Massimo Varini e la nuova EKO MIA - Fingerpicking Net

TOMMYEMMANUELonstage & backstageBEPPEGAMBETTAe le 11 Acoustic NightMassimoVarinie la nuovaEKO MIAL’ALBERO DELLACHITARRA ACUSTICAUNA McALISTERPER SARZANAROB POLANDil fondatore dellaCandyRatTECNICALasse JohanssonEric LugoschFranco MoroneIN PROVA: Goodall GC - Walden Supranatura - Audio Technica AE5100 - Samson G-Track

sommariosrLe meglio giornateFinalmente iniziano le bellegiornate, le notti sono ancorafresche, ma le stelle già brillanocalde e lucenti. È il momento deifestival e la chitarra acustica la fada padrona. Ecco arrivato il periododelle grandi occasioni, incontri,nuove amicizie, tanta musica,progetti che si concludono e altriche ricevono il loro battesimo.Il primo incontro è stato conBeppe Gambetta e la sua AcousticNight 2011, come sempremagistralmente organizzata,mentre ora siamo tutti in trepidanteattesa per la quattordicesimavolta di Alessio Ambrosi e dell’AcousticGuitar Meeting di Sarzana.È un appuntamento a cuicerchiamo di non mancare maie, di solito, noi di Fingerpicking.net ne approfittiamo per fare ilpunto della situazione. Due annifa discutevamo proprio a Sarzanadel progetto del nuovo sito; l’annoscorso contavamo soddisfattii video realizzati, gli iscritti e gliaccessi; quest’anno, con oltremille video al nostro attivo, sovrapponiamoalla titanica faticadi Fingerpicking.net l’altrettantoambizioso sogno chiamato ChitarraAcustica.Con questo secondo numerodella nostra rivista digitale, ci sentiamopiù maturi e più preparatiagli eventi futuri che continuanoa tormentare le nostre notti semprepiù insonni. La realizzazionein due lingue è un’ulteriore fatica,ma anch’essa non priva di fruttie soddisfazioni. Non solo stiamoconquistando pian piano spazionel panorama europeo, ma anchedagli Stati Uniti riceviamosempre più adesioni e lusinghiericommenti.Però, voliamo bassi, per noncoprire le stelle e perché vogliamocontinuare a fare della modestiala nostra bandiera. Sappiamoche abbiamo lunghe stradeda percorrere e, spesso, non nevediamo la fine ma continuiamo acorrere. L’attività editoriale di Fingerpicking.netprosegue anchesu altri campi. Dopo i tre volumidistribuiti da Carisch – il manualeBottleneck Guitar di Paolo Bonfanti,Fingerstyle Blues Guitar diDaniele Bazzani e i dieci branidi Fingerstyle Guitar Easy di DanieleBazzani e Luca Francioso– siamo pronti con cinque nuoveuscite: Stefan Grossman e… Lachitarra ragtime, Giorgio Cordinicon Bouzouki Technique, RiccardoZappa con la novità assolutadell’audiolibro Zapateria, PeppinoD’agostino con 10 OriginalSongs e Reno Brandoni (sigh!)con Open Tuning Basics.Le belle giornate saranno semprepiù lunghe e più calde e,quest’anno, penso che ci meriteremoqualche giorno di riposoin riva al mare… Chissà, meglionon contarci!Reno BrandoniEditorialeeditoriale di Andrea Carpi pag. 3NotizieQuando brucia una biblioteca di Daniele Bazzani pag. 6BlogLa città delle chitarre di Alessio Ambrosi pag. 7Ma la SIAE è davvero dalla parte di chi crea? di Luca Francioso pag. 8Didattica ignorante - 1 di Giovanni Pelosi pag. 10Colourstrings di Alan Geddes pag. 12L’arrangiamento e la rivisitazione dei Bruskers pag. 13Recensioni, presentazioni, impressioni di Giuseppe Cesaro pag. 14Un sogno lungo una notte di Reno Brandoni pag. 16Miles of Blues di Frando Morone pag. 18Il Mondo della Musica di Giorgio Cordini Pag. 19Recensioni pag. 20ArtistiI ‘Colori della notte’ di Alex di reto di Andrea Carpi pag. 24L’albero della chitarra acustica di Daniele Bazzani pag. 25Intervista a Rob Polland di Stefania Benigni pag. 28Tommy Emmanuel a Roma di Daniele Bazzani pag. 30Beppe Gambetta e le sue 11 Acoustic Night di Andrea Carpi pag. 32Massimo Varini: uno di noi di Mario Giovannini pag. 383chitarra acustica 2 duemilaundici

srStrumentiChitarra acutistica Eko Mia 018 di Mario Giovannini pag. 42Una McAlister per Sarzana di Andrea Fabi pag. 44Chitarra Acustica Goodall Grand Concert di Mario Giovannini pag. 50Chitarra acustica Walden Supranatura G3030CEQ di Mario Giovannini pag. 52Microfono a condensatore Audio Technica AE5100 Artist Elite di Daniele Bazzani pag. 54Microfono a condensatore USB Samson G-Track di Daniele Bazzani pag. 56Martin in Italia intervista a Max Canevaro di Mario Giovannini pag. 58Notizie di mercato dalle aziende pag. 60TecnicaEsercitarsi con il metronomo di Erich Lugosh pag. 62Il valzer ragtime e altri ritmi alternativi di Lasse Johansson pag. 66Corde brasiliane la chitarra di João Gilberto di Giovanna Marinuzzi pag. 69“Alice in This Land” di Giovanni Ferro pag. 70Celtic Fingerstyle Guitar di Frando Morone pag. 72La chitarra acustica baritona di Dario Fornara pag. 74Orchestra di chitarre una sezione a tre parti di Micki Piperno pag. 76www.chitarra-acustica.netDirettore responsabileAndrea Carpiandrea.carpi@fingerpicking.netEditoreFingerpicking.netVia Prati, 1/1040057 Granarolo dell’Emilia (BO)info@fingerpicking.netwww.fingerpicking.netProgetto graficoOutline s.a.s. di Matteo Dittadi & C.Impaginazione e coordinamento webMario GiovanniniChitarra Acustica è una pubblicazione mensileRegistrazione del Tribunale di Bolognan. 8151 del 07.12.2010Amministrazione e coordinamentoReno Brandonireno.brandoni@fingerpicking.netPubblicitàTel. +39 349 0931913adv@fingerpicking.netManoscritti e foto originali, anche se non pubblicati, non si restituiscono.È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti,disegni e fotografie.4chitarra acustica 2 duemilaundici

editorialeedVorrei iniziare ringraziando tuttiquelli che ci hanno scritto percommentare la nascita della nostrarivista. Evidentemente l’attesadi un ‘organo ufficiale’, di unavera e propria ‘testata giornalistica’dedicata in modo specificoalla chitarra acustica era moltoforte, tanto da far prevalere lasoddisfazione per la nuova natasu ogni tentativo di avviare unasana discussione sulle prospettive,sulle direzioni da intraprendereo da evitare, sulle cose chepiacerebbe trovare e su quelleche non si vorrebbero vedere,insomma la libera espressionedi un senso critico e costruttivoche tanto può aiutarci a cresceresani e robusti. Ma, va bene così,godiamoci per il momento i tantiauguri, rallegramenti, complimenti…e persino l’immagine deldirettore artistico della nostra etichettaFingerpicking.net, l’apparentementeimpassibile GiovanniPelosi, «emozionato come unragazzino»!Grazie inoltre a chisi è proposto per dare una mano:offerte del genere sono sempregraditissime.E arriviamo dunque al secondonumero, che per noi è particolarmenteimportante perché è ilnumero che portiamo all’AcousticGuitar Meeting di Sarzana, dovesiamo presenti in forze con tantodi stand, palco e studio di registrazionevideo. Dopo il preamboloL’albero dellachitarra acusticain ambito teatrale della AcousticNight di Beppe Gambetta, cuidedichiamo una lunga cronistoriadelle sue undici edizioni raccoltadalla stessa voce di Beppe,la quattordicesima edizionedell’AGM inaugura infatti dal 18al 22 maggio la grande stagionedei festival di chitarra acusticain Italia. Ospitiamo qui volentieriil messaggio di presentazioneche il direttore artistico AlessioAmbrosi ha scritto per il catalogodella rassegna. E pubblichiamoin anteprima il racconto e le fotografiedella gestazione e dellalavorazione di una chitarra ‘Crosbymodel’ che Roy McAlister,liutaio appunto di artisti come DavidCrosby e Jackson Browne tragli altri, ha voluto dare in omaggioad Ambrosi e al costituendomuseo dell’AGM, come ringraziamentoper l’ospitalità ricevutaal festival e per il premio “Corde& Voci per Dialogo & Diritti” assegnatol’anno scorso al propriopupillo JB.Sarà questo un articolo di particolareintesse per i nostri lettori,come anche la bella prova dellaGoodall Grand Concert, perchéin una comunità di appassionatidello strumento acustico comela nostra, gli argomenti legatialla alta liuteria suscitano sempreuna vivissima curiosità. Tuttavia,la storia di copertina diquesto numero abbiamo volutoconsacrarla, per contrasto, a unostrumento di fascia economicadall’eccezionale rapporto qualità/prezzo,la Eko Mia ideata eprogettata in collaborazione conMassimo Varini. Perché ci piacepensare che uno strumento diproduzione italiana possa andaretra le mani di tanti giovani aspirantisuonatori, che si affaccianoper la prima volta al mondo dellachitarra, e possa acquisire unagrandissima popolarità, com’èstato in passato per la gloriosaEko Ranger 12 corde associataperlopiù all’immagine diEdoardo Bennato. E così comel’accoppiata tra Bennato e laRanger è diventata il simbolo diun nuovo modo di cantare e disuonare, ci auguriamo che il binomiotra Varini e la Mia possadiventare l’emblema della diffusionetra le giovani generazionidel nuovo chitarrismo acusticocontemporaneo. Del resto MassimoVarini, con il suo retroterradi turnista, produttore e tuttofarenell’ambito della musica pop, hatutte le carte in regola per portarenella ‘nicchia’ della chitarra acusticaun fortissimo contributo intermini di capacità comunicativae di condivisione nei confronti delgrande pubblico.A livello internazionale, unruolo simile è universalmente riconosciutoa Tommy Emmanuel.Daniele Bazzani – che vanta alsuo attivo questo ambìto riconoscimentoda parte del grandechitarrista australiano: «Bestunknown guitar talents out there?There’s a guy from Italy calledDaniele Bazzani, who plays well,really well» – lo ha incontrato inoccasione di un suo recente concertoa Roma, dove ET si è esibitoanche in veste elettrica con laband e ha presentato il suo nuovodoppio album Little by Little.Daniele ha compilato in questonumero anche un generosoabbozzo di albero genealogicodella chitarra acustica, per lomeno di quella chitarra che si èandata sviluppando a cavallodell’Ottocento e dell’Ottocentonegli Stati Uniti, fino a diventareil nostro attuale universo di riferimento.Questo ‘albero della chitarraacustica’ dovremo cercarepian piano di completare con articolidi approfondimento e nuovicontenuti, man mano che la storiadella nostra rivista crescerà.Andrea Carpi5chitarra acustica 2 duemilaundici

ntnotizieQuando una biblioteca bruciaDedicato a Ernesto De Pascale, giornalista, musicista, produttore«Quando muore un uomo, una biblioteca brucia»Questo struggente proverbio africano mi è venutosubito in mente quando ho appreso che le condizionidi Ernesto erano molto gravi, troppo perchéci fosse una speranza di ripresa. Il proverbio nellasua semplicità ci dice, meglio di quanto mille parolenon possano fare, che nella testa e nella storiadi ognuno di noi ci sono migliaia di volumi immaginari,immagazzinati nel corso di una vita: sono solonostri, e lasciano questo mondo non appena lo facciamonoi.Nel caso di Ernesto non brucia solo una biblioteca,brucia una discoteca, una stazione radio, un localeda concerto, va in fumo una vita dedicata alla musica.Si spezza quel collegamento che teneva insiemetutti i pezzi: la collezione dei suoi dischi, senza di lui,non ha più senso, i concerti che ha visto, i musicistiche ha intervistato, tutto andato.Il legame che ognuno di noi rappresenta con il propriomondo appare chiaro quando uno di noi se ne va,in cerca di qualcosa di meglio, mi viene da pensare.Anche se quello che Ernesto aveva qui non erapoco. Gli affetti delle persone care, i molti amici e iconoscenti che lo stimavano, gli sconosciuti silenziosiche lo hanno ascoltato per radio nel corso deglianni. Era sempre in cerca di qualcosa di nuovo, erasempre sul palco di qualche manifestazione bluese soul a presentare musicisti più o meno noti. Conoscevatutti.«Ernesto, ti ricordi dei Rockpile? Ho appenascoperto il loro unico disco, fantastico».«Li ho visti dal vivo nel 1979 a New York».Questo era il tenore delle nostre conversazioni.Aveva sempre qualcosa da insegnarti, senza fartelopesare. Un suggerimento, un consiglio se eri ungiovane musicista, una mano se ti stimava e credevanel tuo progetto. Mai parlato di soldi, solo amoree passione per ciò che faceva.Non era il mio migliore amico, né io il suo, ma difficilmentela scomparsa di qualcuno a me non intimomi ha toccato di più. Forse perché lo conoscevodai primi anni ‘90, forse perché ci siamo sentiti adistanza di anni con lo stesso piacere e la stessaleggerezza, forse perché negli ultimi tempi era ilproduttore del Gina Trio di cui faccio parte e stavaspingendo come un matto per questi tre musicistiche difficilmente risulteranno ‘commerciali’. Ma infondo, a chi importa? La musica prima di tutto.Forse solo perché ho realizzato che Ernestoera ‘cultura’ allo stato puro, quella cultura con cuisto cercando di riempire la mia vita, vita che conlui era un po’ più piena di quanto non sia ora.Ma il suo insegnamento ci deve spronare, a farsempre meglio e sempre di più, a non fermarsi difronte alle difficoltà, perché il nostro confine lo decidiamosoltanto noi, come mi ha detto nella nostraultima chiacchierata, mentre lo accompagnavo allastazione Termini, dopo che era venuto a Roma daFirenze per assistere al nostro concerto-intervistasu Isoradio.Sarà strano andare a Firenze e pensare di nonpotergli fare un colpo di telefono.Molti suoi amici lo stanno celebrando sul web enon solo, e molti hanno pensato la stessa cosa, ilmodo in cui anche a me piace ricordarlo: da qualcheparte, a parlare con Robert Johnson, Sam Cooke,Jimi Hendrix. Gli unici che ancora mancavano alsuo appello.Lunga vita al Blues.ErnestoDe Pascale, foto di Carlo ChiavacciLunga vita a Ernesto De Pascale.Daniele Bazzani6chitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

logblLa città delle chitarreUna domenica dello scorso marzo, sfogliando lepagine di La Repubblica, rimanevo senza parolenel trovare due pagine intere a colori dedicate aitre grandi liutai newyorkesi che hanno fatto la storiadelle chitarre acustiche e semiacustiche archtop:John D’Angelico, Jimmy D’Acquisto e John Monteleone.A parte il titolo un po’ pittoresco (“SpaghettiChitarra”!), le foto di strumenti meravigliosi e lestorie-leggende dei tre italo-americani, che pur conoscevobene, mi hanno rapito per l’ennesima voltae la voglia di essere al Metropolitan Museum di NewYork, dove li stavano celebrando con una mostrafavolosa, era tanta.Dei tre, in vita e ancora giovane ed energico, c’èil grande John Monteleone e mi sono detto: incredibile,tra poco lo vedrò perché quest’anno è qui connoi all’Acoustic Guitar Meeting di Sarzana per laseconda volta in 5 anni! Che soddisfazione e chegioia sapere che questo maestro liutaio, autore diopere d’arte sonore, terrà un corso di liuteria proprionelle sale secolari della Fortezza Firmafede esi intratterrà con tutti quanti vorranno incontrarlo echiedergli i segreti della sua arte, del perché MarkKnopfler un giorno abbia detto: Ho incontrato JohnMonteleone ed è stato come incontrare Stradivari.La sua chitarra suona come un violino.E poi non è solo, con lui ci sarà anche l’australianoSteve Gilchrist, lo “Stradivari” dei mandolini, edal momento che John porterà anche i suoi di mandolini,potranno confrontarli e scambiarsi opinioni, èsuccesso solo a Sarzana! E che dire poi se dopo laloro lezione ci sarà quella del più grande costruttoredi banjo al mondo: Greg Deering, titolare dell’aziendaproduttrice più importante sul mercato, la DeeringBanjo Company?Si può dire che questo è quello che offre e caratterizzal’Acoustic Guitar Meeting: un castello medioevalesplendido, quasi magico, dove in un’atmosferadi creatività e di energia produttiva vitale, si incontranoe confrontano autentici geni della costruzionedello strumento musicale e operatori del mercato,attenti ad offrire al pubblico quanto di meglio esistatra gli strumenti acustici a corde.L’area diventa sempre più vasta, sia come numerosia come qualità delle proposte, per la soddisfazionedei tanti appassionati e degli operatori.Allora vedremo esposte e parleremo delle migliorichitarre acustiche, ma anche di molti banjo e mandolini,senza dimenticare l’ukulele, che ormai a Sarzanasi è ritagliato uno spazio su misura straordinario,grande successo della passata edizione e congrandi aspettative per quest’anno, viste le attività egli artisti in cartellone all’”Ukulele Village”.Nel grande contenitore del Meeting, e forse segretodella sua costante crescita e successo, oltrealla vasta area espositiva, troviamo tanti artisti chesi aggirano tra gli stand e la sera entusiasmano ilAlessio Ambrosi con Diane Ponzio, foto di Reno Brandonipubblico sul grande palco della Piazza D’Armi: dallenuove proposte e ricerche stilistiche del fingerstyle,ai maghi virtuosi del bluegrass, per arrivare alle proposteetniche, quest’anno affidate a nomi di grandeprestigio.La scelta inoltre di premiare due artisti di musicapopolare, quali Victor Jara e Violeta Parra, per dipiù il primo vittima della repressione di una dittaturascellerata, dà la dimensione che con una chitarra, ocon un qualsiasi altro strumento tra le mani, non siinfilano solamente note una dietro l’altra, ma si trasmettonoemozioni e importanti messaggi, con unagrande responsabilità nei confronti del pubblico edei giovani soprattutto, primi fruitori sia dello strumentoche dell’ascolto musicale. La musica è un’artedi grande divertimento, capace di creare evasionee sollievo da un mondo reale spesso grigio, maè anche una cosa molto seria.Con queste idee e con tanto lavoro di preparazionee organizzazione, diamo inizio a questa 14a edizione,salutando tutti quanti contribuiranno a renderei 5 giorni a Sarzana una piacevole e costruttivaesperienza nell’arte, nella formazione e nel mercatodella musica e degli strumenti a corde in particolare.Ringraziamo tutti i partner e sponsor, istituzionalie privati, le varie organizzazioni chitarristiche cheinterverranno e che ci aiutano nella promozionedell’evento e salutiamo gli amici della Disma, con iquali realizziamo questo sempre più splendido catalogoe speriamo di collaborare ancora più assiduamentein futuro negli altri grandi appuntamentinazionali.La “Città delle Chitarre” apre le sue porte!Alessio Ambrosi[dal catalogo del Festival]7chitarra acustica 2 duemilaundici

lblogMa la Società Italiana degli Autori ed Editoriè davvero dalla parte di chi crea?Alla fine dell’Ottocento, acausa del crescente consumodi massa delle opere letterarieed artistiche, il dirittod’autore è stato al centro dimolte discussioni nei salotticulturali e motivo del sorgeredi sistemi normativi organicicapaci di tutelare gli autori inpatria, ma non all’estero. Conl’accordo noto come Convenzionedi Berna, voluto da VictorHugo e stipulato nel 1886,il diritto d’autore è divenutointernazionale, essendo perla prima volta riconosciuto reciprocamentedalle nazioni aderenti al patto, rivistoe aggiornato poi nel corso degli anni.È in questo movimentato contesto storico chequattro anni prima, il 23 aprile 1882 a Milano, letteratie artisti italiani tra cui De Amicis, Carducci,Verga e Verdi, hanno fondato la SIAE (Società Italianadegli Autori ed Editori), l’ente associativo di salvaguardiae tutela del diritto d’autore tuttora vigentein Italia, inizialmente confortata dai più facilmenteaccertabili diritti teatrali che non da quelli musicali, icui accertamenti nei primi anni sono stati causa piùdi dibattiti giudiziari che di incassi.Questo affascinante sodalizio culturale, nel girodi cinquant’anni, si è trasformato in un’agenziache opera in campo economico con una funzioneintermediaria tra pubblico e autori, aumentando gliincassi in seguito all’enorme sviluppo del cinema,della radio e degli altri mezzi di riproduzione delleopere e diventando, con la Legge n. 633 del 22aprile 1941 tutt’oggi in vigore, l’unica ed esclusivaattività di intermediazione.Dopo più di un secolo di storia, tra cambiamenticulturali e ideologici, come spesso accade ancheper le idee più nobili, la sensazione è che qualcosasi sia spento con il passare del tempo, come se sifossero persi scopi e obiettivi. Lo spirito, il fervore elo slancio che avevano spinto gli artisti dell’epocaa fare gruppo per tutelare il loro ingegno e le lorocreazioni appare molto distante dalla burocrazia daufficio e dagli onerosi e indistinti compensi previstianche per eventi di natura non lucrativa, che oggiimbrigliano qualsiasi tentativodi proposta artistica.Il crescente malumore degliartisti associati SIAE, peri tanti punti controversi delsuo statuto, è un sintomoche non si può non considerare,essendo un entepubblico economico a baseassociativa, a meno che siscelga di non farsene unproblema, confortati e arricchitidall’assenso di pochiprivilegiati soci.Sul legiferato monopoliodetenuto dalla SIAE, oggi presente sul territorio alivello capillare con 13 sedi regionali, 34 filiali e oltre600 mandatari con funzione di sportello, in moltihanno sollevato dubbi sulla correttezza di tale posizione,visto che di fatto è vietato costituire nuoveorganizzazioni di intermediazione.Inoltre, la SIAE, mette sullo stesso piano copyrighte diritto d’autore, impedendo la libertà di condivisionedell’opera con chiunque, anche senza scopidi lucro, visto che l’autore associato non può rilasciareopere sotto differente licenza, ad esempio CreativeCommons.Altra questione scottante è il bollino SIAE. Standoall’articolo 181 bis della già citata Legge n. 633, suogni supporto contenente opere protette dal dirittod’autore deve obbligatoriamente essere applicatouno speciale contrassegno, i cui costi si aggiranointorno agli 80 centesimi di euro tra stampa e dirittod’autore, e con i cui proventi si garantirebbe la ripartizionedei diritti dell’opera contenuta nel supporto.L’8 novembre 2007, la Corte di Giustiziadelle Comunità Europee ha revocato tale obbligo,considerandolo una regola tecnica che non può esserefatta valere nei confronti di un privato. Tuttavia,il 23 febbraio 2009, è stranamente tornata in vigorel’obbligatorietà del bollino, con un Decreto delPresidente del Consiglio dei Ministri dall’inusualeefficacia retroattiva, che a molti è sembrata più unamanovra ‘salva SIAE’, considerata la mole del debitomaturato dall’ente, arrivato a 10 milioni di euronel gennaio 2010, e che di fatto ha ignorato la Sentenzadella Corte di Giustizia delle Comunità Europee.Nel considerare tale debito è importante tenere8chitarra acustica 2 duemilaundici

logblpresente che la SIAE acquisisce un compenso sullavendita in Italia di dispositivi di memorizzazionecome pellicole fotografiche, cd, dvd, masterizzatori,hard disk, penne usb, schede di memoria, computer,decoder, lettori mp3 e telefoni cellulari, per latutela preventiva del diritto d’autore sull’ipotetica copiaprivata di materiale protetto, e che l’ammontarecomplessivo degli introiti di questa tassa, denominata“equo compenso”, viene stimato da Confindustriae Assinform in 300.000.000 di euro all’anno.Tornando alla storia, il 30 novembre dello stessoanno, il presidente della SIAE, l’avvocato GiorgioAssumma, si è dimesso dall’incarico a causa dellaspaccatura profonda esistente negli organismiassociativi, a partire proprio dall’assemblea, i cuimembri legati alle major discografiche volevanofondare una propria società di gestione, rompendocosì il tanto discusso monopolio SIAE. In una letterainviata al ministro Bondi da FEM (FederazioneEditori Musicali), ANEM (Associazione NazionaleEditori Musicali) e FA (Federazione Autori), ed estesaalla Presidenza del Consiglio dei Ministri, siaccusa la SIAE di aver smantellato la società siain termini economici, sia in termini etici, e di averlaresa territorio di caccia di clientele e interessi personali.E così, in questa bufera, non è tardata adarrivare l’ennesima scelta discutibile, quella di affidareil 3 marzo 2011 al novantenne Sandro Rondi lapresidenza della Società, in un periodo in cui ormaii diritti riguardano in grandissima parte la rete, lamusica digitale e lo streaming.Francesco Paolo Michetti, ritratto di Verdi, 1887,Museo di Casa Barezzi, Busseto (PR)L’ultima amara riflessione la faccio su un personalesentore, un gemito di tristezza e rabbia ognivolta che, da associato, entro in un qualsiasi ufficioSIAE. L’impressione sistematica che ho di fronteallo sportello è di non essere un suo tutelato, maun suo dipendente: una persona qualsiasi, senzanome e senza faccia che contribuisce a far girareun ingranaggio arrugginito e obsoleto.Ma allora, con Viva Verdi in una mano, la rivistaufficiale della Società Italiana degli Autori ed Editoripiena zeppa di visi rugosi e capelli bianchi, ei resoconti delle ripartizioni dei proventi dei mieidiritti d’autore nell’altra, interamente scribacchiati dinumeri messi alla rinfusa da non capirci nulla, michiedo: la SIAE è davvero dalla parte di chi crea?Luca FranciosoLascia un commento9chitarra acustica 2 duemilaundici

lblogDidattica ignorante? – 11. «Le lingue dal punto di vista fonetico sono migliaia,mentre dal punto di vista psicologico ne esistonosolo due: la lingua materna o primaria e tuttel’altre lingue messe insieme o seconde».«[…] la lingua più profonda e nobile è quella linguache la mamma trasmette con naturalezza alfiglio».(Ludwig Wittgenstein, Ricerche filosofiche, 1953)2. «I confini della mia lingua sono i confini del miouniverso».(Ludwig Wittgenstein, Tractatus logico-philosophicus,5.6, 1921)Giovanni Pelosi con Rodolfo Maltese a Franciacorta2010 foto di Elio BerardelliNon scomoderò ulteriormente Ludwig Wittgenstein,né mi occuperò di pedagogia, eppure partiròdal bambino. Nessuno ha mai avanzato l’ipotesiche un bambino, per parlare, possa prima impararele complesse regole della grammatica e della sintassi.Si richiedono almeno cinque anni di “look andlearn” o, meglio, di “listen and learn” nell’ambito, essenzialmente,familiare.L’importanza di quella che chiameremo la “linguamaterna” è tale da farci riconoscere, ad esempio,che il nostro Presidente della Repubblica, personadi grande esperienza politica, culturale e di vita, ènato a Napoli, o lì vicino.Per chi, come me, ha vissuto in città nelle quali siparlano dialetti differenti, è naturale l’osservazioneche nessuno, colto o ignorante, sbaglia una solaespressione dialettale e, nei rari casi in cui si cadein errore, ci si rivolge ai ‘vecchi’ per farsi correggere.La profondità di quel linguaggio sta nell’esseretrasmessa da un esempio costante, ripetuto,all’inizio della nostra vita ‘fonetica’, nelle fasi finalidella maturazione del nostro Sistema Nervoso Centrale.Se riconosciamo che la musica è paragonabilead una lingua, potremmo trasferire alcuni concettiimportanti dalla didattica linguistica alla didatticamusicale, e ce n’è uno che mi sta particolarmentea cuore: non cerchiamo di insegnare la grammaticaa chi non sa parlare. In questo modo ci hanno insegnatol’inglese, e non l’abbiamo imparato, nellascuola media. In questo modo ci hanno insegnato illatino e il greco al liceo, e certo non abbiamo imparatoa parlare l’uno, né l’altro. Nel caso delle linguemorte, non c’è neanche la possibilità di ricevere deicredibili esempi.Una persona di media cultura e di medio comportamentoutilizza, a seconda del contesto, un linguaggioconfidenziale ed uno formale, che assomigliadi più a quello imparato sui libri. Per “contesto”intendo, molto più degli interlocutori, l’argomento dicui si parla: difficilmente si discute di matematica,medicina o filosofia, in un linguaggio confidenzialeo in dialetto. Come difficilmente si utilizzerà la miglioreforma italiana nel raccontare una barzelletta.Perché?La risposta che provo a dare è multipla: da unaparte, l’inadeguatezza del linguaggio familiare overnacolare ad una materia scientifica, umanisticao, insomma, colta. Dall’altra, la maggiore efficaciadi un linguaggio spontaneo, spesso colorito in sé,per un contenuto confidenziale. Da una parte, il riferirsicon frequenza a ciò che si è letto, dall’altrariferirsi più spesso a ciò che si è ascoltato. Da unaparte, cercherò di essere preciso, spesso prepareròle mie relazioni con cura, a volte scrivendoleprima per verificarne la correttezza, e dall’altra micurerò soltanto dell’efficacia e della suggestione diciò che dirò, sarò spontaneo accettando il fatto chepotrei commettere degli errori e che il rapporto conl’ascoltatore è informale.Da una parte l’accademia, dall’altra la tradizionepopolare. Da una parte, la lingua materna, dall’altrale lingue “seconde”.Se è vero che un Accademico della Crusca si puòpermettere di parlare in dialetto nel suo privato, è altrettantovero che non è plausibile che una personache parla un dialetto e non abbia studiato l’italianodecida di parlarlo in un’occasione pubblica, e ci riesca.Sarebbe, dunque, vero che, se accettiamo ilsecondo suggestivo punto della citazione di Wittgenstein,chi studia ha un universo meno limitato dichi non lo fa. Francamente, ne sono convinto, anchese ho delle riserve sul campo di applicazione diquesta massima, e ve ne parlerò.Nella prossima blog entry cercherò di riferirmi piùspecificamente ai generi musicali e all’insegnamentosecondo me appropriato, ovviamente sempre… con‘ignoranza’.Giovanni Pelosi10chitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

lblogColourstrings il metodo didattico delle corde colorateAlan Geddes è un chitarrista e insegnante di musicadi Glasgow. Dopo molti anni di attività dal vivoe di insegnamento ai bambini attraverso il metodoColourstrings per chitarra, sta gestendo attualmenteun sito web dedicato all’insegnamento dellachitarra fingerstyle: http://www.fingerpickingguitar.org. Recentemente ha aderito alla nostra comunitàcon il nickname “fingerpicking” e ha lasciato un interessantecommento al post “Didattica ignorante –2” di Giovanni Pelosi. Su richiesta di Giovanni, ciha inviato questo stimolante articolo che volentieripubblichiamo.* * *Il metodo didattico Colourstrings è stato sviluppatoin Finlandia a partire dalla filosofia di ZoltánKodály, nella quale l’apprendimento inizia con ilcanto e con lo sviluppo dell’orecchio ‘interiore’.Per bambini molto piccoli, dai diciotto mesi in su,le lezioni sono presentate in modo da incoraggiareil gioco e l’immaginazione. I bambini cantano, battonole mani e marciano seguendo un programmamusicale costruito accuratamente, basato sui principidi ritmo, intonazione, dinamica, tempo, timbro,forma e stile.All’inizio i bambini imparano ripetendo le azionidell’insegnante: l’insegnante canta una canzone, ilbambino la ripete; l’insegnante batte un tempo conle mani, il bambino ripete. Appena crescono un pochino,questa imitazione è accompagnata da gestimanuali che corrispondono al sistema Tonic Sol-Fa.Uno dei primi intervalli che imparano è l’intervallodiscendente di terza minore, Sol-Mi. Non sono sicuroper ciò che riguarda l’Italia, ma sicuramente inScozia questo intervallo appare regolarmente nellecanzoni da cortile dei bambini, per i quali è un intervallomolto naturale da intonare. Gradualmente,attraverso la ripetizione delle canzoni e del batterele mani a tempo, poi attraverso l’uso della notazioneritmica, i bambini cominciano a riconoscere lenote sul pentagramma. All’età di sei anni imparanoa suonare gli strumenti, utilizzando lo stesso metododi canto e imitazione. Si insegna loro a cantareil brano, poi loro imparano a suonarlo sul propriostrumento.Originariamente la tecnica Colourstrings è statasviluppata sul violino dal suo fondatore Géza Szilvay.Ad ogni corda del violino viene assegnato uncolore per aiutarne il riconoscimento, da cui il nomeColourstrings (‘corde colorate’). La notazione musicaleviene tenuta al minimo essenziale con i bambini,ai quali viene mostrata soltanto la notazione aloro necessaria per suonare. Per esempio, al bambinonon vengono inizialmente mostrate tutte le lineedel pentagramma, ma soltanto quelle usate per lenote insegnate. Il metodo è ovviamente molto benapplicabile al violino, a causa della sua necessità diuna buona intonazione: se il bambino è in grado dicantare una nota, allora si accorgerà se sta suonandofuori tono. E anche se questo problema di intonazionenon è applicabile a uno strumento a tasticome la chitarra, la metodologia che consiste nellosviluppare l’orecchio per istruire le mani è – secondome – il miglior modo di insegnare la chitarra. Perparecchi anni ho incluso il metodo Colourstrings perchitarra, sviluppato da Jussipekka Rannanmaki,nella mia didattica per bambini dai sei anni in su, eho trovato che i risutati sono straordinari. Fortunatamentemolti dei bambini a cui insegnavo avevanopartecipato a classi di canto Colourstrings, per cuierano avvezzi all’idea di cantare. Il fatto di insegnareai bambini a cantare la melodia, mostrando poiloro come suonarla sulla chitarra, otteneva invariabilmenteun effetto di scorrevolezza della musica.Benché soltanto parzialmente elaborati come metodoper chitarra, i princìpi alla base della metodologiaColourstrings e degli insegnamenti di Kodály,dai quali il metodo si è sviluppato, hanno in me unagrande risonanza. Quando insegno, faccio sempreriferimento ai princìpi musicali che consistono nellosviluppare l’orecchio interiore e cantare ciò che sivuole suonare.Alan Geddes* Tonic Sol-Fa è una tecnica pedagogica per insegnarela lettura a vista nel canto, sviluppata inInghilterra da Sarah Ann Glover (1785-1867) eresa popolare da John Curwen (1816-1880) che laadattò da differenti sistemi musicali antichi quali lasolmisazione medievale. Utilizza un sistema di notazionemusicale basato sul “Do mobile”, nel qualeil Do viene considerato come “tonica mobile”, applicabilein sostituzione della tonica fissa di ogni scalamaggiore (mentre il La diventa la tonica di ogni scalaminore). Questo metodo venne perfezionato inmaniera esemplare da Zoltán Kodály (1882–1967).E nel 1972, in Italia, Roberto Goitre (1927-1980)pubblicò una delle più importanti versioni modernedi questo sistema in Cantar Leggendo.12chitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

logblL’arrangiamento e la rivisitazioneSi percepisce chiaramente la passione con cui ilportale Fingerpicking.net è portato avanti: la vogliadi crescere e migliorare si svela in ogni nuova iniziativa,in ogni dettaglio, evidenziandosi dagli articolifino alle pagine del forum. Questo è sicuramenteda apprezzare, pertanto è nostro desiderio cercaredi contribuire attivamente, con la speranza che lenostre idee e i nostri spunti possano risultarvi interessantie stimolarvi nella vostra attività musicale.In una serie di articoli tratteremo alcune delletematiche che ruotano intorno all’arrangiamento e,soprattutto, la rivisitazione con la chitarra di braniscritti per formazioni che non includevano originariamentela nostra amata seicorde. Occorre fare unapremessa, poiché due sono, a nostro parere, le vieattraverso cui è possibile avvicinarsi a un brano.Una prima ipotesi è quella di conservare fedelmentela struttura, i temi, l’armonia e il ‘feeling’ originali, perpoi addentrarsi nell’affascinante compito di rendereefficace questo insieme attraverso la chitarra. Èpossibile invece reinterpretare il brano concependoun arrangiamento che non ha più l’obiettivo di esserefedele all’originale: ci si allontana da un percorsogià scritto e si entra così nel complicato mondoche – per alcuni aspetti – è più simile alla composizioneche all’arrangiamento, quello della rivisitazione.Noi ci occuperemo di quest’ultima possibilità,in quanto con il passare del tempo ci siamo semplicementeresi conto di preferire questo metodo dilavoro, che ci fa sentire più liberi, pur consapevoli dipoter essere molto più facilmente criticabili. È fondamentalmenteuna questione di gusto: se vi piacequest’idea potete continuare a leggere!Probabilmente qualcuno di voi potrà obiettareche alcune delle nostre considerazioni vertano suargomenti ovvi. Nel nostro percorso ci siamo peròresi conto che una cosa è conoscere l’esistenza ditali questioni, un’altra è possedere questi strumentied esserne pienamente consapevoli e – di conseguenza– saperli efficacemente utilizzare. Ve li sottoponiamo.In questo primo articolo ci teniamo asottolineare quello che per noi rappresenta la chiavefondamentale per elaborare efficacemente unareintepretazione e il successivo arrangiamento perchitarra di un brano: la personalità. La vostra improntadeve quindi emergere chiaramente da quelloche fate. Ognuno di noi ha un proprio background,una formazione e un’origine musicale che non occorrenascondere. Per essere personali, il nostrostile deve poter emergere senza troppi vincoli, purcon l’obiettivo di creare un arrangiamento equilibratosotto vari punti di vista, che andremo in seguitoad analizzare. A volte però risulta difficile capireesattamente qual è il nostro stile, dal momentoche spesso le nostre caratteristiche personali possonopassare inosservate al nostro orecchio, ormaiabituato e in un certo senso ‘assuefatto’ alla nostramusica. Un consiglio che ci sentiamo di dare èquello di riascoltarsi il più possibile e annotarsi tuttigli elementi ricorrenti che possiamo ritrovare nellanostra esecuzione. Alcuni esempi: ripetitività di particolaritecnici (ad esempio un uso personale deglistrisciati, delle legature o degli accenti), fraseggiche si ripetono, utilizzo delle dinamiche, ironia, serietàecc. Siamo pronti a scommettere che con unpo’ di pazienza ognuno di noi può ritrovare almenouna breve lista di particolari che ci rendono diversidagli altri. Se non li trovate, dovete semplicementeascoltarvi meglio oppure far ascoltare il vostro materialea qualcun altro il quale, magari carta e pennaalla mano, sarà certamente in grado di ritrovarecaratteristiche ‘vostre” nella musica che suonate.Questo proprio perché ognuno di noi segue un percorsodiverso, ascolta musica diversa e incontranel tempo persone diverse: sono questi gli elementicapaci di influenzarci e di contribuire alla nostraformazione, modellandoci e facendoci diventare,a nostro modo, unici. Una volta identificate questecaratteristiche potrete approcciarvi al brano e, dopoche vi sarà entrato perfettamente nell’orecchio, lanciatevinel personalizzarlo, utilizzando gli elementiche avete precedentemente scoperto. Non importache siano presenti tutti, ma è rilevante che il vostrocontributo, il vostro valore aggiunto all’internodell’arrangiamento, sia chiaro all’ascoltatore.Qui di seguito il nostro esempio. Come forse avetepotuto notare dai video che abbiamo registratoper Fingerpicking.net, e come abbiamo meglio espostonella nostra spiegazione della rivisitazione edell’arrangiamento di “A Night in Tunisia”, noi abbiamoindividuato come nostre caratteristiche personalila continua opposizione tra uno stile ‘classico’e uno ‘moderno’, rigoroso e ironico, essendo noi diformazione chitarristica differente, ma anche la possibilitàdi creare un dialogo tra i nostri strumenti e,infine, l’utilizzo massiccio delle dinamiche. Abbiamocercato quindi di far emergere questi elementiall’interno delle nostre esecuzioni, con l’obiettivo direnderci il più possibile riconoscibili. A presto peri prossimi articoli, dove, accanto a più dettagliateinformazione tecniche, cercheremo di curare e approfondirel’aspetto della creatività.Ciao da Eugenio e Matteo!Bruskers13chitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

lblogRecensioni, presentazioni, impressioni personaliDopo più di vent’anni (sebbene con qualche interruzione)di onorato (spero) e fedele (questo è certo)servizio tra le pagine della nobile Chitarre del ‘maestrodei maestri’, Andrea Carpi, raccolgo volentieri ilsuo invito a portare il mio piccolo contributo di pensierie parole sulle pagine di Fingerpicking.net. Unospazio che – per la qualità e la ricchezza di temi enarratori – rappresenta senz’altro uno dei più autorevolipunti di riferimento per chiunque abbia nellachitarra la bussola e il sestante del proprio navigarela musica: direi «LA community» dei fingerpicker dicasa nostra. E – perché no? – anche di qualche‘vicino’.La speranza è che pensieri e parole valgano iltempo che impiegherete a leggere e che quantosono riuscito a rubare a questo mezzo secolo (lamaggior parte del quale trascorso con la testa e talvoltale mani tra le sei corde) possa, se non altro,stimolare curiosità e interesse e magari spingere aindagare orbite e rivoluzioni di un pianeta – la chitarra– che, al contrario della luna, non mostra maila stessa faccia e, dunque, non ha un solo… latooscuro. That’s it.Dato che comincerò col parlare di alcuni album,credo si renda necessaria una piccola premessa dimetodo. Mettiamola così: non di recensioni si tratterà,semmai di presentazioni e impressioni personali.Una sorta di ‘visita guidata’ all’ascolto.Innanzitutto per evitare il rischio dell’imperante‘mollicanesimo’. Mi riferisco allo stile quasi agiograficoche talvolta assumono certi servizi di TG (nonme ne voglia il buon e bravo Vincenzo Mollica), conil rischio di lasciare in chi ascolta la fuorviante impressionedi trovarsi ogni volta di fronte all’ennesimocapolavoro e di non riuscire più a distinguerecosa da cosa.La seconda esigenza è quella di evitare il sospettodel ‘conflitto di interessi’. Ce n’è fin troppi nel nostroPaese: non mi sembra igienico originarne di nuovi.Molti degli album dei quali scriverò, infatti, saranno,inevitabilmente, album di colleghi, in qualche casodi amici, e molti saranno prodotti proprio da Fingerpicking.net.Dunque – per rispettare il lavoro di autorie interpreti, ma anche autorevolezza e prestigiodi questa testata – mi sembra necessario chiariresubito il taglio di queste riflessioni: un ascolto attento,il più possibile informato, che illustri a chi si trovadavanti un titolo ed una tracklist cosa ci sia dietro(e, soprattutto, dentro) quel titolo e quella tracklist.Il tutto, senza mai dimenticare che Fingerpicking.net è più o meno l’equivalente di ciò che il marchioDOCG è per i vini: denominazione di origine controllatae garantita, che, nel nostro caso, potremmotradurre in “denominazione di origine chitarristicagarantita”.Gusti personali a parte, è, quindi, davvero improbabileche su queste pagine si possa incappare indischi che possano lasciare insoddisfatti o, peggio,farci storcere il naso. E, dunque, l’uso di certi superlativirischia, una volta tanto, di essere davveromotivato.Giuseppe CesaroLascia un commento14chitarra acustica 2 duemilaundici

Visita il nostro shop digitalewww.fingerpicking.net/digitallezioni di:Beppe GambettaBruskersDaniele BazzaniDavide MastrangeloEric LugoshFabiano CorsoFranco MoroneGiorgio CordiniGiovanni PalomboGiovanni PelosiLuca FranciosoMassimo NardiMassimo VariniMuriel AndersonPaolo BonfantiPaolo CapizziPaolo MariPaolo SerenoPeppino D’agostinoPietro NobilePino RussoReno BrandoniRiccardo ZappaStefan GrossmanStefano BarbatiStefano MirandolaVal Bonetti

lblogUn sogno lungo una notteVivo a Bologna, ma quando posso fuggo lontanodalla pianura alla ricerca del mare: orizzonte inesauribilecolorato di albe e tramonti, silenzio e sale,pelle bruciata dal sole, serenità infinita. Ho eletto daalcuni anni come mia patria d’esilio la Sardegna, e lìpasso sempre più parte del mio tempo, nascosto tramirto ed elicriso a suonare e pensare, a condividerecon gli amici sardi le mie nuove idee sulla musicae sul sito. La musica è un linguaggio universale e,quando due uomini che la vivono con estrema passiones’incontrano, non può che nascere qualcosadi buono. Così è stato tra me e l’amico Gianni.In questa terra ho trovato le radici per una nuovagiovinezza e sempre di più mi appassiono al gustoe alle tradizioni di questo popolo, che difende e amala propria cultura e – quando vede nei tuoi occhi unminimo d’emozione per i suoi suoni – si riempie ilcuore di gioia.Da qualche anno invito Stefan Grossman a passarecon me una settimana in questa terra e, rapitoanche lui dall’armonia del luogo, ha trasformatoil saltuario invito in una piacevole consuetudine.L’anno scorso, dopo averlo presentato ai miei amiciLucia e Gianni e dopo aver partecipato a una fantasticacena a casa loro conclusasi con un’improvvisataesibizione di Stefan e mia, l’esaltazione el’emozione di Gianni lo hanno portato a pronunciareuna solenne promessa verso Stefan: «Il prossimoanno, se ritorni, organizzerò una festa dove potraiapprezzare dal vivo la nostra musica».La promessa non è svanita nel piacevole ricordodella serata, ma è rimasta ben viva nella mentedi Gianni e – devo dire – anche in quella mia e diStefan. Per cui quest’anno, quando Stefan ha confermatoche il 14 agosto mi avrebbe raggiunto perpassare una settimana di vacanza con la mia famigliaed io ho comunicato la notizia agli amici del luogo,nel ‘segreto’ più assoluto Gianni ha organizzatol’evento promesso comunicandoci semplicemente:«Venerdì sarete a casa mia per una cenetta sarda»…Che dietro l’invito si nascondesse quello chesto per raccontarvi era lontano da qualsiasi possibilefantasiosa immaginazione.Cerco di riassumere sperando di poter trasmetterecon queste righe, poche foto e qualche piccolovideo amatoriale (grazie a un’improvvisata telecamera/telefonino),la ‘tensione’ emotiva della serata.Arriviamo a casa di Lucia e Gianni e il quadro èquesto: in primo piano una tavola imbandita consalumi e altre leccornie caratteristiche del luogo. Insecondo piano, laggiù nella grande veranda, duealtoparlanti che denunciavano la presenza di unimpianto di amplificazione, presagio di qualcosa dibuono… Ci vengono presentati il maestro del coro,Giovanni Puggioni, e due ragazzi: un chitarrista eun cantante. Ci sediamo a tavola e davanti a unpiatto di malloreddus, cui fa seguito il mitico porceddu,si inizia a parlare di musica. Il maestro cercadi spiegarci il ‘segreto’ della polifonia sarda e, alzandosi,chiede ai due ragazzi di aiutarlo in qualcheesempio: le prime brevi note ed è subito magia…Stefan mi guarda sorpreso, ed è come se ci fossescoppiata una bomba vicino: l’energia di quelle pochenote inaspettate, così calde e coinvolgenti, rischiarala serata riempiendo quel luogo di una luceabbagliante.Parlo del mio amore per “Non potho reposare”,ed ecco che il maestro – imbracciato un chitarronesardo che subito attira la curiosità di Stefan – improvvisail brano richiesto. Da lì in poi è festa!Stefan prova a suonare un blues sul chitarrone.Io eseguo la mia versione di “Non potho reposare”accompagnato dall’armonica dal maestro del coro.Arriva Peppe Cuga, esperto suonatore di launed-16chitarra acustica 2 duemilaundici

lblogMiles of BluesRipartendo da alcune righe di blog [GiovanniPelosi, Didattica ignorante? – 1]: è vero, un generemusicale è simile a una lingua parlata che ha unproprio vocabolario, una terminologia, delle regolegrammaticali, una punteggiatura e così via. Allostesso modo una tradizione musicale conserva elementiche contraddistinguono il proprio linguaggio:scale con determinati intervalli, accenti, dinamiche,ritmiche, progressioni e armonizzazioni tipiche, secondoregole certe.Fin qui tutto semplice, solo che il blues per suanatura non ama troppo regole fisse, nasce e si sviluppain un contesto non preordinato nei dettagli,c’è poco di formale. Tutto nasce in modo naturalee spontaneo, prendere o lasciare, terreno quasiincolto eppure a suo modo produttivo. Più chelingua scritta risulta linguaggio parlato, fatto di dialettie slang, che si acquisiscono con la passionedell’ascoltatore unita al ‘chilometraggio’ del musicista.L’esperienza diretta fatta di pratiche trasmesseoralmente, acquisite a orecchio, fa del blues il generetradizionale per eccellenza…Sono stati poi i bianchi a codificare, scrivendo ecercando di fissare le note sulla carta, passaggi cheperò per loro natura risultano mutevoli e soggetti avariazioni dello stato d’animo del musicista. Questapratica ha portato a forme di improvvisazione sviluppatesipoi con il jazz. Cosa sarebbe il jazz senzail blues? Probabilmente un linguaggio privo di spinadorsale… Ho ascoltato musicisti che aggirando ilblues sono saltati a piè pari nel jazz: risultato? Frasicomplesse ed esecuzioni cerebrali, frutto di puroesercizio accademico. Note che come fiume in pienasi spargono ovunque a caso. Le frasi semplicie di senso compiuto vengono considerate ovvie,troppo facili da suonare.Quando un linguaggio diventa carente nei suoitratti essenziali si stacca dalle proprie radici e diventaqualcos’altro. Come insegna Miles Davis, occorrenon solo suonare le note giuste, quelle black perintenderci, ma anche evitare di suonarne troppe.Quindi saper usare il silenzio, che si traduce in unsapiente utilizzo delle pause.Immaginiamo l’ascoltatore investito da incessantiquartine di sedicesimi sparate senza respiro: è facileche si stanchi subito. Il musicista che le suonasenza ascoltarsi, al contrario, sembra proprio nonstancarsi. Può sembrare un paradosso, ma a voltela voglia di stupire, la voglia di dimostrare a tutti icosti la propria abilità in maniera autocelebrativa,sono tentazioni che – se non regolate – possonoprendere il sopravvento. Proprio per questo il musicista,durante il suo percorso artistico, è meglioche conservi quella sana passione di ascoltatore,soprattutto della musica che lui stesso produce.Nel caso del blues, l’ascoltatore/musicista ne coglieil mood, gli accenti, le ululanti blue notes, i vibrati,tutti quei sentimenti sottintesi o apertamentedichiarati che saltano fuori dalle righe del pentagramma.Nel caso non succeda nulla di tutto ciò,prima che si covi il dubbio di non essere in gradodi emozionarsi, meglio rimettersi in viaggio, alla ricerca,altre miglia lontano. A volte è solo questionedi cercare altrove.Sì, perché spesso le note che troviamo occasionalmentesenza fatica non bastano. Occorre cercarein lungo, in largo, fino ai confini. Così un giorno troviamouna frase che ci muove qualcosa dentro, perchéha dei contenuti. Successioni di note e progressioniarmoniche incastonate su di una ritmica checi prende e ci porta via… Adesso sappiamo dove ecome cercare, funziona così anche con le persone,i luoghi e tutto ciò che amiamo avere intorno.Quando diventiamo consapevoli di quello che cipiace veramente abbiamo fatto un passo avanticome persone e come musicisti. Attraverso una rigidaselezione di ciò ci appassiona riusciamo anche atrasmettere qualcosa di coerente, una personalità,un nostro stile… Non è una scelta, a questo punto èuna conseguenza naturale.Ed è anche giusto che del blues non ci piacciaproprio tutto, è normale che in un genere musicalesi trovino cose che ci lasciano indifferenti. Nel bluestroviamo tutto e il suo contrario: passione e indifferenza,trasgressione e tradizione, bianco e nero,carica sessuale e astinenza forzata, religiosi gospelse profane pratiche voodoo, blues delle prigionie canti di libertà, e poi ancora walking, talking blues.Chi ‘ha un blues’, come si diceva un tempo, è unoche ha qualcosa da dire, che ha una storia vissuta inprima persona, non necessariamente triste: quellodella tristezza del blues è un luogo comune; qui sitratta di qualcuno che comunica e che ha voglia dicoinvolgere gli altri. È forse per questo che abbiamoda subito amato il blues, è stato un amore a primavista, non certo un semplice prurito giovanile, vistoche dura ancora.Il successo del blues in tutto il mondo simbolicamenterappresenta da sempre la rivincita di unpopolo oppresso, è storia di tanti anni fa, ma èsempre bello ricordarla, perché mai come in questocaso la musica ha contribuito all’integrazione di culturediverse.E poi, nel senso strettamente strumentale, comeresistere al trasporto del ritmo, energia che ramificaulteriori stili e generi come ragtime, boogie, swing,jazz, rock, country, entra nelle canzoni e nelle ballatefino ai mix multietnici. Un viaggio di contaminazioniinfinite perché, comunque, nel blues la stradadiventa più importante della stessa destinazione,come nelle storie di Kerouac. Non importa se siala strada maestra, una mulattiera o magari il crocicchiodel film Crossroads. Piuttosto, anche nella vitareale è meglio evitare patti col diavolo, si rischia didovergli essere riconoscente tutta una vita. Ad uncerto punto della nostra esistenza un incrocio, piùseriamente, ci obbliga a prendere una direzione…Altrimenti, come nella canzone di Jimmy Cliff, ci ritroviamoseduti nel limbo [“Sitting in Limbo”], aspettandoche qualcuno ci porti lungo una strada chenon abbiamo scelto…Wow, si è fatto tardi adesso! A proposito di questacanzone, avrei dovuto parlarvi del mio nuovo cdMiles of Blues, ma non è mai facile parlare dellapropria musica. Poi le note suonate talvolta diconomolto più di quelle scritte, per chi le ascolta, per chiancora ci crede…Franco Morone18chitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

logblIl mondo della musicaIn queste pagine racconterò le mie esperienzevissute nel mondo della musica, in piccoli localifrequentati da poche decine di persone, sui grandipalchi dove ho avuto la fortuna di salire a fianco diartisti famosi. Racconterò di chitarre e mandolini,ma anche di uno strumento che mi sta molto a cuore:il bouzouki. Una specie di mandolino di grandiproporzioni con quattro corde doppie, che i grecinon accordano per quinte, ma esattamente comele prime quattro corde di una chitarra, un tono sotto:CFAD. Tuttavia, nel mondo ‘etnico’ di Mauro Paganie di Fabrizio De André, il bouzouki doveva evocaresonorità mediterranee e arabeggianti. Ecco ilperché delle accordature aperte ADAD o BEBE oaddirittura C#F#C#F#, che Mauro usava abitualmente.Ho imparato a suonare questo strumento inun modo singolare, proprio quando ho conosciutoFabrizio De André.Fabrizio si affezionava alle persone e non si dimenticavamai degli amici. E non era neanche difficileentrare nelle sue simpatie. Lui ascoltava chiunquee dava spazio a tutti. Non aveva pregiudizi oriserve.Nell’inverno del 1990 iniziarono le prove dellatournée Le nuvole. Io ero stato reclutato da MauroPagani, che era il produttore di quell’album e con ilquale già suonavo. Per me era la prima esperienzadi quel livello ed entrare nella band di Fabrizio DeAndré, che era sempre stato uno dei miei cantautoripreferiti, era come toccare il cielo con un dito.Il primo giorno di prove, a Milano, mi presentaicon tutto il mio armamentario personale, la chitarraelettrica, quella acustica, quella classica, il mio amplificatoreMarshall, i miei effetti…Incontrai i musicisti, alcuni dei quali già conoscevo:Ellade Bandini, il batterista, Naco alle percussioni,Giancarlo Parisi ai fiati, Pierre Michelatti il bassista,Gilberto Martellieri il pianista, Michele Ascolesel’altro chitarrista. Mancava solo Mauro Pagani… inritardo.Nell’attesa pensai bene di presentarmi a Fabrizio,che ancora non conoscevo. Una stretta di mano:De André, Cordini, Naco e Pier Michelatti nel 1991«Sono Giorgio, il chitarrista che suona con Mauro.Piacere». «Ciao» rispose. «Piacere. Mauro mi hadetto che suoni un gran bene il bouzouki».Rimasi bloccato. Mauro non poteva avermi fattoquesto. Che cosa gli aveva raccontato?! Mi guardaiintorno disperato per capire che cos’era un bouzouki,ma in realtà non l’avevo mai neppure visto. Presicoraggio e gli dissi: «Fabrizio, io non ho mai suonatoil bouzouki in vita mia. So suonare la chitarra e sevuoi posso imparare a suonarlo». Fabrizio era visibilmentecontrariato. Naturalmente non ce l’avevacon me, ma con Mauro Pagani che non gliel’avevaraccontata tutta giusta.Per me le prove erano iniziate proprio con il piedesbagliato. I primi giorni furono terribili. Mi sentivocontinuamente sotto esame e ogni giorno avvertivoche avrebbe potuto essere l’ultimo. Non fu così.Forse Fabrizio aveva apprezzato la mia onestà, lamia franchezza, e dopo una settimana già mi affidavadelle parti da suonare proprio con il bouzouki,che nel frattempo mi ero messo a studiare.Il rapporto con lui si consolidò nel tempo. Nelletournée successive, anche quando Mauro Paganinon era più con lui, venni sempre riconfermatoe rimasi a suonare chitarra e bouzouki nella suaband fino all’ultimo. Mi diede addirittura la grandesoddisfazione di insegnargli a suonare il bouzouki.Lui ci teneva a suonarlo davvero, non a far finta,come avrebbe fatto un altro. E durante le prove dellatournée Mi innamoravo di tutto volle che andassiqualche volta a casa sua per insegnargli “Crêuzade mä” e “Jamín-a”. Era molto meticoloso e finchénon imparava bene una cosa non l’abbandonava.Al limite della noia ripetevamo le parti decine e decinedi volte finché lui non era sicuro che gli eranorimaste in testa.Da allora fino alla fine suonò sempre quelle particon il bouzouki in concerto, e sempre con grandeprecisione.Giorgio CordiniCon Cristiano De André a Franciacorta 2010foto di Elio Berardelli19chitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

crecensioniLuca FranciosoIl segnoFingerpicking.netBasterebbe un click, un indirizzo,http://www.ilsegno.info/Il_segno/Il_segno.html,tasto sinistrodel mouse e sapreste tutto de Ilsegno. Come sempre Luca Franciosonon si accontenta, non glibasta, non si limita, non si risparmia.Non resiste, deve raccontare.Il desiderio di coinvolgere realmenteil pubblico lo porta, forse,a volerlo raggiungere tramite tuttii nostri sensi (sull’olfatto e il tattoci sta lavorando…), ma principalmentela nostra testa, passandoprima per il cuore.La musica è forse la sua principaleforma espressiva, ma dicerto non le è seconda la scrittura:dal 1998 ad oggi 11 CD (conrelativi spartiti), 2 DVD, 8 libri (dicui uno, 12 Birre – Un thriller tra ipost, pubblicato a puntate sul nostroportale), per non contare leinnumerevoli collaborazioni e iniziativeche hanno raccolto i suoipensieri, le sue emozioni, il suomondo.Un mondo che negli ultimissimianni si è anche aperto all’infanzia.La recente paternità gli hadato altri spunti, altre storie daraccontare. Di recente uscita Primadi chiudere gli occhi – 7 ninnenanne e 7 filastrocche, dovead ogni brano strumentale corrispondeuna filastrocca, scritta daNovella Agostini, da leggere alproprio bimbo.Anche il web lo vede moltoattivo. Come non potrebbe, uncomunicatore come lui, non utilizzareanche i tanti canali attiviin rete: video su YouTube, unblog qui da noi, passando per unsuo sito web (http://lucafrancioso.com)ricco, fra le altre e tantecose, di foto che documentano isuoi concerti e di download gratuitidi MP3 e tablature. Un sitoche in questi pochi anni ho vistorinnovarsi almeno tre volte e chelo vede anche nelle vesti di webdesigner, prova della sua irrequietezzacomunicativa e, forse,di una sua costante ricerca dellaperfezione.‘Perfezione’, da non confondersicon ‘presunzione’. Non è lavoglia di primeggiare, è il timoredi essere frainteso, di non riusciread esprimere con chiarezza ipropri pensieri, correndo anche ilrischio di essere amichevolmentedefinito ‘logorroico’. Anche daquesto, credo, viene il ricorso amezzi di comunicazione così diversitra loro.Ah… già… Il segno…Sì, basterebbe un vostro click,ma desidero ugualmente parlarvene(anch’io potrei esseretranquillamente definito ‘logorroico’…).«Il segno non è solo musica eprosa, ma anche e soprattuttouna tenace convinzione. La fortee incondizionata convinzioneche c’è un unico modo per essererealmente felici, quel camminodalle direzioni troppo spessooffuscate da dubbi e incertezze:essere se stessi.”Queste alcune delle parole conle quali Luca Francioso presentail suo progetto discografico, cheha visto anche una sua evoluzionenel DVD che racconta la seratadel concerto di presentazioneufficiale.Si potrebbe, quindi, affermareche si tratta anche di un lavoroautobiografico. E in questa ricercadel proprio essere, Luca si affidasenza esitazione alla propriachitarra.C’è una parola che mi vienespesso in mente quando ascoltola musica di Luca, una parola cheè per me una sensazione: ‘tensione’.Corde, legno, suono, dita,tutto esprime tensione. Un ‘tutto’proposto con una tecnica chitarristicacristallina, con legati, glissati,percussioni, un linguaggio disuoni che Luca controlla fin nelleminime sfumature, una padronanzadello strumento raggiuntagrazie ai tantissimi concerti cheogni anno lo vedono protagonista.Dai teatri agli house concert,senza problemi, purché si suoni,purché si comunichi.Dunque… dicevamo… Il segno.“Scrigni”, “Dal fuoco”, “Roccaforte”,“Il dono”, una sequenza didodici composizioni originali, basateognuna su una idea melodicaben precisa, che si sviluppa esi racconta per poi ritornare su sestessa. Tra queste, comunque, ilbrano più significativo di questolavoro è, a mio parere, senz’altro“L’albero nel vento”, non a casoutilizzato come base per il videopromozionale. Un brano cheesprime maturità compositiva edesecutiva e che rende pienamenteil concetto di ‘tensione’ che hoprecedentemente descritto a fatica.Un CD registrato in manieraimpeccabile, con un suono di chitarralimpido e profondo al tempostesso, un suono, c’è da dirlo,che Luca è capace di rendere altrettantonelle sue esibizioni dalvivo.Incluso c’è anche un booklet,con uno scritto che accompagnai brani parola per parola, «unasorta di mappa fatta di segni eimmagini attraverso cui decodificare,assieme alle note, lo scopodell’intero progetto».Sì, talvolta basta davvero unclick per aprire un mondo dalquale, poi, si fa fatica ad uscire.Pierre BensusanVividlyDadgad MusicAlfonso GiardinoC’è il mondo della chitarra acustica.E c’è Pierre Bensusan.C’è chi suona in DADGAD.E c’è Pierre Bensusan.C’è chi ha un paio di buoneidee compositive.E c’è chi, come Pierre Bensusan,può permettersi di pubblica-20chitarra acustica 2 duemilaundici

cCon questi suoi otto arrangiamentidi brani di Michael Jacksonl’eclettico Stefano Mirandola havoluto intraprendere un nuovoviaggio musicale, forte del suoricco bagaglio musicale e tecnico.La sua originaria formazionesulla chitarra classica, alla qualeha affiancato prima il jazz e poila conoscenza della chitarra fingerpicking,brasiliana e ancheflamenca, gli ha consentito di realizzarequesta sua ultima produzionediscografica, datata 2010,con la mente, diciamo così, liberadagli inevitabili condizionamenti‘pop’ dei quali si potrebbe esserevittime quando ci si trova di frontea tali successi planetari.L’approccio seguito da Mirandolaha, così, privilegiato l’aspettoartistico di queste composizionidi e per MJ, confrontandosicon esse nello spirito del musicistacurioso e scevro da qualsiasipreconcetto snob, che è riuscitoad inquadrarle nella loro realeessenza di veri e propri standardmoderni, al di là della sempliceveste ‘popolare’.Conosciamo bene queste melodie,le armonie complesse, gliarrangiamenti sofisticati, ricchi digroove e di soluzioni musicali chehanno fatto scuola. Affrontare untale repertorio non è certo impresafacile: non si tratta di una sempliceriproposizione di classiciche, nel tempo, hanno visto cosìtante interpretazioni da far quasiperdere, in un certo senso, la loroversione originale nel ricordo collettivo.Possiamo, quindi, capire benela difficoltà per un chitarrista, perdi più acustico, di riuscire a renreun lavoro del calibro di questonuovissimo Vividly dopo averappena messo in commercio uncofanetto composto da ben diecialbum, che racchiude i trent’annidi carriera di questo straordinariomusicista.Perché è di questo che parliamo,di un grande artista, che suonain modo unico, con una vocechitarristica davvero personalee una voce da cantante che lamaggior parte degli strumentistinon può far altro che invidiargli.Il suo chitarrismo è fatto di grandefeeling accompagnato da unatecnica sopraffina. Il fraseggiosempre contrappuntato mette inrisalto una melodia chiara e leggerache si fonde alla perfezionead un oceano di suoni provenienti,sempre e solo, da un unicostrumento.Per fortuna c’è chi non ragionaancora solo in termini di mp3ma ci regala perle come questosplendido disco, la cui traccia diapertura “Veilleuse” vale da solail prezzo dell’acquisto. Tutto il lavorocomunque è molto vario e dialtissimo livello. Dopo trenta annidi carriera senza una sbavaturae senza discese a compromessicommerciali, ci si aspetterebbeuna flessione, invece il suo mododi suonare è sempre più ricco:“Dadgad Café” potrebbe tranquillamenteessere uno standardjazz, la complessità del fraseggioè davvero impressionante,nei suoi brani si ascoltano echidi musiche di mezzo mondo, dalFlamenco al Blues al Jazz allemusiche popolari di tanti paesi, iltutto fuso in unico blocco con soprastampato il suo nome.Da sottolineare anche il fattoche tutto il lavoro sia un continuoalternarsi di brani strumentalie cantati, dove le parti cantate,molto belle e intense, sono supportateda un lavoro di tessituramusicale di altissimo livello. Alcunecomposizioni con la vocesono bellissime, basti ascoltare“Le Chien Qui Tourne”, “The In-Between” o il valzer di “La JavaDu Concessionaire”.Non abbiamo molte parole perdescrivere il disco, la musicacome questa va solo ascoltata.Daniele BazzaniStefano MirandolaMichael Jackson On Guitarwww.stefanomirandola.comdere appieno l’insieme di sensazionie di suggestioni che unascoltatore contemporaneo haancora ben vivo e presente.Dopo l’ascolto di questo CD, riteniamodi poter tranquillamenteaffermare: «Missione compiuta,Stefano Mirandola è riuscito nelsuo intento!»Anche grazie ad un’attentascelta dei brani proposti, alternandoa ormai veri e propri classicidella dance music (da ‘BillieJean’ a ‘Thriller’) alcuni dei momentipiù poetici dell’intera produzionedi MJ (‘Liberian Girl’ e ‘IJust Can’t Stop Loving You’ soprattutto),l’ascolto scorre via piacevolmente,riuscendo a goderepienamente dei raffinati arrangiamentirealizzati da Mirandola,senza assolutamente rimpiangerel’originale.Alfonso GiardinoNella sezione Video del nostroportale è possibile vedereStefano Mirandola eseguire duedei brani presenti in questo CD,‘Thriller’ e ‘Human Nature’, con lapossibilità di scaricare anche lavideolezione del primo dalla sezioneShop.Giorgio CordiniI fiori di FaberFingerpicking.net«Saepe nomina sunt consequentiarerum» dicevano i nostriavi, a sottolineare come, talvolta,il senso (come anche il destino)di cose e persone («In nomenomen») possa essere iscrittonel loro nome. Non sorprende,dunque, che Giorgio Cordini sinutra e ci nutra di chitarre, bouzouki,mandolini & Co. Sorpren-21chitarra acustica 2 duemilaundici

cdono, invece – piacevolmente - lasapienza, la cura, l’attenzione, ilgarbo con i quali egli riesce a toccaree far vibrare le sue e le nostrecorde.Cordini è musicista colto, preparato,intenso, sensibile. Fingerpicking.net– che ‘firma’ questosuo I fiori di Faber, artisticamenteprodotto dallo stesso Cordini e daReno Brandoni – non lo scoprecerto oggi. Oggi, semmai, trovaulteriore, felice, conferma unaparticolare (e assai rara) qualitàdi questo musicista: il suo nonrubare mai la scena alla musica,ma lasciare sempre a lei il centrodel palco. È lui che è lì perlei: non viceversa. E, attraversodi lei, Cordini è lì per tutti noi cheascoltiamo. Si appassiona. Ciappassiona. Un musicista chesta alla musica come l’ordito aun arazzo nel quale domina latrama: c’è, ma non si vede. Eppure,senza di lui, l’immagine nonesisterebbe e l’arazzo non ‘significherebbe’.Non conosco personalmenteCordini (purtroppo),ma dai profumi che emanano Ifiori di Faber credo di poter direche ciò sia parte della sua natura,della sua personale via all’analisi(costruzione e ri-costruzione),alla scrittura (composizione e ricomposizione)e all’esecuzione.Del suo essere nella musica eper la musica.Qualità che si esalta nel momentonel quale egli si confrontacon il songbook di un altro autore.Se, poi, a questo autore(Fabrizio De André) lo unisceun legame antico, profondo eparticolarmente articolato (Cordiniè stato in tour con De Andréper quasi tutti gli anni ’90; vantaun’amicizia con Mauro Paganiche risale addirittura alla fine deglianni ’60; ha collaborato conMassimo Bubola – co-autore dimolti grandi successi del musicistagenovese – e con Cristiano DeAndré; è tra i fondatori di una tributeband che si chiama Mille AnniAncora e fondatore-ispiratore diun ensemble, La Piccola OrchestraApocrifa, che esegue dal vivol’intero La buona novella insiemea un florilegio di brani del grandeFaber), si capisce che – per suae nostra fortuna – Cordini è il musicistagiusto, nell’album giusto,di un repertorio giusto.Due elementi, su tutti, lo confermano(se ancora ve ne fossebisogno): la scelta dei brani;l’architettura degli arrangiamenti.I fiori di Faber, infatti, non è unalbum ‘dèjà vu’, con una ‘semplice’selezione del meglio di DeAndré. È un viaggio, che nessunofino ad oggi aveva ancoraimmaginato, nel nobile repertoriodi Faber, visto attraverso i ‘fiori’citati nelle sue canzoni. Citazionimai casuali, né occasionali, masempre di alto valore poetico edi forte valenza simbolica. C’è,dunque, un fil rouge intenso, chesegnala (e offre) pensiero, poetica,profondità, senso. Stessacosa vale per gli arrangiamenti.Solo ad un ascolto disattento einconsapevole essi possono apparireeccessivamente ‘filologici’,‘didascalici’ quasi. Sono, invece,tutt’altro. Sono rigorosi. Di quelparticolare, alto, rigore al qualeobbliga la poesia. Rigore di forma,metro, immagine, lessico,accento, colore. Lo stesso rigoredi meditazione, assimilazioneed esecuzione che (quando ci siconfronta con un repertorio classico,qual è – nel suo spazio – lamusica di De André) consente difar vivere e respirare la ‘pagina’e far cogliere, persino agli scettici,la differenza che c’è tra fareed essere musica. Rigore che cichiede non solo di sentire, ma,soprattutto, di ascoltare.Un ultimo, brevissimo, suggerimento:se vi avvicinate a I fiori diFaber (e consiglio caldamente difarlo), partite dall’ultima traccia,quella che dà il titolo all’album eche è l’unica firmata da GiorgioCordini (in coppia con CosimoSaponaro). Capirete subito dicosa sto parlando. Benvenuti nelgiardino (incantato) dei Faber-Cordini.Giuseppe CesaroThe Rough Guide to Jazz andBlues LegendsRobert Johnson & MuddyWatersRecensione unica per due diversiCD (in realtà sono quattro)della stessa collana “TheRough Guide to Jazz and BluesLegends”: i leggendari bluesmanRobert Johnson e Muddy Watersentrano a far parte del catalogodella immensa collezione “MusicRough Guides”, che vede rappresentatele musiche di moltipaesi del mondo. Di solito i CDcontengono raccolte di musicatradizionale del paese in questione;in questa serie specificainvece, come a voler sottolinearel’importanza dei personaggi, unintero lavoro è dedicato al singoloartista: andiamo a vedere di cosasi tratta.Robert JohnsonWorld Music NetworkEgea DistributionSi tratta di registrazionistoriche. Robert Johnson non haprobabilmente bisogno di presentazioni:nell’iconografia blues,che lo meriti o meno, è a lui che sifa riferimento. Le poche immaginiche lo ritraggono, le storie dipatti con il diavolo, la prematurascomparsa a soli ventisette anni,la straordinaria musica rimasta,ventinove brani dalle sole cinquesedute di registrazione, tutto haconcorso a costruire una leggendache è destinata a durare.Il CD contiene venti branied è ottimo per avere una raccoltaquasi completa del lavorodell’artista, o anche solo peravvicinarsi alla sua opera.22chitarra acustica 2 duemilaundici

arartistiI ‘colori della notte’ di Alex Di Reto cantautoreDella sua prima opera, il video didattico Lachitarra slide, Marco Manusso ha scritto su Chitarrenel luglio 2002: «Dal punto di vista didattico AlexDi Reto è estremamente comprensibile, chiaro edesegue con precisione ogni esempio musicale,senza dare nulla per scontato». E sempre suChitarre, nel dicembre 2006, Mario Giovannini hadetto del suo primo CD My Own Song: «Alex, cheè un ottimo intrattenitore (da vedere dal vivo percredere) alterna sapientemente brani originali adarrangiamenti di standard blues, pezzi strumentalia cantati, mettendo in mostra una buona venacompositiva e un eccellente gusto per la melodia».La stessa chiarezza, la stessa leggerezza daintrattenitore, la stessa vena compositiva e melodicache ritroviamo oggi amalgamate e rafforzatenel nuovo album Night Colors, che presenta unrepertorio tutto di canzoni originali, voce, chitarra earmonica, dove Alex mostra di aver trovato una suastrada ben riconoscibile, compiuta e omogenea:un songwriting agile ed efficace, con un personaleandamento laid back, dove le evidenti radici folkblues confluiscono con continuità e naturalezzain una personale visione del filone Americana. Neparliamo a caldo con lo stesso interprete, di fronteal suo lavoro fresco di stampa e pronto per uscire.Allora Alex, terminato il CD Night Colors?Dopo più di un anno ho finalmente realizzato il CD:è stato un processo lento, pieno di ripensamenti emodifiche, i miei brani erano in continuo divenire!Cosa intendi?Intendo dire che non sono partito da un progettodefinito. Mi sono ritrovato una quindicina di branicomposti negli ultimi due-tre anni, che ho iniziatoa registrare circa un anno e mezzo fa. Li hoprima arrangiati voce e chitarra, poi in duo conun batterista, poi volevo elettrificarli e suonarlicon la band… Si sono modificati nel tempo, e conl’aggiunta dell’armonica hanno finalmente raggiuntola connotazione giusta, dello stile che io chiamo:una voce, una chitarra e una storia.Perché il disco s’intitola Night Colors?S’intitola Night Colors perché quasi tutti i brani liho composti nelle ore notturne: condividono tutti lastessa atmosfera intima e contemplativa, che solola notte può darti. Spesso parlo a me stesso.Quanti brani suoni?Sono dodici brani che trattano temi sociali,relazionali. Alcuni sono legati a storie personali, altrifrutto di fantasia, alcuni divertenti, altri meno.Perché scrivi le tue canzoni in inglese?Ho vissuto in Canada durante gli annidell’adolescenza. Lì ho iniziato a suonare lachitarra ed ho ancora legami con quel paese. Hosempre pensato che la lingua inglese sia idealeper il genere folk blues, in termini di cadenza eritmo. Basta pensare alle origini del country blues,dove il parlato era fortemente ritmico, in rispostaalla chitarra marcatamente percussiva. Secondome la lingua italiana si presta di più a una musicamelodica, meno pulsante.Sei soddisfatto del CD?Sono soddisfatto dei testi e degli arrangiamenti instile folk blues, soprattutto felice di essere riuscito acogliere il giusto spirito, grazie al fatto di aver potutoregistrare tutti i brani a casa. Tecnicamente invecenon si può mai essere soddisfatti, la tecnologiadigitale non ha limiti! Importante è stato l’editing e ilmastering in studio.Quando e dove verrà pubblicato Night Colors.A giorni sarà disponibile su Fingerpicking.net, suiTunes e altri siti online.Andrea CarpiAlex Di reto a ferentino Acustica 2010foto di Alfonso Giardino24chitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

arL’albero della chitarra acusticaartistiarSalve a tutti! Quello che andiamo a presentareè qualcosa che ci sarebbe piaciuto avere, ma nonc’era, quindi lo abbiamo compilato. Forse vi saràcapitato di vedere quegli alberi genealogici dedicatia questo o quel genere musicale: sotto forma di piantasi parte dalla radice di uno stile per arrivare atempi recenti, percorrendone la storia. Ne abbiamopensato uno dedicato al nostro strumento, la chitarraacustica, ed eccolo: nelle pagine seguentie, atutta pagina.Per compilarlo è servito parecchio tempo ed èstato necessario consultare testi e musicisti chehanno una profonda conoscenza del genere, masappiamo bene quanto un foglio così sintetico possaessere limitato e limitante. È quindi obbligatoriauna breve introduzione scritta per evitare confusionee fraintendimenti.Una domanda frequente che ci sentiamo rivolgereè quella riguardante il percorso storico della chitarrafolk, soprattutto di quella dedicata al fingerstyle(il flatpicking è qui presente ma meno approfondito):chi posso ascoltare? Da dove viene questo oquello? Molti avrebbero voglia di studiare il tema manon sanno da dove iniziare: speriamo che questopossa essere uno stimolo a farlo.Iniziamo con il dire che questa è la ‘nostra’ visionedel percorso della chitarra acustica nel 1900: se illavoro fosse fatto da cento persone diverse, sarebbedifferente ogni volta. Alcuni nomi saranno dimenticati,altri lasciati fuori, i generi musicali raggruppatiin maniera grossolana e a volte forzata. Speriamonessuno se ne abbia a male, non è una classifica oun saggio, è un orientamento per chi volesse approfondirela storia della sei corde in metallo e avere aportata di mano un sommario quadro generale.I collegamenti fra i generi e i musicisti sono solo indicativi.È praticamente impossibile definire quantee quali possono essere le influenze di ogni singolochitarrista, a volte sono talmente tante e inaspettateche a riportarle tutte si creerebbe un’indecifrabileragnatela, più che uno schema.E sarebbe comunque impossibile trovare cosaha influenzato chi. Ci siamo quindi limitati a unoscheletro, per fornire un mezzo di locomozione,all’interno del mondo acustico, a chi ne fosse sprovvisto.Non è un testo approfondito, ma potrebbe esserel’occasione per procurarsene uno e sviscerare iltema.Quello che si intuisce è che, fra la finedell’Ottocento e l’inizio del Novecento, alcuni elementidi base come la parlor guitar (‘chitarra dasalotto’), la musica dei minstrel show, il ragtime, lamusica dei Monti Appalachi (con il banjo nelle sueforme diverse, il fiddle e la sua storia americanache ne devia il percorso britannico, il dulcimer) epiù avanti la musica hawaiiana con il lap style e leaccordature aperte, tutto si è fuso insieme in percentualicasuali e sconosciute dando linfa vitale aquesto strumento così affascinante e vario, che haavuto per protagonisti musicisti diametralmente opposticome Robert Johnson e Leo Kottke, ReverendGary Davis e Tommy Emmanuel, Michael Hedges eMerle Travis, Doc Watson e Pierre Bensusan.Una storia sempre più ricca e complessa chenon è certo finita, anzi sembra vivere un momentodi splendore, e che vogliamo celebrare con questopiccolo omaggio, sperando di non ricevere criticheper gli errori e le interpretazioni ma apprezzamentiper lo sforzo fatto.Il lavoro è solo iniziato, sarà lo spunto per una seriedi articoli di approfondimento dedicati a questo oquel tema, che potrete anche scrivere e sottoporci,se vi facesse piacere e aveste cose interessanti dadire.Stiamo anche lavorando a qualcosa di simile dedicatoalla chitarra elettrica, lo diciamo per incuriosirvi,sappiate che è già in cantiere.Buona arrampicata!Rev. Gary Davis, Archivio GrossmanDaniele BazzaniLascia un commento25chitarra acustica 2 duemilaundiciScarica l’immagine

arartistiRob PolandIntervista al fondatore della CandyRat RecordsRob Poland porta una ventata di ottimismo nelmondo della musica per chitarra acustica, graziealle fortune della sua etichetta CandyRat Records,coraggiosamente dedicata alle nuove tecniche chitarristichee alle giovani generazioni di musicistidella cosiddetta ‘chitarra acustica contemporanea’.In questa intervista ci racconta della nascita dell’etichettanel 2005 intorno al talento di Don Ross, dellasua ferma fiducia nella forza di Internet e dei nuovimezzi di comunicazione, della grande visibilità cheYouTube offre agli artisti e della parallela importanzadei concerti dal vivo, della fondata speranza chesempre di più il pubblico acquisterà musica attraversoi nuovi sistemi di vendita online.Nel 2005 hai fondato CandyRat Records, un’etichettacompletamente dedicata alla musicaper chitarra acustica. Apparentemente, una verasfida. Come hai avuto l’idea, e qual è il motivo diun nome così curioso?L’idea mi è venuta mentre promuovevo alcuni concertidi Don Ross negli Stati Uniti. Mentre guidavotra uno show e l’altro, Don mi informò che l’etichettacon cui era sotto contratto stava eliminando laparte di produzione legata alla musica strumentale,e che quindi anche lui sarebbe stato libero. Al tempoio avevo già maturato un’esperienza decennalenell’impresa di famiglia e le cose non andavano tantobene, quindi ero in cerca di un nuovo businessda mettere in piedi. Ho offerto a Don Ross di creareun’etichetta e di produrre la sua musica, lui ha accettatol’offerta e subito dopo ho fondato l’aziendacon l’aiuto di mio padre, che è anche socio dell’etichetta.Quando il giro di affari è diventato più grande,è intervenuta anche mia moglie Holly a lavorarea tempo pieno per aiutarmi. Il nome CandyRatRecords è soltanto un dominio che era disponibilesu Internet, sfortunatamente non c’è nessuna storiainteressante collegata al nome.Rob Poland (in piedi) in studio con il batterista Steven Gillis,il chitarrista Andrew White e il produttore Vijay Tellis-NayakCandyRat ha prodotto una sessantina di lavoridi musicisti come Don Ross, Andy McKee,Antoine Dufour e di molti altri giovani chitarristidella generazione della cosiddetta ‘chitarra acusticacontemporanea’. Ci puoi raccontare qualcosadel tuo interesse per questa nuova musicae per queste nuove tecniche?Attualmente, CandyRat ha 56 album e 5 DVDnel suo catalogo. Il mio interesse personale per lamusica è semplice, mi piace ascoltare musica. Moltissimevolte ho una reazione fortemente emotivaascoltando la musica dell’etichetta, e questo è il motivoalla base dell’averla creata: amavo così tanto lamusica di Don Ross che volevo sentire più musicaper chitarra, così ho iniziato a mettere sotto contrattoper la CandyRat altri chitarristi che poi hannosuonato altra grande musica. Per quanto riguardale nuove tecniche… io sono cresciuto suonando eamando lo strumento chitarra, ed è davvero belloper me vedere il progresso delle nuove tecniche el’alto livello di abilità raggiunto oggi. Ed è una bellissimasensazione quella di sapere che stiamo aiutandoquesto tipo di musica ad essere ascoltato daun pubblico più ampio.Don Ross28chitarra acustica 2 duemilaundiciLa maggior parte dei musicisti CandyRat provienedagli Stati Uniti e dal Canada, ma ce nesono diversi anche europei, per non menzionare‘l’angolo italiano’ rappresentato da Forastiere,Barone e Altamura. È un panorama internazionale…Sì, è meraviglioso che Internet abbia permesso acosì tanti grandi chitarristi di tutto il mondo di trovareCandyRat. E allora anche noi possiamo usare Internetper cercare di aiutarli a sviluppare il loro fanbaseinternazionale. Ci sono alcuni artisti CandyRatche io non ho mai incontrato personalmente, macon cui sono in contatto solo per e-mail, telefonoe Skype. Questo è un altro modo in cui le nuovetecnologie ci aiutano nel business musicale di oggi.

Rob Pollandarsuona meno dal vivo.Andy McKeeFin dal principio tu hai fortemente creduto nellaforza di Internet e dei nuovi media, e il canaleYouTube di CandyRat oggi è il numero 58 nellatop100 della categoria “Musica Globale”, conoltre 130.000 iscritti. Ti aspettavi un successocosì fenomenale, e cosa hai fatto per poterloraggiungere? (Sembra che i vostri non sianosemplici clienti, ma veri e propri fan dell’etichetta…)Sì, molti fan della CandyRat sono veramente fedeliall’etichetta. Questo contraddice tutte le bruttestorie che abbiamo sentito e visto sulla stampa aproposito della vita recente delle etichette discografiche.Inoltre, i nostri fan comprano più album chesingoli, e questo è un altro dato in controtendenzarispetto al resto dell’industria discografica, che oggivende più singoli che album. Questo perché noi abbiamofan che vogliono veramente la musica cheproduciamo, e che sono fedeli agli artisti che hannoscelto di seguire. Noi comunque lavoriamo sodoper far uscire CD che siano di grande qualità dallaprima all’ultima traccia. Anche se non mi sarei maiaspettato un tale successo per il canale YouTube,sapevo che mostrare questa musica ad un pubblicopiù largo ci avrebbe portato molti fan. All’inizio dellanostra storia su YouTube siamo stati molto fortunaticon uno dei primi ‘video virali’ di Internet, il pezzo“Drifting” di Andy McKee: ci ha aiutato con il passaparolaper questa musica e ci ha fatto guadagnaremolte sottoscrizioni. Con il progressivo crescere delpubblico di YouTube nel mondo siamo cresciuti anchenoi, ne abbiamo beneficiato e il nostro pubblicocontinua a crescere ancora.La discografia e distribuzione internazionaleadduce tutte le colpe a Internet, e in effetti diventaogni giorno più facile scaricare musica evideo gratis. Per la tua esperienza, quanto nuoceil download illegale al business musicale?Credi che la pirateria potrà essere mai fermata?Non so per certo se sarà mai fermata, ma pensoche adesso ci siano talmente tante buone possibilitàlegali, che sempre più persone iniziano a comprarelegalmente la musica nei negozi digitali, invece discaricarla illegalmente. Penso che abbiamo toccatoil fondo e che per questo col passare del tempo nonpotrà che andare meglio. Sono state istituite multeconsiderevoli per scoraggiare il download illegalenon solo per la musica, ma per tutte le forme di proprietàintellettuale online, come libri, film, giochi etutti i tipi di software.Tu vendi CD in tutto il mondo: come va la battagliatra copia fisica e download digitale? Chivince?Ha già vinto il digitale. Le vendite dei CD stannointorno al 15-20% del mercato totale, e anche noisiamo su quella strada.Cosa consiglieresti di fare (e non fare) a ungiovane chitarrista che sta iniziando adesso lasua carriera?Gli consiglierei di fare quello che vuole, in unaprecisa direzione musicale. Cercare di essere unicoa modo suo. Registrare un demo, suonare qualcheconcerto e vedere quale è la reazione del pubblicoalla musica e alla performance dal vivo. Se vamolto bene dal vivo o su Internet, allora c’è un mercatoper lui e deve continuare così. Se la reazionenon è buona, allora bisogna capire se va modificatoqualcosa, cambiare e ritentare. Molte cose buonehanno bisogno di tempo per svilupparsi, perciò nonbisogna avere paura di provare la novità e insistere.Stefania BenigniLa visibilità che YouTube offre agli artisti èenorme, ma che ne pensi dei concerti dal vivo?Sono altrettanto importanti?Molto importanti! I fan vogliono avere l’opportunitàdi vedere i loro artisti preferiti suonare dal vivo.Penso che i musicisti che suonano molto in tour abbianoun pubblico e vendite maggiori rispetto a chi29Antoine Dufourchitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

arartistiTommy Emmanuel a Roma Onstage & BackstageSe si ha la fortuna di trovarsi nel backstage di unconcerto di Tommy Emmanuel si vuole fare unacosa, prima di tutto: condividerla con altri. Ed è proprioquello che faremo, parlandodel nuovo albume riportando brevemente le piccole cose che ci haraccontato prima dello show al Teatro Tendastriscedi Roma, spettacolo nuovo anche per noi che lo abbiamogià visto tante volte. Perché questa volta nonè da solo sul palco, ma accompagnato da una banddi musicisti australiani.Il backstageTommy ci accompagna sul palco, interrompendola cena che deve ancora finire, vuole mostrarcigli strumenti che utilizzerà in concerto, sa beneche siamo abituati a vederlo con una sola chitarra,massimo due. Entrando a sala vuota avevamo giàvisto il bel palco del Tendastrisce di Roma pieno distrumenti: tastiere, due postazioni per i chitarristi,Tommy e il bravo Simon Hosford, batteria e basso.Salendo le scale che portano al palco troviamo larastrelliera con le acustiche ed elettriche di Tommye il banco del suo tecnico personale, sempre prontoa passargli la chitarra che userà sul brano successivo,accordata e pronta, ci saranno molti passaggidi strumenti.La prima che prende è la sua fida Fender Telecasterdel 1966, piuttosto rovinata in quanto a finitura,equipaggiata con tre pickup Bartolini attivi, glistessi che troveremo sull’altra Telecaster, una CustomShop blu del 1993 costruita per lui. La terza èuna nuova Maton elettrica, una semiacustica dalloTE on stage, foto di Simone Cecchettisplendido suono che forse utilizzerà più avanti.Le chitarre passano da una pedaliera che, conuno switch Lehle, seleziona gli amplificatori perelettriche o il piccolo Aer che usa per l’acustica. Ivalvolari sono un Fender Blues De Ville Hot Rod eun Fender The Twin, ma solo l’Hot Rod è microfonato.Ci scusiamo se alcune informazioni sono incomplete,ma il giro è stato velocissimo ed è statopossibile solo grazie alla cortesia di Tommy. Nonsi può considerare vera intervista e non c’è stato iltempo di chiedere tutto quello che avremmo voluto.Nella pedaliera ci sono due overdrive, uno è il celebrepedale giallo della Boss, il Super Overdrive,l’altro è un Nobles Distortion, Tommy li usa singolarmentecon poco Gain e a volte insieme, quandovuole un suono più lungo e compresso. Splendidisuoni, comunque. Ha anche degli switch con suonipreimpostati su un piccolo rack che tiene alle suespalle, utilizza un Chorus, un Delay, uno Slap BackDelay molto breve e può inserirli a suo piacimento.L’accordatore è il Polytune della TC Electronics, ilresto riguarda le acustiche. Come al solito sono tutteaustraliane Maton, c’è una nuova EBG808 cheporta il suo nome, molto bella, e una che sembrauna Jumbo, ma è nella rastrelliera e non abbiamo iltempo di vederla, siamo al buio.Poco tempo per capire ma molto per godere,Tommy suona solo per noi una splendida versionesolista di “Moon River” con la Maton elettrica, e cidelizia con un breve medley di canzoni che suonavaChet Atkins, fra cui la bella “Chaplin in New Shoes”,per dimostrare la versatilità della chitarra e checon quella riesce a tirar fuori il suono del compiantochitarrista di Luttrell, Tennessee. Ma dobbiamo tornareai camerini perché il tempo stringe.Due parole con l’altro chitarrista, Simon Holford,ci portano a conoscenza del suo setup: due piccoliFender Blues De Luxe della serie Hot Rod cheusa stereo, con un Eventide che crea un ritardo costantedi 20 millisecondi per allargare ulteriormenteil suono. Un altro Eventide è utilizzato per i delaysugli assoli, e i due distorsori sono un Suhr Riot eun Wampler Plextortion, mentre il chorus è della VoodooLab.Il concertoL’inizio è come al solito folgorante, Tommy, acclamatodal pubblico, entra armato della sola sei cordeacustica e attacca con “The Tall Fiddler”, branoche ormai da tempo usa per aprire i suoi spettacoli.A seguire molti pezzi fra cui un medley di canzonidi Merle Travis (“Nine Pound Hammer”, “SaturdayNight Shuffle”, “Sixteen Tons”) e uno di pezzi deiBeatles, si va da “Here Comes The Sun” all’ormaicelebre binomio “Day Tripper/Lady Madonna”.Il pubblico è in visibilio e la serie prosegue con laband che sale sul palco, inizialmente i quattro suonanosolo degli ovetti/shaker e cantano con Tom-30chitarra acustica 2 duemilaundici

Tommy Emmanuela Romaarmy, ma dal brano successivo la musica cambia.La band, formata da Robbie Little al basso, KevinMurphy alla batteria, il già citato Simon Hosford allechitarre e Ashley Crick alle tastiere, ha un gran tiro,Hosford si alterna fra acustica ed elettrica, è davveromolto bravo, e il bassista ha anche un contrabbassoelettrico che usa su alcuni brani. Quelloche notiamo è che Tommy si diverte come un matto,dopo anni e migliaia di concerti da solo, si percepiscela necessità che ha di condividere il palco, delresto la sua carriera è cominciata così, tutti i suoiprimi album erano elettrici. Il concerto prosegue suquesta falsariga e il bis è suonato ancora acustico,come potevamo immaginare e per la gioia dei presenti.Non possiamo nascondere che è difficile migliorarequalcosa di praticamente perfetto, Tommyda solo sul palco regala emozioni indescrivibili, lapresenza di altri musicisti sembra quasi “nascondere”la sua grandezza, anziché valorizzarla, ma se alui sta bene così, va bene anche a noi.Daniele Bazzani nel backstage di TEfoto di Simone CecchettiIl discoLittle By Little è il nuovo, splendido doppio lavorodel chitarrista australiano, nella sua lunga carrieraha pubblicato otto album elettrici e tre acustici, piùdiversi live, raccolte, dvd didattici e non. Qui nonè da solo, ma ha una band che lo accompagna indiversi momenti, tutti musicisti di Nashville, città incui Tommy vive ormai da qualche anno quando nonè in tour. Troviamo il grande Victor Wooten al basso,fra gli altri. Quello che colpisce al primo ascolto è lafacilità con cui la sua musica e il suo stile emergonoormai prepotentemente in ogni occasione, caratteristicaquesta dei grandi musicisti. Molto bella latraccia di apertura “Halfway Home”, come “The JollySwagman”, “Locomotivation” e “Welsh Tornado”,dedicata al giovane talento gallese Gareth Pearson.Il lavoro è molto vario, troviamo brani che suonada tempo in concerto, ma rivisti e arrangiati con laband, come “Guitar Boogie”, che lo vede duettare inmaniera strepitosa con il basso di Victor Wooten; cisono strumentali suonati con grandi chitarristi comeJohn Knowles e Doyle Dykes, e canzoni cantate daaltri amici come Pam Rose e Rick Price. Il tutto risultain un insieme complessivamente vario e omogeneo,gradevole da ascoltare nonostante i due cd.Inutile dire che i momenti più intensi sono quelli incui Tommy, in splendida solitudine, ci regala la suamusica.Interessante anche leggere le note interne nellequali sono riportate le varie chitarre usate sui singolibrani, si va dalle fedeli Maton – inclusa la piccolacompagna di viaggio ormai distrutta da anni divita on the road – alla vecchia Gibson Kalamazoodel 1934, da una Larrivée a una Martin D-28, dauna dreadnought Wayne Henderson a una GretschSynchromatic fino a una Martin 00-17 del 1940, cen’è per tutti i gusti.E’ una sorta di compendio di molti anni di lavoro,come se fosse un giro di boa, l’inclusione dei moltistili, brani e strumenti aggiuntivi allarga di molto loscenario, vedremo cosa il futuro riserverà a questoincredibile musicista, sperando sappia regalarci ancoramomenti di grande musica e performance daricordare.Daniele Bazzani31chitarra acustica 2 duemilaundici

arartistiBeppe Gambetta e le sue 11 Acoustic NightBeppe Gambetta non è unicamente l’alfiere italianodella chitarra flatpicking, ma anche l’infaticabileorganizzatore – insieme alla moglie Federica CalvinoPrina – delle Acoustic Night, annuale appuntamentoprimaverile al Teatro della Corte di Genova evera e propria testa di ponte della chitarra acusticanel circuito teatrale italiano, che si dimostra un tasselloessenziale per tentare di avvicinare un pubbliconon soltanto specialistico e di appassionati, mapiù diversificato e si spera sempre più ampio. L’annoscorso le Acoustic Night hanno raggiunto il traguardodei primi dieci anni di vita. Con l’undicesimaedizione di quest’anno ci auguriamo che possanoinaugurare una nuova stagione, altrettanto ricca efeconda della precedente. Dal 5 al 7 maggio Beppeè stato quindi nuovamente nella sua Genova peruna Acoustic Night intitolata alle Radio d’America,nella quale ha celebrato la musica e la storia deipiù importanti Radio Shows statunitensi, insieme aprotagonisti come Nick Forster, Bryan Sutton e PeterOstroushko. Durante le tre serate ha presentatoanche il suo nuovo CD Beppe Gambetta Live at Teatrodella Corte, con i momenti più emozionanti deiprimi dieci anni della manifestazione. E la serata divenerdì 6 è stata inoltre trasmessa in diretta da RaiRadio 3.A Beppe abbiamo chiesto per l’occasione di dedicarciuna sua personale cronistoria di questi undicianni di esperienze. Eccolo il suo racconto delleAcoustic Night, con le proprie considerazioni e leproprie speranze.Ross, McManus, Gambetta e Crary (foto di Stefano Goldberg)L’esordio«Il concetto del primo tentativo della AcousticNight è stato in effetti un’idea di mia moglie Federica,se ti devo dire. Perché a quel tempo io facevo aGenova due-tre spettacoli diversi durante l’anno inteatri minori, con due-trecento posti. Venivano tuttibene, però era un grande sforzo organizzativo indirezioni diverse. Ero io da solo, oppure in duo conDan Crary o con Carlo Aonzo. E allora Federica hapensato: “Ma se tutti questi sforzi fossero convogliatiin un’unica serata speciale, e tu smettessi difare l’artista che si ripropone sempre nella sua città,come succede spessissimo, ma ti proponessi comequalcuno che ogni anno organizza qualcosa di specialeper la propria scena musicale, qualcosa chepoi un giorno tutti attenderanno come un evento?”Ed è stata un’intuizione interessante, perché moltospesso gli artisti hanno la tendenza a trovare lavorovicino casa, a suonarvi tante volte, così che conl’andare del tempo il loro pubblico finisce per nonaspettare più quel tipo di spettacolo… E Federicaaggiungeva: “No, rifiuta assolutamente di fare qualsiasipiccola cosa, in modo da creare un’aspettativaper una bella cosa su cui possiamo lavorare intensamente.E la cosa più naturale sarebbe, anzichéchiamare un unico collaboratore, chiamarne diversie far nascere una sinergia”. Da qui è nata l’idea.Non l’idea di un festival, ma proprio – non so comedefinirla in italiano – di una ‘All Star Night’.Per la serata del primo anno, nel 2001, mi ricordoche eravamo preoccupatissimi di questo teatro da32chitarra acustica 2 duemilaundici

Beppe Gambettaarmille posti – era già il Teatro della Corte – con le suedimensioni da far veramente intimidire. Avevamofatto proprio tutto ciò che era possibile fare, avevamocontattato ogni singolo giornalista, ogni singolapersona. Ci eravamo detti: “Dopo tanto lavoro,questo è un bel momento della carriera che deveassolutamente portare qualcosa!” Quindi avevamolavorato intensamente per mesi e mesi, poi il risultatodi un tutto esaurito di mille persone al primotentativo è stata la prova che la formichina che seminatanto, negli anni, alla fine viene ricompensatadei suoi sforzi.In questa prima edizione, che aveva il sottotitolodi Chitarre dal mondo, c’era Rolf Lislevand, fantasticochitarrista norvegese di musica antica, chetra l’altro vive in Italia: è uno dei massimi esponentidi quel settore e suona la chitarra barocca, il liuto,il chitarrone. Poi c’erano Stephen Bennett e DanCrary. E infine Steve Player, un altro chitarristabarocco, che danzava con Federica mentre suonava,come si faceva in epoca antica. Ai tempi diquella prima edizione io e Federica, che è diplomatain chitarra classica e si dedica alla ricerca e allostudio nel campo della danza rinascimentale e baroccae dell’etnomusicologia, riuscivamo ancora amescolare, a far toccare i nostri due mondi. È statobello, io ho suonato “Fandango per la bionda” e leiha danzato, pensa. È stata una delle edizioni piùcomplesse.»Chitarre dal mondo«Nel 2001, sempre con il sottotitolo Chitarre dalmondo, abbiamo continuato con Steve Kaufmane Franco Morone. Steve è stato vincitore per bentre volte del prestigioso National Flatpicking Championship,che si svolge ogni anno a Winfield nelKansas, e la sua musica spazia dal bluegrass alloBeppe Gambetta (foto di Franco Rosso)Gambetta, Parsons e Coppo (foto di Stefano Goldberg)swing, dai fiddle tunes irlandesi e dei monti Appalachiai classici del folk e del country, senza tralasciarecomposizioni personali. È considerato il piùsincero continuatore della scuola di Doc Watson. Inquesta seconda edizione abbiamo fatto nuovamenteil tutto esaurito e 100-200 persone che non eranoriuscite a trovare posto. Così alla fine ci siamo dettiche potevamo cercare di passare da una serata adue, che forse potevamo farcela.»Men of Steel«E per la terza edizione del 2003 abbiamo fondatoi Men of Steel con Dan Crary, Don Ross, TonyMcManus e me. Sempre in quell’occasione abbiamoverificato che il pubblico rimaneva particolarmenteaffascinato dalla dimensione teatrale, perchéSergio Bianco ci aveva preparato una scenografiafantastica con delle grandi matite da cui schizzavanoverso il cielo delle biciclette immaginarie. Eabbiamo capito che il pubblico gradiva tantissimo ilfatto di poter ascoltare uno spettacolo acustico, chedi per sé non ha nessuna spettacolarità visiva o nelmovimento, aggiungendo una regia nei movimenti,facendo attenzione a evitare tempi morti, facendoin modo che ci fossero sempre le luci a seguire lospettacolo e il carattere dei vari brani, che ci fosseun racconto preparato. Nasceva in quel periodoquesta caratteristica dell’Acoustic Night, perché ciaccorgevamo che lo spettacolo assumeva una marciain più data da tutti questi aspetti curati con attenzione.»Chitarre e voci dal mondo«Poi l’anno dopo ci siamo detti: “La gente gradiscetantissimo anche la presenza di un tema”. E iltema è stato quello delle grandi voci e grandi chitarre,quindi Gene Parsons dei Byrds e la cantautrice-chitarristaPatty Larkin. Inoltre avevo fatto delledate preparatorie con Gene Parsons insieme anchea Martino Coppo, e ci siamo accorti che il nostrotrio vocale funzionava così bene che Martino è statomoltissimo insieme a noi anche sul palco dellaAcoustic Night. È stata una scelta molto felice. Que-33chitarra acustica 2 duemilaundici

Beppe Gambettaara cercare di leggere e interpretare i numeri relativialla risposta del pubblico.L’altra Nashville«Allora nel 2007 abbiamo fatto L’altra Nashville,nel tentativo di mostrare un’altra faccia, meno conosciutae più creativa e impegnata, della musicadi Nashville: un tema nuovo con artisti nuovi comeDarrell Scott, chitarrista-cantautore, e Brad Davis,maestro delle nuove tecniche del flatpicking. Ed èstato appunto un successo, grazie al quale l’annoseguente abbiamo dovuto e potuto aggiungere unaterza serata. In quegli anni l’Acoustic Night era rimastasempre con le due serate, che però si riempivanosempre di più, sempre di più. Questa per meè stata una sorpresa incredibile: pensavo, sì, cheesistesse un serbatoio determinato di persone interessate,ma non avrei mai creduto che questo bacinosi rivelasse man mano inesauribile. E, anzichéattingere nuovi fan dalla stretta cerchia di appassionatidella chitarra o della musica acustica, scoprivopersone di provenienza diversa che attraverso ilpassaparola decidevano di venire, aprivano questaporta e diventavano degli spettatori fedeli, continuavanoa seguire la manifestazione. Insomma, l’AcousticNight si è andata un po’ caratterizzando ancheper lo stupore di fronte a questa scoperta: attingendoda un pubblico completamente diverso, si riuscivaa far crescere questo nostro mondo della musicaindipendente. L’Acoustic Night, presentandosi concura, con classe, poteva diventare uno spunto permolte persone in cerca di qualcosa di nuovo. Mettendoin luce gli aspetti più belli dell’arte, lentamentela gente continuava a seguirci.»Chitarre e non solo«Quando si aggiunge una nuova serata, magarisi pensa di riempire mezzo teatro… Per proseguirel’evoluzione che si era andata delineando e dareun segnale ancora diverso, l’anno seguente abbiamopensato di aprire a strumenti diversi. L’AcousticNight 8 ha presentato la chitarra di Jim Hurst, il contrabbassodi Missy Raines, il violino, il banjo e lachitarra di Bruce Molsky. Ed è stata l’apoteosi, perchéabbiamo verificato che potevamo reggere le treserate, che il teatro si era riempito al primo colpo…»Rendez-Vous«Nel 2009 c’è stata una celebrazione un po’ piùmia. Di solito mi tengo abbastanza indietro, perchéè giusto che non emerga una primadonna, considerandoanche il fatto che a me il pubblico di Genovami ritrova sempre: quindi è meglio cercare semprela misura giusta della mia presenza, e in questa misuranon mettermi mai troppo in primo piano. Peròquell’anno era l’anno dell’album Rendez-vous, checelebrava i miei vent’anni ‘on the road’. Così misono lasciato un po’ andare e nel programma miAcoustic Night 11Marshall e GambettaIl brindisi dell’Acoustic Night 10 (foto di Sergio Farinelli)Darrell Scott (foto di Stefano Goldberg35chitarra acustica 2 duemilaundici

arBeppe Gambettasono messo più in vista, insieme a Marco Pereira,Mike Marshall e la mia band composta dal percussionistaMarco Fadda e dal contrabbassista RiccardoBarbera. Uno spettacolo con tante componenti,in particolare con l’apertura di Pereira verso la chitarradell’America Latina, che è importantissima persuperare l’idea di un legame esclusivo con la musicanordamericana.»Hurst, Raines, Gambetta e Molsky (foto di Stefano Goldberg)Il decennale«L’edizione del decennale dell’anno scorso è statauna sorta di The Best Of, la festa che raccoglievagli artisti più rappresentativi e che avevano dimostrato– negli anni – di aver vissuto meglio lo spiritodell’Acoustic Night. Gli artisti che sono ritornatisono quelli che hanno gradito di più questo formatomusicale, caratterizzato dall’essere se stessi, maal tempo stesso dal cercare l’incontro, dal goderedell’incontro con gli altri senza voler primeggiare.Sono le persone che hanno amato di più, e chesono state amate di più dal pubblico: Patty Larkin,Mike Marshall, Tony McManus, Bruce Molsky, DarrellScott. Anzi, il problema dell’Acoustic Night 10 èstato proprio che tutti avevano portato la famiglia,e che bisognava portarli tutti in giro, appunto perquesto fatto che si erano innamorati dell’ambiente,della città. Il che in realtà ci ha fatto un gran piacere,anche se poi ci è venuto un po’ di mal di testa a stardietro a tutti quanti!L’unico problema dell’Acoustic Night, semmai, èche meriterebbe un paio di belle date anche a Milano,a Roma… Come fare? Io provo a presentarmi aidirettori, ai produttori dei teatri dicendo: “Guardate,sono un chitarrista genovese e… produco lo spettacolopiù bello del mondo!” No, non proprio così,però bisogna avere anche un minimo di orgoglio,no? Però… mi trattano come un Testimone di Geova!Probabilmente chi ha la mentalità del musicistanon ha la mentalità del manager, ed è difficile presentarsia un direttore di teatro facendo un discorsodel genere. Di solito ti risponde: “Guardi, passi domani,vedrà, vedrà”…»Radio d’America«Proseguendo nell’idea, ormai ben sperimentata,di costruire ogni stagione uno spettacolo musicalesu un nuovo tema, ho deciso di invitare celebri artistiinternazionali per raccontare con loro il ruolo chela radio ha avuto ed ha tutt’ora nella diffusione dellamusica acustica. Radio d’America è, dunque, il sottotitoloscelto per Acoustic Night 11. E il motivo nascenon solo dalla constatazione che questo mezzodi comunicazione è radicato profondamente nellastoria della musica nordamericana, ma anche dalfatto che la radio è stata il motore attraverso cui lamusica del Novecento è nata ed è stata diffusa. Ancoraoggi la radio è l’asse portante su cui si basa lavita, il continuo rinnovarsi e la sopravvivenza stessadella musica indipendente. Per raccontare questastoria ho invitato i protagonisti di tre importanti LiveRadio Shows statunitensi (quelli che vanno in ondatrasmessi da teatri con il pubblico in sala): Nick Forster(voce, chitarra, chitarra slide, chitarra elettrica,contrabbasso) è il presentatore e fondatore del famosoradio show eTown che trasmette da Boulder,in Colorado; Peter Ostroushko (voce, mandolino,violino) fa parte della band del radio show PrairyHome Companion, che trasmette da Minneapolis inMinnesota; Bryan Sutton (voce, chitarra) è apparsomolte volte al Radio Show della Grand Ole Opry aNashville in Tennessee.»Andrea Carpi36chitarra acustica 21 duemilaundiciLascia un commento

arartistiMassimo Varini: uno di noiAlla Cremeria Acustica di Genova nel 2010 con la Martin OM-42Massimo è uno di noi, non ci sono dubbi. Si potrebberoscrivere pagine intere per raccontare lasua carriera come chitarrista, spesso a fianco divere star del music biz, o come produttore, impegnatoin progetti come il musical Casanova messoin scena l’anno scorso, senza dimenticare Sanremoo lo Zecchino d’Oro. Ma rimane il fatto che è uno dinoi. Con la stessa passione per la chitarra, identicoamore per la musica, tanta voglia di confrontarsi econdividere idee e progetti. Figlio del suo tempo,vive con intensità la rete e le sue risorse. E dallarete è ricambiato con un seguito impressionante.Ma rimane sempre accessibile e disponibile a unachiacchierata su chitarre, corde, plettri… o per farequattro parole su Anacrusis, il suo ultimo lavoro.Te lo avranno già chiesto alla noia, ma da dovearriva il termine “anacrusis”, che dà il titolo altuo ultimo disco?Mi fa piacere spiegarlo! Mi rifaccio a quello cho hotrovato su Wikipedia: «Per anacrusi (termine chederiva dal greco e significa “spinta indietro” e quindipreludio) s’intende, in musica, una o un gruppodi note poste sul tempo debole di una battuta (o inlevare) che precedono quelle d’inizio della battutasuccessiva (poste sul tempo forte). È un tipo di figurazioneche si trova spesso come inizio di un branoo di una frase musicale». Mi sono accorto che l’anacrusiè tipico del mio modo di scrivere. Per esempio,già “Laura non c’è” ha gli inizi di strofa e ritornelloin anacrusi, ma così tantissime altre canzoni che hocomposto. Così ho pensato di fare un’intera operabasata su questo tipo di figura musicale.Si può quindi parlare, se non di un ‘concept’,almeno di un tema di base dominante per tuttal’opera?Hai detto bene: una sorta di ‘concept’. Le melodiepiù caratterizzanti della maggior parte dei brani deldisco sono appunto in anacrusi, un filo conduttoreche lega tutto il disco; come accade in una colonnasonora, in un musical o cose simili.Come lavori in fase di composizione e di arrangiamentodei brani?Non ho una metodologia precisa, mi metto con lachitarra in braccio e penso a suggestioni, a cose chemi circondano, a emozioni… e le canzoni arrivanoda sole. E questo è il lato ‘romantico’. Poi c’è poila parte più razionale, cercare di trasporre in musi-38chitarra acustica 2 duemilaundici

Massimo Variniarca – anche basandomi su concetti armonici – quelloche vorrei trasmettere. Difficile fare esempi chepossano risultare efficaci in uno scritto, ma ci provo:se voglio dare un colore particolarmente riflessivo,magari scelgo un accordo minore con la nona masenza la settima, perché so che quell’accordo midarà quella connotazione… Poi se all’ascolto diquelle note parte la creatività il gioco è fatto. Se nonparte… scelgo un altro giorno in cui scrivere! Macosì potrei dirti che per dare maggior ‘spinta’ ad unsecondo giro in maggiore scelgo un accordo con ilbasso di terza (primo rivolto) per dare tensione albasso, ecc. Immagino che leggendo queste righepossa sembrare una cosa meccanica, mentre nonlo è affatto: tutto è veicolato dalla creatività. Per l’arrangiamentocerco invece di trovare una chiave dilettura per ciascun brano. Decido che sarà un brano‘con del tiro’ o molto ‘soft’ e quindi scelgo la parte ritmicapiù adeguata. Per la parte armonica, mi piaceveicolare melodie molto semplici: sono un musicistapop, fiero di esserlo, e cerco di movimentare iltessuto armonico intorno, senza andare verso braniche profumino troppo di atmosfere jazz.Rispetto a My Sides [Kymotto Music, 2009], ingenerale, questo mi sembra un lavoro più intimo,dai toni più delicati e introspettivi… Menomuscoli e più cuore se mi passi la semplificazione.Com’è già accaduto in passato, non posso farea meno di apprezzare la tua sensibilità! È sicuramentecome dici… in My Sides c’era più ‘tecnica’:le stesse tecniche che poi ho utilizzato nel manualePercussioni, tapping e altre tecniche per chitarraacustica [Carisch, 2010]. In questo caso ho suonatosoprattutto con il capotasto, usando accordaturastandard o dropped D; meno accordature apertequindi. Potrei dire che sto diventando più ‘intimo’con la mia chitarra!Con la Martin MV Signature a vicenzAcustica 2009(foto di Mario Giovannini)Incasellare in una definizione, in un’etichetta,un album come questo non è semplice. Comedefiniresti la tua musica?Canzoni senza voce? O forse è troppo breve? Maè così, le melodie me le canto in testa e immaginodi poterle cantare. Questo potrebbe essere unaqualità dei miei brani ma, al tempo stesso, un limite.Una volta Reno Brandoni, dopo aver ascoltato i mieibrani, mi ha fatto notare come le mie melodie si sviluppinospesso nella stessa ottava. In effetti, capitaspesso che le mie composizioni si articolino conun’estensione più per la voce che per lo strumento.A cosa è dovuta la scelta di farlo uscire in dueparti, solo su digital store, e di presentare in unsecondo tempo il disco completo?Marketing? No! Piuttosto ‘fregola’, come si dice.Voglia di far ascoltare i miei brani, non vederli invecchiaresolo nelle mie mani e tra le mura di casa.Mi muovo molto sul Web e, fortunatamente, ci sonomolte persone che ascoltano la mia musica e seguonole mie lezioni: sai quanto stiano andandobene il mio canale YouTube (oltre 8.200.000 visualizzazioni),il mio sito, Facebook… ora c’è anche lamia App per iPhone. Mi sembrava carino ‘incontrare’le persone nello stesso luogo dove le incontro disolito: la rete. E così ho pubblicato anche tutti i mieiprecedenti dischi (anche elettrici).Il discorso della ‘natural tuning’ che hai utilizzatoin Anacrusis II è molto interessante. Ti va diapprofondirlo un po’?Ho prodotto una band che si chiama Santabar-39chitarra acustica 21 duemilaundici

arMassimo Varinibara: sono ragazzi di Torino, molto bravi e sensibili,sempre alla ricerca di qualcosa oltre la musica. Proprioparlando con Mattia, il cantante, è venuto fuoriquesto discorso. La musica a 432 hertz ha un mododi ‘arrivare’ molto diverso. Potrei spiegarti ‘filosoficamente’quanto il 432 sia un multiplo dell’8 e quanteteorie si siano mosse in questo ambito; ci sono deiveri studiosi di questa cosa: si parla della rotazioneterrestre, del La verdiano, del ‘natural tuning’ e altrecose… Ma sono una persona abbastanza praticae ti dirò che dopo aver letto tante cose ho pensatodi provare ad accordare a 432 hertz e suonare.Quello che è uscito mi è sembrato più armonico, piùprofondo… e ho capito che mi piace tanto! Si possonotrovare tante informazioni in rete, che fannoentrare in un mondo di ricerca molto interessante!Così Anacrusis I è a 440, ma Anacrusis II è a 432.Registrerò altri brani a 432 e tutti troveranno spazioin Anacrusis 432, che questa volta sarà un CD fisico.Lo porterò ai miei concerti da fine aprile in poi,dopo un anno di stop alla mia attività dal vivo e diseminari. Ho dovuto registrare questi brani e ultimarediversi manuali didattici in uscita, oltre a suonarein alcuni importanti dischi di artisti italiani.Al solito, in entrambe le pubblicazioni hai unsuono strepitoso. Che chitarra hai usato? Ecome hai lavorato in fase di registrazione?Intanto grazie, poi… be’, ci sarebbe da scrivereparecchio, ma cerco di essere conciso. La chitarraè una stupenda Martin OM-42 Custom Solid ClaroWalnut, che già con il nome ti porta via cinque minuti!È un modello custom di cui mi sono innamoratoal Music Italy Show 2010 a Bologna, poi di nuovoall’Acoustic Guitar Meeting a Sarzana lo stessoanno… fino a comprarla (sono endorser Martin eho anche la mia Martin MV Signature)! Mi sembrache la ‘voce’ di questo strumento sia molto vicina aquella che vorrei per questi brani. Ogni tanto il miolavoro di produttore artistico si affaccia anche sullachitarra e, come accadde per My Sides, mi impediscedi… registrare un disco e basta. Sento l’obbligodi una progettualità che parta dalle composizioni,passi attraverso il suono e l’esecuzione. Ho lavoratomoltissimo quindi sulla ripresa. Anacrusis I èstato registrato usando due microfoni SennheiserMKH 80 preamplificati con il TG2 EMI Limited dellaChandler (replica del banco Neve di Abbey Road);i due microfoni posizionati larghi – uno davanti allatastiera e uno circa davanti al ponticello – in posizionecardiode. Per Anacrusis II ho affiancato a questidue microfoni uno Shoeps MC5 con capsula cardiode41; ho messo in posizione omni i due MKH elo Schoeps davanti al XV tasto circa, passando perun preamp Germanium della Chandler e un po’ dicompressione del Distressor (regolato in opto). Horegistrato il tutto a 24 bit/88.2 kHz senza passare dasommatori, ma restando sempre dentro a ProToolsHD. Come reverb ho usato il plugin dell’Eventidee una serie di delay della Sound Toys, regolati inmodo da formare un reverb/modulation. Ho registrato,mixato e masterizzato da solo il tutto nel miostudio… si trattava di una cosa così privata che hovoluto anche registrare con la stessa intimità. Sonomolto soddisfatto del suono, mi rappresenta molto.Come turnista, produttore, ma anche solistao accompagnatore, ti confronti continuamentecon generi musicali molto diversi. Ma cosa ticoinvolge di più? A parte, naturalmente le tuecomposizioni…Mi coinvolge la musica in generale… la sfida creativa,il cercare di fare sempre qualcosa di nuovo.Nel pop è un po’ utopico pensare di fare qualcosa di40chitarra acustica 21 duemilaundici

Massimo Variniarnuovo, ma io faccio ogni cosa con grande dedizionee amore.Sta per uscire, anzi, stanno per uscire le nuoveEko Mia. Hai già dato diverse anticipazionisul tuo canale YouTube: vogliamo riassumerequali saranno le caratteristiche principali di questechitarre?Sono usciti un paio di centinaia di pezzi delle nuoveEko Mia con il FastLok System, un brevetto dellacasa di Recanati. Dopo la Mia D (Dreadnought),sono arrivate la D CW (Cutaway), la 018 e la 018CW. Queste ultime tre hanno il sistema FastLok,che permette di cambiare il tilt, cioè l’angolo di incidenzadel manico rispetto alla tastiera. Inoltre hannoil ponticello regolabile in altezza e il truss rod adoppia azione, che lavora non solo fino al XII tastocome nelle acustiche tradizionali, ma fino in fondoal manico; e che si può togliere. È più semplice dareun’occhiata ai miei video sul Tubo che spiegarlo aparole. Sono soddisfatto e ho già molti feedback positivi!Hanno un gran rapporto qualità/prezzo: sonoin commercio intorno ai 300 euro. Sono poi quasipronte le Mia SA (Semi Acustica) e sto pensandoalla Mia Elettrica, ma ci vorrà almeno un anno emezzo ancora!Con la nuova Eko Mia in tutte le sue declinazioniMario GiovanniniLink iTunes per Anacrusis IIhttp://itunes.apple.com/it/album/id419138116Link iTunes per tutti i dischi di Massimo Varinihttp://itunes.apple.com/it/artist/massimo-varini/id165188264Presentazione Anacrusis IIhttp://www.youtube.com/watch?v=51oLn9rcODAEko Mia con FastLokhttp://www.youtube.com/watch?v=SC0VbsFQct4Eko Mia semiacusticahttp://www.youtube.com/watch?v=fw7kWxN2q8YLascia un commento41chitarra acustica 21 duemilaundici

ststrumentiChitarra acusticaEko Mia 018Uscita sul mercato nel 2009, la Eko Mia di MassimoVarini, il modello ‘dread’ per intenderci, è statoun vero successo commerciale. Sicuramente ilpeso mediatico del personaggio ha avuto la suavalenza, ma è indubbio che si trattava di buoni strumenti,ben costruiti e con materiali di qualità, propostia un prezzo assolutamente concorrenziale. Adue anni di distanza assistiamo all’evoluzione dellaspecie e all’ampliamento dell’offerta con una dreada spalla mancante e l’introduzione dello shape 018,sia ‘intero’ che cutaway. I presupposti di partenzasono sempre gli stessi: l’attento lavoro di Massimo edi tutti quelli che gli stanno attorno in fase di progettazione,un buon rapporto qualità/prezzo e l’inevitabilescelta di una costruzione delocalizzata in EstremoOriente per contenere i costi di produzione.Il modello ricevuto in prova è la ‘nuova’ 018, maa portata di mano c’era anche una prima serie concassa D, per poter fare gli inevitabili paragoni trale due. Senza cadere nei soliti luoghi comuni del‘quelle nuove non suonano come le prime’, ‘chi leconosce sa di cosa stiamo parlando’ e altre amenitàvarie da mercatino musicale.Zero diciotto quindi, con dimensioni della cassamolto ridotte anche a causa dello spessore, leggermentesottodimensionato, come sul modello Doriginale. La tavola è in cedro massello di buonaqualità, in due parti unite a libro, fasce e fondo sonoin mogano laminato. Le giunzioni sono ornate da undoppio filetto bianco e nero e da un binding in acero.Ben realizzato e ben posato, ha un colore cheben si sposa con l’estetica dello strumento, al contrariodi quello un po’ plasticoso della prima serie. Ilbordo sale anche sul manico, realizzato in moganocon profilo a V e con tastiera in palissandro, su cuisono perfettamente posati 20 tasti jumbo. L’intonazioneè perfetta. La paletta, di dimensioni generose,è marrone scuro con il logo della casa in ivoroid, emonta meccaniche senza brand, cromate con palettinacolor ebano. Svolgono il loro compito in manieraimpeccabile. Il ponte in palissandro, in matchcon la tastiera, racchiude la prima di alcune dellepeculiarità di questo strumento. Sono presenti duedadi a brugola che permettono di regolare l’altezzadell’osso in maniera molto semplice e immediata.La chitarra monta di serie un sistema di amplificazioneFishman, il Presys Blend, e il piezo sotto sellaè fissato all’osso a morsetto, grazie a quel meccanismo.In modo che non sia possibile che si creinospazi tra i due elementi, con i ben noti problemi allaresa del sistema. Il fatto che, praticamente, il pontenon sia a contatto con la tavola armonica può crearequalche perplessità. Sarà interessante verificarese ci saranno problemi nella resa sonora.Il manico si inserisce nella cassa al XIV tasto ed èprivo di tacco. Sia perché il truss rod, cui si accededalla paletta, è studiato per intervenire su tutta la tastierae non solo fino all’innesto, sia per la presenzadel FastLok. In via di brevetto, questo sistema permettedi controllare, semplicemente agendo su unaboccola posta sul retro della cassa in corrispondenzadell’innesto del manico, la sua inclinazione edeventualmente lo sblocco per smontarlo dallo strumento.È molto più complicato da spiegare che dafare, a essere sinceri. In pochi minuti, con la com-42chitarra acustica 2 duemilaundici

Chitarra acusticaEko Mia 018stbinazione di FastLoke ponte regolabile, èpossibile fare un setuppraticamente perfettoalla chitarra. Magarisperimentando regolazioniun po’ estreme:ad esempio con un angolodel manico moltopronunciato è possibilealzare di conseguenzal’osso, mantenendol’action molto agevole e creando un buon punto ditensione – e quindi di trasmissione delle vibrazioni– sul ponte. Tutto questo, ovviamente, sulla primaserie non c’era.Ma veniamo alla prova pratica. Appena imbracciata,la chitarra risulta leggermente sbilanciata versola paletta, quasi inevitabile viste le dimensionidella cassa. Non una cosa tragica comunque. Anzi,si avverte appena. D’altro canto, la piccolina risultadavvero comoda da imbracciare e, vista la regolazionedel manico semplice e immediata, sembra diaverla per le mani da sempre. Al primo accordo, ilsolito Mi in prima posizione, tutte le perplessità suspessore della cassa e conformazione del pontespariscono: la chitarra suona, eccome. Come per lavecchia serie, la prima cosa che colpisce è il volume,assolutamente inaspettato. E non è tutto fumo,c’è anche sostanza. Il tono è articolato, seppurleggermente compresso – ma non è per forza unacosa negativa – con un ottimo equilibrio su tutta lagamma. Strumento ideale per il fingerstyle, sia perdimensioni che per lo shape del corpo, anche se,come spesso accade per chitarre di questo tipo, sipresta bene anche a uno strumming leggero di accompagnamento.Il sistema di amplificazione montatodalla casa fa egregiamente il suo lavoro, compliceanche il microfononino a capsula, integrato nelpre montato sulla fascia superiore. La resistenza alfeedback è notevole, merito anche delle vituperatefasce e fondo in laminato.SCHEDA TECNICAEko Mia 018Tipo: chitarra acusticaCostruzione: CinaDistributore: EKO Music Group SpAVia Falleroni, 92 – P.O. Box 52 - 62019Recanati (MC) Tel. 0733 226271www.ekomusicgroup.comPrezzo: 320 euro street priceTop e catene: cedro masselloFasce e fondo: mogano laminatoManico: moganoTastiera: palissandroPonte: palissandroBattipenna: noBinding: plasticaMeccaniche: cromate con palettinain ebanoLarghezza al capotasto: 44 mmLarghezza al ponte: 56 mmScala: 650 mmTasti: 20Si potrebbe ripetere quasi parola per parolaquanto già detto in merito alla prima serie: ottimorapporto qualità/prezzo, ottima costruzione, buonimateriali e soluzioni tecniche davvero interessanti.Chitarra ideale per… tutti: per chi comincia, per chila vuole come muletto, da consigliare all’allievo chepuò acquistare uno strumento serio senza rischiaredi essere sbattuto fuori casa. Rispetto alla primaserie, le nuove Mia sono più curate nei dettagli enelle finiture con il plus di una regolazione del setupassolutamente user friendly. Speriamo solo cheil distributore non si accorga che ho infilato nellacustodia quella ‘vecchia’ e mi sono tenuto la 018…Mario Giovannini43chitarra acustica 2 duemilaundici

ststrumentiUna McAlister per SarzanaProbabilmente il 20 luglio 2001 e l’8 dicembre2006 sono date senza significato per i più, e invecesono state il punto di partenza di un’incredibileserie di eventi, concerti, incontri e bellissime amicizie:E il bello è che le persone coinvolte non sannoche tutto è cominciato proprio da queste due date:il 20/07/2001, concerto di David Crosby a Lucca,e l’8/12/2006, l’incontro ad Ancona con il vulcanicoAlessio Ambrosi – patron dell’AGM di Sarzana – neldopo concerto di Bob Brozman.A Lucca, dopo il suo concerto, David Crosbyscende dal palco per firmare autografi e scambiaredue chiacchiere con i suoi fan, quando gli sottopongola pagina centrale di Acoustic Guitar perfirmare la foto in cui letteralmente ‘abbraccia’ unaMcAlister Crosby model: lui mi guarda un po’ sorpreso,e da lì a parlare di chitarre il passo è davverobreve. Mi racconta del suo «amore al primo tocco»con la McAlister e che in casa non suona altro chequella chitarra costruita dal suo amico Roy; chitarrache usa tantissimo anche in studio ma che – fino aqualche mese fa – non si portava ‘on stage’ perchénon aveva trovato un modo soddisfacente per amplificarla…Poi, data la ressa dei fan, mi lascia conun: «Buy it, if you don’t like it I’ll take it!»Passa l’estate e ricevo un’e-mail di risposta daRoy McAlister, che – dopo avermi ringraziato perl’interessamento – mi dice che Croz era stato a casasua alla fine del tour europeo e gli aveva parlato diun «Italian gentleman» che aveva fatto domandesulle sue chitarre e… inizia l’avventura: ordino unachitarra a Roy, che mi arriverà nel 2005.Durante il suo concerto acustico di Firenze,scambio un paio di battute con Jackson Browne trauna canzone e l’altra e gli chiedo di suonare unaMcAlister. E lui divertito mi chiede quale volevo sentire,se la Concert o la Smeck: opto per la Smeck elui suona “These Days”, che suonerà poi a Sarzanacon la mia McAlister 00-45, ma… non andiamotroppo avanti!Soddisfattissimo della mia prima McAlister, ne ordinoun’altra e –nel frattempo – l’8 dicembre 2006dopo un concerto pirotecnico di Bob Brozman incontroAlessio Ambrosi, a cui chiedo se gli interessache il liutaio di David Crosby e Jackson Brownevenga a Sarzana 2008. Lui mi risponde di sì senzapensarci un secondo, cosi cominciamo a scambiarcie-mail e telefonate, fino a che Roy parteciperà effettivamenteall’AGM del 2008 tenendo un workshopsul top voicing. Roy rimane incantato dal festival,dall’ambiente e dal clima di amicizia che lo circonda,e si ripromette di tornare calando un asso inimmaginabile:«Ma se provassimo a portare JacksonBrowne?» Alessio coglie la palla al balzo e inizia unlungo lavoro diplomatico per portare il ‘fratellino’ alfestival, lavoro che chi frequenta Fingerpicking.netgià conosce.Nel 2009, grazie a Roy, riesco ad avere un passper il backstage del concerto di Jackson Browne aBologna, dove io e lui parliamo di chitarre e del festivaldi Sarzana (già anticipato da Roy) per oltremezz’ora e ci lasciamo con la speranza di rivederciproprio a Sarzana. Passano dodici mesi e JacksonBrowne si esibisce sul palco centrale della FortezzaFirmafede di Sarzana, dopo aver ricevuto il premio“Corde & Voci per Dialogo & Diritti” (“Strings & Voicesfor Dialogue & Civil Rights”).Roy, per ringraziare Alessio, decide di costruireuna chitarra che donerà al costituendo museodell’AGM. La chitarra è una Crosby model (ovviamente),cutaway, pensata per chitarristi fingerstylecon top in abete italiano acquistato proprio al festivaldel 2010, con fasce e fondo in palissandro indiano.Il progetto originario prevedeva il simbolo diSarzana intarsiato nella paletta da Larry Robinson,il quale però lo ha sconsigliato, perché avrebbe dovutoridurre fin troppo il disegno che sarebbe venutomale. Ed ecco allora che il buon Larry ha disegnatoe prodotto un intarsio rappresentativo del festival dainserire al dodicesimo tasto. Il giudizio di Roy è emblematico:«I got the inlay today and it’s fantastic! Iam so excited. I thought it would be too simple andnot enough detail, but Larry is the master!»Questa sarà un chitarra speciale non tanto per ilegni o per il suono (che sarà comunque stupendo)ma per quello che rappresenta: amici trovati al festival,amici lontani eppure cosi presenti nella vita ditutti i giorni, momenti indimenticabili come quandoJB suona sul palco del festival, oppure quando unestasiato John Gorka – dopo aver mangiato e bevutodi tutto assieme ai maestri Stanzani e McAlisteralla corte di Lauro & Co. – imbraccia la chitarra e cisuona quattro pezzi in sala da pranzo per ringraziaredell’ospitalità…Se un giorno ci sarà occasione di raccontare unpo’ di queste storie a David Crosby, di raccontargli acosa ha dato iniziato… be’, sono sicuro che se la rideràsotto i suoi mitici baffi dicendo: «Ma io ti avevosolo consigliato di comprare una chitarra!»Andrea Fabi44chitarra acustica 2 duemilaundici

stDiario di lavoro di Roy McAlisterQueste sono le parti basilari del corpo dellachitarra di Sarzana. L’assemblaggio delle fasceè nella forma, ma la intaccatura non è ancorainstallata. La tavola armonica è incatenata manon ancora intonata. L’intonazione sarà di tiposcalloped, ma con le quattro catene esterne disupporto affusolate, per permettere di ottenereuna voce frizzante adatta per il fingerstylecontemporaneo.Ecco l’assemblaggio del corpo in fase diincollaggio – la tavola, il fondo e le fascevengono tutte incollate contemporaneamente.Il corpo viene incollato essendo tenuto nellaforma con i diffusori di collante ben posizionati.Successivamente, quando la colla è seccata,questi ultimi sono rimossi attraverso la buca eil corpo è estratto dalla forma.Ecco l’assemblaggio del corpotutto incollato con i bordi rifilatie pronti per la preparazione delbinding.Le ‘cornici’ e i ‘giunti’ del binding sono statitagliati e sto installando il binding. Il bindingdel fondo è stato incollato in posizione e stosistemando il binding della tavola. Potetevedere il binding e i listelli separati del tope delle fasce che devono essere incollati.Uso un nastro adesivo molto robusto pertenere il binding in posizione mentre lacolla si asciuga. Il binding è in palissandrobrasiliano e i listelli sono in fibra nera/bianca/nera da .030” per le fasce, e in unacombinazione di fibra nera/bianca/nera elegno (agrifoglio) per il top.46chitarra acustica 2 duemilaundici

Una McAlister per SarzanastHo sistemato il manico e incollato la tastiera. Mi sto preparandoa intagliare il manico. Questo è il mio attrezzo per intagliare ilmanico… che semplicemente lo tiene fermo mentre lo intagliosecondo il giusto profilo.Una volta che la colla del binding si è seccata, il nastro viene rimosso e il binding èraschiato e levigato. Quindi spruzzo con lo spray un sottile strato di sigillante. La foto èscattata nella postazione per lo spray dopo aver applicato lo strato di sigillante.Qui sto intagliando il manico.Adotto la vecchia tecnicatradizionale di usare un coltelloper lavorare il legno al fine diottenere la giusta forma e il giustospessore.Sto verificando le specifiche del manico – la larghezza delcapotasto, lo spessore e il profilo del manico. Questo èun passo cruciale per assicurare che la chitarra abbia lacomodità e suonabilità desiderata.47chitarra acustica 2 duemilaundici

stUna McAlister per SarzanaEccomi (vecchio grassone…) mentre dò lasistemazione finale di precisione alla giuntura deltacco con la spalla mancante, usando un cesello perintagliare e sistemare con esattezza.Sto facendo un controllo finale di qualità, per assicurarmiche il fissaggio e la sistemazione del manico, così comel’allineamento della tastiera con la buca siano corretti,prima di iniziare la fase di verniciatura.Che chitarra fantastica! È appena finita e il tono è incredibile. Non costruivo con abete italiano da parecchi anni – èun abete sensazionale per il fingerstyle. Questa tavola armonica è stata selezionata a mano e portata a casa invaligia dall’ultimo Guitar Meeting di Sarzana. Ma adesso torno in bottega. In questo periodo sto lavorando sedici oreal giorno, per poter spedire in tempo tutte le chitarre in Italia. Sono stanchissimo!48chitarra acustica 2 duemilaundici

ststrumentiChitarra acustica Goodall Grand ConcertPer un occhio allenato, riconoscere al volo ipossessori di una chitarra realizzata da JamesGoodall non è difficile. Basta saper individuarel’espressione sorniona e soddisfatta, il sorrisettobeato e l’atteggiamento un po’ distaccato con cuivalutano gli altri strumenti. E, in effetti i lavori delliutaio americano, che di recente ha lasciato le Hawaiiper tornare in Continente, a Fort Bragg in California,sono delle piccole opere d’arte. La sua produzione,circa trecento esemplari l’anno, si articola su dueserie: la Traditional, che replica i modelli Martin prewar,e una di progettazione originale con cinqueshape del corpo differenti. Si parte dalla Parlor 12Fret per arrivare alla Jumbo, a crescere in ordinedi dimensione. La chitarra ricevuta in prova è unaGrand Concert, la seconda secondo questa scala diclassificazione. Uno strumento quindi, almeno sullacarta, decisamente votato al fingerstyle.Una volta imbracciata – e sarebbe anche ora –la GC risulta perfettamente bilanciata, al puntodi stare su da sola, senza l’ausilio delle braccia.La sezione del manico è a C tonda, e riempie lamano al punto giusto. Il set up non è da corsa, masicuramente valorizza la resa dello strumento. Che è,obbiettivamente, impressionante. L’attacco è prontoe veloce, il sustain lungo e corposo, arricchito da unLe dimensioni della chitarra sono molto vicinea quelle di una OM, leggermente più piccola macon la stessa profondità. I materiali utilizzati sonodi livello eccellente: la tavola armonica è in abeteEngelmann Master Grade, così chiaro che si fa faticaa individare la giunzione delle due sezioni a libro;fasce e fondo sono realizzate in ebano Macassar,con una marezzatura spettacolare. Le giunzionisono ornate da un binding in acero fiammato supiano e fondo, da un bordo bianco sulle fasce. Pontee tastiera, in match, sono in ebano, con alcunevenature che richiamano il Macassar del fondo. Larosetta alla buca, molto semplice, è un doppio filettocon un elegante intarsio in abalone. Il battipenna c’èma non si vede, nel senso che è trasparente, e nonsi sarebbe potuto fare altrimenti con questi legni. Ilmanico, con 21 tasti perfettamente posati e intonati,è in mogano come la paletta che monta meccanicheGotoh 510 Super Machine Head cromate, con lapalettina in ebano. I segnatasti sono a fiocco di nevein abalone. Come di consuetudine per Goodall, laheadstock è impiallacciata in accordo con la cassa,con il logo alato intarsiato in madreperla. In tantabellezza e armonia di forme e materiali, questo èl’unico elemento che stona un po’: sembra grezzo,appena sbozzato. Il sospetto che si tratti di unascelta precisa per restituire lo strumento alla suadimensione ‘artigianale’ è forte.Ficcando il naso dentro la cassa si percepisceimmediatamente il profumo delle essenze e nonsi può far a meno di notare, oltre al tradizionalecartiglio con i dati del costruttore, la presenza di unaseconda etichetta posizionata sul tacco del manico,che riassume i materiali utilizzati per la costruzione.Molto interessante, comodo e sensato in casodi diversi passaggi di mano dello strumento…anche se una situazione del genere non pareun’eventualità così probabile. La pulizia, comunque,regna sovrana: niene sbaffi di colla in eccesso, conincastri netti e precisi, privi di schegge.50chitarra acustica 2 duemilaundici

Chitarra acusticaGoodall Grand ConcertstSCHEDA TECNICAGoodall Grand ConcertTipo: chitarra acusticaCostruzione: Stati UnitiImportatore: Daniele Cabibbe, Milano,tel./fax 02 4814508, sassopazzo@alice.itPrezzo: 7275,00 euroTop e catene: abete Engelmann Master GradeFasce e fondo: ebano MacassarManico: moganoTastiera: ebanoPonte: ebano MacassarBattipenna: trasparenteBinding: acero fiammatoMeccaniche: Gotoh 510 Super MachineHead con palettina in ebanoLarghezza al capotasto: 45 mmLarghezza al ponte: 58 mmScala: 650 mmTasti: 21bel riverbero naturale. La gamma sonora espressa ècompleta e bilanciata, senza buchi o eccessi in nessunpunto della curva. Il tono è ricco, complesso e articolato,ma sempre senza esagerare. Overtone e armonichenon prevaricano mai la fondamentale, lasciando bennetta la distinzione tra le note. Proprio per questacaratteristica è la chitarra perfetta per il fingerstyle. Icantini, in particolare, rotondi e asciutti, permettono divalorizzare la melodia senza nessuna fatica. Ma hannofatto bene a metterci anche il battipenna, perché anchecon il plettro ha il suo perché. Non è da trascurare peruno strumming leggero in accompagnamento al canto.Proprio come una OM, cui fa riferimento, è una chitarrapiacevolmente versatile, pur avendo carattere davendere. Certo, se si vuol fare a ‘cannonate bluegrass’,meglio rivolgersi a una delle sorelle maggiori.Nel complesso si tratta di uno strumento di valoreassoluto, con un suono molto moderno ed efficace,versatile e a suo agio anche in tecnica mista dita/plettro. Certo, la qualità di questo livello si paga, e nonpoco. Ma, a parte il sorrisetto beato che ci si stampa sulviso, seguito da un’immancabile «Oh mio Dio!», meritadi essere provata, soprattutto da chi è alla ricerca diuna ipotetica chitarra definitiva. Potrebbe essere unbuon punto di partenza, visto poi che il buon Jamesè disposizione per realizzare personalizzazioni diqualsiasi tipo.Mario GiovanniniLascia un commento51chitarra acustica 2 duemilaundici

ststrumentiChitarra acustica Walden Supranatura G3030CEQ«L’obiettivo sarà realizzare strumenti che dovrebberocostare, per qualità dei materiali e della lavorazione,fino a cinque volte di più.» Parole di CharlesFox, noto liutaio americano – proprio quello dellaCFox Guitars – al momento di avviare in collaborazionecon KHS Music l’avventura di Walden Guitars.Un matrimonio azzeccato, verrebbe da aggiungere,tra un professionista affermato del settore e un autenticocolosso manifatturiero che occupa, a variotitolo e in distaccamenti sparsi su tutto il globo, piùdi quattromila persone. La ‘Kong Hsue Sheh’, chesignifica ‘Contributo alla Scuola e alla Società’, delresto è nata, in origine, come fornitrice ufficiale discuole di musica e conservatori in Cina e ha solidebasi in questo campo. Le Walden vengono realizzatea Lilan, un paesino nelle vicinanze di Langfang,in uno stabilimento all’avanguardia nel settore. E, diprimo acchito, l’impressione è ottima: in generale sitratta di strumenti ben realizzati, con buoni materiali,scelte costruttive particolari e un rapporto qualità/prezzo molto interessante.La chitarra ricevuta in prova è una SupranaturaG3030CEQ, praticamente il top della gamma Walden,anche se costa poco più di mille euro. E da topdella gamma sono le dotazioni di serie, dalla custodiarigida di qualità all’umidificatore piazzato nellabuca, senza dimenticare selletta e chiodino fermacordadi riserva, pila per l’amplificazione di scorta etracolla per il trasporto. Si tratta di una Grand Auditoriuma spalla mancante – veneziana – interamenterealizzata in legni masselli. La tavola armonica è indue pezzi di cedro rosso, molto scuro, con venaturefitte e compatte. Fasce e fondo sono in palissandroindiano con una bella marezzatura. La finitura dellostrumento è a nitrocellulosa, con un effetto finalesatinato piacevole sotto le dita. Le giunzioni dellefasce con tavola e fondo, ornate da un binding inacero fiammato, sono un tocco di eleganza all’esteticadella chitarra. Il manico in mogano, con tastierain ebano in match con il ponte dall’originale designsvasato, è rinforzato con due barre di grafite, chesostuiscono il tradizionale binding e contribuisconoalla rigidità della struttura. Inoltre il truss rod, cui siaccede dalla buca, è del tipo a doppia azione, estremamenteefficace. La tastiera è priva di segnatasti,mentre sul bordo del manico sono presenti i classicipallini di riferimento. La paletta, dal disegno moltosemplice ma non per questo banale, è impiallacciatain palissandro con il logo della casa intarsiato inabalone. Le meccaniche, prive di brand, sono doratecon la palettina tartarugata. Capostato e sellettasono realizzati in osso. La rosetta alla buca è unclassico triplo filetto con il centrale in abalone. Nelcomplesso si ha l’impressione di uno strumento realizzatoad arte: il binding è posato alla perfezione,all’interno della cassa non ci sono segni di colla ineccesso o imperfezioni di sorta. La qualità dei materialie la cura dei dettagli è davvero degna di esseresottolineata.Una volta imbracciata, finalmente, la chitarra ri-52chitarra acustica 2 duemilaundici

Chitarra acusticaWalden Supranatura G3030CEQstsulta perfettamente bilanciata, nel senso che stasu da sola, senza l’ausilio delle braccia. Il manicocon profilo a C sottile, ma non troppo, unito a unalarghezza di 46 mm al capotasto e un set up – peruna volta – da non doversi spaccare la mano, rendeimmediato l’approccio allo strumento. L’accoppiatacedro-palissandro è un classico da fingerstyle, soprattuttocon uno shape del corpo di queste dimensioni.E le aspetattive non vengono tradite: si trattadi una chitarra naturalmente votata a essere suonatacon le dita, con una gamma sonora ben bilanciataed equilibrata. L’attacco, com’è lecito aspettarsi,è pronto e immediato, arricchito da una puntadi riverbero naturale. Il sustain è notevole, ricco emodulato. Il suono è croccante, articolato, ricco diovertone, ma senza eccessi. In effetti, anche con ilplettro non è niente male, soprattutto per un strummingleggero in accompagnamento al canto.Di serie è montato un sistema di amplificazioneFishman Prefix Plus, purtroppo con il solito ‘citofono’sulla fascia superiore. Pur non trattandosi di untrasduttore di ultimissima generazione, è comunqueun buon prodotto, che si rivela rispettoso delle caratteristichedello strumento e molto versatile. Peccatoche sia la versione senza microfono aggiuntivo,che è un po’ limitante per chi fa uso di tecnichepercussive.Nel complesso si tratta di un ottimo strumento,molto ben realizzato, versatile e con un prezzodavvero competitivo. Adatto… un po’ a tutti: tantoallo studente alla ricerca del primo strumento serio,quanto a chi suona spesso in giro e non se la sentedi rischiare i pezzi da novanta. Certo, la fascia diprezzo in cui si va a collocare è estremamente affollatae ‘agguerrita’, ma la Supranatura ha le cartein regola per farsi notare. In effetti Fox ha forse unpo’ esagerato nella sua dichiarazione di intenti, magiusto un po’…Mario GiovanniniSCHEDA TECNICAWalden Supranatura G3030CEQTipo: Chitarra acusticaCostruzione: CinaImportatore: Casale Bauer, ViaIV Novembre 6, 40057 Granarolodell’Emilia (Bologna), tel. 051 766648www.casalebauer.itPrezzo: 1186 euroTop e catene: Cedro rossoFasce e fondo: Palissandro indianoManico: MoganoTastiera: EbanoPonte: EbanoBinding: AceroMeccaniche: Walden con palettinacolor ambraAmplificazione: Fishman Prefix ProLarghezza al capotasto: 46 mmLarghezza al ponte: 58 mmScala: 650 mmTasti: 2153chitarra acustica 2 duemilaundici

ststrumentiMicrofono a condensatoreAudio Technica AE5100 Artist EliteSalve a tutti, eccoci pronti a ‘raccontarvi’ un altromicrofono, di quelli che tanto interessano l’utentemedio che si voglia approcciare al grande mondodell’home recording, senza spendere cifre esorbitantie allo stesso tempo non rinunciando alla qualità.Il microfono a condensatore Audio TechnicaAE5100 Artist Elite è un prodotto in commercio daqualche tempo, di cui si è detto e si continua a direun gran bene.Da una veloce ricerca sul web ne abbiamo trovatouno usato a 140 euro, uno da un negozio online a223 euro, e diversi altri shop lo propongono a prezziche variano fra i 270 e i 350 euro. Non sappiamoquanto venga di listino, ma ormai i prezzi sonosoggetti a talmente tante variabili che è quasi inutilesaperlo.Il marchio in questione produce molti diversi modellie quello da noi testato è un microfono a condensatorea diaframma largo, nonostante le dimensionie la forma, adatto a molte tipologie di utilizzo e perfettoper chi volesse cimentarsi con la registrazionedi chitarra acustica e voce in casa propria.Andiamo a vederne le caratteristiche salienti. Vadetto che il microfono si presenta bene: bel looke davvero robusto in quanto a costruzione (pesacirca 150 grammi); è solo un’impressione, ma vasottolineata. Essenziali i due switch, che ci permettonodi tagliare gli 80 Hz per eliminare le bassissimefrequenze in caso ne avessimo bisogno, e diridurre di -10 dB il segnale in ingresso. Come tuttii microfoni a condensatore ha ovviamente bisognodell’alimentazione a 48 volt, la cosiddetta phantom,per funzionare. Non c’è molto altro da dire, andiamoquindi a cercare di descrivere come suona.Il testPer la prova abbiamo utilizzato una scheda audioPresonus Firebox (Firewire) e una versione di CubaseSE come software di registrazione. Il microfonoè stato testato con tre diversi strumenti: unachitarra classica Bruno Tozzi del 1982, una LarrivéeOM-10 degli anni ‘90 e una Martin D-28 dello stessoperiodo. Tutta questa strumentazione è già statausata in precedenza in occasione di altri test simili.Potrebbe essere quindi interessante comparare ivari file audio, considerando che le chitarre e il chitarrista,oltre alla scheda audio, sono le stesse.Come al solito quelli che ascoltate non sono mp3ma dei brevi file wav, per non compromettere laqualità del timbro con compressioni e passaggi inutili,e come al solito non c’è alcun riverbero né tipodi intervento in fase di equalizzazione: quindi ognunodi questi esempi può suonare meglio di così,se ritoccato.54chitarra acustica 2 duemilaundici

Microfono a condensatoreAudio Technica AE5100 Artist ElitestLa posizione è simile per ognuna delle chitarre:abbiamo posizionato l’AE5100 fra la buca e il XIItasto a circa 15 cm di distanza.I file audioIl microfono si presenta davvero bene: molto bilanciatosu tutte le frequenze, risulta caldo e brillanteal tempo stesso, come evidenziato dal riascoltodei file.Dove il timbro delle corde in nylon della Tozzi apparemorbido e rotondo, così la Larrivée viene rappresentatanella sua brillantezza e presenza, con lesfumature sempre evidenti. La Martin invece, suonatacon il plettro per farla rendere al meglio dellesue possibilità, tira fuori una ‘voce grossa’ ma maiinvadente, esattamente quella che tanti di noi hannoimparato ad apprezzare e amare in tanti anni diascolto.Questo per dire che, nella sua fascia di prezzo(e per la sua fascia di prezzo), l’AE5100 offre performancedi tutto rispetto, dando filo da torcere amarchi e modelli di ogni tipo, anche di prezzo decisamentesuperiore. A questo punto ci piacerebbesentirlo con un preamplificatore da studio per capirequanto margine di miglioramento ci sia, anche se lanostra scheda va alla grande e non ci fa mancarenulla, considerando che si parla di home recording.ConclusioniProprio da questa considerazione partiamo perarrivare al dunque: l’Audio Technica AE5100 è unmicrofono che potrebbe trovare posto in molti studidi registrazione, ma noi ci occupiamo di homerecording, cercando quindi buone soluzioni a cifreragionevoli per registrare le nostre sei corde inmaniera adeguata.In questo modello abbiamo trovato sicuramenteun fido compagno di ventura. Se usato, si puòprendere a cifre quasi ridicole per questo livello diqualità; ma anche sul nuovo il prezzo è davvero allaportata di molti. Non dobbiamo dimenticare che sitratta di materiale di ottimo livello e, quindi, qualchecentinaio di euro si possono e si devono spendere:una mano sul portafogli e una sul cuore potrannodirci in che direzione andare per fissare le idee checi vengono in mente.Ottimo per la chitarra acustica e la voce, può sicuramenteavere diverse altre applicazioni che lorendono piuttosto versatile, anche se a noi interessail suo comportamento davanti alla buca di unachitarra, comportamento che potete ascoltare neibravi esempi audio all’interno dell’articolo.Sperando di aver fatto qualcosa di utile, vi diamoappuntamento alla prossima prova. Buone registrazionia tutti!Daniele BazzaniIl marchio Audio Technica è distribuito in Italiada:Prase Engineering, via Nobel 10, 30020, Noventadi Piave (VE), ITALY, tel. +39 0421 571411,www.prase.it.55chitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

ststrumentiMicrofono a condensatoreUSB Samson G-TrackSalve a tutti, eccoci pronti a cercare di descrivervi,a parole e con i suoni, un microfono di ultima generazione,il Samson G-Track, che ha la caratteristicadi essere USB oltre che a condensatore, e non necessitadi scheda audio: ne ha una integrata e faquindi tutto da solo. Una soluzione niente male perchi volesse avvicinarsi al mondo delle registrazioniprofessionali senza spendere una barca di soldi,senza rinunciare alla qualità e in grande scioltezza,visto che – se collegato a un piccolo notebook – ciconsente di registrare ovunque.Andiamo intanto a vederne le caratteristiche.CaratteristicheIl G-Track è un microfono a condensatore a diaframmalargo (19 mm) che si fa subito apprezzareper il peso e la robustezza. Bello esteticamente ericco di controlli, non sembra certo di avere fra lemani un prodotto qualsiasi: la sensazione è quelladi trovarsi di fronte ad attrezzatura professionale.A differenza di altri microfoni a condensatore,solitamente alimentati dalla phantom, il G-Trackprende l’alimentazione direttamente dal collegamentoUSB. La scheda audio interna permette diregistrare i suoni con una qualità di 16 bit e 48K.Sulla parte frontale ha due mini switch, Inst/MicLine e Mono/Stereo/CPU, e tre piccoli potenziometria scomparsa, ottimi per settare e non perdereaccidentalmente la regolazione del momento.Sul fondo abbiamo la presa USB e due ingressimini-jack dedicati a un eventuale strumento e allacuffia. Possiamo infatti monitorare in tempo realequanto stiamo registrando senza alcun ritardo rispettoalla base: un problema annoso che negli ultimianni vediamo finalmente risolto. Non c’è ingressoper un jack XLR bilanciato – la scelta di connessioneal PC fra il modo USB e quello tradizionale non sipone – c’è invece la possibilità di utilizzare il microfonoe l’ingresso per strumenti, avendo l’accortezzadi settare il nostro software di registrazione predisponendodue tracce separate: questa funzione èinteressante e si fa davvero apprezzare.Non solo:se il selettore Mono/Stereo/CPU è su Stereo, possiamoutilizzare l’ingresso jack per strumenti a duecanali come una tastiera o una drum machine.Percorrettezza diciamo che a noi interessa la rispostaacustica del Samson e non ci lanceremo in registrazioniche non siano quelle delle nostre chitarreacustiche e classiche.Va anche sottolineato, però, che la doppia possibilitàdi registrazione può essere molto utile sevolessimo riprendere la nostra chitarra sia acusticamentecon il Samson, sia dal pickup installato sullostrumento: questa tecnica è molto usata e permetteuna miscelazione fra segnali piuttosto diversi fraloro e combinabili quindi in fase di missaggio.Dicevamodelle cuffie e del monitoraggio diretto privo dilatenza. Qui entrano in gioco i potenziometri: possiamoregolare il volume dell’ascolto e ascoltareanche due suoni che stiamo registrando allo stessotempo (sia in mono che in stereo) con la eventualetraccia già registrata; ecco che tutte le potenzialitàdella scheda audio interna vengono fuori, ancheperché – visto che il G-Track non manda il segnaledell’ascolto alla DAW – la latenza è zero.Macchine come questa fino a pochi anni fa sarebberostate un sogno irraggiungibile!Possiamo chiuderequesta descrizione dicendo che un piccoloLED, posto sempre sulla parte frontale, ci aiuta acapire se la quantità di volume che stiamo mandandoa registrare è eccessiva, risparmiandoci quindiproblemi ulteriori. Segnaliamo anche che la dotazioneinterna è molto ricca: troviamo diversi tipi diconnettori e adattatori funzionali allo scopo di connettercial PC, o al Mac, visto che il prodotto è adattoa ogni piattaforma (non sappiamo se lavori anchein ambiente Linux); i vari adattatori ci eviteranno didover andare al negozio di strumenti più vicino per56chitarra acustica 2 duemilaundici

Microfono a condensatoreUSB Samson G-Trackstprocurarci questa o quella riduzione: alla Samsonhanno pensato a tutto, e non è poco. Ottimo anchel’adattatore per fissare il microfono a un’asta: il G-Track è pesante e deve essere stabile.Come suona?Le prime considerazioni che facciamo in questicasi sono quelle relative al tipo di prodotto, all’utentea cui è rivolto e al prezzo rapportato a ciò che offre:siamo nel campo dell’home recording e non dobbiamodimenticarlo. Il test, come sa bene chi ci segue,è eseguito usando diversi strumenti, che spessosono gli stessi e che trovate in altre prove simili, suonatidalle stesse mani cercando di coprire diversistili chitarristici, per sentire la risposta del microfonoa sollecitazioni diverse. Le chitarre usate sono dueacustiche, una Larrivée OM-10 e una Martin D-28,e una classica artigianale Bruno Tozzi del 1982. Nientescheda audio, visto che il Samson è autosufficiente,e una versione di Cubase SE come DAW;anche se in occasione di uno degli esempi abbiamopure provato a registrare con Audacity, softwaregratuito molto diffuso sul web.I file audioLa prima impressione è ottima: dall’ascolto dei filepotrete percepire chiaramente la qualità di registrazionedel G-Track, qualità che fino a poco tempofa era impensabile da un prodotto di questa fasciadi prezzo e, soprattutto, non alimentato dalla48 V. Perché crediamo sia questo il vero punto diforza del Samson, l’essere slegato da ogni altro dispositivoe poter quindi funzionare in un minuto suqualsiasi computer, di casa e non. Il microfono hale qualità dei suoi colleghi a condensatore, moltodefinito, cristallino, versatile, adatto a registrarestrumenti acustici o voce senza alcuna difficoltà. Cipiace se arpeggiamo e suoniamo delicati o con decisione,come anche se suoniamo uno strummingpotente con il plettro. La D-28 esce in maniera deltutto differente rispetto alle altre due (non parliamosolo del timbro, ovviamente diverso), ma potrebbeessere anche un discorso legato al posizionamentoo equalizzazione del microfono.Come facciamo di solito, vi lasciamo ascoltare evalutare i file WAV (non MP3, attenzione) e vi ricordiamoche non abbiamo aggiunto effetti né equalizzatoi suoni: quindi quello che ascoltate è solomicrofono davanti alla chitarra (fra la buca e il XIItasto a circa 20 cm di distanza) senza tagli di frequenze.Il consiglio è quello di ascoltare i sampleaudio con delle buone casse o una cuffia seria, nondalle casse del PC o con le cuffiette dell’iPod, cherendono quasi inascoltabili la maggior parte dei dettagli.Perlanciarci a capofitto nel mondo delle registrazioniveramente casalinghe abbiamo utilizzatoanche Audacity, come accennato in precedenza,un software gratuito che consente anche la registrazionemultitraccia: a dimostrazione di come certedifferenze fra prodotti siano sensibilmente ridotterispetto al passato, il risultato ci sembra ottimo. Ovviamentele funzionalità sono ridotte rispetto ad altriprogrammi, ma se dovessimo dire che sentiamo veramentedelle differenze, staremmo mentendo.ConclusioniIl prezzo fornitoci dal distributore italiano (197,50euro IVA inclusa) è un prezzo ufficiale, già ottimo disuo. Se non fosse che sul Web lo abbiamo trovatofra i 120 e i 160 euro! Che lo rendono un prodottoassolutamente al top nel suo campo: a quella cifraè difficile avere concorrenti.La qualità della ripresa, unita alla semplicità diutilizzo e alle molte possibilità cui accennavamosopra, come il poter collegare una chitarra elettricao registrare anche due fonti sonore e riascoltarsiin tempo reale, ne fanno un’arma perfetta per chiavesse velleità di vestire i panni del fonico-produttore-musicista,ma non volesse o potesse acquistareprodotti molto costosi. Non stiamo dicendo chesuona meglio di microfoni da mille euro o più, soloche suona bene soprattutto in rapporto al prezzo.La portabilità del G-track che, grazie alla schedaaudio integrata, ci consente di registrare dovunque(volendo, senza prese di corrente) anche soltantocon un piccolo notebook come studio, è una caratteristicadi modelli simili a questo che negli ultimitempi stanno davvero spopolando fra gli utenti consumer,consapevoli del fatto che – imparando adusare strumenti come questo – si possono conseguirerisultati fino a pochi anni fa impensabili.Daniele BazzaniIl marchio Samson è distribuito in Italia da:M. Casale Bauer, via IV Novembre 6-8,40057 Granarolo dell’Emilia (BO), Italia,www.casalebauer.com.57chitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

ststrumentiMartin in Italiaintervista a Max CanevaroVisto l’interesse che hanno suscitato le novitàproposte recentemente dalla Martin, abbiamo pensatodi approfondire il discorso con il distributoreitaliano del marchio americano, l’Eko Music Group,nella persona di Max Canevaro, product managerresponsabile Martin per la divisione Eko Combo.Sei tornato da poco dal NAMM Show diAnaheim in California, quali sono le novità principaliche avete presentato?Tante… tante novità in casa Martin. Si amplia la famigliadella Performing Artist Series, dove i modellitop di gamma, Dreadnought Cutaway 1, OrchestraModel 1 e la nuovissima shape Grand Performing1, sono affiancati in ordine di costo dalla PerformingArtist Mahogany GP Cutaway, ultima nata dellalinea FSC® [Forest Stewardship Council] certifiedwoods, con top in abete massello europeo certificato,fasce e fondo e manico in mogano massellocertificato, elettronica esclusiva Fishman Aura F1.Al riguardo mi permetto di aprire una doverosa parentesiper sottolineare l’impegno della casa americanaper la protezione e conservazione dell’ambiente.Cito: «Soddisfacendo i bisogni del presentesenza compromettere la capacità delle generazionifuture di soddisfare i propri bisogni» la RainforestAlliance, che certifica alcuni modelli Martin, utilizzail potere del mercato per arrestare i principali ‘agenti’della deforestazione e distruzione ambientale,quali l’estrazione del legname… «Questo significache gli alberi non dovrebbero essere tagliati più velocementedi quanto è necessario per mantenerela terra sicura e vivibile per gli esseri umani». Molteimprese affiliate lavorano secondo rigorosi standarddi sostenibilità: attraverso i sigilli Rainforest AllianceCertified e Rainforest Alliance Verified, dimostranoche le pratiche sostenibili possono aiutare le aziendea prosperare nell’economia moderna.Chiusa questa lunga parentesi, troviamo a seguirele Performing Artist 3, con top in sitka massellolucidato, fasce e fondo in palissandro satinato,manico in hardwood ed esclusivo sistema FishmanAura F1 digitale. Anche qui tre formati, DC, OM e ilnuovo GP.Chiudono le bellissime ed economiche PerformingArtist 4, con top in sitka massello lucidato, fasce efondo in mogano sapele massello satinato, elettronicaFishman Aura F1 analogica, che è un sistemadi elettrificazione semplificato (con tone shape, onboarddigital chromatic tuner e phase control) derivantedal più completo F1. Anche in questo caso treformati: DC, OM e GP.58chitarra acustica 2 duemilaundiciLe caratteristiche più interessanti di tutte questechitarre sono il manico P easy access e il nuovocorpo Grand Performing. I prezzi dimostrano invecelo sforzo che la C.F. Martin & Co. ha fatto negli ultimidieci anni per creare dei prodotti di qualità, made inUSA e usciti dalla storica casa madre di Nazareth, aun prezzo abbordabile. Ricordate: Martin non significapiù solamente ‘la chitarra famosa e inarrivabile’.La serie P dei modelli D-18 e D-28, in particolare,ha suscitato parecchio interesse tra gli appassionati.I fingerstyler sperano da sempre diPerforming Artist GP Cutaway 1

Martin in Italiaintervista a Max Canevarostunire al suono di quellechitarre un manico piùadatto alle loro esigenze.Qual è la tua impressione?Ottima… Te ne accorgisubito quando prendi lachitarra in mano: si notaquanto sia snello il manicorispetto al tipico low profileMartin. ‘P Neck’ significa‘Parallel Neck Profile’.Questo manico è nato conla nuova Performing ArtistSeries, di cui parlavamoprima, per andare incontroalla domanda di mercatodi avere un manico confacile accesso e manegevolezza.Ideale quindi per ifingerstyler, ma anche percoloro che, seppur prediligendola chitarra elettrica,si dilettano o utilizzano a livello professionale anchela chitarra acustica. Il P Neck ha un feeling veloce,un profilo più snello e una larghezza confortevoledai primi agli ultimi tasti, una caratteristica che facilitaanche i solisti.Sono strumenti che si reperinanno facilmentenei negozi? In che fascia di prezzo?Da aprile di quest’anno inizieranno ad arrivarepresso tutti i centri Martin in Italia. Questi modellivanno dai 1380 euro delle Performing Artist 4 ai1850 euro della D-18P, fino ai 2150 euro delle PerformingArtist 3 e della D-28P. Saranno esposti alprossimo Acoustic Guitar Meeting di Sarzana, dal18 al 22 maggio, che avrà la Martin quale sponsorprincipale della manifestazione. Ci sarà l’opportunitàdi provarli presso la nostra ormai consueta salaespositiva al primo piano della Fortezza Firmafede,dove tra l’altro si esibiranno artisti del calibro diMassimo Varini, che presenterà il nuovo disco Anacrusis432, la mitica Diane Ponzio e Marco Poeta.Per finire con un seminario sulla manutenzione dellechitarre del liutatio ufficiale Martin in Italia, LucioAntonio Carbone. Vi aspettiamo!La Performing Artist Series è una ‘possibilità’per Martin di uscire un po’ da quelli che sonodiventati, di fatto, i suoi standard di progettazione?Sicuramente ha fatto parlare di sé il nuovo corpo,il GP, ed è un bene… Soprattutto perché attira l’attenzione,genera curiosità e invoglia a provare lostrumento. Se si guarda alla linea in generale, que-Diane Ponzio all’AGM 2008 di Sarzana con la sua Martin JDPII Signature(foto di Mario Giovannini)sto è sicuramente un progetto voluto da Martin perpenetrare al meglio in segmenti di mercato per cui,negli anni passati, era quasi impossibile competere;e in cui la serie 16, di modelli a spalla mancanteelettrificati, non arriva. Lottare con degli standard affermatiè sempre una battaglia terribile, ma era necessariointraprendere nuove strade e quindi nuovesfide. È questo che ci aiuta a ravvivare il mercato erendere il nostro lavoro così interessante.Com’è la situazione del mercato? Quanto sisente la crisi?La crisi è latente, ma persiste ovunque e sonocambiati molti standard di vendita e di gestionedella clientela. Senza entrare nei particolari, neapprofitto per ringraziare tutti i colleghi distributori,gli operatori e i negozianti che si adoperano ognigiorno per fare in modo che questo nostro mercatocontinui a girare, mantenendo tutti noi occupati (intutti i sensi). Noi tutti ‘corriamo’ per rendere felici gliutenti finali. Per rendere tutti coloro che entrano neinegozi felici di portarsi a casa lo strumento tantodesiderato.Non ho ancora visto i dati di quest’anno, manel 2009 la consueta indagine Dismamusicadava il segmento delle chitarre acustiche ancorain crescita, addirittura come uno dei segmentitrainanti del settore.Dal 2010 si vede il mercato della chitarra acusticaancora in crescita e questo ci dà carica. Il 2009 èstato in generale un anno difficile e piuttosto piatto.Mario Giovannini59chitarra acustica 2 duemilaundiciLascia un commento

ststrumentiNotizie di mercatodalle aziendeDunlop Suppressor ProUn tappo per la buca antifeedback in grado di preservare il tonooriginale dello strumento. Progettatto da Todd A. Falk, creativoguitar builder, ha un design innovativo per agevolare la normaletrasmissione dell’aria attraverso la buca e permettere al top divibrare naturalmente. Realizzato con un sottile foglio di alluminiocontornato in gomma, si adatta alla maggior parte delle chitarrein commercio. Ne esistono due modelli, a nove fori piccoli e a unforo grande, in tre colorazioni differenti.Info: http://www.jimdunlop.com/product/suppressor-pro.Fender acusticheNovità in casa Fender per il 2011 con la nuova serie Classic Design e diversi restiling sulle seriegià in commercio.La nuova CD-220SCE è una chitarra dreadnought con costruzione in legni esotici, disponibile indue splendidi modelli, con fondo e fasce in ovangkol o con fondo e fasce in frassino occhiellato;entrambi i modelli hanno tavola armonica in abete massello con finitura naturale. Nuove caratteristichetecniche riguardano il battipenna tartarugato e la rosetta in abalone dal design rinnovato,i pin per il bloccaggio delle corde al ponte, neri con dot in abalone, il logo Fender intarsiato inmadreperla sulla paletta e i segnatasti a dot più piccoli (3 mm). Le caratteristiche standardcomprendono la costruzione con incatenature a X scolpite, la striscia centraleposteriore con intarsio a mosaico, la tastiera in palissandro con20 tasti, il truss rod a doppia azione, l’hardware dorato e il pickupFishman Presys con preamplificazione attiva, accordatore, controllidi volume e tono e indicatore di carica della batteria.Una serie di chitarre acustiche con tavola armonicain legno massello sono ora dotate di un nuovobattipenna tartarugato, di una nuova rosetta inmadreperla, di un ponte in palissandro dallaforma rinnovata con pin dall’aspetto antichizzato, disegnatasti a dot più piccoli (3 mm) e di logo Fender intarsiatosulla paletta. Queste modifiche riguardano le acustichedreadnought CD-280S, CD-280SCE, CD-140S e CD-140SCE; la CJ-290SCE jumbo cutaway; la CA-360SCEauditorium cutaway; e la CD-160SE 12 corde.Anche i modelli dreadnought con tavola armonica in legnolaminato hanno ricevuto significativi miglioramenti, eora hanno battipenna nero di nuova forma, una nuova rosettain acrilico, un nuovo ponte con pin bianchi e dot neri, esegnatasti a dot più piccoli (3 mm). Gli strumenti in questionesono CD-100 (e relativo modello mancino), CD-100CEcutaway (e relativo modello mancino), CD-110CE cutaway,CD-100 12-String, CD-60 e CD-60CE cutaway.La Fender è distribuita in Italia da Casale Bauer.60chitarra acustica 2 duemilaundici

Gas AddictionstSchertler per MaccaferriStat-Macc è un trasduttore acustico progettato dalla casaelvetica appositamente per l’applicazione su chitarre tipoSelmer/Maccaferri. La sua concezione si basa sulla tecnologiaLYDiA, uno dei migliori trasduttori acustici progettati daSchertler per chitarra acustica. È costituito da un microfonoelettrostatico di alta qualità situato all’interno del trasduttore.Tutti i materiali (sughero e fibra di cotone) sono selezionatiper ottenere il suono più naturale possibile e per riprodurre ilsuono della chitarra al meglio. Il trasduttore viene fissato trala tavola armonica e il ponte, in modo che solo le vibrazionidello strumento vengano captate. Il trasduttore è totalmenteisolato da tutte le altre sorgenti acustiche, il che rende possibileun’estrema resistenza al feedback. Il sistema è facileda installare. In qualsiasi momento può essere applicato erimosso rapidamente senza pericolo di danneggiare alcunaparte della chitarra. Stat-Macc viene fornito insieme ad unpreamplificatore in classe A di alta qualità.È disponibile in due versioni: Stat-Macc-Set fornito con ilpreamplificatore Stat-Pre; e Stat-Macc-Sel fornito con il preamplificatorePre-A III.L’acquisto del solo pickup con il cavo è possibile, nel casoin cui si sia già in possesso di uno dei prodotti di cui sopra odi un amplificatore Schertler.Info: http://www.schertler.com/homepage_schertler/statmacc-it.htmlIntellitouch Capo TunerCon un ampio display, molto leggibile, e un design estremamenteazzeccato, il Capo Tuner unisce in un unico oggetto dueaccessori molto utilizzati dal chitarrista acustico: capotasto mobilee accordatore da paletta. In questo caso il capotasto – ditipo classico a pinza – funge anche da rilevatore, ed essendoapplicato direttamente alle corde risulta essere estremamenteaffidabile. Ovviamente, in caso di non utilizzo come capotasto,si può piazzare tranquillamente sulla paletta ottenendo lo stessorisultato come accordatore. Il diapason è regolabile tra 430 e450 MHz e funziona tanto per le sei quanto per le dodici corde.Costa circa 60 euro ed è garantito a vita.Info: http://www.tuners.com/intellitouch.aspMartin su YouTube: una parola di ChrisÈ attivo da qualche mese il canale ufficiale della casa diNazareth: http://www.youtube.com/user/cfmartinguitar. Almomento sono caricati una trentina di video dimostrativi,con diverse demo dei nuovi modelli presentati al NAMM.Molto interessante quello che è destinato a diventare unappuntamento fisso, con cadenza mensile, A Word fromChris. Il signor Martin in persona, insomma, che si mettein gioco per raccontarsi e raccontare una passione lungaquasi due secoli.Lascia un commento61chitarra acustica 2 duemilaundici

tctecnicaEsercitarsi con il metronomoCiao a tutti, spero che il mioarticolo sull’accordatura siastato utile per qualcuno di voi.L’argomento di oggi ha a che farecol metronomo. Il metronomonon è amatissimo da molte persone,ma trovo che sia uno strumentoincredibilmente utile. Oravi darò un paio di semplici idee sucome ‘fare amicizia’ con questoutile elemento della nostra strumentazione.Per prima cosa, mi piaccionoi vecchi metronomi di una volta(quelli grossi, di legno, a forma dipiramide). A un bel po’ di gentepiacciono quelli elettronici, ma iocredo che non siano così buoni.Preferisco il vecchio tipo, perchéposso realmente ‘vedere’ iltempo succedersi guardando ilmovimento del braccio avanti eindietro. I metronomi elettronici ticostringono a seguire una luce intermittenteo un bip, ma non puoivedere l’onda del tempo. I vecchistrumenti impegnano maggiomenteil corpo e i sensi, oltre lasemplice vista o il semplice udito,a percepire il ritmo. E poi, questivecchi metronomi di legno sonosemplicemente fichi a vedersi!Al momento, tuttavia, se tuttociò che avete è un metronomoelettronico, è pur sempre unostrumento utile. Vi invito a usarlomentre vi allenate con i prossimiesercizi.Mi piace regolare il metronomoin modo da raggiungere due obiettivi.Il primo obiettivo è tenereil pezzo lento, così da ridurre alminimo le difficoltà tecniche e potercilavorare su quello che chiamoil ‘tempo normale’. Il ‘temponormale’ è quando ciascun bassosuonato col pollice della destracade su ogni click del metronomo.Lo chiamo anche velocità ‘daesercizio’.Il secondo obiettivo è velocizzareil brano fino al ‘ritmo daconcerto’, conservando lo stessotempo sul metronomo. Questo vienechiamato ‘tempo doppio’, nelquale il pollice suona due bassiper ogni colpo del metronomo.Il vantaggio di fare in questomodo sta nel permetterti di perfezionarele parti che ti danniproblemi, ma anche di suonarealla velocità ‘di performance’senza modificare il settaggio delmetronomo. Inoltre, a mio mododi vedere, ti aiuta ad associare undeterminato tempo a un particolarebrano musicale, in modo damantenere questo ritmo durantetutto il brano. Ascoltate i due esempiche ho incluso per illustrarecome funziona.Questi due brani vengono dallamia Fingerstyle Academy. Ilprimo è un pezzo per principiantiche si chiama “Drop D PracticeSong”, e il secondo è un branoper chitarristi intermedi, “Living inthe Country”.Prima ascolterete quattro clickdel metronomo, poi piazzerò ibassi su quattro click prima di iniziareil brano. Successivamente,ripeterò ciascun brano alla velocitàdi performance, ma con lostesso settaggio del metronomo.Penso che troverete questosistema utile per dissezionarei brani e determinaredove si annidano i punti debolidell’esecuzione. Vi aiuterà anchea non rallentare un brano quandoarrivano i passaggi difficili. Vedetecosa ne pensate e fatemisapere come va.Alla prossima!Eric LugoschLascia un commentoEric Lugosch a Ferentino 2010, foto di Alfonso Giardino62chitarra acustica 2 duemilaundici

HarmonyEsercitarsicon il metronomotc5th fr.pivotwait!BG6Drop Do nsASL.C VIIICapo 3rd fret3har.codaD.C. al coday xw412AbarGEmp i m a1.Scarica il 2. pdf*2.Page 25th fret"Drop D" Practice SongxProgressionArranged by: Eric LugoschretEBGDGD0000000000thumb: 6,5,4 stringsindex: 3,2 stringsmiddle: 1 stringA whole step isalways 2 frets!A half step is 1 fret.D6e-6712138149150 16117F# -e-D6e-9GA7 (5th in bass!!)016712132814349 1510 16D651117D6 e-F# -e-9 G3rd fret5th fret5th fret63chitarra acustica 2 duemilaundici

tcG7xDm75th fret005Capo 3rd fret65 6 5 672 5 33SL.IIISL.EmIEmAbariDScarica il pdfG6sC7IIX421.2.C7Living in the CountryDrop DD/AEBGDAD**5 570Abar5020230027000D wait!300201pivotx**yDD/A5700 32 2 20 0004 3 1D/A410 9 700200*Arranged by: Eric Lugosch5 7 5770000*G7000005 51.2.AbarD1* Dpivot *5 3 2 022D230 3302 2 220000000 0000 01234G1 1* * D*G2 0 00 3 2 0 330200 0050005001301200* D302020030A2002002022D302001AD1pivotpivot020 2 0 0 302 22 22 2022000000 0* D32020D.S alyD/AVGV0064chitarra acustica 2 duemilaundici

tcUn valzer ragtime?Se fate attenzione ai sottotitolidei ragtime classici, ci troveretedelle indicazioni sulla divisioneritmica dei brani. Le più comunisono March & Two-Step, ma ancheA Slow Drag, A SyncopatedNovelty o An Afro-Intermezzo,giusto per citarne alcune. Questesi riferiscono tutte a composizionirigorosamente in tempo di marciain 2/4, ma non tutti i brani di ragtimeclassico sono in 2/4. Esistonoper esempio alcuni valzer ragtime,anche di Scott Joplin, cheha composto “Bethena (A ConcertWaltz)” e “Pleasant Moments(Ragtime Waltz).Io ho registrato una volta un arrangiamentodi “Echoes from theSnowball Club (Ragtime Waltz)”di Harry P. Guy, un valzer ragtimein sei sezioni con introduzione einterludi. Questo brano, che hooriginariamente inciso su vinileper la Kicking Mule Records [inAA.VV., Masters of the RagtimeGuitar, 1977], è appena stato ripubblicatosu CD dallo StefanGrossman’s Guitar Workshop[2010].Il ritmo di habaneraUn altro ritmo di buon effettoimpiegato da compositori di ragtimeproviene da Cuba, da cuiil nome habanera (La Habana).Sebbene sia in 2/4, sembra piùun tango che una marcia. Com’èche funziona? La prima croma èpuntata, poi c’è una semicromaseguita da due crome.Probabilmente è un ritmo adattatodalla contradanza spagnola,importata nelle Indie OccidentaliIl valzer ragtimee altri ritmi alternatividurante il XIX secolo.Molti compositori di ragtimeaggiunsero una sezione in cui lamano sinistra – invece di suonareun tempo pesante di marcia in2/4: basso-accordo-basso-accordo– utilizza questo ritmo cubano.“Heliotrope Bouquet”, frutto dellacollaborazione di Joplin con LouisChauvin, presenta lo stessoritmo nella sua prima sezione. Eci sono altri esempi. Il ritmo erapopolare anche nel primo jazz.Jelly Roll Morton ha compostodiversi brani a ritmo di habanera.Jelly, che era creolo, lo chiamavail “colore spagnolo”.Solace“Solace (a Mexican Serenade)”è una composizione di Joplin incui ciascuna sezione presenta ilbasso e il ritmo della habanera.Possiamo ascoltarla ne La Stangata,il film che ha lanciato lamoda del ragtime negli anni ’70.“The Entertainer” di Joplin era iltema principale, ma anche l’ultimasezione di “Solace” fu utilizzatain maniera molto evocativadal produttore musicale MarvinHamlich.“Solace” non ha una sezionein tonalità minore, cosa alquantoinusuale, e le sue melodie hannoun tocco del maxixe brasiliano,tecnicache divenne popolare pochi annidopo.Tutto ciò, ancora una volta, èl’interessante conferma che le influenzesu questo stile musicaleprofondamente americano sonostate molte e varie. Proprio comegli abitanti del Sud degli Stati Uniti,questo stile ha le sue radici inluoghi diversi nel mondo. A NewOrleans, le influenze musicaliiberiche, africane, cubane, parigine,martinicane e americane divennerotutte parte di quel patoismusicale chiamato jazz.Questo arrangiamentoIn origine era un duetto, registratoper la Kicking Mule con ilmio partner chitarristico ClaesPalmkvist negli anni ’70 [in LasseJohansson & Claes Palmkvist,Ragtime Guitar Duets, 1977].Questo vinile sta per essere ripubblicatoda Stefan Grossmanquest’autunno.Ho riarrangiato il brano per chitarrasola e qui sotto trovate leprime due sezioni.Noterete che allontanarsi dallostile regolare del basso alternatoè piuttosto difficile all’inizio, macredo che valga la pena affrontarequesta prova, perché il basso‘boom-chick’ può diventare assailimitante se ci si ferma a quello.Provate quindi l’habanera, rompetei vecchi schemi e accoglietei ritmi del mondo nella vostramusica!Buona fortuna,Lasse Johanssonwww.lassejohansson.seLascia un commentoScarica il pdf66chitarra acustica 2 duemilaundici

Il valzer ragtimee altri ritmi alternativitc1EBGDAE Introduction0 01 3 42Scott JoplinArranged By Lasse Johansson7 8585 7 3 840124 23102012 1 03 2 0 1 2005 First section233 6TAB0013120311071202 203123081335320587697865107710077 10TAB8568000 23311120887007751264703012 11300 032021233 1419TABTAB00888173120 8930111010150 1 02 0231. 2 2012 812 87 8 98163 5 30 11 2233 2.21083 1803 2 171 / 25008768353177845056228 7 81810 116105 7 9 1079 Second section5 H 066 85 7871010 983 H6 6 8 6667chitarra acustica 2 duemilaundici

68tcchitarra acustica 2 duemilaundiciSolace - a Mexican Serenade - Scott JoplinArranged By Lasse Johansson2 / 2TAB2366000454 634352423243343546425557R006353450265685H 706 38766H6862766000013 20234 TAB2800030003232432923203 23303033010010353631764 66733232330100103536TAB33764 6776534855R0755810Sl7Sl129 35121010R101065436643300000337102063534501.TAB3810234003312 1 2.TAB39888 1023CodaIl valzer ragtimee altri ritmi alternativi

tecnicaVerso la metà degli anni ’50,un gruppo di giovani musicistidella buona borghesia di Rio cominciòa riunirsi rincorrendo unostesso ideale, quello di liberarsidella “schiavitù” del samba, cheormai ritenevano limitato per lasua struttura ritmica binaria e perle tematiche dei suoi testi cheparlavano solo di barracão, la baraccadelle favelas dove si dicevanascesse il samba puro. Mentreperciò i vari Roberto Menescal,Ronaldo Boscoli, Carlos Lyra, ifratelli Castro Neves e altri, tuttidestinati a diventare famosi,cercavano di creare un ritmo eun tipo di armonizzazione chesi ispirasse a quel jazz che giàartisti affermati coltivavano neinight club, apparve all’orizzonteJoão Gilberto, un eccentrico baianoche si accompagnava allachitarra con una batida (cioè il ritmoeseguito con la mano destra)decisamente originale, insommacon una bossa (termine che nelgergo di quell’epoca significava“modo” di fare qualcosa) del tuttonuova. Ecco come il giornalistascrittoreRuy Castro racconta, nelsuo bel libro Chega de saudade[Chega de saudade. A históriae as histórias da Bossa Nova,Companhia das Letras, 1990; ed.it. Chega de saudade. Storia estorie della bossa nova, Angelicaed., 2005], il fatidico incontro traMenescal e Gilberto, che avrebbecambiato il corso della storiadella musica brasiliana dandoorigine alla bossa nova:«“Ce l’hai una chitarra qui? Iosono João Gilberto, potremmosuonare qualcosa”. Menescal,sorpreso da quel tipo strano, lofece entrare in casa. Aveva giàsentito parlare di un baiano mezzomatto, geniale, intonatissimo,che a volte, verso il 1957, si facevavedere nel locale “Plaza”.Carlos Lyra quel “soggetto” giàlo conosceva… Poiché c’eranoospiti lo portò nella stanza piùappartata… Chitarra esaminatae debitamente accordata. Joãocominciò a cantare una sua composizione,“Ho-ba-la-là”, unaspecie di beguine, ritmo caraibicoormai dimenticato. Menescal nonCorde brasilianela chitarra di João Gilbertocapì niente delle parole, ma a chiimportavano le parole? La vocedel “tizio” era uno strumento! Untrombone della migliore qualità.E Gilberto non sembrava cantare,diceva le parole in un sussurro,aprendo appena appenale labbra. E ripeté la stranissima“Ho-ba-la-là” cinque o sei volte,ogni volta in un modo diverso masempre con la stessa la stessa“bossa”, la stessa “batida”».… Quella stessa batida di chitarrache, diventata il simbolo delmovimento musicale bossa nova,ha poi varcato le frontiere portandola musica brasiliana in tutto ilmondo.La chitarra di Gilberto è stataanche definita come violão gago,cioè “balbuziente”, a causa della“sfasatura” tra gli accenti ritmicidell’accompagnamento e quellidella melodia, ricca di sincopi.Modello della batidaIl modello completo si sviluppasu due battute. Le ultime duenote, sedicesimo e ottavo puntato,possono anche essere semplicementedue ottavi. Gli accordisi prendono su quattro corde, vistoche le dita della mano destra(indice-medio-anulare) suonanosempre simultaneamente.Per esercitarsi cominciare(molto lentamente) su un solo accordoe successivamente su dueaccordi, uno per ogni battuta. Lalinea superiore sul pentagrammaindica indice-medio-anulare.La linea inferiore indica il pollice(basso) che suona sempre suogni quarto.Un errore molto frequente èquello di spostare il terzo bassodel modello anticipandolo sull’ottavoprecedente (cioè sull’ultimoottavo della prima battuta) neltentativo di realizzare una sincope.In realtà l’anticipo sull’ultimoottavo della prima battuta si devefare con le tre dita della destraeseguendo già l’accordo dellabattuta successiva.Buon divertimento!tcUna donna di nome chitarra«Un giorno, casualmente, dissiad un amico che la chitarra era“la musica in forma di donna”. Lafrase lo incantò e lui andò diffondendolacome se costituisse ciòche i francesi chiamano “un motd’esprit”. Mi duole considerareche essa non vuole essere nientedi ciò; è piuttosto, la pura veritàdei fatti.La chitarra è non solo la musicain forma di donna, quanto, di tuttigli strumenti che si ispirarono allaforma femminile (viola, violino,mandolino, violoncello, contrabbasso),l’unico che rappresentala donna ideale: né grande népiccola, di collo allungato, spallerotonde e dolci ed anche piene,vita sottile; colta, ma senza ostentazione;riluttante ad esibirsi senon per mano di colui che ama;attenta ed obbediente all’amato,ma senza perdita di carattere edignità; e, nell’intimità, tenera,sapiente ed appassionata. […]»[in Vinicius de Moraes, Paraviver um grande amor, 1962; ed.it. Per vivere un grande amore,1997]Giovanna Marinuzzi(1 – continua)Lascia un commento69chitarra acustica 2 duemilaundici

tcIl brano “Alice in This Land”,dal mio album Chitarrista (2009),è dedicato a mia figlia e il titolofa il verso al noto standard “Alicein Wonderland”, ma è solo ungioco linguistico che mi piacevaper l’effetto ironico della contrapposizione.Questa musica è natacome un giochino di quelli che sifanno imbracciando la chitarrasul sofà, senza alcuna idea chepotesse diventare un brano veroe prorprio, piuttosto un esercizioper rafforzare il legato praticatosulla prima corda, udibile nellafrase che segue l’intro. Ogni voltaGiovanni Ferro“Alice in This Land”che abbozzavo questa musica labimba si metteva a ballare nelsoggiorno, in pratica non potevoprendere in mano la chitarrasenza che arrivasse la piacevolerichiesta. Così pian piano quello‘scherzo’ ha preso una forma piùstrutturata diventando un branostrumentale, con l’aggiunta diun’introduzione e un refrain. È’ unbrano semplice e orecchiabile, lagente lo apprezza per quella stessagiocosità che muoveva labimba nel soggiorno di casa.Giovanni Ferrotecnicawww.myspace.com/giovanniferrofingerstylezonacustica(Grazie a Federico Bruni per averelaborato lo spartito al computercon il programma open sourceLilyPond http://lilypond.org)Lascia un commentoScarica il pdfAlice in this LandChitarrista (2009)Giovanni Ferro82 2 11 3234 3 21 4 …4 321 …00223402032400323030020022400443 35812340523 33420032300320 233102…310450 1 37502147 1089798VII…1 32 …42 3 … … 70VII…chitarra acustica 2 duemilaundici … … 3

834053334200323310 080 20 07 902 45353031Giovanni Ferro“Alice in This Land”7 10 7tc91388VII…8………771 328778 …42 3 …109108 … 002 300000 22 02 020 0 4 22 033 0303 2810VII7877…87… …330023 1.233320 2033………IIIIII2.perc.17 perc.8 …… …3 5 3 3 03 53 3 5 5 53 33 5 50 4 40 4 44 5 4 4 5535 53 3 5 030……… …35218 …… 123 1…431……… … ……Da Capo 78 7 08757700 200789880121210101112100 20078988012 12100022trascritto da Federico Bruni con LilyPond - http://lilypond.org/71chitarra acustica 2 duemilaundici

tctecnicaCeltic Fingerstyle GuitarO’ Carolan e la cultura gaelicaLa musica celtica comprendetradizioni di diversi paesi, masoprattutto in Irlanda si è sviluppatacon elementi autonomi eidentificabili. In questo paese lamusica per arpa aveva un ruoloimportante nella società, soprattuttoperché radicata da tempoe legata alla cultura gaelica. Ibardi erano i depositari di questacultura tramandata e diffusa nelpaese attraverso i loro spostamenti.Tra questi musicisti erranti unodei più conosciuti è stato TurloughO’Carolan (1670-1738),sicuramente il più grande arpistae compositore irlandese,la cui fama a quei tempi oltrepassòi confini nazionali. Primadi lui ci sono pervenute soltantopoche testimonianze di musicascritta, ma molti pensano che inprecedenza esistesse un repertoriomolto vasto e antico di melodie,che purtoppo negli anni sonoandate perdute.Non si può negare che alcunecaratteristiche della musica deibardi abbiano avuto una forteinfluenza e risultino tutt’oggi utilizzate,costituendo un segno dicontinuità tra passato e presente.Si possono prendere ad esempiodiverse canzoni che oggi ripropongonomoduli stilistici, ritmici edi struttura simili alle antiche slowairs in 2/4 o in 6/8.Dance TunesDiverso dalle arie di originegaelica, il repertorio di gighe,reels, hornpipes, marce e countrydances è suonato in genereda cornamuse, violini, flauti e organetti.Questi strumenti prevalentementemonofonici hannoprodotto in origine melodie spessoprive di accompagnamento,fatta eccezione per alcune notedi bordone. Se si mettono a confrontole prime incisioni relative aquesto repertorio con quelle dellegenerazioni successive, è possibiledelineare lo sviluppo dellinguaggio e dell’arrangiamento,dove accompagnamento e armonizzazionesono stati aggiuntisolo di recente.Resta inteso che il folk irlandeseconserva una forte connotazionemelodica e il suo svilupporesta essenzialmente legato allapersonalità degli esecutori che,da sempre, interpretano le dancetunes in relazione alla loro abilitàe al loro gusto personale.O’ CarolanLa chitarra acustica e le accordatureDagli anni 1960 il folk revivalinizia una rivisitazione stimolantee creativa, aggiungendo sezionid’accompagnamento e utilizzandostrumenti non ‘tradizionali’come la chitarra acustica. Superatala prima diffidenza, diversigruppi inseriscono un chitarristanell’organico. Di seguito fanno laloro comparsa anche i primi solistifingerstyle: Martin Carthy, DaveyGraham e John Renbourn.Le accordature aperte eranogià conosciute attraverso il blues,che utilizzava le open G e le openD, ossia semplici accordaturemaggiori o minori. Quelle usateper la musica celtica sono differentiin relazione al genere musicale:nella maggior parte dei casisono delle accordature ‘sospese’(né maggiori, né mibori) come laDADGAD o la EADEAE .Normalmente, in ogni accordatura,si utilizzano tonalità nellequali si ottengono i massimi risultatiin termini di sonorità. Inoltresi hanno a disposizione più rivoltidi accordi e le note della melodia,dei bassi, di bordone coincidonospesso con corde a vuoto, producendosustain e semplificandol’esecuzione.John Renbourn a Madame Guitar 2009, foto di Riccardo Bostiancich72chitarra acustica 2 duemilaundiciMelodiaDal confronto di più versioni

Celtic FingerstyleGuitartcDavey Grahamdi uno stesso brano, si possonoindividuare consuetudini cherestano comuni agli interpreti dimusica celtica: sebbene le noteche identificano la melodia di unbrano siano mantenute per lo piùinvariate, spesso l’esecutore aggiungediversi elementi melodicie armonici, specialmente nellesezioni ripetute.Altra caratteristica ricorrente ècostituita dal movimento circolaredelle melodie, terminanti cioècon una nota che non chiude lafrase, ma la porta a ripetersi o aintrodurre una nuova melodia. Inquesto senso capita spesso diascoltare più motivi melodici riunitiin medley.Un ulteriore elemento caratterizzantedella melodia è rappresentatoda note relative alla scalautilizzata, sulle quali l’esecutoreritorna più volte. La scelta diqueste note, più che da attribuirsiall’armonia o alla tonalità, risale aorigini di carattere melodico: unapratica musicale, questa, efficaceper imprimere maggior pathos eimpatto emotivo al brano.AbbellimentiSi tratta di una pratica strumentalemolto usata e in gradodi conferire dinamica e originalitàalla melodia. Possiamo trovarel’acciaccatura semplice, doppiao tripla: nel primo caso la notaprincipale è preceduta da unasola nota di abbellimento, mentrenegli altri due casi è preceduta dadue o tre note.Ogni strumento ha una propriaserie di ornamenti tipici. Acciaccaturedoppie o triple sonotipiche di violino, flauto e organetto.La cornamusa, invece, passada abbellimenti tra note di egualealtezza ad abbellimenti tra noteche si trovano a intervalli diversi.VariazioniUna tra le più frequenti variazioniritmiche riguarda i gruppi di trecrome (tre ottavi) spesso interpretaticome un quarto seguito dadue sedicesimi (sulla prima notasi ha generalmente uno staccato).Inoltre lo stesso gruppo di treottavi può essere sostituito da unquarto seguito da un ottavo, o daun quarto puntato.Le variazioni melodiche, ornamentalie di accentazione, sonospesso presenti nelle sezioni ripetutee in tutti i casi in cui l’abilitàdi un musicista diventa condizionenecessaria per questotipo di esecuzione.ModiLa musica irlandese è ‘modale’,nel senso che le strutture melodichenon sempre coincidono conle scale maggiori o minori tipichedelle musica classica, ma si riferisconopiuttosto a successionidi toni e semitoni chiamate appunto‘modi’. I modi più frequentementeutilizzati nella musicairlandese sono lo ionico, il misolidio,il dorico e l’eolio. Lo ionicocoincide con la scala maggioreed è quello più usato: Do Re MiFa Sol La Si Do. Il modo doricosi ottiene con le stesse note delmodo ionico, partendo dal Re: ReMi Fa Sol La Si Do Re. Il modomisolidio è costruito sul quintogrado del modo ionico, cioè partendodal Sol: Sol La Si Do Re MiFa Sol. Il modo eolio è costruitosul sesto grado, partendo dal La:La Si Do Re Mi Fa Sol La.73chitarra acustica 2 duemilaundiciRitmo e strutturaI brani strumentali della tradizioneirlandese, chiamati comunementetunes, hanno ritmidifferenti a seconda dei casi.La giga é scritta in 6/8 e può essereanche chiamata double jig.L’accento è normalmente postosul primo e quarto ottavo. La slipjig è scritta in 9/8 e la single jigin 12/8.I reels sono in 4/4 con accentispesso ricorrenti sul primo equinto ottavo della battuta.Anche le hornpipes sono in 4/4,ma con un’esecuzione terzinata.Il primo e terzo quarto della battuta,essendo più accentati, conferisconoal ritmo della hornpipeun’impronta ponderata e precisa,diversa in ogni caso dalla giga odal reel.Altre tipiche danze sono lapolka, notata in 2/4, il valzer in3/4, la marcia in 2/4 e le countrydances in 4/4.Le gighe, così come i reels ele hornpipes, constano generalmentedi due sezioni aventi ottobattute ciascuna, dove ogni parteè quasi sempre ripetuta nellaclassica successione AABB. Èpossibile inoltre trovare dei tunesche prevedano tre/quattro/cinquesezioni, come pure altre strutturetipo ABAB.Franco MoroneMartin Carthy, foto di Mike GarveyLascia un commento

tctecnicaLa chitarra acustica baritonaDue chitarre baritono realizzate da Aldo Illotta, a tastiera radiale (sopra) e tradizionale (nella pagina a fianco)Da qualche anno ormai, nelmondo della chitarra acustica èsempre più presente un ‘nuovo’strumento: la chitarra acusticabaritona. Non proprio nuovo,forse, se pensiamo per esempioalla chitarra acustica baritonasarda, strumento popolare diffusogià nella prima metà del ’900e utilizzato principalmente comestrumento di accompagnamentoe supporto armonico al canto,spesso in coppia con la fisarmonica:uno strumento simile a quello‘moderno’ per alcune caratteristichetecniche come il diapason el’accordatura utilizzata, ma diversonella sonorità e nell’utilizzo,in quanto la chitarra baritona attualesi è sviluppata soprattuttoper un uso solistico, fingerstylee flatpicking, uno strumento piùversatile con possibilità espressivepiù ampie.È facile allora ipotizzare chelo strumento moderno sia natoda un’evoluzione parallela maindipendente rispetto allo strumentodella tradizione italiana,un’elaborazione quindi di quellache possiamo chiamare chitarraacustica ‘tradizionale americana’.Oggi diversi costruttori, piccoliartigiani ma anche importantiaziende, propongono vari modellidi baritona, spesso diversi tra loroquasi a rimarcare la caratteristicapropria della chitarra acustica,ovvero la non conformità ad ununico progetto. Ma se possiamoparlare di Dreadnought, OM, 000,Jumbo come di varianti sonore diun unico strumento, con definiticanoni estetici e costruttivi, parlaredi baritona è forse parlare diun’altra cosa.Tecnicamente e costruttivamentela caratteristica principaledifferente è proprio il diapasonmaggiorato, che può variare dai680 mm ai 730 mm, con le soliteeccezioni del caso. L’utilizzodi una scala così lunga, unitamentea quello di corde con diametriproporzionalmente maggiori,permette allo strumento diessere accordato più in bassorispetto alla chitarra tradizionale.In particolare l’accordatura piùutilizzata è quella in Si, cioè unaquarta sotto (prendendo comeriferimento il Mi dell’accordaturastandard), mantenendo gli stessiintervalli della tradizionale. Ma,proprio come la chitarra acusticanormale, è spesso utilizzata conle più svariate accordature alternative.Proprio chi utilizza particolariaccordature su una baritona sabene che è di fondamentale importanzala scelta della scalaturadelle corde: le tensioni in giocosono differenti e gli spessori andrannoben calibrati in base allesoggettive necessità. Di basepossiamo dire che le scalaturepiù utilizzate partono con una primacorda .015/.016 per arrivarealla sesta con spessori intorno ai.065/.070.Interessante notare come laseconda corda (il Fa diesis per intenderci)possa essere liscia o ditipo wound, ‘avvolta’ (solitamente.022w), con una sostanziale differenzatimbrica. Personalmentetrovo più equilibrato e definito ilsuono della corda avvolta, piùomogeneo e meno slabbrato,soprattutto se si utilizzano accordatureaperte che ne allentano latensione.Allo scopo di migliorare il bilanciamentotimbrico, soprattutto tra74chitarra acustica 2 duemilaundici

La chitarra acusticabaritonatccorde avvolte e lisce, sono natechitarre con tastiere radiali, condiapason differenti, maggioratisui bassi e minori sui cantini: unasoluzione che sembra realmenteproporre una valida alternativa eche, provata, sembra un passoavanti nella soluzione di questoproblema.La forma dello strumento, ingenerale, ricalca le dimensionidei modelli Auditorium o SmallJumbo, taglie che permettonoun buon equilibrio sonoro e la giustaprofondità. Per il musicistaè fondamentale scegliere strumenticon una timbrica definita:l’attacco della nota deve esserepreciso così come la tecnica dichi sta suonando.Dario Fornara con la baritona Illotta, foto di Elena TommasinoLa baritona genera una sonoritàche porta spesso ad unapproccio differente, a volte minimalista,dove ogni nota, soprattuttole basse, hanno bisogno dispazio per poter vibrare, e parliamodi ‘spazio armonico’, pernon andare a sovrapporsi ad altrecreando confusione timbricae armonica. Una chitarra chepuò realmente portare un musicistaad esplorare nuovi percorsimusicali, o più semplicementea rivedere e riproporre la propriamusica in chiave differente.La troveremo allora particolarmenteefficace sia nel ricreare riffe groove tipici del basso funky,ma anche nel proporre delicatiarrangiamenti e armonie fingerstyle.Perfetta anche utilizzatanel flatpicking solistico, rivela ilsuo – forse – unico limite nello‘strumming’, dove richiede unamaggiore attenzione nella sceltae quantità di note suonate.Per ora mi fermo qui, più avantiapprofondiremo sia alcuni aspettitecnici costruttivi, sia esempimusicali che ci permetterannodi conoscere meglio questa chitarra.A presto!Dario Fornarawww.dariofornara.itLascia un commento75chitarra acustica 2 duemilaundici

tctecnicaOrchestra di chitarreuna sezione a tre partiIn questa rubrica vorrei soffermarmisulla possibilità di utilizzarela chitarra come strumentoin orchestra e, entrando nellospecifico, focalizzare l’analisi diuna sezione a tre strumenti. Lasperanza è che ciò possa essereutile a tutti voi come idea di baseper arrangiare più chitarre anchein contesti abituali dal vivo.L’aspetto fondamentale, perquella che è la mia esperienzafrutto di lavoro ed esperimenti,consiste nell’evitare sovrapposizionidi frequenze tra le variechitarre, le quali – naturalmente– presentano una timbrica simile.Per questo, se non fossero organizzatein modo appropriato,non farebbero altro che creareun roboante e fastidioso… ‘grancasino’!È importante pensare alla distribuzionedelle parti come sestessimo lavorando con un equalizzatorea tre bande. Dunque, dividiamole parti in questo modo:una chitarra lavora su frequenzebasse, con la tradizionale ritmicastrumming; la seconda sulle frequenzemedie sfruttando sopratuttole corde centrali, quelle delRe e del Sol; e la terza chitarralavorerà sui tre cantini creandointerventi simili a quelli dei fiati:armonizzando quest’ultima lineacon più chitarre sui cantini, verrannoa crearsi sonorità tipichedelle sezioni di fiati ‘alla Tower ofPower’, per intenderci.Un altro effetto che utilizzo è realizzatocon gli armonici. Soprattuttonelle ballad, questa tecnicapermette di ottenere sonorità similia quelle di un grande carillon;che sono associabili al suono deipizzicati degli archi in orchestra.Micki Piperno a Ferentino Acustica 2010 (foto di Alfonso Giardino)Esamineremo questo aspettoin modo più approfondito nelleprossime puntate.Quando si lavora con più strumenti,ma soprattutto con piùstrumenti simili, la dinamica el’interplay assumono una prioritàvitale. Il musicista in orchestradeve avere una sensibilità dinamicamatura, altrimenti rischia digenerarsi una lotta al ‘chitarristamigliore del West’, situazioneche non apprezzo nella musica,neanche in quella solistica e strumentale.Nell’esempio che segue hoanalizzato una parte a tre chitarreestrapolata dal mio arrangiamentodi “Walking by Myself” diJimmy Rogers, un classico delrepertorio blues a cui ho volutodare un connotato più aderenteal fingerstyle, che credo possaessere un’idea utile per riproporrebrani del passato con una vestenuova e a noi cara.Buon divertimento!Micki PipernoMicki Piperno ha fondato lascuola MP Music di Roma (oraMusic Academy Roma, www.musicacademyrome.it)ed è direttoremusicale della MP Delta BluesOrchestra, organico di sole chitarreacustiche che ha partecipatoa diversi festival quali l’AcousticGuitar Meeting di Sarzana,Ferentino Acustica, Vox Mundi ealtri. Ha già scritto e definito alcuniconcetti di base riguardo allacoesistenza di più chitarre acustichein un organico orchestralein un articolo pubblicato nel gennaio2010 sulla rivista Chitarre.Ha collaborato con la rivista Axee scritto per la Sinfonica Jazz ilManuale di chitarra moderna. Èendorser Lakewood.Lascia un commentoScarica il pdf76chitarra acustica 2 duemilaundici

tcOrchestra di chitarreuna sezione a tre parti2Gtr 15 7 5547 755475365 5736565755565455 5 1 034665677677767Gtr 2 5577 5577775577 44565755565455 5 1 034665677677767Gtr 3 7 57575758697979797565755565455 5 1 03466567767776778chitarra acustica 2 duemilaundici