INVERNO 2022 – EDIÇÃO 8

INVERNO 2022 | EDIÇÃO 8
Et cetera
Gente com Bossa
A cozinha baianeira de Manuelle Ferraz
Jão, o ícone da sofrência jovem
A arte provocadora de Eduardo Srur
Entrevista sobre etarismo com Vera Iaconelli
Dora Morelenbaum e a nova turma da MPB
A autoconsciência do ativista Preto Zezé
E o bom humor inabalável de Dani Calabresa
“Passo vários perrengues e desafios
e penso ‘Isso ainda vai virar piada’”
Distribuição gratuita

Impressora offset antiga | foto: Getty Images
Expediente
Direção-geral Alessandra Lotufo | Direção Editorial e Edição: Daniela Macedo | Textos: Alessandra Lotufo, Daniel Motta,
Daniela Macedo, Diego Braga Norte, Guilherme Dearo, Sérgio Martins e Simone Costa | Arte e Diagramação: Alessandra Lotufo
Produção: Danielle Pasqualoto | Revisão: Ronaldo Barbosa | Gráfica: Elyon
Et cetera é uma publicação trimestral da Bossa.etc. Entre em contato conosco pelo revista@bossa.etc.br

Sumário
Capa: Dani Calabresa
Foto: Jairo Goldflus
06 Roteiro
Uma seleção com as melhores dicas culturais
da temporada, de filmes e livros para
curtir sozinho no sofá de casa a passeios
para levar a família toda
10
O X da Bossa
Cultura organizacional e aprendizagem no
ambiente corporativo andam lado a lado. Em
seu artigo, Daniel Motta explica a importância
do tripé leveza-empatia-organicidade no mundo
contemporâneo
20
Crônicas e Tal
A diretora de inovação e comunicação
da Bossa.etc, Alessandra Lotufo, passeia
pelos mil e um universos no metaverso em
sua nova crônica para a Et cetera
22
Gente com Bossa
A arte tem o poder de transformar não só quem
aprecia, mas também o próprio artista. Nesta
edição, a Et cetera conta histórias que ressaltam o
impacto da arte no indivíduo e na sociedade
24
Q&A Etc.
A psicanalista e escritora Vera Iaconelli
fala sobre etarismo: os impactos da
discriminação etária na sociedade, a
melhor maneira de combatê-lo e como ela,
aos 57 anos, encara o preconceito
26
Com a Palavra…
O ativista Preto Zezé conta sua trajetória
de lavador de carros a empresário, artista
e líder da Central Única das Favelas (Cufa),
influenciado pelo despertar de consciência
promovido pelo hip hop
28
Guarde Este Nome
Filha de músicos, Dora Morelenbaum
acompanhava os pais em turnês pelo mundo
antes mesmo de aprender a ler e escrever.
Aos 26 anos, ela é um dos mais promissores
nomes da nova geração da MPB
Foto: Jairo Goldflus
Foto: Hugo Rennan
Foto: PC Pereira
Foto: Leo Martins
30
Dani Calabresa
Com longa bagagem, a comediante Dani
Calabresa, que estreou no teatro aos 5 anos,
recusou convites da maior emissora do país antes
de se sentir preparada para aceitar o desafio
38 Jão
Por trás do sucesso estrondoso da sofrência de Jão
existe uma boa combinação de visão empreendedora,
criatividade, sensibilidade artística e talento musical
para transitar entre o pop e o sertanejo
46
Manuelle Ferraz
A chef Manuelle Ferraz busca em suas origens
no Vale do Jequitinhonha os impecáveis sabores
dos pratos que saem da cozinha do premiado
restaurante A Baianeira, em São Paulo
54
Eduardo Srur
A exemplo da recente exposição Vida Livre, as
obras em larga escala do artista plástico Eduardo
Srur chamam a atenção para problemas da
sociedade e do meio ambiente
62
Um Cartum
Seu João ou São João? A importância de uma
comunicação interna eficaz (ou melhor: as
saias justas do mal-entendido na firma) é o
tema do cartunista Roberto Kroll
63
Uma Tendência
O movimento plastic-free vem impulsionando uma
onda de inovação nos bens de consumo, como venda
a granel de produtos industrializados e embalagens
sem rótulo
64
Uma Palavra
No recém-lançado romance Segunda Casa, a
escritora britânica Rachel Cusk traz à tona
temas como arte, relacionamentos amorosos,
maternidade e a vida profissional da mulher
A revista Et cetera tem uma versão
pocket: o Etc Pop-up! Para receber
semanalmente um boletim com
notícias interessantes, fatos curiosos
e dicas culturais no seu WhatsApp,
cadastre-se pelo QR Code
65
Um Sabor
A tradicional moqueca ganha uma roupagem
mais contemporânea pelas mãos do chef
Matheus Buosi, do restaurante paulistano DoRo
– e a receita inclui dicas para o preparo de
outros pratos também
66
Uma Imagem
Com suas cores fortes, cenas agrárias e motivos
florais, os quadros e painéis da pintora ucraniana
Maria Prymachenko (1909-1997) representam o
ápice da arte naïf no Leste Europeu

[ R O T E I R O ] [ R O T E I R O ]
Séries, filmes etc.
Elvis
Onde ver: nos cinemas, a partir de 14 de julho
Duração: 2h39min
Elvis não morreu
Um dos personagens mais icônicos da
música e do showbiz, Elvis Presley ganha
uma nova cinebiografia. Os jovens
atores Austin Butler e Olivia DeJonge
encarnam respectivamente o cantor e
Priscilla Presley, sua esposa durante
dez anos. A direção e o roteiro são do
competente cineasta australiano Baz
Luhrmann, autor de Romeu + Julieta, O
Grande Gatsby e outros. Um dos destaques
do longa é um quase irreconhecível
Tom Hanks no papel do coronel
Tom Parker, empresário de Elvis.
Hanks modulou sua voz para recriar
o sotaque do personagem nascido na
Holanda e atuou com maquiagem prostética,
ampliando as feições de seu rosto
e corpo. O filme tem aquela estética
exagerada e meio kitsch dos filmes de
Luhrmann, com abusos de luzes e capricho
nas cores e figurinos. E a história
foca na ascensão meteórica de Elvis,
que desafia os rígidos costumes da
época (final dos anos 1950) enquanto
enfrenta a exploração de seu empresário
linha-dura.
Jerry & Marge Go Large
Onde ver: Paramount+
Duração: 1h30min
Bilhete premiado
Os protagonistas do longa Jerry & Marge
Go Large não brincam em serviço:
Bryan Cranston é dono de seis Emmys
pelo inesquecível Walter White na
série Breaking Bad e Annette Bening
soma dois Globos de Ouro e quatro indicações
ao Oscar. Cranston dá vida a
Jerry Selbee, que, ao lado de sua esposa,
Marge, descobre uma brecha matemática
para ganhar a loteria estadual.
Com o dinheiro que entra, a dupla tenta
reerguer a pequena cidade em que vive
e seus cidadãos, que sofrem com o declínio
econômico. O roteiro é inspirado
na história real de um matemático aposentado,
dono de uma loja de conveniência.
O estabelecimento possuía uma
máquina automática de loteria, mas
Selbee nunca tinha jogado. Sua sorte
“muda” quando ele começa a estudar o
jogo e os números sorteados. Em pouco
tempo, ele ganha mais de 20 milhões
de dólares em prêmios. A comédia é
dirigida por David Frankel, de Marley &
Eu e O Diabo Veste Prada.
Casão – Num Jogo sem Regras
Onde ver: Globoplay
Duração: quatro episódios de 40 minutos cada um, em média
Casão sincerão
Walter Casagrande Júnior, ex-jogador
da seleção brasileira, do Corinthians e
com passagens por clubes europeus,
também é famoso por sua sinceridade.
Comentarista da Rede Globo desde
1997, Casão nunca escondeu seus posicionamentos
políticos nem os problemas
com drogas, incluindo internações,
recaídas e um grave acidente automobilístico.
Mais do que uma história de
superação, a produção mostra uma
pessoa aberta, libertária, com fome
de viver intensamente sua carreira e
sua vida. Em quatro episódios, a série
dirigida por Susanna Lira apresenta o
jogador que chegou ao auge da carreira
e o cidadão questionador, passando
pelo drama da dependência química e
por sua relação com o rock. O documentário
tem ainda uma farta oferta
de imagens de época, com muitos gols
e sua participação ativa no movimento
Diretas Já e na Democracia Corinthiana,
além de depoimentos de ex-jogadores
e amigos, como Cléber Machado e
Galvão Bueno.
Para ouvir
Dose dupla
Jack White decidiu lançar não um,
mas dois álbuns de inéditas neste ano,
totalizando cinco discos de estúdio de
sua carreira solo já consolidada. Com
fortes raízes no blues e folk americano,
o cantor, guitarrista e compositor
sempre buscou referências no passado
para fazer seus rocks cativantes.
Fiel à sonoridade de seus ídolos, ele só
gravava com fitas magnéticas e microfones
antigos. White não abandonou
seus equipamentos analógicos, mas
se rendeu à tecnologia. Usou também
softwares de captação e edição, incorporou
samples de outros artistas e
fez distorções digitais. Taking Me Back
tem os riffs de guitarras eletrizantes,
que são sua assinatura desde os White
Stripes. Já a faixa Fear of the Dawn é
um rock direto e noturno, como o nome
“medo do amanhecer” sugere. O músico
retrô, que criou neste ano perfis em
redes sociais de sua gravadora, Third
Man Records, comprou recentemente
seu primeiro celular.
Fear of the Dawns e Entering Heaven Alive
Onde ouvir: Spotify, Deezer,
iTunes e Tidal
Pequena Mamãe
Onde ver: Amazon Prime Video
Duração: 1h13min
Luto infantil
Depois do sucesso de público e crítica
de Retrato de uma Jovem em Chamas
(2019), os cinéfilos de plantão estavam
ansiosos para o próximo trabalho da
diretora francesa Céline Sciamma. E
ela correspondeu à expectativa com o
belo Pequena Mamãe. A pequena Nelly
(interpretada pela excelente Joséphine
Sanz, 8 anos) acaba de perder a avó
materna. Enquanto os pais limpam e
organizam a casa de infância de Ma-
rion, mãe de Nelly, a menina conhece
uma garotinha de sua idade (a igualmente
talentosa Gabrielle Sanz, irmã
gêmea de Joséphine) e passa a ajudar
a nova amiga a construir uma cabana
no bosque próximo à casa. Curto
para os padrões atuais (pouco mais de
uma hora), o filme é um poderoso tratado
sobre a perda. Sem filosofar ou
até mesmo explicar muitas coisas, a
diretora sabiamente opta por mostrar
como a morte da avó impacta a criança
e sua mãe.
Carreira respeitada
Aos 35 anos, o rapper americano
Kendrick Lamar tem uma carreira irretocável.
O premiado álbum Good Kid,
MAAD City (2012) foi sucesso de crítica
e público, To Pimp a Butterfly (2015)
acabou virando trilha sonora do movimento
#BlackLivesMatter e DAMN
(2017) foi considerado uma “obra-prima
do rap” pela respeitada Pitchfork.
Depois de produzir a trilha sonora do
filme Pantera Negra (2018), Lamar lança
agora seu quinto álbum de estúdio,
Mr. Morale & The Big Steppers. Discreto,
é avesso à exposição de sua vida pessoal,
não ostenta carrões, mansões ou
joias em redes sociais. Seu perfil no
Instagram, com mais de 11 milhões de
seguidores, não soma nem meia dúzia
de fotos. O novo disco já ganhou comparações
na imprensa especializada
com “peça de teatro”, “ópera” e “sessão
de terapia”. Na primeira parte, mais intimista,
o rapper se esquiva do papel de
“salvador” da sua geração. Na segunda,
retoma as denúncias de injustiças
vividas pelos negros.
Mr. Morale & The Big Steppers
Onde ouvir: Spotify, Deezer,
iTunes e Tidal
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Para ler
Os Amnésicos
396 páginas
Editora Âyiné
99,90 reais
O papel do povo
Jornalista e historiadora pela Sorbonne
e London School of Economics, Géraldine
Schwarz é filha de pai alemão
com mãe francesa. Ao contar a história
dos próprios antepassados, ela toca
numa ferida que ainda está longe de
cicatrizar: qual foi o papel dos cidadãos
comuns durante o regime nazista na
Alemanha e na França colaboracionista
de Vichy, que se aliou aos alemães
Amanhã Vai Ser Pior
496 páginas
Editora Patuá | 55 reais
As dores do mundo
Depois de ter brigado com família e
amigos e ser demitido do trabalho por
questões políticas, Pedro decide passar
um tempo em Barcelona. Ele queria
deixar a eleição presidencial de 2018
e o Brasil para trás. Vendo o dinheiro
acabar, o personagem principal do
livro Amanhã Vai Ser Pior arruma um
emprego de analista de conteúdo numa
grande rede social. Pedro agora é obrigado
a lidar com o que há de pior na
Quando Deixamos de Entender o Mundo
176 páginas
na Segunda Guerra? Ao descobrir que
o avô paterno comprou uma empresa
de um judeu expulso da Alemanha – e,
portanto, obrigado a liquidar seus bens
–, a autora traça um panorama da responsabilidade
dos milhões de pessoas
que não pegaram em armas nem em
canetas (burocratas do regime), mas
se deixaram levar pelo nazismo. “O
desconhecimento do objetivo preciso
das deportações de judeus não exime
a maioria do povo alemão de sua responsabilidade
por ter permitido o saque
e a expropriação de seus vizinhos,
colegas, comerciantes do bairro, de ter
às vezes participado deles e de ter assistido
às deportações sem protestar”,
escreve a autora.
internet, assistindo e removendo da
plataforma vídeos e fotos de assassinatos,
estupros, pedofilia e canibalismo.
Em seu segundo romance, o autor
Marcelo Conde faz um retrato bastante
atual do nosso tempo, posicionando
o protagonista num ponto bastante
incômodo, mas revelador. Pedro precisa
do dinheiro para seguir morando
na Espanha com sua nova namorada,
mas sofre por seu trabalho e por sua
vida, e afunda-se numa ruína pessoal
e existencial. A descrição de sua rotina
insalubre e a narrativa entremeada por
conversas de WhatsApp com amigos e
familiares criam um ritmo envolvente.
Para visitar
Brasil de exportação
O americano Thomas Jean Lax, curador
do MoMA, em Nova York, se referiu
ao brasileiro Dalton Paula como “parte
de uma nova geração de artistas de origem
afro que está mudando a maneira
como a arte brasileira é vista na Europa
e nos Estados Unidos”. Depois de participar
de bienais e mostras coletivas, o
artista goiano abrirá sua primeira exposição
individual em São Paulo, em 29
de julho. Mesmo com obras no acervo
do próprio MoMA e de outros museus
do mundo, Dalton Paula ainda é pouco
conhecido do público brasileiro fora
do mundo da arte. Suas esculturas e
quadros têm uma forte conexão com a
cultura popular e com a ancestralida-
Poeta da fotografia
Nascido e criado no subúrbio do Rio de
Janeiro, filho único de pai negro e mãe
branca, ambos paraenses, o fotógrafo
Walter Firmo começou sua carreira em
1957, no já extinto jornal Última Hora.
O currículo traz ainda passagens por
veículos de peso como Jornal do Brasil,
Realidade, Manchete, Veja e outras. Seu
trabalho com fotografias em cores é
considerado pioneiro na imprensa brasileira
e impressiona pelo apuro técnico
e composição cromática, dialogando
com a pintura. Sete vezes premiado no
Concurso Internacional Nikon, considerado
o Oscar da fotografia, ganhador
de negra. O Masp vai exibir dezenas de
retratos de figuras como Ganga Zumba,
Chico Rei, Liberata e Luiza Mahin,
ex-escravos que combateram a escravidão.
Atento aos contrastes, o artista
sobrepõe seus personagens sobre fundos
que realçam sua pele, como azul-
-piscina ou verde-turquesa. Ele usa
também lâminas de ouro nos cabelos,
criando brilho e conferindo nobreza
aos retratados. Ingressos a 25 reais
(meia) e 50 reais. Às terças, a entrada
é gratuita.
Dalton Paula: Retratos Brasileiros
Masp
Ingressos: masp.org.br
do Prêmio Esso e autor de livros, Firmo
sempre manteve seu olhar voltado
para a população pobre, suburbana ou
moradora dos rincões rurais do país.
Suas imagens transmitem uma aura
de religiosidade e mantêm respeito por
seus retratados. Grande apreciador de
samba e de música popular brasileira,
ele também retratou grandes artistas,
como Cartola, Pixinguinha e Dona
Ivone Lara. Até setembro.
Walter Firmo
No Verbo do Silêncio a Síntese do Grito
IMS Paulista | Entrada gratuita
Obra: Zeferina, 2018 | foto: Masp (Museu de
Arte de São Paulo)
Obra: Gaudêncio da Conceição durante Festa de São
Benedito, 1989 | Foto: Walter Firmo/Acervo IMS
Editora Todavia
59,90 reais ou 38,90 reais (e-book)
Ver e interagir
Redescobertas científicas
O chileno Benjamín Labatut está sendo
“acusado” de ter inventado um novo
gênero literário. Seu livro é tão criativo
e instigante que não pode ser etiquetado
como “ficção científica” nem
como “romance histórico”. Com quatro
histórias e um epílogo, Labatut narra
importantes descobertas científicas
que mudaram o rumo da história para
o bem ou para o mal. Estão lá o azul da
Prússia (pigmento sintético dos quadros
de Van Gogh, Picasso e outros),
o cianeto (veneno usado no Zyklon B,
das câmaras de gás nazistas), a quebra
do átomo (que possibilitou a bom-
ba atômica), teoremas matemáticos e
outros. Há ainda personagens reais,
como Einstein e Schrödinger, além de
cientistas menos conhecidos e igualmente
fascinantes. O grande barato do
livro está na ausência de limites entre o
real e o fictício nas histórias. Com uma
prosa ágil e convincente, um narrador
envolvente costura as quatro narrativas
e demonstra que “os átomos que
despedaçaram Hiroshima e Nagasaki
não foram separados pelos dedos gordurosos
de um general”, mas por um
grupo de físicos bem-intencionados e
um punhado de equações.
Ao criar a exposição que ocupa o 20º
andar de um dos mais icônicos prédios
de São Paulo, o artista paranaense Rafael
Silveira não economizou em criatividade
e interatividade. Altamente
instagramável e divertida, a mostra
de arte pop agrada adultos e crianças.
Grandes sorvetes derretem no chão,
cores e formas escorrem do teto, o piso
brilha e as paredes ganham projeções
de animações que se movimentam. O
trajeto da mostra guia o público por
uma espécie de labirinto, com um ambiente
mais surpreendente do que o
outro em uma exposição que mistura
várias técnicas. Silveira conta que seu
intuito foi provocar os sentidos dos visitantes,
oferecendo uma experiência
sensorial quase completa – é possível
ver, tocar, ouvir, cheirar e interagir
com as obras; só não é recomendável
comê-las. Adultos pagam 30 reais
e os pequenos, 15 reais. Em cartaz
até 7 de agosto.
Espuma Delirante
Farol Santander
Ingressos: www.farolsantander.com.br
Foto: Rafael Silveira
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[O X DA BOSSA]
O saber leve,
empático
e orgânico
Por Daniel Augusto Motta – Senior Tupinambá Maverick da Bossa
Em um mundo em transformação acelerada, a
regra do jogo já é clara: pessoas e organizações
precisam se envolver em espirais contínuas de
aprendizagem para se adaptarem e se destacarem
Foto: Getty Images
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P
ode-se dizer que a velocidade, a amplitude e a intensidade
dos ciclos de transformação contemporâneos
diferem dos movimentos vivenciados no passado.
Mas tal perspectiva pode não passar de mera ilusão de óptica,
considerando que é difícil dimensionar o impacto causado
pelas ondas industriais revolucionárias nos últimos três
séculos no estilo de vida dos camponeses e dos operários
vis-à-vis o efeito das ondas tecnológicas mais recentes, turbinadas
por computador, internet e inteligência artificial. De
qualquer forma, o processo evolutivo inevitavelmente apresenta
um ritmo, uma abrangência e uma potência. Nada surge
no vazio.
O processo de aprendizagem contínua se desenvolve naturalmente
na trajetória de indivíduos e, portanto, de todos os
tipos de organização, que podem abranger desde o núcleo
familiar até a própria nação. Aprendizado é algo intrínseco
não apenas à humanidade. Aprendemos para crescer, nos
adaptar, compartilhar, evoluir e, também, sobreviver. Apren-
demos sozinhos e em grupo. Aprendemos formal e informalmente.
Aprendemos de modo sequencial e aleatório. Aprendemos
por meio da lógica e do instinto. Aprendemos o que
desejamos e o que detestamos.
As organizações aprendem naturalmente ao longo de seu
processo de expansão e adaptação. Começam seus primeiros
tempos com muitas ideias e poucos recursos. Muitas padecem.
Poucas seguem em frente com mais recursos e capacidades,
construindo estruturas, controles e ativos. Ao longo
de muitos e muitos anos, organizações longevas consolidam
e institucionalizam suas principais capacidades competitivas
de modo a aumentar sua escala e sustentar suas realizações.
Dezenas, centenas ou milhares de pessoas agrupam-se em
diferentes estruturas de gestão e governança de modo a conseguir
gerenciar organizações cada vez maiores e mais complexas.
Mas isso não ocorre de um dia para o outro. É algo
evolutivo e adaptativo, mesmo que por vezes tenha também
certo verniz disruptivo.
Foto: Getty Images
Aprendizado é
algo intrínseco
não apenas à
humanidade.
Aprendemos
para crescer,
nos adaptar,
compartilhar,
evoluir e, também,
sobreviver
Os caminhos do saber
O processo de aprendizagem, seja ele
individual ou coletivo, engloba não
apenas ampliação de horizontes e
fronteiras, mas também ruptura de
limites e padrões já conhecidos. Pode
ser doloroso aprender. Afinal, abandonar
paradigmas já confortáveis implica
redefinir conceitos e até mesmo crenças
já estabelecidas, significa desafiar
o nexo já compreendido e integrado
ao sistema de outros conhecimentos,
exige reconstrução de mapas mentais
usualmente utilizados nos aspectos
cognitivos, afetivos e sociais inerentes
ao processo decisório. É razoável,
inclusive, afirmar que todo processo
de aprendizado requer, mesmo que de
maneira implícita, algo aspiracional em
vista, suficientemente atraente para
estimular a jornada do(s) aprendiz(es)
fora da zona de conforto do mundo
conhecido, além da inércia comportamental
que nos satisfaz. Aprender exige
confiança, resiliência e sustentação.
Mas todo conhecimento é sistêmico,
considerando que não há utilidade possível
em fragmentos de informações
isoladas no vácuo social. A jornada de
conhecimento requer, portanto, sucessivas
conexões de ideias e articulações
entre pessoas em infinitas espirais
cruzadas. A compreensão definitiva de
todo sistema integrado é uma missão
inócua, uma vez que não há fronteiras
a serem alcançadas – afinal, elas
simplesmente não existem. Mesmo
postulados científicos seculares também
devem ser desafiados, refutados
e substituídos à medida que o conhecimento
acumulado permita a exploração
de novas possibilidades antes inacessíveis.
Ser dogmático implica, necessariamente,
buscar respostas simplistas
para questões abstratas – o que pode
até ser desejável no plano das religiões,
mas é restritivo no cotidiano da vida.
Compreender o nexo causal entre inúmeras
variáveis é um dos exercícios
intelectuais mais desafiadores. E, muitas
vezes, ele é tão complexo que apenas
o uso de inteligência artificial pode
nos apoiar e oferecer caminhos.
Assim, os termos learning organization e
lifelong learning são óbvios nas esferas
organizacionais e individuais, respectivamente.
Sempre foram, sempre serão.
Mesmo para os incautos e alienados, o
processo de aprendizagem é intrínseco
ao simples existir. Todos os dias, de
modo ininterrupto, todos estão sujeitos
a novas informações, novas interações,
novos pensamentos, novas sensações.
É importante destacar que a percepção
consciente não é requisito para o
aprendizado. E mais: é muito provável
que grande parte do conhecimento
acumulado por um indivíduo tenha
sido parte de processos inconscientes
presentes no seu cotidiano, e não de
experiências educacionais formais.
Estamos todos continuamente ampliando
nossos saberes.
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Olhar pessoal
A cultura organizacional,
enquanto fenômeno social,
pode ser descrita como uma
espiral de aprendizagem
social compartilhada
pelos membros do grupo
ao longo do tempo,
combinando mapas mentais
coletivos, valores comuns e
vínculos afetivos
A expansão do conhecimento é contínua, mas vale ressaltar
que tal ampliação não ocorre sem conotações. Atribuímos
significados aos nossos saberes em função de inúmeras
condições de contorno e preferências pessoais. De um lado,
o contexto social apresenta e qualifica a ambientação para a
jornada de conhecimento de indivíduos e grupos, modelando
percepções coletivas e influenciando posicionamentos individuais.
E, do outro, as preferências pessoais forjam-se ao
longo da evolução individual, integrando crenças, ideias e aspirações,
modelando assim não apenas pensamentos e sentimentos
mas notadamente comportamentos. Assim, a própria
aprendizagem não ocorre à revelia da significação individual
e coletiva acerca dos conhecimentos acumulados e compartilhados,
sendo eles próprios absorvidos em suas conotações
ao conjunto de signos que caracteriza determinado agrupamento
de indivíduos em certo tempo.
No caso específico de uma organização, o aprendizado é influenciado
tanto por aspectos processuais como por questões
tácitas da própria organização. No lado processual, destacam-se
a estrutura, o modelo de gestão e governança, os sistemas
de informações e os mecanismos de reconhecimento e
recompensa. Já no lado tácito, destacam-se as normas grupais,
os valores compartilhados, os mapas mentais vigentes
e as redes de influência entre os indivíduos. A aprendizagem
organizacional, portanto, está inserida em um conjunto amplo
e complexo de aspectos que modelam e, ao mesmo tempo, são
modelados pelas interações pessoais.
A estrutura enciclopédica do
conhecimento
Foto: Getty Images
Tudo comunica de certa forma. Tudo modela. Aspectos processuais
e tácitos apresentam a ambiência para o processo
de aprendizagem organizacional e, por consequência, individual.
É inescapável a associação entre os dois movimentos,
tanto o coletivo quanto o individual. E os próprios aspectos
processuais e tácitos também são indissociáveis, sendo ambos
modelados pela cultura organizacional.
Aliás, a própria cultura organizacional, enquanto fenômeno
social, pode ser descrita como uma espiral de aprendizagem
social compartilhada pelos membros do grupo ao longo do
tempo, combinando mapas mentais coletivos, valores comuns
e vínculos afetivos. Acertos são incorporados como modus
operandi esperado e ensinado aos novatos, erros são transformados
em tabus e restrições. Líderes e liderados modelam
linguagens, tradições, normas, valores, significados, símbolos,
rituais, mitos, processos, mecanismos de controle e sistemas
de reconhecimento. Líderes fazem tudo isso por meio
de uma narrativa que se apresente como natural, neutra, crível,
justa e legítima para se tornarem capazes de organizar os
processos sociais e psicológicos nesse agrupamento humano.
Forma-se, então, a expressão distintiva de uma empresa
em relação a todas as demais. Toda cultura organizacional é,
inexoravelmente, a expressão original de sua trajetória, em
contínua dinâmica definida pelas interações sociais internas
e externas. Isso também é aprendizado.
No passado, as organizações se desenvolviam como monólitos:
sólidos, impermeáveis, codificáveis, estáveis e previsíveis.
O aprendizado era inicialmente acessado pelo estoque
de conhecimento acumulado por jovens talentos em suas
formações acadêmicas para, então, ser socializado em interações
com veteranos já inseridos nos vastos manuais operacionais,
devidamente registrados e atualizados. Com fluxos
de comunicação muito bem desenhados, as informações
eram transferidas como direcionamentos do topo para a base
da organização. Todos os detalhes operacionais eram minuciosamente
monitorados, catalogados e analisados por ferramentas
estatísticas. Assim como o maquinário, também o
conhecimento formal sofria depreciação anual – e precisava
ser reconstruído por meio de ações de educação continuada.
O aprendizado corporativo – e, também, a própria formação
acadêmica das crianças e dos jovens – foi modelado por lógicas
industriais denominadas trilhas, com suas avaliações e
certificações, reunidas em programas aderentes ao conjunto
de requisitos listados para as diferentes funções e senioridades
existentes nas empresas. O conhecimento era documentado
em apostilas, manuais e códigos acessíveis aos gestores
e aos colaboradores. Também era organizado em matrizes e
tipologias com categorias agregadoras, de modo que os indivíduos
poderiam rapidamente se encaixar em padrões disponíveis.
A especialização funcional era almejada por meio
da prática recorrente em torno de conhecimentos muito estruturados,
enquanto a formação generalista era construída
transversalmente em trilhas gerenciais desenhadas para os
diferentes níveis hierárquicos. Todo esse conjunto de informações,
práticas e ferramentas estava reunido em centros
de treinamento corporativo, algumas vezes rebatizados como
universidades corporativas. Gestores mais experientes tornavam-se
mestres de sala de aula à disposição dos programas
desenhados para os mais profissionais em seus processos
de formação e aperfeiçoamento. O próprio processo de
aprendizagem também se transformava em plataforma de
aculturamento de todos os gestores e colaboradores em torno
dos mesmos princípios, normas e valores defendidos pelas
lideranças dominantes da organização, consolidando mapas
mentais, crenças e, portanto, comportamentos uniformes.
Tal lógica industrial do aprendizado mimetizava a própria
estrutura enciclopédica do conhecimento: todas as informações
passíveis de ser agrupadas e catalogadas a partir de
certa ordenação lexicográfica; o aprendizado de crianças e
adultos muito bem estruturado, monitorado, documentado,
estável e previsível; a trajetória acadêmica das crianças inserida
no mesmo fio condutor da educação continuada adulta
e do processo de aperfeiçoamento profissional; a diplomação
formal constituída como selo distintivo para aqueles diferenciados
em sua trajetória de aprendizagem.
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Monólitos em
descompasso
Se o processo de aprendizagem contínua
é intrínseco à própria evolução e os
termos learning organization e lifelong learning
são obviedades inerentes ao ser
humano, o que, afinal, está em transformação
no contexto contemporâneo?
À medida que as próprias organizações
se modificam em torno de profundos
rearranjos sociais, também as pessoas
se adaptam a paradigmas, perspectivas
e rituais inéditos. Novos tempos
induzem novos conhecimentos, sentimentos
e capacidades. Portanto, o atual
contexto de transformação inspira
novas modelagens para o processo de
aprendizagem, também deslocando alguns
dos seus aspectos essenciais.
Como exercício de reflexão, vamos
resumir toda a complexidade contemporânea
a um único denominador: a
alta velocidade aleatória e escalável
das coisas. Esse é o fenômeno letal que
ameaça a sobrevivência das organizações
monolíticas, já sedimentadas em
seus códigos, processos, usos e costumes,
práticas e mapas mentais. Eis a
inflexão da lógica global em curso.
Monólitos são sólidos justamente porque
valorizam rigidez, impermeabilidade,
perfeição, coesão e previsibilidade
como atributos competitivos
vencedores diante de ambientes externos
que evoluem gradualmente e
são passíveis de ser influenciados pela
ação contundente e consistente dos
monólitos. É importante salientar que
monólitos não são estáticos. Aprendem
sempre, de modo cumulativo e intencional.
Mas sistematizam seus processos
de mudanças em uma lógica de
melhoria contínua que acompanha pari
passu a trajetória evolutiva do próprio
ambiente. Em tempos de evolução passo
a passo, os grandes monólitos consolidados
ao longo de décadas sempre
tiveram suas próprias envergaduras
como principal plataforma distintiva
na concorrência contra competidores
menores, sendo derrotados de tempos
em tempos por seus próprios vícios
e barbaridades: arrogância, miopia e
fragmentação, em especial.
Diante da alta velocidade aleatória e
escalável das coisas, os monólitos são
muito lentos. Pior ainda, são com frequência
equivocados em suas decisões
por utilizarem paradigmas obsoletos
em contextos inéditos. Não conseguem
estruturar o processo de aprendizagem
porque seus manuais e repositórios
envelhecem rapidamente diante
de novas dinâmicas inteligíveis ao
sistema organizacional sedimentado.
Por outro lado, organizações vencedoras
(novas e velhas gigantes) estão
encontrando novas formas de interação
com o mundo externo, ao mesmo
tempo que estão refinando seu próprio
modus operandi e reavaliando suas
capacidades competitivas.
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A cultura organizacional e a aprendizagem
O processo de aprendizagem deve ser refletido dentro da nova lógica contemporânea. Dessa forma,
como organizações e pessoas aprendem sem arestas e condutores?
A reflexão sobre essa indagação acaba por relacionar aprendizagem e cultura. Em tempos de alta
velocidade aleatória e escalável das coisas, o modelo vencedor aponta para aquele mais adaptável,
flexível e ágil – e esses são, justamente, três atributos ausentes na lógica monolítica. Configurar
esse novo modelo significa desenhar poucos traços a lápis, com uma borracha sempre à mão e várias
folhas em branco inseridas na composição.
A cultura organizacional, por diferentes vetores, reflete seu contexto social. A própria sociedade
está em pleno processo de transformação, em que o arcabouço institucional tradicional tem sido
continuamente desafiado e desconstruído em seus pilares mais fundamentais. Do mesmo modo,
as organizações estão sujeitas às mesmas forças que questionam e implodem estruturas, crenças
e paradigmas inadequados aos novos imperativos. Assim, embora exista o conceito de uma única
modelagem vencedora para cultura organizacional, uma vez que ela é insumo-produto do próprio
agrupamento de pessoas que a compõem, é possível listar três características cada vez mais essenciais:
leveza, empatia e organicidade.
Trilogia contemporânea
Culturas leves, empáticas e orgânicas conseguem
responder melhor aos imperativos em torno de
adaptabilidade, flexibilidade e agilidade, características
cada vez mais exigidas no contexto organizacional e,
naturalmente, também no comportamento individual.
• Leveza: a ideia de controle e acúmulo de capital como alavanca de valor
no longo prazo não se enquadra no cenário atual. O foco, agora, está
na geração de valor por meio de acesso a serviços, não na aquisição
de produtos. A leveza aparece em todos os aspectos da companhia: na
arquitetura de software, na estrutura organizacional e nos acordos e
parcerias ocasionais e dinâmicas.
• Empatia: entender o ponto de vista do outro é o principal objetivo. Essa
valorização do olhar do outro passa por todas as etapas da jornada do
cliente, do usuário e do colaborador para gerar conteúdo atrativo e conexões.
No contexto de experiência empática, estão em alta os conceitos
relacionados a Costumer Experience, User Experience e Employee
Experience (CX, UX e EX).
• Organicidade: o fluxo linear e unidirecional do paradigma industrial
não acomoda o modelo orgânico versátil exigido pelo universo ágil e
complexo do mundo digital. Aqui, os recursos abundantes, inclusive capital,
se tornam commodities. O valor está no arranjo para uma entrega
colaborativa ecossistêmica desses recursos.
Quando tudo se conecta
Dado esse contexto transformador nas organizações e na
própria sociedade, como se modela o processo de aprendizagem
com maior efetividade?
A aprendizagem é algo intrínseco à existência humana e organizacional,
inescapável à própria trajetória inconsciente dos
seres. Diante dos novos imperativos em torno de adaptabilidade,
flexibilidade e agilidade, os mesmos traços constituídos
e fortalecidos no tripé leveza-empatia-organicidade também
se aplicam ao processo de aprendizagem individual e coletiva.
A leveza se apresenta simplesmente na atomização dos objetos
de aprendizagem e do próprio tempo encapsulado em
cada uma das experiências, bem como na quebra dos protocolos
em torno do binômio professor-aluno. Aprender com
leveza significa também substituir os rituais de avaliação
formal por mensurações inteligentes capazes de avaliar o
desempenho individual e coletivo em múltiplas dimensões
e interações com conteúdos, experiências, desafios e atores.
Também a linguagem leve desloca os termos formais em prol
das expressões coloquiais que compõem a linguagem natural
que hoje caracterizam cada vez mais as interações digitais.
Por fim, a leveza está também expressa nas mídias e nos ambientes
de aprendizagem, substituindo a sala de aula arquitetada
em torno da lousa e do mestre para espaços democráticos
e diversos.
A empatia se desenvolve à medida que a trajetória de aprendizagem
considera o indivíduo como sujeito ativo do seu
percurso dentre tantas possibilidades que se habilitam. As
trilhas de aprendizagem são imersas em jornadas personalizadas
e artificialmente inteligentes nas recomendações das
experiências e dos conteúdos relevantes. A empatia também
se manifesta em formato multimídia ao proporcionar inú-
meras plataformas e realidades integradas, capazes de fomentar
a realização de missões de aprendizagem individual
conectadas em torno de agendas coletivas, priorizadas pelas
organizações. Também se observa o olhar empático ao inserir
no universo empresarial temáticas mais sensíveis no âmbito
pessoal que reconhecem a unicidade individual dentro e fora
do ambiente de trabalho. Não por acaso, o universo de soft
skills hoje é o maior e mais relevante espaço de aprendizagem
para indivíduos e empresas.
A organicidade extrapola as barreiras e os limites organizacionais
para alcançar patamares inimagináveis para a
aprendizagem integrada em torno das temáticas relevantes
sob a ótica multistakeholder. O conhecimento não reconhece
fronteiras, estando continuamente em expansão. A aprendizagem
orgânica reforça esse traço tão essencial do saber ao
se espalhar por diferentes locais, proporcionar encontros improváveis,
facilitar conexões de valor entre ideias e personagens,
evoluir dentro da lógica de biomas cognitivos. O aprendizado
orgânico não impõe escolas, trilhas e módulos, mas se
apresenta plasticamente inserido no consumo de conteúdos,
materializado em experiências integradas ao cotidiano profissional-pessoal,
disponível em microcosmos com curadoria
impecável e algoritmos inteligentes.
E nada disso é novidade para uma criança fora dos bancos
escolares. Para ela, o aprendizado é lúdico, memorável e integrado
em suas vivências. Ao desconstruirmos os edifícios
do conhecimento lexicográfico, talvez seja mais possível nos
aproximarmos da sabedoria essencial acerca das coisas ao
nosso redor, onde tudo faz sentido, tudo se conecta, tudo aumenta
a potência. A natureza também é sistemática, mesmo
quando indecifrável à cognição humana.
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[CRÔNICAS E TAL]
Versos em metaversos
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Susana está atrasada, de novo! Chega
em casa apressada. As amigas já estão
passando milhões de mensagens. “Ai,
Ana, chata, sempre me criticando. Fica
escrevendo que sabia que eu ia atrasar”,
pensa enquanto digita uma resposta
atravessada. Não envia. Por que
se aborrecer no início da noite? Melhor
deixar a amiga estressada falando sozinha
e se arrumar.
O banho é rápido, hora de escolher o
vestido. Preto ou azul? Preto não tem
erro, né? Vamos de pretinho básico.
Sempre quis um desse modelo, nunca
imaginou que seria possível. Caríssimo!
Termina de se arrumar, mas tem alguma
coisa faltando... O cabelo, talvez?
Experimenta um mais comprido. Mais
mechas? Não, achou exagerado. Mais
volume! Pronto. “Ai, esqueci os olhos!
Não posso aparecer assim, de olhos
castanhos! Cadê aquela cor meio violeta
que eu amei no outro dia? Achei!”
Aplica a nova cor e aproveita para aumentar
discretamente o tamanho dos
cílios, deixando que fiquem bem naturais.
Nada de maquiagem. “Tem que
parecer que nasci com estes cílios!”
Sempre aplica esse truque, deixa o
olhar mais vivo. Aprendeu com a Ana,
aquela chata estressada, mas que dá as
melhores dicas!
“Nossa, quanta gente! Onde estão as
meninas?” Ouve um “Até que enfim”
e se vira. Ana está superdiferente, o
que ela fez hoje? Gente, ela está mais
alta! Bem mais alta! “Amei, amiga.
Você deveria usar essa altura sempre,
é a sua cara!”
A noite transcorre animada. Gente de
todos os lugares do mundo. Conheceu
duas escocesas recém-casadas e
já marcou de esquiar com elas no sábado.
Vai se meter na lua de mel das
duas, que cara de pau! Mas Susana
nunca esquiou e achou que a experiência
seria interessante. Estão decidindo
sobre a melhor paisagem. As
meninas sugeriram a Suíça mesmo. Já
que é para esquiar, que seja em grande
estilo. Marcado.
Do outro lado da sala, um rapaz oriental
de 30 e poucos anos chama a atenção de
Susana. Ele sorri e se aproxima. Quando
foi a última vez que conversou em
japonês? Não se lembra. Mas o idioma
ainda está armazenado na memória.
O papo flui e a noite acontece, divertida
e cheia de experiências. Takashi
é um artista plástico que já expôs seu
trabalho no mundo inteiro. Mostra sua
última obra, um mural de 10 metros de
altura, com um haicai escrito em letras
desconcertantes. Admirando a pintura
estampada em uma das esquinas
de Tóquio, Susana se perde refletindo
sobre os versos curtos. Fernanda se
aproxima. Depois Antônio. De repente,
um grupo se reúne em volta do mural
do Takashi, que não perde tempo: traz
a experiência para o centro da sala e
transforma a figura chapada em uma
escultura 3D simplesmente ma-ra-vi-
-lho-sa! As imagens invadem o recinto
e se movimentam, misturando-se aos
versos do haicai de forma harmoniosa
e inebriante. Passam horas se divertindo,
interagindo, entrando e saindo dos
volumes criados com cores e sombras.
Seriam tentáculos? Talvez um líquido
psicodélico. Takashi é genial. Susana
poderia ficar a noite toda, mas precisa
trabalhar dali a algumas horas. Marca
um tour pelas obras que Takashi escolheu
e um encontro na semana seguinte.
Um passeio pela Rússia, Romênia
com final na África do Sul. “Nossa,
como ele foi parar na África do Sul?”,
pensa, se divertindo.
A cena toda se apaga. A sala, antes
enorme, é reduzida ao quartinho alugado
de Susana. Cama, mesa de cabeceira
e uma garrafa de água. Deita-se
pensando nos esquis e nas montanhas
que vai descer no sábado. Pensa na arte
e nos versos do Takashi. Como vai ser
bacana conhecer a Romênia na companhia
de um artista como ele. Dorme.
Não ouviu o despertador. “Me atrasei
de novo, Carlos vai me matar.” Não dá
tempo de mais nada, a reunião vai começar.
Senta-se na cama e aperta o
preset trabalho. O escritório aparece,
cheio de gente, de cores, de vida. Vinte
e dois de abril de dois mil e trinta e seis.
Nove horas e seis minutos da manhã.
Ela veste calça jeans e uma camisa descolada.
Os olhos castanhos e vivos não
demonstram o sono.
“Vamos começar, gente? Atrasei um
pouquinho, mas já cheguei.” Ana traz
um café, não fala nada, apenas sorri.
Bom dia, São Paulo!
Alessandra Lotufo é diretora de
comunicação e inovação da Bossa.etc
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[GENTE COM BOSSA]
A mentira que
transforma
A arte diverte, emociona, inspira, educa, provoca. Aquela
cena impactante na peça de teatro, o refrão da música que
desperta saudade, o filme ou o livro certo no momento certo,
tudo isso pode desencadear um movimento interno capaz de
se expandir a ponto de mudar vidas, tanto do artista quanto
de quem aprecia. “A arte é uma mentira que nos faz perceber
a verdade”, disse o genial Pablo Picasso. A arte, enfim, é
transformadora.
Os personagens que estrelam a oitava edição da revista
Et cetera aprenderam (e ensinam) a potência da arte. Na juventude,
Preto Zezé passava muito tempo na rua, “mais do que
devia”, em suas palavras. Mas a arte não brinca em serviço.
Em depoimento à seção Com a Palavra…, o artista, empresário,
ativista e uma das maiores lideranças globais pelas favelas
conta que se descobriu negro por volta dos 15 anos, quando
ouviu a música Negro Limitado, do Racionais MC’s. “Era uma
voz falando comigo, contando minha história e o que eu sentia.”
O hip hop consolidou sua identidade e foi além: “Entendi
que precisava ler mais, estudar mais, me politizar”. Já Dora
Morelenbaum nasceu e cresceu envolvida pela musicalidade
que moldou sua identidade. Filha dos músicos Jaques e Paula
Morelenbaum, Dora acompanhava os pais em shows e turnês
pelo mundo ainda pequena. Com tanta vivência artística, a
cantora e compositora tornou-se um dos mais promissores
nomes da nova geração da MPB.
Foi a timidez que levou a menina Daniella Maria Giusti Barra
para as aulas de teatro, mas o talento para o humor pavimentou
a estrada até o sucesso, e a tímida Daniella se tornou a hilária
Dani Calabresa. Aos 40 anos, a atriz e comediante aprendeu
a lidar com os percalços na vida pessoal e profissional e a
rir de si mesma. “Quase tudo que acontece no meu cotidiano
vira material de trabalho”, diz. A timidez também não foi páreo
para a veia artística de Jão. Ele busca inspiração na arte
de ídolos do passado, como Cazuza e Renato Russo, para levar
seu talento às novas gerações. Basta perguntar aos fãs desse
artista de 27 anos para entender a força de uma canção.
Impossível também ficar indiferente diante das obras de
larga escala de Eduardo Srur. O artista plástico recorre a intervenções
urbanas criativas e ousadas para provocar reflexões
sobre a relação da sociedade com o meio ambiente. Nas
águas, nas ruas ou no alto da fachada de um prédio, a arte
de Eduardo Srur bota o dedo na ferida e visa impulsionar o
despertar para questões urgentes e incômodas.
E alguém duvida que cozinhar é uma forma de arte? O talento
para compor aromas, brincar com ingredientes e servir
com amor vem de berço para a chef Manuelle Ferraz, que comanda
o premiado restaurante A Baianeira, em São Paulo. Ela
tentou enveredar por outros caminhos, chegou a se formar
em direito, mas uma importante mudança na rotina a puxou
de volta para a arte dos sabores.
A jornada pela trajetória dos convidados desta edição da revista
começa pela seção Q&A Etc., com a entrevista da psicanalista
Vera Iaconelli sobre etarismo, um tema tão em voga
que afeta milhões de brasileiros. A especialista explica como
a discriminação baseada na idade reflete uma visão equivocada
da sociedade a respeito do envelhecimento, de que maneira
ela prejudica homens e mulheres e o que as empresas
e nós, indivíduos, podemos fazer para prevenir e combater
essa forma de preconceito. Aprender sobre o comportamento
humano e o que pensa a sociedade podem não ser manifestações
artísticas, mas estimulam o autoconhecimento, que,
assim como a arte, tem um enorme poder transformador.
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[Q&A ETC.]
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Como podemos definir o
etarismo?
O etarismo é o preconceito ligado à idade.
Quem pratica essa discriminação
supõe que uma pessoa com certa idade
perde habilidades e ganha deficiências.
O etarismo mostra a tentativa de imputar
valores negativos na diferença entre
sujeitos, em vez de perceber o valor
das pessoas. Não tem problema falar
que alguém é velho, desde que o discurso
não traga uma intenção pejorativa.
Mas a questão tem evoluído. Hoje
temos mais ferramentas para debater
e compreender o problema do que tínhamos
há algumas décadas.
O etarismo é reflexo de uma
sociedade que valoriza a
juventude e o corpo “perfeito”?
Ele é um sintoma de uma sociedade
que tem medo do velho. O que está
em questão é a morte, a finitude. Os
velhos lembram os jovens que vamos
todos morrer um dia. E isso incomoda
muito. Quando somos jovens, não
pensamos na morte. Mas, em algum
momento, essa compreensão chega.
Uma pessoa mais jovem que destrata
um velho revela nela uma imaturidade
em lidar com o fato de que ela mesma,
um dia, vai ser velha e que seu corpo
vai mudar.
O etarismo impacta igualmente
homens e mulheres?
que for necessário, com cosméticos e
cirurgias, para disfarçar a idade. O segundo
ponto tem a ver com o papel socialmente
construído de a mulher ser
provedora de filhos, e ela precisa ser
jovem para ser fértil e gerar uma prole.
Quando sai do período fértil, perde sua
utilidade. Já o homem, quando sai da
juventude, ganha mais valor porque é
visto como alguém que teve mais tempo
de acumular riquezas.
A dificuldade em lidar com o
envelhecimento afeta as relações
afetivas?
Um homem velho ainda é paquerado;
já as mulheres velhas são ignoradas.
A mulher não pode ser velha, solteira
e ainda estar buscando amor ou sexo.
Mas o afeto no mundo contemporâneo
já está muito empobrecido em vários
sentidos, e o etarismo vem como
um fator extra na equação. Ninguém
mais quer se arriscar. Querem uma
companhia, mas não querem pagar o
preço, que é se abrir, mostrar fragilidades,
estar disponível à mudança e
à crítica. Daí inventam qualquer desculpa
para não se relacionar ou para
terminar uma relação. E a idade vem
como uma dessas desculpas. Os velhos
têm uma vantagem nesse sentido.
São de uma geração mais propensa a
se encontrar, a se arriscar. Os jovens
estão mais seletivos, assustados e,
portanto, mais solitários.
futuro, mas não encontra suporte. E as
que optam por focar apenas na carreira
depois também são julgadas quando
saem de seu período fértil e são vistas
como descartáveis.
Como as organizações podem
combater o etarismo?
As empresas precisam criar uma cultura
interna real que valorize o velho.
Os mais velhos precisam ter chance de
mostrar que pode haver uma troca de
conhecimento. O jovem pode ter mais
sabedoria para lidar com uma nova
tecnologia, mas ele é de uma geração
menos preparada para encarar críticas
e frustrações, pois acredita que
todos os resultados devem ser imediatos.
Os mais velhos podem ensinar
a ter paciência, a lidar com ansiedades
e angústias.
Você já sofreu preconceito
etário?
Já passei por algumas situações. Se
vou falar com pessoas jovens, por
exemplo, elas me subestimam, acham
que vão falar com alguém chato, que
não tem nada de interessante a dizer.
Também acontece de uma atendente
de loja me oferecer roupas que ela acha
que é “de velha”, sem antes perguntar
qual meu estilo. E também tem aquilo
de a pessoa não saber como me tratar.
Ela não quer ofender, daí não sabe se
usa “senhora” ou “você”.
“A sociedade tem
medo do velho”
Quando veio a público a informação de que a escritora Lygia Fagundes Telles era
cinco anos mais velha do que revelava – ela tinha 103 anos quando morreu, em abril
deste ano, não 98 –, a psicanalista Vera Iaconelli abordou a questão do preconceito
de idade, principalmente contra mulheres, em sua coluna no jornal Folha de S.Paulo.
O etarismo é um assunto atual e relevante, e o texto da psicanalista teve grande
repercussão. Vera é doutora em psicologia pela USP, diretora do Instituto Gerar de
Psicanálise e autora de Mal-Estar na Maternidade e Criar Filhos no Século 21. Em entrevista
à Et cetera, ela explica como o etarismo afeta a sociedade, a melhor maneira
de combatê-lo e como ela, aos 57 anos, encara a discriminação etária.
A mesma lógica que trata objetos como
descartáveis e cria a obsolescência
programada é aplicada aos seres humanos.
Todas as pessoas velhas – homens
e mulheres – vão ficando espremidas
por preconceitos. Mas para as
mulheres isso é muito pior.
Por quê?
Em parte, porque questões como juventude
e aparência sempre foram cobranças
mais pesadas sobre elas. Um
homem de cabelos grisalhos é elegante,
enquanto uma mulher de cabelos
brancos é considerada feia, xingada de
bruxa. A mulher que envelhece tem a
cobrança social de gastar o dinheiro
As mulheres também são mais
prejudicadas pelo etarismo no
mercado de trabalho?
Sim. Os homens sofrem mais com o
etarismo na carreira perto da terceira
idade, aos 50 ou 60 anos. Se perdem
o emprego, têm dificuldade para se
recolocar. Já as mulheres sofrem com
o etarismo muito antes. Ainda jovens,
elas pagam o preço da escolha de ter filhos.
Um chefe que reclama que ela vai
tirar licença-maternidade, outro que
não quer contratar uma profissional se
ela tiver planos de ser mãe. A sociedade
não quer pagar a conta da próxima
geração e coloca tudo sobre a mulher.
Ela é obrigada a gerar os filhos desse
Como você reage?
Eu não levo a mal, acho engraçado.
O que fazer para não reproduzir
esse comportamento
preconceituoso no dia a dia?
Podemos tomar cuidado para não infantilizar
os velhos. Temos mania de
tratá-los como crianças, como se eles
não tivessem habilidades, conhecimentos
e histórias para oferecer. Também
tem aquela coisa de a pessoa tentar
elogiar falando “Nossa, você nem
parece ter essa idade”. Afinal, qual a
cara de alguém de 60 anos?
Entrevista concedida a Guilherme Dearo
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[COM A PALAVRA…]
“O racismo te adoece se você
não souber transformar a
revolta em ação”
O hip hop deu
a Preto Zezé a
autoconsciência
para mudar seu
destino. Neste
depoimento à
Et cetera, o artista,
empresário, ativista
e uma das maiores
lideranças globais
pelas favelas conta
sua história
Nasci em Fortaleza, em 1976. Eu era o
mais velho de cinco irmãos. Minha mãe
era doméstica e meu pai, pintor. Cresci
na favela de Quadras e, naquela época,
o povo de classe média já tinha muito
preconceito, dizia que a comunidade
fedia, que ali só tinha violência. No
Nordeste, existe essa realidade de ter
que escolher entre trabalhar e estudar.
As notas da escola não resolvem algumas
coisas da vida que as notas de dinheiro
resolvem. Mas eu ainda tive um
pouco de sorte porque consegui ficar
um tempo maior estudando. Trabalhava
de madrugada, lavando carros, e estudava
à tarde. Mas eu passava muito
tempo na rua, mais do que devia. Ali
tive muitos aprendizados e vivências,
mas também vi a violência de perto.
Tudo mudou quando conheci os bailes
funk, o pixo e, depois, o rap e o hip
hop, lá no começo dos anos 1990. Eu
me descobri negro por volta de 15 anos,
ouvindo a música Negro Limitado, do
Racionais MC’s. Era uma voz falando
comigo, contando minha história e o
que eu sentia. Homens da Lei, do Thaíde,
também me marcou muito. Falava da
violência da polícia, e eu via isso na minha
vida. Comecei a reconfigurar algumas
coisas na mente, principalmente
minha identidade negra. Entendi que
precisava ler mais, estudar mais, me
politizar. Comecei a olhar o mundo de
outra forma e a organizar a confusão
da minha cabeça.
Parece loucura falar em se descobrir
negro, mas é assim mesmo. A dinâmica
do racismo é muito eficiente. Todo
brasileiro diz que existe racismo no
Brasil, mas ninguém fala que é racista.
Então onde ele está? O processo de se
descobrir negro é muito doloroso. Volta
um filme na sua cabeça. Lembranças
de coisas que te aconteceram e só
agora você entende que foi racismo. As
brincadeiras que faziam na escola, mas
você não dava risada. A preferência da
polícia em sempre te enquadrar. Nessa
hora você precisa tomar cuidado. É
fácil ficar tomado pelo ódio. O racismo
te adoece se você não souber transformar
a revolta em ação.
No Brasil, o negro que quebra as expectativas
dos brancos é alvo de um
racismo muito agressivo. Acham que a
gente sempre deve ter um papel subserviente.
Quando comecei a me colocar
em posições de visibilidade, passei
a sentir isso todos os dias. O desejo
de transformar a realidade me levou
a criar o Movimento Cultura de Rua,
pensando na produção cultural dentro
das favelas cearenses. E então conheci
a Central Única das Favelas, fundada
pelo Celso Athayde. A Cufa estava
transformando a realidade de muitas
favelas com empreendedorismo, educação,
cultura. Isso me marcou, eu queria
fazer parte.
E foi nessa época que mudei também:
de Francisco José Pereira de Lima para
Preto Zezé. Decidi fazer isso porque é
uma maneira de tirar o estigma da palavra
preto e virar o jogo contra quem
usa isso como racismo. É a construção
e afirmação de identidade. As pessoas
confundiam e pediam para falar com o
“Pedro”. E eu corrigia: “É Preto”.
Comecei a me envolver com a Cufa e,
em 2004, me tornei coordenador estadual
da Cufa Ceará. Depois, fui presidente
nacional da organização. Entre
2015 e 2019, mais um desafio enorme
da minha vida: cuidar da Cufa Global,
em Nova York. Ficava indo e voltando
dos EUA a cada três meses, trabalhando
no nosso escritório no Bronx.
Nessa época, perdi um filho adolescente
pra violência. O Jonas, em agosto de
2015. Ele tinha 17 anos. Você está no
meio da guerra, mas nunca acha que
ela vai te atingir. Foi muito difícil. Fiquei
desacreditado da luta. Cheguei a
pensar que o que eu estava fazendo
não tinha sentido, sem fé nem motivação.
A energia para seguir em frente
só voltou quando o Athayde me deu o
desafio de cuidar da Cufa Global. Percebi
que não poderia parar. Hoje, tenho
uma companheira e um filho pequeno,
o José, de 6 anos, que me motivam todos
os dias.
Em 2020, saí do global da Cufa e voltei
para o Brasil, quis cuidar da direção nacional
por causa da pandemia. A fome
e a miséria aumentaram muito, e a gente
precisava agir. Pela primeira vez, a
Cufa precisou trabalhar com arrecadação
de comida. Os últimos anos foram
desafiadores, mas mostraram que a
gente é muito forte. Conseguimos mobilizar
mais de 113 milhões de reais.
Não sei qual seria meu futuro se não
tivesse encontrado o hip hop e a Cufa.
Dos meus 30 amigos da época, sobraram
uns cinco ou seis. Os outros estão
presos ou morreram, e esses poderiam
ter sido meus destinos. Mas tive apoio
e orientação. Do rap. Da minha mãe,
dona Fátima. E do Athayde, minha
grande bússola. Meu destino acabou
sendo a Cufa, sete discos, dois livros,
uma família. Também tenho dois livros
a caminho, quase prontos. Um vai falar
sobre a atuação da Cufa durante a
pandemia. O outro, eu estou escrevendo
com a Djamila Ribeiro, vai falar de
constrangimento pedagógico contra o
racismo.
Para o futuro, sonho em ajudar mais o
Brasil. Deixá-lo mais preto, sem esse
amontoado de injustiça e mágoa por
todos os lados. Fico muito preocupado
com a exposição dos jovens à violência.
Tem mais armas circulando e também
mais ansiedade e ambição. Pra essa
juventude que quer transformar, quer
agir, eu digo três coisas: precisa ter
conhecimento, não pode perder a referência
de onde veio e tem que pensar
sempre na coletividade.
Depoimento dado a Guilherme Dearo
Foto: Daniel de Araújo Ferreira
INVERNO 2022 | EDIÇÃO 8 • PÁG. 26

[GUARDE ESTE NOME]
Dora
Morelenbaum:
O frescor da nova voz da MPB
Por Sérgio Martins
Foto: Lucas Nogueira
Quando sai o primeiro disco? Essa é a
pergunta que todos os fãs de MPB deveriam
fazer a Dora Morelenbaum. Os
primeiros passos como cantora antecipam
um sucesso justificável. Depois
do celebrado EP Vento de Beirada, lançado
no ano passado, e um dueto com
Di Melo, talento do soul brasileiro, a
revelação do canto se uniu a Zé Ibarra,
Lucas Nunes e Julia Mestre, jovens
talentos da MPB atual, e formou o grupo
Bala Desejo, cuja estreia chegou às
plataformas de streaming no início de
2022. Dora, a incansável, ainda realiza
esporádicas performances solo.
A cantora de 26 anos é filha de Jaques
e Paula Morelenbaum, casal de alta patente
da música brasileira. Ele é maestro
e compositor, criador do grupo de
rock progressivo A Barca do Sol e com
décadas de serviços prestados a Caetano
Veloso. Já Paula fez parte do grupo
vocal Céu da Boca, e sua carreira solo
é pontuada por discos nos quais uniu
a bossa nova aos ritmos eletrônicos.
Ah, e o mais importante: os dois integraram
a Banda Nova, de Tom Jobim.
“O sobrenome dos meus pais me abre
muitas portas e trouxe referências
musicais, mas não sinto nenhum tipo
de pressão em relação a isso”, diz ela.
As tais referências, claro, estão entre
as melhores. Dora tinha 5 anos de idade
quando acompanhou Jaques e Paula
em uma turnê pelo Japão. Aos 12, se
encantou ao presenciar um dueto dos
pais em Por Toda Minha Vida, de Tom Jobim.
“Foi a realização do amor. O amor
pela música e o amor que um sentia
pelo outro.”
Apesar da veia musical, Dora inicialmente
estudou arquitetura. “Queria
trabalhar com música, mas tinha essa
ingenuidade de fazer aquilo virar um
ofício.” Embora gostasse de aulas de
história da arte, ela se transferiu para
o curso de Música Popular Brasileira
– Arranjo Musical, na Universidade
Federal do Rio de Janeiro. Mas o gosto
pela construção, alimentado no curso
de arquitetura, não foi de todo abandonado.
Hoje, Dora constrói melodias
com a habilidade e disciplina de quem
projeta um edifício. “Assim como a música,
a arquitetura tem de ser, muitas
vezes, pensada antes de ser vivida”,
comenta a cantora.
As amizades musicais nasceram ainda
no ensino médio, quando convivia com
Lucas Nunes (de quem foi namorada),
Zé Ibarra e Tom Veloso – os três
formariam, posteriormente, a banda
Dônica. Veloso, aliás, é parceiro de seu
primeiro single, a singela Dó a Dó, lançada
no fim de 2020 e parte de Vento
de Beirada. A balada traz arranjos
de cordas do pai, Jaques, e traz Dora
acompanhada por uma orquestra de
20 músicos. “Caí em prantos. Tenho
uma relação muito forte com a música
erudita, de orquestra”, comenta ela, admiradora
de Ravel, Debussy e Chopin,
compositores eruditos que estão entre
os prediletos dos bossa-novistas.
Bala Desejo, que Dora formou ao lado
de Nunes, Ibarra e Julia, nasceu do isolamento
provocado pela pandemia. Os
quatro foram morar na casa dos pais
de Julia, em Copacabana, onde passaram
a criar músicas e participar das
lives organizadas pela cantora Teresa
Cristina. “Ela ligava e dizia qual autor
seria homenageado naquela noite. A
gente então ensaiava e aprontava tudo
para a noite.” O sucesso das participações
rendeu ao grupo um convite para
tocar na edição 2021 do festival Coala,
que equilibra artistas alternativos e
grandes nomes da MPB, e, por fim, a
sugestão de um disco do grupo – que
foi sendo burilado ao longo do ano
passado em estadias do quarteto em
um sítio em Barbacena, Minas Gerais,
numa casa em Santa Teresa, no Rio
de Janeiro, e na própria residência de
seus integrantes. O processo de confecção
do álbum forçou uma pequena
mudança no método de criação da
cantora. Geralmente, ela cria a melodia
e a harmonia para depois encontrar a
letra adequada. No Bala Desejo, Julia
assumiu a função de letrista principal
e o trio restante colaborava nos versos
conforme as canções eram criadas.
“Às vezes, Zé [Ibarra] soltava palavras
aleatórias e eu tinha de organizar o que
estava sendo dito”, explica.
Dora integra uma geração de compositores
que percorrem um estilo mais,
digamos, tradicionalistas da MPB. Nomes
como ela, seus parceiros de Bala
Desejo e Gab Lara optam por uma estética
mais elaborada do que a facilidade
de combinar música brasileira e indie
rock. “Não existe uma intenção de ser
mais burilado. Isso se deve às referências
das coisas que a gente escuta”,
justifica. A opção pela melodia mais intrincada
não é, nem de longe, uma atitude
esnobe ou pouco comercial, visto
que as músicas possuem qualidades
suficientes para tocar em rádio – veículo
que, aliás, Tom Jobim frequentou
durante toda a sua trajetória artística.
“Ele era pop em algum lugar, assim
como Caetano Veloso e Gilberto Gil”,
aponta Dora.
A cantora tem feito performances
aqui e ali. Elas trazem canções de sua
autoria, material do Bala Desejo e músicas
que podem fazer parte de seu
disco de estreia. “Tenho pelo menos
oito canções garantidas”, diz. Mas, afinal,
quando sai o disco? “Todo mundo
quer saber, mas vocês foram os únicos
que perguntaram”, brinca Dora. A
ousadia da Et cetera valeu a pena: o
processo de gravação se inicia na segunda
metade de 2022 e o álbum sai
no início de 2023.
OUÇA DORA MORELENBAUM
OUÇA BALA DESEJO
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INVERNO 2022 | EDIÇÃO 8 • PÁG. 28

Nome: Daniella Maria Giusti Barra (Dani Calabresa)
Idade: 40 anos
Profissão: atriz e comediante
Cidade onde nasceu: São Bernardo do Campo/SP
A princesa
Calabresa
Por Simone Costa
Ela desistiu de ser desenhista da Disney e se
tornou uma das mais talentosas humoristas
brasileiras. A paixão de Dani Calabresa pelas
princesas não virou profissão, mas rendeu
pedido de casamento no castelo da Cinderela
Foto: Jairo Goldflus
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Uma família muito unida
“Quase tudo que acontece no meu
cotidiano vira material de trabalho.
Passo vários perrengues e desafios e
penso ‘Isso ainda vai virar piada, vou
conseguir transformar essa situação
e as pessoas vão rir disso”
O
ator que interpretaria o desajeitado Dunga em uma encenação infantil de
Branca de Neve e os Sete Anões não apareceu, e a menina de 5 anos que acompanhava
a irmã mais velha, atriz principal da peça, foi convocada para entrar
na pele do anão mudo. Ela relutou, chorou de nervoso, mas, diante da insistência da
irmã, acabou cedendo. Como o figurino era grande demais para a atriz acidental, ela
passou toda a apresentação ajeitando o gorro que teimava em escorregar da cabeça.
A plateia, claro, caía na risada com a cena. Era a estreia de Daniella Maria Giusti
Barra, a Dani Calabresa, na vida artística.
“Eu me senti bem, gostei de fazer as pessoas rirem. Quando terminou, foi um misto
de tensão e de vontade de fazer tudo de novo. Já estava mordida pelo bichinho do
teatro”, conta Dani. A responsável pela estreia atabalhoada de uma das principais
humoristas brasileiras da atualidade é Fabiana, sete anos mais velha que a irmã. Ela
resolveu levar Dani para as aulas de teatro por causa da timidez da caçula, que se
escondia atrás da mãe na presença de estranhos. “Sempre fui tímida. Amo fazer teatro,
me concentro, mas até hoje não perdi a timidez”, revela. Talvez não tenha perdido,
mas aprendeu a driblá-la já na escola: era a aluna que sabia imitar os professores.
“Fazia só para as amigas mais próximas. Quando a notícia de que eu imitava
alguém se espalhava pela classe inteira, eu ficava desesperada. Mas minha irmã me
incentivava a fazer.” Luciana Gimenez, Hebe Camargo e Narcisa Tamborindeguy
são algumas das imitações hilárias que Dani faz atualmente, agora sem tanto pudor.
Mas, mais do que melhorar a desenvoltura social de Dani, o empurrão de Fabiana
plantou a semente de uma carreira de sucesso. E versátil. Hoje, aos 40 anos, Dani
Calabresa é atriz, comediante, roteirista, apresentadora, dubladora… Ufa! E estreou
recentemente como diretora de teatro com a comédia E Aí, Deu Certo?, monólogo do
amigo Rodrigo Sant’Anna. “Sempre agradeço à minha irmã porque eu precisava de
alguém que me incentivasse”, diz.
Além do incentivo da irmã, Dani contou com a veia cômica herdada da mãe, Marlene.
Ela divertia as filhas imitando o síndico do prédio ou alguma vizinha da família
sempre que voltava de uma reunião de condomínio. “Minha mãe fazia um verdadeiro
show pra nós, e eu morria de rir. Quando percebi, estava fazendo o mesmo para
as minhas amigas”, diz.
Tanto Marlene quanto Cláudio, pai de Dani, têm grande papel no sucesso da humorista.
O apoio teve, inclusive, aspectos logísticos: como Dani sempre teve – e ainda
tem – medo de dirigir sozinha, o casal levava a filha para cima e para baixo em dias
de testes, apresentações ou entrevistas. Mas o principal suporte era emocional. Eles
sempre estiveram presentes, da ocasião em que foram os únicos espectadores de
um show à primeira entrevista da humorista no badalado programa do apresentador
Jô Soares, em 2009. “Tenho uma relação de muito amor e proximidade com
minha família. Preciso dividir tudo com eles. Se vou a um lugar maravilhoso, mando
foto no grupo da família. Se como um prato muito gostoso, já quero levar minha mãe
para experimentar”, conta Dani.
Ela é tão apegada à família que morou na casa dos pais até se casar com o comediante
Marcelo Adnet, em 2010, aos 28 anos. Marlene e Cláudio nasceram em São Paulo,
mas o casal se mudou para a vizinha Santo André antes da chegada das filhas, e a
família vive lá até hoje. Portanto, foi nessa cidade do ABC paulista que Dani viveu
boa parte da vida. “Eu amo Santo André, fui muito feliz lá. Estudei teatro e fiz várias
peças na cidade.”
O batismo como Calabresa
Embora tenha sido picada pelo bichinho do teatro ainda na
infância, Dani trilhou outros caminhos antes de seguir a carreira
como atriz. “Eu sonhava em viver do teatro, mas era
muito difícil conseguir patrocínio. A gente colocava dinheiro
na peça, levava peruca de casa e no dia da apresentação tinha
três parentes de cada ator lá sentados”, recorda, sem perder o
bom humor. Foi vendedora de seguros, mas não vestia a camisa,
digamos, da empresa: se empenhava em bater a meta de
vendas; no entanto, depois de concluir a transação, ensinava
os clientes idosos a cancelar a compra. Com talento nato para
o desenho e fã declarada do universo Disney, nutria o sonho
de se tornar desenhista da empresa, ilustrando as princesas
que ela tanto amava. Decidiu cursar publicidade na faculdade
Belas Artes de São Paulo, por acreditar ser um bom embarque
na jornada até os estúdios da Walt Disney. Até conseguiu
alguns estágios na área, mas nenhum no setor de criação de
uma agência publicitária. “Adorei a faculdade, mas peguei
uma fase de transição em que não adiantava só desenhar
bem. Precisava saber mexer no Photoshop e num monte de
novos aplicativos, mas eu não tinha nem computador”, conta.
Em 2002, uma viagem de férias com Fabiana para a Ilha de
Itaparica, na Bahia, abriria uma nova porta no percurso profissional
de Dani, a um ano de ela se formar na faculdade.
Hospedadas no resort Club Med, as irmãs se tornaram amigas
dos monitores – os chamados GO, gentil organisateur –,
responsáveis pela organização dos jogos e atividades, e acabaram
convidadas para participar dos shows. Gostou tanto
que, em 2004, decidiu repetir a experiência. Desta vez, passou
um ano inteiro conciliando o trabalho de GO, entretendo
a criançada durante o dia, com as apresentações que fazia
à noite no próprio resort. “Foi maravilhoso, me realizei. Ima-
Com a irmã, Fabiana | foto: arquivo pessoal
gina: eu estava acostumada a fazer teatro sem cenário, sem
figurino. No resort, tinha a produção toda”, conta. E saiu dali
o apelido que se tornaria seu nome artístico. O sotaque carregado
de influência dos avós italianos soava divertido para as
crianças hospedadas no resort, vindas de diferentes partes
do país, e elas começaram a chamá-la de tia Calabresa.
De volta a São Paulo, Dani ingressou no curso de teatro musical
da atriz e preparadora vocal Andrezza Massei. Nesse período,
começaram a surgir os testes, eventos e peças infantis,
mas a quantidade de trabalho era desproporcional ao dinheiro
que entrava. “Eu fazia peças que pagavam 50 reais de cachê.
Tinha dias em que fazia sessões às 10 horas da manhã, às 2 e
às 4 da tarde para juntar 150 reais. Era muito perrengue, mas
assim eu pagava o curso”, lembra. Com a ajuda de Andrezza,
considerada pela comediante sua madrinha na profissão,
Dani se preparou e conseguiu uma vaga de atriz substituta
em um musical. Pouco depois, assumiu um papel fixo na produção.
E ouviu mais de uma vez alguém da plateia perguntar:
“Você é a Calabresa? Eu te conheci no resort”. E assim a “tia
Calabresa” foi ganhando seu nome artístico.
Em uma das conversas com a plateia após o espetáculo musical,
uma moça sugeriu que Dani fizesse um teste para participar
de um show de humor em cartaz na cidade. “Ela disse:
‘Parece o Terça Insana [projeto teatral de humor com diversos comediantes
que fazia enorme sucesso em SP à época], mas é mais
pobrinho’”, relembra. A tal versão menos abastada do Terça
Insana era o Deboshow, que estava promovendo uma competição
para escolher seu novo integrante. Com personagens
autorais e imitações, Dani venceu o concurso e passou a integrar
o elenco fixo do espetáculo.
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Um anjo amigo
Fase de escolhas
“Você é um stand-up ambulante.” Foi
com essa frase que o humorista Márcio
Ribeiro (1964-2013), ex-apresentador
do programa de TV infantil X-Tudo
e um dos precursores do stand-up comedy
no país, se referiu a Dani quando
ela ainda lutava para sobreviver como
atriz. Eles se conheciam havia alguns
anos, e Márcio foi assistir à peça infantil
em que ela atuava. O comentário
do experiente comediante mexeu
algumas engrenagens na cabeça
da jovem atriz.
A partir daquele momento, Dani começou
a escrever textos de humor e
mostrar a Márcio, considerado seu
padrinho profissional. “Eu falava que
não sabia fazer, mas ele respondia ‘Tá
pronto, para de ser louca’”, diz Dani,
antes de se emocionar por causa da
ausência do amigo. “Ele não está mais
aqui, dá tanta saudade…” Em 2006, ao
lado de Márcio Ribeiro, Danilo Gentili,
Fábio Rabin e Luiz França, Dani Ca-
labresa estreou no grupo Comédia ao
Vivo. “Minha vida mudou. Viajávamos
o Brasil todo de ônibus fazendo
shows, testando piadas, trocando textos.
Eu me divertia muito, nem parecia
trabalho”, diz.
A maior exposição começou a abrir
portas. Dani foi chamada para um teste
no SBT e, em março de 2007, estreou
no programa humorístico Sem Controle.
Logo depois, uma aparição especial
no Programa no Ratinho resultou no
convite do apresentador Carlos Massa
para uma participação fixa no Jornal da
Massa, telejornal que mesclava notícias
com quadros de humor. A passagem
pelo canal de Silvio Santos, no entanto,
foi mais curta do que ela esperava: oito
meses depois, o dono da emissora paulista
cancelou diversos programas de
uma vez só. “Acabou o Jornal da Massa
e o Sem Controle. Estava de peruca para
gravar, tirei e fui embora tristinha porque
eu amava trabalhar lá”, recorda.
Enquanto lamentava a demissão, Dani
via a porta seguinte abrir. Ou melhor,
três portas. A primeira veio de uma
ligação de Emílio Surita, radialista e
apresentador do programa Pânico, a
convidando para ser repórter do programa
na Band. No mesmo período,
o comediante Fábio Porchat a levou
para participar de uma reunião com
Maurício Sherman (1931-2019), então
diretor do Zorra Total, humorístico da
Rede Globo. “Ele queria que eu criasse
uma personagem paulista com um
sotaque bem carregado, como o meu,
pra me colocar no programa”, conta.
Em paralelo, Dani fez um teste para um
programa piloto na MTV, uma paixão
antiga que não estava em seu radar por
ela não ter o perfil musical para trabalhar
na emissora. “Quando o [Marcos]
Mion entrou para fazer o Piores Clipes
do Mundo, pensei: ‘Caramba, entrou um
comediante, posso trabalhar na MTV’.
Me deu esperança”, conta ela.
Diante das três possibilidades, Dani
deixou o coração falar mais alto. “Depois
de vários testes na MTV, fui contratada
para ganhar 300 reais”, diz. Ao
lado dos apresentadores Marcos Mion
e Cazé Peçanha, estreou em 2008 no
programa de auditório Quinta Categoria,
novidade no canal que deixava de
exibir apenas conteúdo relacionado ao
universo musical.
No período em que permaneceu na
emissora, de 2008 a 2012, participou
de vários programas da casa, entre
eles o Furo MTV, ao lado do humorista
Bento Ribeiro, filho do escritor João
Ubaldo Ribeiro. Sentia-se tão realizada
que chegou a recusar uma nova opor-
tunidade na gigante TV Globo. “A MTV
tinha uma linguagem parecida com a
que eu usava no stand-up. Lá, éramos
como uma turma criativa de faculdade,
com liberdade para testar. Foi muito legal,
de verdade”, diz. “Eu tinha o sonho
de ir para a Globo, mas queria me sentir
preparada para essa grande mudança.”
A trajetória de preparação incluiu uma
passagem pelo CQC, da Band. Antes
de dividir a bancada do programa com
Marcelo Tas e Marco Luque, produzia
reportagens nada convencionais pelas
ruas do país. “Fazer entrevista na rua
é difícil. As pessoas estão lá vivendo a
vida delas e você pedindo para falarem,
dançarem, passarem debaixo da cordinha.
Foi um superdesafio”, diz.
Em 2015, quase dez anos depois da estreia
na televisão, Dani sentiu que era
o momento de ter seu crachá da Globo.
Encarnou vários papéis no Zorra Total,
reviveu a icônica Catifunda, personagem
de Zilda Cardoso, no remake da
Escolinha do Professor Raimundo, e comandou
o quadro CAT BBB na mais recente
edição do Big Brother Brasil. Atualmente,
ela comanda o podcast Posso
Mandar Áudio?, em que apresenta dates
ruins de famosos, como Xuxa, Mônica
Martelli e Gil do Vigor. Os episódios, de
apenas 15 minutos, estão disponíveis
no site do Gshow, na Globoplay e nas
principais plataformas de áudio. O impacto
de trabalhar na maior emissora
do país não passou despercebido. “É
incomparável. Dá a sensação de que
agora o Brasil está me vendo”, brinca,
parafraseando o bordão dos participantes
do BBB.
Com Márcio Ribeiro, Fábio Rabin e Danilo Gentili | foto: arquivo pessoal
“Acredito que todo processo de aprendizado tem
momentos difíceis, e o mais importante é olhar para
todos os cacos e ir colando. De preferência, com uma
cola cheia de glitter para mostrar que a dor faz parte do
crescimento e pode, sim, ser muuuuito bonita”
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Recolhimento no auge
Quando estreou o programa que leva seu nome no título, o Dani-se, ao lado de Pedroca
Monteiro, no GNT, em março de 2021, a humorista acabava de sair de um
período de reclusão. O caso de assédio moral e sexual envolvendo o ex-diretor do
núcleo humorístico da TV Globo Marcius Melhem ganhou enorme repercussão nacional,
levando Dani a se afastar dos holofotes. “Eu busquei ajuda na empresa em
que trabalhava. Nunca procurei a imprensa. Nunca quis falar publicamente, sempre
quis que aquele pesadelo acabasse sem nenhum alarde”, desabafa. Após a denúncia
de Dani ao compliance da Rede Globo, outras mulheres acusaram Melhem de comportamento
inadequado. O Ministério Público do Trabalho ajuizou uma ação civil
pública por suposta omissão contra a Globo, e há também um inquérito policial em
curso na Delegacia Especializada no Atendimento à Mulher (Deam). Em paralelo,
corre na Justiça um processo do ex-diretor contra Dani Calabresa por danos morais
e materiais. Todos os casos correm em segredo de justiça.
O divórcio do humorista Marcelo Adnet, em 2017, também envolveu uma dolorosa
exposição da vida privada – o casamento de sete anos terminou por causa da traição
do marido. Nos dois episódios, segundo Dani, o trabalho a salvou. “Acredito que
todo processo de aprendizado tem momentos difíceis, e o mais importante é olhar
para todos os cacos e ir colando”, afirma. “De preferência, com uma cola cheia de
glitter para mostrar que a dor faz parte do crescimento e pode, sim, ser muuuuito
bonita”, responde, animada, em demonstração involuntária da força de seu bom
humor. O trabalho, garante Dani, é seu antídoto para se livrar de sentimentos ruins.
Mas como fazer comédia nos dias em que a vida não está bem? Ela se concentra, entra
na personagem e deixa os problemas temporariamente de lado. “Tenho o retorno
diário de que meu trabalho leva humor e leveza para a vida das pessoas. Então, é um
remédio para mim e para os outros”, diz.
Com o noivo, Richard Neuman, na Disney | foto: arquivo pessoal
“Tenho o retorno diário de que meu trabalho leva humor e
leveza para a vida das pessoas. Então, é um remédio para
mim e para os outros”
Fé no amor
Depois de ter sido publicamente traída,
ver sua vida amorosa exposta e sofrido
a dor de uma separação, Dani chegou a
afirmar, em entrevistas, que havia perdido
a fé no amor. Mas essa descrença
foi apagada quando, durante uma festa
acompanhada dos colegas na Dança dos
Famosos, quadro do Domingão do Faustão
do qual a comediante participou em
2018, ela conheceu o publicitário Richard
Neuman. Em janeiro de 2020, o
casal assumiu a relação e, pouco mais
de um ano depois, Dani foi pedida em
casamento. E o local escolhido pelo noivo
não poderia ter sido mais romântico,
pelo menos para a noiva: em frente ao
castelo da Cinderela, na Disney. “Foi
maravilhoso! Receber um pedido de
casamento no meio da Disney, o lugar
que amo, foi incrível! Um presente,
uma alegria que não consigo nem
verbalizar direito. Só posso dizer que
sou muito feliz”, afirma.
Entre os planos para o futuro, além de
organizar um casamento (ainda sem
data definida), está a estreia do filme
O Palestrante, que ela fez com o amigo
Fábio Porchat. A comédia, que tem no
elenco nomes como Otávio Müller, Maria
Clara Gueiros e Antonio Tabet, chega
aos cinemas em agosto. Dani Calabresa
realizou o sonho de viver da arte
e, ao longo da trajetória, aprendeu a rir
de si mesma e das situações difíceis
que enfrenta: “Quase tudo que acontece
no meu cotidiano vira material de
trabalho. Passo vários perrengues e
desafios e penso ‘Isso ainda vai virar
piada, vou conseguir transformar essa
situação e as pessoas vão rir disso”,
conta. Certamente, o Brasil ainda vai
rir muito com Dani Calabresa.
Com Pedroca Monteiro, no programa Dani-se | foto: arquivo pessoal
Que dica daria à jovem Daniella:
“Fique tranquila porque, apesar das pedras, o
caminho é lindo e tudo sempre vai acabar bem”
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Nome: João Vitor Romania Balbino (Jão)
Idade: 27 anos
Profissão: cantor e compositor
Cidade onde nasceu: Américo Brasiliense/SP
A sofrência
pop de Jão
Ídolo da geração que nasceu na virada
do século, o cantor e compositor
conquistou seu espaço unindo elementos
do sertanejo e do universo pop com seu
talento para o empreendedorismo
Por Sérgio Martins
Foto: Hugo Rennan
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Foto: Breno Galtier
Amado pelos jovens
Com esse livre trânsito entre mundos
diferentes, Jão arrasta multidões
para seus shows. Nos últimos meses,
o cantor empolgou o público que lotou
o Allianz Parque, em São Paulo, na
apresentação de abertura para a banda
americana Maroon 5, e brilhou em dois
festivais de música pop: o Lollapalooza
e o Mita (Music Is the Answer). Em
setembro ele será uma das atrações do
Sunset, segundo palco do Rock in Rio.
“Nós vamos criar um show do zero.
Quero que seja um show de transição
entre Pirata, minha última turnê, e o
que quero criar e explorar musicalmente
no futuro. Está tudo no papel,
preciso decidir e já está me dando ansiedade”,
diz, em entrevista exclusiva
para a Et cetera.
Jão é o primeiro grande ídolo da geração
nascida no início dos anos 2000.
Segundo dados do YouTube, plataforma
por onde se lançou, em meados da
década passada, 47% dos espectadores
de seus vídeos estão na faixa dos
18 aos 24 anos e 25% entre os 25 e os
34 anos. A principal fonte de inspiração
do artista é o cantor e compositor
Cazuza. “Gosto da maneira de ele falar
com o povo”, diz Jão. Ele interpreta O
Tempo Não Para em seus shows e recentemente
conversou com Lucinha
Araújo, mãe de Cazuza, que lhe acenou
com letras inéditas do filho. “Nosso interesse
de levar essas obras adiante é
mútuo. Mas quero estruturar isso da
maneira mais respeitosa que existe.
Tenho tudo pensado, só falta gravar”,
despista. Em termos conceituais, no
entanto, Jão se aproxima muito mais de
Renato Russo do que do autor de Bete
Balanço, famoso por seu sarcasmo e cinismo.
Por mais que não tenha a erudição
literária e musical do ex-vocalista
da Legião Urbana, o pop star paulista
possui letras que falam de relações
amorosas complicadas e da incapacidade
de amar, tal e qual Renato Russo
fez na década de 1980. “Meu coração
é grande/E cabem todos os meninos e
meninas que eu já amei”, diz em Meninos
e Meninas (título similar a um sucesso
do grupo brasiliense), que celebra a
geração com liberdade para amar. “A
música dele vai ao encontro de uma
lacuna deixada principalmente por
Cazuza e Renato Russo. Reúne melodia
de qualidade, letras expressivas e atitude
de sobra”, comemora Paulo Lima,
presidente da Universal Music, que tem
o cantor sob contrato.
S
ofrência, ensina o dicionário popular, é um neologismo
formado a partir da união das palavras “sofrimento” e
“carência”. Criado para rotular as canções de dor de
cotovelo de Pablo, um intérprete baiano conhecido como o
“rei do arrocha” (uma espécie de seresta apimentada por teclados
eletrônicos), o termo caiu como uma luva para classificar
uma nova turma de compositores e cantores do universo
sertanejo. Sofrência são as criações de Marília Mendonça,
morta em novembro de 2021, que conquistou o país com suas
letras sobre mulheres repudiadas por maridos ou amantes
sem perspectiva de futuro; sofrência é o canto de Maiara &
Maraisa, dupla de gêmeas que trazem a aflição embutida na
vogal de cada composição que apresentam no palco e nos estúdios
de gravação; sofrência é o repertório de duplas como
Henrique & Juliano e Matheus & Kauan, entre muitas outras
que preferem trilhar o caminho da dor a falar de noitadas.
O martírio também se estendeu pelo pop. A pernambucana
Duda Beat, por exemplo, se tornou um dos principais nomes
do showbiz atual ao forjar letras a respeito de suas decepções
amorosas. Os dois tipos de agrura raramente se conversam:
existe um muro imaginário que separa os sertanejos, gênero
musical mais escutado nas rádios brasileiras (50% da preferência
dos ouvintes, ante 34% de MPB e 23% de rock nacional,
segundo dados da TGI da Kantar Ibope Media), do resto
do showbiz. Mas de tempos em tempos surge um artista que
rompe as barreiras entre esses dois mundos. O paulista João
Vitor Romania Balbino, de 27 anos, é um deles. Jão, como é
conhecido pelo público, agrada tanto as plateias da turma da
bota e do chapelão quanto do universo pop. Os primeiros se
identificam com suas melodias de essência sertaneja, que poderiam
figurar no repertório de um Luan Santana ou de um
Jorge & Matheus. Já os adeptos do pop curtem o revestimento
eletrônico que Jão dá a cada composição, muito próximo do
rock nacional dos anos 80.
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Foto: Gabriela Schmidt

Artista e
empreendedor
No Lollapalooza Brasil, em março deste ano | foto: Breno Galtier
Descoberta
acidental
Jão nasceu em Américo Brasiliense,
município pertencente à região de
Araraquara, estado de São Paulo. Fã de
Cazuza e de Marisa Monte, aprendeu a
tocar violão, teclado e flauta, compunha
canções sozinho, em casa, e fazia
pequenas participações nas festas da
escola. Aos 17 anos, mudou-se para
a capital, onde dividia com mais três
pessoas um diminuto apartamento, ao
qual deu o carinhoso apelido de “muquifo”.
Na faculdade de publicidade
na USP (Universidade de São Paulo),
ele encontrou dois companheiros que
até hoje integram seu séquito: Renan
Augusto e Pedro Tófani, que atuam
respectivamente como empresário e
diretor criativo. Foi Pedro, aliás, quem
descobriu, sem querer, que o amigo
sabia cantar. “Numa festa, peguei o celular
dele para trocar de música e descobri
uma composição dele. Ele surtou,
ficou brabo”, lembra. O imbróglio aconteceu
em 2013.
Ao jornal O Globo, o cantor disse que,
naquela época, estava decidido a seguir
carreira como publicitário porque
não se achava um bom músico. Na
mesma entrevista, ele se diz pessimista
e afirma ter se surpreendido com o
sucesso no Lollapalooza, pois estava
preparado para cantar para poucas
pessoas na plateia – na realidade, Jão
encontrou um público superior à população
de sua cidade natal esperando
por ele no Autódromo de Interlagos,
onde ocorreu o festival. A confiança
para fazer da música o plano A veio
três anos depois de ter seu talento acidentalmente
descoberto pelo amigo na
festa. Primeiro, passou a se apresentar
em barzinhos e karaokês para custear
sua vida na cidade. Depois, com a ajuda
de Renan e Pedro, começou a gravar
releituras de sucessos do universo pop
e colocar no YouTube.
O bom desempenho na plataforma de
streaming chamou a atenção da Head
Media, conglomerado de produtores
e empresários que o chamaram para
uma conversa. O interesse era mútuo.
“Marcamos um papo com ele, que, para
a nossa surpresa, estava tentando falar
com a gente, porque curtia nossas produções.
A partir daí, nossa parceria começou.
Jão se tornou o primeiro artista
assinado na label Head Media em parceria
com a Universal Music”, diz Pedro
Dash, sócio do selo ao lado dos também
produtores Marcelinho Ferraz e Dan
Valbusa. Os dois primeiros álbuns de
Jão, Lobos (2018) e Anti-Herói (2019),
possuem assinatura dos produtores da
Head Media. O YouTube também ficou
atento ao sucesso do novo intérprete e
o colocou em projetos da plataforma.
Um deles foi o Jota Quest Collab by Roland,
de 2018, onde recriou Amor Maior
tendo o grupo mineiro como banda de
apoio. “Jão demonstra potencial autoral
desde o início, conseguiu marcar
seu estilo fortemente até em canção
cover”, diz Walter Venício, gerente de
parcerias do YouTube Music para a
América Latina.
“Não me achava
bonito ou bom
o suficiente
para ser notado
milagrosamente.
Mas eu me achava
inteligente para
deixar as coisas
interessantes e
traçar um plano
para comer pelas
beiradas”
O êxito de Jão tem muito a ver com o
talento do trio (o cantor, Renan Augusto
e Pedro Tófani) para o empreendedorismo
– a rede de apoio se transformou
na produtora U.F.O, empresa com
faturamento anual de pelo menos 36
milhões de reais, de acordo com o site
Forbes. Desde cedo, o trio sabia que não
poderia contar com o apoio financeiro
de gravadoras. “Inicialmente foi pela
falta de apoio mesmo, que era quase
um desespero, já que eu havia acabado
de me demitir e não tinha um plano
B”, diz Jão, que chegou a trabalhar em
agência antes de desistir da publicidade.
“Também não me achava bonito
ou bom o suficiente para ser notado
milagrosamente. Mas eu me achava inteligente
para deixar as coisas interessantes
e traçar um plano para comer
pelas beiradas. Então, reuni as pessoas
e planejamos o que faríamos.” O talento
empreendedor despertou muita criatividade
(e certa dose de ousadia) para
compensar a limitação dos recursos
financeiros. Um exemplo? A ideia inicial
era contratar uma empresa especializada
para produzir o videoclipe de
divulgação de Imaturo, mas eles descobriram
que teriam de desembolsar
pelo menos 200 mil reais para assinar
um contrato desse tipo. Em vez disso,
resolveram assumir a produção. Gravaram
tudo na USP, com o pretexto de
se tratar de um trabalho de conclusão
de curso. O resultado final não custou
mais de 26 mil reais.
É a U.F.O que produz os shows de Jão.
Os três arcam com as despesas e faturam
com o rendimento da bilheteria.
Admirador do trabalho de Es Devlin,
diretora de palco que desenhou as
turnês de Beyoncé e Kanye West, Pedro
Tófani surge com ideias ousadas
para os espetáculos de Jão. Anti-Herói,
excursão do disco de mesmo nome,
lançado em 2019, trazia uma cabeça
gigante, inspirada no teatro grego (ele
queria ainda algumas colunas, mas Renan
barrou, alegando que o custo sairia
alto demais). O mais recente, Pirata, é
um dos espetáculos mais vistosos em
cartaz pelo país. Com orçamento inicial
de 500 mil reais, leva um navio, uma
ceia com os músicos e chuva ao palco.
“Minha principal meta com o show era
que ele fosse uma experiência. Minha
memória é muito ruim, mas as minhas
lembranças mais vivas são de coisas
que vivi em shows e festas com as pessoas
de quem gosto. Então, eu queria
que tudo fosse em prol de provocar um
sentimento de comunhão e impacto em
quem fosse me assistir. E sinto que até
as pessoas que vão sozinhas ao meu
show saem de lá com a sensação de
terem feito parte de uma comunidade
por algumas horas”, explica o cantor. E
vai além: “Tenho um compromisso profissional
de lutar para tornar o mercado
de shows no Brasil um espaço cada
vez mais competitivo e compatível com
o nível dos talentos que temos aqui”.
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Chuva artificial em show da turnê Pirata | foto: Breno Galtier

Sofrência no DNA musical
Talento nato
Fã de música sertaneja, Jão lembra que, pelo fato de ser do
interior de São Paulo, a sofrência sempre marcou presença
nas rádios e nas festas que frequentava. O segredo está no
revestimento pop que é dado pelos produtores. “Jão curte vários
artistas do sertanejo, e isso sempre esteve presente em
suas músicas. Ele é mais influenciado pelo sentimento que
a música passa do que pelo estilo musical em si”, explica o
produtor Pedro Dash. “Quando começamos a trabalhar, entramos
em estúdio e fizemos uma espécie de laboratório de
criação por meses, testando de tudo, errando e acertando, até
gostarmos do que estávamos ouvindo”, completa. No álbum
Pirata, lançado em outubro de 2021, o tom sertanejo deu lugar
a uma sonoridade eletrônica que lembra grupos dos anos
1980, como o New Order. “Jão tem uma ideia bem definida
do tipo de impacto emocional que quer captar e passar nas
músicas. Com Pirata, tivemos o tempo para experimentar e
tentar chegar a essas emoções”, diz o compositor Paul Ralphes,
que teve tempo de maturar as composições por causa
da pandemia. “Acredito que minha voz, forma de cantar e de
escrever já são bastante características. Quando percebi isso,
me permiti ser mais despretensioso em relação aos timbres
e às produções”, explica Jão. “Quando sinto vontade de fazer
algo mais eletrônico, ou algo mais voz e piano, ou algo mais
funkeado, isso não me incomoda mais, só vou lá e faço.” Pirata
é puxado por Idiota, que, com seu clipe somando mais de 19
milhões de visualizações no YouTube, estourou nas plataformas
de streaming.
A plateia de Jão é um espetáculo à parte. Ela canta antes, durante
e depois das apresentações. Em Pirata, no Espaço das
Américas, em São Paulo, um grupo acampou em frente à
casa de espetáculos para ficar pertinho do ídolo no palco – e
foi agraciado com uma pizza, entregue pelo próprio cantor. O
rapaz tímido do início de carreira deu lugar a um intérprete
seguro, consciente de seu poder com o público. “Gosto muito
de estar no palco. Mesmo quando algo dá errado, ou estou
inseguro, é em uma proporção infinitamente menor do que
no resto da minha vida. Não me sinto confortável ou satisfeito
em quase nenhum outro ambiente. Então, aproveito cada
segundo ali para mostrar tudo que sei.” A fama e o assédio
lhe deram saudade dos tempos do interior, quando podia caminhar
tranquilamente até a padaria e comprar um pão. O
excesso de shows também lhe cobrou um preço muito alto.
Em 2016, sua avó, com quem o cantor tinha mais afinidade,
iniciou uma rotina de entra e sai dos hospitais. Ela veio a falecer
em 2018, e Jão mal teve tempo de se despedir porque tinha
uma apresentação marcada em outra cidade. “Senti muita
culpa por não ter passado mais tempo com ela”, desabafa.
Tempos atrás, Jão admitiu sua bissexualidade,
declaração aceita com tranquilidade
pelos fãs. “A bissexualidade
sempre esteve presente nas letras do
Jão. Ele trata do assunto com naturalidade”,
diz Pedro Tófani. Embora as
canções deixem clara a sexualidade do
artista, sua matéria-prima sempre foi
a música, nunca a militância. Assim,
o fato de admitir ou não ser bissexual
é apenas um detalhe em meio a um
talento nato. Como bem define Pedro
Dash: “Jão tem a capacidade de saber
expressar, detalhadamente, como ele
se sente sobre determinado assunto ou
situação. E tem coragem de falar sobre
assuntos pessoais e desconfortáveis,
que as pessoas geralmente evitam.
E esse é o ponto que faz com que milhares
de pessoas se identifiquem com
aquilo que ele canta”.
“Jão nasceu na contramão dos grandes
esquemas. Juntou-se a dois fiéis
escudeiros e alcançou a consagração
somente por meio de seu carisma e
musicalidade. E agora, no auge do sucesso,
mantém-se assim: assistindo de
longe a toda a bajulação inevitável em
torno de sua carreira”, elogia o produtor
Zé Pedro. Em meio a diversos
talentos cunhados mais para o marketing
do que para a música, João Vitor
Romania Balbino se mantém fiel aos
seus preceitos e carrega dicas que faz
questão de compartilhar. “Se rodeie de
pessoas honestas e que tenham o mesmo
sonho que você, mas que saibam
te criticar; sua carreira não é a única
coisa que existe na sua vida, cultive
outras coisas porque uma hora ela vai
te engolir; aprenda tudo que você precisa
sobre seus direitos, como artista e
como compositor; se coloque num lugar
muito alto e acredite nele e na sua
individualidade.” Um artista notável
dentro e fora dos palcos.
No Lollapalooza 2022 | foto: Breno Galtier
Que dica daria ao
jovem Jão?
“Logo você vai
encontrar pessoas
que te amam e que
veem o mundo
da maneira que
você vê. Tudo vai
fazer sentido”
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Nome: Manuelle Ferraz de Bessa
Idade: 39 anos
Profissão: cozinheira
Cidade onde nasceu: Almenara/MG
Devota da
cozinha
popular
brasileira
Por Simone Costa
Foto: PC Pereira
As origens da chef Manuelle Ferraz estão
na cidade de Almenara, divisa de Minas
Gerais com a Bahia. Foi de lá que ela trouxe
os sabores que recheiam o cardápio de seu
restaurante A Baianeira
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Foto: arquivo pessoal
“Inventei para mim mesma que
queria conhecer o mundo, mas no
fundo foi uma mera desculpa”
O
aroma que emana do café, passado
ali na hora num singelo e
diminuto coador de pano, aguça
o paladar e abre caminho para a iguaria
que o acompanha: um pão de queijo
impecável, que faz qualquer mineiro
exilado em São Paulo chorar de saudade
de casa. É assim que a cozinheira
Manuelle Ferraz recebe a revista
Et cetera para um dedo de prosa. Manuelle
comanda o restaurante A Baianeira
em dois endereços em São Paulo:
abriu o primeiro na Barra Funda, bairro
da zona oeste da cidade, e instalou
o segundo no Museu de Arte de São
Paulo Assis Chateaubriand (Masp), na
Avenida Paulista. E é nesse ponto, um
prestigiado espaço cultural – onde ela
também assina o cardápio da cafeteria
–, que a chef gentilmente abre espaço
na concorrida agenda para contar
sua trajetória. “Sou pisciana e gosto
de uma boa história”, diz. Com sorte,
a cozinheira de 39 anos deixa escapar
os segredos culinários de quem nasceu
entre as influências gastronômicas de
Minas Gerais e Bahia, dois estados com
sabores tão marcantes.
Foi com pão de queijo que Manuelle começou
seu primeiro espaço na capital
paulista, em julho de 2014. O café – ou
melhor, um balcão montado em uma
garagem de uma rua pouco movimentada
da Barra Funda – chamava-se
Quem Quer Pão 75. “Eu morava no
bairro e aluguei o sobrado, onde ainda
hoje funciona o restaurante. É uma
rua pequena, com um cotidiano quase
interiorano. Um lugar que era como
uma proteção, onde eu não precisava
ir rápido demais e teria tempo para
construir minha história com cuidado”,
lembra. “Isso tudo me fez querer
preparar o pão de queijo e me levou a
me reconectar com as minhas raízes,
com a minha cidade, Almenara”, conta
a simpática almenarense.
No início, o menu era minimalista: ela
servia apenas café e pão de queijo no
local. Aos poucos, foi incorporando
outros itens, como bolos variados e
um prato do dia (arroz e feijão acompanhados
de uma proteína e legumes,
que a chef buscava na feira do Parque
da Água Branca). Logo o prato do dia
também ganhou novas versões, como
bife a cavalo, estrogonofe e parmegiana,
até finalmente receber a companhia
dos pratos típicos que hoje dão identidade
ao restaurante, como galinhada e
baião de dois. Com o cardápio engordando,
expandia também o espaço. Primeiro
o restaurante ocupou o salão no
andar térreo, e, em seguida, o piso superior
do sobrado. De forma orgânica,
o café se transformou em restaurante
em pouco mais de um ano.
E o nome? Bem, ele surgiu de uma explicação
que Manuelle frequentemente
dava aos clientes que, diante do coador
de pano, perguntavam se aquele era
um estabelecimento mineiro. “Eu sempre
respondia que não era só mineiro.
Geograficamente, Almenara fica em
Minas, mas a influência baiana naquela
região é muito forte. O Vale do Jequitinhonha
não consegue definir se suas
características são baianas ou mineiras.
Assim nasceu o nome A Baianeira”,
explica a chef.
Paixão pela cozinha
A exemplo de muitos jovens do interior,
que deixam a casa da família para
estudar na capital, Manuelle se mudou
para Belo Horizonte, a mais de 700
quilômetros de Almenara, quando tinha
17 anos. Embora pertença a uma
linhagem de cozinheiras, ela ainda não
pensava em seguir por esse caminho,
e ingressou no curso de direito na Fumec.
“Passei a infância numa cozinha,
mas me afastei desse espaço da casa
na adolescência e estava prestes a me
tornar uma profissional de direito. Era
como se não fosse o meu destino ser
cozinheira”, diz.
A primeira inquietação veio aos 22
anos, quando a então funcionária do
Tribunal de Contas do Estado de Minas
Gerais decidiu trancar a faculdade e
embarcar para Edimburgo, na Escócia.
“Resolvi estudar inglês fora do Brasil.
Inventei para mim mesma que queria
conhecer o mundo, mas no fundo foi
uma mera desculpa. Era uma angústia,
e ainda não tinha percebido que não
era no direito que eu queria seguir.”
A incompatibilidade, digamos, com a
gastronomia local (e com os altos preços
nos restaurantes na capital escocesa) a
levou para o fogão, e o hábito de cozinhar
em casa despertou uma paixão
adormecida. De volta a Belo Horizonte,
Manuelle começou a preparar almoços
e jantares para os amigos. “Vi que
isso foi tomando conta de mim mais do
que eu tinha imaginado. Passei a não
controlar esse desejo e resolvi investir
naquilo que me entusiasmava”, afirma.
Foto: arquivo pessoal
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A potência das
mulheres
Saem as leis, entram as receitas
Foto: divulgação
Veio da avó materna, Maria Auxiliadora,
a receita do pão de queijo que seria
vendido no Quem Quer Pão 75. Um segredo
de família, portanto. Diferentemente
da mesma iguaria produzida em
quase todos os cantos do país, o pão de
queijo tradicional mineiro, em especial
o de Manuelle, é mais rústico. “Eu trato
o meu pão de queijo como um pão, com
estrutura de pão. O uso de diferentes
tipos de polvilho faz com que o pão de
queijo se assemelhe a um biscoito ou a
um salgado”, explica a chef. “Quando a
gente sai de Minas, encontra uma massa
mais mole. O meu pão de queijo dá
sustança, alimenta”, completa.
Manuelle exalta a influência que sofreu
das mulheres de sua família, especialmente
da avó Maria Auxiliadora, de 79
anos. Mas revela que só enxergou a força
da história dessas mulheres quando
saiu de casa. “Foi um processo de autoconhecimento,
de busca interna que
me fez compreender quão potente era
tudo aquilo, que é também a realidade
de muitas brasileiras”, diz. Manuelle foi
a sexta mulher a nascer na família, a
primeira neta. A avó ficou viúva cedo, e
tirou o sustento financeiro da casa produzindo
e vendendo salgados, e, posteriormente,
abrindo um bufê, o único da
cidade na época. “Por mais que minha
mainha [a avó materna] tenha criado a
todas nós sendo banqueteira, com uma
vida inteira dedicada ao fogão, ela nunca
viu a cozinha como um lugar de sucesso
ou de carreira. Quando eu levei
esse ofício para um restaurante profissional,
começando por Nova York, foi
como se, lá de fora, eu fizesse com que
elas olhassem pra si mesmas. Isso gerou
muitos questionamentos, reflexões
e conflitos”, afirma.
Com o tempo, a família não só entendeu
sua escolha e vocação profissionais
como passou a ajudá-la no restaurante.
Atualmente, Cassandra, a mãe
da chef e também cozinheira, trabalha
com Manuelle em São Paulo. A avó
banqueteira é uma das grandes influências
do cardápio. “Ela fez massa de
coxinha a vida inteira. Por isso, tenho a
coxinha de mainha no cardápio”, revela
Manuelle. A chef relembra a primeira
visita da avó ao restaurante na Barra
Funda: “Ela disse: ‘É isso que você está
fazendo aqui, o mesmo que a gente faz
lá?’. Acho que ela esperava, por ser São
Paulo, alguma coisa mais grandiosa”,
diz a chef, com bom humor. Maria Auxiliadora
se encheu de orgulho de ver
a neta comandando o restaurante no
Masp, uma das principais atrações turísticas
da capital paulista, mas tanto a
matriarca da família como a mãe e as
tias de Manuelle só se convenceram de
seu sucesso quando ela participou do
quadro Super Chef, exibido no matutino
Mais Você, programa da Rede Globo
apresentado por Ana Maria Braga. Naquele
27 de junho de 2019, Almenara
se emocionou ao ver a cria da cidade na
TV, ensinando o Brasil inteiro a preparar
uma receita de arroz de pato e cuscuz
com quinoa, carne-seca e ovo frito.
“Foi uma comoção, com a cidade inteira
parando pra ver”, brinca Manuelle.
Assim que concluiu o curso de direito, Manuelle se lançou à
graduação em gastronomia no Senac. Aos 23 anos, achava
que não tinha mais tempo a perder. Mas, se a mudança para
BH foi um processo natural, a troca de profissão causou furor
na família. “Houve uma indignação porque esperavam que eu
seguisse carreira na área jurídica. Era como se eu estivesse
anulando tudo o que havia sido feito até aquele momento,
como se cozinheira não fosse uma profissão.” Na faculdade,
Manuelle encarou o período de formação no restaurante-escola
da instituição como experiência, com afinco e dedicação.
“Estava sempre bastante concentrada porque precisava trilhar
os passos seguintes de maneira muito séria”, relembra.
Dois dias depois de formada, ela foi de mala e cuia para Nova
York, onde trabalhou numa steakhouse chamada STK, um
grande empreendimento na cidade. “Eu trabalhava com os
melhores ingredientes do mundo. Ali, cheguei a subchefe
da cozinha. Foi uma experiência intensa, que me preparou
para o mundo.” Depois de dois anos nesse mergulho nova-
-iorquino, Manuelle tomou novo rumo e partiu para São Pau-
lo com uma meta: trabalhar na cozinha de Alex Atala, chef
do D.O.M., estabelecimento agraciado com duas estrelas do
Guia Michelin. “Quem trabalha com excelência no Brasil? Alex
Atala. Ele é pioneiro na cozinha contemporânea, e eu queria
saber o que aquele cara estava fazendo. E eu não tinha tempo
a perder. Bati na porta do restaurante e falei: ‘Quero trabalhar
aqui, como faço?’”, conta. Deu certo. Ela descreve seu período
na cozinha do D.O.M. como uma imersão profunda. “Fez com
que eu tivesse um olhar muito atento no dia a dia da cozinha.
Saí desses caminhos percorridos com a capacidade de construir
um repertório”, afirma.
A decisão de deixar a cozinha do badalado restaurante veio
com o sentimento de que ela já havia cumprido um ciclo e,
mais do que começar o próprio negócio, Manuelle precisava
de uma pausa para digerir tudo o que havia aprendido e
acumulado de experiência. A moradora da Barra Funda sentia
falta de um lugar para tomar um café e comer um pão
em sua região. As padarias eram escassas no bairro, e ela
viu uma oportunidade.
Foto: arquivo pessoal
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Retorno às raízes
Além das receitas da avó, a chef foi buscar no Vale do Jequitinhonha os ingredientes
para suas criações. Para Manuelle, esse processo de pesquisa foi uma aproximação
de si mesma e a reconexão com sua cidade natal. “O pão de queijo veio me
mostrar que eu era de uma região muito rica, mas que ainda tem uma voz muito
embrionária no país. E fui me apropriando desse meu lugar, tomando posse daquilo
que sou, sempre com muito zelo”, diz.
A chef explica que, mais do que ingredientes específicos, a região tem modos distintos
de preparar pratos que são consumidos em outras partes do país. E exemplifica:
enquanto em locais do Nordeste se come carne de sol com queijo coalho,
mandioca ou ainda no baião de dois, no Vale do Jequitinhonha a iguaria é preparada
com sopa de mandioca, arroz e feijão. O frango com quiabo, tão tradicional em muitas
regiões de Minas, dá lugar à abóbora com quiabo. “Nas feiras de cidades do Vale
você encontra os saquinhos já separados com metade de cada um dos dois”, conta.
Com o A Baianeira a todo vapor, Manuelle passou a pesquisar outras receitas e hábitos
alimentares do Vale do Jequitinhonha. Ao retornar a Almenara, já no segundo
ano à frente de seu restaurante, ela visitou os produtores locais que fornecem itens
essenciais na cozinha da chef. Vem daquela região, por exemplo, o requeijão de
corte, um tipo diferente daquele feito no Nordeste e do requeijão de raspas, famoso
em outras partes de Minas. “É uma produção que estava se perdendo por ser cara.
São 25 litros de leite para 1 quilo de requeijão. E os jovens não consomem mais
como nossos ancestrais”, opina a chef. “Hoje, compro praticamente todo o estoque
de alguns pequenos produtores. Não faço isso como forma de ativismo, mas tento
cuidar da região da maneira que posso, ajudando a preservar uma cultura”, explica.
E adivinhe quem é responsável pela logística que une os produtores de Almenara e
os restaurantes em São Paulo: Maria Auxiliadora. “É ela quem cuida dos fornecedores
e escolhe ingredientes com toda a destreza que tem. O legado dela está mais que
posto, está vivo”, emociona-se Manuelle.
Almenara – MG | foto: reprodução mídias sociais
Na telinha
Clientes do A Baianeira encontram no
cardápio pratos como picadinho de
carne de panela, galinha caipira ensopada,
moqueca de banana-da-terra,
bife à parmegiana (azar do leitor que
ainda não almoçou). Manuelle chama
esse conjunto de opções de cozinha
popular brasileira, e faz questão de explicar:
“Alguém pode argumentar que
a parmegiana não tem origem no Brasil.
Mas já se tornou um hábito, e dessa
forma interfere na nossa construção
como sociedade”. E completa: “Quanto
mais brinco com isso e vou abrangendo,
fico mais segura e confortável para
dizer: o Vale do Jequitinhonha confere
identidade à minha cozinha, mas a partir
dele eu alcanço o Brasil inteiro. Por
isso é uma cozinha popular brasileira”.
A “artesania” de Manuelle, como ela
gosta de dizer, já rendeu importantes
prêmios. Foi Chef Revelação 2018-
2019 no Melhores do Ano Prazeres da
Mesa. A Baianeira ganhou, em 2019, o
Bib Gourmand, do Guia Michelin, uma
categoria que destaca restaurantes
que aliam boa qualidade com bom preço
e que são relevantes por terem personalidade
própria. Também foi eleito
o Melhor Restaurante para Se Sentir
em Casa, pela premiação gastronômica
O Melhor de São Paulo, do jornal
Folha de S.Paulo.
Foi também em 2019 que Manuelle recebeu
o convite para se encontrar com
um dos diretores do Masp. O museu,
que abrigava no segundo subsolo um
buffet sem identidade própria, passava
por um processo de reformulação.
“Cheguei para o encontro sem saber do
que se tratava.” Da primeira conversa
até a abertura da filial do A Baianeira
no local passaram-se nove meses. Admiradora
de Lina Bo Bardi, a arquiteta
italiana que projetou o Masp, Manuelle
vê significado nesse “casamento”.
“Ela falava do artesanato como arte e
ressaltava o popular. Quando cheguei
aqui, entendi que Lina estava esperando
por A Baianeira porque é emblemático
ter um restaurante de cozinha
popular brasileira dentro do Masp.” Em
pouco tempo – e mesmo após vários
meses fechado por causa da pandemia
–, o espaço no museu foi escolhido o
Melhor Brasileiro pelo guia Comer & Beber,
da Veja São Paulo, no ano passado.
Para a alegria de Almenara, a chef
celebridade da cidade voltou recentemente
às telinhas, como jurada do
reality show culinário Cook Island – A
Ilha do Sabor. Comandado pelos atores
globais Joaquim Lopes e Jéssica Ellen, o
programa da GNT foi gravado no início
do ano na Praia de Subaúma, na Bahia,
e estreou dia 31 de março. “Foram 30
dias de gravação direto. Fiquei isolada,
longe da minha cozinha, mas estou
bem feliz de ter participado. Mais do
que julgar um prato, pude defender,
com bastante liberdade, a cozinha popular
brasileira”, afirma.
Depois de tantas histórias, a conversa
com a Et cetera terminou com um bolo
de fubá com goiabada e outro cafezinho,
fechando o encontro com chave
de ouro – e, claro, muito sabor.
A Baianeira no Masp | foto: divulgação
Que dica daria à
jovem Manuelle?
“Eu não daria uma dica,
eu a agradeceria: ainda
bem que você sonhou,
ainda bem que você quis
o mundo. Quando a gente
quer o mundo, não coloca
limites e fica muito livre
para ser”
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Nome: Eduardo Sanchez Loria Guimarães Srur
Idade: 48 anos
Profissão: artista plástico
Cidade onde nasceu: São Paulo/SP
O interventor
Por Diego Braga Norte
As intervenções urbanas de larga escala do artista
Eduardo Srur provocam reflexão, admiração e
reações inusitadas – suas peças já foram baleadas,
decapitadas e recolhidas como material reciclável
Foto: @fisheye
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.
Ingresso nas artes
I
Zoo – mostra Vida Livre | foto: divulgação
nstalada em frente ao Parque Trianon, a poucos metros do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp), uma
estrutura de ferro de 3 metros de comprimento por 3 de altura destoa da paisagem habitual. Quem se aproxima desvenda
parte do mistério: trata-se de uma jaula encravada entre os dois cartões-postais, quebrando a harmonia entre eles. Nem
a pressa nem a distração impedem que os pedestres que transitam pela Avenida Paulista desviem o olhar para a estrutura – e,
conforme a distância diminui, notem os quatro macacos bugios de pelúcia pendurados pelo lado de fora da jaula. Muitos param
para observar, tirar foto. E basta uma dose extra de curiosidade para descobrir que é possível abrir a porta e entrar na gaiola.
Os que se arriscam lá dentro espiam a vida transcorrendo na cidade ao redor, mas logo saem da estrutura. Perguntado sobre o
motivo de ter ficado tão pouco tempo ali dentro, um deles responde: “Me deu uma sensação ruim, sei lá, ninguém gosta de ficar
preso”. E, voilà, a obra Zoo, do artista plástico Eduardo Srur, cumpriu sua função.
Eduardo Sanchez Loria Guimarães
Srur nasceu na capital paulista em 1974.
Sua infância e adolescência foram felizes,
com dias no Clube Pinheiros e
viagens para a praia. Seus pais eram
amigos de artistas plásticos, como Dudi
Maia Rosa e Wesley Duke Lee. Eduardo
acredita que ter frequentado os
ateliês e convivido com esses artistas
pode, sim, ter despertado seu interesse
pelas artes plásticas. Começou a frequentar
galerias bem cedo, e, quando
chegou à idade de prestar o vestibular,
não hesitou: foi cursar artes visuais na
Fundação Armando Alvares Penteado
(FAAP). Na faculdade, começou suas
primeiras incursões autorais nas artes,
especificamente na pintura. Em 1996,
ainda estudante, recebeu seu primeiro
reconhecimento público, o Prêmio Michelangelo
de Pintura Contemporânea
no Centro Cultural São Paulo, com uma
série de quadros conceituais baseados
em fotografias. No ano seguinte, ganhou
uma bolsa de estudos da própria
FAAP para aperfeiçoar suas técnicas
e pesquisas. O prêmio acadêmico lhe
conferiu a possibilidade de realizar sua
primeira e “quase urbana” instalação.
“Foi em uma praia do litoral norte, aqui
em São Paulo. Praia não é bem um espaço
urbano, mas eu já tinha essa inquietação,
esse desejo de levar a arte
para o cotidiano das pessoas”, explica.
Nessa obra inaugural, Eduardo enfileirou
400 carrinhos de cerâmica pintados
com tinta acrílica na areia.
A primeira intervenção artística urbana
(de fato) viria em 2004. A obra
Acampamento dos Anjos era composta
de 40 barracas de camping coloridas
instaladas verticalmente na fachada
de um edifício abandonado na Avenida
Dr. Arnaldo, em São Paulo. À noite, as
barracas se iluminavam e promoviam
um colorido e silencioso acampamento
nas alturas. “Instalei a primeira barraca
na fachada do meu prédio. Essa obra
tem uma questão espiritual bastante
forte e uma conexão com a cidade. Ela
impulsiona esse movimento da pintura
para o espaço público, e eu começo
a enxergar a arquitetura e o espaço
urbano como plataformas de trabalho,
como uma tela em branco”, diz Eduardo.
A instalação em São Paulo despertou
não apenas o interesse do público
mas também do pessoal que acompanha
a cena artística. No ano seguinte,
em 2005, ele foi convidado para expor
sua obra em Paris e em Metz, na França.
Deu-se aí a virada em sua carreira.
“Quando voltei para São Paulo, me dei
conta de que o meu caminho realmente
deveria ser as intervenções urbanas.”
Acampamento dos Anjos | foto: divulgação
“Eu gostaria que as pessoas compreendessem que não faz mais sentido manter animais em jaulas, passarinhos em gaiolas e
peixes em aquários. Eu quero que elas tenham uma lembrança do pior momento da vida delas durante a pandemia, quando não
podiam sair de casa. A vida dos animais presos é ainda pior”, explica o artista. Outras duas obras compuseram a mostra Vida
Livre, exposta em São Paulo entre 2 de maio e 2 de junho. A grandiosa escultura Voo dos Pássaros, montada com mais de mil
gaiolas apreendidas pela Polícia Federal em operações contra o tráfico de animais silvestres, foi instalada no Parque do Povo, na
zona oeste da capital. E no Parque Ibirapuera, pertinho do lago, estava o desconcertante Aquário: um tanque com 30 mil litros de
água, muito lixo plástico e dois bonecos ultrarrealistas de crianças imersas lá dentro. Do lado de fora, completando a instalação,
um curioso urso-polar observava o aquário humano.
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A ligação com
as águas
Sem controle
Em 2006, o artista montou sua primeira
obra juntando espaço urbano e defesa
do meio ambiente. Eduardo Srur
escolheu o quintal de sua casa, o Rio
Pinheiros, que ele vê de suas janelas.
Caiaques era uma obra em constante
movimento e integrada à natureza – ou
ao que ainda restava dela. O artista espalhou
sobre o leito do rio 150 caiaques
tripulados por manequins. Um olhar
rápido e desatento vindo dos milhares
(talvez milhões) de automóveis que trafegam
pelas marginais do Rio Pinheiros
e em suas pontes levava a crer que
fossem pessoas de verdade dentro dos
barquinhos. Daí vinha o choque, pois
quem se arriscaria a remar nas águas
fétidas e repulsivas do Pinheiros?
Poética, dramática e viva, a obra obteve
grande repercussão na imprensa,
inclusive internacional. Na última semana
de exposição, alguns caiaques
encalharam em uma imensa ilha de
lixo formada por restos de plásticos,
sacolas e garrafas. Do contraste entre
as cores vibrantes das embarcações
e os tons acinzentados deprimentes
do lixo aos urubus procurando restos
de alimentos na ilha, tudo ressaltava o
caráter ativista da obra. “Vieram me
perguntar se eu também tinha feito a
ilha de lixo. Claro que não! O lixo e a
podridão eram justamente objetos da
minha denúncia ambiental e artística”,
lembra Eduardo.
Depois da bem-sucedida incursão no
Rio Pinheiros, ele ainda daria mergulhos
por outras águas. Em 2008, Eduardo
instalou imensas garrafas PET
no Rio Tietê, visando chamar a atenção
para essas intrusas na natureza.
A obra passou também na Represa
Guarapiranga (2010), num lago de Bragança
Paulista (2012), numa praia de
Santos (2014) e na Argentina (2017).
Como parte da Bienal Internacional
de Arte Contemporânea da América
do Sul, suas garrafas navegaram pelo
Rio Paraná e Rio da Prata até atracar
na foz poluída do Rio Riachuelo-Matanza,
no bairro icônico de La Boca, em
Buenos Aires. “Sempre gostei muito
de água, adoro nadar, ir à praia, pegar
ondas. Então, essa conexão entre meu
trabalho e água foi bem natural.” Outras
instalações e intervenções, como
Nau (2010), uma escultura flutuante
em formato de um barquinho de papel
com mais de 4 metros de comprimento;
O Aquário Morto (2014); Trampolim
(2014); Hora da Onça Beber Água (2017);
e Pintado (2019), por exemplo, também
pretendiam chamar a atenção para as
complexas e delicadas relações entre o
homem e as águas – esse bem natural
tão imprescindível quanto maltratado.
Dentre essa longa e criativa série aquática,
talvez a de maior repercussão tenha
sido Welcome Guanabara. Durante
os Jogos Olímpicos de 2016, quando o
mundo voltou seus olhos para o Rio de
Janeiro, o artista resolveu dar suas boas-vindas
aos visitantes: montou uma
barraca numa praia carioca e recepcionou
os turistas com camisetas e souvenirs.
As roupas estampavam a mensagem
“Welcome Guanabara” junto com
a imagem de um sorridente... cocô. O
brinde mais requisitado trazia cocôs
artificiais ornados com um singelo coqueiro
e, claro, a placa com o nome da
ação. Em um ato kafkiano, a polícia foi
chamada para intervir na intervenção
de Eduardo. A cena dos agentes cobrando
do artista uma autorização da
prefeitura é o ápice da burocratização
da arte, a tentativa vã do Estado de limitar
as expressões livres e criativas.
O filmete da ação pode ser visto no site
do artista (eduardosrur.com.br). Posteriormente,
Eduardo ainda enviou kits
de seus brindes, pelo correio, aos políticos
que prometeram limpar as águas
da Baía de Guanabara para os Jogos.
Welcome Guanabara | foto: arquivo pessoal
“Um profissional
sempre está
preocupado em
manter o controle
da situação. Eu,
muitas vezes,
discordo. Perder
o controle da
situação traz
resultados
surpreendentes”
O ato de trabalhar “no e com” o espaço público é uma das
principais assinaturas do artista, que cria suas obras para
serem vistas sem barreiras, cobrança de ingressos ou mediação
de um guia. Essa característica expõe sua arte à livre
apreciação, à reflexão e a uma ou outra interferência. A obra
Mercado, por exemplo, contava com dez enormes carrinhos
de supermercado espalhados por São Paulo. Com mais de 3
metros de altura, as peças foram objeto de muitas selfies, e
algumas acabaram por se transformar em trepa-trepas, o popular
brinquedo de parque infantil. Um dos carrinhos foi levado
por um carroceiro que recolhe materiais recicláveis para
vender. Isso mesmo, o sujeito colocou a obra em sua carroça e
saiu com ela pelas ruas do centro de São Paulo, tudo registrado
pelas câmeras de monitoramento de trânsito.
Outras intervenções também provocaram reações inusitadas
do público, como uma escultura da obra Trampolim, que teve
sua cabeça decepada. As esculturas de diferentes figuras
humanas realistas foram montadas sobre pranchas, prestes
a mergulhar nas águas do Rio Pinheiros. “Me contaram
o que havia acontecido em tom de lamentação, mas eu achei
Trampolim (2014, Marginal Pinheiros, SP) | foto: Kana Filmes
interessantíssimo, lembrei-me na hora da gravura do Goya”,
conta o artista, remetendo à imagem do espanhol Francisco
de Goya (1746-1828) Saturno Devorando um Filho, que mostra
o deus grego Chronos (Saturno, em latim) deglutindo um de
seus filhos, já sem braços e sem a cabeça.
Para Eduardo, a perda total de controle sobre a obra é algo
que o instiga. “Essas reações do público e da cidade são muito
importantes para os artistas. A obra está livre num campo
aberto para ser transformada”, elucida. Ele acredita que
os imprevistos potencializam seu trabalho e revelam outros
significados, que não tinham sequer sido cogitados. “Um
profissional sempre está preocupado em manter o controle
da situação. Eu, muitas vezes, discordo. Perder o controle da
situação traz resultados surpreendentes.” A mesma intervenção
Trampolim também provocou mais de 300 chamadas para
os serviços oficiais de emergência, com pessoas que se desesperaram
ao ver banhistas preparando-se para nadar nas
águas negras do Pinheiros. E, além do boneco decapitado,
outra escultura levou um tiro, mas passa bem. Arte na rua é
isso, tiro, porrada e bomba.
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Intervenção bovina
Em 2010, foi o próprio Eduardo quem
interferiu na arte urbana, mais especificamente
na famosa CowParade. Não,
o artista não recolheu para reciclagem
nenhuma vaca colorida espalhada por
São Paulo naquele ano, mas criou suas
próprias esculturas bovinas para misturá-las
às peças da exposição que
se autoproclamava “o maior evento
de arte pública do mundo”. Tanto na
Avenida Paulista como na Faria Lima,
importantes centros financeiros e
duas das principais vitrines da capital
paulista, Eduardo instalou um touro
montando uma vaca da tal exposição,
remetendo ao ato da copulação. O objetivo
da obra Touro Bandido era não
apenas questionar a domesticação e
esterilização das vacas, mas da própria
arte. “O touro bandido resgata do imaginário
brasileiro um animal que nunca
foi domado em rodeios. E, para mim, a
vaca ficou estéril como objeto de reflexão,
e o touro fazia uma inseminação
artística nela.”
Por tratar-se de uma intervenção não
autorizada, ele foi processado pelos
organizadores do evento e teve de responder
a um inquérito policial por ato
obsceno, difamação e danos materiais.
Eduardo também critica o uso da vaca
pelo evento, um animal que não está
presente em nossa cultura. Já o boi
é um elemento marcante em nossas
tradições artísticas populares, como o
bumba meu boi e o boi-bumbá. “Fui um
dos únicos artistas que criticaram publicamente
a CowParade no Brasil com
a figura do touro bandido que simboliza
a arte como um campo que não pode
ser domesticado”, diz. “Falam que a
CowParede é arte, mas é algo publicitário”,
completa. Eduardo diz não acreditar
em artes passivas, direcionadas ou
dirigidas. “Como é que um organizador
ou um agente oficial vão definir como
vai ser o trabalho do artista?”
Mas, mais uma vez, a participação do
aparato burocrático enriqueceu a intervenção.
No processo movido contra
Eduardo havia, de um lado, os organizadores
de uma mostra artística; do
outro, um artista independente; e, no
meio, a criminalização de uma obra de
arte. O toque ainda mais surreal veio
da tecnicidade fria das leis. O processo
não deu em nada além das intimações
e amolações de praxe, e um dos motivos
para a acusação de ato obsceno ter
sido descartada pela Justiça foi – não é
piada – o fato de os dois touros de fibra
sintética serem totalmente castrados e
não possuírem falo. Desta vez, a burocratização
serviu não só à completude
da obra mas também ao artista, que se
livrou de uma multa.
Touro Bandido (Av. Paulista, SP) | foto: Eduardo Srur
Retorno às tintas
Depois de muito tempo afastado da
pintura, Eduardo voltou às telas durante
a quarentena da pandemia. Ele vinha
de um período de desaceleração e dedicação
ao silêncio. “Essa desaceleração
do meu trabalho acabou sendo muito
positiva, estava num ritmo bem maluco.
Pude descansar, refletir e me dedicar
à construção de um acervo”, diz. O
artista conta que quase todas as suas
pinturas foram vendidas para colecionadores
particulares ou estão em museus
e, depois de 20 anos trabalhando
com intervenção urbana, sentiu a necessidade
de voltar a ter uma coleção
própria. “As obras urbanas têm uma
natureza efêmera. A obra é realizada e
depois desaparece. De algumas dá para
guardar um fragmento, quando muito.”
Com a volta da produção de telas, Eduardo
diz que agora pode receber novamente
potenciais compradores em seu
ateliê. “Sou um artista independente,
não tenho ninguém que me represente,
nenhuma galeria por trás.” A pandemia
e o confinamento também propiciaram
mais tempo com a família e mais contato
com a natureza, pois eles se refugiaram
em um local “perto da praia e
do mato” do litoral norte de São Paulo.
Um dos frutos dessa retomada da
pintura é a série Natureza Plástica, em
que o artista recria obras famosas de
grandes autores (Leonardo da Vinci,
Edvard Munch, Van Gogh, Tarsila do
Amaral, Katsushika Hokusai e outros)
utilizando sacolas plásticas coloridas.
Fiel em sua defesa do meio ambiente,
ele usou material recolhido das margens
dos rios, ruas e cooperativas de
reciclagem. As obras impressionam
pela fidedignidade em relação às originais,
embora sejam compostas apenas
de fragmentos plásticos, sem o uso de
tintas ou cola.
Citando os artistas Jeff Koons e Damien
Hirst, Eduardo Srur confessa
que nutre admiração por pessoas que
venceram o mercado, que redefiniram
regras e ultrapassaram barreiras, não
impondo suas obras ao gosto do público,
mas fazendo com que elas fossem
aceitas, admiradas, compreendidas ou
debatidas. “Mas, se você me perguntar
minha fonte de inspiração, a resposta
não está em outros artistas, e sim no
cotidiano. São os erros urbanísticos
e a sociedade que me atraem interesse.
Os lugares me escolhem. Se estou
em São Paulo e vejo os absurdos que
acontecem, acabo respondendo a isso.
O artista é um agente ativo. Um pouco
diferente das pessoas que aceitam
passivamente a realidade distorcida da
cidade em que vivem”, finaliza o artista
e interventor.
Foto: arquivo pessoal
Que dica daria ao jovem Eduardo?
“Você será um grande artista. Portanto, não perca
tempo, moleque!”
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Um cartum
Foto: Getty Images
A onda plastic-free
Uma tendência
Os plásticos estão por toda parte: nas
redes de esgoto, nos oceanos, no estômago
dos animais marinhos, em nosso
sangue! Sim, uma pesquisa recente
detectou, pela primeira vez, a presença
de partículas de microplásticos na corrente
sanguínea de humanos. A invenção
do plástico revolucionou diversos
setores da sociedade, mas nossa relação
com esse material ganha novos
contornos. O movimento que começou
a dar um basta ao plástico de uso único,
como canudos e recipientes de isopor,
chega agora às embalagens recicláveis.
A tendência plastic-free (sem plástico) é
uma via de mão dupla: tanto os consumidores
como a indústria têm seu papel
a cumprir. A Amazon registrou um
aumento significativo das buscas com
a expressão “plastic-free” associada a
diferentes produtos, como desodorante
e sabão para lavar roupas. De fato,
a maior dificuldade para quem decide
reduzir a presença de plástico no dia a
dia está relacionada à cadeia produtiva
de bens de consumo – basta uma ida
ao supermercado para notar a grande
quantidade desse material colocada no
carrinho de compras.
A boa notícia é que o movimento plastic-free
tem estimulado empresas a
investirem em alternativas ao material.
Há opções já populares, como o
xampu em barra e a escova de dentes
de bambu, mas vem muita coisa nova
por aí. Essa tendência foi apontada no
relatório Trend Report 2022, da plataforma
Trend Hunter. De acordo com o
estudo, os consumidores esperam cada
vez mais que as marcas promovam
mudanças para diminuir seu impacto
no meio ambiente. E o bater das asas
dessas borboletas tem poder para começar
um tornado...
Um exemplo? Venda a granel como
alternativa à embalagem fechada. Na
Europa, muitas lojas e supermercados
já contam com estações de venda
a granel de produtos até então comercializados
embalados. Gigantes como
Nestlé e Unilever começam a testar a
venda de refil, sem frasco, de diversos
artigos, de cosméticos a alimentos,
como café em pó e ração para os pets.
Esses pontos de venda estimulam os
consumidores a reutilizarem recipientes
que já têm em casa. Outro exemplo:
no mercado europeu, os iogurtes da
marca Danacol, do grupo Danone, perderam
o rótulo. As informações nutricionais
vêm gravadas em relevo diretamente
no frasco, feito de material 100%
reciclável, reutilizável ou compostável.
Adotada recentemente, a medida elimina
de cada garrafa de iogurte 0,72
grama de plástico PET, material com
que é feito o rótulo. Parece pouco? Pois
em um ano a empresa deixa de produzir
130 toneladas de plástico. A revolução
começa assim, aos poucos, mas é
um caminho sem volta.
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Um sabor
Uma palavra
Eu tinha passado a noite na companhia de um escritor
famoso, que na verdade não era ninguém
muito importante, apenas um homem de bastante
sorte. Eu o conheci num vernissage de uma galeria
de arte, e o esforço dele para me tirar dali afagou
minha vaidade. Eu não chamava a atenção dos
homens com muita frequência naquela época, ainda
que fosse jovem e acho que atraente o bastante
para isso. O problema era a minha fidelidade idiota
de cachorro. Esse escritor era obviamente um egocêntrico
insuportável, assim como mentiroso, e não
dos muito convincentes; e eu, sozinha em Paris por
uma noite, tendo à minha espera, em casa, uma filha
e um marido me recriminando, estava tão sedenta
por amor que parecia disposta a beber de qualquer
fonte. Sério, Jeffers, eu era um cachorro – havia um
peso tão grande dentro de mim que eu só conseguia
me contorcer de um jeito estúpido, como um animal
sentindo dor. Isso me mantinha presa nas profundezas,
onde eu me debatia e me esforçava para me
libertar e nadar para a superfície brilhante da vida
– ao menos é o que parecia, olhando de lá de baixo.
Na companhia do egocêntrico, me arrastando de bar
em bar na noite de Paris, pela primeira vez flertei
com a possibilidade de destruição, a destruição do
que eu tinha construído; não por causa dele, posso
te garantir, mas pela possibilidade que ele encarnava
– que jamais tinha me ocorrido até aquela noite
– de uma mudança violenta. O egocêntrico, permanentemente
inebriado pela sua própria importância,
deslizando balas de hortelã por entre os lábios secos
quando pensava que eu não perceberia e falando
sobre si mesmo sem parar: na verdade ele não me
enganou, eu queria que tivesse me enganado, confesso.
Ele me deu motivos suficientes para cair fora,
mas é claro que não caí – entrei no jogo, acreditando
nele em parte, o que claramente foi o máximo de
sorte que ele já tinha conseguido em toda a sua vida.
Nos despedimos às duas da madrugada na entrada
do hotel, onde ele visivelmente – a ponto de se notar
a falta de cavalheirismo – decidiu que eu não valia
nenhum risco ao seu status quo, o que uma noite
passada juntos poderia representar. E fui me deitar,
me abracei com a memória de sua atenção, até que
o teto pareceu sair voando do hotel, as paredes, desabar,
e a imensa escuridão estrelada, me envolver
com as consequências do que eu estava sentindo.
A tradicional moqueca ganhou uma criativa releitura do chef Matheus Buosi, que
comanda a cozinha do DoRo, aconchegante restaurante de sotaque italiano em uma
charmosa casinha de Perdizes, em São Paulo. O toque do chef aparece no processo
de coar o caldo, que ressalta os sabores e aromas. O resultado é o prato nacional
clássico, mas com uma roupagem mais contemporânea. “As pessoas podem esperar
uma versão raiz, exatamente como deve ser, mas com uma apresentação diferente,
que surpreende”, diz o chef. Sirva com arroz, farinha de mandioca e raspas de
limão-siciliano.
PEIXE AO MOLHO DE MOQUECA
Chef Matheus Buosi
INGREDIENTES
• 360 g de filé de peixe branco
(robalo, cação, tilápia ou pescada)
cortado em cubos
• 1 cebola média
• 4 dentes de alho
• 1 pimentão
• 1 pimenta dedo-de-moça
• 1 lata de extrato de tomate (340 g)
• 80 g de azeite de dendê (1/3 de
xícara de chá)
• 750 ml de água
• 1 litro de leite de coco
• 1 colher (chá) de orégano
• Pimenta-branca a gosto
• Ervas frescas (orégano, tomilho,
alecrim, manjericão) a gosto
• Sal a gosto
MODO DE PREPARO
Molho
1. Descasque a cebola e o alho, retire o caule da pimenta dedo-de-moça, remova o cabo, as sementes
e a fibra branca interna do pimentão e corte tudo sem se preocupar com proporções.
2. Em fogo médio/baixo, refogue por 5 minutos, em um fio de azeite, a cebola, o pimentão e a
pimenta dedo-de-moça.
3. Adicione o alho e refogue por mais 2 minutos.
4. Acrescente o extrato de tomate, o azeite de dendê, o orégano, o sal, mexa e marque mais 2
minutos.
5. Coloque a água e o leite de coco, e deixe ferver por 20 minutos.
6. Com o auxílio de um mixer, bata todos os ingredientes, passe por uma peneira e reserve o
molho coado.
Dicas do chef
A cada etapa, acrescente um pouco de sal; ele
ajuda os alimentos a desidratarem, destacando
melhor todos os sabores.
Com os sólidos coados, faça um antepasto delicioso
com ricota. Uma parte dos sólidos para
cada parte igual de ricota e creme de leite até
chegar à consistência desejada.
Rendimento: 2 porções
Foto: divulgação
Rachel Cusk
Trecho de Segunda Casa
Tradução de Mariana Delfini
Editora Todavia
Peixe
1. Corte o filé em cubos de aproximadamente 2 dedos de espessura e tempere com sal e pimenta-branca.
2. Em uma panela, despeje o molho de moqueca sobre o peixe temperado e leve ao fogo baixo por
5 minutos. O ideal é que ferva bem pouco para não evaporar o molho.
3. Com o auxílio de uma espátula, disponha o peixe em um prato fundo e regue com o molho.
4. Finalize com ervas frescas e um fio de azeite.
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Uma imagem
No Poço (1969) - Maria Primachenko
“Um milagre artístico.” Foi assim que Pablo Picasso descreveu
a obra da vencedora da medalha de ouro em pintura na
Feira Mundial de Paris em 1937. A autora do tal milagre era
a ucraniana Maria Prymachenko (1909-1997). Autodidata, a
artista transpôs técnicas artesanais do bordado para as telas,
criando motivos florais, campestres e outros. Depois de
passar a infância colorindo tradicionais ovos de Páscoa, ela
começou a pintar telas por paixão, sem se ater a nenhuma escola
clássica. Sua influência era o cotidiano agrário na Ucrânia
de sua época e os mitos, lendas e festas populares. Com
cores vibrantes, animais (muitos deles mitológicos) e flores,
seus quadros e painéis são hoje considerados o ápice da arte
naïf não só da Ucrânia mas de todo o Leste Europeu.
Um recente bombardeio russo ao Museu da História Local de
Ivankiv, perto da capital ucraniana, Kiev, destruiu, entre outras
obras de arte, vários quadros de Prymachenko. O ataque
inexplicável a uma instituição cultural motivou a comunidade
internacional a pedir a exclusão da Rússia da Unesco (braço
da ONU que cuida do patrimônio cultural global) – ao longo
do ano de 2009, no centenário da pintora ucraniana, a entidade
organizou atividades dedicadas à sua obra. A solidariedade
ao museu de Ivankiv se espalhou pelo mundo, com
artistas e organizações divulgando a arte de Prymachenko
para homenageá-la e eternizá-la.
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