Revista UnicaPhoto - Edição 06 - Maio/2016

Revista do Curso Superior de Tecnologia em Fotografia da Unicap - #6, mai 2016
www.unicap.br/unicaphoto

Na web
www.unicap.br/unicaphoto
/fotografiaunicap
Expediente
Coordenação: Renata Victor
Edição: Carolina Monteiro
Diagramação: Arline Lins
Textos: Carolina Monteiro, Dario Brito,
Germana Soares, Juliana Nascimento
Torezani, Maria Sofia de Queiroga Vieira,
Renata Victor e Suann Medeiros.
Ensaios: Grupo (Ammanda Falcão, Paulo
Vasconcelos, Priscila Silva, Nitali Angélica,
Rautemberg Nóbrega, Amanda Bezerra,
Daniel Guimarães, Alzio Dias, Alexandre
Torres, Allan Oliveira, José Maurício, Ana
Nery, Jéssyca Artico, Humberto Pereira,
Suann Medeiros e Jundy Leal) Luara Olívia,
Kesya Souza e Renata Victor.
A UnicaPhoto é uma publicação semestral do
Curso Superior de Tecnologia em Fotografia
da Universidade Católica de Pernambuco
(ISSN 2357-8793).
Fotos da capa: Keila Castro
Foto da contra-capa: Eva Feitosa
[2]

EDITORIAL
Foto: Daniel Guimarães
Renata Victor
Coordenadora do Curso Superior de
Tecnologia em Fotografia da Unicap
Na última década, a fotografia vivenciou grandes transformações, não só nas linguagens, mas na sua
produção. As experimentações nas redes sociais, no audiovisual, na arte contemporânea e o avanço
tecnológico dos artefatos fotográficos levaram a fotografia a patamares jamais imaginados. Dessa forma,
necessitamos compreender os novos conceitos e os prováveis caminhos da fotografia.
O curso Superior de Tecnologia em Fotografia da Unicap, com apenas cinco anos, obteve nota
máxima na avaliação do MEC, em novembro de 2015, e também passou a ser considerado pelo site
ENEM VIRTUAL o curso líder no Ranking das Melhores Faculdades de Fotografia do Brasil. Apresentando
dessa forma, até parece que a trajetória foi rápida e simples. Não foi o caso. Trabalhamos muito,
acertamos e erramos em vários momentos, mas nunca esquecemos que o nosso maior bem é o aluno
e a fotografia. Assim, buscamos sempre manter o curso jovem e atuante. O projeto pedagógico passou
por duas atualizações, o corpo docente é formado por professores com experiências profissional e
acadêmica. O curso promove diversas atividades interdisciplinares e transdisciplinares e tem como
missão a excelência acadêmica e humanista. Sabemos que nada é perfeito e eterno, pois trabalhamos
com gente, e cada turma se torna um novo desafio.
Desafio. É assim que vemos o curso de especialização “As Narrativas Contemporânea da Fotografia e
do Audiovisual”, que tem como princípio a reflexão sobre as novas perspectivas de uso da fotografia. O
curso começou no dia 25 de maio e contará com um corpo docente de excelência. A Professora Doutora
Simonetta Persichetti abriu o ciclo dos módulos, com a disciplina “Fotografia: Crítica e Curadoria”, e é
com ela a entrevista dessa 6ª edição. Trazemos também quatro ensaios, matérias sobre audiodescrição e
sobre a exposição de formatura da última turma, com o tema Manguebeat, uma homenagem ao falecido
artista Chico Science, além de uma retrospectiva do momento da divulgação da nota de avaliação do
MEC e muito mais.
Boa leitura!
[3]

ACONTECEU
ENTREVISTA
ACERVO UNICAP
FOTOGRAFIA DA UNICAP É NOTA
MÁXIMA NO MEC
SOBRE FOTOGRAFAR O SUBLIME
AUDIODESCRIÇÃO: UMA ARTE
QUE INCLUI!
FILMES FEITOS COM O CELULAR
CHEGAM AOS CINEMAS
[4]

100 ANOS DO VALE DE YOSEMITE
PELAS LENTES DE ANSEL ADAMS
RECIFE: RECORTES CONCRETOS
ANÁLISE DE IMAGEM
DIR. AUTORAL E DIR. DE IMAGEM
O MAR VISTO DE CIMA
DA LAMA PARA O MUNDO: CHICO
SCIENCE E O MOVIMENTO MANGUEBEAT
A MORTE AMOROSA
DICAS
[5]

[6]A CO NTE C EU

[7]

Entrevista
S i m o n e t t a P e r s i c h e t t i
A Professora Doutora, jornalista, pesquisadora e crítica de Fotografia, Simonetta Persichetti
é dona de um currículo vasto e bem-conceituado no universo da fotografia brasileira. Ela
vai ministrar o módulo Fotografia: Crítica e Curadoria da especialização As Narrativas
Contemporâneas da Fotografia e do Audiovisual oferecida pela primeira vez este ano na
Unicap. Nesta entrevista ela fala sobre a sua relação com a fotografia pernambucana e faz um
balanço do mercado da fotografia artística no Brasil e no mundo.
Foto: Paulo Villar
[8]

UnicaPhoto: Os cursos de graduação em
fotografia são bem jovens no Brasil. No entanto,
hoje percebemos um número considerável
de instituições ofertando graduações e pósgraduações
na área da imagem. Como você
analisa esse atual cenário? Tem alguma previsão
para o futuro?
Simonetta: Sou bastante otimista e acho que a
partir do momento em que a fotografia entrou
para a academia e passou a ser discutida
e reconhecida de forma mais ampla como
uma linguagem a ser estudada, decodificada
e entendida passamos a ter um olhar mais
crítico não só dos acadêmicos, mas também
do público em geral. Com certeza, a fotografia
crescerá ainda mais.
UnicaPhoto: É sabido que você tem uma
ligação com a fotografia pernambucana. Como
você avalia a produção fotográfica artística em
Pernambuco?
Simonetta: Graças ao Fernando Neves e
Luciana Carvalho que me convidaram para
ser curadora da Arte Plural em 2009, tive a
oportunidade de ver a consistência e a seriedade
da produção pernambucana. Fotógrafos como
Helia Scheppa, Ricardo Labastier, Yeda Bezerra
Mello, Roberta Guimarães, Teresa Maia, e o
saudoso Alexandre Severo, Gustavo Bettini, Lia
Lubambo, Gilvan Barreto, enfim uma infinidade
de nomes (fica até chato deixar de citar alguns)
que desenvolvem trabalhos preciosos em
conexão com uma linguagem contemporânea
de micro-histórias, micro universos que tem sido
aplaudidos no Brasil e no exterior e que, ainda
bem, nos tiram dos já conhecidos eixos Rio-São
Paulo. A fotografia pernambucana é tão rica
quanto a própria cultura do estado.
UnicaPhoto: O que define uma fotografia
artística?
Simonetta: Essa é uma pergunta que vale um
milhão de dólares, ou euros, vocês decidem!
É muito difícil responder o que é arte e o que
não é. A própria filosofia ainda não discutiu o
que é arte. Acho que se o século XIX registrou
o mundo e o século XX o interpretou, agora
no século XXI somos livres para contar nossas
histórias e aí alargamos o conceito de poiésis, de
criação e de articidade de uma fotografia.
UnicaPhoto: Como você vê o mercado da
fotografia artística no Brasil e no mundo?
Simonetta: Ainda acho que muito se fala, mas
pouco se realiza. No sentido de que ainda não
vejo um mercado institucionalizado, criado.
Isto ainda está para acontecer. Precisamos
ainda entender quem compra fotografia, quem
são os colecionadores, e como estabelecer
preços. Esta é uma questão de mercado que
eu não gosto e nem quero entrar. Eu quero ver
boas e consistentes fotografias e não trabalhos
que somente atendem a um mercado e criam
receitas vendáveis.
UnicaPhoto: Quais os fotógrafos que você
destaca no mercado da fotografia artística no
Brasil e no mundo?
Simonetta: Esta é uma escolha de Sofia, prefiro
não responder!
UnicaPhoto: Algum fotógrafo da nova geração
lhe impressiona?
Simonetta: Vale a mesma resposta acima. Sim,
alguns me impressionam, mas prefiro ainda
esperar...
UnicaPhoto: A tecnologia apresentada pelos
equipamentos fotográficos digitais aproximou os
fotógrafos para a produção audiovisual. Qual é
sua avaliação sobre tal situação?
Simonetta: Eu acredito, mas não tenho
nenhuma certeza, de que a fotografia foi a
expressão do século XX e que entrou no século
XXI cheia de poderes, mas acho que o tempo vai
nos aproximar cada vez mais do vídeo. Talvez
as fotografias se tornem frames de vídeos, mas
acho que essa vai ser a tendência: o vídeo, sem
acabar com a foto, mas será preponderante.
UnicaPhoto: Qual o conselho que você daria
para quem está começando na fotografia?
Simonetta: Com dizia o meu querido e saudoso
amigo Thomaz Farkas: “para você que está
começando agora, fotografe, fotografe muito”.
[9]

ACERVO
UNICAP
O sincretismo religioso é uma das
características mais marcantes do Brasil
de hoje, cuja identidade e cultura são
fortemente influenciadas pelas tradições
de índios (sua população nativa); brancos
colonizadores e negros trazidos da África
a partir do século 16 para trabalharem
como escravos nas plantações de café e
cana-de-açúcar até pelo menos o ano de
1888, quando toda forma de escravidão
foi abolida no país. No início da colonização,
no entanto, junto com as obrigações
do trabalho forçado, índios e negros também
eram convertidos às tradições católicas
portuguesas em rituais e cultos que
permanecem intactos até os dias atuais.
É o caso da devoção a Santa Quitéria,
jovem portuguesa venerada como
mártir desde o século VIII em Portugal e
cujo culto foi trazido pelos portugueses
para o Nordeste do Brasil. Um vilarejo
nordestino chamado Santa Quitéria das
Frexeiras, localizado a 15km da cidade de
São João, no Agreste de Pernambuco, foi
nomeado em homenagem à santa desde
o século 17 e até hoje recebe milhares
de romeiros durante o mês de setembro
para agradecer pedidos alcançados e
renovar a fé na santa a quem se atribuem
milagres e graças. Os primeiros fiéis eram
índios e escravos convertidos, mas a
crença se espalhou pela região de forma
indiscriminada, atingindo várias etnias e
classes sociais.
[10]

fotógrafa: inês campelo
câmera: nikon 6006 (analógica)
filme: preto e branco
(t-max 3.200, kodak)
ano: 2000
O vilarejo, que vive da agricultura
de subsistência e da movimentação do
comércio em torno das romarias, tem
pouco mais de duas ruas e o culto à santa
é realizado em uma casa pertencente
a uma família do local há cerca de 300
anos, sem a participação oficial da Igreja
Católica. O culto acontece em torno
de uma imagem da Santa de 44 cm de
altura, trazida pela família portuguesa
“Corrêa da Rocha” para o local em 1695.
A casa foi transformada em santuário no
século 18, segundo os registros familiares.
Para agradecer as graças alcançadas,
os fiéis trazem ex-votos (esculturas de
madeira, gesso ou bronze) que representam
os pedidos atendidos na forma de
cabeças, pés, braços e pernas (locais das
enfermidades curadas) ou casas, carro e
animais (pedidos alcançados).
Conheci a festa de Santa Quitéria de
Frexeiras em 2000, quando fiz um ensaio
fotográfico documental orientado pela
professora Renata Victor, como projeto
de conclusão de curso de jornalismo na
Universidade Católica de Pernambuco.
Estive no lugarejo na semana entre 31 de
agosto a sete de setembro. O local me
impressionou não apenas pela riqueza
imagética, mas pela força da fé e da devoção
das famílias e das pessoas que iam
até o santuário para rezar e agradecer.
[11]

Fotografia da
Unicap é nota
máxima no MEC
O Curso de Fotografia da Universidade
Católica de Pernambuco recebeu nota 5
na avaliação do MEC. Um reconhecimento
de excelência e qualidade
Texto de Suann Medeiros
Fotos: Selftime e Luara Olívia
O Curso Superior Tecnológico em Fotografia
da Universidade Católica de Pernambuco
(Unicap), no Recife, conquistou nota máxima
na avaliação do Ministério da Educação (MEC),
principal indicador de qualidade do ensino
superior no país. A nota 5 é a maior pontuação
que um curso de ensino superior pode receber
no conceito do Governo Federal. O resultado
comprova que o curso atende aos critérios de
formação de profissionais, tanto no que se refere
à dimensão institucional quanto ao corpo docente
e projeto pedagógico. “Penso que 2015
foi um ano feliz para o curso de Fotografia porque
em apenas cinco anos de existência, teve
dois prêmios no Intercom Regional e também
[12]

a avaliação máxima do MEC. Ou seja, o curso
mostrou a que veio, fortaleceu-se e adquiriu
reconhecimento dentro e fora da instituição”,
comenta a coordenadora Renata Victor.
O curso, que teve início em fevereiro de
2010, busca aliar formação teórica à vivência
prática das atividades fotográficas, preservando
as identidades nordestina e nacional, sem
esquecer do contexto atual do mundo globalizado.
Segundo a Pró-reitora Acadêmica e Professora
da Unicap, Aline Grego, “é extremamente
positiva a nota máxima do MEC, pois mostra
que as opções por cursos superiores de caráter
tecnológicos, que têm uma duração menor do
que as demais graduações, são viáveis e que
existe demanda na cidade para eles, sobretudo
como um upgrade para as demais áreas, como
podemos constatar que existem alunos que já
trabalham com fotografia, mas também outros
que vêm de graduações totalmente distintas da
área da comunicação”.
O entusiasmo é compartilhado pelos alunos.
“Me sinto extremamente feliz e orgulhoso
de fazer parte de um curso mantido com tanto
zelo e dedicação. O reconhecimento do MEC é
apenas uma consequência de uma construção
sólida, que mescla professores super qualificados,
competentes e dedicados, uma estrutura
acadêmica adequada ao mercado, e claro, o
incansável carinho e comprometimento da co-
[13]

ordenadora Renata Victor. É uma alegria fazer
parte disso tudo, sabendo que o curso não nos
impõe limites, pelo contrário, nos oferece um
ambiente que abre portas e nos permite alçar
voos, seja no mundo acadêmico, seja na formação
profissional”, contou o ex-aluno Paulo
Souza.
Para a professora e coordenadora Geral
de Graduação da Unicap, Verônica Brayner, o
conceito 5 obtido pelo curso de Fotografia veio
coroar uma breve trajetória. “Não foi uma surpresa.
Devido ao zelo que o curso veio sendo
construído desde a sua origem e concepção.
Essa nota representa a capacidade da universidade
de ter um curso tradicional como Direito,
que tem 55 anos de existência, que tira 5 na
nota máxima do MEC e a graduação de Fotografia,
com apenas 5 anos. Para um curso
superior em tecnologia, insisto, é um ganho
enorme porque eles são avaliados da mesma
forma que um bacharelado ou uma licenciatura
de cinco anos”, comenta Verônica.
Atualmente, o curso é noturno e tem duração
de dois anos. São oferecidas 40 vagas por ano.
A Graduação em Fotografia da Unicap é considerada
a melhor universidade privada de fotografia
no Brasil - segundo o site Enem Virtual.
Seu corpo docente é formado por nove professores,
entre especialistas, mestres e doutores.
Além das atividades em sala de aula, o curso
ainda oferece ao graduando importantes atividades
de extensão como o Prêmio Alcir Lacerda,
o Concurso Fotográfico de Carnaval, a Revista
UnicaPhoto, Exposições Interdisciplinares
a cada finalização dos semestres, o FotoVídeo,
caminhadas fotográficas e aulas de campo visitando
algumas áreas do litoral pernambucano
e do agreste. Entre os parceiros estão Canon,
IPHAN, Museu da Cidade do Recife, a gráfica
FacForm, Sebrae, Livraria Cultura, Hotel Dorisol,
Galeria Arte Plural e o Ateliê de impressão
ADI, Liceu, os festivais Stop Motion e Ver/Ouvindo
e o Projeto Criança Esperança, patrocinado
pela Universidade Católica de Pernambuco.
[14]

Professoras Veronica Brayner, Aline Grego, Renata Victor, Conceição Bizerra, e o reitor da Unicap,
padre Pedro Rubens Ferreira, comemoram o resultado.
[15]

Ensaios
SOBRE FOTOGRAFAR
O SUBLIME
Texto e fotos de Kezya Souza
Presenciar o sublime é uma verdadeira dádiva.
Vejo a mulher parindo como uma deusa. E o
que mais seria um ser capaz de gerar um novo
ser em seu ventre, capaz de gestá-lo por meses,
pari-lo e ainda saciar a sua fome com o alimento
que ela mesma produz? O parto é um evento
sagrado e transformador para todos os que o
presencia.
Ser escolhida para estar no seio das famílias,
neste momento tão importante em suas vidas, me
deixa infinitamente feliz. Gratidão plena! É preciso
estar sempre atenta para não deixar escapar
cenas importantes e, ao mesmo tempo, fazer-se
invisível. O aconchego do lar e seus detalhes, a
expectativa amorosa dos familiares presentes, a
participação do pai do bebê no processo, o envolvimento
e forte profissionalismo das parteiras, o
carinho e apoio psicológico das doulas, a expectativa
do irmão que aguarda o caçula, o cãozinho
que, mesmo sem entender o que está acontecendo
em seu lar, de longe tudo observa com candura
e apreensão, o momento do expulsivo.
Ah, o momento do expulsivo! O que dizer
dele? Ver a natureza, ali, agindo para perpetuar
uma espécie é fantástico. Nesse momento é preciso
respirar fundo, brigar com as lágrimas para
que elas não embacem o visor da câmera, firmar
as mãos e pernas trêmulas e dedo atento no botão
do obturador para não perder uma linda cena:
o bebê nascendo, a emoção dos pais ao pegá-lo
nos braços pela primeira vez, o pequenino buscando
o olhar da mãe poucos minutos após seu
nascimento, todos aos prantos de tanta emoção,
o primeiro choro, a primeira mamada.
[16]

[17]

Ensaios
[18]

[19]

Ensaios
Tecnicamente falando, o cenário é bastante
hostil para fotografar, pois geralmente,
o ambiente está com baixa luminosidade e
a temperatura ambiente oscilando entre de
36 e 38ºC, pois a água da banheira deve
estar sempre quentinha. Algumas vezes,
a falta de espaço para a movimentação
em busca de pontos de vista diferentes,
também é um fator que dificulta um pouco
o trabalho. Então, ficar embaixo de uma
mesa, subir numa cama, cadeira, um sofá
(tudo com permissão, claro!) são algumas
das alternativas que utilizo para me posicionar.
Mas ressalto que nenhuma dessas
dificuldades diminui minha alegria por estar
ali, muito pelo contrário, só alimentam o
desejo de vencer os desafios. Captar todas
as emoções envolvidas durante o processo
de nascimento de um bebê, que nasce de
forma instintiva, está sendo uma oportunidade
para compreender, aceitar, agradecer
pela vida e crer em um mundo melhor para
a humanidade. É doce a minha missão!
[20]

[21]

Audiodescrição:
uma arte que inclui!
Texto de Suann Medeiros
A audiodescrição permite que pessoas com
deficiência visual tenham as mesmas sensações
e entendimento de todos. Seja na arte, na
educação, na saúde, ou em quaisquer outras
áreas e situações.
“Para mim é uma forma de expressão artística
no sentido de mediação, a audiodescrição
media uma obra, um evento, uma imagem para
uma pessoa com deficiência visual. Na arte e
na cultura, ela [a audiodescrição] também é
uma forma de arte, de fazer arte e de proporcionar
essa tradução”, assim Liliana Tavares,
audiodescritora apaixonada, trata o seu ofício.
Formada em Psicologia, ela conta que a partir
da sua primeira experiência com audiodescrição,
por volta de 2010, passou a dedicar-se
totalmente à técnica, fazendo dela a sua profissão.
Hoje, Liliana é doutoranda em Comunicação,
pela UFPE, estudando a audiodescrição
na fotografia e no cinema. Ela também é audiodescritora
e produtora cultural.
A audiodescrição é a técnica de traduzir para
as pessoas cegas ou com baixa visão, a imagem
observada, de forma clara, direta e precisa.
Nas artes, por exemplo, o audiodescritor
deve traduzir aquilo que está além dos diálogos
(quando se trata de teatro ou cinema), descrever
o figurino, o cenário e as reações, para que
o deficiente visual possa também ser envolvido
pelas sensações da manifestação artística em
questão. Mas Liliana lembra que não é apenas
nas artes que a técnica se faz presente. Na
educação, na saúde e até em algumas questões
jurídicas, faz-se de suma importância a
presença do audiodescritor. Vale frisar que
audiodescrição é uma atividade profissional, repleta
de técnicas e exige estudo e capacitação.
Liliana explica que “existem várias modalidades
da audiodescrição, ela pode ser ao vivo ou
gravada e, pode ser exibida de várias formas:
aberta para todos ouvirem, fechadas com fones
de ouvidos, e também pode ser escrita em
braile”. E emenda: “o Brasil tem muitos bons
profissionais na audiodescrição hoje em dia em
São Paulo, Rio Grande do Sul, Rio de Janeiro
e aqui em Pernambuco. Esses são os Estados
que mais sobressaem e os cursos são restritos”.
O professor Francisco Lima, da UFPE, é
um grande formador, bem como Lívia Motta
(SP) coordenadora do primeiro curso de pós-
-graduação em audiodescrição na UFJF. Ela
conta que Pernambuco é um dos estados que
mais produz audiodescrição no Brasil e que a
maioria das pessoas com alguma deficiência visual
– que pode ser total ou parcial – já conhece
e entende o que é audiodescrição. Um dos
motivos apontados pela audiodescritora, como
razão deste pioneirismo, surgiu da exigência da
audiodescrição em editais de cultura no Estado,
principalmente os editais do Funcultura, que
pontuam os projetos que oferecem acessibilidade
comunicacional.
Dentre as modalidades em que a audiodescrição
se encontra presente, Liliana destaca a
[22]

Informações sobre a imagem
Fotógrafo: Graciliano Paes
Audiodescrição: com acessibilidade Comunicacional
UM MENINO É FOTOGRAFADO EM SALTO SOBRE UM GRAMADO. Ele está de perfil braços abertos e
joelhos flexionados. Tem cabelos escuros e lisos e a pele morena. Usa camiseta verde de malha e bermuda
jeans. A imagem está um pouco borrada devido ao movimento.
fotografia, área estudada por ela, que considera
um desafio, por precisar descrever e passar a
emoção e profundidade de tudo o que a fotografia
fala, mas tomando cuidados para não tornar
cansativo. Ela explica que a narração deve
ser feita “inicialmente pela hiperonímia, que
significa a gente dar, em uma ou duas frases, a
noção do todo”. Isso levando em consideração
as técnicas de leitura de imagens que é feita da
esquerda para direita, de cima para baixo, e do
primeiro plano para o fundo, etc., e completa,
“dependendo da fotografia a gente fala o que
vê. Leva-se em consideração o ‘punctum’ e a
‘aura’ - citando Walter Benjamin, primeiro, a
gente estuda o que a imagem toca, fala e diz,
depois disso vai detalhar a imagem, transmitindo
a sensação, o sentimento, o questionamento
que a imagem está mostrando”.
O lado de quem sente
A deficiente visual Michele Alheiros, 39, que
é pedagoga e professora de braile, lembra do
seu primeiro contato com a audiodescrição, que
foi aos 36 anos, em uma exposição fotográfica,
na Torre Malakof, no Bairro do Recife. “Gostei
do empoderamento, de ter acesso à fotografia
daquela maneira não amadora. Porque,
se fosse uma exposição sem audiodescrição,
não faria efeito em mim como faz em um uma
pessoa que enxerga. Eu me senti útil, me senti
igual a todos”.
Michele fala que cada vez mais, os eventos
culturais em Recife, estão trazendo a audiodescrição
ou as informações em braile, destacando
a Fenearte, exposições nos museus e galerias
e festivais de cinema, entre outros. E admite
que gosta bem mais quando tem audiodescrição,
“a gente sente mais a exposição”.
[23]

Filmes feitos
com o celular
chegam aos
cinemas
Texto de Carolina Monteiro
“O longa-metragem norte-americano
e independente “Tangerine” [...] foi
filmado unicamente com a câmera traseira
de iPhones, foi exibido no Festival de
Sundance e chegou a salas comerciais do
mundo todo, inclusive do Brasil.”
[24]

Fotografar com o smartphone é tão comum
quanto usar o aparelho para falar com os amigos,
interagir no Whatsapp e resolver problemas.
Percebendo o uso cada vez mais frequente do
telefone como câmera fotográfica os fabricantes
têm se esforçado a cada novo lançamento para incrementar
os recursos e a qualidade das câmeras
e programadores se desdobram em novos aplicativos
que suprem eventuais limitações do aparelho
permitindo editar as imagens com qualidade
“quase” profissional. Na verdade, a qualidade dos
equipamentos de captação dos telefones celulares
atingiu um nível técnico tão razoável que a onda
agora parece ser fazer filmes com ele. Mas não
aqueles filmes caseiros de momentos em família,
filmes mesmo, curtas e longas metragens de ficção,
alguns deles já reconhecidos e premiados em
festivais internacionais.
O longa-metragem norte-americano e independente
“Tangerine”, por exemplo, foi filmado
unicamente com a câmera traseira de iPhones, foi
exibido no Festival de Sundance e chegou a salas
comerciais do mundo todo, inclusive do Brasil.
A história de duas prostitutas transsexuais que
procuram por um rapaz que traiu uma delas numa
véspera de Natal em Hollywood foi filmada por
Sean Baker, que usou modelos 5s com alguns
assessórios como steadycam e um protótipo de
adaptador que se conecta à lente para permitir
filmar em widescreem e dar às imagens um estilo
mais “cinematográfico”, além de recursos do aplicativo
Filmic Pro e retoques de pós-produção para
aprimorar as cores e dar ao longa um visual mais
saturado e cheios de grãos que simulam as películas
hollywoodianas. Técnica e criatividade de
sobra com um orçamento de 120 mil dólares, nada
que se compare aos custos dos demais filmes que
dividiram as salas de cinema com ele.
Tangerine fez barulho depois de sua exibição
em Sundance no ano passado, mas ele certamente
não foi o primeiro. O pioneirismo é atribuído aos
coreanos Chan-kyong Park e Chan-wook Park que
lançaram, ainda em 2011, o curta Paranmanjang,
filmado com um iPhone 4. Também vem da Coreia
o primeiro longa neste formato, uma comédia
romântica chamada Cachorros e Gatos, sobre o
romance entre uma artista depressiva que adota
um cachorro e um desenhista que encontra um
gato amarrado a um banco. O filme lançado em
2013 não chegou a fazer a carreira internacional
de Tangerine mas é apontado como pioneiro em
longas-metragens feitos com celular.
Também em 2014, o cineasta espanhol Pablo
Lacurén usou o iPhone para contar o pesadelo de
amigos presos em uma casa durante uma festa
em Barcelona. O terror recebeu elogios da critica
internacional e se vale do clichê de filmagens
encontradas, estilo A Bruxa de Blair, para assustar
garota que adota um , apesar não filmou tudo
apenas apontando o celular na direção dos atores.
Além de lentes especiais e o aplicativo Filmic Pro
para controles técnicos especiais, ele adquiriu o
protótipo de um adaptador que se conecta à lente
do celular e dá ao conteúdo filmado um estilo
mais cinematográfico. Na pós-produção, as cores
foram aprimoradas e o visual fica bastante saturado
e cheio de grãos, quase uma caricatura de
Hollywood. Ainda assim, o equipamento “base” é o
smartphone da Apple.
Do Brasil, o principal representante até agora é
Charlotte SP, dirigido pelo paulistano Frank Mora e
capturado e editado com iPhones modelos 4 e 5.
O longa de ficção conta a história de uma modelo
brasileira que retorna ao país após carreira internacional
e tenta reencontrar os amigos. O filme,
produzido no ano passado, tenta agora emplacar
participações em festivais de cinema e não tem
previsão de estreia nos circuitos nacionais.
Filme Tangerine
Filme Charlotte
[25]

100 Anos
do Vale de
Yosemite pelas
lentes de Ansel
Adams
Texto de Julianna Nascimento Torezani
Professora do Curso de Fotografia da Unicap.
Doutorando em Comunicação pela UFPE.
Mestre em Cultura e Turismo e Bacharel em
Comunicação Social pela UESC.
Email: juliannatorezani@yahoo.com.br
No início do século XX um grupo de fotógrafos
americanos defendeu fotografias em preto
e branco, com texturas e detalhes diferenciados.
Os temas escolhidos eram o cotidiano e o
ambiente onde viviam e as câmeras de grande
formato davam clareza e as gradações de tom
de forma espetacular. Esta nova tendência era
considerada puramente fotográfica, pois deixava
de lado a estética pictorialista, buscava
a partir deste momento maior nitidez, exame
rigoroso dos objetos e da natureza, tendo como
marco histórico o movimento Photo-Secession
criado por Alfred Stieglitz nos Estados Unidos.
Na Costa Oeste, o defensor da fotografia
direta era Ansel Easton Adams, que nasceu
no inverno de 1902, em 20 de fevereiro em
San Francisco, Estados Unidos. Inicialmente
dedicou-se a música como pianista, aprendeu
a tocar sozinho e praticava seis horas por dia,
mas voltou-se à fotografia quando publicou um
álbum onde procurava imitar a pintura impressionista,
com efeitos suaves, obtidos no laboratório.
Começou a fotografar o Vale de Yosemite em
1916, além de colecionar fotografias alheias.
Conheceu o vale numa viagem com os pais em
1o de junho de 1916 durante dois dias de trem
e de ônibus, o que o fez escrever mais tarde:
“O esplendor de Yosemite explodiu sobre nós.
[...] Havia luz em todo lugar. Uma nova era se
iniciava para mim”. Quando chegou ao vale seu
pai lhe presenteou com uma Kodak no 1 Box
Brownie, depois que aprendeu como a câmera
funcionava, correu pelo vale fotografando
tudo o que via. Depois dessa viagem em todo
verão voltava à Yosemite. Ao explorar a beleza
extraordinária do lugar, cada vez que alcançava
um ponto mais alto, melhor ficavam suas
fotos. Aprendeu sozinho a revelar seus negativos
e, assim, começou a experimentar novas
abordagens de exposição. Ao observar que as
imagens não representavam exatamente o que
estava visualizando resolveu utilizar um filtro
vermelho Wratten A, que tinha como resultado
escurecer o céu para fazer contraste com as
rochas e as nuvens.
Em 1919, entrou para o Sierra Club, onde
teve suas imagens publicadas em boletim e sua
primeira exposição, em 1934 foi eleito diretor
do clube. Adams trabalhava sem parar, sem
férias, sete dias por semana, todos os dias do
ano, mesmo aos 80 anos.
Em 1930, abandonou a música pela fotografia
e, dois anos mais tarde, participou na criação
do grupo f/64, com Edward Weston, Willard
Van Dyke e Imogen Cunningham. O grupo
tinha por propósito executar imagens de grande
nitidez mediante o diafragma mais reduzido
[26]

Yosemite National Park
(1916)
da objetiva, máxima profundidade de campo
e uso de papéis fotográficos com baixo brilho.
Foi influenciado pelo fotógrafo americano Paul
Strand, pelo impacto que as imagens dele causaram.
Ao tratar da obra de Adams a historiadora
Marie-Loup Sougez (2001, p. 248) comenta
que “sobretudo as suas paisagens californianas
são composições muito depuradas, em que
dominam as linhas horizontais e verticais, cujo
rigor e harmonia parecem diretamente herdados
da sua formação musical”.
Em janeiro de 1936, foi à Washington para
solicitar que o Kings Canyon, a sudeste de Yosemite,
se transformasse em parque nacional,
feito que ocorreu quando o presidente Franklin
Roosevelt criou a lei em 1940. Neste mesmo
período foi em Nova York mostrar a Alfred Stiglitz
seu trabalho que lhe convidou a fazer uma
exposição individual em sua galeria, American
Place, a mais importante para os fotógrafos da
época.
Criou o método para controle de exposição
e revelação chamado Sistema de Zonas. Consiste
na forma para determinar com precisão o
tom e a forma de cada parte da cena fotografada
na cópia final, ou seja, o resultado final
da ampliação fotográfica. Estudando todas as
etapas do processamento fotográfico com rigor,
sobretudo o uso dos químicos.
A imagem Nascer da lua, Henandez, Novo
México foi feita em 1941 quando Adams vinha
dirigindo na estrada rumo a Santa Fé sob
a lua nascente quando a aldeia e as cruzes
do cemitério chamaram sua atenção, agindo
rápido, parou freneticamente e instalou sua
câmera e mediu a exposição pelo brilho da lua,
fez apenas uma foto e é considerada uma das
imagens mais marcantes de sua carreira e uma
das mais famosas imagens do século XX.
Em 1940, ajudou a fundar o primeiro acervo
museológico de fotografias no mundo, o do
Museum of Modern Art de Nova York (MOMA).
Começou a produzir murais para o governo dos
Estados Unidos em 1941 para o Ministério do
Interior, eram imagens épicas, imensas e de
grande dificuldade técnica. Em 1945, Adams
Monolith, a Face of Half Dome
(1926)
[27]

North Palisade from Windy Point
(1936)
Nascer da lua, Henandez, Novo México
(1941)
Clouds above Golden Canyon, Death
Valley, California (1946)
El Capitan, Sunrise
(1956)
cria um departamento de fotografia artística na
California School of Fine Arts. Na Escola de
Belas Artes de San Francisco criou o primeiro
curso universitário de fotografia. Abriu uma
galeria em San Francisco para promoção da
fotografia artística. Dedicou assim toda sua vida
a fotografia, produzindo imagens, organizando
exposições e ministrando aulas.
O livro Making a Photograph (1935) foi o
primeiro guia de fotografia que trata tanto da
técnica quanto da estética. Dedicado à conservação
da natureza desde jovem, muitos de
seus livros são apelos em favor da proteção
ambiental, como My Camera in the National
Parks (1950), This is the American Earth (1960)
e Photographs of the Southwest (1976). Adams
apresentou os elementos de sua técnica fotográfica
nos livros A Câmera, O Negativo, A
Cópia, utilizados em cursos de fotografia em
vários lugares do mundo.
[28]

“Moon and Half Dome”. Yosemite
National Park, California (1960)
Em 1979, foi homenageado com uma retrospectiva
de seu trabalho no MOMA. Em 1980,
em uma cerimônia de gala na Casa Branca ele
ganhou a Medalha Presidencial da Liberdade, a
mais alta condecoração civil.
Ninguém melhor do que Adams demonstrou
através de suas fotografias a beleza da Serra
Nevada, em Yosemite, exaltando a natureza
a cada fotograma, fazendo daquele lugar seu
lar. Nas palavras de Adams a descrição de seu
trabalho: “Eu realmente não consigo verbalizar
o significado das fotografias. Alguns amigos
meus conseguem de uma forma mística, mas
eu... Eu prefiro dizer que, quando sinto uma
grande emoção, eu faço uma fotografia equivalente
ao que vi e senti”. Adams morreu em
Carmel, na Califórnia, em 22 de abril de 1984.
Seis meses após sua morte o congresso americano
batizou a área a sudeste de Yosemite de
Ansel Adams Wilderness. Em 1985, um pico
no coração de Serra Nevada foi oficialmente
chamado de Monte Ansel Adams.
El Capitan, Winter Sunrise, Yosemite
(1968/1976)
Filme: Ansel Adams: um documentário.
Direção de Ric Burnd, 2002.
Referências:
HACKING, Juliet (editora geral). Tudo sobre fotografia. Tradução
de Fabiano Morais, Fernanda Abreu e Ivo Korytowski.
Rio de Janeiro: Sextante, 2012.
SOUGEZ, Marie-Loup. História da fotografia. Tradução de
Lourenço Pereira. Lisboa: Dinalivro, 2001.
[29]

Ensaios
Recife
recortes concretos
Texto e fotos de
Luara Olívia
Da janela do ônibus ou andando pelas ruas,
percebo os prédios da cidade. Janelas me
chamam atenção, como um elemento que se
repete e cria um padrão visual, são de certa
forma únicas. Por trás delas existem histórias
singulares. Alguns daqueles prédios são residências,
outros escritórios, empresas, existem
os que são os dois ou os que já não servem de
habitação, são apenas espaços esquecidos.
[30]

Recife tem dessas coisas. De espaços esquecidos,
prédios, praças, espaços históricos
abandonados. A capital cresce desordenada e
está à beira de transformações na arquitetura
“velha” para a construção de um suposto Novo
Recife.
Se para alguém, esses prédios passam despercebidos,
em ‘’Recife: Recortes Concretos”
eles são registrados de uma forma diferente.
O ensaio busca cortes de prédios do centro
da cidade do Recife, na Avenida Guararapes,
na Conde da Boa Vista e redondezas. As fotografias
valorizam a geometria dos prédios,
buscam as linhas que os tornam ligados entre
si. Sua textura única, suas cores, suas particularidades.
Seja sua pintura degastada, seja seu
revestimento metálico moderno. São
todos concretos.
[31]

Ensaios
[32]

[33]

Analise de
Imagem
Francesca Woodman e
seu fluxo temporal
Análise feita pela aluna Maria Sofia de Queiroga
Vieira do curso de Fotografia da Universidade
Católica de Pernambuco (Unicap)
dentro das atividades da disciplina Linguagem
Fotográfica I, ministrada no semestre letivo de
2016.1 pelo professor Leonardo Ariel.
[34]

Introdução
Francesca Woodman foi uma fotógrafa estadunidense,
nascida em 1958. Quando recebeu
uma câmera fotográfica do seu pai, aos 13
anos de idade, começou o seu acervo, o qual
veio a ser parado nove anos depois, já que aos
seus 22 anos, infelizmente, cometeu suicídio.
Suas fotografias são compostas por elementos
opostos, como cenários envelhecidos,
deteriorados; e modelos jovens, de pele lisa e
limpa. Ela costumava fazer autorretratos, o que
gera uma discussão sobre o narcisismo e auto-
-representação, tanto que muitos procuram em
seus últimos trabalhos índices do seu suicídio.
Contudo, percebe-se que Woodman queria não
necessariamente representar a si própria, mas
sim materializar seu corpo nas fotografias.
A imagem fotográfica é um recorte espaço-
-temporal de fragmentos do mundo, ela recorta
lugares, tirando-os do seu fluxo temporal contínuo
para o perpétuo e congelado. As obras
de Woodman, por vezes, explorava as baixas
velocidades do obturador, o que, muitas vezes,
não congelava completamente o movimento,
ficando algumas partes borradas. Além disso,
usava cenários com paredes, chão e objetos
envelhecidos, esmaecidos e abandonados,
o que causa estranhamento e admiração no
observador. Dessa forma, o artigo é dividido
em duas partes, na primeira são discutidas as
questões dos autorretratos e performance para
depois abrir para o tema da temporalidade, em
que serão abrangidos o uso dos cenários em
ruínas e do não congelamento total do movimento.
Autorretrato e Performance
Francesca Woodman costumava ser a sua
própria modelo. Muitos procuram, a partir disso,
representações da personalidade da fotógrafa
em seus autorretratos, principalmente, índices
de seu suicídio. É fato que a artista, incluída
em um contexto social, histórico e geográfico,
expressa os seus sentimentos nas suas obras,
porém Woodman não estava em suas imagens
como ela própria, na verdade, apropriava-se
de seu corpo para a representação de algo, ou
seja, fazia uma performance.
Como já foi citado, a câmera se apodera do
fotografado, se o outro souber da presença do
aparelho, não há como permanecer inocente,
tanto que Barthes afirmava que “não para de
se imitar” (1980) quando para ele é apontada
uma objetiva. “A fotografia, em si, é da ordem
do performativo” (DUBOIS, 1993), o acervo de
Woodman é consciente dessa performance,
tanto que pode até ser chamada de fotografia
Encenada, visto que é toda planejada e composta
previamente a pose e o cenário já como
um enquadramento.
Essa fotografia é um dos poucos autorretratos
em que o rosto de Woodman aparece de
forma mais nítida; seu studium pode parecer
simples inicialmente: uma jovem moça nua está
com o rosto virado para o espelho em uma clara
característica narcisista, um duplo do duplo.
Entretanto, percebe-se que ela se encara no
espelho nem para a objetiva, como se negasse
a sua imagem para si própria e para a câmera.
Há um elemento fora de campo que só nos é
permitido ver devido ao seu reflexo no espelho:
uma espécie de búzio posicionado acima de
sua cabeça. Normalmente, a fotografia remete
ao extracampo quando o fotografado encara
diretamente a lente ou quando o dispositivo
aparece no enquadramento, aqui ela remeteu
ao colocar esse objeto que não está enquadrado,
apenas o seu reflexo.
Sua pele lisa e seu cabelo bem arrumado
contrasta com a parede rude e degrada, apenas
a sua mão está focada no quadro, enquanto
o resto do seu corpo compõe o ambiente. A
decomposição da parede traz a da retratada,
como se essas duas estivessem se esvaindo.
Recorte temporal
O filósofo Zenão afirmava que o movimento
é uma ilusão, ao argumentar que ao lançar uma
flecha de um lugar a outro, há o deslocamento
de espaço, porém em cada aqui-agora a flecha
se encontra parada (DUBOIS, 1993). É fato que
são tempos distintos o da realidade e o da fotografia,
visto que o daquela é efêmero e o dessa
é perpétuo (KOSSOY, 2007), dessa forma, a
maneira que o olho humano enxerga o mundo
é diferente do modo da lente, o que causa percepções
do movimento distintas.
Se vemos a flecha ir de um canto a outro de
forma contínua, a câmera consegue capturar
o aqui-agora de Zenão, imobilizando o objeto,
isso quando a velocidade do obturador consegue
alcançar números maiores. Nos primeiros
anos da fotografia, a emulsão não conseguia
capturar o elemento de forma rápida o suficiente,
assim, o movimento desaparecia, restando
apenas o que ficara imóvel, um exemplo é a
[35]

[36]
Figura 1 - Woodman. “Autoengodo nº1”, Roma. 1978. Disponível em: . Acesso em: 13 de
dezembro de 2015.
Figura 2 - Woodman, House#3, Providence, Rhode Island, 1976. Disponível
em: .
Acesso no dia 14 de dezembro de 2015.

fotografia de Daguerre, tirada em 1858, da rua
Boulevard du Temple, em que apenas o homem
cujos sapatos estavam sendo engraxados foi
capturado pelo daguerreotipo, enquanto que as
outras pessoas que andaram na rua não foram
eternizadas ali.
Muitas fotografias de Francesca Woodman
abordam o movimento de forma ainda distinta
dessas duas. Ao usar velocidade do obturador
baixa, a película não conseguia congelar o objeto,
porém era rápida o suficiente para deixá-lo
borrado, capturando o índice de movimentação.
Se “ao cortar, o ato fotográfico faz passar para
o outro lado (da fatia); de um tempo evolutivo a
um tempo petrificado” (DUBOIS, 1993, p. 168),
então essas imagens da fotógrafa ficam entre
esses dois tempos, já que detém a fluidez da
passagem do tempo.
Na fotografia House#3, percebe-se que há
uma dicotomia entre o rastro do corpo do jovem
moça e a arquitetura rígida, antiga e esmaecida
do quarto. Woodman parece saber que a câmera
se apodera do fotografado (SONTAG, 1977),
tanto que não permite que a película capture
seu rosto e corpo, esses que parecem fugidios,
mutáveis e fragilizados perto do cenário rígido,
caindo aos pedaços. Por outro lado, a modelo
se cobre com uma espécie de papelão ou lenço
parecido com a textura da parede, o que dá a
interpretação de que faz parte da construção
daquele espaço, materializando o seu corpo.
A presença humana, tão importante desde
o início da fotografia comercial, em que muitas
pessoas ficavam quinze minutos expostas ao
obturador a fim de que eternizassem sua imagem,
aparece como um vulto nas fotografias de
Woodman. “A imagem que é pesada, imóvel,
obstinada (por isso que a sociedade se apoia
nela), e sou eu que sou leve, dividido, disperso”
(BARTHES, 1980, p.20), é fato que o autor, ao
afirmar essa frase, estava comparando a sua
representação fotográfica e a sua pessoa real,
porém aqui, quando Woodman nos esconde
sua imagem focada, ela nos mostra a fragilidade
do objeto retratado e nega as propriedades
comuns da fotografia que tem a presença
humana.
A casa parece abandonada, assim como a
moça. Aquela pode representar o interior dessa,
enquanto que a essa tem memória, aquela
já fez parte da de outrem. O quarto apresenta
objetos quebrados, como se estivesse caindo
aos pedaços, já a modelo, ao aparecer borrada
devido à movimentação, parece desaparecer
aos poucos, assim como a estrutura arquitetônica.
Referências Bibliográficas
MONTENEGRO, Tércia. Woodman. Blog “Livros e Bichos”, 2013. Disponível em: . Acesso em: 13 de dezembro de 2015.
CLARO, Alexandre. A Dimensão fotográfica: uma observação ao trabalho de Francesca Woodman. Faculdade de
Belas Artes da Universidade de Lisboa, 2014/2015. Disponível em: .
Acesso em: 15 de dezembro de 2015.
Gorjon, Melina; Pereira, Bruno. O olho da águia- a fotografia de Francesca Woodman para além do visível. Universidade
Estadual de Londrina, III Simpósio Gênero e Políticas Públicas, 2014. Disponível em: . Acesso em: 15 de dezembro de 2015.
DUBOIS, Philippe. O Ato fotográfico e outros ensaios. Tradução
Marina Appenzeller. Campinas, SP : Papirus, 1993 (Coleção Oficio de Arte e forma).
BARTHES, Roland. A câmera clara: notas sobre fotografia. Tradução Júlio Castañon Guimarães. 1980. Ed. Especial,
Rio de Janeiro: Nova Fronteira, Sarava de bolso, 2012.
SONTAG, Susan. Sobre fotografia. Tradução Rubens Figueiredo. 1977. São Paulo: Companhia das Letras, 2004.
KOSSOY, Boris. Os tempos da fotografia: o efêmero e o perpétuo. Editora Ateliê, São Paulo: 2007.
[37]

DIREITO AUTORAL E
DIREITO DE IMAGEM
DIREITO À IMAGEM: MENORES E DETENTOS
Julianna Nascimento Torezani,
professora do Curso de Fotografia da Unicap.
Email: juliannatorezani@yahoo.com.br.
Para tratar do direito à imagem de menores,
além da Constituição Federal de 1988, que garante
o direito à vida, à liberdade, à intimidade, à
vida privada e à honra, também existe o Estatuto
da Criança e do Adolescente, Lei no 8.069 de
13 de julho de 1990, que trata sobre a inviolabilidade
da integridade física, psíquica e moral do
menor, além da preservação de sua imagem.
Artigo 143: É vedada a divulgação de atos
judiciais, policiais e administrativos que digam
respeito a crianças e adolescentes a que se atribua
autoria de ato infracional.
Parágrafo único: Qualquer notícia a respeito do
fato não poderá identificar a criança ou adolescente,
vedando-se fotografia, referência a nome,
apelido, filiação, parentesco, residência e, inclusive,
iniciais do nome e sobrenome.
Em função da personalidade em formação,
o menor recebe proteção integral, por conta do
direito de personalidade peculiar. Para a advogada
Maria Cecília Naréssi Munhoz Affornalli,
no livro Direito à própria imagem (Editora Juruá,
2012, p. 31): “A autorização para a utilização da
imagem de crianças e adolescentes pode ser
exercida pelos seus representantes legais, mesmo
que para fins publicitários. Contudo, como os
direitos destas pessoas em condição peculiar de
desenvolvimento residem em seara do Direito
Público, o Ministério Público pode vir a se insurgir
contra o uso que, embora autorizado pelos
pais ou responsáveis dos menores, não respeite
parâmetros de dignidade e de preservação da
integridade física, psíquica e moral”. Desta forma,
todos são responsáveis pelo zelo da imagem de
crianças e adolescentes, mesmo que pais e responsáveis
autorizem, as pessoas podem dialogar
em situações que coloquem tal imagem em risco.
Para as produções fotográficas e videográficas,
o Termo de Autorização de Imagem deve
ter os dados do menor e dos pais ou responsáveis
legais, com a assinatura destes. É importante
deixar claro qual o projeto, em que ambientes
será publicado (televisão, cinema, exposição em
museu por exemplo) e por quanto tempo.
O fotógrafo Marcelo Pretto conta no livro
Direito Autoral para Fotógrafos (Editora iPhoto,
2013) que uma fotografa parisiense chamada
Irina Ionesco fez vários ensaios fotográficos com
sua filha seminua quando era menor de idade.
Eva Ionesco, a filha, processou a mãe que, em
2012, foi condenada a pagar uma indenização de
10 mil euros. O caso chegou ao cinema através
do filme My Little Princess (Minha Pequena Princesa)
realizado pela própria Eva. Se esse caso
ocorresse no Brasil e as imagens fossem publicadas
pela mãe, o Ministério Público deveria intervir
no sentido de proteger os interesses da menor.
Outro cuidado que deve ser tomado em produção
fotojornalística é o referente a detentos,
pois estes estão sob responsabilidade do Estado,
quando estão em estabelecimentos penitenciários,
que deve velar pela integridade física e
moral dos detentos. Os fotógrafos Erivam Oliveira
e Ari Vicentini, na obra Fotojornalismo:
uma viagem entre o analógico e o digital (Editora
Cengage Learning, 2009, p. 152), afirma que “os
atos praticados por pessoas detidas pela polícia,
quase sempre, de interesse jornalístico. [...] Os
detentos podem negar autorização para divulgação
de suas fotos, baseados no direito de imagem.
E é dever do Estado respeitar tal decisão.
Apoiado no direito de informação, porém, é possível
fotografá-los, sem que isso fira seu direito de
imagem, desde que estejam na rua. Portanto, em
local público ou se concordar em tirar as fotos e,
obviamente, se o caso for de importância social”.
Affornalli (2012, p. 62) alerta ainda que “quanto
à divulgação de imagens em informativos de
cunho policial, deve-se ter cuidado quando as
pessoas retratadas são suspeitos de autoria de
ilícitos penais pois, com a publicação de seus
traços pessoais acabam sendo lançadas a julgamento
público e submetidas a agressões diversas.
Não raro descobre-se, posteriormente a essa
execração, serem inocentes, mas então suas
vidas pessoas já se encontram em total e irremediavelmente
desestruturadas”.
Assim, o cuidado com a imagem das pessoas
é fundamental para o bom trabalho do profissional
de fotografia, trata-se de zelo, ética e respeito
a todos, quanto a menores e detentos a atenção
deve ser ainda maior.
[38]

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[39]

Ensaios
O MAR
vistO de cima
Fotos de Renata Victor
[40]

[41]

Ensaios
[42]

[43]

Ensaios
[44]

[45]

Da lama para
o mundo:
Chico Science
e o movimento
Manguebeat
Texto de
Germana Soares
Foto: Paulo Souza
[46]

[47]

Foto: Alexandre Magalhães
Foto: Francisco Souza
Movimento musical e cultural surgido
na década de 90, na cidade do Recife,
o Manguebeat teve como essência a
mistura de ritmos mundialmente difundidos
- rock, hip hop e música eletrônica
- com ritmos regionais como
maracatu, coco de roda e ciranda. Os
principais responsáveis pela proposta
estética foram os músicos Chico Science
e Fred 04, que projetaram nacionalmente
o movimento com seu ritmo
inconfundível e letras com reflexões e
críticas sociais.
A batida mangue, que leva em sua
raiz a essência do povo pernambuca-
Foto: Hilário Martins
Foto: Ricardo Deiga
[48]

Foto: Amanda Melo
Foto: Carolina Figueiredo
no, tomou forma e difundiu
para o resto do mundo
a diversidade da cultura
local através de compassos
e cadência, acompanhados
de poesia e contestação.
Chico Science, o protagonista,
faleceu em 1997
em um acidente automobilístico.
Sua maior herança
ficou enraizada e
cresceu, assim como os
manguezais que cercam
nossos rios e pontes. A
bandeira defendida pelo movimento,
a diversidade, ainda hoje encontra-se
presente e responsável pela variada
produção cultural local com relevância
nacional.
Em 2016 Chico Science estaria completando
50 anos e, buscando valorizar
esse importante movimento cultural e
seu idealizador, o Curso Superior de
Tecnologia em Fotografia, em parceria
com o Museu da Cidade do Recife,
montaram uma exposição fotográfica
onde os alunos retrataram conceitos e
propostas da “filosofia” Mangue, do seu
surgimento aos dias atuais.
[49]

Foto: Eva Feitosa Foto: Williams Fernandes Foto: Marcio Fonseca
Foto: Nathália Nóbrega
Foto: Josy Barbosa
[50]

O tema foi escolhido com a participação
dos alunos concluintes na
disciplina de Montagem de portfólio e
curadoria. Com a temática definida, foi
feita uma pesquisa para apresentação
e entendimento do tema para que as
imagens fossem desenvolvidas. O processo
criativo teve duração de 60 dias,
onde cada fotógrafo teve a liberdade
de escolha na abordagem do tema.
Eles também desenvolveram um texto
para acompanhar a imagem produzida.
Dessa forma os visitantes puderam
entender a obra de forma individualizada
e, ao mesmo tempo no contexto do
coletivo.
A exposição contou com a participação
de 22 alunos e 28 obras. Além das
imagens, foi elaborado um documentário
produzido por alunos e a projeção
do filme “Manguebeat: 10 anos de efervescência
cultural” (2003) dirigido por
Foto: Luara Oliveira
Alessandro Guedes e Juliano Domingues.
Em cartaz de 16 de janeiro a 13
de março de 2016, a mostra fotográfica
contou na sua estreia com a apresentação
do maracatu Brincante Popular
e no encerramento com palestra do
fotógrafo Gil Vicente, um dos fotógrafos
que acompanhou de perto a trajetória
de Science e outros integrantes do movimento.
Foto: Paloma Barros
[51]

Foto: Marcílio Melo
Foto: Thaís Carvalho
Foto: Quintino Robson
Foto: Jadna Lima
MANGUE BEAT no Museu da Cidade
Nos últimos anos o Museu da Cidade do
Recife tem realizado investimentos na criação
de parcerias como forma de revitalizar e dinamizar
o museu. Entre muitos parceiros, o
curso de fotografia da Universidade Católica de
Pernambuco tem sido uma das experiências
exitosas. Nos últimos três anos realizamos com
os alunos da Católica e com a curadoria das
professoras Renata Victor e Germana Soares
em parceria com Betânia Corrêa de Araujo do
museu três mostras, sendo a última sobre o
MANGUE BEAT.
MANGUE BEAT realizada entre os dias 17
de janeiro e 13 de março de 2016, apresentou
além de fotografias e textos, um documentário
sobre o movimento Mangue da Coleção Alberto
Cavalcanti e uma seleção de vídeos clipes
selecionados pelos fotógrafos participantes.
No encerramento, a exposição apresentou
uma palestra com o fotógrafo Gil Vicente, autor
de vários retratos de Chico Science e do seu
grupo.
No período em que ocupou a Sala de Exposições
temporárias do Museu, a mostra MAN-
GUE BEAT recebeu 3624 visitantes (assinantes)
entre brasileiros e estrangeiros e impactou
o público com as imagens dos fotógrafos e a
expressiva música do movimento mangue. A
mostra fez parte das comemorações do aniversário
de 50 anos de Chico Science.
Betânia Corrêa de Araújo
Diretora Geral do Museu da Cidade do Recife
[52]

Foto: Isabele Marinho
Foto: Mariana Aguiar
[53]

Ensaios
a morte
amorosa
Como atividade da disciplina de Poética
da Imagem os alunos da disciplina de
Poética da Imagem, ministrada no terceiro
módulo do curso de Fotografia da Unicap,
receberam a missão de transformar contos
do século XIX em imagens. A seleção deveria
ser feita entre as obras do livro Contos
Fantásticos do Século 19 escolhidos por
Italo Calvino. Entre os contos, histórias de
Edgar Allan Poe, Honoré de Balzac, Hans
Christian Andersen e Guy de Montpassant.
O grupo formado pelos alunos Ammanda
Falcão, Paulo Vasconcelos, Priscila Silva,
Nitali Angélica, Rautemberg Nóbrega,
Amanda Bezerra, Daniel Guimarães, Alzio
Dias, Alexandre Torres, Allan Oliveira, José
Maurício, Ana Nery, Jéssyca Artico, Humberto
Pereira, Suann Medeiros e Jundy
Leal escolheu o conto A Morte Amorosa, de
Théophile Gautier, para contar em imagens
a história do amor entre o padre recém-ordenado
Romuald e a vampira Clarimonde
em um ensaio produzido a partir do uso de
figuras de linguagem e das características
da Função Poética da Imagem, no esquema
elaborado por Roman Jakobson. O resultado,
quase uma fotonovela, virou ensaio
nesta edição da UnicaPhoto pela qualidade
do trabalho da equipe.
[54]

[55]

Ensaios
[56]

[57]

Ensaios
[58]

[59]

Dicas
A onipresença das câmeras
Julianna Nascimento Torenzani
Professora do Curso de Fotografia da UNICAP.
Doutorando em Comunicação pela UFPE.
Mestre em Cultura e Turismo e Bacharel em
Comunicação Social pela UESC.
Email: juliannatorezani@yahoo.com.br
O livro Sobre Fotografia escrito pela
filósofa norte-americana Susan Sontag,
em 1977, é extremamente atual,
visto que discute questões técnicas da
fotografia amparadas na linguagem e na
intencionalidade de cada fotógrafo ao
fazer uma cena. Sontag nasceu em Nova
Iorque em 1933 e morreu em 2004, aos
71 anos, cursou Filosofia na Universidade
de Chicago e pós-graduação em Harvard.
Seus livros foram traduzidos para mais
de trinta línguas. Escreveu ensaios e
romances, além de dirigir filmes e peças.
A obra Sobre Fotografia ganhou o
National Book Critics Circle Award.
Dividida em sete capítulos o livro traz
uma profunda reflexão da fotografia do
século XIX em diante, dando destaques
a alguns fotógrafos documentais e
fotojornalistas. O primeiro capítulo é
intitulado Na caverna de Platão onde
a autora trata do início da produção
fotográfica a partir de 1839. O segundo
capítulo, Estados Unidos, visto em fotos,
de um ângulo sombrio, a filósofa trata de
obras documentais de fotógrafos norteamericanos,
que no século XX tiveram
tendências diversas, inclusive de estilo,
uma vez que movimentos artísticos como
o surrealismo interferem diretamente
nas possibilidades criativas de captura
de luz, além das imagens vinculadas ao
projeto Photo-Secession criado por Alfred
Stieglitz.No terceiro capítulo chamado
[60]
Capa do livro
Objetos de melancolia, Sontag revela os
vários lados que a imagem fotográfica
suscita, entre eles como elementos de
tristeza analisando várias produções
com temas que envolvem a miséria e a
guerra.
Como quarto capítulo será discutido
o tema O heroísmo da visão já que a
fotografia transbordou a potencialidade
do olhar com equipamentos, trouxe
novas visualidades, aproximou e ampliou
os temas. Em Evangelhos Fotográficos,
Sontag traça a interminável discussão
entre a fotografia e a arte, ou ainda se a
fotografia é arte ou produz arte, trazendo
produções e frases de vários fotógrafos
e artistas.O capítulo que fecha o livro,
O mundo-imagem, discute a questão da
fotografia e da realidade, pelos critérios
de escolhas do fotógrafo há, segundo a
autora, uma perturbação de quem olha
para imagens de determinados temas.
Esta obra abre muitas reflexões e
também muitos campos de pesquisa.
Pensar a fotografia de maneira
múltipla, desvendar o que por trás das
produções dos fotógrafos e entender as
intencionalidades da cena a cada contexto
histórico são algumas das contribuições
que Sontag traz para a fotografia. Difícil
ler este livro sem trazer exemplos de toda
a história da fotografia, do século XIX em
diante, mas, sobretudo refletir sobre a
produção fotográfica contemporânea.

Confira outras dicas de livros, filmes
e sites dos professores do curso de
Fotografia da Unicap
A
Destrua
essa câmera
Diretor: Leon Gast,
2010.
Um diário russo
John Steinbeck e Robert
Capa, 2010.
David Loftus
Photography
Masterclass
B
Swimmer
Diretor: Lynne Ramsay,
2012.
Fotografia
contemporânea: entre
o cinem, o vídeo e as
novas mídias.
Antonio Fatoreli, 2013.
DIY Photography
C
Mil vezes boa noite
Diretor: Erik Poppe,
2013.
Filosofia da Caixa Preta
Vilém Flusser, 1983.
Revista Mira
Fotográfica
D
Iluminados
Diretores: Cristina Leal,
2007.
50 anos de luz: câmera e
ação
Edgar Moura, 2002.
Humanæ
E
Meia noite em Paris
Diretores: Woody Allen,
2011.
Quando a fotografia é
genial
Val Williams, 2014.
ZUM
Dicas de:
A - João Guilherme
B - Leonardo Castro Gomes
C - Marina Feldhues (Ex-aluna do curso)
D - Ricardo Marcelino
E - Renata Victor
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