La Toscana Aprile (2)

TOSCANA
la
Toscana Cultura - Anno 4 - Numero 4 - Aprile 2016 - Registrazione Tribunale di Firenze n. 5905 del 6-2-2013 - Iscriz. Roc. 23227. E 1
Poste Italiane SpA Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n°46) art.1 comma 1 C1/FI

Le sue creazioni reinterpretano
il concetto di design unendo
alla funzionalità dell'oggetto da uso
la preziosità del pezzo unico
LUCIANO
MANARA
Manara Design Via di Novoli, 62/G 50127 Firenze
Tel. +39 055 435003 info@manaradesign.it
www.manaradesign.it
1996 esposizione a Los Angeles nel Pacific Design Center
1998 premiazione Fiorino d'Oro nel Salone dei Cinquecento di
Palazzo Vecchio a Firenze
2014 esposizione in collettiva a Viareggio, Firenze, Fiesole
Premiazione al Salone dei Cinquecento per l'opera il Cristo delle
Rose da parte della critica
Premiato con il Collare Laurenziano Salone dei Cinquecento di
Palazzo Vecchio a Firenze
2015 esposizione a Londra presso Thomas Goode e Co. Plateaux
Gallery.
Opere vendute a Mosca, Dubai, Ucraina
Arredamenti exclusivity in Italia e all'estero esprimendo e seguendo
il desiderio di bellezza arredando la casa con personality e mai
seguendo canoni conventionality e disegnando in esclusiva tutti gli
accessori, dall'illuminazione alle maniglie dei mobili

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Massimo Sonnini in mostra nell'ex Chiesa dei Bigi a Grosseto
Sandra Milo e la Toscana: un amore ritrovato
"Le vite" del Vasari ritrascritte da Giancarlo Dal Pozzo
Paolo Lantieri alla Galleria d'Arte Mentana di Firenze
Le "Visioni mediterranee" di Olga Belsito all'Hotel Cellai di Firenze
Gli AperitivArte al Parco della Luce di Siena
La personale di Sabina Russo al Circolo degli Artisti Casa di Dante
Alla Galleria Mentana la rassegna Proposte d'arte contemporanea
La voce dei poeti: Manola Viti
Devdatta Padekar in mostra al Florence Dance Center di Firenze
Gli introspettivi ritratti della pittrice Leda Giannoni
Il pittore abruzzese Carmine Galiè al Museo Guidi di Forte dei Marmi
A cent'anni dalla nascita una retrospettiva di Tonino D'Orio
"L'abbraccio al mondo" di Mara Faggioli
I paesaggi toscani del pittore fiesolano Francesco Beccastrini
Gabriella Casini, pittrice di luci, colori e profumi dell'anima
La cultura e l'arte di Esart e Hdemy
Guendalina Maggiora: la magica arte dei burattini
La biennale d'arte contemporanea del Burlamacco
La fantastica creatività del maestro André Bodin Labode
La quinta edizione di Florence Total Contemporary Art
A Simultanea Spazi d'Arte di Firenze Jacob Zaid Levis
I sessant'anni in arte di Rusp@ Gianni Ruspaggiari
"Il Creatore" di Daniele Bongiovanni presentato da Gregorio Rossi
Forme e colori del mondo alla Mostra Internazionale dell'Artigianato
Da Kandinsky a Pollock in Palazzo Strozzi a Firenze
Gandolfa Gennaro in mostra al Caffè Principe di Firenze
Cent'anni di Spoon River negli scatti del gruppo Idea Fotografica
A Cena al Cine la nuova rassegna del Circolo Rondinella del Torrino
Il 50° Premio Nazionale Città di Lastra
Il momento d'oro del pittore Pier Nicola Ricciardelli
A Pistoia una mostra sul popolo Lakota Sioux
A Signa riapre il Parco dei Renai
Duccio Ricciardelli
Gli idoli dell'autostrada
stampa analogica in bianco e nero
"Per me l'atto fotografico è un esercizio di ricomposizione e di ricostruzione
esistenziale, un riconnettermi con l'intimità di un istante
che non ritorna. Utilizzo frammenti di viaggi e di esperienze separate
anche da molti anni tra loro. La macchina fotografica sviluppa
una sorta di sequenza cinematografica, momenti silenziosi come
inizi di film, trame non sviluppate, piccole storie sospese nel tempo.
Utilizzo pellicole analogiche in bianco e nero che sviluppo con tempi
lentissimi in camera oscura. Le macchine e gli obiettivi che uso
sono spesso vecchissime, trovate nelle scatole della mia soffitta,
amo rovistare nei vecchi mercati della pulci alla ricerca di pezzi di
antiquariato fotografico"
Duccio Ricciardelli
Cell. 349 3699751 - d.ricciardelli@libero.it
www.vimeo.com/duccioricciardelli
In copertina: Massimo Sonnini
La ricerca della sfinge, 2014, acrilico, cm. 50x80
MADDALENA GRAZZINI (PZ.)
INCONTRO (dalla serie COLORI)
2016, acrilico su tela, cm. 80x80
Maddalena Grazzini (PZ.), Firenze
Storica dell'arte, artista, video mapper
cell. +39 3490898300 - info@pzartist.it - www.pzartist.it
Il dipinto è esposto presso
la Biblioteca di Ponte Buggianese
dal 9 al 16 aprile 2016 nell'ambito
della mostra "PZ. ieri, oggi, domani"
e sarà presente anche alla mostra
"Forme e colori del mondo"
dal 23 aprile al 1 maggio
alla Fortezza da Basso di Firenze
la TOSCANA
Periodico di attualità, arte e cultura
dell’Associazione Toscana Cultura
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Coordinamento editoriale
Lucia Raveggi
lucia.raveggi@toscanacultura.it
Foto:
Maria Grazia Dainelli
Carlo Midollini
Duccio Ricciardelli
Sommario
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Massimo Sonnini
A Grosseto, dal 24 maggio al 23 giugno nell'ex
Chiesa dei Bigi in piazza Baccarini, la mostra del
pittore senese organizzata dall'Assessorato alla
Cultura del Comune e curata da Loredana Trestin
di Loredana Trestin
Nevicata, 2004, olio, cm. 40x80
Massimo Sonnini ama l’arte ed in essa trova sicuro rifugio.
Toscano di nascita, dalle spiccate doti, sensibile,
fantasioso, realizza con semplicità, arguzia e lirismo,
ma con una costante ricerca dell’armonia, una sorta di
diario capace di coniugare l’avvenimento con la storia.
Viaggiando, 2015, acrilico, cm. 60x40
Nascondiglio, 2009, olio, cm. 60x60
Il racconto di fiaba in cui i personaggi, le situazioni e gli ambienti
sono raffigurati con un linguaggio pittorico originale, nei suoi dipinti
diventa una traslitterazione: dalla realtà alla fantasia.
Vi è, nei suoi quadri, un mondo sospeso nelle cui trame formali si
tratteggiano dissidenze dell’animo, difficoltà della vita e affanni
quotidiani, facendo gioire, riflettere, meditare i suoi soggetti che
affiorano in una composta elaborazione formale mantenendo significativi
ritmi cromatici.
La sua abilità descrittiva, apparentemente semplice, è libera
espressione del pensiero razionale, è un’allegorica interpretazione
di intime pulsioni, è metaforica analisi di eventi di ordine quotidiano.
In esse associa una profonda sensibilità ai temi sociali ad una
comunicazione resa palpabile dall’immediatezza dell’immagine
dove, l’artista, stempera i propri sentimenti e stati d’animo.
La percezione della realtà, dove convivono visioni oggettive e violenze
emozionali, è filtrata da onirica fantasia rivestendo i sogni
dell’autore, sottratti agli arcani dell’inconscio, con vibrante espres-
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Massimo Sonnini

La scorta, 2014, acrilico su legno, cm. 80x760
Ricordi, 2010, acrilico su legno, cm. 50x70
Alt, 2010, acrilico su tela, cm. 30x40
Volo sulla scogliera, 2015, acrilico, cm. 60x40
sività, non solo in una dimensione personale ma anche in
un’ottica collettiva che coinvolge tutto e tutti in un meccanismo
che sembra vivere di vita propria: una metafora
del sogno come distillazione della realtà.
L’artista predilige un modello figurativo che risolve con
personali accentuazioni cromatiche. La passione contraddistingue
il suo relazionarsi con i soggetti, cogliendo
sottili e delicati aspetti, e si trasforma in incantata e suggestiva
poesia che scaturisce da una fantasia sorprendente,
ancorata a valori umani e spirituali.
La sua composizione, ben costruita ma libera da schematismi
preordinati e sottolineati da spontaneità stilistica
e delicatezza, elaborata con sicurezza, dimostra padronanza
sia nella tessitura compositiva sia nei contenuti.
Massimo
Sonnini
negli ultimi 20 anni ha tenuto oltre
120 mostre fra personali e collettive.
Le principali si sono svolte a:
Siena, San Gimignano, Colle Valdelsa
e Cetona (1991)
Milano, Poggibonsi, Chianciano,
Torrita, Roma (1992)
Cosenza, Milano, Siena, Magliano
Sabina, Chianciano, Piancastagnaio,
Montepulciano, Padova, Monteroni
d'Arbia, Cesenatico, Ostia (1993)
Torrita, Volterra, Monticchiello, Perugia
, Montepulciano, Parigi(1994)
Siena, Sperlonga, Napoli, Venturina,
Ostia, Cortemaggiore (1995)
Grosseto, Montevarchi, Montepulciano,
Chianciano, Bologna, Milano,
Trevi, Rimini, Venturina (1996)
Cortona, Siena, Arezzo, Firenze,
Montepulciano, Torrita (1997)
Montepulciano (1998)
Cortona, Catanzaro, Torino, Bologna,
Cesenatico, Roma, Foiano della
Chiana, Carsoli, Firenze (1999)
Torrita, Monteriggioni, Pienza, Torino,
Nizza (2000)
Roma (2001)
Capalbio (2007)
Roma (2008)
Firenze, Tokio, Monaco (2011)
Siena, Fiesole, Parigi (2012)
Spoleto, Venezia, Kuwait (2013)
San Pietroburgo (2014)
Terni (2014-2015)
Marina di Grosseto (2015)
Roma (2015)
Venezia (2016)
Roma (2016)
Si sono occupati di lui giornali e riviste
specializzate tra cui Arte Cultura,
Disegnare e dipingere, Arte &
Carte, Varia, Segni d’arte.
Massimo Sonnini
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Sandra Milo e la Toscana
La diva del cinema alla ricerca
delle proprie origini materne
Testo e foto di Duccio Ricciardelli
Non tutti lo sanno ma la famiglia dell'attrice Sandra
Milo, all'anagrafe Salvatrice Elena Greco, è originaria
di Orciatico, frazione del Comune di Lajatico famoso
nel mondo per essere il paese di Andrea Bocelli. L'amministrazione
comunale, congiuntamente con quella di Volterra, ha
colto l'occasione per invitare l'attrice a trascorrere un breve soggiorno
nella sua terra d'origine e ritirare un premio alla carriera.
L'iniziativa è nata da una segnalazione del nostro direttore Fabrizio
Borghini che da storico del cinema riesce spesso a trovare storie
inedite e curiose che legano i personaggi del cinema alla Toscana.
Sono stati tre giorni emozionanti e fuori del tempo quelli trascorsi
dalla Milo presso l'Agriturismo La Mandriola di proprietà della famiglia
Barbafieri che ha scoperto una non lontana parentela con
la musa di Fellini. Il nonno di Sandra, Dante, lasciò Orciatico alla
volta di Marsiglia dove conobbe una ragazza toscana di Monsummano,
Alberta imparentata con Ivo Livi destinato a diventare Yves
Sandra Milo in un momento della visita a Orciatico
Teatro del Silenzio: Sandra Milo con il sindaco di Lajatico Alessio Barbafieri
Montand, che ben presto divenne sua moglie. Dalla loro unione
nacque, nella città francese, Maria, la madre della Milo, che a soli
tre anni perse il padre in un tragico evento. Per questo, la giovane
mamma con la piccola rientrarono in Italia e proprio a Orciatico
si ricongiunsero con il resto della famiglia. Maria sposò Salvatore
Greco a Tunisi dove nacque nel 1933 Salvatrice Elena destinata a
diventare mannequin di successo a Milano prima di approdare a
Roma e diventare l'attrice di successo diretta da maestri del cinema
come Jean Renoir, Jacques Becker, Andrè Cayatte, Renzo Rossellini
e Federico Fellini.
L'attrice con il parente ritrovato Giancarlo Barbafieri
Durante la visita al Teatro di Lajatico con l'impegno di portarvi il suo ultimo spettacolo
6 Sandra Milo e la Toscana

Con Giancarlo Barbafieri in visita al cimitero di Lajatico
È difficile sintetizzare le sensazioni e le suggestioni scaturite dall'incontro
con i suoi ritrovati parenti e concittadini della protagonista
di "8 e 1/2". Come in un film di Fellini dai toni surreali, persa nei
paesaggi indimenticabili nei dintorni di Volterra, una piccola troupe
di Toscana Tv ha seguito la Milo in questa ricerca delle sue radici
familiari. Ne è derivato un servizio televisivo per la rubrica Incontri
con l'arte che verrà trasmesso lunedì 25 aprile alle 20,00 sul canale
digitale 18.
L'attrice ha voluto visitare in forma privata il cimitero di Lajatico
dove ha reso omaggio a quei parenti che ebbero cura di lei e di sua
madre nei difficili mesi del passaggio della guerra; poi si è concessa
all'abbraccio dei laiatichini attraversando il paese per raggiungere
il municipio dove sabato 16 aprile nella Sala Consiliare i sindaci
di Volterra e Lajatico le hanno consegnato un riconoscimento alla
Con Enrico Barbafieri mostra la foto del comune parente Cesare Marini, zio dell'attrice
carriera. Dopo un sontuoso pranzo presso l'agriturismo La Mandriola
- che ha ospitato per tutto il soggiorno l'attrice - al quale hanno
partecipato i parenti ritrovati e le autorità locali, nel pomeriggio alle
17 una Balilla, attraversando paesaggi da sogno, ha portato Sandra
a Orciatico in piazza dell'Ortigiano, dove la banda di Lajatico ha suonato
musiche da film di Nino Rota e la cittadinanza ha avuto modo
di rinnovare l'abbraccio affettuoso e commovente del mattino. Domenica
17 una carrozza ha portato la Milo a visitare il paese per poi
arrivare nell'anfiteatro naturale del Teatro del Silenzio; sono stati
momenti indimenticabili, una giornata di vento e di luce limpida
ha accompagnato la carrozza attraverso lo sterrato dell'anfiteatro
naturale creato dal tenore Andrea Bocelli, che ogni anno ospita da
un decennio eventi musicali di rinomanza mondiale. Nel pomeriggio
l'attrice è stata accompagnata nella Piazza dei Priori di Volterra
dove ha avuto modo anche di incontrare gli artigiani locali intenti a
scolpire l'alabastro. A fine giornata, una visita al restaurato Palazzo
dei Bonomini dove ha sede lo studio del notaio Glen Polesello.
Fondamentale per la buona riuscita della manifestazione è stato
l'apporto dell'Agriturismo La Mandriola della famiglia Barbafieri,
che ha permesso alla troupe di Toscana TV e agli inviati della nostra
rivista di avere anche momenti di relax e di vicinanza col paesaggio
unico di Lajatico.
Nella sala consiliare del Comune di Lajatico durante la consegna dei riconoscimenti da
parte dei sindaci Alessio Barbafieri di Lajatico e Marco Buselli di Volterra
Per informazioni:
Agriturismo La Mandriola e Ragone
Loc. La Mandriola - 56030 Lajatico (PI)
info@agriturismolamandriola.com
www.agriturismolamandriola.com
Sandra Milo e la Toscana
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“Le vite dei più eccellenti
pittori, scultori e architetti”
di Giorgio Vasari, ritrascritte
da Giancarlo Dal Pozzo
di Barbara Santoro
Quante volte avete preso in mano “Le Vite dei più eccellenti
pittori, scultori e architetti” di Giorgio Vasari: il primo
fondamentale testo della storia dell’arte italiana, e quante
altrettante volte dopo averlo sfogliato e cominciato a
leggere, l’avete abbandonato perché le oltre milletrecento pagine
scritte in italiano del Rinascimento erano difficoltose a leggere!
Bene, oggi “Le Vite dei più eccellenti pittori, scultori e architetti”
Presentazione del quinto volume presso la Cassa di Risparmio di Firenze
sono molto leggibili, grazie alla riscrittura fatta con tanta pazienza
dal professor Giancarlo Dal Pozzo, noto docente di neuroradiologia
dell’Università di Firenze.
Quando, nel 2010, l’amico Giancarlo mi parlò del suo amore per il
concittadino Giorgio Vasari e mi fece capire quanto desiderio avesse
di riscrivere in lingua di oggi le famose Vite, pensai che certo l’illustre
radiologo non si rendeva conto di che mole di lavoro dovesse
fare, e pensai che, forse, dopo il primo volume non avrebbe continuato
nell’ardita impresa. Mai considerazione fu più sbagliata!
Il Dal Pozzo in poco più di cinque anni ha riscritto la monumentale
edizione vasariana, e fra pochi giorni presenteremo l’ultimo volume
il quinto: “Le Vite dei più eccellenti pittori, scultori e architetti. Da
Giuliano da Maiano a Ridolfo del Ghirlandaio con l’aggiunta delle
figure delle principali opere loro”- edito da Passigli. Questo volume
chiude l’opera vasariana scritta nel 1550 e ripubblicata con aggiunte
nel 1568. Qui sono riunite le biografie di centosessanta artisti che
nell’arco di tre secoli sono stati protagonisti del Rinascimento delle
arti in Italia, dai tempi di Cimabue fino a quelli di Michelangelo.
I pittori, gli scultori e gli architetti inseriti nei primi tre volumi sono
i più famosi di quel periodo d’oro, mentre nel quarto volume e nel
quinto sono descritti artisti minori e poco conosciuti, ma non per
questo le loro vite e le loro opere sono meno importanti.
Ebanisti, orefici, coniatori di monete,
miniatori, incisori, intagliatori
di cammei e di matrici per stampe,
ingegneri militari e architetti di
giardini rivelano vite avventurose
ed interessanti descritte dettagliatamente,
specialmente nell’occasione
di venute a Firenze di personalità
(papi, imperatori, eccellenze,
etc.) per festeggiare nozze, battesimi,
feste religiose e laiche.
In questi momenti venivano preparate
sceneggiature teatrali,
L'autore Giancarlo Dal Pozzo insieme
alla giornalista Barbara Santoro
costruzioni decorative effimere, apparati di scena bellissimi che
venivano distrutti dopo le varie manifestazioni, ma che Vasari minuziosamente
descrive facendoli vedere o immaginare con la fantasia.
“Le Vite” sono il primo tentativo di riunire in un’unica opera di grande
ampiezza e respiro, la storia delle arti “nuove” cioè quelle arti
figurative che hanno la loro radice nella grande rivoluzione creata
da Cimabue e Giotto. La narrazione delle vite degli artisti, ricche di
aneddoti e di particolari, ricostruisce in maniera piacevolissima un
intero mondo e un'intera civiltà che ha in più il piacere della lettura.
Ma chi, a parte gli specialisti, conosce davvero quest’opera straordinaria?
Trattandosi di un testo cinquecentesco, il lettore di oggi è
frenato dalla difficoltà di lettura di una lingua ostica e lontana da
lui; in più, la mancanza nel testo delle riproduzioni delle opere di cui
via via il Vasari va parlando crea ulteriori limitazioni, scoraggiando
anche i lettori più valenti. I cinque volumi delle “Vite” sono stati
“riscritti” in una lingua che, pur mantenendo il ritmo ed il fascino
originale, è perfettamente comprensibile al lettore contemporaneo,
che in più troverà negli stessi volumi, in immagini di grande qualità,
le opere che Vasari illustra. Una grande novità alla quale fino ad
ora nessuno aveva pensato e che apre finalmente anche al grande
pubblico un tesoro godibilissimo di informazioni e di aneddoti su una
stagione artistica irripetibile. Dal momento che ho avuto il piacere di
leggere questi cinque volumi che oltre ad arricchirmi culturalmente
mi hanno appassionato e fatto spesso sorridere, consiglio la lettura
a tutti coloro che amano “le cose belle” e sicuramente apprezzeranno
questo suggerimento.
Il tavolo dei relatori durante la presentazione
con Barbara Santoro e Giancarlo Dal Pozzo
8 Giancarlo Dal Pozzo

Paolo Lantieri
Dal 30 aprile al 18 maggio l’artista espone
alla prestigiosa Galleria d’Arte Mentana di
Firenze con la personale Colori e segni
di Daniela Pronestì
« Sono solo un pittore, non voglio
reinventare nulla», scrive di sé
Paolo Lantieri. Poche semplici
parole che racchiudono il senso
di un percorso artistico che non ha mai
preteso di sovvertire l’ordine della realtà,
ma che ha voluto ricostruirlo secondo le
leggi della pittura. E lo ha fatto affrontando
le questioni intrinseche al mestiere del
pittore, vale a dire: risolvere i problemi
della composizione, valutare le scelte e la
bontà di un colore, dosare la distribuzione
dell’ombra e della luce, e molte altre cose
ancora. Ciò che avviene al di fuori di questo
rigoroso esercizio del dipingere non
appartiene alla concezione artistica di Lantieri.
La sua idea di pittura è espressione
di una grande limpidezza intellettuale, di
una meditazione sui procedimenti costruttivi
dell’immagine dipinta. Alla radice del
suo fare pittorico si colloca la capacità del
disegno di farsi trascrizione di un pensiero
e insieme di una precisa intenzione espressiva.
È la scrittura della linea, infatti,
a creare il primo fondamentale tracciato
su cui il colore interviene a consolidare i
volumi e a rinforzare i contrasti chiaroscurali.
Ed è sempre la linea a mutare lo
spazio in un intarsio di forme geometriche
che negano ogni connotazione prospettica
del campo visivo. Nuvole, cielo e terra, ciò
Attesa
Mediterraneo
Lettera d'amore
che è vicino e ciò che è lontano: tutto si trova sullo stesso
piano. Uno spazio che ha in sé la memoria della natura
ma che nasce tuttavia da un’immagine interiore, per farsi
espressione di quella che l’artista stesso definisce “una
ragione matematica”. Ogni suo dipinto, in effetti, è un teorema
dimostrato, perché segue il logico sviluppo di una
ricerca che deduce dal visibile l’essenza delle cose, il loro
imperscrutabile mistero. E se la natura lo guida in un salto
verso l’astrazione, il corpo umano lo spinge a cercare la
misura matematica dell’universo. In questo senso vanno
Paolo Lantieri
intese le sue donne, che sono roccia, collina, duna, paesaggi
da percorrere con lo sguardo. La presenza scultorea dei loro corpi domina la scena, a tal
punto che anche la realtà intorno sembra nascere per diretta emanazione della figura. Senso
plastico e vitalità della linea si uniscono ad una costante fuga nel sogno evocata dalla sottile
poesia dei gesti, dall’espressione inafferrabile dei volti. Donne che sembrano custodire una
vita segreta, quasi un enigma, che di quadro in quadro si fa più denso ed impenetrabile. E l’artista
da questo enigma ama farsi rapire, sedurre, catturare, autore e spettatore lui stesso di un
immaginario che dialoga con i valori universali dell’arte: bellezza, grazia, armonia, equilibrio.
Valori declinati con una cifra stilistica resa inconfondibile dalle sue indubbie doti di colorista
e dall’uso sapiente della luce. Il colore è un’armonica sinfonia di rapporti e di sentimento:
compartecipa alla definizione plastica della figura senza rinunciare ad un’espressività propria,
raggiungendo intensità tonali e contrasti timbrici che proiettano la visione in un’atmosfera
irreale, in una dimensione senza tempo. Un effetto reso possibile anche dalla luce, che nella
sua pittura è sempre immobile, mentale, assoluta. Una luce bianca che assume le sfaccettature
di un cristallo, generando nuove forme ed altre geometrie che si sovrappongono a quelle già
presenti nel dipinto. Luce che possiamo interpretare come la manifestazione di un bisogno di
chiarezza, di sincerità espressiva. La pittura di Paolo Lantieri è “semplicemente” pittura, e cioè
un linguaggio che coniuga coscienza e conoscenza del mestiere dell’artista, senza perdersi in
vuote elucubrazioni o, peggio ancora, seguire il passo delle mode. E se è vero, come spesso
si dice, che difronte ai linguaggi artistici del presente è facile sentirsi disorientati, ecco un
artista capace invece di restituirci il piacere della pittura.
Dal 30 aprile al 10 maggio, Paolo Lantieri esporrà alla Galleria d’Arte Mentana di Firenze con
la personale dal titolo “Colori e segni”. In mostra opere pittoriche e i recenti lavori realizzati
con la puntasecca.
Paolo Lantieri 9

Olga Belsito
Le sue "Visioni mediterranee" tra natura e simbolo.
In mostra all’Hotel Cellai di Firenze dal 3 al 30 aprile
di Daniela Pronestì
Dal 3 al 30 aprile l’Hotel Cellai di Firenze ospita
la mostra personale dell’artista calabrese Olga
Belsito dal titolo Visioni mediterranee tra natura e
simbolo. Le opere esposte spaziano da un registro
espressivo che trasfigura la realtà per mezzo del colore alle recenti
“visioni mediterranee” derivate da un attento studio della
pittura del Seicento. Nel primo caso rientrano i dipinti che mutano
il paesaggio delle saline trapanesi o di altri paesi del mondo in
una libera composizione di linee, forme e colori: una semplificazione
che trae spunto dalla
conformazione caratteristica
di questi territori, dove la presenza
di argini, canali, vasche
e cumuli di sale genera vere e
proprie astrazioni naturali. Da
questi luoghi scaturisce una
riflessione che non si ferma
alle sole ragioni estetiche ma
che riguarda anche l’intervento
umano sul paesaggio naturale
e le conseguenze che ne
derivano dal punto di vista
ambientale. Le saline sono
l’esempio di un dialogo tra la
natura e l’uomo che nel corso
dei secoli ha prodotto storia
Confine, 2016, tecnica mista e olio su
tela, cm. 50x70
e cultura. Un esempio che la sua pittura traduce in accattivanti
accostamenti cromatici e raffinate combinazioni materiche per
comunicare un’idea di bellezza sulle cui basi è possibile stabilire
un rinnovato equilibrio tra l’essere umano e il mondo naturale. Gli
ultimi lavori partono da queste premesse per estendere l’attenzione
ad altri temi di stringente attualità. È il caso del dipinto intitolato
Confine, evidente allusione alle barriere costruite dall’uomo
per segnare le distanze geografiche e politiche tra i popoli,
distanze che l’odierno dramma dei migranti trasforma in abissi
di solitudine e disperazione. L’opera Naples#the cherries#One
shot segna l’inizio di un nuovo ciclo pittorico la cui ispirazione
proviene dall’arte secentesca e in particolare dal genere del paesaggio
ideale, che vede il soggetto naturalistico intriso di significati
simbolici o di citazioni mitologiche. Partendo da questa
concezione della natura come specchio di contenuti che si celano
dietro le apparenze, Olga Belsito elabora un tracciato compositivo
in cui il paesaggio diventa teatro delle azioni umane che
devastano l’identità culturale e la memoria dei luoghi. Il Golfo di
Napoli raffigurato nel dipinto, è uno splendido scenario naturale
Naples#the cherries#one shot, 2016,
olio su tela, cm. 60x80
sospeso tra realtà e sogno, e l’intera
composizione è dominata da
un’atmosfera di armonia e di serenità.
Osservando bene, notiamo
un elemento - la ciliegia che
esplode a causa di uno sparo -
che spiazza le attese dell’osservatore
per introdurre una diversa
interpretazione dell’immagine:
quello rappresentato non è il
classico paesaggio da cartolina
che ha reso Napoli famosa nel
mondo, ma è l’emblema di una
bellezza che la storia recente di
questa città ha reso sempre più fragile; una bellezza da rispettare,
tutelare e valorizzare per goderne nel presente e tramandarla alle
generazioni che verranno.
La mostra, inaugurata ufficialmente venerdì 8 aprile, si potrarrà fino
al 30 aprile e sarà visitabile negli orari di apertura dell’Hotel Cellai in
via XXVII Aprile, 14 a Firenze.
Laureata in Ingegneria a Pisa nel 1999, nello stesso anno ha iniziato
a prendere lezioni di pittura dall’artista Fabio Grassi. Nel 2003 si
trasferisce a Firenze, dove vive ancora oggi. Ha realizzato diverse
mostre personali e collettive tra cui: 2002, Bologna Corte Isolani,
Circolo Artistico di Bologna; 2002, Massa Carrara, Palazzo Ducale;
2004, Acri (CS), Palazzo Gencarelli, Arte per il sociale; 2008, Fiesole,
Chiesa di Sant’Alessandro, Omaggio a Primo Conti; 2010, Firenze, Sala
Leolpoldine, Il Magnifico; 2013, Firenze, Fortezza da Basso, Florence
Biennale di Arte contemporanea; 2014, Firenze, Fortezza da Basso,
Salone del restauro; 2015, Pietrasanta, Aprile in arte / Intrecci Arte;
2015, Milano, Biennale di arte contemporanea presentata da Vittorio
Sgarbi; 2015, Firenze, Luxury Vernissage. Tra le mostre personali si ricordano:
2009, Firenze, Gadarte, Fiori e saline; 2015 Pietrasanta, Intrecci
Arte, Half. Dal 23 aprile al 1° maggio sarà presente con una grande tela
alla Mostra Internazionale dell'Artigianato presso la Fortezza da Basso
(Padiglione Rondino) di Firenze.
www.olgabelsito.com - olgabelsit@icloud.com
Facebook: Olga Belsito Artista
10 Olga Belsito

A Siena, una kermesse di artisti nell’oasi
di sculture di Vittoria Marziari
AperitivArte
al Parco della Luce
La mostra collettiva “Inclinazioni inconsce”
si terra dal 14 maggio al 15 giugno
di Lucia Raveggi
La luce risplende nell’oasi di Vittoria
Marziari e ha i riflessi delle numerose
opere a cielo aperto che la nota scultrice
espone, in modo permanente,
nel suo parco privato alle porte di Siena. Un luogo
a cui la primavera sorride, con la complicità delle
lunghe e belle giornate, ridestando il desiderio
di affluenza, conoscenza e scambio culturale.
Il 14 maggio il Parco della Luce aprirà i cancelli ad
un selezionato e colto pubblico per il vernissage
di AperitivArte, una kermesse incentrata prevalentemente
sulla mostra collettiva “Inclinazioni
inconsce” a cui parteciperanno artisti del calibro
di Mauro Berrettini, Simone Biliotti, Adriano
Bimbi, Giacomo e Sara Del Giudice, Renato Pisani,
Andrea Roggi... che interverranno sui temi e sulle
tecniche di realizzazione delle loro opere.
L’esposizione, aperta al pubblico dal 15 maggio,
sarà visitabile fino al 15 giugno su prenotazione,
contattando lVittoria Marziari: cell. 348 3627855
info@vittoriamarziari.it
Legami spezzati
Oltre la conoscenza
Vittoria Marziari
Adusa ai riconoscimenti d’oltralpe, insignita del
prestigioso compito di rappresentare l’Italia a
Tallin, nel 2011, nel corso delle manifestazioni organizzate
dalla città in qualità di capitale europea
della cultura, due volte autrice del Masgalano per
il Palio di Siena (anno 2000 e 2015 ), la scultrice
Vittoria Marziari ha inaugurato nel 2013 il Parco
della Luce, un ampio spazio verde a 1 km da Porta
Tufi, sede di esposizione
permanente delle
sue maggiori opere, ristrutturato
per ospitare
artisti di fama internazionale.
Affascinata dal mistero
degli spazi cosmici e
interiori che costituiscono
la sua inesauribile
fonte d’ispirazione,
definita scultrice
dell’anima, la Marziari
si è resa nota nel panorama
internazionale
Amanti segreti
con opere, tra le altre,
quali “Concerto jazz” (nella sede Wolkswagen
a Wolsburg in Germania), “Arte tecnologica”
(Fondazione Monumental di Bruxelles), “Tensione”
(Palazzo del cinema di Hong Kong), “La speranza”
(sale del Vaticano), “Anima” (Placa des artistas
a Paso de los libres, Argentina). Insignità altresì
di numerosi premi: Arte in Koksijde - Belgio, Il
dono dell’umanità - Milano, Spoleto FestivalArt -
Spoleto, Toscana Arte e Cultura - Firenze. La sua
scultura è stata definita filosofica.
Nascita di una speranza Tensione Geometrie spaziali
Svolge la sua attività a Siena, nel laboratorio di
Strada dei Tufi 55 e nell’atelier di via Stalloreggi 23.
I lavori della scultrice sono visibili nel suo sito
web: www.vittoriamarziari.it
Parco della Luce
11

Sabina Russo
Luci dell’Anima è il titolo della personale di
pittura che dal 14 al 26 maggio vedrà l’artista
fiorentina esporre nell'antica sede del Circolo
degli Artisti Casa di Dante a Firenze
di Daniela Pronestì
Si racconta che per dipingere La tempesta di neve (1842)
William Turner si fosse fatto legare all’albero di una nave.
A giudicare dallo straordinario risultato di questa esperienza,
viene da pensare che il solo modo per dipingere
una tempesta sul mare sia quello adottato dal celebre artista inglese.
Vale a dire, diventare un tutt’uno con la natura, un unico immenso
respiro, e in questa totale identificazione imparare a guardare il
mondo come fosse la prima volta, come fosse l’alba della creazione.
Una condizione aurorale dello sguardo, in virtù della quale la pittura
si fa testimonianza del grande mistero inscritto nella natura. Una visione
pura e colma di amore, come quella da cui nascono gli scenari
naturalistici di Sabina Russo. Il paesaggio è per lei un cristallo di
emozioni, un luogo del cuore, un porto sicuro. Immergersi nella natura
significa scoprire varietà di forme, colori e suoni che la sua pittura
trascrive con una rara sensibilità: angoli di campagna, piccole spiagge,
orizzonti distesi oltre ogni limite e, ancora, baluginare di lumi, fragore
di acqua che scorre, odore acre della terra dopo un acquazzone
estivo. Non c’è posto per la voce roca della bufera, per il ribollire di
cieli rotti dal temporale, per il corpo a corpo con il magma informe
degli elementi. La sua pittura è il regno della chiarità, dove la luce
Commovente lontananza, olio su tela, cm. 80x80
Le parole del mare, olio su tela, cm. 80x80
Armonia nell'abbraccio, olio su tela, cm. 80x80
12 Sabina Russo

ha sedimentato nella memoria trasformandoli in qualcosa di nuovo e
di diverso. Qualcosa di simile ad un sogno o ad un ricordo dai contorni
indefiniti, che soltanto il colore è in grado di raccontare. E lo vediamo
nell’ariosa levità del cromatismo, nella consistenza pulviscolare
delle stesure, nella presenza di forme - una vela, una casa, un albero
- che sembrano mostrarsi un istante prima di svanire. Atmosfere che
esprimono il senso di un’attesa, di un divenire continuo della visione,
che si rinnova infinite volte, proprio come infinite sono le suggestioni
che nascono dalla natura.
La mostra personale di Sabina Russo dal titolo Luci dell’anima si terrà
dal 14 al 26 maggio presso il Circolo degli Artisti Casa di Dante (via
Santa Margherita, 1) a Firenze, con inaugurazione sabato 14 maggio.
Per informazioni visitare il sito: www.circoloartisticasadante.com
Raggio di natura, olio su tela, cm. 60x60
Tranquilla natura, olio su tela, cm. 80x80
governa ogni cosa: ne è riprova la costruzione dello spazio, che si divide in
percorsi infiniti, evocando una vastità che non è più dominio della retina ma
piuttosto territorio dell’anima. Svuotare la distanza e riempirla di tramonti,
nebbie ed aurore per ricordarci che rappresentare la natura vuol dire, anzitutto,
catturare lo spettacolo cangiante della luce. Ecco perché i suoi paesaggi
sono teatri luminosi, in cui nessun turbamento interviene a rompere l’incanto
di una dilagante meraviglia. Tutto è gioia di vivere, desiderio di abbandonarsi
al sentimento, di lasciarsi condurre dalla bellezza fino al punto più nascosto
del paesaggio. E, in quel punto, in quell’attimo, in quella luce, sentire che la
natura ci appartiene così come noi le apparteniamo. Una percezione che dagli
occhi arriva al cuore e da qui nell’immagine dipinta, dove non ci sono più
distanze tra il mondo naturale e il mondo interiore dell’artista. Poco importa,
in questa fase, rimanere fedele al vero e all’idea stessa di rappresentazione;
quel che conta, invece, è spingersi alla ricerca di quei paesaggi che il tempo
Sabina Russo
Ènata a Firenze, dove vive e lavora. Ha esercitato la
professione di acquarellista di stampe antiche per
venticinque anni e ha dipinto incisioni su lastre d’oro e
d’argento presso la propria ditta Mosapi. Ha frequentato
per cinque anni l’Accademia di Belle Arti di Firenze,
in particolare la Scuola Libera del Nudo e la Scuola
d’Incisione. Ha studiato per quattro anni le tecniche di
pittura tradizionali con Corrado Pattuelli d’Cavier. Sue
opere si trovano in Austria, Francia, Germania, Inghilterra,
Italia e Svizzera. Molte le mostre personali realizzate
dagli anni Ottanta ad oggi in diverse città italiane
(Firenze, Livorno, Siena, Modena, Varese) e all’estero.
Tra queste si ricordano le più recenti: 2010, San
Gimignano, Sala della Cancelleria; 2010, Livorno,
Centro Civico; 2011, Nizza, Galleria d’Arte Nice; Santa
Margherita Ligure, Sala espositiva Laurin; 2012, Castagneto
Carducci, Atelier dell’artista; 2013, Bolgheri,
Centro Civico; 2014, Castagneto Carducci, Boutique
Glam; 2014, San Gimignano, Sala della Cancelleria;
2015 mostra personale a San Gimignano e a Bolgheri.
Sabina Russo 13

Galleria d'Arte Mentana
La storica galleria fiorentina ospita la rassegna
Proposte d’arte contemporanea e nella saletta
la personale dell’artista veneta Roberta Tresoldi
di Daniela Pronestì
Dal 9 al 24 aprile la storica Galleria d’Arte Mentana di Firenze
ospita la rassegna Proposte d’arte contemporanea, un appuntamento
riservato agli appassionati d’arte e ai collezionisti.
In mostra le opere di dodici artisti sia italiani che
stranieri - Rosario Bellante, Rita Rossella Ciani, Luigi De Giovanni, Ugo
Di Pasquantonio, Annie Gheri, Francesco Gibertoni Barca, Oxana
Annie Gheri
Audrey Traini Giampaolo Talani Luisa Quinterno
Kozhemyakina Mazhulis, Luisa Quinterno, Tierens Raphael in
arte Ralti, Bruno Sfeir, Audrey Traini, Bianca Vivarelli - a cui si
aggiungono le opere di due illustri esponenti dell’arte contemporanea
in Toscana, Salvatore Magazzini e Giampaolo Talani.
Dal figurativo all'astratto, dal realismo lirico all’immaginario
onirico, dal tema fantastico a quello simbolico, dal paesaggio
naturale agli scorci urbani: un evento espositivo che riunisce diverse
cifre espressive per offrire ai visitatori uno spaccato sulle
tante anime della pittura contemporanea.
Da oltre quarant'anni la Galleria
d’Arte Mentana è un punto di riferimento
a Firenze per quanti amano l’arte
sia come espressione culturale sia
come forma d’investimento. E anche in
quest’occasione le proposte d’arte contemporanea
di Laura Adreani, art director
della galleria, sapranno emozionare
e convincere il pubblico, guidandolo in
un appassionante viaggio tra i tanti colori ed accenti dei linguaggi
artistici del nostro tempo.
Rita Rossella Ciani
Bianca Vivarelli
Oxana Kozhemyakina Mazhulis
Bruno Sfeir
Tierens Raphael in arte Ralti
Salvatore Magazzini
Luigi De Giovanni
Rosario
Bellante
L'artista Roberta Tresoldi con un suo dipinto
La Saletta della galleria ospita la personale di Roberta Tresoldi, artista
veneta che opera da molti anni come pittrice e ceramista. La vitalità
del colore è l’elemento dominante nelle sue opere pittoriche,
che invitano lo sguardo ad immergersi nelle profondità marine per
scoprire paesaggi meravigliosi dove tutto è luce e silenzio. In questa
dimensione sospesa tra realtà e sogno, Roberta Tresoldi trova le
ragioni che alimentano il suo approccio emozionale alla pittura, trasferendo
nell'immagine dipinta la verità dei sentimenti che nascono
difronte allo spettacolo della natura. I suoi fondali marini sono paesaggi
dell’anima, visioni nate da un profondo ed ininterrotto dialogo
con la sua interiorità.
Entrambe le mostre si protrarranno fino al 24 aprile e saranno aperte
al pubblico dal lunedì al venerdì dalle 11:00 alle 13:00 e dalle
16:00 alle 19:30. Chiuso la domenica e il lunedì mattina.
Ugo Di Pasquantonio
Francesco
Gibertoni Barca
Galleria d'Arte Mentana
Piazza Mentana, 2/3 r - Tel. 055 211985 - 50122 Firenze
www.galleriamentana.it - galleriamentana@galleriamentana.it
14 Galleria d'Arte Mentana

Rime sparse: la voce dei poeti
Incontro con
Manola Viti
Stura
Note di affetto in un richiamo
l'attesa, nel battito di un respiro
e la certezza di un abbraccio
che vinceva il buio della notte
quando il sole,
mi svegliava stretta a te.
Sogni confezionati
Nella pioggia d'inchiostro
Nella grandine dei suoni
Nella tempesta di colori
scopro,
il biglietto confezionato dei miei sogni.
Il cammino
Scivola
passo dopo passo
il piede preoccupato
e si trascina arrugginito
dolente e accigliato
Si arresta,
gira all'intorno lo sguardo smarrito
e si domanda chi sono dove vado
Necessario nel suo divenire
si rende il cammino
incontro ad un mondo sconosciuto
che l'attende.
La brinata
Ci sorridono le rigide gocce
come fantasmi dell'inverno che riposano nei campi
sopra i fili d'erba,
si accucciano addosso ai tetti delle case
dei campanili delle fabbriche,
e sfidano la paura
appollaiate sul filo spinato,
ci guardano immobili dai rovi,
e ci mostrano foglie di magnolie
come lingue malate, appese ai rami
Durano
un attimo, o un secolo,
ma si rinnovano ogni volta,
per l'eternità.
Manola
Viti
Via Aldo Capitini, 2
50023 Impruneta (FI)
Cell. 328 8624604
m.viti@email.it
Sono nata e vivo in un paese sulle colline fiorentine.
Leggere e, da alcuni anni scrivere, sono nutrimento
e necessità, viaggiare e comunicare, scoprire e
riflettere.
Ho partecipato ad alcuni concorsi letterari e di recente ho
ottenuto un primo riconoscimento con il racconto "Ai miei
tempi" Carmignani editrice.
Sono presente nella seconda edizione dell'antologia "Poeti
in Toscana" Masso delle Fate edizioni.
È uscito nello scorso mese di marzo il mio primo manoscritto
"Passa il treno" edito da Press & Archeos.
Rime sparse: la voce dei poeti
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Florence Dance Center
Dal 13 marzo al 5 aprile la rassegna Etoile Toy - Visual Arts
Florence ha ospitato la mostra A Symphony of Seasons con
opere dell’artista indiano Devdatta Padekar
di Daniela Pronestì
Foto di Carlo Midollini
Dal 13 marzo al 5 aprile la rassegna Etoile Toy - Visual Arts Florence promossa
dal Florence Dance Center (via Borgo Stella 23r) di Marga Nativo
e Keith Ferrone ha ospitato Devdatta Padekar con il progetto dal titolo A
Symphony of Seasons. Si tratta di un ciclo di opere che l’artista indiano
ha realizzato nell’arco di due anni visitando le regioni alpine di cinque nazioni (Italia,
Svizzera, Germania, Austria e Francia) con lo scopo di trasferire nella pittura la bellezza
incontaminata di questi paesaggi. La scelta del titolo mette in luce un aspetto centrale
nell’opera di Devdatta: l’armonia e il ritmo presenti nelle forme naturali e nella musicalità
dei colori. Il suo sguardo si posa sul paesaggio con l’intento di catturare l’atmosfera dei
luoghi, le voci della natura che parlano al cuore dell’artista. Uno sguardo che privilegia
punti di vista insoliti per invitare l’osservatore ad entrare nella rappresentazione pittorica.
E’ il caso di opere come A serene day e Sun-kissed peak, in cui la visione da “sotto in
sù” fa sì che il paesaggio incomba sullo spettatore, facendolo
sentire parte integrante dello scenario naturale che
sta osservando. In altri casi, invece, la visione “a volo di
uccello” (Autumn vineyards) comunica un senso di vertigine
che amplifica l’ampiezza della scena, e l’impressione
è che lo sguardo possa dominare il paesaggio dal primo
piano fino all’orizzonte.
Quando la rappresentazione si sviluppa frontalmente, lo
sguardo accoglie la totalità del paesaggio, potendo così
posarsi sui diversi aspetti che ne fanno parte. Come sempre
nella sua pittura, anche in questo caso la resa cromatica
individua dei toni dominanti, che, senza tradire la
verità del dato oggettivo, si propongono di interpretare le
emozioni che nascono dall’incontro con il mondo naturale.
«La natura - spiega Devdatta - per me è movimento ed
Sun-kissed peak (Svizzera), olio su
tela
energia; per questa ragione, non m’interessa documentare o descrivere puntalmente
ciò che osservo ma catturare le emozioni che la visione della natura suscita nella mia
interiorità». Il risultato sono immagini dal forte potere evocativo che trasferiscono nella
pittura l’anima dei luoghi. Il ritmo che muove gli eventi naturali entra nel colore e lo rende
“sinfonico”, musicale, facendolo diventare un tramite per superare i vincoli della realtà
visibile e dare forma alla sostanza invisibile dei sentimenti. Le opere in mostra denotano,
infatti, l’intenzione di sospendere l’immagine sul crinale che divide realtà e astrazione,
oggettività e soggettività della visione, a tal punto che in diversi casi il colore si affranca
da ogni finalità descrittiva per farsi trascrizione immediata e diretta di uno stato d’animo,
di una condizione interiore.
Per Devdatta “sentire” la realtà è più importante che rappresentarla puntualmente, ed è
su questo passaggio dall’esteriorità all’interiorità della visione che si fonda la sua ricerca
pittorica. Anche il soggetto raffigurato appare secondario rispetto al bisogno di abbandonarsi
alla magia della luce e del colore, che regolano le “mutazioni” del paesaggio al
variare delle stagioni. La luce bianca e le tinte fredde dell’inverno, i verdi intensi e i cieli
azzurri della primavera, il rosso infuocato del sole estivo: è nella continua metamorfosi
degli effetti luministici e cromatici della natura che l’artista indiano sente nascere l’emozione
che scuote nel profondo la sua interiorità. Un’emozione che non sovrasta il paesaggio,
ma lo vivifica, rendendo appieno il senso della possibile unità tra uomo e natura.
L’inaugurazione della mostra ha visto esibirsi alcuni allievi della scuola in una coreografia ideata da
Marga Nativo traendo ispirazione dalle opere esposte. Per info: www.florencedance.org
Winter sun I e II (Svizzera), olio su tela
Da sinistra l'artista Devdatta Padekar, Marga Nativo,
Daniela Pronestì e Keith Ferrone
Devdatta Padekar (1978) vive a Bombay, in
India. La sua formazione artistica è avvenuta
inizialmente nel suo paese d’origine, per poi
proseguire in Europa, tra Londra e Firenze. Dopo
diversi progetti dedicati alla figura umana, e in
particolare al tema delle ballerine, ha esteso il
suo interesse anche al paesaggio naturale, realizzando
una prima serie intitolata Deer Trails
Sweden. Le tecniche che predilige sono il pastello
e la pittura ad olio: il primo gli consente di
mantenere intatta la spontaneità della visione,
fermando sulla carta l’immediatezza di un gesto,
l’espressione di un volto, lo scatto ritmico di una
figura. Alla pittura ad olio è legata, invece, una
visione più meditata del soggetto, spesso avvalendosi
di uno studio realizzato precedentemente
a pastello. Ha esposto in personale a Mumbai,
Nuova Delhi, Firenze e Bangalore ed è stato insignito
di diversi premi internazionali sia in Europa
che in India e in America. Alcune sue opere sono
inserite nella raccolta della National Gallery of
Modern Art di Mumbai e fanno parte di diverse
collezioni private indiane ed europee.
www.devdattapadekar.com
16 Florence Dance Center

Leda Giannoni
Ritratti di delicata introspezione psicologica
e angoli di natura trasfigurati dal sentimento
di Daniela Pronestì
Prosegue il viaggio di Leda Giannoni nella figurazione con un ciclo di
ritratti di delicata introspezione psicologica. I protagonisti appartengono
al mondo dei suoi affetti familiari, entro cui da sempre si
svolge il percorso artistico della pittrice fiorentina. I volti dei due
bambini ritratti raccontano l’innocenza dell’infanzia che guarda con fiducia alla
vita. I loro occhi colmi di sogni e di speranze brillano sotto il guizzo di una luce che
si spande sulla figura e che illumina tutta la scena comunicando una sensazione
di pace interiore e insieme di dolce tenerezza. Ai colori tenui e rarefatti dello
sfondo si contrappone il cromatismo pieno e vigoroso della figura, da cui si evince
una piena padronanza nella distribuzione
degli effetti luministici
e nella valorizzazione dei volumi.
Diverse sono le soluzioni coloristiche
e compositive adottate nel
ritratto di Mario Luzi: il fondo realizzato
con sabbia e gesso accoglie
ed esalta l’andamento chiaroscurale
del disegno tracciato
con la fusaggine e ritoccato con
il colore ad olio. Lo sviluppo incisivo
del segno grafico accentua
la forza di penetrazione psicologica della figura,
dando particolare risalto allo sguardo
e all’aspetto assorto del poeta fiorentino.
Su nuovi fronti espressivi si collocano i paesaggi
di ultima ideazione, in cui il ricorso
all’encausto e ad una gamma cromatica dai
toni accesi ed innaturali denota un modo
più libero di accostarsi alla rappresentazione
della realtà. La rossa distesa del cielo
si riverbera sullo specchio d’acqua e sulla
terra permeando la scena di un’atmosfera
straniante, quasi irreale, nata da un sogno
o da una visione fantastica. Angoli di natura
trasfigurati applicando il filtro dell’interiorità,
che si serve di tinte brillanti e luminose
per tessere una gioiosa celebrazione
dell’esistenza. La presenza dei cavalli, raffigurati
in uno stato di quiete o nel pieno
del movimento, impedisce all’immagine di
sconfinare nell’astrazione per tenerla entro
i confini di un realismo sognante. È la
conferma di una sensibilità che gli anni e
l’esperienza hanno accresciuto e rinnovato,
senza mai tradire le ragioni di una pittura il
cui primario obiettivo è cercare la bellezza
nella natura e nel cuore umano.
Camargue, 2015, olio su grassello, cm. 50x70
Ritratto di fanciullo, 2015, olio su tela,
cm. 45x45
Ritratto di Mario Luzi, 2014, tecnica mista
su tela, cm. 50x70
Cavalli al pascolo, 2015, olio su grassello, cm. 50x70
Nata a Montecatini Terme, fin da piccola vive a
Firenze. Ha frequentato la scuola di disegno e
pittura di Tiziano Bonanni e la bottega d’arte di
Amalia Ciardi Dupré per la scultura. Ha esposto in Italia
e all’estero e partecipato a diversi premi internazionali.
Tra i principali eventi espositivi si ricordano le mostre
personali: 2006, Convitto della calza; 2008, San Giovanni
Battista; 2009, Grand Hotel e Galleria Mentana; 2010,
Officina Profumo S. Maria Novella. Nel 2011 è a Venezia
per il premio Biennale Gondola d’oro e nel 2012 a Roma
alla Galleria Il collezionista. A Verona è presente nel 2012
all’Itaca Gallery; nello stesso anno è a Parigi per il premio
internazionale Le Louvre e a Bruges per la mostra collettiva
Città di Bruges. Sempre nel 2012 alla Galleria Frosecchi
di Firenze presenta le opere dedicate alla danza e a Carla
Fracci. Le sue opere sono presenti in fondazioni pubbliche
e private in Italia e all’estero. Nel mese di aprile dello
stesso anno ha preso parte alla mostra di arte sacra nella
Chiesa della SS. Annunziata a Firenze e nel mese di luglio
ha partecipato alla Marguttiana di Forte dei Marmi. Nel
2015 ha ricevuto il Premio Michelangelo a Palazzo Cesi
(Roma) e nel gennaio 2016 il Premio Leonardo da Vinci al
Circolo Borghese. Ha donato il ritratto di Giovanni Paolo II
al Museo Civico Giuseppe Sciortino di Monreale e nel 2016
ha realizzato il ritratto di Papa Francesco. Nel 2015 ha presentato
il ritratto di San Giovanni Bosco insieme alle poesie
di Paola Lucarini presso i Salesiani e a Palazzo Bastogi
sede del Consiglio Regionale della Toscana.
leda.giannoni@gmail.com
Leda Giannoni 17

Carmine Galiè
"Tra sogno e realtà" è il titolo della mostra
personale del pittore abruzzese che si inaugurerà
il 1° maggio al Museo Ugo Guidi di Forte dei Marmi
di Massimo Pasqualone
Si inaugura il 1 maggio, alle 18, presso il Museo Ugo
Guidi di Forte dei Marmi, la mostra personale di
Carmine Galiè, "Tra sogno e realtà", a cura di Massimo
Pasqualone, critico d’arte abruzzese, ideatore anche
del progetto itinerante che vede l’artista di Giulianova protagonista
in questa ultima di quattro mostre, dal Museo Michetti di
Francavilla al Mare alla Galleria Federico Barocci di Rubino, alla
Galleria Fremmenti d’arte di Roma, per un cammino itinerante, accompagnato
da un prezioso catalogo, curato da Pasqualone, che
così scrive nel testo introduttivo: “Carmine Galiè concepisce la pittura
e l’arte in genere, in quanto anche la scultura è per lui oggetto
preferenziale di ricerca, come l’abilità, o forse la possibilità, che
ognuno ha di dire la sua sulle cose del mondo, della vita, e della
realtà in particolare.
Da più di trent’anni nel panorama nazionale, Galiè predilige la
dimensione onirica a quella virtuale, con la capacità che solo il
sogno ha di dire veramente quello che il giorno nasconde.
Ed allora l’opera d’arte si fa investigazione, ricerca, abbraccio dei
minuti e dei secondi, un po’ in linea con una rinnovata esegesi
dell’attimo, di cui Galiè scandaglia profondamente ogni recondito
mistero, per altri versi in linea con la dimensione novecentesca
della biografia esistenziale che sempre
si interseca con la biografia artistica.
Galiè sembra far sua l’affermazione
secondo cui “tra venti anni non sarete
delusi dalle cose che avete fatto… ma
da quelle che non avete fatto. Levate
dunque l’ancora, abbandonate i porti
sicuri, catturate il vento nelle vostre
vele. Esplorate. Sognate. Scoprite.
(Mark Twain).
Su questa linea si muove, dunque, il
suo itinerarium, mai certo degli approdi
e sempre convinto che i porti non siano
di facile raggiungibilità.
Quello che Carmine Galiè attraversa
è quello che lo attraversa, quello che
Carmine Galiè vive è quello che ha vissuto
e che vivrà, con la mediazione di
un io sensibile, con la rarefazione delle metamorfosi dell’anima
che, quando la vita è veramente quella che si vede, si frantuma
e diventa opera d’arte, apertura al mistero, certo insondabile, ma
sicuramente ed artisticamente valutabile.“
La mostra resterà aperta fino al 30 maggio.
Il maestro Carmine Galiè presenta il suo genio creativo in una
esplosione di colori che suscitano nello spettatore sensazioni
profonde ed inquietanti. Hanno scritto di lui diversi critici tra cui
Massimo Pasqualone, Vitaliano Angelini, Miriam Travasi, Leo
Due opere del pittore Carmine Galiè
Strozzieri. Ha esposto in numerose
località in Italia e all’estero
vantando un curriculum artistico
di grande valore. La dimensione
di Galiè è quella onirica, costantemente
sospesa tra sogno e realtà,
con una pittura fortemente dinamica
che nasce da un io sensibile,
muovendosi tra le metamorfosi
dell’anima, con colori forti, ricca
di mistero e quasi insondabile in
alcune sue manifestazioni. Come
scrive il critico d’arte Pasqualone,
l’opera dell’artista “si fa investigazione,
ricerca, abbraccio dei minuti
e dei secondi, un po’ in linea con
una rinnovata esegesi dell’attimo,
di cui Galiè scandaglia profondamente
ogni recondito mistero”.
Carmine Galiè
Massimo Pasqualone, critico d’arte e letterario, poeta e giornalista,
insegna Sociologia dei processi culturali presso l’Università G.
D’Annunzio di Chieti. Al suo attivo ha oltre 200 pubblicazioni, consulenze
scientifiche in enti pubblici e privati, giurie ed eventi in tutta
Italia e in Portogallo, Polonia, Lituania, Germania, Albania. È direttore
dell’Enomuseo di Tollo e, tra gli altri incarichi, riveste il ruolo di componente
della Commissione inviti e della giuria del Premio Sulmona,
presieduto da Vittorio Sgarbi, di presidente del premio Paci di Isernia
e di consulente scientifico del Museo Ugo Guidi di Forte dei Marmi.
18 Carmine Galiè

TONINO
D’ORIO
A cent’anni dalla nascita
una retrospettiva alla
Casa di Giotto a Vicchio
Un ritratto fotografico dell'artista
di Paolo Marini
Fortemente voluta e accuratamente allestita dai figli Rosalba
e Benedetto, la grande retrospettiva di opere di
Tonino D’Orio in occasione del centenario della nascita,
che s’inaugurerà il prossimo 23 aprile presso la Casa di
Giotto a Vespignano (FI) lascerà il segno in tutti coloro che avranno
la fortuna di visitarla.
Nato nel 1916 a Roccasecca (FR), come S. Tommaso d’Aquino e Severino
Gazzelloni, del quale fu grande amico, da giovane suonava
praticamente tutti gli strumenti a corda. Il suo preferito, un violino,
rimase seppellito sotto le macerie della Seconda Guerra mondiale.
Comprò allora un mandolino, di cui divenne virtuoso ed ebbe anche
alcuni allievi. Fece teatro sotto l’egida dell’Enal di Frosinone,
recitò con Dora Calindri, sorella di Ernesto, curò diverse regie. Fu
organizzatore di innumerevoli feste con gruppi folcloristici ciociari.
Capitano negli Alpini, entrò
nell’Intendenza di Finanza
e, quando nel 1957 vinse
un concorso alla Dogana,
si trasferì a Firenze. Fino
ad allora aveva dipinto saltuariamente,
ma l’incontro
col suo maestro Gino Paolo
Gori, di cui frequentò con
assiduità lo studio, fu fondamentale:
dal 1959-60 si
dedicò esclusivamente alla
pittura, fino al 1977, anno
della prematura scomparsa.
Queste brevissime note biografiche
possono far esclamare
a chi ammira i suoi
dipinti: ah, ecco! Perché
Paesaggio lunare visto da una galleria
un’opera di Tonino D’Orio, come una poesia dell’ermetismo, reca
la sensazione che a monte ci sia qualcos’altro. Molto altro. Non di
rado un microcosmo. Che non poteva provenire da qualcuno che non
avendo di meglio da fare s’improvvisò pittore, ma solo da un artista a
tutto tondo, con un retroterra sconfinato e dalle mille sfaccettature.
Sbalordisce la coerenza stilistica dei suoi dipinti. Guardate la continuità
tra un paesaggio industriale e un tramonto lacustre. Scrive il
Tramonto su un lago
mio amico David Cantina nella nota al bel catalogo della mostra: “Si
tratta sempre di tramonti (il D’Orio si vantava spesso di aver visto innumerevoli
tramonti e mai un’alba), il momento della giornata in cui
la luce inizia a calare e l’avanzare del crepuscolo conferisce al cielo
moltissime sfumature. ”Guardate le sue donne, dipinte o disegnate
spesso in pochi tratti. O era sempre la stessa? Guardate i suoi cieli,
e faccio ancora mie le parole di David: “Un cielo che accoglie sotto di
sé una natura fatta di declivi, talvolta brulli, talvolta boscosi, strade
di campagna, laghi in cui il sole si immerge liquefacendo la sua luce
sugli specchi d’acqua, campagne velate dalla nebbia dove si possono
riconoscere alcune case, rovine industriali divorate dalla vegetazione”.
Personalmente ho un debole per certe sue vere e proprie
miniature, dipinti di dimensioni ridottissime in cui pennellate dense
e materiche, non di rado poche, non di rado puro colore, forgiano
nondimeno un brulichio di contenuti emozionali su cui meditare.
Per alcuni questa esposizione sarà una riscoperta, per molti una scoperta.
Tutti ne concluderanno inevitabilmente che Tonino D’Orio ci
ha lasciati troppo presto.
La mostra sarà visitabile fino al 15 maggio, il sabato e la domenica
dalle 10 alle 13 e dalle 15 alle 19, e nel pomeriggio del 25 aprile.
Tonino D'Orio
19

“Un abbraccio al mondo”
di Mara Faggioli
Con la sua arte ci aiuta e ci costringe a
riflettere e a parlare di diritti acquisiti dalle
donne e dei tanti ancora da conquistare
di Serena Vincenti
Inaugurata il 6 marzo nel Palazzo
della Cultura in Cardoso di Stazzema
la mostra “Un abbraccio
al mondo” di Mara Faggioli, alla
presenza del sindaco di Stazzema
Maurizio Verona, dell’assessore
alla cultura del Comune di
Stazzema Serena Vincenti, del
Presidente del Consiglio Comunale
di Scandicci e Presidente
del Comitato Permanente per
la Memoria Daniele Lanini, del
Aung San Suu Kyi, olio su tela,
cm. 35x50
Presidente ANPI di Scandicci Renato Romei, del Presidente Associazione
“I colori della Pace” Antonio Giannelli.
Il Comune di Stazzema nel mese in cui si ricorda la Giornata della
Donna ospita al Palazzo della Cultura in Cardoso una mostra
dell’artista Mara Faggioli per rendere omaggio a donne che in
diversi campi e modi hanno favorito l’emancipazione femminile
e la conquista della parità di genere. Si tratta di donne più o meno note
al grande pubblico dal Premio Nobel per la pace Aung San Suu Kyi per
il suo impegno per i diritti umani nel suo paese il Myanmar di cui oggi è
Un momento dell'inaugurazione. Da sinistra: Antonio Giannelli Presidente Associazione
“I colori della Pace”, Daniele Lanini Presidente Consiglio Comunale Scandicci, Mara
Faggioli, Maurizio Verona sindaco del Comune di Stazzema e Serena Vincenti assessore
alla Cultura del Comune di Stazzema.
Tuya, olio su tela, cm. 50x70
Stazzema luogo carico di storia e di memoria per un orrendo
crimine, l’eccidio di Sant’Anna del 12 agosto 1944, diventato nel
2000 Parco Nazionale della Pace, oggi porta avanti politiche per
educare le nuove generazioni ai valori della pace, della giustizia
e del rispetto fra i popoli.
Mara Faggioli
Tel. 339 3594145 - marafaggioli@hotmail.it
primo ministro, ma anche scrittrici
come Karen Blixen, scultrici come
Camille Claudel o la pittrice impressionista
francese Berthe Morisot,
o la pittrice messicana Frida
Khalo, che fecero scelte diverse da
quelle che il loro tempo e la morale
imponeva loro. Ci sarà anche
la giovane Rita Atria, testimone di
giustizia, che aveva rivelato agli
inquirenti aspetti ritenuti estremamente
interessanti sulle cosche mafiose del trapanese e del Belice,
morta suicida a 18 anni dopo la strage di via D’Amelio del 19 luglio
1992. E ancora la partigiana di Scandicci Tosca Bucarelli. Donne di diverse
età che spesso sono andate
controcorrente e hanno consentito
un avanzamento sul piano dei diritti
delle donne e dell’intera umanità
lottando per fare della propria
vita un esempio contro ogni sopruso
e violenza e più in generale contro
ogni ingiustizia. Il coraggio e la
lotta di queste donne diventano
passi verso l’emancipazione non
personale, ma universale, perché
la conquista dei diritti delle donne
Camille Claudel, terracotta
è una conquista per tutti. Questa
mostra ci aiuta e ci costringe a riflettere
e a parlare di diritti acquisiti e dei tanti ancora da conquistare.
Vi sono ancora luoghi nel mondo in cui la cultura è interdetta alle donne
e alle bambine, perché la cultura è la più potente delle armi contro le
ingiustizie.
20 Mara Faggioli

Francesco Beccastrini
Dagli anni Sessanta il pittore dedica la sua ricerca allo
studio del paesaggio toscano al quale conferisce, attraverso
un uso sapiente della luce, toni di una limpidezza surreale
di Fabrizio Borghini
Nasce a Fiesole nel 1949. Ha iniziato
a disegnare e a dipingere
fino da giovanissimo. Spinto da
un irrefrenabile impulso verso
quest’arte, dapprima autodidatta, poi ha
frequentato corsi di disegno e pittura presso
scuole e studi di artisti fiorentini. La sua attività
espositiva inizia già negli anni Sessanta
partecipando a collettive giovanili e a concorsi
scolastici.
Dopo un lungo periodo di assenza espositiva
dedicata però allo studio e alla ricerca di una
propria identità pittorica, assenza dovuta anche
all’inizio di un’attività professionale presso
un’importante casa editrice fiorentina, riprende
l’attività negli anni Novanta partecipando a
diverse manifestazioni collettive e personali,
concorsi, a fiere d’arte nazionali, esponendo
a Firenze, Roma, Venezia, Mantova, Siena,
Parma, Livorno, Reggio Emilia, Viareggio,
Torino, in strutture pubbliche, associazioni e
gallerie private e ricevendo premi, attestati e
riconoscimenti da critica e stampa.
Ancora adesso divide la propria attività artistica
con quella del lavoro presso la Casa
Editrice Giunti.
Membro di alcune storiche associazioni fiorentine,
in cui ha fatto o fa parte del consiglio
direttivo, come Gadarte, Artisti Fiesolani ed
altre; per anni ha frequentato la galleria di
Eco d’arte moderna, muovendo i primi passi
e partecipando a numerose manifestazioni organizzate
da Paolo Baracchi e Roberta Fiorini.
La critica definisce la sua pittura prevalentemente
indirizzata al paesaggio toscano, all’osservazione
del vero. Le sue opere si dilatano
secondo uno spartito ideale in cui la luce distende
i piani e le forme dotandoli di una limpidezza
surreale e la rigorosità dell’impasto
pittorico ne ribadisce l’afisicità.
In particolare hanno scritto di lui ed hanno
presentato le sue mostre: Paolo Baracchi,
Roberta Fiorini, Dino Pasquali, Carlo Pedretti,
Gloria Fossi, Federico Napoli.
Un luogo ideale
Una sera sull'Arno
Il Cestello
Tramonto sulla città
Gabbiani in volo
Francesco Beccastrini
Francesco Beccastrini
Cell. 335 7564200
f.beccastrini@gmail.com
Francesco Beccastrini 21

Gabriella Casini
Pittrice di luci, colori e profumi dell'anima
di Lucia Raveggi
Nasce ad Impruneta nel
1959, ma vive a Signa
dal 1992. Amante della
pittura, si è avvicinata
al mondo delle tele e colori da autodidatta.
Ha frequentato l'Istituto
Magistrale ed è diventata maestra
della scuola Primaria e dell'Infanzia.
Ha continuato a dipingere per
propria soddisfazione, cercando di
fermare sulla tela, con i suoi colori,
tutto il "bello" della realtà. I soggetti
principali sono gli elementi della Gabriella Casini
natura: gli alberi, gli uccelli, gli scenari
inquieti e primi su tutti i fiori. La sua è una pittura figurativa, fatta di
colore ed energia, in cui lo acceso cromatismo si sposa alle pennellate
vigorose. La tecnica spazia dall'olio su tela, all'acquerello, fino a toccare
le sperimentazioni più recenti, con la pittura acrilica. Fra le mostre cui
ha partecipato anche diverse collettive con i pittori di Impruneta; alcune
Tocchi di colore, acrilico su tela
Anemoni, acrilico su faesite
con gli artisti signesi dell'associazione La Torre, di cui fa parte: quella del
settembre 2013, tenutasi nel Circolo Arci Stella Rossa, Castello di Signa.
A seguire le mostre: collettiva del settembre 2014, nell'ex-caserma a Signa;
mostra del gennaio 2015 a Lastra e a Signa: quella degli artisti delle
Signe, contemporanei, che la vede comparire nell'apposito catalogo, dal
titolo: "Artisti contemporanei delle Signe". Segue la mostra personale
nel Comune di Signa, nella Sala dell'Affresco dal 16 al 28 maggio 2015.
La mostra collettiva nel 2015, contemporaneamente nel Castello di Signa
e nella fabbrica Michelagnoli, in occasione della festa Medievale.
Attualmente la mostra personale nel viale Matteotti, 17/19r Firenze al
Caffè Principe e la collettiva nell'ex caserma dei Carabinieri a Signa dal
19 al 30 marzo 2016.
Aironi bianchi e d'oro nel sole,
tecnica mista su tela
Inno all'amore: la gioia del cuore,
tecnica mista su tavola
Gerbere bianche tra fiori celesti e ocra,
tecnica mista su cartone telato
"La mia pittura, in questi
ultimi tre-quattro anni, ha
subito dei cambiamenti rispetto
al passato. Il colore
mi ha sempre appassionata
e la sua stesura; ma ora
l'effetto cromatico vivo, mi
affascina totalmente e cattura
la mia attenzione. Mi
interessa la forza cromatica
per quello che riesce a dare,
a trasmettere, più che la forma
in se stessa delle cose:
eppure le voglio rappresentare...
Come se volessi, attraverso
la forma, giungere
a vedere nell'interiorità più
profonda dell'animo umano;
come se volessi accentuare
i valori emozionali,
espressivi e spirituali della
realtà: dipingo quello che
sento. Il colore è il vero protagonista
dell'immagine.
Il colore, con il suo effetto
è il mezzo per esprimere il
mio stato d'animo: i miei
sentimenti più nascosti. La
forza cromatica accesa facilita
e la luce mi dà gioia
all'animo. Espressionista,
mi posso definire nel tratto:
pennellate definiscono la
forma della realtà, che in mente appare, disgiunta dal reale, tangibile;
in cui l'effetto trasmette sicurezza nel rappresentare".
Scrive l'artista:
“Mi rifugio nell'arte, dove tutti i miei problemi prendono quiete.
I colori dominano il mio animo e rimbalzano alle sue pareti. Escono
fuori dalle forme mentali perché non vi vogliono restare. Troppo
cupo è il loro restare in un ghetto ottuso. Loro hanno bisogno di
espandersi, per prendere luce e dominio della forma fisica. Loro hanno
bisogno di concentrarsi in un punto della tela ed emergere, hanno
bisogno di saper stare insieme e di manifestare amore.”
L'arte della pittura deve attendere anche a principi di grande forza
morale: giustizia, onestà, lealtà, rettitudine, pace e amore da trasmettere
a tutta l'umanità...
Gabriella Casini
Cell. 334 1623781 - casinigabri@gmail.com
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Gabriella Casini

La cultura e l’arte
di Esart e di Hdemy
Per forgiare il talento degli associati
di Andrea Cardini
Arte, cultura e spettacolo sono gli elementi per i quali
l’Associazione Culturale Esart dedica la propria attività
da tanti anni fra le province di Pisa e Livorno, in particolare
a Fauglia e, attualmente, a Collesalvetti. Molti sono
stati i soci che, nel tempo, hanno dedicato la loro opera per allestire
spettacoli musicali e teatrali, per dipingere, per scolpire, per fare
musica, per abbracciare ogni forma di arte che allieti e plasmi la
sensibilità e l’intelletto.
Per sviluppare la cultura, l’arte va fatta, ma va anche diffusa. Lo
spirito vero di chi ama l’arte è quello di tramandarla non solo con
le proprie opere, ma anche stuzzicando la sensibilità, coinvolgendo
le persone per stimolare la curiosità, facendo scoprire ad ognuno le
proprie capacità, le propensioni e far emergere talenti.
Non a caso Esart ha come mission la diffusione della cultura, l’insegnamento
e la formazione. Fortemente voluta dall’attuale presidente
dell’associazione, l’artista Beatrice De Laurentiis, alcuni anni fa è
nata Hdemy - Libera Scuola
per l’Arte, lo Spettacolo e
la Cultura che, sempre in
seno alle attività di Esart,
coinvolge molti artisti ed
aspiranti a molte arti, dalla
pittura alla scultura, dalla
musica al teatro offrendo
lezioni, stages, seminari
con insegnanti ed artisti di
rilievo come, attualmente,
il noto pittore livornese
Albo Favilli, la maestra di
musica Alessia Belli, la
maestra Ludovica Gambari
per l’incisione e, ovvia-
mente, Beatrice De Laurentiis per la
scultura.
A questo punto è obbligo spendere
alcune parole per la “Pittoscultrice”
Beatrice De Laurentiis, che è il vero
motore dell’associazione, inesauribile
e caparbia nell’adoperarsi per
organizzare, gestire, ideare e coinvolgere,
con generosità e competenza,
i soci e gli artisti sia nelle attività
che negli eventi. Uno dei punti
di forza, infatti, è proprio quello di
creare delle performances e mostre
di qualità dove gli artisti, ed aspiranti
tali, possono mettere le loro
opere e creazioni alla valutazione
del pubblico e della critica. Una critica che è sempre stata generosa
con le attività di Beatrice, di Esart, di Hdemy e, soprattutto, nei
confronti degli artisti che, nel tempo, sono stati insigniti di diversi
riconoscimenti e premi.
Di recente l’associazione ha preso in gestione degli spazi presso
le ex-piscine di Collesalvetti dove ha trasferito la propria sede,
quella della Libera Scuola Hdemy e ha creato degli spazi espositivi
a disposizione degli artisti, anche non soci, per mostre, convegni,
seminari ed eventi.
Info: Beatrice De Laurentiis 347 0620271
associazione.esart@libero.it - Facebook: Associazione Esart - Hdemy
Esart e Hdemy
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Héxié nasce nel 2014 dall’incontro tra Anna Paola Guglielmotti,
artista e Master Feng Shui e l’ artista scultrice Marilinda Bria
… Un incontro casuale fa scaturire la voglia e l’entusiasmo per
iniziare un percorso dove poter consolidare le proprie pluriennali
esperienze e, nel contempo, cercare modalità innovative di lavoro…
Héxié è armonia, creatività, ricerca artistica che pur nella
differenza delle due donne, giunge ad unire energia ,
movimento e contenuto, partendo da elementi vitali per
l’essere umano: fuoco, terra, metallo, acqua, legno.
Nascono, oggi, gioielli d’arte, pezzi unici, sculture per il collo
delle Donne… per “il collo del Mondo “.
I gioielli e l’arredamento Héxié sono creati mixando l’arte
della scultura con l’arte metafisica cinese del Feng Shui e del
Ba Zi; Anna Paola e Marilinda nelle loro creazioni, fondono
sapientemente la tecnica e la poesia della scultura con le regole
del Feng Shui e del Ba Zi, per il raggiungimento di un equilibrio
dell’energia tra la persona e l’universo.
www.hexie-gordio.it
hexie.gordio@libero.it
+39 347 9627552
+39 339 4614511

La magica arte dei burattini
Guendalina Maggiora ha arricchito nel corso dei questi anni
la compagnia teatrale La Birignoccola di ben cento personaggi
Testo e foto di Maria Grazia Dainelli
Guendalina Maggiora nasce a Lugano il
18 maggio 1961. Dopo il Liceo Artistico
frequenta un anno di Accademia di Belle
Arti a Firenze seguendo il corso di Pittura
tenuto dall’artista Silvio Loffredo.
Nel 1982 si iscrive alla Facoltà di Lettere e Filosofia
dell’Ateneo Fiorentino seguendo corsi di Storia
dell’Arte e consegue la laurea nel 1994 con una tesi
d’indirizzo archeologico medievale.
La passione per l’arte non cessa mai tanto che poi
decide di abbandonare ulteriori specializzazioni accademiche
per dedicarsi alla costruzione di burattini e
figure animate. Una passione che, nel corso degli anni
successivi, la coinvolge al punto che nel 2004 decide
di fondare assieme al marito una compagnia di Teatro
di Figura denominata La Birignoccola, espressione derivata
dal linguaggio comico dei burattini che, quando
battono la testa sul boccascena del teatrino, dicono:
“Ho battuto la ciribirignoccola”.
Guendalina, memore della sua formazione, inizia così
un percorso artistico molto originale in quanto la sua
scultura, essendo destinata a divenire forma animata
dalla mano dell’uomo, deve cogliere il massimo
dell’espressività. Il burattino è per antichissima tradizione
popolare l’attore fatto di legno e stracci e, per
distinguersi dagli attori in carne ed ossa, deve avere
tratti decisi, lineamenti sicuri, affinché da quel micro
spazio in cui si muove possa compiere il suo ruolo ed
essere apprezzato dagli spettatori. Ecco perché l’origine
di questo genere teatrale è dalle maschere: dal
mondo greco fino alla Commedia dell’Arte. Una sorta
di linguaggio teatrale in cui la vocalità e l’espressività
dell’attore rendono vitale e interattiva l’azione.
Chi, come Guendalina, intaglia la testa di un burattino
deve pertanto abbandonare regole, canoni e proporzioni
tipiche della bellezza per andare alla ricerca di
astrazione, deformazione, esagerazione, affinché in
quel blocco di legno sia racchiuso tutto il senso, il carattere
e il linguaggio di quel personaggio. Ecco che
allora nei burattini di Guendalina riaffiora il senso più
recondito e fantastico dell’universo arcano delle fiabe, dal Medioevo
fino a noi.
Dagli orchi, goffi e disarmonici, ai cavalieri, re e regine, dall’espressione
audace e fiera, alle streghe storte e nasute fino ai protagonisti
comici del repertorio teatrale popolare che hanno tratti attinenti alla
loro comicità: nasi tondi e arrossati, bocche aperte e sorridenti, strani
bernoccoli e protuberanze.
Autodidatta per quanto riguarda l’intaglio del legno, ha arricchito
nel corso dei questi anni la compagnia teatrale di ben più di cento
personaggi che vanno dalle maschere tradizionali: Pinocchio, Pulcinella,
Arlecchino, Sandrone…, ai tipi popolari: Masticabrodo,
Tattameo, Pipetta…, ai tipi nobiliari: re, regine, principi,
principesse, Granduchi, Marchesi… fino ai soggetti fantastici:
orchi, streghe, diavoli, maghi, fate e mostri. Nel 2005 viene
invitata a Perugia al Festival Internazionale delle Figure Animate
dove tiene una serie di dimostrazioni di come si intaglia
una testa di burattino. Si tratta di una occasione in cui i suoi
burattini vengono visti e apprezzati sia dai burattinai italiani
che stranieri, oltre che da scultori ed artisti vari. Questa performance
le permette di iniziare ad avere contatti anche con
altri maestri scultori del genere e a ricevere alcune richieste
di teste da scolpire da altre compagnie teatrali.
Per il suo temperamento artistico e la sua bravura è notata
da Viviana Puello che nel 2014 la invita ad esporre alcuni dei
suoi pezzi al Vivid Arts Network-Cutting Edge-
Master of Contemporary Art che si tiene a Firenze,
elevando così i suoi burattini a vere e proprie
sculture. Espone contemporaneamente nella
stessa sede alcuni disegni, a testimonianza di
un percorso grafico che non è mai stato separato
da quello dell’intaglio delle teste di legno.
Infatti, fin da piccola ha espresso un vivo interesse
per il disegno e in particolar modo per il
ritratto.
L’interesse per il volto umano si è presto tradotto
per una propensione a estrapolare i caratteri
tipici dei personaggi fino ad arrivare a disegnare
molte caricature.
Nei burattini Guendalina ha potuto rendere la
caricatura tridimensionale dal momento che
il burattino è l’essere artificiale animato che
rappresenta la caricatura dell’essere umano a
differenza della marionetta, manovrata con i fili,
che invece lo imita fedelmente anche nei movimenti.
Ecco come l’artista, spiega il suo lavoro: “Una
testa viene concepita prima tirando fuori i tratti
del personaggio che voglio realizzare; la fisiognomica
dei vari tipi prima di essere portata
sulla superficie del blocco di legno va disegnata
sulla carta, e i tratti della matita si traducono
poi nei tratti che gli strumenti dell’intaglio: sgorbia,
scalpello o stracantone traducono, scavano, incidono. E come la
matita segna la linea, i piani e il profilo sulla carta, così lo scalpello
traduce sul legno quei tratti, quei piani e quel profilo. Poi la matita
ripassa, sottolinea, sfuma e la sgorbia esegue solchi, lima bordi,
sfaccetta superfici fino a fare vibrare le forme nella luce. Infine il
colore applicato in seguito al volto termina quell’opera plastica che
deve apparire espressiva sulla ribalta”.
Guendalina Maggiora nel suo laboratorio
GUENDALINA MAGGIORA
Via Montauto, 96 - 50023 Impruneta (FI) - Tel. 055 641399 - Cell. 349 3561018
birignoccola@interfree.it - www.//labirignoccola.it - Guendalina Maggiora Facebook
Guendalina Maggiora 25

La Biennale d’Arte
Contemporanea del
Burlamacco arriva
alla Quinta Edizione
Testo e foto di Duccio Ricciardelli
Rolando Scatarzi con Enrico Carlisi e Giuseppe Paoli
Sabato 19 marzo è arrivata alla
quinta edizione la Biennale
d’Arte Contemporaneana del
Burlamacco. All’interno del
magnifico Hotel Esplanade di Viareggio, si
è svolta la collettiva dei quaranta artisti
del gruppo fiorentino Gadarte, coordinati
dall’artista Enrico Carlisi, vera e propia
anima e promotore del progetto. Questa
interessante manifestazione, vuole essere
una celebrazione del colore e dell’arte
propio nel periodo più colorato e creativo
dell’anno. La mostra rimarrà aperta fino al
15 aprile e ci sarà dunque la possibilità
di vedere un’ interessante collettiva con sorprese
e nuovi artisti di altissimo livello. Presente
al vernissage della mostra Stefano Marmugi,
presidente di Gadarte che propio per il suo
prezioso lavoro dedicato all’arte a Firenze ha
ricevuto uno speciale riconoscimento per la cultura.
Anche il nostro direttore Fabrizio Borghini
per la sua attività con l’Associazione Toscana
Cultura, è stato premiato l'impegno nella diffusione
e promozione dell’arte in Toscana. Consegnati
anche riconoscimenti culturali a Miranda
Mei dell’Associazionne Firenze Arte - Galleria
Cimabue e al Circolo Arti figurative di Empoli,
rappresentato dalla pittrice Lorella Consorti.
Francesco Beccastrini Renzo Sbraci Premio Ondina
I premiati della quinta edizione della Biennale
d’Arte Contemporanea del Burlamacco:
Premio del Pubblico per 38 voti su 52 votanti:
Rolando Scatarzi
Segnalazione per l’opera di scagliola:
Ambretta Mari
Segnalazione per la scultura:
Umberto Muti
Segnalazione per la pittura:
Donatella Calamai
Segnalazione per l’innovazione e l’originalità nel design:
Luciano Manara
Premio Burlamacco Giovani per il coraggio e l’originalità dell’espressione:
Denis
Premio della Stampa assegnato da Toscana Cultura:
Francesco Beccastrini
Premio Ondina:
Giancarlo Aiosa
Primo Premio Burlamacco 2016:
Renzo Sbraci
Luciano Manara
Dopo un momento conviviale di altissimo livello, servito nelle
splendide sale dell’hotel di piazza Puccini, il professor Giuseppe
Paoli, presidente della qualificata giuria di quest’anno, ha
consegnato i riconoscimenti agli artisti premiati.
26 Biennale d'Arte Burlamacco

André Bodin Labode
Le opere dell'artista evidenziano una
consumata arte del disegno e un'elevata
qualità del segno grafico al servizio
di una fantastica creatività in cui perdersi
di Gregorio Rossi
Quando si affronta l’analisi
dell’opera di un
pittore di epoca contemporanea,
istintivamente
si può incorrere, anche
per facilitare il concetto di analisi,
nel definire o meglio incasellare il
suo stilema in tre principali categorie,
del figurativo, dell’estratto,
dell’informale.
Raramente ci troviamo difronte
ad opere come quelle del maestro
André Bodin Labode; certamente
nell’attualità, cerchiamo, vogliamo
e veniamo impressionati dalla
novità, elemento essenziale della
comunicazione visiva di questi
tempi.
Dobbiamo però ricordare che la
nostra intelligenza necessita e
vuole confronti costanti perché
deve ancorare il sapere alla memoria
così da permettere al pensiero
di appropriarsi dei suoi percorsi
innovativi.
Il passato è infatti in noi anche nel
modo di parlare ed in questo caso
di osservare ma, così come linguaggio
l’arte ha assunto un peso
ed un sistema comunicativo diverso
da quello del passato; senza comunque, a mio avviso, perdere il senso
della tradizione quando ci troviamo dinanzi ad opere di grande qualità.
In realtà tanto la musica quanto la pittura sembrerebbero non aver necessità
di una conoscenza delle tradizioni ma per quanto riguarda la
pittura la percezione di una sua eredità quasi infinita serve in maniera
eccelsa. Con questa mia affermazione potrei dare l’impressione che la
pittura sia un linguaggio che chiunque può intendere con semplicità, diversamente
per esempio da quanto accade per la poesia; anche i quadri,
così come qualsiasi opera d’arte, non producono però effetto se non su
un animo preparato. Ogni persona che la guarda deve intraprendere un
viaggio solitario che l’artista ha indicato e quelle immagini arrivano ad
essere compagne di viaggio.
Così, invito coloro che osservano le opere del maestro André Bodin
Labode, a perdersi nelle fantasticherie
da lui elaborate.
Infatti questi dipinti sono romanzi
che, se pur concentrati
in un’unica scena, richiedono
una lettura attenta ed appassionata.
Per quanto non mi senta di
definire in maniera assoluta
astrazione lo stilema di questo
artista, vorrei affrontare
il concetto che l’astratto
non viene secondo al figurativo
sotto alcun aspetto
ed ha radici remote perché
entrambi i generi hanno la
loro genesi nella notte dei
tempi.
Queste opere indicano in
maniera inequivocabile una
consumata arte del disegno, una elevata qualità del segno
grafico elaborato dove la tavolozza, con uno spettro personale
di pigmenti, sembra voler invitare ad un riposo rigeneratore
della moderna mente affaticata.
André Bodin Labode
27

5ª Edizione
Florence Total
Contemporary
Art ©MUSIWA e WA©RT al Museo
Mediceo di Palazzo Medici Riccardi
di Lorenzo Borghini
La 5ª Edizione di Florence WA©MUSIWA Mosaic and Total
Contemporary Art di ©WA, nasce dalla volontà e dall’impegno di
Francesco Chimienti Art Director e Presidente del progetto “Brand
WA©MUSIWA”, con la presentazione dei grandi maestri del
mosaico e la proposta di nuovi talenti nei diversi campi delle arti visive: pittura,
scultura, fotografia, design e istallazioni. Un incontro con le nuove visioni, aperto
a contaminate multimedialità, come dimostra la partecipazione di numerosi
giovani validi artisti cinesi, uno scambio per superare le difficoltà di chi “guarda”
e opera sulle vie di questa ricerca avendo però saldo il legame con il passato.
Una propria identità culturale, propositiva a volte semplicemente visiva. L’arte è
contemporanea, e ne viene presentata la TOTAL, quella che può parlare alla nostra
anima e dare un senso del proprio tempo, per superare la difficoltà di chi “guarda”
alle vie di quest’arte, cercando
una propria identità culturale. Non
è una strategia d’indagine, una
sponsorizzazione indiscriminata
del nuovo o dell’attuale, ma un
percorso che catalizzi verso ciò che ci
appartiene e che diverrà “passato” e
“tradizione”.
WUSIWA Contemporary Mosaic e
WA©RT Total Contemporary Art. Nella
splendida location del MUSEO ME-
DICEO e Limonaia di PALAZZO MEDI-
Francesco Chimienti e Massimo Campaioli
razione con Palazzo Medici Riccardi, Perseo
Jewelry School, APCI Alliance Project
China Italy, Villa Paris Roseto degli Abruzzi
dove sarà trasferita la selezione ORO MU-
SIWA dopo Firenze. Con il Patrocinio di
Regione Toscana, Città Metropolitana di
Firenze e Comune di Firenze.
Palazzo Medici Riccardi sede della mostra
CI RICCARDI dal 1° al 13 aprile via Cavour
3 Firenze. Tra gli interpreti più interessanti
del panorama musivo internazionale,
dalla Francia alla Russia, dall’Australia
a Israele, Egitto e America, una valida e
nutrita presenza di interscambio di artisti
cinesi sottolinea la dimensione mondiale
dell’evento.
INAUGURAZIONE 4 aprile ore 16,00.
Direzione artistica e presidenza Francesco
Chimienti, da Giulio Candussio di
Fondazione Manifesto Essere Mosaico,
a cura di Massimo Campaioli in collabo-
Fabrizio Borghini intervista Cristina Acidini, presidente
dell'Accademia delle Arti del Disegno, durante il vernissage
28 Florence Total Contemporary Art

Zheng Yu
è un’artista cinese che si è laureata all’Accademia di Belle Arti di Firenze, nel corso
di Visual Arts and New Language Representation-painting pursed professional
learning. È la vice presidente dell’Associazione dello Sviluppo Sociale in Italia.
Si sono tenute tre sue mostre personali negli ultimi tre anni:
- novembre 2016: “Vision Changing”, Johhan Art Museum, Shanghai;
- marzo 2014: “Light of the Universe-Exploration of New Visual Art Languages”,
Today Art Museum, Beijing;
- marzo 2016: “The Universe of Yu”, TongXi Art Museum, Nanjing.
Sue opere sono state esposte nell’Art Museum in Russia e nel Consolato Italiano
a Shanghai. Inoltre, sue opere sono entrate a far parte di collezioni personali sia
in Cina che all’estero.
Una vita di lotta è una vita vera:
Hai tutte le cose di cui ai bisogno
Dentro di te, pensa a te stesso per primo
Anche se il tempo è breve, le risorse sono limitate,
Nonostante lo sconforto delle giornate uggiose,
Di tutti i modi malsani e oscurati
Per realizzare la nostra ricerca interiore: sì, nonostante tutto,
La forza interiore muove via la coltre
Dai nostri spiriti oscuri. A volte, anche una sola goccia nel fiume
nel tempo può fare alzare la marea, quindi, non c'è niente che non
si può affrontare. Quanto a noi, le meteore sono destinate ad essere
consumate in illuminazione neI cielo, ma il momento di folgorazione
è eterno. Tuona la nostra esistenza, in tutto il cosmo.
Ciga Long
è un giovane Designer di Gioielli cinese, è anche il direttore artistico della
comunicazione visiva di gioielli. Giovane pittore. Fondatore del marchio Ciga
Long, scrive per diverse riviste. È laureato alla scuola di gioielleria di Firenze
e ha frequentato il corso di specializzazione sull’analisi dei gioielli all’università
di Pechino. In seguito ai suoi studi è stato intervistato da diverse
riviste e ha partecipato anche a
numerose mostre e eventi a livello
internazionale.
Nell’anno 2015 è apparso su Bazaar
Jewelry come il designer più
giovane intervistato dalla rivista.
Nell’ottobre 2015 è stato invitato
a partecipare alla Biennale di Firenze
dove ha ottenuto il premio
riservato all’ Arte del gioiello. È
stato intervistato per due volte
da La Nazione che gli ha dedicato
anche altri articoli.
L’opera presentata a Florence Total Contemporary Art è una spilla progettata
come una figura di uccello, tutto decorato in stile barocco. L’opera è intitolata
“Spilla dell’uccello volante” e presenta un uccello appoggiato su un albero, che
sta per volare verso in cielo.
Florence Total Contemporary Art
29

Zhu Yi
In campagna crescono molti fiori e
piante verdi e finché fa fresco puoi
sentire la segreta fragranza delle
quattro stagioni.
Un artista, sia dialettico o idealista,
è sempre in uno stato di conflitto
interiore. Questa è un'esperienza
che la gente “normale” capisce con
difficoltà. Di solito la gente non può vedere il conflitto interiore nascosto
dietro la prosperità e il superfluo. Noi artisti abbiamo il compito
di cercare l'armonia tra il soggetto cognitivo e la rappresentazione
oggettiva. Al contrario, le persone ordinarie pensano il mondo con
una logica stereotipata, guidata dall'apparenza esteriore delle cose.
Poiché la verità si cela di solito dietro ragionamenti fallaci o anche
idee eretiche, noi capiamo soltanto a metà. Neanche facendo ricorso
a significati visibili o invisibili finiremo mai la nostra ricerca sulla
verità delle cose. Noi cerchiamo, attraverso i lavori che creiamo in
questa ricerca infinita, di dire qualcosa intorno a un argomento informe,
nebbioso, indistinto. Sembriamo vivere in un mondo interiore
così poco definito e chiaro da sembrare un incrocio stradale pieno di
nebbia dove non sai dove andare. I miei lavori mettono in mostra la
mia sola idea dell'arte nella quale sembra che noi viviamo in “spazio-tempi”
completamente diversi. Noi sembriamo avere differenti
stati mentali o un dialogo su due concezioni della vita totalmente
diverse.
Con un aeroporto vuoto, o un'autostrada che non va da nessuna parte,
io tento di esprimere l'esistenza di due mondi paralleli.
Il colore del cielo è sempre grigio a causa del corrente modello di
sviluppo, e le persone vogliono scappare o restare? Non ho una risposta
definita, è responsabilità di ciascuno di noi. Approfondendo,
puoi trovare un punto di partenza o un indizio che crea perplessità in
tutti noi: questo è il mercato della vanità. Noi siamo ammucchiati insieme.
Noi siamo estranei l'uno all'altro. Ognuno di noi sembra essere
venuto da qualche altra parte. Noi siamo stranieri l'un l'altro. Noi
siamo tirati a lucido. Lo sfarzo è ciò che vogliamo. Noi siamo alieni
l'un l'altro. Abbiamo perso il senso della nostra direzione e forse
cadremo giù. Ma all'improvviso arriva una voce che dice: "Torna da
dove sei partito, almeno per un po’. Liberati di quel laccio invisibile".
Quindi ci sembra di vedere più chiaro e di accorgerci che lo sfarzo
di cui eravamo prima tanto bramosi era
una visione che ci avrebbe fatto impazzire.
Alla fine, possiamo accorgerci dei
fiori che sbocciano nei campi e dei sentieri
intorno e completare la storia per
intero. Il mondo è sempre meraviglioso,
ma per la domanda “scappa o rimani”,
insisto a lasciare decidere a te. Cerco
sempre di spiegare un problema intorno
all'esistenza attuale. Viviamo in un
mondo a colori, ma a volte sentiamo di
cadere, cosa difficile da capire e ancora
di più da evitare. La terra è senza limiti
e i nostri pensieri si spargono in tutto il
mondo. L'eccellenza può essere mostrata
in ogni momento ma l’“ego” in realtà
è caduto in uno stato di isolamento e
noi ci consideriamo come un genere di
“creazione”. Questo tipo di creazione “autonoma” può sfociare nella
pazzia. Al momento, se cado nel mito che ho creato, cadrò a vedere
i miei fallimenti.
Noi artisti siamo viaggiatori solitari. Dovremmo entrare in una condizione
di solitudine e poi uscirne fuori e godere il mondo.
Jiang GuangYu
Nasce in Cina nel 1968. Nel 1990
inizia gli studi presso l’lstituto
d’Arte di Shandong,diplomandosi
come maestro d’arte nel 1994.
Nello stesso anno trova lavoro
come designer a tempo pieno
presso la JIANGUO Co., a Quindao.
Nel 1996 ottiene la cattedra
di Design del Tessuto e della
moda presso il dipartimento di
Belle Arti dell’Università di Quindao,
incarico che detiene tutt’oggi.
Nel 2009 inizia ad approfondire
la tecnica ad acquerello, grazie
anche alla guida e all’appoggio di grandi maestri quali Hou Anzhi
e Tao Shihu. Da allora ha ricevuto diversi riconoscimenti e menzioni
al merito per il suo contributo artistico: nel 2011 le opere ad acquerello
Speing Fishing (“Pesca a primavera”) e The Wind (“Il vento”),
hanno ottenuto il decimo ed undicesimo posto alla Esposizione Nazionale
d’Arte di Shangdong. Nel 2012 l’opera Cages (“Gabbie”) è
stata selezionata per la prima Mostra del Pastello e dell’Acquerello
organizzata dallo Shangdong Arts Council. Nel settembre 2013, in
occasione della decima edizione del China Art Festival, il Public Daily
gli dedica un articolo definendolo
”artista d’avanguardia”, e pubblica
dodici opere recenti ad acquerello.
Febbraio 2016 la sua prima mostra
personale ad acquerello ha avuto
luogo con successo nella Galleria
d'Arte Mentana di Firenze.
Il processo di creazione del lavoro
"La Primavera" dimostra principalmente
due temi: la bellezza della
Natura e quella della Gioventù attraverso
la scena in cui un gruppo di giovani abbraccia affettuosamente
la natura in primavera. All’inizio del concepimento del lavoro,
l’ispirazione della composizione del dipinto e dei personaggi è venuta
da una esperienza interessante. "Sono stato in una discoteca dove
ho visto due giovani ballare insieme; il loro ballo entusiasmante e
grazioso mi ha affascinato e per tale motivo ho provato combinazioni
e evoluzioni avendo il loro ballo come prototipo e, infine, questo lavoro
è nato come un risultato dei continui tentativi di cambiamento e
di prove". Il dipinto viene interpretato principalmente con colori puri
e combinazione di linee e poligoni, in modo da mettere in rilievo il
tema principale e poter mostrare l'entusiasmo dei giovani e la bellezza
della natura.
30 Florence Total Contemporary Art

Xiao Zhuoyun
È stata da sempre innamorata
dell’arte. Dopo aver studiato
Arte Tradizionale Cinese a
Nanchino, ha preso la decisione
di venire in Italia per
conoscere l'arte occidentale
totalmente diversa da quella
che fino ad allora aveva studiato. Durante il periodo
dei suoi studi al Politecnico di Milano, è stata molto
ispirata dall’arte occidentale e così ha cominciato a
trovare la sua strada artistica, grazie all’atmosfera che
aveva intorno e che pervadeva la sua ispirazione. In
questa mostra ha portato un lavoro più che interessante
e bello da vedere, un'opera che fa veramente molto
riflettere. ‘I cocci di moment’, questa bellissima idea
era nata da un proverbio: “Something old, something
new, and something borrowed”. Ultimamente, con lo
sviluppo della nostra società, la gente tende a cambiare
velocemente le cose, soprattutto le cose di natura
fragile. Pensando alle storie proprie di questi oggetti,
le è venuta questa idea di riutilizzare e tenere i suoi
ricordi, tramite i pezzetti
dall’intero oggetto. In
filosofia, questo si potrebbe
definire approssimativamente
come ‘Iconocasm’.
Iconocasm non
significa negare la intera
cosa, ma estrarre una
parte e trasformarla in un
altro design o riutilizzarlo
per formare un’altra cosa,
dandole un altro significato.
Questo concetto sembra contraddittorio, ma se rivolgiamo il
pensiero a un altro modo di vedere, la decostruzione potrebbe essere
funzionale a una ricostruzione. Tramite la decostruzione, prendiamo i
materiali necessari e diamo vita a un’altra forma attraverso la ricostruzione.
Rappresenta una perfetta combinazione di figura esterna e
contenuto interno.
Attraverso questo concetto l'artista ci ha dimostrato che spesso,
aggiungendo pochissimi nuovi elementi, possiamo avere una nuova
cosa dalla vecchia, quella che conserva la nostra storia.
Xie Zhaoyan
Professore dell’Università di Agricoltura, Direttore
del dipartimento dell'Art Design. Insegna al corso
di Design di Comunicazione Visiva. Nell’anno
2015 ha partecipato alla Biennale di Firenze.
Il titolo dell'opera con cui ha partecipato al Florence
Total Contemporary Art è “Le zampe”. Nella
pittura cinese ”fiore e uccello” hanno un significato
misterioso; quest'opera contiene un sapore
leggero e naturale.
Qiu Xipeng
Trova il suo stile nella tecnica della tempera.
Durante lo studio nel corso di master ha
trovato il suo linguaggio personale nel fango;
per l'artista la via della ricerca è stata
molto lunga da seguire. Al Florence Total
Contemporary Art ha presentato una sua
opera realizzata con questa tecnica.
Florence Total Contemporary Art
31

Jacob Zaid Levis
Il poliedrico artista israeliano espone
a Simultanea Spazi d'Arte di Firenze
le opere della sua più recente ricerca
di Roberta Fiorini
Atmosfera “
tempestosa
fra destra e sinistra” è
il titolo della mostra personale
dell'artista israeliano
Jacob Zaid Levis, presso Simultanea
Spazi d'Arte a Firenze (dal 2 al
16 maggio 2016 - Via San Zanobi 45
rosso, lunedì/venerdì 16.00-19.00).
Un artista poliedrico che pratica l'arte
fin dall'infanzia.
Nella mostra fiorentina presenta il
frutto della sua più recente ricerca,
particolarmente suggestiva fondata
com'è sul colore in espansione e
movimento, secondo una tecnica di
stampa ad acqua. Ogni opera è intesa
come una raccolta di episodi colorati
che rappresentano la vicenda intima
del continuo scambio di attività
dei lobi destro e sinistro del cervello
dell'artista in un fluire d'esperienza emozionale e metafisica.
L'autore immagina che l'espressività opposta dei due lobi si
intrecci come in una danza producendo, nella colorazione attiva
e vibrante, la sensazione di eventi meravigliosi e simbolici
attinenti agli aspetti spirituali della vita quanto a quelli fisici,
come il parto per la nascita.
È un'esperienza profonda che egli vive come se si ponesse al
di fuori di ciò che va creando sulla tela; scrive infatti “l'artista
crea dalle cime dei monti e vede i fatti sottostanti come una
topografia che viene a comporsi tra linee colori e panorami
sognanti”.
In questa ricerca esprime la parte sinistra come coloratissima,
tra toni brillanti come raggi di luna e acqua di rosso pastello per
visioni grondanti di sangue, mentre la parte destra crea stalattiti,
dei colore della terra, intrecciate in cerchi d'acqua celesti che
incontrano il cielo e i fiumi. Ma le due parti rappresentano anche,
nella sua poetica, il femminile (sinistra) e il maschile (destra)
che continuamente si attraggono come dune fantastiche
in una narrativa di contrasti attraverso una trama complessa e
libera di macchie chiaro-scure, acque burrascose di colorazione
unificante e linee di contorno teneramente assorbite.
Jacob Zaid Levis è nato nel 1952 ad
Haifa, Israele, dove vive ed opera. Ha studiato
Disegno e Laboratorio Artistico di Stampa
a Tel Aviv dove ha conseguito anche la laurea
in Belle Arti. Ha seguito laboratori artistici in
Austria e in Italia (a Firenze, presso l'atelier di
Francesca Vannini) ed ha avuto esperienze universitarie
in Inghilterra e in Romania. Espone
dalla fine degli anni Sessanta quando ha ottenuto
anche il Premio Giovani dal Ministero per
l'Educazione di Israele. Ha realizzato, per beneficienza,
un murale nel reparto infantile dell'Ospedale
di Rambam (Haifa) ed ha illustrato il
libro di grafologia di Hana Koren. Numerose le
collettive in Israele, Germania, Romania ed Austria,
mentre le principali personali sono state
ad Haifa, Francoforte e Stoccarda. La stagione espositiva 2016/17, dopo
Firenze, lo vedrà nel suo Paese alla Galleria Ein Hod, alla Galleria Cinemateca
Gerusalemme e al Museo Beit Chagall di Haifa.
www.jzlevis.com
32 Jacob Zaid Levis

Rusp@
Gianni Ruspaggiari
In occasione del mio settantesimo compleanno e a 60 anni
dal mio primo approccio con la pittura ad olio, essere presente
su La Toscana è, per me, motivo di orgoglio. Con la
Toscana e Firenze mi rapporto ormai da anni e spero che
questa condivisione per il mondo dell’arte prosegua ancora per molto
tempo.
Rusp@: Visioni pittoriche tra
surrealismo e contemporaneità
di Sergio Zanichelli
(…) Schegge di vita urbana, figure senza volti, paesaggi irreali e
architetture che si piegano dal cielo fino a terra cercando un’emulazione
o meglio una simbiosi con le forme naturali. Immagini
segmentate, contrastate da infinite forme lessicali e informali con
intensi cromatismi per rappresentare un possibile mondo attraverso
l’uso della pittura. Una distorsione di forme che raggiunge il suo
apice nell’utilizzo del computer per l’esecuzione delle sue opere
pittoriche per una visione complessiva tra immagini optical e iperfuturistiche
a definizione di mondi interplanetari.
C’è sempre nel lavoro di Rusp@ un luogo fantastico nel quale ritrovare
il piacere del vivere contemporaneo che oggi sembra essere
assente. Immagini silenziose nelle quali ritrovare quella magia che
permette all’artista di realizzare uno specifico e autonomo processo
creativo. Virginia Wolf ci ricorda che l’arte non è il bello ma il vedere
le cose in modo diverso; un modo differente che sta alla base
di tutta la ricerca pittorica di Rusp@ attraverso l’espressione di un
fantastico mondo... tra realtà e fantasia.
Dalla presentazione del critico Sergio Zanichelli in occasione
della personale allestita a Palazzo Ducale di Guastalla (Reggio Emilia)
dal 12 al 28 marzo 2016
Elevation. Quadruple
Venetian, olio su tela,
cm. 240x200
Espansione musicale, pittura digitale su tela, cm. 97x75
Rusp@ Gianni Ruspaggiari
Artista pittore e pittore digitale
Rusp@ è nato nel 1946 a Castelnovo di Sotto (Reggio Emilia). Ha frequentato
negli anni Sessanta lo studio del pittore William Lusuardi. La sua formazione
artistica si è arricchita frequentando le associazioni culturali fiorentine
con le quali ha un rapporto continuativo da circa 30 anni. Il primo dipinto
ad olio risale al 1956; la prima mostra personale al 1987; il primo quadro di
pittura digitale al 1997. Alterna la pittura ad olio alla pittura digitale a tempo
pieno nel suo studio di Castelnovo di Sotto.
Ricorda: 65 personali allestite; oltre 300 partecipazioni a mostre anche
all’estero; più di 100 premi ricevuti e vinti. Critici, cataloghi, pubblicazioni,
siti internet, giornali, televisioni hanno scritto e parlato di lui e della
sua arte. Nel 2008 un gruppo di professori e storici dell’arte gli hanno
conferito il Premio alla Carriera. Nel 2009 la casa editrice Pegaso di
Firenze ha pubblicato la monografia: “Rusp@ artista al passo coi tempi”,
con prefazione di Fabrizio Borghini.
Molti i critici e storici dell’arte che hanno scritto sulla sua arte, per citarne
alcuni: Fabrizio Borghini, Roberta Fiorini, Federico Napoli, Alfonso
Confalone, Iolanda Pietrobelli, Alfredo Gianolio, Francesca Baboni,
Sergio Zanichelli, Anna Francesca Biondilillo, Sandro Serradifalco,
Teodosio Martucci ecc..
Dal 1997 partecipa ininterrottamente al Premio Firenze, organizzato dal
Centro Culturale Firenze Europa “Mario Conti”, dove è stato premiato
molte volte; ricordiamo la Medaglia di Bronzo e il Fiorino d’Argento.
Per conoscere in modo approfondito l’artista:
http://ruspapittore.myblog.it
Contatti: gianni.ruspaggiari@alice.it - Cell. 333 1259863
Abit. e studio: via Giusti, 9 - 42024 Castelnovo di Sotto (Reggio Emilia)
Gianni Ruspaggiari
33

Daniele Bongiovanni
Un importante critico
presenta ai nostri lettori
la sua opera "Il creatore"
che è rimasta esposta a
Venezia per tutta la durata
della Biennale 2015
di Gregorio Rossi
Il museo di Arte Contemporanea Italiana in America con sede a San
Josè in Costa Rica presso la Cancelleria dell'Ambasciata d'Italia
nacque, con la collaborazione dell'Ambasciatore d'Italia Gioacchino
Carlo Trizzino, per documentare all'estero con un lavoro in fieri una
panoramica dell'arte contemporanea italiana.
A questo proposito ci si avvaleva dei consigli e delle segnalazioni che pervenivano
da varie parti d'Italia.
Stefania Maccelli, Responsabile del Centro Studi della Pinacoteca Modigliani,
per un lungo periodo ha sostato più volte a Palermo in virtù dei contatti
che in quel momento intercorrevano con il Museo Guttuso di Bagheria.
In queste occasioni ha avuto modo di vedere le opere di Daniele Bongiovanni
e dal fatto che rimase colpita dalla produzione di questo giovane artista nacque
l'occasione per esporre un corpus di suoi dipinti al MACIA che in quegli
anni, in un'intensa successione, realizzò mostre temporanee di artisti che ci
sembravano particolarmente significativi.
Il Museo di Arte Contemporanea Italiana in America fu uno degli strumenti
che nel 2009 permise alla Biennale di Venezia di creare un Padiglione Nazionale
che aveva lo scopo di affermare che l'arte è un concetto apolide, quindi
senza un'appartenenza prettamente nazionale.
In base a questo concetto si volle dar vita ad un evento al quale alla 53ma
Biennale, presero parte artisti validi: tra questi Daniele Bongiovanni. Tanto
è vero che, per alcuni, le cui opere avevano particolarmente soggestionato
tanto il pubblico quanto me, allora curatore del Padiglione, vennero pubblicati
addirittura degli allegati, trai quali spicca quello di Daniele Bongiovanni;
il tutto con la collaborazione dell'allora Ambasciatore di Costa Rica presso
il Quirinale Manuel Hernández Gutiérrez e dell'Addetto Culturale Olga Coll
Montero.
Questa opera dal titolo "Il creatore" infatti è rimasta esposta a Venezia a
Palazzo Bollani per tutta la durata della Biennale del 2015 per l'iniziativa de
"Il Grande Canale della Pace-Artisti a Venezia contro la guerra" e trasferita
poi a Roma per la mostra "Il Grande Canale della Pace-Artisti a Roma contro
la guerra" negli splendidi spazi espositivi del Villino Corsini nel complesso
di Villa Pamphilj, iniziativa che ha ricevuto il patrocinio dei Beni Culturali
nonché quello del Comune di Roma.
Ritengo che la promozione dei migliori artisti e delle loro opere sia fondamentale
e debba essere sostenuta con costanza in un periodo dove siamo
bombardati da immagini al punto di non farvi la dovuta attenzione.
Il creatore (m'illuminod'immenso), 2012, tecnica mista su tavola,
cm. 120x96. Collezione privata
Siamo usciti dal Novecento, il secolo più travagliato nella
storia dell'umanità, e l'arte contemporanea, essendo cronaca,
non ha avuto la sufficiente decantazione per essere
esattamente collocata nella storia.
Le mie scelte hanno il limite indiscutibile di presentare una
selezione personale, che ritengo abbia però il merito della
delimitazione e della precisione.
Ho osservato questo dipinto da più prospettive: la prima
constatando che si differenzia da molte altre opere di Bongiovanni
per la "violenza" coloristica e per la "aggressività"
del soggetto, quasi che l'osservatore, nel contesto di una
marcia della pace, dovesse in qualche modo percepire anche
il suo contrario.
La seconda prospettiva, che è quella che più mi affascina,
è diametralmente opposta, cioè di essere io osservato dal
soggetto del dipinto tanto da essere ammonito sia dall'espressione
del volto che dalla forza della tavolozza, e che
questa ammonizione non sia soltanto percezione soggettiva
ma messaggio oggettivo. L'opera d'arte non ha proprietari
e, come ebbe a scrivere il Presidente della Repubblica
Alessandro Pertini, essa appartiene all'umanità e parla
l'idioma di chi l'ha creata e l'ha amorevolmente vegliata.
Sono convinto che l'opera tutta di Daniele Bongiovanni
costituisca un racconto utile per l'uomo; già 2500 anni fa
Platone, in "Fedro", ci diceva: "Quando trovo qualcosa di
bello voglio che anche gli altri ne godano", il grande filosofo
aveva già individuato la pulsione dell'animo umano alla
condivisione della bellezza.
34 Daniele Bongiovanni

Nel padiglione
Rondino 200 artisti
e 500 opere d’arte
contemporanea
in una imponente
mostra promossa da
Toscana Cultura
Per la prima volta nella
storia della manifestazione
fiorentina uno spazio
espositivo totalmente
destinato all’arte

Curatore
LUCIA RAVEGGI
In collaborazione con
ANDREA NAPPINI
CHIARA SCALI
Gli artisti presenti
JOANNA ASTON
ALESSANDRO ANDREUCCETTI
LIBUSE BABAKOVA
ROBERTA BALDI
LAURA BALLINI
MARIA GRAZIA BAMBI
DANIELA BARELLINI
MARIA GRAZIA BARBIERI
ELIO BARGAGNI
MAURO BARONCINI
SAMUELA BARTOLOMEI
BRUNO BECATTINI
CLAUDIO BELLEGGIA
OLGA BELSITO
MANUELE BIAGIONI
SIMONE BILIOTTI
MARILINDA BRIA
MARINO BROGI
CARLO BRUCHI
COBÀS (MARIO CARCHINI)
LAURA CAMBÒ
FRANCO CARLETTI
ILARIA CASTELLANI
MARIA GRAZIA CHIAPPINELLI
ALESSANDRO CIAPPI
SILVANA CIPRIANI
ROSITA COMPARINI
DANIEL CRAIGHEAD
MARIA GRAZIA DAINELLI
ROBERTO D'ANGELO
GRAZIA DANTI
BEATRICE DE LAURENTIIS
LUCIANO FAGGI
MARA FAGGIOLI
FRANCO FAGGIOLI
LUIGI FALAI
GIULIANA FALCIANI
VANNA FEDI
PATRIZIA GABELLINI
LUCIANO GENNAI
LUIGI GHEZZI
FRANCESCA GHELARDUCCI
RINO GIANNINI
ALESSANDRO GOGGIOLI
ELGA GRINVALDE
PAOLO LORENZO GUERRAZZI
ANDREINA GUERRIERI
ANNA PAOLA GUGLIELMOTTI
IL TESSUTO RINATO
FURIO INNOCENTI
ROBERTA KALI AGOSTINI
SUSI LA ROSA
PIERINA LAGANÀ
SIMONA LAMARRA
FRANCESCA LATTANZI
ILARIA LEGANZA
ANGELA MARIA LETTINI
PAOLO MACCIONI
RICCARDO MACINAI
MARCELA MADRAZO
LUCIANO MANARA
WILMA MANGANI
AMBRETTA MARI
MAURO MARI “MARIS”
ARNALDO MARINI
GABRIELLA MARTINO
NEDA MATHIS
MONICA MICHELOTTI
ELENA MIGLIORINI
CRISTINA MILANO
MANUELA MOGLIO
ANA-MARIA MOLDOVAN
ROBERTA MONTICIANI
MARUSCA MOROZZI
ANTONIETTA MOSCHI
STEFANO MOSTI
CLARA NESI
JACOPO NOCENTINI
ORLANDO POGGI
DIANA POLO
STEFANIA PRATESI
MASSIMO RECCHIA
PAOLO REMONDINI
LORENZO RITONDALE
GIUSEPPE RIZZO SCHETTINO
ISABELLA ROMBOLÀ
MARIELLA ROSSI TONELLI
KRISTINA RUBINE
MARIO RUSSO
RAFFAELA SATERIALE
MAURO SCARDIGLI
ELOISA SCULTETIUS
CLAUDIO SECCIANI
SILVANO SILVANI
ANTONELLA SILVIETTI
LUCA SIRI
SKIM
SCUOLA ANDREA SOLE COSTA
SERGIO TASSI
PAOLA TURIO
SABRINA VAIANI
MARTA VENTURI
36 Forme e colori del mondo

Curatore
CLAUDIO CAIOLI
In collaborazione con
SABRINA MOSCARDINI
BRUNA SECCO
Gli artisti presenti
DENIS ARKYTYPAL
ART FACTORY PONTEDERA
LIDIA ATZORI
LEO BACCI
ELISA BARBETTI
RICCARDO BATTIGELLI
PIETRO BELLINA
ROLANDO BENVENUTI
LETICIA BERRIEL
DAVIDE BERTI
VERONICA BERTOLLA
ELIANA BONACCHI
MARIA GIULIA BROCCARDI SCHELMI
ANNA BUBBA
PAOLO BUTERA
CAROLINA LIVORNO
CLAUDIO CAIOLI
NILA CIARDI
CECILIA COLALUCE
LORELLA CONSORTI
FABIO DEIANA
MANRICO DEL CORSO
GRAZIA DI NAPOLI
COSETTA DIPIETRANTONIO
EURO ELMI
MARA FAGGIOLI
VALENTINA FALCONI
CRISTINA FALCINI
ROSALBA FERILLI
LEO FILIPPESCHI
LINDA FRANCALANCI
ALMA FRANCESCA
ANNALISA FUSILLI
ARIANNA FUSINI
ALESSANDRA GIACOBONE
MADDALENA GRAZZINI
IL BOTTEGA
HELENA JINDACKOVA
MARILENA LUONGO
GIUSEPPINA MAESTRELLI “PEPPETTA”
JACQUELINA MAGI
MICHELE MAIOLI
STEFANO MARRUCCI
SARA MATTII
SERGIO MAYER
MARA NATUCCI
SUSY NORFINI
BIANCA PAGLIAI
ANITA PAOLI
ROSSANA PAOLI
LUCIA PECCHIA
CARMELA PESCHIERA
FRANCO POLLONI
ELENA PROSPERI
CAMILIA PUALI
BRUNO SABATINI
ANDREA SARTARELLI
BRUNA SECCO
SILVANO SORDI
STUDIO D'ARTE LUCIANO PAPUCCI
CHIARA TONTOLI
ELISA VERNIANI
LUCIANA ZANCHINI
Forme e colori del mondo 37

Alla Fortezza
da Basso
per la Mostra
Internazionale
dell’Artigianato
di Maria Grazia Dainelli
Simultanea Spazi d’Arte, realtà curatoriale fiorentina ideata
e diretta da Roberta Fiorini e Daniela Pronestì, entrambe
storiche e critiche d’arte, sarà presente alla Mostra
Internazionale dell’Artigianato che si terrà a Firenze dal
23 aprile al 1º maggio presso la Fortezza da Basso. Le opere dei
venti artisti che prenderanno parte all’esposizione - Ornella Balbo,
Cristina Bazolli, Attilio Bixio, Valentino Bruschi, Anna Maria
Calamandrei Santi, Silvano Caldini, Luciana Capperucci,
Roberto Celli, Paola Curradi, Simonetta Fontani, Francesca
Guetta, Ersilia Leonini, Emiliana Lippi, Anna Napoli, Maria
Adele Pezzanesi, Giacomo Maria Pivi, Piero Sani, Milvio Sodi,
Giovanna Sparapani, Martina Tapinassi - spaziano dalla pittura
alla scultura, dall’incisione alla fotografia, ma anche maschere scultura,
tovagliette d’autore e photo - boxes.
Un po’ di storia …
Nei suoi quattro anni e mezzo di attività, Simultanea Spazi d’Arte ha
ideato e promosso numerosi progetti curatoriali volti ad indagare i
linguaggi artistici contemporanei con un’apertura sull’attualità. Ne
sono esempio le mostre dedicate al concetto d’identità nell’era del
villaggio globale e allo spazio urbano come paesaggio reale e ideale:
Le latitudini dell’uomo (2012), Urban tales (2012), Identità sospese
(2012), Whitering (2012), Le città ideali (2014). Tra i progetti curatoriali
dedicati a tematiche specifiche dell’arte, si ricordano la mostra
sulla pop art contemporanea (Becoming Pop Today, 2012), sull’iperrealismo
pittorico (Pelle, 2012), sul concetto di leggerezza (La forma
della leggerezza, 2012), sul valore simbolico della finestra in pittura
(Unexpected Windows, 2014), sulla morfologia del sogno (Nello
spazio e nel tempo d’un sogno, 2015), sulla fiaba (C’era una volta,
2013 e Wonderful Alice, 2014, Creature fantastiche ed altre meraviglie,
2016), sul rapporto tra arte e musica (Ultra limen/Danzando
sull’orlo dell’abisso, 2015). Molte le mostre personali ospitate e le
collaborazioni con altre realtà espositive sia in Italia (Roma, Trento,
Venezia, Milano) che all’estero (Polonia, Germania, Giappone).
Nel 2012 Simultanea si è fatta promotrice della prima edizione del
concorso UpDesignSelection dedicata ai giovani design attivi sia in
Italia che all’estero. Nel 2014 e nel 2015 Simultanea ha ricevuto il
Premio Toscana Cultura per la sua attività espositiva. In questi anni è
stata recensita da Artribune, Juliet Art Magazine, Undo.net, Exibart,
Firenze Today, Arte.it, Lobodilattice, Expoarte, La Nazione, Repubblica,
LaStampa.it, i.Ovo arte e cultura contemporanea.
La mission di Simultanea
Spazi d’Arte
Immagina uno spazio espositivo
in cui è possibile far dialogare
forme d’arte differenti
e fare della loro diversità un
valore aggiunto.
Immagina un progetto culturale
che rifiuta il concetto di
arte contemporanea come
sistema elitario ed autoreferenziale,
perché sostiene,
invece, un’idea dell’arte come entità dinamica, aperta al dialogo e
al cambiamento, provocatoria con intelligenza, capace di autocritica
se necessario, specchio del nostro tempo e della sua complessità.
Immagina un luogo in cui le forme del passato incontrano quelle del
presente e in cui l’opera d’arte non è sottoposta alle solite regole
della retorica espositiva, ma è presentata mettendo a punto, di volta
in volta, criteri allestitivi originali e accattivanti che esaltano sia le
singole specificità che la visione complessiva, senza dimenticare,
ovviamente, la forza comunicativa delle soluzioni proposte.
Immagina un ambiente in cui è benvenuto chi ama l’arte e la rispetta,
chi la conosce o desidera conoscerla, chi pensa che non sia
tanto importante sforzarsi di capire anche ciò che spesso sembra
non avere un senso, quanto piuttosto soffermarsi a guardare senza
pregiudizi e preclusioni.
Tutto questo è SIMULTANEA - SPAZI D’ARTE, non una galleria, ma
uno spazio curatoriale che sostiene il dialogo tra artisti e curatori,
ospitando mostre, eventi poliartistici e progetti espositivi che coinvolgono
oltre ai linguaggi artistici tradizionali, anche il design e la
creatività a tuttotondo.
La sede
Simultanea Spazi d’Arte si trova a Firenze in Via San Zanobi 45
rosso nel cuore del centro storico, a pochi passi dall’Accademia di
Belle Arti, dalla Galleria dell’Accademia, dal Museo di San Marco,
dal Cenacolo di Sant’Apollonia e dall’Ex Convento di Sant’Orsola.
Orari e giorni di apertura: dal lunedì al venerdì dalle 16.00 alle 19.00
Per info e contatti: simultaneaspazidarte@gmail.com
Pagine Fb: Simultanea Spazi d’Arte e Simultanea Spazi d’Arte (Official
Spanish and English) - Twitter: Arte@Simultanea
Instagram: Simultaneaspazidarte
38 Forme e colori del mondo

La “Grande Mela” sbarca
a Firenze in Palazzo Strozzi
Fino al 24 luglio le meravigliose sale di Palazzo Strozzi ospitano una
grande mostra: “Da Kandinsky a Pollock: la grande arte dei Guggenheim”
di Barbara Santoro
Fino al 24 luglio le meravigliose
sale di Palazzo Strozzi
ospitano una grande mostra:
“Da Kandinsky a Pollock:
la grande arte dei Guggenheim” oltre
cento opere dell’arte europea e americana
tra gli anni Venti e Sessanta del
Alexander Calder, Luna gialla
Novecento in un percorso, che ricostruisce
rapporti e relazioni tra le due sponde
dell’oceano, nel segno delle figure
dei collezionisti americani Solomon R.
e Peggy Guggenheim: zio e nipote. Il
percorso dell’esposizione si snoda tra
opere fondamentali di maestri europei
dell’arte “moderna”come Marcel Duchamp,
Max Ernst, Man Ray, Pablo
Picasso e dei così detti “informali europei”
come Alberto Burri, Emilio Ve-
Roy Lichtenstein, Preparativi
dova, Jean Dubuffet e Lucio Fontana. Possiamo inoltre vedere
i grandi dipinti e le sculture delle maggiori personalità dell’arte
americana tra gli anni Cinquanta e Sessanta come Jackson
Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Alexander Calder,
Roy Lichtenstein, Cy Twomly.
Realizzare questa mostra ha significato tornare indietro nel tempo.
Infatti fu proprio Peggy Guggenheim che negli spazi della Strozzina
nel febbraio 1949, volle mostrare la propria collezione che poi
troverà a Venezia a Palazzo Venier dei Leoni sul Canal Grande la
definitiva collocazione. Le opere di Kandinsky come la monumentale
tela Curva dominante (1936) dialoga con il Bacio (1927) di Marx
Ernst, mentre lo Studio per scimpanzé (1957) di Francis Bacon,
che Peggy teneva nella sua camera da letto, parla con le cinque
grandi sculture di Alexander Calder e
la grandiosa opera di Roy Lichtenstein:
"Preparativi". Molte le opere dell’espressionismo
astratto americano tra gli anni
Quaranta e Sessanta, tra queste figurano
diciotto opere di Jackson Pollock e sei
grandi quadri di Marx Rothko.
È questa un’occasione unica per approfondire
la straordinaria stagione non
solo dell’arte ma anche della storia del
Novecento a cavallo della Seconda Guerra
Mondiale, attraverso il confronto tra
massimi capolavori di movimenti artistici
che hanno definito il concetto di arte moderna,
dal Surrealismo all’Action Painting
fino all’Informale e alla Pop Art.
La mostra curata da Luca Massimo
Barbero nasce dalla collaborazione fra
la Fondazione Palazzo Strozzi e la Fondazione
Guggenheim di New York e vuole
dar vita ad un confronto che lascerà stupiti
non poco i fiorentini legati al loro Rinascimento.
L’ esposizione suddivisa in nove sale, sapientemente allestite da
Luigi Cuppellini, ha avuto il sostegno del Comune e della Camera
di Commercio di Firenze, dell’Associazione Partners Palazzo Strozzi
e della Regione Toscana. Anche questa volta l’Ente Cassa di Risparmio
di Firenze ha dato il suo generoso contributo.
Per chi non avesse avuto la fortuna di vedere il Museo Guggenheim
di New York, progettato dall’architetto statunitense Frank Lloyd
Wright, può, visitando questa mostra, farsi un’idea della preziosità
delle opere americane ospitate in un contesto raffinatissimo come
Palazzo Strozzi. Speriamo che i fiorentini sappiano vedere con occhi
entusiasti questa magnifica “vetrina” e ci auguriamo che da questa
esposizione sorga l’amore per l’arte contemporanea.
Frank Stella, Miscuglio di grigio
Vasilij Kandinsky, Curva dominante (Courbe dominante)
Giorgio de Chirico, Il pomeriggio soave
Da Kandinsky a Pollock
39

Gandolfa “Ricorda...”
Per tutto il mese di
maggio l'artista sarà
in mostra al Caffè
Principe di Firenze
per festeggiare
i 15 anni in arte
IIniziare a dipingere e a scrivere con quel lontano 'cercando
emozioni...', quasi una missione che ha spesso
trasformato in labirinti i non facili itinerari del sentirmi
artista.
Ci sono tecniche ed influenze dalle quali, dopo averle scoperte,
non sono riuscita a distaccarmi: colori forti, pennellate veloci,
sfondi inquietanti, sfumature frammentate, linee ondulate, carte
strappate, crete sovrapposte, fili cuciti, affreschi sperimentati
e tante parole indipendenti, suggerite dalle fantasie del cercare,
dalla necessità del considerare, dalla libertà dell'immaginare e
di tanto in tanto persino dall’uso dei tanti stimoli dell'odierna
informazione virtuale.
Ci sono opere, come quelle scelte per ricordare questi 15 anni di
esposizioni, ma anche come la poesia qui sotto, che più di tante
altre esprimono la forza e la debolezza del mio stesso percepire:
Un anniversario è sempre un’occasione da celebrare,
tanto più se si tratta di ricordare un inizio, e questa mostra
vuol essere anzitutto questo, una festa. Una festa
intorno a Gandolfa, alla sua pittura e al suo percorso di
artista che l’ha portata, in questi quindici anni pieni ed intensi, ad
una maturità fatta di consapevolezza, tecnica ed espressiva.
Chi ha seguito da vicino questo percorso può valutare quanto lontano
esso abbia portato la nostra artista da quelle figure, inquietanti e
piene di stupore, che abbiamo ammirato nella sua prima mostra. E,
tuttavia, c’è una “fedeltà” in questo percorso, una continuità fatta di
ricerca umile e feconda di nuove forme espressive, di studio attento
e costante delle tecniche, di riflessione e approfondimento delle
tematiche: fedeltà a quel primo titolo, “Cercando emozioni”, che ha
segnato in qualche modo il leit-motiv di questi anni, in una evoluzione
continua ma senza strappi.
La donna, il sogno, la terra, il mito; di questo ci hanno parlato le
opere di Gandolfa, di anno in anno, di mostra in mostra, spesso guidandoci
in percorsi laterali, secondari, a torto trascurati. La forza
evocativa delle immagini, spesso accompagnate da una scrittura
mai didascalica ma complementare, ha suscitato emozioni profonde
in ciascuno di noi, e questo chiediamo oggi a Gandolfa, in questa
festa: continuare a cercare emozioni, e condividerle con noi nella
sua pittura sempre nuova.
Mario Battiato Musmeci
Sensazioni di leggerezza
Così come i venti leggeri che vanno e vengono
Così come la pioggia che lascia spazio al sole
Così come le speranze che si alternano alle malinconie
Arriva il tempo, tanto cercato, del condividere
Arriva lentamente il risveglio e la partecipazione
Arriva come la luce improvvisa del mattino, il ricordare
Astratto materico
I colori del vulcano
Quando i pensieri diventano farfalle che cercano colori
Quando i profumi evocano altri sogni ed altre sensazioni
Quando i ricordi si mescolano al desiderio di fantasticare
Senti che il cuore accelera ed il respiro si fa più intenso
Senti che può ancora esistere la verità per te e per gli altri
Senti che anche una lacrima ed un sorriso hanno la stessa magia
Ti muovi come tutte le donne del mondo, accetti di aspettare
Ti muovi alla ricerca del tuo stesso cambiare, accetti di rinnovarti
Ti muovi leggera senza più rabbie e rancori, accetti che tutto accada
Gandolfa Gennaro
Nascere e crescere in Sicilia, laurearsi a
Trento e subito dopo trasferirsi e lavorare
nella città rinascimentale per eccellenza.
Percorsi esistenziali che cambiano
la quotidianità e il rapporto con il resto
del mondo. Arriva tardi la passione per
la pittura, un liceo artistico serale, tanti
corsi monografici che fanno da volano
alle decine e decine di mostre realizzate
in Toscana, in Sicilia e all’estero.
www.gandolfa.it
Facebook: Gandolfa Gennaro
40 Gandolfa Gennaro

Idea Fotografica
Il gruppo fotoamatoriale fiorentino ha
presentato una interessante mostra dal titolo
"Cent'anni di Spoon River: i versi le immagini"
di Maria Grazia Dainelli
Foto di Carlo Midollini
Idea Fotografica nasce nel
giugno del 1997 per iniziativa
di un gruppo di amici
fotoamatori che ha voluto
realizzare un progetto: creare un
club di fotografia.
Lo scopo era quello di socializzare,
scambiare esperienze, progredire
nelle conoscenze, consolidare i rapporti
con gli altri club presenti sul
territorio e con essi dialogare per
vivere e coltivare questa passione.
È grazie a questi amici che oggi esiste
il nostro club: Idea Fotografica. Ad oggi possiamo vantare una quarantina
di soci.
Nei nostri incontri ribadiamo spesso che dobbiamo vivere il club come un
laboratorio aperto alle diverse forme espressive fotografiche con il chiaro
intento di comunicare un messaggio di qualità. Per questo, con piacere,
apriamo il nostro spazio a chi voglia esprimere la propria sensibilità, il proprio
messaggio, o una propria esperienza fotografica. L'incontro, quindi,
con le altre forme di arte quali la poesia non è, per il club, un incontro
inaspettato ma è il segno di una 'vocazione' che ci contraddistingue.
In particolare, l'incontro con il libro di Lee Master "Antologia di Spoon River"
è stato un'esperienza particolare e molto importante.
I morti di quel piccolo e famoso cimitero ci hanno voluto raccontare, in
forma poetica, le delusioni, i tradimenti, i torti fatti e subìti, gli amori, le
ipocrisie, gli arricchimenti e i fallimenti.
La loro vita. La nostra vita.
Racconti fatti con la sincerità totale di chi avendo lasciato questo mondo
non ha più nulla da perdere.
Nel centenario della pubblicazione
del libro, la compagnia
teatrale Katapult
ci ha proposto raccontare
Spoon River attraverso
delle immagini guidato dai
versi, con lo scopo di addivenire
ad un progetto che
unisca il teatro, la poesia
e la fotografia. Abbiamo
così elaborato un racconto
eseguito non con la duttilità
della matita o del pennello
ma con L'ultimo bacio del malato di cuore
l'inflessibilità
L'inaugurazione della mostra al Circolo ARCI San Bartolo a Cintoia di Firenze
dell'obiettivo fotografico. Il pessimismo
iniziale per un compito che
ci sembrava arduo è stato via via
sostituito dall'entusiasmo. Ci siamo
cimentati con ciò che riteniamo
debba fare la fotografia: comunicare
sentimenti e idee come - del resto
- proclamato nel logo del nostro
club. Il progetto si è quindi concretizzato
in una mostra fotografica di
40 foto il cui titolo è 'Cent'anni di
Spoon River: i versi e le immagini'. Il
nostro invito è che il visitatore guardi
questa mostra cercando di penetrare a fondo il messaggio
che il singolo verso sollecita. È un messaggio forte che ci
auguriamo di poter trasmettere.
La mano del destino che afferra e distrugge
Io fui il primo frutto della battaglia di Missionary Ridge
Idea Fotografica
41

A cena al cine
Una nuova originale iniziativa di Toscana Cultura dal
mese di aprile al Circolo Rondinella del Torrino a Firenze
di Maria Grazia Dainelli
Martedì 26 aprile prende il via una nuova manifestazione
promossa da Toscana Cultura in collaborazione
con il Circolo Rondinella del Torrino di
Firenze. Si tratta di “A cena al cine” ovvero delle
cene, un po’ spartane ma senza dubbio appaganti per i partecipanti,
che faranno da prologo alla proiezione di un film che avrà
come protagonista uno dei tanti maestri
dell’arte che in oltre cento anni di cinematografia
hanno ispirato gli autori di
tutto il mondo. Sullo schermo rivivranno
le vite scellerate di Caravaggio e Benvenuto
Cellini, quelle alienate di Ligabue e
van Gogh, quelle tormentate di Pollock e
Modigliani, quelle travagliate di Artemisia
Gentileschi e Camille Claudel.
Ogni proiezione verrà preceduta dall’introduzione
di un noto storico dell’arte;
inizieranno Ugo Barlozzetti e Daniela
Pronestì che presenteranno al pubblico “I
colori della passione” di Lech Majewski
dedicato alla folgorante realizzazione
della "Salita al Calvario" (1564) uno dei
più famosi capolavori del maestro olandese
Pieter Bruegel.
In occasione della proiezione del 26 aprile
verrà presentato in anteprima il libro
del nostro direttore Fabrizio Borghini dal titolo “Maestri dell’arte
nel cinema” (Masso delle Fate Edizioni). Con soli 10 euro sarà possibile
cenare e assistere alla visione del film. Per prenotazioni contattare
la sede di Toscana Cultura (via Valdichiana 42 a Firenze, 055
9336468 toscanacultura@gmail.com) dalle 9 alle 12 e dalle 16 alle
18 di tutti i giorni feriali.
A cena al cine
Rassegna di film biografici dei maestri dell’arte
ideata e diretta da Fabrizio Borghini
Inaugurazione martedì 26 aprile 2016
ore 20.oo cena
ore 20.30 presentazione della manifestazione da parte di
Fabrizio Borghini presidente di Toscana Cultura
Ugo Barlozzetti presidente del Gruppo Donatello
Daniela Pronestì critica e storica dell'arte
ore 21.00 proiezione del film "I colori della passione" di Lech Majewski
Rassegna realizzata in collaborazione con
Circolo Rondinella del Torrino - Lungarno Soderini, 2 - 50124 Firenze
Ass. Rondinella del Torrino
Ass. Toscana Cultura
42 A cena al cine

• Premio
Città di Lastra
1° premio Euro 1.500
ed altri per complessivi
Euro 10.000
• Premio Giovani
• Premio per la Grafica
Info: www.lastraonline.it
50°EDIZIONE STRAORDINARIA
di Mario Del Fante
Nel
L'Antico Spedale di Sant'Antonio, sede del concorso
1966 nasceva l’Associazione
Pro Lastra (denominazione alla
quale dal 1971 si aggiungerà il
nome di Enrico Caruso) e l’anno
successivo veniva organizzata la prima
Premio Nazionale Città di Lastra
Festa di Primavera e il 1° Concorso Esposizione
di Pittura Estemporanea.
1967 TOSCHI ERMANNO - Fiesole (FI)
1991 FAGGIOLI FRANCO - Ginestra Fiorentina (FI)
ALBO D'ORO
Oggi festeggiamo il mezzo secolo di vita. 1967 BERTACCHINI LUCIANO - Bologna
1992 NANNUCCI SIGFRIDO - Certaldo (FI)
Questo concorso prosegue ancora, ormai carico
del prestigio che gli deriva dalla presen-
1968 CAVALLARI ALBERTO - Modena
1994 BOBOLI MARCELLO - Firenze
1968 MARMA RODOLFO - Firenze
1993 SALVI SERGIO - Livorno
za di tante personalità che in questi anni
1968 FILANNINO NATALE - Firenze
1995 POGNI GIANFRANCO - Livorno
1969 ZAPPAROLI RINO - Massa Finalese (MO) 1996 PULCINELLI RUDY - Poggio a Caiano
hanno partecipato e che nel tempo hanno
1969 SANTINI SANDRA - Firenze
1997 STACCHINI STEFANO - Pontedera (PI)
raggiunto posizioni di grande considerazione 1970 VEZZOSI ALESSANDRO - Vinci (FI)
1998 DEL BINO GIACOMO - Monsummano T. (PT)
nel panorama artistico italiano. Il raggiungimento
di una posizione di rilievo del premio 1972 MARTINI GRAZIANO - Sesto F.no (FI)
2000 MONI SAVERIO - Vaiano (PO)
1971 LUGLI LUIGI - Carpi (MO)
1999 COSTAGLI MAURA - Empoli
è stato possibile grazie alle qualificate giurie 1973 LUCARELLI MARCELLO - Pistoia
2001 BONI ANDREA - Signa (FI)
che hanno visto avvicendarsi artisti e critici 1973 NANNUCCI SIGFRIDO - Certaldo (FI)
2002 I GUARNIERI - Firenze
di valore.
1974 BERNARDINI ITALO - Pontedera (PI)
2003 LUCHINI RICCARDO - Massarosa (MS)
1975 SCALISE UMBERTO - Prato (FI)
2004 CIONI LUCIANO - Montespertoli
La manifestazione viene ospitata nel monumentale
Antico Spedale di Sant’Antonio nel 1977 TREVISAN GIULIO - Iesi (AN)
2006 PAOLO GAVAZZI - Pistoia
1976 BANDELLI ENRICO - Firenze
2005 NICOLA PERILLI - Quarrata (PT)
centro storico di Lastra a Signa dal 13 al 29 1978 PANZA PIERO - Firenze
2007 GIULIANO CENSINI - Torrita di Siena
maggio, con il seguente calendario:
1979 PRENLELOUP GUALTIERO - Borgo S. Lorenzo (FI) 2008 ENRICO FORAPIANTI - Lari (Pi)
Accettazione delle opere fino a 2 per ogni 1980 ALLODOLI TIZIANO - Impruneta (FI)
2009 RICCARDO BELLUCCI - Quarrata
artista, quota di iscrizione E 20 per un’opera
E 30 per due.
1982 MARMA RODOLFO - Firenze
2010 DANIELA D’ORAZIO - Pescara
1981 PANZA PIERO - Firenze
2010 PAOLO FEDELI - Gambassi
1983 MURER CIRILLO - Quinto (TV)
2011 DANILO GAMANNOSSI - Signa
Orario: venerdi 13 maggio, dalle 17 alle 20
1984 FEDELI PAOLO - Certaldo (FI)
2011 ANDREA BONI - Signa
e dalle 21 alle 23.
1985 SABBATINI MARILENA - Massa e Cozzile (PT) 2012 MASSIMO VINATTIERI - Carmignano
Sabato 14, dalle 9 alle 12,30, dalle 16 alle 1986 SILVESTRI GIOVANNA - S. Brigida (FI)
2013 PAOLA IMPOSIMATO - Firenze
20 e dalle 21 alle 23.
1987 BETTI UMBERTO - Firenze
2014 ALESSANDRO BANDINELLI - Lastra a Signa
Domenica 15, dalle 9 alle 12,30 e dalle 16 1988 SANSONI ALDO - Firenze
2015 MARIO ANIELLO - Prato
alle 20.
1989 BETTI UMBERTO - Firenze
2015 PAOLO AMERINI - Prato
Le opere in concorso saranno esposte al 1990 SCOLA TEMISTOCLE - Livorno
pubblico con ingresso libero.
La mostra si inaugura il 22 maggio alle ore
10,30 e resterà aperta fino a domenica 29 Durante la settimana di apertura della mostra
alle 18 quando si terrà la cerimonia di premiazione,
si terranno conferenze, salotti musicali
con l’intervento delle autorità e di e letterari, proiezioni ed altro con inizio alle
Toscana TV.
21,15 ad ingresso libero.
Oltre al prestigioso Premio Città di Lastra Questo premio prestigioso e fra i più antichi
di E 1.500 verranno assegnati anche il Premio
d’Italia ha il patrocinio del Comune di Lastra
Giovani riservato ad artisti under 25, il a Signa, della Provincia di Firenze, della Re-
Via A. Diaz, 116
Premio per la Grafica ed altri numerosi gione Toscana, dell’Ente Cassa di Risparmio 50055 Lastra a Signa (Firenze)
premi acquisto per complessivi E 10.000, e di Firenze, del Rotary Firenze Bisenzio e del
Tel. e Fax 055 8722628
50°43
premi di rappresentanza.
Lions Club Le Signe.
caruso.prolastra@gmail.com
Premio Nazionale Città di Lastra

Il momento d’oro di
Pier Nicola Ricciardelli
Alla vigilia dell'ottantesimo compleanno, il pittore fiorentino vive un periodo
di intenso lavoro e di soddisfazioni artistiche. È presente infatti in tre grandi
manifestazioni espositive di prestigio in Toscana e sta preparando una
nuova mostra personale che si terrà nel prossimo mese di maggio
di Duccio Ricciardelli
L'artista ha esposto infatti
alla Biennale del Burlamacco,
del Carnevale di Viareggio,
nell'Hotel Explanade di
piazza Puccini, con un'opera dal titolo “Il
molo di Viareggio anni Trenta”.
Questa incisione è autobiografica; ritrae
la madre dell'autore, Lia, vestita
secondo la moda dell'epoca, sul molo
che osserva passare le tipiche barche
da pesca dalle grandi vele bianche, particolarmente
amate da Viani.
L'incisione ad acquaforte è stata tratta
da due fotografie del padre dell'artista,
eseguite con macchina Leica nel 1933.
Due anni fa Pier Nicola ha avuto, nella
stessa manifestazione, una segnalazione
per l'opera “Le civette".
Ricciardelli partecipa per il tredicesimo
anno alla mostra di arte sacra, voluta
dall'ANLA di Firenze, presso il chiostro grande
della basilica della SS. Annunziata di Firenze.
La sua opera, "Le mani della misericordia"
(le mani di madre Teresa di Calcutta
Le civette, acqua forte, acqua tinta (alla poupee)
Il molo di Viareggio anni Trenta, incisione, acqua forte -
acqua tinta
che stringono le mani di Papa Woityla), sono
mostrate da un angelo, ritratto con lo stile di
Beato Angelico, che stringono insieme una
cornice d'oro cinquecentesca.
La stessa opera verrà presentata
al Maggio Salesiano nella
chiesa di Via Gioberti.
Contemporaneamente presso
la Casa di Giotto a Vicchio nel
Mugello, viene presentato un
libro con gli artisti presenti sul
territorio: Pier Nicola ha due
pagine, e con l'occasione viene
presentata una mostra nella
stessa casa di Giotto, con una
delle opere del libro. L'opera in
questione è “Il gabbiano”, da
una foto scattata a Portovenere,
nei pressi della chiesetta sul
mare.
Ricciardelli (senior) è un poeta
del ricordo, un artista di forza e spontaneità
rare, che dopo anni di studi e di ricerca sulle
tecniche pittoriche, rinato ad una seconda vita
artistica, riesce ora ad esprimere tutta la sua
vitalità e osservazione appassionata del mondo
reale che vede. Un riferimento di scrittura, storie
e viaggi indimenticabili.
Le mani della Misericordia, tecnica mista
Il Gabbiano, pastello Rembrandt
44 Pier Nicola Ricciardelli

A Pistoia una mostra sul
popolo Lakota Sioux
Stendardo cerimoniale con testa di aquila americana
di Fabrizio Borghini
Foto di Bruno Miscia
Dal 15 aprile al 2 maggio è in
corso nelle Sale Affrescate di
Piazza del Duomo a Pistoia la
mostra etnografica sui popoli
aborigeni nord americani Lakota Sioux “Older
than America” curata da Sergio Susani
e Alessandro Martire Brings Plenty Ota Au. I
Lakota Sioux sono il popolo che nel 1876 ha
battuto il generale Custer a Little Big Horne;
da allora ha subito crudeltà e massacri. Ha
dato i natali a uomini di pace come Toro Seduto,
Cavallo Pazzo, Gall, Coda Chiazzata ed
a numerosi eroi che hanno combattuto per i
diritti umani e la libertà del loro popolo. La
manifestazione prevede anche un intenso
calendario di incontri e conferenze che coprono
l’intera durata dell’evento.
Il primo è stato il saluto dei delegati del
governo tradizionale della Nazione Lakota
Sioux e a seguire tanti interventi anche istituzionali.
Nella Sala Maggiore del Comune
di Pistoia si è tenuta una interessante conferenza
tenuta dal dottor Alessio Martella
dal titolo “Toro Seduto incontra Raffaello”.
Domenica 17 aprile al Castello da Verrazzano
di Greve in Chianti ha avuto luogo il
convegno “Giovanni da Verrazzano. Nuovi
mondi. Antiche culture” che ha visto fra i
relatori il dottor Luigi Giovanni Cappellini
presidente della Fondazione Giovanni da
Verrazzano, Leonard Crow Dog jr Wicasa
Itancan, e la signora Cathy Smith costumista
del film "Balla coi lupi". Lo stesso giorno
è stato firmato l’atto di amicizia tra il Comune
di Greve ed il popolo Lakota Sioux.
Chi è interessato a seguire i numerosi eventi
in programma può rivolgersi a:
alex.wambli.gleska@dada.it o visitare il
sito www.alessandromartire.it o scrivere
una mail a info@comunedipistoia.it o telefonare
al numero verde 800 0 012 146.
Ingresso libero. Apertura tutti i giorni dalle
10 alle 18 compreso sabato e domenica.
Il maestro Sergio Susani, Luigi Giovanni Cappellini, il sindaco
di Greve in Chianti Paolo Sottani e Alessandro Martire
Sottani, Crow Dog e Cappellini appongono l'annullamento
speciale creato da Poste Italiane per l'evento
Il capo tradizionale Leonard Crow Dog junior e la signora Kathy Smith
Castello da Verrazzano, 17 aprile 2016: Leonard Crow Dog, Alessandro Martire, Kathy
Smith, Luigi Giovanni Cappellini, Silvia Cappellini, Lia Balli ed il dottor Roberto Soldani
Wo Lakota 2016
45

A Signa
riapre il
Parco dei
Renai
Con l’avvicinarsi dell’estate, insieme all’orario prolungato
fino alle 2 di notte, arriveranno anche gli sport
acquatici: dalla piscina alla balneazione nel lago (con
tanto di stabilimento balneare e Big Sur), alla vela.
“Siamo al lavoro - ha detto il presidente dell'Isola dei
Renai, Daniele Donnini - per fare sì che in questa stagione
i visitatori possano trovare anche delle importanti
novità per quanto riguarda l'offerta del parco.
Da sempre puntiamo a offrire, per chi arriva nel parco,
cura nei dettagli e rispetto della natura.
I Renai sono una delle eccellenze del territorio, uno
dei pochi spazi che, a ingresso gratuito, offre un’area
sicura dove trascorrere il tempo libero. I servizi a pagamento
completano l’offerta, ma per chi vuole è possibile
passare una giornata sul prato, leggendo un libro o
mangiando un panino, senza spendere un euro”. Novità
e aggiornamenti sulla pagina Facebook del parco.
Un parco all'insegna della natura. È ricominciata la
stagione al parco dei Renai di Signa. L’area verde attrezzata
sarà aperta dalle 12 alle 20 nei giorni feriali,
e dalle 9 alle 20 per i festivi. Da giugno invece entrerà
in vigore l’orario prolungato, con l’apertura fino alle 2 di notte. Per
gli appassionati della bici, è possibile raggiungere il parco dalle
Cascine sulla pista ciclabile. Riparte la stagione della grande area
verde di Signa, che richiama ogni anno migliaia di visitatori che
hanno l'opportunità di fare una passeggiata nel verde.
Tante le iniziative all’insegna della natura, del tempo libero e dello
sport. Con il clima più mite, sarà possibile visitare anche l’oasi
naturale da 30 ettari realizzata in collaborazione col WWF, oppure
provare la pista da skateboard, la parete per free-climbing, i campi
di calcetto, il minigolf adventure, il ristorante, pizzeria e music
bar Chiringuito dei Renai e il parco giochi Happy Park per bambini
da zero a 12 anni.

PARCORENAI
STATOLIBERO
Via dei Renai 9
50058 Signa - Firenze
Tel: 055 8996431
Fax: 055 8999257
segreteria@progettorenai.it
www.parcorenai.it
47

Sede sociale e direzione
Signa
piazza Michelacci 1-2 - 50058 Signa
Tel. 055 879101 - fax 055 8791021
Filiali
Signa
piazza Michelacci 1-2 - 50058 Signa
Tel. 055 879101 - fax 055 8732067
Lastra a Signa
via Turati 10-12 - 50055 Lastra a Signa
Tel. 055 8720251 - fax 055 8720204
Ponte a Signa
(Comune di Lastra a Signa)
via S. Lavagnini 11 - 50055 Lastra a Signa
Tel. 055 8725268 - fax 055 8725270
San Mauro a Signa
(Comune di Signa)
via della Chiesa 19 - 50050 S. Mauro a Signa
Tel. 055 8739764/5 - fax 055 8739693
Viottolone
(Comune di Scandicci)
via di Castelpulci 3 - 50018 Scandicci
Tel. 055 7310678 - fax 055 720145
Montelupo Fiorentino
via Centofiori 14
50056 Montelupo Fiorentino
Tel. 0571 913188 - fax 0571 913216
Malmantile
(Comune di Lastra a Signa)
via Vecchia Pisana 235
50050 Malmantile (Lastra a Signa)
Tel. 055 8729244 - fax 055 8784412
Firenze
Piazza della Libertà 32R - 50129 Firenze
Tel. 055 5088114 - fax 055 578832
Sede distaccata
Castelfranco di Sotto
via Provinciale Francesca Nord 78
56022 Castelfranco di Sotto (Pisa)
Tel. 0571 488730 - fax 0571 488740
Sportelli ATM
Badia a Settimo
Via la Comune di Parigi, 34
50018 Scandicci (FI)
Firenze
Piano Primo Mercato Centrale
Piazza del Mercato Centrale dell'Ariento
50123 Firenze
Firenze
Piano Terra Mercato Centrale
Piazza del Mercato Centrale dell'Ariento
50123 Firenze
Firenze
Nuovo Ospedale San Giovanni di Dio
Via Torregalli, 3
50143 Firenze
Campi Bisenzio
Ingresso Hidron
Via di Gramignano
50013 Campi Bisenzio (FI)
San Miniato
Viale Marconi, 20
56028 San Miniato (PI)