VANGUARDIAS DEL CINE - Panorama del Arte

VANGUARDIAS DEL
CINE
Teorías cinematográficas
“Avant‐garde”, es un vocablo militar que designa a la
parte más adelantada del ejército, la que conforma la
«primera línea» de avanzada en exploración y
combate. ¿Qué tiene que ver el ejército con esto?
Nada, pero el término se utilizó desde el primer cuarto
del Siglo XX para denominar a corrientes artísticas que
buscaban innovación; se destacaban por la renovación
radical en la forma y el contenido; exploraban la
relación entre arte y vida, y buscaban reinventar el
arte confrontando movimientos artísticos anteriores.
Bienvenidos a este recorrido por las vanguardias
cinematográficas.
AlINE MOSCATO
18 de mayo de 2011
C.A.B.A. ‐ Argentina
INSTITUTO DE FORMACION
TECNICA SUPERIOR N° 15
CARRERA DE DIRECCION Y
PRODUCCION TELEVISIVA
DOCENTE LIC. ALFREDO MARINO
SEGUNDO AÑO

Índice
Introducción..........................................................................................3
Vanguardias del Cine ...........................................................................4
Cine Abstracto ....................................................................................6
Cine Surrealista ..................................................................................7
Expresionismo Alemán .......................................................................9
Realismo Soviético ...........................................................................13
Impresionismo Francés.....................................................................15
Conclusión..........................................................................................17
Bibliografía .........................................................................................18
2 Vanguardias del Cine

Introducción
En el trabajo anterior hacíamos un recorrido por los dos principales modos de representación
que tuvo el cine en sus inicios, partiendo de aquellos primeros juegos ópticos que
despertaron el interés de algunos curiosos, hasta los códigos que llevaron a los creadores a
formar una manera nueva y diferente ver las cosas.
Desde Edison hasta Griffith conocimos dos formas diferentes de hacer cine, algunos opinan
que la segunda, el modo clásico, fue una derivación natural de la primera gracias a la
evolución del conocimiento técnico y el descubrimiento de nuevas posibilidades. Otros
simplemente creen que son maneras distintas de trabajar y crear.
Lo cierto, es que Griffith y sus sucesores y algunos de sus contemporáneos en otros lugares
del mundo establecieron un nuevo lenguaje y una manera de contarnos las cosas, y que
aunque hoy estemos acostumbrados a ello y creamos que es la manera “natural” de hacer
cine, no es la única.
Con el advenimiento de Hollywood y la industria cinematográfica, crecimos en un mundo
donde éste es para nosotros el cine único y verdadero, sin embargo el Lic. Marino hacía un
cuestionamiento bastante interesante en clases:
¿Qué hubiera pasado si no hubiera sobresalido el modo clásico como lo hizo, y los más
exitosos o afortunados en su momento hubieran sido los europeos y el cine de alguna
manera llamado “arte”?
Probablemente tendríamos hoy otros criterios.
Pues bien, así como lo primitivo y lo clásico, las Vanguardias son maneras diferentes de ver y
mostrar las cosas, partiendo de la premisa de que es un cine diferencial, no para cualquiera,
sino destinado a cierto público y con el objeto de no solo mostrar, sino generar en el
espectador el trabajo necesario para además de recibir algo que se cuenta, “descubrirlo” y
llevarlo a hacerse cargo de la avalancha de pensamientos, emociones y sensaciones que
pudieran generarle aquello que ve.
A continuación haremos un nuevo viaje, esta vez con varias paradas, y en cada una
conoceremos una nueva etapa de creación, un nuevo lenguaje y nuevas características en el
amplio universo de las imágenes del Cine de Vanguardia.
3 Vanguardias del Cine

Donde y como surgieron
Las vanguardias
del cine
Cine . de vanguardia. Suele denominarse así el cine que intenta romper con los
cánones narrativos o visuales habituales, prescindiendo de la lógica narrativa
basada en planteamiento, nudo y desenlace y en el predominio de la forma y la
simbología y la riqueza de lo visual. En esta denominación han tenido cabida
películas influidas por movimientos culturales extracinematográficos, como el
dadaísmo, el surrealismo, el futurismo, el impresionismo, el expresionismo o la
abstracción, o incluso el llamado cine marginal o «underground». Luis Buñuel es
la principal referencia de esta subdivisión del séptimo arte.
La época de las primeras vanguardias tuvo su desarrollo en la década de 1920,
especialmente en tres países: Alemania, Unión Soviética y Francia. Fue el periodo de mayor
efervescencia en cuanto a la preocupación por definir conceptos propios que le demarcaran
una territorialidad al cine en los imaginarios artísticos.
A partir de este momento se inició la reflexión filosófica en torno al dispositivo
cinematográfico, buscando establecer ciertas particularidades que permitieran elaborar un
discurso propio como actividad artística autónoma.
Eran los días en que en toda Europa se vivía una atmósfera de renovación y de rechazo
a las formas clásicas que provenían del teatro y la literatura. En Berlín, Moscú y París se
juntaron el mayor número de creadores – algunos de ellos iniciados en la plástica y en la
actuación – para buscar en el cine la posibilidad adecuada que les permitiera establecer la
ruptura con las formas tradicionales, es decir oponerse de alguna manera al Modo Clásico o
Griffthiniano de representación.
Para algunos la intención era generar un “cine de vanguardia” que pusiera en duda la
“imagen‐acción” como la única constitutiva del cine. Los creadores vanguardistas no
supeditaron la imagen a la narración o a la acción sino que se desprendieron de la lógica‐
causal de los acontecimientos para que la imagen definiera su propio territorio.
Consideraban que la intención de liberarse de los presupuestos narrativos supondría para el
espectador la posibilidad de armar su propio sentido, ajeno al que el filme pudiera tener en sí
4 Vanguardias del Cine

mismo. El espectador, entonces, tomaría parte activa en la construcción del proceso
comunicativo del pensamiento.
Para otros creadores la preocupación que los movía era poder desarrollar un cine en
el que la forma tuviera vida autónoma. Para alcanzarlo, variaron los contornos, los perfiles y
las líneas, de tal manera que la percepción también se independizó hasta hacerse consciente
de su propia actividad subjetiva. Otro grupo tomó como eje central las posibilidades que les
daba la cámara; para éstos, la cámara estaba en todas partes al servicio de la construcción de
la imagen‐movimiento.
Así siendo, como dijimos anteriormente estamos iniciando un viaje que tendrá
diversas paradas, tantas como movimientos surgen dentro del llamado cine vanguardista,
cada cual con sus características específicas, buscando ciertos objetivos y utilizando para ello
las herramientas del cine unidas en su mayoría a conocimientos previos de otras artes.
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Pues bien, iniciemos.
5 Vanguardias del Cine

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Cine abstracto, cine absoluto y cine puro: Se refiere a los filmes que
se comunican solo a través de la expresión visual, mediante el empleo de
líneas, patrones, formas y construcciones geométricas no representacionales, movidas por el intento
de producir en el espectador un impacto más sicológico que consciente. El término de filme absoluto
fue aplicado por primera vez a los cortometrajes abstractos de Viking Eggeling: Symphonie
Diagonale, 1924) y Hans Richter: Rhythmus ‐ 1921, pintores y animadores alemanes que comenzaron
a filmar líneas y figuras geométricas a principios de los años veinte. A partir de este momento se
confunden las denominaciones de cine abstracto y cine absoluto, pues ambas se lían cuando
denominan a filmes que escamoteaban el valor de representación de la imagen y se relacionaban con
la plástica abstracta, en contraste con la anterior figuración.
Los filmes verdaderamente abstractos por lo regular no se refieren a ninguna realidad concreta,
aunque puedan emplear objetos y acciones reales. El cine abstracto se ha relacionado estrechamente
con ciertas modalidades de la animación, quizás porque el trazo y las manchas que conforman todo
dibujo animado están relacionados con la intención primigenia de toda abstracción. En los años
ochenta y noventa, los realizadores interesados en el cine abstracto se han volcado a las experiencias
en el video arte, a la animación experimental y a la creación de imágenes en computadora. El cine
abstracto continúa en su intento de descolocar tanto las sensaciones tradicionales que provoca una
película como el proceso habitual de comprensión de las mismas.
En los links tenemos un ejemplo de 1947, una obra del autor de Ballet mecánico, otro clásico de
este estilo, y un trabajo de video creación presentada en el Festival de Cine Abstracto De Roma:
Abstracta2007. Si bien este último
trabajo difiere de las características
que mencionamos ya que utiliza
fotografías de personas, hoy día se
considera este tipo de trabajos
dentro del concepto de cine
abstracto, así como muchas
animaciones por computadora etc.
Links:
Victor Eggeling Simphonie diagonale
http://www.youtube.com/watch?v=PxqqPiVDOQ4&feature=player_embedded
Oskar Fischinger, Circles, 1933
http://www.youtube.com/watch?v=RrZxw1Jb9vA&feature=player_embedded
Fernand Leger. "The Girl With A Pre-Fabricated Heart" La
película ganó el de “Mejor contribución al Progreso Cinematográfico”
del Festival de Venecia de 1947
http://www.youtube.com/watch?v=bMKiF2eb8ks
"Mentiras piadosas"
http://www.youtube.com/watch?v=vB_xwsPH64A
"Pollock" animaciones
http://www.youtube.com/watch?v=uG2tV-X5NiQ&playnext=1&list=PLE06805C1B1729F75
2
6 Vanguardias del Cine

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Surrealismo y dadaísmo: El surrealismo violenta la narrativa tradicional y
la lógica perceptual, para encontrar una lógica otra, fluida y onírica que le
pertenece por completo.
Lo más vivo del cine vanguardista de los años veinte nació del movimiento surrealista que prendió
Europa tras el célebre manifiesto de André Breton (1924). Parido de las entrañas del dadaísmo, el
movimiento Surrealista arremetió con violencia contra los convencionales cánones establecidos, para
retornar a la pureza del “automatismo psíquico” y a las motivaciones irracionales del subconsciente.
La “escritura automática”, desconectada de las riendas de la voluntad, será el método expresivo
predilecto, que realizarán su revolución estética a través de los senderos del humor, el horror, la
paradoja, el erotismo, el sueño y la locura.
No es raro que la fiebre surrealista contagiase al cine, pues, como ha explicado Buñuel (uno de
los máximos exponentes de las Vanguardias), es “el mecanismo que mejor imita el
funcionamiento de la mente en estado de sueño”. Y es que el sueño es, no hay que olvidarlo, la
forma más pura de automatismo psíquico. Pero este automatismo irreflexivo de los surrealistas es
lo que menos se parece a la laboriosa y prolongada elaboración de una películas: será ésta,
precisamente, la mayor paradoja del cine surrealista.
Germaine Dulac, escritora y militante feminista, fue la encargada de inaugurar el capítulo del
surrealismo cinematográfico con La concha y el clérigo (1927). Acorde con la tradición de
escándalo de toda obra surrealista que se aprecie, este film armó lo suyo, y mayúsculo, al ser
presentada en el célebre Studio des Ursulines.
En su autobiografía Mi último suspiro, Luis Buñuel describe al surrealismo como una moral
agresiva, basada en el rechazo completo a todos los valores existentes, en la exaltación del humor
negro y del insulto. Buñuel trabajo con Salvador Dalí en uno de las más representativas películas del
cine surrealista: Un perro andaluz.
El mismo Dalí dice que el objetivo era romper con la ansiedad mental del espectador y revelar la
principal convicción surrealista: la extraordinaria importancia del deseo. La película nació a partir de
don sueños, uno de Buñuel y el otro de Dalí, los unieron y en poco menos de una semana escribieron
el guión. Siguiendo unos postulados tan simples como difíciles de realizar, abrieron de par en par las
puertas de lo irracional. En principio, solo admitían las imágenes que les impresionaban, sin averiguar
él porque de cada impresión. Buñuel y Dalí seguían, la escritura automática.
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7 Vanguardias del Cine

Un perro andaluz se inicia con el sueño antes citado de Buñuel: un ojo humano es seccionado por
una navaja mientras las nubes ocultan parcialmente la luna. Esta imagen en realidad funciona como
una metáfora: es un aviso al espectador, se le está indicando que a partir de aquí su mirada, su forma
de ver y entender el cine, va a cambiar, o, mejor dicho, va a tener que cambiar.
Esta película, excesiva y violenta, que mezcla el sueño y la vida, la realidad y el deseo, haciendo
gala de un humor cruel que pone al descubierto las represiones y el puritanismo de la moral católica,
esta película que utiliza la agresión como elemento estructural y de ruptura, fue calificada por André
Breton (el teórico más importante del movimiento Surrealista) como un juego “bello y poético de lo
que no es, en el fondo, más que una desesperada llamada a la muerte”.
Me parece que este análisis de la obra Perro andaluz resume bastante bien las características de
este movimiento de vanguardia. Otra Película muy representativa es El ángel exterminador, de
Buñuel, 1962. A lo largo del relato, el director se permite verdaderos golpes de efecto surrealista,
cuajado de humor y desenfado. El núcleo temático de El Ángel exterminador responde a una de las
principales constantes de este director: uno o varios personajes que no pueden hacer todo aquello
que desean, la confrontación entre la realidad y el propio deseo.
En la actualidad siguen observándose algunas de éstas tendencias surrealistas, aunque fue
difícil encontrar buenos ejemplos. En los links una película del año 1979: Bolívar, sinfonía
tropikal de Diego Rísquez, Director Venezolano. Por otra parte está también "Destino"; es un
corto animado, estrenado en 2003 por Walt Disney Pictures. Su producción comenzó
originalmente en 1945, 58 años antes de su lanzamiento. El proyecto era una colaboración entre
el animador americano Walt Disney y el pintor español Salvador Dalí, e incluye música
Links:
El Perro Andaluz. - Buñuel y Dali
http://www.youtube.com/watch?v=F6h51JpvcWQ&feature=fvst
La concha y el clérigo. – Germaine Dulac
http://www.youtube.com/watch?v=w0tknpfywKg
Resumen de Cine Surrealista por Barbara Valentini.
http://www.youtube.com/watch?v=kSlkSVZqpv8&feature=related
Destino, de Disney y Dalí.
http://www.youtube.com/watch?v=QsxPh7sCrgY&feature=related
compuesta por el autor
mexicano Armando
Domínguez.
8 Vanguardias del Cine

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Proveniente de antecedentes pictóricos es la vertiente mejor
comprometida en el siglo XX con la actualización del imaginario gótico de
la cultura humana. Temáticamente, está anclado en los grandes temas románticos, así que su
fuerza renovadora provenía de elementos como el planteamiento de escenografías alucinantes,
geométricas y conscientemente pictóricas, las actuaciones exageradas o automáticas y el culto a la
iluminación cenital, a las sombras y tinieblas, a los violentos contraluces, a las angulaciones debidas
a la total libertad de cámara.
En el verdadero expresionismo hay un énfasis simbólico y casi abstracto en los ambientes, un
origen marcadamente teatral, literario y plástico, y además la constante remisión a lo sobrenatural,
misterioso, onírico, sombrío y angustioso, pues el cine expresionista busca revelar los interiores del
ser humano, expresar la deformidad de los sentimientos, del gesto, de las figuras, de las luces y de
los espacios. Se busca la intensidad a través de la deformación que proveen el claroscuro y la
geometría, para así mostrar las fugas del inconsciente. El expresionismo ha sido de seguro la
tendencia originariamente vanguardista cuyos hallazgos y estilos han sido saqueados con mayor
asiduidad por el cine industrial.
Como ejemplo más representativo tenemos “El gabinete del Doctor Caligari” de Robert Wiene,
1919. El largometraje que narra los crímenes cometidos a través de un médium (Césare) controlado
durante los trances por un criminal (Caligari). La primera idea de los guionistas fue realizar una
metáfora de la situación política alemana, de tal
forma que Cesare representaba al pueblo y
Caligari al gobierno responsable y manipulador.
Pero la inclusión de un prólogo y un epílogo
convirtieron la cinta en sólo la pesadilla de un
loco, que convierte a los compañeros del
manicomio en protagonistas de un sueño
retorcido y al director del sanatorio en un
criminal. De esta forma la iluminación
claroscurista (a veces incluso fingida a través de
pintura) y las angulaciones tienen un sentido
Links:
El gabinete del Dr. Caligari
http://www.youtube.com/watch?v=xrg73BUxJLI&feature=related
Nosferatu-1922 (Primera adaptación de
Drácula, versión libre)
http://www.youtube.com/watch?v=rcyzubFvBsA&feature=related
Metropolis de Fritz Lang (hay muchos
fragmentos, esta es una secuencia de ellos)
http://www.youtube.com/watch?v=5PAdQ5anhZE
lógico como visión de un transtornado. Los decorados y los puntos de vista son uno de los puntos
más destacados de esta película, incluso la interpretación de los actores se adapta a ellos y resulta
desgarrada, antinatural, con movimientos siempre subordinados al decorado.
2
9 Vanguardias del Cine

Según algunos textos que fueron consultados en la web para esta investigación, ciertos críticos
opinan que es una película con demasiados elementos primitivos, empezando por esa
subordinación al decorado. Pero ello es consecuencia precisamente consecuencia
del compromiso de este cine con la pintura expresionista alemana y su intento de cambiar la
forma de entender el arte y sacudir las conciencias.
Aquí van otros ejemplos del cine que mencionamos:
Der Golem de Paul Wegener y Henrik Galeen ‐ 1920
De la mañana a la medianoche de Karl Heinz Martin. ‐ 1920
La escalera de servicio de Leopold Jessner y Paul Leni ‐1921
La muerte cansada Friz Lang ‐ 1921
Rieles de Lupu Pick‐ 1921
Y si vamos a la actualidad tengo el gusto de hablar de uno de mis directores favoritos, no
porque últimamente haya tenido mucho auge con su obras en 3D, sino porque su estética y su
manera de contar siempre me han llamado la atención: Tim Burton.
Según los estudios de la Lic. Paloma Espinós del Centro de Estudios Ciudad de la Luz de
Alicante, España; el cine de Burton posee claramente unas bases expresionistas con un toque
gótico. Sin duda el director estadounidense ha sabido trasladar hábilmente y con éxito a
nuestros tiempos la estética expresionista de principios de siglo. Ya en sus primeros
cortometrajes se pueden observar claras similitudes con el movimiento cinematográfico
expresionista. Los temas, el tratamiento de los escenarios, la estética, los personajes, todo
hace una clara referencia a este estilo. Los principales temas que Burton aborda en sus obras
son la figura del hombre contra el mundo (Ed Wood, Edward Scissorhands), los mundos
fantásticos (Nighmare Before Christmas), las dobles personalidades (Batman), las diferentes
realidades y la imaginación (Big Fish, Charlie y la Fábrica de Chocolate), el lado oscuro o la
lucha entre el bien y el mal (Sweeney Todd) y la muerte (Beetlejuice, Corpse Bride). Estas
temáticas recuerdan bastante a las presentes en los ejemplos vistos: Nosferatu, El Gabinete
del Dr. Caligari o Metropolis, por citar los mas conocidos.
En definitiva, pese a que las temáticas sean diferentes entre sí, tienen un denominador
común y este es el escapar del mundo real y crear nuevos mundos mediante personajes
originales, extraños y complejos que deben luchar contra la norma, como querían hacer los
cineastas expresionistas, ya que en la época en la que surgió este movimiento la sociedad
estaba con una sensación de incertidumbre y miedo que los cineastas quisieron representar
mediante temas fantásticos pero a la vez oscuros e inquietantes.
A continuación una comparación de imágenes de la Lic. Espinós, que me pareció
interesante compartir, como siempre manifiesta el Lic. Marino: con una mirada crítica.
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Este es el único caso de una cinematografía estatal, institucionalizada,
casi por completo volcada a la experimentación y la vanguardia.
Con la revolución soviética y Lenin, la cinematografía se convierte en un arma poderosa de
instrucción, un medio eficaz de propaganda y difusión de ideologías. Lenin nacionalizó las
productoras, de esta manera, lo que se pretendía era mover a las masas a través del cine,
creándose el agit‐prop (agitación y propaganda). Desde 1917 hasta los primeros años veinte se
registró particular congruencia entre el arte de vanguardia y la ideología radical del estado, en la
fusión de forma y contenido, ambos dirigidos a la negación del individualismo, el sentimentalismo y
la estética de las clases dominantes, es decir, el realismo convencional.
La productora Sovkino, financia las obras de algunos autores: Lev Kuleshov, S. M. Eisenstein, D.
Vertov, V.I. Pudovkin. Todos ellos tienen una concepción cinematográfica sorprendente. Ven la
potencia que tiene el cine tanto como medio de trasmisión ideológica como medio artístico. La
contradicción será que estos autores son formalistas: para ellos no va a ser tan importante el
contenido, sino que lo relevante será el montaje. Se basan en la construcción y la forma y no en la
realidad.
Kuleshov es el padre del montaje soviético. En 1917‐1918, fue el primero que estableció
teórica y también prácticamente lo que llamamos montaje cinematográfico. Para el cine soviético
va a ser más importante el montaje que la propia escena grabada. El cine soviético va a abogar por
el cine de ficción y, además, tiene bastante de documental. Kuleshov va a impulsar a todos estos
directores. Remontaba películas, ya que no existía película virgen.
Experimentos de montaje de Kuleshov:
Efecto Kuleshov. El primer plano de un actor puede cambiar de sentido según los
planos que se yuxtaponen.
Geografía recreada. Se trata de montar una escena cogiendo diferentes motivos sin
relación y, a través del montaje, conseguir una escena narrativa coherente.
Pudovkin concibe el montaje como si se tratara de un collage, como una construcción. Tuvo
una pequeña formación como psicólogo. En su primera película intentó manipular los sentimientos
del espectador a través del montaje. El montaje es el que nos dice cómo ha de ir la historia.
Pudovkin tiende hacia un cine narrativo, que contara historias. Es un defensor del guión de hierro,
que es el guión donde está todo perfectamente preestablecido, todas las partes del rodaje y del
montaje, antes de empezar a rodar.
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A Eisenstein le interesa el conflicto entre planos, el choque. No le interesa la coherencia
narrativa sino el montaje de atracciones. Eisenstein insistió en que el cine podía manipular el
tiempo y el espacio para crear nuevos significados, sobre todo si las imágenes no estaban
simplemente vinculadas sino yuxtapuestas con un sentido intelectual. Su primera película:
Huelga, 1924 posee la angulación expresionista de la cámara y metáforas visuales al estilo
surrealista, además del montaje de tomas en conflicto que servían cual palabras y frases con
el máximo poder de persuasión. Otra manera de denominar su método de trabajo es
montaje dialéctico. Le gustaba crear absolutos impactos.
Todos los autores van a utilizar los actores como héroes: un personaje representa un
modelo social, un estereotipo o un valor personificado. Pudovkin utiliza personajes
psicológicos individuales. Eisenstein emplea personajes masificados. Los personajes son la
representación de un todo. Dejamos algunos ejemplos de las obras de estos autores en los
links que ofrecemos.
Volcándonos como lo venimos haciendo en cada parada, a un tiempo más actual, para
hablar de “realismo” elegí poner como ejemplo lo ocurrido en el cine latinoamericano, que
de alguna manera optó por dejar de lado la escuela de Hollywood con la producción de
películas comerciales y decidió mostrar al mundo sus verdades, virtudes y miserias.
Los dos casos más marcados han sido, Argentina y Brasil, lugares donde los filmes
realistas comenzaron a rodarse en cantidad en los 90. Glauber Rocha, fundador del Cinema
Novo en Brasil afirmaba que el problema de América latina era que el hambre del ciudadano
no era solamente un síntoma alarmante de la pobreza social, sino la ausencia de su sociedad.
Rocha se basaba en que la violencia es un comportamiento normal de alguien que tiene
hambre, y ambas características las comparten los personajes de las principales películas de
la época.
“Pizza, birra, faso” de Adrián Caetano y Bruno Stagnaro, fue uno de los primeros filmes
en tocar el tema de la marginalidad desde el lenguaje, la imagen oscura, y el haber sido
filmada con cámara en mano, lo que la hacía todavía más real. Esta película, al igual que
“Fuga de Cerebros” de Fernando Musa, y “El Bonaerense” de Pablo Trapero, tomaron las
características del neorrealismo en sus realizaciones y
así surgió el Nuevo Cine Argentino.
Links:
En Brasil “Estación Central” de Walter Salles, presenta
un enigma de búsqueda de identidad. Una identidad
marginal que ha sido creada a partir del olvido, la
discriminación y la violencia propias del desamparo.
Todos estos elementos también están presentes en
“Ciudad de Dios” de Fernando Meirelles, “Amarelo
Manga” de Claudio Assis y “Carandirú” de Héctor
Babenco. Estos films forman parte del movimiento
denominado “Cinema da retomada”, surgido en esta
época.
La Huelga
http://www.youtube.com/watch?v=wmFio7uCNHg
Efecto Kulechov
http://www.youtube.com/watch?v=4gLBXikghE0&feature=
El fin de San Petersburgo- Pudovkin.
http://www.youtube.com/watch?v=w0EniXox42E
El Cine Verdad de Vertov- Kino Pravda.1925
http://www.youtube.com/watch?v=J0SJyLX9MgQ
El Bonaerense
http://www.youtube.com/watch?v=mRahXtK4JvQ
14 Vanguardias del Cine

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La denominación provenía de los pintores franceses del siglo XIX y
designa un tipo de cine que quiso trascender la tradición realista al modo en
que era entendida en las primeras décadas del cine, para evocar en el espectador las impresiones
subjetivas del realizador. Los principales exponentes del movimiento evitaban la narración lineal y
realista, eludían la preocupación por el tema y hasta lo representativo de la imagen, mientras
buscaban emancipar al cine de la novela, el teatro y el referente fotográfico.
Abel Gance buscaba la “música de la luz” en filmes ultrasubjetivos: La rueda o Napoleón;
Marcel L´Herbier concebía ensayos sicológicos muy apoyados en efectos visuales; todos en
general exploraban la visualidad del cine mediante las variaciones de foco, el montaje y las
perspectivas inesperadas, para así evidenciar que entendían el nuevo arte como una forma
peculiar de extender lo sicológico y lo imaginario.
Mientras que en el expresionismo se va de dentro hacia fuera, en el impresionismo el
individuo contempla la naturaleza y la interpreta.
Algunos autores destacados son: Louis Delluc, Jean Epstein, Abel Gance, Marcel L'Herbier,
Germaine Dulac, a quien ya vimos cuando hablamos de Surrealismo. Fue una de las primeras
directoras de cine reconocidas. Realiza películas en los variados tipos de vanguardias. Escoge
piezas musicales y las traslada a imágenes. También hace películas de ficción y experimenta con
formas abstractas en movimiento. Es una gran teórica.
Lo principal que introducen los cineastas impresionistas es el montaje rítmico. Éste se basaba
en adaptar las imágenes a un ritmo, a una banda sonora. No se debe confundir esto con añadir
después la banda sonora a una película.
Los rasgos comunes del impresionismo francés son difíciles de definir, ya que hay influencias
de otros países, pero los concretamos en lo siguiente:
• Fotogenia. Es ese halo de poesía que adquieren las cosas al ser filmadas.
• Se empieza a utilizar el concepto de autor.
Los impresionistas se centran en el encuadre cinematográfico como una composición
plástica. Ya se empiezan a componer los objetos que no están centrados, pudiendo aparecer
cortados. Componen cada fotograma como si se tratara de una imagen fija. Van a utilizar muchos
artificios ópticos como la cámara lenta, el efecto flou, desenfoques,... También van a realizar
perversiones del encuadre, cachés circulares, elípticos (máscara), montaje acelerado,... Con las
deformaciones ópticas van a trasmitir el estado subjetivo de los personajes.
2
15 Vanguardias del Cine

A partir de imágenes fotográficas van a crear imágenes abstractas, deformándolas
con montajes acelerado u otros sistemas. Utilizan el montaje alternado, el paralelo y,
además, el flashback. Las historias dejan de ser lineales
.
Links:
Yo Acusso – Abel Gance 1938
http://www.youtube.com/watch?v=wPr-TwPh9sk
El Dorado (restaurada) - Marcel L'Herbier
http://www.youtube.com/watch?v=OsxQYnWhN3s
La Tempestad (restaurada) – Jean Epstein
http://www.youtube.com/watch?v=WooTeg2fMX8
Trabajo con escenas de obras de diversos
autores del impresionismo francés.
http://www.youtube.com/watch?v=erzVHaNez7s
16 Vanguardias del Cine

Conclusión
Más allá de los movimientos que analizamos existen otros muchos que se
introducen dentro de la categoría de Vanguardias, en una fusión con algunos de los ya
vistos o independientemente en épocas más recientes incluso.Por citar rápidamente
algunos:
Futurismo: decía que el cine debía asumir la evolución de la pintura, apartarse de la
realidad, del registro fotográfico de lo solemne o lo gracioso. Debe ser anti-gracioso,
deforme, sintético y dinámico.” El principal hallazgo del futurismo fue la
descomposición temporal y espacial, asumida mucho más tarde por las subsiguientes
vanguardias e incluso por el cine industrial.
Independientes y underground: exponen temas controversiales y de índole social y
moral, muy a menudo como desafío al consenso moral vigente y a la censura a
enfoques laterales que de ella se deriva. Desde los años 50 se presenta la opción de
los llamados underground films, realizados con una mínima parte de lo que sería un
presupuesto medio en Hollywood y sin propósitos comerciales.
Minimalismo: Tendencia vanguardista que designa la orientación hacia el uso de la
menor cantidad posible de elementos en la representación, tanto en lo concerniente a
la puesta en escena como a las ideas y los sentidos implicados. Los filmes
minimalistas apenas presentan acción o carecen por completo de ella; en ocasiones ni
siquiera presentan intérpretes o personajes.
Dadaismo: pretendía elevar el escándalo a la categoría de forma artística. Promovía la
espontaneidad, la provocación, el encuentro de todas las contradicciones. Estaba
contra las convenciones burguesas, contra la institución del arte tradicional. El arte ya
no debería ser una institución, sino un acto creador libre, caótico, fugaz y subversivo.
En resumen, cada grupo siguió sus propios instintos, guiado por el caudal de
experiencias, técnicas pictóricas o simplemente de la burda imaginación,
contrarrestando lo tradicional del momento y como decimos vulgarmente: nadando
contra la corriente.
Independientemente del gusto o atracción que se pueda sentir por cada estilo, lo
que personalmente me parece importante es que cada corriente ha sabido descubrir
maneras diferentes de expresar y contar. Aquí aparecieron diferentes técnicas, modos
de uso de la cámara, enfoques, etc. que sin duda son de suma utilidad a la hora de
buscar lo que se supone que debemos encontrar en la vida profesional,
independientemente de que rubro elijamos como propio: la identidad.
Ellos supieron encontrar su sello, su marca. Espero poder encontrar el mío.
Fin del recorrido, gracias por acompañarnos en este viaje, no olvide sus
pertenencias y gracias por elegirnos.
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Wikipedia, enciclopedia libre.
Bibliografía
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