Download this publication as PDF - Gulbenkian Música

Música com
e sem palavras
Música, a nossa música, vem do canto.
Tal como nos lembra o maestro granadino
Pablo Heras-Casado quando diz que “tudo
é canto na música”. Com os seus instrumentos,
uma orquestra pode acompanhar um cantor
para fazer voar a longa linha melódica
de um Wagner sobre uma paisagem.
A estrela sueca Irene Theorin, que já cantou
melodias apaixonadas com a Orquestra
Gulbenkian no Festival das Artes,
em Coimbra, diz na nossa entrevista
que na música wagneriana tudo é possível.
É possível até cantar sem palavras, e mesmo
sem cantores, como o prova a versão
de O Anel do Nibelungo de Lorin Maazel.
O maestro concentra as 17 horas da Tetralogia
em intensas cenas instrumentais que durante
75 minutos nos dão conta do desejo, da traição
e do amor que partilhamos com os heróis
do compositor de Bayreuth.
Assim, a música não necessita de palavras
para cantar. Mas as palavras podem conduzir-nos
a nós, ouvintes, a viagens imaginárias.
Exemplos para as semanas que se seguem?
Música que estimula a nossa alma e a nossa
mente? Aqui vão as nossas sugestões.
Angelique Ionatos, artista grega enriquecida
pela diversidade cultural mediterrânica,
canta o eros e a morte, sabendo que um não
pode existir sem a outra. Uma outra paixão,
também ela humana, é a de Cristo, segundo
São João, tal como foi imortalizada pelo Kantor
da Igreja de São Tomé, em Leipzig. Quem melhor
pode evocar os grandes sentimentos inerentes
na música de J. S. Bach do que o nosso estimado
Michel Corboz, maestro do nosso coro
há mais de 40 anos, homem que respira
a música de Bach como qualquer um de nós
respira o ar. Estamos no que é a essência
da música e da vida.
Grandes paixões, sem palavras desta vez,
mas não menos apaixonantes, são as da Sonata
Kreutzer. Inspirado pela novela de Tolstoi,
Beethoven criou uma obra que conta
uma história. Mas porque não tem palavras,
a história pode ser diferente para cada pessoa.
Para mim, a interpretação da violinista
Viktoria Mullova e do forte-pianista Kristian
Bezuidenhuit é insuperável.
Num registo diferente, ligando os grandes
movimentos da história recente,
encontra-se a 7ª Sinfonia de Chostakovitch.
Sem uma única palavra, a peça reflete
os sofrimentos do povo russo durante o cerco
a Leninegrado. Depois de ouvir esta música,
interpretada pela fantástica orquestra
de jovens profissionais, a Gustav Mahler
Jugendorchester, com direção do maestro
Ingo Metzmacher, nós ficamos com
essa garantia. Foi uma história verdadeira.
risto nieminen
diretor / serviço de música
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Orquestra Gulbenkian
Coragem
para dizer não
Fanny Ardant vem a Lisboa participar na oratória «Jeanne d’Arc au Bûcher»,
que Honegger e Claudel escreveram em 1935. A Gulbenkian Música falou
com a estrela numa pausa da rodagem do seu próximo filme.
«Adoro música. É um mundo diferente.
Sinto-me como um astronauta no meio
da orquestra», diz a voz ao telefone, desde Paris.
É de noite e há música no fundo. Fanny Ardant
pede licença e corre para baixar o volume.
No regresso, continua: «Sou uma atriz,
mas por um momento pertenço ao mundo
dos músicos.» Estas declarações têm uma
razão de ser. É que a grande atriz francesa,
a musa de Truffaut, virá a Lisboa integrar
o elenco da oratória Jeanne d’Arc au Bûcher,
que Arthur Honegger, o compositor,
e Paul Claudel, o poeta, escreveram em 1935.
Mas quem é Joana d’Arc segundo Honegger
e Claudel? «É um espírito livre, alguém
que não diz ‘sim’ ao poder. É uma rebelde,
que vai morrer. Eu gosto da sua veia lírica.
Mesmo quando perde tudo, quando já não
há esperança, não se perde a si própria.
Mantém o seu espírito», responde Fanny
Ardant. Para ela, que há anos interpreta
esta personagem, a sua rebeldia não possui
um pendor moral: «No nosso mundo, falamos
sempre em termos da maioria, das massas.
E Joana d’Arc representa o ser humano sozinho
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perante o seu dever e a sua consciência.
Ela diz não, o que é muito corajoso. No nosso
tempo, um tempo de medo, é preciso muita
coragem para dizer não. Joana d’Arc, para mim,
é uma personagem épica. O seu equivalente
em Inglaterra é Thomas Moore. Ele também
diz que não e é, por isso, abandonado.»
Fanny Ardant é uma mulher comprometida
politicamente. E este é um dos motivos pelos
quais Joana d’Arc lhe assenta como uma luva.
«O compromisso político não tem bilhete
de volta», dirá, salientando que acredita
mais na ação de pequenos grupos do que nas
palavras subscritas por milhares de pessoas.
«As palavras nunca são suficientes, mesmo
que congreguem uma multidão de gente.
É muito fácil assinar um papel. O difícil é agir,
é sair do nosso egoísmo e da nossa vida e fazer
qualquer coisa por outro.»
A voz ao telefone, de início serena, revestiu-se
de veemência e entusiasmo. Fanny Ardant
remata: «Estou sempre do lado dos fracos.
Os fracos são os heróis. Quando alguém
está só à frente de todos, eu pertenço a ele.»
Honegger e Claudel agradecem.

fanny ardant © carole bellaïche
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quarta 14 Março 2012 18:00h — Auditório Três
quinta 15 Março 2012
21:00h — Grande Auditório
sexta 16 Março 2012
19:00h — Grande Auditório
Joana d’Arc – uma heroína musical?
Conferência por Paulo Ferreira de Castro
19:00h — Auditório Três
La passion de Jeanne d’Arc
realização – Carl Dreyer • 1928
drama • legendas em inglês • 1h50
Coro Gulbenkian
Orquestra Gulbenkian
Simone Young maestrina
Fanny Ardant atriz
Joana d’Arc na fogueira
Honegger — Jeanne d’Arc au bûcher
Oratória em francês
legendas em português
€37,50 / €32,00 / €24,00 / €16,00
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Orquestra Gulbenkian
Eu creio em Bach,
Beethoven e Brahms
Entre Bach, Beethoven e Brahms há uma relação de paternidade musical,
de transmissão de legados, de linhagem artística.
Apresentamos em três concertos, três obras emblemáticas da história da música.
Na música – como em tudo – existe a noção
de herança, de paternidade. Dos modelos
que se transmitem, do legado, da linhagem.
E, na grande família dos músicos, há pelo
menos três aos quais esta noção se aplica de
forma incontestável: Bach, Beethoven e Brahms.
A expressão «os três B», cunhada em 1854
por Peter Cornelius, substituía o último por
Berlioz. Porém, em 1880, Hans von Bülow
alterou-a, excluindo Berlioz e introduzindo
Brahms. À laia de justificação, escreveu:
«Eu creio em Bach, o Pai, em Beethoven,
o Filho, e em Brahms, o Espírito Santo
da música.» Se a metáfora recorre à religião,
ela assenta em dados bem terrenos.
Estes alemães marcaram a História da Música
de tal forma que nunca mais foi possível
falar de música sem, direta ou indiretamente,
os nomear.
Ao concluir a Sinfonia Nº 3, Beethoven
dedicou-a a Napoleão Bonaparte,
mas recuou quando, em maio de 1804,
este se autoproclamou imperador. Desiludido,
o compositor rasgou a folha de rosto
do manuscrito, dando à obra o título
de Sinfonia Heroica com que é hoje conhecida.
Anos mais tarde, ao ouvir que Bonaparte
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morrera na ilha de Santa Helena, Beethoven
recordou: «Eu escrevi a música para este
triste evento 17 anos atrás». Referia-se,
é claro, ao 2º andamento ou Marcha Fúnebre.
A sonoridade envolvente e o clima emocional
da obra assinalariam o início do período
romântico na música, mas isso não impediu
que, à época, as opiniões se dividissem.
Johannes Brahms sentiu na pele o peso
dessa tradição. Desde os primeiros esboços
até aos retoques finais, a sua 1ª Sinfonia
demorou 21 anos a ficar acabada. Esta longa
gestação deveu-se a dois fatores intimamente
relacionados: por um lado, o espírito
auto-crítico do compositor, que o levava
a destruir o material que estivesse abaixo
das suas elevadas exigências; e, pelo outro,
a expectativa de que Brahms se tornasse
no continuador da obra de Beethoven.
J.S. Bach, por sua parte, enquanto elo inaugural
da linhagem, estava sempre presente,
em surdina, nas realizações daqueles que
lhe sucederam. Obras como a Paixão segundo
São João, escrita para as festividades pascais
de 1724, permanecem exemplos do que
a inteligência e a alma humana podem gerar
quando tentadas à perfeição.

michel corboz © dr
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quinta 8 Março 2012
21:00h — Grande Auditório
sexta 9 Março 2012
19:00h — Grande Auditório
quinta 29 Março 2012
21:00h — Grande Auditório
sexta 30 Março 2012
19:00h — Grande Auditório
sábado 31 Março 2012
21:00h — Grande Auditório
quinta 19 Abril 2012
21:00h — Grande Auditório
sexta 20 Abril 2012
19:00h — Grande Auditório
Orquestra Gulbenkian
Pietari Inkinen maestro
Dmitri Makhtin violino
Sibelius — Finlândia / Concerto para Violino
e Orquestra
Beethoven — Sinfonia nº 3, Heroica
€21,50 / €18,50 / €16,00 / €10,50
Coro Gulbenkian
Orquestra Gulbenkian
Michel Corboz maestro
Concerto de Páscoa
J. S. Bach — Paixão segundo São João
Legendas em português
€32,00 / €26,50 / €21,50 / €13,50
Orquestra Gulbenkian
Lionel Bringuier maestro
Debussy — Prélude à l’après-midi d’un faune
P. Amaral — Transmutations pour Orchestre (Nr. 5.3) *
Brahms — Sinfonia nº 1
* Estreia Mundial – Encomenda da Cidade
de Matosinhos
€21,50 / €18,50 / €16,00 / €10,50

Orquestra Gulbenkian / Orquestra Sinfónica Portuguesa
Troca
de orquestras
Gulbenkian e Teatro São Carlos convidam as suas orquestras
a visitarem-se mutuamente, numa parceria repleta de cumplicidade.
No princípio era a orquestra. Para um sinfonista,
nada há de mais verdadeiro. Os maiores
talentos musicais debruçaram-se sobre aquele
organismo vivo e multifacetado, na tentativa
de conhecerem as suas zonas de sombra
e de luz, as suas sinuosidades. O resultado ficou
plasmado em páginas geniais que as orquestras,
agradecidas, não se cansam de reinterpretar.
Joly Braga Santos, o maior sinfonista português,
considerava-se acima de tudo – e parafraseando
Stravinsky - «um inventor de música».
E como tal compôs seis sinfonias, sendo
que as primeiras quatro foram escritas em
sete anos, entre 1944 e 1951. A 4ª, que culmina
com um Hino à Juventude, está impregnada de
sonoridades provenientes da tradição popular.
Um compositor é resultado do seu tempo
e do seu lugar. Por isso, a produção musical de
Sergei Rachmaninov decaiu significativamente
após se ter estabelecido em Nova Iorque,
em 1918. Residia ainda em Moscovo quando
se estreou como pianista naquela metrópole
norte-americana em 1909, com o seu
Concerto Nº 3, que treinou durante a viagem
num teclado sem som. Mal sabia que a obra
apenas se tornaria francamente conhecida
em 1930, graças a Vladimir Horowitz.
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O russo das mãos gigantescas (e de enorme
elasticidade) viveu, no início da carreira,
tempos conturbados. Rachmaninov pediu
a ajuda do psicólogo Nikolai Dahl ao longo
da crise depressiva desencadeada pelo fracasso
da sua Sinfonia Nº 1 (comparada pela crítica
ao retrato das dez pragas do Egito), em 1896,
e pela oposição da Igreja Ortodoxa a que
contraísse matrimónio com a sua prima,
Natália Satina – com quem casaria em 1902.
Outro russo, 33 anos mais novo que
Rachmaninov, que viria a deixar um legado
grandioso e a viver uma vida em parte
silenciada, tocava o piano numa sala
de cinema mudo para ajudar a sua mãe viúva
quando era apenas um talentoso estudante
de composição. Tal experiência despertou-lhe
o interesse pela relação entre a música
e a imagem e instou-o a compor para cinema.
Assinou a primeira banda sonora
aos 22 anos, em 1928. Mas o hábito
faz o monge: aos 49 anos, Chostakovitch
escreveu a música para The Gadfly,
filme baseado no romance homónimo
do escritor inglês Ethel Lilian Voynich.

artur pizarro © sven arnstein
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quinta 12 Abril 2012
21:00h — Teatro Nacional
de São Carlos
sexta 13 Abril 2012
21:00h — Grande Auditório
Orquestra Gulbenkian
Pedro Neves maestro
Sequeira Costa piano
A Gulbenkian visita
o Teatro Nacional de São Carlos
Rachmaninov — Concerto para Piano e Orquestra nº 3
J. B. Santos — Sinfonia nº 4
Concerto integrado na temporada do Teatro Nacional
de São Carlos – bilhetes à venda nesse local
Orquestra
Sinfónica Portuguesa
Martin André maestro
Artur Pizarro piano
O Teatro Nacional de São Carlos
visita a Gulbenkian
Chostakovitch — The Gadfly: Suite, op. 97a
(nos 1, 2, 3, 8, 10, 11)
Rachmaninov — Concerto para Piano e Orquestra nº 1
Tchaikovsky — Sinfonia nº 1, Sonhos de Inverno
€21,50 / €18,50 / €16,00 / €10,50

Wagner +
Wagner, onde
tudo é possível
Três concertos revelam a frescura e atualidade do compositor
cuja influência revolucionou a História da Música.
Falta mais de um ano para o «ano Wagner»,
em que se celebram dois séculos do seu
nascimento. Mas a Fundação Gulbenkian
antecipa a efeméride, ou não se tratasse
da vinda ao mundo do homem que protagonizou
uma das maiores revoluções musicais
da História. «A imaginação cria a realidade»,
disse ele um dia, e tinha razão: o que Wagner
imaginou ser a música – e, em especial,
a ópera – foi o ponto de chegada de tudo quanto
até então fora escrito e o ponto de partida
para o futuro. «Ele sabia que a sua música não
ia ser aceite de imediato pelo público, que
o mundo não estava preparado, e que precisava
de tempo. E chegou a dizê-lo, quando estreou
o ciclo do Anel», relata a soprano Iréne Theorin,
que, ao lado da Gustav Mahler Jugendorchester,
vem a Lisboa emprestar a voz ao compositor
que a acompanha ininterruptamente desde
os primórdios da sua carreira.
«Nunca estive sem ele, não sei o que isso é.
Tenho vindo a estudar e a cantar a sua música
desde o início da minha vida profissional, fiz
todos os seus papéis mais importantes. É uma
música muito rica, inteligente, intelectual, não
há nada que esteja lá por coincidência.» Iréne
Theorin, que já foi aplaudida pela sua inspirada
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interpretação de Brühnnilde e de Isolda, duas
das mais complexas heroínas wagnerianas, diz
que a música de Wagner «é aberta, pois admite
que seja feita de modos diferentes. É possível
ter novas ideias acerca das personagens,
e nisso é sempre fresca e moderna».
Mas como se constrói uma Isolda? Constrói-se,
sobretudo, com disciplina e controlo, conta
Iréne Theorin: «Cantar é uma questão
de disciplina, de ter controlo, de ser responsável.
Se, ao fazer um papel como Isolda, perdes
a disciplina, não consegues chegar ao fim.
É necessária uma grande energia física
e psicológica. Eu gosto de cantar sempre
de forma diferente, gosto de cores, por isso
preciso que a técnica vocal esteja intacta.
Preciso de vigiar o modo como uso a voz.
Há tantos momentos que se prestam
à criatividade! Quanto mais canto esta música,
mais quero cantá-la. Porque, nela, tudo
é possível.» Hoje, reforça a soprano, Wagner
é tão popular que «mesmo aqueles que não
são wagnerianos o acham interessante».
Quando, em 1987, o maestro Lorin Maazel
empreendeu a hercúlea tarefa de escrever
uma ‘síntese’ da tetralogia O Anel do Nibelungo
– obra que conhecia como a palma da sua mão

– quis «revelar o essencial do seu código»
seguindo alguns critérios: tocar a obra sem
paragens, respeitar a ordem cronológica
do ciclo, «começando na primeira nota
do Ouro do Reno e culminando na última
do Crepúsculo dos Deuses», e garantir que cada
nota da partitura pertencesse ao próprio
Wagner. O resultado, que recebeu o título
de Ring Without Words e condensa em 75 minutos
as 17 horas do Anel original, poderá ser
ouvido no Grande Auditório pela Orquestra
Gulbenkian sob a batuta de Michael Boder.
No mesmo dia 23 de Março Max Reger
e Richard Strauss são os compositores escolhidos
pelos Solistas da Orquestra Gulbenkian,
num concerto de entrada livre, às 21:30h.
Tal como Maazel nos tempos recentes, muitos
compositores posteriores a Wagner foram
influenciados pelas revelações da sua música.
Um deles foi sem dúvida Richard Strauss,
que aos dez anos ouviu o seu primeiro Lohengrin
e aos 16 obteve a partitura de Tristão e Isolda.
O maestro e pianista Hans von Bülow, discípulo
de Liszt e primeiro marido de Cosima Wagner,
afirmara sobre Strauss: «Wagner é Richard I.
Como não há Richard II, Strauss é Richard III.»
Ainda na juventude, chegou a prometer
a Cosima, a viúva de Wagner, que divulgaria
sem tréguas a sua música, ao que ela
respondeu: «Aprecio que esteja a levar a
sua promessa tão a sério.» A amizade entre
ambos perdurou sem mácula até Strauss ser
convidado, em 1894, a dirigir o Tannhäuser
em Bayreuth. Não só as suas sugestões sobre a
encenação e a escolha dos cantores não foram
atendidas, como a vontade de aí fazer a sua
Salomé foi contrariada, por se tratar de uma
personagem judia. Sobreveio a rutura: Strauss
só regressaria a Bayreuth 39 anos depois.
Na sua digressão ibérica com a Göteborgs
Symfoniker, à qual está ligada desde 2006,
Gustavo Dudamel passa por Lisboa e vem
à Gulbenkian lançar luz sobre a forte ligação
de Richard Strauss à música de Wagner.
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quinta 22 Março 2012
21:00h — Grande Auditório
sexta 23 Março 2012
19:00h — Grande Auditório
sexta 23 — 21:30h — Grande Auditório
Solistas da Orquestra Gulbenkian
Reger — Lyrisches Andante
R. Strauss — Metamorfoses
entrada livre
Orquestra Gulbenkian
Michael Boder maestro
O anel sem palavras
Wagner — Prelúdio da ópera Lohengrin / Prelúdio
do 3º acto e Karfreitagszauber da ópera Parsifal
Ligeti — Atmospheres
Wagner / Maazel — Ring Without Words
€21,50 / €18,50 / €16,00 / €10,50

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terça 27 Março 2012
21:00h — Grande Auditório
domingo 15 Abril 2012
19:00h — Grande Auditório
segunda 16 Abril 2012
19:00h — Grande Auditório
Göteborgs Symfoniker
Gustavo Dudamel maestro
R. Strauss — Don Juan / Assim falou Zaratustra
Haydn — Sinfonia nº 103, Rufo de timbales
€69,50 / €58,50 / €42,50 / €26,50
Gustav Mahler
Jugendorchester
Ingo Metzmacher maestro
Iréne Theorin soprano
Wagner — Tristão e Isolda: Prelúdio / Liebestod
Webern — Seis peças para Orquestra, op. 6
(rev. de 1928)
Zimmermann — Photoptosis
Scriabin — Le Poème de l’extase, op. 54
€48,00 / €42,50 / €32,00 / €18,50
Gustav Mahler
Jugendorchester
Ingo Metzmacher maestro
Iréne Theorin soprano
Wagner — O Crepúsculo dos Deuses
(excertos e cena final)
Chostakovitch — Sinfonia nº 7, Leninegrado
€48,00 / €42,50 / €32,00 / €18,50
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Concertos para a Família
O jovem Mozart
num espetáculo
para jovens
«Bastien e Bastienne» foi composta por um rapaz de 12 anos
que já era um grande talento. A ópera sobe ao palco da Gulbenkian
com encenação de Marie Mignot.
Quando escreveu Bastien e Bastienne,
Wolfgang Amadeus tinha apenas 12 anos.
Era 1768 e, apesar da sua juventude, o rapaz
já havia empreendido algumas viagens,
tocando para a realeza e mostrando ao público
as suas aptidões. A sua vida estava longe
de retratar a simples existência de um miúdo
de 12 anos – da mesma forma que o seu
enorme talento nunca foi equiparável ao ‘jeito’
que se reconhece nas crianças medianamente
dotadas. Ele era Mozart, desde o primeiro
dia. E era Mozart quando, após ter contacto
com a peça Le Devin du Village, de Jean-Jacques
Rousseau, decidiu transformá-la numa ópera
em um ato de contornos simples, despojada
e concisa.
«Mesmo sendo uma ópera de juventude,
os traços que viriam a caracterizar Mozart
ao longo da sua vida estão todos lá. Está lá
a frescura, está lá a melodia, a fluidez.», refere
o maestro Jorge Matta, que assume a direção
musical da produção que a Gulbenkian
leva a palco para toda a família, no âmbito
do programa Descobrir. «Claro que se nota
algum desequilíbrio juvenil, mas isso
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é compensado pela melodia e pela própria
construção da peça, acrescenta. Na opinião
de Jorge Matta, os seus não mais
de 50 minutos servem perfeitamente
os propósitos do argumento, que relata
as desventuras de Bastienne, uma jovem
camponesa que perde o seu amado Bastien
para uma nobre dama e, desesperada, recorre
ao Mago Colas, seguindo os seus conselhos.
«O facto de ser uma peça pequena faz com
que tudo dentro dela seja uma miniatura,
em que nada está a mais. É, por assim dizer,
um Mozart puro, em embrião. Sem a sofisticação
posterior, mas já com a beleza que lhe é própria.
É a ópera de um rapaz», frisa o maestro.
A versão aqui proposta será cantada
integralmente em português, para a qual
foi feita uma nova tradução – que tem,
no entanto, como base, outra já existente
da autoria de Maria de Lurdes Martins.
Os papéis principais foram atribuídos
a três jovens elementos do Coro Gulbenkian.
A encenação, a cargo de Marie Mignot,
é «simples e criativa», revela Jorge Matta.
E mais não diz. O melhor é vir e…descobrir.

© dr
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sexta 2 Março 2012
19:00h — Grande Auditório
sábado 3 Março 2012
16:00h — Grande Auditório
Bastien e Bastienne
Mozart
Orquestra Gulbenkian
Jorge Matta maestro
Ópera em um ato
Cantada em português
€6,50

Ciclo de Música Antiga
Tudo é canto
na música
O maestro espanhol Pablo Heras-Casado dirige Schubert, Schumann
e Mendelssohn, num concerto à frente da Freiburger Barockorchester.
«Para mim, o mais importante é a música,
sem importar se se trata de uma grande
orquestra sinfónica ou de um grupo vocal
de câmara, se é polifonia renascentista ou
o Gruppen de Stockhausen: tudo é orgânico e
fluído.» As palavras são de Pablo Heras-Casado,
um jovem maestro, que tanto se dedica
à música antiga como à contemporânea
e ao repertório romântico, saltitando entre
um e outros, com a liberdade dos verdadeiros
exploradores. Diz este espanhol nascido em
1977, em Granada: «Evoluí da minha posição
de cantor em ensembles para um lugar onde
podia tomar decisões e partilhar ideias. Mais
tarde fui ampliando o repertório e progredindo
tecnicamente, o que me levou a reger formações
maiores. É o meu interesse pelo repertório
e o seu estudo o que me levou a ser maestro.»
Heras-Casado, que em Outubro passado se
estreou à frente da Filarmónica de Berlim
e será, até 2015, maestro principal da Orquestra
nova-iorquina de St. Luke, assume que foge
das especialidades: «Não se poderia conceber
que um arquiteto fosse capaz de construir um
aeroporto e não uma casa ou que um pintor não
dominasse várias técnicas pictóricas. Qualquer
música é resultado e génese, e forma parte
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de uma evolução. Claro que é preciso trabalhar
muitíssimo, estudar, investigar, manter-me em
contacto com todas as formas e épocas musicais.
E isto requer desejo e capacidade de síntese.»
Harry Christophers, Pierre Boulez e Peter
Eötvös são três figuras capitais na carreira
deste maestro: «São personalidades muito
diferentes, mas transmitiram-me coisas
fundamentais: o respeito pelo texto, pelo
génio criador, pela partitura; a disciplina
aliada à humanidade; e que a honestidade
como artista e como pessoa é uma e a mesma
coisa. Aprendi-o com eles e com os meus
pais, embora estes não fossem artistas...».
Heras-Casado cedo percebeu que «tudo é
canto na música», incluindo as obras que vem
dirigir à Gulbenkian, à frente da Freiburger
Barockorchester: «É um programa que
apresenta uma coesão fabulosa, apresentando
os três compositores mais importantes
da 1ª parte do Romantismo alemão. Ao mesmo
tempo, oferece um contraste colorido e quase
‘pictórico-poético’ entre a 4ª Sinfonia
de Schubert e a 4ª Sinfonia de Mendelssohn.
São obras muito conhecidas e indispensáveis,
mas mostrá-las em contraste e com instrumentos
de época lança sobre elas uma nova luz.»

pablo heras-casado © jean-françois leclercq
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terça 20 Março 2012
21:00h — Grande Auditório
Freiburger Barockorchester
Pablo Heras-Casado maestro
Kristian Bezuidenhout pianoforte
Em demanda da flor azul
Schubert — Sinfonia nº 4, Trágica
Schumann — Introdução e Allegro appassionato
Mendelssohn-Bartholdy — Sinfonia nº 4, Italiana
€42,50 / €37,50 / €26,50 / €16,00

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sábado 14 Abril 2012
19:00h — Grande Auditório
Radu Lupu piano
Schubert — Improvisos D. 935
C. Franck — Prelúdio, Coral e Fuga
Debussy — Prelúdios (Livro II)
€42,50 / €37,50 / €26,50 / €16,00
radu lupu © matthias creutziger

Ciclo de Piano
O génio
enigmático
O Ciclo de Piano traz-nos, a 14 de Abril, o misterioso e notável pianista
romeno Radu Lupu. A sua aura de recluso é apenas suplantada pelo génio
que emprega de forma obsessiva nos seus compositores de eleição.
Radu Lupu pertence àquela estirpe de músicos
que conjugam em doses semelhantes talento
e mistério. Nascido na pequena povoação
romena de Galati, em 1945, Lupu estreou-se
em concerto aos 12 anos, interpretando
uma mão-cheia de composições da sua
autoria. Quatro anos mais tarde seguiria
a sua formação no Conservatório de Moscovo
e, de uma penada, acumularia vários
prestigiantes prémios – entre os quais
os respeitantes às competições de Van Cliburn
e Leeds, conquistados ambos antes dos 25 anos
– impondo a sua capacidade técnica e a sua
sensibilidade invulgar. No entanto, à medida
que a sua reputação de extraordinário
pianista se foi sedimentando, esta foi
acompanhada por uma recusa crescente
em dar-se a conhecer ao mundo através dos
canais mediáticos, alegadamente por querer
concentrar-se por inteiro na música.
Daí que nos últimos 30 anos os dedos
de uma mão cheguem para contabilizar
o número de entrevistas de Lupu. O facto,
isoladamente, poderia pouco significar.
Mas a reputação de recluso do pianista
é acrescentada de pormenores invulgares
como a escolha de uma cadeira de escritório
no lugar do habitual banco de piano para
as suas actuações, assim como uma relação
muito particular com o seu público –
comentando-se frequentemente que não
faz particular questão de olhar a audiência,
a menos que oiça algum barulho que
o incomode. Ao contrário do que faz com
os outros músicos, havendo quem ache que Lupu
se substitui frequentemente aos maestros.
O absoluto rigor com que Lupu encara cada
atuação levou-o, ao longo dos anos, a dedicar-se
sobretudo a compositores como Mozart,
Schubert, Beethoven e Brahms, ao mesmo
tempo que se revela pouco assíduo dos
estúdios de gravação. Aliás, ao contrário
do que acontece com quase todos os pianistas
de topo, Radu Lupu nunca registou as suas
leituras de Chopin ou Liszt, uma vez
que gosta apenas de tocar as obras das quais
se sente próximo.
Se Março e Abril terão em Radu Lupu
a estrela do Ciclo de Piano, há igualmente
que estar atento à passagem dupla de Kristian
Bezuidenhout pelo palco da Gulbenkian,
primeiro na companhia da violinista
Viktoria Mullova (dia 6), depois juntando-se
à Freiburger Barockorchester (dia 20).
19

Ciclo Música de Câmara
Um caminho
de libertação
Viktoria Mullova junta o seu violino ao pianoforte de Bezuidenhout em três
sonatas de Beethoven. Um encontro entre a experiência de uma intérprete
de rigor e o fulgor de um jovem talento.
Nascida em Moscovo em 1959, Viktoria
Mullova começou a conhecer o mundo a partir
de um berço pouco próximo da música.
Mas tudo se alterou quando, aos quatro anos,
os pais lhe ofereceram um violino, por ser
o mais pequeno e barato instrumento que
conseguiram encontrar. Mullova desenvolveu
então uma fixação tal na aprendizagem do
violino que hoje reconhece ter sido a infância
o maior sacrifício que fez pela sua arte.
Mas o sacrifício seria mais tarde recompensado,
em 1982, ao vencer a Competição Tchaikovsky,
que a tornaria instantaneamente conhecida
em todo o mundo.
Pouco depois, Viktoria Mullova fugiria
da União Soviética e procuraria asilo político
na Suécia. Conhecida por uma técnica
sublime e uma disciplina austera, a violinista
tornar-se-ia progressivamente adepta
de uma abordagem mais livre, em grande
parte por influência do seu marido,
o violoncelista Matthew Barley, que a aproximou
do mundo do jazz. Ao mesmo tempo,
Mullova não esconde o seu fascínio
pela tradição cigana na prática do violino,
que a tem inspirado a libertar-se do peso
da alegada frieza – segundo a própria era
20
o medo absoluto de cometer algum erro –
que antes aplicava às suas interpretações.
Em 2001, por exemplo, a violinista declinou
o convite para voltar a apresentar –
por ocasião do Festival Schöenberg,
em Los Angeles – o concerto para violino
do compositor austríaco, por acreditar que
não valia a pena reviver o desespero que dela
se apoderara quando, no final dos anos 80,
tocou a exigente peça pela primeira vez.
Adepta da procura de novas parcerias que
permitam enriquecer a sua musicalidade,
Mullova formou recentemente um duo
com o sul-africano Kristian Bezuidenhout,
um dos mais talentosos jovens pianistas –
tem 32 anos – da atualidade. Em 2010, os dois
gravaram para a Onyx Classics as Sonatas
para violino e piano nº 3 e nº 9 de Beethoven –
na Gulbenkian juntam-lhe ainda
a Sonata nº4 –, disco saudado com rasgados
elogios e que Bezuidenhout assim descreveu:
«Estamos ambos fascinados com a gigantesca
dificuldade da composição de Beethoven,
mas igualmente convencidos de que a luta
por tocar estas peças em instrumentos antigos
é absolutamente essencial para o sucesso
e o impacto emocional desta música».

viktoria mullova © alessandro marcofulli
06
03
terça 6 Março 2012
19:00h — Grande Auditório
Viktoria Mullova violino
Kristian Bezuidenhout pianoforte
Sonata Kreutzer
Beethoven — Sonatas para Violino e Piano n os 4, 3 e 9
€32,00 / €21,50 / €16,00

Percurso Descoberta
Obra
a pedido
A violoncelista Sonia Wieder-Atherton junta-se ao Remix Ensemble
num programa de Wolfgang Rihm e Emmanuel Nunes. Wieder-Atherton
explica-nos como nasceu «Versuchung», obra que lhe foi dedicada por Rihm.
Foram duas semanas em Julho de 2005.
Em Metz, no Centre Acanthes, vários músicos
sorveram conhecimento das conferências
de compositores como Pascal Dusapin
e Wolfgang Rihm, bem como dos workshops
ministrados por músicos de topo – Arditti
Quartet e a violoncelista Sonia Wieder-Atherton,
por exemplo. Mas nem só os mais inexperientes,
sedentos de informação, beneficiaram dos
encontros de Metz. Instalados no mesmo
hotel, Rihm e Wieder-Atherton começaram
a falar cada vez mais à mesa do pequeno-almoço.
«Foram duas semanas em que fui
completamente engolida pelo universo
de Rihm», explica-nos a violoncelista.
«Ouvia cada coisa que ele dizia, as pinturas
de que falava e fiquei seduzida por aquilo
tudo. No último dia, perguntei-lhe se estaria
disposto a compor para mim e ele disse
simplesmente que sim. Despedimo-nos e dois
anos mais tarde o concerto tinha nascido».
Esse concerto, Versuchung: Hommage
à Max Beckmann, será na noite de 18 de Março
acompanhado por uma nova criação de Rihm
encomendada pela Casa da Música e uma peça
de Emmanuel Nunes. Sonia Wieder-Atherton
subirá ao palco com o Remix Ensemble.
22
Para a violoncelista, é libertador tocar obras
de compositores vivos: «Não existe o peso
da tradição, algo de que temos de nos livrar
quando entramos na composição ao tocar
música clássica. Aqui, é-se subitamente livre.
Claro que tem igualmente de se perceber,
adivinhar e avançar tanto quanto se pode
na direção do que o compositor queria».
E, por vezes, é mesmo de adivinhação
que se trata. Rihm não lhe forneceu grandes
pistas para decifrar o que havia da pintura
de Beckmann em Versuchung. Daí que Wieder-
-Atherton tenha procurado impregnar-se da sua
pintura mas tenha optado por fazê-lo «de um
ponto de vista sensitivo», negando-se qualquer
elaboração intelectual que estabelecesse
uma ponte tripartida entre a obra do pintor,
a linguagem de Rihm e as suas características
de instrumentista. «Há algo terrível na sua
pintura, embora totalmente ligada à vida e até
ao humor, e que coexistem a toda a hora. Mas foi
curioso porque ele nunca me falou da ligação
entre os dois». Aliás, quando se encontraram
os dois em Amsterdão, Rihm levou-a a beber
um copo no sítio onde Beckmann tinha vivido.
«Mas não disse nada», recorda a violoncelista.
«Ficámos lá sentados e ele a sorrir, feliz».

emix ensemble © dr
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domingo 18 Março 2012
19:00h — Grande Auditório
Remix Ensemble
Peter Rundel maestro
Sonia Wieder-Atherton violoncelo
Rihm — Nova obra encomendada
pela Casa da Música
Versuchung: Hommage à Max Beckmann
(para violoncelo e orquestra)
E. Nunes — Improvisation I - für ein Monodram
€16,00

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1,2 e 3 Março 2012
21:30h — Teatro Maria Matos Nature Theater
of Oklahoma
Life and Times – Episode 2
Em inglês
legendas em português
conceção e direção
Pavol Liska e Kelly Copper
música original
Robert M. Johanson e Julie Lamendola
€15,00
Bilhetes à venda no Teatro Maria Matos
domingo 29 Abril 2012
19:00h — Grande Auditório
Danza Preparata
Rui Horta
coreografia, cenografia, desenho de luzes
Rolf Hind piano
Silvia Bertoncelli bailarina
John Cage: Sonatas e Interlúdios
para piano preparado
€21,50 / €18,50 / €16,00 / €10,50
nature theater of oklahoma / life and times © dr

Teatro / Música
Possibilidades
de desconstrução
Em ano de centenário do nascimento de John Cage, Rui Horta inspira-se
no piano preparado para coreografar um corpo preparado.
Uma dupla homenagem a Cage e a Merce Cunningham, no Grande Auditório.
John Cage não é uma novidade no percurso
de Rui Horta. Já por diversas vezes o coreógrafo
juntou os seus movimentos à música do
compositor norte-americano. A razão é simples
e explica-a o próprio Rui Horta: «Em geral,
na dança contemporânea temos uma relação
próxima com o Cage devido ao Merce
Cunningham. A nossa cultura está imbuída
nesta relação entre música e movimento».
Por isso mesmo, é impossível ao criador
português não reconhecer que Danza Preparata,
partindo da música de Cage, funciona como
uma dupla homenagem, para a qual puxa
naturalmente Cunningham. «Quando faço
esta obra sinto um grande orgulho e uma
grande alegria de ter esta cultura em mim,
de ter feito este percurso de coreógrafo que
se cruza também com um percurso musical.
O Cage e o Cunningham são muito marcantes
no sentido de aquilo que ainda hoje
é paradigmático da nossa forma de fazer dança».
Sentindo-se a integrar uma privilegiada árvore
genealógica, Rui Horta confessa dedicar-se
a esta obra «com um grande sentido
de responsabilidade e com muito amor».
Danza Preparata, como o seu nome sugere,
inspira-se nas Sonatas e Interlúdios de Cage
para piano preparado e parte destas para
uma reflexão sobre o que é, o que pode ser
um corpo preparado. «Há uma comparação
muito grande entre as potencialidades
e a desconstrução daquele piano e as
potencialidades e desconstrução deste
corpo», sustenta o coreógrafo. O facto
de ter à sua disposição uma «intérprete
de primeira água», a bailarina italiana
Silvia Bertoncelli, abre igualmente todo
um campo de estimulantes possibilidades.
Bertoncelli dançará ao som das notas
de Cage interpretadas pelo pianista Rolf Hind.
Para Rui Horta, a chave da peça está nesta
«redução gigantesca» que propõe: «é o início
de tudo, pega-se numa folha branca,
desenha-se um ponto e é assim que isto começa –
é um solo, um espaço e uma música».
Entre 1 e 3 de Março, a Gulbenkian apresenta
em parceria com o Teatro Maria Matos
o segundo episódio da saga Life and Times.
Trata-se de uma ambiciosa obra da companhia
vanguardista de teatro nova-iorquina Nature
Theater of Oklahoma e que parte em dez
episódios a história da vida de uma mulher
da classe média americana. Depois da infância,
Episode 2 leva-nos até à pré-adolescência.
25

Músicas do Mundo
Antídoto
para a morte
Amor e poemas de Pablo Neruda alimentam o espetáculo Eros y Muerte,
da cantora grega Angelique Ionatos. Em Abril, teremos Alireza Ghorbani
e Dorsaf Hamdani e a apresentação do novo trabalho de António Zambujo.
Angelique Ionatos deixou a Grécia aos 15 anos,
rumo a Paris. Mas não deixou os seus poetas,
aos quais tem dedicado quase todos os 40 anos
de carreira. Mesmo antes da sua partida,
na adolescência, andava tão maravilhada
com a descoberta dos Beatles quanto
com a canção grega de Mikis Theodorakis
e de Manos Hatzidakis. Mas a descoberta
do seu caminho artístico levou-a a prescindir
dos instrumentos tradicionais, como o bouzouki.
«Sou uma grega da diáspora e não me interessa
muito repetir aquilo que já foi feito»,
justifica-nos Ionatos a partir de Paris, cidade
onde vive desde então. E acrescenta: «A minha
música é um espelho também dos meus amores
– tanto a música clássica quanto as músicas
do mundo; adoro todas as músicas autênticas.
Sou mediterrânica antes de ser grega».
Este sentir mediterrânico, Angelique Ionatos
identifica-o num amor comum pela poesia
partilhado por gregos, espanhóis e latino-
-americanos, e que acaba por infiltrar-se
neste espetáculo intitulado Eros y Muerte
(Amor e Morte), em que a poesia do chileno
Pablo Neruda se junta às dos gregos Kostas
Karyotakis e Kostis Palamas, todos musicados
pela própria Angelique Ionatos. «Pablo Neruda
26
é o meu poeta preferido e quando
foi traduzido para grego foi evidente para mim
a semelhança que existe entre o seu estilo
e o dos poetas gregos», explica. «A língua
espanhola e a língua grega amam-se imenso».
O espetáculo, apresentado a 24 de Março,
carrega a ideia de que amor e morte não são
contrários. «Canta-se porque a vida continua,
a memória persiste e não esquecemos
os mortos. Havendo memória não há morte».
Para Ionatos, de resto, «o amor terá sido
inventado pela humanidade porque existe
a morte. É uma forma de vencer a morte».
A poesia – mas desta vez do persa
Omar Khayyam – está também na base
do concerto Ivresses, na Gulbenkian a 9 de Abril.
O espetáculo junta as vozes do iraniano
Alireza Ghorbani e da tunisina Dorsaf
Hamdani, transformando a embriaguez
descrita por Khayyam numa viagem delirante
dos sentidos pelo Oriente. Mais tarde,
a 24, será a vez de António Zambujo subir
ao Grande Auditório, naquela que constituirá
a estreia do seu quinto álbum. Oportunidade
para escutar um fado devedor da tradição
lisboeta e do cante alentejano, mas também
de Chet Baker e João Gilberto.

antónio zambujo © rita carmo
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09
04
24
04
sábado 24 Março 2012
21:00h — Grande Auditório
segunda 9 Abril 2012
21:00h — Grande Auditório
terça 24 Abril 2012
21:00h — Grande Auditório
Angelique Ionatos
cantora / guitarra
Eros y Muerte
€21,50 / €18,50 / €16,00
Alireza Ghorbani
& Dorsaf Hamdani
Ivresses
Em torno da poesia de Omar Khayyam
€21,50 / €18,50 / €16,00
António Zambujo
voz e guitarra clássica
€21,50 / €18,50 / €16,00

Met Opera Live in HD
A estrela
Netrebko
Abril traz-nos duas obras imperdíveis: Anna Netrebko no papel de Manon,
no dia 7, e duas semanas depois Natalie Dessay vestindo a pele de Violetta,
em La Traviata.
Histoire du Chevalier Des Grieux et de Manon
Lescaut é um conto do abade Prévost, incluído
nas suas volumosas Mémoires et Aventures
d’un Homme de Qualité qui s’est Retiré du
Monde, escritas entre 1728 e 1731. Manon
Lescaut, a forma abreviada com que ficou
conhecido o livro editado autonomamente,
foi um escândalo literário à época, tendo
inclusivamente sido incentivada a sua
destruição. Mas a história de Manon havia
de erguer-se e conquistar uma enorme
popularidade. Nela, Manon é uma noviça
enviada para um convento mas que é colocada
na carruagem errada, tendo assim como
destino um romance tórrido com um nobre,
o cavaleiro de Grieux. Depois, a ambição
de se tornar uma estrela dos palcos acaba
transformada por um deslumbramento
por festas, sedução e luxúria, acabando
atingida por má fama.
A personagem há muito que seduziu
a super-estrela Anna Netrebko, que volta
a encarná-la pela terceira vez na sua carreira,
com a música de Jules Massenet. A diferença
28
nesta produção de Laurent Pelly, afirmou
Netrebko em entrevista, é que «aqui Manon
e o seu irmão são verdadeiramente malvados,
manipulando toda a gente. São como
que almas vazias». Algo que Netrebko
acredita estar já sugerido nas notas firmadas
pelo punho de Massenet e que a soprano
interpreta como sequências particularmente
sensuais, apaixonadas e, por vezes, ásperas.
«Acho que é possível fazê-la muito... má»,
revelou na mesma entrevista. A comprovar
em mais uma transmissão da Metropolitan
Opera, a partir de Nova Iorque, a 7 de Abril.
Duas semanas depois, o mesmo maestro,
Fabio Luisi, que dirigirá Manon, regressará
à Met Opera Series com La Traviata, de Verdi,
pelas vozes de Natalie Dessay, Matthew
Polenzani e Dmitri Hvorostovsky.
O maior desafio em assumir a pele
de Violetta, diz Dessay, foi trabalhar a culpa.
Quando chegar à tela da Gulbenkian,
dia 21, terão passado quase três anos desde
que começou a aperfeiçoar o papel. Momento
certo de maturação para o descobrirmos.

manon © bill cooper
07
04
21
04
transmissão em direto
da metropolitan opera
sábado 7 Abril 2012
17:00h — Grande Auditório
transmissão em diferido
da metropolitan opera
sábado 21 Abril 2012
18:00h — Grande Auditório
Manon
Jules Massenet
Fabio Luisi maestro
Laurent Pelly produção
Anna Netrebko, Piotr Beczala, Paulo Szot, David Pittsinger
€16,00
La Traviata
Giuseppe Verdi
Fabio Luisi maestro
Willy Decker produção
Natalie Dessay, Matthew Polenzani, Dmitri Hvorostovsky
€16,00

Agenda de Concertos
março 2012
1 quinta / 2 sexta / 3 sábado 21:30h — Teatro Maria Matos 1
Nature Theater of Oklahoma
Life and Times – Episode 2
2 sexta 19:00h/ 3 sábado 16:00h — Grande Auditório
Orquestra Gulbenkian
Jorge Matta maestro
Wolfgang Amadeus Mozart Bastien e Bastienne
6 terça 19:00h — Grande Auditório
Viktoria Mullova violino
Kristian Bezuidenhout pianoforte
Ludwig van Beethoven
8 quinta 21:00h/ 9 sexta 19:00h — Grande Auditório
Orquestra Gulbenkian
Pietari Inkinen maestro, Dmitri Makhtin violino
Jean Sibelius, Ludwig van Beethoven
15 quinta 21:00h/ 16 sexta 19:00h — Grande Auditório
Coro e Orquestra Gulbenkian
Simone Young maestrina, Fanny Ardant atriz
Arthur Honegger Joana d’Arc na fogueira
18 domingo 19:00h — Grande Auditório
Remix Ensemble
Peter Rundel maestro, Sonia Wieder-Atherton violoncelo
Wolfgang Rihm, Emmanuel Nunes
20 terça 21:00h — Grande Auditório
Freiburger Barockorchester
Pablo Heras-Casado maestro, Kristian Bezuidenhout pianoforte
Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn-Bartholdy
22 quinta 21:00h/ 23 sexta 19:00h — Grande Auditório
Orquestra Gulbenkian
Michael Boder maestro
Richard Wagner, György Ligeti, Wagner / Maazel
23 sexta 21:30h — Grande Auditório — Entrada Livre
Solistas da Orquestra Gulbenkian
Max Reger, Richard Strauss
24 sábado 21:00h — Grande Auditório
Angelique Ionatos cantora / guitarra
Eros y Muerte
27 terça 21:00h — Grande Auditório
Göteborgs Symfoniker
Gustavo Dudamel maestro
Richard Strauss, Joseph Haydn
29 quinta 21:00h / 30 sexta 19:00h / 31 sábado 21:00h —
Grande Auditório
Coro e Orquestra Gulbenkian
Michel Corboz maestro
Johann Sebastian Bach Paixão segundo São João
30
abril 2012
7 sábado 17:00h — Grande Auditório
Transmissão em directo da Metropolitan Opera
Jules Massenet Manon
9 segunda 21:00h — Grande Auditório
Alireza Ghorbani & Dorsaf Hamdani
Alireza Ghorbani canto clássico persa, Dorsaf Hamdani
canto clássico árabe
Ivresses
12 quinta 21:00h — Teatro Nacional de São Carlos 2
Orquestra Gulbenkian
Pedro Neves maestro, Sequeira Costa piano
Joly Braga Santos, Sergei Rachmaninov
13 sexta 21:00h — Grande Auditório
Orquestra Sinfónica Portuguesa
Martin André maestro, Artur Pizarro piano
Dmitri Chostakovitch, Sergei Rachmaninov, Piotr Ilitch
Tchaikovsky
14 sábado 19:00h — Grande Auditório
Radu Lupu piano
César Franck, Franz Schubert, Claude Debussy
15 domingo 19:00h — Grande Auditório
Gustav Mahler Jugendorchester
Ingo Metzmacher maestro, Iréne Theorin soprano
Richard Wagner, Anton Webern , Bernd Alois Zimmermann,
Alexander Scriabin
16 segunda 19:00h — Grande Auditório
Gustav Mahler Jugendorchester
Ingo Metzmacher maestro, Iréne Theorin soprano
Richard Wagner, Dmitri Chostakovitch
19 quinta 21:00h/ 20 sexta 19:00h — Grande Auditório
Orquestra Gulbenkian
Lionel Bringuier maestro
Claude Debussy, Pedro Amaral, Johannes Brahms
21 sábado 18:00h — Grande Auditório
Transmissão em direto da Metropolitan Opera
Giuseppe Verdi La Traviata
24 terça 21:00h — Grande Auditório
António Zambujo voz e guitarra clássica
29 domingo 19:00h — Grande Auditório
Rui Horta coreografia, cenografia desenho de luzes
Rolf Hind piano, Silvia Bertoncelli bailarina
John Cage Danza Preparata
1 Bilhetes à venda no Teatro Maria Matos
2 Bilhetes à venda no Teatro Nacional de São Carlos