16_rivista_ITAeventi

n.16
LUCA
TRAZZI
Vi racconto il design

sommario
in questo numero
12 .
14.
26.
34.
40.
50.
48.
46.
58.
72.
78.
90.
96.
Chiara Lizzani
Luca Trazzi
Boccioni
2050, breve storia del futuro
Sergio Linzi
Mendini
Notre Dame De Paris
Cinema
Musica
Sapori
Libri: Mantanius, Lumera
Franco Fontana
Zapping
n.16
Iscritta con l’autorizzazione del Tribunale
di Milano al numero 335 del 25/10/2013
www.itaeventi.it
www.facebook.com/itaeventi
twitter.com/itaeventi
Direttore responsabile
Guido Biondi
Grafiche e impaginazione
Massimiliano Pallai
Hanno collaborato a questo numero:
Bruno Quiriconi, Andrea Thomas, Erny Cat,
Antonio Distefano
Editore - Concessionaria di Pubblicità
MediaAdv s.r.l.
Via A. Panizzi, 6 - 20146 Milano
Tel. +39 02 43986531
info@mediaadv.it
www.mediaadv.it
Stampa
Mediaprint s.r.l.
Via Brenta, 7
37047 San Giovanni Lupatoto (VR)
finito di stampare aprile 2016

editoriale
La settimana del Design è senza dubbio
l’appuntamento più atteso nella città
di Milano, con la sua enorme creatività
aperta al pubblico e agli addetti ai lavori.
L’eccellenza del Design richiama ogni
anno un pubblico internazionale rendendo la città
l’ombelico del mondo. Abbiamo chiesto all’Architetto
Luca Trazzi di raccontarci cos’è il Design,
dove nasce questa passione e la connessione
con il mercato e le aziende. Tutti pensano erroneamente
che dietro un oggetto di
design ci sia una costruzione “a tavolino”,
con riunioni di architetti, Amministratori
di aziende ed esperti di marketing.
In realtà, come si evince da
una delle opere di Trazzi, l’input altro
non è che una semplice idea, seguita
dalla volontà di realizzarla. Così
è stato, ad esempio, per l’Orologio a
Cucù raffigurante il Duomo di Milano:
tutto è nato dall’intuizione. “Ho suonato
il campanello per parlare con
qualcuno all’interno del Duomo, avevo
questa idea di raffigurare il Duomo
in un orologio a Cucù”. Il resto lo
vedete nella foto, l’idea è stata perfettamente
sviluppata e realizzata.
“Quando Diamantini&Domeniconi
mi ha proposto di disegnare un orologio
a Cucù è stato spontaneo pensare
alla forma del Duomo per questo
progetto anche come omaggio
al mio maestro Aldo Rossi. Mi ha
colpito l’appello lanciato dalla Veneranda
Fabbrica del Duomo che
ha esortato i cittadini e le autorità
della città affinché non si dimentichino
di questo riferimento che è
appunto la cattedrale, dedicata a
Maria Nascente il 20 ottobre 1577.
Un invito a fare e a riprendere piccole
e grandi donazioni che hanno
consentito attraverso le diverse
epoche di mantenere l’immensa montagna di
marmo dal 1386, anno in cui fu posata la prima
pietra. Da qui l’idea di progettare 150 modelli
della cattedrale, stilizzati e in scala ridotta, prodotti
nei tanti materiali che la compongono; una
sorta di epifania materica e formale declinata in
un oggetto domestico e affettivo. Il ricavato delle
donazioni per i Duomo Cucù sarà utilizzato per
i restauri della Veneranda Fabbrica e ciò mi renderà
felice e orgoglioso”. (G. B.)
8
ITA EVENTI

notes
THE SOUND OF CITY
Un progetto artistico ideato e curato da Chiara Luzzana con il supporto di Swatch.
Creare la colonna sonora di ogni città a partire dai suoni caratteristici di ciascuna di esse.
Il progetto ha inizio nel 2015 con la composizione
della colonna sonora di Shanghai, città nella
quale l’Artista vive, alternando i suoi ritorni a
Milano. Per Chiara le città sono una fonte preziosa
di riflessione. Ed è così che un semaforo diventa
un sintetizzatore, un clacson un sassofono, tombini
come drum machines e vociare in orchestre d’archi.
Ogni rumore casuale, diventa musica. Il progetto
si svilupperà in varie fasi, la prima delle quali
verrà rivelata al pubblico con un evento a Shanghai
ad Ottobre 2016. Per la città di Milano, l’Artista ha
scelto il quartiere di Brera come anima sonora che
possa descrivere al meglio passato e presente. E proprio
a Milano il suo progetto The Sound Of City
farà parte del Fuorisalone 2016 e del Brera Design
Design District, del quale è Ambassador; questa
edizione ha come tema “Progettare è ascoltare”.
“Ho girato il mondo ed in ogni luogo in cui sono stata,
ho riconosciuto il carattere della città attraverso le mie
orecchie, non gli occhi”, racconta Chiara. Ho ideato e
creato il progetto mondiale The Sound of City per indagare
l’intimo sonoro di ogni “giungla di cemento”.
Ogni luogo ha qualcosa da raccontare ed un’anima
da mostrare; io trasformo in musica quei suoni, quelle
frequenze armoniche e quei rumori, che nella vita
quotidiana passano inosservati. Le città per me sono
come immensi strumenti musicali. Nel silenzio delle
albe metropolitane, armata di microfoni e cuffia, mi
ritrovo ad esplorare luoghi sconosciuti, lasciandomi
accarezzare le orecchie dalle “contraddizioni” sonore
che ogni città offre. Ed è come un viaggio in solitaria
dentro le mie stesse contraddizioni. Attraverso la
scoperta e trasformazione dei suoni, ho imparato a
conoscermi, a trasformare il rumore dei pensieri in
armonia, trovando un equilibrio tra forza e debolezza
che mi ha reso una donna migliore”. Il video-documentario
sarà presentato in esclusiva durante la
Design Week, Martedì 12 aprile a Milano presso
ClubHouse. (g.b.)
www.thesoundof.city - www.chiaraluzzana.com
12 ITA EVENTI

cover
LUCA TRAZZI:
IL DESIGN,
SECONDO ME
Veronese, ha collaborato per 14 anni con Aldo Rossi. Lavora
a Milano e Shangai, progetta oggetti “che non seguono le
mode”: nell’intervista racconta cos’è veramente un designer.
La settimana internazionale
del design è diventata, negli
anni, il più importante
appuntamento internazionale di
Milano. Uno degli esponenti di
spicco è l’Architetto e designer
industriale Luca Trazzi, presente
con le sue opere dal 12 al
17 aprile al Museo Diocesiano
(Corso di Porta Ticinese 95, dalle
10 alle 24) con la mostra Cromataria
e dall’11 al 17 aprile alle
Gallerie d’Italia (Via Manzoni
10, dalle 19,30 alle 23,30) con
Fili di luce. Nato a Verona nel
1962, ha lavorato per quattordici
anni accanto ad Aldo Rossi, di
cui è stato stretto collaboratore e
assistente. Oggi si divide tra Milano
e il suo studio a Shanghai;
è inoltre il fondatore di designboom.com
e progetta per i più
prestigiosi marchi internazionali.
Ama disegnare oggetti che non
seguono le mode, facili da usare,
da capire, belli da vedere. Parallelamente
al design interpreta i
luoghi, attraverso le installazioni:
tra queste segnaliamo Cucù Duomo:
l’orologio di Milano, a favore
della Veneranda Fabbrica del
Duomo; Yellow Tower per Veuve
Clicquot, T garden e T energy,
all’Università Statale di Milano;
Nuvole d’oro, l’installazione
luminosa realizzata nella storica
via Dante a Milano. Gli abbiamo
chiesto di raccontarci il suo
percorso e di farci capire cos’è –
per lui – il design: “Il mio lavoro
è alimentato da una forte passione”,
racconta Luca, “Mi piace
iniziare citando il grande scrittore
e visionario Italo Calvino:
La vita di ognuno di noi è come
un’enciclopedia, una biblioteca,
un inventario di oggetti e di relazioni
che si tessono e intrecciano in
una tela. Una trama che conduce
a divagazioni e ad aprirsi ad altre
storie che al contempo tessono e
si intrecciano tra loro e alla trama
personale della nostra vita. Il
design è vita, anima, racconto. E
vorrei aggiungervi: Senza… gli
eccessi per nulla somiglianti agli
antichi splendori. Il designer progetta
con la trama della propria
vita, con ricordi, immagini, oggetti;
ciascuno proprio, unico e
irripetibile: il design è “il lusso”
nascosto nell’anima. È l’eleganza
autonoma come sostiene il grande
esteta Gillo Dorfles. Il design
Sopra: Installazione Museo Diocesiano
è un linguaggio espressivo i cui
cardini sono la leggerezza, la
rapidità, la molteplicità, la visibilità
e l’esattezza, come aveva
anticipato Italo Calvino nelle
sue Lezioni Americane. Al centro
dello spazio gli oggetti svelano
un’anima perché protagonisti di
una storia fatta di personaggi che
li fanno vivere, ne tessono il loro
racconto, la loro origine e riflettono
i volti, le mani, la minuta
dedizione, il tempo e il pensiero
di chi li crea. Il mestiere del
designer sta al centro tra il progetto
e il mercato. Il concetto di
mercato ha spesso una accezione
negativa, dove il consumismo
eccessivo crea le regole. Io invece
ritengo che il mercato sia l’unica
realtà: il vero banco di confronto
fra il prodotto, immaginato, progettato
e realizzato e i consumatori.
Oggi la vera innovazione sta
soltanto nella tecnologia: innova
il nostro modo di vivere e il mercato.
Il nuovo design è il rover
Opportunity che va su Marte, è
l’air bus, è l’Iphone. Ma in questo
spazio-tempo tecnologico,
dove ogni “pulviscolo”, come lo
chiamo io, o tweet o pixel o social,
ci comunica sempre qualcosa
o ci impone qualcosa, ecco la
possibilità di far nascere e vivere
oggetti già nostri in una chiave
più familiare e assolutamente
personale.
14 ITA EVENTI

Installazione cromateria
museo diocesiano
Installazione fili di luce
ITA EVENTI 17

Mi riferisco a quelli che usiamo
ogni giorno, che segnano i momenti
delle nostre giornate. Il
design torna ad essere vincente
se impara ad accostarsi alla tecnologia,
lasciando ad essa l’innovazione
e portando invece più
vicino a ciascuno di noi oggetti
che ci appartengono emotivamente.
La maturità di un vero
progettista è sapersi adattare,
non innamorarsi del proprio
progetto ed essere pronti a modificarlo.
Il nostro lavoro è notare
cosa non funziona. Quando tutti
si rassegnano ad un metodo,
ad una standardizzazione… è
lì che dobbiamo dare qualcosa
di più. Nel campo del design
ho progettato nella mia carriera
per aziende anche molto distanti
e diverse tra loro, ciascuna con
una propria identità: Alfi, Audi,
Chicco, Fiorucci, FrancisFrancis!,
Fiat, Guzzini, Illy, Italesse,
Kreon, Pedrini, Porsche, Plank,
Martini, Swatch, SchönhuberFranchi,
Viceversa, Wmf, Zucchetti
Robotica, Barilla, Foppapedretti,
Mr & Mrs Fragrance,
Pantone, Serax, Zucchi Bassetti,
Diamantini & Domeniconi,
Moneta, Veuve Clicquot, Aperol,
Campari. L’appartenenza
emotiva è la fase progettuale del
design. Io sono nato a Verona e
mi sono laureato in architettura
a Venezia. Dall’architettura ho
appreso l’importanza dell’idea e
del progetto che sta alla base di
ogni creazione. Il mio grande
Maestro Aldo Rossi mi ha insegnato
proprio questo: progettare
innanzitutto, dall’idea alla realizzazione.
Da lui ho imparato a
trasferire la visione del progetto
architetturale agli oggetti. La
fase progettuale è la trama della
nostra vita: ecco tornare i ricordi,
le radici, le emozioni, ecco
nascere la Macchina da caffè dal
ricordo del cruscotto della Fiat
cinquecento, della mamma, che
guidavo per andare in stazione,
per poi prendere il locale fino a
Venezia. Fiat 500 ancora oggi
usata in famiglia, in circolazione
baldanzosa con la sua targa di
auto storica. Perfetto esempio di
felice design ed efficace e duratura
funzionalità. La macchina
da caffè X1 per Francis Francis
possiede un design semplice,
accattivante caratterizzato dal
termometro centrale e dagli interruttori
in metallo, un design
contro la moda che non invecchia,
che ricorda alcuni dettagli
del cruscotto della Fiat 500.
Questo è il design e il lavoro di
designer. In anni in cui nessuno
ancora osava farlo, sono partito
per la Cina, aprendo a Shanghai
una succursale del mio studio.
Non ho mai smesso, in questo
viaggio progettuale che per me
è il design, di adattarmi aggiustando
il tiro, crescendo, con
curiosità e passione. Per allargare
gli orizzonti di pensiero ho fondato
nel 2000 DesignBoom, il
più importante e.zine sul design
e dagli oggetti sono passato anche
ad interpretare, in modo più
artistico, i luoghi, attraverso le
installazioni che rappresentano
la mia più forte identità progettuale,
la ‘messa in scena’, quasi
in un teatro a cielo aperto, delle
mie visioni e dei miei pensieri
più profondi”.
ITA EVENTI 19

Luca Trazzi architetto e designer industriale, è nato a Verona nel 1962. Insignito già in giovane età
del premio Carlo Scarpa, ha lavorato per quattordici anni accanto ad Aldo Rossi, di cui è stato stretto
collaboratore e assistente. Oggi si divide tra Milano e il suo studio a Shanghai; è inoltre il fondatore
di designboom.com e progetta per i più prestigiosi marchi internazionali. Luca Trazzi ama disegnare
oggetti che non seguono le mode, oggetti da toccare, accarezzare, oggetti che ci accompagnano nella
giornata e nei nostri gesti quotidiani. Oggetti facili da usare, da capire, belli da vedere. Oggetti dalle
forme semplici, accattivanti, linee che non passano di moda. L’attenzione al particolare e al dettaglio è la
caratteristica che viene letta nel lavoro di Luca Trazzi. Parallelamente al design interpreta i luoghi, in modo
artistico, attraverso le installazioni che rappresentano la ‘messa in scena’, quasi in un teatro a cielo aperto,
delle sue visioni e dei suoi pensieri. In quest’ambito ricordiamo gli allestimenti: “Cucù Duomo: l’orologio
di Milano”, a favore della Veneranda Fabbrica del Duomo, “Yellow Tower” per Veuve Clicquot, nel cortile
principale dell’Università Statale di Milano, “T garden”, nel cortile principale dell’Università Statale di
Milano, “T energy” nel cortile Farmacia dell’Università Statale di Milano, “Nuvole d’oro” l’installazione
luminosa realizzata nella storica via Dante a Milano.
22 ITA EVENTI

ITA EVENTI 23

24 ITA EVENTI

arte
UMBERTO
BOCCIONI:
GENIO E
MEMORIA
Nella ricorrenza del primo centenario della
morte dell’artista (1882-1916), il Comune di
Milano lo celebra con una mostra che ne
evidenzia il percorso artistico e la levatura
internazionale con particolare riguardo per la
sua attività milanese. di Andrea Thomas
Frutto di un progetto di ricerca curato dal Gabinetto
dei Disegni della Soprintendenza del
Castello Sforzesco, Umberto Boccioni (1882
- 1916) Genio e Memoria è una mostra promossa
da Comune di Milano-Cultura, prodotta e organizzata
da Castello Sforzesco, Museo del Novecento
e Palazzo Reale con la casa editrice Electa.
L’iniziativa fa parte del programma di Ritorni al
futuro, il palinsesto culturale pensato per la primavera
2016 dal Comune di Milano che propone
oltre cento appuntamenti tra mostre, concerti,
spettacoli teatrali, proiezioni cinematografiche e
incontri, con l’obiettivo di portare al centro della
riflessione pubblica l’idea di futuro che abbiamo
oggi confrontandola con quelle che hanno abitato
il pensiero creativo in altre stagioni della storia. La
mostra ospita circa 280 opere tra disegni, dipinti,
sculture, incisioni, fotografie d’epoca, libri, riviste
e documenti. Curata da Francesca Rossi con Agostino
Contò, l’iniziativa si avvale di un comitato
di consultazione scientifica composto da Flavio
Fergonzi, Danka Giacon, Mariastella Margozzi,
Antonello Negri, Federica Rovati, Aurora Scotti,
Cristina Sonderegger, Paola Zatti e della collaborazione
tecnico-scientifica dell’Opificio delle Pietre
Dure di Firenze ed è sostenuta da prestiti di importanti
istituzioni museali e collezioni private di tutto
il mondo. Umberto Boccioni (1882 - 1916) Genio e
Memoria è una mostra ricca di novità, concepita
dai curatori con un originale taglio critico che offre
un percorso selettivo sulle fonti visive che hanno
contribuito alla formazione artistica e all’evoluzione
dello stile dell’artista. Per la prima volta Milano
riunisce il ricchissimo patrimonio dell’artista dalle
Sopra: Umberto Boccioni, Autoritratto, 1909.
Carboncino, tempera e pastello su carta, 435 × 383 mm.
Milano, Civico Gabinetto dei Disegni del Castello Sforzesco;
Sotto: Umberto Boccioni, Atlante delle immagini, 1895-1909.
22 tavole con ritagli di riproduzioni artistiche e altri materiali
a stampa su carta color paglierino, 59 × 39 cm ciascuna.
Verona, Biblioteca Civica, Fondo Callegari-Boccioni
tav. A2r. Grafica: Dürer, ritrattistica, figura femminile,
capilettera ornati per l’illustrazione editoriale, imprese
sforzesche
26 ITA EVENTI

Sopra: Umberto Boccioni, Il sogno - Paolo e Francesca,
1908-1909. Olio su tela, 140 x 130 cm. Collezione privata
collezioni e dagli archivi dei suoi musei (Camera
di Commercio, Castello Sforzesco, Galleria d’arte
Moderna, Gallerie d’Italia, Museo del Novecento,
Pinacoteca di Brera) il primo al mondo per consistenza
e rappresentatività. Le opere, in relazione
con le nuove fonti, saranno esposte insieme al corpus
integrale dei 60 disegni del Castello Sforzesco
filo conduttore del percorso espositivo. Si tratta di
un nucleo di eccezionale qualità capace di per sé di
riassumere le linee essenziali del percorso artistico
di Boccioni tra il 1906 al 1916: un documento originalissimo
– in particolare -, è l’atlante di modelli,
una sorta di ‘book’ elaborato da Boccioni nella sua
fase prefuturista, utilizzato per studiare ma anche
come diario visivo che incrocia in modo fluido e
dinamico ricordi intimi con una ricognizione di
forme artistiche del passato e della modernità. Alcune
delle opere citate in questo Atlante saranno
presentate in mostra (Richard Miller, La Vecchia,
Genova, Raccolte Frugone; Sir Frederic Leighton,
Le fanciulle greche che giocano a palla, Kilmanorck,
The Dick Institute; Jacques Emile Blanche, Il Cherubino
di Mozart, Reims, Musée des Beaux-Arts;
Frank Brangwyn, I fabbri, Leeds Art Galleries) e
saranno per la prima volta poste accanto a quelle
opere di Boccioni per verificarne la relazione artistica
(La Nonna, Venezia, Fondazione di Venezia).
Esempi talvolta di una cultura figurativa che spazia
dal XV secolo alla contemporaneità, come il Ritratto
di Massimiliano I imperatore d’Asburgo di Giovanni
Ambrogio De Predis del Kunsthistorisches
Museum di Vienna (1502), le stampe di Albrecht
Dürer (una delle quali appartenuta a Boccioni),
o il Ruscello dello svedese Anders Zorn presentato
alla Biennale di Venezia del 1905. Tutti questi
materiali saranno esposti in una sequenza articolata
che approfondisce temi e aspetti cruciali della
poetica di Boccioni quali lo sviluppo del concetto
del dinamismo in rapporto alla figura umana (La
donna al caffè, Milano, Museo del Novecento), al
ritratto (Materia, raffigurante il ritratto della madre,
collezione Mattioli), alla veduta paesaggistica e
urbana (Le officine di Porta Romana, Milano, Gallerie
d’Italia). Il Museo del Novecento, che custodisce
il nucleo pittorico e scultoreo di Boccioni più
consistente al mondo in una collezione pubblica e
che presta al percorso di mostra 11 delle sue opere,
partecipa alle celebrazioni che Milano dedica
al maestro del movimento futurista presentando
nelle sue sale un percorso temporaneo dedicato
alla stagione “prefuturista”, dove il legame con la
tradizione e lo slancio verso la modernità è particolarmente
evidente nelle opere di Balla, Carrà,
Russolo e, naturalmente, Boccioni – poi firmatari
del primo Manifesto della pittura futurista del 1910.
“Questo percorso, insieme alle altre opere del Museo
del Novecento non esposte nelle adiacenti sale di Palazzo
Reale, costituisce per i visitatori un’occasione
imperdibile per completare la conoscenza dell’artista
e per comprendere a fondo la portata rivoluzionaria
del suo lavoro – ha proseguito l’assessore Del Corno –.
Proprio per consentire un’esperienza di visita a 360
gradi, il Comune di Milano ha previsto che il biglietto
di ingresso alla mostra ‘Umberto Boccioni (1882
- 1916). Genio e Memoria’ comprenda anche l’ingresso
al Museo del Novecento”. Il percorso di mostra è
suddiviso in due ampie sezioni:
BOCCIONI: LA FORMAZIONE
La sala introduttiva presenta la struttura narrativa
della mostra con una serie di opere guida. L’Autoritratto
del Castello Sforzesco rappresenta simbolicamente
Boccioni stesso che racconta al visitatore
il percorso della mostra e la linea tracciata lungo i
disegni. I tre Diari di Boccioni, stesi tra il 1907 e
il 1908, eccezionalmente concessi in prestito dalla
Getty Research Library di Los Angeles, sono una
delle fonti documentarie di riferimento fondamentali
della mostra. Nei diari sono registrate numerose
opere presenti in mostra come l’Autoritratto
di Brera, il Romanzo di una cucitrice, Campagna
lombarda e Beata Solitudo Sola Beatitudo. Un rilievo
votivo antico raffigurante Mnemosyne e le Muse,
sue figlie che insegnano l’arte e l’ispirazione agli
uomini (un’immagine inclusa tra i ritagli dell’Atlante)
evoca la dimensione psicologica del giovane
ITA EVENTI 27

alle prese con la propria formazione intellettuale e
suggerisce i contenuti e la complessità delle fonti
visive consultate nel suo lavoro. La mostra prende
avvio da La fidanzata a Villa Borghese di Giacomo
Balla della Galleria d’Arte Moderna di Milano,
un’opera esemplare della pittura divisionista che
sarà esposta a fianco di Campagna romana della
Collezione Città di Lugano, dipinto che Boccioni
eseguì a Roma mentre era allievo di Balla, nel
1903, e fu poi significativamente venduto a Gabriele
Chiattone poco dopo l’arrivo dell’artista a
Milano. Il percorso si sviluppa quindi seguendo
le temperie e le influenze delle diverse correnti figurative
europee coeve e della tradizione classica e
rinascimentale, con le prime prove nell’ambito del
futurismo ancora profondamente legate alle esperienze
del divisionismo e dell’espressionismo alle
quali Boccioni si accosta, tra Venezia e Milano.
La mostra darà particolare evidenza agli esempi di
Segantini, Previati e Fornara, dei quali il giovane
artista ammira le opere presentate nel 1907 alla
Biennale di Venezia e al Salon parigino dei pittori
divisionisti, tra i capitoli fondamentali del periodo
milanese fino al 1910 (Tre donne, Milano, Gallerie
d’Italia). In particolare, la ricerca artistica e teorica
di Previati, che frequenta dall’inizio del 1908, lo
colpisce profondamente, e il divisionismo simbolista
di quest’ultimo, distinto da modalità di stesura
del colore estremamente libere, fungerà da base
imprescindibile per la successiva stagione futurista.
BOCCIONI FUTURISTA: PRATICA E TEORIA
Seguendo il filo conduttore dei nuclei tematici rappresentati
dai considerevoli - per numero e qualità
- disegni del Castello Sforzesco, la seconda sezione
del percorso indaga l’applicazione dei principi
teorici espressi dall’artista nei suoi interventi e negli
scritti programmatici, verificando il modo di
procedere e i rapporti posti in atto nel passaggio
Sopra:Umberto Boccioni, Ritratto di bimbo, 1908-1909.
Olio su tela, 110,3 × 65,2 cm. Collezione privata;
Sotto: Umberto Boccioni, Romanzo di una cucitrice, 1908.
Olio su tela, 150 x 170 cm.
Parma, Collezioni Barilla di Arte Moderna
dall’elaborazione grafica all’opera pittorica o plastica
finita. La sezione apre quindi con un excursus
attraverso le rappresentazioni della città e della periferia
di Milano, dalle prove divisioniste realizzate
nel 1908 sino a Forze di una strada dell’Osaka City
Museum of Art e al primo approdo programmatico
al dinamismo plastico espresso in Elasticità del
Museo del Novecento, tra i massimi capolavori di
Boccioni dedicati alla rappresentazione futurista
della città industriale moderna. Si prosegue considerando
le tappe segnate nella pittura e nella scultura
da soggetti come Antigrazioso, Materia, il Dinamismo
di un Ciclista, Cavallo + cavaliere + case,
Forme uniche della continuità dello spazio, la serie
dei Dinamismi di un corpo umano e la ritrattistica
matura, nella quale si impone con autorevolezza
la nuova direzione espressiva a cui Boccioni si era
rivolto poco prima della scomparsa prematura: un
ritorno alla figuratività pregno di originali riflessi
28 ITA EVENTI

Umberto Boccioni, Tre donne, 1909-1910.
Olio su tela, 170 × 124 cm.
Milano, Collezione Intesa Sanpaolo,
Gallerie d’Italia – Piazza Scala

Sopra: Umberto Boccioni, Cavallo + cavaliere + case, 1914.
Matita nera, inchiostro nero a penna e acquerello azzurro su
carta, 393 × 563 mm.
Milano, Civico Gabinetto dei Disegni del Castello Sforzesco;
A sinistra: Umberto Boccioni, Antigrazioso, 1912-1913.
Olio su tela, 80 x 80 cm. Torino, Fondazione F.C. per l’Arte
della lezione cézanniana e cubista (Sintesi di figura
plastica seduta, Roma, Galleria Nazionale d’Arte
Moderna con due disegni riferiti all’elaborazione
del soggetto). In questo ampio capitolo futurista,
che tocca un vertice qualitativo altissimo con
dipinti come Materia e Dinamismo di un Ciclista
della collezione Mattioli, saranno presentate opere
di artisti che Boccioni conobbe in occasione dei
suoi frequenti soggiorni parigini come Rodin (in
mostra il bronzo L’uomo che cammina del Musée
Rodin di Parigi), Archipenko (in mostra la scultura
Camminando, Roma, Galleria Nazionale d’Arte
Moderna). Il ritmo dell’intensa vicenda futurista
sarà scandito dagli scritti di Boccioni e da una
vasta rassegna stampa futurista datata dal 1911 al
1916, appartenuta alla sorella dell’artista, raccolta
da Marinetti e Boccioni, anch’essa tra i documenti
riscoperti nella biblioteca veronese, presentata per
la prima volta al pubblico per l’occasione. La mostra
è accompagnata da un catalogo Electa di 300
pagine, un ricchissimo apparato iconografico delle
opere in mostra e una selezione di saggi dei più importanti
studiosi di Boccioni in Italia.
30 ITA EVENTI

Umberto Boccioni, Forze di una strada, 1911.
Olio su tela, 99,5 × 80,5 cm.
Osaka City Museum of Modern Art

A sinistra: Giovanni Segantini, L’angelo della vita, 1894.
Olio su tela, 276 × 212 cm. Milano, Galleria d’Arte Moderna
A destra: Anders Zorn, Ruscello (Frileuse), 1894.
Olio su tela, 98 × 66 cm. Stoccolma, Prins Eugens
Waldemarsudde;
Sotto: Umberto Boccioni, Antigrazioso, 1913. (fusione del
1950-1951). Bronzo, 58,4 × 53,3 × 41,9 cm.
New York, The Metropolitan Museum of Art ©Archivio Scala
Group //© 2016. Image copyright The Metropolitan Museum
of Art/Art Resource/Scala, Firenze
La mostra sarà allestita in seconda sede al MART
di Rovereto dal 4 novembre 2016 al 19 febbraio
2017. In occasione della mostra, Orticola di Lombardia,
associazione botanica senza scopo di lucro
che dal 2005 collabora con il Comune di Milano
e con i musei cittadini con progetti dedicati, grazie
a Hermès e in collaborazione con IoDonna, il
settimanale del Corriere della Sera, allestisce un
giardino su progetto dell’architetto e paesaggista
Marco Bay con la realizzazione dei Vivai Nespoli,
ospitato nello spazio all’aperto retrostante il Palazzo
Reale. Il giardino “La primavera futurista a Palazzo
Reale”, trae ispirazione dal gesto futurista e
intende suggerire, attraverso l’utilizzo delle piante e
dei fiori, la vibrazione del colore e della luce, parametri
fondamentali del movimento futurista tipici
della pittura di Boccioni, volti a creare la peculiare
«sensazione dinamica».
UMBERTO BOCCIONI (1882 - 1916).
GENIO E MEMORIA
Palazzo Reale, Piazza Duomo 12, Milano
dal 23 marzo al 10 luglio 2016
Il biglietto include anche l’ingresso alla mostra
‘2050. Breve storia del futuro’ e offre la possibiltà di
visitare gratuitamente il Museo del Novecento.
info: 0292800821
www.palazzorealemilano.it
32 ITA EVENTI

Umberto Boccioni, Dinamismo di un corpo umano, 1913.
Olio su tela, 100 x 100 cm. Milano, Museo del Novecento

arte
2050
BREVE STORIA DEL FUTURO
Quarantasei grandi artisti internazionali in una esposizione ispirata al saggio di Jaques Attali.
di Bruno Quiriconi
Sopra: Thu Van Tran, Rainbow
herbicides, 2014
Graphite on Canson paper, spray can
paint, 76 x 111 cm. Courtesy the artist
and Meessen De Clercq, Brussels ©
Philippe De Gobert, courtesy of the
artist and the gallery;
A sinistra: Hans Op de Beeck, Anke
[detail], 2007
Sculpture, mixed media (polyamide)
height 159 (sculpture and pedestal) x
23 (diameter) cm. Hans Op de Beeck ©
Hans Op de Beeck
Dipinti, sculture, foto, video,
installazioni: cinquanta
opere d’arte contemporanea
di quarantasei
grandi artisti internazionali, indagano
il nostro futuro in una
esposizione ispirata al saggio Breve
storia del futuro di Jacques Attali
(pubblicato nel 2006 e rieditato
nel 2016 da Fazi Editore,
aggiornato ai nuovi scenari globali).
La mostra, a cura di Pierre-Yves
Desaive e Jennifer Beauloye,
presenta attraverso una
selezione di opere recenti, il
modo in cui gli artisti contemporanei
osservano il presente per
condurre una riflessione sul futuro
così come esso si delinea
ai nostri occhi. Conflitti globali,
mutazioni genetiche, diseguaglianze
sociale ed economiche,
sfruttamento delle risorse naturali
compongono il complesso
panorama dei prossimi decenni;
gli artisti di 2050 interpretano
queste tematiche complesse e invitano
a ri-pensare il tempo che
verrà con visioni anche costruttive
e talvolta ironiche.
34 ITA EVENTI

Sopra: Little Sun, Little Sun in 2
minutes, 2012
Video of the Little Sun project by Olafur
Eliasson and Frederik Ottesen © Little
Sun;
A destra: Bodys Isek Kingelez,
Kimbembele Ihunga(detail), 1994
Paper, cardboard and other found
materials, 130 x 330 x 210 cm. CAAC -
The Pigozzi Collection,
Geneva / photos: Marc Halevi © CAAC
– The Pigozzi Collection, Geneva
La mostra è promossa e prodotta
dal Comune di Milano - Cultura,
Palazzo Reale e la casa editrice
Electa, in collaborazione
con i Musées Royaux des Beaux-Arts
de Belgique a Bruxelles
dove il progetto ha preso vita
con una doppia esposizione (Musées
Royaux - Louvre) terminata
a gennaio 2016. Il percorso di
mostra, diviso in otto sezioni, è
articolato intorno a diversi nuclei,
liberamente ispirati agli interrogativi
sviluppati nel saggio
di Attali. Tutto ha inizio negli
anni Ottanta a Los Angeles (evocata
nei lavori di Chris Burden,
Edward Burtynsky, Edward Ruscha,
Tracey Snelling…), la città
natale del microprocessore che,
in arte, ha ispirato le sperimentazioni
con il computer di Charles
Csuri e Masao Kohmura. Al
fermento della modernità della
Silicon Valley, al consumismo e
al capitalismo segue poi il decli-
no dell’Impero americano, identificato
in mostra con gli attentati
dell’11 settembre 2001 nelle
immagini di Wolfgang Staehle e
Hiroshi Sugimoto; la tragica vicenda
segna uno sconvolgimento
politico su scala planetaria di cui
ci parlano i lavori di Mark Napier,
Alighiero Boetti, Mona Hatoum.
36 ITA EVENTI

Hiroshi Sugimoto, World Trade
Center, 1997
gelatin silver print, 149,2 x 111,9 cm.
Hiroshi Sugimoto. Courtesy of
Koyanagi Gallery
© Hiroshi Sugimoto. Courtesy of
Gallery Koyanagi

Sopra: David LaChapelle,
Gas Shell, 2012
C-print on dibond, 137 x 222 x 6,5 cm.
Courtesy Jablonka Maruani Mercier
Gallery. © David LaChapelle Studio,
courtesy Jablonka Maruani Mercier
Gallery;
Sotto: Sara Rahbar, Flag #10, 2008
Mixed media textile, 165 x 89 cm.
Collection Salomé Garboua, Paris ©
Sara Rahbar, Courtesy Carbon 12
Jacques Attali descrive in questa
fase storica l’avvento di un
“iperimpero” nel quale le diseguaglianze
economiche diventano
la norma, una tematica testimoniata
nelle opere in mostra
di AES+F, Andres Serrano, Aaron
Koblin o Gavin Turk. L’iperimpero,
nel quale anche il tempo
diventa merce (con le opere
di Gustavo Romano, Roman
Opalka, On Kawara) e dove il
corpo umano si trasforma per
incontrare la macchina (i lavori
di Stelarc, Hans Op de Beeck),
si deve confrontare con
molteplici calamità: sovraconsumo
(John Isaacs), sovrapopolazione
(Michael Wolf, Yang Yongliang)
e sovrasfruttamento delle
risorse naturali e inquinamento
(Olga Kisseleva, Robert Mundt).
Quando le tensioni nate da tali
disequilibri diventano insostenibili,
sopraggiunge “l’iperconflitto”,
sempre nel pensiero di Attali,
agevolato da un crescente accesso
alle armi di distruzione di massa
(Gregory Green) e sostenuto
da ideologie religiose distorte
(Al Farrow). A fianco di questa
visione catastrofica, l’esposizione
propone anche opere che fanno
eco alla “iperdemocrazia” definita
da Jacques Attali, la quinta
ondata del futuro che potrebbe
sfociare in un mondo migliore,
così come lo evocano i lavori di
Bodys Isek Kingelez, Mark Titchner,
Gonçalo Mabunda, Jean
Katembayi Mukendi o il progetto
Little Sun. La mostra è realizzata
con il sostegno di Alcantara.
Jacques Attali: economista, giornalista,
consigliere di Stato di
Mitterrand, è stato primo presidente
della Banca Europea per la
Ricostruzione e lo Sviluppo, oltre
a essere direttore e cofondatore
di ONG a favore dei paesi
del Secondo e Terzo Mondo. Intellettuale
di fama internazionale
ha scritto numerosi libri tra saggi
(su una varietà di temi che vanno
dalla matematica all’economia
alla musica), memorie, biografie
e anche libri per bambini.
Nel suo celebre saggio Breve storia
del futuro (Fazi editore) analizza
come l’umanità, fin dalle
sue origini, sia passata attraverso
38 ITA EVENTI

AES+F, The Feast of Trimalchio,
Still #2-1-01, 2009–2010
HD video installation: single channel
version. Presented by Multimedia Art
Museum, Moscow, with the support of
the Triumph Gallery (Moscow)
© AES+F. Courtesy Multimedia Art
Museum, Moscow & Triumph Gallery,
Moscow
diversi “ordini”: l’ordine religioso,
l’ordine militare e infine quello
mercantile – vale a dire il capitalismo
liberale –, che finisce per
imporsi in Occidente all’inizio
del XIII secolo. La storia di questo
sviluppo economico si articola
intorno a nove diverse città,
indicate dall’autore come altrettanti
“cuori” che hanno potuto
trasformare le evoluzioni tecnologiche
in motori economici
(Venezia e la galera mercantile,
Anversa e la stampa, Londra
e la macchina a vapore, Boston
e il motore a scoppio…). Il nono
e ultimo cuore della storia è Los
Angeles con il microprocessore,
la cui comparsa forgerà il mondo
nel quale viviamo oggi. La storia
allora cambia ritmo per assumere
la forma di cinque “ondate
del futuro” per i prossimi cin-
quant’anni:
1. Il declino relativo dell’Impero
americano. Oggi l’Impero americano
è in declino, come lo fu
a suo tempo l’Impero romano.
La maggior parte dell’umanità
adotta i valori occidentali, senza
che un nuovo impero domini il
mondo.
2. Un mondo policentrico. Dodici
nazioni più potenti delle
altre tentano di organizzare una
parvenza di ordine mondiale, ma
non possono instaurare uno stato
di diritto planetario giusto e sostenibile
né controllare il clima.
3. L’iperimpero. Le grandi aziende
impongono al mondo le proprie
regole e assicurano l’ordine
attraverso strumenti privati di
sorveglianza, poi di autosorveglianza
e di autosanzione. Tutto
diventa merce: il tempo, le idee,
le persone e i loro amori, fino a
trasformare gli esseri umani in
robot, cloni di robot.
4. L’iperconflitto. Le autorità militari,
sulla base di nuove ideologie
che aspirano a dare un significato
al lungo termine, tentano
di imporre soluzioni totalitarie.
Queste violenze convergono in
un conflitto globale nel quale entità
statali e non statali si distruggono
a vicenda.
5. L’iperdemocrazia. Dopo l’iperconflitto
(se l’umanità sopravvive)
o al suo posto (se si riesce a
evitarlo), si instaura una “società
positiva” che concilia l’interesse
delle generazioni future con le
esigenze della libertà. Ciò presuppone
la fondazione di un ordine
di diritto democratico, armonioso
e duraturo, planetario e locale,
basato sulla forma più intelligente
dell’egoismo, l’altruismo.
2050. BREVE STORIA DEL
FUTURO
Palazzo Reale, Piazza Duomo
12, Milano
dal 23 marzo 2016 al 29
maggio 2016
Il biglietto d’ingresso include
anche l’ingresso alla mostra
Umberto Boccioni
(1882 - 1916).Genio e Memoria
e offre la possibiltà di visitare
gratuitamente il Museo del
Novecento
info 0292800821
www.palazzorealemilano.it
ITA EVENTI 39

arte
Albero a sipario 2014 - pannelli decorativi 2013
barca irene 2015
L’AUTSTRALIA
NEL CUORE
Sergio Linzi esprime il design attraverso
forme che possono evocare una
comunicazione non verbale ma di
carica visiva ed enegetica.
di Guido Biondi
“Sono cresciuto per buona
parte dell’infanzia
in Australia. Marchiato
culturalmente da
questo continente, ho
iniziato in Italia un percorso
di ricerca espressiva
in vari campi: dagli
studi sulla meccanica mi
sono spinto successivamente ad intraprendere
esperienze artigianali, stabilizzandomi
infine a collaborare con laboratori artistici
nei quali mi sono occupato di scenografia,
decoro, restauro e design”.
40 ITA EVENTI

L’INDIPENDENZA CREATIVA
“Oggi esprimo il mio stile e la mia visione attingendo
dalla natura e dal patrimonio poetico di ogni
cosa. La mia indipendenza creativa decolla quasi
per gioco, dopo una richiesta di un’amica parrucchiera
che desiderava cambiare il look di casa sua
per dare una svolta alla sua vita dopo una delusione
d’amore. Così nasce il terreno dove esprimo il mio
stile e l’influenza interpretativa “naturale” degli
ambienti attraverso forme che possono evocare una
comunicazione non verbale, ma di carica visiva ed
energetica”.
A destra: Forest hanger 60x150 2015 mix materials;
A Sinistra: Lampada calla 2015 cedro pasta di legno altezza 100
EMOZIONI PRIMARIE
La mia infanzia di quasi un decennio trascorsa ad
Adelaide, nel sud dell’Australia, lo stile di vita libero,
“easy”, tra mare e deserto, con una vicinanza
di animali allo stato selvaggio, gli spazi immensi di
una natura potente e misteriosa che entra nel cuore
e rimane radicata, mi ha profondamente marchiato.
Così come l’arte aborigena mi ha catturato
nell’essenza per il suo modo di portare alla luce
eventi ed emozioni primarie che ci legano alla natura.
Tutto ciò rimane una colonna portante per i
miei progetti presenti e futuri e il mio stile artistico
si esprime attraverso la realizzazione di oggetti di
design e quadri ispirati alla natura nella sua essenza
poetica e orientati a suscitare emozioni.
ITA EVENTI 41

Fresh materiali misti 110x130 2015
Leaf w in progress 130x75 2015 mix materials
I PROGETTI
Contestualmente, ho iniziato a collaborare con lo
scultore Michele Vitaloni con cui condivido valori
artistici. Eventi di rilievo sono stati: nel 2010 a
Londra, presso The Royal Geographical Society,
ho coadiuvato l’allestimento di Species e successivamente,
nel 2014, l’Orticolario a Villa Erba di Cernobbio
e una esposizione di sculture presso l’Hotel
B4 e il Boscolo Exedra. Le sinergie professionali
con Michele ci hanno consentito la realizzazione
di molti progetti nel mondo delle mostre d’arte e
tutto ciò ha creato i presupposti per fondare assieme
l’Associazione MUVI, associazione culturale
no profit che promuove l’espressione artistica legata
alla natura e ad uno spirito libero ed indipendente
e aperta ad accogliere e ospitare altri artisti che abbracciano
la stessa filosofia. Attualmente sono tra
i soci fondatori del MUVI e mi occupo in particolar
modo della Direzione Allestimenti e design.
Tra le tante iniziative promosse dal MUVI, svolte
fino ad oggi, posso citare: la prima edizione italiana
di BambolArt; la prima edizione italiana Wild
Life Art Italy; “Visoes brasileras”, evento Fuori salone
con il patrocinio del Consolato Brasiliano. Ho
collaborato con le riviste Oasis e Ponti per l’arte.
Il mio prossimo progetto – dal 14 aprile - sarà un
evento fuori salone dell’Art Design District presso
lo spazio espositivo KKM Viaggi, in via Bertolazzi
20 a Milano: saranno in mostra alcuni mie opere
di design. sergio.linzi@gmail.com
42 ITA EVENTI

design
CODICE MENDINI
Di grande impatto visuale, il volume si impone come l’opera più completa
mai pubblicata su Mendini e raccoglie il meglio del suo lavoro, offrendo
una lettura trasversale della sua poliedrica attività. di Bruno Quiriconi
1: CODICE MENDINI, Le regole per progettare, Electa;
Architetto, artista, designer, teorico e scrittore,
Alessandro Mendini (Milano 1931)
è una delle personalità dominanti - in piena
attività - nella storia del progetto estetico del
XX e del XXI secolo. A lui dobbiamo alcune delle
più celebrate icone della contemporaneità, come
la Poltrona Proust declinata negli anni in tante
versioni diverse. Direttore di riviste (Ollo, Modo,
Casabella, Domus), membro di gruppi di lavoro
(dai Radicals ad Alchimia), associato dal 2000
al fratello Francesco nell’omonimo Atelier milanese,
Mendini ha esercitato un’enorme influenza
sulle tendenze estetiche del design internazionale,
da lui trasformato in un formidabile strumento
espressivo dello stato d’animo dell’uomo moderno,
che oscilla tra disagio e felicità. Di grande
impatto visuale, il volume si impone come l’opera
più completa mai pubblicata su Mendini e raccoglie
il meglio del suo lavoro, offrendo una lettura
trasversale della sua poliedrica attività. Attraverso
l’individuazione di 9 temi (o regole, secondo Mendini),
questo “atlante” propone al lettore – in una
catena di libere associazioni - alcune chiavi di accesso
del codice progettuale di Mendini, un vero
e proprio caleidoscopio di immagini e di parole
che, come ricorda Fulvio Irace, autore del libro,
risulta “intrinsecamente legato alle ragioni della biografia
sentimentale, intriso di umori più che ideologie,
quasi ciclico in un andamento che al principio
di evoluzione preferisce la pratica della ruminanza”.
Codice Mendini dunque non è un catalogo né un
repertorio sistematico, ma la ricomposizione vi-
44 ITA EVENTI

1: Copertina di “Domus” durante la direzione di Mendini
(2010-2011).
Ritratto di Lorenzo Mattotti, N. 943, 2011: Wim Wenders
2: Alessandro Mendini con il suo autoritratto, 2014
(Ottone serigrafato, cm 74x74);
3: Museo Universale, 1978.
(Tecnica mista su carta, cm 21x30)
Disegno per la mostra “Documenta 8”, Kassel, Germania;
4: Alessandro “Sub-Specie” di lampadario, 2006
(Disegno, tecnica mista su carta, cm 21x30);
suale per pagine di un itinerario mentale che con
lucidità, disperazione, ottimismo e un pizzico di
ironica follia ci accompagna dentro le contraddizioni
della nostra epoca. Ogni capitolo (Biografismi,
Utopie, Gulliver, Fragilismi, Metodo Proust,
Oggetto romanzo, Stanze, Progettare è Dipingere,
Togheter), messo a fuoco dai testi di Fulvio Irace e
accompagnato dalle parole dello stesso Mendini, è
sempre riassunto attraverso un manifesto autografo
dell’architetto-designer. Attingendo all’archivio
personale, il volume include oltre 500 illustrazioni
che raccontano un percorso artistico - che dura
da più di 50 anni - attraverso i principali capolavori:
dalla Poltrona Proust al Cavallino di Venini,
dai cavatappi Alessi alla serie dei vasi-viso, fino alla
Bovisa Tech. A conclusione del libro, un’appendice,
oltre a segnalare le pubblicazioni, restituisce un
aggiornato regesto delle opere, degli allestimenti e
delle mostre di Mendini. Codice Mendini aspira ad
essere la biografia commentata dell’ultimo “maestro”
di una generazione insuperata del design italiano.
Il libro e la copertina sono realizzati in stretta
collaborazione con Alessandro Mendini.
ITA EVENTI 45

cinema
a cura di Andrea Thomas
Commedia, 2016, U.S.A., dal 13/4
Regia di Don Mazer
Con Zac Efron, Robert De Niro, Zoey Deutch
Una storia divertente, riproposizione di Hollywood dei due personaggi dei
Soliti idioti. Anche qui abbiamo un nonno “sopra le righe” contrapposto ad
un nipote tutto d’un pezzo. Quando il nipote deciderà di sposarsi si troverà
ad accompagnare il nonno in un viaggio in Florida.
Drammatico, 2016, U.S.A., dal 21/4
Regia di Peter Landesman
Con Will Smith, Alec Baldwin.
Il ritorno sul grande schermo di Will Smith in un film tratto da una storia
realmente accaduta. Un neuropatologo, durante le sue ricerche, scopre una
torbida vicenda dietro alla salute di molti atleti e si adopera per smascherare
le società a loro collegate.
Commedia, 2016, Spagna, dal 21/4
Regia di Ella Lemhagen.
Con Sarah Jessica Parker, Rosie Day, Raoul Bova, Claudia Cardinale.
La protagonista della serie Sex and The City è un’insegnante di New York.
Un giorno decide di viaggiare in Italia in compagnia della figlia adolescente.
Troverà un suo ex amante con il quale ci sarà un ritorno di fiamma. Ma una
serie di imprevisti renderanno tutto molto complicato.
Documentario, 2016, Italia, dal 2/5
Regia di Luca Lucini, Nico Malaspina.
Con Vincenzo Amato, Cristina Capotondi, Alessandro Haber. Rosie Day, Raoul
Bova, Claudia Cardinale.
Leonardo esperto di pittura, scultura, musica, anatomia, fisica. E ancora:
architetto, inventore, praticamente genio. Il film si propone di raccontare gli
anni di Leonardo trascorsi a Milano, toccando i diversi aspetti della sua vita
e della sua arte.
46 ITA EVENTI

teatro
NOTRE DAME DE PARIS
di Erny Cat
48 ITA EVENTI

Dopo anni di assenza dalle
scene ritorna uno dei
musical più apprezzati
dell’ultimo decennio: Notre dame
de Paris; interpretato dal cast originale
con musiche di Riccardo
Cocciante e parole di Pasquale
Panella per l’edizione italiana.
Lo spettacolo toccherà tutta l’Italia.
Non stupisce la popolarità
di questa rappresentazione vista
l’elevata qualità dello spettacolo;
per chi è amante di questo genere
musicale è un obbligo andare
a vederlo. Un successo non solo
in Italia ma anche in Inghilterra,
Svizzera, Russia, Cina, Giappone,
Corea, Canada, con un
record di presenze di pubblico
invidiabile, dovuto anche al fatto
che gli artisti sono selezionati
personalmente da Cocciante, il
quale sta già facendo i primi provini
per il nuovo cast. Bravissimi
i protagonisti, tutti all’altezza del
proprio ruolo; attraverso le musiche
di Cocciante, sono capaci di
tramettere allo spettatore tutto il
dramma con la potenza delle loro
voci. Anche le piccole imperfezioni
fonetiche - che possono
insinuarsi durante lo spettacolo
- scivolano via fondendosi con la
musicalità che avvolge il teatro;
tutto l’insieme di canzoni balli e
coreografia portano lo spettatore
fuori dalla realtà per tutta la durata
del musical. La scenografia e
gli effetti sonori sono coinvolgenti
e grazie alla bravura di tutto il
cast il pubblico si sente partecipe
della storia. Il corpo di ballo, formato
da professionisti di tutto il
mondo, è una vera sorpresa; non
solo ballano divinamente ma si
muovono e volteggiano con una
semplicità disarmante. Nonostante
la trama del racconto sia
drammatica, l’empatia tra gli
artisti fa si che lo spettacolo non
risulti angoscioso ma coinvolgente
e piacevole da seguire. Sicuramente
anche questa tournée
avrà un successo spettacolare.
I NUMERI E IL TOUR 2016. Notre Dame de Paris è stata cantata in 7
lingue diverse: Francese, Inglese, Italiano, Spagnolo, Russo, Coreano e
Olandese. La versione francese è stata rappresentata in: Francia, Canada,
Belgio, Svizzera, Monaco, Italia, Libano, Cina, Corea del Sud, Taiwan
e Singapore, totalizzando 1.277 rappresentazioni. La versione inglese
è stata rappresentata in: USA, Inghilterra, Cina, Corea del Sud, Russia,
Taiwan, Giappone, Singapore, Lussemburgo, Turchia per un totale di 975
rappresentazioni. In 18 anni, Notre Dame de Paris nel mondo è stata rappresentata
4.046 volte. Notre Dame de Paris in Italia, dal 2001 è stata vista
da oltre 2 milioni e mezzo di spettatori con 40 città visitate in 10 anni.
915 repliche complessive Il Tour 2016 è partito da Milano al Teatro LinearCiak
il 3 marzo e proseguirà a Trieste al Politeama Rossetti dal 6 al 10
aprile, a Bari al PalaFlorio dal 14 al 18, a Napoli al Teatro Palapartenope,
dal 20 al 25, a Eboli al PalaSele il 30 aprile e il 1 maggio, a Firenze al
Mandela Forum, dal 11 al 16 maggio, a Torino al PalaAlpitour, dal 19 al
22, a Pesaro all’Adriatic Arena, dal 26 al 29, a Perugia al PalaEvangelisti
dal 3 al 5 giugno, a Roma al Centrale Live, dal 9 giugno, a Parma a Piazza
della Pillotta dal 3 al 9 luglio, a Palermo al Teatro di Verdura, dal 16 al
24, ad Agrigento al Teatro Valle dei Templi dal 28 al 30, a Cagliari all’Arena
Sant’Elia il 6 e 7 agosto, a Torre del Lago al Gran Teatro all’Aperto
Giacomo Puccini, dal 15 al 19, a Chieti all’Anfiteatro La Civitella, dal 24 al
27, all’Arena di Verona dal 1 settembre e a Reggio Calabria al PalaCalafiore
il 25 e 26 novembre.
ITA EVENTI 49

cinema
LUI È TORNATO
Un film di David Wnendt che fonde commedia e satira sociale per riflettere sul presente e su
quanto siamo “vaccinati” contro la violenza e il nazismo. di Andrea Thomas
Estate, giorni nostri. In una zona residenziale
di Berlino Adolf Hitler si sveglia improvvisamente
proprio nel luogo dove un tempo
si trovava il suo bunker. Sono passati settant’anni
dalla sua “scomparsa”. La guerra è finita, il suo
partito non c’è più, la sua amata Eva non è lì per
consolarlo e la società tedesca è completamente diversa
da come la ricordava, tanto che anche i bambini
che lo notano per primi si prendono gioco di
lui. Lo riconosce però un reporter che lo filma e lo
trova una perfetta imitazione dell’originale. Così,
contro ogni probabilità, Adolf Hitler inizia una
nuova carriera in televisione perché viene universalmente
scambiato per un brillante comico, anche
se lui è davvero chi sostiene di essere e le sue intenzioni
non sono cambiate… È questa la trama di
Lui è tornato, il film di David Wnendt tratto dal
best seller di Timur Vermes pubblicato in Italia da
Bompiani. Un libro fenomeno che è stato primo
nella classifica della rivista Spiegel per venti settimane,
ha venduto oltre due milioni di copie solo in
Germania e vede traduzioni in corso in oltre quaranta
paesi, tra cui Stati Uniti, Inghilterra, Francia,
Russia, Giappone e Cina. Ma Lui è tornato, che
arriva nelle sale italiane solo il 26, 27 e 28 aprile
distribuito da Nexo Digital (elenco dei cinema disponibile
su www.nexodigital.it), non è solo l’adattamento
cinematografico di un romanzo nel senso
comune. Infatti il protagonista Oliver Masucci
(che interpreta Adolf Hitler) non solo recita accanto
a colleghi di prima classe, come Fabian Busch,
Christoph Maria Herbst e Katja Riemann, ma incontra
anche l’uomo medio, i piccoli allevatori, gli
imprenditori, personaggi famosi, giovani politici,
50 ITA EVENTI

giornalisti, nipster e neonazisti. Sì, perché è proprio
David Wnendt ad avere l’idea più interessante per
trasporre le 400 pagine del libro sullo schermo suggerendo
di mandare Hitler in giro per le strade e di
combinare questi elementi documentari con il film
stesso. “Ho trovato appassionante l’idea di mostrare
Hitler non solo in una situazione artificiale attorniato
da attori, ma piuttosto a piede libero tra la gente
vera”, spiega David Wnendt. “Era il solo modo di
suscitare delle risposte affidabili alle domande: cosa
accadrebbe se Hitler tornasse oggi? Avrebbe davvero
qualche possibilità?” E l’esperimento offre risultati
spiazzanti: “Era come se le persone stessero incontrando
una pop star- aggiunge Wnendt- anche sapendo
perfettamente che non poteva trattarsi del vero Hitler,
lo accettavano e si confidavano con lui”. Le 380 ore
di materiale girato sono state quindi montate in un
film che fonde commedia e satira sociale offrendo
una riflessione sull’importanza della memoria nel
suo senso più profondo ed attuale, sulla banalità
del male e, talvolta, sulla forza mediatica che cela
in sé. Oggi, nel 2016, Adolf Hitler avrebbe 127
anni. Anche se non si fosse sparato il 30 aprile 1945,
esattamente dieci giorni dopo il suo 56° compleanno
ordinando che il suo cadavere fosse cremato per non
cadere nelle mani del nemico, non sarebbe perciò possibile
imbattersi in lui a Berlino. “Trasportare Hitler
nel presente è un’operazione di fantasia che mi
sono concesso” spiega Timur Vermes. In Germania
il film ha portato in sala 500.000 persone ad una
settimana dall’uscita ed è balzato in prima posizione
dopo tre settimane, superando il film della
Pixar Inside Out e diventando il film tedesco col
maggiore incasso del 2015.
ITA EVENTI 51

“WHERE TO
INVADE NEXT”
Dopo sei anni di silenzio, Michael Moore
torna nelle sale dal 9 all’11 maggio
con il suo ultimo pungente documentario.
di Bruno Quiriconi
Il regista Michael Moore arriva nelle sale con
quello che si presenta probabilmente come il
suo film più provocatorio ed esilarante, quello
in cui il regista suggerisce al Pentagono di “ritirarsi”
perché d’ora in poi sarà lui stesso ad occuparsi
delle “invasioni in nome dell’America”. Dopo aver
conquistato il botteghino americano, Where to Invade
Next, che è stato presentato al Toronto International
Film Festival e al Festival Internazionale
del Cinema di Berlino, sarà nelle sale italiane dal 9
all’11 maggio distribuito da Nexo Digital e Good
Films (elenco delle sale su www.nexodigital.it). Si
tratta di una commedia effervescente, divertente e
sovversiva, in cui Michael Moore, interpretando il
ruolo dell’“invasore”, fa visita ad una serie di nazioni
per prenderne spunto e migliorare le prospettive
degli USA. Il creatore di Fahrenheit 9/11 e Bowling
for Columbine ritorna con questa esilarante e rivelatrice
chiamata alle armi; e finisce per scoprire che
le soluzioni ai problemi più radicati in America esistono
già in altri paesi del mondo e, con molta probabilità,
aspettano solo di essere adottate. È lo stesso
Michael Moore a spiegare la genesi del film: “A
19 anni, subito dopo aver abbandonato l’università,
mi sono procurato un pass Eurail e una tessera degli
Ostelli della Gioventù e ho trascorso un paio di mesi a
viaggiare per l’Europa. Mi trovavo in Svezia, dove mi
sono rotto un dito del piede e qualcuno mi ha mandato
in una clinica. C’è poco da fare con un dito del piede
rotto, ma hanno fatto quello che hanno potuto. Poi
sono andato per pagare il conto, ma non c’era nessun
conto da pagare. Non riuscivo proprio a capire. Davvero,
non avevo mai sentito nulla del genere. Allora
mi hanno spiegato come funzionava il loro sistema
sanitario. In tutta l’Europa ho continuato ad imbattermi
in piccole realtà di questo tipo e a pensare, “Che
bella idea! Perché non lo facciamo anche noi? La mia
idea iniziale era di andare ad “invadere” altri paesi e
rubare loro qualcosa di diverso dal petrolio. E lo avrei
fatto senza sparare un solo colpo. Mi ero dato tre regole:
1) non sparare a nessuno; 2) non prendere neanche
una goccia di petrolio; e 3) portare a casa qualcosa da
poter utilizzare. Nel momento in cui abbiamo invaso
questi paesi ci è parso evidente che sarebbe stato molto
meglio fare un film sull’America senza girare un solo
fotogramma in America. Come sarebbe stato un film
così? Mi piaceva questa sfida”. Michael Moore, per
la sua indagine, “invade” così diversi paesi Europei,
tra cui Italia, Francia, Finlandia e Islanda e in ogni
luogo in cui si reca conficca la bandiera a stelle e
strisce. In questo pellegrinaggio Moore scopre che
in Italia i lavoratori hanno un trattamento migliore
rispetto ad altri paesi; in Francia le mense scolastiche
servono quotidianamente piatti di alta cucina
molto diversi da quelli americani; in Islanda il potere
è in mano alle donne, le uniche che sembrano
sapere come governare; in Finlandia il sistema
scolastico è straordinario, uno dei più virtuosi al
mondo... Aggiunge Moore: “Forse ho semplicemente
trovato una maniera più sovversiva di gestire
la rabbia che provo nei confronti delle condizioni in
cui versa questo paese. Non sono mai stato un cinico,
ho sempre creduto che il cinismo non fosse che un’altra
forma di narcisismo. Credo nella bontà delle persone
e credo che la maggior parte della gente abbia una coscienza
e distingua il giusto dallo sbagliato. Penso che
sappia cosa dovremmo fare e che sia solo spaventata o
ignorante. E una volta risolti questi aspetti, quando
smetteremo di vivere nella paura e di essere stupidi, le
cose andranno meglio”.
52 ITA EVENTI

SAN PIETRO E LE BASILICHE
PAPALI DI ROMA 3D
Un tour cinematografico con punti di vista inediti e riprese mai realizzate prima.
San Pietro, San Giovanni in Laterano, Santa Maria Maggiore, San Paolo Fuori le Mura e le
opere d’arte che custodiscono. di Andrea Thomas
Dopo il successo di Musei Vaticani 3D e di
Firenze e gli Uffizi 3D, arriva al cinema
San Pietro e le Basiliche Papali di Roma 3D,
la nuova produzione cinematografica firmata Sky
3D che, assieme al Centro Televisivo Vaticano e in
collaborazione con Nexo Digital, Magnitudo Film
e Sky Arte HD, propone un viaggio attraverso le
quattro Basiliche Papali di Roma e i loro tesori: San
Pietro (una delle 25 mete più visitate dai viaggiatori
di tutto il mondo), San Giovanni in Laterano,
Santa Maria Maggiore e San Paolo Fuori le Mura.
Quattro edifici maestosi - ognuno con un prezioso
altare papale, scrigno di opere d’arte senza tempo
e meta nei secoli di milioni di viaggiatori e pellegrini
- diventano così protagonisti del nuovo tour
cinematografico che è stato riconosciuto come film
di interesse culturale dal Ministero dei Beni e delle
Attività Culturali e del Turismo - Direzione Generale
Cinema e che sarà distribuito nei cinema del
mondo da Nexo Digital. L’occasione che ha portato
alla realizzazione di San Pietro e le Basiliche Papali
di Roma 3D, che sarà nei cinema italiani solo per
3 giorni dall’11 al 13 aprile (elenco dei cinema disponibile
su www.basilicheroma3D.it e su www.
nexodigital.it), è il Giubileo Straordinario della
Misericordia indetto da Papa Francesco. Il fil rouge
narrativo, che si snoda dalla basilica paleocristiana
su cui sorse San Pietro sino alla grandiosità del Barocco
attraverso le preziose opere dell’arte medievale
e rinascimentale, è offerto da alcuni brani di
Passeggiate Romane di Stendhal (1783-1842), il celebre
scrittore francese che nel primo Ottocento visitò
le quattro chiese durante il suo Grand Tour in
Italia. I brani di Stendhal sono interpretati nel film
da Adriano Giannini, preparando emotivamente lo
spettatore ad entrare in contatto con il mondo storico
artistico dei quattro imponenti edifici attraverso
gli occhi di questo colto viaggiatore di inizi ‘800.
Nel corso dei 90 minuti di San Pietro e le Basiliche
Papali di Roma 3D saranno quattro gli esperti che
racconteranno le Basiliche e le opere che vi sono custodite:
Antonio Paolucci, direttore dei Musei Vaticani,
ci guiderà all’interno di San Pietro; Paolo Portoghesi,
architetto di fama internazionale, proporrà
54 ITA EVENTI

un appassionato approfondimento su San Giovanni
in Laterano; Claudio Strinati, celebre storico dell’arte,
saprà svelarci la storia e le leggende di Santa
Maria Maggiore; Micol Forti, direttore collezione
d’arte contemporanea dei Musei Vaticani, presenterà
agli spettatori S.Paolo Fuori le Mura. All’interno
di luoghi esclusivi del Vaticano (gli Ottagoni
della Fabbrica di San Pietro, il Salone Sistino della
Biblioteca Apostolica Vaticana e la Sala Ducale del
Palazzo Apostolico Vaticano), gli esperti, ciascuno
secondo il proprio punto di vista, descriveranno le
basiliche in maniera originale e coinvolgente: la loro
evoluzione nei secoli, le opere d’arte più note, le vite
e le storie di Papi ed artisti - da Giotto a Bramante,
da Michelangelo a Francesco Borromini, da Gian
Lorenzo Bernini a Domenico Fontana, da Arnolfo
di Cambio a Jacopo Torriti- le vicende che hanno
reso questi luoghi immortali e la profonda spiritualità
che emanano. Grazie a mezzi tecnici poderosi,
in uso nelle più avanzate produzioni cinematografiche,
sono state realizzate immagini sorprendenti,
catturate da punti di vista esclusivi e inediti, resi
possibili anche grazie all’utilizzo di elicotteri e bracci
meccanici. A completare questo straordinario
impianto visivo ci sarà la potenza del 3D, capace
di far “immergere” lo spettatore, ponendolo al
centro della scena e a contatto diretto con le opere.
ITA EVENTI 55

LEONARDO DA VINCI. IL GENIO
A MILANO
Sul grande schermo il 2, 3 e 4 maggio il film che racconta il soggiorno milanese, le opere e le
leggende sull’artista più ammirato di tutti i tempi. di Andrea Thomas
Pittore, scultore, scienziato, musico, esperto
di anatomia e di fisica, botanico, architetto,
inventore: superando lo spirito del suo tempo,
Leonardo viene oggi identificato con l’immagine
del Genio. Era un uomo poliedrico l’artista
di Vinci e lo dimostrano l’immenso patrimonio di
studi e opere che ci ha lasciato, oltre alla lettera in
cui, nel 1482, si presenta a Ludovico il Moro, signore
di Milano. Così, partendo dalla mostra a Palazzo
Reale organizzata da Skira e Comune di Milano
nei mesi di Expo, Rai Com, Skira e Codice Atlantico
hanno deciso, in collaborazione con Pirelli e
Confagricoltura, di lavorare congiuntamente per
raccontare in un docufilm proprio gli anni trascorsi
da Leonardo a Milano, toccando i diversi aspetti
della sua vita e della sua arte, approfondendo le caratteristiche
della città del tempo, le personalità degli
artisti che gli sono stati vicini, senza trascurare
naturalmente le molte leggende che lo riguardano.
Leonardo da Vinci. Il Genio a Milano esplora il
soggiorno cittadino dell’artista, offrendo la chiave
per trasformare in quadri cinematografici i numerosi
scenari leonardeschi di Milano: il Castello
Sforzesco, il Museo della Scienza e della Tecnologia
“Leonardo da Vinci”, la Basilica di Santa Maria
delle Grazie, i Navigli, la Vigna di Leonardo sino al
celebre Cenacolo. Il film –in cui verranno mostrate
e raccontate opere come La Belle Ferronnière, la
Dama con l’ermellino, la Vergine delle Rocce, il
Ritratto di musico, il San Giovanni Battista, l’Ultima
Cena - arriverà nelle sale di tutto il mondo
distribuito da Nexo Digital e sarà in programma in
Italia il 2, 3 e 4 maggio all’interno del progetto della
Grande Arte al Cinema che sta conquistando un
pubblico sempre più vasto (l’elenco delle sale che
lo proietteranno è disponibile su www.nexodigital.
56 ITA EVENTI

it). Coinvolgendo Pietro Marani – curatore della
mostra – alcuni tra i massimi esperti di Leonardo
a livello mondiale e autori che ne hanno esplorato
la personalità – Claudio Giorgione, Maria Teresa
Fiorio, Richard Schofield, Vittorio Sgarbi, Daniela
Pizzagalli – è nata infatti una storia capace di
aprire nuove prospettive e svelare mondi straordinari.
Com’è possibile raccontare la complessità del
genio assoluto? Da dove s’inizia? Qual è il mistero
che rende Leonardo l’artista più amato, discusso e
studiato di tutti i tempi? Per rispondere a queste
domande e approfondire ulteriormente il tema e
le opere in mostra provenienti dal Louvre di Parigi,
dalla National Gallery of Art di Washington
e dalla Pinacoteca Ambrosiana, gli autori Jacopo
Ghilardotti e Gabriele Scotti hanno ritenuto opportuno
arricchire il racconto documentaristico,
sviluppato con il regista Nico Malaspina, con
l’aggiunta di alcune scene di fiction, per le quali è
stato coinvolto il regista Luca Lucini. La storia di
Leonardo a Milano ha potuto così allargarsi ed includere
molti protagonisti del suo soggiorno milanese:
Ludovico il Moro, signore di Milano, l’amico
e allievo Salaì, Beatrice d’Este, Donato Bramante,
Vincenzo Bandello e altri ancora. I personaggi storici
saranno interpretati da attori noti come Vincenzo
Amato, Cristiana Capotondi, Alessandro
Haber, Gabriella Pession, Paolo Briguglia, Edoardo
Natoli, Giampiero Judica, Nicola Nocella, mentre
la voce narrante sarà quella di Sandro Lombardi.
ITA EVENTI 57

musica
a cura di Bruno Quiriconi
18-19-20 aprile
Tunnel, Milano
16 aprile
Mediolanum Forum, Milano
4 maggio
Auditorium Parco
della musica, Roma
6 maggio
Barcalys Teatro
Nazionale
Milano
29 aprile,
Mediolanum
Forum, Milano
7 maggio
Palaottomatica
Roma
13 maggio
Stadium 105
Rimini
7 maggio
Live Club
Trezzo
sull’Adda (MI)
12 maggio
Barcalys
Teatro Nazionale
Milano
58 ITA EVENTI

musica
IL RITORNO DI RENATO ZERO
Esce in questi giorni Alt, il nuovo album dell’artista romano. La presentazioni dei nuovi brani
all’Arena di Verona, con due concerti l’1 e 2 giugno. di Andrea Thomas
Atre anni dal doppio progetto di Amo, incentrato
su tematiche più intime e riflessive,
Renato Zero torna, forte di rinnovata
passione e spirito di denuncia, ai grandi temi sociali
e alle battaglie civili con Alt, il nuovo disco
prodotto da Zero e Danilo Madonia.
I temi della fede, della violenza, dei giovani, del lavoro,
del destino dell’arte, dell’amore in tutte le sue
declinazioni, dell’ecologia, delle politiche d’accoglienza
e dei nuclei affettivi sono nei 14 brani inediti
dell’album, scritti dall’artista romano insieme
ad autori e compositori come Vincenzo Incenzo,
Danilo Madonia, Maurizio Fabrizio, Phil Palmer,
Valentina Parisse, Luca Chiaravalli, Mario Fanizzi
e Valentina Siga.
A due anni di distanza dall’ultimo tour, Renato
Zero sarà l’1 e il 2 giugno, infatti, all’Arena di Verona;
è possibile acquistare in prevendita i biglietti
online su www.ticketone.it e nei punti vendita abituali.
28 album in studio, 3 raccolte, più di cinquecento
canzoni, 45 milioni di dischi venduti. Vi
proponiamo, di seguito, i commenti dell’artista su
ogni nuova traccia di Alt.
CHIEDI
Sempre troppo poche le domande e quindi sempre
meno le risposte. E c’è chi si rallegra di questo.
Mettendo in atto sperequazioni di ogni genere a discapito
dell’ormai rassegnato contribuente. Sia esso
fresco di placenta o in età di pannolone.
IN QUESTO MISERO SHOW
Non c’è di che sentirsi appagati se bastano così poche
energie per farsi catturare da una telecamera
od essere braccati da un discografico. Ciò che rese
famosi e felici gli artisti stagionati fu la fatica, le rinunce
e la severità di una platea molto più esigente
di quella di oggi. Forse quell’Italia fu meglio rappresentata
e più soddisfatta... chissà?
LA LISTA
Donne sottostimate se non addirittura annullate.
Dall’altra parte della barricata maschietti spesso
inesperti e superficiali che fuggono via prima della
consumazione per paura di essere tanati. Ma la vera
forza della donna consiste nell’essere costantemente
spettatrice di se stessa...
60 ITA EVENTI

IN APPARENZA
Attori di grande talento?
O involontari illusionisti
pur di non cedere ad una
realtà troppo cruda e insostenibile?
IL CIELO È DEGLI ANGELI
Chi vuole essere felice farà
di tutto per esserlo. Riuscendo
persino a giustificare
un calo della passione.
Senza necessariamente
attribuire a nessuno un
tale evento.
Una coppia di amici che
si raccontano di quando
furono innamorati pazzi
l’uno dell’altra. Questo è
un tramonto da non perdersi...
IL TUO SORRISO
La serenità è facile d’estate come è meravigliosa nel
gelo dell’inverno. Il sorriso non deve subordinarla
a nessun periodo della vita. Costante dovrebbe
manifestarsi l’ottimismo nelle varie fasi della vita.
Oggi dovrebbe essere obbligatorio.
PERCHÉ NON MI PORTI CON TE
La mutualità di un rapporto dovrebbe essere sufficiente
a garantire una certa immunità dalla solitudine.
Dalla noia e dal malessere. La qualità di ciò
che diamo. Di come lo diamo, determina la nostra
soddisfazione ed il nostro benessere organico e
mentale.
GESÙ
Dal “non nominare il nome di Dio invano” al non
nominarlo più ce ne corre...
Eppure per chi trovasse il coraggio di ricercarLo, di
benefici ne otterrebbe tanti...
Il vero miracolo tra tutti... alla fine credo sia proprio
avere fede.
LA VOCE CHE TI DO
Sulla mia pelle nessun segno. Nessuna traccia di
inchiostro. Eppure credo di essere uno dei soggetti
più tatuati del pianeta. Mi sono lasciato tatuare un
po’ da tutti. Per motivi diversi. In svariate circostanze.
Ma sempre con consapevole partecipazione.
Aquile. Nomi. Facce. Date. Areoplani
e tramonti. La vita passa e si
deposita sulla pelle in forma indelebile
e definitiva. E io la amo per
questo!
NEMICI MIEI
Non ho mai posseduto una tessera di
partito quindi non saprò mai cosa si
prova a smarrirla. Una cosa che non
vorrei mai perdere è la fiducia nella
mia gente. Nella Piazza che non è lo
Stadio. In una partita in cui si rischia
di perdere qualcosa di diverso dallo
scudetto. Mi sono sognato un pullman
zeppo di anziani che venivano
condotti dalla Trattoria al Seggio
Elettorale: senza passare per il Via!
Ma il gioco non era il Monopoli...
62 ITA EVENTI

VI ASSOLVERETE MAI
Quanti ne ho visti bruciarsi per un giudizio. Su
Ponte Vittorio Emanuele II a Roma, qualcuno
a bordo di una Lambretta nel 1968 mi gridò con
esagerata soddisfazione: - “A froscio!!!”.
Gli risposi, anch’io esagerando
nella soddisfazione: “Potessi
annà ‘nfroscia!!!”. Fui esaudito!!!
Si sta bene a farsi i fatti propri. A
comprendere e sostenere, caso mai,
le battaglie altrui, senza distinzioni
di sorta. E poi quei signori degli apostrofi
chissà come ci saranno restati
male quando hanno scoperto che
quello su ponte Vittorio Emanuele II
sarebbe diventato Renato Zero.
ALLA TUA FESTA
Festeggiarsi è necessario. È un diritto
sacrosanto. Rallegrarsi di esserci.
Di avere un peso. Una consistenza.
Il fascino è di chi osa e magari abusa...
Prendere tempo il più possibile.
Sottrarlo alla noia. Al malessere. Ai
menagrami. A tutti gli altri che non
partecipano... le nostre condoglianze!
RIVOLUZIONE
....fatta e rifatta! Vissuta di faccia e di
cuore. Mai banalmente o in forma ridotta.
La Rivoluzione investe tutta un’esistenza.
Le scelte. Le compagnie. Incidendo fortemente
sull’esito del proprio futuro. La mia
Rivoluzione ha paura di restare sola. Di
non trovare nuove alleanze, ma facili compromessi
o scorciatoie. A questo punto,
con i miei precedenti amerei che i ragazzi
di questo tempo avvertissero l’esigenza
del cambiamento. A dire: “Sì! - c’è sempre
tempo”.
GLI ANNI MIEI RACCONTANO
Né nasconderli né addomesticarli.
Sono “i miei anni” gli devo tutto il rispetto
e la gratitudine che si meritano.
L’idea di una “replica” mi è sempre
balenata. A chi non è successo? Rivivrei
nello stesso tempo con le stesse
modalità, ma spenderei più sguardi.
Più abbracci e carezze. Ringrazierei di
più mio padre e mia madre. Starei di
più con gli amici. Ma soprattutto farei il
possibile affinché non andassero via come troppe
volte è accaduto! Bella la vita che se ne va... Bella la
vita che ritorna!
64 ITA EVENTI

enessere
DR. “THE FACE”
LIFTING:
ANALISI
INTROSPETTIVA
Il volto, delle donne in particolare, è come
un’ opera d’arte che non si dovrebbe
modificare mai senza conoscere il progetto.
di Antonio Distefano
Il volto, delle donne in particolare, è come un’
opera d’arte che non si dovrebbe modificare
mai senza conoscere il progetto, l’idea dell’artista.
Non dissimile è il lavoro del chirurgo plastico
al quale parimenti si richiede non un cambiamento
ma una correzione, un alleggerimento come fosse
la pulizia e il restauro di un’opera d’arte di grande
valore. Ogni volto ha una una struttura che il
chirurgo deve osservare e analizzare molte volte per
scegliere la tecnica più appropriata per un risultato
consono alla sua forma e all’età della paziente.
Ogni viso possiede uno scheletro, una muscolatura
dalla quale d’impatto, istintivamente si riconosce
non solo la sua storia ma anche la chiave corretta
per poter intervenire efficacemente col massimo
della naturalezza quasi da non indurre a fare, in chi
ci osserva dopo l’intervento, la solita affermazione:
“ Ha fatto qualcosa al viso, ha cambiato faccia”. In
questo senso mi spaventa la leggerezza e la frettolosità
con la quale alcune donne affidano la cura
del proprio volto a coloro che possono sconvolgerne
l’equilibrio dei lineamenti. Così come mi spaventano
coloro che non solo pretendono di “cambiare”
il proprio volto per essere più belli o seducenti ma
che includono nell’intervento la risoluzione di disagi
di altra origine. Un lifting non potrà mai convertire
una persona timida ad una estroversa, una
depressa ad una felice. Il lifting non determinerà
un cambio radicale nella vita emozionale di una
persona. Permetterà di amplificarne qualità , stati
emotivi , passioni, istinti già presenti attraverso una
maggiore autostima verso se stessi. Parimenti non
illudiamoci di eliminare le borse di grasso sotto le
palpebre o di far risalire il collo di 5 cm faticando
3 ore in palestra tutti i giorni, non mangiando o
rinunciando ad un sano calice di vino al giorno,
Sopra: Dr. Antonio Distefano, Specialista in Chirurgia
Plastica Ricostruttiva ed Estetica
perché tutto questo non potrà lontanamente risanare
gli inestetismi di un viso che ha perso tonicità
e forma. Cosi come non bisogna illudersi che un
sano lifting porterà indietro il tempo di 20 anni,
riconquistando amori perduti, seminando cuori
infranti o procurando avanzamenti di carriera perché
questo parimenti non si verificherà. Il lifting
è un atto d’amore solo verso se stessi. Una forma
di rispetto, di relativismo dal quale si riparte per
raggiungere un assoluto: il proprio Io. Un viaggio
unico e meraviglioso che mai potrà avere eguali.
L’imbarco verso un microcosmo dove chirurgo e
paziente affronteranno insieme le gioie di una meta
comune: l’approdo verso un macrocosmo nuovo.
Non il perseguimento di una bellezza perfetta o
idealizzata. La bellezza non sempre è sinonimo di
perfezione perche la stessa è camaleontica ed evolutiva.
La bellezza è anche imperfezione, valore che
rende unico il volto di ogni persona, che amplificherà
e che gli darà un valore aggiunto. E’erroneo
ritenere che tutte le donne si sottopongano ad un
lifting per frivolezza o per narcisismo. E’ plausibile
che lo facciano anche per disagi della propria vita
di relazione o per un istinto ancora vivo che reclama
diverse necessità di conferma che famiglia e lavoro
hanno intorpidito. Bisogni di concedersi degli
spazi di “ sano egoismo”. Cosa certa e di diversa
origine è invece la difficoltà di saper invecchiare serenamente,
indipendentemente da altri fattori. Presuppone
sacrifici e molta volontà. Invecchiare male
è tipico di moltissime persone; invecchiare al meglio
non è impossibile ed è la richiesta sempre più
crescente ma che non deve essere una missione ob-
66 ITA EVENTI

ligatoria e maniacale dal momento che i chirurghi
possono fare molto ma non certamente miracoli.
Ciò che personalmente mi impaurisce non è la tecnicità
dell’intervento, la difficoltà della correzione
ma “ l’angolo buio” che può celarsi dietro gli occhi
delle pazienti. Un buon risultato sarà fallimentare
se dietro ad esso si celerà una persona ombrosa
, se la luce nei suoi occhi sarà spenta. Si può avere
la stessa luce negli occhi a sessanta e settant’anni
come a venti continuando a essere curiosi di ogni
nuovo giorno perché a partire da una certa età il
passato e il futuro sono solo desideri che non devono
diventare una meta forzata. Volti stanchi e spesso
timorosi che, nei colloqui con il chirurgo, non
sono espressione di incertezze o di indecisioni della
ferma volontà di invecchiare bene ma testimonial
anche di paure come quella di non riconoscersi
dopo l’intervento. Tengo a precisare che un moderno
e corretto lifting vettoriale non può modificare
nessun lineamento e che la paura è probabilmente
legata alla abitudine della propria immagine che
l’occhio ha scolpito dentro la nostra mente dalla
quale non ci si vuole distaccare, inducendo nella
paziente la falsa idea di una modifica e non di una
correzione. Assuefarsi per troppi anni ad un viso
appesantito, dove non si riconosce più il confine fra
il contorno mandibolare e il collo, dove le guance
si presentano incavate per il rilassamento dei muscoli
mimici che si adagiano e si ripiegano nelle
depressioni ossee dello scheletro facciale, fa perdere
aderenza a ciò che allo specchio la paziente da una
parte vede e riconosce come self ma che dall’ altra
parte si scontra o con il desiderio di migliorare correggendone
la pesantezza o con la non accettazione
del tempo che passa (disconoscimento del proprio
self ). Tutte ferite che offuscano la mente e che ogni
chirurgo deve saper cucire lasciando nessun segno
visibile possibile. Artista di un involucro saldamente
legato ad un contenuto sano che non perderà la
sua compattezza al minimo bradisismo, lontano
da quella protezione che io medico chirurgo non
potrò garantire quando, alla fine del viaggio, dovrò
lasciare ogni paziente alla propria vita, alla curiosità
di percepire ciò che dentro il proprio Sé dovrà
ricominciare a vivere e a strutturare secondo livelli
“altri” da quelli vissuti nel nostro viaggio. Livelli
superiori che vigileranno per una vita inter relazionale
più alta dove l’insicurezza per un addome non
perfetto o un seno non conico verranno travolti da
sovrastrutture che disintegreranno qualsiasi interferenza
di uno specchio meno impietoso che non
proietterà più quotidiani confronti obbligati. Il lifting
come iter personalizzato che va oltre la pura
correzione dell’eccesso muscolo-cutaneo, di un’ovale
perduto o di un collo cadente e ondeggiante
per agire più profondamente intervenendo su una
migliore percezione dell’Io corporeo globale quasi
a volersi liberare di una forma non più riconosciuta
come “self “ ma che vuole intercettare una nuova
essenza di sé.
www.antoniodistefano.it
ITA EVENTI 67

notes
ESET PARENTAL CONTROL
PER ANDROID,
L’APP A MISURA DI BAMBINO
I genitori possono aiutare i propri figli a esplorare Internet in modo sicuro. di Bruno Quiriconi
Per i genitori è molto importante poter contare
su uno strumento in grado di gestire
ciò che fanno i propri figli sui loro tablet
e smartphone. Un sondaggio richiesto da ESET
mostra che l’88% dei genitori è preoccupato dei
contenuti online a cui possono accedere i propri
figli. Dal sondaggio emerge inoltre che l’81% dei
genitori si dicono turbati dall’idea che i propri figli
possano visitare pagine web inappropriate; il 71%
è preoccupato che i propri ragazzi possano inviare
informazioni personali a degli sconosciuti; mentre
il 61% ha sottolineato l’eccessivo tempo che trascorrono
sui dispositivi. Il sondaggio ha però rilevato
che, nonostante i timori dei genitori, soltanto
pochi di loro hanno installato un app di parental
control che gli permette di gestire le esperienze
online dei propri figli. Per accedere a Internet, i
bambini stanno velocemente passando dall’utilizzo
dei PC a quello dei dispositivi mobile. Le statistiche
mostrano che Facebook da solo vanta un
miliardo di utenti attivi al mese che si connettono
attraverso i dispositivi mobile. E tra i bambini, la
piattaforma mobile più utilizzata è Android: secondo
le previsioni, ci saranno oltre un miliardo
di dispositivi Android nel 2017 e questi, anche
grazie ai costi contenuti, vengono preferiti dai più
giovani rispetto ad altri prodotti. L’app ESET Parental
Control per Android difende i bambini che
usano i dispositivi mobile garantendo loro un’eccellente
protezione e una sana esperienza online,
senza limitare le prestazioni. Si tratta di un sistema
di protezione per la famiglia a misura di bambino
che permette ai genitori di creare un rapporto basato
sul rispetto con i propri figli che utilizzano i
loro smartphone o tablet. Progettato per aiutare
i genitori a proteggere i propri figli dalle minacce
di Internet e dalle pagine web inappropriate, l’app
vanta tantissime funzionalità per la protezione dei
bambini e un’interfaccia grafica davvero intuitiva.
ESET Parental Control per Android è disponibile
su Google Play Store, sul portale my.eset.com o attraverso
i partner ESET.
FUTURE TIME è il distributore esclusivo dei prodotti
ESET per l’Italia, nonché suo partner tecnologico.
Fondata a Roma nel 2001, Future Time nasce
dalla sinergia di due preesistenti aziende attive da
anni nel campo della sicurezza informatica. Future
Time, con Paolo Monti e Luca Sambucci, fa parte
della WildList Organization International, ente no
profit a livello mondiale composto da esperti e
aziende antivirus che hanno il compito di riportare
mensilmente tipologia e e numero dei virus diffusi
in ogni Paese. Per maggiori info: www.eset.it
68 ITA EVENTI

PROVA SUBITO ATTRAVERSO IL QR CODE
ESET, fondata nel 1992, è uno dei fornitori globali
di software per la sicurezza informatica di pubbliche
amministrazioni, aziende e utenti privati.
Il software ESET NOD32 Antivirus fornisce una
protezione in tempo reale da virus, worm, spyware
e altri pericoli, conosciuti e non, offrendo il più
elevato livello di protezione disponibile alla massima
velocità e con il minimo impiego di risorse di
sistema. NOD32 è l’antivirus che ha vinto il maggior
numero di certificazioni Virus Bulletin 100% e
dal 1998 non ha mai mancato l’individuazione di
un virus ItW (in fase di diffusione). ESET NOD32
Antivirus, ESET Smart Security e ESET Cybersecurity
per Mac rappresentano le soluzioni per la sicurezza
informatica più raccomandate a livello mondiale,
avendo ottenuto la fiducia di oltre 100 milioni
di utenti. L’azienda è presente in 180 Paesi. Per
quattro anni di seguito ESET è stata inclusa fra le
aziende Technology Fast 500 EMEA da Deloitte e
per dieci anni consecutivi fra le aziende Technology
Fast 50 Central Europe.
Per maggiori info: www.eset.it
Le funzionalità includono:
Controllo delle applicazioni: blocca i contenuti in
base all’età del bambino.
Gestione del tempo: permette ai genitori di limitare
il tempo che il proprio figlio può trascorrere
a giocare o a utilizzare altre app, persino quando il
bambino è fuori casa.
- Controllo Web: l’app blocca automaticamente
delle categorie predefinite di siti web, come quelle
che presentano contenuti offensivi o per soli adulti,
in base all’età del bambino. Possono essere aggiunte
ulteriori categorie o specifici siti web.
- Posizione figlio: consente ai genitori di richiedere
in qualsiasi momento l’attuale posizione del dispositivo
del figlio.
- Messaggio del genitore: un SMS inviato da determinati
numeri del genitore bloccherà lo schermo
del telefono del figlio fin quando non verrà premuto
un pulsante di conferma dal figlio stesso.
- Rapporti per i genitori: rapporti dettagliati
sull’utilizzo delle app e sulle pagine web visitate.
- I rapporti possono essere visualizzati in qualsiasi
momento utilizzando l’app in modalità genitore; o
attraverso my.eset.com o possono essere inviati periodicamente
agli indirizzi email dei genitori.
- L’app contiene un’opzione aggiuntiva che consente
ai figli di chiedere ai propri genitori speciali
permessi per accedere a determinate app o a particolari
contenuti web, o la possibilità di aumentare
il tempo per il gioco o la navigazione web.
ITA EVENTI 69

sapori
I FIORI DELL’ATELIER DEI SAPORI
Collocata nel cuore di Milano, la sede dell’associazione Atelier dei Sapori offre un modo
diverso e originale per passare alcune ore all’insegna della cultura gastronomica, accuditi dalle
tre maestre di cucina: Paola, Patrizia e Cristina.
Si sceglie il tema della lezione, si cucina assieme,
si discute appassionatamente tra teoria e
pratica, appagando non solo il gusto ma anche
vista, olfatto, tatto e udito. Ampia la scelta delle
proposte dell’Atelier dei sapori: serate gastronomiche
(anche in lingua inglese, francese, tedesco),
corsi individuali o per piccoli gruppi, eventi privati
(addio al nubilato, compleanni, anniversari, battesimi,
team building aziendali, bambini e ragazzi).
Dulcis in fundo, la lezione può diventare un’idea
regalo. Vi presentiamo due ricette a base di fiori:
non tutti sono commestibili e quelli che lo sono
non devono essere stati trattati con agenti chimici.
Sono commestibili i crisantemi giapponesi, i fiori
di zucca, il garofano, il gelsomino, il geranio, il
sambuco, l’iris, il girasole, la margherita, le dalie,
le petunie, le viole, le violette, le rose, la boraggine,
la camomilla, il glicine, la malva, il dente di leone,
i piccolissimi fiori delle erbe aromatiche, i fiori
di alcuni alberi come l’arancio e il pesco. Noi li abbiamo
usati con la nostra fantasia realizzando cibi
buonissimi e belli da vedere.
www.atelierdeisapori.it
Facebook: AtelierDeiSaporiMilano
Twitter: atelier_sapori
72 ITA EVENTI

Risotto vestito
di rosa canina
INGREDIENTI
250g di riso Carnaroli
½ cipolla
100g di burro
10 fiori di zucca
6 rose canine
100g di parmigiano
brodo vegetale
vino bianco
Per la salsa:
2 bustine di zafferano
brodo vegetale
maizena
sale e pepe
PREPARAZIONE
Tostate la cipolla tritata con il riso e i fiori di zucca
Bagnate con il vino e fate evaporare.
Unite gradualmente il brodo mescolando e portate
a cottura. Trascorsi 18-20 minuti allontanate
la pentola dal fuoco e mantecate con il burro, il
parmigiano e i petali tritati di due rose.
Con le rimanenti rosa foderate degli stampini, riempite
con il riso e girateli su un piatto. Servite
con la salsa di zafferano.
Tartufini al formaggio in fiore
INGREDIENTI
200 g di formaggio tipo philadelphia
300 g di formaggio tipo caprino
50 g di nocciole tritate
buccia grattugiata di limone
sale, pepe
piccoli fiori o petali di fiori commestibili
PREPARAZIONE
Amalgamare gli ingredienti e regolare di sale e
pepe.
Con le mani formare delle palline grandi come
una noce.
Disporle su di un piatto adeguato e guarnire
ogni pallina con petali o piccoli fiori di colori
diversi.
Esempi di fiori commestibili adatti alla ricetta:
garofanini, gelsomini, gerani, iris, petali di girasole,
margheritine, dalie, petunie, violette, roselline
o petali, borraggine, camomilla, glicine,
malva, dente di leone, piccolissimi fiori delle erbe
aromatiche, fiori d’arancio e di pesco.
ITA EVENTI 73

sapori
MANGIA
SMART
Maria Papavasileiou, dietologa e star del web, da anni svolge la sua attività di nutrizionista.
Una dieta così golosa che non viene voglia di trasgredire. di Andrea Thomas
Vi proponiamo un estratto dal suo nuovo libro
Mangia Smart, edito per Mondadori.
Ogni giorno posta le foto dei piatti che ha preparato
sulla sua pagina Facebook: le sue ricette sono
condivise, commentate e riproposte in diverse
varianti da tutte le sue fan (è seguita da oltre 800
mila persone). La dottoressa Maria Papavasileiou è
laureata in Dietologia e Nutrizione umana all’università
ATEI di Salonicco; dopo un ciclo di studi in
biologia molecolare alla Staffordshire University si
è trasferita a Milano, dove attualmente lavora come
nutrizionista. Il suo sito ufficiale è www.dieta-personalizzata.it
. Vi proponiamo un estratto dal suo
nuovo libro Mangia Smart, edito per Mondadori.
Il mio metodo nutrizionale si basa sulle ricette che
fornisco sempre ai miei pazienti. Le preparazioni
che consiglio sono sane e gustose, e rendono la
“dieta” molto più piacevole da seguire. In questo
libro troverete una selezione delle mie ricette, suddivise
in “salate” e “dolci”, più una sezione dedicata
specificamente a chi soffre di particolari disturbi
gastrointestinali. Inoltre vi fornirò suggerimenti
su come cuocere i cibi per conservare al meglio le
loro proprietà organolettiche e su come utilizzare
le spezie al posto del sale e di altri condimenti che
fanno ingrassare. Le quantità dipendono dallo stile
di vita e dal fabbisogno giornaliero di ciascuno,
quindi cambiano da persona a persona. Vi consiglio
però di rispettare la regola dei cinque pasti al
giorno: colazione, pranzo, cena e due spuntini, uno
a metà mattina e uno a metà pomeriggio. Per rimanere
in forma è fondamentale cominciare dalla prima
colazione. Non va mai saltata, perché altrimenti
il metabolismo rallenta: chi lo fa d’abitudine tende
infatti a essere in sovrappeso. In generale, è da
preferirsi una colazione ricca di fibre, minerali e vitamine,
utili per affrontare la giornata. Questi elementi
li trovate in alimenti come i cereali integrali,
la frutta, lo yogurt e il latte di soia. Ricordate che a
tavola non è importante solo la qualità, ma anche la
varietà: alternate frutta fresca e secca, fette e cereali,
e per i più golosi anche pancakes e cookies fatti
in casa con ingredienti genuini. Per fare il pieno di
energie, preparatevi in più una bella spremuta o un
centrifugato. Mangiare cereali integrali a colazione
è molto importante, perché forniscono una riserva
di energia che dura a lungo: il rilascio di glucosio,
infatti, è più lento e quindi il senso di sazietà prolungato.
Al contrario, gli zuccheri semplici di una
normale brioche vengono assorbiti rapidamente,
causando presto un calo energetico. Insomma, la
fame arriva prima. Avena, crusca e cereali integrali
in generale sono inoltre ricchi di vitamina B, alleata
della concentrazione e del buonumore.
74 ITA EVENTI

Produzione
e commercializzazione
del Limone
di Sorrento I.G.P.
Via Pantanello, II Trav DX - Zona Industriale - 04022 Fondi (LT)
tel. 0771 531807 - www.la-costiera.com -
F.LLI VINACCIA S.r.l.

Un vero e proprio investimento, che vi farà sentire
in forma e sorridenti per tutta la giornata! Per il
pranzo e la cena, potete sperimentare le ricette salate
che trovate nella prima parte del libro. Si tratta di
piatti unici, che contengono tutti i nutrienti di cui il
corpo necessita per affrontare al meglio la giornata.
Anche se siete sempre di fretta, cercate di non saltare
mai i pasti. È buona norma spezzare il digiuno
a metà mattina e a metà pomeriggio con uno spuntino.
La frutta secca è un’ottima soluzione. Oppure
concedetevi una porzione dei dolci che trovate nella
seconda sezione del libro. Sì, avete capito bene: dolci!
Perché un modo per continuare a godersi il più
gustoso dei peccati c’è: basta prepararli con ingredienti
freschi e non raffinati, che non fanno ingrassare
e sono ricchi di proprietà nutritive. Innazitutto,
usate farine integrali al posto di quelle bianche,
che favoriscono l’accumulo di grassi. E zucchero di
canna anziché il normale zucchero raffinato: non
solo rende i dolci più leggeri ma è anche ricco di sali
minerali e vitamine. Altri ingredienti da preferire
sono la panna e il latte di origine vegetale, come ad
esempio quelli di mandorle, riso o soia: non contengono
colesterolo, sono ricchi di proteine che
fanno bene al cuore e sono un concentrato di vitamina
B, la principale fonte del buonumore. Ovviamente
non bisogna esagerare: i dolci che consiglio
nelle mie ricette sono ottimi per la prima colazione,
come spuntini di metà mattina o pomeriggio e
come dessert ma, se state cercando di perdere peso,
è meglio evitarli dopo pranzo e cena. Se proprio
non potete fare a meno di un po’ di dolcezza a fine
pasto, optate piuttosto per un sorbetto di sola frutta.
La mia guida si chiude con una sezione dedicata
a chi soffre di particolari patologie gastrointestinali,
come gonfiore addominale e colon irritabile. In
questa parte troverete un’introduzione ai disturbi
più comuni, causati molto spesso dallo stress e da
uno stile di vita scorretto. Le ricette che consiglio
sono facili e gustose e, pur non sostituendo una terapia
mirata, permettono di contrastare i sintomi
più diffusi. Ricordate, non esistono cibi «proibiti»:
quello che conta è un’alimentazione equilibrata,
sana, accompagnata da molta attività fisica. Non
mi stancherò mai di ripetere che una dieta bilanciata
e uno stile di vita corretto ci permettono di
rimanere in forma senza fatica, di perdere peso naturalmente
oltre a prevenire il rischio di malattie.
Mangiare correttamente non significa rinunciare
ai piaceri della tavola: come imparerete leggendo
questo libro, basta saper scegliere gli alimenti giusti
e aggiungere un pizzico di creatività per preparare
piatti sani, deliziosi e golosissimi. Così golosi che
non avrete più voglia di tuffarvi nel cibo spazzatura!
76 ITA EVENTI

libri
Un piccolo aspide dalle guance morbide come quelle
di un bebè, nascosto nella tasca di una giacca; le
rane, le salamandre e i tritoni di un fiume salvati dalla
morte; una sacra famiglia di cani randagi osservati
con stupore affettuoso da un convinto gattofilo. Una
tenia sbarazzina come la Lolita di Nabokov, una
mantide religiosa socievole e ubriacona, e anche
un gruppo di Narcisi che parlano e cantano l’antica
lingua ebrea del Nord Africa, un accampamento di
Iris-guerrieri di un’audacia e di una bellezza terrificanti.
Questi sono solo alcuni degli eroi che popolano
il Marocco magico di Umberto Pasti, raccontato con
la libertà e la grazia di un poeta. Limpidi e delicati i
disegni di Pierre Le-Tan che illustrano le nove storie
che compongono il libro. L’autore sa umanizzare gli
animali di ogni specie, rispettandone al tempo stesso
la misteriosa estraneità; è un libro che spiega la
filosofia attraverso il mondo degli animali. Umberto
Pasti, autore originario milanese, appassionato di
botanica ma, soprattutto, della natura del medio
oriente. Da Milano a Tangeri si è imbattuto nella
seducente e incredibile natura del Marocco dove
ha deciso di stabilirsi. Nel racconto che apre il libro,
“Carolina amore mio”, un ragazzo adolescente cerca
di fare amicizia con Carolina, una coronella austriaca
(un serpentello) che ha comprato di nascosto in un
negozio di animali. Il mondo però glielo impedisce: ”Le giornate erano molto difficili: eravamo come amanti
clandestini pieni di desiderio, e privi di un luogo per realizzarlo. Mai, prima, mi ero reso conto di quanto l’uomo
possa essere nemico della felicità dell’uomo”. Nelle sue storie ricorre lo sguardo degli animali che rimanda ad
un mondo migliore e la sensazione dell’uomo di venir escluso. La luna di miele è, però, breve: è costretto a
separarsi dalla sua amata liberandola in un bosco dove, “bella come un drago” e “ebbra di libertà”, Carolina
scompare tra le foglie. Il dolore del ragazzo è grande: “Il mondo in cui mi aveva abbandonato era troppo ingiusto.
Un giorno avrei fatto come lei, me ne sarei andato”. È difficile riuscire a rimanere in sintonia con le altre
specie viventi; dividerci è la nostra sorte e spesso ci risulta incomprensibile. Tuttavia stare con gli animali e in
mezzo alla natura è importante soprattutto per i bambini: può dare un senso a noi e agli altri e può insegnarci
a percepire l’armonia con quello che ci circonda. (E. B.)
Il sottotitolo sintetizza l’esprit dell’opera: “come un élite ha preso un continente
e come possiamo riprendercelo”. Un tema attuale e molto sentito: una guerra
sotterranea per l’integrità e i valori dell’Unione Europea, un Governo europeo
troppo burocratico, distante e troppo concentrato su banche e dogmi sull’economia.
Yanis Varoufakis sostiene che non è vero che “non vi è alternativa”.
Eppure dopo otto anni di crisi finanziaria l’Europa è stremata dall’austerità e
dalle disuguaglianze tra i paesi più ricchi e quelli più periferici. La democrazia
nazionale è - di fatto – esautorata a livello locale. L’Euro, la moneta unica, è
sempre di più sul banco degli imputati. Il libro individua nelle élite europee i
protagonisti dello sfruttamento della crisi economica per imporre politiche per
i loro interessi. Secondo gli autori la soluzione per uscire dalla crisi non passa
né da una maggior integrazione né per l’uscita dalla moneta unica. L’unica soluzione
è l’apertura di un conflitto tra periferia e centro che parta dalla disubbidienza
ai memorandum della “troika” per delineare un’espilicta alternativa
all’attuale assetto istituzionale dell’unione monetaria. Il libro, già pubblicato in
Gran Bretagna, ha riscosso il vivo interesse del pubblico inglese. (G.B.)
78 ITA EVENTI

Luca, figlio italiano di Audrey Hepburn, nato dal matrimonio con lo psichiatra
Andrea Dotti poco dopo l’allontanamento dalle scene di Hollywood, racconta
una mamma diversa dalla sua immagine pubblica. Una donna presente
nella famiglia e inaspettatamente bravissima cuoca. Oltre alle numerose
ricette presenti nel volume, Dotti descrive i ricordi e gli aneddoti illustrando
appunti, fotografie in gran parte inediti. L’incipit del libro è questo: “Non
ho mai conosciuto Audrey Hepburn”, a significare il distacco siderale tra
l’attrice di fama internazionale e la mamma descritta dal figlio. E se qualcuno
ha ancora dubbi in merito un’altra frase nel libro mette un punto e a capo:
“Alcuni possono pensare che rinunciare alla mia carriera sia stato un grande
sacrificio fatto per la mia famiglia, ma non è per niente così. È la cosa che più
desideravo fare”. (A.T.)
“Sono cresciuta con la regola del niente. Niente giocattoli. Niente bambole.
Niente regali. Niente ricorrenze. Niente di niente”. È così che può iniziare
una vita, in fuga da una stanza senza quadri alle pareti, da una casa senza
dolcezza, senza amore, senza infanzia. E allora la voglia di libertà diventa
più forte di tutto, più forte del ricatto e di qualsiasi convenzione. Così cominciano
le bravate di chi è costretto a rompere le regole con l’esagerazione, gli
anni del terzetto Loredana, Mimì (Mia Martini, sorella di Loredana, ndr) e Renato
Zero in perenne scorribanda per Roma, in fuga dagli alberghi, calandosi
dalla finestra con le lenzuola annodate perché i soldi per pagare il conto
non c’erano. Finché arriveranno, inaspettati, i primi successi, “Sei bellissima” e
“Non sono una signora”, gli incontri straordinari, l’America di Andy Warhol e
ritorno. Il grande amore per un bel tennista svedese e il disastro di un altro sogno
infranto. Sempre in guerra, sempre in cerca di altri voli. Ma quale musica
leggera! Il palco più difficile è quello di Sanremo, nel 1997, quando Loredana
salirà per cantare “Luna”, per urlare all’Italia dei canone-paganti la rabbia e il
dolore per la morte di Mimì, la sorella maggiore che aveva cercato di proteggerla
dall’inferno dell’infanzia e che nessuno era stato in grado di proteggere
dalla vita. Sono gli anni del buio, della solitudine che fa più paura, del dolore
che spezza il fiato. Se la vita non ha fatto sconti a Loredana, lei non fa sconti
in questo racconto, in cui restituisce tutta la brutalità e l’esuberanza della sua
vita in perenne ribellione, sempre in bilico tra la tragedia e la farsa. (G.B)
Dobbiamo ringraziare Galfard per farci comprendere le più bizzarre e incredibili
verità della scienza toccando temi trascendenti come l’esistenza di Dio.
Domande che tutti noi ci siamo posti almeno una volta: dubbi amletici sull’inizio
del tempo. Un modo nuovo e intrigante di divulgare, raccontando storie.
L’autore vi farà volare per tutto il libro sulla superficie del Sole, nei meandri di
una galassia, fin dentro un buco nero, dove tutto si confonde, tempo, spazio,
materia e energia. Nell’ipotetico viaggio il lettore si confronta con temi che
fanno della fisica una delle discipline più stupefacenti e popolari nelle librerie:
dalla meccanica quantistica, alla relatività generale alla teoria delle stringhe.
Christophe Galfard ha collaborato con Stephen Hawking allo studio del cosiddetto
paradosso dell’informazione del buco nero. È stato, tra l’altro, autore
di uno spettacolo originale in 3D sull’universo, che si è tenuto alla Défense di
Parigi, alla presenza di oltre 60.000 persone. (B.Q.)
ITA EVENTI 79

libri
IL PERFETTO EQUILIBRIO
TRA MUSICA CLASSICA E ROCK
Si intitola Beethoven e la ragazza coi capelli blu, edito da Mondadori, il nuovo libro di Matthieu
Mantanus. L’autore costruisce un canovaccio nel quale un giovane artista rock viene sedotto da
una ragazza che suona il contrabbasso, innamorata della musica classica. di Guido Biondi
L’
obiettivo non dichiarato è quello di calamitare
qualche lettore pop e rock nel “salotto
buono” della musica classica. In realtà
Mantanus vuole abbattere la leggenda della torre
d’avorio che da sempre circonda la musica colta in
favore di una divulgazione sposata perfettamente
con la formula romanzo. Un libro apparentemente
leggero, nell’accezione migliore, con una storia
avvincente e l’ombra
della scintilla dell’amore.
I protagonisti sono
un cantante rock – di
origini di buona famiglia
aristocratica – e una
contrabbassista di estrazione
classica (coi capelli
blu), turnista per gruppi
rock. La scena cruciale
si trova nelle pagine iniziali,
quando la ragazza,
da poco entrata nel
gruppo per sostituire un
componente, esce dallo
studio di registrazione
per rilassarsi su una
collina della campagna
toscana. La raggiunge il
leader del gruppo: complice
un aneddoto sulla
vita di Beethoven, tra i
due inizia una conversazione
non ordinaria destinata
ad abbattere ogni
steccato tra i due mondi
musicali. Il leader del
gruppo metterà a frutto
tutto ciò che ha imparato attraverso i racconti
dettagliati e appassionati della bassista: Schubert,
Schumann, Horowitz, Debussy e tanti altri. Per
ciascuno dei compositori si narra vita privata, i loro
successi cercando di contestualizzare le loro opere
nel loro tempo, analizzando la società di allora. Il
frutto di questo strano connubio porterà entrambi
i protagonisti a rivoluzionare se stessi. Il finale non
ci è concesso di svelarlo ma è tutto fuorché banale.
Una delle caratteristiche di questo divertente ed
interessante libro, grazie al talento riconosciuto di
Mantanus di “divulgare senza annoiare”, è la possibilità
– anche attraverso la playlist presente sul sito
dell’autore – di ascoltare e, progressivamente, conoscere
realtà altrimenti sconosciute per ogni amante
della musica rock. Ci
si ritrova, senza neanche
accorgersene, a studiare
la Sagra della primavera,
a cercare un quadro
di Monet, a discettare di
Stravinskij sino a rivalutare
il Concerto grosso
dei New Trolls e Andrew
Lloyd Webber, l’autore
di Jesus Christ Superstar.
Mantanus, Direttore
d’orchestra e pianista
di origine svizzero-belga,
è stato assistente di Lorin
Maazel. Come narratore
ha pubblicato per Feltrinelli
Una giornata eroica,
un libro destinato ai
più piccoli. Molti l’hanno
conosciuto attraverso
la sua partecipazione
a Che tempo che fa, condotto
da Fabio Fazio,
scoprendone le indubbie
doti di divulgatore, quasi
un Piero Angela Jr. della
musica classica. L’abbiamo
intervistato in occasione della presentazione
del suo nuovo libro. “È lo scopo per il quale ho scritto
e strutturato il libro: far conoscere la musica classica
in una dimensione piacevole”, racconta Mantanus,
“è il mondo dal quale provengo ma ho sempre
amato parallelamente anche la musica rock, i Queen
in particolare”.
80 ITA EVENTI

Una delle tematiche principali del suo libro
è portare la musica classica nell’arena dei linguaggi
contemporanei.
Il mondo nel quale viviamo ha una tale vastità di
cultura, soprattutto come accesso alle informazioni,
mai visto prima. Nelle generazioni che io
chiamo social-mediatiche vedo una disponibilità
e un interesse a tutto quello che è nuovo ed intrigante.
È una cosa che dovremmo interiorizzare: ci
rivolgiamo a un pubblico diverso con una cultura,
un linguaggio e una sensibilità cambiata completamente
negli ultimi vent’anni. L’approccio con
la musica è stato rivoluzionato: è tutto molto più
rapido e visivo. Diverso non significa peggiorato.
Uno dei più grandi errori è considerare la musica
classica come un genere tra gli altri. La classica è
– in realtà – il tronco comune di tutto quello che
l’umanità ha prodotto di musica negli ultimi duemila
anni. Non ha senso dire che “io faccio musica
classica”. E non ha senso ghettizzare i diversi generi
musicali. Mai come oggi vi è un totale incrocio fra
i diversi stili musicali. Noi consideriamo la storia
musicale come un filo: stile barocco, classico etc.
Io preferisco vederlo come un albero: noi stiamo
crescendo, accumulando musica, sensibilità, esperienze
e tutto questo – alla fine – è il nostro albero.
Anche chi non ascolta musica classica ha al suo
interno – poiché vive in questo mondo – questo
seme. Si può fare un parallelo con i miti greci:
anche se non li conosci bene la tua civiltà è stata
costruita su questi elementi. Bisogna vedere oggi
quello che definiamo musica classica in quest’ottica:
un patrimonio che deve vivere insieme al contemporaneo.
Il panorama rock vive spesso di contaminazioni:
dalle incursioni di Sting nella musica classica
all’ultimo album di Bowie con musicisti di
free-jazz. Il romanzo cerca di far incuriosire il
lettore attraverso le contaminazioni reciproche
dei due protagonisti.
Io ho una formazione tipica della musica classica:
ho studiato al Conservatorio, ho imparato uno
strumento etc. Significa che ho “subito” – lo dico
tra virgolette – l’incanalamento sociale di questo
tipo di formazione. Visto che consideriamo la classica
come un genere io sono stato “inserito” nel genere
classico. Ovviamente è impossibile fare astrazione
del resto del mondo: ero un grande fan dei
Queen, dei Pink Floyd, dei R.e.m.; oggi è un po’
archeologia del rock (ride, n.d.r.). La musica rock
l’ho vissuta un po’ in sordina durante l’adolescenza
perché non sapevo come avrebbe reagito l’ambiente
che frequentavo, forse non benissimo.
82 ITA EVENTI

Come vede questi due mondi tra vent’anni? Ancora
separati o contaminati?
Io spero ardentemente che ci sia dialogo e confronto.
Credo che il “mondo” della musica classica abbia
molto da imparare dal rock e dal suo modo di
stare al mondo, anche nella comunicazione e nella
produzione economica. Anche nel libro affronto
questo argomento: la mediazione tra obblighi produttivi
e risultato artistico. È una dialettica che,
secondo me, il “mondo” della classica dovrebbe
acquisire. Allo stesso tempo il rock ha molto da
imparare dalla classica: molte delle scoperte e delle
innovazioni appartengono – in realtà – alla produzione
classica.
Assisteremo mai a una scrittura classica di un
brano rock? Qualcosa è già stato fatto…
Non necessariamente nella struttura classica, si
può creare con parametri nuovi. Mi ritrovo molto
nel percorso del rock progressivo: sono musicisti
che hanno una formazione classica ma hanno
deciso di suonare uno stile diverso proponendo, di
fatto, un legame tra culture. Questo è affascinante.
Abbiamo tutto da guadagnare a conoscere meglio
il nostro passato per creare un futuro ancora più
interessante.
Tra le tante cose di cui si occupa c’è la presentazione
delle serate di musica classica su Rai 5.
Si, non ho un programma specifico; presento le dirette
dei concerti di musica classica sul canale culturale
della Rai. Promuovere la musica sinfonica a
un pubblico televisivo non è semplice: cerco più che
altro di essere una guida. Cerco di spiegare i trucchi
compositivi o com’è strutturata una partitura. Una
cosa che mi piacerebbe molto è non confondere divulgazione
e didattica. Didattica mira a dare delle
nozioni, insegnare qualcosa. Io se faccio l’artista e voglio
fare divulgazione ovvero portare alla gente qualcosa,
non è detto che devo fare didattica. Penso che
la musica possa essere divulgata senza fare didattica.
Questa è una delle considerazioni d’obbligo
dopo la lettura del suo libro.
Nel libro non voglio insegnare qualcosa perché
non è il mio lavoro. Preferisco essere un divulgatore
rispetto a salire in cattedra. Devo fare in modo
che la persona che mi segue abbia piacere e si faccia
l’esperienza. I protagonisti del mio romanzo
sono due personaggi di confine che dimostrano
come questi due mondi – la classica e il rock –
possono benissimo coesistere. C’è una bellissima
frase nel libro: “siamo rami dello stesso albero”.

Ci sono molti preconcetti sulla musica rock da parte
del mondo della classica: credo che più di tutto paghi
il difetto che molta della musica rock non abbia
la partitura scritta. Siamo abituati a leggere musica
scritta quando si tratta di classica. La musica scritta
è quella che resta. È un problema che il mondo del
rock dovrebbe porsi. Tra cento anni, a forza di cover,
rimarrà qualcosa? Di Mercury, dei Pink Floyd?
Ci sono gli spartiti…
Spartiti che sono molto semplici. Siam tornati all’epoca
barocca. La linea del basso, i numeri… Se
questa musica vuole durare dovrebbe essere trascritta
in un modo canonico o permettere comunque
di tornare alla sorgente. Nel libro spiego il legame
tra rock progressivo e musica barocca con l’esempio
dei New Trolls; Stravinskij fa un altro tipo di
lavoro riprendendo la musica barocca agli inizi
del Novecento. È la stessa cosa? No, certamente.
Tutto questo pero’ si basa sul fatto che c’è qualcosa
di scritto e tramandato quindi possibile da reinterpretare.
Per fare una cover c’è chi si basa solo sull’orecchio;
questo significa che è avvenuto ascoltando
una registrazione. Si pensa che la registrazione sia
ciò che rimarrà e verrà tramandato.
Magari verrà una tempesta magnetica e si cancellerà
ogni registrazione…
O molto più semplicemente le cose invecchiano.
Tra cento anni che strumenti avremo? Adesso abbiamo
l’elettronica e tra cento anni? Tutto potrebbe
essere superato.
Perché Beethoven nel titolo?
È un momento-chiave nella storia della musica e noi,
ancora oggi, ne subiamo i contraccolpi. È l’ingresso
dell’intimità nell’espressione artistica. Non è scontato
per niente scrivere qualcosa che ti rappresenta.
84 ITA EVENTI

libri
LA CURA DEL
PERDONO
Daniel Lumera è l’autore di un prezioso
libro nato da una sua esperienza personale.
Oggi si occupa di trasmettere - attraverso
corsi e conferenze - la profondità
dell’autorealizzazione. di Andrea Thomas
“Ho cercato di raccontare nel libro quello che mi
è successo negli ultimi dieci anni”, racconta l’autore,
“parallelamente ho portato nelle scuole, nelle
conferenze e nelle Università il tema del perdono.
Questo tema mi ha cambiato la vita: ho dovuto
reinterpretare non solo il concetto ma, soprattutto,
la modalità del perdono nella vita di tutti i giorni.
Raccontare un nuovo senso, una nuova idea, una
nuova esperienza: inizialmente pensavo fosse destinato
a un piccolo gruppo di persone, magari le
più sensibili o quelle con un intenso percorso spirituale.
Il perdono è importantissimo per la qualità
della vita, della salute e nella scelta consapevole
della felicità. Lavorando in Università ho scoperto
che esistono più di trecento articoli scientifici che
dimostrano l’impatto profondo del perdono nel
sistema circolatorio e più in generale nella salute”.
Il suo punto di vista sul perdono è quindi completamente
laico?
Totalmente. È un valore universale. Non è legato a
nessuna religione. Viaggiando moltissimo ho trovato
tracce di perdono in protocolli che hanno più
di quattromila anni, nella cultura latina, nella cultura
ayurvedica. Noi pensiamo erroneamente che
sia qualcosa di esclusivo della religione cristiana.
Nel libro descrive il suo difficile e tormentato
percorso prima di approdare al perdono.
Ho avuto una crisi pazzesca nella quale sono svaniti
tutti i punti di riferimento: relazioni, vita professionale,
vita di coppia, salute… Tutto è crollato. Io
avevo un approccio patriarcale sulla vita, ero fissato
con la determinazione, la realizzazione, tutti principi
maschili. L’emozione era sconosciuta. Il primo
step è stato un percorso di perdono rivolto a me
stesso. Il perdono per me è l’abilità di trasformare
qualsiasi cosa ci succede, positiva o negativa. E di
evitare di attaccarci alla sofferenza o al lavoro o a
qualsiasi altra cosa. Perdonare è trasformare qualsiasi
esperienza in una risorsa. Nei miei corsi la prima
cosa che chiedo a tutti è “perché perdonare?”. Mi
rispondono quasi sempre “per stare meglio”, “per
recuperare una relazione”. Nessuno che mi risponda
per donare. Perdonare viene collegato alla colpa,
alla condanna, al tradimento. Perdonare, per me,
è una strada di autorealizzazione. È la capacità di
ascoltarsi, di assumersi l’assoluta responsabilità della
propria vita. Dare delle risposte a se stessi, comprendere
e accogliere la vita in tutte le sue manifestazioni,
anche quelle più dolorose. Quando questa
accoglienza è completa si ha una forza incredibile.
Ho visto, durante i miei corsi, persone trasformarsi
completamente. Il perdono è un balzo, una cura.
Lei tiene corsi e conferenze, come si sviluppa il
feedback con le persone che la seguono?
Ho iniziato con i corsi di formazione nel 2008 e
in seguito mi hanno chiamato nella Cattedra di
Impresa familiare in Spagna e da poco collaboro
con l’Università Sapienza di Roma. In Spagna mi
chiamarono perché un numero altissimo di manager
si stava suicidando per la crisi economica: bisognava
inserire dei protocolli per gestire il conflitto e
lo stress e abbattere l’identificazione con l’impresa.
Ho introdotto degli elementi di consapevolezza e
dei percorsi di perdono ottenendo risultati enormi.
86 ITA EVENTI

Dove nasce questo conflitto nei manager?
Si tratta di una crisi di valori più che economica.
Secondo me manca una educazione di consapevolezza.
Ci hanno insegnato che la felicità dipende
dal nostro guadagno. È l’errore più grande che abbiamo
commesso. La felicità dipende della consapevolezza
dell’essere. Invece rincorriamo un
modello di successo basato sull’apparire. Io
rivoluzionavo il concetto di economia: invece
dell’accumulare costruire il proprio
successo sul donare. Questa decontestualizzazione
ha aperto nuove prospettive a
molti di questi manager che ho conosciuto.
Molti hanno capito che anche la
crisi più nera è un momento di crescita.
Crescita di valori, di virtù. Bisogna andare
al di là di noi stessi. Nel libro spiego
il mio punto di vista sulla giustizia
e sul terrorismo: vogliamo far cessare
l’odio con altro odio? Correggere l’errore
con un altro errore? Dobbiamo trovare
altre soluzioni. Pensiamo a Nelson
Mandela che è stato torturato per moltissimi
anni e poi ha iniziato a governare
perdonando i suoi torturatori plasmando
milioni di coscienze. È l’amore che cambia
le cose. Ci vuole un coraggio,
inteso come avere cuore,
anche solo per promuovere
questa soluzione.

fotografia
FRANCO
FONTANA:
QUELLO CHE
HO IMPARATO
SULL’ARTE,
LA CREATIVITÀ
E LE IMMAGINI
LO ZEN E LA FOTOGRAFIA
La mia forma preferita è il cerchio: contiene tutto
eppure è vuoto. Filosoficamente parlando, ha una
caratteristica rara: come ogni cosa ha un inizio e
una fine, solo che nessuno li troverà mai. Eraclito,
che non giocava in una squadra di calcio, nel suo
trattato Sulla natura ha scritto
che coincidono. Affascinante,
vero? Anche per questo il
cerchio è la forma perfetta.
La filosofia zen – che di perfezione
se ne intende – vi identifica
la condizione originaria,
quando lo spirito è presente
dappertutto, senza bisogno di
sostegno. In Lo zen e il tiro con
l’arco, si dice: “Simile all’acqua
che riempie uno stagno ma
è sempre pronta a defluirne,
lo spirito può ogni volta agire
con la sua inesauribile forza,
perché è libero, e aprirsi a tutto
perché è vuoto”. “Vuoto”: a
noi occidentali fa paura anche
solo la parola; figuriamoci il
concetto. È sbagliato. Il vuoto
non è la camera del diavolo:
è lo spazio della crescita. Solo
facendo il vuoto dentro di voi
potrete conquistare liberà a sufficienza per imboccare
una strada davvero vostra, senza fardelli né
pesi morti. La mente libera contiene tutto, come
il cerchio. Dovete fare in modo che contenga anche
la macchina fotografica: la macchina non deve
Brano tratto dal libro di Franco Fontana,
Fotografia creativa, Mondadori Editore
essere nelle vostre mani, ma nel vostro pensiero e
nel vostro cuore. Deve essere parte di voi, costituire
con voi un’unità inscindibile, perché solo quando
la macchina fotografica sarà nel fotografo e il fotografo
nella macchina fotografica potranno fluire
creativià e indipendenza. Io
faccio così quando fotografo.
A volte mi succede di trovare
un paesaggio così irresistibile
che dimentico tutto il resto.
Lascio andare desideri, rancori,
aspettative, la fretta. Lascio andare
l’idea del passato e quella
del futuro e rimango solo io,
con la mia macchina e il paesaggio.
Me ne lascio permeare:
io divento il paesaggio e il paesaggio
diventa me. Lo vivo.
Permetto al paesaggio di riempire
il mio vuoto, ne gioisco,
e solo allora scatto. Mi piace
dire che il paesaggio attraverso
di me si fa l’autoritratto. Questo
libro raccoglie le riflessioni
nate in più di trent’anni di corsi
di fotografia. Ho scelto di
cominciarlo parlando proprio
del cerchio perché la sua forma
disegna un percorso simile a quello che vi suggerirò
di compiere: partire per poi ritornare a voi stessi,
accettando di fare il vuoto dentro di voi, per accogliere
una verità che vi assomiglia più di una cartolina
e imparare a significarla al meglio.
90 ITA EVENTI

BAIA DELLE ZAGARE, 1970. La luce era splendida e la foto è venuta tecnicamente bene subito. Per dare rilievo
ai contrasti, ho puntato sulla parte più luminosa e chiara dell’immagine, le altre si sono saturate e così sono riuscito
a valorizzare al massimo i colori. Ricordo di aver usato una Kodacrom 25 ASA, la migliore pellicola mai inventata,
ancora perfetta dopo più di quarant’anni.
ITA EVENTI 91

FOTOGRAFARE È UN ATTO DI CONOSCENZA
Quando qualcuno mi chiede che macchina fotografica
uso, mi picchietto la testa con un dito, sorrido
e rispondo: “Questa”. La macchina da sola non
fa niente. Nessuna attrezzatura costosa e nessuna
tecnologia, per quanto avanzatissima, avranno mai
il potere che ha lo sguardo, inteso come frutto del
pensiero e del cuore. Lo sguardo ridisegna la realtà;
la macchina fa soltanto clic, tanto quanto la penna,
da sola, disegna semplicemente un tratto. La mia la
uso come un arco: punto, inquadro e colpisco; ma
sono io a decidere dove puntare, a scegliere cosa inquadrare,
come e, soprattutto, perché. C’è poco da
fare: scattare è una questione di pensiero. Bisogna
fotografare quello che si pensa, non quello che si
vede. Si scatta con la mente, non con le dita. Le immagini
sono un’emanazione del fotografo, traducono
in un linguaggio universalmente comprensibile
la sua interpretazione del mondo. Con “immagini”
non intendo le illustrazioni. Per quanto l’ennesima
veduta di Venezia possa essere perfetta (con la luce
giusta, il contrasto giusto, i colori giusti), rimarrà
sterile e muta se il suo autore non è stato prima disposto
a scendere nelle proprie viscere e a scoprire
cosa, di sé, intende comunicare. Bando alle cartoline,
sto parlando di fotografie, una forma d’arte.
L’artista non ritrae la realtà: la possiede, la “violenta”
per piegarla al suo pensiero. Interpretandola,
crea un mondo. Voglio proporvi un esempio. Anni
fa, alcuni amici sono andati in vacanza in Provenza.
Al ritorno, mi hanno detto: “Franco, ci dovevi
essere, abbiamo visto i tuoi paesaggi!”. I miei paesaggi?
I paesaggi della Provenza c’erano ben prima
di me e ci saranno dopo: perché li attribuivano
proprio a me? Perché prima delle mie fotografie,
evidentemente, nessuno li aveva mai interpretati
in quel modo, nessuno aveva conferito loro quella
specifica identità, e i miei amici non li avevano mai
visti così. Questo significa che il paesaggio da solo
“non esiste”. Il paesaggio non sa di esserci: è l’artista
a testimoniarlo. Quando affermo che la fotografia
è un atto di conoscenza, intendo proprio questo:
l’artista, fotografando, inventa soggettivamente la
sua realtà. Vladimir Majakovskij diceva: “L’arte
non è lo specchio in cui riflettere il mondo, ma un
martello per forgiarlo”. Se questo non accade, se
nessuno impugna quel martello e forgia la realtà,
la realtà non esiste. Come si verifica invece l’altro
processo? Come, cioè, l’artista arriva a significare
se stesso? Grazie a una particolare sinergia: solo
annullandosi davanti al suo soggetto, dissolvendosi
nella simbiosi con esso, il fotografo crea un’immagine
significante, una foto di pensiero. Parlo di
“foto di pensiero” con cognizione di causa, perché
quello che finisce impresso nell’immagine non è un
semplice ritratto bidimensionale di ciò che l’artista
aveva davanti, ma una rappresentazione dell’artista
stesso. Prendiamo una delle mie fotografie, quella
scattata a Baia delle Zagare.
92 ITA EVENTI

ITA EVENTI 93

È
del 1970, avevo ancora qualche capello nero.
In quel periodo andavo a caccia di foto con
alcuni cari amici che purtroppo non ci sono
più. Partivamo per un weekend, ci alzavamo all’alba
e andavamo in giro fino al tramonto. A farci da
guida in Puglia era Renzo Cambi, un modenese
che abitava a Foggia da prima della guerra. Ciascuno
ha poi visto le cose a suo modo, ma a condurci
sui “luoghi del delitto” è stato lui. Secondo il New
York Times, Baia delle Zagare è una delle coste
più belle del mondo. È proprietà di un privato che
negli anni Settanta, al tempo di questa fotografia,
aveva appena aperto un albergo. Prima di scendere
in spiaggia, ci siamo fermati su un balconcino.
Eravamo in quattro ma, di fronte alla medesima
materia prima, ciascuno di noi ha scattato in modo
diverso. Cambi fece un paesaggio in bianco e nero.
Era un fotoamatore pluridecorato: con i suoi paesaggi,
tutti diversi dai miei, aveva vinto un sacco
di premi. Gli altri hanno ripreso chi la donna in
bikini sdraiata al sole, chi il faraglione davanti
alla costa. Io ho scattato così. Ho trovato ciò che
avevo dentro, togliendo il superfluo per eleggere il
necessario. Non ho fatto tante fotografie: solo una,
e quell’una potevo farla solo io, perché mi apparteneva.
Questa immagine è una delle icone del mio
lavoro. Finì in un volume che riuniva i miei paesaggi,
Skyline, uscito nel 1978 sia in Italia per Punto
e Virgola, fondata da Luigi Ghirri, sia in Francia
per Contrejour, guidata da Claude Nori. In Francia
Skyline ebbe un notevole successo, tanto che venne
ristampato a una sola settimana dall’uscita. Una
funzionaria del ministero della Cultura francese
vide la foto, mi chiamò per dirmi che, secondo lei,
esprimeva perfettamente lo spirito del loro Paese, e
mi chiese il permesso di utilizzarla su un manifesto
per la diffusione del “pensiero francese”. Quel manifesto
(insieme ad annessi e connessi, ricordo con
sicurezza un catalogo) è stato distribuito in tutte le
ambasciate e i consolati di Francia. Più avanti, la
stessa foto è stata utilizzata anche sulla copertina
di un libro di filosofia, A Companion to Environmental
Philosophy di Dale Jamieson. Non è un caso
che questo destino sia toccato proprio a quella foto.
È stata scattata sul Gargano, ma non ritrae le coste
pugliesi. È un archetipo, un paesaggio assoluto,
slegato dalla verità geografica. A fare la differenza è
il pensiero sotteso all’immagine: i francesi l’hanno
capito e l’hanno scelta per rappresentare, guarda
caso, proprio il loro “pensiero”. (Brano tratto dal
libro di Franco Fontana, Fotografia creativa, Mondadori
Editore)
94 ITA EVENTI

Franco Fontana, nato a Modena nel
1933, è uno dei protagonisti assoluti
della fotografia italiana. Comincia a
fotografare nel 1961, in modo amatoriale,
collaborando con il Circolo Fotografico
Modenese. Da subito trascura
il bianco e nero in favore del colore,
che diventerà la sua cifra distintiva. Attraverso
una inedita analisi del paesaggio
naturale e strutturato, Fontana
ha infatti “reinventato” il colore
come mezzo espressivo: i suoi paesaggi
sono quasi metafisici e si situano al
confine tra rappresentazione e astrazione.
Il suo primo portfolio, corredato
da un testo di Piero Racanicchi, viene
pubblicato da “Popular Photography”
nel 1964, mentre la sua prima mostra
personale si tiene a Modena nel 1968,
presso la Galleria della Sala di Cultura,
con presentazione di Piero Racanicchi,
Franco Vaccari, Candido Bonvicini
e Claudio Altarocca; ma l’artista
ha già esposto (alla terza Biennale Internazionale
del Colore di Vienna, nel
1963, e alla Società Fotografica Subalpina
di Torino, nel 1965). Da allora,
Franco Fontana ha esposto in tutto il
mondo, partecipando a oltre 400 mostre,
tra collettive e personali. Tra le location
più significative, citiamo gli Scavi
Scaligeri di Verona, la GAM di Torino,
il Metropolitan Museum di Tokyo,
il Palazzo Reale di Milano, il Museo de
Arte di Buenos Aires e la Maison Européenne
de la Photographie di Parigi.
Le sue opere sono state acquisite
da oltre 50 musei, fra i quali ricordiamo
il Musée d’Art Moderne di Parigi,
il Victoria & Albert Museum di Londra,
il Fine Arts Museum di San Francisco,
l’International Museum of Photography
“George Eastman House” di Rochester, il Metropolitan
Museum di Tokyo e la National Gallery di Pechino.
Dal 1978, anno in cui, su richiesta del fondatore Lucien
Clergue, tiene il suo primo workshop a Les Rencontres
d’Arles, Fontana ha diretto il suo seminario di fotografia
in tre continenti (Europa, America e Asia), su richiesta
dei più celebri festival e istituzioni. Tra gli altri,
ricordiamo il Guggenheim Museum di New York, l’Institute
of Technology di Tokyo, l’Accademia delle Belle
Arti di Bruxelles, l’Università di Toronto, il Politecnico
e la Visual School di Torino, la Galleria d’Arte Rondanini
e l’Università Luiss di Roma. Dal 1992 è direttore artistico
del Toscana Foto Festival, che si tiene ogni anno
a Massa Marittima (GR). Per mantenere vivo il rapporto
con i suoi allievi e dare al loro lavoro una chance di
visibilità, organizza periodicamente la mostra collettiva
Fontana & Quelli di Fontana, per la quale seleziona
i migliori tra i progetti che gli sottopongono gli studenti
del suo workshop. Nel 2006 la facoltà di Architettura
del Politecnico di Torino l’ha insignito della laurea honoris
causa in Design del prodotto ecocompatibile. Tra
i vari premi che ha ricevuto, impossibile non citare il XX-
VIII Ragno d’Oro, Premio per l’Arte dell’Unesco (1984),
il Premio della Cultura della Presidenza del Consiglio
dei Ministri (1989), The 150 Years of Photography Photographer
Award della Photographic Society of Japan
(1990), il Premio FIAF, con il quale la Federazione Italiana
Associazioni Fotografiche l’ha nominato Maestro
Fotografo Italiano (1995), e l’onorificenza di Commendatore
della Repubblica per meriti artistici (2000). Per
diversi anni Fontana ha messo il suo lavoro artistico al
servizio della pubblicità, firmando campagne per aziende
come Fiat, Volkswagen, Volvo, Piaggio, Ferrovie dello
Stato, Sony, Canon, Kodak, Snam, Versace, Hermès
e numerosi altri marchi. Ha inoltre collaborato con tutte
le maggiori riviste e quotidiani, tra i quali ricordiamo
“Vogue America”, “Vogue France”, “The New York Times”,
“il Venerdì di Repubblica”, “Sette del Corriere della
Sera”, “Panorama”, “Epoca”, “Class” e “Frankfurter
Allgemeine”. Ha pubblicato oltre 60 libri, tra i quali evidenziamo
le monografie Retrospettiva, con testi di Allan
D. Coleman e Giuliana Scime (Logos, Modena 2003),
e Franco Fontana. Full Color, con testo di Denis Curti
(Marsilio, Venezia 2014).
ITA EVENTI 95

zapping
START!
LA VITA A PORTATA DI APP
Un viaggio alla scoperta dei migliori servizi digitali sviluppati da startup italiane.
Un nuovo programma in onda su Rai 2 il mercoledì alle 24.15, in coda a The Voice of Italy.
di Bruno Quiriconi
Francesco Mandelli e Federico Russo
Francesco Mandelli e Federico Russo, le due
“guide” del programma, si ritroveranno a risolvere
piccoli e grandi problemi quotidiani
andando a sperimentare e conoscere le idee e le applicazioni
che si sono sviluppate grazie a Internet e
alle nuove Reti. Un’occasione per scoprire i servizi
più innovativi e la realtà italiana dei giovani startupper.
Nella prima puntata, per esempio, con l’aiuto
di smartphone e computer, Francesco Mandelli
e Federico Russo si serviranno di tre startup per
organizzare un pranzo a casa con amici “sconosciuti”
(Gnammo); faranno spesa di frutta, verdura e
altri prodotti genuini, capaci di coniugare etica, gusto
e passione (Cortilia). E infine, faranno le pulizie
in modo rapido ed efficace con l’aiuto di un’applicazione
(Helping). Il “viaggio” consentirà anche di
conoscere i creatori di app e servizi impensabili fino
a qualche anno fa. Il programma, prodotto da Zerostudios,
è presentato e realizzato da TIM. Gli autori
sono Domenico Brandellero, Massimo Chiellini
e Fabrizio Gasparetto. Hanno partecipato alla
scrittura Francesco Mandelli e Federico Russo. La
regia è di Marco Porotti. Ogni mercoledì su Rai 2
in coda a The Voice Of Italy, intorno alle 24,15.
96 ITA EVENTI