TRAKS INTERVIEW #6

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INTERVIEW
Numero 6 - ottobre 2017
Oscar di Mondogemello
canzoni per me
Panama
Malmö
Giacomo Toni
Orson
Jack Adamant
Maione
Marco Kron

sommario
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Oscar di Mondogemello
Panama
Jack Adamant
Malmö
Maione
Giacomo Toni
Marco Kron
Orson
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senza alcuna periodicità. Non può pertanto
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TRAKS INTERVIEW
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OSCAR DI MONDOGEMELLO
Fotografie di Francesco Zeno Boni
www.fboni.it
ho cominciato a fare
canzoni per me
Ivan Borsariè un talentuoso cantautore modenese classe ’81 che, dopo oltre
vent’anni da batterista per diverse formazioni locali decide di incarnare le
vesti del songwriter e il risultato è un cantautorato italiano atipico, costruito
con synth, chitarra e loopstation. Il suo ultimo album è “Nero”, in uscita
per Tempura Dischi/Porcoggiuda Music File: composto da nove brani che
rappresentano un’evoluzione sonora e stilistica molto distante dai precedenti
due ep (Senza titolo e Miele). Caratterizzato da un suono distorto il disco
porta con sé atmosfere cupe e molto intense. “Nero” è stato prodotto e mixato
da Gabriele Riccioni.
Sono passati un paio d’anni dall’ultimo
tuo ep, ma musicalmente si sente
uno stacco molto grande. Che cosa è
successo e che cosa è cambiato per te
da “Miele” a “Nero”?
Ho semplicemente smesso di fare canzoni
per altri e ho cominciato a farle
per me. Il cambiamento di suono ne è
la conseguenza. Effettivamente ci ho
messo più del previsto, ma ho dedicato
molto tempo alla scrittura e alla ricerca
della giusta sonorità per ogni pezzo.
Il disco suona molto acido e tirato,
quasi carico di risentimento. Puoi descrivere
le sensazioni che hanno ispirato
le canzoni dell’album?
Me lo dicono tutti quello che l’hanno
ascoltato. In realtà sono molto ironico,
e chi mi conosce lo sa. Le canzoni
hanno tutte più livelli di lettura, e mi

piacerebbe che la gente si sforzasse
di ascoltare e capire. In ogni caso,
l’ispirazione arriva soprattutto da
quello che mi succede, e da quello
che vedo succedere. Io cerco di raccontarlo
con una sorta di macabra
ironia. Ecco.
Per vent’anni hai fatto principalmente
il batterista, perciò immagino
che le tue canzoni abbiano una
nascita e un’impostazione un po’
diverse da quelle del cantautore
classico. Hai un metodo di composizione
standard oppure è variabile?
Qual è la tua routine compositiva
tipica?
Ho da sempre suonato la chitarra,
e in tutti gli anni durante i quali ho
suonato la batteria ho sempre continuato
a suonarla e a scrivere pezzi
per me o per i gruppi in cui suonavo.
La mia struttura compositiva è
principalmente dettata dalla loop
station, cioè qualsiasi riff io scriva
per un pezzo, deve necessariamente
incastrarsi melodicamente e ritmicamente
con quello che c’è prima e
quello che viene dopo. Idem per le
batterie. Di base parto da un giro
scritto improvvisando, e su quello
lavoro. Altre volte invece parto dal
testo e da una melodia vocale.
Hai fatto la scelta di lavorare da solo
anche in questo caso, fatta eccezione
produzione e mix di Gabriele Riccioni.
La tua scelta di “isolamento” è una
scelta pratica oppure “ideologica”, per
preservare le tue canzoni da interventi
esterni?
Per quanto riguarda la scrittura preferisco
fare da solo, anche perché è un
processo molto stratificato, in cui ogni
parte resta a stagionare qualche tempo.
Per quello che riguarda la produzione
invece la mia è una scelta fondamentalmente
economica. A me piacerebbe mol-
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to andare in studio per due mesi a registrare
tutto come si deve, sperimentare
suoni nuovi, e così via, ma non lo posso
fare, quindi mi arrangio. La scelta di
includere Gabriele è una sorta di eccezione,
cioè è una cosa che avrei fatto
solo con lui, perché siamo musicalmente
sulla stessa lunghezza d’onda, e sapevo
che avrebbe dato qualcosa in più
al disco che io da solo non avrei saputo
dare.
Stesso quesito riguardo al live: anche
dopo questo disco ti presenterai in
concerto da solo oppure ti farai aiutare
da qualche musicista?
Per i live dovrei essere accompagnato
da Gabriele al basso, ma è ancora tutto
in costruzione.
Come nasce “Canzone”?
“Canzone” è nata in un momento di
frustrazione pesante. Continuavo, e
continuo, a vedere gruppi improponibili
che suonavano ovunque, gruppi super
pompati che visti dal vivo sembra che
sia la seconda volta che prendono in
mano uno strumento. Il ritornello spiega
tutto.
Un’altra canzone che mi colpisce molto
e a proposito della quale vorrei sapere
di più e “Ora”
Ora, anche se non sembra, descrive la
routine della mia giornata, in cui mi
alzo, mi vesto, suono e faccio la spesa.
Nel finale ho deciso di usare una parte
di un radio dramma rai di un’opera
di Sartre per descrivere la parte del
giorno in cui lavoro. “A Porte Chiuse” è
un’opera del ‘44 in cui il protagonista si
risveglia all’inferno, che non è esattamente
il posto che si immaginava, infatti
è semplicemente una stanza in cui
si trova costretto a passare l’eternità
con 2 donne che odia. La sua conclusione
è che i “l’inferno sono gli altri”.
Puoi indicare tre brani che ti hanno
influenzato particolarmente?
Whores - I See You Are Also Wearing A
Black T-Shirt
Melt Yourself Down - Dot to Dot
Maserati - Monoliths
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PANAMA
spirito, filosofia, anfibi &
sovrastrutture
“Piramidi” è il suo primo album, dopo anni insieme al gruppo degli Entourage.
Messinese, classe 1980, artista a 360 gradi: musicista, cantante e
produttore, dall’animo rock ma con la testa sulle spalle, e il cuore rivolto al
cantautorato italiano
All’interno di “Piramidi” hai messo
tutto te stesso, scrivendo, suonando, e
registrando tutto in prima
persona. Qual è stata la parte di cui
ti sei occupato che ti ha emozionato
di più, quella che ti ha reso un
“genitore” orgoglioso di questa
creatura discografica?
Credo di aver sentito l’emozione più
forte quando ho ascoltato tutto il disco
completo, finito! Ed è stata la somma di
tutte le sensazioni che ho avuto mentre
lavoravo su ogni singolo pezzo,
dalla scrittura iniziale al mix finale.

Quando fai un lavoro di questo tipo e
non hai mai ascoltato e suonato prima
con una band i brani, il risultato finale
è davvero incerto. Ma questa condizione
è una cosa che mi stimola molto e
mi mette in gioco con più strumenti,
da più punti di vista e quindi mi piace
e credo che continuerò a farlo! Resta
sempre il fatto che non condividere il
lavoro con un produttore ti mette ogni
giorno davanti a delle scelte importanti
e le sensazioni, le emozioni, quello
che senti è l’unica strada da seguire,
quindi ogni momento di lavorazione ti
dà delle emozioni che solcano un percorso
che poi sarà il disco finale. Tutto
è variabile, non sei legato a una band,
sei libero, e lavorando nascono sempre
nuove sfaccettature che variano in
base a quello che senti e quello che vivi
in quel momento. In questo disco ho
comunque avuto il piacere di collaborare
con Giovanni Alibrandi al violino in
“L’osservatore”, “Come Aria” e “Messina
Guerra e amore”, e Matteo Frisenna
alla tromba in “Hey my (all’improvviso)”.
Hai lavorato per parecchi anni con
il tuo gruppo, gli Entourage, con cui
avete ottenuto diverse soddisfazioni.
Come è nato il desiderio di fare un
album da solo?
Direi che più che un mio desiderio di
fare un disco solista sono stati tanti
avvenimenti e circostanze per cui non è
stato più possibile lavorare tutti insieme
giornalmente, per vari impegni nostri
personali. Inoltre crescendo avevamo
idee diverse soprattutto sulla parte
manageriale di Entourage, sulla promozione
e sul progetto che da quel punto
di vista non è mai stato ben chiaro.
L’unica mia vera necessità personale è
stata quella di continuare a coltivare
questa mia passione e, perché no, questa
mia virtù: suonare e scrivere canzoni,
produrre musica. Poi se costretto
a farlo da solo va bene lo stesso, non
è stato il mio narcisismo ma più una
necessità interiore, spirituale, intellettuale,
sociale a cui non riesco a fare a
meno.
Parlando di una delle tracce del tuo
nuovo album, “Hey My (All’Improvviso)”,
hai dichiarato che “Fare rock
‘n’roll è solo una questione di spirito
e filosofia di vita”, mentre la cresta,
il chiodo e gli anfibi sono solo sovrastrutture.
Ma qual è la tua filosofia,
cosa muove la tua essenza rock?
Sinceramente credo che sia una cosa
che sta ancora maturando dentro di
me, non ha delle coordinate precise
oggi. La mia onestà intellettuale, un
percorso e l’arte come forma espressiva
delle mie idee, come ricerca di un
proprio linguaggio, sono alla base di
questa filosofia e della mia essenza di
uomo e di vita. Il Rock ‘n’ Roll è riuscire
a essere liberi da qualsiasi costrizione
che la società, o chiunque altra persona
istituzione o cosa voglia importi,
liberi da qualsiasi preconcetto ed è
anche stato nel tempo la creazione di
un’alternativa sociale. Se tutto ciò comporta
un modo di vivere di apparire di
vestire all’interno della società diverso,
va bene, è ok, ma quello che conta
poi in fondo è altro, e questo modo di
rappresentarsi potrebbe essere solo un
primo passo! Comunque la mia essenza
deve concentrarsi nel contenuto e nella
qualità di ciò che creo non nel genere
musicale. È vero che i musicisti rock
che piacciono a me sanno essere i più
taglienti, crudi, poetici e capaci di sbatterti
in faccia la verità come in pochi
altri generi accade, però è vero che la
musica deve essere anche un momento
di assoluta goduria per l’animo, per
le orecchie e per la mente, quindi può
essere anche diversa dal rock, la sinfo-
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nica ne è un grande esempio e anche lì
c’è un aspetto poetico secondo me, nonostante
non ci sia un testo narrativo.
Quindi dal rock ho imparato tanto e ne
avrò anche da imparare per sempre,
ma oggi la mia essenza a livello musicale
non è solo quella, è molto varia nel
genere e nella rappresentazione.
“Messina, Guerra e Amore” è il brano
che chiude l’album, e che lascia una
scia di emozioni e riflessioni. Che rapporto
hai con la tua terra? Pensi che
esista un legame tra la possibilità di
fare musica e i luoghi di appartenenza
degli artisti?
Credo nel legame con la mia terra di
origine e proprio attraverso questo
brano me ne sono reso conto e ho chiarito
questa cosa dentro me stesso, ma
se penso alle sonorità mediterranee o
siciliane, direi che sono veramente distante
da quel tipo di idea di musica in
generale, di produzione dei suoni, magari
non nei contenuti ma sicuramente
nella esteticità del progetto. Sono stato
sempre attratto dalle sonorità del nord
dell’ Europa, America e Italia, non so
perché, ma le sento più vicine rispetto
a quelle del sud del mondo, anche
se, per esempio, nel disco e proprio in
Mes”sina Guerra e Amore” c’è anche
una parte che mi ricorda l’Africa e il
blues che proviene dagli afro-americani.
Quindi credo sia un equilibrio
strano, poi ti vivi la vita e se la vivi a
Messina si sente e si deve sentire. Il
territorio sicuramente gioca un ruolo
importante, anche perché la vita che tu
vivi entra nelle canzoni, e a oggi per me
la cosa importante è raccontare la vita
che si vive e trovare la forma giusta per
rappresentare questo tipo di esperienza
attraverso la musica. Per quanto
riguarda la parte testuale vorrei sottolineare
che tutto nasce soltanto dal mio
istinto di sopravvivenza, che spesso per
scuotermi va a toccare dei punti dolenti
inducendomi a scrivere, e questa
volta è toccato alla mia città, Messina.
Non vuole essere né una provocazione
né una paternale. La conclusione a cui
sono arrivato dopo diversi mesi dalla
scrittura del testo è che il motivo inconscio
per cui ho scritto questo brano sta
nel fatto che Messina non “sa” di me,
non ha il sapore di quello che piace a
me, e ciò che mi rimprovero di più è che
io non sia riuscito sino a ora a trasferire
anche un po’ della mia identità in
questa città. Ho preso una grossa responsabilità
scrivendo questa canzone,
ma la musica è anche responsabilità e
cultura!
Alcune delle tue influenze musicali
sono piuttosto riconoscibili ed evidenti,
ma curiosando nel tuo passato ho
trovato alcune cover di grandi cantautori
italiani che mi hanno in parte, sorpresa.
Tenco, De Gregori, De André…
Se dovessi scegliere un artista, su tutti,
che ti ha toccato più profondamente,
chi sceglieresti? E nel panorama
musicale attuale c’è qualche artista
che segui particolarmente?
Negli ultimi anni direi che l’artista che
mi ha più toccato è sicuramente Luigi
Tenco. Credo che attraverso le sue canzoni
lui abbia trovato una sua poetica
molto intensa ed espressiva che a oggi
è ancora attuale, ma anche la sua storia
mi ha colpito in modo importante.
Durante la mia adolescenza e prima
gioventù ciò che invece mi piaceva, mi
attraeva, interessava era altro perché
avevo bisogno del rock allo stato puro:
Led Zeppelin, Black Sabbath, Nirvana,
Sonic Youth, Karate, Radiohead,
Jesus Lizard, Bauhaus, Joy Division,
The Smiths, eccetera… Nel panorama
musicale italiano odierno quelli che
vedo più vicini a me in questo periodo
della mia vita, anche se soltanto in linea
generale, credo siano Maroccolo,
Battiato, Basile, Conte e Canali; a livello
internazionale Nick Cave, Mark
Lanegan, Neil Young, Paul McCartney,
Tom Waits, Roger Waters, Steve Albini,
Leonard Cohen, Jimi Hendrix, Lou
Reed, Brams, Bottesini, Berio, ma anche
altri.
Chiara Orsetti
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JACK ADAMANT
una chitarra cambia le cose
E’ partito da una scatola di latta, è passato dalla Svezia, ha sentito l’esigenza
di tornare a casa e alla fine ha pubblicato “Lunch at 12 since ‘82”,
partendo dallo spunto della sicurezza che regalano le buone abitudini
Puoi raccontare la tua storia fin qui?
Da piccolo volevo costruire una chitarra
utilizzando scatole di biscotti, quelle
dove le nostre madri mettono tutto ció
che serve per cucire. Le avevo perforate
per poterci far passare i fili di nylon.
Come primo tentativo fu un totale fallimento.
Mi serviva una chitarra, l’unico
problema era come chiederlo ai miei
genitori. Alla fine, un po’ con la scusa di
andare da un insegnante di musica, un
po’ facendo perno su qualche falsa promessa,
si convinsero che forse una chitarra
avrebbe cambiato alcune cose.
Avevo una marea di testi, versi e melodie
che potevo sviluppare soltanto
con l’aiuto di uno strumento musicale.
Dopo vari tentativi, giunsi a conclusione
che mi serviva qualcuno che mi
insegnasse almeno le basi, i famosi
quattro accordi. Da qui conobbi Sandro
(l’attuale batterista dei Valerihana) e
ci trovammo nella sua mansarda a suonare.
Nel 2006 avevo rotto da poco con
la band in cui cantavo prevalentemente
cover degli Oasis, Travis, REM, Stereophonics,
The Verve, mentre Sandro
aveva messo su una band grunge. Mi
fu offerto di fare una prova con loro:
aggiungemmo una cover di Ramones,
Placebo e Green Day e cominciammo
a suonare in giro. I Valerihana stavano
prendendo forma, tanto da arrivare
finalmente a comporre pezzi propri.
C’era un problema: il nostro chitarrista
abitava in Svezia, quindi perché
non spostarsi lì? La mia passione per la
musica e l’inglese furono sicuramente
da stimolo a lasciare l’Italia per almeno
un paio di anni. Già ero stato in Svezia
in passato e, ogni volta che trascorrevo
un po’ di tempo li, la voglia di scrivere
e raccontare quello che vivevo e sentivo
dentro di me si potenziava sempre di
più. Nel 2014 esce “Out of regulation”,
il nostro primo album autoprodotto e
registrato a Stoccolma. Seguirono concerti,
viaggi, contest, giornate spese
in sala prove per la rifinitura di nuovi
pezzi e tante idee messe in cantiere.
L’idea del progetto solista nasce dal
fatto che una buona parte delle canzoni
che scrivevo avevano un’impronta
differente. Con la band abbiamo avuto
sempre l’imbarazzo della scelta riguardo
ai pezzi da suonare, ma alcune delle
canzoni che scrivevo non erano molto
adatte a ciò che facevamo. Quindi
pensai che forse con un po’ di lavoro in
più sarebbe stato possibile iniziare un
progetto parallelo a quello della band.
Non volevo lasciare nel dimenticatoio
canzoni che significavano molto per me,
soprattutto nel momento in cui i sono
ritrovato single nell’arco di un giorno e
mezzo, per di più senza un lavoro. Ave-
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vo bisogno di pensare più a me stesso,
mangiavo cibo di merda, non dormivo
la notte e pensavo a come non pensare.
Non ero più convinto di quello che
stavo facendo e lamentarsi non certo
avrebbe aiutato a risolvere tutto questo.
Dopo l’ultimo incontro con i Valerihana
mi resi conto che era arrivato il
momento, dopo quasi sei anni, di tornare
a casa. Erano anni che non passavo
più di una settimana con la mia famiglia.
La situazione era perfetta, nella
mia mente prendeva già forma lo scenario
dell’esordio solista. Avevo bisogno
soltanto di uno studio per registrare e
un’etichetta che mi potesse seguire. In
poco tempo trasformai la mia camera
in un mini studio di registrazione e in
paio di settimane avevo già un’idea abbastanza
chiara di quello che sarebbe
stato “Lunch at 12 since ‘82”. Appena
le prime registrazioni presero forma,
contattai qualche etichetta. Fui molto
sorpreso quando la prima chiamata
arrivò: “Ciao sono Sfefano quello di ARrecordings,
ho sentito i pezzi che mi hai
inviato e sono bellissimi”.
Hai dedicato il disco all’abitudine di
pranzare alla stessa ora ogni giorno
dei tuoi genitori, e in genere ai capisaldi
che tengono unite le persone. Come
ti è venuta questa illuminazione e quali
sono gli altri spunti su cui hai costruito
il disco?
Vivere lontani da casa, a volte, fa dimenticare
da dove veniamo e spinge
spesso a cambiare abitudini. Prende
il sopravvento il posto a sedere
in metropolitana, le corse sulle scale
mobili, l’ultimo del mese e i costi
dell’affitto. Quando torni a casa tutto
questo ti scivola via di dosso, sembra
non appartenerti. Non mi ero mai
soffermato così minuziosamente su
tutto ciò che accadeva ai miei genitori.
Qualche volta me li ero immaginati
seduti a tavola, ma averli visti
in carne e ossa ha avuto tutto un
altro effetto. Quello che ho fatto per
prendere spunto per le mie canzoni è
stato osservare e fotografare per poi
descrivere e spiegare. L’esigenza di
pranzare alle 12 in punto è dettata
un po’ dal fatto che mio padre sia un
operaio, un po’ dalla cultura che sceglie
quell’orario preciso per fare un
punto della situazione su ciò che ci
accade o dovrà accadere. Le aziende lo
chiamano meeting, io lo chiamo “lunch
at 12”, mia madre lo chiama “a tavola
che è pronto”. A parte analizzare quello
che accadeva in quel piccolo mondo
familiare, il tema principale del disco
trova spunto anche in molti episodi vissuti
a Stoccolma, tra tutte quelle bozze
di canzoni che avevo per trovare quelle
che rispecchiassero il tema di “Lunch
at 12 since ’82” pur senza fare direttamente
riferimento a mio padre e mia
madre. Episodi come la fiducia verso
chi ti circonda, l’adattarsi a un tipo di
cultura praticamente nuova, il trasloco,
la voglia di scappare via. È come se
lo stesso istante venisse vissuto in due
posti diversi.
Hai iniziato a scrivere canzoni in italiano
ma poi hai scelto l’inglese:
perché?
All’inizio, un po’ la musica che ascoltavo
- prevalentemente in inglese - un po’
il fatto che tutto ciò che scrivevo suonava
troppo melodico e terribilmente
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sdolcinato mi ha portato a cambiare
qualcosa. Alla fine l´80% del repertorio
che cantavo nelle varie band in cui
suonavo era in inglese, quindi il passaggio
non è stato poi cosi difficile. Ho
vissuto molto tempo all’estero dove la
maggior parte del tempo ho parlato (e
parlo ancora) inglese, oltre allo svedese
e a quella sorta di dialetto avellinese
che uso quelle due volte al mese in cui
chiamo a casa. Quando scrivo qualcosa
lo faccio sempre in inglese perché mi risulta
più pratico, l’italiano è una lingua
troppo complicata. Della lingua inglese
mi piace il suono delle parole e il fatto
che anche un concetto complesso lo si
possa spiegare con parole relativamente
semplici.
Dal punto di vista sonoro hai cercato
di andare un po’ oltre la classica matrice
da songwriter di estrazione folk.
Quali erano i tuoi obiettivi, da questo
punto di vista, scrivendo l’ep? Ritieni
di averli raggiunti tutti?
La mia passione principale è la musica
alternativa. Con i Valerihana mi risulta
più facile sperimentare anche per il
solo fatto di trovarmi in una band, ma
quando si è da soli con una chitarra la
creatività e la fantasia fanno da guida.
Devi fare davvero le scelte giuste altrimenti
sei scontato. Spesso e volentieri
accordo la chitarra in modo differente,
uso molto il capotasto e vado alla ricerca
di accordi che non avevo utilizzato
prima. L’idea, inizialmente, era quella
di dare alle mie canzoni un indirizzo
folk, un po’ alla Neil Young, per intenderci,
senza trascurare l’irruenza delle
chitarre elettriche e del basso. È venuto
fuori, invece, il prevalere degli archi
su tutto, cosa che non mi ha sorpreso
più di tanto e ha semplicemente posticipato
quello che volevo fare in questo
album. Riguardo agli obiettivi, quello
principale era cercare di stare meglio.
La musica mi tiene compagnia quando
sono solo e mi suggerisce cosa dire
quando mi trovo davanti ad altre persone.
Quindi se la domanda è se sono
soddisfatto e felice di questo progetto,
la risposta è sì.
Quali sono i tuoi punti fermi musicali?
Mi piacciono molto i Lemonheads, i Dinosaur
Jr., Bob Mould e i Superchunck.
Queste band sono il fondamento di
quello che faccio, li ascolto in continuazione
e sento che ho sempre molto da
imparare da loro. Nel periodo che ha
preceduto “Lunch at 12 since ‘82” ho
ascoltato molto i Neutral Milk Hotel,
J Mascis e The Cure, che di sicuro mi
hanno dato la giusta spinta nel buttare
giù queste cinque canzoni. Quanto alla
musica italiana, mi piacciono molto Lucio
Battisti, Bruno Lauzi e Pierangelo
Bertoli. L’aver vissuto in Italia di sicuro
mi ha influenzato in ambito di cantautorato
per quanto riguarda la parte
musicale. Una buona ispirazione, però,
viene dall’Inghilterra e dagli USA anni
90’.
Vivi a Stoccolma: che tipo di accoglienza
c’è per il tuo tipo di musica?
Vivo ancora a Stoccolma e devo dire
che apprezzo molto il fatto che qui non
ci si spaventa dinanzi alla novità. Vuoi
farli arrabbiare? Suonagli le cover. Ci
si annoia facilmente nel vedere le cose
ripetersi e il fatto che ci sia un’apertura
cosi forte verso le nuove culture ti fa
capire quanta curiosità c’è nell’aria. La
città cambia velocemente, si riempie
di nuovi luoghi e persone, non passano
un paio di mesi che ti ritrovi in un posto
tutto nuovo. Non è difficile trovare
occasioni per suonare. In tutti questi
anni ho conosciuto molti musicisti e
condiviso tante cose insieme a loro. Ho
aiutato spesso una organizzazione che
si chiama Stockholms Groove, che sostiene
e aiuta gli artisti emergenti. È
davvero motivante poter essere di supporto
a chi come me non desidera altro
che essere ascoltato. Per il momento mi
trovo bene qui, anche se nulla esclude
la possibilità di tornare a casa. Non mi
dispiacerebbe registrare un altro paio
di canzoni nel posto in cui sono nato.
La gran parte del supporto è sicuramente
venuta dalla mia famiglia, i miei
amici e Stefano di AR Recordings che
subisce costantemente i miei discorsi
spesso senza un filo logico.
20 21

MALMÖ geografie post rock
La band campana pubblica il debutto su lp “Manifesto della chimica romantica”
e racconta di atmosfere che richiamano il tema del viaggio e del movimento
perpetuo, con una meta mai raggiunta come obiettivo
Arrivate al primo album forti dei buoni
riscontri del vostro demo e dei numerosi
concerti in cui vi siete esibiti.
Con quali obiettivi e premesse vi siete
accostati al lavoro su “Manifesto della
chimica romantica”?
Per ogni artista arriva il momento di
volersi mettere in gioco sul serio e capire
se quel sogno tanto inseguito possa
diventare qualcosa di più. Il percorso
non è sempre lineare e ognuno ci arriva
o prova ad arrivarci in modi diversi.
Il fattore che più di altri ci ha spinti
a registrare un disco è stata la necessità
di riuscire a suonare in posti che
permettevano alla nostra ingombrante
strumentazione e alle nostre dinamiche
a volte fortissime, di esprimersi al
meglio e per suonare in quei posti, per
fare quel salto di qualità, hai bisogno di
un “prodotto” importante, fatto a regola
d’arte.
Parliamo della scelta dei collaboratori:
che cosa vi ha portato a scegliere
Massimo De Vita (Blindur) per la produzione,
e a spingervi verso i ghiacci
islandesi di Birgir Jon Birgisson dei
Sigur Ros per il master?
La scelta di lavorare con Massimo è
maturata in modo naturale. C’è un
rapporto umano molto intenso prima
di quello professionale. Ha la stessa
nostra sensiblità e lo stesso gusto per i
particolari, per quel tipo di ambienti e
suoni che siamo riusciti a rievocare in
questo disco. Crediamo che sia uno dei
produttori emergenti più bravi in Italia
e il fatto che abitiamo a pochi chilometri
di distanza è una coincidenza fortunata.
Massimo aveva già collaborato
con Biggi per i missaggi e il mastering
del disco dei Blindur e trasferire anche
nel nostro lavoro quei colori e quelle sonorità
tipiche dei posti e dei dischi che
ci hanno ispirato è stata un’opportunità
preziosa.
Praticamente ogni canzone dell’album
parte piano per poi alzare il volume
e terminare con un “fortissimo”:
una scelta programmatica o una situazione
che emerge spontanea dalla
composizione delle vostre canzoni?
I cambi dinamici, i continui crescendo,
i fortissimi e i pianissimi sono caratteristiche
del nostro modo di fare musica
e del post rock in generale. Difficilmente
ci approcciamo alla composizione in
maniera ragionata. Il più delle volte
per noi è molto naturale passare da
momenti di intimità e parole sussurate
a esplosioni di suoni.
Dalle note che accompagnano l’album
è piuttosto evidente che avete lavorato
sulle canzoni con già in mente
l’esecuzione dal vivo, e anzi le avete
già testate in concerto. Come potete
descrivere i vostri live a chi non vi ha
ancora sentito?
Per quanto la produzione di “manifesto
della chimica romantica” sia molto
curata, ci sono davvero pochissime sovraincisioni
o parti che non riusciamo a
riprodurre fedelmente dal vivo. Questo
concetto di avere un disco “veritiero” è
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stato uno dei presupposti con cui, insieme
a Massimo, ci siamo approcciati alle
registrazioni. Durante i nostri concerti
cerchiamo sempre di condurre il pubblico
a un’esperienza che va oltre quella
puramente musicale, il nostro obiettivo
è quello di portare chi ci ascolta nel
nostro mondo, nel nostro immaginario.
Dichiarate che “Jules Verne” è la canzone
alla quale siete più affezionati:
perché e come nasce?
“Jules Verne” è la canzone che racchiude
meglio l’immaginario dei Malmö.
Indubbiamente i libri di Verne hanno
ispirato i nostri
concetti
di viaggio e
di avventura,
la visione
scientifica
delle vita che
è però allo
stesso tempo
romantica
e imprevedibile.
Nel
libro “Viaggio
al centro
della terra”
i protagonisti
si calano
nel vulcano
Sneffels in
Islanda e riemergono
a
Stromboli,
quasi come
se Verne ci
avesse teso
questo filo
tra i Mari del
Nord e il Mediterraneo.
Quali sono i vostri punti fermi, le vostre
band di riferimento?
Ognuno di noi ha un background diverso
che ci ha permesso di arrivare
al sound dei Malmö. Sicuramente le
band storiche del post rock come gli
Explosions in the sky, i Mogwai e i Sigur
Ros sono tra le nostri fonti di isparazione.
Ma anche gruppi quali i Tool,
Radiohead, Cure, U2, passando dal
grunge degli anni ‘90 ai cantautori.
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MAIONE
la speranza del disco immortale
Da solo oppure in svariate combinazioni, il cantautore vanta collaborazioni
eccellenti (Michele Serra, Antonella Ruggiero, Antonio Albanese, Moni Ovadia)
un disco uscito da un anno e un altro in arrivo, con molti sogni a bordo
Dalla nostra ultima chiacchierata
sono passati 6 mesi. Puoi raccontare
che cosa hai fatto dall’uscita del tuo
esordio da solista “Assassini si nasce”
fino a oggi?
Be’ ho fatto diverse interviste radiofoniche
e per la carta stampata, ho avuto
parecchie recensioni, ho fatto concerti,
ho girato alcuni video, e ho fatto anche
performance poetiche, per non tralasciare
questo altro settore a cui sono
molto interessato. Ho tessuto nuove
amicizie e mi sono esibito in piccoli
club, in qualche posto anche solo chitarra
e voce. Però io non amo molto esibirmi
da solo, anche se in parte mi fa
sentire più libero, meno vincolato alle
stesure. Ma quando scrivo un brano lo
penso già come eseguito da una band.
E poi francamente, la presenza di altri
musicisti sul palco mi dà più energia e
gioia. Soprattutto quando ti trovi con
persone che, oltre a essere bravi musicisti,
sono anche amici. Amo molto la
presenza dei tamburi che mi “percuotono”
l’anima e il corpo (adoro la batteria)
e il basso che mi prende allo stomaco.
Per non parlare della tromba, sia quando
barrisce che quando sogna…
Sei sempre attivo con il Rhapsodija
Trio?
Certo, il Rhapsòdija Trio è un punto
fermo. Abbiamo sempre diversi concerti,
adesso stiamo preparando un nuovo
spettacolo, molto particolare, con la
cantante lirica inglese Rachel ‘O Brien.
Con lei, che è bravissima, abbiamo già
collaborato tante volte, ad esempio nello
spettacolo “Luci Taglienti a Nordest”,
di Musicamorfosi, e “EST IS BEST”, di
Equivoci Musicali. Il prossimo spettacolo
sarà tutto incentrato su un mix tra
musica irlandese e gipsy. E’ un’idea di
Rachel, molto fantasiosa e accattivante.
E poi, molto importante, stiamo cominciando
a pensare a un nuovo cd del
trio, sarebbe l’ottavo. Maurizio Dehò io
e Nadio Marenco (ovviamente indipendentemente
dai miei progetti personali)
So che stai lavorando a un disco nuovo.
Puoi anticipare qualcosa?
Si, il prossimo cd è già in cantiere. I
pezzi ci sono, e anche alcune preproduzioni
sono già pronte. Di pezzi ne ho fin
troppi, per un cd, quindi mi toccherà
fare una dolorosa cernita. Scherzo ovviamente.
Ma i brani sono tutti figli e
i figli so’ piezz’ ‘e core, si sa. Per questo
stesso motivo, spero che faccia ancora
un po’ di strada il mio primo cd, AS-
SASSINI SI NASCE. In fondo, è passato
solo un anno dalla pubblicazione!
Sì lo so, siamo nell’era dell’usa e getta,
e i tempi corrono velocemente. Ogni
musicista spera sempre di creare il disco
immortale, ma questo oggi non credo
sia possibile, c’è troppa carne al fuoco,
troppa offerta (se mai questa possa
essere troppa), e troppa frammentazione…
i fenomeni a cui eravamo abituati,
quelli degli anni ‘60 o ‘70, che tutti
ma proprio tutti conoscevano, quasi
senza distinzione di età, gusti, estrazione
sociale… Be’, forse non potranno
più ripetersi. Poi, per quanto riguarda
me, sai, non sono né Roger Waters, né
Morricone. Sono un semplice canzonettaro
e già sarebbe abbastanza riuscire
a vivere di live. Per quanto riguarda il
prossimo cd, ci sarà sicuramente una
continuità nello stile, intendo dire il
mio stile originario, il marchio, quel
non so che che ti fa riconoscere, e che
io credo di avere. Ma le sonorità saranno
un po’ diverse. Ho dato a Giuseppe
Rotondi, il mio carissimo co-arrangia-
26 27

tore, molta più libertà… o forse se l’è
presa da solo? Non l’ho ancora capito
bene, ma va bene. Ha già cominciato a
massacrarmi. Sì, ci amiamo! Nessuno
riesce a starci attorno in quei momenti,
neanche mogli o fidanzate. Volano
i coltelli, figurati gli epiteti. E lui è un
grande tagliatore. Di teste? Forse. Sicuramente
di stesure, e ti ricordo che
è un batterista. Ha una visione più
generale della mia. È uno che ascolta
molto, fiuta tutto quello che c’è in giro,
osa, sperimenta... L’organico principale
sarà sempre basso, batteria e chitarre,
diverse chitarre, che nel cd suonerò io,
poi dal vivo si vedrà. Credo che sicuramente
continuerò a servirmi anche della
tromba. Ci saranno ancora dell’urbano
e del mediterraneo, riff, melodie
strumentali e chitarre distorte, a volte
un po’ cattivelle. Saranno prevalentemente
canzoni, con testi molto curati,
anche se qualche volta devo sacrificare
le parole alla musica. Soprattutto storie
di personaggi. Situazioni di alienazione,
rabbia, contestazione, ma anche
di ironia e divertimento. Anche tematiche
sociali, ma soprattutto storie di tipi
un po’ strambi, per i quali ho una certa
affezione. Amo molto spaziare tra il riso
e il pianto. La malinconia è un elemento
sempre presente nelle mie composizioni,
ma poi mi piace rappresentarla
in maniera coraggiosa, di lotta, di non
rassegnazione. Continuerà a prevalere
l’impostazione rock, forse un po’ più
pop. Ci saranno brani con ritmiche serrate
e aggressive, ma anche momenti
di lirismo, più distesi. Il titolo l’ho già
deciso ma non lo svelo. Non per tirarmela,
ma perché il giorno prima posso
anche cambiare idea… Mi piacciono
molto le armonie melodiche, nel senso
dell’uso di note singole che creino appunto
una sorta di armonie orizzontali.
Ci saranno temi strumentali alternati
a parti cantate. E poi… come ti dicevo,
alla fine la difficoltà sarà proprio nella
scelta dei brani. Sto mettendo lo stesso
impegno per tutti quelli che ho scritto.
Saranno l’orecchio, e naturalmente anche
il cuore, a decidere. E anche la fortuna:
a volte parti in quarta, pensando
che il brano migliore possa essere uno,
e poi alla fine ti accorgi che un altro sul
quale non avevi puntato, invece spacca,
è riuscito il migliore. So già che non
sarà facile. Ma ci proverò.
Hai collaborato in passato con nomi
molto prestigiosi della musica e
dello spettacolo italiano. Quale artista
vorresti che partecipasse al tuo
prossimo album?
Bella domanda. Be’, se mi provochi e
mi assicuri che davvero posso scegliere,
mi piacerebbe la partecipazione di
Adrian Belew. Lo so, esagero, ma per
esagerare ancora di più, in fase di arrangiamento,
in alcuni brani in particolare,
mi sarebbe piaciuta la mano di
Ennio Morricone, e perché non Nino
Rota? Ma di quest’ultimo mi basta la
sua anima e quello che ci ha lasciato.
Non so ancora se ci sarà qualche brano
in lingua napoletana. Sono stato
sempre molto sensibile alle musiche
di autori italiani tra cui appunto
Rota, Morricone, Fiorenzo Carpi, ma
anche Jannacci e altri. Quello che hai
dentro è tuo. Quello che c’è fuori di te
e in cui ti ci ritrovi, lo acquisisci e lo
mescoli... Se vuoi che esageri ancora,
un altro personaggio che vorrei volentieri
nel cd è Marc Ribot, che ho sempre
sentito molto vicino. Comunque
mi dovrò accontentare di me stesso e
fortunatamente del grande Giuseppe
Rotondi,co-arrangiatore, nonché
batterista e fonico. Dal vivo spero di
collaborare ancora con Alex Mandelli,
Marco Parano, eccetera... Intanto il
nastro trasportatore gira…
Clicca e guarda il videoclip di
“Nastro trasportatore”
28 29

GIACOMO TONI tenere la
canzone in officina
“Senso di inadeguatezza verso un ambiente musicale che produce paccottaglie
di sentimentalismi e piagnistei generazionali”: questo il punto di
partenza di “Nafta”, nuovo, notevole e stralunato lavoro del cantautore
romagnolo, tra storie di rallisti, gite a Chinatown, varie ed eventuali
I tuoi primi dischi sono usciti in successione
piuttosto rapida, mentre per
questo è stato necessario più tempo.
Una pausa voluta o semplicemente gli
impegni con live e altri progetti?
Tra un live e l’altro, e la partecipazione
a qualche altro progetto discografico,
mi sono detto che avrei pubblicato soltanto
nel momento in cui avessi trovato
un gruppo di canzoni in grado di esprimere
una nostra proposta di “controcultura”
rispetto alle produzioni indipendenti.
Diciamo che mi sono preso il
tempo per nutrire il mio senso di inadeguatezza
verso un ambiente musicale
che produce paccottaglie di sentimentalismi
e piagnistei generazionali.
C’è un contrasto di fondo nelle canzo-
ni di questo disco, secondo me: suonano
estremamente fluide e sembrano
sgorgare quasi d’impeto. Poi leggo le
note di realizzazione e vedo che invece
arrivano da percorsi mentali spesso
estremamente tortuosi... Mi racconti
come componi e quanto lavori su ogni
composizione?
Mi sono sempre sentito una persona
di scarsa immaginazione, almeno
rispetto ad altri cantautori. Credo
di aver bisogno, per chiudere
una canzone, di molto più tempo
rispetto ai miei amici “colleghi”.
Così quando inizio la stesura di un
testo che in genere nasce sempre
da una libera scrittura, devo dare
una giustificazione letteraria al
prosieguo, perché possa avere un
valore per me e in seguito per un
eventuale ascoltatore. Vorrei che
un testo fosse un’esperienza di dettagli
poetici nascosti in una storia
fluida, all’interno di un paesaggio
e raccontata da un personaggio con
un profilo psicologico definito. Fare
ricerca in letteratura è il miglior
strumento di lavoro per questo scopo,
e tenere la canzone in officina
per almeno un anno secondo me
aiuta a trovare soluzioni impensate
all’inizio.
Molte delle storie che racconti nel
disco sono vere o verosimili. Posto
che sei evidentemente dotato
di un occhio attento per storie curiose,
pensi anche di essere immerso in
un ambiente piuttosto ricco di spunti
“particolari”? La Romagna (e il resto
d’Italia, tipo la Chinatown milanese)
che racconti sembra molto più romanzesca
di quello che appare a un
visitatore medio…
Certe storie bisogna andarsele a cer-
30
31

care. Scrivere soltanto pezzi autobiografici
è una cosa pericolosa perché si
rischia una carriera monotematica e
autoreferenziale. Ho una predisposizione
naturale ad andare in cerca di guai
che spesso mi porta ad accompagnarmi
a persone che hanno storie da raccontare.
Il fatto di non averle vissute in
prima persona mi aiuta a fantasticare.
Direi che la Romagna è un buon punto
di partenza per raccogliere storie di balordi,
con una certa esuberanza festaiola,
propria della nostra gente. Come
dice l’amico Antonio Grammentieri è
“l’inesausto scintillio della provincia”.
E’ il sotto testo di questo disco, un paesaggio
di entroterra nebbioso, novembrino,
anarchico e tragicomico.
Mi incuriosisce anche la scelta di
Franco Naddei come produttore: avevate
già lavorato insieme o era un primo
incontro?
E’ stato lui a registrare le mie vecchie e
acerbissime canzoni, spero dimenticate,
nei primi anni Duemila. Avevo bisogno
di un produttore che conoscesse bene
il mio impatto live. Lo spirito “punk”
che ci accomuna era una garanzia per
fare un disco in controtendenza sonora,
sporco e incendiario, come volevo.
Avevo bisogno di un produttore che non
lavorasse solo per se stesso, che fosse
preparato, con una dose di cuore e una
buona dose di cattiveria. Aggiungo il
fatto che il suo ultimo disco “Radici”, è
un lavoro straordinario che si avvicina
all’idea che mi è cara di “altruismo”
nella canzone.
Mi pare di capire che la canzone in certo
modo più “sofferta” e personale sia
“Il porco venduto che sono”
E’ un pezzo più divertito che sofferto, di
certo è personale. Una scrittura quasi
di getto, colloquiale, dove ho potuto inserire
una serie di cinismi espressivi
che mi sono cari. E’ nata così,
un po’ per sfogo. Son tempi in cui
molti sono ossessionati dal senso
della cosiddetta giustizia, e cercano
negli altri qualcosa di punibile,
qualche macchia, per autodefinirsi
dalla parte dei giusti. Volevo irridere
questo modo di pensare partendo
da una specie di “dichiarazione
di colpevolezza”. Volevo fare
un elogio della disonestà e farlo
mi ha dato un certo gusto.
Quando si parla della tua musica
saltano fuori automatici paragoni
che vanno dal quartetto
“sacro” della musica sghemba
italiana (Jannacci-Gaber-Conte-Capossela)
ai jazzisti alla Dr.
John o Fats Waller che tu stesso
citi, e personalmente ci ho buttato
dentro anche un Tom Waits,
che male non fa mai. Quale paragone
ti onora di più e quale trovi
meno azzeccato?
Sono un amante del repertorio di Jannacci
che per certi versi considero
inarrivabile, la sua poetica è senza precedenti,
e naturalmente è un paragone
che mi onora e mi ridimensiona. Forse
quello che sento più lontano oggi, nonostante
sia stato un amore di gioventù, è
Giorgio Gaber, ma probabilmente perché
non ho particolare nostalgia per la
canzone ideologica.
32 33

MARCO KRON
matematica
della
creatività
Milanese, 34 anni e due grandi passioni: la musica e la matematica.
Dopo diverse esperienze in ambito musicale pubblica “Sfere”, il suo primo
ep, che si muove tra cantautorato ed elettronica
La prima domanda non può che far
riferimento alla tua doppia anima: sei
un cantautore e musicista, ma sei anche
un matematico. Due poli opposti,
che si attraggono e che confluiscono
in “Sfere”, il tuo primo ep. Si fa fatica
a far convivere queste attitudini o hai
trovato il giusto equilibrio?
Nessuna fatica, si tratta di una convivenza
stabile, duratura e perfettamente
armoniosa! La matematica è
alla base di tantissime cose che ci circondano,
dalla natura alla tecnologia,
passando indubbiamente per la musica.
Non esisterebbe una composizione
basata su metrica e intonazione se non
ci fosse la matematica. Detto ciò, ovviamente,
questa non basta a fare di una
persona un cantautore. Ci vogliono creatività,
poesia e una bella dose di fantasia
per riuscire a trovare la formula
adatta a trasferire le proprie emozioni
in musica. E naturalmente a trasmetterle
all’esterno.
I testi delle tracce di “Sfere” trattano
argomenti diversi tra loro: società,
amicizia, morte, infelicità, spiritualità…
Il filo conduttore sembra essere
l’elettronica, che accompagna ogni
pezzo crea atmosfere sospese nel tempo.
Quali sono gli artisti che ti hanno
influenzato maggiormente e spinto a
decidere di renderla così protagonista
nei tuoi brani?
Sarò sincero, mi sono avvicinato piuttosto
tardi all’elettronica in senso stretto.
Per esempio mi piacciono molto
gli Enigma, gli Infected Mushrooms, i
VNV Nation. Ma in realtà da sempre
ascolto molti generi diversi, dai Queen
a Battiato, dai Metallica a De André.
E persino un po’ di classica. Tutti questi
artisti hanno lasciato sicuramente
un’impronta nel mio modo di comporre,
tuttavia credo che abbiano influenzato
la mia musica solo indirettamente.
Con “Sfere” ho trovato un sound che mi
caratterizza per ciò che sono oggi, è stata
una naturale evoluzione alla fine di
un lungo percorso che mi ha portato fin
qui e che a mio parere calza a pennello
con i testi dell’album.
Il processo creativo di un artista matematico
potrebbe essere interessante
da raccontare: come nascono le tue
canzoni? Sei preciso e rigoroso o appunti
dove capita l’idea che arriva?
Al contrario della matematica, le mie
composizioni non nascono grazie a una
“regola”. L’ispirazione nasce da un’osservazione,
da un evento emotivamente
importante, da una sensazione difficilmente
descrivibile attraverso il linguaggio
comune. Mi capita di comporre
34 35

nella mia testa mentre cammino, mentre
sono in metropolitana, mentre viaggio.
In sostanza in quei momenti in cui
i pensieri sono liberi di fare il loro percorso
senza impedimenti o costrizioni.
Per questo motivo, in tutta la mia vita
non ho praticamente mai scritto un
pezzo “a tavolino”. La precisione e il rigore
in ogni caso mi appartengono, ma
preferisco farne uso quando un
brano ha già preso la sua forma
e devo per esempio curarne
l’arrangiamento o trovarne il
suono giusto.
“Flashmob” è uno dei due singoli
che hai scelto di estrarre
dall’ep. Una frase mi ha colpita
particolarmente: “moto di
mediocrità nell’eterno ritorno
all’uguale”. Una visione piuttosto
pessimista del mondo
in cui viviamo, sempre più
distratto e inumano. In che
modo le arti possono aiutare a
svegliare le coscienze dal torpore
in cui sono avvolte?
In realtà non mi ritengo pessimista,
tutt’altro. Se ci fai caso,
in tutte le mie canzoni, anche
quelle che nascono da qualcosa
di triste o deludente, cerco
sempre di trovare un risvolto
positivo. “Flashmob” descrive il
moto omologato delle persone
che sembrano correre tutte nella
stessa direzione e senza una
meta. Ma quello che parla è
l’occhio di un osservatore esterno che si
astrae per un attimo dalla realtà, non
conoscendo quello che passa nell’anima
di ogni singolo individuo, spesso costretta
a muoversi in quel modo senza
volerlo o, peggio, senza farci caso.
Il messaggio che vuole trasmettere il
brano è proprio quello di fermarsi ogni
tanto a guardare dove ci si trova, chi
si ha intorno. Ma soprattutto a uscire
dagli schemi che ci vengono imposti,
perché non saranno quelli a diventare i
nostri ricordi.
Prima di essere l’autore di “Sfere” ti
sei messo alla prova in diversi ambiti:
ho letto che hai fatto parte di un coro
gospel, che hai realizzato cortometraggi
e spot pubblicitari, e hai suonato e
cantato in diverse band in giro per l’Italia.
Che cosa hai imparato da ognuna
di queste esperienze? A quale sei maggiormente
legato?
Sì, è vero, ho avuto la fortuna
di provare tante e diverse
esperienze a livello musicale,
alcune volutamente, altre un
po’ più per caso. Purtroppo non
ho studiato musica come si fa
al Conservatorio, ma la curiosità
e la passione mi hanno
portato a imparare tanto sia
da me stesso sia dalle persone
che ho incontrato. E’ come
quando si fa un bel viaggio
itinerante e si vedono paesi
diversi e tanti volti nuovi.
Al ritorno è difficile dire che
cosa è piaciuto maggiormente,
proprio perché ogni situazione
ha arricchito a suo modo il
bagaglio che ci si porta dietro.
Per esempio i lavori da studio,
come le musiche per cortometraggi
o spot, mi hanno permesso
di valorizzare e affinare la parte
più tecnica da utilizzare per le mie
produzioni. Mentre le esperienze più
“rock” mi hanno aiutato a tirare fuori
la grinta, a superare le paure da palco
e allo stesso tempo a imparare a lavorare
in coesione con altri musicisti dotati
di qualità molto diverse dalle mie.
Forse potrei risultare banale in questo
frangente, ma per motivi diversi mi
sento legato a ogni singola esperienza
che ho vissuto in ambito musicale.
Chiara Orsetti
36

ORSON
una dedica all’acustica
Si autodefinisce “non electric songwriter” e ha pubblicato un ep, “Here”
che mantiene esattamente quello che promette: canzoni dirette e semplici,
voce e chitarra, emozioni e intensità a livelli molto alti
Suonavi nella dream pop ​band ​dei
Barbados, ora ti presenti con un ​disco
da songwriter “non​-​elettrico”: puoi
spiegare com’è maturata la scelta?
​Suono ancora nei Barbados. La band è
viva e impegnata nella scrittura del
primo ​LP. Orson​è nato perché​avevo
dei pezzi scritti durante gli anni che mi
sembravano adatti alla dimensione
voce e chitarra, a un’ambientazione più
intima e personale. Pezzi che dovevano
essere filtrati soltanto da me e ​dal mio
strumento. Ho sempre avuto un feeling
particolare con l’acustica, è la chitarra
su cui compongo tutte le canzoni​e ​che
mi ha seguito in tutti questi anni da
una città all’altra fino al ritorno alla
base, in Puglia, a Corato. Orson nasce
come una dedica alla dimensione acustica,
a quello che ho fatto nelle mie
camerette sparse per l’Italia in tutti
questi anni. Ma c’è di più. Avevo bisogno
di confrontarmi co​n il​palco da solo.
Di salire, imbracciare la chitarra, guardare
in faccia le persone che avevo davanti
e suonare. ​Perché ho sempre
avuto timore e una certa ansia nell’affrontare
un pubblico. Che siano 100
persone o 3, amici o volti sconosciuti​, ​la
sensazione è sempre quella. Mani di
legno e voce rotta. Ho pensato che Orson
potesse essere anche un progetto
terapeutico da questo punto di vista.
Devo dire ​che la terapia funziona anche
se si può sempre migliorare.
Un ​disco nato “in cucina”, con l’aiuto
di qualche amico e di un po’ di vino
rosso: puoi raccontarci qualche altro
particolare delle lavorazioni?
​Versione breve: è una storia di amicizia,
questo è l’unico particolare che ​serve
raccontare. Versione lunga:
Wolfman Bob - aka Roberto Colella -
doveva ​tornare per un weekend a Corato,
il nostro paese ​a 40 km a nord di
Bari. Siamo amici da una vita​, ​mi aveva
confessato che avrebbe portato con
sé un paio di microfoni, di quelli buoni,
un registratore da field recording​​professionale​​e
che gli sarebbe piaciuto
registrare un paio di pezzi. Così l’ho
invitato a cena: ​focaccia, latticini​e una
bottiglia di Nobile di Montepulciano
rubata dalla cantina di mio padre. Poi
è arrivato anche Gino, anche lui di base​
altrove​, a Bologna,anche lui amico da
una vita, anche lui a Corato​per​quel
weekend​. Così​ci ha fatto compagnia,
dato qualche consiglio, ascoltato attentamente.
Faceva molto freddo e invece
di ​andarcene in giro, ​di pezzi ne abbiamo
registrati cinque e non due. Il resto
è tutto dentro quelle ​cinque​tracce.
La title track “Here” sembra frutto di
una malinconia “dolce”: da quali sentimenti
nasce e perché hai scelto il suo
titolo per definire l’ep?
Anche qui ti racconto una storia. Il pezzo
originariamente doveva chiamarsi
“Where”, il titolo doveva fare da contrappunto
alla ripetizione ossessiva di
“Here” durante tutta la canzone, doveva
porre una domanda la cui risposta
poteva essere (ma anche no) trovata
nelle liriche. Poi sono andato a suonare
al circolo Arci La Mescla a Civitavecchia,
il primo live di Orson in assoluto,
e i ragazzi​di là il giorno dopo mi hanno
girato un paio di video. Uno di questi
era quello ​di “Where”. In fase di montaggio
quando lo hanno pubblicato, ho
visto che​era stato
ribattezzato “Here”,
perché ​vallo a capire,
​a loro veniva più
naturale così​. O forse
​perché la dimensione
spaziale è proprio
lì (e qui), nel testo. Allora mi son
detto​,​ok ragazzi, avete ragione voi,
sarà “Here” il nome. Tutto questo è accaduto
molto prima che registrassi o
che avessi un’idea più precisa di quello
che doveva essere il disco.
38 39

Devo dire che la scelta dei ragazzi è
stata molto fortunata perché mi ha
dato la possibilità di legare tutti i​​componimenti,
che sono fatti​di​piccole storie
di provincia​e “Here” si è rivelata
essere ​la breve parola che racchiude​va​
il senso della memoria e dell’appartenenza.
Sulla canzone è proprio come
dici tu, è una malinconia dolce. “Here”
racconta di una rincorsa, quella che ti
fa fare l’inquietudine, che ti spinge ad
andare, a osare, a costruire e distruggere.
E’ il senso del tragico che ne davano
i greci, è una domanda che dentro di
sé ha già la risposta: c’è questa roba
che non riesci a governare ma che ti
muove, in tutto e per tutto. Volevo provare
a raccontarla ed eccola qua, in forma
di canzone.
In alcune canzoni, per esempio “Better
than this” si incontrano passaggi
da un umore all’altro, come se ci fossero
cambiamenti interni. Quali sono le
tue emozioni mentre componi?
Più che passaggi umorali
sono passaggi dinamici. ​Mi
piace nelle canzoni caricare
un certo pathos, di farle crescere
per poi chetarle, e poi
farle crescere ancora​.​ ​Vo​rrei​
dargli la spinta dell’emozione
non solo con le parole ma anche
e soprattutto con la musica.
Scrivo di pancia e quella
pancia, oltre che fisicamente,
voglio riversarla tutta nelle canzoni
cercando di creare un legame forte tra
chi canta​​e chi ascolta.
Per le influenze su canzoni come
“Into Those Nights” ho citato nella
recensione personaggi storici come
Cat Stevens, mentre in altri brani si
può trovare affinità con produzioni
più recenti, come Bon Iver. Quali sono
i tuoi capisaldi e ti piacciono di più gli
“antichi” o i “moderni”?
Sono innanzitutto un appassionato di
musica, e in quanto appassionato non
so darti valori di giudizio rispetto al
tempo. Ho un’inclinazione esterofila,
questo è vero, ascolto davvero poca
musica italiana​​cantata in italiano,
probabilmente è solo una questione di
gusti. Dylan e Bon Iver per me vanno a
braccetto, forse perché entrambi hanno
rivoluzionato il concetto di folk, una
musica molto dura da scalfire, ma il
passato e il presente mi affascinano
entrambi, non saprei scegliere.
Per farti un altro esempio, prendi “The
Hitchhiker” di Neil Young: è uscito
quest’anno ma le registrazioni sono del
1976, lo ha registrato in una notte, presa
diretta, voce e chitarra, con l’aiuto di
cocaina, alcol e sigarette e il fido David
Briggs dietro il mixer. Con le dovute
differenze (e sono tante), è un album
molto simile al mio come approccio, e
suona incredibilmente contemporaneo,
dando nuova vita a canzoni che poi
sono finite in vario modo nella produzione
successiva di Young. Oggi le riscopriamo
così, dirette, senza filtri se non
quello di un paio di microfoni. Chi sono
i miei capisaldi? Oltre a quelli citati
sicuramente gli Okkervil River, Sufjan
Stevens, Arcade Fire (non l’ultimo),
Beatles, Velvet Underground, Neutral
Milk Hotel, Jason Molina, Bill Fay,
Real Estate, Clientele, Grizzly Bear,
Fleet Foxes ma ce ne sono davvero
troppi. Da tenere d’occhio invece: Big
Thief, Andy Shauf, LA Salami, Aldous
Harding hanno tirato fuori roba davvero
molto, molto bella.
Una domanda sulla copertina, contemporaneamente
“psichedelica” e
familiare. Come nasce l’idea?
In realtà l’idea originaria non doveva
essere questa. Avevo intenzione di costruire
una copertina molto calda per
saldare il tema della memoria e così
una mattina sono andato a casa di mia
Zia e ho aperto lo scatolone delle foto
ricordo. Ho trovato molto materiale interessante,
e l’ho raccolto. Poi a casa le
ho sparpagliate sul tavolo della cucina
e mi son detto: però, bello. Ho fatto una
foto, questa qui (vedi foto a pag. 40),
e l’ho mandata a Ivan, il grafico che poi
ha curato l’artwork del disco, sicuro che
sarebbe stata la copertina del disco.
Mi ha fatto cambiare idea, ha preteso
tutte le foto, soprattutto quelle che avevo
scelto per i “video” insieme ad Aldo
Dith, un altro amico e fotografo, e ha
rielaborato il tema in maniera perfetta.
La foto ritrae alcuni parenti e amici
tanti anni fa, in campagna, quando
eravamo piccoli e giocavamo nella pineta
antistante la casa. Quello è il centro
della foto, il ricordo, ed è proprio il qui
di cui parlo; la composizione psichedelica
invece rappresenta molto bene
il filtro della memoria e il focus sul momento.
Per quanto ti sforzi di fare le
cose da solo, alla fine c’è sempre una
dimensione collettiva dell’opera d’arte.
Ho citato vari nomi di amici, ma non
sono abbastanza, ce ne sono molti di
più, tutti quelli che hanno ascoltato in
anteprima, che mi hanno consigliato,
che hanno creduto e che poi hanno
avuto un ruolo nella creazione di
questo ep fatto in casa. Per questo
volevo ringraziare in particolar modo
More Letters Records e Spore Soc
Coop che alla fine il disco lo hanno
fatto uscire e lo hanno reso oggetto
concreto.
40 41

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