L+D 73

AMOREPACIFIC (SEUL)
NOVO ESCRITÓRIO DO LETRAS (BELO HORIZONTE) | ALOUD SHOWROOM (ESTOCOLMO)
CASA DE CAMPO (BRAGANÇA PAULISTA) | BAR DO COFRE SUBASTOR (SÃO PAULO) | FOTO LUZ FOTO: GABRIEL CASTRO
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SUMÁRIO
2º Trimestre 2019
edição 73
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Takumi Ota
Daniel Romeiro
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¿QUÉ PASA?
AMOREPACIFIC
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68
NOVO ESCRITÓRIO DO LETRAS
Cores e materiais sob a regência da luz
ALOUD SHOWROOM
Som cintilante
CASA EM BRAGANÇA PAULISTA
Linhas contemporâneas, alma orgânica
BAR DO COFRE SUBASTOR
Le coffre rouge
74
MILÃO 2019
82
FOTO LUZ FOTO
Gabriel Castro
6 7

Romulo Fialdini
Thiago Gaya
publisher
AMOREPACIFIC
Iluminação: Arup Alemanha
Foto: Arup Alemanha, Noshe
Orlando Marques
editor-chefe
SOBRIEDADE E OUSADIA
Não é sempre que temos a oportunidade de publicar o trabalho de David
Chipperfield, um dos arquitetos mais habilidosos na criação de espaços
que harmonicamente dialogam com a escala, os sentidos humanos e a
paisagem de seu entorno.
Seu trabalho parece estar sempre orientado pela contextualização
dos problemas a serem resolvidos no terreno, na cidade e no uso dos
espaços. Os resultados se traduzem em edifícios sólidos; sóbrios em
caráter e ousados em atitude.
Capa desta edição, a sede da Amorepacific na capital sul-coreana
personifica todos esses predicados, reforçados pela abordagem do projeto
de iluminação da Arup Lighting para o edifício.
Apresentamos também o projeto de iluminação da ÅF Lighting para
o Aloud Showroom, em Estocolmo, projeto dedicado à interpretação
do espaço pela luz. Trazemos ainda o recém-inaugurado Bar do Cofre
SubAstor, em São Paulo, projeto da Lit Arquitetura de iluminação; e o
projeto para uma residência de campo em Bragança Paulista, do escritório
Castilha Iluminação. Outro destaque é o novo escritório do site letras.mus.
br em Belo Horizonte, projeto da Atiaîa Lighting Design, cujas imagens
do arquiteto Gabriel Castro foram selecionadas para participar da seção
Foto Luz Foto, também nesta edição.
Recém-chegado de Milão, nosso colaborador Carlos Fortes traz as
novidades da Euroluce 2019, uma das maiores exposições de iluminação
e design do mundo, que ele cobriu.
Da idílica cidade uruguaia Colônia de Sacramento, apresentamos a
cobertura da quinta edição do Encontro Iberoamericano de Lighting Design
(EILD), cujo tema, “Comunicação”, provou que juntos somos mais fortes.
PUBLISHER
Thiago Gaya
EDITOR-CHEFE
Orlando Marques
DIRETORA DE ARTE
Thais Moro
REPORTAGENS DESTA EDIÇÃO
Carlos Fortes, Débora Torii, Gilberto Franco,
Orlando Marques, Valentina Figuerola
REVISÃO
Débora Tamayose
CIRCULAÇÃO E MARKETING
Márcio Silva
PUBLICIDADE
Lucimara Ricardi | diretora
PARA ANUNCIAR
comercial@editoralumiere.com.br
T 11 3062.2622
PARA ASSINAR
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ADMINISTRAÇÃO
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T 11 3062.2622
Impressão e Acabamento: Ipsis
Boa leitura!
Orlando Marques
Editor-chefe
PUBLICADA POR
Editora Lumière Ltda.
Rua João Moura, 661 – cj. 72, 05412-001
São Paulo SP, T 11 3062.2622
www.editoralumiere.com.br
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Johannes Roloff (Licht Kunst Licht AG)
Johannes Roloff (Licht Kunst Licht AG)
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Germano Borrelli
Tim Nguyen/Citrus Photo
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Divulgação
Divulgação
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¿QUÉ PASA?
2º LIT DESIGN AWARDS
Entre os designers emergentes, Adam Kostiuk foi premiado como
Após o grande sucesso e a repercussão de sua primeira
Arrangements, criada por Michael Anastassiades para a Flos Além disso, os fundadores do LIT Design Awards estarão
10
3 , que teve como inspiração a relação entre luz e joias. presentes no 10º LEDforum, para promover a premiação. (D.T.)
11
edição no ano passado, os LIT Design Awards chegam ao “Emerging Lighting Designer of the Year” pela iluminação cênica para
seu segundo ano com algumas novidades. A premiação, o espetáculo *antigone lives 4 , uma adaptação contemporânea da
oferecida pelo Farmani Group com o objetivo de trazer tragédia grega Sete contra Tebas; já a luminária Ecliptic 5 6 , criada pela
reconhecimento aos esforços de lighting designers e de estudante Xiaoqing Long, foi a vencedora na categoria “Emerging
designers de produtos de iluminação de todo o mundo, teve Lighting Product Design of the Year”. Ambos receberão um prêmio
seus vencedores anunciados no mês de março, escolhidos de mil dólares em dinheiro, como incentivo para a realização de
por um júri composto de 24 experientes e proeminentes projetos futuros, além de serem reconhecidos internacionalmente,
membros da comunidade da iluminação mundial, incluindo por meio da ampla divulgação de seus projetos.
o publisher Thiago Gaya e o editor-chefe Orlando Marques, Entre os brasileiros premiados, destacam-se os projetos
ambos da L+D, e a lighting designer brasileira Mônica Lobo. Bar dos Arcos, do Studio 220v e da There is Light, na categoria
Entre os prêmios destinados aos profissionais, o iluminação de hotéis e restaurantes; Casa 01 da Allume
vencedor da categoria “Lighting Designer of the Year” foi Arquitetura de Iluminação, na categoria iluminação residencial; e
o escritório alemão Licht Kunst Licht, comandado pela a Nova Sede da Localiza, da Mingrone Iluminação, na categoria
lighting designer Martina Weiss – palestrante confirmada no iluminação de espaços de trabalho.
10º LEDforum, neste ano –, por seu projeto de iluminação O projeto do novo escritório do Letras, da Atiaîa Lighting
para o estacionamento de bicicletas do grupo farmacêutico Design, recebeu menção honrosa na categoria espaços de
Novartis, em Basel, Suíça 1 . O escritório ainda foi premiado trabalho e a joalheria Sauer, projeto do Estúdio Carlos Fortes,
na categoria “Ambient Lighting” pelo projeto de iluminação recebeu menção honrosa na categoria iluminação arquitetural de
para uma cafeteria em Dusseldorf 2 . O prêmio de “Lighting interiores. Todos os vencedores estarão presentes na publicação
Product Design of The Year” foi para a coleção de pendentes 2nd Annual LIT Catalogue of Lighting Designs and Implementation.

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Patrik Gunnar Helin
Iris Molendijk
Camilla Joels
Divulgação
Korhan Karaoysal
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¿QUÉ PASA?
40UNDER40
A lista dos vencedores da 4ª edição dos prêmios 40under40,
anunciados recentemente, parece estar em total consonância
com os atuais movimentos em prol do empoderamento
feminino: 31 mulheres e nove homens, de 14 nacionalidades
diferentes, foram escolhidos para receber o prêmio por sua
contribuição para o crescimento e a continuidade da profissão.
Criada em comemoração aos 40 anos dos Lighting Design
Awards, a premiação seleciona e homenageia, anualmente,
os indivíduos mais talentosos e promissores da indústria da
iluminação – sejam eles lighting designers, arquitetos, artistas
ou qualquer outro profissional relacionado, capaz de trabalhar
a iluminação arquitetural de maneira criativa e competente.
Entre as vencedoras, estão cinco lighting designers pós-
-graduadas no mestrado oferecido pelo Lighting Laboratory,
da universidade KTH Royal Institute of Technology, em
Estocolmo, Suécia: Katia Kolovea 1 , fundadora da plataforma
digital Archifos e colaboradora do projeto Women in Lighting;
Sebnem Gemalmaz 2 , coordenadora de projetos na sede
da Arup em Istambul, Turquia; Natalie Redford 3 , diretora
associada do KSLD | EFLA Lighting Design e antiga docente
do Lighting Laboratory; Mieke van der Velden 4 , lighting
designer sênior no Beersnielsen Lighting Designers e palestrante
do 9º LEDforum em 2018; e Diana Joels 5 , única brasileira da
lista deste ano, fundadora do projeto concepDUAL e membro da
diretoria da Associação Brasileira de Arquitetos de Iluminação
(AsBAI) e de diversas organizações internacionais.
Neste ano, o júri responsável pela seleção, foi formado
pelo lighting designer e educador norte-americano Glenn
Shrum, pela professora doutora polonesa baseada na Suíça
Karolina Zielinska-Dabkowska, pelo pesquisador e professor
britânico Peter Raynham e por Jill Entwistle e Ray Molony,
respectivamente editora e publisher da Lighting Magazine,
organizadora da premiação.
A cerimônia de premiação acontecerá no dia 16 de maio
em Londres, Reino Unido, juntamente com a entrega dos
prêmios do Lighting Design Awards. Nossos parabéns a essa
turma tão talentosa e, em especial, à Diana e aos demais
alumni da KTH! (D.T.)
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Imagens: Reinaldo Coser
¿QUÉ PASA?
JERRY!
Inspirada nas referências arquitetônicas presentes no
universo dos desenhos infantis, a luminária de piso Jerry!,
assinada pelo studio mk27, foi lançada com exclusividade no
Brasil pela Puntoluce em março. Concebida pelo arquiteto e
designer brasileiro Marcio Kogan, fundador do estúdio de
arquitetura, em parceria com o arquiteto Pedro Ribeiro, a peça
foi criada para a marca espanhola Parachilna, especializada
em iluminação decorativa, em cujo catálogo constam peças
desenhadas por um seleto grupo de designers convidados,
do qual o arquiteto brasileiro passa agora a fazer parte.
Constituída de uma chapa de alumínio branca cortada
a laser, medindo 1,40 metro de altura por 0,80 metro de
largura, a peça apresenta um recorte em forma de arco em
sua base, remetendo à entrada da “casa” de um rato, um
elemento clássico dos desenhos animados. Desse recorte é
emitida uma luz difusa, em tom branco quente, que estimula
a imaginação. A placa de alumínio é inclinada em relação à
sua face posterior, que, pintada na cor preta, “desaparece”
ao ser apoiada na parede, conferindo um aspecto
tridimensional à peça por meio das sombras geradas. Esse
efeito é potencializado pela luz indireta emitida desde a face
superior da luminária, separando o plano da luminária do
plano da parede.
“Mesmo quando apagada, a peça estimula a imaginação
contando histórias. Quem está dentro da parede? O que
acontece do lado de lá? O buraco é uma passagem para o
universo paralelo. Aparentemente Jerry não está por perto!”,
instigam os designers. (D.T.)
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Imagens: Javier Calleja
¿QUÉ PASA?
CONSTÂNCIA E MUTAÇÃO
A nova sede da empresa italiana Pratic Spa, especializada policarbonato, com 4 centímetros de espessura, fixados à
na fabricação de sistemas de proteção solar, tornou-se um estrutura de concreto pré-fabricado. Apesar de se assemelharem
marco na paisagem da pequena Udine, no norte da Itália. a vidros quando observados a distância, os painéis apresentam
O projeto, concebido pelo escritório Geza – Gri e Zucchi uma camada opaca que impede a passagem da luz, protegendo
Architetti Associati, previu a construção do complexo em duas as áreas de produção no interior do edifício e camuflando
etapas, aliando a eficiência à simplicidade e criando uma forte a estrutura dele. Externamente, essas placas são cobertas
identidade visual para o complexo industrial que, ao mesmo por outro tipo de policarbonato, texturizado, que possibilita
tempo, se relaciona intimamente com a paisagem local. a reflexão do céu e da paisagem do entorno. Dessa forma, a
O primeiro volume foi construído em 2011 e tem sua fachada desse volume muda constantemente de aparência,
fachada revestida de painéis de concreto pré-fabricado nas sob influência do momento do dia ou do clima, que afetam as
cores cinza e preta. Produzidos com britas de diferentes condições do céu e da luz do sol.
tamanhos, os painéis apresentam variadas tonalidades e Apesar de contar exatamente com a mesma área e proporção
texturas, o que confere, com as aberturas das janelas, um da construção inicial, o segundo volume apresenta um aspecto
interessante ritmo à fachada do extenso volume, com área de leve e mutante, em oposição à imagem pesada e permanente
cerca de 9 mil metros quadrados.
do edifício adjacente. “Essa construção demonstra que a
A expansão, concluída em 2018, foi construída de maneira arquitetura industrial pode agregar valor à paisagem, além de
adjacente ao edifício original e apresenta um aspecto de otimizar a qualidade do ambiente de trabalho. É uma excelente
continuidade por meio do ritmo comum das aberturas das oportunidade para repensar a relação entre a arquitetura e a
janelas. No entanto, o aspecto escuro e granuloso do volume natureza, devolvendo o ser humano ao seu papel central nesse
preexistente dá lugar a uma pele refletiva e iridescente, que contexto”, declaram os arquitetos Stefano Gri e Piero Zucchi,
parece 16 se dissolver no céu. A fachada consiste de painéis de fundadores do escritório. (D.T.)
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Arturo Peruzzotti
Georgina Alassia
¿QUÉ PASA?
O BRILHO DOS REINOS
O amor pelas formas e pelos processos da natureza e o
interesse pelas ciências naturais levaram a artista e escultora
Celina Saubidet e a designer industrial Marina Molinelli Wells
à fundação do estúdio Cabinet Óseo, dedicado à investigação
da anatomia humana e à sua rematerialização em joias,
esculturas e instalações. Grande parte de suas últimas obras e
investigações foi exibida na mostra Reinos, no Museu Nacional
de Arte Decorativo, em Buenos Aires, Argentina.
Coube ao arquiteto e lighting designer argentino Arturo
Peruzzotti a missão de iluminar a exposição, o que ele conta
ter sido um processo complexo em decorrência das variadas
escalas das obras expostas e também da arquitetura do
museu, sediado em um antigo palácio de estilo francês, cujos
salões amplos e de pé-direito alto são repletos de detalhes
típicos do estilo e da época. Em resposta a esses desafios, o
lighting designer propôs como conceito que o espaço fosse
iluminado somente por meio da reflexão da luz incidente nas
próprias obras, o que proporcionaria uma atmosfera dramática
em decorrência do alto contraste resultante. “Era como se
o museu estivesse fechado, apagado, e a mostra o tivesse
invadido com seu brilho e seus reflexos”, relata Peruzzotti.
Para isso, os sistemas de iluminação do museu foram
desligados, e luminárias especiais foram desenvolvidas
para cada um dos setores da exposição. No hall, as grandes
esculturas orgânicas chamadas de Crisálidas foram destacadas
individualmente por luzes pontuais fixadas nos próprios
lustres existentes no museu. Por serem pintadas na cor
branca, pareciam emitir luz própria, destacando-se em meio
à penumbra do salão. Em oposição, no salão que costumava
abrigar a sala de jantar do palácio, foram expostos os “Cristais
de Memória” – frágeis recordações de viagens, como folhas
secas e conchas, eternizadas por meio do processo de
eletrólise, que as recobre e as funde a uma camada de cobre,
transformando-as em joias. As peças foram exibidas em
uma extensa mesa construída especialmente para a mostra,
dotada de iluminação integrada em suas laterais. Objetos
similares, em escala ligeiramente maior, foram expostos no
Salão Fumoir dentro de cubos de vidro, cuja face superior foi
pintada de branco, de maneira a difundir a luz zenital incidente,
eliminando brilhos pontuais sobre as peças. A última sala
da exposição foi preenchida com as Filigranas, constituídas
de bronze e cobre, remetendo a vistas microscópicas dos
tecidos que compõem o corpo humano. Buscando valorizar
as sombras projetadas pelas esculturas sobre os suportes
brancos de lã de alpaca aos quais estavam fixadas, as obras
foram iluminadas de maneira pontual, por meio de projetores
dotados de acessórios para controle do fluxo e da forma do
facho, gerando sombras precisas. (D.T.)
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Imagens: Lido Vannucchi
¿QUÉ PASA?
AMOR À VAPOR
Durante a semana de design de Milão foi inaugurado na
cidade o restaurante AMOR, comandado pelo Alajmo Group,
conhecido pelas pizzas cozidas a vapor patenteadas pelo
chef italiano Massimiliano Alajmo. Concebida como a loja a
flagship de uma série de outros estabelecimentos planejados
pela rede, a casa teve seus interiores projetados pelo designer
francês Philippe Starck, que procurou com seu conceito
traduzir a simplicidade, a pureza e o caráter de exclusividade
relacionados à marca.
O recém-inaugurado estabelecimento é descendente do
restaurante AMO, comandado pelo mesmo grupo, cuja sede
na icônica cidade italiana de Veneza inspirou o projeto de
Starck. Como identidade para o novo restaurante, o designer
criou uma máscara inspirada no tradicional símbolo
veneziano, adaptada a uma linguagem contemporânea e
divertida. Cerca de cem delas decoram as paredes do salão
na forma de arandelas, as quais iluminam suavemente o
espaço por meio de luz indireta e lhe conferem um espírito
moderno e vibrante.
Como forma de ressaltar o caráter inovador do método de
cocção desenvolvido pelo chef Alajmo, Starck desenvolveu
um sistema criativo que incorpora, em uma mesma cúpula,
a iluminação e o sistema de vapor que finaliza o cozimento
dos discos de pizza. Fixadas a um sistema de polias, as
cúpulas douradas podem ser movimentadas verticalmente,
fazendo brilhar as pizzas no balcão enquanto são finalizadas
pelos cozinheiros sob os olhares curiosos – e famintos – dos
clientes. (D.T.)
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¿QUÉ PASA?
DIMERIZANDO O SOL
Leandro de Carvalho
O combate ao crescente e urgente problema do
aquecimento global pode ganhar um importante reforço
neste ano, de acordo com um grupo de pesquisadores da
Universidade de Harvard em Cambridge, Massachussets,
Estados Unidos. Atuantes no segmento da Geoengenharia –
que propõe a realização de intervenções climáticas de grande
escala como atenuadoras dos efeitos do aquecimento global –,
os cientistas pretendem, ainda na primeira metade de 2019,
pulverizar a estratosfera terrestre com partículas de carbonato
de cálcio, com a esperança de que possibilitem o resfriamento
do planeta por meio da reflexão dos raios solares de volta ao
espaço. A substância em questão nada mais é do que um pó
branco que pode ser encontrado nos mais diversos produtos,
como no papel, no cimento e até mesmo no creme dental.
O experimento tem como base os acontecimentos que
se seguiram à erupção do vulcão Monte Pinatubo, nas
Filipinas, em 1991. O fenômeno injetou na estratosfera
aproximadamente 20 milhões de toneladas de dióxido de
enxofre, que causaram o resfriamento do planeta em torno
de 0,5 °C por cerca de 18 meses. Os pesquisadores, no
entanto, utilizarão uma substância diferente em razão dos
danos que possivelmente o enxofre, ao ser aquecido pelos
raios solares, causaria à camada de ozônio, o que poderia
afetar ainda as massas de ar e a umidade.
Estima-se que o chamado Experimento Controlado de
Perturbação Estratosférica (SCoPEx) custará algo em torno
de 3 milhões de dólares e envolverá o lançamento de dois
dirigíveis a uma altura de 20 quilômetros sobre o sudoeste
dos Estados Unidos, onde liberarão pequenas nuvens de
carbonato de cálcio, com 100 gramas cada. Os cientistas então
observarão a dispersão das partículas, com a esperança de que
se espalhem e formem uma espécie de “cobertor refletivo”,
diminuindo assim a intensidade dos raios solares que atingem
a Terra, por meio da reflexão de parte deles.
Os pesquisadores vêm enfrentando bastante resistência de
grupos ambientalistas, que alegam que todo o esforço é apenas
uma distração para a única solução permanente contra as
mudanças climáticas: a redução da emissão dos gases do efeito
estufa. Parte da comunidade científica também se apresenta
temerosa pelo fato de os trabalhos de Geoengenharia existentes
até o momento estarem restritos a simulações computacionais,
o que faz com que as consequências do experimento sejam
incertas. A substância em questão não existe na estratosfera,
portanto não se sabe ao certo se resultará no efeito desejado.
Entre os efeitos colaterais possíveis, estão a alteração nos
padrões de chuvas e o sombreamento inadequado e prejudicial
de áreas de plantações. (D.T.)
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Imagens: Pekka Niittyvirta e Timo Aho
¿QUÉ PASA?
NO LIMITE
Simples e impactante, a instalação Lines (57° 59’N, 7°
16’W), dos artistas finlandeses Pekka Niittyvirta e Timo
Aho, faz um importante alerta a respeito da elevação do
nível do mar e de seu consequente impacto na vida dos
habitantes das regiões costeiras. A obra interage com
o comportamento das marés, acionando, de maneira
sincronizada, três linhas luminosas durante os períodos
de maré alta, por meio de sensores flutuantes. Essas
linhas, instaladas ao redor de duas construções e ao
longo da base de uma montanha, ilustram uma previsão
do nível que será alcançado pelo mar, em tempo
indeterminado, caso não sejam tomadas atitudes para
frear o aquecimento global.
O objetivo dos designers é provocar um diálogo
acerca dos impactos catastróficos que podem decorrer
da relação entre os seres humanos e a natureza e seus
efeitos em longo prazo. Esse é um tema de extrema
urgência para territórios como o arquipélago das Hébridas
Exteriores, um grupo de ilhas na costa oeste da Escócia
particularmente vulnerável aos efeitos do aumento
do nível do mar por estar situada a baixa altitude. A
instalação foi desenvolvida especialmente para o museu
Taigh Chearsabhagh Museum & Arts Centre, localizado
em uma das ilhas do arquipélago, cujo terreno permanece
inutilizado em decorrência das constantes previsões de
tormentas e tempestades no local. (D.T.)
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Courtesy of Trevor Paglen and the Nevada Museum of Art
¿QUÉ PASA?
O CÉU (NÃO) É O LIMITE
Quem imagina que os satélites artificiais presentes na
órbita terrestre estão todos ali para fins científicos pode,
em breve, estar enganado. O artista norte-americano Trevor
Paglen está prestes a mudar esse cenário com a obra Orbital
Reflector, a primeira escultura pública a ser exibida no espaço.
A ideia de criar um satélite refletivo não funcional surgiu
em 2015, quando o artista convidou o Nevada Museum
of Art para participar do ambicioso projeto. Desde então,
começaram a trabalhar em protótipos e no planejamento da
missão de lançamento, com empresas aeroespaciais como a
SpaceX, colaboradora frequente da Nasa e da International
Space Station (ISS).
A escultura, em forma de um diamante alongado, é
constituída de polietileno, um material leve e reflexivo,
similar às películas Mylar. Alojada em um CubeSat (um tipo
de satélite miniaturizado), ela será inflada, como um balão,
ao alcançar a órbita terrestre baixa, a aproximadamente
575 quilômetros da Terra. Sua superfície refletirá a luz do
sol, fazendo com que seja visível a olho nu, como uma
espécie de estrela artificial brilhante, movimentando-se
lentamente pelo espaço.
O satélite foi lançado no último mês de dezembro pelo
foguete SpaceX Falcon 9 com outros 64 satélites, no que
foi o maior lançamento da história norte-americana. Por
esse motivo, houve atraso no processo de rastreamento e
identificação dos satélites, o que adiou a inauguração da
obra – já que a equipe necessita de dados precisos quanto à
localização da escultura, para poder inflá-la de maneira segura.
Representantes do Nevada Museum of Art contam
que aderiram ao projeto motivados pela possibilidade de
mudar a maneira como as pessoas enxergam seus lugares
no mundo, por meio de um gesto artístico: “Orbital Reflector
encoraja todos nós a olhar para o céu noturno com um
senso renovado de admiração, a considerar nosso lugar
no Universo e a reimaginar como vivemos juntos neste
planeta”. (D.T.)
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Imagens: Andrés Otero
¿QUÉ PASA?
GEOMETRIA POÉTICA
A marca brasileira dpot, pioneira na reedição e na
comercialização de algumas das mais importantes peças
de mobiliário brasileiro moderno e contemporâneo, fez sua
estreia na Semana de Design de Milão neste ano. A instalação
Geometria Poética, desenvolvida em parceria com a galeria
suíça [dip] contemporary art e com curadoria de Baba Vacaro,
designer e diretora de criação da marca, exibiu um panorama
do design de mobiliário brasileiro por meio de uma seleção de
Geraldo de Barros, Lina Bo Bardi, Sergio Rodrigues e Marcelo
Suzuki, e também criações dos designers contemporâneos
Claudia Moreira Salles, Fernando Prado, Sérgio Bernardes e
Marcelo Ferraz.
A ambientação etérea dada ao galpão que abrigou a
mostra – onde funcionava o antigo depósito de mercadorias
da Estação Central de Milão – foi criada por Ricardo Bello
Dias, com inspiração nas ideias de Leveza, Rapidez, Exatidão,
Visibilidade, Multiplicidade e Consistência do escritor Italo
Calvino. Ao redor dos itens de mobiliário em exibição, foram
instaladas estruturas geométricas e translúcidas sobre as quais
foi projetado um filme baseado nas Fotoformas de Geraldo de
Barros, que representam uma nova era no âmbito da fotografia
abstrata no Brasil.
O lighting designer brasileiro Carlos Fortes foi o responsável
pelo projeto de iluminação da instalação e, por meio de
projetores fixados na própria estrutura de sustentação das telas
translúcidas, destacou individualmente as peças expostas,
criando, ao mesmo tempo, um interessante jogo de luzes e
sombras sobre o piso e sobre as próprias telas. Com inspiração
na ideologia da obra de Geraldo de Barros, a valorização de
cada objeto e sua simultânea desmaterialização por trás das
projeções e das sombras, buscaram abrir possibilidades para
diferentes formas de observação e de interpretação. (D.T.)
32 33

¿QUÉ PASA?
LUZ, CORPO, AÇÃO!
A marca multinacional Humanscale é pioneira na produção
de itens ergonômicos para uso em escritórios, os quais se
adaptam automaticamente à posição e à movimentação do
usuário. Em ocasião da Semana de Design de Milão deste ano,
a empresa realizou a instalação imersiva Bodies in Motion, como
uma metáfora de seu comprometimento com o design voltado
ao movimento do ser humano.
A instalação foi desenvolvida pelo designer norte-americano
Todd Bracher, colaborador de longa data da marca, e nasceu de
um interesse pela exploração de novas formas de expressar os
movimentos humanos. Em parceria com o estúdio de design
e pesquisa TheGreenEyl, Bracher criou uma releitura de um
método científico dos anos 1970, desenvolvido pelo psicofísico
sueco Gunnar Johansson para investigar a percepção de
movimento por meio do posicionamento de pontos de luz em
locais estratégicos do corpo humano.
Câmeras de última geração, conectadas a um software
desenvolvido especialmente para a instalação, comandam os
movimentos de 15 projetores, que traduzem a movimentação
dos visitantes em tempo real por meio de feixes luminosos.
Suas luzes são projetadas contra uma tela circular, formando um
esqueleto humano abstrato que presta homenagem ao Homem
Vitruviano, de Leonardo da Vinci, no 500º ano de sua morte.
Ao capturar a universalidade do movimento do ser
humano, a instalação demonstra a filosofia dos produtos da
marca, criados para todos os tipos de corpo. “Procuramos
eliminar distrações estéticas para revelar o movimento do
ser humano em sua forma mais pura. Queríamos estender
esse entendimento essencial de movimento por meio de uma
experiência que envolvesse todos os visitantes desse espaço”,
explica Bracher. Intercaladas entre momentos interativos, a
instalação apresentou também algumas esculturas luminosas
abstratas inspiradas em formas arquitetônicas tridimensionais
em constante transformação. (D.T.)
Todd Bracher
David Zanardi
David Zanardi
34 35

Imagem: Ignacio Aronovich / Lost Art
Imagens: we+ inc.
¿QUÉ PASA?
ONDULAÇÃO
As criações dos designers Hokuto Ando e Toshiya
Hayashi, fundadores do estúdio de design japonês we+, são
sempre marcadas pela abordagem experimental, que os leva
à utilização de materiais e tecnologias não convencionais,
em busca da proposição de novas perspectivas.
Dessa visão nasceu Swell, sua mais recente instalação,
apresentada durante a última edição do festival Tokyo
Midtown Design Touch, no ano passado. Os designers
construíram tramas compostas de mais de 300 mil
pequenos espelhos, medindo 10 mm × 20 mm cada, que
foram aplicados sobre nove telas de tecido transparente.
As malhas foram instaladas no parque público Midtown
Garden, no centro da cidade de Tóquio, Japão, onde foram
cuidadosamente posicionadas de maneira a capturar
diferentes aspectos da paisagem do entorno. Dessa forma,
as telas refletem o ambiente ao redor, ao mesmo tempo
que permitem a visualização do que está por trás delas,
transformando sutilmente a maneira de ver e vivenciar o
espaço na qual estão inseridas.
A instalação também é influenciada pela luz e pelo vento,
cujas ondulações resultantes criam variações nos reflexos
luminosos, tornando a experiência única a cada momento
do dia. “A experimentação desses fenômenos transforma o
espaço, revelando diversos aspectos do ambiente, durante
o dia e à noite. A instalação se move como uma criatura
respirando”, comentam os designers. (D.T.)
36 37

Imagens: A/D/O
¿QUÉ PASA?
PLASMANDO O INVISÍVEL
“Uma investigação acerca dos elementos invisíveis que
moldam o nosso entorno e de que maneira a tecnologia
pode ser usada para conferir-lhes uma forma física.” Assim
é definida a exposição “Wave. Particle. Duplex.” por seus
criadores, a arquiteta japonesa Azusa Murakami e o artista
britânico Alexander Groves, que, juntos, comandam o coletivo
Studio Swine (Super Wide Interdisciplinary New Explorers)
desde 2011.
As duas obras apresentadas na exposição resultaram de um
intenso trabalho de pesquisa e experimentação desenvolvido
ao longo de seis meses, como parte do programa de residência
artística oferecido pelo A/D/O – um espaço criativo dedicado
à exploração do futuro do design oferecido pela marca
automobilística MINI – em Nova York, Estados Unidos. Juntas,
as instalações exploram elementos efêmeros, como a névoa e a
luz, materializando-os em um ambiente imersivo e etéreo.
A primeira delas, Dawn Particles, é composta de uma série
de recipientes tubulares de vidro soprado preenchidos com
criptônio – um gás nobre – na forma de plasma. Considerado
o quarto estado da matéria (além do sólido, do líquido e do
gasoso), o plasma é abundante no Universo, constituindo o Sol
e as demais estrelas e sendo responsável pelos belos efeitos
proporcionados pelas auroras boreais. Seu comportamento
responsivo ao magnetismo foi estimulado por meio da aplicação
de tensão elétrica oscilante, fazendo o plasma, em meio ao
vácuo no interior do vidro, emitir luz de intensidade variável,
com aspecto quase sobrenatural.
Já Fog Paintings apresenta duas vitrines preenchidas por uma
espécie de névoa em movimento que atua como um difusor
para a luz dos projetores instalados no interior da peça. Aliado
a filtros dicroicos, o movimento da fumaça, ora turbulento, ora
mais calmo, distorce a intensidade e a cor das luzes, criando
uma visão contemporânea das transcendentais pinturas de
paisagens de artistas como Turner e Thomas Cole e remetendo
a situações sublimes da natureza, como o momento em que a
luz do sol atravessa os gases e as nuvens na atmosfera. (D.T.)
38 39

Max Touhey
David Mitchell
David Mitchell
David Mitchell
Max Touhey
David Mitchell
¿QUÉ PASA?
DE VOLTA PARA O FUTURO
O icônico terminal TWA foi projetado pelo arquiteto
finlandês-americano Eero Saarinen, nos anos 1960, para abrigar
as operações da companhia Trans World Airlines no Aeroporto
John F. Kennedy, em Nova York, Estados Unidos. O edifício – que
deixou de funcionar em 2001 por não ser mais compatível com
o porte das aeronaves modernas – passou por uma importante
remodelação que o transformou em um hotel, a ser inaugurado
durante o mês de maio deste ano.
O projeto, desenvolvido em conjunto pelos escritórios norte-
-americanos Lubrano Ciavarra Architects e Beyer Blinder Belle,
previu a construção de 512 suítes de luxo, seis restaurantes e
oito bares, além de espaços para conferências e eventos e de um
amplo mirante aberto ao público. Responsáveis pelos interiores
dos espaços públicos, os arquitetos do INC Architecture &
Design adotaram a cor vermelha – a mesma da logomarca
da companhia aérea – como elemento-chave, presente no
mobiliário do lounge central do hotel. A arquitetura marcante
desse espaço, com suas lajes côncavas de concreto e suas
amplas fachadas envidraçadas, é ressaltada pela luz natural e
pela iluminação artificial indireta, que é complementada por
projetores integrados às claraboias lineares que acompanham
o desenho do teto, mantendo os planos de concreto livres de
interferências visuais.
As suítes foram instaladas em duas novas alas, construídas
atrás do edifício principal, e contam com fachadas envidraçadas
de piso a teto, com vistas para as pistas de decolagem e pouso.
Por esse motivo, sua fachada é constituída de uma das peles de
vidro mais espessas do mundo – contando com sete camadas
– para bloquear o ruído dos aviões. Desenhadas pelo escritório
Stonehill Taylor, as acomodações tiveram forte inspiração
na cultura, na arquitetura e na ambientação dos anos 1960,
a começar pelo mobiliário, composto de peças autênticas
desenhadas por Saarinen. Com exceção das luminárias
decorativas de cobre, de design sessentista, e da iluminação de
camarim ao redor do espelho do banheiro, toda a iluminação
da suíte é integrada a detalhes arquitetônicos – como a
iluminação indireta incorporada às molduras de madeira das
paredes – e ao mobiliário – para iluminar a escrivaninha, o
guarda-roupa e a pia. O projeto conta, ainda, com certificação
ambiental LEED. (D.T.)
40 41

Imagens: Paul Lewis
¿QUÉ PASA?
PARA VER OU PARA COMER?
A britânica Milk Train, fábrica de sorvetes artesanais
vendidos por ambulantes, foi catapultada ao sucesso virtual no
ano passado, quando se popularizaram as imagens lúdicas e
coloridas das guloseimas produzidas pela marca, que parecem
saídas de contos de fadas. A fama instantânea nas redes sociais
os levou a inaugurar a primeira unidade permanente da rede,
ficando a cargo dos designers do FormRoom a tarefa de replicar,
no espaço físico, a popularidade da marca no ambiente virtual.
Especializados no segmento de “brand experience”,
os designers realizaram uma extensa pesquisa antes de
desenvolver o conceito para o espaço, que teve como
principal premissa a criação de um ambiente atemporal que
pudesse ser facilmente adaptado à constante flutuação das
tendências do Instagram, mas mantendo, ao mesmo tempo,
o visual onírico característico da marca.
A principal inspiração para os interiores da sorveteria
foi o movimento Art Déco, popularizado pela
arquitetura e pela iconografia das estações de trem
nos anos 1920 e 1930 – uma referência já presente no
universo da marca, a começar pelo nome. Desse estilo,
os designers extraíram diversos elementos, mas com
uma releitura contemporânea, como a paleta de cores
predominantemente monocromática e os arcos metálicos
pintados na cor preta, os quais, além de desenhar o
espaço, estruturam as luminárias esféricas difusas que
iluminam as áreas de assento do salão. Os elementos em
forma de nuvens presentes no forro remetem ao vapor
produzido pelos trens e ajudam a ocultar os equipamentos
responsáveis pela iluminação geral do ambiente, além
de criar um interessante jogo de luzes e sombras em
decorrência do posicionamento não organizado dessas
luminárias. “Ao criar um design modelo, acreditamos que
a beleza se encontra nos menores detalhes”, declaram os
designers. (D.T.)
42 43

Sebastián Sabalsagaray
Raúl Ajmat
Sebastián Sabalsagaray
Sebastián Sabalsagaray
Sebastián Sabalsagaray
Sebastián Sabalsagaray
Carolina Roese
Raúl Ajmat
Sebastián Sabalsagaray
Sebastián Sabalsagaray
Raúl Ajmat
Sebastián Sabalsagaray
Sebastián Sabalsagaray
¿QUÉ PASA?
ENCONTRO IBEROAMERICANO
DE LIGHTING DESIGN 2019
Sebastián Sabalsagaray
Sebastián Sabalsagaray
Florencia Revello
Imagine reunir, em uma cidade histórica, lighting designers e
profissionais de iluminação apaixonados pela luz, provenientes
de 15 dos 22 países ibero-americanos e de mais dez outros países
da Europa e da América do Norte, para quatro dias intensos de
trocas, aprendizados, experimentações e muita diversão. Imagine
também que esse encontro inicia com a observação do pôr do
sol, à beira do rio da Prata, no dia do equinócio de outono. Parece
um sonho, mas ele se materializou durante o mês de março,
com a 5ª edição do Encontro Iberoamericano de Lighting Design
(EILD), na cidade de Colônia do Sacramento, Uruguai. A L+D e o
LEDforum, parceiros do evento, marcaram presença.
O congresso bianual deste ano foi organizado por um
comitê binacional uruguaio e argentino e teve como tema
“Comunicação”. Entre os dias 20 e 23 de março, os cerca de
300 participantes puderam escolher dentre os nove workshops
oferecidos sobre esse tema, liderados por nomes expoentes
da iluminação no cenário ibero-americano (e no mundo), além
de participar de uma atividade transversal comandada pelos
britânicos Sharon Stammers e Martin Lupton, do Light Collective,
na qual criaram um panorama geral do que aconteceu durante o
evento por meio de um vídeo.
Três keynote speakers apresentaram-se durante o Encontro:
o arquiteto uruguaio Walter Debenedetti, que falou
sobre a história da cidade de Colônia do Sacramento e de seu
importante papel como patrimônio da humanidade, reconhecido
pela Unesco; a designer transdisciplinar francesa radicada nos
Estados Unidos Nathalie Rozot, que apresentou um pouco de
seu trabalho por trás da PhoScope, com o qual busca promover
mudanças na prática, na educação e no estudo da luz por
meio de ações de caráter socioeducativo e da criação de um
novo léxico relacionado à iluminação; e o arquiteto e lighting
designer britânico Mark Major – que também estará presente
no 10º LEDforum, neste ano –, que encantou a plateia com sua
apresentação a respeito das formas como costuma comunicar
ideias e conceitos de iluminação em sua prática profissional.
Como legado, o Encontro deixou para a cidade de Colônia
do Sacramento a nova iluminação permanente para o Portão de
Campo (a antiga entrada da muralha que protegia a cidade) e
para o Bastião de Carmen, dois ícones históricos e arquitetônicos
locais. As instalações foram concebidas durante o evento pelos
participantes do workshop Colônia de Luz, conduzido pelos
lighting designers Victor Palacio, do México, e Douglas Leonard,
do Chile. As luminárias foram doadas pelos fabricantes Signify
(Bastião de Carmen) e Tagetti e Schréder (Portão de Campo).
Todas as atividades do EILD foram mescladas com momentos
destinados à socialização, como o coquetel de abertura no
Centro Cultural BIT – em que os participantes puderam interagir
com os Jogos de Luz (propostos pela lighting designer argentina
e membro do comitê Eli Sirlin) e também assistir ao vídeo da
mostra Panorama, que reuniu os projetos enviados pelos lighting
designers ibero-americanos participantes do Encontro – e a
festa de encerramento no Centro Cultural AFE, que contou
com a participação especial da conhecida banda de metais
local La Ventolera – que entrou na dança e se misturou aos
participantes na pista, deixando explícito o clima de irmandade
e de horizontalidade que permeou todo o evento.
A próxima edição do EILD já tem local definido: Santiago
de Compostela, no noroeste da Espanha, sob a coordenação do
lighting designer espanhol Ignacio Valero. Nós nos encontramos
por lá em 2021! (D.T.)
44 45

Imagem do edifício
inserido no contexto
urbano de Seul.
Na página seguinte,
o espelho d’água
sobre as claraboias do
átrio inunda com luz
natural, filtrada pelo
movimento da água, o
saguão de entrada no
piso inferior.
AMOREPACIFIC
Texto: Orlando Marques | Fotos: Noshe
A
nova sede da empresa de produtos cosméticos e
de beleza sul-coreana Amorepacific, localizada no
centro da capital, Seul, tem projeto de arquitetura de
David Chipperfield Architects e projeto de iluminação natural e
artificial da Arup Alemanha, coordenado pelo lighting designer
Alexander Rotsch.
O edifício consiste em um único volume de proporções simples
e diretas projetado em torno de um átrio central. Essa solução
potencializa a ventilação cruzada e a iluminação natural nos
interiores do edifício. Três grandes aberturas verdes proporcionam
escala, contato visual e conexão com o entorno e com a cidade.
O programa arquitetônico foi elaborado para atender a diversas
tipologias de uso: corporativo, comercial, cultural e social.
Nas fachadas externas, o projeto de iluminação natural
desenvolveu, em conjunto com o projeto de arquitetura, quatro
tamanhos diferentes de brises verticais de alumínio texturizado,
46 47

48 49

As prateleiras da estante da
biblioteca são iluminadas
individualmente de forma
a acentuar o pé-direito
duplo do saguão. Os demais
ambientes seguem com
uma distribuição regular
de luminárias fixadas sob
a laje de modo a iluminar
os espaços uniformemente.
Abaixo, o fechamento atrás
do palco do auditório é feito
pela caixilharia da fachada,
permitindo a entrada
abundante de luz natural, em
geral raro em ambientes com
esta tipologia.
O saguão de entrada é também iluminado por sistema de iluminação que permite combinar diversas tipologias de distribuição
fotométrica, de temperatura de cor e de montagem.
pintado de branco fosco. Os brises são distribuídos de acordo
com a posição do sol durante o ano, limitando a incidência direta
de luz solar e evitando, assim, o ofuscamento e o aquecimento
interno, sem perder contato visual com o exterior. Além de seu
caráter funcional, os brises também ajudam a definir o desenho
das fachadas do edifício, as quais são iluminadas de cima para
baixo, fatiando o volume arquitetônico em quatro partes, definidas
a partir das dimensões das aberturas verdes. Essa solução
constitui a iluminação de fachada, que pode funcionar tanto
com a iluminação das áreas internas acesa quanto apagada.
As áreas internas foram iluminadas por um sistema único
de iluminação, customizado em parceria com os arquitetos
com o intuito de se adaptar ao uso do edifício no decorrer de
sua existência, sem alterar a aparência do desenho do forro.
Para isso, foi criada uma família de luminárias que permite
combinar diversas distribuições fotométricas, de acordo
com o uso, a necessidade visual e a identidade luminosa de
cada ambiente.
O sistema é composto de lentes de polimetilmetacrilato
(PMMA), material que permite 90% de reflexão e desenho
óptico catadióptrico, que combina a reflexão e a refração da
luz. A dissipação de calor do LED é feita por meio do próprio
corpo da luminária, o que garante eficiência e longevidade na
operação e minimização da manutenção.
As fontes luminosas têm alta qualidade de reprodução
das cores, com o intuito de se harmonizar com as qualidades
da iluminação natural presente no edifício. O conjunto óptico,
composto de microlentes, é capaz de produzir quatro tipos
de facho diferentes: concentrado, médio, aberto e elíptico.
A montagem do sistema também pode variar em embutido,
sobreposto ou pendente. Nesta última montagem, a lente de
PMMA também faz as vezes de cúpula da luminária, que, além
da emissão direta por meio dos 90% de reflexão interna,
permite a emissão indireta de 10% da luz.
Nas áreas de escritório e de vendas e nas áreas comuns do
edifício foram especificadas temperaturas de cor de 4.000 K,
enquanto nas áreas de exposições do museu e nos restaurantes
elas são de 3.000 K. Para garantir a consistência das temperaturas
de cor no empreendimento, foi utilizado step 1 na elipse MacAdam.
O projeto foi vencedor de diversos prêmios internacionais,
incluindo o LIT Awards 2018, na categoria Interior Architectural
Illumination.
AMOREPACIFIC
Seul, Coreia do Sul
Projeto de iluminação:
Arup Alemanha
Alexander Rotsch (coordenador de projeto)
Projeto de arquitetura e interiores:
David Chipperfield Architects
Cliente:
Amorepacific Corporation
Fornecedores:
BEGA, Erco, Selux, Traxon Technologies,
Viabizzuno e Wästberg
50 51

CORES E
MATERIAIS
SOB A REGÊNCIA
DA LUZ
Texto: Débora Torii | Fotos: Reverbo
O
sucesso de uma composição musical está intimamente
relacionado com a harmonia, a afinação e a sincronia
entre os instrumentos e suas melodias. As letras das
músicas mais acessadas do site letras.mus.br provavelmente
contam com essas características, assim como o projeto para o
novo escritório da empresa, recentemente inaugurado em Belo
Horizonte, Minas Gerais, cuja composição a várias mãos foi
determinante para o resultado harmônico e descontraído, que
reflete perfeitamente o espírito da empresa de tecnologia Letras.
Mariana Novaes, titular do escritório Atiaîa Lighting Design,
responsável pelo projeto de iluminação, conta que o processo
envolveu muitas trocas entre as equipes de iluminação, do
escritório MACh Arquitetos – autores do projeto de arquitetura
– e o cliente, além de diversos testes para a confirmação das
soluções adotadas, em uma abordagem “mãos na massa”,
característica do escritório de lighting design.
52 53

A área de trabalho foi iluminada por meio de sistemas lineares com difusores recuados, dotados de módulos LED HO especiais,
com 50 W, 6.720 lm e 3.000 K, posicionados sobre as mesas e complementados por projetores com LED 30 W, 1.900 lm e 3.000 K
instalados sobre as áreas de circulação. Alguns dos módulos triangulares de PVC foram destacados pela iluminação indireta
integrada à sua estrutura, proveniente de perfis de LED 16,7 W, 770 lm e 3.000 K, com difusor. Ao fundo, o painel, também revestido
com o mesmo material, foi iluminado por perfis lineares com LED 18,9 W/m, 1.270 lm/m , 30° e 3.000 K, para efeito de luz rasante.
Juntas, as equipes buscaram criar espaços que fossem
sofisticados e organizados e, ao mesmo tempo, despojados, leves
e coloridos. Assim, as três cores presentes na comunicação visual
da marca – laranja, roxo e verde – foram integradas ao projeto
de interiores, sendo a última evidenciada por mangueirinhas
de PVC que revestem a laje nervurada aparente do espaço de
trabalho. Os módulos triangulares cheios e vazados, trançados
manualmente por uma família de artesãos locais, remetem à
estrela da logomarca da empresa, sendo alguns deles iluminados
de maneira indireta, o que valoriza o material e estampa o
teto com sombras e texturas esverdeadas. O sistema modular
foi aproveitado também para a organização das instalações
elétricas, hidráulicas, de ar-condicionado e dos equipamentos
de iluminação funcional. Sobre as mesas, foram instaladas
luminárias lineares com difusores recuados, complementadas
por projetores orientáveis com facho definido, com o objetivo de
Na próxima página, acima,
a circulação que leva às
salas administrativas e
de reunião. Na página à
direita, a sala da diretoria
foi iluminada de maneira
difusa e uniforme, por meio
de luminárias circulares
com quatro diferentes
diâmetros (com LEDs
entre 10 W, 1.300 lm
e 44 W, 7.300 lm e
3.000 K), mantendo a
linguagem despojada
presente em todo o
escritório. A iluminação
de balizamento, instalada
em detalhe no rodapé
da área de estar junto às
janelas, é obtida por meio
de perfis de LED 4 W/m,
330 lm/m e 3.000 K.
54 55

Os letreiros luminosos receberam a aplicação de placas de acrílico foscas e coloridas, com o intuito de corrigir a temperatura de cor
e reduzir o brilho excessivo de suas fontes luminosas. A circulação conta também com uma série de uplights embutidos no piso, com
LED 2,5 W, 100 lm e 3.000 K, que iluminam suavemente o forro e conferem brilho às mangueiras de PVC. Na próxima página, a
área de descompressão foi iluminada por uma série de downlights integrados à laje nervurada, com lâmpadas LED formato AR 111,
12 W, 720 lm, 24° e 2.700 K, que dão brilho também à borda interna da luminária, pintada na cor verde.
À esquerda, os banheiros, cujos
acabamentos correspondem às cores da
marca. Apesar de parecerem coloridas,
as luzes nesses ambientes são emitidas
por luminárias e lâmpadas LED 3.000 K,
com emissão difusa, o que permite que as
pessoas se vejam sem distorção de cor.
quebrar a monotonia da iluminação uniforme por meio da variação
de intensidades de luz. Para evitar possíveis ofuscamentos, as
luzes pontuais, mais intensas, foram posicionadas sempre sobre
as circulações e nunca sobre os postos de trabalho.
O mesmo revestimento de PVC foi utilizado para a construção
de um painel sobre a parede longitudinal oposta às janelas, que
foi destacado por meio de iluminação rasante instalada em
detalhe integrado à testeira de madeira que arremata o painel.
Mariana explica que decidiu dar destaque a essa superfície
vertical a fim de compensar a defasagem da luz natural nesse
ponto da sala, promovendo um equilíbrio de intensidades que
beneficia a visão periférica dos usuários, além de valorizar o
aspecto tátil e os diferentes tons de verde do revestimento.
O ambiente mais divertido do escritório é a área de
descompressão. Como pano de fundo para os espaços voltados
a café e jogos, foi construída uma divisória de mangueiras de
PVC transparentes, através das quais é possível observar, ao
longo da circulação, diversos letreiros luminosos instalados,
que exibem os títulos e as letras das músicas mais acessadas
do site, criando efeitos dinâmicos e coloridos sobre a superfície
translúcida. A equipe da Atiaîa utilizou placas de acrílico foscas
e coloridas para corrigir as temperaturas de cor – originalmente
mais frias – das fontes luminosas dos letreiros, reduzindo parte
de seu brilho excessivo e deixando-as com as cores da marca.
O projeto recebeu menção honrosa do LIT Awards 2018, na
categoria iluminação para áreas de trabalho.
NOVO ESCRITÓRIO DO LETRAS
Belo Horizonte, Brasil
Projeto de iluminação:
Atiaîa Lighting Design
Mariana Novaes (arquiteta titular)
Projeto de arquitetura e interiores:
MACh Arquitetos
Fernando Maculan, Joana Magalhães e
Mariza Machado Coelho (arquitetos titulares)
Ricardo Lobato, Pablo Gonzales, Jessica Passos
e Marcos Sales (arquitetos colaboradores)
Cliente:
Letras
Fornecedores:
Omega Light e Osvaldo Matos
56 57

Uma rigorosa composição, tendo como
protagonista um elemento central, em camadas
de tecido transparente, cria a base material para
a luz se tornar visível. Luminárias desenhadas
especialmente para esta obra assemelham-se a um
“amontoado” de projetores e expressam de forma
bem-humorada as infinitas possibilidades da luz e
de seus equipamentos.
SOM CINTILANTE
Texto: Gilberto Franco | Fotos: Åke E-son Lindman
Por mais que um projeto de iluminação busque uma
personalidade própria, está em geral atrelado a um
conteúdo ou uma função externa a si, seja uma
arquitetura, uma exposição, uma cidade, um comércio, um
espetáculo. Mas e quando esse conteúdo-função é a própria
luz? Esse foi o desafio apresentado ao escritório ÅF Lighting na
concepção da iluminação do novo showroom da Aloud, empresa
sueca que desde os anos 2000 especializou-se na revenda de
soluções de luz, som e automação para residências de alto padrão,
dentro de um conceito que denominam “smart home”. A Aloud,
ao colocar um lighting designer no centro de seu espetáculo,
propõe-se a oferecer ao cliente uma orquestração customizada
de diferentes sistemas e marcas, evidenciando de forma artística
o poder transformador da luz. Isso é explícito em seu website
quando dizem que “trabalham em estreita colaboração com os
principais designers de iluminação da Europa, cuja especialidade,
aliada a produtos e tecnologia de ponta, lhe garante o perfeito
design de luz para sua casa, seu escritório ou seu refúgio”.
58 59

“Ouro reluzente, prata
cintilante, vermelho
flamejante” são
nomes expressivos que
remetem ao diálogo
entre o elemento central
e a sala contígua.
Fontes de luz cuidadosamente escondidas em nichos e elementos arquitetônicos, e com toda a variedade de
fachos e tonalidades, cria os diferentes cenários que capturarão os clientes.
O PROJETO DE ILUMINAÇÃO
O espaço consiste em uma entrada, uma recepção, uma
área de exposição, uma sala de conferências e um escritório
funcional. A meta dos lighting designers foi criar um sistema
perfeitamente integrado com suas soluções estéticas e técnicas.
Assim, a iluminação, sem pontos visíveis, foi escondida em
tetos, paredes, pisos, mobiliários, estantes, nichos etc. Ao
transformar radicalmente a percepção de todas as cores,
acabamentos, texturas e volumes propostos pelo projeto de
interiores, revela também as inúmeras possibilidades obtidas
com os diferentes sistemas de controle oferecidos pela loja:
Forward Phase, EcoSystem, DALI, 0-10v, DMX, enfim, os
principais protocolos de controle e dimerização, com todas
as suas características e individualidades exploradas.
O resultado é um ambiente totalmente transformável, um
“palco” para os efeitos de luz.
ESPIRAL LUMINOSA
PRATEADA E CINTILANTE
Além dos detalhes mais, digamos, alegóricos do que seriam
espaços de uma residência, o projeto de interiores criou um
elemento central de referência, que define o espaço. Trata-se de
uma cascata cilíndrica, composta de camadas de tecido muito
leves e imateriais, como se quisessem de alguma forma transformar
a luz incidente nelas em algo palpável. É o elemento que dá
personalidade ao conjunto, enquanto tudo o mais gira em torno
de si. Uma infinidade de cenários pôde ser criada, obedecendo a
quaisquer critérios que se deseje: ciclo circadiano, RGB ou ainda
a diversidade de “moods”, conforme descrito pelos designers, e
aqui em tradução livre: “prata cintilante, ouro reluzente, vermelho
flamejante, azul gélido etc.”. Palavras que buscam expressar as
infinitas possibilidades de composição de luzes e acabamentos,
tudo para encher os olhos de seus clientes.
ALOUD SHOWROOM
Estocolmo, Suécia
Projeto de iluminação:
ÅF Lighting
Kai Piippo, Okcar Nyström
(lighting designers)
Wennerberg & Wennerberg
Peter Wennerberg (lighting designer)
Projeto de arquitetura e interiores:
Rex+
Olle Rex
Cliente:
Aloud Custom Installation
Fornecedores:
Crestron, D-Led, EldoLED, Erco, I-Led,
Led Lab, Lutron, Meanwell, Occhio,
Pharos, ProLed, Tala e Welight LEDTape
60 61

Projetores de LED embutidos no piso (9 W, 2.700 K, 25°), emitem luz para o forro de cumaru, que ajuda a espalhar uma luz suave
e tonalizada pelo acabamento da madeira. No terraço principal, quatro projetores LED embutidos no piso (9 W, 2.700 K, 25°),
iluminam o volume central da cobertura plana, enquanto suas paredes de pedra e os pilares da fachada são varridos pela luz desses
projetores, assim como pela luz direta e indireta de pequenas arandelas de LED (6 W, 4°).
LINHAS CONTEMPORÂNEAS,
ALMA ORGÂNICA
Texto: Valentina Figuerola | Fotos: Evelyn Müller
Na casa de campo em Bragança Paulista, em São
Paulo, a luz natural entra em abundância pelas
generosas aberturas envidraçadas da fachada e
pelos desníveis entre os planos da cobertura. Os ambientes
são distribuídos a partir de um eixo central que se inicia no hall
de entrada, de onde já é possível avistar a mata nativa situada
na extremidade do terreno. A arquitetura contemporânea e
arrojada, geometricamente depurada, ganha personalidade
orgânica e aconchegante com o predomínio de materiais de
acabamento como pedra e madeira, generosamente destacados
pelo projeto de iluminação criado pelo lighting designer
Marcos Castilha.
62 63

No eixo de acesso às áreas de estar e sobre a mesa de jantar se destacam luminárias decorativas de aparência mais imponentes,
como os dois pendentes com cúpulas de madeira. Na página seguinte destaque para a iluminação dos montantes do caixilho de
madeira da circulação das áreas íntimas, realçados por pequenos projetores de LED embutidos no piso (3 W, 14°, 2.700 K).
O projeto privilegia soluções clean e discretas de iluminação
na maioria dos espaços. A exceção se dá no eixo de acesso
e nas áreas de estar de pé-direito duplo, onde se destacam
luminárias mais decorativas e imponentes, como os dois
pendentes com cúpulas de madeira, um na sala de jantar e
outro na circulação.
Castilha conta que a disposição dos downlights para
lâmpadas halógenas embutidos no forro de madeira cumaru
segue as linhas da arquitetura em vez do layout de mobiliário,
criando uma “ordem gráfica” de distribuição no forro. “Optamos
por luminárias com mesmo tamanho e aparência para obter
uma solução mais discreta. O que muda nos equipamentos
são as propagações de luz, as aberturas do facho e suas
orientações”, acrescenta.
O forro de madeira é valorizado por luminárias de LED
embutidas no piso, as quais jogam a luz para o teto, a fim de
difundir uma luz suave e tonalizada pela madeira. No terraço
principal, quatro luminárias de piso de LED iluminam o volume
central da cobertura plana que se estende em beirais generosos.
“As paredes de pedra da fachada são varridas pela luz de
luminárias embutidas no piso, pela iluminação do paisagismo e
por pequenas arandelas; todas as soluções acabam realçando
sua textura. Essas arandelas também iluminam os pilares
desse espaço.”
A transparência e os vãos generosos integram a casa ao
entorno verde, que pode ser contemplado dos interiores de
forma fluida e visualmente permeável à paisagem. “Apesar
de a casa ser grande, a iluminação não é monumental. Ela é
orgânica e está concatenada com a iluminação do paisagismo”,
explica Castilha.
À noite, a luz proveniente do interior da casa vaza para o
exterior através das aberturas, clareando o entorno imediato
da residência. A paisagista Caterina Poli, autora do projeto de
paisagismo, diz que a ideia era criar um jardim mais natural,
com cara de casa de campo, em que árvores e arbustos fossem
valorizados por uma iluminação sem exageros. Ela destaca
64 65

soluções como as luminárias embutidas no solo, que iluminam
as árvores principais de baixo para cima, especificadas em
duas intensidades.
Com exceção dos ambientes mais fechados, todos os
espaços da casa, especialmente os jardins, as áreas sociais
e o eixo de acesso, contam com sistemas de automação de
iluminação e acionamento integrado que facilitam o controle
das luzes e a criação de cenas sem a necessidade de grandes
deslocamentos. “Apesar de a casa ser arrojada e de grande
porte, conseguimos um resultado orgânico e funcional que
valoriza bem a simbiose entre a arquitetura e o paisagismo”,
finaliza Castilha.
A disposição dos downlights
para lâmpadas halógenas
AR-111 tipo energy saver
(35 W, 24°, 2.700 K) no forro
de madeira cumaru segue
as linhas da arquitetura.
Luminárias de LED embutidas
no piso valorizam o forro de
madeira das áreas sociais.
Na página seguinte, abaixo,
a área da churrasqueira é
iluminada por downlights de
LED de sobrepor sob as vigas
(6 W, 22°, 2.700 K).
CASA EM BRAGANÇA PAULISTA
São Paulo, Brasil
Projeto de iluminação:
Castilha Iluminação
Marcos Castilha (arquiteto titular)
Brenda Lelli (arquiteta colaboradora)
Projeto de arquitetura e interiores:
Gilda Assumpção Meirelles
Projeto de paisagismo:
Catê Poli Paisagismo
Caterina Poli
Fornecedores:
Alloy, Bertolucci, Interlight, Ledplus,
Lumini, Omega Light, Osram e Reka
66 67

No Salão 2, as luminárias em cruz foram equipadas com tubos de cátodo frio 600 mm, 28 W, 66 lm por lâmpada
(aproximadamente), com emissão vermelha. Projetores lineares com LED 16 W, 2.488 lm e facho assimétrico 14° × 34°, foram
instalados no piso, atrás dos sofás, iluminando de maneira rasante os cofres e inserindo uma componente de luz branca no espaço.
LE COFFRE ROUGE
Texto: Débora Torii | Fotos: Marcelo Kahn
Apesar de ter sido inaugurado apenas há alguns meses,
o Bar do Cofre SubAstor exala história em cada um de
seus detalhes. Localizado no subsolo do Farol Santander
(antigo “Banespão”), um dos mais históricos prédios da capital
paulista, esse espaço funcionou como abrigo para os cofres do
Banco do Estado de São Paulo durante mais de cinco décadas.
O projeto de arquitetura que o transformou em bar, conduzido
pelo LAB Arquitetos, fez questão de deixar evidente essa história,
mantendo e valorizando elementos marcantes, como as imponentes
portas circulares de concreto e aço e alguns dos revestimentos
de mármore originais.
A convite da equipe de arquitetura, as lighting designers Letícia
Mariotto e Cláudia Borges Shimabukuro, titulares da Lit Arquitetura
de Iluminação, foram as responsáveis pelo projeto de iluminação e
contam que o processo foi marcado por grandes desafios, como o
curto prazo entre o início do projeto e sua execução, o tombamento
do edifício e as restrições orçamentárias que inviabilizaram algumas
das visões iniciais da equipe de arquitetura para o espaço.
68 69

Ao lado, o Salão 3 foi
iluminado de maneira
difusa, por meio de
luminárias lineares
pendentes, com LED RGBW
12 W/m, que permitem
controlar a cor da emissão
luminosa. Os pendentes
foram instalados em
diferentes alturas, que
vão de 2,90 m do piso,
na entrada, a 2,60 m,
preparando os clientes
para a Sala 4. Também
considerado uma Sala VIP,
o ambiente é cercado por
grandes portas de cofres,
que foram valorizadas por
meio da iluminação rasante
de projetores lineares com
LED 16 W, 2.488 lm e facho
assimétrico 14° × 34°,
instalados no piso, atrás dos
sofás. Na sanca metálica
existente foi instalada fita
de LED 4,8 W/m na cor
vermelha, refletida pelo
forro também metálico.
PERCURSO E AMBIENTAÇÃO
Uma porta ao lado da entrada principal do Farol Santander
dá acesso ao elevador e à escada que conduzem ao bar, no
subsolo. Na recepção, localizada logo ao final da descida das
escadas, foram preservados dois elementos da iluminação
original do edifício: a clássica luminária de aço em estilo Art
Déco, tombada pelo patrimônio histórico, assim como todo
o edifício, cujas lâmpadas fluorescentes tubulares foram
substituídas por tubos de cátodo frio, que oferece brilho
mais suave e permite o controle de sua intensidade, e a sanca
metálica perimetral, cuja aba original de aço foi mantida e
restaurada e onde foram aplicados perfis lineares de LED
na cor branca, também dimerizáveis, os quais iluminam o
ambiente de maneira indireta, valorizando os acabamentos
preservados, de cores claras.
Em meio aos acabamentos em tons escuros que caracterizam
o Salão 1, atrás da recepção, três pontos focais atraem
os olhares dos visitantes: as duas portas originais do cofre,
iluminadas por meio de mangueiras flexíveis de LED instaladas
em seus perímetros; o balcão do bar, constituído de mármore
translúcido e retroiluminado por meio de fitas de LED dimerizáveis;
e as prateleiras de vidro com iluminação integrada, que fazem
brilhar as garrafas de bebidas e cujo efeito é potencializado
70 71

A ambientação de estilo “lounge” da Salão 3, criada por meio do mobiliário pertencente ao acervo do Santander, foi reforçada
pela sugestão, por parte do projeto de iluminação, de diversas luminárias decorativas de piso e de mesa, com lâmpadas LED com
temperaturas de cor entre 2.400 K e 2.700 K, que complementam a iluminação difusa e colorida proveniente dos pendentes lineares.
O Salão 1, cujos pontos focais são a porta circular do antigo cofre, ressaltada por meio de mangueira LED neon
7 W/m, 200 lm/m, 2.700 K integrada em seu perímetro; o balcão do bar, transiluminado por meio de perfis de LED 9,6 W/m,
810 lm/m, 2.600 K instalados em seu interior; e as prateleiras onde são expostas as garrafas, destacadas por meio de perfis de
LED 9,6 W/m, 810 lm/m, 2.600 K, fixados sob cada uma delas, iluminando os líquidos contidos nos envases coloridos.
pelo revestimento espelhado da parede ao fundo. Nesse
ambiente também foi preservada a sanca de aço perimetral,
cuja iluminação indireta é refletida pelo nicho pintado na cor
branca, que emoldura o novo forro modulado de cor preta.
O Salão 2, acessível por uma das portas circulares, pode
ser considerada o coração do projeto. Ao visitar o espaço pela
primeira vez, Leticia conta que imediatamente souberam de
que maneira transformariam sua iluminação. Foi praticamente
uma visão: as luminárias em cruz existentes tiveram suas
lâmpadas fluorescentes tubulares substituídas por tubos
de cátodo frio vermelhos, a cor corporativa do banco. A
sala, que é inteiramente tombada, passou pela completa
restauração de suas 2 mil caixas de depósito de aço, que
foram ressaltadas, de um dos lados, por meio da luz rasante
de projetores lineares instalados no piso, atrás dos sofás, que
também trazem uma componente de luz branca ao ambiente.
Assim como o Salão 1, esse espaço também conta com um
balcão transiluminado, característico dos empreendimentos
gerenciados pelo SubAstor.
Por trás da outra porta circular, está o Salão 3, que foi
transformado em um lounge. O teto multimídia proposto inicialmente
pela equipe de arquitetura – e posteriormente inviabilizado
por questões orçamentárias – deu lugar à iluminação difusa
por meio de luminárias lineares com LED RGB, que permitem
criar uma diversidade de ambientações por meio das trocas
de cor. Esses equipamentos foram dispostos de maneira não
ortogonal e suspensos a alturas gradativamente mais baixas,
conduzindo os visitantes à sala VIP, no final do ambiente. O clima
de exclusividade desse espaço é ressaltado por meio de fitas de
LED com emissão vermelha, instalados sobre a sanca de aço,
cuja luz indireta é refletida pelo revestimento metálico do teto.
Assim como no Salão 2, as portas restauradas dos cofres que
circundam o espaço foram iluminadas de maneira rasante por
meio de projetores lineares com luz branca, instalados no piso.
LEGADO
O tombamento do edifício e sua arquitetura peculiar
– com espaços bastante segmentados e delimitados
por paredes de concreto maciço com 67 centímetros
de espessura –, que poderiam ter sido entraves para
essa transformação no uso do espaço, foram utilizados
de maneira engenhosa para criar a ambientação do
bar, complementada por cadeiras, poltronas e sofás
originais do acervo do Santander. “Embora fosse um
espaço escondido do público e acessível apenas a
poucos usuários, o cofre faz jus à força da arquitetura
Art Déco tardia do edifício, com elementos estéticos
superinteressantes”, comenta Leticia a respeito de
algumas de suas características originais. O resultado
do projeto valoriza ainda mais essa história.
BAR DO COFRE
SUBASTOR
São Paulo, Brasil
Projeto de iluminação:
Lit Arquitetura de Iluminação
Letícia Mariotto e
Cláudia Borges Shimabukuro
(arquitetas titulares)
Projeto de arquitetura
e interiores:
LAB Arquitetos
Cliente:
Farol Santander
Fornecedores:
Itaim, Lemca, Light Design + Exporlux,
Lumini, Omega Light e
Several Service Group
72 73

MILÃO 2019
Texto: Carlos Fortes
Fotos: Tom Vack, Takumi Ota
A
Semana de Design de Milão é, sem dúvida, o maior
evento mundial de design e de decoração. Durante seis
dias do mês de abril, todos os olhares do universo do
design e da arquitetura se voltam à cidade do norte da Itália.
Ano após ano, o evento denominado Fuori Salone – que
inicialmente reunia manifestações diversas de jovens designers,
artistas e marcas que buscavam, em instalações conceituais,
se posicionar fora dos limites formais do Salão do Móvel
(I Saloni) – foi tomando grandes proporções, até atingir o
destaque atual, atraindo um número crescente de visitantes,
muitos dos quais sequer põe os pés no Salone, em Rho.
Marcas tradicionais continuam a apresentar seus lançamentos
na feira e também em seus showrooms, em concorridos eventos
para a imprensa e convidados. Cada vez mais vemos também o
trabalho de designers e artistas independentes em associação
com a indústria, muitas vezes apresentando novos materiais.
Também é notória a migração do interesse do público em
novas direções. A Zona Tortona, reduto do Fuori Salone que
reunia a vanguarda da produção independente em exposições
coletivas ou individuais (marcou época, por exemplo, o Super
Studio Piu) logo passou a abrigar showrooms, museus, hotéis e
grandes exposições, hoje não atrai tanto os olhares ávidos por
novidades. É verdade que novos edifícios surgidos nos últimos
anos continuam a atrair muitos visitantes – por exemplo,
Armani/Silos, criado por Tadao Ando para expor as coleções
de moda de Giorgio Armani e exposições temporárias de arte
74 75

Na página anterior, instalação “Nel blu, dipinto di blu”, de Ingo Maurer, para a Torre Velasca. Ao lado, o coletivo japonês nendo
apresentou a instalação “Breeze of Light” na Zona Tortona.
contemporânea; e o MUDEC (Museo Delle Culture), projetado
por David Chipperfield. Este ano, um dos destaques na Zona
Tortona foi a instalação Breeze of Light, do incensado coletivo
japonês nendo, de Oki Sato, em parceria com a Daikin, empresa
de ar-condicionado. Já a empresa holandesa Moooi, que em
anos anteriores apresentou formidáveis instalações na Via
Savona, migrou para o tradicional distrito de Brera, parecendo
acanhada e previsível em seu novo endereço.
Brera, aliás, tornou-se um dos destinos preferidos dos visitantes.
A combinação de restaurantes tradicionais com lojas de moda,
pequenos showrooms, museus, muita gente na rua e a proximidade
com as renovadas regiões de Porta Garibaldi e Porta Nuova traz
uma verdadeira ebulição à região, aumentando a quantidade de
participantes do Fuori Salone.
Também é crescente a presença de marcas e designers
brasileiros. A marca de alta marcenaria Etel abriu há pouco
mais de um ano loja própria na Via Pietro Maroncelli, na Porta
Garibaldi, ao norte de Brera. No Museo Della Permanente, a
mostra Brazil Essentially Diverse, organizada pela Axpe, com
o apoio do Consulado brasileiro em Milão, levou mais de 30
designers. Jader Almeida, já veterano em Milão, expôs suas
criações em parceria com a Sollos no Palácio Litta.
O projeto Ventura, que acontecia no distante distrito de
Lambrate, há dois anos mudou-se para Centrale, ocupando antigos
armazéns desativados da estação ferroviária. Este ano compôs um
dos conjuntos mais interessante da cidade, com 16 instalações,
que em sua maioria exploravam efeitos de luz e projeções. Um
desses galpões foi ocupado pela Dpot, pela primeira vez em
Milão, com uma instalação-tributo a Geraldo de Barros intitulada
Poetic Geometry. Outro grande destaque em Ventura Centrale foi
a instalação de Todd Bracher, na qual a interação dos visitantes,
com sincronização de som, luz e movimentos, proporcionou uma
interessante experiência participativa do público (veja páginas as
32 e 34 nesta edição).
Na Euroluce, o grande destaque foi o enorme estande da Flos
– posicionado não exatamente em um dos pavilhões destinados
à Euroluce, e sim no Hall 24, onde também aconteceu o Salão
Satélite. Em um gigantesco estande, foi apresentado ao público
o grupo denominado Design Holding, criado no final de 2018 e
que é composto, além da Flos, da dinamarquesa Louis Poulsen
e da marca de mobiliário B&B Italia, com investimento do grupo
Carlyle. A Flos apresentou criações de Michael Anastassiades
e nendo, reafirmando sua qualidade de manter-se sempre
alinhada com a vanguarda do design. A Louis Poulsen apresentou
parceria inédita com Olafur Eliasson, artista dinamarquês que
explora a luz em seus trabalhos e suas instalações.
Davide Groppi também passa a fazer parte do grupo IDB
– Italian Design Brands. Assim como no mundo da moda,
parece que as empresas de design seguem a tendência de
se agruparem em conglomerados, a fim de se fortalecerem e
garantir o destaque em um mercado altamente competitivo
e globalizado.
A Artemide se mostra renovada, seguindo com suas parcerias
com o Atelier Oï, Big e com diversos produtos que levam a
assinatura de Carlotta de Bevilacqua e Ernesto Gismondi. Os
produtos flexíveis, seja no sentido da aplicação, seja no sentido
literal de criar formas e traçados com liberdade, segue como
tendência da marca.
Destacamos a presença das marcas espanholas, em especial
Víbia, Marset e Santa & Cole, todas com muita personalidade,
reforçando suas identidades. A Santa & Cole provoca com seu
estande sem lançamentos, convidando a uma reflexão sobre o
efêmero e o perene.
Ingo Maurer segue com sua irreverência, cria a instalação
Nel blu, dipinto di blu e novamente ilumina o icônico edifício Torre
Velasca, como parte do evento Human Spaces, promovido pela
revista – dessa vez colorindo-o de azul, depois de tê-lo feito
vermelho em 2016. E nos dá mostras de seu processo criativo e
o de sua equipe com a coleção Luzy Blue.
A seguir, uma seleção de produtos apresentados na EUROLUCE:
76 77

Fotos: Divulgação
1 1 2 3 3 4 4
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7
7
ARTEMIDE
1 Interweave por Pallavi Dean
Interweave é um sistema flexível que integra luz e serviços.
É composto de elementos cilíndricos de alumínio de diferentes
diâmetros, com a função de fixar as linhas de luz, os quais
podem receber projetores ou outros elementos, como sensores
e caixas de som. Os elementos luminosos podem ser livremente
posicionados, criando desenhos próprios a cada projeto.
2 La Linea por BIG
La Linea é um tubo flexível de silicone para iluminação difusa,
que pode ser moldado e girado livremente nos espaços. O sistema
é composto de módulos de 2,5 metros ou 5 metros, extensíveis,
que podem ser aplicados em áreas internas e externas. A forma
simples esconde alta tecnologia e expertise, para que o produto
final atenda às premissas propostas pelos designers.
3 NH por Neri & Hu
As luminárias combinam vidro soprado e metal. Esferas de
vidro suspensas por um anel, como o elo de uma corrente, deslizam
sobre hastes de latão escovado, gerando diferentes composições e,
permitindo, que cada uma delas origine uma luminária única. As
esferas de vidro podem ter 14 cm, 22 cm ou 35 cm, e os suportes de
latão estão disponíveis em diferentes formatos, para composições
no teto, na parede ou ainda apoiadas no piso ou em mesas.
4 Vitruvio por Atelier Oï
Cada luminária é composta de três hastes de metal que são
introduzidas nas esferas de vidro soprado com precisão, inspirada na
arte da relojoaria. Essa exatidão na relação entre os elementos – metal
e vidro – permite que os pesos se equilibrem em ambas as posições de
montagem, com as esferas voltadas para baixo (pendentes) ou para
cima (versão de mesa ou piso). A cúpula anelada do vidro transparente
diminui o ofuscamento e a visualização direta da fonte luminosa.
BOVER
5 Domita por Benedetta Tagliabue & Joana Bover
Trata-se de uma miniatura de Dome, a já conhecida
luminária da Bover, formada por finas lâminas de madeira
que convergem entre si, formando uma cúpula. Essa versão
em miniatura traz ao produto maior versatilidade de uso,
proporcionando a composição de conjuntos com diferentes
combinações entre as cúpulas e os cabos, que podem pender
de uma única canopla.
6 Mod por Lázaro Rosa-Violán
A luminária é inspirada na natureza, e seu elemento
principal tem a forma de uma pétala. Essas pétalas podem
ser agrupadas em diferentes conjuntos, a partir de um
eixo central. Além da possibilidade de permitir diferentes
composições, cada pétala também pode ser personalizada
em madeira, fibras naturais, fios coloridos ou até mesmo
crochê. O produto traz em sua composição os conceitos
de personificação e versatilidade.
DAVIDE GROPPI
7 ChainDelier por Davide Groppi
A luminária faz alusão a um elemento clássico, um
candelabro, mas com uma nova abordagem. A partir
do jogo de palavras entre chain (corrente) e chandelier
(candelabro), criou-se o conceito da luminária – “uma
corrente de ouro que se dobra sobre seu próprio peso,
criando uma perfeita parábola, projetando a luz do ponto
mais baixo”, nas palavras de Davide Groppi. Também é
possível alterar a quantidade de elos e a posição das fontes
luminosas, agregando – como desejável – versatilidade e
flexibilidade ao produto.
78 79

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14 15 16 17 18 19
FLOS
8 Coordinates por Michael Anastassiades
Coordinates é um sistema composto de perfis horizontais
e verticais que formam estruturas semelhantes a uma malha
tridimensional, com trechos luminosos em diferentes posições.
O sistema pode ser personalizado ou criado a partir da
combinação de módulos predefinidos. O conceito foi concebido
pelo designer para a renovação projetada pelo arquiteto
brasileiro Isay Weinfeld para o restaurante Four Seasons,
em Nova York.
9 Haeru por nendo
Haeru (crescer, em japonês) é um sistema modular, alimentado
por uma bateria embutida, que combina três tipos de mesas,
dois tipos de luminária e três pernas de apoio. A combinação
desses elementos possibilita uma variedade de composições,
que atende aos conceitos de flexibilidade e personalização.
10 Heco por nendo
Heco é um sistema de iluminação que combina mesas,
bancos e luminárias também alimentadas por bateria, para
uso em áreas externas. A alimentação da luminária difusa
percorre o interior das hastes que compõem a estrutura.
11 My Circuit por Michael Anastassiades
O sistema combina segmentos de trilhos curvos e lineares,
como base para a combinação de diferentes fontes luminosas,
como pendentes em formato de disco, cilindros finíssimos e esferas
luminosas, em uma linguagem já extensivamente explorada,
questionando-se a si mesmo sobre a originalidade da ideia.
12 WireLine por Formafantasma
A luminária WireLine, assim como a criação anterior Wirering
para a Flos, utiliza o cabo de alimentação como um dos principais
elementos do projeto. Assumindo as proporções de um cinto
de borracha, o cabo pende do teto, formando uma parábola,
e conecta um tubo difuso de vidro borosilicato, contrastando
o aspecto industrial da borracha com a sofisticação do vidro.
INGO MAURER
13 Luzy Blue por Ingo Maurer
A luminária surgiu do acaso – luvas tingidas de azul e
penduradas na parede dia após dia, durante um processo
criativo da equipe, conduzido pela colaboradora Luzi Graf.
Assim, temos mais um exemplo da mente criativa de Ingo
Maurer e de sua equipe. Azul também foi a cor escolhida para
a iluminação da Torre Velasca.
VIBIA
14 Dots por Martin Azua
Dots são pequenos círculos fixados na parede. Cada ponto é
um cilindro sólido interseccionado por uma série de cones através
dos quais a luz escapa, gerando diferentes efeitos de iluminação.
A composição, além de proporcionar a variedade de desenhos
criados pela luz, pode ser direcionada como iluminação focada para
leitura, iluminação indireta, balizamento ou iluminação ambiente.
15 Sticks por Arik Levy
Apresentado pela primeira vez na Light+Building de 2017,
o sistema é composto de bastões que giram em seu próprio
eixo, oferecendo liberdade ilimitada para direcionar a fonte de
luz dentro de um espaço. Os bastões podem ser conectados a
duas paredes, a uma parede e ao teto, do chão à parede, e assim
sucessivamente. O resultado é bastante expressivo, escultural, e
traz uma nova leitura da relação entre fonte de luz e arquitetura.
16 Tube por Ichiro Iwasaki
Trata-se de um sistema composto de uma rede de tubos
que traz a luz de um único ponto para diferentes posições,
proporcionando total liberdade de configurações. Segundo o
designer, “o nome da coleção deriva do sistema de tubos, mas
também das linhas e das interseções geradas, que lembram a
maneira típica de ilustrar os mapas subterrâneos ou do metrô”.
LOUIS POULSEN
17 OE Quasi por Olafur Eliasson
A luminária desenhada pelo artista traz para a escala da
arquitetura um elemento que reflete as linhas e os desenhos
das esculturas que exploram a luz e suas múltiplas reflexões,
características de sua obra. O pendente OE Quase é composto
de um poliedro de alumínio que abriga um difusor feito de
policarbonato moldado, sugerindo o efeito de um caleidoscópio.
SANTA & COLE
18 Maija e por Carlos Pericas
19 Cesta por Carlos Pericas
A catalã Santa & Cole propôs, em vez do lançamento de
uma nova coleção 2019, uma reflexão sobre efemeridade e
perenidade. A mensagem da empresa focou na durabilidade e
na atemporalidade de seus produtos, produzidos por artesãos
europeus ou japoneses. “Objetos que nunca saem de moda
graças ao seu design, à solução técnica e à cuidadosa seleção
de materiais.”
80 81

FOTO LUZ FOTO
GABRIEL CASTRO
Quando sou convidado para registrar algum projeto,
a minha visão de arquiteto sobressai à de fotógrafo: a
compreensão espacial, o conhecimento das estratégias projetuais
e os fundamentos de representação arquitetônica
moldam as decisões fotográficas.
Há sempre um cuidado para que as imagens tenham uma
aparência mais natural, o que pode ser desafiador em fotos com
iluminação artificial, que geralmente exigem compensações de
exposição na pós-produção da imagem. Por isso evito recursos
de edição automáticos, que são muito utilizados, mas que
podem gerar uma aparência artificial.
A foto que escolhi do projeto Letras é uma imagem
de detalhe do teto. Considero esta imagem muito representativa
do projeto, visto que a solução arquitetônica dos
elementos de mangueirinha de PVC que compõem o forro,
dá o tom geral da ambientação do escritório.
O registro também evidencia o projeto de iluminação
delicado, cujas fontes luminosas são rebatidas nos
módulos do forro, criando uma iluminação confortável sem
ofuscar o olhar.
A foto passou por um pequeno ajuste de perspectiva e foi
realizada com a câmera Canon 6D e grande angular 17 mm TSE.
Gabriel Castro é arquiteto, mestre em Arquitetura e Urbanismo, professor e fotógrafo.
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