no Bairro Alto? - Fonoteca Municipal de Lisboa - Câmara Municipal ...

Sexta-feira
27 Fevereiro 2009
www.ipsilon.pt
Há vida nova
no Bairro Alto?
MIGUEL MADEIRA ESTE SUPLEMENTO FAZ PARTE INTEGRANTE DA EDIÇÃO Nº 6905 DO PÚBLICO, E NÃO PODE SER VENDIDO SEPARADAMENTE
U2João Paulo CuencaRogério CasanovaThomas Walgrave Nelson Cascais

Flash
Sumário
Bairro Alto 6
As suas sete vidas
U2 14
Chegou o novo disco do maior
grupo do mundo
Deus.Pátria.Revolução 20
Teatro musical que
revisita hinos fascistas e
revolucionários (promete
incomodar)
João Paulo Cuenca 22
O escritor que vive dias
Mastroianni
Rogério Casanova 24
O autor do melhor blogue
português
Thomas Walgrave 25
Perfil do futuro director do
Alkantara
Porto 28
Que segunda cidade do país
é esta onde há pessoas para
tudo menos para o cinema?
Ficha Técnica
Director José Manuel Fernandes
Editores Vasco Câmara,
Joana Gorjão Henriques (adjunta)
Conselho editorial Isabel Coutinho,
Inês Nadais, Óscar Faria, Cristina
Fernandes, Vítor Belanciano
Design Mark Porter,
Simon Esterson, Kuchar Swara
Directora de arte Sónia Matos
Designers Ana Carvalho,
Carla Noronha, Jorge Guimarães,
Mariana Soares
E-mail: ipsilon@publico.pt
Arquitectura portuguesa
em exposição em Berlim
Há dez anos provavelmente
não teria sido possível. Mas
em 2009, o arquitecto
Ricardo Carvalho não teve
grande dificuldade em
escolher 21 projectos de
arquitectos portugueses fora
do território nacional.
Convidado pela Ordem dos
Arquitectos, a pedido do
Presidente da República,
Cavaco Silva, a comissariar
uma exposição sobre
arquitectura portuguesa que
será apresentada durante a
viagem presidencial à
Alemanha (entre 3 e 6 de
Março), Ricardo Carvalho
optou por mostrar 21
trabalhos em curso ou
terminados recentemente,
de arquitectos portugueses,
em lugares tão diferentes
como Cabo Verde, China, a
República Checa ou Timor-
Leste.
“O processo de
internacionalização da
arquitectura portuguesa
está agora a começar”, diz o
comissário, crítico de
arquitectura do PÚBLICO.
“Se excluirmos Álvaro Siza,
que é um arquitecto que
constrói tradicionalmente
no estrangeiro, só agora é
que se está a iniciar um
movimento para o exterior.”
A escolha - que inclui, por
exemplo, um crematório em
Antuérpia (de Eduardo
Souto de Moura), um
conjunto urbano em Luanda
(Barbani Arquitectos), uma
igreja em Quelicai, Timor
(Pedro Reis), o Museu do
Conto em Málaga (Aires
Mateus) ou a Fundação
Iberê Camargo, no Brasil
(Álvaro Siza), o Teatro
Auditório de Poitiers
(Carrilho da Graça) - tenta
abarcar o máximo de pontos
geográficos possível, e
mostrar que se está a
trabalhar em projectos
de escalas muito diversas.
“Há concursos
internacionais, em que as
participações são quase
sempre por convite, mas há
também encomenda
privada, geralmente de
grupos que investem em
Portugal, gostam da
resposta e querem trabalhar
com o mesmo atelier
quando fazem um
investimento noutro ponto
do mundo.” Estes
investidores procuram,
segundo Ricardo Carvalho,
“qualidade e eficácia”, mas
encontram nos arquitectos
com quem trabalham em
Portugal, para além disso,
“relevância cultural”.
O que a exposição “Portugal
Fora de Portugal” - entre 4
Internet
de Março e 9 de Abril na
galeria Aedes am
Pfefferberg, na zona do
Mitte, em Berlim - também
quer mostrar é que “se esta
internacionalização
aconteceu de forma não
concertada, imagine-se o
que pode acontecer se
houver uma estratégia” para
promover a arquitectura
portuguesa fora de Portugal.
Nos meios eruditos, o
Estamos online. Entre em
www.ipsilon.pt. É o mesmo
suplemento, é outro desafio.
Venha construir este site
connosco.
Três dos 21 projectos: em cima,
o Teatro Auditório de Poitiers
(Carrilho da Graça); em baixo
à esquerda: Fundação Iberê
Camargo, no Brasil (Álvaro Siza);
à direita: Museu do Conto em
Málaga (Aires Mateus)
trabalhos dos arquitectos
portugueses “têm já uma
reputação imensa”,
sublinha. Mas ainda estamos
longe de uma situação
como, por exemplo, a de
Espanha, “que tem uma
política de ‘marketing’
muito agressiva para a
promoção da sua
arquitectura no
estrangeiro”.
Alexandra Prado Coelho
Pavilhão de Verão
da Serpentine
Gallery vai ser
criado pelos
japoneses
Sanaa
Kazuyo Sejima e Ryue Nizhizawa
Os arquitectos japoneses Kazuyo
Sejima e Ryue Nizhizawa, do atelier
Sanaa, foram os convidados deste
ano para conceberem o pavilhão de
Verão da Serpentine Gallery, em
Londres, estrutura temporária
encomendada anualmente a um
arquitecto, que tem cerca de seis
meses para a pensar, desenhar e
construir. Para o “Guardian”, a
escolha é uma promessa, já que se
trata de uma equipa de arquitectos
que tem “alargado as fronteiras da
arquitectura contemporânea”,
criando “edifícios, interiores,
instalações, mobiliário e outro tipo
de design extraordinariamente
calmo e pacificador”. Um dos
exemplos mais conhecidos do
trabalho dos Sanaa é o Novo Museu
de Arte Contemporânea, em Nova
Iorque. O projecto do pavilhão de
Verão começou em 2000 e já
participaram nele Frank Gehry
(2008), Olafur Eliasson e Kjetil
Thorsen (2007), Rem Koolhaas e
Cecil Balmond (2006), Álvaro Siza e
Eduardo Souto de Moura, com Cecil
Balmond (2005), MVRDV (2004,
ano em que o projecto não se
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 3

Flash
O escultor Anthony Gromley
é um dos subscritores
da petição dirigida ao Ministério
do Interior britânico
“O Enforcamento”, de Nagisa
Oshima, um dos títulos do ciclo
“Eros+Revolta”
chegou a realizar), Oscar
Niemeyer (2003), Toyo Ito (2002),
Daniel Libeskind (2001) e Zaha
Hadid (2000).
Eros+Revolta
explode
na Culturgest
De 12 a 17 de Maio a Culturgest, em
Lisboa, explode com erotismo e
política. “Eros+Revolta - o novo
cinema japonês dos anos 60”
documenta a afirmação, no ocaso do
sistema de estúdios que estruturava
o cinema clássico japonês, de uma
“nouvelle vague”. Que questionou a
sociedade, revolucionou as formas e
quebrou tabus figurativos - em alguns
casos colocou-se mesmo nas
margens do cinema erótico. O ciclo
mostrará filmes de Nagisa Oshima
(“O Cemitério do Sol”, 1960, “Noite
e Nevoeiro no Japão”, 1960, “Sobre
as Canções Brejeiras Japonesas”,
1967, “O Enforcamento”, 1968),
Yoshishige Yoshida (“As Termas de
Akitsu”, 1962, “Eros + Massacre”,
1969), Shohei Imamura (“A Mulher-
Insecto”, 1963, “Desejo Assassino”,
1964), Kôji Wakamatsu (“Go, Go,
Second Time Virgin”, 1969), Toshio
Matsumoto (“O Funeral das Rosas”,
1969), Seijun Suzuki (“A Porta da
Carne”, 1964, “Elegia da Luta”,
1966, “O Vagabundo de Tóquio”,
1966) e Masahiro Shinoda (“Duplo
Suicídio em Amijima”, 1969).
Uma série de músicos recriam
hoje no Santiago Alquimista
a música de Patti Smith
Recriar Patti
Smith no Santiago
Alquimista
“Patti Smith: Dream of Life”, o
filme de Steven Sebring que
tivemos oportunidade de ver
no último IndieLisboa,
estreará no City Classic
Alvalade a 5 de Março. Antes
disso, contudo, haverá lugar a
celebração. Uma festa para Mrs.
Smith: está marcada para hoje,
no Santiago Alquimista, em
Lisboa, e é da
responsabilidade da
associação Projecto Marginal
e da Midas Filmes.
No filme, Sebring entra na
intimidade da autora de “Horses”
para tentar desvendá-la. Na
celebração, músicos dos The
Hypers, Murdering Tripping Blues,
You Should Go Ahead, Covers, Neil
Leyton ou Ana Leorne, dos Clits,
recriam-lhe a música e os
Happiness e Tiago Gomes, editor da
revista Bíblia que temos visto,
acompanhado de Tó Trips,
improvisando sobre o “Pela Estrada
Fora” de Kerouac, dão novo
enquadramento às suas palavras.
A partir das 23h, ouvir-se-ão
versões de “Gloria”, “Horses”, “Till
victory” ou “Because the night”,
ouvir-se-ão o rock’n’roll da poetisa
do punk e os versos da descendente
da geração beat - que, como
sabemos, são uma e a mesma.
Depois das actuações, a dupla de
DJs Miss Nicotine e Fernando
Morgado
responsabilizam-se,
como é habitual nas festas do
Projecto Marginal, por encher a
pista de dança com canções da
“celebrada” e música que gravita
próxima do seu universo. A entrada
custa cinco euros.
Artistas assinam
petição contra regras
que dificultam
entrada de não
europeus no Reino
Unido
Centenas
de pessoas
assinaram
uma
petição
dirigida ao
Ministério
do Interior
britânico a propor
a revisão de novas
regras da lei da
imigração que
dificultam a entrada no
Reino Unido de artistas
de países que não fazem
parte da União Europeia.
A petição, criada a partir do
site Manifesto Club e publicada
no domingo no “Observer”, já foi
assinada por personalidades do
mundo das artes como Antony
Gormley, escultor, Jeremy Deller,
vencedor do Turner Prize de 2004,
Nicholas Hytner, encenador,
produtor e director artístico do Royal
National Theather, e Jude Kelly,
directora artística do Southbank
Centre de Londres.
A petição contesta os novos
procedimentos burocráticos da lei
da imigração, expressos num
documento com 158 páginas, um
sistema que fica caro tanto para os
artistas como para as organizações.
Segundo explicam, os visitantes
têm a obrigação de pedir um visto
em pessoa, fornecer dados
biométricos, impressões digitais
electrónicas e fotografia digital. Já
as organizações que os convidam
têm que guardar cópias do seu
passaporte, de um cartão
biométrico britânico e dos detalhes
dos seus contactos. “Se o artista
não aparecer no seu estúdio ou
local de trabalho (...) a organização
é legalmente obrigada a informar o
serviço de fronteiras do Reino
Unido.”
O “Observer” explica ainda que os
artistas “também têm de encontrar
um patrocinador que tome
completa responsabilidade
financeira por eles e se
comprometa pelas suas actividades
enquanto estão em solo britânico.
Uma pequena organização tem de
pagar 400 libras para se tornar um
‘patrocinador’ oficial, enquanto
grupos maiores têm de pagar 1000
libras”.
Um exemplo recente dado pelo
jornal foi o cancelamento do
concerto do pianista russo
Grigory Sokolov, depois de não ser
capaz de entregar os documentos
necessários para obter um visto de
visita. Sokolov tinha um concerto
agendado para Abril, em Londres.
“Sinto que a comunidade das artes
não sabe como [as leis de imigração
actual] estão a afectar as suas
relações com artistas
internacionais”, disse Manick
Govinda, produtor artístico e
promotor da Artsadmin ao
“Observer”. Govinda, criador da
petição, argumenta que as novas
regras estão “a criminalizar estes
artistas”. “São as salas e festivais
mais pequenos os mais afectados,
mas todos vão encontrar
dificuldades [em trazer artistas
estrangeiros para actuar].”
Salman Rushdie contra RETRE4
“Slumdog Millionaire”, RETRE4
“O Leitor” e “O Estranho RETRE4
Caso de Benjamin RETRE4
Button”
Um porta-voz do Serviço de
Fronteiras explicou ao “Observer”
que, apesar de se querer manter o
Reino Unido aberto aos artistas
criativos, é necessário ter um
sistema seguro de controlo das
fronteiras. “É importante que quem
beneficie da contribuição cultural
destes artistas cumpra a sua parte e
assegure que o sistema não é
quebrado através do nosso sistema
de patrocínios.”
Não são só os artistas que estão
sujeitos a estas regras, todos os
imigrantes que venham ao Reino
Unido para trabalhar ou estudar,
excepto “os mais talentosos”, têm
que ter um certificado de
patrocínio, explicou o porta-voz ao
“Guardian”.
Salman Rushdie
contra os filmes dos
Óscares
O escritor Salman Rushdie levou
muito a sério a verosimilhança das
histórias de três filmes, adaptados
de livros, que estiveram nos
Óscares. Começando por “Quem
Quer Ser Bilionário?”, não se
juntou ao coro de aplausos quer ao
livro de Vikas Swarup (“Q&A”) quer
ao filme de Danny Boyle. “O filme
acumula impossibilidade atrás de
impossibilidade”, disse, num
colóquio na Emory University de
Atalanta, onde é escritor residente,
e prosseguiu que “o problema com
esta adaptação começa com o
trabalho que é adaptado.” O
“Guardian” cita ainda o “Atlanta
Journal-Constitution”, segundo o
qual Rushdie não morre de amores
por outros dois filmes adaptados de
livros. “O Leitor”, segundo o
romance de Bernhard Schlink, é
“um filme sem alma” enquanto “O
Estranho Caso de Benjamin
Button”, adaptado de um conto de
F. Scott Fitzgerald, “no fundo não
tem nada a dizer.” Uma adaptação
de um romance de Rushdie,
“Midnight’s Children”,
está em produção.
Vai ser realizado
por Deepa
Mehta, coautora
do
argumento
com o
próprio
Rushdie.
4 • Ípsilon • Sexta-feira 4 Julho 2008

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Capa
PEDRO CUNHA
As sete
vidas do
Bairro Alto
6 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

Os que o viveram nos anos 80 dizem
que já nada resta desses tempos. Quem o vive hoje
diz que é insubstituível. A actividade nocturna e a
vida cultural do Bairro Alto estão a mudar. Um novo
equilíbrio parece ser necessário para garantir o
futuro do único bairro cultural de Lisboa. O episódio
do encerramento dos bares às 2 da manhã
apenas o veio explicitar. Vítor Belanciano
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 7

HÉLDER OLINO
Não é novo. Já ouvimos desabafos
destes ao longo dos anos (“o Bairro
Alto já não é o que era”, “está cada
vez mais degradado”, “as ruas estão
uma miséria”, “gente a mais”), mas
no último ano as visões sombrias
aumentaram. Ele é o ruído, bares em
excesso, toxicodependência nas ruas
ou conflitos de interesses entre os
diversos actores. O equilíbrio parece
em risco e a mais recente medida dos
poderes públicos de encerrar os bares
às duas da madrugada é apenas mais
um capítulo desse debate.
O Bairro Alto é importante. O
“boom” dos anos 80, que o afirmou
como lugar de boémia e cultura, foi
determinante em termos simbólicos,
mas muito antes já era lugar de
encontro, de tertúlia e de animação
cultural.
Hoje é área residencial. É zona de
comércio, animação nocturna e de
restauração que não só tem resistido,
nas últimas décadas, ao irromper de
outros pólos (Avenida 24 de Julho,
Docas, Expo) como nos últimos anos
- principalmente depois da abertura
do metro no Chiado - tem atraído
mais gente. É em termos culturais
uma das áreas mais activas e atractivas
da cidade, o que pode ser constatado
pela quantidade e qualidade
de agentes e actividades que aí se concentram
e se relacionam. É dessa
conjugação de actuações, e da forma
como se relacionam entre si, que
depende o equilíbrio da zona. Uma
harmonia que aqueles que viveram
os anos 80 dizem já não existir.
O “meu” Bairro
“O ‘meu’ Bairro morreu”, afirma
Manuel Alvarez, arquitecto, 45 anos.
“Hoje vou lá, vejo toda a gente na
rua, de copo na mão e não sinto vontade
de partilhar. Antes jantava-se,
conversava-se, dançava-se. O Bairro
Alto está moribundo. Está a morrer
aos poucos.”
“Aborreço-me”, afirma o cineasta
Jorge Cramez que viveu intensamente
a década de 90 [ver texto sobre o bar
Captain Kirk] “Posso pensar nisso
dessa forma, mas não me parece que
tenha a ver com a idade. Sinto é que
antes havia um ritual no sair que se
perdeu.”
Ambos, no entanto, diferenciam a
vertente diurna e nocturna, a vocação
cultural da actividade noctívaga. Tal
como DJ Rui Murka, 36 anos. “Hoje a
minha relação com o Bairro é diurna,
para comer, cortar o cabelo, fazer compras
na Rua do Norte, comprar discos
ou, à noite, ver concertos, exposições
ou encontrar-me com alguém.”
Mas esta visão está longe de ser partilhada
por gerações mais novas. Com
maior incidência às sextas e sábados,
chegam em grupos, normalmente
encontram-se na Praça Camões a partir
das 22h. Pouco tempo depois
enchem as ruas, o estacionamento
torna-se impossível, a circulação pedonal
complicada e, muitas vezes, os
parapeitos das janelas servem para
deixar copos vazios.
“Quando tinha 15 anos ia para o
Loft, em Santos, ou para o Paradise
Garage, em Alcântara, porque os meus
pais não gostavam que fosse para o
Bairro”, conta Ana Prazeres, estudante,
19 anos. “Mas há dois anos
comecei a vir para aqui e gosto muito”.
Foi no Bairro que começou a contactar
com “gente das mais diversas ‘tribos’.”
O companheiro, Pedro Freire, 20
anos, reforça: “Isto é único, não existe
nada assim no país, onde se possa
PEDRO CUNHA
É uma das áreas mais
activas da cidade, o
que se pode constatar
pela quantidade
e qualidade de
actividades que aí se
concentram. Dessa
conjugação depende
o equilíbrio da zona.
Uma harmonia que
os que viveram os
anos 80 dizem já
não existir
PEDRO CUNHA
HÉLDER OLINO
8 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

BA
Social
Nos anos 80 e 90
as sociabilidades
desenrolavam-se no
interior dos bares,
mas na última
década é na rua que
tudo acontece
BA
Comércio
As velhas lojas de
negócio tradicional
perduram,
convivendo com
mercearias finas,
livrarias e lojas
de design
BA
Serviços
A Rua do Norte,
sucessão de
cabeleireiros, lojas
de roupa e de discos,
tornou-se na mais
movimentada do
Bairro durante o dia
O bairro cultural de Lisboa
Partindo de uma reflexão sobre actividades culturais em relação com o desenvolvimento dos territórios,
o investigador Pedro Costa analisou o Bairro Alto no livro “A Cultura em Lisboa”. Vítor Belanciano
Há-os em muitas cidades. O
seu modelo é variável mas, por
norma, são zonas que foram
reconvertidas, com ambiente
criativo e informal, mistura
de cafés, bares, galerias ou
salas de concertos, onde
artistas emergentes podem
experimentar. São os bairros
culturais, cada vez mais
enaltecidos por permitirem
um estilo de vida de escala
humana e por serem sinónimo
de desenvolvimento económico
sustentável. As suas fronteiras
podem ser indefinidas, mas
quando desembocamos num
desses locais sentimos que não
só entrámos numa comunidade
cultural como podemos
participar dela.
Hoje, esse tipo de territórios
ganhou nova pertinência,
também porque o sentido
de cultura foi alterado,
englobando indústrias
culturais tradicionais, novas
indústrias de conteúdos,
formas consagradas de arte
ou manifestações emergentes
associadas às formas de
sociabilidade urbana juvenis.
Motivado por isto, há quatro
anos, Pedro Costa - professor
do Departamento de Economia
do ISCTE e investigador do
Dinâmia (Centro Estudos Sobre
a Mudança Socioeconómica),
que lidera o grupo de trabalho
para as Estratégias para a
Cultura em Lisboa - concluiu
uma tese de doutoramento que
parte de uma reflexão sobre as
actividades culturais em relação
com o desenvolvimento dos
territórios e que incide sobre a
Área Metropolitana de Lisboa,
em particular o principal bairro
cultural da cidade, o Bairro Alto
e Chiado. Uma versão dessa tese
foi lançada em livro: “A Cultura
em Lisboa - competitividade e
desenvolvimento territorial (edi.
Imprensa de Ciências Sociais).”
“Esta é a zona da cidade que
mais facilmente se poderá
assemelhar a um bairro
cultural”, diz-nos, “não só pela
quantidade e diversidade de
agentes que aqui se localizam,
como pelo potencial simbólico
que usufrui na cidade, bem
como pelos efeitos externos
gerados pela conjugação
dessas características. Isso foi
decisivo para me debruçar sobre
este eixo, dedicando atenção
à inovação e criatividade
nas dinâmicas geradas
na zona, bem como na sua
afirmação competitiva e na sua
sustentabilidade, não deixando
de lado os conflitos existentes.”
Sinergias e diferenças
Entre o Bairro Alto e o Chiado
existem sinergias, mas
também diferenças. “São dois
sistemas autónomos”, reflecte,
“o lado mais nocturno ligado
à transgressão, a actividades
emergentes, no Bairro Alto, e o
lado mais institucional, diurno,
no Chiado, onde existe a maior
concentração de livrarias do
país.”
A zona é um dos pólos
principais da cidade no que
respeita à animação nocturna,
às artes performativas, à moda,
ao sector do livro, a segmentos
da produção audiovisual
ou a alguns dos mercados
alternativos das indústrias
culturais. Evidencia-se pela
quantidade de actividades
culturais aí implantadas, mas
sobretudo pelo desenvolvimento
de um meio criativo propício
à circulação da informação, à
difusão da inovação e à maneira
tolerante como são recebidas as
“É um espaço onde
é necessário estar, ir,
ser visto, encetar
contactos e divulgar
lá coisas”
demonstrações culturais mais
alternativas.
“É um espaço onde é
necessário estar, ir, ser visto,
encetar contactos e divulgar
lá coisas. É um pólo nesse
sentido, funcionando como
base do sistema produtivo das
actividades culturais. Por outro
lado, possui um sistema de
(auto)governação específico e
um sistema de representações
próprio - os agentes que lá estão
reconhecem o local como um
bairro cultural e, externamente,
é visto dessa forma.”
Modelos
O exemplo do Bairro Alto
difere do de outros bairros
NUNO FERREIRA SANTOS
culturais pela sua duração.
Não é comum uma zona com
estas características manter
a centralidade durante tantos
anos. “Nos EUA são normais
fenómenos de gentrificação.
Os artistas dão visibilidade ao
bairro, criam valor imobiliário,
a zona é apropriada por outras
pessoas e os artistas vão
saindo.”
Em Inglaterra é diferente. “As
operações são conduzidas pelos
poderes públicos, promovendo
agências de desenvolvimento
local, que actuam em zonas
industriais, facilitando o
aparecimento de actividades
culturais”, funcionando como
veículo de requalificação
urbanística de espaços
degradados ou reconvertidos.
Um outro modelo é aquele
que permite que, através da
iniciativa de vários agentes
da mesma área de actividade,
se tente criar uma área com
motivações comuns. É isso que
tem sido tentado em Lisboa
com o projecto “Santos Design
District”, em Santos.
No Bairro Alto ainda
não existe um fenómeno
de gentrificação, mas anos
depois de ter desenvolvido
o seu trabalho, Costa é da
opinião que existe um perigo
de massificação. “Não é
compatível ter uma área
criativa e vanguardista sendo
massificada. Já se sente isso,
com pessoas a saírem para
zonas envolventes, da Bica ao
Cais do Sodré. Por outro lado,
socialmente, mais pessoas pode
ser sinónimo de mais conflitos.”
Quando começou a
desenvolver o seu trabalho,
o valor estratégico das
actividades culturais
para o desenvolvimento
territorial ainda não tinha o
reconhecimento que hoje têm.
Mas no último ano, noções como
o das “cidades criativas” ou
“indústrias criativas” ganharam
visibilidade em Portugal porque
parece existir, por fim, até da
parte do poder político, a noção
que são necessários novos
modelos de desenvolvimento
que cruzem cultura, urbanismo,
economia e questões sociais.
Mas Pedro Costa espera que a
questão não se fique apenas pela
retórica. Até porque se “por um
lado existe esse tipo de discurso,
depois reduz-se o orçamento
do estado para a cultura.” Ora,
o que faz sentido quando se
acredita numa área de actuação
nova é aumentar o orçamento e
não reduzi-lo.
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 9

PEDRO CUNHA
HÉLDER OLINO
On d
Fala-se muito da v
Como outros locais cuja v
HÉLDER OLINO
vir beber um copo, ver um concerto
na ZDB ou conviver nas ruas com pessoas
que não se encontram em mais
nenhum local.”
O valor icónico de lugares que marcaram
as décadas de 80 e 90, como
o Frágil, Três Pastorinhos ou Captain
Kirk perdeu-se. Claro que continuam
a existir espaços que se diferenciam
(bares como Maria Caxuxa, Clube da
Esquina, Mexe Café ou Purex, bares
dançantes como o Frágil ou o
Bedroom, livrarias como a Ler Devagar
ou a Galeria ZDB), mas é na rua
que tudo acontece.
Apesar das tentativas de controlo,
os bares multiplicaram-se. O investigador
Pedro Costa, que estudou o
bairro [ver texto nestas páginas], diz
que os poderes públicos foram sensíveis
à questão. “O problema é que
isso não inviabilizou nada, simplesmente
inflacionou os preços, fez com
que os trespasses se fossem multiplicando
e criaram-se subterfúgios,
como os bares de apoio.”
Um dono de um bar, que prefere
manter o anonimato, refere que esse
é o problema do território neste
momento. “É injusto olhar para todos
os espaços nocturnos de forma nivelada.
Alguns geram interesse cultural,
porque fazem participar as pessoas
numa dinâmica criativa e estimulam,
enquanto outros são pequenos sítios
que se limitam a vender copos para a
rua. Como é possível que sejam tratados
de forma uniforme?”
Os conflitos no bairro, resultantes
da exploração dos recursos e nas formas
de os regular, não são novos. As
tensões são múltiplas, seja entre residentes
e frequentadores, entre moradores
tradicionais e novos residentes,
entre comércio tradicional e novas
actividades, entre utilizadores diurnos
e nocturnos ou entre agentes
culturais e reguladores públicos das
suas actividades.
Até agora, a intervenção externa
não tem sido muito necessária. Tem
havido uma espécie de auto-regulação
que emerge do próprio sistema do
bairro, resultante de uma multiplicidade
de mecanismos. Mas os perigos
decorrentes do excesso - de bares e
de pessoas, com o que isso acarreta
BA
Noite
Às quintas, sextas
e sábados as ruas
enchem-se de gente
que sobe e desce ruas
ou paira, de cop
o na mão, em frente
aos bares
Foi na década de 80. O país
vinha de uma ditadura, queria
abrir-se à modernidade, uma
nova geração agitava-se, a
pop irrompia, a moda dava os
primeiros passos e o Bairro
Alto transformava-se no novo
centro da Lisboa boémia.
Em espaços como o Frágil,
Três Pastorinhos, Rockhouse
(depois Juke Box), Café
Concerto, Nova ou Keops,
a arquitectura, a música, o
design, a moda, o jornalismo,
a dança, copos, corpos
cruzavam-se, fazendo desses
espaços uma mistura de
sociabilização do prazer e de
produção artística.
Apesar da propensão
portuguesa para passar ao
lado da História - talvez porque
não vivamos, autenticamente,
as histórias - já muito foi dito
sobre essa época. Por ter sido
iniciática é hoje idealizada. Por
ter sido relevante, muitos dos
que a fizeram acontecer estão
hoje no poder.
A meio dos anos 80, a Lisboa
artística misturava-se com
a Lisboa castiça do Cais do
Sodré e do mercado da Ribeira
nas “Noites Longas”, ao Largo
Conde Barão, Santos, num
charmoso palacete do século
XVI, que mais tarde viria a
hospedar o B. Leza. Ali comiase
tardiamente, discutiam-se
projectos, dançava-se no salão.
Dez anos depois, a meio
dos anos 90, a festa já não
tinha a mesma exuberância.
O Frágil, desde sempre o
símbolo do Bairro, já não
possuía a mesma aura. Mas
em Dezembro de 1995, surgiu
o Captain Kirk, no nº 121 da
Rua do Norte. Iria incorporar
um desejo de mudança, como
se fosse a manifestação de
uma verdade que ninguém
ainda expressara. Era o
prolongamento da ideia de bar
boémio e cultural que havia
feito a fama do Frágil. Mas era
outra coisa.
Os locais nocturnos em voga
nesse período personificavam
um modelo consolidado, com
desejo de sumptuosidade.
No Kirk prevalecia a
informalidade e até alguma
vulgaridade que, afinal, era
afirmação estética. Havia
vontade de desenvolver algo
de diferente, ao nível dos
comportamentos.
Não era um espaço grande.
Mas não é por aí que se mede
a sua influência. Todas as
noites eram iguais e distintas
(seguindo a lógica dos clubes
britânicos com sessões
temáticas todos os dias). Ao
final da tarde havia cinema e
ali se legitimou a actividade
do DJ como em nenhum outro
sítio da época. Isolados,
nenhum destes factores era
novo. A novidade era essas
especificidades estarem
reunidas, condensado a
vontade dos que achavam
que o Bairro dos anos 80
havia cristalizado e de uma
geração mais nova que retinha
10 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

de pára o Captain Kirk?
a
a
vitalidade dos anos 80, mas entre 1995 e 1997 houve um meteorito no Bairro Alto, o Captain Kirk, o espaço onde todos queriam estar.
validade reside na energia que desencadeiam não se aguentou muito tempo. Mas a sua marca ainda se faz sentir. Vítor Belanciano
a energia adolescente dos que
querem que o mundo fosse seu
- agora.
Dois anos alucinantes
O Kirk durou pouco. Talvez não
pudesse ser de outra forma, diz
o realizador Jorge Cramez, na
casa dos 40 anos, espécie de
“dono honorário”, como gosta de
afirmar. Em sua casa, olhando
para uma foto de Marilyn, não
resiste à analogia: “Penso
nela ou no [James] Dean como
metáforas. Viveram o tempo
certo para deixarem rasto. O
Kirk também. Viveu o tempo
certo para ficar qualquer coisa.
Aquela potência esgotou-se. Só
podia. Aqueles dois anos foram
alucinantes!”
Os proprietários eram Tiago
Vaz, que hoje está retirado, e o
belga Gilluu Leroy, que se dedica
à restauração na Tailândia.
Recuperaram uma velha casa,
transformando-a num bar
dançante. Não era grande, mas
foi optimizado. À direita, uma
máquina de flipers, à esquerda
mesas, rodeando uma pista
de dança circular, um balcão
corrido e oito televisores.
“No primeiro ano, foi um
acontecimento em Lisboa”,
recorda Cramez, “agregando
pessoas do Frágil, e de outros
espaços, ligadas às artes, dança,
cinema, jornalismo ou moda.
Depois, funcionou o boca-a-boca.
Inicialmente, os ciclos de cinema
ao final da tarde deram-lhe
visibilidade, tornando-o em algo
mais do que sítio de copos. Às
sete da tarde podia verse
retrospectivas
Em pouco mais de seis meses, tornou-se ‘o’ sítio de Lisboa
de realizadores de referência.
Em pouco mais de seis meses,
era ‘o’ sítio de Lisboa.” Ia-se ao
Kirk para se ver e ser visto. Mas,
até pela configuração do espaço,
a pose de “ver o ambiente” não
funcionava. “Quem ia lá, ia lá
mesmo”, lembra Ricardo Montas,
38 anos, designer, a viver hoje
em Londres. “Não era um espaço
onde se fosse descontrair. Tinha
que se estar lá, mesmo.”
“O Kirk representa a essência
do Bairro, a capacidade de num
espaço pequeno haver pessoas
diferentes. Tanto havia o pessoal
artístico como as pessoas que só
queriam dançar, numa mistura
de pessoas mais velhas e novas.”
Montas veio dos arredores de
Leiria para estudar em Lisboa. O
Kirk foi a segunda escola. “Foi o
Kirk que me integrou em Lisboa.
E foi dali que abri olhos para o
mundo.”
À porta estava a figurinista
Isabel Peres ou Vanessa Rato,
hoje jornalista do PÚBLICO.
Ao balcão encontrava-se,
inicialmente, DJ Rui Murka,
hoje com 36 anos. “Tinha 22
anos, naquele espaço respiravase
qualquer coisa de novo e
queria fazer parte daquilo. Era
uma excitação ir para lá. Havia
sempre muita gente, aquilo não
parava. Estava sempre ansioso
por ir trabalhar. Fazia parte
de um grupo de pessoas que
se queria afirmar e que sentia
que aquele era o espaço onde
estavam as coisas a acontecer.”
O tempo deu-lhe razão.
Nessa época
“Havia muita avidez
na forma como
aquele ambiente se
consumia e, às tantas,
começou a ser o
ambiente a consumir
algumas pessoas”
Rui Murka, DJ
Todas as noites eram iguais e
distintas (seguindo a lógica dos
clubes britânicos com sessões
temáticas todos os dias)
movimentavam-se uma série
de DJs que queriam legitimar
novas sonoridades para lá da
lógica da música de dança mais
funcional (house e tecno) que
predominava. O Kirk funcionou
como catalisador. Foi ali que
despontaram, ou tiveram
oportunidade de evoluir, nomes
hoje firmados da cultura DJ
portuguesa como Tiago Miranda
(Loosers, Dezperados, Pop Dell’
Arte, Slight Delay), Dinis, Nuno
Rosa (Pink Boy, Dezperados)
ou Rui Murka. Foi também ali
que o colectivo CoolTrain Crew
(Johnny, Murka, Dinis, Rosa,
Miranda e eu próprio) deu os
primeiros passos, antes de
iniciar residência no Ciclone (ex-
Johnny Guitar) e transitar pelo
resto do país.
Todos esses nomes, em
conjunto com outros, como os
residentes Lígia Pereira ou Rui
Viana (sonoplasta), criaram a
imagem sónica do Kirk, misto
de linguagens em afirmação
na época, do drum & bass ao
jazz mais dançável, até noites
ecléticas onde tudo podia
acontecer. Uma vontade de
surpreender que chegou a ser
elogiada na revista inglesa “The
Face”.
O sociólogo, músico e artista
António Contador, 38 anos, hoje
em Paris, também por lá andava.
Às vezes como cliente, outras na
cabine de DJ. “Recordo-me das
noites Pimp-Pop, ao domingos,
em que o Rui Viana e o Tiago
Vaz misturavam piroseiras
num espírito embriagador, com
aquele cheiro a tabaco e a bafio
por todo o lado que se colava à
pele e era maravilhoso. Lembrome
da Isabel Peres e da Vanessa
Rato na porta, adornavam com o
seu ar ‘arty-trashy’ a cena toda
que girava à volta do Kirk e que
era naquela altura o centro do
universo criativo lisboeta.”
Algumas das noites mais
emblemáticas não aconteciam
aos fins-de-semana. A dinâmica
era diferente da actual.
“Não havia tanta oferta”,
reflecte Murka, “e as pessoas
concentravam-se mais num
circuito, contribuindo para que
todos os dias existisse alguma
animação. Havia uma grande
dinâmica e aos domingos,
segundas ou terças havia
pessoas para se divertirem.”
Uma das imagens que ainda
hoje perdura é a dos televisores.
“Era singular um bar daqueles
ter tanta informação visual,
com uma dezena de televisores
a passar coisas diversas
- documentários, coisas ligadas
à arte ou fitas clássicas”,
conta Cramez, que fazia
a programação de
cinema.
O Kirk
libertava uma energia
excessiva. Não era apenas um
bar ou uma discoteca. Era um
organismo vivo e como muitos
locais cuja validade reside na
vitalidade que desencadeiam
não se aguentou muito tempo.
“Havia muita avidez na forma
como aquele ambiente se
consumia e, às tantas, começou
a ser o ambiente a consumir
algumas pessoas”, diz Rui
Murka. “Havia tantos exageros
que era impossível manter
aquele negócio. Não havia
cabeça para tal.”
Certa noite, uma dúzia de
pessoas, entre empregados e
clientes, foi parar à esquadra
e, depois, presente a tribunal.
Acusação: distúrbios à ordem
pública. O facto nada teve de
extraordinário, efeito de uma
discussão acalorada entre
empregados, clientes e polícia,
pelo facto do bar ainda conter
pessoas depois das quatro da
manhã, mas Murka assinala
o sucedido como marcante.
“Foi um episódio, mas deu
início ao declínio. O primeiro
ano foi intenso, com cultura,
diversão e sentido lúdico, mas
depois começaram os exageros
com os consumos ilícitos e
os responsáveis perderam o
controlo à coisa.”
O último com aura
O bar Captain Kirk, nome de
herói do Caminho das Estrelas,
imortalizado na canção
“Where’s Captain Kirk?” do
grupo punk Spizzenerg!,
surgiu num tempo de transição
do Bairro Alto.
Recebeu a herança dos
anos 80, atribuindo-lhe
nova energia, generosa mas
desmesurada, ao mesmo
tempo que já prenunciava
os novos tempos. A fase de
empobrecimento coincide já
com a ocupação das ruas do
Bairro Alto, que começou a
ser vivido no exterior e não
no interior. Para muitos, como
para Ricardo Montas, foi o
último dos bares icónicos
do Bairro a ter essa aura de
mistério. “Quando entrava
naquele sítio, perguntava-me
sempre: ‘o que vou encontrar
desta vez?’”
A jornalista Maria João
Guardão evoca o espaço de
forma lapidar: “falar, falar,
falar, beber, beber, beber,
dançar, dançar, dançar, e tudo,
outra e outra vez”.
António Contador recordanos
que um local daqueles
também é espaço de afectos:
“Lembro-me tão bem das
pessoas que trabalhavam no
Kirk, em especial da Cikuta.
Para mim, o Kirk era muito
ela. Nunca lho disse e adorava
fazê-lo. Lembro-me do seu
corpo esguio, das mãos finas
e compridas, do cabelo curto
e do rosto e sorriso à Grace
Jones. Cikuta, se me estás a
ler, fica sabendo que foste
linda e seguramente ainda és.”
Se souberem onde ela pára,
digam-lhe.
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 11

BA
Típico
PEDRO CUNHA
Mercearias, tascas,
antiquários, ardinas
e velhas casas de
fado são algumas das
marcas que o Bairro
Alto de outros tempos
ainda conserva.
Principalmente
durante o Verão, os
turistas agradecem
de descontrole à volta - podem levar
ao colapso desse processo. O conflito
à volta dos horários de encerramento
apenas explicitou essa ideia.
A intervenção pública poderá não
fazer sentido em muitas questões, mas
no caso da limitação do ruído, é defensável
que aconteça, dizem os moradores.
Para reduzir o barulho, a Câmara
Municipal de Lisboa implementou, em
Outubro, o encerramento dos bares
às duas da manhã. Belino Costa da
Associação de Comerciantes do Bairro
Alto diz que existe uma “enorme insatisfação”,
já que é uma medida de
excepção que “impede a concorrência
em igualdade de circunstâncias com
outras zonas da cidade.”
“Não duvido das boas intenções de
quem tomou essas medidas”, diz
Mário Augusto, designer, de 29 anos,
que vive na zona, “o problema são os
efeitos colaterais. Agora toda a gente
sai dos bares em massa à mesma hora,
ficando a marinar por aí, criando focos
de tensão. É como a história dos ‘graffiti’.
Toda a gente sabe que as zonas
onde são proibidos são as preferidas
de quem os faz. Ou seja, ao querer
reprimir-se, está-se a convidar.”
A questão dos horários é apenas
uma, entre outras, reveladora de conflitos
de interesses, num momento em
que a área vive momentos de transformação.
O receio da especulação
imobiliária - intensificado desde que
se soube da reconversão, em condomínio
privado, do Convento dos Inglesinhos
- ou o temor que a zona se torne
PEDRO CUNHA
demasiado turística, são outros temas
que provocam debate aceso.
Mas, apesar do equilíbrio precário
e da insatisfação de muitos actores
envolvidos na dinâmica de um bairro
cultural com as características do
Bairro Alto, nada de essencial ainda
se perdeu. Ao longo da história a zona
tem conseguido manter o seu dinamismo
e apresentado uma grande
capacidade de regeneração.
Hoje continua a manter públicos,
renovando-os, e conserva o ambiente
- apesar de se poder dizer que está
mais degradado - que lhe deu reputação,
ao mesmo tempo que manteve
as redes e formas específicas de interacção
com outras actividades que lhe
permitiram afirmar-se.
Nas cidades estáveis, maduras e
dinâmicas, com suficiente massa crítica,
existe grande capacidade de
renovação. Há aptidão para alimentar,
periodicamente, novos ambientes
criativos. Nos últimos anos, o prolongamento
do Bairro Alto tem sido
encetado na direcção do bairro da
Bica, Cais do Sodré, Cais da Pedra
(Lux) ou Santos.
Mas até pode acontecer que surja
um novo eixo cultural e boémio noutra
zona da cidade. “Lisboa tem
dimensão para ter outros bairros culturais”,
defende Pedro Costa, “mas
necessitariam de uma actuação
pública mais vincada do que acontece
no Bairro Alto, seja no sentido de facilitar
a apropriação do espaço pelas
actividades culturais, seja de disciplinar
as operações urbanísticas que lá
acontecem.”
Quem sabe se qualquer coisa capaz
de gerar uma dinâmica semelhante à
do Bairro Alto não poderá nascer na
Baixa, em Braço de Prata (Cabo Ruivo),
onde a reutilização de espaços inexplorados
é possível, na Almirante Reis,
onde as rendas ainda são baratas, ou
na zona industrial de Alcântara? O
Bairro Alto, algo congestionado, até
era capaz de agradecer.
12 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

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FOTOGRAFIAS DE ANTON CORBIJN
Larry Mullen diz, de tempos a tempos,
que os U2 são a sua banda. Historicamente,
tem razão. Foi ele que em
1976, em Dublin, afixou um anúncio
na escola requisitando músicos para
formar um grupo. The Edge e Bono
foram alguns dos que responderam e
o baixista Adam Clayton chegou como
amigo do guitarrista. Ou seja, não fossem
as audições organizadas por Mullen
na cozinha da sua casa e aquela
que é hoje considerada a maior banda
do mundo não existiria.
Por isso, o baterista que, como acontece
com a maioria dos bateristas, é o
membro da banda com menos entradas
em pesquisa do Google (tem 546
mil, próximas das 750 mil de Adam
Clayton, longe dos muitos milhões de
Bono e Edge). Levanta a voz e exclama:
“Os U2 são a minha banda!” Claro que
não é para levar a sério e ele sabe-o.
Citamo-lo, na Wikipedia, recordando
os primeiros passos do grupo: “Fomos
a Larry Mullen Band por cerca de dez
minutos, depois Bono apareceu e eliminou
qualquer hipótese que eu
tivesse de estar no comando”.
Se tal foi verdade nesse 1976 em
que quatro adolescentes de Dublin,
pouco dotados tecnicamente, se juntaram
para tocar versões e tentar
inventar alguns originais, inspirados
pelos Clash e pelos Joy Division, hoje
em dia é uma evidência inescapável.
Os U2 são a última grande banda
de estádio, uma das poucas da sua
geração a ter impacto real junto de
um público alargado e numa depauperada
indústria discográfica. Cada
novo disco é muito mais que um simples
lançamento: é um acontecimento
esmiuçado ao pormenor e
analisado bem para além da música.
“No Line On The Horizon”, álbum
que põe fim ao maior hiato entre edições
na história da banda - há cinco
anos a separá-lo de “How To Dismantle
An Atomic Bomb” -, surge como
nova prova disso mesmo.
Acompanharam-se as movimentações
da banda entre Marrocos,
Holanda, Estados Unidos e Irlanda,
especulando-se sobre uma revolução
sonora que incluiria transe magrebino
e outras músicas africanas. Falou-se e
sonhou-se com os resultados da parceria
com os produtores Brian Eno e
Daniel Lanois, ligados a alguns dos
momentos mais criativos dos U2,
como “Unforgettable Fire” ou
“Achtung Baby”. E, com isso, veio tudo
o resto. Se “How To Dismantle An Atomic
Bomb” reflectia a era de chumbo
da Administração Bush, controverso
amigo pessoal de Bono (já lá vamos),
“No Line On The Horizon”, a começar
pela capa do fotógrafo japonês Hiroshi
Sugimoto, sugere o reencontro com
um certo equilíbrio.
Rock e filantropia
Naturalmente, tudo se centra em
Bono, o cantor nomeado Sir por Elisabeth
II, “o homem do ano” de 2005,
distinguido pela “Time” ao lado do
casal Bill e Melinda Gates, a estrela
rock que é personagem política omnipresente,
correndo da Casa Branca
para o 10 de Downing Street numa
tentativa de consciencializar a elite
política da necessidade de salvar África
da fome, da sida, da miséria e da corrupção
- não é por acaso que os seus
admiradores lhe chamam Santo Bono,
não é por acaso que os detractores lhe
chamam o mesmo. Ele tenta separar
as águas e distinguir a sua actividade
como filantropo da sua posição de
vocalista de uma banda rock, mas tem
perfeita consciência que tal é impossível
- o novo álbum, de resto, está
repleto de referências a isso mesmo.
“Há o perigo de as pessoas começarem
a ver os U2 como parte do espectáculo
Bono”, dizia Larry Mullen a
Sean O’Hagan, jornalista do “Guardian”
que acompanhou o longo processo
de gravação de “No Line On The
Horizon”. “Admiro e apoio tudo o que
ele faz”, continuava, “mas afirmo categoricamente
que não é isso que
sucede”.
Assim sendo, talvez o erro de percepção
esteja no nosso olhar. Talvez
os U2, pela dimensão que têm - são
uma das bandas que mais discos vende
em todo o mundo e a que tem as
digressões mais lucrativas -, não consigam
escapar a essa leitura.
Nesta altura, e já há muito, a música
é apenas parte da equação. Não por
acaso, todos os álbuns que editaram
desde “Pop” (1997) são analisados
tendo o próprio percurso da banda
como referência. Dizemo-los mais
aventureiros ou mais conservadores,
mais interventivos ou introspectivos
por comparação com a sua obra, não
com o panorama global da música
popular urbana: tornaram-se um
género acima dos géneros - e, nele, o
Bono “salvador do mundo” que muito
fala e não canta é componente tão
inescapável quanto a luminosidade
reverberante da guitarra de Edge.
“No Line On The Horizon”, o novo
álbum, não poderia nunca escapar a
essa percepção - uma faca de dois
gumes.
Por um lado, torna a banda e os seus
membros personalidades com uma
exposição e capacidade de influência
ímpar no cenário musical: as suas
ideias, qualquer que seja o assunto,
vão ser escutadas atentamente, amplificadas
e discutidas no espaço
público.
Por outro, a sua relevância nos
mecanismos criativos da cultura pop
contemporânea está reduzida ao seu
peso como instituição - e neste
momento ele é tal que, num certo sentido,
atingiram o patamar dos Rolling
Stones: podem mudar, podem até inovar,
mas nunca serão, como no passado,
alavanca para a mudança.
Além da auto-ironia de Bono quanto
à sua dupla condição de músico e de
activista político - “be careful of small
man with big ideas”, canta na nova
“Stand up comedy”; “the right to be
ridiculous is something I hold dear”,
informa em “I’ll go crazy if I don’t go
crazy tonight” -, além da sua transparência
e interesse nulo em manter uma
imagem de estrela rock’n’roll politicamente
correcta (o mundo, incluindo os
companheiros de banda, irritou-se com
os seus encontros com George W. Bush
e ele respondeu com o maior apoio
americano de sempre à prevenção da
sida em África), além de tudo isto que
não é a música mas são os U2, dizíamos,
o mais interessante é ver como esta
banda acredita na possibilidade de marcar
a agenda criativa da actualidade.
De Fez para o mundo
“No Line On The Horizon” começou
a nascer na cidade marroquina de Fez.
Após umas abortadas sessões de gravação
com Rick Rubin, mítico produtor
dos Beastie Boys e, depois disso,
responsável pela reabilitação criativa
Os U2 são a última grande banda de estádio, uma das poucas a ter impacto real junto de um públi c
e cada novo disco é um acontecimento analisado bem para além da música. “No Line On The Ho r
“No Line On The Horizon” existe e i
Música
acontecimen

“Pessoas como eu,
todos os activistas,
podem ser
considerados
culpados de achar
que têm uma
desculpa para serem
fundamentalistas.
É por isso que tantos
militantes
anti-pobreza são tão
aborrecidos.
Eu incluído”
Bono
de Johnny Cash, os U2 voltaram-se
para terrenos mais familiares. Convocados
Brian Eno e Daniel Lanois,
reconvertido o jardim interior de um
hotel de luxo em estúdio, começou o
longo processo de gravação.
Ao “Guardian”, Larry Mullen recordou
as sessões em Fez como um período
libertador: “Tocar música pelo
simples prazer de o fazer, sem nenhum
verdadeiro objectivo à vista. Foi por
vezes caótico, mas mesmo o caos foi
criativo.” Acrescentou: “Por vezes perdemos
consciência disso, com todas
as outras coisas que agora surgem por
estarmos nos U2.”
As “outras coisas” de que fala são,
por exemplo, ver Paul Allen, co-fundador
da Microsoft e um dos homens
mais ricos do mundo, aparecer no
estúdio para uma jam com a sua banda
amadora, são Bono a oferecer um jantar
à Rainha da Jordânia e a acolhe-la
no dia seguinte como espectadora de
um ensaio - dois mundos a colidir, o
da aristocracia mediática e o da banda
rock entregue à gravação de um disco.
Bono nega tal conflito: “Quando estou
com os U2 a fazer o trabalho dos U2
têm-me a cem por cento ou não estaria
aqui agora e certamente que não teríamos
feito um álbum como este.”
Explica: “Entrego o meu tempo à
minha família, à minha banda e ao
meu interesse pelo mundo.” Segundo
ele, não há interferências entre cada
um dos planos. Vejamos.
Diz compreender os que vêem nele
uma personalidade irritante: “Pessoas
como eu, todos os activistas, podem
ser considerados culpados de achar
que, como lidam com questões de vida
ou de morte, têm uma desculpa para
serem fundamentalistas. É por isso
que tantos militantes anti-pobreza são
tão aborrecidos. Eu incluído.” A sua
posição enquanto vocalista surge,
então, como reflexo da exposição
enquanto “militante irritante”: “[A
vida nos U2] tornou-se um lugar muito
privado e muito especial. As canções
tornaram-se mais intimistas. [Com “No
Line On The Horizon”] queria chegar
a um lugar íntimo, interior. Quero
escapar ao sujeito e ao tema e torná-los
puro intercâmbio.”
“No Line On The Horizon”, preparado
ao longo de dois longos anos,
criado a partir de sessões de gravação
que produziram cerca de seis dezenas
de canções - prevê-se que, até ao final
do ano, seja editado um novo álbum
com o material excedente -, não é propriamente
esse lugar privado. Bono
satiriza a sua própria imagem, dá voz
a soldados em guerra num lugar indefinido
- mas é no Médio Oriente, obviamente,
que os imaginamos -, atira amor
cristão sobre o presente e exclama:
“The future needs a big kiss.”
Não há espaço para intimidade
quando o mundo espera ler-se a si
mesmo nas palavras e na música de
uma banda rock. Não é possível separar
a estrela rock do cidadão filantropo
quando a banda se tornou maior que
a sua própria música.
Chegou o novo disco do maior
grupo do mundo e o ruído do
momento é amplificado pelo facto de
os U2, como aponta Sean O’Hagan,
serem os últimos a “insistir que o rock
tem um qualquer significado superior,
num tempo em que o formato parece
perseguido pela sua falta de ressonância
cultural”.
Pois bem, aí o temos. Justa ou injustamente,
tudo o resto (a renovação
estética, os temas abordados, a ironia
e o intimismo de Bono) é secundário.
“No Line On The Horizon” existe. Eis
o acontecimento.
Ver crítica de discos págs. 44 e 45
i co alargado. São a banda de Bono, estrela rock e filantropo,
o rizon” surge como nova prova disso mesmo. Mário Lopes
e isso é um
nto
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 15

Simone e Zélia Duncan nunca tinham
pensado em cantar juntas. Mas uma
sucessão de acasos levou-as a partilharem
o palco, num espectáculo que
só agora sai do Brasil para três apresentações
em Portugal: dia 2 na
Figueira da Foz (CAE), 3 no Porto
(Coliseu) e 6 em Lisboa (Campo
Pequeno).
Simone conta como tudo sucedeu:
“Temos um amigo comum, [o produtor
e compositor] Hermínio Bello de
Carvalho, que foi com quem comecei.
A Zélia e a Bia Paes Leme estavam a
produzir um disco do Hermínio e fui
convidada a participar numa das faixas,
‘Ouro e incenso’, música dele
com o Martinho da Vila. Gravei.
Semanas depois, fui gravar o meu
DVD e convidei a Zélia a participar,
junto com Milton e Ivan Lins.”
Foi no Teatro João Caetano, em
Agosto de 2005. Mas o convite nasceu
de uma troca de canções. Simone
pedira a Zélia que fizesse uma versão
de “The Blowers’s Daughter”, de
Damien Rice, e Zélia ripostara
enviando-lhe uma versão de “La edad
del cielo”, de Jorge Drexler, feita por
Paulinho Moska, propondo-lhe que
a ouvisse. “Quer cantar comigo?”,
perguntou Simone. Quis. “E aí começou.”
No lançamento do DVD de Simone,
no Canecão, Zélia também subiu ao
palco. Na plateia estava Márcia Alvarez,
directora artística do Tom Brasil,
que depois de as ouvir as desafiou a
fazerem um espectáculo juntas. Zélia
aceitou: “Tenho a minha carreira,
faço milhares de coisas ao mesmo
tempo e achei maravilhoso estar com
uma artista como a Simone, que sempre
admirei tanto.” Simone recorda:
“O primeiro espectáculo foi em
Agosto de 2006, depois fizemos outro
no Rio de Janeiro em Dezembro e o
disco foi gravado em Outubro do ano
seguinte, 2007.” E chegou às lojas no
Brasil em Junho de 2008 com o título
“Amigo é Casa”, logo seguido do
DVD.
Esta é, em síntese, a história do
projecto. “O reportório estava pronto
desde o início, nada foi mudado”, diz
Simone. “A única música que foi
acrescentada foi ‘Amigo é casa’, que
deu o nome ao CD e ao DVD. É uma
música lindíssima [parceria de Hermínio
com Capiba] que sempre foi
pensada como extra. A gente reunia
as pessoas na casa do Hermínio ou
na minha casa e conversava sobre a
“Na verdade, das 26
músicas que foram
gravadas, só oito ou
nove cantámos
separadas. Então,
em 70 por cento do
espectáculo estamos
cantando juntas.
É uma dupla,
mesmo”, diz Simone.
Zélia concorda:
“Somos duas
cantoras solistas
mas aqui somos
uma dupla, tudo
foi feito para que
cantássemos juntas,
o que dá um tom
singular ao projecto”
amizade, a família e cantava essa
música.” É assim, aliás, que surge no
DVD da dupla, gravado em casa de
Simone, como único bónus extraconcerto.
Mas em Portugal, depois
de 15 shows pelo Brasil, a canção vai
mesmo ser incluída no espectáculo.
“É uma novidade que vocês vão
poder ver”, diz Zélia. “É um momento
muito bonito, só voz e violão onde a
gente canta juntas ‘Amigo é casa’,
mais ou menos no meio do espectáculo.”
Uma dupla, mesmo
Desde o início, ambas garantem que
resistiram à tentação da facilidade.
Simone disse a Márcia, em resposta
ao convite: “Não vamos reunir dez
sucessos e cantá-los porque vai ficar
uma coisa muito chata, ridícula, sem
nenhuma criatividade. Vamos tentar
fazer uma coisa que a gente nunca
tenha cantado.” Zélia acrescenta:
“Quisemos escolher um reportório
que não fosse óbvio. E foi muito emocionante.
Fizemos uma lista do que
pudesse ser relevante para ser registado,
que não parecesse um truque.”
Assim vieram “Meu ego” (Roberto e
Erasmo Carlos), “Gatas extraordinárias”
(Caetano), “Grávida” (Marina
Lima e Arnaldo Antunes). Ou “A companheira”,
de Luiz Tatit, que Zélia
canta sozinha ao longo de seis minutos.
“É maravilhosa, mas jamais vou
decorar uma música desse tamanho”,
diz Simone. “Luiz Tatit é um compositor
da vanguarda paulista e é um
dos meus ídolos”, justifica Zélia. “A
canção é uma história linda, mas difícil.”
E há também a versão de “The
Blower’s Daughter”, que Zélia escreveu
para Simone como “Então me
diz” e é agora cantada pelas duas. “A
gente não sabia que a Ana Carolina
também estava a fazer uma versão
[com o título ‘É isso aí’]. O escritório
do Damien Rice deu os direitos à
Simone para ela gravar, eu fiz a versão,
e só na véspera soube da outra
versão. Que loucura! Foi uma coincidência,
mesmo...”
Já a intenção de acentuar o trabalho
a duas foi tudo menos coincidência.
“Na verdade, das 26 músicas que
foram gravadas, só oito ou nove cantámos
separadas. Então, em 70 por
cento do espectáculo estamos cantando
juntas. É uma dupla, mesmo”,
diz Simone. Zélia concorda: “Somos
duas cantoras solistas mas aqui somos
uma dupla, tudo foi feito para que
cantássemos juntas, o que dá um tom
singular ao projecto.”
“As vozes combinaram bastante”,
diz Simone. “Visto de fora, não tenho
nada a ver com a Zélia e ela não tem
nada a ver comigo. É de uma geração
mais nova que a minha, é uma cantora
pop, rock, mas também viaja
pelo universo do samba. Tem uma
cultura musical muito boa, é uma
cantora e compositora muito boa,
mas acredito que ela jamais tenha
pensado (como eu também não pensei)
que um dia cantaríamos juntas.”
Já Zélia Duncan recorda Simone
como uma referência antiga. “Comecei
a cantar com 16 anos e Simone,
como Bethânia, Elis, Elizeth Cardoso,
Gal Costa, sempre foram meus ídolos.
Eu morava em Brasília e a primeira
vez que vim ao Rio, ao Canecão, foi
para assistir a um show da Simone.
Então, voltarmos àquele palco as
duas, juntas, foi uma grande emoção
para mim.” Simone também dá muito
valor à experiência. E por uma razão
acrescida: “Adoro dividir o palco,
adoro cantar junto, sempre fui colectivo.
Você aprende uma lição quando
divide o palco: é que não pode ultrapassar
essa linha ténue do seu companheiro
ou companheira. Tem que
se ser mais rigoroso.”
Ver crítica de discos pág. 44 e agenda
de concertos pág. 42
Música
uma
O primeiro espectáculo musical a que Zélia
Duas em
Duncan assistiu no Rio de Janeiro, na sua juventude,
foi de Simone. Agora andam juntas pelos palcos
e, antes de uma digressão em Portugal explicam
como e porquê. Nuno Pacheco
Simone, à direita,
diz que “as vozes
combinaram
bastante”
16 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

RENATO NUNES
Associado ao surto de criatividade
dos últimos anos no jazz nacional,
Nelson Cascais saltou, de forma quase
imperceptível, para a linha da frente
dos contrabaixistas portugueses.
Subitamente, e ainda enquanto
aluno da escola do Hot Clube de Portugal,
o seu nome passou a alinhar
com os mais destacados músicos de
jazz, ao mesmo tempo que era solicitado
para tocar e gravar com Isaac
Turienzo, Abe Rábade e Jesús Santandreu
e para acompanhar músicos
norte-americanos e europeus de passagem
por Portugal.
Aos 20 anos, apresentou-se durante
três noites com Rick Margitza, o primeiro
de vários músicos de destaque
internacional com quem pisou o
palco, entre eles Maria Schneider,
David Binney, Aaron Goldberg, Antonio
Faraò, Rich Perry, Jerome Richardson
ou Antonio Sanchez.
Nelson Cascais relembra que a sua
atracção pela música começou cedo.
“Contam os meus pais que, com três
ou quatro anos, ficava atento a ouvir
a música clássica na RDP. Além disso,
como tinha pleno acesso à aparelhagem
e aos discos, tinha sempre
música a tocar.” Era uma família marcada
pela música: “O meu pai tocava
guitarra e cantava. Tinha tido os seus
conjuntos nos anos de 50 e 60 e contava-me
imensas histórias, que me
fascinavam. A minha mãe passava o
dia a cantar, e cantava bem. Tinha eu
sete ou oito anos, ofereceram-me um
órgão electrónico, com o qual brinquei
à música até aos 14.”
Foi então que um professor do
liceu se lembrou de formar uma
banda de alunos para tocar na festa
de final de ano. “Não havia baixista
e ofereci-me. Nunca tinha tocado
baixo até então. O meu irmão mais
velho tocava numa banda de rock e
comecei a praticar na guitarra dele,
até que o professor me emprestou o
seu baixo eléctrico. Safei-me e nasceu
um baixista. Foi uma viragem na
minha vida, porque nunca me tinha
sentido feliz no meio escolar. Até
então sentira-me sempre desenquadrado.
Mas, a partir desse momento,
a escola passou para um segundo
plano e tornou-se suportável porque
perdeu o direito de me afligir.”
O papel do irmão tornou-se crucial,
principalmente quando decidiu oferecer
ao jovem Nelson o seu primeiro
baixo eléctrico. A música nunca mais
lhe sairia da cabeça: “Vieram as bandas
de garagem, o rock alternativo,
que me marcou definitivamente com
Joy Divison, The Smiths, Bauhaus. E
depois, nem sei como, chega-me o
‘Tutu’ do Miles Davis. Por essa altura,
e por achar que poderia ser ‘cool’
Nelson Cascais O menino bonito do
jazz
Música
Um professor do liceu lembrou-se de formar uma banda de alunos para tocar na festa
de final de ano. Aí “nasceu um baixista”. Nelson Cascais lança “Guruka”, disco que volta
a dar conta de um espírito arrojado e aberto a diversas influências. Paulo Barbosa
18 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

“O que desejo
verdadeiramente
é que a minha música
provoque emoções
em quem a escuta”
ouvir jazz com os amigos, comprei
na feira da ladra dois discos de jazz:
‘Random Abstract’ do Brandford Marsalis
e um do Sexteto de Jazz de Lisboa
com Mário Laginha, Jorge Reis,
Tomás Pimentel...”
Foi com o grupo de Mário Laginha
que teve a sorte de se deparar logo
na sua primeira ida ao Hot Clube.
“Nunca esquecerei o impacto de descer
as escadinhas e ver aqueles ‘craques’
a tocar à minha frente. O interesse
pelo jazz começou a acentuar-se
e, com ele, o desejo de ir para a Escola
do Hot.”
Orgânico
Aos 18 anos, de baixo eléctrico na
mão, Nelson foi bater à porta da
Escola de Jazz Luiz Villas-Boas do
HCP. Recorda “uma feliz conversa
com o Eng.º Bernardo Moreira, que
despertou a curiosidade pelo contrabaixo.”
Foi também por essa altura
que a namorada, actualmente sua
mulher e mãe da pequena “Guruka”
- a Madalena, de dois anos - lhe ofereceu
uma colectânea com grandes
nomes do jazz, como Charles Mingus,
Art Blakey, Clifford Brown, Max
Roach e Billie Holliday, “na esperança”
de que se “deixasse seduzir
pela sonoridade do contrabaixo, instrumento
de que ela muito gostava”.
“Foi com estes discos que, definitivamente,
me apaixonei pelo jazz e pelo
contrabaixo.”
Considera um privilégio ter tido
aulas com os contrabaixistas Carlos
Barretto e Bernardo Moreira. Reconhece
neste último “um mentor”:
“Sempre que não podia fazer um concerto
mandava-me em seu lugar. Tive
oportunidades incríveis, que aceitei
sempre e com as quais aprendi
imenso.” Pedro Moreira, que pouco
tempo depois tomou as rédeas da
escola, conta-nos que “o Nelson era
um aluno extremamente dedicado e
‘sacava’ os temas todos. Em pouco
tempo, tinha um excelente som de
contrabaixo e um tempo muito bom.
O fraseio, a linha de baixo... já estava
tudo certo.”
O mesmo Pedro Moreira, que agora
integra o grupo do contrabaixista,
considera-o “um líder de grande sensibilidade
e inteligência, que sabe o
que quer, mas sabe também deixar
espaço para o resto do pessoal opinar,
ouvindo-nos sempre. É um
músico com muito bom gosto, muito
orgânico, com tudo integrado.”
Por causa de uma agenda preenchida,
a sua carreira tem-se pautado
por um hiato de três anos entre cada
edição discográfica, mas o seu percurso
como líder não deixará de ser,
ainda assim, um dos mais admirados
pela crítica e amantes deste género
musical.
Da mesma forma que os mais deslumbrantes
finais de tarde vivem do
contraste entre as nuvens no horizonte
e a luz do sol, a música de Nelson
Cascais é rica em subtis sombreados
que não fazem senão sobressair
o esplendor das suas melodias. Se o
seu álbum de estreia, “Ciclope”, se
conotava com um jazz mais tradicional,
o registo seguinte, “Nine Stories”,
veio afirmar a originalidade e
o elevado apuramento estético de um
compositor digno de nota. Os angulosos
contornos das histórias musicais
do contrabaixista eram limados
pela elevada proficiência dos músicos
do seu quinteto até ao difícil ponto
de equilíbrio entre o desafiante e o
acessível, entre uma urgência intensamente
visceral e uma lógica profundamente
racional. O resultado foi
uma das grandes edições de 2005.
Lançado este ano, “Guruka” volta
a dar conta de um espírito arrojado
e aberto às mais diversas influências.
“Toda a música que ouvi até hoje contribuiu
para o meu imaginário musical
e acredito que estarão presentes
todas essas influências no meu processo
criativo”, diz, na tentativa de
explicar o ecletismo que caracteriza
a sua música.
“No início eram os Supertramp,
Kate Bush, Joy Division e Smiths.
Depois Tom Jobim, Chico Buarque e
Djavan.” Já na área do jazz, refere
Charles Mingus, “pela intensidade e
profundidade da sua escrita, pela
forma como a tradição está sempre
presente na sua música, a par de toda
a irreverência e vanguardismo”;
Wayne Shorter, “pela sofisticação e
ambiguidade harmónica e porque
continua, com quase 80 anos, a trilhar
novos caminhos nesta forma de
arte.” É também grande admirador
de Tony Williams: “Como se não bastasse
ser ‘o baterista de jazz’ - eh pá,
o Elvin Jones também, pois claro -, é
também um grande compositor.”
De Radiohead a Bach
Da nova geração, destaca David Binney,
“pelo eclectismo da sua composição,
com todas as referências e sem
preconceitos.” A pop nunca deixou,
porém, de invadir as suas audições:
“Os Radiohead são uma grande fonte
de inspiração. Melodias geniais e harmonias
sofisticadíssimas. Imbatíveis”.
Cita ainda Rufus Wainwright e Elliott
Smith como “excelentes escritores
de canções”. Mas também, na clássica,
“Prokofiev, Mahler e Bach, sempre
Bach.”
A empatia entre os cinco membros
do novo quinteto de Cascais é evidente
em toda a música de “Guruka”.
“O Pedro Moreira e o André Fernandes
tornam a minha música, que
pode por vezes ter alguma complexidade,
sempre mais fácil. Nunca
ensaiamos muito, não é preciso explicar
nada e fazem solos brutais... É um
gozo enorme. O João Paulo é um
músico de uma sensibilidade elevadíssima,
livre de qualquer tipo de
clichés na sua linguagem. Tem uma
voz imensamente forte, pessoal, mas
consegue encontrar o seu espaço na
minha música, à qual trouxe uma
sonoridade surpreendente e que me
apraz imenso. Apesar de ter apenas
21 anos, o Iago Fernandez é já um
gigante. Tocar com ele é uma experiência
incrível, pela energia, pela
interacção, pelo som, pela leveza,
pela inteligência... Enfim, reúne todas
as características que aprecio num
baterista de jazz contemporâneo.”
Reconhece as vantagens de poder
compor para estes músicos. “É muito
bom poder imaginar como a música
irá soar nas suas mãos e poder
escrevê-la para que soe especialmente
bem porque será tocada por
aquele músico que tem aquele som
e aquele discurso. Consigo antever
que uma determinada melodia tocada
pelo André em uníssono com o Pedro
pode soar muito bem. Por outro lado,
sei que posso escrever qualquer progressão
harmónica porque eles dão
conta do recado.”
Sobre a carga emocional não raras
vezes evidente na sua música, garante
nunca partir de um sentimento ou
emoção para compor, mas admite:
“Ao compor, sou por vezes levado por
um caminho em que me é clara a ligação
a um determinado estado de espírito.
Mas o que desejo verdadeiramente
é que a minha música provoque
emoções em quem a escuta.”
Ver crítica de discos pág. 44 e segs.
SEX
21:00 SALA SUGGIA
REMIX ENSEMBLE
(Homenagem a Haydn)¹
, para violoncelo e ensemble²
, para violoncelo e ensemble
1 Estreia mundial, encomenda da Casa da Música
2 Encomenda Casa da Música
Ensemble
Intercontemporain
temporain
SEX
Um programa onde o
violoncelo merece destaque
enquanto instrumento
solista, proporcionado
pelos mais aclamados
compositores de origem
grega do séc. XX. Em estreia
mundial, uma nova obra
do Jovem Compositor em
Residência 09.
Obras dee
O regresso à Casa da Música do mais prestigiado agrupamento
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Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 19

“Tudo começou com uma brincadeira”,
diz Luís Bragança Gil, o grande
impulsionador de “Deus. Pátria. Revolução”.
Mas até chegar aqui a coisa foi
mudando de figura: tornou-se séria,
sem perder o humor. O compositor,
maestro e musicólogo já andava a
estudar a canção política em Portugal
(entre 1960 e 1985). As suas investigações
levaram-no a descobrir também
música oficial do regime salazarista
nos arquivos. Por outro lado, foi
reler Fernando Lopes-Graça e revisitar
uma das suas obras mais explícitas
ideologicamente: as “Marchas, Danças
e Canções” (depois chamadas
“Heróicas”), canções de luta anti-fascista
com textos de poetas cúmplices
(José Gomes Ferreira, Mário Dionísio,
Carlos de Oliveira, entre outros),
escritas para serem cantadas por
qualquer um - “pelo povo”. Luís Bragança
Gil liga o ponto de partida a
uma perplexidade: “Estive a reler o
que o Graça escreveu, tenho muita
admiração pela obra, pela pessoa e
pelo intelectual. E fiquei perplexo
com as ‘Marchas, Danças e Canções’.
Aquela obra tem uma questão: é a sua
obra mais datada, são canções fixadas
no tempo, é uma obra carregada de
ideologia, e levantou-me questões.”
“A ausência de
ideologia faz com que
inventemos hinos
vazios, e podemos
cantar o futebol,
gritar ‘Angola é nossa’
ou dizer ‘coca-cola é
que é” Luís Bragança
Gil, musicólogo
Massas e marchas
“Deus. Pátria. Revolução” surgiu antes
de mais como uma tentativa de responder
a essa perplexidade: “Claro
que aquela obra não era para músicos,
mas para toda a gente poder cantar.
Mesmo sabendo isso não se compreende
a linguagem que utiliza. Como
um homem com ideias tão claras
sobre o papel do artista, uma clareza
ideológica tão grande, faz ao mesmo
tempo uma música carregada de uma
linguagem que nos põe dúvida sobre
a ideologia que este homem está a
defender. Quando se quer levar as
massas, as marchas têm de ter sempre
a mesma linguagem...”.
Questão equívoca, difícil e repisada
da forma e do conteúdo? Sim, também.
Pois foi mesmo essa a ideia que
provocou a explosão musical de
“Deus. Pátria. Revolução”, em que há
canções gravadas, uma orquestra,
solistas e um coro, há hinos de direita
e de esquerda, hinos da Mocidade Portuguesa
e canções de luta proibidas
pelo regime. Mas sem confusões nem
branqueamentos. Luísa Costa Gomes,
escritora e co-autora da dramaturgia
do espectáculo, faz questão de sublinhar
que “não são todos iguais. Eu
nisso sou muito pouco pós-moderna.
Uma coisa é um hino fascista que
manda as pessoas para a guerra e
outra é uma canção de luta que procura
que as pessoas tomem consciência
da sua situação. Isso não ponho
nada ao mesmo nível. É evidente para
nós, é um ponto de partida.”
Apesar disso, Luís Bragança Gil vai
bastante longe na exploração das tipologias
musicais que percorreram o
século XX. Algumas chegaram mesmo
até aos nossos dias, como os hinos do
futebol, com que também se brinca (a
sério) neste teatro musical que promete
não deixar ninguém indiferente,
e talvez mesmo reabrir debates sobre
a sociedade actual tanto como acerca
das formas musicais que são parte da
memória colectiva.
Só para iconoclastas
“Os hinos são frutos perversos”, como
diz a canção de Sérgio Godinho (“Os
hinos”) que não entra neste espectáculo,
mas tem tudo a ver com ele. Entre
o “conservadorismo da esquerda tradicional
e o imenso conservadorismo do
regime”, diz Luísa Costa Gomes, aparecem
neste teatro musical, num outro
plano, várias canções de Zeca Afonso.
Luís Bragança Gil explica porquê: “Não
é por acaso que as canções do Zeca
Afonso têm uma função completamente
diferente e são cantadas quase sempre
por solistas e de forma mais depurada.”
Luísa Costa Gomes pensa que
Zeca Afonso “é outra coisa, como
músico de excepção, cantor de excepção,
como pessoa de excepção. Ouve-se
a música do Zeca e ela está noutro nível,
tem uma consistência, uma grandeza,
uma beleza que me comove. Transcende
a circunstância.”
A escritora lembra-se da letra e da
música da “Chula da Póvoa”, uma canção
de José Afonso que ali está presente:
“Tenho mais de mil amigos e
não me sinto só, é extraordinário, é
isso para mim a noção da pátria. O que
é o sítio onde vivemos e onde lutamos.
Aqui é que estão os meus amigos. Não
é uma ideia abstracta, é concreta.” A
dramaturgia que fez foi acompanhada
de uma verdadeira “dramaturgia musical”
que implicava “avaliar a compatibilidade
das canções entre si, dos ritmos,
etc. A parte musical é feita ainda
sobre a minha dramaturgia”, explica
Luísa Costa Gomes.
Depois há ainda o trabalho do encenador,
António Pires. “O António concretiza
teatralmente as ideias”, diz
Costa Gomes, “torna-as corpo, tornaas
perceptíveis, pensa o que é que hoje
é importante, o que é que hoje conta,
porque isso tem de ser manifesto.” Um
espectáculo questionador do país e da
sociedade, através da música? Mais do
que isso, parece questionar ainda a
música e a forma como a ouvimos. Por
isso Luísa Costa Gomes diz: “Achei que
o subtítulo do espectáculo podia ser
‘só para iconoclastas’. Na sua opinião,
o espectáculo “é capaz de incomodar”,
mas a abordagem “é de comédia e
sobretudo de permanente relação com
o presente, de criação de pontes com
a actualidade.”
FOTOGRAFIAS DE MÁRIO SABINO SOUSA
Os hinos
são frutos pervers
“Deus. Pátria. Revolução” promete incomodar. Este teatro musical revisita hinos fascistas e
numa colagem provocadora. Questiona a história portuguesa e o valor dos hinos, interrogando as
das canções. E vice-versa. A partir de amanhã, no CCB, em Lisboa. Pedro Boléo
20 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

Colagem. Recriação.
Descolagem
Como trabalhou Luís Bragança Gil
estes materiais carregados de símbolos,
como pegou nestas canções com
história? Ao invés de tentar fazer um
trabalho historiográfico, quis dar a
volta ao que parece não ter volta a
dar. Como, por exemplo, pegar num
hino tão violento como “Angola é
nossa”? O teatro socorreu a música e
ajudou a “descolar” e “recontextualizar”,
expressões recorrentes do
compositor. “Como compositor estou
a percorrer um terreno armadilhado,
que é só trabalhar com música dos
outros. Não há nenhuma melodia
inventada por mim. O que fiz foi compor
no sentido de armar, arquitectar,
tecer uma rede. O princípio que usei
foi o da sobreposição de géneros e de
linguagens, fugindo do ‘medley’ e da
ligação do tipo do ‘music-hall’. Isto
também não é uma ópera, não há
narrativa com princípio meio e fim.
Mas há um intervalo entre as duas
partes do espectáculo, e esse ‘intervalo’
é uma opereta. Aí surgem verdadeiras
personagens, enquanto no
resto do tempo os cantores representam
linguagens”.
Gostaria que o resultado fosse visto
por gente de todas as idades e com
referências culturais diferentes:
“Parece-me importante não estar só a
falar para as pessoas que conhecem as
canções. Apetece-me falar para as pessoas
que não as conhecem. Todo o
elenco que está ali nasceu depois, não
conhecia as canções, e isso para mim
foi maravilhoso.” Alexandra Moura
(Soprano), Inês Madeira (Mezzo-
Soprano), Fernando Guimarães
(Tenor) e Rui Baeta (Barítono) são os
solistas do espectáculo que estará em
cena até 2 de Março, e que conta ainda
com o coro Voces Caelestes e a Orquestra
Aldrabófona
Luísa Costa Gomes dá ainda mais
pistas sobre o espectáculo: “É capaz
de ser bizarro para as pessoas, mas
para mim é interessante descolar o
conteúdo da forma. Há um cantor que
canta o hino do Benfica como canção
de amor traído.” Um espectáculo provocador?
Sobre isso parece não haver
dúvidas: “A pura comédia, o sarcasmo
puro não me interessa tanto, interessame
mais o lado de provocação, de as
pessoas se sentirem abanadas e ficarem
perplexas com algumas coisas”,
assume o compositor.
Como se abana as pessoas? “Através
da justaposição, do cruzamento, da
ironia, já se vai fazendo o nosso trabalho”,
diz Luísa Costa Gomes. “É a primeira
vez que estes hinos fascistas são
cantados em público. Não sei o que
isso quer dizer, mas é verdade que não
se cantam”, diz. Mas garante que “não
é reabilitação nenhuma. Cada um fará
o que puder. É música com a qual nós
crescemos, de certa maneira nos formou...
Não é nunca boa política obscurecer
o passado, dizer que as coisas
não existiram, fingir que não está lá.
Está. Tanto que está que depois passa
para o hino a seguir, ou seja, a atitude
mantém-se. Até ao futebol.”
Luís Bragança Gil sabe que o espectáculo
“é uma crítica à sociedade de
hoje. A ausência de ideologia, no sentido
mais profundo do termo, faz com
que inventemos hinos vazios, e podemos
cantar o futebol, gritar ‘Angola é
nossa’ ou dizer ‘coca-cola é que é’.”
Mas para ele é também uma crítica ao
revivalismo musical e uma tentativa
de questionar a música: “Fico horrorizado,
acho medonho, o simples pastiche,
a repetição igual, o revivalismo.
Na televisão só há revivalismo e não
interessa nada o revivalismo, vivemos
um tempo de pouca criatividade e é
preciso mexer com o que há. Se ponho
lado a lado um hino do Lopes-Graça
e uma marcha de trabalho da FNAT
(antiga “Fundação Nacional para a
Alegria no Trabalho”), quero que pensem
no assunto. Acho que a gente tem
de pensar. Numa sociedade em que
tudo é objecto de consumo... tenho
este ideal de que o espectáculo não
seja um objecto de consumo: ‘Não vos
vamos incomodar, não vos vamos
dizer nada’, diz um cantor no espectáculo.
Se calhar vamos mesmo incomodar.
Quando perceber que só estou
a facultar hora e meia de agradável
consumo, nunca mais farei nada.
Acredito que ainda posso comunicar
com as pessoas e mexer com a sua
consciência.”
Mas em tom de comédia? Como diz
Bragança Gil: “Uma boa piada tem de
ter algumas questões. Não é uma
piada fácil.”
Ver agenda de concertos págs. 42 e segs.
“Uma coisa é um hino
fascista que manda
as pessoas para
a guerra e outra
é uma canção de luta
que procura que
as pessoas tomem
consciência da sua
situação. Isso
não ponho nada
ao mesmo nível.
É evidente para nós,
é um ponto de
partida”
Luísa Costa Gomes,
co-autora da
dramaturgia
do espectáculo
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Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 21

ADRIANO MIRANDA
O homem que
inventa
as mulheres
Um homem é a soma das suas obsessões e o brasileiro
João Paulo Cuenca tem as suas: inventar mulheres e
viver muitos dias Mastroianni. Isabel Coutinho
João Paulo Cuenca acredita que a graça
da literatura está no poder ser maravilhosamente
inútil. Quando lhe vêm
com histórias de como é difícil ser
escritor, contrapõe: “Isso é muito
chato, então vai fazer outra coisa, não
enche o saco! Não amola.”
A mãe deste carioca ensinou-o a ler,
em casa, com a ajuda de bloquinhos
de madeira com letrinhas. Por isso
quando João Paulo entrou para o colégio
de freiras, já sabia ler. Rapidamente
percebeu que tinha que “driblar”
as freiras da biblioteca para ler
o que elas não queriam que ele lesse,
e foi ao ler Dostoiévski que desgraçou
a vida para sempre.
Licenciou-se em Economia, criou o
seu primeiro blogue em 1999 (teve
algum sucesso, hoje renega-o) e mais
tarde, ao mesmo tempo que escrevia
“uma narrativa longa e fragmentada”
que viria a ser o primeiro romance
(“Corpo Presente”), fez na Internet um
diário onde contava aos leitores as suas
“paranóias, angústias, bloqueios, motivações
espúrias” e onde falava de “tudo
o que envolve o processo de escrever,
desde substâncias químicas até joguinhos
mentais e auto-ajuda”. Mandou,
então, um excerto daquela narrativa
longa (a descrição de um baile funk)
para a revista brasileira “Ficções” e foi
publicado. “Teve imensa repercussão.
A partir daí surgiu o convite de publicar
o romance na editora Planeta. Tive
muita sorte. Acho que não teria essa
força de vontade de ficar procurando
editora”, afirma o brasileiro que participou
no encontro de escritores de
expressão ibérica, Correntes d’Escritas,
na Póvoa de Varzim.
É um livro “muito forte”. Logo no
primeiro capítulo de “Corpo Presente”,
Carmen está a dar de mamar, está a
apanhar com chupadelas de um bebé,
e enquanto o “bebê chupa e chupa,
indiferente”, ela masturba-se e “então
“Se você se vê numa
cobertura de hotel,
tomando ‘dry
martini’, numa festa
da agência Elite
de Nova Iorque isso é
um dia
Mastroianni”
explode”. João Paulo diz que não sabe
se a mãe chegou a ler o livro. “Ela foi
ao lançamento, lhe dei o livro mas dediquei
dizendo que ela não o podia ler.
A abertura é muito pesada para a mãe
do escritor ler.”
Foi assim que aos 25 anos, João
Paulo Cuenca (o pai é argentino) viu
nas livrarias uma obra que escreveu
durante três anos, julgando que nunca
iria ser publicada, que nunca seria lida.
Um dia, Chico Buarque, numa entrevista
à BBC, disse: “Há um autor novo
de que gosto muito, o João Paulo
Cuenca”. Para o escritor brasileiro Marçal
Aquino “fazia tempo” que uma narrativa
não o impressionava tanto; para
outro autor brasileiro, Marcelo Rubens
Paiva, o livro era “deslumbrante”,
explorando Copacabana e os seus personagens
ao limite.
João Paulo Cuenca começou então
a receber cartas, emails de leitores,
principalmente de leitoras. Interpretavam
o livro, diziam-lhe que as arrebatara.
Um dia, uma dessas leitoras até
o seguiu por Copacabana. É claro que
Cuenca acabou por escrever um conto
sobre isso.
Era uma menina que lhe escrevia a
dizer que o tinha visto no metro no dia
anterior, com determinada roupa, e
confessava que o seguira durante vários
quarteirões. “Eu nesse dia realmente
estava vestido daquela maneira, como
ela descrevia e foi estranho. Muito
estranho, muito assustador. Se você
entra nesse jogo literário, nessa brincadeira
com o peito aberto, está sujeito
a muita coisa. Muita coisa boa e ruim.
Porque as pessoas fazem do que você
escreveu o que elas querem.”
Aquilo que parecia ser um
sonho para qualquer
jovem escritor, gerou
uma pressão enorme.
Cuenca perdeu a ino-
Livros
Cuenca traça
o retrato de
uma geração
que tem
muitos
projectos
e não faz
nada. As
personagens
brindam aos
escritores sem
livros, aos
músicos sem
discos, aos
cineastas sem
filmes. O “Oito
e Meio” de
Fellini
(à esquerda)
é influência
em “O Dia
Mastroianni”
22 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

“Existe uma nostalgia
roubada que eu tenho
e conheço muita
gente que tem, uma
nostalgia de uma
época que não se
viveu. Tenho
saudades dos anos 60
quando vejo certos
filmes. Nunca vivi
nem nunca vou viver
aquilo. Vivo num
mundo muito mais
sem graça. E o meu
livro tem um pouco
disso, dessa ressaca”
cência: passou a ser um autor publicado
e teve consciência de que tudo o
que escrevesse a partir daquele
momento era passível de ser lido.
“Você ganha muitos olhares quando
está sozinho escrevendo. Ganha uma
responsabilidade, um peso que não
tinha até então. Por isso demorei quatro
anos para publicar o meu segundo
romance e é também por isso que ele
é tão radicalmente diferente.” É como
se este segundo romance - “O Dia Mastroianni”,
editado agora em Portugal
pela Caminho - purgasse essa pressão
através da sátira.
Sem a experiência de conviver com
outros escritores, de participar em festivais
literários, este livro não existiria.
“Ele é fruto dessa minha experiência
como jovem escritor.” Um autor que
faz parte dos “39 escritores com menos
de 39 anos” (naturais de um país da
América Latina) que foram considerados
os mais importantes da actualidade
pela Bogotá Capital Mundial do Livro
2007 e pelo Hay Festival em 2007.
Aqueles com potencial para definir as
tendências que marcarão a literatura
latino-americana. Um escritor que
todas as semanas escreve uma crónica
no suplemento “Megazine” do jornal
“Globo” e que é um dos comentadores
do programa Estúdio 1, da Globo News
(canal de notícias 24 horas).
A nostalgia roubada
“No meu grupo de amigos no Brasil,
temos essa piada interna, esse calão
particular do dia Mastroianni. É quando
o dia está muito divertido, inesperado
e as coisas tomam um rumo glamoroso.
Se você se vê numa cobertura de um
hotel, tomando ‘dry martini’, numa
festa de modelos da agência Elite de
Nova Iorque isso é um dia Mastroianni”,
explica. “Toda a vez que isso acontecia
a gente falava: ‘Olha está ficando Mastroianni
o nosso dia’. E no meio desse
conceito, de desperdiçar as horas,
comecei a engendrar essa narrativa que
durasse um dia e que contasse a história
de dois amigos bastante adolescentes
e idiotas, pretensos artistas que
vivessem de uma maneira episódica o
percurso por uma cidade.”
Mas sempre com essa ideia de fazer
alguma coisa que o divertisse.
Além da referência ao cinema a
que se chega pelo título, o livro está
salpicado de brincadeiras e de referências
literárias. O narrador, Pedro
Cassavas, é um pretenso artista, cheio
de planos e de intenções mas que não
realiza nada. Cuenca traça o retrato
de uma geração que tem muitos projectos
e que não faz nada. As personagens
brindam aos dândis precoces,
aos escritores sem livros, aos músicos
sem discos, aos cineastas sem filmes.
“Pessoas que têm planos e pretensões
e têm todo um discurso já pronto mas
não têm obra.”
“Oito e Meio”, de Fellini e “O Acossado”
de Godard deslizam pelo
romance. São referências para pessoas
da geração do brasileiro , aquelas que
gostavam de ter vivido há 40 anos.
“Existe uma nostalgia roubada que eu
tenho e conheço muita gente que tem,
uma nostalgia de uma época que não
se viveu. Tenho saudades dos anos 60
quando vejo certos filmes. Nunca vivi
nem nunca vou viver aquilo. Vivo num
mundo muito mais sem graça. E o meu
livro tem um pouco disso, dessa ressaca.
Essa vida que os dois personagens
desperdiçam por essa cidade é uma
vida sem ideologia, sem grandes amores,
sem objectivo num mundo em que
é muito mais difícil viver. Pedro Cassavas
e Tomás Anselmo, os personagens
deste livro, queriam ser Mastroianni.
Queriam viver em Roma na década de
70, em Paris, ou numa mistura dessas
cidades e não na cidade onde eles
vivem hoje”, continua.
No Brasil “O Dia Mastroianni” gerou
polémica. “Se o leitor não faz um pacto
com o livro, vai detestar. Ainda mais se
esse leitor for um escritor jovem ou um
pretendente a ser publicado. Porque é
um livro ousado e corajoso. Faço uma
crítica destruidora - eu acredito - à
minha geração. Por mais que eu queira
que o livro seja divertido ele é um
pouco arrasador.”
Mas ao mesmo tempo há ali universalidade.
“O livro faz graça com esse
cosmopolitismo que a gente vive. Ele
se passa numa cidade que é a mistura
de várias cidades. Numa grande cidade
você tem o quarteirão chinês, o restaurante
japonês, o restaurante egípcio
onde você fuma haxixe, vê uma mulher
fazendo dança do ventre. Tem as mulatas
sambando. Dentro de uma cidade
grande na Europa ou na América
Latina você tem um caleidoscópio de
paisagens de cidades e eu levo essa
imagem nesse livro ao extremo, é uma
cidade completamente inventada e
misturada.”
“Quero crer que o livro é universal,
o caminho desses dois jovens, os dramas
todos do protagonista e o seu amadurecimento,
eu quero crer que não é
uma coisa localizada no Brasil.”
“O Dia Mastroianni” tem também
uma componente de meta-literatura:
“Faz piada com ele mesmo”. Cuenca
achou divertido começar um romance
com o protagonista a ser interrogado.
“O protagonista está num interrogatório,
refém de uma voz. Está num
balanço [baloiço], nas nuvens, no meio
do céu, e tem essa voz gigantesca que
fala com ele em maiúsculas. E ele responde
em minúsculas. Na verdade,
essa voz que as pessoas acham que é
Deus ou crítico literário ou o próprio
leitor, na verdade sou eu, aquela voz é
minha. É uma das coisas mais polémicas
do livro - tem gente que detesta -
mas eu acho que funciona, inclusive
como recurso narrativo.”
Como queria que os leitores encarassem
o livro com alguma leveza
pediu a um ilustrador que fizesse uns
desenhos para ajudar a dar o tom.
“Como se fosse ‘O Principezinho’, de
Saint-Exupery, que é o livro preferido
das modelos do mundo inteiro. Esse
traço fino foi a referência que eu passei
para o meu desenhista. Pedi que
fizesse desenhos de abacaxi, uma
lagosta, as havaianas, Brasil o país dos
chinelos.”
E depois há a forma como descreve
as mulheres nos seus livros “bombas
de hormônio cada vez menos exigentes
e mais desesperadas”. Carmen,
em “Corpo Presente”; doce Maria e
Françoise em “O Dia Mastroianni”.
São livros que só podiam ser escritos
por um homem, mas ao mesmo
tempo João Paulo olha para as mulheres
de uma maneira em que elas se
reconhecem. “O meu olhar sobre as
mulheres é muito infantil. É muito
primário. É um horror”, afirma quase
envergonhado. “Perco muito tempo
da minha vida pensando no que
pensa uma mulher porque sou infantil.
O texto pode ser maduro, mas o
ponto de vista é de uma criança chocada.
Uma vez uma repórter ficou
muito revoltada comigo e me perguntou:
‘Você escreve essas coisas para
chocar, não é? Você quer chocar.’ E
eu falei: ‘não. Eu escrevo porque
estou chocado, porque me choca. E
isso me gera uma reacção.’
Essa coisa com as mulheres é porque
eu tenho um ponto de vista infantil e
fascinado. A única maneira que um
homem tem de conhecer realmente
uma mulher é inventando essa mulher.
Um homem não conhece uma mulher.
Jamais. É uma ilusão, a fantasia de você
achar que vai desconfiar aquilo que
uma mulher está pensando. É impenetrável.
E você pode perder a sua vida
nisso. É o que eu faço. E aí você inventa.
Você conhece inventando.”
Ver crítica de livros págs. 37 e segs.
cultur al
encontros
cultideias ®
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 23

“Pastoral Portuguesa” é o melhor
blogue português. Estilo, cultura,
graça e inteligência, um cocktail perfeito.
O autor do blogue assina “Rogério
Casanova”, mas é possível que
seja um anagrama. Presumivelmente
nascido em 1980, Casanova vai deixando
uma ou outra pista biográfica
mas resguarda a sua identidade civil.
O sucesso dos seus textos na blogosfera
valeu-lhe convites da imprensa,
e é desde há alguns meses crítico
literário no “Expresso” e colunista
da revista “Ler”. Agora, a Quetzal
publica uma selecção de textos de
“Pastoral Portuguesa” e torna mais
conhecido o homem que mantém o
nome de guerra, não aparece em
eventos públicos e prefere ser desenhado
do que fotografado. Há semanas,
Casanova foi encarregado de
entrevistar Peter Carey. Sugeriu uma
entrevista via Messenger. O escritor
australiano nem levou a sério tal
hipótese. Propusemos então que o
esquivo Casanova desse ao Ípsilon
precisamente uma entrevista por
Messenger. Ele aceitou logo.
Com um nome como
“Casanova” estaríamos à espera
de um blogue menos cerebral e
mais carnal.
O nome Casanova acompanha-me
antes de eu saber o que era “carne”
ou até “expectativas”. Mas também
não concordo nada que o blogue seja
cerebral.
Digamos que a maioria dos
“A aparição do
Joaquin Phoenix
no Letterman é uma
ilustração perfeita
dos motivos pelos
quais está aqui um
desenho do Pedro
Vieira e isto foi tudo
feito por Messenger”
Livros
leitores portugueses não
acompanham com avidez a obra
de Bernard Malamud [escritor
judeu americano, muito citado
por Casanova].
Isso é uma questão que eu vou resolver
eventualmente. Devem ler-se
todos esses judeus velhos. Todos,
todos.
E gostar acima de todos do
[Thomas] Pynchon não é uma
paixão cerebral?
Não. Eu comecei a gostar do Pynchon
quando li uma cena em
que uma invasão a um canil
terminava com um gajo a
meter o pé dentro de uma
sanita.
O facto de esta
entrevista ser ilustrada
com um desenho e não
com uma fotografia é uma
homenagem ao mestre?
A minha intenção era fingir surpresa,
e dizer que ninguém me pediu uma
fotografia.
“Não aparecer”, como se diz,
pode ser uma estratégia, até de
“marketing.”
Aqui há tempos uma pessoa, digamos,
“do meio”, passou meia-hora
a explicar-me que os, digamos,
“autores”, deviam aparecer, que isso
só ajudava, só ajudava, nunca prejudicava,
etc. Foi na mesma semana
em que esgotou a edição do Herberto
Helder. Mas eu juro que só não apareço
porque não consigo tirar uma
foto tipo passe decente desde
1996.
O gosto por anagramas vem
de ser uma mistura entre o
intelectual e o lúdico, tal como
tudo o que escreve?
Sim, exacto. Era mesmo isso que eu
ia responder, caso a pergunta fosse
só “de onde é que vem o gosto por
anagramas”: é uma mistura entre o
intelectual e o lúdico, tal como tudo
o que escrevo.
E a anglofilia? Há quem diga
que esta geração tem anglofilia
a mais.
A anglofilia é uma coisa terrível: é
tão fácil ser ridículo quando se está
a ser anglófilo. Ando a tentar arranjar
defesas para isso, mas não tem
sido fácil. E depois há a anglofilia
selectiva, que só gosta de uma versão
daquilo baseada no pior livro do
Waugh, mas nunca fala de cavalos e
porridge, por exemplo. A minha
anglofilia também era muito em função
de estar lá a viver.
Os angló-filos tendem
a ser muito antifrance-ses,
e acho
que cita
poucos
franceses
no seu
livro.
Ao contrário da maioria dos anglófilos
que conheço, eu sou uma nódoa
em francês: não consigo ler mais do
que o “L’Equipe”, e mesmo assim
com grandes dificuldades. Para a
literatura francesa estou totalmente
dependente do Pedro Tamen e tenho
lacunas enormes no currículo por
causa disso. Mas não tenho assim
nada contra eles, genericamente.
Aliás, uma vez estive em França e
achei tudo, como diria o Gonçalo
Cadilhe, “muito bonito”.
Geralmente o antifrancesismo
tem uma costela política, mas
as suas ideias políticas são
um pouco opacas. Cito: “uma
espécie de cruzamento entre o
rancho de Hunter S. Thompson,
a cabeça de Milton Friedman,
o palácio de Tibério e a socialdemocracia
sueca”.
Não acho que essa salada seja uma
coisa muito original: é o truque
básico das pessoas que gostam de
mostrar que não são de esquerda,
mas ao mesmo tempo que são espectaculares
a todos os outros níveis.
Há uma referência no livro
à Faculdade de Letras da
Universidade de Lisboa. Foi
uma experiência proveitosa?
Estive lá dois anos. Tive dois professores
muito, muito bons: o David
Prescott, que me deu a conhecer o
Gore Vidal, e a Marijke Boucherie,
que me perguntava semanalmente
o que é que eu estava ali a fazer. Também
fiquei em segundo lugar num
torneio de matraquilhos. Pela minha
saúde, fiquei mesmo.
E apostas, houve?
Isso veio depois, felizmente.
O que são as “zonas de guerra”
da Penha de França e da Linha
da Azambuja?
As escolas que frequentei - decoradas
com um bocadinho de mitomania.
Não eram assim tão más, para
dizer a verdade. Quer dizer, uma
delas ficou péssima, mas já depois
de eu ter saído.
Gosta de “guilty pleasures”
(“reality shows”, filmes
bíblicos, o Sporting)?
O Sporting, um “guilty pleasure”?
Mas o que é isto? O Sporting e os filmes
bíblicos - duas coisas que têm
muito em comum - são paixõezinhas
de infância. Uma pessoa fica refém
disto o resto da vida.
Há uma passagem no livro que
mostra pouco apreço pelas
“analogias sobre ‘relações’”.
Deduzo que nunca teremos
a vida amorosa de Casanova
“online”.
Bom, a ideia era mostrar pouco
apreço por um certo tipo de analogias
sobre relações. Há quem faça
isso bem, mas eu não faço. E qualquer
opinião crítica que eu dê sobre
o que quer que seja está basicamente
a exaltar aquilo que eu faço bem, e
a dizer que aquilo que eu não sei
fazer não presta. Idealmente, estas
coisas não se confessam, mas suponho
que agora é tarde de mais.
As referências ao seu quintal
são a costela Rousseau?
É da costela anglófila, evidentemente.
Tratar do jardim, só isso.
Tenho um quintalinho com cinco
laranjeiros, e um marmeleiro, e
tenho muito orgulho em ainda não
ter deixado morrer nada.
E que insistência é essa no tema
da “maionese”?
Por castigo divino, houve uma altura
em que o primeiro resultado de uma
busca no Google para “manteiga
planta” era o meu blogue. Com a
maionese nunca lá cheguei.
Finalmente, a questão mais
importante do nosso tempo:
Joaquin Phoenix no show
de David Letterman estava
pedrado ou a gozar [está no
Youtube]?
A aparição do Joaquin Phoenix no
Letterman é uma ilustração perfeita
dos motivos pelos quais está aqui um
desenho do Pedro Vieira e isto foi
tudo feito por Messenger.
Ver crítica de livros págs. 37 e segs.
Rogério Casanova,
aliás
“Rogério
Casanova”
Não aparece em eventos públicos e prefere
ser desenhado do que fotografado. É autor
do melhor blogue português, “Pastoral
Portuguesa”. Uma selecção desses textos
acaba de ser publicada. Texto de Pedro
Mexia lustração de Pedro Vieira
24 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

SÁB 28 FEV
18:00 SALA SUGGIA
Olari Elts direcção musical
Håkan Hardenberger trompete
Johannes Brahms Abertura Trágica
Rolf Martinsson Concerto para
trompete n.º 1, A Ponte
Dimitri Chostakovitch Sinfonia n.º 6
Trompete Virtuoso
O trompetista Håkan Hardenberger
estreia em Portugal A Ponte, concerto
de Martinsson que já interpretou com as
mais prestigiadas orquestras mundiais.
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MECENAS ORQUESTRA
NACIONAL DO PORTO
APOIO INSTITUCIONAL
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ENRIC VIVES-RUBIO
belga
Thomas Walgrave, um
em Lisboa
É o futuro director do Alkantara festival. Thomas Walgrave vai escolher o que vamos ver
em 2010 mas, por enquanto, ainda é cedo para falar de programação. O que sabemos, então?
Que um festival não tem que ser um “best-of”. Joana Gorjão Henriques
Há quatro anos que anda entre Portugal,
Bélgica e o resto do mundo. Cada
vez menos vai a Antuérpia, cidade
onde nasceu e cresceu. Desde 2005
que a sua casa é Portugal.
Thomas Walgrave, 43 anos, fundador
da companhia flamenga Tg Stan
(que existe desde 1989), vai mesmo
ter que passar mais tempo por cá,
pelo menos em 2010, ano do próximo
Alkantara, o mais importante
festival de dança contemporânea português
(que se tem vindo a alargar ao
teatro).
O cenógrafo/desenhador de luzes,
formado em História da Arte e Antropologia,
vai estrear-se na direcção de
um festival, substituindo Mark Deputter,
agora director do Teatro Maria
Matos, em Lisboa - conhecem-se desde
1989, estava Deputter no espaço
STUC, em Lovaina, Bélgica.
Estamos no piso térreo do Café
Império, em Lisboa, a parte agora
“modernizada” do edifício projectado
pelo arquitecto Cassiano Branco nos
anos 1950. Walgrave olha para baixo,
onde está o painel de Jorge Barrada:
adora este sítio. É aqui que lembra que
a sua mudança não foi de Antuérpia
para Lisboa, foi de Bruxelas para Lisboa.
Há anos que vivia na capital belga
porque Antuérpia é uma cidade “complicada
para viver” - “fechada, tem um
peso forte da extrema-direita, é outro
mundo”. Como os Tg Stan não têm
sala própria e estreiam em todo o lado,
ele podia “viver onde quiser”.
A primeira vez que veio a Portugal
foi para passar férias, tinha 18 anos e
não se lembra “muito bem”. Portugal
faz parte da “mitologia da família”
porque um dos avós tem um apelido
que será de origem portuguesa. De
qualquer modo, “para um belga, Portugal
tem qualquer coisa de familiar”.
É uma familiaridade mais intuitiva do
que racional, “tem qualquer coisa a
ver com as pessoas, com a sua descrição
e relação entre elas”.
Regressou em 1997 para fazer uma
“espécie de mini-festival Stan”, no
Centro Cultural de Belém (CCB), com
cinco espectáculos e um workshop
- Mark Deputter era programador de
dança do CCB, Jorge Silva Melo de
teatro.
Na altura trouxeram Henrik Ibsen
(“O Inimigo Público”, a que deram o
título “JDX-A Public Enemy”), Gorki
(“Os Últimos”), as peças “Yesterday
We Will” (“Ontem Faremos”) e “One
2 Life” (sobre textos escritos por
George Jackson na prisão), “Buraco
Negro” e “Cancro”, do encenador
holandês Gerardjan Rjjnders.
Foi aqui e assim que começou a relação
dos Stan com Portugal, e nasceu
uma geração que seria influenciada
por eles (“ou não; há algumas pessoas
que contrariaram” essa influência, diz
Thomas): Tiago Rodrigues, ainda hoje
colaborador do grupo, Dinarte Branco,
Pedro Penim, António Simão, Cristina
Bizarro... A ideia do workshop era
apresentar no ano seguinte um espectáculo
com os actores portugueses -
Teatro/ Dança
26 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

“Point Blank”, a partir de “Platonov”,
de Tchekov -, estreado no Citemor. Os
Stan foram regressando, mas não com
tanta intensidade como naquele 1997
e nos três anos seguintes.
Cena portuguesa: improvisar
Thomas Walgrave conhece alguns dos
elementos da companhia flamenga
desde os 15 anos. Trabalhava numa
das casas de cultura que nasceram nos
anos 1980 e se tornaram decisivas na
Bélgica - “eram o exemplo de espaços
não controlados pelo Governo”. Tinha
23 anos e começou a colaborar com
os Stan gradualmente, até que foi
ficando. “As funções não eram bem
definidas, toda a gente fazia de tudo.
Agora já não é bem assim”. Foi ficando,
como foi ficando em Portugal, primeiro
tendo casa cá e lá, depois largando
a casa na Bélgica. Isto, como
dissémos, a partir de 2005. “Tinha a
ideia de fazer um ano sabático. Estava
há 15 anos com a mesma companhia
e tinha vontade de trabalhar com
outras pessoas. Depois passámos dois
meses a trabalhar aqui no ‘Berenice’
[a partir de Racine, apresentado na
Casa dos Dias d’Água], e também
houve uma história pessoal. Tive
imensa sorte, foi tudo muito rápido,
tive uma série de convites.”
De Lúcia Sigalho ao Alkantara, de
Tiago Rodrigues ao espectáculo a solo
de Ricardo Araújo Pereira, Thomas
Walgrave foi colaborando como cenógrafo/desenhador
de luz com vários
criadores. Hoje já pode dizer que
conhece a paisagem portuguesa, as
suas vantagens e desvantagens.
“Venho de uma cena cultural que tem
muito mais dinheiro e isso, às vezes,
complica as coisas. Aqui grande parte
do trabalho é encontrar dinheiro. Portugal
é um país em que se está sempre
obrigado a improvisar, muito mais do
que na Bélgica. Não conheço nenhum
país em que se possa improvisar tão
facilmente como aqui: tem a ver com
cenários, transportes, com um dia
antes de o espectáculo estrear pensares
que isto vai ser um desastre mas
de repente todos os elementos se
encontram e batem certo.”
Walgrave gosta do “caos”, e agora
quando regressa à Bélgica faz-lhe
impressão “a situação mimada”. Era
bom, porém, que em Portugal houvesse
um “bocadinho mais de dinheiro
para fazer coisas. Não acho a pobreza
muito romântica. As pessoas que trabalham
neste sistema desenvolvem
mais habilidades para desenvolver
coisas com poucos meios, e o Alkantara
é um bom exemplo disso. Outros
festivais na Europa fazem o mesmo
com muito mais dinheiro.”
Nota em Portugal uma “cena artística
que não está completamente instalada,
e que tem uma grande fome
de fazer coisas”. Exemplos: estruturas
como o Rumo do Fumo, coreógrafos
como Miguel Pereira ou Vera
Mantero já trabalham há anos, mas
têm uma maneira de estar na sua arte
Em Portugal há
uma “cena artística
que não está
completamente
instalada, e que tem
uma grande fome
de fazer coisas”
“muito fresca” - uma maneira de procurarem
desafios e de se relacionarem
uns com os outros, sobretudo na
dança, que Thomas acha “muito
forte”. “São ligados, vão ver os trabalhos
uns dos outros e há um diálogo.
No teatro é mais complicado, porque
o peso das estruturas é antigo, mas
começa a acontecer na geração do
Tiago Rodrigues, da Truta, dos Praga,
da Patrícia Portela. Tenho trabalhado
muito em França e vê-se o peso da
tradição, do passado: para quem quer
sair e encontrar uma ligação com vanguarda
europeia é difícil.”
Lista de “best-of ” não
Pode ter sido pela sua ligação a Portugal,
pode ter sido pela sua ligação
ao Alkantara, por nada ou tudo isto
que foi convidado para dirigir este
festival que surgiu do Danças na
Cidade, também bienal, também dirigido
por Mark Deputter. Thomas acha
que não é a ele que cabe responder.
Sabe que teve papel importante nos
espectáculos que fez com o Alkantara
(na última edição, “harS”, de Aydin
Teker, ou “DOO”, de Miguel Pereira)
e isso tem sobretudo a ver com aquilo
a que ele chama “a dramaturgia, pensar
os projectos”.
Por exemplo, no projecto Lugares
Imaginários, que começou em 2007,
cinco equipas pluridisciplinares de
vários países trabalharam sobre o
tema da cidade mediterrânica e a sua
história de urbanismo, fazendo
depois residências artísticas e apresentações
em várias cidades. Walgrave
foi cenógrafo/ desenhador de
luzes de três espectáculos deste projecto:
“Yesterday’s man” de Rabih
Mroué, Tiago Rodrigues e Tony
Chakar; “F A Q (Frequently Asked
Questions)” de Antonio Tagliarini,
Carlo Antonio Borghi, Danya Hammoud
e Ornella d’Agostino; “La grammaire
d’ENOS”, de Cristiano Carpanini.
Mas isso, como já era habitual
com os Stan, implicou mais do que
participação na sua “área”, implicou
“fazer perguntas essenciais sobre o
espectáculo”: “Venho de uma tradição
em que é o contrário de cada um
ter a sua caixinha.”
O último Alkantara foi “muito sobre
a memória de ver um espectáculo”.
Portanto ele e Mark conversaram bastante
sobre a “função de um festival
numa cidade”. Mais do que aquilo que
deve ser, o futuro director sabe o que
um festival não deve ser: “uma lista
de ‘best of’” de espectáculos.
Ainda é cedo para revelar o que
quer que seja. Thomas pode apenas
dizer que um “programa tem a ver
com a dinâmica de uma cena local” e
a sua relação com o “que está a acontecer
a nível internacional”. “Há mais
razões para apresentar um espectáculo
do que simplesmente a sua qualidade.”
Como por exemplo? “Pôr a
mexer desenvolvimentos locais.”
E Lisboa? Do que precisa do Alkantara?
“Quando falamos de uma certa
frescura, o Alkantara teve um papel
importante e deve continuar a ter esse
papel. A paisagem local está a mudar:
o facto de o Mark estar no Maria Matos
e ter uma programação regular, de ter
espectáculos que antes só aconteciam
a nível do festival muda a paisagem.”
Isto não significa que o festival tenha
que se redefinir, nem que agora exista
concorrência - vão continuar a ser parceiros,
ambos “precisam de uma cena
artística saudável”. Até porque a programação
de um festival e de um teatro
são coisas “completamente diferentes”.
Mas o facto de o Maria Matos,
a Culturgest ou São Luiz terem espectáculos
que poderiam ser apresentados
no Alkantara “obriga a definir
melhor a função de um festival”.
Uma coisa ele sabe: Portugal tem
uma posição privilegiada com África
e Brasil e essa vai continuar a ser uma
parte importante do Alkantara. Por
enquanto, anda a ver espectáculos.
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PARA O CONCERTO DO DIA 6 DE MARÇO NA CASA DA MÚSICA. OFERTA LIMITADA AOS PRIMEIROS 10 LEITORES.
QUA
22:00 SALA SUGGIA
O nome de Wayne Shorter confunde-se
com a história do jazz moderno,
manifestando-se nalgumas das
formações mais influentes e definidoras
do hard bop. Compositor e solista de
extrema originalidade, está entre
os grandes do jazz, explorando com
este quarteto um valioso repertório
construído ao longo de uma carreira
de 50 anos.
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DUPLO PARA ESTE CONCERTO. OFERTA LIMITADA AOS PRIMEIROS 10 LEITORES.
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Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 27

FERNANDO VELUDO/ PÚBLICO
Cinema
a bela
adormecida
Que segunda cidade do país é esta que já teve um dos maiores
cineclubes da Europa e onde agora há pessoas para tudo, menos
para o cinema? Andamos a queixar-nos muito (4373 nomes num
abaixo-assinado pela criação de um pólo da Cinemateca no Porto)
mas nunca nos queixaremos demasiado. Inês Nadais
28 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009
Porto,
A sede do
Cineclube
praticamente
não abre:
chegou a ter
mais sócios do
que o FC Porto
e agora tem
300, mas são
só dez a pagar
as quotas

O poster encostado à parede descascada
da sede do Cineclube do Porto,
na Rua do Rosário, diz “hoje há
cinema infantil” mas não há - não há
cinema infantil nem há cinema,
ponto. Podíamos não escrever mais
nada porque tudo o que vem a seguir
está escrito na testa desta parede descascada,
ou do tecto da Casa das
Artes, que desabou em 2004 e até
hoje não foi reparado: é aí que vamos
ter um pólo da Cinemateca, ou lá o
que é, e ainda este ano (não estamos
a delirar: são declarações solenes do
ministro da Cultura, Pinto Ribeiro,
no centenário de Manoel de Oliveira,
e o Porto leva essas coisas a sério).
Há anos que não víamos o poster (a
sede do Cineclube praticamente não
abre: chegou a ter mais sócios do que
o FC Porto e agora tem 300, mas são
só dez a pagar as quotas), há anos que
não sabemos o que é feito do Cineclube,
mas cruzámo-nos com eles um
destes dias, numa exposição na Casa
do Infante que conta a história, e é
uma história exemplar menos na
parte em que acaba mal, de um dos
maiores cineclubes da Europa.
O panorama actual da exibição
cinematográfica no Porto é tudo
menos exemplar - 14 salas em funcionamento,
12 das quais em centros
comerciais (oito salas Lusomundo no
Dolce Vita do Estádio do Dragão, quatro
salas Medeia no Shopping Cidade
do Porto, com um anexo no Cine-
Estúdio do Teatro do Campo Alegre),
e apenas um cinema na Baixa (o Estú-
dio 111, no Teatro Sá da Bandeira),
a passar filmes porno. Dos 21 cinemas
activos na cidade em 1978, não
há nenhum aberto. O Cineclube do
Porto não fechou mas é como se
tivesse fechado, o Cineclube do Norte
fechou, a Casa das Artes (equipamento
que depende da Direcção-
Geral das Artes) fechou, a Casa da
Animação tem problemas de financiamento,
o festival de documentário
e novos media Odisseia nas Imagens,
lançado pela Capital Europeia da Cultura
em 2001, ficou na gaveta de Rui
Rio - e continua a não haver Cinemateca.
É como se o Porto tivesse deixado
de estar à sua própria altura.
“É constrangedor ver o estado em
que as coisas estão quando se viveram
aqueles anos extraordinários em que
o cinema era a base de uma militância
cultural e também uma plataforma
de oposição ao regime. Era uma
vivência riquíssima: as pessoas viam
filmes em condições que hoje não se
imaginam, e depois discutiam até de
madrugada”, diz Bernard Despomadères,
cinéfilo furioso, amigo de Oliveira
e responsável pelos serviços
culturais do Consulado Geral de
França no Porto, que ainda no ano
passado organizou com a Medeia um
ciclo de cinema sobre o Maio de 68
- “com duas cópias cedidas pela Cinemateca”,
acrescenta António Costa,
representante (íamos dizer resistente)
da Medeia no Porto.
E o público?
É uma palavra que ouvimos de cinco
em cinco minutos - há décadas. No
ano passado, 4373 assinaturas
depois, o Ministério da Cultura assumiu
a criação de um pólo da Cinemateca
no Porto: é uma declaração em
que já ninguém acredita (sobretudo
depois de se saber que o pólo é uma
coisa a três, Serralves, Casa das Artes
e Casa Manoel de Oliveira, e que duas
delas não existem), mas que a há, há.
Era fácil, diz António Costa: “A Casa
das Artes está equipada, e não é preciso
fazer um investimento por aí
além. Ainda por cima, a Sala Henrique
Alves Costa tem uma tradição de
cinefilia: foi programada pela Medeia
durante dez anos, sempre com bastante
público, foi lá que a Cinemateca
fez as comemorações do centenário
do cinema em 1997, leva o nome de
um dos maiores divulgadores do
cinema no Porto, e até tem espaço
para uma pequena biblioteca”.
Só não sabemos se tem público
(ainda há poucos meses João Bénard
da Costa atirou isto à cara dos signatários
da petição: as tais comemorações
do centenário do cinema, em
1997, não fizeram propriamente
milhares de espectadores). “Temos
um grave problema de oferta, que
gerou um grave problema de procura:
há um público a reconstruir no
Porto”, argumenta João Fernandes,
director do Museu de Arte Contemporânea
de Serralves.
“O Porto tem vários públicos, mas
são voláteis: a Casa das Artes fazia 60
a 70 mil espectadores por ano, e lembro-me
de haver dias em que o ‘Vale
Abrãao’ esgotava as três sessões.
Quando fechou, esse público dispersou-se
- agora é difícil reconquistá-lo.
Mas quando organizámos um ciclo
de cinema italiano em Outubro quase
todas as sessões estiveram esgotadas.
O ‘Fome’, do Steve McQueen, fez mil
espectadores em duas semanas, o que
não foi mau numa fase em que já só
se falava dos Óscares. É óbvio que se
pudéssemos estrear certos filmes em
simultâneo em Lisboa e Porto podíamos
potenciar o efeito multiplicador.
Quando chegam cá, os jornais já deixaram
de falar deles há meses - e as
pessoas vêem na carteleira ‘A Rapariga
Cortada em Dois’ mas não se lembram
que é um filme do Chabrol”,
explica António Costa. É um facto: as
quatro salas Medeia do Shopping
Cidade do Porto são notícia mais
vezes por estarem em risco de fechar
do que pelos filmes que tem em exibição.
No curto prazo - com ou sem Cinemateca
- não vai haver milagres
demográficos, e o Porto vai continuar
a ser esta segunda cidade que perdeu
quase 100 mil habitantes em duas
décadas e que tem uma população
cada vez mais próxima da que tinha
no início do século XX (por dia, são
20 pessoas que saem e já não voltam).
Há uma parte desse problema que
não é específica do Porto - as salas
monumentais, como o Águia D’Ouro
e o Batalha, fecharam porque esse
modelo de cinemas se tornou obsoleto
com o VHS e o DVD e com a abertura
de complexos multiplex dentro
dos centros comerciais. Mas há outra
parte que faz desta história um caso
particular. “O número de cinemas
fechados e abandonados é assustador.
O Porto tem um problema grave
de empreendedorismo cultural que
tem a ver com uma centralização progressiva
das estruturas culturais em
Lisboa, a ressaca da Capital Europeia
da Cultura e o desinteresse da câmara
por estas questões. As gerações mais
novas cresceram desligadas da produção
artística - e do cinema”, aponta
Guilherme Blanc. Está a estudar fora
do Porto, como a maioria dos miúdos
que estiveram por trás do movimento
Circuito - Cinema na Universidade,
que federou uma série de cineclubes
universitários e que acabou como
sabemos, numa petição com mais de
4000 assinaturas. David Barros também:
não podia estudar cinema no
Porto. “Em Lisboa posso ver em sala,
com condições excepcionais, 95 por
cento dos filmes que no Porto teria
de ver em DVD. Não fui para Lisboa
fazer um mestrado por causa da qualidade
da Universidade Nova mas por
causa da qualidade da Cinemateca.
É disso que nos queixamos: falta-nos
todo o cinema anterior à década de
90, falta a possibilidade de uma geração
inteira crescer a ver cinema. Não
foi sempre assim. Ainda há dias estive
a fazer uma pesquisa na Cinemateca
e encontrei artigos sobre as vindas
do Jean Rouch ao Porto”, resume.
Sim, há um problema de público
Dos 21 cinemas
activos na cidade em
1978, não há nenhum
aberto
PAULO PIMENTA
“Temos um grave
problema de oferta,
que gerou um grave
problema de procura:
há um público a
reconstruir no Porto”,
João Fernandes,
director do Museu de
Arte Contemporânea
de Serralves
Fantasporto, um caso
único a nível nacional
FERNANDO VELUDO/ NFACTOS
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 29

NELSON GARRIDO
O panorama
da exibição no
Porto: 14 salas
em funcionamento,
12 das
quais em
centros
comerciais e
apenas um na
Baixa a exibir
filmes porno
no Porto e também tem a ver com
isto: “Se formos contar espingardas,
vamos perceber que muitas pessoas
que trabalham em Lisboa na área do
cinema vieram do Porto, que não
consegue fixar essa massa criativa”,
lembra Dario Oliveira, um dos quatro
directores do Curtas Vila do Conde
(já foram cinco, mas Luís Urbano foi
para Lisboa gerir uma produtora, O
Som e a Fúria).
David Barros não está interessado
em ir para o divã procurar explicações:
“Temos é de lidar com a situação
e ultrapassar esta falácia de que
não há cinema no Porto porque não
há público. Também não há público
se não houver cinema. É preciso
começar a criar novos circuitos de
cinefilia”.
Carlos Azeredo Mesquita, que continua
ligado ao Cineclube da Faculdade
de Belas-Artes, admite que já
houve mais espectadores, mas continua
a ser “uma experiência curiosa”:
“Há pessoas mais velhas que não
sabemos de onde vêm”. O futuro
pode passar por projectos a esta
escala, diz: “Fiquei chocado com a
quantidade de cinemas independentes,
de bairro, que vi em Varsóvia. No
Porto faltam pessoas que se mexam.
A Cinemateca seria a instituição perfeita,
mas não resolve os problemas
todos: há coisas mais pequenas,
menos institucionais, que podem
criar práticas mais densas. Também
achávamos que não havia público
para as artes visuais, e tanto Serralves
como Miguel Bombarda são o que
são”.
Tudo ou nada?
Rodrigo Affreixo, que já tentou - teve
os seus anos de militância no Cineclube
do Norte e na revista “A Grande
Ilusão”, na década de 80, quando o
cineclubismo do Porto teve o seu
grande cisma e se partiu ao meio -,
tem dúvidas: “Nisso o Porto é diferente
de Lisboa. Estive a programar
a sala do Teatro do Campo Alegre
entre 2000 e 2001 e tentei fazer uma
coisa tipo Cinemateca. A sala estava
sempre vazia - não sei se por falta de
promoção, ou por estar a decorrer o
Porto 2001 ao mesmo tempo. De
facto o circuito de exibição não pode
resumir-se a isto que temos agora: era
como se deixasse de haver restaurantes
e passasse a haver apenas praças
da alimentação. Mas a ideia com que
fiquei é que os circuitos alternativos
não funcionam”.
Mário Dorminsky, director do Fantasporto,
concorda: “As pessoas não
se interessam por ciclos, a não ser
que sejam suportados por filmes inéditos,
porque já viram tudo em DVD.
Acontece com o Fantasporto. Gostávamos
de fazer mais coisas ao longo
do ano, mas não vale a pena. Nesse
sentido, no Porto não falta nada: está
tudo editado em DVD, muitas vezes
em cópias remasterizadas de altíssima
qualidade”.
É uma questão de perspectiva:
Carlos Azeredo Mesquita diz que
falta tudo, “cinema anterior à década
de 90, algum cinema da própria
década de 90 e muito cinema contemporâneo”,
João Fernandes diz
que “falta, conhecida e reconhecidamente
um confronto com a História
do cinema, com o cinema experimental
e também com muitas possibilidades
do cinema
contemporâneo e com as cinematografias
do mundo, até porque há filmes
que desaparecem após uma
semana de exibição”.
Olhamos para o que aconteceu em
Serralves, na Casa da Música, no S.
João e na rua Galeria de Paris e decidimos:
tem de haver público para o
cinema. “O Porto 2001 é a prova:
havendo uma programação séria,
uma ligação à universidade e ao
meio artístico, há público. O Festival
Odisseia nas Imagens tinha tudo para
ter ficado para a cidade, mas a
câmara não teve abertura para uma
única reunião. Havia um trabalho de
ligação com as universidades, com
a Cinemateca e com os festivais
estrangeiros, deu-se formação, encomendaram-se
filmes. Todo esse trabalho
se perdeu”, sublinha Dario
Oliveira. Falta esse festival e faltam
salas de rua, diz: “Micro-multiplexes,
como em toda a Europa. Não
adianta haver uma sala sozinha na
“Há esse mito de que
os cidadãos do Porto
são muito activos e
muito resistentes, eu
acho que não são: a
cidade não reage às
suas perdas”
Alexandre Alves
Costa, arquitecto
Baixa: fizemos essa experiência com
o Passos Manuel e não foi viável porque
a média de espectadores era
muito baixa. É o que se passa agora
com este movimento da rua Galeria
de Paris: dez bares na mesma rua
criam práticas com que um bar sozinho
não pode sequer sonhar”. Tudo
o que existe no Porto na área do do
cinema existe pontualmente, subscreve
Abi Feijó, que foi o primeiro
director da Casa da Animação: “O
Fantasporto pontualmente, Serralves
pontualmente, a Casa da Animação
pontualmente. São gotas no oceano”.
Uma rede de salas de bairro, na
Baixa, pode funcionar como incentivo
para que a cidade volte a ocupar
o centro, mas isto já é “wishful
thinking”: “A distribuição e a exibição
comercial são áreas difíceis, mas seria
interessante que aparecessem aventuras
privadas a par do formato mais
institucional de um pólo da Cinemateca,
até porque muitas das salas
fechadas estão equipadas”, defende
João Fernandes. “Não temos razões
para frequentar a Baixa, está tudo em
ruínas a não ser a vida nocturna. O
fim do projecto do Rivoli, que de
facto funcionava como centro cívico,
foi terrível. E tudo isto acontece à
nossa frente, sem que a cidade pareça
incomodada. Há esse mito de que os
cidadãos do Porto são muito activos
e muito resistentes, eu acho que não
FERNANDO VELUDO/ NFACTOS
são: a cidade não reage às suas perdas.
É impensável que, depois de
2001, a cidade tenha eleito um presidente
de câmara não só inculto
como manifestamente anti-cultural”,
frisa o arquitecto Alexandre Alves
Costa, filho do histórico director do
Cineclube do Porto Henrique Alves
Costa. É a favor de uma Cinemateca
no Porto, mesmo que seja só para 20
pessoas: “Se não começarmos pelas
20 pessoas, nunca passaremos para
as 2000”.
É uma decisão política, diz António
Costa: “Ou se faz ou não se faz. Não
se pode é desistir antes de começar”.
Mas também há outras coisas que se
podem fazer antes da Cinemateca:
“A Casa das Artes é o centro ideal
para a difusão do cinema no Porto.
Ainda existe o espaço, ainda existem
as pessoas, existem as universidades.
Era possível abrir o Porto a outro tipo
de cinema com custos baixíssimos,
se houvesse boa vontade. Pode não
haver público real, mas há público
potencial, e um sítio para esse público
se encontrar. O cinema no Porto é
uma bela adormecida: precisa de
pouco para despertar”, diz Bernard
Despomadères.
Estamos naquela fase em que já
não interessa o que se vai fazer -
desde que se faça qualquer coisa para
acabar com este sono de 20 e tal
anos.
David Barros
(terceiro a
contar da
direita) faz
mestrado em
cinema.
Deixou o Porto
e foi para
Lisboa não por
causa da
qualidade da
Universidade
Nova mas por
causa da
qualidade da
Cinemateca
30 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

AGENDA CULTURAL FNAC
entrada livre
APRESENTAÇÃO AO VIVO LANÇAMENTO EXPOSIÇÃO
APRESENTAÇÃO
MÃO MORTA À CONVERSA COM…
28.02. 17H30 FNAC NORTESHOPPING
28.02. 21H30 FNAC COIMBRA
03.03. 19H00 FNAC BRAGA
AO VIVO
BUNNYRANCH
Teach Us Lord How To Wait
27.02. 17H00 FNAC STA. CATARINA
05.03. 21H30 FNAC VISEU
AO VIVO
DOISMILEOITO
doismileoito
28.02. 17H00 FNAC CHIADO
01.03. 18H30 FNAC COLOMBO
06.03. 22H00 FNAC NORTESHOPPING
07.03. 17H00 FNAC GAIASHOPPING
07.03. 22H00 FNAC BRAGA
13.03. 18H00 FNAC STA. CATARINA
13.03. 22H00 FNAC MAR SHOPPING
15.03. 17H30 FNAC VISEU
AO VIVO
:PAPERCUTZ
Lylac
28.02. 17H00 FNAC STA. CATARINA
28.02. 22H00 FNAC GAIASHOPPING
07.03. 17H00 FNAC BRAGA
14.03. 17H00 FNAC VISEU
EXPOSIÇÃO
UM PONTO EXACTO PARA VER
Fotografias de Hugo Rodrigues Cunha
Novo Talento Fnac Fotografia 2008, Vencedor
05.03. - 20.05.2009 FNAC CHIADO
Apoio:

Cinema
Anjo caído
É um filme sobre glórias
passadas e sobre uma queda.
Randy, como Rourke, foi
“grande” nos anos 80, e
agora deixou de ser capaz de
encontrar um espelho que
reflicta essa grandeza.
Luís Miguel Oliveira
O Wrestler
The Wrestler
De Darren Aronofsky,
com Mickey Rourke, Marisa Tomei,
Evan Rachel Wood. M/16
MMMnn
Sem Rourke, “O Wrestler” não faria sentido
Lisboa: Castello Lopes - Cascais Villa: Sala 1: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20, 16h, 18h40, 21h30 6ª
Sábado 13h20, 16h, 18h40, 21h30, 00h20; Castello
Lopes - Londres: Sala 1: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 14h,
16h30, 19h, 21h30 6ª Sábado 14h, 16h30, 19h, 21h30,
24h; Castello Lopes - Loures Shopping: Sala 2: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h20, 18h40,
21h40, 00h10; CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 7:
5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 13h40, 15h50, 18h30, 21h35, 23h45
Sábado Domingo 11h30, 13h40, 15h50, 18h30, 21h35,
23h45; CinemaCity Classic Alvalade: Sala 2: 5ª 2ª 3ª
4ª 14h, 16h10, 18h20, 21h40 6ª 14h, 16h10, 18h20,
21h40, 00h05 Sábado 11h45, 14h, 16h10, 18h20,
21h40, 00h05 Domingo 11h45, 14h, 16h10, 18h20,
21h40; Medeia Monumental: Sala 1: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h10, 16h40, 19h10, 21h40,
00h15; UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 12: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 14h15, 16h50, 19h15, 21h30, 23h55
Domingo 11h30, 14h15, 16h50, 19h15, 21h30,
23h55; ZON Lusomundo Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h30, 18h10, 21h30,
00h10; ZON Lusomundo CascaiShopping: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h40, 18h10,
21h40, 00h20; ZON Lusomundo Colombo: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h45, 15h30, 18h15,
21h10, 23h50; ZON Lusomundo Oeiras Parque: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h50, 18h30,
21h25, 00h10; UCI Freeport: Sala 5: 5ª 2ª 3ª 4ª
16h, 18h40, 21h30 6ª 16h, 18h40, 21h30, 24h
Sábado 13h40, 16h, 18h40, 21h30, 24h
Domingo 13h40, 16h, 18h40, 21h30; ZON
Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h45,
18h25, 21h30, 00h05; ZON
Lusomundo Fórum
Montijo: 5ª 6ª
Sábado
Domingo 2ª 3ª
4ª 13h40, 16h20,
18h45, 21h30,
24h
Porto:
Arrábida
As estrelas do público
20: Sala 16: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 14h15,
16h50, 19h25, 22h, 00h45 3ª 4ª 16h50, 19h25, 22h,
00h45; Medeia Cidade do Porto: Sala 2: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h20, 16h50, 19h20,
21h50; ZON Lusomundo GaiaShopping: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h30, 18h10, 21h20 6ª
Sábado 13h, 15h30, 18h10, 21h20, 00h20; ZON
Lusomundo NorteShopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20, 16h, 19h, 22h,
00h40; ZON Lusomundo Fórum Aveiro: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h45, 18h30, 21h10 6ª
Sábado 13h, 15h45, 18h30, 21h10, 24h
Mickey Rourke não é apenas o actor
de “O Wrestler”. É o seu tema, o seu
objecto, a sua razão de ser. Diz-se
muitas vezes que todos os filmes
acabam por ser uma espécie de
“documentário” sobre os seus
actores. É verdade, e quanto mais o
tempo passa sobre um filme mais
essa verdade é evidente (como dizia
alguém, o destino da “ficção” é
tornar-se “documento”). Ainda
assim, é raro encontrar um filme
que, como “O Wrestler”, leve essa
ideia tão a peito. O seu acto
essencial é ser testemunha de uma
presença, da presença de um actor,
da presença deste actor. Sem
Rourke - e sem a história de Rourke,
que está, por assim dizer,
“incrustada” em cada milímetro do
seu corpo e do seu rosto - o filme
não faria sentido, ou faria um
sentido completamente diferente.
Claro que a dissociação continua
a ser possível, e não só possível
como desejável. É um actor e uma
personagem, a sobreposição não é
absoluta, e a história de Mickey
Rourke não é bem a história do
“wrestler” Randy the Ram. Mas há
ecos de um no outro, ou não fosse
“O Wrestler” um filme sobre glórias
passadas e, se não sobre a
decadência, sobre uma queda, um
confronto com a vulgaridade do
mundo. Randy, como Rourke, foi
“grande” nos anos 80, e agora
deixou de ser capaz de encontrar
um espelho que reflicta essa
grandeza - não tão longe assim, e é
uma lembrança que nos ocorre a
certa altura, da Gloria Swanson do
“Sunset Boulevard” de Billy Wilder,
esse filme sobre “come backs” e
sobre o crepúsculo dos deuses... É o
mesmo mundo “encolhido”, e dirse-ia
que é nisso que Darren
Aronofsky pensa quando trata a
relação do enorme corpo de Rourke
com certos décors. As cenas no
supermercado onde Randy faz uns
biscates no intervalo entre dois
combates, por exemplo: há ali uma
espécie de desproporção, como se
Randy fosse o protótipo do “leão
enjaulado”...
Um mundo vulgar, mas cheio
de dignidade. A principal proeza
do olhar de Aronofsky está nessa
justeza. Consegue filmar um
mundo, ou submundo, tão
codificado como os dos “wrestlers”
sem tombar no grotesco ou na
caricatura. E confrontar-se, por sua
vez, com uma vulgaridade
corriqueira, com uma urbanidade
cinzenta e deprimente, sem nunca
as menorizar nem sequer julgar,
trazendo-lhes uma luminosidade
surpreendentemente tocante. As
cenas com Rourke e a
maravilhosa Marisa Tomei,
sobretudo as cenas diurnas
Jorge
Mourinha
Luís M.
Oliveira
Mário
J. Torres
Vasco
Câmara
O Casamento de Rachel mmnnn mmmnn nnnnn mmmnn
Dúvida MMmnn mmnnn mmmnn mmnnn
O Leitor mmmnn nnnnn nnnnn mnnnn
Maradona nnnnn nnnnn mnnnn mnnnn
Milk mmmmm mmmmn mmmmm mmmmn
Quem quer ser Bilionário? mmnnn a mnnnn a
Revolutionary Road nnnnn mmnnn mmmnn mnnnn
Um dia de cada vez mmmmn nnnnn mmnnn mnnnn
O Visitante mmmnn nnnnn nnnnn nnnnn
O Wrestler nnnnn mmmnn nnnnn mmmnn
Bárbara
Reis
Coffee-break
A morte dos outros
Há uns anos fui ao New Museum de Nova
Iorque ver Bob Flanagan morrer. O “New
York Times” dizia que era um poeta
sadomasoquista famoso por ler poesia em
público com pesos pendurados nos
testículos e por ter uma doença hereditária incurável. E
dizia outra coisa: Flanagan estava a morrer na exposição.
Seria possível?
Uma pessoa não sabe bem o que pensar quando decide
ir ver uma coisa assim. O espectáculo da morte não é uma
invenção do nosso século, os romanos morriam na arena
entre palmas e lágrimas, mas em 1994, quando fui ver
Flanagan, a morte ainda não voltara a ser espectáculo diário
de multidões, como é hoje.
Esta semana, Jade Goody, que está a semanas de morrer
com um cancro no cólon do útero, cobrou um milhão
de euros pelo exclusivo do seu casamento. Quer deixar
dinheiro aos filhos e se a nossa arena da morte é a televisão,
porque não? Filha de um casal de toxicodependentes
dos subúrbios de Londres, Jade Goody foi uma anónima
assistente de dentista até entrar no Big Brother britânico
em 2002. Ficou célebre por ser ignorante. Num programa
perguntou se o Rio de Janeiro era uma “pessoa”, noutro se
em Portugal se falava “portuganês”. Tinha 20 anos. Hoje
tem 27 e soube ao vivo, num Big Brother da Índia onde
estava como convidada, que tinha um cancro. No dia dos
namorados, o seu noivo de 21 anos, preso por ter atacado
um adolescente com um taco de basebol, pediu-lhe e mão.
Jack Straw, ministro da Justiça, abriu uma excepção e deixou
que o noivo-condenado dormisse fora uma noite – está em
liberdade condicional e obrigado pelo tribunal a regressar
a casa da mãe até às sete da
tarde. “Esta noite é deles, talvez
Bob Flanagan viveu na
exposição entre
Setembro e Novembro de
1994. Morreu dois anos
depois. Sinto que não
aprendi nada com
aquilo. E com Jude
Goody vai ser igual
seja a única que passam juntos.
Estamos gratos a Straw”,
disse Max Clifford, o agente
de Jade Goody que foi agente
dos Beatles. “Vivi em frente
às câmaras e talvez morra em
frente a elas”, é a frase que fica
de tudo isto. Especula-se, como
os romanos, se Jade venderá
também a sua morte.
Há 15 anos, quando fui
com a Isabel ver Bob Flanagan
morrer, ainda não se tinha
inventado o Big Brother.
Lembro-me de sentir medo que
ele morresse à minha frente.
A exposição chamava-se “Visiting Hours” e começava com
um berço e uma linha branca na parede que nos conduzia
pelas salas, como um corrimão sem espessura. Com a linha,
seguia também o poema “Porquê” que se lia à medida
que caminhávamos: “Porque é bom/ Porque me dá uma
erecção/ Porque sou tarado.” Avancei pelo espectáculo
da dor e rapidamente acelerei o passo. Vi um vídeo com
Flanagan a pôr piercings no mamilo, outro com sangue a
esguichar. Quando cheguei ao pénis a ser perfurado por
um prego saí. No caminho li o resto do poema: “Porque há
muitas doenças/ Porque gosto da atenção/ Porque fiquei
muitas vezes sozinho em criança/ Porque eu era diferente/
Porque os miúdos me batiam a caminho da escola/ Porque
fui humilhado pelas freiras/ Por causa da crucificação.”
Fiquei na rua à espera da Isabel. Resistente, pensei. Meia
hora depois fui procurá-la. Calmamente, ela conversava
com Bob Flanagan, que estava no fim da exposição, nu,
com soro nos braços e tubos no nariz, num quarto de
hospital real transportado para o New Museum. Como
passa os dias? Porque é que tem um Cristo em cima da
cama? Que livros tem na cabeceira? As pessoas conversam
consigo? E o que lhe dizem?
Bob Flanagan viveu na exposição entre Setembro e
Novembro de 1994. Morreu dois anos depois. Sinto que não
aprendi nada com aquilo. E com Jude Goody vai ser igual.
breis@publico.pt
32 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

¬Mau ☆Medíocre ☆☆Razoável ☆☆☆Bom ☆☆☆☆Muito Bom ☆☆☆☆☆Excelente
“Maradona”: o futebolista, patético
e perdido num filme demagógico
Espaço
Público
Tire-se o chapéu a Gus Van
Sant. Apesar de aventuras
em formato “mainstream”
como “Good Will Hunting”
ou “Finding Forrester”,
tem dedicado a sua
carreira a correr riscos,
oferecendo-nos pérolas
escondidas em ostras de
tamanho indie como “My
Own Private Idaho” ou
“Last Days”. “Milk”é uma
pérola indie em formato
universal. O filme conta a
história de Harvey Milk, o
primeiro político
assumidamente gay a ser
eleito para um cargo
público nos EUA. É incrível
a forma como Van Sant
transmuta a história
individual numa epopeia
colectiva, começando
numa rua, avançando para
um país para, de repente,
tomar conta do mundo
inteiro. Porque não é
apenas dos direitos gay
que Milk se acerca, mas de
todos os direitos e
liberdades inalienáveis ao
ser humano enquanto
indivíduo e à sua
possibilidade de escolha.
No ano em que a eleição de
Obama devolveu a
esperança ao planeta,
ofereço a esta odisseia pela
liberdade 9 Castros em 10.
Pedro Miguel Silva, 35
anos, Técnico de
Comunicação
2008 FOCUS FEATURES. ALL RIGHTS RESERVED
dos seus encontros no café ou nas
lojas, trabalham numa simplicidade
despojada de adornos que é sempre
uma maneira de fazer justiça às
personagens.
Numa dessas cenas Randy faz o
elogio dos anos 80 através do
“rock”, aquele “rock FM” não
muito sofisticado que ele gosta de
ouvir (“depois”, diz, “apareceu o
Kurt Cobain e estragou tudo”).
Noutra cena joga, com um miúdo
seu vizinho, um velhíssimo jogo
de consola, enquanto o miúdo lhe
fala dos jogos novos, de que Randy
já ouviu falar mas não tem
interesse em experimentar.
Pequenas reiterações do carácter
“perdido no tempo” da
personagem de Rourke.
Aronofsky, em vez de filmar para a
“recuperar”, oferece-lhe a
possibilidade do mergulho total
nessa “perdição”. Mas no último
plano do filme (que é, afinal de
contas, um “mergulho”) a
diferença entre uma maldição e
uma bênção torna-se uma questão
de perspectiva: Randy está
destinado a ganhar-se por aquilo
que o perde. E isso é muito bonito.
Continuam
Maradona
Maradona by Kusturica
De Emir Kusturica,
com Lucas Fuica, Emir Kusturica,
Diego Armando Maradona. M/12
Mnnnn
Lisboa: CinemaCity Classic Alvalade: Sala 4: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h40, 18h50, 21h20 6ª Sábado
13h40, 18h50, 21h20, 23h40
Emir Kusturica tem uma obra
respeitável, à qual este “biopic”
supostamente original nada vem
acrescentar. Trata-se do encontro
desinteressante entre dois egos
imensos, com algum respeito pelo
biografado, mas com uma
hagiografia que não faz grande
sentido, na medida em que se perde
em escusadas laudes e em
pormenores. Nem a tentativa de
aproveitar a Guerra das Malvinas,
para condenar o regime “fascista”
de Mrs. Thatcher, funciona:
politizar, à boa maneira dos seus
filmes “jugoslavos”, deixa Kusturica
num impasse, uma vez que tudo
esbarra numa confrangedora
facilidade representativa. E, depois,
Maradona, figura tragicómica,
sossobra no processo: patético e
perdido num filme demagógico.
Mário Jorge Torres
O Casamento de Rachel
Rachel Getting Married
De Jonathan Demme,
com Anne Hathaway, Rosemarie
DeWitt, Debra Winger. M/12
MMnnn
Lisboa: CinemaCity Classic Alvalade: Sala 1: 5ª 6ª
2ª 3ª 4ª 13h50, 16h Sábado Domingo 11h40, 13h50,
16h; Medeia Monumental: Sala 2: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 16h20, 18h50, 21h30,
24h; UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 7: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 16h45, 19h10, 21h35,
24h; ZON Lusomundo Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 21h15, 23h45 4ª 23h45
Porto: Arrábida 20: Sala 6: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 19h15, 21h45, 00h20; Medeia Cidade do
“O Casamento de Rachel”
Porto: Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
19h; ZON Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h50, 18h35,
21h20, 23h40; ZON Lusomundo Fórum Aveiro: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h05, 15h50, 18h40, 21h30 6ª
Sábado 13h05, 15h50, 18h40, 21h30, 00h20;
Sim, nós já sabemos que as famílias
são uma coisa lixada, e a esse nível
“O Casamento de Rachel”, história
do regresso a casa de uma drogada
em reabilitação para assistir ao
casamento da irmã, não traz nada de
novo. O que traz de novo – ou, pelo
menos, de invulgar – é o modo
“home movie” como Jonathan
Demme o filma, como se a câmara
fizesse parte da família e estivesse lá
sempre que as coisas ficam feias (e
ficam bastantes vezes). O que traz de
mais interessante é a interpretação
reveladora de Anne Hathaway
(nomeada para o Oscar) no papel da
irmã perdida (bem secundada por
Rosemarie de Witt no papel da irmã
certinha; e que pena que Debra
Winger quase não apareça). Mas a
sensação que “O Casamento de
Rachel” deixa é exactamente a de
um casamento para o qual somos
convidados sem conhecer bem a
família, e do qual saímos sem termos
percebido muito bem porque é que
aceitámos ir; o ponche
emocional está
demasiado diluido na
boémia, a evocação de
Altman esbarra na
incapacida-de de
gerir habilmente
os
vários fios
cru-zados.
Jorge
Mourinha
“Um Dia de Cada Vez”: o “sistema”
de Mike Leigh em flagrante de falsidade
Um Dia de Cada Vez
Happy-Go-Lucky
De Mike Leigh,
com Sally Hawkins, Elliot Cowan,
Alexis Zegerman. M/12
Mnnnn
Lisboa: Medeia King: Sala 3: 5ª Domingo 3ª 4ª
14h15, 16h45, 19h15, 21h45 6ª Sábado 2ª 14h15,
16h45, 19h15, 21h45, 00h15; Medeia
Monumental: Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 14h, 16h30, 19h, 21h30, 24h; ZON Lusomundo
Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h30, 16h15
O “sistema Mike Leigh” parece
desabar. O querer fazer uma
comédia “optimista” (querer chegar
a mais público?) parece ser neste
filme, antes de tudo, um objectivo
imposto de fora, um “a priori”,
coisa pouco orgânica, uma tarefa,
na verdade. O resultado é um
flagrante de artificialismo e
falsidade. O que se vê são os
processos, os tiques, e quando
Agenda
Cinemateca Portuguesa R. Barata Salgueiro, 39 Lisboa. B213596200
Sexta, 27
Quando o Rio se Enfurece
Wild River
De Elia Kazan. Com Jo Van
Fleet, Lee Remick,
Montgomery Clift. 110 min.
15h30 - Sala Félix Ribeiro
Les Dames
du Bois de Boulogne
De Robert Bresson. Com
Blanchette Brunoy, Lucienne
Bogaert, Paul Bernard. 90
min.
19h - Sala Félix
Ribeiro
Nuvens de Verão
Iwashigumo
De Mikio Naruse. Com
Chikage Awashima,
Michiyo Aratama,
Yôko Tsukasa. 128
min.
19h30 - Sala Luís
de Pina
Almas em Fúria
The Furies
De Anthony Mann.
Com Barbara
Stanwyck,
Wendell Corey, walter Huston. 112
min.
21h30 - Sala Félix Ribeiro
O Velho e o Mar
The Old Man and The Sea
De John Sturges. Com Felipe Pazos,
Harry Bellaver, Spencer Tracy. 86
min. M12.
22h - Sala Luís de Pina
Sábado, 28
Montgomery Clift em “Wild River”
Amor Selvagem
Canyon Passage
De Jacques Tourneur. Com Dana
Andrews, Brian Donlevy, Susan
Hayward, Patricia Roc. 92 min.
M12.
15h30 - Sala Félix Ribeiro
A Múmia
Al Mummia
De Chadi Abdel Salam. Com Ahmed
Marei, Ahmad Hegazi, Zouzou
Hamdy El-Hakim. 102 min.
19h - Sala Félix Ribeiro
Autobiography of a Princess
De James Ivory. Com James Mason,
Madhur Jaffrey, Keith Varnier. 60
min.
19h30 - Sala Luís de Pina
A Mulher na Lua
Frau im Mond
De Fritz Lang. Com Gerda Maurus,
Kirsten Heilberg, Willy Fritsch.
190 min.
21h30 - Sala Félix Ribeiro
Painters Painting
De Emile de Antonio. 116 min.
22h - Sala Luís de Pina
ORGANIZAÇÃO
PARCERIA ESTRATÉGICA
WWW.MONSTRAFESTIVAL.COM
MEDIA PARTNER
APOIO
09 –15 Mar
monstra
festival de animação de LISBOA animated film festival
Cinema São Jorge
Museu do Oriente
Museu da Marioneta
Museu de Etnologia
Teatro Meridional
Escola Sec. D. Diniz
Animação Suíça
Competição Longas
e curtas de Estudantes
Ante-estreias
de filmes portugueses
Exposições
MONSTRINHA
Transversalidades
| Cabaret Voltaire
Formação
CO-PRODUÇÃO
MUSEU DA MARIONETA
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 33

Cinema
Isabel
Coutinho
Sérgio Sant’anna esteve
em Praga, Luiz Ruffato
em Lisboa, Joca Reiners
Terron no Cairo...
Amores
Expressos
http://
amoresexpressos.
com.br/
GARY HERSHORN/ REUTERS
Óscares
Ciberescritas
Os escritores
e as cidades
Esta crónica “pega um pouco” a da semana
passada. Isto porque acho que há muito mais
para dizer sobre Amores Expressos e sobre os
16 escritores brasileiros que participaram
neste projecto.
“Se há uma marca que define a literatura do nosso tempo,
é a multiplicidade de estéticas e propostas que convivem no
mesmo tempo e espaço”, lê-se no “site” do projecto literário
brasileiro Amores Expressos. Foi por isso que o produtor
Rodrigo Teixeira (que ficou conhecido pela colecção Camisa
13, em que pediu a escritores brasileiros que escrevessem
sobre futebol) teve agora a ideia de propor a 16 autores
brasileiros, de diferentes gerações, que escrevessem histórias
de amor com uma cidade a servir de cenário e inspiração
para as narrativas. Enviou-os, isolados, por um mês, para
várias cidades espalhadas pelo mundo. Acreditava que o
conjunto final dos textos formaria “um rico mosaico literário,
retratando em diferentes instantâneos o estado das relações
e do amor contemporâneo pelo planeta.” Foram escolhidos
(o coordenador editorial do projecto é João Paulo Cuenca,
que entrevistámos para esta edição) desde escritores
consagrados como Sérgio Sant’Anna e Bernardo Carvalho,
até escritores que nunca tinham publicado um romance
e foram descobertos por terem publicado contos e outros
textos em revistas literárias. A editora brasileira Companhia
das Letras associou-se, publicará os livros. E durante toda a
permanência dos escritores nas cidades, cada um manteve
um blogue e depois foi feito um DVD, com documentários de
todas as experiências.
Já foi publicado no Brasil o primeiro livro associado a
Amores Expressos: “Cordilheira” de Daniel Galera, Prémio
Machado de Assis 2008. Daniel Galera esteve em Buenos
Aires e escreveu no seu blogue,
no seu diário de bordo, “Já de
volta a São Paulo, ruminando
fotos e memórias. Tenho uma
história rabiscada na mente.
Acho que ela poderia se passar
em qualquer lugar, mas se
passará em Buenos Aires,
uma cidade de carnes tenras,
mulheres elegantes e ruas planas que mimam os andarilhos
com cafés e livrarias inesgotáveis.”
Agora vai ser publicado o livro de Bernardo Carvalho,
que se passa em São Petersburgo. Cuenca, que já leu, diz
que é excelente, “o melhor livro dele.” Basta ir espreitar o
seu diário de bordo na Internet para ter a certeza que isso
só pode ser verdade: “Começo a me dar conta de outra
São Petersburgo. Em parte, graças ao Maxim, que é um
sujeito muito peculiar.(...) Estudou cinema, em Moscou,
com Marlen Huciev, cineasta soviético contemporâneo de
Tarkovski. Uma noite, no hotel, em Moscou, liguei a TV e
dei com a cena de um filme em preto e branco, dos anos
60, em que um grupo de jovens (Tarkovski entre eles) falava
alto, recitava poemas, dançava, e passava do riso ao choro
sem tomar fôlego, como parece ser costume entre os russos,
bipolares intempestivos. Como não falo russo, não entendi
bulhufas do que diziam. Mas tampouco consegui desgrudar
os olhos da TV. A cena era estonteante. Era incrível que
aquele filme tivesse sido feito na União Soviética dos anos
60. A influência da nouvelle vague era clara. Mas havia
outra coisa, uma melancolia, um peso, um desencanto, que
os filmes da nouvelle vague não têm. Só ontem, o Maxim
me esclareceu que a cena que eu vi é de um filme célebre
do Huciev. O Maxim é um cara sabido e estranho.”
Sérgio Sant’anna esteve em Praga, Luiz Ruffato em
Lisboa, Joca Reiners Terron no Cairo, Amilcar Bettega em
Istambul, Adriana Lisboa em Paris, Paulo Scott em Sydney
e como ainda não temos os livros, resta-nos ler os seus
apontamentos de viagem na Internet.
isabel.coutinho@publico.pt
A nova fórmula da cerimónia
dos Óscares, a decisão
de substituir os habituais
apresentadores por um
“all-singing, all-dancing”
Hugh Jackman, teve efeito
no aumento das audiências
da cerimónia: segundo
a ABC o número de
espectadores americanos
(Ciberescritas já é um blogue http://blogs.publico.pt/
ciberescritas)
que viram a transmissão
televisiva passou dos 32
milhões, do ano passado,
para 36 milhões, um
aumento de 13 por cento.
Ainda assim é o terceiro
pior resultado da década,
longe dos 55 milhões de
1998, ano de “Titanic”.
isso é assim a experiência chega a
ser exasperante (já tinha acontecido
isso perante “All or Nothing”, em
2002). Vasco Câmara
Quem Quer Ser Bilionário?
Slumdog Millionaire
De Danny Boyle, Loveleen Tandan,
com Dev Patel, Anil Kapoor, Freida
Pinto. M/12
Mnnnn
Lisboa: Castello Lopes - Loures Shopping: Sala 1: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h40, 18h30,
21h30, 24h; CinemaCity Alegro Alfragide: Cinemax:
5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 14h10, 16h30, 18h50, 21h35, 23h55
Sábado Domingo 11h45, 14h10, 16h30, 18h50, 21h35,
23h55; CinemaCity Classic Alvalade: Sala 3: 5ª 2ª
3ª 4ª 14h10, 16h35, 19h05, 21h30 6ª 14h10, 16h35,
19h05, 21h30, 23h55 Sábado 11h30, 14h10, 16h35,
19h05, 21h30, 23h55 Domingo 11h30, 14h10, 16h35,
19h05, 21h30; Medeia Monumental: Sala 4 - Cine
Teatro: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30,
17h, 19h30, 22h, 00h30; UCI Cinemas - El Corte
Inglés: Sala 9: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h05,
16h35, 19h10, 21h45, 00h10 Domingo 11h30, 14h05,
16h35, 19h10, 21h45, 00h10; ZON Lusomundo
Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15,
16h, 18h55, 21h40, 00h20; ZON Lusomundo
Amoreiras: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h40, 16h10, 18h50, 21h40, 00h20; ZON
Lusomundo CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h40, 15h30, 18h20, 21h15,
00h10; ZON Lusomundo Colombo: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h40, 15h40, 18h30, 21h20,
00h10; Castello Lopes - Rio Sul Shopping: Sala 2: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h40, 18h10,
21h20, 23h50; ZON Lusomundo Almada Fórum: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h35, 18h30,
21h15, 00h05
Porto: Arrábida 20: Sala 15: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 13h55, 16h25, 19h05, 21h45, 00h30 3ª
4ª 16h25, 19h05, 21h45, 00h30; Medeia Cidade do
Porto: Sala 1: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
14h30, 17h, 19h30, 22h; ZON Lusomundo
NorteShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
12h50, 15h40, 18h40, 21h40, 00h35; ZON
Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h40, 15h30, 18h30, 21h40,
00h40
“Trainspotting” e “Shallow Grave”
eram objectos de culto para
adolescentes que confundiam
cinema com efeitos, abusando da
grande angular e de planos
distorcidos e grotescos. “A Praia”
fazia o realizador entrar pela porta
da grande produção com resultados
catastróficos, demonstrando
semelhante gosto pelo exótico, sem
ideias de cinema para além da
demagogia mais imediatista. Agora,
o premiado “Quem Quer Ser
Bilionário?” acentua a
desonestidade do universo de
Danny Boyle, sempre no local
onde possa colher louros:
Hollywood encontra Bollywood,
sem respeito por géneros, por
pessoas, por situações. Tudo feito
por medida para aproveitar o
que está à mão: crianças dos
bairros pobres,
instrumentalizadas
para a ilusão de que
superar a crise
está ao alcance
de todos. Que
dizer? Há uma
repugnância
que ultrapassa
tudo. M.J.T.
“Quem Quer Ser Bilionário?” acentua
a desonestidade do universo de Danny Boyle
DVD
Cinema
O divino
marquês
Sadismo, surrealismo,
voyeurismo e formalismo:
bem-vindos ao mundo de
Dario Argento, estilista do
“giallo” italiano finalmente
devolvido aos cinéfilos
portugueses. Jorge Mourinha
Caixa Dario Argento Vol. 1
Castello Lopes Multimedia
mmmmn
Sem extras
O Pássaro
com Plumas
de Cristal
L’Uccello
dalle Piume
di Cristallo
com Tony
Musante, Suzy
Kendall, Enrico
Maria Salerno
O Gato
das Sete Vidas
Il Gatto
a Nove Code
com James
Franciscus, Karl
Malden,
Catherine Spaak
O Mistério
da Casa
Assombrada
Profondo Rosso
com David
Hemmings, Daria
Nicolodi, Gabriele
Lavia
34 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

¬Mau ☆Medíocre ☆☆Razoável ☆☆☆Bom ☆☆☆☆Muito Bom ☆☆☆☆☆Excelente
Internet
Estamos online. Entre em
www.ipsilon.pt. É o mesmo
suplemento, é outro desafio.
Venha construir este site
connosco.
O fenómeno chama-se “reavaliação”
e consiste em reparar que, muitas
vezes, por trás do que parece um
simples exercício de género com
intuitos comerciais, se esconde um
estilo, uma linguagem, uma marca
de autor. Que passa despercebida
em alguns casos porque ninguém
está a olhar para ali, e noutros
porque só anos mais tarde, quando
existe uma obra, um corpo de
estudo, é que se repara no que se
andou a perder.
Isto tudo a propósito de Dario
Argento, realizador italiano que,
depois de carreira como crítico de
cinema e argumentista (por exemplo
para Sergio Leone, em “Aconteceu
no Oeste”), se lançou na realização
de filmes de género e, sobretudo, do
género peculiarmente transalpino
que ficou conhecido como “giallo”:
policiais surreais, sádicos e
sanguinários, paredes-meias com o
fantástico e com o cinema de
“exploitation” destinado às salas de
bairro, cuja fórmula foi cristalizada
na década de 1960 por mestre Mario
Bava.
Com o correr do tempo e com a
atenção que começou entretanto a
ser dada ao moderno cinema
fantástico, que nos tem dado autores
como David Cronenberg ou John
Carpenter, Argento foi sendo
(re)avaliado como mais do que
Dario Argento: um cinema voyeurista
mas que devolve esse voyeurismo ao espectador
através de uma teatralidade de corpo inteiro
simples tarefeiro de género e foi
redescoberto como estilista ímpar,
“elo perdido” entre Hitchcock e a
geração de Carpenter e Brian de
Palma. Em Portugal, contudo, tudo
isto foi-nos passando ao lado, devido
à inexistência em video das suas
obras - que, mesmo
internacionalmente, têm sido
razoavelmente maltratadas e só
agora começam a ressurgir em
cópias dignas do cuidado formal que
Argento colocava nos filmes.
Louvemos, então, a Castello Lopes
por ousar trazer ao DVD local o
cinema de Argento, no que será uma
redescoberta para quem não vê os
filmes desde as suas estreias locais,
há mais de 30 anos, e uma revelação
para toda uma geração de cinéfilos
que se habituou a ouvir falar do
realizador mas não teve hipótese de
aceder aos filmes em condições
ideais. Nesta primeira de duas caixas
(a segunda prevê-se para Março),
acompanhada por um pequeno
caderno onde o jornalista Luís
Salvado contextualiza os filmes e
fornece preciosa informação sobre a
sua criação e recepção, reunem-se
três dos quatro “giallos” fundadores
da reputação de Argento, nas
versões originais faladas em italiano
(em vez das dobragens inglesas
preparadas para os mercados
internacionais, muitas vezes
encurtadas de alguns minutos e
“censuradas” das cenas mais
violentas) e em cópias de impecável
transcrição de imagem.
A narrativa é igual nos três filmes:
um transeunte assiste por acaso a
um homicídio (ou a uma tentativa de
homicídio), e começa a investigar o
caso por sua conta e a ser
perseguido pelo assassino,
geralmente um maníaco sádico e
sanguinário. Em “O Pássaro com
Plumas de Cristal” (1969, primeira
realização de Argento), trata-se de
um “serial killer” que apenas ataca
mulheres jovens e solteiras; em “O
Gato das Sete Vidas” (1970), as
vítimas estão relacionadas com um
instituto onde se realizam
investigações genéticas; em “O
Mistério da Casa Assombrada” (1975,
considerado pelo próprio realizador
o seu “giallo” preferido), as vítimas
são investigadores do paranormal e
a solução do mistério reside numa
mansão abandonada que se diz
assombrada. (Entre o segundo e o
terceiro, Argento dirigiu “Quattro
Mosche di Veluto Grigio”, invisível
há anos por questões de direitos, e
abandonou o “giallo” por algum
tempo para experimentar a televisão
e a comédia.)
Mas o que interessa a Argento
não é tanto construir uma história
onde as pontas soltas fiquem todas
atadas e certinhas no final; antes
usar as técnicas cinematográficas
para construir um ambiente de
tensão e suspense e, de passagem,
distrair o espectador de eventuais
inconsistências. Argento aprendeu
bem as lições de Hitchcock - os
crimes que são as “pièces de
résistance” de cada filme são
cinema puro, magnificado pela
ausência de diálogo e pelas bandassonoras
psicadélicas de Ennio
Morricone ou Giorgio Gaslini - mas
tradu-las para uma paisagem de
uma modernidade surreal, muito
marcada pelas explorações
psicanalíticas do subconsciente,
com requintes de malvadez sádica
desafiando o espectador a
continuar a olhar, como se a sua
matriz fosse um qualquer
cruzamento entre “Psico” e “A Casa
Encantada”
Argento, antigo crítico, sabe que
estamos no reino do cinema
popular - e de um cinema popular
italiano derivativo da série B
americana e produzido em série, o
que torna esta caixa também numa
fascinante cápsula do tempo de um
cinema que já não se faz mais. E o
melhor destes três filmes vê-o a
cumprir à risca as regras do género -
“O Pássaro com Plumas de Cristal”,
económico mistério policial que
consegue um rigoroso equilíbrio
entre solidez do argumento
(adaptando livremente, e sem o
creditar, um romance de Fredric
Brown) e surrealismo visual.
Mas isso não o impede de fazer
experiências. “O Mistério da Casa
Assombrada” é uma espécie de
“giallo desconstruído” onde vale
tudo, com interlúdios de comédia
romântica que parece estarem lá
apenas para justificarem a presença
de Daria Nicolodi, personagem
supérflua à narrativa (e futura
esposa do realizador), resultando
num paquiderme inchado que
avança aos tropeções mas que ao
mesmo tempo sublinha a irrisão
subjacente ao lado “grand-guignol”,
sanguinolento, barroco, que se
começava a revelar
progressivamente mais no seu
cinema.
E Argento não perde uma ocasião
para sublinhar a consciência
profunda de estar a fazer um cinema
voyeurista mas que devolve esse
voyeurismo ao espectador através
da teatralidade que assume de corpo
inteiro, num jogo de espelhos que
explica na perfeição porque é que o
seu cinema tem vindo a seduzir
cinéfilos e a ser justamente
reavaliado. O centro de “O Pássaro
com Plumas de Cristal” é uma
galeria de arte com uma enorme
fachada de vidro, “O Mistério da
Casa Assombrada” começa com uma
cortina que se abre num opulento
teatro onde se desenrola um
congresso paranormal e o
apartamento do herói fica à esquina
de um bar decalcado de um quadro
de Edward Hopper numa praça
romana que evoca inevitavelmente a
“Dolce Vita” de Fellini, ao mesmo
tempo que todos os três filmes
exploram com progressivo
virtuosismo a “câmara subjectiva”,
do ponto de vista do assassino, que
Carpenter e De Palma mais tarde
fariam sua.
As legendagens, correctas, têm
algumas falhas pontuais. Os únicos
extras são os trailers italianos e
ingleses de época, cujo
experimentalismo psicadélico
(nascido certamente das limitações
financeiras) apenas contribui para o
aspecto “cápsula do tempo” desta
edição.
Música
O Muro,
reconstituído
Lou Reed - Berlim
De Julian Schnabel
Edição Zon Lusomundo
mmmnn
Sem extras
Diz-se que todos
os filmes-concerto
se parecem uns
com os outros. E
que não há muitas
maneiras de
filmar um
concerto, pelo
menos sem que o
resultado deixe de ser um filmeconcerto.
Verdades “axiomáticas”
que “Lou Reed - Berlim” não
desmente, bem pelo contrário, antes
encontrando nessa confirmação as
suas virtudes e os seus limites.
Realizado por Julian Schnabel, e
filmado ao longo de cinco noites
num auditório de Brooklyn, “Lou
Reed - Berlim” é o registo do
concerto em que o ex-Velvet
Underground trouxe à vida (ou seja,
ao “live”) o seu célebre álbum de
1973, “Berlin”. Também quase de
certeza a sua obra-prima, de uma
amplitude orquestral resolutamente
pós-velvetiana, ferida por uma
dramaturgia plena de negrume e
violência psicológica (os choros das
crianças: disco “pop” algum gravou
sons mais arrepiantes, “hélas!”
impossíveis de reproduzir em
palco). Mas “Berlin”, por várias
razões, entre as quais a sua orgânica
“conceptual” (o todo é infinitamente
mais poderoso do que qualquer das
suas partes avulsas), foi um disco de
que Lou Reed se manteve afastado,
em actuações ao vivo, durante trinta
e tal anos. O “acontecimento” deste
concerto, ou desta série de
concertos (a digressão passou por
Portugal) era este: “Berlin”,
finalmente, “reconstituído” ao vivo
de maneira capaz de fazer justiça à
riqueza da sua textura original.
E é isto, esta “reconstituição”, que
Schnabel filma. Fá-lo bem, com
devoção pela música e pelos músicos,
por Reed e por “Berlin”. Não tem
muitas ideias, mas não tenta disfarçálo
fingindo que tem ideias a mais.
Não tem rasgos, mas não se estraga à
procura deles. As imagens
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 35

DVD
¬Mau ☆Medíocre ☆☆Razoável ☆☆☆Bom ☆☆☆☆Muito Bom ☆☆☆☆☆Excelente
JOSÉ MANUEL RIBEIRO/ REUTERS
Um filme imperdível para “lou-reedianos”
Alexandra
Lucas
Coelho
Viagens com bolso
A herança
No último dia de Janeiro fui visitar Uri Orlev.
Uri começou a escrever aos 13 anos em
Bergen-Belsen. Como não era fácil arranjar
papel, fazia o rascunho em lascas do beliche
e a seguir passava-o para o caderno que a tia
ainda lhe conseguira comprara. À chegada, vindos do Gueto
de Varsóvia, o campo não lhes parecera assim tão mau.
Depois passaram a ser duas pessoas por cama e começou
a fome. A tia pagava um pedaço de pão a um homem que
fora professor para dar aulas a Uri. Durante 22 meses em
Bergen-Belsen foi isso que Uri Orlev viu, como os homens
sobrevivem no fundo, cada vez mais fundo, um dia de cada
vez, a pensar que se houver pão basta.
As pessoas que sobrevivem são em geral mais curiosas
do que têm medo, disse-me Uri um dia, na sua casa de
Jerusalém. E também por isso ali estávamos, ele a falar
e eu a ouvir, ali estivemos longas manhãs de Verão. A
curiosidade puxa para a frente.
Agora era Inverno, havia aquecedores no chão de pedra,
mais um neto Orlev de fralda e grandes olhos azuis do
que na última vez, mais um filho Orlev prestes a casar na
Primavera, toda a família ainda reunida depois do almoço, à
espera que Uri terminasse a sesta. Já tinham falado de Gaza
antes de eu chegar, mas eu estava a chegar de Gaza, eles
queriam saber, e Uri também, quando acordou. Sentouse
na velha cadeira favorita, com os braços firmemente
apoiados, à espera.
Os seus livros juvenis estão traduzidos em muitos
países. Uma vez convidaram-no para ir ao Egipto e foi um
problema. Qual era o problema?, perguntei eu. Tenho
medo dos árabes, respondeu ele. As mãos com que escreve
cavaram trincheiras nas guerras de Israel contra os árabes.
Os árabes eram o inimigo, e depois de 1967, quando os
exércitos do inimigo foram
fulminados em seis dias,
continuaram a ser o outro. Uri
Do pior crime só sairá
crime, os sujeitos ao
incomparável
sujeitarão o seu
semelhante, os filhos
dos que sobreviveram
terão poder sobre
homens não-livres
não quer viver no meio deles.
Quer viver e deixá-los viver.
Não quer colonizar terras,
detesta colonos, enfurecem-no.
Não quer ter poder sobre os
palestinianos, governá-los, acha
que esse império corrompe. E
Israel é o país que a sua geração
ia deixar como herança aos
homens.
Em “Se Isto é um Homem”,
Primo Levi descreve o
momento em que um dos
revoltosos do campo é
enforcado pelos nazis. O último
grito do condenado trespassa
os que assistem em silêncio: “Camaradas, eu sou o último!”
O corpo contorce-se, pende, a assistência volta em silêncio
para os beliches, e aquele não será o último.
Mas a herança do Holocausto seria essa. Nunca mais viver
para o próximo pedaço de pão, nunca mais rapar a marmita
vazia, nunca mais lavar o tronco com água podre e a nossa
única camisa apertada nos joelhos para não a roubarem.
Viver como um homem, morrer como um homem livre.
O Holocausto não é comparável a nada que conheçamos.
A sua forma de estar continuamente presente é ser uma
herança. E ver no que essa herança se transformou é um
veredicto desolador para todos os homens - do pior crime
só sairá crime, os sujeitos ao incomparável sujeitarão o seu
semelhante, os filhos dos que sobreviveram terão poder
sobre homens não-livres.
Quando Uri se sentou, à espera de saber, as crianças
corriam à sua volta, e caíra a noite. Era melhor ficar para
outro dia, disse eu. Despedi-me, saí, e até agora não houve
outro dia. Mas Uri sabe, não precisa de saber mais.
Todos os que acreditaram num país de “kibbutzim”
sabem aquilo de que esse país se tornou capaz. A revolta,
hoje, será não participar.
viagenscombolso@gmail.com
sobrepostas - “flashes” encenados
da vida de Caroline e Jim,
personagens do disco - justificam-se
pela “storyline” subjacente a
“Berlin”, mesmo se a montagem por
vezes as destaca de modo um pouco
aleatório. Nada que traia o princípio
fundamental do filme, o registo da
“performance” de Lou Reed e dos
seus companheiros de palco. E
“Berlin” revive, de facto, em todo o
seu extraordinário poder, desde o
início, desde que Lou ataca o
microfone para estas lendárias
palavras, “in Berlin, by the wall”. Por
vezes é quase “spoken word”, um
pouco mais do que no disco, e na
maneira como Reed se serve da sua
voz (muito mais grave e granulosa do
que há 36 anos) percebe-se que ele
está em perfeito domínio da
dramaturgia da sua música e das suas
palavras. A nitidez, visual, mas
sobretudo sonora, é impressionante.
Talvez até um pouco estranha para
quem estiver habituado a ouvir
“Berlin” no som concentrado e
abafado de um velho vinil, e se
espante com a maneira como a
música se abre e deixa passar tanto
“ar” entre os instrumentos - mas isto
seria outra conversa. Retenhamos o
essencial: um filme imperdível para
“lou-reedianos” e para melómanos
“pop” em geral que tenham preferido
ir ver Leonard Cohen na noite em
que “Berlin” era tocado no Campo
Pequeno, e o tipo de objecto que
parece mais próximo de fazer pleno
sentido num DVD do que numa sala
de cinema.
A edição não tem extras
significativos. O concerto sim:
depois de “Berlin” Lou Reed volta
para mais três canções de outros
discos, em registo mais “freestyle” e
com um convidado (Antony, o dos
Johnsons) para “Candy Says”, dos
Velvet Underground. L.M.O.
O velho protesto
em tempos de Bush
Crosby Stills Nash & Young
CSNY / Déjà Vu
Fortissimo Films; distri. Zon
Lusomundo
mmmnn
Extras
mmnnn
“CSNY / Deja Vu”
tem inscrito no
título a sua
premissa.
Documentando a
digressão
“Freedom of
Speech” dos
Crosby, Stills,
Nash & Young,
realizada em 2006 após a edição de
“Living With War”, álbum manifesto
anti-guerra e anti-Bush editado
nesse mesmo ano por Neil Young, o
filme pretende estabelecer um
paralelo entre a realidade americana
quando de outra guerra, a do
Vietname, há 40 anos, e o momento
presente (voilá: Déjà Vu).
Um paralelo entre a realidade americana
quando de outra guerra, a do Vietname, há 40 anos,
e o momento presente (voilá: “Déjà Vu”)
Realizado por Neil Young sob o
pseudónimo habitual, Bernard
Shakey, foi feito com o propósito de
amplificar o eco dos concertos.
Filme para um momento específico,
com eleições próximas no horizonte,
pretendia estimular o debate e
funcionar, dentro das suas
possibilidades, como alavanca de
mudança. Talvez por isso pareça,
visto hoje, o documento de um
tempo passado: quatro músicos
veteranos e activistas em tempos de
Bush - mas agora já vivemos em
tempos de Obama. Como se
percebe, a sua ressonância no
espectador não é a mesma.
Parte documentário de digressão,
parte reportagem jornalística - o
repórter Mike Cerre, soldado no
Vietname e enviado à guerra do
Iraque, acompanha a banda e
recolhe depoimentos do público -,
“CSNY / Deja Vu” acaba por expor,
paradoxalmente, aquilo que separa
as duas eras. Não falamos do facto
de Stephen Stills, o homem mais
elegante de Los Angeles quando nos
Buffalo Springfield, parecer agora
um pensionista da Florida (camisa
florida incluída), ou do luminoso
David Crosby de ontem assomar
como anafado habitante de uma
aldeia gaulesa. Ou seja, não falamos
da forma como a música,
descontando os momentos em que
Neil Young todos arrasta com a sua
urgência e vivacidade, soa menos
inspirada que quando da gravação
de “Deja Vu”, o álbum dos Crosby
Stills Nash & Young de 1971.
Logo a início, sobre imagens de
arquivo da banda tocando em
Woodstock ou de imagens de época
de manifestações, diz-se que
naquele período a juventude se uniu
à música para dar voz aos seus
anseios. Hoje, entre os velhos
hippies e os novos que querem ser
velhos hippies, vemos parte do
público de Atlanta, irado,
abandonando ruidosamente a sala
quando da interpretação de “Let’s
impeach the president”: “Paguei
200 dólares e quero ouvir a música,
não as suas opiniões”, gritam.
Querem entretenimento e o prazer
da nostalgia - e a nostalgia pode até
ser a de quando, há quatro décadas,
se manifestavam nas ruas contra o
final da guerra, mas isto no Iraque é
diferente: porque eles estão mais
velhos e conservadores, porque a
música deixou para eles de ser uma
questão identitária, algo que os
definia em relação aos outros. Isso é
ainda mais evidente quando o
impacto daquilo que é uma
digressão de protesto numa América
em ebulição se revela
manifestamente reduzido - estão lá
os pacifistas “Vets 4 Vets”, uma mãe,
cujo filho morreu no Iraque,
chorando enquanto a banda
interpreta “Find the cost of
freedom”, um soldado desta geração
interpretando canções em palco e
no site gerido por Neil Young para
dar voz a quem se opõe à guerra,
mas uma verdadeira discussão, o
tocar na ferida que dividia o país,
manifesta-se apenas no supracitado
concerto de Atlanta.
A acusação de que a banda não
passa de quatro milionários a
capitalizar com o sentimento anti-
Bush, repetida regularmente, não
convence - já eram milionários em
1970, quando levantavam a voz, bem
alto, contra a intervenção no
Vietname. A intervenção de Neil
Young e da banda é sincera, tal como
é louvável a sua vontade de actuar
ainda sobre o presente.
“CSNY / Deja Vu” torna evidente a
inadequação do voluntarismo,
fundado nas ideias e nos planos de
acção dos músicos da geração de
1960, à forma como, para o bem e
para o mal, a sua música é entendida
e fruída na actualidade - isso (e a
impagável “vox populi” dos irados
sulistas), são aquilo que torna o
filme um documento interessante.
Como extra, são apresentados
trailers e mais de uma dezena de
vídeos de canções, maioritariamente
de “Living With War”. Mário Lopes
36 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

Livros
Um romance que vale cada uma das suas
mais de 500 páginas: “Nostromo”,
de Joseph Conrad
Lista
Ficção
O nascimento
de uma nação
Uma ficção sobre ilusões
individuais, ideológicas
e revolucionárias num
mundo sobredeterminado
por poderes económicos
supranacionais e, por
assim dizer, a-políticos.
Moderníssimo. Mário Santos
Nostromo
Joseph Conrad
(trad. de Ana Maria Chaves e
Fernando Ferreira Alves)
Dom Quixote
mmmmm
Amos Oz, autor de “O Meu
Michael” e “Uma História
de Amor e Trevas” (Edições
Asa), é o escritor israelita
mais traduzido: a sua obra
já foi traduzida para
36 línguas. Amos
lidera a lista
apresentada
pelo Instituto
para a
Tradução de
Literatura
Hebraica.
O Capitão Mitchell,
personagem
inofensivamente
pomposa deste
romance, gosta de
elogiar (quase como
quem gaba
propriedade sua) o
capataz dos seus
estivadores, “esse
homem entre mil”, Nostromo, “um
homem que vale o seu peso em ouro”.
Nós preferimos elogiar “Nostromo”, o
romance, que, sendo o mais extenso
de Conrad, vale cada uma das suas
páginas, que são mais de 500. É um
romance entre mil. A extensão deste
livro (fortemente sublinhada pela sua
complexidade estrutural e pela sua
ambiguidade temática) parece ser,
desde a sua publicação em 1904, uma
das razões para alguma relativa
impopularidade entre os leitores de
Joseph Conrad (1857-1924) e pode,
hoje ainda, causar alguma
“desconfiança” em leitores mais
voláteis. E no entanto, digamo-lo
desde já, “Nostromo” também se
deixa ler da maneira viciante
como é suposto ler um
romance de “aventuras”.
Diga-se já, também, que
os elogios do Capitão
Mitchell não
devem levarnos
a
confundir
Nostromo com
um qualquer
“herói” clássico
ou moderno (ele
será mais um
anti-herói, e dos
moderníssimos),
sendo, por
outro
A lista, que não teve
em conta os resultados
de vendas dos livros,
considerou o número de
línguas para as quais
os textos originalmente
escritos em hebraico
foram traduzidos.
Ephraim Kishon
e Uri Orlev
(“Lídia, Rainha
da Palestina” e
“A Ilha na Rua
dos Pássaros”,
lado, francamente problematizável o
seu estatuto de protagonista, num
romance cujo subtítulo não é menos
irónico na sua branca indeterminação:
“Uma história da beira-mar”.
Posterior a “O Coração das Trevas”
e “Lord Jim”, “Nostromo” é um
portentoso romance político, uma
ficção sobre a História enquanto
ficção, invenção de sentidos, sobre
ilusões individuais, ideológicas e
revolucionárias num mundo
crescentemente sobredeterminado
por poderes económicos
supranacionais e, por assim dizer, a-
políticos. É um romance sobre o início
da globalização imperialista do
capitalismo liberal. Um romance
moderníssimo, portanto (embora não
necessariamente paródico ou
caricatural). E até profético, a seu
tempo. A acção decorre pelo final do
século XIX num país imaginário da
América Latina. Tão imaginário que
até parece real. Conrad chamou-lhe
Costaguana e descreve-o com boa
cópia de pormenores, seja quanto à
paisagem, seja quanto aos usos e
costumes políticos. Detém-se
particularmente na sua Província
Ocidental (depois República
Ocidental, num arroubo secessionista)
e em Sulaco, a capital dela, uma
cidade pacata e quase esquecida (por
força da geografia que os interesses
britânicos nos caminhos-de-ferro
tratarão de relativizar). A República de
Costaguana terá, no máximo, uma
História de “cinquenta anos de
desordem”, de acordo com o título do
livro de um dos seus mais ilustres
cidadãos, Don José Avellanos. De
acordo com a Senhora Gould, da
economicamente mais poderosa
família da cidade, essa História
resume-se a “um jogo pueril e
sangrento de crime e rapina jogado
com terrível realismo por crianças
depravadas”. Entre o caos e a tirania,
entre um ditador e outro, entre um
“pronunciamento” militar e uma
revolta, a banda lá vai tocando na
Alameda de Sulaco. Quando o Senhor
Gould, de ascendência inglesa
chegada a Costaguana há várias
gerações, regressa da Europa, após os
estudos, para reactivar a mina de
prata de que é herdeiro dispõe-se a
procurar investidores. Encontra um
exemplar na pessoa do Senhor
Holroyd, poderoso financeiro de São
Francisco, Califórnia, que “olhava
para o seu Deus como uma espécie de
sócio maioritário que recebia parte
dos lucros através dos donativos que
fazia às igrejas” e que faz a Gould este
belo discurso (e aqui relembramos
que o livro de Conrad foi publicado
em 1904): “Aqui neste pais [EUA]
sabemos quando devemos ficar em
casa. Sabemos quando devemos
sentar-nos e ficar à espera. Mas,
naturalmente, lá virá o dia em que
decidimos avançar. Não temos outro
remédio. Mas também não temos
pressa. O próprio tempo estará ao
serviço do maior país de todo este
mundo de Deus. Seremos nós a dar o
mote para tudo: indústria, comércio,
leis, jornalismo, arte, política e
religião, desde o Cabo Horn até ao
Estreito de Smith, e, se for caso disso,
até ao Polo Norte, se lá aparecer
Ambar) ficaram empatados
em segundo lugar com
as suas obras traduzidas
para 34 línguas. A lista
inclui ainda autores como
Etgar Keret (“O Motorista
de Autocarro Que Queria
Ser Deus”, Ambar), David
Grossman (“Em Carne
Viva” ou “Ver: Amor”,
Campo das Letras) e
Zeruya Shalev (“Vida
Amorosa de uma Mulher”,
Editorial Presença).
alguma coisa que valha a pena agarrar.
E, depois, podemos ocupar-nos com
toda a calma das ilhas e continentes
mais distantes. Quer o mundo queira,
quer não, seremos nós os senhores do
mundo dos negócios. O mundo não
pode evitá-lo, e nós também não, acho
eu.” O mínimo que se pode dizer é
que o século XX não se cansou de dar
‘razão’ ao Senhor Holroyd.
Já deixámos entrever que
“Nostromo” é um romance coral. São
várias as personagens memoráveis e
concorrentes. Citemos de passagem
Giorgio Viola, um velho genovês
republicano e revolucionário, excompanheiro
de Garibaldi, exilado
pela desilusão política em Costaguana;
ou o jovem Don Martin Decoud,
“exótico dândi dos ‘boulevards’
parisienses”, regressado a Sulaco para
dirigir o jornal da cidade, o
“Porvenir”, e arvorar-se em ideólogo
da secessão da Republica Ocidental. O
próprio Gould seria um “idealista”,
embora frio, que via na riqueza
económica gerada pela sua mina de
prata um passo em direcção à
estabilidade política do país. Um
daqueles homens aos quais a “acção”,
“amiga das ilusões lisonjeiras”, leva
“consolo”. A narração não é linear,
enovela-se sobre si mesma, avança e
recua, recontando peripécias de
pontos de vista diferentes. Na sua
maior parte é feita por um narrador
omnisciente e ausente, uma das
excepções sendo a carta na qual
Decoud relata à irmã, que está em
França, os últimas novidades de
Sulaco: “Prepara os nossos amigos de
Paris para o nascimento de mais uma
república sul-americana.”
Não podemos resumir todas as
tribulações políticas por que passará
Costaguana. Contemos apenas que, no
meio de uma delas, o prestável
Nostromo é chamado para uma missão
patriótica: salvar o tesouro da mina,
um belo carregamento de prata. Mas o
“incorruptível” Nostromo, de quem se
diz que era apreciado por homens,
mulheres e crianças, o ingénuo
homem de mão do Capitão Mitchell
(‘Nostromo’ deriva do paternalismo
mal-articulado de Mitchell: “Nostro
Uomo”, o nosso homem) fez
entretanto a sua evolução ideológica,
ganhou consciência política, e acabará
depositando o tesouro numa
“offshore” (Conrad não podia ser mais
moderno). Literalmente: Nostromo
esconde o tesouro numa ilhota ao
largo de Sulaco e diz aos “caballeros”
da cidade que a prata se afundou no
mar. O magnífico capataz dispõe-se
agora a “enriquecer muito devagar”.
Como diria Decoud, “tudo isto é vida,
tem de ser vida, já que se aproxima
tanto do sonho”. Nostromo prefere
dizer que “só a honestidade não chega
para se sobreviver”.
Romance sobre pequenas tragédias
e desilusões individuais na grande
farsa da História, “Nostromo” é um
livro pessimista (o que não será
novidade em Conrad) ou, pelo menos,
profundamente céptico. Também
pode ser lido como uma alegoria mais
geral que toma a “incorruptível” prata
como medida indiferente da
corrupção moral e mortal dos homens
concretos.
Atiq Rahimi,
escritor, fotografo
e cineasta afegão
Sombras
errantes
Dois romances de Atiq
Rahimi, um dos quais
vencedor do Goncourt
em 2008: o mundo
elementar de pequenos
gestos, sentimentos porém
fortíssimos, em brasa.
Maria Conceição Caleiro
Terra e Cinzas
Pedra-de-Paciência
Atiq Rahimi
(trad. Carlos Correia Monteiro
de Oliveira)
Teorema
mmmmn
Atiq Rahimi,
escritor, fotografo
e cineasta afegão
nasceu em 1962.
Devido à invasão
soviética, à
ditadura e à guerra
civil, emigrou em
1984. Com 25 anos,
com o estatuto de
refugiado político,
instalou-se em
Paris, cidade onde
vive desde 1985
(tinha frequentado
o liceu francês em
Cabul). A par das
letras, faz filmes.
“Terra e Cinzas”,
primeiro romance,
seria por si realizado e, em 2004,
integrava a Selecção Oficial de Cannes.
Arrebatou o Prémio Goncourt em
2008 com “Pedra-de-Paciência”,
primeiro romance directamente
escrito em francês.
A paixão do cinema afecta o
“ethos” da escrita, os campos
indissociam-se e as palavras isolam e
redobram campos visuais. Há algo em
comum entre Rahimi e Duras. Os dois
escrevem e filmam, e filmam aquilo
que escrevem; e escrevem cenas
curtas e intensas como se filmassem.
O ponto de vista, o percurso
narrativo, a “mise-en-scène” das
sequências, mesmo as que o sono, o
sonho, as visões ou a memória fazem
chegar ao presente da narrativa são os
de uma câmara ou uma voz narrativa
em “off”. Uma espécie de voz “off”
que não participa da história, mas
que a dá, ardente e aridamente, a ver
ou a escutar ou a sentir, que ora se
aproxima, ora se retrai, apontando
apenas traços mínimos da paisagem
rarefeita, aludindo o deserto que fica
a reverberar em nós. Por vezes, o
texto parece um guião que o leitor vai
realizar (“ouve-se ela sair com as duas
meninas”). Rahimi revela uma
mestria e uma originalidade narrativa
surpreendentes. É um soco delicado e
acutilante no estômago que no-lo
encosta à parede. Apenas um
exemplo emblemático: quando os
tanques se calam, “talvez devido
BORIS HORVAT
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 37

Livros
Edição
Tessa Dick, mulher de
Philip K Dick, publicou
“The Owl in Daylight”, que
se baseia no livro que o
autor estava a trabalhar
quando morreu em 1982.
Tessa editou o livro
sozinha, através do
site CreateSpace
e já está
disponível na
livraria online,
Amazon, desde
Janeiro. Depois
de alguns fãs de
Dick “implorarem” para
ela escrever o livro, Tessa
“cedeu” aos pedidos
e tentou “expressar o
espírito” da obra e ao
mesmo tempo fazer um
tributo a Philip K Dick.
Na carta que enviou ao
seu editor e ao agente,
Philip revelara planos
de escrever sobre um
grande cientista que cria
um computador, mas que
fica preso numa realidade
virtual. A versão de Tessa,
que não utiliza o enredo
que Philip revelou, conta
a história de Arthur
Grimley, um compositor
que descobre que o
universo é feito de música.
“[Arthur] enriqueceu
a sua alma, viajando
através do Inferno de
Dante e a ‘Flauta Mágica’
de Mozart”, disse Tessa
no seu blogue sobre a
história que também
inclui uma organização
secreta, cita o “Guardian”.
ao fim das munições” (e o clima é
sempre o de guerra latente e o do
desmoronamento): “o silêncio
espesso e enfumarado volta a instalarse.//
Nessa inércia poirenta, na parte
de baixo da parede que segura as
duas janelas, uma aranha vem
circular à volta do cadáver da mosca
abandonada pelas formigas. Examinaa.
Também a abandona, dá a volta ao
quarto, regressa à janela, agarra-se à
cortina, sobe-a e passeia pelas aves
migradoras especadas no céu
amarelo e azul. (...)// A mulher
reaparece. Mais uma vez com o
alguidar, com o alguidar de plástico,
uma toalha, um lençol. Limpa tudo.
Os estilhaços de vidro, a fuligem
espalhada pelo quarto”.
A atmosfera que domina estes dois
livros é, literal e retoricamente, a
secura, a desolação, a situação de
desamparo dos seres reduzidos entre
ruínas. O mundo elementar de
pequenos gestos, sentimentos, porém
fortíssimos, em brasa, sufocados, que
se evolam. Um texto atravessado por
narrativas tradicionais, saberes
antigos. A poeticidade muitas vezes
apontada da escrita de Rahimi advémlhe
também do poder da contenção e
paradoxalmente da repetição.
Em “Terra e Cinzas” uma aldeia é
bombardeada pelos russos - Abqul,
uma aldeia em Baghian, província no
Nordeste do Afeganistão cuja capital é
Pol-e-khomri, cidade por onde passa
uma estrada que vai até Cabul. Aqui
Rahhimi ainda localiza e torna
reconhecíveis os espaços e os campos
em confronto. Toda a família de
Dastaguir, homem que trabalhava a
terra da alvorada ao anoitecer, é
morta. Menos Yassin, o neto, que
ensurdeceu com o som; e ainda não
sabe: “avô, os russos vieram buscar as
vozes de toda a gente? Que fazem
delas? Porque deixaste que te
roubassem a voz?”.
Dastaguir parte em busca de
Mourad, o filho, pai de Yassin,
condenado a seis meses de prisão por
um crime que diriam de “honra”:
com uma pá rachara a cabeça ao filho
de um vizinho que fizera umas
propostas à mulher; depois
abandonou a aldeia e foi trabalhar
Filho de um estivador e de uma
criada de café, Welsh, exdependente
de drogas duras,
conhece o “milieu” de “Porno
numa mina. Dastaguir parte para lhe
contar o sucedido. Desconhece se o
filho sabe, ou o que sabe. E porque
não teria voltado? O romance é a
viagem e nela a vida inteira que
desfila, silenciosamente, embora se
trate de um silêncio em brasa, ao
sabor de pedaços de “naswar” que vai
mascando e o alucinam. A viagem é
uma descida aos infernos que a
personagem realiza. Enquanto espera
o carro que há-de conduzir à mina,
revê tudo e todos aqueles e aquelas
que viu de repente perecer à sua
beira. O narrador segue-o, interpelao,
provoca-o, questiona-o e ele
desvela os passos da sua consciência
que é a consciência do que o vai
assaltando até chegar à mina. Onde
encontrará, ou não, o filho. É um
romance também sobre o poder, o
poder de uns e o impoder de outros, a
arbitrariedade dos primeiros.
Em “Pedra-de-Paciência” a
geografia é mais imprecisa, assim
como os actores, o que torne a
narrativa mais universal. “Algures no
Afeganistão, ou em outro lugar” é a
frase de abertura. Imaginamos estar
numa república conforme ao modelo
iraniano talvez já à beira do regime
dos talibans. Certo é que os homens
que despontam são de longa barba
hirsuta, armados e de turbante. Uma
nova lei fora proclamada no país e até
o mulá mudou, já não ri e tem medo.
A mulher, ao invés, é descrita com
extremo cuidado, sensualidade e
elegância. A mulher está perto do seu
homem, deitado, inconsciente.
Apenas respira e a sua respiração
tornada sensível pontua a passagem
do tempo, assim como as gotas de
água açucarada-salgada que caem
uma a uma, lentamente, da bolsa de
perfusão. Tem duas filhas. O homem
levou um tiro na nuca. O homem, esse
herói, tanto tempo ausente, envolvido
que estava em combates, em várias
frentes, levou uma bala de um fulano,
aliás do seu campo, numa disputa em
que lhe haviam insultado a mãe. A
mulher sente-se só, não quer que ele
morra. Depois aos poucos sentimo-la
revoltar-se, continua sem querer que
ele morra, precisa fazer daquele corpo
inerte a sua “syngué sabour”, isto é, a
Pedra-de-Paciência, aquilo que
recolhe todos os segredos e que um
dia racha e eles ficam à solta. Os
segredos que a mulher vai revelando
são um dos mais belos testemunhos
(sem demagogia) da pungente
condição feminina no mundo
islamista, da sua horrenda opressão. E
o que acontece aqui e o fim é terrível.
O bando de Leith
Porno
Irvine Welsh
(trad. Colin Ginks)
Quetzal
mmmnn
Enquanto não chega “The Bedroom
Secrets of the Master Chefs” (2006),
sátira corrosiva à ASAE escocesa,
vários livros de Irvine Welsh (n. 1958)
estão neste momento a ser reeditados
em Portugal. Por exemplo, “Ecstasy”
(1996) e “Porno”
(2002)
regressaram às
livrarias em
simultâneo. Vamos
falar do segundo.
Dividido em três
núcleos principais,
“Porno” prolonga
“Trainspotting”
(1993), a saga dos “junkies” dos cais de
Leith que marcou a estreia de Welsh, a
partir da qual Danny Boyle fez o filme
que celebrizou ambos. Sem surpresa,
tudo se passa no meio de droga e
sexo, embora no lugar do primitivo
bar haja agora um estúdio de filmes
pornográficos. O intervalo de dez anos
ajudou a refinar o humor negro,
mantendo-se fiel ao imaginário de
Iggy Pop. Os narradores são Sick Boy,
Renton, Nicki, Spud e Begbie, cada
um com o seu jargão próprio. Dos
cinco, a universitária Nicki Fuller-
Smith é a única que não vem de
“Trainspotting”. Spud e Begbie falam
à moda “lá de cima”, que o mesmo é
dizer à moda de Edimburgo. Para
resolver a discrepância entre o inglês
comum e as peculiaridades da
ortoépia escocesa, o tradutor Colin
Ginks optou pela declinação à moda
do Porto: “Tenho de dar um jeito à
minha bida [...] Gostaba de apenas
poder ir-bos bisitar primeiro, e
combidar-te para saíres comigo, ‘tás a
ber”? Não sei se corresponderá às
inflexões fonéticas dos naturais da
Escócia, mas sempre é melhor do que
seguir o figurino oxbridge. O calão
não foi esquecido, parecendo-me
adequadas as correspondências.
Filho de um estivador e de uma
criada de café, Welsh, antigo
dependente de drogas duras, conhece
bem o “milieu” que escolheu para
centrar a obra. Tendo começado por
trabalhar como electricista no
departamento de habitação social da
Câmara de Edimburgo, voltou a
estudar depois da morte do pai,
obtendo um MBA na Heriot-Watt
University com uma tese sobre a
igualdade de oportunidades entre
homens e mulheres. Perguntado pelo
“Daily Mail” sobre as origens sociais,
afirmou considerar-se “not so much
middle-class as upper-class. I’m very
much a gentleman of leisure. I write.”
Transgressão por transgressão, a
crítica canónica sente-se mais segura
com Nick Hornby. Mesmo se Welsh
cita Voltaire. Tem a sua lógica.
“Porno” volta ao local do crime,
isto é, a Leith, a zona portuária onde
Welsh viveu os primeiros anos. Foi lá
que situou “Trainspotting”, voltou lá
por causa de “Porno”. Propósitos de
assepsia de um auto-denominado
Fórum das Empresas de Leith Contra
a Droga, apostado numa versão
“yuppie” da zona, não inibem Sick
Boy, aliás Simon Davis Williamson, de
fazer um filme pornográfico, “Sete
Malhadas para Sete Irmãos”,
inspirado num clássico do musical
americano, “Sete Noivas para Sete
Irmãos” (Stanley Donen, 1954). Ao
longo da história, a tensão é de cortar
à faca, porque o grupo alimenta
desconfianças mútuas, a coca
complica, e o ressentimento de
Begbie pelos anos passados na prisão
não deixam ninguém tranquilo. Os
diálogos seguem a norma: “Vai-te
foder, Terry - diz o Rab com um
sorriso amaneirado -. É satisfatório
quanto baste, embora meia dúzia de
caralhos enfiados na tua boca não
seriam suficientes para que ficasses
calado.” Nas partes em que entra a
pronúncia do Norte (ou seja, nas falas
de Spud e Begbie), a coisa fica
“altamente”.
Mas nem só de “trash” vive o
romance. Como Bret Easton Ellis não
detém o exclusivo da citação de
marcas, Welsh não desdenha os seus
Gucci e Prada, ou mesmo o ocasional
Chardonay Clos du Bois a acompanhar
um “sublime homard bleu, suc lie de
truffe noire et basilic pilé...”. Se a ideia
é promover o filme com vista aos
prémios de Cinema para Adultos, há
que agir em conformidade. Reflexões
em torno de uma tese universitária e
uma aguda consciência de classe
ajudam a matizar a figura de Sick
Boy, provável alter-ego do autor,
alguém empenhado no retrato social
da geração ‘descamisada’ da era
Thatcher.
Sem menosprezo do fôlego
narrativo, a que não é alheio o
domínio perfeito da arquitectura
romanesca, parecem-me excessivas as
quase seiscentas páginas da história.
Eduardo Pitta
Comparsas do tédio
O Dia Mastroianni
João Paulo Cuenca
Caminho, €15
mmmnn
Depois de ter
publicado um
primeiro romance,
“Corpo Presente”,
retrato de
Copacabana, João
Paulo Cuenca quis
mudar de registo e
escrever um livro
que o divertisse. “O
Dia Mastroianni” é
esse livro. É um projecto arrojado,
diferente da sua primeira obra, e
com capacidade para deixar
desiludidos todos os que ficaram
impressionados com o romance de
estreia do autor brasileiro. No
entanto, encontram-se aqui as
suas marcas: humor e sarcasmo
misturados com nostalgia, o
“bas fond” da cidade, amores
desmedidos, sexo.
Em “O Dia Mastroianni” há
uma cidade que já não é
Copacabana, mas também é.
Uma cidade que o leitor vai
percebendo como cada vez mais
irreal, fruto dos vapores do álcool
e das drogas que, durante as 24
horas em que se passa a acção,
são ingeridas pelas personagens
principais, Pedro Cassavas e
Tomás Anselmo.
Dois jovens - “comparsas do
tédio”, “volúveis e voláteis” - da
geração dos “escritores sem livro,
músicos sem disco, cineastas sem
filme” que vagueiam pelas ruas como
se fossem Marcello Mastroianni a
vaguear por Roma num filme de
Fellini. Um romance de geração, mas
“um romance de geração ao
contrário”, como escreveu André
Nigri, na revista “Bravo!”.
“O verdadeiro herói é o que se
diverte sozinho”, citação de Charles
Baudelaire, é a primeira epígrafe do
livro. O “eu fui o maior onanista do
meu tempo” de Oswaldo de Andrade,
a segunda. E assim está dado o tom ao
livro que por vezes tem um texto
“carregado com adjectivações
excessivas” (é o próprio Cuenca quem
o diz) mas que serviram ao autor para
construir o estado de espírito do
narrador, Pedro Cassavas, pretenso
artista, cheio de planos mas que não
realiza nada. Cuenca meteu no livro
todos os clichés de uma geração que,
como alguém já disse, por tanto temer
os lugares comuns acaba por se
confundir com eles.
Romance salpicado de brincadeiras
e de referências literárias, está aqui a
influência de João do Rio, dandy que
descrevia afrancesadamente a
sociedade carioca do início do século
XX. Baudelaire, Rimbaud, Wilde. O
Oswaldo de Andrade de “Serafim
Ponte Grande” é outra referência
enorme e também não se pode
compreender “O Dia Mastroianni”
sem pensar em “Pilatos” de Carlos
Heitor Cony em que a personagem
principal diz: “a literatura só se
salvará se voltar às suas origens. O
folhetim, a aventura, a escatologia”
(Cuenca gosta de acreditar que
conversou um pouco com este livro
que Cony escreveu em 1973).
E há aqueles diálogos que abrem
alguns capítulos, em que o narrador é
interrogado (por Deus? por um crítico
literário? pelo leitor?) e onde Cuenca,
jovem autor, não escapa à sua
própria crítica.
É um romance que tanto se pode
odiar como amar. E nessa dificuldade
de estabelecer pactos que
está a graça. Mas
quando se entra no
espírito, é um
romance que nos
diverte. Como
poucos. Isabel
Coutinho
Cuenca meteu no livro todos
os clichés de uma geração que,
como alguém já disse, por tanto
temer os lugares comuns acaba
por se confundir com eles
ADRIANO MIRANDA
38 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

¬Mau ☆Medíocre ☆☆Razoável ☆☆☆Bom ☆☆☆☆Muito Bom ☆☆☆☆☆Excelente
NELSON GARRIDO
Oliveira no automóvel recuperado
que utilizou há 75 anos quando
era piloto de corridas
Ensaio
Alcatifa
estilo
Weimar
“Best of” de um blogue que
se tornou um fenómeno de
culto. Pedro Mexia
Pastoral Portuguesa
Rogério Casanova
Quetzal, €14,40
mmmmm
O autor avisa logo
de início que
“Pastoral
Portuguesa” é uma
colectânea de
textos sobre “os
temas
fundamentais do
nosso tempo”.
Embora não dedique uma palavra ao
aquecimento global e ao casamento
entre pessoas do mesmo sexo,
Casanova faz referências à CMVM, a
Vera Roquete, a V. S. Pritchett, aos
“sans-cullotes” e à “alcatifa estilo
Weimar”. É pois um “best of” do
blogue que se tornou um fenómeno
de culto e que levou Casanova, muito
justamente, à imprensa escrita.
Casanova é um anglófilo
impenitente, mas um anglófilo que
diz “exemplar” e não “cópia”,
demonstrando que também conhece
a língua de chegada. A primeira parte
do livro é constituída por pequenos
ensaios e notas acerca de escritores
anglo-americanos. Com evidente
destaque para Thomas Pynchon:
“Pynchon sempre dedicou uma
atenção especial aos espaços em
branco no espectro oficial da
Verdade, aos vácuos nas cronologias,
às convulsões invisíveis que sacodem
as mudanças de paradigma, e onde
costumam florescer os mitos urbanos
e as teorias da conspiração; não há
muita obsessão subterrânea que não
lhe tenha merecido algum tempo de
antena, desde a colónia de crocodilos
nos esgotos de Nova Iorque, à
supressão de uma lâmpada perpétua
pela Philips, passando por genocídios
secretos e serviços postais
alternativos” (pág. 22). Se Pynchon é
o escritor favorito, o crítico de eleição
é James Wood (“The New Yorker”),
que tem no entanto o grave “defeito”
de não ser um entusiasta
pynchoniano. Casanova lida com esse
embaraço explicando a Wood, como
se ele lesse, que Pynchon não faz
“realismo psicológico” mas que
nunca abdicou de testar os limites do
termo “realismo”. E que nesse
sentido é ainda um realista, ainda
que talvez um pouco histérico.
O convívio directo com os textos
sobre os quais Casanova escreve é
incomum, e isso justifica as subtilezas
e as graças. Subtilezas como quando
diz que as personagens de Henry
James atribuem um valor exagerado à
suspeitas das intenções
alheias. Graças como
quando refere a importância da
contracção do esfíncter na ficção de
John Updike, burguês obcecado com
o detalhe javardo. Casanova também
consegue resumir em poucas linhas
porque é que Philip Roth tem “uma
voz” e não “um estilo” ou, mais difícil
ainda, porque é que Don DeLillo se
assemelha menos a Baudrillard do
que a Herman José.
Casanova viveu em Inglaterra, e é
bem visível a leitura compulsiva da
imprensa e da edição angloamericanas.
Dos estudos culturais aos
sketches parlamentares, das biografias
aos comediantes, tudo é
estrangeirado, mas não desdenhoso.
O estilo, nada altivo, ajuda. Não há
muitos críticos que escrevam numa
página a palavra “berlaitada” e numa
outra se refiram à “magnificação
apofénica”. Por mais elaborado que
seja o tema, o discurso é quase
sempre humorístico, misturando
registos e analisando as minúcias da
linguagem. É o caso de um texto sobre
o candente tema do ponto e vírgula (a
“semicolonoscopia”), que segundo
Casanova é menos um tema
linguístico do que diplomático (ele
explica). E da magnífica “flash
interview” a James Joyce, que cruza
futebol e ousadias modernistas: “A
gramática e a semântica estão em
grande forma e causaram-nos alguns
problemas, mas no final acabou por
ganhar o mais forte”. (pág. 97).
Alardeando o seu muito tempo
disponível, Casanova passa mais
tempo em frente da televisão do que
qualquer outro português que leia
livros. A televisão é o único modo de
conjugar curiosidade sociológica e
preguiça doméstica, e no meio dos
seus amados Maltesers, o crítico
Casanova engole programas de Artur
Albarran, entrevistas, variedades,
debates políticos, séries históricas,
épicos bíblicos que se parecem com
videoclips dos Soft Cell, filmes sobre
filhos de Satanás, noites dos Óscares,
reveillons, documentários de Richard
Dawkins e “a festa dos touros”
(descrita por uma espécie de
marciano). É a televisão como “guilty
pleasure” e sintoma cultural. Baseado
apenas na descrição fria ou
estrambólica, ou nos adjectivos e
repetições, Casanova arrasa, quase
com carinho, o telelixo que é hoje
quase toda a televisão. Ele nunca se
indigna, nunca se choca, nunca tem o
discurso cansativo da inveja e do
ressentimento. A televisão é a
comédia humana com entrega ao
domicílio, e Casanova diverte-se com
isso, utilizando em estilo o seu truque
favorito: o cruzamento entre a cultura
erudita e a popular. Pouca gente
chamaria a um apresentador “um
jovem saído de um conto de Bernard
Malamud”, e Casanova não se importa
nem um bocadinho com o
restritíssimo auditório que apanha a
piada. No seu mundo mental, tudo se
cruza, ele é o intelectual integrado por
excelência, um homem para quem o
caos da cultura moderna é um
divertimento e não um apocalipse. Há
mesmo uma espécie de continuidade
entre todas as manifestações culturais,
uma espécie de unidade
antropológica das nossas emoções e
manias. É por isso que a tourada não
difere muito de um Rivette, que uma
citação apócrifa de George Steiner o
põe a falar como uma adolescente de
Birmingham e que se diz, como bons
motivos, que Mário Viegas entrou em
“The Big Lebowski”.
Rogério Casanova é sportinguista, e
os sportinguistas são conhecidos pelo
seu existencialismo torturado. Daí que
várias páginas sejam dedicadas a uma
análise leonina que é quase um
diagnóstico cultural. Vamos do
espantosamente intitulado “O 18 do
Brumário de Rodrigo Tiuí” às razões
pelas quais Miguel Veloso é um
utilitarista benthamiano: “Miguel
Veloso levantou a cabeça, viu Abel e
Izmailov teoricamente ‘desmarcados’
e, leitor atento de Bentham que é,
tomou a opção utilitarista (as
consequências de acto sendo mais
importante do que a sua natureza
intrínseca, etc.): endossou-a ao
adversário que considerou menos
capaz de iniciar um contra-ataque
perigoso (...). Ao minuto sessenta da
final da Taça da Liga, em pleno lance
de ataque do Sporting, a melhor
hipótese de maximizar a felicidade
geral da sua equipa era ceder a bola
ao adversário menos talentoso (pág.
239)”. Ao melhor estilo David Foster
Wallace, Casanova também comenta
com brio estratégico e dromológico
um torneio de ténis ou uma corrida
de cavalos, até porque em geral
aposta nos resultados. Um patusco
hábito inglês que faz todo o sentido
nesta espécie de inglês que vê tudo
como um jogo. E que, diabos o
levem, ganha sempre.
História
Andar
depressa,
viver
depressa
Foi nos automóveis
que Manoel de Oliveira
concretizou um dos lemas
da sua vida: andar depressa,
viver depressa. Sérgio
C. Andrade
Manoel de Oliveira - Piloto de
Automóveis
José Barros Rodrigues
Edição Caleidoscópio, €33,60
mmmmn
Quase se poderá
dizer que este é o
livro que faltava
para ficarmos a
conhecer melhor
a vida de Manoel
de Oliveira (n.
Porto, 1908), na
sua dimensão pública.
Esquadrinhada que foi, em
Dezembro e a
pretexto do
centenário, a
biografia do cineasta, este livro-álbum
de José Barros Rodrigues vem
recordar, de forma exaustiva, a
carreira de Oliveira piloto de
automóveis, que a sua longevidade faz
parecer já tão longínqua. Decorreu
entre os anos 1930 e 50, distribuída
por dois períodos (1935-38 e 1947-53),
e inscreveu o seu nome na história do
automobilismo nacional, em moldes
que levam o autor do livro a garantir
que Oliveira foi “um dos maiores
pilotos portugueses de sempre”.
É claro que ainda ficará por revelar,
também em mais pormenor do que o
que se conhece, a carreira de Oliveira
atleta e desportista - o nadador, o
trapezista, o ginasta e o atleta que,
defendendo as cores do Sport Club do
Porto, se tornou, por três vezes, vicecampeão
de salto à vara!
Mas foi, de facto, nos automóveis
que Manoel de Oliveira concretizou
um dos lemas da sua vida: andar
depressa, viver depressa. “Poucos
saberão que, por detrás de uma
câmara que com escrúpulo mas com
objectivos claros teima em mover-se
devagar, está um homem que foi
rápido, muito rápido, sobretudo
com o volante nas mãos”, escreve na
introdução José Barros Rodrigues,
especialista da história do
automobilismo e também
empresário do sector. Oliveira
dedicou-se ao automobilismo com a
seriedade e a paixão com que
abraçou igualmente o cinema, refere
o prefaciador do livro, Marcelo
Rebelo de Sousa: “Também nos
automóveis, nele existe paixão, culto
da aprendizagem, aventura, gosto
do risco, insatisfação, determinação,
criatividade, serenidade nos
momentos essenciais.”
Se a carreira de Manoel de Oliveira
piloto de competição se desenvolveu
nos dois períodos atrás referidos, foi,
contudo, nos primeiros três anos
(1935-38) que ela alcançou maior
velocidade e notoriedade.
Curiosamente, ela atingiu o apogeu
não nos seis primeiros lugares (ou nos
doze pódios, entre ralis, rampas e
circuitos) que o piloto então
acumulou, mas na terceira posição
que bravamente conquistou, no dia 12
de Junho de 1938, no famoso Circuito
Internacional da Gávea, no Rio de
Janeiro (equivalente a uma prova da
Fórmula 1 actual), cuja dificuldade da
pista lhe justificava a designação de
“Trampolim do Diabo”.
Profusamente documentado e
ilustrado desde as primeiras
páginas, e desde a primeira prova
corrida (e ganha) por Oliveira, no
seu primeiro carro, um Fiat Balilla
(uma gincana no rali do Porto, nos
jardins do Palácio e Cristal, em Abril
de 1935), o livro ganha também o seu
brilho maior nas 72 páginas (de um
total de 178) do capítulo dedicado a
esta experiência internacional do
piloto. Foi uma corrida também
vivida intensamente no Brasil (pela
comunidade portuguesa local e não
só), cuja imprensa especializada
dedicou páginas e páginas ilustradas
a vermelho e branco, representando
as cores do Ford
Especial de Manoel de
Oliveira e também do Bugatti do seu
irmão Casimiro (5º classificado), que
asseguraram a representação lusa
nesse ano, no circuito da Gávea, com
um brilhantismo inesperado.
O livro compulsa e enquadra as
notícias da época, com todo o detalhe,
e dá também a conhecer a história da
cuidada preparação do Ford Especial
V8 pela equipa composta por Manuel
Menères (o concessionário da marca
no Porto) e Eduardo Ferreirinha, o
piloto-engenheiro que Oliveira dizia
ser “o grande mestre da mecânica dos
automóveis”. Foi ele quem fez a
adaptação do carro de turismo
importado da América num
competitivo modelo de corrida - um
trabalho que, curiosamente, o próprio
Manoel de Oliveira então registou no
seu documentário “Já se Fabricam
Automóveis em Portugal” (1938).
Outra curiosidade é o facto de uma
das provas com que Manoel de
Oliveira preparou a sua ida ao Brasil -
a Rampa do Gradil, realizada em
Março, e que venceu - ser a única de
toda a sua carreira de piloto que está
documentada em filme.
O livro de José Barros Rodrigues
contém outras revelações/recordações
desta vertente da vida de Oliveira.
Entre elas, a notícia de que a sua
brilhante “performance” no circuito
do Rio de Janeiro - em que o seu Ford
Especial só foi suplantado pelos bem
mais competitivos Alfa Romeos do
italiano Pintacuda (o vencedor) e do
argentino Arzani -, fez com que fosse
convidado a participar, logo no ano
seguinte, no Grande Prémio de
Buenos Aires, na Argentina, outro
importante circuito do calendário
mundial. E mais, a revista “Sporting”
anunciava que o piloto poderia vir
mesmo a “fixar residência no Brasil”,
eventualmente para, a partir daí,
preparar com mais eficácia
competitiva as suas prestações
automobilísticas internacionais.
Quem conhece a biografia do
realizador sabe que não foi isso que
aconteceu. Em vez de voltar à
América do Sul, Manoel de Oliveira
viria a casar em 1940, decisão que o
levou a abandonar
(temporariamente) os automóveis.
“Realmente, já não me interessava
andar a correr de automóvel. A
minha esposa ficaria em cuidado, e
não havia necessidade disso”,
justificou Oliveira em entrevista à
PÚBLICA (edição de 07/12/2008). E o
apelo do cinema também falou mais
alto, já que, dois anos depois, o
realizador estreava a sua primeira
longa-metragem, “Aniki-Bóbó”.
O cinema e a família triunfaram
sobre os automóveis. E o regresso às
pistas, em 1947, já só aconteceu em
ralis, que entendia não “comportar
grande perigo”. Mas o nome Oliveira
continuou, apesar de tudo, a acelerar
nas pistas dos circuitos através do
irmão Casimiro que, na década de 50,
se tornaria num dos grandes pilotos
portugueses (sempre com o apoio do
irmão Manoel nas boxes).
Está tudo (bem) contado em
“Manoel de Oliveira - Piloto de
Automóveis”.
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 39

Teatro/Dança
“Os Maias no Trindade”
Bem-vindos
ao Norte
A partir de hoje, podemos
entrar no novo espectáculo
das Comédias do Minho.
Inês Nadais
Contra-Bando
Pelas Comédias do Minho.
Dramaturgia, encenação e
coreografia de Madalena Victorino.
Com Ainhoa Vidal, Miguel Fragata,
Gonçalo Fonseca, Luís Filipe Silva,
Mónica Tavares, Rui Mendonça e
Tânia Almeida.
Paredes de Coura. Lugar da Seara (Bico). Hoje, às
17h30; amanhã e dom., às 11h30, 15h e 17h30.
Melgaço. Lugar do Paço (Parada do Monte). Dia 6 de
Março, às 21h; dias 7 e 8 de Março às 11h30, 16h, 21h.
Vila Nova de Cerveira. Lugar das Furnas (Campos).
Dia 13 de Março, às 21h; dias 14 e 15 de Março às
11h30, 16h e 21h. Monção. Mercearia dos Vilar
(Lara). Dia 20 de Março às 17h30; dias 21 e 22 de
Março às 11h30, 15h e 17h30. Valença. Estufas de
flores (Verdoejo). Dia 27 de Março, às 21h; dias 28 e
29 de Março, às 11h30, 16h e 21h. Entrada gratuita.
Madalena Victorino foi a última a
chegar a Paredes de Coura mas já há
sítios onde conseguia ir ter de olhos
fechados: a mercearia dos Vilar,
numa freguesia de Monção, uma
ermida abandonada em Melgaço, as
estufas de flores de Verdoejo, as
cabanas dos pescadores de lampreia
em Cerveira, a cozinha de uma
senhora de 80 anos que “nunca foi à
escola, nunca foi ao médico” e vive
com os seus animais em Bico.
Em Novembro, quando a
convidaram para criar um
espectáculo que resultasse de uma
imersão profunda na comunidade -
acabaram por ser cinco
espectáculos, ou um espectáculo em
cinco partes -, as Comédias do
Minho deram-lhe “carta branca”
para ela fazer o que entendesse, e
ela entendeu que devia meter-se
num carro com os actores e ir ver
como é o interior do interior (e o
Norte do Norte) do país.
Agenda
Teatro
Estreiam
Esta Noite Improvisa-se
De Luigi Pirandello. Encenação:
Jorge Silva Melo. Com António
Simão, Cândido Ferreira, Cecília
Henriques, João Meireles, Lia
Gama, Sílvia Filipe,entre outros.
Lisboa. Teatro Nacional D. Maria II. Pç. D. Pedro
IV. De 05/03 a 05/04. 4ª, 5ª, 6ª e Sáb. às 21h30.
Dom. às 16h. Tel.: 213250835. 7,5€ a 16€.
JORGE GONÇALVES
“A Tempestade”
Foi uma viagem de
reconhecimento - e um ritual de
iniciação a um território que
Madalena Victorino desconhecia
absolutamente. “Fomos falar com os
presidentes de junta e com os padres,
que são as figuras de referência
nestas aldeias, e eles conduziram-nos
às pessoas. Em Paredes de Coura
encontrámos duas mulheres que me
atraíram imenso pela sua idade e
pelo seu saber a cultivar os seus
pedaços de terra com uma alegria e
Variações Enigmáticas
De Eric-Emmanuel Schmitt.
Encenação: João Mota. Com Carlos
Paulo, Álvaro Correia.
Lisboa. Teatro da Comuna. Pç. Espanha.
De 04/03 a 31/12. 4ª, 5ª, 6ª e Sáb. às 21h30. Dom. às
16h. Tel.: 217221770. 10€ e 7,5€ (quartas e quintas:
5€).
Continuam
A Tempestade
De William Shakespeare.
Encenação: John Mowat. Com Jorge
Cruz, Marta Cerqueira, Tiago
Viegas.
Lisboa. Chapitô. R. Costa do Castelo, 1/7. Até 01/03.
5ª, 6ª, Sáb. e Dom. às 22h00. Tel.: 218855550. 10€ e
7,5€.
Minetti ou Retrato
do Artista Quando Jovem
De Thomas Bernhard. Encenação:
Mónia Calle. Com David Pereira
Bastos.
¬Mau ☆Medíocre ☆☆Razoável ☆☆☆Bom ☆☆☆☆Muito Bom ☆☆☆☆☆Excelente
Já há sítios onde Madalena Victorino conseguia
ir de olhos fechados, como a cozinha de uma senhora
de 80 anos que “nunca foi à escola, nunca foi ao médico”
e vive com os seus animais em Bico
Internet
uma força que muitas raparigas de 20
anos não têm. Em Verdoejo
descobrimos as estufas de uma
família que cultiva, apanha e vende
flores nos mercados. Em Cerveira
aprendemos muito sobre o rio, sobre
o contrabando com Espanha, sobre a
emigração a salto. Infiltrámo-nos na
vida das pessoas, vimo-las a
trabalhar, conversámos com elas - e
trouxemos esses materiais para o
Centro Cultural de Paredes de
Coura”, explica.
Lisboa. Casa Conveniente.
Rua Nova do Carvalho, 11 (ao Cais do Sodré). Até
28/02. 2ª a Sáb. às 21h30. Tel.: 964407007.
Os Produtores
De Mel Brooks. Encenação:
Cláudio Hochman. Com Rita
Pereira, Miguel Dias, Manuel
Marques, Rodrigo Saraiva,
Custódia Galego. Direcção
Musical: Nuno Feist.
Lisboa. Teatro Tivoli. Av. Liberdade,
182. Até 28/02. 3ª, 4ª, 5ª e 6ª às 21h30. Sáb. e Dom.
às 17h00 e 21h30. Feriados às 17h00. Tel.: 213572025.
27,5€ a 45€.
Os Maias no Trindade
De Eça de Queiroz,
António Torrado. Encenação:
Rui Mendes. Com João Didelet,
José Airosa, Mário Jacques, entre
outros.
Lisboa. Teatro da Trindade. Largo da Trindade, 7 A.
Até 26/04. 4ª, 5ª, 6ª e Sáb. às 21h30. Dom. às 16h00.
Tel.: 213420000. 10€ a 15€
Estamos online. Entre em
www.ipsilon.pt. É o mesmo
suplemento, é outro desafio.
Venha construir este site
connosco.
Não ficaram lá muito tempo: a
partir de hoje, começam a devolver
à comunidade o que criaram “a
partir desses itens de conversa”, das
coisas que mais os fascinaram (“a
forma como estas pessoas
trabalham, como usam os músculos,
como se relacionam com os animais,
como sonham”) e de textos de
Gabriel García Márquez, Luísa Costa
Gomes, António Lobo Antunes e
Miguel Torga que a companhia
“infiltrou nos fumeiros, nas adegas,
nas cortes, nos espigueiros, nos
quartos de dormir”.
Os cinco capítulos de “Contra-
Bando” - “O salto da água / Cozinha”,
“Coração de porco”, “Labaredas”,
“Uma pequena ideia de amor” e
“Saias de sabão” - vão ser apresentados
nos sítios onde fazem realmente
sentido: dentro das casas, dos locais
de trabalho e dos espaços públicos
onde as pessoas para os quais foram
criados viveram toda a vida. É a lógica
das Comédias do Minho - uma
estrutura radicalmente itinerante,
cujos espectáculos circulam pelos
cinco concelhos da região -, mas Madalena
Victorino está a levá-la a onde
ela nunca tinha ido (ao tal interior do
interior que ficou para trás quando
nos atirámos todos ao mesmo tempo
para as cidades do litoral).
Mais do que um espectáculo,
“Contra-Bando” é sobretudo uma
comunidade: “Há um bando que se
passeia em viagem pelo Minho,
contra as convenções teatrais mais
estabelecidas, e que se mistura com
outro bando que é este povo do
Minho. São espectáculos em que as
pessoas se reconhecem e revisitam o
que é seu, surpreendendo-se com o
que vêem. Ainda ontem em Parada
do Monte [Melgaço] as pessoas nos
diziam: ‘A nossa casa nunca esteve
tão bonita’. A nossa cenografia é a
vida real destas pessoas - e elas
sentem-se realmente parte de uma
história.” Começa a ser contada hoje,
numa aldeia da freguesia de Bico, em
Paredes de Coura. Parece muito
longe, mas também tem página na
Wikipédia - com as coordenadas GPS,
para não haver desculpa.
Dança
Estreiam
Tritone
Companhia Real Pelágio.
Almada. Teatro Municipal de Almada. Av.
Professor Egas Moniz. Dia 27/02. 6ª às 21h30. Tel.:
212739360. 10€ (c/ descontos).
Paraíso
De Olga Roriz. Com Catarina
Câmara, Sara Carinhas, Pedro
Santiago Cal, entre outros
Évora. Teatro Garcia de Resende. Pç. Joaquim
António de Aguiar. Dia 27/02. 6ª às 21h30. Tel.:
266703112.
Cats
Academia de Dança do Vale do
Sousa.
Santa Maria da Feira. Europarque - Centro de
Congressos. Espargo de Baixo. Dia 27/02. 6ª às 22h
(sessões para escolas: 10h00, 11h30, 14h00 e
15h30). Tel.: 256370222. 15€; Escolas: 4,50€ (por
cada 20 alunos é oferecido um convite).
40 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

Exposições
Susanne S. D. Themlitz
A fotografia
como
mundo
A primeira exposição de
Jean Marc-Bustamante em
Portugal. José Marmeleira
Pedigree
De Jean-Marc Bustamante.
Lisboa. Galeria Filomena Soares. Rua da
Manutenção, 80. Tel.: 218624122. Até 07/03. 3ª a
Sáb. das 10h às 20h.
mmmnn
“Pedigree”, na Galeria Filomena
Soares, é a primeira exposição em
Portugal de Jean Marc-Bustamante
(Toulouse, 1952), um dos artistas
franceses de maior projecção
internacional. Antes de iniciar a sua
carreira, entre os finais dos anos 70
e o princípio dos anos 80, chegou a
ser assistente do fotógrafo norteamericano
William Klein e, no
seguimento de exposições na
Documenta X (1997) e na Tate
Britain (1999), foi escolhido em 2003
para representar França na 50ª
Agenda
Inauguram
At Eye Level
De Susanne S. D. Themlitz.
Lisboa. Vera Cortês - Agência de Arte. Avenida 24
de Julho, 54 - 1ºE. Tel.: 213950177. Até 04/04. 3ª a
6ª das 11h às 19h. Dom. das 15h às 20h. Inaugura
27/2 às 22h.
Desenho.
Já Viram Alguém Levar
um Tiro e Não Deitar Sangue?
De Francisco Queirós.
Lisboa. Lisboa 20 - Arte Contemporânea. Rua
Tenente Ferreira Durão, 18B. Tel.: 213830834. Até
11/04. 3ª a 6ª das 14h às 20h. Sáb. das 12h às 20h.
Inaugura 27/2 às 22h.
Desenho.
Selotemachinas
De Catarina Patrício.
Lisboa. Carlos Carvalho - Arte
Contemporânea. Rua Joly Braga Santos, Lote F - r/
c. Tel.: 217261831. Até 07/04. 2ª a 6ª das 10h30 às
19h30. Sáb. das 12h às 19h30. Lisboarte. Inaugura
28/2 às 16h.
Pintura.
Escrita Inventada
De Alexandra Mesquita.
Lisboa. Galeria Arte Periférica. Praça do Império -
Centro Cultural de Belém, Loja 3. Tel.: 213617100.
Até 16/04. 2ª a Dom. das 10h às 20h. Lisboarte.
Inaugura 28/2 das 15h às 20h.
Desenho, Outros.
The Land Beyond The Sun
De Ângelo Encarnação.
Lisboa. Galeria Diferença. Rua São Filipe Neri, 42 -
Cave. Tel.: 213832193. Até 11/04. 3ª a Sáb. das 15h
às 20h. Lisboarte. Inaugura 28/2 às 15h.
Pintura.
A Natureza Ubíqua do Ser
De Margarida Cepêda.
Lisboa. Galveias - Galeria de Arte. Rua da
Misericórdia, 83. Tel.: 213422232. Até 11/04. 2ª a
Sáb. das 10h30 às 19h. Lisboarte. Inaugura 28/2
das 16h às 20h.
Pintura.
Bienal de Veneza.
O seu trabalho tem sido marcado
por uma relação intensa e renovada
com a fotografia, não como simples
suporte, mas enquanto matriz de uma
investigação que se propõe a pensar a
própria fotografia enquanto mundo
ou objecto. Tome-se, como exemplo,
a série “Lumières” (1991), onde
imagens fotográficas, apropriadas de
livros, são serigrafadas sobre
plexiglas, numa constante
interpelação ao espectador, à luz e ao
espaço, ou os “Panoramas”, painéis
que mostram desenhos fotografados e
depois gravados sobre o plexiglas.
Podemos dizer que a arte de Jean
Marc Bustamante “refaz-se” numa
pesquisa que, partindo da fotografia,
se dirige ao quadro, à parede, à
transparência, à cor.
“Pedigree” não pretende,
assinale-se, ser representativa de
uma obra desenvolvida ao longo de
Momento
De Vasco Costa.
Lisboa. Galeria Jorge Shirley. Largo Hintze Ribeiro,
2E/F. Tel.: 213868496 . Até 09/04. 3ª a Sáb. das 15h
às 19h30. Lisboarte. Inaugura 28/2 das 15h às 20h.
Escultura.
Accrochage 01/09
De vários autores.
Lisboa. Galeria Luís Serpa - Projectos. Rua Tenente
Raúl Cascais, 1B. Tel.: 213977794. Até 11/04. 3ª a Sáb.
das 15h às 19h30. Lisboarte. Inaugura 28/2 das 15h
às 20h.
Pintura.
Fotografias 1990-1997
De António Júlio Duarte.
Lisboa. Módulo - Centro Difusor de Arte. Calçada dos
Mestres, 34A/B. Tel.: 213885570. Até 11/04. 3ª a Sáb.
das 15h às 20h. Lisboarte. Inaugura 28/2 das 18h às
20h.
Fotografia.
Aparelhos Breves
De Rodrigo Tavarela Peixoto.
Lisboa. Sopro - Projecto de Arte Contemporânea.
Rua das Fontaínhas, 40. Tel.: 213618756. Até 04/04.
3ª a Sáb. das 15h às 20h. Lisboarte. Inaugura 28/2
das 15h às 20h.
Fotografia.
João Rodrigues, Obra Plástica
Vila Nova de Famalicão. Fundação Cupertino de
Miranda. Praça Dona Maria II - Apartado 701. Tel.:
252301650. Até 08/05. 2ª a 6ª das 10h às 18h. Sáb.
das 14h às 18h. Inaugura 28/2 às 17h.
Desenho.
Silêncio a Silêncio
De Moirika Reker, Gilberto Reis.
Lisboa. Fundação Carmona e Costa. Ed de Espanha -
R. Soeiro Pereira Gomes L1 - 6º A/C/D. Tel.:
217803003. Até 18/04. 4ª a 6ª das 14h às 20h. Sáb.
das 14h às 19h. Inaugura 3/3 às 18h30.
Vídeo, Desenho.
The Quiet Messenger
De Pedro Henriques.
Lisboa. Espaço Round The Corner - Porta 9F/9G. R.
Nova da Trindade - Teatro da Trindade. Tel.:
213420000. Até 10/03. 2ª a Dom. das 17h às 20h.
¬Mau ☆Medíocre ☆☆Razoável ☆☆☆Bom ☆☆☆☆Muito Bom ☆☆☆☆☆Excelente
mais de duas décadas e da qual
fazem parte séries distintas ainda
que retomadas pelo artista. Mostra
trabalhos recentes e serve sobretudo
como introdução a uma
determinada produção.
Nas fotografias de “Something Is
Missing” (2008) - uma série
inaugurada em 1995 - encontramos
fachadas e traseiras de habitações,
árvores, um muro junto a um fio de
água, ruas, um canteiro. São lugares
banais, quase destituídos de
referentes, como instantes captados
por um “flaneur”, mas na sua
neutralidade fixam e abrem um
olhar que afinal também é o do
espectador. O mesmo repto é
lançado na escultura
(“Contrapposto”, 2002) onde o
corpo acaba por ser convocado, pois
é o seu movimento que determina as
ligações que na peça se estabelecem
entre a cor e o espaço, a
Inaugura 4/3 às 17h.
Vídeo.
(Lugar da Água)
De Rui Vasconcelos.
Lisboa. Centro de Arte Moderna - José de Azeredo
Perdigão. Rua Dr. Nicolau Bettencourt. Tel.:
217823474 . Até 31/05. 3ª a Dom. das 10h às 18h
(última admissão às 17h45). Inaugura 5/3 às 18h30.
Desenho.
O Infinito Segredo
De Cruzeiro Seixas.
Lisboa. Galeria São Mamede. Rua da Escola
Politécnica, 167. Tel.: 213973255. Até 05/04. 2ª a 6ª
das 10h30 às 20h. Sáb. das 11h às 19h. Inaugura 5/3
das 19h às 22h.
Pintura, Desenho.
Continuam
Heimo Zobernig
Lisboa. Centro de Arte Moderna
- José de Azeredo Perdigão. Rua Dr. Nicolau
Bettencourt. Tel.: 217823474. Até 24/05.
3ª a Dom. das 10h às 18h. Bilhetes: 4€
(c/descontos).
Pintura, Vídeo, Instalação,
Escultura, Outros.
Raúl Perez - Desenho e Pintura
Lisboa. Museu Colecção Berardo.
Praça do Império - Centro Cultural de Belém. Tel.:
213612878. Até 12/04. 6ª das 10h às 22h00. 2ª a 5ª,
Sáb. e Dom. das 10h às 19h.
Desenho, Pintura.
Na escultura “Contrapposto”,
de 2002, o corpo acaba
por ser convocado
verticalidade e a horizontalidade e
os materiais do objecto (ferro, tinta,
plexiglas).
Seguem-se, finalmente, obras da
série “Panoramas” e outras
realizadas com a mesma técnica.
Vemos motivos figurativos e
abstractos numa experiência
determinada pela transparência, a
luz e a sombra (e a esse propósito é
interessante notar semelhanças
formais com alguns dos motivos das
fotografias de “Something Is
Missing”). O artista, ao ampliar e
gravar os desenhos nas placas de
plexiglas, transforma-os em
pinturas, mas ao pendurá-los a uma
certa distância da parede oferecelhes
um carácter escultórico.
Descobre-lhes uma profundidade
inesperada, torna-os ao mesmo
tempo fotografia, escultura e
pintura.
Algo ironicamente são estes
trabalhos, pela sua presença
excessiva (por vezes até decorativa),
que desequilibram a curadoria de
“Pedigree”, do norte-americano
David Rosenberg. Teria sido mais
estimulante se a exposição tivesse
aprofundado o seu cariz
introdutório com outras obras de
Jean-Marc Bustamante. Por
exemplo, com as pertencentes à
série “Trophées”, “Sites” ou
“Lumières”.
Desenhos A - Z, Colecção
Madeira Corporate Services
De Mark Dion, Trisha Donnelly,
Olafur Eliasson, Pedro Cabrita
Reis, Rui Chafes, Ingar Dragset,
Leonilson, Thomas Sheibitz,
Marjetica Potrc, entre outros.
Lisboa. Museu da Cidade de Lisboa. Campo
Grande, 245. Tel.: 217513200. Até 29/03. 3ª a Dom.
das 10h às 18h (Encerra Feriados). Pavilhão Preto.
Desenho, Outros.
Lá Fora
De Manuela Marques, Francisco da
Mata, Gerald Petit, entre outros.
Lisboa. Museu da Electricidade. Avenida Brasília -
Edifício Central Tejo. Tel.: 210028120. Até 15/03.
3ª a Dom. das 10h às 18h.
Pintura, Desenho, Fotografia,
Instalação, Escultura, Vídeo.
A Analogia do Olho
De JCJ Vanderheyden.
Lisboa. Culturgest. Rua Arco do Cego - Edifício da
CGD. Tel.: 217905155. Até 10/05. 2ª a 6ª das 11h às
19h (última admissão às 18h30). Sáb., Dom. e
Feriados das 14h às 20h (última admissão às
19h30). Bilhetes: 2€.
Pintura, Fotografia.
Jochen
Lempert
Lisboa. Culturgest. Rua
Arco do Cego - Edifício
da CGD. Tel.:
217905155. Até 10/05.
2ª a 6ª das 11h às 19h
(última admissão às
18h30). Sáb., Dom. e
Feriados das 14h às 20h
(última admissão às
19h30). Bilhetes: 2€.
Fotografia.
A Evolução de Darwin
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A. Tel.: 217823700. Até 24/05.
3ª a Dom. das 10h às 18h. Bilhetes: 4€; 2€ (Cartão
Jovem, -25, +65); Grátis (-12, Domingo). Inaugura
12/2 às 19h.
Ciência, Outros.
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 41

Concertos
Espaço
Público
É francês, dedica-se à
divulgação da música
sem artifícios e é, para
mim, um dos melhores
blogs/sites musicais de
todo o planeta. Entre
artigos de opinião, visitas
improvisadas a “backstages”,
entrevistas
Pop
Eles querem
espalhar
magia
Estamos a aproximar-nos
da Primavera e não há razão
para que a magia não resulte.
Mário Lopes
I’m From Barcelona + Rui Vargas
& Zé Salvador + Tiago + DJ Al
Lisboa. Lux Frágil. Av. Infante D. Henrique,
Armazém A. Sáb., 28, às 22h30. Tel.: 218820890.
22€.
Todos se lembram da canção: uns
coros bem metidos, uma melodia
escandalosamente cantarolável e a
bizarria de ter vinte e tal suecos a
cantar que éramos todos de
Barcelona. Foi um romance de Verão
adolescente, bem vivido e
rapidamente esquecido ali no Ano
da Graça de 2007.
E o que eram eles: pop comunal e
pop desenho animado, devidamente
colorida e graciosamente exposta
em telediscos que piscavam o olho
ao “Playtime” de Tati ou que se
prestavam a um karaoke de festa
caseira. Acontece que o romance de
Verão não se apagou para sempre da
memória. Os I’m From Barcelona
estiveram depois no Sudoeste,
trouxeram pelo menos dois terços
da banda - ou seja, uns vinte músicos
e dançarinos e o que quer que seja -,
e fizeram a festa. E, agora, sabemos
que não acabaram por ali. “Who
Killed Harry Houdini?”, segundo
álbum que cita um dos fascínios do
líder da banda, mágico amador,
chegou em Outubro para mostrar
que, na cabeça do fundador
Emanuel Lundgren, nada mudou:
“In my heart, I’m still a kid”, canta
ele algures e não podia ser de outra
maneira. “Why do we care / Britney
wants to shave its head?”, cantava
ele noutro algures, entre coros de
mil vozes e guitarrinhas indie a
forrar o conjunto, e comprovava-se
que os I’m From Barcelona são
comunidade que brinca com
símbolos pop para falar daquilo que
I’m From Barcelona são comunidade que brinca com símbolos
pop para falar daquilo que a pop sempre falou: o coração magoado
inteligentes e toneladas
de discos, muitas são as
razões para fazerem de
La Blogotheque um local
de peregrinação diária.
É também aqui que vão
encontrar os entusiasmantes
“Concerts a emporter”,
na sua maior parte
a pop sempre falou: o coração
magoado, a inadaptação ao mundo
em volta, a beleza que é a vida e a
tristeza que é a vida (a mesma).
Ao vivo, como se sabe, a tristeza sai
de cena e só há lugar para festa e
fanfarra. Os I’m From Barcelona vêm
ao Lux apresentar o segundo álbum,
de circulação bem mais discreta que
o primeiro, e lá teremos dezenas de
pessoas em palco a cantar as suas
melodias tão simples quanto épicas
de vozes em uníssono. Os suecos só
querem espalhar magia: essa que
suscita tão parvos quanto inexplicáveis
sorrisos em quem dança porque
tudo aquilo é feliz e bonito e não há
como não gostar deles. Estamos a
aproximar-nos da Primavera e, em
princípio, não há razão para que a
magia não resulte. M.L.
Clássica
A França e o
Oriente pelo
Ensemble
Intercontemporain
Um dos agrupamentos
míticos na interpretação
da nova música.
Cristina Fernandes
Ensemble Intercontemporain
Maestro: François-Xavier Roth.
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque. 6ª, 27, às 21h00. Tel.: 220120220. 10€.
Na Sala Suggia.
Ensemble Intercontemporain
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A. Sáb., 28, dom., 1, às 19h00.
Tel.: 217823700. 15€.
O Ensemble Intercontemporain é
uma das referências máximas na
interpretação da música
contemporânea, tendo igualmente
papel activo na criação graças à sua
relação privilegiada com o Institut
de Recherche et Coordination
Acoustique Musique (IRCAM),
sediado em Paris. Criado em 1976
por Pierre Boulez, o seu repertório
inclui quase dois mil títulos,
incluindo a estreia de numerosas
obras compostas em função do
grupo, bem como clássicos das
primeira metade do século XX. Os
seus 31 instrumentistas são solistas
consumados que optaram por dar
primazia à música de conjunto, mas
que desenvolvem também carreiras
paralelas como virtuoses do seu
respectivo instrumento.
De regresso a Portugal, o
Ensemble Intercontemporain
apresenta-se hoje, às 21h, na Casa da
Música, e no sábado e no domingo
na Gulbenkian, sob a direcção de
François-Xavier Roth, um dos mais
carismáticos maestros da nova
filmados pelo inevitável
Vincent Moon, que mostram
as bandas/artistas
num estado de pura graça,
despojados de grandes
artimanhas tecnológicas
ou manipulações de
estúdio. Para descobrir
em www.blogotheque.
geração. Com créditos firmados no
âmbito da música contemporânea,
Roth dedica-se também a outros
repertórios, que se estendem do
barroco à actualidade. Um exemplo
dessa versatilidade é a orquestra Les
Siècles, que criou em 2003
destinada a interpretar obras dos
diversos períodos da história da
música. Foi com esta formação que
se apresentou em Lisboa na Festa da
Música (em 2006) num empolgante
programa dedicado a Rameau.
A actuação do Ensemble
Intercontemporain no Porto inserese
na retrospectiva alargada da
produção de Jonathan Harvey
promovida pela Casa da Música. O
programa integra uma das obras
mais importantes do britânico
(“Bahkti”), estreada precisamente
por este agrupamento em 1982, em
Paris. Trata-se de uma peça
poderosa que faz referência directa
à espiritualidade hindu (em
sânscrito “Bahkti” significa devoção
a um deus em busca de caminho
para a salvação). Será também
possível ouvir “Streets”, do francês
Bruno Mantovani (onde se faz alusão
às agitadas ruas de Nova Iorque) e
“Fantasie Mécanique”, da
compositora sul-coreana Unsuk
Chin.
Estas partituras serão também
interpretadas em Lisboa no âmbito
de dois concertos com linhas
temáticas definidas. O primeiro
intitula-se “Nova Música Francesa” e
além da obra de Mantovani dará a
ouvir “Fragments pour un portrait”,
de Philippe Manoury, e “Eclipse”, de
Yan Maresz. O segundo (no dia 1)
designa-se “Em busca do Oriente” e
inclui as já citadas obras de Unsuk
Chin e Jonathan Harvey, em
conjunto com “L’Éthique de la
Lumière”, do jordano Saed Haddah.
Ambos serão precedidos por
comentários introdutórios (às 18h,
no Auditório 3), da responsabilidade
dos compositores Sérgio Azevedo e
Pedro Amaral, respectivamente.
Sons de câmara
de Jerusalém
Jerusalem Chamber Music
Festival
Com Elena Bashkirova (piano), Guy
Braunstein (violino), Amichal Grosz
(viola), Kyril Zlotnikov (violoncelo),
Karheinz Steffens (clarinete).
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A. 2ª e 3ª às 19h00. Tel.:
217823700. 10€ a 20€.
No Grande Auditório. Obras de
Schumann, Hindemith e Kurtág (dia
2) e Stravinsky, Mozart, Berg e
Beethoven (dia 3).
Elena Bashkirova, a criadora
do Festival de Música de Câmara de Jerusalém
Criado em 1998 pela pianista russa
Elena Bashkirova, o Festival de
Música de Câmara de Jerusalém junta
anualmente jovens instrumentistas
de todo o mundo para interpretar
repertório pouco ouvido nas
temporadas tradicionais. A
programação obedece a temáticas
específicas - por exemplo
“Despedidas de Século” (ciclos
baseados em obras dos finais dos
séculos XVIII, XIX e XX),
“Transcrições e Transformações” ou
“Compositores da Europa Oriental” -
e dá primazia a formações
instrumentais diversificadas, que
nem sempre encaixam nos modelos
convencionais. Após o encerramento
de cada edição, os participantes
efectuam digressões internacionais
onde interpretam alguns dos
programas criados para o festival. É
neste contexto que se apresentam na
Gulbenkian nos dias 2 e 3 com um
efectivo constituído por piano,
violino, viola, violoncelo e clarinete.
Combinados de diferentes maneiras,
estes instrumentos permitem
percorrer um programa eclético que
se estende do classicismo vienense ao
século XX. No primeiro concerto
serão tocadas as Seis Peças em
Cânone op. 56 e o Quarteto com
piano op. 47, de Schumann; o
Quarteto para piano, clarinete,
violino e violoncelo, de Hindemith; e
“Hommage a Robert Schumann”,
para clarinete, viola e piano, de
Kurtág. No segundo concerto poderá
ouvir-se a pequena suite para violino,
clarinete e piano da “História do
Soldado” de Stravinsky; o Quarteto
para piano e cordas K. 493 de Mozart;
o “Adagio” para violino, clarinete e
piano, de Berg; e o Trio para piano,
clarinete e violoncelo em Mi bemol
maior, de Beethoven. C.F.
Jazz
Trombone apontado
às estrelas
Gianluca Petrella Indigo Quartet
Com Gianluca Petrella (trombone),
Francesco Bearzatti (saxofone),
Paolino dalla Porta (contrabaixo),
Fabio Accardi (bateria).
Portalegre. Centro de Artes do Espectáculo. Praça
da Republica, 39. Sáb., 28, às 21h30. Tel.:
245307498. 10€. Passe Festival: 30€. Grande
Auditório. Portalegre JazzFest - 7.º Festival
Internacional de Jazz de Portalegre. M/4.
Lisboa. Culturgest. Rua Arco do Cego - Edifício da
CGD, dom., 1, às 21h30. Tel.: 217905155. 15€. -30
anos: 5€. No Grande Auditório. M/12.
No domingo terá lugar o concerto de
apresentação de “Kaleido”, o novo
registo de Gianluca Petrella Indigo 4,
agrupamento liderado pela mais
jovem estrela do jazz europeu, o
trombonista Gianluca Petrella.
Aclamado pelo público e pela crítica
internacionais como um dos mais
imaginativos e talentosos músicos da
nova geração, Gianluca Petrella, 33
anos, que vem apresentar o novo
registo, “Kaleido”, colaborou já com
músicos da estatura de Enrico Rava,
Steve Swallow, Greg Osby, Carla Bley,
42 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

Bunnyranch no Porto e em Aveiro Rodrigo Leão e Cinema Ensemble em digressão John Zorn hoje em Portalegre
DANIEL ROCHA
Steve Coleman, Lester Bowie, Pat
Metheney, John Abercrombie, ou
Gianluca Trovesi, entre muitos
outros, tendo ainda recebido
distinções de relevo pelas
prestigiadas revistas “Jazzman” e
“Downbeat”. Apesar de não ser
propriamente um inovador, concilia
de forma interessante o lado mais
tradicional do jazz com elementos
retirados do rock, música
electrónica ou mesmo da música
tradicional italiana. Acima de tudo,
trata-se de um instrumentista e
improvisador de grande impacto,
com uma linguagem forte e incisiva
que transforma cada um dos seus
espectáculos numa celebração da
vitalidade do novo jazz europeu.
Rodrigo Amado
Gianluca Petrella, a mais
jovem estrela do jazz europeu
Under-Underground
Alan Silva / Burton Greene
Com Alan Silva (contrabaixo,
sintetizadores) e Burton Greene
(piano, sintetizadores)
3 de Março, Auditório Fundação Cupertino de
Miranda, Famalicão - 21h30 - 5 Euros
4 de Março, Club Setubalense, Setúbal - 22h00
- 4 Euros
5 de Março, ZDB, Lisboa - 23h00 - 8 Euros
Alan Silva e Burton Greene possuem
um historial de realizações musicais
- associado a uma inconstante
presença nos palcos internacionais -
que nos permite classificar esta
visita ao nosso país como um
acontecimento. Em três concertos
que se realizarão nas cidades de
Alan Silva
Setúbal, Famalicão e Lisboa, os dois
irão libertar em palco algum do
génio, loucura e magia que fizeram
deles duas das mais importantes
figuras do “underground” jazz novaiorquino
dos anos 60.
Particularmente interessante é o
facto de que ambos formaram, em
1963, o Free Form Improvisation
Ensemble, colectivo visionário
dedicado à exploração dos novos
caminhos da improvisação livre e da
composição em tempo real, tendo
desenvolvido carreiras que se
estendem por cinco décadas de
inovação musical. Alan Silva tocou
com Cecil Taylor, Sun Ra, Albert
Ayler, Archie Shepp, Bill Dixon ou
Andrew Hill, entre muitos outros, e
Burton Greene com Sam Rivers,
Gato Barbieri e Marion Brown, tendo
recentemente gravado para a editora
Tzadik de John Zorn. Ligações que
irão convergir em três espectáculos
que se adivinham memoráveis.
Rodrigo Amado
Agenda
Sexta 27
Maria Bethânia
Lisboa. Coliseu dos Recreios. R. Portas St. Antão,
96. 6ª e Sáb. às 22h00 (portas abrem às 21h). Tel.:
213240580. 30€ a 65€. Camarotes: 150€ a 270€.
Tara Perdida
Porto. Cinema Batalha. Praça da Batalha, 47, às
22h00. Tel.: 222011913. 15€.
Madredeus & A Banda Cósmica
Tomar. Cine-Teatro Paraíso. Rua da Infantaria, 15 -
Edifício Teatro, às 21h30. Tel.: 249329190. 12€ a 15€.
John Zorn + Cyro Baptista
+ Ttukunak
Portalegre. Centro de Artes do Espectáculo de
Portalegre. Praça da Republica, 39, às 21h30. Tel.:
245307498. 10€. Passe Festival: 30€. No Grande
Auditório. Portalegre JazzFest - 7.º Festival
Internacional de Jazz de Portalegre. M/4.
Rodrigo Amado Motion Trio
Portalegre. Centro de Artes do Espectáculo de
Portalegre. Praça da Republica, 39, às 23h30. Tel.:
245307498. 3€. Passe Festival: 30€. Café-concerto.
Portalegre JazzFest - 7.º Festival
Internacional de Jazz de
Portalegre. M/4.
The Profilers
Vila Nova de Famalicão. Casa das Artes. Pq. de
Sinçães. 6ª às 22h00. Tel.: 252371297. 5€.
No Grande Auditório.
Apresentação de “Swing”. M/3.
Celina Pereira + Dany Silva
Sintra. Centro Cultural Olga Cadaval. Pç. Dr.
Francisco Sá Carneiro, às 22h00. Tel.: 219107110.
10€ a 15€. Descontos para -18 e +65 anos.
No Auditório Jorge Sampaio.
Mornas. M/6.
Honeyboy Hickling
Guarda. Teatro Municipal da Guarda. Rua
Batalha Reis, 12, às 21h30. Tel.: 271205241. 5€.
No Pequeno Auditório. InBlues -
Festival de Blues da Guarda 2009.
M/4.
Rose Blanket
Viseu. Teatro Viriato. Lg. Mouzinho Albuquerque, às
21h30. Tel.: 232480110. 5€ a 10€.
Apresentação de “Our Early
Balloons”.
Dimitri From Paris
Estoril. Casino Estoril. Pç. José Teodoro dos Santos,
às 00h00. Tel.: 214667700. 10€ (oferta de 2 bebidas).
No Salão Preto e Prata.
Bossa Nossa
Coimbra. Fnac (Fórum Coimbra). Quinta de São
Gemil, às 22h00. Tel.: 707313435. Entrada livre.
Joana Costa
Maia. Tertúlia Castelense. R. Augusto Nogueira da
Silva, 779, às 23h00. Tel.: 229829425. 5€.
Apresentação de “Recado”.
Sete Lágrimas
Almada. Fnac (Almada Fórum). Caminho Municipal
1101 - Vale de Mourelos. 6ª às 21h30. Tel.: 707313435.
Entrada livre.
Bunnyranch
Porto. Porto-Rio. Rua do Ouro - Barco Gandufe, às
00h00. Tel.: 917871912.
Apresentação de “...How To Wait”.
Sábado 28
Joana Costa na Maia
The Datsuns
Lisboa. Café Teatro Santiago Alquimista. R.
Santiago, 19, às 22h00 (portas abrem às 21h). Tel.:
218884503. 18€.
Apresentação de “Head Stunts”.
Deus.Pátria.Revolução
De Luísa Costa Gomes, Luís
Bragança Gil. Cenografia: João
Mendes Ribeiro, Luísa
Bebiano Correia.
Direcção Musical:
Luís Bragança Gil.
Com Alexandra
Moura (soprano),
Inês Madeira (mezzosoprano),
Fernando Guimarães
(tenor), Rui Baeta (barítono). Com
Sérgio Fontão (assistente musical),
Nicholas McNair (assistente
musical), Didier Chazeau (assistente
cénico e coreográfico), Coro Voces
Caelestes. Com Orquestra
Aldrabófona. Encenação: João
Mendes Ribeiro, Luísa Bebiano
Correia.
Lisboa. Centro Cultural de Belém. Praça do Império.
2ª e Sáb. às 21h00.Dom. às 17h00. Tel.: 213612400.
12,5€ a 15€ (sujeito a descontos).
No Pequeno Auditório. Teatro
musical. M/12.
Ver texto págs. 20 e 21
Hakan Hardenberger e Orquestra
Nacional do Porto
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque, às 18h00. Tel.: 220120220. 16€. Jantarconcerto:
30€.
Na Sala Suggia. Obras de Brahms,
Martinsson e Chostakovitch.
Sherman Robertson
Seia. Casa Municipal da Cultura de Seia. Avenida
Luís Vaz de Camões, às 21h45. Tel.: 238310251. 3€.
Passe Festival: 10€. Desconto com Cartão M.
Juventude e Idoso.
Space Ensemble
Portalegre. Centro de Artes do Espectáculo de
Portalegre. Praça da Republica, 39, às 23h30.
Tel.: 245307498. 3€. Passe Festival: 30€.
Café-concerto. Spy
Quintet. Portalegre
JazzFest - 7.º
Festival
Internacional de Jazz
de Portalegre. M/4.
Rodrigo Leão
& Cinema Ensemble
Arcos de Valdevez. Casa das Artes.
Jardim dos Centenários, às 22h30. Tel.: 258520520.
13€. No auditório.
António Pinho Vargas
Vila Nova de Famalicão. Casa das Artes de Vila Nova
de Famalicão. Pq. de Sinçães, às 22h00. Tel.:
252371297. 8€. No Grande Auditório. M/3.
Rita Redshoes
Paredes. Casa da Cultura de Paredes. Av. República,
176, às 21h30. Tel.: 255780440. 1€.
Baile dos Vampiros 2009
Porto. Teatro Sá da Bandeira. R. Sá da Bandeira,
108, às 23h59. Tel.: 222003595.15€.
Com Clã, DJ Kitten, DJ Nacho e DJ Luís
Machado. Fantasporto 2009 - Festival
Internacional de Cinema do Porto.
Camané
Seixal. Fórum Cultural do Seixal. Qta. dos Franceses,
às 21h30. Tel.: 212226411.10€.
No Auditório Municipal. Apresentação
de “Sempre de Mim”. M/6.
Segunda 2
Simone & Zélia Duncan
Figueira da Foz. Centro de Artes e Espectáculos. R.
Abade Pedro, às 21h30. Tel.: 233407200. 35€.
No Grande Auditório. Apresentação
de “Amigo é Casa”. M/6.
Ver texto pág. 16
Terça 3
Simone & Zélia Duncan
Porto. Coliseu do Porto. R. Passos Manuel, 137, às
21h30. Tel.: 223394947. 18€ a 52€.
Apresentação de “Amigo é Casa”. M/6.
Rodrigo Leão
& Cinema Ensemble
Odemira. Cine-Teatro Camacho Costa. Praçeta
Sousa Prado, 4, às 21h30. Tel.: 283320880.
Quarta 4
Bunnyranch
Aveiro. Teatro Aveirense. Pç. República, às 22h00.
Tel.: 234400922. 4€.
Na Sala Estúdio. Apresentação de
“...How To Wait”.
Rodrigo Leão & Cinema
Ensemble
Évora. Teatro Garcia de Resende. Pç. Joaquim
António de Aguiar, às 21h30. Tel.: 266703112. 15€ a
25€.
Quinta 5
Dual Identity
Com Steve Lehman (saxofone),
Rudresh Mahnathappa (saxofone),
Liberty Ellman (guitarra), Matt
Brewer (contrabaixo), Damion
Reid (bateria).
Lisboa. Culturgest. Rua Arco do Cego - Edifício da
CGD, às 21h30. Tel.: 217905155. 5€.
No Pequeno Auditório. Ciclo Isto É
Jazz? M/12.
Alisa Weilerstein
e Orquestra Gulbenkian
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A, às 21h00. 6ª às 19h00.
Tel.: 217823700. 10€ a 20€.
No Grande Auditório. Obras de
Wagner e Walton.
André Fernandes Quarteto
Braga. Theatro Circo. Av. Liberdade, 697, às
22h00. Tel.: 253203800. 10€ (dia). Passe Festival:
40€.
Na Sala Principal. BragaJazz 2009.
Apresentação de “Imaginário”.
Rodrigo Leão
& Cinema Ensemble
Viseu. Teatro Viriato. Lg. Mouzinho Albuquerque.
5ª, 6ª e Sáb. às 21h30. Tel.: 232480110. 10€ a 20€
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 43

Discos
Pop
Os U2 pelos U2, um par de belos singles
Os U2 explicados
pelos
próprios
Compêndio de carreira
devidamente vitaminado por
uma louvável dose de autoconfiança.
Mário Lopes
U2
No Line On The Horizon
Island; distri. Universal Music
mmmnn
Os U2 podem viajar
até Fez, anunciar
uma mudança
sonora que
implicará transe
africano, prometer
mil surpresas e reconversões que,
chegados a este ponto (três décadas
de carreira e estatuto de maior
banda do mundo), a certeza é uma e
apenas uma: podemos tirar os U2 do
seu habitat, mas os U2 nunca
abandonam os U2.
Quer isto dizer que “No Line On
The Horizon”, 12º álbum e aquele que
põe fim ao maior hiato entre edições
da banda irlandesa, não é a surpresa
que os autores de “Boy” anunciavam.
Isso será problemático quando
confrontado com a “boutade” recente
de Bono: “Se este não for o nosso
melhor álbum, então somos
irrelevantes.” Se o amigo põe as coisas
nesses termos, vemo-nos obrigados a
assinar o seu atestado de irrelevância,
o que é injusto, tendo em conta o seu
peso no panorama musical da
actualidade, e deveras aborrecido,
considerando o mediatismo que
envolve toda e qualquer actividade
relacionada com a sua banda.
Porém, ignorando as altas
ANTON CORBIJN
expectativas depositadas pelos
próprios em “No Line On The
Horizon”, a inexistência de uma
metamorfose ao nível de “Achtung
Baby” não é propriamente uma
desilusão. O novo álbum dos U2 é um
compêndio de carreira devidamente
vitaminado por uma louvável dose de
auto-confiança.
Temos, portanto, a produção de
Brian Eno e Daniel Lanois a empregar
um tom etéreo, orgânico-digital, ao
entorpecente tema-título - os
sintetizadores, um groove
serpenteante e Bono a ceder, como
habitualmente, aos “oh oh oh” que
põem estádios em ebulição. Temos a
abordagem soul de “Moment of
surrender”, canção nocturna, canção
de solidão na metrópole, com sons
borbulhantes como pano de fundo e
um solo guitarra Floydiano a acentuar
a serenidade épica dos sete minutos
de música. Temos um riff pedido
emprestado aos Led Zeppelin a
originar a auto-sátira de “Stand up
comedy” e o muito dançante
hedonismo do primeiro single “Get on
your boots” - ligação directa a
“Achtung baby” e espaço para os U2
flirtarem com a luxúria: “I don’t want
to talk about wars between nation /
Not right now / Hey sexy boots.”
Entre os U2 em piloto automático
(conferir a festa para yuppie delirar
de “I’ll go crazy if I don’t go crazy
tonight”), os U2 da guitarra
reverberante de Edge (“Unknow
caller” tem força congregadora e é
bem vinda canção de qualidade
vintage) e os U2 enquanto pais de
Killers e afins (tudo explicado pelo
músculo rock, perfeição asséptica,
de “Breathe”), “No Line On The
Horizon” tem um pouco de tudo o
que fez a história da banda. Tem o
jogo entre o conservadorismo rock e
o experimentalismo da produção; o
tom confessional, eternamente
optimista, e o abrir as goelas ao
mundo para todo o mundo ouvir (e
replicar); o tom ambiental de
“Unforgettable Fire”, a Americana
polida de “Joshua Tree” e a tentação
épica que se tornou componente
essencial do código genético da
banda.
Resumindo: “No Line On The
Horizon” são os U2 pelos U2. Tem um
par de bons singles, como eles sempre
tiveram, e os tiques que já se tornaram
cliché. Os fãs entusiasmam-se e
acrescentam um volume à discografia,
os restantes assobiam para o lado e
seguem com a sua vidinha.
Chango Spasiuk
Pynandí
World Village, distri. Harmonia
Mundi
mmmmn
Chango
Spasiuk, um dos
nomes maiores
da música
latino-americana
O chamamé é o som
do nordeste remoto
da Argentina, na
fronteira com o
Brasil. Uma música
centrada na polka e
no acordeão, o “piano dos pobres”
trazido pelos emigrantes europeus
que assentaram na região ao longo do
século XIX. Mas é também uma
Simone e Zélia Duncan, tributo à música e à amizade
música mestiça, que foi ganhando
novas colorações no convívio com as
percussões dos escravos africanos e as
tradições musicais dos indígenas
Guaraní. Nunca deixou, porém, de ser
uma música de camponeses, ignorada
ou desqualificada pelas elites culturais
de Buenos Aires.
Chango Spasiuk assume esse legado
musical e as causas das comunidades
de que procede, como desde logo
indica o título do novo álbum: chamase
“Pynandí”, o que em Guarani
significa pés descalços e por extensão
designa os camponeses que vivem no
limiar da pobreza. Mas se a música
que produz se enraíza nessa música
rural, a sua aproximação denota uma
complexidade e requinte totalmente à
margem das suas tradições.
Salvaguardadas as devidas
distâncias, Chango Spasiuk está para o
chamamé como Astor Piazzola para o
tango. Ou seja, é o artista que marca o
ponto de viragem, que revoluciona
um som popular e marginal,
elevando-o à dignidade de música de
concerto. É essa via de
experimentação que o acordeonista
escolheu e que agora, aos 40 anos,
atinge a plena maturidade, num disco
na maior parte instrumental, que
ensaia subtilmente a aproximação à
música de câmara. Instrumentos da
tradição clássica ocidental, como o
violino e o violoncelo, inclusive um
violino barroco, cruzam-se com tamtams
africanos, docemente
tamborilados em caixas de percussão,
sustentando um acordeão que se
desdobra entre melodias populares e
improvisos virtuosos.
É uma música ao mesmo tempo
aérea e telúrica, feita de mudanças de
humores e de paisagens, ora
nostálgicas e românticas, ora efusivas
e radiosas, mas sempre elegante e
sofisticada. Tem essa aura de magia
que se reconhece, por exemplo, nos
melhores Daniel Lanois e Penguin
Cafe Orchestra, certificando Chango
Spasiuk como um dos nomes maiores
da música latino-americana da
actualidade. Luís Maio
Simone & Zélia Duncan
Amigo é Casa - Ao Vivo
CD ou DVD Biscoito Fino, distri. IPlay
mmmmn
Há duplas que não
resultam ou nada
acrescentam à
simples soma das
partes. Mas a que
juntou as cantoras
brasileiras Simone e Zélia Duncan,
num espectáculo em 2008, é das
mais felizes dos últimos anos. Menos
visceral mas também menos
superficial do que a de Seu Jorge com
Ana Carolina (um êxito), esta assenta
na exploração hábil de laços e dotes
comuns, do timbre vocal (diferente,
mas incrivelmente harmónico nos
uníssonos) à partilha do reportório,
muito bem escolhido e igualmente
bem interpretado. Do lírico “Alguém
cantando” (Caetano Veloso) ao
ragtime “Agito e uso” (Ângela Ro Ro),
passando pelo rock “Petúnia resedá”
(Gonzaga Jr.) ou pelo quase rap
The (International) Noise Conspiracy:
fingirem que tudo continua como
dantes, neste contexto, é uma desilusão
“Kitnet” (Alzira E/Arruda), Simone e
Zélia empenham-se a fundo num
espectáculo que, no CD, chega quase
aos 65 minutos (18 temas) e no DVD
ultrapassa hora e meia (26 temas, 98
minutos). Sendo a mesma gravação,
captada ao vivo, a do DVD permite
mergulhar mais profundamente na
essência do espectáculo e perceber
com pormenor as subtilezas dos
muitos duetos (até por tirar bom
partido do movimento das câmaras,
o que nem sempre sucede). Além
disso, no único extra, gravado em
casa de Simone, ouve-se a canção
que dá título ao trabalho: “Amigo é
Casa”. Um tributo à música e à
amizade. Nuno Pacheco
The (International) Noise
Conspiracy
The Cross Of My Calling
American Recordings; distri. Edel
mmmnn
Os The
(International) Noise
Conspiracy foram
das melhores coisas
que este início de
século XXI nos
ofereceu no binómio rock’n’roll /
salvação do mundo. Música que servia
o corpo, violentamente sensual, e que
se erguia sobre tradições activistas (de
esquerda, providencialmente).
Basicamente, sexo e revolução:
canções obrigando ao mui cool
menear de ancas, enquanto o
vocalista Dennis Lyxzén disparava
panfletos revolucionários portáteis.
Pois agora, depois de um confuso
“Armed Love” (álbum negligenciável
de 2004), tinham tudo a seu favor: o
capitalismo moderno em cacos,
Fukuyama, corado de vergonha, a
fingir que aquela tirada do “fim da
História” foi apenas reflexo de um
deslumbramento infantil e o mundo à
procura de acertar passo com uma
nova era. E que fazem eles? O mesmo
de sempre, com duas nuances: abrem
espaço para a revolução individual
(“The assassination of myself”) e
investem na negritude (“The Cross Of
My Calling” é todo o funk possível em
garage-rockers e tem Funkadelic e Sly
Stone por todo o lado). Isso até resulta
em coisas magníficas como o refrão
contagiante de “Hiroshima mon
amour” ou a bamboleante “I am
dynamite”, que tem congas e órgão
Hammond a trabalhar o “boogie”
como se deseja. Com as erupções
44 • Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009

¬Mau ☆Medíocre ☆☆Razoável ☆☆☆Bom ☆☆☆☆Muito Bom ☆☆☆☆☆Excelente
Internet
Estamos online. Entre em
www.ipsilon.pt. É o mesmo
suplemento, é outro desafio.
Venha construir este site
connosco.
Nelson Cascais volta a deixar
uma forte marca no jazz nacional
RENATO NUNES
ão
eléctricas à The Who, com o “Spanish
bombs” dos Clash inspirando
“Washington bullets”, com sangue
“funk” latejando à superfície, este é
um óptimo álbum de rock’n’roll. Sexo
e revolução muito de acordo com a
cartilha The (International) Noise
Conspiracy. Acontece que a banda
sueca sempre quis actuar sobre o
presente e estes tempos seriam
perfeitos para o fazerem. Fingirem
que tudo continua como dantes, neste
contexto, é uma desilusão. M.L.
Clássica
Erik Satie,
um excêntrico
genial
Alexandre Tharaud revela
os meandros inesgotáveis
da imaginação de Erik Satie
num irresistível álbum
duplo. Cristina Fernandes
Erik Satie
Avant-dernières Pensées
Alexandre Tharaud e Éric le Sage
(piano)
Juliette e Jean Delescluse (canto)
Isabelle Faust (violino), David
Guerrier (trompete)
Harmonia Mundi HMC 902017.18 (2 CD)
mmmmm
O recente projecto do pianista
Alexandre Tharaud em torno da
música de Erik Satie constitui mais
uma prova das suas infinitas
qualidades musicais
e da sua inteligência
interpretativa e
conceptual. Num
álbum duplo
irresistível oferecenos
uma antologia criteriosa da obra
do excêntrico compositor francês que
nos permite aferir as múltiplas facetas
de uma personalidade fora do comum
e cuja imagem musical corrente junto
do grande público se resume às séries
de “Gymnopédies”, às “Gnossienes” e
a alguns (poucos) trechos vocais.
O primeiro CD, dedicado ao piano
solo, inclui apenas a “Gymnopédie”
nº 1 e intercala as seis “Gnossiennes”
com outras peças de carácter
contrastante - da ligeireza brilhante da
música de café concerto expressa em
“Picadilly” e na valsa “Poudre d’Or” às
miniaturas humorísticas como os
“Véritables Préludes flasques (pour un
chien)” ou os “Embryons desséchés”,
passando pelas “Piéces Froides” ou
pelos “Avant-dernières Pensées” que
dão nome ao disco.
Em cada um destes microcosmos,
cada nota e cada acorde são
trabalhados com grande preciosismo
ao nível do peso dinâmico e da cor
sonora sem deixar
perder a fluidez do
discurso. Nas mãos
de outro
pianista as
Alexandre Tharaud oferece-nos
uma antologia criteriosa da obra do
excêntrico compositor francês
“Descriptions Automatiques”
correriam o risco de se tornarem
fragmentos sem sentido, mas com
Tharaud a sua dimensão mecânica,
quase seca, ganha uma nova luz, que
contrasta com a poesia enigmática das
“Gnossienes”. Uma curiosidade
inédita são as sete peças escritas para
a comédia lírica “Le Piège de
Méduse”, aqui tocadas pela primeira
vez em piano preparado (através da
colocação de pequenos pedaços de
papel nas cordas), de acordo com um
relato da época. Frequente-mente
negligenciada pelo ensino académico
do piano pelo facto de não exigir um
grande virtuosismo técnico, a música
de Satie apenas atinge a sua plenitude
através de uma combinação de
qualidades à primeira vista
contraditórias (despojamento, ironia,
irreverência, mistério, introspecção)
que Tharaud encarna com aguda
perspicácia.
O segundo CD (“Duos”) é também
um puro deleite, incluindo uma
empolgante parceria com Éric Le Sage
nas peças para piano a quatro mãos
(“La Belle Excentrique”, “Trois
Morceaux en forme de poire” e
“Cinéma”, um arranjo de Darius
Milhaud da música concebida para
acompanhar o filme de René Clair
que serviu de interlúdio no bailado
“Relâche”). Para as canções de
cabaret (como a famosa “Diva de
l’Empire”) foi adequadamente
escolhida uma cantora próxima
desse universo (Juliette) em vez de
uma intérprete de formação
lírica, enquanto o tenor
Jean Delescluse nos
oferece elegantes e
depuradas versões
de outras páginas
vocais,
incluindo um
contagiante
“Allons-y
Chochotte!”.
Destacamse
ainda as
participações da
violinista Isabelle Faust
(“Chooses vues a droite et
à gauche - sans lunettes”) e
do trompetista David
Guerrier em mais uma
raridade: “La Statue Retrouvée”.
Jazz
Um quinteto
em estado de
glória
Nelson Cascais regressa em
força com aquele que é já
um dos grandes discos de
jazz do ano. Paulo Barbosa
Nelson Cascais
Guruka
Toneofapithc; Dist. Dargil
mmmmm
“Guruka” prende a
atenção logo em
“1984”, uma
composição que,
como tantas outras
de Nelson Cascais,
apresenta uma força melódica de
características hínicas, enfatizada
pelo uníssono da guitarra de André
Fernandes e do sax tenor de Pedro
Moreira e acrescida do poder
rítmico do rock.
Rejuvenescido e, aparentemente,
em contínua evolução, o saxofonista
Pedro Moreira é responsável por um
solo que quebra por completo com o
que de mais previsível possa haver
no fraseio típico do jazz,
aproximando-se do omnitonalismo,
quando não mesmo de um
pantonalismo ainda mais “ao lado”
do centro tonal do tema, sem que
com isso - e aqui reside o mais difícil
- comprometa a natureza acessível e
quase dançável da composição de
Cascais. E porque depois da
tempestade se espera a bonança, o
piano eléctrico de João Paulo Esteves
da Silva volta a colocar a melodia em
primeiro plano, até uma breve
retoma do tema por todo o grupo,
do qual se ergue a guitarra de André
Fernandes para o terceiro de uma
série de inspirados solos. Após um
segundo regresso ao tema, é a vez de
brilhar Iago Fernandez, um baterista
a quem o futuro irá seguramente
piscar o olho.
A faixa-título, um uníssono
repetitivo de flauta e guitarra, de
qualidades quase infantis e
representando o minuto menos
inspirado do disco, é o contexto que
faz arrancar o majestoso contrabaixo
em solo absoluto que introduz depois
“O Centro do Mundo”, faixa que
disputa com “Zulu Baby” o lugar de
tema central do álbum. O certo é que
ambos ostentam a óbvia assinatura de
Nelson Cascais e uma impressionante
sequência de improvisações.
“Saboteur” é o original de Cascais que
mais facilmente poderia provir da
sessão da qual resultou o anterior
“Nine Stories”, sendo de especial nota
o portento do contrabaixo do líder,
em solo ou a acompanhar.
“PC” é uma sentida dedicatória de
Pedro Moreira ao pianista
madeirense Paulo Correia, um
“rubato” onde a espiritualidade
“coltraneana” se mistura com a do
bom Garbarek de há 30 anos e com o
sufoco do “Love Theme” de “Blade
Runner”. Ainda mais comovente será
“Yuliya”, uma autêntica “canção” do
baterista Mathieu Chazarenc, tomada
em trio, com especial enfoque no
contrabaixo do líder, mas com
excelentes prestações também do
pianista e do baterista.
Surpreendentes intervalos melódicos
permitem de imediato reconhecer
“Radio Days” como um tema de
André Fernandes e é exactamente
nessa sua criação que o guitarrista
nos oferece um dos seus solos mais
arrebatadores de todo o álbum.
O desfecho não poderia decorrer de
melhor forma: com uma comovente
versão de “Silence”, de Charlie Haden,
uma balada engenhosamente
sobreposta a uma agitada trama
rítmica, na qual o baterista
quadruplica o tempo, e dominada
pelo contrabaixo de um músico que
aqui volta a deixar uma forte marca
no jazz nacional.
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Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 45

DAVID BURNETT/ CONTACT PRESS IMAGES
Quando M
era apenas um tipo,
David Burnett foi fotografar o “reggae” a Kingston mas não sabia quem era B
um livro de fotos e a filha e os amigos ainda penduram posters de Bob no
Em 1976, o fotojornalista David Burnett
foi enviado pela revista “Time”
à Jamaica como correspondente. A
sua missão era escrever um artigo
sobre a música reggae da ilha. A
estrela era Bob Marley, claro. No
entanto, havia um pequeno problema.
“Tenho de confessar que
nunca tinha ouvido falar do Bob até
à semana anterior à viagem”, conta
Burnett. “Um dos investigadores com
quem eu trabalhava disse: ‘Vais fazer
uma peça sobre reggae, por isso precisamos
de algo com o Bob Marley.’
Eu respondi: ‘Quem é o Bob Marley?’”
“One love, one heart”... e sem a
mínima ideia!
Burnett ri-se. É especialmente
engraçado agora, tendo em conta que
o fotógrafo e co-fundador da agência
fotográfica Contact Press Images
acaba de publicar um livro, “Soul
Rebel: An Intimate Portrait of Bob
Marley”, com correspondente exposição
que acaba de ser inaugurada na
Govinda Gallery de Washington.
“Em 1976, a maioria das pessoas
neste país não sabia o que o reggae
era”, diz Burnett. “Sabíamos o que o
calypso [estilo de musica afro-caraibeano]
era; tínhamos, de certa forma,
crescido com ‘The Banana Boat Song/
Day-O’, de Harry Belafonte, mesmo
que não soubéssemos o que significava.
Mas era preciso procurar entre
pessoas que entendessem mesmo de
música para encontrar alguém que
soubesse realmente o que era o reggae.
Eu não saiba... Mas isto foi antes
de nos podermos sentar em frente
do computador e ir ao Google investigar
qualquer assunto.”
Burnett fotografou Marley dentro
e à volta do seu recinto na Hope Road,
em Kingston, Jamaica, e a “Time”
acabou por publicar uma única imagem
do ícone mundial emergente,
uma minúscula fotografia a preto-ebranco.
Mas o jovem fotógrafo de
Utah tinha centenas de outras fotos
de Marley, em conjunto com alguns
dos pioneiros do reagge, como Peter
Tosh, Burning Spear e Lee “Scratch”
Perry. Burnett aumentou a sua colecção
um ano mais tarde, quando a
“Rolling Stone” o enviou para a
Europa durante a tournée de Marley,
“Exodus”, para fotografar tudo,
desde os “sound checks” e jogos de
futebol aos momentos mais sossegados
e contemplativos no autocarro.
“Era interessante” conta, “porque a
carreira de Bob começava naquele
momento a levantar voo, mas ele
tinha os pés bem assentes no chão.
Tinha um bom autocarro, mas eu
tinha estado em autocarros melhores
no Iowa com políticos que apenas
conseguiam 12 votos.”
Legado
O portfólio de Burnett está cheio de
líderes mundiais e outras figuras
famosas, desde presidentes e papas
até ao Ayatollah Khomeini. (A capa
da “Time” da edição controversa que
elegia o homem do ano de 1979 era
um retrato de Khomeini tirado por
Burnett.) Mas havia algo particularmente
inesquecível em Bob Marley,
e não era só por ele ser tão simpático
e fácil de chegar.
“Era mesmo um trabalho de sonho,
porque o Bob estava feliz por estar
connosco, ele dava muito de si
quando o fotografávamos. Ele podia
olhar em todas as direcções que eu
não conseguia errar... O Bob tinha
uma expressão facial maravilhosa -
uma óptima cara e uma óptima presença.
Não era só ter bom aspecto - e
tinha. Nós é que sentíamos algo mais
do que o que víamos pelo visor da
câmara.”
Tanta sabedoria. Tanto carisma -
como se estivéssemos na presença
de João Paulo II, diz Burnett, que fotografou
o Papa. “Há poucas pessoas
que têm este ar tão carismático. O
Bob era só um tipo, mas era ‘o’
tipo.”
Marley morreu em 1981, de cancro,
aos 36 anos. Tinha um estatuto
icónico, senão messiânico, por todo
o mundo. E o tempo quase não afectou
o seu legado. “Legend”, uma
compilação da mú-sica de Marley
póstuma editada em 2002, tornou-se
um dos álbuns de reggae mais vendidos
de sempre, e o poeta-profeta continua
a ser uma das figuras mais adoradas
da música pop.
As suas canções, sobre justiça,
liberdade e amor continuam a ser
celebradas por todo o mundo. (Sim,
foi o hino de Marley, “One Love”, que
Will.I.Am, Herbie Hancock e Sheryl
Crow tocaram na Barackapalooza, a
festa que antecedeu a tomada de
posse do Presidente Obama no Lincoln
Memorial, em Washington DC.
E não, não há nada melhor que o original.)
“Soul Rebel” chega na altura em
que se comemorou o aniversário de
Marley. Faria 64 anos no dia 6 de
Fevereiro. Burnett não tinha pensado
fazer uma exposição, muito menos
um livro, até há quatro anos, quando
viu um poster de Marley na porta do
quarto de um amigo da filha numa
residência de estudantes.
“Era uma das minhas fotos!”,
exclama. “Não sei se vendemos os
direitos para ela, ou se alguém a viu
numa revista e decidiu fazer um poster.
Mas eles acharam que era fixe. E
aqui estavam estes miúdos, todos eles
nascidos depois do falecimento de
Bob Marley, a olharem para ele e para
a sua música com carinho e atracção
magnética. Era maravilhoso.”
E isto motivou Burnett a limpar o
pó ao portfólio com décadas de Marley,
cheio de centenas de fotografias
não publicadas. Menciona a colecção
ao seu amigo, Chris Murray, o proprietário
da Govinda Gallery, que
acabou por escrever a introdução do
livro. Numa entrevista, Murray descreve
as fotos como “extraordinárias”.
“As imagens são tão fantásticas
que quase tive uma reacção física a
elas. O Bob transmite muita intimidade
nestas fotos.”
Uma fotografia que não vão ver:
Bob Marley com o próprio Burnett.
“A minha filha perguntou: ‘Onde está
a tua foto com o Bob?’. Eu gostava de
ter uma. Mas não estava a pensar
nisso em 1976-1977; essa fotografia
não existe.”
Exclusivo PÚBLICO/Washington Post
“O Bob tinha uma
expressão facial
maravilhosa - uma
óptima cara e uma
óptima presença.
Não era só ter bom
aspecto - e tinha.
Nós é que sentíamos
algo mais do que o
que víamos pelo visor
da câmara” David
Burnett
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Marley
, mas já era “o” tipo
a Bob Marley. Trabalhava para a “Time”, foi em 1976. Trinta anos depois, edita
o quarto. E “One Love” serve de hino às festas por Obama. J. Freedom du Lac
“Soul Rebel: An Intimate
Portrait of Bob Marley”,
do fotógrafo David Burnett,
acaba de ser publicado
Ípsilon • Sexta-feira 27 Fevereiro 2009 • 47