SI È TENUTA DAL 24 LUGLIO AL 9 SETTEMBRE PRESSO IL ...

DIBATTITO
Informare senza insultare
graffiare senza volgarità
È nello spirito dell’invettiva che si modula,
ancora oggi, la vita sociale del nostro
Paese. E mondi paralleli come
cultura, politica, scienza si contaminano
con il principio dei vasi comunicanti.
a pagina 2 u Angelo Di Marino
Bimestrale di cultura, arti visive, spettacolo e nuove tecnologie creative
INTERVIEWS
Mina Gregori rivela
i segreti del Caravaggio
Distinguendosi per la signorile eleganza e un’ammirabile
tenacia, la massima esperta del Merisi,
accogliendoci nella sua dimora fiorentina, racconta
gli esordi del suo amore per l’arte segnato
da Roberto Longhi.
a pagina 12 u Luca Mansueto
Un anno fa moriva
Ugo Marano
anno I
numero 2
settembre-ottobre 2012
direttore
Massimo Bignardi
distribuzione
gratuita
FIGURE
Marano è stato da uomo e da artista ancorato
al disciplinare della vita; l’ha pensata e
vissuta al passato, al presente, al futuro ma,
sempre, con «l’irrealizzabile desiderio di ritrovare,
di fermare o di inaugurare il tempo».
a pagina 14 u Ciro Manzolillo
Berlino. Da est a ovest
lungo e oltre la U5
METROPOLIS
Una metropoli che si spande in largo e in lungo in
continuo mutamento, tuttavia sembra che proprio
la U5 abbia il compito di riunire definitivamente la
città e riportarla agli antichi splendori prussiani e a
quelli contemporanei dell’Urban Art.
a pagina 21 u Maria Chiara Gasparini
“Veh qui cogitatis inutile”. Io ve l’ho detto, guai a voi che pensate cose inutili. Italia, io te l’ho detto, non manca da me, ma da te, che non vuoi il rimedio (Savonarola)
P
roverò a riassumere il registro entro il quale si muove la traccia di questo nuovo numero di gea-
Art, il terzo, affidandomi ai suggerimenti del vocabolario della lingua italiana di Nicola Zingarelli.
Alla voce si legge: «INVETTIVA /invet’tiva/ [vc. dotta, lat. Tardo invectīva(m), sottinteso ora-
tiōne(m) ‘(discorso) aggressivo’, da invěhere ‘inveire’ ] s.f. Parola o discorso violento e aggressivo
destinato a riprendere, denunciare, criticare q.c. o qc.: scagliare, lanciare unʼ- ; sono famose le invettive
di Dante. SIN. Apostrofe, diatriba, filippica». C’è tutto quanto occorre per poter mettere sul tavolo
le carte: dalle “tremende invettive” di frate Girolamo Savonarola che, da secoli, le effigi marmoree declamano
mute nelle piazze tra Ferrara e Firenze alle pagine di storie di un passato che non dobbiamo
dimenticare, come il ricordo dei giorni nel campo di sterminio nazista di Görlitz del compositore Olivier
Messiaen, al pericolo di una cronaca infarcita di “offese” e “volgarità” che alimenta l’attualità dalla quale
dobbiamo prendere le distanze. Che cos’è l’invettiva nel mondo dell’etere? Cos’è nella politica? Cosa
permane di essa nella cultura? Un discorso violento, se pur aggressivo, destinato, però, a riprendere,
a denunciare, criticare di cui oggi c’è tanto bisogno? Oppure un gratuito espediente crudele e cinico
per eliminare la “controparte”, attingendo al repertorio dell’ingiuria?
Massimo Bignardi
Tremende invettive
Scommesse e futuro
l’Emilia dopo il terremoto
geaArt dedica un inserto all’Emilia ferita, ad un territorio orgoglioso
e carico di speranza. Una parola quest’ultima che ha
tradotto futuro fin dalle prime ore. Intorno ad esso convergono
queste pagine che hanno raccolto narrazioni e testimonianze, di
giovani e meno giovani, dal mondo delle istituzioni e della cultura
in senso lato. Non è fare il punto della situazione, né tirare
somme, compito non nostro e peraltro difficilissimo. È invece
aprire un ulteriore spiraglio alle riflessioni ed al confronto.
Ada Patrizia Fiorillo u a pagina 15

carte sul tavolo
“Veh qui cogitatis inutile”. Io ve lʼho detto, guai a voi che pensate cose inutili. Italia, io te lʼho detto, non manca da me, ma da te, che non vuoi il rimedio (Savonarola)
L’invettiva
all’italiana
in tutti i menù
L’informazione
non obbliga l’insulto
né la volgarità
di ANGELO DI MARINO
Tutto partì una sera di gennaio di quasi trent’anni fa. Era il
1984, da meno di un lustro era attiva la terza rete della
Rai, la riforma sapeva ancora di fresco. Sul secondo canale
tirava molto Blitz, contenitore nato per dare fastidio
alla già consolidata Domenica In…, autentica corazzata
della Rai. In studio Gianni Minà e Stella Pende che nella sua rubrica
Sotto a chi tocca intervista Leopoldo Mastelloni, collegato da “Bussoladomani”
di Camaiore. L’attore napoletano, nel bel mezzo della
diretta, bestemmia. Panico sul volto di Minà, il collegamento si
chiude. Da quella sera Mastelloni e la Pende non misero più piede in
tivù per anni. Sempre da quella sera del 22 gennaio 1984 la bestemmia,
la parolaccia, l’invettiva entrano d’autorità nel dibattito culturale
del Paese. E, di conseguenza, nelle pagine dei giornali.
Quello che il mondo dei media aveva per decenni evitato, condannato,
emarginato si trovò invece ad essere d’improvviso sdoganato.
Bestemmiare in televisione equivaleva all’antico “lo ha detto la
radio” o al mai tramontato “è scritto sul giornale”. La vicenda, in realtà,
finì nelle aule di tribunale ed arricchì i rotocalchi ed i quotidiani
di estenuanti confronti sull’accaduto. La trasgressione di un trasgressivo,
sciorinata al di fuori delle regole, diventò notizia. Anzi,
essa stessa norma. Da raccontare sin nei minimi particolari, con una
morbosità che manco la cronaca nera più efferata aveva meritato.
Non sappiamo quanto di consapevole ci sia stato nel costruire quella
sera un delitto perfetto come pochi. Sul pavimento insanguinato
caddero pudore e buonsenso. Nelle mani la pistola fumante della
bestemmia. Segno dei tempi, si disse anche. Forse. Di sicuro il Paese
si spaccò, perché la blasfemia pronunciata nel giorno del Signore
nell’Italia dei Papi assunse un peso, una potenza inarrivabile. Ecco
cosa accadde: gli schemi dell’equilibrio secolare tra proibito e lecito
precipitarono in un attimo. Come se in un sussulto improvviso tutti
fossero stati autorizzati a bestemmiare, lanciare invettive, dire e scri-
vere espressioni irripetibili. In contesti dove tutto questo non era (e
non è) ammissibile. Mai avremmo pensato che il turpiloquio divenisse
uno degli elementi della mediaticità, della politica, dell’informazione
nel nostro Paese.
Pensate a una generazione come quella di chi scrive. Il presupposto
era (e resta) informare senza insultare, parlare senza offendere,
graffiare senza volgarità. E pensate anche a una parola, una sola:
casino. Mai cotanta trisillaba aveva trovato spazio nel lessico ufficiale,
mai era stata stampata dai rulli di una rotativa, nessuno l’aveva
mai sentita in radio o in televisione. D’un botto e senza alcun preavviso,
eccola divenire d’uso comune. Un’altra barriera caduta, un
altro piccolo muro di Berlino sgretolato dalla smania di essere
“avanti”, di stupire, sbalordire chi ascolta, chi legge, chi guarda.
Non sembri blasfemia a questo punto tirare in ballo il Padre della
lingua italiana. Precursore dei tempi e critico inarrivabile, Dante Alighieri
scrive il Canto Sesto del suo Purgatorio pensando proprio all’invettiva.
Definisce l’Italia serva, nave senza guida, bordello.
Affondando la penna nella carne come uno stiletto, il Sommo si infervora
e se la prende con i Potenti, i politici e arriva a chiedere conto
e ragione al Signore dei mali di cui è afflitta l’umanità in perenne
conflitto con se stessa. L’invettiva all’Italia, declinata in un crescendo
drammatico che trascina anche il lessico in forme ardite e fuori convenzione,
spiega molte cose. Svela la nostra vera indole, risentendo
dell’indolenza e della falsa indulgenza manifestata verso il prossimo.
Caratteri su cui si fonda nei secoli un’Italia unita ma mai coesa.
“E’ nello spirito di quell’invettiva che si modula, ancora oggi, la
vita sociale del nostro Paese”. “E mondi paralleli come cultura, politica,
scienza si contaminano con il principio dei vasi comunicanti”.
Che nel caso specifico diventano tracimanti. Inquinamenti che altro
non sono che esempi lampanti e mai fulgidi di scadimento etico.
Perché parlare, scrivere, informare, riportare senza regole è esercizio
Il tempo scorre e talvolta soccorre
Fra’ Girolamo ci guarda
da cinque secoli:
proclami ed esempi
di noi contemporanei
di FEDERICO NAVARRA
eato il predicatore! Degenerazioni della
BChiesa, inutilità dei parlamenti, meretricio
e vizi – spesso capitali – dei singoli e nelle loro
forme associate! Ma a rinfrancare lo spirito
due passi per andare dal convento di San
Marco a Santa Maria del Fiore ed il placido
lung’Arno. La nobiltà d’animo allora come
oggi si scontrava con l’ignobiltà umana ma
non tutto è ora come allora: chi infatti troverebbe
ad ascoltare? Quali gli oggetti del suo
predicare? E quanti decibel e che sgargianti
colori? E privo di un consulente di mercato?
Svanita (o quanto meno sopita) la predica in
cornu epistulae et evangeli, tradotta dal tubo
catodico ai cristalli liquidi passando per il plasma,
fiorisce ora nella rete, piazza virtuale
senza tempo (e spazio) ed ospita i temi del
presente sia esso molto prossimo (lavoro che
non essendoci non permette di diventare nobili)
sia un po’ futuro (quale Terra lasciare ai
nostri figli sebbene i nipoti siano lontani). Assente
la sacralità del luogo e la dimensione
escatologica (tamen infinitum era pur sem-
2 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
pre spazio!) nella quale venivano proiettati i
più terreni (e terricoli) temi di umana apprensione,
cede così l’attualità di quest’ultimi: diviene
pertanto necessario sostenerla (se non
fabbricarla) con astuzia e furbizia, ammiccando
qua e là e con buona pace se poi la
cornice è più grande del quadro. Cornice che
ne è pur sempre parte, contribuendo a defi-
nire l’identità del quadro stesso: potrebbe suscitare
qualche malessere in un araldo spirituale
sopravvissuto il pagano ardore di manifestazioni
di piazza davanti i Templi della Finanza
ma anche il domenicano predicò innanzi
al Palazzo della Signoria. Per avere
un’identità necesse habere corpus ed una
volta possedutolo bisogna dargli una voce:
non sufficit tuttavia, occorre farla ascoltare.
Gli ultimi arrivati (giovani? basta l’anagrafe
per indicare gli esclusi o non completamente
inclusi? E gli espulsi? E i riottosi ad includersi?)
nell’avere particolarmente a cuore questa carenza
esistenziale che un buon lavoro oblierebbe
in più di un caso, tentano d’aggredire
la vita per ritagliarsi il posto che meritano sul
proscenio, con clamore e battaglie di principi,
manifestando e sfilando, migrando e solidarizzando.
Si disse che la virtù sola dà la forza:
la fortezza non viene dal corpo in quanto
corpo e c’è chi trovò il tempo della riflessione
certamente più silente che urlante, in apparenza
fragile e senile che trasse però linfa dall’immaginare
– in questo futuro contemporaneo
– la propria dimensione negli spazi interiori
ed in quelli esteriori, urbani ed iper-urbani,
dove il cogitato prendeva (e dava)
continuamente forma.
Siamo or dunque grati al santo e non rammarichiamoci
oltre modo dell’infausta sorte
che ci costringe a vivere tempi così tremendi
ed oscuri: «Tyger! Tyger! Burning bright, in
the forests of the night…».
da fuorilegge. E dove non arriva la bestemmia, la parolaccia, l’invettiva
elevata a simbolo di libertà (?) ci pensa la volgarità a rendere la
strada senza ritorno.
Da tempo, ormai, siamo costretti a confrontarci con titoli di giornali
urlanti, zeppi di doppi sensi e di sconcerie lessicali. Rappresentano
la clava nelle mani di chi va a caccia di prede e non certo di
lettori. Di adepti prima ancora che di sodali. Dietro a invettive forti e
linguaggi grevi si nascondono idee deboli, impalpabili. Che hanno bisogno
di essere urlate, distorte per prendere forza. Armi improprie,
mulinate ad altezza d’uomo. Provate a leggere chi tira la volata a
piazzisti della politica, come quelli toccatici negli ultimi vent’anni.
Caratteri cubitali a tutta pagina con tre, massimo quattro parole una
più pesante dell’altra.
A sostenere tale mole di piombo, sommari anche di tre righe fittissime
in cui la notizia scompare per far spazio a ragionamenti teorici
che portano all’inevitabile conclusione: la colpa è sempre degli
altri. La fragilità in casi come questi diventa il punto di partenza. Il panegirico
che ne scaturisce ha ancor più debolezza del già esile pensiero.
Il titolo, invece, è una bastonata. Ordito per far male, non certo
per ragionare. Se è quindi questo il nostro Purgatorio, molto meno
poetico di quello illustrato dal Sommo, non c’è che da aspettarsi l’Inferno.
No, non può essere così. Conosciamo giovani leve che hanno
molta più etica di quanti li hanno preceduti. E se raccontare senza insultare
è un dovere, stare lontani dal disperato esercizio dell’immoralità
non rappresenta altro che obbligo personale. Ultima frontiera
della coscienza prima del baratro, pullulante di anime che non provano
alcun rimorso. E se il pudore ha il sapore della vetustà, il senso
dell’etica resta valore senza tempo. Al quale tutti dobbiamo garantire
un futuro.
Le pagine sono illustrate da disegni e tecniche miste dell’artista MARTINA CELI
nel prossimo numero
Luce&luci nuove “realtà” che modellano
la città contemporanea e,
al tempo stesso, la nostra immaginazione.
Luci di superficie e luce
dell’anima si rincorrono senza dar
vita ad ombre in un breve viaggio
che geaArt propone nei luoghi,
nelle idee, negli sguardi di sociologi,
storici, urbanisti e scrittori. All’interno
un’intervista ad Alberto
Abruzzese. La controcopertina è
di Nicola Salvatore.
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n. 6/2012 del 17.05.2012
Foto in prima pagina,
I sermoni di Savonarola (ph © Tauro, 2012)
“Veh qui cogitatis inutile”. Io ve lʼho detto, guai a voi che pensate cose inutili. Italia, io te lʼho detto, non manca da me, ma da te, che non vuoi il rimedio (Savonarola)
Invettiva contro lo spaccio dei lettori
Quoniam non cognovi litteraturam, introibo in potentias Domini (Ps 70, 15-16)
di GABRIELE FRASCA
La letteratura, così com’è nata,
unitamente alla parola
stessa che la designa, grosso
modo tre secoli fa fra Francia
e Inghilterra, continua a svolgere,
persino oggi che parrebbe confinata
nel negozio del rigattiere, il cómpito
che le fu assegnato in culla, quando
ancora se ne stava avvinghiata al suo
gracile gemello, il copyright, che avrebbe
però, una volta cresciuto, avuto ben
più fortuna di lei, estendendo il suo diritto
di nascita in ogni campo di quella
vaporosa schiuma tipografica che si
chiama libero pensiero. Più che di un
cómpito, si tratta in verità di un mandato
(o se volete di una lettera di cambio),
e la letteratura, da quando è apparsa
come un evento di Badiou (qualcosa
in soprannumero cui mancava solo
un nome), non ha mai smesso di adempierlo:
delimitare e periodizzare per
un’intrapresa di anonimi una messa-instato
fantasmatica, almeno quanto il discorso
che (non) regola l’economia. È la
solita logica che regola il capitale: separare
qui (un terzo stato da un eventuale
quarto, al quale lasciare in eredità il proprio
destino innominabile) per ricongiungere
altrove. Batte e ribatte lo stesso
chiodo, sin dal suo nascere, la letteratura,
che è quello di dare un nome a
chi non ne ha, Robinson Crusoe o Moll
Flanders; batte e ribatte, ed è per questo
che stupisce, e stupefà. La classe innominabile
che si sarebbe poi letta
borghesia (per istupidirsene), e il collante
di stupori ancora senza etichetta
che sarebbe stato detto letteratura, i
nomi, come càpita in simili circostanze,
se li sono dati l’uno all’altro.
Attualmente, certo, se pure continua
a svolgere il suo mandato, è indubbio
che la letteratura, strictu sensu, lo faccia
su scala ridotta, ma comunque in buona
compagnia, vale a dire con quell’allegra
famigliola di strumenti di comunione
ben più generalisti, dei quali fra
l’altro ritiene (e non a torto) di essere la
primogenita (per inciso: ogni medium
che voglia essere di massa, deve innanzi
tutto dirsi familista, quanto l’economia
che, è noto, lo denuncia persino nel suo
etimo quanto non sia altro che una faccenda
di casa, e uno sporco segretuccio).
Ma se credete che la lallazione
letteraria, come tutte le altre coccole
mediali (al bambino, quando lo si bam-
boleggia, non è giusto il suo nome, o la
pletora dei suoi soprannomi, che gli si
ripete ipnoticamente?), sia nient’altro
che un po’ d’intrattenimento («è sempre
festa nell’asilo globale», notava
acutamente McLuhan), vi sbagliate di
grosso. Da quando ha ricevuto il suo
nome dalla classe cui ha dato un nome,
non c’è mai stato niente come il sistema
letterario che abbia fatto filare dritti
come sonnambuli. Solitamente verso il
baratro. E per due motivi: innanzi tutto
perché è esattamente il modo in cui le
logiche del capitale, partendo dalla
prima catena di montaggio (che è
quella della tipografia) si sono annesse
l’al di là verso cui ha sempre spinto
l’arte del discorso (per «arte del discorso»,
a scanso di equivoci, intendo
tutti i sistemi «narrativi» nati per avversare
la frase idiota, in senso etimologico,
che ogni parlante, appena immesso
nel linguaggio, deve ripetere per legarsi
al destino designato; da questo
punto di vista, non c’è alcuna differenza
fra l’Iliade, la Commedia, o un canto
popolare: puntano tutti verso un al di là
dell’idiozia). E poi perché al sistema letterario
il cosiddetto liberismo, già nelle
sue fasi sorgive, ha chiesto niente di
meno che assorbire il soprannaturale
(pochi ricordano che una delle questioni
principali di Robinson Crusoe, presunto
alfiere dell’empirismo dominante, sia
quella di trovare sulla sua isola deserta
tracce della presenza di Dio), per svincolare
per così dire l’economia da un’ingerenza
tanto ingombrante. Alla crisi
della fede nel soprannaturale, la letteratura
ha supplito con un sistema di credenze
a tempo («fin quando siete qui,
credete a quello che vi dico», ripete
dalle pagine del suo volume, e di tutti i
suoi sequel, il solito Robinson). La letteratura,
primogenita col copyright del
pensiero liberale, non può dunque che
tornare ad avanzare la richiesta propria
di chi le assicurò i natali: «datemi credito».
E credere, sia pure per una momentanea
sospensione del giudizio, è
già obbedire e combattere.
Il mondo conteso dalle nazioni nelle
ultime due guerre (trovatemi una sola
nazione, non dico uno stato, che non
nasca, o quanto meno si riconosca, in
un romanzo), visto quanto l’economia
liberale non gradisce confini (e non assicura
dunque appartenenze), da dove
avrebbe potuto del resto mai stagliarsi,
se non dalle pagine della letteratura?
HIC SUNT LEONES
afonia e stipsi
dell’invettiva politica
L’invettiva ai tempi dell’ideologia
aveva dignità e spessore
DI ALESSANDRO LIVRIERI
C’
Persino coloro che si sono correttamente
definiti nel secolo scorso dittatori,
non hanno fatto altro, incantati
come a loro volta erano, che sentirsi
«dittare dentro» storie, per significarle
ad altri, a che altri le significassero. Il rinnovato
Impero di Roma, il Millennio del
Terzo Reich, la Grande Madre Russia...
Vi potrà sembrare strano, ma per
quanto Goebbels abbia saputo come
erano una volta gli anni eroici. Quelli
(almeno per me) delle botte coi fascisti.
Esercizio – ex post – vacuo ma generoso e
con qualche ragione storica. Poi venne l’eclisse.
La sera del 3 luglio 1992, a Salerno, dopo
il voto parlamentare che tutelava Craxi in
nome e per conto delle guarentigie parlamentari,
nugoli di fascisti e comunisti (presagi
della loro imminente superfluità storica) vennero
a gridare per strada «fuori il bottino,
dentro Bettino». Quella sera le botte furono
serrate e amare. Le diedi e le presi! Non per
difendere Craxi quanto un’idea di politica.
Che era si, talvolta, crudele anzi truculenta
ma che rifiutava la “ratio” della distruzione
vicendevole. Era venuto, quindi, il tempo dell’invettiva
che demonizzava. Trasfigurava l’avversario
non per costruire sorti magnifiche e
progressive ma per distruggere senza ricostruire,
a prescindere da qualsivoglia ripartenza
e per pianificare la prospettiva del nulla:
la seconda Repubblica! L’invettiva politica ha
logiche ed essenzialità, ovvero è una sfida
(come Savonarola) o una sollecitazione (Nenni),
un obbligo morale della denuncia (Matteotti),
uno sprone all’arte del riformismo (La
Malfa). Talvolta rasenta anche la burla guittesca.
Negli anni Sessanta, nel Vallo del Diano
(Salerno), un parlamentare socialista si presentava
ai comizi con un gallo sulla spalla alla
cui zampa erano connessi fili elettrici collegati
ad una batteria. Quando l’invettiva diventava
ultimativa, qualcuno tracimava una scossa al
pochi piegare all’ideologia nazista la radiofonia
(e con minore «genialità» il cinema),
Hitler, basterebbe dare un’occhiata
al sua guardaroba, resta il personaggio
di un mediocre romanzo di formazione.
E se vi va di pensare all’oggi,
badate che la televisione con i suoi
show sgangherati non regola flussi di
voti; se mai, e se proprio, lo fa la sua fiction
(che, ci intendiamo, è letteratura
gallo che, giustamente, cantava. E la folla delirava!
Scontri ideologici? Macché! Disbrighi
di collegio elettorale che, però, rappresentavano
ruralità democratica e temperie dei
tempi. Dialettiche forti, cioè, su cui si è snodata
la crescita culturale, sociale e civile di
tutto il Mezzogiorno. Diciamolo forte! L’invettiva
ai tempi dell’ideologia aveva dignità e
spessore. Anche la sua declinazione finale:
l’omicidio politico, tratteggiava tragiche gran-
carte sul tavolo
latu sensu). Quiz e ballerine, per fare un
esempio lampante, non hanno nulla a
che fare con quello che si è definito berlusconismo;
le vite dei santi teletrasportati
fin nel nostro salotto dalle retrovie
siderali, magari qualcosa in più.
Ma via, mi si potrebbe obiettare, mica
tutta la letteratura, quella del sistema
letterario in atto, si identifica alla solo
fiction televisiva, o si riduce, che so, alla
saga di vampiri tormentati dall’angoscioso
dubbio se succhiare il sangue o
schiacciarsi ancora i brufoli, se mai per
una massa di adolescenti (o di lettori
sempre adolescenti) ai quali, in tempo
di crisi economica, neanche par vero di
assicurare una vita da non-morti! Eppure
anche su questo (sempre penultimo)
caso letterario potremmo riflettere,
dal momento che questi discendenti
efebici di Nosferatu sono perfetti
per il mondo che stiamo consegnando
ai loro lettori: improduttivi come il ben
più tenebroso progenitore rumeno, ma
al contrario di costui capaci di procrastinare
praticamente in eterno il consumo
per cui sono nati. Una crisi è una
crisi, e produce sempre il suo immaginario.
Ma concediamo almeno questo:
la letteratura in atto non si riduce mica
ai soli casi letterari. Del resto il sistema
letterario, per funzionare, deve ammettere
per lo meno, una doppia velocità. E
se riuscite a far svettare il capo al di là
delle pile dei libri di successo, nelle megalibrerie
la trovate pure da qualche
parte quella letteratura che è stato necessario
di contro definire «seria» (ma il
«serio», suggeriva Lacan, è il «seriale»),
che poi è quella di cui si occupa- no le
pagine appena un po’ più austere dei
giornali, le trasmissioni radiofoniche da
salotto, le briose televendite di Fazio e
le estenuanti sagre cittadine. E non è
questo già un segno, ne avessimo ancora
bisogno, di come funziona il sistema
letterario? C’è poco da girarci intorno,
vampiri o non vampiri, si appartiene
tutti alla stessa famiglia di morti viventi;
e se il teenager è stato per anni,
già all’indomani della seconda guerra
mondiale, il consumatore ideale, e a
tutti è stato chiesto di restare adolescenti
nello spaccio delle merci (culturali
o meno), ebbene in tempo di recessione,
e di scarsità di risorse, è fin troppo
facile capire quanto sia il consumatore
a dover essere consumato. Non si vendono
libri nei megastore, ve ne sarete
resi conto da un pezzo, ma lettori.
diosità shakespeiriane. Cosa dice, infatti,
Saint-Just l’archetipo dei giacobini alla requisitoria
contro il Re? «Il cittadino Luigi Capeto
può anche vivere, ma Luigi XVI deve morire
non per il suo agire amministrativo ma in
quanto usurpatore». L’invettiva era preludio
alla costruzione disperata del nemico come
simbolo ma, nel contempo, riconoscimento
dialettico dell’avversario. Dai giacobini (che
erano grandi) si è passati allo scherno plurale,
alla denigrazione gratuita. Allo sberleffo
senza giusta causa. Certo! Se i “Partiti sono
partiti per non tornare più” a che serve l’invettiva
se non nei termini dello sfogatoio? E,
smarriti i luoghi dell’organizzazione democratica
della contraddizione e del conflitto,
quale prateria migliore del Web che più anonimo
e violento non si può? Oltre il merito del
“grillismo” (talvolta condivisibile) e fatta la
tara dello straniamento civile da cui nasce e
naturalmente si incanala per morire, il Vaffa-
Day altro non è che un’ordalia post-moderna.
Una Formidabile stipsi culturale che (dentro e
oltre il Web) finisce il lavoro di Berlusconi. Non
più cittadini, nemmeno sudditi, ma soggetti
afoni di audience, sondaggi e riempitori di
piazze più o meno virtuali. Oltre il confine dell’attuale
aggregazione sociale si scivola (come
nelle mappe latine dove l’ignoto si raccontava
con hic sunt leones) fra lande desolate, barbari
e barbarie. Non si “invettiva” ma si grida
al vento, pervenendo al traguardo malinconico
e depresso della clamorosa inutilità.
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 3

teatro contemporaneo
I miei personaggi vogliono vivere e si evitano, queste sono persone che urtano contro le pareti (B. M. Koltès)
Sono le parole, i corpi e l’energia
degli attori a riempire
d’immagini lo spazio scenico
Incontro
con un uomo
straordinario
Peter Brook
Classe 1925. Dopo una brillante laurea ad Oxford in
letteratura comparata, iniziò ad occuparsi di teatro,
a sentir lui, più per caso e per necessità economiche che
per un interesse profondo: la sua passione dichiarata era
infatti il cinema. Ciò non gli impedì di avere, a soli 24
anni, l’incarico di direttore artistico al Covent Garden di
Londra, impegno che abbandonerà molto presto per tornare
alla prosa, lavorando con i più grandi attori inglesi
del tempo (John Gielgud, Lawrence Olivier e soprattutto
Paul Scofield) e occupandosi sia del teatro elisabettiano
sia di autori contemporanei. La tournée europea di Tito
Andronico nel 1955 rivelerà Peter Brook, già molto noto
in Gran Bretagna, al resto d’Europa. Pioniere del teatro
sperimentale, prima in Inghilterra e poi a Parigi, si dedica
occasionalmente anche al cinema. Dopo un cortometraggio
realizzato quando è ancora studente e quando
ha già debuttato come regista teatrale, dirige L. Olivier in
Il masnadiero (1953) che trae dalla Beggar's Opera di J.
Gay. Qualche anno dopo firma la regia di Moderato cantabile
(1960), lungo monologo interiore tratto da un romanzo
di M. Duras, e di Il signore delle mosche (1963), da
W. Golding, in cui utilizza attori non professionisti e due
camere a mano. Inoltre, lo spettacolo, che passa per il rifiuto
di ogni inutile decoro scenografico, segna una tappa
fondamentale nel suo percorso artistico e in quello del
teatro occidentale contemporaneo: lo spazio scenico diviene
“vuoto”, saranno le parole, i corpi e l’energia degli
attori a riempirlo d’immagini; il confronto con alcune,
grandi tradizioni teatrali extraeuropee può dirsi già iniziato.
Traspone per lo schermo opere già realizzate a teatro
(Marat-Sade, 1967, dal dramma di P. Weiss; Re Lear,
1971; La Tragédie de Carmen, 1983). Ispirandosi al misticismo
orientale, realizza quindi Incontri con uomini straordinari
(1979), dal libro di G.I. Gurdijeff, e Il Mahabharata
(1989), versione cinematografica del kolossal teatrale
tratto dall'antico poema epico indiano e adattato dallo
stesso Brook con J.C. Carrière. In Riccardo III - Un uomo,
un re (1996) di A. Pacino, interpreta se stesso.
TizDiMu
4 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
Il lungo viaggio
di Mamadou Dioume
Il segno inconfondibile di Peter Brook traspare
dalla disarmante semplicità e dalla raffinata
ricercatezza formale delle sue messinscene
di ATTILIO BONADIES
Peter Brook si recò nel suo paese per
conoscerlo e vedere i suoi personaggi
sul palco del Teatro Nazionale del Senegal.
Era il marzo del 1984 e da
quel momento per Mamadou
Dioume è cominciato un nuovo viaggio col teatro,
nello sconfinato palcoscenico del mondo.
La prima tappa è il Festival di Avignone del 1985
dove Peter Brook presenta la versione teatrale
di nove ore del Mahabharata (grande poema
dei Bharata) tratto dal più importante poema
epico indiano, in lingua sanscrita. Mamadou è
Bhima, figlio del vento, dalla forza prodigiosa
che uccide elefanti ma che, come tutti gli eroi
del poema, è chiamato a rispondere delle sue
azioni davanti al tribunale degli uomini senza
poter contare sull’aiuto degli dei. Ha molti compagni
di viaggio (tra cui il nostro compianto Vittorio
Mezzogiorno) che lo affiancheranno coi
loro personaggi, sui più prestigiosi palcoscenici
del mondo a raccontare, per quattro favolosi
anni avventure, battaglie, guerre, magie, sfide
ai dadi ed intermezzi giocosi di un’umanità
senza confini che parla, tra tante razze e tanti
suoni, la stessa lingua dei sogni. Ed il viaggio collettivo
col Mahabharata continua su altri palcoscenici,
attraverso la versione televisiva di sei ore
e quella cinematografica (presentata con
grande successo alla Mostra del Cinema di Venezia)
di poco più di tre, tutte in lingua inglese.
La disarmante semplicità, la raffinata ricercatezza
formale e l’intensa suggestione dinamica
delle diverse messinscene portano l’inconfondibile
segno del genio di Peter Brook. Ed il cammino
di Mamadou, insieme col grande maestro
del teatro del Novecento, continua fino al 1991
nel Woza Albert e nella Tempesta di Shakespeare
con la quale ritorna anche ad Avignone.
Da questo momento il viaggio comune con
Peter Brook si interrompe: Mamadou riprende
da solo il cammino su altri palcoscenici…
Poco più di vent’anni dopo, in una torrida
estate romana, lo ritroviamo nei laboratori dell’Accademia
del Teatro Senza Tempo mentre
parla sottovoce ad una quindicina di facce accese
e rapite, sedute a semicerchio attorno a lui.
Sono i nuovi allievi di un viaggio di formazione
che continua da decenni, in Italia ed in Europa,
per rivelare e scoprire nuove identità e nuove
coscienze per un teatro che da tempo ha smarrito
accordi e corrispondenze con l’uomo e col
mondo. L’attore è un mestiere che non si impara,
ma si coltiva quotidianamente analizzando
se stessi. Recitare è tirar fuori le cose che giacciono
dentro di noi, scavare nel profondo dei
nervi, delle viscere e della carne alla ricerca dell’ignoto.
Il personaggio ti rivela quello che tu
non sei, anche la belva che è in te. Il corpo è la
prima memoria, quella affettiva, quello stesso
corpo che assorbe poi tutte le cose vissute. Il
teatro è cultura, è universale e deve necessariamente
collegarsi alla natura, non deve far incontrare
un popolo ma raccontare l’umanità
con tutta la sua straordinaria ricchezza di canti,
suoni, leggende, ma anche di terrificanti trage-
die. Perciò nei sette giorni di laboratorio e per
oltre sette ore (serali e notturne), sotto lo
sguardo compiaciuto dell’organizzatore di masterclass
Riccardo Balestra, il lavoro sul corpo è la
faticosa pratica prevalente che Mamadou suggerisce
agli allievi con suggestiva persuasione
emotiva e con straordinaria leggerezza esemplificativa
(a dispetto della sua mole imponente).
Massimo (Max) Giudici (cofondatore con Mamadou
di Atelier Teatro a Milano) condivide con
lui la guida agli esercizi e spesso lo sostituisce,
con grande consapevolezza metodologica e naturale
padronanza tecnica. La respirazione,
compiuta in varie posture, deve essere totale e
coinvolgere tutti gli organi e tutti i sensi: l’attore
ascolta intensamente il proprio respiro e comincia
a sentirne l’effetto a partire dalla punta dei
piedi e poi, in collegamento sinergico, con tutti
gli altri membri del corpo, esterni ed interni. Nell’identificarli
progressivamente, l’allievo deve imparare
a riconoscere la specificità dei tre punti
di eruzione: i piedi, il coccige, la pancia. Talvolta
egli rimane sdraiato supino su un bastone di
legno che percorre la spina dorsale, partendo
dal coccige fino alla testa, respirando profondamente
e facendo prolungati vocalizzi su una sola
nota. Altre volte, invece, stando sdraiato su palle
da tennis posizionate sulla schiena e sulla testa,
infine su una parete verticale, conquistata faticosamente
a testa in giù con i movimenti degli
arti inferiori, dei glutei e delle spalle. Ma il bastone
serve anche come supporto essenziale
negli esercizi delle arti marziali, che disciplinano
e potenziano la vitalità ed il dinamismo dell’attore
e che vengono proposti anche come pratica
collettiva sinergica di conquista e gestione dello
spazio scenico. Va da sé che gli esercizi non sono
finalizzati all’apprendimento delle discipline
orientali di pratica guerriera, ma devono servire
a far esplodere i conflitti dentro il corpo dell’attore
sul palcoscenico. E talvolta è lo stesso Mamadou
che interviene per segnalare esercizi
eseguiti male o qualche sofferenza corporea di
un organo palpando, con mano o piede la parte
interessata, col frequente rischio di qualche lacrima
o strillo di natura femminile. La scoperta e
la conquista di sé non può essere indolore. Ma
ogni giorno c’è anche il momento liberatorio del
canto popolare (africano) in coro, nella lingua
dell’infanzia del mondo e del battere ritmico
delle mani sul corpo, in una ritrovata danza tribale
di gruppo, sotto la guida dello sciamano
Mamadou.
Il richiamo e la seduzione da parte di autori
ed opere teatrali - come pure dei grandi maestri
- avviene quotidianamente e non sempre in maniera
programmata, perché risponde ad invocazioni
sotterranee ed implicite che la situazione
performativa in atto suggerisce. Oltre al mostro
sacro Brook, ritornano spesso Shakespeare, Stanislavski,
Grotowski, Artaud con tutta la potenza
esplosiva ed immaginifica «dei segnali
lanciati da dietro alle fiamme». Particolarmente
esemplificativi, per la sua visione del teatro, sono
il testo e l’autore su cui Mamadou concentra lo
Nella foto in alto:
Un momento “sofferto“
del laboratorio
Sopra: Il sorriso di Mamadou
studio più specifico da parte degli allievi: Quai
Ouest (1985) di Bernard-Marie Koltès. «I miei
personaggi vogliono vivere e si evitano, queste
sono persone che urtano contro le pareti».
Chissà anche quanto di autobiografico c’è nella
splendida sintesi descrittiva che Koltès fa dei
protagonisti del suo dramma, a proposito della
sua breve e tormentata esistenza di scrittore visionario
e bord-line (morto di Aids a 41 anni).
Quai Ouest si caratterizza per uno stile che riesce
ad unire, in maniera magistrale, la lingua
parlata alla letteratura più raffinata, affrontando
la dolorosa condizione degli immigrati privi di
permesso di soggiorno, in un presente caratterizzato
da stridenti contraddizioni. Per gli allievi
ore ed ore di lettura e di studio a memoria di alcuni
brani del testo per poi arrivare ad occupare,
nell’ultimo giorno del corso, lo spazio scenico
come in un dipinto, facendo esplodere la loro
energia vitale ed iconoclasta: «La tua vita, negro,
vale meno di quella di una gallina; non te la sei
meritata, la vita; è come se non fossi mai esistito».
Il sipario si chiude, per Mamadou riprende
il viaggio, prima in Sicilia e poi, a fine
ottobre, presso gli allievi del Distretto Cinema di
Torino. Buon viaggio, Mamadou, ché la leggerezza
sia sempre a te compagna…
teatro contemporaneo
I miei personaggi vogliono vivere e si evitano, queste sono persone che urtano contro le pareti (B. M. Koltès)
Il teatro di Brook tra répétition, répresentation e assistance
Una “corda tesa” tra l'immaginazione e la poesia, scaturita da un “impulso uniforme”
Era il 1943 quando esordì con il Dr. Faustus di Christopher
Marlowe al Torch Theatre di Londra. Peter Brook, ha realizzato
complessivamente 47 spettacoli teatrali ed ha ricevuto
più di 30 importanti riconoscimenti in ogni parte
del mondo, tra gli altri il Premio Europa per il Teatro a Taormina
nel 1989, dopo aver messo in scena in lingua inglese The tragedy
of Hamlet, nel teatro Bouffes du Nord, da lui stesso diretto. Il
suo interesse non si ferma al teatro elisabettiano, ma si rivolge ai
maggiori autori contemporanei. Avrà modo di lavorare con John
Gielgud e Paul Scofield (due dei più grandi attori britannici). Come
dirà egli stesso il suo lavoro teatrale scaturisce da un “impulso informe”,
senza alcuna tecnica. Lavorando, però, molto sugli attori,
che a suo parere dovranno sentirsi liberi di dare tutto il loro apporto
allo spettacolo. Sarà proprio lui, il regista, ad indirizzarli poi sulla
“retta via”. Il regista infatti sarà colui che Dirige: cioè che prende
decisioni e guida l’attore. «La corda tesa è l’immagine che meglio
rappresenta la mia idea di teatro – commenta Peter Brook –. Ma
non voglio insegnare nulla, non sono un maestro, non ho teorie».
Solo suggestioni, come la corda che non c’è. «Per trovare l’equilibrio
un funambolo deve tener conto di due cose: avere ben presente il
punto d’arrivo e allo stesso tempo badare ai lati. Oscillare senza mai
perdere di vista la meta. Altrimenti cade. Vale in teatro come nella
vita e nella politica». Ma in teatro, perché quel filo diventi visibile
serve un altro elemento: «L’immaginazione, il muscolo che muove
tutto». Il teatro di Brook è un teatro vuoto, essenziale, fatto di poche
cose. Eppure questa nudità e questo vuoto iniziano pian piano a
popolarsi, a materiare una storia, ad abitare gli spazi, ad assumere
sensi di volta in volta diversi ma tutti perfettamente veri, per cui una
gruccia può essere una gruccia, ma nel momento successivo diventa
un telefono, e non stupisce, perché è un teatro che si costruisce
Gli ultimi successi presenti in libreria
LE NOVITÀ EDITORIALI DEGLI ULTIMI MESI, inerenti al teatro annoverano biografie di sceneggiatori,
retroscena di spettacoli che sono passati alla storia e luci ed ombre di grandi autori. In questo
filone si inserisce il testo di Pietro Saddio, dal titolo Ettore Petrolini. El rey della rissa. Il libro
è incentrato sulla figura di Petrolini, grande artista ancora oggi ricordato per aver saputo incarnare
e raccontare vizi e pregi del popolino che lo ringraziò erigendolo a divo. Si racconta
dell’autore come fautore di vecchie regole che ingabbiavano il teatro tra la fine dell’Ottocento
e l’inizio del Novecento, ripercorrendone il percorso umano ed artistico a circa settant’anni
dalla sua scomparsa. E ancora Ombre magiche. Dietro le quinte del Petruzzelli di Marina Itolli
e Giancarlo Fundarò: l’emozione della nascita di una nuova opera lirica, dal fascino della messa
in scena alle prove di recitazione e d’orchestra, dalla realizzazione della scenografia all’incanto
di una nuova creazione che prende forma; raccontato attraverso l’occhio attento e vigile al
quale non sfugge alc0un particolare del fotografo Giancarlo Fundarò che nella primavera 2011
ha potuto seguire presso il Teatro Petruzzelli di Bari, tutte le fasi delle prove per l’opera contemporanea
Lo stesso mare. Altri due testi che approfondiscono determinati aspetti sono:
Dive e maestri di Gosett Philip che racconta i successi e le evoluzioni dell’opera lirica e La commedia
greca e la storia di Franca Perusino e Maria Colantonio: uno sguardo alla commedia e
all’oratoria politica nel teatro di Aristofane.
Angela Casale
L’autunno accende le luci sul palcoscenico
La crisi e i tagli non abbassano il sipario: la risposta è un fitto programma di appuntamenti
LA STAGIONE TEATRALE È AL VIA: nonostante la crisi e i tagli che ormai da
tempo costringono il settore culturale a limitare sempre di più le proprie
offerte, si riesce anche quest’anno a proporre un cartellone prestigioso e di
sicuro interesse. La programmazione in abbonamento del Teatro Nuovo di
Napoli vedrà alternarsi in scena artisti già fortemente riconosciuti da pubblico
e critica quali Enzo Moscato, Isa Danieli, Carlo Cecchi, Silvio Orlando,
Stefano Accorsi, Marco Martinelli, Glauco Mauri e Roberto Sturno, Ottavia
Piccolo, Alfonso Santagata, Roberto Herlitzka, Claudio Di Palma e, fuori abbonamento,
un progetto del regista Antonio Latella. Programma ricco per
questa stagione anche al Teatro Argentina di Roma, la seconda firmata da
Gabriele Lavia in qualità di direttore del Teatro di Roma. Un cartellone che
comprenderà oltre venti spettacoli, a partire dal 22 settembre con L’Ecole des
Maitres, del regista argentino Rafael Spregelburd. Respiro internazionale a
partire dal 26 settembre e fino al 15 novembre 2012 con un ciclo di spettacoli
in partnership con il Romaeuropa Festival 2012. A Milano, la più grande
delle sale del Piccolo ospita un calendario di grandi produzioni internazionali,
dal ritorno di Slava alle regie di Luca Ronconi, agli spettacoli di Bob Wilson,
Gabriele Lavia, Edward Hall, Luc Bondy, fino alla grande danza. Invece,
al Piccolo Teatro Grassi dal 16 ottobre Glauco Mauri e Roberto Sturno in
Quello che prende gli schiaffi: la parabola di un giusto in un mondo difficile.
Intanto, con orgoglio il Teatro Massimo di Palermo presenta la nuova stagione
2012 che si conferma fra le più ricche d’Italia, vantando un ampio programma
di opere e balletti. Il teatro palermitano, la più grande istituzione
culturale del sud Italia, è un innovativo modello gestionale in quanto ha registrato
grande successo con un continuo incremento del pubblico: ampio
spazio al repertorio più amato, ma anche a importanti titoli di forte valenza
culturale e storica, cui si affiancano alcune rarità, secondo un criterio di scelta
che in questi anni ha imposto il Teatro Massimo all’attenzione anche della
critica mondiale.
Carmela Citro
dentro l’azione scenica, e da essa trae la sua necessità. È un teatro
che si alimenta di immaginazione e poesia. È la parola che dà forma
anche a quello che non c’è, è lo sguardo denso degli attori, i loro
gesti pieni e fatti di pura energia poetica, di presenza potentissima.
Inoltre, le tre parole che danno vita all’evento teatrale per Brook
sono: répétition, répresentation, assistance. Tre parole dal francese,
tre elementi, ciascuno necessario perché l’evento prenda vita: répétition,
la ripetizione, sarebbero le prove, dove l’attore cerca di migliorarsi;
répresentation, rappresentazione, è la messa in scena,
l’elemento mortale della ripetizione si perde nella serata della
“prima”; assistance, l’assistere, che permette alla rappresentazione
di aver luogo nel modo esatto: l’attore non potrà fare tutto da solo,
servirà una attenta e coinvolta, ma straniante, partecipazione del
pubblico.
Tiziana Di Muro
Mauri-Sturno: da Krapp
a Senza parole
di Samuel Beckett
GLAUCO MAURI E ROBERTO STURNO portano in
scena quattro celebri atti unici beckttiani
con l’intento di far capire al pubblico
che non è Beckett ad essere difficile e complicato,
ma che difficile e complicata è la
vita stessa. Atto senza parole e L’ultimo nastro
di Krapp, due testi relativamente brevi
al confronto di altri famosi capolavori, sono
forse le opere che più chiaramente esprimono
alcuni aspetti del mondo di Beckett.
Nello stupito, grottesco silenzio del primo,
l’uomo beffato e ingannato dalla vita che
sembra sempre soccorrerlo ma poi sempre
lo delude, trova la sua commovente dignità
nel rifiuto e in una voluta solitudine. Nel
secondo, il vecchio Krapp ascolta una bobina
registrata molti anni prima, la sera del
suo trentanovesimo compleanno. Riaffiorano
persone, visi ormai sbiaditi dal tempo,
si riscoprono sentimenti e tra questi, ormai
dimenticata, una storia d’amore, “quando
la felicità era forse ancora possibile”. Il nastro
finisce e Krapp rimane disperatamente
solo nel buio della sua “vecchia tana” piena
di bobine che raccontano la storia della sua
vita ma che finiranno col rimanere vuote,
esaurite di ricordi. Improvviso dell’Ohio. Un
uomo (il Lettore) legge un libro ad un altro
uomo (l’Ascoltatore) per aiutarlo a sopportare
il dolore di un’assenza (una moglie
morta o forse abbandonata). Il testo che il
Lettore legge si riferisce alla vita dell’Ascoltatore:
essi infatti non sono due persone
ma un unico uomo che, in un fantastico
sdoppiamento, sembra – con l’ascoltarsi –
cercare una speranza di sollievo al dolore.
Respiro. Un cumulo di macerie. Pochi secondi:
è la vita. La vita che passa tra il
primo vagito e l’ultimo respiro.
Glauco Mauri e Roberto Sturno
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 5

proscenio
È molto più facile essere un eroe che un galantuomo. Eroi si può essere ogni tanto, galantuomo sempre (L. Pirandello)
L’ossessione
in scena
Edito da Demian, il volume
Teatro contemporaneo rivela
il talento di Fabrizio Romagnoli
La finzione del palcoscenico può essere la via più sicura, per quanto
tortuosa, per arrivare alla verità o a ciò che più le somiglia. Il teatro
nasce in effetti da un bisogno essenzialmente educativo, dall’esigenza
di condurre la coscienza a superare ciò che l’esperienza
intercetta per esaminare, comprendere e smascherare. Fabrizio Romagnoli
(nella foto a lato) ha sempre guardato a questo aspetto,
come ben dimostra Teatro contemporaneo, la raccolta di tre atti unici
edita da Demian che rappresenta una sfida impegnativa per tutti coloro
che vogliano cimentarsi con l’arte della recitazione. Filo conduttore
dei copioni è l’ossessione, quel vincolo malato ma saldissimo che
unisce i personaggi in una prigione mentale prima ancora che materiale.
Attraverso una scrittura di abbagliante crudeltà, attenta a
porre in luce ogni sfumatura dell’animo, l’autore esprime il peso di
una disappartenenza che si manifesta solo nelle forme della riflessione
speculare. Le figure attorno a cui ruotano le vicende non riconoscono
più i loro interlocutori, eppure non possono fare a meno di
veder riflesso in loro ciò che non vorrebbero mai ammettere. La narrazione
in Fino alla fine, Lei…Lui…Loro e Una lunga attesa è un falso
movimento: nonostante tutto e tutti, non si sfugge alla mente.
A Torino con Jurij Ferrini
In programma
il Rodaggio
matrimoniale
di Williams
ennesee Williams è un autore capace di mettere a nudo i senti-
Tmenti con una sagacia rara, intessendo l’azione narrativa a distanze
siderali da qualsiasi forma di compiacimento o di abile ricatto
psicologico. Appare dunque naturale che la vita matrimoniale, spesso
simile a un falso equilibrio, abbia suscitato la sua attenzione. Rodaggio
matrimoniale, che George Roy Hill aveva portato nel 1962 sul
grande schermo con Anthony Franciosa e Jane Fonda, è una commedia
che non è mai stata rappresentata in Europa e ha colpito per
la sua attualità Jurij Ferrini, che si era già cimentato con successo di
pubblico e critica con il capolavoro dello scrittore Zoo di vetro. Nel
duplice ruolo di regista e protagonista, Ferrini ha al suo fianco Fulvio
Pepe, Eva Cambiale e Isabella Macchi. L’opera sarà in scena presso il
Teatro Gobetti di Torino dal 27 novembre al 2 dicembre e si basa sull’intreccio
di due vicende accomunate dalla difficoltà di comunicare i
sentimenti. Una giovane coppia è costretta a fare i conti con la mancanza
di fiducia: il futuro incerto che li sovrasta e un’empatia che fatica
a farsi strada impediscono di condividere in modo profondo le
ansie per poi neutralizzarle. Due coniugi maturi invece vivono il proprio
conflitto su di una base educativa: hanno infatti opinioni radicalmente
opposte sulla maniera di rapportarsi con il figlio. Non è
azzardato guardare ai quattro personaggi come alle stagioni diverse
del medesimo malessere che nasce da una visione problematica dell’unione.
L’autore non rinuncia comunque alla sua tagliente ironia.
g.c.
Nella foto: Jurij Ferrini
6 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
La sagacia di Un marito di Italo Svevo
Un invito a rileggere un copione poco noto e di metodica crudeltà
di GEMMA CRISCUOLI
Esistono molti modi di sferrare un’invettiva.
Si può avanzare con la potenza
di una corazzata, sfoderando
tutte le proprie armi senza preoccuparsi
di apparire violenti o irriguardosi,
colpendo l’avversario a viso aperto. È poi
possibile ispirare con arti sottili il risentimento
del pubblico verso l’oggetto dell’attacco, lasciando
che altri scendano in campo a schierarsi
contro ciò che va combattuto. Una terza strada
consiste nell’agire sottotraccia, nel manifestare
il proprio pensiero fingendo di assumere in toto
le convenzioni del fronte opposto per poi scardinarle
dall’interno con un paziente lavoro di
decostruzione. Quest’ultimo modo di agire si riscontra
in un capolavoro che si presta a continue
rivisitazioni e riscoperte, nonostante
detrattori e sostenitori continuino a dividersi in
folte schiere: Un marito di Italo Svevo. L’opera,
oggetto di numerosi rimaneggiamenti e riscritture
fino al 1903, pur essendo già conclusa nel
1895, è un potente atto d’accusa contro la società
borghese e la sua abitudine a definire, irreggimentare,
catalogare, incasellare. È uno
squarcio impietoso che si apre nella più rispettabile
delle istituzioni, la famiglia, roccaforte di
Dal 21 novembre a Milano
Le Troiane
di Euripide
un dramma
senza tempo
arà il Teatro Carcano di Milano ad accogliere il 21 novembre la
Sprima delle Troiane, capolavoro euripideo che impreziosì il V secolo
a.C. e ha ancora tanto da dire a dispetto del tempo che passa. Lo
spettacolo resterà in programma fino al 2 dicembre. Guardando alla
traduzione di Caterina Barone, Marco Bernardi dirige Carlo Simoni,
Patrizia Milani, Sara Bertelà, Corrado D’Elia in un allestimento che si
avvale delle scene di Gisbert Jaekel, dei costumi di Roberto Banci,
delle luci di Lorenzo Carlucci. Il dolore che sgorga dal testo è quello
irreparabile di chi sa di non avere più nulla da difendere. Troia è ridotta
a un cumulo di macerie, i corpi abbandonati raccontano violenza e
desolazione, le protagoniste della vicenda – Ecuba, Andromaca, Elena
– attendono di essere destinate ai vincitori che le tratteranno come
degli oggetti. Eppure esiste una grandezza che non può essere calpestata
dalle armi, come ricorda Cassandra, la vergine invasata che
narra ciò a cui nessuno crede per volere del dio a cui si negò. La figlia
di Priamo, che sa bene di andare incontro a un sanguinoso destino,
espone la semplice verità: i Greci devono all’inganno la loro vittoria,
mentre i Troiani hanno lottato con tutto il coraggio di cui sono stati
capaci. I vincitori sono morti lontano dalla patria, i vinti hanno avuto
almeno il rispetto e l’amore dei congiunti. Mai sconfitta è stata così
nobile, mai il sangue è bastato a se stesso: chi ha portato la morte soccomberà
a sua volta, perché, come è detto nel prologo, chi calpesta
città e tombe segna la propria perdita.
red. proscenio
Nella foto: Carlo Simoni
uno status più che amoroso connubio. L’incongruenza
degli assunti dettati dal senso comune
si manifesta in tutta la sua evidenza con un crescendo
implacabile. L’avvocato Federico Arcetri,
che si è risposato con Bice dopo aver ucciso la
prima moglie Clara per vendicare il proprio
onore, rispondendo così in pieno al codice comportamentale
dell’epoca, riceve la visita della
madre dell’uccisa, Arianna, nome antifrastico
perché non libera dal labirinto di pensieri nefasti,
ma vi conduce il suo interlocutore. È lei infatti
a riferirgli che alcune lettere rivelano un interessamento
della moglie per un altro uomo; il protagonista
rischia di rivivere il medesimo incubo.
Nulla è però come sembra. Federico pare un
uomo incapace di rimorsi, ma è torturato dal
pensiero della felicità perduta con il colpo inferto
a Clara. La madre di quest’ultima, che si presenta
come acerrima nemica, nutre in realtà nei
confronti del genero un affetto profondo e contrastato,
proprio di chi vorrebbe avere accanto
un figlio e non può coronare questo desiderio.
Bice ha creato nell’amico Paolo Mansi l’illusione
che potesse nascere qualcosa tra loro per ingelosire
il marito sempre più indifferente, per poi
comprendere che solo la viltà le ha impedito di
consumare il tradimento. L’avvocato, che a sua
volta desidera finalmente riconoscere una geni-
Fino al 4 novembre all’Eliseo
John Gabriel
Borkman
dal 16 ottobre
a Roma
trice in Arianna, l’unica del cui giudizio gli importi,
rinuncerà a qualunque proposito di vendetta
perché preoccupato unicamente della
saldezza della propria unione in società e alimenterà
con la complicità di Bice la finzione che
l’originario nucleo composto da lui, dalla prima
moglie e dall’anziana donna sia ricomposto. Le
maschere si susseguono e si sfaldano in un continuo
rovello di pensieri e ansie che rendono incongrue
tutte le risposte dettate da un atteggiamento
“razionale”. I benpensanti non possono
che essere d’accordo con Arcetri, con la
sua capacità di nascondere la polvere sotto il
tappeto. Le consuetudini della vita civile risultano
ridicoli scheletri che restano lì a confermare
il fallimento di chi ha creduto di poter essere
davvero padrone della propria identità. L’assurdo
si nasconde tra le pieghe del consueto per prosperare
senza interferenze. Ricreare ciò che non
può tornare è una nevrosi che prospera al riparo
dell’onorabilità. L’equilibrio è il velo fragile e ombroso
dietro cui traspare il rimosso, l’inconfessabile,
il funambolismo di una mente che preferisce
un miraggio al reale. Si osservano le proprie
ferite e Federico coglie nel segno dicendo: «Io
stesso sono la malattia. Guarirò morendo».
Nella foto: Italo Svevo
omprendere il peso dei propri limiti e guardare in faccia un falli-
Cmento sono scelte che richiedono, volenti o nolenti, enorme coraggio.
Appare difficile ammettere che il peggior nemico possa
annidarsi troppo facilmente nel cuore, dove si preferirebbe leggere
soltanto un appagante senso di superiorità. John Gabriel Borkman di
Henrik Ibsen, che Piero Maccarinelli dirigerà al Teatro Eliseo di Roma
dal 16 ottobre al 4 novembre con Massimo Popolizio, Lucrezia Lante
della Rovere, Manuela Mandracchia e Mauro Avogadro, racconta il disagio
di un vinto che non intende ammettere la sconfitta e si ritrova
in una rete di rancori e disillusioni. Borkman, che pur essendo ormai
in rovina continua a credersi una sorta di mago dell’alta finanza, non
è il solo a misurarsi con una realtà impietosa. Il suo amico Foldal, che
non lo ha messo al bando al pari dei rispettabili conoscenti, è autore
di un testo mai pubblicato e quindi a sua volta relegato in una sorta
di fermo-immagine in cui la potenza non si traduce mai in atto. La
moglie e l’amante del protagonista, sorelle non solo nel senso più
chiaro del termine, si sono legate a un uomo che non le ha comunque
amate come avrebbero desiderato. Le figure sul palcoscenico
sono tutte in qualche modo inchiodate a un passato che non accetta
di essere sepolto e torna a inquinare la vita a ogni passo. La scrittura
di Ibsen asciuga ogni enfasi, mescola con rara sagacia il tragico e il comico,
l’ambizione e la sua negazione, l’orgoglio e la violenza che si
cela sotto vesti edificanti. Un’opera quanto mai attuale.
red. proscenio
Nella foto: Lucrezia Lante della Rovere
Olivier Messiaen
e il superamento
dell’abisso
Il Quatuor pour la fin du temps,
ispirato dall’Apocalisse, inaugurò
un “tempo” mitico di speranza
per i sopravvissuti dei lager nazisti
di MIKE SIVERS*
e scritto durante la mia prigionia, il Quatuor
pour la fin du temps ebbe la sua prima esecuzione
nello Stalag VIII A, il 15 gennaio 1941.
Questo accadeva a Görlitz, in Slesia, con un
«Concepito
freddo atroce. Lo Stalag era sepolto sotto la neve.
Eravamo trentamila prigionieri (francesi per la maggior parte, con qualche
polacco e belga). Suonavamo su strumenti di fortuna: il violoncello
di Etienne Pasquier aveva solamente tre corde, i tasti del mio pianoforte
verticale si abbassavano e non si rialzavano... Mi avevano affibbiato un
vestito verde completamente stracciato e ai piedi calzavo zoccoli di
legno. Il pubblico comprendeva persone di ogni ceto sociale: sacerdoti,
medici, piccolo borghesi, militari di carriera, operai, contadini...».
Con queste parole, tratte da Hommage à Olivier Messiaen, è lo stesso
compositore a raccontarci le condizioni in cui si svolse l’anomala prima
di quella che è una delle sue poche composizioni cameristico-strumentali.
Il problema nell’affrontare la musica di Olivier Messiaen è quello
della “contingenza”, o meglio: del rapporto più o meno stridente tra
la contingenza (naturale, storica o personale) e l’eternità, l’atemporale
trascendente. E questo è tanto più vero per uno dei suoi brani più significativi,
il Quatuor pour la fin du temps, che di contingenza è quasi
forzatamente nutrito, di contingenza è sostanziato, ma dalla contingenza
è sfuggito, sia per le pulsioni che lo animarono, sia perché divenuto
un esempio di “mito d’oggi”, con tutta l’ambiguità che il mito ha
assunto su di sé in un ambito di relativismo, cifra stilistica di Messiaen.
Le circostanze della composizione partirono da una situazione drammatica
per determinarne una eroica, dunque mitica, ma l’operazione in
sé fu determinante e superò l’ambito della contingenza storica per trovare
un “tempo” di speranza oltre l’abisso della “fine del Tempo” di chi
APPUNTAMENTI con la grande lirica italiana
A Pechino al tempo
delle favole
Il teatro Comunale di Firenze
ripropone la Turandot firmata
da Zhang Yimou e Zubin Mehta
di IDA PARO
scatola sonora
Lasciate andare e' canti figurati, e cantate e' canti fermi ordinati dalla Chiesa (Savonarola, 5 marzo 1496)
sopravviveva nel campo di prigionia, così come nell’Europa dilaniata
dalla guerra. Un’operazione determinante, indipendentemente dal materiale,
per il suo trattamento, per la sua forma, che ne fa una delle più
grandi invettive contro la guerra, negazione dell’Uomo, mai pronunciate.
Ed ecco un altro impulso mitologizzante: Barthes asserisce che “il
mito è una parola”, non intesa nel senso usuale del termine, è “un
modo di significare, una forma, un sistema di comunicazione”. Il mito
è forma e il Quatuor è una macchinazione divina che vive della sua
forma, della sua struttura (temporale). Il Quatuor pour la fin du temps
prende forma da questo brano dell’Apocalisse, tradotto in un linguaggio
musicale, come dice il compositore stesso, “dall’essenza immateriale,
spirituale e cattolica”: «Vidi poi un altro angelo, possente,
discendere dal cielo: era avvolto in una nube e l’arcobaleno cingeva il
suo capo; la sua faccia brillava come il sole; le sue gambe sembravano
due colonne di fuoco [...] Posto il piede destro sul mare e il sinistro sulla
terra, emise un grido fortissimo, simile al ruggito del leone [...] Quindi
l’angelo che prima aveva visto posarsi sul mare e sulla terra levò la mano
destra verso il cielo e giurò nel nome di Colui che vive nei secoli dei secoli,
Colui che ha creato il cielo e ciò che esso contiene, la terra e quanto
essa contiene, il mare e ciò che esso contiene: ‘Non vi sarà più alcun indugio,
ma quando il settimo angelo, farà udire il suono della sua
tromba, allora sarà consumato il mistero di Dio [...]» Ap. 10, 1-7. La dimensione
spazio-temporale si dilata all’infinito nell’ascolto. Il numero
dei movimenti risponde a una logica ben precisa: sette è il numero perfetto
nella Bibbia, il sabato è il giorno della santificazione, il giorno di
riposo dopo la creazione del mondo, prolungata all’ottavo giorno, il
giorno della lux æterna. È l’alba, tra le tre e le quattro del mattino, si
sentono gli assoli dell’usignolo o dell’uccello notturno tra gli alberi: il si-
Torna sul palcoscenico del Teatro Comunale
di Firenze dal 27 novembre al 5 dicembre
quella Turandot pucciniana, diretta da Zubin
Mehta con la regia di Zhang Yimou che, osannata
fin dal Maggio del 1997, ha conosciuto
numerose riprese a Firenze e in Italia e le indimenticabili
recite nella Città Proibita di Pechino.
Di alto livello gli interpreti con Turandot che
avrà la voce di Jennifer Wilson ed Elena Ponkratova,
protagonista del secondo cast, il ruolo
di Calaf, sarà, invece, diviso tra Jorge de Leòn
e Rubens Pellizzari, mentre, quello di Liù tra
Ekaterina Scherbaschenko e Serena Daolio. La
parte strumentale, che sarà interpretata dall’Orchestra
del Maggio è elaboratissima. Puccini
si serve praticamente di due orchestre.
Una, infatti è collocata in scena e include
trombe, tromboni, percussioni e un organo.
Per il resto l’organico è completo in ogni rango,
per schizzare l’atmosfera attraverso effetti coloristici
violenti e preziosi, sei trombe, quattro
tromboni, di cui uno basso, tamburo di legno,
gong grave e nella lunghissima lista anche due
saxophoni alti, che legheranno il loro timbro
misterioso e dolcissimo al coro delle voci bianche,
doppiandoli dal dietro le quinte, allorché
entrano in scena, nascosti, nel momento che
precede l’entrata della principessa. Dal palco
intoneranno, infine la melodia con cui l’imperatore
si congeda, distillando aromi e spezie cinesi
e siamesi, prima che la partitura esca allo
scoperto splendente di impasti ferrigni.
LO SCAFFALE della lirica
Floria Tosca
tra Sardou e Bonino
Tradotto da Einaudi il testo
del drammaturgo francese
al quale si ispirò Puccini
di LORENZO DE DONATO
ANTICA BOTTEGA D’ARTE DEL RAME “GIUSEPPE CELENTANO”
di Vittorio Villari S.R.L. Sorta nel XVII secolo in Penta - Sa
Complementi d’arredo, arredamento su misura,
esecuzione su disegno del cliente, illuminazioni, bomboniere
Eravamo trentamila prigionieri
Suonavamo su strumenti di fortuna
il violoncello di Etienne Pasquier
aveva solamente tre corde
i tasti del mio pianoforte verticale
si abbassavano e non si rialzavano...
lenzio del Paradiso è allo stesso tempo la celeste armonia precosmica (Liturgie
de cristal). Nelle brevi sezioni estreme di Vocalise, pour l’Ange qui
announce la fin du temps c’è il richiamo all’Angelo che scende dal cielo,
il “luogo” dell’Eterno, mentre nella parte centrale il pianoforte esegue
accordi dal suono perlato (“accordi blu-arancio”, come li chiama Messiaen).
Il terzo movimento, Abîme des oiseaux, è dedicato al clarinetto
solo. L’abisso è il Tempo che viene prima del tempo; gli uccelli stanno
in contrasto col tempo perché desiderano la Luce, il clarinetto con le sue
innumerevoli sonorità, le sue infinite “voci”, si pone alla sua disperata
e continua ricerca. Lo scherzo (Intermède) conduce alla prima Louange
à l’Eternité de Jésus: Gesù (violoncello) è il Verbo in principio, in un clima
di distacco totale dal ritmo dei quattro strumenti all’unisono (Danse de
la fureur, pour le sept trompettes) che riproducono la sonorità monolitica
in fortissimo della settima tromba, con un’aumentazione del tema
e cambi di registro. Fouillis d’arcs-en-ciel, pour l’Ange qui announce la
fin du temps richiama certi passaggi del secondo movimento: appare
l’Angelo nel tumulto del cielo che annuncia la fine dei tempi; per la seconda
volta (non a caso) una Louange a l’Immortalité de Jésus, un lungo
movimento per violino e pianoforte: è l’altro aspetto di Gesù, «vero Dio
e vero uomo»: il verbo si è fatto carne, uomo, ma allo stesso tempo
morte della morte per il nuovo Patto. La lenta salita verso i registri acuti
del violino è la lenta ascesa della creatura al suo Creatore, della carne
nella Carità, verso il Tempo di Dio. L’ “irregolarità” formale e strutturale
si aggiunge alle tante “irregolarità” manipolatorie del materiale musicale,
quasi a voler riaffermare: «Il mondo ha perfezioni per mostrare
che è l’immagine di Dio, e ha imperfezioni per mostrare che è “soltanto”
l’immagine di Dio». (Pascal).
* già assistent Berklee College of Music Boston
’arte nel suo mistero / le diverse bellezze
«L insiem confonde; / ma nel ritrar costei /
il mio solo pensier, Tosca, sei tu!». L’impetuosa
figura di Tosca e la sua tragica sorte percorrono
più d’un secolo vantando una storia multiforme,
di generi e mezzi di rappresentazione.
Victorien Sardou, drammaturgo francese del
Secondo Impero e della Terza Repubblica ottiene
lentamente con essa un’ampia popolarità:
dopo i primi infausti tentativi, attraversando
il Vaudeville e la satira politica, giunge all’elaborazione
del dramma storico che gli garantirà
l’elezione all’Académie Française nel
1877. Il suo successo teatrale è garantito dall’irresistibile
protagonismo della stella francese
Sarah Bernhardt (nella foto), per la quale l’autore
aveva già scritto Fedora. La Tosca, è cucito
sulla Bernhardt Sardou è uno specialista della
tecnica drammaturgica, della costruzione di intrecci
di forte impatto emotivo e del mescere
efficacemente la storia alla finzione narrativa.
L’atmosfera capitolina del dramma, ancora
calda della battaglia di Marengo offre la scena
al tormentato amore di Tosca e Cavaradossi,
intrecciando potere, religione, rivoluzione, patriottismo
e anelito di libertà. Einaudi ripropone
il testo del drammaturgo francese, a cura di
Guido Davico Bonino, ponendolo a confronto
con il libretto di Illica e Giocosa, al servizio della
melodia di Giacomo Puccini, fornendo le chiavi
al lettore per capire la forza di entrambe le scritture
teatrali, così simili e così diverse.
Lavorazione
artistica del rame
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geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 7

danza
Ogni fase del movimento […], rivela un aspetto della nostra vita interiore (R.Laban)
Lottare per affermarsi
come professionisti
sulla scena odierna
Cosa significa
essere
una danzatrice
contemporanea?
di GISELDA RANIERI*
Per me significa fare un lavoro bellissimo: seguire la passione
di una vita (ho iniziato a danzare all’età di cinque
anni), quello per cui ho studiato da sempre e che ha influenzato
la scelta del mio percorso di studi (sono specializzata
in Discipline dello spettacolo dal vivo presso il
DAMS di Bologna). Una passione che, giorno per giorno,
si è trasformata in lavoro. E c’è bisogno di questa per superare
le difficoltà spesso implicate nel mestiere: bisogna
lottare per vedersi affermati come professionisti al pari di
altri tipi di lavori; perciò preferisco sottolineare la parola
“lavoratore” e “professionista” ed evitare il più possibile
quella di “artista”, per far guadagnare al danzatore una
posizione al pari di tutti gli altri mestieri e fargli ottenere
l’attenzione dovuta. La domanda che mi viene rivolta più
di frequente è: «Ma ti pagano per farlo?». E non parlo
dello sconosciuto che incontri casualmente per strada, ma
anche delle persone a te vicine (familiari, amici, a volte gli
stessi fidanzati, ma in quest’ultimo caso è forse meglio
trovarsi un compagno che capisca subito che vita lo
aspetta!) che non riescono a capire fino in fondo in cosa
consista questo lavoro e , soprattutto, come si possa vivere
con esso. Del resto non hanno tutti i torti, sia perché
spesso più che vivere si sopravvive – ma mi pare un’odierna
condizione comune della mia generazione e ormai
anche di quella precedente – sia perché finché la società
e le istituzioni per prime, non capiranno che la cultura non
è solo beni da preservare, ma campo economico in cui investire,
capace di generare denaro e contribuire all’economia
del Paese, allora noi tersicorei saremo sempre
relegati alla figura di eterni giovani appassionati e sgambettanti.
Essere danzatore oggi significa abbracciare la vita
della mobilità e della precarietà economica; fare una scelta
specifica che inevitabilmente condiziona la vita lavorativa
e sentimentale. Forse non dovrebbe essere neppure un lavoro
(nell’antichità il danzatore è una figura quasi sacra,
capace di contattare un’alterità che lo avvicina al divino e
per questo sostenuto dalla comunità), ma siccome viviamo
nel 2012, in questo tipo di società (capitalistica,
consumistica, che premia un risultato/prodotto immediato
piuttosto che la qualità del processo che porterà a risultati
futuri e duraturi...), è bene aprire gli occhi il prima possibile
e pensare al lavoro del danzatore più vicino al saper
fare pratico dell’artigiano che non all’artista bohemién fin
de siècle dedito alla ricerca intellettuale e all’esperienza
sensoriale del vivere. O meglio, nel nostro mestiere che è
un mestiere artistico, il sapere intellettuale dovrebbe unirsi
e fondersi con quello pratico che si apprende attraverso
l’esempio educativo e l’esperienza personale. Sudore e
gioia, rabbia e amore, lotta e passione, questo per me significa
essere una danzatrice contemporanea oggi.
*Danzatrice delle Compagnie UBIdanza
e ALDES/Roberto Castello
Nella foto in alto:
Giselda Ranieri e Guandalina Di Marco, Compagnia
UBIdanza in Principesse. Villa Bombrini, Genova
(ph.© Marco Pezzati)
8 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
Città ‘visibilmente’ danzanti
sullo sfondo dell’attualità
Corpi Urbani 2012 – Il Festival Internazionale
di Danza in Paesaggi Urbani di Genova
si propone quale pregnante evento dell’anno
REDAZIONE DANZA
città che non si cancella
dalla mente è come
un’armatura o reticolo nelle
«Questa
cui caselle ognuno può disporre
le cose che vuole ricordare:
nomi di uomini illustri, virtù, numeri,
classificazioni vegetali e minerali, date di battaglie,
costellazioni, parti del discorso. Tra ogni nozione e
ogni punto dell’itinerario potrà stabilire un nesso
di affinità, o di contrasto, che serva da richiamo
istantaneo alla memoria». È così Italo Calvino, in
Le città invisibili, che descriveva la città e la memoria
di Zora. La città – poiché reticolo di ricordi e richiamo
della memoria – è il luogo del viaggio,
personaggio/interprete del nostro vissuto; essa si
modifica, in quanto spazio/scena, a seconda del
personale stato d’animo e del bisogno di espressione,
assumendo – di volta in volta – un nuovo significato
e perciò un “nuovo ricordo”. Ecco che
l’arte, il teatro e soprattutto la danza trovano nella
città il luogo primordiale nel quale esprimersi, su
cui disegnare e con il quale interloquire: uno spazio
che contiene il performer e il pubblico, un
luogo comune ad entrambi ma, al tempo stesso,
“ri-creato”. Sotto questo aspetto lavora l’Associazione
culturale ARTU - Arti per la Rinascita e la Trasformazione
Urbana di Genova - già responsabile
del progetto euroregionale di danza contemporanea
nello spazio pubblico “Luoghi comuni” gemellato
con Torino, Marsiglia, Avignone, Villeurbanne
e Rillieux la Pape - giunta quest’anno alla X
Edizione del Festival “Corpi Urbani”, svoltosi lo
scorso 6-7-8- settembre nella città di Genova, con
chiusura a Finale Ligure il 9 settembre. Un festival
importante e di grande spessore internazionale,
che richiama ogni anno un pubblico vasto ed eterogeneo
grazie a forti collaborazioni: 19 spettacoli
con 35 artisti di compagnie italiane e straniere.
«L’arte può e deve rappresentare un valore aggiunto
nei processi di trasformazione urbana in
corso – spiega la direttrice artistica del Festival
Corpi Urbani Eliana Amadio –. Gli artisti invitati al
festival sono in alcuni casi già impegnati in forme
d’arte meno diffuse e conosciute, e comunque
sensibili ai percorsi creativi orientati alla sperimentazione
di nuovi linguaggi. La maggior parte sono
selezionati in altri festival del network internazionale
CQD, e dalle professionalità emergenti nel
mondo della danza sul territorio italiano e genovese.
Idealmente, vogliamo favorire lo scambio tra
diverse esperienze artistiche, provenienti da luoghi
e culture differenti, e la nascita di nuove forme di
contaminazione e cooperazione culturale e artistica».
Nell’anteprima a Palazzo Ducale vi è stata la
presentazione del progetto europeo Least Common
Multiple e della rivista Dancing Cities, la mostra
fotografica dal titolo Sei, più happening &
installazione di Elena Cavallo. Lo stesso Palazzo Ducale
ha visto le perfomance di Andrea Gallo Rosso
in Occhi, Claudia Caldarano in Dialogo Tonie,
Chiara Frigo in Suite-hope, Cristiano Fabbri in Affetti
e il taiwanese Shang-Chi Sun in Traverse. Nel
Parco Villa Duchessa di Galliera a Voltri la creazione
ideata nell’ambito del progetto di scambio internazionale
“Dance Channels” dal titolo Temporary
maps, che ha visto la partecipazione di coreografi
e danzatori inglesi, spagnoli e italiani e ha affrontato
il tema del passaggio del tempo legandolo ad
una visione personale e straniata della città: una
mappa temporanea in cui sogni e ricordi personali
ridisegnano il paesaggio urbano trasformando tutti
noi in surreali turisti. La settecentesca Villa Bombrini
a Cornigliano, situata nell’area ponente di Genova,
ha fatto da teatro al sorprendente pas de
deux tra un danzatore e una scavatrice Transports
Exceptionnels, presentato dalla Compagnia francese
Beau Geste che, dopo seicento repliche della
sua performance, riesce a incantare gli astanti,
avanti alla leggerezza e la potenza del gesto del
danzatore e della “sua compagna”: la scavatrice si
libera dalla sua veste simbolica propria della società
contemporanea, scavalcando la pretesa di mostrarsi
secondo l’obiettivo di superare l’idea tradizionale
secondo cui l’opera d’arte occupa un livello
di realtà sovratemporale e trascendente propria
degli artisti dell’arte povera. Essa danza. Ed è attraverso
l’atto del danzare, muovendosi nello spazio,
costruendo lineari geometrie e vorticosi
avvitamenti, che conquista portandoci in una realtà
fantastica e mostrando, nell’incontro con il
danzatore, la sua “anima” fragile chiusa in un
corpo di macchina. E ancora le performance di Cristiano
Fabbri/Koinégenova, dei Tecnologia Filosofica,
di Andrea Gallo Rosso e Nicola Marrapodi,
degli spagnoli Senza Tempo e, soprattutto, della
Compagnia Ubidanza di Aline Nari.
Per quest’ultima la scalinata di Villa Bombrini è
stato il terreno dei giochi coreografici di Principesse
(on stairs). Nuova creazione in divenire della coreografa
Aline Nari, Principesse (in versione urbana
per solo due interpreti) è altresì una tappa del progetto
Stars on stairs che sarà presentato nel quadro
di Métamorphoses, evento ideato da Lieux Public
– Centre National de Création nell’ambito di Marseille-Provence
2013, Capitale Europea della Cultura.
“Principesse” sono le giovani donne di oggi,
sognatrici disilluse e combattive che cadono, si rialzano,
hanno il coraggio di nuovi sogni. Aline Nari
è coreografa, danzatrice e studiosa di letteratura e
teatro. Di formazione classica e contemporanea inizia
l’attività professionale nel 1993 e lavora a lungo
nella Compagnia Sosta Palmizi danzando sia con
Raffaella Giordano sia con Giorgio Rossi. Debutta
come coreografa nel 2000 con Danze minute e da
allora crea diversi spettacoli e fonda con Davide
Frangioni l’Associazione UBIdanza. Il nome unisce
il latino ubi (congiunzione temporale o avverbio di
stato in luogo) alla parola danza ad indicare che
“danza” è per noi un concetto aperto (dove/
quando), una sfida da accettare di fronte ad un panorama
culturale e ad esigenze individuali sempre
mutevoli. UBIdanza/Nari-Frangioni si indirizza verso
la ricerca di un linguaggio attento al dialogo con la
scena contemporanea, in cui la danza sia libera di
contaminarsi con altri codici e di aprirsi alla relazione
con l’altro, confrontandosi con l’esperienza di
artisti di diversa provenienza geografica e culturale.
Il movimento delle Principesse – Giselda Ranieri e
Guendalina Di Marco – è ‘corposo’, rotondo, attento
e conciso (visibile è il lavoro della coreografa
Nella foto in alto: Transports
Exceptionnels, Compagnie
Beau Geste, Villa Bombrini
Genova (ph © Marco Pezzati)
Sopra: Attorno al Cuore
di Cristiano
Fabbri-Koinègenova
Villa Bombrini, Genova
(ph © Marco Pezzati)
Aline Nari, Davide Frangioni
Compagnia UBIdanza
(ph © M. Mirabella)
nel lavoro di sottrazione del superfluo) e fortemente
lirico. Per “corposo” intendo vissuto, nella
maniera in cui Rudolf Laban parlava di movimento
“fatto”: «Il movimento – scriveva il danzatore ungherese
nel suo L’arte del movimento del 1950 –
ha una qualità che non è il suo aspetto utilitaristico
e visibile, ma la sua sensazione. Si devono fare i
movimenti, così come si devono ascoltare i suoni,
per apprezzare pienamente il loro potere e il loro significato».
La traccia poetica di “Principesse” accompagna
la performance, rivelandosi via via e
mostrandosi nella sua lettura dolcemente femminea.
La scalinata di Villa Bombrini diventa ulteriore
protagonista dell’esibizione, là dove le danzatrici
cadono, rotolano, si rialzano, salgono, corrono,
scherzano: snocciolano la loro storia in maniera
leggera e divertente, caricando lo spazio attraverso
i loro gesti, dialogando tra di loro e con il pubblico
a cui è concesso il miglior luogo di osservazione.
«Per leggere una città basta cercare le sue scale –
spiega la coreografa Aline Nari –. Sedetevi in fondo
ad una scalinata, guardate semplicemente i passanti
che scendono e avrete già uno spettacolo coreografico
in divenire». Principesse sarà in scena il
14 ottobre a Venaria Reale (To) all’interno del progetto
Stars on stairs di Jany Jeremy.
Per informazioni su spettacoli, stage e laboratori
http://www.ubidanza.com.
La danza
irlandese
fra tradizione
e contemporaneità
Dalla “Ceili dancing”
che si incontra nei pub
ai ritmati Festival che animano
un pomeriggio d’estate
di ROBERTA BIGNARDI
Forse è attraente per il suo essere così ospitale e – al tempo
stesso – selvaggia, per quei valori così legati alla tradizione
ma sorprendentemente aperti all’incontro con il “nuovo” e
allo scambio reciproco. La terra d’Irlanda è bella! Il suo essere
così misteriosa, tutta avvolta da un clima rigido che le ha consentito
nella storia di preservare la sua identità, gli immensi spazi e le tradizioni,
la rende ancora più affascinante. Nel mio soggiorno a Dublino
e nel viaggio per la verdeggiante isola, ho avuto l’impressione per qualche
istante che il tempo si fosse fermato mentre tutt’intorno, dal Donegal
a Cork, da Galway alle Isole Aran, risuonavano i ritmi frenetici
che accompagnano una danza corposa e vissuta, specchio teatrale della
comunità, strumento di ribellione. Una sensazione che ti avvolge rapidamente
quando entri nei pub di una qualsiasi cittadina e quando senti
suonare il fiddle per le strade di Dublino: non si riesce a restare indifferenti
e, mentre sorseggi una “spumosa” Guinnes, vieni rapito da un
vortice contagioso. La danza, allora, diventa una sorta di luogo di scambio
sociale, un momento di pura gioia dove potersi abbandonare. Portavoce
di una tradizione secolare, la danza in Irlanda ha da sempre
avuto un posto di primo ordine. I balli più famosi – come le Ceili dancing,
Set dancing e Step dancing – si diffusero grazie all’immigrazione
(che si ebbe soprattutto a metà Ottocento a causa della nota carestia
delle patate) soprattutto in U.K., America, Canada, Australia e Nuova
Zelanda. Oggi la danza tradizionale incontra quella moderna e contemporanea
ritagliando, così, uno spazio sempre più importante all’interno
dei numerosi festival che animano la “sorridente” estate
irlandese: un’importante apertura, infatti, si è avuta da parte del Governo
e del pubblico verso i suoi aspetti contemporanei, come strumento
per indagare la realtà, specchio di riflessione per comprendere
noi stessi. Un esempio è il “Kilkenny Festival”, che si è tenuto dal 10 al
19 agosto nella graziosa cittadina a sud-est dell’Irlanda, con la pièce
Swimming with my mother, vincitrice del “Fringe First Awards” all’Edimburgh
Festival: un duetto tra l’acclamato coreografo irlandese
David Bolger e sua mamma Madge di 78 anni, ex insegnante di nuoto.
Nella performance dai tratti lievi e pacati, pervasa da una profonda dolcezza,
il coreografo studia, riflette, confronta nello spazio teatrale,
quella qualità del movimento, reso in precedenza, dalla pressione dell’acqua.
Altro importante esempio è di sicuro il “Fringe Festival di Du-
DANZA /1 Al Teatro Comunale da ottobre
Ferrara
una bella
stagione di danza
Uno sguardo critico
sul momento
ma anche alla tradizione
danza
Ogni fase del movimento […], rivela un aspetto della nostra vita interiore (R. Laban)
blino”, in calendario lo scorso settembre, da sempre efficiente per la sua
organizzazione, il programma artistico e per il livello tecnico: artisti irlandesi
di livello internazionale hanno “occupato” tutta la città mostrando
il lato più “creativo-contemporaneo” dell’arte irlandese, da
Castle Street al Green Street Court House, da Temple Bar alla St. Patrick’s
Cathedral con performances di teatro, danza e musica contemporanea.
Allo slogan Occupy your imagination il pubblico si è riversato
nelle strade, seguendo gli artisti nei parchi, vedendoli esibirsi nei teatri
e nei luoghi “insoliti”. Tra tutte ricordiamo alcune rappresentazioni
quali: An Outside Understanding del gruppo Croi Glan Integrated
Dance, dove due danzatori, uno con una disabilità e l’altro senza, esplorano
le loro lotte interne in un emozionante momento di danza; Codes
dei Midaspaces con una breath-taking fusion digitale tra la danza, la
musica e le proiezioni luminose; lo struggevole e sofisticato Dogs con
Emma Martin Dance; il viscerale teatro-danza di Drenched con l’irlandese
Luke Murphy; il magico ed emozionante Constellations dei Paper
Dolls; Wildflowers di Arcane Collective dove il danzatore Oguri e il percussionista
Adam Rudolph si sono esibiti in una serata di improvvisazione
di musica e danza.
E se la Dance House, in Foley Street, è di sicuro il tempio della danza
contemporanea, dove trovare seminari, corsi, eventi e residenze per gli
artisti, il “Dublin Dance Festival” è il più importante evento tersicoreo
nel calendario artistico irlandese. Ogni anno a maggio, il Festival unisce
Teatro Comunale di Ferrara presenta i grandi
nomi, le nuove leve e le firme più innovative
della coreografia internazionale. La stagione si
aprirà proprio con il Festival di Danza Contemporanea
martedì 9 ottobre: la Bill T. Jones / Arnie
Zane Dance Company ritorna nella città estense
con la ricostruzione di tre lavori di Bill T. Jones e
Arnie Zane che hanno portato il gruppo al successo
internazionale e rinnovato profondamente
la coreografia americana negli anni ‘80. Una riflessione
sul passato arriva anche con Duetto,
pièce che Virgilio Sieni e Alessandro Certini realizzarono
nel 1989 per la Compagnia Parco Butterfly,
presentata a Ferrara il 6 dicembre
nell’ambito del progetto RIC.CI - Reconstruction
Italian Contemporary Choreography. In prima
nazionale anche la proposta della Compagnie La
Baraka / Ballet Contemporain d’Alger del coreografo
franco-algerino Abou Lagraa, che il 23 ottobre
presenterà Univers… l’Afrique. Il Festival di
danza contemporanea sarà quest’anno particolarmente
attento a quella italiana con l’Aterballetto,
nel suo Alice nel paese delle meraviglie (3
novembre), l’Accademia Teatro alla Scala (17 novembre)
e la settima edizione rassegna “Fuoristrada”,
promossa dalla rete Anticorpi. E ancora
la tradizione classica con il Balletto di San Pietroburgo
nello Schiaccianoci (9 gennaio), al passionale
tango di Miguel Angel Zotto e la sua
compagnia (16 febbraio) per chiudere con la
Compagnia internazionale Ailey II (16 aprile), costituita
dallo stesso Alvin Ailey nel 1974 e da allora
affermatasi come una delle più rappresentative
compagnie degli Stati Uniti. Per informazioni:
http://www.teatrocomunaleferrara.it/.
di GABRIELE ESPOSITO
Nella foto: Ailey II La compagnia Ailey II
(ph. ©Eduardo Patino)
di BRUNO DE MARCO
All that we can do
in punta di piedi
fino a novembre
Al via la 27ª edizione
del Romaeuropa
Festival 2012
insieme danzatori e coreografi da ogni angolo del mondo per far incontrare
la vibrante danza contemporanea e il pubblico irlandese.
Dall’11 al 26 maggio scorsi si è svolta l’ottava edizione, che è stata scandita
da varie aree, quali “Opening Performances”, “Family Spectacular”,
“Festival Performances”, “Off Stage-On Street”, “Dance on Film”,
“Master Classes” e “Meet the Artists”. La precedente edizione ha
aperto con due performance coinvolgenti: Body and Forgetting (in
prima mondiale) di Liz Roche Company e The Wake di Sarah Dowling.
Ospite d’onore del Dublin Dance Festival è stata la Trisha Brown Dance
Company con un mix di brani storici e famosi della coreografa americana.
Dopo nove anni dalla sua nascita, nell’agosto del 2011, Julia Carruthers
ha preso il ruolo di direttore artistico, dopo aver trascorso
maggior parte della sua carriera in Inghilterra. Nei prossimi anni il DDF
continuerà a partecipare ai due network, E-Motional Bodies & Cities e
Aerowaves. Assieme alle loro consolidate partnerships di casa, questi
due network rappresentano un grande supporto per i danzatori e i coreografi
in Irlanda. Il fine è quello di provocare e far nascere nuove risposte
nei confronti della danza contemporanea. La mission del DDF è
quella di essere presente in un panorama di danza internazionale e promuovere
il meglio della coreografia contemporanea e dei suoi artisti, sviluppando
un pubblico sempre più importante in Irlanda. «Noi crediamo
– mi conferma la direttrice artistica Julia Carruthers – che l’Irlanda possa
essere un internazionale punto di vista per i cambiamenti artistici e la
loro collaborazione. Noi abbiamo un ruolo preciso che è quello di sviluppare
e supportare la coreografia irlandese con strade pratiche. Attraverso
il lavoro del Festival, aspiriamo a creare un incremento di
opportunità per il pubblico. Le relazioni internazionali, consuete e miracolose
della danza ha raccolto insieme artisti provenienti da 17 Paesi
per mostrare al pubblico di Dublino cosa sta succedendo insieme sia a
casa loro sia nel panorama internazionale».
Il nuovo programma sarà disponibile da Natale su http://www.dublindancefestival.ie/index.php
Nella foto: Trisha Brown Dance Company in Set and Reset
Dublin Festival 2012 (ph. © Julieta Cervantes)
Constellations, Company- PaperDolls
subjects Karen Anderson, Fringe Dublin Festival 2012
(ph© Malcolm McGettigan)
DANZA /2 In corso a Roma la kermesse internazionale
utto quello che noi possiamo fare» è
«Tl’invito che il “Romaeuropa Festival”
rivolge quest’anno al suo pubblico, sensibile
all’urgenza della creazione artistica protagonista
di una società che cambia: 9
prime italiane, 1 prima europea e 5 prime
assolute in programma fino al 25 novembre
in otto suggestivi luoghi della città (Opificio
Telecom Italia, Teatro Argentina,
Palladium Università Roma Tre, Teatro Eliseo,
Auditorium Conciliazione, Teatro Vascello,
Auditorium Parco della Musica,
Brancaleone).
Un programma che include da Akram
Khan, che lo scorso 26 settembre ha presentato
al Teatro Argentina il suo nuovo
spettacolo Desh allo storico ospite del Festival,
Bill T. Jones, alle due donne coreografe
che affrontano i riti e le smanie della
vita quotidiana, Sasha Waltz e Constanza
Macras. E ancora: la più importante compagnia
di danza israeliana, Batsheva Dance
Company diretta dal coreografo Ohad Naharin,
l’italiano Virgilio Sieni che ha scelto i
palcoscenici di Romaeuropa per la prima
romana del suo ultimo lavoro, De Anima,
mentre dalla Spagna arrivano per la prima
volta in Italia le nuove proposte di Daniel
Abreu, Animal e Muriel Romero e Pablo Palacio
con Stocos.
Infine, interviste agli artisti, estratti video,
approfondimenti e pillole dell’archivio storico
saranno disponibili sul nuovo canale
Romaeuropa WEB tv da settembre su romaeuropa.net.
Nella foto: Bill T. Jones/Arnie
Zane Dance Company
in Story / Time
(ph© byPaul B.Goode)
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 9

arte moderna
Ma, dopo Rembrandt e Frans Hals, questo van der Meer è uno dei primi maestri di tutta la scuola olandese? (T. Thoré-Bürger)
Una finestra
sui cortili
dell’Olanda
In scena alle Scuderie
del Quirinale la quotidianità
della vita interpretata
dalla pittura al tempo di Vermeer
di ANNA SEMPERLOTTI
romano celebrerà i fasti della grande pittura
olandese del Seicento inaugurando la stagione espositiva
delle Scuderie del Quirinale con la mostra “Vermeer.
Il secolo d’oro dell’arte olandese” a cura di Arthur
L’autunno
K. Wheelock (National Gallery di Washington), Walter
Liedtke (Metropolitan Museum di New York) e Sandrina Bandera (Soprintendente
di Milano). Fino al 20 gennaio 2013 i grandi artefici della
fioritura artistica di Delft accompagneranno il visitatore nelle strade,
nei cortili, nelle perdute consuetudini quotidiane della cittadina dell’Olanda
meridionale, fucina di creatività a cavallo tra la prima e la seconda
metà del XVII secolo. Di questa pittura di genere, intima,
costellata da discrete presenze umane è maestro Johannes Vermeer
(1632-1675), di cui per la prima volta in Italia sono esposte insieme
otto delle tele che fanno parte del suo ristretto corpus di opere certe,
in prestito dalle più prestigiose collezioni d’arte internazionali. La sua
arte è rimasta nell’ombra finché, ai primi del Novecento, un estimatore
d’eccezione come Marcel Proust fa di lui il pittore prediletto di
Swann, il protagonista della Recherche. Le vicende che riguardano la
sua attività artistica restano fino ad oggi piuttosto frammentarie e incerte.
Il padre, documentato come mercante d’arte, organizza aste
Caravaggio torna a casa
Messina mostra
la Resurrezione
di Lazzaro dopo
il restauro romano
Dopo sette mesi di cura, presso l’ISCR del Ministero per i Beni Culturali,
il Museo “Maria Accascina” di Messina espone, fino a novembre,
uno dei più importanti dipinti eseguiti in Sicilia dal Caravaggio,
La Resurrezione di Lazzaro. In mostra sono presenti pannelli didattici
che illustrano le fasi del restauro, realizzato grazie all’Associazione Culturale
Metamorfosi che ne ha curato l’esposizione a Roma presso Palazzo
Braschi. La tela è annunciata in un contratto del 6 dicembre 1608
nell’intenzione del mercante Giovanni Battista de’ Lazzari di costruire
a sue spese la cappella maggiore della chiesa dei Padri Crociferi e decorarla
con un quadro. Doveva effigiare Maria col Battista e altri santi,
ma nell’atto di consegna (10 luglio 1609) è indicata come di mano di
“fra Michelangelo Caravagio militis Gerosolimitanus”. Rimase sull’altare
fino al 1866, poi approdò nel Museo Civico di Messina nel 1879
e da lì, dopo il terremoto del 1908, nella sede attuale. L’esecuzione
della tela segue a stretto giro Il Seppellimento di santa Lucia di Siracusa.
Dal gesto del Cristo indicante Lazzaro per richiamarlo alla vita, ripreso
dalla Vocazione di san Matteo della chiesa romana di San Luigi dei
Francesi, si espande una luce, assolutamente fisica, che coincide con
quella soprannaturale, la stessa che trascorre dalle teste dei gruppi di
figure presenti fino al corpo riportato alla vita di Lazzaro. Caravaggio
ha voluto enfatizzare fino all’estremo il momento decisivo del fluido
energetico che passa dalla mano di Gesù a quella di Lazzaro.
(l.m.)
Nella foto: Caravaggio, Resurrezione di Lazzaro (part.), 1609
olio su tela, Messina, Museo Regionale
10 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
nella locanda di cui è proprietario e, benché non commerci in opere
di particolare pregio, intesse rapporti con artisti ed estimatori, favorendo
l’inclinazione di Vermeer alla pittura e il continuo aggiornamento
sui fermenti artistici della città di Delft. Le prime prove su tela,
per le quali tuttavia non c’è unanimità d’attribuzione, sono ben lontane
dal Vermeer ormai noto al grande pubblico, il giovane pittore
mostra infatti una predilezione per i soggetti sacri e mitologici utilizzando
una pennellata e uno stile compositivo tipici della pittura italiana,
conosciuta forse nell’ambito del florido mercato d’arte di
Amsterdam, dove Arthur Wheelock ritiene si sia svolta, almeno in
parte, la sua formazione. Per la Santa Prassede (1655), della collezione
Piasecka Johnson, presente in mostra, ha addirittura un preciso
modello di riferimento nel dipinto, di medesimo soggetto, realizzato
dall’italiano Felice Ficherelli (1605–1660). Nel giro di qualche anno, la
svolta stilistica è netta: Vermeer si apre al nuovo e dipinge La stradina
(1657), del Rijksmuseum di Amsterdam, una sorta di quadro nel quadro
i cui piani di rappresentazione sono molteplici. Qui l’artista comincia
a curiosare nei cortili interni, dietro le finestre, in silenzio per non
turbare lo svolgimento delle mansioni domestiche. Nessuna sbavatura
aneddotica o divertente siparietto rendono effimero l’attimo furtivo
fermato dal pittore sulle tele, la luce calda del mutevole cielo olandese
unifica gli elementi armonizzando quella “grana burrosa” dei colori
elogiata due secoli più tardi dai fratelli Goncourt. Oltre alle opere del
maestro olandese, si ammirano una cinquantina di dipinti di suoi contemporanei,
come Pieter de Hooch (1629-1684), nativo di Rotterdam
e trasferitosi a Delft nel 1654, con il quale Vermeer si muove in parallelo.
Autore di celebri interni organizzati in successione prospettica,
come ne La camera da letto (1660), fa delle costruzioni spaziali il suo
interesse predominante, le figure che le albergano non sono curate
nelle fisionomie né tradiscono sfumature emotive. Proprio nella definizione
della componente psicologica degli effigiati si distingue invece
la pittura di Gerard ter Borch (1617-1681), non è certo il lussuoso soggiorno
con caminetto che interessa lo spettatore de La curiosità (1660),
bensì lo spavaldo salto della ragazzina sul predellino per spiare il contenuto
di una lettera. Si annoverano anche opere di Carel Fabritius
(1622-1654), Nicolaes Maes (1634-1693), e ancora Gerrit Dou (1613-
1675), patriarca della Scuola dei Fijnschilders, Frans van Mieris (1635-
1681), Gabriel Metsu (1629-1667), Jacob Ochtervelt (1634-1682).
Mostra dossier
Nella foto in alto: Johannes Vermeer, La stradina di Delft
1657, olio su tela, Amsterdam, Rijksmuseum
Il Canton Ticino
omaggia
il pittore ticinese
Pier Francesco Mola
La Pinacoteca Züst di Rancate nel Canton Ticino offre al visitatore,
fino al gennaio 2013, un omaggio al pittore ticinese Pier Francesco
Mola (1612-1666), artista che ha inciso profondamente sulle sorti della
pittura romana alla metà del Seicento. Nato a Coldrerio (Mendrisiotto),
Mola raggiunge nel 1616 il padre Giovan Battista, architetto della camera
apostolica, al quale rimane legato fino al 1633. Non abbiamo certezze
sulla sua formazione, tranne i racconti degli scrittori d’arte Giovan
Battista Passeri e Lione Pascoli, i quali ci informano del suo apprendistato
presso le botteghe di Prospero Orsi e del Cavalier d’Arpino (c.1625-
1626), lavorando con Francesco Albani e viaggiando tra 1633 e 1649
fra Veneto, Lombardia ed Emilia. Rientrando a Roma, (c.1647), egli ha
avuto come committenti importanti casate come i Pamphili, Chigi, Omodei
e Costaguti. Nel quattrocentesimo anniversario della nascita, la mostra,
curata da Laura Damiani Cabrini, presenta tele e disegni che
dialogano con le opere permanenti nelle sedi dello Stato del Cantone Ticino
e nel Museo Cantonale di Lugano. A sancire la rivalutazione critica
del Mola hanno contribuito gli studi di Cocke (1972), della Sutherland
Harris (1974) e del Genty (1979), sfociati nell’importante mostra del
1989 al Museo di Lugano, oltre alle acquisizioni da parte del Cantone
Ticino di opere del Mola come Suonatore di viola da gamba, nel 1977,
e nel 1984 della Sfida tra Apollo e Marsia, mentre il Museo Cantonale
possiede oggi il San Girolamo in meditazione, capolavoro della maturità.
(l.m.)
Nella foto: Pier Francesco Mola, Giovane suonatore di viola da gamba
(part.), 1635-1666, olio su tela, Lugano, Museo Cantonale d’Arte
Francesco Guardi tra “capricci” e “visioni”
Venezia svela
il rivale del Canaletto
Nel terzo centenario della nascita di Francesco Guardi
(1712-1793), il Museo Correr di Venezia dedica all’ultimo
grande vedutista del Settecento una mostra
monografica, dal 29 settembre 2012 al 6 gennaio 2013,
con lo scopo di illustrare la complessa produzione artistica
del maestro lagunare. La mostra, con ordinamento
sia cronologico sia tematico, si sviluppa attraverso selezionati
dipinti e disegni, all’interno di un corpus assai
vasto ed eterogeneo che annovera le magnifiche vedute
di Venezia e i fantasiosi capricci della maturità, ma
soprattutto presenta al grande pubblico le opere giovanili
di figura e le scene di interni. Queste ultime, come
il Ridotto e il Parlatorio delle monache di San Zaccaria
ora a Ca’ Rezzonico, si ispirano alla pittura di costume di
cui Pietro Longhi (1702-1785) è il massimo esponente a
Venezia. Francesco impara il mestiere stando a contatto
con il fratello Gianantonio (1699-1760) quando quest’ultimo
eredita la bottega alla morte del padre Domenico
(1678-1716). Francesco inizia dipingendo figure di
sotto in su, sospese con leggerezza e composizioni dal
tocco multiplo, tutte macchie luminose di una sorprendente
intensità; le vedute giovanili e i paesaggi di fantasia,
i “capricci”, riecheggiano le composizioni di
Canaletto (1697-1768) e Michele Marieschi (1710-1743).
La stesura pittorica è fluida e controllata, ancora lontana
da quella frizzante e stenografica che lo renderà
celebre, ad esempio nei Grandi Paesaggi dell’Ermitage
dove l’elemento naturale è trasfigurato da vibranti e irreali
effetti luministici, mentre veri e propri capolavori
tra i “capricci” sono i due grandi Paesaggi fantastici del
Metropolitan Museum di New York. Queste tele sintetizzano
tutti i caratteri dell’artista: le sintesi nervose
della scrittura, i vapori d’ombra e di luce che si alternano
sulle rovine, i paesaggi, le figurette, una poesia di visionario,
fra le più alte tra i pittori vedutisti coevi. Il
segno veloce, che è stato proprio del Magnasco, è applicato
con gravità alle vedute e al paesaggio lagunare
con le sue case popolari, con le immagini delle cose consunte
dall’usura degli elementi, immagini di accento
preromantico, nostalgico, completamente estraneo al
Canaletto.
Luca Mansueto
Nella foto: F. Guardi, Il Bucintoro a San Nicolò del Lido
(part.) 1775-1778, olio su tela, Parigi, Louvre
I tesori della Banca
A Prato la Popolare
di Vicenza
apre la sua
collezione d’arte
Il Palazzo degli Alberti, già del casato Magini, oggi sede della Banca
Popolare di Vicenza, ha concluso l’opera di restyling per armonizzare
le esigenze operative con quelle museali. La Galleria ospita, oltre alle
opere pratesi, anche un nutrito nucleo di tele appartenenti alla Scuola
fiorentina del Seicento, annoverando Francesco Furini, Carlo Dolci e
Volterrano. La visita al Palazzo merita anche solo per la presenza di ben
due capolavori assoluti dell’arte italiana: il dipinto di Giovanni Bellini
raffigurante Il Crocifisso con cimitero ebraico e la superba tela della Coronazione
di spine di Caravaggio. Quest’ultima, grazie a recenti indagini,
ha avuto la piena conferma dell’autografia del Merisi il quale, in
una sua lettera autografa, informa di averla dipinta per Massimo Massimi
a Roma prima del 1605. «Caravaggio – afferma Mina Gregori –
volle impersonare nel Cristo l’umiliazione connaturata alla condizione
umana in un sostanziale pessimismo enunciato con stoico distacco».
Il dipinto di Bellini, uno dei massimi pittori della pittura veneta tra ‘400
e ‘500, raffigura il Cristo immerso nell’assolata campagna veneta sul
cui fondo si ravvisa la torre di piazza e la facciata del Duomo di Vicenza.
Antonio Paolucci annovera quest’opera «tra i venti quadri più
belli e più commoventi del mondo, un capolavoro di sublime poesia».
Dalla visita non si potrà eludere la Madonna col bambino di Filippo
Lippi dalla quale si staglia grazie ai delicati toni del rosa e avorio degli
incarnati, oltre che per il blu oltremarino della veste.
(l.m.)
Nella foto: Caravaggio, Coronazione di Spine (part.), c.1602
olio su tela, Prato, Palazzo Alberti
Il pubblico è protagonista
alla Strozzina di Firenze
NESSUNO SI AZZARDA A MANGIARE IN UN MUSEO,
qualcuno prova ancora a toccare le
tele. Ma oltre alle norme del vivere civile,
quali sono le regole per guardare un’esposizione
d’arte contemporanea? Il Dipartimento
Educazione e Mediazione CCC
Strozzina prova a spiegarlo attraverso il
progetto “Visitatori emancipati”, un percorso
sperimentale in mostra per adulti che
invita lo spettatore a essere maggiormente
consapevole di ciò che osserva, per diventare
fruitore attivo. Reverenza e scetticismo
verso le opere vengono accantonati a favore
di una sana e auspicabile curiosità e
voglia di partecipare. I mediatori del Centro
di Cultura Contemporanea, aggiornati sui
più recenti studi sull’educazione museale,
sono impegnati nella progettazione di percorsi
dialogici, in cui si abbandona la tradizionale
visita frontale a vantaggio di un
confronto con il pubblico che porta tra le
sale espositive il suo bagaglio culturale,
come un valore aggiunto. Oggi la didattica
non è più dedicata solo ai bambini: tra i
compiti del mediatore c’è la comprensione
delle peculiarità dei visitatori (età, competenze,
ruolo sociale...). Al fine di garantire
un’esperienza che non si riduca a originale
“passeggiata culturale”, vengono organizzati
quattro appuntamenti laboratoriali, a
cadenza mensile, per avvicinarsi a questa
delicata questione in maniera sperimentale,
proponendo diversi momenti di riflessione
sul ruolo del pubblico nel contesto di una
mostra di arte contemporanea. Giovedì 25
ottobre il primo appuntamento. Si prosegue
il 29 novembre, il 20 dicembre e il 24
gennaio 2013. Tutti gli appuntamenti
hanno inizio alle 21,00. L’attività è gratuita
ed è necessaria la prenotazione: didatticastrozzina@palazzostrozzi.org
Claudia Gennari
arte istituzioni
Un nuovo edonismo, questa volta su basi di massa, pervade la città contemporanea (G. Amendola)
Al teatro fiorentino Obihall “Il palcoscenico verticale”
SI È TENUTA DAL 24 LUGLIO AL 9 SETTEMBRE PRESSO IL TEATRO FIORENTINO OBIHALL la mostra “Il
palcoscenico verticale”, nata intorno all’idea di sipario, non più semplice diaframma
fra pubblico ed espressione ma oggetto artistico che si intreccia con musica,
video e fotografia, ribadendo la contaminazione tanto cara ai linguaggi della contemporaneità.
Quattro artisti italiani quali Aldo Mondino, Carla Accardi, Getulio Alviani
e Mimmo Paladino hanno reinterpretato sulla scia italiana dei sipari dipinti, la
loro idea di sipario, portando alla nascita della collezione di sipari d’artista del Teatro
Obihall. Aldo Mondino con Applausi è stato il primo ad accogliere l’idea nel
2005, due anni più tardi Carla Accardi con Sipario Rossooro, segue nel maggio del
2010 Getulio Alviani con il suo gioco di bianchi e neri Permutabile Negativopositivo
(nella foto) e per finire Mimmo Paladino con Attori, utilizzato il 19 gennaio 2012 per
il concerto della Bandanardò. Curata da Marco Meneguzzo, la mostra ha ospitato
una sezione video allestita in collaborazione con “Lo schermo dell’arte” che illustra
il modo di lavorare dei singoli artisti e il loro rapporto con alcuni musicisti, fra i quali
Franco Battiato, Brian Eno e Lucio Dalla. A completare l’esposizione è stata la galleria
fotografica di ritratti d’artisti contemporanei di Maria Mulas che ha dato il suo
personale contributo ritraendo gli artisti dei sipari in mostra.
Tommaso Capecchi
A Napoli un ciclo di conferenze per sottolineare il valore civile dell’arte
Ai “Martedì” si discute di pittura figurativa, paesaggio e identità nazionale con Settis e Caglioti
Roberto Longhi ha scritto che «ogni italiano dovrebbe
imparar da bambino la storia dell’arte come una lingua
viva, se vuole aver coscienza intera della propria Nazione».
Proprio da questo concetto prende ispirazione
il ciclo di conferenze: “I martedì dell’arte - Lezioni napoletane
sull’altra lingua degli italiani: arte figurativa, paesaggio e
identità nazionale”. Il ciclo di lezioni, tenute da storici dell’arte
come Salvatore Settis e Francesco Caglioti, si concluderà il 27 novembre,
con l’intento di riflettere sul valore civile dell’arte. Gli incontri,
ospitati dal Teatrino di Corte del Palazzo Reale di Napoli,
sono organizzati dalla Fondazione Napoli Novantanove, con il sostegno
dell’ANISA (Associazione Nazionale Insegnanti di Storia dell’Arte)
e l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica. «Nella
tradizione italiana, e prima ancora in quella classica – spiegano gli
organizzatori del progetto –, l’arte figurativa non è mai stata un
Convegni. In “scena”
la Tribuna degli Uffizi
L PRINCIPE DELLA TRIBUNA. Collezionismo, storio-
“Igrafia artistica e immagini della sovranità medicea”
è il titolo del convegno internazionale che dal 29
novembre al 1° dicembre si svolgerà presso il Kunsthistorisches
Institut di Firenze, in cooperazione con Antonio
Natali (Uffizi) e Massimiliano Rossi (Università del
Salento). La recente presentazione del restauro della
Tribuna buontalentiana degli Uffizi, cuore della Galleria,
si colloca all’interno del progetto Nuovi Uffizi e
conclude l’intenso mese che l’ha vista protagonista di
epocali interventi di riallestimento. Gli studiosi che parteciperanno
a questo incontro, grazie alle scoperte documentarie
e a quest’ultimo restauro, intendono
riconsiderare la dimensione celebrativa e architettonica
della Tribuna, la genesi tipologica e la «campionatura
superlativa» (Barocchi) dei dipinti.
l.m.
A Torino si parla
di computer graphic
TREDICESIMA EDIZIONE DEL CONVEGNO INTERNA-
ZIONALE DI COMPUTER GRAPHIC,“View Conference”,
manifestazione cresciuta nel corso degli
anni e partita dalla semplice idea di rivolgersi e
aggiornare non solo gli addetti ai lavori sulle applicazioni
del digitale. Coscienti che i media interattivi
non siano più utilizzati unicamente per
la rielaborazione d’immagini fotografiche o delle
animazioni 2D e 3D per film e videogiochi, come
più comunemente si crede. Attraverso la voce
di grandi ospiti internazionali ma anche workshop
e stand espositivi, fra il 16 e il 19 ottobre,
nell’ambito della rassegna TorinoIncontra, presso
gli spazi del Centro Congressi, sarà possibile
scoprire quanto la digitalizzazione investa la nostra
stessa quotidianità.
m.f.
fatto privato, né tanto meno un’evasione nella neutralità morale
dell’estetica: almeno quanto la letteratura, l’arte ha invece strutturato
e rappresentato il pensiero e l’identità civile del nostro Paese.
Chi passeggia nel cuore delle nostre città, avverte che la bellezza
che lo circonda è inseparabile dal senso di cittadinanza, di giustizia
e di vita morale che quasi informano ogni pietra e ogni statua. La
forma dei luoghi è stata anche la forma della comunità civile e la
forma morale dei cittadini. E il discorso sull’arte è sempre stato un
discorso sull’interesse pubblico, non sull’intrattenimento privato:
una altissima linea plurisecolare che è sfociata nella Costituzione,
grazie alla quale la Repubblica «tutela il paesaggio e il patrimonio
storico e artistico della Nazione». Il compito degli storici dell’arte
deve essere quello di permettere ai cittadini di riappropriarsi del patrimonio
culturale del Paese, riconoscendo in esso una delle specificità
che lo rende unico al mondo e percependolo come parte
&
Perepepè alla Fondazione
Pescheria di Pesaro
FINO AL 21 OTTOBRE, PERCORSI TRA MUSICA,
TEATRO, CINEMA, PAROLA, IMMAGINE E CIBO.
Una manifestazione artistica che anima la
città e promuove l’incontro in tutte le sue
varie forme. Un lavoro in divenire, i cui eventi
saranno costruiti e creati direttamente dai
partecipanti. A piazza del Suffragio s’incontreranno,
tutte le sere, cittadini e associazioni
per raccontarsi i modi dell’abitare la città;
mentre per Mitologie Urbane, progetto di residenza
per giovani artisti, gli argomenti verteranno
sui temi del territorio. Diaries 365, è
infine, la mostra fotografica che racconta Pesaro,
attraverso gli scatti realizzati uno al
giorno per un anno. Courtesy ph Federico
Tamburini.
m.l.p.
integrante della propria storia di italiano. Le giovani generazioni
potranno così ricercare nell’arte le radici della propria storia e della
propria civiltà. La Fondazione Napoli Novantanove, costituita da
Maurizio Barracco e Mirella Stampa Barracco nel 1984, con l’intento
di contribuire attivamente alla promozione del patrimonio
culturale attraverso la formazione permanente, anche in questa occasione
ha voluto coinvolgere non solo la cittadinanza che vorrà
partecipare alle conferenze, ma anche gli istituti scolastici nazionali,
attraverso un concorso rivolto alle scuole primarie e secondarie,
chiamate a riflettere sul tema: “L’altra lingua degli italiani”, con
l’obiettivo di formare nei ragazzi una nuova consapevolezza del
Bene Culturale.
Maggiori informazioni sul sito della Fondazione Napoli Novantanove:
www.napolinovantanove.org.
Angela Della Corte
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 11

interviews
Il primo documento è lʼopera (R. Longhi)
In alto e sopra:
Mina Gregori
Mina Gregori è nata a Cremona
nel 1924. È professoressa
emerita di Storia dell'Arte
Moderna presso l’Ateneo di
Firenze, già ordinaria dal 1973
al 1999. Direttrice della rivista
“Paragone”, presiede la
Fondazione di Studi di Storia
dell'Arte “Roberto Longhi”.
Specialista della pittura
lombarda tra Sei e Settecento,
compreso Caravaggio del quale
è la massima esperta vivente,
i naturalisti bresciani e la scuola
bergamasca, come Fra’ Galgario
e Moroni. Ha curato oltre cento
mostre tra le quali: “Il Cigoli e il
suo ambiente”, 1959; “Il
Morazzone”, 1962; “Giovanni
da San Giovanni”, 1978;
“Giovan Battista Moroni”, 1979;
“Raffaello a Firenze”, 1984;
“I Campi e la cultura artistica
cremonese nel Cinquecento”,
1985; “Caravaggio e il suo
tempo”, 1985; “Il Seicento
fiorentino”, 1986; “Sofonisba
Anguissola e le sue sorelle”,
1994. Nella sua vasta
bibliografia si segnalano:
Il Cerano, 1964; Giacomo Ceruti,
1982; Uffizi e Pitti. I dipinti delle
Gallerie Fiorentine, 1994, oltre
alle collane “I centri della
pittura lombarda”, 1986-1999;
“Pittura murale in Italia”, 1995-
1998 e “Fasto di corte.
La decorazione murale nelle
residenze dei Medici e dei
Lorena”, 2005-2009. Per i meriti
dei suoi studi ha ricevuto
l’onorificenza di Cavaliere di
Gran Croce Ordine al Merito
della Repubblica Italiana (1996)
e la Legion d'Onore della
Repubblica Francese (1999).
12 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
L’occhio educa la mente
del bravo conoscitore
Memorie degli anni di formazione ed attualità
della storia dell’arte nell’intervista a Mina Gregori
intervista di LUCA MANSUETO
Cremonese di origine ma fiorentina
d’adozione, Mina Gregori è fra le
maggiori studiose di Caravaggio. Allieva
di Roberto Longhi, da lui ha
ereditato l’interesse per il pittore
lombardo, su cui ha organizzato mostre e conferenze,
scritto libri e saggi. Tra le rassegne da lei
curate sul pittore fondamentale è quella del
1991 “Michelangelo Merisi da Caravaggio.
Come nascono i capolavori” in cui ha spiegato il
metodo di lavoro dell’artista. Ha partecipato alle
celebrazioni per i quattrocento anni della morte
del Merisi curando la mostra “Caravaggio e la
modernità. I dipinti della Fondazione Longhi” e
collaborando a “Caravaggio e caravaggeschi a
Firenze”.
Come era la sua famiglia e come si è sviluppata
la sua passione per la storia dell’arte?
Provengo da una famiglia in cui da generazioni
la musica ha avuto un ruolo assai significativo.
La mia vita è iniziata con otto ore ogni giorno di
pianoforte di una zia pianista che sentivo dalla
stanza dove studiavo. La mia fortuna è stata
quella di ricevere una formazione liceale d’eccellenza
grazie all’incontro con il prof. Alfredo Puerari
che insegnava letteratura italiana e storia
dell’arte, un connubio perfetto. Già al liceo classico
adottavo un mio metodo attributivo che
consisteva nel non guardare i nomi degli autori
per indovinarli. All’Università di Firenze mi distinguevo
nelle esercitazioni d’attribuzione, un
approccio critico che riconobbi in Longhi il quale
insegnava a Bologna, dove mi recai per seguire le
sue lezioni e seminari, non prima di avergli comunicato
la mia intenzione recandomi direttamente
nella sua casa fiorentina con una bicicletta
prestata da un’amica.
Che personalità era Roberto Longhi?
A lezione notai che parlava come scriveva, con
la stessa eleganza. La storia dell’arte per lui era
collegata alla letteratura e da questa era nobilitata.
Da lui ho appreso l’approccio, l’esposizione
e la scrittura che erano non solo da storico dell’arte,
ma da letterato. Longhi era una personalità
molto calma, distaccata, ma ogni qualvolta
apriva bocca si imparava. È morto nel 1970, ma
la Fondazione fu da lui creata quando ancora era
vivo nell’intento di fare scuola, selezionando giovani
studiosi italiani e stranieri. Dopo la sua
morte, la moglie Anna Banti ha diretto la Fondazione
per quindici anni ed è stata fondamentale
nel mantenere viva l’istituzione. Mi teneva
vicina perché pensava che dopo la morte di Francesco
Arcangeli e di Carlo Volpe, solo io potessi
assicurare la continuità.
Cosa vuol dire essere longhiano e qual è il
metodo che lei insegna per essere ottimi conoscitori
d’arte?
Il metodo longhiano consiste nell’approccio visivo
delle opere, cioè non partire dai documenti
o dalle letture, questi strumenti del secondo momento
dell’indagine longhiana, ma iniziare sempre
dall’oggetto che ti guida. Come affermava
Longhi: “Il primo documento è l’opera”. La curiosità
di conoscere è lo stimolo fondamentale
per lo storico dell’arte. Viaggiare e vedere le
opere dal vivo è il divertimento sportivo del nostro
lavoro di conoscitori. Ricordo che un giorno
entrai a lezione e dissi: “Basta andare in biblioteca!”.
I ragazzi mi guardarono con stupore, e
aggiunsi: “Andate troppo in biblioteca, ma non
abbastanza nei musei!”.
Oggi lei è universalmente riconosciuta
come la massima studiosa esistente su Caravaggio,
ma come è nato lo studio e la scoperta
di questo personaggio?
Sono inciampata con Caravaggio. Non osavo
avvicinarmi al Merisi, era argomento di Longhi e
di Mahon. Io ero giovane, ma un giorno ho scoperto
un Caravaggio, il Cavaliere di Malta nei depositi
di Palazzo Pitti. Così mi ritrovai coinvolta,
impiegai degli anni per pubblicarlo, per approfondire
tutto il suo periodo tardo, poco conosciuto
in quanto si studiava soprattutto il periodo
giovanile del maestro.
Esistono oggi nell’attività di Caravaggio
zone d’ombra e incognite ancora da studiare
e approfondire, alla luce di nuove attribuzioni,
alcune discutibili?
Oggi c’è una difficoltà metodologica: è vista
con sospetto l’attività attribuzionistica da coloro
i quali vengono chiamati “restrizionisti” ovvero
chi vorrebbe conoscere il Merisi solo per le opere
citate dalle fonti del Seicento. Non c’è dubbio
che Caravaggio non ha una stilistica a cui appoggiarsi
e questo fa sì che sia difficile studiarlo,
ma anche riconoscere la bontà degli studi che
altri fanno. C’è pertanto una situazione di stallo
tra “restrizionisti” ed “espansionisti”, io vado
avanti per la mia strada e il tempo giudicherà.
Quanto vengono in aiuto della ricerca le
indagini scientifiche?
Per quanto io creda nell’occhio, oggi non si
può più fare a meno delle indagini scientifiche,
come radiografie e riflettografie che ci consentono
di conoscere l’iter attraverso il quale il pittore
arriva alla realizzazione dell’opera. Queste
consentono di scoprire i segreti pittorici più nascosti,
a corredo della lettura in superficie dell’opera.
Dedicando una vita all’arte e all’insegnamento,
quali cambiamenti ha riscontrato e
quale consiglio lascia ai giovani storici dell’arte?
Oggi gli studenti hanno tutti gli strumenti
messi a disposizione, ma anche un quadro storico-critico
più ampio rispetto alla mia generazione.
Oggi la letteratura su tutti gli argomenti è
cresciuta, ragione per cui c’è un’iperspecializzazione.
La crescita delle voci bibliografiche ha portato,
ritengo impropriamente, i giovani a concentrare
gli studi nella ricerca settoriale, invece
questi devono avere una conoscenza vasta, io
dico almeno del secolo del proprio argomento in
cui si lavora, la priorità della ricerca è conoscere
rapporti e relazioni tra pittori, opere ed il loro
contesto.
Nei Sassi a Matera proposte della giovane scultura italiana
iovani scultori e residenze per artisti, è questa la
Gformula scelta per la 27ª edizione de “Le Grandi
Mostre nei Sassi di Matera” inaugurata, in ritardo, nei
primi giorni di settembre nel complesso monastico di
Madonna delle Virtù e di San Nicola dei Greci. La collettiva
dal titolo “Periplo della Scultura Italiana Contemporanea
3” curata da Giuseppe Appella e Marta
Ragozzino, è divisa in più sedi: il citato complesso monastico
che da decenni ospita ogni estate grandi mostre
dedicate alla scultura contemporanea, il MUSMA,
acronimo di Museo della Scultura Contemporanea Matera
e il Museo Nazionale d’Arte Medievale e Moderna
della Basilicata a Palazzo Lanfranchi. In esposizione
opere di: Giorgio Andreotta Calò (Venezia 1979), Francesco
Arena (Torre Santa Susanna 1978), Giuseppe Capitano
(Campobasso 1974), Alice Cattaneo (Milano
1976), Emmanuele De Ruvo (Napoli 1976), Francesco
Gennari (Pesaro 1973), Perino & Vele (Ermanno Perino,
New York 1973 - Luca Vele, Rotondi 1973), Donato Piccolo
(Roma 1976), Luca Trevisani (Verona 1979), Nico
Vascellari (Vittorio Veneto 1976), Antonella Zazzera
(Todi 1976). Una scelta che, non poteva essere diversamente,
tiene fuori tanti altri nomi di rilievo della scena
artistica, soprattutto quei nomi meno presenti nei cir-
cuiti oramai abusati delle fiere d’arte ma anche delle
mostre veicolate dall’economia del mercato. Mancano
all’appello figure, per fare dei nomi, quali Paolo Radi,
Emanuela Fiorelli, Franco Fienga, Silvia Venturi, Marina
Fulgeri, insomma nomi che certamente potevano contribuire
ad allargare il dibattito proposto dai curatori,
sui linguaggi. Resta, al di là dei suggerimenti, un’occasione
importante che offre uno spaccato della situazione
italiana, insistendo sui giovani e, soprattutto,
continuando caparbiamente a tenere alto il contributo
che Matera in questi anni ha dato al dibattito critico in
Italia. A tale prospettiva operativa si collega anche l’esigenza
– si legge in catalogo – di porsi in relazione al
«percorso di candidatura della città di Matera a Capitale
Europea della Cultura nel 2019, per il quale è fondamentale
che la città dei Sassi diventi sempre di più un
vitale centro di produzione culturale ed artistica». La
mostra è visitabile fino al 27 novembre.
Per informazioni: info@musma.it - w.w.w.musma.it
v.m.
Nella foto: Emmanuele De Ruvo, Hypermnetic British
Café – construction, legno, ceramica, argento
specchio e zucchero, 2010
arte contemporanea
Tra le prime persone che incontrai a Venezia nel 1946 vi fu un artista di nome Vedova (P. Guggenheim)
Santiago, Peggy Guggenheim collezionista d’avanguardie
Al Centro Cultural Palacio la Moneda in mostra le opere di una incredibile “passione” per il contemporaneo
Il 26 agosto 1978, per celebrare i suoi ottanta anni, il direttore
dell’Hotel Gritti di Venezia offrì a lei e ai suoi ospiti una cena. Per
renderle omaggio c’era una bandiera con scritto, oltre al suo nome,
«All’ultima Dogaressa». Oggi la figura di Peggy Guggenheim è presentata
per la prima volta in Cile, su invito del Ministro della Cultura,
grazie ad una mostra promossa dal Centro Cultural Palacio la Moneda di
Santiago dal 30 ottobre al 28 febbraio 2013. La mostra dal titolo “Peggy
Guggenheim, collezionista d’avanguardie” propone un’ottantina di capolavori,
tra dipinti e sculture, che ripercorrono l’esperienza della collezionista
e provenienti dalle raccolte di New York e di Venezia. Un percorso
espositivo che concentra l’attenzione sulle avanguardie degli anni Dieci,
con opere dei principali esponenti del Cubismo, dell’Astrattismo, del Surrealismo,
dell’Espressionismo astratto americano e dell’arte europea e americana
post-belliche, proponendo inoltre una sezione di documenti che
Centre Pompidou
incontro sull’Arte Povera
I N
ITALIA, NEGLI ANNI SESSANTA l’Arte Povera è
una risposta alla società dei consumi che altrove
si era espressa com’è noto in Pop Art o
in estetiche che comunque accettavano la nascita
di una civiltà urbana centrata sul kitsch.
Contro una posizione feticista dell’idea di oggetto
artistico, i protagonisti del movimento
concepiscono l’opera d’arte non come fatto
concluso ma come organismo vitale che si
nutre del tempo e del suo inevitabile deterioramento.
Il 21 novembre alle ore 19 il Centre
Pompidou accoglierà due dei principali protagonisti
del movimento per un incontro che ripercorrerà
la storia di una delle più significative
esperienze artistiche della scena italiana.
a.o.
Napoli, laboratori
della scrittura
R IPARTONO
Laboratori
del contemporaneo
nell’antico convento
È rivolta ai giovani studenti
l’iniziativa al “FRAC” di Baronissi
DI GIADA CALIENDO
ricostruiscono i momenti salienti della carriera della Guggenheim e il suo
“amore” per Venezia. «Non sono mai stata – scrive nella sua autobiografia
– in una città capace di darmi lo stesso senso di libertà di Venezia. [Essa]
non è solo la città della libertà e della fantasia, ma è anche la città del piacere
e della gioia. Non ho mai visto piangere nessuno qui, se non a un funerale».
È una mostra che si inscrive nel vasto programma di manifestazioni
promosse in più sedi dalla Fondazione per il 2012; tra queste “Dimensione.
‘Al velodromo’ di Jean Metzinger" curata da Rylands ed Weddigen;
"I giganti dell’Avanguardia: Miró, Mondrian, Calder e le Collezioni Guggenheim"
curata di Luca Massimo Barbero e infine la retrospettiva di Capogrossi.
Era il 1938 quando inaugura la Guggenheim Jeune, galleria
d’avanguardia a Londra, con la supervisione dell’amico Marcel Duchamp
e dedica la mostra di apertura a Jean Cocteau. Da allora prende l’abitudine
di acquistare almeno un’opera da ogni esposizione realizzata: un modo
I LABORATORI DI SCRITTURA CREATIVA
“Lalineascritta” organizzati dall’associazione
Aldebaran Park, diretta dalla napoletana
Antonella Cilento che, in vent’anni di
attività come autrice, giornalista, sceneggiatrice
e tutor scolastico, ha definito un metodo
per insegnare a scegliere le proprie storie e a
tradurle in narrazione perchè, sosteneva Raymond
Carver, «le parole sono tutto ciò che
abbiamo, perciò è meglio che siano quelle
giuste». Il primo laboratorio di scrittura narrativa
inizierà in ottobre e terminerà a dicembre
con un primo trimestre dal titolo Dalla
pagina bianca al racconto, tenuto dalla stessa
Cilento.
C on
m.f.
A Padova in mostra
i disegni di Fabrizio Plessi
D AL
il nuovo anno scolastico per i giovanissimi
studenti delle ultime classi delle scuole
elementari e delle medie di Baronissi, l’arte contemporanea
non sarà più così distante. Da novembre
al FRAC – Fondo Regionale d’Arte
Contemporanea (museo d’interesse regionale),
partiranno gli incontri e i laboratori didattici proiettati
ad educare i giovani all’arte contemporanea,
ai suoi aspetti storici, a quelli creativi e
alle tecniche. Il progetto dal titolo “Il FRAC in
erba”, sostenuto dalla Regione Campania, con
l’apporto della Provincia di Salerno e del Comune
di Baronissi, si iscrive nel più ampio programma
“Un museo incontro al futuro: la
promozione tra rete e didattica” rivolto alla conoscenza
e allo studio del patrimonio acquisito
in questi anni dalla struttura museale, situata
nel cuore della Valle dell’Irno. Il programma prevede,
inoltre, l’attivazione online del catalogo
delle proprietà museali. Il progetto didattico “Il
FRAC in erba” si rivolge essenzialmente agli studenti
della fascia di istruzione elementare e
media, sollecitando e sviluppando, in itinere,
momenti di incontro con giovani interessati all’arte
contemporanea. Il target guarda ad
un’età compresa fra i 5 e i 12 anni e prevede
una pianificazione progettuale lungo tre direttive:
un primo approccio all’arte attraverso la
manipolazione semplice di materiale artistico;
conoscenza dell’arte attraverso alcuni cenni storici
con particolare attenzione alle personalità
attive in ambito regionale; approfondimento
dei temi con il confronto ravvicinato con le
27 OTTOBRE 2012 AL 13 GENNAIO 2013,
il Palazzo della Ragione di Padova ospiterà
l’evento espositivo dal titolo “Fabrizio
Plessi. Il flusso della Ragione”, curato da Annamaria
Sandonà. La mostra offrirà una panoramica
dell’attività creativa dell'artista
emiliano, partendo da disegni progettuali,
esposti per la prima volta al pubblico, fino a
giungere alla grande videoinstallazione, collocata
nel Salone dell’antico Palazzo, che riprodurrà
suoni e visioni degli elementi naturali
quali l’acqua e il fuoco, cifre riconoscibili dei
suoi lavori. Plessi instaura, in maniera armonica,
un dialogo tra la memoria del passato e
l’immaginario tecnologico presente.
per non deludere gli artisti che non vendevano nulla, ma forse, senza esserne
del tutto consapevole, per creare la base della sua collezione. Con lo
scoppio della Seconda Guerra mondiale Peggy si trasferisce in America
portando con sé l’artista Max Ernst e la sua collezione che arriva intatta a
New York nel luglio del 1941. Qui fonda la galleria Art of This Century che
ha subito un notevole successo: gran parte degli artisti che tratta sono europei
fuggiti dalla guerra ma anche giovani artisti americani alle loro prime
personali, Pollock, Motherwell, Baziotes, Still. Finita la guerra Peggy decide
di tornare in Europa e nell’unica città che l’ha sempre colpita: Venezia.
È il luogo più adatto, dove creare la seconda parte della propria vita.
Alla XXIV Biennale è invitata ad esporre la sua intera collezione. La sua è
un’esistenza straordinaria che intreccia le vicende delle neoavanguardie,
respirando l’aria di quelle storiche da lei tanto amate.
Federica Pace
a.r.
opere – dipinti, disegni, sculture e grafiche –
della collezione permanente del Museo-FRAC
di Baronissi. L’obbiettivo, si legge nelle note che
accompagnano il progetto, è contribuire alla divulgazione
della cultura artistica contemporanea
della regione Campania, da sempre al
centro degli studi e delle ricerche del FRAC, divenuti
cifra del patrimonio artistico museale accresciuto
negli anni a seguito di cospicue
acquisizioni e donazioni. «Valorizzare e far conoscere
la notevole collezione permanente
composta da un vasto fondo di disegni nonché
da numerose opere pittoriche, scultoree e fotografiche
e la produzione con i new media, di
A Benevento: Navarra
taccuino eoliano
Complessa la mostra che Enzo Navarra propone
come evento inaugurale dell’Arte
Studio-Gallery di Benevento: una installazione
organizzata intorno al tema del viaggio,
dello Stromboli e della sua mitologia. Alle pareti
della piccola galleria gli acquerelli, le matite,
i pastelli realizzati dall’artista nel corso
del soggiorno sulla piccola isola dell’arcipelago
delle Eolie in estate; mentre sulla parete,
frontale all’ingresso, un taglio ricorda la sciara
che sparge l’essenza del racconto nei lapilli
che animano il pavimento. All’esterno un
boato “avverte” ed “accompagna” il visitatore.
«Sullo sfondo c’è lo Stromboli – scrive Bignardi
–, ovvero il vulcano e la sua aria di
antica divinità greca; la spiaggia di pietre e
ciottoli neri di Ficogrande; poi il giardino
l’Aquilone, per Enzo una sorta di Giverny
arabe, messo su e curato da Francesco e dai
suoi collaboratori nel pianoro che porta alle
pendici della montagna fumante. […] I fogli di
carta fatta a mano, ruvidi e ricchi di cotone,
assorbenti pronti a trattenere ogni sbavatura
di colore e di acqua, dichiarano il desiderio di
concorrere, con la sabbia, la pomice polverizzata
e la cenere, nel dare materie e spessori
all’immagine. Dentro, nel rettangolo bianco,
segni obliqui trascrivono il gesto della mano
mentre descrive la sciara che scivola verso il
mare, portando con sé lapilli infuocati, pietre
che vanno ad arricchire lo specchio azzurro
che incornicia il vulcano». Indubbiamente la
pittura gioca il suo ruolo, con la capacità di
evocare i luoghi toccando rapidamente la retina
e l’emozione, suggerendo colori di atmosfere
che difficilmente Navarra fa sfuggire; lo
fa senza indugiare sulla forma narrativa, a
volte distraendosi dalla sintassi, ossia affiancando
colori di diversa luminosità, accentuando
il carattere cromatico del rosso a
discapito del viola, delle sfumature del grigio
che disperde nel bianco del fondo».
g.c.
noti artisti contemporanei del Mezzogiorno
d'Italia vuol dire – spiega Giovanni Moscatiello,
sindaco di Baronissi – accendere l’interesse delle
nuove generazioni rispetto alla storia della Campania
e quindi la loro stessa immensa cultura».
Le attività che saranno svolte, condividendo il
cronoprogramma discusso ed organizzato preventivamente
con i dirigenti scolastici e i professori
degli istituti coinvolti, seguiranno due
precise linee: una rivolta alla “didattica dell’immagine”,
una a quella della “forma”. L’idea di
fondo è partire dalla percezione della realtà con
tutti i suoi limiti per giungere a comprendere le
infinite possibilità immaginative e quindi espressive
attraverso l’utilizzo di diverse tecniche.
«È un progetto che risponde agli intenti programmatici
del FRAC sin dalla sua costituzione
nel 2002, mostrando – evidenzia Domenico De
Chiara, responsabile dell’area Cultura del Comune
– una volontà di intervenire concretamente
nel territorio, in linea con la programmazione
di eventi, le mostre collettive, le numerose
antologiche che hanno caratterizzato e
caratterizzano i primi dieci anni di vita della
struttura. Una scelta che risponde alla necessità
di un continuo e rinnovato rapporto con il pubblico,
mirando ad un aggiornamento dei servizi
museali e delle offerte».
Sopra: Errico Ruotolo, Figura, (particolare)
1960-61, Fondo “Disegno”, Museo-FRAC
A lato: Peter Ruta, Venezia, 1957, Fondo
“Disegno”, Museo-FRAC
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 13

figure
Artista del nuovo secolo capace di riflessione simbolica e concettuale (G. Dorfles)
Il mondo di Ugo? Segni, disegni
scritture e corpi trasportati dal mare
Il 15 ottobre di un anno fa moriva lo scultore Ugo Marano
protagonista di una delle pagine più significative dell’arte italiana
di MASSIMO BIGNARDI
Sono certo che esporre nella città culla del Rinascimento
italiano, non l’avrebbe minimamente
scomposto, anzi sarebbe stata un’ulteriore occasione
per misurare la tenuta delle sua creatività,
proporsi nel confronto con scultori che sapevano
essere architetti ed architetti che conoscevano la materia e
le manualità del “fare arte”. Eppure la mostra, organizzata
lo scorso febbraio dalla galleria fiorentina “Otto luogo dell’arte”
a pochi mesi dalla morte, ci ha preso di più perché si
è fatta largo nella nostra mente, con prepotenza, la sua assenza,
evidenziando con cruda realtà il senso di smarrimento
che ancora oggi ci avvolge. L’artista, diceva Picasso,
non scompare, non si eclissa dietro la tenda diafana della
morte; vive con il corpo della sua esperienza, della sua capacità
di aver tradotto ed intrecciato – di questo Ugo ne era
pienamente ed testardamente convinto – le armoniche capacità
dell’immaginario, vale a dire di essere con i sogni nello
specchio dell’Io collettivo, di sentire la forza della collettività
nei miti che la animano e al tempo stesso di affidare il suo
essere presente alle opere. Marano è stato, da uomo e da
artista, ancorato al disciplinare della vita; l’ha pensata e vissuta
al passato, al presente, al futuro e sempre con «l’irrealizzabile
desiderio di ritrovare, di fermare o di inaugurare il
tempo» (Augé).
Lo ha fatto anche quando il suo lavoro, nell’accezione
dell’esperienza formale, sembrava dichiararsi contro la modernità
colpevole di aver appianato ogni insorgenza dei miti
La parola
come progetto
di “nuova città”
Tra gli scritti dell’artista di Cetara
un’eredità per i cittadini di domani
di PASQUALE RUOCCO
14 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
dell’origine; lo ha fatto con il recupero delle manualità e con
esse delle materie attinte dall’orizzonte lontano della comunità
mediterranea, in primis la ceramica per lui «arte
maestra». Scelte nelle quali si scorge, nei primi anni Ottanta,
il desiderio che Ugo manifesta di riprendere il filo tripolare
dell’immaginario, di posizionarlo in direzione di un sentimento
“umanistico” dell’uomo contemporaneo. La sua
proposta non lascia spazi all’incertezza dell’identità o a febbrili
esitazioni del pensiero: va detto che tutto ciò accadeva
in un preciso momento, in quel decennio della cultura artistica
italiana ed internazionale tutta proiettata verso il
trionfo dell’apparenza, della smodata corsa ad azzerare ogni
vitalità, qualsiasi volontà d’impegno, proprio dei decenni
precedenti. Nel suo studio di Capriglia amavo dondolarmi
sulla Sedia del pensiero, una delle sue sculture/design più significative,
con la quale abilmente Ugo pone a registro alcune
speculazioni formali che sono proprie dello scultore,
senza rinunziare al linguaggio del design. Identica scelta che
si registra in Uovo del Paradiso, un tavolo in ferro e mosaico
ove si incrociano presente, storia e immaginazione, mito e
creatività, e non poteva essere diversamente se pensiamo
che in quegli stessi anni – fine dei Settanta – Ugo lavora al
restauro dei mosaici del transetto del Duomo di Salerno e a
quelli della facciata della cattedrale amalfitana.
«Pensare ed essere» è il punto focale del rapporto che
Marano ha tessuto con l’infinito spazio dell’universo: esso
racchiude ed esprime un processo di pensiero, vale a dire un
modo di essere nuovi che negli anni della nostra amicizia,
quattro decenni, ha saputo senza artifici offrirmi con la dia-
esperienza artistica di Ugo Marano si può
L’ riassumere in la «vita e i suoi giorni». La vita
con la sua altalenante luminosità ha fatto da registro
ad un vasto programma di lavoro che, nell’arco
di oltre cinque decenni, ha caratterizzato
la sua esperienza di scultore, di mosaicista, di ceramista,
di operatore culturale incentrato sulla
possibilità di recupero di un primigenio rapporto
uomo/natura. Esperienza che nel tempo si è
fatta riflessione sul ruolo dell’artista nella società
contemporanea in relazione all’idea di museo
come a quella di fabbrica, ad un inserimento,
cioè, più concreto nel contesto della comunità.
Penso al progetto “Museo Vivo” sviluppato tra
il 1972 ed il 1976, al “Museo Città Creativa” a
Rufoli realizzato nel 1996 assieme alla Fontana
Felice di Salerno, e ancora al piano strategico per
la città di Copparo, nel ferrarese alla Piazza dei
Flauti e il Tavolo del Paradiso alle pendici del
Monte Cervati, nel Parco Nazionale del Cilento
e del Vallo di Diana. Estendere lo sguardo su
tutto si corre il rischio di cadere anzitempo nelle
dinamiche della storia mentre quella di Marano
è una presenza ancora viva, fremente, con la
quale poter ancora dialogare, riflettere sulle trasformazioni
dell’odierna crisi della società, sempre
più espressione di una visione edonistica e
spettacolare della vita. È in tal senso che mi
preme ricordare uno scritto del 1986, pubblicato
in Ugo Marano. Parlo d’artista dal titolo “14
ANNI PRIMA DEL DUEMILA OH NON È AN-
CORA LA FINE! me lo ha detto un angelo, del
lettica che è propria di chi cerca il colloquio, l’incontro.
Rileggendo, a distanza di tempo, gli scritti di quegli anni
e confrontandoli con quelli che hanno concretato l’idea di
una nuova “città”, si rileva la capacità dell’artista di mantenere
fede al suo originario progetto teorico, senza farsi mai
giudice, senza cedere alla tentazione di proporsi come controparte.
In alto da sinistra: Casa mia, 1993, fotografia di Pino Musi
Ugo Marano e vasi maestosi
La sedia del pensiero, primi anni Ottanta
Ugo Marano e il vaso colmo d’amicizia
in una foto di Pino Musi, 1993
A lato: Marano alla galleria Taide, Mercato San Severino 1973
Sopra: Menna, Marano, Sanguineti, Tommaso Binga e Luciana
Sanguineti, Ceramica Rifa, Molina di Vietri 1973
1986, testo della conferenza tenuta all’Accademia
di Belle Arti di Reggio Calabria. Una riflessione
sul finire del Novecento e l’inizio del XXI
secolo, del nuovo millennio, nonché sulla crisi
della città «ESPRESSIONE – scrive Marano – DI
OCCUPAZIONE SELVAGGIA/ DEGLI SPAZI DI IN-
TIMITÀ NATURALE», per la quale gli artisti non
lavorano più se non per autocelebrarsi, incapaci
di creare nuovi linguaggi e suggerire modi di vivere.
Per questo addita gli effetti corrosivi dei
mezzi di comunicazione di massa, causa del generale
depauperamento della cultura, dell’impoverimento
«dell’intelligenza e della genialità
comune», proclamando il suo j’accuse contro
una classe politica degenerata e farneticante,
nonché una critica tagliente nei confronti di un
sistema dell’arte che sembra soffrire un processo
di banalizzazione, un allontanamento dallo
spessore e dalla complessità del reale.
Ma non è ancora – suggerisce l’artista – la fine
basterebbe «RIPRENDERE A VIVERE CON
AMORE/ E A COMUNICARE CON SEMPLICITÀ
[…] CHIUDERE I TELEVISORI E NON DROGARSI
DI INFORMAZIONI VIOLENTE/ RIPRENDERE A
LEGGERE TESTI DI POESIA/ E LIBRI LIBERI/ BASTA
COMINCIARE A GUARDARE COI PROPRI
OCCHI/ E A SOGNARE COL PROPRIO CER-
VELLO».
È l’eredità che Ugo Marano ci ha lasciato, a
noi cittadini del domani, responsabili e protagonisti
di un futuro da costruire con il pensiero, con
l’anima.
La voce alta
di una lingua
innovativa
della ceramica
contemporanea
di CIRO MANZOLILLO
ell’antica Torre di guardia vi-
Ncereale di Cetara, restaurata
nella prospettiva di accogliere il
museo civico, da novembre sarà
visitabile l’intera collezione dei
grandi piatti che, tra il 1972 e il
1975 e poi fino al 2001, hanno
dato vita all’esperienza del Museo
Vivo, ideata e realizzata da Ugo
Marano. «È questo un ulteriore
momento – afferma il sindaco di
Cetara Secondo Squizzato – di
una strategia culturale che mira a
trasmettere alle nuove generazioni
quanto è stato prodotto in
questo angolo nascosto del Mediterraneo,
soprattutto alla capacità
di Ugo Marano di farsi interprete
di un nuovo linguaggio della ceramica».
Le sale allestite con opere
date in comodato dalla moglie
Stefania e dai figli Enrica, Giuseppe
e Paolo, scandiscono una
dopo l’altra i tempi narrativi di un
racconto nato nel 1972 nella piccola
fabbrica di ceramica Rifa di
Matteo Rispoli a Molina di Vietri.
Agli inizi degli anni Settanta, in
risposta alla crisi che vive, sul
piano ideativo, la ceramica vietrese
sempre maggiormente rigirata
nelle declinazioni stanche
indicate dalla critica come lo ‘stile
Vietri’, Ugo Marano dà vita al progetto
Museo Vivo. La prospettiva
è quella di sollecitare, rileva Bignardi,
«un coinvolgimento interdisciplinare,
attraverso una
proposta di libera creatività che
vede coinvolte figure di operatori
culturali diverse tra loro, in un laboratorio
di ceramica al quale Marano
affida la prospettiva di farsi
possibile realtà di un museo della
ceramica degli ultimi decenni
del Ventesimo secolo».
Dal 1972 al 1976, Marano invita
a lavorare presso la Rifa di Matteo
Rispoli a Molina di Vietri, artisti
quali Giulio Turcato, Renato Guttuso,
Amerigo Tot, Antonio Petti,
Antonio Franchini, Gelsomino
D'Ambrosio, Mario Chiari, Mario
Carotenuto, Gianni Ballarò, Tomaso
Binga, Melchiode, l’architetto
Alberto Cuomo insieme ad
intellettuali come Eduardo Sanguineti,
Giulio Carlo Argan, Filiberto
Menna, Giordano Falzoni e
il musicista Stockhausen impegnato
al Teatro San Carlo di Napoli,
opere esposte, insieme ad
altre, nella Torre. Su questa traccia
prosegue il racconto proposto dall’allestimento
delle sale, con la
prospettiva di dar vita ad un vettore
immaginativo che interpreti
la disponibilità e duttilità ad articolare
nel territorio una risposta
rivolta alle nuove generazioni.
Guardando
al domani
Un boato a precedere quei pochi interminabili secondi
nei quali tutto sembrava perduto. Per diversi è stato
così. Tanti o pochi non è dato dirlo. Vite umane hanno
pagato il prezzo più estremo ai movimenti di una terra
in ribellione, rimasta silente, nella sua pianeggiante
estensione, per secoli. Quindi inaspettato il suo serpeggiare, sconquassante,
e per chi è rimasto il prezzo non è stato a buon mercato.
Danni morali e materiali. geaArt, per la sensibilità di chi la dirige e
del suo staff, dedica questo inserto speciale all’Emilia ferita, ad un
territorio orgoglioso e carico di speranza. Una parola quest’ultima
che ha tradotto futuro fin dalle prime ore. Intorno ad esso convergono
infatti queste pagine che hanno raccolto narrazioni e testimonianze,
di giovani e meno giovani, dal mondo delle istituzioni e
della cultura in senso lato. Non è fare il punto della situazione, né tirare
somme, compito non nostro e peraltro difficilissimo. È al contrario
aprire un ulteriore spiraglio alle riflessioni ed al confronto. Un
accesso dal quale incoraggiare nuove opportunità e sfide. In realtà
distruzione ed opportunità, crisi e sue sfide non sembrerebbero di
per sé individuare dialoghi del tutto amicali. Eppure è proprio dalla
soglia del baratro che molto spesso si risale la china, si cercano e si
concretizzano risvolti o, almeno, questo è quanto vogliamo prefigurarci,
perché soprattutto la parola crisi non sia solo lo spauracchio
frenante, il limite al rischio, o ancor peggio la copertura all’alibi. Di
crisi se ne parla ormai, nel mondo, da lungo tempo, ahimè innanzi-
Le Alpi, si sa,
sono un muro di sasso,
una diga confusa, fanno tabula rasa
di noi che qui sotto,
lontano, più in basso,
abbiamo la casa;
la casa ed i piedi in questa spianata
di sole che strozza la gola alle rane,
di nebbia compatta, scabrosa,
stirata che sembra di pane
ed una strada antica
come l’uomo marcata
ai bordi dalla fantasie di un duomo
e fiumi, falsi avventurieri
che trasformano
i padani in marinai non veri...
di ADA PATRIZIA FIORILLO
tutto in termini numerici anche se dietro vi si celano altre inquietudini,
ovvero ancora crisi, evidenti quelle di valori etici e morali, del
resto non dal denaro del tutto indipendenti. L’economia, meglio sarebbe
parlare di finanza, rimane pertanto al primo posto delle analisi
di politici e specialisti, ultimo il summit autunnale di Cernobbio
che ne ha passato in rassegna minuziosamente le problematiche, ricordandosi
alfine che alle parole ripresa, futuro, prospettive si legano
anche i giovani. Quelli cioè che devono sfidare, rischiare, ma
soprattutto espatriare. Per il mondo in crisi verrebbe da aggiungere.
Come se il nostro Paese non avesse bisogno di essi. Come se l’immenso
sforzo di istruzione e formazione dei nostri Atenei, anche
questi in dipendenza assoluta dai numeri, di ogni specie, fosse indirizzato
alla sola certezza, ormai acquisita, del precariato. Che fare?
Dal fronte dell’Emilia sono ancora i numeri a parlare, in questo caso
da una prospettiva diversa. Ad una stima di metà estate, secondo i
dati riportati dal “Corriere della Sera” del 29 luglio, il 61% delle imprese
distribuite tra i territori di Sant’Agostino, Cento, Bondeno, Medolla,
Mirandola ed altri ce l’ha fatta, previo l’impegno di giornate
disegnate in un continuum senza sosta, di domeniche annullate, di
ferie cancellate, a riconquistare un dialogo con il mercato, con i fornitori
ed i compratori, prevedendo da un ottimistico angolo di visuale,
condiviso da una buona fetta di imprenditori, ma anche
Emilia sdraiata fra i campi e sui prati,
lagune e piroghe delle terramare,
guerrieri del Nord dai capelli gessati,
ne hai visti passare!
Emilia allungata fra l’olmo e il vigneto,
voltata a cercare quel mare mancante
e il monte Appennino rivela
il segreto e diventa un gigante.
Lungo la strada fra una piazza
e un duomo
hai messo al mondo
questa specie d’uomo:
vero, aperto, finto, strano, chiuso,
anarchico, verdiano...
brutta razza, l’emiliano!
Inserto coordinato da Maria Letizia Paiato
Emilia sognante fra l’oggi e il domani,
di cibo, motori, di lusso e balere,
Emilia di facce, di grida,
di mani, sarà un grande piacere
vedere in futuro da un mondo lontano
quaggiù sulla terra una macchia di verde
e sentire il mio cuore che batte più piano
e là dentro si perde...
passeggia un cane
e abbaia al vento un uomo...
Ora ti saluto, è quasi sera, si fa tardi,
si va a vivere o a dormire
da Las Vegas a Piacenza,
fari per chilometri
ti accecano testardi,
ma io sento che hai pazienza,
dovrai ancora sopportarci...
Emilia
Francesco Guccini
Scommesse e futuro: una terra dopo il terremoto
artigiani e commercianti grandi e piccoli, il raggiungimento, alla soglia
del 2017, di una potenzialità produttiva più forte di prima. Resta
quel 39% che ha risentito maggiormente dei danni, delle inadeguatezze
che, nel positivo bilancio del soccorso emergenza, pure ci
sono state, ma soprattutto degli intralci legislativi, dello scarso sostegno
delle banche. Per essi il 2017 è un traguardo troppo lontano,
così come lo è per i giovani, dal momento che questa sembra essere
anche la data nella quale potrebbe concretizzarsi l’avanzata proposta
di riforma per coloro che, pur giovani, perdono il lavoro. Un’età
di “mezzo” ancor più inquietante per il reinserimento in un ciclo
economico. Ma economia, molto ci suggerisce il taglio di interesse
di queste pagine, non è solo impresa nei settori di servizio (comparti
dal biomedicale alla meccanica, all’agroalimentare). Economia è
anche quell’immenso patrimonio di risorse che coniuga il concetto
allargato di bene culturale, ovvero tradizioni, storia, pensiero, arte,
architettura, parte insomma di quell’eredità da cogliere con la sensibilità
del presente, ma soprattutto del futuro. Vale qui la pena, per
chi si avvia e per chi prosegue, di scavare e di sfidare, arrovellarsi ed
impegnarsi, con la grinta e la forza che si hanno ad una giovane età,
perché una perdita si trasformi in una conquista, un vuoto in una
crescita. Come farlo non spetta a noi dirlo. Che siano start up o contratti
di formazione, progetti individuali o aggregazioni di cervelli,
tanto può servire ad inventarsi un domani perché il vuoto, come
sanno bene gli scultori, è anch’esso una forma.
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 15

Emilia allungata fra lʼolmo e il vigneto, voltata a cercare quel mare mancante e il monte Appennino rivela il segreto e diventa un gigante… (F. Guccini)
L’Università
tra realismo
dei bilanci
e impegni
per il futuro
A colloquio
con il Rettore
dell’Ateneo
ferrarese professor
Pasquale Nappi
di LINDA GEZZI
Incontro il prof. Pasquale Nappi nella sede provvisoria
della Facoltà di Architettura, sistemazione
resasi necessaria a causa dei danni subiti
dal Palazzo Renata di Francia, sede storica del
Rettorato. È un momento di pausa tra i suoi innumerevoli
impegni, segnato da grande cordialità e
disponibilità. Un clima che rende gradevole la nostra
chiacchierata anche su temi scottanti, come quelli
che incrociamo. L’aria anche il suo sorriso benevolo
sono rassicuranti.
Trascorsi alcuni mesi dal sisma che ha colpito
Ferrara, quale bilancio si sente di fare riguardo
la difficile situazione dell’Università? Ad oggi a
che punto è la messa in sicurezza degli istituti
presenti in città?
Il terremoto ha colpito l’Università mentre quest’ultima
era alle prese con una situazione particolarmente
critica e impegnativa. Difatti, nel corso degli
ultimi tempi il sistema universitario nazionale è stato
interessato dapprima dal decreto “Brunetta”, di riforma
delle pubbliche amministrazioni; successivamente
la legge n. 240 del 2010, la “Legge Gelmini”,
ha richiesto uno straordinario impegno per l’opera di
adeguamento alle tante prescrizioni in essa contenute.
Durante il medesimo periodo, i finanziamenti
pubblici alle università sono stati sensibilmente ridotti.
L’Università di Ferrara ha tempestivamente posto in
essere tutte le azioni che le hanno consentito di rispettare
le tante prescrizioni normative, ci siamo impegnati
intensamente per razionalizzare e migliorare
ulteriormente le attività di ricerca, di didattica e i servizi
agli studenti. È quindi evidente che il terremoto è
sopraggiunto in un momento decisamente impegnativo,
costringendoci a rallentare, e in qualche caso
a sospendere temporaneamente, le tante e diverse
azioni che stavamo compiendo.
Volendo descrivere più precisamente quali sono
state le conseguenze degli eventi sismici iniziati il 20
maggio scorso, bisogna ricordare che l’Università di
Ferrara ha la prerogativa di poter disporre, per lo svolgimento
delle proprie attività, di un vasto e importante
patrimonio immobiliare (in parte proprio, più
spesso in concessione) costituito da molti edifici storici,
talvolta assoggettati a vincolo artistico, e da edifici
di costruzione più recente. Ovviamente gli edifici
più antichi, quasi sempre palazzi appartenuti a nobili
famiglie ferraresi, hanno risentito maggiormente del
terremoto e i rilievi effettuati hanno decretato l’inagibilità
di quattro importanti edifici. Così, Palazzo Renata
di Francia, sede del Rettorato e delle principali
attività amministrative, Palazzo Strozzi, pure sede di
uffici amministrativi, Palazzo Tassoni e Palazzo Gulinelli,
sedi della Facoltà di Lettere e Filosofia risultano
totalmente o parzialmente inagibili. Ma anche edifici
più recenti hanno subito danni che, pur non impedendo
di continuarne l’utilizzo, richiedono interventi
di ripristino. Abbiamo cercato di reagire il più rapidamente
possibile e credo che ci siamo riusciti, grazie all’impegno
davvero straordinario di tutti. Ad oggi,
siamo in grado di svolgere tutte le nostre attività in
massima sicurezza, tanto che il prossimo anno accademico
ci vedrà impegnati ad offrire la stessa offerta
didattica dello scorso anno.
La presenza di tanti Colleghi esperti nelle più diverse
discipline – dagli ingegneri ai medici, dagli ar-
16
chitetti agli storici dell’arte, ecc. –, unitamente ad
una efficiente e ramificata organizzazione tecnica e
amministrativa, ci hanno consentito di rispondere agli
eventi con una rapidità ed una efficienza maggiore
di altre amministrazioni pubbliche che non possono
contare sulle stesse prerogative.
Non solo, la nostra Università ha messo a disposizione
delle istituzioni sul territorio, in particolare della
Protezione Civile dell'Emilia-Romagna e della Direzione
Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici
dell'Emilia-Romagna, le proprie competenze ed attrezzature
– in particolare quelle dei Dipartimenti di
Architettura e di Ingegneria e del Laboratorio Tekne-
Hub della Rete Alta Tecnologia dell'Emilia-Romagna
- per affrontare le situazioni di emergenza, messa in
sicurezza, ricostruzione e restauro. Alcuni Colleghi
partecipano al gruppo di lavoro costituito dalla Protezione
Civile della Regione Emilia Romagna e dal Dipartimento
di Protezione Civile Nazionale (DPC),
denominato “gruppo liquefazione” col compito di
valutare in tempi rapidi gli effetti che la liquefazione
degli strati di sabbia piuttosto superficiali hanno prodotto
sugli edifici di interi quartieri. I nostri Scienziati
della terra hanno organizzato incontri con il pubblico
per spiegare i fenomeni sismici. Desidero anche ricordare
l’impegno profuso da molti medici specializzandi
della nostra Facoltà di medicina e chirurgia, in
particolare pediatri e geriatri, prestando la propria attività
presso alcuni campi attrezzati di zone maggiormente
colpite dal sisma.
Un capitolo a parte merita poi il tema, particolarmente
critico in questo momento storico, concernente
le risorse necessarie a realizzare i tanti interventi
necessari. A differenza che per il resto, le situazione
finanziaria dell’Università di Ferrara, pur essendo positiva
e ampiamente in attivo, non ci consente di affrontare
da soli gli ingenti esborsi previsti, che si
attestano ad oltre 17 milioni di euro. Auspico, quindi
di poter conoscere al più presto quali saranno le risorse
sulle quali contare al fine di poter programmare
con precisione gli importanti interventi di recupero e
restauro del nostro patrimonio immobiliare.
Focalizzando per un attimo l’attenzione sulle
sedi storiche, crede che gli eventi sismici abbiano
seriamente compromesso la presenza di
studenti, per il prossimo anno accademico, nel
nostro ateneo?
Una delle principali caratteristiche della nostra Uni-
versità è di essere fortemente attrattiva per gli studenti
che vengono da fuori regione, che rappresentano
oltre il 60% degli iscritti, la gran parte dei quali
vivono a Ferrara durante il periodo degli studi universitari.
Da questo punto di vista, il rischio di una diminuzione
delle immatricolazioni esiste ed è comprensibile
ponendosi nell’ottica di un genitore che
deve contribuire a scegliere la sede dove il proprio figlio
dovrà trascorrere i prossimi anni della propria vita.
Non potendo ovviamente disporre degli eventi naturali,
posso solo esprimere la speranza che continui
l’assenza di repliche degli eventi sismici. Oramai è trascorso
un lungo periodo senza scosse significative e
la vita in città e nelle sedi universitarie ha ripreso la
sua consueta intensità, soprattutto per quanto riguarda
la vita e le abitudini dei giovani.
Quindi oggi gli studenti iscritti all’Università di Ferrara
frequentano unicamente strutture del tutto agibili.
Inoltre, anche per andare incontro alle difficoltà
determinate dall’attuale situazione di crisi economica,
l’Università di Ferrara ha deciso di lasciare inalterate le
tasse di iscrizione e ha previsto molte ipotesi di sgravi
e esenzioni.
Oggi le facoltà umanistiche appaiono poco attrattive
per un giovane che intenda approcciarsi
a tali discipline, perché disilluso in partenza su
un possibile sbocco lavorativo. Non crede che i
fatti del terremoto possano aprire una riflessione
nel ripensare ad alcune figure professionali
che operano in questo ambito, al fine di non
disperdere il senso delle proprie radici culturali?
Insomma non crede che i giovani andrebbero
stimolati, così che la difficoltà possa diventare
una prospettiva?
Sempre più spesso la scelta del corso di studi è guidata
dalle opportunità lavorative a cui il relativo titolo
da accesso. Se oggi le discipline umanistiche sono
meno attrattive per i giovani è perché il mercato del
lavoro non offre posti che richiedono il titolo corrispondente.
Non credo che sia sufficiente stimolare i
giovani ad intraprendere studi umanistici o ripensare
alcune figure professionali. Credo invece che occorre
agire sulla causa piuttosto che sull’effetto, e quindi
investire di più sia da parte pubblica che da parte privata
sul nostro patrimonio culturale e storico-artistico,
perché credo che sia l’unica strada per aumentare le
opportunità lavorative. Indubbiamente, peraltro,
negli ultimi anni le humanities hanno goduto di minore
attenzione a beneficio delle discipline tecnicoscientifiche.
Tale fenomeno ha avuto una indubbia
accelerazione in conseguenza della gravissima crisi
economico finanziaria che stiamo attraversando. Attualmente,
anche il quadro UE presenta quella che è
stata definita una significativa deriva tecnocratica,
basti considerare gli obiettivi e le parole chiave di HO-
RIZON 2020 e la palestra di esercitazione creata con
le nuove regole dei bandi PRIN e FIRB 2012 (ma
anche molti altri segnali). A mio modo di intendere
occorre dedicare la massima attenzione a questo fenomeno.
Se le ragioni per cui la scelta è stata operata
sono comprensibili, occorre avere consapevolezza dei
rischi che si corrono. E il primo rischio da scongiurare
riguarda la perdita o, quanto meno, la depressione di
quell’enorme patrimonio rappresentato dalla humanities,
parte fondante la tradizione e l’identità di gran
parte dei Paesi europei e in particolar modo dell’Italia.
Quale speranza si sente di dare alla nostra
Università per il prossimo futuro?
Nel corso degli ultimi anni la nostra Università è
stata seriamente colpita da terremoti legislativi, finanziari
e fisici. Ora abbiamo bisogno di consolidare
i nuovi assetti, di riorganizzarli in modo più preciso.
Abbiamo bisogno di stabilità e di certezze. Soprattutto
sulle risorse e sul reclutamento. Lo sforzo riformatore
compiuto e tutti i successi raggiunti e
riconosciuti rischiano di essere irrimediabilmente
compromessi alla luce del taglio complessivo subìto
dal sistema universitario italiano nel triennio 2010-
2012 che non ha eguali nel contesto internazionale:
toccherà il 12% che diviene il 18% se vi si aggiungono
gli effetti dell’inflazione.Le università italiane si
stanno svuotando, sia di docenti che, in misura per
ora inferiore, di studenti. Anche gli Atenei più virtuosi,
come il nostro, nel corso degli ultimi tre anni
hanno potuto accedere ad un turn over limitato al
50%. Da ultimo, il decreto sulla spending review per
il prossimo triennio fissa la percentuale del turn over
nelle università a livello nazionale al 20%, e ciò condurrà
ad un’ulteriore, forse esiziale, riduzione dell’organico
nel giro di pochi anni. Desidero evidenziare
che l’Università è l’unica amministrazione pubblica
per la quale esiste oramai da alcuni anni un sistema
di valutazione dei risultati conseguiti che condiziona
in parte l’entità dei finanziamenti ricevuti; parimenti
è la sola amministrazione che è sottoposta da oramai
quattro anni a quella che oggi viene chiamata spending
review. Tagliare il superfluo e il sovrabbondante
è giusto, infierire su un corpo già allo stremo rischia
di avere un effetto fatale. Di fronte a un panorama
del genere, il futuro è nel lavoro continuo e nella volontà
di sopravvivenza. L’Università di Ferrara è disponibile
ad aprire una discussione con tutti i soggetti
istituzionali che condividano l’importanza dell’alta
formazione per la costruzione di un Paese competitivo
e nuovamente in crescita, con lo scopo di fornire
proposte per un nuovo modello di sviluppo attraverso
il sistema universitario.
In alto: particolare della facciata del Palazzo Renata
di Francia sede del Rettorato dell’Università di Ferrara
Sopra a sinistra: cumulo di macerie a Cavezzo
Sopra a destra: cumulo di macerie dopo
la demolizione del municipio di Sant’Agostino
Nella pagina a destra: campanile della chiesa
di Sant’Agostino
Intervista all’assessore regionale professor Patrizio Bianchi
Investire sull’educazione
sulla formazione, sul pensiero
a cura di MARIA LETIZIA PAIATO
Itragici eventi del sisma dello scorso
maggio hanno riportato all’attenzione
della politica regionale il tema
dei beni culturali e in generale della
cultura. In un territorio, come quello
emiliano, da sempre virtuoso circa la tutela
del patrimonio artistico, si è tuttavia registrato
un distacco fortissimo tra la cittadinanza
e i luoghi del proprio vissuto. La
nuova scottante realtà è stata al centro del
lungo colloquio avuto con il professor Patrizio
Bianchi, Assessore Scuola, formazione
professionale, università e ricerca,
lavoro della Regione Emilia Romagna, al
quale abbiamo rivolto alcune specifiche
domande sul ruolo che l’università e la ricerca
scientifica giocheranno nell’immediato
futuro.
Significative alcune dichiarazione
degli amministratori locali dei centri
più colpiti, a favore dell’abbattimento
e ricostruzione dei beni pericolanti e
più compromessi per creare una
nuova socialità. Tale pensiero non
nuoce al vivere sociale?
Innanzitutto mi si permetta di ricordare
che il 17 settembre, a quattro mesi dalla
prima scossa, le scuole hanno ripreso la
loro regolare attività in tutta la regione e
nella stessa area del terremoto, solo una
decina di scuole hanno ritardato di alcuni
giorni l'avvio delle lezioni e molte faranno
doppi turni per poche settimane; l'ultima
scuola prefabbricata sarà consegnata il 15
ottobre e quindi contiamo che per la fine
di ottobre, a cinque mesi dalla prima
scossa si sia tornati a regime. Certamente
rimane da fare moltissimo e questo richiederà
anni, ma forte è il segno di una comunità
che il terremoto non ha
decomposto ma anzi ancor più compattato.
Questo è il risultato, non solo di una
tradizione consolidata di forte senso civico,
ma anche della scelta di volere come commissario
il presidente della Regione assieme
con tutti i sindaci ed i presidenti
delle province, senza discontinuità nel rapporto
tra cittadini ed istituzioni. Questa
continuità ha mantenuto forte anche il legame
fra comunità e luoghi del proprio
vissuto, rifiutando la costruzione di new
town e lavorando fin da subito per il recupero
dei centri storici; se sono stati realizzati
abbattimenti, è stato solo laddove si
sono ravvisati problemi non differibili di si-
curezza, con la impossibilità di ricorrere ad
altri modi di recupero.
Una nuova “socialità” può essere
immaginata senza cancellare necessariamente
il passato? Essa non dovrebbe
crearsi a partire dai luoghi di
formazione per eccellenza? La scuola
e l’Università per esempio.
Questi mesi hanno dimostrato come
l'aver scelto fin da subito di recuperare i
centri storici nella loro totalità, non museificandoli,
ma riprendendo quel percorso di
qualificazione già avviato in passato, stia
pagando in termini di gestione dell'emergenza
e in termini di ricostruzione. La
scuola è stata la priorità assoluta della ricostruzione,
scelta questa che si sta dimostrando
elemento chiave per la difesa
prima, poi per il rilancio del senso di comunità.
Le università stanno contribuendo
a questo sforzo, anche se debbo riconoscere
non sempre con quella funzione di
leadership che ci si poteva attendere.
Durante il concerto per l’Emilia dello
scorso 25 giugno, il Presidente Errani
ha dichiarato dal palco di voler ricostruire,
e che non saranno compiuti gli
errori commessi all’Aquila. Quando si
parla di ricostruzione – di questi giorni
la notizia del decreto del senato sullo
spending review che assegna 6 miliardi
per la ricostruzione di scuole,
ospedali, case ed edifici pubblici –, si
intende anche, secondo il Suo punto
di vista, quella di una identità storica?
Non abbiamo compiuto gli errori de
L'Aquila. Se vi è stato un elemento che ha
caratterizzato questi giorni è stata la riscoperta
dell'orgoglio di appartenenza, che è
divenuto un tutt'uno con il recupero dei
beni culturali- i castelli, le chiese, i palazzi,
che sono stati vissuti come elementi costitutivi
della identità collettiva. Sono molte
le storie, ma ricordo solo Pieve di Cento,
al recupero del Crocefisso e dei quadri
della Collegiata, operate con straordinaria
capacità dalla Soprintendenza, dai Vigili
del Fuoco, dai Carabinieri, ha partecipato
tutto il paese e quando il Crocefisso è
stato portato al sicuro nel Museo del Novecento
– museo voluto da un privato, ma
a disposizione della comunità – questa traslazione
– non trasloco – è avvenuto con
una processione in cui tutto il paese, con
tutte le autorità, ha partecipato.
In questo senso la Regione Emilia
Romagna, in particolare il Suo asses-
Il dramma del sisma offre stimoli per ripensare a talune professioni che potrebbero giocare un ruolo importante per l’immediato futuro
112, 27, 82, 415. Non sono i numeri di una lotteria ma quelli delle
chiese, campanili e delle canoniche danneggiate dal sisma, così come dei
dipinti, sculture e arredi liturgici recuperati dalle macerie. A due mesi dalla
tragedia, Il bilancio sul patrimonio artistico stilato dalla Direzione Regionale
per i Beni Culturali e Paesaggistici, mostra un quadro palesemente
drammatico. Il colpo inferto alla storia dell’arte è durissimo: oltre seicento
i beni lesionati. E su molti edifici, ancora si attende la sentenza di vita o
morte che, come una spada di Damocle, pende sull’identità storica dei
piccoli centri che si snodano lungo la provinciale che collega Ferrara a
Modena. Percorrendo l’entroterra s’intravedono campanili e torri medioevali
diroccate, facciate di chiese e castelli rinascimentali distrutti. Tuttavia,
il terremoto fa riscoprire una provincia che non è anonima o vive
all’ombra delle città capoluogo, ma che pulsa di vita propria, custode di
innumerevoli capolavori. Opere e monumenti che, segnalati come “minori”
o del tutto esclusi dai manuali, sono motivo di orgoglio civico per
le popolazioni che in essi si riconoscono, in quanto testimoni di quella
sensibilità artistica diffusa e capillare che da secoli contraddistingue il nostro
Paese. Incombe inevitabile sull’Emilia il fantasma dell’Aquila, spettro
della cinica speculazione edilizia, sostenuta da una politica compiacente
e scellerata, e della chiusura dei centri storici. Demolire o no? I soldi sono
insufficienti, manca personale, si cercano volontari ovunque e subito è
polemica. È l'ex sovrintendente Elio Garzillo, oggi ad Italia Nostra, a sollevarla.
Troppa leggerezza nelle demolizioni e ritardi organizzativi. Oltre
al caso del Municipio di Sant’Agostino, è quello dell’abbattimento del
campanile di Buonacompra a scatenarne l’ira, a suo avviso solo bisognoso
di piccoli interventi di messa in sicurezza. Un modus operandi che
sa di “pulizia etnica”, dichiara sulle pagine de “Il Giornale” del 21 luglio,
e che apre la strada ad ulteriori possibili demolizioni. Accuse prontamente
respinte dalla soprintendenza regionale che difende il proprio operato
soprattutto circa le tempistiche. Effettivamente, nei giorni appena suc-
sorato, può potenziare il ruolo di coordinamento
che già svolge tra gli
enti che si occupano di istruzione e
formazione e la cittadinanza? In questa
ottica, Cultura e Economia, possono
andare di pari passo, anche e
soprattutto, in tempi di crisi?
La regione ha svolto il proprio ruolo di
coordinamento, come sempre nel rispetto
delle competenze e delle autonomie delle
scuole e delle università. In particolare nell'ambito
della formazione, abbiamo avviato
da due anni e consolidato in questi
mesi un sistema integrato di formazione
tecnica superiore, che colma il vuoto di
profili intermedi che oggi costituiscono il
vero perno dello sviluppo produttivo e
dello stesso processo di rapida globalizzazione
della nostra economia. Il riposizionamento
del Paese a livello globale del
resto può avvenire solo investendo in educazione
– come del resto la Banca d'Italia
continua a ripetere, ricordando che le statistiche
internazionali segnalano invece
che l'Italia è il paese occidentale che
spende meno in educazione e cultura ed
ha i livelli educativi più scadenti.
La Regione potrebbe farsi tramite
con la Comunità europea per il finanziamento
di progetti specifici per la
costituzione di gruppi operativi che
coinvolgano gli studenti sia durante lo
svolgimento del corso di laurea, sia
dopo, come possibile stimolo a un
proseguo negli studi? Potrebbe essere,
a Suo avviso, una possibile
strada che faccia della ricostruzione
un processo virtuoso mirato a rilanciare
il ruolo dell’Università?
La regione gestisce i fondi strutturali europei
e da tempo ha sostenuto i progetti
d'innovazione delle università, sia con
massicci investimenti in ricerca, sia con
progetti didattici finalizzati, ad esempio
connessi con i dottorati. In questa fase,
d'intesa con le università stiamo operando
per mirare con più attenzione queste risorse
verso i temi della ricostruzione. Certamente
queste azioni possono essere un
volano per il rilancio del ruolo delle università,
tuttavia siamo rispettosi delle loro
autonomie e quindi ci attendiamo dagli
atenei iniziative concrete che indichino
come essi, e non solo singoli docenti, vogliano
partecipare fattivamente a questo
grande cantiere civile, già ampiamente in
movimento.
Emilia restaurata
Emilia ritrovata
cessivi la prima scossa era già operativa una squadra formata da 22 architetti
e 19 storici dell'arte, esperti nominati per le primissime verifiche.
E alla data del 23 maggio era anche già stato individuato, in Palazzo Ducale
a Sassuolo (MO), il punto di raccolta per le opere d’arte provenienti
dalle chiese e dagli edifici crollati. Tra le prime a essere ricoverate l’Incoronazione
della Vergine fra i santi Geminiano e Felice opera di Bernardino
Loschi, il cui salvataggio, operato dai Vigili del Fuoco del nucleo Saf di
Genova è, a dir poco, ardimentoso. Il trittico, fino a quel momento conservato
nella parrocchiale di San Felice, chiesa quasi completamente distrutta,
oltre ai danni conseguenti il sisma, resta in balia dell’incessante
pioggia che nei giorni successivi si abbatte sul territorio. Ma, il 25 maggio
la cinquecentesca pala è salva e già in viaggio verso Sassuolo. E in
tempi record, all’ospedale dell’arte si ricovera una Madonna con Bambino
del Guercino, un Crocifisso gotico del Quattrocento e alcune tele del Crespi
e di Vellani. Ulteriore segno di sensibilità e velocità sui tempi, la soprintendenza
lo da avvallando taluni progetti atipici, che nel
coordinamento con le associazioni, FAI e Italia Nostra, sono espressione
della volontà di un superamento delle polemiche e aprono la strada a
nuove modalità lavorative circa gli interventi di restauro. Così nella chiesa
di S. Maria in Vado a Ferrara è allestito il laboratorio che opererà sulla settecentesca
statua della Vergine di Andrea Ferreri. Precipitata dal timpano
la notte del 20 maggio, allo stato attuale essa si presenta frammentata
in ben trecento pezzi. È Italia Nostra, rappresentata da Chiara Toschi Ca-
valiere, ad accogliere e finanziare il progetto promosso dall’artista Maurizio
Camerani, seguito dal benestare della soprintendenza e della Curia. Un
artista contemporaneo in dialogo con un’opera del passato, per la quale
mette in campo la propria professionalità cui concorre quella tecnico-scientifica
della restauratrice Ilaria Cavallari. I lavori, tuttavia, partiranno ufficialmente
solo in ottobre, quando la temperatura esterna (sotto i ventiquattro
gradi per agire su blocchi di pietra arenaria) permetterà di procedere ai
consolidamenti. Camerani in questo progetto, con grande sensibilità e lo
sguardo ben fisso sull’avvenire, ha pensato anche ai giovanissimi, coinvolgendo
nell’operazione gli studenti dell’Istituto d’Arte Dosso Dossi. È da
iniziative come queste che vanno colti stimoli per il ripensamento di talune
professioni e il ruolo che queste potrebbero giocare anche nella ripresa
economica del Paese. Artisti compresi, la cui sensibilità e formazione rappresentano
un’indispensabile e utile chiave d’interpretazione per la comprensione
delle alchimie proprie all’atto creativo. In questi ultimi giorni
arrivano altrettante notizie positive. Partono ufficialmente i restauri su 1089
opere fra quelle alloggiate a Sassuolo, su cui interverranno tre restauratori
dell’Istituto di Conservazione di Roma e dell’Opificio delle Pietre Dure di Firenze
sostenuti da una ventina tra allievi e apprendisti. Restano, invece, ancora
privi di un indirizzo preciso i restauri sulle architetture, di cui si saprà
qualcosa soltanto in autunno, augurandoci che non arrivi poi tanto in
fretta il torpore invernale a rallentare le cose. Apre frattanto i battenti il
MAGI di Pieve di Cento, presentando le opere recuperate dalla Collegiata
di Santa Maria Maggiore. È l’esempio di una comunità che, nell’ostinazione
di trattenere sul territorio i propri tesori, lancia un messaggio fortissimo.
Essa contrappone allo sradicamento la cultura storica, nei cui valori,
compresi quelli artistici, si riconosce. Valori di una tradizione innervata di
senso presente con il quale cifra la propria identità.«La storia siamo noi.
Nessuno si senta escluso».
m.l.p.
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 17

Emilia allungata fra lʼolmo e il vigneto, voltata a cercare quel mare mancante e il monte Appennino rivela il segreto e diventa un gigante… (F. Guccini)
Gusci vuoti
e sistemi fragili
di VALERIA TASSINARI
l terremoto che ha iniziato a colpire l’Emilia e la Pianura Pa-
Idana dal 20 maggio scorso ha provocato gravi fratture, superficiali
e profonde, non solo dal punto di vista geologico. Questo
sisma radicalmente destabilizzante, i cui effetti sono ancora attivi
dentro la terra ma soprattutto intorno a noi, sembra infatti
aver provocato la rottura di un sistema di equilibri la cui precarietà
era da molto tempo nascosta dalle consuetudini, dalle convenzioni
e da un’apparente “buona educazione” nelle relazioni
sociali e culturali, immediatamente collassata alle prime scosse,
proprio come le costruzioni più fragili. Lo abbiamo visto in certi
campi per terremotati, dove Italiani e “non Italiani”dovevano
utilizzare servizi e postazioni marcatamente separati; lo abbiamo
sentito nella proclamazione di gerarchie di priorità nelle quali al
primo posto c’era sempre e solo una certa economia; lo abbiamo
vissuto nei comportamenti quotidiani di quanti hanno subito
provato ad approfittare del danno, o a lavarsene le mani. Anche
da noi, sì, anche nella favolosa Emilia dell’accoglienza, dei valori
condivisi, della legalità, dell’arte diffusa. Questa Emilia bella che
naturalmente esiste e prevale, dentro la quale ne cova però
un’altra, venuta fuori come la liquefazione del terreno: cupa,
inaspettata ma non del tutto sconosciuta. In questo scenario ambivalente,
in tensione tra la reazione positiva che il trauma ha
messo in movimento e ciò che fermenta nell’ombra, si pone pienamente
anche la questione dei beni culturali. La questione, più
che la situazione, perché, se i danni subiti dal patrimonio sono
ormai quasi completamente censiti, l’inquieto interrogativo su
come si stia evolvendo la mentalità comune rispetto all’enorme
problema del recupero e dei restauri rivela ampie zone di ambiguità.
Mentre sul piano materiale lo sciame sismico sta continuando
ad agire sommessamente, l’onda lunga degli effetti
psicologici destabilizzati non si attenua: dalla levata di forconi di
chi chiede ai politici demolizioni cieche ed immediate per sbloccare
la viabilità, allo sconsolato lamento di chi vede tutto perduto;
dalla granitica indifferenza di chi ostenta di ignorare le
proprie responsabilità, all’attivismo ingenuo di chi pensa di poter
sopperire alle mancanze delle istituzioni agendo da solo, senza
mezzi e senza guida. Dopo la messa in sicurezza e la rimozione
degli arredi mobili più importanti – azioni che da un lato hanno
visto l’appassionato impegno degli operatori delle Sovrintendenze
e dei Vigili del Fuoco, ma dall’altro hanno causato l’impulsivo
allontanamento delle opere d’arte dalle comunità a cui
appartengono – moltissimi i edifici storici sono stati lasciati in un
limbo di transenne e divieti che durerà molti anni. E chi ha visto
il volto fantasmatico dell’Aquila sa cosa vuol dire veder lasciar
dissolvere la memoria dietro uno scenario di tubi innocenti. Così
il panorama dei beni architettonici, pesantemente compromesso
in molti centri storici e nelle campagne, si mostra ora con la sua
evidenza desolante di inutilizzabili gusci rotti, di edifici tempestivamente
svuotati dei loro contenuti più preziosi e lasciati,
ormai da mesi, a galleggiare in uno stato di sospensione silenziosa
che già sembra accarezzare l’oblio. Con la complicità di
un’estate arida, che ha reso apparentemente meno colpevoli i
ritardi e le indecisioni, decine e decine di chiese scoperchiate, palazzi
squarciati e casali dai tetti accasciati sono rimasti esattamente
come erano dopo la seconda scossa del 29 maggio,
esposti all’oltraggio dei piccioni, che hanno liberamente nidificato
negli interni, e aperti alle intemperie, che presto arriveranno
a devastare. Certamente c’erano altre priorità: la sicurezza, l’economia,
gli alloggi, il culto, la scuola (a favore della quale in meno
di due mesi sono stati trovati centossessantasei milioni di euro).
Ma resta stupefacente quanto il problema della tutela e salvaguardia
di ciò che è rimasto del nostro patrimonio storico sia per
il momento passato in seconda battuta, come se il suo recupero
non potesse essere parte integrante di un piano di rilancio economico,
di difesa dei valori sociali, educativi e spirituali delle comunità,
e non fosse nemmeno un passaggio fondamentale per
la restituzione alla vivibilità di paesi e città. Fortunatamente esistono
anche situazioni emblematiche dell’esistenza di una volontà
nobile e poetica di uscire dalla logica meramente
funzionale dell’emergenza, come testimoniano i volontari che
raccolgono e spazzolano le pietre degli edifici crollati (nella speranza
di poter ricostruire la Torre di Finale Emilia o l’Oratorio Ghisileri
a San Carlo), muovendosi con gesti tanto catartici e dolenti
da ricordare una celebre performance in cui Marina Abramovic
ripuliva una catasta di ossa. Ma troppi sono ancora i nodi irrisolti,
preoccupanti e poco spiegabili. Ad esempio risponde a logiche
che nemmeno i fedeli sembrano comprendere la scelta della
Curia che, senza manifestare alcuna intenzione di ripristinare i
propri edifici di pregio, nelle diocesi più colpite ha rapidamente
predisposto ingenti investimenti (mediamente cinquecentomila
euro per ogni parrocchia) per allestire strutture lignee temporanee
per il culto. E se, nell’omertoso silenzio della politica e
delle istituzioni, sono i parrocchiani stessi a contrastare con forza
tanti discutibili progetti di prefabbricati, invocando che tutte le
risorse siano invece subito utilizzate per i restauri delle chiese storiche,
forse qualcosa si sta veramente spezzando, all’interno di sistemi
più fragili di quanto ci saremmo aspettati. Ecco perché,
mentre piccole scosse continuano a lavorare sotto e sopra la superficie,
il livello di attenzione deve restare ero molto alto anche
negli occhi e nella memoria.
18 gea
Art numero 2 - settembre-ottobre 2012
Diamo un passato
al contemporaneo
Quale prospettiva
per il patrimonio artistico
per le iniziative culturali
per le nuove generazioni?
di LINDA GEZZI
Ore 4,04 del mattino. Un enorme boato fa tremare l’Emilia.
Il tempo pare essersi fermato in quell’alba del 20
maggio scorso quando la terra decide che è ora di alzarsi
e di guardare il mondo da un’altra prospettiva: dal
basso, dal pavimento dove si ammassano cumuli di macerie.
Le strade sono transennate, uomini al lavoro armati di paletta indicano
deviazioni possibili, percorsi alternativi sono da scegliere.
Numerose persone abitano case nuove, le tende, nelle loro non possono
più stare. I bambini, inconsciamente felici, com’è proprio della
loro innocente età, festeggiano l’anticipata estate.
Improvvisamente tutto cambia, cambiano le priorità e in un attimo
iniziano i bilanci: le vittime, i crolli. A tutto ciò si aggiunga la terribile decisione,
che spetta a chi di competenza, dello scegliere cosa salvare e
cosa demolire. Le vittime in questo caso sono i beni culturali. Moltissime
le chiese danneggiate, i monumenti inagibili giudicati pericolanti per la
pubblica sicurezza e forse, in alcuni casi, con eccessiva fretta demoliti.
La televisione racconta tutto ciò ma racconta anche della difficile situazione
in cui versa la Grecia, del fatto che probabilmente per l’Europa
sarebbe più comodo, per quel che concerne una ripresa generale, estrometterla.
«La Grecia fuori dall’Europa?» questa la domanda più frequente
del momento. La risposta possibile è soltanto una, irrevocabile
e insindacabile: «No». La Grecia costituisce le fondamenta del nostro
ieri, è la nostra storia ed è per questo che non possiamo fare a meno
di lei. Lasciando da parte riflessioni di tipo economico, la sollecitazione
risulta – a mio avviso – interessante e potrebbe essere applicata anche
alla tematica dei beni culturali. Non intendo giudicare decisioni ormai
prese, né fare l’elenco dei meriti e dei demeriti al riguardo, solo stimolare
una riflessione sul fatto che forse domina una carenza di affezione
in molte persone nei confronti delle proprie radici, della propria storia.
Il mondo dell’arte ci ha donato “ferite” memorabili che al di là di un apparente
follia celano significati inestimabili. Lo stesso non si può dire
della ferita, tutt’oggi aperta e sanguinante, presente in piazza Marconi
a Sant’Agostino. In questo piccolo paesino, nel 1864, venne edificato
il municipio e per anni e anni è stato il simbolo della comunità locale,
luogo prediletto per feste e ricevimenti che erano soliti tenersi nel salone
consiliare il cui soffitto era decorato da una pittura risalente ai primi
anni Venti dello scorso secolo. Sono bastati pochissimi secondi per cancellare
centocinquanta anni di storia. La comunità si è divisa tra chi era
favorevole all’abbattimento («era un dovere farlo ed era inevitabile, è
stato triste ma doveroso») e chi, invece, si è battuto fino all’ultimo per
impedirlo («le bombe si usano in guerra, non siamo in guerra»). E mentre
tremende invettive colpiscono chi ha difeso a spada tratta il municipio
c’è chi compila, sia pur in lacrime, l’elenco delle opere da
abbattere. Una verità assoluta non può esistere ma di fronte alla domanda:
«Cosa resta oggi di quella storia?» la risposta è una sola: «Non
resta niente». Abbiamo il dovere di dare un passato al contemporaneo,
di salvaguardare la nostra storia e le nostre radici e questo per non
perderci per sempre. Si può ancora farlo, anche a Sant’Agostino dove
cumuli di macerie in attesa di essere rimossi giacciono (alla data del 9
agosto vedi immagine) “impacchettati” al suolo, avvolti dal classico
lenzuolo bianco, il cencio della morte. Cencio che chi scrive propone di
lasciare a futura memoria, macerie comprese; si interpelli Christo e mai
l’artista bulgaro rifiuterà il suo genio per simile impresa. In questo modo,
pur avendo distrutto il passato, avremo costruito il futuro.
di FEDERICA ZABARRI
All’ombra dei portici bolognesi, Concetto Pozzati ci accoglie
nel suo studio: un’infilata di stanze ricche di libri, colori, pennelli
e poi bozzetti e opere di un’energia straordinaria si susseguono
in un crescendo di emozioni, che ci accompagnano
per tutta l’intervista.
Maestro Pozzati, nonostante le sue origini non siano emiliano-romagnole,
questo territorio è sempre stato per lei un riferimento.
Qual è il suo rapporto con questa terra?
È vero. Io mi sento bolognese a tutti gli effetti. Mi sento talmente bolognese
che a suo tempo fui piacevolmente ‘ricattato’ da questa città. Da Parigi
sentivo che Bologna mi chiamava: in quel momento era fantastica. Si
viveva in maniera deliziosa, non c’era orario, la notte si discuteva, c’erano ristoranti
sempre aperti e si stava insieme tra poeti, scrittori, letterati. Si leggevano
poesie, si parlava di libri, delle mostre viste. Allora era, secondo me,
una delle città più vive d’Italia: Roma era stupendamente mondana, con il
suo asse Roma - New York, Milano tutta professionale con quello Milano -
Londra. Noi eravamo in mezzo. (…) Erano gli anni in cui iniziò a circolare la
rivista “Officina”, fondata tra gli altri da Pasolini, che ci diede grande energia.
Personaggi come Francesco Lionetti, Pietro Bonfiglioli, Roberto Roversi,
lo stesso Pasolini erano qui a Bologna, tutta una generazione con la quale
passavo il mio tempo di ragazzo, ad ascoltarli.
Mentre oggi? Sono molto cambiate le cose?
Adesso è tutto più difficile, ma è il mondo dell’arte intero ad essere mutato,
non solo Bologna. La crisi è molto pesante ed il mercato è più bloccato
che mai. Non mancano le possibilità di esporre, ma il mercato sembra tutto
spostato tra l’America e l’Inghilterra seguendo solo le logiche dei grossi in-
Quel che resta del municipio di Sant’Agostino dopo la demolizione
Una terra che non si piega
Raccogliere
schedare, catalogare
la memoria
di CARLA DI FRANCESCO*
Per la vastità dell’area colpita e la gravità dei danni sappiamo già
che saranno necessari decenni, ma il patrimonio sarà restaurato
anche con le integrazioni ricostruttive necessarie là dove si siano verificati
crolli estesi. È di fatto con questa finalità che si provvede, edificio
per edificio, alla raccolta delle macerie con conseguente
catalogazione dei materiali da costruzione: un lavoro che stiamo affrontando
anche con il contributo di volontari qualificati e associazioni.
Probabilmente alcune delle chiese e campanili crollati per intero
sono da considerarsi perduti per sempre: tuttavia in casi come questi
le decisioni non potranno non tenere conto del desiderio delle popolazioni
che da questi beni si sentono fortemente rappresentate.
Con il decreto legge 74, poi divenuto legge, sono stati assegnati 5 milioni
di euro che non sono certo sufficienti a sostenere la lunga e complessa
fase di ricostruzione che sarà necessaria. Si tratta infatti di
intervenire su 1730 beni (tutelati con specifico provvedimento o tutelati
ope legis) colpiti spesso in modo grave e il cui danno può essere
stimato ben oltre i 2 miliardi. È stata inoltre rivolta una specifica richiesta
al Fondo di Solidarietà della Comunità Europea, ma l’importo,
qualora accettata la richiesta, non potrà superare il 5% del danno
stimato. La Direzione Regionale e le Soprintendenze stanno svolgendo
sul territorio un grandissimo lavoro non solo sui beni immobili
ma anche su quelli storico-artistici. Sono 1086, provenienti da 79
siti diversi, gli oggetti e le opere d’arte tratte in salvo per essere ricoverate
e poi restaurate a cura dell’Istituto Superiore per la Conservazione
ed il Restauro e dell’Opificio delle Pietre Dure, presso le sale del
piano terreno del Palazzo Ducale di Sassuolo attrezzate in poche settimane
di formidabile lavoro con tutte le strumentazioni utili ad un
primo soccorso. Il Centro realizzato a Palazzo Ducale è la risposta propositiva
e pronta ad una terra che ha scosso le case, le fabbriche, i
monumenti e l’animo delle persone ma non ha piegato la loro proverbiale
forza di volontà e il desiderio, che è in tutti noi, di rinascere.
*Direzione regionale per i beni culturali e paesaggistici
dell’Emilia Romagna
In alto: macerie dell’Oratorio di Ghisiglieri Alta
Sull’originarietà, cioè l’origine e l’originalità
L’Emilia nello sguardo di Concetto Pozzati, tra memoria e drammatica realtà
vestitori, della pubblicità e della moda. Adesso posso dire: purtroppo. Purtroppo
ho amato Bologna, perché in molti sono dovuti andarsene per avere
successo e oggi la sensazione è che la città stia diventando sempre più
‘stretta’.
Con i recenti avvenimenti sismici, la maggior parte del patrimonio
artistico-architettonico emiliano ha subito ingenti danni, se non la
totale distruzione. Quali sfide crede, si troverà ad affrontare oggi il
nostro territorio?
Credo ci siano due grandi elementi di cui tener conto, due elementi forti,
impressionanti, che sono poi anche le linee interne a tutto il mondo dell’arte:
l’originarietà, cioè l’origine, e l’originalità. Originarietà vuol dire andare alle
fonti, andare alla storia e quindi conservare la memoria e allora restaurare. Il
che non vuol dire riparare una crepa, o riedificare semplicemente un muro,
ma significa prima di tutto, sopra ogni cosa, ristabilire i valori, atto civile che
va sempre perseguito. Però credo che vada anche considerata quella parte
di contemporaneità e di moderno che va inevitabilmente ad inserirsi nella
parte della restaurazione. Questa è la grande difficoltà nel fare architettura
moderna in un centro storico, perché bisogna essere dei ‘colossi’ per capire
veramente certe cose, per avere una forte visione d’insieme. E questo è un
problema molto grande. Come metti a posto l’antico con il moderno? Una
città non è certo come un percorso di un museo a sale. Come sarà l’impatto?
Il problema nostro è proprio questo chiasmo, in questo incrocio tra la rappresentazione
e la presentazione. Una frase che io credo ci faccia ancora
sperare è di un grande vecchio e anche insopportabile come de Chirico: «Andare
oltre la crosta del mondo». Molti artisti sono ‘diventati il mondo’, sono
diventati molto importanti, ma quanti di loro sono andati oltre?…
In alto: Pablo Picasso
Massacre en Corée
18 gennaio 1951, Olio su
compensato, cm 110 x 210
Al centro: Pablo Picasso
Paul en arlequin
1924, Olio su tela, cm 130 x 97,5
In basso: Pablo Picasso
Nu couché
4 avril 1932, Olio su tela,
cm 130 x 161,7
Opere del Musée National
Picasso di Parigi © Succession
Picasso by SIAE 2012
Bari, Castello Normanno-Svevo
Bonnard, Signac e Matisse
llestita fino al 28 ottobre al Castello
ANormanno-Svevo di Bari la mostra
“Dopo l’Impressionismo. Il nuovo sguardo
sulla natura in tre opere di Bonnard, Signac
e Matisse” s’inscrive nel progetto pluriennale
“Viaggio in Italia. Capolavori dai
musei del mondo”, promosso dalla Direzione
Generale per la Valorizzazione del
Patrimonio Culturale in collaborazione con
l’Alef. Un progetto che mira alla fruizione
di capolavori di istituzioni internazionali e alla valorizzazione di
siti italiani. Il museo partner dell’edizione 2012 è la Fondazione
Bemberg di Toulouse che ha prestato alcuni tra i suoi capolavori
a tre castelli italiani: tre dipinti di Lucas Cranach il Vecchio al Castello
di Miramare; opere fiamminghe alla Rocca di Gradara e i dipinti
di Bonnard, Signac e Matisse al Castello di Bari. Opere che
testimoniano di un nuovo modo di trascrivere la luce e il colore
all’indomani dell’impressionismo. In mostra Il ponte dei Santi
Padri di Bonnard, cifrata da una semplificazione formale di gusto
Nabis; Alberi in fiore di Signac, dichiara l’impronta neoimpressionista
e pointillista. Infine Matisse con La falesia di Aval e il cottage
a Etretat, un ritratto di vita quotidiana dei pescatori di Etretat
accesao da una gamma di colori puri e freddi. L’allestimento
scelto suggerisce un senso di isolamento delle tre opere dall’ambiente
che le accoglie; cioè rinuncia a dialogare con il luogo, con
le dissonanze tra la monocromia della pietra, la policromia delle
ceramiche esposte nella sala. Diciamo è stata un’ulteriore occasione
mancata di far dialogare la storia.
Valentina Murgia
In alto: Paul Signac, Alberi in fiore
(particolare), fine XIX secolo
Firenze più sedi
Film Festival sulle arti visive
i terrà dal 21 al 27 novembre a Firenze
Sla V edizione del Festival Internazionale
di Film sulle Arti Visive Contemporanee,
nella storica sala del Cinema Odeon,
presso Cango Cantieri Goldonetta ed altri
luoghi della città. Quest’anno importanti
novità; oltre agli approfondimenti sulle
pratiche dell’arte di oggi raccolti nella sezione
“Festival Talks”, ci saranno progetti
come “Focus On”, sezione dedicata ad un celebre artista internazionale
che sarà ospite del festival e VISIO – European Workshop
on Artists’ Cinema, rivolto a 15 giovani artisti under 35 che
affronteranno la selezione per il Young Talents Award del Festival
Kino derKunst di Monaco di Baviera (24-28 aprile 2013). Nelle
sezioni “Sguardi” e “Cinema d’Artista”, importanti anteprime
nazionali come Opalka. One Life, OneOeuvre (fotografia) di Andrzej
Sapija, riflessione sul tempo e i tempi, UnfinishedSpaces di
Alysa Nahmias e Benjamin Murray, indagine sulla storia (e la conclusione)
dell’ambizioso progetto di Fidel Castro e Ernesto Che
Guevara, la National Art Schools di Cuba degli architetti Garatti,
Gottardi e Porro. Da rilevare anche le opere di Corinna Beltz sull’artista
Gerard Richter e di Khaled Hourani e RashidMasharawi
con Picasso in Palestina. Sono da rilevare inoltre, la proiezione
del vincitore del Turner Prize Gilliam Wearing con Self Made, Piattaforma
Luna prodotto da Maurizio Cattelan e Il Capo di Yuri
Ancarani. Nel corso del Festival sarà proiettato il vincitore del
“Premio Lo Schermo dell’Arte” 2011, Incompiuto siciliano. La
trasformazione del reale del gruppo Alterazioni Video.
Tommaso Capecchi
A Bologna
arte contemporanea
Lʼarte è una bugia che ci fa intuire la verità, perlomeno la verità che ci è dato di comprendere (Picasso)
Il rivoluzionario consapevole
Pablo Picasso torna a Milano
Dopo le esposizioni del 1953 e del 2001 oltre duecento
opere provenienti dal celebre Museo parigino
a lui dedicato in mostra a Palazzo Reale fino a gennaio
di MARINA LA MANNA
Con le armi del disegno e del colore Picasso
si proponeva di portare avanti la
sua personale rivoluzione (ci perdoni
Camus per aver conferito al termine
tale accezione positiva) perché la conoscenza
degli uomini e del mondo lo conducesse,
giorno dopo giorno, alla conquista della vera libertà.
Sin dai suoi primi esordi pittorici, quando la
«mancanza di imperizia ed innocenza», come egli
racconta, lo rendeva già abile con gli strumenti pittorici
al punto da disegnare con una tale precisione
accademica che quasi lo spaventava, Picasso non
ha mai esitato a pensare e ripensare il suo vocabolario
artistico declinandolo di volta in volta con esiti
sorprendenti. È nel nome di Picasso che Palazzo
Reale riapre i suoi spazi al maestro spagnolo, ospitando
a Milano, fino al 6 gennaio 2013, l’imponente
retrospettiva che conterà oltre duecento
capolavori provenienti da Parigi.
Curata da Anne Baldassari, direttrice del Musée
National Picasso, la mostra è stata possibile grazie
alla momentanea chiusura per lavori di ristrutturazione
della sede parigina. L’antologica offre così
l’opportunità di seguire il percorso artistico di questo
protagonista indiscusso dell’arte del XX secolo.
Nato nel 1881 a Malaga, fanciullo dal talento precoce,
entra a soli tredici anni all’Accademia di Belle
Arti di Barcellona, proseguendo quindi gli studi a
Madrid. L’atmosfera di Parigi, dove si reca per la
prima volta nel 1900, inciderà profondamente sulla
sua evoluzione artistica. L’excursus cronologico dispiegato
nell’allestimento della mostra traccia le
tappe principali della produzione di Picasso, dalla
Celestina del 1904, avvolta nel blu paradigmatico
del periodo in cui le sue tele si popolavano di figure
figlie di un’umanità dolente, a opere come Uomo
con il mandolino (1911), Chitarra (1913) e Bicchiere
e pipa, cifra e lettere (1914), che narrano lo sviluppo
del Cubismo, destinato a segnare profondamente
la cultura del XX secolo. Gertrude Stein, sua grande
amica e collezionista, scriveva di come il Cubismo
fosse già un «prodotto naturale della Spagna», nato
in alcuni paesaggi dipinti da Picasso nella sua terra
natale, memori della lezione dell’ultimo Cézanne e
di certe forme di scultura iberica, ma ancora lontani
da qualsiasi contaminazione con l’arte negra.
L’elenco delle opere esposte contempla, naturalmente,
altri capolavori eccellenti che testimoniano
anche il cambio di rotta dell’artista prima che il Cubismo
si configurasse come una «dittatura [che] pesava
su Montmartre e Montparnasse», secondo le
parole di Jean Cocteau: in Ritratto di Olga (1918),
Paul come Arlecchino (1924) e ancora nella celebre
gouache Due donne che corrono sulla spiaggia (La
corsa) del 1922 si concretizzano la nuova grammatica
del ritorno alla verosimiglianza dell’immagine e,
ancora, la lezione della tradizione artistica italiana,
assimilata da Picasso durante il viaggio del 1917
nella penisola e visibile nella solida muscolatura delle
sue possenti figure che stupiscono per la leggiadria
dei loro movimenti in corsa. E non mancano i dipinti
ispirati dalle sue muse, amori e amanti, tra cui il famoso
Ritratto di Dora Maar (1937), dalle dita affilate
e lo sguardo aperto su visuali contrastanti. L’esibizione
di Palazzo Reale dispiega anche una grande
quantità di sculture, fotografie, disegni, libri illustrati
e stampe, configurandosi come un vero e proprio
excursus cronologico sulla produzione di Picasso,
mettendo a confronto le tecniche e i mezzi espressivi
con i quali l’autore si è cimentato nella sua lunga
carriera. «La collezione del Musée Picasso – scrive la
curatrice nel catalogo – rappresenta dunque il lavoro
picassiano in progress, i suoi imprevisti, i suoi
balzi in avanti o le sue resipiscenze, i suoi meandri
e i suoi ripiegamenti. Vi si può osservare la pittura
che diventa scultura, e viceversa, nell’invenzione di
dimensioni intermedie». Palazzo Reale accoglie,
dunque, per la terza volta «l’opera geniale e fondativa
di Pablo Picasso, dopo le grandi mostre del
1953 e del 2001», ha detto l’assessore alla Cultura
Stefano Boeri. E alla mostra del 1953 sarà dedicata
una sezione, curata da Francesco Poli e ampiamente
documentata, che raccoglie le testimonianze
di un evento che ebbe una portata culturale
e ideologica straordinaria, quando la grande tela di
Guernica (1937) venne esposta per la prima volta in
Italia grazie all’intervento di Attilio Rossi che convinse
Picasso a spostarla dal MoMA di New York
alla Sala delle Cariatidi, con le sue architetture ancora
sconvolte per le offese subite dalla città in seguito
ai bombardamenti aerei durante la guerra.
L’antologica si configura dunque come un grande
ritorno a Milano del maestro spagnolo. L’occasione
di poter meditare sull’opera di un artista consapevole
di aver vissuto appieno la sua epoca assimilandone
voracemente lo spirito del tempo: «Tutto
quello che io ho sempre fatto – scrive Picasso – era
fatto per il presente e con la speranza che rimanesse
sempre nel presente. […] Ogni volta che
avevo qualcosa da dire l’ho detto come credevo di
doverlo dire».
Lo stile tra Writing e Street Art
idea si collega a quella di Francesca
L’ Alinovi, che aveva concepito “Arte
di frontiera – New York Graffiti”, realizzata
solo dopo la sua morte a cura della
Galleria d’Arte Moderna di Bologna, nel
1984.
La città è stata la prima in Italia, e tra le
prime in Europa, ad ospitare le opere di
Keith Haring, Jean-Michel Basquiat e
Kenny Scharf, della Scuola di New York. A quasi trent’anni di
distanza Fabiola Naldi e Claudio Musso spingono di nuovo Bologna
all’avanguardia di un rinnovamento, attraverso i linguaggi
contemporanei. Anzi, fanno di più. Una mostra site
specific, dialogo aperto tra la città e la società, perché la ragion
d’essere del Writing e della Street Art sta proprio nel rapporto
con quei muri che la strutturano e la costruiscono, una
città.
“Frontier – La linea dello stile” è un progetto articolato in
due fasi, una operativa affidata a 13 artisti italiani e stranieri,
tra questi Phase II, Eron, Honet, Does, Cuoghi Corsello, M-City,
Daim, Rusty, i quali hanno lavorato sui muri dell’edilizia residenziale
pubblica bolognese dialogando con la strada e sulla
strada, attraverso il Writing e la Street Art.
La seconda fase, più istituzionale, sarà affidata al MAMbo,
che organizzerà un convegno internazionale nel gennaio
2013, al fine di storicizzare e contestualizzare l’importanza, il
ruolo e l’evoluzione di queste due discipline.
Barbara Olivieri
In alto: Eron per FRONTIER
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 19

arte contemporanea
Sono colpito da quelle persone che sanno creare nuovi spazi con le parole giuste (A. Warhol)
FOSDINOVO Residenze di artisti contemporanei nella magia della Toscana
Un Castello
in “Movimento”
fra passato
e futuro nel cuore
della Lunigiana
di FEDERICA PACE
Giunta alla quarta edizione, anche quest’anno,
da maggio ad ottobre, si rinnova l’iniziativa
culturale del Castello Malaspina di Fosdinovo
in provincia di Massa - Carrara. Il Castello, di
cui la prima documentazione risale al IX secolo,
è un monumento simbolo di quest’area della Toscana,
racchiusa tra il litorale tirreno, le colline della
Lunigiana e le Alpi Apuane. Celebre per aver ospitato
Dante durante il suo esilio, diventa oggi un luogo di produzione
e d’incontro fra artisti e scrittori, centro di condivisione
di differenti linguaggi contemporanei.
L'idea del progetto “Castello in Movimento” nasce nel
2008 con l'obiettivo di fare del Castello Malaspina di Fosdinovo
un luogo di pensiero e di produzione, sede di iniziative
condivise e promotore di progetti internazionali.
Sono invitati ad abitarlo scrittori di ogni nazionalità, un artista
internazionale e, nel corso dell’estate, sono organizzati
laboratori, giornate di studio aperte al pubblico,
spettacoli di teatro ed eventi di musica e danza contemporanea.
Ogni anno l’attenzione della residenza per autori
è focalizzata su un paese ospite, del quale si intende
offrire una panoramica letteraria. Questa edizione è dedicata
all’Argentina. Oltre a scrittori argentini che abitano il
Castello dandosi il cambio nel periodo di residenza, sono
invitati altri autori scelti per la particolare rilevanza internazionale.
Perseguendo l’obiettivo di diffusione della letteratura
20 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
italiana contemporanea, accanto alla residenza degli scrittori
si affianca un programma di residenza per traduttori
curato da Theodora Delavault. Il traduttore invitato quest’anno,
di madrelingua inglese, è Richard Dixon.
Non sono tuttavia trascurati gli scrittori italiani al quale
è riservato un progetto del tutto particolare: un comitato
di suggeritori indica cinque scrittori sotto i quaranta anni
invitati in residenza. Gli scrittori italiani lavorano a un racconto
scritto nel Castello in 24 ore, oggetto poi di una lettura
pubblica. L’insieme dei racconti va a formare il quarto
quaderno di Castello in Movimento.
Sotto la direzione artistica di Alberto Salvadori, si svolge
il programma della residenza per artisti. Un artista viene
quindi invitato a vivere nel Castello per alcuni mesi e dal
dialogo con il luogo nasce la sua opera che viene esposta
e lasciata come traccia del suo passaggio. Quest’anno partecipa
l’artista danese Tue Greenfort, la cui opera va a far
parte della collezione permanente assieme a quelle di
Anna Franceschini, di Emanuele Becheri e Flavio Favelli,
che, con Riccardo Benassi, l’hanno preceduto, nel progetto
di residenza.
Artista ospite è invece Francesco Gennari invitato per un
mostra aperta per tutta la stagione estiva.
Da non trascurare è l’attività che, dall’ormai decennale
collaborazione fra il Castello di Fosdinovo e Lunatica Festival,
porta in scena la danza contemporanea. Per saperne
di più www.castellodifosdinovo.it
Parigi, Musée d’Art Moderne
Segni della guerra: Francia 1938-1947
Dal 12 ottobre al 17 febbraio, il Musée
d’Art Moderne de la Ville de Paris indaga
con la mostra “L’art en guerre- France
1938-1947 -De Picasso à Dubuffet” una
pagina della storia francese che pone le
basi dell’arte contemporanea occidentale.
L’esposizione getta uno sguardo
completo sullo scenario artistico francese,
sulle evoluzioni o involuzioni che
gli anni del secondo conflitto mondiale e
le pressioni dell’occupazione nazista
hanno esercitato nei repertori stilistici e
formali dei principali protagonisti delle
avanguardie in Francia e nei risultati delle
successive ricerche pittoriche.
Milano, Galleria Credito Valtellinese
Orma dopo orma, andare e tornare
Un’opera di Andrea Dalla Barba
L’Associazione illustratori italiani unitamente
alla Fondazione Gruppo Credito
Valtellinese di Milano bandisce, nel 2011,
un concorso i cui esiti confluiranno, dal
19 ottobre al 2 dicembre 2012 presso la
Galleria del suddetto Gruppo, nella retrospettiva
“LE METAMORFOSI DEL VIAG-
GIATORE. Stati mentali, onirici e reali del
partire e del tornare”, dove l’affascinante
e intrigante tema del viaggio è raccontato
da fumetti, carnet de voyage, illustrazioni
e schizzi. Ogni autore “narra” i propri
spostamenti in terre più o meno lontane
senza scordare i viaggi forse più interessanti:
quelli della mente.
Salerno, Punto Einaudi
“Una volta”, memorie di Marco Natale
Dal 6 ottobre al 2 novembre a Napoli, poi
a Salerno dal 10 novembre al 27 dicembre,
Marco Natale, artista partenopeo
classe 1975, porta in mostra le opere del
ciclo, avviato nel 2009 “Una volta”. Suggestionato
dal tema della memoria,
mosso dall’interesse per la storia, Natale
guardando ad una pratica molto in uso
nelle esperienze attuali, indaga il valore
evocativo di vecchie stampe fotografiche,
un repertorio ritrovato tra le immagini di
famiglia, ingrandite e modificate attraverso
interventi pittorici e di acidi corrosivi.
Il risultato è un casellario di immagini
latenti riportate all’orizzonte.
Oliviero Toscani a Pescara
I volti del mondo nei click del fotografo
Oliviero Toscano
Berlingeri a Catanzaro e Padova
Le tele piegate e la fisicità del gesto
Doppio appuntamento, nell’autunno
del 2012, con l’artista calabrese Cesare
Berlingeri. Ad aprire la stagione espositiva
sarà la Fondazione Rocco Guglielmo
che, in collaborazione con Hub
Calabria, la sezione dedicata ai giovani
artisti calabresi, presenterà ad ottobre,
presso la Casa della Memoria e la
Chiesa di Sant'Omobono di Catanzaro,
una serie di opere che riassumono il linguaggio
artistico di Berlingeri. Dal 7 dicembre
al 27 gennaio 2013 il Centro
culturale Altinate/San Gaetano di Padova,
ospiterà un’antologica a cura di
Luca Beatrice.
in vetrina
Jean Fautrier, Testa d’ostaggio n.1
(particolare), 1944
Marco Natale, Una volta, tecnica mista
su stampa fotografica
«La fotografia, come l’arte, è movimento
da fermo, l’artista è un nomade mentale
che si muove e si sposta non con il suo
corpo ma con il peso della materia con la
quale realizza le sue opere». Con queste
parole Achille Bonito Oliva presenta la
mostra “Razza Umana”, vera e propria
galleria infinita di ritratti di varia e anonima
umanità realizzati nel corso di questi
anni da Oliviero Toscani. È una viva
rappresentazione della coesistenza e, al
tempo stesso, delle differenze tra individui
che abitano la sfera chiamata mondo.
Fino al 20 ottobre in Piazza della Rinascita
a Pescara.
Cesare Berlingeri, Giallo piegato, 2003
olio su tela piegata, coll. priv.
HANNO COLLABORATO: Linda Gezzi, Ardesia Ognibene,
Pasquale Ruocco, Maria Letizia Paiato, Annamaria Restieri
Berlino. Da est
a ovest
lungo e oltre la U5
Tendenze artistiche e maestosi
progetti architettonici
fra Alexanderplatz
e la Porta di Brandeburgo
di MARIACHIARA GASPARINI
Icavalli della quadriga sulla porta di Brandeburgo rivolgono lo
sguardo a est verso Alexanderplatz, quasi a voler rincorrere i turisti
che si affollano lungo il largo viale Unter den Linden che nasconde
il proseguimento della linea 5 della metropolitana
berlinese (U-Bahn). La U5 al momento si allunga solo nella Berlino
est fino a Hönow; nonostante la fitta rete di linee raggiunga ogni
angolo della città e il muro sia caduto più di venti anni fa, il tratto fra le
più importanti zone dell’ex DDR e la BRD è ancora in costruzione. In superficie,
da entrambi i lati, maestose architetture si susseguono l’una
dopo l’altra per incontrarsi nella Museuminsel [isola dei musei], patrimonio
Unesco dal 1999. Alexanderplatz sembra ancora lontana dall’aristocratica
porta di Brandeburgo, tuttavia proprio la Berlino est negli
ultimi vent’anni è diventata la zona più dinamica e produttiva della città.
Gallerie d’arte, negozi di moda vintage, circhi ambulanti notturni di circensi
catalani e bistrò in stile parigino affollano le strade e i vicoli di Saint
Nikolai e della zona circostante Warschauer Strasse. Lasciandosi alle
spalle punk e gruppi heavy metal si prosegue lungo le provvisorie pensiline
di legno e cemento che raggiungono la Schlossplatz, ovvero Il
grande spazio verde che dallo scorso anno ospita l’Humboldt Box; architettura
contemporanea e museo provvisorio che informa del grande
progetto museale in apertura nel 2016 - si spera!- e che un tempo ospitava
il Berliner Stadschloss [Palazzo della città di Berlino].
Chiamato Humboldt Forum, il nuovo edificio affiancherà il Duomo e
gli altri musei statali di Berlino appartenenti alla Fondazione del patrimonio
culturale Prussiano, e combinerà assieme i mancanti Museum für
Asiatische Kunst [Museo di Arte Asiatica], l’Etnologisches Museum
[Museo di Etnologia], l’Università Humboldt e la Zentral und Landesbibliothek
Berlin [Biblioteca Centrale e Regionale di Berlino]. I primi due
dovranno spostarsi infatti da Dahlem-Dorf, nella parte sud-ovest della
città, nonché nel campus della Freie Universität [Libera Università],
aperta nel 1948 come contro-risposta alla più prestigiosa e severa Humboldt
nella zona est. Tutto ben presentato nel Humboldt Box, caleidoscopio
temporaneo di quello che vuole essere il più grande progetto
culturale europeo. Rifacimento dell’antico palazzo barocco distrutto nel
1950 per ordine di Walter Ulbricht, Capo del Concilio di Stato dell’allora
Repubblica Democratica di Germania e del partito comunista,
l’Humbolt Forum porterà alla luce tesori unici mai visti prima, molti dei
quali sopravvissuti ai bombardamenti della seconda guerra mondiale.
Proseguendo oltre l’Altes Museum [Museo Vecchio] si arriva all’Alte
Nationalgalerie [Vecchia Galleria Nazionale], dalla quale si intravede la
nuova sinagoga dalle cupole dorate. L’edificio ristrutturato nel 1995
sorge sulla strada più famosa e turistica di Berlino: la Oranienenburg
Strasse. La strada è da sempre rinomata per le passeggiate di prostitute
succinte in shorts e stivaloni di lattice, perfettamente integrate fra
i locali, i bar e i turisti che vi sostano fra una galleria e un caffè, probabilmente
più incuriositi dal mix socio-culturale che da una presunta sacralità
ebraica. Quasi all’incrocio con la Friedrichstrasse si incontra la
Tacheles. Ex magazzino in fase di demolizione, questa fatiscente “casa
d’arte” è gestita da un collettivo di artisti liberi che spaziano dalla
La nuova
Potsdamer
Platz
Il Sony Center
Nel 1924 veniva istallato il primo semaforo
d’Europa, da allora Postdamer Platz ha subito
distruzioni e rinnovamento imposti dai governi
tedeschi dell’ultimo secolo. Su un progetto
d’insieme di Renzo Piano questo ex crocevia è
oggi uno dei maggiori centri d’attrazione turistica
che ospita il Beischeim Center, il Daimlercrysler
Contemporary e il Daimlercity. Qui si
trova anche il Sony Center. Con una piazza centrale
coperta da una tenda di vetro, questa architettura
contemporanea, luogo di ritrovo
popolare, ospita anche il Filmmuseum Berlin e la
Kaisersaal, sala neo-roccocò dell’ex Hotel Explande,
opera prebellica spostata dalla posizione
originale, è diventata uno dei ristoranti più
creativi di Berlino.
Nella foto: Sony Center, Postdamer Platz, Berlin
Lungo
la via
della seta
fino a Berlino
stampa, ai gioielli creati con posate riciclate, a vere e proprie sculture in
metallo nell’area espositiva esterna, dietro all’edificio. Tra bambini multietnici
i che scorrazzano liberi fra un ingresso e l’altro, e genitori dalla
mani sporche d’arte può capitare di trovarsi coinvolti in collettivi gay, politici,
animalisti, new age o semplicemente intellettuali. Non importa il
gruppo, la nazione o il colore a Berlino ognuno fa quello che vuole,
passando da un estremo all’altro senza pensarci troppo su! A Berlino si
diventa artisti facilmente e viene da chiedersi se davvero sia tutta arte
quella che si vede!
Oltrepassati i ristoranti asiatici dai grandi ombrelloni colorati e continuando
sulla Friedrichstrasse si taglia di nuovo per la Unter den Linden.
Il paesaggio cambia, i negozi si allargano, gli interni mostrano un design
moderno e curato, e la merce esposta è decisamente più firmata
che vintage. I palazzi antichi riportano alla mente antiche nobiltà prussiane
e improvvisamente il contesto “hippy 2000” svanisce per dare
spazio ai grandi magazzini francesi Galerie Lafayette. Il Französische
Dom [Duomo francese] e il Deutscher Dom [Duomo tedesco], entrambi
costruiti all’inizio del XVIII secolo e rinomati per splendide cupole a gallerie
progettate da Carl von Gontard sembrano lontano dal moderno
contesto artistico berlinese; più in linea con lo stile monumentale della
Staatopera o dell’Università Humboldt che vanta nomi come Engel,
Marx, i fratelli Grimm, Albert Heinstein e Max Planck. Opere di restauro
hanno riportato allo splendore di un tempo marmorei colonnati e statue
di bronzo, eppure cartelli anticapitalisti, antieuropei o forse solo anti
crisi non mancano. «Politischer Krieg ist Krieg!» [La guerra politica è
guerra!] è solo uno dei tanti slogan abbandonati dopo una delle varie
proteste quotidiane lungo il grosso viale che porta alla quadriga.
Questa Berlino est sembra lontana dai movimenti finanziari di Francoforte,
sembra lontana dalla cattolica e tradizionale Baviera; forse più
vicina ad un contesto sociopolitico-artistico come quello di piazza del
Gesù nuovo a Napoli. Seguendo i numerosissimi Ampelmann (uomo
semaforo, indiscusso logo della città) sui vari souvenir che si affollano
Èuno dei tesori più importanti al mondo
quello portato a Berlino dalle quattro spedizioni
prussiane nel bacino del Tarim, in Cina. Gli
archeologi Grünwedel e Van le Coq all’inizio
del secolo scorso ritornarono con pitture murarie,
sculture, utensili, manoscritti e frammenti
tessili da Kizil a Turfan, lungo la Via della seta
settentrionale. Conservati nel Museo di arte
asiatica a Dahlem- Dorf , queste collezioni includono
esempi di cultura cinese, uigura, tocaria
e di altre popolazioni che seguirono le vie del
Buddhismo quanto quelle del Manicheismo o
del Nestorianesimo. La magnifica collezione tessile
e alcuni dipinti ancora mai esposti faranno
parte di una delle istallazioni permanenti del
futuro Humboldt Forum.
Nella foto: Museo di Arte Asiatica, Dahlem Dorf, Berlin
La RAW
Il tempio
dell’Est
nell’attualità
metropolis
Parigi è sempre Parigi e Berlino non è mai Berlino! (J. Lang)
acronimo RAW sintetizza il più lungo Rei-
L’ chsbahnausbesserungswerk ovvero officina
di riparazioni della Reichsbahn (Ferrovie dello
Stato) distrutta dopo la riunificazione del paese.
Dal 1999 l’associazione RAW - Tempel ha affittato
alcune sale dell’ex officina per creare progetti
interculturali. Seguendo la scia dei graffiti,
in linea con la lo stile dell’ est, si raggiunge la
RAW dalla fermata della S-Bahn (metropolitana
extraurbana tedesca) di Warschauer Strasse. Locali
e ristoranti etnici si susseguono uno dopo
l’altro ravvivando la vita notturna della capitale
sulla Revalstrasse. La Raw è rinomata soprattutto
per club quali il Cassiopea, dall’ampio programma
musicale nonostante il discutibile audio,
e il mercato domenicale delle pulci.
Nella foto: Murales al RAW, Friedrichshain, Berlin
A lato: Humboldt Box, Schlossplatz
In alto: Quadriga sulla Porta di Brandeburgo
Sopra: Linea U5 in costruzione lungo la Unter der Linden
Testi e immagini ©Mariachiara Gasparini, 2012
verso e oltre la porta di Brandeburgo, si arriva alla quadriga. L’Ambasciata
americana e l’Accademia di Belle Arti l’affiancano e si affacciandosi
sulla Pariser Platz; nonostante le architetture moderne, essenziali e
luminose, è l’immancabile caffetteria Starbuck che ricorda davvero la
fine della guerra e la liberazione. Segno di globalizzazione mondiale la
catena americana è riuscita a varcare anche le porte della Città Proibita
a Pechino. La sua Trinacria verde è il marchio costante di scambio di doveri
e piaceri internazionali risolti in un espresso un po’ troppo lungo e
un frappuccino, variante postmoderna di un cappuccino freddo.
La porta di Bradeburgo segna la storia tedesca: la fine dell’Impero
Prussiano, dell’entrata nazista, di quella comunista e la rinascita di un
città che da appena vent’anni sembra essere tornata libera. La porta
segna anche l’ingresso all’ex Berlino ovest e alle grandi architetture contemporanee
che emergono a destra e sinistra dell’ex Reichstag [parlamento
del Reich tedesco], oggi Bundestag [parlamento federale
tedesco]. Rinnovato nel 1995, il parlamento viene quest’anno celebrato
in un film di circa trenta minuti proiettato sui i muri del Marie Elisabeth
Lüders Haus, edificio inaugurato nel 2003 che ospita la biblioteca del
parlamento e che ha preso parte dello spazio dedicato al Parlamento
degli alberi, opera dell’artista Ben Wagin dedicata ai morti al muro di
Berlino. Lo spettacolo di luci e musiche che accompagna la proiezione
del film al calare del sole, intitolato Dem deutschen Volke. Eine parlamentarische
Spurensuche. Vom Reichstag zum Bundestag [Al Popolo
tedesco. Un viaggio attraverso la storia parlamentare, dal Reichstag al
Bundestag] è uno dei migliori esempi di visual art berlinesi, affascinante
quanto l’oramai famoso memoriale dell’Olocausto, labirinto di steli che
occupa lo spazio adiacente l’Ambasciata americana proseguendo per
la “nuova” Postdamer Platz.
Berlino prosegue, in largo e in lungo in continuo mutamento, tuttavia
sembra che proprio la U5 abbia il compito di riunire definitivamente
la città e riportarla agli antichi splendori prussiani e a quelli contemporanei
dell’urban art europea.
Le “strade”
dell’arte
contemporanea
no-stop
Tutta la zona circostante Rosenthler Platz è
un continuo susseguirsi di gallerie e negozi
di arte contemporanea. Si è appena conclusa
alla Deschler Gallery, lungo la Auguststrasse, la
mostra “Broken Heroes” (Eroi infortunati) di Patricia
Waller. Eroi dei fumetti come sculture di
maglia presentati accidentati: dall’ Uomo Ragno
impigliato nella propria rete al Superman distrutto
contro un muro. Di diverso tipo la mostra
di Tanja Koljonen e Jaana Maijala alla
Gallery Taik, sulla Bergstrasse. In “Repetitive gestures”
(Gesti ripetitivi) sono stati presentati alcune
delle opere della cosiddetta “Scuola di
Helsinki”; nuovo movimento di fotografia scandinavo
che propone metodi espressivi naturali
e di cooperazione con altre forme d’arte.
Nella foto: Patricia Waller, Sperman, Deschler Gallery
Auguststrasse, Berlin
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 21

architettura/design/ambiente
La coscienza dipende dallʼimmaginazione e lʼimmaginazione occupa un posto centrale nellʼanima (J. Hillman)
Nella Villa Romana
di Minori
le videoinstallazioni
di Studio Azzurro
Il progetto “Ozi marittimi”
per il rilancio di simili vestigia
della Costa d’Amalfi
di PAOLA CONGIUSTÌ
Nel cuore del piccolo centro urbano di Minori si trova
un prezioso complesso archeologico. Si tratta di una
villa romana costruita durante il principato di Tiberio
tra il 14 a C. e il 37 d.C. Aperta al pubblico dal 1954,
è il monumento simbolo delle ville d’otium romane
sulla Costa d’Amalfi. Questo tratto di costa, con le sue insenature e il
paesaggio selvatico era il luogo ideale per costruire una villa d’ozio. Il
ricco cittadino romano vi veniva a trascorrere un periodo di riposo lontano
dagli affari e dalla vita tumultuosa della città; dedicandosi ,da
solo o con pochi amici, alla lettura, alla composizione di testi, agli
studi, alla meditazione e al buon cibo. In questo contesto abitativo si
realizzava il c.d. otium letteratum: una vera e propria filosofia di vita,
generata dal culto delle virtù e dai piaceri del buon vivere.
Uno stile di vita, quello delle ville gentilizie romane, che Studio Azzurro,
gruppo di ricerca artistica di livello internazionale nel settore
delle installazioni multimediali, propone negli spazi della villa romana
di Minori facendo rivivere con suggestioni di luci, racconti sonori e
proiezioni di immagini, le abitudini degli antichi romani. Le stanze
sono animate da ombre, colori, suoni, come se la villa fosse nuovamente
in attività. Sarà possibile assistere a riti propiziatori, alla preparazione
del banchetto e anche a una tempesta notturna. Studio
Azzurro prendendo spunto da testi letterari e iconografie antiche
gioca ancora con la magia delle immagini per evocare, dall’alba fino
al calar del sole, la vita quotidiana sulle sponde della Costiera Amalfitana.
Continum vitae, l’ intervento artistico di Studio Azzurro, rientra nel
progetto ideato dal Comune di Minori - finanziato dalla regione Campania
e dalla Soprintendenza de Beni Archeologici - che è “Ozi marittimi,
le ville romane della Costa d’Amalfi”. Un vero e proprio
itinerario turistico culturale che mette insieme il Comune di Minori –
soggetto capofila – con il territorio di Vietri sul Mare, di Positano e di
Tramonti, dove sono presenti altre abitazioni romane. Lo scopo di questo
ambizioso progetto, che si presenta però tutto in salita per una
serie di problemi strutturali della villa, è di rinnovare l’offerta turistica.
Rendendo permanente il percorso espositivo delle installazioni multimediali,
si spera di riaccendere l’interesse anche sull’importante attività
del Museo Archeologico di Minori, di cui la villa romana fa parte.
Sui Musei e sui progetti artistici in Italia, rivolgiamo qualche domanda
a Leonardo Sangiorgi di Studio Azzurro.
Secondo alcuni critici e storici dell’arte i Musei sono diventati
involucri vuoti o addirittura dei Luna-Park; e si teme una deriva
definitiva di questa istituzione. Ma Studio Azzurro sta rivolgendo
le sue idee progettuali proprio sui musei: i “ Musei
Tematici”.
Parlerei a questo proposito dei “Musei di Narrazione”. Sono Musei
che hanno la particolarità di non esporre apparentemente niente ma
di attingere a quella grande mole di beni culturali immateriali che sono
Il filo di Ulassai
Il Museo Stazione
dell’Arte
e i suoi nuovi
viaggiatori
Ulassai, provincia (ancora per poco) ogliastrina. Millecinquecento
anime circa e la Fondazione Museo Stazione dell’Arte nata nel
2006 dopo la donazione dell’ormai novantenne Maria Lai al proprio
paese natio di 120 opere. Eppure il progetto dell’artista sarda ha radici
più lontane, nell’idea che l’arte sia anche educazione alla convivenza
civile e all’accettazione della diversità ed è soprattutto per questo che
già dagli anni Settanta, tornata alle pendici delle sue grotte, avvia una
serie di attività che faranno di questo piccolo paese un museo a cielo
aperto per le cui strade si dipana un percorso di opere che sotto forma
di gioco spiega l’arte contemporanea mediante un filo unico che non
è solo quello dei telai rivisitati dalla Lai, ma è sopra ogni cosa un filo metaforico
che unisce la cultura moderna con la tradizione rendendo consapevoli
gli uomini di una propria partecipazione attiva alla storia.
Stesso filo che riconduce a quei tre edifici che sul finire dell’Ottocento
furono costruiti come capolinea di un treno che, in dodici ore da Cagliari
portava fino all’entroterra sardo. Un luogo espositivo che oggi,
nonostante le fatiche di un’economia instabile, propone un orario continuato
di apertura su un calendario che copre tutto l’anno, esponendo
le opere della Lai a rotazione ma anche promuovendo e curando mostre
di artisti noti, pièces teatrali, concerti e accogliendo, infine, nel periodo
invernale le scolaresche di tutta l’isola, portando avanti quel
progetto didattico intrapreso dalla stessa Maria Lai.
Marcella Ferro
Nella foto: Maria Lai, Fiabe intrecciate, 2007 Ulassai
Museo Stazione dell’Arte
22 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
la memoria, i ricordi, le testimonianze che costituiscono il bene comune,
il valore artistico storico in questi musei, prezioso e insostituibile
perché esposto grazie al meccanismo del “dono” fatto da coloro
che le narrazioni le hanno profondamente vissute. I Musei di Narrazione
non sono involucri vuoti, anzi essendo dei grandi convogliatori
di emozioni, sono pieni di pubblico e delle loro esperienze. Non sono
dei Luna Park, perché nei nostri Musei Narrativi, ma direi da sempre,
Studio Azzurro, in tutte le sue opere e realizzazioni non ha mai esibito
la tecnologia come spettacolo ma anzi occultandola accuratamente
l’ha utilizzata per creare suggestioni nella quale il visitatore, vivendo
in prima persona un’esperienza, non si trova come nei musei tradizionali,
con un “punto di vista”, di fronte ad un opera ma, coinvolto
come visit-attore, agisce dentro l’opera stessa.
Alcuni progetti come Valentia Sensibile, a Vibo Valentia, o il
Museo della Mente, a Roma, stentano a partire. Pare non si riesca
a superare il giorno della cerimonia di inaugurazione!
Colpa del catering?
In un certo senso si! Ovviamente non parlo in senso gastronomico,
quello nel bene o nel male, è sempre apprezzato. Parlerei più in generale
del senso del “nutrimento”culturale, del sentire profondamente
la necessità dell’alimento culturale, adoperandosi per
cibarsene, accostandosi a una mensa collettiva aperta a tutti i gusti e
ai molteplici sapori. A parte la metafora culinaria, cito un’altra cosa
che mi ha colpito con grande emozione, in questo periodo di italica
crisi. Subito dopo il terribile tsunami, il Governo Giapponese diffuse
un comunicato nel quale dichiarava l’intenzione di mantenere in calendario
e realizzare, compatibilmente all’agibilità del territorio, tutti
gli eventi culturali programmati in quel periodo. Non posso fare a
meno di ammirare questa scelta; una grande dichiarazione di investimento
sulla cultura e di fiducia nel ritenere la cultura, uno dei motori
principali non solo per una ripresa economica ma anche di ricostruzione
di un patrimonio ambientale e di una ricostituzione dell’ anima
identitaria.
Il progetto “Ozi marittimi” è ammirevole e va salutato con ottimismo,
ma il rilancio del patrimonio archeologico costiero forse richiede
Arte in pinacoteca a Follonica
Un'installazione
multimediale
per “La Città
Visibile 2012”
Giunge al termine “La Città Visibile 2012”, mostra diffusa che racconta
Grosseto e la Maremma contemporanea: un modo di porre
nei registri dell’attualità un percorso narrativo dei luoghi e del territorio.
Le metamorfosi e le nuove percezioni dell'urbano sono al centro
del progetto, che per circa un mese, attraverso esposizioni d'arte, di fotografia
e di architettura, conferenze e seminari, ha presentato un'immagine
nuova del territorio, lontana dagli stereotipi da cartolina.
Follonica raccoglie il testimone da Massa Marittima e Magliano: la pinacoteca
ospita rappresentazioni di una città aperta e solidale, opere
inedite e work in progress, lavori di documentazione ed esperienze di
arte relazionale. Inaugura il 12 ottobre l'installazione multimediale Cemento
Armato, un progetto di Emilio e Andrea Gozzi. Le fotografie di
Emilio ritraggono i grattaceli in cemento sorti negli anni più bui della
speculazione. Andrea, musicista e ricercatore, interpreta le immagini in
bianco e nero con suoni e filmati che ne sottolineano il significato. Il
video si sviluppa per sovrapposizioni, associazioni di idee, sguardi di
viandanti che attraversano la città e come se tra i due artisti si fosse instaurato
un dialogo creativo su un territorio comune, quello urbano:
luogo per antonomasia dell’idea di presente. Il suono è stato registrato
in tempo reale, adoperando un software appositamente sviluppato a
tal fine. Durante l'inaugurazione, sarà condotto un dibattito sul ruolo
delle istituzioni e delle associazioni nella gestione e promozione dell'arte
sociale.
Claudia Gennari
Nella foto: Emilio e Andrea Gozzi, Cemento Armato, fotografia
qualche sforzo in più. A mio parere, esso potrà costituire una vera attrattiva
turistica culturale, quando l’opinione pubblica sarà persuasa
che la tecnologia più spettacolare stia andando di pari passo ad un
umano impegno di conservazione e manutenzione del siti stessi. Mi
chiedo, la tecnologia più sofisticata potrà convivere con una terribile
umidità? Potrà distrarci dai mosaici che si staccano come bottoni o
dalle pareti che si scrostano sulle nostre teste? Spenti tutti gli interruttori
e i riflettori, la magia scomparirà e si sentirà la goccia sul pavimento
e lo sbriciolarsi degli intonaci. Questa è la realtà del nostro
otium che è inerzia, è indolenza , è pigrizia.
Nelle foto: La rappresentazione teatrale che Studio Azzurro
ha messo in scena il 29 aprile nel patio della villa
Daniel Buren a Scolacium
Il passato
rivive
nel corpo
di forme nuove
Daniel Buren è il protagonista della settima edizione di “Intersezioni”,
la rassegna di scultura che, dal 2005, si tiene durante il
periodo estivo nel parco archeologico di Scolacium a Roccelletta di Borgia.
Il progetto dal titolo “Costruire sulle vestigia: impermanenze.
Opere in situ”, in mostra finio al 14 ottobre 2012, è stato curato da Alberto
Fiz su due sedi espositive: il museo MARCA di Catanzaro, dove
sono esposti disegni che mostrano gli aspetti strutturali, gli esiti spaziali
e le dinamiche relazionali a cui sono sottoposte le sue opere e i centri
nevralgici del sito archeologico. Ad accogliere lo spettatore, file di ulivi
perfettamente allineati, i cui basamenti circolari a bande verticali bianche
e verdi, abbracciano gli enormi tronchi, conferendo loro un aspetto
monumentale. L’artista francese, crea un’interazione tra natura, storia
e contemporaneità, evidenziata dagli inserti in plexiglass che ricoprono
la fenditura dell’abside e l’oculo della Basilica bizantina. La distanza tra
mondo antico e contemporaneo viene annullata sia dall’elementarità
plastica e spaziale della Cabane éclatée, un fabbricato caratterizzato da
pannelli metallici riflettenti e alternati a superfici piane blu, gialle, nere
e rosse, sia dalla sinergia linguistica che le 53 colonne lignee a strisce
bianche e rosse instaurano con i resti dell’antico colonnato del Foro. La
reinvenzione spaziale si coglie nella struttura in alluminio riflettente
posta al centro del Teatro, che duplica la visione offrendo nuovi scenari
e possibilità narrative.
Annamaria Restieri
Nella foto: Daniel Buren, Cabane éclatée aux 4 couleurs, 2012
Parco Archeologico di Scolacium
di GIUSEPPE DI MURO
molto Venezia perché è unica. Ma Napoli in
qualche modo rappresenta forse meglio di ogni
altra città l’idea stessa che ha animato questa
Biennale. Un luogo ideale, un “Common
«Amo
Ground” dove le bellezze della natura e la ricchezza
della cultura hanno sempre dovuto fare i conti con le contraddizioni
e i conflitti, più o meno violenti, della società». Così conclude
l’intervista che l’architetto londinese David Chipperfield (1953), direttore
della tredicesima Biennale d’Architettura di Venezia, ha rilasciato
a Stefano Bucci ed apparsa sulle colonne della “Lettura” supplemento
domenicale del “Corriere della Sera”.
La città di Partenope per le sue contraddizioni, gli accesi conflitti sociali,
ma anche per le sue bellezze e la vivacità culturale, esplicita sinteticamente
il tema scelto da Chipperfield sul quale ha chiamato a
confrontarsi sessantasei progetti realizzati da architetti, fotografi, artisti,
critici e studiosi. Il “Common Ground”, ossia il terreno comune dell’architettura,
potrebbe essere quindi, il prendersi cura della bellezza del
mondo costruendo con dignità e collettiva responsabilità. Ciò guardando
al destino del paesaggio, al riuso e ad un futuro sostenibile, così
come nell’utopia teorica di William Morris ben chiarita in L’arte e la
bellezza della terra (1881). Una scelta di campo oramai obbligata e
che necessariamente deve puntare al recupero dell’intesa tra professione
e società, riconsiderando interlocutori privilegiati i cittadini e i
molti partecipanti al processo di costruzione della città.
David Chipperfield, in conferenza stampa – la prima è stata organizzata
alla Facoltà di Architettura di Valle Giulia –, presentando il tema
scelto ha invitato gli architetti a lasciare a casa Narciso e a focalizzare
l’attenzione sulle preoccupazioni e sui dubbi che l’architettura vive in
questo momento, così particolare per l’intero sistema, per il globale
processo di sopravvivenza. «Cerchiamo di capire, ha affermato, come
il lavoro degli architetti incide sulla società, al di là dei personali percorsi
professionali. Raccontate le vostre ansie, non mostrate solo le vostre
glorie». L’invito è a lasciare nei propri cassetti «i vostri landmark e portate
un vostro contributo personale alla definizione di un programma
innovativo che dimostri che l’architettura è una disciplina collettiva».
Ideali sui quali l’architetto inglese ha costruito la sua identità e la sua
fama internazionale, pensando all’architettura come disciplina che si
interroga sugli elementi che la compongono, ma anche sulle finalità
che persegue, sui vincoli che la condizionano, sugli strumenti con cui
Calatrava disegna
la struttura
nello spazio
La trasposizione dal progetto
esecutivo a quello cantierabile
DI ANTONIO GIULIANO
Nessun particolare significato dovrebbe essere collegato al nome di una città (R. Musil)
In Laguna le forme
della tredicesima
Biennale
di Architettura
“Common Ground”, terreno comune
per riaffermare una cifra
culturale costituita non solo
da singoli talenti ma anche
da un ricco patrimonio di idee
differenti riunite in un’unica storia
essa agisce nei luoghi, negli spazi, nelle “architetture”. Molti degli invitati
hanno risposto presentando proposte originali e installazioni realizzate
espressamente per questa Biennale, coinvolgendo e condividendo
il proprio progetto con altri colleghi, proprio nello spirito del
“Common Ground”. In mostra a Venezia, dallo scorso agosto, 118
presenze le cui opere disegnano un unico percorso espositivo distribuito
su 10mila metri quadri che, dal Padiglione Centrale ai Giardini va
all’Arsenale. Ai Giardini oltre ai 29 padiglioni storici dei Paesi stranieri,
sono stati allestiti il Palazzo delle Esposizioni e l’ex Padiglione Italia, al
cui interno l’ala Pastor è stata completamente ristrutturata per fare
posto alla nuova sede della Biblioteca dell’Archivio Storico delle Arti
Contemporanee (ASAC). Si tratta di uno straordinario allestimento che
offre elevati standard di consultazione, con attrezzate sale di lettura per
il pubblico. Il Padiglione Italia (ampliato da 800 a 1.800 mq), che si af-
«L
a scultura è alla base della mia ricerca
formale, al servizio sia della mia architettura
che della mia ingegneria», Santiago
Calatrava, architetto-ingegnere catalano.
Lavorando con materiali più diversi, dal
marmo all’ebano, dall’argento alla ceramica,
ha realizzato opere che sembrano anticipare
i suoi progetti, dalle piccole unità statiche di
grande eleganza e raffinatezza, ad arditi
frammenti di materiali pesanti che sfidano
le leggi dell’equilibrio.
Santiago Calatrava archistar del movimento
contemporaneo capace di controllare
e mettere a sistema la componente
statica e quella estetica, realizzando opere
senza limitazioni linguistiche ed espressive. I
simboli della sua architettura sono le infrastrutture,
ed in particolare ponti progettati
in tredici paesi dei Mondo, tra i quali: ponte
Alamillo (Siviglia, 1992), ponte Alameda
(Valencia, 1995), ponte De La Mujer (Buenos
Aires, 1998). Tra gli ultimi il ponte pedonale
della Costituzione a Venezia, opera
nella quale la struttura è portata al limite e
“messa a nudo”, evidenziandone l’elevata
componente estetica. Nel 2008 è stato inaugurato
il quarto ponte del Canal Grande di
Venezia, dopo quello dell’Accademia, di
Rialto e degli Scalzi, il ponte della Costituzione
che collega piazzale Roma con la stazione
ferroviaria Venezia – Santa Lucia.
La forma del ponte, lungo 81 metri e altezza
massima 10 metri, è ad arco ribassato,
scelta che implica un sistema di sostegno
con forti spinte laterali sulle sponde, distribuite
in direzione tangenziale al terreno e
non perpendicolarmente, scelta che ha
comportato una fondazione composta da
un plinto sotterraneo e da una parte fuori
terra a forma di cuneo.
Ulteriore complicazione del sistema statico
di scarico è data dal disegno della pianta che
si allarga al centro (larghezza da ml 6,00 a
ml 9,00), scelta che consente la sosta ai pedoni
senza intralciarne il passaggio.
La struttura del ponte è costituita da una
serie di elementi tubolari in acciaio, che uniti
ricordano la costolatura di una “spina dorsale";
le 74 vertebre sono di dimensioni diverse
e sono state saldate fra loro in tre
“conci” distinti. I materiali utilizzati sono
l’acciaio, verniciato rosso, per la struttura; il
vetro, la pietra d’Istria e Trachite Grigia Classica
di Montemerlo per i pavimenti; il vetro
e l’ottone per i corrimano, all’interno sono
stati installati dei led.
La realizzazione del progetto di Calatrava
ha incontrato molte difficoltà a partire dalla
cifra stanziata in seguito all’appalto (vinto a
ribasso), che successivamente è quasi quadruplicata.
I problemi sopraggiunti nel corso della
realizzazione dell’opera sono sostanzialmente
quattro e sono a stretto contatto con
l’incapacità previsionale di alcuni attori coinvolti:
“stato geologico dei muri di sponda”,
architettura
faccia da un lato sulle Gaggiandre e sulle Tese cinquecentesche e dall’altro
sul Giardino delle Vergini, è stato “rimmaginato” dall’installazione
paesaggistica a firma dello studio inglese Gustafson-Porter.
Diciotto gli eventi ufficiali e le mostre collaterali accolte in città, proposti
da enti e istituzioni nazionali e internazionali. Con il taglio etico
suggerito dal tema di quest’anno, si torna quindi a parlare di architettura,
spiega Paolo Baratta, presidente della Biennale, per sostenere gli
architetti ad uscire dalla crisi d’identità che stanno vivendo e, al tempo
stesso, offrire al pubblico la possibilità di guardare dentro l’architettura,
renderla familiare e scoprire che a essa si può chiedere qualcosa,
creando un’interazione pronta ad individuare e a “risolvere” le esigenze
di organizzazione dello spazio in cui viviamo. Il contributo che
la Biennale può dare, continua Baratta, è rimediare allo scollamento tra
architettura e società civile. Nella kermesse veneziana un ruolo determinante
è quello offerto dai Padiglioni delle 55 Nazioni partecipanti,
con mostre che rispondono alle prospettive di curatori diversi. Per la
prima volta sono presenti i Padiglioni dell’Angola, della Repubblica del
Kossovo, del Kuwait e del Perù. Il Leone d’Oro alla carriera è andato all’architetto
portoghese Álvaro Joaquim de Melo Siza Vieira, meglio
noto come Álvaro Siza (1933): riconoscimento che non è un atto dovuto
a uno degli interpreti più noti dell’architettura contemporanea,
bensì il riconoscimento collettivo, di un’intera vita dedicata totalmente
all’architettura come pratica artistica, come interpretazione soggettiva
e critica del mondo. Riconoscimento che si affianca ai successi avuti in
occasione di concorsi internazionali, ai numerosi premi – l’“Alvar
Aalto” e il “Pritzker” – o agli innumerevoli studi e pubblicazioni a lui
dedicati e soprattutto alle sue grandi opere in Europa: dalla ricostruzione
del Chiado a Lisbona alla Scuola di Setubal, al Museo di Santiago
di Compostela, ai quartieri residenziali in Olanda eccetera.
Eccezionale disegnatore e abile progettista ma soprattutto intellettuale
che ha avuto la capacità di resistenza in un Paese isolato culturalmente
e distrutto economicamente dalle guerre coloniali volute dall’ultimo
regime fascista. Il Leone d’Oro alla carriera è stato istituito nel 1996, e
conferito in quell’edizione a Oscar Niemeyer assieme a Ignazio Gardella
e a Philip Johnson; poi negli anni è andato a Renzo Piano, a Paolo
Soleri, a Jørn Utzon, a Richard Rogers nel 2006, allo storico James Ackerman,
a Frank Gehry nel 2008 e, di recente a Rem Koolhaas e Kazuo
Shinohara.
Nella foto in alto: Sede di Piquadro a Silla di Gaggio Montano (BO)
progettata dall'architetto Karim Azzabi
molto più fragile del previsto (risultato di
un’indagine tardiva); “inadeguatezza della
soluzione strutturale del ponte”, con la conseguente
necessità di irrobustire alcune
parti; “ritrovamento di reperti archeologici”;
“assenza di soluzioni di fruibilità da parte dei
disabili”, problema risolto con l’installazione
di un’ovovia, elemento costato € 1.043.
603,04. Le responsabilità del ritardo e dell’aumento
dei costi è stato attribuito di volta
in volta ai differenti attori del processo progettuale.
Questo è solo uno dei tanti esempi che ci
impone un atteggiamento diverso nel rapporto
tra ideazione e realizzazione, portando
a dare una nuova interpretazione al passaggio
dall’idea progettuale al governo dei diversi
saperi tecnici, aggiungendo un ulteriore
livello di progettazione dopo quello esecutivo,
la progettazione cantieristica.
Il progetto esecutivo non dà “informazione”
sufficienti per la completa cantierizzazione
dell’opera e per l’organizzazione del
processo costruttivo, fornendogli scarsi strumenti
di controllo; l’ingegnerizzazione del
progetto è la trasposizione analitica del rapporto
tra la tipologia di lavoro ed il tempo di
esecuzione, che consente di determinare i
vari punti della corretta collocazione spaziotemporale
del cantiere.
Nella foto: Santiago Calatrava
Ponte della Costituzione, 2008, Venezia
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 23

scritture
Etica ed estetica sono tuttʼuno (L. Wittgenstein)
Un’etica per il mondo globalizzato
L’alleanza di filosofia e religione per un futuro pacifico, equo e sostenibile
di ERWIN BADER*
Nell’ambito dell’etica, ossia
di quel sapere che è alimentato
dalla consapevolezza
dei principi morali,
filosofia e religione si incontrano.
È proprio in forza di principi
universalmente applicabili che nel 1993,
a Chicago, Hans Küng insieme ai rappresentanti
del “Parlamento delle Religioni
del Mondo”, ha discusso e
formulato un ethos che superi le differenze
più significative tra le diverse confessioni
religiose. La sintesi di questi
principi costituisce la Dichiarazione di
un’etica globale. Si tratta di un documento estremamente stimolante
anche per ripensare lo stesso compito attuale della riflessione
filosofica. La questione fondamentale dell’etica è bene espressa
dalla domanda kantiana: «Che cosa devo fare?». La risposta di
Kant, nella sua formulazione più concisa, è: «agisci in modo che la
massima della tua volontà possa valere come principio di una legislazione
universale». Ossia, i principi etici in base ai quali il singolo
agisce, devono corrispondere a principi universali. Peraltro, risulta
intuitivamente evidente che il riconoscimento della dignità intrinseca
di ciascuna persona e di diritti uguali e inalienabili per tutti i
membri della famiglia umana è il fondamento della libertà, della
giustizia e della pace nel mondo. Ci si potrebbe spingere a riformulare
la risposta all’interrogativo kantiano in questo modo: «agisci
in modo che i principi del tuo ethos possano essere riconosciuti
da ogni abitante del pianeta come i principi di un’etica universale».
Tale ethos universale è la “regola aurea”, ricercata da tempo immemorabile,
in grado di unire tutte le tradizioni religiose e culturali
del mondo.
Un ethos per il mondo intero
Già Niccolò Cusano, che considerava l’etica dal punto di vista del
diritto naturale, osservava che i principi morali sono essenzialmente
identici in tutte le religioni. Se la giustizia e la reciprocità sono due
fondamenti dell’etica, le religioni - a dispetto delle loro differenze,
in particolare di culto – risultano simili sul piano morale. L’etica globale
non è altro che lo sviluppo moderno di questa consapevolezza.
Grazie ai grandi incontri interreligiosi sta avanzando la consapevolezza
dell’esigenza di un ethos globale riconosciuto. Il processo che
investe il nostro mondo tecnicamente ed economicamente globalizzato,
con le sue opportunità e i suoi problemi, e le attuali minacce
per la sopravvivenza del pianeta, rendono essenziale la
riaffermazione di un ethos comune. È la prima volta che sulla terra
vengono poste le basi per la nascita di una umanità pacifica. «L’ordine
planetario ha avuto già luogo», ebbe occasione di affermare
Ernst Jünger, e riferendosi a ciò il filosofo del diritto René Marcic ha
osservato che per prepararsi a questo ordine esistente è necessario
«il suo riconoscimento, la sua dichiarazione». Tale riconoscimento
giuridico è la Dichiarazione dei diritti umani delle Nazioni Unite, che
ha ricevuto la sua base pratica, il suo fondamento etico, con la Dichiarazione
di un’etica globale. Quest’ultimo documento prende le
mosse dal progetto lanciato da Hans Küng nel 1990. Se si vuole, la
filosofia diviene in tal modo sapere pratico e acquista il potere di
plasmare la realtà.
Elogio dell’invettiva
e dell’insulto
Regole per polemizzare
senza risultare sgradevoli
nelle diatribe quotidiane
di LUCIA D’AGOSTINO
24 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
È possibile la pace nel mondo?
La pace è una condizione osservabile dall’esterno, ma che richiede
un requisito interiore, spirituale ed etico. Per la realizzazione vera e
propria di un mondo pacifico è dunque necessaria un’istanza morale.
Senza etica non vi è giustizia e non vi è pace. L’ethos è un bene
spirituale, ma un bene spirituale esiste solo quando si manifesta, cioè
si realizza in azioni concrete e visibili. La Dichiarazione di un’etica globale
richiede perciò una estensione a tutti gli esseri umani e le sue
norme devono essere applicabili reciprocamente. L’adesione incondizionata
e coerente a questi principi risiede nella coscienza degli individui.
La Dichiarazione pertanto non è efficace perché è emanata
da un’autorità, come una direttiva statale, bensì perché i valori etici
in essa contenuti e le sue strutture logiche si presentano come evidenti,
e soprattutto perché attraverso essa le persone si impegnano
in modo coerente ad affermare le istanze espresse nei loro antichi valori.
In tutte le scuole del mondo dovrebbe essere insegnata un’etica
globale e ogni anno in tutto il mondo dovrebbe esser consacrata una
giornata ai diritti umani. Pierre Teilhard de Chardin ha affermato che
l’ordine planetario è presente nell’unità futura del genere umano.
D’altra parte, però, vi sono molte obiezioni possibili e molte esperienze
negative che possono far dubitare che il genere umano raggiunga
mai una tale unità.
invettiva, proprio per la sua natura e
L’ il suo utilizzo nel discorso, chiama in
causa la letteratura, dove questa figura
retorica è – ed è stata – utilizzata non soltanto
nei suoi tratti polemici, puramente
negativi, ma anche nella sua accezione
costruttiva, poiché è pur sempre attraverso
parola che spesso i contrasti trovano
la loro composizione.
Tuttavia nella società contemporanea,
in cui i mezzi di supporto all’espressione
polemica sono più immediati e diretti –
come giornali e new-media –, è altrettanto
vero che l’invettiva si manifesta
senza alcuna regola, trasformando molto
facilmente l’attacco in una pura offesa.
Ci viene in aiuto, allora, un libello di piacevolissima
e agile lettura di Liang Shiqiu
dal titolo La nobile arte dell'insulto, pubblicato
da Einaudi e curato da Gianluca
Magi con prefazione di Michele Serra.
Perché se non si è perso l’uso, e il
gusto, dell'invettiva per contrastare le ingiustizie
e i disagi di una società complessa
come quella in cui viviamo, sono
andati scemando i principi basilari per polemizzare
ad un livello che non scada nel
turpiloquio. L’intento ultimo di questa
trattazione secondo Liang Shiqui, giornalista
e traduttore (Pechino1902-Taipei
1987), è che «l’insulto si fonda sul principio
etico per cui ci si dovrebbere rendere
conto se una persona meriti o meno
Etica mondiale o caos
di essere insultata». Già questo apre un
mondo altro sullo stile e la filosofia di vita
orientale in cui le tattiche di scontro sono
basate sulla sottrazione di azioni e parole
L’introduzione alla Dichiarazione, cioè al documento di base
dell’etica globale, inizia con i risultati scioccanti di un sondaggio:
«Il mondo è in agonia. L’agonia è così pervasiva e urgente che
siamo costretti a denunciarla in modo tale che la profondità di
questo dolore possa essere chiara. La pace ci sfugge, il pianeta
viene distrutto, i vicini vivono nella paura, le donne e gli uomini
si sono allontanati gli uni dagli altri, i bambini muoiono. Tutto ciò
è terribile! Noi condanniamo lo sfruttamento dell’ecosistema». È
indubbio il disorientamento generale; la capacità di distinguere
giusto e sbagliato sembra essersi persa. Si assiste ad una assenza
di “etica vissuta”. Viviamo una crisi economica globale, una crisi
finanziaria, una crisi ecologica, e non da ultimo anche una crisi
politica. Si ha l’impressione oggi, soprattutto in Europa, che molte
persone non vogliano avere nulla a che fare con la religione cristiana
e la sua etica, in particolare con la sua promozione della responsabilità
sociale. La non-virtù sembra essere la nuova virtù, ha
scritto di recente Heiko Ernst. Si ha l’impressione che le massime
basate sulle ultime tendenze della speculazione finanziaria siano
dominanti nel mondo.
Dal punto di vista filosofico ed etico un’economia stabile non
può di certo basarsi sull’avarizia, sull’invidia e sul vizio. Piuttosto,
l’“amorale” tendenza a massimizzare i profitti, indipendentemente
dall’ambiente e dalle esigenze dei poveri conduce alla distruzione
dell’ambiente, all’ingiustizia e, infine, al caos. Tutte le
strutture economiche che non contribuiscono all’erosione ma sviluppano
e mantengono la nostra esistenza si basano esclusivamente
su un’etica vissuta, che presuppone un’economia attiva,
ma non inquinata dalla corruzione e dalla speculazione come accade
oggi. Le regole fondamentali menzionate dalla Dichiarazione
di un’etica globale, corrispondono non soltanto ai precetti
giudaico-cristiani, ma esprimono in modo ottimale anche le convinzioni
di coloro che sono religiosamente neutrali. Ora, vi è la
necessità di diffondere il riconoscimento di queste regole, in
primo luogo presso le persone che hanno responsabilità pubblica,
poi mediante una loro concretizzazione formale. Si arriverà a questa
unità o rimarrà la disunità che conduce alla guerra e alla distruzione?
Senza un ethos comune che rispetta i valori
fondamentali di tutte le religioni e delle scuole di pensiero non religiose,
non è possibile alcuna riforma della società globale, dell’economia
e della politica. Questo richiede anche un dialogo
sincero tra le religioni nel rispetto della rispettiva tradizione religiosa,
ma nella consapevolezza che la loro motivazione e forza
proviene soprattutto dalla capacità di rispondere alle preoccupazioni
comuni e alle urgenze etiche. Non c’è pace mondiale senza
pace religiosa, non c’è pace religiosa senza dialogo tra le religioni.
L’etica globale è naturalmente in continuo mutamento, sempre
nuove idee sono incluse in essa, tuttavia la base resta la stessa. La
questione centrale è il reciproco riconoscimento e la pari dignità
di tutte le persone e la necessità di una reciproca considerazione,
senza distinzione di razza, religione, sesso o età. Senza un generale,
globale riconoscimento di quei valori che sono affermati in
un’etica globale, la sopravvivenza dell’umanità non è affatto garantita.
*Professore di filosofia all’Università di Vienna
(traduzione dal tedesco di A. M. Vitale)
non strettamente necessarie, e, addirittura,
sui silenzi. Mettere a proprio agio
l’avversario evitando che si renda conto
dall’inizio che lo si sta criticando, in modo
tale che il suo viso «viri dal bianco al
rosso, dal rosso al violaceo, infine dal violaceo
al grigio plumbeo. Questo è il più
alto grado nell’arte dell’insulto».
È importante una ironia sottile e un
umorismo caustico, oltre che una buona
dose di conoscenza di se stessi e degli
altri. Poiché bisogna anche sapersi ritirare
quando la situazione lo richiede ed è irrimediabilmente
compromessa. Regole
come quella di servirsi «di espressioni e
maniere eleganti […] in una lingua infinitamente
sottile il cui senso rimanga implicito»,
stemperano i “bollenti furori”,
così frequenti nelle diatribe odierne, con
grazia e leggerezza.
Perché il principio generale è quello di
riflettere «almeno un istante prima di insultare
qualcuno», e, soprattutto, di
avere sangue freddo e contegno pacat,o
perché, afferma Shopenauer ne L’Arte di
insultare (Adelphi), citando Vincenzo
Monti: «Le ingiurie assomigliano alle processioni
religiose: ritornano sempre al
luogo onde sono partite»
Liang Shiqui, La nobile arte dell’insulto
curato da Gianluca Magi
edizioni Einaudi
L’Austria
degli anni Trenta
crocevia
di culture
Un volume su filosofia
politica, arte
tra le due guerre
di FRANCESCO ALIBERTI
La sensazione di vivere in un’età di transizione, non
costituisce un fatto inedito. È dalla fine del XIX secolo
che si susseguono fasi di intensa riflessione sul tema
della decadenza. Ogni epoca di passaggio impone un
conflittuale interrogarsi sulla possibilità di un nuovo
ordine di senso e sulla pertinenza delle responsabilità al suo interno:
è ciò che accade un secolo fa a Vienna, capitale di uno
stato sovranazionale multietnico, erede nello spirito della civitas
romana e capace di accogliere al suo interno la diversità antropologica
e culturale delle genti tedesche, magiare, slave, latine.
Motivati da destabilizzanti insorgenze di ordine nazionalistico,
intellettuali e politici furono chiamati da un profondo senso di necessità
storica a riflettere sul destino dell’Impero asburgico, e
dopo l’abdicazione di Carlo I e la proclamazione della repubblica,
ritennero opportuno proseguire il loro impegno per il perseguimento
della stabilità, principio determinante anche in un ordinamento
repubblicano per far fronte alla minaccia del
totalitarismo. L’Anschluss, l’annessione alla Germania nazista, e
la seconda guerra mondiale travolsero la repubblica ma l’eredità
degli anni Trenta non andò perduta e finì per caratterizzare le
più disparate visioni del mondo nel XX secolo. Sulla Vienna tra
le due guerre, la cui ricchezza culturale è ben rappresentata da
figure quali quelle di Robert Musil, Ludwig Wittgenstein, Oskar
Kokoschka, Arnold Schönberg, Karl Kraus, getta ora luce il volume
curato da Francesco Saverio Festa, Erich Fröschl, Tommaso
La Rocca, Luigi Parente, Giusi Zanasi Das Österreich der dreißiger
Jahre und seine Stellung in Europa, pubblicato dall’editore Peter
Lang. Esso raccoglie i contributi di studiosi europei che hanno
indagato aspetti diversi di quella straordinaria vicenda storica,
dalla filosofia alla letteratura, dalla musica alla politica. La psi-
SCIENZA E FILOSOFIA. Gli errori di Darwin
Ripensare
l’evoluzione
naturale
La selezione
casuale e il progetto
intelligente
La selezione naturale è il meccanismo
con cui avviene la differenziazione delle
specie e mediante il quale si ha un progressivo
e cumulativo aumento della frequenza
degli individui con caratteristiche
ottimali per l'ambiente. Gli individui di una
stessa specie si differenziano l'uno dall'altro
per il “genotipo” (patrimonio genetico di
un individuo) e per i caratteri morfofisiologici.
La teoria della selezione naturale sostiene
che in seguito alle mutazioni genetiche
casuali che si manifestano nelle generazioni
successive, vengano favorite,
“selezionate”, quelle mutazioni che conducono
gli individui ad avere caratteristiche
più vantaggiose in determinate condizioni
ambientali, individuando così un vantaggio
adattativo in termini di sopravvivenza
e di riproduzione. Massimo Piattelli
Palmarini e Jerry Fodor, nel volume Gli errori
di Darvin (Feltrinelli, Milano), cercano
di “smontare” alcuni assunti fondamentali
della teoria della selezione naturale. Escludendo
la possibilità, come dimostrano le
recenti ricerche nel campo della biologia
molecolare e della genetica, che le variazioni
genetiche siano dovute all’ambiente,
vie- ne messo in discussione anche il loro
carattere aleatorio. Escludere la casualità,
non significa tuttavia per Piattelli Palmarini
e Fodor sposare l’idea di un “progetto intelligente”.
Essi sono infatti convinti che
una teoria «pienamente naturalistica» sia
altrettanto «pienamente ateista»: nel mi-
gliore dei casi Dio è un illusione, nel peggiore
è una superstizione. Ora, chi sostiene
l’equazione tra naturalismo e ateismo, lo
fa oggi proprio avvalendosi di quel modello
della teoria dell’evoluzione che Palmarini
e Fodor sottopongono a critica. Se
infatti il caso non è così preminente nell’evoluzione
dei viventi, allora tutte le argomentazioni
della non esistenza di Dio
che si fondavano sulla origine casuale delle
forme viventi crollano. Proprio su questa
base, non è convincente l’assunto, sostenuto
da Palmarini e Fodor, che il naturalismo
debba necessariamente condurre
all’ateismo. Un tale assunto, a ben vedere,
non è verificabile scientificamente. La verità
scientifica si fonda su ipotesi che, come
dimostra anche questo volume, possono e
devono di volta in volta essere revisionate
e magari anche contraddette dalle nuove
scoperte. La modalità responsabile di chi
fa ricerca scientifica dovrebbe essere di
specificare che il professato ateismo è una
congettura, non invece spacciarlo come
frutto della ricerca scientifica. Potrebbe altrimenti
sorgere il dubbio che quello che si
propaganda come verità scientifica non è
un servizio reso alla scienza, ma è un’altra
forma di quel fondamentalismo e settarismo
che la scienza stessa intende combattere.
Alfonso Salvatore
Nella foto: Massimo Piattelli Palmarini
coanalisi, a cui è dedicato un saggio di Marcella d’Abbiero, irrompe
nel dibattito culturale costringendo a tener conto della
realtà inconscia in quanto autentico campo delle pulsioni dell’io;
la riflessione filosofica di Wittgenstein, su cui si sofferma Michele
Ranchetti, si concentra sull’analisi del linguaggio. Una intera sezione
è dedicata alle straordinarie esperienze letterarie: dalla
nuova immagine dell’uomo che emerge ne L’uomo senza qualità
di Musil, sino alla potente ironia di Kraus. Alla seconda scuola
musicale viennese di Schönberg, Alban Berg e Anton Webern è
dedicato un bel saggio di Enrica Lisciani Petrini. Significativa è la
ricostruzione di Flavia Monceri dello sforzo dei teorici delle
scienze sociali per la comprensione dell’idealtipo umano che la
sociologia presuppone. Sul piano politico, la cui importanza è
sottolineata da Francesco Saverio Festa, emergono elaborazioni
di pensiero all’altezza dei tempi nuovi: dall’individualismo liberale,
a cui sono dedicati i contributi di Dario Antiseri e Raimondo
Cubeddu, al socialismo austromarxista, su cui si soffermano Nicolao
Merker, Tommaso La Rocca, Arno Münster, fino al cattolicesimo
politico, approfondito nei saggi di Erwin Bader e Angelo
Maria Vitale. Tutti tentativi di ripensare in Europa la civitas maxima
imperiale come compagine plurinazionale e sovranazionale
capace di preservare contenuti politico-istituzionali il più possibile
condivisi. Arricchiscono il volume una tavola rotonda, in cui appaiono
tra gli altri interventi di Biagio De Giovanni, Mario Tronti,
Ugo Perone e una sezione di testimonianze, che si apre con un
ritratto dell’attivista politico antinazista Hugo Pepper, sapientemente
tracciato da Erich Fröschl.
In alto: Oskar Kokoschka, Veduta di Vienna
(part.) 1931, Kunsthistorisches Museum
filosofia/estetica
Etica ed estetica sono tuttʼuno (L. Wittgenstein)
Convegni. Sulla filosofia del bello e dell’arte
L’estetica dell’Occidente
tra tarda antichità e Rinascimento
La storia della filosofia dell’arte presenta un profilo particolarmente complesso.
Essa si intreccia infatti, in modo inestricabile, con la storia della
cultura, delle produzioni artistiche e del pensiero dell’Occidente. A questa vicenda,
ai suoi molti volti, è dedicato il Convegno dal titolo “L'estetica nell’Occidente
tardo-antico, medievale e umanistico” che si terrà presso
l’Università di Salerno dal 17 al 19 dicembre 2012, promosso dal Dottorato
di ricerca in “Filosofia, scienza e cultura dell’età tardo-antica, medievale e
umanistica”. L’articolazione del
tema si estende ad argomenti
relativi alla filosofia del bello e
dell'arte tra la tarda-antichità
greca e l’età dell’Umanesimo e
del Rinascimento. Della storia
dell’estetica in questo assai
ampio spettro temporale e culturale
verranno presi in esame
molteplici aspetti e problemi.
Dalla tradizione neoplatonica,
che ha in Plotino e Proclo i suoi
punti di riferimento, alla riflessione
di Agostino e dei Padri
della Chiesa; dalla lunga stagione
del pensiero medioevale,
nella quale spiccano le
figure di Anselmo d’Aosta, di
Tommaso d’Aquino, di Giovanni
Duns Scoto, fino alle
concezioni di epoca rinascimentale.
Della straordinaria esperienza speculativa dell’Umanesimo e del
Rinascimento saranno portate alla luce le riflessioni di Leon Battista Alberti,
maturate in stretto rapporto con le sue esperienze nell’ambito dell’architettura;
di Agostino Nifo; di Egidio da Viterbo, una delle personalità più influenti
nel mondo culturale e artistico del Cinquecento, legato a poeti come
Giovanni Pontano e Iacopo Sannazaro, e a pittori come Michelangelo e Raffaello.
Il convegno vedrà la partecipazione di studiosi provenienti da università
italiane ed europee. Tra questi: Giulio d’Onofrio (Università di
Salerno), Anca Vasiliu (Université Paris IV Sorbonne), Alessandro Ghisalberti
(Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano), Armando Bisogno (Università
di Salerno), Leonardo Sileo (Pontificia Università Antonianum), Concetto
Martello (Università di Catania), Michele Abbate (Università di Salerno),
Alessandro Musco (Università di Palermo), Valeria Sorge (Università di Napoli
Federico II), Giovanna Giardina (Università di Catania).
Francesco D’Agostino
Due scritti di Vladimir Jankelevitch. L’uomo fra temporalità e finitudine
L’irripetibilità dell’esistenza umana
di LORENZO DE DONATO
Sono stati pubblicati da Einaudi
due testi del filosofo
francese Vladimir Jankelevitch
Il non-so-che e il
quasi-niente e Da qualche
parte nell’incompiuto (una intervista
fattagli dall’allieva e scrittrice Béatrice
Berlowitz), curati e introdotti da
Enrica Lisciani Petrini. Jankelevitch,
filosofo ebreo di origine russa naturaliz-
zato francese, scomparso negli
anni ottanta, pensatore originale e
indipendente, difficilmente inquadrabile
in una corrente filosofica, si
è occupato di musica e critica musicale,
ma ha anche elaborato una visione
del mondo che costituisce una
vera e propria filosofia della quotidianità,
una filosofia dell’esistenza in
cui ogni essere umano, riflettendo
sulla propria vita e sul proprio esistere,
può riconoscersi. Il filosofo
francese muove dall’idea bergsoniana
che l’esistenza sia durata, flusso
temporale, divenire in continuo
mutamento e in continuo movimento
in cui è impossibile individuare il
principio primo della realtà o l’essenza
ultima delle cose. La conclusione
di tale ragionamento è che
tutto - la realtà, la vita umana - sia
imperscrutabile, ineffabile, sfuggente,
e proprio per quest’assenza di regole
e sistemi normativi l’uomo ha
totale libertà nell’agire e piena responsabilità
delle proprie azioni:
l’ineffabile quindi non è l’effimero,
poiché non conduce al relativismo e
allo scetticismo, ma ad un possibile
impegno anche sul piano etico e politico.
Si tratta di una “leggerezza”,
per parafrasare lo scrittore Milan
Kundera (che in un suo romanzo incarna
la filosofia di Jankelevitch senza
citarlo), che a lungo andare diventa insostenibile
e si trasforma in “pesantezza”.
Quella di Jankelevitch è anche
una filosofia della parola, perché l’autore
ebreo gioca con le parole, attua
una moltiplicazione e variazione di parole
ed espressioni, quasi dei giochi linguistici
volti a cercare di cogliere e
capire questo ineffabile che è il nostro
stare al mondo, il nostro esistere. Il
«non-so-che» indica la temporalità, la
finitudine dell’uomo, la morte. La
morte è un’esperienza eccezionale e
misteriosa, è letteralmente inesperibile,
è cioè un’esperienza che non si
può vivere se non morendo. Un
qualcosa di assolutamente irrevocabile
e irreversibile. Jankelevitch si occupa
della vita concreta, delle esperienze,
del vissuto di ognuno di noi,
dell’ineffabilità, dell’indescrivibilità
del nostro esser vivi. È per questo
che nel suo pensiero troviamo amalgamati
Dostoevskij, Proust, Montaigne,
Pascal, Rilke, Baudelaire, la poesia,
la musica, poiché sono tutte suggestioni
che aiutano a completare
questa nostra incompletezza. Il tempo
scorre inesorabile, la vita è irreversibile,
noi esseri umani siamo
creature consumate dal tempo: Jankelevitch
riflette anche su questo,
sull’attimo, sull’istante, sull’occasione,
mediante la nozione di «maipiù».
Ogni cosa avviene soltanto una
volta e mai più, ciò che si è vissuto
una volta non lo si potrà mai più rivivere.
Il «mai-più» consiste nell’unicità
e irripetibilità di ogni singolo
momento della nostra esistenza e
nell’infinita nostalgia che cala su di
noi per ciò che di unico e irripetibile
abbiamo vissuto. Altro concetto portante
è il «quasi-niente»: la vita non
è né essere, né non-essere, ma un
sentiero di mezzo, un qualcosa di intermedio,
cioè il divenire, una ontofania
continua, il manifestarsi continuo
e ininterrotto dell’essere. Jankelevitch
ci parla dunque della categorica
unicità di ogni istante della
nostra vita e della sua splendida e
terribile irripetibilità e irreversibilità.
Nella foto: Vladimir Jankelevitch
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 25

cinema
Il modo migliore di guardare un film è quello di farlo diventare unʼesperienza personale (M. Antonioni)
Escluso dai Premi Spring Breakers
di Harmony Korine
Il cinema
che (non) vince
Èdifficile che a un festival del cinema – per di più, se importante
come quello di Venezia – si possa riscontrare
unanimità assoluta sul verdetto della giuria nell’assegnazione
del Leone d’Oro. Perfino l’anno scorso, quando il
terremoto sublime del Faust di Sokurov scosse il Lido negli
ultimi giorni della rassegna, svettando altissimo su tutti gli
altri film in concorso, alcuni spettatori e alcuni giornalisti
rimasero legati a visioni precedenti, scettici sulla maestà
assoluta di un film epocale. Ancora, c’è chi, a due anni di
distanza, non ha finito di rammaricarsi per la vittoria di
Somewhere nel 2010; oppure, data la presenza in concorso
di Bella addormentata di Marco Bellocchio, è tornato
d’attualità il torto da lui subito nel 2003, quando
Buongiorno, notte era effettivamente meritevole del massimo
riconoscimento ma dovette accontentarsi del premio
alla sceneggiatura. Quest’anno, la giuria presieduta
da Michael Mann, ha deciso di premiare Pietà di Kim Kiduk,
non il migliore in concorso, nonostante alcune innegabili
qualità, dovute alla sapienza di un regista che
infonde un personal touch in ogni film che realizza. Almeno
altri quattro o cinque autori avrebbero meritato il
Leone al posto del cineasta coreano: Assayas, con il suo
Après Mai, ha vinto il Leone per la sceneggiatura, Ulrich
Seidl ha ricevuto il Gran Premio per Paradies: Glaube (attaccato
da Militia Christi), a Paul Thomas Anderson è andato
il Leone d’Argento per The Master (attaccato, invece,
da Scientology), Mendoza è stato ignorato, come pure il
sorprendente Betrayal di Kirill Serebren- nikov. Ma è grave
che questa giuria abbia sprecato la chance di consacrare
un nuovo autore e, con lui, un modo autenticamente
‘contemporaneo’ di fare cinema: parlo di Harmony Korine,
e del suo Spring Breakers. In uno dei padiglioni del
palazzo del Casinò, Paolo Mereghetti, incontrato di corsa
tra una proiezione e l’altra, metteva sull’attenti: “Non cascateci”.
Eppure, questo film ha elementi estetici che
Mann avrebbe potuto apprezzare, e una certa distanza
concettuale che, invece, è nelle corde di Garrone. La storia
si basa su un’ossatura di semplicità quasi irrisoria: le vacanze
di primavera di quattro dissolute studentesse
americane, intercettate da un anfitrione molto particolare,
il rapper-gangster-dj-spacciatore Alien, interpretato da
James Franco, disinvolto con i denti di platino, la muscolatura
possente e i dreadlock. Costui coinvolge le ragazzine
in una spirale corrotta, di cui il regista predispone
avvisaglie grazie a un sapiente montaggio del suono in
cui le musiche degli Skrillex e il suono del caricatore di una
pistola punteggiano le azioni delle ragazze fin dall’inizio
del film, costruito su magistrali successioni di scene-madri,
tra le quali resterà negli annali l’esecuzione di Everytime di
Britney Spears, che a un primo impatto susciterebbe risate,
ma è invece un apologo della vacuità e dell’effimero,
dispiegato anche attraverso una sceneggiatura interamente
costruita su slang e frasi fatte.
Elio Di Pace
Nella foto in alto: James Franco è Alien in Spring Breakers
26 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
Bella Addormentata:
tra eutanasia e libertà di scelta
Dopo tante polemiche è stato presentato
alla Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia
il film di Marco Bellocchio ispirato al caso Englaro
di MANUELA NASTRI
La 69a Mostra d’Arte Cinematografica
di Venezia si è conclusa l’8 settembre
con il trionfo di Pietà del
coreano Kim Ki-duk, già vincitore di
un Leone d’Argento nel 2004, con
Ferro 3 – La Casa vuota, film che gli diede popolarità,
sebbene già da anni egli avesse conquistato
la critica internazionale. Insieme a lui,
la giuria, presieduta da Michael Mann, ha premiato
The Master di Paul Thomas Anderson
(Leone d’Argento), A Paradies: Glaube di Ulrich
Seidl (Premio speciale della Giuria), Philip
Seymour Hoffman e Joaquin Phoenix (Coppa
Volpi per la migliore interpretazione maschile),
Hadas Yaron (Coppa Volpi per la migliore interpretazione
femminile), Fabrizio Falco (Premio
Marcello Mastroianni), Olivier Assayas
(Premio per la migliore sceneggiatura), Daniele
Ciprì (Premio per il migliore contributo tecnico).
Quest’edizione, senz’altro significativa, perché
ha visto il ritorno di Alberto Barbera alla direzione
della kermesse dopo dieci anni di assenza
(in cui si sono succeduti Moritz De
Hadeln e Marco Müller), è stata, però, anche
degna di nota per il cinema italiano che, magro
di riconoscimenti di un certo rilievo (a parte Fabrizio
Falco e Daniele Ciprì), ha sfornato in
tutte le sezioni ottime produzioni, dando prova
della sua dinamicità e voglia di resistere alla crisi
economico-culturale che da anni assilla l’industria
del settore. In particolare, si è riscontrato
con piacere il ritorno ai dialetti, presenti in svariate
pellicole: il sardo in Bellas Mariposas (Salvatore
Mereu), il napoletano ne L’Intervallo
(Leonardo di Costanzo) e Il gemello (Vincenzo
Marra), il siciliano in È stato il figlio (Daniele
Ciprì), senza considerare ovviamente il romanesco
di Un giorno Speciale di Francesca Comencini
che sempre è ritenuto l’idioma ufficiale
del nostro cinema. La pellicola italiana più
attesa di quest’edizione, però, è stata Bella Addormentata
non solo perché Marco Bellocchio
è il nostro regista di punta, ma anche o soprattutto
perché già in fase di preproduzione e
produzione questo progetto ha scatenato una
polemica che ne ha messo a rischio la realizzazione.
Il film, infatti, girato in Friuli Venezia Giulia,
s’ispira alla vicenda di Eluana Englaro per
riflettere sul tema dell’eutanasia in Italia, tra libertà
di scelta, fede cattolica e legislazione.
Non è, però, un film sugli ultimi giorni di vita di
Eluana (spentasi il 9 febbraio 2009, in una clinica
di Udine, dopo diciassette anni di coma
vegetativo, a seguito dell’interruzione dell’alimentazione
forzata), né tanto meno sulla campagna
contro l’accanimento terapeutico portata
avanti da suo padre Bettino e fortemente disapprovata
dal mondo cattolico. Il caso di
Eluana fa, infatti, solo da sfondo a vari episodi
che s’intersecano: quello di un senatore del
Pdl, che ha aiutato sua moglie a morire ed ora
è in crisi di coscienza alla vigilia del voto che
dovrebbe decidere le sorti della Englaro (voto
che in effetti non ci fu, perché la donna decedette
prima che si ricorresse alle urne) tra li-
bertà di opinione e adesione alle scelte del partito;
sua figlia, attivista cattolica pro-vita è in
conflitto ideologico col padre, finché non s’innamora
di un manifestante del gruppo opposto;
un’attrice di successo (interpretata da
Isabelle Huppert) che abbandona tutto, compresi
marito e figlio, per dedicarsi anima e
corpo alla giovane figlia in coma, pregando e
aspettando fiduciosa in un miracolo; una tossicodipendente
che tenta svariate volte il suicidio,
ma viene salvata e accudita notte e giorno
da un medico che le impone, quasi, di vivere,
facendole cambiare idea. Bella addormentata,
tuttavia, sarà menzionato nella storia del cinema
italiano, prima ancora che per il suo indiscusso
valore estetico, per le tremende
invettive che ha subito durante le riprese. Istituzioni
locali, infatti, temevano che la sceneggiatura
di Bellocchio mettesse in cattiva luce il
territorio che aveva all’epoca accolto Eluana
per i suoi ultimi giorni. Questi attacchi sono durati
alcuni mesi, ma fortunatamente il cineasta
piacentino è riuscito a terminare il suo lavoro
che, come si accennava, solo trasversalmente
rinvia al fatto di cronaca (che qui viene evocato
attraverso materiale di repertorio: le news dei
tg che contestualizzano gli eventi storicamente
tra il 3 e il 9 febbraio 2009). A queste accuse
vanno, inoltre, fatte corrispondere le polemiche
in chiusura della Mostra del Cinema. In
una lunga intervista sul “Corriere della sera”
dell’11 settembre, firmata da Giuseppina
Manin, a riscontro del misero bottino della cinematografia
italiana a Venezia, si ipotizza che
i film italiani siano troppo autoreferenziali e per
questa ragione non corrisponderebbero ai
gusti di una giuria internazionale che, conseguentemente
non li apprezzerebbe abbastanza
da premiarli, preferendone altri. Sicché Bellocchio
s’innervosisce e dichiara che sarà l’ultimo
festival a cui parteciperà. Questa ipotesi è parzialmente
vera: basti ricordare che all’estero,
come al Festival di Cannes, sembrano favorite
le pellicole italiane che fanno diretto appiglio a
tematiche prettamente interne (Il Divo di Paolo
Sorrentino; Gomorra di Matteo Garrone sono
forse gli esempi più calzanti e dimostrano
come anche film autoreferenziali possano vincere
premi prestigiosi). Il caso di Marco Bellocchio
non è da meno: alcuni dei suoi ultimi
lavori, L’ora di religione, Buongiorno, notte, Il
regista di Matrimoni (qui addirittura il punto di
riferimento è il romanzo di Manzoni), Vincere,
sono strettamente legati alla storia e alla cultura
italiana e, ciò nonostante, hanno avuto
grandissimo apprezzamento da parte della critica
e del pubblico, anche fuori dei confini nazionali.
Bella Addormentata affronta i temi
dell’eutanasia, la dolce morte, l’accanimento
terapeutico, la libertà di scelta che sono questioni
che non riguardano solo l’Italia e che il
cinema ha trattato svariate volte, basti citare
Mare dentro dello spagnolo Alejandro Amenábar
o Million Dollar Baby dello statunitense
Clint Eastwood, entrambi del 2004. Solo Bel-
Nella foto in alto:
Toni Servillo
e Alba Rohrwacher
Sopra tre immagini di
Bella Addormentata
locchio avrebbe potuto raccontare questa storia,
affrontare questa tragedia umana con
tanta delicatezza e commozione. Effettivamente,
per quanto il regista possa ispirarsi a un
caso di cronaca, il tema principale del suo film
resta il senso della vita, che egli tratta con la
sua poetica e grande sensibilità, realizzando un
film intellettualmente onesto, senza ideologismi,
condanne, dinanzi a un dramma che ha
sconvolto un’intera nazione. Troviamo tutto il
suo cinema in questa pellicola, sia dal punto di
vista stilistico che figurativo, e gli stessi protagonisti
sembrano la diretta evoluzione dei personaggi
della sua filmografia: ci sono le crisi di
Alessandro dei Pugni in Tasca, c’è Aldo Moro
che si salva sul finale di Buongiorno notte, c’è
la coerenza coi propri ideali di Ernesto Picciafuoco
de L’ora di religione… C’è lo sguardo distaccato
di un regista che non prende mai
posizione, né politica, né religiosa e l’argomento
presentato con estrema umanità e compassione.
Di fronte alla malattia di un proprio
caro non c’è ideologia che tenga, in quanto
come dice sul finale del film Maria, il personaggio
interpretato da Alba Rohrwacher,
"l'amore cambia il modo di vedere, non è vero
che acceca".
Grace, la favola di una persona perbene
La principessa Kelly: mix di tenacia, classe, bellezza e passione
di ADRIANA APICELLA
Dal maestro del brivido Alfred Hitchcock
è stata considerata
“Ghiaccio bollente” per la sua algida
bellezza e la sua fortissima
sensualità; per l’attore Bing Crosby
è stata la ”Regina delle nevi”; per Frank Sinatra
è stata una “Donna nata per essere
principessa”, per l’immaginario collettivo l’incarnazione
di una favola: è Grace Patricia Kelly, principessa
nel cinema e nella vita della quale
vedremo presto nelle sale il film Grace di Monaco
(incentrato sul momento cruciale della sua
vita e cioè sposare Ranieri oppure continuare la
sua carriera cinematografica) con la regia di Oliver
Dahan e Nicole Kidman nei panni della principessa.
Nata a Philadelphia, terza di quattro figli,
con un padre, John Brendan Kelly Senior, con la
vittoria nel sangue - 2 medaglie d’oro alle Olimpiadi,
specialità canottaggio, ed una fortuna milionaria
costruita da solo nell’edilizia - una madre,
Margaret Mayer, di origini tedesche con un passato
da modella ed un primato come prima insegnante
donna di educazione fisica alla
University of Pennsylvania, una strada, “Kelly
Drive”, intitolata al fratello John Junior, ed uno
zio, “George”, commediografo e vincitore di un
Ciak… in evoluzione
Cosa vedremo
nelle sale
cinematografiche
italiane
The Best Offer
Diretto da Giuseppe Tornatore (nella foto) ha un cast internazionale:
Geoffrey Rush, Donald Sutherland e Jim Sturgess. Prodotto dalla
Paco Cinematografica ha un budget superiore ai 15 milioni di euro
ed è girato tra Milano, Trieste, Bolzano e Vienna. Il soggetto del film
è una storia d’amore ambientata nel mondo delle aste internazionali.
Eva contro Eva
Diretto dall’esordiente Sophie Chiarello, prodotto dalla Medusa Film
e dalla Agidi di Paolo Guerra, è una commedia con protagonisti Angela
Finocchiaro e Giovanni Storti (trio Aldo, Giovanni e Giacomo).
Bianca come il latte, rossa come il sangue
Diretto da Giacomo Campiotti è tratto dall’omonimo romanzo di
Alessandro D’Avenia. Prodotto dalla Lux Vide con Rai Cinema ed il
sostegno della Film Commission Torino Piemonte è girato a Torino e
vede Luca Argentero nei panni di un professore attorno al quale ruotano
le vicende di alcuni ragazzi. Nel cast anche Filippo Scicchitano
(Scialla) ed Aurora Ruffino (La solitudine dei numeri primi).
La grande bellezza
Diretto da Paolo Sorrentino, è una coproduzione tra Italia (Indigo Film
e Medusa Film) e Francia (Babe Films e Pathé). Ambientato e girato
a Roma, gode del sostegno del Fondo regionale per il cinema e l’audiovisivo
del Lazio, vede affiancati nella recitazione Toni Servillo, Carlo
Verdone e Sabrina Ferilli. Scritto dallo stesso Sorrentino e da Umberto
Contarello.
adap.
premio Pulitzer, la riservata ragazza di buona famiglia
dimostra da subito un forte senso della
competizione e moltissima voglia di farcela tanto
che dopo il diploma si trasferisce a New York per
frequentare l’American Academy of Dramatic
Arts. L’alta, bionda, bella ed elegante Grace grazie
al suo essere in così forte contrasto con le bellezze
giunoniche del tempo e all’imprinting
familiare, costruito su di una sana determinazione,
fin dalla sua prima apparizione diventa
l’icona dell’immaginario maschile e femminile. La
sua, seppur breve, vita è degna di un copione cinematografico,
suddivisa in un primo e in un secondo
tempo ed un sequel nascosto. Il primo
tempo è caratterizzato dalla sua gioventù, dal
cinema, dal successo. Nonostante la forte opposizione
della sua ricca famiglia al suo desiderio di
lavorare nella settima arte, Grace riuscì ad ottenere
un piccolo ruolo nel film La quattordicesima
ora di Henry Hathaway mentre l’anno seguente
era già co-protagonista nel western Mezzogiorno
di Fuoco diretto da Fred Zinnemann a
fianco di Gary Cooper e nel 1953 con Mogambo
diretto da John Ford con Clark Glabe ed Ava Gardner
guadagnò la nomination all’Oscar come migliore
attrice non protagonista. Poi arrivò
Hitchcock per il quale interpretò tre film: Il delitto
perfetto, La finestra sul cortile e Caccia al ladro
Miglior film nazionale
L’intervallo
di Di Costanzo
Napoli nobilita
la Mostra di Venezia
che, girato nel Principato di Monaco, le portò
l’amore, l’incontro con il suo futuro marito, il
principe Ranieri. Da qui ha inizio il secondo
tempo quello della sua vita di moglie , madre e
principessa monegasca impegnata quotidianamente
a valorizzare il ruolo internazionale di un
Principato che l’ha adottata ed amata fin dalla
sua prima apparizione con l’appellativo di Capo
di Stato regnante sui cuori della gente. Ed infine
il sequel segreto: Rearrenged/Cambio di programma
(diretto da Robert Dornhelm), la pellicola
mai ultimata a causa della sua scomparsa
prematura, avutasi trent’anni fa il 14 settembre
1982. Quasi a beffeggiare la sorte, Rearrenged
(del quale si sa solo che fosse un thriller molto vicino
allo stile hitchcockiano, ambientato tra Nizza
e Montecarlo con Grace nel ruolo di se stessa, e
cioè principessa di Monaco) sembra abbia voluto
profetizzare il cambio di programma nella vita
della principessa Kelly, donandole il risalto senza
tempo delle favole. La fiaba reale dell’eroina
Grace è tra le più commoventi e brillanti dei nostri
tempi, perché ci presenta una donna umana,
semplice, forte, con saldi principi e senza alcuna
paura di cambiare il proprio percorso di vita
ascoltando, sempre, la voce del suo cuore.
A lato: La principessa Grace Kelly
l miglior film italiano visto alla Mostra di Venezia è l’opera prima –
Inel campo della fiction – di un documentarista napoletano, laureato
all’Orientale, trasferitosi in Francia e poi approdato in Cambogia,
dove, insieme al collega Rithy Pahn, ha aperto una scuola di
“cinéma verité”. Il suo nome è Leonardo Di Costanzo, ischitano del
1958, e il titolo del piccolo, grande film che ha favorevolmente sorpreso
la giuria della sezione ‘Orizzonti’ (presieduta da Pierfrancesco
Favino, e composta, tra gli altri, anche da Shekar Kapur e Amir Naderi)
è L’intervallo. Il produttore, Carlo Cresto Dina, ha già impresso
il suo nome su un esordio registico notevole, Corpo celeste, di Alice
Rohrwacher. Ha fatto centro ancora una volta, allestendo per Di Costanzo
una produzione internazionale cui hanno collaborato Svizzera,
Germania e la benemerita rete francese ARTE (che, detto per
inciso, è anche il ‘committente’ del film trionfatore di ‘Orizzonti’: Tre
sorelle, del cinese Wang Bing). Scegliendo una duplice semplicità di
scrittura - visiva, di matrice quasi loachiana, resa alla perfezione con
camera a mano e luci naturali dall’eclettico Luca Bigazzi, e dialogica,
con l’utilizzo di un napoletano con i suoi più audaci costrutti grammaticali,
con cui i due giovani protagonisti si sentono a proprio agio
– il regista mette in scena quella che potrebbe essere una fedele trasposizione
cinematografica di certe atmosfere che in letteratura ha
offerto Erri De Luca (viene in mente Il giorno prima della felicità).
e.d.p.
Thy Womb
di Brillante Mendoza
Come Lav Diaz nel 2011
arriva dalle Filippine
un gioiello della settima arte
Non sono pochi i critici che avrebbero voluto vincitore della 69esima edizione della
Mostra di Venezia Thy Womb, di Brillante Mendoza, grande escluso dal palmares
dei Leoni. La cinepresa del regista filippino, già premio alla regia a Cannes nel 2009
per Kinatay, cattura colori atmosfere e riti dell’isola di Mindanao, estremo meridione
dell’arcipelago delle Filippine, dove si pratica il culto isalmico. Con adesione documentaristica,
il regista racconta l’amore di Shaleha, che di mestiere fa la levatrice (e
questo è simbolicamente importante, ai fini della storia), con il marito Bangas. Lei non
può dargli figli, e così lo aiuta a raccogliere la dote necessaria per prendere in moglie
una giovane donna che gli generi un erede. “Film liquido come l’acqua”, ha scritto
con acuta intuizione Luigi Locatelli. Chiusura con provocazione: sono QUESTI i film
davvero necessari. Quelli che andrebbero distribuiti in numero oceanico di copie per
far sentire vicine cose che sembrano lontane. Per aprire le menti, e i cuori. Sono questi,
dunque, i film necessari. E non (come qualcuno ha osato dire) l’esordio alla regia
di Luigi Lo Cascio, La città ideale, pretestuosa pellicola con intenti kafkiani, che invece
si risolve in vuotaggini e banalità. E, diciamolo, bruttezza cinematografica.
e.d.p.
La Cina è più vicina...
A Tre sorelle
di Wang Bing
il primo premio
sezione “Orizzonti”
cinema
Il modo migliore di guardare un film è quello di farlo diventare unʼesperienza personale (M. Antonioni)
Nella foto: Rito matrimoniale in Thy Womb, di Brillante Mendoza
è un racconto nel racconto. Anzi, per meglio dire, con più sot-
C’ tigliezza: un racconto DEL racconto. Inizia quando il giorno dopo
la proiezione stampa serale di San Zimei (in italiano Tre sorelle), il film
che è valso a Wang Bing il primo premio della sezione ‘Orizzonti’ di Venezia
69, il regista cinese confessava ai giornalisti di essersi recato, nello
stesso orario dell’anteprima del proprio film (19.30), in un’altra sala
del casinò del Lido, per smarrirsi nella visione di Stromboli terra di Dio.
Il cineasta classe 1967, che già due anni fa aveva impressionato il festival
lagunare con il meraviglioso e crudele The Ditch, non trovava le
parole per descrivere le sensazioni provocate da uno dei più bei Rossellini
di sempre. Per questo regista che viene da lontano e che porta
in giro per il mondo racconti di situazioni estreme, il padre del neorealismo
finisce col diventare un padre spirituale, la cui lezione si concretizza
in un cinema avulso dalle grandi produzioni cinesi (e lui è
contento così), girato con adesione documentaria al limite della ‘ripresa
di sorveglianza’ ma capace di slanci poetici e di un paesaggismo
che anela al lirismo di John Ford (Enrico Ghezzi). Sono le qualità principali
di Tre sorelle, in cui Wang Bing segue la vita di tre bambine di 10,
6 e 4 anni, che vivono in un villaggio al limite del primitivo, dove la televisione,
quando c’è, è poco più che una fonte luminosa che serve alla
primogenita per studiare, nei momenti in cui la pastorizia e il lavoro
della terra le lasciano il tempo di aprire un libro e un quaderno.
e.d.p.
Sopra: Francesca Riso, protagonista de L'intervallo Sopra: Un'immagine di Tre sorelle, di Wang Bing
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 27

musica
Well, I just canʼt apologize, no/ Letʼs spend the night together (M. Jagger e K. Richards)
Da pietre
dello scandalo
a mito
del rock
I 50 anni dei Rolling Stones
anti-Beatles
“amici” del demonio
di FRANCO MATTEO
Shine a light, splende una luce. Forse ancora adesso, a cinquant’anni
dal primo concerto. Dal semplice ma “illuminante”
titolo del film di Martin Scorsese, che ha immortalato
l’energetico live act dei Rolling Stones, è inevitabile risalire
alla matrice dell’elemento primario che ha sempre caratterizzato
la musica e il mito delle pietre rotolanti: la luce e dunque
il fuoco. Il fuoco della provocazione, della polemica, della rivolta del
combattente della strada (Street fighting man), dell’irriverenza. Insomma
la sana benzina di cui da sempre si nutre il rock ‘n roll. Cinquanta
anni dopo la prima performance dal vivo della premiata ditta
Jagger-Richards, quel fuoco è ancora vivo in quanto emblema di un
genere musicale ribelle ed “versivo” eppure al tempo stesso pilastro
di una fabbrica culturale totalmente assimilata alle logiche del business.
Logiche che talvolta hanno persino stritolato la fragile esistenza
dei protagonisti più sensibili della scena rock, come gli stessi Rolling
Stones e, in particolar modo, la loro anima forse più sincera, Brian
Jones, morto in una piscina a 27 anni.
Per tracciare una equazione, oggi sono le Pussy Riot, simbolo dell’irriverenza
e della dissacrazione nella Russia di Putin, a pagare il
prezzo, in un paese non proprio liberale, delle loro provocazioni, a
raccogliere l’eredità del filone anticonvenzionale e antisistema del
rock. Compito, a quanto pare, ancora non privo di rischi in un paese
in cui l’idea di libertà di espressione non è che sia completamente
sdoganata. Perché, per quanto si voglia malignare su business, successo,
mondanità e perversioni dello star sistem musicale, la galera
resta sempre un’esperienza amara.
Nella golden age del rock n’roll e, nello specifico, nella sua patria
europea la vittoriana Inghilterra, erano invece i Rolling Stones a dichiarare,
negli anni più infuocati della rivolta giovanile, «simpatia per
il demonio» (Simpathy for the devil è uno dei brani più conosciuti e
dal sapore più provocatorio delle pietre rotolanti), destando scandalo
tra i benpensanti di un epoca che stava già vivendo l’attacco al convenzionalismo
proprio in quello storico 1968. Il gruppo di Jagger e
Richards si condannava cioè a incarnare, pochi anni dopo l’esordio al
Marquee di Londra, il lato oscuro del rock britannico. Mentre i Beatles
venivano investiti del titolo nobiliare di baronetti, loro si incamminavano
lungo il sentiero della dissipazione esistenziale, quello
tipico dei maudit di ogni epoca e generazione, seppure accompagnati
da una montagna di sterline frutto di un travolgente successo.
Con tanto di intrecci sentimentali complicati, storie di droga e la
sconcertante tragedia della morte di Brian Jones, l’anima forse più
spontanea e spirituale della band, quello che in Marocco aveva scoperto
la musica e il misticismo dei sufi, producendo nel 1968 il disco
The pipes of Pan at Joujouka, che raccoglie proprio musiche regi-
Avitabile: maestro
di vita e di musica
Sei minuti di applausi alla Biennale
di Venezia per il docu-film
sullo “scugnizzo” napoletano
di ELISA DE MARCO
28 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
strate in un villaggio di montagna marocchino. Un disco che verrà ristampato
nel 1995 da Philip Glass, Kurt Munkasci e Rory Johnston,
con le note di Bachir Attar, Paul Bowles, William S. Burroughs, Stephen
Davis, Jones, Brion Gysin, e David Silver. Sul versante opposto,
si potrebbe dire così, appena un anno dopo Jagger percorre invece
strade “luciferine” componendo la colonna sonora di un film di Kenneth
Anger, regista visionario immerso nell’universo esoterico. Significativo
il titolo della pellicola: Invocation of my demon brother,
invocazione a mio fratello demonio.
Per la cronaca, l’anno precedente, nell’album Beggar’s Banquet, gli
Stones avevano pubblicamente dichiarato la loro «Sympathy for the
devil». È in questo periodo che si intrecciano amori, tragedie e misteri.
Entrano prepotentemente in scena Anita Pallenberg e Marianne
Faithfull. L’intreccio di relazioni con Jones, Jagger e Richards attraverserà
come un uragano la storia e i destini della band. La Pallenberg
flirta con il bassista degli Stones, ma poi gli preferisce Richards.
Nel giugno del 1969 Jones lascia il gruppo, e soltanto un mese dopo
viene ritrovato morto annegato nella sua piscina. Due giorni dopo il
gruppo celebra l’ex-amico scomparso con un concerto gratuito ad
Hyde Park.
Tre giorni dopo tenta il suicidio, senza riuscirci, la fidanzata di Jagger,
Marianne Faithfull. Sono anni di gelosie anche tra i due ex compagni
di scuola Jagger e Richards. L’inno pacifista Gimme Shelter, di
certo uno dei brani più conosciuti e reinterpretati dei Rolling, fu
scritto dal chitarrista in una lunga notte in cui aspettava la Pallenberg,
che nel frattempo era andata a casa di Jagger. Vicende che
hanno ancora oggi i loro strascichi se, in una recente intervista, Keith
Richards ha avuto modo di ironizzare, seppure in maniera molto leggera
e divertente, sulle dimensioni dei genitali del suo vecchio amico.
Del resto sono cose che vengono vissute anche con il giusto distacco
dettato dall’età non più adolescenziale dei due. Così come è ormai
del tutto fuori moda la storia dell’antica irriducibile rivalità coi Beatles,
consegnata agli archivi delle cronache musicali, per non dire se-
Venezia, mostra del cinema: sei minuti di
applausi per il regista Jonathan Demme
e il Maestro Enzo Avitabile, in sala con il
docu-film fuori concorso Enzo Avitabile
Music Life. Il 68enne regista di capolavori
quali Il silenzio degli innocenti e Philadelphia,
con la passione per i documentari,
dopo averci raccontato le vite di personaggi
del calibro di Neil Young e del presidente
USA Jimmy Carter, si dedica con successo
allo “scugnizzo” Enzo Avitabile. Sono passati
5 anni da quando, ascoltando un programma
in radio mentre viaggiava in
macchina, Demme si è innamorato della
musica di Avitabile e, a detta dello stesso regista,
“presto i suoi album sono diventati
un’ossessione”. Finalmente l’incontro reale,
in occasione del Napoli Film Festival 2010,
dove nasce l’idea di mettere su pellicola le
emozioni trasmesse dalla musica cosmopolita
del sassofonista napoletano. Mesi di collaborazione
portano al capolavoro presentato
alla Biennale: 80 minuti sulla vita in musica
di Enzo Avitabile. In realtà più che un
documentario si potrebbe definire una serie
di jam sessions filmate in cui la cinepresa,
trovandosi in mezzo ad artisti così importanti,
fa di tutto per non disturbare l’armonia
delle composizioni. Fa da scenario una
folkloristica Marianella, quartiere della periferia
nord di Napoli dove l’artista nasce il 1°
marzo 1955 e dove torna spesso per mostrare
ai ragazzi del quartiere che sotto tutto
quel cemento c’è un universo, che quella
zona che lui stesso definisce non povera,
ma in svantaggio, ha in realtà origini storiche
profonde. E’ un bambino innamorato della
musica: a 7 anni inizia a suonare il sassofono,
da adolescente si esibisce nei locali
“americani” di Napoli e ben presto si diploma
in flauto al conservatorio, fino a diventare
maestro di musica, e di vita. Il
giovane Enzo ha presto la fortuna di duettare
con i suoi miti, da James Brown a Tina
Turner, fino a quando col passare degli anni
polta definitivamente, dopo la partecipazione di Ron Wood al concerto
di Paul McCartney del 5 dicembre dello scorso anno a Londra.
Del resto, un po’ per vocazione un po’ per alimentare il business, la
fabbrica del rock ha sempre puntato, soprattutto in Inghilterra, a costruire
contrapposizioni più o meno fasulle, basti pensare a quelle
meno antiche tra Oasis e Blur o tra Sex Pistols e Clash. Costruire narrazioni
è un elemento indispensabile per alimentare il mito delle popstar
e di conseguenza tutto l’affare economico che gira intorno ad
esso. Il fatto che, oltre tutto, i Rolling Stones avessero, come nel caso
di Richards, estrazione sociale meno privilegiata, si ispirassero al filone
più viscerale del blues e della black music e osassero addirittura citare
nei titoli dei loro brani il demonio in persona, era un boccone
troppo ghiotto per non costruire l’altro dialettico dei baronetti John,
Paul, George e Ringo, nonostante anche questi ultimi non fossero del
tutto esenti dal coinvolgimento in vicende di cronaca legate al consumo
della droga ed altri comportamenti non proprio in linea con un
senso “vittoriano” del buon costume.
Gli Stones sono stati comunque ottimi testimoni di se stessi e di
tutto quanto gli girava intorno, acquisendo dopo la fase più turbolenta
e genuina del loro percorso un necessario distacco, cristallizzato
in modo semplice ed efficace nel brano It’s only rock ‘n roll, tanto per
ribadire un concetto essenziale e sgombrare il campo dall’ipertrofia
di un mito che altrimenti rischiava di schiacciarli.
Una prova di “francescanesimo” musicale o, se si preferisce, di
fondamentalismo dei quattro quarti (il ritmo che da sempre contraddistingue
il rock). Ed è l’atteggiamento che li ha accompagnati
sino ad oggi, nella memoria della trasgressione e nella contemporaneità
di un mito che si rinnova continuamente anche perché è la regola
stessa del mito: l’aver incarnato qualcosa che è dentro ciascuno,
ma ognuno di noi preferisce trasferire in personaggi, vicende, comportamenti
che non coinvolgono la nostra vita quotidiana, ma solo
il segreto delle nostre emozioni. Per questo dopo 50 anni la luce
splende ancora.
sente di dover trovare una sua personale
musicalità, e si rifà ai ritmi della sua città e
alla sua lingua madre. Fondamentale l’incontro
con i Bottari di Portico nel 2004 con
i quali porta in scena tini, botti, falci e altri
strumenti atipici. La passione e l’amore per le
altre culture, non solo musicali, lo portano a
sperimentare i sound più diversi, a creare
band con musicisti provenienti da ogni parte
del pianeta, a inventare un concetto personale
e unico di suonare... e così, passando
dalla musica folk al canto liturgico, dalla musica
classica ai suoni del mondo, Avitabile nel
2012 arriva ad incidere un album unico,
forse il più completo della sua carriera, Black
Tarantella. Un disco cosmopolita: 13 brani di
cui 11 duetti con alcune delle voci più rappresentative
del panorama italiano e internazionale
come Pino Daniele, Raiz, Francesco
Guccini, Daby Tourè, Idir, Bob Geldof,
Co’Sang, Franco Battiato, David Crosby. La
distanza tra chi suona e chi ascolta diviene
invisibile. Ci racconta una Napoli spesso
amara, ma allo stesso tempo reale, materna,
vitale; ci fa partecipare alla sua passione, ci fa
sognare con le note, ci integra al resto del
mondo. Un mondo magico, in cui la musica
è sinonimo di gioia, fratellanza e vita.
Nella foto a sinistra: Enzo Avitabile
in concerto
Al centro: con il regista Jonathan Demme
alla Mostra di Venezia
musica
Tu stai guardandomi - tu stai cullandomi - tu stai pensandomi - ma non vuoi perdonare - parlare a questo cuore - guidare questo amore... (P. Conte)
Dalla Basilicata l’ukulele di Danilo Vignola
Viaggio tra pop, ritmi mediterranei, tribali e folk, hard rock ed heavy metal
Le dita affusolate si muovono rapidissime tra le quattro corde
in nylon e i piccoli tasti del suo ukulele: bizzarro strumento di
origine hawaiana, a metà tra un mandolino e un violino. Il
capo chino segue il ritmo tra una cascata di capelli. Lo sguardo
azzurro si accende di un guizzo, tra magia e mistero da sciamano.
L’ukulele del lucano Danilo Vignola vibra di sonorità etniche, ammalianti
melodie pop, sprazzi di progressive e sperimentazione, ritmi
mediterranei, tribali e folk in una costante tensione poetica che invita ad
un nuovo modo di intendere la musica: un ‘viaggio esistenziale’. E’ il miglior
ukulelista elettrico al mondo: vincitore nel 2010 del premio “Migliore
Tecnica” del concorso Eleuke. Originale il suo modo di suonare il piccolo
strumento: ne ha reinventato ruolo e funzione ridimensionando accordature,
intessendo contaminazioni sonore a partire dal folk della sua terra.
E’ il 2008 quando Danilo in un negozio di strumenti musicali sulle Ramblas
di Barcellona vede un simpatico chitarrino alla parete. Incuriosito, lo
Dal tributo a Who’s Bad di Jacko
alla voce roca di Mark Knopfler
New York. Who’s Bad diventa lo
slogan culturale di un’intera
generazione e 25 anni dopo il leggendario
album di Michael Jackson
viene celebrato con un doppio cd
in versione deluxe, Bad 25th Anniversary
Edition. Appena uscito,
Bad 25 ha immediatamente scalato
le classifiche mondiali, collocandosi
in prima posizione. È il secondo
album lanciato per il 25°
anniversario, dopo Thriller 25. Le
atmosfere che si respirano vanno
dal pop al R&B, al funk, alla dance,
fino al rock e al dubstep. Il box set
include, oltre ai due dischi, un cd live e il dvd del concerto-performance
del 16 luglio 1988 al Wembley Stadium di Londra, alcune foto del dietro le
quinte durante le fasi di preparazione di Bad e alcune scene del cortometraggio.
Privateering è considerato l’album migliore di Mark Knopfler, fondatore e
leader carismatico dei Dire Straits. Voce più roca e ballate struggenti, slow
blues, canzoni di sangue irlandese, per un doppio album da brividi. La Fender
Stratocaster è un marchio di fabbrica. Il suono, lo stile ed il modo in cui le mani
scivolano sul manico sono inconfondibili. Mark Knopfler ha annunciato, fra la
primavera e l’estate del 2013, un nuovo tour europeo che lo vedrà protagonista
anche in Italia con ben sette date (Torino, Milano, Padova, Roma, Napoli,
Teatro antico Taormina e Lucca). È entusiasta di ripercorrere con la sua band le
strade dell’Europa ancora una volta: “È come essere capitano di una piccola
nave che si gode la vita on the road con il suo equipaggio”.
Dopo 87 settimane è ancora in classifica, tra le prime 20 posizioni, Adele con
21, il secondo album in studio della cantante inglese. Oltre 20 milioni di
copie vendute a livello globale, best-seller del 2011 negli Stati Uniti (5 milioni
e 820mila copie) e disco più richiesto del XXI secolo nel Regno Unito. Tra la fine
del 2011 e la prima metà del 2012, 21 ha ottenuto numerosi riconoscimenti a
livello internazionale, tra i quali un American Music Award, sei Grammy
Awards (incluso quello per l’album dell'anno), il premio British Album of the
Year ai BRIT Awards 2012 e due Billboard Music Awards. Il disco, quasi completamente
autobiografico, è pervaso dal dolore per la fine di un amore di
cui Someone Like You è la sintesi ideale.
A cura della REDAZIONE MUSICA
acquista al volo. Comodo da portare con sé, per le ridottissime dimensioni,
lo utilizza per accompagnare reading poetici nei caffè letterari in giro per
l’Europa. Al suo ritorno in Basilicata, nel 2009, messa da parte la laurea
in lingue, fonda gli Ethn’n’roll con il gruppo di amici di sempre. Fa presto
parlare di sé il sodalizio storico tra Danilo Vignola-Keith di Genzano di Lucania
(ukulele elettrico e musiche), Gabriele Russillo-Jim di Baragiano
(basso, flauto e voce) e Giovanni Didonna-Viking di Tolve (batteria e percussioni).
La band si connota per un sound intriso di antiche ispirazioni e
melodie dimenticate, ritrovate, reinventate: fonde rock estremo a sonorità
etniche, ritmi incalzanti; porta alla ribalta strumenti a corda, a fiato e
percussioni della tradizione popolare; trascende le regole melodiche ed
armoniche nell’incanto di versi poetici, tra smania di festa e di rivolta. Taranta
underground by Ethn’n’roll è l’album uscito la scorsa primavera:
fantastica fusione di taranta, flamenco, contaminazioni mediterranee, balcaniche
e gotiche, hard rock ed heavy metal: trampolino di lancio per la
gioso
con la
casa di-
firma
di un
contrattopresti-
scografica
M.A.P. di Milano.
A luglio 2012 la band è stata impegnata nella direzione artistica
della I edizione del Festival Internazionale dell’Ukulele nei Sassi di Matera,
patrimonio mondiale dell’umanità e città candidata a Capitale Europea
della Cultura per il 2019.
Cristiana Lopomo
Paolo Conte: «Il Conte, l’Avvocato e… il Jazz»
Attimi perduti, animi nostalgici, composizioni
surreali e l’esotismo delle terre di frontiera
Un brillante futuro da avvocato all’orizzonte, ma alla carriera forense ha preferito la
musica e l’arte. È Paolo Conte, artista dalla creatività poliedrica, cantautore e paroliere.
Pianista di formazione jazz, è considerato uno dei più importanti e originali musicisti
contemporanei, nonché uno dei più grandi autori e parolieri di sempre. Nella sua oltre
quarantennale carriera è stato inizialmente autore di testi e musiche per altri, per poi
decidere, nel 1974, di abbandonare l’avvocatura per dedicarsi esclusivamente alla professione
artistica. Si è cimentato, inoltre, in molti campi espressivi come l’arte figurativa,
ricevendo nel 2007 una Laurea Honoris Causa in Pittura dall’Accademia di Belle
Arti di Catanzaro. Le composizioni di Conte sono notturne, sognanti, surreali, illuminate
dalle stelle del jazz, su uno sfondo carico di malinconia per gli attimi vissuti e per
quelli perduti: attimi infiniti che l’avvocato di Asti riesce a fissare in canzoni,
in “intuizioni musicali” come le chiama lui, che coinvolgono ed immergono
in una dimensione onirica e nebbiosa, che è poi la parte più intima
e irrazionale. Ogni sua canzone è un racconto, con i suoi personaggi
tanto anomali quanto normali; un’anomalia che, paradossalmente,
è proprio nella loro profonda normalità e prosaicità: uno su tutti
il protagonista di Bartali, che abbandona la sua donna per
aspettare sotto il sole cocente di un “pomeriggio appiccicoso
di caucciù” il suo mito a due ruote, come la solitudine di un
anziano signore in Una giornata al mare o la meraviglia di un
piemontese alla vista del mare in Genova per noi. Poche parole,
testi ermetici, tanto basta per accendere la fantasia di chi ascolta
e proiettarlo tra i profumi, le luci e le ombre della commedia umana.
Sono parole ironiche, malinconiche, sorprendenti, spesso consuete che si ripetono
tanto da sfociare in nonsense che si canticchiano all’infinito (It’s wonderful, it’s wonderful,
it’s wonderful good luck my baby vi ricorda qualcosa?) oppure in divertissement
linguistici: “Comèdie” o “Come di”, in cui la commedia della vita va avanti tra
addii di uomini in canottiera e di amanti viste a Napoli tra i ventilatori al Grand Hotel.
Conte non è solo Francia, jazz e swing, è anche l’esotismo che si trova nella Faccia triste
dell’America o di Messico e nuvole, terra di frontiera e situazioni di contrabbando,
nella magia di Sudamerica, nell’eleganza di una Verde Milonga o nel passo di rumba di
Cuanta Pasiòn, registrata in studio con il contributo del chitarrista Mario Reyes della
Gypsy Kings Family e della cantante iberica Carmen Amor. Bellissima e travolgente,
Cuanta Pasiòn è piena di ritmo e di nostalgia, di fumo e di poesia. Parole di carne e di
spirito che dipingono con i colori della terra e del cielo il quadro della vita.
Michele Salerno
la carta è...
DE LUCA SALERNO
DE LUCA
INDUSTRIA GRAFICA E CARTARIA
84131 SALERNO - VIALE ANDREA DE LUCA, 35
ZONA INDUSTRIALE
TEL. 089.301333 - FAX 089. 301784
E-Mail: info@delucacartaria.it - Web: WWWdelucacartaria.it
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 29

dalle terre d’oltremare
Ogni grande opera dʼarte ha due facce, una per il proprio tempo e una per il futuro, per lʼeternità (D. Barenboim)
Due monumenti come espressione
dello stesso movimento
religioso del Chandi Borobudur
Chandi Mendut
e Chandi Pawon
Questi due monumenti sono disposti sulla
stessa linea est-ovest. Probabilmente l’allineamento
non era accidentale, nonostante
un leggero cambiamento di direzione nella
parte orientale verso nord-est (una direzione
privilegiata nell’architettura indiana). La posizione
topografica come anche le modanature sono
simili, anche se su scala diversa, a Borobudur o, in
altri termini, come sostenuto dall’archeologo olandese
de Casparis «esso nell’insieme è un complesso
unico con Pawon e Borobudur» e «cronologicamente
parlando è il più antico dei tre». Ciò sulla base della
lettura da lui data all’iscrizione in sanscrito e in giavanese
antico di Karangtengah (dal nome del villaggio
omonimo a circa 3 km da Borobudur), datata
all’824 d.C., secondo la quale il re Indra (782-812 d.C)
della dinastia Śailendra avrebbe fatto erigere – su una
precedente costruzione in muratura – un tempio
sacro chiamato Venuvana (“foresta di bambù”) ove
custodire le ceneri del “dio delle nubi”, uno degli attributi
del dio Indra, dallo studioso messo in relazione
con quel sovrano. Il tempio alto circa 27 m., esposto
a N-E., si erge su una massiccia base rettangolare e
consiste di una cella quadrata preceduta da un portico
di ingresso. I gradini sporgenti dal lato nordovest
della base sono adorni su ogni lato da statue di makara
(creature acquatiche della mitologia indiana). La
cella contiene tre statue, con il Buddha Śākyamuni
seduto al centro nell’atto dell’insegnamento della
Legge. Nella parte inferiore dello zoccolo si può vedere
la Ruota della Legge affiancata da due gazzelle,
chiaro riferimento iconografico al momento del sermone
nel parco delle gazzelle a Benares dove il Buddha
predicò la Legge per la prima volta. A sinistra è il
Bodhisattva Avalokiteśvara, a destra un altro Bodhisattva,
probabilmente Mañjuśrī. L’esterno del monumento
è decorato con pannelli raffiguranti dei Bodhisattva,
del pantheon Māhayāna tra i quali Mañjuśrī,
Samantabhadra, Avalokiteśvara, Maitreya, Vajrapāni
sotto parasoli.
La terrazza quadrata che circonda il corpo del tempio
era destinata alla circumambulazione rituale (pradakshina).
Quanto a Pawon, situato a circa 1800 m. da Borobudur
e a 1150 m. da Mendut, esso fu probabilmente
costruito nello stesso periodo di Mendut. Forse dedicato
a Kuvera, il dio della ricchezza, il tempio è su una
base quadrata e contiene una sola statua appoggiata
contro la parte scolpita sporgente della parete frontale
della cella e pannelli più riccamente decorati sulle
pareti laterali e posteriore, in prevalenza alberi della
vita circondati da vasi di monete affiancati da kinnara.
Il restauro di entrambi Pawon e Mendut agli inizi del
XX secolo rende la loro interpretazione architettonica
difficile, in modo particolare per quanto riguarda la
parte superiore di Pawon che sembra di dubbia autenticità.
g.d.m.
30 geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012
Tesori dal “giardino di Giava”:
Borobudur, Mendut, Pawon
Borobudur, realizzazione suprema dell’arte indonesiana
insieme completo e armonioso del sistema buddhista del mondo:
manifestazione del Buddha in questo mondo, schema cosmico
Tra i siti artistico-architettonici più grandiosi
dell’intero universo buddhista,
entrato a far parte del patrimonio culturale
dell’umanità dell’UNESCO, un
posto di primo piano è senza dubbio
quello rappresentato dal complesso monumentale
di Borobudur (Barabudur) o anche, dal momento
che in Indonesia, gli antichi templi sono
localmente noti come “chandi”, Chandi Borobudur.
Esso consiste di tre monumenti: il tempio
principale, il Chandi Borobudur, in sostanza uno
stupa monumentale, e due templi minori, il
Chandi Mendut e il Chandi Pawon, posti ad Est
in asse col primo. Situato nella valle di Kedu (nota
anche come il giardino di Giava), nella parte centrale
dell’isola di Giava, a circa 42 km da Yogyakarta,
il Chandi Borobudur è considerato, a
ragione, il più grande monumento buddhista del
mondo, tanto da essere addirittura incluso tra le
sette meraviglie del mondo. Costruito tra l’VIII e
il IX secolo d.C., durante il regno della dinastia
Sailendra, un ramo della dinastia indiana dei
Chandella (famosi per aver eretto i templi di Khajuraho),
si ritiene che l’architetto che la progettò
fu Guvanadharma e che per la sua costruzione si
siano impiegati 75 anni completandosi durante il
regno di Samaratunnga nell’825. Il design del
tempio riflette l’influenza, nella regione, dell’architettura
Gupta e post-Gupta dell’India, pur incorporando
numerose scene ed elementi indigeni
che lo rendono il monumento più importante,
non solo di Giava centrale, ma di tutta l’Indonesia.
L’intera struttura, costruita su di una collina,
è costituita da 55.000 m3 di roccia vulcanica grigio-bluastra
(andesite), una pietra porosa che per
natura incoraggia la crescita di vegetali, quali muschio
e licheni, difficili da distruggere per la loro
capacità di sopravvivenza all’atmosfera con conseguenti
danni alla struttura. Il tempio, che si
estende per una superficie totale di circa 2500
m2 di GIUSEPPE DE MARCO loto, il fiore sacro del Buddha.
Le facciate e le balaustre di Borobudur sono ricoperte
da circa 2670 bassorilievi (di cui 1460
pannelli di carattere narrativo e 1200 puramente
decorativi) distribuiti tra la base e le cinque piattaforme
quadrate. I pannelli narrativi, raffigurano
la storia del principe Sudhana e della kinnari
(metà donna e metà uccello) Manohara la cui
.
leggenda è narrata nella raccolta antologica buddhista
del Divyavadana, - - o “Storie divine” e che
viene raggruppata in 11 serie di pannelli che circondano
il monumento. La base del monumento
-
contiene la prima serie con 160 pannelli narrativi
mentre le restanti 10 sono distribuite lungo le
mura e le balaustre in quattro gallerie a partire
dalla gradinata orientale di ingresso a sinistra. Da
notare anche che i pannelli narrativi delle facciate
murarie vanno letti da destra verso sinistra, mentre
quelli delle balaustre da sinistra a destra, in
conformità col rituale della circumambulazione
(pradakshina) eseguito dai pellegrini che si muovono
in direzione oraria lasciando il santuario alla
‘
loro destra. Le mura della prima galleria hanno
due serie sovrapposte di rilievi, ciascuna delle
quali composta da 120 pannelli con, nella parte
superiore, raffigurazioni riguardanti la biografia
del Buddha.Nella parte inferiore delle mura e
delle balaustre della prima e della seconda galleria
vi sono raffigurazioni riconducibili alla storia
delle “nascite precedenti” (jataka) - del Buddha.
La struttura superiore data da piattaforme circolari
presenta 72 piccoli stupa - a forma di campana
e traforati, ciascuno dei quali accompagnato da
contenente una statua del Buddha e che circondano
lo stupa - più grande posto sulla sommità.
Quanto alle condizioni di conservazione e di restauro
di Borobudur, ci dobbiamo limitare a ricordare
che nei primi decenni del 1900, in due
diversi periodi, furono recuperati i materiali originali
per la ricostruzione del tempio e che, in
epoca più recente, nel decennio 1973-1983 vi
sono stati interventi dell’UNESCO e del governo
, si erge maestoso su di una collina a forma di indonesiano. Oltre che dal tempo la struttura è
piramide quadrata a gradoni. Più in particolare, il minacciata dalle eruzioni del vicino monte Me-
complesso è strutturato in 10 terrazze a loro volta rapi di cui è ancora vivo il ricordo di quella che
divise in tre gruppi verticali: base, corpo e strut- nel 2010 oltre a colpire il tempio ha provocato la
tura superiore. Tale divisione coincide perfetta- morte di almeno 350 persone e l’allontanamento
mente con la concezione dell’universo della dalle loro abitazioni di almeno 100.000. Dopo
cosmologia buddhista, secondo cui l’universo è
diviso in tre sfere, kamadhatu, - - rupadhathu - e
arupyadhatu, - che rappresentano, rispettivamente
tale evento, più di 500 membri delle comunità locali,
sotto la supervisione del Ministro dell’Istruzione
e della Cultura dell’Indonesia, hanno
la “sfera del desiderio” dove siamo legati ai no- effettuato operazioni di pulizia del tempio e dei
stri desideri, la “sfera delle forme” dove ci ab- suoi intricati bassorilievi ed è di conforto il ricobandoniamo
ai nostri desideri ma siamo ancora noscimento del Direttore generale dell’UNESCO
legati a nome e forma, e la “sfera del senza- che nel novembre del 2011 ha voluto segnalare
forma”ovvero il cammino progressivo verso il de- l’importanza di tale intervento con la consegna
finitivo abbandono del desiderio e della sofferenza
(nirvana). -
. L’intera struttura è a forma di un
di attestati alle scolaresche delle stesse comunità
locali.
In alto: Veduta dall’alto
di Borobudur
Sopra: Veduta parziale
degli stūpa traforati
sulle terrazze superiori
Sotto: Veduta parziale
dello stūpa sulla sommità
del tempio
Nel box a sinistra in alto:
Chandi Mendut visto da N-O
Sotto: Chandi Pawon
visto da N-O
Un mondo di sogni per interpretare noi stessi
MARZIA PILERI, PSICOLOGA, PSICOTERAPEUTA SPE-
CIALIZZATA IN TRAINING AUTOGENO, insegnante
di meditazione profonda e autoconoscenza, attenta
alla multidimensionalità di noi stessi, ci
guida a capire cosa succede davvero quando si
sogna. Lo fa nel suo ultimo volume L’universo dei
sogni. Come leggerli per capire noi stessi (Paoline,
Cinisello Balsamo). Scende la notte e, mentre
le stelle ci osservano, lasciamo che il corpo
stanco da giornate frenetiche si immerga nel
sonno. In quel momento sembra che la nostra
mente taccia e che i nostri pensieri, sommersi
dalla stanchezza, scivolino via. In realtà la mente
continua incessantemente il suo lavoro, continua
a creare pensieri complessi e addirittura sorprendenti.
Questo è un momento magico che spa-
lanca le porte di un giardino segreto, affascinante
e misterioso: l'universo dei sogni. Chi di
noi, infatti, non si è svegliato almeno una volta
appagato da un sogno che l'ha accompagnato
durante la notte, o magari impaurito da un
sogno caratterizzato da eventi terribili. E queste
sensazioni l'hanno accompagnato per ore e ore.
In effetti, in quale dimensione entriamo quando
si sogna? Quale ruolo gioca esattamente il nostro
inconscio? Esso parla attraverso i sogni alla
nostra coscienza approfondendo le esperienze
che viviamo. Sognando, dunque, possiamo entrare
in quella parte di noi che è sospesa tra due
dimensioni apparentemente contraddittorie: il
reale e l'irrazionale. Ma è proprio così irrazionale
entrare in quel giardino segreto che è per noi il
L’apocalittica Rust Belt di Alessandro Coppola
LA CITTÀ È VIVA e si rinnova sotto lo
sguardo sempre meno attento di chi la
abita. Nonostante, poi, sia il riflesso speculare
di scelte politiche e loro conseguenti
effetti sociali, in breve ogni singolo centimetro
cubo di cemento racconta la storia
dell’individuo/cittadino. Si tratta di guardare
da vicino il fenomeno del post urbano,
ampiamente analizzato da Alessandro
Coppola in Apocalypse Town. Cronache
dalla fine della civiltà urbana (Laterza,
Roma 2012). L’autore con un linguaggio
narrativo ricco di spunti immaginativi ci
mostra le inner city della Rust belt statunitense,
quale area geografica che agli inizi
del Novecento ha rappresentato il motore
economico trainante dell’intero paese, ma
di cui oggi, causa la depressione economica,
non resta che lo scheletro decadente.
Storia. Il Sud tra conquista
e colonizzazione
LA POTENTE RETORICA DELL’UNIFICAZIONE, dalla
quale già Piero Gobetti metteva in guardia,
ha in realtà segnato in modo profondo il modo
in cui si guarda a quelle lontane vicende. Il volume
del compianto Nicola Zitara, L’invenzione
del mezzogiorno. Una storia finanziaria (Jaca
Book, Milano), affronta in modo rigoroso e secondo
una solida prospettiva storico-economica
questo ancora rilevante e, per certi versi,
irrisolto problema storico. Senza alcun cedimento
ad atteggiamenti retorici o anacronistici,
viene ricostruita la logica dell’unificazione italiana
come un vero processo di colonizzazione.
Zitara fornisce convincenti strumenti storici per
rifiutare un ancora prepotente e diffuso trionfalismo
nazionalistico, ponendo le basi per ripensare
la stessa questione meridionale.
Letture: la trilogia di E. L. James
Una saga
tra prevedibilità
e soluzioni
improbabili
La trilogia di E.L. James, comprendente Cinquanta sfumature
di grigio, Cinquanta sfumature di nero e Cinquanta sfumature
di rosso (Mondadori, Milano), è ormai un fenomeno mondiale e
già si parla di un possibile adattamento cinematografico. Un caso
che fa discutere, con al centro dei dibattiti il ruolo della donna da
sottomessa a dominatrice. Salta all’occhio sin dalle prime pagine
la somiglianza con la saga di Twilight, diventata ormai un caso
impos- sibile da ignorare. Simili i personaggi: come Isabella Swan,
Anastasia è una giovane donna inesperta della vita e lontana dall’universo
del bellissimo e tenebroso Christian, che, analogamente
al centenario vampiro Edward Cullen, è dotato di una bellezza
mozzafiato ed è in continuo conflitto con il proprio lato oscuro.
Somiglianti anche l’ambientazione (lo stato di Washington), lo
stile (che non rimane nel cuore), uguali alcuni personaggi secondari
e il modo di descrivere i sentimenti. La Meyer però era stata
in grado di creare discreti momenti di suspence e colpi di scena,
mentre qui ogni avvenimento è prevedibile con largo anticipo. Improbabili
peraltro risultano alcune soluzioni narrative. Nulla di più,
insomma, di una lettura d’evasione senza pretese che potrebbe
essere giudicata non meno dignitosa di tante altre se non fosse
accompagnata dall’intensa pubblicità che sta dilagando ormai da
tempo.
Francesca Montanaro
Ormai è chiaro che i flussi migratori oscillino
rispetto all’offerta di lavoro di un
paese, alla presenza d’infrastrutture e
quartieri residenziali progettati seguendo,
inoltre, l’illusione di rappresentare una determinata
appartenenza di classe. Ecco
quindi che le amministrazioni locali dell’America
settentrionale, impoverite e avvilite
hanno ripensato la gestione urbanistica
facendo della globalizzazione non
un mostro da cui fuggire ma, come rileva
lo stesso autore, un’occasione da non sprecare.
Resta interessante capire quali siano
state le risposte, in termini di creatività, di
chi ha scelto di continuare a vivere certi
luoghi reinventando fonti di lavoro e
quindi nuovi stili di vita, situazione che in
breve potrebbe riguardarci direttamente.
Marcella Ferro
Atlante teatrale
per un viaggio in Occidente
IL MAGO DI O, «al quale nel romanzo i personaggi
rivolgono i propri desideri», diventa l’Occidente
– West – nella sua forma più inquietante
– Hitler – che consuma le contraddizioni di un
immaginario condiviso prima che geografico.
O/Z. Atlante di un viaggio teatrale-Atlas of a
theatre journey è il racconto di una tetralogia del
gruppo Fanny & Alexander (Ubulibri, Milano), è
il diario-delirio di bordo che sonda il polso dell’Occidente
inteso come una somma di immaginari
collettivi condizionati, in questa direzione
vanno viste le figure dei “condizionatori” di
West, che non solo condizionano l’attore ripetendo
in modo insistente e martellante slogan e
pubblicità, rapendone i gesti, ma ne consumano
velocemente e ineluttabilmente la memoria.
Vincenzo Del Gaudio
Economia: inventarsi il futuro
Opportunità
di lavoro e mercato
nel tempo
della crisi
nostro inconscio? Questa dimensione non va
forse oltre la nostra stessa forma umana aprendoci
le porte di una dimensione onirica che è collegata
alla parte più vera di noi, normalmente
sepolta dalla materialità della nostra natura
umana? In realtà durante il sonno, a ben vedere,
il nostro io non può fare altro che affacciarsi su
spazi sconosciuti, ricchi di risorse e suggerimenti
per il nostro benessere. Solo conoscendo i nostri
sogni potremmo conoscere bene noi stessi e
quella parte magica e soprannaturale che risiede
in ognuno di noi. Una parte che affiora inevitabilmente
ogni volta che il confuso brusio dei pensieri
che inquinano la nostra mente si attenua e
si aprono le porte alle vibrazioni dello spirito.
Maddalena Di Leo
Due secoli di narrativa
nel libro di Luigi Reina
UN VIAGGIO NEGLI ULTIMI DUE SECOLI DELLA
NOSTRA TRADIZIONE LETTERARIA, dal romanzo
storico alla narrativa della contemporaneità.
Questo è Percorsi del
romanzo, l’ultimo lavoro di Luigi Reina
(Lepisma, Roma). Invitando ad una riflessione
teorica, l’autore chiarisce la sua
idea di romanzo come mimesi, rappresentazione:
«a noi pare che compito dell’intellettuale
(e lo scrittore è tale) sia
prevenire e favorire o guidare l’evoluzione
del gruppo o della società». Dopo
questo incipit teorico il lettore si imbatte
in una carrellata storica, attraverso la
quale viene seguita l’evoluzione del romanzo
durante l’arco di due secoli. Con
l’età della Restaurazione gli intellettuali
assumono un ruolo nuovo: la loro attività
si apre ad istanze civili, diventando
strumento di educazione politica. Di qui
l’affermarsi del romanzo, «moderna
epopea borghese» lo aveva definito
Hegel. Con Alessandro Manzoni, che
sente il nuovo impegno dell’intellettuale,
il romanzo non può imporsi che
come romanzo storico. Dalla lezione
manzoniana Reina passa ad analizzare i
romanzi di Capuana, Verga, De Roberto
– considerati ad un tempo «inchiesta
storico-politico-economica, saggio sociologico,
narrazione dilettosa» – fino alla
«tentazione estetizzante» di d’Annunzio
e alle esperienze narrative di Svevo,
Tozzi, Pirandello, con i quali la letteratura
diventa «letteratura d’esame», mimesi
delle realtà invisibili. Nell’articolata
mappa letteraria del XX secolo, Reina dà
conto di diverse esperienze: le avanguardie,
la stagione del neorealismo, il
boom della lettura negli anni ’60, fino
alle tendenze sperimentali di fine millennio.
Nunzia Soglia
risi uguale cambiamento. Più rapidamente cambiano le
«Ccose, più crisi ci saranno. Chi si guarda intorno con mente
aperta avrà maggiori possibilità di fare business con successo.
[…] Per convivere con la crisi e sfruttarla a proprio vantaggio bisogna
conoscere le regole del gioco e saper leggere e interpretare
il mondo che ci circonda. Ed è proprio quando ci si confronta con
gli altri che possiamo davvero costruire qualcosa». Ma quali sono
le “regole d’ingaggio” per sfruttare la crisi e le sue opportunità?
Cosa ci fa capire se un’idea di business è fattibile o no? Quali
sono le professioni che nascono nei periodi di crisi? Come fare
soldi nei periodi di crisi. Trovare lavoro, cambiare professione,
fare business, trasformando le crisi in opportunità, scritto a quattro
mani da Angelo Deiana e Roberto Barbato (Gruppo 24 Ore,
Milano), risponde a questi interrogativi attraverso la lente d’ingrandimento
delle opportunità che nascono proprio durante i periodi
dando consigli, suggerimenti e idee concrete su come
volgere a proprio vantaggio le congiunture sociali ed economiche
sfavorevoli. In maniera semplice e pratica, attraverso un dialogo
diretto tra autori e lettori il libro, già sold out nelle migliori
librerie italiane, vuole essere uno strumento pragmatico di successo
per chi ha idee di business e di cambiamento ma non sa
come concretizzarle.
Adriana Apicella
libri &notes
La letteratura è una difesa contro le offese della vita (C. Pavese)
è in queste città
Bimestrale di cultura
arti visive, spettacolo
e nuove tecnologie creative
AGROPOLI
Edicola Giuseppe Voso - via S. Pio X 145
AMALFI (SA)
C&G. - corso delle Repubbliche Marinare, 13
AVELLINO
Punto Einaudi - galleria via Mancini
BARI
Librerie Feltrinelli - via Melo, 49
BARONISSI (SA)
Museo-Frac Fondo Regionale d’Arte Contemporanea
BENEVENTO
Punto Einaudi - corso Giuseppe Garibaldi, 95
BOLOGNA
Bookshop MAMBo - via Don Giovanni Minzoni, 14
CALTAGIRONE (CT)
Libreria Dovilio - Piazza Bellini, 12
CAMPOBASSO
La Nuova Libreria - via Vittorio Veneto, 7
CATANIA
Cavallotto Librerie - viale Ionio, 32
CATANZARO
Libreria Mondadori - corso Giuseppe Mazzini, 16
CAVA DE’ TIRRENI (SA)
MARTE Mediateca Arte Eventi - corso Umberto I, 137
COMO
Libreria Ubik - piazza San Fedele, 32
CORTINA D’AMPEZZO (BL)
Museo Rimoldi, Ciasa De Ra Regoles - corso Italia, 69
COSENZA
Caffe Letterario Città di Cosenza - piazza Matteotti
FERRARA
Università degli Studi Ferrara
Facoltà di Lettere e Filosofia - via Paradiso
Ibs.it Bookshop, piazza Trieste e Trento, 41
Librerie Feltrinelli - Corso Garibaldi, 30
FIRENZE
Ibs. it - via de’Cerretani, 16r
FISCIANO (SA)
Presso la sede di Unis@und
Webradio - Università degli Studi di Salerno
FOGGIA
Libreria Dell’Atenea - via Giuseppe Rosati, 1
FROSINONE
Accademia di Belle Arti - viale Guglielmo Marconi
GENOVA
Libreria Feltrinelli - via Ceccardi, 16
GROSSETO
Centro documentazione arti visive - via Mazzini, 99
LAMEZIA TERME (CZ)
Associazione culturale “Sukiya” - via Ticino,11
LECCE
All’ombra del barocco - Corte dei Cicala, 9
MILANO
Biblioteca Accademia di Belle Arti di Brera
Palazzo di Brera
Ichome - via Stoppiani, 10
Libreria Hoepli - via Ulrico Hoepli, 5
MINORI
Fës Ceramiche - via Roma, 32
MODENA
Bookshop Galleria Civica Palazzo santa Margherita,
corso Canalgrande, 103
NAPOLI
Punto Einaudi - via Tarsia, 7
Librerie Dante & Descartes - via Mezzocannone, 55
via Port’Alba, 10 - piazza del Gesù Nuovo, 14
NOCERA INFERIORE (SA)
Punto Einaudi - Via Matteotti, 35
PALERMO
Libreria Flaccovio - via Ruggero Settimo,37
Libreria del Kursaal Kalhesa
Foro Umberto I, 21
PERUGIA
Libreria Betti - via Sette, 1
PESARO
Fondazione Pescheria Centro Arti Visive - via Cavour, 5
PESCARA
Libreria Primo Moroni - via Quarto dei Mille, 29
POTENZA
Cocco libreria - Palazzo Rizzo, 33
ROMA
Libreria Altroquando - via del Governo vecchio
Bookshop Palazzo delle Esposizioni - via Nazionale
SALERNO
Libreria Brunolibri - via Torrione, 125
Librerie Feltrinelli - corso Vittorio Emanuele I, 230
Libreria Internazionale - piazza XXIV Maggio, 12
Libreria Mondadori - corso Vittorio Emanuele, 56
Punto Einaudi - corso Vittorio Emanuele, 94
piazzetta Barracano int. 13
Salerno Arte e Caffé - piazza Alfano I, 1
Galleria Il Catalogo - via A.M.De Luca
Galleria Tiziana Di Caro - via Botteghelle, 55
Pierino, Edicola al Corso - corso Vittorio Emanuele
SAN SEVERO (FG)
Libreria Orsa Minore - via Soccorso, 123
SARONNO (VA)
Galleria Il Chiostro - viale Santuario, 11
SASSARI
Libreria Internazionale Koinè - via Roma, 137
SCAFATI (SA)
Bookshop Real Polverificio Borbonico
via Pasquale Vitiello
SIENA
Università degli Studi Siena - Facoltà di Lettere
e Filosofia - Palazzo di San Galgano
Contemporanea progetti associazione culturale
Punto Einaudi - via Pantaneto, 66
CubaLibro – Libri&Caffè Especial
Piazzale C. Rossetti
TORINO
Librerie Feltrinelli - piazza Castello, 19
TORRECUSO (BN)
Art’s Events - località Collepiano
TRENTO
Libreria Il Papiro - via Galileo galilei, 5
TRIESTE
Biblioteca Comunale - piazza Hortis
Libreria Einaudi - via del Coroneo, 1
ULASSAI-OGLIASTRA
Fondazione Stazione dell'Arte
Museo Arte Contemporanea - Ex Stazione Ferroviaria
URBINO
Biblioteca Accademia di Belle Arti - piazza Castello, 19
VENEZIA
Bookshop Museo Peggy Guggenheim
Palazzo Venier dei Leoni Dorsoduro, 701
VICENZA
Valmore studio d’arte
Contrà Porta S. Croce, 14
geaArt numero 2 - settembre-ottobre 2012 31

ITALO BRESSAN
Senza titolo, 2012
tecnica mista su carta

DIBATTITO
Informare senza insultare
graffiare senza volgarità
È nello spirito dell’invettiva che si modula,
ancora oggi, la vita sociale del nostro
Paese. E mondi paralleli come
cultura, politica, scienza si contaminano
con il principio dei vasi comunicanti.
a pagina 2 u Angelo Di Marino
Bimestrale di cultura, arti visive, spettacolo e nuove tecnologie creative
INTERVIEWS
Mina Gregori rivela
i segreti del Caravaggio
Distinguendosi per la signorile eleganza e un’ammirabile
tenacia, la massima esperta del Merisi,
accogliendoci nella sua dimora fiorentina, racconta
gli esordi del suo amore per l’arte segnato
da Roberto Longhi.
a pagina 12 u Luca Mansueto
Un anno fa moriva
Ugo Marano
anno I
numero 2
settembre-ottobre 2012
direttore
Massimo Bignardi
distribuzione
gratuita
FIGURE
Marano è stato da uomo e da artista ancorato
al disciplinare della vita; l’ha pensata e
vissuta al passato, al presente, al futuro ma,
sempre, con «l’irrealizzabile desiderio di ritrovare,
di fermare o di inaugurare il tempo».
a pagina 14 u Ciro Manzolillo
Berlino. Da est a ovest
lungo e oltre la U5
METROPOLIS
Una metropoli che si spande in largo e in lungo in
continuo mutamento, tuttavia sembra che proprio
la U5 abbia il compito di riunire definitivamente la
città e riportarla agli antichi splendori prussiani e a
quelli contemporanei dell’Urban Art.
a pagina 21 u Maria Chiara Gasparini
“Veh qui cogitatis inutile”. Io ve l’ho detto, guai a voi che pensate cose inutili. Italia, io te l’ho detto, non manca da me, ma da te, che non vuoi il rimedio (Savonarola)
P
roverò a riassumere il registro entro il quale si muove la traccia di questo nuovo numero di gea-
Art, il terzo, affidandomi ai suggerimenti del vocabolario della lingua italiana di Nicola Zingarelli.
Alla voce si legge: «INVETTIVA /invet’tiva/ [vc. dotta, lat. Tardo invectīva(m), sottinteso ora-
tiōne(m) ‘(discorso) aggressivo’, da invěhere ‘inveire’ ] s.f. Parola o discorso violento e aggressivo
destinato a riprendere, denunciare, criticare q.c. o qc.: scagliare, lanciare unʼ- ; sono famose le invettive
di Dante. SIN. Apostrofe, diatriba, filippica». C’è tutto quanto occorre per poter mettere sul tavolo
le carte: dalle “tremende invettive” di frate Girolamo Savonarola che, da secoli, le effigi marmoree declamano
mute nelle piazze tra Ferrara e Firenze alle pagine di storie di un passato che non dobbiamo
dimenticare, come il ricordo dei giorni nel campo di sterminio nazista di Görlitz del compositore Olivier
Messiaen, al pericolo di una cronaca infarcita di “offese” e “volgarità” che alimenta l’attualità dalla quale
dobbiamo prendere le distanze. Che cos’è l’invettiva nel mondo dell’etere? Cos’è nella politica? Cosa
permane di essa nella cultura? Un discorso violento, se pur aggressivo, destinato, però, a riprendere,
a denunciare, criticare di cui oggi c’è tanto bisogno? Oppure un gratuito espediente crudele e cinico
per eliminare la “controparte”, attingendo al repertorio dell’ingiuria?
Massimo Bignardi
Tremende invettive
Scommesse e futuro
l’Emilia dopo il terremoto
geaArt dedica un inserto all’Emilia ferita, ad un territorio orgoglioso
e carico di speranza. Una parola quest’ultima che ha
tradotto futuro fin dalle prime ore. Intorno ad esso convergono
queste pagine che hanno raccolto narrazioni e testimonianze, di
giovani e meno giovani, dal mondo delle istituzioni e della cultura
in senso lato. Non è fare il punto della situazione, né tirare
somme, compito non nostro e peraltro difficilissimo. È invece
aprire un ulteriore spiraglio alle riflessioni ed al confronto.
Ada Patrizia Fiorillo u a pagina 15