V Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler

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KAREN KNORR
Tete ÁLVAREZ
ALMALÉ/BONDÍA
BAYLÓN
SERGIO BELINCHÓN
MAGDALENA CORREA
GERARDO CUSTANCE
IGNACIO LLAMAS
GONZALO PUCH
ÁLVARO SÁNCHEZ-MONTAÑÉS

INSTITUCIONES
AYUNTAMIENTO DE CÓRDOBA. DELEGACIÓN DE CULTURA
FUNDACIÓN PROVINCIAL DE ARTES PLÁSTICAS RAFAEL BOTÍ. DIPUTACIÓN DE CÓRDOBA
FUNDACIÓN CAJA RURAL DE CÓRDOBA
UNIVERSIDAD DE CÓRDOBA. VICERRECTORADO DE ESTUDIANTES Y CULTURA
CÓRDOBA 2016
COLABORA: RABANALES 21. PARQUE CIENTÍFICO Y TECNOLÓGICO
www.premiopilarcitoler.es
que las instituciones cordobesas se congratulan, una vez más, en presentar este 2011.
Un premio que reflexiona en torno a una de las actividades más actuales, en el ámbito
de la creación, el mundo de la creación visual, la fotografía artística. El Premio, que
cada año se presenta en la prestigiosa feria PARIS-PHOTO, a la que desde estas líneas
agradecemos su inquebrantable apoyo, tiene uno de sus fundamentos en la tarea
de la coleccionista que da nombre al mismo y que, cada año, nos acompaña como Presidenta
del Jurado. Nuestra ciudad ha disfrutado, en diversas ocasiones de diversas
miradas sobre su colección, conocida como CIRCA XX. “Claves de arte” (2005); “El
ojo que ves” (2007) o “Modernstarts” (2009) han sido exposiciones que tuvieron una
extraordinaria afluencia y un magnífico eco entre los ciudadanos cordobeses.
Este año, el V aniversario del Premio se conmemoró con un encuentro en PARISv
premio internacional
de fotografía contemporánea
pilar citoler 2010,
PHOTO al que asistieron algunas de las principales instituciones culturales españolas en esa ciudad,
bajo la presidencia de Carlos Basterreche, nuevo embajador de España en esa ciudad. Estuvieron presentes,
además de la propia Embajada española (su Ministro Consejero Fernando Carderera y el Consejero
de Cultura, Pablo de Jevenois), los representantes del Colegio de España (su Director, Enrique Camacho)
y el Instituto Cervantes (representado por su Administrador, Victor Matamoro). Si el Premio
ha estado presente en otros muchos encuentros relacionados con la fotografía contemporánea, la citada
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la Fundación Caja Rural, presidida por Manuel Enríquez García, no
dudó en la importancia del proyecto y apoyó sin reservas. Como su Director,
Enrique Aguilar Gavilán. También he de agradecer la fidelidad
del Parque Científico y Tecnológico Rabanales 21.
Todo se sucedió con rapidez y precisión. Alfonso de la Torre, comisario
de exposiciones se haría cargo de la coordinación entre Córdoba y
Madrid, haciendo valer la importancia de las relaciones institucionales.
El Primer Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar
Citoler se presentó en noviembre de 2006 en la Feria Internacional de
PARIS-PHOTO (un lugar que ha sido marco habitual de desarrollo de
nuestro Premio, hasta la fecha), con gran participación de galeristas,
público amigo y la asistencia de los principales representantes de las
instituciones cordobesas implicadas. Ya en este Primer Premio la convocatoria
fue amplia, presentándose más de cien artistas de quince
nacionalidades. También estuvimos presentes en la Feria española
“D-PHOTO”, con un Stand propio, donde conseguimos una amplia
repercusión. Finalmente, el pasado 2010, como se hará en 2011,
MADRID-FOTO invitó al Premio a estar presente en la que ahora es la
Feria de Fotografía Contemporánea hispana.
Larga vida al Premio Internacional de Fotografía Contemporánea,
podremos concluir si, como se colige de lo anterior, es, antes que nada,
fruto de esfuerzo —y la ilusión— de todos.
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ALFONSO DE LA TORRE
LA MEMORIA
DONDE ARDÍA
ALGUNAS REFLEXIONES
EN TORNO A LA IMAGEN
FOTOGRÁFICA
Me pregunté entonces
cuál podía ser
la causa de todo
este desorden.
Roland Barthes, “ L a c á m a r a l ú c i d a .
N o ta s o b r e l a f o t o g r a f í a ” , Paris, 1980
A comienzos del pasado siglo XX, los anaqueles se llenaron de concienzudos libros
de anatomía patológica en los que se fotografiaban, no sin espanto, las más horribles
enfermedades o anomalías del cuerpo. El origen de la fotografía se vinculaba así a lo
que pareciere ser ya una voluntad de colección, reunión de instantáneas de una abundancia
terrorífica, imágenes que por lo general continuaban con una vieja historia
del arte poblada con cuerpos. Patoinstantes con aspecto de haber sido robados entre
la placidez de la realidad: rostros deformados, corporeidades de seres camino de una
inconclusa construcción, extremidades convertidas en tentáculos, ojos de cíclope,
manos de dedos pares... Al modo de modernos Vesalios armados de una cámara oscura,
fueron tanto estas baconianas imágenes del miedo, junto a las estampas eróticas
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como las vinculadas al turismo exótico o bien las instantáneas
captadas como resultado del delito, algunos
de los primeros usos conocidos y más extendidos de la
fotografía. Fotografías así, por lo general, unidas al libro
y a su remedo compilador: el álbum. Coleccionismo de
imágenes, reunión heteróclita de fragmentos oscuros
de la realidad. Antología de hechos inquietantes.
Algunos de los otros recuerdos transmitidos en ese
siglo, a través de la fotografía están unidos a testimonios
pavorosos, tales a las imágenes históricas de los campos
de concentración. O las que mostraron a Mussolini y
Claretta pendiendo de la pérgola de la Plaza de Loreto.
Volaban la falda y los brazos de Claretta, un día primaveral
aún gélido, cual personaje suspendido en un macabro
tiovivo. Y la existencia de la fotografía nos ha permitido
rememorar estas escenas, al modo de imágenes que
surgen, tal pavesas jamás extinguidas, entre las cenizas
del tiempo. También es preciso recordar que, ya desde la
primera guerra mundial, los cameraman habían tomado
el campo de batalla, cual soldados nuevamente armados
en una moderna sección de los ejércitos. Aparecían así
en la contienda dos nuevas realidades poderosas, equipadas
con armamentos de esencia silente: el gas letal y
la fotografía que daría el correspondiente testimonio,
convirtiéndose en preámbulo y testigo de un hecho muy
contemporáneo: la muerte silenciosa.
La fotografía, la cámara oscura, aparecía así en su
origen vinculada a los lugares más tenebrosos del
existir, erigida la imagen al modo de un alma, un click
de la conciencia. Summa de testimonios, conjunto de
fragmentos de realidad apartados de la placidez con la
que podría transcurrir la vida general que se hallare inmersa
en la rutina adormeciente del devenir cotidiano.
Empero, sorprendentemente, la presunción de lo que se
revela tras el surgimiento espectral de las formas grabadas
entre la oscuridad, (para siempre la sombra que
diría José Ángel Valente), la noción de percibir otras
cosas en la realidad visible, a pesar de las transformaciones
que han tenido lugar en la historia de la fotografía,
ha sido un sentimiento que durante su desarrollo ha
permanecido pertinaz, incólume hasta llegar a nuestros
días. Anunciación de las formas visibles que parecía
suponer el deseo de enfrentarse a un mundo otro que,
sin embargo, parecía escondido hasta entrañarse entre
los pliegues de lo palpable.
Y es que contemplar el mundo a través de la fotografía
es, también, ver el mundo, esto es: comprenderlo.
Pues captarlo mediante la invisible óptica fotográfica
supone, al cabo, redimir un espacio hasta la fecha
inexistente: en la medida no sería conservado por
la memoria. Utilizando un contradictorio término
fotográfico, referido líneas atrás, y como bien sabía
Barthes, una fotografía es capaz de revelar una realidad
que se habría construido al modo de un agujero negro,
y ofrecer lo que, también remedando, ahora a Susan
Sontag, se podría llamar una ética de lo visible. Así:
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“veo, luego siento”, podríamos escribir recordando de
nuevo a Roland B. O lo que es su par: veo, luego existo.
Ética originada en la contemplación subjetiva, en la
actividad del yo. El pensamiento es una fuerza, que no
una sustancia, y al cabo ese elemento, la subjetividad
con la que el fotógrafo se apropia del mundo, es aquello
que diferencia una mera representación testimonial
ejercida a través de las imágenes (que, empero, no
pasará a la historia del arte), del artista visual, ese que
utiliza la fotografía como una herramienta, imparable,
de propuestas visuales. Los grandes fotógrafos del siglo
veinte, que han transmitido ciertos elementos de la
historia, y cuyas imágenes han sido conservadas en los
gabinetes de los museos, son aquellos que han establecido
una conexión particular, una relación distinta,
con las personas y espacios del tiempo en que vivieron.
Enfrentados a las imágenes de su tiempo, que apartan
con una suerte de exclamación: “noli me tangere”, nada
que ver las imágenes de los artistas visuales con las
que expelen a diario la televisión o los mecanismos de
entretenimiento de la retina a lo youtube: la verborrea
fluyente e imparable de monitores y pantallas. Sería la
concentración parsimoniosa del haiku frente al verbo
desparramado del charlatán de feria. No me toquéis,
pantallas fatigadas, objetos titilando en los espacios
vacíos de nuestro tiempo contemporáneo: emisiones
impenitentes que iluminan las aceras ruidosas de las
ciudades. No tocadme, televisiones que acompañan
vocingleras las noches de soledad en los hogares.
Ha sufrido la historia. Sufrimos en ella, o por ella, mas
fotografiamos, hemos fotografiado. Empero, la imagen
que promueve el mundo contemporáneo frecuentemente
ha padecido también un cuidado y selectivo velado,
pareciere que a sabiendas del poder perturbador, casi
revolucionario, de la imagen. Ante el poder de la representación,
ante la insobornable presencia de la imagen,
las televisiones o periódicos ocultan rostros.
Silencios de la vida contemporánea.
Tal es la enfermedad callada, el tanatorio convertido en
fría estancia difícil de distinguir de los hoteles que pueblan
los nuevos desarrollos urbanísticos de las ciudades.
Silencio: hay que ocultar los rostros que ya no están.
Alarde de la perfección vacua del pixel frente a la reflexión
del artista visual.
Por contra, en el mundo contemporáneo ciertos
artistas de la imagen ofrecen una entidad valerosa,
un interés añadido al mostrar la imagen reflexionada,
imagen inquiridora. Pues al cabo proponen escudriñar
sobre una realidad cuyos elementos representativos
parecen ser prohibidos, con suave mano certera. Hay
cosas que no debemos ver. Y, por ende, situaciones sobre
las que es preferible no reflexionar. Las fotografías
promueven, y en ese sentido iluminan desde el espíritu,
acariciar una verdad que parece relacionarse, siquiera
tangencialmente, con su original carácter documental,
con su voluntad de aportar algún elemento esclarecedor:
ofrecer su luz, — simbolizada otrora en la explosión
del magnesio cegador—, sobre lugares que, de otro
modo, habrían sido aherrojados al olvido, subrayando
así las íntimas relaciones de las cosas. Al cabo, a ello
se referiría Picasso cuando pintara el ojolámpara del
“Guernica”, sempiternamente empeñado en mostrar
su luz —unido a la antorcha próxima— sobre el horror.
Mención quizás de Pablo a Maar, nueva amante de estas
fechas, en esa pintura fotografiada, work in progress,
—casi segundo a segundo (uno de los primeros cuadros
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etratados contemporáneamente durante su proceso
de ejecución)—, por la artista y fotógrafa Dora Maar...
Picasso, el primer artista que viviera entre fotógrafos,
creador inmenso que supiera, antes que nadie, de la
importancia de pervivir en la memoria a través del
objetivo de los más destacados fotógrafos (recuérdese
también su permanente amistad con los grandes
artistas de la imagen en el siglo XX que le retrataran
ya desde el inefable recuerdo del estudio de Grands-
Augustins, rememorado por Brassai).
Incendio, el conocido que supone la imagen.
Y sus cenizas, trasunto de la fotografía, así, tal un
milagro: “dejará la memoria, en donde ardía”. Y, tras lo
quevediano, tan al punto, puede afirmarse que todas las
fotografías portan una estirpe melancólica, un pálpito
sombrío. La incierta sospecha de hallarnos, —tanto
más incluso en el caso del elogio de la felicidad a lo
Doisneau—, frente a un inquietante descubrimiento.
Revelación en la que permanentemente se acusa la melancolía,
pues la imagen porta así indeleble, pertinaz,
infatigable, la amargura de la memora del momento
irrepetible, convertido así en un memento mori. Nada
más triste que contemplar la felicidad de infancia,
amor o el existir que ya no es, todo huido, congelado en
las breves dimensiones de un rectángulo en blanco y
negro, sepia, o desvaídos tintes.
Mas, hay que añadir, y en ese mismo sentido, que la
fotografía no se limita a parcializar la mirada, ofrecer un
fragmento encapsulado del tiempo sino que, más bien,
propone sobre el transcurrir de las horas una nueva
forma de mirar, distinta de la mirada propuesta por la
fisiología ocular, aquella que indolente vaga aquí o acullá,
sin hallar descanso. De tal modo que el artista fotógrafo
será siempre, no tanto un arriesgado portador de una
cámara que fuere disparada entre el caos sino, más bien,
un elogiador del ejercicio de la concentración silenciosa
ejecutada meditadamente sobre el procesus constante, e
infatigable, que es la vida. Reflexión desarrollada siempre
a través del mundo de las ideas, de la imaginación
activa —esto es, potenciadora de lo real—, depositada
—en el sentido de fijada— en la limitación estrecha de la
fotografía. En el arte de lo visible es sabido que no hay
imagen fotográfica sin imaginación, y por ende el vínculo
del autor de una fotografía con una imagen es una relación
no interferida y el fotógrafo actúa, por lo general,
sin intermediación, desde una corta línea, siempre frágil
pero —si es exitosa— inapelable, que va desde el cerebro
y su ojo, hacia la realidad. El mundo existe, para el
creador fotográfico, para ser fotografiado, enunciando así
entonces otra forma de ver el mundo. Proponiendo otro
mundo, pues. Por ahí, justamente, habíamos comenzado.
Inclusive cuando la fotografía sea lo que convencionalmente
se llama “realista”, el fotógrafo de altas miras lo
concebirá no tanto como un reflejo veraz de lo que nos
rodea sino más bien como ocasión, pintiparada, para
descubrir los intersticios más secretos que se hallan
bajo las apariencias, a veces temibles. Tras los inquietantes
enigmas agazapados en la familiaridad de la
realidad, llegando incluso a lo que podríamos calificar
de una cierta apropiación de los elementos surreales
que contiene la realidad o bien concibiendo una nueva
relación entre lo que comúnmente se llama “imagen” y
lo que denominamos “realidad”. Incierta revelación de
los desequilibrios de lo que vemos, inquietante momento
ocultado entre los nuestros, precisamente uno
de los elementos de mayor atractivo de la fotografía es
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su capacidad de promover la adicción a las imágenes.
Eso que en castellano se ha llamado siempre, al enfrentarnos
a una publicación, “mirar los santos”. Esto es,
escudriñar algo más a través de las imágenes desde la
desconfianza, propia del ser inteligente, sobre que lo
que percibimos, la científica torpeza del sentido de la
vista, no es más que una aproximación incierta a lo que
vemos. De este modo, la realidad sería una suerte de escritura
pendiente de transcribir y la fotografía, erigida
al modo de un acto de redención, podría ser así uno de
sus más certeros medios. De hecho, algunas fotografías
de los orígenes de este arte visual, han estado ligadas
a ese concepto de “grafía”. Recuérdense, a este respecto,
las tiernas rayografías de Man Ray o las imágenes
reproducidas por Breton en “Minotaure”, mediados
los treinta, de esa suerte de escritura de la naturaleza
que produce el grafo del rayo en la pizarra oscura de la
noche...o la tentación de las letras, iluminando las ciudades,
las fotografías de Jacques—André Boiffard que
se reprodujeran en “Nadja” y que a nuestros días han
llevado, inefablemente, Coppola o Plossu. En ese sentido
la fotografía ha sido, tradicionalmente, lugar del
pálpito de obscuridades varias y, si se quiere, el espacio
en el que, tras la pintura o la literatura surrealista, ha
pervivido la intrépida capacidad del fotógrafo-artista
para recrear la cierta noción, la impalpable realidad, de
un mundo escondido: ya fueren las estelares constelaciones
lejanas o, bien, las fuerzas que se desarrollan
agazapadas en espacios ignotos, tal a los microscópicos,
a los que jamás llegará la visión. Permitiendo descubrir
así no sólo la realidad, sino el latido invisible de la belleza
en ella alojada, la nunca vista.
La reciente visita a la exposición de Kertesz de 2010 en
el Jeu de Paume nos hace recordar ahora los juegos del
ver que subyacen en una realidad pareciere sometida a
los espejos curvos deformantes, “distorsiones” las llamó,
al modo del recuerdo de paseantes sempiternos del
callejón de Álvarez Gato. Distorsión no muy distinta,
por cierto, a la que se aloja en la ebriedad de una noche
de exceso o en la realidad de las pesadillas en el sueño.
Así, inclusive, cuando el fotógrafo refleje un mundo que
nos parece común, propuesta de una tautología aparentemente
al alcance de cualquier mirada, será esencial
su disposición a mostrar un aspecto de inquietud frente
a lo que nos rodea, su capacidad —en definitiva— para
hacernos reflexionar. Inclusive reconociendo no tanto
el poder de la fotografía para mostrar sino, también,
para proponer la ocultación de lo que pareciere ser
exhibido a las claras, de un modo indudable, llegando
en este punto, incluso, a desentenderse de los cánones
tradicionales de lo que comúnmente se llamó “belleza”.
Pues si podría pintarse con lo que se quisiera, dixit
Apollinaire en los comienzos del veinte, por ende la majestad
del orbe, habría escrito Whitman, estaría latente
en cualquier minucia pululando por el mundo: esclavos,
enanos, insectos y personas comunes, dixit Walt. “Un
atlas de instrucción”, dijo Walter Benjamin sobre las fotografías
de August Sander. Hojas, páramos, ciénagas,
nubes posándose en el suelo, vistas por Fox Talbot....
Mirar, crear, es plantear interrogantes, uno de los más
inquietantes precisamente lo es sobre la existencia de
otros mundos dentro de éste. Frente a las propuestas de
verosimilitud de las pinturas realistas, de los primorosos
pintores del detalle, la fotografía contemporánea ha
ofrecido desenmascarar las apariencias del mundo ofreciendo
la posibilidad a los coleccionistas de imágenes
de construir un referente real, empero más alejado de
las apariencias visibles del mundo. Y, a la par, el mundo
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contemporáneo ha aceptado, mal que le pese a Baudelaire,
que la fotografía no es, exactamente, enemiga de
la pintura sino un género cuyo concepto propone hacia
nuestro tiempo no tanto un mundo canónico, como un
despliegue, abierto, quizás desparramado en infinitas
posibilidades. Curiosamente Baudelaire, enemigo
declarado de la fotografía, generaría la visión extendida
sobre lo real a través de la figura del flâneur y su mirada
expandida.
Comenzamos con Barthes y a él nos referimos concluyendo:
“esta fatalidad (…) arrastra la fotografía hacia el
inmenso desorden de los objetos –de todos los objetos
del mundo: ¿por qué escoger (fotografiar) tal objeto, tal
instante, y no otro”, escribiría en su “La cámara lúcida”.
Mundo dislocado también, mas decididamente moderno
y que volvía a mirar hacia otro comienzo que ha inquietado
al mundo desde la épica cavernaria de Platón:
la desconcertante panoplia de las imágenes.
El mismo apotegma que hiciera a Giacometti vislumbrar
que la lucha titánica de toda su trayectoria frente
a lo que habitualmente se llama “realidad” había sido la
dificultad de aprehenderla y, en todo caso, la incapacidad
de compartirla, justamente. Celebración, por cierto
algo melancólica, de un yo crepuscular.
•
El pasado 2010 tuvo lugar la quinta convocatoria del
PREMIO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA
CONTEMPORÁNEA PILAR CITOLER. El Ayuntamiento
de Córdoba y su Delegación de Cultura; la Fundación
Caja Rural; la Fundación Provincial de Artes
Plásticas Rafael Botí de la Diputación de Córdoba y la
Universidad de Córdoba través de su Vicerrectorado de
Estudiantes y Cultura. También “Córdoba 2016”. Todos
ellos, con la cooperación del Parque Científico Tecnológico
de Córdoba ‘Rabanales 21’, han impulsado un
Premio plenamente consolidado en la llegada de este
temprano 2011 (www.premiopilarcitoler.es).
Es sabido que éste, lo recuerda la coleccionista Pilar
Citoler en el texto que nos antecede, se presentó por vez
primera en 2006 en Paris en el marco de “Paris-Photo”.
De esta Feria, el principal evento europeo en el mundo
de la fotografía artística contemporánea, recibió un
indudable respaldo que fue reiterado el pasado año difundiéndolo
de nuevo. No en vano será preciso recordar
algunas de las cifras que concita. El pasado 2010, con
Europa Central como invitado, “Paris-Photo” contaba
con ciento veinte expositores de veinticinco países. En
este ámbito mundial se quiso dar a conocer el Premio.
El éxito de la convocatoria parisina permitió su presentación
haciendo extensiva su vocación internacional.
Afluencia record a esta Feria que se sitúa en torno a los
40.000 visitantes. Siendo la quinta cita del Premio hay
que decir que la respuesta ha sido excepcional habiéndose
presentado ciento setenta y dos artistas, siendo
uno de los de mayor número de presentados al Premio.
Con presencia de fotógrafos españoles, remitieron sus
fotografías al Premio creadores de muy diversos países
y continentes. La mayoría de los fotógrafos que han
concurrido tienen una consolidada trayectoria.
El PREMIO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA
CONTEMPORÁNEA PILAR CITOLER, es sabido, no
nació como un premio más al uso. Es uno de los de mayor
dotación económica y entre sus objetivos se encuentra
el apoyo indudable a esta manifestación artística
de nuestros días. Supone el inicio de una colección de
fotografía contemporánea que albergarán las institucio-
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Begoña ZUBERO
STASI Nº 5, 2005
Original scala/digiform
109 x 158 cm
nes convocantes. En sus ediciones anteriores
ha sido ganado por Begoña Zubero
(2006); Félix Curto (2007), Manuel Sonseca
(2008) y Juan del Junco (2009). A
ellos se suma ahora, en su quinta edición,
Karen Knorr.
También es el origen de una serie de
monografías sobre los artistas visuales
premiados que es ya referencia en el
mundo de la fotografía contemporánea.
El primer volumen, editado en 2008
dentro de la colección “El ojo que ves”,
fue dedicado a Begoña Zubero (Bilbao,
1962). De laboriosa ejecución, fue
realizado bajo la tutela de Ediciones del
Umbral, incluyendo un extenso ensayo
de Ramón Esparza: “Lo surreal y lo real”
y Alfonso de la Torre “La luz de la memoria”.
El libro de Félix Curto (Salamanca,
1967), segundo volumen por tanto de
la colección fue impreso en Córdoba en
Gráficas San Pablo. Trabajado cuidadamente
por el propio artista, incluía un
texto del crítico Abel H. Pozuelo con el
título “Siguiendo la estrella”.
La monografía de Manuel Sonseca
(Madrid, 1952), tercera, bajo el título
“Manuel Sonseca en blanco y negro”,
contaba con una entrevista del artista
realizada por Alejandro Castellote y un
texto de Juan Manuel Bonet titulado:
“Manuel Sonseca, peatón con Leica”.
Todo el volumen, bilingüe como la tota-
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Felix CURTO
SIN TÍTULO/
SERIE MENONITAS, 2007
Fotografía en color montada sobre
dibond papel Infinity RC
161 x 107 cm (158 x 105 cm)
lidad de la colección, fue impreso en Brizzolis y bajo el
cuidado editorial de Mauricio d’Ors.
Finalmente, el cuarto libro, que presentamos este año,
es el de Juan del Junco (Jerez de la Frontera, 1972),
que contiene un texto de Javier Hontoria (“Filopatria
de las imágenes”) y Sema d’Acosta (“Taxonomías”). Ha
sido realizado bajo el extraordinario cuidado de Alberto
Martín e impreso en Salamanca por Gráficas Varona.
No se trata de convocar y premiar, sino de dar un apoyo
sin dudas a la fotografía contemporánea. En torno
a él se realizan numerosas actividades: se inicia una
serie de monografías y se realizan exposiciones tanto
del premio como del artista premiado ese año.
El jurado de este Premio estuvo en 2010 presidido por
Pilar Citoler, coleccionista creadora de la Colección
Circa XX, y contó entre sus miembros con los fotógrafos
José Manuel Ballester y Juan del Junco. En el
jurado estaban también presentes Pilar Serra, galerista;
Giulietta Speranza, directora de la feria MADRID-FO-
TO; Jaime Brihuega, crítico de arte y quien suscribe.
Como miembro del Jurado tengo que subrayar el apoyo
que hemos recibido de las instituciones: el Ayuntamiento
de Córdoba y su Alcalde Andrés Ocaña; su
Primer Teniente de Alcalde de Relaciones Institucionales
y Cultura, Rafael Blanco Perea y el Coordinador
General de Cultura, Luis Lorenzo Seco. Mención a la
Fundación Caja Rural, presidida por Manuel Enríquez
García y al Director de la Fundación, Enrique Aguilar
Gavilán, también a su jefe de Comunicación y Relaciones
Institucionales, Luis Cabrera Fernández.
Apoyo extraordinario, también, de la Diputación, a
través de la Fundación Provincial de Artes Plásticas
Rafael Botí, su Presidente Francisco Pulido Muñoz, su
Vicepresidente, José Mariscal Campos y el Gerente,
Diego Ruiz Alcubilla. También por parte de la Universidad
su magno Rector, José Manuel Roldán Nogueras y
el Vicerrector de Estudiantes y Cultura, Manuel Torres
Aguilar. Mención, finalmente, al Directora de Cultura
de esta Universidad, Carmen Blanco Valdés. También
a todo el equipo universitario, infatigable colaborador,
simbolizado en los nombres de Cristina Coca y Alexandra
Polit. Del Parque Científico Tecnológico de Córdoba
Rabanales 21, nuestro agradecimiento a su Presidente,
Manuel Pérez Yruela, a su Directora General,
María Isabel Caro Gómez y a la Directora de Proyectos,
Rocío Muñoz Benito.
Tenemos que añadir que las deliberaciones del jurado,
ante el extraordinario conjunto de fotografías presentadas,
fueron en extremo laboriosas y llenas de una
gozosa insatisfacción poco habitual en los Premios. Es
sabido que la labor de los jurados en muchos certámenes
no pasa de ser una búsqueda de aguja artística en
pajar desordenado. No fue el caso.
Agradecimiento pues, también, a todos los artistas presentados
y muy en especial a los seleccionados quienes
han aportado, además de la excelencia de su trabajo,
sus reflexiones sobre el mismo en esta publicación.
La vocación del Premio tiene un doble sentido: su
contemporaneidad y su deseo de internacionalidad. No
es un Premio destinado al hallazgo de nuevos valores
artísticos sino más bien se desea subrayar una trayectoria
ya consolidada dentro del mundo de la fotografía
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Manuel SONSECA
BERLÍN, 2008
Negativo blanco y negro sobre papel
Hahnemúele fine art baryta 325 gr
120 x 80 cm (Ejemplar 1/3)
contemporánea. Es sabido que es misión insoslayable
de cualquier certamen similar el aportar luz sobre trabajos
silentes o no del todo conocidos.
En este sentido todos los miembros del jurado consideraron
que otorgar el Primer Premio de esta V Edición
al quehacer y trayectoria de Karen Knorr redundaba,
con extrema justicia, en el objetivo antedicho. Así lo
hizo constar el jurado en el acta de modo unánime.
El premio se le otorgaba por ser “capaz de aludir a un
exotismo limpio de frivolidad, mediante una singular
lectura que la inscribe plenamente en la modernidad.
Se trata de una obra que rescata la poesía de los semitonos
cromáticos del simbolismo, dotándola de un
contundente vigor espacial. “Flight to freedom” no es
una experiencia aislada, sino que se inscribe en una
serie rica y coherente”.
Elogio de la observación interior, fotografía que parece
recordarnos una cultura que, en ciertos elementos,
parece dormir a salvo del tiempo mas, también fotografía
cuestionadora de los elementos simbólicos de
la mujer, de su posición aherrojada en ciertas sociedades
tradicionalmente patriarcales y vindicadora,
por tanto, del papel de la mujer en nuestro tiempo.
Aconsejamos la lectura del hermoso texto que Karen
Knorr ha escrito en este catálogo sobre su fotografía, y
del que escogemos un fragmento: “‘Flight of freedom’
(‘Vuelo de libertad’) fue fotografiado en el Durbar Hall,
en el antiguo palacio, el Juna Mahal en Dungarpur
donde el maharajá celebraría sus reuniones. En esta
sala he ubicado una garza blanca (mujer) que camina
libremente hacia una habitación simbólica (…) En esta
fotografía deseaba utilizar la alegoría como un camino
para subvertir las castas y las distinciones de género
en India, introduciendo un elemento impuro (pájaro)
contaminador de un espacio controlado por leyes
patriarcales. Los títulos, en esta serie, tienen un aire
lúdico y mi trabajo está abierto a las interpretaciones
del espectador….”.
Los otros nueve fotógrafos seleccionados, que presentaron
fotografías fechadas entre 2008 y 2010 (una buena
parte de este último año) fueron: Tete Álvarez; Almalé/
Bondía (Javier Jesús Almalé Pascual y Jesús Pérez
Bondía); Baylón; Sergio Belinchón; Magdalena Correa;
Gerardo Custance; Ignacio Llamas; Gonzalo Puch y Álvaro
Sánchez-Montañés. Éstos explican, o han colaborado
en que otros lo expliquen, sus intenciones creadoras
en el catálogo junto a la fotografía presentada al Premio y
muestran sus obras en la Sala Puerta Nueva de Córdoba
entre los meses de febrero y marzo de 2011.
El Premio, es sabido, se vincula al nombre de la coleccionista
Pilar Citoler. Colección la suya que muestra
el transcurso de la historia de la fotografía. Entre otras
muchas exposiciones que han tenido lugar en Córdoba,
relativas a su colección, hay que reseñar la última, celebrada
en 2009, bajo el título: “MODERNSTARTS-AR-
TE CONTEMPORÁNEO EN LA COLECCIÓN CIRCA
XX-PILAR CITOLER”. Exposición muy concurrida,
tuvo lugar en las salas expositivas de CajaSur, Diputación,
Vimcorsa y Teatro Principal. Subrayando tan sólo
las dos exposiciones que tuvieron como eje principal la
fotografía, bajo el título de “Dentro/Fuera”, mostrando
fondos de la colección fotográfica de — (excluyendo el
vídeo y alguna otra obra aneja que mostrada en el Teatro
Principal). Viaje fotográfico, del exterior al interior,
simbolizado en una parte del título de la exposición
“Dentro/Fuera”, tanto monta, y que se resumiría en
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Juan DEL JUNCO
S. T. (LA CORCHUELA), 2008
Lightjet Print sobre foam
125 x 154 cm (Ejemplar 1/7)
obras que analizaban tanto el retrato como el mundo
exterior en las fotografías. “Ceci n’est pas une photographie”,
en el Teatro Principal, ofrecía —desde una cierta
y provocadora ironía— un paso más, al analizar a los
artistas que han utilizado la fotografía como recurso
pictórico…viaje desde la fotografía hacia el mundo de la
pintura y la videocreación contemporánea.
En 2005 Pilar Citoler recibió el Premio ARCO al coleccionismo
privado en España y en diciembre de 2007 la
Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Presidió
el Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía, del que sigue formando parte, entre 2005 y 2010.
Sobre lo antes citado, el apoyo otorgado por Pilar
Citoler al Premio de Fotografía cordobés, escribió la
coleccionista con ocasión de su presentación en Paris
hace unos años unas palabras que, aunque ya citadas en
otras ocasiones, merecen ser reiteradas: “supone depositar
vuestra confianza en el presente y en el futuro del
Premio, apostando por una empresa llena de ilusión, en
la que todos deseamos tenga la proyección que merece
como premio español, dentro y fuera de nuestras
fronteras. Vuestro apoyo, reflejado en esta presencia,
es decisivo para su consolidación e importancia futura.
La Universidad y la Diputación de Córdoba (…) como
instituciones vivas y solidarias, de máxima influencia
en la sociedad cordobesa, deciden unir esfuerzos para
divulgar la cultura más actual y hacer patente su vocación
y trayectoria universalista. El trabajo de ambas
Instituciones es amplio y tenaz. Han elegido dentro de
las Artes Plásticas un Premio de Fotografía para hacer
patente su interés por las técnicas artísticas más actuales
y vanguardistas. Córdoba, ciudad de encantos, poética
y mágica, donde cada calle y rincón es un mensaje
22

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1

seleccionados
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Tete ÁLVAREZ
ALMALÉ/BONDÍA
BAYLÓN
SERGIO BELINCHÓN
MAGDALENA CORREA
GERARDO CUSTANCE
IGNACIO LLAMAS
GONZALO PUCH
ÁLVARO SÁNCHEZ-MONTAÑÉS

tete álvarez
Los vértices geodésicos son señales permanentes materializadas sobre el terreno y
que forman parte de una red de triángulos cuyas coordenadas se calcularon con la
mayor precisión y exactitud posibles. Esa red de triángulos se extiende a lo largo del
globo terráqueo, por lo que todo el mundo está comunicado a través de los vértices
geodésicos y con el mismo sistema de coordenadas.
La materialización se hizo por lo general con cilindros de 1,20 metros de altura sobre
un dado de hormigón cilíndrico o cuadrangular. Encima de la señal se instalaba el
instrumento topográfico para hacer las mediciones necesarias, y desde cada una
se deben ver varias, por lo que están situados en los lugares más altos y despejados.
Dependiendo de la longitud de los lados de los triángulos, o lo que es lo mismo, las
distancias entre vértices, éstos se dirán vértices de primer orden, segundo o tercero.
La distancia entre vértices de primer orden es de unos 40 km., de 15 a 20 km. entre
los de segundo orden y de 5 a 10 Km. para los de tercer orden.
De la mano de la alegoría, “Vértices” propone una reflexión acerca de la noción de
espacio en la época de la sociedad de la información, cuando las distancias han quedado
reducidas por la instantaneidad de los flujos de comunicación en tiempo real.
tete álvarez
50

Tete ÁLVAREZ
Trapero (Serie ‘Vértices’), 2010
Impresión tintas pigmentadas sobre papel Hahnemühle
Baryta FB de 350 grs montada sobre dibond
111 x 143 cm (Edición P.A. 1/1)
51

87
bibliografía
artistas

TETE
ÁLVAREZ
L’Hoiste Collection, Belgium.
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Cádiz (España), 1964
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2009 Istituto Europeo di Design, Madrid ©
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2004 Galería Trama, Barcelona. ©
2004 Galería Trama, Madrid. ©
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2001 Fairplay. Galería Cavecanem, Sevilla.
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2010 El hombre sin alternativa. Sala Hotel Paris, Huelva ©
2010 La vida en ningún lugar. Matadero, Madrid
2010 VII Bienal de Arte Rafael Botí. Sala Puertanueva,
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2010 II Semana del video Iberoamericano. La Nave Spacial,
Sevilla
2009 Square Eyes Festival. Arnhem, Holanda
2009 Desdibujados. Sala Puertanueva, Córdoba ©
2009 La enfermedad, la muerte. Sala Vimcorsa, Córdoba ©
2009 Hierro y poesía. Cosmopoética 09. Casa Góngora,
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94

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2008 Una aproximación visual a la guitarra. Palacio de la
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2008 Colección 1986-2006. Museo de Bellas Artes de
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2007 ForoSur 2007. Galería Valle Ortí. Cáceres.
2007 ARCO’07. Galería Valle Ortí. Madrid.
2007 Muestra de videoarte andaluz. ARCO´07. Consejería
Cultura Junta de Andalucía. Instituto Cervantes, Pekín.
2007 Colección Cavecanem. Addaya Centre d´Art
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2006 Paris Photo 2006. Galería T20
2006 Lo desacogedor. Escenas fantasmas en la sociedad
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Contemporáneo de Sevilla. ©
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