una storia d'amore A Christmas Carol La Principessa e ... - Primissima

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In questo numero
HACHIKo - una storia d'amore
A Christmas Carol
La Principessa e il ranocchio
Cuccioli - Il Codice di marco Polo
IntervIste• rICHArd Gere - serGIo e FrAnCesCo mAnFIo

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Periodico di informazioni
cinematografiche per le
scuole
Anno 16 n. 7 dicembre
2009
Direttore Responsabile
Piero Cinelli
Direttore Editoriale
Paolo Sivori
Reg. Trib. Roma n.
00438/94 del 1/10/1994
Sommario
editore
MULTIVISION S.R.L.
Via Fabio Massimo,
107 • 00192 - Roma
tel. fax. +39 0645437670
HacHiko: una storia d'amore
grafica
Luca Foddis
luca.foddis@primissima.it
Patrizia Morfù
patrizia.morfu@primissima.it
stampa Ige, Roma
la principessa e il ranoccHio
8
16
n°7 2008
a cHristmas carol
cuccioli - il codice di marco polo
scHede Film scuole superiori
21 la prima linea, il viaggio di Jeanne, Welcome, il mio amico eric , dorian gray
3
IntervIstA A rICHArd Gere
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Intervista a Richard Gere
Hachiko - Un Cane è per sempre
“Questo è un film sul potere della forza della vita ed è dotato di una grande spiritualità. E’ una storia senza
tempo e che, in qualche maniera, è senza fine. Volevamo che Hachiko diventasse una finestra nella possibilità di
fare esperienza di quello che viene raccontato che diventa molto rapidamente parte di noi, entrando velocemente
nella nostra anima.”
dopo aver letto la sceneggiatura richard gere non ha avuto
il minimo dubbio, decidendo di interpretare e di produrre
il film Hachiko, affidandone la regia al premio oscar, lasse
Hallstrom. Buddista praticante dall’età di venti anni, gere ha individuato
in questa storia una spiritualità e una interconnessione tra
gli esseri viventi, che la rende universale. Hachiko, A Dog’s Story
è la versione americana del film giapponese del 1987 diretto da
seijirô kôyama ed è ispirato alla straordinaria e commovente storia
vera del cane Hachi che per circa un decennio tra il 1925 e il 1935
ha atteso invano che il suo padrone, un professore universitario di
tokyo tornasse dal lavoro. nel film, ogni giorno Hachi accompagna
il professor parker (richard gere) alla stazione e lo aspetta al suo
ritorno per dargli il benvenuto. l’emozionante e complessa natura
di ciò che accade quando questa routine viene bruscamente interrotta,
rende la storia di Hachi una testimonianza del rapporto speciale
tra esseri umani ed animali. l’assoluta dedizione di un cane
nei confronti del suo padrone ci mostra lo straordinario potere dei
sentimenti e come anche il più semplice fra i gesti possa diventare
la più grande manifestazione di affetto mai ricevuta.
“Quella che abbiamo raccontato nel nostro film è una storia molto
semplice.” spiega gere “e la nostra sfida era quella di riuscire a
mantenere questa semplicità attraverso tutta la pellicola, perché
la forza di tutta l’operazione stava nella storia stessa. ci piaceva
immaginare che il nostro lavoro diventasse simile a quello dei
narratori di storie intorno ai fuochi e che il calore delle emozioni
che raccontavamo illuminasse i volti delle persone che vedranno
il nostro film. siamo stati ispirati da un modo di raccontare archetipico.”
Il film offre un punto di vista spirituale su questa che resta
una storia vera…
Questo è un film sul potere della forza della vita ed è dotato di una
grande spiritualità. e’ una storia senza tempo e che, in qualche maniera,
è senza fine. volevamo che Hachiko diventasse una finestra
nella possibilità di fare esperienza di quello che viene raccontato
che diventa molto rapidamente parte di noi, entrando velocemente
nella nostra anima. Queste storie sono difficili da inventare, perché
rischiano di scivolare al di fuori della propria struttura narrativa. e’
la loro verità a donare credibilità e forza alla narrazione. Quando
ho letto la sceneggiatura io stesso ho avuto una reazione molto
forte al punto di non trattenere le lacrime. credo, dunque, che in
questa storia si nasconda un misterioso potere cui sarebbe inutile
provare a dare un nome. la sua forza appartiene allla sfera dell’accettazione,
della pazienza, della lealtà, dell’amore e della compassione.
tutti elementi che fanno parte di ciò che siamo davvero,
rispetto a quello che crediamo di essere quando ci vediamo in uno
specchio. noi non siamo i nostri lavori, i nostri tagli di capelli, i
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nostri vestiti, ma quella forza misteriosa animata
dall’amore. noi siamo qualcosa oltre i confini di
quello che vediamo.
Il film inizia in un monastero Zen…
e’ uno dei suggerimenti che ho dato quando abbiamo
iniziato a leggere la sceneggiatura. anche se
quella di Hachiko non è necessariamente
una storia buddista, mi interessava potere
creare una connessione diretta con
quanto è accaduto davvero in giappone.
per me era come costruire intorno
alla trama un bozzolo spirituale, un
orizzonte spirituale più vasto. Questo,
però, non significa che anche altri film
che ho interpretato non fossero animati
da un’analoga volontà di raccontare
una storia che avesse dei valori
spirituali anche se, forse, in maniera
meno evidente.
Cosa ha significato recitare da solo
con un cane?
e’ stata un’esperienza molto interessante,
perché Hachiko è una storia
d’amore. potremmo parlare di amicizia,
ma è una storia d’amore nel senso più
profondo di questa definizione. trascende
il genere e le specie e riguarda il nostro essere
più profondo. in questo senso abbiamo
operato una scelta molto cosciente nel non
addestrare i cani a ‘recitare’. abbiamo creato
un ambiente confortevole per i cani e abbiamo
girato in digitale così da non avere problemi
di durata della pellicola. così facendo abbiamo
consentito che qualcosa di magico accadesse sul
set. alle volte le cose hanno funzionato, altre per
niente, ma il risultato è che, alla fine, quello che
si vede è veritiero.
E’ stato difficile…
sì, ma al tempo stesso quello che ottieni è davvero
‘magico’ e non ‘artificioso’. anni fa ho lavorato con
robert altman ne Il Dottor T e le Donne. Ho visto
che otteneva dai bambini sul set un’interpretazione
molto spontanea e piacevole. gli ho chiesto come
facesse e lui mi ha risposto: “e’ semplice. non dire
loro quello che devono fare.” noi siamo stati molto
Di Marco Spagnoli

schede film
fortunati a ‘catturare’ quello che si vede
nel nostro film. Qualcosa di molto difficile
da definire che, però, mi sembra molto
evidente e tangibile nel film.
Qual è il suo rapporto con i cani?
Ho una foto del 1950: avevo meno di un
anno e non camminavo ancora e, al mio
fianco, c’era il nostro cocker spaniel di
nome chipper. oggi, con mio figlio e mia
moglie, abbiamo una cagnetta di nome
Billie in onore di Billie Holliday. una delle
ragioni per cui ho accettato questo film è
che ho un legame speciale con questi animali
e con quest’ultima cagnolina in particolare.
in un certo senso è come se avessi
voluto girare questo film per mio figlio e
per il mio cane. il regno animale non è
un posto semplice: ci sono molte paure,
l’angoscia per la sopravvivenza, per il cibo,
per trovarsi un posto caldo. potenzialmente
il mondo di noi umani è molto più
sicuro. sicuramente abbiamo meno paura
di quanto ne abbiano gli animali di lasciare
le loro case. noi uomini viviamo in un posto
meraviglioso grazie all’intelligenza che
ci deriva dai nostri cervelli più sviluppati ci
poniamo domande riguardo all’esistenza nei
cui confronti gli animali non hanno alcuna
preoccupazione. al tempo stesso anche noi
proviamo sofferenze e dolori che ci spingono,
però, a superare queste difficoltà.
essere umani è un’incarnazione straordinaria
che porta con sé, a differenza dei cani,
delle grandissime responsabilità. in questo
senso per me è stata una scelta interessante
interpretare un film destinato ai bambini
che solo gli adulti possono capire fino in
fondo e apprezzare.
Lei ha compiuto sessant’anni lo scorso
agosto: come guarda, oggi, al mondo?
sono sempre stato convinto che il meglio
della vita ti arriva solo se sei un ottimista.
la realtà della nostra vita continua a ripe-
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terci quanto tutti noi siamo interconnessi.
e’ un qualcosa che non possiamo evitare
e la realtà del nostro legame è qualcosa
che non possiamo rinnegare. l’unico modo
per sopravvivere è comprendere questa
connessione e proteggerci gli uni con gli
altri. l’america, fino ad oggi, ha sfruttato
il resto del mondo, ma se obama riuscirà a
cambiarci e far riemergere la buona volontà
cui abbiamo sempre aspirato, allora, credo
che cose straordinarie potranno davvero capitare.
resto ottimista: quando vedo come
viene accolto il dalai lama in tutto il pianeta,
a parte la cina, allora, sono convinto
che il nostro piccolo pianeta – villaggio
potrà funzionare al meglio. penso che noi
ci stiamo tutti muovendo verso la vita e
la verità.
Parliamo del Dalai Lama?
Ha avuto un’influenza enorme sulla mia
vita anche se ero buddista già prima di conoscerlo,
avendo studiato con dei maestri
giapponesi. il dalai lama ha non solo interiorizzato
i principi di saggezza e compassione
fondanti il buddismo, ma è diventato
essi. Quando conosci un uomo capace di
trasformarsi in un essere del genere, sai che
quello è l’obiettivo che vorresti raggiungere,
perché scopri che sia possibile arrivarci.
la sua amicizia ti fa sentire di avere queste
possibilità. ogni giorno prego affinché la
mia mente sia libera e possa funzionare in
maniera trasparente per arrivare a conoscere
la verità. ci vuole coraggio per affrontare
questo processo. tutti quanti noi siamo, infatti,
pieni di ‘schifezze’ di cui ci dobbiamo
liberare. una persona come il dalai lama è
come uno specchio. i monaci tibetani sono
così chiari che riflettono tutto quello che
sei e che non ti piace di te stesso. se vuoi
cambiare la tua speranza è solo quella di
trovarti in mezzo a persone sempre in grado
di riflettere l’immagine di quello che sei
davvero. e non è facile vedere la propria
mente per quello che è. ci vuole molto coraggio
per trovare la propria libertà.
Quanto?
Quanto quello che hanno avuto gandhi,
gesù, Buddha, il dalai lama: esseri in grado
di guardare con profondità nella propria
mente e nel proprio cuore ignorando ogni
residuo di auto compiacenza e negandosi
ogni forma di indulgenza. Questo è un
grande coraggio che io non ho. ne ho un
po’, ma non così tanto da essere come loro
e non credo che ne avrò mai.
Come attore non si sente in qualche

Scuole Medie e Superiori
maniera limitato dal suo lavoro a
Hollywood che notoriamente non è un
luogo molto religioso?
assolutamente no. io credo che avere a che
fare quasi quotidianamente con i peggiori
aspetti della realtà sia un ottimo modo per
conoscere se stessi ed il mondo. infatti, anche
il nostro peggior nemico può diventare
il migliore maestro. vede, il lavoro di miglioramento
è un’occupazione della mente.
ogni giorno, da quando avevo ventiquattro
anni, per almeno quarantacinque minuti mi
concentro in meditazione e tento così di
limitare la mia ignoranza, aumentando la
quantità di bene e di amore che è dentro di
me. Forse per il fatto che io sono un attore
e gli attori fanno cose che nella scala dei
valori spirituali stanno molto in basso, la
gente non si aspetta molto da me...eppure
questo è un po’ come la storia di milarepa
che rinchiuso nella sua caverna con un gessetto
nero segnava sulle pareti i pensieri
negativi e con uno bianco quelli positivi. i
primi giorni la caverna era interamente nera,
ma dopo un po’ divenne completamente
bianca. per un buddista stare a Hollywood
o nella caverna di milarepa è esattamente
la stessa cosa. Forse vivere nella caverna
è ancora più difficile perché lì non si può
conoscere la realtà che ci circonda e affrontandola,
superarla. del resto la stessa
idea di cinema è profondamente connaturata
all’esplorazione della mente e del cuore
degli uomini.
A proposito di Giappone cosa le è rimasto
dell’incontro con Akira Kurosawa?
avevo seguito una retrospettiva a new york
dei suoi film in versione restaurata e, in
quell’occasione, avevo incontrato suo figlio.
e’ stato lui a presentarmelo qualche
tempo dopo e mi sono trovato dinanzi ad
un uomo di così grande carisma, da sentirmi
più basso e intimidito, mentre in realtà
avevamo tutti e due la stessa altezza. mi
trovavo dinanzi ad un gigante: quando sei
a contatto con tanto talento e genio, non
puoi sentirti a tuo agio. ti sembra di avere
a che fare con un leone enorme. kurosawa
era così.
Lei ha due figli: come si pone nei loro
confronti?
vivere è una cosa molto difficile da
imparare a fare, io sono sempre al loro
fianco durante il processo di crescita che,
ovviamente, è tutt’altro che semplice. non
ho una risposta precisa se non questa: ‘sto
ancora imparando’...
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schede film
“Durerà la razza che possiede il più
elevato altruismo.”
Jack london
La favola del cane che
aspettava il treno…
da qualche tempo a roma, più precisamente
a ponte milvio, le coppie di
adolescenti suggellano il proprio amore
incatenando un lucchetto a uno dei lampioni
che mostra al tevere il proprio oneroso disappunto.
diecimila chilometri più a est, alla
stazione ferroviaria di shibuya, nelle vicinanze
di tokyo, gli innamorati si ritrovano per
un appuntamento, o per promettersi eterno
amore e fedeltà, al cospetto della statua di
un cane. si tratta di Hachiko, la cui copia di
bronzo è stata sistemata sulla banchina ad
attendere lo scorrere del tempo. e a ricordare
che alcuni dei sentimenti più nobili trovano
la massima espressione negli animali prima
ancora che negli uomini.
la dedizione più completa, la nobiltà d’animo,
l’amicizia costante e senza riserve del migliore
amico dell’uomo, ci portano ad aderire
senz’altro al celebre adagio di socrate, che
recitava: “Più gente conosco, e più apprezzo
il mio cane.” ma la storia di Hachico appartiene
al nostro tempo. meglio, agli anni venti
e trenta, periodo in cui il bellissimo esemplare
bianco di razza akita venne regalato al
professor Hidesamuroh uyeno, un docente di
agronomia, il quale, da shibuya, quotidianamente
prendeva il treno per la capitale del sol
levante per recarsi all’università, e ritornare
nel primo pomeriggio, sempre accompagnato
dall’amico a quattro zampe.
il vero nome del cane era Hachi (il suffisso
“ko” è usato come vezzeggiativo), che in
giapponese sta per “otto”, un segno assai
fortunato secondo la numerologia orientale
in quanto la doppia forma circolare indica il
collegamento tra il piano materiale e quello
spirituale. ebbene, anche dopo la morte del
suo padrone, avvenuta nel 1925, Hachiko ha
continuato a recarsi ogni giorno - per quasi
dieci anni - ad aspettarlo, invano, alla stazione.
la vicenda ebbe un’enorme risonanza
nell’opinione pubblica dell’epoca e ben presto
il cane divenne, in giappone, un emblema
di affetto e lealtà. nel 1987 seijirô kôyama
ne ha ricavato un film di grande successo in
patria, Hachiko Monogatari, purtroppo mai
distribuito in italia.
ma finalmente, le prossime feste natalizie
porteranno questa storia, intitolata semplicemente
Hachiko, anche sugli schermi della
penisola, grazie alla passione e all’ostinazione
di richard gere, interprete principale, nonché
produttore della pellicola, e all’intelligente
trasposizione americana effettuata da lasse
Hallstrom (Chocolat, Buon compleanno Mr.
Grape e Le regole della casa del sidro), non
nuovo a regie “canine” (La mia vita a quattro
zampe) e alla collaborazione con il fascinoso
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claudio lugi
divo “brizzolato” (L’imbroglio - The Hoax).
in verità, il film in questione è già stato presentato
in anteprima, fuori concorso, alla iv
edizione del Festival internazionale del Film
di roma nella sezione “alice nella città”, dedicata
al pubblico dei ragazzi e degli studenti,
riscuotendo una calorosa accoglienza. e i
media hanno dato ampio risalto alla sfilata
dell’attore americano in compagnia di un simpatico
cagnolino bianco che ben risaltava sul
tappeto rosso allestito all’auditorium parco
della musica. tuttavia, Hachiko: A Dog’s Story
ha commosso gli spettatori specialmente
con la semplicità del racconto archetipo, e
con la sincerità di una recitazione sobria e
misurata. richard gere, infatti, consapevole
che il cane gli avrebbe, inevitabilmente,
“rubato la scena”, ha svolto con pazienza e
amorevolezza il suo ruolo allo scopo di evidenziare
la natura affettiva, e non solamente
“professionale”, del proprio rapporto con
l’animale.
nonostante l’universalità del messaggio divulgato
non richieda necessariamente una
precisa collocazione spazio-temporale, Hachiko:
A Dog’s Story presenta solo qualche
variazione
rispetto all’edizione nipponica. in primo

luogo le vicende narrate avvengono ai nostri
giorni nel rhode island, nord-est degli stati
uniti; inoltre, l’insegnante di musica e compositore
interpretato dal sessantenne attore
di philadelphia è sicuramente più giovane
dell’agronomo di shibuya.
richard gere (Chicago, Ufficiale e gentiluomo,
American Gigolò, Pretty Woman...) è
parker Wilson, un uomo benestante e tranquillo
che ama la famiglia e il proprio lavoro.
il quotidiano pendolarismo tra la piccola città
dove vive e l'università non gli pesa più di
tanto. i suoi pensieri sono diretti alla moglie
cate (Joan allen), che si occupa della conservazione
dei beni storici, e verso sua figlia andy
(sarah roemer) in procinto di sposarsi.
in una fredda serata d’inverno parker s’imbatte
in un cucciolo di razza akita proveniente
dal remoto tibet, e casualmente smarrito
sulla banchina della stazione. ammaliato da
quella piccola palla di pelo, e incoraggiato
da carl (Jason alexander), l’affabile capostazione,
decide di portare a casa il cagnolino,
che l’ideogramma stampato sulla medaglietta
nomina come Hachi, e affrontare la prevedibile
contrarietà della consorte, vista la recente
scomparsa del loro ultimo cagnetto luke.
ma la naturale simpatia tra Hachi e il professore
si trasforma immediatamente in un legame
esclusivo, così evidente da cancellare ogni
remora rispetto all’allargamento della famiglia.
Hachi diventa il compagno inseparabile
di parker: è sempre pronto a carpire carezze e
attenzioni, ne condivide la passione televisiva
per il baseball, lo segue come un’ombra
dappertutto, in casa e in giardino, dal divano
alla vasca da bagno. e ogni mattina lo guida
fino al binario, e la sera lo attende puntuale
nel piazzale della stazione stimolando il compiaciuto
stupore dello stesso ferroviere carl,
del venditore ambulante di panini e caffè,
shabir (erick avari), e di mary anne (davinia
mcFadden), la libraia, tutti testimoni della
simbiosi tra il musicista e il suo scodinzolante
compagno.
Questa piacevole consuetudine prosegue per
settimane, mesi, stagioni, fino alla prematura
scomparsa di parker, stroncato da un ictus
durante una lezione all’università. l’improvvisa
perdita sconvolge cate e andy, le quali
continueranno a dispensare affetto al piccolo
Hachi, che in cuor suo non ha perso la speranza
di ritrovare l’inseparabile amico al solito
posto, dopo il fischio che annuncia l’arrivo
del treno delle cinque del pomeriggio: sarà lì
tutti i santi giorni, che piova o tiri vento, che
nevichi o splenda il sole, per tutto il tempo
che gli rimarrà da vivere. perché - e non è
retorico ricordarlo - l’amore di un cane è per
sempre…
esemplare, a proposito, la scena in cui il cane
decide di raccogliere la pallina da baseball
che si era sempre rifiutato di riportare al padrone
ogniqualvolta questi l’aveva lanciata.
• 7 •
ormai è troppo tardi, ma Hachi è disposto a
tutto pur di compiacere l’uomo a cui è legato.
perciò è difficile per adulti, adolescenti
e bambini non farsi travolgere dal diluvio di
emozioni che una storia così lineare e priva
di artifici procura. e non bisogna necessariamente
possedere un cane per cogliere il
messaggio di fedeltà e altruismo, lealtà e generosità
che il film propone. sono valori che
purtroppo appaiono sempre più attinenti alle
favole, e sempre meno presenti nella realtà
che viviamo giorno dopo giorno. ritrovarli, di
tanto in tanto, nella sala buia di un cinema,
vale la pena. anche a costo di farsi coinvolgere.
e magari, versare una lacrima.
Hachiko
(titolo originale: Hachiko: a dog’s story)
regia: lasse Hallstrom
con: richard gere, Joan allen, Jason alexander,
erick avari, Hiroyuki tagawa, davenia
macFadden
98’, lucky red, drammatico
“NoN C’è PATTo CHE NoN SIA STATo
roTTo, NoN C’è fEDELTà CHE NoN SIA
STATA TrADITA, fUorCHé QUELLA DI
UN CANE vErAMENTE fEDELE.”
konrad lorenz,
L’ANELLo DI rE SALoMoNE

schede film
“Eccomi qua, nella mia comoda dimora, aspettando che
passi il Natale! Bah! Che stupida festa, in cui tutti si
vogliono bene! Ma per me è diverso! Tutti mi odiano e io
odio tutti! E tutti a comprare regali... Pare che si divertano!
Non mi sono mai divertito, io!”
(paperon de’ paperoni in Il Natale di Paperino sul Monte orso)
Natale. Quale migliore
occasione per cambiare?
se c’è una qualità che va riconosciuta a robert zemeckis, perfettamente
compresa dalle grandi case di produzione che con
lui dietro la macchina da presa raggiungono sempre incassi
favolosi, riguarda il fatto che le sue opere sono nella videoteca di
qualunque famiglia, dal momento che gli spettatori non si fermano
quasi mai alla mera visione sul grande schermo, ritornando a vedere,
anche più volte, i suoi capolavori. chi infatti non ha rivisto a casa,
spalmato sul divano, film memorabili come Chi ha incastrato roger
rabbit? o la trilogia di ritorno al futuro, forrest Gump (che gli ha
fruttato un oscar per la regia), oppure Cast Away?
robert Zemeckis torna nelle vesti di regista, produttore e sceneggiatore
del film portabandiera della produzione disney del natale 2009:
A Christmas Carol, la terza prova consecutiva – e aggiungiamo, la
più riuscita tra le pellicole in performance capture finora eseguite.
le precedenti realizzazioni, ossia La leggenda di Beowulf, ispirata
a uno dei poemi anglosassoni più antichi, e The Polar Express,
anch’essa un’incantevole strenna natalizia, hanno evidenziato le straordinarie
capacità della suddetta tecnica di ripresa che consente di
registrare nella memoria di un computer ogni movimento ed espressione
degli attori al fine d’impiegarli nella costruzione di uno o più
personaggi animati, come appunto accade nel film in esame, dove
Jim carrey (The Truman Show, Una settimana da Dio, Yes Man…),
il protagonista, e una buona parte del cast, compare in spoglie differenti
per recitare vari ruoli. artista tra i più versatili di Hollywood,
carrey, stavolta, è uno e settuplo, cioè rappresenta scrooge nelle
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claudio lugi
varie fasi dell’esistenza, e anche i tre fantasmi che lo tormentano.
la sua mimica facciale e la sua fisicità sono assolutamente uniche,
a prescindere dalla fantasmagoria tecnica che in quest’occasione
stupirà – ne siamo certi – pure il pubblico più scettico.
in più, A Christmas Carol è presentato in 3d, perciò possiamo garantire
che lo spettacolo è veramente un'esperienza fantastica che
in 90 minuti trasporta gli spettatori in una dimensione magica dalla
quale si fa fatica a uscire. alla fine si ha quasi l’impressione di
aver partecipato attivamente all’avventura che vede all’opera uno
dei rappresentanti più emblematici dell'avarizia: ebenezer scrooge,
protagonista di una delle novelle più conosciute sulla festa invernale
più bella. scritto da charles dickens nel 1843 (tra le varie edizioni
del testo consigliamo quella appena uscita nel volume racconti di
Natale, a cura delle edizioni newton compton), e pubblicato proprio
il 19 dicembre di quello stesso anno, Un Canto di Natale è una delle
opere più frequentemente tradotte in immagini da quando è nato il
cinematografo, e non sempre con risultati all’altezza.
citiamo, tra le migliori trasposizioni: Canto di Natale di Topolino,
un divertentissimo corto del 1983 targato disney e prodotto per la
tv; festa in casa Muppet del 1992, intelligente commistione tra i
noti pupazzi di Brian Henson e attori in carne e ossa, in cui michael
caine interpreta ottimamente il taccagno; Scrooge. La più bella
storia di Dickens (1970), commedia musicale con albert Finney
protagonista; Looney Tunes - Canto Di Natale (2006), uno spassoso
mediometraggio animato con daffy duck nel ruolo dello spilorcio;

Per tutte le Scuole
S.o.S. fantasmi, con Bill murray, pellicola
del 1988 che rivisita in chiave moderna l’avido
dickensiano; e infine due curiosità nostrane,
Non è mai troppo tardi (1953) con
paolo stoppa arcigno misantropo, e Natale a
casa Deejay (2004), recitato dai dj di radio
deejay, primo film realizzato da un’emittente
radiofonica...
un altro decisivo punto di forza del lungometraggio
riguarda l’eccellente adattamento
di zemeckis, e l’assoluta fedeltà all’essenza
del testo scritto. ricordiamo brevemente la
trama. scrooge (Jim carrey) si appresta alle
feste natalizie con il solito disprezzo per lo
sciupìo e l’inutile allegria che pervade l’intera
umanità all’approssimarsi della ricorrenza.
vittime congeniali delle sue invettive sono:
il contabile Bob cratchit (gary oldman), al
quale paga uno stipendio da fame, e il nipote
Fred (colin Firth), che lo invita, invano,
a godersi il pranzo tradizionale in famiglia.
dopo una giornata di varie scontrosità elargite
“gratuitamente” a tutti quelli che gli
augurano il Buon natale, lo sgradevole strozzino
fa ritorno a casa.
la frugale cena consumata davanti al focolare
viene interrotta dall’arrivo di un terribile
spettro: si tratta del socio e amico Joseph
marley (oldman), defunto da sette anni, il
quale, mostrando a scrooge le proprie catene,
l’ammonisce a cambiar vita preannunciandogli
la visita di tre fantasmi spaventosi
nelle ore che precedono la “grande festa”.
puntuale come un orologio ecco lo spirito
del natale passato (carrey) in sembianze di
fiammella. il fantasma scaraventa l'usuraio
nel lontano passato, nelle immagini dell'infanzia,
dell'adolescenza e dell'età matura.
scorrono davanti agli occhi del vecchio le
scene della vita per le quali solo ora riesce a
nutrire un certo rimpianto: la solitudine sui
banchi di scuola, le premure di sua sorella
Fanny, prematuramente scomparsa, l’impiego
come apprendista contabile presso il benevolo
Fezziwig (Bob Hoskins), l’amicizia con
il collega dick Wilkins (cary elwes), il ballo
di natale con Belle (robin Wright penn), e il
triste abbandono della ragazza che avrebbe
dovuto sposare. scrooge, invece, aveva sposato
il denaro. disperato, tenta di spengere
la luce dello spettro, ma ne rimane inondato…
È la volta dello spirito del natale presente
(carrey), un gigante rivestito di tuniche, che
mostra a scrooge la difficile situazione in
casa cratchit, e la grave malattia del piccolo
tiny tim (oldman). poi una scena di festa a
casa del nipote, dove scrooge è fatto oggetto
di scherno per via della sua irrimediabile
• 9 •
insensibilità. lo spirito del natale Futuro
(carrey), prospetta la misera fine dell’avaro:
alcuni uomini discettano sulla sorte dei
beni del defunto, il vecchio Joe (Hoskins)
e la signora dilber (Fionnula Flannigan) si
spartiscono le lenzuola e le tende di scrooge.
Quindi, il fantasma catapulta l’usuraio al
cospetto della propria lapide mortuaria, con
tanto di nome inciso. manca ancora, però,
la data della morte. scrooge sprofonda nel
sepolcro, implorando. se solo ci fosse un’altra
possibilità...
a chi ha conosciuto la verità non può essere
preclusa la redenzione. ecco la parabola di
pace che il testo veicola. in una sola notte
scrooge fa i conti con la propria esistenza,
riesce dopo una vita passata nell’aridità a liberarsi
della gabbia dorata che gli incatenava
l’animo. grazie al viaggio (terapeutico?)
di conoscenza che gli hanno apparecchiato
gli spiriti. e grazie alla forza del natale, che
allieta i semplici e i poveri, i giusti e i puri
di cuore, allontanando lo spettro delle loro
paure e dell’inadeguatezza nei confronti del
mondo. e può, così, riscattarsi. un attimo
prima che sia troppo tardi.
Fiaba morale o racconto gotico, fantasy o satira,
bozzetto vittoriano o novella realistica?
zemeckis e dickens narrano la conversione
del vecchio spilorcio: infine il bene che prevale
sul male. ma è tiny tim a pronunciare la
battuta di commiato: “dio ci benedica tutti”;
e sui titoli di coda parte la voce di andrea
Bocelli con God Bless Us Everyone, pezzo
composto da alan silvestri, autore della colonna
sonora del film. la canzone è entrata
a far parte della miscellanea natalizia in cd
realizzata dal tenore toscano, e già disponibile
in tutti i negozi di musica.
A Christmas Carol
regia: robert zemeckis
con: Jim carrey, gary oldman, colin Firth,
Bob Hoskins, robin Wright penn, cary elwes,
Fionnula Flanagan
distribuzione: Walt disney pictures
durata: 96'

Un variegato campionario di… tirchieria!
crepi l'avarizia? meglio di no, vista la ricchezza
e la varietà di tipi umani, avidi
e spilorci, che affollano le letterature di
ogni tempo e latitudine. in un'ideale galleria di
personaggi accecati dalla cupidigia non si può
che partire da mida, il mitico sovrano anatolico
investito da dioniso del potere di trasformare
in oro qualunque cosa toccasse. ma è nel teatro
greco e latino che viene spiegandosi una figura
archetipa di avaro che diverrà ricorrente nella
novella trecentesca e nella commedia dell'arte,
e successivamente, nel romanzo del 1800, sia
di stampo realistico che fantastico.
nell’Aulularia di plauto, difatti, il vecchio
euclione trova una pentola piena di denaro
e vive nel terrore che gli venga sottratta. la
sua nevrosi è tale che finirà per provocargli
la perdita delle ricchezze tanto gelosamente
custodite. la commedia degli equivoci,
nelle spoglie dell’astuto servo strobilo, che
ne sposerà la figlia, gli restituisce, alfine, il
malloppo, in un epilogo piuttosto simile al
Canto di Natale dickensiano, e a innumerevoli
altri racconti. tra le riduzioni per il cinema
ispirate al capolavoro plautino la più spassosa
rimane ancora 47 morto che parla (1950),
farsa diretta da carlo ludovico Bragaglia da
un soggetto di ettore petrolini, con totò nelle
vesti dell’avaro barone antonio peletti, del
quale ricordiamo il proverbiale adagio: “E io
pago... e io pago!”
se, dunque, nel mndo classico la taccagneria
è oggetto di scherno e mordace ironia, suscitando
comicità e riso, il cristianesimo ne drammatizza
la valenza morale inserendola a pieno
titolo nel settetto dei peccati capitali. dante
alighieri colloca gli avari nel quarto cerchio
dell’inferno (canto vii) e nella quinta cornice
del purgatorio (canto XXi) specularmente
ai prodighi, in quanto entrambi i gruppi sono
stati mossi dall’irrefrenabile brama di accumulo
delle ricchezze: gli uni per la mera tesaurizzazione,
gli altri per il gusto dello sperpero.
sorprende la copiosa presenza, tra i peccatori,
di papi, cardinali e uomini di chiesa, alla quale,
per mezzo dell’allegoria della lupa, dante
aveva più volte indirizzato le sue invettive più
acute: “Maledetta sie tu, antica lupa, / che più
che tutte le altre bestie hai preda / per la tua
fame senza fine cupa!” (purg. c. XX, vv. 10-12).
nel 1300 anche Boccaccio mira all’avidità come
a uno dei bersagli preferiti dei suoi strali.
nel Decameron, assurto dalla critica letteraria
a “epopea dei mercatanti” (Branca), il “tipo”
del commerciante avaro, dedito al proprio tornaconto
più che agli ideali etici e religiosi, si
affaccia con prepotenza sul palcoscenico della
storia. ricordiamo, a proposito, la novella dedicata
al facoltoso cittadino genovese erminio
de’ grimaldi, meglio conosciuto come messer
erminio avarizia, che lo scrittore di certaldo
così disprezza: “… E sì come egli di ricchezza
• 10 •
ogni altro avanzava che italico fosse, così d’avarizia
e di miseria ogni altro misero e avaro che
al mondo fosse soperchiava oltre misura”.
anche shakespeare si serve di una cornice
italiana per narrare la vicenda di uno degli
usurai meglio riusciti della letteratura, l’ebreo
shylock, travagliato antieroe de Il mercante
di venezia, ove antonio, ricco armatore, si fa
prestare dallo strozzino tremila ducati offrendo
in garanzia una libbra della propria carne,
come richiesto dal giudeo. sfortunatamente,
le navi di antonio, ricche di beni preziosissimi
naufragheranno, così shylock reclamerà quello
sconveniente risarcimento davanti al doge. ma
in tribunale il verdetto verrà capovolto giacché
attentare alla vita di un mercante veneziano è
un gravissimo reato punibile con la morte…
nel Xvii secolo è molière a disegnare con
L’Avaro (1668) una figura esemplare di spilorcio.
nonostante la scarsa originalità della
commedia, ispirata all’Aulularia di plauto, da
cui riprende alcune delle scene più famose, e
aggiungendo, però, la rivalità amorosa tra padre
e figlio, molière mette in scena arpagone,
un ricco vedovo borghese in ansia per i diecimila
scudi d’oro che conserva in casa, e che
gli saranno sottratti al fine di realizzare due
matrimoni d’amore. la pitoccheria del vecchio
protagonista è tale da rinunciare a risposarsi
con la giovane e bella marianna pur di rientra-
“L’avarizia è un amore smodato di possedere”
cicerone, Tuscolane

e in possesso del ben più adorato gruzzolo.
dell’opera di moliere si ricorda l’omonima versione
cinematografica di tonino cervi (1989),
con alberto sordi nei panni dello strozzino don
arpagone. si tratta di una pellicola che si concede
molte libertà rispetto al testo teatrale,
ma che conserva ugualmente svariati momenti
di comicità.
con carlo goldoni torniamo al teatro e all’ambiente
borghese della città lagunare. la maschera
di pantalone, ispirata al modello del
mercante veneziano avaro e lussurioso è una
delle più longeve della commedia dell’arte, tuttavia,
con la riforma goldoniana del settecento
il personaggio viene smussato assumendo
i toni più rassicuranti di un padre burbero e
conservatore, seppur taccagno, come possiamo
osservare ne I rusteghi, o nel celeberrimo Sior
Todero brontolon.
Honoré de Balzac introduce il grande romanzo
realista ottocentesco. la sua monumentale
Commedia Umana ha l’ambizione di descrivere
compiutamente la società francese della
prima metà del XiX secolo. perciò non poteva
mancare in questo vasto repertorio di caratteri
il ritratto di uno spilorcio, anche stavolta un
uomo maturo, protagonista di una storia intitolata
alla propria figlia: Eugenia Grandet, suo
malgrado costretta a vivere un’esistenza grama.
papà grandet, infatti, un vecchio vignaiuolo arricchitosi
grazie alla cospicua eredità paterna,
e ai mirati investimenti finanziari, è refrattario
a ogni tipo di spesa, al punto da condurre una
vita miserabile e trascinando nel baratro della
sua grottesca ossessione l’intera famiglia. era
tale il suo attaccamento all’oro che - racconta
Balzac - “sembrava aver comunicato il suo colore
al suo viso”.
anche il Canto di Natale, considerato charles
dickens, attento osservatore della stratificazione
della società vittoriana, e nonostante gli
evidenti richiami fantastici, può essere considerato
come un’opera ascrivibile nella vasta corrente
realistica europea dell’ottocento, accanto
ai grandi classici francesi e russi. in italia bisognerà
attendere la fine del secolo, giovanni
verga e il “verismo” per ritrovare un vivo interesse
per un’umanità bramosa e indigente, e
una certa considerazione per il disagio sociale
e individuale di quelli che lo scrittore siciliano
aveva definito “i vinti”. lo zio crocifisso de I
Malavoglia, Mastro Don Gesualdo e mazzarò,
personaggio principale della novella La roba,
rappresentano l’avidità materiale che si trasforma
in mania, in vera e propria fissazione per i
beni mobili e immobili, per il denaro, ma anche
per le terre, il bestiame, il mobilio, fino al tormento
di non poter portare con sé nell’aldilà
tutte le proprie cose. il motivo della “roba”
finisce, così, per assumere i contorni della sacralità,
per via della venerazione idolatra che
induce negli avari, e della tragedia, a causa
dell’inevitabilità del distacco fisico da essa.
il ritratto dell’avaro dal XX secolo fino ai nostri
giorni si è evoluto al punto da essere incarnato
in uomini di enorme popolarità e straordinaria
ricchezza. i capitani d’industria e i grandi
finanzieri, i petrolieri e gli imprenditori dell’informatica
hanno scalzato dall’immaginario collettivo
moderno la figura gretta e sparagnina
del vecchio genitore attaccato ai propri beni,
del bifolco sudicio e miserabile o del burocrate
tirchio e trasandato. ecco perché la letteratura
non ha prodotto spilorci memorabili, eccezion
fatta per il racconto animato, e a fumetti, dove,
invece, si è imposto un personaggio moderno
- con illustri ascendenze - e antico per quanto
concerne il vizio di cui stiamo discorrendo.
si tratta del celeberrimo paperon de’ paperoni
(scrooge mcduck in lingua originale), “il
papero più ricco del mondo” nonché zio
stramiliardario di paperino, ideato nel 1947.
È uno dei personaggi del bestiario disney
• 11 •
che ha riscosso il maggior successo fino a
essere considerato tra i più amati del mondo,
malgrado la sua infinita spilorceria, ricalcata
sul modello di scrooge, lo abbia reso, agli inizi,
tutt’altro che simpatico. la vita di paperone è
contrassegnata da azzeccati investimenti ed
enormi successi economici in concorrenza con
il rivale rockerduck, dalla conta delle proprie
infinite ricchezze custodite nel deposito di
paperopoli, e dalla sua inarrivabile tirchieria.
oltre all’antieroe del Canto di Natale la
biografia di paperone è stata probabilmente
ispirata anche alla vita di andrew carnegie
(1835-1919), un importante magnate - e
filantropo - americano emigrato dalla scozia,
al quale dobbiamo una stilla di saggezza
che adoperiamo volentieri a conclusione di
questo breve viaggio nell’avarizia: “Non è una
vergogna diventare ricchi. Ma è una vergogna
morire ricchi”.

schede film
nella galleria delle eroine disney di quest’ultimo
decennio abbiamo ammirato un’orgogliosa
pellerossa, Pochaontas, mostrare la simbiosi
degli indiani d’america con la madre terra; la
suadente gitana Esmeralda (ne Il gobbo di
Notre Dame), insegnare a rispettare la diversità,
intesa come un valore, una ricchezza del
genere umano; l’esile cinesina Mulan, esempio
della forza di volontà e della dedizione,
della virtù e della dignità del genere femminile.
Tiana, ultima in ordine di arrivo, ha
l’onore di rappresentare la prima protagonista
afro-americana di un lungometraggio animato
della casa di topolino: La Principessa e
il ranocchio. un segno della coerenza della
Walt disney, oppure dell’influenza empatica
della presidenza obama?
dal canto nostro riteniamo entrambe le opzioni
altrettanto decisive. ma ciò che maggiormente
colpisce di questo quarantanovesimo
“classico” degli studios di paperino è il ritorno,
dopo qualche anno, all’animazione disegnata
a mano, con profluvio della gamma dei
colori, forme tondeggianti e tratti stilizzati,
in osservanza a una tradizione che non ha
dimenticato, in tempi di strapotere digitale,
i fasti e la bontà di produzioni come Biancaneve
e i sette nani e fantasia, Cenerentola
e La Carica dei 101, Il re leone e La Bella
e la Bestia…
chi meglio di John musker e ron clements
(già registi de La sirenetta e Aladdin) poteva
suggellare il recupero dell’atmosfera calda
e sognante dei tanti cartoni tratti dalle storie
più belle e popolari del mondo? La Principessa
e il ranocchio, in uscita sugli schermi
italiani a partire dal 18 dicembre, si appresta,
così, a rappresentare l’ennesima scommessa
vincente della disney. la vicenda descritta è
basata sulla fiaba de Il principe ranocchio
dei Fratelli grimm, tuttavia, il racconto contiene
pure alcune interessanti varianti tratte
dal libro per bambini Incantesimi, baci, ranocchi
& principesse (The frog Princess),
della scrittrice statunitense e. d. Baker.
new orleans e il bacino del mississipi, l’età
del proibizionismo (gli anni venti) e la musica
jazz contrassegnano l’ambientazione spazio
temporale di questa emozionante favola
musicale. tra i balconi di ferro battuto e le
caratteristiche strade del Quartiere Francese
si aggira tiana, una ragazza affascinante, dai
sani principi e dal carattere saldo, che lavora
duramente per realizzare un sogno che era
già appartenuto al padre: aprire un ristorante
di successo. ma è appena giunto in città,
accompagnato dal valletto lawrence, il bel
principe della maldonia, naveen, una sorta
di “giovin signore” di pariniana memoria:
viziato e indolente, però attraente, e sinceramente
incantato dalle calde sonorità della
louisiana.
claudio lugi
Favole e Incantesimi sulle
sponde del Mississipi
“Quando suono, penso a quei momenti del
passato e dentro di me nasce una visione. Una
città, una ragazza lontani nella memoria, un
vecchio senza nome incontrato in un posto che
non ricordo. I suoni che escono dalla tromba di
un uomo, sono parte di lui.”
louis armstrong
• 12 •
le prerogative e le ricchezze di questo rampollo
della nobiltà finiscono per attirare il
sordido dottor Facilier, un malvagio stregone
voodoo, il quale, lo trasforma in ranocchio.
naveen, seppure angustiato, è consapevole
delle tradizioni fiabesche, e pertanto si mette
alla ricerca di una principessa che possa
affrancarlo dal maleficio. trova tania, alla
quale implora il bacio salvifico. ma qualcosa
va storto e il bacio concesso produce l’immediata
trasformazione della bellissima creola in
una “verdissima rana”.
accomunati dalla medesima sorte i due anfibi
cercheranno di liberarsi dell’incantesimo raggiungendo
una misteriosa maga buona, mama
odie, sacerdotessa voodoo di 197 anni. però,
nel golfo della louisiana non è facile sfuggire
neppure alle insidie dei cacciatori di rane.
per fortuna, in quest’avvincente odissea tra
le paludi i due giovani saranno aiutati da una
romantica lucciola cajun di nome ray, e dal
buffo alligatore trombettista louis (un chiaro
omaggio al mitico “satchmo”, ossia, louis
armstrong).
l’avventura, costellata di ostacoli e imprevisti,
limerà un poco alla volta le innegabili
differenze sociali (tania non è di sangue blu)
e caratteriali della coppia, trasformandosi in
una commedia sentimentale “colorata” dalle
melodie delle canzoni, e dai ritmi del blues e
del ragtime, del gospel e del jazz, tutti com

Per tutte le Scuole
posti dal grande randy newman, già autore di
alcuni dei successi pixar (Toy story, Cars…),
di pellicole celebri come ragtime di milos
Forman e Il migliore di Barry levinson, nonché
vincitore dell’oscar 2002 per Monsters
& Co.
il perfido Facilier, servendosi delle “forze ultraterrene”,
tenterà d’impedire la soluzione
dell’incantesimo, ma in un finale scoppiettante
che si svolge durante il tradizionale
martedì grasso di new orleans, la vicenda troverà
il suo scioglimento, che naturalmente ci
asteniamo dal suggerire per non guastare la
sorpresa agli spettatori, grandi e piccini, che
affolleranno le sale per le prossime festività
natalizie.
oltre alla novità della sceneggiatura, che
stravolge la fiaba originale, che narrava la
storia di una giovane incapace di mantenere
le promesse e di rispettare il patto stabilito
con un ranocchio, il film si giova di una messinscena
che accentua sia le tinte notturne
che la tavolozza carnevalesca, procurando un
innegabile piacere visivo. inoltre, i frequenti
intermezzi musicali arricchiscono il racconto
al punto da saldarsi indissolubilmente ai momenti
divertenti, drammatici o sentimentali
che si susseguono durante il cartone animato.
esemplare, a tale proposito, l’inno all’amore
indirizzato da ray a evangelina, la lucciola
più bella dell’universo, o gli assolo di tromba
del simpatico coccodrillo sui vaporetti che
solcano il delta del mississipi.
tra i personaggi che popolano la storia meritano
una citazione i genitori di tiana: James
ed eudora.
lui ha trasmesso alla figlia l’amore verso il
buon cibo, mentre lei è madre esemplare, e
sarta raffinata, che offre le sue prestazioni
nella casa del ricco piantatore “Big daddy”,
e della figlia di questi, charlotte, la migliore
amica di tiana. comunque, il carattere più
curioso del film è costituito dall’ultra centenaria
mama odie, maga saggia e stravagante
che vive su un vecchio battello legato a un
albero gigantesco. essendo cieca, viene assistita
da zuju, un serpente addomesticato
che le permette di vedere e di soccorrere le
persone bisognose dei suoi prodigi.
con il successo di Up, e con la recentissima
uscita di A Christmas Carol, ecco La Principessa
e il ranocchio a completare un trittico
di animazioni decisamente differenti tra
loro dal punto di vista tecnico, ma unite da
un medesimo intento: quello di continuare a
fabbricare storie di qualità che costituiscono
l’alimento principale dei sogni, soprattutto
dei bambini e degli adolescenti. È quello
che i Walt disney animation studios fanno
da diversi decenni. stavolta l’identificazione
con un personaggio positivo come tania comprende
l’adesione ai canoni di una donna più
moderna, meno dipendente dai capricci del
solito principe azzurro.
• 13 •
la ragazza lotta per realizzare i suoi desideri,
con il lavoro e la determinazione, tenendo
sì in gran conto la propria bellezza, ma al
tempo stesso mantenendo il proprio orgoglio
di appartenenza alla nazione afroamericana,
che per nessuna ragione al mondo merita di
essere posto in subordine. ma questa sua indipendenza
verrà poco a poco a vacillare a
causa del mutato sentimento per naveen, il
quale, si rivelerà migliore di quello che era
sembrato: è lui, difatti, che le insegna a rilassarsi,
ad accettare gli altri così come sono, e
a godersi la vita, nella sua semplicità e nella
sua quotidiana meraviglia…
con un personaggio positivo come tania
comprende l’adesione ai canoni di una donna
più moderna, meno dipendente dai capricci
del solito principe azzurro.
la ragazza lotta per realizzare i suoi desideri,
con il lavoro e la determinazione, tenendo
sì in gran conto la propria bellezza, ma al
tempo stesso mantenendo il proprio orgoglio
di appartenenza alla nazione afroamericana,
che per nessuna ragione al mondo merita di
essere posto in subordine. ma questa sua indipendenza
verrà poco a poco a vacillare a
causa del mutato sentimento per naveen, il
quale, si rivelerà migliore di quello che era
sembrato: è lui, difatti, che le insegna a rilassarsi,
ad accettare gli altri così come sono, e
a godersi la vita, nella sua semplicità e nella
sua quotidiana meraviglia…
La Principessa e il ranocchio
(titolo originale: The Princess and the frog)
regia: John musker e ron clements
distribuzione: Walt disney pictures
durata: 97'

il diluvio annunciato si è abbattuto su new orleans
come una nemesi. una metropoli costruita
in massima parte sotto il livello del mare, e circondata
dalle acque: la palude, il lago pontchartrain,
il mississippi, “grande fiume padre”. tutti
destinati a tracimare e sommergere intere regioni,
come ha dimostrato nel 2005 il catastrofico
uragano katrina. la sorte benevola, e la collina
sulla quale era stato edificato nel 1718, hanno
risparmiato in buona parte il quartiere turistico,
la vecchia anima francese della città, la vetrina,
il salottino della dolce vita e degli stereotipi
che ne hanno alimentato a lungo il mito.
new orleans è chiamata “the Big easy”, città
facile - con un pizzico d invidia mista a commiserazione
- negli stati uniti. a causa delle sue
origini latine e meticce, per il suo spirito straniero
e ribelle derivato dagli schiavi neri e dalla
comunità francofona (i cajun, in primo luogo),
per la sfrontatezza con cui esibisce templi e
bordelli, santi e streghe, la cattedrale di san
luigi e il museo voodoo, per la magia che scaturisce
dall’architettura vittoriana che sa di unto e
pestilenze, e da quelle strade afose e promiscue,
viziose e immorali, che hanno ispirato tutta la
musica del ‘900, da louis armstrong, nato qui
nel 1901, a mahalia Jackson, da Fats domino a
Wynton marsalis...
una rassegna della cinematografia usa su
questa metropoli esotica e “straniera” che gli
americani accettano a fatica - e che forse hanno
rinunciato a voler capire - richiederebbe lo
spazio di un volume ponderoso. in questa sede,
tuttavia, tenteremo una breve ricognizione su
un’area e su ambientazioni congeniali tanto al
noir d’autore che al poliziesco, al thriller giu-
diziario e a quello esoterico, al dramma storico
sociale come alla spy-story, al lungometraggio
musicale e alla commedia brillante, e ora, con
La Principessa e il ranocchio, alla fiaba animata.
non è infrequente in questo cinema il
riferimento al folklore cittadino, arma decisiva,
che se usata con giudizio può costituire uno
sfondo di grande interesse per la riuscita di un
film. si pensi, ad esempio, ai cortei funebri in
Bourbon street a ritmo di musica in Agente
007-vivi e lascia morire (Live and Let Die,
1973), il primo James Bond di roger moore,
nobilitato anche da una eccezionale sequenza
d inseguimento tra motoscafi (nulla di digitale!)
tra le paludi che circondano la città, che
riscatta la paccottiglia voodoo del finale, e dalla
bella canzone di paul mccartney che scorre sui
titoli di testa e su quelli di coda.
in tema di processioni, come non citare quelle
sontuose in occasione del capodanno, o del
“mardi gras”, ultimo giorno di carnevale, durante
il quale splendide ragazze si affacciano ai
balconi in ferro battuto del Quartiere Francese
e scoprono il seno per il piacere dei festanti.
uno scenario ideale per un filmetto d’evasione
- che naturalmente rinuncia a esibire le dette
grazie femminili - a ritmo di danze e canzoni
di pat Boone: Martedì grasso (1958). comunque,
il lungometraggio che meglio rappresenta
l’atmosfera festosa, e al tempo stesso cupa del
carnevale, è senz altro Il trapezio della vita
(1958), un suggestivo melodramma di douglas
sirk ispirato al romanzo oggi si vola di William
Faulkner. ritratto di new orleans nel periodo
della depressione, la storia è incentrata su un
vecchio aviatore (robert stack) che vive con i
guadagni di pericolose gare acrobatiche, e che
claudio lugi
New Orleans, l’anima nera del jazz. E del cinema
• 14 •
“Sono nato lungo il fiume
in una piccola tenda
e proprio come il fiume
sin d’allora non faccio che correre […]”
sam cook, A change is gonna come
non esita a spingere la moglie (dorothy malone),
vinta a dadi (!), tra le braccia di un altro,
pur di acquistare un nuovo aeroplano con cui
riprendere a volare. l’epilogo, come s’intuisce,
è tragico, ma il contrappunto tra dramma e avventura,
ben sintetizzato dalle scene carnevalesche,
costituisce un ammonimento contro le
insidie dei falsi miti, una lettura malinconica
e pessimista della società americana tra gli
anni venti e trenta, ancor più significativa in
quanto elaborata un trentennio più tardi, in un
periodo di grande sviluppo economico, sociale
e culturale.
l’anima musicale di new orleans è raccontata
in diverse pellicole uscite fra la metà degli anni
Quaranta e i primi anni del decennio successivo.
si tratta di film non particolarmente felici nella
sceneggiatura, ma decisivi nel proporre immagini
e suoni dell’età d’oro del jazz. ecco allora
Stella nel cielo (1942), ovvero la carriera del
giovane trombettista bianco Jackie cooper nel
periodo in cui il jazz passò da new orleans a
chicago, con una jam session finale straordinaria,
e La città del jazz (1947) in cui la narrazione
delle origini e dello sviluppo di questo genere
musicale è assolutamente sovrastata dalla
presenza e dalle performance di louis armstrong
e di Woody Herman con le rispettive orchestre,
nonché dalla voce sublime di Billie Holiday che
esegue Do You Know What It Means to Miss
New orleans. per il resto prevalgono le immagini
stereotipate di una città alla deriva, una
sorta di sordida frontiera popolata da pugili e
marinai, pirati e prostitute, poliziotti corrotti
e belle cameriere, giocatori di carte e artisti
squattrinati, loschi sacerdoti voodoo e coltivatori
schiavisti, intellettuali storditi dall’alcool e

dall’afa e caparbi investigatori…
tuttavia, val la pena nominare alcuni dei lungometraggi
che hanno saputo cogliere lo spirito
di questi luoghi magici. diretto da alan parker,
con un luciferino robert de niro e con mickey
rourke nei panni di un detective impregnato
di whisky, Angel Heart (1987) riesce a sedurre
visivamente miscelando inquietanti riti voodoo
ed erotismo, scene d’azione e musica sofisticata.
Ben più ambizioso risulta Intervista col
vampiro (1994), diretto da neil Jordan, una
trasposizione non perfettamente riuscita del
romanzo omonimo di anne rice: ricco e ridondante
nel cast artistico (tom cruise, Brad pitt,
kirsten dunst, antonio Banderas…) e tecnico,
come nella suggestione visiva, è un horror di
vampiri condannati all’eterna giovinezza e a
un tributo infinito di sangue, i quali incarnano
la smania inarrestabile dell’americano conquistatore.
curioso ricordare che sting, due anni
prima dell’uscita del film, aveva composto la
struggente Moon over Bourbon Street ispirata
al medesimo libro.
anche Il grande peccato (1960) è tratto da
uno dei libri più densi e tragici di quel “poeta
delle anime primitive, oscure e dannate” come è
stato definito da un critico Faulkner: Santuario
(1931), che però non ha trovato ancora una
degna riduzione cinematografica. Ben altro peso
specifico possiedono La via del male (1958), in
cui michael curtiz dirige un buon cast con l’ispirato
elvis presley nei panni di un bus driver di
new orleans che grazie alla musica (buon assortimento
di canzoni) dà un calcio alle sirene che
sembravano portarlo alla delinquenza, e soprattutto,
Cincinnati Kid (1965), ritratto della new
orleans degli anni trenta (con annesse scene di
un funerale musicale), con un cast stellare. la
vicenda è imperniata sulla sfida tra due assi del
poker scoperto, il giovane e il veterano (steve
mcQueen ed edward g. robinson), ritratti in una
partita memorabile, che è rimasta negli annali
della cinematografia. il blues malinconico della
chitarra di ry cooder, invece, è il sottofondo
ideale di un ottimo film di Walter Hill sul tragico
fatalismo che resta appiccicato addosso agli
emarginati e ai disperati di new orleans: Johnny
il bello (1989), la storia di un rapinatore dal
volto deforme (l’ottimo mickey rourke), il quale,
riacquistata la normalità grazie a un complicato
intervento chirurgico, sceglie la strada della
vendetta a quella di una nuova vita.
altrettanto raffinato per la messa in scena e per
la forte vocazione letteraria dello script, farcito
di citazioni da carson mccullers, Flannery o’connor
o dai versi di dylan thomas, e impregnato
di twain e Faulkner, Una canzone per Bobby
Long (2004), diretto da shainee gabel; è una
pellicola indipendente che parla di una famiglia
spezzata, e del tentativo di creare una rete di
affetti che in qualche misura la sostituisca. È
anche la storia di una figlia (scarlett Johansson)
che torna nella casa di new orleans dopo
la morte della madre, e di un padre, Bobby long
(John travolta), una sorta di alter ego della città,
un uomo perso nel turbine dell’alcool e del
rimpianto per il tempo trascorso. uno scenario
lirico, di canzoni, di note magiche e malinconiche,
di lunghi meriggi caldi, di storie intime ed
epiche al tempo stesso. un elogio alla lentezza
del profondo sud.
infine, l’opera che, a nostro parere, fotografa
meglio l’anima antica e moderna di una città
che sopravvive in bilico tra il fatalismo epico
e nostalgico del vecchio sud e i falsi miti del
sogno americano aggiornati alla realtà contemporanea:
Daunbailò (Down By Law, 1986) di
Jim Jarmusch, un lungometraggio “minore” in
cui l’ironia e la vena spleen rievocano il tono
dell’avventura picaresca. a new orleans zack, un
dj vagabondo (tom Waits), e Jack, un protettore
da quattro soldi (John lurie), finiti in una
trappola, sono raggiunti in galera, la parish prison,
da uno stralunato turista italiano (roberto
Benigni) con un bizzarro slang anglo-toscano,
il quale ha commesso un omicidio con un palla
da biliardo. i tre reclusi solidarizzano al punto
da progettare un’audace evasione. inseguiti per
i boschi e le pericolose paludi che circondano la
città, riusciranno a far perdere le proprie tracce
e a ripararsi in una strana locanda abitata da
una dolce fanciulla italiana (nicoletta Braschi)
che trattiene roberto, e aiuta gli altri due a
sconfinare.
un po’ fiaba surreale, un po’ commedia dark,
Daunbailò è un inno alla libertà, non solo
per il tema della fratellanza che nasce
dal curioso sodalizio, ma per via di una
scelta di regia che lascia agli interpreti
uno spazio larghissimo per l’improvvisazione,
che talvolta produce stralunati silenzi, ma più
spesso - grazie a un Benigni in stato di grazia
- regala momenti buffoneschi e ironici in cui
anche il nonsenso acquista la dignità di un simpatico
gioco che vale la pena
ten- tare. come nella
me- morabile
scena tra le
sbarre in cui roberto
dirige tutto il braccio
della prigione al grido di “I scream,
you scream, we all scream for ice
cream” o quando descrive ai compagni di
cella la dinamica del suo delitto involontario.
• 15 •
ma anche John lurie, autore della musiche, e
tom Waits, roco interprete dello struggente
blues d’apertura (Jockey full of bourbon), appaiono
ispirati e felicemente trascinati nella divertita
atmosfera innescata da Jarmush e accesa
dal folletto di castiglion Fiorentino...
la luce è un altro dei protagonisti decisivi di
questo film, girato in un bianco e nero magico,
che evoca i mitici polizieschi di serie B degli
anni ’40 e ’50 o i romanzetti a puntate usciti
sui giornali della sera. appena “colorato” da una
musica sospesa tra il jazz e il blues, Daunbailò
si culla in un’aria malinconica in cui gli uomini,
naufraghi destinati a un’esistenza di solitudine,
vagheggiano “un’età dell’oro” in una remota
terra promessa, o sognano misteriose donne di
confine in cui perdersi. del resto, come dichiara
roberto a zack: “Non è questo un mondo triste
e bello?”

schede film
cilindro
senzanome
protagonisti i sei cuccioli tanto amati dai
bambini di tutto il mondo, nati dalla
creatività di francesco Manfio e Sergio
Manfio, che firma anche la regia, e dalla matita
del grande disegnatore Giorgio Cavazzano. i
cuccioli questa volta saranno impegnati in una
difficile missione ambientalista: salvare venezia
dalle macchinazioni dell’implacabile maga
cornacchia che vuole prosciugare la laguna per
trasformarla in una città come tutte le altre,
con le strade al posto dei canali e motorini e
macchine a soppiantare gondole e barche. il
codice di marco polo è l’ambita chiave per risolvere
il mistero centrale del film, che procede tra
avvincenti indagini, inseguimenti mozzafiato,
viaggi intorno al mondo e colpi di scena per un
emozionante racconto animato in cui non mancano
divertenti citazioni cinematografiche dai
Blues Brothers a 007, da Harry Potter a L’Era
Glaciale. una storia appassionante che affronta
il tema della tutela dell’ambiente e dell’acqua
coniugando la coscienza ecologista con i valori
dell’amicizia e della solidarietà, lo spirito
ambientalista con l’avventura. un film che con
le sue gag strizza l’occhio alla commedia senza
perdere di vista l’attualità. per affrontare que-
pio
olly
sta impegnativa sfida i cuccioli, richiamati a
venezia dal cane portatile e dal pulcino senzanome,
interrompono le loro attività: diva,
la papera sfrontata, sta calcando le passerelle
delle sfilate di parigi per inseguire il sogno di
diventare una top model; il coniglio cilindro ha
trovato lavoro come bodyguard di una star di
Hollywood; il ranocchio pio, aspirante attore,
sta facendo un provino per il reality “il grande
nasello” e la gattina olly mette la sua abilità a
disposizione della polizia di chicago.
Cuccioli – Il Codice di Marco Polo è stato
interamente realizzato presso la factory di animazione
Gruppo Alcuni a treviso, una delle
realtà produttive più vitali e innovative nel
mondo dell’animazione che, con uno studio di
produzione di cartoni animati, un team che si
occupa di trasmissioni televisive, un’attività
editoriale e musicale, si colloca tra le maggiori
strutture multimediali europee di produzione
per l’infanzia. il film – una produzione Gruppo
Alcuni con gli spagnoli del Gruppo Edebé – è
stato realizzato in 3d, venduto in 21 paesi e
uscirà nelle sale italiane il 22 gennaio 2010
distribuito da 01 Distribution. ne abbiamo
nicoletta gemmi
Cuccioli – Il Codice di Marco Polo
presentato recentemente alla conferenza generale dell’unesco a parigi, come esempio di progetto finalizzato a promuovere la coscienza
ambientale fra i giovani, Cuccioli – Il Codice di Marco Polo è il primo lungometraggio d’animazione completamente italiano incentrato
sulla salvaguardia del mondo in cui viviamo. ce lo presentano i suoi autori: i fratelli Francesco e sergio manfio.
• 16 •
diva
portatile
parlato con il regista Sergio Manfio e con il
fratello francesco Manfio che ha partecipato
alla sceneggiatura e si è occupato della produzione
della pellicola.
Come nasce questo film e che attinenza
ha con la serie Cuccioli che va in onda su
rai2?
Sergio Manfio: la sceneggiatura ha avuto una
stesura che è durata circa un anno. ovviamente
il film ha un’attinenza con la serie televisiva,
perché i personaggi sono gli stessi e avendo
ottenuto un notevole successo sul piccolo
schermo abbiamo pensato di rilanciare questi
protagonisti anche in un lungometraggio con
un diverso respiro narrativo. la sceneggiatura
si è concentrata sull’idea di far vivere i cuccioli
all’interno di una lunga avventura che ha il suo
svolgimento e la sua conclusione a venezia,
passando attraverso l’Himalaya e un’oasi nel deserto,
luogo nel quale i cuccioli troveranno una
pietra – e questo è un riferimento che abbiamo
preso da Il Milione di marco polo, dove lui
racconta di una pietra ricevuta dal gran khan.
Questo oggetto, inserito all’interno di un pavimento
della più antica biblioteca di venezia,

permetterà ai cuccioli di trovare, appunto, il
codice di marco polo, la chiave per risolvere i
problemi a cui sta andando incontro venezia a
causa di maga cornacchia.
E’ un film per bambini, ma per quale età è
stato pensato e su quali aspetti avete maggiormente
lavorato?
Sergio Manfio: il target della serie è un target
che, originariamente, si colloca intorno all’età
dei bambini delle scuole elementari. il film per
certi versi cerca di spostare l’età verso gli otto/
dieci anni, anche se rimane perfettamente leggibile
per un bambino di cinque anni. Quindi
diciamo che la fascia di età oscilla dai 5 ai
10 anni, loro sono il nostro riferimento. siccome
poi i cuccioli, nonostante il nome, non
vivono avventure così elementari, crediamo di
avere sviluppato un racconto che possa essere
tranquillamente recepito sia da un bambino
piccolo che da uno più grandicello. cuccioli
non è soltanto un film per bambini nel senso
etimologico, dato che è evidente che è fatto
per loro, ma la cosa importante è che abbiamo
cercato di scrivere tenendo ben presente la nostra
esperienza che è quella di autori teatrali
per bambini. noi infatti abbiamo iniziato la
nostra attività facendo spettacoli di teatro per
i più piccoli, oramai abbiamo una esperienza
trentennale in questo campo, abbiamo scritto
oltre 100 spettacoli e li abbiamo rappresentati
in tutti i teatri d’italia. pertanto sappiamo
per esperienza che nelle storie indirizzate ai
più piccoli occorre stare molto attenti allo
sviluppo narrativo perché il bambino si concentra
sulla storia e accetta con qualche difficoltà
tutte le divagazioni e le digressioni,
che sono tipiche della comicità di alcuni film
di animazione. in particolare ci riferiamo ai
prodotti americani nei quali si perde un po’ di
vista, in alcuni momenti, il senso della storia
- o addirittura la storia rimane molto marginale
rispetto a quello che vediamo – e si
cerca di strizzare l’occhio al pubblico adulto,
inserendo delle battute che un bambino - per
esperienza – sappiamo non gradisce. non le
apprezza perché non le capisce, oppure, cosa
più importante, lo allontanano dal senso di
quello che gli si sta narrando. ci siamo resi
conto, provando anche a raccontare il film
ai bambini, che erano molto più interessati
a sapere quello che accadeva, evento dopo
evento, che non a valutare se un personaggio
fosse impiegato per una gag. in questo caso
ottieni una risata ma allontani il tuo spettatore
dallo storyline del racconto.
Quale messaggio vi interessava maggiormente
mettere in evidenza per il
pubblico che vedrà Cuccioli? Ambiente,
ecologia, amore per gli animali…
Sergio Manfio: il film recupera i valori
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Scuole elementari - medie
Francesco manfio e sergio manfio
diva

proposti dalla serie televisiva, a cominciare
dalla cooperazione tra i protagonisti che propongono
una tipologia di caratteri facilmente
abbinabili a quelli dei bambini. olly è la
gattina coraggiosa che identifica il coraggio
che è presente in ogni bambino; portatile,
che è il cane, è un animale molto riflessivo al
quale piace molto leggere e che interpreta la
voglia di scoperta; diva che è la papera vanitosa,
rappresenta l’aspetto narcisistico delle
bambine, molto attente alle mode, anche se
questo aspetto viene visto con ironia, mentre
con il coniglio cilindro, abbiamo rappresentato
quei tentativi dei bambini di mettersi in
mostra, facendo anche delle figure barbine,
e infine con senzanome che è il pulcino che
non parla, volevamo evidenziare l’intelligenza
dei più piccoli che si manifesta anche senza
dover comunicare.
francesco Manfio: aggiungerei a questo proposito
che senzanome non parla ma alza solo
dei cartelli fornendo delle soluzioni geniali
e creative.
Sergio Manfio: Quindi diciamo che sono tutte
tipologie di animali nei quali i bambini riconoscono
facilmente alcuni lati del loro carattere,
sia in positivo che in negativo. nella
serie i cuccioli hanno una antagonista che è
maga cornacchia. lei è la protagonista negativa
del film, ed è importante sottolineare
che gli scontri che avvengono fra di loro non
sono basati sulla sopraffazione, sullo scontro
fisico, ma sulla capacità creativa, sull’abilità
e sull’astuzia che i cuccioli mettono in atto
per cercare di vincere questa sfida con il male.
lo storyline del film – cioè il tentativo
di maga cornacchia di prosciugare venezia e
trasformarla in una città uguale se non peg-
giore delle altre – può offrire due chiavi di
lettura. la prima è il tentativo malvagio di
trasformare il non convenzionale in qualcosa
di convenzionale, ovvero la non accettazione
della diversità in senso astratto. il secondo
aspetto è la sottolineatura dell’importanza
dell’acqua, un bene di tutti che è fondamentale
che rimanga tale. infatti nel film maga
cornacchia vuole prosciugare venezia e arriva
ad affermare: “Una volta che prosciugherò Venezia
l’unica acqua che si troverà sarà quella
minerale”.
Un argomento anche molto attuale dato
che è appena uscita la proposta di privatizzare
l’acqua…
ecco noi non lo sapevamo quando abbiamo
cominciato a scrivere la sceneggiatura ma
questo rende ancora più forte l’importanza
che ha invece questo elemento vitale nell’esistenza
di ognuno di noi.
francesco Manfio: l’interesse per l’acqua per
noi è sempre stato presente, dato che abbiamo
anche un altro progetto televisivo che
si chiama H2ooooh! che nasce dalla voglia
di sensibilizzare i bambini sul tema di una
risorsa così importante per la vita.
Sergio Manfio: più sinteticamente il messaggio
è un concetto di cooperazione e amicizia
tra un gruppo di animali che, come abbiamo
spiegato prima rappresentano le varie
tipologie degli esseri umani, e il fatto di
vivere assieme consente loro di risolvere un
problema e trovare la soluzione osservando
ciò che è accaduto e unendo le loro forze.
Questa è la via giusta da parte dei cuccioli
per affrontare il mistero che li vede coinvolti,
che devono interpretare, e per il quale
devono trovare una soluzione. e venezia, in
• 18 •
senzanome
quanto città diversa che non viene accettata
dal cattivo di turno, diventa metafora
della non accettazione del diverso in senso
più astratto, del rifiuto a priori di quello che
non conosciamo proprio perché non ci riconosciamo.
ecco, questo aspetto del film sarà
chiaramente molto interessante anche per i
genitori che accompagneranno i bambini a
vedere il film, perché sia adulti che bambini
possono riflettere su questo problema, mai
così attuale come di questi tempi, di tutto
ciò che è “altro” da noi,
Ho letto che siete particolarmente orgogliosi
della colonna sonora, realizzata in
collaborazione tra l’altro con l’orchestra
Haydn di Bolzano e Trento, ci spiega meglio
il perché e come ci avete lavorato?
francesco Manfio: noi abbiamo cercato di
fare un film che, per quanto con budget europei,
non lesinasse però i costi su nulla.
abbiamo lavorato al massimo delle nostre
possibilità tenendo sempre presente per prima
cosa la qualità. anche il discorso della
colonna sonora rientra in questa ottica.
Quindi abbiamo voluto per il nostro film solo
musiche originali, tutte le canzoni sono state
scritte appositamente per la pellicola e abbiamo
fortemente voluto questa grandissima
orchestra formata da strumentisti di eccelsa
qualità che hanno lavorato al nostro fianco
per parecchio tempo. il risultato è straordinario,
e molto attento ai particolari. un’altra
prestigiosa collaborazione è con gli ska-j, un
gruppo che nasce da una costola dei pitura
Freska. Quando i cuccioli incontrano un vecchio
gondoliere che gli racconta del codice
di marco polo la canzone è cantata da loro,

che essendo veneziani doc e avendo sempre
cantato in dialetto, si rivelano perfetti per
quella determinata scena.
Gruppo Alcuni e la factory a Treviso. Ci
raccontate chi siete e da dove venite?
francesco Manfio: il gruppo nasce nel 1973
occupandosi principalmente di teatro: spettacoli
teatrali per ragazzi ma non solo per
loro. in seguito abbiamo iniziato ad occuparci
di multimedialità, termine che negli
anni settanta non era stato ancora coniato,
ma per noi significava allargare i nostri orizzonti
all’editoria, ai fumetti, alla televisione
e per ultimo al cinema. c’è stato anche un
momento nel quale i personaggi dei nostri
spettacoli teatrali erano protagonisti anche
di un fumetto sul Corriere dei Piccoli e poi
su Topolino. abbiamo cominciato a produrre
un programma televisivo – e lo facciamo
ancora – che si chiama Ciak Junior e che
va in onda su canale 5 tutte le domeniche,
con storie scritte dai ragazzi e realizzate da
varie equipe nel mondo, tanto che attualmente
si realizza anche in cina, in india e in
sudafrica. una quindicina di anni fa abbiamo
cominciato ad occuparci di cartoni animati
fino ad arrivare ad oggi, che siamo presenti
in 52 paesi del mondo, con programmi come
Cuccioli che va su rai2, poi Leonardo ed
Eppur si muove. e devo dire che in quasi
tutti i paesi in cui va in onda Cuccioli è la
serie che ha più successo e non parlo solo di
ascolti ma proprio di gradimento da parte
degli spettatori, tanto che questo ci ha
spinto a realizzare il lungometraggio Cuccioli
– Il Codice di Marco Polo che uscirà
il 22 gennaio 2010. stiamo preparando
una nuova serie che si chiama Slash per
i ragazzini un po’ più grandicelli, stiamo
lavorando alla seconda serie di Leonardo,
alla quarta serie di Eppur si muove.
Sergio Manfio: volevo solo aggiungere che
abbiamo portato avanti la multimedialità
perché reputiamo che ci sia una correlazione
evidente tra comunicazione ed educazione.
i messaggi che comunichiamo sono
messaggi che formano e noi ne siamo consapevoli
in ogni momento. occorre molta
attenzione, perché la responsabilità formativa,
educativa è anche di chi si occupa di
comunicazione.
Quali autori dell’animazione le piacciono?
Sergio Manfio: non mi piacciono quei cartoni
animati studiati per allargare l’audience.
creare un contenitore che vada bene
per nonni, bambini, mamme e papà, a mio
avviso, sposta l’attenzione dal pubblico per
eccellenza dei cartoni che sono i piccoli.
anche se Cuccioli – Il Codice di Marco
Polo è realizzato in 3d non amo particolarmente
quelli in stereoscopia perché mi
pare che indossare gli occhiali formi una
barriera tra le emozioni che lo schermo
in quel momento mi sta cercando di dare.
portatile
• 19 •
Scuole elementari - medie
detto questo uno che mi piace moltissimo
– e come si fa a non amarlo dato che è un
maestro - è Hayao Miyazaki. lui mette poesia
in tutte le cose che fa ed è quello che
tentiamo, ogni volta, di fare anche noi.
“I Cuccioli” su MSC crociere.
dal 19 dicembre 2009 al 31 gennaio 2010, il gioiello
della flotta msc, “splendida”, in rotta tra i
principali porti del mediterraneo, navigherà tra
la simpatia e l’entusiasmo de I cuccioli, l’evento
cinematografico 01 distribution più atteso dai
bambini. saranno quattro le crociere msc coinvolte
in questo speciale evento che offriranno
ai propri ospiti attività creative, feste e giochi
a tema. saranno tutte personalizzate con materiali
originali del film e coinvolgeranno adulti
e bambini in esclusive proiezioni pomeridiane
(con speciali filmati del backstage), animazioni
organizzate da professionisti, speciali allestimenti
all’interno della nave, come ad esempio alberi di
natale, foto ricordo, concorsi fotografici a tema,
merende tematizzate e mille altre attività che
si svolgeranno nelle aree comuni della nave e
nell’area miniclub dedicata ai bambini. un modo
ancora più unico di vivere la vacanza con msc.
l’attività “i cuccioli in crociera con msc” sarà un
grande evento promozionale per l’attesissimo film
di 01 distribution, basato sulle storie dei 6 scatenati
cuccioli protagonisti dei una delle serie tv
di maggior successo dei cartoon.

Colora
i personaggi di
Cuccioli – Il Codice di Marco Polo
•20•

SCHEDE FILM SCUOLE SUPERIORI
La Prima Linea
la domanda che sorge spontanea è la seguente: “possono due
volti così noti, due icone del nostro tempo come riccardo scamarcio
e giovanna mezzogiorno, interpretare i terroristi sergio
segio e susanna ronconi senza rischiare che il messaggio del film
giunga agli studenti delle scuole superiori - cui riteniamo vada indirizzato,
previa adeguata preparazione da parte dei docenti - in
qualche misura condizionato, addolcito?”
la risposta è sì. La Prima Linea, liberamente ispirato al “memoriale”
Miccia Corta di sergio segio, diretto da renato de maria (Paz,
Amatemi…) si propone, anzi, come il punto di partenza di una
cinematografia che finalmente può tornare a interrogarsi sugli “anni
di piombo” liberandosi delle polemiche sull’opportunità di presentare
al pubblico giovanile il volto violento di una limitata parte politica,
“fuorviata” da una sorta di delirio di onnipotenza, autoinvestitasi
avanguardia di un proletariato tutt’altro che intenzionato alla logica
dello scontro armato, e che iniziava proprio alla fine degli anni
settanta ad abbandonare le sirene dell’ideologia rivoluzionaria per
aderire alla normalità del benessere a portata di mano.
l’ordito principale, intercalato da svariati flashback, che hanno il
compito di illustrare la biografia del protagonista nelle sue tappe salienti,
descrive la lunga preparazione dell’assalto al carcere di rovigo
avvenuto il 3 gennaio 1982 per favorire l’evasione della ronconi, e
che provocò la morte di un pensionato, “colpevole” di transitare nei
paraggi con il proprio cane nell’istante sbagliato.
la messinscena, caratterizzata da una recitazione tutto sommato
sobria, a parte “lo schieramento da battaglia” di certe inquadrature,
che ricorda un po’ Quarto Stato di pelizza da volpedo e un po’
I magnifici sette, genera la giusta tensione per un film che non
pretende di praticare troppo a lungo le strade del thriller. La Prima
Linea analizza, senza alcuna giustificazione, l’humus in cui il movimento
antagonista si è nutrito, trasformandosi in un gruppo di fuoco
che ha lasciato sull’asfalto delle strade e il cemento dei marciapiedi
una lunga scia di sangue: dall’agente di custodia giuseppe lo russo
all’ingegner paolo paletti, considerato tra i responsabili del disastro
ambientale di seveso del 10 luglio 1976, da emilio alessandrini, sostituto
procuratore della repubblica ad alfredo paolella, consulente
del ministero di grazia e giustizia…
• 21 •
i ragazzi pretenderanno molte più risposte di quelle che il film può
fornire, vista la contingenza degli avvenimenti, e le immancabili polemiche
su un’opera che riteniamo vada considerata come un primo
utile tassello per ricomporre il complicato mosaico del terrorismo
italiano degli anni ’70 e ‘80. per ora posson bastare le parole dello
stesso segio: “Ci siamo allora induriti, senza riuscire a mantenere la
capacità di tenerezza. In un’anestesia morale progressiva, che ha avuto
ragione delle nostre ragioni. La logica delle armi ci ha preso non solo
la mano ma anche il cuore e la testa”.
La Prima Linea
regia: renato de maria
cast: riccardo scamarcio, giovanna mezzogiorno, Fabrizio rongione
96', distribuzione: lucky red

Il viaggio di Jeanne
Il viaggio di Jeanne (Les grandes persones)
regia: anna novion
cast: Jean-pierre darroussin, anais demoustier, Judith Henry, lia
Boysen, Jakob eklund
84', Bolero Film
andrebbe presentato in tutte le scuole Welcome, raro gioiello di
cinema che possiede il dono del tempismo e della semplicità. il
tema dell’emigrazione clandestina è trattato con una tale lucidità
da consigliarlo caldamente anche ai nostri legislatori. vincitore morale
del Festival di Berlino, in Francia ha già ottenuto il successo che merita
(incasso da più di 10 milioni di euro), ma ha scatenato pure molte
polemiche. durante la visione ne comprendiamo i motivi. innanzitutto
scopriamo con stupore che le leggi francesi superano di gran lunga
le nostre in quanto a severità, ma soprattutto vengono applicate con
estremo rigore. in pratica non vengono penalizzati solo gli immigrati,
ma possono incorrere in gravi sanzioni anche coloro che ospitano, aiutano
o sostengono, a vario titolo, “i disperati” che entrano in Francia
illegalmente. perfino le organizzazioni di volontariato rischiano serie
conseguenze penali.
Welcome narra l’incontro di due solitudini, che si trasforma, a poco a
poco, in un intenso rapporto di amicizia. Bilal (Firat ayverdi), un diciassettenne
curdo fuggito dall’iraq, e avventurosamente giunto a calais,
chiede a simon (vincent lindon), un istruttore di nuoto francese, di
insegnargli lo stile libero. perché è stato “beccato” su un tir mentre
tentava l’espatrio in inghilterra. perché intende ritrovare la bella mina,
la fidanzata che vive a londra con la famiglia. e perché vuole raggiungere
a nuoto le coste britanniche, attraversando la manica. un’impresa mai
riuscita a un immigrato. simon, immalinconito dalla recente separazione,
e dalla tendenza a subire gli eventi, è colpito dalla forza d’animo di quel
giovane, e cerca, quantomeno, di prepararlo al folle tentativo…
se il sottotesto evoca un’intensa storia di redenzione, la trama principale
ci riporta ai migliori esempi di cine-verità con le scene iniziali sui camion
ricche di suspense, con l’eroismo inconsapevole e silenzioso di un uomo
qualunque, e con quello disperato e struggente di un giovane innamorato
(entrambe da applauso le performance) e fornisce la cifra di un’opera
di grande forza politica e sociale costruita sulla sobrietà e sui numerosi
•22•
un’opera prima al femminile, semplice e delicata, in cui succede
ben poco di eclatante, ma quel poco è così ricco di umanità e di
sentimenti da farci uscire dalla sala buia soddisfatti e rinfrancati. Il
viaggio di Jeanne è una storia di formazione che, evidentemente, dato il
titolo originale, non riguarda solo Jeanne (la giovane e talentuosa anais
demoustier), un’adolescente alle prese con le prime pulsioni verso l’altro
sesso. albert, il padre (il bravissimo Jean-pierre darroussin) è un uomo
di mezz’età, separato, metodico, e un po’ bambinone, che trascorre le
vacanze estive con la figlia, sulla quale riversa tutte le sue attenzioni.
ogni anno i due si spostano in luoghi differenti del vecchio continente:
questa è la volta di una piccola isola svedese, styrsö, che oltre alla tranquillità,
conserverebbe preziosi reperti vichinghi. laggiù hanno affittato
una casa per due settimane, ma per un disguido della proprietaria, annika,
dovranno dividere l’alloggio con lei e la sua amica francese christine per
l’intero periodo.
la storia si dipana all’insegna della leggerezza e dei toni pastello, con
qualche punta di divertente comicità. l’uomo vaga per il villaggio con un
ridicolo metal detector alla ricerca di un antico e mitico tesoro, e durante
una perlustrazione in canoa su un isolotto vicino, perde l’imbarcazione e
rimane per l’intera notte all’addiaccio, lasciando in ambasce la figlia e le
ospiti della casa. Jeanne gira in lungo e in largo con una bicicletta, entrando
in una comitiva di giovani locali tra i quali inizia a frequentare un
biondino di cui s’invaghisce. annika ritrova un vecchio amore di gioventù,
e scopre che se ne era distaccata troppo rapidamente. christine, tra una
telefonata e l’altra, cerca di rilassarsi, senza riuscirvi appieno, illusa che
il pittore con cui ha in piedi una storia sia più importante di quello che
realmente crede e spera.
con il procedere dei giorni la convivenza forzata costituirà un’opportunità
per tutti e quattro i personaggi, i quali, si saluteranno fiduciosi, come
coloro che credono di stare per afferrare i propri sogni, mai prima di
allora, così vicini…
Welcome
virtuosismi visivi. intanto, come denunciano le associazioni contro il
razzismo, si sta materializzando il progetto di costruzione di un centro
di detenzione in territorio francese, ma sotto la giurisdizione britannica,
possibile in base allo statuto di “zona di controllo” del porto di calais:
una nuova guantanamo in europa?
Welcome
regia: philippe lioret
cast: vincent lindon, Firat ayverdi, audrey dana, derya ayverdi, olivier
rabourdin
110', teodora Film

Dorian Gray
indicato ai maggiori di 14 anni per alcune scene di sesso, e
altre sequenze raccapriccianti, che garantiscono alla pellicola
un richiamo per il pubblico giovanile, Dorian Gray soccorre gli
studenti che si apprestano all’esame di stato, e che solitamente si
sobbarcano la lettura di questo classico di oscar Wilde, già saccheggiato
una decina di volte dal cinema. a patto che distinguano alcune
libertà di sceneggiatura, presenti specialmente nella seconda parte
del film.
alla fine del XiX secolo il giovane dorian gray (Ben Barnes, ovvero
Il Principe Caspian dei racconti di Narnia) giunge a londra, dove
il cinico sir Henry Wotton (colin Firth) lo avvia alla trasgressione
commedia e dramma s’intersecano in questo commovente omaggio
al football e alla solidarietà in quel di manchester, capitale
industriale e calcistica del regno unito. eric Bishop (steve
evets) un postino che ha lasciato l’amata lily appena dopo che lei
ha messo al mondo la prima figlia, vive con i due figliastri lasciatigli
dalla seconda moglie in un appartamento abbandonato al caos. la
casa è un porto di mare dove i ragazzi ospitano chicchessia fumando,
bevendo e tirando al mattino davanti a youtube, videogame,
trasmissioni sportive o pornografiche. inoltre, il rapporto tra eric
e i due giovani è minato dal fatto che costoro fanno parte di una
gang di delinquenti capitanata dal “profeta”, un piccolo boss di
quartiere, arrogante e violento.
la predilezione per il manchester united e l’apporto generoso dei
compagni di lavoro non evitano al povero eric la disperazione. nel
chiuso della sua stanza maledice la propria paura di incontrare lily
per chiarirsi, sprofondando ancor più nella depressione. ma, come
per incanto, si materializza la figura del suo idolo sportivo: eric
cantona (che recita se stesso), il carismatico numero 7 del team di
Ferguson degli anni scorsi, rimasto nel cuore di tutti i tifosi dell’old
trafford, lo stadio dello united, e specialmente di Bishop. il campione
aiuterà il suo sostenitore a sconfiggere le proprie insicurezze
fornendogli la chiave per la risoluzione di tutti i suoi problemi…
sullo sfondo congeniale dell’emarginazione e della crisi economica e
sociale delle periferie urbane, ken loach elabora una storia corale di
passioni: nei riguardi della donna amata, verso la squadra del cuore,
riguardo “l’angelo custode” cantona, e nei confronti dei colleghi,
degli amici del pub e dei tifosi dei red devils. insomma, ne Il mio
amico Eric l’elemento realistico e quello surreale coesistono in perfetto
equilibrio senza che questo pregiudichi la qualità offerta dallo
spettacolo, divertente e intelligente, che consigliamo caldamente
agli insegnanti ai fini del dialogo educativo.
delle regole della società: chi è bello, ricco e aristocratico
ha diritto a tutto ciò che desidera. così ha inizio l’escalation
all’onnipotenza dell’affascinante eroe, a cui non è estranea
la sua faustiana adesione al demonio pronunciata davanti al
ritratto confezionatogli dal pittore Basil Hallward (Ben chaplin),
che finirà assassinato brutalmente proprio da dorian.
Quest’ultimo, ormai, dedica il suo tempo completamente al
piacere, ai salotti, alla seduzione e alle pratiche sessuali, in
tutte le varianti possibili a una fantasia luciferina. la bellezza
e la giovinezza non dureranno in eterno: il quadro che
lo ritrae sta lì a ricordarglielo. inoltre, il rimorso per i propri
tragici errori lo angoscia al punto da obbligarlo ad allontanarsi
da londra per un buon ventennio. tornerà più giovane
e bello di prima, nello stupore e nell’inquietudine di tutti. ma
sarà il suo ritratto a portare in vece sua il fardello degli anni
e i segni della depravazione…
nel finale compare la giovane figlia di sir Henry, emily Wotton
(rebecca Hall), personaggio del tutto assente nel romanzo,
così come manca - nel libro - l’accentuazione dell’elemento
horror dell’epilogo, che finisce per spettacolarizzare oltremodo
una messinscena che mantiene l’atmosfera elegante e
raffinata dell’epoca vittoriana, e gli echi del decadentismo e del
superomismo, che tuttavia i discenti faranno bene ad approfondire
in sede scolastica.
Dorian Gray
regia: oliver parker
cast: Ben Barnes, colin Firth, Ben chaplin, rebecca Hall, Fiona
shaw
112', eagle pictures
Il mio amico Eric
Il mio amico Eric (Looking for Eric)
regia: ken loach
cast: steve evets, eric cantona, stephanie Bishop, gerard kearns,
stefan gumbs
119', Bim
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