L+D 69

NK STORE (SÃO PAULO)
A EFICÁCIA DA FUNÇÃO NIGHT SHIFT DO IPAD; IMAGENS-LUZ DE KLAUS OBERMAIER;
HOTEL QO (AMSTERDÃ); A LINGUAGEM CINEMATOGRÁFICA NO DESIGN DE ILUMINAÇÃO;
ARTS UNIVERSITY BOURNEMOUTH (POOLE); FOTO LUZ FOTO: ANDRÉS OTERO
1

2 3

sucesso
absoluto
VAGAS
ESGOTADAS
23 e 24 de agosto
Tivoli Mofarrej Conference Hotel
São Paulo | Brasil
Semana da Luz 2018
grandes nomes reunidos para
discutir conceitos e rumos da
iluminação no maior congresso de
Lighting Design da América Latina
Confira os palestrantes dessa edição:
Esther Stiller e Paulo Mendes da Rocha
Keynote Speakers
Brasil
Mariana G. Figueiro
Lighting Research Center -
Rensselaer Polytechnic Institute
EUA
Carlos Fortes
Estudio Carlos Fortes
Luz + Design
Brasil
Mieke van der Velden
Beersnielsen Lighting
Designers
Holanda
Glenn Shrum
Flux Studio
Parsons School of Design
EUA
Klaus Obermaier
artista multimídia, diretor,
coreógrafo e compositor
Áustria
Marina Lodi
Auma Estúdio
Brasil
Michael Grubb
MGS – Michael Grubb Studio
Reino Unido
www.ledforum.com.br
4 5

SUMÁRIO
julho | agosto 2018
edição 69
54 56
64
76 80
86
10
¿QUÉ PASA?
68
54
RONDA
Novo estudo do Lighting Research Center
testa a eficácia da função night shift do iPad
56
64
68
76
80
86
NK STORE
Ponto, linha, plano
UMA SEQUÊNCIA DE ADAPTAÇÕES: A LINGUAGEM
CINEMATOGRÁFICA NO DESIGN DE ILUMINAÇÃO
HOTEL QO
Luz Sobrenatural
IMAGENS-LUZ
Klaus Obermaier
ARTS UNIVERSITY BOURNEMOUTH
A luz como combustível criativo
FOTO LUZ FOTO
Andrés Otero
6 7

Thiago Gaya
publisher
Romulo Fialdini
© zooey braun FOTOGRAFIE
NK STORE
Iluminação: Estúdio Carlos Fortes
Foto: Andrés Otero
Orlando Marques
editor-chefe
PUBLISHER
Thiago Gaya
LEDFORUM 2018
EDITOR-CHEFE
Orlando Marques
Com a aproximação do LEDforum, esta edição da revista L+D traz um pouco do trabalho
de alguns dos palestrantes do evento deste ano. Dessa forma, ampliamos o entendimento
do leitor a respeito da produção profissional desses palestrantes, segundo a interpretação da
revista e dos seus colaboradores.
Destacamos o projeto da loja NK Store, do palestrante Carlos Fortes, titular do estúdio
homônimo e colaborador da L+D, que neste ano celebra 30 anos de carreira como lighting
designer. A matéria foi escrita pelo nosso colaborador Gilberto Franco, conhecedor profundo
do trabalho de Fortes.
A palestrante brasileira Dra. Mariana Figueiro, diretora do Lighting Research Center (LRC),
apresenta uma matéria sobre a pesquisa realizada pelo instituto acerca da eficiência da função
Night Shift do iPad. A versão para o português foi feita pela nossa colaboradora Mariana Novaes,
ávida interessada em assuntos relacionados à luz e à saúde.
Mieke van der Velden, lighting designer do escritório Beersnielsen, apresenta o novíssimo
projeto do Hotel QO em Amsterdã, onde aplicou conceitos da interação entre a luz e os materiais
como elementos-chave na definição da identidade de um espaço, tema da sua palestra no
LEDforum. Marina Lodi, palestrante recém-graduada, apresenta um texto especialmente
produzido para a L+D, a respeito de seu trabalho de graduação na Parsons New School of Design
de Nova York, que tem como diretor o lighting designer Glenn Shrum, titular do Flux Studio,
também palestrante do LEDforum.
Michael Grubb, titular do escritório SMG – Studio Michael Grubb, apresenta o plano diretor
e o projeto de iluminação da Arts University Bournemouth, em Poole, Reino Unido, por meio do
texto de Mariana Novaes. Finalmente, depois de um bate-papo como nossa colaboradora Fernanda
Carvalho, o artista multidisciplinar austríaco Klaus Obermaier, palestrante do encerramento do
LEDforum 2018, apresenta três de seus incríveis espetáculos – “precisão com relação ao espaço
e ao tempo”, como bem definiu Fernanda.
Já na seção Foto Luz Foto, temos a honra de homenagear o fotógrafo Andrés Otero e de
apresentar a “imagem-guia” do projeto de iluminação da loja NK Store, cuja seleção foi feita
por ele mesmo.
Para encerrar, nesta edição, a seção ¿Qué Pasa? traz 20 matérias, com destaque para a
matéria que trata do trabalho do artista Lucas Arruda e para a que explica as “bioluminárias”,
criação dos pesquisadores do MIT – Massachusetts Institute of Technology, e muito mais.
Boa leitura e um bom LEDforum!
DIRETORA DE ARTE
Thais Moro
REPORTAGENS DESTA EDIÇÃO
Charly Ho, Débora Torii, Fernanda Carvalho,
Gilberto Franco, Luana Alves, Mariana Novaes,
Marina Lodi, Orlando Marques
REVISÃO
Débora Tamayose
CIRCULAÇÃO E MARKETING
Márcio Silva
PUBLICIDADE
Lucimara Ricardi | diretora
Avany Ferreira | contato publicitário
Paula Ribeiro | contato publicitário
PARA ANUNCIAR
comercial@editoralumiere.com.br
T 11 3062.2622
PARA ASSINAR
assinaturas@editoralumiere.com.br
T 11 3062.2622
ADMINISTRAÇÃO
administracao@editoralumiere.com.br
T 11 3062.2622
TIRAGEM E CIRCULAÇÃO AUDITADAS POR
MOVE IT
Flexibility meets elegance
O sofisticado MOVE IT SYSTEM revolucionou os sistemas de trilhos. Nenhuma
ferramenta é necessária graças à conexão magnética dos equipamentos, o que
confere flexibilidade para combiná-los de várias formas. A ausência de molduras
e o design simples e eficiente dos acessórios criam um sistema especialmente
elegante. O patenteado ajuste deslizante de foco torna fácil a definição da abertura
do facho, para destaque de objetos ou outra função. Máxima qualidade de
luz, excelente em todos os detalhes.
Orlando Marques
PUBLICADA POR
Fernanda Carvalho, Charly Ho
e Luana Alves, do escritório
parceiro Design da Luz
Editora Lumière Ltda.
xal.com
Estúdio, são os coeditores
Rua João Moura, 661 – cj. 72, 05412-001
convidados do ¿Qué Pasa?
São Paulo SP, T 11 3062.2622
duplo, com a matéria “Branco
www.editoralumiere.com.br
sobre branco”, a respeito a
exposição Deserto Modelo do
8 artista visual Lucas Arruda.
9

¿QUÉ PASA?
LUZ NA ARQUITETURA
HOSPITALAR
¿QUÉ PASA?
TIL 2018
Com o objetivo de afirmar cada vez mais seu
posicionamento no panorama mundial dos eventos de
iluminação, o LEDforum anuncia parceria com o evento
International Trends in Lighting Event (TiL), que acontecerá
no mês de setembro, em Bregenz, Áustria.
O TiL tem como objetivo suprir a lacuna entre o
design e a tecnologia, fornecendo novas ferramentas a
lighting designers, arquitetos, engenheiros, consultores
e pesquisadores para o reconhecimento do potencial do
lighting design e sua consequente valorização. Na segunda
edição, o evento contará com curadoria do renomado lighting
designer Rogier van der Heide e oferecerá palestras sobre
quatro grandes temas: “Lighting Heart & Soul” (iluminação,
bem-estar e saúde), “The Right to Create” (sobre o processo
de criação), “Humanizing Tech” (abordagem holística da
experiência da luz) e “Além da iluminação” (acerca de
conectividade, softwares e tecnologia). (D.T.)
Aconteceu em 11 de junho o coquetel de lançamento
do livro Luz na arquitetura hospitalar, da arquiteta e lighting
designer Neide Senzi. Com mais de 25 anos de experiência em
iluminação arquitetural, a autora apresenta no livro cerca de 25
de seus projetos para ambientes de saúde, com o objetivo de
ensinar o leitor a pensar a luz para esse tipo de espaço. Por meio
de fotos e textos, Senzi aborda os aspectos mais relevantes
inerentes a essa tipologia de uso, desde a sua concepção até
a sua gestão.
Editada pelo jornalista e publicitário Vitório Junior, o livro
conta ainda com a participação de alguns dos maiores nomes
no âmbito da arquitetura hospitalar no Brasil, que contribuíram
com assuntos igualmente importantes, como a gestão
hospitalar e a eficiência energética. (D.T.)
Livro Luz na arquitetura hospitalar
VJ Editora
Edição bilíngue (português/inglês)
220 páginas
editoravj.com.br
TiL 2018 – 2º International Trends in Lighting Event
25 a 27 de setembro
Bregenz, Áustria
10 11

1
Imagens: Daniela Xu
¿QUÉ PASA?
3º PRÊMIO CARLITOS DE
DESIGN UNIVERSITÁRIO
2
3
Promovido pela fabricante brasileira Luxion Iluminação, o
Prêmio Carlitos de Design Universitário chega à sua terceira
edição, cujos vencedores foram anunciados no último
dia 5 de junho. O concurso tem por objetivo incentivar a
integração entre os estudantes universitários e a indústria
e, neste ano, recebeu 73 inscrições de estudantes de nove
estados diferentes.
A seleção dos vencedores ficou a cargo do júri, que
contou com a participação de Thiago Gaya, publisher
da L+D; de Ana Brum, diretora técnica do Centro Brasil
Design; do lighting designer Antonio Carlos Mingrone,
titular da Mingrone Iluminação; do arquiteto e designer
Roque Frizzo, titular do estúdio Roque Frizzo Arquitetura
e Design; e do designer Vinicius Siega, titular do estúdio
Vinicius Siega Design.
O primeiro lugar foi para a luminária Gras 1 , criada
por Felipe Mazzocchi, que recebeu como prêmio uma
luminária da Luxion, além da oportunidade de acompanhar
a prototipação de seu projeto junto à equipe técnica da
empresa. Em segundo ficou a luminária Treeluz 2 , de Renan
Scotti, e, em terceiro, a coleção Balanço 3 4 , de Meline
Ney. Foi selecionado ainda um quarto projeto, o pendente
Senses, de Gregory Lorencet e Raieli Ferron, que recebeu
menção honrosa. Parabéns a todos os participantes! (D.T.)
12 13
4

Sichau & Walter Architekten BDA
1
Johannes Roloff
Aryeh Kornfeld
2 3
¿QUÉ PASA?
35º IALD AWARDS
Foram anunciados, no último mês de maio, os
vencedores da 35ª edição da premiação anual promovida
pela Associação Internacional de Lighting Designers (IALD).
Em cerimônia realizada em Chicago, Estados Unidos, foram
reconhecidos 17 projetos de 11 países, tendo sido distribuídos
oito prêmios por mérito e sete por excelência, além de duas
menções especiais.
O grande vencedor da noite foi o projeto de iluminação
para o Museu Alemão do Marfim 1 – publicado na edição
65 da L+D – do escritório alemão Licht Kunst Licht,
agraciado com o prêmio Radiance Award for Excellence in
Lighting Design. Titular do escritório, o lighting designer
Andreas Schultz recebeu ainda mais um prêmio, o Award
of Excellence, pela iluminação da Cafeteria HSBC 2 , em
Dusseldorf, Alemanha.
Outro projeto devidamente reconhecido com o Award
of Excellence foi o do Templo Bahá’í 3 – capa da L+D 63 –,
em Peñalolén, Chile, desenvolvido pelo escritório Limarí
Lighting Design, dirigido pelo lighting designer Pascal
Chautard. (D.T.)
14 15

16 17

1 2 3 4
5
6 7 8
9
¿QUÉ PASA?
9º LEDFORUM NA SEMANA DA LUZ 2018
Maior congresso latino-americano de iluminação arquitetural,
o LEDforum mais uma vez esgotou as inscrições meses antes de
sua realização. O evento de 2018 abordará a grande diversidade
de assuntos de interesse da comunidade de iluminação, propondo
um olhar panorâmico sobre o momento atual desse universo, em
seus mais diversos aspectos.
A grade completa dos palestrantes da edição 2018 conta
com nomes de peso, como a lighting designer Esther Stiller 1 e
o arquiteto Paulo Mendes da Rocha 2 , que se reunirão em um
encontro histórico para discutir a respeito de arquitetura e de
luz. A pesquisadora e professora brasileira radicada nos Estados
Unidos Mariana G. Figueiro 3 , diretora do Lighting Research
Center (LRC), abordará em sua palestra os efeitos da luz sobre o
relógio biológico humano. O lighting designer norte-americano
Glenn Shrum 4 , titular do Flux Studio, apresentará a palestra
“Probabilidade e sorte – As maravilhas da luz natural”, sobre o
poder da iluminação natural e a iluminação artificial na arquitetura.
A holandesa Mieke van der Velden 5 integra a equipe do escritório
Beersnielsen Lighting Designers, baseado em Roterdã, Países
Baixos, e discorrerá sobre sua pesquisa acerca da aparência dos
materiais, iluminados de diferentes formas e com distintos tipos de
luz de LEDs. O premiado lighting designer inglês Michael Grubb
6 , diretor de criação do escritório Michael Grubb Studio, falará
sobre seu processo de trabalho em projetos de iluminação para o
varejo. O lighting designer brasileiro Carlos Fortes 7 apresentará
um panorama cronológico de projetos realizados ao longo de
sua trajetória profissional, que este ano completa 30 anos. A
cineasta e lighting designer brasileira Marina Lodi 8 mostrará
sua investigação do potencial de uso dos espaços urbanos
subterrâneos em Nova York e da adequação desses espaços,
por meio da luz e dos materiais, para a adaptação humana. E,
finalmente, o artista multimídia, diretor, coreógrafo e compositor
austríaco Klaus Obermaier 9 apresentará sua visão a respeito do
poder de influência da luz na composição cênica e na arte.
Assim como em suas últimas edições, o LEDforum será
antecedido pelo workshop internacional de iluminação, cujo tema
este ano é “Ecologia da luz”, e encerrado pela festa Lighting Lovers.
Ambos os eventos são realizados em parceria com a AsBAI.
Últimos ingressos disponíveis para o workshop e para a festa
podem ser adquiridos no site www.semanadaluz.com.br (D.T.)
SEMANA DA LUZ 2018
9º LEDforum
23 a 24 de agosto
Tivoli Mofarrej Hotel e Spa, São Paulo
Workshop internacional
Ecologia da luz
19 a 22 de agosto
Ecobairro Vila Jataí, São Paulo
Festa Lighting Lovers
24 de agosto
Local a confirmar
18 19

Seon-Yeong Kwak
¿QUÉ PASA?
BIOLUMINÁRIAS
Já imaginou poder usar uma planta como abajur? Ou
então que as ruas possam ser iluminadas unicamente por
meio de árvores luminosas? Um grupo de engenheiros do MIT
(Massachusetts Institute of Technology), nos Estados Unidos,
parece ter dado o primeiro passo para permitir esse tipo de
iluminação no futuro.
Recentemente divulgada, a pesquisa financiada pelo
Departamento de Energia norte-americano, com supervisão
do professor Michael Strano, revelou a bem-sucedida tentativa
de induzir plantas a gerar luz. Os testes em laboratório
possibilitaram o fornecimento de iluminação pelas plantas
durante quatro horas, e, apesar de o nível obtido ainda ser
consideravelmente baixo, os cientistas estão esperançosos de
que a técnica utilizada possa ser aprimorada para permitir a
geração de níveis funcionais de iluminação.
A técnica desenvolvida pelos pesquisadores deriva da
nanobiônica vegetal, uma área de pesquisa relativamente nova –
na qual o laboratório de Strano é pioneiro –, cujo objetivo é prover
plantas com novas características por meio da incorporação
de diferentes tipos de nanopartícula. Nesse caso, os cientistas
utilizaram como base a luciferase – a enzima que permite aos
vaga-lumes brilhar no escuro –, aliada a diferentes tipos de
nanopartícula, responsáveis por levar cada componente à parte
correta das plantas, além de evitar sua concentração em níveis
que poderiam ser tóxicos para os vegetais. Os pesquisadores
também estão trabalhando em soluções para permitir que
as luzes possam ser desligadas em resposta a determinadas
condições ambientais (por exemplo, a luz do sol), por meio do
uso de inibidores da enzima. Futuramente, também planejam
desenvolver um tipo de tinta ou spray para facilitar a aplicação
das nanopartículas diretamente nas folhas das plantas, possibilitando
a transformação de árvores e de outros vegetais de
grande porte em fontes de luz.
As tentativas de produção de plantas luminosas anteriormente
documentadas utilizavam técnicas que envolviam a
engenharia genética, sempre buscando que os vegetais já
apresentassem o gene da luciferase. No entanto, o processo
se mos trou extremamente trabalhoso, além de apresentar
limitações com relação ao nível de luz produzido e às espécies
de plantas utilizadas. Já o método desenvolvido por Strano pode
ser aplicado em qualquer tipo de planta, tendo sido testado em
exemplares de rúcula, couve, espinafre e agrião. “As plantas
podem se autorregenerar, têm sua energia própria e já são
adaptadas ao ambiente externo. Acreditamos que é o momento
ideal para essa ideia. É o problema perfeito para a nanobiônica
vegetal”, afirma Strano.
O foco da equipe de cientistas é o desenvolvimento de
plantas capazes de assumir funções atualmente desempenhadas
por equipamentos dependentes de eletricidade. O grupo trabalha
também no desenvolvimento de plantas capazes de detectar
explosivos e enviar notificações a smartphones e de vegetais que
podem monitorar condições de seca. (D.T.)
20 21

Divulgação
¿QUÉ PASA?
RIZOMA
Os designers do Estúdio Guto Requena costumam
trabalhar com formas e efeitos de luz em grande parte de
suas criações. Recentemente apresentaram o lançamento de
uma linha de cobogós produzida em parceria com a fabricante
brasileira de revestimentos Manufatti. A linha Rizoma tem
seu design inspirado na estrutura homônima presente em
algumas espécies de plantas, caracterizada por um tipo de
caule que se desenvolve e se ramifica, geralmente de maneira
horizontal e subterrânea.
Ao mesmo tempo que remetem à tradição e valorizam o
uso dos cobogós na cultura arquitetônica brasileira, as peças
da coleção apresentam uma estética fortemente orgânica e
artesanal que permite inúmeras possibilidades de montagens
entre si, rompendo com os padrões uniformes gerados pelas
configurações mais geométricas e tradicionais do clássico
elemento vazado.
São apenas dois modelos, gerados a partir de processos de
design paramétricos, mas que, assim como na natureza, são
caracterizados pela ausência de “raízes” ou de hierarquias,
possibilitando distintas composições espaciais. “Rizoma foi
projetado para se complementar em uma união uniforme
em todos os seus lados de modo a gerar múltiplas opções
de padrões ao rotacionar ou alternar modelos”, explica o
designer Guto Requena, titular do estúdio.
Conforme sua orientação em função da trajetória solar
ao longo do dia e das estações do ano, as composições
dos cobogós podem criar intricados desenhos de sombras
projetadas nas superfícies opostas à incidência de luz direta
do Sol. Mesmo quando não há contato direto com a luz natural,
os elementos são vistos em silhueta, gerando uma espécie
de negativo à estética anterior. O comportamento – de certa
maneira imprevisível – da luz natural, com suas variações de
intensidade, de cor e de posicionamento, fortalece o caráter
orgânico do elemento vazado, produzindo, além das variadas
opções de composições estéticas, infinitas possibilidades de
luzes e sombras desenhando o espaço. (D.T.)
22 23

¿QUÉ PASA?
MAIS AO CUBO
Imagens: Bia Ferrer
Aconteceu em São Paulo, no último mês de maio, mais
uma edição do SP Urban Digital Festival, evento que funde
arquitetura, arte e novas mídias com o objetivo de expandir
o conceito de arte por meio da tecnologia digital. Criado em
2012, o festival é sempre realizado em espaços públicos,
propondo a sua ocupação de formas inusitadas e estimulando
a reflexão sobre o ambiente urbano.
Sua última edição teve como temática a ação social “Maio
Amarelo”, uma iniciativa da ONG Observatório Nacional de
Segurança Viária que busca alertar a população quanto ao
elevado índice de acidentes no trânsito em todo o mundo.
Nesse contexto, o artista digital Muti Randolph concebeu a
instalação +++ (Mais ao cubo), exibida entre os dias 17 e 31 de
maio no Largo da Batata, um dos pontos de movimento mais
intenso da Avenida Brigadeiro Faria Lima.
Formada por uma sobreposição de placas de LEDs
translúcidas, a obra tridimensional de 6 metros de altura
remetia a um cruzamento, cujas superfícies reproduziam
a ideia de um fluxo contínuo por meio de uma dinâmica de
linhas e de pontos de luz justapostos. A instalação também
apresentou conteúdo em áudio, gerado a partir da edição
rítmica de sons e ruídos captados na região. O conteúdo
audiovisual exibido foi gerado por um software desenvolvido
pelo próprio artista, apresentando momentos de ordem e
harmonia que se revezavam a instantes de caos.
Pioneiro no uso de novas tecnologias aplicadas às artes
visuais no Brasil, Muti Randolph buscou, com a obra, alertar
para a falta de consciência e de respeito ao próximo no trânsito.
A instalação pode ser interpretada ainda como um cruzamento
entre o real e o virtual, propondo uma reflexão crítica quanto
à crescente influência das tecnologias digitais – por meio de
smartphones e de redes sem fio – na vida urbana cotidiana, as
quais afetam diretamente os relacionamentos interpessoais e
espaciais. (D.T.)
24 25

¿QUÉ PASA?
TRADIÇÃO E
TRANSGRESSÃO
Imagens: Eduardo Ohara
Considerada um dos mais importantes eventos do
mercado global de artes, a SP-Arte (Festival Internacional
de Arte de São Paulo) chegou à sua 14ª edição, realizada
no último mês de abril. A feira reuniu, no Pavilhão da
Bienal, galerias nacionais e internacionais, algumas
bastante conhecidas e outras novatas, que apresentaram
um panorama do circuito contemporâneo.
A convite da marca de champanhe Perrier-Jouët,
patrocinadora do evento desde a sua 10ª edição, o Atelier
Marko Brajovic concebeu, para a ocasião, a instalação
O fruto proibido (ou Eden Tree). Inspirado pela história
da marca – que, desde a sua fundação, em 1811, busca
recontar a quase mítica história de amor vivida por seus
fundadores, Pierre-Nicolas Perrier e Rose-Adélaïde Jouët,
e sua grande paixão pela art nouveau –, o artista titular do
estúdio concebeu uma experiência multissensorial que
remonta ao tema da “árvore da vida”, como uma espécie
de fruto do amor entre Perrier e Jouët.
Trata-se de um grande elemento em forma de
diamante, cujas superfícies douradas e translúcidas
convidavam os visitantes até o seu interior. Ali, deparavam
com uma fascinante árvore luminosa, constituída de
neon, conformando uma infinita floresta de reflexos
gerada pelas superfícies espelhadas no interior do
espaço. As formas delicadas e sinuosas do tronco e dos
galhos da árvore poderiam ainda ser associadas a outros
elementos relacionados com a temática do Éden, como
o fruto e a cobra.
Ao mesmo tempo que aludia à arte clássica e a
alguns de seus personagens históricos, a instalação os
contextualizava de maneira contemporânea, atraindo
e estimulando a interação do público e gerando um
ambiente quase transgressor. A experiência contou
também com trilha sonora exclusiva, composta pelo
músico canadense Nicolas Lupescu. “O fruto proibido
é um objeto e um espaço. É um convite ou, talvez, seja
um portal de transformação para o público. Uma ordem
evocativa de percepção consciente e inconsciente: a
floresta, a árvore da vida, a sedução, o fruto proibido, o
inesperado, a libertação”, resume seu criador, Marko
Brajovic. (D.T.)
26 27

3
Divulgação
¿QUÉ PASA?
COEXISTÊNCIA ILIMITADA
Desde 2005, a montadora japonesa Lexus oferece,
anualmente, o Lexus Design Event durante a Semana de
Design de Milão. O evento marca também a entrega do Lexus
Design Award, que, desde 2014, promove ideias inovadoras
que contribuam com a sociedade e com um futuro melhor
e cujas quatro propostas finalistas têm seus protótipos
executados e exibidos nessa ocasião.
A cada ano, o evento e a competição se baseiam em
um tema. Motivados pela missão da montadora de criar
um mundo melhor por meio do design, os organizadores
escolheram como tema neste ano o conceito de “CO-”,
prefixo que, em latim, significa “com” ou “junto”. A escolha
reflete a busca pela coexistência harmônica entre a natureza
e a sociedade por meio do design sustentável e também as
ideias de colaboração, coordenação e conexão. Assim nasceu
o projeto do pavilhão Limitless Co-Existence, construído para
o evento e criado pelo arquiteto japonês Sota Ichikawa como
símbolo de um mundo onde todos se entendem, se respeitam
e cuidam uns dos outros, sem exceções.
A instalação propunha um percurso aos visitantes que
iniciava com espaços para limpar a mente e ativar o senso de
coletividade, cuja iluminação e acabamentos escuros denotavam
um clima futurista. Em seguida, o público adentrava no
espaço Prepare your Senses, onde um suporte em forma de
infinito oferecia centenas de pirulitos que brilhavam sob a luz
de uma única fonte luminosa, posicionada no centro da mesa.
As guloseimas foram criadas especialmente para a ocasião
com o intuito de aguçar os sentidos dos visitantes. A receita
tinha como ingrediente principal a bergamota, adotada como
aroma símbolo do evento, uma fruta de sabor marcante, mas
que libera todo o seu potencial somente quando combinada
com outros aromas, simbolizando o equilíbrio e a harmonia em
sua coexistência.
O espaço principal do pavilhão, Believe in Limitless,
apresentava uma infinidade de fios de nylon de diferentes
comprimentos, pendurados sob o forro, como representação
da ideologia de que cada indivíduo é o centro do Universo.
Cada um deles era simultaneamente iluminado por uma
única fonte luminosa, um laser branco que projetava luz
horizontalmente e em 360°, simbolizando o poder do
design e da inovação como catalisadores da mudança e da
inclusão. O arquiteto utilizou algoritmos para posicionar,
com precisão, os 12 mil fios, visando controlar os
movimentos do laser de maneira que parecessem aleatórios
e, ao mesmo tempo, certificar-se de que nenhum dos fios
ficaria na sombra. (D.T.)
28 29

1 2 3
4
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6
5 6
Imagens: Divulgação
¿QUÉ PASA?
ESPETÁCULO MONSTRUOSO
A fabricante de vidros tcheca Lasvit, conhecida por suas
coleções de luminárias e de objetos de vidro soprado, apresentou,
no último mês de abril, mais uma de suas ousadas instalações.
A exposição-espetáculo Monster Cabaret levou ao tradicional
Teatro Gerolamo, em Milão, Itália, uma série de “monstros de
vidro”, acompanhados por um autêntico show burlesco.
Os monstros que habitam em cada um podem trazer
medo e limitações, mas também representar uma saída para
uma mentalidade mais aberta. Pensando nisso, a companhia
convidou alguns dos mais respeitados nomes do cenário do
design internacional para criar objetos de vidro que refletissem
seus próprios “monstros” pessoais. O uso do vidro reflete a
eternidade desses “monstros”, assim como a do material, e
representou um desafio para a execução de algumas das peças
em razão de sua complexidade. Toda a coleção está à venda, em
edições limitadas.
O arquiteto e designer polonês, radicado em Nova York,
Daniel Libeskind apresentou os monstros Rosencrantz e
Guildenstern 1 2 – como os personagens de Hamlet, de William
Shakespeare –, feitos de um vidro especial, cuja cor reage à luz.
Já o designer Oki Sato, diretor do estúdio japonês multidisciplinar
nendo, criou a coleção Something Underneath 3 , inspirado em um
conceito da cultura japonesa que se baseia na personificação
do intangível e do inexplicável, cuja consequência é o medo do
desconhecido. Os designers brasileiros Irmãos Campana criaram
a coleção Outer Space Monsters 4 , uma dupla de extraterrestres
com formas humanas que remetem a astronautas sem uma
camada de proteção do mundo exterior.
A principal instalação da mostra era The Independant 5 , um
pendente gigante instalado no centro do auditório, composto de
centenas de telas de televisão feitas de barras de vidro fundidas
que aludiam às fake news. “Os monstros mais interessantes da
nossa era podem se comunicar por meio das telas”, provoca
Maxim Velčovský, diretor criativo da Lasvit e criador da instalação.
Os shows burlescos também apresentaram um toque
grotesco aliado ao glamour inerente ao estilo. Em conjunto
com as apresentações, um show de luzes também era
oferecido por meio dos 108 delicados pendentes da aclamada
coleção Neverending Glory, da Lasvit, instalados no fundo do
palco 6 . A exibição fez parte da Semana de Design de Milão
e foi contemplada com o Milano Design Award, vencendo
mais de 1.500 concorrentes, como a instalação que melhor
interpretou o design contemporâneo e uma visão conceptual
do futuro. (D.T.)
30 31

SHOT & SWAP
IRC
>90
MacAdam
2 - step
UGR

Imagens: Space Encounters e Children of Light
¿QUÉ PASA?
FUGINDO DO CONVENCIONAL
Chegamos
para fazer
o mesmo,
de maneira
diferente.
Visitar uma feira como o Salone del Mobile de Milão
pode ser bastante cansativo e consumir bastante tempo, o
que faz com que, geralmente, restem poucos momentos para
turismo ou mesmo para matar as saudades dos amigos de
longa data que habitualmente se encontram nesse tipo de
ocasião. Pensando nisso, os arquitetos do escritório holandês
Space Encounters, sob supervisão da escritora, consultora e
curadora de arte Anne van der Zwaag, criaram o Bar Anne,
que funcionou durante cinco dias no mês de abril, como parte
da Milan Design Week 2018.
O local escolhido foi o histórico Museo Diocesano, em
cuja galeria os arquitetos propuseram a instalação de uma
estrutura composta de 25 arcos, criando espaços íntimos
e, ao mesmo tempo, mantendo a permeabilidade visual. A
estrutura foi complementada por uma instalação luminosa
criada pelo duo de artistas visuais holandeses Children of
Light. O jogo de linhas de LEDs RGB, presentes em todas
as faces dos arcos, trazia um ar abstrato e cenográfico ao
espaço durante o tempo de funcionamento do bar. Também
foram oferecidos alguns espetáculos de luzes em conjunto
com performances musicais.
Um dos objetivos da instalação era divulgar a atual cena do
design dos Países Baixos. Dessa forma, os demais espaços do
bar foram decorados e mobiliados com diversas criações de
mais de dez designers desse país, incluindo desde banquetas
de design experimental até uma instalação interativa
desenvolvida especialmente para as gorjetas dos garçons.
Foram oferecidos almoço, jantar, aperitivos e drinques no
local durante todo o dia, seguidos de apresentações de luzes
e de música todas as noites. (D.T.)
Qualidade Sensível
Luminárias LED | Automação | Assessoria Técnica
Tel.: 11 4765-3299 | Av. Manuel Bandeira, 303 | Bloco B - Conj. 12 | Vila Leopoldina | São Paulo
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| www.controllerbms.com.br

Imagens: Moment Factory
¿QUÉ PASA?
BASÍLICA VIVA
Quatro intensos meses de produção de conteúdo visual,
90 dias de instalação, um mês de testes e mais de cem pes soas
envolvidas. Esse é o balanço por trás de Aura, uma das mais
ambiciosas e criativas experiências audiovisuais produzidas
pelo estúdio multimídia canadense Moment Factory.
O projeto começou a ser concebido em 2015 como
parte das comemorações pelo 375º aniversário da cidade de
Montreal, Canadá, com o objetivo de dar vida à Basílica
de Notre-Dame, uma das mais icônicas atrações turísticas da
cidade. Inaugurado há quase dois séculos, o histórico edifício
tem como características marcantes seus acabamentos em
cores vivas e seus ricos detalhes dourados, elementos que
foram as principais inspirações dos designers.
Exibida pela primeira vez em 2017 e desde então
adotada de maneira permanente, a experiência dura
aproximadamente 45 minutos e é dividida em dois atos. O
primeiro apresenta-se como um passeio que permite aos
visitantes explorar a Basílica e suas obras de arte, acentuadas
por meio de iluminação especial e de projeções. Em seguida,
já sentados, os espectadores assistem a um espetáculo de
impressionantes e imersivas projeções sobre as superfícies
do local, acompanhado por uma trilha sonora orquestral
composta especialmente para o projeto, interpretada ao vivo,
conduzindo-os a uma jornada quase etérea.
A ornamentação abundante da arquitetura demandou
aos designers a realização de uma extensiva varredura do
espaço, que resultou em um meticuloso modelo em 3D da
catedral. Utilizando um sistema de mapeamento digital
desenvolvido especialmente para o projeto, a equipe obteve
a perfeita integração das projeções de vídeo à arquitetura.
Foi dada atenção especial à vibrante paleta cromática
presente nos acabamentos do espaço, cujas cores os
designers buscaram saturar por meio da iluminação.
Ao todo, foram utilizados 21 projetores e 140 luminárias,
além de quatro equipamentos de laser que operam em
conjunto com 20 espelhos. São oferecidas duas apresentações
diárias, frequentemente esgotadas, que podem ser apreciadas
por um público de cerca de 600 pessoas cada uma. Um vídeo
da instalação pode ser conferido em momentfactory.com/
work/all/all/aura. (D.T.)
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Imagens: teamLab
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¿QUÉ PASA?
SEM LIMITES
O coletivo de arte japonês teamLab, em conjunto com a
incorporadora Mori Building, conhecida por sua atuação em
prol da integração da arte nas cidades do Japão, anunciaram
a abertura do Mori Building Digital Art Museum: teamLab
Borderless, um inovador museu inteiramente digital. Com
abertura prometida para o verão japonês, o museu será instalado
em um espaço com cerca de 10 mil metros quadrados e
abrigará a primeira exposição permanente do coletivo.
Conhecidos por seus ousados e hipnóticos trabalhos
com artes digitais, a equipe do teamLab concebeu um
museu no qual não há barreiras entre uma obra e outra ou
entre visitante e obra, transformando os próprios visitantes
em parte das instalações. O conceito vai de encontro ao
principal foco dos trabalhos do coletivo, que é “a libertação
da arte de construções físicas e a transcendência às
barreiras da sociedade contemporânea por meio da
eliminação dos limites entre tecnologia e criatividade”,
como eles mesmos definem.
O espaço expositivo de Borderless será estruturado
em cinco áreas. Uma delas será a “Athletics Forest”, que
busca incentivar um tipo diferente de aprendizado, com base
em uma visão tridimensional do mundo e em seu entendimento
por meios físicos, e não apenas intelectuais. Como es tímulos
ao pensamento tridimensional e à consciência espacial, serão
apresentados trabalhos como Boing Boing Universe 1 , uma
espécie de cama elástica com projeções interativas baseadas
no ciclo de vida das estrelas; outra área é o Three-dimensional
Light Bouldering 2 , um espaço de escalada com “pedras
preciosas” luminosas, cujas cores reagem, em tempo real, de
acordo com a movimentação dos visitantes; e Graffiti Nature
– High Mountains and Deep Valeys 3 , um enorme espaço
conformado por taludes de diversas alturas, sobre os quais
são projetadas flores, insetos, animais e até mesmo criaturas
desenhadas pelos próprios visitantes, cujo comportamento
responde ao deslocamento do público.
Dentre os cerca de 50 trabalhos que serão exibidos,
destaca-se ainda Forest of Lamps 4 , uma floresta de
pendentes de vidro Murano cujas luzes reagem à presença
dos visitantes em um padrão determinado, permitindo saber
quando novas pessoas adentram no espaço. Imagens e
vídeos desses e de outros trabalhos podem ser conferidos
em borderless.teamlab.art. (D.T.)
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MAD Architects Moreno Maggi
Moreno Maggi
¿QUÉ PASA?
QUINTA DIMENSÃO
Como parte das obras apresentadas na edição 2018
da Semana de Design de Milão, o estúdio chinês MAD
Architects concebeu a instalação Fifth Ring, uma iniciativa
da montadora italiana Audi oferecida por seu laboratório
de design italiano Audi City Lab. Exibida na histórica sede
do Seminário Arcebispal de Milão, a obra consistia em um
gigantesco anel, com 19 metros de diâmetro, suspenso sobre
o pátio central do edifício datado de 1564.
Apesar de suas enormes dimensões, a aparente leveza
da estrutura foi potencializada pelas luzes em tons de branco
dinâmico e RGB emitidas por suas faces superior e inferior,
em solução desenvolvida pela marca italiana Artemide
especialmente para a instalação. A programação de cores foi
concebida em conjunto com a iluminação das fachadas do
pátio e interagia também com uma trilha sonora ambiente.
Os enormes espelhos-d’água abaixo do anel faziam com que
ele parecesse flutuar, além de gerar fascinantes reflexos em
resposta à dinâmica das luzes.
A forma elementar foi escolhida como símbolo da
contínua busca da humanidade pela perfeição. Visto de cima,
o imponente elemento atuava como uma quinta fachada do
tradicional pátio, enquanto de baixo o anel luminoso parecia
emoldurar o céu. “O Fifth Ring pairando acima atua como um
portal para uma quinta dimensão, abrindo o diálogo entre
humanos e o desconhecido celestial”, filosofa a titular do
MAD, Ma Yansong. (D.T.)
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Imagens: Alvaro Catalán de Ocón
¿QUÉ PASA?
FUTURO SUSTENTÁVEL
COM TÉCNICAS ANCESTRAIS
O projeto PET Lamp foi criado pelo designer espanhol
Alvaro Catalán de Ocón em 2011, como forma de abordar duas
importantes questões globais: o descarte de materiais plásticos
e a centenária técnica da cestaria (fabricação artesanal de
cestas com fibras). Unindo o reúso de garrafas de plástico
PET a técnicas de tecelagem encontradas em alguns dos mais
remotos cantos do mundo, o projeto dá origem a luminárias e
abajures artesanais únicos.
Desde a primeira experiência, realizada na Amazônia
colombiana em 2011, a organização colabora com
comunidades nativas de artesãos visando à obtenção de
produtos com design atraente e que, ao mesmo tempo,
carreguem a personalidade e a identidade da cultura local.
Por meio da organização ACdO, o projeto já contou com a
colaboração de artesãos indígenas de Cauca, na Colômbia,
em 2012, e de Chimbarongo, no Chile, em 2013; além de
artesãs da Etiópia, em 2014, e de Tóquio, em 2015. Após uma
nova edição no Chile em 2016, dessa vez em colaboração com
o povo Mapuche, o projeto chegou ao seu quinto continente
em 2017, com a realização de um workshop na Austrália, a
pedido da National Gallery of Victoria, em Melbourne.
O local escolhido foi a comunidade de Ramingining, localizada
na Terra de Arnhem, no extremo norte do continente, uma área
declarada Reserva Aborígine. Durante seis semanas, a equipe do
projeto esteve imersa na cultura local, buscando entender suas
tradições, suas linguagens e suas técnicas e traduzi-las da forma
mais expressiva possível no produto final. Como em todas as
edições anteriores, os workshops realizados pela organização não
contam com design ou planejamento prévio do produto que será
desenvolvido, a fim de que haja maior liberdade de criação.
O trabalho, realizado em colaboração com um grupo de
tecelãs indígenas de um centro de artes local, foi iniciado
com a coleta dos materiais necessários: garrafas PET usadas
e fibras e raízes naturais de pândanos, que seriam tingidas
com pigmentos naturais. As artesãs, a princípio, construíram
luminárias individuais, criando formas circulares baseadas em
seus tradicionais tapetes, as quais se encaixaram perfeitamente
no formato das garrafas. No entanto, os fortes laços – de sangue
ou não – entre as próprias tecelãs revelaram aos membros
do projeto os complexos e intensos vínculos cultivados pela
cultura aborígine, o que os levou à decisão de unir as luminárias
individuais, formando duas grandes peças. “Todas as conexões
foram representadas por meio de grandes círculos concêntricos
entrelaçados que remetem também às curvas de nível de um
mapa topográfico, com seus lagos, seus vales e suas montanhas”,
descreve Ocón.
As criações do PET Lamps são tradicionalmente exibidas
durante a Feira de Milão e, neste ano, não foi diferente. Foi exposta,
pela primeira vez na Europa, uma das peças desenvolvidas em
Ramingining, na galeria Spazio Rossana Orlandi. A outra peça foi
adquirida como parte da coleção permanente da National Gallery
of Victoria. (D.T.)
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Imagens: Cruz-Diez, Adagp 2018
¿QUÉ PASA?
INTERAÇÕES CROMÁTICAS
O artista franco-venezuelano Carlos Cruz-Diez é
considerado um dos maiores nomes das artes cinéticas e
ópticas, cujas obras geralmente envolvem experimentos
relacionados à percepção e às cores. A última edição da
feira internacional Art Basel, realizada em junho na cidade
da Basileia, Suíça, contou com a exibição de uma instalação
inédita do artista, apresentada pela Galeria Raquel Arnaud,
sediada em São Paulo.
Apesar de nunca ter sido exibida publicamente antes, a
obra Translucent Chromointerferent Environment foi concebida
em 2009 por Cruz-Diez como parte de sua extensiva
pesquisa intitulada “Chromointerférence”, iniciada na
década de 1960, na qual começou a investigar as variações
cromáticas decorrentes da interação entre elementos
coloridos de diferentes naturezas. A instalação imersiva
acontece em um espaço octogonal, em cujo centro está
localizado um conjunto de projetores, que estampam com
padrões cromáticos as superfícies verticais translúcidas e
também parte do piso. Os visitantes que caminham pela
zona perimetral do ambiente podem então interagir com
as projeções, gerando sombras nas telas – que lembram os
tradicionais shows de sombras chineses – e estabelecendo
um diálogo com os espectadores que observam seus
movimentos desde o exterior da instalação.
Segundo o artista, a obra foi criada com o intuito de
explorar a natureza autônoma e dinâmica das cores e
estabelecer uma nova dialética entre observador e obra
de arte. “Translucent Chromointerferent Environment é um
trabalho em desenvolvimento; é uma projeção aérea de
uma malha luminosa em movimento, de maneira que tudo
é transfigurado, tudo perde sua materialidade, e nós nos
tornamos, simultaneamente, autores e atores. É um diálogo
duplo de transfiguração, em que tudo o que era estático vira
movimento”, explica Cruz-Diez. (D.T.)
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Agostino Osio/copyright OMA Alberto Moncada/copyright OMA
¿QUÉ PASA?
ESPAÇO CARTESIANO
O renomado escritório de arquitetura internacional OMA,
que tem como sócio fundador o arquiteto holandês Rem
Koolhaas, conta também com uma ramificação – o AMO
– destinada à aplicação do pensamento arquitetônico nos
âmbitos do design e da pesquisa. Comumente trabalhando em
paralelo com o OMA, com clientes em comum, o AMO foi o
responsável pela concepção espacial do mais recente fashion
show da grife de luxo italiana Prada, realizado no último mês de
junho na Fondazione Prada, em Milão. O conjunto arquitetônico
– uma antiga destilaria datada de 1910 e transformada em
complexo cultural projetado pelo OMA – oferece amplos
espaços expositivos, num dos quais foi apresentado o desfile
da coleção masculina de primavera-verão 2019 da marca.
Em contraposição ao caráter industrial e rústico da
arquitetura do salão, foi adicionado ao piso um rigoroso grid
de quadrados, identificados por coordenadas geográficas,
que definiam o posicionamento dos convidados. Dentro de
cada uma dessas formas geométricas, foram inseridos cubos
infláveis de plástico transparente, definindo as áreas de
assentos e as passarelas, configuradas como quatro trajetórias
longitudinais paralelas. Os pufes são uma reedição – exclusiva
para a Prada – da criação do designer dinamarquês Verner
Panton para sua marca, a Verpan, nos anos 1960
O cenário ganhou um toque psicodélico e misterioso
gerado pelas luzes em tom rosa fluorescente, emitidas pelos
projetores lineares instalados em todo o perímetro, rasantes ao
piso. A luz colorida era sutilmente refletida no interior de cada
cubo de plástico e também no piso e nas paredes do espaço,
que foram integralmente revestidos com o mesmo plástico
industrial. O efeito rasante ao piso não interferia na iluminação
dos modelos, realizada por meio de baterias de projetores com
luzes brancas, posicionados linearmente no teto e nas paredes,
acompanhando cada uma das passarelas e reforçando o
caráter rígido e serial da composição do espaço. (D.T.)
48 49

¿QUÉ PASA?
LUXO ESPACIAL
Imagens: Starck Network
A empresa norte-americana Axiom Space define-se como a
maior companhia privada do mundo no segmento de exploração
espacial. Comandada por uma equipe com vasta experiência
em voos espaciais, a empresa está atualmente trabalhando na
construção da primeira estação espacial comercial, que substituirá a
famosa International Space Station (ISS) da Nasa, a ser aposentada
em 2024. A Axiom Space Station será o primeiro passo em direção
à privatização da órbita baixa da Terra (“Low Earth Orbit”, ou LEO),
prometendo expandir os serviços – e as possibilidades de geração
de lucros – até então oferecidos pela ISS.
Como parte dos serviços da nova estação espacial, a Axiom
anunciou recentemente o lançamento do primeiro programa
de turismo espacial. Os pacotes custarão US$ 55 milhões por
pessoa e incluirão um intenso programa de treinamento de
dois anos, seguido por uma viagem de dez dias até a estação
espacial, onde os visitantes poderão dedicar seu tempo às
atividades que desejarem.
Para tornar a aventura mais confortável e atraente, a Axiom
convidou o renomado designer francês Philippe Starck para a
concepção dos interiores do módulo habitacional da estação
espacial. A proposta do designer para as cabines privadas dos
viajantes é um misto de luxo e delicadeza, cujas cores e materiais
foram inspirados em um universo fetal: “Minha visão é a criação
de um ninho, um ovo confortável e amigável que seja convidativo
e esteja em perfeita harmonia com os movimentos do corpo
humano na ausência da gravidade”, descreve Starck.
As superfícies revestidas de camurça em tom bege receberão
a adição de centenas de nanoLEDs, cuja luz mudará de cor de
acordo com o período do dia e também em resposta ao humor e
ao ritmo biológico do passageiro. Os pontos luminosos propõem
ainda uma continuidade à visão das estrelas no Espaço, por meio da
ampla janela existente em cada módulo. Todos os acabamentos –
desde as molduras de portas e janelas até as barras utilizadas para
auxiliar na locomoção em gravidade zero – serão arredondados e
revestidos de tecido em tons de dourado e bege.
“Este é um projeto dos sonhos para um criador como eu,
com uma fascinação genuína pela aviação e pela exploração do
Espaço. A maior inteligência humana no mundo está voltada à
pesquisa espacial, e eu acredito que o Espaço é a inteligência do
futuro”, declara o designer. O lançamento do módulo habitacional
da Axiom Space Station está previsto para 2022. (D.T.)
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Imagens: Ding Musa
¿QUÉ PASA?
BRANCO SOBRE BRANCO
Na instalação Sem título, do conjunto intitulado Deserto-
Modelo, além da tinta, o artista Lucas Arruda se utiliza da luz
projetada para compor seis paisagens em uma sala branca,
repetindo o tema recorrente de seus óleos sobre tela: mar,
horizonte e céu. Jogando com as nuances mais sutis que
nossos olhos podem captar, os trabalhos forçam o limite da
percepção visual com muito pouca materialidade: tinta acrílica
branca e algumas gotas de pigmento, além de luz projetada
por um refletor Dedolight LED com regulagem de temperatura
de cor e acessórios para foco e recorte da luz. A intensidade e a
profundidade da experiência visual e de percepção espacial que
a instalação provoca surpreendem e nos levam a imprevisíveis
viagens metafísicas.
O branco sobre branco lembra as infinitas possibilidades
perceptivas exploradas nos trabalhos “white on white” do artista
suprematista russo Kazimir Malevich e nas “white paintings”
dos norte-americanos Robert Rauschenberg e Robert Ryman.
Trata-se de uma sala branca com seis conjuntos de
pinturas feitas de pigmento e luz, cada matéria cria um
retângulo, e juntas formam outro retângulo separados por
um corte horizontal – o físico, o palpável versus o etéreo, o
imaginado, o irreal.
O conjunto de paisagens brancas apresenta uma sutil variação
de tonalidades de branco, tanto no retângulo de pigmento
quanto no de luz. A luminosidade geral que banha a sala oscila
lentamente, seguindo uma partitura previamente estabelecida.
Tal luz oscilante, quando muito intensa, anula o retângulo
projetado, ao mesmo tempo que revela as pinturas brancas sobre
o fundo branco, fazendo-nos acreditar que o retângulo de luz
se apagou. À medida que a luminosidade geral vai diminuindo,
um estranho jogo de adaptação visual vai deixando o retângulo
de luz mais visível e faz desaparecer as pinturas, até um ponto
médio em que ambos se igualam, suspendendo no tempo nosso
entendimento do que se passa e nos deixando em um estado
de indefinição. A luz geral faz, então, um mergulho até o zero,
eliminando as pinturas e exagerando os retângulos luminosos,
que nos parecem janelas infinitas. Sem que seja possível perceber
exatamente o ponto de inflexão, a sala começa a se acender
novamente para nos lançar em outros nove minutos de uma eterna
transformação. (por Charly Ho, Fernanda Carvalho, Luana Alves)
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A
luz emitida por dispositivos eletrônicos portáteis
(PEDs – portable eletronic devices), particularmente
quando usados à noite, despertou grande interesse
entre os pesquisadores do sono, os profissionais da área da
Saúde e a mídia. Pesquisas mostram que a exposição à luz
durante a noite (LAN – light at night) pode estar associada a
ao sono insatisfatório, o que leva à diminuição da atenção e
do desempenho ao longo do dia. A exposição à LAN também
pode suprimir agudamente a melatonina, hormônio antioxidante
produzido no período noturno e no escuro que informa ao
corpo que é noite e o protege contra o desenvolvimento de
doenças como o câncer. A luz de curto comprimento de onda
na cor azul emitida por equipamentos eletrônicos pode ser
RONDA
Texto: Rohan Nagare, Barbara Plitnick e Mariana G. Figueiro
Versão para o português: Mariana Novaes | Complemento de conteúdo: Orlando Marques
Complemento de conteúdo: Mariana Novaes | Imagem: IStock
NOVO ESTUDO DO LIGHTING RESEARCH CENTER (LRC)
TESTA A EFICÁCIA DA FUNÇÃO NIGHT SHIFT DO IPAD
especialmente prejudicial à produção de melatonina. Quando
os PEDs em uso estão muito próximo dos olhos, aumenta a
quantidade de luz recebida na retina – onde se localizam os
receptores de luz –, o que agrava a ameaça de não ter uma
boa noite de sono. Sabe-se hoje que todos os receptores
(ipRGCs, cones e bastonetes) participam da interpretação
do estímulo luminoso que influencia o relógio biológico e a
supressão de melatonina.
Em um esforço para abordar esse problema, em 2016 a
Apple Inc. lançou a função night shift em sua linha de PEDs,
incluindo o iPad, que no terceiro trimestre de 2017 era o tablet
de computador mais popular do mundo e respondia por 25%
do total de vendas globais de tablets no ano. O modo night
shift permite que os usuários alterem a cor da tela para “mais
quente” (ou seja, menos luz azul) ou “menos quente” (ou seja,
mais luz azul), sem necessariamente alterar seu brilho. Um
novo estudo do Lighting Research Center (LRC) do Rensselaer
Polytechnic Institute investigou a eficácia do modo night shift
para diminuir os impactos do uso noturno do iPad na supressão
da melatonina, um indicador do sistema circadiano.
No estudo, pesquisadoras do LRC, recrutaram 12 jovens
para usar iPads entre às 23 horas e à 1 hora em quatro noites
diferentes e em quatro condições experimentais. Uma das
condições do estudo deliberadamente suprimiu os níveis de
melatonina dos participantes ao fornecer uma intervenção
de luz azul aos olhos dos participantes por meio de óculos de
LED (light emitting diode – diodo emissor de luz) projetados
pelo LRC. Uma segunda condição ocorreu em uma situação
de pouca luz (< 5 lux), na qual os participantes usaram óculos
com lentes laranjas que filtravam a luz azul – essa condição
serviu de parâmetro de controle para os cálculos de supressão
de melatonina. O estudo também usou duas intervenções de
iluminação espectralmente distintas para o iPad, as quais foram
geradas no ajuste do controle de temperatura de cor da função
night shift, para uma faixa mais quente de cor (2.837 K) ou menos
quente (5.997 K). Como parte do estudo, as pesquisadoras
mediram independentemente a temperatura de cor correlata
(TCC) de cada cenário da função night shift. Os participantes
expostos às intervenções dos ajustes night shift de baixa TCC
(mais quente) e de alta TCC (menos quente) usaram óculos
sem lentes equipados com um medidor de luz circadiana
desenvolvido pelo LRC, chamado Dimesimeter, que mediu as
exposições à luz na altura dos olhos. Os dados do Dimesimeter
foram usados para calcular o estímulo circadiano (CS) recebido
pelos participantes durante o experimento.
Luz circadiana é definida como a luz (quantidade e espectro)
que estimula o relógio biológico ou, mais detalhadamente, é a
irradiância na córnea ponderada para refletir a sensibilidade
espectral do sistema circadiano humano, medida pela supressão
aguda de melatonina após uma hora de exposição. Já estímulo
circadiano é uma métrica desenvolvida pelo LRC, definida
como a eficácia da irradiância espectralmente ponderada na
córnea desde o limiar (CS = 0,1) até à saturação (CS = 0,7).
Ambos os termos são métricas que caracterizam a sensibilidade
espectral e absoluta do sistema circadiano humano, baseadas
no conhecimento fundamental da fisiologia da retina, bem como
nas características operacionais medi das da foto transdução
circadiana (o processo pelo qual a retina converte a luz em
sinais neurais para o sistema circadiano), do limiar de resposta à
saturação. Embora a ciência implícita a essas métricas avançadas
possa parecer complexa, as métricas de estímulo circadiano
e luz circadiana podem ser aplicadas com relativa facilidade
usando a calculadora de estímulo circadiano, disponível no
site LRC Light and Health, que permite que se converta a
iluminação fotópica presente no olho – fornecida por qualquer
fonte de luz, em qualquer nível de luz – na eficácia dessa luz
para estimular o sistema circadiano humano.
Usando a Calculadora de CS, os pesquisadores puderam
estimar detalhadamente a quantidade de supressão de
melatonina registrada nos participantes. Os resultados
mostraram que os três cenários de iluminação suprimiram
significativamente a melatonina durante as duas horas de cada
noite de estudo. E, o mais importante, não houve diferença
significativa entre a eficácia dos dois cenários de night shift.
Para uma exposição de duas horas ao iPad, o LRC mediu:
• 23% de supressão de melatonina em ambientes regulares
(não usando o night shift);
• 19% de supressão de melatonina durante o uso do
modo night shift com alta TCC;
• 12% de supressão de melatonina durante o uso do
modo night shift com baixa TCC.
O principal argumento do estudo é que apenas a mudança de
cor da tela é insuficiente para limitar o impacto dos dispositivos
eletrônicos portáteis nos níveis de melatonina à noite; o brilho
da tela também deve ser reduzido. Ao especificar iluminação
para o sistema circadiano, é importante considerar o nível de
luz, o espectro (cor), o tempo e a duração da exposição e o
histórico fótico (exposições anteriores à luz).
Em geral, os resultados desse estudo do LRC, ao enfatizar
outros aspectos além do espectro de luz, podem ser úteis
para desenvolvedores, fabricantes e usuários de dispositivos
eletrônicos autoluminosos no uso e no desenvolvimento de
monitores e telas visando à saúde e ao bem-estar. Além das
propriedades espectrais, os pesquisadores do LRC recomendam
que os usuários considerem a redução da quantidade de luz
emitida pelos dispositivos, mantendo os níveis de luz baixos,
limitando o uso de PEDs a uma hora por sessão e evitando
exposições pelo menos duas horas antes de dormir, se possível,
desligando-os. Mesmo que a melatonina não seja suprimida
durante esse intervalo, esses dispositivos podem estimular
o cérebro e, como resultado, podem prejudicar o sono.
54 55

Na fachada principal, uma linha de iluminação oculta enfatiza de modo rasante a textura de painéis de concreto pré-moldado.
Vitrines triangulares recebem iluminação direta, escondida atrás da testeira, e rasante nas paredes do fundo.
PONTO, LINHA, PLANO
Texto: Gilberto Franco | Fotos: Andrés Otero
Discorrer sobre o projeto de iluminação da NK Store em
São Paulo é uma oportunidade de percorrer de forma
bastante didática todo o processo de realização de
um projeto, desde a sua concepção, passando pela interação
com os arquitetos, até chegar ao resultado final executado.
Com efeito, o que salta aos olhos ao nos debruçarmos sobre o
projeto dessa loja de aproximadamente 2.000 m² é a clareza e a
ordenação dos elementos de iluminação, além de sua orquestração
com o que se passa na arquitetura.
Mas, para falar da iluminação, antes é necessário entendermos
bem a arquitetura, suas propostas e seus desígnios, para depois
compreender as respostas e as interações havidas, a fim de
termos a visão de conjunto.
O PROJETO ARQUITETÔNICO
Situada no remembramento de três lotes urbano, a NK Store
é resultado da evolução “orgânica” de uma loja de revenda de
roupas femininas de luxo, originalmente pequena, ocupando
apenas um dos lotes e depois, aos poucos, se propagando
pelos demais. Esse crescimento não planejado culminou na
necessidade de reordenação do espaço, de modo a abrigar
todas as funções da loja e ainda oferecer uma “experiência”
nova ao cliente.
Esses três lotes organizam-se na forma de um grande
“T”, com dois imóveis geminados na rua Haddock Lobo e o
terceiro em uma rua secundária, o qual, além de funcionar
como entrada da loja, dá acesso ao edifício administrativo
da empresa.
Para a escolha do arquiteto que viria a desenvolver o
projeto, a cliente organizou um concurso privado entre alguns
escritórios, do qual saiu vitorioso o projeto do Estudio Tupi,
cujo estudo contou desde o início com a colaboração do
Estudio Carlos Fortes no que tange à iluminação.
Em linhas gerais, o projeto arquitetônico propôs trazer a
entrada principal para a rua Haddock Lobo, deixando a outra
como secundária. Para resolver a questão estrutural dos dois
imóveis geminados, criou uma espécie de “caixa preta” central,
toda revestida de madeira pau-ferro, que elide a presença dos
pilares centrais originais, dividindo o espaço em duas pistas
paralelas de 20 metros de comprimento, ladeadas por displays
de araras. As poucas interligações entre corredores na caixa
preta abrigaram espaços de marcas independentes revendidas
na loja. Na ponta interna do “T”, uma impressionante escada
helicoidal, réplica autorizada da escada do Palácio Itamaraty,
ocupa o que antes fora um poço de iluminação e agora é coberto
por uma claraboia, situada quatro andares acima, a qual dá
acesso ao pavimento superior. Na continuação oposta, sete
degraus abaixo do nível térreo e coberto pela hélice ascendente
da escada, encontra-se o bar. Um interessantíssimo jogo de
espelhos em arranjos ortogonais e diagonais, locados em
pontos estratégicos, cria um caleidoscópio de visualizações
inusitadas, por vezes incompreensíveis, da loja.
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LAYOUT, USOS
As duas pistas que ladeiam a “caixa preta” e funcionam
geralmente como circulação e visualização das araras podem,
em ocasiões especiais, mudar completamente de aspecto, já
que um engenhoso sistema de cortinas permite esconder todos
os expositores de roupas, podendo os túneis e as aberturas do
bloco central ser fechados, criando um espaço sem nenhum
produto e dando novas possibilidades de uso, como desfiles. Na
inauguração, por exemplo, esses corredores abrigaram imensas
mesas de jantar de 18 metros, sem que nada se visse dos produtos.
Em determinado momento, porém, as cortinas se abriram, e
puderam ser vislumbradas todas as roupas expostas.
No piso superior, além de um terceiro corredor expositivo,
situa-se a área de provadores, esta também dotada de cortinas
que permitem a remodelação do espaço, e, finalmente, uma área
de vendas exclusiva, para produtos e atendimentos especiais.
A ILUMINAÇÃO
Na página dupla anterior, uma réplica autorizada da
escada do Palácio Itamaraty é refletida e multiplicada
por um jogo de espelhos. Acima, projetores embutidos
em rasgos podem ora iluminá-la como uma grande
escultura, ora como passarela para desfiles, ou mesmo
como palco para pequenas apresentações. Ao fundo
vê-se o reflexo no espelho das áreas administrativas.
Na página ao lado, rasgos longitudinais no forro
de gesso escondem trilhos eletrificados em suas
laterais, permitindo rápida conexão/desconexão de
projetores. Quando as cortinas e os nichos são abertos,
esses projetores remodelam totalmente a percepção
dos ambientes. Acima, no pavimento superior a
mesma solução se repete. Uma sequência regular de
retângulos luminosos inunda de luz a circulação. Junto
às cortinas, sancas com barras de LED reforçam o
aspecto diáfano do ambiente.
Pontos, linhas e planos. Essas foram as ferramentas básicas
utilizadas para atender à variedade de requisitos solicitados.
Todas as paginações da loja oferecem sempre essas ordenações
geométricas, que vão resolvendo as funções caso a caso. Nos
corredores da entrada principal, por exemplo, houve a necessidade
de criar dois sistemas independentes, um para iluminar as roupas
que estão nos longos displays, e outro para iluminação eventual,
como desfiles ou, como foi o caso no momento da inauguração,
jantares. Esses sistemas constituíram-se de sulcos no teto
com trilhos embutidos neles, que podem receber projetores
variados. Para chegar a esse resultado técnico, Carlos desenvolveu
um desenho especial em parceria com um fabricante, já que
os modelos similares existentes no Brasil e no exterior não
permitiam até hoje o uso desse sistema, a não ser com fixações
predeterminadas. Cada um desses sulcos tem uma função: um
ilumina o lado dos displays, o outro é reservado aos potenciais
acontecimentos do corredor. Nos displays de araras, sancas com
LED inundam de luz difusa as cortinas que os envolvem, uma
na frente, outra no fundo.
Os túneis que interligam os corredores, de arquitetura mais
baixa, receberam planos luminosos no teto, como contraposição
a seu aspecto naturalmente mais acanhado.
Na interligação das duas vertentes de acesso, descortinase
a majestosa escada, também um local de acontecimentos,
podendo servir até de palco para pocket shows, desfiles etc. E
para atender à multiplicidade das funções previstas foi criado
60 61

Nos provadores, sancas luminosas acompanham o desenho curvo das cortinas cor-de-rosa. À esquerda, a parede de espelho
duplica o espaço e a claraboia. Na imagem da página ao lado, conectando as duas galerias, túneis trapezoidais abrigam marcas
convidadas. Um forro luminoso em tela tensionada se contrapõe ao achatamento do espaço, tornando-o vibrante. Nichos
expositores de óculos são retroiluminados, de modo a ressaltar a transparência dos produtos.
um conjunto de rasgos paralelos, com o mesmo sistema
de projetores dos displays. De fato, segundo Fortes, assim
como a arquitetura se propôs a utilizar o mínimo possível
de acabamentos (concreto, pau-ferro, cortinas, latão), a
iluminação procurou se valer de um mínimo de elementos
para construir sua narrativa.
No corredor do pavimento superior, novamente a presença
de um plano luminoso em toda a sua extensão, ladeado pelos
mesmos sulcos dos corredores do térreo. Ainda nesse pavimento,
temos a área reservada, onde se encontram os produtos especiais,
de maior valor, focados no atendimento individual aos clientes.
A distinção, entretanto, fica por conta apenas dos produtos, já
que a iluminação e os acabamentos são exatamente os mesmos,
confirmando o “rigor” adotado pela arquitetura e também pela
iluminação. Os provadores, também nesse andar, compõem-se
de um conjunto de cortinas que permitem montar desde um
cenário único até um todo dividido e são banhadas por sancas
em offset de ambos os lados de cada uma.
AUTOMAÇÃO
Todo o projeto é controlável por automação, com protocolo
de dimerização tipo forward phase, tendo as respectivas cenas
sido elaboradas, montadas e registradas pelos autores do
projeto. O mesmo rigor foi observado ao se fixar a dimerização
em percentuais predefinidos: 100%, 80%, 50%, 10%. Com
esse vocabulário de porcentagens, e horas antes do jantar de
inauguração, foram montadas, criadas e registradas as cenas,
basicamente chegada, início do jantar, apogeu (momento em
que se abrem as cortinas, e o espaço outrora vazio se transforma
em loja), show (na escada “Itamaraty”) e despedida.
Pela organicidade de suas funções, que com poucos toques
se modifica, pelo rigor de seus elementos construtivos, todos
interligados entre si, em que iluminação e arquitetura quase “são”
a mesma coisa, quase lembra um ser vivo, uma espécie de bicho,
não os da natureza, talvez aqueles da Lygia Clark.
NK STORE
São Paulo
Projeto de iluminação:
Estudio Carlos Fortes
Carlos Fortes, Débora Esposto (arquitetos titulares)
Nathalie Lima Legal, Philippe Jacob, Thales Sportero (colaboradores)
Projeto de arquitetura:
Estudio Tupi
Aldo Urbinati, Andrea Bazarian, Rafael Ayres (arquitetos titulares)
Karen Abreu (colaboradora)
Paisagismo:
Rodrigo Oliveira
Projeto de automação:
e:light
Projetos complementares e obra:
Saeng
Cliente:
Natalie Klein Duek
Fornecedores:
e:light, dpot, Estúdio Jacqueline Terpins, Lemca, Lightsource, Lumini,
Lutron, Osvaldo Matos, Tensoflex
62 63

UMA SEQUÊNCIA DE ADAPTAÇÕES:
A LINGUAGEM CINEMATOGRÁFICA
NO DESIGN DE ILUMINAÇÃO
Texto e imagens: Marina Lodi
A
luz e a iluminação podem ser consideradas uma das
principais ferramentas para definir as qualidades
de um espaço. Por meio delas, além de ser possível
revelar texturas, enaltecer cores e criar perspectivas, podemos
proporcionar diversas sensações e assim enfatizar as intenções
da arquitetura. Quando iluminamos um ambiente, seja
interno, seja externo, podemos estabelecer parâmetros que
nos ajudam a alcançar os resultados desejados. Enquanto
aspectos qualitativos da luz podem ser obtidos por meio da
definição de temperatura de cor, intensidade, origem e direção,
aspectos quantitativos podem ser estabelecidos por meio de
cálculos lumínicos. Assim, a luz é orquestrada para que se
atinja conforto visual. Apesar dessas considerações e desses
parâmetros, quando pensamos a luz e a iluminação, ainda
acabamos por entender e analisar os espaços arquitetônicos
como uma experiência estática, em que o tempo é pouco ou
quase nada levado em consideração.
Para empregar o tempo como um dos parâmetros que
pode nos ajudar a criar experiências, precisamos ter foco nos
aspectos qualitativos da luz, e não somente nos quantitativos.
Dessa forma, nós nos beneficiaríamos dos estudos de
luminância e das relações de contraste, em vez de somente
dos de iluminância. Para auxiliar nessa investigação, é possível
estabelecer uma comparação entre o uso de determinado
espaço e sua iluminação com uma câmera fotográfica. Podemos
utilizar nosso conhecimento sobre o funcionamento técnico
de uma câmera e as teorias de montagem cinematográfica
para produzir uma narrativa por meio da iluminação. Tudo
isso com o objetivo de conduzir o usuário a uma melhor
percepção e apreciação da arquitetura.
64 65

Da mesma forma que uma câmera pode variar exposições
por meio da abertura e da velocidade do diafragma, o corpo
humano também pode constantemente ajustar as pupilas
para que possamos ver e nos adaptar a diversas situações e
variações de luminosidade. Assim, podemos também pensar
que a arquitetura seria capaz de se comportar de maneira
semelhante, variando a quantidade de incidência de luz em
determinado ambiente em relação ao tempo que permanecemos
nele ou transitamos por ele. Para atingir a mesma exposição
em dois ambientes distintos, por exemplo, teríamos de ter mais
incidência luminosa em um ambiente de maior permanência,
uma vez que o corpo teria um tempo menor de adaptação,
diferentemente de um ambiente em que seriam executadas
tarefas de maior tempo de duração, com incidência de luz
proporcionalmente menor.
Uma vez que a exposição dos espaços é definida, eles
se tornam um quadro, uma fotografia em movimento com
a intenção de gerar sensações e também abrigar o usuário.
No entanto, nossas experiências nunca são formadas apenas
por um único momento, mas por uma sucessão deles, e isso
também é verdade para a maneira como circulamos pelos
ambientes em que a transição pode influenciar nosso processo
de adaptação. Dessa maneira, uma vez que as exposições e
a relação de luz e tempo são estabelecidas individualmente,
é preciso criar ligações entre os diferentes fotogramas –
frames – que vão então tornar possível um desenho de luz
com foco na adaptação.
A justaposição desses espaços controlados é capaz de
contar histórias; e, além da analogia com a câmera fotográfica,
podemos coreografar uma sequência arquitetônica como em
um filme. Usando conceitos de montagem cinematográfica,
podemos gerar intenções narrativas por meio da iluminação.
Uma história, por exemplo, pode ser contada de maneiras
diferentes, com mudanças de ritmo, métricas e tom; assim,
tudo isso pode mudar o seu significado. Ao definir como
comunicamos uma ideia, adicionamos conteúdo a ela.
Nesse caso, “o meio é a mensagem”, tema já discutido em
estudos sobre comunicação e mídia pelo teórico canadense
Marshall McLuhan.
O meio aqui é a forma tectônica dos espaços e como a
luz vai interagir neles; da mesma forma que podemos mudar
de diversas maneiras de uma cena para outra em um filme,
utilizando técnicas como corte seco, fade ou dissolver, também
podemos transitar entre ambientes de diversas maneiras,
como subindo uma escada, abrindo e fechando uma porta,
passando por uma abertura estreita ou larga. Essas transições
vão alterar diretamente o processo de adaptação dos nossos
olhos. Mostramos, assim, que a iluminação deve considerar
o tempo não apenas como a duração de permanência em um
ambiente, mas também a sua relação com o movimento entre
os espaços e a possibilidade de diversos tipos de adaptação
ou de narrativas.
Vemos então que o design da luz é capaz de mudar nossa
relação com o tempo e, desse modo, proporcionar a possibilidade
do uso dos espaços de maneira mais intuitiva e harmônica.
Acreditando no nosso corpo como ferramenta fundamental para
o design, somos capazes de criar espaços funcionais ao mesmo
tempo que suprimos o corpo com necessidades psicológicas
e fisiológicas e assim acreditar em soluções holísticas que
podem gerar integração social.
66 67

A recepção do Hotel QO é definida pela montagem de anéis
concêntricos de lâminas de cobre iluminadas por luminárias
dimerizáveis LED 780 lm, 10 W, 3.000 K, 60°, IRC 95,
embutidas no forro entre os anéis. Os painéis de espelhos
envelhecidos da parede curva são iluminados por luminárias
dimerizáveis LED 500 lm, 6 W, 3.000 K, 24°, RC 95, criando
um dinâmico jogo de luz e sombra no piso, em virtude da
reflexão da luz dos painéis e dos seus montantes.
LUZ
SOBRENATURAL
Texto: Orlando Marques
Fotos: Jonathan Andrew Photography,
Ossip, Paul de Ruiter Architects
Concebido na combinação entre projeto circular e
sustentável com conforto e luxo, o Hotel QO tem
como princípio oferecer aos visitantes de Amsterdã
uma experiência inovadora: hospedar-se em um dos melhores
hotéis da Europa e ao mesmo tempo contribuir para um
mundo melhor.
O projeto de arquitetura foi desenvolvido pelos escritórios
holandeses Mulderblauw architecten e Paul de Ruiter Architects,
e o projeto de iluminação, pelos lighting designers do escritório
de Roterdã, Beersnielsen. Localizado nas margens do rio Amstel
e nos arredores da estação Amstel de Amsterdã, o projeto
está em processo de ser certificado com o selo LEED Platino,
o primeiro hotel da Europa a receber essa certificação.
68 69

Na área contígua à recepção, as colunas dos
arcos, são iluminadas por projetores LED com
fonte luminosa dupla 277 lm, 3.000 K, 6,4 W,
IRC>80, 10° cada e visor branco leitoso para
espalhar o facho na cavidade da coluna e drivers
dimerizáveis locados em ponto remoto. No bar,
destaque para a iluminação do revestimento do
piso, com luminárias lineares LED 280 lm/m,
2.800 K, 8,4 W/m, IRC>80, escondidas na base
do revestimento de madeira. Pendentes com
pendurais revestidos de trama de tecido preta e
cúpula de concreto e fonte LED 450 lm, 3.000 K.
Cada aspecto do hotel foi projetado para impactar
positivamente no mundo, por meio de ações pontuais, desde a
escolha dos materiais e das técnicas construtivas inovadoras e
sustentáveis até a troca com o meio ambiente e a comunidade
local. O Hotel QO possui 80% de suas áreas com aproveitamento
máximo de penetração de luz natural, fachadas inteligentes com
1.638 painéis móveis reagentes às condições climáticas exteriores
e interiores, equipamentos de iluminação com tecnologia LED
de baixo consumo energético e também uma estufa altamente
tecnológica para a produção de alimentos, flores e plantas ornamentais
utilizadas nos restaurantes e nas demais áreas do hotel.
O conceito de iluminação do projeto inspirou-se no movimento
da natureza para criar efeitos de luz. Mais especificamente
nos raios dourados do sol nascente, aqueles que cegam
momentaneamente e aguçam a percepção. Ou, como os
designers colocam, “é um momento que você quer capturar,
que dá arrepios”.
À medida que a luz do dia torna os espaços dinâmicos,
manifestações da luz do sol nas superfícies criam reflexos,
sombras e projeções. Esses efeitos foram traduzidos em luz
artificial como reflexos de refrações de luz na água, jogos de
luz e sombra entre elementos de interiores e de paisagismo,
70 71

feixes de raios de sol. Tudo isso depois de um cuidadoso estudo
dos acabamentos em contato com a luz, com o objetivo de
extrair o melhor de suas qualidades e seus efeitos.
Na entrada do hotel, uma reluzente montagem de finas
lâminas de bronze dispostas em círculos concêntricos define o
espaço da recepção, dando calorosas boas-vindas aos hóspedes.
Ao lado, arcos e colunas parecem feitos de ar quando iluminados
internamente, por trás de telas metálicas, criando padrões
moiré de interferência entre as telas. O balcão curvo do bar
parece flutuar, revelando suas anáguas de pastilhas cerâmicas.
Pendentes decorativos são suspensos por três pavimentos, até
iluminar o topo do balcão do bar, contribuindo para a definição
da escala humana no ambiente.
Nas áreas comuns dos bares e dos restaurantes, a iluminação
arquitetural muitas vezes é o resultado da combinação entre
iluminação de destaque e iluminação geral, por meio de
luminárias com diferentes distribuições fotométricas. Uma
segunda camada luminosa, resultado de iluminação integrada
em mobiliário e outros elementos de interiores, completa o
desenho da luz nos espaços, enquanto luminárias decorativas
de designers locais desenvolvem efeitos especiais em suas
cúpulas e em materiais e superfícies nos arredores.
As salas de reuniões no pavimento do mezanino também
seguem os princípios das áreas púbicas, iluminadas com uma
camada de iluminação difusa e de destaque tanto por meio
de luminárias fixas quanto por meio de projetores orientáveis.
Contemplativo e mágico, um inesperado efeito de reflexos de
luz na água é projetado no forro do foyer das salas de reuniões,
a partir do sofá circular, no centro do ambiente. Colunas
circulares receberam segmentos de luminárias lineares de
bronze para destacar seu acabamento de concreto.
Nos corredores de circulação para os quartos, raios de
luz parecem penetrar pelo pergolado de madeira junto ao
forro, projetando feixes de luz nas paredes e no piso. É nesse
O restaurante é iluminado por
projetores LED 780 lm, branco
dinâmico 3.000 K-2.000 K,
15°, IRC 95, fixados em trilhos
eletrificados. A face do balcão foi
iluminada por luminárias lineares
LED 280 lm/m, 2.800 K,
8,4 W/m, IRC>80, escondidas
sob o tampo do balcão.
Os pendentes possuem fontes
LED 300 lm, GU10, LED e
dimerização branco quente
2.700 K, IRC>90. No foyer da
sala de reuniões, 12 miniprojetores
customizados LED 180 lm,
3.000 K, 40W, IRC 80-89,
escondidos no sofá, criam efeito
de refração da luz na água no
forro do ambiente, controlados
por controle DMX. As colunas
de concreto são iluminadas
por luminárias dimerizáveis
customizadas com perfis lineares
com 1.000 lm/m, 3.000 K,
12 W/m, IRC>95 e drivers locados
em pontos remotos.
72 73

Os corredores de circulação dos quartos são iluminados por luminárias LED 320 lm, 3.000 K, 3 W, IRC 83 e facho ultrafechado, com
distribuição de 180°, fixados ou no forro, ou entre as vigas de madeira. Tanto a arquitetura quanto o projeto de iluminação, simulam um
ambiente de áreas externas. Nos corredores de circulação das áreas públicas, além da luminária para o efeito da penetração de luz natural,
o projeto inclui luminárias 920 lm, 3.000 K, 12 W, IRC 90 para iluminação do piso. Nos quartos, luminárias dimerizáveis lineares 370 lm/m,
4,8 W/m, 24 V, IRC>80 são integradas no mobiliário; e luminárias decorativas com emissão direta e indireta completam o projeto do hotel.
ambiente que o conceito do projeto de iluminação se materializa,
atribuindo ao espaço confinado qualidades de ambientes
externos em harmonia com a natureza.
Nos quartos de hóspedes, a iluminação integrada em
detalhes nos elementos de interiores interage com uma paleta
de materiais e cores que parecem ter sido inspirada pelos
efeitos de luz dos corredores, revelando um ambiente calmo
e revigorante. Por meio da definição de cenas de luz préprogramadas
no sistema de automação, é possível escolher
a iluminação do ambiente em virtude da hora do dia e da
penetração da luz natural. Durante a noite, efeitos de luz e
sombra no teto, provenientes da porção uplight das luminárias
decorativas junto à janela, criam a iluminação da fachada.
HOTEL QO
Amsterdã, Holanda
Projeto de iluminação:
Beersnielsen
Juliette Nielsen, Sjoerd Beers (titulares)
Mieke van der Velden (coordenadora)
Projeto de arquitetura:
Mulderblauw architecten
Paul de Ruiter Architects
Projeto de interiores:
Tank
Conran+Partners
Fornecedores:
Atelier Robotiq, BEGA, Delta Light, Foscarini,
Gallotti&Radice, Henge, iGuzzini, Jacco
Maris, TDE Lighttech, Terzani, Tom Kirk
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As duas imagens mostram cenas do espetáculo Vivisector, uma plena integração entre vídeo e performance, em que projetor de
imagens é a única fonte de luz utilizada. A narrativa da desconstrução visual do corpo humano é realizada por meio da projeção
mapeada ensaiada com os movimentos dos bailarinos. Com esse recurso, o artista edita visualmente os corpos, que assumem
características tridimensionais diversas, ora extremamente realistas e humanas, ora decompostas em pixels, tornando-se suportes
para composições gráficas.
IMAGENS-LUZ
Texto: Fernanda Carvalho
Fotos: Felix Noebauer (D.A.V.E.), Klaus Obermaier (Apparition, Vivisector), Marianne Weiss (D.A.V.E.)
Não há uma definição única que caiba na multiplicidade
de atuações do artista alemão Klaus Obermaier. Com
formação universitária em Artes Visuais e Música,
Obermaier expandiu sua atuação profissional e artística para a
concepção e a direção de espetáculos e performances, a direção
técnica de palco – o que inclui lighting design –, a composição
musical, o projeto de tecnologia, a coreografia, entre outras
áreas de atuação. Entre tantas habilidades e interesses, para
ele não há uma hierarquia entre os distintos campos: todos
têm igual importância para a criação de um trabalho artístico.
Desde os anos 1990 atuando com criações artísticas
variadas, o interesse por tecnologia em geral o levou a buscar
parcerias específicas para desenvolver projetos, já que não
havia formação em um campo tão desconhecido e inovador.
A prática do learn by doing, ou seja, “tentativa e erro”, foi
a única forma de adquirir conhecimentos no que havia de
mais avançado em tecnologia, principalmente com relação
à projeção de imagens.
Os trabalhos de Obermaier são marcados pela precisão com
relação ao espaço e ao tempo. O uso da projeção como fonte
primordial de luz é uma escolha estética, pois alcança a leveza
e a poesia que pretende, e técnica, uma vez que lhe permite o
controle detalhado com limites precisos do campo visual. O
projetor é, portanto, entendido, antes de tudo, como uma fonte
de luz muito poderosa, capaz de iluminar com imagens o objeto
que ele escolhe, processando uma separação entre figura e fundo,
por meio do recorte da primeira e da supressão do segundo.
No espetáculo Vivisector, a imagem do corpo dos dançarinos é
projetada no corpo real, causando um estranhamento espacial e
imagético. Aqui o projetor de imagens mapeadas é a única fonte
de luz utilizada e incide apenas sobre os bailarinos, criando uma
espacialidade mutante, quase bidimensional.
76 77

As imagens da esquerda e acima mostram cenas do espetáculo D.A.V.E., em que precisas projeções mapeadas explicitam o sofrimento
humano por meio de bizarras distorções do corpo. Em outros momentos, a inserção de iluminação convencional contrapõe o fantástico
dessas imagens tecnológicas com o belo e conhecido corpo humano iluminado. Nas demais, fotos do espetáculo Apparition, vemos
a exploração visual entre figura e fundo, criando fusões gráficas que confundem a percepção do espaço tridimensional e usam a
presença do corpo humano como uma distorção ou uma interferência que desorganiza o fundo delimitado com perfeição.
Já em D.A.V.E., misturou a luz projetada do vídeo com
fontes de luz teatrais em momentos alternados. A luz
posicionada na lateral – recurso tradicional da iluminação
para dança – confere tridimensionalidade ao corpo real
do bailarino. De maneira oposta, as imagens projetadas
revelam possíveis manipulações e transformações do corpo
humano. É como se existissem dois mundos: o dos corpos
perfeitos, iluminados em toda a sua tridimensionalidade,
e o das mutações bizarras e do sofrimento humano, criado
pelas projeções.
Em Apparition, além dos dançarinos, o fundo recebe
imagens projetadas. Um preciso jogo entre projeção e
luz cria uma relação entre o corpo “real”, iluminado por
luzes convencionais, e outro corpo, “irreal”, que se destaca
espacialmente do fundo, mas visualmente se funde e interage
com ele.
O uso da projeção de imagens no trabalho de Klaus
Obermaier não é um exibicionismo tecnológico, mas um
veículo poderoso para criar visualidades inusitadas utilizando
como superfície de incidência o corpo humano, com seus
movimentos e seus tempos. A clareza visual da narrativa
criada é tal que o recurso tecnológico não se sobrepõe à
poética, permitindo ao espectador embarcar na proposta
artística de forma plena.
VIVISECTOR
2002
Direção:
Klaus Obermaier
Coreografia:
Chris Haring
Bailarinos:
Chris Haring, Olaf Reinecke, Robert Tirpak, Tom Hanslmaier
D.A.V.E.
2009
Concepção, direção, vídeo e música:
Klaus Obermaier
Coreografia:
Chris Haring
APPARITION
2004
Concepção, direção, vídeo e música:
Klaus Obermaier
Coreografia e performance:
“Apparition I”:
Desirée Kongerød, Robert Tannion
“Apparition II”:
Desirée Kongerød, Matthew Smith
Design interativo e desenvolvimento técnico:
Ars Electronica Futurelab, Christopher Lindinger, Hirokazu
Kato, Jing He, Peter Brandl, Universidade de Osaka
78 79

Estabelecer hierarquias visuais para auxiliar na orientação espacial foi um dos
objetivos do projeto. À esquerda, luminárias lineares LED 3.000 K embutidas
no piso destacam a cor e a volumetria do pórtico de uma das entradas. O bloco
de ensino A, destinado aos cursos de Maquiagem para Mídias e Performance,
Maquete e Modelagem, teve a fachada iluminada em toda a sua extensão,
revelando a textura do material perfurado do revestimento. As copas das
árvores também receberam destaque por meio de embutidos de piso LED 20°, e
os percursos são iluminados por meio de balizadores, sempre com TCC 3.000 K.
A LUZ COMO
COMBUSTÍVEL
CRIATIVO
Texto: Mariana Novaes | Fotos: Robin Goodlad
A Arts University Bournemouth (AUB), localizada em Poole,
região sul do Reino Unido, é uma instituição reconhecida pela
educação em Arte, Design, Mídia e Performance. Em 2012,
quando se tornou universidade (antes era reconhecida apenas
como faculdade), o campus começou a ser ampliado para receber
um número maior de estudantes. Com isso, a reitoria contratou
equipes de arquitetura, urbanismo, paisagismo e projeto de
iluminação para o desenvolvimento de um plano diretor com
uma visão de longo prazo para a universidade.
Partindo da ideia de reimaginar um campus para as práticas
criativas, buscou-se desenvolver um ambiente construído
que refletisse essa expressão e também a energia dentro dos
programas de ensino, o qual deveria incorporar os valores da
universidade: “Faça o que você ama, e coisas incríveis podem
acontecer”.
A natureza desses cursos ministrados na universidade e seu
campus de tamanho compacto combinam-se para criar um caráter
único, diferentemente de outras universidades. Trata-se de um
campus envolvente, onde os alunos de todas as disciplinas se
misturam em espaços que resultam em trabalhos colaborativos
e no compartilhamento de conhecimentos e habilidades. Isso
leva a alunos mais alinhados e entrosados, além de propiciar um
constante burburinho de energia em todo o campus.
80 81

Acima, na praça de acesso aos edifícios de serviço do campus, como biblioteca, teatro e recepção, o estúdio MGS escolheu
manter as luminárias existentes – lineares RGB – integradas aos canteiros do jardim, complementando o cenário noturno com
uplights para destaque das copas das árvores e da sinalização dos espaços. Na página ao lado, no topo, a diretriz do plano diretor
foi manter a iluminação arquitetural existente, dando maior destaque à sinalização e aos letreiros relacionados aos edifícios.
Abaixo, vista para o jardim que interliga os blocos de ensino A (mencionado na página anterior) e B (foundation diploma) do
campus. As árvores e os percursos são destacados com luminárias LED 3.000 K.
Manter esse caráter único foi um fator-chave na evolução dos
princípios de design do plano diretor proposto pelo escritório de
arquitetura Design Engine, em colaboração com o escritório de
paisagismo Hyland Edgar Driver. Completando a equipe, em 2016
o escritório de iluminação Michael Grubb Studio foi nomeado
para desenvolver o plano diretor de iluminação do campus, assim
como o projeto de sua iluminação externa.
O plano diretor de iluminação teve como principais objetivos
criar um ambiente coeso e iluminado depois de escurecer; utilizar
a iluminação para desenvolver um caráter e uma identidade
para o local; estabelecer uma hierarquia visual da iluminação
para auxiliar na orientação; proteger os habitat circundantes; usar
níveis adequados de luz em relação à segurança e proteção sem
iluminação excessiva; minimizar a poluição luminosa, ofuscamento
e flicker; gerar uma solução de baixo consumo de energia que seja
fácil de manter; ser sensível aos desenvolvimentos vizinhos. O
plano considerou, ainda, os requisitos operacionais do campus e o
acontecimento de eventos e atividades, além de buscar responder
à pergunta: Como a luz artificial pode ser usada para desenvolver
um senso de lugar após o anoitecer?
Também permitiu que inconsistências da iluminação existente
fossem tratadas e sugeriu a implementação de soluções em várias
fases, de maneira contínua, ainda em andamento. A iluminação
existente no campus apresentava uma mistura de luminárias com
lâmpadas de vapor de sódio, halógenas, fluorescentes e postes LED
para iluminação viária. A pesquisa inicial avaliou qual iluminação
existente precisava ser substituída e quais itens poderiam ser
reaproveitados. Por exemplo, os postes de iluminação pública foram
reaproveitados para uso em um novo estacionamento e em um novo
projeto de iluminação pública para substituir as luminárias de sódio.
A iluminação linear embutida no piso também foi reaproveitada e
reprogramada para escurecer e mudar de cor em eventos especiais.
Uma nova filosofia de controle de iluminação foi desenvolvida para
o local, permitindo que a iluminação fosse reconfigurada, desligada e
dimerizada com base na localização e no uso. Essa abordagem criou
um ambiente iluminado que reage ao uso, melhora a orientação no
espaço e reduz o consumo de energia em todo o espaço da AUB. Por
exemplo, para a iluminação de amenidades, foi utilizado um sistema
simples de controle principal que integra relógios astronômicos e
sensores de luz natural para garantir que a iluminação não esteja
em uso durante o dia. Um temporizador de iluminação também foi
desenvolvido com o cliente, desligando todas as luminárias decorativas
e não essenciais quando a universidade estiver fechada. A iluminação
decorativa e arquitetônica é controlada por meio de protocolo de
controle DMX. Cenas predefinidas foram desenvolvidas com o cliente
para uso específico no inverno, no verão e em eventos. Elas também
são controladas por relógios astronômicos e sensores de luz natural
para evitar desperdício de energia.
82 83

No topo, como parte do
plano diretor de iluminação,
algumas estruturas receberam
intervenções inspiradas na light
art, fazendo com que visadaschave
ficassem mais atrativas
e customizáveis para eventos e
o uso em geral. Abaixo, a nova
estrutura do bicicletário serviu
de suporte para a inserção da
logomarca da Universidade.
O projeto de implementação
do plano diretor e seus
detalhamentos seguem em
desenvolvimento.
Acima, as superfícies laterais coloridas das diversas claraboias integradas aos blocos do campus receberam destaque por meio de
luminárias lineares com óptica de facho assimétrico para efeito wall grazing.
À medida que novas fases de desenvolvimento avançam
ao longo dos anos, as diretrizes do plano diretor permitem que
tudo se encaixe e favoreça a criação de um projeto de iluminação
coeso, fácil de ser interpretado, implementado e operado em
longo prazo.
Na sequência da elaboração do plano diretor de iluminação, a
equipe do Michael Grubb Studio, em colaboração com as demais
equipes de design, desenvolveu um novo projeto de iluminação
externo centrado em melhorarias na arquitetura e no movimento
em torno do campus, de forma a criar um ambiente iluminado e,
acima de tudo, defender o pensamento criativo da AUB.
Com o campus agora sendo parte de um mundo 24 horas
por dia sete dias por semana, o projeto de iluminação das áreas
externas também levou em conta o fato de que os alunos estudam
até mais tarde e que isso resulta em mais atividade e movimento
entre os departamentos, a biblioteca e a oficina, bem como nas
áreas sociais, como o café e o bar. Isso incluiu trabalhar nos
blocos onde ficam os estudantes, construir fachadas de áreas
ajardinadas com iluminação arquitetônica e explorar camadas de
iluminação vertical e horizontal de forma a enfatizar elementoschave
do projeto. A cor da luz também desempenha um papel
significativo. Por exemplo, ajuda a identificar as áreas e os
principais espaços dentro do campus. A iluminação RGB também
foi programada com as cores da logomarca do campus para uso
durante eventos, a fim de causar impacto visual.
De acordo com Matt Waugh, lighting designer sênior
responsável pelo projeto, “uma abordagem ‘menos é mais’ foi
adotada para a iluminação no plano diretor. As quantidades
de luminárias foram mantidas ao mínimo, usadas somente
quando necessário para funcionalidade ou localização. A partir
de testes e visitas ao local, entendemos onde a iluminação era
mais necessária, ou seja, quais são as principais vias de acesso,
entradas e áreas de lugares sentados. Continuamos a trabalhar
em estreita colaboração com o cliente, os representantes dos
alunos e a equipe de design e ouvimos as suas necessidades
para garantir o fornecimento de soluções de iluminação futuras
para melhor atender às necessidades dos usuários diariamente”.
O trabalho desenvolvido para a AUB foi reconhecido e premiado
em ampla escala, incluindo o Prêmio Regional do Royal Institute of
British Architects (RIBA), a indicação ao Brick Award, o SPACES
Highly Commended Award, o prêmio Innovation Civic Building;
o prêmio SPACES Client of the Year.
ARTS UNIVERSITY BOURNEMOUTH
Poole, Reino Unido
Projeto de iluminação:
MGS – Michael Grubb Studio
Michael Grubb (lighting designer titular)
Matt Waugh (lighting designer sênior)
Projeto de arquitetura e interiores:
Design Engine Architects
Projeto de paisagismo:
HED – Hyland Edgar Driver
Fornecedores:
Architainment, Delta Light, Havells
Sylvania, iGuzzini, Lucent Lighting,
Mike Stoane Lighting, Simes
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FOTO LUZ FOTO
ANDRÉS OTERO
Escolhi esta imagem por ser esta área o fulcro do projeto.
É a zona na qual convergem os principais ambientes, onde
se apresentam a maior parte dos materiais e as soluções
luminotécnicas criadas. É uma imagem-guia que, cotejada às
restantes, explicita o espaço.
Resultou da fusão de duas requisições do lighting designer: a
realização de uma imagem do bar e outra geral do ambiente, com
seu pé-direito duplo.
Outra opção seria fazer uma única imagem na diagonal, mas
isso acentuaria excessivamente a perspectiva, “agigantando”
o primeiro plano. Para completar, duas paredes de espelho
em ângulo reto dificultavam a escolha do ponto de vista, pois
refletiam duplamente o ambiente. Optei por este enquadramento
ortogonal, clássico, mas de um ponto de vista inusitado, que
evidencia a continuidade do piso com o bar e enfatiza a majestade
da escada. O restante do ambiente é mostrado pela reflexão dos
espelhos, como em um puzzle: o térreo com a galeria de ingresso,
com sua boiserie e suas cortinas, os caixas, o átrio, a escada em
duas outras vistas, o mezanino e a claraboia.
Para realizar a imagem, em vez de um único enquadramento
usando uma objetiva Canon TSE 17 mm, optei
por uma Canon TSE 24 mm, subdividindo a imagem em três
áreas e juntando-as digitalmente. Desse modo, a perspectiva
resultou menos exagerada.
A câmera foi uma Canon 5DS, e a construção da
imagem levou por volta de uma hora. O tratamento digital
é tão indissociável na criação da imagem quanto a revelação
na era do filme. Foi necessário aproximar esta imagem
em 2D (objetiva) da experiência in loco (eminentemente
subjetiva) da maneira mais universal possível. Basicamente,
resolvendo questões inerentes à mídia, relacionadas a cor,
contraste, luminosidade e nitidez. Por exemplo, diferentes
equipamentos/lotes de LED têm diferentes emissões de
verde, que, embora pouco perceptíveis ao olho humano,
interferem na cor dos materiais, e a foto explicita essas
variações. A minimização dessas diferenças e os ajustes de
contraste e luminosidade foram feitos manualmente nas
diferentes zonas da imagem.
Andrés Otero é fotógrafo com intensa atuação em arquitetura, iluminação e design. Seu trabalho é publicado nas principais revistas desses segmentos,
como Interni, Domus, Projeto Design e L+D, da qual foi editor. Andrés assinou também as imagens dos livros Lighting Design Brasil (2002),
Lighting Design Europe (2004) e Sintonia fina (2016).
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