

intitolata a F.Busoni...); ed altre scuole 

private si trovano a Ponsacco, Terricciola, 

Peccioli, Montopoli... 

Giusto ricordare brevemente che recentemente 

si stanno facendo dei tentativi 

per far convivere tutte queste entità (vedi 

progetto Musicascuola, che coinvolge le 

già citate Accademie, Musicastrada, vari 

plessi scolastici, il Comune, ..etc) e nel 

rispetto delle rispettive specializzazioni, 

cari colleghi, ricordiamoci pure che collaborare 

è meglio che competere e porta 

“ricchezze” di vario tipo ad ognuno. 

Stessa cosa per l’annoso problema delle 

sala-prove; adesso sul territorio ne esistono 

varie e di belle (Music Park di Bientina, 

Music Street di Lugnano,….) con numerose 

sale bene attrezzate e buoni studi 

di registrazione interni… 

Si certo, anche gli studi di registrazione 

a partire dagli storici Sam a Lari e 

Westlink a Cascina, sono cresciuti 

di numero, anche grazie l’avvento 

delle tecniche digitali e delle strumentazioni 

sempre più compatte e 

compatibili con la stessa dimensione 

homestudio... 

Ma allora cosa manca? 

Al di là delle facili lamentele, superando 

l’inevitabile banalità dell’affermazione 

stessa, ciò che manca 

sono le occasioni. 

Provo a spiegarmi meglio: Demetrio 

Stratos rispondendo ad una 

domanda di uno zelante critico 

musicale su cosa fosse l’Avanguardia 

rispose laconicamente 

“l’avanguardia è nelle emozioni”. 

Cosa è uno spartito o una tablatura 

se non la si esegue, cosa è una canzone 

se non la si suona, la si canta o la si compone, 

cosa è uno strumento se non lo si 

percuote, lo si accarezza, lo si tende, 

cosa è una Musica se non la si ascolta 

se non si ha possibilità di goderne, profondamente, 

visceralmente, di emozionarsi, 

in solitudine o in moltitudine? A 

Voi la risposta. 

Alcuni festival stanno cercando di rispondere 

con qualità a questa richiesta 

di occasioni: 7 Sois 7 Luas, Collinarea, 

il discusso (e non a torto) Metarock, MusicaViva,… 

e particolarmente il Musicastrada 

Festival che tra mille difficoltà 

ha creato la rete musicale più grande a 

livello italiano con ben 23 Comuni ed 

ironicamente non riceve supporto dalla 

Regione che, da quest’anno, lo considera 

una “rassegna” (?!); ma, se non ricordo 

male, fino all’anno precedente un Festival 

non lo si giudicava dalla sua capacità 

di coinvolgere il territorio e di farlo conoscere, 

dalla sua multimedialità (fotografia, 

video, installazioni a tema, scenografie), 

dall’impatto economico (tutte le figure 

professionali risiedono in Provincia 

e i vantaggi ottenuti dagli esercenti sono 

comprovati da ampia documentazione), 

dal suo grado di co-finanziamento (oltre 

un terzo del budget è trovato dagli organizzatori 

e non dal settore Pubblico)? 

Andrea Lupi 

al Museo Piaggio 

(foto Pagni)



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Hotel La Salle, 

Patersdreef Blues Festival, 

Belgio 2006, 

Andrea, Oscar e alla 

batteria “Capello” 

Che rabbia!, e non solo perché sono, 

come si sa, coinvolto in prima persona 

ma soprattutto perché questo festival è 

atteso in gloria dalle Comunità, dai musicisti 

locali che a turno possono godere 

di una importante occasione, da uno 

stuolo di scenografi-macchinisti, fotografi, 

cameramen, fonici…cresciuti professionalmente 

e in armonia all’interno 

di questa esperienza, e non ultimo gli appassionati 

che vengono numerosi e consapevoli 

che sia una occasione per emozionarsi 

e che hanno capito che il mondo 

è pieno di musicisti semi-sconosciuti di 

incredibile livello. 

Sulla ripartizione del finanziamento 

pubblico destinato a Cultura e Spettacolo, 

specie a certi livelli politici, potrei 

andare avanti a dissertare, ma mi fermo 

qui e non per buonismo alla Veltroni, 

ma solo perché voglio bene a quel che 

resta del mio fegato. 

Qualche parola è invece opportuno spenderla 

anche sui luoghi del fare musica, 

non solo quelli estivi che bene o male 

presentano diverse soluzioni, ma in particolar 

modo quelli indoor, invernali. 

Ripetendomi, l’arrivo di un Teatro tanto 

auspicato quanto tribolato è da salutarsi 

come un importante passo avanti al di là 

di un certo diffuso scetticismo su quella 

che sarà la gestione; io sono fiducioso. 

Un Teatro, pur non essendo un vero e 

proprio auditorium può facilmente rispondere 

ad alcuni importanti dettami 

tecnici ed acustici e a quel che mi risulta 

e da quel che ho potuto vedere da modellini 

e progetti più volte esposti, credo 

che così sarà. (purtroppo ad oggi non 

sono ancora riuscito ad andare a vedere 

gli interni nonostante sia stato invitato, 

colpa mia!). Le varie soluzioni di capienza 

sono una questione aperta. 

Ma il problema luoghi resta: una sala da 

200 posti per concerti di medio piccola 

dimensione (spesso la dimensione più 

bella, affascinante e qualitativamente 

alta) adeguatamente attrezzata e adeguatamente 

gestita tecnicamente e artisticamente 

(magari da un comitato che 

riunisca le associazioni) manca e certo 

non andrebbe ad inficiare l’attività del 

teatro che richiama anche altre categorie 

di pubblico e che probabilmente necessiterà 

della struttura in modo continuativo 

anche se non totale. 

A questo punto, parlando di luoghi e di 

musica dal vivo, non si può esimersi dallo 

spendere qualche parola sui live-club; 

da 40 anni a questa parte è stato un susseguirsi 

di tentativi più o meno riusciti 

da parte del privato di fare una programmazione 

di musica dal vivo: qualcuno 

si ricorderà lo Shys Club, ovvero Il Bar 

Olimpico alla Bellaria (fine anni ’60), 

oppure il Why Not? nel quartiere Villaggio 

(anni ’80), e in seguito il Si o No 

ad Oltrera, i vari tentativi recenti di bar 

Messicano, Bulldog Pub, Civetta….etc. 

Qualche considerazione d’obbligo: 

alcuni uffici SIAE dovrebbero evitare 

stupidi atteggiamenti vessatori ma 

cercare di facilitare il proliferare delle 

iniziative (la Siae spesso si comporta 

come la GdF a cui semmai spetterebbe 

il compito di arginare palesi illeciti, 

specialmente nel mondo delle discoteche) 

e ricordarsi che se esistono è solo 

perché esistono musicisti, scrittori, attori 

da tutelare e non da raggirare; ma per 

fortuna c’è anche tra loro chi ha capito 

che l’artista è come l’orso polare: una 

specie da salvare. 

La seconda annotazione è più complicata: 

possibile che in Valdera non esista 

un privato che abbia voglia di investire 

su un vero club dove ascoltare musica, 

affidandosi a una direzione artistica e 

tecnica seria e competente, e non sul solito 

banale e pretenzioso disco-bar che 

si ricicla a live-club occasionale solo 

per pura convenienza? 

Mi pare che sia un caso di “miopia” 

di notevole portata se solo si pensa a 

quante generazioni siano trasversalmente 

coinvolte dalla passione per la 

musica suonata. 

Forse la soluzione sta in una commistione 

tra Pubblico e Privato? Perché no?! 

Un’altra considerazione è conseguente 

a queste ultime su Pubblico e Privato: 

spesso si crede che il moltiplicarsi degli 

eventi possa essere una ragione del fallimento 

di alcuni degli stessi; mai valutazione 

fu più errata! 

Il punto sta nel come si progettano gli 

eventi culturali, con quanta passione e 

professionalità (mezzi adeguati permettendo); 

non si deve aver premura di difendere 

il proprio piccolo orto, anzi la 

ricchezza di manifestazioni e iniziative 

su un territorio è indiscutibilmente motivo 

di attrazione per un “turismo culturale” 

variegato e composito, certo a patto 

che gli eventi rispondano accettabilmente 

a quei criteri di qualità e accuratezza 

che altrimenti porterebbero il territorio a 

diventare un outlet del divertimento. 

Oltre a ciò, come da un po’ di tempo avviene 

qui da noi, coordinare gli eventi più 

significativi rispetto al calendario è importante 

e non va ad escludere comunque 

il verificarsi di eventi di minor portata 

spontanei e improvvisi che 

sono altrettanto importanti: 

ovvero non si può chiedere 

a un quindicenne di 

perdersi tra mille scartoffie 

e permessi di ogni genere. 

Adesso, che mi sono stancato 

(e vi avrò stancato) 

cercando di mettere ordine 

nei miei pensieri e subito 

scriverli, voglio provare a 

dedicare qualche altra riga 

a me, al mio rapporto con 

la Musica….non penso 

che dopo questa avrò/vorrò 

molte altre occasioni per esprimere 

così a ruota libera le mie dabbenaggini. 

A volte mi chiedo quanto sia stata importante 

la mia dedizione, curiosità e 

passione per la musica, e se sia stata più 

determinante dell’ambiente culturale e 

familiare in cui sono cresciuto. No, per 

carità, non voglio riferirmi a presunti 

risultati conseguiti, che son sempre arbitrari 

e passeggeri, semmai mi rivolgo 

a quanto la Musica ha condizionato e 

riempie la mia vita, a quante persone 

mi ha fatto conoscere ed apprezzare, 

alla ricchezza di esperienze che mi 

ha immeritatamente concesso. A volte 

guardo i miei allievi, ai quali cerco 

maldestramente di comunicare qualcosa, 

e spesso vedo in loro quella stessa 

passione che ancora mi spinge a far 

chilometri su chilometri, a non dormire 

la notte; non li incoraggio, non ne hanno 

bisogno, però mi fanno pensare che 

tanto tempo fa ho fatto la scelta giusta 

e che la Musica continua ad accompagnarmi, 

ad aiutarmi, ad elevarmi, me e 

chi mi sta vicino. 

Per il resto penso a una dedica che Leo 

Ferrè, alla fine di quel poco tempo insieme, 

mi scrisse, su un foglio che ancora 

conservo, usando una frase di una 

sua celebre canzone: André, anche tu 

farai del tuo peggio! 

Je ferai de mon pire! (da “Ni Dieu, 

Ni Maitre”) 

Libbiano, fine Settembre 2008 

Jam Session con John 

Beach, Willie Murphy e 

vari horn players, al Viking 

Bar di Minneapolis 

(Foto Fatticcioni)


Collaboratori 

Nelle immagini: Samuele 

Borsò durante alcune delle 

sue performance 

SAMUELE BORSÒ 


“Sette sere in musica” è una performance 

di Samuele Borsò con 

la sua chitarra e la sua voce in un 

repertorio senza tempo, nel mese di 

agosto in città, davanti ad un bar. 

Un’altra performance di Borsò ha avuto 

luogo, nel mese di ottobre, davanti a 

un pub per la festa dei commercianti. 

Spulciando su internet troviamo una 

infinita serie di impegni di questo musicista 

e cantante cittadino. Chi è questo 

“ragazzo” venuto alla ribalta? Intanto 

sappiamo che proviene da una famiglia 

di musicisti di cui fa parte anche il 

tenore Umberto Borsò, un grande della 

lirica a cui, nel 2006, è stato assegnato 

il premio Caruso come ambasciatore 

del canto italiano nel mondo. 

Samuele Borsò si esibisce a un pubblico 

di giovani, ma, e questo convince 

anche un pubblico eterogeneo, il repertorio 

che propone va dai cantautori 

contemporanei ai classici di ogni tempo. 

Suona e canta, la sua voce è calda 

e non uniforme e crea atmosfere di 

piacevole godimento. 

Un giovane, quindi, che insieme con 

altri connota una koinè musicale che 

prospera in questa città della Valdera. 

UNO DEI PIU’ GRANDI 

VIAGGIATORI ITALIANI 


Uno dei più grandi viaggiatori 

italiani è nato in questa città: 

il dott. Alberto Pacchiani 

neurologo. La tradizione definisce 

gli italiani poeti e navigatori e anche 

con Alberto Pacchiani, detto Pack, 

la tradizione non si smentisce. Poeta 

satirico fin dagli anni del liceo ha 

sempre coltivato questa sua abilità, 

ma la cosa che stupisce di più è la 

sua avventura per le vie del mondo; 

e non è un modo di dire: ha visitato 

in 42 anni ben 161 paesi del globo, 

anche siti negli angoli più sperduti. 

In 42 anni di viaggi ha sperimentato 

i climi più diversi dal Polo Nord nel 

1998 alle zone equatoriali, all’Antartide 

accumulando avventure ed 

esperienze le più diverse possibili. 

Conoscitore di 6 lingue straniere (oltre 

al latino e al greco classico), vero 

poliglotta ha sempre comunicato con 

i relativi autoctoni nella lingua locale 

fIno ad essere scambiato per uno 

di loro. Conoscitore come pochi del- 

le realtà geografiche del pianeta, ha 

riportato nei suoi diari di viaggio, 

scritti in “maccheronico”, notizie tecniche 

e alcune impressioni sulle terre 

visitate. La sua collezione di immagini 

è consistente: circa 9200 cartoline, 

moltissime mappe e 184 quaderni 

sempre scritti in “maccheronico” che 

rappresentano i diari dei viaggi. 

L’ ”Uomo Nero”, chiamato così dagli 

amici per il suo eccentrico vestimento, 

è un uomo pieno di risorse e curiosità, 

sempre pronto a nuove avventure 

come un moderno Livingstone alla ricerca 

delle sorgenti dell’Umanità. 

Nell’ambito dei viaggi più salienti si 

possono menzionare: 

Ferrovia Transiberiana Moskwa – 

Vladivostok. 

Giro del mondo in 36 giorni, in senso 

antiorario, in aereo, a tappe. 

1 volo in Concorde New York – Londra. 

2 volte in Antartide. 

Raggiungimento dell’altezza di 5220 

m/sm. Nel Tibet, in autobus. 

Traversata atlantica sulla rotta del 

Titanic. 

ALBERTO PACCHIANI 

Nato a Pontedera nel 1936. 

Laureato a Pisa nella facoltà 

di Medicina e Chirurgia. 

Specializzazione in Malattie 

Nervose e Mentali. 

Ha abitato per 25 anni a Pontedera, 

10 a Pisa, 30 a Volterra, 

7 a Pontedera dove attualmente 

risiede. 

Dal 1996 in pensione. 

110 

111

Collaboratori 

Contributo dei lettori 

L’UOMO MASCHERATO PARTE PER L’ANTARTIDE 

MAMMA MIA! 

RESTERÀ LAGGIÙ? 

VENGO ANCH‛IO? 

AUTORITRATTO 

Quando col freddo intenso, a meno trenta, 

batton i denti i teschi al cimitero, 

ratto, nell’infuriar della tormenta, 

s’aggira per Volterra L’”Omo Nero”. 

Di notte, chi lo vede si spaventa, 

perché l’attornia un’ombra di mistero: 

transita, infatti, in una sciarpa avvolto, 

che fin sugli occhi gli ricopre il volto. 

Spesso, mentr’ei procede a grandi passi, 

gli urlan taluni a tergo a più non posso: 

“Tappati bene: è freddo!! Passan bassi !?!...”; 

Ehi!!, bada, batti... Attento, lì c’è un fosso!...”; 

e ridon come tanti satanassi, 

provando gusto a dargli sempre addosso. 

Ma lui per la sua strada a correr seguita, 

in barba a chi lo sfotte e lo perseguita. 

- Che sia forse un fantasma da leggende, 

l’uomo invisibil, che stragi minaccia?!?...-; 

chi poi d’elettrotecnica s’intende 

pensa che porti un radar sulla faccia. 

Lui, che i commenti altrui non vilipende, 

par che del proprio arcano si compiaccia; 

e con cappel, cappotto, sciarpa e guanti, 

fra vento, neve e gelo tira avanti. 

Autore: l’Omo Nero (Packjanow) 

ANDIAMO PAK! 

ASSOCIAZIONE 

MICOLOGICA 

BRESADOLA 

GRUPPO A. VICHI 

di Alessandro Pinori 

Il Gruppo Micologico di Pontedera 

nasce nel 1973 dall’unione di alcuni 

amici appassionati di funghi, fra 

cui il dott. Raimondo Gonfiantini (farmacista), 

il dott. Giorgio Caputo (ufficiale 

sanitario) e il sig. Franco Antonelli 

(vigile sanitario), costituendosi poi 

ufficialmente il 1 aprile 1975. 

Il Gruppo viene quasi subito intitolato 

alla memoria di Arterio Vichi, socio 

fondatore prematuramente scomparso. 

Già dalla sua costituzione, le finalità 

statutarie sono state quelle di promuovere: 

la cultura ecologica, intesa come 

conoscenza degli ecosistemi naturali e 

dei comportamenti relativi, lo studio 

dei funghi e dei problemi connessi alla 

micologia, l’educazione sanitaria relativa 

alla micologia, la collaborazione 

con promozione di iniziative comuni 

con altri Enti, Istituti e Associazioni 

con finalità analoghe, la raccolta 

di materiale didattico, bibliografico 

e scientifico relativo alla micologia e 

alle scienze affini con la relativa fruizione 

per i soci; quindi un orizzonte di 

interessi culturali ben più ampio del 

semplicistico “saper riconoscere i funghi 

buoni da mangiare”. 

Il Gruppo Micologico si dimostra subito 

una fresca novità nella Valdera, 

aggregando un cospicuo numero di 

associati, sia pontederesi sia di altre 

località anche abbastanza distanti, tipo 

Santa Croce sull’Arno, Volterra e Pisa, 

riuscendo da subito ad organizzare le 

mostre micologiche, inizialmente solo 

autunnali. 

La mostra micologica viene organizzata 

in occasione della ricorrenza della 

“fiera” di Pontedera, per convenzione 

il primo giovedi dopo San Luca, solitamente 

nella terza decade di ottobre, 

della durata inizialmente di quattro 

giorni poi ridotti a due; è il momento 

culminante per il sodalizio, i soci partecipano 

portando cassette piene di funghi 

di ogni tipo, per la classificazione 

delle specie fungine dal gruppo centrale 

di Trento interviene direttamente il cav. 

Mauro Angarano e talvolta anche l’ing. 

Bruno Cetto. 

Passano gli anni, il livello di conoscenza 

dei componenti del Comitato 

Scientifico diventa notevole, quindi 

viene “tagliato” il cordone ombelicale 

e il Gruppo diventa autonomo a 

tutti gli effetti. 

Comunque l’appartenenza al Bresadola 

consente l’accesso di due delegati di 

Pontedera al Comitato Scientifico Nazionale 

AMB, due sessioni, una primaverile 

e l’altra autunnale, tenute sempre 

in località diverse e in ogni regione 

d’Italia. 

Questa palestra continua forgia gli 

esperti di Pontedera e consente di crescere 

a tutti i soci, che dispongono poi 

delle conoscenze acquisite. 

Per alcuni anni sarà proposta anche una 

mostra dei funghi primaverili, ma la difficoltà 

di reperire il materiale fungino 

occorrente per la limitatezza del periodo 

favorevole e per la scarsità di miceti 

presenti, sconsiglierà di continuare con 

questa esperienza e il progetto verrà abbandonato. 

È con grande soddisfazione possibile 

affermare che il Gruppo Micologico di 

Pontedera ha contribuito fattivamente 

alla riduzione degli avvelenamenti fungini 

nella nostra zona: 

- intervenendo talora presso la struttura 

Le specie nuove per la scienza 

con la data di pubblicazione: 

Cortinarius ianuarius 

Franchi & M. Marchetti 

2006 

Inocybe juniperina 

M. Marchetti, 

Franchi & Bizio 

2003 

Inocybe fusipes 

Bizio, Franchi & M. Marchetti 

2006 

Inocybe subdecipiens 

Bres. ex Bellù, Bizio & M. 

Marchetti in Bizio & Marchetti 

1998 

Psathyrella wavereniana M. 

Marchetti 

1993 

Ramaria dolomitica 


2000 

Ramaria mediterranea Schild 

& Franchi in Schild 

1998 

Ramaria subbotrytis f. flavipes 


2001 

Ramaria thalliovirescens 


2000 

Le ricombinazioni operate 

con la data di pubblicazione: 

Clavulina coralloides 

f. bicolor (Donk) 


2000 

Clavulina coralloides f. cristata 

(Holmsk. Fr.) 


2000 

Clavulina coralloides f. mutans 

(Burt) 

Franchi & M. Marchetti in 

Franchi, Giovannetti, Gorreri, 

Marchetti & Monti 

2006 

Una delle mostre 

micologiche allestita 

nell’atrio del Palazzo 

Comunale di Pontedera

Contributo dei lettori 

Recensioni 

114 

115 

Boletus Lupinus 

Clavulina coralloides f. subcinerea 

(Donk) 

Franchi & M. Marchetti in 

Franchi,Giovannetti, Gorreri, 

Marchetti & Monti 

2006 

Clavulina coralloides f. subrugosa 

(Corner) Franchi & M. 

Marchetti 

2000 

Helvella corium var. macrosperma 

(Favre) Bizio, Franchi 

& M. Marchetti 

1998 

Helvella leporina (Batsch : 

Fries) Franchi, Lami & M. 

Marchetti 

1999 

Inocybe rimosa var. umbrinella 

(Bres.) Bizio & M. Marchetti 

1998 

La riorganizzazione del genere 

Ramaria a livello europeo, 

con le sezioni pubblicate: 

Ramaria sect. Apiculatae 

(Corner) 


2001 

Ramaria sect. Avellaneae 


2001 

Ramaria sect. Botrytes 

(Corner) 


2001 

Ramaria sect. Dimiticae 

(Corner) 


2001 

Ramaria sect. Flavae 


2001 

Ramaria sect. Formosae 

(Corner) 


2001 

Ramaria sect. Grandisporae 

(Corner) 


2001 

Ramaria sect. Gypseae 


2001 

Ramaria sect. Luteae 


2001 

Ramaria sect. Neoformosae 


2001 

Ramaria sect. Niveae 


2001 

Ramaria sect. Pseudobotrytes 


2001 

Ramaria sect. Spinulosae 


2001 

Ramaria sect. Strictae (Corner) 


2001 

ospedaliera per classificazioni di reperti 

fungini non identificabili altrimenti e 

causa di intossicazioni da curare; 

- avvalendosi della collaborazione di 

quotidiani locali per lanciare ai lettori 

un monito sul rischio di intossicazioni 

per la nascita troppo abbondante 

di una specie velenosa nei boschi 

di querce e lecci, il Boletus lupinus, 

sosia perfetto dello squisito Boletus 

regius, al contrario decisamente poco 

comune, come si è reso necessario 

nell’autunno del 2005; 

- fornendo consulenze e consigli disinteressati 

ai fruitori delle mostre micologiche 

e accogliendo presso la sede sociale 

tutti quei simpatizzanti desiderosi 

di farsi classificare i funghi raccolti. 

Attualmente e senza fini di lucro, il 

Gruppo Micologico di Pontedera svolge 

le sue attività particolarmente nei 

territori della Valdera e del Valdarno inferiore 

dove, durante la stagione autunnale 

è consueto curare l’allestimento di 

mostre micologiche e delle erbe commestibili 

in occasione di manifestazioni 

di vario genere che si svolgono nei comuni 

limitrofi, si ricordano oltre a quella 

di Pontedera, anche quelle di Ponsacco, 

Santa Croce sull’Arno e Uliveto Terme, 

più altre saltuarie e occasionali. 

Il Gruppo Micologico di Pontedera 

è pure inserito nella federazione dei 

Gruppi Micologici Toscani, denominata 

AGMT, associazione che vede le sue 

origini nel dicembre del 1993. 

L’associazione attualmente è costituita 

da 24 gruppi micologici distribuiti su 

tutto il territorio toscano, è referente 

con l’ARSIA a livello regionale e ha 

svolto diversi progetti, fra cui la map- 

patura dei funghi in Toscana, a cui ha 

partecipato fattivamente anche il Gruppo 

Micologico di Pontedera, culminato 

poi nella pubblicazione di un libro, che 

ha consentito alla regione Toscana di 

qualificarsi come una delle prime regioni 

italiane in grado di svolgere progetti 

di censimento così articolati e durevoli 

nel tempo (periodo di osservazione di 

4 anni) e la pubblicazione di un libro 

a carattere educativo e divulgativo, “Io 

sto con i funghi”, distribuito direttamente 

dai gruppi. 

Grazie alla sensibilità dell’amministrazione 

comunale che qui si ringrazia, la 

sede sociale è in Via Saffi n. 45 a Pontedera, 

ed è aperta a soci e simpatizzanti 

ogni martedi dalle ore 21:30 alle ore 

23:30 circa (escluso i festivi), mentre la 

collocazione della mostra micologica 

e delle erbe commestibili è situata nell’ampio 

salone d’ingresso di Palazzo 

Stefanelli, sede del municipio. 

A chiusura di questo resoconto, forniamo 

due dati importanti: la mostra micologica 

di Pontedera quest’anno è stata 

la 34esima, mentre quella delle erbe 

commestibili la 6ª edizione; poche sono 

in toscana altre Associazioni che possono 

vantare simili traguardi. 

È motivo di orgoglio e di prestigio il 

livello di conoscenza raggiunto dai 

componenti del Comitato Scientifico 

del nostro Gruppo, alcuni di essi infatti 

sono diventati autori di numerose pubblicazioni 

scientifiche e lavori organici 

su ambienti particolari, come i funghi 

del bruciato e i funghi dei litorali sabbiosi, 

oppure vere monografie come lo 

studio del genere Ramaria in Europa, 

da soli o in sinergia con valenti esponenti 

dell’Università di Pisa e del Parco 

Naturale Migliarino, San Rossore, 

Massaciuccoli. 

A lato in queste pagine sono trascritte le 

specie “nuove per la scienza” descritte 

dai nostri soci, distribuite su generi 

diversi a dimostrazione delle notevoli 

competenze, unitamente alle ricombinazioni 

tassonomiche che si sono rese 

necessarie per allineare la materia agli 

studi contemporanei. 


TRANSHUMANZ 

Mauro Gambicorti, alla “Prima 

Rassegna di Fotografi Pisani” 

tenuta nel 1994 presso il Centro 

di Arti Visive di Pontedera, presentò 

13 fotografie dal titolo “Terre di Toscana” 

dove i paesaggi fortemente antropizzati 

erano proposti con linee colori e 

forme amorevolmente plasmati dall’Autore 

per ritrovare un legame con le origini 

della sua infanzia. Oggi con questo 

libro di viaggi, Transhumanz, di uomini 

e animali che ripercorrono vie antiche 

nella storia dell’uomo, ritroviamo quell’amore 

che Mauro ha sempre avuto per 

gli odori, di sapori della terra e il lavoro 

dell’uomo dove il sudore e la fatica sono 

i valori proposti. 

In “Transhumanz”, edito da Bandecchi & 

Vivaldi ( con la solita maestria nella stampa 

delle immagini) scopriamo immagini 

di grande poesia, segnata dal divenire 

delle stagioni e dal paesaggio attraverso 

i nostri monti, di uomini e animali in un 

antico rito che oggi, nell’era tecnologica, 

ci sorprende esista ancora. 

Cominciando a sfogliare il libro, piano, 

piano si resta coinvolti nell’osservare la 

bellezza delle immagini, ma soprattutto 

dal sentimento con cui questa immagini 

sono state raccolte e dalla commovente 

partecipazione di Mauro. 

Immagini tratte 

dalla pubblicazione 

di Mauro Gambicorti

Collaboratori 

Collaboratori 

116 

117 

LUCA LUPI 

LUCA, 

FOTOGRAFO D’ARTE 


La mostra all’Accademia 

degli Euteleti a San Miniato 

Quando in altri tempi si doveva 

imparare un mestiere, si metteva 

il ragazzo “a bottega” dall’artigiano 

che era disposto a insegnargli. 

Molti fotografi famosi hanno incominciato 

la loro attività in questo modo. 

Nei nostri tempi non è più così ma, chi 

ha imparato il mestiere con intelligenza 

e caparbietà, oggi è in grado di inserirsi 

nel mondo della comunicazione iconica 

avendo tutte le carte in regola per esprimersi 

nella maniera migliore. 

Ricordo, con piacere, un ragazzino timido 

con gli occhi neri che faceva tesoro 

degli insegnamenti che gli davo, e 

che presto fu in grado di discutere 

con me le soluzioni ai problemi 

che il lavoro richiedeva. Quel ragazzino, 

oggi, è un fotografo con 

una solida preparazione tecnica di 

base, e, dato che ama il suo lavoro, 

ha raggiunto una capacità espressiva 

notevole riuscendo a portare 

nelle sue immagini una carica 

emotiva che coinvolge lo spettatore. 

La capacità di esprimersi è 

un momento complesso che coinvolge 

l’emotività, la capacità tecnica, la cultura 

del fotografo e, nel mare magnum di 

immagini che invadono la nostra contemporaneità, 

gli unici che produrranno 

cose valide saranno coloro che con passione 

e amore sapranno guardare ciò 

che è importante per l’uomo. 

Le foto che propone Luca sono il frutto di 

una ricerca portata avanti con anni di lavoro 

fatta di scelte, ripensamenti, rinunce, 

selezioni e coraggio per operare, quelle 

scelte significative che rispecchiassero il 

suo modo di essere, di percepire la fotografia 

in una visione “moderna” dell’immagine. 

Luca è sempre stato attento a 

quello che veniva pubblicato nel mondo 

della fotografia perché la conoscenza di 

ciò che i fotografi producono ha maturato 

il suo modo di vedere e ha guidato la 

sua attenzione a percepire gli umori dei 

tempi e a tradurli in immagini. 

Luca ha lavorato per molti anni nelle 

Soprintendenze ai Beni Artistici ed ha 

documentato migliaia di opere: è qui 

che ha dimostrato il suo valore perché 

non è stato il freddo esecutore di una 

documentazione asettica per l’archiviazione, 

ma il “curatore”, per amore, di 

opere che devono essere riprese “al meglio”, 

e con sensibilità. 

In fotografia, quando si parla di “linguaggio 

fotografico”, sarebbe più appropriato 

parlare di “linguaggi” in quanto, non esistendo 

una grammatica strutturata e una 

sintassi, forse nemmeno un codice unificato, 

ogni fotografo struttura il suo. Che 

questo sia un bene o un male, uomini, 

semiologi, artisti dibattono da sempre la 

questione; il fatto è che quando un artista 

riesce a muovere delle emozioni, dei 

pensieri, delle idee fa sì che la comunicazione 

che passa chiarisca ciò che non 

è codificato o strutturato. 

Le immagini che presenta Luca, perfette 

tecnicamente, corrette dal punto di vista 

formale, hanno il fascino inconsueto 

delle immagini di colui che le ha prodotte 

vivendole emotivamente, seguendone 

il percorso che con fasi successive 

concorre al risultato finale. La ripresa, 

prima, prefigura il risultato, partendo 

da un’emozione o da un’intuizione; il 

lavoro da artigiano mette in evidenza la 

sua padronanza della tecnica; l’immagine 

finale rivela la sua sensibilità e la 

cultura visiva dell’autore. 

Le immagini “fine art” che presenta 

possono essere “lette” come percorsi a 

tema ma anche come singole creazioni, 

la loro forza sta nell’impatto emotivo 

che coinvolge l’osservatore in atmosfere 

incantate di sapore metafisico. Ci sono 

elementi naturali che hanno sempre 

coinvolto Luca: l’acqua, la vegetazione, 

il cielo, il paesaggio, per cui i tagli che 

opera, le scelte tra le immagini, i toni 

dei grigi così ricchi 

e espressivi ne fanno 

un raffinato percorso. 

Ciò prelude a maggiori 

traguardi. 

Luca Lupi nato a Pontedera 

in provincia di Pisa nel 

1970, attualmente vive e lavora 

a Fucecchio, Firenze. 

Dopo aver conseguito il 

diploma di maturità nella 

sua città, entra nel mondo 

del lavoro ma contemporaneamente, 

frequenta con 

interesse lo studio fotografico 

di Mario Lupi, dove 

apprende le prime nozioni 

della fotografia, sua vera 

precoce passione. Si iscrive 

a Firenze a corsi di fotografia 

e successivamente lavora 

come assistente presso 

uno studio fotografico. 

Nel 1995 consegue un attestato 

per la professione 

di fotografo presso l’istuto 

statale d’arte F. Russoli di 

Pisa. Abbandona del tutto 

il precedente lavoro per 

dedicarsi completamente 

alla fotografia aprendo uno 

studio, che nel tempo si 

specializza nella documentazione 

di opere d’arte grazie 

alla collaborazione con 

le Soprintendenze di Pisa, 

di Firenze e di Lucca, con 

l’Opificio delle Pietre Dure 

di Firenze ed altri enti e studi 

privati. L’attività dello 

studio si incentra su campagne 

fotografiche per mostre 

e pubblicazioni d’arte, documentazioni 

per i restauri 

e diagnostica artistica. 

Parallelamente all’attività 

professionale sviluppa, 

proprio attraverso la frequentazione 

e l’approfondimento 

dell’opera d’arte, 

una particolare sensibilità 

alla visione che lo porta 

a dedicare parte della sua 

attività anche a progetti di 

ricerca personali. 

Nel 1998 partecipa al concorso 

“The International 

Photo Contest” indetto da 

Hasselblad, dove ottiene un 

riconoscimento per l’eccellente 

creatività. 

Nel 2005 attreverso la partecipazione 

al concorso fotografico 

“Paesaggi immaginari” 

viene selezionata 

una sua immagine per essere 

pubblicata in un volume 

della rivista “Progresso Fotografico”. 

Nel 2006, 2007, 2008 una 

sua opera viene scelta per 

la realizzazione della copertina 

del volume dell’Accademia 

degli Euteleti della 

città di San Miniato. 

Esposizioni principali 

2007 personale “Intuizione 

e forma”, Palazzo Migliorati, 

Accademia degli Euteleti, 

San Miniato (Pi) 

2007 collettiva “Percorsi 

paralleli”, Galleria del 

Baluardo di San Regolo, 

Lucca 

2007 donazione “Un immagine 

per la libertà” opera 

donata al Comune di Lucca 

2008 personale “Immagini 

da un cantiere”, Croce di 

Lucca, Napoli 

Hanno scritto di lui 

Antonia d’Aniello, Mario 

Lupi, Saverio Mecca, Mauro 

Favilla, Filippo Lotti.

INDICE 

Introduzione 

Andrea Pisano e l’assimilazione della lezione di Giotto e dell’antico 

Di Sara Taglialagamba 

Andrea da Pontedera e l’oreficeria pisana dal XIV secolo alla conquista fiorentina 

Di Jonath Del Corso 

Beni Culturali: qualità, valore e sviluppo economico per il rilancio del Paese 

Di Angela Loretta 

Dario Vivaldi 

Di Mario Lupi 

Africano Paffi 

A cura della redazione del Centro 

Alberigo e Carlo Novelli: l’Arte dal padre al figlio 

Di Africano Paffi 

Gallerie d’Arte in città: primo censimento ragionato 


Arte, bambini, scuola dell’infanzia 

Di Anna Maria Braccini 

Riflessioni sull’Arte del “Contemporaneo” 

Di Mario Lupi 

L’Arte Contemporanea nella scuola: perchè e come 

Di Anna Ferretti 

Il battello fluviale Andrea da Pontedera 

Di Mario Mannucci 

Salvini fotografo in Valdera 

Di Alessandro Salvini 

I primi 40 anni del “Truciolo d’Oro” 

Di Enzo Gaiotto 

Simone Stefanelli, funerale a Gaza 

Di Simone Stefanelli 

Marco Bruni 

Di M. L. 

Giovanni Pascoli, il poeta-fotografo 

Di Enzo Gaiotto 

Introduzione alla Musica 

Di Mario Lupi 

pag. 3 

pag. 4 

pag. 7 

pag. 13 

pag. 16 

pag. 18 

pag. 20 

pag. 24 

pag. 30 

pag. 35 

pag. 39 

pag. 44 

pag. 48 

pag. 52 

pag. 56 

pag. 62 

pag. 64 

pag. 67 

Fare musica a scuola: il piacere del fare 

Di Mario Piatti 

Dino Cavallini liutaio 

Di M. L. 

L’acustica a teatro 

Di Valentina Reino 

Maria Cioppi, cantante lirica 

Di Anna Vanni 

Il Teatro Era 


Brenno Ristori 

Di Michelangelo Gorini 

Riccardo Moretti 

Di Anna Vanni 

David Calamai 


La “Volere è Potere” 

Di M. L. 

Significato dell’insegnamento. La creatività educabile 

Di Luigi Nannetti 

Riccardo Fogli 

Di Anna Vanni 

Riflessioni 

Di Andrea Lupi 

Samuele Borsò 

Di Mario Lupi 

Uno dei più grandi viaggiatori italiani 

Di M. L. 

Associazione Micologica Bresadola Gruppo A. Vichi 

Di Alessandro Pinori 

Transhumanz 

Di M. L. 

Luca, fotografo d’Arte 

Di M. L. 

pag. 68 

pag. 73 

pag. 77 

pag. 81 

pag. 86 

pag. 89 

pag. 92 

pag. 94 

pag. 96 

pag. 99 

pag. 103 

pag. 104 

pag. 110 

pag. 111 

pag. 113 

pag. 115 

pag. 116

Finito di stampare 

nella Tipografia 

Bandecchi & Vivaldi 

Pontedera 

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Marzo 2009

Bollettino 2009 - Comune di Pontedera

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