Et cetera – edição 13

Primavera 2023 | EDIÇÃO 13 

Et cetera 

Gente com Bossa 

A visão gringa do jornalista Jack Nicas sobre o Brasil 

Carolina Schrappe: no fundo do mar, sem oxigênio 

A periferia em miniatura do artista Marcelino Melo 

Ana Cañas de corpo, alma e demônios pessoais 

A ciência revolucionária de Alysson Muotri 

Francisco Bosco, o intelectual com samba no pé 

E a energia inesgotável de Vera Holtz: 

“Sou otimista e vejo a vida como um sol” 

Distribuição gratuita

Foto: Unsplash 

Expediente 

Direção-Geral e Projeto Gráfico: Alessandra Lotufo | Direção Editorial e Edição: Daniela Macedo | Textos: Daniel Motta, 

Daniela Macedo, Diego Braga Norte, Guilherme Dearo, Maria Carolina Maia, Marco Aurélio Gois e Simone Costa 

Arte e Diagramação: Lucas Trentin Ribeiro | Produção: Danielle Pasqualoto | Revisão: Ronaldo Barbosa | Gráfica: Elyon 

Et cetera é uma publicação trimestral da Bossa.etc. Entre em contato conosco pelo revista@bossa.etc.br

Sumário 

Capa: Vera Holtz 

Foto: Fernando Laszlo 

06 Roteiro 

Filmes, séries, documentários, exposições, 

livros, discos e o que mais houver 

de lazer e cultura para descobrir 

nesta primavera 

20 

Q&A Etc. 

A atleta Carolina Schrappe, de 48 anos, é 

recordista sul-americana em mergulho livre 

em apneia e fala sobre os riscos e os benefícios 

dessa modalidade esportiva 

10 

22 

O X da Bossa 

Em seu artigo, Daniel Motta reflete sobre 

a distância entre humanidade e Humanismo 

e a (in)compatibilidade entre os princípios humanistas 

e o avanço da tecnologia 

Com a Palavra… 

Em depoimento, o jornalista americano Jack 

Nicas, correspondente do NYT que vive no 

Rio, conta suas impressões sobre o Brasil e 

do sonho de morar no sertão brasileiro 

18 

24 

Gente com Bossa 

A linha que separa vida pessoal e trabalho já foi 

mais robusta, mas nunca impediu que ambiente 

familiar e acontecimentos pessoais influenciassem 

carreiras 

Guarde Este Nome 

As esculturas do projeto artístico Quebradinha, 

de Marcelino Melo, estão levando 

histórias da periferia de São Paulo a mostras 

culturais e museus do país 

Foto: reprodução instagram 

Foto: arquivo pessoal 

Foto: Marcus Steinmeyer 

Foto: Uanderson Brittes 

26 

Vera Holtz 

Aos 71 anos, a atriz e diretora de teatro vive uma 

das fases mais produtivas de sua carreira sem 

perder a energia que emprestou a seus mais de 

100 personagens 

34 

Alysson Muotri 

O cientista brasileiro que cria minicérebros em 

laboratório vai realizar pesquisas no espaço e 

pode revolucionar o conhecimento humano sobre 

o desenvolvimento cerebral 

42 

Ana Cañas 

A cantora promete levar para o próximo álbum, o 

nono da carreira, tragédias pessoais que ajudaram 

a forjar uma artista intensa, sem medo de encarar 

seus demônios 

50 

Francisco Bosco 

A juventude do ensaísta, letrista e apresentador 

de TV foi marcada por uma transformação 

que fez emergir um dos mais respeitados 

intelectuais do país na atualidade 

58 

Um Cartum 

O olhar moderno e digital do cartunista Jean 

Galvão para uma curiosa personagem da 

mitologia grega 

59 

Uma Tendência 

Na dose certa, a prática do bed rotting, que surgiu 

na rede social da geração Z, pode trazer benefícios 

à saúde 

60 

Uma Palavra 

A portuguesa Patrícia Lino, professora de 

literatura luso-brasileira na UCLA, apresenta o 

poema Serra do Elóquio 

A revista Et cetera tem uma versão 

pocket: o Etc Pop-up! Para receber 

semanalmente um boletim com 

notícias interessantes, fatos curiosos 

e dicas culturais no seu WhatsApp, 

cadastre-se pelo QR Code 

61 

Um Sabor 

A chef confeiteira Carolina Yamamoto adoça 

a edição 13 da Et cetera com uma receita 

vegana do versátil cookie 

62 

Uma Imagem 

A seção destaca o centenário de nascimento do 

jornalista, escritor e desenhista carioca Millôr 

Fernandes

[ R O T E I R O ] 

[ R O T E I R O ] 

Séries, filmes etc. 

Estranha Forma de Vida 

Duração: 30min 

Onde ver: nos cinemas e 

Mubi (a partir de 20/10) 

Faroeste gay 

O espanhol Pedro Almodóvar apresentou 

seu primeiro faroeste, Estranha Forma 

de Vida, no último Festival de Cannes. 

Roubou as atenções com o filme de 

apenas 30 minutos que nem participava 

da competição oficial. Protagonizado 

por Ethan Hawke e Pedro Pascal, o 

curta-metragem esbanja sensualidade 

e violência. Depois de 25 anos, Silva 

(Pascal) atravessa o deserto a cavalo 

para visitar seu amigo, o xerife Jake 

(Hawke). O encontro traz à tona antigas 

lembranças e desejos, mas fatos 

inesperados abalam a relação. Questionado 

se o curta era uma resposta a 

O Segredo de Brokeback Mountain, que ele 

se recusou a dirigir, Almodóvar disse 

apenas que “queria um western clássico, 

mas com dois homens que, por meio 

de diálogos e olhares, criassem um jogo 

de paixão e desejo”. 

Para ler 

Manet no Rio 

96 páginas 

Editora Ercolano 

R$ 98,00 

Impressões geniais 

Antes de abalar a pintura ocidental 

com seu impressionismo de pinceladas 

generosas e temas mundanos, o jovem 

Édouard Manet (1832-1883) esteve no 

Rio de Janeiro, aos tenros 17 anos de 

idade. Inédita no Brasil, Manet no Rio 

traz as cartas que ele escreveu a familiares 

durante sua estada por aqui. 

A maturidade e a inteligência do adolescente 

sobressaem logo nas primeiras 

páginas. Na época, Manet sonhava 

com um futuro na Marinha e desenhava 

apenas como hobby. O olhar do gênio 

forasteiro registra interessantes e 

perspicazes impressões sobre a cidade, 

os cariocas, a escravidão e o Carnaval. 

O mundo novo desperta sentimentos 

difusos, como o desprezo pela mesquinhez 

da elite local e o encanto pelo “espetáculo 

da natureza”. 

A Incrível História de Henry Sugar 

Duração: 39 min 

Onde ver: Netflix 

Curta de grife 

Roald Dahl (1916-1990) é um dos autores 

com mais obras adaptadas para a 

telona, entre elas Matilda, A Fantástica 

Fábrica de Chocolate e O Fantástico Senhor 

Raposo. Mas o galês vai além das 

histórias infantojuvenis, como atesta 

Wes Anderson em sua adaptação do 

conto A Incrível História de Henry Sugar. 

O curta leva a assinatura do cineasta: 

meticulosa paleta de cores, enquadramentos 

simétricos e personagens excêntricos 

interpretados por grandes 

atores. Aqui, Ralph Fiennes, Benedict 

Cumberbatch, Ben Kingsley e Dev Patel 

estão na história de Imdad Khan 

(Kingsley), homem dotado da estranha 

capacidade de enxergar mesmo de 

olhos vendados. Cumberbatch interpreta 

Henry Sugar, um ricaço que quer 

usar as habilidades visuais de Khan 

para trapacear em jogos de cartas. 

Outlive – A Arte e a Ciência de Viver Mais e Melhor 

480 páginas 

Editora Intrínseca 

R$ 75,90 e R$ 49,40 (e-book) 

Aprenda a envelhecer 

Peter Attia é cirurgião oncologista do 

Hospital Johns Hopkins e pesquisador 

de terapias imunológicas. Em Outlive, 

best-seller da lista do The New York 

Times, Attia reavalia o paradigma da 

longevidade e a atual abordagem da 

medicina para mostrar novos rumos 

para a área. Criador da estratégia de 

longevidade Early Medical, ele propõe 

mudanças na mentalidade convencional 

(hábitos que todos já conhecem, 

como se exercitar, comer e dormir 

bem) e defende a reavaliação de hábitos 

diários com o objetivo de personalizar 

uma estratégia proativa para viver 

mais e melhor. A obra também detalha 

a atual abordagem da medicina para o 

natural envelhecimento humano, voltada 

para uma terceira idade com mais 

saúde física, cognitiva e emocional. 

The Morning Show – 3ª Temporada 

Duração: 8 episódios 

Onde ver: Apple TV+ 

Vaidades de bastidores 

The Morning Show, produção da Apple 

sobre os bastidores de um programa 

jornalístico, chega à terceira temporada. 

As apresentadoras Alex Levy e Bradley 

Jackson (Jennifer Aniston e Reese Witherspoon) 

deixam para trás o assédio 

sexual e a pandemia, premissas das temporadas 

anteriores, para jogar luz em temas 

ainda mais atuais, como a invasão 

ao Capitólio e o direito ao aborto – tudo 

com uma boa dose de reviravoltas, claro. 

A série também aborda outro assunto 

quente no jornalismo e na política: as 

disputas narrativas em torno do conceito 

de verdade. A temporada ganha 

o reforço de Jon Hamm (o Don Draper, 

de Mad Men) no papel de um bilionário 

da tecnologia narcisista disposto a 

comprar a emissora UBA, que transmite 

o programa. 

Um Funcionário da Monarquia 

160 páginas 

Editora Todavia 

R$ 69,90 e R$ 44,90 (e-book) 

País de compadrio 

Um Funcionário da Monarquia é o livro 

mais curioso da vasta obra de Antonio 

Candido (1918-2017). Lançado em 

2002, conta a história real de um burocrata 

de origem modesta cujo êxito 

na administração imperial deveu-se à 

competência e ao zelo pela coisa pública, 

mas acaba entrando em choque 

com os barões da política por sua retidão 

moral e profissional. Uma de suas 

ideias era, por exemplo, substituir as 

indicações e o pistolão por concursos 

públicos. O funcionário também defendia 

carreiras públicas organizadas por 

mérito, livres de indicações políticas. 

Candido combina curiosidade pessoal 

com história e sociologia para revelar 

males e vícios que perduram ainda hoje 

na vida pública nacional. Relançamento 

necessário e atualíssimo, infelizmente. 

PRIMAVERA 2023 | EDIÇÃO 13 • PÁG. 7 

PRIMAVERA 2023 | EDIÇÃO 13 • PÁG. 6

[ R O T E I R O ] [ R O T E I R O ] 

Para ouvir 

Eletrônico multifuncional 

Uma das bandas de música eletrônica 

mais importantes do boom do gênero 

nos anos 1990, o duo The Chemical 

Brothers lança seu décimo álbum de 

estúdio. Trinta anos depois, os britânicos 

Tom Rowlands e Ed Simons 

continuam acertando a mão na fórmula 

dançante. Se os outros discos 

abrem espaço para instrumentos como 

guitarra, teclado e naipe dos metais, 

For That Beautiful Feeling é basicamente 

um álbum eletrônico – com exceção 

do baixo na faixa The Weight. Estão lá 

as batidas marcantes da dance music 

e do techno, refrãos chicletes e aquela 

profusão de sons eletrônicos emulando 

instrumentos tradicionais. A fórmula 

funciona em caráter multifuncional. 

The Chemical Brothers vai bem na pista 

de dança, no carro e na esteira. 

For That Beautiful Feeling 

Onde ouvir: Spotify, 

Deezer, iTunes e Tidal 

Para visitar 

35ª Bienal de São Paulo 

Parque Ibirapuera 

Entrada gratuita 

Bienal plural 

Com quatro curadores – os brasileiros 

Diane Lima e Hélio Menezes, a portuguesa 

Grada Kilomba e o espanhol 

Manuel Borja-Villel –, a 35ª edição da 

Bienal entrega uma mostra mais diversificada. 

Mais de 90% dos 121 artistas 

(com 37 brasileiros) são não brancos. E 

cerca de 70% vêm de países fora do circuito 

hegemônico da arte, formado por 

nações da Europa e dos Estados Unidos. 

Sob o tema Coreografias do Impossível, a 

maior e mais tradicional exposição de 

artes da América do Sul prioriza trabalhos 

que dialogam com conceitos como 

ancestralidade, diásporas e descolonização. 

E, pela primeira vez, paredes 

temporárias fecham todo o vão central 

do Pavilhão Ciccillo Matarazzo, trazendo 

outra perspectiva e experiência para 

o público. 

Caetano dá samba 

Desde que saiu do grupo Revelação 

para seguir carreira solo, em 2014, 

Xande de Pilares ganhou ainda mais 

prestígio, versatilidade e fãs. Muitos 

artistas já gravaram músicas de Caetano 

Veloso, mas poucos o fizeram 

chorar com suas próprias obras. Nas 

audições do álbum Xande Canta Caetano, 

Caê se emocionou e foi às lágrimas 

ao ouvir a versão do sambista para 

Gente. O vídeo, compartilhado por Paula 

Lavigne (produtora de Xande) nas 

redes sociais, serviu para o disco cair 

rapidamente nas graças do séquito de 

Caetano. As novas versões das clássicas 

Tigresa, Alegria Alegria, Trilhos 

Urbanos, Lua de São Jorge e Gente são 

excelentes. São músicas que já fazem 

parte do imaginário coletivo, mas que 

podem ser ouvidas com o frescor das 

descobertas. 

Xande Canta Caetano 

Onde ouvir: Spotify, 

Deezer, iTunes e Tidal 

Cores explosivas 

Um dos pioneiros da performance no 

Brasil, Ivald Granato (1949-2016) foi 

um artista polivalente, dono de uma 

obra plástica que atravessou a música, 

o teatro e as artes visuais. A mostra em 

cartaz na Dan Galeria, em São Paulo, 

prioriza sua produção pictórica, tão 

efusiva quanto a personalidade do artista 

que já foi chamado de “maior colorista 

da história da pintura brasileira”. 

Suas figuras abstratas ou antropomorfizadas 

são elásticas e multicoloridas, 

sempre retratadas em movimentos. Na 

exposição Seres Ivald Granato, as telas 

foram separadas de acordo com suas 

variações cromáticas, apresentando 

a produção do artista em grupos com 

fundos pretos, azuis, amarelos e terrosos, 

o que realça o domínio de Granato 

sobre as cores. 

Seres Ivald Granato 

Dan Galeria 

Entrada gratuita 

Happy hour em áudio 

A psicóloga Déia Freitas, que faz sucesso 

contando histórias enviadas por 

ouvintes no podcast Não Inviabilize, 

apresenta um spin-off do programa. 

Histórias da Firma reúne aqueles barracos 

e perrengues que correm de boca 

em boca nas mesas de almoço, cafezinhos 

e happy hours das empresas. A 

cada novo episódio, liberado às sextas- 

-feiras, Déia conta causos corporativos 

de uma maneira descontraída, descrevendo 

tretas divertidas e inusitadas 

que aconteceram em ambiente de trabalho. 

Não faltam abusos de gestores 

preguiçosos, rasteiras de colegas inescrupulosos, 

reuniões que viram campo 

de batalha, bolas de neve causadas por 

e-mails incompreendidos e os clássicos 

ladrões de marmitas. No final de cada 

episódio, os protagonistas dos casos 

podem comentar as histórias narradas. 

Histórias da Firma 

Onde ouvir: Amazon Music 

Vida de escultor 

Morto aos 68 anos em outubro de 2022, 

vítima de uma doença degenerativa, o 

artista plástico Angelo Venosa ganha 

sua primeira retrospectiva póstuma, 

em cartaz na Casa Roberto Marinho, 

no Rio de Janeiro. São 85 trabalhos, que 

integram uma boa mostra de todos os 

períodos de sua produção, do início dos 

anos 1970 até o ano de 2021. Referência 

na arte contemporânea, o escultor 

utiliza diferentes materiais – papéis, 

fibra de vidro, tecidos, madeiras e metais 

– para criar esculturas de formas 

orgânicas e abstrações geométricas, 

que equilibram-se no chão ou pairam no 

ar. Constantemente na vanguarda, já na 

última fase de sua carreira, Venosa criou 

belíssimas obras com impressoras 3D e 

feitas com um material sintético que brilha 

no escuro. 

Sheroanawe Angelo Venosa, Hakihiiwe: Escultor 

Tudo Casa Isso Roberto Somos Marinho Nós 

MASP Ingresso: R$ 10,00 

Ingressos: www.masp.org.br/ingressos 



[O X DA BOSSA] 

Humanismo zen 

em tempos 

sintéticos 

caóticos 

Por Daniel Augusto Motta – Fundador e CEO do BMI Blue Management Institute 

O Humanismo atravessou séculos sem conseguir 

ultrapassar a barreira do campo teórico. Afinal, teria a 

humanidade, de fato, potencial para ser humanitária? 

Foto: 8machine_/Unsplash 



Ecce Homo! 

O Humanismo, dentre tantas definições filosóficas há tantos séculos, consolidou-se em torno das premissas de antropocentrismo, 

racionalidade, verdade científica e promoção de valores humanos universais (em especial, dignidade, bem-estar e liberdade). 

Princípios inspiradores para muitos, mesmo não sendo tão celebrados por niilistas e devotos dogmáticos. 

Inspirado nos pensamentos gregos antigos, o Humanismo se desenvolveu nos séculos XV e XVI como uma reação intelectual aos 

obscuros tempos medievais. A ilha imaginária criada por Thomas More em sua obra Utopia foi o ambiente perfeito para refletirmos 

sobre os contrapontos humanistas ao contexto absolutista europeu vigente naqueles tempos, uma vez que o Humanismo 

celebrou a trajetória humana em detrimento dos deuses. 

Tamanha revolução intelectual pode ser mais bem compreendida no contexto temporal mais amplo intrínseco à própria transição 

de ética social ocorrida ao longo de séculos. 

Transição Ética Social 

Ética da Sobrevivência Ética do Poder Ética do Dever Ética do Prazer 

Espírito do Tempo 

“De uma vez por 

todas, muitas coisas 

Tempos Antigos Tempos Imperiais Tempos Industriais Tempos Líquidos 

Ordem Social Dominante 

Povos Originários Impérios Europeus Empresas Transacionais Redes sociais 

Vetores de Coesão Social 

eu não quero saber!” 

Misticismo 

Tribalismo 

Força Bruta 

Religiosidade 

Absolutismo 

Subjugação 

Lealdade 

Hierarquia 

Estabilidade 

Conexão 

Expressão 

Experiência 

Friedrich Nietzsche 

A 

humanidade não vai acabar tão cedo. O Humanismo ainda está longe de surgir, 

mesmo tão tarde. 

De tempos em tempos – e cada vez mais em ciclos curtos – a opinião pública 

exalta-se, inflama-se com o final dos nossos dias, o ocaso da humanidade, a destruição 

civilizatória. O ChatGPT alcançou o feito há alguns meses, encantando, intrigando, 

aterrorizando muitos. 

Após o pico das expectativas, o reencontro com a normalidade enfadonha. Nada 

muda tão radical e rapidamente assim na sociedade ou, muito menos, na natureza. 

Tudo é gradual. Mesmo com a percepção de um tempo que corre mais rápido, os rios 

ainda correm tranquilos. 

A evolução da humanidade no planeta tem sido analisada por diferentes ângulos 

científicos e prismas filosóficos, não como um fenômeno homogêneo e síncrono, mas 

como uma referência central para o avanço dos estudos. É claro que muitos traços 

têm sido comuns ao longo dessa saga humana planetária, mas também é fato que há 

muito mais diversidade além da retórica dominante que sintetiza fatos e simplifica a 

narrativa como algo universal. 

Curioso notar que humanidade e Humanismo não são sinônimos, nem necessariamente 

simbióticos. Ao contrário, a humanidade parece evoluir cada vez mais distante 

dos princípios humanistas, ainda que o pensamento humanista seja eventualmente 

proclamado como sendo o ideal humanitário. 

Por que o Humanismo seria relevante para a humanidade? E, assumindo-se um ideal 

aspiracional dessa humanidade, por que nunca foi realmente vivenciado em tempo 

algum até hoje? 

Evidentemente, o Humanismo inseriu-se em um período 

turbulento da sociedade europeia. Distante dos tempos greco-romanos, 

contrário à ordem social medieval, inserido nas 

complexas teias sociais das aristocracias europeias. Não foi 

resultante, portanto, da vontade das lideranças políticas dominantes. 

Surgiu à margem do sistema político, econômico, 

social. Apresentou-se como um ideal. Foi combatido ferozmente 

pelo establishment. Inspirou discursos hipócritas. Revelou-se, 

afinal, utópico. 

A partir de seus primórdios, os princípios humanistas evoluíram 

ao longo de tantos outros séculos, passando pelo Iluminismo, 

influenciando o Existencialismo. O Humanismo 

chegou ao século XX ainda como um ideal, longe de ser prática 

comum. A partir de então, nem mesmo se estabeleceu 

como paradigma social e já foi sofrendo mudanças em suas 

premissas. As correntes Pós-Humanismo e Transumanismo 

desenvolveram-se como vertentes do pensamento contemporâneo 

– enquanto a primeira desafiou as premissas de 

antropocentrismo e racionalidade em prol da valorização ecológica, 

a segunda flertou com as fusões entre o biológico e o 

tecnológico na evolução humana. 

No âmbito organizacional, os princípios humanistas começaram 

a ser estudados logo no início do século XX, em função 

do aumento da escala de produção e suas consequências inevitáveis 

sobre a complexidade de gestão de pessoas e processos. 

O ambiente de trabalho passou a ser gradualmente 

transformado, primeiro do ponto de vista de produtividade, 

logo depois com foco adicional em segurança e saúde. O surgimento 

das carreiras gerenciais ampliou a relevância da burguesia 

urbana, exigindo uma reformulação das práticas de 

gestão desse capital humano mais sofisticado nas empresas. 

O advento da tecnologia de informação e a crescente automação 

do chão de fábrica aceleraram ainda mais a importância 

da incorporação de novas práticas na modelagem das relações 

de trabalho. Já bem desenvolvidas no início daquele século, 

tais premissas avançaram rapidamente a partir dos anos 

1950 com a globalização das empresas ocidentais, ainda longe 

da plenitude dos princípios humanistas clássicos, mas com 

melhoria em diferentes dimensões da vida do trabalhador. 

De qualquer modo, as inexoráveis relações de poder – como 

estudadas por Michel Foucault – têm sido sempre desafiadoras 

à prática efetiva dos princípios humanistas. Além disso, 

as mesmas formas de organização do trabalho que sistematizaram 

e otimizaram, também alienaram e padronizaram. 

Assim, os paradigmas de comando-controle e de eficiência 

operacional sempre impuseram relevantes desafios à incorporação 

de práticas humanistas no ambiente de trabalho. 

Após mais de 100 anos das grandes corporações, tal desafio 

está longe de ser totalmente solucionado. 

Sendo as organizações espelho das sociedades em que estão 

inseridas, uma vez que os princípios humanistas orbitam 

mais nos discursos do que nas práticas, parece ser natural 

observar que as organizações humanizadas têm sido também 

muito mais vivenciadas no imaginário idealizado. 

PRIMAVERA 2023 | EDIÇÃO 13 • PÁG. 13 


Pia Fraus 

Afinal, o Humanismo é escalável? 

Essa questão filosófica assume implicitamente 

que o Humanismo seria algo 

desejável ao avanço da humanidade 

neste planeta em particular e no Universo 

em geral. Fato! A sociedade humanizada 

– muito além da simples sociedade 

humana – elevaria os valores 

humanos universais em torno dos conceitos 

de dignidade, bem-estar e liberdade. 

Muitos dos males terrenos, das 

tragédias humanitárias, dos absurdos 

sociais seriam mitigados nessa nova 

ordem social. Restaria, claro, ainda significativa 

subjetividade nas definições 

utilitárias desses mesmos valores – é 

razoável reconhecer que bem-estar, 

por exemplo, é um conceito demasiadamente 

elástico para ser preciso. 

Seria válido presumir que o Humanismo 

– possivelmente evoluído em 

algumas dimensões propostas pelas 

vertentes pós-humanistas e transumanistas 

– pode representar um ideal 

para a humanidade? Penso que sim. 

Ato contínuo, coloca-se a questão da 

escalabilidade humanista. Seria a dignidade 

algo exponencial? Estaria a 

liberdade disponível para a longa cauda 

social? Poderiam a racionalidade e 

o rigor científico direcionarem todos 

os processos decisórios planetário 

e cotidiano? 

A humanidade tem realmente potencial 

para ser humanitária? 

Sobreviver como humano implica abafar 

os mais profundos instintos para 

conviver em sociedade. Aceitar as convenções 

normativas é algo intrínseco a 

todos aqueles que desejam socializar 

em prol do prolongamento de sua própria 

vida, da perenidade de seus genes. 

Diante de um ambiente cada vez mais 

complexo e ambíguo – de certo modo, 

até mesmo hostil –, é verdadeiramente 

humana a busca pela vida coletiva em 

sociedade. Precisamos da sensação 

de segurança, afiliação afetiva, espaço 

criativo e produtivo para ação individual, 

oportunidade de desenvolvimento 

e espaço para reflexão. Demandas 

compatíveis com o ideal humanista. 

É possível afirmar que, teoricamente, 

todo grupo social busca uma otimização 

de função composta dos produtos 

esperados, das variáveis de controle 

e das condições restritivas, flertando 

com a aleatoriedade do acaso. Os princípios 

humanistas podem fazer parte 

dos produtos esperados, desde que socialmente 

viáveis diante das variáveis 

de controle e das condições restritivas. 

Premissas individualistas, por exemplo, 

podem inviabilizar a produção de 

contextos humanistas. Imaginemos, 

por exemplo, quanto o comportamento 

extremamente predatório de uma organização 

em busca da maximização 

do retorno sobre o capital investido 

seria incompatível com os valores humanos 

em torno do tripé dignidade, 

bem-estar e liberdade. 

Portanto, além da retórica inspiradora, 

a vivência humanista está diretamente 

relacionada ao perfil da função social 

a ser otimizada por indivíduos em 

sociedade. Obviamente tal função é 

muito mais uma abstração do que algo 

realmente passível de ser traduzido 

em algoritmos. O argumento aqui apenas 

direciona a ação coletiva para algo 

realmente passível de ser modelado 

e influenciado. 

Foto: Eduard Gross/Unsplash 

Foto: Simon Lee/Unsplash 



Augmented Humanism 

Já é uma premissa – e, para muitos, uma fantasia – transumanista 

a evolução humana a partir da fusão entre o biológico 

e o tecnológico. Seríamos assim ciborgues potencializados 

por bioquímica, nanotecnologia neural e tecidos sintéticos. 

Estamos cada vez mais próximos dessa realidade ficcional. 

Não necessariamente na direção convergente aos princípios 

humanistas, a humanidade cibernética corre sério risco de se 

tornar (ainda mais) autômata, apática, angustiada. 

digma da humanidade está mais posicionado como manifesto 

do que como previsão futurista. Tal ordem social validaria os 

princípios clássicos humanistas tão proclamados, tão negligenciados. 

E ainda celebraria tudo aquilo que hoje está no 

campo do além-humano. O Übermensch seria contemplado 

como real possibilidade para a vivência humana nesse planeta, 

na plenitude de toda potência humana aumentada pela 

tecnologia. 

Assim, o conceito Augmented Humanism proposto aqui traz 

uma substância ética subjacente à digitalização do ser humano. 

Muito além do dilema evolucionista em permanecer 

ou não uma espécie orgânica (particularmente, acredito que 

a era dos ciborgues espaciais começou há alguns anos, ainda 

que convivendo pacificamente com os atuais Homo sapiens, 

por ora), a proposição direciona a construção do novo a partir 

dos princípios humanistas mais aspiracionais. Estou certo de 

que o tripé dignidade, bem-estar e liberdade, ancorado na racionalidade 

científica que exalta a potência humana integrada 

responsavelmente ao Universo, pode ser compatível com 

o avanço da inteligência artificial sobre a matéria perecível. 

É fato que imaginar o Augmented Humanism como novo para- 

Paradoxalmente, distante das falsas e infrutíferas dicotomias 

entre a espiritualidade e o Humanismo, o novo paradigma 

Augmented Humanism engloba o transcendental como parte 

do bem-estar, compreendido aqui como equilíbrio integral do 

indivíduo inserido na sociedade humanitária. Não o transcendental 

castrador dos dogmas religiosos que restringe a 

vida e atormenta a alma, mas a espiritualidade que reconhece 

a conexão sistêmica entre corpos em múltiplos universos. 

Por fim, o amor... Sim! Impossível imaginar o Augmented Humanism 

sem amor. Esse novo humano potencializado por 

tecnologia ama, amiúde, com intensidade, integridade, sexualidade. 

Quem sabe, assim, a humanidade humanizada seria, 

finalmente, feliz! 

Artigo escrito a partir de debate com Alina Correa, Cristina Panella, 

Maria José Tonelli e Marina von Zuben 

Foto: Ryoji Iwata/Unsplash 



[GENTE COM BOSSA] 

Identidade 

sem fronteiras 

A queixa é universal e justificável: está cada vez mais difícil 

impedir a invasão da rotina profissional na vida privada. O 

fogo amigo vem do próprio bolso, em forma de notificação 

que entra sem pedir licença no convívio familiar, ou do prazo 

de entrega que não deixa a mente encontrar foco fora do 

trabalho. Mas a vida pessoal também transborda, deixando 

na carreira uma marca indelével, uma cicatriz que pode dar 

novo sentido à trajetória. Muitos caminhos profissionais encontram 

no ambiente familiar sua pedra fundamental. 

“Todo o conhecimento, na minha vida, veio por meio do afeto, 

do amor e da unidade familiar (…) Eu trabalho utilizando 

essas características com as quais fui presenteada, vivendo 

cada dia com poesia, delicadeza e harmonia.” As palavras de 

Vera Holtz expressam uma conexão percebida pelo público 

por meio do carisma e da energia transmitidos pela atriz em 

cada um de seus mais de 100 trabalhos no teatro, no cinema 

e na televisão. Um deles é As Quatro Irmãs, documentário protagonizado 

por Vera e suas três irmãs que concretiza essa 

simbiose entre vida pessoal e carreira. 

Um evento marcante na vida do ensaísta Francisco Bosco 

deixou mais do que um sinal na perna do filósofo pop do Papo 

de Segunda, do GNT. A bala perdida que o impediu de andar 

por seis meses foi parte crucial do processo de formação do 

Francisco poeta que, mais tarde, se tornaria letrista e dono de 

um Grammy Latino. 

Há anos, o cientista Alysson Moutri pesquisa as características 

morfológicas, funcionais e de sinapses no cérebro de 

pessoas autistas. Mas o interesse saiu da esfera meramente 

acadêmica quando ele se tornou pai de uma criança no espectro. 

A partir daí, passou a trabalhar inclusive para melhorar 

a qualidade de vida de autistas e suas famílias. 

Vivências familiares são marcas-d’água no trabalho da cantora 

Ana Cañas. Tragédias pessoais, como a morte do pai e 

do irmão e o assédio sexual que sofreu na adolescência, ajudaram 

a moldar seu estilo visceral. E, conforme adiantou a 

artista à Et cetera, estarão impressos nas composições do 

próximo álbum, o nono de sua carreira. “Eu acho que estou 

fazendo o disco mais importante da minha vida”, disse. 

As páginas de Guarde Este Nome apresentam Marcelino Melo, 

autor do projeto artístico Quebradinha. Morador do Campo 

Limpo, um dos bairros mais carentes de São Paulo, Marcelino 

chamou a atenção de museus e outras instituições culturais 

com suas esculturas que reproduzem casas da periferia. 

Nesta edição, a conversa Q&A Etc. é com a atleta Carolina 

Schrappe, recordista sul-americana em mergulho livre em 

apneia. Ela fala sobre os benefícios físicos e mentais e as lições 

que tira de suas incursões ao fundo do mar sem cilindro 

de oxigênio. Por fim, os brasileiros notáveis que a seção 

Gente com Bossa destaca a cada edição ganham a companhia 

de um gringo que se apaixonou pelo Brasil. Jack Nicas, jornalista 

americano que vive no Rio de Janeiro como correspondente 

do jornal The New York Times, conta em depoimento seu 

ponto de vista sobre hábitos e comportamentos característicos 

dos brasileiros. 

Foto: Alexander Grey/Unsplash 



[Q&A ETC.] 

O abraço de Netuno 

Aos 48 anos e mãe de três filhos, a atleta Carolina Schrappe 

é recordista sul-americana em mergulho livre em apneia e 

uma das maiores especialistas da atividade no Brasil. Já chegou 

a 114 metros de profundidade em uma jornada de dois 

minutos e 45 segundos sem respirar. Entre uma competição 

e outra no Caribe, no Havaí e no Egito, usa seus conhecimentos 

do esporte e da fisioterapia para dar aulas de mergulho. 

À Et cetera, Carolina fala sobre as técnicas, os desafios, os 

perigos e os benefícios físicos e mentais de encarar o fundo 

do mar sem cilindro de oxigênio. 

Como você se tornou uma atleta de mergulho livre 

em apneia? 

Desde criança sempre fui incentivada pela família a praticar 

esportes. Eu me formei em fisioterapia e, por muitos anos, 

atuei na área, principalmente com reabilitação de atletas e 

com respiração mecânica em UTIs. Em 1999, em Fernando 

de Noronha, pratiquei mergulho com tanque de oxigênio pela 

primeira vez, me apaixonei e não parei mais. Aos poucos, fui 

me interessando mais pelo mergulho livre em apneia. A ideia 

de superar desafios e limites me atraiu muito. Hoje, dou au- 

Foto: Pedro Paulo Cunha 

las nessa modalidade e participo desde 2007 de competições 

ao redor do mundo. Tenho 15 recordes sul-americanos e sou 

uma das três melhores do mundo na categoria de mergulho 

livre com lastro variável, quando o atleta desce com o cinto- 

-lastro ligado ao cabo e, na hora de voltar, deixa o lastro e 

nada até a superfície sem pesos. 

O que você ensina nas suas aulas? 

No mergulho livre, dependemos somente do nosso corpo. Por 

isso, as primeiras aulas são teóricas, de como o organismo 

funciona. Depois, vêm os treinos práticos. No seco, na piscina 

e, por fim, no mar. É preciso treinar a respiração, aprender a 

segurar o fôlego. A primeira barreira nesse quesito, aliás, é 

mental. Depois de 30 segundos, as pessoas acham que vão 

morrer e se desesperam, mas o corpo de alguém sem treinamento 

algum já aguenta um minuto e meio. Outro ponto 

crucial é adaptar o organismo para o mergulho profundo e 

trabalhar a equalização, que é saber, aos poucos, como equalizar 

a pressão dentro do organismo conforme a profundidade 

muda. Quando você mergulha, o pulmão se comprime, ficando 

até 9% do tamanho original. Sem cuidado, os tímpanos estouram 

e o pulmão sofre lesões graves. 

Como um atleta se prepara para o 

mergulho livre em apneia? 

Além de aprender as técnicas de respiração 

e equalização e de conhecer 

todos os protocolos de segurança, um 

bom preparo físico conta muito. É preciso 

muita força na primeira etapa da 

descida, antes de a pressão do mar gerar 

a “queda livre” e nos empurrar para 

o fundo. A volta é ainda mais difícil, 

precisa de muito esforço para superar 

todo o peso do oceano sobre você. 

Então, musculação e aeróbico são muito 

importantes. Fazer alongamentos e 

melhorar a elasticidade da caixa torácica 

também. Costumo treinar por seis 

meses antes de cada competição. 

E a mente é um fator decisivo para 

um mergulho de sucesso? 

Com certeza. A meditação é parte essencial 

do treinamento. A gente precisa 

controlar o organismo através da 

mente. O mergulho em apneia requer 

muito autoconhecimento, para entender 

o que está acontecendo no corpo 

durante o mergulho, e autocontrole, 

para superar momentos adversos e se 

manter seguro. E o mergulho precisa 

ser prazeroso. Não dá para mergulhar 

se você está tenso e preocupado porque 

a ansiedade altera a respiração e 

os batimentos cardíacos e prejudica o 

desempenho. É preciso meditar e se 

concentrar muito. Virar uma chavinha, 

deixar tudo do lado de fora e se concentrar 

100% no ato do mergulho. 

Então, apesar do esforço físico e da 

falta de oxigênio, o mergulho livre 

no fundo do mar é um momento 

de paz? 

Sim, a gente chama de “abraço de Netuno”. 

É um silêncio absoluto que só é 

interrompido pelo canto das baleias. 

Estar naquele momento de paz é até 

perigoso se você não estiver também 

concentrado, checando tempo e 

profundidade. Porque você não sente 

vontade de respirar e vai querendo 

descer mais e mais, quer continuar 

ali para sempre. Quando vê, vai demorar 

muito para voltar, e é aí que os 

acidentes acontecem. 

Por que atletas bem preparados 

acabam sofrendo acidentes fatais, 

como aconteceu com a russa 

Natalia Molchanova (1962-2015), 

23 vezes campeã do mundo? 

Ela sempre foi minha grande inspiração. 

Era mãe e bateu recorde mundial 

aos 53 anos. Mas até as pessoas mais 

brilhantes podem vacilar. Eu digo que 

os acidentes fatais acontecem, geralmente, 

com os pouco experientes e 

com os muito experientes. Com estes, 

o excesso de confiança pode causar um 

erro de cálculo na hora de encarar um 

desafio. Tudo é muito calculado, você 

precisa entender os riscos e saber até 

onde pode ir e quando voltar. Se não tiver 

autocontrole quando acontece um 

problema, se desespera e piora tudo. A 

gente precisa economizar cada molécula 

de oxigênio. 

Você já chegou perto de morrer ou 

de ter um acidente grave em um 

dos seus mergulhos? 

Tive cinco blecautes na minha carreira, 

que é quando o corpo apaga. É o cérebro 

desligando tudo para te proteger de 

causar danos irreversíveis ao corpo. Já 

apaguei por cinco segundos e também 

já fiquei 40 segundos apagada, quando 

tiveram que fazer respiração boca 

a boca, mas voltei bem e nunca fiquei 

com sequelas. 

Como você lida com esse risco 

inerente à prática desse esporte? 

Eu nunca penso sobre morrer porque 

não mergulho com medo, e me preparo 

para todas as situações em que 

algo pode sair errado. Se estou ansiosa, 

não mergulho. Respeito o mar 

e calculo os riscos. Não faço nenhum 

mergulho sem conhecer o local, checar 

a segurança e o aparato hospitalar ao 

redor e se não confio na equipe que vai 

me acompanhar. 

E o que sua família acha da sua 

carreira esportiva? 

Meu pai diz que sou meio maluca, mas 

ele também ama esportes radicais. 

Meus três filhos encaram muito bem 

e sempre me apoiaram muito. Eles ficam 

um pouco preocupados, claro, mas 

me incentivam, sabem que me preparo 

muito e que vai ficar tudo bem. 

O que a prática do mergulho livre 

pode ensinar às pessoas? 

A gente vai mudando ao longo da vida. 

Na juventude, temos o corpo forte e a 

mente fraca. Somos muito ansiosos. 

Depois, conforme o tempo passa, a 

mente precisa ficar mais forte. Esse 

esporte ajuda as pessoas justamente 

nessa parte mental: a ganhar mais 

consciência, autoconhecimento e autocontrole. 

Ele te ensina a se concentrar, 

a manter o foco, a fazer o corpo 

chegar aonde a mente quer chegar, e 

não deixar ele te controlar. Esse controle 

mental te ensina a reagir às situações 

no trabalho, na vida em família, 

no dia a dia. 

Entrevista concedida a Guilherme Dearo 

Foto: Pedro Paulo Cunha 



[COM A PALAVRA…] 

“Adoro bares pé-sujo” 

Antes de assumir o posto de correspondente-chefe do The New York Times na 

América do Sul, em janeiro de 2022, o jornalista Jack Nicas morava no Vale do Silício. 

Embora vivesse na meca tecnológica, ele queria mesmo era escrever sobre assuntos 

mais analógicos. Como já dominava o espanhol, não hesitou em se candidatar à vaga 

de correspondente no Brasil. Em depoimento à Et cetera, ele conta – com sotaque, 

mas fluentemente – que ralou para aprender português. Fã de Luiz Gonzaga e 

torcedor do Vasco, Nicas se apaixonou pelo país, mas ainda não entendeu alguns de 

nossos comportamentos peculiares. 

Foto: María Magdalena Arrélaga/The New York Times 

“Eu sempre quis morar na América 

Latina. É uma região com muitas histórias, 

muita cultura. Em 2021, um dos 

meus chefes no The New York Times me 

avisou que seria aberta uma vaga no 

Brasil. O idioma português era uma 

barreira, mas eu já sabia espanhol 

porque morei na Espanha e passei 

alguns meses trabalhando no México. 

Quando fiquei sabendo da vaga, já 

comecei a estudar português. São 

idiomas parecidos, mas com sonoridades 

e ritmos muito diferentes. 

Cheguei ao Rio de Janeiro para um 

período de testes sob a supervisão do 

correspondente anterior, o Ernesto 

Londoño. Foram dois meses muito 

intensos, mas consegui emplacar 

quatro grandes reportagens no jornal e 

fui aprovado. 

O trabalho de jornalista em um país 

enorme como o Brasil significa viajar 

muito. Para mim, é muito importante 

sair de casa, conversar com as pessoas 

e tentar entender o país. Adoro fazer 

reportagens em outros lugares, ver e 

conhecer coisas diferentes. Creio que 

já visitei mais estados do que a maioria 

dos brasileiros, e já viajei muito para 

países vizinhos, pois também cubro 

Argentina, Uruguai, Paraguai e Chile. 

Nesse sentido, minha rotina é bem 

aleatória, como os brasileiros gostam 

de dizer. Posso trabalhar por três 

semanas seguidas na minha casa, 

na Lagoa Rodrigo de Freitas, mas, se 

aparecer alguma história urgente em 

outro estado, tenho que parar tudo e 

me deslocar para lá. Quando a rotina 

está mais previsível, consigo passear 

de bicicleta, fazer escalada e jogar vôlei 

de praia, atividades que descobri aqui 

no Rio de Janeiro e que adoro. E, logo no 

começo da minha temporada no Brasil, 

me apaixonei pelo Vasco da Gama. Na 

verdade, gosto de sofrer, tenho um 

lado bem melancólico, então o Vasco 

deu match. Ia ser muito confortável 

torcer para o Flamengo, que ganha 

tudo. Fui a um jogo Flamengo X Vasco 

e o Vasco perdeu, lógico, mas a torcida 

deles me encantou. Mesmo em número 

muito menor, eles conseguiam se fazer 

presentes. Depois, para completar 

minha atração, fiquei sabendo que o 

Vasco foi um dos primeiros clubes do 

Brasil a aceitar jogadores negros em 

seu time. O estádio deles é muito raiz, 

antigo, pequeno, mas muito confortável, 

tem personalidade. 

Uma das coisas de que mais gosto no 

Brasil é a informalidade. No Carnaval, 

isso fica ainda mais claro, mas é a 

informalidade do dia a dia que me atrai, 

a maneira como as pessoas chamam 

os garçons: “capitão”, “padrinho”, 

“chefia”. Tem também as brincadeiras 

que desconhecidos fazem uns com 

os outros nas barracas de praia, nas 

ruas. Na Argentina, se eu falo que sou 

jornalista do NYT, as pessoas desconfiam, 

pedem para mostrar minha credencial, 

essas coisas. Aqui no Brasil, 

as pessoas contam sua vida inteira, 

não se importam, gostam de se abrir 

com estranhos. 

Durante o período de testes, fiz uma 

reportagem sobre os botecos pé-sujo 

do Rio [intitulada Samba, Cachaça and 

Pickled Eggs: ‘Dirty Feet’ Bars Are 

Essence of Rio], a volta dessa cultura 

de rua depois da pandemia. Eu adoro 

os bares pé-sujo, são o templo da informalidade. 

É possível bater papo com 

desconhecidos, tomar cerveja e comer 

ovos coloridos em mesas e cadeiras 

nas calçadas. Se der sorte, dá até para 

curtir uma boa roda de samba. 

O outro lado dessa informalidade é a 

burocracia. Às vezes, para falar com 

alguma pessoa importante, é preciso 

passar por uma série de assistentes 

antes, e cada um deles dá uma 

informação diferente. E tem um tipo 

de comportamento que eu ainda não 

entendi direito aqui no Brasil, que é a 

forma como as pessoas respondem 

algumas perguntas aceitando algo, 

mas não confirmando. Não é uma 

mentira, é mais um jeito de nunca 

dizer ‘não’. Por exemplo, eu convido 

alguém para um programa e a pessoa 

diz: ‘Ah, sim, vamos tentar’. Isso significa 

um ‘não’. Demorei a entender 

esse comportamento e fiquei decepcionado 

muitas vezes. Convidei pessoas 

para festas e elas me responderam 

dessa maneira vaga; não negaram, mas 

também não apareceram. 

Muitos aqui me chamam de gringo, 

mas não me incomodo. Os brasileiros 

chamam até os vizinhos argentinos 

de gringos. De vez em quando, ser 

estrangeiro possibilita algumas situações 

confortáveis, as pessoas 

são mais atenciosas comigo. Quando 

estou apurando alguma história, 

me aproveito disso, vira uma ferramenta 

de trabalho. Muitas vezes entro 

mesmo no personagem ‘gringo bobo’ 

para que conversem comigo, me expliquem 

tudo o que quero saber. 

Outra coisa que facilita meu trabalho 

aqui é a minha aparência. Tenho cabelos 

pretos e não sou particularmente 

alto. Não tenho cara de gringo, 

na opinião dos brasileiros. Muitos até 

ficam confusos quando escutam meu 

sotaque. Isso é ótimo para passar 

despercebido, pois, no meu trabalho, 

principalmente quando estou investigando 

algo, não quero me destacar. 

Quando estou no meio de garimpeiros 

da Amazônia, por exemplo, não quero 

chamar a atenção por ser estrangeiro, 

quero ser mais um. Recentemente, 

fiz meus primeiros trabalhos sem a 

ajuda de um intérprete e foi muito melhor. 

Conversar sem um tradutor cria 

uma conexão mais pessoal, e essa ligação 

facilita meu trabalho. Sinto que 

o país e as pessoas estão se abrindo 

para mim. 

Geralmente, os correspondentes do 

NYT ficam uns quatro ou cinco anos 

em seus postos de trabalho. É o tempo 

mínimo para os jornalistas se ambientarem, 

aprenderem bem a língua local. 

Eu gostaria de ficar mais. Aliás, eu 

gostaria de morar um tempo no sertão. 

A viagem que fiz ao interior do 

Rio Grande do Norte foi muito marcante, 

especial mesmo. Os nordestinos 

que conheci lá são pessoas simples, 

mas muito sábias e receptivas. 

Eles não tinham muito, mas me receberam 

em suas casas e compartilharam 

tudo o que tinham, café, comida 

e suas histórias. Durante essa viagem, 

eu escutava muito as músicas do Luiz 

Gonzaga, que hoje eu adoro. Aprendi 

sobre baião, forró e outras músicas 

da região. Gostaria de explorar mais o 

sertão, conviver com aquelas pessoas 

e aprender mais com elas.” 

Entrevista concedida a Diego Braga Norte 



[GUARDE ESTE NOME] 

Marcelino Melo: 

O artista que conta histórias da 

periferia por meio de esculturas 

Por Guilherme Dearo 

No final de 2008, aos 14 anos, Marcelino 

Melo deixou para trás a cidade de 

Carneiros, no sertão de Alagoas, rumo 

a São Paulo. Junto dos pais e seus dois 

irmãos, foi morar no bairro do Campo 

Limpo, bairro periférico da zona sul 

da cidade. Os primeiros anos na capital 

paulista e suas ruas hostis foram 

desafiadores. “Em Carneiros, eu ficava 

até tarde com meus amigos na rua. 

Chegando aqui, descobri a violência 

urbana. Eu me sentia vulnerável, sofria 

racismo e xenofobia na escola”, conta. 

Já na adolescência, Marcelino passava 

os dias entre estudo e trabalho, fazendo 

pequenos serviços na quebrada. Trabalhou 

entregando água e gás, como ajudante 

de pedreiro e em restaurantes, 

lava-jatos e oficinas mecânicas. “Eram 

todos bicos, acho que nunca passei mais 

do que seis meses neles. Aquela rotina 

me angustiava muito, era frustrante. O 

único trampo de que gostei um pouco 

mais foi o de pedreiro, porque tinha 

algo mais criativo, de trabalhar com as 

mãos. E dava mais dinheiro.” 

A consciência política nasceu no ensino 

fundamental, quando teve o primeiro 

contato com a cultura hip hop e passou 

a se interessar mais pela música e 

pela arte. Juntou dinheiro para comprar 

uma câmera e começou a carreira de 

fotógrafo. O interesse pelas artes visuais 

só aumentou. Em 2012, Marcelino e 

seu irmão Maxwell fundaram a produtora 

de audiovisual Fluxo Imagens, ou 

FXO, trabalhando com rappers, MCs e 

artistas aspirantes no Campo Limpo e 

Capão Redondo. 

Em 2015, logo após a morte do pai, 

comprou um drone que impulsionou a 

carreira. Começou a produzir as primeiras 

imagens aéreas da periferia da 

cidade, que fizeram sucesso no bairro 

e lhe renderam o apelido de “Menino 

do Drone”. “Eu não aguentava o fato 

de que só os pombos e o helicóptero 

Águia da PM podiam ver essas imagens 

tão belas de cima da quebrada”, 

diz. Alguns anos depois, o projeto com 

o drone alcançaria grande repercussão 

nas redes sociais: na pandemia da Covid-19, 

Marcelino decidiu acompanhar 

a evolução das novas covas abertas no 

Cemitério São Luiz, um dos maiores 

da América Latina e famoso por abrigar 

muitos jovens pretos assassinados. 

“Vistas de cima, as covas pareciam um 

código de barras. A pressa da morte, os 

corpos passando nessa esteira de mercado, 

como objetos numa indústria da 

morte. Foi muito pesado, começou a me 

fazer mal”, revela. 

Naquele momento, Marcelino já investia 

em um novo projeto artístico, que o 

levaria a conquistar muitos admiradores. 

Inspirado pelas imagens captadas 

pelo drone, que mostravam os milhares 

de pontinhos azuis (caixas-d’água) 

espalhados pelo cinza predominante 

(concreto, lajes, telhas de fibrocimento), 

criou uma escultura que reproduzia, 

em pequena escala, uma casa 

típica da periferia. Batizou a casinha, 

feita com materiais que achou na rua, 

como a tampinha de garrafa que virou 

caixa-d’água e o papelão transformado 

em telha, de Quebradinha 1. “Não tinha 

a pretensão de fazer uma série quando 

fiz a primeira escultura. Mas gostei, 

dei prosseguimento e logo vi que meu 

novo projeto tinha a missão de fazer 

um registro histórico da arquitetura da 

quebrada e de quem ali vive. As esculturas 

eram ferramentas para falar de 

memória, afetividade e representatividade”, 

diz. Em 2020, criou o projeto 

Quebradinha no Instagram. Rapidamente, 

as fotos das esculturas viralizaram, 

e ele ganhou centenas de milhares 

de seguidores. 

As esculturas de Marcelino não trazem 

representações de pessoas, mas os 

elementos arquitetônicos expressam 

marcas da presença e da vida humana. 

“Deixo para o público completar a 

obra, imaginar a história que aconteceu 

e acontece ali.” Ele gosta de frisar 

que o que faz é escultura, não maquete. 

“Maquete é de plástico, tudo é artificial. 

Além disso, ela não tem vida e história. 

É feita para vender apartamento. Nas 

minhas obras, eu mostro a vida humana”, 

explica. 

O sucesso da série não demorou a 

chamar a atenção de museus e outras 

instituições. As obras de Marcelino já 

passaram por Instituto Moreira Salles, 

Sesi, Sesc, CCSP, Museu da Cidade de 

São Paulo e Museu de Arte do Rio, entre 

outros. Em 2022, na SP-Arte, feira 

de arte que ocorre anualmente no Pavilhão 

da Bienal, vendeu todas as peças 

em exibição em quatro dias. “Estar na 

SP-Arte como artista preto e da periferia 

foi desafiador, e também engrandecedor 

porque é um espaço dominado 

por uma classe específica”, reflete. 

Hoje, ele mora sozinho no Campo Limpo 

e tem um ateliê em casa. Muitas vezes, 

começa a trabalhar tarde da noite 

e segue madrugada adentro, quando 

a rua é mais silenciosa. Leva cerca de 

quatro meses para produzir cada escultura, 

sempre utilizando, com exceção 

das tintas, materiais que encontra 

pelas ruas do bairro, como papelão, vidro, 

cobre, areia e cimento. A série de 

esculturas Quebradinha já conta com 

15 obras, e tem outras a caminho. Enquanto 

isso, o artista alagoano de 29 

anos também se dedica à série Pedreiros 

São Artistas, explorando materiais de 

construção e questões arquitetônicas. 

“Não vou agradecer pelas mazelas que 

sofri na minha vida, mas tudo o que 

me aconteceu me fez ser quem sou”, 

analisa. Hoje, além de se dedicar aos 

projetos artísticos, Marcelino também é 

arte-educador nas Fábricas de Cultura, 

programa do governo estadual que leva 

arte e cultura a áreas carentes. 

Para o futuro, Marcelino revela que planeja 

mesclar dois projetos, Quebradinha 

e fotos com drone, além de investigar 

mais questões de território e memória 

da Região Norte e dos povos amazônicos, 

com os quais tem tido contato em 

viagens recentes para o Acre. 

“Tem sido muito divertido participar de 

mais exposições e dar mais entrevistas. 

A parte mais legal é ir dar oficinas em 

escolas, trocar ideia. Recebo até cartas 

de alunos animados com meu trabalho”, 

diz. “E não tem preço ver seu trabalho 

reconhecido. Recentemente, uma amiga 

estava em um jantar com OSGEME- 

OS [os irmãos grafiteiros Gustavo e Otávio 

Pandolfo] e soube que eles já conheciam 

meu trabalho. O reconhecimento traz 

mais cobrança e mais responsabilidade, 

mas é incrível.” 


Foto: Léo Britto 


Nome: Vera Lúcia Holtz 

Idade: 71 anos 

Profissão: atriz e diretora de teatro 

Cidade onde nasceu: Tatuí/SP 

A estrela 

solar 

Por Simone Costa 

A atriz e diretora de teatro Vera Holtz irradia 

carisma e energia. Com mais de 40 peças de 

teatro, três dezenas de filmes e outras três de 

novelas no currículo, a paulista de Tatuí uniu 

intuição, estudos e talento para construir uma 

carreira de sucesso 

Monólogo Ficções, em 2022 | foto: divulgação 



“Cresci 

convivendo com 

esse lugar de 

papéis, desenhos, 

pintura a óleo, 

cheiro de tinta. 

Isso influenciou 

muito a percepção 

da arte e o 

respeito pela 

criação” 

Medicina selvagem 

De volta à casa da família em Tatuí, a 

130 quilômetros da capital paulista, 

Vera prestou vestibular para desenho 

e artes plásticas e entrou na primeira 

turma do curso na faculdade da cidade. 

Ela já tinha uma referência de artes 

visuais dentro da família. Tio Rolf era 

pintor de formação e produzia natureza-morta 

no ateliê que ficava no segundo 

andar de sua casa. Foi ele quem 

a ensinou a ser letrista, habilidade que 

lhe rendeu algum dinheiro na adolescência, 

quando produzia cartazes para 

bailes das cidades. “Cresci convivendo 

com esse lugar de papéis, desenhos, 

pintura a óleo, cheiro de tinta. Isso influenciou 

muito a percepção da arte e o 

respeito pela criação”, revela. 

A música também estava presente na 

infância em Tatuí. No térreo da casa do 

tio ficava o piano que Rita, esposa de 

Rolf e professora de canto no colégio, 

usava para ensinar as sobrinhas a tocar. 

O casal não tinha filhos, mas Vera 

e suas irmãs, Maria Teresa, Rosa Cristina 

e Regina Maria, estavam sempre 

por lá. Além de aprender com a tia, Vera 

teve aulas no conservatório de música 

da cidade. 

Durante a graduação na faculdade de 

artes plásticas, Vera começou a dar 

aulas de desenho em colégios de Piracicaba. 

Todos os dias, encarava 80 quilômetros 

de ida e outros 80 na volta do 

trabalho. Nesse período, matriculou-se 

em um curso de expressão corporal. Os 

professores eram bailarinos do Ballet 

Stagium, de São Paulo, e ali ouviu pela 

primeira vez que levava jeito para o teatro. 

“Até então, só tinha visto uma peça 

na vida, Se Correr o Bicho Pega, Se Ficar o 

Bicho Come, do Oduvaldo Vianna Filho 

[1936-1974], com a Myriam Muniz [1931- 

2004], no Teatro Anchieta, em São Paulo. 

Nunca tinha pensado em ser atriz. 

Mas aí decidi: vou tentar. Tudo que eu 

colocava na cabeça, eu fazia”, conta. 

Fotografia inspirada em obra do artista plástico Zemog no apartamento nos Jardins | foto: Renato Santoro 

Vera (à direita), com as irmãs Regina, Rosa e Teresa | foto: arquivo pessoal 

O 

s 32 degraus na fachada do Edifício Gazeta 

pareceram intransponíveis para a jovem Vera 

Lúcia. Ao deixar Tatuí rumo a São Paulo, estava 

decidida a cursar um pré-vestibular para tentar uma 

vaga na Escola de Comunicações e Artes (ECA) da 

Universidade de São Paulo (USP). Mas desistiu dos 

planos momentos antes de atravessar a Avenida 

Paulista para chegar ao edifício número 900, onde 

faria a inscrição do curso. “Eu não estava pronta. A 

minha intuição é muito forte e costumo obedecê-la. 

Voltei para Tatuí”, relembra, cinco décadas depois. 

A intuição aguçada não decepcionou. A garota que 

congelou na avenida mais movimentada do país se 

tornou Vera Holtz, atriz que, aos 71 anos, já brindou 

o público com mais de 100 trabalhos no teatro, no 

cinema e na TV. 

Entram na contabilidade os recentes As Quatro 

Irmãs, documentário disponível em plataformas de 

streaming; Tia Virgínia, filme que lhe rendeu o Kikito 

de melhor atriz no Festival de Gramado, em agosto; 

e o monólogo Ficções, peça inspirada no best-seller 

Sapiens – Uma Breve História da Humanidade, de Yuval 

Noah Harari, em cartaz no Rio de Janeiro. Ela também 

é responsável pela supervisão artística do espetáculo 

Voz de Vó, escrito e dirigido por Sara Antunes, que 

estreou em São Paulo em setembro. “Minha agenda 

não costumava ser assim, mas nos últimos meses 

sinto como se estivesse surfando uma onda gigante 

em Nazaré [em Portugal]. Estou só esperando o 

rebote”, brinca. “Receber o Kikito, por exemplo, foi 

terrivelmente maravilhoso. Não crio expectativa com 

nada, mas me sinto motivada com o trabalho.” 

“Minha agenda não costumava ser assim, mas nos últimos 

meses sinto como se estivesse surfando uma onda gigante 

em Nazaré [em Portugal]” 



Estreia no teatro, com a peça “Rasga coração”, em 1979 

foto: arquivo pessoal 

Atraída pelo mar 

Em 1975, Vera viajou para um festival em Paty do Alferes, 

município fluminense que abriga o complexo cultural Aldeia 

de Arcozelo. Durante a estada em Paty do Alferes, decidiu 

visitar o Rio de Janeiro, a 120 quilômetros dali. Foi amor à 

primeira visita. “Eu sempre tive uma atração pela imensidão 

que o mar representa. Cheguei à Praia de Copacabana e disse: 

daqui a um ano, estarei morando aqui”, conta. 

Dito e feito. No ano seguinte, Vera começou a trabalhar como 

desenhista técnica numa empresa de engenharia no Rio, deixando 

incompleto o curso na Escola de Arte Dramática, em 

São Paulo. Sua função era produzir mapas de perfis geológicos 

para a obra da hidrelétrica de Itaipu. Quando chegou, seu 

único contato na capital fluminense era Leni, uma secretária 

que havia conhecido no festival de Arcozelo. A moça trabalhava 

na Federação de Albergues da Juventude e deixou Vera 

morar em um anexo no Catete, primeiro endereço da atriz na 

cidade. “Como se diz hoje, foi graças ao networking que consegui 

lugar para morar”, diz. 

A pausa nos estudos para se tornar atriz terminou em 1978, 

quando ela foi demitida da empresa de engenharia e voltou 

para a escola de teatro, desta vez na UniRio. No ano seguinte, 

sem experiência profissional de palco, fez um teste para Rasga 

Coração, de Oduvaldo Vianna Filho – o mesmo diretor da 

única peça a que ela havia assistido antes de decidir estudar 

teatro –, e passou, dando início à trajetória profissional como 

atriz. 

Os primeiros prêmios vieram na década de 1980. Em 1985, 

ganhou o Mambembe de melhor atriz de teatro infantil pela 

peça Astrofolia. Seis anos depois, recebeu o Shell de melhor 

atriz por Um Certo Hamlet. Foi nesse período que entrou para 

o mundo do cinema e da televisão. Em meados dos anos 1990, 

já somava três dezenas de peças no currículo, além de personagens 

em novelas como Que Rei Sou Eu? (1989) e Barriga 

de Aluguel (1990), e filmes como O Menino Maluquinho (1995). 

Em 1995, estreou a peça Pérola, espetáculo que foi visto por 

200 mil pessoas. “Esse texto do Mauro Rasi fez muito sucesso. 

Ficamos em cartaz por cinco anos”, destaca Vera, que recebeu 

quatro prêmios como melhor atriz pela atuação, entre 

eles, o Shell e o Sharp. “Enquanto tive motivação, foi maravilhoso 

fazer Pérola. Era um processo de paixão mesmo. Mas aí 

percebi que era hora de girar a chave novamente. Voltei a ter 

uma base em São Paulo e segui fazendo teatro esporadicamente. 

Entrava em cartaz um ou dois finais de semana. E fiz 

também muita televisão nesse período”, resume. 

Vera Holtz em A Próxima Vítima (1995) | foto: Arley Alves, Memória Globo 

Hora de voltar 

a São Paulo 

Em 1973, formada e de férias do trabalho 

como professora, a jovem de 21 

anos se inscreveu no concorridíssimo 

vestibular da Escola de Arte Dramática 

(EAD) da USP. Na pré-seleção, dos 200 

candidatos, só 40 seguiram na disputa. 

A fase seguinte envolvia uma semana 

de testes, finalizada com uma encenação 

diante de um grupo de jurados. Só 

20 foram selecionados. Entre eles, Vera 

Lúcia. “Minha vida no teatro, portanto, 

veio por meio dos estudos. Eu estava 

formada em artes plásticas, tinha uma 

base teórica e prática de música e foi 

com a cabeça dessa menina, com essas 

formações, que entrei para o teatro”, diz. 

A vida na capital ia além dos estudos. 

Habituada a trabalhar desde muito 

cedo – na adolescência, além de confeccionar 

cartazes, apresentava um 

programa na rádio de Tatuí e fazia decoração 

de festas no clube da cidade 

–, Vera voltou a dar aulas de desenho. 

A rotina era cansativa e, depois de um 

ano, ela conseguiu emprego como desenhista 

técnica no Instituto de Pesquisas 

de São Paulo. A vida como estudante 

e desenhista de mapas ainda 

era puxada, mas contava a favor o fato 

de o IPT ficar dentro da cidade universitária, 

onde ela frequentava as aulas 

noturnas da EAD. 



Foto: divulgação 

Nas graças do 

grande público 

Premiada no teatro, passou a ser reconhecida 

nas ruas por seus personagens 

na televisão. Entre tantas, já 

foi Quitéria “Quarta-Feira”, a alegre 

prostituta que dizia ser professora 

em A Próxima Vítima (1995); Ornela 

Sabatini, a mulher madura que prefere 

se relacionar, sem compromisso, 

com garotos de programa em Belíssima 

(2005); a platinada Violeta Áquila, vilã 

de Três Irmãs (2008); e Mãe Lucinda, a 

moradora do lixão que envolve toda a 

trama da novela Avenida Brasil (2012), 

sucesso de João Emanuel Carneiro. No 

remake de Saramandaia (2013), deu 

vida à icônica personagem interpretada 

por Wilza Carla na versão original, 

Dona Redonda, que explode no meio 

da praça. 

Uma de suas personagens mais marcantes 

está no ar na reprise vespertina 

exibida pela Rede Globo: a professora 

alcoólatra Santana, de Mulheres Apaixonadas 

(2003). Sobre personagens 

tão diversos, a atriz resume: “O ato 

de criação sempre esteve presente na 

minha vida. E repetir, repetir, repetir 

muito tempo uma obra, gravar, gravar, 

gravar torna a técnica espetacular. A 

gente vai aprendendo sobre a relação 

com a câmera e com o público”. 

Vera levou seu talento artístico também 

para fora de cena. Em 2010, estreou 

como diretora teatral, ao lado de 

Guilherme Leme, em O Estrangeiro, de 

Albert Camus e adaptação do dramaturgo 

dinamarquês Morten Kirkskov. 

E, em 2015, despontou como musa das 

redes sociais. “Foi mais uma curiosidade 

de ver o mundo. É uma leitura contemporânea. 

Você não precisa ser influenciado 

por isso, mas observe”, diz. 

Ela vivia um período sabático depois 

que um espetáculo teatral não vingou 

por falta de captação de recursos. Sem 

nenhuma pretensão, fez três fotos: 

uma de frente, outra de lado e a última 

de costas. A publicação no Instagram 

viralizou. “O ócio é criativo”, diz. Uma 

Como Mãe Lucinda, na novela Avenida Brasil (2012) | foto: João Cotta/Memória Globo 

reportagem chamou o perfil de “Vera 

Viral”, e as publicações ficaram ainda 

mais populares. “Depois de um tempo, 

eu parei. Fui fazer Ficções, e o teatro 

é a grande plataforma avassaladora.” 

“Vera Viral” está hibernando desde janeiro 

deste ano. 

Ficções estreou em setembro de 2022, 

no Rio de Janeiro, e já passou por várias 

cidades. Visto por quase 40 mil 

espectadores, o monólogo exigiu bastante 

preparo da atriz, que se desdobra 

em várias personagens citadas 

no livro e outras criadas pelo diretor 

Rodrigo Portella. Durante 80 minutos, 

ela canta, improvisa e interage com a 

única pessoa no palco, que é o músico 

Federico Puppi. “Fui superprotegida 

para fazer esse espetáculo. Um baita 

preparador, o Tony Rodrigues, me ajudava 

todo dia para entrar em cena. Até 

hoje ainda chego umas três horas antes. 

Faço aulas de corpo e voz”, conta. 

“É preciso entender o limite do corpo, 

mas também dar uma avançadinha.” 

“Todo o conhecimento, na minha vida, veio por 

meio do afeto, do amor e da unidade familiar. 

Por isso, sempre digo que é preciso acordar 

todo dia e perceber o outro” 

Reencontro com o passado 

Aos 71 anos, a atriz não levanta bandeiras em discussões sobre 

etarismo e chegada da terceira idade. Para ela, não passam 

de necessidade do Homo sapiens – numa referência ao 

espetáculo teatral Ficções – de catalogar tudo. “Os joelhos 

não funcionam, meu metabolismo está desacelerado, tenho 

questões de memória, a pele muda. Não tem como inventar a 

velhice, ela é real”, diz. “Não é a idade que nos limita, o que nos 

limita é o corpo. É só saber escutar o corpo”, completa. 

Uma parte importante de suas sete décadas de vida está na 

produção As Quatro Irmãs, mistura de documentário com ficção 

que teve sua estreia na Mostra Internacional de Cinema 

de São Paulo, em 2018, mas só agora foi oficialmente lançado. 

Sob direção de Evaldo Mocarzel, o filme tem a participação 

das três irmãs de Vera. Nenhuma era atriz, mas elas encararam 

o desafio proposto por Vera: contar a história do centenário 

casarão onde a família viveu em Tatuí. “A história de 

uma casa antiga é uma entidade, é necessário cuidar, uma 

vez que ela sobreviveu tanto tempo. Falei para minhas irmãs 

que elas seriam atrizes e me chamaram de louca. Você não 

imagina a farra que foi! O casarão virou do avesso”, conta. O 

período das gravações, que reuniu as quatro irmãs no casarão, 

trouxe à tona uma dinâmica bastante comum em muitas 

famílias brasileiras. Mal terminavam de preparar o almoço, as 

irmãs já começavam a discutir o que seria servido no jantar. 

“O Evaldo falava: ‘Não é possível, vocês não querem filmar, só 

querem comer’”, diverte-se. 

A atriz passou parte da infância, a adolescência e o começo 

da juventude no casarão, até se mudar para São Paulo. A 

casa antiga pertenceu aos avós paternos, de origem alemã. Já 

a mãe, Terezinha, descende de italianos que viviam em Pereiras, 

município ao norte de Tatuí que hoje conta com pouco 

mais de 8 mil habitantes. Filha mais nova de 14 irmãos, Terezinha 

não pôde frequentar a escola porque ficava em casa 

para cuidar do pai, cego. Em Pereiras, ela conheceu Zé Carlos, 

que estava na cidade como professor. “Eu sou a terceira filha 

e, no meu nascimento, por causa de complicações no parto 

anterior, meu pai levou minha mãe para Tatuí, que tinha mais 

recursos. Por isso, brinco que carrego um amor de corpo por 

Tatuí e de alma por Pereiras”, afirma. 

Junto com as lembranças das aulas de piano e dos bailes da 

adolescência em Tatuí, Vera guarda as recordações de Pereiras, 

onde passou a primeira infância. Brincadeiras à beira do 

rio, na companhia das lavadeiras, e esconde-esconde no meio 

do mar de palhas de arroz que o moinho despejava. “Foi uma 

infância muito especial.” 

Especial e populosa. Vera cresceu cercada de mais de 50 

primos, o que a ensinou bastante sobre a convivência com 

o outro. “Todo o conhecimento, na minha vida, veio por 

meio do afeto, do amor e da unidade familiar. Por isso, 

sempre digo que é preciso acordar todo dia e perceber o 

outro”, recomenda, e recorre à astrologia para explicar o 

olhar solar para a vida: “Sou Leão em Áries, sou otimista 

e vejo a vida como um sol. O sol na cabeça [cantarolando ao 

ritmo da música Trem Azul, de Lô Borges e Ronaldo Bastos]. 

Eu trabalho utilizando essas características com as quais 

fui presenteada, vivendo cada dia com poesia, delicadeza e 

harmonia”, diz. O público agradece. 

Que conselho daria 

à jovem Vera? 

“Sossega, Vera Lúcia! Pode deixar 

que, no futuro, a Vera Holtz vai 

cuidar de você!” 



Nome: Alysson Renato Muotri 


Profissão: cientista 

Cidade onde nasceu: São Paulo/SP 

Os 

cérebros 

de Alysson 

Por Daniela Macedo 

Cientista, astronauta e surfista. O brasileiro 

Alysson Muotri cultiva minicérebros em 

laboratório para estudar o desenvolvimento 

neurológico, vai fazer experimentos na 

Estação Espacial Internacional e surfa 

nas horas vagas 




Ciência em órbita 

Observar o funcionamento cerebral 

sempre foi um desafio. “Existem as 

tecnologias não invasivas, como ressonância 

magnética e eletroencefalograma, 

mas elas não chegam ao nível 

molecular. É possível estudar o cérebro 

post mortem, mas o órgão está morto, 

não dá pra fazer muita coisa. Ou você 

pode trabalhar com os modelos de 

animais, mas eu sempre bato na tecla 

de que o camundongo não é humano, 

né?”, explica Muotri. “O organoide aparece 

com um modelo que não é perfeito, 

mas que vem sendo melhorado para 

ficar cada vez mais próximo da realidade.” 

As técnicas desenvolvidas pela 

equipe do brasileiro na Califórnia são 

usadas por pesquisadores no mundo 

todo, inclusive no Brasil. 

Os estudos com minicérebros já resultaram 

em enormes avanços para 

a medicina, como o primeiro e único 

medicamento para tratar a síndrome 

de Rett, distúrbio do neurodesenvolvimento 

que já foi categorizado como 

autismo. Daybue, nome comercial da 

droga trofinetide, foi aprovado pela 

agência reguladora americana FDA em 

março deste ano. Outro exemplo foi a 

comprovação de que o zika vírus causa 

microcefalia em fetos. Em 2015, quando 

a epidemiologista Celina Turchi 

descobriu que as mães de bebês que 

nasciam com microcefalia haviam testado 

positivo para zika, Muotri correu 

para o laboratório para injetar o vírus 

em seus organoides. “A gente viu que 

o zika vírus mata a célula progenitora 

neural, que dá origem ao desenvolvimento 

de toda a camada do córtex, 

causando o efeito idêntico ao que acontece 

no cérebro dos bebês”, explica. 

Não havia sido possível comprovar a 

associação com camundongos, pois o 

tempo de gestação desse animal é de 

apenas 20 dias, e, sem o vírus ter tempo 

de agir, os ratinhos nasciam sem a 

anomalia. “Como o desenvolvimento do 

organoide cerebral é semelhante ao desenvolvimento 

intrauterino do cérebro 

de um bebê, a gente conseguiu capturar 

essa ação.” 

Por ser um dos pioneiros nessa pesquisa 

de ponta, Alysson Muotri foi escolhido 

para realizar experimentos com 

seus minicérebros na Estação Espacial 

Internacional (ISS). A viagem ainda 

não tem data definida, pois depende 

do calendário de missões da Nasa, mas 

deve acontecer em 2024 ou 2025. O 

primeiro cientista brasileiro no espaço 

embarca com dois objetivos: entender 

o envelhecimento cerebral acelerado 

dos astronautas, fenômeno que ainda 

levanta mais perguntas que respostas, 

e estudar algumas condições neurológicas. 

Mas por que estudar autismo e 

Alzheimer no espaço? Sabe-se que o 

cérebro de uma pessoa que passa um 

mês na microgravidade (gravidade 

zero) envelhece dez anos. Um detalhe: 

esse envelhecimento não ocorre no 

espaço, e sim no momento em que o 

astronauta volta à Terra, no curto período 

de uma semana. E o mesmo fenômeno 

acometeu os organoides que 

Muotri enviou à ISS em três ocasiões 

diferentes. Portanto, poucos dias depois 

de regressar ao nosso planeta, o 

cientista poderá observar o resultado 

a longo prazo dos experimentos realizados 

a 400 quilômetros da superfície 

terrestre. Um salto no tempo inimaginável 

em outras circunstâncias. 

Foto: Getty Images 

I 

magine um cientista que cultiva cérebros humanos funcionais para estudar 

autismo, Parkinson, Alzheimer e outras condições neurológicas. Parte de seu 

trabalho inclui descobrir se esses órgãos, cujas atividades elétricas movem robôs 

pelo laboratório, têm consciência e memória. Não satisfeito com os avanços 

em terra, o cientista viaja ao espaço para pesquisar os efeitos da gravidade zero no 

cérebro humano, levando uma porção deles na mala. Pode parecer ficção científica, 

mas essa é a rotina do brasileiro Alysson Muotri, professor da Universidade da Califórnia 

em San Diego e diretor do Programa de Células-Tronco da UCS. Com inúmeras 

publicações em revistas e periódicos científicos de alto impacto, como Nature, 

Cell e Science, ele é um dos mais respeitados pesquisadores do autismo no mundo. 

Muotri começou a cultivar organoides cerebrais em laboratório há mais de uma 

década para tentar desvendar um dos maiores mistérios da ciência: o que torna o 

cérebro humano único? São tecidos neurais do tamanho de uma ervilha anatomicamente 

muito semelhantes ao principal órgão do nosso corpo. O minicérebro tem 2,5 

milhões de neurônios, ante 86 bilhões da versão original. Mas, apesar de suas limitações, 

ele é funcional, pois promove sinapses, redes neurais e atividades elétricas. 

Como é produzido a partir de célula humana, ele carrega o DNA de seu doador. 

Isso significa que células da pele de uma pessoa com Parkinson ou Alzheimer, por 

exemplo, originam minicérebros com essas características. E isso permite que, durante 

o período de amadurecimento do organoide, os cientistas estudem como as 

doenças neurológicas se desenvolvem no cérebro. No laboratório de Muotri estão 

milhares de organoides derivados de pessoas com autismo, principal área de pesquisa 

do brasileiro. 

Organoide | foto: arquivo pessoal 



Mão na massa 

Como grande parte dos cientistas, Muotri nasceu com a curiosidade aguçada. Desmontava 

e remontava seus brinquedos para descobrir como funcionavam por dentro. 

Logo percebeu que, juntando peças e componentes eletrônicos de meia dúzia de 

brinquedos, poderia criar seus próprios robôs. Na adolescência, a leitura era uma 

atividade constante. E foi nessa fase que começaram a surgir as questões filosóficas. 

Quem somos, de onde viemos, para onde vamos? “Eu achava que a resposta 

estaria no conhecimento do cérebro. E para saber como o cérebro funciona eu teria 

que desmontá-lo e montá-lo.” Daí para o interesse pela neurociência foi um pulo. 

Concluiu a graduação em biologia na Universidade Estadual de Campinas e seguiu 

para o doutorado em biologia genética na Universidade de São Paulo. Estudava cérebros 

de camundongos, mas queria mesmo era “desmontar” o cérebro humano. 

Enquanto seguia com as pesquisas em animais no Brasil, Muotri tentava um pós- 

-doutoramento com Fred Gage, geneticista do prestigiado Instituto Salk, em San 

Diego, na Califórnia. Mandava e-mails para a instituição, só que a resposta nunca 

vinha. O doutorado sanduíche na USP incluía um período de pesquisas em Harvard, 

e o pesquisador brasileiro ganhou uma conta de e-mail da universidade americana. 

Era agora ou nunca. 

A grife Ivy League não só resultou em resposta como garantiu um convite para 

conhecer o Instituto Salk. Bingo! Um ano depois, ele embarcou de mala e cuia para 

a Califórnia graças ao programa Pew, que concede dez concorridíssimas bolsas por 

ano a candidatos de toda a América Latina. No entanto, assim que Muotri manifestou 

desejo de reconstruir o cérebro humano em laboratório, veio o balde de água fria 

do orientador. “Ele falou que tinha uma boa e uma má notícia. A boa era que se tratava 

de um projeto inovador. Ninguém nunca tinha feito, e era exatamente o que ele 

achava que tinha que ser feito.” A má notícia? Muotri teria que começar a trabalhar 

com cérebros de... camundongos. Naquela altura, início dos anos 2000, o governo 

americano proibia pesquisas com células-tronco embrionárias, mas um certo exterminador 

do futuro surgiria para enfrentar a decisão federal: eleito governador 

da Califórnia em 2003, Arnold Schwarzenegger autorizou o uso dessas células no 

estado, abrindo caminho para o cientista brasileiro se tornar um dos pioneiros na 

produção de neurônios a partir de células embrionárias. 

“Eu achava que a 

resposta estaria 

no conhecimento 

do cérebro. E para 

saber como o 

cérebro funciona 

eu teria que 

desmontá-lo e 

montá-lo” 

Foto: Andrea Coimbra e o filho Ivan | foto: arquivo pessoal 

Neurônios humanos | foto: arquivo pessoal 

Minicérebros autistas 

Por que, ao contrário das outras espécies, 

somos capazes de criar obras de 

arte, desenvolver avançadas tecnologias, 

compreender as leis que regem 

o Universo? Entender o processo de 

aprendizagem levou o cientista a estudar 

o transtorno do espectro do autismo 

(TEA). Mas, mais uma vez, ele 

esbarrava na falta de modelos de pesquisa. 

Como “desmontar e montar” 

um cérebro autista para entender o 

neurodesenvolvimento nas pessoas do 

espectro? 

A revolução veio em 2006, quando o 

cientista japonês Shynia Yamanaka 

apresentou a técnica de reprogramação 

celular, que transforma qualquer célula 

do corpo em célula-tronco pluripotente 

induzida, espécie de curinga que pode 

virar qualquer tecido humano. Assim 

que soube da descoberta, Muotri teve a 

ideia de produzir minicérebros a partir 

de células de pessoas autistas. “A gente 

observou que o neurônio derivado de 

pessoas com autismo tinha diferenças 

morfológicas, diferenças de sinapses e 

diferenças funcionais que explicavam 

as alterações do comportamento”, 

conta. 

Com a curiosidade no DNA, a equipe de 

Muotri levantou uma importante pergunta: 

essas alterações são permanentes 

ou reversíveis? A resposta surpreendeu. 

“A gente mostrou que elas são 

reversíveis, que a condição autista, embora 

tenha um caráter genético, não é 

determinista. Conseguimos reverter 

com terapia genética e farmacologicamente”, 

diz o cientista. Ou melhor, 

cientista e pai de autista. Em 2011, durante 

uma palestra sobre TEA, Muotri 

conheceu a modelo Andrea Coimbra, 

mãe de Ivan, diagnosticado com autismo. 

Hoje, eles formam uma família, 

e a convivência e o amor pelo filho incorporaram 

ao interesse acadêmico o 

empenho para melhorar a qualidade de 

vida dos autistas. Há sete anos, Muotri 

fundou a Tismoo, empresa de biotecnologia 

dedicada à medicina personalizada 

para o autismo. 

A possibilidade de reversão do autismo 

divide opiniões. Pessoas com TEA que 

têm uma vida independente rejeitam o 

autismo como deficiência, defendem a 

neurodiversidade e, muitas vezes, criticam 

a busca da ciência pela cura. Por 

outro lado, o espectro inclui autistas 

severos, com comorbidades que necessitam 

de tratamento. Como o próprio 

Ivan. Com 17 anos, o filho de Muotri é 

autista não verbal, com atraso no desenvolvimento 

e convulsões recorrentes. 

“Não vejo problema em aceitar tanto o 

desejo de inclusão quanto a busca por 

tratamento. O maior problema é quando 

os extremos começam a brigar, e um 

grupo diz ‘Eu não quero a cura e ninguém 

tem que ter cura’”, diz o cientista. 



Novas sinapses 

Alysson Muotri já produziu organoides 

a partir da doação de muitas pessoas, 

com e sem distúrbios neurológicos, 

mas não há um único minicérebro com 

DNA de seu criador no laboratório. 

Aliás, por questão de segurança, de 

nenhum cientista dali. O material doado 

passa pela fase de célula-tronco na 

reprogramação celular, e esse tipo de 

célula representa risco para seu doador. 

“Se ela entrar na minha corrente 

sanguínea, o meu sistema imune não 

vai reconhecer, e aquilo pode virar um 

câncer”, resume. 

Embora não possa estudar o desenvolvimento 

do próprio cérebro, Muotri 

não perde a chance de formar novas 

sinapses. “Estou sempre buscando 

novos hobbies para estimular o cérebro”, 

diz. Foi assim que aprendeu a tocar 

saxofone, violão, guitarra, baixo e 

trompete, sem a pretensão de alcançar 

a perfeição. “Tem um pouco do desafio 

de passar pela curva de mediocridade. 

Quando eu sinto que sou melhor que a 

média, já quero aprender outra coisa.” 

O cientista brasileiro também exercita 

corpo e mente surfando. “Já tive vários 

insights no mar. É o contato com 

a natureza, o movimento da água, o 

barulho, o cheiro, aquilo tudo me dá 

um estímulo.” Assim como muitos executivos 

discutem negócios no campo 

de golfe, o mar é ponto de encontro de 

surfistas com Ph.D. em San Diego, por 

causa da concentração de universidades 

e centros de pesquisa na cidade. 

Entre uma onda e outra, eles trocam 

conhecimento sobre suas pesquisas, e 

“até colaborações já saíram dali”. 

“Estou sempre 

buscando 

novos hobbies 

para estimular 

o cérebro” 

Foto: Robô que se move por atividades elétricas dos minicérebros | foto: arquivo pessoal 


Consciência 

e aprendizagem 

Atualmente, as pesquisas com organoides 

enveredam por um tema espinhoso: 

se o minicérebro tem redes 

neurais, pode ter consciência? Aqui 

a história fica ainda mais parecida 

com ficção científica. “Durante uma 

cirurgia, a gente perde a consciência 

quando a anestesia entra em ação e 

as ondas neurais somem”, explica 

Muotri. Os pesquisadores resolveram 

anestesiar os organoides e... “aconteceu 

a mesma coisa. Entra a anestesia, 

as ondas neurais somem, a gente tira 

anestesia, as ondas neurais voltam. É 

um indício de que eles têm tudo para 

ter consciência”. 

Se a história ainda parece fictícia, vale 

uma informação adicional: a mesma 

técnica que permite o cultivo de organoides 

cerebrais é usada para estudar 

outros órgãos do corpo humano, como 

o pâncreas. Os minipâncreas não produziam 

insulina porque nunca atingiam 

um nível de amadurecimento 

necessário para isso. Até cinco anos 

atrás. Hoje, os minipâncreas cultivados 

em laboratório produzem insulina. 

No futuro, essas descobertas podem 

levantar questões éticas que impactem 

os estudos científicos. Afinal, se o 

uso de células embrionárias gera polêmica, 

imagine manipular cérebros 

conscientes. 

A equipe do brasileiro também investiga 

a capacidade de aprendizagem e 

memória dos minicérebros. Por meio 

de eletrodos, os cientistas usam as 

atividades elétricas dos organoides 

para movimentar robôs pelo laboratório. 

Quando detectam obstáculos 

no caminho, os robozinhos estimulam 

eletricamente o minicérebro, que responde 

alterando as redes neurais. Os 

cientistas usam essa resposta para 

mudar a direção do robô, como se estivessem 

“ensinando” os movimentos 

do robô ao minicérebro. “Os experimentos 

que a gente está fazendo agora 

são para saber se ele retém essa 

memória. E, aparentemente, ele faz 

isso”, revela. Entender a capacidade de 

aprendizagem do modelo de cérebro 

cultivado em laboratório pode ajudar 

a responder a algumas das perguntas 

que impulsionam Muotri. “Por que 

algumas pessoas levam mais tempo 

para aprender? E, se descobrirmos 

esse mecanismo, será que não vai ser 

possível fazer a gente aprender mais 

rápido?”, diz. Será? 


ao jovem Alysson? 

“Preocupe-se menos 

com o que os outros 

vão pensar. Execute 

suas ideias, mesmo 

as mais arriscadas, 

sem pensar no que 

os colegas cientistas 

vão dizer” 



Nome: Ana Paula Hipólito Cañas 


Profissão: cantora e compositora 

Cidade onde nasceu: São Paulo/SP 

Das 

vísceras 

coração 

Por Maria Carolina Maia 

Ana Cañas vislumbra o abismo existencial 

de peito aberto e leva suas tragédias 

pessoais, como a perda do pai e do irmão, 

o alcoolismo e o suicídio de um amigo, para 

suas composições no nono disco da carreira 




“Há um abismo existencial quando a gente canta músicas 

que permitem que a gente solte os demônios” 

Abismos e demônios 

Ainda sem título, o novo álbum deve 

sair no ano que vem, depois de uma 

série de lançamentos dedicados à 

obra de Belchior. Ao todo, foram nove: 

cinco singles, dois EPs (extended 

plays) e dois álbuns, um de estúdio e 

outro ao vivo, gravado durante a turnê 

baseada na obra de um dos expoentes 

do chamado Pessoal do Ceará, grupo 

formado também por nomes como 

Fagner, Amelinha e Ednardo, sob a 

influência do filósofo Augusto Pontes. 

“Abri a caixa de Pandora. Era a única 

coisa que me restava fazer depois de 

cantar Belchior, porque não há como 

cantar Belchior sem ir ao fundo de 

si mesma”, diz a cantora, que teve no 

compositor de Sobral (CE) um esteio 

importante na pandemia, quando realizou 

lives cantando músicas como 

Coração Selvagem, A Palo Seco, Paralelas 

e Como Nossos Pais. Nas duas últimas, 

Ana encarou legados: as versões de 

Vanusa e Elis Regina, respectivamente, 

se tornaram clássicas. Mas 

conseguiu imprimir o próprio estilo 

enquanto honrava a herança. Basta 

ouvir, no YouTube ou no Spotify, para 

entender. 

“É muito difícil estar indiferente para 

Vanusa e Elis, né? Tem gente que até 

brinca comigo e diz que, na hora em 

que eu canto Como Nossos Pais, a Elis 

Regina está sentadinha bem na minha 

frente, olhando para a minha cara”, 

afirma. A companhia de gigantes a 

escoltou em mergulhos no despenhadeiro 

emocional aberto pelas canções. 

“Há um abismo existencial quando 

a gente canta músicas que permitem 

que a gente solte os demônios. 

As grandes intérpretes já saltaram 

nesse precipício. Percebi, então, que 

não estou apenas diante de Elis ou 

Vanusa, mas saltando no abismo de 

mãos dadas com elas.” 

Ana também tirou lições valiosas 

da experiência de se defrontar com 

esses ícones. Por um lado, reafirmou 

suas escolhas – éticas e estéticas – e 

pôde se enxergar melhor. E usou essa 

liberdade para criar a sua leitura de 

canções que não chegaram a ser eternizadas 

por outras intérpretes, como 

Coração Selvagem. Por outro, transcendeu 

certa competição que enxerga 

na música popular brasileira: as disputas 

entre fãs para definir quem é a 

maior cantora do Brasil, se Gal, se Elis, 

se Bethânia, “uma coisa meio louca”. 

Foto: reprodução Instagram 


E 

liane Dias. Laura Neiva. Preta Ferreira. Maria da Penha. Carmen Silva. Nathalia 

Dill. Cacique Márcia Djeramirim. Zélia Duncan. Elza Soares. Rostos de mais 

de 80 mulheres desfilam pela tela no videoclipe da canção de versos fortes: 

“Diversão é um conceito diferente / Onde todas as partes envolvidas consentem / 

O silêncio é um grito de socorro escondido / Pela alma, pelo corpo / Pelo que nunca 

foi dito”. A maioria se expressa apenas pelo olhar. “Meu corpo, minha lei / Tô por aí, 

mas não tô à toa / Respeita, respeita / Respeita as mina, porra”. 

Quem dá voz a todas as mulheres é Ana Cañas, cantora e compositora paulistana 

de 43 anos, que levou duas décadas para pôr em letra e melodia os sentimentos 

pelo assédio sofrido no início da adolescência, dentro da própria família. Um assédio 

que, mantido em segredo, lhe custou um quadro de bulimia. “Por não ter contado 

para ninguém que eu havia sofrido um assédio, comecei a vomitar. Eu claramente 

precisava falar, mas não conseguia.” A música Respeita, diz ela, veio para quebrar 

o silêncio. 

Abordar de maneira aberta temas difíceis é um traço de Ana, que volta a se debruçar 

sobre a própria vida e seus percalços para compor o próximo álbum, o primeiro 

autoral em quatro anos. “Eu acho que estou fazendo o disco mais importante da 

minha vida. Entre os temas, estão meu pai, que perdi para o alcoolismo, meu irmão, 

que morreu jovem, por afogamento no mar, vários homens que passaram pela minha 

vida, amores vividos e amores não vividos”, conta Ana, em primeira mão, à 

revista Et cetera. 



“Levei seis anos para me formar. 

Eu ia para a aula virada, às vezes 

saía do bar às 4, 5 da manhã e 

dormia na carteira” 

O caminho era cantar 

Ana rompeu com a mãe para seguir carreira artística, embora não soubesse 

ainda em qual arte se fixaria. Na escola, fez teatro com amigos, por 

iniciativa própria. Na faculdade, escolheu o curso de artes cênicas na Universidade 

de São Paulo – somou duas tentativas sem sucesso antes de 

conseguir entrar na USP. 

A música surgiu durante o curso na ECA (Escola de Comunicações e Artes). 

E se impôs. Mesmo com toda a determinação para entrar e concluir a 

faculdade, que em determinado momento passou a andar lado a lado com a 

vida noturna nos bares, Ana viu a atuação passar a segundo plano. “Levei 

seis anos para me formar. Eu ia para a aula virada, às vezes saía do bar às 

4, 5 da manhã e dormia na carteira. Os professores me diziam que o meu 

caminho era cantar.” 

O maior papel como atriz, interpretando a personagem Duda no filme Amores 

Urbanos (2016), veio quase uma década depois do lançamento do primeiro 

disco, Amor e Caos. De 2007, o álbum de estreia foi lançado por uma 

grande gravadora, a Sony BMG, porque Ana Cañas já havia se tornado um 

nome conhecido na cena musical – artistas como Chico Buarque eram vistos 

na plateia das apresentações de jazz da cantora no Baretto, piano-bar 

do hotel Fasano, mesmo lugar onde foi descoberta por um representante 

da multinacional. 

Ao lado de Chico Buarque | foto: reprodução Instagram 

A mãe de todas 

Ana passou por diversos bares e bicos até chegar ao luxuoso 

Baretto, ao disco de estreia e à trilha sonora da novela 

Viver a Vida (2009), da Globo, com a faixa Esconderijo, sem 

que tivesse feito qualquer plano para isso. Ao brigar com 

a mãe, uma bem-sucedida secretária-executiva temerosa 

pelo futuro da filha no meio artístico, a então estudante 

de 18 anos dividiu com ratos e baratas o quarto sem janelas 

de um pensionato que, ainda não sabia, era reduto de 

garotas de programa. A amizade veio seguida do convite 

para trabalhar com elas, que ganhavam dinheiro suficiente 

para garantir o futuro dos filhos, mas Ana preferiu fazer 

biscates variados, de distribuir panfletos na rua a se vestir 

de princesa para animar festas infantis. 

Enquanto amealhava seus trocados para pagar as contas, 

lidava com a doença do pai, que nos últimos anos de 

vida passou por nove internações, todas acompanhadas 

pela filha. Um amigo veio com uma possível solução para 

aumentar a renda mensal. “Você sabe cantar?”, ele quis 

saber. Um bar fazia testes para selecionar uma cantora de 

Em apresentação no Circo Voador, no Rio de Janeiro | foto: Cristiano Azevedo/reprodução Instagram 

verve jazzística. “Eu não tinha grana para nada”, lembra 

Ana, que respondeu: “Não sei. Mas, se aprender, vou poder 

comer”. O amigo então entregou a ela um disco de Billie 

Holiday. Ana deveria aprender as músicas para a audição. 

A identificação foi imediata. Com uma biografia dura, que 

incluiu abandono pelos pais, episódios de violência sexual, 

prostituição, álcool e heroína, a americana encontrou na 

música um meio de se expressar. E de sobreviver. 

Ana, que já havia passado por maus bocados e ainda 

viveria outros tantos, entendeu Billie Holiday no ato. 

“É a cantora mais faca na bota que conheço. Mais que a 

Édith Piaf, mais que a Elis, mais que a Janis Joplin, mais 

que a Nina Simone. A Billie é a mãe de todas”, diz. “Fez todo 

o sentido. Como diz o personagem de uma série que estou 

vendo para desopilar a cabeça [Manifest], às vezes a nossa 

dor nos leva exatamente aonde a gente tem que estar. 

A minha vida tem sido assim. A dor me levou até a música.” 

E a música chegou para ficar. 

Pelo amor e pela dor 

“Se tem uma dor que eu conheço, é a 

do suicídio de longo prazo por uma 

adição”, já declarou a cantora em entrevista. 

“Eu vi meu pai morrer de tanto 

beber.” Nos últimos anos de vida, o pai 

de Ana, um matemático e engenheiro 

que vestia sempre a mesma roupa 

e pouco se reconhecia no mundo, por 

vezes não tomava banho ou comia. À 

medida que perdia os dentes, se aproximava 

da morte. 

Aos 23 anos, a cantora teve de assinar 

a internação do pai alcoólatra em um 

hospital psiquiátrico público. A primeira 

de muitas. Ganhando a vida nos bares, 

não tinha como abrigá-lo e cuidar 

pessoalmente dele. Em 2019, em um 

texto delicado nas redes sociais, Ana 

fez um balanço de tudo. “Longe de ser 

um cara perfeito, meu pai me ensinou 

muito. Através do amor e também da 

dor. Nós sempre fomos muito ligados 

e ele sabia que eu também enxergava 

o mundo por um espectro diferente – 

nossa conexão vinha desse lugar, além 

de nos parecermos muito fisicamente”, 

escreveu. “Nunca consegui entender 

se dependentes escolhem conscientemente 

esse caminho ou não possuem 

forças para superarem seus vícios. 

Eu estava sempre ao seu lado. Acompanhava 

as abstinências, as cirurgias, 

as crises, as melhoras e as recaídas. 

Desde muito pequena, aprendi a amar 

com todas as minhas forças aquele 

cara tão diferente, carismático mas 

autodestrutivo. Vida imensa e lôka. É 

doído demais amar alguém que se vai 

dessa forma.” 

O pai morreu em 2006, de cirrose, 

quando Ana e a mãe ainda não se falavam. 

O hiato no relacionamento durou 

dez anos. Uma tentativa de reaproximação, 

nesse intervalo, terminou em 

agressão física, com tapas e cabelos 

puxados. Flávio Rossi, artista plástico 

com quem Ana foi casada até 2013, 

estava junto e interveio, separando as 

duas. Mais um trauma para a cantora, 

que levaria anos para compreender melhor 

os pais e a si mesma, e reconstruir 

a sua relação com eles e com a vida. 



Amy Winehouse 

O texto das redes sociais foi escrito 13 

anos após o falecimento do pai, com a 

serenidade que o tempo traz. No dia 

seguinte à morte, porém, a realidade 

ainda era turbulenta. Ana Cañas, 

até então uma careta para os amigos, 

entrou em uma loja de conveniência, 

comprou um engradado de cerveja 

e bebeu inteirinho. Foi o início de um 

período em que chegou a ser chamada 

de Amy Winehouse brasileira. Entornando 

copos e garrafas “desenfreadamente”, 

nas próprias palavras, a cantora 

fazia show bêbada, caía no palco, 

virava notícia. 

Hoje, ela entende que essa foi a sua 

forma de viver o luto e sufocar uma 

culpa que não fazia sequer sentido, já 

que ela esteve sempre presente, em 

um processo de autossabotagem similar 

ao do pai autodestrutivo. Para sua 

sorte, outras pessoas já enxergavam 

isso à época. 

O cantor Ney Matogrosso, que ela encontrou 

em uma edição do programa 

Som Brasil dedicada a Cazuza, na Rede 

Globo, foi quem a resgatou. Depois do 

elogiado primeiro disco, Ana estava a 

caminho do segundo álbum, Hein?, lançado 

em 2009. Ao vê-la com uma garrafa 

de vinho embaixo do braço, Ney a 

chamou a um canto: “Ana, você é talentosa, 

tem um caminho bonito pela frente, 

tem certeza de que quer fazer isso?” 

A cantora voltou para casa aos prantos 

e parou de beber no dia seguinte. 

Outra intervenção feliz veio do músico 

e produtor Liminha. Em uma festa, 

Ana estava prestes a experimentar cocaína 

quando foi agarrada pela camiseta. 

Como numa cena de filme, Liminha 

a puxou para si e falou: “Você não 

vai fazer isso. Não na minha frente, eu 

não quero participar”. Ela até hoje é 

grata. “Foi um anjo”, diz. 

Espiritualizada, Ana passou a ver a relação 

com a bebida também como uma 

forma de se aproximar do pai, provando 

que o amava ao repetir seus erros. 

A reconciliação com a mãe veio antes 

dos 30, quando viu a ambas como dois 

espíritos antagônicos que precisavam 

se resolver. Uma questão cármica. “Um 

dia, eu não me sentia bem e, num impulso, 

peguei o telefone e liguei para 

a minha mãe. Ela começou a chorar. 

E assim nos reaproximamos”, conta 

Ana, que nos primeiros reencontros 

aproveitou para colocar para fora tudo 

o que sentia. “Eu vomitava todas as 

mágoas, era parte de um processo de 

cura. Depois, passei a ouvi-la também, 

e começamos a nos entender.” Hoje, a 

mãe é uma presença marcante em seus 

shows, onde costuma ser vista se desfazendo 

em lágrimas na primeira fila. 

Ana também encerrou um ciclo de 

mágoas pessoais ao perdoar o familiar 

que a assediou. Foi então que entendeu 

de modo concreto o significado 

de fazer as pazes. “Não estou querendo 

dizer que todos devemos perdoar 

as pessoas que nos assediam. Nada 

disso. Mas tenho uma espiritualidade 

que sempre me convidou a fazer isso. 

Quando esse familiar esteve muito doente, 

senti que era um chamado para 

resolver essa parada. Foi a coisa mais 

difícil que fiz na minha vida, mas me libertei. 

Essa mágoa era como uma bola 

de ferro que eu carregava comigo.” 

Ao lado do pai | foto: reprodução Instagram 

“Um dia, eu não 

me sentia bem 

e, num impulso, 

peguei o telefone 

e liguei para a 

minha mãe. Ela 

começou a chorar. 

E assim nos 

reaproximamos” 

Profunda e pop 

Ana Cañas e Ney Matogrosso | foto: Amanda Souza/reprodução Instagram 

As ausências do pai e do irmão, que 

desapareceu no mar, assim como a espiritualidade 

que leva consigo e o suicídio 

de um grande amigo, terão lugar 

no disco previsto para 2024. Visceral, 

Ana Cañas deve contemplar o abismo 

em cada faixa. Mas a ideia da cantora 

não é apenas elaborar essas dores para 

si e para os outros. Ela quer recuperar 

o lugar da canção capaz de ser profunda 

e pop ao mesmo tempo, de dar sentido 

à vida e de dialogar com diversos 

gêneros musicais ou artísticos. 

“A gente está em um momento de música 

nichada, por causa do streaming. 

Tem o trap, tem o funk, o sertanejo. 

E eu sou supereclética, adoro Marília 

Mendonça, por exemplo. Mas acho que 

está faltando algo que possa conversar 

tanto com Marisa Monte, como com 

Lulu Santos e Legião Urbana, para citar 

artistas que adoro e escuto”, revela 

a cantora. “Desde a Cássia Eller que a 

gente não vê esse trânsito e também 

essa pegada da música que, embora 

seja difícil de definir, nos ajuda a viver. 

A música que você coloca para ouvir 

quando acorda e vai para a cozinha 

preparar o café da manhã. É disso que 

estou sentindo falta: não da lista de 

mais tocados do Spotify, mas da música 

que nos ajuda a viver”, completa. 

A lógica de nicho, segundo Ana, se vê 

entre os próprios artistas. Como parte 

da pesquisa para o nono disco, ela tem 

circulado por shows diversos, de Natiruts 

a Joss Stone, passando por artistas 

menos conhecidos, e, conta, raramente 

vê um colega na plateia. “É verdade 

que os músicos viajam muito e, quando 

estão em casa, muitas vezes querem 

descansar, ver um filme ou fazer outra 

coisa. Mas é importante que a gente 

absorva o outro, até para saber melhor 

quem a gente é.” 

Ana se diz fã de Olivia Rodrigo, Shawn 

Mendes, Billie Eilish e Ed Sheeran 

(“Meu favorito”), artistas que, para ela, 

dão força à canção. “Estou abraçando 

essa ideia. O disco será sobre isso. Tomara 

que alcance o coração de quem 

ouve. Mas, se não for comigo, que seja 

com outro artista. A canção tem de 

continuar viva no mercado para tocar 

as pessoas.” 


à jovem Ana? 

“Perdoe mais 

rápido. Pode parecer 

impossível, mas se 

esforce, porque essa 

vai ser a grande chave 

da sua vida” 


Nome: Francisco de Castro Mucci (Francisco Bosco) 


Profissão: ensaísta 

Cidade onde nasceu: Rio de Janeiro/RJ 

Tudo 

em seu 

lugar 

Por Marco Aurélio Gois 

Em seus textos e palestras ou no Papo 

de Segunda, do GNT, a busca do ensaísta 

Francisco Bosco é pelo diálogo com clareza. 

Mas nem sempre foi assim: para se tornar o 

intelectual respeitado que é hoje, ele precisou 

passar por uma transformação profunda 




“Quando chego 

do trabalho / 

Digo a Deus: 

‘Muito obrigado!’ 

/ Canto samba a 

noite inteira / No 

domingo e feriado 

/ Tudo está no seu 

lugar / Graças a 

Deus!” 

N 

o vídeo postado no Instagram em novembro de 2022, a pequena Madalena veste 

uma camisa da seleção brasileira e um tutu amarelo que quase cobre suas 

canelas. Escolha perfeita para a ocasião: é a estreia do Brasil na Copa do Qatar. 

A bailarina camisa 10 segura a mamadeira na boca e dança no melhor estilo que 

seus menos de 2 anos de idade permitem. A música é um samba animado, Tudo Está 

no Seu Lugar, de Benito Di Paula. “Quando chego do trabalho / Digo a Deus: ‘Muito 

obrigado!’ / Canto samba a noite inteira / No domingo e feriado / Tudo está no seu 

lugar / Graças a Deus!” 

De costas para a câmera, um homem grisalho, descalço, vestindo bermuda e uma 

camisa azul da seleção brasileira exibe um invejável samba no pé – naquele momento, 

o país festejava a vitória de 2 x 0 contra a Sérvia. Os passos são elaborados: 

ele requebra para um lado e para o outro, trança as pernas, rodopia sem sair do 

ritmo. Madalena observa e tenta imitar os movimentos do pai. 

O sujeito que samba com talento de mestre-sala é Francisco Bosco, um dos mais 

respeitados intelectuais brasileiros da atualidade. Doutor em teoria literária, ele se 

consolidou como ensaísta, colunista e pensador pop. Foi presidente da Fundação 

Nacional de Artes (Funarte), órgão ligado ao Ministério da Cultura, no último ano 

do governo Dilma, e desde 2018 integra o elenco do Papo de Segunda, programa de 

debates do canal GNT. 

Esse homem de interesses tão densos nem sempre foi leve assim. A virada veio 

no fim da adolescência. Foram dois anos de crise familiar que culminaram com 

um tiro. Nada estava no seu lugar. Desse turbilhão, nasceu o Francisco Bosco 

que conhecemos. 

Com a família ainda criança | foto: reprodução Facebook do João Bosco 

Carioca, mineiro, 

branco simbólico 


No dia 22 de abril de 1975, aniversário 

do descobrimento do Brasil, o compositor 

João Bosco lançou seu segundo 

álbum, Caça à Raposa. São 12 faixas em 

parceria com Aldir Blanc. Muitos hits: O 

Mestre-Sala dos Mares, De Frente pro Crime, 

Kid Cavaquinho e Dois pra Lá, Dois pra 

Cá. Na retrospectiva de 1975, o jornal 

Folha de S.Paulo celebrou o disco como 

um dos melhores do período e chamou 

João Bosco de revelação do ano. 

Em 1976, mesmo ano do nascimento de 

Francisco, chegou às lojas Galos de Briga, 

outro sucesso da dupla Bosco/Blanc 

que viraria clássico da música brasileira. 

Alçado ao posto de um dos principais 

compositores de sua geração, João 

Bosco assinou bons contratos e ganhou 

dinheiro. “Cresci num apartamento 

de quatro quartos no Jardim Botânico, 

uma infância de classe média alta”, conta 

Francisco. 

Ele nasceu no dia 5 de outubro, dia de 

São Benedito, o santo negro. Os avós 

paternos são libaneses. A mãe, a artista 

plástica Ângela Bosco, tem antepassados 

alemães e portugueses. Francisco, 

que carrega essa mistura no DNA, se 

identifica como um “branco simbólico” 

(“Raça tem menos a ver com fenótipo e 

mais com a percepção das pessoas”, ele 

diz, e “branco simbólico” quer dizer que 

ele é “lido” como branco). 

Ele também se reconhece igualmente 

como carioca e mineiro. Foi uma infância 

dividida entre o Rio de Janeiro, Belo 

Horizonte e Ponte Nova, Zona da Mata 

mineira, onde moravam os avós, tios e 

primos. 

Ao falar da origem dos pais, Francisco 

os define como de “classe média”, mas 

com um qualificativo: “da província”. 

Eram de classe média naquele contexto 

de Ponte Nova em meados do século 

XX. No Rio de Janeiro, o casal enriqueceu, 

teve uma vida de classe média alta 

de metrópole, mas sem o capital social 

para circular na alta-sociedade. Em vez 

de conviver com a aristocracia carioca, 

Francisco frequentava com o pai as 

rodas de samba do Morro da Serrinha, 

berço da escola Império Serrano, e de 

Madureira, origem da Portela. 

A formação do intelectual passa por 

essa imersão constante na cultura popular: 

o samba e o futebol. Samba no pé 

ele tem até hoje. O esporte, ele diz, foi 

a grande experiência formativa da vida. 

Correu tanto atrás da bola que acabou 

se lesionando, e hoje só joga mesmo 

“com criança e velho”. Ou na cama. 

“Sonho muito que estou jogando, é meu 

único sonho recorrente.” Os campos 

de futebol, segundo ele, são os lugares 

onde foi mais feliz na vida. 



Metamorfose 

A lagarta já sai do ovo comendo, e passa os dias em constante movimento, devorando 

o que vê pela frente. Quando vai chegando a hora da transformação, ela fica 

mais lenta e para de comer, numa espécie de stand-by. Até que, um dia, se pendura 

de cabeça para baixo e tece em volta de si um casulo. Lá dentro, ela se dissolve, enquanto 

grupos de células especializadas que contêm toda a informação necessária 

para formar uma borboleta fazem seu trabalho. Ela emerge de dentro do casulo 

depois de algum tempo, ainda amarfanhada, mas uma novíssima criatura. Será que 

a borboleta se esquece de sua fase como lagarta? 

Quando Ângela Bosco ficou doente, Francisco entrou em stand-by. Dos 16 aos 18 

anos, ele conviveu com a mãe num quadro de depressão, e se tornou profundamente 

melancólico. Quando o pior parecia ter passado, o adolescente estava se divertindo 

com um grupo de amigos que entrou numa favela de madrugada, sem querer. Uma 

bala perdida o atingiu na perna, e Francisco passou seis meses sem poder andar. 

Dentro do casulo da imobilidade forçada associada à melancolia, a lagarta começou 

a mudar. “Foi um processo de ascese pessoal.” No contexto religioso e místico, a 

ascese consiste na renúncia aos prazeres da vida para o desenvolvimento espiritual. 

No contexto intelectual de Francisco, a ascese foi um mergulho profundo na leitura 

associado a um processo existencial de encontro consigo mesmo. Depois de seis 

meses, finalmente sentia-se ele mesmo, com identidade própria. “Saí desse processo 

como poeta.” Uma borboleta, sim. Mas ainda amarfanhada. 

“Saí desse processo como poeta” 

Assistindo ao jogo do Flamengo | foto: reprodução Instagram 

Eu negativo 

Fora dos campos, o menino nem era tão feliz, nem brilhava 

tanto. A mãe era empresária do pai, como é comum até hoje 

no mundo da MPB. Quando João viajava a trabalho, Ângela 

ia junto, e o menino se sentia sozinho. O amparo vinha de 

alguém com um nome muito adequado: a tia e madrinha 

Maria da Consolação, conhecida na família por São ou Sãozinha. 

Quando os pais viajavam, era São quem cuidava de 

Francisco e da irmã, Júlia. Funcionária pública aposentada 

de 79 anos, São mora até hoje em Belo Horizonte. Todos 

os anos, o afilhado leva os três filhos, Iolanda, Lourenço 

e Madalena, para visitá-la. Francisco quer que os filhos 

tenham com ela o mesmo vínculo que ele teve. Está funcionando. 

“Ela é uma dessas pessoas de índole tão bondosa que 

faz com que as crianças gostem dela imediatamente”, diz, 

com justificada parcialidade. 

Se a ausência dos pais era recorrente na infância, a adolescência 

foi marcada pelo que ele chama de um “eu negativo”. 

Francisco não conseguia ser ele mesmo, e tudo nele parecia 

determinado por forças exteriores: a personalidade do pai, da 

mãe, das pessoas que o cercavam. Ele nem guarda memórias 

desse período. “Devia ser muito doloroso, porque eu recalquei 

profundamente.” Amigos antigos recordam episódios da 

época, juram que ele participou, e ele não se lembra de nada. 

Francisco vivia uma vida que nem parecia a dele. Era, em 

suas palavras, um barquinho de papel num mar revolto. Até 

que vieram a crise e o tiro. 

Poeta precoce 

“Francisco Bosco sintetiza quase todos os defeitos de seus igualmente jovens colegas. 

É sentimental, verborrágico e enfileira chavões constrangedores.” Essa foi a pancada 

de Vinicius Torres Freire, então editor de Opinião da Folha de S.Paulo, publicada na 

extinta Revista da Folha em novembro de 1997. A crítica está num quadro em destaque 

dentro de uma reportagem dedicada a uma nova geração de poetas do fim dos anos 

1990. No fim do século passado, a evolução da tecnologia de impressão possibilitou o 

nascimento de várias pequenas editoras, que conseguiam publicar tiragens pequenas 

a custo baixo. Essa onda trouxe toda uma leva de aspirantes a poeta e escritor. Entre 

eles, Francisco Bosco. 

“Fiquei muito abalado, mas acabou sendo uma coisa boa”, ele diz, em referência à crítica 

de Torres Freire. Francisco tinha então dois livros de poesia já publicados, e mais 

um a caminho. Hoje ele acha que essa obra inicial deveria ter ficado na gaveta. “São 

livros ruins. Ingênuos.” 

O resto da reportagem, de autoria de Alexandra Ozorio de Almeida, é menos cruel, 

mas nota-se certo tom de chacota com o jovem filho de compositor popular. Neste trecho, 

por exemplo: “Francisco Bosco, que se formou em jornalismo, mas nunca trabalhou 

na área, assina as letras do próximo disco de seu pai”. A menção ao pai famoso é 

uma constante da qual ele não foge. Sabe o peso do nome. Ele diz que o Brasil tem um 

fetiche pelos filhos celebridades, um encantamento que se manifesta de duas formas 

opostas: de um lado, a tendência de dar visibilidade a filhos de pessoas famosas. Do 

outro, o impulso de castigar essas pessoas assim que a oportunidade surgir. “Quando 

eu entendi isso, percebi que não podia mais dar oportunidade.” Isso significa levar as 

atividades públicas muito a sério, e só publicar o que estiver maduro. 

Hoje, Francisco vê que entrou errado na esfera pública, tanto na poesia quanto na 

canção. “Mas, como eu tomei muita pancada e sou uma pessoa muito séria, comecei 

a estudar.” O poeta aposentou-se. O letrista não: continuou escrevendo para o pai nos 

discos seguintes, e hoje se orgulha do trabalho na música popular. Em novembro de 

2020, Abricó-de-Macaco ganhou o Grammy Latino de melhor canção em língua portuguesa. 

A música é de João Bosco. A letra, de Francisco. 

Com a família reunida | foto: reprodução Instagram 



Reconstruções 

Depois de superar a fase lagarta, de 

se desconstruir totalmente e emergir 

como outra pessoa, Francisco Bosco 

parece ter aplicado esse padrão a tudo 

que faz. Numa entrevista à revista Trip 

de maio de 2018, é assim que ele fala do 

fim do primeiro casamento, com a roteirista 

Antonia Pellegrino: “É preciso 

zerar os afetos negativos que levaram 

ao fim da relação e, só depois disso, reconstruir 

a relação em novos termos”. 

No futebol, a última dimensão que o 

interessa é o de torcedor, embora seja 

flamenguista orgulhoso. Ele assiste a 

uma partida como quem lê um livro, 

tentando entender cada elemento, a 

dinâmica, a estrutura, a formação das 

equipes, as estratégias. Desconstrói, 

reconstrói com novo sentido. 

Em 2022, quando as eleições presidenciais 

dividiam o Brasil, Francisco 

olhava adiante. Publicou O Diálogo Possível, 

livro que propõe uma reconstrução 

da lagarta feia em que se tornou o 

debate público brasileiro. Tudo começa 

por uma virtude que ele considera fundamental 

para a vida democrática: a 

autocontenção. “É a obediência, o zelo, 

por regras não escritas de convívio.” No 

livro, ele dá um exemplo fácil de entender 

e se identificar: você vê uma vaga 

no estacionamento do shopping, para, 

dá seta para entrar. Vem outro motorista, 

enfia o carro na sua frente, ocupa 

a vaga. Não há nenhuma lei que o proíba 

de fazer isso. Mas faltou o respeito 

às regras não escritas, ao contrato social. 

Faltou autocontenção. 

O livro é denso, mas não é difícil. Francisco 

tem na clareza um gosto pessoal. 

Quando fez o mestrado em teoria literária 

na Universidade Federal do Rio 

de Janeiro (onde depois faria também o 

doutorado), sua dissertação abordou a 

obscuridade na literatura moderna. 

Francisco Bosco levou essa dedicação 

ao discurso claro para sua coluna 

do jornal O Globo, onde escrevia sobre 

cultura popular. Criou uma relação intensa 

com gente ligada a movimentos 

sociais do Rio. Foram essas pessoas 

que indicaram Francisco ao então ministro 

da Cultura, Juca Ferreira, que o 

convidou para reestruturar a Funarte, 

no início de 2015. Francisco se orgulha 

do trabalho, e lamenta sua brevidade: 

quando veio o impeachment da presidente 

Dilma Rousseff, em 2016, ele entregou 

o cargo. 

Ele é de esquerda, mas não se furta a 

apontar defeitos na bolha progressista. 

A função do intelectual público, ele 

defende, é de “lealdade incondicional 

à realidade, não a um grupo”. Foi com 

essa disposição que virou a figura mais 

pop possível: um debatedor de programa 

de televisão. 

“É preciso 

zerar os afetos 

negativos que 

levaram ao fim 

da relação e, só 

depois disso, 

reconstruir a 

relação em novos 

termos” 

Com João Vicente de Castro, Emicida e Fábio Porchat, ex-colegas do programa Papo de Segunda | foto: Camila Maia/divulgação GNT 

O ponto da discórdia 

Em 2017, Francisco Bosco estava para 

lançar um livro com um título pomposo: 

Nem Homem, Nem Cordial – Lutas 

Identitárias e um Novo Espaço Público 

no Brasil. O editor achou pretensioso. 

Depois de muito pensar, Francisco escolheu 

um título incandescente: A Vítima 

Tem Sempre Razão?. No auge do 

movimento #MeToo, de denúncias de 

assédio moral e sexual de homens poderosos 

contra mulheres, esse ponto 

de interrogação foi incendiário. “Teve 

um custo pessoal, mas também me deu 

muita visibilidade.” 

A polêmica rendeu, além de muita crítica 

e um debate sobre os limites da militância, 

o convite para integrar o Papo 

de Segunda, programa do canal GNT 

que passava por uma reformulação de 

elenco no começo de 2018. No programa 

em que os quatro apresentadores 

conversam sobre temas da atualidade, 

Francisco precisou aprender a equili- 

brar dois lados. Primeiro porque não 

se trata de um programa de conflitos. 

Segundo, ele precisava desempenhar o 

papel de intelectual público que, acredita, 

é arrogante por definição. “Aprendi 

a não ser protagonista, a competir 

em termos generosos.” 

A primeira competição não foi em termos 

tão generosos assim. Da formação 

antiga do Papo de Segunda – Marcelo 

Tas, Leo Jaime, Xico Sá e João Vicente 

de Castro –, só o último permaneceu 

depois da reformulação. Francisco 

e João Vicente se conheciam havia 

tempos, tinham muitos amigos em comum... 

e se detestavam. 

“João é um cara que faz muita graça 

com os outros”, diz Francisco. “Eu não 

tinha intimidade e não gostava das 

brincadeiras, o achava espaçoso.” O 

sentimento era correspondido. “Sabe 

aquela história de que dois bicudos não 

se beijam?”, comenta João Vicente. “Eu 

e Chico passamos algum tempo da vida 

amolando nossos bicos.” A chegada de 

Francisco foi marcada por essa tensão 

inicial entre os dois. Além de não se bicarem, 

Francisco diz que nunca foi fácil 

para João Vicente receber pessoas 

novas no programa. A antipatia mútua 

logo virou um amor rasgado. “Conheci 

outro João, que é o João quando ele 

gosta de você”, explica Francisco. “Ele 

é irresistível.” 

João Vicente descreve o processo como 

uma “desconstrução dos nossos bicos.” 

Hoje, ele tem Francisco como um irmão 

“com quem aprendo, fofoco e canto ao 

som de seu piano madrugada afora”. 

Francisco devolve o afeto usando uma 

imagem de seu universo mais querido, 

o futebol: “É uma pessoa que eu amo, 

que está na primeira fila da arquibancada 

do meu coração”. 

Pingue-pongue 

Francisco parece ter se habituado ao 

papel de pensador pop. Em outubro de 

2020, pouco antes da chegada de Madalena 

ao mundo, ele fez um tour do 

apartamento em que mora para o Casa 

GNT. O programa passeia pelo escritório 

onde o intelectual trabalha, mostra 

o violão de João Bosco e aquele que parece 

ser o xodó do ensaísta: a pequena 

mesa de pingue-pongue. No vídeo, ele 

nega a fama de competitivo. “Como eu 

ganho em quase tudo que faço, surgiu 

esse mito da competição”, diz, fingindo 

soberba, “mas é só um efeito colateral 

da superioridade técnica.” 

Conversar com Francisco é como jogar 

pingue-pongue. Às vezes, ele é muito 

direto. Como prefere ser apresentado? 

“Ensaísta”, rebate, prontamente. Noutras 

vezes, a bola é devolvida com efeito, 

de forma surpreendente, irrebatível. 

Francisco pega cada pergunta e a desmembra 

em várias partes, que remonta 

com clareza. Desconstrói, reconstrói. 

Recebe uma lagarta, devolve uma borboleta. 

Depois de hora e meia de boa conversa 

com a Et cetera, Francisco precisa encerrar 

a entrevista. “É que tenho que 

buscar meus filhos na escola...” O ensaísta 

flamenguista de samba no pé parece 

ter hoje prioridades claras e saber 

bem quem é. Como diz a música, tudo 

está no seu lugar. 


ao jovem Francisco? 

“Acho que eu ficaria em 

silêncio. É constitutivo 

da juventude uma 

certa tendência à não 

ponderação. Se eu 

desse um conselho, 

ele não ouviria” 


Um cartum 

Foto: Getty Images 

Uma tendência 

Preguiça sem culpa 

O TikTok, segunda casa da geração 

Z, é fonte inesgotável de tendências 

musicais, gastronômicas, literárias e 

comportamentais. É de lá que vem o 

bed rotting (algo como “apodrecer na 

cama”), nova mania entre os jovens, 

parcela da população disposta a adotar 

um estilo de vida distante do estresse. 

A ideia da tendência que tem cara 

de domingo chuvoso é passar horas 

seguidas na cama, não para dormir, e 

sim para se dedicar a atividades que 

não exigem esforço físico nem mental, 

como maratonar séries ao lado de 

petiscos, perder a noção do tempo nas 

redes sociais ou ler um livro, para dar 

um toque analógico ao bed rotting. 

O autocuidado que deixa a mente fugir 

da rotina por algumas horas tem seus 

benefícios. Relaxar entre as cobertas 

pode afastar o estresse e recarregar 

a bateria, dizem os especialistas em 

saúde mental. Entre os defensores do 

bed rotting está a psicóloga americana 

Courtney DeAngelis. Ela garante 

que, em doses moderadas, a prática 

pode aliviar a exaustão, principalmente 

para pessoas que trabalham 

longas horas em funções física ou 

mentalmente exigentes. 

Mas, como quase tudo na vida, o comportamento 

requer moderação. Apesar 

das vantagens a curto prazo, o 

bed roting começa a preocupar quando 

dura mais de um ou dois dias, segundo 

informou à revista Health o pesquisador 

Ryan Sulton, psiquiatra e 

professor na Universidade Columbia, 

nos Estados Unidos. Quando se torna 

um comportamento recorrente, pode 

representar um sinal de depressão ou 

outros problemas de saúde mental. 

Em uma sociedade que cultua a produtividade 

e torce o nariz para os momentos 

de ócio, a prática ocasional do 

bed rotting chega para quebrar um paradigma 

e, quem sabe, dar ao descanso 

um papel de maior destaque do que 

mero figurante. 



Um sabor 

Uma palavra 

Serra do Elóquio 

— Eu era uma e agora sou outra. Ando às palavras 

como quem colhe fruta madura, e vim aqui ter 

para querer-te: conhecer-te é um dia de primavera 

a estirar-se ao comprido sobre a grama. Pareço 

olha para mim, um corpo vivo a espantar-se 

por ter a vida dentro. Não sou de cá nem de lá 

e canto, com pés e braços, como se tudo dependesse 

do canto, e canto como se tudo antecedesse 

a falta. Venho de muito longe, não sei se regresso 

e gosto tanto de estar aqui contigo como gosto de cantar 

e do café. Não tenho pressa, e sorrio-te com os olhos 

a encolherem-se por cima da chávena vermelha. Olá. 

Sorris-me de volta e és feita de luz e de canções. Como será 

dar inteiro o torso ao teu abraço e tirar os sapatos 

no parque? Dispor a cabeça horizontal no teu regaço 

e adormecer? Encontrar nas histórias que contas 

o que arde, e precipitar-me de repente para a cama 

com intenções de beijar-te? Como será, aliás 

cair para a tua boca como se cai para um acidente 

e desaparecer, como desaparecem os gatos? 

Patrícia Lino 

Poema do livro A Ilha das Afeições 

Editora Fósforo 

Beirando a unanimidade, o cookie é um acompanhamento para lá de versátil. Vai bem no café da manhã, no papel de sobremesa, 

com um cafezinho no meio da tarde, na lancheira das crianças. Nesta edição, a seção Um Sabor agrada a gregos e troianos: 

veganos, pessoas com intolerância ao glúten e quem não abre mão do sabor do cookie tradicional irão aprovar a receita da chef 

confeiteira Carolina Yamamoto, que durante cinco anos comandou a cozinha do Holy Café, na Vila Madalena. Hoje ela é mentora 

na Plantlife, escola de confeitaria 100% plant-based. Carolina eliminou todos os ingredientes de origem animal e o glúten, mas 

manteve a irresistível combinação de sabores, a textura e a aparência do cookie raiz (com manteiga e ovos). 

Foto: divulgação Plantlife 

COOKIE VEGANO 

E SEM GLÚTEN COM 

GOTAS DE CHOCOLATE 

Chef Carolina Yamamoto 

INGREDIENTES 

• 75 g ou 1/3 de xícara de óleo de coco ou óleo de palma 

• 100 g ou ½ xícara de açúcar demerara 

• 100 g ou ½ xícara de açúcar mascavo 

• 50 ml de água 

• 2 g ou ½ colher de chá de extrato de baunilha 

• 1 pitada de sal 

• 150 g ou 1 xícara de farinha de arroz integral 

• 80 g ou 1/3 de xícara de fécula de batata ou amido de milho 

• 3,5 g ou 1 colher de chá de goma xantana 

• 2,5 g ou ½ colher de chá de bicarbonato de sódio 

• 130 g ou 1 xícara de gotas de chocolate vegano 

MODO DE PREPARO 

1. Coloque em uma tigela o óleo, o açúcar demerara, o mascavo, 

a água, a baunilha e o sal. 

2. Bata na batedeira por 5 minutos ou até formar um creme fofo 

e claro. Também é possível bater à mão com um batedor de arame. 

3. Em uma tigela separada, misture bem a farinha de arroz integral, 

a fécula ou o amido e a goma xantana. 

4. Comece a adicionar aos poucos esse mix de farinhas à mistura dos 

açúcares, mexendo sempre com uma espátula. Acrescente somente 

a quantidade necessária para dar o ponto (massa cremosa que 

não gruda nas mãos), para a massa não ficar com a textura soltando 

óleo nem muito pegajosa. 

5. Por último, adicione o bicarbonato de sódio e as gotas de chocolate, 

e misture com uma espátula. 

6. Leve a massa para a geladeira por 30 minutos. 

7. Separe uma assadeira untada com óleo e preaqueça o forno a 180 

graus. 

8. Faça as bolinhas de massa e coloque-as na assadeira, deixando um 

espaço entre os cookies. Achate levemente o topo das bolinhas. 

9. Detalhe: se a temperatura ambiente estiver acima de 25 graus, 

deixe os cookies no congelador por 30 minutos antes de assar. 

10. Leve ao forno preaquecido a 180 graus por 14 minutos. Espere esfriar 

para desenformar (eles saem do forno ainda moles). 

11. Podem ser conservados em temperatura ambiente por 7 dias, 

na geladeira por 10 dias ou congelados por até 2 meses. 

Rendimento: 12 unidades de 60 g cada uma. 



Uma imagem 

Arquivo Millôr Fernandes/Acervo Instituto Moreira Salles 

Autorretrato (2001) – Millôr Fernandes 

Jornalista, dramaturgo, escritor, tradutor (de William 

Shakespeare, inclusive), humorista, desenhista, mas, acima 

de tudo, carioca. É impossível definir Millôr Fernandes 

(1923-2012) sem ressaltar sua origem e fonte de inspiração, 

a cidade do Rio de Janeiro. Neste autorretrato publicado 

no já extinto Jornal do Brasil, em 2001, o cartunista 

abusa dos tons de verde para pintar a vista de seu estúdio, 

em Ipanema. Ele dizia que, para não perder a perspectiva 

humana, devia-se morar sempre, no máximo, até o quarto 

andar. Seu apartamento ficava no terceiro. Órfão de pai e 

mãe aos 12 anos, Millôr foi criado por um tio, que logo descobriu 

o talento do garoto para desenhos. Incentivado pelo 

parente, levava suas charges às redações dos jornais cariocas. 

Conseguiu publicar no periódico O Jornal e, aos 15, foi 

contratado pela revista O Cruzeiro, principal publicação semanal 

da época. Estudou desenho e pintura no tradicional 

Liceu de Artes e Ofícios, criado em 1852, e não parou mais 

de desenhar. Passou por Veja, Jornal do Brasil, O Dia, Correio 

Braziliense, O Estado de S. Paulo e Folha de S.Paulo. Ajudou a 

fundar e gerir O Pasquim, semanário satírico que incomodou 

a ditadura. Em 2023, o autor de pérolas como “Viver é 

desenhar sem borracha” completaria 100 anos.

Et cetera – edição 13 – primavera 2023

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