Vogue Italia N805 Settembre 2017

REALIZZATA DA 

BRUCE WEBER

REALIZZATA DA 

BRUCE WEBER

DIOR.COM - 02 38 59 59 59

DIOR.COM - 02 38 59 59 59

VIA MONTE NAPOLEONE 25/2 MILANO

EDITORIALE 

In Italia 

di EMANUELE FARNETI 

photo by inez & vinoodh. 

È tradizione dei magazine 

francesi celebrare la moda 

nazionale con copertine 

dedicate alle locali icone 

di stile o alla magia di Parigi. 

Lo stesso accade negli 

Stati Uniti e in Inghilterra. 

In Italia, meno. Per un 

certo nostro tipico riflesso 

condizionato, ci sembra 

sempre che ciò che succede 

lontano da qui sia, per 

definizione, meno provinciale. 

Io credo si tratti di 

un difetto di prospettiva: 

basta guardare quanto di 

noi viene raccontato sui 

grandi giornali internazionali, 

quanta curiosità 

si legge per le novità 

che attraversano il Paese. 

Ecco perché abbiamo 

deciso che fosse proprio 

l’Italia la protagonista del 

numero di settembre, tradizionalmente 

il più importante 

dell’anno. 

Nulla di più lontano dalla 

retorica di una qualche, 

presunta, Italia migliore. 

Piuttosto, una fotografia 

– inevitabilmente parziale 

e soggettiva, come accade 

quando si è molto vicini 

al soggetto ritratto – di 

un Paese che, tra difficoltà 

e stanchezze, nonostante 

una classe dirigente obiettivamente 

inadeguata, ha 

ricominciato a muoversi. 

Si muove Milano, si sa: in 

queste pagine parliamo 

di nuovi stilisti e antichi 

costumi riportati al loro 

splendore, del suo Salotto 

tirato a lucido, di mostre in 

arrivo; si muove Firenze, 

con l’arte contemporanea 

che sfida storiche resistenze. 

Un fiorire di piccole 

realtà editoriali restituisce 

un’immagine lontana dai 

cliché ad argomenti tipicamente 

nostri come il cibo 

e il turismo. Le autrici 

del più inatteso best seller 

dell’anno raccontano altre 

italiane ribelli. David Leavitt 

scrive di meraviglie 

seicentesche, Lila Azam 

Zanganeh del sogno di 

una piazza italiana in una 

mattina d’autunno piena 

di luce e aria sottile. Il 

fratello di un celebre scrittore 

americano punta la 

luce su certi nostri luoghi 

oscuri. Patrick Demarchelier 

regala a tre giovanissime 

italiane il respiro delle 

dive che furono. Juergen 

Teller si spinge fino alla 

punta occidentale della 

Sicilia per inseguire il suo 

“Italian crush”. 

Poi ci sono le tre copertine. 

La prima è un omaggio, 

a un monumento del nostro 

patrimonio artistico. 

Per realizzare la loro storia 

su Caravaggio Willy 

Vanderperre e Olivier 

Rizzo hanno viaggiato e 

fatto ricerche, così ce lo 

restituiscono con immagini 

che sono al tempo 

stesso antiche eppure modernissime. 

La seconda è il racconto 

di un gesto, affidato a 

Mert & Marcus con Alastair 

McKimm. Pietrangelo 

Buttafuoco ci spiega 

perché i baci italiani sono 

definitivi, e diversi da 

quelli dati altrove; Ivan 

Cotroneo ne ricorda il 

ruolo nella costruzione 

dell’immaginario del nostro 

cinema. 

La terza è un auspicio. 

Che Roma, nei cui luoghi 

monumentali Inez & 

Vinoodh con Alex White 

hanno messo in scena il 

loro racconto, torni a essere 

quello che è stata – a 

pensarci bene, nemmeno 

troppo tempo fa. Perché 

il Paese si muove davvero 

solo se riparte Roma. 

A tenere assieme tutti 

questi fili, ovviamente, c’è 

la moda. Quella, non poca, 

direttamente disegnata da 

italiani; quella, moltissima, 

quasi tutta, che da noi viene 

prodotta. Perché, con 

tutti i noti limiti, il sistema 

moda gioca un ruolo non 

marginale nella spinta al 

Paese verso il futuro. Non 

solo dando da lavorare a 

oltre 400mila addetti in 

50mila aziende, e con un 

fatturato (nel 2016) di 52 

miliardi di euro. Ma rappresentando 

il nostro senso 

per il bello in ogni angolo 

del mondo. È il soft 

power che abbiamo, non 

dimentichiamoci di andarne 

almeno un po’ fieri. 

Come ha detto una volta 

Franca Sozzani: gli altri 

parlano, noi facciamo. • 

30 

vogue.it n. 805

30 

174 191 229280 

SOMMARIO 

Settembre 

2017 

30 Editoriale 

in italia, 

di Emanuele Farneti 

112 Every Cover Tells 

A Story bacio!, di 

Pietrangelo Buttafuoco 


A Story roma!, di Lila 

Azam Zanganeh 


A Story ad arte!, 

di David Leavitt 

134 Manifesto perché 

l’italia ha bisogno 

di ragazze ribelli, 

di Francesca Cavallo 

ed Elena Favilli. 

141 Il Progetto my own 

private vogue italia 

146 VogueÕs Questionnaire 

monica bellucci 

174 questa è la nostra 

storia, di Luca Dini 

191 Primo Piano 

sono spudorato, 

di Angelo Flaccavento 

197 L’Evento 

ombra e luce, 

di Giovanni Montanaro 

200 La Protagonista una 

principessa guerriera, 

di Barbara Zorzoli 

202 L’Anniversario 

sul filo del colore, 

di Roberta Rotta 

205 Graphic Art 

tutto di un tratto, 

di Francesca Molteni 

209 Il Personaggio 

il lato positivo, 

di Samira Larouci 

213 Mostre/1 

la fabbrica dei sogni, 


218 Mostre/2 al moma, 

di Lella Scalia 

221 Anteprime 

nel salotto di Milano, 

di Nicola Scevola 

225 Magazine/1 

che rumore fa il cibo?, 

di Marta Galli 

229 Magazine/2 

mediterraneo anteriore, 

di Laura Taccari 

233 Il Libro 

la metà nascosta, 

di Federico Chiara 

238 Il Creativo 

viaggio a piedi, 

di Gaia Passi 

240 La Kermesse 

omaggio ai nostri sogni, 


243 Il Progetto 

trent’anni di anna, 

di Alessia Glaviano e 

Chiara Bardelli Nonino 

247 L’Intervista 

cosa fai oggi?, 

di Maria Cristina Didero 

250 Design 

c’è plastica e plastica, 

di Paolo Lavezzari 

253 L’Incontro 

io in forma di candela, 

di Francesco Bonami 

257 Imageries 

gli spazi tra le righe, 

di Mariuccia Casadio 

280 milano, italia, 

photos by Nacho Alegre, 

styling by Enrica 

Ponzellini 

290 le notti bianche, 

styling by Patrick Mackie 

292 al cancello, 

photos by Leonardo 

Scotti, styling by Enrica 

Ponzellini 

294 piena luce, 

photo by Leonardo 

Scotti, styling by Enrica 

Ponzellini 

296 buoni frutti, photos 

by Pietro Cocco, styling 

by Enrica Ponzellini 

301 celebrazione, 

photos by Amanda 

Charchian, styling 

by Giulio Martinelli 

306 sette ragazzi 

italiani, photos by 

Salvatore Caputo, styling 

by Enrica Ponzellini 

328 Style/Il Protagonista 

infinite possibilità, 

di Vittoria Filippi Gabardi 

334 Style/Talenti 

l’isola che (non) c’è, 

di Barbara Amadasi 


comprare meno, 

indossare di più, 

di Francesca Reboli 

Intro Front News News Code 

vogue.it n. 805 

47

ARMANI.COM

422 

422 bacio!, 

photos by Mert 

& Marcus, styling by 

Alastair McKimm 

Well 

58 vogue.it n. 805

338 368 444 492 522 


tabula rasa, 

di Dan Thawley 

340 Style/Il Corto 

la forza dei no, 

di Francesca Reboli 

344 Style/L’Anniversario 

time after time, 


346 Style/Watches 

tempi ruggenti, 

di Micol Bozino Resmini 

348 Style/Preview 

la verità è bellezza, 

di Elisabetta Caprotti 

350 Style/La Collezione 

cuore di luce, 

di Carlo Ducci 

368 Beauty/Icone omaggio 

al cinema italiano, 

make-up by Pat McGrath, 

hair by Guido Palau 

370 Beauty/Preview 

nella notte di roma, 

di Maria Vittoria Pozzi 

372 Beauty/Preview uno 

scandalo annunciato, 

di Maria Grazia Meda 


dolce, pericoloso, 

di Susanna Macchia 


per gabrielle, 


378 Beauty/Anteprima 

il colore duttile 

383 Beauty/Hair 

tutto è possibile 

384 Beauty/Skincare 

il volto ridisegnato, 


386 Beauty/Mostre 

il fior fiore, 


388 Beauty/News 

in scena, di Vittoria 

Filippi Gabardi 

390 Beauty/Profili 

the italian job, di 

Vittoria Filippi Gabardi 

392 diva, photos by 

Patrick Demarchelier, 

stilying by Paul Cavaco 

444 roma!, 

photos by Inez & 

Vinoodh, styling 

by Alex White 

456 ad arte!, 

photos by Willy 

Vanderperre, styling 

by Olivier Rizzo 

476 cristiana, my 

italian tv crush, 

photos by Juergen Teller, 

styling by Poppy Kain 

492 quando tira 

il vento, photos by 

Dario Catellani, styling 

by Vittoria Cerciello 

502 springtide, 

photos by Alessio Boni, 

styling by Patti Wilson 

512 la vendemmia, 

photos by Luigi 

and Iango, styling 

by Paul Cavaco 

522 l’italia, vista da qui, 

di Angelo Flaccavento 

528 novanta vite in una, 

di Raffaele Panizza 

532 ancora un bacio, 

di Ivan Cotroneo 

539 Vogue for Milano 

una notte per tutti, 

di Maristella Campi 

544 English Texts 

558 party: roma, parigi, 

a cura di Sabrina Fallea 

562 Oroscopo 

settembre, 

di Marco Pesatori 

566 Casa Italia 

bacio perugina, 


Code Code Well Well Back 

74 vogue.it n. 805

BLUMARINE.COM

Quality is Our 

Business Plan 

Direttore Responsabile 

emanuele farneti 

Creative Director 

giovanni bianco 

Ci accontentiamo 

semplicemente del meglio 

e creiamo i migliori prodotti 

editoriali. 

Per questo abbiamo Vogue, 

il mensile più autorevole, 

Vanity Fair, il settimanale 

leader in Italia, e Glamour, 

il mensile femminile più letto. 

Per questo siamo l’editore 

italiano più seguito sui social. 

Per questo ogni mese 

raggiungiamo 16 milioni 

di donne. 

Tradotto in una parola, qualità. 

In due parole, Condé Nast. 

Vice Direttore 

ALAN PRADA 

Progetti Speciali Moda e Talents 

Vice Direttore 

SARA SOZZANI MAINO 

Moda 

Fashion and Accessory Market Director 

ENRICA PONZELLINI 

GIULIO MARTINELLI (Caposervizio) 

ELISA ZACCANTI 

LELE ACQUARONE 

(Fashion Contributor) 

VALENTINA SERRA 

(Fashion Contributor) 

Fashion Editor At Large 

PATTI WILSON 

Casting Directors 

PIERGIORGIO DEL MORO 

SAMUEL ELLIS SCHEINMAN 

Bellezza 

SUSANNA MACCHIA (Caporedattore) 

VITTORIA FILIPPI GABARDI 

Photo 

Photo Editor/Caporedattore 

ALESSIA GLAVIANO 

Photo Editor 

CHIARA BARDELLI NONINO 

Vogue.it 

ALESSIA GLAVIANO (Web Editor) 

SOFIA VIGANÒ (Caposervizio) 

RICCARDO ANGIOLANI 

ELENA BARA 

ELISA PERVINCA BELLINI 

GIORGIA GENOCCHIO 

FRANCESCA GIORGETTI 

MASSIMILIANO SORTINO 

NICOLETTA SPOLINI 

IVANA FERRARA (Segreteria) 

Segreteria 

Responsabile 

SILVANA SACCHETTI 

(Segreteria di Direzione) 

Shooting Production 

MARINA MORETTI 

Advertising and Event Production 

MARILENA BORGNA 

LAURA CAZZANIGA (Moda) 

New York 

Special Project Editor 

GRAZIA D’ANNUNZIO 

Segreteria e Redazione 

CHRISTINA NICASTRI 

Attualità 

CARLO DUCCI (Caporedattore) 

LELLA SCALIA (Caposervizio) 

BARBARA AMADASI 

ELISABETTA CAPROTTI 

FEDERICO CHIARA 

PAOLO LAVEZZARI 

FRANCESCA REBOLI 

Art Consultant 

MARIUCCIA CASADIO 

Reparto Artistico 

LAURA MARINO (Caporedattore) 

ROBERTA MASCIULLI 

JACOPO RIVA 

Special Projects 

MARIO BAZZONI 

ELENA PAPAGEORGHIOU 

Creative Director Assoc. 

KEVIN TEKINEL 

LAUREN GOLDBLUM 

Assistant of Creative Director 

ALVIO MANCUSO 

Hanno Collaborato/Testi: 

LILA AZAM ZANGANEH, 

FRANCESCO BONAMI, 

MICOL BONZINO RESMINI, 

SARA BORNEY, PIETRANGELO 

BUTTAFUOCO, MARISTELLA 

CAMPI, FRANCESCA CAVALLO, 

IVAN COTRONEO, MARIA 

CRISTINA DIDERO, SABRINA 

FALLEA, ELENA FAVILLI, MARTA 

GALLI, SAMIRA LAROUCI, DAVID 

LEAVITT, MARIA GRAZIA MEDA, 

FRANCESCA MOLTENI, GIOVANNI 

MONTANARO, RAFFAELE 

PANIZZA, GAIA PASSI, MARCO 

PESATORI, MARIA VITTORIA 

POZZI, ROBERTA ROTTA, 

NICOLA SCEVOLA, LAURA 

TACCARI, BARBARA ZORZOLI, 

STUDIO DIWA (Correzione Testi) 

Editors at Large 

ANGELO FLACCAVENTO 

LUKE LEITCH (Londra) 

DAN THAWLEY (Parigi) 

Hanno Collaborato/Moda: 

DESIRÉE ADÉDJÉ, SINEAD 

ALLEN, LAUREN BENSKY, 

KELLY BELLEVUE, VIOLA 

MARELLA BISIACH, LOUISE 

BORCHERS, EJ BRIONES, 

SERENA CASTRIGNANO, 

DIANA CHOI, LAUREN DAVIS, 

DEBORAH DE GROOT, DIEGO 

DIEZ, LUCA GALASSO, TAYLOR 

KIM, KYLE MCCOY, FEDERICA 

MIGLIAZZA, ITALO PANTANO, 

CATERINA PIATTI, ROBERTA 

PINNA, LOUISE POLLET, SYDNEY 

ROSE, ANNA SANTANGELO, 

ALICE SCAZZA, RICCARDO 

TERZO, NICCOLÒ TORELLI, 

MIRTA TRASTULLI, SADIE 

WILLIAMS, HAMISH WIRGMAN 

Direttore Editoriale 

LUCA DINI 

Direttore Generale Sales & Mktg 

FRANCESCA AIROLDI 

Advertising Manager 

SILVIA CAVALLI 

Marketing Manager 

VALENTINA DI FRANCO 

Direttore Vendite 

GIANCARLO ROPA 

Digital Sales Director 

CARLO CARRETTONI 

Moda e Oggetti Personali 

MATTIA MONDANI, Direttore 

Beauty 

MARCO RAVASI, Direttore 

Grandi Mercati 

MICHELA ERCOLINI, Direttore 

Piemonte, Liguria, Valle D’Aosta 

MATTIA MONDANI, Area Manager 

Veneto, Trentino Alto Adige, Friuli Venezia 

Giulia, Emilia Romagna, Marche 

LORIS VARO, Area Manager 

Toscana, Umbria, Lazio e Sud Italia 

ANTONELLA BASILE, Area 

Manager 

Uffici Pubblicità Estero - Parigi/Londra 

ANGELA NEUMANN 

New York 

ALESSANDRO CREMONA 

Barcellona 

SILVIA FAURÒ 

Monaco 

FILIPPO LAMI 

Digital Marketing 

MANUELA MUZZA 

Social Media 

ROBERTA CIANETTI 

Edizioni Condé Nast S.p.A. 

Presidente 

GIAMPAOLO GRANDI 

Amministratore Delegato 

FEDELE USAI 

Direttore Generale 

DOMENICO NOCCO 

Vice Presidente 

GIUSEPPE MONDANI 

Direttore Centrale Digital 

MARCO FORMENTO 

Direttore Centrale Consumer 

e Audience Development 

MASSIMO MONZIO 

COMPAGNONI 

Direttore Comunicazione 

LAURA PIVA 

Direttore Circulation 

ALBERTO CAVARA 

Direttore di Produzione 

BRUNO MORONA 

Direttore Risorse Umane 

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Direttore Amministrazione e Controllo 

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Tel. 0285611 - Fax 028055716. PADOVA, 

via degli Zabarella 113 Tel. 0498455777 

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Farini 13, Palazzo Zambeccari, Tel. 

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Fax 068079249. PARIGI/LONDRA, 4 

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NEW YORK, 125 Park Avenue Suite 2511 

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Fax 212-7867572 Barcelona, Passeig de 

Gràcia 8/10, 3° 1a - 08007 BARCELONA 

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5b - 82031 Grünwald - Deutschland - Tel. 

0049-89-21578970 Fax 0049-89-21578973. 

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2614343 Email: arin@condenast.it 

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Tel. 0285611 

2 0 

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86 

vogue.it n. 805

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Billboard artwork: Andy Warhol, Skull, 1976 © The Andy Warhol Foundation / ARS, photographed at The Andy Warhol Museum, Pittsburgh 

CALVIN KLEIN 205W39NYC Fall 2017: photographed May 2017, Mojave Desert, California

calvinklein.com/205 

Billboard artwork: Andy Warhol, Elvis 11 Times (Studio Type), 1963 © The Andy Warhol Foundation / ARS, photographed at The Andy Warhol Museum, Pittsburgh 

CALVIN KLEIN 205W39NYC Fall 2017: photographed May 2017, Mojave Desert, California

EVERY COVER TELLS A STORY 

Bacio! 

di PIETRANGELO BUTTAFUOCO* 

Il bacio alla francese è conosciuto. 

È l’apostrofo, 

Cirano vi dirà. Quello italiano, 

invece, è un sottinteso. 

È un bacio a mezzanotte, 

infido per definizione. 

Furti con destrezza sono 

quelli dei baci. Se nel 

sogno si sognano i baci, 

non è peccato. Ed è sempre 

“L’ultimo bacio” nelle 

giornate di chi non vuole 

crescere mai. Il restare 

ragazzi, infatti, è un mercanteggiare 

di giustificazioni 

– “soltanto un bacio” 

– quando il bacio, da solo, 

è un manicomio di fuochi 

e promesse. 

Bocca baciata non perde 

ventura, anzi, si rinnova 

nel canto: «Da mi basia 

mille», con Catullo. 

E se nel rock la cifra tonda 

dei baci è quella di 

ventiquattromila la cara 

sillaba, invece – per come 

canta il nonno – è quella 

di «ba ba baciami piccina». 

Un balbettio squillante 

destinato a lei, alla 

nonna, che in “cuor cuor” 

quello che ne ricava sono 

baci in quantità e una domanda 

proprio birichina: 

«Tutti questi baci a chi li 

devo dar?». 

Trova riparo nel tirabaci, 

il bacio. Eccolo: il ricciolo 

che goccia allusioni sulle 

gote – o perfino in fronte 

– e dorme come in un sonno 

di corallo, seta e fiori. 

Accennato nel tic involontario 

delle labbra, il bacio 

resta un’omissione: l’eloquenza 

del come non detto 

e così mettere le mani 

avanti. 

Amor ci strinse. Galeotto 

è il libro e chi lo scrisse, 

ma il romanzo di tutti i baci 

del mondo è italiano: un 

mucchio di fotogrammi 

tagliati via dai film – baci 

censurati –, recuperati e 

poi incollati. È quello di 

“Nuovo Cinema Paradiso” 

di Giuseppe Tornatore 

e il bianco e nero, tra i vivi 

colori della pellicola, fa 

sfacciato ogni sottinteso: 

«Chioccioline a succhiare 

e femmine a baciare, non 

possono mai saziare». 

Un pizzicorino. E poi la 

polpa. Questo la donna 

reclama. L’imperativo è 

sempre categorico: Baciami, 

stupido! Sul labbro superiore 

di lui, i peli corti e 

ispidi – come una camminata 

di formiche, in fila – 

pungono mentre la bocca 

profonde sussulti al sapore 

di mandorle sulle labbra 

di lei, tutte di corallo, seta, 

fiori e occhi chiusi. Quando 

c’erano i saloni per soli 

uomini, i barbieri – non 

certo i parrucchieri – non 

facevano che consigliarlo, 

il baffo: “Fatevelo a 

camminata di formicola, 

le ragazze ve ne saranno 

grate”. 

Lo spavento d’Italia è in 

un bacio – quello di Totò 

Riina – e chissà se il capo 

mafia s’è fatto un piercing 

sulla lingua e così battere 

dove più duole. 

Arrivederci e baci, si dice. 

Ma la favola italiana è tutta 

in un viaggiare di baci. 

Come Totò che cerca i baci 

in stazione, tra i treni in 

partenza. Tutto il Canzoniere 

del Sì che suona è 

nel bacio. Ed è un ciao 

ciao! Un bacio ancora. E 

mille altri ancora («deinde 

usque altera mille»). • 

*Giornalista e scrittore, 54 anni, di 

Agira, ha studiato Filosofia teoretica. 

Il suo ultimo libro “I baci sono 

definitivi” (ed. La nave di Teseo) 

racconta storie rubate durante i 

viaggi quotidiani, nella metropolitana 

romana. Storie d’innamorati, 

dediche sui corrimano, frasi, sguardi, 

tra frettolosi passaggi, fermate, 

pause pranzo. Buttafuoco annota, 

registra, mentre tutto scorre, si 

cancella o sbiadisce. Solo i baci restano 

definitivi. 

THE ITALIAN ISSUE WITH MARIACARLA BOSCONO BY MERT & MARCUS 

THE ITALIAN ISSUE WITH MARIACARLA BOSCONO BY MERT & MARCUS 

photos by mert & marcus 

MARIACARLA BOSCONO IN PRADA 

STYLED BY ALASTAIR McKIMM. 

Da sinistra. Abito di alpaca. Federico Spinas @ I Love Management: pull di alpaca. Lily Aldridge @ Img Models e Vittoria Ceretti @ Elite Milano: top di satin con frange 

di cristalli e top di lana. Pablo Rousson e Edoardo Velicskov: camicia e pull di lana. Tutto PRADA. I profumi La Femme e L’Homme Prada Intense di PRADA sono una 

coppia e hanno un’identità fluida. Lontani dai cliché, accentuano le multiformi sfaccettature maschili e femminili con note fiorite, ambra e patchouli. hair Cyndia Harvey 

@ Streeters. make-up Isamaya Ffrench @ Streeters. manicure Mary Soul using Chanel Le Vernis. set design Andrea Stanley @ Streeters. on set Across Media Productions. 

112 

vogue.it n. 805


Roma! 

di LILA AZAM ZANGANEH* 

photos by inez & vinoodh 


STYLED BY ALEX WHITE. 

In alto. Eschimo di montone, Prada; shoes Miu Miu. 

Il viso è luminoso e naturale grazie a Instant Éclat, base 

lumière, di Sisley Paris. In basso, da sinistra. Saskia de Brauw 

@ Dna Model Management: completo Ermanno Scervino. 

Othilia Simon @ Dna Model Management: blusa e gonna, 

Fendi; orecchini con diamanti e smeraldi, Bulgari 

Heritage Collection. hair Malcolm Edwards @ Art Partner. 

make-up Lisa Butler @ Bryant Artists. 

manicure Catia Sonia Piazza. on set Mai.London. 

Ogni scrittore è un amante 

mosso da un sogno. Il sogno 

di una donna o di un 

uomo, di una spada o di una 

città. E il sogno ha bisogno 

di avere un piede saldo nel 

mondo reale. Perché il 

mondo è la materia di cui 

è fatto il desiderio. 

Quale posto migliore di 

Roma per sognare? Roma 

in una qualsiasi mattinata 

di primo autunno (la mia 

stagione preferita per soggiornarvi), 

in una piazza 

non troppo lontana dalla 

Madonna del Divino Amore. 

Il sole splende tenue, ti 

sorride come un momento 

fuggevole di grazia o un 

colpo di fortuna. 

Si potrebbe bere un cappuccino, 

oppure mangiare 

un cornetto alla Nutella 

(tempo fa ne ho mangiati 

sei di fila, tanto da indurre 

i miei vicini a scoccarmi 

un’occhiata sbigottita). 

E con il mio sesto cornetto, 

eccomi là che sogno. 

Sogno una piazza che genera 

un’altra piazza e poi 

un’altra ancora. Sogno la 

Scala Santa a San Giovanni 

in Laterano e malgrado 

l’abbia già salita, sogno che 

conduca fra le nuvole e le 

stelle, in un luogo al di là 

dei dipinti. Sogno la Domus 

Aurea e i pittori rinascimentali 

che scavavano 

delle aperture per vedere 

gli affreschi e rubare idee 

bellissime (i grandi poeti 

rubano, rubano per sognare 

ancora). Sogno il Palatino, 

pieno del clamore degli 

imperatori ma stranamente 

vuoto in un pomeriggio 

d’autunno. Di quel vuoto, 

di quell’assenza sono alla 

ricerca perché al suo interno, 

drizzando le orecchie, 

si comincia a sentire 

il battito vitale del tempo. 

Penso alle fonti incantate 

dell’Amore e del Disamore, 

e a Orlando che andò 

fuori di senno forse a causa, 

poco più o poco meno, 

di una di quelle fonti (dalle 

quali spesso sembra scaturisca 

la passione, metafora 

di follia, o semplicemente 

di mancanza di rima e di 

logica dei nostri sogni). 

Sogno stretti sentieri, sulle 

cui pietre rovinano le 

spade e al loro posto restano 

soltanto le orme dei 

passi. Sogno castelli che si 

ergono sopra i mausolei e 

ragazzi che dormono dove 

un tempo dormivano le 

colombe. Sogno un tempo 

in cui Roma, nel lontano 

futuro, non sarà che un sogno 

sognato da una sognatrice 

in una mattina d’autunno, 

in una piazza piena 

di luce e aria sottile. • 

*autrice di “Un incantevole sogno 

di felicità” (ed. L’ancora del Mediterraneo), 

Lila Azam Zanganeh 

ha trascorso lunghi periodi della 

sua vita in Italia. é uno dei cinque 

membri della giuria del Man Booker 

Prize. 

traduzione di giuseppina oneto. 

114 

vogue.it n. 805

GIUSEPPEZANOTTI.COM


Ad Arte! 

di DAVID LEAVITT* 

traduzione di giuseppina oneto. 

Caravaggio, come uomo e 

come artista, apparteneva 

alla terra delle ombre. L’oscurità, 

in un certo senso, 

era il suo marmo, la luce il 

suo scalpello. A cominciare 

da un lavoro giovanile 

come il “Suonatore di liuto”, 

mostra una conoscenza 

talmente profonda della 

luce da farci dimenticare 

che visse a lume di candela 

a cavallo tra il 500 e il 

600, in un mondo che non 

conosceva, né poteva prefigurare, 

l’elettricità, la fotografia, 

il lampo del flas h 

e l’ombrello rifletten te. 

Il lampo, l’ombrello: non 

a caso il linguaggio della 

strumentazione fotografica 

è il linguaggio delle 

burrasche, quelle burrasche 

che nei dipinti di 

Caravaggio minacciano 

sempre di scoppiare, con 

il bagliore del lampo che 

illuminerà per un millisecondo 

tutto quello che l’oscurità 

nasconde. 

Se gli istanti che ritrae 

sono fugaci è perché è 

fugace la luce. Il suo occhio, 

come la macchina 

fotografica, cattura la più 

fuggevole delle pose. E ciò 

che lo rende un grande artista 

è che sa sempre dove 

puntare le sue lenti. 

La Medusa, se guardata 

in volto, pietrifica. Caravaggio 

non solo la guardò, 

ma ne dipinse anche il 

ritratto. Irata e inorridita, 

la sua Medusa incontra lo 

sguardo dell’osservatore 

con un’angoscia ormai oltre 

la pietà, e anche oltre 

l’efferatezza, come a dire: 

hai sempre saputo di non 

poter resistere. Adesso vedi 

quello che vedo io ogni giorno 

nello specchio. In linea 

di principio noi possediamo 

delle difese: se fossimo 

costretti ad assistere 

a una crocifissione, quasi 

tutti distoglieremmo gli 

occhi orripilati; davanti a 

una luce insopportabile le 

palpebre si chiuderebbero 

spontaneamente, co me 

accade quando cerchiamo 

di guardare il sole. Eppure, 

visto il volto della Medusa, 

quelle difese cadono. 

Possiamo osservare con 

compostezza il tormento 

delle carni perché ormai 

siamo pietra, siamo pietrificati 

e ci è stata accordata 

la capacità non soltanto di 

indugiare sulle sofferenze, 

ma di scegliere il momento 

che le raffigura con 

assoluta perfezione e trasformarle 

in arte. 

Caravaggio, a detta di tutti, 

era un uomo imprevedibile 

e violento. Commise 

più di un omicidio. Aveva 

forti desideri sessuali, soprattutto 

verso i ragazzi. 

Eppure, anche nei suoi ritratti 

più erotizzati – “San 

Giovanni Battista”, “Bacchino 

malato”, “Ragazzo 

morso da un ramarro” – 

l’effetto del chiaroscuro, 

notoriamente cupo, serve 

ad accentuare la vulnerabilità 

della carne. 

Pensiamo al “Bacco” degli 

Uffizi: le labbra sono 

rosse, i muscoli carnosi, 

avvertiamo il sangue che 

scorre sotto la pelle e sappiamo 

che sgorgherebbe 

se solo un coltello affilato 

la sfiorasse. Perché è 

così che la Medusa vede 

il mondo, un mondo nel 

photo by willy vanderperre. 


STYLED BY OLIVIER RIZZO. 

Cappotto di lana mohair con collo di ecopelliccia su gonna 

di satin e cappello di nylon. Tutto Prada. 

hair Tina Outen @ Streeters. makeup Lynsey Alexander 

@ Streeters. manicure Miss Moji @ Backstage Agency. 

set design Emma Roach @ Streeters. on set Prodn. 


117


photos by willy vanderperre. 

quale il corpo non è né 

idolo né ideale. 

Mentre San Pietro viene 

inchiodato alla croce 

a testa in giù, Caravaggio 

non si concentra sul santo 

rovesciato, ma sulle operazioni 

organizzate per capovolgerlo: 

le tecniche 

che preludono alla tortura, 

la fatica che comporta no 

sui volti dei soldati e non 

su quello di Pietro che 

sembra dare indicazioni. 

In maniera analoga, nella 

“Conversione di San Paolo”, 

quello che colpisce 

l’occhio non sono tanto 

le braccia tese del giovane 

santo in estasi, quanto lo 

zoccolo del cavallo delicatamente 

sollevato sopra 

il torace del padrone. Per 

Caravaggio la luce è lo 

strumento che consente 

all’artista di catturare quei 

rari momenti nei quali 

convergono il dolore 

e l’estasi, e il visionario, 

mentre soffre, vede i cieli, 

vede Cristo, e la barca di 

Caronte tirata sulla riva 

del livido fiume che attraversa. 

Un paradosso: per dipingere 

le parti cedevoli del 

corpo umano bisogna indurirsi. 

Bisogna guardare 

nello specchio. E affrontare 

la Gorgone con i capelli 

di serpente che ciascuno 

di noi ha dentro. • 

*Scrittore, 56 anni, nato a Pittsburgh, 

insegna alla University of Florida 

ma ha vissuto a lungo in Italia 

– Paese che è al centro di due suoi 

libri: “Italian pleasures” (Chronicle 

Books) e “In Maremma: Life and 

a House in Southern Tuscany” 

(Counterpoint LLC). Il romanzo 

“I due hotel Francfort” (Mondadori) 

e la biografia “L’uomo che 

sapeva troppo” (Codice Edizioni, 

appena ristampata), sono le sue ultime 

pubblicazioni. L’autore sarà al 

festival Pordenonelegge 2017 (16 

settembre, piazza San Marco, Pordenone), 

in una conversazione con 

Ottavio Cappellani. 

118 vogue.it n. 805

MANIFESTO 

Perché L’Italia Ha Bisogno 

Di Ragazze Ribelli 

di FRANCESCA CAVALLO ed ELENA FAVILLI* 

Ashabi Owagboriaye, attivista femminista americana, 

in un celebre scatto di John Franklin Brown. 

Uno studio pubblicato 

dalla rivista “Science” dice 

che a sei anni le bambine 

credono già di essere meno 

brave dei loro compagni 

maschi. Ancora oggi, il 

25 per cento dei libri per 

bambini pubblicati ogni 

anno non ha personaggi 

femminili. Il 37 per cento 

non ha personaggi femminili 

parlanti. Per questo 

abbiamo deciso di scrivere 

un libro in cui le eroine, 

per una volta, fossero tutte 

donne. E di dedicarlo 

alle bambine. Meglio, alle 

bambine ribelli. Ce ne sono 

tante, e hanno accolto 

con gioia un libro che celebra 

apertamente la loro 

forza e il loro coraggio, 

senza chiedere il permesso 

a nessuno. “Storie della 

buonanotte per bambine 

ribelli” è stato soprattutto 

questo, per noi: un gesto, 

un varco. Un modo nuovo 

di affrontare il tema dell’ineguaglianza. 

Toglierlo 

dai convegni polverosi, 

e portarlo con gioia sui 

comodini delle bambine 

e dei bambini di tutto il 

mondo. La ribellione che 

diventa routine della buonanotte: 

che meraviglia. 

A novembre uscirà negli 

Stati Uniti il secondo 

volume. Altre 100 storie, 

altri 100 ritratti. In pochi 

mesi intorno al libro si è 

creata una comunità di 

un milione di lettori in 75 

paesi. Sono famiglie che 

vogliono esporre i propri 

figli a una narrazione diversa, 

che aiuti a superare 

gli stereotipi di genere. In 

Italia ce n’è un bisogno 

disperato. Il nostro è un 

paese ancora molto arretrato 

quando si guarda ai 

numeri dell’occupazione 

femminile o della rappresentanza 

politica. Per non 

parlare della violenza sulle 

donne. Anche per questo le 

italiane che abbiamo scelto 

di includere nel secondo 

volume sono tutte viventi: 

volevamo dare spazio 

a una nuova generazione 

coraggiosa, che sogna in 

grande e si guadagna un 

lieto fine con le proprie 

forze. Come Bebe Vio, 20 

anni, campionessa paraolimpica 

di fioretto. In Italia, 

i programmi scolastici 

dovrebbero aggiornarsi 

e smettere di dare spazio 

soltanto alle conquiste degli 

uomini. Sono pochissime 

le scrittrici, le scienziate, 

le filosofe che ancora 

oggi si studiano a scuola. 

Eppure le donne hanno 

da sempre contribuito in 

modo determinante, in 

qualsiasi campo del sapere. 

Tante delle nostre eroine 

sono inventrici, artiste, 

scienziate: come Maria Sibylla 

Merian, la scienziata 

tedesca che scoprì la metamorfosi 

delle farfalle, o la 

matematica Ada Lovelace. 

Sconosciute ai più, o dimenticate. 

I bambini non 

nascono pensando che le 

femmine valgono meno 

dei maschi. Siamo noi a 

insegnarglielo: quando 

crediamo che vada bene 

comprare una maglietta 

azzurra per una bambina, 

ma guai a comprarla rosa a 

un maschio. Quando leggiamo 

alle nostre bambine 

libri senza protagoniste 

femminili, magari senza 

accorgercene. Anche noi ci 

abbiamo messo del tempo 

prima di realizzare quanto 

gli stereotipi ci limitassero. 

Ci sembrava normale 

all’inizio che ci chiamassero 

“le ragazze” quando 

ci annunciavano sul palco 

durante le presentazioni 

della nostra start up 

Timbuktu Labs. Oggi 

pretendiamo che ci chiamino 

sempre con nome e 

cognome, come si fa con i 

ragazzi. Per questo la nostra 

dedica in apertura del 

libro si chiude con: «Avete 

ragione voi». Perché per 

troppo tempo ci hanno 

fatto credere che andasse 

bene essere presentate 

come “le ragazze”; venire 

interrotte durante una riunione 

di lavoro dal collega 

maschio; fare la spalla del 

protagonista, la valletta. E 

c’è ancora un enorme bisogno 

di incoraggiarsi, di 

rassicurarsi, di dirselo: che 

si può osare. E poi che bello 

vedere alla presentazione 

del nostro libro piccoli 

lettori maschi in coda per 

l’autografo. Sono la nostra 

speranza. Perché per avere 

più bambine ribelli ci vogliono 

– anche – maschi 

più coraggiosi. • 

*Imprenditrici e scrittrici italiane. 

Hanno pubblicato nel novembre 

2016 “Storie della buonanotte per 

bambine ribelli”, il libro più finanziato 

nella storia del crowdfunding 

con oltre 1 milione di dollari raccolti 

in soli 28 giorni. Francesca 

Cavallo 34enne regista teatrale 

nata a Taranto, ed Elena Favilli, 35 

anni, giornalista di Montevarchi, 

vivono in California dove nel 2012 

hanno fondato Timbuktu Labs. 

134 

vogue.it n. 805

IL PROGETTO 

My 

Own 

Private 

Vogue 

Italia 

Le pagine di Vogue Italia 

come materia prima da 

manipolare, trasformare 

secondo il proprio talento 

per creare inedite opere 

d’arte. Continua il progetto 

di scouting CREATE 

AND TOUCH, che ogni 

mese invita i lettori a interpretare 

la copertina del 

magazine e a postarla su Instagram, 

pubblicando poi 

i lavori più interessanti 

sulla rivista e sul sito Vogue.it. 

Questa volta, a ispirare 

i creativi digitali sono 

stati Grace Elizabeth e 

Garrett Neff, fotografati 

sul numero di luglio da Steven 

Meisel. Ecco allora la 

coppia in versione surrealista, 

pittorica, computer 

graphic, sacro/profano. • 

Le cover di luglio rielaborate 

dai lettori e scelte da Instagram 

tra quelle inviate al profilo 

@vogueitalia #createandtouch. 

In alto, itslucamainini. Da 

sinistra, pimp_my_mag; 

dropoutofcollage; rickdick.it. 


141

VOGUE’S QUESTIONNAIRE 

Monica 

Bellucci 

Passioni, piaceri, paure: 

confessione d’autore 

liberamente ispirata 

al questionario di Proust. 

Il tratto principale del mio 

carattere. 

La ricerca d’armonia. 

La qualità che cerco quando 

recito con un uomo. 

L’empatia. 

La qualità che cerco quando 

recito con una donna. 

L’empatia. 

Quel che apprezzo di più nei 

miei amici. 

L’autenticità: sia quel che 

sia. 

Quale sarebbe per me la più 

grande disgrazia. 

Se non avessi avuto le mie 

figlie. 

L’animale che preferisco. 

La pantera. 

Il luogo in cui sono stata più 

felice di lavorare. 

La Sicilia. 

I miei pittori preferiti. 

Chagall e Caravaggio. 

I miei fotografi preferiti. 

Edward Weston e Helmut 

Newton. 

I miei artisti preferiti. 

Camille Claudel e Auguste 

Rodin. 

Il mio Paese preferito. 

L’Italia. 

Il mio colore preferito. 

Il lilla. 

reale, ma così onirica da 

sembrare un sogno. 

L’immagine che mi rappresenta 

in questo momento. 

Un uccello migratore. 

Quel che detesto più di tutto. 

La violenza, in tutte le sue 

forme. 

Quel che c’è di male in me. 

L’ingenuità. 

Il dono di natura che vorrei 

avere. 

Ringrazio per tutti quelli 

che mi sono stati dati. 

Come vorrei morire. 

Senza paura. 

Il mio sogno di felicità. 

Vivere sempre libera. 

Il mio motto. 

Viva la vita. 

Chi metterei sulla copertina 

di Vogue Italia. 

Anna Magnani. • 

La prima cosa che mi viene 

in mente quando penso al fashion 

circus. 

La creatività. 

L’immagine che ha cambiato 

la mia vita. 

Un ragazzo che camminava 

per strada. Una visione 

Monica Bellucci è l’attrice italiana 

più famosa nel mondo. Esordisce 

nel cinema nel 1991; si afferma nel 

2000 con “Malena”, di Giuseppe 

Tornatore. Ha recitato in oltre 20 

produzioni. Tra i progetti futuri, 

un film dedicato alla fotografa Tina 

Modotti. 

foto paolo roversi. 

146 

vogue.it n. 805

marni.com

Questa È La 

Nostra Storia 

Front 

Una madre fuori dal comune, FRANCA 

SOZZANI. Un figlio regista, FRANCESCO 

CARROZZINI. Un film che è un atto 

d’amore, in arrivo nei cinema. E questa 

intervista: per raccontare quello che 

non c’è più, e tutto quello che continua. 

di LUCA DINI* 

174 vogue.it n. 805

175

176 Front 


photo courtesy nabil elderkin

In queste pagine. 

Una serie di ritratti 

di Franca Sozzani dagli 

album di famiglia. 

Nella pagina accanto. 

Lo scorso settembre, 

con Francesco alla 

première di “Franca: 

Chaos and Creation”, alla 

Mostra internazionale 

d’arte cinematografica 

di Venezia. Il film 

esce nelle sale 

il 25 settembre, 

con l’aggiunta 

di un breve epilogo. 

Il 3 settembre 2016 ho mandato un’email 

a Franca Sozzani. La sera prima a Venezia 

avevo visto “Franca: Chaos and Creation”, 

il film di suo figlio Francesco Carrozzini. Le 

ho scritto per dirle che ero orgoglioso, da 

collega e da italiano, di aver sentito in quel 

documentario così tanti e così importan ti 

nomi di tutto il mondo celebrare la genialità 

e l’unicità del suo lavoro. E che ero anche 

commosso, da padre, per l’affetto con 

cui Francesco l’aveva saputa raccontare. Poco 

dopo è arrivata la risposta. «È stato un 

enorme sforzo per me aprirmi così tanto 

sulla mia vita privata», scriveva Franca tra le 

altre cose, «ma oggi sono contenta di averlo 

fatto, per dimostrare che spesso la vita è 

molto diversa da una pagina patinata». 

Il film non doveva essere un film, ma un 

viaggio privato nella storia familiare, e l’impulso 

a intraprenderlo è arrivato da un lutto, 

nel 2010. Lo racconta, in una delle prime 

scene, la voce dello stesso Francesco, sulle 

immagini di Franca che cammina tra la neve 

di Manhattan. «Dopo che mio padre è 

morto, mi sono reso conto che non gli avevo 

mai fatto domande, che non avevo mai 

deciso di imparare a conoscerlo come un 

figlio dovrebbe probabilmente conoscere i 

suoi genitori. Così ho preso la videocamera, 

ho portato mia madre a Central Park e ho 

iniziato a intervistarla. È stato il punto di 

non ritorno». Settembre 2017 è importante 

per Francesco, e non tanto perché il filmmaker 

e fotografo compie (il 9) 35 anni. Il 

primo giorno del mese, proprio al Festival 

del cinema di Venezia di cui sua madre è 

stata per anni una presenza imprescindibile, 

viene assegnato il Franca Sozzani Award: un 

premio per attori, ma anche l’atto di nascita 

di una Fondazione che si concentrerà sulla 

scoperta e promozione dei nuovi talenti nel 

cinema, nella moda, nella fotografia. 

Domenica 24, al Teatro alla Scala di Milano, 

alla prima edizione dei Green Carpet Fashion 

Awards nati dalla collaborazione tra la 

Camera nazionale della moda e la Eco-Age 

di Livia Firth, un giovane stilista “sostenibile” 

verrà nominato Franca Sozzani Emerging 

Designer of the Year, e potrà così presentare 

la sua collezione alla Fashion Week 

di febbraio 2018. 

Lunedì 25 infine, a un anno dalla prima 

veneziana, “Franca: Chaos and Creation” 

arriva in sala, con l’aggiunta di un breve 

epilogo. Si vedono madre e figlio sul Lungosenna, 

e la voce di Francesco, di nuovo, 

racconta. «Poco dopo la fine delle riprese, 

mia madre si è ammalata e ha dovuto vivere 

una vita che non era fatta per lei... È morta 

il 22 dicembre 2016, ma abbiamo avuto il 

tempo di presentare il film al mondo, insieme. 

Alla fine della première si è girata verso 

di me e mi ha detto quanto era orgogliosa. 

Questa è la nostra storia». 

Tua madre nel film parla spesso della voglia 

di «lasciare una traccia». Non trovi 

riduttivo cercare questa traccia dentro il 

recinto della moda? 

Sì, perché, come dice Baz Luhrmann nella 

sua intervista, «quando fai qualcosa di così 

unico, in qualsiasi campo tu sia, finisci per 

travalicarne i confini». Franca non è stata 

tanto una giornalista di moda quanto una 

pensatrice che ha riscritto le regole del gioco, 

ha insegnato a pensare, anzi a ripensare, 

e lo ha insegnato non solo alla gente del suo 

business ma anche di altri mondi – la musica, 

il cinema, le news – che ha saputo contaminare. 

Ha reinventato tutto, ha osato, a 

costo di rischiare il posto di lavoro. 

Nel linguaggio visuale, che è anche il tuo 

linguaggio, qual è stato secondo te il suo 

contributo più importante? 

La sua abilità di talent scout, direi. Se vuoi 

fare lo chef devi avere i migliori ingredienti, 

e lei ha saputo riconoscere le persone capa ci 

177

di comunicare a un livello superiore e diverso 

rispetto agli altri. Inventare una generazione 

di fotografi oggi non sarebbe più 

possibile, ma anche in quegli anni, con tutto 

il rispetto per tutti, è una cosa che ha saputo 

fare solo lei. Quando mi chiedono come mi 

sento nei confronti del suo lavoro, rispondo 

che, se come film maker volessi raggiungere 

il livello che ha raggiunto Franca nel suo 

campo, dovrei essere Stanley Kubrick. Sono 

davvero pochi i casi nei quali, in un business, 

puoi avere quella rilevanza. A quel livello, in 

modo differente, ci sono state Diana Vreeland, 

Anna Wintour e, nella creatività, lei. 

«La vita è molto diversa da una pagina patinata»: 

che cosa intendeva Franca? 

Sempre Baz Luhrmann mi ha detto: «Fai 

un film che solo tu puoi fare». Lei nel film 

è mostrata attraverso i miei occhi, e solo i 

miei occhi la possono guardare così. Non 

vedi la direttrice: vedi la donna, la madre. 

C’è tanto sul suo lavoro, ma alla fine a tutti 

rimane impresso il nostro rapporto. Dico: 

questa è la nostra storia. Ovvio che è la sua 

più che la mia. Ma era mia madre, e io le facevo 

le domande che da sempre volevo farle, 

e che solo il film mi ha permesso di farle. 

C’è una Sozzani stereotipo e c’è quella che 

nel documentario dice: «Perché togliere alle 

persone il sogno?». Quella che si fermava 

mezz’ora a parlare con il ragazzo venuto 

dalla provincia con il sogno della moda. 

Io penso che sia stata una persona davvero 

interessata agli altri. Ricevo almeno dieci 

messaggi a settimana: tua madre mi ha dato 

la forza di continuare, di crederci. Succede 

anche con gli sconosciuti, e da questo capisco 

che lei, quando voleva, sapeva esserci. E 

poi, perché la gente a volte se ne approfitta, 

sapeva essere anche durissima. 

Ancora Franca, nel film: «Mi aiuta avere 

humour. Bisogna essere leggeri nella vita. 

La leggerezza è quando sei così profondo da 

poterti permettere di volare alto. La leggerezza 

è nel non prendere le cose troppo sul 

serio». Aneddoti? 

Siamo in Ghana per l’Africa issue di “L’Uomo 

Vogue”. Ci invitano a una sfilata in un 

Franca Sozzani con 

Francesco, 1988 circa. 

A destra. Un suo ritratto 

della metà degli anni 80. 

178 Front 

vogue.it n. 805

Franca Sozzani, direttrice per 28 anni di Vogue Italia, con alcuni amici, nonché protagonisti del mondo della moda. Dall’alto a sinistra, in senso 

orario: Karl Lagerfeld e Giancarlo Giammetti. Peter Lindbergh. Donatella Versace. Giorgio Armani. Anna Wintour (e Francesco). Bruce Weber. 

«Conosco persone 

che, a distanza 

di anni, non 

riescono a parlare 

del proprio lutto. 

Invece, questi mesi 

sono stati i più 

produttivi della 

mia vita. Come se, 

andandosene, 

mi avesse detto: 

ora tocca a te». 

posto ipermoderno, neppure ancora finito 

di costruire, e vediamo sul monitor il messaggio 

“durata: cinque ore”. Si volta e mi 

guarda come a dire: ma secondo te sono 

venuta in Ghana per sorbirmi cinque ore 

di sfilata? È una delle volte in cui abbiamo 

riso di più. Di mio padre ho un bel ricordo, 

ma non di grandi risate. Se invece penso 

a lei, nonostante la perdita sia molto più 

traumatica, sorrido. Conosco persone che, a 

distanza di anni, non riescono a parlare del 

genitore che hanno perso: è un lutto che, 

quando sei giovane, può diventare motivo di 

distruzione. Invece, questi ultimi mesi sono 

stati i più produttivi della mia vita. Credo 

dipenda dal fatto che lei mi ha insegnato ad 

andare avanti. Come se, andandosene, mi 

avesse detto: adesso tocca a te. 

Avere il tempo di prepararsi conta. 

Un po’ di tempo prima che morisse, ho incontrato 

un’amica che ha perso la mamma 

a sedici anni, mi ha detto: «Una cosa è vederla 

malata, anche con il respiratore, altra 

cosa è quando non c’è più». Vero: il trapasso 

è uno shock, e ha a che fare non solo con i 

tuoi genitori, ma con la morte in generale 

– se muore chi ti ha generato, allora è vero 

che muori anche tu. Però il fatto di aver saputo 

molto prima, di aver passato tanti mesi 

insieme, di aver completamente appianato 

ogni discordia, di averle dimostrato facendo 

questo film quanto bene le volevo, di 

aver visto quanto me ne voleva lei permettendomi 

di farlo, tutto questo mi ha dato la 

possibilità di prepararmi, in tanti modi. 

Un vostro scambio: «Non sei mai stata una 

mamma di quelle che ti portano ai giardinetti». 

«Se è per questo non sono neanche 

venuta all’esame di quinta elementare, 

perché sono arrivata il giorno dopo». 

Quando ero piccolo ho sperato di avere una 

madre più “normale”. Oggi non so immaginare 

una madre diversa da lei. Crescendo 

non pensi più che le cose importanti siano 

quelle. Lei magari non era ai giardinetti o 

agli esami di quinta, ma tornava alle dieci e 

mi aiutava a tradurre dal greco. C’era, quando 

e come doveva. 

I fotografi spiegano: non ci ha dato libertà, 

ci ha dato fiducia. 

Per me era lo stesso. Al funerale ho pensato 

– e crescendo mio figlio cercherò di ricordarlo 

– che mia madre mi ha fatto contare 

su di lei senza dipenderne. Non mi ha tenuto 

la mano, così come non la teneva ai fotografi. 

E l’ansia da prestazione che creava era 

proprio frutto della fiducia. 

Una frase che colpisce, del film: «Non volevo 

attraversare questa vita con un vestitino 

bianco al battesimo e, alla morte, una 

lapide con la data». Da dove viene questa 

fame? 

Un bel ruolo sicuramente lo ha avuto suo 

padre, un uomo affettuoso, ma piuttosto 

duro, dai principi forti. Le ha dato quella 

scintilla. Poi però credo che il fuoco sacro o 

ce l’hai o non ce l’hai. O vuoi vincere o non 

ti interessa. 

180 Front 

vogue.it n. 805

Uscire dopo tre mesi da un matrimonio perfetto sulla 

carta, avere un figlio da un uomo sposato, crescerlo da 

sola: scelte non facilissime. Franca dice: «Ero convinta 

di poterlo fare». 

In realtà non ne era affatto convinta. Ho lettere che mi 

ha mandato quando ero bambino, mio padre l’aveva lasciata 

e lei scriveva: non so se ce la farò. Non è questione 

di forza o debolezza, tutti attraversiamo il momento 

in cui vorremmo mollare: c’è chi ha la fortuna di non 

lasciarsi andare. 

«Più caro del giorno in cui si nasce/il giorno della 

morte»: sono i versetti biblici del Qohélet, che Franca 

ha voluto fossero distribuiti il giorno del suo funerale 

a Portofino, la vigilia di Natale. La tua domanda sulla 

fede ritrovata è una delle poche cui risponde, nel film, 

senza cavarsela con una battuta. 

Tutto è iniziato quando siamo andati a Torino a vedere 

la Sindone, una ventina di anni fa, ero ragazzo. Mi ha 

detto: «Stai qui, vado a confessarmi». Avrò aspettato 

tre ore. Da lì è tornata la fede che c’era stata, ma che 

aveva un po’ perso. Un percorso che ha preso molto sul 

Dall’alto. Frame da “Franca: Chaos and Creation”. Polaroid con il piccolo Francesco. 

serio, e che sicuramente negli ultimi tempi le è stato di 

conforto. Ancora oggi la cosa che mi disturba di più è 

pensare alla paura che deve avere avuto. Come reagirei 

se uno mi dicesse: “tra un anno muori”? La fede deve 

averla aiutata. Io quella gliela invidio molto. 

Il film è pieno di momenti che, con il senno del poi, 

sembrano profetici. Sapevate già della malattia? 

Assolutamente no. Le ultime scene che abbiamo girato 

sono quelle in cui sembra un po’ raffreddata. Un paio 

di giorni dopo ha avuto una notte in cui è stata male, 

e solo lì lo ha scoperto. È vero che il film è profetico, 

come quando Marina Abramovic dice: «Le persone come 

lei non mollano mai, lavorano fino alla fine» – mia 

madre lavorava il martedì e il giovedì è morta. Ma io ho 

la sensazione che, dentro, se lo sentisse da tempo. Mi 

hanno raccontato che, guardando mia nonna, diceva: 

«Io non voglio finire così, non voglio essere vecchia». 

Ogni tanto, anche prima di ammalarsi, mi lasciava qualche 

istruzione: «I gioielli del nonno sono lì, l’altra cosa 

importante è là». Sapeva, credo, che se ne sarebbe andata 

un po’ prima, quasi da eroina di una favola. 

Di Franca, che cosa ti manca di più? 

Il confronto: per due motivi. Lei è l’unica persona che 

mi avrebbe sempre detto la verità. Ed è anche l’unica 

che, qualunque fosse la sua opinione sulle mie azioni o 

sulle mie parole, mi avrebbe sempre amato in modo incondizionato. 

Se tradisco la mia fidanzata lei mi lascia; 

un genitore, soprattutto una madre, ti vorrà sempre e 

comunque bene, e questa cosa non l’avrai mai più. Il 

resto lo scegli, l’amore dei genitori lo hai e basta. 

C’è una scena che mi è rimasta particolarmente impressa. 

È senza parole. Guardate insieme un video di 

te, piccolissimo, che cammini appena. Siete entrambi 

in silenzio, e commossi. 

Davanti ai ricordi abbiamo una reazione molto diversa. 

Io sono un nostalgico, lei invece si rifiuta di restare nel 

passato, vuole pensare all’oggi e al domani e magari, davanti 

a un momento di emozione, risolve tutto con una 

battuta, come quando mi fa: «Ci credo che ti fa effetto 

vedere le tue vecchie foto, eri così brutto». In quella 

scena però la commozione c’è, eccome. Lei non la vuole 

lasciar andare, ma c’è. Ci volevamo un gran bene, tra 

noi c’erano tante manifestazioni di affetto, ma sempre 

con un po’ di quel pudore che le veniva da suo padre, 

da quella educazione ricevuta nell’Italia del dopoguerra. 

Sto scrivendo il prossimo film con Stefano Bises, quello 

di “Gomorra: La serie”, e lui che come me ha perso la 

madre mi dice che avrei dovuto raccontare di più. Ma se 

fossi andato più a fondo, se non avessi mantenuto quel 

pudore, non avrei raccontato chi siamo noi. 

A proposito di pudore, l’email ricevuta da Franca un 

anno fa si concludeva così: «Non ti nascondo che due 

lacrimucce me le sono fatte anche io. Ma alla sera tardi, 

da sola». • 

*LUCA DINI è Direttore editoriale di Condé Nast Italia. 

182 Front 

vogue.it n. 805

aldinini-shop.com

VO4084

PRIMO PIANO 

Sono 

Spudorato 

«Nella maniera in cui omaggio quel 

che mi piace e quel che mi ha segnato. 

Per me creare vuol dire rigurgitare, 

stravolgere e assemblare tutto ciò 

da cui sono stato e sono attraversato». 

Cosa è nuovo, cosa è ispirato, cosa 

copiato? ALESSANDRO MICHELE 

dice la sua su una certa, nota polemica. 

di ANGELO FLACCAVENTO 

News 

Alessandro 

Michele, 45 anni, 

è il direttore 

creativo di Gucci 

dal gennaio 2015. 


191

La Quadriga 

Infernale 

di Sarteano 

Tre outfit della 

P/E 2017 che 

rimandano alle 

pitture etrusche 

della tomba 

della Quadriga 

Infernale di 

Sarteano, Siena. 

foto courtesy gucci; ronan gallagher. 

Cosa è originale? Una lingua, qualunque essa 

sia – verbale, visiva, gestuale – non si sviluppa 

nel vuoto, ma scaturisce da una reazione, 

in qualche modo chimica, attivata dal 

già esistente. L’atto creativo, se autentico, 

nasce infatti sempre da un furto, protratto 

fino a impreviste conseguenze. Si ruba un 

atteggiamento alla musa, un colore alla natura, 

e da lì si inventa. Il discepolo inizia il 

proprio viaggio dagli stilemi del maestro; 

una voga fermenta perché importata in territorio 

estraneo, un po’ come l’alien di Ridley 

Scott e HR Giger. Del resto, ancora una 

volta con Godard e in una inaudita quanto 

felice congiunzione di pensiero lineare classico 

e logica zigzagante postmoderna, non 

è mai importante dove e cosa si prende, 

ma dove e come lo si conduce. Nella moda 

questo è ancor più evidente: il nuovo origina 

da una incessante, catartica, scaramantica 

rielaborazione del passato che ferma il 

tempo, o almeno tenta, attraverso il remake, 

ad infinitum. Cosa sarebbero stati gli anni 

Ottanta senza i Quaranta e i Settanta senza 

gli anni Venti? Persino il modernismo 

inebriato di futuro degli anni Sessanta 

ha un debito evidente con le linee svelte 

dell’età del jazz. Per non parlare dei creatori, 

sempre fantastici debitori. Cosa avrebbe 

inventato Yves Saint Laurent se non avesse 

guardato alla rive gauche dei contestatori o 

a Mondrian, Gianni Versace se non avesse 

posato gli occhi sui vasi greci e sulle stampe 

di Beppe Spadacini, Walter Albini se non 

lo avessero irretito i disegni di Benito e le 

sofisticherie della “Gazette du Bon Ton”? 

«Sono spudorato. Per me creare vuol dire 

rigurgitare, stravolgere e assemblare tutto 

ciò da cui sono stato e sono costantemente 

attraversato», racconta Alessandro Michele, 

direttore creativo di Gucci, citazionista 

indefesso. Michele è un autore. Il suo linguaggio 

è inequivocabile; ha innescato in 

breve un’onda d’urto dal carattere goduriosamente 

decorativo che ha fatto del marchio 

fiorentino l’epicentro del barocchismo 

liberato, libertario e liberatorio, il tempio 

enciclopedico di una moda narrativa e massimalista 

che celebra la diversità scoprendosi 

politica nella superficialità festaiola, che 

192 News vogue.it n. 805

Le mie fonti sono 

così 

chiare 

che non 

sento il 

bisogno 

di una 

dida 

Cruise 2018: Neo Rinascimento 

A/I 16-17: Omaggio A Walter Albini 

Cruise 2018: Citando Dapper Dan 

P/E 16: Ispirazione Tian 

193

Roberta 

di Camerino 

Dettaglio di 

un abito effetto 

trompe-l’œil 

della P/E 2016, 

ispirato alla 

stilista veneziana. 

glorifica reietti, racchie, queer e beautiful 

freak attraverso collage esponenziali intrisi 

di passato, ma nulla affatto nostalgici perché 

scevri di gerarchie e ordini costituiti, sicché 

Rinascimento e kitsch, Star Trek e teatro 

elisabettiano, aulico e pop convivono nello 

spazio sovente di un solo outfit. Con humor 

sardonico, si definisce una lavatrice che centrifuga 

di tutto. È, invero, un situazionista 

del pastiche, inesorabile facitore e disfacitore 

di sperticati intrecci spaziotemporali. 

Il suo mondo caleidoscopico è un catalogo 

di cliché in cui tutto va con tutto a patto che 

il clash di opposti inconciliabili sia assordante. 

Che è poi, appunto, il suo modo di 

essere originale. «Gli abiti sono mille possibilità 

di significare, perché a ogni cambio o 

diversa associazione sei una persona diversa», 

spiega. 

Alessandro Michele non è certo il primo citazionista 

della storia della moda e non sarà 

nemmeno l’ultimo ma è, forse, il più archeologico 

e accurato, di certo il più beffardo, 

perché gioca con il fuoco della copia titillando 

i benpensanti mentre continua a pensare 

nuovi accostamenti. «Sono quasi pornografico 

nella maniera in cui omaggio ciò 

che mi piace e che mi ha segnato», racconta, 

riferendosi alla deliberata letteralità delle 

proprie citazioni. L’assemblaggio, invece, è 

sempre idiosincratico, frenetico, dionisiaco. 

«Certe cose le trovo, ma molte cose mi trovano, 

perché anche il caso è immaginifico», 

aggiunge, descrivendo un metodo fatto insieme 

di caos e di ordine. «Citare vuol dire 

riabilitare, trasformare. Chi lo nega annienta 

totalmente l’atto creativo». 

Tanta limpidezza non lascia adito a dubbi, 

eppure Alessandro Michele è stato più volte 

messo alla gogna per il citazionismo che 

è la sua cifra espressiva, vittima designata 

della polizia antiappropriazione. «Le mie 

fonti sono così evidenti che, forse a torto, 

non ritengo necessario metterci sotto la 

didascalia», spiega. «Rimasticare il passato 

per me è un modo per non banalizzare i 

vestiti e non ossessionarmi sulle lunghezze 

degli orli. Quel che mi interessa, infatti, è 

raccontare una storia, e se qualcuno ci vede 

lacerti di altre storie, ben venga. Non 

mi devo giustificare. La mia urgenza vera 

è quel che voglio dire». Michele si riferisce 

in modo particolare alla polemica dilagata 

a fine maggio su Instagram per un look 

che nella collezione cruise 2018 riprende 

paro paro, o quasi, il lavoro di Daniel Day, 

il sarto che ad Harlem, negli anni Ottanta, 

creò una magnifica idea di ghetto tailoring 

appropriazionista con l’atelier Dapper Dan, 

definendo dal nulla, attraverso furti fuorilegge 

di loghi del lusso, l’immagine delle 

prime star dell’hip hop. «Forse avrei dovuto 

dichiarare, ma mi pareva fin troppo ovvio», 

spiega. Achille Bonito Oliva, teorizzando 

il neomanierismo dei primi anni Ottanta, 

parlò di ideologia del traditore, che è un 

perfetto modo di definire l’appropriazione 

come pratica creativa. Michele lavora così: 

rispetta le fonti tradendole allegramente, 

ad libitum, per comporre sinfonie onnicomprensive. 

Dentro ci sono anche i quadri 

di Cranach, Walter Albini e le bellezze 

botticelliane, che però non solleticano le 

furie politically correct dei censori social. 

«Il problema a mio avviso nasce da un atteggiamento 

diffuso. La citazione è stata 

parte fondante del percorso culturale, di 

tutti e da sempre. Oggi, invece, si confonde 

la citazione con la nostalgia paralizzante. 

Io, al contrario, penso che l’ossessione per 

il futuro sia il modo migliore per non vivere 

il presente». 

E qui si arriva diritti al ganglio vitale. Vedere 

il passato come una miniera attiva piena 

di richiami e possibilità è un modo per portare 

al centro della scena il presente. Quel 

che intriga nel lavoro di Alessandro Michele 

è infatti la riscrittura del tempo, equivalente 

a un trip psichedelico che libera coscienza e 

conoscenza, e trova il valore dell’oggi proprio 

nell’archeologia. «Sono cresciuto con 

un padre che non usava l’orologio, e questo 

ha segnato per sempre il mio rapporto con il 

tempo», conclude. «Tutto quel che mi ispira 

e che cito, che sia di ieri o di quattro secoli 

fa, mi accade nello stesso momento davanti 

agli occhi, quindi è presente. È il mio 

presente, è la mia contemporaneità, ed è la 

sola cosa che posso e voglio raccontare». • 


L’EVENTO 

Ombra 

E Luce 

L’articolo di uno scrittore che 

conosce i segreti dei maestri, 

un servizio di moda (a p.456) ispirato 

al suo genio: Vogue Italia celebra 

CARAVAGGIO, mentre a Milano 

apre la grande mostra a lui dedicata. 

di GIOVANNI MONTANARO* 

«Quando è arrivato a Roma, era affamato 

e seminudo. Dipingeva due teste di santi al 

giorno, ne ricavava cinque giulii, una miseria, 

e mangiava quel che riusciva. Per sopravvivere, 

aveva imparato a dipingere veloce». 

Quando parla di Caravaggio, Rossella 

Vodret – curatrice di “Dentro Caravaggio”, 

aperta da fine mese al Palazzo Reale di Milano 

– riesce come a mostrartelo, per le 

strade di Roma alla fine del Cinquecento, 

incerto, in affanno, irascibile. «Quando gli 

viene assegnata una commessa importante, 

la Cappella Contarelli di San Luigi dei 

Francesi, Caravaggio va in tilt. È abituato 

a immagini piccole, lì invece deve fare dipinti 

di tre metri per tre, e si spaventa. Così, 

inizialmente, fa un San Matteo di maniera, 

copiato un po’ da Michelangelo un po’ da 

Raffaello. Ma non gli piace. Lo ricopre e 

*scrittore, 

veneziano, 

34 anni. 

Il suo ultimo 

libro, “Guardami 

negli occhi”, 

(Feltrinelli) 

è dedicato al 

celebre dipinto 

“La Fornarina” 

di Raffaello. 


News 

197

“Marta e Maria 

Maddalena”, 

ca. 1598. Nella pagina 

precedente. “San 

Giovanni Battista”, 

1603. I due dipinti 

di Caravaggio sono 

esposti nella mostra 

“Dentro Caravaggio”, 

a Palazzo Reale, 

Milano, dal 29/9 

al 28/1/2018. Curata 

da Rossella Vodret, 

la mostra è promossa 

e prodotta da Comune 

di Milano-Cultura, 

Palazzo Reale 

e MondoMostre Skira, 

in collaborazione con 

il ministero dei Beni 

e delle Attività 

Culturali e del 

Turismo. Il comitato 

scientifico è presieduto 

da Keith Christiansen. 

Il Gruppo Bracco è 

partner per le indagini 

diagnostiche. 

198 News 

Così, partiva dal nero e tirava fuori dal buio, faceva 

nascere, in un parto improvviso, senza gestazione. Così, 

arrivava la sua luce, inaspettata, potentissima, tra 

i vestiti umili, i piedi sporchi, gli occhi pieni di dubbio. 

ricomincia, ma il tempo stringe». Che cos’è 

l’ispirazione? Matisse era lento, per finire i 

suoi dipinti ci metteva anni. A Rembrandt si 

dice che ne bastasse uno, ma non di meno. 

Tiziano teneva a lungo i dipinti incompiuti 

nella sua casa, voltati verso il muro, e ogni 

tanto ci tornava sopra con qualche tratto, e 

poi di nuovo li girava per non vederli. Van 

Gogh era il contrario; poteva completare un 

dipinto al giorno, qualche volta in un’ora. 

Anche Rubens, per dire, era velocissimo. A 

Tiepolo gli invidiosi dicevano che era sciatto, 

troppo frettoloso, si dimenticava le cose. 

Ognuno ha il suo modo. Ognuno di noi fa 

prevalere l’istinto o la noia, la certezza o la 

foga, la pazienza o la rabbia. Forse, è anche 

per fare prima che Caravaggio aveva pensato 

a quella che era la sua grande rivoluzione: 

partire dal nero, dipingere tutta la tela di nero 

prima di cominciare con le figure, i colori. 

Così, tirava fuori dal buio, faceva nascere, 

in un parto improvviso, senza gestazione. 

Così, arrivava la sua luce, inaspettata, potentissima, 

tra i vestiti umili, i piedi sporchi, 

gli occhi pieni di dubbio. Tutto, nei suoi dipinti, 

è intorno alla luce, tutto è miracoloso. 

Ma non è mai semplice. La cosa più interessante 

da scoprire, nel processo creativo 

di Caravaggio, è che la velocità non c’entra 

niente con la perfezione. Anzi. La velocità è 

una delle forme del tormento, dell’errore, 

della rabbia. Non si direbbe, dall’esattezza 

che hanno, ma i suoi dipinti sono pieni di 

pentimenti, di cancellature, di cose che non 

sono venute come dovevano venire, di cose 

rifatte, abbandonate. «In un San Giovanni, 

per esempio, i critici non hanno mai capito 

perché il santo volgesse lo sguardo verso 

destra, dove non c’è niente sulla tela. Si è 

scoperto solo con gli ultimi studi che lì doveva 

esserci un agnello, ma Caravaggio non 

ce l’ha messo». Forse era la fretta, forse era 

la volontà. Probabilmente, come nelle cose 

grandi, era destino. • 


courtesy detroit institute of arts. nella pagina precedente. courtesy the nelson-atkins museum of art, kansas city.

Paris, rue Cambon, March 2017.

LA PROTAGONISTA 

Una Principessa 

Guerriera 

Per il suo ritorno su Vogue Italia 

(p. 476), JUERGEN TELLER ha voluto 

la Sicilia. E una ragazza napoletana, che 

qui racconta quellÕincontro speciale. 

«Il turbinio degli abiti mi ha trasformato in 

personaggi diversi, mi ha catapultato in luoghi 

incantati. È stato come recitare: ho immaginato 

di essere una principessa guerriera. Con 

i capelli bagnati e il trucco minimal, in contrasto 

con gli abiti sontuosi, mi sono sentita 

una Lady Macbeth, o una principessa elfica 

del “Signore degli Anelli”, pronta alla battaglia». 

Cristiana Dell’Anna – che Juergen Teller 

ha voluto protagonista del servizio “My 

Italian Crush” – è più solare della Patrizia di 

“Gomorra”, ma ugualmente intensa. «Sono 

un’attrice che ha potuto mettere piede in un 

mondo nuovo e vivere un’avventura divertente 

e interessante. Per me è stata una duplice 

prima volta: nella moda e con un fotografo del 

calibro di Juergen. Anche grazie a lui ho capito 

che atteggiandomi a modella ero innaturale: 

quando ho seguito il suo consiglio, sii sempre 

te stessa, ecco, lì sono arrivati gli scatti più belli». 

Ma com’è nata questa avventura? «Juergen 

è un fan di “Gomorra”, e da tempo voleva lavorassimo 

insieme. L’occasione si è presentata 

mentre ero in Sicilia, per le riprese di “Rocco 

Chinnici” con Sergio Castellitto, che ripercorre 

la vita del magistrato ideatore del pool 

antimafia ucciso nell’83. Così è volato a San 

Vito Lo Capo... c’era una luce particolare quel 

giorno, riflesso dell’anima pulsante della Sicilia, 

che Juergen ha catturato nei suoi scatti». • 

di BARBARA ZORZOLI 

ritratto di JUERGEN TELLER 

Cristiana Dell’Anna 

ritratta da Teller. 

L’attrice napoletana, 

32 anni, nota per 

la serie “Gomorra”, 

sta girando al fianco 

di Sergio Castellitto 

la fiction tv 

di Michele Soavi 

“Rocco Chinnici”. 

200 News 

vogue.it n. 805

The Knitted Gaze, Lorenzo Vitturi 

krizia.it

L’ANNIVERSARIO 

Sul Filo 

Del Colore 

Con un nuovo libro, Vogue Italia 

festeggia i 20 anni della direzione 

creativa di ANGELA MISSONI: 

immagini inedite e contributi 

di amici, per un viaggio 

ricco di incontri e di sorprese. 

di ROBERTA ROTTA 

In questa pagina. 

Due scorci della 

casa a Sumirago, 

dimora e laboratorio 

creativo di Angela 

Missoni. Le foto 

sono tratte dal 

volume prodotto 

da Vogue Italia 

che ripercorre 

vent’anni di attività 

della stilista. 

foto courtesy daniel regan e antonio monfreda. 

Era il 1997 quando Angela Missoni, terzogenita di Rosita 

e Ottavio, divenne direttore creativo del brand di 

famiglia. Vent’anni di carriera celebrati da Vogue Italia 

con un libro da collezione che, con nuove immagini 

e contributi di amici, celebrities e fotografi, nonché i 

saggi di Tim Blanks e Mariuccia Casadio, racconta il 

percorso creativo, il mondo colorato, gioioso e sempre 

in evoluzione della stilista. C’è tutto: a partire dalla casa 

di Sumirago, contenitore di suggestioni immerso nella 

natura, dove Angela raccoglie oggetti che parlano della 

passione per i mercatini, di memorie di viag gio e della 

fascinazione per l’artigianato di epoche ed etnie diverse. 

Nel libro si aggiungono poi le campagne realizzate con 

talenti come Testino, Meisel, Sorrenti, Borthwick, fino 

agli elementi chiave del linguaggio Missoni: patchwork, 

zig zag, frange, reti, ricami, jacquard. Un linguaggio 

unico, sempre contemporaneo, che Angela ha reinventato 

nel tempo ridandogli slancio, spinta dal coraggio, 

dal l’incoscienza, dalla voglia di fare. «Lavorare a 

un progetto con Angela è come viaggiare in un pae se 

sconosciuto», dice Antonio Monfreda, art director e 

curatore del libro. «Un itinerario ricco di sorprese, riferimenti, 

scoperte, improvvisi cambiamenti di rotta: un 

percorso simile a quello dei suoi celebri tessuti». • 


GRAPHIC ART 

Tutto Di 

Un Tratto 

“Survivors”, una illustrazione di Olimpia Zagnoli. 

La tradizione degli ILLUSTRATORI 

italiani trova talentuosi eredi trentenni: 

la loro specialità, un segno che sa 

legare editoria, moda, musica, design. 

di FRANCESCA MOLTENI 

C’è Olimpia, che beve Coca-Cola e dipinge 

quadri pop con colori fluo. Ilaria, che ama Carol 

Rama per la spudoratezza naïf, e disegna 

sempre, anche sulle tovagliette dei bar, mentre 

telefona, parla, ascolta e si diverte. E Valerio 

che, come Bruno Munari, pensa che non esista 

“design” più perfetto di quello della natura, e 

gio ca con le sue innumerevoli forme. 

Tre illu stratori italiani, tre creatori di mondi 

nuovi, tre artisti che, con la matita e l’ironia, 

sono arrivati ovunque. Olimpia Zagnoli, Ilaria 

Clari e Valerio Vidali hanno in comune la generazione 

– sono nati rispettivamente a Reggio 

Emilia nel 1984, a Torino nel 1985 e a Lodi nel 

1983 –, e il successo che li ha portati sulle pagine 

del “New York Times”, o di “Linus”, ma 

anche tra le righe dei romanzi e sui muri bianchi 

delle gallerie d’arte. Sono figli, consapevoli 

o no, di una grande tradizione italiana che ha 

padri illustri come Albe Steiner, il designer che 

ha rivoluzionato il linguaggio visivo del nostro 

vogue.it n. 805 News 

205

Dall’alto. “Bla, bla, bla, 

amen” di Ilaria Clari, 

ispirato al mondo del 

sacro; Clari è al lavoro 

sulla mostra “Monstrum 

vel prodigium”, che sarà 

esposto a Paratissima 

a Torino a novembre. 

“Sofa” di Valerio Vidali, 

da “100 Years Old”. 

Paese. «Il grafico di fronte al pubblico ha una grande 

responsabilità», scriveva, «può influire negativamente 

sullo sviluppo di un bambino, per esempio». Olimpia, 

Ilaria e Valerio condividono questo senso di responsabilità. 

Comunicare con il disegno non è solo un gesto 

libero e innocente, è un modo per arrivare in modo diretto 

e immediato a tutti noi, affamati di immagini. E 

farlo con onestà e in modo autentico è il loro modo di 

lasciare il segno. 

Olimpia, Ilaria e Valerio. Tre talenti per una rinascita, 

quella dell’illustrazione, «dopo che è stata considerata 

di serie B, come il fumetto. Forse perché in passato era 

soprattutto su commissione», racconta Ilaria. «Oggi c’è 

la persona dietro al disegno, per questo c’è più interesse. 

Zerocalcare, per esempio, ha rivoluzionato il linguaggio 

del fumetto; si è spogliato davanti a tutti, dicendo “questo 

sono io, questo è il mio carattere, questa la mia famiglia 

ed è del mio mondo che parlano i miei disegni”. 

Un genio». Il mondo di Ilaria è popolato di figure al 

femminile, corpi, particolari intimi, colori pastello, ma 

anche di sacro, di suorine che le ricordano l’infanzia. 

Sono il suo “bestiario umano”. 

Valerio, invece, preferisce la botanica, vive a Berlino ma 

ora è alle Canarie, a osservare il Jardín de Cactus realizzato 

da César Manrique a Lanzarote. «La nostra società 

tende a considerare il libro illustrato come equivalente 

al libro per bambini», precisa, «in realtà è una forma 

narrativa e come tale offre un’ampia gamma di possibilità 

che, se si trova un editore coraggioso, diventano 

infinite». Lavora a un nuovo libro, dove ogni pagina 

rappresenta un anno di vita e tratta un tema che si affronta 

in quell’età. Titolo provvisorio, “100 Years Old”, 

editore – coraggioso – lo svizzero Kein & Aber. 

Olimpia è autrice di immagini portentose, tanto che si 

sono accorti di lei prima a New York che a Milano. Illustrazioni 

per l’editoria, uno store on line, video musicali, 

oggetti di design, sculture interattive. Dopo avere 

creato delle Tshirt per Le Raclet, Zagnoli ha da poco 

disegnato anche dei tessuti per la collezione TropicO 

Oz, capsule estiva di Marella e, nel 2015, per Dedar e 

Rubelli. Più recente ispirazione, l’Argentina e le sue 

band psichedeliche anni 70. • 

206 News 

vogue.it n. 805

ANTONIOCROCE.COM

IL PERSONAGGIO 

Il Lato 

Positivo 

È quello che GIOVANNA BATTAGLIA, 

fashion editor e icona di stile, racconta 

nel suo nuovo libro: un omaggio alla 

gioia di vestirsi, di viaggiare, di vivere. 

di SAMIRA LAROUCI 

L’energia vitale di Giovanna Battaglia, modella, 

stylist, fashion editor, è inesauribile. 

Basta osservarla mentre si muove leggera, 

con eleganza, per capire che lei domina gli 

abiti, non il contrario. «Mi divertono, sono 

una parte importante della mia vita», spiega. 

Poi aggiunge che la moda la prende un 

po’ come una medicina: «Per me stessa, per 

il mio lavoro. E anche per divertirmi. Ogni 

giorno dobbiamo vestirci, allora perché non 

rendere tutto meno noioso?». Se siete tra i 

suoi 661mila followers su Instagram, “noiosa” 

non è certo la parola con cui la definireste. 

Questa “Glamazon” giramondo potrà 

suscitare invidia, ma mai noia. 

La moda e Giovanna si incontrano quando 

lei ha dieci anni: «Guardavo i vestiti 


News 

209

di Barbie e pensavo: vorrei che fossero più grandi per 

indossarli!». A 16 anni sperimenta: «Era il momento 

dell’hip hop, dei maglioni oversize, l’equivalente di Vetements 

oggi». Questa fase però non dura. «Poi scoprii 

Versace, vidi Naomi, Cindy e Linda e pensai: wow, sono 

come le Barbie, ma più alte. Allora, addio felpe». 

La curiosità e l’attitudine giocosa per la moda ne hanno 

plasmato la vita adulta: vestire per Giovanna è un modo 

di vivere, oltre che un aspetto fondamentale della sua 

identità. Come un’artista, per esprimersi usa la moda 

quale “medium” e il corpo come tela, creando personalissimi 

micromondi. L’occasione può essere un vernissage 

(ha abbinato Céline e Picasso, Comme des Garçons 

e Yayoi Kusama, La Double J e Rob Pruitt) o una cena 

alla Casa Bianca (un completo Courrèges vintage ispirato 

a Jackie per il giorno, un abito lungo di Armani Privé 

in charmeuse di seta per la sera). Con l’inconfondibile 

voce roca aggiunge: «Ho guidato una moto d’acqua 

completamente vestita, in Africa per un safari avevo un 

completo di Hermès, in Islanda invece una tuta arancio. 

Ho persino tirato di boxe in Alaïa». 

Nel libro “Gio_Graphy” (esce a ottobre per Rizzoli International), 

ispirato alla rubrica che tiene su “W Magazine”, 

Giovanna getta uno sguardo intimo, e comico, 

sulla sua vita. «Dico cosa passa nella mia testa matta. 

Non voglio insegnare a nessuno come vivere, solo ironizzare 

sui manuali di “istruzioni per l’uso” e dimostrare 

che possono essere brillanti e divertenti. Come la moda». 

Gli argomenti? Svariati: come usare il bagno con addosso 

un abito couture, o ballare sui tavoli a un party senza 

finire al pronto soccorso, o riprendersi da una serata 

impegnativa. Il tutto condito da aneddoti e moltissime 

foto con gli outfit più riusciti. Considerati il suo senso 

dello stile in perenne evoluzione e i vestiti strepitosi che 

spuntano dalle pagine (e dai sui armadi, da Stoccolma 

a New York), le dico: scegli solo tre capi passe-partout. 

«Mamma mia... Un paio di Manolo Blahnik, magari kitten 

heels. Un abito Alaïa, qualcosa di Fendi». 

Me la immagino fare la spesa con le Manolo e il bucato 

con dei cuissardes di broccato, anche se, assicura, non 

disdegna le sneakers: «Sono un tipo da tacchi, ma con 

le scarpe basse si è più dinamiche e attuali. Mi piacciono 

quelle di Gucci o un bel paio di Nike. Adoro quelle di 

Rihanna. E le creepers Puma sono fantastiche». 

Il libro, con la prefazione di Natalie Massenet, amica 

e fondatrice di Net-a-Porter, esplora anche l’amore di 

Giovanna per i viaggi, raccontandone le passeggiate 

preferite, da Mustique a Saint-Tropez, nonché qualche 

ricetta segreta di famiglia. 

Molto più di una celebrazione del suo senso dello stile, 

“Gio-Graphy” è essenzialmente un “piano” per ritrovare 

nel vestire la meraviglia dell’infanzia, il modo in cui 

lei ci incoraggia a prendere la moda un po’ meno sul 

serio, a ridere e a vivere pienamente la vita. «Perché il 

vero messaggio del libro», sottolinea in modo appassionato, 

«è provare e cercare il lato positivo in ogni cosa». • 

Sopra, “Gio_Graphy” (Rizzoli International), il nuovo libro di 

Giovanna Battaglia, 38 anni. In apertura ritratta da Inez & Vinoodh. 


LE EMOZIONI NON VANNO RACCONTATE, VANNO VISSUTE. 

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MOSTRE/1 

La Fabbrica 

Dei Sogni 

Per Versace era il grande amore, per 

Lagerfeld un altro palco per testare 

l’inesauribile estro. Il TEATRO ALLA 

SCALA e i suoi costumi in un inedito 

catwalk operistico, dove ritrovare 

designer-melomani, registi, artisti. 

di FRANCESCA MOLTENI 

La mostra 

“Incantesimi. 

I costumi del Teatro 

alla Scala dagli 

anni Trenta a oggi” 

sarà a Milano, 

a Palazzo Reale, 

dal 10 ottobre 

fino al prossimo 

gennaio. Accanto. 

Un costume di 

Pier Luigi Pizzi 

per ÒOedipus RexÓ 

di Stravinskij 

del 1969. 


News 

213

Da sinistra. 

Piero Zuffi per la 

rappresentazione 

del 1964 de“Il 

ritorno di Ulisse in 

patria” e Jacques 

Reynaud disegna 

i costumi de 

“L’Orfeo”, 2009. 

Due anni 

di lavoro 

per riportare 

in scena 

ventiquattro 

straordinari 

“Incantesimi”, 

tra i 60 mila 

custoditi 

nei laboratori 

del teatro. 

L’incantesimo comincia quando la sala si fa 

buia. Le prime note, il sipario, le luci a disegnare 

lo spazio, le scene a definire luogo 

e tempo dell’azione, le voci e i corpi degli 

artisti a dare vita allo spettacolo. E poi loro, 

gli abiti di scena, a delineare lo stile dei personaggi 

secondo il gusto, i comportamenti 

e la moda dell’epoca, o quello che regista e 

costumista interpretano liberamente come 

tali. Sono ventiquattro gli straordinari “Incantesimi” 

esposti nelle sale di Palazzo Reale 

di Milano: costumi, pezzi unici, dagli anni 

Trenta a oggi, selezionati e restaurati tra i 

tanti – più di 60.000 – custoditi nei laboratori 

del Teatro alla Scala. La mostra, curata da 

Vittoria Crespi Morbio, è un omaggio ai sogni 

indossati dai principali interpreti dell’opera 

lirica e del balletto, ai grandi costumisti 

e registi, alle maestranze del teatro milanese 

che li hanno realizzati, e che tutto il mondo 

ammira. A promuoverla, così come il restauro, 

sono gli Amici della Scala, in occasione 

dei quarant’anni di attività dell’associazione. 

Una celebrazione della storia dello spettacolo 

italiano, frutto di un lungo lavoro di ricerca 

nell’Archivio del Teatro alla Scala, e poi di 

ricostruzione, con un’équipe di restauratori, 

degli abiti di scena. 

«Ci sono voluti più di due anni di lavoro», 

racconta Vittoria Crespi, «il restauro ha 

richiesto la collaborazione di diversi specialisti, 

perché diverse sono le tecniche con cui 

sono realizzati, dai merletti alle plastiche». A 

firmarli, i più noti costumisti della storia del 

teatro. I premi Oscar Piero Tosi, Gabriella 

Pescucci e Franca Squarciapino, ma anche 

Franco Zeffirelli, Pier Luigi Pizzi, Alexandre 

e Nicola Benois, e grandi stilisti come Gianni 

Versace e Karl Lagerfeld. 

Si celebrano, così, anche l’identità del nostro 

teatro e dei suoi interpreti, gli spettacoli memorabili 

con la regia di Luchino Visconti, 

Giorgio Strehler, Luca Ronconi e Robert 

Wilson, tra gli altri. E poi, le dive che hanno 

reso immortali queste creazioni – da Maria 

Callas a Renata Tebaldi, da Carla Fracci 

a Montserrat Caballé – , senza dimenticare i 

divini Rudolf Nureyev e Boris Christoff. Mai 

come nel teatro d’opera il costume è il personaggio, 

lo rappresenta, gli suggerisce gesti e 

movimenti, attitudini e allure. È un’incarnazione 

della magia, di quell’attimo misterioso, 

destinato a non ripetersi mai nello stesso modo: 

la trasformazione di un interprete in un 

personaggio. Basti pensare a Maria Callas ne 

“La sonnambula” del 1955, vestita da Piero 

Tosi, all’“Aida” di Zeffirelli del 1963, con le 

scene di Lila De Nobili e ancora alla “Salome” 

della Caballé in abiti Versace dell’87. La 

mostra lo racconta in quattro sezioni tematiche, 

che si sviluppano dalla tradizione degli 

foto courtesy francesco maria colombo. 


Luxury makes a difference.

anni 30-50, con le dive Maria Callas e Renata Tebaldi a 

confronto, al costume storico e alla ricerca degli anni 60, 

70 e 80, passando per gli stilisti che collaborano con Ronconi 

e Strehler, per arrivare ai giorni nostri con le regie 

di Liliana Cavani, Robert Wilson e Robert Carsen. «La 

mostra ha molte chiavi di lettura», continua la curatrice, 

«ogni costume di scena viene ambientato nel suo contesto, 

con i figurini e i bozzetti preparatori. Si può leggere 

così come cambiano lo stile e il modo di disegnare la scena». 

Dal teatro della fantasia e della favola, come il “Fetonte” 

con la regia di Ronconi e le scene di Vera Marzot, 

o la “Cinderella” di Maurizio Millenotti portata in scena 

nel 2015, al melodramma, più difficile perché vincolato 

agli stereotipi, con “La Traviata” della Pescucci. Ci sono 

gli sperimentatori, come Emanuele Luzzati, Piero Zuffi o 

Lila De Nobili che dipinge Aida in costumi tardo impero. 

Nei balletti poi, è più difficile vestire il personaggio, perché 

è il movimento ad avere la priorità. 

L’intimità tra il ballerino e il costumista è così forte da 

diventare un sodalizio quasi esclusivo come quello tra 

Nicholas Georgiadis e Nureyev per “Lo Schiaccianoci”. 

Bellissimo il costume in borchie di plastica di Giocasta 

nell’“Oedipus Rex” (1969) di Pier Luigi Pizzi, meravigliose 

le incrostazioni marine negli abiti-scultura di Odette 

Nicoletti per l’“Idomeneo” (1990). «Riguardo a “I Troiani”», 

diceva Ronconi, «due sono le possibilità di un regista: 

metterli in scena come un oratorio o come un kolossal 

cinematografico. La mia scelta è stata quella di cercare 

una mediazione». Karl Lagerfeld è l’autore dei costumi, 

«suggeriti da originali fenici e cretesi, che devono ridare 

corpo all’antichità vagheggiata così minuziosamente, 

quasi rivissuta, da Berlioz», continua Ronconi. Se il teatro 

era il vero amore di Versace, possiamo immaginare la soddisfazione 

nel disegnare per Bob Wilson una Salomè in 

abiti drappeggiati di velluto e seta, con maniche costruite 

a scatola che ispirano anche le sue collezioni del 1987. 

Soluzioni innovative che, dal palcoscenico della Scala, arrivano 

sulle passerelle del mondo. Perché qui, in teatro, 

i grandi artisti hanno avuto la libertà di sperimentare e il 

coraggio di osare cose mai viste prima. Incantesimi che 

raccontano un’altra storia, anche della moda. • 

Dall’alto. Close-up dei costumi di Mauro Pagano, “Così fan tutte”, 

1983, e Jean-Pierre Ponnelle, “La donna senz’ombra”, 1986. 


MOSTRE/2 

Fuori Moda, 

Fuori Tempo 

Nel fashion tutto è vecchio dopo una 

stagione. Eppure, scommettono al 

MOMA, qualcosa rimane: ecco 111 capi 

sempre attuali. Sei sono italiani: questi. 

Scegliamo il nostro abbigliamento perché 

ci piace, non pensando a quale impatto 

possa avere sui costumi, a quanto 

durerà, se ritornerà. “Items: Is Fashion 

Modern?” (al MoMA di New York dal 

1° ottobre) racconta invece la forza di 

111 abiti e accessori in grado di resistere 

all’usura del tempo. Tra questi, sei italiani: 

l’abito nero “spillato” di Versace 

1994, un sartoriale suit di Armani, lo 

zainetto di Prada, la minigonna di Simonetta, 

la giacca Mao di Francesco Risso. 

E la coppola, come quella fotografata 

qui accanto da Peter Lindbergh. • 

di LELLA SCALIA 

La coppola in 

un’immagine di 

Peter Lindbergh. 

“Items: Is Fashion 

Modern?” aprirà al 

MoMA di New York 

il 1º di ottobre 

(fino al 28/1/2018). 

foto peter lindbergh, vogue italia, febbraio 1990. 

218 News 

vogue.it n. 805

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ANTEPRIME 

Nel Salotto 

Di Milano 

La Galleria Vittorio Emanuele II 

festeggia 150 anni con rinnovato 

allure (anche per i marchi del lusso): 

non a caso qui sta per aprire il suo 

nuovo ristorante CARLO CRACCO. 

di NICOLA SCEVOLA 

Carlo Cracco, 

52 anni a ottobre, 

ritratto per Vogue 

Italia da Delfino 

Sisto Legnani. 

Lo chef è affacciato 

sull’ottagono della 

Galleria Vittorio 

Emanuele II a 

Milano, dove aprirà 

entro l’anno il suo 

nuovo ristorante. 

«Lavori così si fanno una volta sola nella vita, e si fanno 

bene perché questa sarà come casa mia. Anzi, di più». 

Carlo Cracco scavalca sacchi di cemento e putrelle d’acciaio 

mentre perlustra il cantiere che diverrà il suo nuovo 

ristorante: mille metri quadrati affacciati sul salotto 

di Milano, la Galleria Vittorio Emanuele II, che proprio 

questo mese festeggia 150 anni. 

Entro dicembre lo chef aprirà il nuovo spazio e la corsa 

contro il tempo è frenetica. I quattro piani affacciati 

sull’ottagono, ridisegnati per adattarsi alle esigenze di 

un ristorante, preservano ciò che di pregio esiste, ricreano 

quel che è andato perduto, sviluppano nuove soluzioni. 

Al piano nobile un grande ingresso conduce al 

salone di ricevimento già sede del Cai, come ricorda lo 

stucco a soffitto con lo scudo azzurro, l’aquila e la stella 

del club alpino. All’interno si aprono tre sale da pranzo 

più piccole e due salottini privati con vista sulla passeggiata 

più elegante di Milano, completi d’ingresso semiindipendente 

per garantire massima privacy agli ospiti. 

C’è anche un fumoir con un bancone ottocentesco recuperato 

a Parigi. 

Ambienti raccolti, quasi da appartamento, per una cinquantina 

di persone al massimo, e luci studiate per creare 

un’atmosfera intima, senza penalizzare l’esperienza 

gastronomica. 

«Da me il piatto è principe e deve essere illuminato al 

meglio», spiega Cracco, scettico su una certa propensione 

contemporanea ai ristoranti crepuscolari. Il secondo 

piano è un ampio open space destinato agli eventi, con 

pavimento in seminato alla veneziana e balconata a un 


News 

221

passo dalla cupola aperta sul cielo: facile immaginare che 

la fashion industry, tornata negli anni a frequentare la Galleria, 

lo elegga a luogo prediletto per cene e party. A pianterreno 

un caffè charmant, nell’ammezzato il laboratorio 

di pasticceria e nell’interrato l’enoteca con oltre duemila 

etichette. «Ho fatto la maturità cucinando sottoterra», 

sorride riferendosi al ristorante di via Victor Hugo in cui è 

rimasto 18 anni, «ora voglio godermi la luce». 

E la vista: unica, da ogni affaccio. Lo chef ha vinto il bando 

per aggiudicarsi questo spazio di proprietà del Comune 

di Milano con il progetto del filosofo Roberto Peregalli e 

dell’architetto Laura Sartori Rimini: «Chi meglio di loro è 

in grado di restituire la Galleria più bella di prima?». 

«L’esterno dei palazzi dell’ottagono ha un’architettura 

d’impatto, ma gli interni sono sempre stati modesti», dice 

Peregalli: «Perciò abbiamo cercato di dar loro dignità portando 

dentro lo stile della Galleria». Questo ha significato 

disegnare stucchi e ideare pavimenti come se fossero sempre 

stati lì: «Non abbiamo immaginato di restituire agli 

ambienti le forme originali, ci interessava creare armonia 

per trasmettere un’emozione senza per forza far capire cosa 

c’era o non c’era prima». 

Per Cracco è la sfida di una vita, tanto da avere messo da 

parte, per ora, la carriera televisiva. Il progetto è impegnativo, 

ma le regole del gioco non cambiano: «Lo chef è patron, 

qui non faccio niente di diverso dal mio mestiere». 

D’altronde oggi un professionista della sua portata deve 

essere poliedrico: artigiano, inventore, designer, alchimista, 

soprattutto imprenditore. 

Se per il pubblico il ristorante è luogo di evasione e nutrimento 

per anima e corpo, per lui è prima di ogni altra 

cosa un’azienda, anche se un po’ speciale: «Non esiste un 

altro ristorante tanto vicino al Duomo che produca tutto 

in loco, anche il panettone, i cioccolatini... Sono arrivato a 

Milano oltre trent’anni fa per lavorare con Gualtiero Marchesi, 

è una città che mi ha insegnato tanto. Ora voglio 

restituirle un po’ di quello che mi ha dato». • 

Dall’alto, in senso orario. 

L’ottagono della Galleria 

Vittorio Emanuele II, 

a Milano. Il progetto 

per la decorazione della 

parete di una sala da 

pranzo. Bozzetto di uno 

dei due salottini privati. 

foto delfino sisto legnani. progetti courtesy studio peregalli sartori. 

222 News 

vogue.it n. 805

jbrandjeans.com

MAGAZINE/1 

Che Rumore 

Fa Il Cibo? 

È possibile parlare di italian food 

senza cadere nei luoghi comuni, 

o soccombere al dominio degli chef? 

Ci prova DISPENSA, semestrale molto 

premiato, che tratta la gastronomia 

come via per arrivare a genti e luoghi. 

di MARTA GALLI 

La scorsa primavera, a guadagnarsi la medaglia 

d’argento ai prestigiosi Gourmand World 

Cookbook Awards 2017, nella sezione food 

magazine, è stata una pubblicazione italiana. 

“Dispensa”, fondata dalla giornalista Martina 

Liverani nel 2013 a Faenza, si è piazzata dietro 

la cinese “With Eating”, affermandosi come 

seconda rivista del settore al mondo e prima in 

Europa. Ora, tra le sue pagine si legge: «Negli 

ultimi anni la giacca da chef è diventata infinitamente 

più affascinante del chiodo in pelle». 

Vero. Ma in tempi caratterizzati dalla smania 

generale che fa dei cuochi stellati le nuove 

rockstar e dei ristoranti gourmet la meta di 

pellegrinaggi collettivi, va detto, “Dispensa” 

viene prima e dopo il fatto modaiolo e tratta 

la gastronomia come un modo per arrivare a 

genti e luoghi, in definitiva a tutto. «Riguarda 

generi alimentari e generi umani, come riassume 

il sottotitolo; sono le storie che avrei 

voluto leggere e che non riuscivo a trovare su 

altri giornali», spiega Martina Liverani, che 

nell’ambiente aggiunge d’esserci nata. «I miei 

nonni avevano un negozio di alimentari e io 


News 

225

Ecco Antonio Marras che traccia 

parallelismi tra creatività con ago 

e filo e quella di chi mette le mani 

in pasta; ecco Bottura giudicato 

da una bambina di nove anni. 

Sotto, in senso orario. Un piatto dal numero 5 di “Dispensa”, dedicato ai maestri 

dell’alimentazione. Still life con acciughe. Issue n. 6, sui suoni del cibo. 

In apertura. Ghiaccioli dal numero 3: un Grand Tour gastronomico d’Italia. 

fin da bambina ho imparato a vedere attraverso la lente 

del cibo, che per me è sempre stato oggetto di grande 

curiosità: quando da piccola mi leggevano la favola 

di “Cappuccetto Rosso”, ricordo, volevo sapere cosa ci 

fosse dentro quel cestino». 

I numeri della rivista sono tematici e approfondiscono 

questioni che non si esauriscono al ritmo delle notizie o 

nella formula pop della ricetta, con un gusto indulgente 

per la narrazione. Ecco che il primo affronta il rapporto 

con gli animali e l’etica del mangiare carne, e nel secondo 

Antonio Marras traccia i parallelismi tra la creatività 

con ago e filo e quella di chi mette le mani in pasta; 

un altro esplora le innumerevoli variazioni del “rumore” 

del cibo, mentre l’ultimo è dedicato al fanciullo in 

ognuno di noi, e allora una bambina di nove anni incontra 

il blasonato chef Massimo Bottura: lui serve a tavola, 

lei, con un cerchietto tra i capelli, ascolta e giudica. Nel 

prossimo, in uscita a ottobre, a finire sotto i riflettori 

sarà il ritorno alle tradizioni artigianali che accomuna la 

generazione Millennials. Semestrale, stampata su carta 

ricavata da scarti organici, “Dispensa” fa a meno della 

pubblicità e si sostiene con le copie vendute. Così, a 

rinsaldare il legame con un seguito fedele, in cantiere 

ci sono un club – «perché a volte, soprattutto nell’era 

digitale, è bello potersi incontrare davvero» – e una 

radio – «un mezzo che amo tantissimo, l’ascolto anche 

mentre scrivo». Anche se distribuita principalmente attraverso 

internet, “Dispensa” rimane soprattutto «una 

dichiarazione d’amore alla carta stampata e un invito al 

consumo slow». • 

foto marco varoli, lea anouchinsky. 

226 News 

vogue.it n. 805

www.gentryportofino.it

MAGAZINE/2 

Mediterraneo 

Anteriore 

Limare le caricature, combattere 

il folklore: nasce un progetto 

editoriale con una sorprendente 

visione del SUD ITALIA: «Perché 

il Meridione possa essere percepito 

con la grazia e la cura che merita». 

di LAURA TACCARI 

«A guardar giù, al golfo di Salerno, a Sud-Est, 

in un giorno turchino, a veder la scura costa del 

tutto rocciosa, le chiare rocce montane, torna in 

mente Ulisse, ed è come ricuperare un perduto 

sé, Mediterraneo, anteriore a noi», osserva lo 

scrittore David Herbert Lawrence. È quello che 

accade tra le pagine di “Sud”, bookazine alla nordica 

maniera, che, cercando esempi di autenticità 

nell’“ultima” Penisola, trova una nuova forma di 

consapevolezza del territorio e di chi lo abita, meno 

innocente e più self-confident. 

Un racconto diviso in atti, in cui ogni capitolo 

viene dedicato a un’isola, a una bottega artigianale, 

a un itinerario tra borgo e marina. Storie di 

eccellenza, di tradizione, di coste sospese. 

C’è Capri, “botanic and white”, c’è una mattina 

nella Tenuta Vannulo, dove le bufale si svegliano 

in una sorta di spa rurale e ascoltano Mozart 

durante la mungitura; c’è il paesaggio domestico 

della Masseria Moroseta, progetto di ospitalità 

esemplare tra le olivete silenziose di Ostuni. Così 

la carta di “Sud” prende spontaneamente i colori 

Sopra. Un’immagine dei 

Faraglioni a Capri. A sinistra. 

La cover di ÒSudÓ, progetto a metà 

strada tra l’opera editoriale 

e l’esperimento fotografico. 

Il nuovo bookazine nasce con 

il proposito di offrire il proprio 

contributo al turismo evoluto 

che si sta facendo strada in Italia. 


News 

229

Dall’alto. Casa 

Vannulo (Salerno) 

e Punta Bianca 

(Agrigento). 

Le immagini sono 

tratte da “Sud”, 

fondato da Vito Maria 

Grattacaso e 

Francesca Morrone. 

polverosi della sabbia e dei muri impalliditi 

dal sole, le tinte acute dell’agrume maturo e 

quelle screziate del raccolto. Le parole scelgono 

la forma di una narrazione di viaggio 

distillata, in cui l’ispirazione ha la meglio 

sulla pura informazione. 

La redazione è ancora – e forse resterà – al 

suo stato embrionale, fluida e nomade. Si 

lavora online e negli spazi co-working. La 

creazione dei contenuti è continua, ma le 

uscite non hanno scadenze e si aprono a 

nuovi format. Ogni idea nasce dal desiderio 

di abbattere cliché folkloristici e limare 

caricature. 

Il progetto, a metà strada tra opera editoriale 

ed esperimento fotografico, si evolve 

tra Milano, Berlino e Copenaghen, da un 

circuito di connessioni ed esperienze sia artistiche 

sia editoriali. «Vogliamo innestare 

curiosità e desiderio, non colmare ogni dubbio. 

Dare il nostro contributo alla corrente 

di turismo evoluto che si sta facendo strada 

in Italia, perché il Meridione possa essere 

percepito con la grazia e la cura che merita, 

ma la prima ambizione è la fisicità stessa, 

il suo esistere su carta», spiega Vito Maria 

Grattacaso, un percorso tra l’economia del 

turismo, la valorizzazione del territorio e 

la comunicazione, fondatore della rivista 

insieme a Francesca Morrone, brand manager, 

entrambi nati in Campania nel 1992 ed 

“emigrati” a Milano. Poiché, come per ogni 

viaggio, il destino di “Sud” è prima di tutto 

un ritorno verso casa. • 

230 News 

vogue.it n. 805

IL LIBRO 

La Metà 

Nascosta 

Joshua Foer, fratello di Jonathan 

Safran, ha mappato i luoghi segreti 

e perturbanti dove la bellezza assume 

nuove sfumature. Ce ne sono anche 

da noi. E li ha racchiusi in un volume 

magico e inatteso: ATLAS OBSCURA. 

di FEDERICO CHIARA 

“Ospedale 

delle bambole, 

Antica Bottega 

Squatriti - 

Roma”, foto 

di Silvia 

Camporesi. 

È una delle 

destinazioni 

incluse in atlasobscura.com. 

«Dove c’è molta Luce, c’è anche molta Ombra». La 

frase è di Goethe, uno che l’Italia l’ha percorsa, amata e 

raccontata come nessuno. Accanto alla bellezza luminosa, 

rappresentata dalle destinazioni turistiche famose in 

tutto il mondo, il nostro Paese ha una sua bellezza oscura: 

luoghi segreti, misteriosi, insoliti e talvolta perturbanti. 

Come l’Ombra. Lo sa bene Joshua Foer, fratello 

dello scrittore Jonathan Safran e di Franklin, giornalista 

dell’“Atlantic”. Nel 2009, con il socio Dylan Thuras, il 

minore dei fratelli Foer ha creato il sito atlasobscura. 

com: una wunderkammer di luoghi internazionali che 

ispirano stupore e voglia di viaggiare. Ora che il sito è 

diventato anche un libro (“Atlas Obscura”, Mondadori), 

abbiamo raggiunto Joshua Foer per parlare della “sua” 

Italia – quella inclusa nel volume – e di molto altro. 

Ha viaggiato di frequente nel nostro Paese? 

Sono venuto solo due volte e ne ho visitato una piccola 

parte: è il luogo che più desidero esplorare al mondo. 

Quali sono i simboli e i cliché che associa all’Italia? 

Non c’è cliché più grande del romanticismo di Roma. 

Ma il fatto che sia un cliché lo rende forse meno vero? 


News 

233

«L’Italia possiede 

un lato oscuro 

che ha a che 

vedere con 

la straordinaria 

capacità di 

estetizzare 

la morte. Non mi 

vengono in mente 

altri Paesi dove 

il macabro è 

reso così bello». 

Recentemente il “New York Times” ha segnalato le 

nostre antiche biblioteche come alternativa ai “soliti” 

frequentatissimi musei d’arte. Lei vorrebbe suggerire 

altri spazi emblematici fuori dalle rotte usuali? 

Mi appassionano i musei della scienza, specialmente 

quelli piccoli e vecchi, e l’Italia ne ha di bellissimi. Alcuni 

anni fa, quando mi trovavo a Firenze, avrei voluto 

dire alla gente in fila per entrare agli Uffizi che, appena 

dietro l’angolo, li attendeva il dito medio di Galileo Galilei 

esposto in un calice d’oro (si trova al Museo Galileo 

in piazza dei Giudici 1, ndr). 

Nel sito e nel libro “Atlas Obscura” ci sono altri luoghi 

dal fascino misterioso: catacombe, cripte, cimiteri. 

Credo che l’Italia possieda un lato oscuro che ha a 

che vedere con la straordinaria capacità di estetizzare 

la morte. Non mi vengono in mente altri Paesi dove il 

macabro è reso così bello. 

Quanti sono, in tutto, i luoghi italiani stravaganti e 

poco conosciuti che ha individuato? 

Il sito si basa sui suggerimenti che la nostra community 

di esploratori manda da tutto il mondo. A oggi abbiamo 

Dall’alto. “Vulcano Monte Busca, ‘il vulcano 

più piccolo del mondo’ - Tredozio (FC)”. 

“Teatro anatomico - Padova” (su concessione 

dell’Università degli Studi di Padova). 

“Bosco Isabella - Radicofani (Si)”. 

L’Atlante Dell’Insolito 

Uscirà nel 2018 e si intitolerà “Mirabilia” il secondo 

libro fotografico di Silvia Camporesi, autrice 

del volume “Atlas Italiae” (Peliti) nonché 

delle immagini pubblicate in queste pagine. Alcune 

di esse raccontano gli stessi luoghi italiani 

segnalati anche nel sito di Joshua Foer. 

Silvia, è casuale questa convergenza? 

No, Atlas Obscura è uno dei miei punti di 

riferimento online: sono infatti attratta da 

tutto ciò che esce dai percorsi battuti, e se 

dovessi scegliere una parola-chiave che caratterizza 

la mia ricerca direi che è “l’insolito”. 

Da anni colleziono libri ed enciclopedie 

che trattano quest’argomento. E in fotografia 

cerco di rendere visibile lo stupore che 

provo nello scoprire certi posti. 

Come mai ha deciso di concentrare la sua 

attenzione di fotografa sull’Italia? 

Dopo aver viaggiato per molti anni all’estero, 

mi sono resa conto che il nostro Paese è 

una fonte inesauribile di luoghi che rispondono 

alle più varie classificazioni, per lo più 

oscurati dalle bellezze delle città d’arte. 

Cosa hanno in comune i soggetti e i paesaggi 

che ha fotografato per “Mirabilia”? 

Sono luoghi sorprendenti e unici, poco conosciuti 

al grande pubblico, che ho scoperto 

mentre realizzavo “Atlas Italiae”. Si tratta 

di una mappatura di meraviglie naturali, 

biblioteche, palazzi, costruzioni bizzarre e 

musei fuori del comune. Un’Italia nascosta. 

Un patrimonio da svelare. • 

foto courtesy silvia camporesi. 


EQUIPMENTFR.COM

“Parco Mediceo 

dell’Appennino - 

Vaglia (Fi)”. Ospita 

la scultura nota 

come Colosso 

di Villa Demidoff, 

metà uomo e metà 

montagna. 

foto courtesy silvia camporesi. 

catalogato 330 luoghi solo in Italia. Ricordo che nel 

2009, quando lanciammo il progetto, qualcuno ci inviò 

una foto del Bialbero di Casorzo – ovvero un ciliegio 

nato su un gelso, in Piemonte. Ho pensato che era di 

una bellezza particolare, e sono andato online a cercare 

più informazioni. Non ce n’erano. Con il sito Atlas Obscura 

siamo riusciti a dare a quest’albero insolito un po’ 

d’attenzione internazionale. E ne sono fiero. 

Ormai abbiamo percorso il mondo in lungo in largo. 

Forse la bellezza, in termini geografici, è un concetto 

che va ridefinito secondo nuovi criteri? 

Sono interessato a ciò che risveglia la meraviglia ed 

espande il mio senso del possibile. A quello che mi fa 

sentire incredibilmente piccolo o incredibilmente grande 

come essere umano. 

I luoghi abbandonati hanno una bellezza speciale? 

Sì. Proprio perché trascurati, ti fanno provare un genuino 

senso della scoperta. E poi il decadimento ha un suo 

fascino: quando i materiali arrugginiscono, si scrostano, 

perdono strati, rivelano le loro vere identità. Il tempo 

e la natura, in fondo, sono sempre gli artisti migliori. • 

«Sono interessato 

a ciò che risveglia 

la meraviglia 

ed espande 

il mio senso 

del possibile, 

a ciò che 

mi fa sentire 

incredibilmente 

piccolo, o grande, 

come essere 

umano». 


seventy.it 

ANNA CLEVELAND

IL CREATIVO 

Viaggio 

A Piedi 

A Los Angeles IVAN OLITA gira corti 

indipendenti e video per i brand 

di moda con la sua casa di produzione 

Bravò. Ma, come molti italiani della 

sua generazione, cambia spesso cielo. 

di GAIA PASSI 

A vent’anni aveva attirato l’attenzione dei giornali tappezzando 

Milano di cartelli con scritto “Affittasi benevolenza”, 

oppure “lealtà”, “fratellanza”, “libertà”. Un 

messaggio con cui, diceva, voleva «scuotere gli animi». 

Ivan Olita era un idealista con voglia di emergere. A 

Milano lavorava come modello e conduttore televisivo, 

scriveva per i giornali. Ricorda quella sua prima idea 

creativa con l’orgoglio divertito che si riserva alle avventure 

giovanili: «Ero un ragazzino, ma mi davo da fare». 

Dieci anni più tardi, dopo un periodo a New York, 

è a Los Angeles a dirigere la sua casa di produzione, 

Bravò, con cui realizza corti indipendenti e video per i 

più importanti brand di moda. 

LA è il luogo che ora chiama casa, ma Ivan Olita abita le 

storie che racconta: «Seguo il consiglio del mio maestro, 

il cineasta Werner Herzog: “Il mondo si rivela a coloro 

che viaggiano a piedi”. Vietato prendere scorciatoie». 

Così, tiene le sue cose in una borsa e spesso cambia cielo. 

Nell’ultimo anno ha vissuto con i monaci buddhisti sul 

monte Hiei, in Giappone, e con la comunità transgender 

delle Muxes a Juchitán, Messico, cui ha dedicato un film; 

ha lavorato con Lady Gaga, Miley Cyrus, Lagerfeld. Da 

lontano, l’Italia gli piace di più. A mancargli è «l’eleganza 

di vivere che noi diamo per scontata, ma non lo è». E 

il caos creativo, che, a volte, è «portatore di bellezza». • 

foto paloma aballone 

Dall’alto. Un ritratto di Ivan Olita. Un frame di “Muxes”, corto 

sulla comunità transgender messicana. “Amazing Angelyne”, 

di Dan Kapelovitz e Ivan Olita, film sull’omonima showgirl hollywoodiana. 

238 

News 

vogue.it n. 805

WOOLRICH SINCE 1830 

AMERICA'S OLDEST OUTDOOR CLOTHING COMPANY 

woolrich.eu

LA KERMESSE 

Omaggio 

Ai Nostri Sogni 

Quelli delle donne: cui è dedicata 

l’edizione 2017 di FASHION FILM 

FESTIVAL. Perché, come spiega 

Constanza Cavalli Etro, l’arte 

può aiutarci a non dimenticare 

chi ci ha insegnato a inseguirli. 


In poche edizioni (siamo alla quarta), il Fashion Film 

Festival di Milano (23-25 settembre all’Anteo Palazzo 

del cinema) creato da Constanza Cavalli Etro è diventato 

una realtà ambita, soprattutto dai giovani che affiancano 

nomi celebri secondo il motto della manifestazione: 

“Il Grande aiuta il Piccolo”. Anche quest’anno, 

poi, Vogue Italia rinnova la sua collaborazione con il 

festival presentando all’interno del progetto #FFFMilanoForWomen 

l’episodio n. 2 di “Through My Eyes”: 

5 fashion film di 5 nuove registe internazionali che saranno 

proiettati in anteprima il 14 durante la kermesse 

cittadina Vogue for Milano (v. pag. 539). Un modo di 

cercare una volta di più il talento, in particolare quello 

femminile cui è dedicata l’edizione 2017. «Ho trasformato 

il dolore per la perdita di mia madre», dice Constanza, 

«in un omaggio a lei e alle donne che ci hanno 

incoraggiato a raggiungere i nostri sogni. Come Franca 

Sozzani». E aggiunge: «L’energia femminile è in tutti 

e va risvegliata per proteggere le donne. Quando ci 

si allontana da questa fonte di tolleranza e creatività, 

ci si allontana dal sogno di un mondo migliore». Da 

800 film, giunti da 50 paesi, sono 160 i selezionati. «Il 

festival è un incubatore di talenti, dove griffe e case di 

produzione fanno scouting. La nostra community digitale, 

poi, è estremamente attiva, anche grazie al voto 

online che premia un film con il People’s Choice Award. 

E stiamo per “esportarci” all’estero». Cosa ti ha più colpito? 

«Il ritorno della pellicola e della presa diretta, e 

una “nouvelle vague” russa che fonde underground e 

mainstream». Degli emergenti? «L’emotività viva, eterna, 

senza tempo». • 

1 2 3 

4 5 

6 

7 

8 9 

Frames di alcuni film dal Fashion Film Festival, 

a Milano, 23-25 settembre (courtesy Fashion 

Film Festival; fashionfilmfestivalmilano.com). 

1. “Echtes Leder”, di Adam Csoka Keller. 

2. “iii”, di Femke Huurdeman. 

3. “The Fire of Love”, di Emma Westenberg. 

4. “1-800-Vision Star”, di Marie Schuller. 

5. “C&A Cedric”, di Nur Casadevall. 

6. “Ode to a Happening”, di Laetitia Negre. 

7. “Adidas Originals”, di Nick Griffiths. 

8. “A Guide to Indulgence”, di Nadia Lee Cohen. 

9. “Infinite Path”, di Francesco Torricella. 


IL PROGETTO 

30 Anni 

Di Anna 

Fotografare la stessa ragazza italiana 

lungo tre decenni: per vedere come 

le scorre addosso la vita, in un ritratto 

che non è mai finito. E che, spiega 

YELENA YEMCHUK, è anche 

un modo per guardarsi allo specchio. 

In queste pagine. Anna Maria ritratta dalla fotografa 

quarantasettenne Yelena Yemchuk. Le foto sono ora 

raccolte nel libro “Anna” (United Vagabonds LLC). 

di ALESSIA GLAVIANO 

e CHIARA BARDELLI NONINO 

Ritrarre l’intimità ai tempi di Instagram pare scontato: 

cosa ci sarà mai di radicale, quindi, nel pubblicare un 

libro di immagini personali nell’epoca dell’oversha ring? 

Eppure, sfogliando “Anna”, il nuovo volume di Yelena 

Yemchuk – fotografa di moda e artista nata a Kiev ed 

emigrata negli Stati Uniti a 11 anni –, la differenza tra 

l’intimità (autentica) e la spontaneità (artificiale) che 

scorre nei feed si manifesta in tutta eviden za. Così il 

photobook, se da una parte è la storia di un’amicizia 

quasi trentennale, dall’altra è una sorta di autobiografia 

d’artista: «C’è molto di me in queste immagini», racconta 

Yemchuk, «ci deve essere, perché nascono da me. 

Lavoro d’istinto, seguendo il mio inconscio: quando 

guardo alcune foto, riesco a vedere a che punto della 

mia vita ero in quel momento». New York, 1989. Yelena 

ha appena iniziato a studiare arte alla Parsons School, in 

estate fa la cameriera in un ristoran te italiano a SoHo. 

Nel suo primo giorno di lavoro, vede entrare una coppia 

magnetica e misteriosa: sono Anna Maria e il suo ragazzo, 

arrivati da poco dall’Italia. Inizia così un rapporto 


News 

243

che Yemchuk definisce «il più importante che abbia 

avuto, come artista. In tutti questi anni, specie all’inizio, 

quando cercavo un mio stile, una mia visione, Anna Maria 

è stata la mia musa». Il progetto “Anna” inizia davvero 

nel ’93 quando, dopo gli studi, la fotografa arriva in 

Italia a far visita all’amica. Ossessionata dal Surrealismo 

e con in mente, in modo inconsapevole, il rapporto tra 

Man Ray e Kiki de Montparnasse, Yelena inizia a ritrarla: 

«Furono le mie prime vere foto: voglio dire, le prime 

in cui cominciai a sviluppare un linguaggio coerente. 

Quei due mesi trascorsi con Anna ad Alba con la sua 

famiglia e i suoi amici, in quella terra stupenda dove era 

cresciuta, sono quelli che hanno veramente gettato il 

seme della nostra amicizia e del mio amore per l’Italia». 

Per anni, fotografa Anna Maria con frequenza variabile, 

in un intreccio con la propria evoluzione di artista 

e di donna. Nel libro, le foto si alternano come in un 

flusso di coscienza, senza ordine cronologico: mostrano 

un’Anna Maria ragazzina e poi donna; un’Anna Maria 

che recita e una reale, vulnerabile, sensuale. Le foto di 

Yemchuck hanno quella forza ancestrale di lavori come 

“Immediate Family” di Sally Mann o dei ritratti fatti da 

Emmet Gowin alla moglie: un’intimità penetran te. E 

che, nel caso di Yelena e Anna Maria, «non è una conseguenza 

delle fotografie, ma le pervade». • 

«Quei due mesi 

trascorsi ad Alba 

con Anna e la sua 

famiglia hanno 

gettato il seme 

della nostra 

amicizia e del mio 

amore per l’Italia». 

244 News 

vogue.it n. 805

L’INTERVISTA 

Cosa Fai 

Oggi? 

A Venezia, l’invito a cena. Da allora 

sempre insieme. BARBARA 

RADICE racconta Ettore Sottsass. 

Con un libro ha dato ordine 

alla sua assenza, ora con una mostra 

rievoca le strade che ha aperto. 

di MARIA CRISTINA DIDERO 

ritratto di ettore sottsass e barbara radice courtesy studio ettore sottsass. 


Ettore Sottsass e 

Barbara Radice, 

1986. A destra. 

“Cabinet 54Ó, 

edizione galleria 

Mourmans, 2003. 

«Cristina, va bene allora. Ci vediamo il 14 settembre 

per festeggiare un po’ Ettore». Mi saluta così Barbara 

Radice a conclusione di questa intervista. È stato per lei 

un anno intenso, che l’ha vista impegnata su due fronti. 

Il primo è l’uscita delle sue memorie dopo la scomparsa 

di Ettore Sottsass: quindici quaderni scritti a partire dal 

1o gennaio 2008 («il primo giorno che lui non c’è»), 

diventati un volume dal titolo tagliente come una lama 

affilata, “Perché morte non ci separi”, edito da Mondadori 

Electa. Il secondo, la preparazione della mostra alla 

Triennale di Milano – esposizione che solo lei poteva 

curare – intitolata “There Is a Planet” (inaugurazione 

appunto il 14/9, fino all’11/3/2018), che in nove sezioni 

ripercorre il lavoro dell’autore fino al 2007. Il progetto 

dell’allestimento è di Michele De Lucchi e Christoph 

Radl, amici di lunga data di Barbara ed Ettore. 

Hai conosciuto Sottsass in occasione della Biennale di 

Venezia, sul vaporetto, era il 1976. La prima cosa che 

ti ha detto? 

Sul vaporetto, ricordo l’invito a cena. Ero perplessa 

perché quasi non lo conoscevo. Deve essersene accorto 

News 

247

Due progetti 

di Ettore Sottsass. 

Da sinistra. “Barbaric 

Furniture”, 1986. 

Disegno per scultura, 

1947. “Per qualcuno 

può essere lo spazio” 

(Adelphi) è il libro 

curato da Matteo 

Codignola che 

sondando l’archivio di 

Sottsass rintraccia le 

strade che l’architetto 

ha esplorato dagli 

anni 30 ai 60: 

racconti, manifesti 

artistici, ritratti. 

courtesy erik e petra hesmerg. 

perché prima di salutarmi, al Giglio, ha aggiunto: 

«Sono al Monaco, ti aspetto». E io 

sono andata. 

“Perché morte non ci separi” è un tuo libro 

che racconta della straordinaria relazione 

condivisa con un uomo speciale. Dici di 

aver «voluto dare ordine alle emozioni», 

una frase enorme. Quando hai cominciato 

a scrivere «per non dimenticare», avevi già 

pensato a un libro? 

Dare ordine alle emozioni vuole forse dire 

metterle in fila, una prima l’altra dopo, 

ascoltarle. Quando ho iniziato a scrivere 

avevo paura, paura e basta. Era il soffocamento 

del vuoto, l’enormità metafisica dell’assenza. 

Non pensavo a nessun libro. Ma 

mi sembra che già un paio di mesi più tardi 

ho scritto, ed è nel libro stesso, di avere deciso 

il titolo. 

Dici che «lui c’è in un modo nuovo, inattuale». 

Come descrivi oggi, a 10 anni dal 

2007, questa dimensione di vita? 

Non vorrei “descriverla”. Io vivo con Ettore, 

senza di lui, ma con lui. Questo legame 

è parte della vita. La vita è sempre bella, 

ma ho imparato che è anche un “agguato”. 

Il vuoto, per esempio, è un agguato, è suspense. 

Bisogna allora imparare la pazienza 

e l’ascolto. 

Se penso a voi, l’ultima parola che mi viene 

in mente è quotidianità. C’era un’abitudine, 

un rituale appena svegli, che si ripeteva 

nel tempo? 

Dunque, la mattina ci salutavamo con le 

mani, un abbraccio. Poi la solita routine: 

bagno, colazione, denti. «Cosa fai oggi? Più 

tardi?», Ettore non amava nessuna routine, 

tranne forse quella di ritrovarci all’ora di 

pranzo. Abbiamo sempre mangiato insieme. 

Dopo il nostro incontro mi portava anche ai 

pranzi di lavoro. 

In un’intervista con l’architetto Davide 

Vargas, Sottsass dice: «Come mi prendo cura 

di me? Intanto vivo con Barbara Radice 

che mi cura dalla mattina alla sera come 

se fossi un bambino, cucinando cose molto 

buone e molto sane, poi facendomi fare dei 

check due-tre volte l’anno. Poi mi curo soprattutto 

non pensando alle malattie». Come 

affrontavate i momenti difficili? 

Li affrontavamo percorrendo la strada indicata 

dalle stesse difficoltà. «Andiamo 

avanti», diceva Ettore. Un giorno, era domenica, 

mangiavamo nel ristorante cinese 

sotto casa. Era un momento faticoso e lui ha 

detto: «Quello che non dobbiamo mai fare, 

ma proprio mai, è perdere la nostra felicità. 

Perché la vita deve essere bella». Anche il ristorante 

si chiamava La Felicità. Quella raccomandazione, 

all’apparenza strana e quasi 

banale, mi ha molto aiutata. 

Ettore ha parlato più volte di malinconia, 

nostalgia. Che cosa significavano per lui 

queste parole, e cosa significano per te? 

«La vecchiaia è nostalgia», diceva Ettore, 

«nostalgia della vita». Ma secondo me è 

so prattutto nostalgia della forza. La nostalgia 

non è soltanto della vecchiaia. C’è subito, 

anche da giovani, da ragazzi. Io, per 

esempio, ho sempre avuto una certa nostalgia 

del futuro, di raggiungere tutto subito, 

tutto insieme, e nostalgia anche di quello 

che non si arriva a conoscere o vedere. Credo 

che Ettore con la sua ossessione fotografica 

cercasse di afferrare “la polvere d’oro” 

della vita. 

Penso alle sue belle lettere, alle righe a piede 

dei disegni, alle frasi. Qual è la dedica 

più significativa che ti ha fatto? 

È l’ultima, del 29 novembre 2007, il giorno 

del mio compleanno: «Un misterioso molto 

speciale abbraccio – per sempre – da Ettore 

a Barbara». 

Tu ed Ettore eravate spesso accompagnati 

dalla sua Leica. Guardare oltre le cose sembra 

una coordinata importante per voi. 

Non credo che Ettore volesse guardare oltre 

le cose. Voleva anzi appiccicarsi a quel 

cinquecentesimo di secondo del clic della 

macchina fotografica, perché non andasse 

perduto, arrestarlo anche per poco. 

L’11 dicembre 1980 a casa tua nasce Memphis. 

Qual è la sua più grande vittoria? 

Gli oggetti parlano a noi attraverso i sensi. 

Ettore parlava di sensorialità: forma, colore, 

trama, liscio, ruvido, opaco, lucido, ortogonale, 

asimmetrico, cultura del centro, 

cultura della periferia, prezioso, povero, 

standard. E riguardo a Memphis, non parlerei 

di vittorie. Memphis ha aggiornato il 

linguaggio dell’architettura e del design. Ha 

aperto strade. Quello voleva fare e ha fatto. 

Poi ognuno prende la strada che vuole. • 

248 News 

vogue.it n. 805

DESIGN 

C’è Plastica 

E Plastica 

Come qui spiega la curatrice 

della grande rassegna che a Seul 

viene dedicata a KARTELL, 

esempio made in Italy di come si può 

coniugare la qualità del prodotto 

e la logica della grande industria. 

di PAOLO LAVEZZARI 

Dall’alto, in senso orario. Eugenio Gentili Tedeschi, luce a sospensione 

“KD 62”, 1962. Carlo Bartoli, sedia “4875”, 1974, foto David Bailey. 

Philippe Starck, sedia “La Marie”, 1999, foto JeanBaptiste Mondino. 

Al D Museum di Seul, il 14 settembre apre “Plastic 

Fantastic”, grande esposizione dedicata a Kartell: una 

full immersion (fino al 4 marzo 2018) nella storia e nella 

sconfinata produzione dell’azienda italiana, che qui 

racconta Jihyun Kim, la chief curator dell’istituzione. 

Perché proprio la plastica? 

Le nostre mostre coprono i più diversi ambiti creativi. 

Per il 2017 ne volevamo una che indagasse il paradosso 

tra il concetto di “materiale” e l’odierno mondo 

immateriale tecnologico e digitale. E cosa meglio della 

plastica esemplifica questa situazione? È infinitamente 

malleabile e pervade ormai ogni angolo della nostra vita, 

dagli interruttori della luce alle navicelle spaziali. 

Perché proprio Kartell? 

È il partner migliore, ha rivoluzionato l’idea stessa della 

plastica portandola nel panorama domestico quando era 

vista solo come materiale industriale, riconciliando così 

creatività progettuale e innovazione tecnologica. 

Come è organizzato il percorso espositivo? 

Invece della classica disposizione cronologica abbiamo 

preferito installazioni e ambienti che giocano sull’emozione, 

l’intrattenimento; in programma anche corsi di 

education e conferenze coi designer. La selezione fatta 

nell’immenso archivio di Kartell comprende prodotti, 

grafica, illustrazioni e fotografie, per raccontare come 

nella storia dell’azienda, industria, creatività, innovazione 

e cultura sono i tanti volti di un unico progetto. • 

foto di jeanbaptiste mondino e di david bailey tratte dal kartell: 150 items 150 artworks, 2003. courtesy kartell. 

250 News 

vogue.it n. 805

edemption.com

L’INCONTRO 

Io, In Forma 

Di Candela 

Non capita spesso di diventare 

un’opera d’arte, e di venire esposti 

in Piazza della Signoria. Sta per 

succedere a chi scrive questa 

intervista: che qui dialoga con 

URS FISCHER, autore del ritratto. 

di FRANCESCO BONAMI 

L’autoritratto che 

Fischer ha realizzato 

nel 2011: una candela 

che brucia. Per la 

mostra “In Florence” 

in Piazza della 

Signoria a Firenze, 

dal 22 settembre 

al 21 gennaio, 

l’artista ha ritratto 

con la stessa tecnica 

Francesco Bonami 

e Fabrizio Moretti. 

Lo studio di Urs Fischer a Brooklyn sembra la fucina 

del dio Vulcano dove sculture, quadri, mobili, libri e cibo 

vengono cucinati a un ritmo costante, ma mai frenetico. 

Attorno a un tavolo, Fischer e il sindaco di Firenze, 

Dario Nardella, condividono qualche riflessione su “Big 

Clay”, l’opera che sarà presentata nel capoluogo fiorentino 

il 22 settembre con altri due lavori; per poi continuare 

il suo viaggio verso Mosca dove, nel 2019, sarà 

installata nel centro di arte contemporanea Ges2, disegnato 

da Renzo Piano e RPBW per la VAC Foundation 

di Leonid Mikhelson. «È come la musica di Bach», è il 

commento a “Big Clay” del Nardella violinista. «Credo 

che il lavoro sia pre-razionale. Quell’attimo prima di 

iniziare a fare errori», ribatte Fischer. «Guardando la 

natura è facile vedere quanto sia veramente intelligente 

e più che altro sostenibile. Le nostre creazioni sono ben 

lontane da questo. Reagiamo e improvvisiamo. Intuizione 

e istinto dovrebbero essere le materie più importanti 

della nostra educazione». 

Visitasti Firenze per la prima volta a sette anni. 

Ricordo che ero seduto su una sedia, probabilmente di 

un caffè, su un marciapiede, pensando che tutto fosse 

molto rumoroso mentre respiravo i gas di scarico di piccole, 

ma veloci utilitarie che s’infilavano nelle stradine. 

Credi che la gente odierà “Big Clay” o impazzirà facendosi 

migliaia di selfies? 

Cosa ne so. Se osserviamo il pubblico che va al museo 

vediamo che è lì per rassicurarsi che il mondo è ancora 

in ordine, e non è quello di cui facciamo esperienza ogni 

giorno. Forse, nel nostro rapporto con l’arte, qualsiasi 

arte, c’è questo di eterno. 

Per la Biennale 2011 avevi usato un’altra opera che 

veniva da Firenze il “Ratto delle Sabine” di Giambologna. 

Perché questa scelta? 

Aveva tutte le qualità formali che stavo cercando. È una 

scultura incredibile, ma al tempo stesso stranamente 

impersonale. 


News 

253

Una scultura che avevi trasformato in 

un’enorme candela. Come ti è venuta questa 

idea dei ritratti in forma di candela? 

È stato un processo graduale, uscito da una 

serie di nudi femminili che avevo scolpito 

nel polistirolo, poi divenuti candele, e che 

alla fine sono sfociati in un gruppo di ritratti 

al maschile. La prima che realizzai doveva 

essere la scultura di una celebre signora che 

aveva commissionato a una serie di artisti 

il proprio ritratto. Mi venne in mente di 

raffigurarla come una sedia vuota cui stava 

appoggiato il marito. Sfortunatamente si 

separarono prima che l’opera fosse finita, 

così cambiai il titolo dal nome di lei al nome 

di lui. Alla fine è diventata semplicemente: 

“Senza titolo (in piedi)”. 

Raccontami delle due figure per l’Arengario 

di Piazza della Signoria che dialogheranno 

con “Big Clay”. Una è il mio ritratto 

e sono un po’ imbarazzato a parlarne. 

Sei un bugiardo schifoso! Comunque sì, il 

caso vuole che una delle due sculture sia il 

tuo ritratto. Ma ciò che più conta per me è il 

fatto che il lavoro vuole raccontare due fiorentini 

(il curatore Francesco Bonami e l’antiquario 

Fabrizio Moretti, ndr) che amano l’arte. 

Modellati da questa città. Due che non 

provengono da quell’aristocrazia che uno 

associerebbe con questa piazza. Da un lato, 

un uomo del nuovo in continuo divenire; 

dall’altro, un devoto dell’antico che continuamente 

prova a rappresentare. Con la superficiale 

conoscenza della storia di Firenze 

che ho, ho pensato che quest’idea potesse 

essere divertente. Proprio per il presente e 

il passato di questa città. 

Alla maggior parte del pubblico i due personaggi 

risulteranno assolutamente anonimi 

e sconosciuti, ma qualche addetto ai 

lavori storcerà il naso... Perché hai scelto 

proprio loro due? 

Perché chiunque altro? 

... e cosa succede quando uno diventa il soggetto 

di una scultura? 

Nulla di particolare, credo. 

Le due opere raffigurano soggetti che hanno 

entrambi qualche imperfezione fisica: 

pensi che Eike Schmidt, il direttore degli 

Uffizi che ha rifiutato di accogliere le opere 

sotto la Loggia dei Lanzi, cui inizialmente 

erano destinate, le abbia discriminate perché 

è un amante della perfezione classica, 

dell’Uomo vitruviano? 

È un modo molto divertente di guardare 

alla faccenda! Non ho idea di quali siano le 

motivazioni del suo rifiuto a priori. Le persone 

chiamate a prendersi cura dell’arte del 

passato sono state assunte per preservare. 

Realizzare un’opera nuova è una cosa del 

tutto diversa. Come lo psichiatra e lo psicotico. 

Sì, in effetti entrambi i ritratti sono 

di uomini con imperfezioni fisiche, uno il 

braccio l’altro la gamba, e vengono presentati 

in mezzo a idealizzazioni rinascimentali 

perfettamente preservate, non statue ellenistiche 

o romane. Comunque, sia il tuo 

ritratto sia quello di Moretti sono riempiti 

con cera di colore del sangue arterioso; con 

il passare del tempo, colerà lì in quella piazza 

dove il sangue di molti fu versato e dove 

in molti soffrirono secoli fa. • 

Da sinistra. Scultura della 

serie “Big Clay”, in cui Fischer 

riproduce, con fusioni di oltre 

10 metri, dei pezzetti di argilla 

che ha modellato. Sarà il 

centro della mostra a Firenze. 

“Untitled”, 2011, il “Ratto delle 

Sabine” di Giambologna in scala 

1:1, trasformato in una candela. 

foto stefan altenburger. in apertura. foto fulvio orsenigo; © urs fischer, courtesy l’artista/sadie coles hq, londra. 

254 News 

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IMAGERIES 

Gli Spazi 

Tra Le Righe 

Difficile classificare le eclettiche 

sperimentazioni che DAVIDE 

MOSCONI condusse nella Milano 

anni 60 e 70. Una mostra riaccende 

ora l’attenzione su quelle ricerche 

tra arte, musica, foto di moda, grafica. 

Con i colletti inamidati e i papillon annodati ad arte, gli 

abiti interi e le mantelle scozzesi da gentleman inglese, 

Davide Mosconi è stato un personaggio “bigger than 

life” nella Milano affluente e innovativa degli anni Sessanta 

e Settanta. Eclettico eccentrico pianista e fotografo, 

designer e pubblicitario, nato nel 1941 e scomparso 

per un fatale incidente nel 2002, ha lasciato la città 

natale dopo avere conseguito un diploma in pianoforte 

e composizione al Conservatorio Giuseppe Verdi, per 

di MARIUCCIA CASADIO 


News 

257

Due foto che Davide Mosconi ha realizzato nel 1979, con l’art direction di Cinzia Ruggeri, 

per il Centro Tutela Lino. In apertura. ÒDonne sul lettoÓ, ektachrome in edizione numerata. 

Le sue 

invenzioni 

visuali si 

ritrovano nei 

servizi scattati 

per Vogue 

Italia e nei 

lavori per 

la pubblicità. 

frequentare i corsi di fotografia al London 

College of Printing e poi spostarsi a New 

York nel 1963, dove lavora quattro anni come 

assistente di Richard Avedon e Hiro. 

Con una formazione e frequentazioni internazionali, 

che vanno da John Coltrane e 

Cecil Taylor a John Cage e il gruppo Fluxus, 

o ancora, dall’entourage di Salvador Dalí ai 

geniali colleghi Ugo Mulas e Bruno Munari, 

Mosconi ha fatto della sua visionarietà 

multimediale uno stile di vita, sviluppando 

in parallelo le sue ricerche su musica e fotografia, 

e spaziando negli ambiti contrapposti 

dell’alternativo e del commerciale, mettendoli 

non di rado in relazione e portandoli 

a interagire. Definito dalla critica “il musicista 

jazz italiano più personale e dotato” a 

soli 22 anni, non poneva limiti alla provocatorietà 

delle sue performance sonore, 

distrug gendo pianoforti “on stage” e magari 

incidendo tracce algebriche su vinili vergini 

che poi faceva suonare in contemporanea, 

o altrimenti mescolando il suono di sabbie, 

sassi o nastri adesivi alle note di strumenti 

diversi. L’improvvisazione, il caso, le coincidenze 

giocano peraltro un ruolo importante 

anche nel suo rapporto con l’obiettivo 

fotografico, uno strumento chiave della sua 

arte, che espone per la prima volta nel 1967, 

al rientro in Italia, negli spazi milanesi della 

galleria Il Diaframma. E che sa trasformare, 

come già Man Ray, Dalí o Andy Warhol, 

in una fonte sicura di reddito, in un lavoro 

commerciale, fondando nel 1968 il suo 

“Studio X” di fotografia e grafica. Tra messe 

a fuoco e sfocature, staticità e movimento, 

astrazioni e sdoppiamenti, effetti surreali e 

illusioni ottiche, la ricerca di Mosconi ispira 

e contamina il lavoro per la pubblicità 

e per la moda, le numerose campagne per 

industrie come Fiat, Rinascente, Olivetti o 

Branca Distille rie, gli allestimen ti, gli articoli 

editoriali o pubblicitari per brand del 

prêtàporter, dell’arredo e del tessile. È una 

produzione, la sua, che ha certamente precorso 

e ispirato il tempo. E ci riporta agli 

anni Settanta di Vogue Italia, L’Uomo Vogue 

o Vogue Gioiello, a quei numeri su carta 

patinata delle origini, spessi e autorevoli 

come bibbie dello stile. E ancora, alle immagini 

create in collaborazione con Cinzia 

Ruggeri, geniale antesignana della moda di 

oggi. Fotografie commerciali che non mancheranno 

di meravigliare e sorprendere, 

ora raccolte nella mostra “Davide Mosconi. 

Moda, arte, pubblicità”, che inaugura alla 

Galleria Milano il 19 settembre. In parallelo 

all’esposizione è prevista la pubblicazione di 

una monografia sul medesimo argomento e 

con lo stesso titolo, curata da Elio Grazioli 

che già aveva firmato la precedente rassegna 

e la pubblicazione omonima “Davide Mosconi: 

fotografia. musica. design”, presentata 

sempre dalla Galleria Milano nel 2014. • 

foto courtesy archivio davide mosconi e galleria milano. 

258 News 

vogue.it n. 805

shop at www.thebridge.it

shop at genny.com

Harmony Maker 

IDO DIVANO – DESIGN MAURO LIPPARINI / IDO TAVOLO DA SALOTTO E SERVETTO – DESIGN MAURO LIPPARINI 

PLISSÉ LIBRERIA – DESIGN VICTOR VASILEV / AFFRESCO TAPPETO / IDO CONSOLLE – DESIGN MAURO LIPPARINI 

ILIA POLTRONA – DESIGN MAURO LIPPARINI 

NATUZZI.COM

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Knowledge & Innovation. 

The Future Footwear 

Generation 

René Caovilla e Vogue Talents insieme per presentare 

un progetto di mentorship dall’alto contenuto formativo: 

“Knowledge & Innovation. The Future Footwear Generation”. 

Destinato agli aspiranti shoes designers di domani, 

che ambiscano a cogliere i valori e i segreti di una Maison che 

sin dal 1928 ha fatto della qualità, dell’artigianalità 

e dell’innovazione la sua missione.

VOGUE ITALIA PER RENÉ CAOVILLA 

Insieme con René Caovilla, si avrà 

l’opportunità di conoscere l’arte 

calzaturiera italiana partecipando 

allo sviluppo di un progetto 

globale, dall’elaborazione 

alla realizzazione di un’idea, 

attraverso l’apprendimento 

delle tecniche di lavorazione e 

l’indispensabile approfondimento 

delle dinamiche del mercato. Una 

grande opportunità professionale 

per gli aspiranti designer 

che saranno selezionati. 

In questa pagina. Making 

of di un sandalo René 

Caovilla. Immagine della 

campagna René Caovilla 

A/I 2017-18 realizzata 

da Giampaolo Sgura. 

Nella pagina accanto. 

L’ingresso dell’azienda 

sulla riviera del Brenta. 

Ogni giorno da René Caovilla un paio di scarpe viene 

trasformato da intuizione in un raffinato “Oggetto 

d’Arte”. 

In realtà le calzature che escono dall’azienda, adagiata 

sulla riviera del Brenta a due passi dalla storica 

dimora veneziana Villa Pisani, sono centinaia, 

e quello che colpisce, entrando nel regno Caovilla, 

è che ogni singola calzatura viene pensata, sviluppata, 

realizzata e controllata come se fosse… l’unica. 

Proprio come faceva Edoardo Caovilla, capostipite 

e fondatore di questa straordinaria realtà italiana, 

che, negli anni Venti, ebbe il coraggio di seguire 

la propria visione. Con la stessa straordinaria 

passione con cui René Caovilla, seconda generazione, 

sin dal suo ingresso in azienda nei primi 

anni 50 è riuscito con dedizione e perseveranza, 

in più di 60 anni di carriera, a elevare i prodotti 

ad autentici “Oggetti d’Arte chiamati Scarpe”. 

E come a oggi, la terza generazione con Edoardo 

Caovilla ha colto la sfida di trasformare 

in questi ultimi anni il marchio di famiglia in un brand 

internazionale, mantenendo il DNA e rafforzandone 

sempre più l’alto posizionamento, forte dei valori portanti 

dell’azienda: passione, creatività, eccellenza. 

Valori sui quali si è basata tutta l’evoluzione-innovazione 

della Maison. Un percorso percepibile dal prodotto 

e visibile all’interno dell’azienda, dove la memoria 

storica del grande archivio viene intercettata da 

uno sguardo senza confini sulle collezioni in divenire, 

dove l’abilità manuale si fonde con l’innovazione 

tecnologica, dove tutti i reparti dialogano tra di loro 

in una perfetta armonia d’intenti. L’impareggiabile 

know-how artigianale viene supportato dalle evolute 

tecnologie dei macchinari più innovativi per ottenere, 

insieme, il medesimo risultato: la costruzione del bello 

in una scarpa che testimonia il valore del made in 

Italy. Così il presente diventa il link per traghettare 

il passato nel futuro. 

Per sottolineare con coerenza la sua missione di “fare 

imprenditoria” in maniera evoluta, René Caovilla in 

collaborazione con Vogue Talents presenta lo scouting 

“Knowledge & Innovation. The Future Footwear 

Generation”. Un significativo progetto di mentorship, 

dove le fasi di scouting e recruiting di giovani 

designer sono il punto di partenza per dare impulso 

alla volontà di far conoscere, diffondere e trasmettere 

i più profondi valori dell’arte calzaturiera di René 

Caovilla, supportando il talento delle nuove generazioni. 

Lo scouting rappresenta la grande opportunità, 

per i designer che saranno selezionati, di vivere 

un’esperienza professionale a trecentosessanta gradi 

della durata da tre a sei mesi all’interno della Maison, 

dove avranno la possibilità di collaborare con 

il team creativo, di lavorare a stretto contatto con gli 

artigiani calzaturieri più qualificati del settore, di seguire 

tutte le fasi della produzione di una collezione 

firmata René Caovilla, di apprendere le dinamiche 

alla base dell’affermazione di una attività imprenditoriale 

radicata con successo nel tessuto industriale 

delle calzature made in Italy. I designer selezionati 

avranno inoltre l’occasione unica e irripetibile di poter 

essere guidati nello sviluppo di una loro “capsule” 

che permetta di trasmettere la loro interpretazione del 

mondo della moda. 

La partecipazione allo scouting è aperta a tre categorie 

di designer: quelli che, non ancora presenti sul 

mercato, vogliono lanciare la loro prima collezione; 

quelli che, avendo già una propria linea, non hanno 

effettuato più di tre presentazioni; quelli che, avendo 

già avuto un’esperienza in un ufficio stile, vogliono 

lanciare la propria linea. 

Per partecipare allo scouting, i designer devono 

inviare entro il 6 novembre all’indirizzo mail 

caovillamentorship@condenast.it: 

• bio personale e curriculum di studi, segnalando 

eventuali esperienze lavorative; 

• portfolio delle loro 8 migliori proposte di modelli 

di calzature con il dettaglio di colori e materiali; 

• indicazione dell’idea di posizionamento sul 

mercato e individuazione della fascia di prezzo. 

Dopo un’accurata selezione, i designer dotati dei 

requisiti opportuni e che risponderanno in maniera 

più adeguata alla filosofia del progetto avranno l’opportunità 

di entrare in René Caovilla e sperimentare 

così, alla grande, una nuova e stimolante avventura 

professionale.

Code 

Milano, Italia 

Photos by NACHO ALEGRE Styling by ENRICA PONZELLINI 

280 vogue.it n. 805

Completo gessato, GOLDEN GOOSE DELUXE BRAND; camicia ERIKA CAVALLINI; cravatta E. MARINELLA; pochette HERMÈS. 

Nella pagina accanto. Completo a check, TAGLIATORE 0205; turtleneck H&M; pochette ETRO. 

281

Completo doppiopetto, ANNARITA N; camicia VIVETTA. 

282 Code vogue.it n. 805

find your bag at cromia.it 

color up your style

Shopping bag “Tum Tum”, FONTANA MILANO 1915. 


PHOTOGRAPHED BY PETER LINDBERGH 

MOJAVE DESERT, CALIFORNIA 

Amber Valletta wears the M-4 30 TH

Giacca GIADA; camicia LA KORE; gonna pantalone, ANNARITA N; foulard HERMÈS. 


Giacca e pantalone, DONDUP; camicia ETRO. 


Le Notti Bianche 

Delicati toni mélange e grafismi total black. 

Un raffinato minimalismo, androgino e sensuale. 

Lena Hardt @ Viva Paris: completi di cotone, INTIMISSIMI. Fashion editor Patrick Mackie. 


Completo body shape, INTIMISSIMI. Hair Olivier Schawalder @ Calliste Agency. Make-up Yumi Lee @ Streeters using Make up For Ever. 

291

Al Cancello 

Maxicatene, superfici increspate e dettagli matelassé per shoulder bags in vitello 

dall’appeal heavy metal. Photos by LEONARDO SCOTTI Styling by ENRICA PONZELLINI 

Michael Kors Collection 

Gianni Chiarini 

Mango 

Ballin 

Dall’alto, in senso orario. Smalto Dior Vernis, n. 337, di Dior. Smalto, licorice, di Essie. Lacquer, n. 20937, Velvet Dream di Orly. 

Le Vernis, n. 510, di Chanel. Manicure Carlotta Saettone @ W-Mmanagement. 

292 Code 

vogue.it n. 805

BORBONESE.COM 

Flagship Boutique: Corso Matteotti, 8 Milano

Torna il classico mocassino in stile anni 90. Riprogrammato però in versione 

concettuale e metropolitana, con inconfondibile silhouette monocromatica e 

In Piena Luce suola in legno texturizzato. Photos by LEONARDO SCOTTI Styling by ENRICA PONZELLINI 

Camper 

294 Code 

vogue.it n. 805

Buoni Frutti 

Tra lusso artigianale, qualità dei materiali e sperimentazioni futuristiche: anteprima 

delle It bags autunno/inverno 2018. Sospese tra sofisticate rivisitazioni new rétro 

e rimandi boho-chic. 

Photos by PIETRO COCCO Styling by ENRICA PONZELLINI 

Trussardi 

296 Code 

vogue.it n. 805

“Rainbow” Etro 

298 Code 

vogue.it n. 805

Chi vuol essere lieto, sia: la nuova collezione di alta gioielleria Bulgari è un omaggio 

al gusto italiano per la danza, il cibo, la natura. Soprattutto, al nostro senso profondo 

Celebrazione dello stare assieme. Photos by AMANDA CHARCHIAN Styling by GIULIO MARTINELLI 

“Collezione Festa Olive”: orecchini e collana in oro bianco con ametiste, peridoti e pavé di diamanti gialli e bianchi, BULGARI ALTA GIOIELLERIA. 


Code 

301

Dall’alto a sinistra, in senso orario. “Collezione Festa Dancing Gouns”: collana in platino con smeraldo cabochon, diamanti e pavé di diamanti; anello in oro bianco con smeraldo 

e diamanti. “Collezione Festa Secret Mirrors”: orecchini in platino e cristalli con zaffiri, smeraldi e diamanti. “Serpenti”: collier in oro bianco con diamanti a pera e pavé 

di diamanti. “Collezione Festa Secret Mirrors”: orecchini in platino e cristalli con zaffiri, smeraldi e diamanti; “Collezione Festa Fiocco Reale”: anello in platino con zaffiro, 

smeraldo e diamanti. Tutto BULGARI ALTA GIOIELLERIA. Tuta di cristalli, GUCCI; slip dress, PHILOSOPHY DI LORENZO SERAFINI. 


Da sinistra. Sam Moffat @ Why Not Model Management: “Collezione Festa Merletto Magnifico”: collana in platino con smeraldo e diamanti; Ella Hope Merryweather @ Tess: 

“Collezione Festa Dancing Gowns”: collana in platino con diamanti. Tutto BULGARI ALTA GIOIELLERIA. Hair Beppe D’Elia @ Beautick using L’Oréal Professionnel. 

Make-up Anna Maria Negri; manicure Annie Ghizzoni, entrambe @ W-Mmanagement. 


Sette Ragazzi Italiani 

H&M 

Photos by SALVATORE CAPUTO Styling by ENRICA PONZELLINI 


Guess Jeans 

Gaia Gozzi: giacca e pantaloni, GUESS JEANS; felpa, calzini e sandali, GCDS; lupetto EMILIO PUCCI. 

Alberto Malanchino: giacca e pantaloni, H&M; hoodie GCDS. 

307

TommyxGigi Collaborative Collection 

Claudia Casarosa: giacca e pantaloni, TOMMYXGIGI COLLABORATIVE COLLECTION; sneakers CONVERSE. 

Hair Alessandro Rebecchi @ thegreenappleitalia.com. Make-up Aaron Smith Henrikson @ thegreenappleitalia.com. 


Diesel 

Zadig & Voltaire 

H&M 

J Brand 

Dall’alto a sinistra, in senso orario. Riccardo Pedini: giacca e pantaloni, DIESEL; T-shirt GUCCI. Claudia Casarosa: camicia e jeans, ZADIG & VOLTAIRE; cintura KATE 

CATE. Edoardo Dionea Cicconi: camicia e pantaloni, J BRAND. Anca Macavei: blazer e jeans, H&M; T-shirt MSGM; chocker CA&LOU; collane GIOVANNI RASPINI. 


Milano, Montenapoleone 17 - www.vicedomini.ch 

VICEDOMINI 

ELEVEN MONTECARLO MONACO 

MOSS BE CANNES 

L’ADRESS SAINT TROPEZ 

BIG BOSS MEGEVE 

TSUM MOSCOW 

CASHMERE AND SILK ST PETERSBOURG 

MONTENAPOLEONE DNEPROPERTROVSK 

HELEN MARLEN KIEV 

GIO MORETTI MILANO 

LUISAVIAROMA FIRENZE 

RUSSO CAPRI 

CASCELLA PORTO CERVO 

FORTE VILLAGE CAGLIARI 

WISE CREMONA 

G&B FLERO 

NASSA LUGANO 

WYNN LAS VEGAS 

MARY JANE DENZER NEW YORK 

ELIZABETH ANTHONY HOUSTON 

BOYDS PHILADELPHIA 

THE ROOM @ THE BAY TORONTO 

HUGO NICHOLSON TORONTO 

COLE’S OF NASSAU BAHAMAS 

AMOR TEL AVIV

Pinko 

Caterina Ravaglia: jumpsuit PINKO; orecchini CA&LOU; cintura MIU MIU. 


VOGUE ITALIA PER AUDI 

AUDI Q2 

#UNTAGGABLE 

JOURNEY 

#CITYCAR? 

#SUV? 

#CROSSOVER? 

#COUPÉ? 

#ALLROAD? 

VOGUE ITALIA E AUDI 

Q2, DA MAGGIO AD 

AGOSTO, INSIEME IN 

UN ENTUSIASMANTE 

#UNTAGGABLEJOURNEY A 

TAPPE CHE HA TOCCATO I 

LUOGHI PIÙ #UNTAGGABLE 

D’ITALIA. SCOPERTI 

ATTRAVERSO LE PAROLE, 

LE IMMAGINI, LA MUSICA, 

L’ARTE DI PERSONAGGI 

#UNTAGGABLE: LORENZO 

VITTURI A VENEZIA, 

MATTEO CECCARINI SULLE 

COLLINE DEL MONFERRATO, 

EVA RICCOBONO A MILANO, 

BRINA KNAUSS A SANTA 

MARGHERITA LIGURE. 

Una vocazione #untaggablejourney 

che nasce dalla voglia di sperimentare 

nuovi itinerari creativi, di percorrere 

nuove strade inesplorate. Con 

questo spirito, da aprile ad agosto, 

Vogue Italia e Audi Q2 hanno raccontato 

un lungo viaggio che, tappa 

dopo tappa, ha toccato i luoghi #untaggable 

d’Italia, diversi da come 

vengono vissuti o lontani da come 

vengono immaginati perché “visti” 

attraverso le parole, le immagini, 

la musica, l’arte di personaggi #untaggable. 

Un viaggio alla ricerca della 

bellezza degli angoli sconosciuti 

delle grandi città, di paesaggi incontaminati 

immersi nella natura: tra 

strade asfaltate e sentieri di campagna, 

tra calli affascinanti e lungomare 

panoramici, a bordo di Audi 

Q2, un’auto #untaggable per definizione, 

perché è un crossover ma anche 

un coupé, un suv ma anche una 

city car. Impossibile da definire per 

le sue infinite sfaccettature: perché 

è una allroad che va ovunque la porta 

la sua voglia di esplorare il mondo. 

Nel loro #untaggablejourney 

Vogue Italia e Audi Q2 hanno incontrato 

artisti, musicisti, attrici, sound 

designer dalla personalità eclettica 

e dalla creatività multidisciplinare, 

che proprio per questo sfuggono 

a ogni classificazione, escono da 

ogni definizione. Personaggi dallo 

spirito intraprendente, capaci di misurarsi 

di continuo con esperienze in 

divenire, connessi in modo dinamico 

alle diverse modalità della vita contemporanea, 

impegnati a modificare 

il presente e anticipare il futuro: 

sempre on the road, ma mai nello 

stesso modo. 

Vogue Italia e Audi Q2 hanno iniziato 

il loro #untaggablejourney 

a maggio, nella magica atmosfera 

di Venezia, dove nella suggestiva 

cornice di PalazzinaG, affacciata sul 

Canal Grande a due passi da Palazzo 

Grassi, Lorenzo Vitturi ha “illustrato” 

la sua visione artistica della realtà: 

la sua multidisciplinarità è difficile, 

quasi impossibile, da ricondurre 

a tutti gli elementi che la compongono, 

perché non è solo un fotografo, 

non è solo uno scultore, ma tutti 

e due insieme e molto di più.

MATTEO CECCARINI 

#DEEJAY? #COMPOSITORE? #MUSICISTA? 

#PRODUTTORE MUSICALE? #SOUND DESIGNER? 

LORENZO VITTURI 

#FOTOGRAFO? #SCULTORE? #COLLAGISTA? 

#PITTORE DI SCENA? #STREET PERFORMER? 

A giugno il viaggio #untaggable 

di Vogue Italia e Audi Q2 ha 

esplorato la creatività multidisciplinare 

di Matteo Ceccarini, 

incontrato in un road map sulle 

tranquille colline del Monferrato. 

Molto più che un deejay e un 

sound designer, Matteo Ceccarini 

è un musicista che è anche un 

compositore. Dalla personalità 

eclettica, nella sua professione 

è imprevedibile e sorprendente, 

abile nel ribaltare ogni schema 

predefinito e capace di sfuggire 

a ogni ordine di idee déjà vues. 

Vive di musica, fa musica, interpreta 

la musica, andando controcorrente 

e uscendo da schemi 

prestabiliti perché detesta la ripetitività, 

sfugge la noia. 

A luglio Vogue Italia e Audi Q2 si 

sono fermati in una città #untaggable 

in ogni sua manifestazione, 

Milano, dove i legami tra 

la moda e la pubblicità, il cinema 

e il teatro sono proiettati verso 

il futuro. Qui Eva Riccobono ha 

ripercorso le tappe della sua 

multiforme carriera di modella 

e indossatrice, di presentatrice 

e attrice che trova nella cornice 

culturale della Triennale, immersa 

nel verde di parco Sempione, 

il suo luogo del cuore. Perché è 

una viaggiatrice nell’anima, una 

globetrotter nella vita, che per 

passione e per necessità ama 

esplorare il mondo con una visione 

#untaggable. Ad agosto 

l’#untaggablejourney di Vogue 

Italia e Audi Q2 ha toccato Santa 

Margherita Ligure, a due passi 

da Portofino, dove nella spettacolare 

cornice del Covo di Nord- 

Est, Brina Knauss, modella 

e musicista #untaggable della 

scena artistica contemporanea, 

ha “illustrato” come riesce a far 

convivere musica e moda, senza 

che l’una oscuri l’altra. Il suo habitat 

naturale è quello dei clubbing 

e dei dj setting, dove tra-

EVA RICCOBONO 

#MODELLA? #INDOSSATRICE? #ATTRICE? 

#CONDUTTRICE? #TESTIMONIAL? 

BRINA KNAUSS 

#BASKETBALL PLAYER? 

#CANTANTE? #MODELLA? 

#DEEJAY? #PRODUCER? 

smette emozioni mai uguali, 

sempre in evoluzione in rapporto 

al pubblico che la ascolta, in riferimento 

alle melodie che suona. 

Ma l’#untaggablejourney di Vogue 

Italia e Audi Q2 non è finito. 

A settembre continua a Milano, 

in occasione di due grandi manifestazioni 

legate al mondo della 

moda. Prima tappa, il 14 settembre, 

alla Vogue Fashion’s Night 

Out, in occasione della quale 

da Banner, in via Sant’Andrea, 

nel quadrilatero della moda, è 

possibile acquistare la T-shirt 

Special Edition con l’illustrazione 

sul tema #untaggablejourney di 

Bad Deal, brand dalla vocazione 

#untaggable creato da Zoow24 

e Marina Rubini per far dialogare 

la moda con l’arte raccontando 

una storia. In sintonia con il progetto 

charity della VFNO, parte 

del ricavato delle vendite delle 

T-shirt verrà destinato alla riqualificazione 

del Mercato Comunale 

di Lorenteggio. 

Seconda tappa di settembre 

dell’#untaggablejourney di Vogue 

Italia e Audi Q2 a Milano è 

dal 20 al 25 alla Milano Fashion 

Week: due personalità legate al 

mondo della moda a bordo della 

Audi Q2 percorreranno la città 

da una sfilata all’altra raccontando, 

attraverso una serie di 

video su vogue.it, le tendenze 

delle prossime collezioni. Stay 

tuned on vogue.it. live.audi.it

nenette.it 

Prodotto e distribuito da COTTON Srl

SHOP AT FRACOMINA.IT


STYLE/IL PROTAGONISTA 

Infinite 

Possibilitˆ 

FRANCESCO RISSO, designer di Marni, 

racconta la collaborazione con il fotografo 

Michael Hauptman, che per Vogue Italia 

compone lavori inediti. Visionarie opere 

che indicano il senso di un nuovo corso. 

di VITTORIA FILIPPI GABARDI 

ritratto courtesy willy vanderperre. 

«La moda siamo 

noi, quello che 

rappresentiamo. 

Una sublime forma 

di comunicazione. 

Non sono stato un 

bambino loquace ma 

ero molto espressivo 

nel modo di vestire. 

È così che mi sono 

fatto conoscere». 

Francesco Risso racconta Marni come una 

scatola misteriosa che si è terribilmente curiosi 

di aprire: «Consuelo è stata bravissima 

a creare un brand che si è liberato dagli stereotipi 

grazie alle sue sfumature. A me piacerebbe 

indagare le infinite sfaccettature di 

queste molteplici possibilità». 

L’intento della collaborazione con l’artista 

Michael Hauptman è lo stesso: parlare di 

personalità multiformi attraverso una sofisticata 

contaminazione di moda, fotografia 

e contemporaneità. Partendo dall’istinto. 

Hauptman scatta le campagne pubblicitarie 

di Marni in totale libertà: «Ho voluto intraprendere 

con lui un percorso che duri, costruire 

una storia, mettere insieme qualcosa 

di collezionabile», spiega. Queste pagine ne 

sono un esempio: si tratta di un lavoro inedito 

concepito ad hoc per Vogue Italia, che 

porta all’estremo l’intervento artistico di 

Hauptman sull’immagine. Attraverso gli accostamenti 

visivi di interni e natura, pianeti 

o galassie, parla di dualità che si sovrappongono: 

«È come uno storyboard concettuale 

che racconta i diversi tratti della personalità 

Marni cui lavoriamo da mesi». Tra questi 

c’è un carattere meno sculturale, che Risso 

ha reso morbido; una grande attenzione al 

contorno, che aggiunge valore agli oggetti. 

Poi l’essere eccentrici, fuori dal centro. 

La sua moda è permeata di personali rimandi 

intellettuali: ha l’attitudine di certi 

personaggi di Polanski, il gusto per le opere 

di Magdalena Suarez e riflette il pensiero 

dell’artista Ryan Trecartin sulle molteplici 

identità che indossiamo tra social network 

e tecnologie, con il rischio di implodere. In 

un collage di caratteri. • 

329

«Abbinare a ciò 

che vedi altre 

esperienze 

percettive, 

costruirgli attorno 

un ombrello 

di sensazioni». 

Mix di frammenti, 

personalità soft: 

così 

muta 

lo 

stile. 

Si 

nutre 

d’arte 

e di 

idee 

In questa pagina. Artwork di 

Michael Hauptman su alcuni 

fermo immagine della campagna 

Marni A/I 2017-18. In apertura, 

da sinistra. Lavoro inedito 

di Hauptman che mescola 

un’immagine e alcuni frame video 

della campagna pubblicitaria 

Marni A/I 2017-18 a uno scatto 

della collezione Marni Resort 

2018. Ritratto di Francesco Risso. 

330 Code 

vogue.it n. 805

Da destra. Top 

patchwork ispirato ai 

maillot de bain anni 20 

e gonna in popeline. 

Abito in maglia a 

quadri. Tutto Marni, 

collezione P/E 2018. 

«Marni è sempre 

stato un brand 

ricco, denso di 

contrasti, di stimoli, 

di controsensi. 

Un caos ordinato 

dall’incredibile 

carattere». 


STYLE/TALENTI 

L’Isola Che 

(Non) C’è 

Una Sardegna che va oltre tutti i cliché, 

quella raccontata da PRETZIADA. 

Duo creativo che, tra moda e design, 

rivisita l’alto artigianato locale in chiave 

contemporanea. E lo porta nel mondo. 

di BARBARA AMADASI 

Si dice che l’utopia sia possibile se non si è ancora sperimentata. 

Ma i creativi Ivano Atzori e Kyre Chenven 

da due anni stanno realizzando la loro nel Sulcis, in Sardegna, 

«a dieci ore di silenzio dalla penisola». La coppia 

italoamericana, un passato a New York nella moda 

e nell’arte, ha scelto una terra inesplorata e remota, che 

molti vogliono lasciare, per ideare Pretziada, progetto 

interdisciplinare che unisce artigianato, moda, turismo, 

narrazione. Il filo rosso è il racconto della vita dell’isola 

attraverso la sua cultura arcaica, i suoi prodotti ignoti, le 

antiche tecniche da salvaguardare, in una chiave estetica 

personale e contemporanea. «Vogliamo creare il mondo 

in cui vivere e dare un contributo sociale», spiegano. Così 

studiano a fondo il territorio – «mantenendo la visione 

da outsider, nostro punto di forza» – e tessono una rete 

di connessioni tra artigiani locali e designer internazionali, 

per rivisitare oggetti della tradizione e farli conoscere 

nel mondo con l’e-commerce. Pochi, selezionati, con 

un passato da raccontare. Come le brocche della sposa, 

usate dalle donne per raccogliere l’acqua nella Sardegna 

rurale, reinterpretate dalla designer Valentina Cameranesi 

Sgroi; o il Pretziada boot, lo scarponcino dei pastori: 

modernissimo già in originale, alleggerito nei materiali. 

«Volevamo creare un oggetto eterno. Vedere nelle boutique 

di New York, Los Angeles, Cagliari un pezzo della 

vita agropastorale sarda accanto a Margiela e Balenciaga 

fa un certo effetto. E ci dà molta speranza». • 

foto courtesy antonio pintus (ritratti) e ivano atzori. 

Sopra. Kyre Chenven e Ivano Atzori, i fondatori 

di Pretziada (pretziada.com). A destra. Il Pretziada 

boot, remake del classico scarponcino in vacchetta 

usato dai pastori. Una spiaggia del Sulcis, nel sud 

ovest della Sardegna dove la coppia vive e lavora. 

334 Code 

vogue.it n. 805

A sinistra. Abito Giuliva 

Heritage Collection 

P/E 2018. Sotto. 

I creatori del marchio 

Margherita Cardelli 

e Gerardo Cavaliere. 

STYLE/TALENTI 

Comprare Meno, 

Indossare Di Pi• 

È la formula di GIULIVA HERITAGE 

COLLECTION, un marchio tutto made 

in Italy, pensato sul Gran Sasso e realizzato 

a Napoli, che punta sui fondamentali 

dello stile e sull’alta sartorialità sostenibile. 

di FRANCESCA REBOLI 

Il gusto di saper fare. Disegnare, costruire, confezionare 

con le mani capi pensati per durare. «Spezzare il ritmo 

infernale del fast fashion», dicono Margherita Cardelli 

e Gerardo Cavaliere, 35 e 37 anni, soci in affari e 

sposi da poco. Insieme hanno creato Giuliva Heritage 

Collection: due collezioni l’anno per un marchio caratterizzato 

dal taglio sofisticato e da una solida sapienza 

sartoriale applicata al prêt-à-porter. A partire dai tessuti, 

in gran parte scozzesi, fino ai dettagli realizzati a mano: 

bottoni, fodere, colli, giromanica. I frutti del loro lavoro, 

nato dalla prima attività di Gerardo, la sartoria maschile 

napoletana Giuliva, sono cappotti doppiopetto cammello, 

robe coat in tweed pied-de-poule, soprabiti in velluto 

blu per l’inverno; per l’estate, asciutti spolverini in lino 

e cotone che, grazie a una sottile cintura, si trasformano 

in abiti. La filosofia, non solo estetica, è chiara: ridurre 

lo spreco. «Comprare meno, indossare di più». Parole 

che Margherita pronuncia come un motto, e una linea 

guida per la vita: «Cerchiamo un modo di produrre e di 

vestire più sostenibile e razionale». Gli abiti però non 

sono anche emozione? «E ispirazione: noi la troviamo 

a Campo Imperatore, sul Gran Sasso, luogo di bellezza 

selvaggia, culla dei nostri progetti, dove presto ci trasferiremo». 

Qui, tra l’Abruzzo e Napoli, nasce una moda 

nuova, per chi ha provato gli eccessi del see now/buy 

now e ha deciso di tornare ai fondamentali dello stile.• 

336 Code 


foto courtesy giuliva heritage collection.

STYLE/TALENTI 

Tabula 

Rasa 

I codici d’abbigliamento che il popolo 

dei club techno di Berlino reinventa ogni 

giorno ispira GMBH. Pluriculturale label 

che ora sbarca anche in Italia parlando 

della vita di chi la crea, e di chi la indossa. 

di DAN THAWLEY 

Un look della 

collezione unisex 

P/E 2018 

di GmbH. I capi 

sono ora in vendita 

da Macondo, 

a Verona; da 

dicembre, con 

la P/E, anche da 

Slam Jam a Ferrara 

e Milano, e da 

Maxim a Rimini. 

In un momento in cui l’estetica stile club kids anni 90 è 

riemersa prorompente, era solo questione di tempo prima 

che Berlino prendesse una posizione al riguardo. Se 

gli stilisti di tutto il mondo si rifanno all’underground 

solo di riflesso, Serhat Isik e Benjamin Huseby guardano 

al mondo reale, membri attivi di una community 

culturale che gravita attorno a moda, arte e musica, e 

che dalla Germania – grazie ai fondi di magazzino che 

hanno scovato a Milano e usato poi per i loro capi – è 

ora arrivata anche in Italia in selezionate vetrine. 

L’acronimo “GmbH” (srl in italiano) è un termine generico, 

che consente ai due di esprimere un punto di 

vista sincero, mai statico, che si rifà alle dimesse uniformi 

indossate dai loro amici al Berghain, il celebre 

club della città, un qualsiasi lunedì mattina. «Abbiamo 

fondato GmbH perché crediamo che un’etichetta come 

la nostra sia necessaria, a Berlino ma anche a livello internazionale: 

un brand che riunisce i vari background 

che ci accomunano e una visione sociopolitica tutta 

personale», spiega Isik, turco-tedesco, mentre Huseby 

è mezzo norvegese e mezzo pakistano. «GmbH è una 

tabula rasa, una pagina vuota: ciò significa tutto e nulla, 

anche se qualcosa si intuisce da elementi molto tedeschi 

e industrial», dice alludendo alla praticità dei capi: una 

rilettura dei piumini Helly Hansen, pantaloni cargo di 

vinile, abiti unisex morbidi e abbondanti. 

Un fattore che connota il mondo GmbH è la tensione 

verso la diversità, cui alludono in modo sovversivo 

le loro creazioni. E questo slancio lo esprimono 

con passione anche nei loro casting multietnici. «È 

una questione di visibilità, è la tensione, il desiderio 

di rappresentare la nostra comunità nel modo più vero», 

spiega Isik. «Nel nostro percorso di crescita non 

ci è mai capitato di vedere gente come noi nella moda, 

un mondo che cerchiamo di cambiare in ogni modo». 

Il titolo della sfilata P/E 2018, “Europe Endless”, è 

divenuto il logo, stile motocross, stampato su canotte 

e T-shirt. Ma è pure la (loro) dimostrazione di come 

la moda, anche in tempi complicati, può tenere alta la 

bandiera della giustizia. • 

foto courtesy emon toufanian. 

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vogue.it n. 805

STYLE/IL CORTO 

La Forza Dei No 

Sesso, bugie e colloqui di lavoro. Nello 

short movie “Io sì, tu no”, presentato alla 

Mostra del cinema di Venezia, GRETA 

SCARANO interpreta una millennial 

alla ricerca di impiego. Risultato: una 

commedia dolce, dal retrogusto amaro. 

di FRANCESCA REBOLI 

L’attrice Greta 

Scarano, 31 

anni, in Twinset. 

Il suo ultimo 

film è “Smetto 

quando voglio: 

Masterclass”. 

È la protagonista 

di “Io sì, tu 

no” di Sydney 

Sibilia, che sarà 

proiettato 

il 5 settembre 

alla Mostra 

del cinema 

di Venezia. 

Gli ingredienti sono di qualità. La meglio gioventù del 

nostro cinema, rappresentata da Greta Scarano (vista 

in “Suburra”, “In Treatment”) e Lino Guanciale (l’ispettore 

Cagliostro di “La porta rossa”). Più un regista 

30enne da tenere d’occhio (Sydney Sibilia, autore del 

piccolo cult “Smetto quando voglio”) e un marchio del 

migliore pret-à-porter italiano. Mescolati insieme danno 

il corto “Io sì, tu no” (in anteprima a Venezia il 5 

di questo mese, prodotto da Twinset e RaiCinema). Il 

plot in breve: ragazzo e ragazza millennial alla disperata 

ricerca di un impiego si incontrano in un pub. Presi 

da istantanea passione, trascorrono la notte insieme. Il 

giorno dopo lei ha un importante incontro di lavoro, 

un po’ l’occasione della vita. Colpi di scena e bugie ci 

portano a un finale a sorpresa. Focus: il destino degli 

italiani intorno ai 30, precari per definizione, obbligati 

a darsi da fare come matti. «Nel mio caso l’impegno 

ha dato frutti, nonostante a volte mi sia sentita sfinita 

dopo l’ennesimo rifiuto», dice Greta Scarano, sguardo 

diretto, elegante semplicità. «Oggi posso dire che i no, 

degli altri soprattutto, hanno costruito la mia carriera». 

Prendiamola così, con pazienza e determinazione. • 

foto courtesy twinset. 

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vogue.it n. 805

VOGUE ITALIA PER MARTINI 

Martini 

#sharinghappytimes 

#sharinghappytimes è l’iniziativa 

di scouting lanciata su Instagram 

da MARTINI, official drink di Vogue 

Fashion’s Night Out, e Vogue Italia 

per celebrare la bellezza e la 

creatività attraverso l’individuazione 

di cinque giovani talenti della 

fotografia. Andrew Tarnawczyk, 

David PD Hyde, Gioconda & 

August e Monia Merlo sono gli 

artisti che hanno saputo distinguersi, 

tra i tantissimi partecipanti allo 

scouting, per l’inconfondibile cifra 

stilistica della propria opera. A 

loro è stata data l’opportunità di 

realizzare uno shooting esclusivo 

all’interno della splendida cornice 

della Terrazza Martini di piazza 

Diaz. I fotografi hanno interpretato 

in modo creativo i nuovi cocktail 

dell’estate 2017 – Martini Bianco 

e Tonic, Martini Rosato e Tonic, 

Martini Negroni Rubino e Martini 

Negroni Ambrato – lasciando 

emergere da ogni immagine quella 

joie de vivre che contraddistingue 

il momento dell’aperitivo. Gli scatti 

più belli saranno protagonisti della 

mostra fotografica che sarà visibile 

il 14 settembre a Palazzo Morando, 

a partire dalle ore 19.00, in 

occasione della Vogue for Milano. 

Inoltre una selezione delle foto 

verrà esposta in anteprima durante 

l’evento MARTINI in Darsena, dal 

31 agosto al 3 settembre. 

Andrew Tarnawczyk 

Monia Merlo 

David PD Hyde 

Gioconda & August 

BEVI MARTINI ® RESPONSABILMENTE

David PD Hyde 

Due giovani donne raffinate, amiche e complici, s’incontrano dopo una lunga 

attesa: non hanno bisogno di scambiare tante parole, basta uno sguardo, tale 

è la sintonia che le lega. Finalmente è arrivato il momento di ritrovarsi e stare 

insieme, di condividere segreti e confidenze, abbandonandosi al piacere 

di un cocktail rinfrescante come Martini Rosato e Tonic. Il fotografo londinese David 

PD Hyde ci guida nello spazio sospeso di una favola contemporanea, dove 

a emergere sono le emozioni più nascoste. 

Monia Merlo 

Una bellezza preraffaellita, aggraziata e misteriosa, sorseggia un bicchiere 

ghiacciato di Martini Bianco e Tonic distesa su un letto di fiori profumati. Il suo 

volto, limpido e luminoso, sembra una tela bianca in cui prendono forma, di 

volta in volta, colori diversi, come i pensieri che le attraversano la mente. È la 

romantica eroina dai capelli rossi del mondo di sogno di Monia Merlo, fotografa 

intimista capace di raccontare l’universo femminile con profondità e delicatezza. 

Ogni sua immagine è una poesia.

Gioconda & August 

Una Venere nera sicura di sé, audace, sensuale e indipendente, assapora il suo 

cocktail preferito, un inebriante Martini Negroni Ambrato. A volte da sola, più 

spesso in compagnia, non rinuncia mai a godere degli attimi migliori della giornata. 

La sua è una bellezza classica, effortless chic, che si sposa magnificamente 

con lo stile anni Cinquanta dei suoi look dai colori vivaci. Il duo artistico composto 

da Gioconda Rafanelli e August Kaciuruba sa come ricreare perfettamente 

la magia del momento aperitivo. 

Andrew Tarnawczyk 

Lo sguardo di Andrew Tarnawczyk è buffo, stravagante e imprevedibile; nei suoi 

scatti surreali tutto può succedere. Così la Terrazza Martini si trasforma nel teatro 

di una festa improvvisata, animata da riflessi di luce e balloons. Le protagoniste 

di questa storia sono due gemelle, un po’ acrobate un po’ principesse, che con 

allegria e spensieratezza si godono il loro cocktail Martini Negroni Rubino. 

A poco a poco tutto si tinge di rosso rubino: il colore intenso dell’energia, della 

forza e della passione.

STYLE/L’ANNIVERSARIO 

Time After Time 

A cento anni anni dalla sua creazione 

il TANK di Cartier rimane un’icona 

senza tempo, che la maison celebra 

con quattro nuove edizioni speciali. 

A sinistra.Tank Louis 

Cartier, in oro rosa, 

cinturino in pelle, 

carica manuale. 

Sotto. Lady Diana. 

lady diana: foto sipa images, courtesy cartier. 

«Si tolga quell’orrendo orologio e metta 

questo», strilla Truman Capote. Il giornalista 

cerca di restituirglielo, e lui: «Lo tenga, 

ne ho almeno sette». L’orologio? Un Tank, 

inconfondibile tassello dello stile Cartier 

che oggi compie 100 anni. Nato, come 

molte grandi idee, dal caso. Nel 1916 Louis 

Cartier vede il disegno di un tank al fronte. 

Subito, nella testa di colui che primo aveva 

abbracciato l’idea di orologio da polso, 

nasce il progetto: un quadrato con due lati 

allungati corrispondenti ai brancard, i copricingoli, 

tra cui inserisce il cinturino. Un 

anno dopo il Tank è realtà, incontro perfetto 

di rigore formale, lusso e moderni tà che 

ne fa l’orologio ideale no gender, intergenerazionale. 

Delle sue tante varianti, Cartier 

ripropone per l’anniversario quattro modelli: 

due versioni del Louis Cartier a carica 

manuale, in oro rosa o bianco; il Tank 

Français al quarzo, in acciaio e diamanti, e 

quello Americain in acciaio, quarzo o carica 

automatica. E il Cintré scheletrato: oro rosa 

o platino, edizione di 100 esemplari. • 


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STYLE/WATCHES 

Tempi Ruggenti 

6 

L’orologeria attinge all’ART DÉCO 

e alla rigorosa eleganza di un’epoca. 

Con casse ispirate alle geometrie anni 30 

e impreziosite da lunette di diamanti. 

In acciaio o nelle calde tonalità dell’oro. 

di MICOL BOZINO RESMINI 

1 

2 

7 

3 4 

1. JAEGER-LECOULTRE, Reverso 

One: cassa basculante in acciaio e 

diamanti (40,1x20 mm). Quadrante 

con cifre arabe e lancette Dauphines. 

Movimento al quarzo di manifattura. 

2. CHANEL, Boy·Friend: cassa in 

oro beige (28,6x37 mm) e quadrante 

opalino guilloché con contatore 

dei secondi. Movimento meccanico 

a carica manuale con 42 ore di 

autonomia. 3. HARRY WINSTON, 

Avenue Classic Automatic: primo 

modello della linea con movimento 

automatico. Cassa in oro (21,2x36,1 

mm) con 29 diamanti. 4. PATEK 

PHILIPPE, Referenza 7121: cassa 

in oro giallo con fondello trasparente 

(33 mm). Quadrante grené e quadrante 

ausiliario per i piccoli secondi e le 

fasi lunari tono su tono. Movimento 

a carica manuale. 5. ROLEX, Cellini 

Time: cassa in oro Everose (39 mm) 

con lunetta in diamanti, impermeabile 

fino a 50 metri. Movimento 

automatico di manifattura certificato 

Cronometro Superlativo. 6. HERMÈS, 

Nantucket: cassa in oro rosa motivo 

“Chaîne d’ancre” (17x23 mm), 

quadrante in madreperla e lunetta con 

186 diamanti. Movimento al quarzo 

Swiss made. 7. OMEGA, Speedmaster 

38 mm: cassa in acciaio e oro Sedna 

con lunetta di diamanti che include 

la scala tachimetrica. Movimento 

automatico Co-Axial. 

Dalle sfilate, Maison Margiela. 

foto gorunway 

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5

STYLE/PREVIEW 

La Verità 

È Bellezza 

Il designer GIAMPIERO BODINO 

nei suoi gioielli racchiude l’Italia delle 

meraviglie. Che a ottobre, grazie alla 

sinergia con il fotografo Guido Taroni, 

viaggerà nel mondo con una mostra. 

di ELISABETTA CAPROTTI 

I “Tesori del Mare” di Giampiero Bodino, spinelli (64,95 carati), 

diamanti e oro bianco, nello scatto di Guido Taroni per “Beauty 

Is My Favourite Colour”. Il progetto fotografico del designer verrà 

inaugurato il prossimo 11 ottobre a Londra, alla Spencer House. 

Il soffitto di Villa Mozart, appartato quanto esclusivo rifugio 

milanese del designer Giampiero Bodino, ricorda un 

motivo marinaro, così come le squame in ferro che definiscono 

il ritmo del portone affacciato sulla scalinata déco. 

Bodino mi accoglie nel suo scrigno da mille e una notte, 

nelle cui pareti sono incastonate rose rubiginose di zaffiri 

rosa, mosaici tridimensionali in pavé di diamanti, ramage 

di smeraldi: «Mi ispiro al paesaggio italiano, i colori del 

Mediterraneo, le maioliche di Sicilia, le texture del quartiere 

Coppedè a Roma… spesso mi sono chiesto da cosa 

nasce il mio gusto e la risposta è dall’amore per questo 

Paese. C’è una tale concentrazione di bellezza che non ho 

fatto altro che tradurre in gioielli ciò che vedo. Siamo nel 

luogo delle meraviglie, è ora che ce ne rendiamo conto». 

Bodino è un visionario, un artista a trecentosessanta gradi. 

Mi racconta del suo ultimo progetto, nato dalla sinergia 

con il fotografo Guido Taroni, “Beauty Is My Favourite 

Colour”. Quindici ritratti che verranno esposti alla Spencer 

House di Londra il prossimo ottobre, poi a Milano a 

novembre e a New York in primavera. Sullo sfondo ancora 

una volta c’è l’Italia e i suoi luoghi, inattesi, del mistero, 

desolati: un canyon in Calabria, la cascata ghiacciata, le 

cave di marmo. Fanno da cornice ai luminosi pezzi di alta 

gioielleria della maison e raccontano storie di donne che il 

designer ammira e con le quali ha intrecciato un’amicizia: 

«JJ Martin è il colore, Martina Mondadori la maiolica, 

Antonia Dell’Atte il cammeo...». Sabrina Querci ritratta 

in una casa abbandonata sul Lario, indossa i “Tesori del 

Mare”, orecchini di spinelli rossi tagliati dalla stessa pietra 

grezza, che il designer ha modellato pensando a quel mare 

che da sempre gli cattura l’anima restituendogli energia. 

«La parola chiave è “verità”», sottolinea Bodino, «nessun 

set o modelle per gli scatti. Vere sono le persone che ho 

scelto, veri i gioielli, come vera è l’accoglienza che offro a 

ogni ospite nel mio atelier». • 

348 Code 

vogue.it n. 805

STYLE/LA COLLEZIONE 

Cuore Di Luce 

La wilderness, il respiro della foresta 

pluviale, i frutti e gli animali: la nuova 

collezione d’alta gioielleria TIFFANY & 

Co. è un omaggio splendente alla natura. 

Da “Miracle Berry”. 

Collier con 42 

tormaline ovali e 

diamanti. Il pendente 

in oro e pavé di 

diamanti permette 

l’uso fronte-retro. 

di CARLO DUCCI 

Il mondo dell’alta gioielleria, ovviamente, ci 

abitua ai capolavori. Ma anche fra le magnificenze, 

ce ne sono certe più magnifiche di 

altre. È il caso della Blue Book Collection 

di Tiffany & Co. che, dal 1845, ogni anno 

rappresenta il livello più alto raggiungibile 

in termini di qualità e rarità delle pietre, di 

creatività e tipologia di lavorazione. Lo conferma 

“The Art of the Wild”, la collezione 

2017 divisa in sei temi ispirati alla natura. 

Dalle parure di “Whispers of the Rain Forest”, 

uno dei cui collier ha 200 diamanti taglio 

baguette di 60 carati e gli orecchini-foglia 

30 diamanti gialli, agli anelli di “Leaves 

of the Sun”, di cui uno con diamante giallo 

di 26 carati, ogni pezzo è tanto ricercato 

quanto prezioso. «Spostiamo sempre più in 

alto il limite qualitativo del lavoro artigianale», 

dice Melvyn Kirtley, vicepresidente 

dell’alta gioielleria di Tiffany & Co. È lui 

che, fra l’altro, seleziona le pietre più spettacolari, 

rare e inusuali, che sono poi lavorate 

all’ultimo piano del Tiffany Building di 

New York. Nascono pezzi unici, dal valore 

pressoché incalcolabile. E che, come ogni 

anno, sono andati sold out in pochi giorni. • 

Da “Feathered Clock”. Broche in oro giallo e 

diamanti custom cut. La peculiare costruzione 

riproduce con la luce il movimento della coda. 

Da “Leaves of the 

Sun”. Anello 

in oro giallo con 

tormalina verde 

cabochon di 35k. 

Le foglie sono 

in tzavorite 

e diamanti. 

Da “Whispers of the Rain Forest”. Orecchini in platino 

e oro giallo con diamanti tondi e taglio baguette. 

350 Code 

vogue.it n. 805

feleppa.com LE STILISTE FRANCESCA E VERONICA FELEPPA

Swarovski & Vogue Talents 

New 

Generation 

Award 

Otto brand internazionali, migliaia di cristalli e un tema 

da sviluppare. Sono questi i numeri della seconda edizione 

del progetto di Swarovski e Vogue Talents. A guidare 

i designer selezionati nell’ideazione di capi e accessori 

non solo l’espressione “Sparkling Water”, ma anche l’invito 

a riflettere sulla relazione tra le donne e l’acqua. 

In queste pagine vi mostriamo i bozzetti delle loro scintillanti 

creazioni, ma per vedere dal vivo questi item 

dovete aspettare Vogue Talents @ Palazzo Morando. E 

durante l’evento in partnership con l’azienda austriaca 

sarà presente anche una prestigiosa giuria che assegnerà 

lo “Swarovski & Vogue Talents New Generation 

Award”. Ma non finisce qui: verrà allestito un corner per 

festeggiare il decimo anniversario di Atelier Swarovski, 

la luxurious fashion jewellery and accessories line realizzata 

in collaborazione con talenti di fama mondiale. 

Eight international brands, thousands of crystals 

and a theme to develop. These are the key features 

of the second edition of the Swarovski project with 

Vogue Talents. The designers selected to create garments 

and accessories will be guided not only by the 

“Sparkling Water” theme, but are also invited to reflect 

on the relationship between women and water. 

In the following pages you can see the sketches of their 

brilliant designs, but to take a look at them live, you have 

to wait for Vogue Talents @ Palazzo Morando. During the 

event, in partnership with the Austrian company, a prestigious 

panel will hand out the “Swarovski & Vogue Talents 

New Generation Award”. And it doesn’t end here: a special 

corner will be set up to celebrate the ten years of Atelier 

Swarovski, the luxurious fashion jewellery and accessories 

line created in collaboration with world-known talents.

VOGUE ITALIA PER SWAROVSKI 

The Eight Brands 

1. Cecilie Bahnsen. 

«Sia le donne che l’acqua sono fonti di vita. Ora, grazie 

a Swarovski, ho l’opportunità di riunire questi due 

potenti elementi in un unico abito», spiega Cecilie 

Bahnsen. «I fiori di cristallo vogliono infatti richiamare 

l’acqua, e sono anche estremamente femminili». 

“Women and water are two sources of life. Now thanks 

to Swarovski I can bring these two powerful elements 

together in a dress,” explains Cecilie Bahnsen. “The 

crystal flowers seem to be blooming, and combine the 

fluid feeling of water with a dazzling femininity.” 

2. George Keburia. 

«A dominare la mia P/E 2018 sono pois e cerchi. 

Coprendoli di cristalli ricreo le illusioni ottiche che nel 

nostro immaginario sono legate ai viaggi nel tempo. I 

tessuti trasparenti e le forme over della collezione estiva 

ricordano gli anni ’30 e ’80», dice George Keburia. 

“The leitmotifs of my S/S 2018 are dots and circles. By 

covering them with crystals I explore the optical illusions 

created when attempting to travel across time. In my S/S 

collection see-through fabrics and exaggerated shapes 

recall the 1930s and ’80s,” says George Keburia.

3. Mach & Mach. 

«Per noi è un onore poter collaborare con Swarovski», 

dichiarano Nina e Gvantsa Macharashvili. «Anzi, dobbiamo 

ammettere che è stato molto difficile scegliere 

quale capo realizzare usando i leggendari cristalli austriaci: 

avremmo voluto disegnare un’intera collezione». 

“Working with Swarovski is a great honour for us,” 

declare Nina and Gvantsa Macharashvili. “After 

having watched all the beauty that goes with these 

crystals, we had a really hard time limiting ourselves 

to one outfit and not designing a whole collection.” 

4. MatteoMars. 

«Grazie a Swarovski ho reso omaggio a due fondamenti 

della nostra esistenza: la donna e l’acqua. Entrambe 

sono definite da contraddizioni: forza e fragilità, 

mistero e limpidezza, grazia e irruenza. Una dinamica 

che ricerco costantemente», afferma Matteo Ciampalini. 

“Thanks to Swarovski I paid tribute to two cornerstones 

of our existence: women and water. Both of them are 

defined by contradictions: strength and weakness, transparency 

and mystery, grace and impetuosity. A dynamic 

that is typical of my work,” says Matteo Ciampalini. 

5. Okhtein. 

Per Aya e Mounaz Abdelraouf «la femminilità è paragonabile 

all’acqua, perché leggera, elegante e limpida». 

L’esclusiva borsa da sera che hanno ideato incorporando 

i cristalli forniti da Swarovski è pensata per 

essere indossata da donne dalla bellezza eloquente. 

For Aya e Mounaz Abdelraouf “a woman’s femininity 

flows like water. It’s actually soft, elegant and clear.” 

The exclusive and sparkling evening bag they designed 

using the Swarovski crystals provided by the Austrian 

company wants to fit beautiful and eloquent women.

6. Peet Dullaert. 

«Con il mio look voglio riflettere la splendente vitalità 

dell’acqua, simbolo della potenza femminile e della 

bellezza che risiede nell’unicità», commenta Peet 

Dullaert. «Ogni capo ospita piccoli mondi di cristallo 

cuciti a mano su quelle che sembrano onde marine». 

“My designs reflect the radiant vitality of water, which 

is the ultimate symbol of the forceful spirit of womanhood 

and of the beauty of individuality,” states Peet 

Dullaert. “Each garment part of this look harbours delicate 

miniature worlds created with crystals.” 

7. Julia Seemann. 

«Trovare un equilibrio tra la brillantezza degli Swarovski 

e la cultura underground». È stata questa la 

sfida principale per Julia Seemann, che alla fine ha 

deciso di utilizzare i cristalli non soltanto sulla giacca 

e sulla gonna, ma anche sul top e sulla borsa. 

“Finding a balance between the brilliance of Swarovski 

crystals and urban subcultures.” This is what Julia Seemann 

found the most appealing while designing this 

look. In the end, she decided to put crystals not only on 

the jacket and the skirt, but also on the top and the bag. 

8. Snow Xue Gao. 

Una donna che cammina sotto la pioggia. È questa l’immagine 

da cui Snow Xue Gao è partita per disegnare il 

suo outfit per Swarovski. «Ho incorporato tessuti ricavati 

sia da vecchie giacche orientali sia da completi maschili 

anni ’70 e ’80 trovati nei negozi di New York». 

Snow Xue Gao’s outfit for Swarovski was inspired by 

a lady walking in the rain. “I like to collect vintage tailored 

suits from local stores in New York. I am super 

into ’70s and ’80s menswear and old Asian jackets. 

I then uses them as fabrics to drape new looks.”

MILANO - VENEZIA - VERONA 

e nelle gioiellerie selezionate 

MARCOBICEGO.COM

US PROTAGONISTS 

Mindful luxury: a state of being, a lifestyle inclusive 

of the planet, a mindset focused on sustainability 

and respect for nature. 

It is a philosophy shared by an increasing number 

of jewelers and designers, committed to creating 

pieces of fine jewelry using alternative materials 

that do not contribute to the deterioration of our 

environment or the extinction of animals, such as 

the elephant (96 elephants are killed each day, a 

very alarming statistic). 

One such material is the tagua nut, the seed of 

a palm tree which grows in tropical climates and 

rainforests of northwestern South America. Used 

in a very inventive and sophisticated way, it can 

substitute ivory. 

Many designers – including Alexandra Mor, who 

developed the concept for this edition of the US 

Protagonists – have been inspired by the texture 

and look of the tagua, creating several pieces that 

prove that social change does not need to come at 

a cost to quality or exquisite design. 

US Protagonist jewels will be unveiled at an exclusive, 

experiential event on September 6 at 

Spring Place in New York, a unique membership 

club known for shaping contemporary culture. 

In addition to press, stylists, buyers, and industry 

luminaries, the Salon Art + Design – New York’s 

premiere fine arts fair and an esteemed partner 

for this project – will invite top fine art and jewelry 

collectors to attend. 

The pieces in these pages and others will be available 

for sale beginning September 6 on luxury 

e-commerce site 1stdibs.com. 

20% of the proceeds will go to support elephant 

habitat conservation efforts. You can view the 

jewels at 1stdibs.com/Tagua starting September 6.

Sterling silver and diamond 

handmade “Foglie” ring 

with natural tagua seed; 

set with 32 fancy brown 

natural diamonds for 

a total weight of 0.26 

carats. Also available in 

18k white and yellow gold. 

1884 Collection 

www.1884collection.com 

1884 Collection brandishes the powerful raw beauty of tagua nuts 

with 100% Italian design and craftsmanship. 

1884 Collection treats vegetal ivory like a precious material: 

it respects the tagua seed’s natural form, preserving its round 

shape and complementing its waxy luster and rough exterior 

with a polished silver setting. In this way, a simple, natural, 

and abundant resource achieves the status of a precious 

stone. It is a very unusual approach for fine jewelry, but one 

that yields something truly and unmistakably original. 

The exclusive capsule collection, made entirely by hand, is 

the culmination of quintessential Italian good taste and superb 

craftsmanship. To further elevate each piece, the brand 

is partnering with Franchi Argentieri, one of Rome’s most 

renowned silversmiths. 1884 Collection is also proud of its 

strong Italian history; established by Alberto Petochi, the 

heir of a well-known jewelry dynasty in the capital, it has become 

famous for its jewelry set with ancient Roman coins. 

Today, 1884 Collection’s storied past and futuristic vision of 

mindful luxury have found each other. This capsule collection 

underscores the brand’s deep and lasting commitment 

to sustainable luxury and environmental preservation, while 

demonstrating its ability to innovate and create completely 

new and meaningful pieces. As Alberto Petochi himself says, 

«Using tagua nuts as luxury elements gave me the chance to 

show the public how precious the environment is and also 

offer it something truly striking and new». 

VOGUE ITALIA FOR ANIMA GROUP

22k yellow gold hand-carved 

tagua seed Kayonan hoop earrings. 

Alexandra Mor 

www.alexandramor.com 

Alexandra Mor’s collection resounds with ancestral echoes of Indonesian art and she finds 

new inspiration in the tagua nut, an ancient yet very relevant element. 

Alexandra Mor was exposed to the concept of handcrafted 

couture work by her mother, a French couturier 

and the multicultural mélange of Israel where she grew 

up. Mor discovered her career calling during a jewelry 

bench class in 2004 and soon after went on to debut her 

first collection at Phillips de Pury in New York City. She 

spent the next decade creating bespoke heirlooms for 

her collectors as well as working on her Haute Couture 

Signature Collection, until 2017 when she felt the urge to 

seek inspiration in a totally new environment. This past 

year, Mor dove headfirst into the unknown and moved 

to the island of Bali, Indonesia. Crossing the threshold 

from the frenetic economic center of New York City to 

the fertile, lush environment of Bali, Mor’s journey was 

a call to adventure — one that looked toward an inner 

compass of self-reflection and social consciousness 

— that helped shape her new, more meaningful and 

spiritually connected voice as an industry leader in the 

world of mindful and sustainable luxury. The direction 

for her next capsule collection became clear when she 

discovered that elephant ivory is still used in jewelry 

design. Compelled to find a sustainable alternative to 

elephant ivory, Mor’s research lead her to the tagua 

seed, a sustainable botanical alternative with physical 

characteristics nearly identical to ele phant ivory. An 

idea that later on lead to a partnership with Vogue Italia 

and their annual US Protagonists, providing an ideal 

platform to launch this campaign. Mor’s intent with this 

collection is not to replace her Signature Collection or 

brand DNA, but rather to use her voice to initiate conversations 

about sustainable and mindful luxury in the 

jewelry industry, and inspire collectors, designers and 

retailers through her continued use of ethically sourced 

gemstones and her use of tagua. Mor’s tagua capsule 

collection incorporates traditional and handcrafted 

Balinese workmanship and heritage, heralding an evolution 

of Mor’s signature design with new materials like 

hand-carved tagua seeds, wood, pearls and 22 karat yellow 

gold filigree work -- discovered on her artistic and 

spiritual journey in Bali. 

VOGUE ITALIA FOR ALEXANDRA MOR

Antiquity 20k gold necklace 

with carved tagua nut, 

gold beads and diamonds 

2.37 carats. 

Antiquity 20k gold pendant 

with turtles carved in 

tagua nut, with diamonds 

0.22 carats and 

aquamarines 13.84 carats. 

Coomi 

www.coomi.com 

Wearable art: a realistic yet dreamlike frame made of tagua nut, 20k gold, and 

precious stones: the ethical luxury of Coomi. 

For Coomi, art is a universal language that speaks directly 

to the soul. Her jewels are authentic fragments of art: 

inspired by nature, architecture, the past, and everyday 

life. They are made utilizing traditional techniques, painstaking 

artisan workmanship, and materials – stones with 

ancient cuts, diamonds and 20k gold. They evoke worlds 

and tell stories that are capable of opening the mind and 

touching the spirit with a touch of enchantment. This 

magical element is found in each of her works, including 

her tagua nut creations – a gratifying challenge for the 

American designer. «When I saw the nut for the first time, 

I realized I was embracing something unknown,» she says. 

«That brown shell did not seem to have the potential to 

create a jewel. But then, experimenting with it, I realized 

that the nut would have determined its shape.» The dialogue 

between the jewelry designer, goldsmith, and engraver 

led to an unusual ensemble with a romantic look; 

comprised of a necklace of vegetable ivory disks, from 

which hangs a pendant carved from the same material 

that evokes foaming waves and frames the silhouette of 

a sailboat made of gold and diamonds, propelled by the 

wind and suspended on a sea of blue aquamarines. It is a 

precious object full of meaning, not only as a lucky charm 

(in jewelry language, a sailboat is given to wish someone 

well while embarking on a new path in life), but most of 

all, because it is eco-friendly and brings to mind environmental 

and responsible production and the safeguarding 

of local economies. It is ethical, informed luxury. 

VOGUE ITALIA FOR COOMI

MATAR Gorget: faceted 

polished tagua nut, 

genuine Bahraini high 

luster baroque natural 

pearls, shakudo with 

traditional niage patina, 

14k gold grommets, links 

and custom closures. 

Hind Matar 

www.houseofmatar.com 

Hi-tech and enchanting, Hind Matar’s futuristic jewelry collection 

proves that sustainable luxury is not just a dream. 

It’s not often that a piece of jewelry captures the entire world. 

Ancient Japanese techniques, South American materials, 

natural pearls from Bahrain, and Indian ebony all mingle 

comfortably in Hind Matar’s pieces. Perhaps unsurprising 

for a globetrotter like MATAR, hers is an aesthetic that is 

focused firmly on the future – albeit an otherworldly one. 

Yet the unique design language she is developing seems to 

be rooted in lavish visions and daydreams of the past. Clearly, 

the young Bahraini’s story is as eclectic and multifaceted 

as the places from which she draws inspiration. Following 

the warm international reception of her eponymous fashion 

brand, she was approached to lend her hand to architecture 

and interiors projects and chose to collaborate with Tech Noir 

Lab, a pioneer in wearable technology, on her first full-range 

fine jewelry collection, launching next season. MATAR is 

currently preparing to debut a capsule collection featuring 

fine tagua nut. The collection, called Futuristic Antiquities, 

pays tribute to the artistic enigma of ancient civilizations 

such as the tempered use of shakudo, a centuries-old Japanese 

metal coloring technique for inlays. It also gives a nod 

to the designer’s own rich and vibrant heritage. For several 

generations, the MATAR family have been leading natural 

pearl merchants in the Middle East, supplying many of the 

finest jewelers around the world, including Cartier. But it is 

MATAR’s eye for innovation and her bold choice of sustainable, 

humanitarian materials that makes her jewelry so relevant 

now. To use the tagua nut as the main material for a fine 

jewelry collection not only updates our definition of luxury, 

it also contributes to the growing movement toward a more 

responsible approach to luxury. The result is a series of edgy, 

one-of-a-kind jewelry sculptures that let the raw merge with 

the regal, the ancient with the modern, and bring together unusual 

colors and material combinations from natural pearls, 

gold and silver to shakudo and, above all, tagua. “We can’t 

all be reborn as a completely sustainable brand overnight but 

we can all be mindful of where we want to end up and make 

conscious decisions along the way that help us get that little 

bit closer to a better, cleaner, fairer world,” says Hind Matar, 

who sees the tagua nut as the ideal alternative to ivory. “And 

some of those decisions don’t even have to be a compromise.” 

VOGUE ITALIA FOR HIND MATAR

Cinta 18k yellow gold 

Naga necklace with 

white mother of pearl and 

andalusite beads, tagua 

nut, 95.24-carat Madeira 

citrine drop and 2.15-carat 

yellow sapphire center 

stone, 1.76-carat brown 

diamond, 12.04-carat 

orange sapphire 

pave, and 0.03-carat 

blue sapphire eye. 

John Hardy 

www.johnhardy.com 

Hollie Bonneville Barden perpetuates the traditions of maîtres bijoutiers in John Hardy’s Bali atelier. 

Her latest couture jewel carries a spiritual message celebrating the harmony between man and nature. 

Wearing a creation by John Hardy makes a statement: it 

means sharing a philosophy of life that focuses on nature 

and a respect for ancestral traditions. Of course, there is 

also the pleasure of wearing unique jewels created by artisans 

using techniques that have been passed down since 

the dawn of time. An avid environmentalist, John Hardy 

dedicated himself to creating a company that operated in 

harmony with nature. He moved to Bali in the 70’s where 

the workshop continues to operate, sustainability woven 

into every aspect of the brand. What was once a simple atelier 

has flourished into a beautiful estate surrounded by rice 

fields, where an entire community of artisans thrives. John 

Hardy creative director Hollie Bonneville Barden’s collections 

are saturated with the rich Balinese culture that has so 

heavily influenced the brand’s signature aesthetic. But her 

most recent creation is a true tour de force that required the 

collaboration of thirteen artisans and three months of work: 

a precious citrine pendant nested within a removable shell 

of intricately carved tagua. Suspended on beaded strands 

inspired by Balinese Naga necklaces, the piece is a veritable 

“hidden treasure,” paying homage to the sacred and eternal 

beauty of nature by giving the tagua a brilliant citrine seed. 

«I wanted to celebrate the natural character, warmth, and 

purity of the tagua nut, which can be admired and appreciated 

as an object of beauty itself,» says the designer. «The 

citrine hidden inside the locket has amazing flashes of light 

and energy. This transformable piece plays on the idea that 

it is up to us to protect and preserve nature.» 

VOGUE ITALIA FOR JOHN HARDY

Objects Organique 

earrings in 18k yellow, 

white, or rose gold with 

South Sea pearls, carved 

tagua nuts, and .40-carat 

total weight diamonds, 

.74-carat pear-shaped rose 

cut diamond, and .81-carat 

champagne pear-shaped 

rose cut diamond. 

K. Brunini Jewels 

www.kbrunini.com 

K. Brunini Jewels’ eco commitment spans two decades, and now the designer embraces 

a new, precious element for her nature-inspired designs: the tagua nut. 

Whether climbing mountain ranges, surfing waves, or 

hiking lush forests, Katey Brunini has always found inspiration 

in the power and grace of nature. It is only fitting, 

therefore, that her namesake brand should reflect the 

all-encompassing essences of the five elements. Nature 

offers Brunini such treasures as precious stones, wood, 

bone, and antlers, which she gratefully transforms into 

artistic jewels with organic designs. Among her powerful 

and eclectic collections, Twig is reminiscent of a tree in a 

storm, stripped of its leaves; Vertebrae, meanwhile, is inspired 

by the core energy housed in the human body. Her 

latest creations, however, utilize the tagua nut as a key 

element. It is an elegant, polished material that is easily 

carved. The tagua is less brittle than bone and harder 

than a Brazil nut. Its creamy white hue gives it a similar 

appearance to ivory. Its raw sophistication complements 

the decorative exuberance of precious metals and stones. 

Earth-conscious and ecologically mindful patrons seek 

out artists who share their values. Artists of integrity create 

treasures that are not only beautiful, but also foster a 

relationship between nature and the adorned. For more 

than twenty years, Brunini has crafted fine pieces with 

the wellbeing of Mother Earth in mind. Her commitment 

to preserving our environment for future generations 

can be seen throughout her career; having worked extensively 

with wood, Katey has donated to reforestration in 

Costa Rica to further support the ecology of our planet 

by replacing what she uses. 

VOGUE ITALIA FOR K. BRUNINI JEWELS

18k yellow gold, 62 

carats pavé diamonds, 

approximately 4 total 

carats in emerald cut 

and cabochon emeralds, 

black onyx beads, white 

tagua doughnut beads. 

KC Sukamto 

www.kcsukamto.com 

KC Sukamto Culha’s work with vegetable ivory emphasizes color, brilliance, and lightness 

in her Southeast Asian-inspired chandelier earrings. 

Her world is a map dotted with the vibrant colors of Colombian 

emeralds, Thai sapphires and rubies, and the shimmering 

gleam of Australian opals and Tahitian pearls. It is a map 

that she travels in search of materials, precious gems, and 

inspiration to form her aesthetic imagery of classic, timeless 

lines – and a concept which KC Sukamto Culha, a Los Angeles 

designer who trained at Central Saint Martins, now 

interprets through the tagua nut, a botanical alternative to 

ivory. For Vogue Italia, she creates a pair of chandelier earrings 

that frame the face, creating a look that is at once opulent 

and intimate – a rigid dichotomy broken by the material’s 

characteristic lightness. The craftsmanship – the work 

of skilled artisans with whom the designer collaborates on 

a one-on-one basis – highlights the perfect symmetry of the 

earrings’ lines, as well as the uniformity of the brilliant white 

nut. These are jewels which nod in the direction of Southeast 

Asia – the largest consumer of ivory goods – and also 

prompt reflection on how the use of certain materials has 

an effect that is not only environmental, but also social and 

political. “The fashion world is consciously making a shift 

towards materials and processes that do not damage our 

Earth,” she states. “The signature of my brand has always 

been a strong personal perspective and intricate craftsmanship. 

There is no reason to forgo these elements while 

staying true to our message of sustainability. More so, what 

makes jewelry so special is its ability to transcend time, turning 

away from this modern notion of ‘fast fashion’. What is 

more luxurious and environmental than that?” 

VOGUE ITALIA FOR KC SUKAMTO

“An ode to Wayne 

Thiebaud”. Handcrafted 

with Hoover & Strong 

Harmony Platinum, 2.85 

CTW Made by Man Lab 

Grown Diamonds, 2.5 

CTW Assorted Gemstones, 

Calf Skin Leather and 

Tagua Nut. 

Kristin Hanson 

www.kristinhanson.us 

Kristin Hanson uses vegetable ivory for her new Pop Art jewel 

and calls attention to the fight against the illegal ivory trade. 

Contemporary art has long been a catalyst for the work 

of jewelry designer Kristin Hanson. Among the many 

genres and styles she references, her interests in Pop art 

are seen in one of her best creations, “An ode to Wayne 

Thiebaud,” which pays tribute to the godfather of Pop 

art. Hanson’s choker is beautifully crafted in the form 

of a typical American donut strewn with colorful gemstones 

and studded with diamond icing. Handmade from 

100% recycled platinum, lab-grown diamonds, leather, 

and a tagua nut, this piece exemplifies Kristin’s design 

philosophy; her creative work for years has involved a 

sustainable use of natural resources. The vegetable ivory 

symbolizes Kristin’s dedication to creating art with 

an eco-friendly mindset. Despite its lighthearted appearance, 

the precious donut seeks to draw attention to 

the illegal ivory trade and the poaching of elephants by 

using a hand-carved tagua nut as its centerpiece. With 

this new, completely naturally resourced piece, Kristin 

Hanson has succeeded in creating a piece of fine jewelry 

that combines avant-garde design, pop references and 

environmental sustainability. This beautiful and exotic 

donut choker flirts with fashion with fun-loving attitude. 

Hanson’s donut is immediate and connects to all facets 

of society, just as great Pop art should. 

VOGUE ITALIA FOR KRISTIN HANSON

Tagua bead necklace 

set with mixed fancy 

sapphires and blue topaz. 

MCL Design 

www.mcldesign.net 

Matthew Campbell Laurenza’s approach brings together design and art – and respect for 

tagua, which he works in such a way that it will become more beautiful as time passes. 

They are eclectic, colorful, and fun creations made of rare 

materials; their structure, however, is based on solid architectural, 

sculptural, and artistic foundations. And they 

look to art, drawing influence from Modernism, Art Deco, 

and the Renaissance: historical periods and art movements 

which molded Matthew Campbell Laurenza’s taste 

and the strong identity of his brand, M.C.L. Matthew left 

Savannah College of Art, where was studying architecture 

and interior design, to pursue a degree in Fine Arts, specializing 

in sculpture, at Bellarmine College. «My vision 

has always been to create pieces that stand the test of time 

by virtue of the high quality of materials and the design, 

going against the trend of the urge to buy endless, faddy 

gadgets,» he says. «This involves a more sensitive use of 

resources, which may mean reusing old stones, metals, and 

mounts or introducing new, organic, sustainable materials, 

such as the tagua nut, which helps to defend the elephant 

and whose cultivation has very little impact on the environment.» 

It is a vision that goes from the short to the long 

term, like his jewels, created to be passed from generation 

to generation, in a symbolic dialogue between the artist 

and the people who, on each occasion, interpret his works. 

«I always try to create interaction. My greatest pleasure is 

to see how much my work is transformed in relation to the 

person who wears it.» And how it becomes, over time, even 

more beautiful and precious. 

VOGUE ITALIA FOR MCL DESIGN

Handmade one-of-akind 

tagua nut swallow 

necklace. 18kt yellow gold 

19.5”. Round brilliant cut 

diamonds 4.60 carats. 

Pear-shaped diamonds 

1.46 carats. Hand-carved 

boulder opal swallow. 

Hand-carved tagua nut 

swallows. 

SYLVA & CIE. 

www.sylvacie.com 

With her tagua nut fine jewels, SYLVA & CIE. embraces green jewelry – and an ethical 

commitment to protect the planet and encourage social development. 

Sylva Yepremian’s passion for fine jewelry began as a childhood 

dream. Nine years ago, she launched her brand, SYL- 

VA & CIE., in Los Angeles; it has since become known for its 

balance of ancient world elegance with dynamic and imaginative 

designs. The variety of precious metals and the brilliant, 

colorful stones have become aesthetic hallmarks of the 

brand; Sylva uses reclaimed diamonds and recycled vintage 

elements to transform something old and something found 

into something unexpectedly modern. Creating sustainable 

jewelry fills Sylva with a sense of pride, which is why the challenge 

of turning a humble tagua nut into a work of art appealed 

so strongly to her. A material that resembles ivory but 

breathes like wood, the tagua is an abundant and sustainable 

resource, unique in its texture and versatile in its application. 

It is a substance that perfectly exemplifies the direction in 

which fine jewelry is moving: discovering new methods and 

materials to create collectibles of exquisite quality that also 

honor our shared cultural heritage and our earthly history. 

As an aware artisan, Sylva is proud to be part of this major 

shift in the industry. Working with the tagua has offered her 

an interesting opportunity to galvanize real environmental 

and social change through her showstopping eco-conscious 

pieces. And perhaps those who adore SYLVA & CIE. will 

become green jewelry ambassadors due to the unmistakable 

passion and sincerity for environmental protection Sylva exudes 

throughout her jewelry collection. 

VOGUE ITALIA FOR SYLVA & CIE.

BEAUTY/ICONE 

Un dialogo per immagini tra PAT McGRATH, make-up artist, e GUIDO PALAU, hair stylist. 

Pat 

COME VIRNA LISI by STEVEN MEISEL / Vogue Italia, luglio 2016 

Vittoria Ceretti alla maniera di Virna Lisi. Sugli occhi l’effetto anni 60 dell’eyeliner Signature de Chanel, noir. Sfumatura arancio 

sulle labbra con Rouge Allure Ink, n. 158. Tutto CHANEL. Fashion editor Olivier Rizzo. Hair Guido. Make-up Pat McGrath. 

368 vogue.it n. 805

Omaggio Al Cinema Italiano 

Guido 

COME MONICA VITTI by STEVEN MEISEL / Vogue Italia, ottobre 2003 

Elisa Crombez cita Monica Vitti in “La Notte” di Antonioni. Sul viso Creamy Illuminator, n. 60; per lo sguardo The Mascara 

Volumized Lashes, n. 3. Tutto DOLCE & GABBANA BEAUTY. Fashion editor Brana Wolf. Hair Guido. Make-up Pat McGrath. 

369

BEAUTY/PREVIEW 

Nella Notte 

Di Roma 

L’haute parfumerie ha scritto un nuovo capitolo olfattivo, 

una dedica speciale a una dea della notte, dal 

fascino irraggiungibile. That’s Goldea The Roman 

Night di Bulgari, fragranza che racconta un’eleganza 

inedita, più incisiva e drammatica: è un jus cipriato-floreale-muschiato, 

costruito con una partenza 

di peonia nera, mora e bergamotto. Si schiude, poi, 

in un’assoluta di tuberosa (la regina dei fiori della 

Roma by night) e di gelsomino in fiore, per dichiararsi, 

infine, con un cuore di patchouli e vetiver che 

aggiunge carisma e una forte identità. Chi è la dea di 

questa notte misteriosa dal fascino irraggiungibile? 

Inevitabilmente Bella Hadid: «Bulgari fa parte dei 

momenti più belli della mia famiglia, quindi della 

mia vita. Papà regalò a mamma una parure, che oggi 

appartiene a me», ricorda la top model (e icona-globale, 

con i suoi oltre 14 milioni di followers). Cucito 

sulla sua bellezza magnetica lo storytelling del film 

che accompagna il lancio: lei che corre verso la Città 

Eterna e si dissolve nelle luci dorate della notte, nei 

suoi profumi ipnotici. «Conoscevo già Roma e la 

amo. Una cara amica che ha vissuto qui me l’ha fatta 

scoprire. Di notte, più oscura e audace, la città mi 

piace di più. Anch’io sono una ragazza notturna». • 

di MARIA VITTORIA POZZI 

foto di PHILIPPE JARRIGEON 

Collana 

collezione 

Serpenti 

Tubogas, 

in oro rosa 

e pavé di 

diamanti, 

BULGARI. 

370 Code 


set design pompili & cameranesi @ carole lambert.


Uno Scandalo 

Annunciato 

JEAN-PAUL GAULTIER lancia 

la sua nuova fragranza gourmand 

“jambes en l’air”. Con uno 

sguardo (ironico) all’Eliseo. 

Di solito, quando si tratta di Jean-Paul 

Gaultier, è il pubblico che grida allo scandalo. 

Questa volta, però, il couturier ha 

preso l’iniziativa e a parlare di scandalo è 

lui in persona. Dopo quasi 3 anni di gestazione, 

nasce Scandal: fragranza femminile, 

gourmand e sensuale, che sa di miele e gardenia, 

di notti dissolute e di giorni eccitanti. 

Persino il flacone è un ironico ammiccamento 

all’espressione francese “jambes 

en l’air”, intraducibile, ma inequivocabile: 

«È un po’ spinto, ma è divertente no?», 

dice Gaultier con un guizzo malizioso nello 

sguardo. «Parlando seriamente, volevo 

evocare la libertà, il movimento: le gambe 

servono a correre verso la persona che 

vuoi baciare o a scappare da una situazione 

che non ti soddisfa. Ora che ci penso: è un 

profumo en marche!». Ride, per il gioco 

di parole sull’espressione “in cammino”, 

diventato slogan del presidente Macron. Il 

clin d’oeil alla politica si estende anche alla 

campagna pubblicitaria: una donna sexy 

e decisa che celebra la notte con amici 

e amanti a Pigalle, e poi all’alba un’auto 

blu la porta all’Eliseo. «Chi l’ha detto che 

se occupi un posto istituzionale non puoi 

divertirti? L’importante è affrontare le 

cose significative con serietà, conservando 

un po’ di leggerezza e autoironia». • 

di MARIA GRAZIA MEDA 

foto di PHILIPPE JARRIGEON 

372 Code 


set design pompili & cameranesi @ carole lambert.

ELISIR 

ANTI-ETÀ 

OIL-ABSOLUTE ® 

NUTRE – TONIFICA – LEVIGA 

ILLUMINA – UNIFORMA – AFFINA [1] 

UNA FORMULA ANTI-ETÀ ECCEZIONALE 

4 oli preziosi arricchiti dall’ambra eterna in una texture 

vellutata sublimatrice che risveglia la pelle affaticata. 

Principi attivi potenti ed esclusivi tonificano, levigano, 

illuminano e affinano la grana della pelle in un solo gesto. 

Riattivazione cutanea visibile in 30 giorni. 

IL PRIMO LABORATORIO FRANCESE (2) DI MEDICINA ESTETICA 

[1] La grana della pelle [2] Fondato nel 1978.


Dolce, 

Pericoloso 

set design pompili & cameranesi @ carole lambert. 

Se, come dice Alessandro Michele, «il 

vero lusso è la libertà di essere se stessi», 

Hari Nef ne è l’incarnazione perfetta. 

Modella, attrice, scrittrice, a soli 24 anni 

ha già cambiato strade, identità e mondi 

diversi. Lo stilista di Gucci l’ha voluta come 

coprotagonista della prima fragranza 

creata sotto la sua direzione artistica: Bloom 

(insieme a lei, interpreti della campagna 

sono l’attrice Dakota Johnson e l’artista 

Petra Collins). 

Qual è il link tra voi tre? 

Il fatto di affrontare ogni cosa a modo 

nostro. È essere “unconventional”, ma in 

maniera sottile, non urlata. Come Bloom. 

Che è “sweet and dangerous” allo 

stesso tempo. 

Credi che un profumo possa farti sentire 

diversa? Più sensuale? 

Ho sempre pensato che fossero i vestiti 

a parlare per te, ma in realtà parlano 

molto di più le fragranze. Quando ti si 

avvicina qualcuno, è “costretto” a sentire 

il tuo profumo. E sei tu, solo tu, che 

decidi cosa far sentire agli altri. Il potere 

comunicativo è molto forte. 

Cosa significa Gucci per te? 

È la celebrazione dell’identità. Il non imporre 

mai una visione unica. 

E la bellezza? 

È autenticità. Trovo che qualcuno sia attraente 

se, mentre ci parlo, mi viene da 

pensare: mai incontrato uno così! Non 

flamboyant, ma freak o all’avanguardia. 

Semplicemente unico. Un po’ come Alessandro 

Michele. • 

di SUSANNA 

MACCHIA 

foto di PHILIPPE 

JARRIGEON 

374 Code 

vogue.it n. 805

NEW


Per Gabrielle 

Dedica olfattiva a MADAME COCO. 

All’audacia, all’irriverenza, allo spirito 

indomabile. Con un trionfo floreale. 

Se non fosse diventato parfumeur, Olivier 

Polge avrebbe fatto il pianista. Musica e 

profumi, d’altronde, parlano la stessa lingua: 

note, composizioni, armonia. Ma se gli 

si chiede che musica sarebbe Gabrielle, il 

nuovo jus creato per Chanel, non riesce a rispondere. 

«Perché è un’armonia totalmente 

nuova: solo fiori, protagonisti come mai 

prima. La quintessenza di un floreale». • 

di SUSANNA 

MACCHIA 

foto di PHILIPPE 

JARRIGEON 

Scarpe, 

archivio CHANEL. 

set design pompili & cameranesi @ carole lambert. manicure sandrine bo. 


BEAUTY/ANTEPRIMA 

Il colore duttile 

veste 

labbra 

e occhi. 

Toni 

nudi o 

disco 

rock. 

foto di COPPI BARBIERI 

YVES SAINT LAURENT 

BEAUTÉ Palette Couture 

Variation Eyes & Lips, n. 05, 

della collezione maquillage a/i 

Night 54. Permette di creare 

look diversi grazie a un’estesa 

varietà di colori e di texture: 

opache e lucide, calde 

e fredde, per occhi e bocca. 

378 Code 

vogue.it n. 805

Candy 

Split 

by Giannico 

Coloratissima, golosa e divertente. La sesta collezione creata 

da Kiko Milano per i suoi vent’anni e firmata da Giannico, uno 

dei brand di scarpe più cool del momento, è un’apoteosi di tinte 

caramellose, pack bon bon e toni marshmallow. La linea infatti 

è un’omaggio alla pasticceria e al cake design. Irresistibile. 

Un designer di scarpe che ha solo 22 anni ma è già famoso 

in tutto il mondo, un cult-brand di make-up e i bon bon più 

gourmand. È il mix di protagonisti della sesta capsule collection 

che Kiko Milano ha creato per celebrare i suoi primi 

20 anni di storia. La collezione si chiama Candy Split ed è 

firmata Giannico, che la racconta così: «Mi sono ispirato al 

mondo delle caramelle e dei dolci: la delizia della pasticceria 

francese, con tutte le sublimi creazioni, come gli incantevoli 

macarons». La vera sfida? «Trasferire tutte le mie idee in 

oggetti così piccoli». Sfida assolutamente vinta con matite, 

lipstick, nail lacquer, perfino nail stickers: tutti coloratissimi, 

divertenti e irresistibili. Come il più goloso dei cup cake. E 

come solo il trucco Kiko Milano sa essere. Make-up Cosetta 

Giorgetti @ Close Up Milano agency. Hair stylist Franco Argento 

@ Atomo Management. Photographer Rosi di Stefano.

Candy Split 

by Giannico 

Dall’alto. In senso orario. Brush Kit: 3 pennelli per fondotinta e ombretti in una pratica pochette. Eye&Brow Glossifier: gel contorno 

occhi, viso e sopracciglia con estratto di lampone. Lipstick, n. 01 Cherished Rose, n. 02 Lovely Lavander, n. 03 Violet Glaze e n. 04 

Creamy Sage: rossetto cremoso all’aroma di vaniglia, dal colore intenso e luminoso. Pochette disegnata da Giannico, ideale per 

portare sempre con sé i trucchi della collezione. Nail File Set: lime per unghie a forma di caramella. Nail Lacquer, n. 01 Golden 

Icing Sugar, n. 02 Cotton Candy Rose, n. 03 Periwinkle Cream e n. 04 Tiffany Macaron: tonalità confetto per gli smalti top coat, 

da abbinare tono su tono o in contrasto, su tonalità più classiche. Serum: siero viso idratante e illuminante, ideale come base 

trucco. Highlighter: illuminante viso effetto marmorizzato che permette di creare punti di luce mirati. Eye Pencil, n. 01 Rosy Marsh- 

Mallow, n. 02 Candy Iris, n. 03 Sweet milk Mint e n. 04 chewy Liquorice: matita occhi a lunga tenuta. Eyeshadow, n. 01 Violet 

Cupcake, n. 02 Mauve Lollipop, n. 03 Golden Sorbet e n. 04 Mild Green: ombretto in crema ad alta sfumabilità. Lips Mattifier: 

top coat opacizzante labbra all’aroma di biscotto. Lip Scrub: esfoliante a base di cristalli di zucchero. Still life by Pietro Scordo.

BEAUTY/HAIR 

Tutto È Possibile 

Aminoacidi della seta, lipidi micronizzati 

per ricostruire ex novo la fibra capillare. 

Personalizzazioni di colore, sfumature su 

misura, effetti ocean wave in città. Così 

la SCIENZA crea inedite idee di bellezza. 

foto sfilata marni a/i 2017/18 @ gorunway. 

Da sinistra. 

R+Co Sail Soft 

Wave Spray. 

KÉRASTASE 

Touche 

Chromatique. 

ROSSANO 

FERRETTI 

Prodigio 

Regenerating 

Potion. WELLA 

Fusion Amino 

Refiller. ALTER 

EGO Hasty Too 

Curls Amplifier. 


Code 

383

BEAUTY/SKINCARE 

Il Volto 

Ridisegnato 

3 

Interrompere i meccanismi dell’AGING 

e riattivare le funzioni vitali della pelle. 

Con sieri booster o maschere notte. 

Sempre ad alta tecnologia cosmetica. 

2 

4 

Lo skincare più innovativo affronta l’aging cutaneo 

in modo globale: «Riattivando le cinque 

funzioni vitali della pelle (rigenerazione, ossigenazione, 

nutrimento, idratazione e protezione) 

in contemporanea», spiega Marie Hélène Lair, 

direttore comunicazione scientifica Clarins. 

Non è più quindi solo questione di rughe o di 

cedimenti. È l’estetica generale che conta. Per 

trattamenti da giorno multi-attivi. E maschere 

da notte che, stimolando le proteine della giovinezza, 

promettono risvegli in grande stile. • 

di SUSANNA MACCHIA 

foto di CHIARA GIAMINARDI 

1 

5 

1. DIOR One 

Essential, Skin 

Boosting Super Serum. 

2. CLARINS 

Double Serum. 

3. CHANEL Le Lift Masque 

de Nuit Récupérateur. 

4. STRIVECTIN Nia 

Glow on Demand. 

5. SKINCEUTICALS 

A.G.E. Interrupter. 

384 Code 

vogue.it n. 805

inascimento.com

BEAUTY/MOSTRE 

Il Fior Fiore 

La moda, la pubblicità, gli still 

life. Poi i ritratti in bianco e nero 

di artisti, scrittori, stilisti: 

IRVING PENN al Grand Palais. 

Per più di 60 anni ha lavorato per Vogue. 

Ma il percorso di Irving Penn non 

si è mai limitato alla fotografia di moda. 

Spaziando dalla bellezza ai fiori, ai progetti 

per la pubblicità, amava ritrarre 

personaggi celebri come Pablo Picasso, 

Yves Saint Laurent e Audrey Hepburn. 

In occasione del centenario della sua nascita, 

il Grand Palais di Parigi gli dedica 

una retrospettiva completa: la prima in 

Europa, dall’anno della sua morte. • 

di SUSANNA MACCHIA 

“Mouth” è una foto realizzata per L’Oréal Paris, nel 1986 a New York. 

L’immagine fa parte dell’esposizione dedicata a Irving Penn allestita 

al Grand Palais di Parigi, dal 21 settembre al 29 gennaio 2018. 

Brillantemente 

Coloratissime, trasparenti, mat o disegnate: 

le labbra sono il focus del maquillage di stagione. 

Complice la tecnologia cosmetica che, 

nella sezione rossetti, ha raggiunto livelli inaspettati. 

Per dire: Linda Cantello, international 

make-up artist Giorgio Armani, si sbilancia 

e, parlando di Ecstasy Shine, lo definisce il 

«Rossetto perfetto». Perfetto, in che senso? 

«Perché coniuga il meglio delle performance 

trattanti di un balsamo, al top della brillantezza 

cromatica». Versatile e multitasking anche 

Rouge Sculpt di Givenchy che fa da rossetto 

ma anche matita per il contorno. • 

the metropolitan museum of art, new york, © the irving penn foundation. 

Da sinistra. CHANEL Rouge Coco, N474, lipstick idratante. GIORGIO ARMANI BEAUTY 

Ecstasy Shine, N300, lucentezza a specchio e massima idratazione. GUERLAIN KissKiss Matte, 

hot coral, finish mat. GIVENCHY Rouge Sculpt, N2, con doppia texture: colore e contorno. 

386 Code 

vogue.it n. 805

© Paul Rousteau 

From Thursday 28 th September to Sunday 1 st October 2017 

Ready-to-wear & accessory collections → SS18 

Jardin des Tuileries & Place de la Concorde, Paris 

premiere-classe.com — parissurmode.com

BEAUTY/NEWS 

In Scena 

BELLA HADID per Nars, un sofisticato 

TRAVEL CASE, una SPA medicale. 

È l’immagine inedita del backstage della campagna 

di Nars, iconico marchio di make-up: la 

nuova testimonial Bella Hadid stretta al musicista 

Justin Gossman. Poi frange, catene e 

molta pelle, anche nuda. L’ispirazione è il rock 

anni 70. E il maquillage segue lo stesso ritmo. 


Il Baule Dei Profumi 

Louis Vuitton disegna esclusivi travel case, questa volta per i suoi 

profumi. Portando avanti la tradizione della maison, legata all’arte 

di creare scrigni su misura per effetti personali. Flaconnier in 

cuoio avvolgono i sillage come gioielli di sublime artigianato. • 

Rinascita 

Premiata da poco come 

la migliore medical spa 

del mondo, Lanserhof 

Tegernsee è un luogo 

di rinascita psicofisica 

dove la cucina organica 

si mescola al benessere 

olistico. Per migliorare 

lo stato di salute, anche 

dei capelli. Con System 

Professional di Wella. • 

388 Code 

vogue.it n. 805

L E L L A B A L D I . C O M

BEAUTY/PROFILI 

The Italian Job 

Greta Varlese 

19 anni il 21 agosto. Mamma tedesca, papà 

calabrese. Nata e cresciuta a Soverato. 

Cos’hai amato di più dello shooting? 

Il mio primo nudo! Eravamo sulla terrazza 

dello studio di Patrick, a NY. Ero a mio agio. 

Qual è il tuo talento, in questo mestiere? 

Non mi fisso su come posare, che espressioni 

fare, non programmo niente. Cambio a 

seconda del giornale o dei vestiti che indosso. 

Cos’è la bellezza italiana, oggi? 

Molto diversa dal passato. La mentalità cambia 

e quindi anche i gusti. Vivo nel presente 

e siamo forzati a percepire nuovi standard. • 

Nel servizio di Patrick Demarchelier 

(pag.392) tre giovanissime modelle 

italiane interpretano il fascino intenso, 

melodrammatico e sensuale delle grandi 

dive: da Sofia Loren a Silvana Mangano, 

ad Anna Magnani. Un’indagine sull’idea 

di femminilità radicata nel nostro 

immaginario collettivo. Partendo dal 

passato verso nuovi, molteplici, spunti. 


Giulia Maenza 

Siciliana di Camporeale, 17 anni. 

Come hai cominciato? 

Tre anni fa, in uno stadio di 

atletica leggera un’ex modella mi 

ha convinta a provare. 

Quali sono gli stereotipi estetici 

dell’immaginario italiano? 

Le dive del passato rimangono un 

modello ma credo sia necessaria una 

reinterpretazione più attuale. 

Cosa ti piace del nostro paese? 

Siamo circondati dalla bellezza e da 

fonti inesauribili d’ispirazione. • 

Gail Pelizzari 

Milanese, 18 anni. 

Com’è iniziata la tua carriera? 

Prima sono stata rifiutata per l’altezza, solo 

1,73. Poi una fotografa mi ha vista al bar. 

Ricordi dal set? 

Stavo al mio posto, non riesco a essere 

troppo espansiva. Patrick scattava velocissimo, 

con me ci ha messo 5 minuti. 

Da dove viene il tuo nome? 

Dalla protagonista del film “Carlito’s way”. 

Mia madre lo ha tatuato sul polso. • 

390 Code 

vogue.it n. 805

musani.com


Diva 

photos by Patrick Demarchelier 

393


Õ In apertura. Greta 

Varlese @ The Society 

Management. Sui 

capelli Eimi Ocean 

Spritz di WELLA 

PROFESSIONALS. 

Sottoveste 

LA PERLA. 


Gail Pelizzari @ 

Women Direct. 

Eau de Parfum 

La Mia Perla di 

LA PERLA ha note 

orientali e solari. 

Vestaglia LA PERLA. 

styling by Paul Cavaco 

hair by Jimmy Paul 

make up by Diane Kendal. 

395

396 Code vogue.it n. 805 

In questa pagina. 

Sa di rosa selvaggia 

Eau de Parfum 

Miss Dior 

di DIOR. Trench 

e scarpe DIOR. 

Ò Nella pagina 

accanto. Giulia 

Maenza @ Why Not 

Models. Eyeliner 

Metalizzato N04; 

Mascara Volume, 

black. Tutto collezione 

Fall 2.0 di KIKO 

MILANO. Lingerie 

LA PERLA.

397



Polvere compatta 

Diorskin Nude Air, 

N030 di DIOR. 

Miniabito di seta con 

corpino di tulle a 

ruches, CHANEL. 

Manicure Yuko 

Tsuchihashi 

for Granje @ Susan 

Price NYC. 

399



Sugli occhi eyeliner 

Signature de Chanel, 

N10; sulle ciglia 

Le Volume 

Ultra-Noir de Chanel. 

Tutto CHANEL. 

Trench di cavallino, 

PHILOSOPHY 

DI LORENZO 

SERAFINI. 

401

Alchimie 

Creative 

Innovazione, stile e sostenibilità 

made in Italy, le qualità vincenti 

dei tessuti Sensitive® Fabrics 

di Eurojersey. 

Frutto di una tecnologia innovativa italiana, brevettata 

da Eurojersey, i tessuti Sensitive® Fabrics 

sono considerati l’eccellenza nel campo dei 

cosiddetti indemagliabili. L’esclusivo intreccio 

di microfibra di nylon e fibra elastica lycra® 

offre straordinarie performance: leggerezza, 

traspirabilità, elasticità tridimensionale. I tessuti 

Sensitive® Fabrics sono la quintessenza del lifestyle 

contemporaneo grazie alle caratteristiche 

di qualità, funzionalità e versatilità che consentono 

la creazione di uno stile personalizzato. 

Tessuti che modellano il corpo dando vita ad 

abiti dallo stile lineare che si rifanno a un minimalismo 

pratico. Trattamenti avanzati e tecniche 

innovative come le cuciture termosaldate, le nastrature, 

i tagli laser e a ultrasuoni ne enfatizzano 

l’aspetto tailoring. La poliedricità dei tessuti 

Sensitive® Fabrics permette di creare un intero 

guardaroba di capi dalla vestibilità ineguagliabile, 

perfetti in tutte le occasioni con un comfort 

ottimale in ogni momento della giornata. 

La speciale struttura tessile dona una particolare 

luminosità e una straordinaria brillantezza di 

colori, oltre a un’altissima definizione cromatica 

e di stampa. L’intero ciclo produttivo verticalizzato 

dell’azienda è improntato alla sostenibilità. 

Riduzione di coloranti, energia e acqua sono 

solo alcuni dei risultati raggiunti da Eurojersey 

che ha fatto di stile, qualità e rispetto per l’ambiente 

il proprio credo. 

Fotografia di Tino Vacca

VOGUE ITALIA PER EUROJERSEY 

TECNOLOGIE 

DI STAMPA 

MESSE A PUNTO 

DA EUROJERSEY 

ECOPRINT. Eccellente 

qualità e brillantezza. 

È una tecnologia 

brevettata da Eurojersey 

che utilizza pigmenti 

colorati con sorprendenti 

giochi di luce e tono 

su tono. 

STAMPA DIGITALE. 

Simula un decoro 

offrendo un aspetto 

stampato davvero 

tridimensionale. 

La sensazione materica 

unita al comfort 

e alle performance 

di prodotto. 

PLACEMENT PRINT. 

Nasce dall’ingegno 

creativo dell’ufficio 

stile dell’azienda. 

Il disegno viene 

stampato secondo 

le dimensioni del capo 

grazie alla riproduzione 

proporzionale 

direttamente sui tessuti 

Sensitive® Fabrics.

COTE 

Featuring 

NIVEA 

Una coppia di talentuosi stilisti e un 

brand cult di bellezza, attento alle 

esigenze delle donne di tutte le età. 

COTE e NIVEA hanno unito i loro 

mondi creativi per personalizzare il 

look del deodorante più fashion oriented 

che c’è. È Invisible for Black&White, 

il deo che rispetta i tessuti, ora reso 

unico da una grafica very cool. 

Invisible for Black&White di NIVEA, nelle tre versioni 

Original, Fresh e Active. Tutte in edizione limitata con 

pack disegnato da COTE.

VOGUE ITALIA PER NIVEA 

Cosa ha a che fare un deodorante con il mondo della moda? 

Molto, anzi moltissimo. Quando si indossa un abito, 

infatti, l’obiettivo è sentirsi a proprio agio. Cioè, fresche 

e perfette, all day long. Quindi: zero sfumature bianche 

o gialle che non solo fanno sentire a disagio, ma possono 

deteriorare definitivamente un vestito o una camicia. 

Ecco perché NIVEA ha pensato alla formula di Invisible for 

Black&White che, al netto di una freschezza a lungo termine, 

ha il massimo del rispetto per i tessuti, sia quelli bianchi 

soggetti a ingiallirsi, sia i capi scuri a rischio sfumature 

chiare. Invisible for Black&White è proprio un deodorante 

che ama la moda. E per suggellare questo amore, NIVEA 

ha chiesto a COTE, fashion brand italiano già molto conosciuto 

a livello internazionale, di personalizzare tre flaconi 

con dei disegni ad hoc. Così Tomaso Anfossi e Francesco 

Ferrari, i due stilisti fondatori del marchio, raccontano 

il progetto: «Abbiamo creato queste grafiche attingendo 

dal nostro mondo estetico, esprimendo appieno lo spirito 

NIVEA che ogni donna può fare suo». I designer hanno 

rielaborato dei pattern di abiti di collezioni passate, stilizzandoli 

e trasformandoli in bianco e nero proprio per 

ribadire il legame con Invisible for Black&White. I flaconi 

firmati da COTE (presentati in anteprima durante la Vogue 

Fashion’s Night Out in un corner di Palazzo Morando 

a Milano) sono tre, rispettivamente pensati per le tre versioni 

del deodorante: Original, Fresh e Active. Difficile sceglierne 

uno. Il consiglio? Collezionarli tutti e tre. I flaconi sono infatti 

un’edizione limitata assolutamente da non perdere. 

WWW.NIVEA.IT

Mountain Wellness 

In una valle incontaminata del Trentino, al cospetto delle montagne 

patrimonio Unesco, sorge QC Terme Dolomiti. Il nuovissimo 

centro termale del Gruppo QC Terme. Che rafforza il legame col 

territorio. E vizia gli Ospiti con un articolato percorso benessere, 

tra forest bathing, biosaune, piscine indoor e outdoor. 

Una sala panoramica del nuovo centro QC 

Terme Dolomiti (foto di Francesco Bolis).

VOGUE ITALIA PER QC TERME 

Poltrone sospese 

nella sala Il cielo 

in una stanza (foto 

Francesco Bolis). 

Decor della sala relax 

Salotto del Loden 

(foto Francesco Bolis). 

Una veduta 

della vasca interna 

che prosegue all’aperto 

(foto Francesco Bolis). 

Leggenda vuole che, sulle vette montuose 

del Catinaccio, re Laurino coltivasse un 

roseto così bello da attirare la curiosità 

del principe del Latemar: arrivato per 

vedere le rose, scoprì invece l’esistenza 

della principessa Ladina, che rapì. Grande 

fu l’ira del re, il quale rese invisibile 

il suo giardino con un incantesimo. Le 

uniche tracce risiedono nell’Enrosadira, 

fenomeno che rende rosa le cime all’alba 

e al tramonto. Proprio dalla Val di Fassa si 

gode una vista privilegiata sul massiccio 

dolomitico del Trentino, patrimonio naturale 

Unesco; ed è qui che sorge il nuovo 

centro QC Terme Dolomiti, nono gioiello 

dei centri benessere QC Terme. 

Inaugurato all’inizio di dicembre 2016, 

rafforza il legame tra QC Terme e la 

montagna, che nella filosofia del Gruppo 

dei fratelli Quadrio Curzio è un elemento 

chiave dell’approccio al benessere: luogo 

in grado di favorire il rilassamento e di 

stimolare il contatto con la natura. 

Il centro, che si sviluppa su tre livelli e 

ha una superficie di 4.300 mq, è stato 

progettato per avere un minimo impatto 

sull’ambiente: a riprova dell’orientamento 

sostenibile della struttura, QC Terme Dolomiti 

ha attivato un percorso che lo porterà 

a ottenere la certificazione internazionale 

LEED (Leadership in Energy and Environmental 

Design), che ne garantisce l’eccellenza 

nella progettazione energetica 

e ambientale. 

Tra le peculiarità del centro, che viene 

alimentato dalla sorgente naturale Alloch, 

unica sorgente solforosa del Trentino, 

sono le piscine e gli spazi esterni: luoghi 

ideali anche per praticare quel “forest 

bathing” che in Oriente viene assimilato 

a una forma di medicina preventiva. 

Camminare tra gli alberi, all’aria aperta, 

calmerebbe infatti stress e depressione, 

aiuterebbe a regolare la pressione e a 

rinforzare il sistema immunitario. Per gli 

Ospiti la possibilità di un percorso benessere 

ricco di momenti diversi: nella 

struttura, vasche idromassaggio, percorsi 

Kneipp, cascate d’acqua, bagno giapponese 

e a vapore, stanze del sale, saune 

e biosaune. Non mancano aree relax e 

sale per i trattamenti; e l’appuntamento 

con l’Aperiterme. Perché anche Pozza di 

Fassa, rimanendo fedele alla sua anima 

“slow”, entra a far parte di un ideale lifestyle-destination 

tour.

QVC Next 

/The Fashion 

Edition 

14 settembre 2017, Milano: torna la Vogue Fashion’s Night Out. E con lei la seconda 

edizione del programma promosso da Vogue Talents e QVC, il retailer multimediale 

che unisce tv, digital e mobile per un’esperienza di shopping integrata. Il progetto 

QVC Next / The Fashion Edition anche quest’anno sostiene le nuove generazioni 

di designer, offrendo ad alcuni di essi l’opportunità di vendere attraverso le proprie piattaforme 

delle capsule collection realizzate in esclusiva. 

Questo programma dedicato ai nuovi talenti della moda è il risultato di un impegno costante 

da parte di QVC nell’investire sui brand del made in Italy che, proprio grazie a QVC Next, 

trovano uno spazio di visibilità e vendita. Un impegno concreto che intende promuovere 

l’intuizione creativa, il lavoro e le aspirazioni che si celano dietro a ogni idea. 

Le prime due designer selezionate sono Manuela Di Prima e Giuliana Mancinelli Bonafaccia: 

nel corso della VFNO saranno loro le protagoniste, con un evento dedicato a Palazzo 

Morando in cui verrà svelata un’anteprima delle linee create per QVC. 

Il primo appuntamento è il 14 settembre con la capsule boho-chic di Via Po by Manuela 

Di Prima, disponibile in web preview su www.qvc.it. Il giorno dopo, la collezione verrà 

invece presentata con un live show televisivo alle 21, e da quel momento potrà essere 

acquistata in tv, sul sito internet o sull’app QVC.

VOGUE ITALIA PER QVC 

Manuela Di Prima 

Stilista dal background eclettico e internazionale, 

Manuela Di Prima prende ispirazione 

dalle sue esperienze di vita, dall’arte 

e dal cinema per disegnare moda tra l’Italia, 

la Francia, New York e Los Angeles. Dopo 

aver lanciato il marchio Maison Di Prima per 

celebrare la sua passione per l’haute couture 

e lo stile minimal, ha deciso di fondare 

il nuovo brand Via Po by Manuela Di Prima 

per raggiungere un pubblico più vasto: 

«Grazie alla partnership con QVC presenterò 

una capsule collection che propone un 

mix di capi da abbinare tra loro per creare 

diversi total look». 

Giuliana Mancinelli Bonafaccia 

Dettagli geometrici e ispirazioni pop. La loro 

contrapposizione è alla base di ogni borsa 

e gioiello creati da Giuliana Mancinelli Bonafaccia, 

e la loro combinazione è sempre 

estremamente contemporanea. «Per realizzare 

la capsule GMB by Giuliana Mancinelli 

Bonafaccia sono partita dagli elementi 

distintivi della mia griffe e li ho resi più accessibili. 

QVC Next / The Fashion Edition 

mi dà infatti la possibilità di sperimentare, 

proponendo una linea che è in grado 

di raggiungere un target molto ampio», spiega 

la designer che ha fondato il suo brand 

nel 2011 e che tre anni dopo è stata tra 

i finalisti di Who is on Next?. 

In questa pagina, dall’alto. Anello Knot, 

orecchini Bind e anello a spirale con borchia 

e stella con pavé di cristalli Swarovski. 

Questi gioielli sono bagnati in oro 

chiaro e fanno parte della capsule GMB 

by Giuliana Mancinelli Bonafaccia. Nella 

pagina accanto. Abito corto con carré in 

pizzo e collo alto della collezione di Via 

Po by Manuela Di Prima. 

Sintonizzati su: 

Digitale Terrestre e tivùsat 

canale 32 

Tivùsat HD canale 132 

Sky e Sky HD canale 475 

Segui QVC su: 

www.qvc.it 

facebook.com/QVCitalia 

twitter.com/QVCitalia 

Sono due gli appuntamenti esclusivi con QVC: il 14 settembre, in occasione della VFNO, web preview su www.qvc.it della capsule 

collection di Via Po by Manuela Di Prima; il 15 settembre alle 21, show in diretta televisiva in cui la designer racconterà la propria collezione.

Scegli di essere bella e di prenderti cura dei tuoi capelli con Choice, gli esclusivi trattamenti coloranti, senza ammoniaca, 

a base di principi attivi naturali che permettono di realizzare effetti personalizzati che esaltano la bellezza di ogni donna. 

www.medavita.it • 

ABRUZZO 

Fabio Di Carlo 

Via Valle 66A-66030 Arielli (CH) 

Tel. 3802696719 

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Via Nazionale Adriatica Nord 26-Francavilla al 

Mare (CH) Tel. 3313023366 

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Via della Libertà-Ortona (CH) 

Tel. 3278338319 

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Via Cavour 51-Sambuceto di S. Giovanni (CH) 

Tel. 3273763647 

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Via Dante Aligheri 168-Scerni (CH) 

Tel. 0873919792 

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Viale Abruzzo 15-Montesilvano (PE) 

Tel. 0854453417 

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(NA) Tel. 0818701521 

Guadagno Luca 

Via delle Mimose 8-Cercola (NA) 

Tel. 0815551377 

Kapera Schettino Maria 

Via Castellammare 146-Gragnano (NA) 

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I Ferrigno Parrucchieri 

Via Vincenzo Merolla 19-Marano di Napoli (NA) 

Tel. 0815863415 

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C.so Vittorio Emanuele 45-Napoli (NA) 

Tel. 081663663 

Annunziata the Beauty Room 

Via Pappalardo 79-Ottaviano (NA) 

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Armonie Parrucchieri 

Via F. Caiazzo 58-Pomigliano d’Arco (NA) 

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Via Sacra 16-Pompei (NA) Tel. 0818502240 

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Tel. 081274959 

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Via G. di Prisco 125-San Gennarello di Ottaviano 

(NA) Tel. 3333353448 

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Via Ottaviano 90-San Gennaro Vesusiano (NA) 

Tel. 0818666128 

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Via M. Di Savoia 17-San Giorgio a Cremano (NA) 

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Via Irma Bandiera 13/2A-Granarolo dell’Emilia 

(BO) Tel. 051761663 

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Via Turati 1-Imola (BO) Tel. 0542643479 

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L’ H Parrucchieri 

Via Cavallotti 7-Medicina (BO) 

Tel. 051850907 

Manuela & Valentina 

Parrucchieri 

Via Casaglia 22F-Monzuno (BO) 

Tel. 0516771548 

Il Centro Commerciale La 

Bellezza 

Via Emilia 68-Ozzano dell’Emilia (BO) 

Tel. 051796610 

Vale & Fede Acconciature 

P.za del Mercato 14-Pian del Voglio (BO) 

Tel. 053498105 

Acconciature Monica 

Via Porrettana Sud 73/5-Pian di Venola (BO) 

Tel. 051932538 

Io & Catia Parrucchieri 

Via Nazionale 106/2 c/o Pianoro Sport 

Accademy-Pianoro (BO) Tel. 3382711211 

Lalunapiena Parrucchiera 

Via S.S. Trinità 11/A-Pieve di Cento (BO) 

Tel. 051975490 

Il Ricciolo 

Via A. Gramsci 261-Sala Bolognese (BO) 

Tel. 0516814424 

Studio E Acconciature by Elena 

Via Fosse Ardeatine 3-San Giorgio di Piano (BO) 

Tel. 051892300 

Bruno & Teresa Parrucchieri 

Via Fosse Ardeatine 10-San Lazzaro di Savena 

(BO) Tel. 051466518 

Fuori di Testa by Cristina 

Via Emilia 52-San Lazzaro di Savena (BO) 

Tel. 051460270 

Parrucchiera Romagnoli 

Patrizia Canessa Marina 

Via Magenta 22-Chiavari (GE) Tel. 0185304671 

Bros Parrucchieri 

C.so Sardegna 62R-Genova (GE) 

Tel. 010511463 

Genny & Tixxi Equipe 

della Bellezza 

P.za del Mercato 9-S. Stefano D’Aveto (GE) 

Tel. 018588144 

Sensazioni 

Via A. Mazzini 7-La Spezia (SP) Tel.018724622 

Forbice d’Oro 

Corso Nazionale 315-La Spezia (SP) 

Tel. 3465237694 

Ascoli Gianna 

Via Montello 4-La Spezia (SP) Tel. 018721151 

Salone Tony di Bellegoni 

Via XX Settembre 60-Sarzana (SP) 

Tel. 0187621542 

Parr. per Signora Raimondo 

P.zza Italia 3-Millesimo (SV) Tel. 3356062595 

LOMBARDIA 

Gritti Nadia 

Via Papa Giovanni XXIII 38/A-Almè (BG) 

Tel. 035543708 

Acconciature Meris 

Via San Giorgio 4-Almenno S. Salvatore (BG) 

Tel. 035640631 

Sisana Federica 

Via Paleocapa 57-Alzano Lombardo (BG) 

Tel. 035512015 

Franchi Patrizia 

Via Nazionale 261-Costa Volpino (BG) 

Tel. 3406065088 

Accociature Patrizia e Catia 

Via Papa Giovanni XXIII 12-Leffe (BG) 

Tel. 035733161 

Proposta Centro Immagine 

Via Roma 80/E-Sovere (BG) Tel. 035981473 

Natural Hair Claudia 

Tomasoni 

Via Repubblica 25-Berlingo (BS) 

Tel. 3332456685 

Acconciature Nunzia 

Via G. Galilei 35-Boario Terme (BS) 

Tel. 0364531634 

Guidetti Arianna 

Via Roccole 90-Boario Terme (BS) 

Tel. 0364531065 

Griffe 

Via Indipendenza 37 S. Eufemia-Brescia (BS) 

Tel. 030364678 

Federico G. Parrucchieri 

Via Forcello 1/a-Brescia (BS) 

Tel. 3458515032 

Roberta Parr. 

Via S. Briscioli-Capo di Ponte (BS) 

Tel. 0364331366 

Momento Donna 

Via Ungaretti 53-Capriano del Colle (BS) 

Tel. 0309971629 

Gregori Pietro P. Arte&Moda 

Via Bergoma 5-Carpenedolo (BS) 

Tel. 0309983050 

Paparusso Laurantonella 

P.za Martiri Della Libertà 8-Chiari (BS) 

Tel. 3807873073 

Giovanessi Mara 

Via Garibaldi 1 - Colombaro-Corte Franca (BS) 

Tel. 3395621219 

Acconciature Federica 

via Colombare 12 - Centenaro-Desenzano (BS) 

Tel. 0309103105 

Very & Cinzia Snc 

Via Vitt.Emanuele II , 17-Flero (BS) 

Tel. 0302563043 

Augusta Style Guerreschi A. 

Via Carlo Marx 8-Manerbio (BS) 

Tel. 0309383028 

Acconciature Yanina 

Via G. Galilei 17/a- Orzinuovi (BS) 

Tel. 0309942304 

Roberta 

Via Antica Valeriana -Pisogne (BS) 

Tel. 036486092 

Parmigiani Alessia 

Piazza XI Febbraio 2-Quinzano d’Oglio (BS) 

Tel. 3421958742 

Lucilla 

Via Castello 15-Rodengo Saiano (BS) 

Tel. 030610128 

Parr. Giovanna Equipe 

Via Marconi 38-Roncadelle (BS) 

Tel. 0302587035 

Ambizione Donna Rapizza C. 

Via S. Rocco 4-Rovato (BS) 

Tel. 3337743035 

Noi Donne 

Via Moretto 3-Sarezzo (BS) Tel. 3391706648 

Acc. Fantasia 

Via E. Fermi 67/R-Urago d’Oglio (BS) 

Tel. 0307071499 

Davide Giulia DIeGI Acconc. 

Via Lenzi 19-Verolanuova (BS) 

Tel. 3384697671 

Glamgo di Rossana 

Via Glisenti 58/b-Villa Carcina (BS) 

Tel. 0308980405 

Azione Donna Da Angelo 

Via Mazzini 35 - Canzo (CO) Tel. 031681508 

Acconciatori Lanza 

Piazza Matteotti 6-Erba (CO) Tel. 031611403 

Barber Shop 

Via Brianza 6/A-Montorfano (CO) 

Tel. 031200688 

Il Bello del Naturale 

Via G. Pedone 26/A - Cremona (CR) 

Tel. 0372807040 

Arte in Testa Rut Hair 

C.so Mazzini 51-Cremona (CR) Tel. 037231580 

Romagnoli Sabrina 

Via Acquanera 53-Fengo (CR) Tel. 0372722989 

Bianchi Emanuela 

Via Stradivari 30-Monodine (CR) 

Tel. 037366643 

Liberty’s 

Piazza Pertini 3-Arlate di Calco (LC) 

Tel. 399920677 

Galli Mauro 

Via Appiani 5-Bosisio Parini (LC) 

Tel. 31865029 

Adele & Gigi Parrucchieri 

l.go Garibaldi 2-Calolziocorte (LC) 

Tel. 0341643528 

Mariuccia 

Via Rossini 19-Lecco (LC) Tel. 0341422031 

Carpe Diem 

Via Cavour 3-26847 Maleo (LO) 

Tel. 037758277 

Hair Fashion Evolution 

Via Duca D’aosta 21-26861 Retegno di Fombio 

(LO) Tel. 037734992 

Alberto hair Style 

Via torricelli 83-Seregno (MB) 

Tel. 0362230411 

Diamoci un Taglio 

P.zale Madonnina 5-Seregno (MB) 

Tel. 0362235603 

Striuli Cristina 

P.za P. Giuliani 13-Cernusco S/N (MI) 

Tel. 029240569 

Acc. Michela 

P.za Bollati-Cerro Maggiore (MI) 

Tel. 0331535857 

Andrea Diffusion 

Via G. Parini 5-Cesano Maderno (MI) 

Tel. 0362501874 

Marilyn 

Via Vittorio Emanuele Orlando 10-Cinisello 

Balsamo (MI) Tel. 0226223330 

Hair Mania 

Viale Rinascita 64-Cinisello Balsamo (MI) 

Tel. 0266049830 

Frange - Cornaredo 

Via Ponti 22-Cornaredo (MI) Tel. 0293565399 

Di Matteo 

Via Monti 9-Corsico (MI) Tel. 024471420 

Acconciature Lucia 

P.za San Giorgio-Cuggiono (MI) 

Tel. 0297240358 

R&A Love Me Parrucchieri 

Estetisti 

Via Roma 80-Garbagnate M.se (MI) 

Tel. 029956514 

Madà Mod Art 

Via Varese 2-Garbagnate M.se (MI) 

Tel. 0239543343 

Frange - Lainate 

Via Adige 19-Lainate (MI) Tel. 0239624412 

Co. El. 

Via Venezia 63-Legnano (MI) Tel. 0331599661 

Afrodite 

Via Novara 61-Magenta (MI) Tel. 0297291127 

Elite Acconciatura Estetica 

Via Giacomo dei Medici 4-Magenta (MI) 

Tel. 3665450808 

Capriccio Donna 

Via Jachini 97-Marcallo con Casone (MI) 

Tel. 029760609 

Effetto Donna 

Via George Sand 2-Milano (MI) 

Tel. 026464226 

Divina FC 

Via Emilio de Martino 1-Milano (MI) 

Tel. 026437817 

Cristam 

Corso Genova 4-Milano (MI) Tel. 028372713 

Riti di Bellezza 

Via Col Di Lana 20-Monza (MI) Tel. 039380107 

Il Capricciolo 

Via Eustachi 3-Monza (MI) Tel. 0362523651 

Futuro Donna 

Via Stelvio 7-Novate M.se (MI) Tel. 023548213 

Rosy Acconciature 

Via Monte Sabotino 90-Palazzolo M.se (MI) 

Tel. 029186744 

Immagine Donna 

Via Gorizia 30-Rho (MI) Tel. 029315733 

Vanity Parrucchieri 

C.so Europa 217-Rho (MI) Tel. 029302670 

Mara Wellness 

C.so Mazzini 52-S. Colombano al Lambro (MI) 

Tel. 0371200431 

Frange - San Pietro 

Via Magenta 66-San Pietro all’Olmo (MI) 

Tel. 0293565154 

Fashion Hair Lena 

Via Cellini 3-Segrate (MI) Tel. 022132535 

Il Bello delle Donne 

via Giacomo Leopardi 12-Sesto San Giovanni 

(MI) Tel. 0239663195 

Soleluna 

Via Tonale 6-Sesto San Giovanni (MI) 

Tel. 0239434273 

Mariclod 

Via Podgora 151-Sesto San Giovanni (MI) 

Tel. 0222474038 

Beauty Hair 

Via Cacciatori delle Alpi 72-Seveso (MI) 

Tel. 0362553445 

G&G Acconciature 

Via Borromeo 37-Seveso (MI) Tel. 039830153 

Big Sister Hair Design 

P.za Roma 1-Seveso (MI) Tel. 0362505205 

Il Ricciolo di Grazia 

Via Pregnana 5/A-Vanzago (MI) 

Tel. 0293548654 

Vanità 

Via Della Filanda 4- Vanzago (MI) 

Tel. 0293548470 

Idee Nuove di Carminati Barbara 

Via Largo Chiese 21-Asola (MN) 

Tel. 3383760012 

Primon Roberta 

Via Avis 98 Fraz.Cereta-Volta Mantovana (MN) 

Tel. 0376803104 

Giovanni Tropeano 

Hairstylist & Wellness 

Co.so Italia 7-Busto arsizio(VA) 

Tel. 0331632057 

Giovanni Tropeano 

Hairstylist & Barber 

l.go Giardino 7-Busto arsizio(VA) 

Tel. 0331622147 

Novella Unisex 

Via Pio X 72-Cassano Magnago (VA) 

Tel. 0331201383 

Donna Più 

Via Papa Giovanni XXIII-Daverio (VA) 

Tel. 0332948859 

Evolution 

Via Baraggia 3-Gallarate (VA) 

Tel. 0331780180 

Wanna Del Monaco 

Via Bergamo 25-Saronno (VA) Tel. 029607629 

Simone Palma 

Via Albuzzi 5-Varese (VA) Tel. 0332830574 

Menegaldo Nicoletta 

Via Versetti 7-Varese (VA) Tel.0332240172 

Piero Linea Più 

Via Tonale 3-Varese (VA) Tel. 0332236535 

Crazy Hair 

Via Valgella 12-Varese (VA) Tel. 0332331127 

PIEMONTE 

Le Muse 

Via Migliara 51-Alessandria (AL) 

Tel. 0131266800 

Ravotto Katia 

P.za Sen. Cagnasso 3/A-Alba (CN) 

Tel. 017335834 

Pezzolla Donata 

C.so Cortemilia 4/A-Alba (CN) 

Tel. 0173442046 

Vanity Hair 

Via Fornace Sorba 4-Alba (CN) 

Tel. 0173284272 

Celsi Antonella 

Via Aldo Moro 6/A-Alba (CN) 

Tel. 0173282906 

Cassinelli Antonella 

Via IV Novembre 73-Castagnito (CN) 

Tel. 0173211374 

Acconciature Carmen 

Via Cavour 68-Cortemilia (CN) 

Tel. 0173821603 

Gianfranco Studio 

Acconciature 

C.so Nizza 27-Cuneo (CN) Tel. 017166639 

Piacere & Piacersi 

C.so Galileo Ferraris 15-Cuneo (CN) 

Tel. 0171480263 

Silvia Acconciature 

Via Roma 45-Sommariva Perno (CN) 

Tel. 017246302 

Simo Style 

Via Montale 24-Borgomanero (NO) 

Tel. 3884216472 

Mauro Acconciature 

Viale Marconi 41/A-Borgomanero (NO) 

Tel. 3934827616 

Acc. Cinzia & Roberta 

P.za Dante 13-Cameri (NO) Tel. 0321510139 

TE. MA. Parrucchieri 

Via Sforzesca 97/C-Novara (NO) 

Tel. 0321402293 

Il Salotto di Rita 

P.za Domenico Berti 4-Carmagnola (TO) 

Tel. 119720271 

Cavallaro Monica 

Via Prospero 4-Grugliasco (TO) 

Tel. 0114143434 

LL Coiffeur 

P.za cavour 2-La Loggia (TO) Tel. 119658178 

Annalisa & Paolo di Iudici 

P.za Bernini 9-Torino (TO) Tel. 0114332207 

Philly Stilisti 

Via Napione 26 D-28-Torino (TO) 

Tel. 011882276 

Renna Cinzia 

C.so Trapani 54-Torino (TO) Tel. 011332217 

Catone Cristina 

Via Montevideo 18-Torino (TO) 

Tel. 0113119159 

Irene Hair Design 

C.so Orbassano 205-Torino (TO) Tel. 11350650 

Favale Giovanna 

C.so Unione Sovietica 531-Torino (TO) 

Tel. 11342761 

Acc. Morena Pandora 

Via Brione 15-Val Della Torre (TO) 

Tel. 0119689833 

PUGLIA 

Mimì Parrucchieri 

Via Roberto da Bari 102-Bari (BA) 

Tel. 3382238310 

Mod’Art 

Via Piccinni 162-Bari (BA) 

Tel. 3807651152 

Raspatelli Italia 

Via Enrico Nannei 15-Bari (BA) 

Tel. 3392615289 

Mininni Lino 

C.so Benedetto Croce 44-Bari (BA) 

Tel. 3389523222 

Antonino Maddalena 

Via Amm. Vacca 168/D-Bitonto (BA) 

Tel. 3286797244 

Donna Oggi Coiffeur 

Via Turi 5-Casamassima (BA) 

Tel. 080675373 

Donna Più 

Via Fratelli Bandiera 2-Castellana Grotte (BA) 

Tel. 0804967995 

Un Look Perfetto 

Via Roma 72-Castellana Grotte (BA) 

Tel. 0804964509 

Art Hair 

P.za Don Bosco 28-Cellamare (BA) 

Tel. 0804656574 

Effetto Donna 

Via Ettore Zola 7-Gioia del Colle (BA) 

Tel. 0803482354 

De Robertis Grazia 

Via Ricciotto Canudo 58-Gioia del Colle (BA) 

Tel. 3394199854 

Leronni Crescenza 

Via Orsini 8-Gioia del Colle (BA) 

Tel. 0803432425 

Profili di Stile 

Via Lepre 26-Gioia del Colle (BA) 

Tel. 0803431616 

Total Beauty 

Via Gogavino 28-Gravina di Puglia (BA) 

Tel. 3405397596 

Fascino di Pavia Floriana 

Maria 

Via 10 Marzo 59/b-Modugno (BA) 

Tel. 0805353520 

D&P di Dora e Palma Amato 

Via Bari 48-Molfetta (BA) Tel. 0803349787 

Elisir Parrucchieri 

Via San Francesco d’Assisi 50-Molfetta (BA) 

Tel. 0802042618 

Gianluca Staff 

S.Maria della Croce 7-Noci (BA) 

Tel. 3452683685 

Ralfstyle 

Via Repubblica 129-Noci (BA) 

Tel. 0804039526 

Teresa Gassi 

Via Cappuccini 47-Noicattaro (BA) 

Tel. 0804796466 

Tinelli Massimo 

Via Giacomo Laterza 10-Putignano (BA) 

Tel. 0804912634 

I Miccoli Parrucchieri 

Via C. Colombo 99-Torre a Mare (BA) 

Tel. 0805432716 

Caradonna Giovanni Battista 

Parrucchieri 

Via Casalino 132/F-Triggiano (BA) 

Tel. 0809144187 

Giulian Q Style 

Via San Giorgio 1-Triggiano (BA) 

Tel. 0804627978 

Accademia Total Look 

Via Milite Ignoto 39-Andria (BT) 

Tel. 0883555996 

Fucci Angelica 

Via Genova 30-Andria (BT) 

Tel. 3382746101 

GL Style di Giulia Lopolito 

Via Fragata 116-Bisceglie (BT) 

Tel. 0803929203 

Centro Estetico Cemava 

P.za Terme 11-Canosa di puglia (BT) 

Tel. 3491839465 

Vanità & Stile 

Via Marconi 49-San Ferdinando di Puglia (BT) 

Tel. 3291248021 

Rosa Del Negro 

Via S. Pellico 50-San Ferdinando di Puglia (BT) 

Tel. 0883620478 

Coiffeur Gina 

Via Maroncelli 27-San Ferdinando di Puglia 

(BT) Tel. 3497364099 

Musicco Antonia 

Via Bonomo 55-Trani (BT) Tel. 3476102403 

Nicola Frigione 

P.za Indipendenza 11-Trani (BT) 

Tel. 3930233428 

Porcelli Giuseppina 

Via Andria 99-Trani (BT) Tel. 3341024439 

Rossella 

Via Imbriani 303-Trani (BT) Tel. 0883 583760 

Silvia Parrucchiera 

Via Superga 69-Trani (BT) Tel. 3495861364 

Ruggiero Parrucchieri 

Via C. Menotti 7-Manduria (TA) 

Tel. 0999737476 

SARDEGNA 

Charme Coiffeur 

P.zza Italia 5-Budoni (SS) Tel. 3401569840 

Grazia Parrucchieri 

Loc. Porto Turistico-Castelsardo (SS) 

Tel. 3393142503 

Mode-Art 

Via Salvatore Marras 7/E-Sassari (SS) 

Tel. 3290335842 

Tizio e Caio 

Via Donatello 6-Sorso (SS) Tel. 3293614321 

SICILIA 

Gazzo Parrucchieri 

via Magenta sn c/o Torre del Grifo-Mascalucia 

(CT) Tel. 095350794 

Parrucchiera Mariella 

Via Vittorio Emanuele 47-Rodì Milici (ME) 

Tel. 3338164025 

New Style 

Via S. Michele 46-S. Angelo di Brolo (ME) 

Tel. 3428643710 

Pecoraro Antonio Spazio 

2932 

Via Puglisi Bertolino 2-Palermo (PA) 

Tel. 091584141 

Santo Marino 

Via Federico Pipitone 25-Palermo (PA) 

Tel. 0916254315 

Massimo Speciale 

Via Papa Giovanni II 10-Villabate (PA) 

Tel. 091493251 

TOSCANA 

Acconciature Marinella 

Via C. Landino 13-Pratovecchio (AR) 

Tel. 0575583868 

Sole Hair Stylist 

Via Colombo 99-Forte dei Marmi (LU) 

Tel. 05841641218 

Ermes 

Via Sarzanese Nord 2277-Massarosa (LU) 

Tel. 0584976053 

Angela Hairstylist 

V.le Sardegna 20-S. Vito Lucca (LU) 

Tel. 0583496426 

Acconciature Barbara 

Ferrari 

Via della Repubblica 67/C-Albiano Magra (MS) 

Tel. 0187415035 

Hair Visi 

P.za Istria 27-Massa (MS) Tel. 3347216295 

Art Luca Coccole per Capelli 

Via Malaspina 11-Villafranca Lunigiana (MS) 

Tel. 0187493581 

Why Not 

Via Roma 10-Casciana Terme - Lari (PI) 

Tel. 0587686117 

Valentina Hair Studio 

P.za della Casa Bianca 18-Pontedera Loc. I 

Fabbri (PI) Tel. 0587476475 

Passioni Marco & Davide 

Via Machivelli 49-Prato (PO) Tel. 057426071 

L’Arte del Capello 

Via Brennero 484-Abetone - Cutigliano (PT) 

Tel. 0573606715 

VENETO 

Zecchinato Antonio 

Strada Battaglia 71-Albignasego (PD) 

Tel. 0498756230 

Centro Lei 2 

Via M. Ausiliatrice ang. Via Santa Marta-Caselle 

di Selvazzano (PD) Tel. 3461611969 

Faggian Giuliano 

Via Monta 97-Padova (PD) Tel. 049714492 

Compagnin Sabrina 

Via Fortin 41-Padova (PD) Tel. 049754604 

Parrucchieri Lisa 

P.zzetta Sartori-Padova (PD) 

Tel. 0498761706 

Folly Parrucchieri 

Via Tesina-Padova (PD) Tel. 049 603991 

Controluce Parrucchieri 

Via Vicolo Vicenza-San Martino di Lupari (PD) 

Tel. 3407313141 

Arte in Movimento 

Via G. Carducci 3/A -Vo’ Euganeo (PD) 

Tel. 0499941151 

Acconciature Ravagnani 

Bianca 

Via Don Minzoni 9C-Castelmassa (RO) 

Tel. 0425840709 

Vele Capelli 

Riviera Falcone e Borsellino 17-Rovigo (RO) 

Tel. 0425-200202 

Salone Pinfi 

Via Saline 1727-Rovigo (RO) Tel. 0425-935042 

Salone Maria Grazia 

Prandini 

Via Vittorio Veneto 29-Rovigo (RO) 

Tel. 0425422310 

Salone Antonia 

Via Ortigara 5-Castelfranco Veneto (TV) 

Tel. 0423495152 

Jenny Hair Style 

borgo Montegrappa 48-Castelfranco Veneto 

(TV) Tel. 0423724488 

Studio 28 Parrucchieri 

Borgo traviso 169-Castelfranco Veneto (TV) 

Tel. 0423495240 

Cirotto Sandra 

Via Sicilia 34-6-Castelfranco Veneto (TV) 

Tel. 0423720359 

Modasalone Maria 

P.za Avis 4-Ormelle (TV) Tel. 0422745691 

Salone Loretta 

Via IV Novembre 42-Ponte della Privia (TV) 

Tel. 0438445041 

Perin Vetti 

Via Masaccio 1B-Riese Pio X (TV) 

Tel. 0423456350 

Fuser Edi 

P.za Matteotti 1-Jesolo (VE) Tel. 0421351269 

Hair Studio 

Via Porta Est 18-Marcon (VE) Tel. 0415950618 

Bullo Sara 

Via Canal Bernardo 10/C-Marghera (VE) 

Tel. 041930710 

Molin Maurizio 

Via Roma 9-Musile di Piave (VE) 

Tel. 042153294 

Biral Lucia 

Via XIII Martiri 87-S. Donà di Piave (VE) 

Tel. 3668163465 

Zoe Salone Unisex 

Via Torri 14-Arcugnano (VI) Tel. 044453114 

Salone Tagli e Dettagli 

Via Venezia 7-Arzignano (VI) Tel. 0444673483 

Gaiarsa Arianna 

Via Zaccaria Bricito 29B-Bassano del Grappa 

(VI) Tel. 04241751560 

Olivieri Romanina 

Via Cavour 69-Brendola (VI) Tel. 0444601459 

Vathi Trendafile 

Via Roma 77-Camisano (VI) Tel. 3297153608 

Marcato Monica 

Via Olmo 44-Campodarsego (VI) Tel. 

0499201729 

Salone Monica 

P.zza Papa Giovanni XXIII-Gambellara (VI) 

Tel. 3382009581 

Zaupa Donatella 

Via Chiesa 8-Malo (VI) Tel. 0445580599 

Tendenze di Nardi 

Corte delle Filande 2-Montecchio Maggiore (VI) 

Tel. 0444491724 

Belle Dentro 

Via Martiri 118/bis-Nove (VI) Tel. 0424470483 

Salone New Planet 

Via Europa 3-San Nazario (VI) 

Tel. 3467090523 

Cicchellero Monica 

Via Fogazzaro 4-Torrebelvicino (VI) 

Tel. 0445570081 

Dal Molin Sabrina 

Via Carisana 80-Torri di Q.lo (VI) 

Tel. 0444582019 

Armonia Tessaro Alessandra 

Via Roma 80/e-Valli del Pasubio (VI) 

Tel. 3392428393 

Danzi Carlotta 

Viale Europa 5-Negrar (VR) Tel. 0457502289 

Sonia Studio Immagine 

Via Ghetto 63/a-Verona (VR) Tel. 3473105429

La Forma 

Del Caffè 

Creatività, sperimentazione e innovazione applicate al caffè. In una parola, Coffee 

Design. Una disciplina che non esisteva e con Lavazza è diventata arte, senza rinunciare 

a promuovere autenticità e unicità, elementi fondanti della sua storia da oltre 

120 anni. All’interno del Training Center di Torino, l’azienda ha da tempo creato un 

vero e proprio laboratorio interamente dedicato al Coffee Design. L’idea è quella di 

sviluppare prodotti, combinazioni di gusti e strumenti: il Food Design al servizio del 

caffè. Golosità da provare, a breve, nel nuovo flagship store che verrà aperto nel 

cuore di Milano, in Piazza San Fedele, dedicato ai coffee lovers.

VOGUE ITALIA PER LAVAZZA 

Caviale di Caffè 

Nasce da una idea del 

Team Lavazza e dello chef 

Ferran Adrià. La ricetta è 

realizzata con la tecnica 

della sferificazione, prevede 

che un composto a base 

di caffè e una soluzione 

con cloruro di calcio diluito 

entrino in contatto, creando 

una membrana trasparente 

attorno a microsfere di 

caffè. In bocca l’effetto 

è davvero sorprendente: 

un’esplosione multipla 

di aroma e gusto. 

Coffeetail nº 50 

Presentato al 50 Best 

Restaurants 2016 – l’evento 

che incorona i migliori 

ristoranti di alta cucina 

al mondo –, è un tributo 

non convenzionale al Cuba 

Libre. La cola è sostituita 

dal Cold Brew, caffè Kafa 

Lavazza estratto a freddo 

per 12 ore, cui si 

aggiungono un goccio 

di rum e scorza di limone. 

Un drink serale che si serve 

in un barattolo di vetro, 

seguendo il trend “drinking 

in a jar”. 

Taco-sponge 

Ancora innovazione per il 

team Lavazza. Con la cottura 

rapida al microonde, realizza 

un pan di Spagna molto 

soffice. Farcisce poi la base, 

con caffè Lavazza macinato 

finissimo, che regala un 

aroma profondo, 

e aggiunge una farcitura 

di morbida spuma al 

cappuccino. Il risultato è una 

dolcezza avvolgente. 

Disegnare il caffè. Dargli nuove forme, 

consistenze, sapori. Utilizzarlo 

in modo inusuale e sorprendente. 

Un’idea che Lavazza ha da subito 

condiviso con i fratelli Adrià, avanguardia 

pura nella cucina mondiale, 

con cui anni fa ha iniziato una 

partnership mai interrotta. È Albert 

a raccontare: «Da Ferran (per molti 

anni ai vertici di The World’s 50 

Best Restaurants, ndr) ho ereditato 

la passione per il Coffee Design. 

All’inizio, nel nostro ristorante El 

Bulli, il caffè veniva proposto in 

modo tradizionale, a fine pasto». 

E aggiunge: «Dopo l’incontro con 

il team del Training Center Lavazza, 

il caffè è diventato materia gastronomica. 

Nuove tec niche, concetti 

e modalità di degustazione hanno 

visto la luce grazie a studi 

e sperimentazioni, sempre sostenuti 

dall’esperienza Lavazza». Una rivoluzione, 

che si è concretizzata in 

progetti visiona ri, ironici, divertenti, 

ma sempre nel segno della qualità. 

«La mia volontà», conclude Albert, 

«è continuare nella ricerca e vedere 

il caffè non solo come bevanda, 

ma ingrediente, spezia...». Ideale 

per mettere alla prova gli chef 

e proporre ai clienti la perfetta 

coffee experience. 

Tutte le ricette si assaggiano 

nel nuovo flagship store di 

Milano, Piazza San Fedele. 

Lavazza e l’alta cucina: le tappe 

1996 Apre il San Tommaso 10, nella storica drogheria di Luigi Lavazza, e propone i Coffee Menu. 2000 I Piaceri del Caffè sono i primi esempi di 

Coffee Design. 2002 Inizia la collaborazione con Ferran Adrià: il caffè è solido nell’Èspesso. 2003 Si sperimenta con Cookie Cup, tazzine biscotto, 

ed Espresso Galassia, ispirata al calendario Lavazza di Thierry Le Gouès. 2004-2007 Ancora Adrià, con Passion>Me, caffè e frutto della passione, 

Cappuccino Lio, schiuma di caffè, Cappuccino Nitro, freddo, e Pasas di caffè, chicchi simili a uvetta. 2008 Carlo Cracco gioca con le gelée di caffè, 

le Coffee Lens. 2009 e 2011 Lo chef spagnolo con il Frozen Espresso e la Granita Espresso. 2010 Il maestro chocolatier Guido Gobino inventa 

il Bacio al caffè. 2012-2013 Massimo Bottura rivisita l’espresso, che diventa salato in “Come to Italy with me”, e il Tiramisù, in “It’s just a dessert”. 

E poi i tools: Espoon (2010), il cucchiaio forato, e Ecup (2012) sono di Davide Oldani.

Palazzo Morando 

Costume Moda Immagine 

In via Sant’Andrea 6 un museo d’eccezionale fascino. 

Arredi maestosi, traboccanti di saperi e arte, preziosissimi 

e dallo struggente fascino rétro. Ma anche un osservatorio 

privilegiato nel cuore del Quadrilatero della Moda in cui 

immergersi nello stile di Milano e nella sua storia.

VOGUE ITALIA PER COMUNE DI MILANO 

Salottino dorato, Galleria cinese e soffitto della Sala dell’Olimpo fotografie di Irene Bascì. Dipinto di Angelo Morbelli fotografia di Saporetti Immagini d’Arte. Copyright: Comune di Milano - Palazzo Morando | Costume Moda Immagine, Milano. 

Palazzo Morando è molto di più che 

un museo, una ex casa aristocratica 

o una passerella di stile e moda. 

È la quintessenza del fascino milanese, 

sofisticato, charmant, di classe. 

Dal Seicento dimora di alcune tra 

le più importanti famiglie della città 

come i Casati, i De Cristoforis, i Villa 

e gli Weill-Schott, nella prima metà 

del XX secolo diventa la residenza 

prediletta dei Morando Bolognini. 

La contessa Lydia Caprara Morando 

Attendolo Bolognini, nobildonna 

coltissima, dalla personalità eclettica 

e appassionata di spiritismo ed esoterismo, 

rimasta vedova nel 1945 

dona il palazzo e le collezioni qui 

conservate al Comune di Milano, 

non prima di averne fatto un crocevia 

di cultura ed estro. Il “Salottino dorato” 

è il luogo dove è perpetuata la memoria 

del periodo rococò e dei precedenti 

proprietari, la “Galleria cinese” 

testimonia la passione per l’arte orientale, 

la “Sala dell’Olimpo” trabocca 

di fascinazione per l’arte figurativa. 

Luoghi magici che fanno parte 

del suggestivo percorso che Palazzo 

Morando offre al visitatore. 

Accanto all’appartamento della contessa, 

la Pinacoteca, dedicata alla 

Milano antica e moderna con le rappresentazioni 

seicentesche dei luoghi 

più evocativi, passando per l’epoca 

neoclassica e i dipinti dell’Ottocento 

che raccontano la città all’ombra 

della Madonnina – le vie d’acqua 

dei Navigli, la costruzione della 

Galleria, le nostalgiche vedute di 

corso Vittorio Emanuele e di piazza 

Duomo, rispettivamente ritratte nelle 

celebri tele da Giuseppe Canella, 

Corsia dei Servi, e Angelo Inganni, 

Veduta di piazza del Duomo con 

il coperto dei Figini –, fino alla Milano 

popolare e operaia che emerge 

nei capolavori di denuncia sociale 

di Achille Beltrame e Angelo Morbelli. 

Inoltre, dal 2010 il palazzo custodisce 

ed espone a rotazione abiti, costumi 

e accessori della ricca collezione 

civica, siano questi antichi o contemporanei, 

che diventano testimonianza 

di quel gusto unico e inconfondibile 

che nei secoli ha caratterizzato la produzione 

artigianale milanese. 

Palazzo Morando | Costume Moda Immagine 

via Sant’Andrea 6 - Milano 

dal martedì alla domenica, 9-13 e 14-17.30 

ingresso con biglietto del Museo 

www.civicheraccoltestoriche.mi.it

Black Calf and Oro Suede Hammock Bag 

with Red Intarsia Dots, 2017

Fall Winter 2017 2018 

Shop LOEWE.com

09 

Bacio! 

Mert 

& 

Marcus 

Roma! 

Inez 

& 

Vinoodh 

Ad Arte! 

Willy 

Vanderperre 

Cristiana, 

My Italian 

Tv Crush 

Juergen 

Teller 

Quando 

Tira 

Il Vento 

Dario 

Catellani 

Springtide 

Alessio 

Boni 

La Vendemmia 

Luigi 

and Iango 

421

BY MERT & MARCUS

STYLING BY ALASTAIR McKIMM

Õ In apertura. Greta Varlese @ Elite Milano: bolero di piume e corsetto di cotone, GIVENCHY, jeans TRIPP NYC; 

cintura VETEMENTS. Nella pagina accanto, da sinistra. Arsun Sorrenti @ Img Models: T-shirt 

DAVID CASAVANT ARCHIVE. Vittoria Ceretti @ Elite Milano: giacca di shearling, ALEXANDER McQUEEN; 

orecchini e T-shirt, Stylist’s Studio. Ô Qui sotto, da sinistra. Chiara Mazzoleni @ Marilyn Agency: montone CHLOÉ, 

pantaloni di pelle, TOM FORD, boots, Stylist’s Studio. Federico Spinas @ I Love Models Management: 

completo BALENCIAGA. William Los @ Wilhelmina Models NY: giacca RAF SIMONS. Pelliccia di visone e volpe, 

VERSACE; bikini Stylist’s Studio. Roberto Rossellini @ Ford Models NY: camicia di flanella, DSQUARED 2 .

Da sinistra. Mariacarla 

Bo scono @ Elite Milano: 

abito di chiffon, 

ALBERTA FERRETTI; 

lingerie INTI MISSIMI. 

Dale Cutts: canotta 

CALVIN KLEIN JEANS, 

jeans CHRISTIAN 

DADA. Filip Hrivnak 

@ Soul Artist Management: 

pull SAINT LAURENT 

BY ANTHONY 

VACCARELLO. Cappotto 

di grain de poudre, 

EMPORIO ARMANI; 

bikini e boots, Stylist’s 

Studio. Hair Cyndia 

Harvey; make-up Isamaya 

Ffrench, entrambe 

@ Streeters. Manicure 

Mary Soul using Chanel 

Le Vernis. Set Design 

Andrea Stanley 

@ Streeters. On set Across 

Media Productions.

Ô Qui sotto, da sinistra. Montone CHLOÉ. Giacca e t-shirt, BALENCIAGA. 

Ò Nella pagina accanto, da sinistra. Candice Swanepoel @ Img Models: giacca, top e pantaloni, STEFAN COOKE; 

boots Stylist’s Studio. Hermann Nicoli: jeans SAINT LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO; sneakers CONVERSE.

Ó Qui sopra, da sinistra. Bolero, corsetto e scarpe, GIVENCHY, pantaloni TRIPP NYC; cintura VETEMENTS. Tank top CALVIN KLEIN 

JEANS. T-shirt POLO RALPH LAUREN. Giorgio Abruscato @ Why Not Models: giacca di pelle, SAINT LAURENT BY ANTHONY 

VACCARELLO, camicia MARTINE ROSE. Abito a lavorazione patchwork di seta e pizzo, ERMANNO SCERVINO; collant FOGAL, scarpe SAINT 

LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO. Alessio Pozzi @ Elite Milano: tank top, CALVIN KLEIN JEANS. 

Ò Nella pagina accanto, da sinistra. Matilde Rastelli @ Elite Milano: cappotto oversize di shearling, TOM FORD. Julian Schneyder @ Soul Artist 

Management: pantaloni RAF SIMONS; boots CALVIN KLEIN 205W39NYC.

Ô Qui sotto, da sinistra. Biker jacket, SAINT LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO, pantaloni MARTINE ROSE. Giacca 

SAINT LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO, gonna di nappa, SALVATORE FERRAGAMO; boots GIANVITO ROSSI. 

Tank top e jeans CALVIN KLEIN JEANS. Canotta Stylist’s Studio, jeans SAINT LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO. 

Trench effetto lacca, VALENTINO, t-shirt KELLY COLE, jeans TRIPP NYC; belt Stylist’s Studio. Ò Nella pagina accanto, 

da sinistra. Tank top CALVIN KLEIN JEANS. Ecopelliccia MIU MIU, t-shirt vintage, KELLY KOLE; orecchini Stylist’s Studio.

Da sinistra. Pull vintage, 

Stephen Sprouse 

@ RESURRECTION 

ARCHIVE. Top 

CHERRY VINTAGE, 

pelliccia BLUMARINE, 

jeans TRIPP NYC. 

Abito di seta con volants 

a stampa micropois, 

BALENCIAGA. Coat di 

cavallino DIOR HOMME. 

Cappotto TOM FORD.

Ô Qui sotto, da sinistra. Ecopelliccia MIU MIU, jeans TRIPP NYC. Chad White @ Soul Artist Management: tank top e jeans, 

CALVIN KLEIN JEANS. Pablo Rousson: camicia MATTHEW ADAMS DOLAN. Edoardo Velicskov: 

T-shirt CHERRY VINTAGE, jeans LEVI’S. Giacca SAINT LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO. 

Nella pagina accanto, da sinistra. Meghan Collison @ NY Model Management: pelliccia di volpe, TOM FORD, top DAVID 

CASAVANT ARCHIVE; pantashoes BALENCIAGA. Giacca di shearling e pelle, ALEXANDER McQUEEN, jeans TRIPP NYC.

Giacca STEFAN COOKE.

Ó Qui sopra, da sinistra. Briefs CALVIN KLEIN UNDERWEAR; boots CALVIN KLEIN 205W39NYC. Lily Aldridge: cappotto di nappa ricamata, 

PRADA. Ò Nella pagina accanto. Giacca di velluto a coste, PRADA.

Ò Nella pagina accanto, 

da sinistra. Camicia 

di lana con tasche frontali 

a contrasto, maglia a collo 

alto di cotone con ricamo, 

pantaloni di lana con 

banda laterale a contrasto. 

Tutto CALVIN 

KLEIN 205W39NYC. 

Top DAVID CASAVANT 

ARCHIVE; jeans e boots, 

VETEMENTS.

BY INEZ & VINOODH

STYLING BY ALEX WHITE 

Õ In apertura, da sinistra. Abito 

di seta stampata, N°21; borsa 

di pelliccia, VALENTINO 

GARAVANI; orecchini LANVIN; 

bracciale e anello “Étoilée” , 

BUCCELATI; shoes PRADA. 

Completo STELLA 

McCARTNEY; scarpe RALPH 

LAUREN COLLECTION. 

Da sinistra. Othilia Simon 

@ DNA Model Management: 

blusa e gonna di chiffon creponne 

di seta, BLUMARINE; occhiali 

LINDA FARROW; orecchini 

VALENTINO GARAVANI; 

collana e bracciale, PRADA. 

Saskia de Brauw @ DNA Model 

Management: completo di lana 

e camicia di cotone, THE ROW.

Abito di crêpe sablé, 

MARNI; orecchini JENNIFER 

FISHER; bracciali IPPOLITA; 

borsa VALENTINO 

GARAVANI. Hair Malcolm 

Edwards @ Art Partner. Make-up 

Lisa Butler @ Bryant Artists. 

Manicure Catia Sonia Piazza. 

On set MAI.London.

Da sinistra. Completo di lana 

e camicia di chiffon, 

VICTORIA BECKHAM. 

Blusa di seta, ROCHAS; 

gonna GUCCI; borsa HERMÈS; 

cuff BUCCELLATI.

Da sinistra. Pelliccia di marmotta, 

LOEWE. Abito di seta e lurex, 

BOTTEGA VENETA; borsa di 

visone, VALENTINO 

GARAVANI; bracciali PRADA.

Cappotto over di montone 

con revers di cammello, lupetto 

di lana e gonna con spacco 

sul davanti e, a destra, completo 

di lana: tutto MAX MARA. 

Occhiali LINDA FARROW; 

collier BUCCELLATI; sandali 

PRADA; scarpe RALPH 

LAUREN COLLECTION.

BY WILLY VANDERPERRE

STYLING BY OLIVIER RIZZO 

Õ In apertura. Mica Arganaraz 

@ Dna Model Management: 

camicia di popeline di cotone, 

FENDI. Paul Hameline 

@ Success Models. In tutto il 

servizio: briefs CALVIN KLEIN 

UNDERWEAR 205W39NYC; 

hats PRADA. In queste pagine. 

Top di broccato e stivali con 

incrostazioni di metallo, CALVIN 

KLEIN 205W39NYC.

Fernando @ Hakim Model 

Management: biker jacket con 

inserti di rose di metallo, 

CALVIN KLEIN 205W39NYC. 

Corona ANGELS THE 

COSTUMIERS. Ò Nella pagina 

accanto. Mariacarla Boscono 

@ Elite Milano: abito 

di satin, cuissardes di pelle. 

Per i ragazzi: pantaloni di nylon. 

Tutto PRADA.

Da sinistra. Henry Lecluse: corona 

ANGELS THE COSTUMIERS. 

Amanda @ Tomorrow Is Another 

Day e Kiki Willems @ Img 

Models: camicia e abito di cotone 

con stampa, ANDREAS 

KRONTHALER FOR 

VIVIENNE WESTWOOD. Daan 

@ Rebel Model Management: 

maschera DISNEY STORE. Jonas 

G @ Tomorrow Is Another Day.

Amandine Renard @ Supreme 

Management: biker jacket di pelle 

con borchie, GUCCI. Elmo antico, 

COSTUME STUDIO. Nella 

pagina accanto. Abito di satin 

broccato, ALEXANDER 

McQUEEN. Ali COSTUME 

STUDIO; maschera Darth Vader 

(signed by George Lucas), 

UNIVERSAL STUDIOS LA.

Blesnya @ Elite Paris: cappotto 

di cashmere, CALVIN KLEIN 

205W39NYC. Armatura antica, 

COSTUME STUDIO. Ò Nella 

pagina accanto. Per il ragazzo al 

centro: jumpsuit GUCCI; stivali 

BALENCIAGA. Per le ragazze: top 

di seta con ruches e gonna; abito 

di seta ricamato e cappotto di lana 

con polsini di seta. Tutto GUCCI. 

Philipp R e Christopher R 

@ Tomorrow Is Another Day.

Lungo abito di raso di seta, 

VALENTINO. Hair Tina Outen 

@ Streeters. Make-up Lynsey 

Alexander @ Streeters. Manicure 

Miss Moji @ Backstage Agency. Set 

design Emma Roach @ Streeters. 

On set PRODn Paris.

Tunica di cotone, COMME 

DES GARÇONS HOMME PLUS. 

Corona antica, COSTUME 

STUDIO. Ò Nella pagina 

accanto. Giacca over di nylon 

e gonna di lana plissettata, 

BALENCIAGA. Scettro antico, 

ANGELS THE COSTUMIERS.

Da sinistra. Boiler suit di denim 

stone washed, DIOR. Clement 

Chabernaud @ Success Models. 

Nella pagina accanto, 

Alpha Dia @ Marilyn Agency: 

tunica di lana, VIVIENNE 

WESTWOOD MAN. Corona 

ANGELS THE COSTUMIERS.

Cappa di lana, ALBERTA 

FERRETTI. Corona COSTUME 

STUDIOS. Nella pagina 

accanto. Per la ragazza: reggiseno 

di lana, gonna di satin e cuissardes 

di pelle. Per i ragazzi: pantaloni 

di nylon. Tutto PRADA.

Ô Nella pagina accanto. Cristiana Dell’Anna: pelliccia di visone con ricami floreali, VERSACE; abito di velluto a fiori, GIORGIO ARMANI; headband GUCCI; orecchini CÉLINE.

A sinistra. Top e gonna di popeline di cotone stampato, cintura di velluto. Tutto ERDEM; scarpe MARY KATRANTZOU. Hair Jimmy Paul @ Calliste. Fashion editor Poppy Kain. On set Mai.London.

A sinistra. Abito di velluto a stampa floreale con ricami di cristalli in vita e anelli, GUCCI. Ô Nella pagina accanto. Top di mikado double e gonna di ecopelle a stampa ritratto, PRADA.

A sinistra. Abito di seta a frange, EMILIO PUCCI. Ô Nella pagina accanto. Tubino di organza con fiori ricamati e bracciale con cristalli, DOLCE & GABBANA.

A sinistra. Abito di paillettes con coprispalla di pelliccia, MIU MIU; scarpe GUCCI. Ô Nella pagina accanto. Lungo abito di tulle con ricami profilato di piume e sandali, ALEXANDER McQUEEN.

A sinistra. Lungo abito con coda di velluto stretch con applicazioni di frange e décolletées, MOSCHINO.

A sinistra. Abito di tulle a balze, ALESSANDRA RICH. Ô Nella pagina accanto. Autoritratto di Juergen Teller.

photos by Dario Catellani 

Quando tira

il vento

Styling by Vittoria Cerciello 

Õ In apertura, da sinistra. Frederikke Sofie @ DNA Model Management: 

giacca di lana e orecchini. Lungo cappotto di mohair e scarpe. Õ Nelle pagine 

precedenti, da sinistra. Cappello di ecopelliccia e orecchino di resina. Mantella 

doppiata di raso, pantalone di velluto e scarpe. Tutto GIORGIO ARMANI. 

In tutto il servizio i cappelli sono ELLEN CHRISTINE COUTURE; i guanti 

CAROLINA AMATO; la lingerie COSABELLA; le calze WE LOVE COLORS. 

Ô Qui sotto. Cappotto di cashmere, pantaloni di mohair, basco di ecopelliccia 

e scarpe. Ò Nella pagina accanto. Blusa di seta a taglio geometrico e pantaloni di 

satin effetto petalo. Tutto GIORGIO ARMANI.

Õ Nelle pagine precedenti, da sinistra. Cappotto di cashmere double, basco 

di ecopelliccia e orecchini di resina e di plexiglas. Tutto GIORGIO ARMANI. 

Hair Marki @ Bryant Artists for Marki Hair Care. Make-up Emi Kaneko @ 

Bryant Artists. Set design Whitney Hellesen @ Frank Reps. On set JN Production. 

Ô Qui sotto. Blusa di seta a taglio geometrico, pantaloni con pinces e orecchini 

di resina. Ò Nella pagina accanto. Mantella di mohair. Tutto GIORGIO ARMANI.

PHOTOS BY ALESSIO BONI 

SPRINGTIDE

STYLING BY PATTI WILSON

In apertura. 

Mattia: camicia di 

popeline con colletto 

ricamato. Michelle 

G @ Monster 

Management: 

bustier con dettagli 

di pizzo e diadema 

con cristalli. Femke 

Huijzer @ Women 

Management: 

pantaloni di denim 

con scritte dipinte a 

mano. 

Camicia di crêpe 

de chine stampato e 

pantaloni di viscosa 

a righe. Jelle Honing 

@ Elite Milano: stola 

di volpe; tubino di 

cady a stampa rose. 

Tutto DOLCE 

& GABBANA.

Qui sopra, da 

sinistra. Reggiseno 

di seta e pantaloni 

di pizzo con ricami 

punto croce. Giacca 

e abito di pizzo 

ricamato. Per Noah: 

pantaloni di lana. 

Da sinistra. 

Roos Abels @ Brave 

Models: giacca 

e abito di pizzo. 

Sottoveste di chiffon 

di seta. Hugo 

Villanova @ Elite 

Milano: pantaloni di 

lana. Tutto DOLCE 

& GABBANA.

Tubino di tulle 

ricamato con ampio 

collo brodé; camicia, 

papillon e pantaloni. 

Tutto DOLCE & 

GABBANA. Hair 

Raphael Salley 

@ Streeters using 

Oribe. Make-up 

Lucy Bridge 

@ Streeters. 

Manicure Carlotta 

Saettone @ W-M 

Management. 

Set design 

conti|marchetti 

studio.


Bomber jacket con 

ricamo di fiori su 

sottoveste di chiffon 

di seta; scarpe di 

pelle ricamate. Per 

i ragazzi: camicie, 

papillon, pantaloni 

e scarpe di vernice. 

Tutto DOLCE 

& GABBANA.

La 

Vendemmia 

by Luigi and Iango

styling by Paul Cavaco 

Õ In apertura. Mica Arganaraz @ DNA Model Management: abito a 

lavorazione patchwork di lurex stampato con ricami di cristalli e 

perle. Tute di lurex o jacquard floreale. Biker di pelle con borchie e 

ricami di maglia. Guanti di pizzo e fascia con logo. 

Ô Qui sotto. Abito di pizzo con maniche di seta stampata. 

Ò Nella pagina accanto. Giacca di renna con borchie, frange di 

suede multicolor e ricamo di paillettes e perline; booties di pelle 

brodé. Tutto GUCCI.

Da sinistra. Giacca di lino stampato. Tailleur pantaloni con revers e 

polsini di velluto ricamati. Jumpsuit di maglia jacquard. Tutto GUCCI. 

Special thanks Amie & Helena @ D1Models; Allison Brooks, Kyrsten Bates, 

Anna Eberg, Zayd Atkinson, Beau Lazear, Adri Martinez & Orion Klein @ 

Red Model Management; Lau Van Londerzele & Lera Kvasouka @ APM 

Models; Asia, George Okeny, Christian Mageau, Shimmy Harmon, Adrian 

Jiminez, Jordan A & Sam Schirvar @ MSA Models; Ana Schurmann, Sasha 

Mart, Logan Weatheres, Austin Kairis, Anthony Humphrey, Robert Holiday 

& Phillip Mayberry @ Major NYC.

Ô Qui sotto. Abito di georgette di seta con polsini di velluto trapuntato 

e ricami di paillettes, perle e cristalli. 

Nella pagina accanto, da sinistra. Camicia a quadri di lana con 

patch ricamati. Giacca di jersey tecnico a stampa floreale e anelli con 

pietre. Tutto GUCCI. Hair Luigi Murenu assisted by Hikaru Hirano. 

Make-up Yumi Lee @ Streeters. Manicure Naomi Yasuda @ 

Streeters. Set design Cooper Vasquez. Executive producer Paul 

Preiss @ Preiss Creative.

Qui sotto. Mantella di lana jacquard e stivali di pelle. 

Nella pagina accanto. Jumpsuit di lurex. Tutto GUCCI.

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Stefano Pilati 

L’Italia, Vista Da Qui di 

ANGELO FLACCAVENTO 

522 

vogue.it n. 805

Una certa distanza aiuta, si sa, a osservare il paesaggio. E allora chi meglio 

di STEFANO PILATI e RICCARDO TISCI per ragionare sullo stato della moda 

italiana? E, attraverso di essa, su come cambia la nostra idea del bello? 

ritratto di riccardo tisci, foto karim sadli. 

Riccardo Tisci 

523

Stefano Pilati 

Per osservare con lucidità critica il sistema è necessaria una 

certa distanza, in ogni senso. Stefano Pilati e Riccardo Tisci 

vivono, in modi diversi ma paralleli, la medesima condizione 

di temporaneo ma fruttuoso esilio dal fashion system. Il 

primo da Berlino, il secondo errante. Al Bel Paese, però, sono 

entrambi profondamente legati, e non ne fanno mistero. 

Creativi di rango in pausa momentanea en attendant un 

impiego all’altezza, si aprono con schiettezza in questa intervista 

doppia, affrontando argomenti scottanti sull’identità, 

i caratteri, le peculiarità della moda italiana, e non solo di 

quella. Chi meglio di loro? Forse sono leoni feriti, e per questo 

graffiano. A colpire è la fotografia che scattano, impietosa ma 

appassionata, a un sistema che urge riformare quanto prima, 

tenendo a mente la lezione gloriosa della storia. Il pessimismo 

apparente, a conti fatti, si ribalta in forza, e da questa 

emerge la visione per costruire un futuro migliore. (A.F.) 

Sopra. Steven Meisel, “Vogue Italia”, agosto 2011. 

Si può definire la creatività italiana? 

La si può sicuramente definire, se contestualizzata 

nell’ambito delle arti. Che il popolo italiano sia creativo 

e ingegnoso è la storia che lo insegna. Che la cultura 

italiana sia creativa è la storia che lo insegna. Purtroppo, 

non sono convinto che tanta creatività italiana, seppur 

ricca di storia, sia applicata anche al di fuori delle arti. 

In politica o in socio-politica, la creatività italiana non è 

stata sufficientemente aperta da rompere la dimensione 

di provincialismo che attualmente ci attanaglia. 

Come si è evoluta negli anni e in quali condizioni versa 

adesso? 

Eccetto alcuni casi specifici, trovo che tra gli anni Ottanta 

e il Duemila l’affermazione del ruolo del Made in 

Italy nel panorama della creatività mondiale si sia involuto 

invece che evoluto. È, a mio avviso, l’ennesimo riflesso 

di una assenza di percorso e insufficiente capacità 

di ottimizzazione e capitalizzazione delle risorse locali. 

Cosa è successo alla nostra cultura del progetto? 

Vedo l’Italia come un luogo di romantici sognatori. Lavorando 

nella moda, ho avuto la possibilità di credere 

e appassionarmi a quelle identità creative che hanno 

524 Back 

vogue.it n. 805

Riccardo Tisci 

Si può definire la creatività italiana? 

Certamente. È fatta di istinto, pragmatismo, amore per 

la bellezza. 

Come si è evoluta negli anni e in quali condizioni versa 

adesso? 

La storia ci insegna che le leadership, culturali o economiche, 

sono dinamiche e spesso cicliche. Dopo un 

indiscusso primato italiano, i flussi si sono alimentati 

attraverso creatività differenti subendo contaminazioni 

multiformi, talvolta giapponesi, talvolta est europee, 

talvolta latinoamericane. La creatività ha assunto una 

dimensione multietnica e globale, ma quel che rimane 

indissolubilmente italiano è e sarà la capacità di rappresentare 

eleganza e bellezza, connaturate al nostro 

patrimonio culturale, in un prodotto qualitativamente 

perfetto, grazie alle capacità artigianali divenute ormai 

rarissime. 

Cosa è successo alla nostra cultura del progetto? 

La progettualità non è mai stata uno dei motori forti 

della creatività italiana, che storicamente ha avuto magnifiche 

espressioni grazie alle logiche del mecenatismo, 

ecclesiastico o nobiliare. Il progetto, inteso come 

organizzazione multiculturale e sociale, è ancora un 

percorso lungo, in cui gli italiani hanno molto da imparare. 

Esiste ancora un Italian touch nella moda e nel design? 

Dove e come si manifesta? 

In ogni prodotto di qualità è presente l’Italian touch, 

sia nel mondo del fashion che in quello del mobile. Gli 

italiani sono ancora un patrimonio irrinunciabile per 

tantissime aziende internazionali che vogliono acquisire 

un’estetica e un gusto. 

Cosa è stato rappresentativo della creatività italiana 

nel passato? Cosa lo è oggi? 

Le arti visive e l’architettura hanno rappresentato storicamente 

la nostra creatività. Il design di prodotto e 

l’artigianato la rappresentano oggi. 

Nella moda, siamo un paese di inventori o di commercianti? 

Entrambi. Ed è questo che ha reso possibile il nostro 

successo. 

525

(Stefano Pilati) 

agito con successo. Mi riferisco a protagonisti come 

Gianni Versace, Giorgio Armani, Prada. Ma il successo 

è business, e il business prima o poi assorbe quella parte 

di emotività che serve ai creativi perché vitale. Anche i 

marchi, di conseguenza, ne soffrono e perdono di istinto. 

L’urgenza creativa diventa dovere. 

Esiste ancora un Italian touch nella moda e nel design? 

Dove e come si manifesta? 

Non so se esiste un Italian touch. Forse nel design è 

più evidente. Resistono comunque ancora nella moda 

italiana delle identità di stile che mantengono coerenza 

nell’esprimere la propria estetica. Trovo sia ammirabile 

e di livello. 

Cosa è stato rappresentativo della creatività italiana 

nel passato? Cosa lo è oggi? 

Credo che oggi siano troppe le variabili che possono far 

sì che si perda passione per un progetto. Fanno paura, 

snervano; si pensa che stimolino l’evoluzione quando 

Sotto. Mario Sorrenti, Vogue Italia, marzo 2011. 

in realtà sono soffocanti. Lo spirito creativo ne risente. 

All’inizio, il successo e l’espansione, come la mission e 

la passione, sono motori a partecipare: to be part of the 

conversation. Ma è proprio il desiderio di partecipare 

che devia l’autocritica e decentra l’oggettività a favore 

di una soggettività a mio parere sempre più auto-riferita, 

urlata e sbagliata. L’errore è nella scala delle priorità, 

non nella mission. Oggi, come tutto e tutti, siamo valutati 

sui volumi che muoviamo e assai meno per la cultura 

e il gusto che veramente rappresentiamo. Preferiamo 

la quantità alla qualità di chi sa veramente apprezzare. Se 

senti il brand prima del cuore, fai check-out! 

Nella moda, siamo un paese di inventori o di commercianti? 

Direi entrambi. Geograficamente siamo un gioiello. 

Quale è il tratto più profondamente italiano nel tuo 

lavoro? 

Credo di essere riconosciuto per adottare un senso di 

eleganza nelle mie creazioni. La relatività in contrasto 

con la mia ambizione la trovo altrettanto italiana. 

E quello in assoluto meno italiano? 

La mia curiosità, così come il mio senso di autocritica, 

non li considero puramente italiani. 

L’Italia è un paese per giovani? 

Potrebbe esserlo, se si stimolassero i giovani a sperimentare 

invece di istruirli o abbandonarli, fagocitandoli 

in spazi sempre più ristretti. I giovani si accumulano in 

angoli, non li si lascia respirare. Custodendo anziché 

condividendo, le energie creative implodono. 

Bisogna davvero emigrare per essere riconosciuti? 

Esiste un mondo fuori dall’Italia. Per fortuna: se si vuole, 

se si ha accesso. Essere o sentirsi italiano non significa 

che il tuo percorso non possa svolgersi al di fuori del 

tuo luogo o la tua cultura originari. 

Ti senti italiano? Perché e in cosa? 

Credo di riconoscermi italiano nel mio gusto. Lo esprimo 

spesso spontaneamente con un senso di eleganza 

che riconosco in assoluto solo italiana, perché misurata. 

Da cosa bisogna partire per rifondare la classe creativa, 

e non solo quella, nel Paese? 

Dall’educazione, come sempre. Purtroppo nessuno capisce 

che noi, oltre a essere creativi, siamo anche manifatturieri. 

Senza manifattura, la creatività non si esprime. 

Senza creatività, la manifattura diventa industria, 

ordinaria. Si perde il concetto di primato al quale ambire. 

A mio avviso, un concetto del tutto nobile e sano, 

perché sinonimo di continua ricerca. 

Sei ottimista o pessimista sul futuro? 

Sono pessimista. 

Il futuro della creatività è locale o globale? 

Globale. 

Nel tuo percorso, quale è l’errore che non rifaresti? 

Impossibile per me non fare errori. Tutti quelli che ho 

fatto sono stati utili per capire che non bisogna mai ascoltare 

gli altri, che fidarsi è bene ma non fidarsi è meglio. 

Professionalmente, non ho rimpianti di nessun tipo. • 

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vogue.it n. 805

Sopra. Steven Meisel, Vogue Italia, luglio 2012. Nella doppia pagina 

precedente, a destra. Mert & Marcus, Vogue Italia, marzo 2009. 

(Riccardo Tisci) 

Qual è il tratto più profondamente italiano nel tuo lavoro? 

La rappresentazione della forza e della seduzione, maschile 

e femminile. 

E quello in assoluto meno italiano? 

La capacità di provocare la tradizione e rompere gli 

schemi, insieme a un immaginario a volte più fosco della 

realtà. 

L’Italia è un paese per giovani? 

Sì, senza dubbio. Purtroppo però i giovani, oggi, si limitano 

a imitare o reinterpretare il passato. Dovrebbero 

invece cercare una visione personale dello stile. 

Bisogna davvero emigrare per essere riconosciuti? 

Quando ho iniziato, per un ragazzo italiano era quasi 

impossibile riuscire ad affermarsi o essere riconosciuto 

in Italia. Ho la sensazione che oggi le cose siano cambiate, 

che molti tabù siano caduti e che alcune strade 

siano più semplici. Anche l’Italia, infatti, si è aperta a 

logiche e correnti internazionali. 

Ti senti italiano? Perché e in cosa? 

Mi sento italiano per tutto ciò che concerne la sensibilità 

nei confronti del bello, della qualità, della manualità. 

Anche nel mio amore per le cose che potrebbero a prima 

vista risultare inconsuete o inusuali c’è sempre una 

connessione profonda, a volte nascosta, con le radici e 

la cultura italiana. 

Da cosa bisogna partire per rifondare la classe creativa, 

e non solo quella, nel Paese? 

Bisogna ripartire da un nuovo senso civico che comprenda 

spirito imprenditoriale e solidarietà, etica del 

sacrificio e capacità di fare squadra. 

Sei ottimista o pessimista sul futuro? 

Sono un ottimista… Con un tocco di pessimismo. 

Il futuro della creatività è locale o globale? 

Globale, come ogni cosa. 

Nel tuo percorso, quale è l’errore che non rifaresti? 

Non lavorerei più sette giorni su sette. Anche Dio si riposò 

la domenica. • 

527

Novanta Vite 

In Una 

Il prossimo 29 settembre inviterà gli amici a Parigi 

per festeggiare vent’anni di carriera. Ma MARIACARLA 

BOSCONO è molte altre cose ancora, oltre la moda. 

di RAFFAELE PANIZZA 

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foto inez & vinoodh. 

529

Di punto in bianco, Mariacarla Boscono racconta d’aver 

fatto l’amore per la prima volta decisamente tardi, già 

maggiorenne: modella richiestissima, posava nuda con 

la più selvaggia nonchalance, ma non aveva mai conosciuto 

un uomo. Indossare lingerie: ecco cosa la metteva a 

disagio. La faceva sentire volgare. Blocco che ha superato 

non molto tempo fa, tra l’altro, ritratta per La Perla. 

Poi racconta dei suoi genitori, che negli anni Settanta 

vivevano tra Phuket e l’India vendendo stoffe colorate a 

Fiorucci, una coppia d’imprenditori un po’ freak per i 

quali, dice, «tutto o quasi era lecito…», con molti puntini 

sospensivi per far capire che vederli mentre si fumavano 

uno spinello, la sera, lei bambina, non era scena 

così strana. Quindi salta di palo in frasca e chiede: Ma lo 

sapete come si ubriacano certe modelline della nuova generazione? 

Sentite qua: per sentir la testa leggera ma allo 

stesso tempo non assumere calorie intingono gli assorbenti 

nella vodka, giura, «e poi vanno a ballare». Mariacarla 

ride. Mariacarla inciampa. Diventa seria parlando 

della figlia di cinque anni, Marialucas, e del papà, che in 

questo periodo non sta tanto bene. Accenna al nuovo 

fidanzato, Guido, che lavora per lo storico club DC10 di 

Ibiza dove l’ha conosciuto, e sintetizza il loro amore giovane 

di due anni così: Se magna, se ride, se fa l’amore. 

Tiene banco per ore con un’energia inclusiva, incontenibile 

e sincera. Il prossimo 29 settembre, a Parigi, inviterà 

tutte le persone più importanti della sua carriera 

per festeggiare i vent’anni da protagonista nel mondo 

moda. Ci sarà l’amico Riccardo Tisci, conosciuto quando 

il futuro direttore artistico di Givenchy frequentava 

la Central Saint Martins di Londra. Da quel giorno, 

non è passato momento in cui non si siano visti o sentiti. 

Soprattutto in questo periodo, in cui Tisci sta pensando 

al futuro ed è irriconoscibile da quanto è bello, dice 

Mariacarla, si gode la vita ed è rilassato, dopo dodici 

anni che praticamente non dormiva, dice lei. Poi ci sarà 

Piero Piazzi, il booker che l’ha scoperta, e che rappresenta 

il dolore, la paura di non farcela, la certezza poi 

smentita di non essere adatta, il volerci credere, l’insistenza, 

i successi. Quindi i fotografi Mert & Marcus e 

Peter Lindbergh, i più importanti della sua carriera. 

Specialmente Lindbergh, che Mariacarla descrive come 

uno specchio, colui che immortalandola le ha mostrato le 

dimensioni esatte della sua fragilità. 

Poi ci sarà di certo un po’ di gente non invitata, perché 

Mariacarla, ammette, ama gli infiltrati e ne facilita il 

compito. E magari Karl Lagerfeld, con cui giura di aver 

avuto uno scambio in romanesco, lei ragazzina, lui già 

lui, vent’anni fa. Stava facendo un fitting per Fendi e 

Lagerfeld ci andò giù un po’ pesante con una spilla. Ah 

Karl, disse la monella, che m’hai preso er culo? E lui, che 

parla il francese come i francesi, e l’italiano come gli 

italiani, che le risponde Nì, nun te preoccupà, c’est pas grave. 

Vuole ringraziarli tutti perché sono stati i suoi tutori, 

dice. Sono figlia della moda, insiste. Sono un prodotto della 

moda, rafforza. Mi ha insegnato a leggere le persone, capire 

gli intrecci psicologici, le gerarchie, capire ciò che si ha, cosa si 

vorrebbe, le maglie in cui siamo costretti. 

Nata a Roma trentasei anni fa, musa di tutti, ha trascorso 

l’infanzia nel villaggio keniota di Kilifi, tra Mombasa 

e Malindi, dove gli unici esseri viventi a farle compagnia 

erano un bastardino di nome Pippo, un’iguana che s’affacciava 

alla finestra tutte le mattine, il precettore che 

bussava per le lezioni private e poi Bati, una diciassettenne 

musulmana che le faceva da tata. Dice che si deve 

a questo la grande capacità d’interpretazione che tutti le 

riconoscono, il talento di racchiudere uno stato d’animo 

nella frazione di un clic. Sì, c’è anche la scuola di recitazione 

Lee Strasberg, frequentata a New York, ma, soprattutto, 

è stata la solitudine la sua maestra di introspezione. 

A dieci anni aveva già letto tutto Isaac Asimov. Ha 

passato anni a parlare solo con se stessa. E adesso, dice, 

ha una fantasia che Ciao. Ha pure rischiato di creparci, 

in Africa. Il giorno in cui non ha dato ascolto ad alcuni 

amici di famiglia indiani che le dicevano di non bere 

l’acqua, a cena, meglio la birra, perché la falda era contaminata. 

Ma lei niente, voglio l’acqua. Ed è stata a letto 

una settimana a vomitare, quasi completamente disidratata, 

col primo ospedale lontano chilometri. O quan- 

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vogue.it n. 805

Mariacarla è fatta di 

vento e luci stroboscopiche. 

Mariacarla è cresciuta 

in Kenya con un 

bastardino e un’iguana, 

ha nuotato con 

gli anaconda, bevuto 

l’ayahuasca con uno 

sciamano in Brasile, 

dormito per terra 

nel deserto mongolo, 

tirato mattina negli 

strip club di New York. 

do, nel bagno di casa, la domestica Bati ha trovato un 

black mamba rannicchiato in un angolo, uno dei serpenti 

più veloci e velenosi d’Africa, soprannominato “ombra 

di morte” per il colore nero delle fauci, quando le 

spalanca. 

Ed è per questo che sono spassose le storie che Mariacarla 

racconta sulla Tanzania, quando c’è tornata nel 

2009 per gli scatti del calendario Pirelli. Lei, tra tante 

top, l’unica consapevole dei pericoli nascosti in quella 

natura incontaminata. Tutte convinte di essere su una 

giostra esotica e di potersi permettere qualsiasi cosa, urlettini, 

selfie, vezzi. Ricorda Malgosia Bela appesa alle 

zanne di un elefante gigantesco, che continuava a ciondolarsi 

come fosse sull’altalena, con l’addestratore terrorizzato 

per l’evidente e imminente perdita di pazienza 

dell’animale. Oppure di notte, quando attraversando la 

foresta tutte quante avevano voluto fermarsi a fotografare 

un cucciolo di leone. E Mariacarla a dire No, se c’è il 

cucciolo, c’è anche la madre. E in un attimo si erano ritrovati 

circondati da un branco di leonesse, una dozzina, 

costringendo i guardaparco a sfoderare i fucili per difendere 

lei, Lara Stone, Isabeli Fontana, Daria Werbowy. 

Mariacarla ha sempre viaggiato così, almeno fino a cinque 

anni fa, quando è nata Marialucas, di cui è mamma 

così single da chiedere che l’uomo con cui l’ha avuta 

non venga neppure nominato. 

È stata in Mongolia da sola, abbandonata nel deserto 

per tre giorni da una corriera sgangherata, bevendo birra 

e basta, perché cibo non ce n’era. È tornata che pesava 

quarantasei chili, da quel viaggio. La mia migliore 

stagione di sempre sulle passerelle, scherza. Anche se non 

scherza dicendo che una volta tornata a New York, la 

prima cosa che ha fatto è stata passare la notte in uno 

strip club, per sentirsi ancora Mariacarla, che è fatta di 

vento ma anche di luci stroboscopiche e divanetti rossi. 

Lei unica a buttarsi nel Rio delle Amazzoni dove vive 

l’anaconda, convinta a lanciarsi per prima da un gruppo 

di uomini che poi non hanno avuto il coraggio di seguirla. 

E ancora, la notte a prendere l’ayahuasca con 

uno sciamano in Brasile, l’allucinogeno naturale che dicono 

sappia curare l’anima, bevuto quando era ancora 

incinta. 

Mariacarla si può raccontare, come abbiamo provato a 

fare fin qui. Oppure bisogna lasciare che si racconti lei, 

seguire le sue traiettorie mentali, senza nulla a inframmezzare. 

Seduti in un ristorante di Roma, dove ordina il 

più sanguinolento degli hamburger, beviamo acqua e 

vino, e ci lasciamo trasportare entrambi dal suo flusso 

ininterrotto di cose, di confusione luminosa. 

Amo ancora la moda, dice, però mi rendo conto che comincia 

a venirmi tutto troppo facile. E allora su un quaderno scrivo 

tutte le idee che mi vengono, perché questa energia altrimenti 

non riesco a incanalarla, tutte le cose che la mia mente vede 

e registra, la voglia di sfida. Mi invento collezioni di moda, e 

ultimamente mi piace mescolare camicie da notte anni Trenta 

con scarpe piene di lustrini. Poi progetto nuove riviste di viaggio. 

E poi scrivo idee per valorizzare Roma: mi piacerebbe 

occuparmene davvero. A livello turistico. Organizzare e promuovere 

eventi che possano aiutare questa meravigliosa città 

a riaffacciarsi al mondo. Cose diversissime, insomma. Perché 

se è vero che questa è l’unica vita che abbiamo, io voglio vivere 

fino a novant’anni, e vivere novanta vite in una. 

Adesso non ha tempo, ammette, ma un giorno realizzerà 

qualcosa di nuovo, ne è convinta. Lo sento, dice, presto, 

arriverà anche il mio momento. • 

531

Ancora Un Bacio 

Cos’hanno di così speciale quelli del CINEMA 

ITALIANO? Spiega il regista che alla questione 

ha dedicato il suo ultimo film: non il voyeurismo, 

ma una memoria fatta di attese, timore, possibilità. 

Come nella copertina di questo numero di Vogue. 

di IVAN COTRONEO* 

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533

Da sinistra. Monica Vitti e Alain Delon in “L’eclisse” di Michelangelo Antonioni. 

Sophia Loren e Marcello Mastroianni in “Ieri, oggi, domani” di Vittorio De Sica. 

In apertura. Ancora Loren e Mastroianni in “Matrimonio all’italiana”, sempre di De Sica. 

Pagine successive: Enita Ekberg e Mastroianni in “La Dolce Vita”, di Federico Fellini 

Di tutti i baci che sono stati messi in scena nella storia 

del cinema, italiano e non, da spettatori ricordiamo benissimo 

quelli che ci hanno catturato, che hanno segnato 

la nostra memoria, quelli visti in una sala che tratteneva 

il fiato in trepidante attesa, sapendo istintivamente 

quanto fosse un momento cruciale quello a cui stava assistendo. 

Non solo un momento di tensione narrativa, 

quindi, ma di restituzione di senso. Perché i baci, sullo 

schermo, hanno un enorme potere di rivelazione. 

C’è qualcosa di particolarmente irritante in un bacio 

non riuscito, qualcosa che ci infastidisce come spettatori 

e che va al di là del semplice schiaffo alla credibilità 

dei personaggi e alla rivelazione della messa in scena. 

Quando due personaggi sullo schermo si scambiano 

un bacio finto, palesemente rappresentato, un moto di 

rifiuto se non di stizza ci percorre, e la memoria dei baci 

che abbiamo dato nella vita, o meglio, che ci siamo 

scambiati, si risveglia pronta per segnalarci che quello 

a cui stiamo assistendo nella narrazione, quell’incontro, 

quell’avvicinarsi delle labbra e quello scambio di 

umori, non è che l’imitazione poverissima dell’eccitazione, 

dell’inizio dell’avventura, dell’abbandono carico 

di spavento. Come le altre simulazioni a cui il cinema ci 

ha abituati (ma più che in quella della morte, di fronte 

alla quale, quando viene rappresentata in un film, siamo 

più tolleranti, perché sfiora un tabù di pensiero al quale 

non sempre vogliamo accostarci), quella del bacio ha il 

potere di svelare l’inganno, o di converso, quando è riuscita, 

di sublimare la perfezione della rappresentazione 

e renderla memorabile. Dei vari baci cinematografici ricordiamo 

come particolarmente riusciti quelli che non 

ci hanno fatto pensare alla professionalità dei due attori 

intenti a unire le labbra di fronte a una troupe. Forse 

perché si sono ricollegati direttamente al nostro vissuto. 

O forse perché li abbiamo riconosciuti come appartenenti 

alla nostra esperienza umana. 

Il cinema italiano classico ha una storia costellata di attori 

che hanno fatto sognare il mondo: i loro baci sono 

stati non la possibilità voyeuristica di vedere una star 

alle prese con la messa in scena di un momento intimo, 

ma la sublimazione estrema di una memoria fatta di attese, 

di timore, di scoperta di possibilità. 

Sono baci risolutivi, che svelano o affermano con forza 

l’attrazione, l’idea del congiungimento, l’espressione di 

un sentimento. Più ancora che per le scene di sesso – 

che raramente hanno il potere di emozionarci in questo 

modo, e quando lo hanno è perché raccontano altro –, 

i baci svelano la violenza della passione, come in “Rocco 

e i suoi fratelli”, o l’impossibilità di una qualsiasi superficialità 

nell’attrazione fisica (penso a quasi tutto il cinema 

di Pasolini), o il desiderio di un incontro che vada al 

di là della ripetitività sterile dei giorni (“Io la conoscevo 

bene” di Pietrangeli) o l’ossessione del desiderio (ancora 

Visconti, “Senso”). 

Se hanno una forza eversiva, questi baci la possiedono 

non per i soggetti coinvolti, ma per quello che ci raccontano 

sulla rottura dei loro preconcetti (“Il conformista” 

di Bertolucci) o per il loro potere di rovesciare 

il mondo contro tutto e tutti (“Io sono l’amore” di Luca 

Guadagnino). A volte sono attesi dagli spettatori in 

maniera inconscia come il momento della verità, quello 

che rivelerà se tutto ciò che ci è stato detto su carattere, 

personalità, orientamento sessuale dei protagonisti 

è vero, segnando così un nuovo passo nel racconto del 

film, un passo in cui il regista afferma con decisione: 

puoi fidarti di me (Riccardo Scamarcio e Carmine Recano 

in “Mine vaganti” di Ozpetek). 

I baci che restano nella nostra memoria lo fanno a volte 

grazie a un realismo magico, e se la situazione non è comune 

ma straordinaria, muovono le nostre aspirazioni 

a che la nostra vita possa accogliere un tale momento: 

Dietro quell’immagine dev’esserci un mondo 

di possibilità, di sogno. I baci sono annunci, 

e quand’anche vengano smentiti dopo 

cinque minuti, nel momento in cui le labbra 

si incontrano sono perfetti e chiusi in sé. 

in questa pagina. foto interfoto/alamy stock photo. in apertura. foto champion/concordia/kobal/rex/shutterstock. 

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vogue.it n. 805

www.shirtaporter.com

una bellissima fontana, un momento di follia lucida, 

essere Mastroianni, o la Ekberg, o preferibilmente entrambi. 

Esserci, non solo assistere passivamente. La sequenza 

finale di “Nuovo Cinema Paradiso”, nella sua 

ineluttabilità precisissima, mostra una teoria virtualmente 

infinita di tutti i baci delle pellicole proiettate, 

baci che nel corso del racconto sono stati tagliati via 

dalla censura, e nonostante le nostre possibili resistenze 

ha il potere di commuoverci, o comunque di catturarci. 

Sono i baci negati che vediamo in quel momento, 

non nel racconto del film, ma nella vita – e in un senso 

nostalgico sono quelli che non siamo riusciti a dare ma 

che avremmo voluto. 

Nella mia personale esperienza di regista ho vissuto un 

episodio per me particolarmente significativo nel corso 

delle riprese del mio ultimo film: i due giovani attori 

protagonisti, Rimau Grillo Ritzberger e Leonardo 

Pazzagli, esordienti al cinema, dovevano scambiarsi un 

bacio in scena. Il bacio era stato provato prima delle riprese, 

anzi direi che era stata senz’altro una delle scene 

cruciali dei provini. I due ragazzi nelle prove si erano 

scambiati un bacio vero, curioso, di scoperta, insieme 

potente e terribile. Quando ci siamo poi ritrovati per 

quella scena sul set, tre mesi dopo, al primo ciak il loro 

bacio risultava timido, impacciato, buffo, quasi scambiato 

per gioco. Ho dato lo stop, ho chiamato da parte i 

due ragazzi, ho chiesto loro cosa stesse succedendo. Mi 

hanno risposto che al provino non si conoscevano per 

niente, e che invece ora erano diventati amici. Questo 

rendeva più difficile baciarsi con quel misto di eccitazione 

e sgomento che accompagna i primi baci. Da regista 

li ho spronati a ritrovare quel sentimento vissuto 

nei provini, e durante i successivi ciak ci sono riusciti. 

Ma in fondo sentivo che mi avevano spiegato una verità. 

Gli amici ovviamente non si baciano come gli amanti, 

non si baciano per scoperta, paura, timore, ansia di perdere 

quell’emozione che sta passando. La pellicola cattura 

quell’attimo lo restituisce nella sua verità emotiva 

– quando non reale, almeno possibile. Tutto il cinema, o 

almeno il cinema che piace a me, tende alla creazione di 

una verità emotiva, qualsiasi essa sia, fosse anche la negazione 

o l’assenza di un sentimento. I baci, esattamente 

come nella vita, rivelano tutto quello che c’è da sapere, 

senza che venga pronunciata una sola parola. Dietro 

quell’immagine deve esserci un mondo di possibilità, 

di sogno. I baci sono annunci, e quand’anche vengano 

smentiti dopo cinque minuti, nel momento in cui le 

labbra si incontrano sono perfetti e chiusi in sé. Come 

per Lady Chatterley, hanno il potere di fare risuonare le 

campane. E nel cinema più bello, quelle campane non 

suonano per i protagonisti, ma per noi spettatori che li 

guardiamo. Perché – e questa è la verità segreta e forse 

il senso della magia del cinema – quel bacio che viene 

scambiato per i nostri occhi deve invece pretendere, e 

nel cinema più bello lo fa, di esistere da sempre e per 

sempre, esattamente come le promesse d’amore che ci 

scambiamo nella vita. • 

*Regista e scrittore, ha diretto “Un Bacio” (2016). 

foto courtesy everett collection/contrasto.

MANGANO 

MILANO / FIRENZE / DESENZANO / FORTE DEI MARMI / MILANO MARITTIMA / MANGANO.COM

Una Notte 

Per Tutti 

La VFNO cambia nome e format. 

Diventa “Vogue For Milano” 

e si arricchisce di mostre, talk 

e di live music. Per avvicinare 

ancora di più la città alla moda, alla 

fotografia, al cinema e alla musica. 

E allo shopping a scopo di charity. 

di MARISTELLA CAMPI 

Dal pomeriggio 

a sera inoltrata, 

tutta la città 

si trasforma in 

un palcoscenico 

diffuso. Per nuovi 

incontri e idee. 

Taglia il traguardo della nona edizione e 

volta pagina la “Vogue Fashion’s Night 

Out”, organizzata da Vogue Italia con il 

patrocinio del Comune di Milano. Infatti, 

pur rimanendo una grande festa della 

moda dall’approccio democratico e dalla 

vocazione solidale, con numerose attività 

di shopping a sfondo benefico, quest’anno 

si trasforma presentandosi con una veste 

completamente rinnovata. 

Innanzitutto, nel nome. La manifestazione 

viene rinominata “Vogue For Milano”, 

un claim evidenziato anche nel logo attraverso 

un gioco grafico che mette in primo 

piano proprio la nuova denominazione, pur 

lasciando sullo sfondo quella originaria, 

“Vogue Fashion’s Night Out”. Un cambiamento 

che ha lo scopo di sottolineare 

e rafforzare il legame con la città simbolo 

del made in Italy e portavoce nel mondo di 

quella italianità che è anche il tema centrale 

di questo numero di Vogue Italia. 

Nuova anche la data, giovedì 14 settembre, 

che anticipa di una settimana la Milano Fashion 

Week. Infine, anche il format è stato 

rivoluzionato. Il calendario degli eventi 

è stato distribuito lungo tutto l’arco della 

giornata, con un momento clou dalle 17 alle 

22 (e in alcuni casi anche oltre), per consentire 

a tutti di partecipare agli appuntamenti 

nel Quadrilatero della moda – via Manzoni, 

via Montenapoleone, via Sant’Andrea, via 

della Spiga, corso Vittorio Emanuele, corso 

Venezia e dintorni – ma anche in corso 

Genova e nel quartiere di Brera, in corso 

Como, in piazza Gae Aulenti e nel distretto 

emergente di Porta Nuova. 


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539

Giovani fotografi, registi, 

musicisti e designer: 

Vogue for Milano è anche 

un crocevia di talenti. 

Moda & fotografia 

Nel cortile di Palazzo Bagatti Valsecchi, in via Gesù, la 

mostra “The New Beautiful”, a cura di Alessia Glaviano, 

photo editor di Vogue Italia, espone le interpretazioni 

della bellezza femminile di quattro artiste contemporanee: 

Clara Giaminardi, Alexandra Von Fuerst, Justine 

Tjallinks e Romina Ressia. 

Moda & cinema 

Doppio appuntamento in via Montenapoleone. Al 23, 

nella Montenapoleone Vip Lounge, è in programma 

la proiezione di “Through my Eyes Episode 2-Women’s 

View”, raccolta di cinque fashion film diretti da 

cinque registe (Alexa Karolinski, Chantal Anderson, 

Leigh Johnson, Marie Schuller, Marta Di Francesco), 

esponenti del nuovo panorama internazionale, realizzati 

da Vogue Italia in partnership con Fashion Film 

Festival Milano all’interno del progetto #FFFMilano- 

ForWomen. Per l’occasione, si potrà provare la nuova 

fragranza “Gabrielle Chanel” di Chanel, omaggio a 

Mademoiselle. Al 19, invece, nel cortile dell’illy Café 

si può assistere a una selezione delle “best interviews” 

– interviste video ad artisti e fotografi – di Vogue Italia. 

Moda & talk 

Si intitolano “The Art of Influencing” i talk che, in alcune 

boutique del Quadrilatero (Alcantara, Alberta Ferretti, 

Krizia, Fendi, Moschino, Salvatore Ferragamo), 

affronteranno il tema dell’impatto che la fashion culture 

esercita su cinema, arte, fotografia. Un’occasione per conoscere 

le storie di celebri brand, anche attraverso l’evoluzione 

del loro dna. Al Bar Meraviglia di San Pellegrino 

si discute invece di supporto al talento. 

Moda & musica 

Un concerto dalla Terrazza di Duomo 21, con performance 

dal vivo degli artisti internazionali più ascoltati 

del momento, chiude la serata di “Vogue For Milano”. 

Milano & Venezia 

La VFNO, nel week-end del 16-17 settembre, ha 

quest’anno un’estensione a Venezia, al T Fondaco dei 

Tedeschi, affacciato sul Canal Grande nel sestiere di 

San Marco. Qui, una serie di eventi legati alla cultura 

della moda – dalle visite guidate a cura degli editor 

di Vogue Italia ai talk con gli esperti, fino ai “Vogue 

Suggests”, con le idee e i suggerimenti di stile di Vogue 

Italia – sono il punto di riferimento per chi vuole partecipare 

a una fashion experience di grande impatto. 

illustrazione jacopo ruggine; foto new press. 

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vogue.it n. 805

Distribuito da Miriade spa Tel. 081.8266701 su licenza di Barocco Roma srl - www.miriadespa.it

AUDI prosegue con Q2 il suo #untaggablejourney, 

con la tappa della VFNO. Da Banner, in via 

Sant’Andrea 8/A, si può acquistare la T-shirt Special 

Edition con illustrazione sul tema #untaggablejourney 

di Bad Deal, brand creato da Zoow24 e Marina 

Rubini. Tutto il ricavato sarà destinato alla 

riqualificazione del mercato di Lorenteggio. 

HUAWEI accoglie tutti nel cortile di palazzo 

Bagatti Valsecchi, che ospita la mostra “The New 

Beautiful”, con due iniziative: un mini trunk show 

con modelle con i look selezionati da Vogue Italia e 

una photo booth in cui provare i nuovi smartphone 

P10 e P10 Plus. Sono realizzate con i device Huawei 

anche le foto di backstage del concerto live, 

proiettate sul maxi schermo in piazza Duomo. 

MARTINI, cocktail ufficiale della VFNO, 

celebra la Terrazza Martini e i giovani talenti della 

fotografia selezionati dal canale PhotoVogue – 

Gioconda & August, Monia Merlo, David PD Hyde 

e Andrew Tarnawczyk – che interpretano i drink 

Martini dell’estate 2017 negli scatti di una mostra 

fotografica a Palazzo Morando (dalle 19). Durante 

la serata la casa di Chieri propone il nuovo 

cocktail Martini e Tonic Bianco, Rosso e Rosato. 

“Vogue For Milano” conferma ancora la 

sua vocazione charity grazie al contributo dei negozi che 

aderiscono alla manifestazione con oggetti realizzati in tiratura 

limitata per questa speciale occasione. Quest’anno, 

il ricavato delle vendite di tutte le limited edition sarà devoluto 

a un progetto destinato alla riqualificazione delle 

periferie della città, che fa parte di un più vasto programma 

del Comune di Milano. Obiettivo è la realizzazione 

della copertura della pedana del Mercato Comunale del 

Lorenteggio, progettata da Renzo Piano. L’idea alla base 

dell’iniziativa è di riuscire a trasformare lo spazio pubblico 

in un punto di incontro socio-culturale, che possa 

funzionare anche durante la stagione invernale. Infine, 

una serie di collaborazioni, con Audi, Huawei, Martini, 

Nivea e Qvc, contribuiscono a rendere la serata ancora 

più articolata e ricca di appuntamenti. • 

NIVEA celebra i “Deo Nivea for Black and 

White” che, in occasione di “Vogue For Milano”, 

cambiano veste con un pack in edizione 

limitata grazie alla collaborazione con CO|TE, 

promettente duo di designer selezionati da 

Nivea e “Vogue Talents”. La special edition e 

gli abiti di CO|TE che l’hanno ispirata sono i 

protagonisti di un corner a Palazzo Morando. 

QVC, la piattaforma multimediale che unisce 

TV, digital, mobile e social media per una 

shopping experience a 360 gradi, lancia a Palazzo 

Morando la seconda edizione di “QVC Next/The 

Fashion Edition”, programma in collaborazione 

con “Vogue Talents” che sostiene i talenti del 

made in Italy. Quest’anno sono Maison Di Prima 

e Giuliana Mancinelli Bonafaccia a vendere 

su QVC le loro capsule collection esclusive. 

RMC è la radio ufficiale della VFNO, con una colonna sonora raffinata 

e internazionale. Tutti gli aggiornamenti degli eventi e delle adesioni 

dei negozi in tempo reale sono su www.vogue.it/vfno2017 e sulla 

pagina Facebook. #VFNO2017 

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vogue.it n. 805

Distribuito da Miriade spa Tel. 081.8266701 su licenza di Mario Valentino spa - www.miriadespa.it

English Texts 

The Italian Issue 

by EMANUELE FARNETI 

French magazines have a tradition of celebrating 

national fashion with covers dedicated 

to local style icons or the magic of Paris. 

The same happens in the US and the UK. 

But less so in Italy. Due to a certain typical 

conditioned reflex of ours, it always seems to 

us that whatever happens far away from here 

is, by definition, less provincial. I believe it 

boils down to a lack of perspective. Suffice 

it to see how much the leading international 

press talks about Italy and Italians, and how 

much curiosity one reads for the latest news 

and novelties traversing our country. For this 

reason, we have decided to make Italy the 

protagonist of the September issue, which is 

traditionally the most important of the year. 

Nothing could be further from the rhetoric 

of some allegedly “better Italy”. Instead, it is 

a snapshot – albeit partial and subjective, as 

inevitably happens when one is so close to 

the portrayed subject – of a country that, 

between trials and tribulations, and despite 

an objectively unfit ruling class, is waking 

from its slumber. 

It’s no secret that something is stirring in 

Milan. On these pages we speak of new designers 

and age-old costumes returned to 

their splendour, of the city’s polished Galleria, 

and of upcoming exhibitions. Florence 

is also on the move, with contemporary art 

challenging historical resistances. A blossoming 

of small-scale publishers is painting 

a picture far removed from Italy’s usually 

stereotyped topics such as food and tourism. 

The female authors of this year’s most 

unexpected best-seller tell us about other 

rebellious Italian women. David Leavitt 

writes of 17th-century wonders, while Lila 

Azam Zanganeh describes her dream of an 

Italian square on an autumn morning full 

of light and rarefied air. The brother of a 

famous American writer casts light on some 

of Italy’s most obscure places. Patrick Demarchelier 

gives three young Italian girls 

the style and grace of erstwhile divas. And 

Juergen Teller ventures to the western tip of 

Sicily in pursuit of his “Italian crush”. 

Then there are the three covers. 

The first pays homage to a monument of 

Italy’s artistic heritage. Willy Vanderperre 

and Olivier Rizzo travelled and researched 

to create their story on Caravaggio, portraying 

him with images that are simultaneously 

old yet strikingly modern. 

The second cover is the story of a gesture, 

entrusted to Mert & Marcus with Alastair 

McKimm. Pietrangelo Buttafuoco reveals 

why Italian kisses are the ultimate and 

unlike others given elsewhere. Ivan Cotroneo, 

meanwhile, recalls their role in the 

construction of Italian cinema’s imaginary. 

The third cover is a wish. A hope that Rome 

– whose monumental sites provided the setting 

for the narrative told by Inez & Vinoodh 

with Alex White – can return to its former 

self, which, on reflection, was not even so 

long ago. Because the country will only really 

get moving if Rome gets back on its feet. 

Obviously, all these threads are held together 

by fashion. Specifically, the considerable 

amount of fashion designed directly by 

Italians; and that enormous amount, almost 

all of it, which is produced in this country. 

After all, with all its well-known limitations, 

the fashion system plays an anything 

but marginal role in Italy’s drive towards 

the future. Not only by giving jobs to over 

400,000 professionals in 50,000 companies, 

and with a turnover of 52 million euros (in 

2016). But also by representing the Italian 

sense of beauty all around the globe. It is the 

soft power we possess. Let’s not forget to feel 

at least a little bit proud of it. As Franca 

Sozzani once said: others talk, we do. • 

original text page 30 

Bacio! 

by PIETRANGELO BUTTAFUOCO* 

French kiss is well-known. As Cyrano de 

Bergerac would say, it’s a pink apostrophe 

between the words je t’aime. An Italian kiss, 

on the other hand, is an allusion. It’s a midnight 

kiss – “un bacio a mezzanotte” – untrustworthy 

by definition. 

Kisses are like artful thefts. It’s not a sin if 

you dream of kisses. And it’s always “The 

Last Kiss” of the day for people who never 

want to grow up. In fact, staying young is a 

trade-off of excuses – “just a kiss” – when a 

kiss, alone, is a madhouse of fireworks and 

promises. 

“The mouth that has been kissed does not 

lose its savour, indeed it renews itself,” as 

Boccaccio’s proverb goes. Or “Give me a 

thousand kisses”, as Catullus would say. 

In rock ’n’ roll the round figure for kisses 

is 24,000, but la cara sillaba, or “the sweet 

word” – at least in the songs that grandpa 

sings – is summed up with “ba ba baciami 

piccina”, or “ki ki kiss me little darling”. This 

bright stutter is intended for grandma, and 

what she gets in her “heart of hearts” is “baci 

in quantità” (i.e. lots of kisses) and a cheeky 

question: “Tutti questi baci a chi li devo dar?” 

(Or, “Who should I give all these kisses to?”) 

The kiss finds refuge in the kiss curl: a lock 

of hair that drips allusions onto cheeks – or 

even foreheads – and the kiss sleeps as if in a 

slumber of coral, silk and flowers. 

Implied in an inadvertent twitch of the lips, 

the kiss remains an omission: the eloquence 

of things left unsaid as a way to safeguard 

oneself. 

Love seized us. Galehaut is the book and who 

wrote it, but the story of all the world’s kisses 

is Italian: a bundle of film clips – of censored 

kisses – that were cut, preserved and then 

edited together. It’s the story of Giuseppe 

Tornatore’s “Cinema Paradiso”, and between 

the vibrant colours of the film, the blackand-white 

images make every allusion plain 

to see: “You can never get your fill of escargots 

to suck and girls to kiss.” 

An itch. And then the substance. This is what 

the woman demands, and the imperative 

is always categorical: Kiss me, stupid! Vapid 

stubble lines his upper lip – like a row of 

marching ants – and it prickles as his mouth 

sinks almond-flavoured throbs onto her lips, 

all of coral, silk, flowers and closed eyes. Back 

in the days of men’s-only clubs, the barbers 

– certainly not hairdressers – heartily recommended 

a moustache: “Wear a pencil moustache 

as fine as a line of ants, and the girls 

will thank you for it.” 

Italy’s fear lies in a kiss – the kiss of Totò Riina 

– and who knows if this mafia boss had a 

tongue piercing to keep turning the aching 

tooth. 

Goodbye kisses, they say. But the whole Italian 

fairy tale lies in a toing and froing of 

kisses. Like Totò the legendary actor, who 

went looking for kisses in the station among 

the departing trains. Petrarch’s entire “Canzoniere” 

in vernacular Italian lies in a kiss. 

544 vogue.it n. 805

FRANCO PUGI 

www.francopugi.com

ENGLISH TEXT 

And it’s a ciao ciao! Another kiss. And then a 

thousand more (“deinde usque altera mille”). 

(Trad. Antony Bowden) • 

*Journalist and author, 54 years old, from Agira, with a 

degree in Theoretical Philosophy. His latest book “I baci 

sono definitivi” (La Nave di Teseo) was inspired by daily 

trips on the Rome subway and features stories about sweethearts, 

inscriptions on railings, phrases, and glances, 

hurried traffic, stops, and lunch breaks. Buttafuoco takes 

notes and observes as everything rushes by, is erased or 

fades. Only kisses definitely remain. 


Roma! 

by LILA AZAM ZANGANEH* 

Every writer is a lover moved by a dream. 

The dream of a woman, a man, a sword or 

a city. And this dream needs a foot in the 

real world. Because the world, in sum, is the 

fabric that desire’s made on. 

So what better place on earth to dream than 

Rome? Rome, on any given morning in the 

early fall (my favorite time of the year in the 

city), on a square, not too far from the Madonna 

del Divino Amore. The sun shines lightly, 

it smiles upon you, like a momentary 

grace, or a stroke of good luck. 

One could be having a cappuccino, or else a 

cornetto full of Nutella (I had six in a row, 

not so long ago, prompting my neighbors to 

leer in dismay). 

There I am, having my sixth cornetto, and 

dreaming. I dream of a square giving birth 

to another square and another yet. I dream 

of the Scala Santa in San Giovanni in Laterano, 

and though I’ve scaled it before, I 

dream it leads to the clouds and the stars, to 

a place beyond the painting. I dream of the 

Domus Aurea, and how the painters of the 

Renaissance dug holes to see the frescoes 

and steal beautiful ideas (good poets steal, 

they steal to dream again.) I dream of the 

Palatino, full of the rumor of Emperors, and 

strangely empty on a fall afternoon. I seek 

that emptiness, that void, because inside it, 

when you prick up your ears, you begin to 

hear the living pulse of time. I think of fountains 

and their philters, “Love” and “Disdain,” 

and how Orlando was driven raving 

mad by perhaps no more and no less than 

such a philter (passion often seems to spring 

from a fountain, a metaphor for madness, or 

simply, the lack of rhyme and reason in our 

dreams.) I dream of narrow byroads where 

swords have fallen over rocks, and where in 

their place only a footprint remains. I dream 

of castles rising above mausoleums and boys 

sleeping where doves once slept. I dream of 

a time when Rome, somewhere far off into 

the future, will be but the dream of a dreamer 

dreamed on a fall morning, in a piazza 

full of light and thin air. • 

*Author of “The Enchanter: Nabokov and Happiness” 

(W.W. Norton & Co.), Lila Azam Zanganeh spent long 

periods of her life in Italy. She is one of the five members 

of the Man Booker Prize jury. 


Ad Arte! 

by DAVID LEAVITT* 

As an artist and a man, Caravaggio belonged 

to the shadowland. Darkness, you might say, 

was his stone, light the chisel with which he 

sculpted. Starting with such early works as 

the “Boy with the Lute”, Caravaggio reveals 

an understanding of light so masterly as 

to make us forget that he lived on the candlelit 

cusp of the seventeenth century, in a 

world that did not know, could hardly imagine, 

electricity, photography, the flashbulb 

and the flood light and the portrait umbrella. 

Flood, flash, umbrella: tellingly, the language 

of camera equipment is the language of storms, 

just as in Caravaggio’s paintings storms 

always threaten, and with them the burst of 

lightning that will, for a millisecond, expose 

all that the darkness conceals. If the moments 

Caravaggio portrays are ephemeral, it is because 

light itself is ephemeral. His eye, like 

the camera, captures the briefest of exposures. 

What makes him a great artist is that he 

always knows where to aim his lens. 

To look the Medusa in the face is to be turned 

to stone. Caravaggio not only looked the 

Medusa in the face, he painted her portrait. 

Wrathful and appalled, his Medusa meets the 

viewer’s gaze with an anguish beyond pity, 

even beyond cruelty, as if to say, You knew all 

along you could not resist. Now see what I see every 

day in the mirror. In principle, we have defenses 

against this sort of seeing. Most of us, 

were we to be forced to witness a crucifixion, 

would turn away in horror. Our eyelids might 

shut of their own volition against such brutal 

light, as they do when we try to stare into the 

sun. And yet once you have looked the Medusa 

in the face, these defenses fall away. You can 

observe the harrowing of another’s flesh with 

equanimity because now you are stone, you 

are stony, you are endowed with the capacity 

not just to scrutinize suffering, but to choose 

the moment that most perfeclty embodies 

suffering, and thereby transmute it into art. 

By all accounts, Caravaggio was wayward and 

violent. He killed more than once. He lusted, 

mostly after boys, yet even in his most eroticized 

portraits – “Saint John the Baptist”, “Sick 

Bacchus”, “The Boy Bitten by a Lizard” – the 

effect of his famously tenebrous chiaroscuro 

is to emphasize the vulnerability of the flesh. 

Consider his “Bacchus” in the Uffizi: the 

lips are red, the muscles supple, you sense the 

blood pumping beneath the skin, and know 

that the merest caress of a sharp knife will be 

enough to make it flow. For this is the world 

as the petrified and petrifying Medusa sees 

it, a world in which the body is neither idol 

nor ideal. As Saint Peter is nailed to the cross 

upside-down, it is the logistics of the operation, 

not the actual upending, on which Caravaggio 

focuses: the engineering that underlies 

torture, the strain it brings out in the faces 

of the soldiers rather than the face of Peter 

himself, who appears to be giving directions. 

Similarly, in “The Conversion of Saint Paul 

on the Road to Damascus”, what catches the 

eye is less the ecstatic young Saint’s reaching 

arms as the hoof of his horse, delicately lifted 

over its master’s chest. For Caravaggio, light 

is the tool that allows the artist to capture 

those rare moments when pain and ecstasy 

converge and the suffering visionary sees heaven, 

sees Christ, sees Charon’s barge pulled 

up to the bank of the murky river he navigates. 

A paradox: to portray all that is soft in the 

human body, you must make yourself hard. 

You must look in the mirror. You must confront 

the snake-haired Gorgon in yourself. • 

* Author, 56 years old, born in Pittsburgh. A professor at 

University of Florida, he has lived for an extensive period 

in Italy – the country that is at the center of his two books: 

“Italian pleasures” (Chronicle Books) e “In Maremma: 

Life and a House in Southern Tuscany” (Counterpoint 

LLC). “The Two Hotel Francforts: A Novel” (Bloomsbury) 

and the biography “The Man Who Knew Too 

Much” (W.W. Norton & Co., recently reprinted), are his 

latest publications. The author will be at the Pordenonelegge 

2017 festival (September 16, piazza San Marco, Pordenone), 

in a conversation with Ottavio Cappellani 


Franca Sozzani 

by LUCA DINI 

On September 3rd, 2016, I sent an email to 

Franca Sozzani. The night before in Venice 

I had seen Franca: Chaos and Creation, the 

film by her son Francesco Carrozzini. I wrote 

to tell her that I was proud, as a colleague 

and as an Italian, to hear in the documentary 

so many important names from around the 

world celebrate the genius and uniqueness of 

her work. I also told her that, being a father 

546 vogue.it n. 805

VOGUE FASHIONÕS NIGHT OUT 

IL 14 SETTEMBRE 

DALLE 17 ALLE 22 

CON L'ESCLUSIVO TALK 

DI SALVATORE PICCIONE 

DESIGNER DEL BRAND PICCIONE.PICCIONE 

Un’esperienza che riesce a sorprenderti 

in ogni sua componente solare, 

autentica e positiva. È il Mediterraneo 

che ci fa sognare e che ci stupisce 

con gli agrumi, i colori, i sapori freschi 

e intensi. È la semplicità di un luogo 

che sa regalarti gesti meravigliosi: 

un posto pensato per te 

e per vivere i tuoi momenti di piacere, 

dove gustare le Bibite Sanpellegrino 

protagoniste di un’esperienza unica. 

Questo è il Bar Meraviglia! 

#BARMERAVIGLIA 

BAR MERAVIGLIA - VIA VINCENZO CAPELLI, 2

ENGLISH TEXT 

myself, I was deeply moved by the love with 

which Francesco had told the story. Not long 

after, a reply arrived. Among her comments, 

Franca wrote: “It was a tremendous effort for 

me to open up so much of my private life. 

But today I’m happy to have done it, to prove 

that life often is very different from the 

glossy page.” 

The film wasn’t supposed to be a film but 

rather a private journey through a family’s 

history. The motivation to undertake it was 

born out of a loss from 2010. This is told 

in a voice-over in Francesco’s own words in 

one of the first scenes set to images of Franca 

walking in a snowy Manhattan. “After my 

father died, I realized that I had never asked 

him questions, that I never decided to learn 

to know him as a child should probably 

know his parents. So I took a video camera 

and brought my mother to Central Park and 

started to interview her. There was no turning 

back.” 

September 2017 is important to Francesco 

not so much because the filmmaker and 

photographer turns 35 (on the 9th). On the 

first day of the month, at the Venice Film 

Festival, the Franca Sozzani Award, a prize 

for actors, will be handed out. It will also signal 

the birth of a foundation that will focus 

on discovering and promoting new talent 

in cinema, fashion and photography. On 

Sunday the 24th, at the Teatro alla Scala in 

Milan, the first edition of the Green Carpet 

Fashion Awards, born from the partnership 

between the Camera Nazionale della Moda 

and Livia Firth’s Eco-Age, will name a young 

“environmentally conscious” designer as the 

Franca Sozzani Emerging Designer of the 

Year, thus enabling them to present their collection 

at the February 2018 Fashion Week. 

Lastly, on Monday the 25th, one year after 

its Venetian premiere, Franca: Chaos and 

Creation arrives in Italian theatres with a 

short epilogue added. Mother and son are 

seen on the Seine riverfront with Francesco 

again narrating. “Shortly after the end of 

shooting, my mother became ill and had to 

live a life that was not for her… She passed 

away on December 22nd, 2016 but we had 

time to present the film to the world, together. 

At the end of the premiere she turned 

to me and told me how proud she was. This 

is our story.” 

In the movie your mother often speaks of the 

desire to “leave a mark.” Do you find it a bit 

limiting to look for this mark solely within 

the confines of fashion? 

“Yes, because, as Baz Luhrmann says in his 

interview, when you do something so unique, 

in whatever field you are in, you end up 

crossing boundaries. Franca wasn’t so much 

a fashion journalist as a thinker who rewrote 

the rules of the game. She taught people 

how to think, or rethink, and not just those 

in her field. She crossed over into other areas 

– music, cinema, the news. She reinvented 

everything, she took risks that could have 

cost her her job.” 

In this visual language, which is also your 

language, what do you think was her most 

important contribution? 

“I would say it was her ability as a talent 

scout. If you want to be a chef you have to 

have the best ingredients. She was able to 

spot people who were capable of communicating 

on a higher level and who were different 

from others. It wouldn’t be possible today 

to create a generation of photographers 

but even in those years, with no disrespect to 

others, only she knew how to do this. When 

people ask me how I feel about my mother’s 

work, I say that as a filmmaker if I wanted 

to attain the level that Franca reached in her 

field I would have to become Stanley Kubrick. 

There are very few cases where one has 

that sort of relevance. At that level, there was 

Diana Vreeland, Anna Wintour, and, in terms 

of creativity, her.” 

What did Franca mean by “Life is very different 

from the glossy page”? 

“Baz Luhrmann told me to make a movie 

that only I could do. In the film she is seen 

through my eyes and only my eyes can look 

at her in that way. You don’t see the editor-inchief; 

you see the woman, the mother. There 

is a lot about her work but in the end it is our 

relationship that everyone is impressed with. 

I say that this is our story. Of course, it’s more 

hers than mine but then she was my mother. 

I asked her the questions I had always wanted 

to put to her and only the movie allowed 

me to do it.” 

There is a Sozzani stereotype and then there’s 

the Sozzani in the documentary who 

says: “Why take the dream away from people?” 

It’s the Sozzani who would stop to talk 

for half an hour with a kid from small-town 

Italy who dreamed about fashion. 

“I think she was a person who was really interested 

in others. I receive at least ten messages 

a week saying: your mother has given 

me the strength to continue. It happens with 

strangers, too, which tells me that she knew 

how to be there when she wanted to. And of 

course she knew how to be really hard when 

people took advantage of that.” 

In the film, Franca also says: “It helps me 

to have a sense of humor. You need to relax 

in life. Lightheartedness is when you are so 

deep that you can get above it all. Lightheartedness 

is not taking things too seriously.” 

Anecdotes? 

“We were in Ghana for the Africa Issue of 

Uomo Vogue. They invited us to a runway 

show in a supermodern setting, an unfinished 

building, and we saw on the monitor 

the message ‘Duration: Five Hours.’ She 

turned to me with a look that said: you think 

I came to Ghana to put up with a five hour 

runaway show? It is one of the times we 

laughed the hardest. I have good memories 

of my father but not of laughing. If I think 

about her, though the loss is more traumatic, 

I still smile. I know people who, after years, 

can’t talk about the parent they lost: it’s a loss 

that when you are young can turn into something 

self-destructive. Yet these last months 

have been the most productive of my life. 

I believe it’s because she taught me how to 

get on with things. It’s as if, with her passing, 

she’s telling me: now it’s up to you.” 

It helps to have time to prepare. 

“Before she died I met a friend, who lost her 

mother at age 16, who told me that it’s one 

thing to see her sick, even on a ventilator, but 

it’s another thing when she’s no longer there. 

It’s true. The passing is a shock. It’s not only 

dealing with the death of a parent but with 

death in general – if the person who gave you 

life passes then it’s true that you, too, will die. 

But knowing about it in advance, being able 

to spend many months together, to smooth 

out any discord, to show her how much I cared 

for her by making this movie, to see how 

much she cared for me by letting me do it, 

all this gave me the means to prepare myself 

in many ways.” 

In one exchange, you say: “You were never 

one of those moms who took me to the park.” 

She replies: “For that matter, I didn’t make 

it for your fifth-grade exams. I arrived the 

day after.” 

“When I was little I hoped to have a mother 

who was more ‘normal.’ Today, I can’t imagine 

a mother who is not like her. Growing up 

you no longer think that these are important 

things. She wasn’t always at the park or there 

for the fifth-grade exams but she came home 

at ten o’clock at night and helped me translate 

Greek. When she was there – when it 

was important for her to be there – she was 

really there.” 

Photographers say: she didn’t give us freedom, 

she trusted us. 

548 vogue.it n. 805

lusso naturale 

Via Zanardelli, 190 - Gardone Riviera (BS) - ITALY - T +39 0365 290 220 - info@ghf.it - www.ghf.it

ENGLISH TEXT 

“For me it was the same. At the funeral I 

thought – and raising my son I will try to 

remember this – that I could count on her 

without depending on her. She didn’t hold 

my hand just as she didn’t hold the hand of 

her photographers. That stress to perform 

that she created was born out of trust.” 

One sentence stands out in the film. “I don’t 

want to go through life leaving a white 

christening dress and a gravestone with the 

date.” Where does her drive come from? 

“Surely her father had an important role in 

that. He was an affectionate but tough man 

with strong principles. He gave her that 

spark. But then I believe you either have 

that burning desire or you don’t. Either you 

want to win or you couldn’t care less.” 

Ending a perfect bourgeois marriage after 

only three months, having a son with a 

married man and raising him alone weren’t 

easy choices. Franca says: “I did it because 

I was convinced that I could do it.” 

“The truth is, she wasn’t convinced at all. 

I have letters that she sent me when I was 

a child, after my father had left her. She 

wrote: I don’t know if I can do it. It’s not a 

question of strength or weakness. All of us 

go through a time when we want to give up. 

There are those who are fortunate enough 

to not let things go.” 

“The day of death is better than the day of 

birth.” These biblical verses from Ecclesiastes 

Franca wanted distributed on Christmas 

Eve, the day of her funeral in Portofino. 

Your question about rediscovering faith 

is one of the few in the film that she answers 

without making a joke. 

“It started twenty years ago when I was 

a child and we went to Turin to see the 

Shroud. She said to me: ‘You stay here, I’m 

going to confession.’ I must have waited 

three hours. From there, her faith, which 

was always there but which had gone missing, 

returned. It was a journey she took 

very seriously and no doubt in the last months 

it was a comfort for her. Even today the 

thing that bothers me the most is to think 

about the fear that she must have had. How 

would I react if someone told me that in a 

year I would be dead? Faith must have helped 

her. I envy her a lot.” 

The film is full of moments which, in hindsight, 

seem prophetic. Did you already 

know about the illness? 

“Absolutely not. The last scenes we shot were 

those where she seems to have a cold. A 

couple of days later she was sick one night 

and only then did she discover it. It is true 

that the film is prophetic, like when Marina 

Abramovic says: ‘People like her never 

give up, they work to the end – my mother 

worked on a Tuesday and on Thursday she 

was dead. I sense that inside she had known 

for a while. People told me that referring 

to my grandmother she had said: ‘I do not 

want to end up like this, I do not want to 

be old.’ Now and then, even before she was 

sick, she would leave me instructions: grandpa’s 

jewelry is there, the other important 

thing there. I think she knew that her time 

would come sooner, almost like a heroine in 

a folk tale.” 

What do you miss most about Franca? 

“The directness. For two reasons. She was 

the only person who always told me the 

truth. And she was the only one who, whatever 

her opinion about my actions or words, 

would always love me unconditionally. If 

I cheat on my girlfriend, she leaves me; a 

parent, especially a mother, will always, no 

matter what, love you, and this thing you 

will never have again. Everything else you 

choose. The love of your parents you just 

have. Full stop.” 

There is a scene that made a strong impression 

on me. There’s no dialogue. The two of 

you are watching a video of you when you 

were very little and just learning to walk. 

You both stay silent and get emotional. 

“We have a very different reaction to memories. 

I’m nostalgic while she refuses to 

stay in the past. She wants to think about 

today and tomorrow. In the face of something 

emotional, she might crack a joke, 

as she does when she tells me: ‘I can see why 

it’s hard to see your old photos; you were 

so ugly.’ But in that scene there are feelings 

for sure. She does not want to show them, 

but they are clearly there. We cared deeply 

for each other. Between us there were lots 

of moments of affection but always with a 

little sense of reserve that came from her father’s 

side, from that post-war upbringing. 

I’m writing my next movie with Stefano 

Bises, the one behind the Gomorrah series. 

He, too, lost his mother and he always tells 

me that I should have shown more. But if 

I had gone deeper, if I had not maintained 

that reservedness, I would not have told the 

story of who we were.” 

About that reservedness, the email from 

Franca a year ago concluded as follows: “I 

will not hide from you that I, too, wept a 

few big tears. But it was late at night and I 

was alone.” • 


Alessandro Michele 

by ANGELO FLACCAVENTO 

What is truly original? A language – whether 

it be verbal, visual or gestural – doesn’t develop 

in a vacuum, but originates from a sort 

of chemical reaction sparked by something 

already existing. If authentic, a creative act is 

in fact born from a theft taken to unforeseen 

consequences. One steals an attitude from 

the muse, a colour from nature, and from 

there one starts inventing. Pupils start their 

journey from the style of their masters; a vogue 

simmers when taken to foreign territory, 

a bit like the alien that Ridley Scott and HR 

Giger conceived. After all, once again in Godard’s 

words and in an unheard-of yet happy 

pairing of classic linear thought and postmodern 

non-linear logic, it is not important 

where you take things from, but where you 

take them to. This is even more evident in 

fashion: the new originates from an incessant, 

cathartic, superstitious elaboration of 

the past that stops time, or at least it tries to, 

through remaking, endlessly. What would 

the ’80s have been without the ’40s, and the 

’70s without the ’20s? Even the modernism 

of the ’60s, so inebriated with the future, clearly 

owes more than a little bit to the brisk 

lines of the jazz era. Not to mention the 

creators, who are always amazingly indebted. 

What would Yves Saint Laurent have invented 

had he not looked at the Rive Gauche 

of the protesters or at Mondrian; or Gianni 

Versace had he not laid his eyes on Greek 

vases and on Beppe Spadacini’s prints; or 

Walter Albini had he not been intrigued by 

Benito’s drawings and by the sophistications 

of the Gazette du Bon Ton? “I am brazen. 

For me, creating means regurgitating, distorting 

and assembling everything that has 

passed through me and continues to do so,” 

says Alessandro Michele, tireless appropriator 

and Gucci’s creative director. Michele is 

an author, and his language is unequivocal. 

In a short amount of time, he has triggered 

a pleasurably decorative shock wave that has 

turned the Florentine fashion house into 

the epicentre of a liberated, libertarian and 

liberating Baroquism. It has become the 

encyclopaedic temple of narrative and maximalist 

fashions, which celebrate diversity 

while freeing their political power in the party-hard 

superficiality that glorifies outcasts, 

skanks, queers and beautiful freaks. And it 

does this through mad collages imbued with 

the past yet in no way nostalgic, as they are 

devoid of established hierarchies and orders. 

550 vogue.it n. 805

ENGLISH TEXT 

As a result, Renaissance and kitsch, Star Trek 

and Elizabethan theatre, refinement and pop 

often coexist in the same outfit. With sardonic 

humour, he calls himself a washing machine 

that spin-dries everything. He is, indeed, 

a situationist of pastiche, an inexorable 

maker and undoer of lavish spatiotemporal 

twines. His kaleidoscopic world is a catalogue 

of clichés in which everything goes with 

everything as long as the clash of irreconcilable 

opposites is deafening. And this is 

exactly his way of being original. “Clothes 

are endless possibilities for meaning, because 

with every change or different association 

you are a different person,” he professes. 

For sure, Alessandro Michele is not the first 

appropriationist in fashion history and will 

not be the last. But he is probably the most 

archaeological and accurate and surely the 

most derisive, because he plays it hard and 

risky with pseudo copies that unsettle the 

moralists while he keeps on elaborating new 

juxtapositions. “I am almost pornographic 

in the way I pay homage to what I like and 

what has influenced me,” he explains, referring 

to the deliberate literalness of his own 

citations. The assemblage, instead, is always 

idiosyncratic, hectic and Dionysian. “I find 

things, but many things find me, because 

chance is also imaginative,” he adds, describing 

his modus operandi made of both chaos 

and order. “Quoting means rehabilitating, 

transforming. Denying this means nullifying 

the very act of creation.” Such crystal clarity 

leaves no room for doubts, but despite it 

Alessandro Michele has often been questioned 

for the very same zest for appropriation 

which is his own creative trademark, and 

ended up being the victim par excellence of 

the anti-appropriation police. “My sources 

are so evident that, perhaps wrongly, I don’t 

consider captions necessary,” he explains. 

“For me, reworking the past over and over 

again is a way not to trivialise the garments 

and not to obsess over hem lengths. What I 

am interested in, as a matter of fact, is telling 

a story and, if someone sees fragments 

of other stories in it, be my guest. I don’t have 

to justify myself. What is urgent for me is 

what I want to say.” Michele especially refers 

to the controversy that spread on Instagram 

at the end of May for a look in the cruise 

2018 collection which refers quite literally to 

the work of Daniel Day, the tailor who in the 

’80s in Harlem created a magnificent idea 

of appropriationist ghetto tailoring with the 

Dapper Dan atelier, defining the image of 

the first hip-hop stars from scratch, through 

the illicit theft of luxury labels’ logos. “Maybe 

I should have said it openly, but to me it 

was far too obvious,” he explains. Theorising 

the neo-mannerist wave of the ’80s, art critic 

Achille Bonito Oliva forged the formula “the 

traitor’s ideology”, which is a perfect way to 

define appropriation as creative practice. It is 

exactly the way Michele works: he respects 

his sources by betraying them at will to compose 

overwhelming symphonies. This includes 

Crancach’s paintings, Walter Albini’s and 

Botticelli’s beauties, which, however, don’t 

trigger the politically correct rage of social 

media censors. “I believe the problem springs 

from a widespread cultural attitude. Citations 

have always been a fundamental part of 

everyone’s cultural journey. Today, however, 

citations are confused with paralysing nostalgia. 

On the contrary, I believe obsessing over 

the future is the best way not to live the present.” 

Here we get to the vital point. Seeing 

the past as a lively mine full of references and 

possibilities is a way to bring the present into 

the limelight. What is fascinating in Alessandro 

Michele’s work is his rewriting of time, 

akin to a psychedelic trip that frees cognition 

and knowledge, and that finds the value of 

today exactly in archaeology. “I grew up with 

a father who didn’t wear a watch and this has 

permanently marked my relationship with 

time,” he concludes. “All that inspires me and 

all that I quote, whether it is one day or four 

hundred years old, occurs at the same time 

before my eyes, so it becomes the present. It’s 

my present, my time and it’s the only thing 

that I can and want to describe.” • 


Stefano Pilati, Riccardo Tisci 

by ANGELO FLACCAVENTO 

To examine the system with critical clarity, 

one must take a certain distance, in 

every sense. Stefano Pilati and Riccardo 

Tisci, in different but parallel ways, are 

experiencing the same temporary but fruitful 

exile from the fashion system. The 

former in Berlin, the latter nomadically. 

But they are both deeply bound to the Bel 

Paese, and make no mystery of it. These 

two top-notch creatives on momentary 

hiatus, waiting for a worthy opportunity, 

open up in this double interview, talking 

frankly about thorny issues like the identity, 

character and peculiarities of Italian 

fashion – and not only. Who better than 

them? Wounded lions bite harder. What’s 

striking is the picture they paint, merciless 

but impassioned, of a system desperately 

in need of reform, while keeping in mind 

the glorious lesson of history. But in the 

end they turn their evident pessimism into 

strength, and from it emerges a vision for 

building a better future. 

Can Italian creativity be defined? 

SP Of course it can, if it’s contextualized 

among the arts. History proves that the 

Italian people are creative and resourceful, 

just as it proves the creativity of Italian 

culture as a whole. Unfortunately, I’m not 

convinced that all this creativity is applied 

elsewhere. In politics and the social sphere, 

it hasn’t been enough to break through the 

provincialism that currently strangles us. 

RT Certainly. It’s equal parts instinct, pragmatism 

and love of beauty. 

How has it evolved over the years, and where’s 

it going now? 

SP Apart from a few specific cases, it seems 

to me that between the ‘80s and the ‘00s, 

the affirmation of the role of Made in Italy 

in the context of international creativity 

folded in upon itself, due to an insufficient 

ability to optimize and capitalize local resources. 

RT History teaches us that being first, 

whether culturally or economically, is a 

dynamic and often cyclical phenomenon. 

After an indisputable Italian reign, the currents 

started being fed by different sources 

of creativity, undergoing contaminations of 

various forms, whether Japanese, East European, 

Latin American. Creativity took on 

a multi-ethnic and global character, but that 

which remained incontrovertibly Italian is 

and will always be the ability to represent 

elegance and beauty, informed by our own 

cultural heritage, in a product that is qualitatively 

perfect thanks to artisanal skills that 

have become extremely rare. 

What has happened to our design culture? 

SP I see Italy as a country of romantic dreamers. 

Working in fashion, I’ve had the 

chance to believe in those creative dreamers 

who have risen to great success – people like 

Gianni Versace, Giorgio Armani, Prada. But 

success is business, and sooner or later business 

absorbs the emotivity that creatives 

need because it’s vital. Brands too, as a consequence, 

suffer from this and lose their instinct. 

Creative urgency becomes duty. 

RT Design has never been one of the 

strongest drivers of Italian creativity, which 

552 vogue.it n. 805

ENGLISH TEXT 

historically has found magnificent expressions 

thanks to the practice of patronage, 

whether ecclesiastic or aristocratic. Design, 

in the sense of a multicultural and social 

organization, is still a long process, about 

which Italians still have a lot to learn. 

Is there still an ‘Italian touch’ in fashion 

and design? Where and how does it manifest 

itself? 

SP I don’t know if there’s such a thing as an 

Italian touch in fashion or design. Perhaps 

it’s more apparent in design. In Italian fashion 

there are still stylistic identities that 

remain coherent in expressing their own 

personal aesthetic. This I find admirable 

and worthy. 

RT The Italian touch can be found in every 

product of quality, both in fashion and furniture. 

The Italians are still an invaluable 

treasury for lots of international companies 

that want to borrow our aesthetic and taste. 

How was Italian creativity expressed in the 

past? And today? 

SP The variables that can cause you to lose 

passion for a project are too many. They’re 

frightening, unnerving; you think they stimulate 

evolution when they are actually 

suffocating. The creative spirit suffers the 

consequences. Initially, success and expansion, 

like mission and passion, are drivers. 

But it is precisely the desire to succeed that 

deflects self-criticism and knocks objectivity 

off balance in favor of self-referential, 

overstated subjectivity. The mistake is in 

the scale of priorities, not in the mission. 

Today we are evaluated more for the volumes 

we move than for the culture and taste 

we truly represent. We prefer quantity to 

the quality of those who really appreciate it. 

If you put the brand before your heart, it’s 

time to get out! 

RT Historically, the visual arts and architecture 

represented our creativity. Product 

design and craftsmanship represent it today. 

When it comes to fashion, are we a nation 

of inventors or merchants? 

SP I would say both. Geographically we’re 

a jewel. 

RT Both. And this is what has made our 

success possible. 

What is the most profoundly Italian feature 

of your work? 

SP Elegance, which everyone acknowledges, 

and then the relativity in contrast with 

my ambition. 

RT The representation of strength and seduction, 

both male and female. 

And the least Italian? 

SP Curiosity, and an ability to be self-critical. 

RT The capacity to challenge tradition and 

break the mold, along with a repertoire of 

imagery that is sometimes even darker than 

reality. 

Is Italy a country for young people? 

SP It could be, if it stimulated young people 

to experiment instead of merely instructing 

them and abandoning them to increasingly 

tighter spaces. Young people pile up in forgotten 

corners, where they can’t breathe. 

By guarding them instead of sharing with 

them, their creative energies implode. 

RT Yes, no question. However, young people 

today unfortunately limit themselves to 

imitating or reinterpreting the past. They 

should be looking instead for a personal vision 

of style. 

Does one really have to emigrate to find 

recognition? 

SP There’s a world outside of Italy. Luckily, 

if you want, if you have access. Being or feeling 

Italian doesn’t mean that your career 

can’t happen somewhere other than your 

home country or culture. 

RT When I started out, it was almost impossible 

for an Italian kid to get established 

and recognized in Italy. I have the feeling 

that things have changed, that many taboos 

have fallen and that certain paths are easier. 

Indeed, even Italy has opened up to international 

currents. 

Do you feel Italian? How and why? 

SP I think my Italian-ness lies in my taste. 

I often express it spontaneously with a sense 

of elegance that is uniquely and entirely 

Italian. 

RT I feel Italian in everything that has to 

do with the sensitivity to beauty, quality and 

craftsmanship. Even my love for things that 

might at first seem unexpected or unusual, 

there’s always a deep connection, sometimes 

hidden, with my Italian roots and culture. 

Where do we need to start to reestablish the 

creative class, and other things as well, in 

this country? 

SP Education, as always. In addition to 

being creative, we Italians also make things. 

Without manufacturing, creativity can’t be 

expressed. Without creativity, manufacturing 

becomes ordinary industry. The concept 

of being the best gets lost. And in my 

opinion it’s a noble and healthy concept, 

because it’s synonymous with continuous 

enquiry and research. 

RT We need to start from a new civic sense 

that includes entrepreneurial spirit and solidarity, 

the ethic of sacrifice and the ability 

to work as a team. 

Are you optimistic or pessimistic about the 

future? 

SP I’m a pessimist. 

RT I’m optimistic. With a touch of pessimism. 

Is the future of creativity local or global? 

SP Global. 

RT Global, like everything else. 

What mistakes wouldn’t you make again? 

SP It’s impossible for me not to make mistakes. 

I’ve learned from every mistake that 

you shouldn’t listen to others, that trusting 

them is fine but not trusting them is better. 

Professionally, I have no regrets whatsoever. 

RT I wouldn’t work seven days a week! 

Even God rested on Sunday. • 


Mariacarla Boscono 

by RAFFAELE PANIZZA 

Out of the blue, Mariacarla Boscono reveals 

that she made love for the first time 

decidedly late, when she was already a fully 

fledged woman. A model in high demand, 

she posed nude with unbridled nonchalance, 

but she had never been with a man. 

Modelling lingerie was what made her feel 

awkward, or even vulgar. Incidentally, it 

wasn’t so long ago that she conquered that 

inhibition, when she was photographed for 

La Perla. Then she speaks of her parents, 

who in the 1970s lived between Phuket and 

India selling coloured fabrics to Fiorucci. As 

a couple of slightly hippyish entrepreneurs, 

“for them just about everything was legit…” 

she says, adding a poignant ellipsis suggesting 

that for her, as a girl, it wasn’t strange 

to see them smoking a joint in the evening. 

Jumping topics, she then asks: Do you know 

how drunk certain models of the new generation 

get? And hear this: to feel light-headed 

without absorbing the calories, she 

swears they soak their tampons in vodka before 

going out clubbing. Mariacarla laughs 

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Aleph Rome Hotel, Curio Collection by Hilton 

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Seguici su

ENGLISH TEXT 

and trips over her words. She turns serious 

when speaking about her five-year-old daughter 

Marialucas, and her father, who isn’t 

very well at the moment. She mentions her 

new companion Guido, who works for the 

legendary DC10 club in Ibiza, and whom 

she met at Isla Blanca. She sums up their 

two-year-young romance by stating: we eat, 

we laugh, we make love. 

She leads the conversation for hours with 

her inclusive, irrepressible and sincere vitality. 

Next 29 September, in Paris, she’ll be 

inviting all the key people of her career to 

celebrate 20 years as a protagonist of the fashion 

world. Her friend Riccardo Tisci will 

be there, whom she met when the future 

art director of Givenchy was still studying 

at Saint Martins in London. From that day, 

not a moment has passed without them seeing 

or speaking to each other, especially 

now that Tisci is contemplating his future. 

He looks so great he’s unrecognisable, declares 

Mariacarla. He’s relaxed and enjoying 

life, after 12 years of getting little to no sleep, 

she says. The party guests will also include 

Piero Piazzi, the booker who discovered 

her and who symbolises her pain and fear of 

not making it, her unfounded conviction of 

not being up to the mark, her will to believe, 

her persistence and successes. There will 

also be Mert & Marcus and Peter Lindbergh, 

the most important photographers of 

her career. Particularly Lindbergh, whom 

Mariacarla describes as a mirror, the one 

who showed her the precise extent of her 

fragility in his immortalisation of her. No 

doubt there will also be a few gatecrashers, 

because, as Mariacarla admits, she loves 

infiltrators and facilitates their incursions. 

Karl Lagerfeld may also be attending. She 

swears she had an exchange with him in 

Roman dialect 20 years ago. She was still a 

girl, and he was already him. She was doing 

a fitting for Fendi, and Lagerfleld was a bit 

heavy-handed with a pin. Ah Karl, said the 

cheeky teenager, che m’hai preso er culo? 

(Which roughly translates as, “Hey Karl, 

did you stick the pin in my butt?”) And Lagerfleld, 

who speaks French like a Frenchman, 

and Italian like an Italian, answered, 

Nì, nun te preoccupà, c’est pas grave. (Or 

rather, “Kinda, but don’t worry, it’s not serious.”) 

She says she wants to thank all these 

people for being her guardians. I’m a daughter 

of fashion, she declares. I’m a product 

of fashion, she reiterates. It taught me how 

to read people, to comprehend psychological 

intrigues, hierarchies, to appreciate what 

we have, to understand what we’d like, but 

also the tangles that constrain us. 

Born in Rome 35 years ago and now everyone’s 

muse, she grew up in the Kenyan village 

of Klifi, between Mombasa and Malindi. 

The only living creatures to keep her 

company were a mongrel named Pippo, an 

iguana that appeared at the window every 

morning, her tutor who visited for private 

lessons, and then Bati, a 17-year-old Muslim 

girl who worked as her nanny. She 

says she has to thank this childhood experience 

for her great performing ability that 

everyone acknowledges – her talent to encapsulate 

a state of mind in the fraction of 

a click. Sure, she also went to the Lee Strasberg 

acting school in New York, but above 

all it was solitude that taught her about 

introspection. By ten years old she had already 

read all of Isaac Asimov. She spent 

years just talking to herself. And now, she 

says, her imagination is beyond. She even 

risked her life in Africa. Like the day when 

she didn’t listen to some Indian friends of 

the family who told her not to drink the 

water at dinner. She was better off with 

the beer, they said, because the water table 

was contaminated. But she insisted: I want 

water. And she spent the next week in bed 

vomiting, almost completely dehydrated, 

with the nearest hospital miles away. Or 

the time when Bati the housemaid found 

a black mamba curled up in a corner of the 

bathroom – one of Africa’s fastest and most 

poisonous snakes, nicknamed “the shadow 

of death” because it bares the blackness of 

its mouth when it opens its jaws. 

This is why it’s amusing to hear Mariacarla’s 

stories about Tanzania, when she returned 

there for the Pirelli Calendar photo shoot 

in 2009. Of all the other top models, she 

was the only one aware of the hidden dangers 

in that uncontaminated nature. The 

others acted like they were in an exotic fun 

fair where they could do as they pleased, 

with all their shouting, shrieking, selfies 

and quirks. She remembers Malgosia Bela 

dangling from the tusks of a gigantic elephant, 

swaying back and forth as if riding 

on a swing, with the handler terrified about 

the animal’s evidently dwindling patience. 

Or at night, when everyone wanted to 

stop and photograph a lion cub while crossing 

through the forest. It was Mariacarla 

who said No, if there’s the cub, there’s the 

mother too. In an instant they found themselves 

surrounded by about a dozen lionesses, 

obliging the park wardens to shoulder 

their rifles to defend her, Lara Stone, Isabeli 

Fontana and Daria Werbowy. 

Mariacarla’s travels have always been like 

this, at least until five years ago when she 

gave birth to Marialucas. An authentic 

single mother, she even asked for her daughter’s 

father to remain unnamed. She went 

to Mongolia alone, and ended up marooned 

in the desert for three days by a ramshackle 

coach, drinking beer and nothing else, because 

food wasn’t on the menu. She came 

back from that trip weighing 46 kilos. It was 

my best ever season on the runways, she 

jokes. But she isn’t kidding when she says 

that upon returning to New York, the first 

thing she did was spend the night in a strip 

club, to feel like Mariacarla again, because 

her essence is made of the wind, but also 

of strobe lights and red sofas. She was the 

only one who dived into the Amazon – home 

of the anaconda – when she was convinced 

into jumping first by a group of men 

who then didn’t have the courage to jump in 

after her. Or there was the night when she 

was still pregnant and drank ayahuasca with 

a shaman in Brazil, the natural hallucinogen 

that is said to heal the spirit. 

Up to here we’ve tried to describe Mariacarla. 

The alternative is to let her describe 

herself, following her mental meanderings 

without interspersions. Sitting in a restaurant 

in Rome, she orders the most underdone 

of hamburgers while we drink water 

and wine, both of us drifting along with 

her continuous flow of things and bright 

confusion. I still love fashion, she says, but 

I realise it’s all starting to come to me too 

easily. So I write all my ideas in a notebook, 

because it’s the only way I can channel 

this energy – all the things that my mind 

sees and registers, my desire for challenges. 

I make up fashion collections, and lately 

I like mixing 1930s nightgowns with sequin-covered 

shoes. I also dream up new 

travel magazines. And I write down ideas 

about how to make the most of Rome. 

I’d really like to get involved with that on 

a tourism level, organising and promoting 

events that can help this amazing city to 

get back on the world stage. There’s lots of 

stuff buzzing around my head. Because if 

it’s true that we only get this life, I want to 

live until I’m 90, and live 90 lives in one. 

She admits she doesn’t have time right now, 

but she’s convinced she’ll create something 

new one day. I can feel it, she says, my moment 

is just around the corner. • 


556 vogue.it n. 805

VOGUE ITALIA PER HUSSAIN HARBA 

Foto courtesy Pietro Savorelli, Marco Carulli. 

Love 

Affair 

Eclettico e creativo designer, 

Hussain Harba. I suoi nuovi 

progetti spaziano da poltrone 

icona ai gioielli esclusivi, 

a borse “art objects”. 

ll punto di partenza è sempre l’amore per 

il bello. Una forza impalpabile quanto potente, 

che è alla base della creatività di 

Hussain Harba. Architetto e designer nato 

a Babilonia, culla della storia e dell’architettura 

più antica, da anni ha base a Torino. 

Il suo studio di progettazione è un ambiente 

creativo, carico di colori ed energia positiva. 

Le sue creazioni spaziano dall’arte al 

design, dall’architettura alla moda, passando 

per i gioielli. Tutti in edizione numerata e limitata. 

«È la mia filosofia di vita a guidarmi 

quando creo», spiega Hussain. «Vorrei che 

fosse un progetto universale, che ricerca la 

fusione tra bellezza e funzionalità». Denominatori 

co muni delle proposte di Harba: 

il colore come protagonista assoluto, l’amorevole 

ri cerca di forme innovative, la preziosità 

e l’altissima qualità dei materiali e delle 

finiture. Tra le ultime creazioni di Hussain 

Harba, le iconiche “Mini-Home”: borse definite 

“art objects”, il cui nome evoca il legame 

che ognuno di noi ha con la propria 

casa, presentate in anteprima alla Torino 

Fashion Week 2017 dove l’architetto era 

Special Guest. Per Hussain Harba, il colore 

riflette e influenza in modo potente le emozioni 

uma ne: una visione che lo ha guidato 

nel la nuova reinter pretazione della poltrona 

“Joe”, icona del design italiano e internazionale 

anni 70 prodotta da Poltronova, guidata 

dalla lungimirante Roberta Meloni. Ne è così 

nata una collezione numerata di 24 pezzi. 

Il concept di Harba: natura, pellami e design. 

La borsa “Mini-Home”. Un arcobaleno 

di colori che esaltano la forma. 

Bloom | Couture Dress di Hussain Harba 

per la poltrona “Joe” disegnata da 

De Pas - D’Urbino - Lomazzi per Poltronova. 

Pitone, struzzo, coccodrillo. Le texture 

più preziose per una sofisticata It bag.

Camilla 

Filippi 

Silvia Venturini 

Fendi 

Emanuele 

Farneti 

Ilaria Venturini 

Fendi 

Sandra 

Carraro 

Raffaello 

Napoleone 

Margherita 

Buy 

Sara 

Serraiocco 

Isabella 

Borromeo 

Ugo Brachetti 

Peretti 

Emmanuel 

Fourès 

Leonetta Luciano 

Fendi 

Ivan 

Scalfarotto 

Chiara 

Borghetti 

Oksana 

On 

Maria 

Kolosova 

Eleonora 

Nobile Mino 

Veronica 

Nobile Mino 

Esther 

Elisha 

Kim 

Heewon 

Ivan 

Cotroneo 

Valentina 

Romani 

Simonetta 

Gianfelici 

Niccolò 

Giannini 

Talentuosamente Roma 

Nicolò 

Beretta 

Alessandro 

Roja 

Claudia 

Ranieri 

Per tre giorni LA CAPITALE si è trasformata in 

un distretto della creatività, popolato da designer, 

modelle, maestri artigiani. Tra sfilate, talk, party. 

Nell’ex caserma Guido Reni, nuovo polo della vita notturna 

capitolina, gran folla in festa per l’edizione 2017 di 

Who Is On Next?, il progetto di fashion scouting di Altaroma 

e Vogue Italia. La giuria internazionale e un parterre 

di ospiti della politica e dello spettacolo hanno celebrato 

i vincitori Act n˚1, Niccolò Giannini e Andrea Mondin. • 


Suzy 

Menkes 

Carlo 

Capasa 

Paolo 

Tinarelli 

Camilla 

Alibrandi 

Enrico 

Quinto 

foto courtesy p&p fotografia/altaroma. 

558 Back 

vogue.it n. 805

Ryan 

Kelley 

Tyler 

Hoechlin 

Ian 

Bohen 

Catherine 

Baba 

Ellen 

von Unwerth 

Rick 

Owens 

Michèle 

Lamy 

Ulyana 

Sergeenko 

Kristina 

Bazan 

Carla 

Bruni 

Soo Joo 

Park 

@AMFAR 

Cara 

Delevingne 

Jennifer 

Lawrence 

Robert 

Pattinson 

Elizabeth 

Olsen 

Maria Grazia 

Chiuri 

Bruna 

Marquezine 

Alan 

Prada 

Tina 

Kunakey 

Bella 

Hadid 

Francesco 

Melzi d'Eril 

Max Brun 

TK 

Quann 

Francesco 

Melzi d'Eril 

Lee 

Lai 

Cipriana 

Quann 

@DIOR 

@DIOR 

Elle 

Fanning 

Milla 

Jovovich 

Stacy 

Martin 

Alexa 

Chung 

@MIU MIU 

Val Bene Una Festa 

Anna 

Brewster 

Qui PARIGI, settimana della Couture. Parterre 

de Roi alle sfilate e agli eventi, culturali e benefici. 

Per cominciare: omaggio ai 70 anni di un mito. 

Derek 

Blasberg 

L’evento più atteso? L’opening di “Christian Dior. Couturier 

du Rêve” al Musée des Arts Décoratifs. Il più notturno? Il 

Miu Miu Club, all’Automobile Club di Francia, con il live 

di Tommy Genesis, sfilata, cena e dj set. Imperdibili, poi, i 

due gala benefici: amfAR al Petit Palais, con gli attori di 

“Teen Wolf”, e Vogue Paris Foundation al Palais Galliera. • 

Dasha 

Zhukova 

Emma 

Greenwell 

Dragana ed Ennio 

Capasa 

Lara 

Stone 

Valery 

Kaufman 

Siobhan 

Bell 

Rosita 

Missoni 

Olivier 

Rousteing 

Lou 

Doillon 

Nadine d’Archemont, 

Massimiliano Locatelli 

@MIU MIU 

Alexina 

Graham 

Cindy 

Bruna 

Millie 

Brady 

Soko 

@VOGUE PARIS FOUNDATION 

Beatrice 

Trussardi 

Sandro 

Kopp 

Joséphine 

de La Baume 

Tilda 

Swinton 

foto courtesy getty images/amfar; dior; miu miu; andreea macri/vogue paris foundation. 


560 Back 

vogue.it n. 805

OROSCOP0 


Ariete, Gemelli, Leone, Bilancia, Sagittario segni favoriti nella 

prima parte del mese, che si gioca sull’AZIONE CHIARA, 

VORTICOSA, APERTA. Toro, Cancro, Vergine, Scorpione, 

Capricorno escono alla distanza, incontro a un autunno 

promettente, sia in campo professionale sia amoroso. 

Acquario in salita leggera all’inizio, Pesci affannati a fine mese. 

di MARCO PESATORI 

Aria 

Acquario | Gemelli 

Bilancia 

Fuoco 

Ariete | Leone 

Sagittario 

Acqua 

Cancro | Scorpione 

Pesci 

Terra 

Toro | Vergine 

Capricorno 

Acquario Respingete situazioni 

di calma troppo piatta. Adorate le 

menti vive, le anime in eterno movimento, 

gli incontri, le sorprese, 

ciò che non teme lo stupore. Senza 

scivolare nei labirinti di amori dipendenti 

e soffocanti. Nel lavoro 

siete metodiche, ma pronte a cogliere 

il lampo più creativo. 

Gemelli Esigenti. Ciò che si muove 

nei limiti della norma vi toglie 

il respiro. Non vi fermate a ciò che 

conoscete. Non rinunciate al coraggio 

di pensare libe ramente, anche 

a qualcosa di im possibile. Alla 

fine dell’estate siete cariche di vita, 

con bisogno di nuove sfide. 

Bilancia Giove e Venere in angolazione 

perfetta. Alla fisica del 

senso risvegliato si unisce una 

poetica del cuore sincera, come 

attrici così brave da interpretare 

anche se stesse. I tramonti dell’estate 

sono pura bellezza, senza malinconia. 

Le idee zampillano come 

dalla fonte del giardino degli dei. 

Ariete La stancante opposizione di 

Giove è quasi al termine, e le prime 

due decadi possono dire e fare 

quello che a loro pare. Non sono 

ferme in un assurdo crocevia. L’eros 

si può vivere con trasporto e 

leg gerezza. Eccezioni per alcune 

di terza decade, inquiete e ribelli. 

Leone Spumeggianti, irresistibili, a 

tratti gongolanti. L’arrivo dell’autunno 

non vi impressiona. Venere 

nel vostro segno addolcisce il 

mondo intero e non vi chiude in 

un bunker puritano. Magnifica sicurezza. 

Con la terza decade che 

va incontro a improvvisi successi. 

Sagittario Anche se l’autunno non 

è l’estate, non prevale il banale, 

è sempre possibile quella spregiudicatezza 

che fa oltrepassare 

i limiti. Avete il dono di rendere 

brillanti gli improbabili contesti, 

dando il via a una successione di 

connessioni e invenzioni che possono 

scardinare un certo ordine. 

Cancro In amore vi piace la mescolanza 

di dati reali ed elementi 

del sogno e dell’immaginazione. 

Un’alchimia facile, come fosse il 

collage di un artista straordinario. 

Atmosfere oniriche, sensuali, sentimentali, 

che creano effetti da incantesimo. 

La realtà di ogni giorno 

però vi trova pronte, efficienti. 

Scorpione L’amore non è più la 

guerra alla fine del mondo: ora ne 

godete le sfumature di pace, che 

azzerano l’elettricità della men te 

fuori onda. Si placa la tensione, vie 

d’uscita dai labirinti esistenziali. Il 

desiderio non è in contrasto con 

lo spirito sveglio e spiritoso. 

Pesci Nella mente c’è un’idea, una 

scintilla di progetto che deve prender 

forma. Non sprofondate in 

pensieri deliranti, l’indefinito deve 

ancora affiorare alla coscienza. 

Lasciatelo maturare dolcemente, 

senza forzare i tempi. La cosa vale 

anche per l’amore. 

Toro Il vostro gesto è spontaneo e 

naturale come quello di Mercurio 

che coglie le mele d’oro nel Giardino 

delle Esperidi, nella “Primavera” 

del Botticelli, simbolo della 

mens rinascimentale, dello spirito 

che afferra al volo l’essenza delle 

cose. Splendida forma. Leggerezza. 

La fine delle vacanze vi coglie 

prive di tristezza. 

Vergine Agili, guizzanti, per voi 

l’universo è un meccanismo di 

precisione di cui conoscete i segreti. 

Un universo, però, ricco di 

cuore, che sa emozionarsi e capire 

il senso dell’interiore turbamento. 

Grande energia vitale, con Marte 

a rendervi guerriere appassionate. 

Capricorno Siete intelligenza 

e saggezza che sanno porsi con 

forza e costanza, ma in questo 

autunno magico siete soprattutto 

bellezza, che vive di spessori profondi 

e di misteri. I vostri occhi 

indicano una via speciale, che cela 

l’affascinante senso segreto. 

Scenari 

Nella prima parte di settembre i pianeti rapidi si muovono nel 

Leone. L’estate non è finita, i cuori battono in sintonia con le 

passioni calde o incandescenti. Poi Marte, Venere e Mercurio 

entrano nella Vergine, segno dell’imporsi dell’autunno, ritorno 

a una normalità che molti affrontano con rinnovata carica vitale. 

562 vogue.it n. 805

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Mentre tutti inseguono le mode 

del momento c’è una sola radio 

che mantiene il suo stile e la sua musica 

senza mai perdere il suo fascino... 

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Calvin Klein Underwear: 

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Calvin Klein Underwear 

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Raf Simons: 

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Resurrection Archive: 

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Collection: 

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Tripp NYC: 

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Trussardi: 

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Versace: 

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Vetements: 

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Vivetta: 

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Vivienne Westwood Man: 

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Zadig & Voltaire: 

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In the USA: Condé Nast 

Chairman Emeritus: S.I. Newhouse, Jr. 

President & Chief Executive Officer: Robert A. Sauerberg, Jr. 

Artistic Director: Anna Wintour 

In other countries: Condé Nast International 

Chairman and Chief Executive: Jonathan Newhouse 

President and Chief Digital Officer: Wolfgang Blau 

Executive Vice President and Chief Operating Officer: James Woolhouse 

Executive Committee: Wolfgang Blau, Nicholas Coleridge, Moritz von Laffert, 

Jonathan Newhouse, Xavier Romatet, Elizabeth Schimel, James Woolhouse 

President, New Markets and Editorial Director, Brand Development: Karina Dobrotvorskaya 

Director of Finance and Strategy: Jason Miles 

Director of Acquisitions and Investments: Moritz von Laffert 

Vogue Digital Director: Jamie Jouning 

Global 

President, Condé Nast E-commerce: Franck Zayan 

The Condé Nast Group of Brands includes: 

US 

Vogue, Vanity Fair, Glamour, Brides, Self, GQ, GQ Style, The New Yorker, 

Condé Nast Traveler, Allure, AD, Bon Appétit, Epicurious, Wired, W, Golf Digest, 

Golf World, Teen Vogue, Ars Technica, The Scene, Pitchfork, Backchannel 

UK 

Vogue, House & Garden, Brides, Tatler, The World of Interiors, GQ, Vanity Fair, 

Condé Nast Traveller, Glamour, Condé Nast Johansens, GQ Style, Love, Wired, 

Condé Nast College of Fashion & Design, Ars Technica 

France 

Vogue, Vogue Hommes International, AD, Glamour, Vogue Collections, GQ, 

AD Collector, Vanity Fair, GQ Le Manuel du Style, Glamour Style 

Italy 

Vogue, L’Uomo Vogue, Vogue Bambini, Glamour, Vogue Sposa, AD, 

Condé Nast Traveller, GQ, Vanity Fair, Wired, Vogue Accessory, 

La Cucina Italiana, CNLive 

Germany 

Vogue, GQ, AD, Glamour, GQ Style, Myself, Wired 

Spain 

Vogue, GQ, Vogue Novias, Vogue Niños, Condé Nast Traveler, Vogue Colecciones, 

Vogue Belleza, Glamour, AD, Vanity Fair 

Japan 

Vogue, GQ, Vogue Girl, Wired, Vogue Wedding 

Taiwan 

Vogue, GQ 

Mexico and Latin America 

Vogue Mexico and Latin America, Glamour Mexico and Latin America, AD Mexico, 

GQ Mexico and Latin America, Vanity Fair Mexico 

India 

Vogue, GQ, Condé Nast Traveller, AD 

Published under Joint Venture: 

Brazil: Vogue, Casa Vogue, GQ, Glamour, GQ Style 

Russia: Vogue, GQ, AD, Glamour, GQ Style, Tatler 

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Australia: Vogue, Vogue Living, GQ 

Bulgaria: Glamour 

China: Vogue, Self, AD, Condé Nast Traveler, GQ, GQ Style, 

Brides, Condé Nast Center of Fashion & Design, Vogue Me 

Czech Republic and Slovakia: La Cucina Italiana 

Hungary: Glamour 

Iceland: Glamour 

Korea: Vogue, GQ, Allure, W 

Middle East: Condé Nast Traveller, AD, Vogue Café at The Dubai Mall, GQ Bar Dubai, 


Poland: Glamour 

Portugal: Vogue, GQ 

Romania: Glamour 

Russia: Vogue Café Moscow, Tatler Club Moscow 

South Africa: House & Garden, GQ, Glamour, House & Garden Gourmet, GQ Style 

The Netherlands: Glamour, Vogue, Vogue The Book 

Thailand: Vogue, GQ, Vogue Lounge Bangkok 

Turkey: Vogue, GQ, Condé Nast Traveller, La Cucina Italiana 

Ukraine: Vogue, Vogue Café Kiev 

Direttore Responsabile: Emanuele Farneti. Copyright © 2017 per le Edizioni Condé Nast. Registrazione del Tribunale di Milano 

n. 2086 del 28.9.1950. La Edizioni Condé Nast S.p.A. è iscritta nel Registro degli Operatori di Comunicazione con il numero 

6571. Tutti i diritti riservati. Spedizione in abbonamento postale - D.L. 353/03 Art. 1, Cm. 1, DCB - MI. Distribuzione per 

l’Italia: SO.DI.P. «Angelo Patuzzi» S.p.A. via Bettola 18, 20092 Cinisello Balsamo (Mi), tel. 02.660301, fax 02.66030320. 

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SpA, via Manzoni 12, 20089 Rozzano (Milano), tel. 025753911. fax 02 57512606. www.aie-mag.com. 

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e Organizzazione Srl Ufficio Arretrati, a mezzo c/c postale n. 56427453, tel. 039.5983886 - fax 039.9991551 

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ACCERTAMENTI 

DIFFUSIONE STAMPA 

CERTIFICATO N. 8240 

DEL 03-02-2017 

564 vogue.it n. 805

Casa 

Italia 

BACIO © , PERUGINA © (1924) 

D’amore, d’addio, della buonanotte, di Giuda: la nostra è la civiltà del bacio. Ci voleva, 

però, una donna per dare forma a un’ossessione così intima. 1922, nella sua fabbrica di 

mandorle zuccherate a Perugia, Luisa Spagnoli inventa il Bacio perfetto: granella di 

nocciola, una nocciola intera, cioccolato sul tutto. Nel 1924, lo ricopre di carta argentata 

con scritte blu e vi cela un segreto, il cartiglio. Dillo con un bacio. Facile, no? • 

testo di francesca molteni. il bacio perugina© nell’incarto di stagnola argentata con scritte blu, ideato nel 1924 dal futurista federico seneca. le stelle sono apparse nel 1968. 

566 vogue.it n. 805

CELEBRA LA CULTURA DELLA MODA 

GIOVEDÌ - 14 SETTEMBRE 2017 - MILANO 

APERTURA STRAORDINARIA 

DI TUTTI I NEGOZI DEL CENTRO 

DALLE 17.00 ALLE 22.00 

#VFNO2017 

WWW.VOGUE.IT/VFNO2017 

PARTNERS 

RADIO PARTNER

givenchy.com 

Documented by Steven Meisel

ARMANI.COM

presents 

Angela MISSONI 

Twenty Years

#ANGELASWORLD 

BY MARIUCCIA CASADIO 

#ANGELASWORLD 

“From my parents I inherited an exciting profession 

and a life in touch with nature, a more organic relationship 

between life and work.” For Angela Missoni 

– the third child of the legendary Rosita and Ottavio 

who became the creative director of the family business 

twenty years ago, reconfiguring its identity and acquiring 

a prominent role in today’s ultra-competitive fashion 

scene – everything revolves around family. Unity 

and complicity between parents and children, which 

has been a priority for Rosita and that has inspired 

the life of Angela, a businesswoman and designer but 

first and foremost the mother of Margherita, Francesco 

and Teresa and the grandmother of Otto, Augusto and 

Zeno as well as a loving and caring daughter at the 

center of an extended family which includes siblings 

and nephews, a former husband and current partner, 

stepchildren, relatives, long-time and new friends, the 

husbands or partners of her daughters, the girlfriends 

of her son, and close associates. It also implies continuous 

comings and goings in her daily life, interferences 

which Angela calls emergencies that, over time, 

have given her a natural ability to interrupt herself in 

mid-sentence, quickly change the topic, shift, overlap 

and combine issues for her role of fashion designer as 

well as of president of the company while finding solutions 

for domestic matters of an everyday life. 

#FAMILY 

“The family has assumed a different importance over 

the years. Before, I had small children, a boyfriend and 

a job that was not as challenging as it is today. Now 

everything is an emergency: an emergency involving a 

parent, a sibling, children, and grandchildren... and a 

fiancé who feels neglected at this point. The family involves 

more things and occupies much of my time. It 

needs attention and requires answers...” 

#VARESETHEPLACETOBE 

Living in the province of Varese between Sumirago, 

where her parents established their company and home 

in the early seventies, and the hamlet of Brunello, Angela, 

her children and grandchildren all live a few miles 

from one another with the same landscape of mountain 

ranges, forests and lakes, in close contact with the changing 

seasons and hours of the day, irrevocably linked to a 

land of which family members post sunrises and sunsets, 

views and blossoming flowers on Instagram. 

#LIFESTYLE 

The house where Angela moved to a few years ago with 

her partner Bruno Ragazzi is a vast and fascinating space 

in the midst of nature. After finding the house, she redesigned 

and remodeled it, knocking it down and rebuilding 

it without following a particular time frame, creating

a space that could contain her large family, friends, moments 

of relaxation and celebration, and her collections of 

objects, furniture, and works of art. In her private life as 

in her work, she is a perfectionist, focusing on the smallest 

detail. She loves beauty in its most eccentric, unusual, 

and wondrous forms. And the new home, on which she 

worked for about four years, with its rationalist architecture 

and huge park with a view of the Monte Rosa mountain 

chain, is a convincing example. With its glass walls 

that create an extraordinary continuum between the interior 

and exterior, centuries-old trees and large flower 

pots, the changing colors of the sky between dawn and 

sunset and colorful reflections of lamps, mirrors, vitreous 

glass, ceramics, and neon lights or luminous objects 

by digital artists, it reflects Angela’s sensitivity and intelligence, 

culture and infinite curiosity, visionary vastness 

and lighthearted taste. More than a closed and private 

place, it is an environment in progress, a catalyzing and 

engaging theater open to the outside world, which she 

loves to keep changing, endlessly repositioning and assembling 

the pieces of her collections in different ways. 

#INRUSTWETRUST 

These items reveal her passion for flea markets and bricà-brac, 

travel souvenirs and her fascination with artisan 

crafts from various periods and of different ethnicity. 

Kitschy knickknacks, endless groups of baby deer and 

birds, and ritual hands or African heads interact with 

furniture by Paul R. Evans, Gio Ponti, Alessandro 

Mendini, or Jorge Pardo and contemporary artwork by 

Carla Accardi, George Condo, Vanessa Beecroft, Roger 

Selden, Kerstin Bratsch, Jenny Holzer, Tracey Emin, 

Marina Abramovic, Luigi Ontani, Do Ho Suh and 

Francesco Vezzoli. There are pieces by up-and-coming 

artists such as Benny Chirco, Brendan Fowler, David 

Casini and Riccardo Paratore, Anton Alvarez and 

Alessandra Roveda, which shows Angela’s penchant for 

discovering and promoting all possible expressions of 

talent. “What I like about collecting is being surprised 

by abandoned things, combining them and giving them 

their dignity,” she explains. Of course, there is no lack of 

color, patterns, prints, yarn, knit and fabric wallpaper, 

tapestries and patchwork rugs that are key elements of 

Missoni style and are inevitably found in the homes of 

the whole family. 

#ROSITA 

As Angela points out, “Missoni is color and fashion, but 

it is especially comfortable, enveloping and affectionate, 

that embraces and reassures you.” Knitwear thus 

becomes a lifestyle and an unconventional way of being, 

dressing and decorating. This material originated 

extraordinary inventions that she, as a child, observed 

closely and watched as it evolved in the family business.

#insideout

While working as her mother’s assistant, she learned 

and experimented, ultimately gaining her mother’s respect. 

The turning point occurred in 1994, when Rosita 

herself asked Angela to start working on the main line 

and three years later to ufficially hand over the creative 

direction to her and, with it, the distinctive elements of 

a knitwear brand that had, at the time, existed for over 

forty years. “Twenty years ago, I immediately decided to 

transform the weight of the knits. At that point, Missoni 

was perhaps best known for its heavy winter textiles. 

I chose to make them lighter and worked on what was 

originally the most glamorous part of our production. I 

brought back the prints and silks that were part of the 

Missoni heritage that I remembered, and I developed 

new patterns and textures. In contrast with that study, 

I sought to give more structure to those light materials, 

inventing linings and facings that allowed me to make 

more structured garments like jackets, trousers and 

suits. That’s what I introduced: the possibility of ranging 

from trench coats to swimsuits. These pieces didn’t exist 

and have since become important and iconic over time.” 

At the same time, with indomitable innovative will, over 

these two decades Angela has redesigned and strengthened 

the company advertising and communication strategies. 

From the campaigns shot by future photography 

stars such as Mario Testino, Mario Sorrenti, Mert & 

Marcus to those with Steven Meisel, Mark Borthwick, 

Juergen Teller, Viviane Sassen and the latest ones with 

Harley Weir. From the runway shows that grew in scale 

and turned into one of the main and most beloved event 

of Milan Fashion Week to the perfectly redesigned interiors 

of the flagship stores, Angela has restored the original 

authoritativeness of the family brand, bringing it back as 

one of the most trendsetting style of today fashion. “I reintroduced 

in the collections many different fabrics and 

I transformed knits into fabrics. Meanwhile, loom technology 

made great progress. Knit lace, intarsia and even 

sneakers: knit fabric proved to be a material of the future. 

And it lets you produce and use exactly what you need 

and wasting the least possible yarn: this is always the 

most important aspect.” 

#PATTERNS 

Over the years, Angela has enlarged the zigzags, made 

staggered stripes, fading motifs, combining cut and 

serged knits with fully-fashioned garments, contrasting 

black and white with colorful lurex. The return of raschel 

lace, zigzags, fringe, mesh, embroidery, jacquard, 

patchwork, and layers, with put together of different 

motifs, made the Missoni language distinct and recognizable 

in the world. She transformed trench coats, 

ultra-light dresses with crossed tops, beach caftans, 

turbans and swimsuits into best-sellers, along with 

ribbed knits and menswear knit jackets. She projected 

into the fashion her personal celebration of freedom, 

informality and comfort, because unlike the impeccable 

and elegant Rosita and Margherita, Angela has a 

more nomadic and slightly gypsy spirit and her style 

consists of sarongs, wrap-around tops, cache-coeurs 

and amazing fetish jewelry. She is a woman on the go 

who loves to travel. She remains a curious observer of 

the culture of different countries. She prefers a wardrobe 

with versatile pieces that envelop the body and 

flatter the silhouette, and she has seduced time with 

her iconic fascinating personality. 

#MOMENTS 

“Reflecting on the past twenty years, I’ve experienced 

many moments and ways to create fashion. The system 

has evolved and has even been revolutionized. But 

I am proud that, despite the strong changes and globalization 

that has expanded the scale of companies 

and the market, Missoni has remained a small artisan 

business yet has preserved its image at an extremely 

high level. The brand has never been sullied, but cultivated 

like a rare pearl, precious, recognizable and 

respected on an international level... It’s true I haven’t 

been able to solve all company problems, but perhaps 

it’s because time unstoppably presents new ones... I 

feel like a machine that must provide answers and the 

ones I’m requested are always immediate.” 

#ANGELA 

“When I talked about Missoni, I always said ‘we’, using 

the first person plural. But now there are two generations 

– my generation and my children’s – that know 

Missoni only for what I have accomplished.”

#nuances

FEAT. MARGHERITA MISSONI 

#margherita

#reflection

#kitsch

#teresa

#eclecticism

#layers

#francesco

#inspirations

#mania

#rosita

#collectibles

#roots

#sharing

#angela

ABOUT ANGELA... 

FRIENDS & FAMILY THOUGHTS 

Angela Missoni is not just a family fashion brand. It is much more. 

It stands for culture, art and involvement with large social and political 

issues MARINA ABRAMOVIC • Colour, laughter, joy, passion, music, and 

a lust for life HILARY ALEXANDER OBE • A powerful mother, a woman with a 

strong sense of protection. Nothing bad can happen when you are 

with her because she solves any problem PEDRO ALMODÓVAR • Fierce, a 

force – especially after her women’s march at her show IMRAN AMED • 

A tender warrior MARGHERITA MACCAPANI MISSONI AMOS • Fun-loving, emotional, 

and full of energy & ideas CHRISTIANE ARP • Exquisitely attuned to the 

current and future interests of a generation in need of a restorative 

and refined touch, Angela stands as a towering matriarch of an 

earth-tone empire, kingly and comforting, Lepidoptera meets couture 

of the highest order, one of the greats, forever! DEVENDRA BANHART • 

She is the most charming and passionate person in fashion that 

I know. She is full of positivity and humanity. A woman full of integrity 

and warmth FABIEN BARON • Warm, witty, wise and so generous 

of heart and spirit. She is the real deal GLENDA BAILEY • Angela’s 

vision is vibrant and creatively perceptive. She is dedicated to

COLLAGE BY HEY_REILLY

her business, to her family and to her art - a true artist in work 

and in life GIOVANNI BIANCO • There’s no denying that in essence the 

heart spirit and soul of Angela Missoni hath graced us all by the 

sheer delight that’s celebratory of her individual identity’s consistent 

love and joy of life itself MARK BORTHWICK • A generous, unique, 

extraordinary woman. I do have great memories with her MARIACARLA 

BOSCONO • Angela Missoni is the embodiment of the haute bohème, 

the hippie-de-luxe, the playful renegade. I always think of Angela 

as Mama Fashion – her clothes, like her, bring the warm embrace 

of color and comfort and family and adventure into our 

lives. Angela’s work is nurtured on the rich and potent DNA of the 

Missoni history but is always mindful of the ever-evolving present 

and the potential and excitement of the future HAMISH BOWLES • 

Brightly willing and generous COCO BRANDOLINI • Angela Missoni: REAL 

MARCELO BURLON • Sending congratulations on your achievement of 

twenty wonderful years of continuing the Missoni family name with 

pride and success JOAN BURSTEIN CBE (MRS B) • She has built on Missoni’s 

imagery an incredibly contemporary story, introducing a unique 

point of view and icons that tell the future of the brand CARLO CAPASA • 

Angela’s good vibes fill the room MATTEO CECCARINI • Angela Missoni 

and all of her most beautiful family are about living life vibrantly, 

colourfully, and fully. And that’s a wonderful talent LUCINDA CHAMBERS • 

Superwoman, compassionate and able do it all and so much fun 

to be around! PAT CLEVELAND • It’s inspiring to see Angela work alongside 

her family in such a creative way and continuing the process 

DAISY DE VILLENEUVE • Technicoloured artisan CHARLOTTE OLYMPIA DELLAL • 

Sun, family, colour, fun, the best message in fashion ANNA DELLO RUSSO • 

Bold, brilliant and beautifully out of bounds! KEN DOWNING • Adventurous, 

human and full of life GINEVRA ELKANN • Warm, genuine, lovable 

DAVID FARBER • Thank you Angela, for all the italian colour you

have brought into the world in these 20 years! EMANUELE FARNETI • 

Iconic DENNIS FREEDMAN • Colorful with a unique point-of-view, the embodiment 

of Italian luxury. That is Missoni. Always relevant, no matter what 

season, no matter what year NINA GARCIA • The poetic thread of fashion 

ALLEGRA HICKS • Angela is personification of authentic. In her love, 

her talent, her humor, her loyalty, her enthusiasm, her generosity. 

I feel lucky whenever I’m around her RASHIDA JONES • Angela. She is 

the pilot and the plane. She is the provider, the insider, the magpie 

and the nightingale. The resistant, the insistent, she is proof 

that fashion can have a heart and a mind as well as eyes, ears 

and appetite. She weaves a continual changing dream of the future 

from her past. She knows she must never cut the thread, or 

lose it in fashion’s dark mood. She is a rainbow PATRICK KINMONTH • 

Zeitgeist MICHAEL KLIGER • The quintessential Italian Bohemian family 

JOERG KOCH • She is a woman who celebrates and supports women 

and fosters leadership while not being afraid to embrace both the 

emotional and business side KAROLINA KURKOVA • Angela has the Missoni 

DNA in her blood and the talent to keep it modern, fun and 

sexy. As a woman, she’s simply irresistible OLIVIER LALANNE • A woman’s 

woman. Yes, she’s impossibly glamorous and wildly talented, but 

what I love about her most is that she uses her creativity to lift up 

other women. She is an angel. She helps us all CINDI LEIVE • A Capricornucopia 

MARYLOU LUTHER • Colorful and genuine FERN MALLIS • Angela 

Missoni is like an accomplished abstract painter who has used 

the Missoni brand and heritage to create modern interpretations 

for today’s fashion forward consumer. She has a sophisticated eye 

for pattern and colour but always with a contemporary approach 

NATALIE MASSENET • A force for change in the fashion industry. A woman 

with an incredible sense of social responsibility TEREZA MAXOVÁ • 

Warmhearted JOE MCKENNA • She is an innovator, always looking for-

ward, while respecting her creative and trail-blazing roots JIM MOORE • 

Angela Missoni made the brand that she grew up with personal 

– in her own way. While her parents Tai and Rosita worked as 

a couple, Angela has fought for a more obviously woman’s point 

of view. She has also dared to explore beyond knits and to use 

her own daughters as a symbol of a new generation to take Missoni 

into the future SUZY MENKES • My mother is a compulsive collector, 

she can start collecting everything. She gives so much of herself 

to every passion, be it a ceramic Bambi, fashion or family; 

when I was born she opened a Montessori recreational centre in 

the surroundings of Varese in the Eighties FRANCESCO MACCAPANI MISSONI • 

Angela is truly a godsend to me. Always fondly vigilant, she’s my 

Guardian Angel. A mother hen for her beloved children Margherita, 

Francesco, Teresa, and a sweet creative and magical grandma 

for her grandchildren Otto, Augusto, Zeno, but also a precious 

generous ally for her/our extended families. And for our company 

a proud passionate crucial captain ROSITA MISSONI • Architect, chef, 

sailor, bricklayer, gardener, cartographer, hair stylist, photographer, 

designer... MacGyver. Revolutionary, sweet, severe, careful, 

very much present. Woman, grandmother, aunt, but above all 

Mother! TERESA MACCAPANI MISSONI • Her unique way of mixing colours 

and patterns will always be an inspiration to me and Cabana 

MARTINA MONDADORI • Life-enhancing DEBORAH NEEDLEMAN • A very talented Italian 

designer with an international soul ANDREA PANCONESI - LUISA VIA ROMA • 

When I see the vibrant, colorful Missoni knits I can’t look at them 

without feeling the warmth of Angela, the generosity of heart, the 

connectivity of the whole family BRUCE PASK • She is a modern day 

woman who continues to inspire us with her balance of family, 

business and creativity ROOPAL PATEL • Colour freak ENRICA PONZELLINI • 

100% Missbrunello FRANCESCO RAGAZZI - PALM ANGELS • Angela’s was the

ANGELA’S BIRTH CHART BY LUCA NICOLAJ

first Italian family I ever met. Going to the factory in Sumirago is 

like going to the theatre. She manages to carry everything on her 

shoulders: the fashion dramas, the family, the love… and of course 

all the fighting that goes with real creativity CARINE ROITFELD • Missoni 

is jacquard, colour, desire RENZO ROSSO • Every time we worked together, 

Angela showed us so much creativity, generosity and free 

spirit FRÉDÉRIC SANCHEZ • A force of nature. Goddess of knitwear. Mater 

familias pur-sang. Ravishing VIVIANE SASSEN • Instantly recognizable, 

forever iconic SCOTT SCHUMAN • Angela is a woman of dynamic ideas 

and charisma. She is fun, full of life, and loves to be involved with 

every second of the shoot and creative process IRINA SHAYK • She has 

the light and Delft touch of one who is best friends with Mother 

Nature SHARON STONE • I just love all the Missoni’s! JUERGEN TELLER • 

Angela is everything I love about Italy: the mix of style, culture, 

life, love, family – the country and the sea! MARIO TESTINO • Angela is 

a real talent scout and a stubborn style setter… Angela is curious… 

Angela is tireless! STEFANO TONCHI • Voraciously curious, sensitive, 

passionate and exclusive. A real friend PATRICIA URQUIOLA • I love 

spending time with Angela either talking family or fashion. Two of 

our favorite things. Her talent, warmth and strength will carry the 

brand for another 20 years DANIELLA VITALE • May there be many more 

happy and colourful milestones to come, and may we continue 

to celebrate creative free thinking together! MARCEL WANDERS • A real 

inspiration to me, an example of someone who has led a brand 

with integrity and intelligence, but also personally with honesty, fun 

and flair LUCY YEOMANS • Angela Missoni has elegantly demonstrated 

throughout her career in fashion that “walls turned sideways are 

bridges” echoing the words of another iconic woman with whom 

she shares her forename with, Angela Davis OLIVIER ZAHM • Perfectly 

elegant and uniquely exacting. One word: Scion DASHA ZHUKOVA •

COURTESY MISSONI 

Careful, Curious, 

Enthusiastic, Unselfish: 

Fantastic ! BRUNO RAGAZZI ¥

Angela has redesigned and empowered 

the company advertising 

with amazing campaigns she 

personally art directed, involving 

and discovering many talented 

photographers at the beginning 

of their careers. #talentscout 

OLIVIERO TOSCANI — 1992 

SS 1992

SS 1998 

SS 1998 

MARIO TESTINO — 1997_1999 

FW 1998 

SS 1999

FW 1997 

SS 1999 

FW 1999 

MARIO TESTINO — 1997_1999 

FW 1997

SS 2001 

SS 2001 

SS 2000 

MARIO SORRENTI — 2000_2001 

SS 2000

FW 2001 FW 2002 

SS 2002 

SS 2006 

MERT & MARCUS — 2001_2006 

SS 2004

FW 2003 

FW 2004 

MERT & MARCUS — 2001_2006 

SS 2003 

2007 

FEAT. MARGHERITA MISSONI

FW 2006 

CAMILLA AKRANS — 2006_2008 

SS 2008

SS 2012 FW 2011 

JUERGEN TELLER — 2010_2012 

SS 2011 SS 2011

FW 2012 

FW 2012 

MARK BORTHWICK — 2012 

FW 2012

FW 2013 FW 2013 

ALASDAIR McLELLAN — 2013 

SS 2013 SS 2013

SS 2015 

FW 2014 

VIVIANE SASSEN — 2014_2015 

SS 2014

SS 2017 

FW 2016 

HARLEY WEIR — 2016_2017 

FW 2017 

FW 2016

ANGELA MISSONI 

A CONVERSATION WITH TIM BLANKS 

More than any other country, the history of fashion in Italy is written 

in family dynasties, in the generations that perpetuate the legacies 

of founding fathers – and mothers. As the daughter of Tai and Rosita, 

Angela Missoni’s heritage was particularly rich and idiosyncratic. 

But she has been so much more than a keeper of the flame for the 

past two decades. She’s added her own twists and turns to the story. 

The next Missoni generations will be shaped by the Angela years. 

TIM BLANKS: Describe Missoni when you arrived. 

ANGELA MISSONI: I could see there were new or interesting 

things, but they were submerged by all the history. 

So the job I did at the beginning was editing, cleaning, 

letting the newness out. I was really going by instinct. I 

wanted to make the clothes I wanted to wear, things my 

girlfriends wanted to wear. Missoni had lost my generation 

at that time. I was longing for what I remembered 

from the 70s, like the colours, because by the end of the 

80s, Missoni had become dark and dull. The biggest sellers 

were brown, beige and neutral tones with black. 

TB: Missoni had become a cliché. 

AM: So much a cliché that when I started doing things 

in two or three colours, or mixing up solids, people inside 

the company were telling me, ‘It’s not enough Missoni’. 

But I remember Missoni’s first cover, for French 

Elle in 1968. It was a solid white two-piece. And I knew 

that Missoni was never just about knits stitches, I knew 

my parents were using a lot of prints. In the 60s and 

70s they were printing on knits and jersey and adding 

fabrics by the 80s. 

TB: Did you meet a lot of resistance? 

AM: I fully understood what my mother meant when she 

told me “you had to have the strength to fight for your 

own ideas with the commercial side of the business.” 

The company was already very old when I came in. I had 

to fight all the time with people inside who didn’t understand 

what I was doing. From my mother’s experience, 

I was already used to hearing how everything was always 

the fault of the style. Every time I came back with 

a campaign which would today be considered iconic, it 

was always, ‘This is not Missoni’. When I put Gisele in 

a patchwork bathing suit on the Sardinian rocks with 

Mert & Marcus, we sold ten pieces, we didn’t even have 

Missoni Mare yet, but I wanted people to come into the 

shops, and I knew we needed strong images to give them 

the desire to go and look for Missoni. My brother Vittorio, 

who was overseeing the commercial side, immediately 

appreciated the positive reaction of customers. 

TB: What was the biggest difference you made? 

AM: I sharpened the collection and the image. It became 

more precise. You could recognise each season, where

efore they looked the same. I made the light materials 

lighter, and the heavy materials heavier. I eliminated the 

medium weights – and the medium styles. With lighter 

material, I could work more again on evening and cocktail. 

Though they’d previously been important for Missoni, 

it had become more sporty by the time I took over. 

I thought there was more to us than the Missoni jumper 

and the Missoni cardigan. 

TB: The world was changing then as well. There was 

the Tom Ford Effect in fashion. Did you feel challenged 

to find a role for Missoni in that world? 

AM: Of course. I wanted Missoni to be in that fashion 

moment. It was a good moment to come back. I knew I 

was right. Funnily enough, I went to get Mario Testino 

and Carine Roitfeld at exactly the same time as Tom. 

Yes, you’ll get more money, but we’ll never have time to 

spend it’. And I grew up next to my father, so you start 

looking at the world like that. But, on the other hand, 

my mum always had the curiosity to explore new territories. 

She’s a natural builder, not a businesswoman. I’m 

a natural builder too but I think I’m a little more business-oriented. 

TB: How much of an asset do you think it’s been that 

Missoni is a family business? 

AM: I don’t know any other way of being. Yes, the fact 

that my partners were my brothers has sometimes made 

my work not so fluid, but maybe I would have given up if 

they weren’t my relatives. And the fact there is another 

generation interested in the company gives me strength 

to find solutions and go on. 

TB: For the past twenty years, the story you’ve been telling 

has been Missoni’s, but it’s actually yours too. Did 

you ever feel you’d like a little more recognition? 

AM: No, I never felt frustrated. I knew I had recognition 

from my parents, and everyone in fashion knew my role. 

My father was such a personality – not around the world 

because he didn’t speak English – that for many people 

in Italy, Ottavio Missoni and Missoni are still the same 

thing. I myself always say ‘we’. But last week I had a party 

at my house. All the family was there, so it looked like a 

family house, and my friends were coming in and saying, 

“You do the most amazing parties”, and they were saying 

‘voi’ not ‘tu’. And [laughing] I was thinking to myself I do 

the most amazing parties, this is my house. 

TB: What are you proudest of? 

AM: That I gave my mum a second creative life, and a 

second life in terms of time. She was tired of working in 

fashion. In doing the Missoni home collection, she found 

another energy. The other thing I’m proud of is that I 

managed to elevate the quality of the label, from Prêtà-porter 

to luxury market. I knew the Company had to 

become stronger. It wasn’t easy with my father. He had 

a personal philosophy of life and he did not want any 

burdens, and the larger the company, the more problems 

you’re going to have. I remember when Marvin 

Traub from Bloomingdales came to my parents in 1973 

with all these ideas for licences, and despite my mother’s 

enthusiasm for any new project, my father said, 

‘Rosita, I don’t understand why you want to work more. 

TB: With Vittorio’s death, you had to take on more of the 

company. Have you surprised yourself with what you’re 

capable of? 

AM: Always. I still never imagined this would happen. 

At the beginning, I said I’d do it for ten years, then I’d 

see. But everything has evolved over the past 65 years, 

and especially in the last twenty. My job is always 

changing. We’re a small business, so I do touch every 

corner of it. Today, I’m probably spending 40 per cent of 

my time on communication. 

TB: It’s an interesting but inevitable irony that your 

parents use to be the rebels of Italian fashion, and now 

Missoni is the establishment. 

AM: Just because they were the founders of Fashion 

Week in Milan. It’s a miracle we’re still alive as a company! 

But I still see a rebel nature in Missoni. It’s part of 

the DNA. And I need it to move forward, otherwise all 

you’re doing is reheating the same dish. Every four or 

five years, I have moments when I wonder if I’m getting 

too lazy and I’d better take risks. So I do, and luckily 

till now it has worked. But every time I feel we need to 

change, the rumours start. Is there a new stylist, a new 

designer? And I laugh because it’s always me and my 

team I’ve grown through the years. [laughing] It’s good 

if people think they’re all fresh and young. 

TB: Rosita will be 86 in November. You realise when Missoni 

turns 100, you’ll be more or less the age she is now. 

AM: [laughing] I hope I can still organize a good party!

1997—2017 

RETRO

SPECTIVE

2002

2010

2017

2015


2003

2016 – 2012

1998 – 2005

2011

2011

2000

1998

2003

1998

1998

2000

2012

2003


2014

2011

1999

2003


1999

2014

2016

2016

1999 – 2001 – 1999 – 2002

1999 – 2002 – 2002

2009 – 2014 – 2011 – 2010

2013 – 2000 – 2016

2010

#ANGELASWORLD 

Antonio MonfredA Curator and Art Director 

MAriucciA cAsAdio Special Contributor 

tiM BlAnks Special Contributor 

dAniel regAn & Antonio MonfredA Photographers 

enricA Ponzellini Fashion Editor 

frAncescA Boggeri Graphic Project 

roBertA rottA Editing 

MArilenA BorgnA Production 

eros MessinA Photo Assistant 

deBorAh de groot Fashion Assistant 

AlAn Milroy Make Up 

kiliAn MArin Hair 

Vogue itAliA , And PArticulArly 

eMAnuele fArneti Editor-in-Chief 

AlAn PrAdA Deputy Editor-in-Chief 

frAncescA Airoldi General Sales and Marketing Director 

VAlentinA di frAnco Content Experience Unit Manager 

sPeciAl thAnks to: 

BettinA fuortes, giorgio horn, PAtrick kiMMonth, costAnzo coloMBo reiser 

Allegato al n.805 di Vogue Italia. 

Printed in Italy

COUTURE 

AT THE 

TIME 

BY 

PETER 

LINDBERGH

16 

30 54 78 112 

SOMMARIO 


Unique / 


2017 

16 Nel tempo, 

di Emanuele Farneti 

20 Come fiori 

da un altro pianeta, 

di Dan Thawley 

26 Lo spirito 

del luogo, 

di Davide Enia 

30 Non vestiti 

ma vele, 

di Giovanni 

Montanaro 

34 Il ritorno del re, 

di Suzy Menkes 

38 Le ore, i giorni 

di Frances von 

Hofmannsthal 

54 Couture 

at the time, 

photos by Peter 

Lindbergh, 

styling by Clare 

Richardson 

68 The new agenda, 

photos by Dario 

Catellani, 

styling by Vittoria 

Cerciello 

78 Il ballo 

confessional, 

photos by Luigi 

and Iango, 

styling by Patrick 

Mackie 

88 La nuit fauve, 

photos by Karim 

Sadli, styling by 

Jonathan Kaye 

98 A closer look, 

photos by Rosi 

Di Stefano, 

styling by James Valeri 

112 Roma, il futuro 

passa da qui, 

di Patrizia Gatti 

120 Robert doisneau: 

the vogue years, 


Front Front Well Well Back 

2 vogue.it n. 805

FALL/WINTER 2017-18

PHOTO BY 

BRIGITTE NIEDERMAIR

EDITORIALE 

Nel Tempo 

di EMANUELE FARNETI 

Dice una vecchia, spesso 

citata frase di Christian 

Lacroix: la Haute Couture 

dev’essere divertente, folle 

e pressoché inindossabile. 

Vogue Unique è uno strumento 

prezioso, perché è 

il solo grande giornale internazionale 

che ogni stagione 

testimonia questo 

mondo: divertente, folle, 

a volte orgogliosamente 

inindossabile, e portatore 

di sogni come i sogni 

dovrebbero essere sempre 

– eccentrici, grandiosi, 

spudorati. 

photo by peter lindbergh. 

CHANEL HAUTE COUTURE 

STYLED BY CLARE RICHARDSON. 

Rianne Van Rompaey @ Viva Paris: lungo abito di satin double 

con ricami di cristalli; guanti di tulle brodé e stivali 

di vernice. Tutto Chanel Haute Couture. Sulla pelle il mix 

di gelsomino, ylang-ylang, fiori d’arancio e tuberosa del bouquet 

di Gabrielle di CHANEL. hair Odile Gilbert. 

make-up Stéphane Marais @ Studio 57. on set 2b Management. 

Ma la Couture è soprattutto 

un mondo vivo, di 

ricerca e sperimentazione, 

di strabilianti abilità 

tecniche, i cui riferimenti 

sanno essere larghi e inattesi 

– per questo abbiamo 

voluto che a ritrarlo, accanto 

a un maestro come 

Peter Lindbergh, fossero 

fotografi pienamente calati 

nel linguaggio della moda 

contemporanea: nulla 

renderebbe meno giustizia 

al processo creativo che 

cristallizzarlo in un’immagine 

fuori dal flusso dei 

tempi. 

Ed è un mondo in cui la 

narrazione è componente 

sempre più imprescindibile 

del sogno – per 

questo, abbiamo voluto 

che a raccontarlo fossero 

grandi firme della moda, 

ma anche giovani scrittori 

capaci di raccogliere e 

trasmetterne contesto ed 

emozioni. • 

Vogue Unique - Supplemento al 

n. 805 di Vogue Italia - Settembre 

2017. Direttore responsabile 

Emanuele Farneti. Creative director 

Giovanni Bianco. 

Hanno collaborato: AnneStine 

Bae, Valentina Bonelli, Diana 

Choi, Davide Enia, Giorgia Fuzio, 

Patrizia Gatti, Fan Hong, 

Suzy Menkes, Federica Migliazza, 

Giovanni Montanaro, Elisa Schmitt, 

Dan Thawley, Frances von 

Hofmannsthal. 

16 vogue.it n. 805

ARIZONA MUSE FOR ROBERTO COIN® 

POIS MOI COLLECTION | robertocoin.com

Coachella Valley, April 2017 

Foto scattata da Fabrizio Cestari con Huawei P10 Plus

Front 

20 vogue.it n. 805

Come Fiori Da 

Un Altro Pianeta 

Con la collezione Haute Fourrure, FENDI allarga i confini del design di moda 

verso territori magici e inesplorati, dove germogliano piante variopinte, 

spiccano il volo animali fantastici, passeggiano immacolate spose d’inverno. 

di DAN THAWLEY 

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Alla vigilia della terza sfilata Fendi Haute Fourrure, 

nei saloni di un defilato hôtel particulier del 

secondo arrondissement di Parigi scelto per l’occasione, 

fervono gli ultimi preparativi. Imponenti 

scalinate e corridoi illuminati da vetrate ambrate 

sono diventate culla per uffici temporanei, salotti 

di prova e aree per casting, nonché per i laboratori 

dove gli artigiani della storica casa di moda romana, 

fondata nel 1925 da Edoardo Fendi e Adele 

Casagrande, danno il tocco finale perché gli abiti 

si adattino perfettamente ai corpi delle modelle. 

È primo pomeriggio, e nonostante il personale 

dell’atelier sia indaffarato, regna una calma palpabile. 

Silvia Venturini Fendi è la prima ad arrivare, 

seguita dalla stylist di Fendi, Charlotte Stockdale, 

e da Amanda Harlech, musa di Karl Lagerfeld. A 

breve, guideranno un’anteprima esclusiva della 

collezione per Anna Wintour. Si conversa parlando 

di sfilate, del palazzo, delle ragazze scelte per presentare 

questi capi straordinari. La gran parte degli 

outfit è già pronta, allineata nell’esatta sequenza di 

uscita su appendiabiti; mules a punta, alcune con 

soffici pompon in visone oversize, sono in fila vicino 

alle finestre, accanto a borse in pelle a forma di 

vaso da cui germogliano foglie variopinte e fiori in 

suede. Una tavolozza di colori invernali e sfarzose 

texture metalliche regalano la prima impressione 

di questa nuova collezione, destinata ai guardaroba 

più esclusivi. Arriva Karl. Le mani guantate stringono 

la sua ultima onorificenza, ovvero la medaglia 

Grand Vermeil ricevuta poco prima dal sindaco di 

Parigi, Anne Hidalgo. Osserva, ascolta, saluta. Fendi 

Haute Fourrure è un concept nuovo. Presentato 

due anni fa al Théâtre des Champs-Élysées di 

Avenue Montaigne, è stato poi consolidato a Roma 

l’anno successivo con una sfilata in cui la passerella 

trasparente era costruita sull’acqua dentro la Fontana 

di Trevi, occasione per celebrarne anche il restauro 

voluto dalla maison. Nelle ultime stagioni lo 

sviluppo delle collezioni prêt-à-porter di Fendi è 

decisamente accelerato, e anche il settore delle pellicce 

su misura, che è separato dalla linea principale, 

si è guadagnato di diritto un posto nel calendario 

parigino della haute couture con la creazione di 

un’etichetta ad hoc: “Haute Fourrure”. Da sempre 

famosa come maison innovatrice, adesso ancora di 

più Fendi si propone di approfondire la maestria 

artigianale nella pellicceria, fondandosi sull’idea di 

una manifattura esclusiva, concepita quale fil rouge 

dello storytelling e dell’immagine da fiaba del 

brand. Presentate una volta all’anno per la stagione 

invernale, queste collezioni vanno contro corrente 

e al di là della moda stagionale: seguono il vero 

senso della couture, sono concepite come una eredità 

unica, per le generazioni future. Grazie all’uso 

delle più preziose pellicce, fra cui visone, zibellino, 

breitschwanz e lince, Fendi ha così allargato i confini 

della creatività nella moda, spingendosi in territori 

meno esplorati e trasformando questi materiali 

in magnifici cappotti, gonne e giacche o anche 

in motivi e inserti per abiti da sera e da giorno. Il 

tutto con eleganza e indubbia vestibilità. 

22 Front vogue.it n. 805

Ho disegnato silhouette 

a cuore 

che 

seguono 

le linee 

del 

corpo. 

Karl 

Lagerfeld 

foto courtesy fendi. 

Karl Lagerfeld, 

direttore 

creativo di 

Fendi. Nella 

pagina accanto, 

due bozzetti 

dello stilista con 

due outfit Fendi 

Haute Fourrure. 

In apertura, 

due highlight 

della sfilata. 

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unt vid ut estius, sa sus, int etum re lit pra cor ali sequam re dolore sapelestion precabo. dus eosae pa 

A destra, 

il backstage della 

sfilata Fendi Haute 

Fourrure. A sinistra, 

dettaglio di 

un abito ispirato 

ai fiori del 

pittore simbolista 

Odilon Redon. 

«È impossibile distinguere il velluto dalla pelliccia», 

spiega Silvia Venturini Fendi sfiorando un 

lungo abito di pizzo di pelliccia blu cobalto impreziosito 

da iris in visone rasato. «Sembrano fiori 

provenienti da un altro mondo», aggiunge. In 

un’unica frase, ha sintetizzato il concetto che è alla 

base della collezione, e che poco più tardi si conferma 

quando Amanda Harlech racconta che la 

prima fonte d’ispirazione per Karl è stata il pittore 

simbolista Odilon Redon. Bisogna ringraziare 

proprio Redon per i papaveri dal blu intenso che 

occhieggiano da cappotti in tessuto jacquard color 

oro spento; o fanno capolino tra ricami a forma di 

piume su gonne in gazar di seta dipinte a mano. La 

marezzatura di rosa, oro e blu tipica dei dipinti a 

olio di Redon si ritrova anche nello sfarzoso collage 

di materiali dei cappotti-mantella e degli abiti da 

sera con maniche sciallate. «La silhouette è a forma 

di cuore», sottolinea Lagerfeld. E ha ragione: le 

spalle arrotondate e le gonne fascianti avvolgono le 

modelle in una specie di cœur, forma che si ritrova 

anche negli abiti sagomati che ricadono morbidi e 

negli abiti-cappa. Uno di questi è stato battezzato 

“pixel”: per realizzarlo sono stati utilizzati 10 mila 

dischi di visone tagliati a mano, rasati e colorati: la 

palette finale crea un effetto quasi animato. Se questo 

capo può considerarsi il supremo esempio della 

maestria artigiana di Fendi, le altre creazioni lasciano 

intuire tecniche elaborate pur se impercettibili. 

Per il cappotto in lince maculata con due papaveri 

cremisi, ore di lavoro hanno permesso al capo di 

essere sbiancato, specie sulle maniche, riassemblate 

più volte per ottenere polsini color neve. Tra le altre 

meraviglie, ecco un tailleur con gonna in visone rasato 

con fiori, che pur essendo dipinta a mano conserva 

la sua morbidezza. Coronamento della collezione 

è senza dubbio il pizzo di visone, un’intricata 

rete di “microconfetti”, collegati fra loro per divenire 

décor di cappotti dagli intarsi scultorei; o per 

definire il flessuoso profilo del busto in miniabiti in 

astrakan rosa salmone. In chiusura di sfilata, Vittoria 

Ceretti ne ha indossato uno in versione scialle a 

nido d’ape di visone bianco, portato su un abito di 

pizzo il cui busto impreziosito da margheritine di 

visone la rendeva quasi una sposa d’inverno. Solo 

un esempio, eclatante, di come stile e artigianalità 

di Fendi Haute Fourrure stiano ripensando in toto 

la couture per les élites del XXI secolo. • 

25

Lo Spirito 

Del Luogo 

Piazze, palazzi, cappelle: Palermo è stata non solo 

il palcoscenico, ma il senso autentico dell’Alta 

Moda firmata DOLCE & GABBANA: lo racconta 

uno scrittore che qui è nato, e ne conosce i segreti. 

di DAVIDE ENIA 

La parola “desiderio” ha origine latina. “De-” è un 

prefisso che indica privazione. “Siderum” è l’astro, 

la stella di cui ci arriva solo il barbaglio di luce. 

Noi stiamo qui, lontani, pronti a tutto pur di farci 

illuminare da quella luce. Il desiderio è la nostra 

incolmabile, struggente distanza dalla stella. È stato 

questo, in penombra, il filo che ha tenuto assieme 

il lavoro per le nuove collezioni di Dolce & 

Gabbana. La scelta del luogo, innanzitutto: Palermo, 

capoluogo di quella Sicilia che è una firma di 

riconoscibilità. Non è questo ritorno alle origini 

un tentativo di sanare una distanza? 

Palermo non solo palcoscenico, Palermo leitmotiv 

dell’evento Dolce & Gabbana Alte Artigianalità. Il 

punto di partenza e il porto d’approdo. Non si è 

trattato solo di una presenta zione di abiti e gioielli. 

È stato qualcosa di più profondo. Una ricomposizione 

di simboli. Una ricostruzione dell’immaginario. 

Il recupero di un desiderio. 

Il primo evento è andato in scena a Palazzo Valguarnera 

Gangi, nei saloni scelti da Visconti per il 

ballo de “Il Gattopardo”. Un trionfo del Rococò 

italiano: i pavimenti in maiolica, il soffitto a cassettoni 

interamente affrescato, le pareti intarsiate, 

gli enormi lampadari con i cristalli colorati e, nelle 

teche, in perfetta continuità con l’ambiente, l’alta 

gioielleria femminile, su cui, accanto alle pietre 

preziose, svettava il corallo. All’improvviso, nel luglio 

palermitano il suono di un valzer. Giù in piazza, 

una dozzina di coppie hanno preso a volteggiare, 

due passi, una salita sulle punte, un principio di 

giro, mentre le gonne si gonfiavano e i petti si sfioravano. 

È la messa in scena di un’idea aristocratica 

della città, in cui la seduzione si accompagna a una 

eleganza mai perduta. 

Nell’ottica di un riposizionamento internazionale, 

anche da qui transita il rinnovamento: dal gesto, 

dalla forma, dal recupero dello splendore che già 

è contenuto in sé. Non dimenticare mai di essere 

stati lo Stupor Mundi. Aspirare a esserlo di nuovo. 

Una leggenda popolare racconta che nelle stanze 

del Palazzo abitasse una donna bellissima. «Mai 

donna più bella ci fu a Palermo», si mormorava 

a mezza voce nelle piazze e nei vicoli, laddove per 

“mai” si intendeva il tempo fin dall’inizio dei tempi 

e per “Palermo” si considerava il mondo intero. 

La donna era la Principessa Giulia Mantegna di 

Gangi o una giovane serva ai suoi servizi. Il mistero 

non venne mai svelato e l’ambiguità fece ardere 

ancora più intensamente il falò del desiderio. 

Il popolo si radunava sotto i balconi e, quando in 

controluce compariva dietro la gelosia socchiusa 

la sagoma della donna, la piazza sospirava all’unisono. 

In fondo, non importava chi si muovesse 


27

Questo siamo: siamo agrumi carichi 

di sole e aria che odora di mare. 

Siamo la zagara e l’olivo, il sapore 

del sale e l’ombra che dona ristoro. 

nella penombra. Il cuore di chi osservava era stato 

sedotto irrimediabilmente, una volta e per sempre. 

Ciò che contava davvero era la vampa del desiderio. 

Così, proprio come ci si agghinda per una 

occasione di festa, per fare colpo su qualcuno, per 

sentirsi più sicuri, per consegnarsi anima e corpo 

alla voluttà degli accadimenti, anche i luoghi 

all’aperto deputati a location dell’evento sono stati 

“impupati”. “Impuparsi” a Palermo è il truccarsi, 

gesto accorto che necessita di grande calibro, 

perché il trucco non deve aggiungere né sottrarre, 

ma deve permettere anzi che risaltino le migliori 

qualità del viso, rendendolo bello e luminoso come 

quello dei pupi. 

Piazza Pretoria, scelta per ospitare la sfilata d’alta 

moda, è divenuta il red carpet, le sale del Municipio 

i camerini e la sartoria. È la sfilata che sarebbe stata 

il fuoco della serata. Era giusto rifarsi il trucco. La 

piazza in dialetto è detta “della Vergogna”. A prima 

vista perché le statue della fontana che la abita coprono 

con le braccia le proprie nudità. Ma in Sicilia 

il chiaroscuro è un archetipo e un simbolo, e la verità 

ha sempre una doppia faccia, oltre a offrirsi, a 

queste latitudini, come un mosaico bizantino: parcellizzata. 

Così in un’altra versione più maliziosa, 

la piazza è così detta per il Palazzo delle Aquile, il 

Municipio cittadino, centro del potere e quindi per 

lungo tempo evidente simbolo di imperitura vergogna. 

Ogni simbolo può essere rovesciato nel suo 

opposto. E infatti, durante la sera dell’alta moda, 

quel luogo di potere ha generato non bassa vergogna, 

ma rilucente bellezza. Anche piazza del Duomo 

a Monreale, scelta per l’alta sartoria maschile, è 

stata trasformata: una passerella circolare dove un 

quartetto d’archi e un pianoforte hanno suonato 

una melodia che ha reso lieve un luogo votato alla 

contrizione e all’ascetismo monastico. 

Un primo lavoro di sartoria è stato eseguito, dunque, 

proprio sul tessuto urbano. I due stilisti hanno 

letteralmente rivestito le piazze. La danza della 

seduzione poteva avere inizio. Nelle collezioni, il 

senso dell’intera operazione è divenuto manifesto. 

foto matt lever, greg kessler. courtesy dolce & gabbana. 

28 Front vogue.it n. xxx 805

Era tutto un fiorire di limoni e arance, fichi d’india 

e motivi floreali. I toni, accesi, rimandavano all’intensità 

dell’alba e alla suggestione del tramonto 

in riva al mare. Ritornavano i colori sfavillanti dei 

carretti dipinti a mano, delle maioliche, dei pennacchi 

sfavillanti dei pupi, delle lunghe tuniche 

dell’araba Palermo. Erano presenti la gioiosità dei 

dolci e lo scintillio delle stagioni. Sorprendevano 

i tasselli dei mosaici della Cappella Palatina e del 

Duomo di Monreale, che rimandano alla secolare 

storia di accoglienza e sincretismo culturale che 

ha rappresentato, dalla sua fondazione, la città di 

Palermo. 

Questo siamo, sembravano dire abiti e gioielli, siamo 

agrumi carichi di sole e aria che odora di mare, 

siamo la zagara e l’olivo, il sapore del sale e l’ombra 

in chiaroscuro che dona ristoro dallo scirocco. 

Il nero, finalmente sottratto al lutto, diventava 

gioco e seduzione, con la trasparenza che stimola 

la fantasia e il pizzo che, accendendo i sensi, amplifica 

il desiderio. 

Per sconfiggere il potentissimo brand Mafia, non 

bisognava spostare l’asse terrestre di qualche grado 

o aspettare un miracolo o un asteroide. Il lavoro 

di Dolce & Gabbana ha come oggetto l’icona, 

quella reale e quella percepita. È la ri-costruzione 

di un immaginario. Serve un processo paziente, 

continuo, capace di opporre alla violenza, abbastanza 

antiestetica, della lupara con coppola, la 

solare sfericità dell’arancina, l’intensa passione del 

corallo, l’eleganza sinuosa del Liberty, il bianco 

morbido degli stucchi in gesso. 

Questo lavoro sull’immaginario riscrive l’idea 

stessa di una geografia, facendone risaltare aspetti 

così evidenti che, proprio perché davanti agli occhi, 

semplicemente non si scorgevano più. È stata 

questa, in fondo, la parte più buia della storia del 

Mezzogiorno: l’incapacità di riconoscere l’enorme 

quantità di bellezza gratuita presente nei luoghi 

che gli appartengono. E invece queste nuove 

collezioni di Dolce & Gabbana hanno ricreato 

un’idea di Sicilia che diventa evocazione e gioco, 

simbolo nuovo da esplorare e scoprire. 

Sono le regole dell’attrazione. Chi seduce, conduce 

a sé. Il desiderio muove il mondo. Crea legami, 

amplifica le aspettative, obbliga le parti a offrire 

il meglio di sé nel tempo dell’incontro, un giro di 

valzer e la gonna si alza, i petti si toccano, le guance 

si imporporano e la voglia di baciarsi avvampa 

nel cuore. • 

In queste pagine e nella 

precedente. Tre momenti della 

sfilata Dolce & Gabbana di 

alta moda 2017-18, tenutasi 

in piazza Pretoria a Palermo. 

Nelle foto, gli interni del 

Municipio, le cui sale hanno 

ospitato i camerini e la sartoria. 

29

Non Vestiti 

Ma Vele 

«Qui c’è cielo, senza attesa. Ci sono anime, 

coperte e nude. Chiedono che cosa andiamo 

a cercare, di che cosa abbiamo bisogno. 

È un incantesimo, un rito, un volo»: reportage 

d’autore dalla sfilata Alta Moda VALENTINO. 

di GIOVANNI MONTANARO 

A sinistra, borsa 

minaudière 

realizzata con 

Harumi Klossowska 

de Rola dalla sfilata 

Valentino Haute 

Couture. Nella 

pagina accanto, 

il moodboard 

nell’atelier 

Valentino. 


31

La gente che si accalca in Rue Berryer, la cera delle 

candele, le luci, gli spacchi, l’estate, i desideri, i 

flash, le labbra delle donne. L’attesa della sfilata è 

un brusio, è come un gatto che ti guarda, che non 

sai cosa sta per fare, le sale dell’Hôtel Salomon 

de Rothschild si riempiono, e tu sei lì, ti guardi 

intorno, sorridi, saluti qualcuno, scorgi una ragazza 

giapponese dalla pelle chiara. Poi ti distrae un 

francese alto, chissà chi è ma si capisce subito che 

è francese, dalle guance, dai polsi, dalla forza dello 

sguardo, ed ecco che viene Sofia Coppola e suo 

marito, e Brie Larson e Laetitia Casta e tutte le 

donne, altri occhi, altri gioielli, il modo di muovere 

le mani, o di nasconderle, che ha ciascuna, 

sempre diverso. Da un’altra parte, intravedi Valentino, 

e subito si porta via tutta la scena. Inglese, 

francese, italiano, cortesie, battute, ricordi e, 

lentamente, si spengono le voci, tutti si siedono, 

tutti cominciano a guardare nello stesso punto, e 

il silenzio si prende tutto, restano i respiri, i sussurri 

che fanno gli abiti, giacche, gonne, tacchi, si 

stringono le sedie strette. 

È tutto pronto, parte la musica, le ragazze arrivano 

come gocce, alte, magre, bianche, nere, capelli crespi, 

capelli biondi, colli sottili, gambe lunghissime, 

giovanissime, diverse. Sembrano lì per te, ti vengono 

incontro, ma senza guardarti, passano vicino 

Ogni abito è pieno 

ma, insieme, 

leggero, i velluti 

senza peso, i tagli 

negli abiti, i ricami 

che svuotano, e 

tutto è senza sforzo, 

senza rumore. 

e se ne vanno via. Eccoli, i vestiti, la nuova collezione 

di Valentino Haute Couture A/I 2017-18. 

I colori si scontrano, verdi e arancioni, bianchi e 

neri, marroni e grigi, viola e gialli. Ci sono i trench 

e gli interni foderati di cashmere, lo chiffon, il 

velluto e la gonna di piume, il popeline e il cotone, 

mohair e cashmere, il saio e la cappa, chiffon 

e satin, i broccati inventati, ricreati, le camicie di 

pizzo, la georgette con il top di mohair, il taffetà su 

taffetà, la seta cruda, ricami e perline, cappucci, le 

borse con gli animali che sembrano ancore appena 

levate. Si va in alto, si sale. Ogni abito è pieno ma, 

insieme, leggero, i velluti senza peso, i tagli negli 

abiti, i ricami che svuotano, e tutto è senza sforzo, 

senza chiasso. Non hanno nessun laccio, le modelle. 

Hanno i colori delle foreste, dei paesaggi, sono 

Africa e monasteri, altari e metropolitane, scale e 

vasche, insieme i pesci e il mare, l’aria e gli uccelli. 

C’è qualcosa di volutamente dissonante, nella collezione, 

senza regole, nei volumi, nelle lunghezze 

differenti, nei colori, nei tessuti diversi accostati. 

Ma c’è un’armonia. È che l’armonia non è la perfezione, 

l’irreale, ma è l’equilibrio, il cammino, la 

fatica che poi non resta, l’incrocio irripetibile di 

cose diverse, che messe insieme non si capisce come 

stanno ma ci stanno, colori, amori, come vale 

per ognuno di noi, altrettanto sbagliati, altrettanto 

foto greg kessler; atelier valentino haute couture. opere: dall’alto: dipinti di francisco de zurbarÁn; annunciazione di leonardo da vinci. 


irripetibili. È così, senza saperlo, che si raggiunge 

qualcosa di sacro, di fermo, intoccabile, che nutre 

la vita ma ne prescinde, qualcosa che scompiglia e 

quieta, qualcosa a cui affidarsi. Qui c’è cielo, senza 

attesa, senza sofferenza. Ci sono anime, coperte e 

nude. Chiedono che cosa andiamo a cercare, di cosa 

abbiamo bisogno. Non sono vestiti, ma varchi, 

vele. È questa l’emozione, ti senti dentro un incantesimo, 

un rito, un volo. Questa è la donna per 

queste prossime stagioni, questa la donna pensata 

da Valentino per questo tempo qui, troppo frettoloso, 

che si dimentica, ma questa donna no, si ferma, 

lo trova, lo spirito. Poi, l’anno prossimo, chissà 

dove si andrà. Come si cambia, con i vestiti; ogni 

vestizione ci trasforma. La sfilata diventa un vortice, 

gli abiti si succedono uno dopo l’altro, è come 

un concerto, hanno come una fretta, le cose devono 

finire, il sacro è un’eccezione, uno spiraglio, 

una illuminazione, poi si torna. La musica cambia, 

si sente che qualcosa è successo, come il profumo 

dopo la pioggia. E allora eccole, tutte insieme, la 

sfilata finisce, entra Piccioli, gli applausi, riprende 

il brusio, la gente si parla nell’orecchio, le donne 

hanno già scelto il loro vestito preferito, quello che 

vorrebbero indossare subito, gli sguardi stupiti, gli 

sguardi nuovi da quel che hanno visto, le fotografie 

negli smartphone. Mi alzo, altri volti, gli ascensori, 

le scale, i marmi, una flûte di champagne, e poi mi 

attardo, saluto, commento anch’io, non ho voglia 

di andarmene. Poi penso che sì, che bisogna tornare, 

e vado verso le scale. Incrocio una modella che 

sta uscendo. La riconosco, bionda, un po’ di lentiggini. 

Ha le cuffie sulle orecchie, la felpa, lo sguardo 

felice. Parigi è fuori, è caldo, il mondo è ancora lì. 

Lei se ne va, si perde per le strade. • 

33


Il Ritorno 

Del Re 

Dopo sei anni, AZZEDINE ALAÏA presenta la sua nuova 

collezione couture: mostrando, come spiega una grande 

firma della moda, antica fierezza e modernissime fantasie. 

di SUZY MENKES 

Appena Naomi Campbell è scesa sulla passerella 

per aprire la prima sfilata di Azzedine Alaïa – al 

quale si rivolge chiamandolo “papà” –, dopo sei anni 

di assenza del designer dalla haute couture, sono 

stata catapultata in un altro mondo. 

Eravamo ancora nei pieni anni 80, e in quella festa 

di opulenza, le top model allungavano le loro 

falcate. Naomi, Linda Evangelista, Christy Turlington 

e le altre sembravano un esercito che sfidava 

il mondo della moda. Alaïa aveva riunito con un 

nuovo spirito queste bellezze indipendenti e le 

spronava a indossare i suoi abiti con fierezza. E 

che abiti! I modelli fascianti che gli hanno fruttato 

l’appellativo di “King of Cling”: tubini di maglia 

che trasformavano gli agili corpi delle modelle in 

serpenti sinuosi; i leggings neri con miniabito in 

tinta che divennero la sua firma, offrendo anche la 

base per i suoi cappotti “curvy” e le giacche avvitate 

di coccodrillo. 

Nell’autunno/inverno 2017-18, Azzedine è tornato, 

per mostrare con verve una nuova passione 

per le fantasie, dalla soffice pelliccia di shearling in 

bianco e nero indossata da Naomi agli outfit rossi 

ricamati con disegni folk. In passerella si sono viste 

nuove idee a getto continuo, dagli alti turbanti 

avvolti nella plastica ai morbidi cappotti decorati 

con rose rosse, riprese anche sugli stivali. Difficile 

tradurre in parole l’effetto dei capi: dalle onde turbinose 

della stoffa all’effetto animalier catturato 

dagli stivali a stampa leopardo. Questa è una vera 

collezione invernale, in cui gli abiti di maglia sono 

modellati sul corpo con una resa “fit and flare”. 

Si illude chi pensa che Alaïa abbia abbandonato 

le passerelle, o non abbia più voglia di inventare 

forme nuove e presentare i suoi modelli; o che in 

realtà sia un designer di prêt-à-porter i cui modelli 

aderenti sono prodotti in una fabbrica italiana. 

«Faccio alta moda dall’inizio della mia carriera, da 

molto prima del prêt-à-porter», dice nelle stanze 

al terzo piano del suo palazzo nel Marais, a Parigi, 

tra tavoli pieni di forbici, modelli di carta e 

spilli. Qui il designer – la stessa figura minuta che, 

stretta fra le lunghe braccia di Grace Jones in un 

celebre scatto, è entrata nella mitologia della moda 

– lavora da solo alle sue creazioni. 

«Le mie radici, anche se mi divertivo e mi diverto 

35

Fantasie in 

morbida pelliccia, 

abiti con intarsi 

e disegni folk. 

La sfilata haute 

couture A/I 

2017-18 ha 

segnato il ritorno, 

dopo sei anni 

di assenza, di 

Azzedine Alaïa 

sulle passerelle 

dell’alta moda. 

Naomi Campbell 

ha inaugurato 

e concluso la 

sfilata (nella 

foto in apertura 

e qui accanto). 

foto fred rambaud. 

36 Front 

vogue.it n. 805

Il pubblico ha 

esultato davanti 

ai colori vibranti, 

ancora con il prêt-à-porter, sono nella couture: prima realizzo 

personalmente tutti i miei abiti e disegno tutte le fantasie, 

che in un secondo momento vengono sviluppate nelle 

sartorie», mi spiega, aggiungendo che ben trenta persone si 

dedicano all’esecuzione a mano. 

Ricordo la volta che, con il suo sorriso furbo fra le guance 

piene, mi fece salire nell’atelier. Un gruppo di sarte era impegnato 

a lavorare su un unico abito da sposa, con uno strascico 

di pizzo che andava da un capo all’altro della stanza. 

Mentre ci affollavamo nello showroom di vetro e ferro, in un 

caldo asfissiante, ho pensato alle tante volte che mi ero seduta 

al tavolo della sua cucina, mentre Christoph von Weyhe, 

il suo partner, teneva sotto controllo un cane a pelo lungo. 

La conversazione si svolgeva sempre in varie lingue. Carla 

Sozzani traduceva per il fotografo Arthur Elgort; la stylist 

Carlyne Cerf de Dudzeele raccontava ad Azzedine gli ultimi 

pettegolezzi, con la voce che da mormorio sommesso diventava 

man mano sempre più acuta. A volte lui sorrideva, con le 

sue labbra sottili, e un’aria solenne. 

Quando Naomi ha aperto la sfilata con indosso il turbante 

avvolto nella plastica, si è alzato un boato di approvazione. 

Davanti a me erano seduti l’ex first lady francese Carla Bruni 

Sarkozy, la produttrice di documentari ed ex modella Farida 

Khelfa, originaria come Azzedine del Nord Africa, e Nicolas 

Ghesquière, il direttore creativo di Louis Vuitton. 

Il pubblico ha esultato davanti ai colori vibranti dei cappotti 

e dei vestiti, e ha sospirato osservando gli abiti neri intessuti 

di pizzo e maglia che nascondono e rivelano il corpo e le 

fantasie leopardo che si intravedono fra le plissettature scure. 

Lunghi o corti, i capi hanno illuminato la passerella fino al 

gran finale con il top di velluto scollato a V e la lunga gonna 

indossati da Naomi. 

C’era tutto quello che la moda ama, compresi gli stivali, che 

grazie alla collaborazione con Ferragamo stanno conquistando 

uno spazio importante nel marchio Alaïa, brand che a partire 

dal 2007 ha il sostegno del gruppo del lusso Richemont. 

La sfilata intendeva festeggiare anche il decimo anniversario 

di questa collaborazione. 

Dopo gli applausi prolungati, Azzedine, come sempre, non si 

è fatto vedere, convinto che le lodi debbano andare a tutto il 

suo atelier, e non soltanto a lui. La piccola figura, nell’eterna 

casacca di cotone nero, se ne stava seduta nel backstage a gustare, 

con un sorriso timido, la dolcezza di questo successo. • 

sospirato 

per i pizzi 

neri e le 

fantastie 

leopardo 

37

Le Ore, 

I Giorni 

Quelli passati assieme a suo 

padre, LORD SNOWDON, 

di recente scomparso: 

che l’autrice ricorda per 

Vogue Italia con queste 

indimenticabili immagini. 

by FRANCES VON HOFMANNSTHAL 


39

foto courtesy snowdon/trunk archive; paolo roversi. 

Sto scrivendo questo articolo seduta sul pavimento 

della cucina di mio padre, dove prima c’era il 

tavolo. Papà se n’è andato qualche mese fa e stiamo 

svuotando la casa. I quadri appesi per 40 anni 

hanno lasciato l’impronta sulle pareti, gli orologi a 

muro sono stati staccati, non ci sono bicchieri nella 

credenza né vino in frigorifero. Un’era è finita. 

È la casa dove sono cresciuta e la rivedo in ogni 

dettaglio. In stile vittoriano, è disposta su due 

piani. Al piano terra c’erano lo studio di mio padre, 

la dark room, e quella che tutti chiamavamo 

“canteen”. In realtà era un vano molto piccolo, 

dove prima delle sessioni fotografiche ci si poteva 

truccare, seduti a una vecchia specchiera, come 

si vede in una foto con Dame Helen Mirren. 

Al piano superiore si trovavano la stanza dei miei 

genitori e quella degli ospiti, che spesso mio padre 

utilizzava per le sue sessioni fotografiche: su 

quel letto stile impero hanno posato lo scrittore 

Edward Albee e l’attore Ian Holm. Sì, perché 

non c’è stanza o angolo della casa che mio padre 

non abbia sfruttato per qualche scatto. Qualcuno 


Tutto è pervaso dalla 

sua voce, 

dal suo 

fascino, 

dal suo 

humour 

Frances von 

Hofmannsthal 

A sinistra e nella 

pagina accanto, visti 

da lord Snowdon: 

David Hockney 

(1965). David Bowie 

(1978). In apertura, 

Yves Saint Laurent 

(1987). Snowdon in 

uno scatto di Paolo 

Roversi (2003). 

41

venne ritratto seduto sulle scale: ricordo l’attore 

Ben Whishaw, con quella faccia incredibile. Anche 

la mia camera diventava un set: era perfettamente 

circolare, trovandosi nella torretta. I miei genitori 

l’avevano dotata di una scala a pioli, perché potessi 

fuggire attraverso il balcone in caso di necessità – 

un’evenienza teoricamente romantica. 

L’arredamento di casa era un mix and match divertente 

tra mobili del XIX secolo ereditati e altri 

moderni, funzionali, ma a darle carattere erano 

soprattutto i pezzi ricevuti in cambio di una fotografia: 

un quadro da un artista, per esempio. 

Quando mio padre fotografava qualcuno l’atmosfera 

era elettrica: doveva sempre esserci silenzio 

assoluto. Quando la photo session finiva si diffondeva 

un brusio, segnale di invito a scendere al 

piano di sotto per conoscere il soggetto, mentre si 

guardavano le polaroid. Poi tutti venivano invitati 

qui, in cucina, per un pranzo. Ci si sedeva intorno 

a un tavolo di legno molto semplice, su seggioline 

sottili, che si ritrovano in molte foto di mio padre: 

ci sta bene la fashion designer Isabella Blow, con 

il suo cappello flamboyant, accentuato dal bianco 

e nero della stampa. Nell’appartamento dove vivo 

ora con mio marito e i nostri tre bambini sono riuscita 

a portare quelle sedie, ma il gusto della nostra 

casa no: impossibile riprodurlo. Quando due 

persone vanno a vivere insieme l’incontro di storie 

diverse produce altri effetti. 

La finestra di quella cucina dalla quale è stato 

ritratto Rupert Everett, giovane e bellissimo, 

si affaccia sul giardino. È completamente verde, 

tranne per una camelia rosa e una fucsia, che 

a mio padre piacevano molto: gli ricordavano le 

silhouettes delle ballerine. Ma nessun altro fiore 

era ammesso: i colori potevano distrarre la concentrazione 

delle sessioni fotografiche. Perché il 

giardino era un fondale per molte foto: ancora Rupert 

Everett nascosto tra l’edera o Rachel Weisz 

tranquillamente seduta sulla fontana, oggetto di 

tanti scherzi. Ricordo che qualcuno infilò nella 

bocca del mascherone una bottiglia di vino, e non 

sembrava più acqua quella che sgorgava. Sarà stato 

durante uno dei nostri memorabili party. 

«Sono grata a mio 

padre per il tempo 

trascorso a passare 

in rassegna album 

e scatole di polaroid. 

Con un milione 

di domande e un 

bicchiere di Bloody 

Mary in mano. Che 

bevo oggi per lui». 

foto courtesy snowdon/trunk archive; lucy snowdon. 


Da sinistra. Altri due 

ritratti di Snowdon: 

Juergen Teller (2003) 

e Isabella Blow 

(1995). Nella pagina 

accanto, il fotografo 

e la figlia Frances 

bambina nel giardino 

di casa nel 1987. 

Sono stata allevata in questa casa, dove mi è stato 

insegnato ad ascoltare e osservare, ma soprattutto 

a porre domande. Certo, a volte ero un po’ confusa 

quando rincasando trovavo David Bowie in piedi 

su un cippo in giardino! 

Negli anni osservavo come mio padre affrontava 

il suo lavoro, sempre concentrato: per la realizzazione 

di una foto si documentava minuziosamente 

su tutto ciò che riguardava il suo soggetto. Nella 

foto con Julian e Jacqueline Schnabel, per esempio, 

il drappo sul fondo citava l’opera dell’artista. 

Mio padre era preciso e pignolo in tutto: poteva 

scrivere centinaia di lettere ai responsabili di un 

edificio inaccessibile ai disabili o magari passare 

ore con gli studenti del Royal College of Art, di 

cui fu preside. Quando ho iniziato a pensare di realizzare 

un libro su di lui ho voluto includere vari 

aspetti del suo lavoro e della sua vita attraverso 

storie rievocate da chi l’aveva incontrato. Ho inserito 

un saggio sui suoi esordi a “Vogue Uk”: è 

stato emozionante trovare nell’archivio le lettere 

del direttore di allora, Audrey Withers. C’è poi 

un articolo sul suo contributo alla scena culturale 

della Londra negli anni 60, un testo sul suo libro 

“Private View” dedicato agli artisti britannici, e il 

primo matrimonio con la principessa Margaret. 

Sandy Nairne, ex direttore della National Gallery, 

scrive invece dei suoi ritratti, parola che mio padre 

odiava perché la riteneva troppo pomposa. Ci sono 

tributi e saggi sui suoi progetti architettonici, come 

lo Snowdon Aviary del London Zoo progettato 

con Frank Newby o il Cedric Price. È ricordato 

il suo lavoro documentaristico e cinematografico e 

c’è anche “Tony’s Twinkle”, un articolo divertente 

scritto da Tom Ford sul suo stile e abbigliamento. 

Se dovessi pubblicare un libro ora che mio padre 

non c’è più, avrebbe toni di rimpianto e sarebbe 

pieno di domande mai poste. Il libro che ho curato 

con lui nei suoi ultimi anni di vita è invece pervaso 

dalla sua voce, dal suo fascino, dal suo humour, 

dalla sua ostinata determinazione e dal suo punto 

di vista su una vita straordinaria. Gli sono molto 

grata per le ore, i giorni, gli anni trascorsi a passare 

in rassegna album, scatoloni di polaroid, lettere e 

fotografie, con un blocco per appunti e un milione 

di domande. Sempre dilettati da un Bloody Mary, 

che bevo oggi per lui. Mi manca ogni giorno e spero 

che questo libro possa essere il mio tributo a lui. 

Sicuramente è stato fatto con molto amore. • 

(Testo raccolto da Valentina Bonelli). 

43

Creatività 

globale 

Star indiscussa del lifestyle 

contemporaneo e del 

made in Italy, Alcantara 

conferma il suo ruolo 

sempre più internazionale.

Interamente realizzata 

in Alcantara, l’opera 

“Transmission” di 

Ross Lovegrove, è in 

mostra nella sala delle 

Devonshire Hunting 

Tapestries al Victoria & 

Albert Museum di Londra, 

dal 16 al 24 settembre. 

Duttile, versatile, malleabile come pochi altri 

materiali: Alcantara, grazie alle sue caratteristiche 

uniche e innovative, che ne fanno una 

delle più apprezzate eccellenze del made in 

Italy, conferma oggi più che mai il suo ruolo di 

player globale, al centro di uno scenario internazionale. 

Sono sempre più numerosi i brand 

del lusso, in tutti gli ambiti di applicazione – 

dall’interior al fashion design, dall’home décor 

all’automotive, all’elettronica di consumo – che 

si affidano ad Alcantara per importanti collaborazioni. 

Altamente tecnologico, dotato di 

incredibile versatilità per l’applicazione in 2D 

e 3D, il brand Alcantara si è imposto come 

nuovo paradigma lifestyle, anche grazie alla 

sua sostenibilità. Alcantara, infatti, è la prima 

azienda italiana, e fra le poche al mondo, ad 

aver raggiunto lo status di Carbon Neutrality 

nel 2009. Un impegno ininterrotto che trova un 

corrispettivo nello sforzo continuo di ricerca, i 

cui ultimi risultati saranno svelati il 21 di questo 

mese, nel concept store di via Pietro Verri 8, 

a Milano, con la presentazione della nuova 

collezione primavera/estate 2018, ulteriore 

dimostrazione dell’ecletticità del materiale e 

dell’affermazione di Alcantara come star indiscussa 

dello stile di vita più contemporaneo, 

dall’inimitabile tocco luxury. Lo store del capoluogo 

lombardo è un vero museo in continua 

evoluzione, una vetrina privilegiata per osservare 

in anteprima tendenze e idee. 

Le novità, però, non finiscono qui. A conferma 

del suo legame con il mondo dell’arte e del suo 

sostegno ai talenti creativi, Alcantara annuncia 

la sua seconda collaborazione con Ross Lovegrove, 

designer britannico di indiscussa fama, 

che firma un’eccezionale installazione interamente 

realizzata in Alcantara. L’opera, intitolata 

“Transmission”, in mostra a Londra, al Victoria 

& Albert Museum, dal 16 al 24 settembre, in 

occasione del London Design Festival, è spettacolare 

nelle dimensioni e nella realizzazione: 

lunga 22 metri, a forma di serpente, è ispirata 

alle Devonshire Hunting Tapestries, il ciclo di 

arazzi di caccia del 1430-50, ospitati in una 

sala del V&A. I colori si arricchiscono nella scultura 

di una lavorazione con fili dorati che danno 

vita a uno scenografico pattern di milioni di punti 

luminosi. Con un effetto assolutamente unico. 

VOGUE UNIQUE PER ALCANTARA

Ferrari’s 

House Style 

Oltre cent’anni di storia sgorgano tra 

le bollicine Ferrari Trentodoc. Il Metodo 

Classico più noto e venduto è il simbolo 

nel mondo dell’arte di vivere italiana. 

Calice prediletto per brindare ai piaceri 

del bien vivre, agli highlights della cultura, 

ai successi dello sport.

Dal 1902, a Trento, l’arte di creare le bollicine nobili 

è affare di famiglia. Dal fondatore Giulio Ferrari alla 

dinastia Lunelli, nulla è cambiato nelle scelte di eccellenza, 

fedeli al Metodo Classico come unico processo 

produttivo e al Trentino quale territorio d’elezione per 

i propri vigneti. Tutti i filari di proprietà della famiglia 

sono certificati biologici, per una viticoltura di montagna 

sostenibile e salubre, rispettosa della biodiversità. 

È questa la sfida della terza generazione Lunelli, che 

guida l’azienda fedele alla tradizione, ma con una 

visione dallo slancio innovativo. Dalle poche migliaia 

di bottiglie del fondatore, allora prenotate con anni di 

anticipo, si è arrivati alla commercializzazione di 5 

milioni di esemplari all’anno, esportati in oltre 50 nazioni. 

La gamma si declina in 13 Trentodoc: oltre alla 

Linea Classica Ferrari Brut, Rosé e Demi-Sec, prodotta 

anche in versione Maximum, vanta il millesi ma to Ferrari 

Perlé e le riserve Ferrari Perlé Rosé, Ferrari Perlé Nero, 

Ferrari Perlé Bianco, Ferrari Riserva Lunelli, Giulio Ferrari 

Riserva del Fondatore e Giulio Ferrari Collezione. 

Grazie al nome, alla qualità e al successo di consumo 

dell’house style, le bollicine Ferrari sono diventate il 

simbolo dell’arte di vivere italiana: quell’attitudine lieve 

dello spirito che porta ad assaporare serenamente ogni 

istante, dando valore ai più piccoli dettagli. Un’esistenza 

felice, sublime per leggerezza, che il mondo ci invidia 

per l’eleganza della semplicità e il calore delle relazioni. 

Se ormai non si contano i riconoscimenti nazionali 

e internazionali, da oltre un secolo lo spumante Ferrari 

è scelto per celebrare i momenti memorabili del mondo 

delle istituzioni, della cultura, dello sport, del bien vivre. 

Con Ferrari vengono accolti gli ospiti al Quirinale, le 

star di Hollywood festeggiano la notte dei Premi Oscar 

e degli Emmy Awards, gli sportivi azzurri brindano ai 

loro successi, i nostri chef abbinano le loro creazioni. 

Con Ferrari un calice diviene simbolo di accoglienza: 

un brindisi che invita alla convivialità, nel segno del più 

autentico stile italiano. 

Matteo, Camilla, 

Alessandro e Marcello 

Lunelli. 

Foto courtesy Romano Magrone. 

I vigneti certificati 

biologici delle Cantine 

Ferrari alle pendici dei 

monti del Trentino. 

VOGUE UNIQUE PER FERRARI

Preziose 

Identità 

Armonia, nitore sono elementi distintivi 

delle creazioni di Roberto 

Coin. Sottolineati nell’ultima collezione 

Sauvage Privé dal design 

lineare, in cui l’eleganza si spoglia 

di ogni elemento superfluo. 

Per estetica e carattere, si riconosce al primo 

sguardo l’alta gioielleria Roberto Coin, non 

per i ricorrenti elementi tematici, bensì per l’eccentricità 

che diventa identità. Le creazioni del 

brand intrigano e sorprendono sempre, perché 

la sua filosofia è: non lo stesso gioiello per tante 

donne, ma un gioiello unico per donne diverse. 

A oltre vent’anni dalla nascita del marchio, 

premiato dai successi di mercato quanto dalla 

predilezione dimostratagli dalle celebrities, la 

visione di Roberto Coin è rimasta la stessa. 

Griffe tra le più rinomate del made in Italy per 

unicità e innovazione, è anche impegnata sul 

versante del lusso responsabile, garantendo 

nella catena produttiva un oro che non viola 

i diritti umani e diamanti mai estratti in zone 

di guerra. Cinque le collezioni presentate ogni 

anno, tutte con un elemento distintivo, il rubino: 

un potente amuleto per gli Egizi, dispensatore 

di prosperità, felicità, longevità quando portato 

a contatto con la pelle. Dal 1996, con 

il lancio della collezione Appassionata, la pietra 

scarlatta non è mai mancata nei gioielli di Roberto 

Coin, e spicca anche nell’ultima collezione: 

Sauvage Privé. Dove la silhouette contrarié 

è il trait d’union: due elementi che si guardano 

e si avvicinano uniti da un legame invisibile 

e raccontati attraverso due look distinti, uno più 

rigoroso e geometrico, l’altro più esuberante. 

Anello in oro rosa con giada nera e diamanti. 

Bracciale e anello in oro rosa con giada nera, 

malachite e diamanti.

Bracciale e orecchini in oro rosa con diamanti e giada nera. 

All’interno brillano i minirubini distintivi della griffe. 

VOGUE UNIQUE PER ROBERTO COIN

La forza 

dello stile 

Technogym, azienda leader mondiale 

nel Wellness, si ispira al “mens 

sana in corpore sano” della civiltà 

romana. Una filosofia di vita che traduce 

in prodotti capaci di coniugare 

bellezza, tecnologia e innovazione.

Da oltre 30 anni Technogym è impegnata 

nella promozione del Wellness, lo stile di 

vita basato su una regolare attività fisica, 

un’alimentazione equilibrata e un approccio 

mentale positivo: un life style profondamente 

italiano perché affonda le proprie radici 

nel “mens sana in corpore sano” dei Romani. 

Molto è cambiato da quando, nel 1983, 

il Fondatore e Presidente Nerio Alessandri 

ha progettato e realizzato le prime attrezzature 

per la palestra nel proprio garage di casa,a 

Cesena, all’età di 22 anni. 

Oggi Technogym è un’azienda unica nel suo 

genere, un leader mondiale, con 14 filiali 

in Europa, Stati Uniti, Asia, Medio Oriente, 

Australia e Sud America. È un marchio riconosciuto 

che esporta il 90% della propria produzione 

in oltre 100 paesi, che ha attrezzato 

80.000 centri Wellness e oltre 200.000 abitazioni 

nel mondo, e che collabora da anni 

con le scuderie Ferrari e McLaren, oltre a essere 

fornitore ufficiale delle ultime sei edizioni 

dei Giochi Olimpici: Sydney 2000, Atene 

2004, Torino 2006, Pechino 2008, Londra 

2012 e Rio 2016. 

Proprio nell’ottica di un’eccellenza sul territorio, 

che si promuove anche con l’espansione 

dei punti vendita, Technogym ha inaugurato 

quest’anno il nuovo flagship store milanese in 

via Durini 1, nella zona divenuta il punto di 

riferimento italiano per designer e architetti. 

Lo spazio, disegnato in collaborazione con 

Citterio - Viel & Partners Interiors, si sviluppa 

su una superficie di oltre 750 metri quadrati 

dislocati su 3 piani. Il piano terra è dedicato 

alla boutique, con diverse soluzioni 

per l’allenamento; il primo piano si caratterizza 

come un’area “educational”; mentre 

il piano interrato è lo spazio “training”, 

per provare i prodotti e le diverse tecnologie. 

Si tratta, dunque, di un luogo pensato per vivere 

lo stile di vita Wellness a 360°: non solo 

vi si possono acquistare i migliori prodotti 

e servizi per l’esercizio fisico, la preparazione 

atletica e la riabilitazione, ma si possono 

anche effettuare test per valutare le proprie 

performance, ricevere un programma di allenamento 

personalizzato da personal trainer 

esperti e partecipare a sessioni formative. Insomma, 

è un vero e proprio hub per lo sport, 

il fitness e la salute. 

All’interno dello store milanese si può scoprire 

da vicino anche la Personal Line di Technogym: 

un distillato iconico di innovazione, bellezza 

e tecnologia al servizio del benessere 

fisico. Frutto della collaborazione tra Technogym 

e il designer Antonio Citterio, questi prodotti 

si ispirano alla natura e alla scienza per 

portare il Wellness made in Italy anche negli 

ambienti domestici più eleganti. 

Il risultato è una linea creata con materiali 

raffinati e con la miglior tecnica artigianale. 

Dedicata a chi vuole vivere il Wellness Lifestyle 

in ogni momento. 

Accanto. Interno di 

Technogym Milano, 

il nuovo flagship store. 

Nella pagina a fianco. 

Cross Personal con 

movimento ellittico della 

Personal Line, disegnata 

in collaborazione con 

Antonio Citterio. 

VOGUE UNIQUE PER TECHNOGYM

via Sant’Andrea, 8 - Milano 

via del Babuino, 141A / 142 - Roma

09 

Couture 

At The Time 

Peter 

Lindbergh 

The New 

Agenda 

Dario 

Catellani 

Il Ballo 

Confessional 

Luigi 

and 

Iango 

La Nuit 

Fauve 

Karim 

Sadli 

A Closer 

Look 

Rosi 

Di Stefano 

53

COUTURE 

AT THE 

TIME 

BY 

PETER 

LINDBERGH

Styling by Clare Richardson 

· In apertura, da sinistra. Rianne Van Rompaey @ Viva Paris: trench di crinolina 

su abito di foglie d’oro, MAISON MARGIELA ARTISANAL 

BY JOHN GALLIANO. Abiti di tulle di seta ricamati con bande intrecciate di 

microarricciature di tulle e cristalli Swarovski, ATELIER VERSACE. Qui 

sotto. Natalie Westling @ Elite Paris: robe di pizzo composto da fiori di pelliccia di 

visone e organza impreziosita da decori di piume, FENDI HAUTE FOURRURE. 

´ Nella pagina accanto. Abito di organza di seta, ALEXANDRE VAUTHIER.

Qui sotto. Abiti a bande di borchie su maglia di jersey, ALAÏA. 

³ Nella pagina accanto. Robe di tulle di seta multistrato, 

DIOR HAUTE COUTURE. Hair Odile Gilbert assisted by Taan. 

Make-up Stéphane Marais @ Studio 57. On set 2b Management.

Qui sotto. Top completamente ricamato di paillettes a fiori, GIAMBATTISTA 

VALLI HAUTE COUTURE. ³ Nella pagina accanto. Lunghi abiti 

di seta con dettagli di chiffon plissé e spille di Swarovski, AF LIMITED.

Qui sotto. Abito di garza di seta dégradée con ricami di pelle, 

SCHIAPARELLI HAUTE COUTURE. 

´ Nella pagina accanto. Robe bustier a balze di crinolina 

e pizzo con guanti ricamati. GIORGIO ARMANI PRIVÉ.

µ In alto. Abito drappeggiato di chiffon e blusa di mousseline, VALENTINO 

HAUTE COUTURE. 

³ Qui accanto. Robe bustier di tulle dégradé, DIOR HAUTE COUTURE. 

´ Nella pagina accanto. Miniabito di tulle con cappa, SCHIAPARELLI 

HAUTE COUTURE.

Qui sotto. Maglia a collo alto di tulle di seta ricamata con cristalli Swarovski, 

GAULTIER PARIS. 

³ Nella pagina accanto. Robe bustier di pvc, A.F. VANDEVORST COUTURE.

T h e 

N e w 

A g e n d a 

photos 

b y 

Dario 

Catellani

styling by Vittoria Cerciello 

· In apertura, da sinistra. Giedre Dukauskaite @ Women Management: giacca e gonna di crêpe di lana; guanti e scarpe. Cappotto di cashmere. µ Qui 

sopra. Cappotto di cashmere. ´ Nella pagina accanto. Coat di lana spigata, abito di tulle plissé; cintura e scarpe. Tutto DIOR HAUTE COUTURE.

µ Qui sopra. Piccola cappa e jumpsuit di lana principe di galles; guanti, cintura e décolletées di cocco. ³ Nella pagina accanto. Robe bustier di lana 

plissettata e abito di tulle. Tutto DIOR HAUTE COUTURE. Hair Sebastien Richard @ Management+Artists using Dyson Supersonic TM hair dryer. 

Make-up Christine Corbel @ Management+Artists. Manicure Elsa Durrens @ ArtList. On set Kitten Paris.

µ Qui sopra. Robe manteau di lana a micro pied-de-poule e cintura. ´ Nella pagina accanto. Abito di tulle. Tutto DIOR HAUTE COUTURE.

µ Qui sopra. Abito di crêpe di lana. Orecchino con perle grigie. ³ Nella pagina accanto. Giacca e gonna di chevron di lana; cintura di cocco e scarpe. 

Tutto DIOR HAUTE COUTURE.

IL BALLO 

CONFESSIONAL 

PHOTOS BY 

LUIGI AND IANGO

· In apertura. Lungo abito di tulle con intarsi di velluto e dentelle 

a contrasto e incrostazioni di visone e persiano. 

· Nelle pagine precedenti, da sinistra. Abito-cappa di cashmere 

su blusa di chiffon e scarpe. Camicia di chiffon su robe di cashmere 

double e velluto. Tutto VALENTINO HAUTE COUTURE. 

Qui sotto. Abito con copricapo di velluto. 

³ Nella pagina accanto. Hoodie con strascico di cashmere su abito di lana e seta. 

Tutto VALENTINO HAUTE COUTURE .

µ Qui sopra. Abito di chiffon intrecciato con velluto e ricamo di frange di perle. 

´ Nella pagina accanto. Sweatshirt asimmetrica di cashmere su abito di lana e 

seta. Tutto VALENTINO HAUTE COUTURE. 

º Nelle pagine seguenti. Cappa di cashmere double, VALENTINO HAUTE 

COUTURE. Hair Olivier Schawalder @ Calliste Agency. Make-up Yumi Lee 

@ Streeters. Manicure Typhaine Kersual. On set 2b Management.

STYLING BY PATRICK MACKIE 

Starring Vittoria Ceretti @The Society Management 

and Hugo Marchand, Germain Louvet 

The Two Étoiles De L’ Opéra De Paris.

LA NUIT 

FAUVE 

photos by KARIM SADLI

styling by JONATHAN KAYE 

· In apertura. Sora Choi @ Wilhelmina: abito di satin double con sottogonna e guanti di organza ricamati, booties di vernice con tacco di plexi. 

µ Qui sopra e accanto. Robe bustier di satin double con drappeggio in vita e cuissardes di vernice. Tutto CHANEL HAUTE COUTURE.

µ Qui sopra. Lungo abito a multistrati di tulle plissé ricamato con paillettes e piume dipinte a mano; mitaines di tulle brodé e booties. 

´ Nella pagina accanto. Bolero di organza ricamata su robe bustier di satin con gonna drappeggiata. Tutto CHANEL HAUTE COUTURE. 

Hair Damien Boissinot @ Art + Commerce. Make-up Christelle Cocquet @ Calliste Agency. Manicure Elsa Durrens @ ArtList using Chanel 

Le Vernis. Set design Alexander Bock @ Streeters. On set Brachfeld Paris.

µ Qui sopra. Abito di pizzo laminato con gonna a campana ricamata e applicazioni di piume sulle maniche. 

³ Nella pagina accanto. Robe bustier di satin con perle bianche e nere. Tutto CHANEL HAUTE COUTURE.

µ Qui sopra. Orecchino di velluto con perla. 

´ Nella pagina accanto. Abito con corpino e maniche ricamato a mano a motivo spirale, scollatura con applicazioni di piume e gonna di satin; 

booties di vernice. Tutto CHANEL HAUTE COUTURE.

A Closer Look 

photos by Rosi Di Stefano

styling by James Valeri

· In apertura. Shelby 

Hayes @ Oui 

Management: orecchino 

in oro rosa con diamanti, 

smeraldo e corallo rosso, 

VERDI. Abito di 

velluto, ALAÏA; hat 

STEPHEN JONES. 

Qui sotto. Orecchini 

in platino, con diamanti 

e zaffiri, HARRY 

WINSTON. Giacca di 

pelle, ALAÏA; occhiali 

ANDY WOLF. ³ Nella 

pagina accanto. 

Orecchini e collana in 

oro rosa con rubelliti, 

ametiste, berilli gialli, 

opali e diamanti, 

GIAMPIERO 

BODINO. Body, 

pantaloni e booties di 

vinile, bustier di pvc. 

Tutto A.F. 

VANDEVORST 

COUTURE.

Qui sotto, da sinistra. 

Collana in oro bianco 

con smeraldi, opali 

e diamanti, PIAGET. 

Collier “Victoria” 

in platino e diamanti, 

TIFFANY & CO. 

Pelliccia di volpe, 

ATELIER VERSACE. 

´ Nella pagina accanto. 

Collana “Pégase” in oro 

bianco con diamanti, 

smeraldi e zaffiro taglio 

smeraldo, VAN CLEEF 

& ARPELS. Body 

a collo alto di jersey, 

ALEXANDRE 

VAUTHIER.

Qui sotto. Orecchino 

in oro bianco con gocce 

e sferette di rubellite, 

lacca e diamanti, 

CARTIER. Headpiece 

MAZZANTI PIUME. 

³ Nella pagina accanto. 

Orecchini, orologio e 

anello in oro bianco, 

rosa e giallo con 

diamanti bianchi e gialli, 

smeraldi, onice, zaffiri 

rosa e gialli, tormaline, 

spessartina, rubini, 

peridoto, calcedonio. 

Tutto DIOR HAUTE 

JOAILLERIE. Abito di 

velluto di seta, DIOR 

HAUTE COUTURE.

Qui sotto. Liene 

Podina @ MP 

Management: bracciale 

e anello “Trombino” 

in platino con rubini 

e diamanti, BULGARI 

HERITAGE 

COLLECTION. Abito 

di tulle plissé a balze, 

GIAMBATTISTA 

VALLI HAUTE 

COUTURE. ´ Nella 

pagina accanto. Cravatta 

“Man Ray” in oro bianco 

e diamanti, MESSIKA. 

Giacca e pantalone 

interamente ricamati di 

paillettes, GIORGIO 

ARMANI PRIVÉ. 

Hair Ramona Eschbach 

@ Total World. Make-up 

Kathy Le Sant @ Open 

Talent Paris. Manicure 

Brenda Abrial. Set design 

Sylvain Cabouat 

@ Walter Schupfer 

Management.

Qui sotto, da sinistra. 

Orecchini e collier 

“Endless Knot” in oro 

bianco con diamanti e 

perle, CHANEL 

HAUTE JOAILLERIE. 

Abito e cappello di satin 

di seta, CHANEL 

HAUTE COUTURE. 

Orecchino “Cocktail” 

in oro bianco e 

giallo con diamanti, 

BUCCELLATI. ³ Nella 

pagina accanto. Anello 

“Ritratto 50th 

Anniversary special 

edition” in oro rosa con 

agata nera e diamanti, 

POMELLATO.

´ Nella pagina accanto. 

Collana con pendente 

e bracciale “Conquêtes” 

in oro bianco con 

tormalina e diamanti, 

LOUIS VUITTON 

HIGH JEWEL RY. 

Gonna di tulle plissé, 

GIAMBAT TISTA 

VALLI HAUTE 

COUTURE.

Roma, Il Futuro 

Passa Da Qui 

Il talento delle nuove generazioni: 

a portarlo sul palcoscenico della Città 

Eterna è ALTAROMA con il progetto 

di scouting Who Is On Next?, ideato 

in collaborazione con Vogue Italia. 

di PATRIZIA GATTI 

La moda è davvero oltre? A questa domanda dà 

una sua risposta Altaroma con il progetto di fashion 

scouting “Who Is On Next?”, ideato e realizzato in 

collaborazione con Vogue Italia. Lo scorso luglio, la 

premiazione: Act n°1 nella categoria prêt-à-porter. 

Il brand, formato da Luca Lin e Galib Gassanoff, è 

un concentrato di avanguardia filtrata dalle rispettive 

culture di provenienza, Cina e Azerbaigian. La 

collezione è prodotta nell’Italia centrale, e unisce 

motivi e tessuti orientali a ricami e lavorazioni tipicamente 

caucasici: il tutto fuso nel sapore streetwear 

di tagli e trame. Stratificazioni di memorie 

infantili ispirano Luca e Galib, permeando i loro 

capi destrutturati: vestaglie kimono appoggiate su 

pantaloni in denim, camicie che diventano abiti, 

gonne di tessuti diversi dove si coglie, da un colore o 

un disegno, il ricordo costante di luoghi di profonda 

cultura. La provenienza da paesi o esperienze diversi 

fra loro accomuna molti designer di “Who Is On 

Next?”, tra cui i 12 finalisti. Come Clara Giaquinto 

di Cora, studi in Italia e poi viaggi in Australia e Bali; 

Davide Grillo, che da Parma si sposta alla Central 

Saint Martins di Londra; Marco Rambaldi, che 

studia alla Iuav e collabora con vari uffici stile nel 

mondo. E ancora, nella sezione prêt-à-porter, il duo 

Taller Marmo, legato alla cultura artigianale italiana, 

e il trio Minimal To, che dopo lo Ied Milano 

interpreta, con la sua moda essenziale, il continuo 

cambiamento dello stile. Nella formazione di uno 

stilista sono vitali gli studi accademici, i master e gli 

stage negli uffici stile delle griffe internazionali. Sono 

luoghi dove assorbire stimoli, imparare tecniche 

112 Back vogue.it n. 805

Forme geometriche e colori saturi nelle borse di Niccolò Giannini, 

vincitore ex aequo di “Who Is On Next?” 2017 nella sezione accessori. 

A sinistra. La 

sfilata uomo e 

donna P/E 2018 

di I’M Isola 

Marras. 

Dettagli couture nelle calzature di Andrea Mondin, vincitore ex aequo di 

“Who Is On Next?” 2017 nella sezione accessori. 

Questi i vincitori: 

il duo Act n°1 

per la sezione 

prêt-à-porter, Nico 

Giani e Andrea 

Mondin ex aequo 

per gli accessori. 

Melting pot di culture etniche e streetstyle per Act n°1 (Luca Lin e Galib 

Gassanoff) vincitori della sezione pret-à-porter di “Who Is On Next?” 2017. 

113

da trasformare in creazioni personali. Lo 

sanno bene i vincitori ex aequo della sezione 

accessori: Niccolò Giannini e Andrea Mondin. 

Il primo, diplomato al Polimoda di Firenze 

e allo Studio Berçot di Parigi, disegna 

borse dall’impronta geometrica, che firma 

“Nico Giani”, e sceglie cromatismi saturi. Il 

secondo ha esperienze in prestigiose maison, 

come Versace e Dolce & Gabbana: da qui 

l’ispirazione per forme sofisticate, dettagli 

curati e materiali ricercati, come il velluto 

operato o la rafia intrecciata decorata di 

nastri e piume. Gli altri finalisti, “Amanti”di 

Filomena Manti, Damiano Marini, Marco 

Proietti e Roberto Di Stefano, sono tutti 

intenzionati a seguire il successo dei protagonisti 

delle edizioni precedenti del concorso, 

da Aquilano Rimondi a Stella Jean, da 

Nicholas Kirkwood a Marco De Vincenzo. 

I tre vincitori 2017 hanno ricevuto il primo 

premio dedicato a Franca Sozzani, che oltre 

a un sostegno economico prevede una sfilata 

a Milano Moda Donna questo mese. E, per 

consolidare il brand, anche il Pitti Tutorship 

di Pitti Immagine. A Nico Giani, anche il Penelope 

Prize, una vetrina e trunk show nello 

store Penelope di Brescia. Per Nico Giani e 

Act n°1 poi, una occasione di co-branding 

con la boutique Sugar di Arezzo. Act n°1 

inoltre promuoverà la sua collezione attraverso 

i multicanali di Tomorrow. Ma il talento, 

a Roma, non si esaurisce con “Who Is On 

Next?”; la Città Eterna offre luoghi speciali, 

e dal fascino unico. Al Guido Reni District, 

Dall’alto a sinistra. Le creazioni dei nove 

finalisti di “Who is on Next?” 2017. Gli outfit 

di Marco Rambaldi, Act n°1, Cora, Taller Marmo, 

Minimal To, Davide Grillo, e gli accessori di 

Amanti e Damiano Marini. Sopra da sinistra. 

Marco Proietti e Roberto Di Stefano. 

foto: luca sorrentino, f. fior, a. d’addessi, g. palma, l. latrofa. courtesy altaroma. 

114 Back vogue.it n. 805

A destra. Il talk tra Antonio 

Marras e il figlio Efisio 

presso New Designers at 

Coin Excelsior. In basso 

da sinistra. Un angolo della 

mostra “A.I. Prove tecniche di 

trasmissione”. Look di I’M 

Isola Marras P/E 2018 e la 

sfilata finale degli studenti 

di Ied Roma A/I 2017-18. 

A Roma il passaggio di testimone 

tra Antonio ed Efisio Marras, nuovo 

direttore creativo di I’M Isola Marras. 

sempre più hub creativo, “A.I. Artisanal Intelligence”, 

giunto alla 14ma edizione, con la mostra “A.I. 

Prove tecniche di trasmissione” ha raccontato la 

visualizzazione dell’abito secondo le differenze 

espressive dei media: dallo schermo tv all’immagine 

su Instagram. Curata da Clara Tosi Pamphili e Alessio 

de’ Navasques, l’esposizione-evento ha aperto 

con abiti dipinti e fondali teatrali di Isabella Ducrot, 

cui erano contrapposte le creazioni della Sartoria 

Farani per la Rai. Sparsi in questa sorta di backstage, 

ecco fra gli altri costumisti Marie Louise Vogt, Bav 

Tailor, il collettivo Apnoea. Nell’incontro “Roman’s 

Romance”, invece, Giambattista Valli ha conversato 

con Dan Thawley (direttore di “A Magazine Curated 

By”) su Roma come culla della creatività. Negli 

anni infatti, la Capitale si è rivelata un vitale fashion 

center per le scuole di moda, tra cui Accademia Costume 

& Moda, Ied Roma nonchè la sede del concorso 

indetto da Federmoda. Quest’anno la capitale 

ha ufficializzato anche il passaggio generazionale 

di una nota griffe con il talk tra Antonio Marras e 

il figlio Efisio, neodirettore creativo di I’M Isola 

Marras. Che ha presentato la sua prima collezione 

P/E 2018. A dimostrazione che la moda i confini del 

tempo li oltrepassa davvero.• 

115

ENGLISH TEXT 

The Comeback of The King 

by SUZY MENKES 

When Naomi Campbell walked out to 

start the first couture show in six years 

from Azzedine Alaïa – the man she 

calls “Papa”– I was transported back to 

another world. 

It was the height of the 1980’s and into 

that orgy of opulence strode the super 

models. Naomi, Linda Evangelista, 

Christie Turlington and their colleagues 

were like an army taking on the 

fashion world. 

Alaïa collected these independent beauties 

with a new spirit, encouraging 

them to wear his clothes with pride. 

And what clothes! The body-hugging 

dresses that gave Alaïa the name “King 

of Cling”. Knitted dresses transformed 

lithe bodies into writhing serpents. Or 

the black leggings and body suit that 

were the Alaïa signature formed the 

base for curvy coats or a fitted jacket 

made from crocodile. 

For the 2017 autumn-winter couture 

season, Azzedine was back, displaying 

with verve a new passion for pattern 

from Naomi’s black and white fluffy 

shearling coat to red outfits embroidered 

with folk lore designs. 

New ideas flowed in from high-rise 

turbans twisted in plastic to furry coats 

with red rose embellishment, extended 

to boots. Surfaces were undefinable 

with swirling weaves on cloth and the 

animalistic effect captured by leopard 

patterned boots. This was a true winter 

collection, where knitted dresses were 

tailored to the body in a fit and flare 

effect. 

It is a myth to claim that Alaïa ever moved 

off stage or that he lost interest in 

inventing new shapes and showing his 

clothes. Or that he is reallly a ready-to 

wear designer whose clingy dresses are 

produced by an Italian factory. 

«I have been doing couture since the 

inception of my career – much longer 

than ready-to-wear», says Alaïa, whose 

work rooms on the third floor of his 

building in the Marais district of Paris 

are filled with tables holding scissors, 

paper patterns and pins. That is where 

he alone, the tiny figure, whose embrace 

in the long arms of Grace Jones is 

part of fashion mythology, works on his 

creations. 

«While I enjoyed and still do enjoy 

doing ready to wear, my roots are in 

couture – all my clothes are first made 

by myself, all patterns are traced by 

me and then developed by my couture 

ateliers», says Alaïa, explaining that 30 

people are dedicated to the hand craft. 

I remember when Azzedine, with his 

naughty, plump cheek smile, took me 

up to the atelier. A gathering of seamstresses 

were working on a single bridal 

dress where the lace train stretched 

from end to end. 

As we crowded into the baking hot iron 

and glass showroom for the July presentation, 

I thought of how many times 

I had sat around Azzedine’s kitchen 

table, his partner Christophe Von 

Weyhe keeping control of a long haired 

dog. The conversation was always 

in varied languages. Carla Sozanni might 

translate for photographer Arthur 

Elgort; International stylist Carlene 

Cerf de Dudzeele, her voice rising 

from a growl to a screech would convey 

the latest gossip to Azzedine. He 

would be smiling, or just occasionally, 

thin-lipped and solemn. 

As Naomi started the show, wearing a 

turban covered in plastic, the crowd roared 

with approval. In front of me was 

former First Lady Carla Bruni Sarkozy; 

documentary producer and former 

model Farida Khelfa, her family originating 

from North Africa, like Azzedine; 

and Nicolas Ghesquière, creative 

director of Louis Vuitton. 

If the audience leapt with joy at the bright 

colours for coats and dresses, we also 

sighed with delight at black dresses, 

woven in lace and knit to play peek-aboo 

with the body; or mixing boldly leopard 

patterns that might be glimpsed 

through black pleats. Long or short, 

there was a gleam to the materials – with 

a V-neck velvet top and glimmering 

long skirt on Naomi for the finale. 

Everything fashion loved was there, including 

shoes, gaining a powerful place 

for Alaïa in collaboration with Ferragamo, 

while the company as a whole 

has been supported by the Richemont 

luxury group since 2007. This couture 

show was the 10th anniversary of the 

collaboration. 

After prolonged clapping and cheers, 

Azzedine, as ever, did not come out, 

believing that the praise should go to 

his atelier, not just to himself. Backstage, 

the designer sat, a small figure in his 

eternal black cotton Chinese pyjamas, 

smiling shyly at this sweet moment of 

success. (Traduzione Antony Bowden) • 

italian text page 34 

The Hours & Days 

by FRANCES VON HOFMANNSTHAL 

I am writing this article while seated 

on the kitchen floor of my father’s home 

where once there was a table. My 

papa passed away a few months ago 

and we are clearing out the house. The 

paintings that have hanged for 40 years 

have left their outline on the walls; the 

wall clocks have been removed; there 

are no glasses in the cupboard or wine 

in the fridge. An era has come to 

an end. It’s the home where I grew up 

116 vogue.it n. 805

and I can picture it in all of its detail. 

It’s done in the Victorian style and set 

over two floors. On the ground floor 

there was my father’s study, the darkroom 

and what we all referred to as 

the “canteen.” In reality, it was quite a 

small space where prior to the photo 

sessions one could put on makeup while 

seated at a dressing table, as seen in a 

photo of Dame Helen Mirren. 

Upstairs were my parents room and 

one for guests that my father often 

used for his photography sessions. On 

the Empire style bed writer Edward 

Albee and actor Ian Holm posed. As 

a matter of fact there isn’t a room or 

corner of the house that my father didn’t 

take advantage of for a few snaps. 

Some were captured sitting on the 

stairs: I remember actor Ben Whishaw 

with that incredible expression. My room 

even became a set: it was perfectly 

circular, sitting in a turret. My parents 

put a ladder in it so you could escape 

via the balcony if needed – in theory, 

a romantic idea. The house’s interiors 

were a playful mix and match between 

the inherited 19th-century furniture 

and modern and functional pieces. Yet 

what gave it most of its character were 

the pieces received in exchange for a 

photograph: a painting by an artist, for 

example. 

When my father photographed someone, 

the atmosphere was electric. There 

had to be absolute silence. When 

the session finished, there was a buzz, 

a signal to go downstairs to meet the 

subject while they looked at the Polaroids. 

Then everyone was invited here 

into the kitchen for lunch. We would 

sit around a very simple wooden table 

on slim chairs, which are found in 

many of my father’s photos: fashion 

designer Isabella Blow, with her flamboyant 

hat accentuated by the black 

and white prints, came out well. In the 

apartment where I now live with my 

husband and our three children, I was 

able to bring those chairs but not the 

ambience of our home. That’s impossible 

to recreate. 

When two people decide to live together 

the coming together of different 

backgrounds yields contrasting effects. 

The window in the kitchen where a 

young and handsome Rupert Everett 

was shot looks out onto the garden. It 

is totally green save for a pink camellia 

and a fuchsia, which my father adored 

as they reminded him of the sihlouette 

of ballerinas. But no other flower was 

allowed: colors could be a distraction 

from the photo sessions. The garden 

was a backdrop for many photos: once 

more Rupert Everett, who hid in the 

ivy, or the one of Rachel Weisz, who 

was quietly seated in the fountain, the 

subject of many jokes. I remember that 

someone put a bottle of wine in the 

mouth of the fountain and it seemed 

like water was no longer gushing from 

it. It happened during one of our memorable 

parties. In this house where I 

was raised I was taught to watch and 

listen but above all to ask questions. Of 

course, sometimes I was a little confused 

like when I came home to find 

David Bowie standing on a pedestal in 

the garden! 

Over the years, I watched my father, 

always focused, approach his work. To 

produce one photo he meticiously documented 

everything about his subject. 

In the picture of Julian and Jacqueline 

Schnabel, for example, the drape on 

the bottom references the artist’s work. 

My father was precise and demanding 

in everything: he could write hundreds 

of letters to those who managed a building 

inaccessible to the disabled or 

spend hours with students at the Royal 

College of Art, which he oversaw. 

When I started thinking about doing 

a book about him, I wanted to include 

various aspects of his work and life 

through the stories of those who knew 

him. I have included an essay about 

his first appearances in Vogue UK: 

it was exciting to find in the archive 

letters from the then director, Audrey 

Withers. There is also an article about 

his contribution to London’s cultural 

scene in the 1960s, a piece on his book 

Private View dedicated to British artists, 

and one on his first marriage to 

Princess Margaret. 

Sandy Nairne, former director of the 

National Gallery, writes instead about 

his portraits in words my father hated 

because he felt them to be too pretentious. 

There are tributes and essays on 

his architectural projects, such as the 

Snowdon Aviary at the London Zoo 

designed with Frank Newby and Cedric 

Price. His documentary and film 

work is remembered. There is also 

“Tony’s Twinkle,” an amusing article 

written by Tom Ford about his sense 

of style and wardobe. 

If I were to publish a book now that my 

father is gone, it would have tones of 

regret and would be full of never asked 

questions. The book I put together 

with him in the last years of his life 

is instead permeated by his voice, his 

charm, his sense of humor, his obstinate 

determination and his reflections 

on an extraordinary life. I am very 

grateful for the hours, days and years 

spent browsing, with notebook in hand 

and millions of questions, the albums, 

boxes of Polaroids, letters and photographs. 

He was always enjoying a Bloody 

Mary, which today I drink in his 

honor. I miss him every day and hope 

this book may be my tribute to him. 

It was certainly made with much love. 

(As told to Valentina Bonelli). • 

italian text page 38 

117

CONTATTI 

A.F. Vandevorst Couture: 

afvandevorst.be 

AF Limited: 

albertaferretti.com 

Alaïa: 

alaia.fr 

Alexandre Vauthier: 

alexandrevauthier.com 

Andy Wolf: 

andy-wolf.com 

Atelier Versace: 

versace.com 

Buccellati: 

buccellati.it 

Bulgari Heritage Collection: 

bulgari.com 

Cartier: 

cartier.com 

Chanel Haute Couture: 

chanel.com 

Chanel Haute Joaillerie: 

chanel.com 

Dior Haute Couture: 

dior.com 

Dior Haute Joaillerie: 

diorjoaillerie.com 

Fendi Haute Fourrure: 

fendi.com/it/fendi-life/Haute-Fourrure.html 

Gaultier Paris: 

jeanpaulgaultier.com 

Giambattista Valli Haute Couture: 

giambattistavalli.com 

Giampiero Bodino: 

giampierobodino.com 

Giorgio Armani Privé: 

tel. 02723181 

Harry Winston: 

harrywinston.com 

Louis Vuitton High Jewelry: 

vuitton.com 

Maison Margiela Artisanal by 

John Galliano: 

maisonmargiela.com 

Mazzanti Piume: 

mazzantipiume.com 

Messika: 

messika.com 

Piaget: 

piaget.com 

Pomellato: 

pomellato.it 

Schiaparelli Haute Couture: 

schiaparelli.com 

Stephen Jones: 

stephenjonesmillinery.com 

Swarovski: 

swarovski.com 

Tiffany & Co.: 

tiffany.com 

Valentino Haute Couture: 

valentino.com 

Van Cleef & Arpels: 

vancleef-arpels.com 

Verdi: 

verdigioielli.com 

In the USA: Condé Nast 

Chairman Emeritus: S.I. Newhouse, Jr. 

President & Chief Executive Officer: Robert A. Sauerberg, Jr. 

Artistic Director: Anna Wintour 

In other countries: Condé Nast International 

Chairman and Chief Executive: Jonathan Newhouse 

President and Chief Digital Officer: Wolfgang Blau 

Executive Vice President and Chief Operating Officer: James Woolhouse 

Executive Committee: Wolfgang Blau, Nicholas Coleridge, Moritz von Laffert, 

Jonathan Newhouse, Xavier Romatet, Elizabeth Schimel, James Woolhouse 

President, New Markets and Editorial Director, Brand Development: Karina Dobrotvorskaya 

Director of Finance and Strategy: Jason Miles 

Director of Acquisitions and Investments: Moritz von Laffert 

Vogue Digital Director: Jamie Jouning 

Global 

President, Condé Nast E-commerce: Franck Zayan 

The Condé Nast Group of Brands includes: 

US 

Vogue, Vanity Fair, Glamour, Brides, Self, GQ, GQ Style, The New Yorker, 

Condé Nast Traveler, Allure, AD, Bon Appétit, Epicurious, Wired, W, Golf Digest, 

Golf World, Teen Vogue, Ars Technica, The Scene, Pitchfork, Backchannel 

UK 

Vogue, House & Garden, Brides, Tatler, The World of Interiors, GQ, Vanity Fair, 

Condé Nast Traveller, Glamour, Condé Nast Johansens, GQ Style, Love, Wired, 

Condé Nast College of Fashion & Design, Ars Technica 

France 

Vogue, Vogue Hommes International, AD, Glamour, Vogue Collections, GQ, 

AD Collector, Vanity Fair, GQ Le Manuel du Style, Glamour Style 

Italy 

Vogue, L’Uomo Vogue, Vogue Bambini, Glamour, Vogue Sposa, AD, 

Condé Nast Traveller, GQ, Vanity Fair, Wired, Vogue Accessory, 

La Cucina Italiana, CNLive 

Germany 

Vogue, GQ, AD, Glamour, GQ Style, Myself, Wired 

Spain 

Vogue, GQ, Vogue Novias, Vogue Niños, Condé Nast Traveler, Vogue Colecciones, 

Vogue Belleza, Glamour, AD, Vanity Fair 

Japan 

Vogue, GQ, Vogue Girl, Wired, Vogue Wedding 

Taiwan 

Vogue, GQ 

Mexico and Latin America 

Vogue Mexico and Latin America, Glamour Mexico and Latin America, AD Mexico, 

GQ Mexico and Latin America, Vanity Fair Mexico 

India 

Vogue, GQ, Condé Nast Traveller, AD 

Published under Joint Venture: 

Brazil: Vogue, Casa Vogue, GQ, Glamour, GQ Style 

Russia: Vogue, GQ, AD, Glamour, GQ Style, Tatler 

Published under License or Copyright Cooperation: 

Australia: Vogue, Vogue Living, GQ 

Bulgaria: Glamour 

China: Vogue, Self, AD, Condé Nast Traveler, GQ, GQ Style, 

Brides, Condé Nast Center of Fashion & Design, Vogue Me 

Czech Republic and Slovakia: La Cucina Italiana 

Hungary: Glamour 

Iceland: Glamour 

Korea: Vogue, GQ, Allure, W 

Middle East: Condé Nast Traveller, AD, Vogue Café at The Dubai Mall, GQ Bar Dubai, Vogue 

Poland: Glamour 

Portugal: Vogue, GQ 

Romania: Glamour 

Russia: Vogue Café Moscow, Tatler Club Moscow 

South Africa: House & Garden, GQ, Glamour, House & Garden Gourmet, GQ Style 

The Netherlands: Glamour, Vogue, Vogue The Book 

Thailand: Vogue, GQ, Vogue Lounge Bangkok 

Turkey: Vogue, GQ, Condé Nast Traveller, La Cucina Italiana 

Ukraine: Vogue, Vogue Café Kiev 

Direttore Responsabile: Emanuele Farneti. Copyright © 2017 per le Edizioni Condé Nast. Registrazione del Tribunale di Milano 

n. 2086 del 28.9.1950. La Edizioni Condé Nast S.p.A. è iscritta nel Registro degli Operatori di Comunicazione con il numero 

6571. Tutti i diritti riservati. Spedizione in abbonamento postale - D.L. 353/03 Art. 1, Cm. 1, DCB - MI. Distribuzione per 

l’Italia: SO.DI.P. «Angelo Patuzzi» S.p.A. via Bettola 18, 20092 Cinisello Balsamo (Mi), tel. 02.660301, fax 02.66030320. 

Distribuzione Estero: Sole Agent for Distribution Abroad A.I.E. - Agenzia Italiana di Esportazione 

SpA, via Manzoni 12, 20089 Rozzano (Milano), tel. 025753911. fax 02 57512606. www.aie-mag.com. 

Stampa: Elcograf S.p.A. Beverate (Lc) - Printed in Italy • Numeri arretrati € 10,00. Inviare importo a IeO Informatica 

e Organizzazione Srl Ufficio Arretrati, a mezzo c/c postale n. 56427453, tel. 039.5983886 - fax 039.9991551 

e-mail: arretraticondenast@ieoinf.it. Per spedizioni all’estero maggiorare l’importo di € 2,50 per le spese postali. 

ACCERTAMENTI 

DIFFUSIONE STAMPA 

CERTIFICATO N. 8240 

DEL 03-02-2017 

119 vogue.it n. 805

Last 

ROBERT DOISNEAU: THE VOGUE YEARS 

È il fotografo del celebre bacio all’Hotel de Ville. Le vite comuni della periferia di Parigi 

– qui iniziò scattando ritratti per identità fasulle – sono le sue immagini. A queste 

si affiancano quelle di Picasso, Brigitte Bardot, Bettina... Ritratti con il suo approccio 

umano e empatico per “Vogue Paris”. Scorcio di tempo fotografico racchiuso in 

“Robert Doisneau: The Vogue Years”, che comincia con il bacio danzante qui sotto. • 

testo di lella scalia. “waltzing kiss”, 1950, © atelier robert doisneau, da robert doisneau: the vogue years, flammarion 2017. 

120 vogue.it n. 805

DIOR.COM - 02 38 59 59 59

Camera Nazionale 

della Moda Italiana 

and 

present 

spotlight on: 

2017’s 

fashion designers

FASHION HUB MARKET 

20-25 SEPTEMBER 2017 

FROM 9 AM TO 7 PM 

PIAZZA GAE AULENTI 

participating: 

Apnoea by Maison Apnoea 

ATM Studio by Layuhl Jang 

Bams by Ginevra Vitale 

Bav Tailor by Bav Tailor 

Fase Factory by Flavia Grazioli 

Guntas by Zeynep Guntas 

Hiroki Kataoka by Hiroki Kataoka 

Kalyah by Nora Aldamer 

Les Incompétents by Emeline Morellet and Stephen Smith 

Manfredi Manara by Manfredi Conti Manara 

Martinacella by Martina Cella 

Outlaw Moscow by Dilyara Minrakhmanova and Maksim Bashkaev 

Paul & Yakov Moscow by Petr Polyakov and Yury Polyakov 

Rosemari by Eliana Riccio 

more info at: 

www.cameramoda.it 

www.milanomodadonna.it

IED MODA MILANO 

CENTRAL 

ROYAL COLLEGE OF ART 

LA CAMBRE-MODE [S] 

ROYAL ACADEMY OF FINE ARTS 

COCONOGACCO 

POLIMODA 

ESMOD SEOUL 

PARSONS SCHOOL OF DESIGN 

ISTITUTO MARANGONI 

THE BEST 

STUDENTS 

WORLDWIDE 

Pages 

4-17 

WOMENSWEAR 

ACCESSORIES 

MENSWEAR 

Pages 

22-31, 32-33, 34-39 

INTERVIEWS 

RADAR 

POINT OF 

VIEW 

SUSTAINABILITY: 5 NAMES 

TO WATCH OUT FOR 

“RICH-KID-GOES-LOW” FASHION 

E-COMMERCE: THE EVOLUTION 

IS WEARABLE TECHNOLOGY 

READY FOR FASHION? 

Pages 

3, 6, 18 

TALENTS 

N. 11 - September 2017 THE EYE ON TOMORROW'S FASHION 

180 

emerging 

designers

EMPOWER YOUR TALENT 

Kering and Vogue Italia present Empower Talents 2017 

For an internship with the Kering Group and its luxury maisons, 

apply on www.vogue.it 

GUCCI, BOTTEGA VENETA, SAINT LAURENT, BALENCIAGA, ALEXANDER McQUEEN, McQ, STELLA McCARTNEY, BRIONI, CHRISTOPHER KANE, 

TOMAS MAIER, BOUCHERON, POMELLATO, DODO, QEELIN, ULYSSE NARDIN, GIRARD-PERREGAUX, PUMA, COBRA, VOLCOM, KERING EYEWEAR 

www.kering.com

3 TALENTS 

INTERVIEWS 

Sustainability: 5 names to watch out for 

by Federico Chiara 

Livia Firth 

The wife of Colin Firth, she is the 

Founder and Creative Director of 

Eco-Age Ltd., which develops 

channels of communication such as 

the Green Carpet Challenge®, 

the GCC Brandmark, Eco-Age 

Futures and the GCC Global 

Leaders of Change, as well as 

providing tailor-made sustainable 

solutions for companies’ commercial 

needs. What is the basic 

principle of Eco-Age Ltd.? 

Environmental justice can’t be 

separated from social justice. Actually, the former is almost more important. Once 

you’ve looked after the workers in your production chain, you’ve automatically taken 

care of the environment. Think of the fast-fashion phenomenon. As a business model, 

these fashion chains couldn’t work without exploiting workers who are almost literally 

slaves. If they gave them a fair wage and paid attention to their working conditions, 

they wouldn’t be able produce so much junk at such an incessant pace, with the devastating 

environmental consequences this entails. So let’s choose products with a verified 

production chain. At the Teatro alla Scala in Milan, on 24 September, the first 

Green Carpet Fashion Awards are being 

held in collaboration with Eco-Age. Why 

did you choose Italy for this event? Being 

Italian helped me to grow up with a special 

awareness of fashion. What really distinguishes 

“Brand Italy” is the design quality and the 

skills of its craftspeople. These are the sustainability-oriented 

values that should be inspiring 

us. The Green Carpet Fashion Awards aim to 

celebrate and safeguard this heritage, which is 

founded on environmental preservation and 

social justice throughout the production chain. 

I’m pleased that with Carlo Capasa as its president, 

Italy’s Camera della Moda has finally put 

sustainability at the top of its list of values. 

Daniella Vega 

Director of Sustainability at Selfridges, the most 

active department store on the sustainability front 

with its awareness initiatives, as well as proposing 

the best sustainable talents from around the world. 

As of September 2017, what will Selfridges 

be doing in terms of its commitment to 

sustainability and responsibility in buying 

better? We know that our customers are increasingly 

mindful and concerned about where 

their clothes come 

from, and we assume 

our responsibilities 

to make a 

Selfridges’ Shop Window 

Selfridges’ Shop Window 

Erdem / Green Carpet 

positive change. 

“Buying Better, Inspiring Change” is our ongoing sustainability 

strategy. We’ve pledged that, by 2021, 50% of our 

products will be better for people and the planet. With this 

in mind, this summer we launched a new labelling scheme 

in three main categories: Denim, Cotton and British Makers. 

These labels highlight products that champion positive 

practices in these areas, from water-reduction techniques 

in denim production, the use of organic or BCI cotton, and 

products that support the British textile and fashion industries. 

Next year we’ll be launching a fourth label: Buying 

Better Leather. We also have a 

15% carbon reduction target. 

Which brands will be involved in 

your initiatives? We’re working 

closely with our top 30 brands, ensuring 

that we’re having relevant, 

live conversations about sustainability, 

our commitments and their 

role in this area. Sustainability is a 

journey, with many brands at different 

stages, and we’re keen to 

support them wherever possible. 

Miroslava Duma 

Founder and CEO of 

Fashion Tech Labs Venture 

Inc., a venture capital 

fund and accelerator that 

helps projects aiming to 

transform the fashion ecosystem 

with environmentally 

friendly and socially 

responsible new technologies. 

What innovations 

is FTL currently investing in? We have more than 

1,000 technologies and start-ups in our pipeline. In the 

next couple of years we’ll be concentrating on fabric 

production. One of our first investments was the USbased 

Diamond Foundry. They’re growing diamonds 

Dilys Williams 

Professor of Fashion Design for Sustainability, she is 

Director of the Centre for Sustainable Fashion, a 

University of the Arts Research Centre, and the only 

one of its kind in the world, which she established in 

2008, supported by London College of Fashion. 

What is the core of your teaching? I use a 

model that I’ve formulated called the Double 

Helix. It develops knowledge of technical and 

practical elements involved in fashion’s creation, 

as well as the abilities to communicate these ideas. 

Alongside this, it develops critical thinking 

and critical practice skills to question, explore 

and articulate our values and perspectives. The model’s premise is to live 

well with each other and with nature – the context being planetary boundaries 

and social equity. Where do your students 

go on to work after graduating? Stella McCartney, 

Nike, Levi’s, Brioni, Swarovski, own business, 

teaching, PhD study, NGOs. Who are the 

best partners when it comes to sustainable 

fashion education? Working with the Danish 

Fashion Council and KEA University in Copenhagen, 

we bring together tutors and students 

from over 100 different universities. In its top 10 

sustainable fashion courses from leading schools 

across the globe, the Ethical Fashion Forum 

named MA Fashion Futures at London College 

of Fashion, MA Textile Futures at Central Saint 

Martins, and the BA (Hons) and MA Textile Design 

at Chelsea College of Art & Design. 

no different to those found naturally, using a technology that replicates the conditions 

in which nature forms them. The world’s rough diamond supply is dwindling and will 

be at an all-time low by 2030, not to mention the many ethical issues surrounding the 

sourcing and supply chain. We’re also very excited about a San Francisco-based laboratory 

that is using stem cells to create cruelty-free leather and fur. Can you mention an 

existing example of the circular economy in fashion? The Nike Grind initiative is 

about recycling old footwear and using it to 

create flooring for gyms and playgrounds. 

Adidas first partnered with Parley for the 

Oceans to create ocean-plastic shoes, and now 

to create a collection of swimwear that’s also 

made from recycled fishing nets and debris. 

LA-based clothing brand Reformation, in 

which I personally invested a long time ago, is 

only using sustainable and vintage materials. 

Who is playing a key role in turning fashion 

into a greener industry? Big luxury, 

streetwear brands and scientists working together. 

Orange Fiber’s collaboration with Salvatore 

Ferragamo is an excellent example. The 

future is in technologies. 

Positive Luxury 

Orange Fiber / Ferragamo 

Fashioning the Future 

Diana Verde Nieto 

Co-founder and CEO 

of Positive Luxury, the 

company behind the 

Butterfly Mark: an 

interactive trust mark 

awarded to luxury lifestyle 

brands committed 

to having a positive 

impact on people and 

the planet. What led 

you to the idea of 

the Butterfly Mark? 

Positive Luxury began in 2011 with the aim of 

closing the trust-gap between brands and consumers. 

Having previously worked with global businesses on their sustainability strategies 

and marketing, I realised that a big problem in this area concerns how companies 

can convey to their consumers what they’re doing. I wanted to make it easier for people 

to find and buy from brands that share their values. The result was the Butterfly Mark. 

It makes the sustainability efforts and achievements of brands easy to understand, and it 

communicates them directly to consumers in a positive way. When you see the Butterfly 

Mark on a brand or retail website, you can simply click or tap to uncover the positive 

actions that make them a brand to trust. How do you find and choose the fashion 

brands to award? To earn this coveted 

trust mark, brands must pass a 

stringent assessment that examines sustainability 

from a holistic viewpoint, encompassing 

governance, social and environmental 

frameworks, philanthropy 

and innovation. Brands must respond 

positively to a minimum of 80% of the 

questions to join the Positive Luxury 

community, along with providing supporting 

documents. The assessment is 

updated annually in line with the changing 

nature of the discussion, and brands 

must reapply for approval each year.

4 

TALENTS 

FASHION SCHOOLS 

ITALY 


Graduated from… 

A new generation of designers has arrived. From Sweden to South Africa, from USA to China, 

from UK to Japan, the best students and graduates from the leading fashion schools present 

their creations. Clothes and accessories that convey their idea of what fashion should be 

CARLO CIMMINO 

carlocimmino@ied.edu 

@carlocimmo 

ANTONIO D’ADDIO 

antoniodaddio@outlook.com 

@antoniodaddio_ 

EROS TOLENTINO 

erostolentino@hotmail.it 

@erostolentino 

NABA, NUOVA ACCADEMIA 

DI BELLE ARTI MILANO 

POLIMODA 

NICHOLAS FEDELE 

nicholasfedele@ied.edu 

@nicholas_fedele 

GIUSEPPE CASAFINA, MATTEO DE TOMA 

casafinagiuseppe6@gmail.com 

teodt@hotmail.it 


ied.it/milano - @ied_milano 

For 50 years, IED – Istituto Europeo di Design has been operating in the fields of 

education and research, focused on the disciplines of design, fashion, visual communication 

and management. IED welcomes students with different nationalities 

and cultures to its 11 campuses in Milan, Turin, Rome, Florence, Venice, Cagliari, 

Como, Madrid, Barcelona, São Paulo and Rio de Janeiro. IED Moda Milano has 

always united theoretical knowledge and practical skills. The school offers threeyear 

courses, master’s degrees and advanced training courses in Fashion Design, 

Fashion Stylist, Fashion Marketing and Communication. 

NABA, NUOVA ACCADEMIA DI BELLE ARTI MILANO 

naba.it - @nabamilano 

Established in 1980, NABA is the largest private Italian academy whose 

courses are recognised by the Ministry of Education, Universities and 

Research (MIUR) and are equivalent to university degrees. The roots of 

NABA Fashion Design are grounded in its academic tradition, its anthropological 

vision connected to the visual arts, media and design, 

and in its premises in Milan, an international capital of fashion. Thanks 

to its creative and practical approach, the school allows all students to 

identify and develop their individual talent, guided by outstanding tutors 

such as Angela Missoni and Romeo Gigli. 

FABIO BIGONDI 

fabiox14@hotmail.it 

@fabiobigondi 

ILARIA TOSTI 

ilariatosti94@gmail.com 

@ilariatosti 

POLIMODA 

polimoda.com 

@polimodafirenze 

Polimoda is an international 

fashion institute founded in 

Florence in 1986. Teaching is 

structured in four areas: Fashion 

Design, Fashion Business, 

Art Direction and Design Management. 

Fashion Design includes 

undergraduate degrees 

in Fashion Design, Fashion 

Technology and Leather Technology, 

master’s courses in 

Fashion Design, Collection Design 

and Accessories Design, 

and seasonal courses. A new 

undergraduate course in Fashion 

Design Management starts 

in October, training professionals 

with strategic vision, full 

knowledge of production techniques 

and a methodical approach 

to the market. 

SHANIA MATTHEWS 

shaniamatthews14@yahoo.com 

@shanayanatasha 

FEDERICO CINA 

federicocina.italia@gmail.com 

@federico_cina

5 TALENTS 


ACCADEMIA 

COSTUME & MODA 

ALESSIO ROSSI 

rossialessio777@gmail.com 

@alross94 

ACCADEMIA COSTUME & MODA 

accademiacostumeemoda.it 

@accademiacostumeemoda 

The Accademia Costume & Moda was founded 

in Rome in 1964. The Level-1 Academic Diploma 

in Costume and Fashion is the only one in 

Italy that equally combines the subject areas 

of fashion and costume within the same educational 

path. Structured to combine specific 

skills and knowledge in the fields of fashion, 

costume and accessories, the programme ensures 

comprehensive cultural, stylistic and 

design training in areas linked to product development, 

positioning and marketing. The 

course aims to produce professionals who 

satisfy the demands of fashion companies as 

well as theatre, film and TV productions. 

LUDOVICA SERRA 

ludovica.serra2@gmail.com 

@ludovica.serra2 

TEA RIGHINI 

tearighini@gmail.com 

ISTITUTO MARANGONI • THE SCHOOL 

OF FASHION, ART & DESIGN 

ISTITUTO MARANGONI 

THE SCHOOL OF FASHION, ART 

& DESIGN 

istitutomarangoni.com 

@istitutomarangoni 

Founded in 1935, Istituto Marangoni 

is the quintessential international 

fashion school with branches in 

seven cities: Milan, Florence, Paris, 

London, Shanghai, Shenzhen and 

Mumbai. The Fashion School’s 

courses offer a variety of educational 

paths in the areas of design, 

styling and business, and are divided 

into two macro-areas defined 

as undergraduate and postgraduate 

programmes. These two areas 

include preparatory courses, annual 

programmes, three-year BA (Hons) 

degrees as well as master’s programmes. 

Outstanding alumni 

include Paula Cademartori and 

Daizy Shely. 

CLAUDIO MARIA POTENTI 

claudio.potenti@yahoo.it 

@claudiopotenti 

NICOLA FERORELLI 

nicolaferorelli@hotmail.it 

@nicoferor 

WANG TIAN QIU 

wangtiu@icloud.com 

@tiuwangt_w 

UNIVERSITÀ IUAV 

DI VENEZIA 

GIORGIA BORTOLAMI 

gbortolami94@gmail.com 

@giorgiabortolami_ 

ALBERTO FURLAN 

furlan.alberto91@gmail.com 

@albertofurlan 

UNIVERSITÀ IUAV 

DI VENEZIA 

iuav.it - @iuav_moda 

The Fashion Design curriculum 

of the three-year degree course 

in Fashion Design and Multimedia 

Arts, directed by Maria Luisa 

Frisa, was introduced in the academic 

year 2005-06. The degree 

course trains designers 

who are able to face the challenges 

of the fashion system. 

Thanks to international academic 

staff and experimental 

design workshops, the courses 

provide fashion designers with 

the skills needed to create their 

own collections, engaging with 

fashion as a cultural system. 

The higher degree course in 

Fashion was introduced in the 

academic year 2010-11 to complete 

the course of studies. 

ROBERTA COLLA 

collar.robertacolla@gmail.com 

@robertacolla

6 TALENTS 

RADAR 

“Rich-Kid-Goes-Low” Fashion 

by Declan Eytan 

Camiel Fortgens 

Undercover 

The fashion industry is facing a wake-up 

call. Escapism in the form of visuals that 

scream excess and lavish lifestyle are no 

longer inspirational. There’s already Instagram 

for that. Looking poor is the new 

pretence. Real-life situations, instead of an 

imaginary land of glitz and glam, is the 

new lux. And who would know better than 

a fashion heavyweight such as Gucci, or a 

rising star like Vetements? The latter’s SS 

2018 lookbook features 

second-handlooking 

apparel photographed 

in a working-class environment, 

reinforced by a casting made up of everyday 

people as opposed to chiselled models. 

The former landed itself in hot water after 

presenting its “Guccify Me!” cruise collection, 

largely inspired by the counterfeit 

phenomenon. Besides the tongue-in-cheek 

“Guccy” T-shirts, the look that turned out 

to be the biggest headliner of all was one 

inspired by a creation of 1980s hip-hop tailor 

Dapper Dan. The Harlem-native was 

notorious for creating couture-esque looks 

made for the street, often infusing elements 

of counterfeit and designer 

logos in the process. 

Keeping things closer to home, 

however, is L A T’s creative director 

Lautaro Amadeo Tambutto. In his 

most recently unveiled collection – 

which he debuted at the White trade 

fair in Milan – the designer sources 

inspiration from native-Argentine 

tribe culture. The result is a collection 

high on washed-up-looking 

leather, and easy on tailoring. In 

keeping with this “from riches to 

L A T 

rags” vision, Dutch designer 

Camiel Fortgens’s 

Ka Wa Key 

SS 2018 offerings may 

seem like the type of 

merch one could easily 

shop at a local thrift store. 

But when looking past 

styling tricks, and focusing 

on individual pieces 

and use of material instead, 

it’s craftsmanship 

that upstages the Salvation 

Army look. Ka Wa 

Key designer Key Chow 

is among the new names 

embodying this sense of 

alternative lux. In his latest 

collection, the UK designer gives a new 

meaning to the expression “poor 

taste”. The tastefully poor collection by 

the menswear talent boasts looks which 

give off the illusion of plastic-bags-turnedlegit-attire, 

celebrating both the casual 

and sartorial staples. Equally representing 

is Undercover’s Jun Takahashi, whose 

looks for next season range from style-savvy 

Japanese railroad worker to 1930s orphan, 

in a more polished, rich-kid-goeslow 

package. 

Fashion’s change in attitude could reflect 

the slow death of classicism in society and 

the industry at-large, with monarchs now 

seen dating outside their social class, opting 

for TV actresses instead, and British 

Vogue’s new editor-in-chief coming from 

a working-class environment. 

E-COMMERCE: THE EVOLUTION 

by Nicoletta Spolini 

Are you ready to forget those endless galleries of identical 

still lifes? A brand-new digital revolution is transforming 

online shopping in the fashion industry, which is set to 

chalk up another 14.5% growth in 2017, according to the 

latest forecasts by the Ecommerce Foundation. With 

these figures, fashion is confirmed as the number one 

product sector sold on the Web. “Today, the most 

evolved e-commerce is exploiting the communicative 

strength of video, especially when it comes to luxury.” 

These are the words of Umberto Andreozzi, Head of 

Fashion&Luxury at Accenture Interactive. In Milan, this 

consulting firm recently inaugurated the Ac centure Customer 

Innovation Network 

– a large hub that 

App Lablaco Shop 

brings together startups, 

experts, universities 

and high-tech partners 

– to collaboratively imagine, 

explore, discover 

and develop new digital 

services in the retail, 

fashion and consumer-goods 

sectors. 

“For the Larusmiani 

brand, we just created 

an interesting retail-innovation 

project that 

starts precisely from 

video commerce. Videos 

have the capacity to 

excite and involve viewers, 

offering them an engaging experience that actually 

puts them in the mood to buy. To be effective in this context, 

a video must have two key features: it has to communicate 

a brand’s heritage, offering an immersive experience 

of a dreamlike lifestyle, but it must also give a practical 

description of how to wear or match a product. What 

we’ve created for Larusmiani, for example, works as follows. 

When you click directly on a product in the atmospheric 

video, you are taken to a clip that describes the 

item in detail. Only then can the people who are really 

interested in buying click on another link that takes them 

to the actual e-commerce page.” 

However, video e-commerce isn’t the only innovation in 

the field of online sales. Digital shopping is increasingly 

taking place via apps, hence on tablets and smartphones 

where the social and sharing implications represent a crucial 

sales-boosting factor. The recently launched Lablaco 

Shop, for example, is a sort of “Spotify of fashion”. Or at 

least that’s how its founders Lorenzo Albrighi and Shih 

Yun Kuo like to define it. They first made a name for 

themselves about a year ago with the launch of Lablaco 

Give, a “circular economy” app that helps users to swap or 

give away clothes and accessories. 

“Lablaco Shop offers brands and designers a super-simplified 

way to sell their creations directly,” says Lorenzo. 

“Vendors as Juhree Erba, Arrabal or Skiim London build 

their own ‘store’ by following a few really straightforward 

guidelines – such as a white background with hi-res images 

– with a space for storytelling and multimedia contents, 

including videos. We don’t buy stock like the big e-commerce 

websites do. We just solve all the logistics problems. 

We’re more of 

a social network than 

an online store. All 

the users have their 

own page with their 

own mood boards 

and stylistic choices. 

They can post a garment 

they’ve recently 

bought, and whoever 

sees it can click on it 

and buy it directly, 

without even going 

through the seller’s 

website.” 

Juhree Erba 

Personalisation is the other hot topic if we’re talking 

about new commerce. A growing number of e-shopping 

sites are proposing clothing items and accessories that 

can be tailored to the needs of individual consumers 

thanks to the choice of options, materials, fabrics and 

colours. Two examples in the field of start-ups include 

Zakeke and Else Corp, who presented their innovative 

cloud platforms a year ago. The former allows all e-commerce 

stores and merchants to integrate a full-spectrum 

product configurator into their systems, in 2D and 3D, 

offering their clients the possibility to personalise marketed 

products in “live time”. The latter, meanwhile, has 

created “virtual retail” software for 3D-simulated presentations 

and sales of high-quality, personalised, custom-made 

footwear and apparel. 

Ready for a whole new buying experience? 

Fashion Scouting Editor: Sara Sozzani Maino. Executive Editor: Elisa Pervinca Bellini. Features Editor: Federico Chiara. Graphic Design: Laura Marino (coordinator), Roberta Masciulli, Jacopo Riva. 

Fashion Contributor: Serena Castrignano (coordinator). Features Contributors: Francesca Bottenghi (coordinator), Declan Eytan, Paolo Ferrarini, Nicoletta Spolini. Translation: Antony Bowden. 

Vogue Talents - Supplemento al n. 805 di Vogue Italia - Settembre 2017. Direttore responsabile Emanuele Farneti. Autorizzazione del Tribunale di Milano n. 2086 del 28.9.1950. 

Copyright © 2017 per le Edizioni Condé Nast. Printed in Italy.

7 TALENTS 


UK ROYAL COLLEGE OF ART 

JINGWEI YIN 

jingweiyin2901@gmail.com 

@jingweiyin 

SHA SHA WONG 

s.wong5@outlook.com 

@shashawong5 

ROYAL COLLEGE OF ART 

rca.ac.uk 

@royalcollegeofart 

Established in 1837, the Royal 

College of Art offers the degrees of 

MA, MRes, MPhil and PhD across 

the disciplines of applied art, fine 

art, design, communications and 

humanities. The Fashion programme 

encourages a fearless 

approach to creative expression, 

fanatical technique and an informed 

professionalism. The realisation 

of individuality within a 

global design context is enabled 

through excellent links with practising 

designers, international 

fashion brands and a dedicated 

staff team. Famous alumni include 

Philip Treacy, Sophia Webster 

and Neil Barrett. 

FABIAN KIS-JUHASZ 

enquiries@fabiankisjuhasz.com 

@fabiankisjuhasz 

UNIVERSITY FOR THE 

CREATIVE ARTS / EPSOM 

UNIVERSITY OF WESTMINSTER 

CENTRAL SAINT MARTINS, 

UNIVERSITY OF THE ARTS LONDON 

SAMANTHA VARLEY 

samantha_varley@hotmail.com 

UNIVERSITY FOR THE 

CREATIVE ARTS / EPSOM 

uca.ac.uk 

@unicreativearts 

The University for the Creative 

Arts (UCA) is home to one 

of the UK’s largest fashion 

schools. It embraces all aspects 

of the industry, from 

design, cutting and making, 

to marketing, management 

and retail, through promotion, 

communication and 

journalism. In the studios 

and workshops, students also 

have access to the latest 

technologies. At the same 

time, the University for the 

Creative Arts maintains its 

strong artisan heritage, with 

students continuing to enjoy 

the traditional skills of pattern 

cutting, garment construction, 

drawing, illustration 

and silk-screen printing. 

UNIVERSITY 

OF WESTMINSTER 

westminsterfashion.com 

@westminsterfashion 

Under the direction of Andrew 

Groves, Fashion at Westminster 

has become famous for producing 

highly creative designers 

working at all levels of the fashion 

industry. Westminster has 

been responsible for launching 

some of the brightest names 

emerging recently at London 

Fashion Week, such as Ashley 

Williams, Claire Barrow and Liam 

Hodges, alongside an alumni 

list that includes Christopher 

Bailey (Burberry), Katie Hillier 

(Hillier Bartley) and Stuart 

Vevers (Coach). As part of the 

course, students undertake internships 

for an extended period 

at a number of international 

fashion companies. 

RACHEL RISSETTO 

rachelrissetto@hotmail.co.uk 

@rachelrissetto 

CHUNG IN NO 

nochungin@gmail.com 

@chungin__no 

CENTRAL SAINT MARTINS, 

UNIVERSITY OF THE ARTS 

LONDON 

arts.ac.uk/csm - @bafcsm 

Saint Martin’s School of Art was 

founded in 1854, and the Central 

School of Art in 1896. The 

two merged in 1989 to form 

Central Saint Martins, which is 

now part of the University of the 

Arts London. CSM’s award-winning 

campus at King’s Cross offers 

opportunities for innovative 

collaboration and provides an 

outstanding social scene for 

students. BA Fashion has five 

design pathways: Womenswear, 

Menswear, Fashion Design with 

Marketing, Knitwear and Print. 

Alumni span all aspects of the 

industry: from John Galliano, 

Stella McCartney and Riccardo 

Tisci to the emerging talents 

Grace Wales Bonner, Charles 

Jeffrey and Richard Malone. 

SHERYN AKIKI 

sherynakiki@gmail.com 

@sherynakiki 

JAE YOO 

jaeyoo.csm@gmail.com 

@jae.y.oo 

OYVIND ROGSTAD 

oyvind.v.rogstad@gmail.com 

@oyvind_rogstad

8 TALENTS 


KINGSTON SCHOOL OF ART, 

KINGSTON UNIVERSITY LONDON 

EVANJALI REDDY 

eviereddy@hotmail.com 

@evie_reddy 

KASUBIKA CHOLA 

kchola@outlook.com 

@k.chola_official 

KINGSTON SCHOOL 

OF ART, KINGSTON 

UNIVERSITY LONDON 

kingston.ac.uk 

@kingstonuniversity 

Kingston School of Art opened 

in 1875 and became part of 

Kingston Polytechnic in 1970, 

which gained university 

status in 1992. Previously 

known as the Faculty of Art, 

Design and Architecture, the 

school has now returned to 

its original name of Kingston 

School of Art. The institute is 

widely acknowledged as one 

of the UK’s foremost centres 

for fashion education, offering 

an industry-acclaimed BA 

(Hons) in Fashion as well 

as an MA programme. Its 

graduates have gone on to 

hold senior posts in a range 

of leading labels including 

Armani, Burberry, Givenchy, 

Missoni, Paul Smith, Vivienne 

Westwood and Saint Laurent. 

TARA KHEMIRI 

tara2805@hotmail.co.uk 

@tara2805 

NORTHUMBRIA 

UNIVERSITY 

RAVENSBOURNE 

KAROLYN WADDINGTON 

k.wad@live.co.uk 

@karolynwad 

NORTHUMBRIA UNIVERSITY 

northumbria.ac.uk - @northumbriauni 

Northumbria University is based in the heart of Newcastle upon Tyne, and has 

its origins in Rutherford College, founded in 1880. Its Fashion programme challenges 

students’ creativity and conceptual thinking, all underpinned by a 

strong sense of commercial understanding and guided by lecturers with a 

wealth of industry experience. This university is passionate about sharing its 

knowledge through research-led teaching, continually evolving its curricula to 

address changes in the industry and preparing its graduates for employment. 

GRACE GRIER 

graceegrier@gmail.com 

@graceegrier 

RAVENSBOURNE 

ravensbourne.ac.uk - @ravensbourneuk 

Located in the heart of London, Ravensbourne was founded in 1962 with the 

amalgamation of a number of small art schools. Its School of Fashion aims 

to be a place where students engage with concepts and technologies that 

will shape the fashion industry in the 21st century. The core philosophy is the 

synergy between traditional skills and technology. It offers four degree courses: 

BA (Hons) Fashion, BA (Hons) Accessory Design and Prototyping, BA (Hons) 

Fashion Buying & Brand Management, and BA (Hons) Fashion Promotion. 

Alumni include Clare Waight Keller (artistic director at Givenchy). 

KAT HOWLEY 

info@kathowley.com 

@kathowley 

LONDON COLLEGE 

OF FASHION, UAL 

LONDON COLLEGE 

OF FASHION, UAL 

arts.ac.uk/fashion 

@lcflondon_ 

London College of Fashion focuses 

on boundary-pushing research 

where fashion intersects with 

science, engineering and technology, 

and on enterprise, where 

it partners with top brands and 

helps launch new businesses. 

Nurturing talents for over a century, 

it now offers more than 70 

undergraduate and postgraduate 

degrees, and 165 short courses. 

Some of the students learn fashion 

design – its heritage, craftsmanship, 

radical thinking and 

high-tech practice – while others 

develop analytical skills, creative 

thinking and business acumen, 

or cutting-edge approaches to 

traditional, experiential and interactive 

media. 

INGRID KRAFTCHENKO 

ingo.kraftchenko@gmail.com 

@ingridkraftchenko 

MELANIE WEIAI MAO 

wamelaniem@gmail.com 

@z_mema 

MOON LEE 

moonleejwm@gmail.com 

@xdal_li

9 TALENTS 


UNIVERSITY OF SALFORD, 

SCHOOL OF ARTS & MEDIA 

BELGIUM ROYAL ACADEMY OF 

FINE ARTS ANTWERP 

ÍNDIA VICTORIA ROSE WALTON 

indiavrw@gmail.com - @indiavictoriarose 

LAUREN ROWLINSON 

lauren.rowlinson@yahoo.com 

@lauren23.rowlinson 

UNIVERSITY OF SALFORD, SCHOOL OF ARTS 

& MEDIA 

salfordfashiondesign.com 

@salfordfashiondesign 

The University of Salford, formerly the Royal Technical 

Institute, was opened by the Duke and Duchess of York 

(who later became King George V and Queen Mary) in 

1896. It is located just two km from Manchester city 

centre, and in its BA (Hons) Fashion Design course, 

students are challenged, nurtured and encouraged 

to explore their individuality as designers through 

the application of the design process, from concept 

to final product. Graduates can then work across a 

diverse range of careers as designers, stylists, pattern 

cutters, buyers, visual merchandisers and retailers. 

EDUARD BOTH 

eduard.both@gmail.com 

@eduardboth 

MARTA TWAROWSKA 

m.twarowska@hotmail.com 

@martatwarowska 

LA CAMBRE-MODE[S] 

ROYAL ACADEMY OF FINE ARTS ANTWERP 

antwerp-fashion.be - @antwerpfashionofficial 

The Fashion Department of the Royal Academy of 

Fine Arts was founded in 1963. Two milestones have 

marked its history: firstly, the rise of the Antwerp 

Six, who were all alumni of this school and who, 

along with Martin Margiela, famously opposed the 

dictates and limitations of commercial fashion; and 

secondly, from 1985 the department has emphasised 

greater individual expression and an international 

orientation, but also boundless conceptual 

creativity. Since 2006, it has been led by Walter Van 

Beirendonck. Former students include Demna 

Gvasalia (Vetements and Balenciaga). 

RUSHEMY BOTTER 

rushemy@hotmail.com 

@rushemybotter 

GABRIEL FIGUEIREDO 

figueiredo.gabriel@orange.fr 

@gabriel.fgrd 

KÉVIN PRAT 

kevinprat.kp@gmail.com 

@kevinprat 

FINLAND AALTO UNIVERSITY’S SCHOOL OF 

ARTS, DESIGN AND ARCHITECTURE 

CLOVIS NIX 

clovis.nix@live.be 

@nixclovis 

LA CAMBRE-MODE[S] 

lacambre.be - @la_cambre 

La Cambre-Mode[s] was created in 1986 as the fashion design department of the Ecole nationale 

supérieure des arts visuels of La Cambre (founded in 1927). The Brussels-based school offers 

a wide range of programmes at master’s level including textile and fashion design. Its 

five-year curriculum is articulated around two axes: Stylism and Fashion Design. A number of 

transdisciplinary workshops, courses and seminars are offered in artistic fields as well as in 

history, philosophy, literature, semiotics and law. Intense technical training, yearly internships 

and annual public shows complete the study period. 

ANNA ISONIEMI 

anna.isoniemi@aalto.fi 

@annaisoniemi

10 TALENTS 


AALTO UNIVERSITY’S SCHOOL OF ARTS, DESIGN AND ARCHITECTURE 

arts.aalto.fi - @aalto_fashion 

Aalto University’s School of Arts, Design and Architecture was founded as the Craft School 

in 1871 and has since become Finland’s most international university. Aalto’s fashion 

graduates can be found working at top-tier fashion houses including Alexander McQueen, 

Maison Margiela, Saint Laurent, Céline, Kenzo, Balenciaga and Givenchy, as well as leading 

international brands such as Marimekko, Nike, Diesel and H&M. The university’s annual 

student fashion show is the most anticipated and talked-about fashion event in 

Helsinki, and presents graduate collections by both BA and MA degree students. 

LINDA KOKKONEN 

linda.kokkonen@aalto.fi 

@linda_maaria 

FRANCE 

ECOLE DE LA CHAMBRE 

SYNDICALE DE LA COUTURE 

PARISIENNE 

IDA-SOFIA TUOMISTO 

ida-sofia.tuomisto@aalto.fi 

@idasofiatuomisto 

ALICE MICHARDIÈRE 

alice.mich@live.fr 

@alice4074 

ECOLE DE LA CHAMBRE SYNDICALE DE LA COUTURE PARISIENNE 

ecole-couture-parisienne.com - @ecscp 

Since its creation in 1927, the school has been turning today’s talents into 

highly skilled professionals who will guide and define tomorrow’s fashion. 

Through several workshops and projects, and a recognised designer as a 

tutor for end-of-year projects, it assures students a coherent insertion into 

the professional world. Starting from September 2018, in collaboration 

with IFM, the institute will launch two new programmes: a 4-year Bachelor’s 

and a 2-year Master’s. Successful alumni include Yves Saint Laurent, 

Karl Lagerfeld, Valentino and Issey Miyake. 

SPAIN IED BARCELONA DESIGN UNIVERSITY SOUTH AFRICA CAPE TOWN COLLEGE 

OF FASHION DESIGN 

LORETO MARTÍ 

lorettomarti@gmail.com 

@loretto.marti 

YAN SONG 

yansong817@yahoo.fr 

@yansong817 

IED BARCELONA DESIGN UNIVERSITY 

iedbarcelona.es - @iedbarcelona 

IED Barcelona, established in 2002, is the only Spanish school that confers BA (Hons) degrees 

validated by the University of Westminster. At IED Barcelona’s Fashion School, students learn 

how to create a collection and organise fashion shows, while acquiring knowledge about fashion 

marketing and communication, thus enabling them to create their own brands or work in 

major companies. The institute also offers master’s courses, continuing study programmes, 

plus winter and summer courses. For example, the Master in Fashion Management is geared 

towards professionals who are keen to pursue a career as industry leaders. 

KRISTINA OHLSEN 

kristinacohlsen@gmail.com 

PAIGE MARTINS 

paigemartins36@gmail.com 

@paigemartins 

CAPE TOWN COLLEGE 

OF FASHION DESIGN 

ctcfd.co.za - @ctcfd 

Currently in its 52nd year, 

CTCFD – Cape Town College of 

Fashion Design is one of the 

longest-serving fashion colleges 

in South Africa. The college 

provides an innovative education 

that responds to the ever-changing 

developments in the fashion 

industry. CTCFD has a range of 

qualifications to offer prospective 

students: a three-year nationally 

accredited Diploma in Fashion 

Design, with an additional 

year to complete an Advanced 

Diploma; a one-year internationally 

accredited Certificate in 

Foundation Fashion Design; as 

well as a variety of short courses. 

GERMANY 

CAROLIN BECKER 

carolinbecker2@gmx.de 

UNIVERSITY OF THE 

ARTS BREMEN 

UNIVERSITY OF THE ARTS 

BREMEN 

hfk-bremen.de 

@hfkbremen 

The Hochschule für Künste Bremen 

was founded as the University 

of the Arts in 1988, but its 

roots stretch back to 1873. 

Fashion Design is part of the 

successful Integrated Design 

programme, which is unique in 

Germany and has been taught 

at this university for more than 

10 years. Informed by a holistic 

design perspective, the six-semester 

Bachelor’s programme 

focuses on creative and interdisciplinary 

practice, while the 

four-semester Master’s Studio 

“Fashion, Society and the Individual” 

concentrates on clothing, 

accessories, artwork and 

space (modestudieren.org). 

ESMOD BERLIN INTERNATIONAL 

ACADEMY OF FASHION 

LENA-MARIE SCHÜTTE 

lenam.schuette@googlemail.com 

@lenam.arie

VOGUE TALENTS FOR MARTINI 

STYLE 

YOUR 

APERITIVO 

Time spent with friends, a consolidated ritual that is 

part of Italian lifestyle, a social phenomenon that is 

becoming increasingly more engaging and global. The 

‘happy hour’ is all this, and a lot more. For instance, 

Martini drinks before dinner are now accompanied by 

the accessories created by the three brands selected 

by Vogue Talents. Perfect gifts for anyone who loves 

to celebrate the joy of living, they are cult objects that 

not only embody the idea of conviviality that has always 

connected the Turin company to its consumers, but 

also accentuate the beauty of its iconic bottle. 

From vivid colours to prints, from leather to cardboard, 

including glass and glacette shapes: each one of the 

labels involved has given its own interpretation of 

the brand’s history. And while the time has come to 

showcase the sketches, we shall have to wait for Milan 

Fashion Week to admire the prototypes. They will be 

on display from September 21 to 23 at Vogue Talents @ 

Palazzo Morando, the event of which Martini, just like 

for VFNO, is the official cocktail beverage. 

ENJOY MARTINI ® RESPONSIBLY. 

MARTINI, ITS TRADE DRESS THE BALL & BAR LOGO ARE TRADEMARKS.

CHIOCCIOLINI FIRENZE 

“A bucket bag that recalls, both in the size and the shape, 

a glacette.” Michele Chiocciolini describes his most 

representative accessory from the small capsule collection 

he has conceived for Martini. “Practical, yet at the same time 

fashionable, my glacette bag embodies the very moment of the 

aperitif,” says the Florence-born designer. “Glasses may be 

hung at the sides and dangle like the charms of a bracelet. My 

design is thus suitable for a boat trip, for a picnic on the lake or 

to join friends for a ‘happy hour’ on a Brooklyn rooftop.” 

ABOVE AND BELOW. TWO DIFFERENT VIEWS 

OF THE ACCESSORY CONCEIVED BY FABIO SASSO 

AND JUAN CARO. 

ABOVE. SKETCHES OF THE GLACETTE BAG 

CREATED BY MICHELE CHIOCCIOLINI. 

LEITMOTIV 

Red, black, white. The three main colours of 

Martini’s logo are exactly those picked by Fabio 

Sasso and Juan Caro for their bottle cover crafted 

from leather and printed canvas. The lettering on 

the cover recalls also other elements, much dear 

to the celebrated company: like 1863, the year 

Martini, Sola e C.ia was established; Torino, the city 

where the brand was founded; and vermouth. “Our 

accessory aims to emphasize the beautiful, classic 

lines of the bottle, and is suitable to be carried 

anywhere. To have drinks wherever and whenever 

you like, with whoever you want,” explain the two 

designers based in Bologna.

ANNALISA CARICATO 

A lemon slice, a few ice cubes, and the classic 

‘balloon’ glass. The accessory designed by 

Annalisa Caricato already features almost 

all the ingredients of the perfect drink. “I 

envisaged an origami packaging, composed 

of a cardboard strip and leather detailing,” 

says the creative born in Bari but currently 

based in Hauterive, in the Neuchâtel 

Canton, Switzerland. “I was clearly inspired 

by what Martini represents in our collective 

imagination. The result is a kind of outfit 

that enhances the shape of the bottle, 

inviting the consumer to prepare a cocktail.” 

THIS PAGE. THREE SKETCHES OF THE PACKAGING 

DESIGNED BY ANNALISA CARICATO.

14 TALENTS 


ESMOD BERLIN INTERNATIONAL 

ACADEMY OF FASHION 

esmod.de - @esmod.berlin 

ESMOD Berlin International Academy of 

Fashion, founded in 2011, combines a profound 

awareness of tradition with a keen eye 

to the future. It offers a seven-semester 

Bachelor’s degree taught in German or English, 

a three-semester Master’s programme, 

plus the brand-new Focus courses – extra-curricular 

modules presenting intensive 

(full-time, one week), evening (part-time, 

weekly) or weekend (full-time, weekly) frameworks. 

ESMOD Berlin strives to train original 

and critical designers who work with creative 

competence, a sustainable mindset and a 

strong sense of responsibility. 

BERLIN UNIVERSITY 

OF THE ARTS 

BERLIN UNIVERSITY 

OF THE ARTS 

design.udk-berlin.de 

@udk_fashion 

Berlin University of the Arts was 

founded over 300 years ago and 

is one of the world’s biggest, 

most diversified and traditional 

universities of the arts. Authorised 

to confer doctorates and 

postdoctoral qualifications, it is 

also one of Germany’s few art 

colleges with full university status. 

The Fashion Design Department 

is led by a team of 

professors and artistic associates, 

and the bachelor’s and 

master’s courses are focused 

on conceptual design with particular 

attention to crafts. 

Fashion students are confronted 

with multiple techniques 

and interdisciplinary projects 

while gaining a theoretical understanding 

of fashion. 

NIKOLETT FELKL 

nikitafecakes@hotmail.com 

AICHA ABBADI 

info@aichaabbadi.com 

GESINE FÖRSTERLING 

info@gesinefoersterling.com 

@gesinefoersterling 

AUSTRIA 

UNIVERSITY OF 

APPLIED ARTS VIENNA 

KOHEI NISHI 

kohey24222@gmail.com 

UNIVERSITY OF APPLIED ARTS VIENNA 

dieangewandte.at/fashion - @modeklasse 

Since the 1980s, international stars including Karl Lagerfeld, Jil Sander, Vivienne 

Westwood, Helmut Lang, Bernhard Willhelm and Raf Simons have become 

heads and professors of the Fashion Department. Since October 2014, 

the head of Modeklasse has been Hussein Chalayan. The school aims to develop 

the individual artistic potential of each student through the creation of 

contemporary, visionary collections for women and/or men. Many alumni now 

work in highly prestigious fashion houses such as Lanvin, Kenzo and Comme 

des Garçons, and several have even established their own brands. 

THE NETHERLANDS 

AMSTERDAM FASHION 

INSTITUTE (AMFI) 

amfi.nl - @amfinl 

AMFI was founded in 

1992 and is the largest 

fashion institute in the 

Netherlands. Undergraduate 

students choose to 

specialise in either Fashion 

& Design, Fashion & 

Management or Fashion 

& Branding. September 

2017 ushers in the second 

generation of the 

Master Fashion Enterprise 

Creation, an MA intended 

for (new) entrepreneurs 

who wish to 

start a fashion business. 

AMSTERDAM FASHION 

INSTITUTE (AMFI) 

M. NIEUWENHUIS, S. JOCHEMSEN, I. BRUGMAN 

meikenieuwenhuis@me.com, jochemsen.sharon@gmail.com, 

irisbrugman@msn.com, @meike.nwh, @sharonjochemsen, @irisbrugman 

ARTEZ UNIVERSITY OF THE ARTS 

ARTEZ UNIVERSITY 

OF THE ARTS 

artez.nl 

@artez.fashion.masters 

Based in Arnhem and founded 

in 1926, ArtEZ University 

of the Arts offers two unique, 

fully accredited master’s degrees 

in Fashion Design and 

Fashion Strategy. Funded by 

the Dutch Ministry of Education, 

these full-time, two-year 

curricula rely on English as 

the language of instruction. 

The courses aim to educate 

professionals whose personal 

fascination drives them to 

critically question the current 

mainstream fashion system 

and seek the boundaries of 

the prevailing fashion discourse 

through research and 

design. The institute is also 

developing a new MA in Fashion 

Design due to start in 

September 2018. 

KLAUDIA STAVREVA 

info@klaudiastavreva.com 

@stavreva_kreator 

ROYAL ACADEMY 

OF ART, THE HAGUE 

ROYAL ACADEMY 

OF ART, THE HAGUE 

kabk.nl 

@royalacademyofart.thehague 

An important guideline for the BA 

in Textiles and Fashion at the KA- 

BK (founded in 1682) is the history 

of costumes and folklore. The 

programmes in Textile Design and 

Fashion Design both thoroughly 

explore the development of a personal 

style and working method, 

as well as an individual statement. 

With the main focus always 

on innovative, accurate and relevant 

design, the syllabus confronts 

students with the past, 

present and future while embracing 

a diversity of perspectives, interests 

and sensibilities. Through 

serious research and experiments, 

they thus engage in an extensive 

analysis of fashion and textiles. 

RACHAEL CHEONG LI ZHEN 

rachaelcheonglz@gmail.com 

@closetchildren 

SWITZERLAND 

PAOLO PILAT 

paolopilat@gmail.com 

@polabdul 

INSTITUTE OF FASHION DESIGN 

MELVIN ZÖLLER 

zoeller@hotmail.ch 

@melvinzoeller 

INSTITUTE OF FASHION DESIGN 

doingfashion.ch - @doingfashionch 

The Institute of Fashion Design, Academy of Art and Design, FHNW 

in Basel, which was founded in 1986, highlights its approach in its 

own name: Doing Fashion. Doing Fashion means being involved and 

responsibly participating in the design of the present and the future. 

The school encourages young talents to boldly break away from the 

conventional understanding of fashion, its concepts of beauty and 

images of the body. Developed from different design perspectives, the 

projects of the seven-semester study programme follow four phases: 

research, design concept, realisation, and launching and application.

15 TALENTS 


GENEVA UNIVERSITY 

OF ART AND DESIGN 

DENMARK DESIGN SCHOOL 

KOLDING DENMARK 

RÉMI GALTIER 

remigaltier@gmail.com 

@galtierremi 

HELENE STAHL HOLM 

helene@stahlholm.dk 

@helenestahlholm 

MARIE-EVE LECAVALIER 

marieevelecavalier@gmail.com 

@marie.eve.lecavalier 

GENEVA UNIVERSITY OF ART AND DESIGN 

hesge.ch/head - @headgeneve 

At the crossroads between design and art, science and new technologies, 

the Bachelor’s course in Fashion Design at the Geneva University 

of Art and Design (HEAD Geneva, founded in 2006) offers students 

an educational network of practical transversal training. Its 

main focuses include the influence of contemporary culture and sociological 

change on fashion aesthetics, as well as international partnerships 

with leading fashion universities and famous designers. 

Former students are now working for Saint Laurent, Louis Vuitton, 

Givenchy, Acne and Ann Demeulemeester. 

DESIGN SCHOOL KOLDING DENMARK 

designskolenkolding.dk - @designskolenkolding 

The Fashion Department of Design School Kolding (founded 

in 1967, so it recently celebrated its 50th anniversary) focuses 

on the key questions of our time: sustainability, technological 

change, social justice, cultural diversity, economic 

systems and globalisation. It also strives to push conceptual 

and creative boundaries while enriching students’ knowledge 

thanks to designers, industry figures and educators 

working at the highest international levels. The department’s 

aim is to combine fashion theory, design methodology 

and learning through design practice. 

SWEDEN THE SWEDISH SCHOOL 

OF TEXTILES 

BECKMANS 

DESIGNHÖGSKOLA 

ALECSANDER ROTHSCHILD 

hello@alecsanderrothschild.com 

@alecsanderrothschild 

CAMILLA ARNBERT 

camillaarnbert@gmail.com 

@camillaarnbert 

THE SWEDISH SCHOOL OF TEXTILES 

theswedishschooloftextiles.se - @sst_fashiondept - @textilhogskolan 

The Swedish School of Textiles, University of Borås (whose weaving school was founded 

in 1866, while the textile institute was established in 1936), spans from refinements to 

the redefinition of textile design in its BA, MA and PhD programmes. In close collaboration 

with the Textile Department, the Fashion Department aims to develop and extend 

students’ competence as fashion designers in terms of artistic, technical and theoretical 

skills. The BA and MA programmes offer in-depth practice-based studies in the form 

of projects that are developed throughout the duration of the courses. 

ERIK STENSSON 

erik.stensson@gmail.com 

@elstensson 

BECKMANS 

DESIGNHÖGSKOLA 

beckmans.se 

@beckmanscollegeofdesign 

Beckmans Designhögskola, or 

Beckmans College of Design, 

was founded in 1939 in Stockholm 

by Anders Beckman and 

Göta Trägårdh. Its Fashion 

programme is a design course 

based on an artistic approach. 

The staff is a mix of academics 

and doers who are still working 

in their respective professional 

fields, thereby offering students 

a broad perspective of 

design as well as hands-on 

training. Together with design 

professionals, producers, employers 

and clients, the students 

develop their creativity 

and are stimulated to challenge 

themselves and the outside 

world. 

TAIWAN SHIH CHIEN 

UNIVERSITY 

CHINA 

BEIJING INSTITUTE OF 

FASHION TECHNOLOGY (BIFT) 

JAPAN COCONOGACCO 

LIU FENG 

6036944093@qq.com 

CHI-YU HAN 

happyken.han@gmail.com 

@ha919_ans 

SHIH CHIEN UNIVERSITY 

scfd.usc.edu.tw - @usctw 

The Shih Chien Fashion Department – established in Taipei 

in 1961 – aims to cultivate students’ ability to explore their 

creativity and to design with independent thinking by giving 

them broad knowledge of a wide range of disciplines. The 

school effectively combines theoretical learning with essential 

practical skills. One of its most exciting courses is the 

“PRAXES” Master’s programme, which provides real-world 

experience in design, production and marketing while also 

teaching how to run small businesses and propose concepts 

to the market in a practical and realistic manner. 

BEIJING INSTITUTE OF 

FASHION TECHNOLOGY 

(BIFT) 

bift.edu.cn 

Founded in 1959, BIFT combines 

education in art and engineering, 

recruiting both at home and 

internationally. It offers undergraduate, 

master’s and PhD 

courses that boast profound 

historical and cultural heritage, 

but also unique and rich design 

resources with good market connections 

and industrial foundations. 

Its programmes cover 

study areas such as data analysis 

and pattern making, intelligent 

fashion engineering, functional 

design, womenswear, 

menswear, knitwear, sportswear, 

costume inheritance and innovation, 

drama, film and tv costume 

design, fibre and textile. 

FUMIKA FUJIWARA 

warafum@gmail.com 

@warafum

16 TALENTS 


YASUHIRO ANNOU 

yasuhiro.annou@gmail.com 

COCONOGACCO 

coconogacco.com 

Founded in Tokyo in 2008, the 

school is a private fashion design 

class run by the label Writtenafterwards, 

established by 

Yoshikazu Yamagata. Coconogacco 

means “school of coco”, 

with “coco” being the Japanese 

word for either “here” or “individuality”. 

The class is organised 

by designers who teach and work 

together with their students. The 

institute offers a primary course, 

an advanced course, a fashion 

and new crafts course, a fashion 

drawing course and a lecture 

course. Alumni include Soshi Otsuki 

and Yuko Koike, finalists in 

the LVMH Prize 2016, and Yoshiki 

Hanzawa, semi-finalist in the 

H&M Design Award 2017. 

BUNKA FASHION COLLEGE 

BUNKA FASHION COLLEGE 

bunka-fc.ac.jp 

Bunka Fashion College was founded 

in Tokyo in 1923 as the first dressmaking 

school in Japan. Its original, 

specialised and practical curriculum 

keeps pace with the changes in a diversified 

sector, continuing to cultivate 

professionals who can easily 

adapt to the modern industry. Bunka 

offers a wide range of courses, including 

fashion design, pattern cutting, 

marketing, sales promotion, retail 

and management. Students first 

develop a broad range of skills and 

knowledge before moving on to develop 

specialised expertise. The school 

counts many alumni in the industry, 

such as Yohji Yamamoto, Kenzo Takada 

and Junya Watanabe. 

MOMOKA SATO 

momomelt81@gmail.com 

YUUKA YAMADA 

ymdyuk0526@gmail.com 

SOUTH KOREA ESMOD SEOUL ISRAEL SHENKAR 

– ENGINEERING. 

DESIGN. ART 

CHOI JIWAN 

cjwii28@hanmail.net 

@cjwiii28 

DANIEL BIRI 

danielbiirii@gmail.com 

@daniel_biri 

ESMOD SEOUL 

esmod.co.kr - @esmod_seoul 

Established in 1989, ESMOD Seoul is characterised by a hands-on education 

system that simultaneously emphasises both fashion design and pattern drafting. 

A worldwide network of schools, a diverse choice of specialisations (womenswear, 

menswear, childrenswear and lingerie) and a business-oriented approach also 

focused on creativity and technicality provide graduates with the necessary skills to 

face the real world. As of 2017, credits obtained at ESMOD Seoul are accredited by 

the Korean Ministry of Education. The institute also welcomes international students 

thanks to its English and French-speaking professors. 

SHENKAR – ENGINEERING. DESIGN. ART 

shenkar.ac.il - @shenkar_college 

Shenkar – Engineering. Design. Art was founded in 1970 as the College 

for Fashion and Textile Technology. The combined faculties of 

engineering, design and art form the basis of this institution’s unique 

multidisciplinary academics. The Fashion Design Department believes 

in balancing the almost impossible: offering design education 

and technical learning from skilled personnel without losing sight of 

spontaneity; teaching sensitivity and awareness of innovation without 

sacrificing uniqueness and originality; and cherishing global 

cultural heritage without neglecting local traditions. 

DANIEL KOHAVI 

danielkohavi1990@gmail.com 

@danielkohavi

17 TALENTS 


HAYA STRANO 

chstrano@gmail.com 

@haya.hinda.strano 

USA 

SAVANNAH COLLEGE OF 

ART AND DESIGN (SCAD) 

RIKKI RAIFORD 

raiford_rikki@yahoo.com 

@rikkiij 

PARSONS SCHOOL 

OF DESIGN AT THE NEW SCHOOL 

SAVANNAH COLLEGE OF ART AND DESIGN (SCAD) 

scad.edu - @scaddotedu 

The Savannah College of Art and Design was established in 1978. Its School of 

Fashion offers graduate and undergraduate degrees in accessory design, fashion, 

fashion marketing and management, luxury and fashion management. Students 

prepare to become leaders in the ever-evolving world of fashion through a rigorous 

curriculum anchored in creative thinking and dynamic technology. Guided by professors 

with extensive industry experience, they explore fashion from the conceptual 

to the commercial, and merge technical dexterity with personal vision to develop 

original fashion collections. 

ARAN KIM 

kimaran94@gmail.com 

PANISA BUSAYANONT 

panisabus@gmail.com 

JI WON CHOI 

jiwchoistudio@gmail.com 

@ji.w.choi 

EMMA CLEVELAND 

emmaclevelanddesigns@gmail.com 

@emmarcleveland 

PARSONS SCHOOL OF DESIGN AT THE NEW SCHOOL 

newschool.edu/parsons - @parsonsschoolofdesign 

At Parsons (founded in New York in 1896), the fashion faculty come from many 

backgrounds and work within the industry itself. They also teach classes with top 

partners such as Louis Vuitton and Chanel, allowing students to gain experience and 

connections. The courses offered range from accessory design to couture techniques 

and zero-waste design. Graduating students in the BFA Fashion programme also have 

the opportunity to exhibit their thesis work to a panel of industry professionals, with 

the chance to show their collection at the annual Parsons Benefit. Alumni include Marc 

Jacobs, Alexander Wang and Donna Karan. 

PRATT INSTITUTE 

MILA SULLIVAN 

lsulliv2@pratt.edu 

@mila_sullivan 

JESSICA SODETZ 

jsodetz@pratt.edu 

@koreanjess 

PRATT INSTITUTE 

pratt.edu - @prattinstitute 

Pratt Institute (founded in 1887) has a Fashion Department that offers a concept-led, 

craft-based education at the heart of New York, one of the world’s cultural 

epicentres. Fashion education at Pratt is transdisciplinary in nature, closely allied 

with illustration, photography, film, performance, visual studies and material culture. 

Students build a vision and a language through conceptual processes, emphasising 

curiosity, imagination, improvisation and play. The faculty is composed of 

professional practitioners from across the industry, including directors at top design 

houses, historians and curators. 

RAY LIU 

jliu11@pratt.edu

18 TALENTS 

POINT OF VIEW 

Is Wearable Technology Ready for Fashion? 

by Paolo Ferrarini 

Our attitudes and ways of thinking are subtly transformed 

by the things we use every day, those things that 

relentlessly infiltrate our lives. It happened with smartphones 

and related services, which not only evolved our 

way of communicating, but also the way we get information, 

go shopping and do our exercise. These very real 

yet invisible technologies are good at concealing themselves. 

However, this full-blown technological revolution 

has still to unsettle the classical logic of the fashion 

world. But something is moving in the direction of intelligent 

and wearable equipment, and within a few years 

these smart garments and accessories could become surprisingly 

widespread. The signs of change are plenty, and 

the world of wearables is undoubtedly a scene to watch. 

Smith 

Tory Burch / Fitbit 

While the first genuine experiments with wearable technology 

date back to the 1960s, it was only with the turn 

of the millennium that we saw its first commercial applications. 

The pioneering project “New Nomads: An Exploration 

of Wearable Electronics” was developed in 

1999 by Levi’s and Philips, marking the inception of a 

new way to think and design. These two companies represented 

the apex of fashion innovation and technological 

research at the time, and they shouldered the risk of 

creating wired jackets that could connect to cellphones 

(which had yet to become smart), portable CD players 

(iPods were still a dream) and headphones. Everything 

could be connected via cables and jacks, and then controlled 

with textile buttons cunningly integrated into the 

sleeves. Sony and Burton appeared with a similar product 

a few years later, not to mention LG and Prada who anticipated 

smartwatches with their visionary Prada Link. 

This was only the first wave, and such technologies still 

lacked the maturity to become true mass phenomena. 

Then came Wi-Fi, Bluetooth and sensors, which introduced 

a new chapter. The second wave of wearable technologies 

began to appear around 2010, and we’re still 

riding the same wave today. Technological miniaturisation, 

“over-the-air” data transmission, Web integration, 

increasingly smaller and more efficient sensors, interface 

simplification and more accessible prices – all these developments 

sparked a new age of wearable technologies. 

Close to our bodies or touching our skin, they eagerly 

collect data which is then displayed in the form of valuable 

information on our wellbeing and even our health. 

The new mantra of hi-tech companies is mindfulness, or 

rather “mens sana in corpore sano 2.0”. We have dedicated 

apps on our phones, and smartwatches remind us 

when we have to breathe or devote a few minutes to 

meditation. But these new “mindful wearables” aren’t 

just occupying our wrists. For example, Smith’s Lowdown 

Focus eyewear, produced by Safilo with InteraXon 

technology, uses brain-sensing technology to help mental 

and cognitive training, while improving brain health 

and psychophysical equilibrium. The Japanese Jins 

Meme smartglasses, meanwhile, are able to trace a map 

of our wellbeing based on eye movements. By gathering 

and interpreting data on our state of health, they monitor 

tiredness levels and warn us with sounds and lights 

when we’re risking a fit of sleepiness. 

Pioneers in the relationship between fashion and technology 

include the collaboration between Tory Burch 

and Fitbit. But there are also the accessories by Kate 

Spade and Michael Kors: bracelets and watches whose 

traditional appearance conceals a smart core designed to 

monitor movement and physical activity. 

Today’s smartwatches represent a category of products 

that, until not long ago, could only be seen in sci-fi films. 

While Fitbit, Apple, Garmin and Samsung (the industry 

leaders) favour a hi-tech metallic aesthetic, there are now 

other smartwatches that look more like mechanical, analogue 

timepieces. Examples include the Hald Connected 

by Skagen and the Activité by Withings: truly hybrid 

watches with a familiar, almost retro appearance. 

Spectacles by Snap Inc. 

Nike 

Kate Spade 

Levi’s / Google Jacquard 

But beyond health there’s also fun and social media. The 

Spectacles by Snap Inc. allow wearers to record short 

videos and save them on Snapchat without having to interact 

with their phones. These glasses exude a classic 

style, apart from the presence of a camera which is only 

activated by pressing a button integrated into the arm. 

In the eyes of many, these devices are little more than 

gadgets or advanced toys for tech lovers. But it’s worth 

noting that we’re faced with a market which has been enjoying 

constant growth in recent years (at an annual rate 

of +25%), and which in 2016 saw the sale of over 102 

million devices. Signs of the third wave are already 

emerging, and it will likely mark the definitive entrance 

of wearable technology into fashion. 

Levi’s hasn’t abandoned its Californian inclination for 

innovation, and the company will shortly be marketing 

its first product produced with Google Jacquard technology. 

Today’s bike-riding commuters no longer have cables 

and buttons on their sleeves. Instead, they have 

Bluetooth and invisible filaments woven into their jeans 

to make the garments sensitive to touch, just like a trackpad. 

And performing certain simple actions will be incredibly 

simple, such as answering the phone, changing 

your music or accessing street directions. 

Pauline van Dongen 

The Rochambeau Bright 

BMBR is a more fashionable 

smart jacket fitted with 

NFC and QR tags, which 

allow wearers to combine 

physical experience and digital 

life. The jacket can provide 

information on the places we’re visiting, ensure access 

to reserved events and even connect people with 

similar interests who happen to be in the vicinity, thanks 

to microscopic sensors and an intangible exchange of information 

with your telephone. Thus a bomber jacket 

can become one of the “things” to connect to the Web. 

Designed for movement, but infused with digital, electrical 

and mechanical engineering, there’s the futuristic Nike 

HyperAdapt 1.0: a shoe described as “the first performance 

vehicle for Nike’s latest technological breakthrough, 

adaptive lacing”. Stores sold out of them immediately 

after launch: they can be found on eBay for $ 1200. 

Projects by Pauline van Dongen encapsulate the recent 

advances in the world of wearables. But at the same time, 

they also reveal the direction in which fashion might be 

moving. The studio has created dresses fitted with solar 

panels, tops that alert their wearers of bad posture thanks 

to a delicate tactile feedback, and jackets that (literally) 

caress us when prompted by our mood and surrounding 

environmental conditions. It’s all present, highly technological, 

extremely human and increasingly invisible. 

In just a few years, digital innovations revolutionised the 

music industry (from Napster to Spotify), followed by 

publishing (between ebooks and tablets) and fitness (with 

smart bracelets and watches). Fashion’s entry into the Internet 

of things could mark the beginning of an “invisible 

Internet of beautiful things”, made of technology that 

is not seen but felt, like a sensation or an emotion.

VOGUE ITALIA & IQOS PRESENT 

IQOS 

MASTER 

STYLE 

A CALL BY VOGUE TALENTS 

CUTTING-EDGE 

TECHNOLOGY 

FOR THE IQOS 

DEVICE. FOR A 

SPECIAL SCOUTING 

PROJECT. 

THE GOAL: 

GETTING A NEW 

CREATIVE LOOK 

THE SCOUTING INITIATIVE OF 

PHILIP MORRIS ITALIA AND VOGUE 

TALENTS IN SUPPORT OF THE 

MOST PROMISING DESIGNERS IS 

IN ITS FINAL STEPS. SEE HERE THE 

15 FINALISTS – 11 DESIGNERS AND 

4 FASHION DESIGN STUDENTS – 

SELECTED BY AN OUTSTANDING 

PANEL. THE FINAL EVENT IN 

OCTOBER WILL UNVEIL THE 

5 WINNING PROJECTS: THE 

ACCESSORIES FOR IQOS WILL BE 

PRESENTED TO THE PUBLIC AT 

IQOS EMBASSY STORES AND IQOS 

BOUTIQUES ACROSS ITALY. FOR 

MORE INFORMATION IQOSITALIA.IT

THE DESIGNERS 

ANDREA INSUA 

THE DESIGNERS 

ARTHUR ARBESSER 

Andrea Carolina 

Insua, 30 

years old, is 

a guatemalanitalian 

designer. 

The brand in 

five words: 

high-end, 

handcrafted 

made in Italy, 

unique, 

art-pieces. 

Arthur Arbesser, 

Austrian-born 

and Milanbased. 

“I love 

graphic motifs, 

geometric 

patterns and 

bold color 

combinations, 

but also clean, 

basic shapes.” 

COMEFORBREAKFAST 

DANIELE CARLOTTA 

IQOS MASTER STYLE 

IURI 

In 2010 Antonio 

Romano and 

Francesco Alagna 

gave life to 

Comeforbreakfast, 

a minimal design 

line for men and 

women with 

a strong and 

distinctive identity. 

LEITMOTIV 

He is originally 

from Sicily and 

has a sartorial 

and refined 

style. Geometric 

motifs are the 

starting point of 

his project for 

IQOS, inspired by 

the artist Kazimir 

Malevich. 

Jure Stropnik 

hails from 

Slovenia. He 

designs socks 

with geometric 

details. For IQOS 

he designed a 

multicolored bag 

for her and a 

cross-body bag 

for him. 

The brand 

established by 

Fabio Sasso and 

Juan Caro creates 

garments and 

accessories that 

tells with the use 

of prints the 

fantastic stories 

that fascinated 

them in the past. 

MARCO RAMBALDI 

He’s one of the 

finalists of Who 

is on Next? 2017. 

For IQOS he 

has created 

a post-modern 

reinterpretation 

of Art Nouveau 

and the elegant 

and classy ’30s. 

MARCOBOLOGNA 

It is a brand 

founded by Marco 

Giugliano & Nicolò 

Bologna. Two 

souls, two different 

backgrounds 

influencing each 

other. Their 

peculiar feature? 

Contrasts, of 

course.

THE DESIGNERS 

PARDEN’S 

THE STUDENTS 

ANTONIO D’ADDIO 

Geometric lines 

and baroque 

patterns. 

Embroidery and 

raw edges in a 

play on vibrant 

layering. We 

introduce You 

Parden’s, the 

brand founded 

by Daniele 

Giorgio. 

In the project 

by the Ied Moda 

Milano student, the 

symbols convey a 

positive message: 

love (the heart) 

looking (the eye) 

at the relationships 

of human beings 

(the hand). 

MARIKA RUSSO 

VIVETTA 

From 2009, 

Vivetta Ponti 

finds inspiration 

in poetry, and 

antiques. But 

these nostalgic 

elements blend 

with supercontemporary 

silhouettes and 

ladylike patterns. 

BARBARA DANIEL 

She studied 

at Naples’ 

Università degli 

Studi della 

Campania Luigi 

Vanvitelli. The 

IQOS sleeve may 

be customized 

with 

a various 

combination 

of shapes and 

colors. 

She studied 

Accessory Design 

at Accademia 

Costume & Moda, 

Rome. Here her 

“Urban Transience” 

collection for 

IQOS, inspired by 

time and how it 

affects us. 

SCHIELD 

NICOLE FRIGERIO 

Roberto Ferlito 

is the designer 

at Schield, born 

in Sicily and 

now based in 

Florence, where 

he designs and 

produces his 

jewelry pieces 

with the help of 

skilled artisans. 

Ied - Accademia 

di Belle Arti Aldo 

Galli student 

Nicole Frigerio’s 

patterns for IQOS 

are inspired by 

tropical nature 

and focus on 

florals and color.

22 TALENTS 

WOMENSWEAR 

JORGE AYALA PARIS 

ayalaparis.com - @jorgeayalaparis 

Mexico - since 2014 

Jorge Ayala studied architecture in Paris and is now dedicated to cutting-edge 

research and material experimentation, resulting not only in the design of 

clothing and accessories but also of pop-up stores and showrooms. “The FW 

2017-18 is named ‘Mexique’ and aspires to overcome clichés and stereotypes 

of my native country’s culture and people. It presents handcrafted looks, the 

opposite of the mass-production currently practiced throughout my country,” 

states the Mexican entrepreneur, who for his SS 2018 will be putting authentic 

couture practice at the core of his collection. 

AMBUSH 

ambushdesign.com - @ambush_official 

South Korea - since 2012 

Established in Tokyo in 2012, Ambush was initially just a modern jewellery brand, but four years later it expanded into apparel and opened its first flagship store 

in Japan’s capital. “Ambush is now creating unisex collections made by highly skilled Japanese craftsmen,” says the designer and visual director Yoon Ahn, who 

was among the finalists at the LVMH Prize 2017. “My FW 2017-18 mixes sportswear with office wear, and was inspired by stylist Ray Petri and Buffalo boys and 

girls. The SS 2018 is instead influenced by the ’80s classic ‘The Breakfast Club’ directed by John Hughes.” 

ASCIARI MILANO 

asciarimilano.com - @asciarimilano 

Italy - since 2016 

“The word Asciari comes from Latin and archaic Sicilian, and it means ‘to 

search, to gather or to create a meeting’,” explains the founder Federica Mazzettini. 

“My brand is devoted to essential shapes, natural fabrics and genuine 

tailoring. For instance, I began my FW 2017-18 collection by looking at the old 

Royal Navy, combining the impeccable elegance of British naval officers’ uniforms 

with the finest materials and an artisan production entirely made in Italy.” 

SS 2018 will be inspired by underworld deities: “It sets out to be a homage 

to the alchemic energies of the volcano Etna.” 

Fashion as a medium for overcoming clichés 

and stereotypes. For reflecting what is going on 

in the world. And for reinterpreting a country’s 

artistic and cultural masterpieces. This year’s 

womenswear designers offer a surprising and 

outspoken amalgamation of experiences, attitudes 

and styles. Mixing the finest fabrics and 

artisanal production with unconventional materials 

and cutting-edge research, they create 

thought-provoking silhouettes where the 

original and eccentric meets class and flair 

ROKH 

r-o-k-h.com - @rokhofficial 


“I wanted to represent the weakness and depression that I believe everyone 

has experienced during their teenage years,” states Rok Hwang explaining his 

FW 2017-18. Before founding his own label, the designer worked for Céline and 

freelanced for Louis Vuitton and Chloé. “The women I imaged for this collection 

feel isolated and irritated by their surroundings; they’re rude and shy towards 

their audience. In my work, everything starts with a vision and an emotion. 

Then I translate this into visual form and connect it with cultural cues that 

engage the audience directly.” 

MISBHV 

misbhv.com - @misbhv 

Poland - since 2013 

Having begun as a T-shirt line, Misbhv now offers fully formed collections for both men and women, designed by Natalia Maczek with creative director Thomas 

Wirski. “We fuse sophisticated post-Soviet aesthetics with street-inspired silhouettes and retro touches. For example, our FW 2017-18 was inspired by the fall of 

the Iron Curtain, which exposed an isolated society to the cultural influence of the West for the first time. So it’s also about a naive perspective on ideas like ‘trendy’ 

and ‘luxury’.” Their SS 2018 is linked to water, different shades of blue and activewear. 

WILLIAM FAN 

williamfan.com - @studiowilliamfan 

Germany - since 2015 

The aim of William Fan is to create an accessible, everyday product that also 

surprises with innovative details. His designs merge East Asian and European 

elements, while also introducing classical tailoring with unconventional materials. 

“I have always been fascinated by the aesthetics of simple uniforms, 

which I then distort, recompose and interpret,” reveals this designer who 

worked for the British couture house Alexander McQueen. “The inspiration for 

my FW 2017-18 was an afternoon in Chinatown, while for the SS 2018 I 

thought about my home village in Germany back in the 2000s.”

23 TALENTS 

WOMENSWEAR 

For Notion of Form, the core concept is to compose an abstract visualisation of diversity. This is achieved by investigating how theoretical approaches of multiculturalism 

can be conceptually embodied in wearable clothing. “It always starts with the body, and I tend to view it as a puzzle. Each part has its own form, yet it 

creates unity,” says Mina Lundgren. “My collections function more as projects than seasonal lines. The first collection centred on the idea of using primary colours 

and natural skin shades, while the second explores round organic shapes in relation to the body’s form.” 

JULIA SEEMANN 

juliaseemann.com - @juliaseemann 

Switzerland - since 2015 

NOTION OF FORM 

notionofform.com - @notionofform 

Sweden - since 2016 

Julia Seemann’s collections are characterised by a combination of subcultural 

and nostalgic influences with geometric and minimalistic elements. “My FW 

2017-18 follows this line and is a tribute to the ’80s dark-wave band Xmal 

Deutschland. I teamed up with English graphic designer Vaughan Oliver and 

incorporated his work as prints and embroideries in my clothes,” explains Julia. 

“Moreover, to contrast the oversized feel of most of the outfits, I decided to 

include rhinestone jewellery and skinny stretch jersey dresses with figurative 

elements taken from mythology.” 

ID 

id-ism.com - @id_ism_ 

China - since 2016 

PEET DULLAERT 

peetdullaert.com - @peetdullaert 

The Netherlands - since 2012 

“Our FW 2017-18 is about the grief experienced by women after World War I, 

due to their torn families and dead children. This sorrow empowered them, and 

in fact during the Roaring Twenties their social role changed from traditional 

to more adventurous,” say Chun Bong Julio Ng and Hang Ki Cyrus Wong, who 

for this collection looked at the German artist Käthe Kollwitz. The two designers 

graduated in London and interned for other brands before establishing 

their own label. “Our SS 2018 has a more contemporary inspiration rooted in 

air pollution, one of our biggest problems in China.” 

A synergy between the practical demands of a modern wardrobe and the desire to indulge in exquisite things. These are the foundations of the brand established 

by Peet Dullaert, whose creations offer the essential freedom of movement for today’s lifestyles. “My FW 2017-18 is inspired by the submarine adventures of French 

explorer Jacques-Yves Cousteau, and by the breathtaking beauty of coral reefs. The collection was also shot in the atelier of French sculptor Philippe Morel,” explains 

the designer, who was an International Woolmark Prize nominee representing The Netherlands at the regional finals in Milan last year. 

DILARA FINDIKOGLU 

dilarafindikoglu.com - @dilarafindikoglu 

Turkey - since 2015 

Blending the sensual with the subversive, Dilara Findikoglu infuses her creations 

with historical references and social commentary. She also plays with 

roles and perceived norms, distorting and twisting them for our pleasure. “My 

FW 2017-18 is set somewhere in Purgatory, between today’s angry and conflictual 

world and a post-apocalyptic future,” says this London-based designer 

of Turkish origin, who was shortlisted for the LVMH Prize 2017. “New species 

and genders have emerged, and cultures are now mixed, with Victorian dresses 

alongside caftans and medieval monastic imagery.” 

DAVIDE GRILLO 

davidegrillo.eu 

@davidegrillo_official 


The refinement of craftsmanship and the uniqueness of traditional processes underpin the label founded by Davide Grillo, who previously gained experience at Dolce 

& Gabbana Alta Moda. A finalist of Who is on Next? 2017, he describes his FW 2017-18 as “dark and deep poetic visions of surreal worlds, where soft voices illuminate 

the darkness with lost love songs”. The title of his SS 2018 collection is “Broken Heart”, which starts from the feeling of hitting rock-bottom, but then of 

rising up again with an explosion of vitality: “My pieces seek to reinvigorate, to attract positive energies.”

24 TALENTS 

WOMENSWEAR 

NOUS ETUDIONS 

nousetudions.com - @nousetudions 

Argentina - since 2014 

CORA 

coramilano.net - @cora_milano 


Romina Cardillo conceived Nous Etudions as an ambitious project committed to animal rights, so the brand does not use any kind of animal-derived materials. “I’m 

also always looking back at my heritage. That’s why I’m involved with Argentinian aborigines, creating new fabrics with Chaguar yarns,” explains Romina, who is also 

determined to push her message through alternative channels beyond the fashion world. “I seek inspiration in music and deconstructive architecture. For instance, for 

my FW 2017-18 I started from the song ‘Under Pressure’ by Queen and David Bowie.” 

“I begin all Cora’s collections by looking at the artistic and cultural masterpieces 

of my local area,” says the founder Clara Giaquinto, who was born in Padua. 

“Once the themes are set, I start developing the prints, which is when the collection 

really begins to take shape.” The FW 2017-18 is based on the Scrovegni 

Chapel, which was frescoed by Giotto in Clara’s hometown in the early 14th 

century. “My SS 2018, instead, unveils the beautiful architecture and landscapes 

of Palladian villas,” says this finalist of Who is on Next? 2017 who also 

works in the design department of Aquilano.Rimondi. 

PAUL & YAKOV MOSCOW 

paulandyakov.com - @paulandyakow 

Russia - since 2014 

Paul & Yakow Moscow was founded by the brothers Petr and Yury Polyakov. The 

name is actually a wordplay on their surname, and the label can be seen as a 

continuation of their family fashion business, which was originally specialised 

in luxury made-to-measure outerwear garments. Last year the brand was 

joined by Christina Konstantinova, and the trio’s FW 2017-18 collection was 

developed starting from nature: “We drew inspiration from works by the land 

artists Nils-Udo and Andy Goldsworthy. Meanwhile, our SS 2018 will be a story 

of yearning for Latin American warmth and cosiness.” 

SNOW XUE GAO 

snowxuegao.com - @snowxuegao 


Snow Xue Gao’s intricately draped and tailored collections break away from conventions. With blazers transforming into skirts, and with wool suiting inlayed into 

traditional Chinese dresses, the designer conceptually merges her Asian roots with her surrounding Western culture. “Cut, twist, pinch and tie. These verbs gradually 

became the concepts behind my FW 2017-18. I actually combined Magua jackets and kimonos with classical menswear dating back to the ’60s and ’70s,” 

says the New York-based designer, who will be basing her SS 2018 collection on the Beijing opera. 

DUMITRASCU 

dumitrascu.de - @dumitrascultd 

Romania/Germany - since 2016 

THEBE MAGUGU 

thebemagugu.com - @thebemagugu 

South Africa - since 2016 

In his eponymous brand, Thebe Magugu mixes sleek, forward-thinking design with motifs from Africa’s storied past, resulting in smart, multifaceted clothes. “My 

SS 2017, titled ‘Geology’, was inspired by the idea of escapism. I imagined a woman venturing into the great outdoors to escape the pressures and noise of urban 

life. She takes time to recover by hiking, fishing and camping, so there are outdoorsy references such as an abstract fish print, grappling hooks and multicoloured 

ropes,” explains Thebe, whose next collection springs from a contemplation of feminism. 

The all-gender garments created by Andra Dumitrascu combine classic tailoring with 

ultralight high-tech nylons, silk tartans and hand-painted fabrics. The result is a 

surprising and outspoken amalgamation of positions, experiences, attitudes and 

styles. “‘RAW 1718’ is a vibrant unisex collection mixing sports, rave, military silhouettes, 

alpine vibes and street couture,” explains the designer who starts every season 

with in-depth materials research. “Altogether, there are about 50 to 80 fabrics each 

season.” Her SS 2018 will revolve around botox, cycling and shadows.

VOGUE TALENTS FOR POLIMODA 

A generation of 

Polimoda People 

leading the way 

A letter from the Director of Polimoda, Danilo Venturi 

Dear Vogue Talents readers, 

I’d like to introduce you to some of the most interesting talents 

who have come out of Polimoda, not just this year, but over the 

last 10, 15 years. These talents are all at completely different 

stages of their careers and life, though they all have something 

in common; they’re pursuing their dreams, and so, make me 

hopeful for the future of fashion, not just in Italy, but around 

the world. 

Firstly, you may have heard of Lucie and Luke Meier. Lucie 

famously led the spring and fall ready-to-wear and couture 

studios with Serge Ruffieux at Christian Dior, and guided the 

house in its recent post-Raf Simons and pre-Maria Grazia 

Chiuri interim period, whilst Luke is the Co-Founder and Creative 

Director of the brand OAMC. Together, they are now in 

charge of running Jil Sander, and whilst they’ve only released 

their Resort 2018 collection to date, we can already see that 

their complementary skills are about to give birth to a new and 

unique chapter to the Jil Sander universe. 

Secondly, Shania Matthews only just graduated this past June 

from Fashion Design, though her collection presented during 

Polimoda’s annual Fashion Show, at Pitti Uomo, was voted by 

the international jury as Best Collection for 2017. Between 

her jigsaw-like knitwear, details of broken ceramic pieces and 

complex garment construction, Shania’s collection “Children 

should be seen and not heard” reflected on her mother’s childhood 

and the relevance of this in today’s political climate. “I 

hope that my collection brings people joy and intrigue; intrigue 

for all the intricate details and compositions of the garments, 

and joy through the colours that I use. I have always 

liked colours, but I think I really started to obsess over colour 

– even wearing it myself – while living in Italy as everyone 

tends to wear black. I found this a bit dull so I guess it was my 

way of protesting.” I also want to mention other two deserving 

students, Federico Cina and Max Anish Gowriah, who were 

awarded with Honorable mentions. 

Barbara Sanchez-Kane has a unique story. She is a Mexican 

woman who has become quite a big deal this year after she 

was invited to present her collection on the official schedule 

of New York Fashion Week: Men’s. Certainly timing has something 

to say about all the attention she’s getting at the moment 

and her work is certainly political, but it’s her talent for 

structured but deconstructed menswear that will stand the test 

of time. 

Lastly, Francesco Risso was recently announced as the new 

Creative Director of Marni. With its worldwide following, 

Marni is a brand some were sceptical he would be able to manage, 

but managed indeed he has; receiving strong reviews for 

his first few forays in this high-profile position. Virtually unknown 

when he walked into the job, Francesco is now brushing 

shoulders with Hollywood’s élite and running one of the most 

loved fashion houses in Italy. 

I love you all. 

From top. Danilo Venturi, 

Director of Polimoda. One 

of Shania Matthews’ looks 

during the annual Fashion 

Show. Models wearing 

Federico Cina’s collection.

VOGUE 

TALENTS 

AND 

FIDENZA 

VILLAGE 

PRESENT 

POP-UP BOUTIQUE 

DEDICATED TO FASHION 

in collaboration with 

CAMERA NAZIONALE DELLA MODA ITALIANA

VOGUE TALENTS FOR VALUE RETAIL 

ITALIAN AND INTERNATIONAL TALENTS 

RETURN TO FIDENZA VILLAGE 

For the second consecutive year, 

Fidenza Village – one of the Collection 

of 11 Villages in Europe and China 

by Value Retail – will host THE 

CREATIVE SPOT, A POP-UP 

BOUTIQUE DEDICATED TO 

THE NEW GENERATION 

OF DESIGNERS and conceived in 

collaboration with the Camera Nazionale 

della Moda Italiana. The selection of 

clothing and accessories brands will be 

overseen by Sara Sozzani Maino, Deputy 

Editor in Chief of Vogue Italia (Special 

Fashion Projects) and Head of Vogue 

Talents. 

From now until December, The Creative 

Spot is offering collections by 

ARTHUR ARBESSER, 

LEITMOTIV, MIAORAN, 

CO|TE, TAK.ORI, COLIAC, 

VIVETTA AND CA&LOU, 

plus many others. But that’s not all: the 

boutique is also showcasing 

THE FIVE FINALISTS 

OF THE “CNMI GREEN 

CARPET TALENT 

COMPETITION 2017”, 

the fashion contest that respects social and 

environmental values. On 24 September 

this year, during the “Green Carpet 

Fashion Awards Italia”, the winner will be 

awarded the “Franca Sozzani Green Carpet 

Challenge Emerging Designer of the Year” 

prize. In addition, he or she will receive a 

year-long Mentorship Programme 

by Value Retail. 

With an attentive eye to sustainability, 

Fidenza Village thus confirms its status 

as an outstanding crossroads of creativity 

and commercial enterprise. For selected 

brands, this is a truly unique opportunity 

to sell their clothes, jewellery, shoes and 

bags shoulder to shoulder with some of 

the most important names worldwide. So, 

this autumn, shopping is proudly flying the 

flag of talents who are helping to build the 

future of fashion. 

#FIDENZAVILLAGE 

#THECREATIVESPOT

28 TALENTS 

WOMENSWEAR 

MINIMAL TO 

minimalto.com - @minimal_to 


Clear-cut, geometric lines combined with modern-world contemporaneity, and 

classic fabrics that embrace a more technical spirit. These are the key features 

of the brand founded by Elisa Mazza, Danila Olivieri and Stefano Sberze, 

finalists of Who is on Next? 2017. “Our FW 2017-18 collection honours the 

do-it-yourself ethic and aims to be a defence of authenticity and self-production, 

countering today’s capitalistic inclination. The SS 2018, meanwhile, is 

titled ‘Omnia Vanitas’ and can be summed up by the words of the poet Dino 

Campana: ‘All is vain, vain is dream; all is vain, all is dream’.” 

CECILIE BAHNSEN 

ceciliebahnsen.com 

@ceciliebahnsen 

Denmark - since 2015 

Cecilie Bahnsen draws inspiration from traditional techniques and uses them in new and exploratory ways. Her simple, feminine silhouettes act as canvases for delicate 

embroideries and fabric combinations. Talking about her FW 2017-18, the finalist of the LVMH Prize 2017 reveals that she started with the uniforms of Italian Catholic 

schoolboys from the late 19th and early 20th centuries. “These uniforms are actually dresses, so there’s an intriguing contrast between the femininity of those proportions, 

the layering of shirts and collars, and the masculinity of the precise edges and finishing.” 

MARINE SERRE 

marineserre.com 

@marineserre 

France - since 2016 

J.KIM 

jkim.ru - @j.kim 


This June, Marine Serre was announced the winner of the LVMH Prize 2017. Her FW 2017-18 collection, named “Radical Call for Love”, juxtaposes sportswear cuts 

and aesthetics with the luxury of 19th-century Arabic garments. “I weaved Iranian carpets together with William Morris-esque fabrics rooted in Islamic art. I also 

used the crescent moon as a sort of corporate logo,” explains the French designer. Informed by extensive research in the anthropological photography section of the 

Centre Pompidou Library in Paris, Marine shows how walls, barriers and divisions can be mediated by fashion. 

Jenia Kim comes from a Korean family who emigrated to Uzbekistan, and the 

most important part of her work springs from Asian culture. For example, her 

latest obsession is with Korean dresses. “My FW 2017-18 is based on the aesthetics 

of North Korean military parades. This shines through in the boxy cuts 

of the jackets, in the dresses with collars and in the floor-length coats. 

Everything is very clean and minimalistic,” explains Jenia. “I was also influenced 

by still-life paintings featuring different compositions of flowers portrayed 

against a backdrop of draped fabrics.” 

CHRIS BY CHRISTOPHER BU 

christopherbu.com - @christopherbu_official 


Christopher Bu rose to stardom as the personal stylist of the Chinese actress 

Fan Bingbing. He then started his eponymous label in 2011, while the fusion 

ready-to-wear line called Chris by Christopher Bu was launched in 2012. “My 

designs focus on vibrant, clashing colours, along with fun prints and embroideries. 

For example, the inspiration for my FW 2017-18 came from the circus, 

1960s glamour and a dollhouse playfulness,” says Christopher, who used to 

work as a make-up artist. “The whole collection revolves around jacquard, 

luxurious satins and bonded fabrics.” 

PRIVATE POLICY 

privatepolicyny.com 

@privatepolicyny 


“We see fashion as a medium for reflecting what is going on in the world, almost like a news outlet. We present social and political issues that need to be discussed,” 

state Haoran Li and Siying Qu, who met while studying at Parsons. “For our FW 2017-18, we worked on the theme of globalisation, realising that no 

country could survive without the support of the others. This led us to play with the concepts of separation and connectivity when making the garments.” For their 

SS 2018 collection, the Chinese designers are focusing on the apparent loss of definition in the American dream.

29 TALENTS 

WOMENSWEAR 

Since his MA graduation two years ago, Matty Bovan has seen his career go from strength to strength. Not only did he win the LVMH Graduate Prize 2015, but he 

has also worked with Marc Jacobs, Barbie, Miu Miu and Miller Harris. “My FW 2017-18 evolved out of two obsessions. The first was medieval history, which can be 

seen in specific shapes such as the hybrid hoodie-doublet,” says the British designer. “The second obsession came in the form of sci-fi films set in dystopian futures 

– like ‘Blade Runner’, ‘Dune’ or the ‘Alien’ series – where a faceless corporation is the biggest monster of all.” 

JON MILLNER 

@jonmillner 

USA - since 2016 

MATTY BOVAN 

mattybovan.com - @babbym 

UK - since 2016 

Born in North Carolina, Jon Millner is usually inspired by the distinctive nature 

and landscape of his hometown. But for his FW 2017-18 he looked at the archetypal 

American Southwest: “My collection is quite elemental and presents 

a sense of utility and craft. I also thought about Urge Overkill’s song ‘Girl, 

You’ll Be a Woman Soon’.” His eponymous label is defined by concepts of ironic 

juxtaposition such as structure and fluidity, masculine and feminine, or 

hard and soft. He also focuses on creating pieces that outlast traditional fashion 

cycles, aspiring to influence the approach to modern fashion. 

OTTOLINGER 

ottolinger.com - @ottolinger1000 

Switzerland - since 2015 

BEAUFILLE 

beaufille.com - @beaufille 

Canada - since 2013 

Having encountered art, fashion and design at a very early age, sisters Chloé 

and Parris Gordon now unite their contrasting personalities and aesthetics to 

conceive cohesive collections for their brand Beaufille. “We merge opposing 

elements through texture, simplicity, minimalism and subtle details. For instance, 

in our FW 2017-18 we considered unusual combinations found in nature, 

specifically ombré seaweed transitioning from green to yellow on the 

seashore. Although the silhouettes are bold, they focus on the feminine shape 

through the use of underwire, corsets and box pleating.” 

Christa Bösch and Cosima Gadient met during their studies at The Basel School of Design. Their interest in experimenting with unconventional materials, combined 

with a punk approach to tailoring, is put to use in the creation of the label’s crooked and sexy, tough yet dreamy silhouettes. “In the FW 2017-18, our woman seems 

to have escaped the dystopian world depicted in the comic book series ‘Transmetropolitan’. In addition, the collection wants to communicate an idea of beauty that 

is unconcerned with standardised notions of glamour.” Their SS 2018 will instead be about Capri. 

AFTERHOMEWORK(PARIS) 

afterhomeworkparis.com 

@afterhomeworkparis 

France and Italy - since 2015 

YAJUN STUDIO 

yajunnewyork.com - @yajun_design 

USA/Canada - since 2016 

Yajun Melody Lin’s brand aspires to break all boundaries and expectations in 

garment construction, creating the image of a classy but rebellious girl. “My 

FW 2017-18 collection was inspired by a bandage. I also thought about how 

the body cures itself, for example how it produces cells to heal cuts. To me 

these cells are like the threads of garments, so growing extra cells can be 

compared to growing extra arms in a sweater,” declares the designer, one of 

whose creations was worn by Rihanna during her performance at the VMAs in 

2016. For SS 2018 the key word is time, and the core colour is white. 

“A day in the life with an exploration of pleats, rumples, pigeons and everyday clothes. We looked at what regular people wear in Paris, so there are pieces of shirts 

mixed with tailoring elements, polar fleece, flamboyant ruching and ruffles, and a djellaba slipped over a suit and sneakers,” say Pierre Kaczmarek and Elena 

Mottola describing their FW 2017-18 collection, which projects an original, extravagant and hybrid style. “Inspired by surrealism, our SS 2018 will be very spontaneous 

and direct, with themes rooted in a varied life, paintings, books, phrases and moments.”

30 TALENTS 

WOMENSWEAR 

APNOEA 

maisonapnoea.com - @maisonapnoea 

Italy - since 2017 

GEORGE KEBURIA 

facebook.com/georgekeburiaofficial 

@georgekeburia - Georgia - since 2010 

“It’s a romantic collection that mixes ’70s and ’80s aesthetics. But it’s also a synthesis of heavy and light textiles that reflect a timeless sophistication lying between 

elegance and freshness.” This is how George Keburia describes his FW 2017-18, which also plays with sharp symmetries, exaggerated shapes and pastel 

tones. Thanks to his liberating, bold and youthful style, George designs thought-provoking silhouettes with an intriguing composition of menswear and womenswear 

elements, seeking to represent a new era in which original and eccentric lifestyles meet class and flair. 

“It’s not just a crossroads of innovative materials and mainly Italian craftsmanship, 

but also a new way to imagine our second skin.” This is how the 

collective of six people describe the brand Apnoea, whose art director is Giuseppina 

Pirozzi. In their garments, fine embroideries meet plastic materials, with 

the plastic even becoming a cocoon that protects the clothes. The inspiration 

for their FW 2017-18 collection comes from apnoea, understood as a deliberate, 

momentary pause of life and the passing of time. Their SS 2018, instead, 

starts from a few lines of Elizabeth Bishop’s poem titled “The Fish”. 

SAMUEL GUÌ YANG 

samuelguiyang.com 

@samuelguiyang 


Samuel Yang is guided by an interest in the human form, which he developed from 

his fine-arts background. Working in his multidisciplinary studio in London, he has 

created his FW 2017-18 collection starting from the concept of time. “It examines 

the tension between old and new, while also offering a reinterpretation of Chinese 

culture,” says the designer. He is now building his SS 2018 with a view to Pina 

Bausch’s masterpiece “The Rite of Spring”. “In addition, I’m looking at Japanese 

manga subculture, especially the sailor-inspired school uniform silhouette.” 

MACH & MACH 

@machandmach 

Georgia - since 2012 

For their FW 2017-18 collection, sisters Nina and Gvantsa Macharashvili chose the name “Girls Democracy”. “It’s about a ’90s girl who is free, powerful and determined. 

For example, there are signs proclaiming ‘Private Zone’ and ‘Girls doing whatever they want’. This vision of femininity was inspired by the period when we 

grew up. It was such an inspirational time. There was war but also independence, and from that moment women have become a stronger force in our society. We 

think the 1990s was the most important decade for women’s rights in the USA and Europe, and in Georgia too.” 

IED.edu/fashion-master 

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31 TALENTS 

WOMENSWEAR 

IAMISIGO 

iamisigoonline.com 

@iamisigo 

Nigeria - since 2013 

JUAN HERNANDEZ DAELS 

juanhernandezdaels.com 

@juanhernandezdaels 

Belgium/Argentina - since 2013 

With her fashion label Iamisigo, Bubu Ogisi seeks to demonstrate that African 

culture can be fused with an audacious yet minimal design aesthetic. Accordingly, 

Bubu blends clean silhouettes with visually-textured fabrics and materials. 

“My FW 2017-18 is named ‘/’beisik/’ and explores what is elementary or 

central to anyone,” explains the designer who has recently diversified to multifunctional 

homeware products. “The SS 2018 collection will be devoted to the 

Dahomey Amazons (Dahomey was renamed Benin in 1975, ed.), exploring feminine 

unity and power in a masculine world.” 

Juan Hernandez Daels has developed a reputation for balancing classical aesthetics with radical modernism. His style lies midway between Latin America’s intuitive 

sensuality and the conceptual anti-fashion experimentation which is typical of Antwerp, the city where he graduated. “With my FW 2017-18, I rethought conventions 

to arrive at a new idea of the contemporary suit. The starting point was the image of a 21st-century female dandy,” explains the designer. For his SS 2018, 

meanwhile, he intends to reflect on our consumer habits and how they impact society and ecology. 

ROSEMARI 

rosemari.it 

@rosemari_brand 

Italy - since 2017 

NEITH NYER 

neithnyer.co - @neithnyer 

Brazil - since 2015 

The FW 2017-18 is built as a parallel to the first manga written and drawn by Neith Nyer’s creative director Francisco Terra. Titled “MM83”, the collection is set in 

a dilapidated, phantasmagorical Tokyo. “The clothes play with what people deem acceptable and unacceptable in fashion. They pay tribute to the limits of vulgarity 

by turning it into luxury through sumptuous materials and elegant styling,” states the designer, who also looked at grunge culture. His SS 2018 is inspired by 

the room of a teenage girl, with posters on the wall and love letters in the drawers. 

“Allure and street style are the coordinates that orientate my FW 2017-18. It’s 

a mix of suggestions that intercept a fresh and contemporary femininity. For 

example, maxi sweatshirts are worn on delicate floral silk dresses,” recounts 

the brand’s founder Eliana Riccio. “I opted for soft lines on cotton T-shirts, 

tops, mini satin and cocktail brocade dresses, while I infused more structure 

into the outerwear in wool and shiny material.” Rosemari’s SS 2018 collection 

springs from a strong desire to connect with nature and colour, featuring simple, 

clean silhouettes and soft and fluffy fabrics. 

MATÉRIEL 

materieltbilisi.com - @materieltbilisi 


JANASHIA 

@gvantsajanashia 


“I’m deeply affected by global problems. In my clothes, I reflect not only what I feel, but also what disturbs me,” says Aleksandre Akhalkatsishvili, one of the three designers 

who create their own seasonal and mini collections for the brand Matériel. “For FW 2017-18 I looked at the people around me, at nature and the impact of humans 

on the environment. We human beings actually damage nature, endangering the one thing that allows us to breathe.” As for his use of materials, Aleksandre 

declares his passion for combining solid and light fabrics, with his favourites being wool, silk and organza. 

When designing her FW 2017-18, Gvantsa Janashia took a declaredly eclectic approach: 

“This collection isn’t inspired by one particular theme. I was overwhelmed by 

the aesthetics of futurism with its sharp shapes and metallic colours, but also by 

’80s sci-fi vintage cars such as the futuristic Citroën Karin designed by Trevor Fiore. 

However, I was also influenced by men’s classy leather trench coats from the ’80s, to 

which I then added my personal character. And I even reinterpreted key elements of 

a traditional 19th-century Georgian garment called the Akhalukhi.”

32 TALENTS 

ACCESSORIES 

LE RONI 

@mrleroni 

Paraguay - since 2015 

For his FW 2017-18, Andrea Mondin drew inspiration from the world of hats, but 

also from American costumes of the ’40s and ’50s. “The main themes behind my 

SS 2018 collection, meanwhile, are the 19th-century English style and particularly 

the ornaments on bonnets and hats worn during the Regency and Victorian 

eras,” says the joint winner of Who is on Next? 2017. Before launching his own 

luxury shoe label, Andrea interned at Roberto Cavalli and worked for Dolce & 

Gabbana and Versace. The experiences gained with Christopher Kane and Anthony 

Vaccarello provided important springboards for his career. 

ANDREA MONDIN 

andreamondin.com 

@andreamondin_official 


AESTHER EKME 

aestherekme.com - @aestherekme 

Brazil - since 2016 

The word “ekme” comes from Crimean Tatar and describes a traditional shoulder 

bag, while “Aesther” derives from classicism. Together, and subliminally, the two 

names can be read as “classic bags”. “My aim is to create accessible leather 

goods that don’t overwhelm their wearer, but instead enable her possibilities,” 

explains the creative director and founder Stephane Park, who is now based in 

Copenhagen. “The inspiration for my FW 2017-18 collection, which is entirely 

made with Norwegian napa lambskin, can be found in the rawness of the brutalist 

architecture in my hometown of São Paulo.” 

“I started by making recycled headpieces for myself, or by ripping my clothes 

apart to go out clubbing,” recalls Le Roni Sachelaridi, who has no formal training 

in fashion and was a finalist at ITS 2016. “Now I get the materials from my 

travels, antiques shops and the Internet. My favourites are definitely feathers 

and Swarovski crystals.” For his FW 2017-18 collection he was inspired by the 

life cycle that all living things undergo: being born, growing up, getting old and 

dying. “For my SS 2018 the key idea is negative space, but also the sculptures of 

Gian Lorenzo Bernini and Henry Moore.” 

Accessories 

“The current challenge is to bring the concept of elegance into the now, by 

combining traditional codes with new and unexpected materials. At the same 

time, Amanti is a brand that constantly seeks to strike the right balance between 

its global traits and its typical Italian design,” says Filomena Manti, a 

finalist of Who is on Next? 2017 who began her career by studying ethnography. 

“Radios playing The Who and The Rolling Stones, and girls wearing short skirts 

– these were the main sources of inspiration for my FW 2017-18 collection, 

while for SS 2018 I thought about Paris in the 1920s.” 

AMANTI 

amanti.cc - @amantiofficial 


MARCO PROIETTI DESIGN 

marcoproiettidesign.com 

@marco_proietti_design 


A lover of unusual colour combinations, Marco Proietti is obsessed with the 

quality of every detail and finds inspiration in music, cinema and design. 

“With my shoes I want to dress women’s souls,” says the finalist of Who is on 

Next? 2017. “I named my FW 2017-18 collection ‘Rock Deco’, and it mixes 

black, gold, red and brandy brown. I also used lace-up details and studs of 

different shapes. My SS 2018, titled ‘Disco Vertigo’, is characterised by vibrant 

orange, elegant emerald and candy rose, but it also includes a leopard texture, 

boules accessories and Swarovski crystals.” 

Unexpected and extreme forms go hand in hand 

with classic and minimal designs, while feathers, 

leopard prints and crystals accompany 

leather, horn and carbon fibre. The aim is to elevate 

the chemistry between silhouette and texture. 

And the inspiration comes from various periods, 

such as the Early Middle Ages, the Regency 

era or the 1970s, and from different fields including 

cinema, music and manga. The result is 

a synthesis of what these designers find special, 

for pieces that enable their wearers’ possibilities 

CAROLIN HOLZHUBER 

carolinholzhuber.com 

@carolinholzuber 

Austria - since 2014 

ROBERTO DI STEFANO 

roberto-distefano.com 

@robertodistefano_official 

Italy/Switzerland - since 2017 

“I always try to create new structures or develop unusual shapes,” says Carolin Holzhuber, whose favourite material is leather. “I love the smell of skins, their 

longevity and the freedom they grant you. But I also like to use wood, cork, metal wire in silver or copper, and carbon fibre for the soles.” Her FW 2017-18, called 

“(Un)cover”, is all about nudity. “This collection brings into play the policing of women’s bodies and the control that women are subjected to regarding their sexuality. 

SS 2018 will be named ‘Current Curvature’ and it will include plenty of rounded shapes,” explains the Austrian designer. 

Roberto Di Stefano, a finalist of Who is on Next? 2017, draws inspiration from 

intelligent and creative women, alongside contemporary art and music. His 

pieces are a synthesis of the things he finds special, with a penchant for the 

eclectic and the understated. “My FW 2017-18 collection features a few models 

developed in variants that explore materials and colours. For example, I 

chose a leopard print in pony-skin leather and combined it with rigorous 

shapes and even plexiglas,” explains the designer. “SS 2018 takes you on a 

journey through and above a conceptual labyrinth.”

33 TALENTS 

ACCESSORIES 

No words, no logo and nothing that identifies the glasses. This is one of the key 

features of creations by Delirious, whose frames are in Indian water buffalo horn, 

Japanese titanium and beta titanium, and acetate made with cotton fibre. The 

brand has also signed a contract with Zeiss and uses polarised lenses with five 

antireflective layers, as well as oleophobic, hydrophobic and anti-scratch treatments. 

“Simple lines and minimal art underpin my FW 2017-18 collection. Inspiration 

for SS 2018, instead, came from the Inuit, who are considered the inventors 

of sunglasses,” says the designer Marco Lanero. 

OKHTEIN 

okhtein.com - @okhtein 

Egypt - since 2014 

DELIRIOUS 

deliriouseyewear.com 

@deliriouseyewear_com 


Siblings Aya and Mounaz Abdelraouf launched their Okhtein brand with the aim of bringing true luxury to their home country while drawing international attention 

to the refinement of Egyptian artisanship. In addition, they collaborate with several local NGOs that provide assistance to skilled female workers facing considerable 

financial hardship. “Our FW 2017-18 collection, which is called ‘The Nubian Pharaoh’, is inspired by Nubian-African rope necklaces,” explain the two sisters. 

“SS 2018 then moves on to explore the intricate details of doorknobs crafted during the Fatimid dynasty.” 

HIROKI KATAOKA 

hirokikataoka.net - @hiroki_kataoka 

Japan - since 2016 

MANFREDI MANARA 

manfredimanara.com - @manfredi.manara 


After working as a 3D designer, Hiroki Kataoka decided to dedicate himself to handcrafted shoes. “Before I established my brand, I won the 2015 Artwork Award at 

ITS, a prize given in partnership with Swatch,” recalls the designer. Today his creations combine street fashion with Japanese geek culture, introducing elements 

of animated cartoons and manga. “For my FW 2017-18 I did some experiments to give the materials an extreme form. And with my SS 2018 collection I even try to 

change the impression of the shoes, while also replacing the materials that are normally used in this sector.” 

Born to an Italian father and an Argentinian mother in Monaco, Manfredi Conti 

Manara offers a poised and delicate vision of the most revered of accessories: 

the high-heeled shoe. His collections feature classic shapes that focus on 

slenderness and femininity, most of which are embellished with custom-made 

passamenterie, flaunting intricate fabric trims on lavish designs. “The main 

inspiration for my FW 2017-18 is the inside of a tapestried boudoir, or a velvet-lined 

jewellery box,” explains the designer. “SS 2018 is about decorative 

elements in fine patisserie and baroque interiors.” 

YIRANTIAN JEWELRY 

yirantian.com - @yirantian_official 


NICO GIANI 

nicogiani.com - @nicogiani_official 


Yirantian Jewelry is the jewellery line behind the brand Yirantian. “Asymmetry, 

irregularity and intriguing forms are the elements that characterise our designs,” 

says Yirantian Guo, who works together with Wei Zhong. “During the 

development of our FW 2017-18 collection we were largely inspired by the 

works of Jean Arp. We took the irregular lines of his paintings and enriched 

them with the textures and shapes of natural stones. SS 2018 will continue 

with the same mindset, fusing special materials with interesting forms. Our 

aim is to elevate the chemistry between shape and texture.” 

Sharp silhouettes inspired by Kiraz’s series of drawings “Les Parisiennes”, hard-edged shapes and colours taken from ’50s and ’60s interior design, and vibrant 

post-rock hues are all wrapped in a surrealism and reverie influenced by the world of singer Petite Meller. “For my FW 2017-18 I looked at design from the ’60s and 

’70s, sculptural forms, bright tones and materials such as velvet and vinyl-effect leather,” says Niccolò Giannini, the joint winner of Who is on Next? 2017. “The 

leitmotif of my SS 2018 collection is the swimming pool. That’s why I also thought about the paintings of David Hockney.”

34 TALENTS 

MENSWEAR 

BODYSONG 

bodysongbodysongbodysong.com 

@bodysong_ 


DELADA 

delada.net - @delada_ 


“Travel is my main source of inspiration. I take pictures to record what I love, 

and when I get home I jot down graphic designs based on what I saw.” After 

working for Miyake Design Studio, Shunsuke Aoki set up on his own to develop 

art, design and fashion projects with improvisation as a guiding principle. He 

also collaborates with international musicians and artists including Steven 

Klein and Lady Gaga. The inspiration for his FW 2017-18 collection is “Kachofuei”, 

referring to the description of nature in poems. His SS 2018, instead, is 

about remodelling and reconstruction. 

Lada Komarova’s collections are produced in Italy and the UK, while her creative method involves tapping into past memories. “My Collection 2 is rooted in nostalgia 

for my childhood in Russia,” says the designer about her FW 2017-18, which was launched with a SHOWstudio fashion film directed by Rei Nadal. Her SS 2018 

Collection 3 draws inspiration from smugglers’ journeys and their ingenious clothing, starting with the tumultuous 1990s and the fall of the Soviet Union: a time 

of political change and euphoria, but also of economic disaster rife with black-market trading. 

LOH APPAREL 

@l.o.h.apparel 

Belarus - since 2016 

“My creative process is different every time. Sometimes I get inspiration when I 

sleep, sometimes I start from materials, and sometimes I just meet with friends 

and have the idea to create some clothes for them.” Yolly Darkovich, who lives 

in Minsk, recently won a special mention in Russia’s New Names in Design 2017 

contest. The inspiration for her FW 2017-18 collection comes from Shanghai, 

the Brazilian writer Jorge Amado, Erik Satie and the musical band Otstoy. Her SS 

2018, instead, is influenced by the English illustrator Aubrey Beardsley, the 

Russian designer Asiya Bareeva and the poet Joseph Brodsky. 

Tapping into memories, studying the construction 

of human beings or machines, merging 

streetwear with high fashion. On a mission to 

craft a new male identity. These are the sources 

of inspiration for the menswear collections, 

which embrace genderless clothing and onesized 

garments suited to both big and slim bodies. 

But also a new glam with splendid embroidery 

and fine details. The materials? Different 

wools, cotton, denim, faux fur, shiny fabrics and 

rubber. And all with a new sustainable approach 

LANDLORD 

landlordnewyork.com 

@landlordnewyork 


“Dennis Rodman was my muse in designing FW 2017-18, but I also took inspiration 

from Joseph Beuys, Pen & Pixel album graphics and Southern hip hop. Another 

reference was the Italian footwear brand Mauri, which many of my favourite 

rappers wore in the late ’90s.” Brooklyn-based Ryohei Kawanishi, born in Tottori, 

Japan, started his menswear label with a US military uniform factory in 2015, 

and he has since developed a contemporary, casual and sporty aesthetic rooted 

in army style. “My creative process starts with an intuition for each season, and 

then I turn it into reality with natural and artificial fabrics.” 

BLINDNESS 

blindnessstudio.com 

@blindness_official 


OMAR 

omar-haus.com 

@_omarhaus 


“Pink isn’t only for girls. It’s not a matter of gender. We should all be and do what we want. If you want a beautiful thing, just get it!” This is the explanation of the 

SS 2018 collection called “Find Your Identity” by Shin KyuYong and Park JiSun, the designers behind the Blindness brand and semi-finalists in the LVMH Prize 2017. 

Their philosophy largely centres on bringing glam to menswear with splendid embroidery and fine details. For their FW 2017-18, rock stars of the past were the main 

source of inspiration: “We were especially attracted to the glam-rock style of David Bowie.” 

“I usually take inspiration from a concept and let my mind wander. Then I start 

translating this into shapes with lots of sketches that become clearer and 

clearer.” Omar Nardi, from Modena, experiments with the visual and performance 

arts, conceiving poetics focused on the body and carnality. For his FW 

2017-18, called “Dephormography”, this fashion graduate of the Royal Academy 

of Fine Arts in Antwerp was inspired by Oliver Sacks’s book “The Island of 

the Colorblind” and drawings by Hans Bellmer. His SS 2018, instead, is 

steeped in the atmosphere of Isabella Santacroce’s novel “Destroy”.

35 TALENTS 

MENSWEAR 

AMIRI 

mikeamiri.com - @amiri 


SELFMADE 

selfmadebygianfrancovillegas.com 

@selfmadebygianfrancovillegas 


“Music inspires my collections. It changes between seasons, but it’s always rock and roll.” Born in Los Angeles, California, the designer Mike Amiri attributes his creative 

influences to his Hollywood upbringing, surrounded by graffiti artists, skaters and musicians. His first steps in fashion consisted of creating stage pieces for several 

top musical artists. “I love finding suggestions in places like the Rose Bowl Flea Market in Pasadena on the second Sunday of each month. As for the inspiration 

behind my new collections, FW 2017-18 is fuelled by neo-grunge, while SS 2018 looks at Venice Beach in the late ’90s.” 

The brand name originates from the designer’s childhood in Florence, as the son 

of an immigrant Filipino mother who didn’t enjoy a privileged upbringing. Gianfranco 

Villegas – with a special mention at Who is on Next? 2017 – developed 

a passion for fashion at the age of 14, before graduating from the Polimoda 

fashion school in 2013. Conceptually, his brand mixes Italian luxury with Filipino 

American streetwear and hip-hop culture, resulting in looks like the oversized 

bomber jacket or the pure-silk parka. The brand’s signature hand-embroidered 

3D graphics are applied in cotton thread with a unique technique. 

HAN CHUL LEE 

hanchullee.com 

@hanchullee_official 


“I’ve tried to give the garments the same construction as the human body, 

machines or functional things,” explains Han Chul Lee, the brand’s director 

and designer. After graduating from Samsung Art & Design Institute in Korea 

and studying fashion menswear at the Royal College of Art in London, he started 

his fashion career as a womenswear designer in Seoul. The inspiration for 

his FW 2017-18 collection is evolution, while for SS 2018 he explored concepts 

of paper, collage, reconstruction and redefinition. His favourite materials are 

wool and synthetic technical fabrics. 

MAGLIANO 

magliano.website 

@magliano.insta 


“I start form the existing, researching and choosing used clothes according to what I think is best suited to each season. It’s like I’m editing the indispensable, and 

always within the world of the great classics. Then I cut and reassemble to create new volumes,” says Luca Magliano, who lives in Bologna and whose favourite 

materials include everything that can be knitted. His FW 2017-18, called “Guardaroba espanso”, unites men’s wardrobe basics, expanding and padding them in 

an original way with feminine details. Meanwhile, his SS 2018 is dedicated to the bachelor’s suitcase. 

BAD DEAL 

baddeal.eu - @baddeal 


JIVIKA BIERVLIET 

jivikabiervliet.com 

@jivikabiervliet 

The Netherlands - since 2012 

Materials, clean lines and playfulness are the key traits of Jivika Biervliet’s style. “Rather than working with seasons, I design one collection per year. And while I’m 

working on it, I start dressing the same way. For my latest one, called ‘Ohm’, I struggled a bit with the idea of using so many colours. I started to wear them and it 

actually felt strange for me, because the way you dress influences the way you feel more than you think. The inspiration for my previous collection, ‘Phone Home 

2.0’, was E.T. the Extra Terrestrial and Michael Jackson for the feeling of being alienated from this world.” 

She writes fairy tales, and he’s a street artist who paints her fairy tales on metro rail 

cars, walls and shutters. With a special mention at Who is on Next? 2017, Bad Deal 

is the brand by Marina Rubini and Zoow24. “Our FW 2017-18 collection, named 

‘Media Surrealism’, is about the paradox of our world filtered by smartphones. 

Meanwhile, our SS 2018 is poised between the ’90s and today, inspired by the contrast 

between motionless monuments and fleeting trains passing by platforms 

without stopping.” Materials include different wools for the jacquards, cotton and 

rubber, and the denim is painted with non-toxic water-based materials.

“Fashion is not just a matter of dresses. Fashion is in the sky, 

in the street, fashion has to do with ideas, the way we live” 

(Coco Chanel) 

ReEvolution 

IAAD lives a constant relationship with its surrounding territory, in a continuous 

interaction based on collaboration and mutual valorisation. 

Turin Fashion Design Week came into existence in this context as a fashion event 

within UNESCO’s “Torino Creative City for Design”, and will take place on the 13th 

and 14th of October 2017, during the first general assembly of the World Design 

Organization in Turin. 

Based on the close cooperation between IAAD and the Pistoletto Foundation, 

the entire event will be characterised by cultural cross-pollination and 

renewal, where fashion and design blend to create catwalk performances 

that revise classic conceptual canons through the attribution of new 

formulas and formats. 

IAAD - THE ITALIAN UNIVERSITY FOR DESIGN 

IAAD opened in Turin in 1978 with the first Italian post-graduate specialisation 

in “Automotive Architecture”, entering a second phase in the year 2000 

marked by innovation and an exploration of international opportunities. Thanks 

to a new Director, Laura Milani, the university launched collaborative initiatives 

with professionals, major companies, associations and public entities in order 

to develop cultural, research and educational projects and internships, all with 

the aim of ensuring constantly updated training of the highest quality. 

Through its partnership with AD Education – a leading French network 

of private schools of applied arts and design – IAAD now has a total of 

seven teaching centres, including five in France and two in Italy, with more 

than 5,000 students, 400 instructors and an integrated teaching system 

composed of over 30 majors of study between Bachelors and Masters 

Degrees. 

IAAD website - http://www.iaad.it 

THE FIRST LEVEL ACADEMIC DIPLOMA IN 

“TEXTILE AND FASHION DESIGN” 

IAAD’s first level Academic Diploma in “Textile and Fashion Design” meets 

the international market’s requirement for professionals who are able to 

represent Italian fashion design throughout the world, exporting its culture, 

style and sensibility. 

Course coordinators are Andrea Bruno – creative director and product 

manager for brands including Ermenegildo Zegna and Versace – and 

Giuseppina Di Paola – fashion designer and founder of the Agata Della Torre 

griffe, whose collections are regularly presented at the Paris Fashion Week. 

The course provides theoretical and practical training for fashion designers 

as well as cool-hunters, professional trendsetters, quality managers, 

communication managers, fashion editors, bloggers and every new 

competence that the fashion sector seeks today.

The event will be held in two distinct phases in Turin and Biella, on October 

13th and 14th, focusing on the new possible interpretations of the relationship 

between fashion, design and art, examining international trends in parallel with 

those emerging from the well-established creative evolution of the two cities. 

The fil rouge, the dominant theme linking the two moments, is the concept of 

“RE-EVOLUTION” declined in all its possible senses: 

• re-think: re-elaborate fashion canons through collections with a strong conceptual 

connotation, where fashion and design merge to create true artistic performances. 

• re-shape: revise shapes and proportions, elaborating collections redesigned 

through new conceptual models. 

• re-live: give a second life to textiles, recapturing and/or recycling dismissed fabrics. 

• re-handmake: show innovative knitwear applications, combining mixed raw 

materials. 

• re-new: renew conceptual models by assigning new meanings to conventional 

style elements. 

• re-create: recreate by designing fashion collections as an expression of 

intellectual regeneration. 

october 

13 

14 

20 17 

www.turinfashiondesignweek.it 

Through the prestigious partnership with AD Education, students engage 

their skills in the Paris fashion system for one week every year. 

Enrolments open 

http://www.iaad.it/fashion-textile/ 

THE MASTER COURSE IN “PHOTOGRAPHY FOR 

COMMUNICATION” 

IAAD’s Master course in “Photography for Communication” is coordinated 

by Pietro Birindelli – an internationally renowned fashion and beauty 

photographer and videographer whose client portfolio includes global 

brands like Burberry, Gucci, Lancôme, Dolce & Gabbana, Chanel and Etro. He 

is currently an entrepreneurial partner of “R&D”, a leading post-production 

house in the world of fashion photography based in London. 

In addition, the Master includes the intellectual contribution of leading 

personalities, including, among others, Lorenza Bravetta, founder of CAMERA, 

the first Italian Centre of Photography based in Turin. 

The Master course aims to train a new generation of professionals by giving 

them an awareness of the entire creative and productive process. 

Starting with photo shooting, followed by editing and finally the creative 

direction of photographic projects, the course focuses on a practical approach 

conceived in order to strengthen the creative skills of future photographers, 

combining a solid technical foundation with the comprehensive development 

of expressive abilities. 

Enrolments open 

http://www.iaad.it/master-photography-for-communication/

38 TALENTS 

MENSWEAR 

Hyun-Min Han, the designer behind Münn, won the Asian menswear section of the International Woolmark Prize 2016-17. An essential aspect for his brand is research 

in materials, particularly wool as it is the ideal fabric for creating tailored jackets. The key concept for his FW 2017-18 derives from “Sing Street”, an Irish 

film all about youth and preppy fashion. “This season, Münn is suggesting undiscovered beauty in the garments via pattern making, the order and system of 

sewing and details.” The SS 2018 collection will be exploring the mass-production package designs of Ikea, Costco and so on. 

Cottweiler’s Ben Cottrell and Matthew Dainty are concept-led designers who 

shared the desire to start an enduring label that would challenge people to think 

about what they wear. In 2016 they won the International Woolmark Prize and 

were semi-finalists in the LVMH Prize, and they have won the NEWGEN Men 

Award for several seasons. In addition, they also produce films and installations. 

Their FW 2017-18 is based on cultural geography, concentrating on artificial 

nature in our modern environment. SS 2018, meanwhile, starts from the optimism 

and escapism of off-the-grid desert communities. 

MÜNN 

munnseoul.kr - @munnseoul 


COTTWEILER 

cottweiler.com - @cottweiler 


“We usually start with an emotion that we both find inspirational. Everything else 

comes naturally,” explain Dan Liu from China and Shan Wong from Hong Kong. 

Their brand was chosen to take part in the Labelhood fashion platform in partnership 

with GQ China during FW 2017-18 Shanghai Fashion Week. Inspiration 

for their FW 2017-18 comes from the artist Bas Jan Ader’s powerful images of 

himself crying. “Seeing male vulnerability is still so provocative in its rarity,” say 

the designers. “For our SS 2018, we’re using the clothed male body to explore 

how masculinity is formed and unexpressed by school uniforms.” 

GMBH 

gmbhofficial.com 

@gmbh_official 


DANSHAN 

danshan.co.uk - @danshanstudio 


“Our name GmbH is the anonymous legal term of any corporation in Germany, equivalent to Inc. or Ltd. We’re a corporation.” Shortlisted for the LVMH Prize 2017, the 

brand founded by Serhat Isik and Benjamin Huseby is a creative collective within a wider network of collaborators in Berlin, including artists, musicians, DJs and 

writers. “With an industrial design aesthetic and skills, we focus on the gap between high fashion and streetwear, aiming for immaculate quality, high-end fabrics 

and perfect pattern cutting, all produced in Berlin. We want our clothes to be as accessible as possible.” 

MILANO140 

milano140.it 

@milano140 


Finalists of Who is on Next? Uomo 2017, Stefano Ghidotti and Michele Canziani mix influences from different worlds, with constant artistic and architectural references. 

Their FW 2017-18 is a contemporary revisiting of the male wardrobe of the past, featuring overlapping graphic checks, unfinished seams and technical 

fabrics that combine practicality and style. “For SS 2018 we looked at Howard Hughes, the pilot and American aviation tycoon,” explain the designers. “This led to 

shapes with constructed and functional yet relaxed volumes, as well as a juxtaposition of solids and voids.” 

CHARLES JEFFREY LOVERBOY 

charlesjeffrey.net - @_charlesjeffrey 


Glaswegian designer, illustrator and radical creative Charles Jeffrey, aged 26, is 

soundly in the fashion limelight, having already scored an LVMH Prize nomination, 

a collaboration with John Galliano for LOVE’s Margiela archive shoot, and a 

cover for The Sunday Times’s Style magazine. To quote Dazed, he is “the ringleader 

of London’s next generation of club kids”. Explaining his next collections, he 

says, “FW 2017-18 goes full fantasy between asteroids, celestial creatures and 

a near-mythical Celtic race of warriors and rebels. SS 2018 is an orgy, a Hogarth 

portrait, an erratic scribble, a secret garden.”

39 TALENTS 

MENSWEAR 

LUDOVIC DE SAINT SERNIN 

ludovicdesaintsernin.fr 

@ludovicdesaintsernin 

France - since 2017 

Born and raised in Tokyo, Kozaburo Akasaka studied at London’s Central Saint Martins before obtaining his MFA from Parsons in New York. He took part in the VFiles 

Spring/Summer ’16 show and won the LVMH Special Prize 2017, and his aesthetic is heavily influenced by music subcultures. “I’ve never been one to do 100 sketches 

of something. I start with fabric manipulation and the initial idea can change quickly and repeatedly. The inspiration for my FW 2017-18 collection was the Bakohan: a 

broken Japanese porcelain bowl fixed with staples. My SS 2018 develops from my personal view of globalism.” 

CHEN PENG 

chen-peng.com 

@chenpengstudio 


KOZABURO 

kozaburo.com 

@kozaburoakasaka 


Ludovic de Saint Sernin is a French designer who lives between Paris and London. 

Having spent the first eight years of his life on the Ivory Coast, he draws on 

this background and his love of travel when designing. For his debut SS 2018, 

presented during Men’s Fashion Week in Paris, he adopted an artisanal approach 

to his creations, which are designed for both men and women. When casting, he 

works with friends and acquaintances, as well as using street-casting, specifically 

choosing models who eschew the norm. This first collection is an autobiographical 

representation of his own coming-of-age story. 

MALIBU 1992 

malibu1992.com 

@malibu.1992 


BODE 

bodenewyork.com 

@bodebodebode 


Chen Peng’s work can be defined as one-sized fashion, resulting from a study 

of different body sizes to create clothes that are suitable for both big and slim 

people. “If social equality is an ideal state that is still a distant dream, onesized 

fashion may implement the concept of equality in advance,” says this 

finalist of the H&M Design Award 2017. His FW 2017-18 focuses on quilted 

puffer coats, while his SS 2018 draws inspiration from life jackets, presenting 

warm-weather coats in high-tech waterproof fabrics with silhouettes that step 

away from his previous cocoon shapes. 

“Every collection starts with an exploration of my family’s stories. Since I’m inspired 

by the value of historical crafts, I work with vintage fabrics to bring out 

their emotional qualities. My goal is to create timeless garments that will be 

passed down and loved for generations,” says Emily Adams Bode, who was 

chosen for the CFDA’s Platform 3 Emerging Designer Space. Her FW 2017-18 

meditates on conversations between her grandparents and their four daughters. 

And for SS 2018, she envisions a symbolic relationship with the grenier, or 

attic, that spans generations of her uncle’s family in the South of France. 

Dorian Stefano Tarantini is a Milanese DJ, designer and influencer, and has 

been creative director of the world-famous Club Plastic for over a decade. His 

Malibu 1992 brand began as a visual project halfway between video clips and 

mix tapes, and later it came out with its first fashion and jewellery collections. 

The FW 2017-18 is inspired by house music, techno, the renowned Cocoricò 

dance venue and Crystal Waters. Describing his SS 2018, the designer says, 

“It’s 6:00 am on Sunset Boulevard: a metaphysical geolocation with a convergence 

of surf, religion, luxury, melancholy, fitness and youth.” 

WRAD 

wradliving.com 

@wrad_living 


“Wrad is a brand with purpose, an innovator and a cultural movement. Its mission 

is to catalyse the rise of liveable fashion by inspiring people to express intangible 

values through tangible things,” says the co-founder Matteo Ward describing 

the concept behind the brand. “There are on-going revolutions thriving 

on a spiritual, social and environmental level. We asked ourselves what the role 

of fashion is in all of this. And the answers became our source of inspiration.” 

One of their creations, a T-shirt called Graphi-Tee dyed with wasted graphite 

powder, was awarded the Red Dot Design Award 2017. 

KANGHYUK 

kanghyuk.net - @_kanghyuk 


Kanghyuk Choi has emerged as one of the most talked-about graduates from London’s Royal College of Arts MA course of 2016, thanks to his fresh contemporary 

silhouettes, fine conceptual tailoring and skilled craftsmanship. The collection is realised with airbags, which are manually disassembled from their air cylinders 

and reused in their pure original pattern. Some garments can require the use of up to 15 airbags. Through D /Ark, right after graduating Kanghyuk landed a very 

special collaboration with Machine-A in London, SHOWstudio online and H. Lorenzo in Los Angeles.

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THE FASHION 

INDUSTRY 

www.domusacademy.com 

DISPLACEMENT project by Ekaterina Okhotnikova, 

Master in Fashion Design 2016.

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FASHION HUB MARKET 

20-25 SEPTEMBER 2017 

FROM 9 AM TO 7 PM 

FOTO © MICHELE DE LUCCHI’S ARCHIVE 

PIAZZA GAE AULENTI

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Vogue Italia N805 Settembre 2017

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