23_rivista_ITAeventi

ITA
eventi
n.23
INTERVISTE
LUCIA BLANCO ◗
PAOLO CEVOLI ◗
IVAN COTRONEO
presenta Sirene:
in autunno su Rai1
Terapia di coppia
per amanti
Un film di Alessio
Maria Federici
Nina Zilli
MODERN ART TOUR
Da ottobre nei club italiani

Sommario
in questo numero
8 10 18 22
8 Notes
38
8.I giardini di Sissi in fiore
10. A Siena un capolavoro da scoprire
12.Il vino in Emilia Romagna
14.L’autunno in casa
17 Arte
17.Il lavoro tra identità e illusione/Bologna
18.Quando i fumetti raccontano la realtà/Bologna
22.Un dialogo tra il tempo e il sacro/Aosta
24.Le vibrazioni positive della natura/Milano
26.Appuntamenti
29 Musica
29.Pronto a scrivere nuove pagine
30.Vesto le mie canzoni senza
scendere a compromessi
34.Il mio disco romantico e incazzato
36.Appuntamenti
41 54 61
30
41 Classica
41. Moderna ma fedele all’originale/Bologna
42. Omaggio ad Adriano Guarnieri/Milano
44. Appuntamenti
47 Teatro
47.Uno spaccato del nostro tempo
48. Nuovi protagonisti per un musical da record
54. La Bibbia a prova di “patacca”
56. Appuntamenti
48

Sommario
68 74
ITAeventi
Iscritta con l’autorizzazione del Tribunale
di Milano al numero 335 del 25/10/2013
n.23 ottobre/novembre 2017
Direttore Responsabile
Maurizio Costanzo
Caporedattore
Cristiana Zappoli
61 Cinema
68 Televisione
78 90
61.L’apparenza spesso inganna
62. E se per tradire ed essere
felici servisse un analista?
66. Amori che non sanno stare al mondo
Dove non ho mai abitato
67. The big sick / The broken key
68. Una storia d’amore con le pinne
74 Volti nuovi
74.La ricerca della felicità tra film, Africa e basket
78 Viaggiare
78.Amsterdam: una città per tutti i gusti
84 Riflessioni
Art Director
Laura Lebro
Redazione
Alessandra Arini, Alessandra Cinque,
Clara Dalledonne, Andrea Giuliani,
Margot Rossi, Giovanni Salerno,
Mercedes Vescio
Editore
MediaAdv srl
Via A. Panizzi, 6 - 20146 Milano
Tel. +39 02 43986531
info@mediaadv.it
www.mediaadv.it - www.itaeventi.it
Pubblicità
MediaAdv srl (concessionaria)
Via A. Panizzi, 6 - 20146 Milano
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Stampa
Mediaprint Srl
Via Brenta, 7
37047 San Giovanni Lupatoto (Vr)
finito di stampare in ottobre 2017
84.Dal CETEC all’Opera Liquida
86 Angolo dei consigli
86. Calvizie: le nuove frontiere
della medicina rigenerativa
88. Un aiuto quotidiano per sentirsi meglio
90 Leggere
90.Un viaggio sulle tracce di Banksy
94.Che fine faranno i Cazalet?
96.In libreria
Via Antonio Panizzi, 6 - 20146 Milano
Tel. 02.43986531 - 02.45506260
www.mediaadv.it
KOrE
E D I Z I O N I
Via F. Argelati, 19 - 40138 Bologna
Tel. 051.343060 - www.koreedizioni.it

Notes
I GIARDINI DI SISSI IN FIORE
Tutti i sabati di ottobre e novembre sarà possibile scoprire fiori e gustare frutti provenienti
da tutto il mondo con una visita guidata all’interno dell’universo botanico di Merano
C
ambia la stagione ai Giardini
di Castel Trauttmansdorff
e con essa un mutevole
quadro di luci e ombre riflette
un caleidoscopio di colori tra i più
caldi e fastosi che la natura dispensi.
Il cuore dorato dell’autunno
invade con generosa intensità
l’universo botanico di Merano,
regalando scorci suggestivi
e indimenticabili sulla valle circondata
dalle montagne del Gruppo
di Tessa. I toni del rosso acceso,
arancio e giallo impreziosiscono
in particolar modo l’area dei
Boschi del Mondo, luogo in cui
ora risplendono gli ambienti dell’Asia
e America nelle variopinte
atmosfere di fine estate, quando
l’“Indian Summer altoatesino”
regala un’interpretazione della
natura dolce e solenne. In questa
stagione i frutteti dei Giardini di
Sissi portano a maturazione mele
e pere locali, uva e castagne, che
per la tradizione del “Törggelen”
vengono arrostite sul fuoco in una
padella forata, per dar vita a un
popolare rito conviviale altoatesino.
Ogni sabato di ottobre e novembre
sarà possibile scoprire e
gustare i frutti provenienti da
tutto il mondo con una visita guidata:
i Giardini offrono avvincenti
passeggiate per entrare nell’universo
culturale delle piante e dei
frutti, esotici, mediterranei e locali,
che decorano i Giardini di Sissi
in autunno. I tour verranno coronati
con specialità culinarie e gastronomiche
stagionali di qualità
presso il Ristorante Schlossgarten,
che vanta una splendida vista
sulle montagne circostanti.
Per informazioni:
www.trauttmansdorff.it
I Giardini di Sissi sono anche su
fb: “Trauttmansdorff – I Giardini”
8
ITA EVENTI

Notes
A SIENA UN
CAPOLAVORO
DA SCOPRIRE
Eccezionalmente in mostra
il bellissimo pavimento del
Duomo di Siena, di solito coperto
per motivi di conservazione
S
i tratta del pavimento “più
bello…, grande e magnifico”
che mai fosse stato fatto,
secondo la nota definizione
del Vasari, ed è il risultato di un
complesso programma iconografico
realizzato attraverso i secoli,
a partire dal Trecento fino all’Ottocento.
È il Pavimento a
commesso marmoreo del Duomo
di Siena, abitualmente protetto
dal calpestio dei visitatori ma eccezionalmente
scoperto fino al 25
ottobre. Un pavimento unico,
non solo per la tecnica utilizzata,
ma anche per il messaggio delle
figurazioni, un invito costante alla
Sapienza. La tecnica adoperata
durante i secoli passati è quella del
graffito e del commesso con
marmi di provenienza locale
come il broccatello giallo, il grigio
della Montagnola, il verde di
Crevole, ecc. I cartoni preparatori
per le cinquantasei tarsie furono
disegnati da importanti artisti,
quasi tutti “senesi”, fra cui il
Sassetta, Domenico di Bartolo,
Matteo di Giovanni, Domenico
Beccafumi, oltre che da un pittore
“forestiero” come l’umbro Pinturicchio,
autore, nel 1505, del
celebre riquadro con il Monte della
Sapienza, raffigurazione simbolica
della via verso la Virtù
come raggiungimento della serenità
interiore.
Il percorso completo OpaSiPass
permette, oltre alla visita del Pavimento
in cattedrale, quella al
Museo dell’Opera ove si potranno
ammirare, nella Sala delle Statue,
i mosaici con i simboli delle
città alleate di Siena e le tarsie originali
di Antonio Federighi con le
Sette età dell’Uomo. Per chi volesse
vedere il Pavimento anche
dall’alto, è possibile prenotare
l’itinerario OpaSiPass Plus che, oltre
all’accesso a tutti i siti museali
del complesso, permette la salita
verso la Porta del Cielo. Il pubblico
può, infatti, anche accedere
al percorso dei sottotetti: l’itinerario
verso il “cielo” della Cattedrale
comincia da una scala a
chiocciola inserita dentro a una
delle torri terminanti con guglie
che fiancheggiano la magnifica
facciata del Duomo.
(Francesca Loriani)
Veduta del pavimento
dall’alto. In alto: Matteo
di Giovanni, Strage degli
Innocenti, particolare. Siena,
Cattedrale, Pavimento
10 ITA EVENTI

Notes
IL VINO IN EMILIA ROMAGNA
Appuntamento a Bologna con Enologica, dal 18 al 20 novembre a Palazzo Re Enzo. Con
oltre 100 tra produttori, consorzi e cantine. Tanti i seminari e le degustazioni tematiche
L
’Emilia Romagna raccontata
attraverso alcune delle sue
eccellenze: il vino e il cibo,
le tradizioni e la cultura. Come
accaduto nelle ultime edizioni,
anche in questo 2017 Enologica,
il Salone del vino e del
prodotto tipico dell’Emilia Romagna
è un appuntamento da
non perdere per tutti gli appassionati
di vino e non solo. Ci sarà
il “Teatro dei Cuochi” con gli chef
che si racconteranno, anche attraverso
le proprie creazioni gastronomiche
in abbinamento ai
vini. E inoltre, la premiazione di
“Carta Canta”, il premio rivolto
a ristoranti, enoteche, bar, agriturismi
e hotel situati in regione,
in Italia o all’estero, che propongono
un assortimento qualificato
di vini regionali, e il “Panino
d’Autore” con lo chef Daniele Reponi,
che realizzerà panini gourmet
utilizzando esclusivamente
prodotti Dop e Igp made in
Emilia Romagna.
Il Salone del vino e del prodotto
tipico dell’Emilia Romagna è oramai
un format consolidato, frutto
dell’esperienza di Enoteca Regionale
Emilia Romagna nell’organizzazione
e gestione di eventi
a livello internazionale, che non
manca, però, di riservare ogni
anno anche una chiave di lettura
del tutto originale. Quest’anno,
infatti, a Enologica saranno protagoniste
anche le creature fantastiche,
ovvero la rappresentazione
popolare della natura, delle paure,
dei sogni, delle cose “inspiegabili”
e familiari della storia dell’uomo,
un patrimonio di storia
e tradizioni tramandato oralmente
fino a noi. Come si legge
nell’introduzione del catalogo,
scritta dal curatore di Enologica
Giorgio Melandri: “[…] Noi siamo
per un racconto “quotidiano”,
pieno di cose vere, di gente e storie
[…]. Il racconto del vino vive
dentro alle giornate della gente e
noi abbiamo il dovere di lasciarcelo.
Siamo una regione dove è il
quotidiano a essere straordinario,
dove un fosso può nascondere una
creatura fantastica, dove un albero
può nascondere un segreto,
dove un vino può raccontare tante
storie”. Ad accogliere i visitatori
di Enologica, sotto al loggiato
d’ingresso, ci sarà un grande pannello
con delle originali “sculture
di terra”, realizzate da I.TER di
Bologna. Si tratta di rappresentazioni
artistico-scientifiche dei
principali suoli che ospitano la
pianta della vite in Emilia Romagna
e che si trovano percorrendo
la via Emilia da Sud a
Nord, partendo quindi dalla provincia
di Rimini per arrivare fino
a quella di Piacenza (con una sola
piccola deviazione nel territorio
ferrarese). Diversi tipi di terreno
che corrispondono ai sette vitigni
principali della regione, da dove
nascono i nostri vini a denominazione:
Albana e Sangiovese per
la Romagna, Pignoletto per il
bolognese, Fortana per il ferrarese,
Lambrusco per il modenese, il
reggiano e il parmense, Malvasia
per il parmense e il piacentino,
Gutturnio per il piacentino. Per
ogni vitigno c’è poi la rappresentazione
grafica dei profumi e dei
sapori principali che connotano i
vari vini (attraverso immagini di
fiori, frutti, ecc.) per aiutare i visitatori
nella ricerca di quelle determinate
caratteristiche anche
nel momento della degustazione.
Enologica
Palazzo Re Enzo, Bologna
www.enologica.org
Orario di apertura:
sabato 11:00 - 21:00 / domenica
11:00 - 20:00 / lunedì 11:00 - 19:00
Ingresso 20 €
12 ITA EVENTI

Notes
L’AUTUNNO IN CASA
I toni del verde bosco e del color ruggine sono
perfetti per “riscaldare” gli ambienti all’arrivo
della stagione più fredda. Ecco una selezione di
elementi di arredo dal sito www.madeindesign.it
1
1. Sospensione Chouchin Mini di
Foscarini. Una rilettura contemporanea
della lanterna in carta e bambù,
simbolo della cultura giapponese.
2. Lampada da tavolo Snoopy di Flos,
disegnata nel 1967 dai fratelli
Castiglioni, si presenta in due
colori esclusivi in edizione limitata:
arancione vivace o verde bottiglia.
3. La riedizione della famosa sedia
Série 7 di Fritz Hansen: la sedia più
venduta al mondo.
4. Portarivise Metal di House Doctor:
in metallo laccato verde kaki.
5. Look originalissimo per questo diffusore
senza fili bluetooth che ricorda
una borsetta. È Helsinki di Vifa.
6. Lampada da tavolo PC disegnata
da Pierre Charpin per wrong.london:
semplice e minimal.
7. Sgabello Knitted di Gan, ideato
da Claire-Anne O’Brien, designer
tessile originario dell’Irlanda.
8. Baule Metal di House Doctor, in
pieno stile vecchio baule da viaggio.
2
4
3
6
5
8
7
14 ITA EVENTI

9
10
11
12
13
14
9. Ultimo nato della collezione
Random, lo scaffale Randomito
di MDF Italia si compone di diversi
scomparti di varie dimensioni,
che sono disposti in modo
aleatorio su differenti livelli.
10. Circus di Normann Copenhagen
può essere utilizzato come
pouf o come tavolino basso.
11. Namasté è un set composto
da 3 piatti in melamina disegnati
da Jean-Marie Massaud per Kartell.
12. Ideata dal designer norvegese
Magnis Petterson, è la lampada
da tavolo Leimu di Iittala.
13. Ludica e grafica, la sedia
imbottita Bold di Moustache
si compone di due parti tubolari
semplicemente incastrate
l’una nell’altra.
14. Portaoggetti Componibili
di Kartell, vera icona design,
ideata da Anna Castelli Ferreri.
15. Divano Outline di Muuto
abbina una seduta profonda
e confortevole a un’estrema
leggerezza visiva.
15
ITA EVENTI 15

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MANARA • MAGRITTE • VAN GOGH • CHAGALL • PICASSOANDARE PER MOSTRE NEI MUSEI PIÙ IMPORTANTI D’ITALIA
Arte
Foto di Joan Fontcuberta
AL VIA A BOLOGNA LA TERZA EDIZIONE DELLA BIENNALE FOTO/INDUSTRIA
IL LAVORO TRA IDENTITÀ E ILLUSIONE
Il mondo del lavoro in tutte le sue forme, con
particolare riferimento ai temi dell’identità e dell’illusione
in fotografia, è al centro della terza
edizione della Biennale Foto/Industria di Bologna.
Il festival, promosso dalla Fondazione
Mast in collaborazione con il Comune di Bologna
e sotto la direzione di François Hébel, presenta
quattordici mostre che si svolgeranno in
13 siti storici del centro cittadino e al Mast. Per
il tema dell’identità scelti i lavori di tre grandi
fotografi: il russo Alexsandr Rodčenko, il ceco
Josef Koudelka, l’americano Lee Friedlander
con le migliori immagini realizzate per l’impresa
nel corso della sua carriera. Per il tema dell’illusione:
da un prezioso corpus di fotografie di un
anonimo fotografo del primo 900 su una città
americana costruita per lo sfruttamento del carbone,
al ciclo American Power di Mitch Epstein;
dai francesi Mathieu Bernard-Reymonde Vincent
Fournier al catalano Joan Fontcuberta con le
prove fotografiche sul cosmonauta sovietico che
avrebbe dovuto essere il primo uomo sulla luna;
dallo svedese Mårten Lange al giapponese Yukichi
Watabe e all’inglese John Meyers. Scelti
anche gli italiani Michele Borzoni, Mimmo Jodice
e Carlo Valsecchi. Al Mast le immagini di
Thomas Ruff ci raccontano macchine, utensili di
lavoro, lavoratori, prototipi, di grande impatto
visivo e superba qualità tecnica.
◗ Biennale foto/industria 2017
Mast + luoghi vari, Bologna
Dal 12 ottobre al 19 novembre 2017
(la mostra al Mast fino al 7 gennaio 2018)
ITA EVENTI 17

Arte
QUANDO I FUMETTI
RACCONTANO LA REALTÀ
Milo Manara non ha bisogno di presentazioni. La sua arte è riconosciuta in tutto mondo.
Bologna gli rende omaggio con una monografica a Palazzo Pallavicini di Alessandra Arini
Si dice che i fumetti raccontino
la verità usando la fantasia.
E si dice anche che la
verità e la fantasia si sappiano confondere
facilmente quando il
racconto che viene fuori dalle immagini
è così concreto ma anche
mistico da assomigliare alle nostre
vite o al nostro modo di immaginarcele.
Di questa simbiosi ricca
e preziosissima di realtà e immaginazione
è completamente
intrisa la produzione di Milo
Manara, re dei fumettisti italiani
e internazionali a partire dagli
anni ’70. E proprio a lui e alle sue
opere è dedicata la mostra Nel segno
di Manara, a Bologna fino al
21 gennaio prossimo, nella splendida
cornice di Palazzo Pallavicini.
Fumettista poliedrico, ma
anche molto affezionato alla sua
prima impronta, ha incantato
con le sue illustrazioni tutta l’Europa
degli ultimi decenni del
Novecento, avendo spaziato dal
mondo dei fumetti a quello più
ampio e variegato dell’arte in
generale. È probabilmente il viaggio
in opere più grande realizzato
finora in suo onore, perché più
che di una mostra si tratta di
un’antologia vera e propria della
vita dell’artista. Suddivisa in ben
sette sezioni, ogni rappresentazione
esposta cerca infatti di mimare
l’iter cronologico del percorso
umano e intellettuale dell’autore,
nel tentativo di fare sentire
il visitatore parte di un’empatia.
In ogni personaggio creato
da Manara, infatti, che siano
quelli dei suoi primi fumetti polizieschi
oppure quelli che riguardano
la produzione dell’ultimo
periodo, c’è sempre una sorta
di indizio nascosto che invita
a spostarsi dall’immagine in senso
stretto a una seconda visione
più meditata. Manara dice, e lo
fa sia in maniera espressa che in
maniera tacita, disegnando nel
suo modo, che se già il disegno è
qualcosa che di per sé va oltre,
nella sua arte c’è qualcosa che va
addirittura oltre il disegno. Lui
vuole raccontare l’etica, i pregiudizi,
lo scandalo, i dettagli che
hanno significato. E per questo il
bianco e il nero, quando decide
di usarli, non sono soltanto il
bianco e nero, ma anche la luce
L’esposizione
bolognese racconta
la complessità e il
fascino dell’uomo
e del personaggio
Milo Manara
e il buio, il bene e il male. Naturalmente
il suo talento generoso
non ha mancato di attirare l’attenzione
delle personalità intellettuali
più diverse, proprio per
questo quello di Manara è stato
un percorso sì individuale ma anche
ricchissimo di collaborazioni
durature nel tempo, e la mostra
di Palazzo Pallavicini riesce bene
anche a riprodurre questo intreccio
tra il mondo del fumettista
e quello dei suoi prestigiosi
compagni di viaggio. Nella prima
sezione della mostra troviamo le
tavole del suo primo periodo, tra
cui Un fascio di bombe, finora
esposte solo in rarissime occasioni.
È stata la prima narrativa a fumetti
dell’attualità italiana, riuscendo
a descrivere con audacia
la strategia della tensione e per questo
è arrivata anche al grande pubblico.
Ancora, un’altra parte dell’esposizione
è dedicata alle avventure
in immagini di Giuseppe
Bergman, personaggio di fantasia
che nasce dalla collaborazione
duratura di Manara col maestro
Hugo Pratt. Bergman è stato
l’alter ego di Manara per tutta la
sua vita, lo ritroviamo, infatti, costantemente
nel tragitto dell’autore
e nelle sue evoluzioni e tutte
le opere scelte per la mostra bolognese
tracceranno passo dopo
passo questa corrispondenza. Proseguendo
in questa visita immaginaria,
vediamo anche le tavole
di Viaggio a Tulum e tutte le altre
della preziosa sinergia con Federico
Fellini. Tra i due è nata prima
un’amicizia disinteressata a
qualsiasi tipo di connubio professionale,
ma poi l’intuito di
entrambi li ha portati alla produzione
condivisa di questi piccoli
grandi capolavori. Un altro
spaccato importante è quello dedicato
alle illustrazioni ispirate dai
testi di Shakespeare, toni e tinte
ancora più estroverse
della sua personalità
ed espressive
del
18 ITA EVENTI

1
3
2
Alcuni acquerelli di Milo Manara. Il numero 1,
Brigitte Bardot con un delfino, del 2015, è presente
nella sezione dedicata all’attrice. I numeri 2, 4
e 5 sono esposti nella sezione illustrazioni e
rappresentano Madama Butterfly, Dalla & Ferilli,
Trotula de Ruggiero. Il numero 3, del 2015, fa
parte della serie di tavole dedicate a Caravaggio
5
4

Arte
suo modo di raccontare in disegno
la letteratura. Ancora, in
anteprima assoluta, l’esposizione
delle tavole del secondo volume
del Caravaggio. Il primo volume
aveva consacrato in maniera definitiva
Manara a una platea più
ampia, e ora ritorna questa nuova
edizione a proseguire la collana
del best seller che il fumettista
aveva dedicato a Michelangelo
Merisi. Una delle ultime sezioni,
assieme a quella che raccoglie le
sue produzioni più recenti, vede
invece interamente protagonista
Brigitte Bardot, musa di numerosissimi
suoi acquerelli. E proprio
Brigitte diventa simbolo di
quello che è un altro dei temi
chiave della mostra: le donne. Un
tema che non è relegato a una sezione
prescelta, ma che si snoda
per tutte le illustrazioni. Manara
ha disegnato le donne per tutta la
sua vita e lo ha fatto raccontandole
senza veli. Non un’ostentazione
del nudo, ma anzi un racconto
della simbologia femminile
e dei suoi segreti. Le sue donne
PALAZZO PALLAVICINI
L’immagine guida della mostra,
realizzata da Manara: una
bellezza emiliana con Pazienza,
Eco, Dalla, Bonvi e Magnus
Con la mostra di Manara apre al grande pubblico la dimora
settecentesca ubicata in via San Felice 24 a pochi passi dalle
Due Torri e da Piazza Maggiore: un tesoro nascosto rimasto
chiuso per lungo tempo e in via di restituzione alla città, quale
vero e proprio contenitore di arte e cultura al pari dei più illustri
palazzi bolognesi. Le caratteristiche principali del palazzo sono
la monumentale scalinata di benvenuto e il salone con soffitto
a lanterna, che è il più alto della città insieme a quello di Palazzo
Ranuzzi, e furono opera di Paolo Canali, mentre le sale vennero
decorate dai dipinti di Giovanni Antonio Burrini nel 1690.
hanno sempre sguardi importanti
e significati non apparenti,
assieme alla prima immagine della
sessualità, che è la più immediata,
si accompagnano quelle della
bellezza, dell’intelligenza, del
costume sociale e della cultura.
Manara è, quindi, un uomo e un
personaggio complesso quanto affascinante,
che abbiamo l’occasione
di cogliere in questa esposizione
in un ritratto inedito e più
personale. Dall’attualità all’eros,
dalla fantasia alla satira, il suo linguaggio
di immagini non risparmia
nessun campo e aggiunge
qualcosa a ogni pagina del suo
tempo. Bologna, con i suoi contrasti
e i suoi colori accesi, si presta
bene a ospitare questa splendida
mostra e a fare emergere con
grazia quello che vogliamo rivedere
ma anche quello che di
quest’artista dobbiamo ancora
conoscere.
Nel segno di Manara.
Antologica di Milo Manara
Palazzo Pallavicini, Bologna
Fino al 21 gennaio 2017
20 ITA EVENTI

Arte
UN DIALOGO
TRA IL TEMPO
E IL SACRO
Una location suggestiva e da poco aperta
al pubblico in una nuova veste ospita
la mostra della scultrice Marina Torchio,
Primitivo femmineo. Tutte le opere sono
realizzate in grès su supporti in ferro e sono nate
per questa esposizione di Giovanni Salerno
1
L
a mostra si inserisce nelle
iniziative per il 2017 dell’Assessorato
dell’Istruzione e
Cultura della Regione autonoma
Valle d’Aosta, e rappresenta una significativa
apertura verso il territorio
della nuova realtà museale di
Saint-Martin-de-Corléans, recentemente
aperta al pubblico nella sua
nuova veste museale: un sito pluristratificato
le cui tracce storiche vanno
dalla chiesa romanica, sorta su
resti romani e gallici, ai santuari dell’Età
del Rame, sino ai rituali di consacrazione
risalenti alla fine del
Neolitico. «È fondamentale sottolineare
quanto sia importante che
il Parco assolva la sua funzione di
‘luogo della cultura’ valdostano, in
linea con gli indirizzi museali internazionali
di interrelazione tra l’antico
e il contemporaneo - spiega
Chantal Certan, assessore all’Istruzione
e Cultura della Regione autonoma
Valle d’Aosta - con l’obiettivo
di adottare adeguate forme di
promozione, a sostegno di una più
ampia ed evoluta concezione delle
azioni istituzionali di tutela, conservazione
e valorizzazione». L’esposizione,
curata da Daria Jorioz, è stata
realizzata dalla Soprintendenza
per i beni e le attività culturali dell’Assessorato
dell’Istruzione e Cultura
grazie alla sinergia tra le Strutture
Attività espositive e Patrimo-
2
22 ITA EVENTI

3
Tutte le foto Michele Stellatelli
4
nio archeologico. Primitivo femmineo
è un lavoro creativo che si
compone di un nucleo di sculture
inedite, espressamente realizzate
da Marina Torchio per
questo sito, che regalano all’area
espositiva un’impronta di attualità.
Le opere di Marina Torchio,
stalagmiti, simboli del tempo
infinito senza inizio e senza
fine, donne veneri che racchiudono
al loro interno la sacralità
dell’essere, recipienti, totem,
tutte realizzate in grès su supporti
in ferro, vogliono rappresentare
il dialogo tra il tempo nella sua
indefinitezza e il sacro nella sua
dimensione individuale. Nata ad
Aosta, l’artista ha iniziato la sua
attività nello studio dello scultore
Renzo Igne a Castellamonte. Dal
1985, tornata nella sua città
natale, ha iniziato a esporre le sue
opere sia in Italia sia all’estero.
Nel 2012 la sua scultura Drappeggio
n.1, già collocata al Museo
Archeologico Regionale di
Aosta, è stata inserita nell’esposizione
permanente del Castello
Gamba di Châtillon. Secondo
Daria Jorioz, la scultrice aostana
«non trascura mai la valenza
simbolica, focalizza l’attenzione
sulla figura umana,
1. Tulipano n.2, 2017, grès
e ferro, 40 x 40, h 190 cm
2. Composizione totem,
2016, grès, 19 x 13, h 54
cm / 28 x 12, h 55 cm /
18 x 13, h 61 cm
3. Visione d’insieme
della sala della mostra
4. Venere n.3, 2016, grès
e ferro, 35 x 35, h 205 cm
segnatamente quella femminile.
Archetipi di fertilità, suggestioni
di elementi naturali, sintesi tra
pieni e vuoti. Nelle sue opere la
forma primigenia si afferma e
riafferma, diventando elegante
stilizzazione. Monumentale e
delicata, austera e vibrante, elegante
e quotidiana, la scultura di
Marina Torchio scandisce lo
spazio dell’area megalitica di
Saint-Martin-de-Corléans con
intensa sensibilità, attuando un
processo di contaminazione tra
le epoche tanto poetico quanto
denso di emozioni».
Marina Torchio.
Primitivo femmineo
Parco Archeologico e Museo
dell’Area Megalitica di Saint-
Martin-de-Corléans, Aosta
Fino al 4 febbraio 2018
fb Marina Torchio scultura
ITA EVENTI 23

Arte
LE VIBRAZIONI
POSITIVE DELLA NATURA
La Grande Bellezza ispira l’arte del duo Muher che si traduce in un inno alla vita tra
colori e un messaggio di felicità. Gli artisti presentano la prima personale a Milano
dal titolo Asia Mediterranea – Incontro fra due culture presso la Galleria ARTESPRESSIONE
Stanno calcando per la seconda volta le scene
milanesi dell’arte contemporanea gli artisti di
origini spagnole Francisca Muñoz e Manuel
Herrera, meglio conosciuti da critica e grande pubblico
con il nome di Muher. Fortemente affascinati
dal made in Italy quale fertile terreno in cui
convivono ad altissimi livelli arte, moda, design e
cultura, Muñoz ed Herrera sono già stati attivi nel
capoluogo lombardo in occasione dell’EXPO con
una performance live che li ha visti dipingere un
murales in rappresentanza della Spagna e di recente
hanno deciso di ritornare a Milano affidandosi alla
galleria ARTESPRESSIONE di Paula Nora Seegy
che ne ospiterà fino al 12 ottobre 2017 la mostra
Asia Mediterranea – Incontro fra due culture, basata
su una serie di appunti di viaggio ispirati ai giochi
di carpe e fiori di loto all’interno delle limpide
acque degli stagni. Vengono riproposte in un clima
onirico di atmosfere e colori tutta la bellezza
e la particolarità dei giardini tipici della tradizione
cinese, mediante l’utilizzo di una speciale finitura
laccata, che consente a Muñoz ed Herrera di
“fissare” la fusione di due mondi diametralmente
opposti ma intimamente vicini. Oriente e Occidente
si incontrano così in un girotondo virtuale
di emozioni per un messaggio di pace e felicità al
mondo con l’obiettivo di far ritrovare a chiunque
guardi tali opere “Good Vibrations in the Natu-
24 ITA EVENTI

e”. Il lavoro integrale di Muher, realizzato a quattro
mani ma come se si trattasse di un’unica entità
creativa, è un inno alla vita comunque e sempre, ai
suoi infiniti colori, all’uomo, alle sue incessanti possibilità
di esprimersi cambiare riscattarsi e sognare proprio
come ne “La Grande Bellezza” di Paolo Sorrentino
a cui il duo si ispira fortemente. Dopo oltre
trent’anni in giro per il mondo tra viaggi alla scoperta
di nuove terre e stimolanti contaminazioni culturali,
impressionati dai sontuosi paesaggi tropicali
della Cina meridionale, dove recentemente hanno
partecipato e vinto un concorso per la realizzazione
di un giardino mediterraneo all’interno del parco
nazionale di Nanning, i due artisti spagnoli ripropongono
tali esperienze nei lavori in esposizione
presso la galleria ARTESPRESSIONE. Oltre ai
quadri, che comprendono le collezioni “Bullfighting”,
“Mediterranea”, “Rosa Passion”, “Salzillo”
e “Sequences”, Muher è apprezzato anche per le
sue sculture e per i suoi progetti di architettura. Una
recente opera che ha riscosso grande successo è una
Nella pagina a fianco, Carpa n.9,
tecnica mista su tavola, 42x29 cm. A fianco,
Carpa n.8, tecnica mista su tavola, 29x42 cm.
Sotto, Pesci I, tecnica mista su carta, 101x50 cm
scultura commemorativa che rende omaggio all’albero
quale fonte preziosa di carta e che vuole essere
una celebrazione a livello internazionale dell’importanza
del giornalismo e delle informazioni che consente
di condividere tra le persone. Particolari e interessanti
anche alcune sculture floreali di “decostruzione”
realizzate in Krion, che sembrano cambiare
forma a seconda di quale sia il punto di osservazione,
e un vaso cinese costituito da ventidue
piattaforme in colori ad acqua creato per la sede dell’azienda
Philips di Hong Kong secondo i principi
del feng shui.
Asia Mediterranea - Incontro fra due culture
A cura di Matteo Pacini
Galleria ARTESPRESSIONE
Via Della Palla, 3 - Milano
Fino al 12 ottobre 2017
ITA EVENTI 25

Arte
MIRÒ A TORINO
130 opere, quasi tutti olii di grande
formato, saranno esposte a Torino
grazie al prestito della Fundació Pilar
i Joan Mirò a Maiorca, che conserva
la maggior parte delle opere
dell’artista catalano create nei 30
anni della sua vita sull’isola. In
mostra prestiti eccezionali tra i quali
capolavori come Femme au clair
de lune (1966), Oiseaux (1973)
e Femme dans la rue (1973), per
raccontare la sperimentazione ricercata
da Mirò all’interno delle principali
correnti artistiche del ventesimo
secolo come il Dadaismo, il Surrealismo
e l’Espressionismo.
Mirò! Sogno e colore
Palazzo Chiablese, Torino
Fino al 14 gennaio 2018
DAL MARMOTTAN
Sono circa 60 le opere in mostra
provenienti dal Musée Marmottan
Monet e per la prima
volta esposte in Italia. Opere
che Monet conservava nella
sua ultima dimora di Giverny,
che il figlio Michel donò al museo
e che rimasero sconosciute
al pubblico fino al 1966.
Monet
Complesso del Vittoriano
Ala Brasini, Roma
Dal 19/10/2017 al 28/01/2018
CELEBRANDO PICASSO
La mostra raccoglie un centinaio di capolavori esposti e scelti dal curatore
Olivier Berggruen in collaborazione con Anunciata von Liechtenstein.
Illustra gli esperimenti condotti da Picasso con diversi stili e generi:
dal gioco delle superfici decorative nei collage, eseguiti durante la
prima guerra mondiale, al realismo stilizzato degli “anni Diaghilev ”,
dalla natura morta al ritratto.
Picasso. Tra Cubismo e Classicismo 1915 - 1925
Scuderie del Quirinale, Roma - Fino al 21 gennaio 2018
BRILLANTE BOTERO
Uno degli artisti più amati e riconoscibili
del nostro secolo: Fernando
Botero. Nella sua opera si
percepisce forte l’eco della nostalgia;
di un mondo che non c’è più
o in via di dissoluzione; un universo
in cui uomini, animali e vegetazione
- dai tratti e colori brillanti
- riportano immediatamente
alla memoria l’America Latina
dove tutto è più vero del vero.
Una pittura che non sta dentro
un genere, pur esprimendosi attraverso
la figurazione. Un genere
proprio e autonomo attorno al
quale il pittore colombiano ha
sviluppato la propria poetica, la
visione globale di un’arte senza
steccati né confini e dal continuo
richiamo alla classicità in un’ottica
assolutamente contemporanea.
Botero
AMO Palazzo Forti, Verona
Dal 21/10/2017 al 25/01/2018
L’ARTE DEL 900
Una grande prima internazionale dedicata
agli artisti che hanno rivoluzionato l’arte
nel Novecento: Duchamp, Magritte, Dalì,
Ernst, Tanguy, Man Ray, Picabia, Pollock
e molti altri, tutti insieme per raccontare
un periodo di creatività straordinaria e
geniale. Le opere esposte, provenienti
dall’Israel Museum di Gerusalemme,
saranno oltre duecento.
Duchamp, Magritte, Dalì... I rivoluzionari
del Novecento - Palazzo Albergati, Bologna
Dal 16 ottobre 2017 all’11 febbraio 2018
26 ITA EVENTI

EMOZIONI INEDITE
Per la prima volta in Italia, l’incredibile
mostra-spettacolo dedicata a Marc Chagall.
Una forma inedita di vivere l’arte,
che mette insieme spettacolo, teatro,
musica, tecnologia e arte. Una regia, di
Gianfranco Iannuzzi, Renato Gatto e Massimiliano
Siccardi, capace di coinvolgere,
travolgere ed emozionare i visitatori. In
Francia, unico posto dove è stato realizzato
questo progetto, la mostra ha avuto
oltre 580.000 visitatori. Questa nuova
forma di conoscenza dell’arte è forse
quella che più le si addice perché le restituisce
la funzione primaria che è quella
di raccontare, stupire ed emozionare.
Chagall. Sogno di una notte d’estate
Museo della Permanente, Milano
Dal 13 ottobre 2017 al 28 gennaio 2018
VAN GOGH: VITA E OPERE
Un numero elevato di opere del pittore olandese, 40 dipinti
e 85 disegni. Costruita grazie all’apporto decisivo
di quello scrigno vangoghiano che è il Kröller-Müller Museum
in Olanda, assieme ai prestiti da una decina di altri
musei, la mostra ricostruisce con precisione l’intera vicenda
biografica e studia in modo approfondito i cinque
anni della permanenza olandese dell’artista nel Brabante,
da Etten nella primavera del 1881 fino all’autunno del
1885 a Nuenen. Ma anche i mesi meravigliosi trascorsi
nell’autunno del 1883 nella regione del Drenthe, quella
più amata dai paesaggisti olandesi e nella quale Van
Gogh realizza alcuni fogli di squisita eleganza.
Van Gogh. Tra il grano e il cielo
Basilica Palladiana, Vicenza - Fino all’8 aprile 2018
MOVIMENTO RADICALE
Una mostra che celebra la straordinaria
stagione creativa fiorentina del
movimento radicale tra gli anni Sessanta
e Settanta del Novecento, in
un caleidoscopico dialogo tra oggetti
di design, video, installazioni,
performance e narrazioni.
Utopie Radicali. Oltre l’architettura:
Firenze 1966-1976
Palazzo Strozzi, Firenze
Dal 20/10/2017 al 21/01/2018
I CALENDARI DA TASCA
L’esposizione approfondisce una forma d’arte molto diffusa tra le
due guerre mondiali e che vede anche la nascita e l’evoluzione
dell’Art déco: i calendari da tasca, i cosiddetti “calendarietti del
barbiere”, in mostra accanto ai prodotti affini a quel mondo: réclame,
etichette, confezioni di profumi, cosmetici e oggetti rari,
in un percorso espositivo suddiviso per tematiche (dalla profumeria
alla seduzione fino al fascino dell’oriente, passando per letteratura
e spettacolo) e illustratori.
L’arte in tasca. Calendarietti, réclame e grafica 1920-1940
Museo della figurina, Modena - Fino al 18 febbraio 2018
ITA EVENTI 27

Musica
PRINCIPALI CONCERTI DI MUSICA POP ROCK JAZZ IN ITALIA
ZILLI • FIBRA • LIGABUE • CAPOSSELA • ADAMS • DE GREGORI
IL PRIMO TOUR VERAMENTE IMPORTANTE DI MICHELE BRAVI
PRONTO A SCRIVERE NUOVE PAGINE
Dopo i sold out delle due anteprime a Milano
e Firenze, in arrivo in novembre Anime di Carta
Tour – Nuove Pagine, la prima tournée di Michele
Bravi. “Aggiungere nuove pagine alle
Anime di Carta significa non arrendersi alla
voglia di trovare quella luce che ti attraversa
e che ti permette di leggere cosa c’è scritto al
di là del foglio”, dichiara Michele. “Il racconto
di chi ha attaccato la propria vita alla vita di
qualcun altro non è ancora finito e forse, solo
ora, lo capisco fino in fondo, non finirà mai”.
A febbraio è uscito l’album Anime di Carta per
Universal Music, debuttando alla prima posizione
della classifica FIMI/Gfk. Il singolo Il Diario
degli Errori, classificato quarto alla 67 a edizione
del Festival di Sanremo, conta a oggi 7
milioni e mezzo di stream su Spotify e il relativo
videoclip su YouTube supera 25 milioni di visualizzazioni.
Da fine settembre è in rotazione
radiofonica Diamanti, il terzo singolo tratto
dall’album (il secondo singolo era Solo Per Un
Po’). Il brano, definito una “favola da grandi”,
parla del dolore che si prova quando giunge
al capolinea una storia d'amore, in particolare
di quei momenti in cui ci si accorge dell’importanza
dei sentimenti e delle emozioni. Il testo è
firmato da Federica Abbate e da Andrea Amati.
CONCERTI ◗ 3/11 Obihall, Firenze ◗ 4/11 Gran
Teatro Geox, Padova ◗ 5/11 Fabrique, Milano
◗ 10/11 Atlantico Live, Roma ◗ 11/11 Casa della
Musica, Napoli ◗ 12/11 Demodé Club, Bari ◗ 16/11
Afterlife, Perugia ◗ 17/11 Estragon, Bologna
◗ 19/11 Teatro della Concordia, Venaria Reale (To)
ITA EVENTI 29

Musica
VESTO LE MIE CANZONI SENZA
SCENDERE A COMPROMESSI
Da ottobre Nina Zilli sarà on stage nei club italiani con il Modern Art
tour. Sarà l’occasione per ascoltare i suoi successi più amati ma anche
i brani del suo ultimo lavoro discografico. E sul palco ci sarà
un’assoluta novità: un deejay di Cristiana Zappoli
L
a storia di Nina Zilli è la storia di una bambina
che a cinque anni, seduta sul divano, indicava
la televisione dicendo: «Io da grande voglio
andare lì». E “lì” era il Festival di Sanremo. Allora
si chiamava Maria Chiara Fraschetta, viveva in
provincia di Piacenza e sapeva perfettamente cosa
voleva fare da grande: la cantante. «Mia mamma non
riusciva mai a lavarmi, - racconta - mi agitavo troppo.
L’unico modo per riuscirci era accendere la radio
e cercare le canzoni che piacevano a me, allora
stavo buona almeno per un po’. Sono stata fortunata,
perché ho sempre avuto le idee chiare. Mi sono anche
laureata in Relazioni Pubbliche, ma l’ho fatto
per i miei genitori, che pensavano che la musica potesse
essere al massimo un hobby. Ma anche mentre
mi laureavo speravo che la mia strada avrebbe preso
una direzione diversa». E lo ha fatto: un anno dopo
quella laurea ha preso la direzione di Sanremo, dove
ha partecipato nella categoria “Sanremo Nuova Generazione”
con il brano L’uomo che amava le donne,
che ha vinto tutti e tre i premi della critica: «un
brano - spiega Nina Zilli - che ho scritto e arrangiato
del tutto da sola. Non potevo credere a quello che
avevo fatto. Forse quello è stato il momento in cui
ho capito che la musica poteva veramente diventare
la mia vita come avevo sempre sognato».
A settembre Nina Zilli ha pubblicato il suo quarto
album, Modern Art, che la cantautrice definisce urbano/tropicale,
perché è stato scritto tra Milano e
la Giamaica e presenta sonorità che mixano reggae,
rap e suoni più urbani. Tra ottobre e novembre sarà
in tour nei club italiani che, sostiene, «sono una location
perfetta per suonare questo disco che parla
di condivisione vera, di amore universale».
Quale sarà la caratteristica principale del tour?
La tantissima energia. Nei club l’energia è alle stelle
e tutto è più intimo, anche rispetto ai teatri. Inoltre
non solo i contenuti del disco sono adatti ai club,
lo sono anche le sonorità, caratterizzate, per esempio,
da molte clavi caraibiche. A chi mi conosce solo
per le mie apparizioni a Sanremo sembrerà sicuramente
un disco molto lontano dal mio stile ma in
realtà
è un ritorno
alle origini.
Sono sonorità che
ripropongo ma in
modo nuovo perché non mi
piace ripetermi. Penso che sarebbe noioso
per gli altri ma anche per me. Mi
piace cambiare, evolvermi, mixare i generi
musicali: oggi è già stato esplorato
tutto, non si può inventare qualcosa
di nuovo, ma si possono mischiare le carte
in tavola, contaminare.
La novità del tour è che insieme a lei sul
palco ci sarà un deejay.
Esatto, sarò accompagnata da cinque elementi e
deejay Zak, uno dei più importanti in Italia, e questa
per me è una cosa completamente nuova, ma è
anche qualcosa che ho sempre voluto fare. Una delle
mie band preferite degli anni Novanta, i Sublime,
che sono la massima espressione del sound californiano
di quegli anni, riuscivano a mescolare in un’armonia
pazzesca il reggae con il funk, con lo ska con il pop
e con un deejay: quindi io non vedo l’ora di fare lo
stesso. Lo avevo in mente da un po’ però ci voleva il
disco giusto. Questo è un disco molto suonato ma
poi campionato, tagliato e lavorato in modo che i suoni
siano moderni e quindi adatto alla presenza di un
deejay che non avrà un ruolo marginale, ma sarà un
musicista sul palco, un vero valore aggiunto.
Perché ha chiamato l’album Modern Art?
Il nome viene da una traccia che si chiama Doma-
30 ITA EVENTI

Nina Zilli,
37 anni, fin da
piccolissima le piaceva
disegnare: nel booklet
dell’ultimo album tutti
i testi sono tratti da
un taccuino manoscritto
e illustrato da lei
ITA EVENTI 31

Musica
CONCERTI
◗ 13/10 Teatro San Domenico,
Crema (data zero)◗ 14/10 Vidia
Club, Cesena ◗ 18/10 Alcatraz,
Milano ◗ 19/10 Hiroshima Mon
Amour, Torino ◗ 27/10 New
Age, Roncade (Tv) ◗ 3/11 Viper
Club, Firenze ◗ 4/11 Atlantico,
Roma ◗ 11/11 Phenomenon,
Fontaneto D’Agogna (No)
◗ 17/11 Vox, Nonantola (Mo)
◗ 18/11 Latte +, Brescia
◗ 24/11 Casa Della Musica,
Napoli ◗ 25/11 Industrie
Musicali, Maglie (Le) ◗ 26/11
Demodé, Modugno (Ba)
ni arriverà e, tra parentesi, ho aggiunto Modern Art. È una canzone
molto significativa da diversi punti di vista. Intanto la
parola modern per me è nuova, io sono una ragazza vintage,
l’aggettivo modern segna un distacco con i miei precedenti,
indica che stiamo parlando di qualcosa di nuovo. Non si parla
di arte moderna ma nella canzone spiego che il mio modo
di vivere la vita moderna è quello di scollegarmi da tutto ciò
che è digitale, telefonia, messaggistica per… annoiarmi un po’.
Quella “sana” noia che provavamo negli anni 90 quando non
sapevamo cosa fare e non avevamo i social da controllare per
riempire i vuoti. Quella noia a me faceva venire voglia di suonare
il pianoforte, o di scrivere una canzone o di uscire a fare
una passeggiata. La mia non vuole essere una paternale agli
altri, sono io la prima a farmela, perché mi rendo conto che
nei “famosi” due minuti in cui non sappiamo cosa fare tutti
guardiamo il nostro smartphone o il nostro tablet mentre prima
era lecito anche annoiarsi.
Quindi i social sono “il male”?
Assolutamente no ma dovremmo riuscire a usarli in un modo
socialmente utile, non tanto per concentrarci su noi stessi e su
quello che facciamo ma per connetterci veramente con gli altri
esseri umani, per far viaggiare online le notizie e non le “bufale”,
per promuovere le cose belle e non gli haters. La tecnologia
ci permette di annullare le distanze, ci facilita la vita, ma
spesso tende a isolare e in un periodo storico come questo, in
cui la parola chiave non è pace ma è guerra, non è giusto isolarsi.
Anzi, è proprio in periodi così neri per l’umanità che gli
esseri umani si devono dimostrare umani e quindi si devono
unire alla ricerca del diritto alla vita e alla pace di tutti.
La guerra le fa paura?
Molto. Paradossalmente tutta la libertà che abbiamo oggi ha
fatto in modo che smettessimo di andare a fondo alle cose perché
quando ci sentiamo liberi siamo meno preoccupati. Forse
ci siamo abituati a rimanere in superficie, a non approfondire
veramente le cose ed è pericoloso perché poi chi veramente
tiene le fila della nostra società se ne può approfittare. Siamo
troppo concentrati su noi stessi, usiamo una sorta di schermo
per ripararci dalla vita vera per paura di farci male.
Tornando al disco, quindi la canzone che dà il nome all’album
è quella a cui tiene di più?
È la canzone più significativa. Quelle a cui tengo di più sono
due: una si chiama Il punto in cui tornare, l’ho scritta per Carlo
U.Rossi che è stato il mio padrino musicale e se ne è an-
MODERN ART E LA GIAMAICA
«Scrivere un disco con i contenuti del mio e non pensare alla
Giamaica è impossibile. Bob Marley è stato l’ultimo profeta pacifista.
Quando spiegava il reggae, all’inizio, nessuno lo capiva.
Lui diceva sempre, delle sue canzoni e del reggae in generale, che
questo tipo di musica non era niente se le parole che accompagnava
non venivano capite. La sua musica mi ha iniziato al reggae,
me ne sono innamorata quando ero alle medie e appena
ne ho avuto la possibilità sono andata in Giamaica, era uno dei
miei sogni, vivere quel mondo, respirare quell’aria». Nina Zilli
32 ITA EVENTI

dato all’improvviso. Quando ho iniziato a scrivere non
sapevo neppure cosa stavo scrivendo: questa è la magia
della musica, che fa un po’ anche da “strizzacervelli”.
E l’altra è la canzone che chiude il disco, che
si chiama Come un miracolo, è un po’ il mio augurio
all’umanità, perché stare da soli è difficile ma insieme
è più facile. È una delle canzoni pacifiste del disco,
spero veramente che riusciremo tutti a ritrovarci.
Questo disco parla di amore universale più che di
amore a due, ho voluto anche il simbolo della pace in
copertina. È incredibile sentire ancora il bisogno di
usare questi simboli e sentire la scrittura che va nella
direzione di questo tipo di argomenti.
C’è un filo conduttore che unisce la sua musica?
Io credo che la costante sia, oltre ovviamente alla mia
voce, il mio modo di scrivere, anche se è sempre in evoluzione.
Quando scrivo una canzone nasce sempre pianoforte
e voce oppure chitarra e voce e dopo mi piace
metterle un vestito. Facendo un parallelo con la
moda: è come se scrivessi collezioni diverse, in cui ci
sono pezzi continuativi e altri completamente nuovi.
Voglio trovare un mondo per delle canzoni che scrivo
e la costante è e sarà sempre questa.
In tanti anni di carriera ha mai corso il rischio di
perdersi?
Sì, più di una volta. In particolare mi è successo di vivere
un’esperienza discografica molto negativa, dovevo
cantare canzoni scritte da altri su sonorità che non mi
piacevano. Un’esperienza che mi ha spaventato a tal
punto che ho smesso di fare qualunque cosa per due
anni. Dopo, però, è come scattato qualcosa, questa
esperienza mi fece capire che avrei suonato in piccoli
locali tutta la vita piuttosto che fare musica che non
mi piaceva. È stato dopo quell’esperienza che mi sono
presentata alla Universal con un disco interamente scritto
e arrangiato da me, mi rappresentava al 100% ed
è andata benissimo!
Sembra una persona poco avvezza a scendere a compromessi…
È vero, perché credo che il nostro lavoro richieda libertà.
Io ho una mente molto elastica, quindi capisco
che non si può non cedere mai, bisogna anche ammorbidirsi
su certe cose. E soprattutto bisogna avere
il coraggio di ammettere di aver torto quando è così.
Però se per compromesso intendiamo permettere a
qualcuno di barattare la nostra anima, allora no, è qualcosa
che non posso accettare.
Musica, moda, basket e motociclette: sono le sue
passioni che ormai tutti conoscono. Cosa manca
all’appello?
Lo snowboard. Sono una freerider, vado nella neve fresca,
cerco di stare attenta ai pini ma ogni tanto ne prendo
uno! Lo snowboard rappresenta il mio lato spericolato.
Da piccola lo ero molto di più, una volta mi sono
tuffata da una scogliera dell’altezza di 16 metri, avevo
12 anni… è stato bellissimo ma non lo rifarò mai più!
ITA EVENTI 33

Musica
IL MIO DISCO
ROMANTICO
E INCAZZATO
È appena uscito l’ultimo album di L’Aura,
caratterizzato da sonorità anni ’60, ’70
e ’90. Come racconta la cantautrice
bresciana che ama i Beatles, adora
leggere e ha un sogno nel cassetto
che riguarda un certo Vasco…
di Clara Dalledonne
L’Aura,
33 anni, è il nome
d’arte di Laura Abela.
Nel 2011 si è sposata
a Miami con il
produttore artistico
Simone Bertolotti e
nel 2013 è diventata
mamma di Leonardo
Foto Cosimo Buccolieri
LA TRACKLIST
DELL’ALBUM
Another bad rainy day,
La Meccanica del
cuore, I’m an alcoholic,
Cose così, Il Pane e il
vino, Unfair, L’Amore
resta se c’è una fine,
Quest’estate finirà,
What makes you a
man, Portami via feat
Gnu Quartet, The Fear,
The Bad side, Apologize
34 ITA EVENTI

uscito il 22 settembre e, senza timore di smentita,
si può definire vintage. Non antico e neppure
vecchio, perché di già sentito Il contrario
dell’amore, l’ultimo album di L’Aura, ha ben poco.
Però è vintage perché anche se non è stato inciso qualche
decennio fa, un po’ lo sembra. Il disco è un viaggio
attraverso la musica degli anni '60, '70 e '90, le
epoche più significative per la musica pop-rock. È
il terzo album di inediti dell’artista bresciana, che lo
descrive come «un melodramma pop contemporaneo
in tre atti, un racconto fatto di tredici canzoni
e tre racconti brevi che narrano le vite di tre personaggi:
Mary Jane (come l’omonima canzone di Alanis
Morissette, manifesto dell’Alt Rock al femminile
anni ’90), Lucy (come la canzone-simbolo degli
anni ’60 “Lucy in The Sky With Diamonds” dei Beatles)
e Lisa (da quello splendido ritratto anni ’70 che
è “Sad Lisa” di Cat Stevens). Ho creato tre alter ego
che potessero narrare in mia vece i momenti cruciali
che ho vissuto negli ultimi anni». Compositrice, autrice
di testi, pianista e cantante, L’Aura è un talento
poliedrico formatosi tra l’Italia e gli Stati Uniti,
non deve quindi stupire che durante tutta la sua carriera
abbia scritto indifferentemente in italiano e inglese,
e così è anche in quest’ultimo album che contiene
pezzi in entrambe le lingue: «italiano e inglese
al momento per me si equivalgono, - spiega - mi
piace giocare con la musicalità dell’inglese e con la
ricchezza evocativa dell’italiano». Il contrario dell’amore,
che ha esordito al primo posto della classifica dei dischi
più venduti su iTunes, esce a sei anni di distanza
dal secondo album di L’Aura, un tempo di “gestazione”
particolarmente lungo dovuto a motivi professionali
ma anche personali: «avevo bisogno di riflettere
e ricaricarmi e volevo prendermi tutto il tempo
necessario per realizzare questo nuovo progetto.
Inoltre ho avuto un bimbo, Leonardo. E quello già
di per sé richiede una gestazione abbastanza lunga…».
Quanto è cambiata artisticamente in questi sei anni?
Come musicista mi sento più matura. Ho studiato con
un vocal coach molto bravo, Maurizio Zappatini, e ho
trovato una nuova dimensione sul palco: suonare il pianoforte
con musicisti più bravi di me è uno stimolo
per continuare a migliorare. I miei testi si sono fatti
più articolati, e così anche le composizioni. Le tematiche
e l’emotività, invece, sono le stesse dei miei
esordi. In questo non sono cambiata.
Quali sono gli aggettivi più adatti per descrivere
Il contrario dell’amore?
Variopinto, energico, romantico, incazzato.
Anni Sessanta, Settanta e Novanta:
quale di questi periodi
storici sente più vicino a lei
musicalmente?
Tutti e tre, a dire il vero. Ma
sono i Sessanta quelli più
preponderanti all’interno dell’album. Probabilmente
a causa della venerazione che sia io che mio
marito Simone, che è il produttore dell’album, nutriamo
verso i Beatles.
Non si può non notare che il suo viaggio attraverso
le epoche passate salta gli anni Ottanta…
Volevo che questo disco avesse un sound live, che si
avvicinasse molto ai miei primi dischi. Lo volevo con
poca elettronica, per ritrovare quel sapore di cosa suonata
e vera che si è un po’ persa negli ultimi anni. Gli
anni Ottanta, specialmente in ambito pop, sono un
po’ l’epoca-simbolo della musica elettronica, quindi
per ora li ho bypassati. Mai dire mai…
La meccanica del cuore, il secondo singolo estratto
dall’album, è ispirato all’omonimo libro di Mathias
Malzieu. Cosa l’ha colpita di questo libro?
La capacità di descrivere con minuzia e creatività immagini
surreali e suggestive.
Trae spesso ispirazione da opere letterarie?
Era già accaduto con Demian di Herman Hesse, che
diede il titolo a una canzone e a un album ai quali resto
molto affezionata, e sicuramente accadrà ancora.
Le piace leggere?
Moltissimo, e non leggo nemmeno la metà di quanto
vorrei. In questo periodo mi sono letteralmente fissata
con i libri di Kent Haruf: mi fa impazzire con i
suoi ritratti di vita provinciale americana emozionanti
nella loro semplicità.
Lei è una cantautrice, quindi scrive canzoni: ha mai
pensato di provare altre forme di scrittura, per esempio
di scrivere un libro?
Ho elaborato tre racconti che narrano in forma romanzata,
intenzionalmente melodrammatica, gli avvenimenti
realmente accaduti che si celano dietro alle
canzoni del mio nuovo album. Saranno pubblicati a
breve sul mio nuovo sito.
Nel video di La meccanica del cuore con lei c’è una
donna. Da sempre è una sostenitrice dei diritti della
comunità LGBT. Pensa che le unioni civili in Italia
siano una vittoria o un’occasione persa?
Tutto quello che la nostra società fa per tutelare i diritti
dei cittadini, indipendentemente dal colore della
pelle, dal credo e dall’orientamento sessuale e politico,
è un passo in avanti verso un futuro migliore.
Nonostante la sua formazione internazionale, ha
anche riferimenti musicali in ambito italiano?
Ho sempre adorato Carmen Consoli, Elisa, Laura Pausini,
Gianna Nannini e Irene Grandi. Poi band come
Bluvertigo e Quintorigo, e poi ancora Cristina Donà.
Fra le voci più nuove mi piacciono Francesca Michielin
e Alessandra Amoroso. Ma anche Calcutta e Salmo.
Fra i grandi della nostra musica ho il massimo rispetto
per Battiato, Baglioni e Renato Zero.
Ha già all’attivo molte collaborazioni importanti.
C’è un artista con cui vorrebbe lavorare?
Voglio scrivere con Vasco! Sarà piuttosto improbabile,
ma sognare non costa nulla, no?
ITA EVENTI 35

Musica
Foto Daniele Barraco©
Foto Sha Ribeiro
Francesco De Gregori
UN TOUR MONDIALE
Nei mesi di ottobre e novembre il cantautore sarà protagonista
di un tour che lo porterà sui palchi di alcune
delle più importanti città europee, americane e
canadesi, come Londra, Parigi, New York, Boston e
Toronto, per presentare live i suoi più grandi successi.
Sarà accompagnato da una formazione inedita: Guido
Guglielminetti al basso e contrabbasso, Alessandro
Arianti all’hammond e piano, Paolo Giovenchi
alle chitarre e Alessandro Valle alla pedal steel guitar
e mandolino. A febbraio di quest’anno è uscito un
doppio album live di De Gregori, “Sotto il vulcano”,
registrato durante il concerto al Teatro Antico di Taormina,
nel corso del suo “Amore e Furto tour”, con
la produzione artistica di Guido Guglielminetti.
CONCERTI ◗ 13/10 Vox Club, Nonantola (Mo)
◗ 14/10 Teatro della Concordia, Venaria Reale (To)
◗ 26/10 Supersonic Arena, S. Biagio di Callalta (Tv)
◗ 27/10 Live Club, Trezzo sull’Adda (Mi)
Fabri Fibra
FENOMENALE
È uscito ad aprile l’ultimo album di Fabri Fibra, “Fenomeno”,
e da ottobre il rapper italiano sarà in tour
in alcuni dei più importanti club della nostra penisola.
Da poco è in rotazione nelle radio l’ultimo
singolo estratto dal disco, “Stavo pensando a te”, prodotto
da Big Fish, compagno di avventura in major
di Fibra già dai tempi delle hit “Applausi Per Fibra”
e “In Italia”. La canzone rivela un Fabri Fibra
pressoché inedito, perfettamente in grado di descrivere,
a suo modo, una relazione che non avrebbe
mai dovuto cominciare.
CONCERTI ◗ 17/10 Live Club, Trezzo sull’Adda (Mi)
◗ 20/10 Teatro Concordia, Venaria Reale (To)
◗ 21/10 Vox Club, ◗ Nonantola (Mo) ◗ 23/10 e 7/11
Alcatraz, Milano ◗ 27/10 Obihall, Firenze ◗ 28/10 Gran
Teatro Geox, Padova ◗ 3/11 Atlantico Live, Roma
◗ 4/11 Pala Partenope, Napoli ◗ 10/11 Padiglione Conza,
Lugano ◗ 11/11 Estragon, Bologna
Foto Giovanni Canitano, artwork Jacopo Leone
SPETTACOLO DI OMBRE E RIFLESSI
Un nuovo suggestivo spettacolo ambientato tra ombre,
nebbie e riflessi, ma con una struttura libera nel repertorio
e nella narrazione. Sarà così il tour Ombre nell’inverno di
Vinicio Capossela. Non sarà il concerto di un disco solo,
ma abbraccerà la sua intera opera seguendo il filo conduttore
dello spettro che si ripresenta nell’inverno: dai brani umbratili
e misteriosi dell’album Canzoni della Cupa, alle ballate
e alle rese dei conti sparse in tutta la sua produzione.
CONCERTI ◗ 11/11 Teatro Comunale, Carpi (Mo) ◗ 16/11 Teatro Vittorio
Emanuele II, Messina ◗ 17/11 Teatro Politeama, Catanzaro ◗ 25/11 Teatro
Goldoni, Venezia ◗ 29/11 Teatro Alighieri, Ravenna
36 ITA EVENTI

DI NUOVO IN ITALIA
QUESTIONE DI FAMIGLIA
In questo tour organizzato in seguito all’uscita dell’album
De André canta De André Vol. III, Cristiano De
André interpreta un repertorio ricco di nuovi brani
del padre che si affiancheranno a quelli contenuti
nei precedenti progetti discografici.
CONCERTI ◗ 12/10 Teatro Augusteo, Napoli ◗ 14/10
Teatro Olimpico, Roma ◗ 24/10 Teatro Carlo Felice,
Genova ◗ 16/11 Teatro Sociale, Como ◗ 24/11 Teatro
Comunale, Belluno ◗ 25/11 PalaBrescia, Brescia
70 ANNI DI CARRIERA
Dopo il grandissimo successo del concerto
di luglio all’Auditorium Parco della Musica,
Charles Aznavour tornerà in concerto
in Italia a novembre, per celebrare i suoi
70 anni di magnifica carriera. Aznavour
ha all’attivo dei numeri da record, con 300
milioni di dischi venduti nel mondo e 80 film.
CONCERTO ◗ 13/11 Teatro Arcimboldi, Milano
Foto Dino Buffagni
Tutte le hit di Bryan Adams e i brani
dell’ultimo album Get Up! in sei serate che
segnano il ritorno in Italia del rocker canadese
dopo quattro anni. L’album, il tredicesimo
del cantautore e pubblicato sette anni
dopo il precedente, è stato prodotto dal
frontman della Electric Light Orchestra, il
musicista, compositore e produttore, Jeff
Lynne, e nei quindici mesi trascorsi dalla
sua uscita ha riscosso un ampio successo
di pubblico e critica. Contiene nove brani
inediti e quattro versioni acustiche, scritti
da Adams e Jim Valance, tranne Do What
Ya Gotta Do scritto da Adams e Lynne. Accanto
a nuovi successi come You Belong To
Me, in scaletta ci sarà spazio per le hit che
hanno segnato i suoi trentacinque anni di
carriera come Summer of ‘69, Heaven,
Run To You, Please Forgive Me. Brani che
hanno cementato un rapporto speciale tra
Bryan Adams e il pubblico italiano, un rapporto
di cui si scriverà un nuovo capitolo
in questi attesissimi sei concerti.
CONCERTI
◗ 10/11 Kioene Arena, Padova
◗ 11/11 Mediolanum Forum, Milano
◗ 12/11 Pala Alpitour, Torino
◗ 14/11 Palalottomatica, Roma
◗ 15/11 105 Stadium, Rimini
◗ 16/11 Palasport, Bolzano
UN TOUR MADE IN ITALY
È ripartito il 4 settembre il
tour “Made in Italy - Palasport
2017”, che vede Luciano Ligabue
protagonista nei palasport
di tutta Italia per presentare
alcuni brani dell’ultimo
album oltre ai suoi grandi successi.
In occasione delle date
del tour si vedranno in anteprima
le prime immagini del
terzo film di Ligabue, Made in
Italy, nelle sale a inizio 2018.
Foto Toni Thorimbert
CONCERTI
◗ 7/10 Pala Onda, Bolzano
◗ 10-11/10 Pala Alpitour, Torino
◗ 13-14/10 Pala Bam, Mantova
◗ 16/10 Pala Prometeo, Ancona
◗ 18/10 Adriatic Arena, Pesaro
◗ 20-21/10 Arena Spettacoli PD
Fiere, Padova ◗ 23-24/10 Pala
Rubini Alma Arena, Trieste
◗ 27-28/10 Unipol Arena,
Bologna ◗ 3-4/11 Fiera
“Padiglione E”, Cagliari

Jazz
Foto di Alessio Pizzicannella
L’IO DI CAMMARIERE
Accompagnato da un gruppo di
fedeli musicisti che denota il feeling
jazz dei suoi arrangiamenti,
Sergio Cammariere al Padova
Jazz Festival (9-14 ottobre 2017)
presenterà il suo più recente lavoro:
Io. In scaletta ci saranno i
suoi brani più amati oltre a nuove
coinvolgenti canzoni. Il cantautore
pescherà dunque dal baule dei ricordi
i suoi successi più acclamati,
dipingendoli con nuove sfumature
e con intense sottolineature emotive:
Tempo perduto, Via da questo
mare, Tutto quello che un
uomo. E poi ancora le suggestioni
pianistiche e le incalzanti venature
latine di Dalla pace del mare lontano,
L’amore non si spiega, col
suo testo impegnato e sentimentale,
e la vivace e autoironica
Cantautore piccolino. Tra le nuove
creazioni di Cammariere troviamo
Ti penserò, un solo per pianoforte
e voce colmo di calore e passione,
La giusta cosa, i cui ritmi
trascinanti strizzano l’occhio al
pop e all’attualità, Sila, un piano
solo pervaso dall’amore per la
sua terra d’origine. Immancabili
poi gli omaggi ai memorabili cantautori
che hanno ispirato Cammariere
durante la sua carriera,
come Chi sei, un jazz waltz dedicato
a Sergio Endrigo.
CONCERTO ◗ 14 ottobre, Padova,
Teatro Verdi
UNA NUOVA BAND
Per la prima volta Chick Corea e Steve Gadd uniscono
le forze in co-leadership: la musica è tutta nuova
(e in autunno troverà anche la via del disco), con
l’aiuto delle giovani forze del chitarrista beninese Lionel
Loueke, del sassofonista Steve Wilson (già di casa con
Corea, avendo militato nei suoi Origin), di Carlitos Del
Puerto al basso e del venezuelano Luisito Quintero alle
percussioni. La band si esibirà in occasione del Bologna
Jazz Festival (26 ottobre - 19 novembre 2017).
CONCERTO ◗ 7 novembre, Bologna, Auditorium Manzoni
Foto di C. Taylor Crother, courtesy Chick Corea Productions
UN VETERANO
Stanley Clarke, vincitore di 4 Grammy e considerato una leggenda del
jazz contemporaneo, è stato il primo bassista a esibirsi come front man
in tour mondiali, e il primo a essere una star sia del basso elettrico che di
quello acustico. Veterano con oltre 40 album all’attivo, Clarke ha vinto il
Grammy nel 2011 per il migliore album di jazz contemporaneo per il suo
album “The Stanley Clarke Band”. Clarke ha cofondato il gruppo di seminal
fusion “Return to Forever” con Chick Corea e Lenny White. Ha collaborato
nella sua carriera con Quincy Jones, Stan Getz, Art Blakey, Paul McCartney
e Keith Richards, solo per nominarne alcuni. È anche compositore di
oltre 60 colonne sonore per il piccolo e grande schermo. La creatività
di Clarke è stata riconosciuta e premiata in tantissime
occasioni: è stato il primo jazzista dell’anno
per Rolling Stone e più recentemente è
stato premiato con il prestigioso “Miles Davis
Award” al The Montreal Jazz Festival.
CONCERTO ◗ 30 ottobre, Milano, Blue Note

PAPPANO • ABBADO • COPPOLA • BIANCHI • BORGONOVOGRANDI INTERPRETI: MUSICA DA CAMERA, CLASSICA, OPERA
Classica
L’AIDA TORNA IN SCENA AL COMUNALE DI BOLOGNA DOPO 16 ANNI
MODERNA MA FEDELE ALL’ORIGINALE
Una delle opere più amate di Giuseppe Verdi
torna al Comunale nell’applauditissimo spettacolo
coprodotto con il Macerata Opera Festival
e andato in scena nel cinquantesimo dello Sferisterio
nel 2014 e ancora la scorsa estate. Aida è
l’opera che più di tutte porta con sé un immaginario
spettacolare carico di stereotipi: l’antico
Egitto da cartolina, la grandiosità degli apparati
scenografici, una certa ridondanza complessiva
che tuttavia non obbliga a una lettura oleografica
ma suggerisce soluzioni simboliche: «perché
è anche una fra le opere più intime e toccanti –
spiega il regista Francesco Micheli – e lasciandosi
guidare dai colori della partitura e dalle architetture
della drammaturgia si può far rivivere
la vicenda non solo nel dettaglio orientaleggiante
di massa ma anche nella proiezione gigantesca
di colori, forme e nessi di significato che ciascun
personaggio canta e recita per noi: moderni geroglifici,
cibernetiche icone che codificano la vicenda
venendo disegnati non nella minuzia di
un’osservazione ravvicinata ma nell’immanente
enormità della scena». Un’Aida esteriormente
“contemporanea” ma negli intenti soprattutto
narrativa, simbolica, metaforica «fiduciosa nel
potere del mezzo tecnologico – aggiunge Micheli
– che s’intreccia con rinnovata fedeltà all’invenzione
verdiana il cui orientalismo ebbe come cornice
alcuni eventi del secondo Ottocento rivoluzionari,
modernissimi e iper-tecnologici a loro
volta, come l’apertura del Canale di Suez».
AIDA
◗ 12-14-15-16-18-19-21-22/11
Teatro Comunale, Bologna
Frédéric Chaslin (direttore), Orchestra e Coro del Teatro
Comunale di Bologna, Francesco Micheli (regia),
Luca Dall'Amico (il re), Nino Surguladze/Cristina Melis
(Amneris), Monica Zanettin/Stefanna Kybalova (Aida),
Carlo Ventre/Antonello Palombi (Radamès), Enrico
Iori/Antonio Di Matteo (Ramfis)
ITA EVENTI 41

Classica
OMAGGIO AD
ADRIANO GUARNIERI
In occasione del 70° compleanno del compositore mantovano, laVerdi, diretta da Pietro
Borgonovo, esegue in prima assoluta Live Symphony n. 5 di Mercedes Vescio
Sotto, Pietro
Borgonovo: nel
2015 ha diretto al
Ravenna Festival
la prima mondiale
dell’opera di Adriano
Guarnieri L’amor
che move il sole e
l’altre stelle con
la regia di Cristina
Muti. Nella pagina
a fianco, laVerdi
in concerto
l primo appuntamento della Stagione
2017/18 con la speciale
rassegna “laVerdi festeggia”, dedicata
al ‘900 italiano, vede protagonista
Adriano Guarnieri, in occasione
del suo 70° compleanno. Sarà
un’occasione irripetibile per il pubblico
milanese e non solo,che vorrà festeggiarlo:
quella di ascoltare in prima assoluta
la sua Sinfonia n. 5 (Live
Symphony), piatto forte del programma.
La serata sarà aperta dalla
Sinfonia n. 4 Tragica di Franz Schubert.
Sarà naturalmente l’Orchestra
Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi,
per l’occasione diretta dal milanese
Pietro Borgonovo, a eseguire l’inedita
opera del Maestro. Borgonovo si è
distinto nella direzione di produzioni
sinfoniche e operistiche per prestigiosi
festival e teatri. Il profondo interesse
per la musica contemporanea
lo ha portato a collaborare con molti
compositori del nostro tempo: George
Benjamin, Luciano Berio, Azio
Corghi, Franco Donatoni, Salvatore
Sciarrino, Fabio Vacchi, Carlo Galante,
Silvia Colasanti, Ivan Fedele,
Iannis Xenakis e, appunto, Adriano
Guarnieri, dei quali ha spesso interpretato
opere anche in prima esecuzione,
come farà con la Sinfonia n. 5.
“Questa Live Symphony n. 5 - racconta
il Maestro Adriano Guarnieri -
fa parte di un progetto integrale ancora
non completato di più brani sinfonici
intitolato La Terra del Tramonto.
Si tratta di una raccolta unica di un
grande polittico orchestrale, come
fosse una sola grande arcata sinfonica.
Vi sono brani con il live electronics
(come la prima Live Symphony)
e altri senza live electronics. Il titolo
di questa sinfonia viene così propriamente
detto a seguito di una tecnica
di scrittura ‘circolare’ e non monodirezionale,
che è desunta da movimenti
fonologici per agglomerati che si
muovono circolarmente nello spazio.
Abbiamo infatti ottoni con grandi pedali
a canone. Le trombe si rincorrono
sempre a canone in traiettorie plurime,
i fiati accennano a un melos che
emerge dalla galassia materica. Gli archi
contrappuntano i movimenti spaziali
delle trombe, più percussioni assai
dense che punteggiano aritmicamente
tutti i movimenti trasversali di
ogni blocco sonoro. Ciò spiega perché
ho fatto riferimento a una forma
storica quale la sinfonia. Il concetto
sinfonico è però del tutto rovesciato
rispetto alle forme ottocentesche. Il rovesciamento
della medesima forma
sinfonica qui si ottiene mediante
densità sonore che si intersecano, o si
42 ITA EVENTI

ADRIANO GUARNIERI
Compositore nato a Sustinente (Mantova) nel 1947, ha
compiuto gli studi musicali al Conservatorio di Bologna,
diplomandosi con il massimo dei voti in Musica Corale
e in Composizione. Inizialmente ha affiancato all’attività
di compositore quella di direttore di ensemble, per poi
dedicarsi esclusivamente alla composizione. I suoi primi
lavori risentono dell’originaria matrice strutturalistica,
ma sul finire degli anni 70, soprattutto con la trilogia dei
Pierrot, si cominciano a delineare i tratti di un percorso
assolutamente personale, col superamento dell’impianto
strutturalistico e la ricerca di nuovi mezzi linguisticoespressivi.
Il momento culminante viene raggiunto con
l’azione lirica Trionfo della notte, un’opera “non narrativa”
andata in scena al Teatro Comunale di Bologna nel 1987
e insignita del Premio Abbiati della critica italiana quale
miglior composizione dell’anno. È del 2003 La terra del
tramonto, live-symphony n.1 per grande orchestra, soli
strumentali in sala e live electronics. Una concezione
formale del tutto diversa caratterizza la “Sinfonia breve”
che porta anch’essa il titolo La terra del tramonto,
perché nasce nel 2004 dalla riflessione sulla ricchezza
dei materiali della “Live-Symphonie” e dal loro radicale
ripensamento: la commissione del Teatro Comunale
di Bologna comportava la rinuncia al live electronics
e all’organico della grande orchestra, perché il pezzo
era destinato a essere presentato all’interno del ciclo
dedicato alle sinfonie di Beethoven.
dilatano, o si scontrano e si spazializzano
in molteplici direzioni. Non vi è
dunque nessuna intenzione ideale di recupero
formale della sinfonia classica.
Questo ‘big bang’ di agglomerati suggerisce
un immaginario visivo proprio
di ‘un tramonto’ fisico e psichico della
nostra epoca, sia sul piano universale
che nei particolari del vivere sociale.
Un’eclissi non solo geofisica ma anche
storica che si proietta in una fine, oggi
forse irreversibile, dell’umanesimo.
Tutto ciò è compreso in un unico affresco
musicale e un’unica estesa ‘sinfonia’
al rovescio”.
OMAGGIO AD ADRIANO GUARNIERI
◗ 27/10/2017
Auditorium di Milano, Largo Mahler
Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi
Direttore Pietro Borgonovo
In prima assoluta Live Symphony n. 5
Info e prenotazioni:
Auditorium di Milano
Fondazione Cariplo, Largo Mahler
orari apertura: mar/dom
ore 10.00/19.00, tel. 02.83389401
www.laverdi.org/www.vivaticket.it
ITA EVENTI 43

Classica
IL VERDI COMICO
L’ultima opera di Verdi si ispira a Le allegre comari di
Windsor, e nasce quindi dall’amore del compositore per
Shakespeare e dalla voglia di scrivere un’opera comica.
Così nel 1890, un Verdi settantasettenne scriveva a Gino
Monaldi: «Sono quarant’anni che desidero scrivere
un’opera comica, e sono cinquant’anni che conosco Le
allegre comari di Windsor; pure… i soliti ma, che sono
dappertutto, si opponevano sempre a far pago questo
mio desiderio. Ora Boito ha sciolto tutti i ma, e mi ha
fatto una commedia lirica che non somiglia a nessun’altra.
Io mi diverto a farne la musica; senza progetti di
sorta, e non so nemmeno se finirò… Ripeto: mi diverto…
Falstaff è un tristo che commette ogni sorta di cattive
azioni… ma sotto una forma divertente. È un tipo! Son sì
vari i tipi! L’opera è completamente comica!». Il 5 febbraio
1887 era andato in scena alla Scala Otello e tutti
pensavano che sarebbe stata la sua ultima opera e invece,
tra i 76 e i 79 anni, Verdi lavora a Falstaff. Il 9 febbraio
1893 l’opera va in scena alla Scala ed è un trionfo.
FALSTAFF
DANIEL HARDING (direttore)
DANIELE ABBADO (regia)
Carlos Álvarez/ Carlo Lepore (Sir John Falstaff)
Gabriele Viviani/ Simone Del Savio (Ford, marito di Alice)
Francesco Marsiglia/ Iván Ayón Rivas (Fenton)
Erika Grimaldi/ Rocío Ignacio (Mrs. Alice Ford)
◗ Dal 15 al 19/11, 21-22-26/11 Teatro Regio, Torino
COLONNE SONORE
Il sogno americano esce dal grande schermo
e si trasforma in musica grazie al quartetto
d’archi dell’Orchestra da Camera Fiorentina.
In programma brani e arie che
hanno segnato la storia del cinema e del
musical. Dalle colonne sonore di C’era una
volta in America, Nuovo Cinema Paradiso, Il
pianista sull’oceano, Il padrino, Il gattopardo,
Lo sceicco bianco, Amarcord, La strada.
QUARTETTO D'ARCHI DELL'ORCHESTRA
DA CAMERA FIORENTINA
Beatrice Bianchi (violino), Alessandro
Bernardi (violino), Vera Stefanovich (viola)
Gabriele Cocchi (violoncello)
◗ 17/10 Sala Mazzoni, Palagio dell’Arte
della Lana, Firenze
The best of Ennio Morricone and Nino Rota
UN GRAN FINALE
A chiudere in grande stile la stagione 2016/2017 del
Teatro dell’Opera di Roma, la Traviata di Giuseppe
Verdi, nell’allestimento creato da Valentino Garavani
e Giancarlo Giammetti, con i costumi di Valentino,
Maria Grazia Chiuri e Pierpaolo Piccioli e con le scene
di Nathan Crowley. Un’opera in tre atti tratta da La signora
delle camelie di Alexandre Dumas figlio, il cui
libretto è stato scritto da Francesco Maria Piave e che
fa parte di una cosiddetta trilogia popolare verdiana,
insieme a Rigoletto e Il trovatore.
Foto Yasuko Kageyama
TRAVIATA
STEFANO RANZANI/CARLO DONADIO (direttore)
SOFIA COPPOLA (regia)
Francesca Dotto/Valentina Varriale (Violetta)
Arturo Chacón-Cruz/Matteo Desole (Alfredo)
Sebastian Catana (Giorgio Germont)
◗ 29-31/10, 2-3-4/11 Teatro Costanzi, Roma
44 ITA EVENTI

OMAGGIO A MONTEVERDI
Una parte della rassegna Il nuovo e l’antico della XXXVI
edizione del Bologna Festival è dedicata a Claudio Monteverdi
nel 450° anno della nascita. Il progetto Monteverdi
sacro e profano è diviso in tre concerti affidati a La Venexiana,
La Compagnia del Madrigale e al tenore Leonardo
De Lisi. La Compagnia del Madrigale è attualmente il più
accreditato gruppo madrigalistico a livello internazionale e
a Bologna presenta il programma Quell’augellin che canta.
LA COMPAGNIA DEL MADRIGALE
Rossana Bertini (soprano), Francesca Cassinari (soprano)
Elena Carzaniga (contralto), Giuseppe Maletto (tenore)
Raffaele Giordani (tenore), Daniele Carnovich (basso)
◗ 13/10 Oratorio di San Filippo Neri, Bologna
Musiche di C. Monteverdi, Giaches de Wert, Luca Marenzio
MAHLER E EÖTVÖS
PER PAPPANO
Composta durante le estati tra il
1903 e il 1904, la Sinfonia n.6 “Tragica”,
deve il sottotitolo a Mahler stesso che considerava
il finale della sinfonia come profetico
degli avvenimenti che sconvolsero la
sua vita. In apertura del concerto l’Orchestra
di Santa Cecilia diretta da Pappano
suonerà la prima esecuzione romana alle
vittime senza nome del compositore estone
Peter Eötvös, una commissione che vede
unite quattro prestigiose istituzioni italiane
– Accademia Nazionale di Santa Cecilia,
Filarmonica della Scala, Orchestra Sinfonica
nazionale della RAI e Maggio Musicale
Fiorentino – in un omaggio alle
vittime civile del terrorismo.
ORCHESTRA DELL’ACCADEMIA
NAZIONALE DI SANTA CECILIA
ANTONIO PAPPANO (direttore)
◗ 12-14-16/10 Auditorium Parco
della Musica, Sala Santa Cecilia, Roma
Eötvös, Alle vittime senza nome
Mahler, Sinfonia n. 6 “Tragica”
NELLO SANTI E IL NABUCCO
Unanimemente considerato un punto di riferimento per il repertorio italiano, Nello Santi è strettamente
legato a Nabucco, di cui è tra gli interpreti più accreditati. La ripresa dell’allestimento di Daniele Abbado
si avvale nella parte di Abigaille di Anna Pirozzi, al suo secondo titolo verdiano alla Scala dopo
I due Foscari, e di Martina Serafin, mentre protagonista è ancora una volta Leo Nucci.
NABUCCO
◗ Dal 24/10 al 19/11 Teatro alla Scala, Milano
Daniele Abbado (regia), Leo Nucci (Nabucco), Stefano La Colla (Ismaele),
Mikhail Petrenko (Zaccaria), Martina Serafin/ Anna Pirozzi (Abigaille)
Foto Rudy Amisano
ITA EVENTI 45

CABARET COMMEDIE TRAGEDIE SUI PALCOSCENICI ITALIANISCILLA • CEVOLI • CARDINALE • PANARIELLO • BOCCOLI
Teatro
Foto di Bepi Caroli
IN SCENA UN CLASSICO AMERICANO DI DAVID MAMET, AMERICAN BUFFALO
UNO SPACCATO DEL NOSTRO TEMPO
Questo spettacolo “come tutti i grandi classici, costruisce
ponti tra la realtà che racconta e le visioni
possibili che è in grado di generare”, racconta
Marco D’Amore, il protagonista. “Io, perso nel viaggio
della lettura, ho visto costruirsi lentamente, davanti
ai miei occhi, uno di questi ponti… è partito
da Chicago (città natia di Mamet) e, passando per
l’angusta bettola di Don (protagonista del testo), è
giunto a Napoli, in un vicolo in cui le ‘puteche’ (botteghe
in dialetto napoletano) esistono ancora. Dove
è possibile incontrare i ‘tipi’ descritti nel testo, ascoltarne
le storie in una lingua che ricorda il famoso
sound a cui si riferisce l’autore quando racconta dei
suoi personaggi, una lingua di popolo che arriva
direttamente dalla pancia ed esplode senza filtri, la
lingua napoletana. ‘American Buffalo’ è la storia di
un fallimento. Annunciato, quasi voluto, destino ineluttabile
a cui non ci si può sottrarre. È racconto da
bassofondo, di slang e male parole, di botteghe
maleodoranti e vestiti sdruciti. È apologia della deriva:
tre esseri umani e un piano improbabile destinato
alla rovina a cui ci si attacca con le unghie
senza rinunciarci! È desiderio di rivalsa, di vita anche
a costo della vita altrui”. L’American Buffalo è
una vecchia moneta da mezzo dollaro, che probabilmente
vale qualcosa o forse no. Fa pensare all’incertezza
del nostro tempo, alla possibilità contemplata
di giocarsi tutto, la vita e la morte, con un
tiro soltanto… testa o croce? “C’è qualcosa di magico
nello scrivere dentro un’altra scrittura”, dichiara
Maurizio de Giovanni che ha adattato il testo. “Navigare
nel tempo e nello spazio, cercare quanto di
universale e perenne ci sia in dialoghi e storie, e immaginare
come sarebbero quei dialoghi e quelle
storie in un altro secolo e in un altro continente”.
AMERICAN BUFFALO
◗ Dal 10 al 12/11 Teatro Tor Bella Monaca, Roma
◗ Dal 14 al 19/11 Teatro Bellini, Napoli ◗ 21-22/11
Teatro Massimo, Pescara ◗ 23-24/11 Teatro Moderno,
Latina ◗ 25-26/11 Teatro dei Differenti, Barga (Lu)
◗ Dal 28/11 al 3/12 Fonderie Limone, Torino
ITA EVENTI 47

Teatro
NUOVI PROTAGONISTI
PER UN MUSICAL DA RECORD
Ricomincia a ottobre il tour di Grease: un’edizione speciale
per festeggiare i vent’anni di repliche in Italia. Protagonista
femminile Lucia Blanco, che racconta di una Sandy decisamente
più “cazzuta” del solito di Clara Dalledonne
na rilettura nuova, contemporanea soprattutto
nella caratterizzazione dei personaggi,
e “luminosa”, come la definiscono
i produttori della Compagnia della Rancia.
L’ultimissima versione del musical Grease sarà in
tour da ottobre per festeggiare i vent’anni di successi
dal debutto in Italia. La regia è affidata a
Saverio Marconi, un’istituzione in fatto di musical,
che ha diretto lo spettacolo per la prima volta
nel 1997 scegliendo Lorella Cuccarini e
Giampiero Ingrassia come protagonisti. I numeri
raggiunti da questo show da allora a oggi fanno
impressione: più di 1500 repliche per oltre
1700mila spettatori. Il successo del musical è senza
dubbio legato al successo del film cult del 1978
con John Travolta e Olivia Newton - John, che
ha appassionato intere generazioni diventando
un vero e proprio fenomeno di costume: canzoni
come Summer Nights e You’re the One that I Want
fanno parte del “bagaglio musicale” di chiunque
abbia vissuto dagli anni Ottanta a oggi.
Nella versione 2017/2018 sul palco reciteranno,
canteranno e balleranno Guglielmo Scilla,
youtuber conosciuto come Willwoosh
e reduce dal programma della Rai Pechino
Express, nel ruolo di Danny
Zuko, e Lucia Blanco, nel ruolo di
Sandy. Classe 1986, la Blanco si
è perfezionata a Milano presso la
Scuola Del Musical diretta proprio
da Saverio Marconi e ha già alle
spalle diverse esperienze teatrali dal
2007 a oggi: La Bella e la Bestia,
Mamma Mia!, Sindrome da Musical, La febbre
del sabato sera, The Best of Musical, Dirty Dancing,
Sarà perché ti amo e Footloose.
La protagonista di Grease, Sandy, è una ragazza
acqua e sapone che per riconquistare Danny, il
ragazzo di cui è innamorata, si trasforma, diventando
sexy e irresistibile.
«Quando ho ottenuto il ruolo - spiega Lucia
Blanco - ho pensato che per me
sarebbe stata una bella sfida perché
io mi sento molto più
Rizzo: sono
più aggressiva
di Sandy,
più esuberante.
In
realtà studiando il
personaggio, interpretandolo
sul palco,
ho capito che ho con Sandy
molte più cose in comune
rispetto a quello che potevo
immaginare all’inizio. È
dolce, generosa, sognante, non
farebbe mai male a una mosca
e queste sono caratteristiche che
mi appartengono. In fondo
siamo un po’ tutte delle Sandy
travestite da Rizzo».
Tra le attrici che l’hanno
preceduta in teatro interpretando
il ruolo
di Sandy, ce n’è
una in particolare
alla quale
si è ispirata?
Il musical quest’anno
è molto
diverso da quelli che
lo hanno preceduto. La
storia è la stessa ma lo spettacolo
è più luminoso, più fresco, più moderno,
quindi anche i nostri personaggi sono
molto più attuali. Non mi sono quindi ispirata
a nessuna, neppure a Lorella Cuccarini
che io amo follemente perché sono cresciuta
con le sue canzoni. La mia è una Sandy
diversa, più “cazzuta”, dolce ma alla quale
è più difficile mettere i piedi in testa.
48 ITA EVENTI

I quattro
protagonisti
di Grease: da
sinistra, Eleonora
Lombardo (Rizzo),
Guglielmo Scilla
(Danny Zuko),
Lucia Blanco
(Sandy), Riccardo
Sinisi (Kenickie).
In basso a sinistra,
Lucia Blanco
ITA EVENTI 49

Teatro
LE DATE
◗ Dal 6 all’8/10 Teatro
della Luna, Milano
◗ Dal 14 al 29/10
Teatro Sistina, Roma
◗ 4-5/11 Teatro Lyrick, Assisi
◗ Dal 10 al 12/11 Teatro
Metropolitan, Catania
◗ 18-19/11 Teatro Team, Bari
◗ Dal 30/11 al 2/12
Politeama Genovese, Genova
(tutte le date su
www.grease.musical.it))
Qual è il segreto del successo del
musical Grease?
Sicuramente la sua fortuna è legata al
successo del film, uno dei film musicali
più famosi di tutti i tempi. Le
musiche sono travolgenti, tanto che
tuttora capita che nelle discoteche si
ballino i medley storici di Grease. È
la musica, prima di tutto, a rendere
attuale lo spettacolo. E poi la storia:
è semplice ma è scritta benissimo.
Tutti noi, ancora adesso, possiamo
identificarci in un personaggio. E poi
gli anni Cinquanta: i costumi, le pettinature…
la gente adora gli anni
Cinquanta, che rappresentano un
mondo spensierato in cui tutti avevano
fiducia nel futuro.
Quale scena del musical ama di più?
La scena del drive-in, quando Danny
chiede a Sandy di diventare la sua
ragazza, perché è molto divertente: è
la scena in cui il carattere di Sandy,
il suo essere così tanto composta appare
in tutta la sua evidenza. Mi
diverto tantissimo a farla perché
sono sul palco insieme a Guglielmo
Scilla che è veramente una persona
fuori di testa, tutte le volte faccio veramente
fatica a non ridere e a rimanere
invece composta e arrabbiata,
devo fare appello a tutta la mia
concentrazione. Ce n’è anche un’altra
che emotivamente mi coinvolge
tantissimo, la scena del garage in cui
Sandy è insieme a Rizzo che “la
canta e la suona” al mio personaggio,
facendole capire che sta sbagliando e
che deve vivere la propria vita con più
leggerezza.
Sembra che fra lei e Guglielmo Scilla
ci sia un buonissimo feeling professionale.
Sì, senza dubbio. Non pensavo si sarebbe
instaurato un rapporto del
genere perché non lo conoscevo. Invece
fin da subito, fin dai provini, ho
sentito un feeling particolare, ho capito
che sul palco avremmo
potuto ottenere risultati im-
50 ITA EVENTI

Lucia Blanco,
31 anni, ha debuttato
nel 2007 nel ruolo di
Val in A Chorus Line.
Guglielmo Scilla,
30 anni, è attore,
scrittore e video
blogger

Teatro
Questa edizione
speciale di Grease
propone una nuova
lettura di alcuni
momenti del musical:
in questo lavoro di
rilettura Saverio
Marconi è stato aiutato
dalle coreografie di
Gillian Bruce, dalla
nuova scenografia
di Gabriele Moreschi,
e da Mauro Simone,
regista associato
ERA IL 1978…
…quando uscì nelle sale
il film musicale Grease,
diretto da Randal Kleiser
e interpretato da John
Travolta e Olivia Newton-
John, e ispirato dall’omonimo
musical del 1971 di Jim
Jacobs e Warren Casey.
È stato il film di maggiore
incasso della seconda metà
degli anni Settanta dopo
Lo Squalo e Guerre stellari.
Nel 1979 il film è stato
candidato a 5 Golden
Globe e a un premio Oscar,
ma non ha vinto nessuno
di questi riconoscimenti.
portanti. Recitare insieme ci viene
molto naturale, lui lascia spazio alla mia
creatività e io ne lascio a lui, è difficile
trovare con un partner questo genere
di intesa. Non ci oscuriamo mai l’uno
con l’altra.
Quale personaggio vorrebbe interpretare
almeno una volta nella sua
carriera?
Roxie Hart in Chicago. È il mio musical
preferito, mi piace tutto di quello
spettacolo. L’ho visto a Broadway e
non sarei mai voluta uscire da quel teatro.
È il personaggio che in assoluto sento
più vicino a me da diversi punti di
vista, vocalmente e fisicamente. Mi piacerebbe
tantissimo interpretarla.
Mai dire mai…
Certamente, io ci spero. Amo moltissimo
il mio lavoro, l’ho scelto fin dai
tempi del liceo quando ballavo e cantavo
quando mi interrogavano. Non
ero preparata sulla lezione magari,
ma già conoscevo mille e una canzone.
Continuerò a fare questo lavoro
fino a che fisicamente sarò in grado di
farlo. Quindi perché no, potrei anche
realizzare il sogno di interpretare Roxie
Hart.
Pochi mesi fa un film musicale come
La La Land ha avuto un successo
strepitoso di critica e pubblico. Le
piacerebbe approdare al cinema con
un film del genere?
Magari! Mi piacerebbe tantissimo lavorare
al cinema. Tutto ciò che è arte
mi piace, quindi anche il cinema. Se
poi parliamo di un film musicale parliamo
del mio habitat naturale. A me
piace fare tutto, mi piace recitare,
cantare, ballare: fare una cosa sola mi
annoierebbe credo.
Secondo lei al cinema vedremo sempre
più film musicali?
Se parliamo di cinema americano,
penso di sì. In Italia la situazione è molto
diversa. Per prima cosa gli spettatori
italiani apprezzano di più altri generi
di film. Inoltre gli attori italiani hanno
una preparazione molto diversa da
quelli americani. Negli Stati Uniti
molti attori cinematografici vengono da
Broadway, nei licei si insegna danza, si
insegna canto, i ragazzi mettono in scena
gli spettacoli di fine anno, è una cultura
molto diversa.
52 ITA EVENTI

Villa Ca’ Conti
dei Marchesi Rusconi Camerini
Ca’ Conti è una splendida villa cinquecentesca
aperta al pubblico per visite guidate.
A vostra disposizione per ricevimenti,
meeting, concerti, wedding.
Via Gazzolo, 1129 35040 Granze (PD) tel. +39 389 2370310 www.facebook.com/villaCaConti www.villacaconti.it

Teatro
LA BIBBIA
Paolo Cevoli torna a teatro con uno spettacolo tutto da ridere, che prende
spunto dai personaggi del testo sacro per eccellenza. Storie che si svolgono
su un grande palcoscenico chiamato universo di Clara Dalledonne
P
er la sua quarta produzione teatrale, Paolo
Cevoli ha scelto un soggetto decisamente particolare:
la Bibbia, «il Libro dei Libri, - spiega
- da tutti conosciuto ma forse non da tutti letto».
La Bibbia raccontata nel modo di Paolo Cevoli
è una rilettura in chiave pop del testo sacro: «sembra
raccontare un mondo che si perde nella notte dei
tempi - prosegue Paolo Cevoli - ma per me non è
così. Ho scelto di raccontare le storie della Bibbia
perché parlano di me, di ognuno di noi. E forse è
possibile immedesimarsi con i grandi personaggi di
quelle vicende. Adamo, nell’Eden con Eva, che fa la
figura del sempliciotto o del “patacca” come si dice
in Romagna. Giobbe, il povero Giobbe, colpito da
mille sfighe eppur deriso dalla moglie. Abramo che
mi ricorda il mio nonno, il babbo del mio babbo.
Un patriarca. Davide, piccolo e furbo, che si inventa
un modo di ammazzare il cattivo gigante Golia. Nella
Bibbia c’è tanto da scoprire. E anche tanto da ridere.
Con l’ironia di Dio che quasi sembra un capocomico!».
In questo spettacolo, con la regia di Daniele
Sala, Cevoli vuole rileggere le storie contenute
nella Bibbia come una grande rappresentazione
teatrale dove Dio è il “capocomico” che si vuole far
conoscere sul palcoscenico dell’universo; una sorta
di “Primo Attore” che convoca come interpreti i grandi
personaggi della Bibbia e li racconta attraverso un
linguaggio ironico e diretto, accessibile a tutti.
Come è nata la sua “passione” per la Bibbia?
Negli ultimi spettacoli teatrali avevo già toccato alcuni
temi sacri vestendo i panni del cuoco dell’Ultima
Cena e del garzone di Michelangelo Buonarroti.
Mi sono appassionato alle storie della Bibbia anche
perché ho scoperto che tratta di temi attuali come i
migranti, il terrorismo e il rispetto dell’ambiente.
Quando ha letto per la prima volta la Bibbia?
Fin da bambino mi hanno raccontato le storie di Adamo
ed Eva, di Noè e di tutti gli altri. Ma forse fino
a oggi non le avevo capite proprio bene.
Definirebbe il suo spettacolo dissacrante?
Il contrario. Io non voglio far cadere in basso le cose
sacre. Piuttosto innalzare quelle normali. Dare dignità
anche alle “pataccate” di tutti i giorni.
Qualcuno si è infastidito per questo spettacolo
comico che ha come protagonisti i personaggi della
Bibbia?
Al momento direi di no. Probabilmente perché io
tratto i personaggi biblici con ironia ma anche con
affetto e grande rispetto.
Deve ammettere che vedere Dio come un “capocomico”
non è da tutti…
Ecco, qui forse un piccolo azzardino c’è… Ma in fondo
il Padreterno per raccontarsi ha scelto una forma
teatrale: il creato come un immenso palcoscenico.
E siccome la storia finisce bene si tratta appunto
di una commedia!
Qual è il suo personaggio della Bibbia preferito
e perché?
Abramo. È un grande. Padre e patriarca delle tre grandi
religioni monoteistiche. Se fosse qui oggi me lo
immaginerei come un grande imprenditore, magari
romagnolo.
Cosa piace al pubblico di questo spettacolo?
Forse la leggerezza. Si ride e si imparano storie di cui
magari si è sentito parlare solo superficialmente.
Secondo lei qual è la parte più divertente dello
spettacolo?
Quella che fa più ridere me è la litigata fra Adamo
ed Eva in uscita dall’Eden.
Lo spettacolo è accompagnato da brani interpretati
dalle cantanti Daniela Galli, Silvia Donati
e Cristina Montanari. Quanto è importante la
parte musicale?
Siccome parlo di leggerezza, cosa c’è di più leggero
della musica leggera? Per questo ho scelto di raccontare
le storie bibliche con le canzoni di Sanremo.
Paolo Cevoli dagli inizi a oggi: com’è cambiato
il suo modo di fare teatro?
Adesso mi piace ridere anche di cose “difficili”.
Ha in “cantiere” qualcosa di nuovo?
Certo. Nel mio mestiere di imprenditore, lontano
dal palcoscenico, ho appena realizzato una startup.
Un’azienda che produce cibi pronti in vasocottura
e camera iperbarica. Un ponte fra
i piatti tradizionali che faceva la mia mamma
cuoca e le nuove tecnologie per la conservazione
dei cibi. Per quanto riguarda
il mio mestiere di comico vedremo…
54 ITA EVENTI

Paolo Cevoli,
59 anni, è un
imprenditore e
consulente nel settore
della ristorazione.
Come dice lui,
il “cabarè
è il suo obbi”
LA BIBBIA RACCONTATA NEL MODO DI PAOLO CEVOLI
◗ 7-8/10 Teatro Consorziale, Budrio (Bo) ◗ 10-11/10 Teatro Manzoni, Milano
◗ 13/10 Teatro Nuovo, Salsomaggiore (Pr) ◗ 14/10 Teatro Comunale, Lonigo (Vi)
◗ 21/10 Teatro Fanin, San Giovanni in Persiceto (Bo) ◗ 27/10 Teatro di Legnano (Mi)
◗ 28/10 Teatro di Busto Arsizio (Va) ◗ 03/11 Teatro Michelangelo, Modena
◗ 10/11 Teatro di Chiavari (Ge) ◗ 17/11 Teatro Stignani, Imola (Bo)
◗ 18/11 Teatro della Regina, Cattolica (Rn) ◗ 24/11 Piccolo Teatro, Padova
◗ 25/11 Il Maggiore, Verbania

Teatro
UN AMORE SPINOSO
© Christophe Vootz
Una brillante commedia di Pierre Barillet e Jean-
Pierre Grédy, una pièce frizzante e leggera che
vedrà sul palcoscenico un cast di provato talento
sotto la direzione artistica di Piergiorgio Piccoli
e Aristide Genovese. Una giravolta di risate per
un’animata storia d’amore, dove a vestire i panni
dei briosi personaggi saranno gli eclettici attori
Maximilian Nisi e Benedicta Boccoli. Con le musiche
originali del maestro Stefano De Meo, l’incanto
del teatro per raccontare un amore che è
come un fiore di cactus: bello, vivace e spuntato
tra le spine. Fiore di cactus è uno spettacolo che
alterna momenti sentimentali ad altri più scanzonati
con grande naturalezza, andando dritto al
cuore del pubblico, attraverso una serie di bizzarre
alchimie che nascono da situazioni “spinose”.
FIORE DI CACTUS
◗ Dal 4 al 22/10 Teatro della Cometa, Roma ◗ 27/10
Teatro Comunale, Casalpusterlengo (Lo) ◗ 2-3/11
Teatro Consorziale, Budrio (Bo) ◗ 4-5/11 Teatro
Giuditta, Saronno (Va) ◗ 6/11 Teatro Sociale, Luino
(Va) ◗ 10/11 Auditorium S. Giorgio, Casatenovo (Lc)
◗ 12/11 Teatro Comunale, Carpi (Mo)
UNA COPPIA IMPORTANTE
Si tratta della versione al femminile della nota pièce teatrale
di Neil Simon, e porterà sul palco una vera “strana
coppia” come Claudia Cardinale, che torna a teatro
dopo dieci anni, e Ottavia Fusco. Lo spettacolo è
un omaggio a Pasquale Squitieri, recentemente scomparso,
che aveva fortemente creduto in questo progetto,
attraverso cui raccontare la grande forza che l’amore ha
di unire e non separare, che sarà messo in scena dal suo
aiuto-regista prediletto Antonio Mastellone, tramite l’utilizzo
dei suoi appunti di regia. Sul palco i due grandi
amori della vita di Squitieri: la sua storica compagna
di vita e la sua ultima moglie.
LA STRANA COPPIA
◗ Dal 31/10 al 12/11 Teatro Sistina, Roma
◗ Dal 22 al 26/11 Teatro Massimo, Cagliari
◗ Dal 7 al 10/12 Teatro Goldoni, Venezia
A COLLOQUIO DAL PROF.
Il professor Ardeche (Fabrizio Bentivoglio) è un insegnante di materie letterarie.
Un disilluso, un cinico, uno spietato osservatore e un lucidissimo polemista. La sua
classe si trova nel cuore dell’esplosiva banlieue di Les Izards, ai margini dell’area
metropolitana di Tolosa: un luogo in cui la scuola è una trincea contro ogni forma
di degrado. Nella convinzione che il vero trionfo sarebbe portare fino in fondo i
suoi allievi senza perderne nessuno per strada, il professor Ardeche riceve le
famiglie degli scolari ogni settimana per un’ora. Ed è attraverso un incalzante
mosaico di brevi colloqui con questa umanità assortita di madri e
padri, che prende vita sulla scena l’anno scolastico della classe Sesta C.
L’ORA DI RICEVIMENTO
◗ 14-15/10 Teatro Concordia, San Benedetto del Tronto (Ap) ◗ Dal 18 al
29/10 Teatro Franco Parenti, Milano ◗ Dall’1 al 5/11 Teatro Morlacchi,
Perugia ◗ Dal 7 al 12/11 Teatro Bellini, Napoli ◗ 17-18/11 Teatro Asioli,
Correggio (Re) ◗ Dal 21 al 26/11 Teatro della Pergola, Firenze

UN GRANDE CLASSICO
La prima versione teatrale del capolavoro di Umberto Eco è l’omaggio al celebre scrittore firmato
da Stefano Massini, tra gli autori teatrali più apprezzati in Italia e all’estero. Leo Muscato
dirige un cast di grandi interpreti, in un crossover generazionale che non mancherà di
animare un testo scritto per la scena ma all’altezza del grande romanzo.
IL NOME DELLA ROSA
◗ Dal 17 al 29/10 Teatro della Corte, Genova ◗ Dal 2 al 12/11 Teatro Franco Parenti, Milano ◗ 14-15/11 Teatro
Goldoni, Livorno ◗ Dal 17 al 19/11 Teatro della Fortuna, Fano (Pu) ◗ Dal 21 al 26/11 Teatro Bellini, Napoli
◗ Dal 28/11 al 3/12 Teatro della Pergola, Firenze
PADRE E FIGLIA
Andrea è un uomo molto attivo, nonostante la
sua età, ma mostra i primi segni di una malattia
che potrebbe far pensare al morbo di Alzheimer.
Anna, sua figlia, che è molto legata a lui, cerca
solo il suo benessere e la sua sicurezza. L’inesorabile
avanzare della malattia la spinge a proporgli
di stabilirsi nel grande appartamento che
condivide con il marito. Ma le cose non vanno
del tutto come previsto: l’uomo si rivela essere un
personaggio fantastico, colorato, che non è affatto
deciso a rinunciare alla sua indipendenza...
IL PADRE
◗ 25-26/10 Teatro Cagnoni, Vigevano (Pv)
◗ Dal 27 al 29/10 Teatro Duse, Bologna
◗ Dal 2 al 19/11 Teatro Ambra Jovinelli, Roma
◗ 21-22/11 Teatro delle Arti, Gallarate (Va)
◗ 25-26/11 Teatro del Giglio, Lucca
IL FUTURO DI PANARIELLO
Dopo il successo straordinario de Il Tour che lo ha
visto protagonista nei principali palasport italiani
insieme agli amici Carlo Conti e Leonardo Pieraccioni,
Giorgio Panariello torna in teatro con Il Panariello
che verrà, uno spettacolo tutto nuovo e tutto
da ridere che dal 29 settembre farà tappa in oltre
20 città italiane. «L'esperienza con Leonardo e Carlo
è stata fantastica!», racconta Giorgio Panariello.
«Ci siamo divertiti e abbiamo fatto divertire l’enorme
pubblico che è venuto a vederci! (...) Ma adesso
devo pensare al Panariello che deve “venire”.
Il Panariello che verrà è una sorta
di work in progress in cui voglio coinvolgere
il pubblico, ma è anche una serie
di riflessioni sul mio futuro: come posso
oggi attirare la vostra attenzione? Cosa
devo inventarmi per farvi alzare il naso
dal telefonino? Come stupirvi in questo
caos di storie su Instagram, video
mirabolanti, notizie in tempo
reale, fake news, influenzer,
blogger, youtuber?».
IL PANARIELLO CHE VERRÀ!
◗ 2/10 Palabam, Mantova
◗ 3/10 Palabrescia, Brescia
◗ 4/10 Teatro Creberg,
Bergamo ◗ 6/10 Arena,
Vigevano ◗ 10/10 Teatro
Coccia, Novara ◗ 12/10
Teatro Moderno, Grosseto
◗ 22/10 Teatro Massimo,
Pescara ◗ 23/10 Teatro
Novelli, Rimini
(altre date www.fepgroup.it)

Musical
BUON COMPLEANNO BERNSTEIN!
Nella stagione teatrale del centenario della nascita di Leonard Bernstein, il musical più famoso di
Broadway torna in scena in un’edizione rinnovata ma fedele all’originale. Questo grande allestimento,
creato esclusivamente per il Carlo Felice, vedrà la regia di Federico Bellone (Viale del Tramonto,
A qualcuno piace caldo, Mary Poppins della Disney) con un nuovo adattamento del libretto firmato
da Franco Travaglio e le coreografie originali di Jerome Robbins.
WEST SIDE STORY
◗ Dal 19 al 29 ottobre 2017 Teatro Carlo Felice, Genova
COMICITÀ
ANGLOSASSONE
La prima assoluta in italiano
di Spamalot, il musical tratto
da Monty Python e il Sacro
Graal, film-cult del più grande
gruppo comico di tutti i tempi.
Questo sarebbe già di per sé un evento
interessante per il panorama teatrale italiano, dove
non a caso in quarant’anni nessuno aveva mai osato
mettere in scena i Monty Python, con la loro comicità
surreale e testi pieni di riferimenti e giochi verbali spesso
intraducibili o difficilmente comprensibili per un
pubblico non anglosassone. Ma a raccogliere la sfida
dell’adattamento in italiano del musical scritto da Eric
Idle e John Du Prez è stato chiamato Rocco Tanica, e
questo alza di molto il livello dell’operazione. Tanica
non è solo il musicista, autore e personaggio televisivo
a tutti noto ma anche un appassionato conoscitore
dell’opera dei Monty Python. “Trentaquattro anni fa
vidi al cinema Monty Python, Il senso della vita – dice
Tanica – e fu una folgorazione. È un onore essere stato
scelto per quest’incarico”. Né, d’altra parte, sarebbe
stato possibile pensare ad altri che a Elio per il ruolo
principale nello spettacolo, quello di Re Artù.
UN CULT
Un nuovo allestimento teatrale, completamente
inedito, tratto dalla pellicola del 1983 diretta
da Adrian Lyne, scritto da Tom Hedley e Joe
Eszterhaz con protagonista Jennifer Beals nel
ruolo di Alex, che nello spettacolo sarà interpretata
da Valeria Belleudi (che ha partecipato ad
Amici nel 2004). Per raccontare la storia di una
donna che insegue la sua passione con talento
e determinazione la regia è affidata a un’artista
poliedrica e brillante: Chiara Noschese.
FLASHDANCE
◗ Dal 5/10 al 31/12/2017 Teatro Nazionale
CheBanca, Milano
SPAMALOT - I CAVALIERI DELLA TAVOLA
MOLTO, MOLTO, MOLTO ROTONDA!
◗ 31/10 - 01/11 Teatro Verdi, Montecatini
◗ 3-4/11 Teatro EuropAuditorium, Bologna
◗ Dal 7 all’11/11 Teatro Nuovo, Verona
◗ Dal 17/11/17 al 6/01/18 Teatro Nuovo, Milano
58 ITA EVENTI

Cinema
I FILM CHE PRESTO ARRIVERANNO SUL GRANDE SCHERMO
SANTAMARIA • ANGIOLINI • BALDWIN • COMENCINI • BEDI
L’APPARENZA SPESSO INGANNA
Il Papero, Ballerina, Il Merda e Plissé si improvvisano
rapinatori per il colpo che cambierà la loro
vita. Non importa se il primo è senza gambe,
Ballerina, la sua bellissima moglie, non ha le
braccia, se Merda è un rasta tossico e Plissé
un nano rapper. Sono solo dettagli. Per loro non
ci sono ostacoli. Solo sogni. Anche se, dopo il
colpo, le cose si complicano: ogni componente
dell’improbabile banda sembra avere un piano
tutto suo per tenersi il malloppo. Tutti fregano
tutti senza nessuna pietà in una girandola di inseguimenti,
cruente vendette, esecuzioni sanguinose
e tradimenti incrociati. Brutti e cattivi è
una dark comedy intelligente, oltraggiosa e bizzarra,
che non si pone dubbi sul politically correct.
Cinema di genere, ma corretto al vetriolo.
«Il tema, alla base di Brutti e cattivi, è l’uguaglianza»,
spiega il regista, Cosimo Gomez. Tutto
il film si muove all’interno della ‘regola’ che ogni
essere umano può essere cinico e spietato a
prescindere dalle apparenze. È una commedia
d’azione che rompe gli schemi, dove un gruppo
di sfortunati cialtroni e cattivi, abilissimi e spregiudicati,
mette a segno un’ingegnosa rapina.
Non solo: li vedremo fare sesso, offendere ed
essere offesi, uccidere ed essere uccisi, in una girandola
di avvenimenti. Ma non è un film realistico.
È un film che, camminando in equilibrio tra
il vero e il verosimile, punta a raggiungere una
dimensione lirica e divertente al tempo stesso».
Il film, presentato in anteprima a Venezia74 nella
sezione Orizzonti, sarà nelle sale a ottobre distribuito
da 01 Distribution. Nel cast due degli attori
più quotati del momento: Claudio Santamaria,
che lo scorso anno si è aggiudicato il David di
Donatello come Migliore attore protagonista
per il film Lo chiamavano Jeeg Robot, e Marco
D’Amore, che ha raggiunto il successo con il
ruolo di Ciro Di Marzio nella serie televisiva
Gomorra. Sara Serraiocco, che interpreta l’unica
donna della “banda”, ha ottenuto quest’anno
la candidatura ai Nastri d'Argento 2017 come
migliore attrice protagonista per il film Non
è un paese per giovani di Giovanni Veronesi.
◗ Produzione Casanova Multimedia con Rai Cinema
Regia Cosimo Gomez
Sceneggiatura Luca Infascelli, Cosimo Gomez
Cast Claudio Santamaria, Marco D’Amore,
Sara Serraiocco, Simoncino Martucci,
Narcisse Mame, Aline Belibi
Uscita nelle sale 19 ottobre 2017
ITA EVENTI 61

Cinema
E SE PER TRADIRE ED ESSERE
FELICI SERVISSE UN ANALISTA?
A fine ottobre uscirà nelle sale Terapia di coppia per amanti, di Alessio
Maria Federici con Ambra Angiolini e Pietro Sermonti. Il film, a detta del
regista, farà riflettere sulla difficoltà di prendere decisioni di Cristiana Zappoli
iviana (Ambra Angiolini) e Modesto
(Pietro Sermonti) sono sposati
e si amano, sono uniti da una
passione incontrollabile. La loro relazione
è fatta di attrazione, schermaglie, risate
e… incontri clandestini. Perché Viviana
e Modesto sono sì sposati, ma non fra di
loro. Sono amanti. Terapia di coppia per
amanti, il film tratto dall’omonimo romanzo
di Diego De Silva, non è però una
storia di tradimento, è una storia d’amore
a tutti gli effetti. I due protagonisti si
amano talmente tanto che, quando la loro
relazione entra in crisi, decidono di andare
da un analista per cercare di risolvere
i loro problemi, per restare insieme. E magari
per cercare di capire se sono pronti
a prendere una decisione che cambierà le
loro vite per sempre. «Il libro di De Silva
- spiega il regista Alessio Maria Federici
- ha suscitato il mio interesse perché
racconta, in modo moderno e senza
l’ombra del “giudizio universale” che
storicamente caratterizza un paese cattolico
come il nostro, una storia su chi tradisce.
Mi ha colpito perché l’autore racconta
semplicemente una storia di esseri
umani ai quali, tra l’altro, mi sento molto
vicino per il tipo di sarcasmo con cui
affrontano le cose della vita».
Nel libro di Diego De Silva la storia è
raccontata alternativamente dal punto
di vista dei personaggi. Qual è il punto
di vista del film?
62 ITA EVENTI

Ambra Angiolini
40 anni, e Pietro
Sermonti, 45 anni,
interpretano
Viviana e Modesto,
i protagonisti
del film. A destra,
il regista Alessio
Maria Federici
Un punto di vista esterno, oggettivo: essendo
un adattamento cinematografico
ho trovato più interessante seguire il
sarcasmo di entrambi.
Secondo lei nella realtà esistono coppie
di amanti che decidono di frequentare,
insieme, un terapista?
Non ne ho la certezza ma secondo me
è molto probabile.
È un film che in qualche modo farà
riflettere gli spettatori?
Il protagonista a un certo punto del film
nota l’assurdità del fatto che stanno pagando
un terapeuta perché li aiuti a riflettere,
perché si sentano autorizzati a
esprimere quello che provano. Secondo
me il film farà riflettere gli spettatori su
un fatto da cui non si può prescindere:
prendere delle decisioni nella vita è sempre
una cosa molto complicata. Sono
riuscito a fare il film proprio con gli attori
che volevo: mi interessava abbassare
l’età dei protagonisti rispetto al libro,
per raccontare un po’ la mia generazione.
Ho compiuto 40 anni l’anno scorso
e faccio parte di una generazione di
persone che vive il disagio di sapere che,
mentre i nostri genitori sono cresciuti
con i Beatles e i Rolling Stones, noi siamo
cresciuti con i Duran Duran e iTake
That. Credo che questo già dica tanto
sul nostro dramma. Mi sono divertito
a raccontare le difficoltà emotive della
mia generazione. Siamo i primi figli di
genitori separati, quindi conosciamo perfettamente
pregi e difetti di una situazione
di questo tipo, eppure ci facciamo
travolgere da un circolo vizioso in cui il
pregiudizio ha comunque la meglio.
Sono circondato da coppie che stanno
insieme per quieto vivere.
Quindi Viviana e Modesto stanno insieme
ai rispettivi coniugi per quieto
vivere?
Viviana per quieto vivere, Modesto per
pigrizia, che è tipico degli uomini.
Non siamo incapaci di vivere i sentimenti,
anzi in questo siamo una generazione
di “fenomeni”, non siamo legati
a un passato di sofferenza, a godere siamo
bravissimi. Il problema è che siamo
molto meno bravi, invece, a prendere
atto di quello che stiamo facendo, a dare
un nome e un cognome alle cose.
Infatti è Viviana che insiste per andare
dal terapista, Modesto è troppo pigro.
È vero, però alla fine chi cambia l’ordine
dei fattori è Modesto, prendendo le
decisioni o non prendendo le decisioni.
Ci dica un pregio e un difetto di Viviana
e un pregio e un difetto di Modesto.
Modesto è pigro ma molto sagace. Viviana
è contorta ma nel contempo pratica.
Ha detto che fin dall’inizio ha pensato
DAL ROMANZO
Terapia di coppia
per amanti
di Diego De Silva
Einaudi, 2015
«C’è un momento,
diciamo intorno al
primo anniversario di
una relazione clandestina,
in cui pieghi
la testa di lato, stringi
gli occhi come
cercassi qualcosa di
minuscolo che si
muove nell’aria,
e vedi in filigrana il
casino in cui ti trovi.
Questo è amore,
ti dici senza mezzi
termini, altro che
chiacchiere».
ITA EVENTI 63

Il punto di vista dell’attore: ANNA FERZETTI
L’abbiamo appena vista al cinema nel
film Il colore nascosto delle cose, di Silvio
Soldini e la vedremo impegnata, con
il ruolo di protagonista, in un progetto
internazionale di Bindu De Stoppani,
Cercando Camille, attualmente in
produzione: la storia di un viaggio di
una figlia insieme a suo padre. In tv sarà
impegnata nella seconda stagione di
Rocco Schiavone, in onda su Rai Due
il prossimo anno, le cui riprese sono
iniziate a settembre. Anna Ferzetti, figlia
del famosissimo attore Gabriele Ferzetti
e compagna di Pierfrancesco Favino (con
cui ha 2 figlie) da 14 anni, ha studiato
musical, danza e cinema a Vienna e
negli anni ha lavorato in teatro, al
cinema e in tv. Ha raggiunto il successo
grazie alla web serie e serie tv Una
mamma imperfetta, in cui interpretava
una delle protagoniste. In Terapia di
coppia per amanti veste i panni di
Nelide, la migliore amica di Viviana.
Com’è il personaggio di Nelide?
È una donna diretta, risolta, poco
diplomatica, solare, pratica, materna e
molto ironica. Naturalmente ha anche
le sue fragilità. È la tipica amica che una
donna vorrebbe avere, o almeno che
vorrei avere io. Direi che è un po’
il grillo parlante di Viviana.
Le assomiglia?
Mi somiglia nella sua poca diplomazia,
nell’essere diretta, pratica e ironica.
Mi piace non prendermi sul serio.
Secondo lei si può avere un amante
per tutta la vita?
Forse sì, non saprei con certezza.
Certo, sarebbe una gran fatica.
Già è un impegno notevole riuscire
ad avere un unico compagno.
Qual è il punto di forza del film?
La grande forza del film è quella di
saper trattare un tema che riguarda
molte persone con la leggerezza e il
divertimento della commedia sofisticata.
Lei sta con Pierfrancesco Favino fin
da quando era giovanissima. Pensa
che sia realistico pensare di stare
tutta la vita con una persona senza
mai tradirla?
Perché no! Se la persona con la quale
hai scelto di stare riesce a essere il tuo
compagno, il tuo amico e allo stesso
tempo anche il tuo amante, credo
proprio che sia possibile.
Anna Ferzetti ha esordito in tv in Stiamo
bene insieme di Sindoni. Fra i lavori
cinematografici più interessanti a cui
ha partecipato, il film Liberi di giocare
(2007) di Francesco Miccichè
Foto Alessandro Pizzi / total look Mila Schon / gioielli Iosselliani / h&m Simone Belli team location La Santeria Roma

ad Ambra Angiolini e Pietro Sermonti
per i ruoli dei protagonisti. Perché?
È un film che nasce dal racconto di uno
scrittore molto sarcastico e intelligente,
uno scrittore che fa dei dialoghi la sua forza,
quindi avevo bisogno di attori con cui
sapevo di poter confrontarmi anche culturalmente,
con cui poter giocare anche
con il complemento oggetto, che è poi
uno degli aspetti più divertenti del film.
Con loro sapevo di poterlo fare, hanno
delle capacità attoriali che per questi ruoli
sono perfette.
Il personaggio dell’analista nel libro ha
diversi problemi personali che si riflettono
nella terapia. L’analista del
film, interpretato da Sergio Rubini, ha
le stesse caratteristiche?
Assolutamente sì, il valore del personaggio
all’interno della storia è lo stesso. Però
vive delle dinamiche differenti perché nel
libro attraverso poche righe l’autore ha la
possibilità di raccontare mondi interi, in
un film la situazione è diversa. Ho dovuto
fare delle scelte riguardo alle storie di vita
che ruotano intorno al personaggio che
resta comunque il dark side of the moon:
Viviana e Modesto incarnano la coppia
che tradisce ma che si ama, il terapeuta,
invece, rappresenta il tradimento fatto per
altri motivi, per esempio l’uomo anziano
che vuole stare con una ragazza giovane.
Modesto è un musicista e nel libro
l’elemento musicale è importante. E
nel film?
Quella che riguarda la musica è stata una
delle operazioni più importanti che ho fatto
in questo film e di cui vado più fiero.
Il libro è ricco di citazioni di musica new
age anni Settanta che penso non sia per
nulla cinematografica, si parla di pezzi che
hanno preludi di quattro minuti, non si
possono inserire in un film. Quindi ho
pensato di fare un’operazione completamente
diversa coinvolgendo un mio carissimo
amico violinista e compositore degli
Afterhours e integrando, come gruppo
di Modesto quando non è in tournée
con grandi nomi della musica, i Diana
Lou. Insieme a loro abbiamo scritto le tre
canzoni originali che sottolineano i tre
momenti chiave del film. La realtà è che,
se ho dei dubbi sul film, sono sicuro al
110% del compact disc! A proposito di
musica, nel film c’è anche la partecipazione
straordinaria di Alan Sorrenti che
interpreta se stesso.
Secondo lei questo film piacerà?
Difficile rispondere a questa domanda a pochi
giorni dall’uscita del film in piena spirale
da ansia da prestazione! Mi auguro che,
guardando il film, le persone si rendano
conto che ognuno di noi potrebbe trovarsi
in una situazione del genere, e che, lasciando
da parte il nostro piccolo senso di
bigottismo che ci rende forti e più sereni
rispetto al mondo, si lascino coinvolgere
da quello che sentono e che vedono.
◗ Produzione Cinemaundici, Ela Film, Warner
Bros.Entertainment Italia - Regia Alessio
Maria Federici - Sceneggiatura Alessio
Maria Federici e Diego De Silva - Cast Ambra
Angiolini, Pietro Sermonti, Sergio Rubini,
Anita Kravos, Franco Branciaroli, Anna Ferzetti,
Giacomo Nasta, Fulvio Falzarano, Giulia
Anchisi - Uscita nelle sale 26 ottobre 2017
Pietro Sermonti
insieme al
“terapista”, alias
Sergio Rubini;
l’attore da diversi
anni è docente
di recitazione
cinematografica
presso l’Accademia
nazionale di arte
drammatica
Silvio D’Amico
ITA EVENTI 65

Cinema
AMORI CHE
NON SANNO
STARE AL MONDO
NELLE SALE DAL 29 NOVEMBRE 2017
Claudia (Lucia Mascino) e Flavio
(Thomas Trabacchi) si sono amati,
a lungo e con grande passione.
Poi tutto è finito e per lei non è
stato facile. Dopo tanti anni il loro
è un mondo alla deriva, come
un’isola. Lui ha dentro la furia di
andare avanti, tornare a terra; lei
non vorrebbe dimenticare mai.
Una commedia sentimentale che
racconta con ironia e grande lucidità
una storia d’amore che
non sa stare al mondo, il modo in
cui le donne ne affrontano la
fine e un nuovo inizio. «Con
questo film - racconta Francesca
Comencini - ho cercato di raccontare
con gioia e allegria un disordine
amoroso e un dolore,
perché quando si soffre per amore,
quando si cercano le parole per
rovesciare l’assetto delle cose,
quando ci si lancia come delle
Don Chisciotte impazzite contro
la fine degli amori, si è disperate
ma anche molto buffe. Ho cercato
di creare un personaggio femminile
non vittima, seppure sofferente,
un personaggio irritante e
tenero, scomodo, combattivo».
◗ Produzione Fandango con Rai
Cinema - Regia Francesca Comencini
Sceneggiatura Francesca Comencini,
Laura Paolucci, Francesca Manieri
Cast Lucia Mascino, Thomas Trabacchi,
Carlotta Natoli, Valentina Bellè,
Camilla Semino Favro, Filippo Dini,
Iaia Forte
DOVE NON HO
MAI ABITATO
NELLE SALE DAL 12 OTTOBRE 2017
Francesca (Emmanuelle Devos),
cinquant’anni, è l’unica figlia di
Manfredi (Giulio Brogi), un famoso
architetto che da quando è
vedovo abita a Torino e che lei va
a trovare solo in rare occasioni.
Francesca da molti anni vive a Parigi
con la figlia ormai adolescente
e con il marito Benoît (Hippolyte
Girardot), un finanziere sulla
sessantina dal carattere introverso
ma molto protettivo e paterno con
lei. Dopo essere stato vittima di un
infortunio domestico, Manfredi,
per avere per un po’ di tempo la
figlia al suo fianco aTorino, le chiederà
di fare le sue veci nel progetto
di una villa su un lago per una
giovane coppia di innamorati.
Francesca si ritroverà così a collaborare
con il ‘delfino’ del padre,
Massimo (Fabrizio Gifuni), un
uomo sulla cinquantina che ha basato
tutta la sua vita sulla sua carriera
di architetto, tanto che il legame
con la sua compagna, Sandra
(Isabella Briganti), prevede che
entrambi mantengano i propri
spazi di autonomia e indipendenza.
Dopo un primo approccio
difficile, tra Massimo e Francesca
piano piano nasce una grande
sintonia professionale e un sentimento
che li porterà, forse per la
prima volta, a confrontarsi con se
stessi e i loro autentici destini…
◗ Produzione Pepito Produzioni
con Rai Cinema - Regia Paolo Franchi
Sceneggiatura Paolo Franchi, Rinaldo
Rocco, Daniela Ceselli - Cast Emmanuelle
Devos, Fabrizio Gifuni, Giulio
Brogi, Hippolyte Girardot, Isabella
Briganti, Giulia Michelini
66 ITA EVENTI

Cinema
THE BIG SICK
NELLE SALE DAL 16 NOVEMBRE 2017
Una commedia romantica, divertente
e commovente, ricca di
idee e battute sulla diversità culturale,
basata sulla storia vera degli
sceneggiatori del film e coppia
nella vita, Emily V. Gordon e Kumail
Nanjiani, che mostra tutto
ciò che il pakistano Kumail e la sua
fidanzata americana Emily hanno
dovuto affrontare per superare i
pregiudizi delle rispettive famiglie
e 1.400 anni di antiche tradizioni.
Kumail è un cabarettista che si
guadagna da vivere come autista
di Uber. Nato in Pakistan e trasferitosi
adolescente con la famiglia
negli States, prova a conciliare
la tradizione del suo paese con
la vita americana. La sua famiglia
lo vorrebbe avvocato e gli combina
incontri con giovani donne pakistane
per un possibile matrimonio.
Un giorno, però, Kumail, dopo
un’esibizione in un comedy bar di
Chicago, incontra Emily, giovane
studentessa di psicologia e tra i due
scatta qualcosa. Quella che sembrava
l’avventura di una notte si
trasforma in amore quando Emily
contrae una misteriosa malattia
e Kumail si vede costretto ad
affrontare questa crisi medica con
Beth e Terry, i genitori di lei, che
non ha mai conosciuto e si trova
a dover gestire il conflitto tra i suoi
sentimenti e la sua famiglia.
◗ Produzione Judd Apatow - Regia
Michael Showalter - Sceneggiatura
Emily V. Gordon e Kumail Nanjiani
Cast Kumail Nanjiani, Zoe Kazan,
Holly Hunter, Ray Romano
THE
BROKEN KEY
NELLE SALE DAL 16 NOVEMBRE 2017
In un futuro non lontano, la libertà
dell’essere umano è in pericolo. Il
mondo è controllato dalla “Grande
Z”: la Zimurgh Corporation.
La “Legge Schuster” sull’eco-sostenibilità
dei supporti regna sovrana.
La carta è un bene raro.
Stampare è reato. Sullo sfondo di
questa realistica visione del domani,
il ricercatore inglese Arthur J.
Adams viene spinto all’avventura
dal padre putativo, il professor Moonlight.
La ricerca del frammento
mancante di un antico papiro, protetto
dalla misteriosa confraternita
dei seguaci di Horus, viene
ostacolata da indecifrabili omicidi
legati ai sette peccati capitali. Arthur
dovrà addentrarsi nei meandri
di un’impenetrabile e misteriosa
metropoli del futuro, specchio
della sua anima, per ritrovare il pezzo
mancante e salvare l’umanità intera.
«L’intento del film è quello di
far vivere al pubblico, come al protagonista,
un percorso di purificazione
spirituale dai peccati, ambientato
in una visionaria Torino
del futuro, dove la cultura popolare
è intrisa di palpabile mistero.
Dove la trama si muove tra leggende
che aspettano da secoli di essere
ripercorse. Un viaggio simbolico
ed emozionante».
◗ Produzione L’Altrofilm, TFP, Film
Commission Torino Piemonte - Regia
Louis Nero - Sceneggiatura Louis Nero
Cast Christopher Lambert, Rutger
Hauer, Geraldine Chaplin, Michael
Madsen, William Baldwin, Kabir Bedi,
Franco Nero, Maria de Medeiros,
Marc Fiorini, Andrea Cocco, Diana
Dell’Erba, Marco Deambrogio
ITA EVENTI 67

Televisione
UNA STORIA
D’AMORE
CON LE PINNE
Nel 1984 uscì un film di Ron Howard
dal titolo Splash - Una sirena
a Manhattan, che aveva
come protagonisti Tom Hanks e Daryl
Hanna: la storia era quella di una bellissima
sirena che abbandona acqua e
coda e arriva a New York per cercare il
ragazzo di cui si è innamorata.
Da allora (potere di suggestione del cinema)
abbiamo avuto una certezza: le
sirene, se esistono, possono approdare
Al via il 26 ottobre, su Rai 1,
la serie tv Sirene. Dodici episodi
divisi in sei serate per raccontare
una commedia sentimentale molto
particolare che porta la firma di
Ivan Cotroneo di Cristiana Zappoli
sulla terra ferma e mettere le “gambe”
solo a Manhattan. Ebbene, le nostre
convinzioni stanno per vacillare. Da ottobre
andrà in onda sulla Rai una serie
tv che dimostrerà, oltre ogni ragionevole
dubbio, che sirene e tritoni possono vivere
anche a Napoli. Sirene è una commedia
sentimentale in cui il mare e la
terra vengono coinvolti nella battaglia
più antica del mondo, quella tra maschi
e femmine. Se nel mondo ci sono sem-
68 ITA EVENTI

Ivan Cotroneo, 49 anni, i suoi primi approcci
con il cinema avvengono grazie al regista Pappi
Corsicato, per il quale Cotroneo scrive l’episodio
La stirpe di Iana incluso nel film collettivo I vesuviani
ITA EVENTI 69

Televisione
pre meno uomini con la U maiuscola, in mare le
cose non vanno molto meglio. I tritoni sono quasi
estinti e le sirene del Mediterraneo non possono
più riprodursi. Quando l’ultimo esemplare maschio
della specie sparisce dal mare si scatena il panico,
alcune sostengono con certezza che si sia rifugiato
sulla terraferma, innamorato perdutamente
di una femmina umana. Allora la sua promessa
sposa Yara, insieme alla madre e alle due sorelle,
esce dal mare decisa a ritrovarlo e dare un futuro
alla propria specie. Ma non tutto va per il verso
giusto, perché le sirene, dotate di poteri capaci di
incantare i terrestri, una volta sbarcate a Napoli
saranno a loro volta inaspettatamente conquistate
da quel genere umano che considerano così imperfetto,
ma che è animato da forti passioni e conosce
l’amore.
Diretti da Davide Marengo (Il commissario Manara,
Boris 3), saranno Luca Argentero, Valentina
Bellè, Maria Pia Calzone, Ornella Muti, Denise
Tantucci, Rosy Franzese e Michele Morrone,
a impersonare Salvatore, Yara (i due protagonisti)
e tutti gli altri personaggi secondari che tanto secondari
non sono, perché ognuno ha una storia
da raccontare, un’evoluzione da vivere, un messaggio
da comunicare. La fiction nasce da un’idea
di Ivan Cotroneo, ormai uno degli autori più importanti
del panorama italiano, una vera istituzione
quando si tratta di serialità: «Quando ho pensato
a Sirene - racconta - stavo pensando ai modi possibili
di raccontare una storia quotidiana attraverso
degli occhi “diversi”. L’amore, l’amicizia, sentimenti
e comportamenti quotidiani visti dallo sguardo
esterno di qualcuno che per cultura e per natura
è diverso da noi. E ho pensato che potesse essere
una chiave quella di vedere il mondo umano dagli
occhi dei “marini”, e approcciare i comportamenti
terrestri con lo sguardo delle sirene».
Si può definire una fiction fantasy?
Sì, ma non solo. In Sirene l’elemento fantasy è presente
nell’idea originale, ed è sostenuto e articolato
grazie agli effetti speciali. Ma ci sono anche
altre chiavi di racconto. Mi piace definirla “una
storia d’amore con le pinne”, perché l’elemento
fantasy si combina con la commedia sentimentale,
con il racconto di formazione e nella storia
gli effetti speciali sono importanti quanto la scoperta
da parte delle sirene di tutto quello che attiene
all’umanità terrestre, compresi i sentimenti
e le loro dinamiche.
È la prima volta che si cimenta in questo genere?
È la prima volta che quello che scrivo può rientrare
pienamente nel genere fantasy. Ma inserti fantastici
ci sono in molte delle cose che ho scritto.
In Tutti pazzi per amore, la fantasia si sviluppava
70 ITA EVENTI

Alcune scene della
serie tv Sirene, una
coproduzione Cross
Productions, Rai
Fiction e Beta Film
e ambientata a Napoli
IVAN COTRONEO
Nato a Napoli, è scrittore, sceneggiatore e regista.
Nel 2003 pubblica il suo primo romanzo,
Il re del mondo, seguito nel 2005 da Cronaca
di un disamore e nel 2007 da La kryptonite
nella borsa. Dal suo quarto romanzo, Un bacio
(2010), nasce anche un film che, uscito nelle
sale nel 2016, ottiene un notevole successo
di pubblico e critica. Cotroneo lavora come
sceneggiatore per diverse produzioni televisive,
come fiction e miniserie tv: di grandissimo
successo le due stagioni della web serie ideata,
scritta e diretta da lui, Una mamma imperfetta,
andata online sul sito del Corriere della Sera.
nelle immaginazioni, nei momenti da musical,
nelle visioni, nelle realtà alternative. Ne Una mamma
imperfetta c’erano vite parallele, teletrasporto,
apparizioni. Nel mio primo film da regista,
La Kryptonite nella borsa, uno dei protagonisti crede
di essere Superman e finisce per volare… insomma,
era nell’aria.
A che pubblico si rivolge questa serie?
Sirene si rivolge a tutto il pubblico che ha voglia
di guardare una storia d’amore in cui l’elemento
dell’impossibilità fra i due innamorati è nella
diversa natura che questi portano. Le quattro
sirene protagoniste, con le loro diverse età, affrontano
temi che toccano l’amicizia, l’umanità,
la passione, il ruolo delle donne nella società terrestre.
È un racconto con tante facce.
Definirebbe Sirene una favola?
Non so, perché l’elemento fantastico è inserito in
un contesto molto contemporaneo e attuale, la
Napoli di oggi, e perché le psicologie dei protagonisti
sono molto contemporanee. Sirene racconta
anche lo scontro fra una società matriarcale,
quella dei marini, e un men’s world come
quello che viviamo sulla terra. Se è una favola, lo
è in un senso tutto suo.
Se sì, qual è la morale di questa favola?
Io ho un tatuaggio sulla schiena che dice Amor
omnia vincit. Non so se è una morale, ma il senso
del racconto è che l’amore, nel senso più lato
del termine, non solo l’amore sentimentale ma
anche la compartecipazione che proviamo per i
nostri compagni di viaggio nell’avventura della
vita, è più forte di qualsiasi differenza.
Perché ha scelto Napoli?
Napoli è la mia città, dove sono nato e mi sono
formato. E per questa serie che racconta il mito
delle sirene era perfetta, perché la leggenda vuole
che Napoli sia nata grazie alla sirena Partenope.
Tracce del mito sono ancora presenti in tutta
la città.
Come sono i due protagonisti, Yara e Salvatore?
Yara è una sirena in cerca del suo tritone, che arriva
sulla terra determinata a ritrovarlo e a riportarlo
con sé sott’acqua, decisa, volitiva, con una
bassissima opinione dei terrestri. Salvatore è un
giovane uomo innamorato dell’amore, che aspetta
di trovare la ragazza giusta, che sembra non arrivare
mai. È gentile, galantuomo e innamorato
della vita.
Tra i personaggi secondari, qual è quello a cui
è più legato e perché?
È una domanda difficilissima perché quando scriviamo,
con Monica Rametta, che ha scritto con
me tutti i soggetti e le sceneggiature a partire dall’idea
originale, cerchiamo di dedicarci molto ai
personaggi secondari, che portano altre sensibi-
ITA EVENTI 71

Televisione
Alcuni tra i protagonisti della fiction: da sinistra, Valentina Bellè (Yara), Luca Argentero (Salvatore)
Maria Pia Calzone (Marica) che tiene in braccio Rosy Franzese (Daria), Denise Tantucci (Irene)
lità e altre storie nel racconto. Fra tutti sono molto
legato a zia Ingrid, la regina delle sirene, perché
porta l’autorità della razza dei marini e un’idea di
femminile combattente, e a Michele, un giovane studente
napoletano, un terrestre che fa scoprire alle
sirene la fragilità della vita umana.
Quali sono i temi affrontati in questa fiction?
Il tema della diversità è centrale: quanto puoi comprendere,
aiutare, amare una persona che è completamente
diversa da te? Ma il discorso sulla diversità
si allarga per incrociare una serie di temi che
riguardano il contemporaneo: la violenza di genere,
le discriminazioni, la salvezza che arriva dall’amicizia,
il potere dell’attrazione. E mi piace pensare
che questa sia una serie anche sulla gentilezza
umana, un sentimento che viene raccontato poco,
ma che scatena grandissime conseguenze.
Qual è il punto di forza di questa serie?
Difficile dirlo per me che ne sono così coinvolto
come ideatore e showrunner. La regia di Davide Marengo
e le grandi prove di tutti gli attori, dai protagonisti
ai comprimari, sono sicuramente dei
punti di forza.
Provi a sbilanciarsi: Sirene sarà un successo?
Non mi sbilancio, non ci penso proprio, perché
non c’è mai modo di saperlo prima. E questo per
me e molto sano e molto giusto. Si scrivono racconti
seriali per passione, per condividere un mondo
con gli altri, per raccontare una storia che si spera
farà ridere, commuovere, pensare un po’. E
quando scriviamo e giriamo è tutto quello che dobbiamo
sapere.
È una serie nata per essere un unicum o potrebbe
avere altre stagioni?
I primi dodici episodi raccontano un arco di racconto
chiuso. Ma il finale, che ovviamente non posso
rivelare, apre nuovi possibili scenari. Vedremo.
Lei è un amante sfegatato della serialità. Secondo
lei dove risiede, principalmente, il fascino della
serialità?
Che bella domanda. Forse nell’idea, per me molto
romantica, di una storia che non finisce mai e
che continua a essere raccontata. Nella suggestione
di personaggi che possono cambiare e crescere
con te nel tempo. Nella possibilità di una storia che
continua e continuerà a sorprenderti.
72 ITA EVENTI

Volti nuovi
Foto Francesco Ormando / Stefania Sciortino Styling / Cappotto David Naman / Capelli e trucco Noemi Montironi
LA RICERCA DELLA FELICITÀ
TRA FILM, AFRICA E BASKET
È attore, produttore e scrittore. Eppure Simone Riccioni sostiene di essere
ancora agli inizi della sua carriera. A settembre lo abbiamo visto al cinema
nel film Tiro Libero, tratto da una storia vera di Margot Rossi
Segni particolari? Ha vissuto
i primi dieci anni di vita
in Uganda, dove i suoi genitori,
entrambi marchigiani,
erano in missione come volontari
laici per conto dell’associazione
dell’AVSI. E a Simone Riccioni,
oggi attore, produttore e scrittore
di 29 anni, l’Africa è rimasta
dentro. «Mi ricordo tutto, - racconta
- i colori, gli odori, i sapori,
cose che qui in Italia non riesco
né a vedere né a sentire. L’Africa
è magica, spero davvero un giorno
di ritornarci».
Studia recitazione presso il Centro
Teatro Attivo di Milano e l’accademia
teatrale “Quelli di
Grock”. Partecipa inoltre a svariati
seminari di recitazione tra cui
quelli tenuti da Bernard Hiller,
Barbara Enrichi, Teresa Razzauti
e dall’actor coach Carmen
Piga, con la quale collabora dal
2012. Dopo aver esordito al cinema
in Universitari - molto più
che amici di Federico Moccia,
prosegue la sua carriera in diversi
film italiani e in televisione. È
co - protagonista del film E fu sera
e fu mattina di Emanuele Caruso,
protagonista del film Beyound
Mountains More Mountains
di Nicholas Mendez, e protagonista
e produttore del film Come
Saltano i Pesci di Alessandro Valori,
per il quale vince il premio
come miglior Attore - Rivelazione
al Gold Elephant World Festival
di Catania. Mentre si fa strada
nel mondo del cinema, Riccioni
scrive. Il suo primo libro è
Eccomi, in cui racconta della sua
infanzia in Uganda e degli anni
difficili del ritorno in Italia,
quando gli altri bambini non capivano
il suo bisogno di libertà e
lo prendevano in giro. «Volevo
raccontare la storia di Otim, colui
che è nato in terra lontana -
spiega l’attore scrittore - e pro-
74 ITA EVENTI

muscolare) e ha iniziato a scontrarsi
con il senso della vita. Ho
preso spunto da questo per raccontare
una storia che potesse parlare
di speranza, di amore e di
cambiamento».
Quindi il messaggio che ha
voluto dare con questo film è
un messaggio di speranza?
Sì, la speranza di poter cambiare
e diventare migliore. Anche se,
seppur nell’assoluto rispetto delle
condizioni di chi soffre, questa
è una commedia. Una commedia
che mescola, sul modello delle nostre
ammiratissime commedie
all’italiana, risate e commozione,
In apertura, Simone Riccioni,
29 anni, in tv ha lavorato
nella serie I soliti idioti. Sotto,
con Maria Chiara Centorami
nel film Tiro Libero
seguire con quella di Simone, in
Italia, un bambino e poi un ragazzo
che vuole realizzare i suoi
sogni». Per restare fedele alla sua
storia, alla storia in cui credeva,
l’attore ha rifiutato un contratto
con una grande casa editrice e ha
pubblicato il libro da solo, in più
ha prodotto il film corto ispirato
al romanzo e diretto da Alessandro
Valori: «nella vita non bisogna
mai scendere a compromessi»,
spiega categorico Riccioni.
Il suo ultimo film si chiama
Tiro Libero, è uscito nelle sale a
fine settembre e segna un’altra
tappa della collaborazione con
Valori, che ne cura la regia; Riccioni
è produttore e attore protagonista.
Il film racconta la storia
di Dario, 25 anni, bello, ammirato
da tutti e leader di una
squadra di basket. Un ragazzo arrogante
e spocchioso al quale
viene diagnosticata la distrofia
muscolare: per Dario arriva così
il momento e l’occasione di cambiare.
«Tra tutti i miei film - spiega
Riccioni - è quello a cui sono
più legato. È tratto da una storia
vera: un mio caro amico si è ammalato
di sclerosi multipla (nel
film parliamo invece di distrofia
IL VALORE DELLO SPORT
Tiro Libero, uscito nelle sale
a settembre, è la storia di un
cambiamento, di un venticinquenne
fortunato ma tanto arrogante da
sfidare persino Dio, e Dio raccoglie
la sfida mettendolo alla prova e
aprendogli gli occhi sul senso
delle cose. È anche la storia di un
amore che nasce tra due coetanei
apparentemente così diversi,
inaspettato e improvviso. È
una storia di coraggio, sport e
solidarietà, che mette in luce i veri
“campioni” nella vita. Il film è prodotto da Simone Riccioni
che interpreta anche il protagonista e fanno parte del cast
anche Antonio Catania, Nancy Brilli e campioni internazionali
di basket come Carlton Myers. In contemporanea al film è
uscito nelle librerie, edito da Sperling&Kupfer, il terzo romanzo
di Riccioni che si intitola come il film.
ITA EVENTI 75

Volti nuovi
Simone Riccioni ha giocato
a basket nel ruolo di playguardia.
Il protagonista del
film e del libro Tiro Libero
è un giocatore di pallacanestro
al pari di quando si usava l’intrattenimento
leggero, ma mai superficiale.
Una maniera per rappresentare
la realtà nei suoi aspetti
comici e drammatici, attraverso
un’idea, un concetto, un pensiero
che ci porta, quanto meno, a
una riflessione.
Aveva già affrontato il tema della
malattia e della disabilità recitando
nella web serie “Io
non sclero”. Da un punto di vista
umano cosa ha imparato da
queste esperienze lavorative?
Che la diversità spesso è un pregio,
e che bisognerebbe dare più
voce a quelli che sono i veri
campioni nella vita.
Nel film il protagonista gioca a
basket. Anche lei ha giocato per
tanti anni a un buon livello. È
nata prima la passione per lo
sport o per la recitazione?
Prima quella per il basket, poi,
con il passare degli anni, quella
per il cinema l’ha sorpassata.
È ancora appassionato di pallacanestro?
Assolutamente sì, penso che la
pallacanestro sia lo sport più
bello del mondo. Azioni rapide,
potenza fisica, precisione, energia,
emozioni… davvero il top. A tal
proposito mi dispiace tantissimo
che la nazionale italiana si sia fermata
ai quarti del campionato europeo
di basket. Faccio comunque
i miei complimenti a tutti i
ragazzi della nazionale. Sono anche
un grande tifoso dell’Armani
Jeans Milano.
Secondo lei praticare uno sport
di squadra è in qualche modo
una scuola di vita?
Credo proprio di sì, perché insegna
la condivisione con gli altri
ragazzi, aiuta a creare dei legami,
a sentirsi parte di qualcosa
di grande e bello.
Quando è nata, invece, la passione
per la recitazione?
Avevo 14 anni ed è successo per
caso. Stavo giocando a ping pong
a scuola quando un professore mi
ha praticamente obbligato a partecipare
a un musical fatto dagli
studenti. Da quel momento non
ho più smesso, mi sono follemente
innamorato della recitazione.
C’è un momento in cui ha capito
che la recitazione sarebbe
diventata il suo mestiere?
È incredibile come neanche adesso
riesco a viverla come un mestiere.
Sono così all’inizio che è
ancora tutto un’incognita.
Ha mai pensato di recitare in
teatro?
Si può dire che sono partito dal
teatro, con il musical, e mi piacerebbe
molto tornare a recitare
su un palcoscenico.
C’è un regista con cui le piacerebbe
lavorare?
Steven Spielberg, e poi Gabriele
Muccino: mi piacciono molto i
suoi film: Sette Anime per esempio,
oppure La ricerca della felicità.
Ha già scritto tre romanzi: Eccomi,
Come saltano i pesci e
Tiro Libero. Scrivere semplicemente
le piace oppure scrive
anche per altre ragioni?
Mi rilassa, mi permette di estraniarmi
dal mondo.
Qual è la sua paura più grande?
Non riuscire a essere felice.
E il suo più grande sogno?
Essere felice tutti i giorni della
mia vita.
Qual è l’insegnamento più importante
che ha appreso dai
suoi genitori?
Ce ne sono più di uno: la lealtà,
l’amore verso il prossimo e la condivisione.
Ha più volte detto di essere una
persona molto religiosa. Nei
momenti di sconforto è la fede
che la aiuta a ritrovare la serenità?
Dire una preghiera non guasta
mai, ma la fede è una questione
di volti, di incontri. Diciamo che
la mia famiglia, le persone che mi
amano e mi sono vicine sono il
mio conforto.
Secondo lei la fede rende la vita
più facile?
Assolutamente no. È molto faticoso
seguire qualcosa in cui credi.
Ha mai avuto degli “idoli”?
Michael Jordan e Julia Roberts…
delle vere star.
Come si vede fra dieci anni?
Con qualche capello bianco e
qualche ruga in più. Magari con
una mia famiglia.
76 ITA EVENTI

Foto notturna di un
canale di Amsterdam
illuminato: in primo
piano una delle tipiche
case galleggianti presenti
in città, sono circa 2500
(ph. Koen Smilde)

AMSTERDAM: UNA CITTÀ
PER TUTTI I GUSTI
La capitale olandese ha tantissimo da offrire anche al visitatore più esigente.
Musei tra i più importanti in Europa, case tradizionali e affascinanti,
vita notturna, mercati, specialità culinarie da tutte le parti del mondo.
E, naturalmente, i suoi meravigliosi canali di Alessandra Arini
uando ci troviamo a dover decidere la meta del nostro prossimo viaggio
è sempre difficile trovare una città che comprenda in sé tutto quello
che cerchiamo. Vita mondana e quiete silenziosa del paesaggio, cultura,
storia e attrattive della movida notturna, di solito si tratta di binomi
che non camminano in parallelo, così dobbiamo, nella maggior parte dei
casi, scartare una città per preferirne un’altra. Finiamo così a dover scegliere
a priori quale aspetto della vacanza vogliamo privilegiare. Amsterdam è
una delle poche città europee che ci permettono di non dire no a niente,
con la sua tradizione secolare, ma anche con la sua vita dinamica, sempre
in fermento, sposa bellezza e movimento, quiete ed eventi.
Paesaggio e canali
Il segreto di Amsterdam sono i suoi canali, diventati Patrimonio dell’umanità
a partire dal 2010. Se ne contano circa 1600, anche se i principali attorno
a cui ruota la struttura di tutta la città sono quattro: Singel, Herengracht,
Keizergracht e Prinsengracht. Tutti i canali minori incrociano quelli princi-

Viaggiare
pali, formando così un centinaio di isole su cui prende
piede la città, divisa appunto in tante rive. La città
è resa unica da un altro prezioso elemento: le sue
case. La prima cosa che si nota, alla vista, è che sono
strette, lunghe, e un po’ sbilenche. Non si tratta infatti
di abitazioni nordiche classiche, ma si arricchiscono
di alcune caratteristiche che provengono
dalla tradizione e anche da un fatto un po’curioso.
In passato era stata imposta dal governo centrale una
tassa sull’occupazione del suolo e questa si pagava
in relazione a quanto fosse larga la casa. Gli abitanti
di Amsterdam, da sempre ingegnosi, si inventarono
così, per risparmiare, case strette e lunghe, che
si sviluppavano solo in altezza. Questo tipo di case
un po’ pittoresche e i corsi d’acqua infiniti che scorrono
in città regalano ad Amsterdam una luce fiabesca,
che non si spegne neanche di notte, quando
si accendono le luci a illuminare tutti canali.
Luoghi e Musei
Esattamente al centro della città si trova Piazza Rembrandt.
Anticamente all’interno di questa piazza si
svolgeva il “mercato del burro”, adesso il posto del
burro è stato preso da una serie sempre in divenire
di fiere dell’artigianato e di altri prodotti tipici. È il
centro propulsore dello shopping: da Piazza Rembrandt
prendono il via a raggiera tutte le principali
strade degli acquisti e dei souvenir tipici olandesi. Un
altro punto nevralgico è quello di Piazza Dam, che
fa da culla a molti dei luoghi simbolo di Amsterdam,
come il Palazzo Reale e la Chiesa Nuova. Sulla piazza
si affacciano moltissimi Gran Cafè, luoghi storici
di ritrovo dei Paesi Bassi e, sempre sulla piazza, ha
il suo ingresso il celebre Museo delle Cere di Madame
Tussauds, posto d’attrazione non solo per i grandi
ma anche per piccini, per via della forte suggestione
che il luogo può suscitare. Tra i musei c’è da segnalare
senz’altro il Rijksmuseum, il più importante di
Amsterdam e per visitare il quale, probabilmente, non
basta una sola giornata. Vermeer, Hals, Steen, questi
sono solo alcuni degli autori presenti, assieme al
grande Rembrandt, di cui è esposto anche il quadro
più famoso “La ronda di notte”. Non si può andare
via da Amsterdam senza aver visitato la casa di Anna
Frank, meta sicuramente più meditativa delle precedenti,
ma che ospita migliaia di visitatori ogni anno.
Si tratta di una sorta di museo della memoria, dove
con cura sono raccolti e conservati tutti i ricordi e
gli oggetti della vita quotidiana della famiglia di Anna.
Un luogo che cattura l’attenzione emotiva e che dà
un valore aggiunto anche allo spirito del viaggio. Imperdibile
il Museo Van Gogh, che possiede la più grande
collezione di opere del pittore.
Vita notturna e trasgressione
Appena cala il sole, Amsterdam si trasforma. Tut-

tavia, le attrattive notturne non sono rappresentate,
come ci si potrebbe aspettare, dalle classiche discoteche
o dai pub più convenzionali. Il vero luogo di
ritrovo sono i coffee shop, dove si può bere e fumare
droghe leggere liberamente. Oppure i caffè marroni,
che hanno alle spalle una tradizione più datata nel tempo
e vengono chiamati così proprio perché la nicotina,
consumata dai clienti all’interno, ha macchiato
di marrone tutte le pareti dei locali. Sono luoghi
caldi, accoglienti, dove si può conversare tranquillamente.
Per i cittadini di Amsterdam frequentarli è una
vera e propria abitudine, un rito. Il vero must della
notte olandese è il Quartiere a luci rosse, il così detto
Rossebuurt. Strade strettissime, colori caldi e canali
a vista: è in questo contesto che sorge il tempio
della trasgressione. Tante le vetrine che al posto della
merce espongono in vetrina donne, ognuna con una
sua tariffa, ognuna con un suo biglietto d’ingresso in
cui sono segnati gli orari di apertura e di chiusura.
Sembra un quartiere surreale e a prima vista può destabilizzare
proprio per il contrasto con l’altra sponda
fiabesca della città, ma questo “pezzo di costume”
è vissuto con estrema naturalezza dagli abitanti del
posto. Assolutamente vietato fare fotografie.
Sopra e sotto, alcune facciate di tipiche abitazioni
di Amsterdam (ph. Marie Charlotte Pezé e
Roel Baeckaert). In basso, la stazione ferroviaria,
costruita tra il 1881 e il 1889 (ph. Roel Baeckaert)
Tulipanomania
Ci fu un periodo in cui in Olanda un tulipano costava
molto di più di un gioiello prezioso. Si trattò
VAN GOGH MUSEUM
Il museo dedicato a quello che probabilmente
è il più importante artista olandese di tutti i
tempi, si trova in Museumplein, nel cuore del
Quartiere dei Musei di Amsterdam. Ospita
la più vasta collezione al mondo di opere di
Van Gogh. La collezione permanente include
200 dipinti, 500 disegni e più di 700 lettere
del pittore olandese, oltre alla sua collezione
personale di stampe giapponesi. Vi si
trovano, inoltre, opere del XIX secolo
di Impressionisti e Post-Impressionisti.
Per informazioni: www.vangoghmuseum.nl
ITA EVENTI 81

Viaggiare
I VILLAGGI
A nord della capitale
si sviluppa l’area di
Waterland, una zona
caratterizzata da
fattorie, piccoli villaggi,
riserve naturali e vie
d’acqua raggiungibile
anche in bicicletta.
Suggestivo il villaggio di
Monnickendam, affacciato sul
lago Markermeer. Non è da meno Marken, con
le sue casette in legno verde e i caffè. Un traghetto
collega Marken a un altro villaggio di pescatori,
Volendam. Ideale per assaggiare kibbling ed
herring, merluzzo e aringhe.
HAARLEM
Situata a poca distanza
da Amsterdam e
raggiungibile anche in
treno, Haarlem è una
città ricca di storia e di
cultura, con monumenti
risalenti a quasi 800 anni
fa come l’Amsterdamse
Poort e la chiesa Sint-
Bavokerk. Nel cuore della città, il
Mulino de Adriaan è un mulino esagonale su una
sponda del pittoresco fiume Spaarne. Originario
del 1778, è stato ricostruito di recente dopo
l’incendio che lo ha distrutto nel 1932.
I MULINI A VENTO
Zaanse Schans è un
museo all’aria aperta,
gratuito tutto l’anno.
Il parco ospita un vero
e proprio tesoro di
mulini a vento storici, i
meglio conservati di tutti
i Paesi Bassi, gran parte
dei quali visitabili da aprile
a ottobre. Un tempo in quest’area
c'erano più di 700 mulini a vento, centro della
produzione industriale della zona. Non lontano
da Zaanse Schans si trovano botteghe produttrici
di zoccoli in legno e fattorie dove stagiona il
celebre formaggio nazionale.
della così detta “tulipanomania”, tutti erano letteralmente
impazziti, sia i coltivatori che la gente
comune. I bulbi dei tulipani venivano infatti
messi all’asta e venduti a tutti gli effetti allo stesso
valore dei titoli, e vi era la corsa al bulbo più
bello che potesse produrre il fiore migliore. Oggi
questa dolce ossessione si è trasformata e ammorbidita,
ma esiste ancora. I cittadini di Amsterdam
sono affezionatissimi al fiore di tulipano,
che è diventato il simbolo di un intero paese.
Ogni anno si tiene la giornata nazionale del
Tulipano, la prossima è prevista per il 21 gennaio
2018. Come sempre sarà allestito il tradizionale
mercato dei fiori presso la Dam’s square.
La magia del Natale
Per chi è in cerca di ispirazione per il prossimo
regalo o vuole stupire qualcuno, Amsterdam è
il posto giusto. A Natale questa città spegne le
luci rosse della trasgressione e accende quelle di
un’atmosfera folkloristica tipica. Dalla fine del
mese di novembre, aprono infatti ben 26 mercati
rionali tipici, che vendono artigianato locale
di ogni tipo. Il mercatino più grande è quello di
Albert Cuypstraat, dove si possono acquistare cibi
di stagione, giocattoli e abbigliamento. Santa
Klaus, che è il personaggio simbolo del periodo,
arriva per davvero sui canali della città e distribuisce
doni dalla sua barca. È un momento unico,
che raccoglie grandi e piccoli, turisti e non,
in occasione di ogni Natale.
Bicicletta, che passione
Il modo migliore per visitare Amsterdam è sicuramente
la bicicletta. Tutti gli olandesi sono portatori
sani di questa passione e, cosa anche bizzarra,
solitamente dispongono a testa di non una
ma ben due biciclette, una per andare a lavoro

A fianco, il Foodhallen, mercato al coperto dove
si trovano specialità da tutto il mondo. Sotto, un
interno della casa di Anna Frank: la libreria posta
davanti all’ingresso del nascondiglio della famiglia
Frank (ph. Cris Toala Olivares). Nella pagina a
fianco, un gruppo di biciclette, il mezzo di trasporto
tipico degli abitanti di Amsterdam (ph. Koen Smilde)
e per le faccende di tutti i giorni e un’altra per le passeggiate
nel tempo libero. Non ci sono delle semplici
piste ciclabili, come nelle altre capitali europee,
ma un vero percorso segnaletico e stradale distinto
da quello degli automobilisti. In bicicletta si respira
un’altra Amsterdam, la città si percepisce viva e
si riescono ad ascoltare gli umori del posto e della
gente. Uno dei motivi per cui, secondo le recenti classifiche,
gli olandesi sarebbero tra i popoli più felici
al mondo, è proprio rappresentato dal mezzo con
cui si muovono. Bicicletta, cura dell’anima.
Cosa mangiare
Amsterdam è una città che ha subìto numerosissime
colonizzazioni e di queste continue influenze
risente anche la sua cucina che è un mix di cultura
europea e continentale. Non a caso si dice che
ad Amsterdam “si può mangiare in tutte le lingue”.
La colazione e il pranzo mantengono una certa somiglianza
con quella che è la routine alimentare italiana,
mentre è dal momento della cena in poi che
possiamo trovare piatti veramente tipici olandesi.
Tra questi, le Bitterballen, polpettine al ragù che si
accompagnano con la mostarda e le Vlaamse frites,
tradizionali patate fritte. Il tutto naturalmente
accompagnato da ottima birra. Non si può passare
da Amsterdam e non provare un broodje haring
in un tipico chiosco di aringhe: un morbido
panino ripieno di aringhe crude, cetrioli e cipolle.
Olanda è anche sinonimo di formaggio: in particolare
vanno assaggiati Gouda, Geitenkaas
e Maasdammer. Ad Amsterdam si può mangiare
a buon mercato anche in ristoranti particolari,
sono infatti più che frequenti piccoli
locali agli angoli delle strade a gestione
familiare che preparano ottime pietanze
tipiche. Buona musica e vista sui canali,
e il piatto è servito.
DOLCI TIPICI: GLI STROOPWAFELS
La traduzione letterale è wafer allo sciroppo
e sono biscotti tipici dell’Olanda. Gli
stroopwafels sono fatti da due cialde sottili
e croccanti che in mezzo hanno il caramello;
le cialde sono fatte di farina, burro, zucchero
di canna, lievito, latte e uova. Sono originari
della città di Gouda e risalgano al XVIII secolo,
sembra addirittura che fino al 1870 fossero
prodotti solo in questa città. Oggi
in Olanda si trovano ovunque:
nelle pasticcerie o nelle
panetterie artigianali ma
anche nei supermercati,
non mancano mai nei
mercati all’aperto in
occasione di ricorrenze
e festival di strada.
ITA EVENTI 83

Riflessioni
DAL CETEC ALL’OPERA LIQUIDA
La prassi attorale in carcere tra attività formativa e teatro civile:
l’intervista a Ivana Trettel di Luca Cecchelli
Foto © Opera Liquida
Foto sopra e nella pagina a fianco,
“Non più i luoghi dell’altro” andato
in scena al Teatro Elfo Puccini
nell’estate 2015 in occasione
del Padiglione teatri di Expo
Foto © Marica Moretti
“San Vittore Globe Theatre Atto II - Le tempeste”, CETEC di D. Massimilla
L’attività teatrale nelle carceri, un
tempo relegata a forma rieducativa
di stampo laboratoriale, ha
assunto negli ultimi anni, attraverso
varie influenze da parte di
registi, attori e studiosi, una precisa
identità artistica diventando
a tutti gli effetti una nuova sezione
indipendente del teatro civile. In
Italia il processo di integrazione
del sistema teatrale negli istituti
di reclusione, ultimamente sempre
più sostenuto dall’amministrazione
penitenziaria che ha favorito
collaborazioni con enti locali e
culturali, ha avuto inizio a partire
dai primi anni Ottanta del secolo
scorso. Uno dei precursori, che
certamente ha dato un imput decisivo
a questo cambiamento,
è stato Armando Punzo e la sua
Compagnia della Fortezza, nata
nel 1988 da un “semplice” laboratorio
teatrale nella Casa di Reclusione
di Volterra: da quelle poche
ore, a cura dell’Associazione
Carte Blanche, l’attività della Fortezza
si è evoluta al punto di rappresentare
oggi un nuovo modo
di fare teatro a livello internazionale.
A partire da una prassi formativa
rivolta alla figura dell’attore,
dunque lungi da un fine
esclusivamente rieducativo, caratteristica
della Compagnia è divenuta
quella di lavorare con i detenuti
nell’interesse delle arti e dei
mestieri del teatro. Armando
Punzo ha avuto il merito di aver
accettato una sfida artistica, culturale
e sociale nel tentativo di delineare
un nuovo percorso artistico-formativo,
oggi condiviso da
quanti continuano a considerare
la disagevole situazione di isolamento
una condizione ideale per
scoprire un nuovo senso del teatro,
sfruttando proprio quella forzata
eliminazione del superfluo
nella vita quotidiana dei detenuti,
alla ricerca di un linguaggio autentico
che, secondo la funzione
primaria del teatro, si nutre di episodi
di puro esistenzialismo.
A Milano e dintorni sono almeno
due le realtà che oggi, in contrasto
a quanti ancora ritengono che
il teatro in carcere sia un’utopia,
continuano questa ricerca: il CE-
TEC di Donatella Massimilla e
l’Opera Liquida di Ivana Trettel.
Il CETEC (Centro Europeo Teatro
e Carcere) è una cooperativa sociale
nata dall’esperienza di Donatella
Massimilla e il cui obiettivo
prioritario, oltre alla formazione, è
il coinvolgimento di soggetti disagiati.
«Abbiamo scelto di lavorare
in carcere venti anni fa, prima
con donne, poi con uomini e per
due anni anche con i ragazzi reclusi»,
spiega la Massimilla; «abbiamo
intrecciato le prime partiture
da improvvisazioni giocate
con le maschere, ascoltato canzoni,
poesie e storie. Parole e storie
che venivano immediatamente
comprese ed amplificate nel
luogo non-luogo che è il carcere».
A partire dal vissuto di attori
di provenienza e formazione
eterogenea, detenuti ed ex detenuti,
in questi anni la Massimilla,
collaborando con realtà internazionali
e ospitando spettacoli dai
“teatri delle diversità” di altri
paesi, ha realizzato una produzione
teatrale esclusivamente caratterizzata
da storie di marginalità
ed esclusione, elaborate dal
lavoro svolto non solo con soggetti
incontrati nelle carceri ma
anche negli istituti psichiatrici,
nelle aziende ospedaliere, nelle
comunità di migranti, a contatto
con minori a rischio, donne abusate
o diversamente abili: ne è
nata una serie di drammaturgie, il

cui fil rouge è la necessità del racconto
di sé, nel tentativo di un’integrazione.
L’ultima produzione,
dal titolo San Vittore Globe Theatre
- Atto II: Le Tempeste, spettacolo
al femminile dedicato a
Shakespeare e risultato del laboratorio
di auto drammaturgia
“Dentro/Fuori San Vittore” condotto
dalla stessa Massimilla,
andrà in scena il prossimo mercoledì
4 ottobre al Piccolo Teatro
Studio Melato.
Oltre al CETEC, altra realtà artistica
relativa al mondo del teatro
in carcere che si è imposta nel
panorama milanese è Opera Liquida.
Ivana Trettel, regista della
compagnia, ci ha spiegato il lavoro
che dal 2009 svolge quotidianamente
con i detenuti nella
Casa di Reclusione Milano
Opera.
Dal nome della Compagnia
risuona familiare il riferimento
alla società liquida descritta dal
sociologo Zygmunt Bauman. È
corretto il riferimento, Ivana?
«Lo è, anche se in senso oppositivo.
La società di Bauman è liquida
in quanto sfugge ai tentativi
di concretizzazione dei propri
elementi. Opera invece è un tentativo
di solidificazione, condotto
proprio nel luogo di sottrazione
per eccellenza, il carcere. È un
tentativo di restituire quanto sottratto
con l’isolamento».
Come nasce questo progetto?
«Inizialmente non fu nemmeno un
progetto ma un’istanza nata dalla
mia esperienza formativa al DAMS
di Bologna, come allieva di Claudio
Meldolesi. È nata dalla passione,
tutto qui. E oggi mi dà
qualche soddisfazione, per fortuna.
Io faccio il lavoro che
vorrei fare ed è un privilegio».
Perché proprio in carcere?
«Con una battuta, direi che così
posso avere il teatro e gli attori
gratis! Seriamente, comporre
drammaturgie e spettacoli con
i reclusi ha a che fare con l’urgenza
mia e loro di esprimere
pensieri attraverso la creazione
artistica. Molti proseguono anche
una volta scarcerati e questo ci
ha chiamati a ideare il progetto
Stai all’occhio. Insegniamo a chi
lavora con noi a proteggersi utilizzando
l’arte della scrittura».
Proteggersi da cosa? E in che
senso farlo attraverso la scrittura
e il teatro?
«Scrivere significa mettersi davanti
allo specchio ma senza umiliarsi,
anzi mettendo in gioco, sentimenti,
emozioni, esperienze e i
propri “segni” in modo rappresentativo.
La scrittura e il teatro
parlano dell’umano sentire e
agire, non delle esperienze personali.
Dal particolare al generale,
potremmo dire. In fondo, è proprio
questa la materia con la
quale lavora l’attore. Ricordo un
recluso al quale dovetti insegnare
proprio a tenere la testa alta, a
guardare negli occhi l’interlocutore
quando si parla. Lavoriamo
dunque anche sulla dignità e
l’autostima nel tentativo di rendere
i reclusi capaci di creare
qualcosa che meriti di essere
visto anche da occhi che non
vivono in carcere».
Si può parlare di riabilitazione?
«Lo speriamo, anche se la riabilitazione
può essere una conseguenza,
non l’obiettivo primario.
Premesso che io non faccio teatro
terapeutico, il fatto è che il detenuto
è un soggetto fragile che,
se sovraesposto, esplode. Non
si pensa mai a un detenuto come
a una persona fragile ma come a
un criminale da fermare. Però,
quando fermi una persona, perché
il carcere ti ferma, sospendi
anche il suo tempo. Generalmente
il detenuto ti parla del
prima e del dopo, “cosa ho fatto
e cosa farò quando sarò fuori”.
Ecco che allora il teatro può aiutarlo
a rientrare nel tempo presente,
rendendolo più creativo e
malleabile, dunque vivo. Io vedo i
detenuti sei ore alla settimana, un
tempo enorme ma il mio mestiere
non è quello della psicologa e
nemmeno dell’educatrice: io faccio
teatro e in teatro accadono, o
non accadono, cambiamenti personali.
Il teatro in carcere non è
una forma di strumentalizzazione
in vista di scopi che trascendano
la creazione teatrale stessa; in
questo senso il ruolo di attore
ha poco a che vedere con la
condizione di carcerato».
Siete esigenti? E in che termini
lo siete?
«Si, molto esigenti. Non mettiamo
in pratica quella che potremmo
definire infantilizzazione
Foto © Opera Liquida
del detenuto, il quale, vivendo in
un tempo sospeso, adotta ritmi,
compiti e responsabilità non stabilite
da lui. Qualcuno a volte
mi dice: oggi non ho testa. Gli rispondo:
fa niente, vieni lo stesso
e porta quello che hai. Perché
qui sei un attore e sei responsabile.
Io stessa vengo anche
quando ho mal di testa o semplicemente
non ne ho voglia».
Come definiresti il tuo rapporto
con i detenuti?
«Lo riassumo così: io lavoro secondo
il criterio dell’assenza di
giudizio e della colleganza. Colleganza
significa che siamo tutti alla
pari, il messaggio è: “fate quello
che dico io solo perché sono la
regista, non perché c’è gerarchia”.
È una questione di ruoli,
non c’è un rapporto verticale».
Quali sono le ultime produzioni
in programma?
«Lo scorso 24 giugno è stata
inaugurata la VI edizione del festival
Prova a sollevarti dal suolo,
dislocato tra il Teatro Casa di
reclusione Milano Opera e lo
spazio IN Opera Liquida al Parco
Idroscalo. Il festival continuerà
ancora per il mese di ottobre:
venite a vederci!».
Ringraziamo Ivana le cui parole
ci suggeriscono, in chiusura, una
riflessione. Il teatro, paradossalmente
sospendendoci per un
attimo dalla realtà, ci permette
di rileggerla più lucidamente:
un’esperienza valida non solo
per gli spettatori ma, soprattutto
in questo caso, per quei particolari
attori che, vivendo nuovi
ruoli, hanno l’occasione di riscattarsi
creativamente, liberandosi
da quella maschera di negatività
che li aveva condannati.
(Articolo pubblicato per
concessione della rivista Foyer
http://www.foyertabloid.net)

Angolo dei consigli
CALVIZIE: LE NUOVE FRONTIERE
DELLA MEDICINA RIGENERATIVA
La perdita dei capelli è spesso vissuta con imbarazzo, tanto da provocare
problemi di insicurezza anche importanti. Grazie ad anni di ricerca,
HairClinic Bio Medical Group offre soluzioni ad personam, quindi più efficaci
86 ITA EVENTI

Tecnologie ad altissimo livello e protocolli di cura
personalizzati: grazie alla tecnologia e ai suoi
continui sviluppi oggi possiamo approfittare
dell’azione di alcuni corpuscoli del nostro organismo,
che non solo è riparatrice, ma anche rigeneratrice,
soprattutto in presenza di alcuni tipi di
tessuti danneggiati. La diminuzione della quantità
dei capelli e la diminuzione del loro spessore
prende il nome di alopecia. Esistono diversi tipi di
alopecia ma nell’uomo la più diffusa è l’alopecia
androgenetica che colpisce più dell’87% della
popolazione maschile. La calvizie è una malattia
del follicolo e non è una patologia debilitante, di
fatto si può vivere benissimo anche senza capelli,
ma per molte persone il più delle volte è vissuta
dall’inconscio come un vero dramma. Se è vero
che le donne hanno meno problemi di calvizie rispetto
agli uomini è anche vero che non sono al
riparo dall’alopecia androgenetica, tanto da poter
parlare di alopecia androgenetica femminile.
L’alopecia androgenetica femminile è molto più
diffusa di quanto si possa pensare, una donna su
quattro ha un problema legato alla caduta dei
capelli. Per risolvere questi problemi si parla sempre
più spesso di principi attivi di rigenerazione
cellulare autologhi e delle loro funzioni. In pratica,
una volta individuati gli attori della rigenerazione
tissutale, viene messa a punto una strategia
terapeutica che permette di sfruttarne le enormi
capacità. Si parla in questo caso di tecnica PRP
(Plasma Ricco di Piastrine), che già negli anni a
cavallo tra il 1970 e il 1980 veniva utilizzata per
curare le ulcere nei soggetti diabetici o i piccoli
traumi del tessuto nervoso. Nel corso del tempo
si è poi arrivati a una soluzione potenziata della
tecnica PRP attraverso la metodologia di separazione
cellulare hCRP, per un migliore contrasto
della calvizie e una sua più efficace cura. Tutto
dunque ha origine dal nostro organismo, e infatti
il primo passo del trattamento hCRP è un semplice
prelievo ematico dal paziente con successiva
separazione dei principi attivi del sangue
mediante una centrifugazione a doppio stadio in
grado di riconoscere e concentrare selettivamente
le piastrine giovani che verranno poi infiltrate
nelle zone da trattare con una micro-iniezione.
La Medicina Rigenerativa associata a una cura
ad-personam rappresenta quindi l’approccio
medico più incisivo contro la calvizie. La tecnica
hCRP è utilizzata da HairClinic Bio Medical
Group che da quasi dieci anni la annovera tra
le fasi del più articolato Protocollo di Medicina
Rigenerativa bSBS nella lotta alla calvizie. Questo
protocollo è totalmente privo di controindicazioni
ed effetti secondari e consente un’immediata
ripresa della quotidianità.
PER SAPERNE DI PIÙ
HAIRCLINIC BIO MEDICAL GROUP
www.hairclinic.it
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ITA EVENTI 87

Angolo dei consigli
IL NUOVO SOSTEGNO
PER LE FUNZIONI
GASTROINTESTINALI
È la nuova formula di Natural Point pensata
per chi soffre di disturbi del tratto gastrointestinale
dovuti allo stress o semplicemente per affrontare
meglio la digestione, si chiama Perlíntest
88 ITA EVENTI

Perlíntest è una formulazione a base di Perilla
Nutrigut, Achillea e Curcuma Longvida. Agisce
direttamente sui disordini gastrointestinali,
spesso accompagnati da gonfiore e brontolii.
I sintomi più comuni che ne derivano sono difficoltà
a digerire, gonfiore addominale, crampi
o irritazioni come ad esempio la sindrome
del colon irritabile, comunemente detta colite.
L’instaurarsi di questa patologia è una situazione
abbastanza comune, approssimativamente
il 20% della popolazione soffre di disordini
gastrointestinali che influenzano la qualità
della loro vita. La sindrome del colon irritabile
può essere definita come un disturbo cronico e
ricorrente delle funzioni dell’apparato gastrointestinale
che interessa colon e intestino tenue
con alterazioni delle loro funzioni motorie,
della sensibilità dolorosa e della secrezione di
liquidi. Queste alterazioni possono produrre
sintomi quali il dolore o discomfort addominale,
il gonfiore e cambiamenti nelle funzioni
intestinali quali diarrea e/o stitichezza. Il ciclo
mestruale può influire sulla colite, infatti le funzioni
intestinali sono influenzate dai cambiamenti
dei livelli degli ormoni femminili e i sintomi
tipici possono accentuarsi durante il
periodo mestruale.
Perilla Nutrigut ® è un
estratto di Perilla frutescens
che è una pianta erbacea
annuale originaria dell’Asia.
I suoi principi attivi
si trovano principalmente
nelle foglie e sono flavonoidi,
quali ad esempio la
Vicenina-24, acido caffeico,
acido rosmarinico e luteolina
che conferiscono alla pianta attività antiossidanti
e antinfiammatorie. Alcuni studi hanno
dimostrato come l’estratto delle foglie di Perilla
frutescens coniughi l’azione antispasmodica a
quella antinfiammatoria, portando a un immediato
sollievo dal disagio gastrointestinale e
riequilibrando la motilità intestinale.
L’Achillea (Achillea
millefolium L.) è una
pianta di origine europea,
largamente presente
in Italia, appartenente
alla famiglia
delle Asteraceae
(Compositae). Fiori e
foglie sono le parti maggiormente utilizzate,
ricche di polifenoli e flavonoidi. L’Achillea è
oggi considerata un ottimo rimedio antispasmodico,
perché aiuta a rilassare la muscolatura
liscia intestinale alterata in presenza di
colite o intestino irritabile accompagnato da
crampi addominali. Per le proprietà stomachiche,
cioè in grado di stimolare la digestione,
è usata per favorire la funzionalità digestiva
ed epatica.
La Curcuma è conosciuta
e utilizzata in India
almeno dal 3000
A.C. Dal suo rizoma
si ottiene una droga
dalle spiccate proprietà
antiossidanti e
antinfiammatorie, soprattutto
grazie alla sua
molecola attiva, la curcumina.
In questo prodotto viene utilizzato un estratto
di curcuma particolare, abbinato
a una porzione lipidica che ne
migliora enormemente l’assorbimento
e biodisponibilità.
Si tratta di Curcuma
Longvida ® , che si è dimostrata
65 volte più biodisponibile
rispetto a un normale
estratto di curcuma. È stata
dimostrata inoltre la sua attività
per oltre 7 ore.
CAMPI D’AZIONE
1. Gonfiore addominale legato
a stress e nervosismo
2. Alterazioni della motilità gastrointestinale
3. Funzionalità dell’apparato digerente
MODALITÀ D’USO
Si consiglia l’assunzione di una
capsula prima dei due pasti principali
PER SAPERNE DI PIÙ
NATURAL POINT SRL
Via Pompeo Mariani, 4
20128 Milano
Tel (+39) 02 27007247
Fax (+39) 02 26005099
Email info@naturalpoint.it
ITA EVENTI 89

Leggere
UN VIAGGIO SULLE
TRACCE DI BANKSY
Una riflessione sull’opera dello street artist più conosciuto al mondo.
Xavier Tapies, in un libro edito da L’ippocampo, analizza i lavori dell’artista
dagli esordi fino a oggi di Andrea Giuliani
Banksy è l’enigma di un
enigma. Crediamo che
esista, ma qualche dubbio
resta». È cosi che Xavier Tapies introduce
il libro Ma dov’è Banksy?,
edito da L’ippocampo e in libreria
da ottobre. Un’antologia che
abbraccia la carriera di Banksy nel
mondo della street art dagli esordi
nel 1999 a Dismaland (2015)
sino alle creazioni più recenti
realizzate nel 2016 e nel 2017
come The Walled Off Hotel a Betlemme.
Un’immagine fotografica
e un’analisi approfondita presentano
in modo cronologico
ogni opera, la sua genesi e i molteplici
livelli di significato.
L’elemento particolarmente interessante
del libro sono la serie
di mappe con le coordinate geografico-cronologiche
dei suoi lavori
che documentano l’evolversi
di questo fenomeno planetario,
dagli interventi nei musei alle aste
memorabili di alcuni suoi pezzi.
«Non sappiamo se i ‘lavori’ citati
in questo libro - prosegue Ta-
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Una delle mappe pubblicate nel libro con le coordinate geografico-cronologiche dei lavori di Banksy tra il 2009 e il 2010: un periodo molto
produttivo in cui realizza opere molto importanti tra Los Angeles, New York e Detroit. In apertura, Doccia a Dismaland (foto di Lucas Ross)

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pies - siano opera sua, di un gruppo, o di
entrambi. Lui non vuole uscire allo scoperto.
Non ne facciamo un dramma e i
tentativi di smascherarlo (o che sia una lei?
Qualcosa ci dice di no) ci sembrano anacronistici,
abusati e in antitesi con l’essenza
stessa del fenomeno che è conosciuto come
‘Banksy’. La sua non è arte, ma qualcosa
di nuovo e infinitamente più interessante
che ci vede implicitamente partecipi».
Robin Hood dell’era moderna, Banksy rimane
avvolto nel mistero anche se spesso
si diverte a monopolizzare le prime pagine
di cronaca spiazzando tutti con un
concentrato di genialità. Nelle opere di
questo artista di strada, perché Banksy è
a tutti gli effetti uno dei massimi esponenti
della street art, si fondono la critica sociale
con la denuncia dell’autorità costituita, la
lotta al pregiudizio con la mera satira. Questo
libro accompagna il lettore a scoprire
da vicino i luoghi dove l’artista, maestro
di camaleontismo, ha portato alla luce, attraverso
le proprie opere, verità nascoste
A fianco, la parodia dell’opera
di Vermeer Ragazza con
l’orecchino di perla, il murale
di Banksy, in cui la ragazza
ha un allarme giallo al posto
della perla, si trova a Bristol
(foto Canis Major). Sopra,
Dismaland, un’installazione
durata 5 settimane allestita in una
località marittima del Regno Unito
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o ignorate, o semplicemente troppo
reali per essere affrontate apertamente.
Banksy ha lasciato la sua
firma sui muri dei musei, delle
gallerie, delle sedi di testate giornalistiche,
provocando in modo
irriverente certo, ma sempre con
intelligenza. Niente è fatto a caso,
anche quando il significato di una
sua opera non appare come evidente,
uno sguardo attento può
individuare il sotto-testo e capirne
il messaggio. Secondo Tapies
l’artista è diventato un po’ il nostro
grillo parlante, che provocando,
incuriosendo e divertendo,
ci impedisce di dimenticare
quali sono i problemi che l’umanità
dovrebbe risolvere al più
presto; ci esorta a non dimenticare
che tutti abbiamo delle responsabilità
verso il nostro pianeta.
Fra i temi più cari a Banksy fin dai
suoi esordi (2002), il conflitto
israelo - palestinese ha senza dubbio
un ruolo di primo piano e l’artista
si è esposto negli anni a numerosi
rischi per sensibilizzare
l’opinione pubblica sulla questione.
L’opera maggiormente significativa
a riguardo è, probabilmente,
Flower Thrower (un
giovane che lancia un mazzo di
fiori invece che una molotov),
comparsa a Gerusalemme nel
2003. A dimostrazione del fatto
che questo è un tema che ancora
oggi interessa l’artista, Ma dov’è
Banksy? si congeda dai lettori
dedicando una pagina al Walled
Off Hotel (“L’albergo fuori dal
muro”), l’albergo che Banksy ha
inaugurato quest’anno e che si trova
a Betlemme, con vista sul
muro costruito da Israele per separare
la città palestinese dai territori
di Gerusalemme Est. Una
struttura ricettiva a tutti gli effetti
che ha lo scopo di promuovere il
dialogo tra palestinesi e israeliani.
Tra i colpi di genio di Banksy va
senza alcun dubbio annoverato
Dismaland: un parco di “non
divertimento” sorto su una spiaggia
abbandonata a Weston - super
- Mare, nel Somerset, in Gran
Bretagna. Il nome del parco gioca
con le parole Disneyland e “dismal”
che in inglese vuol dire tetro,
fosco. All’interno erano esposte,
oltre a opere di Banksy, opere
di 58 artisti contemporanei e
attivisti sui più importanti temi
politici. Il parco era, in pratica,
una grande installazione temporanea
che, nelle cinque settimane
in cui è stata aperta, è stata visitata
da 150mila persone.
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CHE FINE
FARANNO
I CAZALET?
È arrivato in libreria Tutto
cambia, quinto e ultimo capitolo
della saga di Elizabeth Jane
Howard che ha appassionato
i lettori di tutto il mondo
di Mercedes Vescio
S
ono arrivati gli anni Cinquanta.
E se da una parte
non vedevamo l’ora, dall’altra
la consapevolezza che siamo
arrivati al capitolo finale della
saga della famiglia Cazalet accompagna
con tristezza l’uscita di
questo ultimo volume. Tutto cambia
è il quinto capitolo della saga,
scritta da Elizabeth Jane Howard
e pubblicata in Italia da Fazi Editore,
che racconta la lunga storia
della numerosissima famiglia inglese
dei Cazalet: in cima alla piramide
famigliare si trovano William
e Kitty, ovvero il Generale,
che ha fondato la grande azienda
di legnami, e la Duchessa; hanno
4 figli, tre maschi, tutti sposati,
Hugh, Edward e Rupert, e una figlia
nubile, Rachel. È un mondo
dalle atmosfere d’altri tempi, quello
dei Cazalet, dove tutto avviene
secondo rituali precisi e codici che
il tempo ha reso immutabili, dove
i domestici servono il tè a letto al
mattino, e a cena si va in abito da
sera. Il primo volume della saga,
Gli anni della leggerezza, è ambientato
nel 1937, in un’Inghilterra
in crisi in cui appare evidente
lo scontro tra la vecchia cultura vittoriana
familiare e la nascita di un
nuovo “mondo” e in cui, soprattutto,
si fa sempre più concreta la
minaccia della seconda guerra
mondiale. La storia prosegue attraverso
gli anni e attraverso i libri
fino ad arrivare, appunto, all’ultimo
volume e agli anni Cinquanta.
La prosa sapiente di Elizabeth
Jane Howard, il suo sguardo
acuto e la sua ironia affilata accompagnano
nella bella lettura lasciando,
alla fine di ogni libro, la
voglia di andare avanti. In occasione
di quest’ultima uscita Isabella
L’AUTRICE
Bossi Fedrigotti, sul Corriere della
Sera, ha commentato: «Ritornano
(per fortuna) i Cazalet. Un
libro che, una volta iniziato, non
si può lasciare». Quello che dipinge
la scrittrice inglese è un ritratto di
famiglia vero ed emozionante:
racconta amori, delusioni, sacrifici,
tradimenti e piaceri. Racconta
tutto, il bene e il male, non risparmia
niente e nessuno. Ogni
personaggio è un essere umano che
Elizabeth Jane Howard (Londra, 1923 - Bungay, 2014), figlia
di un ricco mercante di legname e di una ballerina del balletto
russo, ebbe un’infanzia infelice a causa della depressione
della madre e delle molestie subite da parte del padre. Donna
bellissima e inquieta, ha vissuto al centro della vita culturale
londinese della seconda metà del Novecento e ha avuto una
vita privata burrascosa, costellata di una schiera di amanti
e mariti, fra i quali lo scrittore Kingsley Amis.
Artemis Cooper, che ha intervistato più volte
la scrittrice e ha scritto anche la sua
biografia, ci racconta di una donna che
scriveva romanzi intelligenti che analizzavano
l’effetto dell’amore sulle persone, ma nella
vita privata le relazioni durature che tanto
avidamente cercava l’hanno sempre delusa.
Cresciuta con aspirazioni da attrice, vide il suo
sogno infrangersi con il matrimonio e l’arrivo
della guerra e si diede quindi alla narrativa.
Scrittrice prolifica, è autrice di 15 romanzi.
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iusciamo a conoscere a fondo, attraverso
pensieri e gesti, e che vediamo
crescere e cambiare. Da
sempre amata dal pubblico, solo
di recente la Howard ha ricevuto
il plauso della critica, che oggi non
ha dubbi nel definirla una delle
migliori scrittrici del Novecento inglese,
paragonando spesso i suoi romanzi
alle opere di Virginia Woolf
o di Thomas Mann.
I ROMANZI
GLI ANNI DELLA LEGGEREZZA
È l’estate del 1937 e la famiglia
Cazalet si appresta a riunirsi nella
dimora di campagna per trascorrervi
le vacanze. Qui viene svelata,
come attraverso un microscopio,
la verità sulle dinamiche
di coppia fra i figli e le relative consorti.
L’affascinante Edward si
concede svariate amanti mentre la
moglie Villy si lacera nel sospetto
e nella noia; Hugh, che porta
ancora i segni della grande guerra,
forma con la moglie Sybil una
coppia perfetta, salvo il fatto che
non abbiano idea l’uno dei desideri
dell’altra; Rupert, pittore
mancato e vedovo, si è risposato
con Zoë, un’attrice bellissima e frivola
che fatica a calarsi nei panni
della madre di famiglia; infine Rachel,
devota alla cura dei genitori,
che non si è mai sposata per un
motivo ben preciso. E poi ci sono
i nipoti, descritti mirabilmente nei
loro giochi, nelle loro gelosie e nei
loro sogni, in modo sottile e
mai condiscendente, dalle ingenuità
infantili alle inquietudini
adolescenziali.
IL TEMPO DELL’ATTESA
È il settembre del 1939, le calde
giornate scandite da scorribande e
lauti pasti in famiglia sono finite
e l’ombra della guerra è sopraggiunta
ad addensare nubi sulle vite
dei Cazalet. A Home Place le finestre
sono oscurate e il cibo inizia
a scarseggiare, in lontananza si
sentono gli spari e il cielo non è
mai vuoto, nemmeno quando c’è
il sole. Ognuno cerca di allontanare
i cattivi pensieri, ma quando
cala il silenzio è difficile non farsi
sopraffare dalle proprie paure.
CONFUSIONE
È il 1942, i raid aerei e il razionamento
del cibo sono sempre all’ordine
del giorno, eppure qualcosa
comincia a smuoversi: finalmente
Louise, Polly e Clary fanno il loro
ingresso nel mondo. Quella che le
aspetta è una vita nuova, più moderna
e con libertà inedite, soprattutto
per le donne.
ALLONTANARSI
Luglio 1945. Il romanzo si apre all’indomani
della pace e quella che
dipinge è una vera e propria diaspora
familiare. La fine della guerra
pone ognuno davanti a delle
scelte: dopo la lunga convivenza
forzata, è
quasi fisiologica
la spinta centrifuga
che porta i membri
della famiglia ad allontanarsi
l’uno dall’altro. Questa dinamica
riguarda soprattutto le coppie,
che sembrano esplodere a seguito
di una lunga compressione.
Viene inoltre a mancare un grande
punto di riferimento per tutti:
in questo quarto volume la famiglia
sarà infatti scossa dalla
morte del Generale.
TUTTO CAMBIA
Siamo negli anni Cinquanta.
Quando la Duchessa viene a
mancare, porta via con sé gli ultimi
frammenti di un mondo che
sta scomparendo: quello della
servitù in casa, della classe sociale,
della tradizione. È il mondo in
cui i Cazalet sono cresciuti. Louise,
ormai divorziata, resta invischiata
in una relazione pericolosa,
mentre Polly e Clary faticano
a conciliare il matrimonio e la
maternità con le loro idee e ambizioni.
Hugh ed Edward, ormai
sessantenni, si sentono mal equipaggiati
per questo mondo moderno;
mentre Villy, da tempo abbandonata
dal marito, alla fine
deve imparare a vivere in maniera
indipendente. Ma sarà Rachel,
che ha sempre vissuto per gli altri,
a dover affrontare la sfida più
difficile. A Natale tutte le vicende
convergono, e una nuova generazione
Cazalet si ritrova a
Home Place. Solo una cosa è certa:
niente sarà mai più lo stesso.
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Leggere
1 2
3
in libreria
1. Mad. Nessun limite,
Chloé Esposito, Tre60
Alvina Knightly non è una donna
come le altre. È nata col cuore a
destra, nel posto sbagliato. È per
questo che tutto, nella sua vita, è
andato storto? Ora il destino le ha
offerto l’occasione per prendere il
posto della sua gemella, Elizabeth.
La sorella che ha il cuore al posto
giusto. Che è sposata con un uomo
affascinante e ha un bellissimo
bambino. Che è buona, ricca, altruista.
Ma prendere il suo posto significa
che Elizabeth deve morire.
2. La bellezza è una ferita,
Eka Kurniawan, Marsilio
Ventuno anni dopo la sua morte
e la nascita della quarta figlia, una
bambina dall’aspetto terrificante
cui ha dato il nome di Bellezza, la
prostituta più bella e rispettata di
Halimunda, Dewi Ayu, risorge, scatenando
panico e adorazione. Tra
omicidi, amori e vendette, Kurniawan
racconta la sua storia e quella
delle sue quattro figlie in un affresco
lirico e iperbolico.
3. Il coro femminile di Chilbury,
Jennifer Ryan, Feltrinelli
Kent, 1940. La piccola comunità di
Chilbury è in subbuglio, tutti gli uomini
sono partiti per la guerra, perciò
il coro locale è costretto a sciogliersi:
il parroco ritiene che un
gruppo di donne non debba esibirsi
da solo in tempo di guerra. L’arrivo
di una nuova insegnante di canto,
Miss Prim, porta una ventata di aria
fresca nel piccolo villaggio inglese
provato dalla paura dei tedeschi.
Così il coro femminile di Chilbury
non spegnerà la propria voce, ma
servirà piuttosto a risollevare gli spiriti
demoralizzati della comunità.
4. Ogni nostra caduta,
Dennis Lehane, Longanesi
Dopo anni di studio e duro lavoro,
mossa costantemente da un animo
indagatore, Rachel Childs riesce
a diventare una giornalista di successo.
Pur essendo tormentata
e imprevedibile, ha raggiunto un
equilibrio e la sua vita procede serenamente.
Fino al crollo a seguito
di un’umiliante crisi di nervi in diretta
tv: si ritrova a vivere come
una reclusa, abbandonata da tutti.
Ma proprio quando sembra però
aver ripreso forza, Rachel cade in
un groviglio di inganni, violenza
e forse pazzia.
5. Slime fai date,
Alyssa Jagan, L’ippocampo
Alyssa J è la sedicenne canadese
che ha fatto esplodere il fenomeno
dello slime sul web sfiorando i 700K
iscritti su Instagram in meno di 6
mesi. La “regina dello slime” arriva
anche in Italia svelando per la
prima volta in un libro le sue ricette
fai-da-te di maggiore successo.
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