No palco e Na vida, as tramas que eNvolvem a vida das atrizes ...

dez 2012 / jan 2013
G de Gil
O curador da mostra Gil70
revê, no Depoimento, sua
ligação profissional e afetiva
com o compositor baiano.
a força propulsora de Hélio oiticica
O cineasta César Oiticica Filho conta
como foi mergulhar no universo criativo
e pessoal do tio para criar o premiado
documentário-experiência Hélio Oiticica
tinindo trincando
Considerado o melhor disco da
música brasileira, Acabou Chorare,
dos Novos Baianos, completa 40
anos de lançamento
40
encontro
marcado
No palco e Na vida, as tramas que eNvolvem a vida das atrizes
drica moraes e mariaNa lima.

Erica Mizutani

COORDENAÇÃO EDITORIAL
Ana de Fátima Sousa
EDIÇÃO EXECUTIVA
Marco Aurélio Fiochi
PROJETO GRÁFICO
Marina Chevrand
EDIÇÃO DE ARTE
Jader Rosa
Liane Tiemi Iwahashi
EDIÇÃO
Roberta Dezan
EDIÇÃO DE FOTOGRAFIA
André Seiti
DESIGN
Lu Orvat Design
COORDENAÇÃO DE REVISÃO
Polyana Lima
REVISÃO
Ciça Corrêa
Karina Hambra
Nelson Visconti
PRODUÇÃO EDITORIAL
Cybele Fernandes
COLABORARAM NESTA EDIÇÃO
André Chiarati
André Vallias
Caio Palazzo
Daryan Dornelles
Débora Almeida
Duda Porto de Souza
Eduardo Burger
Erica Mizutani
Fernanda de Almeida
Gabriela Rassy
Gustavo Angimahtz
Indio San
Leonardo Foletto
Mariana de Andrade
Mariana Lacerda
Mayara Monteiro
Patrícia Colombo
Patrícia Stavis
Paulo Papaleo
Pedro Henrique França
Pupillas
Ricardo Daros
Ricardo Labastier
ISSN 1981-8084 Matrícula 55.082
(dezembro de 2007)
Tiragem 10 mil – distribuição gratuita.
Sugestões e críticas devem ser
encaminhadas ao Núcleo de
Comunicação e Relacionamento
continuum@itaucultural.org.br
Jornalista responsável
Ana de Fátima Sousa MTb 13.554
dez 2012 / jan 2013
G DE GIL
O curador da mostra Gil70
revê, no Depoimento, sua
ligação profissional e afetiva
com o compositor baiano.
A FORÇA PROPULSORA DE HÉLIO OITICICA
O cineasta César Oiticica Filho conta
como foi mergulhar no universo criativo
e pessoal do tio para criar o premiado
documentário-experiência Hélio Oiticica
TININDO TRINCANDO
Considerado o melhor disco da
música brasileira, Acabou Chorare,
dos Novos Baianos, completa 40
anos de lançamento
capa: drica moraes e mariana lima
foto: caio palazzo
40
encontro
marcado
NO PALCO E NA VIDA, AS TRAMAS QUE ENVOLVEM A VIDA DAS ATRIZES
DRICA MORAES E MARIANA LIMA.
CARTA DO EDITOR
Com esta edição, a ConTINUUM encerra sua história: a partir do ano que vem a revista deixa de circular. Foram
quase seis anos de grande dedicação da equipe responsável e também de uma infinidade de colaboradores
externos que, com profissionalismo, criatividade e talento, deram corpo a uma publicação que ampliou e qualificou
a informação sobre cultura no país.
Mas vimos que era tempo de repensar nosso projeto, e dessa reflexão veio a vontade de abrir espaço para o novo.
As experiências que vivemos, as histórias que revelamos em forma de texto e imagem, os vários amigos que
fizemos nesse tempo todo, em especial os leitores que sempre se referiram à revista com elogios, nos fizeram ver
que tínhamos cumprido uma missão e era hora de fechar o ciclo.
É raro ver uma revista que tenha desfrutado de tanta liberdade em sua produção. Esse sentimento esteve presente
em todas as decisões tomadas e se refletia no produto final. Bancada integralmente pelo Itaú Cultural, a ConTINUUM
herdou o DNA de seu mantenedor, sendo um ambiente privilegiado para a reverberação de ideias, a reflexão, a
troca, a formação do olhar e a ampliação do repertório de seus leitores.
Mas se engana quem pensa que a vida acaba aos 40! Esse espírito inovador permeará as ações futuras da comunicação
institucional, em especial em seu site, plataforma com inúmeras possibilidades de difusão, informação, fruição e
aprofundamento. É lá que passaremos a publicar conteúdos similares aos que fazíamos na revista.
Agradecemos a todas as fontes do mundo da cultura que passaram por nossas páginas e são sem dúvida os
maiores responsáveis pela credibilidade que a revista desfrutou desde o começo. Seu carinho em atender nossas
demandas certamente atingiu os leitores, que tiveram a oportunidade de conhecer de maneira clara as ideias e
ações de quem faz cultura.
Enfim, fizemos bonito e assinamos embaixo:
Eduardo Saron, Ana de Fátima Sousa, Marco Aurélio Fiochi, Roberta Dezan, Polyana Lima, Marina Chevrand,
André Seiti, Jader Rosa, Liane Iwahashi, Luciana Orvat, Ricardo Daros, Ciça Corrêa, Karina Hambra, Nelson
Visconti, Maria Clara Matos, Fernanda Castello Branco, Claudiney Ferreira, Guilherme Kujawski, Isabella Protta,
Cybele Fernandes, Jaqueline Santiago, André Queiroz, Sulamita Carvalho, Renato Corch, Dino Siwek, Silvio Santis,
Hugo Henrique Alves, Juliana Bezerra, Nathalie Bonome, João Paulo Filomeno, Mariane Ribeiro, Natane Abreu,
Thiago Rosenberg, Carlos Costa, Micheliny Verunschk, Mariana Lacerda, Carolina Miranda, Gabriela Rassy, Paula
Fazzio e todos que estiveram conosco nessa caminhada.
CARTA DO LEITOR
“Gostei muito da revista com Tulipa Ruiz na capa (edição 38, ago-set. 2012). Não só por causa disto: as matérias estavam
interessantes e atraentes. Li com prazer!”
Neuza Pommer, por e-mail
Envie seu comentário sobre a ContinUUM para o e-mail continuum@itaucultural.org.br ou utilize os canais do Itaú Cultural no
Twitter e no Facebook.
Baixe o aplicativo da
ConTINUUM em seu
iPad e veja todas as
matérias desta edição
e das anteriores, além
de vídeos exclusivos.
COMPARTILhE
SUA ConTINUUM

06
08 12
MUSEUS DO MUNDO | um olhar atento para a arte
Museu Oscar Niemeyer, de Curitiba, completa 10 anos em constante
movimento.
políTICaS CULTURAIS | a gente não quer só comida
Universidades não formais de cultura despontam no Brasil como
alternativa ao ensino acadêmico. O traço principal dos projetos é a
formação de redes colaborativas.
REpORTAGEM | de pai para filho
Programa Leia para uma Criança já distribuiu 22 milhões de livros
para que pais incentivem seus filhos desde cedo ao hábito da leitura.
26 24 21 REpORTAGEM
DEPOIMENTO | g de gil
O artista e pesquisador André Vallias cria poema inédito para
homenagear Gilberto Gil, com quem tem uma longa relação
profissional. Autor do primeiro site do artista em 1995, hoje ele é o
curador da exposição que comemora os 70 anos do compositor.
pERFIL | ganhar o mundo para voltar ao mesmo lugar
O pernambucano Irandhir Santos vem dando vida a personagens
de peso na atual safra do cinema brasileiro. Sua imagem tem
percorrido o mundo, mas isso não o faz se desligar de seu recanto, a
pacata Limoeiro.
REpORTAGEM | a mudança está nas ruas
A arte pública assume importância significativa na economia das
cidades ao ser um atrativo do turismo cultural.
34
36 38
aCESSo RESTRITO | o norte é aqui
O Festival Terruá Pará trouxe para o Auditório Ibirapuera mais
de 50 artistas daquele estado. Confira os bastidores das apresentações:
não faltou animação.
CAPA | encontro marcado
Atrizes e amigas, Mariana Lima e Drica Moraes estrelam uma
das mais bem-sucedidas montagens da atualidade, A Primeira
Vista, que está de malas prontas para uma temporada na Europa.
EnTREvISTA | a força propulsora de hélio oiticica
O cineasta César Oiticica Filho conta como foi o processo de
criação do documentário experimental baseado na obra de seu
tio, um dos maiores nomes das artes visuais brasileiras.
| entre rinhas e saraus
Uma programação intensa garante a permanência e o
fortalecimento do movimento hip-hop em São Paulo.
REpORTAGEM | você também pode ter uma...
Múltiplos e livros de artista tornam a arte mais acessível por
causa de seu valor, bem menor do que o de obras convencionais.
Além disso, são uma linguagem vigorosa das artes visuais.
CERTIDÃO DE NASCIMENTO | tinindo e trincando
Há 40 anos, um grupo de hippies deu à luz um clássico: o álbum
Acabou Chorare. Conheça a história e as histórias dos Novos Baianos.
RESENhA | unidos pelos extremos
O capixaba Silva e o carioca João Cavalcanti lançam seus álbuns
de estreia e marcam espaços distintos na MPB.
DEPOIMENTO | deixando macondo para trás
Escritores latinos falam de temas contemporâneos e criam obras
que passam longe do realismo fantástico, sinônimo da literatura
dessa região.
balaIO | férias em boa companhia
Seção de dicas traz opções de lazer e reflexão.
16
18
20
30
28
32
08
12
21
30

ACESSO RESTRITO | terruá pará
TEXTO patrícia colombo FOTOS patrícia stavis
o norte
é aqui
Festival traz cena musical efervescente a
São Paulo e colore o Auditório Ibirapuera
em três noites de festa
Com o intuito de difundir a música paraense pelo país, o festival Terruá Pará deu seus primeiros passos lá em 2006. O evento, que neste ano chegou à
sua terceira edição (a segunda foi realizada em 2011), reúne artistas tanto da velha guarda local quanto novos nomes que já ultrapassaram as fronteiras da
Região Norte. Conscientes do clima alegre inerente às suas canções, os orgulhosos paraenses há anos, portanto, fazem questão de pegar o avião rumo a
diversos pontos do Brasil, carregando consigo uma espécie de recorte sonoro de seu estado. “Não queríamos esperar que os jornalistas ou grande parte do
público fossem até o Pará conhecer alguns talentos. Decidimos criar o show, embalar muito bem e chamar as pessoas, visitando algumas capitais”, conta
Adelaide Oliveira, que divide a direção executiva com Ney Messias Jr.
Mas organizar as apresentações é dureza: imagine a logística de percorrer o país com equipe técnica somada a 50 artistas de faixa etária e agendas diferentes
– como foi em 2012, quando o evento passou por São Paulo, no Auditório Ibirapuera, entre 5 e 7 de outubro. Marcando o lançamento dos CDs e DVDs
das edições anteriores, o espetáculo trouxe em seu line-up nomes que integraram os outros dois anos, acompanhados de uma banda base. Artistas como
Nilson Chaves, Sebastião Tapajós, Paulo André Barata e Mestre Curica apresentaram suas produções musicais consagradas ao lado de Gaby Amarantos,
Gang do Eletro, Felipe Cordeiro e Lia Sophia. Pluralidade de gerações, de ritmos, de vozes, de cultura. Carimbó, siriá, tecnobrega, guitarrada, entre tantos
outros tipos sonoros. Uma festa celebrada de braços abertos por quem sente no peito a beleza musical encontrada aos montes pelo Brasil.
Festa particular
Dona Onete Engana-se quem pensa que a festa e o show só
rolam no palco. Ao circular pelo backstage do
Terruá Pará, é comum ver miniagitações nos camarins
enquanto os artistas se arrumam. E não
se trata de algum aquecimento: apenas festejos
dos bem genuínos mesmo, entre amigos. De um
lado, Dona Onete, Lia Sophia e Luê Soares, entre
um batom e outro, contam histórias, cantarolam
e caem na gargalhada. No Clube do Bolinha
paraense, situado na outra ponta do corredor,
o time de mestres Laurentino, Curica, Vieira e
Solano mistura percussão inusitada (sobrou até
para o recipiente de lixo!) e instrumentos de sopro
com os Metaleiros da Amazônia (formado
por Manezinho do Sax, Pantoja do Pará e Pipira
do Trombone). Troca de camisa aqui, batucada
acolá. Tinha até gente parada no corredor – músicos
e alguns integrantes da produção – para
ver, ouvir, fotografar e filmar a empolgação generalizada.
“Por aqui, temos esses encontros que
são simplesmente incríveis”, conta Lia Sophia. “E
eu divido o palco com o Mestre Solano, que tem
uma história linda de carreira na guitarrada.”
Felipe Cordeiro

Mestre Laurentino
ao vivo e em cores
Correria como em qualquer apresentação, mas uma espécie de harmonia
contagiante. Quem esteve presente em um dos três dias de Terruá
Pará em São Paulo teve noção de quão colorido e alto astral era o palco.
Mas, além do cenário, outro fator contribui em peso para o efeito
arco-íris: os figurinos – cuja consultoria fica a cargo de Sandra Machado.
Cuidadosamente pensado para cada um dos músicos, nada ali é blasé
ou básico. Os paraenses mostram como é viva sua cultura expressando-se
também por meio de suas vestimentas. Saias rodadas das mulheres
contribuem para o movimento hipnótico e sensual das danças,
e as cores se misturam divertidamente. O prateado de Gaby Amarantos
encontra o vermelho de Lia Sophia, que cruza com o amarelo e a delicada
flor no cabelo de Dona Onete. A Gang do Eletro chega com sua
característica maquiagem neon e roupas cuja elaboração conta até com
sucata – criando um efeito único. Mestre Laurentino ostenta chamativos
e numerosos anéis e até a Orquestra de Violoncelistas da Amazônia,
mais contida no preto, traz detalhes verdes e amarelos em seus trajes.
olhos atentos, corpo em movimento
O roteiro do show previa que a maior parte dos artistas subiria ao palco para duas canções com
a banda base e retornaria ao final da apresentação para a execução conjunta do “Pot-Pourri de
Carimbó”. Contudo, era interessante reparar que, com raras exceções, nenhum deles voltava ao
camarim. No máximo, descia para pegar algum lanche. Era comum presenciar uma concentração
dos músicos na coxia, curtindo o que estava rolando no palco e prestigiando uns aos outros
com aplausos e danças.
CONTINUUM
Luê Soares
Direto para o palco
Só Gaby Amarantos, atual sensação da música nacional,
ficou de fora da festa dos bastidores. Como era
a última a integrar o show, chegou ao Auditório no
fim da noite, atrasada, arrumou-se às pressas no camarim,
apenas acompanhada de sua equipe pessoal,
e logo se encaminhou ao palco, trajando um longo
vestido metalizado. Naquele momento, a maior parte
dos artistas já se encontrava na coxia para a reunião
de encerramento – que foi realizada após duas canções
de Gaby, “Gemendo” e “Merengue Latino”, ambas
do álbum Treme, lançado neste ano.
Gaby Amarantos
06 07

CAPA | mariana lima e drica moraes
Mariana e Drica em ensaio fotográfico
durante a temporada de A Primeira Vista,
no Itaú Cultural, em novembro

encontro
marcado
TEXTO gabriela rassy
FOTOS caio palazzo
Drica Moraes conhece Kike desde os 14 anos.
Já namoraram, atuaram, fundaram juntos a Cia.
dos Atores, no Rio de Janeiro, e hoje acumulam
30 anos de amizade. Mariana Lima é casada
com Kike há 15 anos. Paulistana, mora com
o marido e as duas filhas, Elena e Antonia, no
Rio. Conheceu Drica em meados dos anos 2000
durante as apresentações do espetáculo O Rei
da Vela, com a Cia. dos Atores, no Teatro Brasileiro
de Comédia (TBC), em São Paulo. A partir
desse ponto, as duas foram se aproximando até
se tornarem amigas e, hoje, parceiras de palco.
“Mariana é irresistível, é dessas pessoas que
você fica amiga muito rápido.”
Liga inicial entre as duas, o ator e diretor Enrique
Diaz, chamado pelos amigos de Kike, as uniu na
vida e as reuniu no tablado. Em cartaz desde março
de 2012, A Primeira Vista, dirigida por Diaz,
foi o primeiro trabalho no qual as atrizes se viram
juntas em cena. E o texto fala exatamente disto:
reencontros, amizade, amor, lembranças. Quando
o diretor decidiu fazer a montagem, a segunda
em que se vale de um texto do canadense Daniel
MacIvor, Mariana se candidatou logo de cara. O
convite deles à Drica veio justo no período em
que ela se recuperava de uma leucemia. “A gente
achou que era um momento para estarmos juntas
e fazer a nossa estreia em cena”, conta Maria-
CONTINUUM
O jogo cênico de Mariana Lima e Drica Moraes traz ao palco a renovação da amizade
das atrizes em sua fase mais madura
na. “A peça tem muito a ver com ela, com a atriz
que ela é.” Para as atrizes, a combinação entre as
duas foi muito bem-vinda, pois a dramaturgia
abraça personagens opostas em temperamento
e personalidade, tal como elas.
Drica transitou mais vezes entre comédia e drama,
entre televisão, cinema e teatro. Sabe como
fazer humor de um jeito mais ligeiro, mais rápido,
tem um timing maior. Ainda neste ano,
ganhou o Grande Prêmio do Cinema Brasileiro
por seu papel coadjuvante em Bruna Surfistinha
– o Filme, dirigido por Marcos Baldini. O
registro de Mariana está no drama, na tragédia,
nas construções mais bizarras. Na comédia, ela
tende para um lado mais negro, louco, absurdo,
como é o caso dos seus trabalhos com o Teatro
da Vertigem e, mais recentemente, com Pterodátilos,
peça do norte-americano Nick Silver e
dirigida por Felipe Hirsch, que lhe rendeu o Prêmio
Shell de Melhor Atriz em 2010. “Por mais
que a gente componha e faça tipos, tenha códigos
e estilos bem particulares, trabalhamos com
verdade absoluta e isso também nos une”, diz
Drica. Para a atriz, as duas articulam bem esses
opostos, tirando proveito disso. “É uma situação
em que o jogo cênico se estabelece muito bem,
porque ela não rouba em cena. Está sempre contribuindo,
jogando dentro da ação.”
Jornada dupla
“Você tem filhos? Só sei que muda muito a vida,
o tempo fica muito curto. Não tem essa de chopinho”,
diz Drica. Mariana concorda: “O complicado
é a jornada dupla, no trabalho e em casa.
Ficamos com pouco tempo de descanso. A vida
é outra, não dá para sair toda hora”. Realmente,
com tantas atividades entre palco, ensaios e
gravações para a televisão, as atrizes vivem em
um esquema bastante corrido. Logo após se conhecerem,
Mariana engravidou de Elena e Drica
tentava fazer inseminação artificial. Depois se encheu
e entrou na fila da adoção. “Tivemos sempre
esse viés de falar de crianças e de começo da
vida de adulta.”
Quando Drica adotou Matheus, hoje com 3
anos, Mariana já tinha duas filhas. Elas passaram
então a fazer mais coisas juntas e a viver
um mesmo assunto. São tantos encontros,
além das viagens com a peça, que Matheus já
chama Antonia de irmã. “A gente acaba pegando
um pouco desse afeto para a gente”,
diz Drica. Nesse embalo da maternidade, as
duas trocam experiências, falam sobre criação,
sobre como deixar que os filhos se virem
e também como é importante um pouco de
frustração diária na vida das crianças para
que cresçam bem.
09
08

CAPA | mariana lima e drica moraes
“ O palco sempre tem um pouco de loucura.
Uma loucura boa.” Drica Moraes
Nas viagens, quando possível, elas tentam conciliar
as famílias. Cada vez é uma história diferente: com
as crianças, com os pais, com o namorado da Drica.
“Tem essas oportunidades em que eles se juntam
enquanto a gente trabalha, então dá um clima Novos
Baianos – ou ‘velhos baianos’, no caso”, ri Drica.
duas palhaças
Em A Primeira Vista, a personagem de Mariana
é mais etérea, desligadona, lenta e até um pouco
bicho-grilo. A de Drica é pragmática, prática, racional,
rápida. Esse contraponto é nítido. São dois
papéis que carregam emoção, complexidade, mas
que têm o timing da piada. A definição das figuras
dramáticas veio num bilhete enviado pelo ator
Guel Arraes, após assistir a uma apresentação:
duas palhaças. Drica, a palhaça solar, e Mariana,
a lunar. “Tem mesmo uma coisa do circo, de fazer
ali na hora e de apresentar os truques ao público,
porque não tem cenários, figurinos ou grandes
mistérios”, explica Drica.
A Primeira Vista trata de um recorte de tempo
entre o passado e o presente, em que as personagens
reveem e revivem o período entre a juventude
e a vida madura. Fala do desafio de começar
algo novo, de se arriscar profissionalmente,
e também sexualmente, e de tomar decisões
afetivas. “Levamos para o ensaio muito da nossa
memória pessoal e nos reconhecemos um pouco
na estupidez que há no começar alguma coisa.
Como a gente erra, se atropela, faz escolhas erradas
no começo da carreira, da vida, ou como
deixa de fazer o que queria ter feito”, conta Drica.
A atriz acredita que o público, de um modo geral,
se identifica, assim como elas, com a beleza desse
momento de fragilidade que é sair da adolescência
e ingressar na vida adulta.
Nessa fase de buscas e mudanças, as personagens
decidem formar a banda Ukuleladies, referência
ao ukulele, instrumento que tocam em
cena. Uma queria, a outra acabou indo junto, e
elas começaram esse projeto musical meio falido,
já que não eram exatamente musicistas sensacionais.
Para o diretor, isso faz parte desse limite da
amizade e do amor, de fazer o que a outra quer,
mesmo sem querer muito.
Para Diaz, elas acabaram naturalmente levando
muito da peça para a vida pessoal. A Mariana
voltou a tocar baixo, as filhas se interessaram e
começaram a tocar. Até mesmo o ukulele passou
a fazer parte da vida de Mariana, que vez ou outra
toca o instrumento em casa. “Acho que tem um
limite muito tênue entre a arte e a vida. Como
nunca estamos de férias, acabamos vivendo muito
aquilo que fazemos”, aponta Mariana. Já Drica
namorou a música desde sempre. Fez alguns musicais,
estudou piano na adolescência e o ukulele
veio fazer parte desse universo musical.

CONTINUUM
A facilidade de incorporar os personagens à vida
também vem do estilo de dramaturgia de Daniel
MacIvor. Para Drica, ele escreve de um jeito inacabado,
no qual as personagens falam pérolas
de profunda sabedoria, travam um embate de
ideias complexas, mas de forma fluida, quase displicente,
coloquial. “A peça é muito leve. Parece
que nem foi escrita para o teatro, e sim que foi
improvisada”, analisa. Visualmente, é um espetáculo
bastante minimalista: pouquíssimos objetos
em cena, figurino composto de calça jeans
e camiseta, um fundo infinito. Nada interfere no
texto e no contato com o público. A direção de
Enrique Diaz inclui cenas em que as duas olham
nos olhos do público. “Isso gera uma atividade
profunda com a plateia, que é incluída no jogo
cênico. É como se eles tivessem um personagem
e contracenassem com você.”
A peça foi o primeiro trabalho de Drica Moraes
depois do câncer e, segundo Mariana, ela impressionantemente
teve muita energia para trabalhar.
O casal amigo criou as melhores condições possíveis
para desenvolver os ensaios: uma boa comida
e um bom ambiente, prazeroso, saudável.
“Às vezes, nós nos enfiávamos num porão, não comíamos
direito. Nesse caso, forçávamos a barra
para ter uma pausa para um lanche, para não ser
puxado demais, mas acabava que os workaholics
aqui ensaiavam seis horas por dia. E ela também
não arregava”, conta Mariana. “Eu falava: ‘vamos
parar, tem a Drica’. Mas por ela ia embora.”
Com o trabalho acontecendo, a atriz foi ganhando
tônus, agilidade, memória. Enrique Diaz conta
que era um momento em que eles queriam estar
próximos dela. “Foi leve, sensível. A peça teve
também essa ‘função’, de nos unir mais.” Para
Drica, o processo foi fundamental na sua recuperação.
Com todo esse aparato afetivo de trabalhar
entre amigos, ela se encontrou num lugar muito
seguro, pronta para poder enlouquecer de novo.
“O palco sempre tem um pouco de loucura. Uma
loucura boa”, diz.
“
Acho que tem um limite
muito tênue entre a arte e a
vida. Como nunca estamos
de férias, acabamos vivendo
muito aquilo que fazemos.”
Mariana Lima
11
10

entrevista | césar oiticica filho
”Se a gente
penSar naS coreS
que permeiam o
trabalho do hélio,
que São o vermelho
e o laranja, logo vê
que o temperamento
exploSivo dele
paSSou para a obra.”

A força propulsora de
hélio
oiticica
CONTINUUM
TEXTO mayara monteiro FOTOS daryan dornelles
Um dos pais do tropicalismo e referência do neoconcretismo no Brasil,
Hélio Oiticica viveu pouco, mas fez muito. Agora, ganha forma de documentário
experimental, dirigido por seu sobrinho, César Oiticica Filho
Hélio Oiticica é o filme que ganhou o prêmio de Melhor Longa-Metragem Documentário no Festival
do Rio em 2012. Dirigido por César Oiticica Filho, sobrinho do artista visual, ele refaz a trajetória
de 30 anos de atuação de Hélio e apresenta a intimidade do homem que viveu pouco,
mas intensamente, o grande mundo da criação artística.
Dividida em blocos, a obra mostra a infância do artista; sua participação no movimento neoconcreto;
a importância do samba em sua obra; os períodos que viveu em Londres e em Nova York;
a volta ao Rio de Janeiro, sua cidade de origem; e o processo de mistificação e desmistificação
das ruas, presente em sua obra.
“O som é a alma do filme”, enfatiza César, satisfeito com o resultado da montagem experimental
que reúne imagens, vídeos, texturas e a participação de artistas que conviveram com Hélio e
o homenagearam. As referências usadas pelo cineasta na concepção do documentário vão de
Serguei Eisenstein, Ricardo Miranda, Humberto Mauro e Ivan Cardoso (autor do documentário
H.O., de 1979) a Jards Macalé, Caetano Veloso, Johann Bach e Jimi Hendrix. A intenção, segundo
César, é apresentar o artista ao Brasil. “A essência do filme está em todas essas linguagens, criadas
juntas. O que é o filme? Não sei, não sei nem se é um filme. É um estado de invenção”, avalia.
13
12

entrevista | césar oiticica filho
O documentário conta a história de vida do seu
tio, Hélio Oiticica. O que você desejou mostrar
às pessoas?
CÉSAR OiTiCiCA FilhO: É um projeto de muito tempo
e foi feito em camadas. Gosto de falar isso porque, embora
seja um filme que acabou sendo classificado como
documentário, tem muito de experimental em vários sentidos.
Pode-se perceber isso tanto em relação ao som, com
uma trilha sonora que envolve a história de vida do Hélio,
quanto em relação às imagens que, ao mesmo tempo que
procuram dialogar com seu discurso, fazem várias homenagens
e referências. Além disso, a montagem cinematográfica
teve como objetivo apresentar o artista ao Brasil.
Como essas linguagens contribuíram para o resultado
do filme?
CÉSAR: O que dá o clima do filme é o som. Além das músicas
históricas, ele conta com a participação fundamental
do músico e compositor Jards Macalé. Quando nos encontramos
para gravar, Macalé me disse: “Você não sabe o que
eu encontrei”. Era uma música totalmente concretista que
o Hélio escreveu para ele, chamada “Puto Nem Gil”. Quando
gravamos, rolou um casamento incrível. Ele também
criou uma versão para “You Don’t Know Me”, que foi gravada
inicialmente pelo Caetano Veloso no álbum Transa,
também com arranjo de Macalé.
Como você definiria Hélio Oiticica?
CÉSAR: O Hélio não se interessava apenas pela filosofia
da arte. É claro que seu trabalho e discurso de alto nível
contribuíam, mas isso não quer dizer que ele falava só
com a classe média alta que entendia do assunto. Pelo
contrário, sua arte vem das manifestações populares, do
Carnaval. O mais interessante é o fato de ele conseguir
nivelar as classes sociais e transformar o objeto pictórico,
relativo ao quadro e à escultura, em algo fenomenológico,
inspirado nas relações humanas.
O que de sua personalidade refletiu mais intensamente
em sua obra e vice-versa?
CÉSAR: Se a gente pensar nas cores que permeiam o
trabalho do Hélio, que são o vermelho e o laranja, logo vê
que o temperamento explosivo dele passou para a obra.
Isso é bem interessante e me faz pensar no incêndio que
dizimou algumas obras do artista [ocorrido em outubro
de 2009]. As pessoas me perguntam por que não falei
dele no filme. Mas o fogo está presente no filme. A bólide
que é mostrada quer inflamar a obra com a cor. De tão
forte e pura que ela é, toma conta. As atitudes dele eram
assim. O filme pega fogo sozinho, com suas imagens.
Não abordei o incêndio porque a ideia do projeto é muito
anterior a ele – ficou mais de cinco anos na Ancine – e
retrata, acima de tudo, a vida do Hélio.
O que vocês conseguiram recuperar do incêndio?
CÉSAR: Ainda estamos recuperando. O restauro é difícil,
mas muita coisa já faz parte da exposição em Portugal
[Museu É o Mundo, em cartaz até o início de janeiro de
2013 em Lisboa; apresentada em 2010 no Itaú Cultural,
em São Paulo]. Muitos me perguntam sobre números,
mas não tenho como dizer porque até hoje estou recuperando
fotos. Eu abro um álbum carbonizado, mas quando
se conta há mais de 300 imagens que estão boas, que
podem ser digitalizadas e recuperadas. Algumas estão
perfeitas! Não posso ser leviano ao dar números se sou
eu o curador e minha função – claro que não sozinho – é
ter distanciamento e olhar crítico antes de dizer se determinado
material está bom mesmo.
Você falou que o filme funciona em camadas. Isso
significa que ele não é linear?
CÉSAR: Ele me parece bem linear, mas foi criado em
blocos. Glauber Rocha já falava muito sobre a montagem
nuclear. Eu não cheguei a usar por causa da própria
obra do Hélio – a saída do quadro para o espaço é
um núcleo, uma vez que a pintura está fragmentada em
vários pedaços que se agrupam e formam uma obra tridimensional.
Mas, quando montamos o filme, esse pensamento
me impulsionou a fazê-lo em blocos. Procurei
agrupar a obra e criar uma lógica que trouxesse sentido.
Ainda assim, ele não é totalmente linear.
E aonde você quis chegar com essa lógica?
CÉSAR: A ideia do filme é – inicialmente – apresentar
o Hélio ao Brasil, porque as pessoas não o conhecem.
É a mesma coisa que na Holanda ninguém conhecer
Van Gogh. Claro que é outra cultura, mas acho que aí
está a importância do documentário: precisamos reconstruir
a imagem do país. Nesse sentido, o filme é
um documentário, mas sua forma não é. Eu diria que
ele é um documentário experimental.
Como você amarrou as questões ideológicas que
seu tio defendia à mensagem que, como diretor e
produtor, quis transmitir às pessoas?
CÉSAR: Geralmente, a imprensa questiona, de forma
pejorativa, como consegui colocar cenas polêmicas,
de drogas e sexo, sendo parte da família. Na verdade,
foi bem fácil, porque minha família não é católica
nem protestante; então lidamos com isso numa
boa. A obra mostra a intimidade que um texto ou
uma exposição não conseguiriam retratar. Ele, como
narrador, torna o filme quase performático. Isso surpreendeu
as pessoas. Eu nunca quis fazer uma coisa
careta, mas tudo é um experimento. Fiz testes para
ver o que funcionava.
“o hélio não Se intereSSava
apenaS pela filoSofia da arte.
é claro que Seu trabalho
e diScurSo de alto nível
contribuíam [...], maS Sua
arte vem daS manifeStaçõeS
populareS, do carnaval.”

CONTINUUM
No filme, Hélio Oiticica declara: “O branco no
branco é o maior estado de invenção”. O que isso
quer dizer?
CÉSAR: Ele estava dizendo que a invenção era a força
propulsora de seu trabalho. Não existe ideia separada do
objeto, o que existe é a invenção.
Qual foi o momento mais “branco no branco” pelo
qual você passou no processo de criação do filme?
CÉSAR: Recuperei mais de 2 mil imagens do incêndio
que entraram no filme apenas em alguns pedaços.
É que o Hélio fotografava tudo em sequência,
sem editar, como se estivesse filmando, só que em
outra velocidade. O que eu fiz foi tentar dialogar com
o cinema e a parte sensorial, de fato o que me interessava.
No filme, o Hélio fala: “Eu não quero montar
nada”. No nosso caso é o contrário. Nosso filme
é totalmente montado. Então, peguei esse diamante,
que são suas fotografias, e transformei em branco no
branco, em cinema. Enquanto estava filmando, fiquei
aberto para o que acontecesse na hora. Não sabia se
ia ficar bonito, não tinha nada estabelecido. O filme é
como uma aula sobre o que é a arte. Quando se ouve
o Hélio falar sobre a arte, ele não está falando apenas
do trabalho dele, mas, sim, numa perspectiva mais
O cineasta César Oiticica Filho
mostra as várias faces do
criador dos Parangolés
ampla, do grande mundo da invenção. Talvez seja
esse o grande legado da obra e das ideias dele. Falar
isso hoje é muito importante. Muita gente acredita
que tudo já foi feito, que é só copiar. Mas não é assim.
Você conviveu muito com seu tio?
CÉSAR: Não, eu era muito novo e ele viveu pouco [morreu
aos 43 anos]. Mas, nesses 30 anos de trajetória, ele
fez muito. Todo mundo com quem conviveu conta que
ele convencia as pessoas de que elas eram artistas e as
colocava para trabalhar. Muita gente virou artista por
causa desse impulso. Ele inflamava as pessoas com essa
coisa de inventar algo.
Você pretende dar continuidade ao projeto?
Quais são os próximos planos?
CÉSAR: Como diretor e produtor do filme, o projeto está
encerrado, mas o trabalho do Hélio é um universo quase
inexplorado. A gente fez muito pouco ainda. Essa é uma
missão futura do Projeto Hélio Oiticica [associação que
cuida da obra do artista].
O filme termina com Hélio Oiticica falando de
sua relação com as ruas, sintetizada na ideia de
delírio ambulatório. Aonde você quis chegar com
esse desfecho?
CÉSAR: O Hélio dizia que “o delírio ambulatório, quando
ele não é patológico, ele é extremamente gratificante”.
Delírio ambulatório quase virou o subtítulo do
filme, mas era algo tão forte que acabaria apagando a
força do título, já que ele nada mais é que a alma desse
trabalho. O caminhar pelas ruas está relacionado ao
sentido de caminhar com o Hélio pela história, pelas
cidades, pela obra, pelo cinema, pela música. A essência
está em todas essas linguagens, criadas juntas. O
que é o filme? Não sei, não sei nem se é um filme. É um
estado de invenção.
15
14

MUSEUS DO MUNDO | mon
foto: Nelson Kon
TEXTO andré chiarati
Um museu vivo e em constante movimento. Assim
é o Museu Oscar Niemeyer (MON), dedicado
a exposições de artes visuais, arquitetura e
design. Com mais de 17 mil metros quadrados de
área expositiva, ostenta o título de maior espaço
cultural desse tipo na América Latina, além de ter
sido eleito recentemente um dos 20 mais belos
do mundo pelo site norte-americano Flavorwire,
especializado em cultura e crítica de arte. O
museu é a única instituição latino-americana
a integrar a seleta lista. “É um reconhecimento
valioso para todos, principalmente para aqueles
que idealizaram esse projeto e defenderam sua
importância; e para Oscar Niemeyer, que o desenhou
com seu traço singular e poético”, comenta
Estela Sandrini, diretora do MON.
Ao longo de dez anos de história, o museu já
realizou mais de 230 mostras e recebeu eventos
e exposições importantes, como o TEDx Curitiba
(2011), a Bienal Internacional de Curitiba
(2011) e exposições sobre dadaísmo e surrealismo,
Rembrandt e Tomie Ohtake. “A vinda de
mostras internacionais para cá e o dinamismo
da agenda fazem com que as pessoas se sintam
sempre estimuladas a voltar, porque sabem que
encontrarão, a cada visita, uma proposta diferenciada”,
avalia Estela. As 20 mostras temporárias
que passam pelo MON recebem por ano
mais de 200 mil visitantes, uma média de 25 mil
pessoas por mês.
Vários movimentos da cultura curitibana já pediam,
desde os anos 1990, um grande museu,
um lugar que pudesse receber as obras de arte
do estado. “Era a reivindicação por um espaço
que fosse completo e não fragmentado em
relação à cronologia, às linguagens e aos movimentos
artísticos, como eram os museus de
arte de Curitiba até então”, relembra Ricardo
Freire, historiador do MON. O espaço é administrado
pela Associação dos Amigos do Museu
Oscar Niemeyer (Aamon) em parceria com
a Secretaria de Estado da Cultura e possui um
acervo de mais de 3 mil peças, com obras dos
paranaenses Alfredo Andersen, João Turin,
Theodoro De Bona, Miguel Bakun, Guido Viaro
e Helena Wong, além de Tarsila do Amaral,
Anita Malfatti, Candido Portinari e do próprio
Oscar Niemeyer, entre outros.
O gigante Museu Oscar Niemeyer prepara três grandes mostras para celebrar uma
década de estímulo à arte na capital paranaense
Muito para ser visto
Para celebrar uma década, o MON preparou
uma programação especial com três grandes
mostras: Degas: Poesia Geral da Ação, com 73
esculturas do artista impressionista francês, do
acervo do Museu de Arte de São Paulo (Masp);
Di Cavalcanti, Brasil e Modernismo, retrospectiva
com 80 obras de um dos mais expressivos artistas
do período modernista da arte brasileira; e
PR-BR – Produção de uma Imagem Simbólica do
Paraná na Cultura Visual Brasileira, com obras
do acervo do museu.
Ocupa o “olho” um filho ilustre da terra dos pinheiros,
o poeta Paulo Leminski. Curitibano do
“leite quente”, Leminski saiu pouco de sua cidade
natal, mas sua obra ganhou dimensão dentro e
fora do Brasil. Em Múltiplo Leminski é possível
conhecer não só o poeta, mas o jornalista, o grafiteiro,
o polemista. A exposição é um recorte da
Ocupação Leminski: 20 Anos em Outras Esferas,
organizada pelo Itaú Cultural em 2009.
Como forma de estimular e democratizar o
acesso à cultura, o MON possui atividades
M OLhAR AtEntO
para a arte
O grande olho criado por Oscar
Niemeyer pode ser visto de
vários pontos de Curitiba

educativas, como oficinas, debates e fóruns
para os diferentes públicos que frequentam
o local. Desde setembro de 2012, na primeira
quinta-feira do mês, o horário de funcionamento
é estendido, das 10h às 20h, e entre 18h e 20h
a entrada é franca. Há, ainda, a ação chamada
Domingo Social, também com entrada franca
no primeiro domingo do mês, que traz outras
atrações para o museu, como apresentações
musicais e de dança e oficinas do projeto Artista
do Acervo – uma interação dos diferentes
artistas que têm obras na coleção do espaço e
que estão em atividade.
uMa obra espetacular
O prédio de concreto branco e iluminação zenital,
inaugurado em 1967 como Instituto de Educação
do Paraná, infelizmente nunca exerceu tal
função. Niemeyer, desgostoso por seu projeto
não ter sido executado em sua totalidade e ainda
ter sido usado para fins diferentes daqueles para
os quais fora idealizado, não fazia muita questão
de dizer que o filho era seu.
Mágoas à parte, em 2002, Jaime Lerner, arquiteto
e urbanista, ao final do seu segundo
mandato como governador (daí a pressa em
terminar a obra), propôs que o lugar abrigasse
um museu de arte contemporânea. Para tanto,
Niemeyer redesenhou um museu metamorfose,
que ocupava todo o edifício – com salas expositivas,
biblioteca, auditório e café. Ao pavilhão
branco, com 65 metros de vão-livre, foi anexado
um grande salão expositivo em formato de
olho (por isso o apelido de Museu do Olho),
para abrigar exposições fixas e itinerantes. Suspensa
em uma grande coluna – adornada por
azulejos assinados pelo arquiteto e com rampas
imponentes de concreto –, a torre chama a atenção
e pode ser vista de vários lugares da cidade,
fazendo dele um dos pontos turísticos mais
visitados da capital paranaense.
CONTINUUM
Vista do interior do museu
O principal desafio do MON foi readequar o prédio
e construir um anexo apenas alguns meses
antes de sua inauguração. “Será tão bem-sucedida
que o museu imaginado constituirá, sem
dúvida, uma obra espetacular”, sentenciou o próprio
Niemeyer ao descrever o projeto, que teve
suas obras iniciadas em junho de 2002. Quatorze
milhões de dólares e cinco meses depois, em 22
de novembro, surgia o novo museu, que, inicialmente,
abrigava o acervo do Museu de Arte do
Paraná (MAP) e do extinto banco paranaense Banestado.
Só em 2003 é que o espaço passou a se
chamar Museu Oscar Niemeyer.
O edifício integra o Centro Cívico de Curitiba,
primeiro a ser construído no Brasil, em 1953, encomendado
pelo governador Bento Munhoz da
Rocha como parte das homenagens ao centenário
de emancipação política do Paraná. O conjunto de
prédios, do arquiteto francês Alfred Agache, é parte
do projeto de urbanização desenvolvido para
Curitiba na década de 1950. Já a praça ao lado do
museu é uma das únicas peças executadas do plano
paisagístico de Burle Marx, de 1977. Hoje, a capital
paranaense acumula boas referências quando
o assunto é soluções urbanas bem planejadas,
aliadas às suas belas paisagens.
Atrás do museu há outro ponto turístico de destaque:
o Bosque João Paulo II – homenagem ao
papa que visitou a cidade em 1980 –, com uma
mata nativa de 300 araucárias. Fronteiriço ao bosque,
há um grande gramado também conhecido
como Parcão, que, aos finais de semana, recebe
os mais diferentes públicos: jogadores de futebol
americano, músicos, praticantes de corda bamba,
tribos das mais variadas e uma infinidade de
cachorros correndo de um lado para o outro. “Eu
costumo vir muito a esta parte do museu e nunca
havia entrado nele”, confessa Adriane Ribas, advogada,
que pela primeira vez, durante o mês de
aniversário do lugar, conheceu o interior do MON.
Jardim de esculturas
Não é raro ver diferentes manifestações artísticas
acontecendo dentro, fora e ao redor do
museu. Sejam grupos de adolescentes que
ensaiam passos de hip-hop, sejam fotógrafos
clicando ensaios artísticos ou músicos tocando
seus instrumentos. Todos se conjugam no
mesmo espaço. Depois de tantas idas e vindas,
hoje ele cumpre a função projetada por seu
criador: formar e educar, tornando o saber e a
arte mais democráticos.
Saiba mais sobre o museu em
.
fotos: Marcelo Kawase
17
16

políticas culturais | universidades de cultura
A gente não quer
só comida
Articulados em rede – e na velocidade da era digital –, multiplicam-se
cursos voltados à cultura que ultrapassam o universo acadêmico. E seus
alunos estão famintos
TEXTO pedro henrique frança ILUSTRAÇÃO eduardo burger

Existe por aí um papo sobre universidades de
cultura, mas não é apenas papo nem bandeira
eleitoral, é realidade e – no linguajar 2.0 – é viral.
As aulas, gratuitas, podem acontecer durante a
produção de um espetáculo, numa vivência na
Bolívia ou em Buenos Aires ou mesmo entre os
muros de uma universidade brasileira conceituada,
cuja concorrência em cursos tradicionais
ultrapassa 20 candidatos por vaga. O compromisso,
neste caso, depende da fidelidade consigo
mesmo e da vontade de escutar e interagir. Faltou?
Perdeu, playboy. E foi conteúdo.
Numa terça-feira, na UFRJ, pouco mais de 60
alunos da Universidade das Quebradas está em
aula. Em sua maioria, são “quebradeiros”, artistas,
pessoas que já trabalham com produção
cultural ou “ativistas, gente muito articulada”,
como resume a coordenadora Beá Meira – um
público de mestrado e doutorado acima dos 26
anos. Eles vêm da periferia, aprovados por edital,
e se misturam a alguns poucos selecionados
da zona sul carioca. “Mas isso aqui não é um
passatempo”, alerta Beá.
Em classe, os estudantes discutem prosa modernista
com o professor Fred Coelho, tema que se estenderia
nas aulas seguintes. Uma vez por semana, um
novo mestre. As trocas de ideias são alimentadas na
internet por artigos publicados por Beá Meira, também
editora do portal [universidadedasquebradas.
pacc.ufrj.br], até a nova aula presencial. É assim desde
2010, quando a Universidade das Quebradas foi
criada, fruto de um insight das pesquisadoras Numa
Ciro e Heloisa Buarque de Hollanda.
CONTINUUM
Orientanda de doutorado de Heloisa, Numa estudava
o rap quando constatou que as entrevistas
com as mães dos rappers davam a ela um conhecimento
tão empírico e profundo quanto o que
obtinha com especialistas. “Aí ela pensou em promover
encontros para a troca de saberes. Heloisa,
que já desejava montar um curso para reunir lideranças
sociais, abraçou a ideia e a viabilizou como
um curso de extensão da UFRJ”, conta Beá.
A extensão, concebida para tratar da história
da cultura, teve como foco inicial a literatura,
as artes visuais e a filosofia, mas já no primeiro
semestre do ano seguinte o teatro, o cinema, a
dança e a música foram incluídos. Outras universidades,
como as federais da Bahia e de São
Carlos e a privada Fundação Getulio Vargas do
Rio, também estão entre as instituições com
iniciativas semelhantes. Para Heloisa, o movimento
denota a necessidade de uma reformatação
no ensino e pode funcionar como uma
opção de formação.
“Dentro da universidade são várias as experiências
que começam a ser desenvolvidas no âmbito
das sub-reitorias de extensão, cuja missão é
articular a sociedade e as instituições de ensino
superior. Nesse escopo está o nosso projeto. Na
direção inversa, temos o trabalho do Observatório
de Favelas e a Universidade Fora do Eixo, que
pretendem a criação de redes colaborativas de conhecimento
fora das universidades. Sem falar em
outras frentes, como as Batalhas de Conhecimento,
ligadas aos grupos de rap”, enumera Heloisa.
De Dentro para fora
O Circuito Fora do Eixo implantou uma universidade
que não tem um campus, e sim vários –
cerca de 400, nenhum fixo. Não tem apenas um
curso, mas dezenas. Não há grade curricular, mas
o aluno acumula créditos, somados e colocados
em sua certificação.
Por meio de editais, o estudante se inscreve nos
cursos relacionados ao seu perfil, que vão desde
experiências de intercâmbio cultural – da Colômbia
ao México – a processos de produção cultural
de eventos e atividades em salas de aula, ocasionalmente.
“Nós não temos ano letivo, pois o
percurso é montado conforme a oferta”, explica a
gestora, Carol Tokuyo.
Todas as atividades são gratuitas e têm vagas
limitadas. Trabalho de conclusão de curso? Cortesia
da casa. E os estudos são interrompidos de
acordo com a vontade de cada um. “A ideia de se
formar é péssima, o objetivo é estar sempre em
processo de formação”, acredita Carol. E emenda:
“Se você quiser viver de cultura no país, uma
faculdade não tem tanta serventia; diploma acadêmico
para a cultura é algo desnecessário”.
Segundo a gestora, a demanda – “gigante”, ressalta
– vem de profissionais ligados à cultura.
“Mas também temos alguns jovens que querem
trabalhar na área e nos procuram como uma op-
ção de faculdade.” No primeiro dia de inscrição,
em agosto, foram mais de 500 interessados; três
meses depois já passavam de 3 mil inscritos.
reDe social: moraDa Do saber
Tanto os cursos de extensão vinculados às universidades
quanto entidades e outros pontos
de cultura não se isolam, somam-se. Todos eles
(mais de 30) estão reunidos na Universidade da
Cultura Livre (Unicult), espécie de consórcio de
instituições multilaterais integradas a um processo
de formação continuada na área cultural.
A internet é a plataforma base desse modelo alternativo
de educação, no qual a produção não
se restringe à academia e o conhecimento se espalha
rapidamente. “O paradigma de hierarquização
dos saberes e de formação de especialistas
está dando sinais de falência. A produção de
conhecimento novo hoje só me parece possível
através de processos colaborativos, compartilhados
e negociados. Portanto, essas iniciativas são
sintomas de que a mudança já está em curso”,
pondera Heloisa.
Na visão da pesquisadora Ivana Bentes, as experiências
proporcionadas pelo ensino livre “borram
as fronteiras entre formador/formando, professor/
estudante, potencializando as trocas. Assim, saímos
do ‘campus de concentração’ da escola e da
universidade fordista multidisciplinar para surfar
em outras experiências de formação”, acredita.
Para o escritor Celso Athayde, fundador da Central
Única das Favelas (Cufa), “o saber fora dos
muros da academia revela cada vez mais a sua
força e coloca-se como objeto democrático”. Mas
contrapõe: “O movimento não deve ter a pretensão
de substituir a educação formal sistematizada,
mas, sim, valorizar a cadeia produtiva da cultura
e da inovação, estimulando assim uma nova
identidade que transcenda a educação”.
O rumo da transgressão, porém, ainda encontra
desafios. Abranger toda a gama cultural de um
país tão rico como o Brasil é um deles. “Mudamos
o programa e os professores frequentemente
porque sempre achamos que não conseguimos
atingir o pluriverso”, diz Beá. No caso da
Universidade das Quebradas, em que o espaço
é aberto para o diálogo com a periferia, a falta de
estrutura e de oportunidade de bolsas também
surge como preocupação. “Lidamos com pessoas
que acreditam que pensar é importante, mas que
sobreviver é urgente”, diz Beá.
De olho no futuro, Ivana Bentes diz que as experiências
de formação livre “já estão se multiplicando
em todo o Brasil”. E dá o recado: “Muitas
têm metodologias que poderiam servir como
projetos pilotos de políticas públicas. O Brasil
pode passar diretamente da cultura oral para a
cultura digital, criar metodologias e dinâmicas
de apropriação tecnológica que potencializem o
pensamento. Essa pode ser a nossa contribuição
no campo da informação”, conclui.
19
18

Reportagem | leia para uma criança
de pai
para filho
TEXTO débora almeida
“Era uma vez um reino muito, muito distante...” Quem nunca ouviu, quando
criança, essa frase dita por um adulto? Ela era a porta de entrada para
um mundo de fantasias, que a cada noite alimentava nossa imaginação
antes de cairmos no sono. Pensando no incentivo ao hábito da leitura, a
Fundação Itaú Social criou, em 2010, o programa Leia para uma Criança,
que distribui livros infantis para que os pais leiam para os filhos. A iniciativa
parte do princípio de que ouvir histórias nos primeiros anos de vida
tem efeitos surpreendentes na educação e na comunicação.
O programa entrega na casa de pais, voluntários de organizações sociais
e professores um conjunto de títulos recomendados por educadores e especialistas
em educação infantil, além de dar dicas de leitura e de atividades
para fazer com a criança [ver box]. Mais de 22 milhões de exemplares
já foram distribuídos. Neste ano, foram disponibilizados os títulos Lino, de
André Neves (Callis); Poesia na Varanda, de Sonia Junqueira (Autêntica);
e O Ratinho, o Morango Vermelho Maduro, e o Grande Urso Esfomeado,
de Don e Audrey Wood (Brinque-Book). Valéria Riccomini, diretora da
Fundação, afirma que a ação é direito básico das crianças. “Ler para elas
faz parte não só de sua preparação para a aprendizagem, mas ajuda no
desenvolvimento socioafetivo, quando se vê a relação que criam com um
adulto. Além disso, incentiva a inventividade, trabalha os medos, entre outros
benefícios”. Em recente pesquisa encomendada pela instituição para
o Datafolha, apesar de 96% dos respondentes acharem que é importante
ler para uma criança, apenas 37% têm o hábito.
A educadora Daniela Mott, que trabalha com leitura em sala de aula para
crianças de 4 anos, avalia que é possível ver o desenvolvimento dos alunos
com o passar do tempo. “No início eles ficavam um pouco tímidos e
apenas ouviam, mas ao se familiarizarem adquiriam confiança e admiração
em relação ao adulto.” Ela sempre propõe aos alunos, após a leitura, que
inventem um final diferente para a história. “Peço que acrescentem um personagem
e eles adoram, conversam entre si, dramatizam. Isso cria um vínculo
de amizade e carinho entre o adulto e a criança.” De sua experiência,
conclui que as crianças não alfabetizadas conseguem, de maneira surpre-
Programa distribui livros em todo o país para incentivar
o hábito da leitura em crianças
endente, observar, imaginar e criar algo diferente, aprendendo facilmente a
converter palavras em ideias.
Segundo a Fundação Nacional de Leitura Infantil dos Estados Unidos
(National Children’s Reading Foundation), ler durante 20 minutos por
dia para os filhos nos primeiros cinco anos de vida é o equivalente a 600
horas de pré-alfabetização. De acordo com estudos dessa entidade, ler
“conecta” as células do cérebro em redes que depois facilitarão a leitura
quando a criança estiver sozinha. Ela vai poder distinguir sons (percepção
de fonética), reconhecer letras e elaborar estratégias para descobrir
novas palavras (decodificação), desenvolver habilidade para entender o
que os termos significam em referência ao mundo real (criar contextos),
além de desenvolver um bom vocabulário oral (aproximadamente 5 mil
palavras, ainda no jardim de infância).
Saiba mais em .
Como formar o pequeno leitor
Veja dicas do leia para uma Criança
> Tenha conversas frequentes com seu filho. Ouça-o e faça perguntas
cujas respostas precisem ser mais que uma ou duas palavras.
> Leia ao menos 20 minutos por dia. Reserve um horário e tente mantê-lo.
Torne o hábito prazeroso para ele e para você.
> Deixe os livros ao alcance das mãos, em todos os cômodos da casa. Livros
devem ser usados e não guardados.
> Dê o exemplo e leia você também. É com o exemplo que aprendemos.
> Frequente livrarias e bibliotecas. Presenteie com livros, gibis ou revistas.
> Incentive seu filho a contar as histórias que ouviu a outras pessoas.
> Pais que não são leitores fluentes ou não gostam de ler podem contar
histórias de sua própria vida, de sua imaginação, ou criar narrativas com
imagens de livros ilustrados.

ntrE
rinhas e saraus
Encontros de poesia e batalhas de MC fortalecem a cena paulistana do rap
TEXTO mariana de andrade FOTOS paulo papaleo
Guilherme “13”, frequentador
da Batalha do Santa Cruz,
em São Paulo
CONTINUUM
Reportagem | ritmo & poesia
20 21

Reportagem | ritmo & poesia
“No meio do caminho tinha uma pedra, tinha uma
pedra no meio do caminho.” Quando Felipe Rima
ouviu esses versos pela primeira vez, identificou-
-se na hora. Para ele, a tal pedra era o crack, droga
que, desde pequeno, via desestruturar sua família.
Antes de conhecer a poesia de Drummond,
Felipe já escrevia versos – mas em forma de ritmo
& poesia, ou rap. O poeta e rapper compartilhou
sua história de aproximação com o gênero literário
no Sarau Suburbano, evento realizado todas
as terças no bairro paulistano Bixiga. Como diversos
saraus em São Paulo, o Suburbano vem se
tornando um ponto de encontro importante para
a cena do rap da capital. Os MCs se apossam do
espaço para, além de ouvir e recitar trabalhos, divulgar
eventos e fazer contatos.
Outro fiel frequentador do Bixiga é Fabio Duarte
Gomes, o Fabio Boca. O rapper, que faz parte do
DiQuintal – mesmo grupo do MC Amiri, uma das
novas apostas da cena –, foi selecionado neste
ano para representar o Brasil na 9ª Copa do Mundo
de Slam. A competição, realizada na França,
reúne poetas de diversos países que declamam
versos de autoria própria a um júri e a uma plateia.
Para Boca, os encontros de poesia foram um
divisor de águas, porque despertaram o hábito
da leitura e uma cobrança maior com o próprio
trabalho. Mas isso não significa que o rap tenha
tomado um discurso menos carregado de crítica
social – o rapper cresceu ouvindo Racionais MC’s
por influência do tio, que foi assassinado. “O prazer
da leitura abre um portal para novas linguagens,
para um novo dialeto misturado ao que a
gente traz da rua. Na verdade, a linguagem não
se tornou mais sutil; é que hoje a gente está com
mais bala no pente, porque existem argumentos
que a gente sabe usar e ouvir – então ela ficou
mais rica”, acredita. Boca também não perde o
Sarau Rap, evento realizado no Centro Cultural
São Paulo, no qual rimadores e rimadoras declamam
suas letras sem o apoio musical. Apresentado
por Sérgio Vaz, da Cooperifa, o sarau conta
ainda com pocket shows de grupos da cena do
rap, novos e veteranos.
Se os anos 1990 foram marcados pela ascensão
do rap no Brasil na voz dos Racionais MC’s, com
a tônica direta da crítica social, os anos 2000 revelaram
nomes como Emicida, Projota e Rashid
– uma geração conhecida por explorar novas
linguagens e temáticas. No entanto, para quem
vive o movimento hip-hop, a pluralidade no rap
nacional sempre existiu. “Naquela época o SNJ
era muito diferente dos Racionais, que eram
muito diferentes de RZO, DMN e Consciência
Humana. Cada um tinha uma cara, só que por
baixo muita gente fazia igual, inclusive eu”,
brinca Projota. O rapper dá uma pista do que
pode ter mudado de lá para cá. A internet facilitou
a busca por mais influências e pelo conhecimento.
Hoje você vê influências do funk e
o soul, totalmente presentes nas novas músicas
do Mano Brown, na levada e também nos temas
que ele tem abordado. Ele é uma máquina de
evolução e realmente não fica parado”.
O freestyle
Em meados dos anos 2000, a Galeria Olido, no
centro, era um dos únicos pontos de encontro
dos apreciadores de rap em São Paulo. Os eventos
do gênero na cidade se tornaram escassos
após o boom da cena nos anos 1990 e muitos jovens
sentiam falta de um local onde pudessem
trocar informações. Para suprir essa demanda
um grupo de amigos resolveu montar, próximo
ao metrô Santa Cruz, uma competição de rap
de improviso. Inspirada na Batalha do 1 Real, organizada
no Rio de Janeiro, a Batalha do Santa
Cruz se tornaria o primeiro encontro regular de
freestyle da cena paulistana.
Com o apoio do beatbox [arte de reproduzir sons
de instrumentos de percussão com a voz], cada
MC tem 30 segundos para rimar e a plateia é
quem julga. A disputa pode chegar até o terceiro
round, caso um dos MCs não ganhe duas sessões
consecutivas. Na primeira edição da Batalha, em
fevereiro de 2006, o vencedor foi Leandro Roque
de Oliveira, que mais tarde ganharia a alcunha de
homicida de MCs, ou – como preferiu ser chamado
– Emicida. Além dele, os principais nomes da
nova geração passaram pelo local.
Batalha do Santa Cruz,
primeiro encontro regular de
freestyle em São Paulo

“Fazer contato, conhecer gente, era o mais importante.
O que mais me enriqueceu na época não
foram as batalhas que ganhei, mas as pessoas que
conheci e os momentos que vivi”, diz Projota. E um
dos amigos que fez foi Emicida. Ao final das batalhas,
voltavam juntos, de metrô, para a zona norte
de São Paulo. O freestyle também ajudava na presença
de palco. “Naquela época, a gente não tinha
onde cantar, não tinha show para fazer e nunca subia
num palco. Quando eu fazia improviso, tinha lá
umas 200 pessoas, paradas, olhando para mim.”
Parecido com o repente, as batalhas de freestyle
exigem que o MC saiba agradar ao público. A preocupação
é desestabilizar o oponente – criticando
sua roupa ou a falta de habilidade com as palavras,
por exemplo. As referências ao hip-hop no
discurso dos MCs também chamam a atenção da
plateia julgadora, mas, sem dúvida, apropriar-se
da fala do adversário e soltar uma resposta superior
conta mais pontos, porque demonstra que o
rapper realmente domina a arte do improviso.
Hoje há diversas batalhas por São Paulo. Apesar
da importância delas para o rap paulistano,
Marcello Gugu, membro do coletivo que organiza
a Batalha do Santa Cruz, acredita que existam
outros elementos consolidadores da cena, até
porque muitos rappers não se propõem a batalhar.
“O freestyle nasce e morre no momento, o
que vai perpetuar e fazer seu nome é a música.
Batalha dá uma visibilidade muito boa, mas tem
o lance da transição, de mostrar liricamente que
você escreve melhor do que faz freestyle. Quando
você escreve, tem tempo de lapidar cada ideia,
de se aprofundar mais e ser genial”, explica.
Poucos meses depois de iniciada a Batalha do Santa
Cruz, em 2006, o rapper Criolo e o MC e DJ Dan
Dan resolveram criar um evento que agregasse,
além da batalha de improviso, shows, grafite e outras
manifestações artísticas. Estava criada a Rinha
dos MCs. Nela, os rappers usam microfone e de-
CONTINUUM
encontro informal dos repentistas
contemporâneos
garante a renovação do rap
vem acompanhar a batida dos DJs. Hoje é um dos
eventos mais tradicionais da cena do hip-hop. Para
Dan Dan, “se você prestar atenção, o hip-hop, o rap,
está mudando a cena musical brasileira. E não é só
por causa do Criolo. Tem o Rael da Rima, o próprio
Emicida e uma galera chegando com outra musicalidade,
porque o rap sempre teve essas misturas”.
No entanto, o DJ deixa claro que a variedade
de vertentes não altera o caráter ideológico do rap.
“Em qualquer grupo sempre vai ter o discurso ideológico,
por mais que tenha dez músicas falando
de amor e só uma frase falando de mudança, porque
isso está enraizado no rap, é natural.”
O mercadO dO rap
De forma geral, shows, batalhas e saraus são os
locais onde os MCs desconhecidos de São Paulo
conseguem divulgar e vender suas mixtapes – CD
produzido de forma mais artesanal e independente.
Nesses eventos, muitos acabam conhecendo
produtores, beatmakers e rappers e criando parcerias
para o futuro. Emicida, por exemplo, trabalha
atualmente em seu primeiro disco, após ter lança-
“O que mais me enriqueceu
na épOca nãO fOram as
batalhas que ganhei, mas
as pessOas que cOnheci e Os
mOmentOs que vivi.”
prOjOta
do quatro mixtapes e alguns singles. Evandro Fióti,
irmão e sócio do rapper no selo, produtora e loja
virtual Laboratório Fantasma, acredita que esse era
o único caminho disponível para os rappers. “Isso
foi mais necessário no rap porque a gente sempre
teve as portas fechadas. Se você não fizesse o próprio
negócio, não divulgasse sua música e não visse
uma forma de distribuir, ficava engessado, porque
as gravadoras não aceitavam. Hoje, com esse
boom, você até recebe propostas e rola uma maior
aceitação. Mas anos atrás era impossível.”
O selo, que também tem acordos com os rappers
Ogí e Rael e com a banda Mão de Oito, já vendeu
mais de 50 mil discos. Além do trabalho na rua,
Fióti aponta, como Projota, a tecnologia como
grande aliada do rap atual. “A internet ajudou
muito a entregar a nossa música. O que a gente
faz é isto aqui; se quer ou não é você quem vai determinar.
A abertura da grande mídia – fazendo a
gente chegar a milhões de pessoas – é o que mais
ajuda, mas são todas essas pequenas iniciativas
juntas que fazem o caldeirão pegar fogo”.
22 23

Reportagem | múltiplos e livros de artista
Você também
pode Obras reproduzíveis ganham espaço em museus portáteis e
lojas à margem do circuito tradicional das artes visuais
ter uma...
TEXTO leonardo foletto
Em pleno século XXI, quando se fala em artes
visuais, a primeira lembrança ainda é a de
museus e galerias, espaços que costumamos ir
para contemplar uma obra de arte. Dentro deles
é que, na maioria das vezes, apreciamos, viajamos,
nos surpreendemos com um trabalho, ou
refletimos sobre ele, não importa de qual técnica
ou de que meio ele seja. Costumamos imaginar
que será uma rara oportunidade ver tal obra
em determinado lugar, e para isso nos preparamos.
A menos que sejamos colecionadores ou
galeristas, podemos sonhar em levar uma obra
para casa, certo?
Bem, não necessariamente. Desde o início do século
XX, com as vanguardas históricas (futurismo,
dadaísmo e surrealismo) e com a evolução tecnológica
da reprodução, sabemos que uma obra de arte
pode ser, sim, manipulada, remexida e, até mesmo,
“levada para casa”. A partir do pós-modernismo
das décadas de 1960 e 1970, tornaram-se populares
obras com tiragem (pequena ou grande) maleáveis
e reproduzíveis, que se costumou chamar de múltiplos
– termo utilizado para identificar “um tipo de
produção que tem como um dos princípios norteadores
a disseminação da obra de arte, tornando-a,
pelo procedimento da multiplicação, um bem de
consumo acessível a um público mais vasto”, como
explica Regina Melim, artista e professora do Departamento
de Artes Visuais da Udesc (SC).
De Lygia Clark a Paulo Bruscky, passando por
Hélio Oiticica e Antonio Dias, boa parte dos artistas
brasileiros dos anos 1950 para cá realiza,
ou já realizou, trabalhos cuja tiragem é ampla e
reproduzível. A ideia de reprodução e tiragem
desperta outro interesse no público, que vai
desde a possibilidade concreta de colecionar –
especialmente quando se fala de publicações
de artistas, livros ou pequenas brochuras com
tiragem limitada – até a de “brincar” com a obra.
Sendo reproduzível, a criação artística perde
a aura do não-me-toques tradicionalmente comum
a quadros e esculturas e passa a poder ser
manipulada livremente.
EXPOSIÇÕES PORTÁTEIS
Para apresentar esses múltiplos, não raro profissionais
da arte têm procurado fugir do formato
tradicional dos museus e optado por exposições
portáteis, que podem ser levadas a vários
lugares. Regina é uma das artistas que recentemente
passaram a investir nesse nicho: criou,
em 2006, a plataforma par(ent)esis, com o objetivo
de produzir e editar projetos artísticos e
curatoriais em formato de publicações. Alguns
dos trabalhos que já realizou nesse formato são
PF (2006); amor: leve com você (2007); Coleção
(2008); Conversas (2009); e Projeto A2 – Diego
Rayck. “São mostras para ser feitas no espaço
de uma publicação e que denomino exposições
portáteis”, diz a professora, em texto publicado
no XXX Colóquio do Comitê Brasileiro de História
da Arte.
LOJA foi, talvez, o principal projeto curatorial da
par(ent)esis. Criado em 2009, ele contemplava
um conjunto de publicações de artista e objetos
múltiplos, vindos de todas as regiões do país e,
agrupados em uma exposição itinerante (“loja”),
que circulou pelo Brasil e pela qual passaram artistas
como Paulo Bruscky, Hélio Fiorenza, Fábio
Morais, Michel Zózimo e Grupo Poro. A mostra
ocupava um espaço físico (que podia ser um ateliê,
uma sala na universidade ou uma galeria de
arte) e os objetos reunidos (como livros, revistas,
jornais, CDs, DVDs, cassetes, vinis, xerox, cartazes,
postais, objetos múltiplos e adesivos) ficavam
à disposição do público.
As exigências para os artistas que tinham seus
trabalhos vinculados ao projeto eram doar um
exemplar para acervo (a que o público teria acesso)
e o valor da obra não ultrapassar 300 reais.
Regina explica melhor seu trabalho no livro Estratégias
Expansivas: Publicações de Artistas e
Seus Espaços Moventes, de Michel Zózimo, produzido
com Bolsa Funarte de Estímulo à Produção
Crítica em Artes Visuais: “O nome LOJA e
a ideia de fazer uma exposição que fosse como
uma loja surgiu a partir dessa busca de atender às

Detalhe da instalação do
projeto curatorial LOJA, do
coletivo par(ent)esis
SenDO RePRODuzíveL, A cRIAÇãO ARTíSTIcA PeRDe A AuRA DO nãO-
Me-TOqueS TRADIcIOnALMenTe cOMuM A quADROS e eScuLTuRAS
e PASSA A PODeR SeR MAnIPuLADA LIvReMenTe.
exigências que eu mesma colocava: possibilitar
um acesso mais direto, mais próximo, do espectador
e de este poder levar para casa cada uma das
exposições-publicações. […] Porque o que sempre
me interessou nos procedimentos artísticos, cujos
formatos são o de publicações, é a possibilidade
de poder multiplicar, de ser uma série que se estende
e passa a lidar com outros valores, menos
extorsivos, muitos deles tão ínfimos que qualquer
um pode possuir. Nunca me interessei por publicações
que se apoiam em tiragens mínimas como
uma qualidade que as singularizam. A força está
na circulação e na expansão do circuito”.
No Brasil, o “mercado” de múltiplos vendidos
em galerias ainda é incipiente. Algumas das
que trabalham com os objetos são a Tijuana,
inaugurada em 2007 junto da Galeria Vermelho,
em São Paulo, e a Banca, ligada à galeria
Mariana Moura, no Recife. Exemplos de trabalhos
de destaque em exposições portáteis
são Espaço de Bolso (2003), múltiplo dobrável
impresso em offset, de Maria Lucia Cattani; Biblioteca
de Bolso (2008), maleta biblioteca de
Luciana Paiva; Projeto Malote (2005), maleta
de Luana Veiga, que viaja pelas cidades carregando,
coletando e expondo trabalhos portáteis
de diferentes artistas; Sofá, publicações coletivas
coordenadas por Raquel Stolf desde 2004;
e Arquivo de Emergência, projeto pesquisa da
arquivista Cristina Ribas.
MÚLTIPLOS DOBRADIÇOS
No I Seminário de Copesquisa em Arte, realizado
durante três dias de outubro de 2012 no Centro de
Artes e Letras da UFSM (RS), um grande bloco de
metal instalado no hall do prédio que abrigava o
evento chamava a atenção: era uma exposição itinerante,
com algumas pequenas obras de arte que
CONTINUUM
poderiam ser levadas para casa, em troca de uma
ação proposta pelo artista.
As ações “pedidas” em troca das obras tinham
a ver com o trabalho exposto. Por exemplo: para
levar o Álbum Volume II Fotografia Velada, uma
pequena caderneta impressa com 16 descrições
de fotos que não aparecem, de Michel Zózimo
e Fernanda Gassen, o visitante precisava deixar,
por escrito, a descrição de uma foto – fosse ela
real, fosse fruto de sua imaginação imediata. Entre
as dezenas de descrições deixadas ao lado
da obra, algumas eram poéticas e engraçadas,
outras pitorescas, pornográficas ou oníricas e
fotos: Paulo Fernando Machado
também muitos escritos típicos de banheiros públicos.
Tudo valia.
A exposição foi realizada no Múltiplo SD, projeto
portátil destinado a exposições alternativas de
obras reprodutíveis criado em Santa Maria pelos
artistas do grupo Sala Dobradiça (saladobradica.
art.br), que trabalham com espaços recombinantes
e obras múltiplas e colaborativas desde 2008.
Como explica Alessandra Giovanella, integrante
do grupo, “as exposições do Sala Dobradiça mantêm
as noções espaciais, conceituais e constitutivas
do grupo e moldam-se também pela ideia de
recombinação e espaço expositivo móvel, suscetível
a interferências, montável e itinerante”. Nesse
contexto do Dobradiça, as obras de Zózimo
caíram como uma luva.
Diferentemente do que alguns imaginam, os múltiplos
não estão, necessariamente, ligados à popularização
da arte. Paula Braga, curadora e doutora
em filosofia pela FFLCH/USP, diz que a ideia de
popularização é, até mesmo, perigosa: “Para que
popularizar a arte? Para as pessoas terem uma
obra de arte do mesmo jeito que elas têm uma televisão
ou um carro popular? Arte não é produto.
Eu não preciso comprar para ter uma bela obra
de arte”, explica. Para Paula, as galerias que trabalham
com múltiplos não optaram por eles devido
ao baixo valor: “Se você começa a pensar em múltiplo
para ser barato, acaba instrumentalizando
a arte como produto. É múltiplo porque nasceu
múltiplo”. Zózimo tem uma fala parecida sobre o
assunto: “Os múltiplos se inserem numa camada
que, como obras tradicionais, não entrariam. Mas
não penso na democratização como uma ideia
política. Faço as publicações que gostaria de comprar
e não as encontro”, observa.
Saiba mais sobre múltiplos consultando o verbete
relativo ao tema na Enciclopédia Itaú Cultural de Artes
Visuais (itaucultural.org.br/enciclopedias).
Vista da Sala Dobradiça,
projeto portátil
do grupo homônimo
25
24

CERTIDÃO DE NASCIMENTO | acabou chorare
Copos de diversas cores e tamanhos, bule, panela,
talheres jogados a esmo em uma superfície
suja. Assim os músicos dos Novos Baianos apresentaram,
há quarenta anos, a capa do álbum que
viria a ser sua obra-prima: Acabou Chorare, produzido
por João de Araújo e Eustáquio Sena e
gravado pela Som Livre.
O LP de 1972 recebeu da revista Rolling Stone,
em 2007, o título de Maior Álbum da Música
Brasileira de Todos os Tempos. É uma ode à
alegria, percebida antes mesmo de escutar seu
conteúdo, na leitura das palavras do título. Entre
as curiosidades e histórias que o cercam
tinindo
e
trincando
O disco Acabou Chorare, dos Novos Baianos, completa quatro décadas e continua a ostentar
o título de um dos maiores álbuns brasileiros de todos os tempos
TEXTO gustavo angimahtz ILUSTRAÇÃO indio san
está o fato de que seus músicos viviam em uma
comunidade alternativa.
À época do lançamento, dois anos após o do primeiro
álbum (Ferro na Boneca), os baianos arretados
– Baby Consuelo (voz), Moraes Moreira (letras
e violão), Pepeu Gomes (craviola, guitarra e voz),
Luiz Galvão (letras) e Paulinho Boca de Cantor (voz)
– coabitavam parte do tempo um sítio em Jacarepaguá
(batizado de Recanto do Vovô) e outra parte um
apartamento em Botafogo, ambos no Rio de Janeiro.
Eram vistos pela sociedade como hippies estranhões.
Pediam esmola nas ruas para pagar as
contas e, quando o valor arrecadado ultrapassava
o que precisavam, doavam a qualquer cego ou bêbado
que passasse por eles. O restante da banda,
que também vivia no sítio, era formado pelo baixista
Didi, pelo baterista e cavaquinista Jorginho Gomes
e pelos percussionistas Baixinho e Bolacha.
Quando lançou o segundo álbum, o grupo já
contava com a presença de nomes como Tom
Zé, que ensinou Moraes Moreira a tocar violão
e o apresentou a Galvão; o pai da bossa nova
João Gilberto, que os guiou na confecção da
obra; e Caetano Veloso, que os recomendou à
Som Livre. Posteriormente, os Novos Baianos

Só Somente Só
[...]
Entre o primeiro LP e este
Entra João Gilberto
(pausa)
O dom eles já tinham
Agora o som mais perto,
Mais experto mais
Certo
[...]
(Augusto dos Anjos, em poema que consta no
encarte do álbum Acabou Chorare, anuncia o
novo som que traria mudanças na concepção
da música popular brasileira para sempre.)
viriam a arrancar elogios de celebridades musicais,
como Astor Piazzolla, Gilberto Gil, Cazuza
e Jorge Mautner. Mal sabiam eles que a mistura
de samba, bossa, psicodelia e rock iria enlouquecer
gerações, não apenas naquele tempo,
mas durante décadas.
O disco traz sucessos como “Brasil Pandeiro”, de
Assis Valente, sugestão de João Gilberto; “Preta
Pretinha”, de lírica repetitiva e instrumentação
forte e crescente; “A Menina Dança”, que mascara
críticas à ditadura na doce e ao mesmo tempo ácida
voz de Baby Consuelo; “Besta É Tu”, hit atemporal
usado na trilha sonora do premiado longa
brasileiro Durval Discos; e a faixa homônima
“Acabou Chorare”, mais íntima à bossa nova de
João Gilberto, pelo seu arranjo minimalista e introvertido.
Esta última ficou por mais de 30 semanas
nas paradas de sucesso das rádios de todo o
país. As outras faixas comportam-se de forma tão
ou mais envenenada, em razão da mistura de timbres
e da complexidade dos arranjos, como em
“Tinindo, Trincando”, “Mistério do Planeta”, “Um
Bilhete pra Didi” e “Swing de Campo Grande”.
Um ingrediente especial da sonoridade do disco
– além das leves pitadas de bossa cuidadosamente
espalhadas por todo o trabalho – é o uso da craviola.
Trata-se de um instrumento de 12 cordas
projetado por Paulinho Nogueira, de som forte e
limpo. Há também a inserção de solos virtuosos
de guitarra em diversas músicas, que agregaram
mais peso ao som do pandeiro, do violão e
da percussão, aproximando o timbre instrumental
da voz aguda e alegre de Baby Consuelo. A
combinação conferiu ao disco uma originalidade
sonora que resiste até hoje. Em “Mistério do Planeta”,
por exemplo, ritmos diversos e sincopados
deságuam num solo inconfundível de guitarra.
Uma das histórias mais esotéricas entre as milhares
que Acabou Chorare esconde é a da música
CONTINUUM
“Swing de Campo Grande”, que fala sobre invisibilidade,
segundo Paulinho Boca de Cantor. A pauta
da canção surgiu do encontro entre o músico e um
rezador, que os orientou a “olharem para si próprios,
virarem moita e virarem touca”. Acatando ao
pé da letra a profilaxia do rezador, a banda passou
cinco anos sem pagar IPVA e nunca foi pega pela
ditadura, além de usar sem economia as expressões
“virar moita” e “virar touca” na letra da canção.
O título Acabou Chorare é um invento inocente e
literalmente acidental de Izabel Gilberto de Oliveira,
ou Bebel Gilberto, cantora e filha do compositor
João Gilberto. Quando criança, ela caiu no chão e
seu pai foi acudi-la. Para não preocupá-lo, já que
João estava em meio a um ensaio com os Novos
Baianos, Bebel proferiu: “Não machucou, papai,
acabou chorare”, misturando português, espanhol
e inglês, miscelânea de idiomas possibilitada por
suas viagens com o pai. Para Baby, o nome representava
o fim da tristeza no cinzento regime militar.
O contato com João veio por meio de Galvão, já
que os dois eram conterrâneos de Juazeiro (BA) e
amigos de infância. João Gilberto se tornou o padrinho
do álbum – ou “produtor espiritual”, como
os baianos gostavam de chamá-lo – e botou seus
dedos nas composições, criou arranjos e acompanhou
desde o início o projeto, a canção homônima
do disco e a turnê que viria a seguir. Quando em
determinado momento a polícia ameaçou prender
os baianos por vadiagem, João funcionou novamente
como guru e tratou de acalmar a trupe: “Não
esquentem, não. Vamos continuar o som. Vamos
continuar o sonho”, disse o compositor.
E no que dá misturar a calma e o silêncio de João
com o frenesi de Baby Consuelo? A resposta é
Acabou Chorare. Luiz Galvão conta no livro Novos
e Baianos (Editora 34, 1997), de sua autoria, episódios
vividos com João Gilberto, como o dia em que
o reviu pela primeira vez após 1961. O encontro se
deu depois de quase uma década sem contato, ao
receber uma carta endereçada ao “Luizinho” pelo
próprio compositor, como conta a passagem do
livro: “João disse-me: ‘Luizinho, nunca o esqueci.
Aquela carta que me escreveu [...] eu guardo até
hoje. Venha às duas da madrugada que tenho um
presente pra você. Preste atenção, Luizinho, ligue
pra mim às cinco da tarde. Não esqueça’. Às 4 horas
e 30 minutos, eu já estava na fila do orelhão, deixando
que as pessoas fossem passando [...]. Aturei
muito papo de empregada doméstica e operário
de obra namorando [...]. Disse-me: ‘Vá descansar,
temos que estar preparados. Um encontro é coisa
séria. É o melhor que se pode dar a alguém”.
Depois de lançado, o disco rendeu aparições em
programas de televisão – que variaram de Cassino
do Chacrinha e Fantástico a Ensaio –, um convite
para o longa Novos Baianos F. C., encomendado
por uma rede de televisão alemã, e o Prêmio de
Melhor Capa do Ano, para fechar com chave de
ouro a consolidação do título no hall da fama da
música popular brasileira e mundial. O livro A
História dos Novos Baianos e Outros Versos (Língua
Geral, 2007), de autoria de Moraes Moreira e
escrito em poesia, revela detalhes curiosos:
“Das terras do Tio Sam
Chegou de volta ao Brasil
O grande João Gilberto,
Era uma linda manhã
E a notícia saiu
Galvão ficou logo esperto”
Moraes anuncia no trecho transcrito que o retorno
do pai da bossa nova aguçou Galvão, que logo
correu ao seu encontro. Em outro verso, narra o
primeiro encontro:
“Aconteceu o contato
Num longo telefonema
O papo foi animado
João estava de fato
Já morando em Ipanema
Pois o endereço foi dado”
Um terceiro trecho da obra expressa claramente
a mistura de sons presente no álbum, sugestão
de João Gilberto acatada por todos em diversos e
animados encontros no apartamento de Botafogo:
“Uma atitude roqueira
Completamente a serviço
Assim como quem descamba
Agora já estava inteira
Centrada num compromisso
Caindo de vez no samba”
Os Novos Baianos são reverenciados por jovens e
adultos de todo o globo terrestre, e ao apertar o play
é fácil perceber o motivo de tamanha adoração. A
energia que o som emana parece se transformar positivamente
com o tempo e é fácil prever mais quarenta
anos de vida aos já não tão novos baianos.
Veja no iPad uma galeria de imagens de show em homenagem
aos novos Baianos, no Festival Continuum,
em dezembro.
27
26

Depoimento DepOimento | | gilberto gil por andré vallias
GEm
TEXTO andré vallias
um dos muitos depoimentos que concedeu às vésperas de seu septuagésimo
aniversário – comemorado no dia 26 de junho de 2012 –, Gilberto Gil declarou
que era metade gente e metade ente. Subtraindo-se o segundo termo do
primeiro, sobra a letra g: que eu tomei a liberdade de ler como representação
gráfica de um “radar” (ou de um loop cibernético) para criar a identidade visual
da exposição GIL70. Um símbolo perfeito para essa que eu julgo ser uma das
mais dinâmicas e abrangentes personalidades criativas nascidas no Brasil, durante
o Estado Novo de Getúlio Vargas. “Gilberto misterioso”, como foi homenageado
naquele mantra readymade de Caetano Veloso, que repete à exaustão
o verso do poeta romântico Sousândrade: “Gil engendra em Gil rouxinol”.
Tive a felicidade de conhecê-lo pessoalmente em 1995, em São Paulo, para
aprovar a primeira “floração” de seu website, encomendado por sua mulher
de Gil
O percurso criativo-afetivo
trilhado por dois artistas da
contemporaneidade
e empresária, Flora. Ficou encantado com o abacateiro tridimensional e colorido
no qual havia estruturado a navegação das páginas, valendo-me de
metáforas que colhi de sua obra.
Eram tempos austeros na world wide web e os designers eram impiedosamente
patrulhados pelos engenheiros da informática, a ordenar que links fossem azuis
e sublinhados e mais tantas outras regras da chamada “usabilidade”. Eu retornava
de uma estada de oito anos na Alemanha, onde havia começado a criar poemas
visuais com os recursos do computador, para dar, em seguida, e já no Brasil,
meus primeiros passos na feitura de aplicativos multimídia para CD-ROM.
O site foi inaugurado em abril daquele ano com grande repercussão na mídia.
Afinal, Gil era o primeiro artista de peso a fincar o pé na “infoesfera” e o
foto: gerardo lazzari

esultado foi saudado como “primeiro marco criativo” da nascente web brasileira.
Na página de abertura, uma única explicação: “Web vem de weave
= tecer; Site, do latim situs = situação, posição; daí o nosso sítio, que é local,
terreno e povoação; campo, roça e fazendola. Web Site (diria então Gilberto
Gil) é renda(re)fazenda...”
Em breve, eu estaria me mudando para o Rio de Janeiro, a fim de tocar
a recém-fundada produtora de web Refazenda, que seria responsável pela
entrada na internet de um grande rol de artistas da MPB: Caetano Veloso,
Cazuza, Gal Costa, Adriana Calcanhotto, Zélia Duncan, Jorge Mautner,
Vinicius de Moraes, Paulo Moura, Ary Barroso, Arnaldo Antunes, Jorge Ben
Jor, Titãs e Dona Ivone Lara, entre outros.
O segundo desafio que Gil me lançou veio logo após a inauguração do
site: a criação da capa de Quanta, disco no qual ele já trabalhava na época
do nosso primeiro encontro. Ele me mostrou um desenho que havia feito a
lápis num pequeno pedaço de papel-manteiga e me explicou o conceito do
disco, todo centrado na relação arte e ciência. Daí surgiu a imagem final,
construída num programa de desenho 3D e pacientemente modelada até
ficar com a ondulação de seu gosto. Essa é, de todas as capas que vim a
fazer para Gil, a única que considero um autêntico poema digital.
Foram muitas as conversas que tive com ele nesses anos de convívio intermitente
– porém não tantas como a extensão do tempo possa dar a entender: a
agenda de Gil é inclemente. Aquela que eu talvez mais tenha conservado viva
em minha memória relapsa ocorreu alguns dias depois de um grave acidente
aéreo em São Paulo. Falamos sobre a efemeridade da vida, e ele me disse, para
grande surpresa minha, ser um devoto de Nossa Senhora da Boa Morte... Desde
então, passei a prestar atenção especial em todas as vezes que Gil aborda,
em depoimentos ou canções – “Não Tenho Medo da Morte” é sem dúvida
o ápice até o momento –, esse tema tão pouco usual para os nossos tempos
obcecados pela busca da eterna juventude.
Suas palavras de então me inspiraram um poema que só agora dou a público
[ao lado].
André Vallias, curador da exposição GIL70, é designer gráfico, poeta e produtor de
mídia interativa.
Visite a exposição GIL70, com obras de Carlos Adriano, Ricardo Aleixo, Arnaldo Antunes,
Lenora de Barros, Vivian Caccuri, Adriana Calcanhotto, Augusto de Campos, ivan Cardoso,
Antonio Dias, eduardo Denne, Bené Fonteles, Lula Buarque de Hollanda, Jarbas Jácome,
Gabriel Kerhart, Raul mourão, Carlos Nader, Antonio Peticov, Gualter Pupo, Omar Salomão,
Daniel Scandurra, Ariane Stolfi, André Vallias, Caetano Veloso, Andrucha Waddington e
Luiz Zerbini, no itaú Cultural. Saiba mais em .
esboço criado por Gilberto Gil que inspirou
André Vallias na concepção do álbum Quanta,
considerado por este um poema visual
CONTINUUM
oráculo
para gilberto gil
circunspecto sere-
lepe grilo-falante
mestre/moleque
seus olhos
calam(ex)clamam
a alegria salobra
dos q sabem
q a arte
está para a vida
como as ondas
para o oceano
q os gritos
do santo-
guerreiro soam
sim nos ouvidos
do destino
mas não acalmam
o seu tear
o cantochão
daqueles
q oram
[memento
mori (a)moroso]
pela boa
hora
quiçá
28 29

perfil | irandhir santos
Ganhar
o mundo
para voltar ao
mesmo lugar
Conheça, em dez cenas, os caminhos que levaram o ator Irandhir
Santos a participar de alguns dos filmes mais importantes da
atual safra do cinema brasileiro
TEXTO mariana lacerda FOTOS ricardo labastier
1ª cena – clodoaldo
Clodoaldo é segurança de rua em um bairro de
classe média do Recife. Seu trabalho é comum em
metrópoles brasileiras. Esses profissionais cobram
da vizinhança algum valor, qualquer valor, para
ficar atentos à movimentação nas redondezas de
casas e edifícios. Sabem o horário de chegada e de
saída de cada morador, observam os conflitos e as
formas de viver de todos nós. Clodoaldo é o protagonista
do filme O Som ao Redor, interpretado
pelo ator pernambucano Irandhir Santos. Atualmente,
seu rosto e gestos estão nas telas do mundo.
Escrito e dirigido por Kleber Mendonça Filho em
2010, o longa ganhou prêmios de Melhor Filme
em festivais importantes no Brasil, como os do
Rio de Janeiro e de Gramado, além da Mostra Internacional
de Cinema de São Paulo, em novembro.
Foi ainda premiado em festivais da Holanda,
da Sérvia e da Polônia.
“Foi um personagem difícil de fazer por ser
muito contido. Ele tinha de esconder algo, uma
força. E naturalmente eu gosto do trabalho
expansivo. Havia momentos silenciosos, de
ações simples como caminhar. Para isso, tinha
textos mentais que só eu e meu caderninho de
anotações conhecemos. São os pensamentos
que o personagem tem enquanto executa gestos
triviais”, conta Irandhir.
2ª cena – lugares
O ator está construindo o personagem que
fará no filme Obra, de Gregório Graziosi. Será
o seu 17 o longa-metragem desde 2005, quando
estreou em Cinema, Aspirinas e Urubus, de
Marcelo Gomes. As filmagens estão previstas
para janeiro de 2013. “É sobre um arquiteto e
sua relação com diferentes camadas da memória
da cidade de São Paulo, que subitamente
emergem e afetam o presente”, diz o
diretor. O personagem de Irandhir é O Arquiteto.
Para ir ao seu encontro, ele está lendo
Não-Lugares (Papirus, 1994), do antropólogo
francês Marc Augé.
3ª cena – cadernos
Pensamentos, desenhos, passagens de textos
literários e filosóficos (como os de Marc Augé),
fotografias, conversas. Sempre que está construindo
um personagem, Irandhir leva consigo
um pequeno caderno, estreito e com espiral –
em um formato elaborado por ele, encadernado
em papelaria. Ali, anota pensamentos ora seus,
ora do personagem. Sequências recortadas do
roteiro são coladas, postas lado a lado. “Trata-se
de um elo entre mim, o personagem e o roteiro”,
diz. Depois das filmagens, “os caderninhos”,
como ele diz, vão parar na estante. As memórias
ali contidas podem ser vasculhadas a qualquer
momento.

4ª cena – clécio
Corta para Tatuagem. A narrativa ocorre em
1978, mas não se trata de um filme de época. O
argumento remete ao teatro/evento chamado
Vivencial Diversiones, plantado em uma área de
mangue entre o Recife e Olinda. Ali, experiências
teatrais e musicais abriam uma fenda lúdica no
regime militar. O Diversiones foi a referência do
roteirista Hilton Lacerda para construir, em Tatuagem
– seu primeiro trabalho como diretor –, o
Chão de Estrelas – liderado por Clécio. “Não escrevi
o personagem para Irandhir. Mas pensava,
enquanto escrevia, em seu arco físico e dramático”,
diz. As discussões sobre gênero, autoridade,
resistência, sexualidade e as diversas formas de
amar estão na obra. “O trabalho mostrou sua coragem
como ator mas, antes, como ser político.
Quando ele abraça Clécio, entende politicamente
o que o personagem representa”, conclui.
5ª cena – descoberta
Por muito tempo Irandhir pensou que cinema seria
para ele algo intangível. Seu primeiro contato
com essa arte foi no Cinema da Fundação, sala
que frequenta assiduamente na capital pernambucana,
que assistiu ao curta-metragem Soneto
de um Desmantelo Blue (1993), de Cláudio Assis.
Na tela, viu uma projeção que falava uma língua
com seu mesmo sotaque e se situava na cidade
onde ele vivia. Tudo mudou para o ator. O encontro
com Cláudio Assis se deu nos testes de
elenco para Baixio das Bestas (2006). Irandhir foi
escalado para fazer Maninho. Com o papel, ganhou
o Prêmio de Melhor Ator Coadjuvante no
Festival de Brasília.
6ª cena – generosidade
O cineasta Leonardo Lacca, que em junho de
2012 dirigiu o ator no filme Permanência (em
montagem), diz que a generosidade de Irandhir
transcende os limites da atuação. “Em cinema,
cada um trabalha em seu quadrado. Quem faz
foto está vendo a luz, por exemplo. Irandhir transpõe
seus limites e consegue, com pequenos gestos,
no meio da cena, ajudar na captação de som
e da fotografia e no trabalho de todos.”
7ª cena – Poeta
“Aprendi fazendo”, diz Irandhir sobre como o
cinema entrou na sua vida profissional. “Esse
sentimento encontrou sua expressão máxima
nos trabalhos que desenvolvi ao lado de Hilton
Lacerda.” Em Febre do Rato (2012), de Cláudio
Assis, seu personagem recita poemas, todos escritos
pelo roteirista.
Irandhir conta que não estava conseguindo fazer
com que cada poesia fosse sua, a ponto de
recitá-las com a carga emotiva que as cenas e os
personagem tinham. Em uma tarde no “quintal”,
cenário principal da narrativa, Hilton explicou ao
ator o contexto de criação de cada um de seus
poemas. “Entendi para quem eram aquelas palavras,
em que momentos foram escritas e o real significado
de cada uma delas.” Nasceu assim o Poeta
– ou Zizo. Com ele, Irandhir ganhou o Prêmio de
Melhor Ator no Festival de Paulínia, em 2011.
CONTINUUM
8ª cena – escola
Quando adolescente, Irandhir estudava em uma
escola pública em Limoeiro, distante 80 quilômetros
do Recife, no agreste de Pernambuco. Nas
aulas de português e literatura, precisava recitar
e encenar textos. Foi quando percebeu que gostava
em especial dessas atividades. As apresentações
tornaram-se cada vez mais elaboradas.
Nascia o teatro em sua vida.
Seu pai, hoje aposentado, era funcionário do Banco
do Brasil, por isso, a cada dois anos, a família
tinha de se deslocar de cidade. A preferência era
sempre estar próximo de Limoeiro, onde Irandhir
nasceu, numa casa com irmã e irmão, além de um
tio de idade similar.
Em busca de uma formação melhor para os filhos,
o pai os matriculou em uma escola particular de
Limoeiro. As aulas de literatura que despertaram
o talento do menino foram deixadas para trás. No
novo colégio, ele articulou grupos que ensaiavam
e se apresentavam em datas comemorativas.
9ª cena – estreia
A metrópole era o destino natural para quem
queria ingressar na universidade. Em uma escola
grande do Recife, Irandhir começou a se preparar
para o vestibular. Na época, sua professora de
literatura, Goretti, o apresentou ao estudante de
arquitetura que trabalhava no Grupo Serafin de
Teatro. Ele juntou-se à trupe e estreou nos palcos
em 1996, na peça Liberdade, Liberdade, de André
Cavendish. Formou-se em artes cênicas na UFPE.
10ª cena – início
O trabalho se encerra quando projetado na tela de
cinema? “O filme continua nos comentários que
recebo de amigos, colegas e desconhecidos. Para
cada pessoa, o resultado ressoa de forma diferente
e isso me interessa muito.” O elo enfim se fecha,
conta Irandhir, quando ele volta à casa de seus
pais, em Limoeiro. E, então, sentado em uma cadeira
na calçada em frente da casa, com os irmãos,
o pai e a mãe, e vendo o movimento da rua e das
suas dez sobrinhas (sim, todas meninas!), o mundo
volta ao ponto exato onde tudo começou.
Por muito tempo, Irandhir pensou que
o cinema seria intangível para ele. Hoje,
seu rosto está nas telas do mundo
31
30

Reportagem | arte pública
está
a mudança
TEXTO duda porto de souza FOTOS divulgação
Nos últimos 15 anos, a arte pública firmou-se
como uma das mais vigorosas linguagens artísticas
por meio de trabalhos em grande escala de
nomes como o do americano Jeff Koons e do indiano
Anish Kapoor. Mas só mais recentemente
é que o mercado da arte passou a se dar conta
da relação entre as obras instaladas em espaços
urbanos e a economia das cidades.
O projeto da escultura Train, de Koons, estimado
em 25 milhões de dólares (cerca de 50 milhões
de reais), é um exemplo disso. Trata-se
de uma réplica em tamanho real de uma locomotiva
a vapor suspensa verticalmente por um
guindaste. Concebida em 2003, a obra não tem
data prevista para a instalação, de acordo com a
equipe do artista, em razão da falta de financiamento.
A expectativa para que ela saia do papel,
no entanto, permanece alta. Atualmente, o
Los Angeles County Museum of Art (Lacma) e
a organização Friends of the High Line (parque
Como a arte pública pode potencializar a eco-
nomia das cidades
nas ruas
suspenso nova-iorquino) disputam para seus espaços
a instalação do projeto, e também conversam
sobre a possibilidade de ambos abrigarem
a mesma versão da obra.
O fato é que apenas a perspectiva de exibir a instalação
de Koons a céu aberto e aumentar ainda
mais o potencial de atração turística dos locais
já mexe na economia dessas cidades e dos Estados
Unidos como um todo. “Amigos de diferentes
cantos do mundo me dizem que, assim que o
projeto for instalado, vão comprar passagem para
vir para cá só para vê-lo de perto, e não por fotos”,
diz Alexandre Tutundjian, publicitário brasileiro
radicado em Nova York.
Para Marcello Dantas, “a arte pública é um investimento
na economia local e na capacitação técnica e
de criatividade inovadora da sociedade”. O curador
é responsável por alguns dos projetos mais bem-sucedidos
desse segmento, como a exposição das
esculturas do britânico Antony Gormley em São
Paulo, Rio de Janeiro e Brasília, em 2012, e o evento
OiR – Outras Ideias para o Rio, que vai promover intervenções
artísticas inéditas em cartões-postais da
capital fluminense até a Olimpíada de 2016. Entre
os artistas que já participaram dessa ação estão os
ingleses Andy Goldsworthy e Brian Eno, o espanhol
Jaume Plensa, o norte-americano Robert Morris, o
japonês Ryoji Ikeda e o brasileiro Henrique Oliveira.
“Todas as obras dos projetos que temos feito são
construídas, desenvolvidas e implementadas no
Brasil com soluções locais ou com soluções integradas
entre experts estrangeiros e técnicos brasileiros”,
explica Dantas. O curador afirma que quase
a totalidade dos recursos é empregada de volta
no setor de serviços e provoca um aprimoramento
técnico de fornecedores, artesãos e equipes. “OiR
trouxe um retorno de mídia para o Rio 30 vezes
superior ao investimento do projeto. As imagens
das obras de Gormley, por sua vez, colaboraram

Detalhe da obra Carruagem,
de Eduardo Srur, na Marginal
Pinheiros, São Paulo
para a percepção de que o Brasil é um forte mercado
para as artes, o que pode ser comprovado com
as futuras instalações de galerias como a White
Cube e a Gagosian no país”, complementa.
eSPeCULaÇÃO e geNTRIFICaÇÃO
O exemplo carioca tem ressonância também
em São Paulo. Um dos artistas mais atuantes no
cenário brasileiro da arte pública, o paulistano
Eduardo Srur expôs, entre setembro e outubro
passados, a obra Carruagem, que questionava
os problemas de mobilidade urbana na capital
paulista. Segundo informações obtidas no site
do artista, a intervenção consistia em uma réplica
de carruagem e quatro cavalos esculpidos em
escala real, instalada no mastro da ponte estaiada
da Marginal Pinheiros, a 30 metros de altura.
A obra comparava a velocidade média de deslocamento
de um carro no trânsito paulistano no
horário de pico e a velocidade de uma carruagem
CONTINUUM
nos tempos do Império. Ambos movimentam-se
lentos a 20 quilômetros por hora. “A carruagem
é um símbolo mais adequado para representar a
mobilidade nas ruas da cidade”, declarou o artista
em sua página. Ao se apropriar da arquitetura
de um cartão-postal contemporâneo da metrópole
Srur deu ainda mais voz à sua obra.
O curador Felipe Brait, responsável por outro projeto
de sucesso nesse segmento, o URBE – Mostra
de Arte Pública, ao lado dos colegas Alessandra
Marder e Júlia Clemente, avalia que é importante
entender que a relação da arte com o espaço público
muitas vezes serve como porta-voz ou deflagradora
de determinado contexto dentro de uma
cidade, como a especulação imobiliária ou processos
de gentrificação, quando populações de baixa
renda acabam deixando certas áreas que passam
a ser muito valorizadas.
Para Alessandra, “a implantação de projetos de
arte pública nas grandes cidades passa a ter extrema
relevância nos dias de hoje, pois, a partir
do momento em que uma obra intervém na paisagem
e no cotidiano, ela suscita um novo olhar
e, consequentemente, um novo pensamento sobre
o espaço que ocupa”. Ela acredita que “a partir
disso muita coisa pode ser mudada, inclusive
o contexto econômico da região, que tanto pode
passar por uma revitalização impulsionada pela
presença permanente da obra como pode atrair
público temporariamente para o entorno, fomentando
o comércio local”, completa.
Já a artista paulistana Laura Vinci avalia que a
cidade falha justamente por não ter uma política
mais arrojada que envolva projetos urbanísticos e
artísticos agregadores e permanentes. “O incentivo
à arte pública é uma maneira de incrementar
essa política. Mas seria muito bom se ele fosse
articulado com uma ação maior”, acredita Laura,
que realizou a instalação Clara Clara (2006-2007)
no centro da capital, como parte do edital Arte
na Cidade, apropriando-se da iluminação pública
para dar vida à obra. “Houve uma integração
muito grande com os pequenos comerciantes”,
conta. “Os frequentadores da região se sentiram
valorizados por aquela ação”, resume.
“aRTe PúbLICa é Um INveSTImeNTO Na
eCONOmIa LOCaL e Na CaPaCITaÇÃO
TéCNICa e de CRIaTIvIdade
INOvadORa da SOCIedade.”
marcello dantas
Detalhe da instalação
Clara Clara, da artista
Laura Vinci
33
32

RESENHA | lançamentos musicais
Unidos pelos e x
Um foi “obrigado” a aprender e a viver de música desde cedo; o outro, filho de pai artista, foi
incentivado a buscar uma vida melhor. Não teve jeito e, com o tempo, ambos afloraram e
afirmaram seus talentos musicais. Conheça um pouco sobre dois lançamentos do segundo
semestre, um capixaba e outro carioca, que merecem a sua atenção
TEXTO pedro henrique frança FOTOS divulgação
A Claridão de SilvA
Lúcio Silva deve à dona Letir, sua mãe e professora de música,
o fato de hoje, aos 24 anos, ir atrás do seu ganha-pão
por meio da arte. Nascido em Vitória, foi conduzido por ela,
desde garoto, às aulas de musicalização. Também teve o
empurrão do tio – com o qual dividia o mesmo teto –, um
pianista que passava o dia estudando Chopin. “Não foi
uma escolha [ser músico], foi meio que uma obrigação”,
brinca ele, que a princípio se dedicou ao violino.
Os ensinamentos musicais, que transitavam entre o
erudito, a MPB e a bossa nova, ganharam ainda doses do
universo pop rock dos anos 1990, de outros ícones de
sua adolescência e do rock’n’roll que ecoava no quarto
do irmão, Lucas, seis anos mais velho. Coisas, Silva diz,
dos tempos rebeldes e de afirmação. “Eu não falava que
tocava violino, porque ninguém entenderia.”
Encerrado o colegial, pôde se afirmar. O violino seguiu
com ele rumo ao ensino superior e, entreatos, o músico
passou a produzir trabalhos de amigos. Eis que veio a
vontade de ir para o exterior. E Silva foi parar na Irlanda.
Andou com “uma turma bem doida, uns ripongas, músicos
de rua”, que, assim como ele, viviam das moedas
que ganhavam.
As composições, que haviam começado antes do intercâmbio
cultural, ganharam, em suas palavras, maturidade,
malícia e a “veia literária” do irmão, que passou a ajudá-lo
com as letras. “As canções ficaram menos piegas, pois
acho que comecei a enxergar a música de maneira menos
romântica”, afirma. Seis anos depois, o período de pouco
mais de um ano em terreno irlandês ainda está impregnado
em Silva, como revela seu álbum de estreia, Claridão.
A singela canção que fecha o disco, “A Visita”, por exemplo,
passaria facilmente por ouvidos mais desatentos
como um recente single de uma dessas bandas novas
inglesas com ares de Leste Europeu. E também tem
muito de suas influências de música eletrônica, outro
gênero bastante forte por lá. “Estava ouvindo muito house
na época”, diz. Mas há quem veja, no entanto, um quê
de Guilherme Arantes – o que não é um equívoco. “Curioso
é que eu nem tive contato com a música dele. Mas
baixei alguns CDs para conhecer e vi que realmente tem
alguma coisa parecida.”
Nesse balaio de indefinições, Claridão originou um trabalho
refinadíssimo e ganha lugar entre os destaques de
2012. Outras músicas do CD endossam a afinada parce-
O capixaba Silva aposta na
simplicidade até em sua
assinatura artística
ria musical entre irmãos, que se repete, aliás, no palco,
em duo. Merecem atenção “Cansei” (“Cansei de ser eu
mesmo, me deixa ser você”) e “2012” (“O fim do mundo
eu vi dessa sacada, mas em hora alguma eu quis pular”).
O repertório apurado instiga o questionamento da escolha
de “Silva”, um dos sobrenomes mais populares do
país, para representá-lo. Ele ri. Lamenta como é “difícil de
achar no Google, né?”. E é mesmo. Ele, então, explica: “Eu
não queria usar o nome todo. Pensei em títulos de projeto,
mas ou ficava muito pretensioso ou muito diferente
da minha personalidade. Vi que não tinha nenhum “Silva”
usado como nome artístico e deixei. Foi uma surpresa a
gravadora [Slap] ter gostado”.
Em fase de aprovação nos palcos – já lançou o trabalho
em sua cidade natal, no Rio de Janeiro e em São Paulo
–, Silva traz expectativas modestas, apesar das críticas
positivas. “Essa questão ainda é nublada, não faço
ideia do que esse projeto vai virar. Eu já estou bem feliz,
porque não esperava nada. Agora estou me formando
como violinista e, se não for com esse projeto, de qualquer
forma a música será o meu sustento.” Disso dona
Letir já tinha certeza.

t r e m o s
O PlaCebo de JOãO
Ser filho de Lenine, um dos mais respeitados músicos
do país, nem sempre foi sinônimo de vida estável. João
Cavalcanti, 32 anos, primogênito da prole de três (sendo
ele do primeiro casamento), viveu tempos de vacas
magras. E, ao contrário dos irmãos Bruno e Bernardo,
despertou tarde para a música, já na época em que fazia
faculdade de jornalismo. “Vi muito de perto o meu pai
dando murro em ponta de faca, fazendo show para pouca
gente. Então, naturalmente, ele não foi um entusiasta
de primeira hora para a minha carreira de músico.”
Não foi apenas a projeção da estabilidade financeira que
afastou João da música por um tempo. Afinal, conforme
ele crescia, o jogo virava. Em 1992, Lenine lançou Olho
de Peixe e, desde então, estabeleceu de vez um lugar de
destaque no mercado fonográfico.
Se a maré não estava a favor, quando deu peixe também
não ajudou. “O tamanho que ele tem diante do sol é gran-
CONTINUUM
de e a sombra é sempre um pouco assustadora. Ao mesmo
tempo que é um facilitador – na questão do acesso
aos músicos, por exemplo – , ser filho do Lenine também
é um complicador íntimo”, conta.
Os tempos passaram e João até se dedicou ao jornalismo,
mas não teve jeito: a veia musical falou mais alto.
De rodas e batuques ali e acolá, juntou amigos, montou
o grupo Casuarina, pôde se “debruçar sobre o samba”
e reocupou a Lapa com outros artistas – como Teresa
Cristina –, que protagonizaram o renascimento do bairro
boêmio carioca, por anos esquecido.
Sua formação musical, entretanto, navega por outros
mares, como ele faz questão de lembrar: Beastie Boys,
The Police, Tom Zé, Jackson do Pandeiro, Radiohead e
Björk. Por isso, não é de total estranhamento o fato de ele
– após dez anos de Casuarina – passar a surfar em outras
ondas. Placebo, seu primeiro álbum solo, é a da vez.
Do Casuarina para a carreira solo,
João Cavalcanti ganha espaço descolando-se
da paternidade famosa
Produzido pelo experiente Plínio Profeta, João coloca
todas essas influências – somadas ao tango, ao fado
e à música eletrônica – no liquidificador. A faixa que dá
nome ao trabalho é justamente o único samba de, como
ele diz, “um disco de não sambas”. Há ainda uma “marchinha”
que encerra o álbum: a deliciosa “Frevo do Contra
Êxodo”. “Não foi uma necessidade [fazer um trabalho
solo], foi uma urgência. Eu sempre fui muito de escrever,
sou jornalista formado, e o Casuarina tem um escopo
restrito, uma vocação para o samba, e eu queria tentar
outros jeitos, outros parceiros.”
Chamado por Pedro Luís de “o cinema de João”, o disco
apresenta um recorte de imagens de seu pluriverso auxiliado
por Plínio Profeta, que assina, aliás, a trilha de filmes
como O Palhaço. Roteiro? Só se fosse um dos mais
doidos de Michel Gondry, no qual caberiam bem canções
como “Binário”. Se há algo que não existe nesse placebo
é narrativa. “O disco é voluntariamente heterogêneo; não
teve nenhuma preocupação com coesão. Quando eu e
o Plínio percebíamos que ele estava caminhando mais
para um lado, radicalizávamos na ordem para excluir
qualquer encadeamento lógico”, explica.
Veterano dos palcos, João se lançou solo em show recente
no Studio RJ. Em sua primeira apresentação, mesmo
cercado de amigos e da família, sentiu-se nu. “Estava
desarmado, sem nenhum instrumento, muito ansioso e
com medo. A gente tem pudor de usar essa palavra, mas
eu estava com medo”, assume. Anseios de marinheiro
de “primeira viagem”. Ao apagar das luzes, saiu querendo
mais e assim será. Em dezembro de 2012, ainda se
apresenta em São Paulo e em Belo Horizonte, se tudo
der certo. Em 2013, reveza-se entre a estrada solitária e
a coletiva, com os amigos do Casuarina, que lançam CD
e DVD comemorativo de uma década de trajetória. “As
pessoas têm um pouco de dificuldade em entender, mas
uma coisa não se opõe à outra. Meu trabalho com o Casuarina
é complementar.”
34 35

Reportagem ReportagEM | literatura latino-americana
TEXTO fernanda de almeida ILUSTRAÇÃO pupillas
Quando Mario Vargas Llosa ganhou o Nobel
de Literatura, em 2010, ficou evidente que a literatura
latino-americana estava voltando a ter
espaço no mercado mundial. Antes disso, o momento
mais importante foi o boom, na década
de 1960, quando se apostou no estilo que ficou
consagrado como realismo mágico ou realismo
fantástico. De lá para cá, a principal semelhança
é a retomada do crescimento das traduções
e vendas no exterior. Já a grande diferença,
entre outras muitas, é que no contexto atual a
literatura que tem ganhado espaço consegue
mostrar os países latino-americanos sem mistificação
ou exotismo. Há uma gama de estilos
e autores como o já citado Vargas Llosa, além
do chileno Roberto Bolaño, do mexicano Mario
Bellatin, do argentino César Aira e do cubano
Carlos Alberto Aguilera, entre outros.
Se durante o boom o olhar do mundo se voltou
para a América Latina em busca de uma
produção diferenciada – e por isso o interesse
enorme no exótico e no que se distinguia da
vida europeia –, o que se vê hoje na literatura
da região exportada é um universo mais próximo
do leitor comum, que questiona a vida urbana,
os problemas gerados pela convivência
em sociedade e as disparidades políticas e econômicas.
O espaço que se abre para essa literatura
contempla uma diversidade maior que
deixa
MACONDO
inclui autoficção, metalinguagem, romance
histórico, novela filosófica, microconto. “Acredito
que o momento atual e o boom são extremamente
diferentes. Talvez o paralelo possível
seja o aumento das vendas e do interesse do
mercado editorial, mas não quanto ao estilo
e à qualidade das obras produzidas”, defende
Samuel Leon, criador e editor da Iluminuras.
O intercâmbio entre produções da América
Latina e, principalmente, dos Estados Unidos e
da Europa está diretamente relacionado com o
crescimento do mercado editorial latino-americano.
“Tenho a impressão de que a aproximação
cultural segue um movimento mais amplo,
para além das editoras. Há mais convênios
universitários entre países latinos, festivais,
congressos, eventos que promovem uma circulação
inédita pelo continente. A adoção do
ensino do espanhol se tornou mais frequente
no ensino médio, o que criou uma demanda
imediata por profissionais familiarizados com
a literatura de língua hispânica”, diz Florencia
Ferrari, diretora editorial da Cosac Naify. Para
ela, de modo geral, a literatura – como o cinema,
o teatro, a música e o ambiente acadêmico
– se beneficia dessas trocas cada vez mais
intensas entre países com histórias e processos
culturais e políticos muito semelhantes, além
da evidente proximidade linguística.
Autores latinos surgem mais diversificados
e sem o estigma de exotismo do movimento
iniciado na década de 1960
SEM REDUCIONISMOS
Apesar das alusões otimistas com relação ao
novo crescimento, é preciso cautela. “Falar em
literatura latino-americana contemporânea é
complicado porque parece representar um reducionismo
bastante radical. Compará-la com um
movimento restrito, como foi o do conjunto de
escritores da década de 1960 e 1970, acaba sendo
comparar o incomparável”, afirma Graciela
Ravetti, coordenadora do Núcleo de Estudos de
Literatura de América Latina e professora de espanhol
na Faculdade de Letras da UFMG.
Mesmo concordando com Graciela, Florencia
rebate: “Creio que podemos falar de certa ironia
como marca, um ceticismo bem-humorado
ou não em relação às conquistas e experiências
da geração dos pais que eram jovens nos anos
1960. Por outro lado, aparece nos novos autores
um posicionamento explícito quanto aos horrores
das diversas ditaduras, mais como material
ficcional do que como discurso propriamente
ideológico. Outra característica é a brevidade, a
concisão, a elipse, o repúdio aos processos tradicionais
da narrativa e aos clichês”, define.
Diferentes editoras brasileiras afirmam o interesse
em aumentar as traduções de autores latino-americanos.
A Cosac Naify já publica autores
de grande relevância, como Borges, Macedonio
Fernández, Neruda e Adolfo Bioy Casares. “Vamos
reforçar com a publicação dos chilenos José
Donoso e Maria Luisa Bombal e de contemporâneos
já estabelecidos, como Alan Pauls e Mario
Bellatin, e estamos investindo em boas promessas,
como o chileno Alejandro Zambra (do recém-
-lançado Bonsai) e a uruguaia Inés Bortagaray.
Outros virão”, enumera a diretora editorial.

ndo
PaRa
TRÁS
CONTINUUM
EfEItO BOlañO
autor chileno mostrou que o clássico e o moderno sempre se dão as mãos na construção do novo
Um dos nomes mais aclamados atualmente é o do chileno
Roberto Bolaño (1953-2003). Com o selo hispano-americano
Vintage español, divisão da editora norte-americana
Random House, todos os títulos do escritor foram publicados
na língua original – e também em inglês. Apesar da
Vintage español ter sido criada em 1994, foi em 2010 que
ganhou força e, além de Bolaño, publicou nomes como
Isabel Allende, Manuel puig e Sandra Cisneros.
“Bolaño é um grande escritor; a meu ver, o maior surgido
depois de Borges”, afirma Graciela. para a professora da
UFMG, sua escrita se afasta de qualquer traço alegórico,
de religiosidades de qualquer signo, para privilegiar uma
prática que se pauta por passar para a escrita a experiência
de vida própria e das pessoas na contemporaneidade:
dor, marginalidade, exclusão, fome, crimes, desigualdade,
ignorância – temas universais. “ele escreve textos que não
se ajustam ao previsível, que propõem mundos nos quais o
leitor chega a questionar o status no sistema no qual vive:
ou é colaborador ou é resistente a uma organização econômica
e social cujo melhor predicativo é o de cruel”, afirma.
para Laura Janina Hosiasson, professora de literatura
hispano-americana no Departamento de Letras
Modernas da USp, “além de uma veia de grande contador
de histórias, Bolaño possui a curiosa habilidade
de combinar novidade e tradição. De maneira única e
pessoal, retoma os grandes temas, as formas mais tradicionais
da literatura universal e recupera todo esse
material em uma chave contemporânea”.
em 2001, ao ser questionado por um jornal sobre a
possibilidade de haver um novo boom da literatura latino-americana,
Roberto Bolaño respondeu: “existem
muito poucos romancistas atuais que possuam a ambição
de Fernando del paso, por exemplo, ou o humor e
a exatidão de Julio Cortázar. No fim, veremos. por outro
lado, em uma geração cabem escritores de 25 anos e
também de 50. Suponho que mais adiante no século
21, quando a maioria de nós já estiver morta, poderá se
fazer um balanço e veremos se a nossa literatura valeu
ou não valeu a pena”. Não restam dúvidas de que valeu
e tem valido cada vez mais.
37
36

BAlAIO
férias
em boa companhia
FoToGRAFIA
LITERATURA
SElEçãO ESPECIAl PARA quEM VAI INICIAR O ANO COM uM MERECIDO DESCANSO
DEsTAqUE
ExposIção
Mário de Andrade – Cartas do Modernismo
Encerrando as comemorações dos 90 anos da Semana de Arte Moderna de 22, a mostra Mário de Andrade – Cartas do
Modernismo traz correspondências assinadas pelo poeta para destinatários como Tarsila do Amaral, Candido Portinari, Di
Cavalcanti, Manuel Bandeira e Carlos Drummond de Andrade. Por meio das cartas trocadas, o visitante poderá conhecer
um pouco mais a vida do escritor no Rio de Janeiro e sua amizade com esses e outros nomes ilustres da época. A exposição,
com curadoria de Denise Mattar, traz ainda uma sessão dedicada às artes visuais, com obras que pertenciam a Mário
de Andrade, como As Margaridas de Mário, de Anita Malfatti, e Mulher, de Di Cavalacanti. Centro Cultural Correios – Rua
Visconde de Itaboraí, 20 – Centro – Rio de Janeiro – até 6 de janeiro de 2013 – de terça a domingo, das 12h às 19h.
sonho Verde Azulado
Com curadoria de Eduardo Brandão, a instalação Sonho Verde Azulado, da artista Claudia
Andujar, conta com quatro imagens inéditas e gigantescas que somam cerca de 1.200 metros
quadrados, expostas no mezanino do Prédio Histórico dos Correios, na região central de
São Paulo. Além desse conjunto, outra imagem com aproximadamente 270 metros quadrados
está disposta na empena de um prédio vizinho, que dá para o Vale do Anhangabaú. Na
instalação fotográfica, a artista dá sequência a seu trabalho com o povo ianomâmi – a grande
marca de sua trajetória – e apresenta imagens resultantes de uma espécie de refotografia,
técnica à qual se dedica há pelo menos duas décadas. Prédio Histórico dos Correios – Avenida
São João, s/nº – até 1 de novembro de 2013 – grátis. Funcionamento: 4 de novembro a 27 de
janeiro: de segunda a sexta, das 9h às 17h, sábados, das 9h às 18h, e domingos, das 10h às
18h. A partir de 28 de janeiro: de segunda a sexta, das 9h às 17h e aos sábados, das 9h às 13h.
Laranja Mecânica – Edição Especial 50 Anos (Editora Aleph, R$ 79)
Há 50 anos chegava às prateleiras o livro Laranja Mecânica, do britânico Anthony Burgess – um dos maiores clássicos
do século XX. Para celebrar a data, a Editora Aleph lança uma edição luxuosa da obra-prima, com nove ilustrações especialmente
encomendadas aos brasileiros Angeli e Oscar Grillo e ao britânico Dave McKean. Em capa dura e impresso em
duas cores (laranja e preto), o livro inclui textos inéditos sobre a obra – do próprio Burgess e de outros autores.
Desnorteio (Paula Fábrio, Editora Patuá, R$ 35)
Primeira obra da publicitária paulistana Paula Fábrio, o livro refaz o labirinto no qual se perderam
Rodolfo, Miguel e Benévolo, três irmãos que passam a viver como mendigos, numa história que
percorre o fim dos anos 1800 e chega à atualidade. O prefácio, assinado pela poeta Mariana
Ianelli, pontua que o livro “nos enreda em uma visão mais profunda do humano, que vem enriquecer
nossa literatura na melhor tradição dos escritores do desassossego e da miséria redentora”.
fotos: divulgação

180cartazesprasairdafossa.tumblr.com
Há quem acredite que são necessários seis meses para curar uma dor de
amor e fazer de vez a fila andar. Crendice, filosofia de boteco, enganação barata
ou não, essa história foi a motivação para a criação do tumblr 180 Cartazes
pra Sair da Fossa. Até o fechamento desta edição, metade dos dias já
havia passado (será que a autora já tirou ao menos um dos pés da fossa?).
Portanto você encontra mais de 90 cartazes com design apurado e versos
divertidos, inspiradores e muito adequados para determinadas situações,
como “quando não queres nada, nada falta”, da canção “O quereres”, de Caetano
Veloso, ou “e precisamos todos rejuvenescer”, de “Velha Roupa Colorida”,
de Belchior, imortalizada na voz de Elis Regina.
www.recife.pe.gov.br/mlg/gui/Index.php
Esse é o endereço do site do Memorial luiz Gonzaga, centro de documentação
e pesquisa mantido pela Prefeitura do Recife cuja missão é preservar e divulgar
a obra musical do Rei do Baião. Na página é possível ouvir gravações originais,
acompanhadas de informações sobre os fonogramas, acessar partituras
e assistir a reportagens e entrevistas, além de pesquisar imagens da carreira
e do arquivo pessoal do compositor e materiais diversos inspirados na história
de Gonzaga. Outro destaque do site é a aba universo Gonzagueano, com textos
sobre o sertão, os vaqueiros, as sanfonas e os sanfoneiros.
CONTINUUM
projetorizoma.com.br
O site, que traz informações sobre a produção artística da cidade de
São Paulo, tem como diferencial o cruzamento de dados, criando redes
de conexão, ou rizomas, a partir de três chaves: artistas, eventos
e locais. Dessa forma, a pesquisa do usuário se torna expansível e os
resultados múltiplos. Além do mapeamento, há ferramentas para divulgação
e compartilhamento de informações. O objetivo é ampliar a
experiência do público e incentivá-lo a descobrir o potencial artístico
da cidade. O usuário também pode contribuir com o projeto enviando
informações relacionadas aos temas de pesquisa.
conexoesitaucultural.org.br
Base de dados do programa criado em 2007 pelo Itaú Cultural,
o Conexões contempla um mapeamento inédito da
presença da literatura brasileira no mundo, seja na mídia,
seja na pesquisa universitária ou no mercado editorial. As
informações estão disponíveis no site, que traz informações
relacionadas a encontros de pesquisadores que trabalham
com literatura brasileira no Brasil e em outros países e textos
sobre as condições da literatura nacional no exterior.
uma das metas do programa é analisar a visão que o pesquisador
estrangeiro tem da nossa literatura, das tendências
de pesquisa e dos novos nomes brasileiros que começam
a se firmar internacionalmente.
BAlAIO.cOm
38 39

NADA MAIS JUSTO DO QUE PRESTAR
UMA HOMENAGEM ÀQUELE QUE SEMPRE
NOS INSPIRA.
Venha conhecer o que Caetano Veloso, Augusto de Campos e outros amigos e
artistas prepararam para os 70 anos de Gilberto Gil.
Exposição concebida por André Vallias com colaboração de Frederico Coelho.
quarta 12 dezembro 2012 a
domingo 17 fevereiro 2013
terça a sexta 9h às 20h
sábado domingo feriado 11h às 20h
ENTRADA FRANCA
SAIBA MAIS EM ITAUCULTURAL.ORG.BR.
indicado para todas as idades
estacionamento conveniado, com entrada pela rua leôncio de carvalho
itaucultural itaucultural.org.br fone 11 2168 1777 fax 11 2168 1775 atendimento@itaucultural.org.br
avenida paulista 149 são paulo sp 01311 000 [estação brigadeiro do metrô]